LA IMAGEN FIJA: EL CÓMIC
Todas las características de la imagen fija pueden ser dibujadas. Es decir, que puedes dibujar, pintar o hacer collages en los que haya diferentes planos, tipos de líneas, puntos, angulaciones de la cámara, texturas, etc. A continuación, nos vamos a centrar, desde el cómic en aquellos aspectos narrativos que van más allá del dibujo. Cuando hablamos de cómic queremos hablar del uso narrativo de las imágenes dibujadas, de su capacidad para contar historias.
El cómic, tebeo o historieta, es un medio artístico basado en la sucesión de viñetas con un sentido narrativo cuyo fin es contar historias, así como transmitir sensaciones o ideas. Para ello se vale de un lenguaje gráfico y una serie de elementos característicos (guión, viñetas, encuadres, bocadillos, onomatopeyas, líneas cinéticas, etc.) que en parte comparte con otros medios audovisuales como el cine.
El Bueno de Cuttlas es una tira cรณmica que publica Calpurnio en diario "20 minutos" con licencia Creative Commons
Aquí puedes leer una página del personaje Cuttlas del dibujante Calpurnio. A través de ella puedes ver claramente qué es un cómic. En este caso con un dibujo tremendamente simple y esquemático Calpurnio narra una anécdota en clave de humor. Puedes apreciar sin dificultad la secuencia, el desarrollo de la acción de viñeta a viñeta, desde un paso simple como el que va de la viñeta tercera a la cuarta, en la que vemos aparecer unas flores en un sombrero de mago, a un paso más complejo como el que va de la novena a la décima viñeta, en la que un dios, un pelín enojado, provoca un nuevo big bang.
Básicamente este es el principal recurso del cómic, la narración gráfica, explicar el movimiento, así como el paso del tiempo y del espacio a través de una sucesión de dibujos, con sentido secuencial. Contar una historia expresando lo que el autor quiere transmitir usando viñetas enlazadas y consecutivas.
Esta misma página de Cuttlas nos sirve también para explicar que el dibujo en un cómic no es tan importante como se suele pensar. El estilo de Calpurnio, simplificado al máximo, le sirve para contar exactamente las historias que él quiere contar, sin necesidad de recurrir a un gran virtuosismo gráfico. Lo importante es lo que se cuenta y que esté bien contado, más que el cómo se hace, más que lo “bonito” de tal o cual dibujo, lo que no quita que existan maravillosos dibujantes de historietas
1. Un poco de historia Aunque son muchas las manifestaciones artísticas que se proponen como antecedentes del cómic (las pinturas rupestres, los frescos y relieves egipcios, griegos, romanos y aztecas, los jeroglíficos egipcios, la columna trajana, las vidrieras de las catedrales góticas,...), éste se considera como un producto cultural de la modernidad industrial y occidental surgido en paralelo a la evolución de la prensa como primer medio de comunicación de masas.
El franco-suizo Rodolphe Tรถpffer es considerado el fundador de la historieta moderna a partir de su Histoire de M. Jabot publicada en 1833.
La revista británica de periodicidad mensual Punch Magazine (1841) fue el motor de la expansión mundial del cómic iniciando un modelo que se trasladaría posteriormente a Alemania (Fliegende Blatter ), EE.UU. (Puck, Life y Judge),etc.
El impulso definitivo a esta nueva forma de expresión y comunicación se dio en EE. UU., cuando los dos principales editores del país, William Randolph Hearst y su rival Joseph Pulitzer, decidieron usar la historieta como una manera de vender sus periódicos a una población emigrante que no entendía muy bien el inglés pero sí podía «ver» las historietas.
La fecha del 16 de febrero de 1896, día de publicación de la tira de prensa The Yellow Kid and his new Phonograph de Richard Felton Outcault en el New York Journal, ha sido considerada como la fecha del nacimiento del cómic. Esta tira fue la primera en combinar una secuencia de imágenes y la integración de la palabra mediante globos o bocadillos.
El mundo del Cómic en España
Los eventos sobre cómic son una magnífica oportunidad para conocer en persona a autores e incluso hablar con ellos y preguntarles dudas. El salón del cómic más importante de España es el de Barcelona, pero hay salones y eventos por toda la geografía del país, en Andalucía destacan los de Sevilla y Granada.
Si quieres estar al día de lo que sucede en el mundo del cómic español, lo mejor son los blogs y en nuestro país hay cientos.
En el siguiente vídeo tienes una breve historia del cómic español e internacional.
2. La tira grรกfica o la novela grรกfica
2.1. La tira gráfica o tira cómica Este tipo de cómic se compone generalmente de una serie de viñetas, aunque en ocasiones puede ser una (como la viñeta que veremos a continuación de El Roto publicada en diario EL PAÍS) o dos, e incluso cuatro, aunque lo normal es que sean tres. La tira gráfica permite con mayor facilidad plantear de forma esquemática y rápida ideas o sensaciones. Por su agilidad e inmediatez narrativa y lectora se suele usar para el humor. Y por eso es también conocida como tira cómica.
2.2. La novela gráfica El formato de novela gráfica permite al autor narrar historias más amplias y con más contenido, así como desarrollar los personajes y usar tramas más complejas y elaboradas. Se suele contar una historia con planteamiento, nudo y desenlace, pero también se experimenta mucho narrando sensaciones. Cualquier formato es válido siempre que el autor sea capaz de usarlo en provecho de aquello que quiere contar.
Muchas novelas gráficas suelen llevarse al cine de animación, como "Persépolis", adaptación de la novela gráfica de Marjane Satrapi, en la que una niña iraní atestigua el control fundamentalista de su país y se rebela contra sus políticas estrictas, especialmente las referentes a las mujeres.
3. El Guión El guión es el esqueleto que sustenta cada cómic; sin un guión sólido y claro es muy difícil poder contar algo medianamente interesante. El guión es la trama que une nuestra historia. Lo que queremos contar.
No existe un tipo único de guión de cómics. Van desde los más detallados en los que se explica lo que ocurre en cada viñeta, como por ejemplo los del guionista inglés Alan Moore, cuya descripción de algunas de sus viñetas puede ocupar varias páginas de texto o por el contrario el llamado "estilo Marvel" en el que el guionista entrega al dibujante un argumento resumido y es el dibujante el que lo desarrolla en viñetas. Entre los dos métodos se dan todas las opciones imaginables, el truco, si es que lo hay, consiste en usar un sistema en el que tanto guionista como dibujante (en caso de que sean personas distintas) se sientan a gusto.
Puesto que hay muchas formas de contar historias en el mundo del cómic, veremos dos autores con resultados distintos, pero ambos de una gran calidad. Vamos a analizar un guión del autor argentino Liniers y otro del escritor español Felipe Hernández Cava.
3.1. Liniers vs. Felipe Hernández Cava
Liniers Es un creador argentino cuya obra se centra en el cómic de prensa, es decir, historietas publicadas en periódicos. En el caso de Liniers, sus tiras gráficas suelen tener un estilo poético y onírico.
En esta tira de Liniers vemos un tono marcadamente poético en las dos primeras viñetas, que termina con un giro hacía el humor, la técnica en este caso consiste en contextualizar una expresión poética “El futuro está escrito en las estrellas” dentro de la realidad cotidiana “no se entiende un pito”, a lo que se suma la narrativa estática, los personajes no se mueven apenas, salvo para mirarse mutuamente en la última viñeta.
Si te fijas, la tira tiene grandes espacios en blanco entre viñetas, donde el autor coloca los textos y le sirven para marcar un ritmo lento, haciendo hincapié en la sensación de contemplación que dan los personajes. El autor busca al final, el impacto de esa última frase en contraposición al momento poético que viven los personajes. En apenas tres viñetas Liniers consigue crear dos atmósferas completamente distintas.
Felipe Hernández Cava Es uno de los guionistas de cómics de más calidad de nuestro país. Ganador del Premio Nacional de Cómic por "Las Serpientes Ciegas", dibujado por Bartolomé Seguí, fue miembro del colectivo El Cubri, que realizaban cómics e ilustraciones de carácter político durante la década de los 70. Sus guiones son de carácter realista y suelen estar centrados en la historia del siglo XX en Europa. Vamos a analizar una página de "Las Serpientes Ciegas”.
Se trata de la primera página, la que abre la historia. Si en el caso de la tira de Liniers en tres viñetas nos cuenta una idea, en esta página Cava y Seguí nos presentan una historia, es la primera toma de contacto del lector con una trama que se desarrollará en las siguientes 47 páginas. De un vistazo podemos comprobar que en esta página no hay bocadillos, todos los textos van en cajas. También puedes comprobar que el protagonismo lo tiene en todo momento un hombre con un traje rojo, que centra la composición de todas las viñetas salvo la última.
En la primera viñeta, con un plano general, desde una azotea, se nos informa del año y del lugar donde se va desarrollar la acción principal y en la segunda comprobamos que los textos en las cajas son los pensamientos del protagonista, en este caso nos habla de la II Guerra Mundial que está punto de comenzar en Europa y nos informa de que es un visitante en Nueva York, que acaba de llegar. En la tercera, el guionista se permite una reflexión que nos lleva a Lorca y su Poeta en Nueva York, un Lorca que murió fusilado dos años antes.
En estas tres viñetas nos hemos ido acercando al personaje, desde el plano general de la primera al primer plano de la tercera, un primer plano en sombras, en el que no vemos la cara, creando así inquietud en el lector (pese a que este personaje protagoniza toda la página, en ningún momento le vemos el rostro). En las tres siguientes viñetas vemos al personaje abandonar la azotea y nos informa de porqué está en Nueva York, buscando a un tal Ben que ha incumplido un pacto.
Ya en las cuatro últimas viñetas le vemos alejar se por las calles de la ciudad, reflexionando sobre el calor de la ciudad, una reflexión que refuerza la inquietud que destila toda la página y que se refuerza con la última viñeta, en la que ha desaparecido el personaje y no incluye ningún texto, con lo que se crea un punto de tensión que hace que el lector pase la página con más interés. Esta página nos contextualiza temporal y espacialmente la historia y pone en marcha la trama, dándole un punto de misterio, de inquietud.
3.2. Entre la animación y el cómic Aleix Saló publicó un cómic llamado Españistán en el que narra una fábula en clave de humor sobre la crisis y sus efectos en nuestro país y como reclamo realizó el siguiente vídeo de animación. Ambos, cómic y vídeo son un magnífico ejemplo de como ambos medios conviven, de las relaciones entre la narrativa basada en imagen estática y la basada en imagen en movimiento.
4. El Dibujo
El dibujo, tanto el mรกs simple como el mรกs complejo, debe estar siempre al servicio de la historia y de la narraciรณn, a veces simplificar con exceso un dibujo o embellecerlo demasiado puede ralentizar el ritmo y perjudicar aquello que se quiere contar.
En el proceso del dibujo de un cómic pueden entrar en juego factores simples o complejos. Anteriormente señalábamos que en un cómic no es necesario que el dibujo sea perfecto y veíamos el ejemplo de Cuttlas de Calpurnio. Podemos encontrar cómics con un estilo simple, esquemático y también cómics con un dibujo más artístico, como el del dibujante gaditano, Carlos Pacheco.
4.1. Carlos Pacheco vs. Calpurnio Carlos Pacheco Carlos Pacheco es uno de nuestros autores más internacionales, publica en los Estados Unidos para las dos editoriales de superhéroes más importantes: Marvel y DC. Ha dibujado per sonajes tan impor tantes como Superman, Batman, los Cuatro Fantásticos, los X-Men, Thor o el Capitán América.
En la página de Carlos Pacheco vemos como cada plano cumple una función concreta. Las dos primeras viñetas son primeros planos que el dibujante usa para reforzar la situación de ambos personajes, en este caso un encuentro. La siguiente viñeta, la de mayor tamaño de la página, muestra con un picado un plano general del lugar donde se encuentran, una iglesia en ruinas presidida por un crucificado destruido, con lo que consigue dotar de cierto dramatismo a la escena. La siguiente viñeta nos sitúa en la acción, ella ayuda al herido y el texto nos explica que fue herido. La última viñeta introduce un nuevo personaje y la tensión que refleja la pose del protagonista nos crea un momento de tensión que queremos resolver llevándonos a la siguiente página.
En esta página vemos 4 viñetas, las dos primeras y las dos últimas, resueltas con habilidad pero sin alardes, mientras que la viñeta central, con un plano difícil de dibujar y con un punto de espectacularidad (conseguido con ese picado y reforzado por el crucificado destrozado del primer plano). En cada viñeta y en el conjunto de la página Pacheco consigue centrar la atención donde el guionista quiere que esté, creando además un punto de tensión en la última viñeta.
Calpurnio
En la página de Cuttlas de Calpurnio lo primero que llama la atención es la simpleza del dibujo, con un estilo que parece dibujado por un niño y aparentemente poco complicado. Aunque si nos detenemos un momento podremos comprobar que no es así. Si nos centramos en la última viñeta, la que ocupa casi toda la página, vemos que es un picado muy forzado (imagen vista desde arriba) y que requiere dominio de la perspectiva.
Así pues, en el caso de Calpurnio tenemos un autor que posee las bases del dibujo pero, conscientemente decide usar un dibujo muy simple. Uno de los principales motivos que explican esa decisión es que el autor quiere dar más importancia a lo que se cuenta que a lo que dibuja, por ello se apoya en un dibujo tan básico.
Lo que Calpurnio plantea en esta página es una anécdota a cuenta de Google Earth. Realiza un zoom desde el universo, viendo todo el planeta hasta la azotea del protagonista de la página, Cuttlas, quien saluda al satélite. Con una primera tira de cuatro viñetas en las que realiza el acercamiento, termina con una viñeta enorme, creando así la sensación de impacto que busca. El efecto narrativo es más importante que el detalle del dibujo.
Si comparas esta página con la que abrimos el tema, también de Calpurnio, verás que los recursos que usa al final de cada página son muy parecidos, con una viñeta final, de mayor tamaño que el resto, donde crea el efecto que busca en el lector.
Puedes encontrar un magnífico ejemplo de cómo se dibuja una página de cómic en el siguiente video en el que el autor del webcómic Kursk muestra cómo planifica, dibuja y entinta una de sus páginas:
5. El soporte: los webcómics
El soporte donde se sitúe el cómic va a influir en la manera de narrar la historia, no es lo mismo hacer un cómic de superhéroes de 24 páginas que un tomo de manga de 200 o hacer un cómic pensado para la web que para papel.
En los últimos años, con el desarrollo de Internet y la banda ancha, los cómics han hecho su aparición en línea. Es lo que se ha dado en llamar Webcómics que han facilitado la publicación a ilustradores que no disponen de una editorial, democratizando así la publicación de cómics de forma que cualquier usuario puede crear una historieta y publicarla online.
El norteamericano Scott McCluod fue uno de los pioneros en los webcómics, ya en el año 2000 proponía un nuevo método de lectura para los cómics pensados para la web, con un sentido de lectura vertical, en lugar de la horizontal de los cómics en papel. Este esquema que podéis ver en su web se pensó para historias largas pero curiosamente la evolución de los web cómics no ha ido en líneas generales en ese sentido. La gran mayoría de cómics pensados para la web se han adaptado al formato de tira gráfica, al estilo de Liniers que veíamos en el apartado anterior.
Una de las grandes ventajas de los webcómics es que te ofrece la posibilidad de publicar tus obras gratis y con mucha comodidad. Basta con abrirte un blog e ir colgando las tiras a modo de posts. Mientras que en la edición en papel o bien buscas a un editor o te autoeditas. Publicar una editorial requiere bastante tiempo y esfuerzo y autoeditarse necesita sobre todo dinero. Así que es recomendable que en un primer momento os apoyéis en la edición web si queréis publicar vuestros trabajos.
En España Let's Pacheco es una web con dibujos de las almerienses Laura Pacheco y guiones de Carmen Pacheco. Siguen varias historias y la de Divas de Diván ha pasado al diario EL PAÍS.
“Señor Pacheco: Agente secreto”.
Una iniciativa interesante vinculada al webcomic , fue Cómic Lab, una propuesta de la Universidad de Sevilla en la que se desarrolló un ejercicio en el que una serie de autores realizaron un cómic vivo (también conocido como cadáver exquisito), y donde un dibujante realizó una viñeta que otro debía continuar, y así hasta diez autores.
Existen herramientas para hacer cómics online. Si te gusta el cómic puedes empezar por ahí y además practicas inglés, ya que estas aplicaciones no vienen en castellano. El profesor y dibujante Néstor Alonso nos explica en una didáctica viñeta distintas formas de hacer un webcómic. ¿Te animas con alguna de ellas?
stripgenerator.com
6. ELEMENTOS DEL CÓMIC
6.1. La viñeta El elemento más característico de una historieta es sin duda la viñeta. Cada uno de los recuadros o espacios delimitados por líneas negras que representa un instante de la historia que cuenta el cómic es una viñeta. Una viñeta adquiere significado en relación con las siguientes.
BOB KANE
En los países de Occidente, las viñetas se leen generalmente de izquierda a derecha y de arriba abajo para representar un orden en la historia. En el interior de las viñetas encontramos otros elementos característicos del cómic: personajes, texto, decorados, etc.
El diseño de las viñetas se puede usar para transmitir un ritmo monótono de la narración (viñetas iguales y rectangulares) o mayor dinamismo (viñetas irregulares). Nor malmente se diseñan de for ma rectangular o cuadrada pero no es difícil encontrar historietas donde aparecen viñetas redondas o con otras formas para conseguir distintos efectos narrativos.
ANDREA PAZIENZA
Valentina de GUIDO CREPAX
La sucesión de viñetas rectangulares en horizontal se utiliza para cuando los personajes se desplazan y se exagera el efecto alargando la viñeta en las persecuciones. Una viñeta más alta que ancha se suele usar para representar movimiento vertical. Las viñetas cuadradas indican quietud, las redondas fijan la mirada donde el dibujante quiere y las estrelladas se utilizan para una aparición estelar de un personaje, o incluso para indicar dramatismo.
MAGNUS
GENE COLAN
EDGAR P. JACOBS
FRANK MILLER
BOB KANE
Aunque las líneas que enmarcan y separan las viñetas suelen ser rectas, también es posible encontrar otras formas para representar el sueño o el recuerdo. El espacio entre viñetas se llama calle y en ocasiones es eliminado separando las viñetas por una sola línea.
DINO BATTAGLIA
A la hora de colocar personajes en una viñeta debemos tener en cuenta las propiedades de los diferentes tipos de planos, angulaciones de la cámara, iluminación y profundidad de campo. Además de elementos como el punto, la línea, el contorno, la textura y el color.
DINO BATTAGLIA
MAGNUS
FRANK MILLER
6.2. Los bocadillos Los bocadillos o globos contienen los diĂĄlogos y pensamientos de los personajes. Una cola o rabillo seĂąala al personaje que pertenece el bocadillo.
Los bocadillos suelen leerse de izquierda a derecha y de arriba a abajo, cuestiรณn que tendremos que tener en cuenta a la hora de secuenciar los diรกlogos de los personajes.
Hay muchos tipos de bocadillos: - Los de trazo regular contienen una conversación. - Los de trazo zigzagueante o quebrado representan gritos. - Los de forma de nube con círculos cada vez más pequeños, un pensamiento, sueño, reflexión o deseo. - Los de línea temblorosa, debilidad. - Los de línea discontinua, susurros.
GENE COLAN
MAGNUS
6.3. Las onomatopeyas El bocadillo puede contener onomatopeyas. Las onomatopeyas son imitaciones de sonidos o ruidos mediante letras. Muchas onomatopeyas proceden de verbos ingleses: sniff (olfatear, suspirar), glup (tragar), boing (botar), tronch o croing (golpear), splash (salpicar), etc.
GENE COLAN
6.4. Metรกforas visuales
Las metรกforas visuales son dibujos que se utilizan para representar ideas.
El caso más conocido es el de la bombilla encendida para representar la ocurrencia de una idea o las culebras y signos raros que se utilizan para representar las palabrotas. Una sierra cortando un tronco que significa que el personaje está profundamente dormido, una serie de estrellas alrededor de la cabeza que reflejan el dolor después de un golpe o un globo abigarrado de texto minúsculo para mostrar lo aburrido y tedioso que resulta lo que ese personaje está contando.
6.5. Cartela o cartucho Además de los globos en las historietas aparecen textos enmarcados en rectángulos que se usan para integrar la voz en off de un narrador y así establecer el lugar o momento de la acción o establecer las transiciones entre viñetas. Cuando aparece como una viñeta única se conoce como cartucho.
6.6. Figuras o recurso cinéticos L a s fi g u r a s c i n é t i c a s r e p r e s e n t a n e l movimiento. Los dibujantes usan líneas rectas, curvas o nubes para describir la trayectoria de objetos y persona. También puede usarse la deformación de un objeto rígido para representar los efectos de un choque o el dibujo de un mismo personaje en varias posiciones dentro de la misma viñeta para representar su movimiento.
BOB KANE
6.7. Los personajes Los sentimientos y estados de ánimo se expresan principalmente a través del rostro del personaje: alegría, enfado, tristeza, etc. Aunque también a través del cuerpo y de las manos.
El pelo erizado: terror, cólera. Cejas altas: sorpresa. Cejas fruncidas: enfado o concentración. Cejas con la parte exterior caída: pesadumbre. Mirada ladeada: maldad, traición. Ojos muy abiertos: sorpresa. Ojos cerrados: sueño, confianza. Ojos desorbitados: cólera, terror. Nariz oscura: borrachera. Boca muy abierta: sorpresa. Boca sonriente: confianza. Boca sonriente que muestra los dientes: hipocresía o maniobra astuta. Comisuras de los labios hacia abajo: pesadumbre. Comisuras de los labios hacia abajo mostrando los dientes: cólera.
7. El fanzine
Un fanzine (abreviatura en inglés de fan's magazine, revista para fanáticos) es una publicación temática de contenidos visuales (fotos, dibujos, cómics, diseños, etc.) realizada por y para aficionados. El desarrollo de esta actividad no suele ir acompañado de remuneración económica, siendo los fanzines tradicionalmente gratuitos o con un coste mínimo par a pagar los gastos de producción. Son publicaciones no profesionales producidas por seguidores de un fenómeno cultural particular (como puede ser un género literario, musical o historietístico) para el placer de otros que tienen los mismos intereses.
Muchos fanzines tienen como temática natural el cómic y la historieta, como vía para dar a conocer nuevos dibujantes o realizar publicaciones "underground" que no tienen cabida en el mercado tradicional o en las tiendas especializadas. Su ventaja indiscutible es contar con especialistas en su materia, publicando de forma libre y directa sin ataduras ni intereses para con terceros. También la posibilidad de darse a conocer a un público aficionado más o menos amplio. Con la llegada de internet los fanzines han encontrado una nueva forma más global de difundirse.
Supongamos que quieres elaborar tu propio fanzine o el de un colectivo determinado. Necesitas pr imer amente maquetar su contenido y posteriormente, publicarlo en la web o imprimirlo en papel y distribuirlo por los cauces que creas adecuados.
Aquí tienes algunos ejemplos de fanzines vistos por la red: El naufraguito (Temática variada, contracultura) Usted (Cómic) Fanzine Pez (Diseño) Cloruro Sónico (Música experimental) Vibes (Magazine) Shake (Magazine)
8. El diaporama Diaporama es un término acuñado en Francia, alrededor a los años 50. Se trata de una técnica audiovisual consistente en la reproducción sincronizada de imágenes o diapositivas y audio con ayuda de un proyector y acompañada, en algunos casos, de texto.