Glass Onion - Número 62 by GLASS ONION

Estamos viviendo épocas excitantes; se vienen unos lanzamientos más que esperados por los fans, como ser el nuevo trabajo de Paul en estudio Egypt Station, el box del Imagine de John y nada menos que la remasterización 50 aniversario del Álbum Blanco. Aunque todo será analizado en las futuras ediciones de Glass Onion, no podemos dejar de palpitar ese material. Pero hoy tenemos este nuevo ejemplar de nuestra querida revista, y en él les ofrecemos un tópico diferente; nos dispusimos a “reivindicar” (como si le hiciese falta!) a Paul McCartney, en cuanto a la apreciación que se tiene de él como músico. En esta nota te contamos el lado más experimental y extravagante del músico comercial más exitoso de la historia. Vaya paradoja! También tenemos el agrado de presentar nueva sección, que titulamos Some Other Guy, donde te contamos sobre “algún otro muchacho” (o muchacha) que haya versionado a The Beatles. ¿Y qué tiene éso de novedoso? Pues que nuestra propuesta es armar cada álbum Beatle íntegramente con covers reconocidos, y no tanto… en esta primera entrega: A Hard Day’s Night. Como mencioné al principio, se está viniendo el medio siglo del White Album, por lo que iniciamos las actividades con un análisis del disco en sí, de su valor como obra grupal o de la intensificación del trabajo individual dentro del estudio. Una reseña imperdible. Creo que ya adelanté suficiente y que uds preferirán descubrir cada nota que les preparamos este mes, como desde hace más de 5 años, sobre nuestra banda favorita. Adelante! Martín Castro Editor Principal

INDICE What’s The New, Mary Jane?

Some Other Guy

Ella Fitzgerald, Rita Lee, The Beach Boys, Bryan Adams y UB40 entre otros puede que no tengan mucho en común, salvo que todos versionaron alguna canción del álbum A Hard Day’s Night y aquí lo repasamos. El Álbum Blanco: ¿un disco grupal o individual? Ringo Starr: Sos discos compilatorios Act Naturally: In His Life, The John Lennon Story

Paul McCartney Goes Too Far El beatle más inquieto artísticamente hablando, que se encargó de redefinir el sonido de la banda a mediados de los 60’s. Conocé todo sobre sus inquietudes y experimentaciones varias. It Was 50 Years Ago This Month: Septiembre ‘68

Live! At The Star Club Love Me Do ya estaba en la calle, Please Please me al caer, pero había que cumplir un contrato y esas actuaciones quedaron registradas para la posteridad. Un disco más que polémico.

Let Him Be Si hay una teoría de que Paul está muerto, ¡¿Cómo no iba a haber otra en la que John está vivo?! Una película saca provecho de esto y te lo contamos. Photograph Sencillo del Mes: Stand By Me Many Years From Now: Recording ¿Quién es Quién?, Parte 8 Own Words: Maggie Mae

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Stella Accardi, Federico B., Martín Castro, Octavio Cavalli, Migo Coiro, Javier Cuenca, Miguel Antonio De La Riva, Maria Dellavalle, Jimena Forte, Luis Enrique Inngais, Isadora Katz, Lucio Lira, Guillermo Gibbon, Gonzalo Leitón, Maximiliano Seijas, Pilar J Vázquez 3

Federico B.

Anunciado Box Set de Imagine – The Ultimate Collection Fue anunciada la reedición en formato Box Set del segundo trabajo solista de John, Imagine, de 1971. El pasado 17 de agosto se anunció que el Box contará de 6 discos y llevará como título “Imagine – The Ultimate Collection” y promete a quienes lo escuchen “Explorar y disfrutar el álbum Imagine y el sonido de los Ascot Sound Studios de 1971 como nunca antes lo escuchaste”. El primer disco es el original, la mezcla que John, Yoko y Phil Spector realizaron en 1971. El segundo incluye outtakes y mixes de canciones, realizados por Paul Hicks, para presentar una nueva experiencia. Luego de ellos aparecen algunos outtakes. El tercer disco presenta las canciones tal como fueron grabadas en la casa de Tittenhurst por John, sin nuevas mezclas ni adicionales. El cuarto disco que se incluye es el proyecto “The Evolution Documentary “, que toma cada canción y muestra cómo fue evolucionando desde el inicio hasta el resultado final. El primer BluRay es el álbum en sonido surround y cuadrafónico. El segundo incluye aun mayor resolución de sonido, y entrevistas a John y Yoko. La fecha de salida está programada para el próximo octubre, coincidiendo con lo que hubiese sido el cumpleaños 78 de John. También se anunció que la película musical Imagine con John Lennon y Yoko Ono de 1972, remasterizada cuadro a cuadro y con material extra, y sonido inmersivo Dobly Atmos, volverá a los cines el 17 de septiembre. Entre el material extra se sabe que se incluye material de estudio de las grabaciones incluyendo a George Harrison, Alan White y Klaus Voormann interpretando How Do You Sleep y Oh My Love. Así mismo en el Box Set se incluirá la película Imagine, y también Gimme Some Truth, en formato DVD y BluRay. Completando la serie de lanzamientos anunciados (hasta el momento de salida de esta revista), también se sabe que el 9 de octubre se publicará el libro Imagine, que explorará los pormenores del desarrollo y grabación del álbum Imagine. 4

Nuevo sencillo de Paul: Fuh You y tracklist de Egypt Station Con un sonido bastante moderno nos encontramos en el nuevo sencillo de Paul extraído del álbum Egypt Station próximo a salir en septiembre. Fuh You se publicó el pasado 15 de agosto junto a un video lyric. El tema cuenta con la producción de Ryan Tedder. Paul dijo sobre el single “Para esta canción estuve en el estudio con Ryan Tedder en tanto que el resto del álbum fue hecho con Greg Kurstin… estábamos pensando ideas y pequeñas piezas de melodías y acordes y la canción solo llego pieza por pieza“. Más adelante pronunció “Es una especie de canción de amor, pero una canción de amor obscena. Ahí tienes, fuh you”. Por otro lado, Paul presentó el tracklist completo de Egypt Statyion, así como imágenes adornando cada canción. El tracklist completo es: 1. Opening Station, 2. I Don’t Know, 3. Come On To Me, 4. Happy With You, 5. Who Cares, 6. Fuh You, 7. Confidante, 8. People Want Peace, 9. Hand In Hand, 10. Dominoes, 11. Back In Brazil, 12. Do It Now, 13. Caesar Rock, 14. Despite Repeated Warnings, 15. Station II, 16. Hunt You Down/Naked/C-Link.

Nuevo Box set Limitado de Yellow Submarine… sin música ni video En conmemoración del 50 aniversario de la película Yellow Submarine, desde la banda se lanzó una caja sin ningún tipo de música o película incluida. En su lugar lo que encontraremos es una serie de artículos de lo más interesante: Una novela gráfica, una figura del submarino amarillo, cartas, posters, pines, réplicas de tickets de la película, y varias postales. Todo empacado en una bonita caja. La fecha de salida del Box es el próximo 10 de octubre.

Ringo y Paul, sobre Aretha Franklin La Reina del Soul falleció el pasado 16 de agosto, y tanto Ringo como Paul McCartney dejaron sus condolencias. “Vamos a tomarnos un momento para dar las gracias por la hermosa vida de Aretha Franklin, la Reina de nuestras almas, quien nos inspiró a todos por tantos tantos años. Ella será extrañada pero la memoria de su grandeza como música y excelente ser humano nos acompañará por siempre. Con amor, Paul”. Por su parte, Ringo escribió: “Dios bendiga a Aretha Franklin, la Reina del Soul. Amor y paz para su familia“. Recordemos que la admiración era mutua. Aretha grabó covers de canciones Beatle como Eleanor Rigby, Let It Be y The Long And Winding Road.

Hunter Davies reeditará su biografía Beatle. A sus 82 años, Hunter Davies está próximo a publicar sus libros 99 y 100, siendo uno de ellos una reedición expandida de su biografía Beatle (la única autorizada), con motivo de su 50 aniversario. Respecto a The Beatles, Hunter dijo que visita habitualmente a Paul en su casa de St. John’s Wood, en Londres, y que “Yo aún escucho música de The Beatles en casa. Es la única música que escucho. No me he movido. Los amo a todos ellos. En el funeral de Margaret sonó And I Love Her”.

The

Beatles es posiblemente la banda más versionada de la historia, y los motivos sobran. A todos los que en algún momento de nuestras vidas se nos da por aprender algún instrumento, es más que probable que intentemos con alguna canción de ellos, sea más simple o compleja. Y los músicos profesionales no están exentos de hacerlo.

mismos

Con esa idea, se me dio por empezar a formar cada álbum Beatle hecho por versiones de artistas que hayan grabado cada track alguna vez. Por supuesto que de cada canción hay decenas de versiones, e incluso las hay más o menos conocidas, pero de cada caso seleccionaré una, tratando de no repetir el artista y con todo ello, confeccionaremos una lista de reproducción, tratando de conservar la mayor cantidad de casos según lo que haya disponible en la plataforma YouTube al momento de presentarlo. Y nuestra primera entrega es A Hard Day’s Night.

A Hard Day’s Night por Ella Fitzgerald (1965) Ella Fitzgerald, la legendaria voz del Jazz o también conocida como la Primera Dama de la Canción, interpretó en varias ocasiones el tema que abre álbum homónimo de The Beatles durante su carrera, especialmente a mediados de los 60's. Por aquella misma época interpretó alguna vez “Can't Buy Me Love”, y tiempo después versionaría otras canciones Beatle como “Something” y “Hey Jude”. Una interpretación de 1965 fue recopilada en el álbum “Ella in Hamburg”, editado también en 1965, donde es acompañada por el Tommy Flanagan Trio. https://youtu.be/0paVilG-6dA 8

I Should Have Known Better por Phil Ochs (1964) El artista estadounidense Phil Ochs, reconocido por sus canciones de protesta especialmente en los 60's, realizó una versión en vivo de “I Should Have Known Better” en vivo en 1964, que fue incluida en un álbum de rarezas póstumo en 1989 titulado "The Broadside Tapes 1", como bonus track al final del mismo. El tema fue nombrado "I Shoulda Known Better". La versión cuenta con Eric Andersen en armónica. https://youtu.be/nv8vJ3f3AoM

If I Fell por Rita Lee (2001) Nos movemos hacia el año 2001, cuando la cantante brasileña Rita Lee, de larga trayectoria, lanzó un disco de versiones Beatle en clave de Bossa Nova, conocido por estos lugares como Bossa N' Beatles pero titulado originalmente "Aqui, Ali, Em Qualquer Lugar". El disco incluyó “If I Fell” en dos versiones: Una original en portugués (“Pra Você Eu Digo Sim”) y una en inglés como bonus track. Este disco es considerado la consagración de Rita Lee en la Argentina y en América Latina. https://youtu.be/qnkh7__PdJc

I'm Happy Just To Dance With You por Anne Murray (1980) En 1980 la cantante de country pop canadiense Anne Murray lanzó el álbum "Somebody's Waiting", que alcanzaría el puesto 15 en el Billboard Country Albums y el 88 en el Billboard 200. Desde allí extrajo tres sencillos, siendo el segundo "I'm Happy Just To Dance With You", con el que alcanzaría el puesto 64 en el Billboard. Anne también tiene en su haber otros cover beatle como “You Won't See Me” y “Day Tripper”. https://youtu.be/Sg_d82KSXGw

And I Love Her por Esther Phillips (1965) Volvemos a la Beatlemanía. La cantante estadounidense Esther Phillips grabó una versión de “And I Love Her”, ajustándolo a ella como “And I Love Him”, y que sería incluido en su álbum "And I Love Him!" de 1965. Esther apareció interpretando la canción en el especial “The Music of Lennon and McCartney”, presentada por John Lennon. Alcanzó el puesto 11 en el chart de R&B estadounidense. https://youtu.be/SRpCd73hOrI

Tell Me Why por The Beach Boys (1965) Nada menos que The Beach Boys grabaron una versión de “Tell Me Why”, incluida en “Beach Boys' Party!”, su décimo trabajo de estudio y pensado como álbum navideño. Ese mismo trabajo tiene más versiones Beatle (“I Should Have Known Better “ y “You've Got to Hide Your Love Away”) así como más versiones y parodias propias. La más exitosa de ese álbum quizás es la de “Barbara Ann”, de The Regents. Este trabajo se realizó por el tiempo en el que Brian Wilson tenía más la cabeza en su próximo álbum, que sería “Pet Sounds”, tan solo cinco meses después... https://youtu.be/lkn89Z2m6J4

Can’t Buy Me Love por Johnny Rivers (1964) En 1964, Johnny Rivers se rindió ante un éxito Beatle: “Can't Buy Me Love”, y lo incluyó en su segundo trabajo en vivo "Here We à Go Go Again!", grabado en Whisky a Go Go, en Los Angeles, California. Y alcanzaría el puesto 38 del Billboard. Johnny grabaría otros covers Beatle como “I'll Cry Instead”. https://youtu.be/p5BkyrD8f-c

Any Time At All por Bryan Adams (2014) Mucho más acá en el tiempo, el cantautor canadiense Bryan Adams, autor de numerosos hits en los últimos 40 años, grabó un disco de covers en 2014 en el que incluyó como tema de apertura “Any Time At All” de The Beatles, además de incluir clásicos como “Rock And Roll Music” de Chuck Berry, también versionado y muy interpretado por The Beatles y “God Only Knows” de The Beach Boys, entre otros. El álbum alcanzó el puesto 1 en los charts canadienses. El audio adjunto es una versión en vivo en el Bush Hall, en 2014. https://youtu.be/Sp2P5ma0OEI

I’ll Cry Instead por Billy Joel (1983) Billy Joel grabó una rendición a “I'll Cry Instead” (en vivo) que fue incluida como cara B del sencillo "An Innocent Man" extraído de su noveno álbum "An Innocent Man" de 1983, donde rinde tributo a los artistas que marcaron su adolescencia. Quizás el track más conocido de este trabajo es “Uptown Girl”, en homenaje a The Four Seasons. El sencillo "An Innocent Man" alcanzó el puesto uno en el Billboard. https://youtu.be/9LeePEK5NQI

Things We Said Today por Cliff Richard (1966) Tal vez el padre del rock inglés, el tercer artista más vendedor de la historia de Inglaterra, solo por detrás de The Beatles y Elvis Presley y a quien John Lennon admiró profundamente, grabó una versión de “Things We Said Today” incluida en el EP “La-La-La-La-La” de 1966. No sería la única vez que Cliff grabara a The Beatles ya que grabó "I Saw Her Standing There", "Get Back" y "I'll Be Back". https://youtu.be/xn0lNQ4HPHY

When I Get Home por Yellow Matter Custard (2003) When I Get Home no es una canción muy versionada. Pero entre los que están, el supergrupo tributo a The Beatles Yellow Matter Custard incluyó en su setlist así como en su álbum One Night in New York City de 2003. El supergrupo está compuesto por Mike Portnoy (Dream Theater), Neal Morse (Spoke's Beard), Paul Gilbert (Mr Big), Matt Bissonette (Colaborador de David Lee Roth, ELO y Ringo All Starr Band entre otros) y Kasim Sulton (Utopia). Nada mal eh? https://youtu.be/GgaYS-9Ihdw

You Can’t Do That por Henry McCullough (2001) Henry McCullough, quien formase parte de Wings en los 70's como guitarrista para Red Rose Speedway, en 2001 publicó un álbum titulado “Belfast To Boston” junto a su Henry McCullough Blues Band. Allí el segundo track sería una version de “You Can't Do That”. Aquí para ver una version en vivo en 2011 https://youtu.be/e6YiDreQCVM

I’ll Be Back por UB40 (2008) Cerrando el album llega “I'll Be Back”, y aquí tenemos un cover reggae por la banda inglesa UB40, incluido en la versión completa (hay dos versiones de él) del album TwentyFourSeven de 2008. https://youtu.be/VhNxt-_YeEI

Lista de Reproducción

https://www.youtube.com/playlist?list=PLLuiPVcTSpdBPrVbD1BZsrIeconiiO9sm 12

Federico B.

Se han dividido las opiniones sobre la gestación, elaboración, grabación y producción del disco “The Beatles”, tan conocido mundialmente como el “álbum blanco” por su portada simplista, completamente blanca y con el nombre de la banda apenas grabado en sobre relieve y con un número de ejemplar único impreso.

No nos olvidemos que, yo diría, a partir de “Rubber Soul” el experimento de estudio y la constante búsqueda de novedades sonoras vio la cumbre en 1967 con “Sgt. Pepper’s…”. Sin embargo, cuando The Beatles vuelven de su viaje de meditación en Rishikesh, India, y reingresan al estudio después de grabar todas las canciones compuestas en ese viaje en la casa de George Harrison, parece que quieren despojarse de los multi trucos de estudio, los efectos especiales y las instrumentaciones adicionales de orquesta e instrumentos clásicos.

Los periodistas, musicólogos, críticos y biógrafos han agotado sus neuronas pensando en de qué la iba este disco nuevo de The Beatles. Tanto, que en la división cronológica de la evolución musical del grupo, este disco denominó el ingreso a la etapa “Back to basics” (volver a lo básico).

Sin embargo, mientras que, por ejemplo, para Ringo “había mucho trabajo de equipo” en el Álbum Blanco, para John Lennon “el disco consistía en que cada compositor desarrollaba su idea con los demás

¿Por qué?

funcionando como músicos de estudio de acompañamiento”.

grupo eran obra de Martin. Geoff Emerick, al igual que Norman Smith en 1965, también se cansó de las tensiones en las sesiones de grabación a lo largo de 1968, y le dio el cargo de ingeniero de grabación Chris Thomas. Si bien Emerick participó e ingenierizó las primeras sesiones, cuando se cansó, le dio su trabajo al siguiente ingeniero.

Mientras que algunos creían que debía ser un disco simple con lo mejor de las más de 30 composiciones que crearon en ese período, otros indican que es el mítico trabajo doble de The Beatles, una obra que merecía dos volúmenes con todos sus estilos: rock, baladas, románticos, pop, experimental (como Revolution 9).

Tomas interminables, algunas más de 100 intentos para lograr la toma ideal, varios de ellos trabajando en distintos estudios (el 2, el 3), para luego dejar la canción lista para que los demás beatles agregaran sus coros o instrumentos, algunas canciones muestran una versión al desnudo netamente solista de cada uno (como “Blackbird”, que cuenta con sólo Paul, su voz y los tacos de sus botas haciendo percusión, o “Julia” que cuenta sólo con John y su guitarra acústica, doblándose en determinados pasajes).

En el proceso de grabación, nuevos miembros del staff de los estudios EMI se hicieron cargo del grupo en ese momento. Geoff Emerick recuerda en sus memorias, publicadas en el libro “El sonido de Los Beatles”, que George Martin aprovechó las tensiones del grupo en las sesiones para tomarse unas vacaciones, y así, dar lugar a la producción musical totalmente al grupo. Quizás de allí venga la declaración de John Lennon en 1970, de que no toda la producción de las canciones del 15

El proceso creativo del Álbum Blanco puede plantear el interrogante de si Ringo o John tenían razón. Como fuera, los grupos musicales tienen distintas formas de trabajar en un estudio, a la hora de crear un nuevo disco.

Como fuera, el proceso del White Album, que demoró meses a lo largo de 1968 (desde mayo hasta su publicación en noviembre), mostró una nueva obra innovadora por parte de The Beatles, siendo y demostrando ser los mejores precursores de la industria en su época.

The Beatles estaban acostumbrados en sus primeros años a la fórmula “uno para todos y todos para uno”, siendo responsable cada instrumentista de cada sonido que creaba. Con los años, el trabajo se “diversificó” y “dividió”. Esto puede ser visto como una manera más “individualista” de trabajar, o precisamente lo opuesto, una manera de dividir las tareas de un grupo para obtener un resultado más sólido.

No quedaron atrás las nuevas técnicas aplicadas de los EMI Studios. Fue en este disco que The Beatles pasaron por primera vez de grabar en 4 canales a 8 canales, dándole más espacio para doblajes y sobregrabaciones.

El Álbum Blanco presenta de todo: rock and roll (“Back in the USSR”, “Birthday”), pasando por el rock pesado (“Helter Skelter”), baladas y canciones de amor (“I Will”, “Mother Nature’s Son”), temas autorreferenciales (“While my guitar gently weeps”, “Sexy Sadie”, “Yer Blues”), hasta el experimental sonoro Revolution 9.

punto, y sólo faltaban unos memos para dar su aprobación. De manera que, al igual que experimentamos con los 50 años de “Sgt. Pepper’s”, posiblemente el “Álbum Blanco” de que hablar el próximo noviembre.

En este año se cumplen 50 años de su primer lanzamiento, allá por 1968, y según la entrevista que dio Paul McCartney con motivo de su propio próximo disco “Egypt Station”, aclaró que la nueva versión aniversario del famoso “Blanco” estaba a

Octavio Cavalli

Hacía bastante tiempo que no hablábamos de discos compilatorios. Ya tuvimos a John, George y Paul, solo nos falta el gran Ringo Starr, quien cuenta con 5 discos que resumen su carrera desde diferentes puntos. Cuatro con los temas en estudio y el restante, triple, con lo mejor de la All Starr Band, que ha sido el puntal de este artista que ya lleva más de 60 años de carrera. Ahi vamos!

La primer recopilación llegó en 1975, tras los éxitos que significaron "Goodnight Vienna" del año anterior y sobre todo, "Ringo", de 1973. Se llamó "Blast From Your Past". Fue el último disco de Ringo para Apple y también fue el último disco del sello Apple en su etapa inicial (1968-1975, luego se volvería a lanzar como Apple Corps a partir de 1994). Este disco contiene canciones de los discos "Beacoups Of Blues" "Ringo" y "Goodnight Vienna", además de los sencillos de la época (algunos incluidos en esos mismos álbumes) y un lado B - "Early 1970" -. El disco, originalmente publicado a fines de 1975, fue reeditado en 1981 y en 1987 tuvo su correspondiente salida en el novedoso formato de Compact Disc.

El segundo compilado fue "Starr Struck: Best Of Ringo Starr Vol 2", que en 1989 vino un poco a reforzar la de por si bien publicitada vuelta del baterista a los escenarios, esta vez con la All Starr Band. El disco, lanzado por el sello Rhino Records, contiene temas del período 1976 - 1983, es decir, abarcando los discos "Ringo's Rotogravure", "Ringo The 4th", "Bad Boy", "Stop And Smell The Roses" y "Old Wave". Coincidentemente, es la etapa de Starr menos conocida por no contar con hits de la importancia de los que si hubo en el período anterior y por consiguiente, en aquel primer disco recopilatorio. Allí, dado que originalmente "Old Wave" no se editó en los Estados Unidos, hay 4 temas provenientes de ese álbum. "Starr Struck..." por sus bajas ventas, fue dejado de fabricar al poco tiempo de su salida....

La tercer colección hecha con las grabaciones en estudio fue "Photograph: The Very Best Of Ringo Starr" que apareció en 2007 y marcó el regreso de Richard Starkey a Capitol Records. Es el disco de su tipo más completo, ya que abarca toda la carrera solista de Ringo, de 1970 a 2005, aunque se saltea "Ringo The 4th", "Bad Boy" y "Old Wave", justamente, el período que había rescatado "Starr Struck"... Aun así, el compilado presenta un dueto con Buck Owens ("Act Naturally", aquel tema que Ringo hiciera con los Fab en el disco "Help!") que mereció una nominación a los premios Grammy del año 1989. Owens era un referente de la música country, artista de Capitol, que había fallecido en 2006, por lo cual la inclusión fue un homenaje de Ringo para él. Además, "Photograph..." presentó 2 formatos más en su presentación: Uno fue el DVD, donde pueden verse 7 videoclips, entre ellos el de "You're Sixteen (You're beautilful and You're Mine)" donde Ringo interactuaba con Carrie Fisher, la Princesa Leia de Star Wars. También se podía disponer del compilado a través del - por entonces - novedoso sistema de descarga por internet, en el cual el tracklist difería levemente del CD, comenzando por el nombre "Photograph: The Digital Hits".

Si bien "Photograph..." incluye temas de la etapa de Ringo en la discográfica Koch Records, esta decidió, en marzo de 2008, realizar una recopilación centrada en 2 discos que Starr hizo para esa disquera: Ringo Rama (2003) y "Choose Love" (2005), eligiendo 6 temas de cada disco y realizando el envío en un CD convencional y un DVD de audio con una mezcla surround 5.1 de las mismas canciones. ¿El título? "Ringo 5.1: The Surround Collection". El DVD incluyó como bonus "I Really Love Her", que ya venía como bonus en "Ringo Rama" y tiene la particularidad que Ringo toca todos los instrumentos. 22

El último recopilatorio es de la parte en vivo de Ringo, quien ha sido, de los integrantes de The Beatles, quien más discos en directo ha publicado. Esto se debe a que la All Starr Band presenta una gran variedad de grandes músicos, cada cual con sus hits y sus habilidades en sus instrumentos, por lo cual Ringo decidió que cada All Starr Band era diferente a su antecesora y eso debía mostrarse. "The Anthology...So Far" es un disco triple aparecido en enero de 2001 que recolecta lo mejor de las giras, junto a Randy Bachman, Gary Brooker, Jack Bruce, Tim Cappello, Eric Carmen, Felix Cavaliere, Clarence Clemons, Burton Cummings, Rick Danko, Dr. John, Dave Edmunds, John Entwistle, Peter Frampton, Levon Helm, Jim Keltner, Simon Kirke, Nils Lofgren, Billy Preston, Mark Rivera, Todd Rundgren, Timothy B. Schmit, y el hijo de Ringo, Zak Starkey... hay grabaciones de los discos Ringo Starr and His All-Starr Band, Ringo Starr and His All Starr Band Volume 2: Live From Montreux y Ringo Starr and His Third AllStarr Band, pero también material inédito de las giras de la ASB de 1995, 1997 y 2000. Este disco tiene también su correspondiente edición en DVD, aunque no fue editado sino algunos años más tarde.

Javier Cuenca 23

NOTA DE TAPA 24

Es sabido que a cada integrante de The Beatles se lo ha catalogado y encasillado según distintos parámetros. Esta práctica data desde los primerísimos momentos en que asomaron sus prominentes cabelleras en el mundo del espectáculo, en los tempranos sesentas. Era común que aparecieran tarjetas con los datos de cada uno de ellos y solían ser descriptos con alguna característica saliente. Así John era el líder, Paul el guapo, George el ácido y Ringo el simpático. Conforme pasaba el tiempo, la mirada de la gente sobre los músicos hacía que esas características se acrecentaran o mutaran. De hecho, el apodo más conocido es el de “Quiet One” (el callado) atribuido a George, que al menos a mí siempre me ha desconcertado, ya que Harrison a lo largo de su vida no se ha callado nada que tuviera la necesidad de decir.

Existe una versión, mencionada incluso por el propio Paul, que dice que Macca en algún punto de la carrera de The Beatles (posiblemente durante la segunda mitad de la década) haya tenido la idea de grabar un disco al que titularía “Paul McCartney Goes Too Far”, es decir, “Paul McCartney Va Demasiado Lejos”, en el que incluiría las grabaciones experimentales que realizaba en su estudio casero. Incluso dijo que la respuesta de John fue: “Es una gran idea. Deberías hacerlo”. Recordemos la gran diferencia que hay entre lo que hoy se conoce como “home studio” (con Pro Tools, micrófonos condenser y demás artefactos tecnológicos al alcance del bolsillo de cualquier músico aficionado), y la tecnología de avanzada con la que contaban los cuatro Beatles en los 60’s: un par de grabadoras de cinta Brenell conectadas en

Pero lo que vengo a plantear hoy es otra cuestión, y tiene que ver con la visión general que se tiene de Paul McCartney. Se trata sin dudas del músico más exitoso de la música pop, y quizás ello haya influido en que se lo considere el más comercial, con la connotación negativa que suele llevar implícita esa palabra. En rigor, cualquier músico que haya grabado un disco con la intención de venderlo, es comercial, pero este es un tema que da para un amplio debate que no viene al caso. Por el contrario John Lennon, sobre todo desde el comienzo de su relación profesional y personal con Yoko Ono, vio acrecentado su status de artista de vanguardia. 27

paralelo y quizás alguna consola mezcladora. Lo que hoy se obtiene mediante un programa de computación, en aquellos días se lograba a base de ingenio, inspiración y riesgo.

padre. Paul había desarrollado un gusto por ese tipo de música a la par que el naciente rock and roll se apoderaba del cuerpo y el alma de los jóvenes de su edad.

Creo que para poder hacer un análisis más profundo de la verdadera valía de Paul es conveniente mirar más atrás y hacer algunas pinceladas sobre la obra de la banda desde sus inicios. Es increíble poder rasguñar un poco la superficie y comprobar que el diamante en bruto estuvo allí desde siempre, y que se trató de una evolución lógica hasta elevarlo al estado de genialidad pura.

Ya junto a The Beatles, era Paul quien miraba un poquito más allá de Elvis, Tamla Records o Chuck Berry. Él era capaz de adaptar una canción de una obra de music hall y transformarla en un bolero (Till There Was You), o tomar una canción de un compositor griego aparecida en una película (The Honeymoon Song) para tocarla en un programa de la BBC.

Mucho tiene que ver el trasfondo que tenía Macca desde su hogar mismo, donde las Big Bands sonaban constantemente y la influencia de nada menos que el líder de la Jim Mac’s Jazz Band, es decir, su propio

Si bien muchos pueden haberlo visto como una jugada comercial, que poco tenía que ver con el espíritu rebelde del rock, también se debe reconocer la valentía de hacer un movimiento arriesgado.

Jim Mac’s Jazz Band, Jim McCartney esta arrodillado en la fila de adelante, justo arriba de las piernas de la chica recostada

Durante la primer etapa del noviazgo, ambos pasaban mucho tiempo en la casa familiar de los Asher, donde vivían el padre de Jane, el Dr. Richard Asher, y su madre, Margaret, una profesora de oboe del Guildhall School Of Music and Drama, que había tenido entre sus alumnos a George Martin. El hermano menor de Jane, Peter, también era músico y sería famoso con su dúo Peter & Gordon. Macca disfrutaba de la vida hogareña y feliz, con una familia constituida como él añoraba. Se regocijaba por sobre todo con las charlas de sobremesa acerca de temas muy interesantes, más que nada sobre arte. Esto le abrió la cabeza y comenzó a investigar por su propia cuenta; leía mucho más, escuchaba todo tipo de música, se interesaba por el teatro y la pintura, y vivía una vida mucho más urbana que sus compañeros de banda, que poco a poco comenzaron a alejarse del ruido londinense para escaparse a la campiña inglesa.

Pese a que en los inicios cada uno aportaba sus partes en la creación de las canciones, fue McCartney quien por primera vez comenzó a monopolizar las sesiones; en A Taste Of Honey grabó su voz principal por duplicado, en All My Loving armonizó consigo mismo, hasta llegar al punto de grabar una canción solo, sin la participación de otro Beatle, como es el caso de Yesterday.

La inquietud de McCartney en cuanto a la creación de obras no convencionales en la soledad de su hogar lo llevó a finales de 1965 a confeccionar un programa de radio ficticio, donde él hace el papel de DJ/conductor con un acento estadounidense muy marcado, presentando una serie de canciones que incluían a artistas como The Beach Boys, Elvis Presley, Aretha Franklin, The Rolling Stones y Peter & Gordon, la banda de su cuñado, quién hace una pequeña participación. La primera canción, que le dan título al programa, es Unforgettable de Nat King Cole.

Como ya mencionamos, mucho tuvo que ver su hogar en la formación musical de Paul. Ahora, siendo un músico mundialmente famoso, otro hogar haría que su espectro se ampliara mucho más. Estaba ubicado en el nro 57 de Wimpole Street y era el de los Asher. Paul había conocido a Jane Asher antes de un concierto en el Royal Albert Hall, el 18 de abril de 1963, y poco después comenzaron una relación sentimental que duraría 5 años. 29

Submarine vemos un músico que no teme sumergirse en aguas profundas y abordar un tópico por demás difícil: la canción infantil. Millones de niños desde 1966 hasta hoy le han dado el visto bueno. Pero además allí estaba la experimentación a la hora de utilizar música pregrabada de una banda de metales para insertarla en el solo. Quizás el hecho de que haya sido cantada por Ringo le ha quitado seriedad, pero la realidad es que la canción fue Nro 1 en los charts durante la época de mayor competencia durante los sesentas. Junto a Yellow Submarine, la canción que aparecía en aquel single era Eleanor Rigby, y con ella McCartney da un vuelco sin precedentes. De la algarabía y el multicolor

Grabadora de cintas Brenell

Paul hizo prensar esta cinta en tres acetatos y le regaló uno a cada uno de sus compañeros Beatles en la Navidad de 1965. La grabación la realizó con sus grabadoras Brenell Mark 5. Paul solía experimentar con este tipo de cosas, buscando nuevos sonidos y modificando los existentes. John en cambio usaba su estudio para realizar demos crudos de sus nuevas composiciones. Quizás durante Revolver es donde podemos ver por primera vez un rompimiento importante con respecto a sus colegas. Es verdad que Here, There And Everywhere es de lo más cursi del álbum, pero también es cierto que tiene un grado de sofisticación envidiable. Pero en el resto de sus aportes, McCartney muestra un abanico de influencias impresionante. Desde la naif Yellow 30

mundo bajo el mar que pinta la primera, pasamos a una pintura en blanco y negro, solemne, triste, angustiante, de la segunda. Esto está reforzado por la instrumentación agresiva y punzante conseguida por el autor junto a George Martin y el nuevo ingeniero de grabación de solo 18 años, Geoff Emerick. La juventud de Geoff y una mente fresca ayudó a conseguir nuevos sonidos, nuevas técnicas y una nueva actitud a la hora de grabar un álbum de rock… o de música clásica. Ese octeto de cuerdas sin dudas le debe mucho a lo que McCartney absorbió de la familia Asher. Fue durante su estadía allí cuando Paul intentó tomar lecciones formales de música, cosa que no prosperó debido a que McCartney le mostró su nueva canción, Eleanor Rigby, a su profesor, esperando alguna reacción positiva que nunca llegó. Paul sintió que había falta de interés o hasta celos de su tutor. Es probable que alguien con una formación clásica no se haya sentido tan impresionado con una canción pop con aspiraciones clásicas. Lo mismo le sucedía a George cuando un hindú escuchaba sus composiciones en el estilo de aquella cultura.

era perfecta solo con su voz y el piano, pero el solo de french horn fue la frutilla del postre. Nada menos que el principal ejecutante de Horn de la Philharmonica Orchestra, Alan Civil, fue contratado para realizar tal tarea. Más músicos de sesión se necesitaron para Got To Get You Into My Life, una canción mucho más cercana al estilo natural de la banda, aunque tratando de orientarla hacia el soul. El arreglo de bronces, que está en primer plano durante toda la canción, fue tocado por dos músicos de la banda de Georgie Fame, The Blue Flames. Ellos eran

Siguiendo la tónica cuasi barroca, Paul nos muestra la cara más agria del amor, o más bien del desamor, con For No One. La canción 31

quiebres con lo que se venía escuchando de The Beatles. La nueva faceta de Macca en aquella época lo llevó a relacionarse con muchas personas del ambiente artístico y avant garde, como John Dumbar o Barry Miles. Se hizo muy amigo de Miles y juntos comenzaron a frecuentar diferentes “happenings”, es decir, puestas artísticas donde los límites entre los performers y los espectadores se desvanecían. En una de ellas, llevada a cabo por Cornelius Cardew, McCartney tuvo su primer encuentro con la “musique concrete” (música concreta), donde la estructura musical no es rígida, no es necesario siquiera utilizar instrumentos convencionales y todo se basa en la experimentación. Paul utilizó una moneda para rasgar sobre un viejo radiador y luego usó su jarro de cerveza como instrumento de percusión. Eddie Thornton y Peter Coe, junto a otros músicos sesionistas. El hecho de que la temática de la canción (oculta en aquel momento) era una oda a la marihuana hace que estemos frente a un compositor que estaba comenzando a expandir sus horizontes, más allá de la simple canción de amor.

Entusiasmado con esta experiencia, al momento de grabar Yellow Submarine se encargó de que sus compañeros Beatles aportaran sonidos no musicales para adornar la canción, así John fue grabado haciendo burbujas con una bombilla y George haciendo remolinos con una cubeta con agua. También se insertaron sonidos de cadenas y motores.

Tal vez el menos genial de sus aportes haya sido Good Day Sunshine, que en sí es una canción fantástica y que está a tono con el humor de la época, en el floreciente Summer Of Love, pero que no muestra grandes

Además, por un tiempo, la banda adoptó la idea de organizar happenings durante las sesiones de grabación, como en ésta y posteriormente en A Day In The Life o la transmisión en vivo de All You Need Is Love.

Happening en la Indica Boutique: Barry Miles, Pete Simpson, Maggie McGivern, Paul McCartney, Kate Wallhead. Binn Tivy

McCartney y Miles también se interesaron en otra rama de la música no comercial: la música electrónica. En febrero de 1966 asistieron a una charla ofrecida por el compositor italiano Luciano Berio, quien durante su exposición reprodujo su música experimental, realizada con ruidos y oscilaciones de radio.

por Macca. Se trataba del alemán Karlheinz Stockhausen. Aunque reconoció que en verdad solo le había gustado una de sus creaciones, pero que nombrarlo hacía que la gente pensara que era todo un erudito. Todas estas influencias acompañaron a McCartney a la soledad de su estudio personal, donde comenzó a realizar sus propias “canciones” experimentales. Poco después saldría a la luz con la primera canción en ser grabada para Revolver: Tomorrow Never Knows.

Otro descubrimiento de la época para Paul fue John Cage, el propio tutor de Cornelius Cardew. Estaba maravillado con su creación 4’33” que eran 4 minutos de puro silencio. A su vez, el profesor de Cage era otro admirado 33

psicodélica, al menos la primera de forma masiva. Con esto se dio inicio a la creencia de que John era el artista de vanguardia dentro de la banda, cuando en realidad atravesaba su periodo más burgués, intentando (en vano) ser un buen esposo y padre de familia. McCartney en cambio vivía a metros de la acción nocturna londinense, de las exposiciones de arte y las nuevas tendencias. Sin ir más lejos, como hemos mencionado, era amigo de John Dumbar, quien manejaba la Indica Gallery, lugar donde expondría una artista japonesa llamada Yoko Ono, a quien John conocería en noviembre de 1966. Pese a que la glorificación masiva e intelectual de The Beatles llegó de la mano de Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, la verdadera revolución había llegado con Revolver. En Pepper da la impresión que el artilugio es más importante que la canción en sí, y que si despojáramos a cada una de ellas de todos los trucos, nos encontraríamos con canciones que podrían haber encajado en álbumes anteriores, desde Help en adelante quizás. Tal vez el quiebre producido por Revolver no haya sido tan notorio porque la banda aún seguía tocando sus viejas canciones en los shows en vivo y el manto de los Fab Four aun los cubría.

Carnival Of Light

Si bien era una canción de John, fue en ella donde Paul expandió los límites de la música pop hasta un lugar inimaginado meses antes. Hábilmente, Lennon había tomado elementos de la música hindú introducida a la banda por George, como el hecho de no modular y llevar toda la canción en un único acorde. Y le había dado lugar a Paul para que incorporara los loops de cintas que había creado y que se escuchan a lo largo el tema. El ritmo hipnótico de la batería de Ringo y el sonido de la voz a través del parlante giratorio Leslie hicieron que ésta sea la primera canción

Fue sin embargo durante las sesiones de Pepper en que McCartney llegó al punto álgido en la experimentación. En diciembre de 1966 le habían solicitado una grabación especial para un happening que tendría lugar en Londres y accedió. El 5 de enero de 1967, 34

no parece que vaya a ver la luz algún día. Es la canción inédita más deseada por los fans y extrañamente jamás fue pirateada. A partir de su relación con Yoko, John comenzó a frecuentar este tipo de forma de arte, que desembocaría dentro del marco de la banda con su composición Revolution 9, y en solitario en sus álbumes Two Virgins, Life With The Lions o Wedding Album, por ejemplo. McCartney, tal vez sintiendo que era una etapa superada, volvería a su estilo más convencional, posicionándose como uno de los compositores más importantes de la historia, aunque con los años abordaría diferentes enfoques musicales, como el clásico o el electrónico.

Home Studio, de John Lennon

luego de una de las innumerables sesiones de sobregrabación para Penny Lane, Macca persuadió a la banda para que tocaran una improvisación, sin nada planificado. El punto era ser espontáneos y no ponerse límites. Luego de tocar sus instrumentos, y agregar algunos más, se dispusieron a grabar voces. La cita más frecuente habla de John gritando “Barcelona!” a viva voz. Se dice que Paul preguntaba “Are you alright?” y terminaba, tras 13 minutos y 48 segundos, preguntando “podemos escucharlo otra vez?” a Geoff Emerick. La pieza, titulada Carnival Of Light, fue mezclada en mono y entregada a David Vaughan, uno de los organizadores de la The Million Volt Light And Sound Rave y ejecutada durante el happening los días 28 de enero y 4 de febrero, en el Roundhouse de Londres. Se realizó una mezcla stereo también que aún está archivada en los baúles de Abbey Road y

Martín Castro

El 3 de septiembre Ringo se reincorpora a la banda tras su renuncia del 22 de agosto y encuentra su batería llena de flores. Ese mismo día The Beatles continuó trabajando sobre While My Guitar Gently Weeps, esta vez con el estreno de una máquina de ocho pistas en EMI. Continuarían trabajando en ella en los días siguientes. El 4 se filmaron los clips promocionales de Hey Jude y Revolution en el Twickenham Film Studios dirigidos por Michael Lindsay-Hogg. Solo las voces fueron grabadas y no los instrumentos. El día 6 Paul y Mary Hopkin grabaron escenas para un show infantil. Por la tarde continuaron trabajando sobre While My Guitar Gently Weeps, ahora con Eric Clapton en el estudio a la guitarra por invitación de George. Ese mismo día Suazilandia se

El 16, con ausencia de George, The Beatles graba “I Will”, y la improvisación Can You Take Me Back?, que se incluye en el álbum entre Cry Baby Cry y Revolution 9. También se versionó el tema “Step Inside Love”. Ese mismo día nació el cantante puertorriqueño Marc Anthony. El 18 George concede una entrevista a New Musical Express. En tanto la banda graba Birthday, compuesta y grabada en el mismo día en 20 tomas. El 19 se graban 11 tomas de Piggies, en el estudio 1 de EMI, incluyendo un Harpsichord. Ese mismo día se estrenó el clip de Revolution, en el Top Of The Pops. También ese día, pero en los estudios IBC, comenzó la grabación del álbum de Rock Opera Tommy de The Who. El día 20 se estrena la serie de televisión Hawaii Five-O en la CBS, que se emitiría ininterrumpidamente hasta 1980. El 22 se reabre al público el Templo Abu Simbel en Egipto, luego de cuatro años de obras para trasladarlo de ubicación a unos 200 metros de la original con el objetivo de salvarlo de inundaciones. El día 23 se graban 45 tomas de la canción de Lennon Happiness Is A Warm Gun. Al día siguiente harían 25 tomas más y se finalizaría con los overdubs los dos días posteriores. El 25 nació el actor y rapero estadounidense Will Smith, en tanto el 28 nacieron Mika Häkkinen, expiloto de Fórmula 1, campeón de la categoría en 1998 y 1999 y la actriz británica Naomi Watts. El 30 se publica la biografía autorizada de The Beatles, escrita por Hunter Davies.

independiza del Imperio británico. El día 7 Led Zeppelin da su primer show como The New Yardirds. Ese mismo día nació el futbolista Marcel Desailly, campeón del mundo con la selección francesa en 1998. El día siguiente el videoclip de Hey Jude se estrenó en el programa Frost On Saturday. El día 9 The Beatles trabajaron de pleno en Helter Skelter, grabando 18 tomas con una banda totalmente fuera de control… “I’ve got blisters on my fingers!”. Continuarían haciendo overdubs al día siguiente. El día 11 The Beatles trabajó sobre el tema de John Glass Onion. Se grabaron 34 tomas, considerando la mejor la 33. Los overdubs se hicieron al día siguiente. El 14 se estrenó la serie de Hanna Barbera Wacky Races, conocida en Latinoamérica como Los Autos Locos.

Federico B. 36

Este disco es muy particular ya que está fuera del catálogo "oficial" de la banda, que ese mismo año (1977) había publicado el disco en vivo "The Beatles At The Hollywood Bowl" (reeditado en CD recién en 2016). Sin embargo, la edición que repasamos en esta oportunidad es la publicada en 1992 por Sony Music en 2 discos por separado -este es el volumen 1- antes que los derechos sobre las grabaciones volvieran a quedar en manos de George Harrison, Paul McCartney, Ringo Starr y Yoko Ono en el año 1998. El concierto fue, como su nombre lo indica, en el Star Club de Hamburgo, Alemania, en la última semana de diciembre de 1962. Ya habían grabado - y lanzado - el single "Love Me Do", pero los agitados días de la Beatlemanía aun no habían arribado y Ringo Starr ya era el baterista de la banda. Las actuaciones que aquí pueden apreciarse en parte son producto de un contrato que The Beatles no estaban muy entusiasmados de cumplir. El single lanzado en el Reino Unido los requería allí, pero las obligaciones fueron pactadas antes y fue así como la banda viajó a Alemania en el mes de noviembre y luego en diciembre. Hamburgo no era el mejor lugar para estar. Sin embargo, como años después diría cierto líder de otra famosa banda: "The Show Must Go On".

los Fab, aristas míticas. John Lennon habría acordado con Ted "Kingsize" Taylor el registro de las actuaciones a través de un magnetófono Grundig casero con un micrófono apoyado en el escenario, es decir, captando el sonido ambiente. El precio acordado fue... una cerveza (para The Beatles)!!! Todo comienza con "I Saw Her Standing There", con la guitarra de Harrison no tan suelta como en otras versiones, también el audio, al no ser óptimo, lleva a estas confusiones auditivas. El solo de George desaparece. Luego llega "The Hippy Hippy Shake", que ya tenemos bien escuchadas de los discos de la BBC, lo mismo que "Sweet Little Sixteen".

La historia de la grabación de estos temas tiene, como muchas cosas relacionadas con

"Mr Moonlight" nos da una prueba cabal de la presencia de dicho tema en los conciertos de la época, previo a su grabación y posterior inclusión en el disco "Beatles For Sale", 2 años después.

"Little Queenie", de Chuck Berry, es un número más asociado con los Rolling Stones que con los Fab. Hasta hay una versión cantada por John que pudo escucharse en las sesiones de Get Back/Let It Be en 1969, sin embargo, Paul McCartney comanda la escena desde el micrófono, dejando la cosa bien caliente para que George se luzca en "Everybody's Trying To Be My Baby", una de Carl Perkins que la banda grabaría en 1964 para "Beatles For Sale", además de otras veces para la radio británica.

Por esas delicias intrínsecas en los discos bootleg, hay errores que son sorprendentes y más aún tratándose que a este disco lo editó el sello Sony Music. Este es el caso de "Hully Gully" que aparece en el tracklist de un disco de The Beatles... pero que de ninguna manera son los Beatles!!!!! Se trata en realidad de una grabación de Cliff Bennett and the Rebel Rousers, una banda inglesa que giraba junto a The Beatles y eran amigos, a tal punto que en 1966 grabaron su versión de "Got To Get You Into My Life" (Revolver) producida por Paul McCartney. Allí está, pues, "Hully Gully", por Cliff Bennett and the Rebel Rousers, en un disco de los Beatles.

Dos temas sin demasiada info - "I Remember You", "Reminiscing" - sugieren desde el pobre audio a Paul cantando y una armónica quizás tocada por John, antes del último tema, "Kansas City", donde inconfundiblemente es Paul McCartney quien canta este otro hit de Little Richard que también fue a parar finalmente a "Beatles For Sale".

"Ain't Nothin' Shakin' (But The Leaves On The Trees)" de Eddie Fontaine, es un clásico que The Beatles grabaron -correctamentepara la BBC en 1963. En su minuto y medio de duración, es una muestra suficiente del poderío del baterista Ringo Starr.

El disco en si tuvo varias versiones, al ir pasando de sello en sello, por lo cual difieren las portadas y hasta los tracklists, siendo un disco doble o único, etc. Esta versión es lo más cercano a una edición oficial por

Portadas de algunas de las decenas de ediciones cuasi oficiales y bootlegs editadas a través de los años

tratarse del sello Sony Music. Al recrudecerse la demanda de los tres ex Beatles sobrevivientes, Sony retiró este disco volviéndolo una pieza más que buscada por los coleccionistas. El punto en el cual McCartney, Starr y Harrison se basan en la no comercialización de este material parte de una frase de este último: "Una persona

los forjó entre insultos en alemán, chicas haciendo striptease y rock n' roll a base de anfetaminas para no dormir, ya que había que tocar la mayor cantidad de tiempo posible... El audio (en su calidad de sonido) para algunos ha sido determinante y el disco ha sido destrozado por ello, para quien esto escribe, teniendo en cuenta la época y circunstancias de la grabación, es algo meramente anecdótico. Ahí están los Beatles, crudos, peligrosos, enojados, pero todo eso llevado a escena con la profesionalidad que habría de abrirles las puertas del mundo en muy poco tiempo...

ebria grabando a otro puñado de borrachos no establece un verdadero negocio"... que se sumaba a otra del Dark Horse: "¡Las cintas del Star-Club han sido las más miserables grabaciones jamás realizadas a nuestro nombre!" ...¿Que habrá querido decir? Como sea, es un material interesante desde el punto de vista que es una grabación casi al borde de los "Early Days" y en Hamburgo, la ciudad que

Javier Cuenca

con los músicos locales. Por lo menos es lo que presenta Let Him Be (2009), un filme de Peter McNamee que narra, a manera de falso documental, cómo una pareja de estudiantes de cine dan con una pista que indica que el otrora Beatle sigue vivo.

John Lennon sobrevivió al atentado afuera de su casa el 8 de diciembre de 1980, de manera secreta fue trasladado a una zona rural en Canadá donde ha vivido en el anonimato por más de 30 años y sigue componiendo canciones

El filme como tal resulta un ejercicio ingenioso y un interesante experimento narrativo, pero sobre todo termina resaltando una tendencia en el mundo de la beatlemanía: la constante necesidad de crear escenarios imaginarios donde los miembros del cuarteto tuvieron un destino distinto, desde el sonado mito de la muerte de Paul en los años sesenta hasta intrincadas conspiraciones que los asociaban con el ocultismo y sociedades secretas, solo basta recordar la filosofía de la secta de Charles Manson, de quien, por cierto, el afamado director de cine, Quentin Tarantino, está 44

produciendo una película, Once a Time descubrirse la similitud con el tono y la in Hollywood, solo confirmando esta tesitura de John Lennon se le invitó a necesidad de la que les hablo. participar en un disco donde interpretaría las canciones que Lennon Regresando al tema inicial de esta nota, y McCartney habían escrito para otros otro punto importante a rescatar es la artistas. O como en el caso de otros banda sonora: durante el metraje se artistas y bandas que ya hemos hablado escuchan 5 canciones con una voz que en esta sección en otros números. logra hacer una interesante imitación de Lennon, las composiciones probablemente no son algo que hubiera escrito el mismo John, sin embargo, como le ocurrió al que escribe la nota, puede engañar en una primera impresión. El álbum lo pueden conseguir a través de la tienda en línea de Amazon y vale la pena escucharlo para alimentar esta necesidad o fantasía de la que hablamos arriba. Un caso muy similar al cantante holandés, Bas Muys, que en los años 70 participó en Stars on 45, compilaciones donde se interpretaban canciones de un artista con un toque de música disco. Tras 45

El álbum está acreditado a Abracadabra, que fue una de las productoras, incluye 10 temas y estos son los artistas que participan. Mark Staycer (El excelente imitador de John Lennon), Nathan Fleet, Michael Blazer, John Cheesman, Gerry Greg, Peter McNamee (Director del filme y escritor de la mayoría de los temas). Recomiendo ampliamente la escucha de estos dos temas principalmente. Rock And Roll https://www.youtube.com/watch?v=kMPqeKT72ns I Was There

Lucio Lira

https://www.youtube.com/watch?v=RQ5juwNo0gM

Es conocida la historia de Lorne Michaels, el creador de Saturday Night Live, ofreciendo la grandiosa suma de 3 mil dólares para una reunión de The Beatles en su programa. Por supuesto que no se dio, aunque por aquella época tuvo la fortuna de que en uno de los programas, el segmento musical fuese cubierto por George y Paul… …aunque era otro Paul. Paul Simon. Lo cual no era nada despreciable, ya que ambos músicos se despacharon con excelentes versiones acústicas de Here Comes The Sun, de Harrison, y Homeward Bound, de Simon. El programa se emitió el 20 de noviembre de 1976 y comenzó con George pidiéndole la paga de los 3 mil dólares a Michaels, quién se negaba a pagar alegando que el pago era por los 4 Beatles.

Martín Castro 48

John Lennon tenía una cualidad por la cual cada tema que agarraba para versionarlo, terminaba siendo prácticamente un tema suyo. Sucedió con "Twist And Shout", sucedió con "Money" y "Dizzy Miss Lizzy". Lo mismo sucedió con este single, publicado tras la edición del álbum que lo contenía, el mítico "Rock And Roll".

"Stand By Me" compuesta por Ben E. King junto a la famosa dupla Leiber/Stoller, emociona desde varios puntos. Allí está John evocando sus días de adolescente, desde la intro exactamente igual a la que había grabado para la misma época en el cover que Ringo Starr hizo de "Only You", de The Platters hasta esa voz siempre a punto de quebrarse y el solo slide. También de algún modo marca una vuelta más en la relación entre los 2 viejos compositores de The Beatles. La canción en si pudo ser escuchada, en parte, en medio de las sesiones de lo que después fue "Let It Be" y ya, tras la disgregación de la banda, John la trajo a modo de exorcismo a la hora de su "Lost Weekend", y esas sesiones de grabación lo acercaron, por esas cosas de la vida, nuevamente a Paul McCartney. Caótico como todo lo sucedido en aquel período, aquella performance con Lennon, McCartney en la batería, Stevie Wonder en los teclados, Jesse Ed Davis, Harry Nilsson y Bobby Keys de 1974 solo quedó como un pintoresco bootleg varios años después.

dispuso a trabajar en Walls And Bridges, su disco solista de 1974. Al momento de la finalización de las sesiones de grabación de ese disco, que contó con grandes músicos en su haber - Jesse Ed Davis, Peter Jameson y Eddie Mottau, a Ken Ascher en el piano, el señor Klaus Voormann en bajo, los saxofonistas Joseph Temperley, Frank Vicari y Dennis Morouse, y al baterista Jim Keltner-, John aprovechó y registró una nueva versión del tema, que de tan bien que quedó, fue elegido como single para promocionar el disco.

"Stand By Me" fue lanzada como single en marzo de 1975, llegando al puesto 20 en los rankings Como todos sabemos, Lennon archivó número esas sesiones por demás desprolijas y se estadounidenses y al 30 en los 51

británicos. Su lado B fue el loquísimo "Move Over Miss L", que es un rock and roll pleno del blend de los años 50, con mucho eco, muchos arreglos de viento... mucho Spector, en fin. Compuesto por John, según se rumorea, teniendo a Yoko en mente, fue cedido inicialmente a Keith Moon, baterista de The Who y compañero de juergas de John durante aquellos años. Moon grabó el tema y lo publicó en su único disco solista "Two Sides Of The Moon", en el cual aparecen Ringo, Harry Nilsson y David Bowie, entre otros. Dentro de las regrabaciones que Lennon hizo del proyecto que luego fue el disco "Rock N' Roll" (1975), John retomó "Move Over Miss L" y la completó. El tono boogie y la letra ácida 100% Lennon hizo que John estuviera más que satisfecho con el

resultado, y de este modo, fue a parar a la cara opuesta de "Stand By Me", logrando una unidad conceptual en cuanto al sonido del single entero. "Stand By Me" puede encontrarse, además de "Rock N' Roll" en varios álbumes recopilatorios de la obra de John Lennon: "The John Lennon Collection" (1982); "Lennon Legend" (1997); "Working Class Hero: The Definitive Lennon" (2005);"Power To The People: The Hits", de 2010 y " " de 2014, mientras que su lado B solo puede encontrarse en la edición en CD de "The John Lennon Collection", publicada en 1989 y en el disco de singles del "John Lennon Signature Box", que vio la luz en 2010 y contenía la totalidad de la obra publicada por John.

Javier Cuenca 52

Federico B.

1. Sri Yukteswar Gigi (Gurú) 2. Aleister Crowley (Ocultista) 3. Mae West (Actriz) 4. Lenny Bruce (Cómico) 5. Karlheinz Stockhausen (Compositor) 6. W.C. Fields (Cómico) 7. Carl Gustav Jung (Psicólogo) 8. Edgar Allen Poe (Escritor) 9. Fred Astaire (Actor) 10. Richard Merkin (Artista) 11. The Varga Girl (De Alberto Vargas) 12. *Leo Gorcey (Actor – Dejado fuera) 13. Huntz Hall (Actor) 14. Simon Rodia (Creador de Watts Towers) 15. Bob Dylan (Músico) 16. Aubrey Beardsley (Ilustrador) 17. Sir Robert Peel (Político) 18. Aldous Huxley (Escritor) 19. Dylan Thomas (Poeta) 20. Terry Southern (Escritor) 21. Dion (di Mucci)(Cantante) 22. Tony Curtiss (Actor) 23. Wallace Berman (Artista) 24. Tommy Handley (Cómico) 25. Marilyn Monroe (Actriz) 26. William Burroughs (Escritor) 27. Sri Mahavatara Babaji(Gurú) 28. Stan Laurel (Cómico) 29. Richard Lindner (Artista) 30. Oliver Hardy (Cómico) 31. Karl Marx (Filósofo/Socialista) 32. H.G. Wells (Escritor) 33. Sri Paramahansa Yogananda (Gurú) 34. Anónimo (Maniguí de cera) 35. Stuart Sutcliffe (Artista/Ex-

Beatle) 36. Anónimo (Maniguí de cera) 37. Max Miller (Cómico) 38. The Pretty Girl (por George Petty) 39. Marlon Brando (Actor) 40. Tom Mix (Actor) 41. Oscar Wilde (Escritor) 42. Tyrone Power (Actor) 43. Larry Bell (Artista) 44. Dr. David Livingston (Misionero) 45. Johnny Weissmuller (Nadador/Actor) 46. Stephen Crane (Escritor) 47. Issy Bonn (Cómico) 48. George Bernard Shaw

(Escritor) 49. H.C. Westermann (Escultor) 50. Albert Stubbins (Futbolista) 51. Sri lahiri Mahasaya (Gurú) 52. Lewis Carrol (Escritor) 53. T.E. Lawrence (Soldado) 54. Sonny Liston (Boxeador) 55. The Pretty Girl (por George Petty) 56. Figura de cera de George Harrison 57. Figura de cera de John Lennon 58. Shirley Temple (Niña actriz) 59. Figura de cera de Ringo Starr 60. Figura de cera de Paul

McCartney 61. Albert Einstein (Físico) 62. John Lennon, con un corno francés 63. Ringo Starr, sosteniendo una trompeta 64. Paul McCartney, con un cor anglais 65. George Harrison, sosteniendo una flauta 66. Bobby Breen (Cantante) 67. Marlene Dietrich (Actriz) 68. Mahatma Ghandi (Dejado fuera) 69. Legionario de la Orden de los Búfalos 70. Diana Dors (Actriz) 71. Shirley Temple (Niña actriz) 72. Muñeca de trapo - por Jann Haworth 73. Muñeca con la figura de Shirley Temple 74. Candelero mexicano 75. Aparato de televisión 76. Figura de piedra de una chica 77. Figura de piedra 78. Estatua de la casa de John Lennon 79. Trofeo 80. Muñeca India de cuatro brazos 81. Bombo, diseñado por Joe Ephgrave 82. Hookah (Pipa de tabaco de agua) 83. Serpiente de terciopelo 84. Figura de piedra japonesa 85. Figura de piedra de Snow White 86. Enano de jardín 87. Tuba

Llegamos a la octava entrega. En la posición 52 Lewis Carrol, escritor de Alicia en el País de las Maravillas. En la posición 53 Lawrence de Arabia, arqueólogo de tareas clave en la Primera Guerra Mundial. En la 54 Sonny Liston, el legendario boxeador. Salteamos la 55 que corresponde a una Petty Girl cubierta junto al número 38 en entregas anteriores y llegamos a las figuras de cera Beatle de Madame Tussauds, 56, 57, 58 y 59. Y cierra el número un caso de aparición triple: en el 58, 71 y 73 (como muñeca) está Shirley Temple, la niña actriz más famosa de Hollywood. Adelante! 56

Nació como Charles Lutwidge Dodgson en Cheshire, Reino Unido en 1832 y si bien ejerció en varias áreas, es mayormente conocido por ser el escritor de Alicia en el País de las Maravillas. Hijo de un párroco, el joven Charles recibió su educación en casa y era tartamudo. A sus 12 años estudió en la Rugby School y tiempo después ingresó a la Universidad de Oxford, en Christ Church. En 1857 empezó a ejercer como profesor de matemáticas allí mismo, puesto que ocupó los siguientes 26 años. También cuatro años después fue ordenado Diácono. Otra área en el que incursionó fue la fotografía: Dogson entendía la belleza como un medio para recuperar la inocencia perdida. Se sabe que más de la mitad de su obra conservada son fotografías de niñas. En la actualidad es considerado uno de los más influyentes. En la literatura, Dogson escribió poesías que fueron publicadas en el ámbito nacional, muchas veces de índole humorístico. Por ese entonces buscaba escribir algo para niños que pudiera proporcionarle dinero. En 1856 adoptó su seudónimo “Lewis Carroll” en el poema romántico “Solitude”. Ese mismo año un nuevo decano de Christ Church llegó con sus hijas: Lorina, Edith y Alice, esta última cumpliendo un rol clave en su vida. Charles llevaba regularmente a las niñas de picnic al rio, y en ellos un día de 1862 improvisó una historia que entusiasmo a Alice, de 10 años. Charles escribió el manuscrito de “Las aventuras subterráneas de Alicia”, con ilustraciones propias y se lo regaló. Charles negó que la heroína estuviese inspirada en una persona real. Tres años después decidió revisarlo y lo entregó a su editor Macmillan quien lo publicó bajo el título “Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas”. Luego vendría la secuela “Alicia a través del espejo” y otras obras como “La caza del Snark” (1876) y “Silvia y Bruno” (1889 y 1893). También publicó varios artículos sobre matemáticas y geometría, incluso formas de aplicación recreativas. Charles falleció a sus 65 años de neumonía en Guildford.

Thomas Edward Lawrence, más conocido como Lawrence de Arabia, nació en Tremadoc, Gales, en 1888, y fue un arqueólogo, escritor y militar. Su interés por la historia medieval lo acompañaron desde pequeño. En 1907 se matriculó becado en el Jesus College de la Universidad de Oxford, y en 1909 realizó su primer viaje a Oriente Medio. Ese mismo año acompañó a su mentor Hogarth a una excavación en Karkemish, lo que afianzó su afición por la arqueología y la cultura árabe. Con la Primera Guerra Mundial, Lawrence se presentó como voluntario y fue integrado como Segundo Teniente Interprete, destinado a El Cairo en el Departamento de Inteligencia Militar. Ya que conocía bien las culturas y lenguas de la zona árabe, se le ordenó que contacte con ellos y analice como montar una revuelta contra los turcos. El líder Emir Sherif y el Principe Faisal lo recibieron y forjaron una amistad. Los aconsejó y logró alinear sus intereses a los británicos. Con poco más de mil hombres lograron tomar el puerto Agaba, hasta entonces en manos turcas. Lawrence continuó con ellos hacia Jerusalén y hacia Damasco. Volvió a El Cairo deseando ahora la integración de los territorios bajo un mismo país, pero un acuerdo secreto entre Inglaterra y Francia de repartírselo acabó con ello, y se sintió traicionado. Lawrence participó del Tratado de Versalles como miembro de la delegación Inglesa y la árabe. Se retiró y escribió su historia bajo el título “Los siete pilares de la sabiduría”, que sería publicada en 1926. La fama le posibilitó escribir varios artículos criticando la política en Oriente Medio. Durante un año, en 1921, actuó como asesor en asuntos árabes con respaldo de Churchill logrando un acuerdo aceptable. En 1922 se enlistó como soldado raso en la Royal Air Force y luego en la Tank Corps. En 1927 se mudó a India, empleado en tareas administrativas y escribiendo. Volvió en 1929 y fue readmitido en la RAF donde trabajó cinco años. Poco después, en 1935, falleció en un accidente con su motocicleta a los 46 años.

El boxeador Charles L. “Sonny” Liston, nació en Arkansas, Estados Unidos, en una fecha desconocida entre 1930 y 1932. De niño su padre le pegaba latigazos que le infringieron cicatrices visibles toda su vida. A sus 13 años entró al mundo del crimen y lideró una pandilla de delincuentes, por lo que fue a prisión en 1950. El director de la penitenciaria le sugirió que probase con el boxeo, le otorgó libertad condicional y lo mandó a entrenar en 1952. Tras una breve carrera amateur ingresó al profesionalismo debutando en 1953 con un KO a Don Smith en la primera ronda. En sus primeros dos años tuvo 14 victorias y una derrota hasta que tuvo un incidente con un policía. Sonny le rompió una rodilla y fue a prisión por 6 meses y se le prohibió boxear durante todo 1957. En 1958 enfrentó entre otros a Cleveland Williams, en el combate que es considerado el más impresionante de su carrera. En 1961 era el contendiente Nº1 pero no se le permitía acceder al título por ser un mal ejemplo para los jóvenes, al punto que el Presidente Kennedy sugirió a Patterson (campeón) que evite enfrentarse a él. La pelea llegó en 1962 y le ganó por KO a los 2:06 del primer round, obteniendo el Título Mundial de los Pesados. Hubo revancha en 1963, y esta vez Patterson cayó por KO a los 2:10 del primer round. Su segunda defensa fue contra Muhammad Ali en 1964, en una controversial pelea que finalizó con Liston retirándose por dolencias en su hombro en el sexto round. La revancha fue en 1965, pero Liston cayó por KO en el primer round por un “golpe fantasma” tan perfecto que al día de hoy se duda si la pelea fue arreglada o no. Luego de un año vinieron 15 victorias y una derrota hasta 1970. En 1969 y 1970 se volvió traficante de narcóticos y se ganó enemigos. Un año más tarde, Sonny fue hallado muerto en su casa de Las Vegas. La causa nunca fue clara y hay muchas teorías y sospechosos, aunque hubo heroína de por medio. En su carrera profesional, en total Sonny ganó 50 peleas, 39 por KO y perdió 4, 3 por KO.

Las figuras de cera de los 4 Beatles fueron prestadas por el museo de cera Madame Tussauds de Londres. Madame Tussaud nació en 1761 en Strasbourg, Francia y aprendió a modelar cera por el jefe de su madre, quien era un profesional. En 1777 creo su primera escultura de cera, de Voltaire. Durante la Revolución Francesa fue encarcelada y penada con ejecución, pero fue excarcelada. Siguió creando figuras y exhibiéndolas en toda Europa, incluyendo entre ellas a Rousseau y Benjamin Franklin. En 1836 se estableció en el Baker Street Bazaar de Londres y abrió un museo fijo con una sala especial para horrores y criminales. Continuó realizando figuras hasta su muerte en 1850. En 1883 el museo se mudó a su ubicación actual. Algunas de las figuras de Madame Tussaud aún existen y una figura de ella misma que aún puede verse en la entrada, pero la gran mayoría se perdieron en un incendió en 1925 y de las restantes muchas se destruyeron con los bombardeos alemanes en 1941. El museo continuó funcionando a través de los años por sus aprendices generación tras generación, incorporando y rotando figuras con varias sucursales por todo el mundo. Respecto a las estatuas Beatle en particular, las que vemos en la portada fueron inauguradas el 28 de marzo de 1964, muy poco después de su debut mundial y en plena Beatlemanía. The Beatles fueron de hecho los primeros artistas pop en tener el honor de pertenecer al museo, que se enfocó siempre en figuras históricas, populares y criminales. Tres años después la banda contactó a quienes administraban el museo para pedir prestadas sus figuras, así como las de Sonny Liston y la de Diana Dors. Las figuras de The Beatles reciben actualizaciones frecuentemente, y las originales se creyeron perdidas por casi 40 años, hasta que en 2005 se encontraron en los depósitos del museo las de George, John y Ringo y fueron vendidas por £81,500 junto con una de Paul de la época.

Triple aparición en la portada del Pepper, Shirley Temple nació en 1928 en Santa Monica, Estados Unidos. Es considerada la más importante actriz y bailarina infantil de la historia del cine. Creció en una familia de clase media y estudió teatro, canto y danza. A los tres años actuó en cortometrajes para Educational Pictures y en algunas películas. Su primer protagónico lo obtuvo en 1934 para Fox, en “Bright Eyes”, película que la consagró. Por ese entonces también actuó en otras películas como “The Little Colonel”, “Curly Top”, “The Littlest Rebel” y “Heidi”, siendo la actriz más lucrativa de la época. También en 1934 ganó el Premio Oscar Juvenil de la Academia, siendo la más joven en obtenerlo al día de hoy. Su capacidad como bailarina de tap era bien reconocida, y ya con cinco años era capaz de hacer coreografías complejas, las cuales siempre tenía perfectamente ensayadas. Fue candidata a realizar el papel de Dorothy en El Mago De Oz. En los años 40 siguió grabando películas como “Since You Went Away”, “The Bachelor and the BobbySoxer” y “Fort Apache” hasta su retiro en 1949. Poco después conoció a Charles Alden Black, con quien se casó y compartió toda su vida, además de adoptar su apellido. En las décadas siguientes realizó algunas series televisivas como Shirley Temple's Storybook (1958) y Shirley Temple Theatre (1960). En los 60’s se involucró en política para el Partido Republicano y consiguió varios puestos diplomáticos. En 1969 fue representante de las Naciones Unidas. En 1976 ejerció como Jefa de Protocolo de Estados Unidos. También fue embajadora en Ghana (1974-76) y en Checoslovaquia (1989-92). También sirvió en juntas directivas de empresas como Disney y recibió Doctorados Honorarios. En 2001 asesoró la producción de “Child Star: The Shirley Temple Story”, para la ABC, y en 2004 colaboró con la restauración de sus primeras películas y series. En 2005 el sindicato de actores le entregó el Lifetime Achievement Award. Falleció de causas naturales en 2014 a los 85 años.

MAGGIE MAE Oh, la sucia Maggie Mae Se la llevaron Y ella no volverá a caminar por Lime Street nunca más Oh, el Juez la encontró culpable Por robar a un sinvergüenza camino a casa Esa sucia, mala ladrona, Maggie Mae Esto es parte de Liverpool Ellas regresarán a mi Dos libras con diez chelines a la semana, que era mi paga