La imagen fija
¿Qué es una imagen? El término imagen proviene del latín Imago, que significa figura, y se refiere a la representación, semejanza o apariencia de algo. ¿Hay algo más semejante que la representación que puede hacer una fotografía o una escultura realista? Puede que no. Pero eso no quita que podamos tener imágenes que sean dibujos, pinturas o incluso vídeos.
Las imágenes fijas Mediante la fotografía siempre obtenemos imágenes fijas. Aún en el caso de que lo que se fotografíe se esté moviendo, la foto que obtenemos constituye una representación de ese objeto, pero carente de movimiento. Aunque fotografiemos a un animal corriendo, por ejemplo, en la fotografía el animal no se mueve. Está fijo.
Al fotografiar un objeto (animado o inanimado), estamos realizando varias abstracciones simultĂĄneamente. Para empezar, estamos obteniendo un segundo objeto (la fotografĂa), que es la imagen que representa a lo que hemos fotografiado, pero no es lo que hemos fotografiado.
Para entenderlo mejor: una fotografía de unas tijeras no es en sí misma unas tijeras. Con la foto de las tijeras no podemos cortar. Esta afirmación parece una tontería, pero nos ayudará a entender algunas de las características de la imagen fija:
Bidimensionalidad: con la fotografía, estamos representando algo que tiene tres dimensiones (el objeto fotografiado) en un objeto de dos dimensiones (la fotografía). Subjetividad: con la fotografía, damos una visión parcial de lo que sea que fotografiemos. Esa visión es nuestra propia visión, captada en un momento determinado, desde un punto de vista concreto, con una óptica determinada, con un tipo de luz preciso, y presentada luego en un soporte (pantalla de ordenador, papel, etc.) y en un formato (cuadrado, rectangular, panorámico, circular,...) que elegimos a posteriori. Mensaje: todos estos elementos (más los ya estudiados) son los que una persona que hace una fotografía intenta controlar para transmitir una información: el mensaje.
La imagen fija: Fotografía. Usos y técnica
Esta foto es probablemente la mรกs reproducida de la historia.
Inconfundiblemente es el Che Guevara, en un recorte de la foto original que Korda le realizó en 1960. Seguro que la habrás visto en carteles, camisetas, chapas... modificada, con colores rojos, etc. En definitiva, una foto que se convierte en leyenda y sobre la que se ha escrito y especulado mucho. La historiadora fotográfica Vicky Goldberg, en su libro "The Power of Photography" afirma que el retrato del Ché "hizo más por su causa que lo que él mismo logró durante su vida!". He aquí la magia y el poder de la imagen fija, su poder cautivador y su memoria imperturbable.
Es sobre una fotografía icónica, como la del Che Guevara, sobre la que gira el vídeo “200.000 fantasmas". Se trata de una imagen heroica de la Cúpula Gen Bakú, que es capaz de resistir hasta a una bomba atómica.
El montaje fotográfico muestra la historia de Hiroshima desde 1916 hasta 2006, mediante imágenes de la cúpula Gen Bakú.
Este edificio fue la estructura más próxima que resistió al impacto de la primera bomba atómica arrojada sobre una población civil en 1945 en Hiroshima. El edificio fue inmediatamente preservado exactamente como se encontraba después del bombardeo, sirviendo hoy como un monumento conmemorativo de la devastación nuclear y un símbolo de esperanza en la paz mundial y la eliminación de todas las armas nucleares.
Hoy en día, el poder de la imagen fotográfica sigue siendo brutal. ¿Se os ocurre algún ejemplo donde se haya usado la fotografía con un fin narrativo?
1. Usos fotográficos ¿Para qué sirve la fotografía? La fotografía puede cumplir funciones sociales, económicas y culturales. Veremos a continuación una serie de ejemplos de usos de la fotografía en el ámbito del paisaje, de estudio, artística y periodística.
1.1 Paisajes Inmortalizar nuestro entorno es una tentación más que lógica, y es que cada uno de nosotros vivimos en una ciudad o un pueblo con elementos arquitectónicos o paisajísticos particulares, que merecen ser recordados por siempre. Dentro de la fotografía de paisajes podemos englobar a las fotos de edificios emblemáticos dentro de ciudades y a los vastos paisajes campestres, así como incluso el paisaje estrellado por las noches.
Existen dos fragmentos de tiempo a lo largo del día llamados la “hora azul”. Esto sucede un poco antes de la salida del sol y su puesta. Durante una hora aproximadamente, la luz natural es más difusa y permite conseguir unas sombras y unos tonos en el cielo bastante llamativos, que hacen que tu foto sea mucho mejor que si la hicieras, por ejemplo, en el mediodía.
1.2 Estudio La fotografía también es un elemento de interior. De esta forma, se consiguen la mayoría de las instantáneas de la publicidad, las etiquetas de las marcas y los reportajes de las revistas. Apoyados en varios flashes situados en diversos puntos de una habitación más o menos grande, la persona que va a realizar la fotografía puede conseguir tomas de cualquier cosa y con cualquier fondo, sin depender de la hora del día, del lugar geográfico y de las condiciones meteorológicas.
Aquí tienes un pequeño vídeo a modo de making of para que veas cómo se trabaja en un estudio de fotografía de moda. ¿Alguna vez te has hecho alguna foto en un estudio?
1.3 Artístico La fotografía también puede ser usada para crear obras artísticas. Ya sea por el uso técnico de la máquina o por lo que se retrate, el arte fotográfico está más que de actualidad, sobre todo en el arte contemporáneo. Podemos jugar con objetos cotidianos y jugar con el que ve la foto para que se imagine cosas que realmente no son. Chema Madoz es, probablemente, el mejor haciendo esto y prueba de ello son los innumerables premios artísticos que ha ganado durante su carrera. En el vídeo que te mostramos a continuación se pueden ver algunas de las fotos más reconocidas del artista español.
1.4 Periodístico A diario nos encontramos con innumerables fotografías que nos cuentan lo que pasa en el mundo a través de los periódicos y los diarios digitales. A diferencia de las imágenes en vídeo, las fotografías de prensa llevan a la enésima potencia el dicho de “una imagen vale más que mil palabras”, ya que una buena imagen periodística (al igual que un texto) debe explicar todo lo que pasa desde un punto de vista profesional y no sesgado de la situación, dando buena cuenta al lector de lo que estaba pasando en el momento de la foto.
La famosa foto de Robert Capa durante la Guerra Civil Española ha sido fruto de numerosas investigaciones, ya que podría tratarse de un posado del miliciano que recibe el disparo durante la pose y no un hecho real, plasmado por Capa tal y como ocurrió en la realidad. Sea como fuere, la foto se convirtió en un icono de la guerra española y lanzó a Capa a la fama.
2. Técnicas fotográficas A continuación veremos los aspectos esenciales de la técnica fotográfica como son el plano, la angulación o la profundidad de campo.
2.1 El plano Dependiendo del tamaño del objeto que se fotografíe, de la distancia a la cámara y del tipo de objetivo que se utilice (más o menos angular) hablaremos de varios tipos de planos:
Gran plano general: Muy utilizado para paisajes. En él la figura humana es tan pequeña que prácticamente no se distingue.
Gran plano general Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. Un gran plano general suele incluir muchos elementos, por lo que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de un primer plano, para que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la situación. Muy utilizado en fotografía de paisaje.
Plano general: La figura humana ocupa aproximadamente un tercio o un cuarto del total de la superficie de la imagen.
Plano general Los personajes adquieren mayor importancia que en el gran plano general y vamos acercรกndolos al espectador.
Plano de cuerpo entero: Como su nombre indica, la toma se ajusta al tamaĂąo del cuerpo humano.
Plano entero Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto o personaje. Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla. Se utiliza mucho en fotografía de moda.
Plano americano: La toma corta la figura humana por las rodillas.
Plano medio: Desde la cintura aproximadamente.
Plano americano y plano medio Estos planos son mucho mรกs subjetivos y directos que los anteriores. Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permiten una identificaciรณn emocional del espectador con los actores. Funcionan muy bien para separar a la persona del contexto de la escena y hacer que la atenciรณn se centre sobre el sujeto. Se utilizan mucho en entrevistas con dos sujetos.
Primer plano: Es una toma del rostro que incluye los hombros.
PrimerĂsimo primer plano: Es una toma en la que el rostro llena todo el fotograma.
Primer y primerísimo primer plano El rostro del actor puede llegar a llenar la pantalla. Estos planos tienen la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. Con estos encuadres se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.). Es el más utilizado en fotografías donde queremos resaltar el maquillaje o un rostro expresivo. Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos describiendo con detenimiento a los personajes. Es un plano perfecto para escenas íntimas.
Plano detalle: Sólo se ve una parte relativamente pequeña del rostro o del cuerpo o del objeto que estemos fotografiando. Este tipo de tomas suelen requerir que nos acerquemos mucho al sujeto, por lo que también es conocida como fotografía de aproximación o fotografía macro.
Plano detalle Concentra la atenciรณn del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. En cine normalmente se utiliza para que el espectador se fije en elementos necesarios para entender la trama.
Dependiendo de lo que queramos contar con nuestra imagen, utilizaremos un tipo u otro de plano.
2.2 La angulaciรณn Se refiere al รกngulo con que se dispone la cรกmara fotogrรกfica respecto al objeto fotografiado.
Recuerda que la luz también puede tener angulación.
En este caso nos ponemos en el punto de vista de la cรกmara. Existen varios tipos:
Normal: La cĂĄmara se sitĂşa a la misma altura que el sujeto.
El ĂĄngulo normal suele emplearse para describir algo de manera natural u objetiva y transmite, por sĂ solo, una sensaciĂłn de estabilidad y tranquilidad.
Cenital: La cĂĄmara se sitĂşa sobre la vertical del motivo a fotografiar, por encima del sujeto.
Picado: La cĂĄmara se sitĂşa por encima de la posiciĂłn del sujeto, apuntando hacia abajo, pero sin llegar a la vertical.
Los ĂĄngulos cenital y picado pueden ayudar a minimizar o ridiculizar a un personaje, asĂ como dominar un campo visual inaccesible de otro modo. TambiĂŠn puede mostrar la vulnerabilidad del sujeto.
Nadir: La cĂĄmara se sitĂşa en la vertical del motivo a fotografiar, por debajo del sujeto.
Contrapicado: La cámara se sitúa por debajo de la posición que ocupa el sujeto, sin llegar a la vertical.
Los ĂĄngulos nadir y contrapicado pueden ayudar a reforzar un personaje majestuoso, noble o dominante, asĂ como a uno maligno o amenazador.
Aberrante: Cuando se desnivela la imagen con respecto a la lĂnea de horizonte, obteniendo imĂĄgenes exageradamente desequilibradas.
El รกngulo aberrante se utilizado enormemente en cine expresionista alemรกn o el cine de terror y de acciรณn, que aumenta la sensaciรณn inquietud y ansiedad.
ha el en ya de
Subjetivo: El que coincide con la mirada de uno de los personajes.
Con el ángulo subjetivo se resalta dramáticamente la escena haciendo partícipe al espectador.
Y ahora, ยกjuguemos de nuevo a las pelis!
2.3 Profundidad de campo Éste es el fragmento de espacio en que los objetos que en él estén aparecerán enfocados en nuestra foto. Esto lo manejamos con la apertura del diafragma de nuestra cámara. Si abrimos el diafragma mucho, la profundidad de campo es mínima, con lo que es más probable que nuestra foto esté desenfocada. Aun así, para los retratos va muy bien enfocar a la persona retratada y dejar el fondo desenfocado. Del mismo modo, si cerramos el diafragma tendremos más profundidad de campo y, por tanto, más objetos enfocados en nuestra foto.
2.4 La luz y el diafragma La sobreexposición y la subexposición son dos de los frecuentes errores que cometemos al realizar fotografías, aunque también pueden usarse intencionadamente como recurso creativo o expresivo. Ambos efectos se refieren a cuando nuestras fotos aparecen casi blancas, quemadas por la luz (sobrexposición) o muy oscuras, faltas de luz o definición (subexposición). En ambos casos no hemos controlado adecuadamente la luz.
El controlar la luz ambiental y la exposición de la cámara es uno de los puntales de la fotografía. Para ello, las cámaras disponen del diafragma, un sistema de cortinillas que te permiten seleccionar la cantidad de luz que entra en la cámara y del obturador, con el que se controla el tiempo que permanece abierto dicho diafragma.
3. Tipos de cámaras fotográficas y accesorios Nuestro siglo atareado no siempre tiene tiempo para leer, pero siempre tiene tiempo para ver, vaticinó Theóphile Gautier (fotógrafo), en 1858. Dos décadas antes se había divulgado en Europa el primer procedimiento fotográfico (el daguerrotipo) y había surgido la figura del espectador fascinado por las cualidades ópticas del nuevo invento. Al mismo tiempo que la sociedad se tornaba cada vez más mecanizada y rápida, la imagen iba ganando terreno a la palabra impresa. La ciencia y la óptica permitieron el rápido desarrollo de cámaras fotográficas cada vez más sofisticadas y precisas.
Fundamentalmente, las cรกmaras se diferencian entre ellas por el tipo de visor de que disponen, es decir, por donde miramos para tomar la foto. A continuaciรณn, verรกs los principales tipos de cรกmaras.
Cรกmaras compactas o de visor directo
Cámaras réflex
Cรกmaras compactas o de visor directo
Cámaras compactas o de visor directo Estas son las tradicionales compactas en las cuales se mira por un agujero que simula la imagen que toma el objetivo y que, posteriormente, se captura con el sensor digital o la película. La principal pega de este sistema es evidente, al no ver exactamente el encuadre que aparecerá en la fotografía final y, por tanto, no reflejar la composición hecha a través del visor.
Cámaras réflex
Cámaras réflex Éstas son las usadas por los profesionales o semiprofesionales, mucho más asequibles en la actualidad que hace algunos años. En éstas, un prisma y un espejo se encargan de llevar la luz que entra por la lente al visor por el que vemos, por lo que sí vemos el mismo encuadre que aparecerá en la fotografía final. A la hora de disparar la foto, el espejo se levanta y el obturador se abre el tiempo que le hayamos indicado para que la luz impregne la película fotosensible o el sensor digital, momento en el cual dejaremos de ver la imagen al estar levantado el espejo.
Cámaras químicas y digitales Existen cámaras de visor directo y réflex tanto en la fotografía química (la que usa carretes de fotos) como en la digital. Las cámaras más comunes son de visor directo y digitales para uso doméstico y las cámaras digitales y réflex para uso profesional.
3.1 Tipos de objetivos En fotografía lo más importante es el objetivo empleado. Una cámara de último modelo no conseguirá buenas fotos con un objetivo de mala calidad. Sin embargo, una cámara de gama baja puede conseguir auténticas maravillas visuales con un objetivo adecuado y de gran calidad. A continuación vamos a conocer los principales objetivos existentes y para qué se usan:
Angulares Estos son los que capturan un ángulo de visión muy amplio; en una sola imagen podemos ver con bastante amplitud lo que hay delante de la cámara, desde el suelo hasta el techo. También existe el gran angular y el llamado "ojo de pez", que es una exageración de esta visión y produce importantes aberraciones en la imagen.
Teleobjetivos Son los que nos acercan la imagen de un objeto a cierta distancia. Se pueden ver en los espectรกculos deportivos con facilidad, y permiten al fotรณgrafo captar un momento determinado desde decenas de metros. Su variedad es muy amplia y suele ir desde los 100mm. hasta los 1200mm.
Macro Son objetivos que pueden enfocar muy cerca. Se usan normalmente en fotografĂa de naturaleza, para capturar pequeĂąos detalles.
Zoom Son los que nos permiten elegir la cercanía al objeto fotografiado moviendo el anillo. Algunos nos permiten ir desde una visión de gran angular hasta la de un teleobjetivo con un simple movimiento de lentes. Este tipo de objetivo es el más común, ya que permite una versatilidad mayor que los objetivos fijos, en los que debemos situarnos físicamente a la distancia concreta para hacer la foto deseada, por ejemplo un zoom 18-200 abarca desde el gran angular hasta el tele.
3.2 Los filtros Antes de la era digital el fotógrafo experimentado y profesional disponía de una amplia gama de filtros para la fotografía en color o blanco y negro (filtros amarillos, verdes, rojos, etc.). Hoy día los ajustes de la cámara digital o la propia edición con programas digitales hacen que la mayoría de estos filtros sean innecesarios. Algunos filtros que sí se utilizan son el filtro UV y el polarizador, para evitar un efecto violáceo en tu imagen, así como reflejos respectivamente. El filtro UV no hace efecto en cámaras digitales y sólo te sirve de protección de la lente frente a ralladuras, el polvo y los golpes, en cambio el filtro polarizador sí hace efecto en cámaras digitales y analógicas.
3.3 El flash El uso correcto del flash en nuestras cámaras puede marcar la diferencia entre una buena y una mala fotografía. Muchas personas evitan usarlo porque las fotos tienden a salir sobreexpuestas, con una iluminación incorrecta o con el indeseado efecto de los "ojos rojos" en los retratos. Muchas cámaras compactas y réflex ya lo traen incorporado, pero a nivel más avanzado también se usa como accesorio independiente, para lo que las cámaras disponen de una zapata de ajuste en la parte superior. En este vídeo se explica lo básico sobre el uso del flash.
3.4. Composiciรณn
1.Ley de los tercios 2.Ley del horizonte 3.Ley de la mirada 4.Ley del movimiento
Ley de los tercios Esta regla consiste en dividir la imagen con dos lineas imaginarias paralelas y equidistantes de forma horizontal, y dos mĂĄs de forma vertical con las mismas caracterĂsticas. Con ello conseguimos dividir la imagen en nueve fragmentos iguales.
Los cuatro puntos de intersección sirven para colocar en ellos el centro de atención de la composición y así conseguir una imagen atrayente y equilibrada. Por regla general el punto de atención (o sujeto principal) se coloca en cualquiera de los cuatro puntos, y si hubiese un segundo punto de atención, éste se colocaría en el punto opuesto diagonalmente.
Ley del horizonte Otra forma de usar la regla de los tercios cuando hablamos de paisajes es esta ley. Si colocamos la línea del horizonte en la línea inferior (a 1/3) le damos prioridad al cielo, y si colocamos la línea del horizonte en la línea superior (a 2/3) le damos prioridad a la tierra. Esta regla rige independientemente de que la imagen la tengamos en formato horizontal o vertical.
Ley de la mirada
La mirada de una persona dibuja una lĂnea de recorrido imaginaria, la cual debe ser destacada y respetada por el fotĂłgrafo abriendo el encuadre y dejando un espacio libre en dicha direcciĂłn.
Con ello se consigue dar fuerza expresiva al personaje que aparece en nuestra imagen. Respetando su mirada conseguiremos dotar de interés la acción que hace el protagonista, la acción de mirar. Si la composición de nuestra fotografía está bien realizada, conseguiremos que el espectador de la imagen siga esa dirección, en busca de lo que está mirando el personaje de la imagen, aunque esto no aparezca en la fotografía.
Ley del movimiento Una persona o un objeto que se encuentre en movimiento también traza una línea de recorrido imaginaria. Por tanto, cuando la persona u objeto penetra en la escena es recomendable abrir el encuadre y también dejar un espacio libre delante del objeto, con el fin de multiplicar y potenciar la sensación de movimiento, así como de darle un “respiro” a la imagen.
Como ya sabemos, las reglas estรกn para romperlas. Por esta razรณn, es importante tener el criterio propio lo suficientemente desarrollado como para saber cuรกndo es mejor romper una regla de composiciรณn para conseguir una imagen mejor.
Aquí tienes dos ejemplos de situaciones en los que podría interesarte romper con la regla de la mirada o del movimiento: •Si dejas más espacio por la zona trasera de tu sujeto, dará la sensación de que éste está dándole la espalda a algo, de que está rechazando algo, de que se está alejando o huyendo. •Cuando quieras que el espectador de la fotografía esté incómodo, sea por la razón que sea. El recorrido natural que seguirían los ojos de una persona que viera un retrato sería, como ya hemos visto, seguir la mirada del retratado. Si cortas este movimiento, puedes llegar a causar un desconcierto en el espectador.
Sebastiao Salgado
Libros publicados • Génesis (2013) • Éxodos (2000) • La mina de oro de Serra Pelada (1999) • Otras Américas (1999) • Terra (1997) • Trabalhadores (1996) • La Mano del Hombre (1993) • Sahel: l'Homme en Détresse (1986) • Les Hmongs (1982)
Analiza los elementos ya estudiados: -Punto. -LĂnea. -Contorno o forma. -Textura. -Luz. -Color. -Tipo de plano. -AngulaciĂłn. -Profundidad de campo. -Tipo de objetivo (si es relevante). -Leyes compositivas: tercios, horizonte, mirada y movimiento.