Glass Onion - Número 84 by GLASS ONION

¡Hola amigos! ¿Cómo están? Pareciera ser un lugar común a esta altura, pero no quiero desaprovechar cada ocasión para expresar los buenos deseos de todos quienes hacemos esta revista, que cada uno de ustedes y sus seres queridos se encuentren bien y sanos. Y para aquellos que se encuentren transitando la enfermedad, toda la fuerza!!! ¡¿Qué mejor que una nueva edición de Glass Onion, para transitar estos raros tiempos nuevos?! Por ello vamos a sumergirnos en nuestra nota de tapa, que trae un amplísimo recorrido por un tema para nada menor; los estilos y las prendas características que hicieron de The Beatles no solo un modelo a seguir en lo musical, sino también en el look clásico de los 60’s. Muchos detalles increíbles para conocer a fondo ésta temática. Retomamos el análisis de las referencias y/o apariciones de los Fab4 en las caricaturas más emblemáticas. En esta segunda entrega nos sumergimos en el mundo de Family Guy y sus series satélites. No podemos dejar de mencionar los 50 años de Beaucoups Of Blues, el segundo álbum de Ringo en solitario, por lo que nuestro disco del mes está dedicado a la experiencia country de Starr. Retrocedemos al año 1969 y encontramos a The Beatles al borde de la separación, pero con dos de sus miembros tocando juntos en un concierto en vivo. John y George en el Lyceum Ballroom. Todo lo demás queda para ser descubierto cuando den vuelta cada página de Glass Onion, la revista Beatle en español. Martín Castro Editor Principal 2

INDICE What’s The New, Mary Jane?

Disco del Mes Beaucoups Of Blues fue el sueño cumplido de Ringo, grabando la música que amaba en el lugar indicado. Medio siglo del gusto que se dio Richy. Some Other Guy: Sencillos Beatle 1969/70

Live at the Lyceum Ballroom Cuando se pusieron de moda los supergrupos, John armó un megagrupo. Ah… y tenía a un Beatle en sus filas (además de él).

MODA A LA BEATLES De 4 “Gene Vincent pero más jóvenes” a los trajes multicolores de Pepper, de los trajes sin cuello a las capas de Help! No hay nada que no aparezca en ésta gran nota sobre la evolución del look Beatle. Every Sound There Is: Elpico AC-55

Revolución En La Mente La obra sublime de Ian MacDonald descripta y analizada en nuestro apartado sobre la Literatura Beatle. Datos imperdibles Referencias a The Beatles en las caricaturas, Parte II A Month In The Life: Septiembre de 1966 Charts Británicos de los 60’s: Septiembre 1960 Sencillo Solista Del Mes: Wings – Let Em In Many Years From Now: Psicodelia En Sus Propias Palabras: Caballo Oscuro

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Federico B., Victor Carrillo González, Martín Castro, Migo Coiro, Javier Cuenca, Enrique García Taboada, Ezequiel Gauss, Luis Enrique Inngais, Claudette Stern, Pilar J Vázquez, William Velásquez 3

Federico B.

1. One After 909 - 'Get Back' LP May 1969 (3:06) 2. I'm Ready - 'Get Back' LP May 1969 (0:45) 3. Save The Last Dance For Me/Don't Let Me Down-'Get Back'LP ‘69 (1:16) 4. Don't Let Me Down - 'Get Back' LP May 1969 (4:09) 5. Dig A Pony - 'Get Back' LP May 1969 (4:04) 6. I've Got A Feeling - 'Get Back' LP May 1969 (2:53) 7. Get Back - 'Get Back' LP May 1969 (3:14) 8. For You Blue - 'Get Back' LP May 1969 (2:46) 9. Teddy Boy - 'Get Back' LP May 1969 (3:41) 10. Two Of Us - 'Get Back' LP May 1969 (3:29) 11. Maggie May - 'Get Back' LP May 1969 (0:38) 12. Dig It - 'Get Back' LP May 1969 (4:24) 13. Let It Be - 'Get Back' LP May 1969 (3:53) 14. The Long And Winding Road - 'Get Back' LP May 1969 (3:43) 15. Get Back - Reprise - 'Get Back' LP May 1969 (0:41) 16. All Things Must Pass - Rehearsal 3 January 1969 (3:58) 17. I Me Mine - 8 January 1969 (1:37) 18. Suzy Parker (aka Suzy's Parlour) - 9 January 1969 (2:07) 19. Oh! Darling - Paul's Solo Performance (4:18) 20. Don't Let Me Down - 22 January 1969 (3:30) 21. Two Of Us - 24 January 1969 (3:19) 22. I Lost My Little Girl - 24 January 1969 (2:14) 23. For You Blue - Take 1 / 25 January 1969 (2:23) 24. For You Blue - Take 3 / 25 January 1969 (2:30) 25. For You Blue - Take 4 / 25 January 1969 (2:49) 26. For You Blue - Take 11 / 25 January 1969 (2:36) 27. For You Blue - Take 13 / 25 January 1969 (2:34) 28. Let It Be - 26 January 1969 (3:43) 29. Medley: Rip It Up / Shake, Rattle And Roll - 26 January 1969 (2:10) 30. Med: Kansas City/Miss Ann/Lawdy Miss Clawdy – 26/01/1969 (3:56) 31. Blue Suede Shoes - 26 January 1969 (2:12) 32. I Told You Before - 26 January 1969 (5:48) 33. The Walk - 27 January 1969 (0:53) 34. I've Got A Feeling - 27 January 1969 (3:36) 35. Get Back - 27 January 1969 (3:49) 36. Dig A Pony - 28 January 1969 (3:58) 37. Something - 28 January 1969 (8:59) 38. One After 909 - 29 January 1969 (3:25) 39. Medley: Cannonball / Not Fade Away / Hey Little Girl / Bo Diddley - 29 January 1969 (4:25) 40. Mailman, Bring Me No More Blues - 29 January 1969 (1:31) 41. Get Back - First Roof Performance 30 January 1969 (4:24) 42. Get Back - Second Roof Performance 30 January 1969 (3:34) 43. Don't Let Me Down - First Roof Performance 30 January 1969 (3:30) 44. God Save The Queen - Roof Performance 30 January 1969 (0:25) 45. I've Got A Feeling - Second Roof Performance 30 January 1969 (5:31) 46. Don't Let Me Down - Second Roof Performance 30 January 1969 (3:33) 47. The Long And Winding Road - 31 January 1969 (3:53) 48. All Things Must Pass - George's Demo (3:50) 49. Something - Take 37 (3:01)

Ringo Starr, lo sabemos, siempre fue un amante de la música country & western, y pudimos escuchar muy poco de ése estilo dentro de la discografía de The Beatles, apenas en "Act Naturally" (Help!, 1965) "What Goes On?" (Rubber Soul, 1965) y "Don't Pass Me By" (The Beatles, 1968). Cuando el grupo se terminó, fue el primero en sacar un disco de canciones como solista ("Sentimental Journey", marzo de 1970, apenas 1 mes antes del disco de Paul y 2 de "Let It Be") pero era de un marcado tono crooner. Acá se sacó las ganas y grabó con uno de los popes del estilo y encima en la capital del Country. Vamos a repasar Beaucoups Of Blues, a 50 años de su publicación original... a caballo, por supuesto, vaquero... En las sesiones del disco solista de George Harrison "All Things Must Pass", a mediados de 1970, Ringo (único ex Beatle invitado en un álbum repleto de músicos convidados) tomó contacto con Peter Drake, un músico conocedor como nadie de la escena country & western que había trabajado con Elvis, Bob Dylan y Joan Báez, innovando el sonido de la

técnica del "Talk Box" (cuyo ejemplo más notorio es el solo de "Show Me The Way" de Peter Frampton) y un maestro en el manejo del pedal steel, que fue lo que tocó finalmente en el disco de George. Fue Ringo quien lo mandó a buscar al aeropuerto de Londres en su auto y Drake quedó impactado con la cantidad de

cintas C&W que el batero tenía en el auto, y fue así que, sin querer, Ringo (bah, su auto) rompió el hielo con Peter. Fuera de las sesiones de ATMP, Ringo convenció a Drake para que le produjese un

álbum entero de música C&W y al mismo tiempo Drake persuadió a Starr para que las sesiones tuviesen lugar en Nashville (capital mundial de la música country) en vez de la lluviosa Londres.

Fue así como el 22 de junio de 1970 Ringo llegó a Nashville y estuvo 3 días allí antes de comenzar a trabajar. Las sesiones tuvieron lugar el 25, 26 y 27 y tuvieron como ingeniero de sonido nada menos que a Scotty Moore, el guitarrista de Elvis. E L G UITARRISTADEELVIS P R E S L E Y. Peter Drake además de contar con un ejército de músicos entre los que destaca D.J. Fontana (baterista del Rey también), reunió a compositores para escribir canciones exclusivas para el álbum, que además fueron publicadas por la editora Startling Music, perteneciente a Ringo. Volviendo a las sesiones, el disco contó con 6 sesiones, 2 por día, de tres horas cada una, en la que se terminaban 2 o 3 canciones. Allí no solo se completó el álbum completo, sino que hasta temas que aparecieron como lados B de otros lanzamientos allende Beaucoups Of Blues, que es el track que inicia el disco y fue el primer single. Aquí asoman los increíbles aportes vocales del grupo "The Jordanaires", grabados con antelación por Drake, y puestos durante la grabación para mayor comodidad

de Ringo. Este grupo fueron los coristas oficiales de Presley desde 1958 hasta 1972. Luego llega "Love Don´t Last Long", con un aire muy de Roy Orbison (otro héroe del C&W), pero la voz de Starr, lejos de la épica operística de The Big O, se acomoda desde otro lado de la melancolía. El tercer tema es "Fastest Growing Heartache In The West" y notamos a Ringo a sus anchas. El chico de Liverpool que escuchaba esos discos traídos por los marineros ahora estaba haciendo uno propio, en el lugar donde se grababan aquellos...

"Without Her" tiene el pulso calmo de la guitarra y los coros si bien no están tan adelante como en el tema título, acompañan con firmeza la voz de Ringo, como aquellos jinetes que están al lado del vaquero en los rodeos del viejo oeste norteamericano. El mismo aire se siente en "Woman Of The Night", donde reaparece la armónica, que dialoga con el violín, mismo instrumento que abre "I'd Be Talking All The Time", donde Starr camina apoyado no solo en este noble instrumento, sino también en el pedal steel, presente en la mayoría de este trabajo discográfico .

"$ 15 Draw" es de lo más rudimentario y delicioso de Beaucoups, y hay una distinción british, un encanto que solo Ringo disfrutando nos puede ofrecer. Y si disfruta él, nosotros también. "Wine, Woman And Loud Happy Songs" tiene la onda de un saloon cuando lo mejor de la noche ha terminado, y ese sentimiento se refuerza con "I Wouldn't Have You Any Other Way", a dúo con Jeaninne, la parte femenina del dúo country "The Kendalls". La cosa levanta una vez más con "Loser's Lounge", y esto es lo más cercano de lo que escuchamos de Ringo en este estilo dentro de la discografía de los Fab. "Waiting", con el pedal steel una vez más hechizando el ambiente es el tema que sigue y preanuncia el final con "Silent Homecoming", claramente con Ringo sentado a la batería. Sobre esto D.J. Fontana admitió no haber conocido jamás a alguien con el tempo tan incorporado como Richard Starkey. Pavada de elogio... El disco fue mejor recibido que "Sentimental Journey", sin embargo, Ringo desorientó a prensa y fans con un estilo tan radicalmente diferente de su disco anterior, publicado apenas 6 meses antes. Tampoco había rastro beatle alguno. Sin embargo, hay quienes

valoraron la muy buena labor de Drake como productor, quien no tenía nada que envidiarle - cada uno en su estilo, por supuesto - a personajes como Phil Spector. Las sesiones dejaron otros temas como "Early 1970" (Cara B de "It Don't Come Easy" ya en 1971) "Coochy

Coochy" (original de Ringo, Cara B de "Beaucoups Of Blues") y una jam titulada "Nashville Jam". Estas 2 últimas fueron anexadas al disco en su reedición en CD en 1995.

En este año 2020 en el que se cumplen 50 años del final de la Carrera Beatle, ya había traído a esta sección el álbum “Let It Be” reconstruido por covers, pero ahora es turno de los sencillos británicos del periodo 1969/70 que tienen temas no incluidos en los álbumes “Abbey Road” o “Let It Be”. Incluyo “Get Back” y “Across The Universe” y “Let It Be” por el simple hecho de que los sencillos tenían una toma diferente que el álbum, y de hecho fueron incluidos en el Past Masters como temas originales. En la sección encontraremos a artistas como Annie Lennox, Roberta Flack y Dave Edmunds. Adelante!. Lista en Youtube: https://www.youtube.com/playlist?list=PLLuiPVcTSpdA79Q1U6OXXrQMPFUgn1kyJ

Get Back, por Doris Troy (1970) La cantante norteamericana Doris Troy, quien fuese contratada por The Beatles en 1969 para su sello discográfico Apple Records, grabó un cover de "Get Back" en 1970, el cual fue incluido como B-Side de su sencillo Jacob's Ladder. El sencillo no llegó a entrar en los charts.

https://youtu.be/sEp4M2ri2hE 20

Don't Let Me Down, por Annie Lennox (1992) La cantante escocesa, también frontwoman de Eurythmics, Annie Lennox, realizó su cover de “Don't Let Me Down” en 1992, ubicado como B-Side de su sencillo "Cold”, el cual alcanzó el puesto 24 en el Reino Unido. “Cold” fue el cuarto sencillo del álbum debut solista de Annie, “Diva”. Además el sencillo fue lanzado en tres versiones paralelas tituladas: “Cold”, “Colder” y “Coldest” respectivamente, cada una de las cuales contaba con el sencillo “Cold” en primer lugar y tres Lados B en vivo: “Cold” llevaba tres canciones del álbum “Diva”, “Colder” tres covers de Eurythmics y “Coldest” canciones de otros artistas. En esa última categoría aparece “Don’t Let Me Down”, desde el MTV Unplugged de Annie de 1992. Annie tiene en su haber también un cover de “Isn't It A Pity” de George Harrison, y, junto a Eurythmics, de “Come Together” de The Beatles”. https://youtu.be/wyftwhhBwJ8

The Ballad Of John And Yoko, por Dave Edmunds (1990) Quizás por ser un tema tan personal sobre la vida de John, no es una canción muy versionada por otros artistas. De entre los pocos covers disponibles, elegí este en vivo realizado por Dave Edmunds en 1990 durante el concierto tributo a John que se llevó a cabo en Liverpool, en el Pier Head. Allí participaron artistas como Hall & Oates, Paul McCartney y Cyndi Lauper entre otros. Además de esta, Dave Edmunds versionó en el concierto “Strawberry Fields Forever” y “A Day In The Life”. Si bien no tiene temas beatle o solistas registrados oficialmente en su catálogo, se pude mencionar que Dave Edmunds fue parte de la segunda y sexta formaciones de la All Starr Band de Ringo Starr, donde interpretó varias canciones Beatle como “Yellow Submarine”, “With A Little Help From My Friends” y “I Wanna Be Your Man”, así como temas de su propio catálogo y de Ringo Starr.

https://www.youtube.com/watch?v=LELTvYPwHqM 21

Old Brown Shoe, por Leslie West (2003) El guitarrista Leslie West, quien fue parte de Mountain, colaboró con el proyecto "Songs From The Material World: A Tribute To George Harrison" en 2003, del que participaron artistas como Todd Rundgren, John Entwhistle y They Might Be Giants. Allí, el cover realizado por Leslie fue “Old Brown Shoe”, una canción con mucho potencial y no demasiado versionada, a la que le aplicó un tratamiento bluesero que es muy interesante de escuchar. Leslie tiene realizados covers de “Eleanor Rigby”, “Dear Prudcence” y “I Feel Fine”. https://youtu.be/QmWhB9_kUCU

Across The Universe (Wildlife), por 13ThBeatle (2011) 13ThBeatle es una cuenta en YouTube de un artista que ha subido covers de prácticamente toda canción editada por The Beatles o sus miembros solistas. Y si, entre todas sus grabaciones tiene una específicamente de “Across The Universe” en su versión “Wildlife”, con los efectos sonoros de aves y todo. Covers de “Across The Universe” hay montones, pero específicamente de esta versión, solo uno! No hace falta decir que todos los demás temas de esta sección están en su vastísimo catálogo. https://www.youtube.com/watch?v=IdtgWhUHznM

Let It Be, Por Roberta Flack (2012) Roberta Flack, cantante norteamericana y voz de #1s como “Killing Me Softly”, "The First Time Ever I Saw Your Face" y “Feel Like Makin' Love” en los 70’s, entre otros muchos éxitos, en 2012 editó un álbum tributo a The Beatles titulado casualmente “Let It Be Roberta: Roberta Flack Sings The Beatles”. El álbum incluye canciones de todas las épocas beatle, incluyendo “The Long And Winding Road”, 22

“Come Together”, “Oh Darling”, “And I Love Him”, “We Can Work It Out” y hasta “Isn’t It a Pity” de George Harrison. Roberta ya había versionado mucho tiempo antes “Let It Be”, en los 70 para la TV en vivo. Otro guiño, el hecho de que el álbum lleve por nombre “Let It Be” es también referencia a una canción de su segundo álbum de estudio “Chapter II” de 1970, donde hay una canción titulada “Let It Be Me” (mismo año que The Beatles editó “Let It Be”). https://www.youtube.com/watch?v=dOdwu-Y4yq8

You Know My Name (Look Up The Number), por Gerard Saint Paul (1970) Hay pocos, poquísimos covers de You Know My Name (Look Up The Number), quizás por ser la última canción editada oficialmente por The Beatles entre 1960 y 1970, siendo el B-Side del sencillo “Let It Be”. El que aquí presentamos corresponde a Gerard Saint Paul (Gérard Chatelain) cantante francés miembro de la banda Les Diamants. “You Know My Name” está incluido en su álbum “10 Hits de Lennon et McCartney” de 1970, bajo el nombre “Dis Moi Je T'aime Dis Le Dis Le Moi”, donde también se incluyen covers de otras canciones de Lennon y McCartney lanzadas entre 1969 y 1970, de “Abbey Road” y “Let It Be”, asi como “Instant Karma!” de John y “Teddy Boy” de Paul, incluyendo “Rentre Jojo À La Maison” (Get Back), “Reste Avec Moi” (Don’t Let Me Down), “Let It Be” y “La Ballade De John Et Yoko” (The Ballad Of John And Yoko). Por cierto, Les Diamants también tiene más covers Beatle como “Le sous-marin vert” (Yellow Submarine), y “Eleanor Rigby”. El cover de You Know My Name fue posteriormente, en 2006, incluido en el recopilatorio de canciones de The Beatles en francés titulado “La France et Les Beatles - Vol. 2” https://www.youtube.com/watch?v=oNy2IGr1zQk

Federico B. 23

EL PRIMER CONCIERTO DADO POR

LOS BEATLES POST ABBEY ROAD

DOS CASI EX BEATLES

Quizás podrá quedar como un triste recuerdo para un beatlemaníaco la última sesión de fotos oficiales que se tomó la banda en los jardines de la que fuera la recién adquirida mansión de Lennon en Tittenhurst Park un 22 de agosto de 1969, que fue realizada dos días después de que terminaran de grabar el último tema que faltaba del Long Play “Abbey Road”, una composición de Lennon con final abrupto llamada I Want You (She's So Heavy), que fue la última vez en que los cuatro trabajaron juntos en un estudio de grabación. Luego de la publicación del álbum “Abbey Road” el 26 de setiembre de 1969 los Beatles eran prácticamente cuatro músicos solistas que estaban unidos más por motivos contractuales que por la afinidad que los unió por años.

El 15 de diciembre del año 1969 se llevó a cabo un concierto benéfico organizado por la “UNICEF” en el cual participaron los aún Beatles John Lennon y George Harrison y puede ser considerado un hito histórico, pues fue la primera vez en que aparecieron dos Beatles tocando juntos ante una audiencia desde la última presentación de la banda en el Candlestick Park de San Francisco, un 29 de agosto de 1966, y esto avivó la esperanza de los fans de que los cuatro volvieran a hacer nuevamente las giras, pero la realidad es que los cuatro ya prácticamente estaban separados y la noticia de la disolución del grupo recién se conocería el 10 de abril de 1970 cuando Paul McCartney en una infausta nota de prensa lo confirma, y éste evento sería el final de una era como podremos ver en las siguiente líneas.

Y fue John Lennon el primero de los Beatles que con sus acciones mostró mayor interés en dejar la agrupación y desarrollar sus proyectos individuales junto a un nuevo socio, su esposa Yoko Ono, como por ejemplo cuando decidió participar junto a ella un 13 de setiembre de 1969 en el “Toronto Rock and Roll Festival” que organizaron los canadienses John Brower y Kenny Walker con un grupo que armó de

improviso al cual le puso “Plastic Ono Band”, que estaba integrado por Eric Clapton en la guitarra, Klaus Voormann en el bajo, el futuro batería de Yes, Alan White, y Yoko a su lado con sus alaridos. Parece que esta presentación ante un fervoroso público le dio el entusiasmo de poder seguir adelante como músico sin los Beatles y por ello comunica su renuncia a sus compañeros un 20 de setiembre durante una reunión de negocios que organizara el

siniestro manager Allen Klein para renegociar el contrato de la banda con los sellos EMI y Capitol , pero Klein y McCartney le aconsejaron a Lennon que mientras sigan las negociaciones no lo dijera al púbico y así fue, aunque McCartney luego de casi siete meses fuera el primero en anunciar a la prensa su renuncia a los Beatles, Lennon desde ese 20 de setiembre empezó a actuar como un artista solista.

EL CONCIERTO EN EL LYCEUM BALLROOM Pero volviendo al concierto del Lyceum, todo empezó cuando “The United Nations Children’s Fund” (el Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia) más conocido como “UNICEF” anunció en una conferencia de prensa en el mes de noviembre un concierto benéfico auspiciado por miembros de la realeza y miembros de la sociedad inglesa que se llamaría “Peace For Christmas” (Paz para la Navidad) a favor de la Navidad de los niños más desfavorecidos y cuya entrada costaría el precio simbólico de una libra esterlina y que los músicos que iban a participar serían The

Young Rascals, Jimmy Cliff, Desmond Dekker and the Aces, the Black Velvet y quienes cerrarían en concierto serían “The Plastic Ono Band de John Lennon”, que aunque le cayó de sorpresa la noticia al mismísimo John y Yoko, de inmediato deciden negociar su participación si es que la UNICEF aceptaba sus condiciones, que eran básicamente que pueda promocionar su campaña para la paz “War is Over” y pueda manifestar sus ideas políticas en el escenario. Parece que aceptaron y llegaron a un acuerdo por la parafernalia que ocurrió en medio de la participación de su agrupación en el concierto.

El día elegido para el concierto fue el lunes 15 de diciembre de 1969 y el lugar elegido para el evento sería el “Lyceum Ballroom” en el Covent Garden de Londres, cerca del Hotel Waldorf y como de costumbre John Lennon reclutó a los miembros de “The Plastic Ono Band” que ya habían tocado con él el pasado mes de septiembre en Toronto, Canadá y con 48 hora de anticipación. El primero en ser convocado fue Eric Clapton y pese a que aún no había regresado de su gira por Dinamarca con “Delaney & Bonnie & Friends”, aseguró su participación al igual que Klaus Voormann para tocar el bajo y Alan White para la batería, además de la incorporación de otro incondicional de Lennon, el gran Billy Preston para tocar los teclados.

Y de acuerdo a lo que declaró posteriormente, Lennon los convenció de esta manera: “¿Quieres venir?' Dijeron: Bueno, ¿qué es lo que vas tocar?' Le dije: 'Escucha, probablemente vamos a hacer un blues... o Cold Turkey, que tiene tres acordes, y Eric la conoce. Y además el tema “Don't Worry Kyoko”, que era de Yoko, que tiene tres acordes y un riff. Y les termino de decir: 'Una vez que lleguemos al riff de Yoko, sigan tocando”. Y así aceptaron la invitación.

El evento se inició al acabar la tarde del lunes y el escenario del Lyceum Ballroom fue decorado con una banderola enorme de fondo con la frase “War Is Over” "(La guerra ha terminado) y alrededor del escenario afiches rectangulares con el mismo lema que hasta 29

pegaron en la batería. Fue una de las condiciones que puso Lennon para actuar y que luego sería el título de su single Happy Xmas (War Is Over) de diciembre de 1971. El público que no pasaba de los 500 espectadores estaba constituido básicamente por adolescente entre los 12 a 15 años en su mayoría y tuvo como maestro de ceremonia al disc jockey americano “Emperor Rosko ("Mike" Pasternak)” de la cadena BBC Radio 1 y que era el encargado de hacer las presentaciones de cada grupo cada vez que finalizaban sus presentaciones, y así fueron desfilando los Young Rascals, Desmond Dekker and the Aces, Blue Mink y Black Velvet, y pasada las ocho de la noche llegaría el turno de la actuación de la agrupación más esperada, “The Plastic Ono Band” de John Lennon.

La primera canción que tocaron fue una versión extensa del single que John Lennon había lanzado como solista el 24 de octubre de 1969 en UK llamado “Cold Turkey” y que John Lennon presenta al público con las siguientes palabras "Nos gustaría hacer un número y esta canción trata sobre el dolor" y era cierto. Era el reflejo de su batalla por dejar la heroína y los estragos de la abstinencia sin drogas. El Supergrupo comienza a realizar improvisaciones sobre la canción durante más de siete minutos con buenos momentos sobre todo al final.

Poco antes de la presentación de “The Plastic Ono Band” llegó Eric Clapton acompañado con casi todos los integrantes de la banda “Delaney & Bonnie & Friends“. Delaney & Bonnie acababan de regresar de su gira por Dinamarca y entre los integrantes se encontraba el mismo George Harrison, por lo que se tuvo que acoplar un nuevo kit de batería y los músicos que tocaron en esa histórica noche fueron: John Lennon en la guitarra y voz, Yoko Ono en los alaridos, Klaus Voormann en el bajo, Alan White en la batería, Eric Clapton en la guitarra solista, Delaney Bramlett en la guitarra, Bonnie Bramlett en la pandereta, Jim Gordon tocando el nuevo kit de batería, George Harrison que tocó una guitarra Fender con decoración psicodélica, Bobby Keyes al saxofón, Jim Price en la trompeta y Billy Preston al órgano. Lennon los rebautizó luego como “The Plastic Ono Supergroup”. 30

Y luego viene el protagonismo de Yoko, que antes de cantar (o gritar) su canción “Don’t Worry Kyoko (Mummy’s Only Looking For Her Hand In The Snow)” estaba escondida en una

enorme bolsa blanca que habían colocado en medio de escenario, de donde sale para su performance y empezar gritando “John! I love you! Britain! You killed Hanratty, you murderers! You killed Hanratty!” ("¡John! ¡Te amo! ¡Gran Bretaña! ¡Mataste a Hanratty, asesinos, mataron a Hanratty”). Recuérdese que en la mañana de ese mismo 15 de diciembre John Lennon y Yoko Ono habían ido a Hyde Park junto a los padres de James Hanratty para protestar contra el Estado porque en 1962 lo habían condenado a muerte y se había cometido una injusticia en su proceso y lo consideraban inocente y se debía limpiar su nombre) y los chillidos de Yoko y el Jam de la banda se extendió por cerca de 40 minutos. Por ello gran parte de la 31

audiencia se fue retirando y para Lennon los que se quedaron hasta el final de la canción estuvieron en trance y quizás lo haya influido en el camino musical. Hacia la mitad de la canción con riffs repetitivos Yoko empieza a cantar "Don't Worry Jonas" refiriéndose a su amigo y colaborador el cineasta de vanguardia Jonas Mekas y termina abruptamente debido a que Alan White al considerar demasiado largo el tema (y quizás ya no soportar más los alaridos de Yoko) toma la decisión de tocar cada vez más rápido hasta hacer que los demás no puedan continuar más, Jim Gordon hizo lo mismo y en los minutos finales se unió el baterista Keith Moon al escenario tocando los tom toms de 16 pulgadas de Alan White hasta que finaliza la canción con los llantos de

Peter Bown y su asistente John Kurlander y lo registrado fue mezclado dos días más tarde y permaneció sin publicar hasta que las dos canciones fueron incluidos en el lado 3 del polémico disco doble de John & Yoko Some Time In New York City de setiembre de 1972 (disco netamente político con letras claras directa hacia la política de Nixon y las represiones hacia los líderes políticos sobre todo de raza negra que originara que se le abriera un expediente). La canción Don't Worry Kyoko (Mummy's Only Looking For Her Hand In The Snow) fue recortada a 15 minutos para que pueda entrar en el álbum donde se nota que Emerick se vio en la necesidad de cambiar los carretes y se ve claramente un corte de edición en tres partes de la canción donde se ve la interposición de los instrumentos de los músicos.

Yoko. Luego ella y John empiezan a repartir volantes a los que quedaron con el lema “War is Over … If you want it… Happy Christmas from John & Yoko” (La guerra ha terminado… si tú lo quieres… Feliz Navidad de John & Yoko). Luego se hacen las fotos del evento que inmortaliza la especial ocasión. Felizmente, esta memorable y curiosa presentación de la Super Plastic Ono Band fue grabada en una cinta de cuatro pistas por el ingeniero de sonido de la EMI y que colaboraba aún para los Beatles, Geoff Emerick, con la ayuda del gerente de Apple 32

COROLARIO Y el del Lyceum Ballroom fue el último concierto que diera John Lennon en Inglaterra (Casi dos años después él, acompañado de Yoko Ono, viajaron a Nueva York un 3 de setiembre de 1971 para no volver más a pisar su país de origen). Al día siguiente de la presentación, John y Yoko Ono volaron a Toronto, Canadá para seguir con su campaña por la paz y además mandaron a realizar grandes carteles y vallas publicitarias para colocarlos en 12 países con la ya célebre proclama: “War is over! If you want it. Happy Christmas from John & Yoko”, y las ciudades elegidas fueron Nueva York, Los Angeles, Toronto, Roma, Atenas, Ámsterdam, Berlín, París, Londres, Tokio, Hong Kong & Helsinki. Días después la pareja pasaría la Navidad en Inglaterra y el Año Nuevo en Dinamarca, en la casa del ex de Yoko, mientras que George Harrison tendría el nuevo año para convertirse en el ex beatle más destacado con su triple álbum “All Things Must Pass” que publicó siete meses después de la separación de los Beatles, pero esa es otra historia…

Victor Carrillo Gonzales

Bienvenidos a Los Beatles en El País de las Maravillas de la Moda

Let me take you to the style fields of The Beatles Un recorrido a sus sastres más importantes, sus historias detrás y su influencia en la moda y cultura. Catalizadores de un increíble país de las maravillas de colores y estilos.

Early (and happy) Days Canciones y temas salvajes: The Forthlin Road Instrumentals (grabadas por el grupo en la casa de Paul, CD Braun-Kircherr Tapes, si bien el sonido es pobre, son maravillosas desde el aspecto historia del grupo) , One After 909, Cry For a Shadow, Twist and Shout

En los primeros años, Nueva York jugó un rol en el puerto de Liverpool. De los barcos salieron las camisas a cuadros, jeans, corbatas. “De lejos podías reconocer a los marineros con su estilo, eran los mejor vestidos”, recuerda Ringo. Él vestía según la moda de New York, su estilo y forma de vestir junto a sus grandes anillos, de hecho, impresionó a todos en Hamburgo.

El Ted-Style o los Teddy Boys (Moda que nació en Londres en 1954) fue uno de los estilos que adoptaron los jóvenes: Pantalones angostos que en Liverpool les llamaban “drainies”. John tomó este estilo por la rebeldía que representaba, en una vulnerable época, y le ayudó a dar “respeto y en cierta forma mostrar fiereza”. Nada más lejos de la verdad: John ocultaba su sensibilidad y buscaba protegerse. “Nunca usé una navaja ni nada parecido, sólo mi mirada, pero por dentro escondía mi personalidad de poeta”. “George era atrevido, usaba colores rosados y amarillos”, recuerda Pete Shotton (amigo de John). No le importaba, lo que pensarán de él. George amaba la moda y el mismo dijo: “No quería nada impuesto, hacía cambios en mi ropa o usaba ropa de mis hermanos 38

transformándola… hasta los zapatos debían ser diferentes. En la escuela me llamaron la atención pero y seguí usándolos”. Paul se decidió en contra del estilo Teddy “Me gustaba su música pero para mi eran temibles, les tenía respeto”. Paul usaba los pantalones ajustados, a escondidas de su padre Jim. Sería Paul el que después se diera cuenta de lo importante de los “uniformes” y el poder de la moda en las personas.

Stuart Sutcliffe, Stu, gran amigo de John fue la influencia artística del grupo y Pete Best tenía su propio estilo, algo que le significó su aislamiento, más tarde de la banda, junto con otros problemas discutidos hasta el día de hoy.

En Hamburgo, tendrían su mayor aventura e influencia al conocer a Astrid Kirchherr, Klaus Voormann y Jürgen Vollmeer, junto a su grupo vestidos de negro al estilo francés, los famosos “Exis” como les llamaba John, una época que les marcaría para toda la vida.

A - Style - Day Of The Life! Álbumes: Please Please Me, With the Beatles, A Hard Day's Night Canciones icónicas: I Want To Hold Your Hand, She Loves You, Can't Buy Me Love La llamada de Brian: Mis elegantes muchachos

Dougie: El hombre que diseñó más de 700 trajes Dougie Millings, conocido como el Sastre de Los Beatles, es el hombre que vistió a Los Beatles en sus primeros años, a pedido de Brian Epstein, que deseaba cambiar esa imagen ruda y desordenada en una elegante y refinada. Dougie, un hombre tranquilo, ya era conocido por sus elegantes trajes.

Dougie falleció el 2001 y su hijo Gordon siguió con su sastrería. Gordon es hasta hoy un fan de Los Beatles. Recuerda: “Aparecieron un día, vestidos de jean y con chaquetas de cuero”. Gordon era un par de años más joven que Paul y ayudó a su padre a hacer los trajes para ellos. “Mi padre creó los primeros trajes a partir de los modelos de los mayordomos de los grandes barcos de la Reina. En estilo Slim (línea delgada) y con detalles como cuellos redondos. Era mucho más que una relación de negocios, se creó una íntima relación. Eran alegres y abiertos”. La sastrería “Dougie Millings & Son”, conocida como la Sastrería de los Beatles, es la sastrería también de los Rolling Stones y muchas celebridades. Jimi Hendrix era uno de los más asiduos. Mandó a hacer muchos trajes.

pantalones en forma estrecha, sin bolsillos para mantener la línea, formaron el cuadro junto a las famosas botas Chelsea. Los colores eran azul, negro y gris. John, quién no era muy de “trajes” dijo alguna vez, años más tarde, claro: “Hubiera usado un globo, si eso significaba llegar a la cima, ser rico y famoso”. Gordon está orgulloso de decir que Paul aún tiene sus trajes: “Que, incluso, aún le quedan”.

Las características en los primeros años eran los reversos en terciopelo y satín, así como la hilera única de botones de los trajes, cuellos redondos en trajes de lana angora. Los

Fotos de los modelos de trajes con las medidas de cada Beatle de Millings junto a los modelos en exposición en Alemania, en la Galería The Green Walrus en Viersen. Gracias a mis amigos dueños de la Galería, Jürgen y Gabi. Contacto: Facebook The Green Walrus Gallery 44

Un Sastre de película en una película Dougie Millings tuvo su momento de fama, sin querer. En los días de filmación de “A Hard Day’s Night”, Dougie debía llevar los trajes al estudio de filmación. Dougie tenía ese día más tarde un funeral. Así que andaba con un elegante traje completamente de negro (Men in Black!). Paul lo encontró muy elegantísimo y dijo: “¡Dougie tiene que salir en la película!” Es así como vemos a Dougie Millings junto a John y una cinta de medir que inaugura un puente. Una escena que fue muy espontánea y divertida que Dougie nunca olvidó.

Sexy Beatles Albumes: Beatles for Sale, Help!, Rubber Soul Canciones icónicas : We Can Work It Out, Help!, I Feel Fine, Eight Days A Week

Capas captadas en Holanda Viajando por los bellos canales de Amsterdam con los fans gritando y algunos tirándose al agua (Tour 1964), John divisa a un chico con una capa. John quedó fascinado y de inmediato envío al fiel Mal Evans a pesquisar al chico de la capa. Ese día, en Amsterdam, Mal vuelve al hotel – ¿no les parece genial Mal? - con capas para sus 4 amigos. Estas capas serán usadas en varias ocasiones, pero en especial en la inolvidable portada del disco Help!

En Australia, como anécdota, al llegar al areopuerto se encontraron con una lluvia torrencial al más puro estilo australiano. ¿Qué hicieron Los Beatles? ¿No se bajaron, hasta esperar una limusina o auto cerrado? ¿Qué haría una banda actual frente a esta inclemencia del clima?. Pues miren la foto, The Beatles con sus capas con paraguas bajo la lluvia y viento en un vehículo y con una plataforma sin protección alguna(se esperaba buen tiempo ese día y que saludaran a los fans desde el vehículo) y las capas azules, que no eran impermeables, se empaparon y al arribar al hotel, llegaron unos Blue Meanins empapados. Esta anécdota la contó Mal Evans.

La chaqueta café de cuero de ante, o gamuza como se le dice en nuestros países de Latinoamérica, es y será una chaqueta sexy. Ya Bob Dylan la usaba y Los Beatles no podían quedarse atrás. La portada de Rubber Soul es, sin dudar, una de las preferidas de los fans. Es la portada más sexy de unos Beatles relajados con sus chaquetas de gamuza o ante. La favorita en especial es la de John, que la usó en numerosos viajes, entrevistas y grabaciones. Actualmente, la chaqueta se encuentra en posesión del Hard Rock Café como parte de sus exposiciones de Memorabilia del Rock. Así que ¡atentos! , alguna vez puede estár en el Hard Rock de tu ciudad.

All You Need Is (colorfull) Love Álbumes: Revolver, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Magical Mystery Tour Canciones emblemáticas: All You Need Is Love, Hello Goodbye, Strawberry Fields Forever

El Arcoiris del Amor del Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Love Is The Answer) El militar viste de colores y de su manos salen flores en vez de balas Es el mensaje que podemos intuir. Los trajes de militares con colores y medallas. Inspirados en La India, colores, blusas con

figuras de Paisley y plumas. Una alegoría al amor y la libertad: La era Hippie, “all you need is love” en su máxima expresión. La contracultura de los años 60’. El hombre que está detrás de los trajes del sargento del amor, Maurice Berman, creador de vestuarios de teatro diseñó los trajes para ellos.

Confeccionados en satín, los cuatro cuentan con cuello alto, hombreras sobrepuestas, cuerdas trenzadas de hombro a pecho, botones, medallas y parches distintos. Y si te fijas en pequeños detalles te darás cuentas que están ideados para ser pares: los adornos del traje de John son del color del traje de George, los adornos de Paul son los de Ringo, así como los colores. Además, los trajes de John y Ringo tienen botones dorados y los de Paul y George plateados. La medallas fueron solicitadas en préstamo a la mamá, Mona Best, de Pete Best. Eran las medallas de guerra del padre de Pete. Después de usarlas, Los Beatles le regresaron las medallas a Mona y a Pete.

¿Saben quién bordó cientos de insignias del Sgt Pepper? Maureen Starkey o “Mo”, la maravillosa esposa, en ese tiempo, del gran Ringo. Pasó 4 días bordando las insignias que adornaban al Sergeant Pepper. Un merecido reconocimiento a la bella Mo, nuestra “Little Willow”.

Get Back. De Vuelta a tus raíces Albumes: White Album, Abbey Road, Let It Be Canciones especiales: Hey Jude, Come Together, Let It Be, Something

El hombre que hizo florecer Saville Row y los 4 fabulosos. La calle Saville Row fue y es famosa por sus sastrerías. A fines de los años 60, un joven sastre llegó con sus ideas de trajes, diseños y libertad, conviertiendo los trajes en algo más que algo aburrido. “Se instaló una discoteca en Saville Row” se escuchaba decir del negocio de Tommy. Tommy Nutter sería también conocido como el sastre que vistió a Los Beatles. Orgulloso de ver sus trajes en tres de los cuatro Beatles en la portada de Abbey Road. Trajes de cortes largos, jugando con la simetría y colores.

“Ese día simplemente vistieron sus trajes a medida, sólo George prefierió usar sus jeans” dijo Tommy. Fue por más de 20 años el sastre de Elton John, “era su musa”.

Every little Thing: Aquellos accesorios y detalles Chelsea Boots: Yeah! Yeah! Fabricados por el zapatero de la Reina en el siglo XIX, J. SparkesHall, se han mantenido en el tiempo. La Chelsea Boots o botines Chesea, son hoy en día los imprescindibles Botines Beatles. “Anello & Davide Shoes” hicieron cambios en el tacón y transformaron el botín en una sola

pieza, con un elástico expandible a un costado. The Beatles fueron a comprar zapatos y quedaron encantados con estos botines con el estilo “Mods” de los años 60’; “Mod” era un movimiento que significaba “estar a la moda”, hoy en día para nosotros es “retro”. Los botines son un marca de Los Beatles y complemento ideal para los trajes de la sastrería “Dougie & Son Millings””.

Gorras, gorras, gorras La más emblemática y preferida de John De su gran amiga diseñadora Helen Anderson, a la cual dedicamos un artículo en nuestra revista especial al recibirme en su casa. La gorra era de cuero y John la pidió bien alta. Más adelante, Helen agregó la doble trenza en la parte superior, sujeta con un botón de cuero a cada lado y así crear una pieza única para John. Una maravillosa gorra de cuero, un pieza de historia de John, que aún diseña Helen igual a la que usaba Lennon. Hoy en día, se cree que la gorra la tiene Yoko Ono.

Pueden solicitar su gorra de cuero oficial de John a Helen en https://www.helenandersondesigns.com/ John amaba las gorras, un festival de gorras. Elige la foto y gorra que más te guste. 52

La prenda “Beatle”: Un chilenismo ¿Sabías que en Chile tenemos una prenda llamada “Beatle”? El beatle es para nosotros una prenda delgada de cuello alto y en distintos colores. Los usamos debajo del jersey para el frío o bien sólo con faldas o pantalones. Nuestro beatle favorito es, obvio, el negro.

Beatles Boutique Something: 7 meses de colores, fiesta y arte o el Swinging London El 7 de diciembre de 1967, abre “The Apple Boutique” “Es un hermoso lugar donde la gente puede comprar hermosas cosas” dijo Paul. El grupo de artistas, pintores y actores llamado “The Fool” fue contratado para este Beatles Dream. Ellos diseñaron la ropa de colores y chaquetas estilo militar, minis, shorts con botas, adornos y volantes. La época al más puro estilo Swinging de los años 60, bajo la maravillosa modista Mary Quant, creadora de la ropa luminosa, la mini, botas hasta las rodillas. 53

Si quieres ver la tienda por dentro: http://www.youtube.com/watch?feature=pla yer_embedded&v=vgy7zWJqAw4 Si quieres ver el cierre y el caos que provocó: https://www.youtube.com/watch?v=d4eZBG Hi75o

Mary Quant es, junto a The Beatles, quién más contribuyó al cambio de imagen británico.

Los Beatles usaron la moda para dar un shock, para rebelarse, para mostrar unidad, para influenciar e impactar a sus fans, pero esencialmente para ser “ellos mismos” y al mismo tiempo diferenciarse de otras bandas. Su música nos lleva a “un imaginario de la moda”, si escuchas una canción, vas directamente a su estilo… ¿No es eso mágico e único? Fuentes:

La Boutique estuvo a cargo de la hermana de Patty, Jenny Boyd y de Pete Shotton, uno de los mejores amigos de John Lennon. La tienda marcó un hito de la moda, a pesar de su breve tiempo de existencia. El día que se cerró, por problemas de robos en la tienda y pérdidas de dinero, se creó un caos, ya que se regaló la ropa a quien quisiera (una prenda por persona). Ese día fue un día de Beatlemanía por la “ropa Beatles”. Las “Beatles Girls” posaron con ropa de la tienda: Cynthia Lennon, Patty Boyd y su hermana Jenny Boyd, Maureen Starkey. 54

Fab Fashion: Die Mode Der Beatles: La moda de los Beatles de Paolo Hewitt La Historia De Los Beatles de Hunter Davis Baby’s in Black: Astrid Kirchherr, Stuart Sutcliffe and The Beatles de Arne Bellstorf Early Beatles Songs: Internet https://earlybeatlessongs.weebly.com/1960. html Moda Beatles: Internet https://www.rtve.es/rtve/20121005/beatles50-anos-icono-moda/567520.shtml

Claudette Stern

La generación de The Beatles, aquellos nacidos desde comienzos de los 40’s, compartieron una experiencia común: la miseria. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, la paz retornaba, pero las necesidades permanecían y sería así por bastante tiempo.

Cuando nuestros muchachos fueron adolescentes aún era difícil tener acceso a muchas cosas, en parte por falta de dinero y en parte porque muchas de los deseados tesoros de mediados de los 50´s estaban vedados en Inglaterra; existía un bloqueo a la producción estadounidense con el fin de fomentar la industria nacional y así reactivar la economía doméstica.

Quienes estén familiarizados con el equipamiento de los futuros Beatles desde sus inicios notaran que las marcas de sus instrumentos eran de origines diversos, sobre todo europeos, y que difícilmente encontraran alguna guitarra o amplificador americano. Si pensamos en los primitivos Quarrymen, podemos mencionar a John con su guitarra Gallotone Champion (de origen africano), a George con su más que decente Höfner President (marca alemana) y a Paul con su Zenith Model 17, que se fabricaba en Alemania y la entonces Checoslovaquia. No había amplificadores a la vista… Pero la necesidad y la inventiva de los muchachos los hizo ingeniárselas para arreglárselas con lo que tenían a mano. La solución que encontraron para poder amplificar sus guitarras acústicas fue colocándoles micrófonos en algún lugar cerca de la caja de resonancia, por lo general al final del diapasón. Pero era necesario algún tipo de amplificador para que funcionara. Paul y George recurrieron a ésta solución. Aun después del trágico fallecimiento de su madre Julia, John siguió manteniendo una relación con la pareja de ella, Bobby Dykins, el padre de sus dos hermanas Julia y Jackie. De hecho, Lennon sacaba provecho de ello y solía irrumpir en la casa de “Twitchy” (como lo había apodado) para usar su bandeja 59

tocadiscos y servirse libremente té y algún bocadillo. Por lo general iba acompañado por Paul o George, y con éste último experimentaron conectando la guitarra de Harrison al primitivo sistema de audio. El resultado era modesto, apenas se amplificaba, pero era un gran avance para ellos. Al menos por lo que duró; el sistema de audio se rompió y ellos abandonaron el lugar sin decir nada. Simplemente se dieron un tiempo prudencial para que Bobby lo arreglara y así volver a sus andanzas.

Paul en cambio consiguió su propio amplificador, aunque por aquellos días tenía una finalidad muy diferente. No se usaba para amplificar guitarras. Es más, tenía dos entradas que decían Mic 1 y Mic 2 y se utilizaba como un pequeño PA o para darle más volumen al gramófono. “Creo que lo compré en Currys, la tienda de electrónicos. Era un pequeño amplificador verde llamado Elpico, que era genial. Probablemente era el más barato que pude conseguir. Todavía lo tengo y es brillante”. Este amplificador era fabricado por Lee Products Co. En el noroeste de Londres, y de sus siglas tomó su nombre: L.P.Co, es decir

Elpico. Se trataba del modelo AC-55 y cómo se ha mencionado, se utilizaba principalmente para amplificar reproductores de audio o conectar algún micrófono para alguna pequeña conferencia. Pero Paul descubrió que obtenía un buen sonido, sobre todo llevando al extremo el volumen, obteniendo una primitiva saturación. Cuando McCartney por fin dio el paso de la guitarra acústica a la eléctrica, al comprar su Rosetti Solid 7, el ampli cobró vital importancia y puede ser visto en las fotografías de la época de Hamburgo, junto al Selmer Truvoice de George (donde también se conectaba la guitarra de John) y el Watkins

contrabajo original de Bill Black, el bajista de Elvis. Pero allí, diminuto y modesto entre los amplificadores Vox se encontraba el añorado Elpico AC-55. Westminster propiedad de Pete Best pero que era usado por Stuart para conectar su bajo. A partir de ese período, la banda comenzó a adquirir nuevo equipamiento, incluyendo los anhelados productos estadounidenses, mientras que sus primeras guitarras y amplificadores solían ser usadas para intercambios o bien eran regalados, por lo que fue una gran sorpresa cuando en 1997 Macca nos sorprendió una vez más. En el video documental que acompañó la edición de Flaming Pie, Paul hace un recorrido por su estudio y muestra buena parte de su colección, que incluye el mellotrón que tocó en Strawberry Fields Forever y el 61

Paul lo mostró en detalle, diciendo que lo había comprado a los 14 años, aunque ciertamente fue un poco después, y que le gustaba mucho por su aspecto tan 50´s. Recientemente, con la reedición de aquel magnifico álbum de Mccartney, el “pequeño amplificador verde” ha vuelto a cobrar notoriedad para los noveles fans que se sorprendieron ante tal hallazgo.

MartIn Castro

Construir una bitácora sobre las canciones del cuarteto más famoso de la historia del rock, que no se limite sólo a datos técnicos, sino que se enriquezca con historias y detalles que se desconocen desde el momento mismo en que la versión “oficial” de cada una de ellas fue prensada en el vinilo y queda sólo ese sonido depurado, casi clínico del catálogo Beatle, parecería en primera instancia una locura y, a la postre, un imposible. Pero no. Ian MacDonald, crítico de música y autor británico nacido bajo el nombre de Ian MacCormick el 3 de octubre de 1948 y fallecido el 20 de agosto de 2003, logró esa proeza. Vamos a repasar en esta oportunidad uno de los libros de honor de la historia de la música pop: “The Beatles: Revolución en la mente”. Eso sí, antes de entrar en materia, debemos aclarar que el autor no tiene nada que ver con el músico multi-instrumentista Ian McDonald, fundador de bandas como King Crimson en 1969, y Foreigner en 1976. Aclarado el asunto, vamos a lo nuestro. 64

UN LIBRO DE CULTO Publicado originalmente bajo el título “Revolution in the Head: The Beatles' Records and the Sixties” en el año 1994 por la editorial británica Fourth State, cuenta con la traducción al español de Ricky Gil y una sola versión en español bajo el pequeño sello Celeste Ediciones, que ya se encuentra descatalogada, lo cual la convierte en uno de eso libros con precios casi impagables en el mercado de segunda mano. Pero no es este detalle mercantil el que la vuelve una joya. Ian MacDonald consigue en sus 544 páginas hablar del fenómeno músico-cultural que supuso la banda desde dos aristas muy distintas, pero a la vez complementarias: la precisión de un cirujano y la pasión de un

verdadero fanático, sorteando con un criterio lúcido y valioso los lugares comunes de la historia más contada y revisada que una banda de rock pueda haber tenido. Lo primero que atrae la atención del libro, es que las canciones no aparecen catalogadas en el orden conocidísimo de los álbumes de estudio, sino más bien responden a una cronología de grabación, o sea, por el orden en que los temas publicados dieron inicio en el estudio. Así, las canciones originales de los Beatles editadas en la primera discografía de Parlophone / Apple de 1962 a 1970 están catalogadas del (1) LOVE ME DO al (186) I ME MINE. Eso sí, las canciones que los Beatles grabaron, pero no fueron sus autores (versiones de Arthur Alexander, Buddy Holly, Chuck Berry y Carl Perkins, entre otros) repiten

Pero dejando de lado esos rigores numéricos que pueden parecer aburridos, el verdadero valor agregado de “Revolución en la mente” radica en que, al lado de todos los detalles propios de una ficha técnica de cada canción, MacDonald nutre la obra con una multitud de detalles y datos perfectamente expuestos y con un trabajo que delata muchísimo estudio preliminar.

el número de su canción original inmediatamente anterior, pero se les añade una letra para hacer entendible el orden de grabación. De esta manera, y sólo por citar un ejemplo, hay dos temas grabados después de (9) “HOLD ME TIGHT” que son versiones: “ANNA (GO TO HIM) que se enumera como (9b) y “BOYS” (9c). Es curioso ese orden pues, como sabrá cualquier fan acérrimo de los Beatles, estas dos últimas canciones aparecen en el primer LP, “Please Please Me”, mientras que “Hold Me Tight” fue postergada para el segundo álbum, “With The Beatles” . 66

De esta manera, (y siempre haciendo acá un repaso muy somero), nos enteraremos de que “Drive my car” es considerada la segunda “canción de comedia” del grupo, pues comenzó siendo una historia sobre una mujer de la vida alegre, con un estribillo que empezaba con “puedes comprarme anillos de diamantes”, pero como éste era un cliché ya utilizado en otras canciones, Lennon vetó la letra y entonces él y Paul la reescribieron como una jocosa viñeta sobre un tipo que quiere ser una estrella, complementándola con un desenlace de doble sentido erótico. Y bien, dijimos que esa fue la segunda canción de comedia, porque la primera sería “If You’ve Got Trouble”, un tema que se escribió de cara al quinto álbum de los Beatles, “Help”; y que resultó siendo el único “desastre redomado” en el catálogo de Lennon y McCartney. Surgida como vehículo solista para Ringo Starr, pilló a los Beatles adormecidos a la hora de la composición y sucedió lo que ya había pasado antes: terminan hablando de anillos, diamantes y dinero. Muy acorde con la trama del segundo largometraje de la banda, pero grabada en un tono de improvisación

protectora, con un texto flojo y una melodía que no favorece en nada a la voz de Ringo. Fue considerada tan horrible que ni siquiera intentaron una segunda toma de grabación. Aparecería hasta 1994 en el volumen 2 de Anthology. Hurgando en el anecdotario más recóndito de la banda, encontraremos la historia detrás de la canción “Mother’s Nature Son”, escrita en la India bajo la influencia de las conferencias del Maharishi, y que no es más que una sencilla evocación de la paz rural, muy propia de la costumbre de los músicos de rock de esa época que defendían sus raíces contraculturales y buscaban la oportunidad de regresar a la naturaleza, generalmente “guiados” por gurús en retiros para “aclararse las ideas en el campo”. Se dice que McCartney andaba de buen humor y se pasó gran parte de la sesión jugando con la posición de la batería,

que al final grabó en medio del pasillo, fuera del estudio. También es destacable la evocación hasta de las peripecias que los Beatles atravesaron en sus primeras experiencias en el estudio. Por ejemplo, para lograr la versión definitiva de “Little child” (1963), fueron necesarias veinte tomas repartidas en tres sesiones de grabación. Esto no alteró la frescura de la canción, muy a pesar de que los conocedores indiquen que la armónica está mal tocada y que las voces de Lennon y McCartney están mal sincronizadas. Siendo esta una de las canciones menores de la dupla más aclamada del rock, se eleva por encima de la media de los discos de la época gracias a la mordacidad y fanfarronería de los rápidos movimientos de la melodía y esa letra traviesa que evoca la sexualidad callejera de la juventud de Liverpool.

En contraste con esa picardía de los primeros años, también se analiza a fondo una de las canciones más perturbadoras y hermosas del cuarteto, como lo es “Eleanor Rigby”, en la que hablan de la muerte de una manera tan directa que causó conmoción en las primeras escuchas de su época, ya que ese tópico no solía ser abarcado en la música pop de forma tan explícita, pero Paul se atrevió a narrar el triste fallecimiento de una solterona, con la brutal imagen de un sacerdote limpiándose la tierra de las manos mientras se aleja de la tumba, todo aumentado con un tormentoso arreglo barroco para ocho cuerdas. La lúgubre estrofa final estuvo a punto de ser descartada, pues en principio McCartney sólo contaba la historia de una mujer soltera y de avanzada edad que barría el arroz del piso de una iglesia al final de una boda. En relación al personaje del Padre McKensie, el autor del libro asegura que fue Ringo quien sugirió que “zurciera sus calcetines por la noche”. Sin duda, la imagen de la cara que Eleanor guarda en una jarra junto a la puerta, es de las más memorables de todo el repertorio de los Beatles, pues simboliza una manera de disfrazar la desesperación, algo inadmisible para la etiqueta de la clase media inglesa. La protagonista muere sola porque es incapaz de contar a nadie sus sentimientos. Sin duda, una obra de arte tanto en lo musical como en lo lírico, pues lograron captar un retrato mordaz de la sociedad en que vivían. Un último dato curioso es la introducción de “Ob-la-di, Ob-la-da”. Cuenta MacDonald que 68

la idea inicial de McCartney era crear una aproximación al ska jamaicano, que se tardó cuarenta y dos horas de estudio en terminarse y que causó escenas desagradables entre los miembros del grupo. Llevaban tres días luchando con la versión inicial, predominaban las guitarras acústicas y de un momento a otro, Paul decidió que no funcionaba y lo descartó. Recordemos que en las sesiones del Álbum Blanco McCartney estuvo exageradamente irritante a la hora de crear los arreglos definitivos, al punto que sus compañeros perdían los estribos ante su crisis perfeccionista. Al cuarto día, Lennon, algo

drogado y harto de frustración, inyectó la energía final de la canción, que terminó sonando como la más espontánea y comercial del disco, con una sarcástica introducción de piano al estilo “music-hall” pero más acelerada. Por esos días John criticaba a Paul por sus melodías “para señoras”. Supuestamente Paul quiso empezar de nuevo la grabación, pero los otros Beatles no sólo se opusieron, sino que, ya muy cabreados, descartaron la canción como inminente single (lo sería en varios países menos en UK y USA con “While my guitar gently weeps”, de Harrison, en el reverso). Fue entonces cuando la banda Marmalade aprovechó para hacer un cover de “Ob-la-di, Ob-la-da”, que los llevó al primer lugar de las listas británicas. “The Beatles. Revolución en la mente” no es un libro de fácil digestión. Hay que leerlo pausadamente, de preferencia escuchando cada canción mientras se repasa su descripción. Eso implica horas y más horas de lectura, pero es un ejercicio interesante y para nada superfluo. Lo que sí es, y con creces: un libro fundamental, una obra cumbre sobre el estudio de la música de los cuatro grandes; una obra igualmente enriquecedora para fanáticos, lectores ocasionales y devotos de la cultura sesentera. Ian MacDonald logra, a través de análisis breves de cada canción, explicar su contexto, y demostrar cuánto le deben el pop y el rock posterior en cuanto a estructuras que ya se dan por hechas, a la innovación de los Beatles y a la visión vanguardista de George Martin. Este libro tuvo 69

dos reediciones en inglés: una en 1997 y la otra en 2005, dos años después de la muerte de su autor. Con un poco de suerte y paciencia, quien sienta interés por este libro de culto sobre los Beatles, podrá encontrarla en versión PDF en algunos sitios de internet. Ian MacDonald también logró notoriedad por otra obra titulada “The New Shostakóvich”, un controvertido estudio sobre el compositor ruso Dmitri Shostakóvich (1906-1975).

William Velázquez

En Glass Onion 82 nuestra nota nos presentó un catálogo con las principales referencias a The Beatles en los dibujos animados, sea porque era una serie Beatle (Ej: Beatles Cartoons), porque tuvieron algún episodio Beatlecéntrico (Ej: Las Chicas Superpoderosas), o porque alguno de los Beatles aportó su voz (Ej: The Simpsons). Ahora, con la temática “Caricaturas” convertida en sección regular de la revista, continuaremos con referencias Beatle en las tres series de la factoria de Seth MacFarlane: Family Guy, The Cleveland Show y American Dad

Family Guy (más conocida en Latinoamérica como “Padre De Familia”) está plagada de referencias a The Beatles. Si bien su base es el concepto de una familia disfuncional, la serie de la familia Griffin está dirigida a un público adulto y se caracteriza por un humor negro y ácido. Un recurso clásico de la serie es comparar momentos presentes con otros momentos del pasado vivido por ellos (que no se mostró en ningún otro episodio), lo que da pie a innumerables situaciones absurdas, y es ahí donde suelen aparecer las referencias Beatle. Cuenta al día de hoy de 18 temporadas emitidas desde 1999.

Sobre el final del capítulo, Peter le dice a Brian de ir a molestar a adolescentes embarazadas. Brian contesta que no puede ir, ya que tiene que terapia. Peter le contesta que el también hizo terapia y fue más aburrido que ser el guardia de seguridad de George Harrison. Ahí pasamos a ver el recuerdo de Peter, mirando la televisión en la garita de control de espaldas a la entrada de la mansión, donde salta la pared un ladrón con un cuchillo. Segundos después se escuchan objetos rotos y golpes a lo lejos y Peter, lejos de inmutarse, solo se limita a gritar “Oigan! Qué escándalo 74

es ese? Beatle loco”, mientras sigue mirando la televisión. Esto es una clara referencia al ataque que recibieron George y Olivia Harrison en Friar Park el 30 de diciembre de 1999.

En este capítulo Chris Griffin recibió una amenaza por lo que la familia Griffin se muda al sur de Estados Unidos en un programa de protección de testigos. Allí Stewie se une a un grupo de música country campirana y toca el

banjo. Stewie nos canta una canción y al finalizar grita “I got blisters on my fingers”, la misma frase que grita Ringo al final de Helter Skelter.

Stewie amenaza a Brian con hacerle lo que le hizo a John Lennon… que fue… presentarle a Yoko. Stewie dice: “Es obvio que crees que somos tontos pero no lo somos. Confiesa, o te hare lo que le hice a John Lennon”, y vemos a Brian presentándolos “John ya conoces a Yoko? Yoko? John?”.

El capítulo comienza con la celebración de cumpleaños de Lois, donde todos les van entregando sus regalos. Peter le regala su disco favorito de Lionel Ritchie “Can’t Slow Down”, y Brian le regala dos boletos para un crucero. Peter se enoja ya que el límite era de 20 dólares por regalo y Brian los hacia quedar

mal a lo que Lois le dice a Peter que no esté enojado ya que irá con ella. Brian, que esperaba ser quien viajaría con Lois, dice “Genial, esto fue más inútil que las composiciones de Ringo”. Ahí pasamos a ver una hilarante escena con The Beatles ensayando mientras llega Ringo con su nueva canción escrita: Ringo: Oigan, escribí una canción. Paul: Oh! Genial John: Que bien! George: Fantástico Paul: Sabes qué? La pondremos juuusto aquí en la puerta de la nevera, asi la veremos tooodos los días. Ringo: que bien!

Padre de Familia ha hecho tres especiales dobles (generalmente se emiten divididos como 6 episodios en total) parodiando enteros los episodios 4, 5, y 6 de Star Wars, dentro de las temporadas 7, 8 y 9. La referencia Beatle llega casi sobre el final de la temporada, en la parodia del Epsiodio 5 de Star Wars. En una escena, Peter (en el rol de Han Solo) va manejando el Halcón Milenario, escapando de naves imperiales en estilo “Los Autos Locos” e ingresan a un campo de asteroides. Lois (Leia): ¿Qué haces? No deberías entrar a un campo de asteroides. Peter (Han): Pues era eso o entrar a los campos de fresa. Allí vemos a los Beatles en sus atuendos de Yellow Submarine pero con casco de astronauta flotando en el espacio:

Durante una cena en la casa de los padres de Lois, Carter (el padre de Lois) hace reír mucho a Peter, quien escupe lo que estaba comiendo de la risa. Lois lo recrimina y dice le dice a Peter que siempre es una vergüenza en la mesa. Luego, Lois se dirige a sus padres y les comenta: “Lo hubiesen visto cuando cenamos con la ex esposa de Paul McCartney” en referencia a Heather Mills. “No dejaba de jugar con su pie debajo de la mesa”. Pasamos una escena recordando una vez que cenaron con Heather Mills y Peter le pateaba 76

Paul: ¿Saben que me está gustando? Las chicas con una pierna. John: ¿Cómo se llama tu nueva esposa Paul? ¿Patalicia? (“Peg” en el original) Paul: No me gustan tus bromas Ringo: Y que tal Alicia-da (“Elieen” en el original) John: Ringo lo entendió.

la pierna por debajo de la mesa hasta que… se escucha el ruido de que la pierna ortopédica se le cayó.

Mort, farmacéutico judío de Quahog, prende fuego su farmacia con ayuda de Peter y Quagmire para cobrar el seguro. Luego de que Mort confirma que lo cobrará, Quagmire se preocupa por miedo a que lo descubran, a lo que Peter lleva la tranquilidad: “Tenemos una coartada infalible: Estábamos viendo a The Beatles en el programa de Ed Sullivan”. Y ahí pasamos a ver a The Beatles, finalizando una canción en el Ed Sullivan Show, y tras el saludo y entre los gritos de las fans, a Paul le cae un calzoncillo sudado enorme como ofrenda desde la tribuna, y se escucha a Peter decir “Perdón, vine en bicicleta”

En realidad técnicamente el capítulo gira alrededor de otra gran banda británica como lo es Queen, pero The Beatles es mencionado al pasar. Al comienzo del episodio Peter, Chris, Brian y Stewie están en el ático de la casa revolviendo cajas viejas buscando cosas que Peter pueda vender para juntar el dinero necesario para entrar a un concurso de comer hot dogs. Lo vemos a Brian revisando una caja donde encuentra los viejos discos de vinilos de Peter: Brian: Oh Peter tienes muy buenos discos aquí. Peter: Claro que sí! Yo era un chico de onda en mis buenos tiempos Brian: Muchos de estos pueden valer algo. Mira: Beatles, Rolling Stones, dios mío tenía 77

años que no veía este!. Mira! Queen, News Of The World. A partir de allí se dan una serie de sucesos hilarantes con Stewie aterrado con el robot de la portada de Queen, pero el detalle es para una revista “News Of The World” o “Scandal”.

Al comienzo del capítulo Meg Griffin tiene una cita con un chico. Stewie le dice a Brian que le agrada el chico a lo que Brian le contesta que le pareció soso pero que “Cada chica tiene su versión del príncipe encantador”. Ahí se corta la escena, vemos a un grupo de chicas en una habitación y se da un diálogo imperdible:

Stewie le regala su oso Rupert a Brian, pero posteriormente se arrepiente y le pide al oso que elija si quedarse con Brian o con él, a lo que le recuerda los buenos momentos juntos. Stewie: Muy bien Rupert, ¿Qué esperas? Y antes de responder piensa en todos los momentos que pasamos. Toma un cuaderno con dibujos y muestra: Stewie: Cuando conocimos a Los Beatles con Ed Sullivan

Chica 2: Estoy enamorada de Paul Chica 3: Estoy enamorada de John Chica 1: ¿Saben qué? Estoy enamorada de Ringo Por la ventana de la habitación se ve que se apoya una escalera y se asoma Ringo Starr. Ringo: ¿Qué? Chica 1: Emm… dije… no… no sé qué dije… Ringo: Sonó a que estabas enamorada de Ringo Chica 1: Amm… no… creo que no fue eso… Ringo: Estoy seguro de que dijiste que amabas a Ringo y aquí estoy! Chica 2: ¿Paul y John están contigo? Ringo: Noup!, solo Ringo Y las tres chicas agachan la cabeza apenadas…

En una nueva muestra el humor negro que tanto caracteriza a la serie, al comienzo del capítulo vemos que Brian, el perro de los Griffin que se fue a vivir solo a un departamento, está desocupado y no puede pagar el alquiler, por lo que el dueño le dice que consiga un trabajo y le pague. Brian le contesta “está bien, conseguiré un trabajo, si, debe haber algo que pueda hacer, no soy como Ringo”. Ahí cambia la cámara y vemos a The Beatles en el estudio de grabación en 1967, y Paul llega con la primer copia del Sgt Pepper. Paul: Bien chicos, ¿Qué opinan de la portada del nuevo álbum? Ringo: Genial, pero no se verá bien cuando se reduzca para un CD. Paul: ¿C – D?, ¿Qué es un CD? Ringo: Un disco compacto digital. John: Ringo, ¿Eres del futuro?

El episodio consiste de un falso documental por los “primeros 30 años” de Padre De Familia, recapitulando desde su piloto en 1956. El primer segmento está ambientado en los años 50, el segundo en los 60s y el tercero en los 70s. Además que durante todo el segmento Meg esta vestida con un traje de Sgt. Pepper, hay otra referencia puntual justo hacia el final donde vemos a la familia Griffin sentada en el sillón viendo la televisión. Peter va cambiando de canal y, si bien no vemos la pantalla, oímos “Es un pequeño paso…” 79

Ringo (señalando John): Si, y viviré más que ustedes dos. George: ¿Cuáles dos? John: Si, por favor Ringo, dinos. Ringo: De acuerdo, pero deben aceptar tocar mi canción sobre el pulpo. George: Antes de que nos digas, iré a fumar mil cigarrillos. John: Y yo me mudaré a Nueva York a entrar y salir de mi edificio

(cambia y se escucha a Ed Sullivan) “Señoras y señores, Los Beatles!” (cambia) “La noticia es oficial, el presidente Kennedy ha sido asesinado”. A lo que Peter dice “Demonios, no hay nada que ver”.

Brian se vuelve muy famoso como la mascota de la cerveza Pawtucket. En un momento Chris le dice de ir al parque a lo que Brian contesta “No creo que sea buena idea debido a la Beaglemanía”. Minutos después vemos a Chris

En una sub-trama del capítulo, Brian tiene un accidente con su auto y le entregan un Hummer de préstamo mientras su auto es reparado. En una escena, Brian va conduciendo el Hummer gigante con una actitud mucho más petulante que lo habitual, y está enojado con que el auto de adelante va muy lento: Brian: Tampoco pedí a estas tortugas delante de mí. ¡Fuera de mi camino, vejestorio! Stewie: Brian, ese es Paul McCartney haciendo canciones para el Carpool Karaoke que podamos pagar 80

y Meg sentados en el sillón con remeras que dicen “BeagleManía” con la clara tipografía Beatle y le dicen a Peter que grabó “The Bite Album” en referencia al “White Album”. La escena cambia y vemos a Brian en un estudio de grabación grabando “K-9” “K-9” “K-9”… en clara referencia a Revolution 9… del White/Bite Album.

La cámara cambia y vemos al auto de adelante con Paul McCartney cantando: Paul: “She'll be coming 'round the mountain when she comes… Whoo!!!”

The Cleveland Show es otra serie de la factoría de Seth MacFarlane, igual que Family Guy y American Dad, y constó de cuatro temporadas emitidas entre 2009 y 2012. La serie es un spin-off directo de Family Guy, centrado en Cleveland, uno de los amigos de Peter Griffin se muda de Quahog con su familia. Cleveland volvería a Family Guy tras sus cuatro temporadas fuera.

La referencia se da al comienzo del primer episodio de la serie. Cleveland cuenta que se divorció de su mujer y ella se quedará con la casa. Luego de que Peter le destruyera el frente de la casa (por enésima vez en la serie), Cleveland se hartó y decide irse de Quahog hacia California. Cleveland reúne a todos los amigos y anuncia su despedida. Vemos a Peter, Joe y Quagmire vestidos con trajes de Sgt. Peppers y Peter dice “Bueno, tendremos que buscarnos a un nuevo Ringo”

Holt, vecino de Cleveland, tiene problemas con las mujeres. Cleveland le presenta a Jane, compañera de trabajo en Waterman Cable. En la cita, Holt y Jane tienen la siguiente conversación: (Jane): ¿Te gusta la música? A mi también me gusta la música! ¿Cuál es tu grupo favorito? (Holt): Los Beatles. (Jane): No te creo! Es también el mío. (Holt): Has oído Abbey Road? Es increíble! (Jane): Hoy lo compré! Sabes que, si te gustan Los Beatles te va a encantar una banda llamada Nickelback! (Holt): Tienes algo? (Jane): Si, tengo un disco entero en mi auto! (Holt): Pues vamos!.

En una escena, Tim el Oso, vecino de Cleveland ataca a Holt, quien desesperado grita “Help! Beatles!”

Otra serie de la casa MacFarlane. La serie trata de la familia Smith, de clase media alta, compuesta por el padre, Stan Smith, un agente de la CIA republicano, su esposa Francine, su hijo Steve y su hija Hailey, que es liberal y hippie. Aparte viven con ellos un extraterrestre llamado Roger y Klaus el pez (que tiene el cerebro de un esquiador). La serie comenzó a emitirse en 2005 y sigue vigente, estando actualmente en la Temporada 17.

Stan busca sacar a Hailey de un concierto de My Morning Jacket, pero al ver a la banda se vuelve groupie y se obsesiona con Jim James. Cuando Francine le cuestiona como hará para acceder a los camarines, Roger (travestido) dice “With a little help From me. My name is Abbey, Abbey Road”. Poco después, Roger y Stan lograron ingresar a los camarines y emprendieron viaje con ellos haciéndose pasar por periodistas de la revista Rolling Stone. Roger le advierte que no diga nada estúpido que los descubra. La cámara cambia y vemos a Stan con la banda, diciendo: “Oh si! Como periodista de rock and roll no hay nada que no haya visto: como esa vez que estuve consumiendo drogas en una camioneta con Tina Jivestrong y el hombre negro de Los Beatles y le dije ‘Ah como me gusta este lugar’”… lo que les costó que los dejen en la ruta.

La referencia viene directamente desde el título del episodio: “I Am The Walrus”. El episodio no tiene nada que ver con The Beatles, pero se trata de una competencia entre Stan y su hijo Steve para demostrar quien tiene el rol dominante en la casa, y para ganarle la inspiración le llega a Stan viendo un documental sobre morsas: debe hacer lo único que su hijo no puede hacer, que es tener sexo.

Justo al comienzo del episodio vemos a Francine en la casa, cuando llega Roger vestido de militar con una boina verde. Francine le dice “que linda boina!” ya que interpreta que está jugando a ser soldado, pero Roger esta vestido así ya que lo toma muy en serio. Le contesta “señora, esta boina simboliza la transición del ejercito a una fuerza de combate del siglo XXI con el poder de pelear y ganar contundentemente (…) señora, el Sargento Pimienta sirve a su país en las reservas de su ejército conservando su libertad, sin importar los peligros y sin importar a quien deba matar”. Roger es el “Sargento Pimienta” durante el episodio, en el que más adelante es enviado a Irak”

Steve y Roger huyen de la casa y terminan enlistados en una escuela de chicas, que resulta ser una especie de serie estilo de los 80’s… que resulta ser un piloto de spin off de American Dad protagonizado por Steve. Roger descubre que están filmando el piloto en Vancouver, Canadá, por lo que debe ser una serie de bajo presupuesto y para salir de ello propone hacer que cancelen el spin off sobrecargando el presupuesto usando… una canción de The Beatles “puede costar tanto como 5 millones de dólares cantar solo dos notas de una canción al aire. Todo lo que debes hacer es escoger una”. Steve contesta “Soy más un tipo de The Monkees…”. Inmediatamente grita “Hey Jude!”, Roger y Steve se toman de la mano y cantan “Heeeeeeey!” y 83

se corta la escena abruptamente. Vemos la camioneta de la escuela de chicas frenar en la puerta de la casa y Roger y Steve son expulsados al grito de “No Beatles Ever!”

Cuando el 1 de septiembre de 1966, el vuelo procedente de Los Angeles que transportaba a The Beatles tocó tierra en el London Airport, se inició un período revelador para la banda: por primera vez en su carrera disponían de tiempo libre ilimitado, sin compromisos ni una agenda apretada, por lo que cada uno de ellos

tomó su rumbo, aunque en algunos casos, esos caminos se cruzarían. John Lennon reconoció que tuvo miedo de sentirse perdido en éste período de ruptura, por lo que aceptó un pequeño papel en un film que dirigiría Richard Lester, el hombre a cargo

de las dos películas de The Beatles hasta la fecha: A Hard Day’s Night y Help! Por ello, el día 5 de septiembre viajó a Alemania, donde comenzaría su participación encarnando al soldado Gripweed en la película How I Won The War, protagonizada por Michael Crawford, y que contaba con la participación de Roy Kinner, el actor que apareció en Help!, en el rol de Algernon. Al día siguiente ocurrió un hecho que se llevaría los titulares del mundo entero: a John Lennon le cortaban su melena Beatle. Lógicamente, para encarnar a un soldado, John debía tener un corte de pelo adecuado, por lo que un peluquero alemán cortó sus célebres rizos. Además, se dio otro hecho que cambiaría para siempre la imagen de Lennon: se le dio unos anteojos redondos, conocidos como “anteojos de abuelita”, con el fin de terminar de diagramar el personaje, pero John los adoptaría indefinidamente, dejando atrás su trauma de utilizar lentes en público. Una semana más tarde, el 14 de septiembre, George Harrison y su esposa Pattie volaron hacia Bombay, India, para reunirse con Ravi Shankar, el virtuoso sitarista. George había conocido al músico hindú

previamente e incluso había recibido un par de lecciones básicas sobre como tomar el instrumento y como posicionarse, pero ahora Harrison estaba determinado a involucrarse más a fondo y tomar clases como lo haría cualquiera de los discípulos de Shankar. Pero estaba claro que George no era uno más, ya que al poco tiempo de su estadía en el Taj Mahal Hotel de Bombay, los fans lo descubrieron y tuvo que moverse rápidamente. Se hospedaron en una casa flotante, propiedad de Ravi, que estaba anclada en Kashmir, en medio de los Himalayas. Los Harrison solían despertar y escuchar a Shankar practicando. Luego George tomaba sus lecciones, pero pronto descubrió que la clásica postura para ejecutar el sitar, sentado en el suelo, le provocaba mucho dolor de espalda, por lo que Ravi le consiguió a la pareja

Paul, Dusty Springfield, Tom Jones y Ringo en la entrega de premios del Melody Maker, 13 de septiembre de 1966

una persona para que los instruyera en la práctica del yoga. George pasó buena parte de su estadía recorriendo diferentes lugares y asistiendo a festivales religiosos, y así de esta manera se interesó no solo en la música de la India, sino también en sus creencias religiosas. Por su parte, Paul McCartney, que ya venía vinculándose con gente del avant garde, asistió a una exhibición de música experimental en el Royal College of Art, en Londres, el 15 de septiembre. El exclusivo grupo de espectadores (menos de 20) participaron junto al grupo AMM, que incluía al compositor Cornelius Cardew, produciendo sonidos con cualquier objeto que estuviera a mano. El aporte de Macca fue producido con un radiador y una jarra de cerveza. Ese mismo día John Lennon, acompañado por Neil Aspinall, dejó Alemania una vez que 88

concluyó su participación en aquel tramo de la filmación. Ambos viajaron a Paris, donde al día siguiente se encontraron con Paul McCartney y Brian Epstein, que habían volado desde Londres para pasar juntos el fin de semana. Hasta que el 18 de septiembre viajó junto a Neil a España para retomar el trabajo en How I Won The War. Primero se hospedó en un departamento hasta que luego fue instalado en una villa llamada Santa Isabel, cerca de Almería. Allí se sumó Cynthia, su esposa, y también se unió Michael Crawford y su familia. La filmación en España comenzaría al día siguiente, el 19, y se prolongaría por 7 semanas. Allí Lennon no dejaría de componer canciones y por suerte sobrevivieron las tomas iniciales que realizó de manera casera de lo que luego se convertiría en Strawberry Fields Forever.

Mientras cada Beatle se mostraba interesado en diferentes proyectos (Ringo simplemente se abocó a tomar fotografías), quién no la pasaba bien con la nueva situación era Brian Epstein. Con la negativa de la banda a volver a salir de gira, Eppy perdía su lugar de importancia y se sentía vacío. Los problemas de ansiedad y baja autoestima que padecía desde siempre se intensificaron en ésta época y ello lo condujo a consumir drogas de forma temeraria. El 26 de septiembre tuvo que ser hospitalizado de urgencia por una sobredosis, que luego se dijo que había sido accidental, de unos medicamentos que le habían prescripto. Este mismo error lo padecería al año siguiente, pero con lamentables consecuencias.

Martín Castro

Nueva entrega de los sencillos mas destacados en el Reino Unido durante la década Beatle. Podriamos decir que el mes estuvo dominado por un mismo artista, aunque empezó a vislumbrar el siguiente gran éxito. https://open.spotify.com/playlist/19DaETuffISORo7TVf9Tk5

The Shadows 92

The Shadows Apache 25/08/1960 – 28/09/1960 / [Columbia]

La banda que solía acompañar a Cliff Richard por aquel entonces, estaba compuesta por Hank Marvin y Bruce Welch en guitarras, Tony Meehan en percusión y Jet Harris en bajo. Cuando no acompañaban a Cliff Richard, la banda solía grabar canciones Instrumentales, y “Apache” fue una de esas. Al momento de lanzar “Apache”, la banda ya había lanzado tres sencillos durante el año anterior: “Feelin’ Fine”, “Jet Black” y “Lonesome Fella”, pero con ninguno de los tres habían podido siquiera asomarse a los charts británicos. Pero la historia les cambió radicalmente con la salida de su nuevo sencillo, el famosísimo instrumental “Apache”, lanzado en julio, ingresó en el #35 y fue subiendo hasta alcanzar el #1 en los últimos días de agosto y quedarse allí por casi todo el mes de septiembre. Curiosamente mientras este sencillo subía, también eran #1 en agosto como banda de Cliff Richard y el sencillo “Please Don’t Tease”. Vale decir que Cliff Richard también participó de la grabación de “Apache” como un músico más, tocando el tambor chino. “Apache”, que es aún considerado uno de los mejores tracks de guitarra de todos los tiempos, fue compuesto por Jerry Lordan inspirado por la película “Apache” de 1954 y originalmente grabado por Bert Weedon, pero, por disconformidad de Lordan fue cedido al poco tiempo a The Shadows, con quienes Lordan compartía gira. Ambas versiones ingresaron simultáneamente a los charts, pero la de Weedon alcanzó como máximo el #24 mientras que la de The Shadows fue furor. A partir de allí comenzó una larga asociación con The Shadows. El B-Side era “The Quartermaster's Stores”, el cual fue originalmente pensado como Cara-A, pero intercambiado a último momento. La canción permaneció #1 hasta la salida del último chart del mes, cuando bajó a la segunda posición y a partir de allí una lenta bajada hasta diciembre. Dato: The Beatles solía interpretar “Apache” durante sus shows de Hamburgo. 93

Ricky Valance Tell Laura I Love Her 29/09/1960 – 30/09/1960… / [Columbia] Nacido David Spencer, pero conocido por su nombre artístico Ricky Valance, fue un famoso cantante galés. Su primer sencillo fue precisamente este, “Tell Laura I Love Her” que alcanzó el #1 en la última semana de septiembre de 1960, pero hablaremos más en el próximo número.

Elvis Presley A Mess Of Blues 15/09/1960 – 28/09/1960 / [RCA]

Aquí tenemos un caso muy curioso. El Rey volvió con todo en su país natal y ya había cierto sencillo que había sido un importante #1, pero no podía lanzarse aún en el Reino Unido debido a algunos problemas de copyright. Pero su lado B: “A Mess Of Blues” no tenía ese problema, por lo que se decidió lanzar ese lado B, que en Estados Unidos también rankeo moderadamente (#32 siendo un BSide), como un nuevo A Side británico. Así, mientras el A side tuvo que esperar dos meses más, el B-Side ahora recalculado como Single, funcionó muy bien en el Reino Unido, llegando al #2 por dos semanas, con “The Girl Of My Best Friend” como B-Side.

Duanne Eddy Because They're Young 08/09/1960 – 14/09/1960 / [London]

El guitarrista norteamericano Duane Eddy hacía poco había lanzado su sencillo “Shazam!” (#4 en los charts) y rápidamente volvió a acceder con “Because They’re Young”, el más exitoso de su carrera, y siendo el primero de sus tres #2 británicos. También en Estados Unidos fue su máximo sencillo, alcanzando el #4. Su lado B se titula “Rebel Walk” La canción, creada para una película homónima, es un instrumental, incluido en su álbum ““$1,000,000.00 Worth of Twang”, y se la considera una de las mejores canciones de los 60’s. En este momento se encontraba a mitad de camino para sus 18 semanas en cartel, y terminaría de retirarse de las listas hacia fines de noviembre.

Connie Francis Everybody's Somebody's Fool 15/09/1960 – 21/09/1960 / [MGM]

Otra repetidora de posiciones altas de 1960, vuelve a asomarse Connie Francis con “Everybody’s Somebody’s Fool”, escrita por Jack Keller y Howard Greenfield. Si bien fue #1 en Estados Unidos y en Alemania (este último con una versión en Alemán), en el Reino Unido alcanzó el #5. Originalmente fue creada para ser el Lado B de “Jealous of You (Tango Della Gelosia)”, e incluso así fue editado en Estados Unidos. La idea era seguir en la línea de su anterior sencillo “Mama”, que es una balada con tintes italianos. Pero en Estados Unidos decidieron mayormente transmitir el B-Side “Everybody’s Somebody’s Fool”, y claramente fue un acierto allí, ya que el B-Side llegó a #1 y el A-Side a #19. Con ese precedente, en el Reino Unido lo fabricaron directamente con las caras invertidas, y el sencillo, ahora A-Side, llegó hasta el #5 por una semana de las 13 que estuvo en las listas de éxitos. 95

Otros Ex-Número 1: #2 -> #29 / Cliff Richard And The Shadows – Please Don’t Tease [Columbia] El previo-último gran rankeado de Cliff & The Shadows continua bajando lentamente mes a mes, mientras el “Apache” de The Shadows (donde incluso participó Cliff) continua un poco más arriba y no solo eso, sino que también tiene a Nine Out Of Ten entre lo más destacado del mes. Seguimos reafirmando que este es un gran año para Cliff Richard.

#7 -> #17 / Johnny Kidd And The Pirates – Shakin' All Over [HMV] Johnny Kidd And The Pirates, uno de los primeros exponentes del Glam Rock, luego de conseguir su #1 por una semana en agosto, se mantuvo en los primeros puestos algunas semanas más antes de comenzar su lenta retirada. Fue bajando todo septiembre.

#34 -> OUT / Jimmy Jones – Good Timin’ [MGM] Fue el #1 gran parte de julio, pero fue bajando muy lentamente en agosto y más rápido en septimebre, mes en el que terminó de salir hacia la anteúltima semana.

Federico B.

Una vez más Paul nos propone un juego en forma de canción, una vez más apuesta a su costado infantil y nos entrega "Let Em' In" como segundo single de "Wings At The Speed Of Sound", el disco que junto a "Band On The Run" (1973) y "Venus And Mars" (1975), completan una trilogía que lo devolvió a las giras mundiales y a un modo de trabajar, en este disco se nota aún más, de manera grupal, transformando a Wings en una verdadera

banda más que en el mero apoyo de un famoso solista. La letra es un juego de quién toca a la puerta y Paul diciendo que los dejen entrar. Aparecen varios nombres familiares para el que ya está sumergido en la familia mccartniana (seguramente vos que estás leyendo esto). La hermana Suzy (Sister Suzy) podría ser la propia Linda (coautora del tema junto a su esposo) y el hermano John tal vez sea John Eastman, hermano de Linda... o algún otro John... el hermano Michael no es otro que Mike McCartney, hermano menor de Paul, mientras que Phil y Don son los Everly Brothers, y Gin, la tía de Paul. En la segunda estrofa aparece el tío Ernie (referencia al personaje de la ópera "Tommy" de los Who y en la tercera cambiamos de tío y aparece Ian (?) La música es marcial, una marcha bien aplomada que solo comienza luego de que un

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vibráfono toque las ocho notas conocidas como " Westminster Quarters", o sea, las notas que cada 15 minutos, resuenan en las campanas de la torre del Palacio de Westminster, mejor conocido como "Big Ben". Luego hay una sucesión de variados instrumentos allende los tradicionales en una grabación de Wings, pero todos tocados por la banda, más la sección de vientos que los acompaña desde el disco anterior, comandados por Howie Casey, quien conoció a Paul en los lejanos días de Hamburgo. Paul se encarga del piano y las voces, Denny Laine de los coros y el redoblante, Jimmy McCulloch el bajo, Joe English la batería, Linda los coros y el ya mencionado grupo de vientos completado con Thaddeus Richard, Steve Howard y Tony Dorsey.

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El single dura 5:10 y termina en un falso fade out, algo parecido a lo que había sucedido 8 años antes con "Helter Skelter". Es casi una síntesis del estilo McCartney, un soft rock con la letra juguetona de All Together Now y el pulso firme de Hey Jude o Let It Be. Y fue otro éxito que siguió al otro que había sido "Silly Love Songs", con mucho de pista de baile. Acá invitaba quizás a dar un paseo en el auto luego de haber salido de Studio 54. Además de aparecer como single, el tema puede encontrarse en los compilados "Wings Greatest", "All The Best", "Wingspan" y "Pure McCartney". El lado B fue "Beware My Love", extrañamente otro tema sacado de "At The Speed Of Sound" y es un rock and roll más potente y un gran

Portada del Sencillo en Italia, Holanda, España y Japón

número en vivo como pudo apreciarse ese mismo año en el triple "Wings Over America". De dicha potencia se desprende que todo el resto del disco son baladas y temas con onda disco. Linda comienza cantando y luego toda la banda se une para erigirse como el track más poderoso del álbum. Hay una toma descartada del tema - que asomó en la reedición del disco en 2014 - con John Bonham de Led Zeppelin en la batería. Los chicos quieren rock a como dé lugar, sin dudas.

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Volviendo a "Let Em In", el tema fue versionado por diversos artistas, pero hay una cita muy notable y es la del mismísimo Ringo Starr, quien canta los primeros compases al final de "English Garden" en su disco de 2003 "Ringo Rama". Como ven, siempre se trató de la familia.

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Pensaste que sabías donde yo estaba y cuando Pero parece que te han estado engañando de nuevo Pensaste que me habías sacado todo Pero parece que he ganado Soy un caballo oscuro Corriendo en una pista oscura Soy una luna azul Desde que salí del útero He sido un idiota genial Buscando el origen Soy un caballo oscuro Pensaste que me tenías en tus manos Pero parece que no eras tan inteligente Y me volví demasiado resbaladizo para ti Pero déjame decirte que no fue nada nuevo. Soy un caballo oscuro Corriendo en una pista oscura Soy una luna azul Desde que tomé mi primera cuchara He sido un idiota genial Buscando el origen Soy un caballo oscuro Pensé que lo sabías todo el tiempo Hasta que empezaste a entenderme mal Parece que escuchaste un poco tarde Pero te advertí cuando ambos estábamos en la línea de salida Soy un caballo oscuro Corriendo en una pista oscura Soy una luna azul Desde que salí del útero He sido un idiota genial Que está buscando sus beneficios Soy un caballo oscuro

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