Glass Onion - Número 86 by GLASS ONION

Hola amigos! ¿Cómo están? Nosotros desde acá con muchas ganas de agradecerles por otro año juntos. Y vaya si éste ha sido un año para buscar compañía, aunque sea de modo virtual. Como siempre, todo nuestro respeto y apoyo a quienes han sufrido pérdidas, de todo tipo, a raíz de ésta pandemia que nos afectó de manera desmedida. Y nuestros buenos deseos para lo que vendrá, esperando ver luz al final de éste larguísimo túnel. Pero bueno, al ser éste el último número del año quiero desearles en nombre de todos los que hacemos Glass Onion que pasen unas hermosas y reconfortantes fiestas de fin de año, junto a sus seres queridos, sin dejar de cuidarse y cuidar al otro. Este mes les traemos una nota de tapa que tiene como protagonista a George y su All Things Must Pass, al cumplirse 50 años de su publicación original. Historias y reseña de un disco atemporal. También les traemos todas las novedades en el mundo Beatle, palpitando ya lo que será el gran acontecimiento del año: la salida del tan esperado McCartney III. Tuvimos además el placer de entrevistar a Gustavo Mijailof y Guillermo Ainciburu, autores del libro Beatles Post Beatles, y conocer así lo que se trae ésta nueva obra literaria, de gran interés para los fans. Y muchísimas cosas más que los invito a descubrir al dar vuelta la hoja. Sé que realmente no hay puntos de contacto entre éstos dos fenómenos culturales y sociales, pero permítanme hacer un humilde homenaje a Diego Armando Maradona, héroe de mi infancia (y de la de muchos), que gracias a la enorme cantidad de tributos alrededor del mundo nos hizo tomar conciencia de su valía, tan enorme que quizás aquí en la Argentina nunca llegamos a dimensionar. Este número es para vos, Pelusa Martín Castro Editor Principal

INDICE What’s The New, Mary Jane?

Navidad 1961 Cuando pensábamos que ya sabíamos todo lo referente a los muchachos y la Navidad, recuperamos un dato poco conocido que involucra a los 4 Fabulosos

Beatles Post Beatles Una entretenida entrevista a los autores de un libro que promete ser una manera distinta de abordar el fenómeno Beatle (después de los Beatles)

ALL THINGS MUST PASS A 50 años del verdadero comienzo de la carrera solista de George Harrison, recordamos éste fantástico álbum que elevó aún más el status del Beatle espiritual Charts Británicos de los 60’s: Noviembre/Diciembre 1960 The Royal Variety Performance A Month In The Life: Noviembre/Diciembre de 1968

El Logo de Apple La manzana más codiciada del mundo tuvo un origen muy peculiar, y te lo contamos. Idas y vueltas del logo del gran sueño de la banda Some Other Guy: Venus And Mars Many Years From Now: So This Is Christmas… Paperback Writer: Paul McCartney, La Biografía En Sus Propias Palabras: Encontrar Mi Camino

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Federico B., Victor Carrillo González, Martín Castro, Migo Coiro, Javier Cuenca, Ezequiel Gauss, Luis Enrique Inngais, Claudette Stern, William Velásquez

Federico B.

Si bien no se sabe con certeza, esta fotografía “navideña” correspondería a “The Beatles Going Away Performance”, 12/04/1962.

Entrevista por

Claudette Stern 27

Durante la década pasada, la de 2010, se fueron sucediendo uno a uno los 50 aniversario de cada acontecimiento en la vida y obra de The Beatles como banda. Ellos apenas pisaron los 70’s como una agrupación activa (aunque sea para afuera), y pronto comenzaron a andar por cuatro caminos diferentes. Es por ello que de ahora en adelante las celebraciones de medio siglo de vida corresponderán a lo que John, Paul, George y Ringo hicieron por separado.

En la interna de la banda ya se conocían varias composiciones suyas que habían quedado fuera de los discos, siendo la primera de ellas You Know What To Do de 1964, aunque en ése caso no hay nada que objetar. El grueso de canciones rechazadas comenzaría en 1966 y tendría su pico en 1969, siendo las sesiones del proyecto Get Back un excelente ejemplo de como las “harrisongs” eran pasadas de largo sin detenerse a pensarlo demasiado.

1970 fue un año que vio el lanzamiento de los primeros discos “formales” de los ahora ex Beatles. Es más, Ringo, el menos pensado, publicó 2 álbumes; John hizo catarsis junto a su nueva banda conceptual; y Paul se recluyó para grabar casi en solitario su debut discográfico.

Cuando la separación de The Beatles ya era un hecho y solo quedaba la formalidad de estrenar la película Let It Be, los muchachos ya andaban cada uno en sus cosas. Y fue justamente en mayo de 1970, al momento de estrenarse el póstumo film de los Fab, que Harrison se metió a los EMI Studios, en lo que inicialmente iban a ser 8 semanas de trabajo.

Pero hoy nos toca hablar del primer trabajo de George Harrison, que está lleno de singularidades por donde se lo mire. La más evidente es que se trata de un álbum triple, algo para nada común en aquella época (ni en ninguna otra), más teniendo en cuenta que el gran público tenía una imagen de Harrison como una especie de “Beatle complementario”, que servía de apoyo para la dupla LennonMcCartney, y que esporádicamente tenía su momento de brillar, aunque de manera acotada. Recién en Abbey Road había logrado aportar dos canciones que estaban a la altura de las de sus compañeros o incluso superarlas. OK, ya sabemos que George es capaz de componer con ésa calidad. Pero, ¿Qué hay en cuánto a la cantidad? 31

Una de las primeras decisiones que tomó fue la de trabajar con Phil Spector, del mismo modo que lo hizo John, ya que ambos músicos habían sido los impulsores de que el productor estadounidense se encargara de terminar el álbum Let It Be, además de producir Instant Karma de Lennon.

Una de las primeras cosas que se hicieron fue una sesión de grabación de demos, donde George dejó en cinta la gran cantidad de canciones que tenía: “Él tenía literalmente cientos de canciones, y cada una era mejor que la otra”, diría Spector al escuchar de primera mano el material de George. Y no le faltaba razón. El guitarrista había acumulado una gran

Al momento de comenzar a grabar su primer disco, George optó por rodearse de excelentes músicos, pero por sobre todo de personas con las que se sintiera a gusto. El único integrante de The Beatles en participar fue Ringo, cosa que muestra a las claras como eran las relaciones en la intimidad del grupo. El resto del personal es inmenso y puede encontrarse fácilmente. Algunos de los músicos fueron Eric Clapton, Klaus Voormann, Billy Preston, Pete Drake, Gary Wright, Carl Radle, Jim Gordon y un extensísimo etcétera.

cantidad de canciones que no habían pasado el filtro Lennon-McCartney, pero además había escrito muchas nuevas, varias de ellas relacionadas con ésta cuestión. George había experimentado últimamente unas muy buenas vibras junto a diferentes músicos, sobre todo en su viaje a Woodstock para visitar a Bob Dylan y The Band el año anterior, además de la gira a la que se había sumado con Delaney & Bonnie, donde también participaba Eric Clapton. Dentro del sello Apple había ejercido como productor de Billy Preston y Doris Troy, al igual que ya lo había hecho con Jackie Lomax. Y todo para ser relegado nuevamente dentro de su banda principal… 32

Es curioso como prácticamente toda la producción de The Beatles está documenta con exactitud, mientras que las carreras solistas (que están más cercanas en el tiempo) tiene baches de información, por lo que hacer un recuento cronológico de los acontecimientos es tarea casi imposible. Sin embargo, podemos tener algunas aproximaciones para saber qué pasó en aquellas sesiones. Para empezar, se sabe que George se encargaba de crear un buen ambiente, con el aroma de inciensos en la sala de grabación, que de por sí se encontraba atestada de músicos, para cumplir la premisa de Spector de crear su marca registrada: el Wall Of Sound, o muro de sonido. Esta técnica consistía en utilizar una gran cantidad de instrumentos al mismo tiempo, para crear un sonido “grande”, que llenara todo el espectro sonoro, con el aditamento de mucha reverberación. Esto fue algo que varios de los involucrados amaron de inmediato, mientras que Harrison “aprendió a querer”.

La primera canción en grabarse fue Wah-Wah, y esto habla claro sobre las prioridades de George, quién sentía la necesidad de dar su versión de los hechos y por fin poder decirles a sus excompañeros cómo se sentía con respecto al trato que recibía. Hay que recordar que fue escrita durante la deserción de Harrison de la banda, a partir del 10 de enero de 1969, tras un entredicho con Paul. Dentro de la primera camada de canciones también están Ballad Of Sir Frankie Crisp y All Things Must Pass, lo cual se puede deducir por la participación del músico estadounidense Pete Drake, un formidable ejecutante de pedal steel que le aportó esa textura tan característica a ambas canciones. La historia puede ser reconstruida con las declaraciones que los músicos hicieron a lo largo de los años y de allí obtenemos que la mayoría de las canciones que ocuparon los dos primeros vinilos se registraron en las primeras semanas, mientras que la Apple Jam, como se denominó al tercer disco, se registró en el mes de junio en los Apple Studios. Allí participaron George, Clapton y Dave Mason en guitarras, junto a Bobby Whitlock en teclados, Carl Radle en bajo y Jim Gordon en batería. Estos tres últimos más Eric Clapton formaría la efímera banda Derek And The Dominoes.

George y Peter Drake

Otro punto sobresaliente (aunque no participó activamente) fue la sociedad Harrison-Dylan, con quién coescribió I’d Had You Anytime. Además grabó If Not For You, del gran Bob, y su propia composición Apple Scruffs, claramente en el estilo del neoyorkino, que a su vez era un homenaje a las más fervientes fans de The Beatles. Los links con el pasado reciente están presentes también en The Art of Dying, compuesta en 1966 pero que George jamás intentó con la banda debido a que consideraba que era una temática demasiado arriesgada. Un dato de color es que en ésta canción participó un jovencísimo Phil Collins en congas, aun antes de ingresar a Génesis. Isn’t It A Pity es del mismo año y para la grabación se agregó una coda final que remite indisimuladamente a Hey Jude, mientras que Let It Down, Hear Me

Lord y la propia All Things Must Pass pasaron por las Get Back Sessions sin pena ni gloria. Y fue justamente en esas sesiones de enero de 1969 donde Harrison invitó al tecladista Billy Preston para que se sumara al proyecto y aportara, además de su magistral talento en las teclas, un poco de buena onda en el gélido ambiente. No era de extrañar que George también lo invitara para su disco. Es más, Billy está relacionado con dos canciones del mismo: Harrison compuso What Is Life? con la intención de que sea grabada por Preston, algo que finalmente no hizo. También, ante la pregunta de George sobre cómo era la estructura de las canciones góspel, comenzó a improvisar con algunos acordes que luego inspiraron al guitarrista para escribir My Sweet Lord, una canción con una fuerte carga religiosa, pero no tan evidente como en Awaiting On You All, una alabanza hecha y derecha.

No tardaron en aparecer los inconvenientes durante las sesiones de grabación: al parecer la conducta de Spector comenzó a exasperar a todos, incluido George, que prácticamente adoptó el rol de único productor. Él mismo contó que Phil necesitaba “18 brandis de cereza antes de presentarse a trabajar”. Ese tipo de cosas parecían ser moneda corriente en el productor y llegarían al punto más alto cuando 4 años más tarde trabajara con Lennon en lo que sería su álbum Rock’n’Roll. Otra importante y dolorosa distracción era el estado de salud de Louise Harrison, la madre de George, que había sido diagnosticada con cáncer y que se encontraba en un período muy 35

delicado, por lo que el músico viajaba constantemente a Liverpool para visitarla. En julio la producción se detendría por completo temporalmente mientras George se despedía por última vez de ella.

En agosto las grabaciones se trasladaron a Trident Studios para realizar los primeros overdubs. Además, se hicieron algunas mezclas para ser evaluadas por Harrison y Spector, quién se encontraba a ésta altura al otro lado del océano, en Los Angeles, y mediante una carta le envió a George algunas sugerencias en cuanto a los mixes y posibles sobregrabaciones.

George Martin estuvo presenté aquí, ya que para que Hari pudiera llegar con tranquilidad a las notas más altas, se recurrió al truco de disminuir la velocidad de la cinta de manera que el tono de la canción bajara. Fue a ésta altura del disco que nació el sello indiscutible de Harrison como solista: su guitarra slide. Esta técnica apenas había sido abordada por él dentro de The Beatles, y solo se había utilizado para crear efectos de sonido como en Strawberry Fields Forever o Hello Goodbye, y paradójicamente su uso de manera más tradicional lo tenía a John y no a él utilizando el “cuello de botella” en For You Blue.

Ya para el mes de septiembre llegó el momento de agregar las partes orquestales a cargo de John Barham y las elegidas fueron 4 canciones pilares del álbum: My Sweet Lord, Isn’t It A Pity, Beware Of Darkness y All Things Must Pass. Luego de ésto el trabajo recayó en su totalidad de George, quién se internó en el estudio junto al ingeniero Ken Scott para grabar todas sus partes de guitarra solista y sus voces, no sólo las principales, sino que además utilizó el multitrack para crear los coros armonizados que fueron atribuidos de manera cómica a The George O’Hara-Smith Singers, un grupo inexistente que consistía únicamente de Harrison. Hay que mencionar que la escuela de 36

La manera de Harrison de abordar ésta técnica no se ajustaba demasiado al blues tradicional, que suele utilizar afinaciones abiertas para usar la barra y crear acordes tocando varias cuerdas a la vez. George en cambio tenía un approach más melódico, entrelazando las notas, y recurriendo a la armonización de varias guitarras para crear varias capas de slide en simultáneo. De más está mencionar el buen gusto y la perfección con la que George grabó cada una de sus ejecuciones con el slide. ¿Pero de donde salió éste gusto? El propio George develó el misterio en 1977. Contó que tras un período de intenso interés en la música y cultura hindú, y sobre todo en la ejecución del sitar, su gran amigo Eric Clapton le regaló la Gibson Les Paul con la que había grabado la parte solista de While My Guitar Gently Weeps, a modo de incentivo para que el Beatle volviera a la guitarra, lo cual logró, pero con una salvedad: en ésta época había grandes guitarristas como Jimi Hendrix o el propio

habitual en un disco doble, pero la duración de algunas de ellas hicieron imposible que sean acomodadas dentro de la limitada capacidad de un disco de vinilo. Futuras publicaciones en CD lo harían en formato doble. El arte de tapa también tenía mucho que decir; George sentado en medio de 4 gnomos con la leyenda All Things Must Pass era fácil de interpretar como una referencia a su pasado, integrando una banda de 4 integrantes de la que ya no formaba parte.

Clapton, y George, sabiéndose un guitarrista nada pirotécnico decidió tomar un camino diferente. “Esa es una de las razones por las que empecé a tocar slide, sabes. Porque me sentía tan atrás en eso de tocar fraseos calientes. Con el slide no tuve ninguna instrucción, solo conseguí uno y comencé a tocar”. En el mes de octubre se hicieron las mezclas finales, y fue precisamente el día 9 cuando George le obsequió It’s Johnny’s Birthday a Lennon, una divertida interpretación de George que utiliza el varispeed de modo extremo. Más adelante viajaría a New York para reunirse con Phil Spector y decidir que canciones serían incluidas en el álbum y en qué orden. Muchos de los que pudieron escucharlas le insistieron en que debía incluir todas, y quizás por ello se tomó la decisión de editar un álbum triple. En rigor, la cantidad de canciones es más o menos lo 37

Los 3 discos fueron incluidos en una caja con sus respectivos sobres internos. El correspondiente a la Apple Jam tenía su propio diseño con ése título y la figura de una mermelada de manzana. También se incluía un poster de un barbudo Harrison en un pasillo oscuro de su casa, Friar Park.

Finalmente fue publicado en noviembre, el 27 en USA y el 30 en UK, convirtiéndose en el primer disco triple editado por un único artista con canciones inéditas, ya que 6 meses antes se había editado material del festival de Wodstock del año anterior en el mismo formato. Hubo una controversia con respecto a su posición en los charts que recién pudo ser corregida en 2006, ya que, durante las semanas posteriores al lanzamiento, se cometieron errores a la hora de contabilizar los números que enviaban las disquerías, relegando a All Things Must Pass al cuarto puesto en el chart inglés, siendo que en realidad debería haber sido Nro. 1. Un mes y medio más tarde se publicó My Sweet Lord en formato single y allí no hubo errores que pudieran condenar a éste clásico a otro lugar

que no sea el tope de los rankings. De esta manera George se convirtió en el primer ex Beatle en tener un single Nro. 1, además de ser el tercer single más vendido de los Fab Four como solistas. Pero los dolores de cabeza llegarían pronto debido a una demanda por plagio con respecto a la canción He’s So Fine de The Chiffons, del año 1963. Pasaría mucho tiempo hasta que ésta situación se resolviera, pero lo cierto es que George pudo por fin demostrar toda su valía, entregando un disco debut con una calidad artística sobresaliente y que además había obtenido un éxito comercial más que envidiable. De hecho, éste disco en parte eclipsó el debut de John con su Plastic Ono Band, que también es un gran álbum pero que demando mucho más tiempo para obtener su reconocimiento. 50 años después de su publicación original es un disco que se escucha y se aprecia. Es fresco y actual, y nos muestra a un Harrison en quizás su mejor momento, gozando de un merecido

respeto de colegas, crítica y público. Es más, cuando al año siguiente su maestro y amigo Ravi Shankar acudió a él de manera desesperada para conseguir ayuda por una serie de situaciones catastróficas que se vivían en Bangladesh, George se sintió con las espaldas suficientes de cargar con la responsabilidad y trasladar All Things Must Pass a un escenario, realizando el primer concierto benéfico de la historia. Mucho se ha escrito y hablado de éste álbum, y seguramente no seré el último en hacerlo, sobre todo con la reciente remasterización que lo trae nuevamente a las bateas. Y allí estaremos una vez más, maravillándonos y descubriendo nuevos sonidos en una obra maestra por donde se la mire.

Martin Castro

Llegamos a los últimos dos meses de 1960, donde hubo un grandisimo destacado, por lejos el tema mas exitoso del año yq ue no dejó lugar para brillar completamente al primer gran ingreso de Roy Orbison ni al exitazo de Shirley Bassey, adelante!. https://open.spotify.com/playlist/19DaETuffISORo7TVf9Tk5

Roy Orbison Only the Lonely (Know How I Feel) 29/10/1960 – 08/11/1960 / [London]

Un gran ingreso a las listas para The Big O, primer sencillo y primer #1, según algunas listas en la tercera semana de septiembre, según otras en la cuarta (la cuarta semana en la oficial). 24 semanas en total estuvo circulando en los charts, desde su ingreso a comienzos de agosto, hasta su consagración a fines de octubre de 1960. Ocupando la posición las últimas dos semanas de octubre y los primeros días de noviembre, y cayendo directo al #3 en el primer chart completo de noviembre, por debajo del arrollador sencillo de #1 directo de Elvis y de Shirley Bassey. Para quien no sabe (¿existirá alguien?) Roy fue un cantautor estadounidense, nacido en Texas en 1936 que al día de hoy sigue siendo considerado uno de los máximos exponentes del Rock And Roll, gran inspiración de generaciones de músicos incluyendo a The Beatles, quienes lo admiraban profundamente. “Only The Lonely” no fue su primer sencillo en absoluto, Roy venia grabando canciones desde 1956, y había alcanzado a entrar a las listas Billboard de su país con dos de sus sencillos (#59 “Ooby Dooby” en 1956 y “Up Town” en 1959), pero no había accedido en el Reino Unido sino hasta la salida de “Only The Lonely” en #1 (y que irónicamente en Estados Unidos… llegó al #2. Su lado B fue “Here Comes That Song Again”. Debería pasar poco más de un año para su siguiente podio, pero el inicio fue inmejorable.

Shirley Bassey As Long As He Needs Me 02/11/1960 – 06/12/1960 / [Columbia]

Pleno #2 de Shirley Bassey en noviembre con su gran exito “As Long As He Needs Me”, primero, debajo de Roy Orbison, y el resto del mes debajo del mega exito de Elvis, si no fuera por el cual, y por su aparición repentina, tenia destino de #1 indiscutido. Shirley Bassey es una cantante galesa de una extensísima trayectoria musical que continua hasta el dia de hoy. 43

La cancion se extrajo del musical “Oliver!” y era interpetada por el personaje Nancy, originalmente interpretado por Georgia Brown y poco después versionada por Shirley Bassey, quien grabó su más exitosa y recordada rendición. El lado B del sencillo fue “So In Love”. Si bien ésta es al primera aparicion destacada de Shirley en la década del 60, habia accedido unos meses antes con “With These Hands” alcanzando el #38. Y por supuesto que ya venia de una trayectoria de sencillos desde 1957, incluyendo #1 en 1958 con “As I Love You” y #3 con “Kiss Me Honey Honey Kiss Me” en 1959. Y quedan muchos más exitos por venir .

Johnny And The Hurricanes Rocking Goose 23/11/1960 – 30/11/1960 / [London]

Johnny And The Hurricanes fue una banda instrumental estadounidense oriunda de Ohio, especialistas en tomar piezas de la música tradicional y convertirlas en rock. Si bien tuvieron éxito en su país natal, llegaron aun un poco más lejos en Europa, cosechando más hits en el Reino Unido y en Alemania, siendo, incluso, plato principal de algunas presentaciones de los jóvenes Beatles en el Star-Club de Hamburgo. Su primer gran éxito (y el máximo en Estados Unidos) fue “Red River Rock” de 1959 (#5 USA, #3 UK), su segundo sencillo. Tuvieron algunos más como “Beatnik Fly” y “Down Yonder”, ambos #8 en y finalmente llegaron a su segundo y último podio británico en 1960 con el divertido “Rocking Goose”, que llegó al #3 a fuerza de su poderoso órgano y un sonido similar al graznido de un pato (#60 en su USA natal). Ocupó alternativamente el #4 y #3 durante todo el mes de noviembre y sin bajar del Top #10 en todo diciembre. Su B-Side fue “Beatnik Fly”. Si bien su último ingreso a los charts británicos ocurrió en 1961 y su ultimo sencillo en 1967, la banda continuó de gira por el mundo hasta 2006, cuando Johnny Paris, líder de la banda, falleció. 44

Johnny Burnette Dreamin’ 16/11/1960 – 06/12/1960 / [London]

Johnny Burnette fue un cantautor estadounidense de rockabilly. Desde sus inicios con el “Rock N Roll Trio”, que luego mutó al “Johnny Burnette Trio” y finalmente bajo su propio nombre, lanzó más de una docena de sencillos desde 1956, y no fue sino hasta la salida de este sencillo “Dreamin’” que llegó a ingresar en las listas de éxitos. Dreamin fue escrito por Barry De Vorzon, y en su país natal alcanzó el #8 del Billboard, bajo el sello Liberty, donde logró unos cuantos accesos a las listas entre 1960 y 1962 con “Cincinnati Fireball” como B-Side. Y no falta mucho para su siguiente y máximo hit a ambos lados del atlántico.

The Drifters Save The Last Dance For Me 07/12/1960 – 27/12/1960 / [Atlantic]

The Drifters fue un grupo de Doo Wop estadounidense, muy popular por aquel entonces (debido a la existencia de este grupo “The Drifters”, el grupo de Cliff Richard cambió su nombre de “The Drifters” a “The Shadows” a comienzos de 1960, son dos grupos diferentes). A comienzos de 1960 habían ingresado por primera vez a los charts británicos con “Dance With Me”, y alcanzaron un modesto #17. Y casi a final de año, alcanzaron el #2 británico con su sencillo más importante de la historia a ambos lados del océano: “Save The Last Dance For Me”: #2 por tres semanas (+1 en enero) en el Reino Unido, y #1 en su país de origen. Y no alcanzó el #1 británico debido al megahit de Elvis. Ambas canciones tuvieron en voz al vocalista estable del grupo durante 1959 y 1960: el legendario (y por ese entonces joven) “Ben E. King”. El lado B de este sencillo fue “Nobody But Me”.

Elvis Presley It’s Now Or Never (O Sole Mio) 09/11/1960 – 28/12/1960 / [RCA]

BOOM! Uno de los más grandes clásicos de Elvis hace su acto de presencia de manera directa y sin escalas al #1 británico, dejando en su camino al anterior #1 de Roy Orbison en el #3 y bloqueando completamente del #1 al ascendente éxito de Shirley Bassey “As Long As He Needs Me”. Durante todo el mes de noviembre. “It’s Now Or Never”, si bien su letra fue escrita por Aaron Schroeder y Wally Gold, está inspirada en la canción “There’s No Tomorrow”, cantada por Tony Martín y de mucho éxito en 1949, la cual a su vez también toma inspiración en la canción clásica napolitana “O Sole Mio”, escrita por Eduardo Di Capua, por lo que tambien se acredita a él en el tema de Elvis. Asi mismo, en 1959 había muerto Mario Lanza, un músico norteamericano (de ascendencia italiana) que habia popularizado una versión de “O Sole Mio”, la cual Elvis escuchó en sus años en el ejército y quiso de algun modo homenajear. Fue grabada en el RCA Studio B de Nashville, y lanzada en Estados Unidos por julio de 1960, entrando en el #44 y subiendo hasta el #1 en agosto, donde se quedó por 5 semanas. Su lado B era… “A Mess Of Blues”. No pudo ser lanzada de inmediato en el Reino Unido por problemas de copyright, pero en su momento se optó por usar el Lado B “A Mess Of Blues”, el cual si se podía como A-Side individual, y escaló hasta el #3 (lo repasamos algunas entregas atrás). Pero finalmente en la segunda semana de noviembre pudo lanzarse “It’s Now Or Never”, y subió de forma directa al #1, donde se mantuvo por ocho semanas en dura pelea con “As Long As She Needs Me” de Shirley Bassey durante noviembre y con “Save The Last Dance For Me” de The Drifters en diciembre. Finalmente bajó al #2 durante la ultima semana del mes. Esta cancion volvería al #1 britanico en dos ocasiones: en 1977 tras la muerte de Elvis y en 2005 con un relanzamiento de sus más grandes éxitos. 47

Cliff Richard I Love You 29/12/1960 – 31/12/1960… / [Columbia]

Y quien le arrebató el #1 a Elvis en los últimos días de diciembre (y cerró el año)… pues el máximo exponente de 1960: el legendario Cliff Richard, con su quinto podio (dos #1, dos #2 y un #3), al que podríamos sumar un #1 más como músico en The Shadows. Un año descomunal para esta leyenda, que cierra con broche de oro. El tema en cuestión es “I Love You”, que es el cuarto #1 para Cliff y fue escrito por el guitarrista de The Shadows, Bruce Welch. Permaneció en el #1 por un total de dos semanas. Su lado B fue “D’ In Love”.

Nina And Frederick Little Donkey 14/12/1960 – 20/12/1960 / [Columbia]

Esta canción navideña, ahora considerada tradicional, fue escrita en 1959 por Eric Boswell, y relata la travesía de María, madre de Jesús hacia Belén, en un burrito (el “Little Donkey”). En 1959 fue la partitura #1 en ventas en el período noviembre-diciembre. Y fue al año siguiente, hacia la misma fecha, que llegó a las listas británicas la versión grabada por el dúo danés-alemán de Nina & Frederick, de gran reputación en interpretación de clásicos y música folk. Su grabación de Little Donkey escaló hasta el #3 a mediados de diciembre de 1960 y oscilaría entre el #3 y el #9 hacia fin de mes. El dúo ya había tenido dos presencias en los charts, una incluso hacia la navidad de 1959 con “Mary’s Boy Child”, y de hecho ingresarían dos veces más en 1961, pero siempre lejos del Top #10. Su máxima aparición de 1961 fue con su último sencillo rankeado “Sucu Sucu” #23 en octubre de ese año. 48

Anthony Newley Strawberry Fair 21/12/1960 – 27/12/1960… / [Decca]

Esta canción de Anthony Newley, cantautor y actor británico, alcanzó el #3 en dos semanas intermitentes durante diciembre de 1960. Venía de dos #1 en 1960 (“Why” y “Do You Mind?”), un #4 (“If She Should Come To You”) y este “Strawberry Fair” fue de hecho el último Top #5 de su carrera. “Strawberry Fair” es un tradicional folk británico y su registro más remoto data de fines del 1800. Esta versión de Newley comienza de manera muy similar al tradicional, pero conforme va avanzando va mutando hacia un tono más cómico y de sátira. Su lado B fue “A Boy Without a Girl". Otros Ex-Número 1: #29 -> OUT / Cliff Richard And The Shadows – Please Don’t Tease [Columbia] Con “Apache” bajando y “Nine Out Of Ten” todavía rankeando, su último #1 hasta la fecha terminó por salir de las listas.

#16 -> OUT / The Shadows – Apache [Columbia] El apache de The Shadows, quizás el tema mas famoso de la exitosa banda y su primer #1, continuó su lenta retirada, bajando del #15 al #31 en noviembre, y saliendo a mediados de diciembre. Sin embargo ya cuenta con otro gran éxito en el #7 como lo fue “Man Of Mystery” #3->OUT Ricky Valance – Tell Laura I Love Her [Columbia] “Tell Laura I Love Her”, su primer sencillo que alcanzó el #1 en octubre por tres semanas, bajó abruptamente del #3 al #37 durante noviembre de 1960, quedando cerca de la salida que concretó en diciembre. Fue su primer y último no solo #1, sino su único tema en siquiera entrar a las listas británicas. Federico B.

Un lunes 4 de noviembre de 1963 The Beatles se presentaron en el teatro Prince of de Londres como parte de la Royal Command Performance, una gala anual benéfica organizada para la realeza británica a la cual asistieron la Reina Madre Elizabeth (la madre

de la Reina Elizabeth II) y su hija, la Princesa Margaret y su esposo, y fue la ocasión en que John Lennon dijera en forma sardónica la célebre frase “para nuestro último número, me gustaría pedirles su ayuda. La gente en los asientos más baratos aplaudan con sus manos,

y el resto de ustedes, sacudan sus joyas”. Quizás esa frase resumiría la personalidad y acciones de Lennon a lo largo de su vida que además de ser un inconformista siempre tuvo las agallas de decir lo que sentía, pudiendo estar equivocado o no, pero nunca dejó de expresar y hacer lo que sentía, sobre todo en ese 1963, año del inicio y despegue del fenómeno Beatlemania en UK, término que se generó un mes antes de la presentación de los Beatles ante la realeza.

El nacimiento de la Beatlemania Un punto de inflexión en la carrera de los Beatles ocurrió un domingo 13 de octubre de 1963 después que la canción She Loves You fuese su tercer número uno consecutivo (llegó al primer lugar un 14 de setiembre de 1963) por lo que Brian Epstein convenció al empresario Lew Grade para que aceptara de mala gana que sus representados se presentaran en el programa más importante de variedades de la televisión británica, llamado Val Parnel’s Sunday Night at the London Palladium (La noche dominical de Val Parnel en el London Palladium) que se transmitía en directo desde el London Palladium, que era el teatro más famoso de Londres situado en la calle Argyll Street. Esa emisión fue vista en la noche por más de quince millones de espectadores a través del canal de televisión ATV. The Beatles se presentaron como los artistas estelares de la noche y fueron presentados por el maestro de ceremonias del show Bruce 55

Show en el London Palladium, 13/10/1963

Forsyth. Tocaron los temas From Me To You, I'll Get You, su reciente número uno She Loves You y el tema acostumbrado de cierre a cargo de Lennon, Twist And Shout y después de casi tres cuartos de hora volvieron a aparecer junto al resto de invitados, casi al final del programa, para despedirse de la audiencia en la plataforma podio giratorio del Palladium. Al día siguiente todos los periódicos del Reino Unido estaban llenos de historias del caos alrededor del London Palladium. Unos diarios decían que sus fans habían provocado disturbios alrededor de Argyll Street hasta Great Malborough Street por lo que la policía tuvo que parar el tráfico. El diario Daily Mirror señaló que “la policía tuvo que contener a más de mil vociferantes jovencitas” y aunque las chicas gritando era algo cotidiano en la vida de The Beatles hasta ese entonces, los periódicos nacionales prácticamente los habían ignorado, por ello luego de su presentación cambió todo y a partir de ese día los Beatles no dejaron de

Los Beatles, su presentación y la célebre frase de Lennon The Royal Command Performance era un evento benéfico anual al que siempre asistía por lo menos un miembro de la Familia Real británica y cuyo origen se remonta al año 1912 y era para los ingleses de inicios de los sesenta la noche más grande de los espectáculos de la isla y consistía en un programa de variedades de gala para caridad que era grabada por la cadena ITV para su transmisión televisiva una semana después. Para la edición de 1963, el evento cuya producción ejecutiva estaba a cargo de salir en los periódicos y el término “Beatlemania” sería usado por primera vez para describir todo acontecimiento concerniente a la carrera de The Beatles. Aunque testigos como el fotógrafo Dezzo Hoffman, muy cercano a ellos en esos tiempos, indicaron que en realidad no hubo ningún disturbio y solo había unas ocho chicas gritonas alrededor del teatro y qué más bien fue una jugada del equipo de prensa de Epstein para al fin lograr captar la atención requerida. Lo lograron ya que fue el impulso para el despegue de la carrera de la banda que diez días después, el 23 de octubre, volaban a Suecia para presentarse en ese país donde aunque no fueron cabeza de cartel, sus presentaciones provocaron la histeria de sus fans. A fines de mes regresaron a Londres para cumplir un compromiso ya pactado por Epstein en otro famoso teatro, pero más usado para fines de la realeza. 56

Bernard Delfont se llevaría a cabo en el Prince of Wales Theatre, situado en Coventry Street cerca de Leicester Square en Londres, la noche del lunes 4 de noviembre de 1963 y la dirección musical se le otorgó a Harold Collins y como productor de escena estuvo Robert Nesbitt. El mérito del productor Delfont fue haber logrado la participación de The Beatles, que estaban en la cresta de la popularidad en el Reino Unido, previo acuerdo con Brian Epstein para esta gala cuya programación incluía una gama heterogénea de artistas del Reino e internacionales, y entre ellos estarían The Beatles, que en el número de orden de asignación eran los séptimos de 19 artistas que eran los siguientes: The Billy Petch Dancers; The Clark Brothers; Max Bygraves, Luis Alberta del Parana and Los Paraguayos; Charlie Drake with Tessa Davees and the Eight Charlies; Susan Maughan; The Beatles; Dickie Henderson; Francis Brunn; Buddy Greco, Nadia Nerina with the cast of Sleeping Beauty, Joe Loss and his orchestra with Rose Brennan, Ross Mcmanus; Larry Gretton; The Billy Petch Dancers. Steptoe & Son with Wilfred Brambell, Harry H. Corbett "Pinky & Perky & Company”; Jan and Vlasta Dalibor; Eric Sykes and Hattie Jacques; Michael Flanders and Donald Swann; Marlene Dietrich with Burt Bacharach; Tommy Steele (with the half a sixpence company); Harry Secombe (with the Pickwick Company). Se dice que fue necesario construir un pasadizo entre el teatro y el hotel de al lado donde se habían alojado los Beatles, para que entraran y salieran del teatro sin poder ser vistos por los 57

fans y días antes John, con su sarcasmo de siempre, había amenazado a Brian Epstein que iba a decirle a la multitud que sacudiera sus ¡jodidas joyas¡ (así lo contó Lennon en una entrevista posterior) y sí lo decía pudiera haber sido el fin de la “Beatlemania”, pero siguiendo con lo programado a la Gala, asistieron la Reina Madre, acompañada por su hija la princesa Margaret y su esposo, Lord Snowdon. La Reina Elizabeth II no asistió ya que estaba embarazada de su cuarto hijo, el Príncipe

Edward, y antes de su presentación un periodista les preguntó si “bajarían sus amplios acentos scouse (el acento típico y notorio de los habitantes de Liverpool) para el programa”, a lo que McCartney respondió de manera burlona: “No, no todos hablamos como la BBC, tú sabes”. Los Beatles iniciaron su presentación con el tema From Me To You (que fuera su segundo single de abril de 1963 y que además su segundo número uno) antes que las cortinas se abrieran con un sorprendido público que al verlos se dejó llevar por su música y espontaneidad. Al momento de terminar la canción John y Paul decidieron mover los soportes de sus micrófonos cerca del borde del escenario para estar más próximos a la audiencia y esto fue una inteligente jugada para ganarse a la gente que aplaudía emocionada. El segundo tema que tocaron fue She Loves You, que era el single de moda y que había llegado al números uno de los charts en el mes de setiembre y fue McCartney que casi sin aliento rió y, dirigiéndose al público, saluda

con un "Buenas noches, ¿cómo están, bien?" y empiezan con el famoso estribillo del yeah, yeah, yeah, que al momento de finalizarlo, el grupo se inclinó al unísono ante el público como señal de agradecimiento. Para la presentación de la tercera canción, Paul decidió hacerse el gracioso y realizar una broma acerca del origen de la canción Till There Was You, que había sido escrita por Meredith Wilson en 1950 y la había rebautizado con ese nombre para la obra musical The Music Man (1957) y de forma nerviosa dijo que la canción había sido grabada por Sophie Tucker, que era su "grupo estadounidense favorito”. Tucker, que al momento de la presentación de The Beatles ya era una veterana cantante de ragtime y blues con 79 años y de nacionalidad ucraniana - estadounidense que tuvo éxitos como "Nobody Loves a Fat Girl, But Oh How a Fat Girl Can Love" y "Won't You Be a Dear", y que por su voluminosa anatomía era conocida por el apodo de "The Last of the Red Hot Mamas" y de allí la referencia a ella como “todo un grupo”. De inmediato empezó a cantar el

tema Till There Was You, que fue bien recibido, sobre todo por la audiencia femenina. Pero lo mejor de la noche vendría con el número final de la presentación de The Beatles y las palabras que Brian Epstein temía que John dijera debido a la amenaza que previamente le había hecho. Con su irónico humor lo hizo, pero de otra manera que se ganó al público presente y fue más o menos de esta manera: Luego de la canción que cantó Paul, el grupo se inclinó al unísono para agradecer al público, después John Lennon se adelantó a la altura del micrófono y se rascó la cabeza, mostrando un rostro inexpresivo. Tomó el micrófono y dijo: "Gracias. Para nuestro último número me gustaría pedirles su ayuda. La gente en los asientos más baratos aplaudan con sus manos. El resto de ustedes, sacudan sus joyas. Nos gustaría cantar una canción que se llama Twist and Shout". Luego Lennon sonrió a la cámara con los dedos pulgares hacia arriba, agachó la cabeza como si hubiese cometido una travesura y de inmediato cantó el tema con el

alma, que fue ovacionado por el público concurrente y una cámara muestra a la Reina Madre respondiendo favorablemente con una sonrisa y levantando una mano, asintiendo con la cabeza en señal de aprobación y su hija la princesa Margaret aplaudiendo mientras miraba como una fan más el escenario. Al final de la canción Ringo se unió a sus compañeros en el escenario central para despedirse del público y mientras se cerraban las cortinas, los Beatles hicieron una primera reverencia para la audiencia en general, luego se inclinaron ante la casa real y todo el teatro, en vez de haberse ofendido con la humorada de Lennon, la celebró y empezó a aplaudir y ovacionar a los irreverentes Beatles por varios minutos, pidiendo bises hasta que ellos salieron raudos del escenario, retrasándose el siguiente número que iba a estar a cargo de Dickie Henderson.

Lo interesante de la situación es que el comentario de Lennon no ofendió para nada a la realeza, que lo tomó como una ingeniosa broma y por ello al terminar el show los Beatles fueron presentados a la Reina Madre y su majestad le preguntó a Paul McCartney en donde iba a llevarse a cabo su próxima presentación y él le respondió que iba a ser en Slough, y ella encantada le respondió: ¡Oh, eso está muy cerca de casa! (Refiriéndose al castillo de Windsor que se encontraba al final de la carretera de Slough).

Corolario: El programa fue grabado por la cadena televisiva ITV y fue transmitido casi una semana después, el domingo 10 de noviembre de 1963. Esa emisión tuvo una audiencia de más de a 21,2 millones de personas y por muchos años fue el programa más visto de

todos los tiempos en UK y muchos de los espectadores que lo vieron en directo aún consideraron el espectáculo de 1963 como el mejor hasta la fecha. Una semana después de la transmisión del programa, The Beatles grabarían la canción I Want To Hold Your Hand, que sería su cuarto número uno a mediados de diciembre de 1963. La actuación de The Beatles en The Royal Command Performance fue un punto de inflexión en la carrera de la banda, pues los hizo populares y queridos en todo el Reino Unido. Además les sumó su primera cobertura estadounidense, ya que el diario Time se refirió al grupo como "el espíritu mismo de la buena diversión limpia" en un artículo llamado The New Madness que iba como titular, y refiriéndose a la broma de "las joyas por parte

de Lennon” que él era el líder innato de The Beatles. El 21 de noviembre de 1963 la cadena de USA CBS emitió un primer perfil en profundidad de The Beatles donde el reportero Alexander Kendrick al referirse a Lennon comentó que era: "un determinado joven de 23 años cuya cara un tanto severa da la impresión de un joven enojado" y no se equivocaron. Sobre todo en esos años, Lennon era el líder y la espontaneidad de la agrupación durante la Beatlemania . Pero lo mejor vendría en menos de tres meses, en el mes de febrero de 1964, cuando The Beatles llegaron por primera vez a los Estados Unidos, y ocurrió el mismo fenómeno tanto por el fanatismo de sus admiradores como por el 61

show televisivo en el Ed Sullivan Show, que fue el programa más visto de la historia de ese país y así The Beatles conquistaron no solo a ese país sino al mundo entero mientras duraron como grupo. Y respecto a si hubo otras propuestas para que los Beatles se vuelvan a presentar en otras ediciones de la Royal Variety Performance, si existieron, como Lennon lo refiriera en el documental “Anthology”, aunque las rechazaron año a año, pero la negativa no impidió que la Reina los convirtiera en miembros de la Orden del Imperio Británico en 1965, en reconocimiento de los enormes ingresos que generaron cuando abrieron el mercado estadounidense a la música pop británica. Para entender el pensamiento de Lennon, pondré esta cita tomada del libro Anthology que puede resumir su clásica frase:

“Ese programa es un mal trabajo, de todos modos. Todo el mundo estuvo muy nervioso y tenso y nada funcionó bien. La vez que lo hicimos, rompí una broma en el escenario. Estaba fantásticamente nervioso, pero quería decir algo para rebelarme un poco, y eso fue lo mejor que podía hacer". (John Lennon)

Victor Carrillo Gonzales 62

El 1 de noviembre de 1968 comienza formalmente la carrera solista de George Harrison (y de cualquier Beatle) cuando se publica el álbum Wonderwall Music, conteniendo la banda de sonido del film Wonderwall. Los tracks instrumentales se dividieron en partes iguales entre música occidental e hindú. En el primer grupo participaron entre otros, usando pseudónimos, Ringo Starr (Richie Snare) y Eric Clapton (Eddie

Clayton). Los sonidos de la India se grabaron en Bombay, en enero de 1968, con los mismos músicos que grabaron la pista instrumental de The Inner Light. Pese a ser el productor, George no tocó en ningún track del disco.

El día 4 Yoko Ono, embarazada de 6 meses, es internada en el Queen Charlotte’s Hospital, sufriendo un cuadro de stress, atribuido a la redada por drogas que habían sufrido ella y John en su domicilio. Lennon insistió en permanecer junto a su mujer durante toda la internación.

El 8 de noviembre Cynthia Lennon presentó un pedido de divorcio de su marido John Lennon, alegando que él había admitido públicamente el adulterio que había cometido y con la prueba contundente de que Yoko esperaba un hijo de él. Cynthia además solicitó la custodia de Julian.

Ese mismo día, en Los Angeles, George Harrison continuaba en su rol de productor del álbum Is This What You Want’, disco debut de Jackie Lomax, que sería publicado por Apple. Las sesiones ya venían teniendo lugar desde antes y seguirían en varias fechas posteriores.

El 11 de noviembre de 1968 se editó en los Estados Unidos el primer álbum de John Lennon, dentro del ámbito de la música experimental. Este trabajo, grabado junto a Yoko el 19 de mayo de 1968, se tituló Unfinished Music No 1: Two Virgins y contenía experimentos sonoros hechos en el estudio casero del Beatle. Lo más polémico en verdad fue su portada, donde ambos posaban totalmente desnudos, de frente a la cámara. Por ello fue sacado a la venta, por el pequeño 67

sello Tetragrammaton, en una bolsa de papel marrón. En USA saldría el día 29.

Mientras tanto en Los Angeles, George seguía grabando a Jackie Lomax, y en éste día en particular se trabajó en 5 canciones a las cuales se les agregó el sonido del nuevo sintetizador Moog III, ejecutado por Bernie Krause. Al finalizar la sesión, George le pidió a Bernie si podía quedarse y mostrarle en más detalle aquel nuevo instrumento, por lo que continuaron en el estudio hasta entrado el día 12. Según afirmaría Krause posteriormente, Harrison habría hecho grabar la demostración sin su conocimiento ni consentimiento, y luego la publicaría en su segundo trabajo en solitario, Electronic Sound, con el título de No Time Or Space, obviamente sin la aprobación de Krause. El día 20 de noviembre Paul McCartney, el único Beatle que se tomó la molestia, concedió 68

una entrevista para promover el inminente lanzamiento de The Beatles, su álbum doble homónimo que sería conocido luego como The White Album. La charla tuvo lugar en su casa de Cavendish Avenue y estuvo conducida por Tony Macurthur para Radio Luxembourg.

El día 21 Yoko Ono sufrió un aborto espontáneo mientras estaba internada en el Queen Charlotte’s Hospital. El bebé tuvo que ser registrado y lo hicieron bajo el nombre John Ono Lennon II.

Ese día en Los Angeles, George participó en la grabación de Badge, la canción que compuso junto a Eric Clapton, para el álbum Goodbye de Cream.

Como una devolución de gentilezas por la participación de Eric en While My Guitar Gently Weeps, George tocó guitarra rítmica con el pseudónimo L’Angelo Misterioso, debido a las restricciones que tenían los músicos en aquel entonces para aparecer en discos de sellos discográficos rivales.

El 22 de noviembre de 1968 se publica “The Beatles” en Inglaterra, el nuevo y doble nuevo álbum de la banda, siendo el primero en salir bajo su propio sello Apple. La cubierta totalmente blanca (con apenas el nombre en relieve y, en sus primeras ediciones, un número de serie), hicieron que sea bautizado como el “White Album”. Tres días más tarde sería editado en los Estados Unidos.

El 28 de noviembre John Lennon se presentó en el Marylebone Magistrate’s Court, donde asumió toda la responsabilidad con respecto a la redada antidrogas que el matrimonio Lennon había sufrido el mes anterior, y que indirectamente había provocado el aborto espontaneo de Yoko. Fue hallado culpable y condenado a pagar una multa de 150 libras más los gastos de la corta, algo que en ése momento le pareció leve pero que sería un dolor de cabeza unos años más tarde, pues la administración Nixon se hizo eco de ésta condena para negarle la residencia en los Estados Unidos.

Otro disco Beatle en solitario tenía su edición estadounidense el 1 de diciembre de 1968: Wonderwall Music, por George Harrison, salía a la venta éste día.

Participaron además The Who, Traffic y Taj Mahal, además de The Rolling Stones, pero todo el Proyecto fue guardado en cajón por 25 años.

El día 4 de diciembre George envió un memo al personal de Apple sobre un evento que sucedería pronto y que lamentaría mucho: la banda californiana de motociclistas conocida como “Hells Angels” arribaría de manera inminente y le solicitaba al staff que fueran amables con ellos, sin dejar de hacer su trabajo y sin permitir que tomaran control de las actividades en Saville Row Nro. 3.

Entre el 10 y el 11 de diciembre se ensayó y grabó el Rock And Roll Circus de The Rolling Stones, un intento de aquella banda de producir su propio especial de televisión, tal como habían hecho The Beatles con Magical Mystery Tour. La novedad es que John Lennon participó en el marco de una superbanda bautizada como The Dirty Mac, que incluía además a Mitch Mitchell, baterista de la Jimi Hendrix Experience, Keith Richards, el guitarrista de los Stones oficiando de bajista, y Eric Clapton, el virtuoso guitarrista de Cream. Tocaron Yer Blues por si solos y luego, con la inclusión de Yoko Ono y el violinista Ivry Gitlis ejecutaron una improvisación que se denominó como Whole Lotta Yoko. 70

El día 18 de diciembre, la última actividad de los Lennon fue un happening en el Royal Albert Hall, donde aparecieron en escena dentro de una gran bolsa blanca. La idea era lograr una “comunicación total” con la audiencia, ya que no había factores visuales que pudieran interferir. Permanecieron allí mientras otros artistas recitaban poesía o tocaban música. Se registró un incidente cuando un protestante irrumpió en el escenario con un cartel que repudiaba que el gobierno británico haya tomado partido en la guerra civil nigeriana, al grito de “¿Te importa, John Lennon?” Él demostraría que sí le importó al año siguiente, devolviendo su medalla de MBE.

Martín Castro

gobierno en impuestos”, hubo que virar una vez más, y con más fuerza.

Hacia 1963 The Beatles crea como entidad a Beatles Ltd para manejar asuntos legales relativos a la banda, donde cada Beatle tendría su porcentaje de acciones. Hacia comienzos de 1967 esa empresa es reemplazada por The Beatles & Co., que cumplía esencialmente la misma función. Pero poco después, luego de que The Beatles recibieran de parte de Brian Epstein la consigna “o invierten dos millones cada uno en alguna cosa o que se los lleva el 74

Los muchachos se decidieron por lo primero, es decir, invertir ese dinero para crear una nueva empresa multimedia, logrando así que el monto que se llevaría el fisco sea mucho menor. En el interín ocurre el fallecimiento de Brian, y ya sin su mentor y guía, en enero de 1968 llegó Apple Corps, con diferentes secciones como “Apple Technology”, “Apple Films”, y un largo etcétera, de la cual con todos los detalles alguna vez hablaremos en Glass Onion. Pero hoy, de lo que hablaremos puntualmente es de la historia del logo y sus variantes. No es ninguna novedad que el logo de Apple sea, valga la (traducida) redundancia, una manzana. Pero, ¿Cómo se llegó a dicha manzana? Hay versiones encontradas al respecto e incluso el mismo Paul se ha contradicho en pasajes de la anécdota, pero uniendo las partes la historia sería así:

Paul contó en una entrevista que todo surgió en 1967, una tarde en la que llegó Robert Fraser (amigo y dueño de una galería de arte de Londres) a su casa en Cavendish Avenue y trajo consigo una obra de Rene Magritte, artista que Paul amaba por su particular sentido del humor y estilo intrigante. Magritte había fallecido ese mismo año y solían encontrarse obras a un buen precio. El cuadro que llegó ese día en cuestión era el llamado “Le jeu de mourre”, fue pintado en 1966 y tenía una gran manzana verde Granny Smith ocupando casi toda la imagen, y la leyenda “Au Revoir” escrito sobre ella. Y a Paul le fascinó el diseño, tanto que le dijo a Robert Fraser “era lo más genial que

alguien me había conseguido”. “Y esa gran manzana verde, que aún tengo, se convirtió en la inspiración para el logo. Y luego decidimos cortarla por la mitad para el Lado B. En una charla entre Derek Taylor (publicista de The Beatles) y Paul McCartney, cuando iban ideando y dando forma a la empresa, surgió que los niños comienzan a aprender las letras en inglés dicen “’A’ is for Apple”. Se pensó en ir por ese lado, pero Paul sugirió que, como juego de palabras, en lugar de llamarlo solo “Apple”, se pase a llamar “Apple Core” (corazón de manzana), pero, siendo que el nombre no se pudo usar por cuestiones legales, optaron por convertirlo en “Apple Corps”, de pronunciación casi idéntica. Y no solo para las campañas publicitarias sino como nombre legal final.

usar los label diferentes para cada lado, tal como quedo y lo conocemos hasta hoy en día. Ya con la idea final aprobada, Gene Mahon le requirió a Paul Castell tomar fotografías de diferentes tamaños y variedades de manzanas rojas, verdes y amarillas, enteras y cortadas, para que The Beatles pudiese seleccionar la que más les gustasen, siendo elegida finalmente la gran Granny Smith Verde. Como un dato adicional, el borde circular con letras verdes que se utilizó en los labels en el Reino Unido fue un diseño provisto por Alan Aldridge.

Siendo la manzana de Magritte el logo definido de Apple, la idea era que ocupase los lados de los discos de vinilo editados por The Beatles y sus artistas contratados. La tarea de re-adaptar la manzana recayó en Gene Mahon, quien sugirió dejar en el lado “A” del label la manzana completa y totalmente limpia, libre de todo texto, y del otro lado utilizar la manzana, pero esta vez partida por la mitad, dejando mucho espacio blanco para escribir toda la información del álbum. EMI rechazó de lleno la idea de dejar todo un lado limpio por cuestiones legales y de copyright, pero aceptó 76

Finalmente, el 26 de agosto de 1968 se lanzaron los primeros cuatro sencillos de “Apple Records” simultáneamente, todos con la manzana verde impresa en su label: Apple #1 “Hey Jude” / “Revolution” por The Beatles, Apple #2: “Those Were The Days,” de Mary

Hopkin (producido por Paul McCartney), Apple #3: “Sour Milk Sea” de Jackie Lomax (producido y compuesto por George Harrison) y Apple #4: “Thingumybob” por Black Dyke Mills Band (compuesto por Lennon/McCartney).

Diferentes Versiones La primera ligera variación del label se da con el surgimiento de la subsidiaria Zapple, donde originalmente se pensaba publicar trabajos experimentales, y así fue, aunque solo se publicaron dos: “Electronic Sounds” de George Harrison y “Unfinished Music No2, Life With The Lions” de John Lennon y Yoko Ono. Allí, la única gran diferencia era la palabra “Zapple” en cursiva en la parte superior del label, a ambos lados. Pero la primera gran diferencia entre labels de Apple se da en la edición 77

norteamericana de Let It Be, donde se utilizó la manzana, pero en color rojo, para diferenciarse del Apple británico. En Estados Unidos el disco se editó a través de United Artists, y la intención era marcar su diferencia respecto a Apple. Si bien son menos notorias, también hay diferencias comparando las británicas respecto a otras ediciones estadounidenses, por Capitol Records, donde los tonos verdes de la manzana del Reino Unido, si bien se mantienen, son menos luminosos y brillantes.

cuatro primeras caras del álbum triple. Más interesante aun es que para el tercer disco, que son las cinco zapadas o “Jams”, muy a tono decidió que los labels del álbum sean “Apple Jam”, juego de palabras que traducido se podría entender como (Mermelada de Manzana), y en vez de tener la manzana, sean un frasco de mermelada de manzana.

Quizás (y esto solo lo imagina quien les escribe) tomando como referencia lo que ocurrió con el label Estadounidense de “Let It Be”, los ex Beatles notaron que podían expresarse a través de los labels, y se comenzó una seguidilla de curiosidades y variaciones de la manzana en sus lanzamientos subsiguientes. El primero en ponerse artístico fue George, quien en su “All Things Must Pass” de 1970 conservó la manzana, aunque llevada a tonos Naranja. George no utilizó la manzana cortada para los respectivos Lados B, sino que usó la manzana entera para las 78

Luego se reduciría a una mínima expresión y en color negro en el label de “Living In The Material World” y desaparecería del todo en el de “Dark Horse”, pero… una muy muy especial es la que se puede encontrar en el label “Extra Texture”: una manzana completamente comida, de la que sobra solo el centro. Un guiño muy típico del humor de George respecto a cómo Apple ya no es lo que fue en un comienzo.

Si bien venían de los discos experimentales y el Live in Toronto con la manzana verde, poco después de “All Things Must Pass” fue el turno de los “John/Yoko Plastic Ono Band”, donde ambos optaron por retirar la manzana del label, pero conservar la silueta blanca de lo que hubiese ocupado delante del fondo negro. Este mismo lanzamiento, del lado estadounidense, conservó la idea de “manzana blanca”, aunque no fue solo una silueta, ya que se le dio efecto tridimensional Y en sus trabajos siguientes de 1971 (“Imagine” de John y “Fly” de Yoko) cubrieron el espacio en blanco dejado en la manzana de su

álbumes anteriores con fotografías suyas sobre la silueta de la manzana del Lado A, y del lado B si se volvió a la manzana cortada… aunque si se mira en detenimiento pareciera sugerir otra cosa. John luego volvería a la manzana verde tradicional, aunque Yoko volvería a usar su cara sobreimpresa en “Approximately Infinite Universe” de 1973. Incluso en Some Time In New York City, reapareció la silueta de manzana blanca, pero en un segundo plano muy chiquita y abajo.

En 1971, para su sencillo “Back Off Boogaloo”/”Blindman”, fue Ringo quien se volvió original llevando el tono de la manzana a un surreal azul. Otra manzana novedosa presentó en 1975 para su recopilatorio de éxitos “Blast From Your Past”, donde Ringo volvió a innovar llevando la manzana a un rojo realista. En medio, o bien usó la manzana verde, o bien alguna versión reducida para labels temáticos como en “Ringo” y “Goodnight Vienna”. En este último, con un label mostrando una galaxia a tono con la portada, la manzana se redujo

y tiñó de blanco casi pasando como un planeta más del pequeño universo. Paul, ideólogo de la marca “Apple”, fue bastante firme en la idea de usar su creación, y en casi todos sus lanzamientos en solitario o con Wings en Apple utilizó predominantemente la Granny Smith verde estándar. Una excepción fue el álbum “Band On The Run” con Wings, donde aparecen en el label fotografías de la banda y la manzana pasó a un segundo plano, pequeña y de color gris sobre negro.

Apple Films La subsidiaria de Apple para edición de películas también contó con un logo especial, y la curiosidad es que es muy notoriamente hecho a mano en lugar de haber sido una fotografía. Consta de una manzana roja que va girando y pelándose, dejando a la vista escrito “An Apple” y la cascara va formando la palabra “Film”. Fue utilizado para todos los lanzamientos desde 1967 a 1974. Y fue reemplazado por la manzana verde tradicional desde 1994. 80

Apple Vs. Apple Años después, el logo de Apple Corps volvió al eje de la tormenta cuando en 1978 se le inicia una disputa legal a Apple Computers (O Apple Inc.), la empresa de electrónica y software fundada por Steve Jobs (Fan de The Beatles) y Steve Wozniac en 1976, debido a infracciones de copyright, por el uso de marca y logo “Apple”. Se llegó a un acuerdo en 1981, en el cual Apple Inc se comprometía a no introducirse en el terreno de la música con su negocio, más un pago de U$D 80.000. Pero, en 1991 hubo otro litigio, debido a la inclusión del formato MIDI en las computadoras Apple. Este nuevo litigio le costó a Apple Inc otros 26,5 millones de dólares. Un tercer round de Apple Corps llegó en 2003, con la salida de ITunes y el IPhone de Apple, alegando que Apple Inc violó una vez más el acuerdo de no distribuir música, pero esta vez, Apple Corps perdió. En 2007 finalmente se llegó a un acuerdo entre ambas manzanas, en el cual Apple Inc toma posesión de todo lo referido a la marca “Apple”, incluyendo nombre y logotipos (e incluso la famosa Manzana verde Granny Smith de Apple Corps), pero licenciándole para su uso esos logos 81

específicos a Apple Corps, bajo arreglos que son confidenciales, aunque se rumorea que Apple Inc habría comprado a Apple Corps los derechos del logotipo y marca por 500 millones de dólares.

Federico B.

En esta nueva entrega de álbumes Beatle reversionados por todo tipo de artistas de todo el mundo, le damos lugar a Venus And Mars, el cuarto álbum de Wings y sexto de Paul McCartney por fuera de The Beatles. Escucharemos entre otros artistas a Kiss, Heart, The Pontiac Brothers, Freddy Johnston y The Bruce Baxter Orchestra. Adelante! Lista con muchos de los temas en Spotify: https://open.spotify.com/playlist/3ItnLb3HcihgHfgZ4DX9ee Lista en Youtube: https://www.youtube.com/playlist?list=PLLuiPVcTSpdB75qbsRbHvsHer68e2zb9H

Venus And Mars / Rockshow, por Kiss (2014) El segundo gran álbum hit de Wings, arranca con la gran intro ideal para estadios Venus And Mars, seguida de la mano de Rockshow. En este caso la traemos de parte de Kiss, icónica banda de hard rock neoyorquina formada por Gene Simons y Paul Stanley en 1973. El cover de la dupla que abre el disco no llegó hace demasiado tiempo, ya que formó parte del disco homenaje a Paul McCartney que se editó en 2014 titulado “The Art Of McCartney”, del que también participaron figuras como Bob Dylan, Billy Joel, Brian Wilson, Barry Gibb y un largo etcétera contando un total de 42 canciones. https://youtu.be/VPCexEPWIko 84

Love In Song, por Big Fish Ensemble (2000) No hay muchos covers disponibles del tercer track de Venus And Mars, pero el que aquí les presentamos fue realizado por la agrupación estadounidense de rock alternativo Big Fish Ensemble, en el año 2000, y como tema que da nombre al álbum tributo: “Love in Song: An Atlanta Tribute to Sir Paul McCartney” https://www.youtube.com/watch?v=NiCmsZ6hOEk

You Gave Me the Answer, por Rangzen (2005) El caso de You Gave Me The Answer es particular, ya que lo que aquí les presentamos es la única edición que pude encontrar donde sale versionado, al menos como fragmento. Y lo es como parte de un Jam. En 2005 la banda italiana tributo a The Beatles, Rangzen, publica bajo la forma de “Jammin’ In Studio”, tema 9 “extra” de su segundo álbum “Rangzen Live At The Abbey Road Studios”. Dentro del Jam hay fragmentos de “Maxwell’s Silver Hammer”, “Oh Darling” y “A Day In The Life”. La versión comienza en 1:56 y se extiende hasta el minuto 3:14. https://www.youtube.com/watch?v=5Sv3tEY4lwQ

Magneto And Titanium Man, por The Pontiac Brothers (1988) Llegamos a la zona Marvel con Magneto And Titanium Man, aquí versionada por la agrupación hard rock The Pontiac Brothers en 1988 para su álbum Johnson. The Pontiac Brothers fue una banda norteamericana formada en 1983 y que editó cinco álbumes hasta su separación en 1993. https://www.youtube.com/watch?v=DlRscWRrx3o 85

Letting Go, por Heart (2014) También desde el recopilatorio de varios artistas titulado “The Art Of McCartney”, de 2014, nos llega esta potente versión de Letting Go, por Heart, banda de rock estadounidense formada por las hermanas Ann y Nancy Wilson en 1973. Heart también versionó en 2014 Band On The Run y Let Me Roll It. Mirando sus carreras en solitario, podemos decir que Ann Wilson ha versionado canciones de The Beatles, John Lennon y George Harrison. https://www.youtube.com/watch?v=CtzBosIctvQ

Venus And Mars (Reprise), por 13ThBeatle (2010) 13ThBeatle tiene en su canal de YouTube una cantidad impresionante de covers de todo tipo de canciones Beatle y solistas, cubriendo prácticamente todo el catálogo existente, contando hasta las pequeñas curiosidades como este reprise de Venus And Mars que aparece abriendo la cara B de Venus And Mars. https://www.youtube.com/watch?v=YHIwLWVqOxU

Spirits of Ancient Egypt, por Mike Valentine (2007) Llegamos al tema cantado por Denny Laine en el álbum. El cover fue realizado por el músico Mike Valentine, quien subió algunas canciones versionadas de forma acústica en su canal desde 2007,. Allí además tiene covers de Magneto And Titanium Man, Sally G y The Note You Never Wrote, además de canciones de artistas de los 70’s y 80’s. A modo anecdótico y que nada tiene que ver con el cover aquí presentado, también me gustaría destacar que Spirits Of Ancient Egypt fue utilizada a modo de sample dentro de la canción Darkside/Gone de Dr. Dre en 2015. https://www.youtube.com/watch?v=SEkfcMharEo 86

Medicine Jar, por Randell Milan (2019) Y ahora el turno del tema de Jimmy McCullough, Medicine Jar. El cantante y compositor Randell Milan en su canal de YouTube suele subir covers de sus canciones favoritas, y en este caso ha versionado el Medicine Jar, de una forma notable. Randell tiene en su canal también covers de Silly Love Songs, Nineteen Hundred And Eighty Five, Maybe I’m Amazed, My Love, y varias canciones Beatle. https://www.youtube.com/watch?v=B6lj8-GaaRM

Call Me Back Again, por Deadman (2018) Volvemos a los temas cantados por Paul con otro cover bastante reciente. Fue realizado por la agrupación Deadman, e incluido en su álbum debut “Can’t Do Nothing But Try”, lanzado en septiembre de 2018 y siendo el cuarto tema del mismo. https://www.youtube.com/watch?v=rsBHNlGz6VM

Listen To What The Man Said, por Freddy Johnston (2008) Otro de los sencillos de Venus And Mars fue versionado por varios artistas con el correr de los años. Aquí presentamos el cover realizado por el cantautor Freddy Johnston, oriundo de Nueva York, e incluido en su trabajo de estudio “My Favourite Waste Of Time” de 2008. En ese mismo trabajo, Freddy también incluyó un cover de Let ‘Em In, también de Wings. https://youtu.be/vdgrFjaNZks 87

Treat Her Gently – Lonely Old People, por Another Boys (2010) La banda de covers Beatle y solistas The Another Boys, oriunda de Japón, cuenta en su repertorio con este correcto cover del tema de Wings en su vastísimo catálogo de cientos de canciones. Buscando rápidamente uno puede encontrar covers de lo más diverso, desde los clásicos Beatle hasta rarezas como “Baby’s Request”, “Little Wing”. Según los créditos, el cover de “Treat Her Gently” corre por cuenta de dos de los integrantes de la banda: Mr. U y Mr. N. https://www.youtube.com/watch?v=TXgLbr14YZw

Crossroads Theme, por The Bruce Baxter Orchestra (1977) Y para cerrar el álbum de Wings aparece sorpresivamente un cover. El original data de 1965 y fue grabado por The Tony Hatch Orchestra, y era originalmente la cortina de una novela inglesa de nombre “Crossroads”. La version de Wings tomó importancia y de hecho fue utilizada en algunas ocasiones dentro de la misma novela, que fue emitida de 1964 a 1988 ininterrumpidamente, además de un pequeño revival a comienzos de los 00’s. Pero aquí hablamos de versiones posteriores a la “Beatle”, por lo que presentamos el cover realizado en 1977 por The Bruce Baxter Orchestra, dentro del álbum “50 Popular TV Themes”, compartiendo espacio con temas televisivos de la talla de Hawaii-5-0, Bonanza, Thunderbirds y Mision Imposible, entre otros. https://www.youtube.com/watch?v=fJvWgNYnvQk

Philip Norman es un tipo osado. A los 22 años, cuando era corresponsal del pequeño periódico Northern Eco, consiguió colarse por unos minutos en el camerino de The Beatles, durante la que sería su última gira, justo antes del concierto que ofrecerían

Newcastle-on-Tyne,

diciembre de 1965; conversó con Ringo y John, y le preguntó a Paul si su bajo Höfner con forma de violín era más caro que los demás. “Sólo 52 guineas -le respondió McCartney- ¿sabes? Soy un tacaño”. Entonces Norman le preguntó si era un bajo pesado, y Paul por toda respuesta se lo lanzó y lo dejó probarlo. En 1976 empezó a escribir “Shout”, una de las biografías de The Beatles más cotizadas de todos los tiempos, publicada en 1981; en la que se dejó decir que Lennon era tres cuartos de los Beatles y McCartey era sólo su departamento de relaciones públicas; lo cual caló en el corazón de Yoko Ono, 92

recién enviudada; pero provocó el enojo de McCartney, que no dudó en atacar el trabajo de Philip, derivando en una larga enemistad entre el crítico y el músico. Por su parte, Ono contrató a Norman para que escribiera la biografía de John Lennon, y este hizo un trabajo tan notable que el mismo

Paul

aceptó

que

era

magnífica

respetable.

Pero la osadía no acaba allí. Después de haber mancillado la imagen de McCartney, Philip tuvo la valentía de pedir autorización a Paul para escribir su biografía. Y contra todos los pronósticos, el Beatle aceptó. El resultado es el libro del que nos encargamos en estas páginas: “Paul McCartney: The biograph”, un libro de 800 páginas impreso en edición de lujo por Malpaso Editores, en 2017.

GLORIA

TRIBULACIONES

UNA

LEYENDA

hombre del bajo; y así, a través de una amena narración, nos va internando en la complicada vida

Muchos podrán creer que la vida de Paul

de un ser humano que fue preso de su

McCartney, uno de los artistas de la música con

desmesurada fama.

mayores fortunas en el Reino Unido, ha sido perfecta, sin mayores escándalos que aquella vez

Debemos recordar que Paul perdió a su madre,

que fue arrestado en Japón y encarcelado nueve

Mary, una enfermera encantadora y cariñosa (la

días por posesión de una pequeña cantidad de

misma Mother Mary que menciona en Let it be)

drogas, en 1980. Pero para esta exhaustiva

cuando tenía apenas 14 años, quedando a cargo

biografía, Philip Norman no sólo consiguió la

de su padre, un hombre maravilloso de quien

bendición del Beatle, sino que logró acceso

aprendió los valores de los que aún goza pese a

privilegiado a los miembros de la familia y el

ser una celebridad. Detrás de Paul la estrella

círculo de amistades de McCartney, fuentes que

habita un ser humano decente y de gran calidad

nunca antes habían contado sus vivencias junto al 93

humana.

fama grupal, y Ringo se orientó a una ascendente carrera cinematográfica; McCartney entró en una severa depresión; llegando al extremo de tener ataques de nervios y casi convertirse en un alcohólico. Pero hay otro gran trauma en la vida de Paul: su larga relación amorosa con su esposa Linda, aunque de verdad casi rozó el idilio a nivel de pareja, ante los medios de comunicación fue toda una tortura. Después del éxito de los Beatles, Paul funda la banda Wings, con quienes pretendía repetir aquella gloria del cuarteto de Liverpool, y de alguna manera lo mantuvo vigente en lo más alto de las listas de éxitos durante la década del setenta; pero primero tuvo que soportar las burlas de la prensa por la decisión de incluir a Linda en la banda. Para muchos, era como la repetición de la misma situación de Lennon y Yoko Ono en las sesiones de grabación de los últimos años de los Beatles, que tanto parecía molestar a Paul y al resto del grupo, así que McCartney se convirtió en el cuidador de su esposa frente a las preguntas voraces de los periodistas y los ataques de la crítica musical. La relación de ambos fue fuerte de Aunque en sus primeros años de amistad el hecho de haber perdido a sus madres unió a la dupla de compositores más famosa de la historia del rock, el libro de Norman detalla la difícil relación de Paul con John Lennon conforme su éxito ascendía; no escatima en contar su trauma personal tras la separación de los Beatles que, si bien es cierto fue él quien renunció primero, fue también el más afectado a nivel psicológico; ya que mientras George y John se sentían liberados del yugo de la 94

principio a fin, cuando el cáncer se llevó a Linda en 1998; y un devastado Paul erró en su búsqueda de consuelo al casarse con Heather Mills, exmodelo y activista de diversas causas sociales, con quien tuvo una hija y convivió de 2002 a 2008, año en que se divorciaron, no sin antes tener McCartney

que

sellar

jugoso

acuerdo

financiero de 25 millones de dólares en favor de Mills, quien quedó ante la mirada pública como una refinada cazafortunas.

LAS PERIPECIAS DEL BIÓGRAFO.

Muchas historias de giras, anécdotas familiares, problemas

con

crítica,

amistad,

colaboraciones y posterior ruptura de relación con Michael Jackson a causa de su polémica adquisición de los derechos de las canciones de los Beatles a espaldas de McCartney, y muchos pasajes que han hecho las delicias de los comentaristas musicales y las masas de fanáticos de todo el mundo durante más de cuatro décadas, hacen imposible resumir en pocas páginas el contenido de esta obra; no podemos obviar que la música pop tiene una vida contemporánea, que ha sido la banda sonora de la humanidad a través de los últimos 70 años, y que engloba mucho más que sólo el plano musical.

Eso nos hace meditar en todas las dificultades que Philip Norman se topó a la hora de gestar el proyecto. Primero, el hermetismo de Paul quien, a pesar de mostrar siempre su mejor sonrisa ante las cámaras, a lo interno alcanza casi las mismas cuotas de recelo de personajes como Bob Dylan. Sumado a ello, el hecho de que Paul nunca quiere ser interrumpido; siempre está enfocado en mantenerse en la cima, y Norman lo comprobó con sus propios ojos en Liverpool en uno de los conciertos previos a la publicación del libro, cuando Paul ofreció a la audiencia un concierto de tres horas en las que apenas si probó un sorbo de agua, como tratando de demostrar que aún puede cautivar y ganarse el amor del público como lo hacía cuando apenas tenía veinte años, allá en los 95

lejanos sesentas. Pero, fieles a nuestra costumbre de compartir con los lectores algunos pasajes interesantes de

los

libros

que

reseñamos,

dejamos esta anécdota familiar, a modo de cierre:

Después de más veinte años de haber nacido el rock and roll, su cimiente rebelde se había civilizado, convirtiéndose en música pop. Pero entre 1976 y 1977, hubo un violento cambio de rumbo. Por un lado, las bandas de rock se habían vuelto más profesionales y sus músicos eran verdaderos virtuosos. Los subgéneros del rock se habían multiplicado y muy particularmente, el rock progresivo vivía quizás su mejor época. Bandas como Yes, Jethro Tull, King Crimson y Emerson, Lake and Palmer lanzaban discos maravillosos, se

Un sector de la juventud se sentía disconforme, como atrapado entre ambas vertientes. Soñaban con alcanzar la fama, pero no querían caer en la cursilería del pop ni poseían el virtuosismo de un John Bonham, de un Eric Clapton, de un Jaco Pastorius; y fue así como surgió el punk rock, un género nacido en el bohemio centro de Nueva York, pero que se volvió popular gracias a una banda inglesa, los Sex Pistols, que pusieron el mundo de cabeza con su primer sencillo “Anarchy in the UK”, publicado en 1976. Básicamente el punk trajo consigo una estética decadente, de una fingida pobreza a la hora de vestir, pero adornada con los conceptos tabú del fetichismo sexual y la automutilación.

quizás

detalle

más

importante, es que no se necesitaba ser un gran músico, ni cantar bien, para formar una banda de punk. Pronto empezaron a surgir grupos de punk por toda Inglaterra, ya que para iniciar necesitaban tan poco como los grupos de skiffle de la adolescencia de Lennon y McCartney. Además, el look a medida de los sesentas, que fue uno de los embarcaban en giras mundiales y durante los conciertos

improvisaban

largos

solos

que

enloquecían a los fans, y aunque los discos se vendían muy bien, por la duración de las canciones, era difícil programarlas en la radio frecuentemente. Así que, por la otra esquina del cuadrilátero, surgían los grupitos y solistas de pop prefabricados, con canciones dulzonas y cursis,

grandes legados de los Beatles, quedó obliterado, las corbatas y los trajes de sastre dieron paso a los piercings, los imperdibles y otros adornos de metal, las botas militares, las camisetas rasgadas y los pantalones sucios y desteñidos, el otrora glorioso flequillo beatle o la cuidada melena a lo Robert Plant dieron lugar a las cabezas rapadas, sin distingo de sexo.

casi de composición automática, que eran las que saturaban las listas de popularidad.

El punk se ganó muy pronto la antipatía de la crítica musical y pronto se adueñó de los titulares de

prensa

amarillista.

Podía

esperarse

Beatles”, lo cual, ubicado en el contexto del género, debía entenderse como un brutal insulto.

Lejos de escandalizarse, Paul y Linda empezaron a adoptar seudónimos punk: él era Noxious Fumes y ella Vile Lin. Cuando su hija Heather, que tenía entonces 13 años, empezó a poner en casa discos de The Damned, The Clash o Television, mamá y papá también tuvieron que escucharlos, y más tarde no era extraño escuchar a Linda cantar “Neat Neat Neat”. Así que Paul no tardó en escribir una canción punk en broma, especialmente para

entonces, que una mega estrella como Paul McCartney se sintiera amenazado, como muchos de sus colegas, por la eclosión de ese género descarriado del rock; sin embargo, se negó a sumarse al coro de rechazo y desprecio. Para él, las travesuras de Johnny Rotten y Sid Vicious sobre los escenarios, no eran muy diferentes de lo que él mismo presenció con el protopunk de aquel joven John Lennon durante la época de Hamburgo de los Beatles. Hablando de Sid Vicious, fue él quien reemplazó a Glen Matlock como bajista de Sex Pistols. Glen fue despedido de la banda por sus aspiraciones musicales; quería modelar el estilo de su bajo inspirándose en Paul McCartney, pero tanta melodía era una ofensa para la rebeldía del punk, así que fue separado de la banda bajo el pretexto de que “le gustaba la música de los 97

Linda, titulada “Boil Crisis”, que hablaba sobre un

Philip

chaval llamado Sid, quien termina cicatrizado

Londres

como una vara en una pirámide. Pero la canción

reportero,

poseía demasiado contenido y gozaba de rimas en

dramaturgo; ha publicado

exceso, precisas para ser de verdad convincente

biografías de los Rolling

ante los ojos de un punk rocker.

Stones, Buddy Holly y Elton John.

Norman en

nació

1943.

novelista

Escribió

The

Tal vez, tal como lo gritaban los Pistols, sí había

Sunday Times y fue crítico

en esa época cierta anarquía en el negocio

musical de The Times. Y,

musical del Reino Unido, pero en lo personal, lo

como ningún otro, puede darse el lujo de llevar en

que había dentro de Paul era expansión, y una

su currículum la autoría de las biografías

diversificación constante y metódica que siguió

autorizadas de los dos compositores más famosos

explotando. Dos años después el punk era apenas

del rock: John Lennon y Paul McCartney.

una anécdota risible, y McCartney entraba en la década de los ochentas como el artista Pop más importante del planeta. El tiempo, una vez más, le daba la razón.

William Velázquez

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Encontrar Mi Camino Puedo encontrar mi camino conozco mi izquierda y mi derecha Porque nunca nos cerramos Estoy abierto día y noche Conozco mi rumbo Camino hacia la luz Estoy abierto siempre No me pierdo a la noche. Nunca solías tener miedo de días como éste Y ahora estás abrumada por la ansiedad Y déjame ayudarte Déjame ser tu chico Puedo ayudarte a que alcances el amor que sientes dentro

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LOS ESPERAMOS COMO TODOS LOS MESES EN

GLASS ONION 87 ENERO 2021

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