Glass Onion - Número 63

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La salida de este número de Glass Onion era inminente cuando una noticia horrible nos hizo frenar todo y re-elaborarlo. El hombre responsable del sonido de la segunda mitad de la carrera de The Beatles había fallecido. Geoff Emerick, éste ejemplar va en tu memoria.

Estamos atravesando uno de los períodos más Beatles que se recuerde, con Paul y Ringo en sus respectivas giras, Macca llegando al Nro 1 del chart estadounidense con su último álbum, Egypt Station, y ya palpitando las próximas ediciones del box set del Imagine de John y el White Album. Hasta se comenta una nueva entrega de la Paul McCartney Archive Collection para fin de año…

Pero en este ejemplar, además de cubrir lo nuevo de McCartney, comenzamos otra de nuestras series destinadas a recorrer los años solistas de cada Beatle, aunque paradójicamente la carrera en solitario de George haya empezado cuando la banda aún estaba activa. Este período abarca nuestra nota de tapa.

Tuvimos la fortuna de entrevistar a una de las figuras más importantes de la escena Beatle argentina: Lucrecia López Sanz, fundadora de Las Beladies, co-fundadora de Nube 9 e integrante de The Bayonets, la banda de Brian Ray, el guitarrista de Paul McCartney. Nos regaló una entretenida charla donde conocimos tanto de su rol de fan como de su vida sobre los escenarios.

También tenemos nuestras notas habituales, como el Single Solista del Mes o la historia de las portadas.

Además estrenamos nueva sección donde conoceremos a cada integrante de cada formación de la All Starr Band de Ringo. En nuestra sección Películas se da un hecho inédito: por primera vez contamos con un redactor del Viejo Continente: Sergio Vázquez, de Madrid, España.

El resto lo dejo para que lo descubran por ustedes mismos.

Martín Castro Editor Principal 2

INDICE What’s The New, Mary Jane?

Lucrecia López Sanz

Los tributos Beatles no son exclusivamente masculinos. Lucrecia nos cuenta todo sobre su vida y su pasión por los Fab Four.

Egypt Station

El Faraón McCartney paga su peso en oro. Recorremos cada estación de su último trabajo discográfico.

Ringo Starr: All Starr Band #1

Una constelación de estrellas siempre ha rodeado a Ringo en cada formación de su banda. Conoce a cada uno de ellos!

The Hari Years Vol. 1

El Beatle Silencioso da el puntapié inicial y prepara el terreno para su majestuosa obra solista. Sonido Electrónico a través del Muro Maravilloso.

Adios Geoff Emerick Act Naturally: Magical Mystery Tour Portadas: Rubber Soul Single Del Mes: That’ll Be The Day / In Spite Of All The Danger Some Other Guy: Long Tall Sally It Was 50 Years Ago This Month: Octubre ‘68 Photograph Lanzamientos: Egypt Station Many Years From Now: Liverpool Own Words: ¿Cómo Duermes?

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Stella Accardi, Federico B., Martín Castro, Octavio Cavalli, Migo Coiro, Javier Cuenca, Miguel Antonio De La Riva, Maria Dellavalle, Jimena Forte, Luis Enrique Inngais, Isadora Katz, Lucio Lira, Guillermo Gibbon, Gonzalo Leitón, Maximiliano Seijas, Pilar J Vázquez, Sergio Vázquez Insausti 3

Federico B.

The Beatles “White Album”, 50 Aniversario Tal como se venía rumoreando, se confirmó que el próximo 9 de noviembre saldrá a la venta la edición 50 aniversario de The Beatles, más conocido informalmente como el Álbum Blanco. Y, siguiendo la línea del Sgt Pepper el año pasado, será una edición totalmente de lujo. La edición más extensa es el box set de 6 discos y un blu ray. Contendrá los dos primer os discos con una nueva mezcla de cada track por Giles Martin y Sam Okell. El disco tres contiene 27 Esher Demos (grabaciones acústicas de muchos de los tracks que formarían luego parte del álbum), totalmente remasterizados, y luego tres discos de tomas alternativas y mezclas de sesión, haciendo un total de 50 takes distribuidos en varios discos según la edición elegida. Por supuesto que encontraremos rarezas como “Child Of Nature” (el prototipo de lo que sería Jealous Guy), “Los Paranoias”, “Can You Take Me Back?”, “St. Louis Blues” y “Sour Milk Sea” entre otros.

Como adelanto, a mediados de mes se lanzó un sencilo virtual del tema que abre el álbum, Back In The USSR, en tres versiones, con la mezcla 2018 de Giles Martin, el Esher demo acústico y el Take 5 instrumental backing track .

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Spotify publicó el concierto de

Egypt Station, Ya Disponible

secreto de Paul en Abbey Road

No ahondaremos demasiado en la notica, siendo que ya tenemos dos secciones completas cubriendo lo nuevo de Paul: disco del mes y lanzamiento. Solo destacaremos que el álbum debutó directamente en el puesto número 1 de los charts. Con 153,000 ventas, alcanzó el #1 en el Billboard de Estados Unidos, siendo su último #1 Tug Of War en 1982, y el primer acceso directo al puesto desde "McCartney" en 1970..

Spotify lanzó el álbum virtual “Paul McCartney & Spotify Singles: Under The Staircase”, el cual incluye un playslist tomado desde el concierto secreto que Paul dio en el Estudio 2 de Abbey Road hace poco tiempo, a modo de preview de lo que sería Egypt Station. La sesión fue producida por Giles Martin. Los 17 temas que componen este setlist son: "A Hard Day's Night", "Love Me Do", "Drive My Car", "Got To Get You Into My Life", "We Can Work It Out", "I've Just Seen A Face", "Lady Madonna", "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band/Helter Skelter", "ObLa-Di, Ob-La-Da", "Back In The U.S.S.R.", "Birthday", “I’ve Got A Feeling”, "One After 909", "Nineteen Hundred And Eighty Five", "My Valentine", "Fuh You" y "Come On To Me”.

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Comenzó la nueva gira de Paul: Freshen Up Más allá de los conciertos privados de los últimos 2 meses, Paul volvió a la gira propiamente dicha con su Tour Freshen Up, en soporte de Egypt Station.

Setlist A Hard Day's Night Hi, Hi, Hi Can't Buy Me Love Letting Go Who Cares Come On to Me Let Me Roll It I've Got a Feeling Let 'Em In Nineteen Hundred and Eighty-Five My Valentine Maybe I'm Amazed I've Just Seen a Face In Spite of All the Danger From Me to You Michelle Love Me Do Blackbird Here Today Queenie Eye Lady Madonna FourFiveSeconds Eleanor Rigby Fuh You Being for the Benefit of Mr. Kite!

Something Ob-La-Di, Ob-La-Da Band on the Run Back in the U.S.S.R. Let It Be Live and Let Die Hey Jude

El setlist no varió demasiado a lo que venía haciendo hasta el año pasado. Simplemente se fueron la mayoría de los tracks de New, e ingresaron otros tantos de Egypt Station, incluyendo Who Cares, Come On To Me y Fuh You. También se destaca el regreso de Let 'Em In y From Me To You, recientemente re estrenado. Por lo pronto se presentó en Quebec, Montreal, Winnipeg y Edmonton, y continúa con presentaciones en Estados Unidos, Japón y Europa, cerrando el año el 16 de diciembre en Londres.

Yesterday I Saw Her Standing There Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise) Helter Skelter Golden Slumbers Carry That Weight The End 6

Paul dio un concierto privado pero público en vivo por Youtube El pasado 1 de septiembre Paul anunció que haría un concierto super exclusivo para solo 150 fans, para promocionar el álbum Egypt Station, luego de sus conciertos sorpresa en The Cavern y Abbey Road entre otras locaciones. Pero el pasado 5 de septiembre Paul anunció que ese concierto sería transmitido por streaming vía YouTube en vivo, y así fue el 7 de septiembre, donde Paul se despachó con un concierto casi completo, 26 canciones en más de 1:40hs, la mayoría clásicas pero con alguna sorpresa como From Me To You, por primera vez desde 1964.

Ringo y Yoko Ono; Bed In El pasado 13 de septiembre Ringo acompañó a Yoko en un nuevo Bed In tal como lo hacía con John a finales de los 60's, a modo de promoción del John Lennon Educational Tour Bus, en su 21 aniversario. El evento tuvo lugar a las 10 am en el City Hall de Nueva York.

Junto a Yoko y Ringo estuvieron el actor Jeff Bridges, el fotógrafo Henry Diltz entre otros. La idea, inspirar activismo estudiantil con protestas sin violencia, promoviendo la paz mundial.

Al respecto, Yoko dijo: "John hubiese estado muy orgulloso de saber que este proyecto motiva a los jóvenes a explotar su creatividad, y a compartir sus ideas por la paz".

A lo que Ringo continuó "Que gran forma de tener paz, amor y música. Vamos juntos (Come Together) y honor a la vida de John".

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Paul McCartney escribió su primer Picture Book Paul escribió su primer Picture Book para niños, contando sus experiencias como abuelo. La historia sigue las aventuras de un abuelo mágico, el “Grandude”, y sus cuatro nietos, a quienes llama los “Chillers”. ¿El nombre?

Hey Grandude!, y la fecha estimada de salida es en septiembre de 2019. En cuanto a la inspiración para el libro, Paul dijo que “Tengo ocho nietos, y ellos son todos hermosos, y un día escuché a uno de ellos decirme ‘Hey Grandude!’, yo dije ‘Que?’ y pensé ‘Me gusta eso’, así que desde ese momento soy conocido como el Grandude. Pensé que es una buena idea para un libro, por lo que empecé a escribir algunas historias”. Las ilustraciones correrán por cuenta de Kathryn Durst y será publicado por Puffin en UK.

Ringo retoma los conciertos Ringo continua con sus conciertos con la All Starr Band. El primero de septiembre retomó el leg estadounidense desde Oklahoma y continuo girando por Arkansas, Indiana, Ohio, New York, San Diego, Boston, Chicago, St. Paul, entre otras ciudades. El setlist que interpreta junto a su 13va Starr Band no varió respecto a lo que hacía anteriormente, pero si podemos decir que se establecieron en el set Anthem, What Goes On, Overkill y Africa, que habían sido descartadas durante casi todo el leg anterior.

Paul McCartney y Jimmy Fallon: Bromas en el ascensor Paul junto a Jimmy Fallon ofrecieron una serie de bromas a la gente que viajaba en el ascensor del 40 Rockefeller Center, haciendo el tour delos NBC Studios. Cuando puertas del ascensor se abrían en un determinado piso, los casuales pasajeros podían ver a Jimmy Fallon y Paul en alguna extraña situación: de traje y pipa leyendo el diario, haciendo el “truco de la sabana”, pero en lugar de desaparecer, aparecía Paul y hasta jugando Ping Pong ante los atónitos pasajeros.

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En una escena donde las bandas tributo proliferan, sean bandas clones o no, hay una mujer que se destaca por derecho propio. Su figura sobre el escenario, con una Les Paul colgando y una voz a la vez delicada y potente, ha dejado asombrado a más de uno, incluso al mismísimo guitarrista de Paul McCartney.

Ella es Lucrecia López Sanz, quien gentilmente nos regaló una charla hermosa, donde conocimos a la fan y a la colega de la banda más grande de la historia.

Descubrí sus inicios y todo el camino recorrido para llegar a compartir escenario con estrellas del firmamento del rock, además de ser precursora con la formación de la primera banda tributo de chicas e integrar actualmente uno de los principales actos de la movida Beatle en Argentina.

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- Hablemos primero de vos como fan ¿Cómo conociste a The Beatles?

Yo conocí a los Beatles por mi mamá. Era muy chiquita y el recuerdo primario que tengo es de cuando tenía 4 o 5 años y ella escuchaba unos cassettes.

Uno era “Los 20 Éxitos de Oro” que lo editaba el sello ATC. Tenía una tapa horrible que me daba mucha impresión (risas), pero bueno, sonaba mucho en mi casa y la primera canción con la que me copé fue Penny Lane. También tenía el “John Lennon Collection” y algunos cassettes de Queen, así que los Beatles y Queen están desde mi infancia. Incluso Les Luthiers, si querés que sumemos otros artistas que estuvieron presentes desde mis más remotos recuerdos.

siempre estuvo el instrumento cerca, en mi casa. Pero un día sentí que me llamaba. Estaba por cumplir 15 años y ahí fue cuando la agarré y empecé a probar, No tenía idea. Nunca estudié música. Soy autodidacta. Pasó que cuando agarré la guitarra como que me corrió electricidad por el

cuerpo. No sé cómo decirlo.

Nunca más la pude dejar. Y fue a partir de ahí que con cancioneros empecé a aprender acordes y después paralelamente comencé a ejercitar el oído, y así fue que empecé a aprender las canciones que hoy toco con la banda.

- ¿Eso te llevó a aprender música?

En realidad, durante toda mi vida de alguna forma me orienté al arte. Yo principalmente dibujaba.

Cuando era chica le dediqué muchísimo tiempo al dibujo, simplemente porque me gustaba. Después en el colegio tenía una materia que era taller, y era música y dibujo, y siempre me dediqué al dibujo. Recién en la adolescencia se me dio por tocar la guitarra, porque mi hermano mayor tocaba y Foto por MJ Kim, fotógrafo oficial de Paul McCartney

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- ¿Y el canto es algo que viene de chica o lo desarrollaste después?

No, es algo que vino después.

En realidad en cuanto a la música primero vino la guitarra y en la adolescencia me había vuelto a copar con los Beatles.

Yo iba al colegio y ya sabía que cuando lo terminara quería formar una banda de chicas que los homenajeara. Así fue que armé Las Beladies, que es una banda con la que toqué 10 años. Fuimos a tocar a las Islas Malvinas, tocamos en Liverpool y en un montón de lugares de Argentina. Cuando ya estaba gestándose ese proyecto dije “si yo voy a hacer de Harrison voy a tener que cantar”, porque esta era una banda que tenía los roles definidos, cada una interpretaba a un Beatle, y yo hacía todos los solos y las guitarras principales. Y de alguna forma así fue como empecé. Con la guitarra aprendía las melodías de las canciones de Harrison y buscaba repetir yo misma cada nota con mi voz, y así fue que también aprendí a cantar.

Beladies

- Después de Las Beladies vino Nube 9.

En realidad durante varios años estuve con las dos bandas en paralelo, porque a Las Beladies las armé en el año 2000, y en el 2001 con Fernando Blanco Nube 9

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armamos Nube 9, entonces durante 9 o 10 años estuve en paralelo con ambos proyectos.

Hoy en día seguimos con Nube, van 17 años juntos, justo mañana nos estamos yendo de gira por Esquel. Tocamos muchísimo por acá y hemos tenido la suerte de que con la música de Los Beatles hayamos podido tocar en muchos países, como en la Beatleweek de Liverpool, en España, Rusia, Estados Unidos, Panamá, Brasil, Uruguay... A partir de allí no solo empezamos a interpretar la música de Los Beatles, si no a homenajearlos a ellos desde la música, porque así como en Beladies teníamos roles definidos, en Nube 9 no. Es una propuesta mucho más abierta y

relajada, solamente enfocada en hacer un homenaje a la música.

Así que empezamos a tocar y fue justo para la época en que Harrison ya estaba partiendo de este plano, por eso le pusimos ese nombre, Nube 9, para homenajearlo a él, que es uno de sus discos solistas. Después empezamos a interpretar los discos enteros de los Beatles y a hacer especiales con las carreras solistas de cada uno.

También a hacer shows especiales dedicados a la música de los 60´s, de distintas bandas que fueron contemporáneas a los Beatles.

Entonces de a poco fuimos abriendo el repertorio y las propuestas musicales.

The Bayonets

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"Yo iba al colegio y ya sabía que cuando lo terminara quería formar una banda de chicas que los homenajeara” La banda te llevó a conocer a mucha gente del entorno Beatle.

Si si, con esto que te digo, de viajar y tocar en el Festival de Liverpool y festivales de Estados Unidos, nos ha llevado a conocer, por ejemplo, a Alan White, el baterista de Yes, y hemos tocado con él; a Brian

Ray, que es el guitarrista de McCartney, y de hecho, hacer giras con él presentando su material solista. Después a raíz de eso él me convocó para armar una banda que se llama The Bayonets, grabamos un disco, hicimos giras por Estados Unidos. Y gracias a ese proyecto también compartí escenario con Alice Cooper y con Johnny Depp, entonces es como que cada cosa te va abriendo otra puerta, te va generando nuevas cosas.

También hemos compartido shows con Mark Hudson, que es productor de muchos discos de Ringo. El tipo también co-

"Soy consciente de que me fui generando lo que deseaba tener”

escribió Livin’ On The Edge deAerosmith. O sea, poder tener acceso a ésa gente y a esas historias es algo fabuloso.

- Algo impensado para aquella chica que empezó a rasgar la guitarra a los 15 años…

Totalmente! ¿Quién lo hubiera dicho, no? Pero bueno, es algo que yo también me fui generando, porque vos pensá que cuando yo empecé con la idea de armar Beladies, no había internet, entonces mi búsqueda fue muy de bricolaje, si se quiere. Yo me hacía los cartelitos buscando chicas para la banda y salía a recorrer la ciudad, visitando las casas de instrumentos musicales, las escuelas de música, y así fue que logré armar el grupo, pero me llevó mucho tiempo. Hoy con internet lo haces en un

En la Beatleweek, Liverpool

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toque, pero en esos tiempos era mucho más difícil. Así que yo también soy consciente de que me fui generando lo que deseaba tener.

- Además con una propuesta bastante jugada, porque digamos que el rock es un ambiente bastante machista.

Si, de hecho me he visto en situaciones medio desagradables, con gente justamente machista, porque cuando empecé a tocar en vivo tenía 19 años, entonces digamos que era chica y nunca faltaba alguno que se hiciera el vivo conmigo o que me quisiera “ningunear” o pasar por encima. Pero de a poquito, en todos estos años, he visto que han surgido muchísimas más chicas que se animan a tocar y a armar sus proyectos y llevarlos adelante, y de alguna forma, el ambiente se va tranquilizando un poquito y nos va dando la bienvenida, no? Pero bueno, es difícil porque te hacen pagar un derecho de piso y tenés de todo, viste? Pero por lo general, salvo alguna que otra situación, no he tenido grandes inconvenientes.

- ¿Cómo es tu equipamiento? ¿Cómo te armas en escena?

Lo mío es muy básico. O sea, yo tengo mi guitarra y un amplificador. No me gusta usar efectos; si necesito usar distorsión, que de hecho a veces sí, uso directamente la distorsión del equipo. Bastante básico, bastante vintage. No me gustan las pedaleras ni todos esos sonidos modernosos.

- Muy clásica…

Si, totalmente, Yo creo que más allá de poder tener un buen instrumento o un buen equipo, el sonido hay que dárselo con los dedos.

- Antes mencionabas a Brian Ray. ¿Cómo es estar ahí? ¿Se le puede hablar de Paul? ¿Se le puede preguntar?

Mirá, yo no suelo preguntarle.

Las veces que me ha contado algo fueron porque él ha querido, porque se siente a gusto, relajado y me ha contado alguna que otra cosa, pero yo en eso soy muy respetuosa y no le pregunto.

- Volviendo un poco a tu lugar de fan de The Beatles ¿Tenés algún periodo favorito de la banda? ¿Algún disco?

Como disco favoritos, durante muchos años solía elegir una de la época de la Beatlemanía que era A Hard Day’s Night y otro más de la última época que era Abbey Road. Desde hace un tiempo a esta parte que es como que voy a algo más en el medio y Rubber Soul, por ejemplo, es uno de los discos que más me gustan y

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“Más allá de poder tener un buen instrumento o un buen equipo, el sonido hay que dárselo con los dedos.”

Con Nube 9 en The Cavern Buenos Aires, 2005

“Rubber Soul, es uno de los discos que más me gustan y uno de los que más disfruto tocar en vivo con Nube 9 también. Me parece que es un disco quiebre y es un disco bastante redondo a nivel conceptual, es muy parejo, son todas canciones buenísimas.”

uno de los que más disfruto tocar en vivo con Nube 9 también. Me parece que es un disco quiebre y es un disco bastante redondo a nivel conceptual, es muy parejo, son todas canciones buenísimas. Y después Abbey Road siempre.

Es un disco que disfruto tanto de escuchar como de interpretar en vivo.

- ¿Y cómo te llevas con las carreras solistas?

Bien! Me gustan! Bueno, Harrison siempre fue mi Beatle preferido, tanto en su época Beatle como en la solista, pero la verdad que los disfruto a todos, tengo discos de todos.

McCartney por ejemplo, que fue el más fructífero de todos, por 16

proyectos y por canciones y cantidad de discos editados, tiene muchísimos discos que me gustan, como Band On The Run, RAM, Flaming Pie, Chaos And Creation… Hay muchísimas cosas para elegir. Lo de Lennon, entre que estuvo bastante tiempo retirado y después lamentablemente no lo han dejado seguir con su vida, fue un poquito más acotado, y Ringo tiene un montón de cosas muy interesantes. Por lo general es el Beatle que la gente menos conoce, pero el tipo ha hecho también una carrera muy interesante a nivel musical.

- ¿Qué te pareció el último disco de Paul (Egypt Station)?

Y… lo estoy digiriendo todavía… creo que me gusta más que New. Me da la sensación que McCartney cree que tiene que sonar moderno, y en realidad él no necesita eso. Como que quiere aggiornarse a los tiempos que corren. Y McCartney es McCartney. En realidad no necesita aggiornarse a nada. Esa es la sensación que a mi me da.

Obviamente que puedo equivocarme. El último disco lo escuché un par de veces y me pareció un poquito más interesante que New, pero la verdad que de los últimos años

el disco que más me gusta es Chaos And Creation.

- Ahora se viene el Álbum Blanco.

Si, lo vamos a estar tocando en La Usina Del Arte, pero más adelante, en Noviembre. Ahora lo que vamos a hacer en Octubre en el Teatro

Monteviejo es Abbey Road y Let It Be, que es un show lindísimo.

Es uno de los shows donde la gente más se entusiasma.

- Para finalizar, ante todo te doy las gracias por charlar con nosotros y al margen de la entrevista, te digo que te vi junto a Nube 9 haciendo el

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Blanco, Abbey Road y Let It be y puedo asegurar que el show es espectacular.

Bueno, muchas gracias, me alegro. Si, la verdad que lo hacemos con mucho amor y creo que eso es algo que se nota.

Entrevista por: Martín Castro

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Lo hizo nuevamente. Hacía tiempo que no esperaba tanto un disco pero hacía más tiempo aún que no disfrutaba de un disco tanto como "Egypt Station". En 2015 me decepcioné bastante con "New" por esa tendencia que tiene Paul McCartney de aggionarse a veces en demasía, buscando productores que marcan cierta tendencia de la época. Pasó, justamente en 2013 con Paul Epworth - entre otros -, pasó en 1986 cuando requirió de los servicios de Hugh Pagdham (Genesis, The Police) en pos de confeccionar el sonido de "Press To Play", con un resultado que no fue el esperado. Afortunadamente, este disco, producido por Greg Kurstin (Adele, Sia, Kelly Clarkson) no se ata a los trucos sonoros para buscar un "update" y así cosechar nuevos oídos (aunque algo de eso hay) sino que se suelta en las canciones de un Paul con ya 76 años pero que ni se le ocurre la idea de detenerse. Lo bueno de este disco es que, a pesar de tener un sonido actual, hay momentos que nos recuerdan viejas páginas de otros discos de Macca, algo que rara vez ha sucedido desde su primer disco solista, hace ya 48 años. Vayamos al andén y viajemos una vez más con los espíritus del Antiguo Egipto. Bienvenidos al tren...

El comienzo es un collage sonoro 19

llamado "Opening Station" que mezcla sonidos ambiente de lo que sería una estación de tren, al modo de la orquesta de "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band", con la irrupción de un coro angelical, para dar inicio al viaje propiamente dicho, que es la bellísima "I Don't Know", que conocimos el 18 de junio (el día del cumpleaños de Paul) como adelanto del disco junto a "Come On To Me".

"I Don't Know" comienza de una manera calma, sin estridencias, y la voz de Paul que se ha añejado como los mejores vinos. El tema tiene ecos de las clásicas baladas al piano como "No More Lonely Nights" o hasta "The Long And Winding

Road". También nos hace pensar en el comienzo de "London Town", relajado, pop.

extrema de "I Feel Fine". La letra nos cuenta acerca de la problemática del bullying.

Pero el imaginarse todo un disco así es un error y llega "Come On To Me", inteligentemente pegado al primer tema y el otro single adelanto.

Tambien fue el primer tema filtrado de aquella presentación en el Carpool Karaoke y desborda de optimismo a caballito de un teclado y una guitarra que emula a "Mr. Blue Sky" de los amigos de la Electric Light Orchestra...

Luego viene un gran tema pop que no hubiese desentonado en Tug Of War/Pipes Of Peace.

Lo más flojo del disco llega con "Fuh You", donde, más allá del parecido en su tratamiento musical con la también insulsa "Dance Tonight" (Memory Almost Full, 2007) Paul se las ingenia para meter una palabra (fuh) que podría ser interpretada en la frase "I just want it fuh you" como "Solo lo quiero para ti", pero que si se la toma como "fuck", el sentido es absolutamente otro. Hubo quienes se escandalizaron, pero si recordamos que Paul, junto a John, en 1967 pusieron en "A Day In The Life" la frase "I'd love to turn you on"...

Ahora comienza todo lo nuevo que tiene para ofrecernos este nuevo trabajo (hemos escuchado los 2 temas anteriores desde junio hasta el hartazgo... bueno, no...a "I Don't Know" lo sigo escuchando y no me canso) y "Happy With You" es acaso uno de los mejores temas no solo del disco, sino de los últimos 30 años dentro de la discografía de Paul. Acústica, con un pulso country y esa guitarra al estilo de "Mother Nature's Son" o "Put It There" de Flowers In The Dirt o "Calico Skies" del mágico Flaming Pie... La letra cuenta acerca de las experiencias de Paul con las drogas, pero aclarando que esto sucedió mucho tiempo atrás. Todo bien, Paul!

"Who Cares" trae algo de electro rock y el feedback de la intro es quizás un guiño a Pete Townshend (The Who) o una proyección 20

Según el autor, "Confidante" es una canción para su guitarra. Y es una canción por la que los hermanos Gallagher matarían, pero que por alguna razón nos trae a la mente también el añorado sonido de los estadounidenses R.E.M. "Egypt Station" comienza una pronunciada pendiente hacia arriba, ya que las canciones se suceden una mejor que otra, sin el impulso de pasar rápido de track.

"People Want Peace" comienza muy parecido a "When The Night" de "Red Rose Speedway", el segundo disco de los Wings, de 1973. Y el estribillo

tiene pasta de himno a lo "C'Mon People", pero la escasa duración no ayuda. A lo mejor en vivo se convierte en un gran momento gracias a las palmas.

"Hand In Hand" tiene el misterio que solo puede darle ese piano y esa voz que en vez de sonar fragil, sabe adecuarse a su tiempo y se hace su espacio entre las tenues cuerdas y ese instrumento de viento (una flauta dulce?).

Una canción que se la puede ubicar, si de horarios se trata, perfectamente de madrugada.

"Dominoes" es otro de los puntos altos de este álbum que se disfruta más con cada escucha.

Cambiante, va creciendo y pasa de un clima acústico a otro donde suena una batería muy a lo Jeff Lynne y coros de respuesta. El bajo es increíble.

El tren que nos pasea por esta tierra mágica (según palabras del propio Macca) se detiene un poco y entran los vendedores ambulantes a distraernos un momento. De otro modo no se explica "Back In Brazil", un pastiche que parece salido de las bromas que le vimos hacer a Paul en los envíos de "Oobu Joobu" en los singles de Flaming Pie, motorizados por el Mellotron. Hubiese estado bien como lado B (de "Fuh You"?)

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Al contrario, una delicia casi isabelina es "Do It Now", con ambiente de caja musical antigua al principio y esos aires de minué, hasta las cuerdas al final. Algo parecido había traído a nuestros oídos en 2005, con "English Tea", que a su vez, replicaba lejanamente a "For No One". Si la autorreferencia es un pecado en un músico de 76 años de edad y mas de 50 de trayectoria, bienvenidos al infierno y ponganse cómodos.

El sonido inconfundible de Paul sentado a la batería da el puntapié a la rarísima "Ceasar Rock", plagada de sonidos electrónicos y la voz desde registros casi aniñados a la voz agresiva que alguna vez escuchamos en temas como "Monkberry Moon Delight", de RAM. Guitarras con zarpazos funkies, coros haciendo "yeah".

Caos y creación, Helter Skelter meets McCartney ll...

El final del viaje se reparte entre dos grandes tracks separados por otro collage llamado "Station ll". Ellos son "Despite Repeated Warnings" y "Hunt You Down/Naked/C-Link".

"Despite Repeated Warnings" comienza como los clásicos himnos de Paul al piano, como "Beautiful Night" (Flaming Pie) o más acá en el tiempo, "Anyway" (Chaos And Creation In The Backyard) del cual pareciera que vuelve a cantar parte de su estribillo, pero en la segunda vuelta, aparecen unos coros con voces tratadas y, junto con las cuerdas, nos lleva a un brusco cambio cerca del tercer minuto de duración, donde el tema se vuelve más dinámico. Esto podría tratarse de lo que se confirma mas tarde: es de esas pequeñas óperas pop que McCartney nos tiene acostumbrados desde el lado B de Abbey Road, aunque tambien tiene pinceladas de cosas ya escuchadas de RAM. Hasta las cuerdas (sintetizadas en esta oportunidad) rememoran el trabajo de George Martin en "Live And Let Die". Ya 22

pasamos por tres cambios y Paul vuelve al principio para cerrar este tema, que demuestra que mantiene intacta la capacidad de combinar fragmentos de distintas canciones.

Tras "Station ll" comienza un tema muy electro rock que tranquilamente pueden ser bandas como The Killers o Arctic Monkeys, pero que no es otro más que Sir Paul, rockeando cómodamente en la segunda suite llamada "Hunt You Down/Naked/C-Link" y cambiando nuevamente de ritmo tras los primeros 2 minutos a un compás de tres tiempos y desemboca en un blues con mucho sonido a Wings (hay varias referencias si se quiere a Wings en este disco), y este instrumental se extiende hasta el final, casi como si este hubiese sido un bonus y "Despite..." el cierre real del álbum.

El disco puede conseguirse en todos los formatos existentes actualmente: CD, LP, descarga digital y el cassette, el cual Paul no ha abandonado (con excepción de "New"), teniendo en cuenta que hasta sacó un

cassette de 3 temas durante la reedición de "Flowers In The Dirt".

La edición japonesa cuenta, como es costumbre, con 2 temas a modo de bonus tracks: uno es "Get Started", el otro es "Nothing For Free"... lujos que se da el gran mercado del país del Sol Naciente.

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Javier Cuenca

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Bienvenidos al mundo de las All Starr Bands de nuestro querido Ringo Starr. Ringo desde 1989 y al día de hoy ya lleva 13 diferentes formaciones estables de su All Starr Band, cada una con sus diferentes miembros y setlist, y tal como es la premisa principal, cada miembro brilla en la banda por sí mismo, teniendo su tiempo para tocar sus propios hits alrededor de Ringo.

Aquí conoceremos en profundidad a cada miembro de cada All Starr Band, aunque ya sean estrellas conocidas, para interiorizarnos más en detalle sobre cuál fue el camino que los han llevado a ser seleccionados para formar parte de tan selecta elite alrededor de la leyenda de Ringo Starr.

En 1989 Ringo volvió luego de varios años de inactividad musical tras una serie de discos fallidos culminando en el fracaso de Old Wave (1983). Durante esos años hizo apariciones televisivas, publicidades e intento grabar un disco que se llegó a finalizar en 1987 que al día de hoy sigue inédito. En 1988 Ringo junto a su esposa Barbara Bach se internaron en una clínica de rehabilitación por su problema de alcoholismo. Tras la salida, ideó formar una banda de estrellas itinerante, rodeado de amigos y músicos de primer nivel.

La primera formación a la que llegó fue con su viejo amigo Billy Preston, con quien grabó incluso con The Beatles y varias veces como solista; Jim Keltner, baterista con quien también grabó varias veces como solista; Rick Danko (bajo) y Levon Helm (batería) de The Band, quienes fueron músicos de Bob Dylan; Nils Logfren (guitarra) y Clarence Clemons (saxofón) de la E Street Band de Bruce Springsteen; Dr John en teclados y quien con el tiempo se convertiría en su cuñado, Joe Walsh en guitarras también.

Cada uno de ellos presenta dos o tres éxitos de sus carreras.

A los músicos de cartel, también se han sumado algunos músicos de apoyo y algún que otro invitado: Zak Starkey, hijo de Ringo fue casi un All Starr más, ya que se sentaba a la batería de su padre en cada canción en la que Ringo se levantaba para cantar al frente. Garth Hudson de The Band se sumó en acordeón en varios conciertos. John Candy colaboró en pandereta. Y como invitados también se subieron alguna vez en shows de esa 27

primera gira Bruce Springsteen, Paul Shaffer, Tom Logfren y Max Weinberg.

De esta gira se terminaría editando por EMI un CD en 1990 con una síntesis de los shows: un tema por cada estrella y cinco de Ringo, y fue grabado en Greek Theatre de Los Angeles. Ese material posteriormente sería editado íntegramente en DVD. El setlist promedio completo de esta gira fue: It Don't Come Easy No No Song Yellow Submarine Iko Iko The Weight Shine Silently Will It Go Round in Circles Act Naturally Honey Don't You're a Friend of Mine The Shape I'm In Life in the Fast Lane I Wanna Be Your Man Desperado Raining in My Heart Up on Cripple Creek Boys Bein' Angry Candy Right Place, Wrong Time Quarter to Three Rocky Mountain Way Nothing from Nothing Photograph You're Sixteen With a Little Help from My Friends

Aunque en algúnos conciertos sonaron “That’s The Way God Planned It” de Billy Preston en lugar de “Nothing’ From Nothing”, y en Japón el clásico Beatle “Get Back” sonó en la voz de Billy Preston en lugar de “Will It Go Round In Circles”. Por otro lado, Ringo cambió en algunos conciertos “Back Off Boogaloo” en lugar de “I Wanna Be Your Man”. Y en algún caso “Such A Night” o “More Than You Know” sonó en lugar de “Iko Iko” por Dr John.

Eso es todo como introducción, conozcamos a cada estrella…

Guitarra: Joe Walsh (Eagles / James Gang) Nació en 1947 en Kansas, Estados Unidos. Creció en Nueva York y New Jersey, donde se unió a la banda James Gang, en 1966, como guitarrista. Junto a ellos lanzaron los discos "Yer’ Album" (1969), “James Gang Rides Again” (1970), y “Thirds” (1971), produjeron clásicos como "Funk# 49" y "Walk Away". En 1971 abandona la banda y crea Barnstorm, grupo con el que lanza “The Smoker You Drink, The Player You Get” en 1972, y su primer sencillo "Rocky Mountain Way", alcanzó # 23 en Estados Unidos. En 1974 se disuelve y luego de dos años como solista se une a The Eagles como guitarra principal. En ese momento Eagles logra su primer gran éxito: “Hotel California”.

De allí se extraen los exitosos sencillos “Hotel California”, con Walsh en un dúo de guitarras y “Life in the Fast Line”. No abandona su carrera solista lanzando “But Seriously Folks” (1978) que incluía el hit "Life's Been Good", el cual sería muletilla de una falsa campaña presidencial de Joe en 1980 prometiendo que se convertiría en el Himno Nacional estadounidense. Con Eagles se edita “The Long Run” (1979) y en 1982 se disuelve. Joe continuó editando álbumes por toda la década de los 80’s como “There Goes the Neighborhood”(1981) y “Got Any Gum” (1987) entre otros. Por 1983 Joe se juntó con Ringo para producir su trabajo “Old Wave”, editado ese mismo año. En 1989 pasa a ser miembro de la primera All-Starr Band de Ringo, puesto que ocuparía hasta 1992. Su trabajo de 1991 “Originary Average Guy” cuenta con Ringo como invitado. Luego de algunos años complicados, en 1994 se reúne con The Eagles para una muy exitosa gira, y para su inducción al Rock N’ Roll Hall Of Fame en 1998. En 2006 se reunió con sus ex compañeros de James Gang para algunos conciertos y al año siguiente con Eagles para un álbum más. En 2007 se casó con Marjorie Bach, hermana de Barbara Bach y por tanto es el concuñado de Ringo Starr. Durante toda su vida continuó lanzando álbumes solistas, siendo el último a la fecha “Analog Man” de 2012.

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Canciones Interpretadas en la gira: - Life In The Fast Lane - Desperado - Rocky Mountain Way

Guitarra: Nils Lofgren (Crazy Horse / E Street Band) Nils Lofgren nació en Chicago, Illinois en 1951 y es mayormente conocido por ser parte de la E Street Band de Bruce Springsteen. De chico vivió en Washington D.C. y su primer instrumento fue un acordeón a los cinco años y al que le dedicó toda su infancia.

En su adolescencia se volvió multiinstrumentista, y se pasó al Rock, formando la banda Grin en 1968, con la que tocaría en bares de Washington. Por ese entonces conoció a Neil Young, quien invitó a la banda a California, poco después tocó el piano y la guitarra para algunos de sus discos y posteriormente su banda Crazy Horse. Nils usó esta ventaja para conseguir un contrato para Grin, que fueron cuatro álbumes. Grin se disolvería en 1974, y Nils lanzó su primer trabajo solista muy poco después “Nils Lofgren”, que fue un éxito absoluto. Luego vendrían otros trabajos titulados “Back It Up” (1975), “Cry Tough” (1976), “I Came to Dance” (1977) entre otros. Tuvo algunos sencillos exitosos como "Keith Don't Go" y "I Came to Dance”, y su canción "Bullets Fever" sobre el equipo Washington Bullets se volvió favorita en la zona. En 1978 apareció en la película musical Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Si bien no dejó de lanzar trabajos en solitario, en 1984 se unió a la E Street Band de Bruce Sprngsteen, durante el tour Born In The U.S.A. y repetiría en el tour de 1988 (y en tours de Bruce solo posteriormente). Para 1989 continuó tocando como artista solo y además se unió a la All Starr Band de Ringo Starr, puesto que repetiría para el segundo tour de 1992 tanto en el rol de guitarrista como de acordeonista ocasional. Continuó lanzando trabajos de estudio constantemente, como “Flip” (1985), “Silver Lining” (1991), Sacred Wapon (2006) y “Old School” (2011) entre muchos otros. En 2014 editó el box set “Face The Music” como retrospectiva de su larga carrera musical. En 2017 fue inducido al Salón de la Fama de Arizona y desde 2018 forma parte de la reunión de Crazy Horse con Neil Young.

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Canciones Interpretadas en la gira: - Shine Silently - Bein’ Angry

Piano: Dr. John Nació en 1940 en Nueva Orleans, Estados Unidos como Malcom John Rebennack Jr y es un reconocido pianista y cantante estadounidense de estilo blues mezclado con rock. De chico se centró en la guitarra y formó algunas bandas. Su primer tema notable en la región se titulaba “Storm Warning”. Luego de sufrir el impacto de un disparo de bala en un dedo anular, no pudo continuar con la guitarra pero se pasó primero al bajo y luego al piano. En 1963 se mudó a Los Angeles y se convirtió en músico de sesión para artistas de la talla de Sonny & Cher y Canned Heat. A fines de los 60 comenzó a cobrar notoriedad por sí mismo con su sonido mezcla de Rock & Blues de Nueva Orleans con Rock Psicodélico y sus conciertos simulando ceremonias vudú, con trajes elaborados y peinados extravagantes: fue por esa época que adquirió el seudónimo "Dr. John, The Night Tripper".

En 1968 editó su álbum debut “Gris Gris”, que actualmente se encuentra en el puesto 143 de los mejores 500 álbumes según la revista Rolling Stone.

Siguieron “Babylon” (1969), “Remedies” (1970) y “The Sun, Moon & Herbs” (1971). Ese año consigue aún más reputación tras colaborar con Mick Jagger y Eric Clapton. Al año siguiente, su trabajo “Gumbo” lo termina de establecer, siendo su álbum más popular, y es básicamente una colección de covers de temas clásicos de Nueva Orleans, de allí “Iko Iko” alcanzó el puesto 40 en el Billboard. Los siguientes dos álbumes también fueron muy importantes: “In the Right Place” (1973) y “Desitively Bonnaroo” (1974). Luego de esto se acercó más el Blues, y colaboró con The Rolling Stones, Carly Simon, Van Morrison, Willy Deville y Lou Reed. También participó de la película Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. En 1989 se une a la primera formación de la Ringo Starr All Starr Band. En ningún momento dejó de editar trabajos en solitario: “Tango Palace” (1979), “ZuZu Man” (1989), “Duke Elegant” (2000) y “Ske-Dat-De-Dat: The Spirit of Satch” (2014) (el ultimo a la fecha) entre otros. En 2008 fue inducido al Salón de la Fama de Louisiana..

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Canciones Interpretadas en la gira: - Iko Iko - Candy - Right Place, Wrong Time

Teclados: Billy Preston Quien tiene el honor de ser el único músico en ser acreditado en un single con The Beatles, nació como William Everett Preston en 1946 en Houston.

Comenzó a tocar el piano a los tres años y poco después fue considerado un niño prodigio, al punto de que a los 10 años ya acompañaba a cantantes como James Cleveland, apareciendo en TV y películas. Ya en los 60’s, participó en grabaciones de leyendas como Ray Charles y Little Richard. En 1965 editó su primer trabajo solitario “The Most Exciting Organ Ever”. En 1969 durante las grabaciones de “Let It Be” George Harrison lo incorporó como invitado a The Beatles e incluso se consideró incorporarlo a la banda. Se lanzó el sencillo “Get Back”/”Don’t Let me Down” como “The Beatles With Billy Preston” y participó del concierto en la azotea. También fue contratado por el sello Apple con el que publicó el álbum “That's The Way God Planned It” (1969), producido por George Harrison (con quien colaboró toda su vida), y rodeado por Eric Clapton, Keith Richards y Ginger Baker. Sus siguientes álbumes como por ejemplo “Music Is My Life” (1972) y “The Kids & Me” (1974) también fueron muy exitosos.

Ganó un Grammy por instrumentación pop por el tema "Outa-Space" (1971). Luego vendrían más singles exitosos como "Will It Go Round In Circles" (1973), "Space Race" (1973) y "Nothing From Nothing" (1974). También participó en trabajos de The Rolling Stones desde “Sticky Fingers” (1971) hasta “Black and Blue” (1976), con Joe Cocker, John Lennon, Ringo Starr, The Jackson Five, Syreeta Wright, Neil Diamond y Red Hot Chili Peppers entre muchos otros. Participó en la película Sgt Pepper’s como el Sargento Pimienta. En 1989 se une a la All Starr Band de Ringo (repetiría en 1995) y en 1991 con Eric Clapton y The Band. Participó del Concert For George de 2001 y en 2004 saldría de gira con Eric Clapton y con Stevie Winwood. Publicó álbumes durante toda su vida, siendo el último “You And I” (2001). Falleció en 2006, debido a problemas renales.

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Canciones Interpretadas en la gira: - Will It Go Round In Circles / Get Back - Nothing From Nothing / That’s The Way God Planned It

Bajo: Rick Danko (The Band) Richard Clare Danko nació en Ontario, Canadá, en 1942 y creció escuchando rock and blues y música country, siendo sus ídolos Hank Williams y Sam Cooke. En la escuela comenzó a tocar el banjo de cuatro cuerdas y a sus doce años formó la The Rick Danko Band. A los diecisiete llegó a ser telonero de Ronnie Hawkins, cantante de rockabilly líder de The Hawks, quien poco después lo invitó a unirse como guitarrista rítmico a su banda, aunque rápidamente terminó pasando al bajo dado el despido del bajista vigente. En esa banda también formaba parte Levon Helm. Luego de algunas mutaciones de nombres, en 1965 Bob Dylan los contrató como grupo de apoyo.

En 1967 se mudaron a “Big Pink”, una casa en New York donde tuvieron lugar sesiones de grabación incluso junto a Bob Dylan que posteriormente se conocieron como “The Basement Tapes”. A fines de ese año, ahora si como The Band, consiguió un contrato de grabación y en 1968 publicó “Music From Big Pink”. En 1969 comenzaron a presentarse en vivo mientras grababan su segundo trabajo, “The Band”. La banda continuó ejerciendo hasta 1976, en tanto editaron varios trabajos muy exitosos como “Stage Fright” (1970), “Cahoots” (1971) y “Northern Lights – Southern Cross” (1975), entre otros. En 1977 Danko grabó su primer trabajo solista “Rick Danko”, donde en algunos tracks colaboraron miembros de The Band, Ron Wood y Eric Clapton, pero no fue apoyado por las ventas. Entre 1983 y 1999 Danko revivió algunas versiones de The Band, con rotaciones de miembros, además de colaborar con distintos artistas y editó algunos trabajos como “Jericho” y “Jubilation”. En 1984 se unió temporalmente a The Byrds y en 1989 se unió a la primer All Starr Band de Ringo Starr. En 1990 cantó dos canciones con Roger Waters en lo que sería The Wall, Live In Berlin. Falleció el 10 de diciembre de 1999, pocos días después de una pequeña gira, debido a un fallo cardíaco.

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Canciones Interpretadas en la gira: - The Shape I’m In - Raining In My Heart

Percución: Levon Helm (The Band) Mark Lavon Helm nació en 1940 en Arkansas, Estados Unidos y fue un músico y actor, célebre por su participación en The Band. A sus seis años decidió convertirse en músico y a los nueve ya tocaba la guitarra. Para su adolescencia se volcó a la batería.

Tras finalizar el colegio en 1958 se unió a The Hawks, banda a la que ayudo a consolidar. Por ese entonces le quedó su nombre artístico “Levon”. Hacia 1961 debido a cambios de miembros, Levon era el único Hawk original. En 1965 se sumó junto a The Hawks como banda soporte de Bob Dylan, pero abandonó no mucho después. Los primeros trabajos de The Band tuvieron muy buenas críticas. En el segundo trabajo, “The Band”, Helm fue vocalista en varios tracks incluyendo “Up On Cripple Creek”. Hacia 1974 Helm tenía algunos proyectos en solitario como construir su propio estudio, donde produjo “The Muddy Waters Woodstock Album”, trabajo que ganó un Grammy y colaboró con Neil Young. En 1978 junto a The Band se realizó el concierto despedida The Last Waltz, lleno de invitados. Ese año editó su debut en solitario llamado “Levon Helm & RCO All Stars”, en el cual participó Dr. John y un año después editó “Levon Helm”. Durante los 80’s participó de la reformación de The Band y comenzó una carrera cinematográfica, trabajó en el telefilme “The Dollmaker” junto a Jane Fonda, en “End Of The Line” y otros papeles menores. En 1989 se une a la Ringo Starr All Starr Band y en 1990 colaboró con Roger Waters y con Los Lobos. Luego de la muerte de Danko, Helm tuvo problemas en la voz y no pudo cantar por cinco años, aunque eso no impidió que siguiese tocando la batería. En 2004 se centró en The Midnight Ramble, un proyecto en el que daba pequeños conciertos en su casa y estudio personal.

En 2007 publicó un nuevo trabajo de estudio titulado “Dirt Farmer” y dos años después “Electric Dirt”, este último ganador de un Grammy en el rubro Americana. Falleció en 2012 luego de luchar contra el cáncer.

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Canciones Interpretadas en la gira: - The Weight - Up On Cripple Creek

Saxo: Clarence Clemons (E Street Band) Clarence Anicholas Clemons Jr, también conocido como “The Big Man”, nació en Norfolk, Virginia, en 1942 y se volvió un reconocido saxofonista y actor.

De chico se crió escuchando música góspel, y a sus nueve años su padre le regaló un saxofón alto y tomó clases. Al tiempo su tío le obsequió el primer álbum de King Curtis, que lo definió a pasarse a un saxofón tenor. En su adolescencia probó con jugar futbol americano pero un accidente truncó cualquier posibilidad. A los 18 años participó de grabaciones con la Funky Music Machine, y formó su primera banda, The Vibratones, donde interpretaba covers de James Brown. En 1971 Clarence se encuentra con Bruce Springsteen mientras tocaba en Asbury Park.

Bruce cuenta que Clarence simplemente le dijo “quiero tocar con tu banda” y Bruce dijo “desde luego, haz lo que quieras”, y probaron con "Spirit In The Night". Siguió en contacto con Bruce y cuando finalmente necesitó agregar saxo a algunas canciones lo llamó. Para interpretarlas en vivo lo volvió a convocar y se terminó uniendo a la E Street Band.

Durante las décadas de 1970 y 1980 Clarence apareció en los trabajos discográficos de Bruce Springsteen, como “Born To Run” y “Born In The U.S.A.”. Al cerrar los conciertos, Bruce solía llamarlo “El hombre más grande que jamás habrán visto”.

Además, Clarence grabó con todo tipo de artistas como Jackson Browne (con quien grabó el sencillo “You’re A Friend Of Mine”), Aretha Franklin, Twisted Sister, Aja Kim, Grateful Dead y Lady Gaga entre otros. En 1989 se unió a la All Starr Band de Ringo Starr, donde re-interpreta “You’re A Friend Of Mine”, ahora a dúo con Billy Preston. También trabajó como actor, en películas como “New York, New York” y “Bill & Ted’s Excellent Adventure”, además de cameos en series como “Diff’rent Strokes”. Toda su vida continuó colaborando con la E Street Band. Clarence falleció en 2012 a raíz de un derrame cerebral y fue sustituido en la E Street Band por su sobrino, Jake Clemons.

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Canciones Interpretadas en la gira: - You’re A Friend Of Mine - Quarter To Three

Canciones Interpretadas en la gira:

Percución: Jim Keltner Nació como James Lee Keltner en Oklahoma, Estados Unidos, y es un distinguido músico de sesión y baterista de tour. Se influenció desde chico con la música Jazz. Su primer grabación como músico de sesión fue en “She’s Just My Style”, para "Gary Lewis and the Playboys". En sus comienzos no le fue bien, pero la suerte cambió hacia finales de la década del ’60. En 1968 se le acreditó en el álbum Bacchanal, de Gabor Szabo. Su trabajo para Leon Russell llegó a oídos de Joe Cocker, quien lo convocó para grabar con él en el álbum "Mad Dogs & Englishmen". Esos trabajos lo acercaron a más estrellas como Carly Simon, Barbra Streisand, Booker T. Jones, John Lennon, Ringo Starr y George Harrison. Jim participaría primero para la Plastic Ono Band de John Lennon y Yoko Ono, grabando en los trabajos “Plastic Ono Band” de ambos. Luego participó como baterista en el segundo trabajo de George Harrison “Living In The Material World” y previamente en el “Concert For Bangladesh”, y en el concierto “One To One” de John Lennon, en “Imagine”, en “Fly” de Yoko Ono y en “Ringo” de Ringo Starr. La exposición en el mundillo Beatle (donde hasta fue considerado un quinto beatle) dio sus frutos, su popularidad creció exponencialmente, continuó colaborando con John, George y Ringo, pero también con otros artistas como Bob Dylan (incluso en Knockin’ On Heaven’s Doors), Carly Simon, Bee Gees, Ry Cooder, Steely Dan, Marc Jordan, J.J. Cale, Roy Orbison, Pink Floyd, The Traveling Wilburys (como Buster Sidebury), Booker T. And The MGs, Neil Young, Brian Wilson, Sheryl Crow, Crosby, Stills, Nash & Young, The Ramones, Charlie Watts, Simon & Garfunkel, B.B. King, Jerry Lee Lewis, She & Him, John Mayer, Leon Gieco, Dave Grohl y Boz Scaggs, entre muchísimos otros. En 1989 se unió a la All Starr Band de Ringo Starr y en la década del 90 con el grupo formado Little Village. Participó del Concert For George. Jim sigue vigente y participando de albumes y giras continuamente.

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Federico B.

No canta, pero podemos decir que participó originalmente en la grabación de Photograph

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Empiezo ésta nota con una pregunta: ¿Cuándo comenzó la carrera solista de George Harrison? Si me apuran un poco podría decir que con Don’t Bother Me, ya que el guitarrista tuvo que valérselas por sí mismo durante los años en que formó parte de The Beatles, aunque técnicamente esto es incorrecto, ya que obviamente cada una de sus canciones formaron parte de álbumes y singles atribuidos a la banda. Sin embargo, y a pesar de que Lennon y McCartney formaban la dupla compositiva más importante dentro del grupo (y de la era pop), fue el guitarrista líder quién publicó el primer trabajo en solitario de un miembro de los Fab4. Es verdad que Paul había trabajado 2 años antes en la banda sonora de la película Family Way, pero aquel soundtrack había sido atribuido a The George Martin Orchestra.

Además, según algunos rumores, Macca habría tenido una participación mínima, suficiente para vincular su nombre con el proyecto y así captar un poco más de atención de la prensa y la crítica. En cambio Wonderwall Music, como se llamó el primer álbum de George Harrison, fue compuesto, producido y dirigido por él mismo, además de participar como músico.

BACK! BACK! BACK! BACK! Hay que volver un poco atrás, al set de filmación de Help!, en 1965, para encontrar el origen de ésta banda sonora; dos hechos significativos ocurren simultáneamente. Por un lado, Harrison toma contacto por primera vez con instrumentos musicales hindúes, y por otro, la banda conoce al director Joe Massot.

En 1967 Massot planea filmar una película llamada Wonderwall. Su primera opción para escribir la banda sonora habían sido The Bee Gees, pero ante su negativa a involucrarse, llamó a George y le ofreció el trabajo.

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Es cuanto menos curioso que Harrison haya aceptado. Por aquel entonces pasaba por una etapa donde francamente era poco el aporte que le ofrecía a la banda. Luego del acontecimiento sin precedentes de haber contribuido con 3 canciones para el álbum Revolver, su desempeño en Sgt. Pepper y Magical Mystery Tour había sido menor. Además pasaba por un periodo donde estaba más interesado en ahondar en la filosofía y música hindú, que en el mundo material.

Sea cual haya sido su motivación, George pidió ver el filme y le gustó mucho, por lo que comenzó a trabajar en la música que acompañaría las diferentes escenas. Contó que tomaba nota de los lugares donde se necesitaba música incidental y la duración que debía tener cada uno de ellos, luego componía la pieza y la grababa.

a la vez tenía grandes conocimientos del la música hindú.

La primera sesión ocurrió el 22 de noviembre de 1967 en los EMI Studios, donde George trabajo con un músico hindú que tocó el tabla y los flautistas Richard Adeney y Jack Ellory. Al día siguiente se hicieron sobregrabaciones de trompeta, oboes y más flautas. Parte de las pistas solo se usaron en el film, sin aparecer en la banda sonora. Otras selecciones mutaron y se incluyeron dentro de otras canciones.

Las sesiones continuaron en diciembre y se sabe que participaron los músicos Aashish Khan y Mahapurush Misra, que aportaron instrumentos de la India grabados en Londres, donde se encontraban tocando con el padre de Aashish, Ali Akbar Khan.

George grabando Wonderwall Music en Bombay

Si bien era un trabajo por su cuenta, el aura Beatle era tan grande que no podía estar ausente: las canciones estaban divididas en dos grandes grupos, aquellas con orientación occidental y otras oriental.

Para la grabación de la música hindú viajó y utilizó los estudios de EMI en Bombay, India, donde además grabó la pista instrumental de una composición que aparecería en un simple de The Beatles, The Inner Light. En la sección rock participaron, entre otros, Ringo Starr y Eric Clapton, además del mismo George obviamente.

Harrison se asoció con John Barham, quien casualmente había estudiado composición con Ravi Shankar. Barham se encargaba de tomar anotaciones de las melodías que George cantaba y se las transmitía a los demás músicos. Era la elección perfecta, ya que era un músico clásico entrenado que 38

El 22 de diciembre se comenzó a grabar la parte rock del soundtrack y para ello Harrison empleó a una banda de Liverpool que conocía desde hacía mucho tiempo y que habían sido teloneros de The Beatles en 1964, The Remo Four, que estaba formada por Colin Manley en guitarra, Tony Ashton en teclados, Phillip Rogers en bajo y Roy Dyke en batería. En las sesiones de los días 2 y 3 de enero de 1968 se sumaron Ringo y Eric Clapton, quien utilizó el pseudónimo de “Eddie Clayton”. Otro invitado fue Peter Tork, miembro de The Monkees, pero su aporte en banjo no apareció en el soundtrack aunque si en el film.

Mr Brown subió al avión con destino a la India el 7 de enero de 1968. Claro que el señor Brown no era otro que George usando un pseudónimo para evitar aglomeramiento de fans. Dos días más tarde estaba listo para comenzar la primera de 5 sesiones de grabación programadas en el EMI Studio, ubicado en el Universal Insurance Building, en Sir Pherozeshah Mehta Rd, Bombay. Utilizó dos ingenieros de

grabación hindúes, JP Sen y SN Gupta, ocupando él mismo el rol de productor. Se rodeó de músicos locales a quienes les indicó lo que debían tocar. El listado incluía a Sharad Jadev y Hanuman Jadev (shanhais), Shambu-Das, Indril Bhattacharya y Shankar Ghosh (sitar), Chandra Shakher (sur-bahar), Shiv Kumar Sharmar (santorr), SR Kenkare y Hari Prasad Chaurasia (flauta), Vinayak Vohra (taar shehnai) y Rijram Desad (dholak, harmonium y tablatarang).

Como puede apreciarse, el espectro de instrumentos era mucho más variado que el que el occidental promedio había conocido gracias a composiciones suyas junto a The Beatles como Love You To o Within You Without You, que incluían sitar, tabla y como mucho una tampura. En estas sesiones, y también en The Inner Light, el instrumento que más se destaca es el Shehnai, una especie de corneta con sonido agudo y penetrante.

Las sesiones terminaron el día 13 de enero, aunque la mayor parte del trabajo acabó el día 12, día en el cual además se grabó la pista para su próximo aporte a un simple Beatle. Harrison volvió a Inglaterra con las cintas bajo el brazo y retornó a las grabaciones de la sección rock, nuevamente con The Remo Four.

Aunque el propio nombre de George no figura en los créditos del álbum como músico, los participantes de

George con Jane Birkin, protagonista de Wonderwall, en el festival de Cannes

aquellas sesiones lo recuerdan tocando piano, guitarra y mellotrón. Inclusive se lo menciona tocando steel guitar.

A fines de enero se comenzaron las mezclas finales, más allá de algún overdub de efectos de sonido para la película, y por primera vez pudo apreciar como quedaba cada escena con la pieza de film correspondiente.

El 6 de febrero George volvió a trabajar en The Inner Light, donde grabó su voz y se agregó además un overdub de shehnai, presumiblemente tocado por un miembro del Asian Music Circle, de Londres. El último toque se dio el 8 de febrero, cuando George duplicó su voz en el verso que dice “arrive without traveling” y se les unieron John y Paul para la parte de “do all without doing”.

Una semana más tarde estaba volando nuevamente a India, esta vez acompañado por John y las esposas de ambos para comenzar el estudio de la Trascendental Meditation junto al Maharishi Mahesh Yogi. Paul y Ringo se sumarían 4 días después.

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Con Peter Tork de The Monkees

El disco se publicó el 1 de noviembre de 1968 y además de tener la dificultad implícita de ser una banda de sonido con pura música instrumental, tuvo otra gran piedra en el camino de los charts que se llamó The White Album, editado tres semanas más tarde. Es probable que a George mucho no le haya importado; en aquellos días, donde las carreras del mundo del espectáculo eran meteóricas, el trabajo de un par de meses atrás ya era viejo y músicos con las inquietudes artísticas como las de George ya estaban incursionando en nuevos desafíos, y esta no

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fue la excepción. A esta altura, Harrison ya preparaba su segundo trabajo, aun sin saberlo..

Como ya hemos visto, Harrison ya no se sentía cómodo siendo solamente el Beatle George. Su búsqueda constante de nuevos sonidos lo había llevado a introducir la guitarra eléctrica de 12 cuerdas en 1964 y el sitar en 1965. Además, recientemente había comenzado a utilizar los teclados como instrumento de composición.

Ambas corrientes se unieron en noviembre de 1968 cuando George se encontraba en Los Angeles produciendo a Jackie Lomax para su disco Is This What You Want? y fue presentado con Bernie Krause, un músico pionero en los sonidos electrónicos, que además era representante en la Costa Oeste de la fábrica Moog, quien presentaba su nuevo teclado, el Moog 3. Krause había sido contratado para aportar el sonido del Moog en 5 canciones del álbum debut de Lomax y la sesión se llevó a cabo el 11 de noviembre. Harrison se interesó en el instrumento y una vez finalizada la grabación formal, ambos se quedaron charlando más allá de la medianoche y Krause le dio a Harrison una lección de cómo usar el tremendo aparato, lleno de perillas, y que producía sonidos dignos de cualquier film de ciencia ficción. La demostración fue grabada en cinta y luego sería editada. Los mejores momentos irían a parar al

lado B de su próximo trabajo individual. La pista fue nombrada como No Time Or Space, mientras que el álbum se llamó, previsiblemente, Electronic Sound. Krause se quejó porque según él, no tenía conocimiento de que se le hubiese grabado y además no había dado su consentimiento posteriormente. Para peor, clamaba que durante aquella presentación había utilizado ideas que tenía planeadas para su próximo álbum junto a Paul Beaver, el dúo Beaver & Krause.

La cuestión es que George compró su propia unidad del sintetizador Moog y aguardó a que se le sea entregada en Inglaterra, un par de meses más tarde.

El costo fue de unos 8 mil dólares de aquel entonces,

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Bernie Krause

George y el Moog

que equivaldrían a unos 60 mil actuales, y el propio Krause viajó junto al delicado equipo para ayudar a Harrison a instalarlo. Esto ocurrió en febrero de 1969, al mismo tiempo que el guitarrista tuvo que ser hospitalizado para que le removieran las amígdalas.

Esto causó malestar en Krause, ya que los empleados de Apple no tenían conocimiento de la llegada del músico estadounidense y no le proveyeron un lugar donde alojarse. Una vez que George estuvo recuperado se llevó a cabo el encuentro y se pudo realizar la tarea.

Inmediatamente se grabó el otro track de Electronic Sound, aquel que ocupa el lado A, titulado Under The Mersey Wall, una burla a la columna del periódico Liverpool Echo titulada Over The Mersey Wall escrita por un periodista llamado… George Harrison!!! La pista se grabó en Kinfaus, la casa de George en Esher.

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A esta altura Apple, el sello de la banda, se encontraba en marcha, produciendo a una variedad de artistas. Con la llegada de Yoko Ono a la vida de John y las grabaciones que realizaron en conjunto, se decidió abrir un sub-sello llamado Zapple, dedicado a grabaciones no convencionales, siendo el primer álbum editado Unfinished Music No2: Life With The Lions, de la pareja Lennon-Ono. El segundo álbum sería Electronic Sound por George Harrison, aunque ambos salieron al mercado el 9 de mayo de 1969.

Quizás este haya sido un acto de solidaridad de George para con su compañero de banda. Por aquel entonces Harrison era bastante cercano a Lennon, ambos escudados contra McCartney, quien intentaba tomar las riendas musicales y financieras de The Beatles. Basta con recordar que George fue el único

Beatle que ayudó a John en el collage sonoro llamado Revolution 9.

Sea como haya sido, el álbum se publicó y desató la ira de Krause, quién no dudo en quejarse públicamente. Incluso pidió que se borre su nombre de la portada del álbum, que había sido incluida por petición de Harrison.

Como era de esperarse, no causó ningún impacto en los charts, aunque recibió críticas algo mejores que el trabajo similar de Lennon. Pese a que no era un disco comercial y que difícilmente pudiera ser disfrutado por alguien acostumbrado a canciones convencionales, se rescataba el enfoque y la innovación.

Iban ya dos trabajos individuales de George y se evitaba el formato clásico. Esto cambiaría en su próximo disco.

En medio de la grabación de ambas pistas, el 21 de noviembre de 1968, George volvió a su primer amor, la guitarra, y apareció como invitado en el álbum de Cream llamado Goodbye Cream. Una devolución de gentilezas para con su amigo Eric Clapton, quien había grabado su guitarra en While My Guitar Gently Weeps. No solo que tocó la guitarra, sino que ayudo a Clapton a componer la canción Badge, donde incluso Ringo aportó una línea.

Por aquellos días las compañías discográficas eran muy celosas en cuanto a que sus artistas aparecieran en discos de compañías rivales, así que George utilizó el pseudónimo de L’Angelo Misterioso. Recordemos que Eric no pudo ser mencionado por su participación en el White Album y no lo sería en posteriores trabajos junto a George.

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El resto de 1969 pasó entre la grabación de Abbey Road (con la utilización del Moog en varias pistas), la producción de artistas como Billy Preston y Doris Troy, la grabación junto a Jack Bruce y Leon Russell, su trabajo junto al Radha Krishna Movement y la aparición como estrella invitada junto a Clapton en una serie de presentaciones de Delaney & Bonnie, un dúo de marido y mujer que había conocido unos meses antes. George vio el primer show en el Albert Hall de Londres, el 1 de diciembre, y en el backstage acordó unirse al grupo, con la condición de ser uno más y permanecer en las sombras, aunque hay quienes dicen que habría cantado Everybody’s Trying To Be My Baby, la canción de Carl Perkins que George cantó junto a The Beatles en Beatles For Sale.

Harrison participó en 5 de los 6 shows restantes, faltando al del 5 de diciembre debido a que su madre George como L’Angelo Misterioso en Goodbye Cream

no se encontraba bien de salud y había ido a visitarla.

Aquellos shows se grabaron y como era de esperarse, se publicaron en un álbum llamado Delaney & Bonnie & Friends On Tour With Eric Clapton. George esta vez fue acreditado como Mysterioso.

Toda esta serie de sucesos e interrelaciones darían lugar a la creación de su próximo álbum, el más aclamado de su carrera y quizás el mejor de cualquier Beatle en solitario.

Martín Castro Con Delaney & Bonnie & Friends On Tour

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El primer trabajo como ingeniero de grabación de Geoff Emerick fue realmente un desafío, vino John Lennon muy suelto de cuerpo y le pidió sonar como un monje tibetano en lo alto de una montaña, para lo cual había pensado colgarse desde los pies en el techo de los estudios EMI y girar cabeza abajo alrededor de un micrófono mientras cantaba. Geoff lo resolvió de otra manera, haciendo pasar la voz de Lennon a través de un parlante giratorio. El resto es historia conocida bajo el nombre de "Tomorrow Never Knows".

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Emerick comenzó así su carrera como ingeniero de grabación de The Beatles, pero conocía muy bien a los chicos, ya que él, como aprendiz del por entonces ingeniero Norman Smith, había estado en la primer sesión con Ringo Starr sentado en la batería, en una de las versiones de Love Me Do, ni más ni menos. Luego se encargó de elaborar el sonido de - además de "Revolver", "Sgt, Pepper's", parte del "Album Blanco" y "Abbey Road". En el álbum "Yellow Submarine", llegó a producir "All Together Now" dada la ausencia de George Martin. De él surgió la

idea de colocar micrófonos muy cerca de las cuerdas de los violines y violoncelos que escuchamos en "Eleanor Rigby", cosa que incomodó a los músicos, pero a la que EMI dio su aprobación. Si ahora vas a un bar y ves que el baterista le pone unos pulóveres al bombo de su instrumento, tené en cuenta que Ringo fue el primero en asordinar con ese método, a instancias de Geoff...

Tras la ruptura de la banda, Geoff Emerick volvió a trabajar con Paul McCartney en varias oportunidades - "Band On The Run", "London Town", "Flaming Pie", mientras que John y George optaron por Phil McDonald, otro ingeniero de la casa EMI. Con "Band On The Run" logró sacar un gran sonido en medio de una banda en crisis, en un país extraño (el disco se grabó en Nigeria) y en un estudio a medio hacer. Una de sus recompensas fue un permio Grammy, uno de los tantos que ganó en su vida. En 1983 había llegado a compilar un importante número de grabaciones outtakes de The Beatles que se podían escuchar en una muestra de los estudios Abbey Road, que inclusive había llegado a planearse editarse bajo la forma de un álbum llamado tentativamente "Sessions", para el año siguiente. El disco fue demorado y la idea original fue evolucionando a lo que finalmente se conoció como "Anthology" entre 1995 y 1996. Hace unos años se decidió 47

escribir un libro donde contaba su experiencia en el control de grabación junto a The Beatles. Es material casi de lectura obligatoria si te considerás un Beatle Fan. ¿Su nombre? "El Sonido de Los Beatles". Este libro suscitó ciertas polémicas por sus conceptos en detrimento de John y George y a favor de Paul, lo cual es lógico si tenemos en cuenta que pasó más tiempo con McCartney que con Lennon y Harrison. En abril de este año pasó por Buenos Aires para dar una charla sobre sus experiencias y hasta tuvo tiempo para compartir un estudio de grabación con nuestros grandes músicos

Alejandro Lerner y Charly García (dos Beatleros incurables, se sabe...).

Si bien trabajó junto a artistas de la talla de Elvis Costello, Pink Floyd, Kate Bush, Ultravox, Art Garfunkel, Badfinger y The Zombies, entre otros, su nombre será asociado a The Beatles con una incuestionable justicia.

Ayer falleció en Los Angeles, tras un ataque al corazón. Tenía 72 años. La noticia sorprendió.

Y aún sorprende y escribo esto en nombre de todos quienes hacemos esta revista. Y agradecemos infinitamente a Sir Geoff Emerick por su trabajo, que es parte de nuestra vida.

Hasta siempre.

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Javier Cuenca

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comandaba, aunque cierto es que al acabar las giras el año antes, el poder de Brian sobre los chicos se hacía cada vez menor.

La iniciativa del filme fue cosa de Paul, quería unir a la banda y se le vino a la cabeza la idea de hacer una película. Sin guion y sin un director se embarcaron en un misterioso viaje en un autobús recorriendo las campiñas inglesas de Lancashire y Blackburn. Paul y John contrataron a varios actores británicos de segunda fila para los papeles secundarios.

A destacar la mujer con sobrepeso que hacía de tía de Ringo Starr.

La película de sólo 52 minutos de duración, se rodó entre los meses de septiembre y noviembre de 1967, y fue estrenada en la BBC el día después de Navidad en blanco y negro.

La crítica fue feroz con ella; por vez primera la El viaje egótico de Paul: Esas fueron las palabras precisas que utilizó John Lennon para referirse al filme Magical Mystery Tour.

En realidad era el principio del fin de The Beatles, ya que Brian Epstein había muerto meses antes y los Beatles, sin saberlo, empezaban el principio de lo que era el final de su histórica carrera. Paul McCartney cogió las riendas al morir el manager que los 50

Within You, Without You y The Fool On The Hill

prensa e incluso los fans se atrevieron a criticar algún trabajo que habían hecho The Beatles. Es verdad que ellos no eran actores, pero nadie entendió en su momento esta película.

El álbum americano del mismo título y del mismo año contiene joyas

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como Strawberry Fields Forever, Penny Lane, Hello Goodbye o la impresionante I Am The Walrus. La película es un sinsentido de principio a fin, solo destacable las actuaciones de los propios Beatles durante las canciones, como en I Am The Walrus, George cantando Blue Jay Way, el clip de Paul en Niza

I Am The Walrus

rodando The Fool On The Hill, o el final donde vemos a los de Liverpool bajar unas escaleras enormes mientras cantan y bailan al son de Your Mother Should Know. Alguna escena se puede rescatar y se salva, como cuando John vestido de traje rojo, echa una montaña de spaghetti al plato de la tía obesa de Ringo.

Con el paso de los años, la película fue emitida en color e incluso en propias palabras de Paul McCartney en Beatles Anthology en 1995, directores como Steven Spielberg la destacaron como una película innovadora y adelantada a su época.

Album maravilloso pero película fallida. Buen intento de Paul, de querer hacer algo juntos con sus compañeros y superar la muerte del quinto Beatle Brian Epstein.

Pronto empezarían las tensiones en el seno del grupo, ya que tanto John y George no aguantaban el papel principal que empezaba a comandar Paul tras la muerte de Epstein.

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La “Tía” de Ringo y los spagetti

Sergio Vázquez Insausti

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Federico B.

The Beatles claramente estaban acelerando su transformación tanto musical como estética. Algunas puntas de ello ya se veían en su trabajo anterior, Help!, pero aún eran en su gran parte los mismos enfoques que en sus trabajos anteriores. Es en Rubber Soul cuando se acentúa la transformación que terminaría de perfeccionarse en Revolver y de allí hacia adelante. Y conscientes de ello, la portada de Rubber Soul tenía que ser un factor más de ese cambio.

Para el diseño de la portada de Rubber Soul se contactaron por última vez con Robert Freeman, quién llegó con la idea de utilizar alguna perspectiva novedosa para la fotografía, y esta vez si quería utilizar colores, pero tendiendo hacia el negro.

El día de la fotografía, se buscó un lugar al que, siendo sus hogares apartados entre sí, todos pudiesen llegar fácilmente. Robert decidió el punto central desde sus ubicaciones, y fue el jardín de la casa de John en Weybridge, la famosa Kenwood, aunque se dice que luego se habrían trasladado desde allí hacia Old Lane, cerca de Cobham.

Los muchachos vistieron chaquetas marrones y Robert los hizo posar frente a unos arbustos. Se tomaron varias fotografías para que de allí eligieran, pero curiosamente, al igual que con Help!, no he podido encontrar ningún outtake de dicha sesión.

Días después la banda se juntó nuevamente con Robert para que entre todos fueran viendo proyectadas cada una sobre una

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Imagen completa de la portada de Rubber Soul, única de la sesión que se conoce

cartulina blanca. Pero en un momento ocurrió lo inesperado, ya que una de las fotografías accidentalmente se movió y mostro las caras de The Beatles algo alargadas y distorsionadas. Ese efecto encantó a los cuatro Beatles, que pidieron mantener aquella foto así como la estaban viendo, lo cual fue posible. Robert llevó la foto y le aplicó el efecto tal como la banda quería.

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En palabras de Paul: "Robert Freeman nos estaba mostrando las diapositivas, tenía un pedazo de cartulina que tenía el tamaño de la cubierta del álbum y él estaba proyectando las fotografías para que pudiéramos ver cómo se vería la portada del álbum. Habíamos elegido la fotografía cuando la cartulina se inclinó un poco hacia atrás, haciendo que la imagen se deformase y alargase. Eso es!, Rubber So-o-oul, hey hey!

Puedes hacerlo de esa manera? Y él dijo,

músicos negros llamaban a Mick Jagger, por ser un músico blanco cantando Soul. Esa expresión puede escucharse en el Take 1 de "I'm Down", incluido en el Anthology, que fue grabado a mediados de 1965. Ese fue el primer garabateo para el nombre final del trabajo, que fue mutando a Rubber Soul.

Justamente, John diría en 1980 que el título del álbum fue completamente idea de Paul.

Tono al que buscaba llegar Robert

bueno, sí. Puedo imprimir de esa manera. Y eso fue todo."

Si bien los muchachos quedaron encantados, Robert Freeman confesaría tiempo después que no estaba del todo contento con el resultado de aquella portada, ya que su intención era llegar a tonos sepia, pero por una cuestión presupuestaria (y la negativa de EMI para cubrir las 400 libras) no se realizó.

Igual destacó que la versión presentada fue aceptada al primer intento y que “la idea era mantener el foco de atención sobre Los Beatles.”

Respecto al nombre del disco, es un juego de palabras que se relaciona con la expresión "Plastic Soul", que es como algunos 56

Finalmente en este álbum lograron algo que venían buscando hace tiempo: que no aparezca el nombre de la banda en la portada. Simplemente se presenta la frase "Rubber Soul" con un efecto alargado y psicodélico, en sintonía con la fotografía. Fue un diseño de Charles Front, quien realizó el trabajo a pedido de Freeman. Freeman sugirió realizar algo que parezca una sustancia chorreándose, en el sentido de la fotografía. Aquel diseño original, que germinó como uno de los estilos de escritura más utilizados en la época del Flower Power que estaba próximo a empezar, se vendió en 2008 por 9600 libras.

Si bien algunos dicen que es la primera portada de rock sin el nombre de la banda, se sabe que Elvis Presley, The Rolling Stones y Them lo han realizado anteriormente.

Respecto a las ediciones alrededor del mundo, este suele ser el último trabajo

Ediciones de Rubber Soul de Grecia, Unión Sovietca, Italia y detalle de la edición Argentina/Mexicana

en el que aparecen diferencias notables entre distintos lugares del mundo, aunque no son tantas como en discos anteriores. Así por ejemplo tenemos que la portada griega de la original solo conserva el logo (y reducido a su mínima expresión), la edición de la Unión Soviética que dentro de las letras de Rubber Soul agregó las propias. La Argentina (y

también en México) es 99% igual a la original, pero tuvo un detalle permanente sobre el cuello de John, bastante difícil de notar a primera vista.

Rubber Soul Estadounidense

Contraportada

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La contraportada solo son fotos rectangulares e individuales de The Beatles, dos por cada uno, todas tomadas por Robert Freeman.

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Ok, no fue un single comercialmente hablando, pero es imposible negar la importancia histórica de estos dos temas que estaban repartidos en el lado A y el lado B de un disco de acetato. Oficialmente, aparecieron al principio del disco 1 del primer volumen de The Beatles Anthology y en otras recopilaciones no oficiales anteriores. Este último mes de julio, esta grabación fundacional para el Universo Beatle cumplió 60 años y en esta sección la incluímos a modo de celebración de los Quarrymen, que sorprendentemente aun continúan en actividad.

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Ok, no fue un single comercialmente hablando, pero es imposible negar la importancia histórica de estos dos temas que estaban repartidos en el lado A y el lado B de un disco de acetato. Oficialmente, aparecieron al principio del disco 1 del primer volumen de The Beatles Anthology y en otras recopilaciones no oficiales anteriores. Este último mes de julio, esta grabación fundacional para el Universo Beatle cumplió 60 años y en esta sección la incluimos a modo de celebración de los Quarrymen, que sorprendentemente aún continúan en actividad. Cabe indicar que los Quarrymen (John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Colin Hanton y John Lowe) estaban inquietos por tener un

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material grabado como fuera y fue así que descubrieron un lugar - a instancias de George - en el que previamente el guitarrista de Rory Storm (grupo en el cual Ringo Starr tocaba la batería) había grabado un disco. El lugar, sito en Kensington Road, pertenecía a Percy Phillips y, por una módica suma de dinero, se podía grabar una canción en una cinta analógica que luego era transferida a un disco de acetato. Como los chicos no llegaban a esa suma, acordaron grabar directamente en el disco. El lugar era asombrosamente pequeño y tenía un solo micrófono que captaba el sonido ambiente, por lo cual la banda se acomodó alrededor del micrófono. Algo absolutamente amateur, pero con una energía que iría creciendo con los años.

Hubo 2 temas, "That'll Be The Day", de Buddy Holly y "In Spite Of All The Danger", de Paul McCartney (aunque acreditada a McCartney/Harrison), lo cual ya era una señal del atrevimiento de estos jóvenes músicos, al incluir una composición propia en un primer disco de prueba.

"That'll Be The Day" nos muestra a John tratando de emular el gorjeo de Buddy Holly, y a Paul haciendo unos coros que están arriba. En las guitarras, John y Paul tocaban al unísono la base, para que sonara con más potencia, y George se ocupaba de la guitarra líder con su estilo ya muy bien marcado.

En el otro lado, "In Spite Of All The Danger", que, según su autor (McCartney) era la copia de un tema de Elvis Presley, un blues-country

That’ll Be The Day / In Spite Of All The Danger - Japan 7” Flexi (1988)

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lento cantado por John Lennon - una vez más, demostrando así su liderazgo dentro de la banda - y nuevamente Paul haciendo los coros. Fue el único tema original de los Quarrymen grabado, ya que si bien hubo otra canción que Paul presentó a sus compañeros, fue rápidamente desechada. Se trataba de "I Lost My Little Girl" y, al igual de "In Spite..." fue compuesta por Macca a los 14 años. Para escuchar este descarte habría que esperar a 1991, con la inclusión a modo de canciónanécdota en el Unplugged para la MTV. Con el disco ya grabado, los Quarrymen acordaron quedárselo una semana cada uno en este orden: John, Paul, George y Colin (John Lowe estaba casi como un invitado).

Colin Hanton le prestó el disco a un amigo y así anduvo apareciendo y desapareciendo por

That’ll Be The Day / In Spite Of All The Danger - UK 7” Flexi (1981)

espacio de años hasta que finalmente Paul pudo dar con él y lo compró, ya que era la única copia existente. Se cercioró de hacer copias y editarlas, que fue lo que finalmente pudo escucharse en The Beatles Anthology, de 1995. La versión 95 es un poco más corta que la original.

Luego de la grabación del disco, comenzaron una serie de desavenencias (diferencias entre los miembros de la banda, sumado a la muerte de la madre de John Lennon, lo cual lo llevó a unirse aún más a Paul, quien había atravesado por lo mismo un tiempo atrás) que provocaron la salida de Colin Hanton y de John Lowe, quedando The Quarrymen reducido a un trío de guitarras e inactivos por espacio de cerca de 6 meses. Al regresar, fueron completando la formación de cuarteto de guitarras; primero con Ken Brown, luego con Stuart Sutcliffe, quien se ocuparía del bajo. El sonido pedía más y encontraron en el hijo de Mona Best (propietaria del Casbah Coffe Club, un sótano liverpuliense), Pete, el baterista.

Por supuesto que con semejante cambio, los Quarrymen ya dejaban de existir y era necesario un cambio de nombre. Ahí surge, cambios más, cambios menos, The Beatles.

Los Quarrymen se volvieron a juntar entre 1992 y 1994 (quizás como consecuencia del "Efecto Anthology") y desde ese momento no han dejado de tocar en la zona que los vio nacer. Desde entonces han lanzado también tres álbumes en CD, Get Back Together 63

(1997), Songs We Remember (2004) y Grey Album (2012), sin embargo, aún continúa el encanto de haber sido el germen de la Banda Más Grande de Todos Los Tiempos.

Javier Cuenca

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Casi como un bonus track de la primera entrega de covers de canciones de The Beatles realizados por otros artistas, les traigo el Long Tall Sally EP, que salió poco después de A Hard Day's Night. De hecho, si tuviésemos que agrupar cada sencillo o EP dentro de discos Beatle según la época de salida, sin dudas este EP sería el Bonus Track.

Es curioso que luego de un álbum como A Hard Day’s Night donde todas las canciones eran íntegramente composiciones Lennon/McCartney sin ningún cover, para el EP se despacharan con tres covers y alineados en la temática rock, y un solo tema de su autoría, I Call Your Name, que tampoco era un estreno ya que había sido entregado y grabado por Billy J Kramer.

Aquí les dejo para escuchar estas cuatro versiones de temas interpretados por The Beatles, en manos de otros artistas.

Long Tall Sally por Jerry Lee Lewis (1964) Long Tall Sally es una de las piedras fundacionales del Rock. Con decir que el cover de The Beatles de 1964 tiene no menos de 20 covers previos al suyo. Es original de Little Richard y su banda, y el cover que elegimos aquí es de Jerry Lee Lewis, incluido en el álbum en vivo "The Greatest Live Show on Earth" editado en octubre de 1964, muy poco después de la salida del EP Beatle. https://youtu.be/Rq8SUOlinuo 66

I Call Your Name por The Mamas And The Papas (1966) La segunda canción del EP, I Call Your Name, es original de The Beatles y el único del EP, aunque un año antes de la publicación Beatle fue entregada a Billy J Kramer. Pero como es la idea de la sección usar publicaciones posteriores, tenemos una versión de The Mamas And The Papas de 1966, desde su trabajo debut "If You Can Believe Your Eyes and Ears". El mismo que incluye "California Dreamin". Dato. https://youtu.be/X_WlLYBfL-k

Slow Down por The Young Rascals (1965) Otro rockazo. Esta vez de Larry Williams publicado en 1958 y versionado por The Beatles en 1964. Nuestro cover es por The Young Rascals en 1965, banda pop/soul de Nueva Jersey. Fue lanzado como lado B del sencillo "I Ain't Gonna Eat Out My Heart Anymore", y consiguió el puesto 52. Poco después se incluyó en su trabajo debut "The Young Rascals" de 1966, y alcanzó el puesto 15 en el Billboard. https://youtu.be/zjx1j2-jOAU

Matchbox por Derek And The Dominos (Con J. Cash y C. Perkins) (1971) Cerrando el EP llega un cover de Carl Perkins original de 1956. Aquí tomaré una libertad, ya que el cover incluye a Carl Perkins, pero tocándolo junto a Derek And The Dominos y Johnny Cash. Fue grabado para el episodio 46 del show televisivo "The Johnny Cash Show" y publicado en DVD en 2007. emitido en 1971. Del lado de Derek no hay otros covers Beatles, pero Johnny Cash versionó In My Life. https://youtu.be/nbQ283J_NkQ. 67

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El primer día del mes encuentra a

guitarra acústica. Los siguientes días se continuaría con mixes de diversas canciones del álbum.

El 15 nace Didier Deschamps, ex futbolista francés campeón del mundo en 1998 como jugador y en 2018 como entrenador de la selección francesa.

El 16 George voló a Los Angeles para producir a Jackie Lomax y por otro lado en EMI se realizó una maratónica sesión de mixes de 24 horas en tres estudios además de decidirse el orden de las canciones para el Álbum Blanco. Ese mismo día el club de fútbol Argentino Estudiantes de La Plata derrota al Manchester United y se consagra campeón del mundo.

El 17 se finalizan las mezclas mono y estéreo para el White Album. Ese día nace Ziggy Marley, cantante e hijo de Bob Marley.

El 18 John y Yoko son arrestados por posesión de drogas, al día siguiente se presentaron en la corte para recibir sus cargos. El 20 Paul y Linda Eastman parten de vacaciones a New York por 10 días. El 22 George comienza a trabajar en la producción del album "Is This What You Want" de Jackie Lomax.

El 25 John Lennon anuncia que su pareja Yoko Ono está embarazada. Ese mismo día Led Zeppelin da su primer concierto en vivo en la Surrey University de Inglaterra. El día 27 finalizan los Juegos Olímpicos celebrados en México.

El 29, en EMI Studios, Geoff Emerick trabajó en mezclas de Hey Bulldog, All Together Now, All You Need Is Love, Only A Northern Song, de cara al soundtrack Yellow Submarine.

El 31 nace el cantante Vanilla Ice, conocido por el hit "Ice Ice Baby".

The Beatles comenzando las grabaciones de “Honey Pie”, en la que trabajarían hasta el día 5 en los Trident Studios. Ese mismo día se estrena la película Night Of The Living Dead en Estados Unidos.

El día 2 fallece el ajedrecista y artista dadaista Didier Duchamp.

El 3 George, Ringo y Paul trabajarían en la canción Harrisoneana “Savoy Truffle”. Ese mismo día en Perú el General Alvarado derroca al presidente electo Terry y se inicia un régimen militar que duraría 12 años.

El 4 The Beatles comenzó a trabajar en “Martha My Dear”.

El día 7 se comenzó a trabajar en el tema de George "Long, Long, Long", y se continuaría durante el 8 y 9.

El mismo día 7 nace Thom Yorke, cantante de Radiohead.

El 8 en los Estudios EMI se comenzó a trabajar en “I'm So Tired” (14 takes) y “The Continuing Story Of Bungalow Bill” (3 takes), en esta última con la colaboración de varios invitados como Yoko Ono y Maureen Starkey. Al día siguiente se comenzó a trabajar con "Why Don't We Do It In The Road?". Este mismo día Paul hizo una copia personal del take de “Helter Skelter” con 27 minutos de duración.

El 10 George Harrison crea el sello Singsong LTD. Al día siguiente la NASA lanza la misión Apollo 7.

Entre el día 11 y 12 se proclama la República Guinea Ecuatorial.

Ese mismo 12 de octubre comienzan a celebrarse en México los XIX Juegos Olimpicos y nace el actor australiano Hugh Jackman.

El 13 se realizó la última grabación para el White Album, “Julia”, solo por John y su

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Aquí lo tenemos al señor Pete Best en 1982, más específicamente el 6 de abril de dicho año vistiendo una remera con la leyenda “I’m Not Ringo” (No soy Ringo), conmemorando los 20 años de su expulsión de The Beatles, la cual ocurrió el 16 de agosto de 1962. Con esa vestimenta se hizo tomar algunas fotografías.

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La leyenda continua, y a cinco años de New llegó el turno del nuevo trabajo de estudio de Sir Paul McCartney, el conceptual Egypt Station con 16 canciones en las que Paul sigue demostrando que puede estar vigente tras casi 40 años de carrera solista y otros tantos con The Beatles y Wings.

El pasado viernes 7 de septiembre salió a la venta Egypt Station y tanto la crítica como el público lo recibieron con buenas reseñas, excelentes, y no es para menos. 16 canciones frescas, con el sello McCartney, difícilmente pueda fallar.

y el resto canciones que él mismo prefería, sus favoritas. El porqué del mundo egipcio se debe a una pintura que él mismo empezó pero no terminó en 1988: quería diseñar "un lugar místico" para el trabajo, y de allí surgió el concepto de la estación radial clásica, más Egipto.

El concepto de Egypt Station nació según cuenta Paul a partir de muchas canciones que tenía desparramadas y decidió unificar, solo quedándose con unos pocos potenciales hits

Hablemos de formatos. Egypt Station se presenta, como es costumbre, en diferentes formatos: doble vinilo de colores (uno naranja y otro celeste) en formato trifold, doble vinilo negro, CD Simple, y Digital.

Incluso se adelanta que va a salir un super deluxe box set, del cual no se conocen aun los pormenores. Y un detalle más, en una edición limitadísima, se editó también en cassette.

Volvieron los vinilos… ¿Vuelve el Walkman?

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Nothing For Free. ¿Desempeño? Es el primer álbum de Paul en alcanzar el puesto 1 de Billboad desde Tug Of War de 1982. Y más aún, es el primero en toda su carrera solista en entrar directamente a esa posición. Nada mal, eh?

Por ahí leí la pregunta de si necesitábamos un nuevo disco de Paul McCartney. La respuesta es que si el nivel sigue al menos a la mitad de lo que nos presentó Egypt Station, definitivamente Sí.

Paul aún tiene mucho para dar!

Si hablamos de los sencillos que ya han salido, el primero fue “I Don’t Know”/”Come On To Me”, doble A Side el 20 de julio. El segundo, Fuh You, el 15 de agosto.

Federico B.

Como es costumbre, las ediciones de Japón cuentan con dos bonus tracks: Get Started y

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¿CÓMO DUERMES? Entonces el Sargento Pepper te tomó por sorpresa Mejor que veas bien a través de los ojos de esa madre Esos fenómenos tenían razón cuando dijeron que habías muerto El único error que cometiste estaba en tu cabeza Ah, cómo duermes?

Ah, cómo duermes de noche?

Vives con rectos que te dicen que eras el Rey Saltas cuando tu mamá te dice cualquier cosa Lo único que hiciste fue Ayer Y desde que te fuiste solo eres otro día Una cara bonita quizás pueda durar un año o dos Pero muy pronto verán lo que puedes hacer El sonido que logras es basura para mis oídos Deberías haber aprendido algo en todos aquellos años

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