Glass Onion - Número 80 by GLASS ONION

Hola amigos, bienvenidos al Nro 80 de Glass Onion, con un ejemplar donde recordaremos al que fue el último disco publicado por The Beatles en su carrera, o más bien, apenas después de concluida. Let It Be es un trabajo que divide las aguas en la opinión de los fanáticos, así que desde estas páginas intentamos dar un buen pantallazo por lo que fue éste mega proyecto que tardó más de un año en concretarse. Analizamos todas las versiones del disco, la portada original, los homenajes a la portada definitiva, el productor Phil Spector y hasta armamos un disco con covers de cada una de las canciones que lo componen. Pero hay mucho más, como por ejemplo una entrevista a Steve ‘Krusher’ Joule, un artista de primerísimo nivel que ha realizado diseños de portadas a grandes músicos de rock y se ha desempeñado en todo tipo de funciones dentro del ambiente. Inauguramos una nueva sección llamada A Month In The Life… donde recordaremos lo sucedido en la historia Beatle dentro del mismo mes en que sale nuestra revista. En ésta primera edición viajamos a Mayo de 1960 para conocer los pormenores de la audición para Larry Parnes y la posterior gira por Escocia junto a Johnny Gentle. Ah, y de paso el nacimiento del nombre “Beatles”. Hace poco Paul McCartney participó de un concierto virtual para recaudar fondos en la lucha contra el Covid-19. En éste ejemplar lo encontramos participando de otras dos iniciativas de iguales características. Descubrilas! También les traemos un espectacular viaje a Hamburgo, la ciudad alemana que formó a los muchachos en sus años iniciales. Claudette Stern recorrió lugares emblemáticos y los comparte con nosotros. Pasen y vean! Están todos invitados! Martín Castro Editor Principal

INDICE What’s The New, Mary Jane?

Krusher Inmerso en el mundo del Heavy, el artista Krusher habló con nosotros para demostrar que The Beatles son influencia en todos los escenarios A Month In The Life With A Little Help From My Friends: Phil Spector

LET IT BE El último capítulo de la historia Beatle se escribió hace 50 años y lo recordamos con varias notas relacionadas con él

Hamburgo La ciudad del pecado vio como 5 muchachitos amateurs se convertían en la banda más grande del mundo. Hoy nosotros visitamos aquella ciudad portuaria germana Astrid Kirchherr Literatura Beatle: El Cine Beatle, de Arturo Moreno Obregón

Paperback Writer Continuamos recorriendo la Literatura Beatle, y ésta vez le toca a un fascinante libro, “El Sonidos de Los Beatles”, de Geoff Emerick Some Other Guy: Let It Be Artistas Beatle: Alejandro Luisi La Portada de Get Back Los Covers de la Portada Charts Británicos de los 60’s: Mayo 1960 Sencillo Solista Del Mes: Let It Be (Paul McCartney) En Sus Propias Palabras: Déjalo Ser

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Federico B., Victor Carrillo González, Martín Castro, Migo Coiro, Javier Cuenca, Enrique García Taboada, Ezequiel Gauss, Luis Enrique Inngais, Claudette Stern, Pilar J Vázquez, William Velásquez

MartĂn Castro y Federico B.

Soy Ezequiel Gomes Correia, brasileño, profesor de lengua inglesa y española. La música es una de las artes más importantes y trabaja en la armonía entre los sonidos. Ayuda a las personas a recordar memorias importantes y desarollar nuevas emociones. Es una manifestación cultural muy antigua; el ser humano empieza a producir y desarollar sonidos basados en fenómenos de

la naturaleza desde hace 50 mil años. Hay una cantidad muy grande de géneros actualmente y el rock es uno de los más importantes, principalmente cuando hablamos sobre The Beatles. La mayor banda de rock en la historia de la humanidad. El presente artículo se trata de una charla con uno de los más importantes directores de artes en revista de rock; Steve ‘Krusher’ Joule Buenos días, Mr. Krusher. Para empezar, ¿Podría hablar un poco de su vida? Lugar donde nació y su relación con el rock. Nací en Stockport, Inglaterra, el 11 de abril de 1954. En 1982, me convertí en Director de Arte de la entonces revista de la Biblia de Heavy Metal KERRANG.

(Diary Of A Madman, Speak of the Devil y Bark at the Moon), Hawkwind (Live '79), Gary Moore (Dirty Fingers y Live At The Marquee), Japan (Tin Drum) y Black Sabbath (Born Again), que aparentemente se dijo que Ian Gillan, el entonces vocalista de la banda, dijo; "¡Le eché un vistazo a la portada y vomité!", mientras que tanto

Glenn Benton de Deicide como Max Cavalera de Soulfly han afirmado que es la portada de su álbum favorito de todos los tiempos y aparentemente a Kurt Cobain también le gustaba bastante. ¡También mientras sigo trabajando para Kerrang! Diseñé una serie de libros de biografía oficiales que incluyen 'Running Free' de

Antes de eso, había trabajado como diseñador independiente en la industria de la música desde 1976, produciendo trabajos para artistas como AC/DC, Robert Plant, Deep Purple, Motorhead, Anthrax, Sammy Hagar, Uriah Heep, Hawkwind, Gamma, Girlschool, Gary Moore, Blondie, Japan, Magnum, Praying Mantis y The Sex Pistols, por nombrar algunos. He diseñado fundas de álbum para Iron Maiden (Live After Death), Ozzy Osbourne Krusher y Lemmy Kilmister de Motorhead

Algunas de los discos en los que Krusher ha trabajado en su arte

Iron Maiden, 'The First Five Years' de Motley Crue y 'The First Official Book' de Twisted Sister y sin olvidar los programas para los tours de AC/DC, Deep Purple, Robert Plant, Anthrax , Accept y Europe. En 1986 diseñé y edité los programas oficiales de Donington (Monsters Of Rock).

Programa del Monsters Of Rock 1994

En 1989 la BBC me ofreció mi propio programa de radio de rock, "Krusher’s Metal Mayhem", que presenté en Greater London Radio. También se me acercó para presentar y pinchar discos la noche de rock en el club Hippodrome en el corazón del West End de Londres. Era un club que regularmente veía a mil ochocientas personas en el lugar donde serían invitados a actuaciones improvisadas en vivo artistas como Bon Jovi, Skid Row y Motorhead, quienes frecuentaban el club regularmente, al igual que Metallica, Motley Crue e Iron Maiden, de hecho, cualquier banda de rock que pasara por la ciudad esa semana generalmente aparecería. Desafortunadamente, como todas las cosas buenas, tanto

el programa de radio como el club llegaron a su fin, pero no sin antes convertirse en hitos en la historia del rock de Londres. Entre 1998 y 1992 me convertí en co-presentador de 'Power Hour' que en 1992 cambió su nombre a 'Raw Power' y fue elegido mejor show de TV en Kerrang! En 1994 el programa volvió a cambiar de nombre, esta vez a 'Noisy Mothers', un nombre que odiaba, siempre creyendo que debería haberse llamado 'Watch With Motherfucker!'. ¡Una vez más fue votado como el mejor programa de televisión por Kerrang! y lectores de Metal Hammer en ‘94 y ‘95. Lamentablemente, la Navidad de 1995 vio la última transmisión de 'Noisy

Mothers', ya que los que gobernaban en la televisión decidieron que el rock era una industria moribunda y, por lo tanto, no garantizaban ningún lugar en nuestras pantallas de televisión. ¡1992 también marcó el final de diez años gloriosamente depravados trabajando en Kerrang! Los nuevos editores de la revista pensaron que mi comportamiento era perjudicial para el funcionamiento de la oficina y me dijeron cortésmente que mis servicios ya no serían necesarios a pesar de que había sido nominado para diseñador del año en los PPA Magazine Award para Editorial & Publishing Excellence, tanto en 1990 como en 1991. En 1995 formé una banda con el héroe de la guitarra Motorhead, Wurzel y Johnny Violent, mago techno incondicional, bajo el apodo de WVKEAF, que significaba 'Wurzel, Violent y Krusher Evil As Fuck' que grabamos y asesinamos una versión de 'Jump' de Van Halen. Fue lanzado en 1996 y ahora es

Krusher y Ozzy Osbourne

una pieza de vinilo de 12 pulgadas muy solicitada, no solo por los DJ de rock, sino también por los DJ de baile, ya que parece cruzar los límites de la decencia y el gusto en lo que respecta a ambos lados. La banda se separó en 1997. En 1998 trabajé como DJ en el Ozzfest de UK, lo que resultó en que me ofrecieran toda la gira Ozzfest de los EE. UU. en 1999 con Black Sabbath, así como también bandas como Rob Zombie, Deftones, Slayer, Godsmack, System Of A Down , Slipknot y muchos más. En este viaje épico por los Estados Unidos de Decay, llevé un diario que en 2017 se publicó como un libro de

Kindle llamado "After Forever, The Inside Story Of Black Sabbath’s Greatest Tour". Entre 1998 y 2002 también presenté el programa de tiempo de conducción 'Krusher's Metal Mayhem' para Total Rock Radio, pero debido a circunstancias imprevistas y billeteras sin abrir, me fui y me retiré en semi-retiro, arrastrándome debajo de mi gran y pesado rock , volver a meterme en el mundo de los medios cuando acepté a regañadientes regresar a Total Rock Radio, pero después de unas semanas no pude ser criticado

aparecí nuevamente haciendo lo mismo en el UK Ozzfest y lo repetí en 2001. También realicé una gira por el Reino Unido ese año con Slayer, Biohazard, Cradle Of Filth y Raging Speedhorn en el 'Tattoo The Planet Tour'. 2002 me vio presentando 3 noches en la Academia Brixton junto con Iron Maiden, quienes actuaban para recaudar fondos para el Fondo Fiduciario MS de Clive Burr. También recorrí el Reino Unido con Alice Cooper, Thunder, The Quireboys y Dog’s D’amour en el "Monsters Of Rock Tour".

y mi legendario show final fue una desgracia de la que estoy muy orgulloso. Entre 1998 y 2002 también presenté el programa 'Krusher's Metal Mayhem' para Total Rock Radio, pero debido a circunstancias imprevistas me fui y me retiré.

2003, 2004, 2005 me vieron en la convención de AC/DC "The Big Ball" en Wrexham y en hacer lo mismo en The Bulldog Bash en Long Marsden. Luego tomé otros años en busca de la Volví a meterme en el mundo iluminación espiritual que de los medios cuando acepté encontré en el pub The a regañadientes regresar a Famous Angel en Bermondsey Total Rock Radio. En 2009 dejé el pub para 2000 me vio regresar a organizar "Krusher’s Klub Estados Unidos para el Night" en el infame Embassy Ozzfest de ese año, Club en Londres, que nuevamente como nuevamente terminó presentador y DJ. También tristemente, pero no después

de que todos hubieran tenido algunas noches infames de desenfreno de rock 'n' roll. En 2010 fui DJ y MC en "Hard Rock Hell IV" y repetí mis tareas en 2011, 2012 y 2013 cuando también hice lo mismo en "Hammerfest". Además, entre 2009 y 2013, mis servicios como DJ y presentador fueron solicitados para el 'Ibiza Road Trip', donde se realizaron algunas noches escandalosas, lo que generalmente resultó en algunas llamadas diciendo que me enviarían a casa en el primer vuelo de regreso al Reino Unido!!! Probablemente el cambio más importante en mi vida se produjo en 2010, cuando después de casi 40 años de vivir y rockear duro en Londres me mudé, con mi fiel perro de caza, a 'Krush Kottage' en las afueras de Tewkesbury. Este movimiento probablemente salvó mi vida. Los años de desenfreno del rock 'n' roll finalmente comenzaban a alcanzarme y tenía una gran necesidad de

Portada de la revista Kerrang!, Número 54, Noviembre de 1983

descanso y recuperación. El 2010 también fue el año en

nuevamente en 2019 que exhibiera mi trabajo en el

que me contactaron para exhibir mi obra en la exposición "Home Of Metal" del Museo de Birmingham, una celebración de 40 años de Heavy Metal. Me pidieron

museo, cuando se celebraban los 50 años de Black Sabbath. Saliendo solo cuando era necesario, viví la vida de un recluso y tomé fotografías de los amaneceres y atardeceres,

evento donde desde 2018 he presentado bandas en el 'Stonedeaf Festival'.

¿Cuál es su banda favorita? ¿Por qué?

Program Tour diseñado para Accept, 1986

que publico regularmente en mi página de Facebook y ahora hago un calendario anual de amaneceres, atardeceres, lunas y fechas de rock. También desde 2010 exhibo algunas obras de arte en la galería del Museo Rock And Metal en el Festival Bloodstock. Desde 2011 he diseñado una serie de tarjetas, estampados y camisetas edición limitada. En 2015 me involucré no solo en el diseño de obras de arte para el Drunken Monkey Festival, un festival local que recauda fondos para Midlands Air Ambulance, sino que también participé en un

No tengo una banda favorita, pero a lo largo de los años The Beatles, The Rolling Stones, Jimi Hendrix, The Nice, Led Zeppelin, Black Sabbath, Ozzy Osbourne, Iron Maioden, Alice Cooper, Motorhead, AC/DC, Pantera, Slayer y muchos, muchos más me han inspirado.

¿Dónde vive? ¿Hay conciertos o tributos sobre The Beatles en su ciudad o estado? Vivo en un pequeño pueblo en Gloucestershire, Inglaterra. Los únicos conciertos sobre The Beatles son cuando las bandas tributo a los Beatles tocan en lugares locales en Gloucester o Cheltenham, las ciudades más cercanas a donde vivo.

¿Ha conocido a algun integrante de The Beatles? Aparte de pasar junto a Paul McCartney en el Soho de Londres, nunca he conocido a ninguno de ellos. La hija de Ringo Star, Lee, es amiga mía, pero nunca lo conocí.

¿Qué haces actualmente? Actualmente diseño tarjetas de felicitación de edición limitada, estampados y camisetas y sudaderas con capucha y soy MC/DJ en The Drunken Monkey Festival, Bloodstock Festival y Stonedead Festival.

Hay quienes afirman que el éxito de The Beatles no fue muy rápido en EEUU debido la gran influencia de Elvis Presley. ¿Está de acuerdo? No, creo que The Beatles tomaron por asalto a Estados Unidos y no creo que Elvis Presley haya obstaculizado su conquista.

¿Escucha las canciones de The Beatles? ¿En que momentos? Los escucho ocasionalmente y generalmente porque solo quiero volver a visitar ese particular LP o canción de la banda.

¿ Cuál es su álbum favorito? Nuevamente, no tengo un álbum favorito, pero en particular me gustan The White Album y Abbey Road, pero honestamente creo que cada álbum que hicieron es un GRAN álbum.

¿Cuál la importancia de la banda británica en su vida? No tan importante como cuando era un niño y un adolescente, entonces fueron una parte muy influyente de mi vida.

¿Dónde estaba en el lamentable día 8 de diciembre de 1980? Día de la muerte de John Lennon. ¿Cómo reaccionó al saber la noticia? Estaba en mi cama escuchando mi radio en Londres.

¿Lennon o McCartney? ¿ Por qué? Lennon todo el camino. Simplemente parecía hacerse más accesible para los fanáticos y también su música parecía ser más importante, especialmente en sus años en solitario.

¿Fue George Harrison un buen guitarrista? ¿Cuál es su contribución a la evolución

del rock? ¿Cuál es tu solo de guitarra favorito en las canciones de los Beatles? George Harrison fue un GRAN guitarrista. Sinceramente, no sé si influyó en la evolución del rock, pero sé que era fanático de Gary Moore. Sobre mi solo de guitarra favorito, no puedo elegir uno, pero los solos en 'Carry That Weight/The End' y 'Revolution' son maravillosos.

Krusher en el Stonedeaf 2019

Mucha gente dice que Helter Skelter es la primera canción de Heavy Metal del mundo. ¿Estás de acuerdo? ¡NO! Salió en noviembre de 1968 y en ese momento había bandas como Steppenwolf, Vanilla Fudge, Led Zeppelin, Blue Cheer y Jimi Hendrix, por nombrar algunas que podrían decir que hicieron la primera canción de Heavy Metal.

Este material será un artículo para una revista sobre The Beatles. Esta revista se llama Glass Onion. ¿Qué tan importante es hablar sobre The Beatles y el rock para la juventud actual? Increíblemente importante ya que The Beatles son probablemente la banda más importante de los últimos 60 años. Entrevista Por: Ezequiel Gauss

Los Beatles fueron muy importantes en innovaciones como en la forma de grabar en estudios. ¿Qué tan importante es la banda para la música o el rock? Increíblemente importante ya que hicieron uso del estudio de grabación como ninguna otra banda antes que ellos y probablemente ayudaron mucho a avanzar en las técnicas de grabación,

especialmente a George Martin, conocido como el 5º Beatle. En cuanto a su importancia para la música y el rock, es enorme, cambiaron la forma en que escuchamos música y también cómo sonaba la música.

Tienes algún material u objeto raro de los Beatles? Infelizmente no.

Mayo de 1960 fue un mes de reagrupamiento y relanzamiento para The Beatles, ahora formados por John Lennon, Paul McCartney y George Harrison en guitarras, Stuart Sutcliffe (que había ingresado a la banda en enero) en bajo y Tommy Moore en batería, quién llegaba al grupo de la mano de Allan Williams, el nuevo manager de los muchachos. El renovado entusiasmo se debía a que el prestigioso promotor londinense Larry Parnes recalaba en Liverpool en busca de una banda que acompañara a su cantante estrella, Billy Fury, para una temporada de verano, y otras dos para girar por Escocia en junio con Duffy Power y Johnny Gentle. El círculo se cerró cuando Parnes hizo trato con Allan Williams para utilizar un club que él regenteaba, el Wyvern Social Club, como lugar para tomar las audiciones.

Cliff Roberts, Billy Fury y Larry Parnes

Rory Storm And The Hurricanes, 3 de Mayo

Una semana antes, el 3 de mayo, Williams y Parnes habían promocionado juntos un gran concierto en el Liverpool Stadium. Originalmente estaba encabezado por Gene Vincent y Eddie Cochran, pero la trágica muerte de éste último poco antes del show dejó al autor de Be-Bop-A-Lula como única estrella, secundado por bandas locales como Cass And The Cassanovas, Derry And The Seniors, Gerry And The Pacemakers (erróneamente publicitado como Jerry) y Rory Storm And The Hurricanes, donde tocaba la batería un tal Richy Starkey. Parnes quedó impresionado con el talento de las bandas de la ciudad, por lo que pensó que sería buena idea contratar a algunas para ser el grupo de acompañamiento de sus estrellas solistas.

Pero, ¿Cómo llegó una banda amateur como ellos a audicionar? Unos días antes Stuart Sutcliffe y John Lennon se encontraron con Williams, y John simplemente le pidió si podía hacer algo por ellos. Debido a la amistad de Allan con Stu, les ofreció audicionar, pero se encontró con el contratiempo de que no tenían baterista. De cualquier modo asumió el compromiso de conseguirles uno. Fue por medio de Brian Cassar (“Cass” de los Cassanovas) que llegó a Tommy Moore. Thomas Henry Moore había nacido el 31 de septiembre de 1931, por lo que era bastante mayor que los muchachos. Tenía mujer y trabajaba en la embotelladora Garston, manejando el autoelevador, pero se dedicaba también a la música. El día de las pruebas la banda hizo todo lo posible por tocar últimos, ya que el baterista debía terminar su jornada laboral antes de ir al pub. De hecho no se conocían aun. En el ínterin, mientras hacían sociales con las otras bandas, Cass preguntó por el nombre de la banda y John respondió simplemente The Beatles, a lo que el cantante mencionó que no era un buen nombre. Todas las bandas eran “Cantante líder + banda de acompañamiento”.

Poster para el 3 de Mayo, aún con Cochran

Sugirió que se llamaran Long John And The Silver Beatles. Los muchachos aceptaron usarlo en ésta ocasión. Ya no se podía dilatar más su actuación, por lo que tuvieron que pedirle a Johnny Hutchinson, baterista de los Cassanovas, que cubriera el hueco. Moore finalmente llegó tras una canción y se incorporó, pero ya se había ganado la antipatía de sus compañeros. En cambio, otro de los miembros sí estaba presente pero hubiesen preferido que no fuese así: Stuart. El compañero de John de la escuela de arte hacía pocos meses que había adquirido su bajo y estaba bastante lejos de

The Silver Beetles con Johnny Hutchinson

estaban disponibles. Tampoco lo estaban los Hurricanes, y los Pacemakers no aceptaron debido a que todos tenían trabajos diurnos, al igual que los Seniors. De ésta manera el ofrecimiento llegó a los Silver Beatles. ¿Cómo pasaron de ser los elegidos para acompañar a Billy Fury a ser la última opción para viajar con Gentle?

The Silver Beetles con Tommy Moore

saber tocarlo. Por recomendación de los demás solía evitar que el público viera lo que estaba tocando ya que por lo general siempre había otros músicos en la audiencia y creían que sería embarazoso que descubrieran que Stu estaba tocando una nota equivocada, por lo que acostumbraba pararse en escena dándole la espalda a los espectadores. Existen varias versiones sobre el veredicto. Según Parnes, le habían gustado los Silver Beatles pero creía que necesitaban otro baterista. Según Williams, el problema era el bajista. De hecho afirmó que Parnes les ofreció el puesto con la condición de dejar fuera a Stu y que John la habría rechazado. Es todo muy confuso, sumando que Cass And The Cassanovas fueron seleccionados para acompañar a Gentle y Power por Escocia. ¿Eso quiere decir que la banda de John era mejor que una banda con más experiencia? Las cosas se complicaron cuando una semana después de las audiciones Larry Parnes llamó a Williams con la novedad de que antes de la gira de junio, Johnny Gentle giraría una semana por Escocia y los Cassanovas no

En aquel momento George trabajaba como aprendiz de electricista en la firma Blackler y simplemente renunció. En cambio estuvieron en vilo sobre la decisión que tomaría Tommy, quien finalmente accedió a sumarse debido a que las 15 libras que ganaría sumaban mucho más que una semana de trabajo. Anteriormente, el 14 de mayo, hicieron su primer show en el Lathom Hall de Liverpool, aunque sin Moore, por lo que nuevamente pidieron un baterista prestado, esta vez fue Dave Lovelady de los Dominoes. El promotor Brian Kelly los contrató para éste concierto y posteriormente les ofreció tocar una semana más tarde, el día 21, cosa que aceptaron gustosos. Kelly tomó nota del nombre de la banda de manera errónea y el 20 de mayo publicó un aviso en el Bootle Times sobre la actuación al día siguiente de The Silver Beats. El propio Williams solía referirse a ellos como los “Beetles”, así que eran comunes las confusiones. Cuando el 18 llegó el ofrecimiento de Parnes para ir a Escocia se les superpusieron las fechas. La banda no se caracterizaba por ser demasiado responsable y ni siquiera le avisaron a Kelly que no asistirían. Como resultado, el promotor los vetó por un largo tiempo y no volvió a ofrecerles trabajo por varios meses.

El 15 de mayo actuaron al mediodía en el Iron Door Club de Liverpool, ésta vez haciéndose llamar The Silver Beetles, junto a Cass And The Cassanovas. Con ésta actuación se terminaba el precalentamiento; ahora había que embarcarse en su primera gira por fuera de Inglaterra… …bueno, en realidad se trataba de la gira de Johnny Gentle And His Group, tal como fueron promocionados. Es decir que los futuros Beatles ni siquiera fueron mencionados, pero ello no impidió que se sintieran “profesionales” y adoptaran nombres artísticos. Así fue como George Harrison se convirtió en Carl Harrison. Fue el único en conservar su apellido, pero cambió su nombre de pila por el de su héroe Carl Perkins. Paul Ramon arrancó varios suspiros de las chicas, atraídas por su exótico nombre, que según McCartney eligió buscando algo que sonara como Rudolph Valentino. Fiel a su status de artista, Stu pasó a ser Stuart de Staël, en honor al pintor francés Nicolas de Staël. Hay discrepancias sobre el nombre utilizado por John. El propio Paul fue contradictorio afirmando tanto que si como que no cambio su nombre, pero se encontraron autógrafos de esa gira donde escribió “Johnny Lennon”. El baterista también dejó su sello, firmando siempre “Thomas Moore, Drums”. La banda llegó sin conocer el repertorio, que finalmente se dice que consistió en su totalidad de covers: It Doesn’t Matter Anymore y Raining In My Heart de Buddy Holly, I Need Your Love Tonight de Elvis, Poor Little Fool de Ricky Nelson, I Don’t Know Why I Love You But I Do de Clarence Henry, Come On Everybody de Eddie Cochran y He’ll Have To Go de Jim Reeves. Se encontraron con

Anuncio del día del debut

Gentle apenas media hora antes del primer concierto e hicieron un rápido ensayo, antes de subir a escena en el Town Hall, en Alloa, Clackmannanshire, el día 20 de mayo. Ese fue el mejor recinto donde actuaron, con más gente y el único de donde se conocen fotos, siendo “Carl” el único integrante en aparecer, junto a Johnny Gentle. Al día siguiente se presentarían en el Northern Meeting Ballroom de Iverness y tras el show, ya en el hotel, Gentle trabajaba en una canción que estaba escribiendo llamada I’ve Just Fallen For Someone. Estaba atascado con la letra, por

lo que John lo ayudó escribiendo 4 líneas para el estribillo, que decían: We know that we’ll get by Just wait and see Just like the song tells us The best things in life are free La canción se editaría en agosto de 1962, paradójicamente en el sello Parlophone, marcando el debut autoral de John en el sello inglés, pese a que no fue acreditado. Ocupó el lado B de la canción My Tears Will Turn To Laughter y Gentle (que en realidad se llamaba John Askew) utilizó el pseudónimo de Darren Young. Fue un fracaso, vendiendo menos de 3.000 copias. El día 22 fue de descanso, pero emprendieron viaje al día siguiente para presentarse en el Dalrymple Hall, en Fraserburgh. Durante el viaje en la van que los transportaba, Johnny Gentle tomó el volante, reemplazando al chofer Gerry Scott, y tuvieron un accidente cuando estrelló el vehículo contra un auto. Dentro de la van los equipos e instrumentos volaron y el mayor perjudicado fue Tommy Moore, a quién una pieza del equipamiento golpeó directamente en la cara, provocándole una contusión y la pérdida de varios dientes, por lo que tuvo que ser hospitalizado. Al acercarse la hora del show, Tommy fue retirado del hospital por Bert Ewen, el promotor local del show, aún sedado y confundido por la situación. Se afirmó que al ver su rostro desfigurado, John se habría burlado de él. Fue la gota que rebalsó el vaso para Moore, quién ya venía sufriendo el hostigamiento de Lennon durante todo el tour. Al día siguiente los detalles del accidente fueron informados en el Banffshire Journal,

Placa en Keith

siendo éste el primer diario en el mundo en escribir sobre The Beatles, o más bien, “The Beetles El 24 de mayo nuevamente lo tuvieron libre, lo que le dio la chance a Tommy de recuperarse un poco más, pero al día siguiente continuaron su camino, ésta vez en el St. Thomas’ Hall, en Keith. A ésta altura ya estaban más que desencantados con la gira: el dinero no era suficiente y los lugares donde tocaban eran deprimentes. Ellos habían imaginado una gran gira con cientos de personas asistiendo a sus conciertos, pero la realidad es que actuaban en lugares pequeños a los que iba un puñado de personas que no les prestaban demasiada atención. Las llamadas a Larry Parnes con quejas se habían vuelto diarias y la situación ya era apremiante. Y prueba de ello es que tras la actuación del día 26, en el Town Hall, en Forres, escaparon del hotel The Royal Station sin pagar.

El 27 de mayo hicieron su penúltima actuación, en el Regal Ballroom, en Nairn. Johnny Gentle recordó que ése día él le hizo una llamada a Larry Parnes y que Lennon le arrebató el teléfono para quejarse una vez más. Según Gentle, quién intercedió fue Allan Williams, enviándoles algunas libras para que pudieran manejarse. El final del suplicio ocurrió en el Rescue Hall, en Peterhead, el 28 de mayo. Volvieron a Liverpool cansados y sin dinero, pero con una buena dosis de experiencia de lo que significa estar en un tour. Johnny Gentle estaba más que complacido con ellos y según Larry Parnes, lo llamaba continuamente para que los vuelva a contratar para su segunda gira escocesa, cosa que no ocurrió. También fue muy honesto al reconocer que algunas veces durante la gira les había concedido el espacio para que actuaran solos, y que lo hacían mejor que él. El destino los cruzaría con Gentle una vez más, el 2 de julio, cuando el cantante se presentó en el Jacaranda, el club de Allan Williams, quien le informó que los muchachos estaban actuando ese mismo día en el Grosvenor Ballroom, en Liscard. Johnny se presentó y fue

George y Johnny Gentle. || En la siguiente página: Poster del 3 de Mayo, ya sin Cochran en el cartel.

invitado a unirse a la banda en escena para un par de canciones. Aquel mes de mayo finalizó con una actuación el día 30 en el Jacaranda Coffe Bar. Allan Williams les había ofrecido una residencia los días lunes, el día que la banda de la casa, The Royal Caribbean Steel Band, tenía libre.

Martín Castro

Phil nació como Harvey Phillip Spector el 26 de noviembre de 1939 en The Bronx, Estados Unidos, hijo de familia judía. El apellido de su padre Benjamin era “Spekter”, pero al ir a Estados Unidos se lo tradujo como Spector. Luego de que su padre falleciera cuando Phil era solo un niño, en 1953 se muda junto a su

madre a Los Angeles donde aprendió a tocar la guitarra, siendo su primer número presentado “Rock Island Line”. Tiempo después junto a Marshall Leib, Sandy Nelson y Annette Kleinbard forma el grupo “The Teddy Bears”. En 1958 graban su primera canción “Don’t You Worry My Little

Pet”, la cual les valió un contrato con Era Records y a partir de allí a grabar su primer #1 de Billboard: “To Know His Is To Love Him” en diciembre de 1958. El inesperado gran suceso les valió firmar para un sello de mayor alcance como Imperial Records, y allí lanzaron varios sencillos y hasta su primer LP, aunque ninguno fue ni mínimamente exitoso, y la seguidilla de fracasos disolvió el grupo en 1959. Por otro lado, ya desde los primeros días de The Teddy Bears, Phil conoció al productor musical Stan Ross, quien lo apadrinó y le enseñó las bases de la producción musical, y sus enseñanzas forjaron el estilo que lo acompañaría hasta la actualidad. Hacia 1960 se unió como aprendiz del famoso dúo de compositores formado por Jerry Leiber y Mike Stoller, quienes en su curriculum ya habían escrito canciones de la talla de “Hound Dog” para Big Mama Thronton (y que en 1956 sería un super Hit de Elvis Presley), así como otras “pequeñas” canciones como “Jailhouse Rock”, “Santa Claus Is Back in Town”, “(You're So Square) Baby I Don't Care” y “Don’t” entre otras para Elvis Presley. También “Searchin’”, “Yakety Yak” y “Young Blood” para The Coasters y “Kansas City” para Little Willie Littlefield, entre muchas otras para ellos y otros artistas como The Cheers, The Drifters, Perry Como y Lonnie Donegan. También podemos notar como muchas de ellas las podemos asociar también a The Beatles ya que las interpretaron más de una vez en sus años formativos.

Bears, donde lo que hicieron fue reproducir una pista grabada previamente en los parlantes del estudio y volver a tocarla y grabarla arriba. En el tiempo con Lieber y Stoller fue perfeccionando su técnica distintiva, que llamaba la atención del dúo compositor y lo consideraban un distinto.

Lieber, Stoller y Elvis A ese ambiente de mega éxitos se sumó Phil, y fue durante su tiempo como aprendiz de Leiber y Stoller que fue dando forma a ese característico sonido que sería su marca registrada durante toda su carrera: el “Wall Of Sound”. ¿Qué es ese famoso “Wall of Sound” o “Muro de Sonido”? Es una técnica de grabación (hoy ya marca Spector) que consta en agregar excesiva instrumentación usando a veces hasta cinco guitarras y cinco percusionistas al mismo tiempo sonando uniformemente, generando así una base constante de música que acompaña a la grabación principal, así como un sonido que sonaba mejor en las radios AM de aquel entonces. A veces también sumaba arreglos interpretados por tantos músicos que llegaba a tener las proporciones de una orquesta. No por nada Phil consideraba que hacia un “acercamiento Wagneriano al Rock N’ Roll”. Ya había hecho un primer intento de generar un Wall Of Sound al producir su propia canción “Don’t You Worry My Little Pet” con The Teddy

Al tiempo co-escribió “Spanish Harlem” para Ben E King junto a Lieber, y también se le asignó producir a Ronnie Crawford, Ruth Brown, Ray Peterson y Curtis Lee. Luego fue el turno de The Top Notes para una canción titulada “Twist And Shout” ¿Les suena? Y con cada producción asignada, Phil fue puliendo y mejorando su muro de sonidos, vale aclarar, por ese entonces todavía sin nombre. A partir de 1962 comenzaría la época dorada para el joven Phil Spector, que con menos de 25 años ya había amasado un muy buen dinero y junto a Lester Sill funda su propia compañía a la que llamaron “Philles Records”.

Phil Spector y The Ronettes

Allí ficharon a la agrupación vocal The Crystals, cuyo primer sencillo “There’s No Other” llegó al 20, y el segundo “Uptown” al #13. Al poco tiempo Spector consiguió una canción escrita por Gene Pitney titulada “He’s A Rebel” la cual se volvería un #1 para The Crystals, aunque no fue grabado por The Crystals… sino por Darlene Love and The Blossoms, bajo el nombre de The Crystals, algo que volvería a suceder en otras ocasiones. También por ese entonces creó a “Bob B. Soxx & the Blue Jeans” con Darlene Love y Fanita James, de The Blossoms, además de producir a The Ronettes y con ellas alcanzar un #2 con “Be My Baby” en agosto de 1963. Ese mismo año editó en Philles Records el primer álbum de

material nuevo que alcanzó buenas posiciones en los charts: “A Christmas Gift For You From Philles Records”, que fue un gran éxito en las Navidades del ’63. De todas formas, Phil nunca simpatizó con la idea de los LP, a los que consideraba “dos hits y diez piezas de basura”. Esa filosofía lo acompaño toda su carrera, donde produjo decenas de sencillos y muy pocos LPs. También a finales del ’63 fichó para Philles Records a The Righteous Brothers, con cuyo primer sencillo “You've Lost That Lovin' Feelin'” alcanzó un #1 instantáneo, siendo el segundo de Philles y el primero del dúo. Y este es el punto donde oficialmente nace el “Phil Spector’s Wall Of Sound” como término, que fue la forma en la que Andrew Loog Oldham llamó a la producción de Spector para este sencillo. Y vendrían más éxitos juntos como “Unchained Melody” (#4), y “Ebb Tide” (#5), aunque la relación se rompió y Spector vendió al dúo y sus derechos a Verve Records en 1965. Y hubo un artista más que fichó para Philles: Ike And Tina Turner, con quienes grabó “River Deep - Mountain High”, que para el mismo Phil sigue siendo su disco mejor producido y que alcanzó el #3 en el Reino Unido. Con ellos también produjo algunos cortes más, aunque ninguno fue realmente exitoso en su momento.

Phil Spector e Ike & Tine Turner

Los fracasos y el agotamiento hicieron que para 1966 pierda todo el interés en la producción musical y se retiró temporalmente para casarse con “Ronnie” Bennet, la voz principal de The Ronettes.

En 1969 volvió a trabajar para producir el single de The Ronnettes “You Came, You Saw, You Conquered” y algunos otros. Poco después fue contactado por Allen Klein (manager de The Beatles ya por aquel entonces) para pedirle que produzca “Instant Karma!” de John Lennon, el cual finalmente alcanzó el #3. Con esa carta de presentación, fue elegido por John Lennon y George Harrison para ser el nuevo productor de las grabaciones de las sesiones “Get Back” de The Beatles y sacar algo provechoso, tras varios intentos fallidos de Glyn Johns que fueron rechazados por la banda una y otra vez. Phil aceptó la propuesta y se puso manos a la obra utilizando su técnica estrella en varias canciones, lo cual, como sabemos, enfureció a Paul McCartney en especial por la mezcla y arreglos orquestales de “The Long And Winding Road”. Pero de todas formas el álbum fue #1 en el

Reino Unido y en Estados Unidos, y tanto George Harrison como John Lennon quedaron conformes con los resultados. Esto último le valió a Spector ser contratado como director de A&R de Apple Records y trabajó como coproductor de los primeros trabajos solistas de

ambos: por parte de George, del multipremiado álbum debut “All Things Must Pass”, el audio del “Concert For Bangladesh” (para el cual también colocó 44 micrófonos de forma tal que se capture su Wall of Sound en vivo) y “Living In The Material World”. Del lado de John fue co-productor de “Plastic Ono Band”, “Imagine”, “Some Time in New York City” y luego de algunas excepciones lo fue de “Rock ‘N’ Roll”. Del mismo modo fue el productor de varios de los sencillos de ambos que salieron (sin contar los extraídos de los álbumes) de aquellos años como “Bangladesh”, “Power To The People”, “Happy Xmas (War Is Over)”, y podemos mencionar que con “My Sweet Lord” alcanzó otro #1. Por ese entonces también produjo el tema escrito por George “Try Some, Buy Some” bajo la voz de su esposa Ronnie Spector.

Luego de su paso por el círculo Beatle, logró una alianza con Warner Brothers donde se republicó el catálogo de Philles y produjo un sencillo de Cher y un álbum de Dion DiMucci. Pero, hacia 1974, tras un accidente automovilístico en el que casi pierde la vida (de hecho, se lo estaba por declarar muerto y un policía le detectó pulso), decidió retirarse temporalmente. Volvió a la producción, hacia 1977 produjo el trabajo “Death Of A Ladies Man” de Leonard Cohen, el cual le valió críticas de los fans similares a las que Paul realizó en su momento en The Beatles sobre Let It Be: la sobreproducción. En 1979 fue el turno de The Ramones con su trabajo “End Of The Century”, también criticado por los fans, debido al sonido radial que tenía. Sin embargo, quizás gracias a ello, el álbum cosechó algunos de los

máximos hits de la banda como “Rock N’ Roll High School”, “Do You Remember Rock N’ Roll Radio?” y el cover de The Ronettes (guiño, guiño) “Baby, I Love You”. Ya en la década del 80’, co-produjo el álbum “Seasons Of Glass” junto a Yoko Ono, y en 1986 figuró como

Spector había declarado en 2003 que fue un “suicidio accidental”, pero según declaraciones de su chofer el mismo Phil le habría dicho “creo que he matado a alguien” mientras salía de la casa con un arma en la mano.

Phil Spector y Joey Ramone

productor de cuatro canciones del lado A del recopilatorio “Menlove Ave.” de John Lennon, que habían sido grabadas durante las sesiones de “Rock N’ Roll” . Luego de más de dos décadas de casiinactividad, aceptó producir el álbum “Silence Is Easy” de Starsailor, publicado en 2003. Pero rápidamente luego de empezadas las sesiones fue echado por el equipo de producción debido a “diferencias creativas”. Sin embargo, dos temas quedaron con su sello de producción: “Silence Is Easy” y “White Dove”. Dato de color: el primer sencillo del disco fue su producido “Silence Is Easy”, y fue #8 en el Reino Unido ese año. En ese mismo 2003 se produce un hecho terrible: el asesinato de la actriz Lana Clarkson en la mansión de Phil Spector en California, por el que Spector es declarado culpable en 2009 con sentencia de 19 años de prisión.

Por motivos muy claros, desde 2003 sus apariciones públicas fueron muy pocas. Antes de ser sentenciado, debido al pago de una fianza de un millón de dólares pudo quedar en libertad hasta el momento de su condena, y en ese tiempo produjo con su Wall Of Sound la canción “Crying For John Lennon”, de Hargo en 2006 y se lo pudo ver en el funeral de Ike Turner en 2007. En 2008 brindó una entrevista a la BBC Two donde habló sobre su vida y sus producciones.

En tanto se iba presentando para cada etapa del juicio muchas veces con extravagantes y ridículas pelucas que lo volvieron muy popular en la internet de aquellos años. Guste o no guste su técnica de producción, no hay dudas de que influenció a toneladas de artistas, y productores, como Brian Eno, Brian Wilson (quien lo consideraba su competencia artística), Bruce Springsteen, ABBA, Todd Rundgren, y una extensísima lista. Actualmente sigue cumpliendo su condena en Stockton y tiene 80 años.

Federico B.

1969 fue el último año de The Beatles como entidad palpable, y ya el hastío era un integrante más que estaba presente en todos y en cada uno de sus integrantes. Paul McCartney una vez más fue el de la idea de reflotar a la banda con un nuevo proyecto.

grabando en Twickenham como si nada, a veces con Yoko de invitada. Harrison volvió con Billy Preston y con la idea de mudarse a Saville Row (donde funcionaban las oficinas de Apple) para continuar las grabaciones en el estudio que habían mandado a construir.

Si en 1967, tras la muerte de Brian Epstein, "Magical Mystery Tour" fue una inyección de psicodelia que reforzaba la idea de "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band", la energía ya no era la misma por más que Lennon escribiera genialidades como "I Am The Walrus". Luego llegaría el White Album y las diferencias musicales y personales entre los 4 se hicieron más que evidentes, Ringo Starr pegó el portazo y al final el disco salió doble por la gran cantidad de canciones que todos contribuyeron y las pocas que nadie quiso resignar.

El problema era que el estudio no funcionaba por haber dejado que un personaje llamado "Magic Alex" - Alexis Madras - prometiera construir el estudio de grabación más grande de toda la Tierra y terminó solo con parlantes en la pared y luces por todas partes aunque sin ninguna funcionalidad.

El grupo ya estaba herido y llegaría la idea de McCartney que no haría otra cosa que salar esas heridas. Por lo cual se alquilaron los estudios televisivos de Twickenham, allí donde apenas unos pocos años atrás habían filmado "A Hard Day's Night" y "Help!" Pero esta vez la idea era ensayar para un gran megaconcierto, y que esos ensayos fueran filmados al igual que el recital final. La cosa es que el proyecto naufragó y quedaron grabadas cientos de horas de canciones (cerca de un centenar) tocadas en vivo. Entre esas canciones hay algunas que retomarían un tiempo después y la gran mayoría descartada. Las sesiones se realizaron entre el 2 y el 30 de enero y en el medio George renunció a la banda y los tres restantes continuaron

Gracias a la gestión de George Martin, pudieron conseguir un estudio móvil en Abbey Road y el megaconcierto que se iba a llevar a cabo en el Coliseo Romano o en la Luna terminaron siendo 5 canciones al mediodía del 30 de enero de 1969 en la terraza de Apple. Luego de eso, otras canciones fueron registradas en el sótano del mismo edificio al día siguiente y de ese modo el proyecto "Get Back" aparentemente había concluido. Pero NO... En febrero de 1969, los Beatles se contactan con Glyn Johns, prestigioso productor e ingeniero de sonido que ya había trabajado con los Rolling Stones y The Steve Miller Band, además de una reciente labor de mezcla en enero en el disco debut de Led Zeppelin. Se buscaba para "Get Back" algo crudo, un retorno a las raíces quizás más emparentado con los días de Hamburgo que con Sgt Pepper... Existieron (bah, existen) 2 mezclas de este disco:

Mezclado por Glyn Johns - Mayo de 1969 Antes de empezar la canción Glyn Johns trata de captar la sensación del concierto de la azotea. Antes de que Los Beatles empezaran a tocar One After 909, uno de los encargados del equipo de grabación grita "todas las cámaras (toma) cuatro" ("all cameras [take] four!"). Al final de la canción, Glyn Johns adiciona dos pedacitos de conversación del concierto de la azotea. Después de la breve rendición de "Danny Boy", Glyn Johns edita un diálogo de John y Paul al final del concierto de la azotea. Paul agradece a la esposa de Ringo Maureen, John regresa al micrófono y agradece "Quiero darles las gracias en nombre del grupo y de nosotros y espero que hayamos pasado la prueba" (I'd like to thank you on behalf of the group and ourselves and I hope we passed the audition.") Es interesante anotar que Phil Spector utilizó estos segmentos en Let It Be. Glyn Johns va hacia un largo segmento grabado el primer día en los Estudios Apple. Un ensayo corto titulado "Rocker" que termina

abruptamente seguido de conversación en estudio indicando que la banda no sabía que canción tocar como siguiente número y Paul les dice que deben tocar "Save The Last Dance For Me". La siguiente tocada es corta y Paul no recuerda toda la letra. Ellos terminan el segmento con una breve interpretación de "Don't Let Me Down". Finalmente The Beatles tocan "Don't Let Me Down" al completo y después más conversación en estudio. John dice, "Este momento es serio, Yo recuerdo tu baile --tu 3/4, mi 5/6." ( "This time it's serious. I remember your waltz--your 3/4, my 5/6."). Paul le insiste a John ,"Haz lo tuyo, hombre" "(Do your thing, man") y John le responde "Yo lo hago todo el tiempo y no puedo mantenerlo" . Después de un comienzo falso John le dice a Ringo que le dé con todo a su batería "para que me dé el valor para poder gritarlo" ("to give me the courage to come screaming in.") En otra sesión John sugiere a la banda tocar "Dig A Pony" directo hacia "I´ve Got A Fever" (Dig a Pony" straight into "I've Got a Fever,"). John bromea con el nombre de "I´ve Got A Feeling". En esta sesión Glyn Johns tiene un rol principal.

El lado B abre similar, sonido de vaso, una corta practica en guitarra y uno de los del equipo de producción diciendo "Quiet please!" ("¡Silencio, por favor! ") antes de que The Beatles toquen "For You Blue". Mark Hertsgaard consideró a "For You Blue" como una canción irrelevante y extraña para ser incluida en Get Back, especialmente en comparación al catálogo de excelentes canciones que George había escrito en los últimos años de The Beatles, suficiente como para hacer un álbum triple como All Things Must Pass.

Previo a "Dig a Pony", John dice "correcto Glynnis, estamos fuera de nuevo" ("alright Glynnis, we're off again") y al final de "I´ve Got A Feeling" Ringo golpea su batería y dice "Glyn, ¿Qué te parece el sonido?" ("Glyn, what does that sound like?") El lado uno concluye con la versión del single de "Get Back". Todas las actuaciones en el estudio en el lado A, con la excepción de "Get Back" son muy sueltas, llenas de conversaciones tontas, improvisando voces cómicas y un número de errores.

La performance de "For You Blue" fue mucho más pulida que muchas otras canciones en Get Back. Paul les ofrece el tema "Teddy Boy" "for further consideration",("para posible elección") y suena más a un ensayo. Glyn Johns usó una versión más temprana de "Two Of Us" que la que está incluida en el Let It Be producido por Phil Spector. "Maggie Mae" es un tema corto, pero Dig It es mucho más larga que la versión editada por Phil Spector en Let It Be. Glyn Johns incluyó dos temas de McCartney que fueron grabados un día después del concierto en la azotea. "Let It Be" incluyó más arreglos que fueron agregados en abril de 1969. Todas estas canciones no tenían arreglos comparados con la abundante producción que

Spector añadió meses más tarde. Principalmente en las canciones "Let It Be" y "The Long And Winding Road" pero Johns le dio una atmósfera diferente con un poco de conversación en el estudio entre las canciones. Tenemos allí a John preguntando "are we supposed to giggle during the solo?" ("¿Tenemos que reírnos durante el solo?") a lo

cual Paul responde "yeah" ("si") Glyn Johns concluye "Get Back" con una repetición del tema principal grabada en el estudio con vocalizaciones forzadas de Paul. Los Beatles nunca se pusieron de acuerdo con esta primera mezcla de Glyn Johns por lo que presentó una segunda versión.

Mezclado por Glyn Johns - Enero de 1970 Johns cambio algunas cosas en su segunda mezcla de Get Back. Dejó afuera a “Teddy Boy” y agregó “Across The Universe" y “I Me Mine”. Paul incluiría más tarde “Teddy Boy” en su primer álbum solista “McCartney” Mark Lewisohn dice que la razón por la cual Johns saco a Teddy Boy fue porque Paul le había informado que la incluiría en una versión regrabada para su primer álbum solista que aparecería en la primavera de 1970. "Across the Universe" había sido incluida en el álbum World Wildlife Fund y Glyn Johns se había encargado de la remezcla de la grabación. Johns agrego “I Me Mine” en esta versión de Get Back debido a que estaba incluida en la película. En una parte de las sesiones tempranas en Twickenham George canta la canción a Ringo y empieza a trabajarla. La versión que incluye Johns en esta segunda mezcla fue grabada muchos meses más tarde, específicamente el 3 de enero de 1970. Solo George, Paul y Ringo aparecen en esta grabación, John se encontraba de

vacaciones en Dinamarca. Johns mantuvo lo de las conversaciones improvisadas, pero no editó mayormente la canción "Save The Last Dance For Me". Todo lo que se dejó de la primera mezcla de Get Back fue el estribillo que introduce a "Don´t Let Me Down" También fue claro con la idea inicial que Paul tenia de "Get Back". Ambas versiones de los álbumes que Johns produjo presentaba a The Beatles como eran en el estudio "sin arreglos". Escuchando estas mezclas se ve por que los Beatles no estaban entusiasmados por ello. En vez de crear una sensación de urgencia y espontaneidad, las mezclas de Glyn Johns resultaron ser irritantes para la banda, que se encontraban en su punto más bajo en cuanto a unidad de grupo. Rechazadas las 2 mezclas y teniendo como último disco hasta el momento "Abbey Road" (publicado en septiembre de 1969), John Lennon, que había abandonado de hecho la banda en agosto del 69, contactó a Phil Spector, con quien

ya habían trabajado juntos en el single solista de John "Instant Karma", y le cedió unilateralmente las cintas del proyecto Get Back. Allí Spector tomó muy poco del trabajo hecho por Johns al cual dotó de sobregrabaciones dignas de su técnica de "Muro de Sonido", que ya lo había hecho millonario aún cuando los Beatles ni siquiera habían pisado los Estados Unidos.

En las sobregrabaciones hubo todo tipo de cosas, desde cuerdas y bronces hasta un coro femenino y nuevos arreglos de batería para lo cual convocó a Ringo Starr como único miembro de la banda presente en las sesiones de Spector. El disco lógicamente ya no era el sencillo y magro "Get Back", sino un ampuloso álbum rebautizado "Let It Be", que era reseñado en estas mismas páginas allá por 2016 y este era su review:

Editado en mayo de 1970 Si nos ceñimos a lo puramente canónico, este es el último disco de la banda. Y si nos atenemos exclusivamente a lo cronológico, es el primer disco póstumo dado que The Beatles anunciaron su disolución 1 mes antes de la salida de este álbum que inclusive había sido grabado antes de Abbey Road, el verdadero "canto del cisne" de los Fab Four. Y tiene de todo: grandes canciones, melancolía, momentos bizarros, acidez y hasta sonidos inéditos en la historia del grupo. Todo eso es Let It Be, disco que revisitaremos a continuación. Todo empieza con algo que encontraremos a lo largo del disco, que son pequeñas viñetas habladas a cargo de John y pegadas por el productor (Phil Spector) al comienzo de algunas canciones, como esta, "Two Of Us" que originalmente Paul McCartney compuso para Linda en un paseo sin destino cierto. La canción que en principio era más pesada y se llamaba "On Our Way Home" cambió a una suave canción con aires folk donde Paul y Lennon se encuentran en las voces y por momentos desaparece la

armonía y se acoplan en unísono. Un comienzo amable, que invita a escuchar el disco aun cuando uno sabe lo amargo de su elaboración. "Dig A Pony", de John es muy interesante desde el punto de vista compositivo, ya que además de los floreos instrumentales y rítmicos, muestra un juego de palabras unidas que no podía provenir de otro que no fuese Lennon. Es uno de los temas rescatados del concierto de la azotea de Apple el 30 de enero de 1969. “Across The Universe” aparece aquí por una decisión del productor ya que si el disco estaba destinado a ser el soundtrack del documental que habían estado filmando en Twickenham, y esta canción sonó allí, debía estar… aun cuando a John Lennon, su autor, no le gustaba el tratamiento que se le había dado en la producción. Pero presumiblemente el intento por lograr finalmente un autoboicot podía más y le dio a Spector vía libre para hacer lo que le plazca, aun sin haberle consultado nada a los demás. Es por eso que la canción abunda en orquestaciones almibaradas

ya hacía 5 meses, lógicamente no había participado de la grabación. El Lennon sarcástico aparece en “Dig It” donde, cantando al estilo de Mick Jagger, dice siglas y algunos nombres, y repite el título de la canción. Aquí se pueden apreciar solo 50 segundos de una versión de 4 minutos, que a su vez es una versión más corta desprendida de una interpretación de 12 minutos que en realidad fue una de las tantas Jam Sessions de Twikenham, que pueden encontrarse en innumerables bootlegs entre los que descollan “The Twickenham Sessions” y “Thirty Days”. Punto.

y coros grandilocuentes, cosa que la canción, bellísima, jamás necesitó. Así prosigue el huracán Spector y se carga a “I Me Mine”, de George Harrison a fuerza de un loop, cuerdas y vientos. Eso sí, las guitarras no fueron retocadas. Este tema, cuya versión inicial no había convencido a los Beatles fue regrabada recién en enero de 1970, cuando se juntaron Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison por última vez por el espacio de 24 años. John, quien estaba en Dinamarca y había abandonado la banda de hecho

Un nuevo pasaje hablado por John sirve de intro para “Let It Be”, donde el aroma a himno puede sentirse desde los primeros compases y se afirma en el estribillo. Esta, al igual que muchas, tiene varias versiones y quizás esta contenga el mejor solo de George Harrison, por el cual Noel Gallagher hubiese matado… Una vez más, los bronces y cuerdas inundan la canción, superando el volumen del órgano ejecutado por Billy Preston, pero ayudan a tapar un pifie en el piano, tocado por Paul, cerca del final. La estructura remite un poco a “Hey Jude” y anticipa un poco a “Maybe I’m Amazed”, pero John la denostó comparándola con “Bridge Over Troubled Waters” de Simon & Garfunkel, lo cual fue, según el biógrafo Ian Mac Donald,

Para continuar con el rock, “One After 909” nos trae la vieja canción de aquellos jovencísimos Beatles de comienzos de los 60, pero interpretada por estos hombres a punto de encarar distintos caminos en su vida. “The Long And Winding Road” fue la gota que rebasó el vaso de Paul para patear el tablero beatle. La balada al piano fue ahogada por cuerdas, vientos y coros (todo junto!) provistos por un Spector que luego declaró, tal vez no sin razón : “Si son número uno, por supuesto, son the Beatles. Si fracasan, por supuesto seré yo”. Igualmente la melodía es un error, ya que el citado tema fue grabado 10 meses después. “Maggie Mae” es más que una humorada. Se trata de una vieja canción liverpuliense que es considerado el “Himno no oficial” de la ciudad, ya que tiene cerca de 200 años. Aquí cerraba el lado A del disco antes de la explosión de rock valvular que supone “I’ve Got A Feeling”, traído desde el techo de Apple, con un Macca en llamas, casi en un registro digno de Roger Daltrey, de los Who.

en 2009 junto al resto de la discografía. por demás melancólica y bella, y nos va llevando suavemente hacia el final, donde “For You Blue”, de George, nos espera con su ritmo country y su guitarra lap steel, interpretada de manera brillante por Lennon. Para terminar, está “Get Back”, cuya edición es en realidad un falso vivo, ya que Spector agarró una version de estudio y le agregó, antes y después, conversaciones tomadas de la azotea de Apple para reforzar la ilusión. Funcionó, siendo incluso diferente a la versión del single aparecido 1 año antes. Let It Be fue probablemente el disco menos querido por Paul, quien en 2003, junto a Ringo Starr (y con la anuencia de George, fallecido 2 años antes) editó la versión “despectorizada” del álbum, en el anteriormente comentado “Let It Be Naked”. En 1970 el disco salió en una caja de lujo junto a un libro, pero el alto costo del objeto forzó a la compañía a retirarlo, convirtiéndolo así en uno de los más preciados ítems para coleccionistas. En 1987 fue parte del catálogo de la primera edición en CD, que tuvo su merecida remasterización

En 1996, y en el medio del megaproyecto "Anthology", el tercer disco doble (Anthology 3, lógicamente) recogió el guante de años y años de ediciones piratas y editó en el disco 2 algo de lo que había sido "Get Back" en la versión de Johns, aunque parcialmente y omitiendo las grabaciones de Twickenham que conocemos de legendarios bootlegs como "The Twickemham Sessions" o "Thirty Days". Ellas fueron "Get Back", "Dig A Pony", "Two Of Us", "For You Blue", un medley de clásicos de la era dorada del rock and roll ("Rip It Up", popularizada por Little Richard, "Shake, Rattle And Roll" cuya versión de Bill Halley era las más conocida y "Blue Suede Shoes" de Carl Perkins), "The Long And Winding Road" sin la producción de Spector, "Mailman, Bring Me No More Blues", clásico de Buddy Holly y "Teddy Boy", aunque era parte de una historia más grande... Llegaría el año 2003 y nos enteramos que a principios del año 2000 Paul había mantenido una charla con el director Michael Lindsay Hogg acerca de una nueva edición del

documental "Let It Be". Ese era el momento de poner en marcha la realización de un disco diferente al de 1970 (Paul se había quedado como se dice "con la sangre en el ojo") y fue así como le pidió al equipo técnico de Abbey Road - Paul Hicks, Guy Massey y Allan Rouse a principios de 2002 y con la "anuencia" de

George Harrison (fallecido en 2001, así que andá a chequear este dato) el ensamblar una nueva edición de lo que se conocía desde mayo de 1970. El resultado fue reseñado, lógicamente, en esta misma revista allá por 2014 en su edición número 14:

Editado en noviembre de 2003 El proyecto "Get Back/Let It Be" tuvo un aurea de polémicas y controversias desde el momento mismo de su concepción por parte de Paul McCartney. Incluso la película en su estreno no contó con la presencia de ninguno de sus protagonistas.Así y todo, Let It Be salió editado en mayo de 1970, con un montón de detalles que no le agradaron a quien, paradójicamente, fue su principal mentor. Es por eso, que más de 30 años después, Paul encabezó un nuevo viaje en el tiempo para de este modo parir un "nuevo" disco Beatle: "Let It Be... Naked", que fue publicado en noviembre de 2003. Para comenzar, este no es el disco que se conoció como "Get Back", aquel que fue mezclado por Glyn Johns antes de la llegada de Phil Spector y que fue pirateado hasta el hartazgo luego de la salida del disco original. Sin embargo, "Naked..." recobra cierto espíritu de aquel disco perdido. El álbum, que según se dijo fue aprobado por George Harrison antes de su partida, arranca bien arriba con Get Back, precisamente el tema que cerraba el álbum original y aquí nos encontramos con la primer diferencia: además de un sonido orgánico, poderoso, cálido, y la alteración del tracklist, notamos que los diálogos originales de Lennon fueron

removidos. Esto se corrobora cuando escuchamos sin preámbulos "Dig A Pony", el estrambótico tema de John en el que Paul no participó para su composición. “For You Blue”, de George, conserva su espíritu bluegrass y en el no encontramos grandes diferencias (si es que inevitablemente caímos en el juego de comparaciones) con respecto al álbum de 1970, aunque en realidad se trate de una toma diferente, cosa que sucede con “The Long And Winding Road”, el gran tema de Paul McCartney que Phil Spector maquilló de un modo grosero valiéndose de secciones pomposas de vientos y cuerdas a las que le agregó, como si esto fuera poco, un coro femenino… ¡¡¡Todo en una sola canción!!!!! En esta oportunidad, “The Long…” sigue mostrando la bellísima canción que siempre

fue, pero ahora se puede apreciar de un modo increíblemente diáfano el piano acústico de Paul, los teclados de Billy Preston y el bajo tocado por John. Siempre estuvo ahí en realidad, pero ahora se puede escuchar con más claridad.

“Two Of Us” retiene su antigua frescura y la que gana brillo es la guitarra acústica en este tema que pareciera acercar a Lennon y McCartney a los viejos tiempos. El tremendo rock valvular de “I’ve Got A Feeling” cobra nueva vida gracias a esta remezcla y allí disfrutamos de esa delicia nacida de dos temas distintos, ya que en la mitad, se sabe, entra John con su “Ev’rybody had a hard year…” Como para seguir en el vértigo del rock and roll, llega “One After 909”, aquel viejo tema de principio de los 60, recuperado en esas sesiones de enero de 1969, cuando el pozo de canciones parecía estar secándose… y esta sección termina, si se quiere, con un tema que no estaba en el disco original, pero como fue tocado en el concierto de la terraza de Apple, no está nada fuera de lugar. Estamos hablando, por supuesto, de “Don’t Let Me

Down”, la poderosa canción de amor de Lennon para Yoko que aquí cobra nueva forma, ya que Paul y George Martin mezclaron 2 tomas diferentes de aquel concierto y obtuvieron una nueva edición. Otra vez con la participación de Preston en los teclados. La versión de “I Me Mine” no difiere casi de la original, salvo, por supuesto, por la impecable remasterización que se hizo del trabajo completo y la anulación de las cuerdas de Spector. Aun así, ésta respeta a rajatabla ese loop que Spector hizo para que el temazo de Harrison durase más en el disco. Si desean escuchar la versión original, está en Anthology 2 (1996). Si de versiones originales se trata, aquí podemos apreciar por primera vez, casi sin ningún truco de estudio “Across The Universe”, la preciosa balada folk que John grabó en 1968 por única vez, pero que sufrió varios cambios en la mezcla que devinieron en un disco de caridad y, por supuesto, la versión de Let It Be ralentizada por Spector. El único artilugio usado es un eco al final “para recordar a Spector”, según dijo un irónico McCartney.

Para el final, “Let It Be” no resigna su status de himno al despojarse de las orquestaciones spectorianas y los rellenos de tom toms que en su momento el productor le había pedido a Ringo Starr. Lo que también muestra una gran diferencia es el solo de guitarra, ya que acá se opto por el del single, en vez del de la versión del LP, del cual se baso casi todo el Brit Pop para irrumpir en los 90. Let It Be Naked tiene como complemento un segundo CD de 22 minutos llamado “Fly On The Wall”, que por un lado compensa la falta de diálogos del disco 1, pero por otro nos deja con ganas de más, ya que se pueden escuchar esbozos de temas como “Imagine” u “All Things Must Pass”, junto a improvisaciones de Paul y Ringo. Intentar resumir aquellas panzadas de bootlegs como “The Twickenham Sessions” o “Thirty Days” en menos de media hora es, cuanto menos, un despropósito. Muchos pusieron el grito en el cielo cuando en 2003 salió este disco por su titulo. Se escuchaba decir que el nombre debería haber sido “Get Back”… eso podría ser si hubiese salido la mezcla de Glyn Johns, cosa que hasta el momento no sucedió. Este es Let It Be Naked, basado en aquellas cintas

como último esfuerzo. Algo de esto sostuvo Lennon en una entrevista: "Así que la grabación terminó y no queríamos saber nada más de ella, por primera vez desde el primer álbum. La cinta estaba en mala condición, y yo quería que saliera así para que el mundo viera a lo que habíamos llegado. No podemos tocar juntos ya, déjenos en paz. Pero no fue posible. Paul no lo permitió. Fuimos y produjimos Abbey Road a la carrera para hacer algo presentable y perpetuar el mito."

grabadas en Twickenham y en Saville Row, pero remezcladas en los 2000, llevando a pensar por un instante que ni John ni George se habían ido y habían grabado un disco hacia muy poco tiempo… Como todo lo relacionado al Universo Beatle, las sesiones de enero de 1969 están cargadas de la suficiente mística en la cual siempre están las conjeturas acerca de si el clima entre los 4 era de indiferencia o en cambio era una guerra total, o más allá, el aventurarse en la suposición de que si estas grabaciones no hubiesen trascendido, a lo mejor las cosas se arreglaban durante la grabación de Abbey Road y teníamos Beatles por mucho tiempo más y quién sabe si tal vez hasta nuestros días... pero no fue así y el resultado fue nada menos que un documento de como una banda, la más grande de la historia de la música, se iba desintegrando, más allá de salvaguardar su buen nombre con Abbey Road

Quien también vio de cerca las sesiones y el armado del disco fue nada menos que el recordado Geoff Emerick quien en su libro "El Sonido de Los Beatles", expresó lo siguiente: "Me di cuenta horrorizado de que Spector había reducido la interpretación de los Beatles a una o dos pistas para poder tener cinco o seis pistas libres para los overdubs de orquesta y coros, como si esos fueran más importantes que el grupo. En cierto momento quiso todavía más pistas. Cuando Pete (Bown, asistente) le dijo que no quedaba ninguna libre, Spector tuvo la desfachatez de borrar una de las voces

de Paul (eliminándola para siempre) para liberar otra pista para uno de sus muchos overdubs de coros". Sin embargo Get Back/Let It Be queda como hito final ya que más allá del desgano con el cual se trabajó, el disco quedó como último compendio de canciones de las cuales surgieron clásicos, es decir, que ni aun en una condición adversa, pudo pasar desapercibido.

Javier Cuenca

Viajar en el único tren que salía desde Heidelberg, a causa de la Tormenta Sabine, es saber que la ciudad me esperaba, por tercera vez en mi vida.

Recorrer los Lugares Beatles y fotografiarlos no sería fácil... con una buena implementación y contra viento y marea, literalmente parto a Hamburgo, inundado y con vientos de hasta 140 kilómetros por hora. Bienvenidos a la exposición de algunas de mis especiales lugares Beatles en Hamburgo. There are places in Hamburg: Willkomen!

1. Llegar a la Hauptbahnhof de Hamburgo es todo un logro. Es el único tren rápido, ICE, directo desde Heidelberg a Hamburgo debido a la Tormenta Sabine.

4. El Cine o Kino Bambi. A unos pasos de la calle Reeperbahn, en un calle tranquila de nombre Paul Roosen StraBe Número 33, se encuentra el primer hospedaje en la ciudad, si es que se le puede llamar así, de The Beatles. El cine le pertenecía a Bruno Koschmider, quien encargó traer una banda de Liverpool (era conocido ya Liverpool por sus artistas y bandas musicales) para su bares nocturnos. Hoy en día ya no es cine. Muy poca gente lo recuerda y en la actualidad está ocupado para viviendas.

En la foto, un personaje típico borracho, con una cerveza en mano, es captado por mi cámara. Hace mucho frío y llueve con viento: Cruzo la calle y le hablo: "¿Cómo está?"

2. Tener un buen plan propio de visitas es esencial. En esta foto un plan que me regalaron mis amigos de The Gallery The Green Walrus de Viersen-Dülken (que ya recorrimos en forma virtual en la edición de Marzo de Glass Onion.

3. Beatles Platz. La Plaza de Los Beatles. En la esquina de la calle Reeperbahn con GroBe Freiheit. Existe desde 2008 y es un recuerdo hecho por Fans para Fans. Tiene la forma de un disco. En el centro, vemos las siluetas de acero de los 5 Beatles: Sí, porque están tanto Stuart Sutcliffe como Pete Best y Ringo Starr. ¿Qué no son 6... ? Así es, pero en esta Plaza están Ringo y Pete juntos en la silueta. Algo especial, sin dudas.

Conversamos y al hablarle sobre The Beatles y que vivieron ahí, justo donde él está, me mira sorprendido... "Siempre me quedó acá y ahora me entero, y alguien del fin del mundo me lo dice... ". El frío y lluvia son intensos y él, amablemente, me guía a un café.

5. Esta calle es la calle de Lennon en calzoncillos: Paul contó que ante una apuesta de si se atrevía o no, John salió en calzoncillos con diario en mano. Por supuesto, la ganó.

La calle y su foto, es lo primero que me viene a la mente.

6. Das Beatles Haus o la Casa Beatles en Hamburgo. Ubicada en la calles Eimsbütteler StraBe 45a, es sin dudas un lugar poco visitado. Los vecinos sí saben y en especial aquellos que admiramos a la artista y fotógrafa Astrid Kirchherr. Aquí vivió Astrid junto a su madre y es aquí donde los amigos de Liverpool estuvieron muchas veces de visita, ya sea para recibir una comida casera verdadera o cariño familiar. Un lugar que además es famoso por la foto de John y George en la buhardilla, tomada por la misma Astrid en abril de 1962, al poco tiempo del fallecimiento de su mejor amigo y novio de Astrid, Stuart. La tristeza se ve en sus ojos y George al lado lo respalda. En esta buhardilla, Stuart tenía su atelier de pintura.

Astrid vive hoy en Hamburgo, pronta a cumplir 82 años (20 de mayo), está alejada de la publicidad y fama. Es una maravillosa mujer, una ícono en todo sentido del arte visual y no sólo por The Beatles.

7. Kaiserkeller: Un tradicional y único lugar de música, hasta la actualidad. Le pertenecía también a Bruno Koschmider y The Beatles tocaron aquí hasta octubre de 1960. Tocaban alternándose con otra banda de Liverpool: Rory Storm & The Hurricanes, cuyo baterista

era Ringo Starr. Lo demás es historia. Klaus Voormann es el retratista de esa época, sus maravillosos dibujos son parte una historia en dibujos, como la de John bajo la lluvia de Hamburgo. Parte del paisaje Beatles.

8. Si John no hubiera dado con esta foto de su juventud en Hamburgo, de su amigo Jürgen Vollmer, quizá el cover de su álbum "Rock’N’Roll" sería un poco menos carismático. Lanzado en febrero de 1975, este álbum que en un principio se llamaría "Oldies but Mouldies" (algo como "viejo pero con moho") fue renombrado, después de encontrar la foto en esa puerta. Hoy está ahí, y los vecinos que viven aquí, ya están acostumbrados. De hecho, debo pedirle a una joven vecina que me saque la foto... "con este frío..." me dice. Dirección: Jägerpassage (Pasaje del cazador) en la calle WohlwillstraBe 22, cerca del Cine Bambi. Ha sido un día maravilloso, a pesar de la lluvia y el frío... faltan lugares, pero eso es parte de otro álbum. Vielen Dank

Claudette Stern

20/05/1938 - 12/05/2020 Oh dear, what can I do? Baby's in Black and I'm feeling blue! Tell me, oh what can I do?

Cada mariposa tiene un vuelo maravilloso y una vida que es recorrida con humildad y en silencio. Sin embargo, existen algunas que emprenden el vuelo silenciosamente, pero dejando tras de sí una historia de belleza, lealtad y sin vanidades: Este es nuestro homenaje a Astrid Kirchherr, una bella mariposa que nos ha dejado.

Nacida en Hamburgo. Desde pequeña tuvo interés en las artes visuales. Tenía un talento para la fotografía, en especial en blanco y negro. Tenemos sus recuerdos en formas de fotos, no sólo de The Beatles, si bien es cierto que es por lo que la gente más la conoce. Astrid conoció a "sus muchachos" (como así les llamaba siempre, en alemán "meine Jungen") a través de su, en ese entonces, novio Klaus Voormann. Cuando un día, caminado por el Barrio Rojo, Klaus escuchó una música increíble y entró, a pesar de no ser un lugar que ellos frecuentasen. De ahí, se lleva a cabo un encuentro "de amistad a primera vista" y además un "amor a primera vista". Stu y Astrid se enamoraron y forman parte hasta ahora de una de las más bellas historias de amor, con un final muy triste. Hasta sus últimos días, Astrid contaba que esos días fueron la etapa más bella y leal con sus muchachos y que el amor de su vida había sido Stu. Hoy la despedimos y le decimos: Vuela alto mariposa y descansa en Paz junto a tu amado Stu, y tus amigos George y John.

Sus palabras y fotografías son su mejor legado: "Klaus me llevó al Kaiserkeller... ahí los vi; se dieron vuelta y nunca había visto tal belleza en carisma y música" "Stu tenía gafas y lo encontré muy atractivo... me miró y quise conocerlo aún más" "Cuando me atreví a pedirles sacarles fotos al grupo, ellos estaban muy felices de que alguien quisiera fotografiarlos. Los cité en el parque Dom y llegaron puntuales y muy aseados" "Mi sueño era siempre sacar fotos de personas de carácter fuerte y carismáticas, para mí era maravilloso" "Cuando falleció mi Stu, el Beatle más querido para mí fue George" "John y sus amigos iban a mi casa, él me contaba sus penas de amor (extrañaba a Cyn) y mi madre les prepara una comida caliente. Ellos estaban muy carentes de cariño de familia" "Stu amaba a John, y John a Stu... el dolor de John nos unió"

Claudette Stern

EL SONIDO DE LOS BEATLES: MEMORIAS DE UN INGENIERO GRABACIÓN PRIVILEGIADO.

Posiblemente, entre todos los libros de consulta relacionados a The Beatles, uno de los más valiosos y apasionantes sea “El Sonido de los Beatles” (cuyo título original en inglés fue “Here, There and Everywhere: My life recording the music of The Beatles”), escrito por quien fuera su ingeniero de sonido oficial a partir del álbum “Revolver”, Geoff Emerick, con la determinante colaboración de Howard Massey, quien además de músico, es también periodista musical, ingeniero de grabación y productor. Después de un impecable prólogo escrito nada menos que por Elvis Costello, quien se deshace en elogios hacia el trabajo de Emerick, este inicia contando su historia desde la mañana de 1966 en que despertó con los sentimientos encontrados de la ilusión y el miedo ante su nuevo ascenso en los estudios Abbey Road de EMI; sería el responsable de cada nueva grabación del cuarteto de rock más importante del momento en Inglaterra y el mundo: The Beatles. Narrada como si contara sus vivencias a un amigo en la mesa de un café o en la barra de

un bar, la historia de Emerick se remonta a su infancia en el mohoso sótano de su abuela, donde el hallazgo de una caja con docenas de viejos discos de gramófono, hizo que ese niño de 6 años se enamorara al instante de la música. Madame Butterfly, I Pagliacci y Rhapsody In Blue, fueron algunas de las obras clásicas que develarían al pequeño Geoffrey el misterio de su futuro: con un lápiz como batuta improvisada jugaba a ser un director de orquesta y más adelante su creciente apreciación de la estética musical lo alentaría a aprender a tocar el piano que le regaló su tío George. Otra de sus pasiones, escuchar los programas de radio de la época, redondearía la base de una vocación incuestionable. Ya en su adolescencia, asistió a una Feria de Radio y Televisión, donde la famosa BBC de Londres tenía la zona de exposición más grande del evento. Un boquiabierto Emerick prestaría especial atención durante las exhibiciones al trabajo que realizaba un hombre ataviado con bata blanca, unos enormes auriculares y que operaba botones y diales de toda índole para controlar los sonidos que recibían los numerosos micrófonos instalados en el área. Ese día, Geoff supo lo que quería ser en la vida: Ingeniero de Sonido. Con una carta de recomendación de un tal Sr. Barlow, que trabajaba como orientador profesional en su colegio, y además un poco de suerte, Emerick fue contratado por la discográfica EMI en 1962, con quince años de edad apenas, como asistente de grabación del

ingeniero titular, Norman Smith, justo un día antes de la primera sesión de un desconocido cuarteto de Liverpool que se hacía llamar The Beatles; y cuyos líderes, un engreído John y un carismático Paul, no cejaron hasta que George Martin les permitió grabar una canción propia, titulada “Love Me Do”. Emerick tuvo la dicha (en ese momento no lo sabía) de ser asignado para participar en esa sesión, así como en muchas más donde los cuatro de Liverpool fueron granjeándose una buena reputación a nivel nacional al principio, y luego se convirtieron en los prisioneros de una fama

cuya enormidad rebalsaría los límites de lo absurdo. Con un exquisito sentido del humor y un implacable juicio crítico, Emerick se extiende en detalles curiosos de los que pudo ser testigo tras los controles de sonido. Para muestra, bastaría citar la anécdota sobre la grabación de “She Loves You”: ese día, al llegar los Beatles al estudio, se encontraron con una multitud incontenible de fans en las afueras, forcejeando contra las puertas hasta que estas cedieron, y cientos de chicas histéricas entraron corriendo al edificio en busca de sus ídolos. Debemos recordar que para esas fechas ya The Beatles habían logrado su primer # 1 en Inglaterra con su segundo

sencillo, “Please, Please Me”, lo cual había aumentado exponencialmente su prestigio; el caso es que los cuatro creían estar seguros dentro del estudio 2, hasta que una fan logró burlar la seguridad y entró pegando alaridos y se abalanzó sobre Ringo Starr, quien nerviosamente se refugió detrás de su batería, mientas Neil Aspinall se lanzó sobre ella y la sacó del salón. Pero a lo largo de todos los pasillos cundía el caos: las chicas corrían, gritaban y lloraban desesperadas por “cazar” a los cuatro Beatles. Curiosamente, Emerick cuenta que esa excitación desencadenó un nivel de energía superior en la manera de tocar del grupo. La cuestión es que antes de empezar a grabar, John, Paul y George se divirtieron burlándose de la situación persiguiéndose por la habitación, riendo y gritando como la fan que se lanzó sobre el pobre Ringo, quien todavía se recuperaba del trance sentado en el sillín de su batería. Tras un prudente llamado de atención de George Martin, los Beatles tomaron sus instrumentos y en muy pocas tomas lograron la versión definitiva de “She Loves You” en la que, según Geoff, la intensidad interpretativa fue una de las más altas que jamás haya presenciado por parte de la banda. También, Emerick se toma su tiempo para jactarse de los inventos o innovaciones que improvisó sobre la marcha en el estudio para complacer las cada vez más exigentes ideas y necesidades sonoras que la banda quería incluir en sus canciones; como aquella en la que Lennon, el integrante al que más temía el

ingeniero, le pidió que hiciera que su voz sonara “como el canto del Dalai Lama desde la cima de la montaña más alta”. Esta excentricidad fue solicitada para la grabación de “Tomorrow Never Knows”, tema final del álbum Revolver, para lo cual Geoff hizo pasar la voz de John a través del altavoz rotatorio Leslie en un órgano Hammond, y logró la distorsión vocal a partir de un uso innovador de los bucles de cinta, en una época donde no se contaba con una tecnología capaz de simplificar el trabajo de estudio. Fue a partir de esta canción que Emerick, literalmente, se echó al bolsillo la confianza y el respeto de los Beatles, y el colofón de esa alianza de ideas y experimentación vendría al año siguiente, 1967, con la grabación del vanguardista y psicodélico “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, álbum que, según Brian Wilson de los Beach Boys, lo hizo dejar de trabajar en el disco que estaba preparando, porque al escucharlo supo que la quintaescencia de la música pop ya había sido grabada. Entrados ya en la etapa de las primeras desavenencias entre los miembros de la banda, Emerick narra con total prudencia y neutralidad las jornadas más difíciles en la relación grupal. La llegada de Yoko Ono a la vida de Lennon, la guerra solapada de egos entre John y Paul, la creciente evolución compositiva de George relegada siempre a un segundo plano, y el sentimiento de discriminación que cargaba Ringo y que lo hizo abandonar brevemente la banda durante la grabación del Álbum Blanco, son contados

siempre en función de las sesiones de estudio y no como chismes destinados a crear polémica. Aún así, de vez en cuando deja escapar alguna curiosidad reveladora que no se conocería de no ser por su relato de testigo de primera línea. Quizás el ejemplo más notable es el que cuenta durante la grabación de “Oh, Darling” para el álbum Abbey Road. Según Emerick, la línea vocal era ideal para ser interpretada por Lennon, pero Paul puso su orgullo por encima de toda lógica y cantó una y otra vez hasta lograr la toma perfecta para esta canción que de todas maneras había escrito él y que, a decir verdad, con semejante calidad final es difícil imaginársela cantada por Lennon. Estas y muchas historias más se encuentran entre las páginas de las memorias de un hombre que revolucionó la manera de grabar la música, a veces a base de conocimientos técnicos incuestionables, y otras a base del ensayo y el error en la

experimentación con la posición de los micrófonos a lo largo del estudio y la ejecución de las cintas al revés para crear texturas sonoras alucinantes de platillos y guitarras; e incluso utilizando creativamente objetos para nada musicales, como las frazadas dentro del bombo de Ringo para amortiguar la potencia del golpe. Geoff Emerick nació en Londres el 5 de diciembre de 1945, y falleció en Los Ángeles el 2 de octubre de 2018. Además de trabajar junto a The Beatles, que ya sería suficiente

para dejar su nombre grabado en oro, fungió como ingeniero en el éxito “Pretty Flamingo” de los Manfred Mann; ganó un Grammy por el álbum “Band On The Run” de Paul McCartney and Wings (trabajó en otros 3 discos para Paul), y trabajó con grandes artistas como Art Garfunkel, Supertramp, Badfinger, America, Mahavishnu Orchestra, Ultravox y Elvis Costello. En 2007, participó como ingeniero de sonido en la grabación del tributo al álbum Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band con artistas contemporáneos como The Killers, Oasis o Travis, entre muchos otros; y en dicha grabación utilizó el equipo original de 1967 para registrar las nuevas versiones, que se difundieron en la BBC Radio 2 en conmemoración del 40 aniversario de este hito musical. El libro del que hemos hablado en esta edición fue publicado en 2006 por la editorial neoyorkina Gotham Books; y la traducción al español la publicó Urano Editores, en la serie Indicios, en 2011. Howard Massey, coautor del libro, puso su parte en la depuración del texto a partir de las experiencias relatadas por Emerick.

William Velásquez

Portada de Edición Portuguesa. Pagina siguiente: Contraportada de edición en español.

A 50 Años de su salida, recorreremos covers de todas las épocas de cada uno de los temas que conforman Let It Be en su formato original. Así tenemos a figuras como David Bowie, Rod Stewart, Pearl Jam y Ray Charles. Adelante.

Lista en Youtube: https://www.youtube.com/playlist?list=PLLuiPVcTSpdCj8qE60XSHfPBiHvgCqKhl Lista con muchos de los temas, en Spotify: https://open.spotify.com/playlist/7ECTBysGhmdatmReMUk0TT

Two Of Us, por Boney M (1979) El grupo Alemán Boney M, de estilo Euro Disco mezclado con Reggae fue uno de los grandes de la época Disco de fines de los 70’s y comienzos de los 80’s. Allí lanzó entre otros, clásicos como “Daddy Cool” y “Rasputin”, pero también tenían en su catálogo un cover de “Two Of Us”, el tema que abría el álbum Beatle “Let It Be”. Fue incluido en su trabajo “Oceans Of Fantasy”, el cuarto de su carrera, y de hecho el segundo de la banda en alcanzar la cima de los charts de álbumes británicos. Ese mismo álbum incluía uno de los máximos clásicos de Boney M: “Gotta Go Home”. Volviendo a “Two Of Us”, era el sexto tema de la Cara A del disco y no fue lanzado como sencillo ni como cara B. https://www.youtube.com/watch?v=PrpGci0SjFg

Dig A Pony, por Marisa Monte (1992) La cantautora brasilera Marisa Monte de Música Popular, realizó una rendición imponente del clásico Beatle “Dig A Pony”, la cual fue interpretada en vivo en 1992 durante la gira de promoción de su segundo trabajo de estudio “Mais”. Esta versión en vivo esta extraída del VHS/DVD titulado también “Mais“, y es acompañado por otra canción de Marisa “La Sonnambula”. Marisa también tiene en su catálogo un cover de “Give Me Love”, de George Harrison. https://www.youtube.com/watch?v=DYhcdWRpZYs

Across The Universe, por David Bowie (1975) De entre las tantas pero tantas versiones de “Across The Universe”, elegí la del Duque Blanco, David Bowie, editada de estudio en su trabajo “Young Americans” de 1975. Sexto tema del álbum, fue grabado junto al mismísimo John Lennon en enero de 1975, además de grabar juntos otro nuevo tema que es uno de los más populares de Bowie: “Fame”, que lleva la firma de Bowie/Alomar/Lennon. Con coros y guitarra de John, “Across The Universe” y “Fame” llegaron sobre la hora para ocupar el lugar de otras dos canciones que ya habían sido grabadas para el álbum "Who Can I Be Now" y "It's Gonna Be Me". No fue lanzado como sencillo ni como B Side, y el álbum sí alcanzo el #2 en los charts. Bowie tiene también covers de “Imagine” de John Lennon y de “Try Some Buy Some” de George Harrison. https://youtu.be/DvfHO8-w6CY

I Me Mine, por Marc Ford (2003) En 2003 se editó el álbum tribute a George Harrison “Songs From the Material World: A Tribute to George Harrison”, del que participaron artistas como Todd Rundgren, John Entwistle y Dave Davies, entre muchos otros, incluyendo a Marc Ford, uno de los guitarristas de The Black Crowes y actual miembro de The Magpie Salute que aportó este cover de “I Me Mine”.

https://www.youtube.com/watch?v=xQjAVxmAae8

Dig It, por Laibach (1988) Así es, el corto tema improvisado firmado por los cuatro Beatles tiene sus versiones, aunque son realmente pocas. Aquí presentamos una por el grupo industrial esloveno Laibach, que no solo grabó “Dig It”, sino que tiene su propio homenaje a todo el álbum Let It Be, desde “Two Of Us” hasta “Get Back”. Laibach no tiene covers de otras canciones Beatles ni solistas. “Dig It” no fue lanzado como sencillo, pero sí lo hizo “Across The Universe”/”Maggie Mae”. https://www.youtube.com/watch?v=odGnuQiNJng

Let It Be, por Ray Charles (1977) Otra de las canciones más versionadas de la historia, “Let It Be”, con cientos de interpretaciones, de las cuales… alrededor de 50 fueron lanzadas el mismo año que la original Beatle! Aquí escogimos una versión realizada por Ray Charles, legendario compositor, intérprete y pianista estadounidense, y uno de los mejores cantantes de la historia. El cover de “Let It Be” en cuestión fue lanzado en su álbum de 1977 “True To Life”, que estaba compuesto mayormente de covers como “I Can See Clearly Now” de Johnny Nash. “Let It Be” cerraba el trabajo como pista número 9. En muchos países, especialmente europeos, fue editado como B-Side del sencillo “I Can See Clearly Now”. https://youtu.be/AHRvvPCJuZA

Maggie Mae, por The Nowhere Boys (2009) La segunda canción más corta de The Beatles, la canción tradicional Maggie Mae incluida en “Let It Be”, no cuenta con muchas interpretaciones en la línea de la visión Beatle. Pero una rescatamos: aquí incluimos la versión que fuese grabada en ocasión de la película “Nowhere Boy”, que cuenta la historia de John Lennon en su adolescencia. Maggie Mae fue una de las canciones que The Quarrymen interpretó en el FETE el día que John conoció a Paul, y es precisamente en esa escena que puede verse a los actores haciendo la mímica de la interpretación

bajo el nombre “The Nowhere Boys”. Fue incluida en el sountrack de la película que se lanzó a la venta el 14 de diciembre de 2009, y que incluía también versiones de canciones de The Quarrymen por aquella época tales como “That’ll Be The Day”, “Movin' and Groovin”, “That’s Alright Mama”, “Raunchy” e “In Spite Of All The Danger”, así como también el original de “Mother” de John Lennon, para cuya inclusión la producción de la película negoció con Yoko Ono. https://www.youtube.com/watch?v=4geeRXzfZyE

I’ve Got A Feeling, por Pearl Jam (1991) Una de las bandas más importantes de la historia del grunge, la aún vigente Pearl Jam grabó un cover de “I’ve Got A Feeling” en 1991, el cual fue incluido como bonus track para la edición japonesa de su álbum debut Ten, y desde entonces fue incluida de vez en cuando en sus presentaciones en vivo. La canción se adapta muy bien al estilo de Pearl Jam, haciendo que parezca un perfecto tema de Seattle a comienzos de los 90’s. Muy interesante es que adaptaron algunos pasajes de la letra: donde The Beatles decía “All these years I've been wandering around, Wondering how come nobody told me” Pearl Jam dice: “And I don't understand, how come nobody told me?, Why I'd want to sing like Milli Vanilli?”, en referencia a aquel “falso” grupo vocal pop alemán de fines de los 80’s. Más adelante, algunos de los pasajes de John cuando canta “Everybody had a hard year…” fueron cambiados por “Everybody had a good year, though we never saw the sunshine; Everybody had a wet dream, making temple was a good time; Everybody made a movie, everybody had one line; Everybody misses Andy, we'll be seein' him in no time…”. Extrañamente el cover no fue incluido en sucesivos relanzamientos con distintos bonus tracks de Ten y al día de hoy, salvo algunas versiones en vivo, es una verdadera rareza. Eddie Vedder, cantante de Pearl Jam, tiene en su haber un cover de “You’ve Got To Hide Your Love Away”.

https://www.youtube.com/watch?v=iSqugzxhgpU

One Afer 909, Los Durabeat con Leon Gieco (2005) Una perlita nacional llega para este tema de The Beatles que probaron en sus primeros años pero que, tras ser descartado, llegó en una nueva versión en el último álbum de estudio publicado. Aquí llega “One After 909” interpretado por la banda Argentina Los Durabeat, y si bien es una banda de músicos sesionistas fans de The Beatles que ya venía tocando desde hacía muchos años con diferentes formaciones, recién en 2005 decidieron editar un álbum tributo tan curioso como sorprendente. Los músicos que participaron, la calidad musical y hasta la selección de temas a grabar, donde se evitaron mayormente los temas más populares y trillados y se enfocaron en buenas versiones de temas no tan conocidos Beatles y Solistas es notable. La versión que aquí traemos es de Los Durabeat con Leon Gieco como invitado. ¿Y quién más participó de aquel álbum? Circulan nombres como Luis Alberto Spinetta, Gustavo Cerati, Fito Paez, Charly García, Litto Nebbia… Im-per-di-ble. https://www.youtube.com/watch?v=n0cEYfifsZY

The Long And Winding Road, por Billy Ocean (1984) El mismo año que Paul re grababa “The Long And Winding Road” para incluirla en su película “Give My Regards To Broad Street”, llegaba a los charts este cover realizado por el cantante inglés nacido en Trinidad y Tobago, Billy Ocean. La canción fue grabada para su quinto álbum, “Suddenly” de 1984, que fue el que lo catapultó a la fama y comenzó su trilogía más exitosa, y que incluía uno de sus más exitosos hits “Caribbean Queen”. “The Long And Winding Road” fue lanzado como sencillo (fue el sexto del álbum), y alcanzaría el puesto #24 en el chart Billboard estadounidense dentro de la sección de Contemporáneos. https://www.youtube.com/watch?v=MOr2lTKuFCI

For You Blue, por Dhani Harrison (2013) El parecido de Dhani con su padre es innegable, tanto físicamente como en la voz misma y en su música. Y eso queda demostradísimo en este cover de “For You Blue”, donde si cerramos los ojos podemos pensar que se trata del mismísimo George. Pero no, es Dhani, quien grabó este cover en 2013, para recaudar fondos para la “George Harrison Material World Charitable Foundation” y la “Christopher and Dana Reeve Foundation”, con motivo de combatir la lesión de médula espinal. Dhani ya tiene una larga cantidad de covers de The Beatles y de George Solistas, como “Savoy Truffle”, “Handle With Care”, “Let It Down” y muchos otros. https://www.youtube.com/watch?v=Am4DxV3k5Gw

Get Back, por Rod Stweart (1975) Llegamos al cierre de Let It Be con “Get Back”… Jojo. En la voz de este cover tenemos a The Great American Songbook, Rod Stewart! El track fue grabado para la película musical/documental de 1976 “All This And World War II”, el cual constaba de escenas de la Segunda Guerra Mundial totalmente musicalizadas con covers de canciones Beatle versionadas por artistas de primer nivel como The Bee Gees, Elton John, Jeff Lynne, Status Quo, Tina Turner y la lista sigue. El cover de Get Back de Rod alcanzó el #10 en los charts británicos, siendo el tercer sencillo del álbum. Rod Stewart tiene en su vasto repertorio también covers de “In My Life”, “All You Need Is Love” y “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”. Y hay otro vínculo entre Rod Stewart y este álbum, indirectamente, ya que uno los mayores hits de su carrera fue “Maggie May”, que si bien es una canción completamente nueva escrita por Rod, ha dicho que tomó su nombre de “una vieja canción de Liverpool que trata acerca de una prostituta”, la misma canción que The Beatles versionó a su manera en este disco. https://www.youtube.com/watch?v=Ts0kuVVodHY

Federico B.

The most painted girl in the world Adora Levin

Artista Beatles Argentino Alejandro Luisi Artista y diseñador gráfico en Arte Digital, Dibujos, Motionart: alejandroluisi@gmail.com

Entrevista por: Claudette Stern

Retrato: ¿Beatles? Legado no sólo musical, sino únicos en su impronta en Arte Gráfico. Esa bisagra que crearon en el mundo de las Artes y Moda. Son una fuente de inspiración. ¿Favorito? Dentro de estos genios, que hicieron cosas geniales, Paul. Por su musicalidad y en su carrera en solitario posee canciones inolvidables. ¿Primer contacto? La radio, como gran fuente de música, de ahí a los vinilos. ¿Artista preferido? Mi gran ídolo es Salvador Dalí. Ese mix extraño entre su rebeldía e impronta. Era como un Beatles de las Artes, como John Lennon, esa rebeldía Lennoniana dentro de la pintura.

Los Beatles posan para la carátula del proyecto “Get Back” Un 13 de mayo de 1969 The Beatles posaron en las escaleras de las oficinas del sello EMI que estaba situado en Manchester Square para el fotógrafo Angus McBean con la intención de recrear la carátula de su disco debut Please, Please me, que habían

publicado seis años antes y estaba previsto que una de las fotos sería la portada del disco de título optativo Get Back que contenían los ensayos y grabaciones hechas en el mes de enero de ese mismo año. Para entender mejor el por qué de esta idea se irá por partes.

El proyecto Get Back Recordemos que un jueves 2 de enero de 1969 a las 9:30 de la mañana se iniciaron los ensayos y el rodaje del proyecto ideado y negociado por Paul McCartney (mientras sus compañeros estaban vacacionando) que en un inicio se iba a llamar Get Back y que iba a consistir en un programa para la televisión de una hora con público presente bajo la dirección del director Michael Lindsay-Hogg pero el proyecto prácticamente fue fallido, pues casi después de un mes de grabaciones, The Beatles prácticamente estaban enfrentados entre sí y en un tedio general que captaron las cámaras, salvo el ya histórico

“concierto en la azotea” del 30 de enero donde sí estuvieron inspirados y realmente el último día de la filmación fue el viernes 31 de enero de 1969 donde grabaron entre otros temas, tres canciones que eran imposible tocar ese día en vivo, The Long And Winding Road, Let It Be y Two Of Us, que fueron producidos por George Martin y el ingeniero de sonido Glyn Johns, que hizo amistad con los Beatles, ganándose su confianza y palabra de decirles que si tenían la intención de hacer un álbum que contaran con él.

El factor Glyn Johns Glyn Johns era un ingeniero de sonido que al momento de trabajar con The Beatles ya tenía un buen camino recorrido y había realizado las mezclas de álbumes de los Rolling

Stones, Small Faces y Chris Farlowe entre otros artistas y además había producido a The Pretty Things, Steve Miller Band y Family, y así que a principios de marzo de 1969 Glyn Johns es citado por The Beatles y le entregan los carretes de las largas horas de grabación realizadas en ocho pistas de enero de 1969 y principalmente las hechas a mediados de enero en el sótano de Apple situado en Savile Row y literalmente John y Paul le dijeron: “¿Recuerdas la idea que tenías sobre armar un álbum? Ahí están las cintas, ve y hazlo” y Johns sin inmutarse les toma la palabra e inicia las mezclas a partir del 10 de marzo de 1969 y ya por mayo logró hacer el montaje y mezclas de las cintas y completar un máster decente del futuro álbum que tenía el título Get Back. Faltaba la carátula alusiva que tenga que ver con ese ese disco.

Angus McBean

En esa ocasión McBean le preguntó a John Lennon cuánto tiempo se quedarían como grupo, y el ocurrente Lennon le contesta: “Oh, quizás unos seis años, supongo, ¿Quién ha oído hablar de un Beatle calvo?” y en lo que tuvo razón fue en que pasaron exactamente esos seis años.

Sesiones de fotos de Mayo de 1969:

Angus McBean era un afamado fotógrafo que se hizo conocido por retratar a las celebridades de su tiempo y que a principio de la década de los sesenta realizaba las portadas de álbumes de compañías discográficas como la EMI y por ello fue designado por el sello para realizar la sesión de fotos para el álbum debut de The Beatles, el ya histórico Please Please Me. La sesión fotográfica se llevó a cabo un 20 de febrero de 1963 en las oficinas de EMI situadas en la calle 20 Manchester Square en Londres, donde se realizaron varias tomas y se eligió la que ya es conocida a partir de 22 de marzo de 1963, día en que se publicó el LP, y otra que fue utilizada para el EP The Beatles No. 1.

La idea principal para la carátula del disco Get Back era la de recrear la portada del Please, Please Me y según contó Paul McCartney al periodista Terence Pepper (entrevistado para un libro sobre la obra del fotógrafo Angus McBean) nació en una reunión que tuvieron los Beatles donde pensaban que sería una idea divertida mostrar el “círculo completo de su cambio en seis años”, es decir buscaban producir entre los fans una sensación de asombro al ver cuánto habían cambiado los cuatro Beatles en esos seis años al comparar una fotografía con la otra y por ello buscaban cerrar un círculo y volver a sus raíces, es decir Get Back. Por eso es que recurrieron nuevamente al mismo fotógrafo que hizo la portada de su primer álbum y se le citó en los primeros días de mayo de 1969 al mismo lugar que en 1963 y esto es lo que recuerda: “Bueno, solo seis años después de la primera sesión de fotos que me pidieron que repitiera la toma de cámara con los cuatro Beatles como se veían en esos momentos, muy melenudos. Cuandollegué allí no pude volver a tomar la instantánea; se

había construido un nuevo atrio y no podía estar en la misma posición” . Lo que pasó es que el fotógrafo se dio cuenta que la EMI había construido un nuevo atrio o porche en el edificio que le impedía colocar bien su cámara y fotografiar a los Beatles desde el mismo ángulo en que lo había hecho en 1963 y por ello las tomas que se hicieron no eran similares a la de 1963 y las dos únicas fotos que han circulado de esa sesión muestran a John Lennon con saco azul y a George con un saco guinda y al hacerle notar McBean a la disquera la dificultad que tuvo por no poder replicar el ángulo exacto de la foto de 1963 por ese incómodo atrio, le aseguraron que ese nuevo atrio o porche se derribaría temporalmente y que regresara en una semana para que pudiese realizar de la mejor manera las fotos.

Así que el martes 13 de mayo de 1969 a las seis de la tarde los Beatles y McBean fueron nuevamente citados a las oficinas de EMI para realizar la tan esperada carátula que parecía que no se iba a poder realizar debido a que Ringo Starr llegó con muchos minutos de atraso a la hora pactada, y mientras McBean colocaba su cámara en el ángulo adecuado recordó que se le acercó John Lennon y fascinado se recostó curiosamente a su lado para mirar el visor de su cámara fotográfica ante la mirada y gritos de las chicas que trabajaban en la EMI. Luego de la espera por fin llegó Ringo y los Beatles posaron sobre el mismo balcón del edificio de EMI. Una curiosa diferencia con la sesión de principios de mayo de 1969 es que John y George utilizan otros sacos, y fueron los trajes de rayas de alfiler que habían utilizado en las giras de 1966. También

se puede ver una foto en que John posa sólo con camisa y sin saco y parecía que con esa foto y la publicación del disco se cerraría ese círculo Beatle de seis años.

Corolario: Como se señaló previamente, la primera versión del álbum Get Back” producida por Glyn Jones estaba lista para su lanzamiento a fines de mayo de 1969, es más se habían hecho las copias promocionales con la portada de una de las fotos de la sesión con McBean bajo el título “GET BACK with Don’t Let Me Down & 9 other Songs” que incluía las siguientes canciones: Lado A: One After 909, Rocker, Save The Last Dance, Don't Let Me Down, Dig A Pony, I've Got A Feeling y Get Back. El Lado B incluía: For You Blue, Teddy Boy, Two Of Us, Maggie May, Dig It, Let It Be, The Long And Winding Road y Get Back (Reprise), pero no llegó a ocurrir, quizás tuvieron dudas luego de haber visto la película en privado el 20 de julio de 1969 y por ello el proyecto se reprogramó para setiembre, pero en ese mes se prefirió publicar material fresco con el lanzamiento de Abbey Road (26 de setiembre) y esa primera versión de Get Back se encarpetó definitivamente. Pero al paso de los meses Glyn Johns hizo un último esfuerzo para rescatar el proyecto y el lunes 5 de enero de 1970 armó y mezcló en los Olympic Sound Studios de Londres una segunda versión del album Get Back donde dejó de lado el tema Teddy Boy de Paul que

no aparecería en la película Let It Be, pero añadió I Me Mine de George Harrison y Across The Universe de John Lennon y decidió conservar la misma portada del álbum encarpetado con la foto de la sesión del 13 demayo de 1969 y alterando sólo el título

a “LET IT BE and Ten Other Songs” porque la canción sería el siguiente single del grupo y también el nuevo nombre de la película y el orden de las canciones del álbum optativo era el siguiente: Lado A: The One After 909, Don't Let Me Down, Dig A Pony, I've Got A Feeling, Get Back y Let It Be. Lado B: For You Blue, Two Of Us, Dig It, The Long And Winding Road, I Me Mine y Across The Universe. A lo largo de los años han circulado hasta cuatro o más o menos canciones de las mezclas hechas por Johns en el circuito pirata que atesoran los coleccionistas. Pero pese a los esfuerzos de Glyn Johns, The Beatles no quedaron conformes con la nueva mezcla y dudaban de su calidad y por lo tanto también fue rechazado. Tampoco estaban de acuerdo con la portada porque los mostraba diferentes a sus imágenes que mostraban en el film, sobre todo John y Paul, y al final de

todo un 23 de marzo de 1970 John Lennon y el siniestro nuevo manager del grupo, Allen Klein le dieron las cintas ya mezcladas por Johns al productor de USA Phil Spector para que las vuelva a trabajar y concluir de una vez con el proyecto, utilizando su famoso “muro de sonido” (es decir una sobreproducción de instrumentación y coros sobre las canciones) cuyo resultado final enfadó a Paul McCartney, sobre todo en los arreglos que hizo de su canción The Long And Winding Road. Al final, para la portada del disco Let It Be que fue publicado el 8 de mayo de 1970 se utilizaron cuatro retratos individuales de los Beatles tomadas por Ethan Russell, quien fue el

fotógrafo oficial de las sesiones de grabación de enero de 1969 y las fotos de los Beatles de la sesión del 13 de mayo de 1969 con Angus McBean fueron encarpetada cerca de cuatro años para que al final fueran utilizadas para la recopilaciones de éxitos 1962 -1966 (contraportada) y 1967-1970 (portada), o más conocidos como los álbumes rojo y azul, que fueron publicado en USA el 2 de abril de 1973 y en UK el 20 de abril de 1973.

Victor Carrillo González

Tal y como lo son cada una de las demás portadas de los álbumes de The Beatles, “Let It Be” fue inspiración de muchas portadas de todo tipo de bandas a través de los años. Aquí glosaremos un puñado de ellas, partiendo de dos casos Beatle y luego hacia artistas de todas las épocas Cerramos la galería con unas galerías adicionales de otras portadas y tributos en la cultura popular.

The Beatles Let It Be (Single) (1970) Si bien el sencillo “Let It Be”/”You Know My Name (Look Up The Number)” se editó poco antes que el álbum, podríamos pensar que esta inspirado en la portada del álbum Let It Be que saldría despues (o al revés?) no lo sabemos. Lo que si, sencillo y album utilizaron las mismas cuatro imágenes delas sesiones Get back y el concierto de la azotea, solo que el sencillo las usó de forma más amplia y rectangular, y el album las recortó bien cuadradas. Un dato interesante es que este sencillo fue el segundo (y último) en la década Beatle en tener portada en el Reino Unido (privilegio solo compartido con “Strawberry Fields Forever” / “Penny Lane”).

Let It Be… Naked (2003) Por otro lado, saltamos a 2003 con la edición de Let It Be… Naked, donde se volvió a utilizar el concepto de la portada de Let It Be, solo que ahora con forma de negativos en un film fotográfico, y reemplazando la fotografía de George Harrison por otra, dado que al ver el negativo la cara de George quedaba algo desagradable a la vista con la sonrisa con los dientes negros.

Queen

Hot Space (1982) Hot Space fue editado en mayo de 1982, año y medio después de la muerte de John Lennon, a quien en este disco le dedican la canción “Life Is Real (Song For Lennon)”. Y no es casual que la portada tenga similitudes con la de Let It Be, donde se divide el espacio en cuatro incluso respetando las posiciones respecto a su instrumento principal según el orden del álbum Beatle: arriba a la izquierda Freddie Mercury/John Lennon (líder y guitarra rítmica); arriba a la derecha: John Deacon/Paul McCartney (bajo); abajo a la izquierda Roger Taylor/Ringo Starr (batería); y abajo a la derecha Brian May/George Harrison (guitarra líder). A la cuadricula “Beatle”, en Hot Space, Queen le agregó un efecto Pop-Art “Warholeano” de colores, como guiño a la música Disco, bien dominante en este álbum, de un modo similar al que hizo Kiss con “Dynasty” por aquel entonces.

“Hot Space” fue el intento fuerte de entrar en los 80’s e intentar ganar terreno en la música Disco, especialmente motivados tras el éxito arrollador de “Another One Bites The Dust” dos años atrás. Pero no fue un paso en el sentido correcto ya que el álbum no fue bien recibido por los fans y hasta el día de hoy se lo considera de los mas “flojos” de la banda inglesa. Con el tiempo se lo recuerda especialmente por su primer sencillo “Under Pressure”, en colaboración con David Bowie. Y vale decir que la portada de este álbum ha sido inspiración para algunos otros muy icónicos, que podrían considerarse “nietos” de la portada de “Let It Be”, como “Pop” de U2 (1997), el “Greatest Hits” (2000) de Blur o incluso el recopilatorio por el 25 aniversario de The Monkees “Listen To the Band” (1991).

Gorillaz

Demon Days (2006) Gorillaz es la banda virtual inglesa que creó hacia comienzos del milenio Damon Albarn (líder de Blur) y el artista Jamie Hewlett. Luego del exitoso álbum debut “Gorillaz” de 2001, salió el segundo titulado “Demon Days”, editado en 2006, y del que salieron varios sencillos muy populares como “Feel Good Inc.” y “Dirty Harry”. En la portada, en clara referencia a Let It Be, podemos ver a los cuatro integrantes animados de la banda: Stuart "2-D" Pot, Murdoc Niccals, Noodle y Russel Hobbs. Pero los homenajes Beatles del álbum no terminan ahí: cada canción del álbum presentó una imagen promocional, y para “Last Living Souls” se hizo referencia al concepto de la portada de Sgt. Pepper, y la de “Every Planet We Reach Is Dead” es un clarísimo homenaje a “Help!”. Y no de forma tan directa, podemos pensar que “All Alone” recuerda un poco a la perspectiva de “Please, Please Me” y “Kids With Guns” tiene un

The Rolling Stones gran revolver en su portada, así como otro es un álbum blanco.

Humanz (2017) Y desde Gorillaz podemos incluir un segundo homenaje, a Let It Be. En 2017 editan “Humanz”, su quinto álbum de estudio, donde no solo se parece aún más a “Let It Be”, sino que ahora cada lugar lo ocupa el miembro de la banda en el mismo orden que en Let It Be según su instrumento principal.

Emotional Rescue (1980) “Emotional Rescue” es el décimo quinto álbum de estudio de The Rolling Stones en el Reino Unido, fue editado en junio de 1980. La portada nos recuerda de algún modo a la de The Beatles con Let It Be, en el sentido de que vemos a los miembros de la banda en cuadrantes, solo que aquí se tomaron fotos a través de un detector termográfico. Fue diseñado por Peter Corriston. Es curioso pensar que “Let It Be” y este álbum Stone salieron con 10 años (y poco más de un mes) de diferencia. Y además, en “Let It Be” escuchábamos a John Lennon gritar con un timbre parecido al de Mick Jagger en “Dig It” la frase “Like a Rolling Stone” (si, también puede referirse al tema de Bob Dylan…). Y tampoco nos olvidemos que solo 5 meses antes de la salida de “Let It Be”, The Rolling Stones editaron “Let It Bleed”, ¿Casualidad?.

de la banda sobre las cuales Tina Weymouth (bajista) jugo pintando las caras con bloques rojos en las primigenias PC de la época. Luego de decidir invertir portadas, resultó que Talking Heads tuvo una de las primeras portadas hechas en computadora de la historia de la música.

Talking Heads

Green Jellö

Remain In Light (1980)

Let It Be (1984)

El cuarto álbum de estudio de Talking Heads es considerado uno de los más importantes de la banda estadounidense. El cierre de una trilogía impecable con Brian Eno y el inicio de una seguidilla de álbumes con hits a ambos lados del Atlántico, comenzando aquí mismo con “Once In A Lifetime”, primer corte del álbum. La portada recuerda a la de Let It Be, con los cuatro miembros principales de la banda, uno en cada cuarto del espacio. Lo particular de la situación es que la portada final era originalmente considerada la portada trasera: La portada original diseñada por la banda junto a miembros del Massachusetts Institute of Technology y el equipo ArmMac (precursor del MIT) usaba el nombre provisorio del álbum “Melody Attack”, y mostraba aviones militares sobrevolando el Himalaya. Para la contraportada utilizaron las fotografías computarizadas de los miembros

La banda de rock cómico estadounidense Green Jellÿ lanzó en 1984 su primer trabajo, el EP “Let It Be”. El lanzamiento lo hicieron bajo el nombre original de la banda “Green Jellö”, que al poco tiempo debieron cambiar por presiones legales de la marca Jell-O (Jellÿ se pronuncia igual que Jell-O). El EP “Let It Be” fue muy artesanal, al punto de que fue grabado en la habitación de la casa del cantante y editado bajo su propio sello. La portada, fue armada y pegada por ellos mismos. En la tirada inicial de 500 unidades caseras, las primeras 100 tenían en la foto impresa en papel fotográfico los recortes de los recuadros de los cuatro miembros, y las siguientes 400 fueron fotocopias utilizando tinta verde. Se reeditó en 2018, pero se cambió la portada original por una con un dibujo parodiando… a Abbey Road.

Abba

Bon Jovi

It’s My Life (Single) Summer Night Wanted Dead Or Alive (2003) (Single) (1978) (Single) (2003) “Wanted Dead Or Alive” es sin dudas una de las canciones más reconocibles de Bon Jovi. Fue lanzada originalmente en 1986 en el álbum “Slippery When Wet”, del cual también salieron hits como “Livin’ On A Prayer”, “You Give Love A Bad Name”, “Never Say Goodbye” y “I’d Die For You”, a esta altura todos clásicos del rock de los 80’s. Por la forma, recuerda un poco más al sencillo “Let It Be”, con fotos algo rectangulares…

Por otro lado, en el 2000 se lanzó el disco “Crush”, y sin dudas su tremendo éxito fue debido al sencillo “It’s My Life”. Ya con 20 años de trayectoria y muchos himnos en sus espaldas, en 2003 lanzaron el álbum “This Left Feels Right”, en el cual la banda reversionó en formato acústico muchos de los hits de toda su carrera, incluyendo los dos antedichos que fueron primer y segundo sencillo respectivamente. Recuerda un poco mas al LP Beatle “Let It Be”, con fotos cuadradas.

City

El grupo Pop sueco ABBA fue uno de los más importantes de la década del ’70. Hacia 1978, durante las sesiones de grabación de su álbum “Voulez-Vouz” se grabó esta canción que se decidió editar en forma de sencillo independiente, algo que no solían hacer. El resultado es que la canción fue uno de los tres #1 en su país natal que tuvieron en su carrera. También alcanzó el #5 en el Reino Unido. Un año después se incluyó en el Greatest Hits Vol. 2.

Laibach

Let It Be (1988) El controvertido grupo de música industrial esloveno Laibach en 1988 lanzó “Let It Be”, una reinterpretación completa del album Beatle en modo heavy/industrial, desde la portada y cada uno de los tracks. Aparte de este álbum Beatle, son numerosos los covers que han hecho, incluyendo un album de The Rolling Stones, y versiones de “The Final Countdown” de Europe y “One Vision” de Queen.

Magic Knight Rayearth

With Rayearth (Soundtrack) (1997) Magic Knight Rayearth es un Manga posteriormente Anime creado por el Estudio Clamp en 1994. Clamp es un cuarteto de mangakas japonesas muy populares y de extensa trayectoria, que han realizado obras exitosísimas en Japón y el mundo como CardCaptor Sakura, Angelic Layer, Chobits, entre muchas otras. Magic Knight Rayearth (Guerreras Mágicas, como se lo conocío en Latinoamérica) es una de sus más conocidas obras, y cuenta la historia de tres chicas adolescentes: Fū Hōōji, Hikaru Shidou, Umi Ryuuzaki (Anaís, Lucy, Marina en el doblaje latinoamericano) que son transportadas al planeta Céfiro para cumplir una profecía, guiados por una criatura llamada Mokona (Nikona). Aquí nos trae un OVA (Especial Televisivo) de la serie, para el cual se lanzó el soundtrack “With Reyearth”, que es el que nos concierne y que ya desde la

portada es un homenaje al Let It Be Beatle, con Anaís, Lucy, Marina y Nikona. Pero no queda ahí, ya que cada canción del album esta inspirada (sin ser covers) en distintas canciones de toda la historia Beatle, incluyendo el título del album (homenajea a “With The Beatles”), la portada (homenajea a “Let It Be”, nombres de canciones (directas como “Across The Universe”, o indirectas como “Mokona’s Garden” homenajeando a “Octopus’s Garden” o hasta traducidas como “Goran, Taiyou Da yo” que significa “Here Comes The Sun”), frases adentro de ellas (From Me To You dice en una parte “Long and Winding Road”) y la musica en todos y cada uno de los tracks hace guiños directos y no tanto a la obra beatle, ya desde el primer sonido del primer track es el intro de “Magical Mystery Tour”. La elección visual de “Let It Be” se debe a que gran parte de los homenajes son a canciones de dicho album. Y ¿Por qué The Beatles? No hay una razón que se sepa hoy en dia, pero da la casualidad que las mangakas de CLAMP se conocen como “el cuarteto de Osaka”, lo que recuerda a “el cuarteto de Liverpool”.,,

Bonus:

The Rutles

Let It Rot (1970) En 1970 se lanzó el último álbum de la agrupación The Rutles, banda formada en 1960 por Ron Nasty, Dirk McQuickly, Stig O'Hara, y Barry Wom. Vale decir que “Let It Rot” fue grabado antes que el álbum publicado el año anterior, el aclamado “Shabby Road”. En este álbum que fue originalmente concebido como un potencial vivoen estudio se incluyeron joyas como “Mother-may I?”, “Get Up And Go” y “Let It Rot”. Material de este álbum fue recopilado en 1978 junto con canciones de “Meet The Rutles”, “Tragical History Tour” y “Sgt. Rutter’s Only Darts Club Band” bajo el nombre “The Rutles”. Originalmente iba a ser llamado “Get Up and Go”.

Federico B.

Mayo del 1960 fue dominado desde el día 5 y hasta fin de mes (y mas aún) por The Everly Brothers. Pero en los puestos satélites hubo muchos cambios. Entremos a conocer mas de lo que ocurrió este mes en las listas mientras, paralelamente, The Beatles crecía como banda. Lista de Spotify para escuchar las canciones aquí mencionadas, mas las anteriores de 1960: https://open.spotify.com/playlist/19DaETuffISORo7TVf9Tk5

The Everly Brothers

Anthony Newley Do You Mind? 28/04/1960 – 04/05/1960 / [Decca]

Esta semana el #1 se lo llevó Anthony Newley, con su tema “Do You Mind?”, ocupando la semana del 28 de abril al 4 de mayo. “Do You Mind?” entró a los charts a fines de marzo de golpe al #15 y luego se acomodó en las primeras posiciones todo el mes de abril, cerrándolo en el #1 y bien posicionado todo mayo, para luego en junio salir tan rápido como ingresó. Su lado B fue “Girls Were Made To Love And Kiss”. Este fue el segundo #1 consecutivo de Anthony Newley, quien es considerado uno de los pioneros del Rock N’ Roll británico, además de ser uno de los más innovadores. Este fue su último #1 británico, pero no su última aparición en los charts, ya que rankeó muy alto con varias entradas más entre 1960 y 1962, luego de lo cual su popularidad se redujo considerablemente, aunque no dejó de hacer música. En tanto, el sencillo en Estados Unidos alcanzó el #91 de Billboard. Durante el mes Anthony también poseía su anterior #1 “Why” rankeando en posiciones bajas del listado.

The Everly Brothers Cathy’s Clown 05/05/1960 – 31/05/1960… / [Warner Brothers] Ingresó a los charts a mediados de abril, en el puesto #22, y a su tercera semana se posicionaba #4, aunque en los charts no oficiales ya era #1. Su cuarta semana tenía este sencillo super radial en el #1 oficial también, el cual no abandonaría por todo el mes de mayo, en todos los listados subsiguientes. Su Lado B fue “Always It's You”. The Everly Brothers fue un dúo de country-rock estadounidense especialmente famosos por sus guitarras acústicas y sus armonías vocales. Su primer sencillo “Bye Bye Love” fue gran éxito a ambos lados del Atlántico, #2 en Billboard (aunque #1 en las listas Country), y el nada

despreciable #6 en el Reino Unido (además de que George Harrison lo “versionó” en su álbum Dark Horse). Para 1960 The Everly Brothers era una banda totalmente consagrada y con una trayectoria de 3 años atrás con la que cosecharon una decena de éxitos, siendo varios Top #10 y un #1 más en el Reino Unido, “All I Have To Do Is Dream/Claudette” en 1958. Y su carrera continuó, por lo que los volveremos a ver algunas veces más en esta sección hasta 1965.

Otros Destacados de Mayo 1960

Adam Faith Someone Else’s Baby 19/05/1960 -26/05/1960 / [Parlophone]

Otra de las grandes estrellas de 1960 es Adam Faith, a quien ya habíamos visitado con su sencillo “Poor Me”, #1 en marzo de 1960, y con “What Do You Want?”, #1 en diciembre de 1959 y #2 en enero. Esta vez quedó otra vez muy cerca del #1, moviéndose entre el #3 y el #6 entre mayo y junio, y alcanzando su máxima posición, el #2 por una semana a finales de mayo. El lado B fue “Big Time”. Luego de sus dos #1 y este #2, Adam no volvería a tener ningún otro #3, pero, tal como hemos dicho en ediciones pasadas, cuenta con el honor de ser el primer artista británico en tener sus primeros siete sencillos consecutivos en el Top 5 de los charts. Adam Faith era considerado por aquellos años un Teen Idol, y tuvo una trayectoria musical muy intensa en la primera mitad de la década del 60. Luego volvió a grabar en algunas ocasiones pero mayormente se retiró del mundo musical, dedicándose a la actuación y las finanzas.

Jimmy Jones Handy Man 19/05/1960 – 31/05/1960… / [MGM]

Jimmy Jones fue un cantautor estadounidense especialmente conocido por sus dos grandes hits de Rock & Blues, uno de los cuales es este “Handy Man”, #2 de Billboard en Estados Unidos y #3 en el Reino Unido. “Handy Man” ya había ingresado a los charts británicos a mediados de marzo, e incluso ya había alcanzado el #3 por una semana en la semana del 20 de abril, se mantuvo en órbita en puestos cercanos hasta re-alcanzar el #3 por dos semanas más la segunda mitad de mayo, e incluso repetiría la hazaña por dos semanas más en las dos últimas de junio. Luego iría bajando posiciones lentamente hasta salir de las listas a mediados de septiembre. Su lado B era “The Search Is Over “. Y falta poco para ver a Jimmy otra vez, aún mejor parado …

Steve Lawrence Footsteps 26/05/1960 – 02/06/1960 / [HMV] Steve Lawrence es un actor y cantante estadounidense, especialmente famoso por su dúo “Steve And Eydie” junto a su esposa Eydie Gormé. Si bien ya poseía sencillos en el Billboard estadounidense desde 1952 (incluyendo un #5), “Footsteps” fue el primero en ingresar a los charts británicos, alcanzando su máxima posición #4 en la última semana del mes de mayo. Estuvo en las listas por 13 semanas hasta salir a fines de julio. Su lado B fue “You Don't Know”. Solo ingresaría a los charts británicos dos veces más, una en agosto de 1960 con “Girls, Girls, Girls” (#49) y una vez más en 1963, aunque en su país natal tuvo otro muy importante #1 en 1962 ("Go Away Little Girl") que ni entró en el Reino Unido. Actualmente cuenta con una extensísima discografía de más de seis décadas.

Otros Ex Nº 1

#2 -> 26 – Lonnie Donnegan – My Old Man’s Dustman [Pye]: El Rey del skiffle comenzó a bajar con su exitosísimo sencillo que fuese #1 durante gran parte del mes de abril. De hecho, comenzó el mes en el #2 y fue bajando semana a semana hasta quedar en el 26. Aunque, paralelamente, la última semana del mes ingresó otro sencillo que llegaría bastante alto: “I Wanna Go Home”.

#16 -> Out? – Johnny Preston – Running Bear [Mercury]: El Running Bear, #1 en marzo y emblema de Johnny Preston bajó de la posición #16 hasta salir directamente de los charts la última semana de mayo, pero tendría una semana mas de existencia. De todos modos, al mismo tiempo, durante el mes escaló alto, muy altó, tan alto como hasta el #2 con otro sencillo “Cradle Of Love”, del que hablaremos en el próximo número.

#22 -> Out – Adam Faith – Poor Me [Parlophone]: Otro de los #1 de marzo llegó a su final en la lista de éxitos, bajando de la posición #22 a la #30 y a quedar afuera la última semana del mes. Por otro lado, este mes rankeó alto y fue uno de los destacados del mes su tema “Someone Else’s Baby”, que llegó al #2.

#28 -> Out – Anthony Newley – Why [Decca]: El #1 del mes de febrero corrió la misma suerte, y bajó desde la posición #28 hasta quedar afuera en la cuarta semana de mayo. Igual este mismo mes contaba con un nuevo #1 en su repertorio “Do You Mind?”.

Federico B.

concierto fue todo de Queen) pero en ese mismo año Michael Jackson tuvo la idea de grabar un single con un montón de invitados, producidos por Quincy Jones y que se llamó "We Are The World", con el objetivo de juntar fondos para luchar por el hambre en África, como la mayoría de los artistas - incluidos los autores, Jackson y Lionel Richie - se lo conoció, lógicamente, como "USA for Africa". También en el 85, en Argentina se grabó "Argentina es Nuestro Hogar" para ayudar a los damnificados por las inundaciones en el litoral. En estos 2 casos, la televisión ayudó de un modo que ahora los chicos lo relacionarían con lo que conocemos como "viralización". A mediados de los años 80, la música se había convertido en un eficaz canal para ayudar a quienes más lo necesitaban. Si bien los 70 habían comenzado con el Concierto Para Bangladesh a instancias de George Harrison y concluido con el Concierto para Camboya con McCartney como principal impulsor, estos eran recitales multitudinarios que luego tenían su correspondiente disco. Esto se replicó en 1985 con el Live Aid (donde también estuvo Paul pero, todos lo sabemos, ese

En 1987, más precisamente en el mes de marzo, en el puerto belga de Zeebrugge, enclavado en el Mar del Norte, el ferry MS Herald of Free Enterprise dio una vuelta de campana, donde murieron 193 personas más toda la tripulación de la embarcación. Para recaudar fondos destinados a los familiares de las víctimas, el periodista y cantante Garry Bushell, por aquel entonces en el periódico The Sun, convocó al trío de productores Stock,

Aitken y Waterman para empezar a ensamblar el conglomerado de artistas mayormente británicos (otros norteamericanos) para hacer algo similar a "We Are The World". La canción elegida fue "Let It Be" y Paul, además de la canción, contribuyó mandando un video grabado en Hog Hill Mill... aunque solo es un video haciendo playback sobre su misma grabación del "Let It Be" original de 1970! Es decir, Paul contribuyó con material de The Beatles (¿Le habrá gustado esta nueva versión más que la de Spector?). El tema fue grabado entre el sábado 14 y el lunes 16 de marzo de 1987, y, además de Paul, en el single aparecen como voces principales Boy George, Keren Woodward y Nick Kamen, Paul King, Mark King, Jaki Graham, Taffy, Andy Bell de Erasure, Pepsi & Shirlie, Mel and Kim, Kim Wilde y Nik Kershaw, Edwin Starr, Ben VolpelierePierrot de Curiosity Killed The Cat, Ruby Turner y la diosa Kate Bush. Los solos de guitarra corrieron por cuenta de Mark Knopfler y el recordado Gary Moore y el

coro final estuvo a cargo de (tomo aire...) The Alarm, John Altman, Debee Ashby, Al Ashton, Rick Astley, Bananarama, Simon Bates, Alison Bettles, Jenny Blythe, Errol Brown, Miquel Brown, Bucks Fizz, Jay Carly, The Christians, Nick Conway, Linda Davidson, Hazell Dean, Anne Diamond, Difford and Tilbrook, Doctor and the Medics, The Drifters, Drum Theatre, Frankie Goes to Hollywood, Roy Gayle, Go West, Carol Hitchcock, Felix Howard, Gloria Hunniford, Imagination, Jenny Jay, Ellie Laine, Annabel Lamb, Stephanie Lawrence, Loose Ends, Linda Lusardi, Ruth Madoc, Bobby McVey, Suzanne Mizzi, The New Seekers, Sadie Nine, The Nolans, Hazel O'Connor, Mike Osman, Su Pollard, Tim Polley, Pamela Power, Maxi Priest, Princess, Jimmy Pursey, Suzi Quatro, Mike Read, Sally Sagoe, Nejdet Salih, Ray Shell, Mandy Smith, Neville Staple, Alvin Stardust, Steve Strange, Sylvia Tella, Terraplane, Bonnie Tyler, Maria Whittaker y Working Week. Con todo ese coro daba más para "Hey Jude", pero bueh...

El lado B fue ocupado por sendos remixes de la canción en sus diferentes formatos. Uno está en el disco de 7 pulgadas, titulado "The Gospel Jam Mix" y "Mega Message Mix", aparece en el de 12". Este nuevo Let It Be fue editado el 23 de marzo de 1987 y llegó al número 1 el 4 de abril. La rapidez de todo recuerda un poco a John, cuando había llamado a Paul en ausencia de Ringo y George para grabar, mezclar y editar rápidamente "The Ballad Of John And Yoko". Había que decir algo urgente. En 1987 esa urgencia era mayor y el espíritu beatle estaba presente en más de un sentido.

Javier Cuenca

El sábado 25 de setiembre de 1976, en la ciudad de Venecia al norte de Italia, los Wings brindaron un concierto benéfico en la Plaza Mayor de la Basílica de San Marcos.

Este concierto es uno de los más populares bootlegs entre los seguidores de Paul McCartney y su etapa setentera, después del éxito obtenido con los álbumes Venus And Mars y el genial Wings At The Speed Of Sound que fuera lanzado ese mismo año en medio de la gira. En esta nota hablaremos de la historia y algunos datos importantes de esta grabación que ha venido circulando durante décadas, y que mejor ocasión para redescubrirla en estos inciertos días de cuarentena.

Historia Durante años la ciudad de Venecia ha venido sufriendo algunos siniestros debido a su ubicación geográfica, una de ellas es el fenómeno conocido como Acqua Alta, que es provocado por las fuertes lluvias torrenciales que desbordan el agua de los canales y que terminan por inundar la ciudad.

Esto obligó a las autoridades del país a solicitar ayuda a la Organización de las Naciones Unidas para la Educación de Ciencias y Cultura (UNESCO) en realizar una serie de espectáculos con los que se pudiera recaudar fondos para la reconstrucción de la ciudad. Paul McCartney y otros artistas aceptaron ayudar a la causa. De esta manera se decidió hacer una semana de conciertos con músicos locales y algunos invitados como el músico hindú Ravi Shankar, y como el gran acto los Wings se encargarían de cerrar la última noche del festival.

La consigna era obtener una suma mayor a los 50,000 dólares y así poder salvar de la inundación a Venecia y su gente. El material fílmico de la época nos permiten observar a la familia McCartney y algunos miembros del grupo pasear en las góndolas y a su vez siendo interceptado por los paparazzi y la prensa internacional. Algunas de estas imágenes han sido restauradas en calidad fílmica y recopiladas en un pequeño documental oficial por McCartney llamado “Wings in Venice” el cual al no tener sonido cuenta con fondo musical de la canción “Warm And Beautiful”.

Reviviendo el show a través de las cintas Le damos play al disco y rápidamente nos encontramos con las primeras líneas de Venus And Mars. Al escuchar su hermosa introducción que consigue enganchar al oyente, notamos que existe un pequeño corte en uno de los coros de la canción Rockshow pero se entiende que son fallas de origen.

Inmediatamente los músicos nos llevan a la maravillosa Jet, que para ser honesto es una de las mejores interpretaciones del tema por lo menos en lo que se refiere a esta ultima parte del Tour Europa 1976. McCartney agradece a la audiencia y a los tres segundos se lanza con Let Me Roll It, y cuando la banda está terminando de cantar el pegadizo estribillo, se puede escuchar a la audiencia lanzar gritos y quejas. Al principio uno imagina que podría tratarse de un altercado provocado por algunos inadaptados, pero si se recurre a la historia, esta parte del concierto se vio interrumpida debido a que las puertas del lugar no se habían cerrado y la personas seguían llenando el centro de la Plaza San Marcos, provocando algunos impases con los ya 15,000 asistentes que se encontraban dentro del lugar. Solamente el peso de todo el sistema de sonido era de 75 toneladas y esto sumado al peso que podía soportar la plaza que había sido construida cerca del muelle representaba un gran riesgo. Por suerte las aguas llegaron a calmarse y la gente continuó disfrutando del show. McCartney se dirige a la audiencia para presentar a su compañero Denny Lane y este

anuncia a los presentes “esta canción se llama Spirits Of Ancient Egypt”, al instante la batería y el bajo se mezclan a un solo ritmo abriéndole el camino a ese loop cósmico ejecutado por Linda McCartney. Denny Lane dirige la atención a su compañero y guitarrista Jimmy McCulloch para que cante su canción Medicine Jar. Las armonías vocales de Paul y Linda consiguen darle una excelente performance al más joven integrante de la banda. Maybe I’m Amazed suena estupenda y es otro de los puntos fuertes del concierto. Podría decir que en cuanto a interpretación es tan buena como la versión oficial del Wings Over America. En Call Me Back Again el guitarrista McCulloch se luce con los solos que estos requerían al momento del clímax de la canción, sin cometer error alguno. Los siguientes dos temas, Lady Madonna y The Long And Winding Road, son parte de su catálogo musical con sus ex compinches de Liverpool y en aquellos años hacían su debut en directo desde su grabación en los años sesenta. Al llegar a Live And Let Die, McCartney sorprende a todos al pedir que su esposa sea quien se encargue de presentar el tema ante la audiencia y cuando ella termina de hablar, dan inicio a la canción mientras la gente aúlla unos fuertes ¡Bravo!

Es importante señalar que en esta parte del concierto es común poder escuchar breves ajustes de velocidad debido a la calidad de la cinta que registró el concierto. Aquí empieza la parte acústica del show. McCartney lo anuncia mientras afinan las guitarras y entonces los tres a una sola voz se lanzan a cantar Piccaso’s Last Words, pasando rápidamente a la versión folk de Richard Cory en donde Denny Lane por momentos al cantar nos recuerda a un furioso Bob Dylan en su gira Thunder Revue. Bluebird está interpretada como en toda la gira en una tonada más alta que la del disco, pero aun así llega a cumplir su cometido y el solo de Howie Casey es genial y aquí se termina el primer disco compacto.

El segundo disco se inicia con una canción “de la vida country” como señala su autor. I've Just Seen A Face suena diferente al ser Linda quien hace las armonías y no el mismo McCartney como en el álbum Help! La siguiente canción habla también de un ave, y esta vez Blackbird es interpretada en una tonada más baja que la conocida en 1968 , pero de esto ya habíamos escuchado en el documental televisivo James Paul McCartney 1973 en la escena en que Macca está sentado tocándola en un semitono menor mientras su esposa toma fotografías de él. Es el turno del primer éxito solista de Paul dentro de los Beatles, Yesterday. Antes de ejecutarla pregunta a la audiencia “¿Están bien?” luego se lanza a cantar las primeras líneas y el publico estalla en aullidos y ovación para finalmente corearla junto a él. Sin duda uno de los momentos más esperados por los italianos.

You Gave Me The Answer es dedicado a Fred Astaire, quien inspiró al músico a crear este tipo de melodías con matices de los años 20. Como siempre, Paul no puede evitar sacar a luz su lado más tradicional y clásico. Lo mismo ocurre con Magneto And Titanium Man, que de no ser por los solos de Jimmy McCulloch y los redobles de Joe English podría ser considerado como una canción hecho para Broadway. Lo normal hubiera sido que Denny Lane cantara Go Now, éxito de su vieja banda Moody Blues, pero esta canción no aparece en la cinta (se presume que no fue grabada) pero si fue ejecutada en el show. My Love es la balada más esperada por la multitud y no es para menos. Su sonido en directo sigue reflejando el espíritu de la época glam y amor libre de los nostálgicos setentas. Otros de los éxitos de la banda es Listen To What The Man Said, que suena genial y muy bien ejecutado en aquella noche, muy agradable para el oyente de este material histórico.

La mejor parte del concierto es Let ‘Em, que en mi opinión supera a la versión ejecutada en el Wings Over America. Se puede sentir en el feeling y potencia que Macca le pone a esta canción, tanto así que terminan por dejarte queriendo más, sin mencionar que en la parte final se equivocan omitiendo un “sister Susan…brother John…”, pero se entiende que son gajes del oficio, porque a veces la emoción del momento termina por llevarte a acelerar las cosas. McCartney termina la canción con un “grazie”. Time To Hide termina pasando sin pena ni gloria, no le aporta nada al recital. La gente en este punto tiene hambre de los éxitos de los últimos tres álbumes del grupo. Silly Love Songs equilibra las cosas nuevamente, y mucha gente se une a corear los pegadizos “iiii…loveee…youuu”. Es inevitable no desear haber estado en aquel recital.

Beware My Love tal vez en aquella época no fue una de las más coreadas en el show, pero si somos honestos suena espectacular y refleja tan bien el espíritu del disco. McCartney no desentona y las armonías vocales de Linda y Denny en la parte “can’t say i’ve found out” la hacen más emocionante de escuchar en vivo. Ahora es tiempo de presentar a cada uno de los músicos de apoyo. McCartney se encarga de mencionar y resaltar las ciudades de origen de cada uno de ellos. Acto seguido Letting Go, esa joya del álbum Venus And Mars hace su debut sobre el escenario, y cuando la canción realiza la subida de nota en su parte final se puede observar algunos cortes y fallas producto del cassette. Linda termina por desentonar con gritos innecesarios en la parte del estribillo “I feel like letting go” que terminan por estropear la canción. En una de las primeras fuentes de audio conocida en los noventas, el concierto acababa en esta canción, pero

afortunadamente las canciones restantes aparecieron, gracias al aporte de otros fanáticos asistentes al show. Band On The Run también tuvo una decente interpretación, pero nuevamente los “yeaah” de Linda (ahora entiendo por que Yoko interrumpía a Lennon en sus canciones en solitario con aullidos sórdidos) aportan a sentirla muy forzada. Afortunadamente Hi Hi Hi, salva la noche con sus divertidos riff de guitarra y es imposible no sentir ganas de saltar y bailar con tan excitante Rock’n’roll al mejor estilo McCartney (en especial cuando los “HI, HI, HI” suben la nota y no puedes contener la risa). Soily tiene un sonido que al parecer fue grabado en un lugar un poco más alejado del escenario, ya que la voz de Paul y el sonido de la banda presenta mayor saturación, apenas si se puede escuchar a la guitarra y también esta acaba abruptamente sin poder escuchar las palabras finales y despedida del grupo

Curiosidades Existe una segunda fuente del bootlegs que tiene un corte en la introducción de Venus And Mars y directamente nos lleva a escuchar las primeras notas de la canción.

Cuánta razón tenía John Lennon cuando decía que la caridad es una de las causas más hermosas pero que está organizada por gente que no sabe ni un carajo de conciertos.

Aunque parezca increíble, lejos de mostrarse agradecidos con el gesto de solidaridad por parte de la banda (como parte del trato Paul McCartney, actuó sin cobrar nada e inclusive aceptó el mismo correr con los gastos de transporte de su equipo de sonido), los miembros del comité organizador terminaron por cobrarles las cuentas de su hospedaje y otros gastos administrativos de los que el grupo no tenia responsabilidad.

Desafortunadamente el éxito de concierto se vio opacado por los inconvenientes que surgieron durante este mismo. Algunos de los problemas empezaron cuando la audiencia que se estimaba era de 15,000 personas terminó por romper las barricadas de control provocando que mucha más gente accediera al centro de la Plaza y el espectáculo cerrara la noche con 30,000 espectadores.

Este descontrol es expuesto en un momento durante la interpretación del tema “Let Me Roll It”, donde se puede escuchar a la audiencia quejarse por la súbita aglomeración de asistentes. Bootlegs Originalmente este álbum apareció en el mercado como un CD doble llamado “Paul McCartney Live In Venezia” (FU205/2). Se desconoce el nombre del sello pirata. Los discos eran silver cd y tenían impresos en ellos las siglas S.I.A.E. La portada es una de las recordadas por los fanáticos, con un fondo azul marino que casi termina rememorando al Live Peace In Toronto 1969 de John Lennon. En ella se puede ver una silueta de Paul con sus clásicos mostachos, que pueden parecer una referencia a su período Sgt. Pepper. La contraportada contiene una fotografía histórica del concierto en donde Paul y su

banda están recibiendo la ovación de la audiencia (probablemente al termino del show), además del track list en donde llama la atención la información de cada uno de los tracks. Por ejemplo, la no inclusión de las últimas tres canciones habituales en el set list de la gira que son Band On The Run, Hi Hi Hi y Soily. Y estos temas estuvieron como inéditos durante muchos años, hasta que a finales de la década pasada salieron a la luz por fanáticos italianos que grabaron el concierto de manera completa y con una aceptable calidad de sonido cassette B+.

Enrique García Taboada

Déjalo Ser Cuando me encuentro en problemas Mamá Mary viene a mí Diciendo palabras sabias Déjalo ser Y en mi hora de oscuridad Ella está parada justo frente a mi Diciéndo palabras sabias Déjalo ser Déjalo ser, déjalo ser, déjalo ser, déjalo ser Diciendo palabras sabias Déjalo ser Y cuando la gente con el corazón roto Viviendo en este mundo esté de acuerdo Habrá una respuesta Déjalo ser Aunque tal vez estén separados Todavía hay oportunidad de que puedan ver que Habrá una respuesta Déjalo ser Déjalo ser, déjalo ser, déjalo ser, déjalo ser Habrá una respuesta Déjalo ser Y cuando la noche esté nublada Todavía habrá una luz que brilla en mí Brilla hasta mañana Déjalo ser Me levanto con el sonido de la música Mamá Mary viene a mí Diciendo palabras sabias Déjalo ser

141

C-6 LOS ESPERAMOS, COMO TODOS LOS MESES EN

GLASS ONION 81

JUNIO 2020

142