Go Mag #111 (Mayo 2010)

111 MAYO 2010 CONSIGUE LA EDICIÓN CON CD EN TU QUIOSCO

FOALS LALI PUNA go series 70: SEVILLA CALLING Versiones de temas del “London Calling” de The Clash a cargo de Salieri, Montevideo, Fetén, Southern Arts Society, Astronautas, Farsantes, Instant Party, Bikini Red y más...

EDICIÓN GRATUITA FREE ISSUE

KLAUS&KINSKI NADA SURF DAVID HOLMES THE RUBY SUNS GOTAN PROJECT LIARS

111

sumario

mayo 2010

38 NADA SURF

staff Edita UNIPRENSA S.A. Subdirector general: José Rabadán GO MAG Directora: Janina Canet.

Jefe de redacción: Manu González. Director de arte y diseño gráfico: Fabián Taranto y Natalia Cambello (www.groteskdesign.com).

Redacción GO MAG. Muntaner, 492, Bajos. 08022 Barcelona.

Tel. (+34) 93 417 68 67 / (+34) 93 418 50 05 Fax (+34) 93 417 33 63 E-mail: go@go–mag.com Suscripción y logística: 93 418 50 05 solicitudejemplares@uniprensa.com Web: www.go–mag.com MySpace: www.myspace.com/gomagbarcelona Coordinador de cine y literatura: Philipp Engel.

Coordinadoras de moda: Leticia Blanco y Ana Tomás. Coordinador de tecnología: Xan Pita.

Corrección: Nati Arco.

Redactores: Virginia Arroyo, Leticia Blanco, Javier Blánquez, David Broc, Óscar Broc, Javier Burgueño, Matías Bosch, Iván Conte, Philipp Engel, Albert Fernández, Laura Fernández, Laura Gamundi, Álex Gil, David Giménez, Daniel Gómez, Gloria González, Manu González, Aleix Ibars, Jordi Kodrinsky, Violeta Kovacsics, Milo J. Krmpotic’, Carolina León, Israel Márquez, Pepo Márquez, Toni Márquez, Josep Martín, Luís Meyer, Àlex Montoya, Half Nelson, Jorge Palomar, Banessa Pellisa, Rubens Pérez, Marc Piñol, Xan Pita, Florence Rodenstein, Alicia Rodríguez, Vidal Romero, Arantxa Ruíz, Ana S. Pareja, Arnau Sabaté, Jesús Sáez, Silly Savage, Toni Vall, Daniel López Valle, Alberto Vidal, Pablo Vinuesa y Álex Vicente.

Fotógrafos: Shaun Bloodworth, Javier Burgueño, Dani Cantó, Blanca Galindo, Jörg Koopmann, Vanessa Prado, Chus Sánchez, Óscar Romero y Gerald von Foris.

Fotografía de portada: Shaun Bloodworth.

Publicidad Tel. (+34) 93 418 50 05 E-mail: publicidad@go–mag.com Agentes comerciales: Ramón Villarquídez (ramon@multipleagency.com), Gina Selicorni (gina@uniprensa.com) y Eneida Fever (eneida@feveronline.net).

Dep. Legal: B-19124-00 Fotomecánica, impresión y encuadernación: Tu Grupo Gráfico 2005 S.L. Distribución gratuita: Barcelona (Blind Records). Resto de España (Envialia).

Distribución en quioscos: Coedis.

22 En portada: Mary anne hobbs 10 BITES 14 INTROS 17 CLUB DEL MES 18 festivales 30 BIG CITY 31 DAVID HOLMES

28 FOALS

31

34 LORI MEYERS

LALI PUNA

35 GOTAN PROJECT 37 LIARS 43 DISCOS, MAXIS, ÚLTIMO CLÁSICO...

22 KLAUS&KINSKI

62 AGENDA MUSICAL 70 MACHINE

32 THE RUBY SUNS

72 GADGETS Y MODA 82 IN & OUT 85 CINE Y LIBROS GO MAG se distribuye gratuitamente en las siguientes ciudades españolas: A Coruña, Alicante, Barcelona, Bilbao, Burgos, Cáceres, Cartagena, Castellón de la Plana, Ciudad Real, Donostia, Girona, Granada, Lleida, Logroño, Lugo, Madrid, Málaga, Murcia, Pamplona, Gijón, Vigo, Santander, Sevilla, Tarragona, Valencia, Vitoria y Zaragoza.

GO MAG está disponible en los quioscos de España, Portugal, Argentina, México, Chile, Costa Rica y Perú.

004/005

concurso

¡Sorteamos 6 abonos dobles para el Sónar 2010 y un encuentro privado con Richie Hawtin!

Go Mag, revista oficial de Sónar 2010, sortea 6 abonos dobles para la edición de Barcelona los días 17, 18 y 19 de junio en el CCCB, Macba y Fira Gran Vía (M2). Además, entre los seis ganadores elegiremos a dos para asistir a un Meet & Greet privado con Richie Hawtin en la zona de prensa del festival, donde tendrán tiempo para tomarse una copa o pedir fotos y autógrafos con el genio detrás del alias de Plastikman. Para concursar en este fabuloso sorteo, visita nuestro club de fans de Facebook (www.facebook.com/gomagspain), hazte fan y deja un comentario explicando brevemente por qué deberías ser tú el elegido. El resultado del sorteo lo publicaremos en Facebook y en nuestra web (www.go-mag.com) a finales de mayo.

010/011

bites

Jack Daniel’s Sessions

Bites

// Es imposible analizar la historia del cine sin recordar la obra de uno de los mejores compositores de bandas sonoras y eterno colaborador del gran Federico Fellini: Nino Rota. Piezas tan famosas e icónicas como la banda sonora de “El Padrino” de Coppola, “Las noches de Cabiria” y “La dolce vita” de Fellini, convierten a Nino Rota en uno de los grandes nombres del séptimo arte. Del 6 al 27 de mayo tendrá lugar en CaixaForum Barcelona el ciclo de conferencias “Nino Rota: música, sentimiento e imagen”, coordinado por el historiador Xavier Cazeneuve, donde se repasará la trayectoria vital y musical del compositor, desde niño prodigio de la música clásica hasta su colaboración con Fellini. Las conferencias tendrán lugar a las 19.30 h a un precio de 2 €. www.lacaixa. es/obrasocial // “Mapa sonoro” es un programa musical con estética de road movie que rastrea las propuestas más estimulantes del panorama actual. Centrado en el pop y el rock independiente, no descuida otros estilos como el hip hop, la música electrónica, la canción de autor o el folk. También realiza incursiones en el mainstream más inquieto y provoca encuentros de músicos con personajes de otras disciplinas artísticas. El programa se puede ver mensualmente en el canal Cultural.es de TVE, que se emitirá semanalmente en abierto. www.goroka.tv/mapasonoro // Chin Yi y Marcus Doo & The Secret Family son los flamantes nuevos ganadores del conruso de bandas Proyecto Demo 10, tras su actuación en el plató de Radio 3 en la final del pasado 15 de abril, ganándose así una plaza en el cartel de FIB Heineken 2010. La final fue emitida en diferido el sábado 17 de abril por La 2 de TVE. Tras la deliberación del jurado, se produjo un empate entre Chin Yi y Marcus Doo & The Secret Family por lo que el primer premio se otorgó ‘ex aequo’.

El tercer finalista fue la banda Skizophonic. // La novena edición del Azkena Rock Festival, a celebrarse entre el 24 y 26 de junio en el recinto Mendizabala de Vitoria-Gasteiz, ha cerrado su cartel con las contrataciones de Slash, Robert Gordon & The Gang They Couldn’t Hang y The Cubical, que se suman así a otras bandas como Kiss, Bob Dylan, Chris Isaak, The Hives, Bad Religion, Gov’t Mule, Kitty, Daisy & Lewis o The Damned. www.azkenarockfestival.com

Lori Meyers y Montevideo son los invitados Vuelven las Jack Sessions y esta vez lo hacen de la mano de un invitado de lujo, Lori Meyers, que presentan su cuarto disco, “Cuando el destino nos alcance”. Junto a ellos también estarán Montevideo, que vuelve con aires renovados en su último trabajo “Vértigo y euforia”. Además, el incansable DJ Jeff Automatic se encargará de animar la fiesta con su batería de hits, que va desde el indie más cándido al rock más crudo. El ganador de la V edición del concurso de maquetas Jack Daniel’s Backstage también actuará en las nuevas Jack Sessions. El innovador concepto de fiesta que propone la marca de whisky de Tennessee busca la conexión con el público en un ambiente intimista y original.

Una fiesta, un concierto y un DJ Set con la música indie del momento. Además, tendrás la oportunidad de probar uno de los nuevos Jack Mix, perfectas combinaciones acompañadas de las acrobacias de una experimentada coctelera, que es algo digno de ver y probar. Las Jack Sessions pasarán por Madrid (Joy Eslava, 6 de mayo), Barcelona (Razzmatazz 2, 13 de mayo), Valencia (The Mirror, 20 de mayo) y Granada (Industrial Copera, 21 de mayo).

Entra en www.jackdanielsmusic.es y consigue tu entrada por sólo 7 €.

C/O Pop (Colonia)

Melt! Festival (Berlín)

La industria se reúne en Alemania

Un escenario propio de ‘Blade Runner’

Tras el traslado del Popkomm de Colonia a Berlín, la feria de la industria musical, una de las más grandes de Europa, dejó un vacío en la escena de la ciudad germana. C/O Pop fue creado para llenar ese agujero y convertir a Colonia de nuevo en un destino esencial para la industria del disco. La feria se rige por los mismos cánones que el Popkomm —conferencias, debates, networking y conciertos repartidos por diferentes clubs y salas de la ciudad—. El programa de este año, inabarcable en este espacio, incluye los directos de Booka Shade, The Go! Team, Bugge Wesseltoft & Henrik Schwarz Duo, Aufgang, Coldcut, Caribou, Crystal Fighters, Uffie, Ruby Suns, To Rococo Rot, New Young Pony Club, M.A.N.D.Y., DJ Hell, Post War Years, Tiefschwarz, Morgan Geist, Munk & Telonius y, sorpresa, DJ Fra. www.c-o-pop.de

Que duda cabe que entre los mejores festivales de Europa se sitúan los alemanes, especialmente el Melt! Festival (presentado por una revista amiga, Intro). No sabemos si es por su freakismo o su eficiencia germana, o una mezcla de ambos, pero es una auténtica gozada asistir a este festival, localizado en las afueras de Berlín y Leipzig, en una vieja estación petrolera conocida como Ferropolis. Hasta siete escenarios, 20.000 personas y diversión asegurada, el Melt! reúne del 16 al 18 de julio a bandas como Massive Attack, The XX, Goldfrapp, Jónsi, DJ Shadow, Foals, Blood Red Shoes, Yeasayer, Dirty Projectors, Kings Of Convenience, Jamie Lidell, Pantha Du Prince, Modeselektor, Kode9, Four Tet, Black Rose, Post War Years, Popof o Groove Armada, entre muchos otros. Más info en www.meltfestival.de

Mutek Festival (Montreal)

El Sónar canadiense

Y de los festivales europeos pasamos al otro lado del charco, concretamente a la bonita Montreal, en la región de Quebec, Canadá. Allí se celebra anualmente el festival de música electrónica y arte avanzado Mutek. Para que nos entendamos, el Sónar del otro lado del Atlántico. Centrado en las propuestas emergentes de la electrónica americana y canadiense, Mutek es la cantera de esa región donde se dan a conocer los nuevos artistas del futuro. Entre los descubrimientos de este año destacan Actress, Demdike Stare, Jon Hopkins o Nicolas Jaar. Y entre los veteranos, Matmos, Moritz von Oswald o Mouse On Mars. www.mutek.org

En Persona... con Christina Rosenvinge

Un concierto-tertulia diferente

Su voz es frágil y fuerte a la vez. Sus letras, como las que protagonizan su último disco “Tu labio superior”, son de las mejores que podemos encontrar en el pop estatal. Christina Rosenvinge es una guerrera, una superviviente del trillado panorama musical estatal y una verdadera compositora a la que se le quiere en Barcelona, y mucho. Por eso vuelve a visitarnos el próximo 10 de junio en Luz de Gas, dentro del ciclo En Persona, en esta ocasión en formato acústico acompañada por el norteamericano Chris Brokaw (Come, Codeine) y, claro está, también por su inseparable músico, Charlie Bautista.

Y, como artista invitado, alguien a quien Christina admira profundamente: Raül Fernández del grupo Refree. Con él interpretará algunas canciones inéditas. También sonarán esa noche en Luz de Gas sus temas clásicos, como “Anoche” (“El puñal y la memoria”), “Tu boca” o “Alta tensión”. Además, Christina estará encantada de dialogar con sus invitados y con el público que quiera formularle preguntas; sólo 400 privilegiados podrán asistir a esta velada. También recordar que el 11 de mayo, Nacho Vegas se juntará en el mismo escenario con Abraham Boba y Fernando Alfaro, para interpretar juntos canciones como “El manifesto desastre” o “La educación”.

Entradas a la venta en www.atrapalo.com.

Bites

//Plug 2010 es la segunda edición del festival A/V (Audio & Video) centrado en el IDM, la electrónica y el hip hop de vanguardia. Plug está organizado por el netlabel Pendrive Records (www.pendriverec.com) y tendrá lugar el próximo 15 de mayo en el Espai Jove Boca Nord, con las actuaciones de Adhesive + Errorvision, Pauk + Proletaricratz, Adyo + Compulsivo Graphics, Niño + Ballok, DJ Gus + T4 + Mosi-Mosi, Commodo + Alex Marco, Psycho.Mpütah!

Go Mag DJs de gira este verano

Faraday 2010

Los embajadores de Go Mag, nuestros queridos DJs y colaboradores, van a estar girando este verano por España en varios festivales y clubes, dejando en lo más alto el orgullo de la revista.

Tras su éxito reciente en el Loop Festival (Granada) y Polifonik (Barbastro), donde Manu González hizo bailar al personal con una batería de hits inconestable, la próxima parada será el Sónar 2010 (el jueves 17 en el SónarVillage, a la 1.30 del mediodía) con un showcase especial a cargo de Manu González y Vidal Romero.

Y en julio, DJ Half Nelson dejará el pabellón bien alto en la carpa pop del FIB-Heineken. Además, el viernes 21 de mayo, Go Mag estrenará su segunda residencia en el club de L’Hospitalet, Depósito Legal, con DJ Albert Fernández aka Rocksider, después del concierto de Maria Rodés, último fichaje de BCore.

Ya se ha anunciado el cartel del festival Faraday (2, 3 y 4 de julio en la Platja del Far, Molí de Mar, de Vilanova i la Geltrú).

Un festival de pequeño formato que se celebra en un marco paradisíaco, frente a la playa y a un tiro de piedra de Barcelona, y que apunta a lo más alto trayendo a Jeff Tweedy (Wilco), The Wedding Present (en la foto), Clem Snide (que tocarán íntegro el álbum de Neil Young “Zuma”), el electro-hardcore del cuarteto escocés Errors, Louis Eliot & The Embers, Los Punsetes, Maika Makovski, Bigott, Abraham Boba, Linda Mirada, Is Tropical, Apples, El Petit de Cal Eril, Mujeres, Delco y Hello Cuca, entre //Por fin verá la luz el próximo 13 de julio el otros. Para celebrar el cartel, organizan una fiesta de presentaálbum que compusieron a medias Danger ción el 2 de mayo en la sala Monasterio de Barcelona con The Mouse y Sparklehorse (todavía está fresca Intelligence y Mujeres. www.faraday.tv en la memoria la muerte de su líder Mark

Sónar, FIB y Depósito Legal, próximas paradas

Tocarán Jeff Tweedy y The Wedding Present

Joy Division en el FIB-Heineken

Peter Hook interpretará “Unknown pleasures”

“Unknown Pleasures” es la primera piedra de la corta pero inigualable discografía de Joy Division. El impacto que provocó, tanto entre la crítica como en el público, aún sigue resonando treinta años después de su salida a la venta en el verano de 1979.

Peter Hook, uno de los cuatro principales protagonistas de aquella historia, nos devolverá parte de la magia del álbum que lo cambió todo en su actuación en el FIB-Heineken (del 15 al 18 de julio, Benicàssim). Y para que la celebración sea completa, otro trozo de la historia reciente de Manchester, The Haçienda Night featuring Graeme Park, DJ Pierre and Justin Robertson, pondrá el broche de oro al FIB 2010.

//Guru, la otra parte del dúo Gang Starr junto a DJ Premier, falleció el pasado 20 de abril, uniéndose así al panteón de músicos que nos han dejado recientemente (Vic Chesnutt, Alex Chilton y Mark Linkous). El MC de Boston, uno de los exponentes del hip hop de los 90 con Gang Starr y pionero de la fusión entre el rap y el jazz con su brillante proyecto Jazzmatazz, estaba aquejado de un cáncer desde hacía tiempo e, incapaz de superar las complicaciones de la enfermedad, murió en una clínica neoyorquina a los 43 años de edad. Sin embargo, Guru no ha abandonado este mundo sin hacer ruido. Poco después de su muerte, su productor Solar hizo pública una carta que supuestamente había escrito el rapero antes de morir, donde decía: “He padecido esta enfermedad durante un año.

He agotado todas las opciones médicas (...).

No quiero que mi ex DJ (DJ Premier) tenga algo que ver con mi nombre, como tributos, etc. No he tenido ninguna relación con él en los últimos siete años de mi vida, y no quiero tener ninguna relación con él en la muerte”.

Eso sí que es irse a lo grande.

Linkous). “Dark night of the soul” cuenta con una lista de invitados de aúpa que incluye a Julian Casablancas, Iggy Pop, Flaming Lips, Suzanne Vega, David Lynch o el recientemente fallecido Vic Chesnutt (que se suicidó el día de Navidad). // FM Belfast ha sido la primera banda emergente europea confirmada para el Día de la Música Heineken (21 de junio). El grupo islandés fue elegido por los votos del público a través del concurso de Radio 3, entre las 10 bandas europeas seleccionadas por el Festival Eurosonic. Las otras dos elegidas por el jurado son los franceses The Popopopops y los holandeses Daily Bread.

012/013

bites

Monegros Desert Festival El techno después del techno

Bites

// La nueva sensación del pop francés, Exsonvaldes, visitará por primera vez Barcelona este 21 de mayo con un concierto en la sala BeCool para celebrar la primera fiesta Indiespot, un referente de la prensa musical online con más de 3.000 visitas diarias. El quinteto parisino presentará los temas de su segundo disco, “Near the edge of something beautiful”, y para rematar la noche los Indiespot DJs. Más info y entradas: www.indiespot.es/fiesta. // El brasileño Vinicius Cantuária, máximo exponente de la bossa nova del siglo XXI, presentará en directo su esperado nuevo disco, “Samba carioca”, el 20 de mayo en el Auditorio de Tenerife y el 21 de mayo en el Teatro Circo de Marte de La Palma (Canarias). Cantuária es colaborador habitual de Brian Eno, Brad Mehldau, Caetano Veloso y David Byrne. // Ya se ha revelado el cartel del festival Ibiza Rocks para las noches más calurosas de este verano. Del 8 de junio hasta el 14 de septiembre, cada martes pasarán por el hotel ibicenco bandas como The Prodigy, Kele, The Kooks, The Courteeners, Florence & The Machine, Mäximo Park, Calvin Harris, Dizzee Rascal, Pendulum, Delphic y sesiones especiales a cargo de Kissy Sell Out, Toddla T o Rob Da Bank. Este verano, además, Ibiza Rocks da el salto a la isla de Mallorca con la apertura del Mallorca Rocks Hotel el próximo 1 de mayo, en la localidad de Magalluf (Calvià). La fiesta de apertura será el 6 de junio con The Kooks y Zane Lowe / Bombay Bicycle Club. A lo largo del verano pasarán por allí también Calvin Harris, The Courteeners, Dizzee Rascal y Pendulum. Más info en www.ibizarocks.com // Con la primavera y el buen tiempo vuelve la temporada de la terraza Visit Up del Hotel Pulitzer Barcelona, de mayo a septiembre, con las sesiones ‘afterwork’ cada miércoles de 19 a 22 h. en la sexta planta: música en directo, cóctels y relax en cómodos sofás, con las vistas de Barcelona al fondo. La primera cita será este miércoles 12 de mayo. Entre las bandas invitadas estarán Stay, Partido, Rica Mae, Calima Electric Blue, Stereochemistry, Her Only Presence o Eric Goransson, entre otros. Además, los jueves pincharán diferentes DJs como Will Deluxe, Mether & Zacker, T.A.T, Tango & Cash, etc. en horario de 20.30 a 23.30 h. El aforo está limitado y es necesario pedir la invitación gratuita a través del email miercoles@doyouvisitbarcelona.com

El festival de música electrónica que se celebra el próximo 17 de julio en Fraga (Huesca), ya ha revelado su cartel al 70%.

El directo de los australianos Pendulum, que gravitan entre el drum’n’bass, el dubstep y el electro, ha batido récords de asistencia en sus conciertos en el Reino Unido, y se perfila como el primer cabeza de cartel del Monegros. El efecto kuduro, el ritmo angoleño que pocos conocían hasta que artistas como MIA o Diplo lo sacaron a la palestra, estará representado por sus mayores embajadores, los portugueses Buraka Som Sistema (en la foto). Por otro lado, Laurent Garnier, un habitual muy querido en tierras españolas, presentará en directo, con banda sobre el escenario, su nuevo trabajo “Tales of Kleptomaniac”. La representación patria del hip hop estará encabezada por La Mala, con nuevo disco, y un regreso mítico, CPV. La plantilla de techno de este año, en todas sus variantes, tendrá a los sospechosos habituales, que no por recincidentes son menos populares: Richie Hawtin, Jeff Mills, Luciano, Dave Clarke, Digitalism, Ben Sims, Adam Beyer, Umek, Technasia, DJ Rush, Oscar Mulero o Cristian Varela. Y un escenario al aire libre acogerá la propuesta más dura del techno en forma de schranz, con Pet Duo, Eto&Gab, Frank Kvitta, Maissouille o el colectivo Narcotek.

Levi’s Unfamous Music Awards

Fresh Weekend

Los finalistas telonearán a The Sunday Drivers

Música electrónica entre chapuzón y chapuzón

Levi’s, dando muestra una vez más de su apoyo incondicional a las bandas emergentes de nuestro país, presenta una nueva edición de los Levi’s Unfamous Music Awards. Tras el éxito cosechado en las anteriores convocatorias –más de 1.800 maquetas recibidas en la última edición–, Levi’s volverá a activar su potente radar musical durante la primavera de 2010 con el objetivo de dar con los proyectos musicales más interesantes y desconocidos del país. Los nueve finalistas actuarán en directo en los Levi’s Unfamous Concerts, teloneando a auténticos pesos pesados del panorama musical español. Tras Dorian y Delafé y Las Flores Azules, ahora le toca el turno a The Sunday Drivers, el próximo 8 de mayo en el Teatro Circo Price de Madrid, y el 13 de mayo en la sala Apolo de Barcelona. www.levisawards.com

¿Te acuerdas de cuando ibas los veranos al Aquadiver y te lo pasabas en grande bajando por sus enormes toboganes?

Pues que te hayas hecho mayor no es excusa para abandonar definitivamente esos días de chapoteo y diversión; ahora tienes una nueva oportunidad para soltar ese niño grande que acecha en tu interior, los próximos días 2 y 3 de julio en el Aquapark de Cerceda, A Coruña, donde se celebra el Fresh Weekend, uno de los festivales de música electrónica más grandes de España.

Atención al cartelazo: directos de Blackstrobe, Aril Brikha, Octave One, Zombie Nation, The Hacker, Alexander Kowalski, Guy Gerber, Anton Pieete, Reboot, Marc Marzenit... y sesiones de Luciano, DJ Hell, The Glimmers, Justin Robertson, Kevin Saunderson, Dave Clarke o Aeroplane (en la foto). www.freshweekend.es

15 años de La Terrrazza

Inauguración el 21 de mayo con Circle Music Un año más, la discoteca al aire libre más popular de Barcelona –votada entre los mejores 100 clubs del mundo por la revista inglesa DJ Magazine– abre sus puertas el 21 de mayo.

Este verano La Terrrazza celebra sus 15 años de existencia con un showcase de Circle Music donde actuarán Terry Lee Brown Jr., Alex Flatner y Oscar Aguilera. Y el 28 de mayo le tocará el turno a un veterano de las mejores cabinas de Ibiza, César de Melero. En el mes de junio, la cosa se pone aún más bonita con las visitas de Trentemøller, las residencias de Soma Records, Om Records y las fiestas secretas de Secretsundaze. www.laterrrazza.com

014/015

intro

We Have Band Tener y no tener

Existen pocas cosas más traidoras que las expectativas.

Después de proyectarse a nivel internacional con dos singles magnéticos y bailables como son “Divisive” y “Oh!”, el trío londinense We Have Band edita por fin su primer disco, “WHB” (Naïve, 10). Todo ese reguero de curiosidad se ha ido extendiendo en foros durante un par de años. Quizás por eso sea normal que el irregular recorrido del álbum completo haya dejado ahora a más de uno con los párpados caídos. En todo caso, como nos comenta el guitarra y cantante Darren Bancroft, la parte más positiva de esa corriente es la que ellos han sentido al tener por fin el disco físicamente en las manos. “Tienes razón, es algo muy diferente tocar tu disco que tener canciones por internet. Y creo que eso sucede porque llevamos tanto tiempo tocando alrededor del mundo con tan sólo un par de singles colgados en la red, que tenemos ganas de enfrentarnos a un público que haya podido entrar en contacto con todo el trabajo. En el concierto se expresa la variedad, los ánimos del disco, y queremos que el público conecte con todos ellos”. La ambivalencia anímica se manifiesta a lo largo de todo el tránsito del disco.

“WHB” está hecho de despuntes de leve electro-pop hedonista, protagonista en los singles o en “Honeytrap”, que van cosiéndose distraídamente junto a tamices de oscura trascendencia ochentera, presente con mayor o menor acierto en “Centerfolds & empty screens” o “Buffet”. “Antes se tendía más a hacer discos como este, discos que te llevaban de uno a otro momento.

Muchas bandas recientes parecen necesitar gritarte todo el tiempo, mientras que a nosotros nos gusta la

idea de un recorrido por diferentes espacios. Todo eso guarda incluso más sentido en el vinilo, porque giras de una cara a otra. Creo que a la gente que le gusta la música le gusta la variedad”. El lego de sonidos de We Have Band, unido al colorido vídeo de “Divisive”, retratan a una banda muy democrática: tres personas, todos cantan. “Lo cierto es que tu música se vuelve más fuerte cuando tienes melodías delineadas. Las mejores composiciones musicales albergan diferentes caminos para introducirse en ellas. Nuestra música trata de abrir varias puertas. Y es verdad, pese a que Dede y Thomas están casados, somos un grupo muy democrático. Todo surge estando los tres en la misma habitación, nunca

llega nadie y dice: ‘mirad, he escrito una canción’.

Hay un montón de sonidos que se valoran y pueden restarse en el último minuto. Eso ha sido crucial para entender la manera en que este disco suena, y también la forma en la que fundamos la banda, que tenía que ver únicamente con la diversión y la experimentación”.

Albert Fernández www.myspace.com/wehaveband ¤ We Have Band tocarán los próximos 12 (Ramdall, Madrid) y 13 de mayo (La [2], BCN) junto a Anika Sade.

Xenia Beliayeva La belleza del techno

Un debut discográfico suele ir cargado de la frescura y la dinamita suficiente como para parar un tren de mercancías. Xenia Beliayeva, rusa de nacimiento y residente en Alemania, no sólo está como el citado tren de mercancías, sino que además cumple el requisito de la explosión del novato. Su puesta de largo se encapsula en “Ever since” (Shitkatapult, 10), arrancando con la canción homónima y primer sencillo, un temazo techno pop que es toda una declaración de intenciones. Su nombre y figura es seguida por los muchos de sus fieles que congrega alrededor del globo.

Por ello, después de 16 maxis y remezclas, muchos no se sorprenden de la calidad que atesora. “Nunca me apresuré con la idea de producir un álbum. Un día, aunque suene a tópico, supe que había llegado el momento de hacerlo”. Nueve temas que van desde el electro al dark techno, siempre cobijándose en las estructuras pop y en letras de calidad. En este sentido, la rusa comenta que “escucho mucha música de todo tipo, por lo que a veces escucho una canción de la cual me gusta una parte. Acto seguido, la mantengo como inspiración para combinarla con otra canción totalmente diferente que me inspira”. La voz de Xenia resulta vigorosa, sensual y muy adictiva; dotando a su música del valor añadido que la diferencia del resto —aunque ella bromee postulando que su influencia vocal es H.P. Baxxter de Scooter, sentido del humor tiene un rato—. Unas voces que pueden evocar a Ellen Allien

o Miss Kittin, con la cual colabora en “DNA”. “Trabajar con Kittin fue increíble. Le pedí hacer un dueto, a lo que ella respondió con la letra de DNA, acerca de robots, clones y cromosomas. Yo contesté con aportes de frases en ruso, hasta así dar con la canción final. La verdad es que fue muy enriquecedor trabajar con ella”. Respecto a la producción, “Ever since” suena a pulido y algo introspectivo, ya que “grabé el disco a lo largo de dos años, con muchos paréntesis entremedio. Hay muchas emociones y estados de ánimo. Es como un diario de lo que había en mi mente durante este tiempo”. Xenia se ha formado como persona y artista en Hamburgo, donde reconoce que “es más fácil aprender a producir o ser dj, pero a la vez la competencia es muy dura. Lo más importante es transmitir a la gente un auténtico sentimiento con tu música, para luego lograr lo más difícil, que es mantener ese feeling”. Mucho ojo a sus directos (¿hay algún promotor, por favor, que se atreva a traerla aquí?), ya que Xenia la arma gorda, añadiendo su voz con efectos sobre las mezclas, volviendo loco al personal. “Suelo actuar en clubs, pero para las grandes citas me presento con ingeniero de sonido, teclados y visuales”. Así que tomen nota. Empiecen por adquirir su fresco debut, degustándolo repetidas veces. Luego recen a diario a los santos patrones de los promotores para que traigan a esta nueva diva del techno con vocales. ¡Nasdrovia! Alberto Vidal www.myspace.com/xeniabeliayeva

Trestrece

Épicos y sinceros Trestrece es un grupo que mezcla dos estilos claramente complementarios como son el pop y el rock, combinándolos con un componente épico que les caracteriza hasta el punto de destacar éste adjetivo como uno de los rasgos más característicos de su música. Asimismo, tintan de oscuro la mayor parte de sus melodías posibilitando que el corte épico aplicado en distintas tonalidades de su música haga evolucionar sus composiciones de forma progresiva e incluso se les pueda llegar a relacionar con el heavy, así como indica Jorge Ruiz en una parte de la entrevista. “Nos gusta mucho el simil de Muse como grupo que puede entrar en festivales como Reading y Leeds de un perfil más ‘indie’ y tocar para un público más ‘heavy’ u oscuro” . En Trestrece, lo que empieza como una balada termina como un himno de rock sinfónico, aunque sin perder el costumbrismo del pop nacional. “Hay que destacar el papel de Toni Toledo, de los estudios Urban, de Mallorca (Sexy Sadie, Iván Ferreiro, etc.)”. Toda esta amalgama de influencias es fruto de la carrera de Javier Ruiz, guitarrista y vocalista de la banda, que empezó a gestar la banda hacia el año 2000 en Nueva York, donde bautizó su proyecto como Trestrece en referencia a una curiosa coincidencia. “Tocamos en el ya desaparecido CBGB. Estaba en el 313-315 de la calle Bleecker, y me impactó tanto el sitio, la historia que se respiraba y su simbolismo, que me gustó la idea de que el nombre del grupo

estuviese vinculado a un sitio y un movimiento así”.

Moviéndose de una ciudad a otra en busca de nuevos sonidos e influencias que inspiraran su música.

“En Nueva York estuve tres veces, y la escena y la atmósfera de la ciudad me impactó. Simboliza la parte cosmopolita, moderna y hedonista de EEUU, un poco la parte que más nos interesa de su sonido también, con grupos como Interpol, Foo Fighters o The Killers”. Junto a Nueva York, hay que añadir dos ciudades que complementan el carácter del grupo.

Una es Londres, “Allí estuve viviendo alrededor de un año, tocando en bandas, componiendo... y de ahí también salieron muchas de las influencias que marcan nuestro sonido, las bandas de los ochenta que amamos, como The Cure o The Smiths, pero por supuesto también Muse, Feeder o Radiohead”.

Otra es Mallorca, que según él, “ha sido el catalizador de esos dos sonidos, donde le hemos dado coherencia y personalidad propia, donde se han gestado las canciones del grupo y, como no, el lugar donde he vivido la mayor parte de mi vida y que ha dejado una huella en las letras, la temática de las canciones”. Sin embargo hubo un hecho que marco un antes y un después en la banda.

“Sin duda trasladar el grupo a Madrid, aunque las negociaciones previas con Pupilo Records nos abrieron mucho la perspectiva del negocio también. En Mallorca era muy difícil dar el paso y tener una presencia razonable en el resto del estado”. Arnau Sabaté

Polar

Denominación de origen El sabor final que deja en el paladar el nuevo disco de los valencianos Polar, “Fireflies in the alley” (Absolute Beginners, 10), puede ser comparable al de la degustación de un buen vino regional elaborado con mimo y temple, sin prisas y con la paciencia que requiere la uva seleccionada.

Probablemente, de manera similar se ha trabajado sobre las canciones de lo que supone el sexto álbum de su carrera tras un período de pausa de cuatro años entre los que se haya el notable disco de versiones “Feedback” (Jabalina, 08). “Para nosotros ha sido un período para salir a tocar más, una de las cosas que más nos gusta hacer, y ‘Feedback’ supuso como un pequeño periodo de reflexión.

Más que una cuestión de hacer acopio de energías, fue una manera de echar la vista atrás, recuperar algo de material perdido, y sobre todo, pensar acerca de la evolución del grupo, de su sonido, y sobre todo, de todas las cosas que han pasado. Fue especialmente curioso hacerlo a través de canciones de otra gente”. Y el paso inexorable del tiempo trae consigo cambios, que en la mayoría de ocasiones, son necesarios para sacar el mayor partido a una banda.

Particularmente, en el caso Polar, ha sido el fichaje por el sello Absolute Beginners: “A lo largo de diez años, hemos trabajado con Jabalina y hemos aprendido mucho de ellos.

Pero llegó el momento en que sientes que existe cierta monotonía, que necesitas buscar cosas nuevas, descubrir otras formas de trabajar y de entender la industria de la música. En ese aspecto, Absolute Beginners fue el sello más convincente, y que mejor nos planteó lo que se podía hacer con este disco. Y aquí estamos, en una nueva experiencia”. Y como resultado, han obtenido la oportunidad de renovar su sonido, puliéndolo hasta darle la forma que ellos deseaban gracias a la mano del fructuoso productor Paco Loco, “el Steve Albini español”, para entendernos. “Obviamente siempre hemos sido seguidores del trabajo de Paco Loco, ya no solo como productor, sino como músico y compositor.

A todo esto había que sumar que en esta ocasión había una experiencia que queríamos probar, estar una semana entera en un sitio alejados de casa, concentrados en el proceso de grabación del disco, sin ningún factor externo que ocupase nuestra atención”. Eso sí, para definir la música de unos artistas como ellos, nadie mejor que ellos mismos, sobre todo si sirve para huir de las clasificaciones, tan necesarias como odiosas. “El slowcore es un estilo que nos gusta mucho y que nos ha influenciado. Pero a día de hoy más que nunca entendemos a Polar como una banda de rock. Este disco supone para nosotros una liberación de las etiquetas, hemos intentado llevar un poco más allá el concepto que nosotros mismo tenemos de Polar, y por ello, una etiqueta más amplia como rock, creemos que recoge mejor ahora todas las vertientes sonoras del grupo”. Matías Bosch www.myspace.com/polartheband

016/017

intro / club del mes

Robert Babicz Músico de familia

Si nos diésemos un garbeo por la ciudad germana de Colonia, quizás tras un enorme ventanal, nos encontrásemos a un personaje de pinta bonachona pegado como una lapa a varias mesas de mezclas de botones infinitos y una cacharrería sintética única. Ese noble caballero no es otro que el polaco Robert Babicz. Acaba de editar “Immortal changes” (Systematic, 10), donde le descubriremos más cálido y familiar que nunca. Sus numerosos desdobles technoides quedan aparcados por un instante, saludamos a Robert, la persona. ¿Qué has tratado lograr con esta mutación más orgánica de ese Babicz también conocido como Rob Acid? Muy fácil, el factor humano. Espero haber abierto el panorama electrónico un poco más, ver mi música desde un prisma diferente… Se puede ser un héroe en tan solo cinco minutos con un gran bombo, eso ya no me interesa. Mi plan era crear música que pudiese oír tanto en la salita de casa como en el coche.

No deja de ser curioso que algo tan easy listening sea editado por un sello de baile como Systematic…

Tengo una relación fantástica con Marc (Romboy), es muy sabio otorgándome total libertad. Asimismo estoy preparando mi propia plataforma (BABICZSTYLE), ahí sí que haré todo lo que me plazca, participarán también un montón de amigos: Gui Boratto, Funk D’void, Martin Eyerer…

¿Es este disco un fiel reflejo de tu estado actual? ¿Un buen padrazo por ejemplo? Sí, mis hijos juegan un papel crucial en mi música… Tener niños es de las mejores cosas que pueden sucederte en la vida.

Igualmente ellos están orgullosos de lo que hago, ya veremos qué pasa cuando sean adolescentes…

Tu reconocido romance con máquinas como la TB-303 ahora traspasa fronteras… Babicz se empapa hoy en día de jazz, clásica… Mis oídos se han abierto y amo cualquier tipo de música, no hay barreras. Ando muy influenciado por todo lo que me rodea, tanto en casa como en los viajes, Sigur Rós por ejemplo, muy emocional. Mi otro yo, Rob Acid, seguirá latente, con él ese corazón al rojo vivo que se pirra por el acid music… ¡Novedades están al caer!

Suéltanos algo sobre ese estupendo estudio que te estás montando, singular como pocos ¿cierto? Es todo una forma de vida, siempre ando a la caza de nuevo material que lo haga crecer, un estudio de verdad debe tener su sonido particular, algo que sólo pueda acaecer en ese lugar. Es por eso que no ceso en el empeño, rebuscando incluso en apolilladas emisoras de radio o TV de la ex Alemania del Este, nuevas herramientas que me lleven más allá. ¿Te permitirá Colonia algún día volver a tu tierra natal?

Me encanta el ambiente aquí, el sentido del humor es muy cordial y más relajado que en la fría y hostil Berlín.

Siendo honesto, sí que sueño a veces con regresar a mis idílicas raíces, Polonia. Bruno Garca www.myspace.com/robertbabicz

Miss Carrussel

La mirada al interior

A comienzos de 2007 las postales musicadas de Miss Carrussel (alter ego de Mireia Madroñero) se cruzaron en mi camino. Desde entonces y hasta el día de hoy siempre me he sentido atraído por sus composiciones, capaces de capturar, de manera muy certera, la poesía de cada una de sus secuencias emocionales. “De aquellos años llenos de libros, cintas de cassette, películas en vhs y vistas a la montaña de Sant Bartomeu, queda la semilla que ha forjado mi manera actual de pensar, sentir y actuar. Una imaginación extendida, una capacidad emocional ágil, una sensibilidad especial, mis pasiones, gustos, apegos, odios, muchos

defectos, alguna virtud”. En “Els patis interiors” (Sones, 10) tienen cabida estilos tan diversos como la bossa nova (“Faldilla curta”), el folk (“Fer net”), el pop-rock (“Com els crancs”) y unas hermosas baladas a piano (“Novembre”, “L’avís”) a través de las cuales el oyente contempla a su autora en la más absoluta intimidad. “Mis canciones son un retrato bastante afinado de mí en un momento determinado. Peco de escribir sobre lo que conozco y aquello que siento cerca. Para mí, escribir y componer son terapias catárticas en las que me permito sincerarme. Las canciones de este disco son escenas autobiográficas, con algu-

nos pasajes inventados, pero también muchos trazos de verdad. Y la verdad intimida. Y puede atraer, pero también asustar. En su mayoría, las descripciones aluden a momentos particulares, a caras reales, lugares concretos, a arañazos hondos y anhelos alados, todos muy míos y, en varias ocasiones, a aquellas cosas que te toca callar y te quedan por decir. Sin embargo, no se trata de un yo total”. Merece la pena profundizar pacientemente en el debut de la catalana porque, llegados a su esencia, ella obsequia con una calidez que, en su habitación a media luz, podemos reconocer como nuestro propio hogar. “Es un disco que requiere una disponibilidad atenta y voluntad de querer entender todo lo que cuento y cómo lo cuento.

Escribo de manera directa pero muy personal y abundan los recursos literarios (metáforas, símbolos, concatenación, juegos de palabras, enumeraciones).

También utilizo una surrealista escritura automática, son canciones de duración dilatada sin apenas estribillos, hay ironía que tiende al cinismo, mucho doble sentido, un punto de vista femenino. Reconozco que esta suma puede resultar difícil, pero por esta razón, si alguien llega, entiende y se emociona un poco con alguna de las canciones, para mí será muy gratificante”. David Giménez www.myspace.com/misscarrussel

club del mes

El Tornillo 15 años en el epicentro indie

Texto

El club valenciano celebra este mes de mayo sus 15 años celebrando lo mejor de la música independiente con una programación repleta de conciertos acústicos y DJs invitados (Nathalie M, Toxicosmos DJ, Le Lizard, Tortel, Migui Puig o Dan Costello).

Ana Tomás

E

n 1995 nacía en la ciudad de Valencia un nuevo proyecto de ocio nocturno bajo el nombre de El Tornillo, con la ilusión de crear un espacio donde tuvieran cabida diferentes sonidos y estilos musicales relacionados con la escena indie: pop, rock, soul y electro-pop. Decorado estilo lounge, con un gigantesco tornillo en la entrada, de ahí el nombre, este club situado en la calle Campoamor, en la conocida zona de El Cedro, se ha convertido, con tan sólo 15 años de historia, en todo un referente de la noche valenciana. Por la cabina de El Tornillo han pasado DJ’s y artistas de la talla de Captain Comatose, The Glimmers, Miqui Puig, Guille Milkyway, Pin & Pon DJ’s, Hazcaso, Eme DJ, Astrud DJ’s, Xoel Deluxe, Toxicosmos DJ, Kinki, Bonnie & Clyde, Maadraasso, Angel Pop, Roberto Niza, Obtuso y Erol Alkan, entre muchos otros.

Además de la mejor programación de DJs de viernes a domingo, El Tornillo cuenta con una serie de propuestas para el resto de días de la semana, desde cenas en el mismo local hasta noches de cabina abierta para que demuestres tus habilidades pinchando y remezclando. Asimismo, ha acogido conciertos acústicos como los de Bart Davenport, La Habitación Roja, Polar, Dwomo o Ciudadano, entre otros, y es un espacio de exposiciones para artistas emergentes. Todo con la voluntad de ofrecer lo más interesante de la actualidad independiente, de con-

vertirse en el epicentro de la escena nocturna indie de la ciudad de Valencia.

El futuro se presenta del mismo modo, apostando por la calidad musical y siempre abiertos a nuevas propuestas, colectivos y nuevos talentos, en una postura totalmente permeable a las tendencias, como demuestra la programación especial que han preparado este mes para celebrar su 15 cumpleaños.

El próximo jueves 6 de mayo visita la cabina de El Tornillo la DJ invitada Nathalie M, que nos hará bailar al ritmo de su sonido a medio camino entre el garage-punk y el rock exótico. Para animarse a mover el esqueleto, ‘happy hour’ de mojitos y cerveza de 23 a 1 h. de la mañana. El viernes 7 le toca el turno a Toxicosmos DJ, que pinchará las mejores canciones pop del momento, esas ‘happy pills’ que nos descubre Juan Carlos Mataix en el programa radiofónico semanal del mismo nombre (puedes escuchar Toxicosmos en www.toxicosmos. com) desde hace ya más de diez años. Mataix/Toxicosmos DJ es un clásico de los platos de las salas alternativas valencianas: Barraca, Latex, The Mill y Velvet, entre otras, pero también ha demostrado sus habilidades en festivales como FIB Heineken (Benicàssim), Greenspace (Valencia) y LemonPop (Murcia), y en clubs internacionales de ciudades como Londres (How does it feel to be loved?) y Paris (Le Truskel). Lo mejor del pop del momento, con Los

Planetas, Joe Crepusculo, 2 Hot 2 Sweat y Novak a la cabeza, en una noche que promete resaca sonriente. Si tu cuerpo lo aguanta, el sábado 8 hay otra súper sesión DJ, con Nasti Mondays + Le Lizard, procedentes de la sala Apolo barcelonesa.

El miércoles 12, El Tornillo apuesta por el acústico de Dan Costello. Procedente de Brooklyn, Costello cuenta con cuatro álbumes en los que el clásico sonido folk se fusiona con el hip hop en una armonía de la que fluyen letras sobre la pérdida, la incomprensión humana y las peleas con la justicia. Otro directo acústico tendrá lugar el sábado 15. La solista de origen británico Alondra Bentley acompañará su voz con arpegios de guitarra en la presentación de su disco “Ashfield Avenue”, una obra que se erige como un dechado de sensibilidad, candor y sentimientos encontrados, que se mueve entre texturas agridulces e imponentes referencias, de Vashti Bunyan a Joni Mitchell, de Nina Simone a Judy Garland, de Nick Drake a Jolie Holland.

Pero lo mejor, como siempre, no llega hasta el final. El 22 de mayo El Tornillo celebrará su fiesta 15 aniversario con un concierto acústico a las 20.30 h. de Tortel, Pau (La Habitación Roja) y Miqui Puig, seguido de una sesión DJ de Miqui Puig. Una noche magnética para pedir los mejores deseos de futuro para la noche valenciana. Feliz cumpleaños y que sean muchos más.

018/019

agenda festivales

agenda festivales ficia ISTA o G, REV GO MA 2010 SÓNAR

dor l abora 2010 dio co en k me , G GO MA de FIB-Heine l oficia

l de

sónar barcelona

sónar a coruña

fib-heineken

17, 18 y 19 de junio (barcelona) cccb, macba y fira gran vía (m2) ABONO general: 155 €. entrada 2 noches: 100 €. entrada día: 39 €. entrada noche: 60 €. www.sonar.es

17, 18 y 19 de junio (a coruña) expocoruña ABONO general: 50 €. entrada jueves: 15 €. entrada viernes: 20 €. entrada sábado: 25 €. www.sonar.es

del 15 al 18 de julio (benicàssim, castellón) entrada: ABONO (3 DÍAS): 155 €. abono (4 días): 180 €. pase vip: 300 €. incluye zona de acampada gratuita www.fiberfib.com

Cartel... Roxy Music (en la foto), Air, LCD Soundsystem, The Chemical Brothers, Plastikman, Jónsi, Dizzee Rascal, Hot Chip, The Sugarhill Gang, Fuck Buttons, Joy Orbison, Mary Anne Bobbs, Zomby...

Cartel... Air, LCD Soundsystem, 2Manydjs, Hot Chip, Laurent Garnier, Sasha, Booka Shade, Matthew Herbert’s One Club, Flying Lotus, Fuck Buttons, Broadcast, Uffie, Delorean, Carte Blanche...

Cartel... Vampire Weekend (en la foto), The Prodigy, Kasabian, Leftfield, Dizzie Rascal, DJ Shadow, Echo & The Bunnymen, P.I.L., Julian Casablancas, Hot Chip, Goldfrapp, Klaxons, The Specials, Mumford & Sons, Foals, The Cribs, Goulding, Four Tet, Ian Brown, The Sunday Drivers, Alondra Bentley, Sr. Chinarro, Love Of Lesbian, Ilegales, The Courteeners, Boys Noize, Calvin Harris, Cut Copy, Daedelus, Dirty Projectors, Lindstrøm & Christabelle, Midnight Juggernauts, Prins Thomas, Fionn Regan...

tremendo pop

CONTEMPOPRaNEA

6, 7 y 8 de mayo (monzón, huesca) abono: 60 - 70 €. www.tremendopopfestival.com

del 22 al 24 de JULIO (alburquerque, badajoz) entradas: 45-55 € (1 DÍA), 70-75 € (abono) WWW.contempopranea.com

Cartel... New Young Pony Club, The Whip, Whitey, Jeff The Automatic, Jonjo Feather, Make The Girls Dance DJs, Friska Viljor, Love Of Lesbian, Dorian, The Requesters, Arizona Baby, The Sunday Drivers, Delorean, The Leadings...

Cartel... Los Planetas, The Pains Of Being Pure At Heart, The Primitives, Delorean, La Habitación Roja, Love Of Lesbian, Tachenko, Dorian, Maga, Arizona Baby, Annie B. Sweet, Klaus&Kinski, Los Punsetes, Hola A Todo El Mundo, Underwater Tea Party, Second ...

bilbao BBK LIVE

FARADAY

del 8 al 10 de julio (bilbao) kobetamendi abono (3 días): 110 €. entrada día: 50 €. www.bilbaobbklive.com

2, 3 y 4 de julio (vilanova i la geltrú) molí de mar, platja del far www.faraday.tv

Cartel... Jeff Tweedy (en la foto), The Wedding Present, Clem Snide (performing “Zuma” by Neil Young), Los Punsetes, Maika Makovski, Abraham Boba, Bigott, Errors, Linda Mirada, Apples, Louis Eliot & The Embers, Is Tropical, Hello Cuca, Delco, Pájaro Sunrise, Mujeres...

Cartel... Gogol Bordello (en la foto), Pearl Jam, Alice In Chains, Paul Weller, Rammstein, Slayer, Skunk Anansie, Rise Against, Dropkick Murphys, Faith No More, Manic Street Preachers, Jet, Capsula, Coheed And Cambria, Bullet For My Valentine, Volbeat, Rise To Fall...

LOW COST 23 y 24 de julio (alicante) parque de l’aigüera, benidorm abono: 45 €. entrada día: 30 €. www.lowcostfestival.es

Cartel... Editors (en la foto), Los Planetas, Placebo, These New Puritans, Vive La Fête, Love Of Lesbian, 1990s, Does It Offend You, Yeah?, Tokyo Sex Destruction, Jesse Dee, Arizona Baby, Vinila Von Bismark & Lucky Dados...

creamfields andalucía

la mar de músicas

14 de agosto (almería) playa de guardias viejas, el ejido abono 40-50 €. www.creamfields-andalucia.com

del 9 al 24 de julio (cartagena, murcia) varios espacios www.lamardemusicas.com

Cartel... Crookers (en la foto), Digitalism, Vitalic (V Mirror Live), Benny Benassi, Bloody Beetroots Death Crew 77, Drop The Lime, Wally Lopez, Cristian Varela, Óscar Mulero y Marc Marzènit...

Cartel... Gotan Project (en la foto), Youssou N’Dour, Patti Smith, Salif Keita, Toumani Diabaté, Kings Of Convenience, Melody Gardot, Macaco, Aterciopelados, Staff Benda Billili, Omar Souleyman, The Very Best, Totó La Momposina...

fresh weekend 2 y 3 de julio (a coruña) aquapark de cerceda abono: 30 € (acampada gratis) www.freshweekend.es

Cartel... Cadenza showcase feat. Luciano, Reboot, Blackstrobe, DJ Hell, Octave One, Zombie Nation, The Hacker, The Glimmers, Dave Clarke, Kevin Saunderson, Alexander Kowalski, Aeroplane, Aril Brikha, Mark Marzenit, Kabale Und Liebe, Julien Chaptal...

monegros desert festival 17 de julio (fraga, huesca) desierto de los monegros www.monegrosfestival.com

Cartel... Pendulum (en la foto), Laurent Garnier, Buraka Som Sistema, Richie Hawtin, Jeff Mills, Luciano, Digitalism, Dave Clarke, La Mala, Ben Sims, SFDK, Morodo, Adam Beber, Technasia, DJ Rush, Oscar Mulero, Umek, Cristian Varela, Popof, Frank Kvitta, Pet Duo, Matthew Jonson, The Horrorist, Marc Marzenit, Boris S, CPV, Benny Page...

heineken jazzaldia del 21 al 25 de julio (san sebastián) Plaza de la Trinidad, Auditorio Kursaal, Teatro Victoria Eugenia abonos: 40 - 105 € www.heinekenjazzaldia.com

Cartel... Patti Smith, The Pains Of Being Pure At Heart, Elvis Costello, Archie Shepp, Ron Carter, Kris Kristofferson, George Benson, Mayer Hawthorne, Mulatu Astakte...

destacados mayo-junio 2010 Primavera Sound

Rock In Rio-Madrid

10 años ‘imperdibles’

Diez años bien valen una fiesta por todo lo alto y desde el Primavera Sound se han decidido a hacernos babear desde un buen principio con un cartel de alfombra roja. No sólo rescatan a muchos grandes indies de los noventa (de Pavement a Pixies, pasando por Superchunk, Seefeel, Built To Spill, The Charlatans, Tortoise, Polvo, Orbital o Shellac) sino que nos traen, como siempre, a lo mejor de Indieland con Animal Collective (y atentos a ese concierto de Panda Bear), los enormes Grizzly Bear, la juventud sin freno de The XX, la alegría pop de The Wave Pictures o A Sunny Day in Glasgow, el pop trágico de Atlas Sound, la opera gótica de CocoRosie, el ‘one hit wonder’ de Matt & Kim, el afropop de No Age, el rock de Dr. Dog,

Hips don’t lie

la cultura de The Books o Broken Social Scene, la locura de HEALTH y Yeasayer o el pop pluscuamperfecto de The Drums. No se olvidan tampoco de los clásicos, como Van Dyke Parks, Lee ‘Scratch’ Perry, Mission Of Burma, The Fall, Wire, Gary Numan, Pet Shop Boys o ese concierto homenaje a Camarón. Y no faltarán a la cita algunos habituales del festival como Wilco o Yo La Tengo (escondidos bajo el nombre de Condo Fucks). Cartel impresionante para un fin de semana de vértigo en la Ciudad Condal. ¤Primavera Sound. 27, 28 y 29 de mayo en el Fórum (BCN). Abono: 180 €. Día: 75 €. www.primaverasound.com

Territorios Sevilla

Cultura Urbana

Hip hop nation

Eclecticismo por bandera

La música invade el Monasterio de la Cartuja de Sevilla desde hace seis años con uno de los festivales más eclécticos y con más solera del panorama español, el Territorios. El jueves 3 de junio arranca el Festival con la participación de Salif Keita, que presentará “La Différence”, su último trabajo.

Keita estará acompañado por Gentleman & The Evolutions, una de las voces más importantes del reggae mundial y denominado por algunos como el Bob Marley blanco. En la misma jornada, actuarán Mulatu Astatke & The Heliocentrics, después del éxito cosechado con la banda sonora de “Broken Flowers” (Jin Jarmush) y el éxito de su último disco junto a The Heliocentrics (mejor disco del año según la BBC). Una de las citas más esperadas será

El grueso del cartel de esta nueva edición de Rock In Rio-Madrid está muy traído por los pelos (¿Miley Cyrus y Metallica? ¿Shakira y Bon Jovi? ¿Macaco y Motörhead?), pero hay sorpresas como la actuación de la legendaria banda californiana Jane’s Addiction, liderada por Perry Farrell y Dave Navarro, con Duff McKagan (ex bajista de Guns N ‘Roses) al bajo en sustitución de Eric Avery y Perkins a la batería. O los resucitados Rage Against The Machine (sin Zack de la Rocha) y el supergrupo americano de hip hop Cypress Hill presentando su octavo disco de estudio, “Rise up”. Completan el cartel Boys Noize, Pereza, Tiësto o Calle 13, entre otros. ¤Rock In Río-Madrid. 4, 5, 6, 11 y 14 de junio en Arganda del Rey (Madrid). www.rockinriomadrid.es

el proyecto más rockero de los integrantes de Low, Retribution Gospel Choir. Los sevillanos Pony Bravo adelantarán en el festival temas del que será su segundo disco. Conocida como la PJ Harvey española, Maika Makovski lleva años maravillando con su música pero por fin parece que ha alcanzado el oro con su último disco, producido por John Parish.

La jornada del sábado, como viene siendo habitual, estará dedicada al hip hop con la presencia de artistas como SFDK, Chacho Brodas y Morodo, que presenta “Rebel-action” tras cuatro años de silencio. ¤Territorios Sevilla. 3, 4 y 5 de junio en el Monasterio de la Cartuja (Sevilla). Precios de día: 15 €. www. territoriossevilla.com

Hablar de Afrika Bambaataa (en la foto) es hacerlo de un mito. Nacido en el Bronx neoyorquino, durante los primeros 80 fue uno de los precursores del turntablism e impulsor del electro funk, trascendiendo los mismos cimientos del rap. El próximo 15 de mayo tendrás la oportunidad de ver a este monstruo del hip hop en directo en el festival madrileño Cultura Urbana, que además apuesta por las nuevas tendencias en música electrónica y hip hop, presentando a uno de los principales embajadores del dubstep, DJ Plastician, acompañado del MC Flow Dan. Completan el cartel DJ Krush, Raekwon, La Mala, Cres, Zpu, SFDK, Rapsusklei, Chali 2NA, Duddi Wallace, Gambino y muchos más. ¤ Cultura Urbana. 15 de mayo en Madrid Arena (Madrid). www.culturaurbana.es

020/021

report Klaus&Kinski

Klaus&Kinski Señoras que ríen por no llorar “Tierra, trágalos” (Jabalina, 10) nos devuelve a estos murcianos que tanto y tan bien han calado entre el público pop del indie nacional.

Una nueva entrega de su ilimitado catálogo de estilos, eclecticismo y descaro, y de ese humor tan cínico y fino del que hacen gala y uso como una medicina necesaria con la que afrontar o escapar de cualquier situación adversa. Con ellos, los reproches y las heridas son un chascarrillo que parece ajeno. El mal para los demás. Klaus&Kinski de venta en farmacias ya.

Texto Foto

David Giménez Blanca Galindo

H

ace un año y medio, en una entrevista a propósito de la salida de vuestro álbum de debut, “Tu hoguera está ardiendo” (08), os auguraba un futuro exitoso, mientras vosotros os aferrabais a una compresible incredulidad. ¿Qué ha cambiado en el grupo desde entonces? (Marina Gómez) Es cierto que nos ha ido muy bien, lo que se ha traducido en viajes, festivales y fiestas; aunque para poder comprarse pisos y yates hay que jugar en otra liga. Las cosas personales que han cambiado tienen más que ver con asuntos poco relacionados con la música, como cambios de casa o de trabajo.

Marina, ¿conseguiste el reto personal de no repetir vestido en ninguna de vuestras actuaciones? (Marina) Era una excusa para comprar vestidos nuevos. Alguno he repetido. Me daba pena verlos tanto tiempo en el armario sin usar.

Detrás de vuestros títulos a menudo se esconde un origen anecdótico y divertido. ¿Qué le dio nombre a vuestro segundo álbum? (Marina) Surgió de un malentendido.

Creí oírselo a un amigo un día que hablábamos de la vergüenza. Lo que no había pensado hasta hoy es que fue en el mismo bar donde se quemó la bolsa de Alejandro que nombró el primer disco (aquel título nació a raíz de una advertencia de alguien que les advirtió: “Tu bolsa está ardiendo”). Para que veas lo poco que hemos cambiado.

El lenguaje de vuestras canciones nace entre vuestros amigos, vuestro entorno, vuestro micromundo. Aparentemente sólo quien pertenece a él puede llegar a compren-

derlas. ¿Os hace gracia pensar que la mayoría de vuestros seguidores no os entienden y, sin embargo, las hacen suyas? (Alex Martínez) La verdad es que no sé muy bien qué entiende la gente y qué no, porque habría que ir preguntándolo. Me daría un poco de mal rollo que la gente nos entendiera como lo que no somos, porque me siento muy inseguro al escribir y me asusta el poder parecerme a cosas que me avergüenzan.

Pero luego vete a saber si lo que tú crees que está tan claro lo está realmente, o si son las mismas mamarrachadas de siempre. Seguro que casi todos los creadores están convencidísimos de que apenas nadie les entiende. ¿Aceptáis el riesgo que supone publicar un disco que puede entenderse como continuista hoy en día y tal y como están cambiando las maneras de asumir y comprender la música? (Alex) La verdad es que no he pensado en eso. Este disco es así porque así ha salido o porque así nos ha apetecido durante el tiempo de crearlo, aunque no sabemos qué o cómo haremos las cosas en el futuro. Pensar en lo demás me parece un poco especulativo. Además uno no puede estar pendiente del éxito como una meta a la que hay que llegar de cualquier manera; eso, en nuestro estrecho gueto indie, me parece el colmo del absurdo.

(Marina) Mentiría si dijera que no he pensado acerca de qué iban a pensar los demás sobre el disco, pero lo hemos hecho, igual que el primero, para satisfacer nuestros propios caprichos personales. Creo que se nos ha prestado muchísima más atención que con el primer álbum porque ahora, al menos, se sabe que exis-

timos; además de que lo continuista de este disco es, precisamente, que es tan variado como el primero.

Cuando escuché la magnífica versión que hicisteis del “Let’s make love and listen death from above” de Cansei de Ser Sexy, a medias con Cuchillo, pensé que, igual, a partir de ese momento habría algún punto y aparte en vuestra manera de componer, de experimentar con otros sonidos y hacer que Marina jugara con otros registros vocales. (Marina) Con lo de Cuchillo jugamos más a ser ellos que a buscar un camino común. Nos encanta lo que hacen y nos lo pasamos muy bien. Desde luego que experimentar otros registros mola, pero por ahora estamos cómodos con lo que estamos haciendo y, al menos a mí, me falta seguridad para atreverme con registros nuevos.

“Brilla como una estrella” comienza con un sonido muy 80s. Parece un guiño tecno pop a aquellas canciones de los ochenta como, por ejemplo, “Fotonovela” de Iván.

Podéis meteros conmigo a colación de esto, o dar vuestra opinión (o todo junto).

(Alex) Tampoco has dicho nada malo u ofensivo. El tema está repleto de rasgos formales y de estilo del tecno pop (o synth pop, o como digan los eruditos) ochentero.

A partir de ahí vale cualquier comparación por casposa que parezca; son las cosas de una época. Es una cuestión más de forma que de fondo. O más de fondo que de forma. O algo así.

(Marina) Es más OMD y A-HA que otra cosa. Parece que está un poco manido, lo de recurrir a los ochenta, pero es la década en la que crecimos y supongo que se nos ha quedado algo ahí pegado, en el inconsciente.

Antes de recoger vuestro disco, de camino a la redacción, pensaba en que a veces deberíamos escuchar un disco y hacer una crítica de él, como mínimo, dos veces.

Una en el momento en que este se publica y otro, posteriormente, unos 3 ó 5 años más tarde, para comprobar y relativizar el impacto de aquél en su momento o, por el contrario, para darle la justicia que merecía y no tuvo en su momento. Luego me topé con vuestra canción, “Ya estaba así cuando llegué”, y pensé que, en cierta manera, y ampliándolo a otros aspectos de la vida, vosotros también habíais llegado a una conclusión similar (“…yo no lo entiendo cuando dices que lo que hago es lo peor / es cierto en un sentido futurible, porque es un juicio temporal / así que respeta mi presente y no me juzgues tan mal…”). (Marina) Supongo que por eso en las listas de las décadas salen mejor parados discos que en su día pasaron más desapercibidos y al contrario. En cuanto a la letra de la canción creo que es más relativa a la culpa o, mejor dicho, a la exención de culpa.

(Alex) Hombre, es muy cierto que el tiempo lo purga todo. Es difícil juzgar con ecuanimidad algo actual sin la perspectiva que te dan los años. Y no lo digo sólo por un disco, sino por cualquier otro objeto artístico, incluso cualquier circunstancia política o histórica. Por eso lo mejor para comprarse un disco es esperarse unos diez años y así saber seguro qué es lo que mola. ¿Cómo aceptáis las críticas propias (dentro del propio grupo) y las que vienen de fuera (y no hablo tan sólo de las de anónimos que postean en algunas webs, sino de las de amigos, familiares, críticos)? (Marina) Las críticas destructivas nos afectan más a la autoestima que a la manera de trabajar. También nos hacen sugerencias, sobre todo amigos y familiares, y es curioso escuchar la percepción que tiene de nosotros gente que es más ajena al ‘indiesmo’. ¿Han quedado temas descartados que puedan aparecer en un nuevo EP? (Marina) No, nos daba penica deshacernos de algún hijico. Si hay algún EP será de cosas nuevas, versiones o vete a saber.

(Alex) Hay cosas que se quedaron simplemente a medio camino.

Estoy realmente enamorado de vuestra canción titulada “El fin del mundo”. Definidme. (Alex) ¿A ti o a la canción? Si es a ti, supongo que eres un romántico-apocalíptico.

La canción sólo pretende ser una historia de amor con el más feliz de los finales.

(Marina) No estoy dispuesta a morirme antes de que se acabe el mundo.

Aparecisteis cerrando el último capítulo de la cuarta y última temporada de “Muchachada Nui”, interpretando vuestro bolero “Mengele y el amor” (en una escena en que tanto Marina como Alex aparecen cantando de manera desidiosa en la orilla de una playa con el mar cubriéndoles hasta las rodillas). ¿Cómo surgió? (Marina) Pues varios amigos trabajan en la productora del programa y, por lo visto, le habían puesto el disco a Joaquín Reyes en el coche. Creo que no le gustó nada, pero cuando pensaron en lo de Almodóvar se acordó del bolero. Tenían que rodar una parte en la playa, y como Joaquín veranea aquí cerca y nosotros estábamos por la zona quedamos un día del verano pasado, lo grabamos y nos comimos un caldero. Nos reímos mucho y lo pasamos bien y, bueno, ha sido un honor. ¿Cuál es vuestra ley y vuestra moral y dónde se encuentra con la de los demás? (Alex) Supongo que intentar no tener ley sino simplemente moral. Aunque eso es casi imposible. Las conciencias de los demás no sé en qué andan.

(Marina) ¡Ay, estas cosas suenan muy cristianas y estoy sin bautizar! www.myspace.com/klausandkinski

022/023

en portada Mary Anne Hobbs

La Jefa

¿Cómo se puede pasar de groupie del metal y fanática de las motos de gran cilindrada a gurú del dubstep? ¿Cómo se puede tener un gusto musical tan garrulo y luego, cuando te entrevistan, ser tan cándida, dulce y pizpireta como una monja de clausura de noventa y siete años? ¿Cómo puede ser que con cuarenta y cinco tacos y después de tanta mala vida esta señora pueda seguir estando tan cañón? Preguntas sin respuesta, enigmas sin resolver, diría Iker Jimenez. Y la respuesta, de tan fácil, asusta: esta tía es la Jefa. Punto. Texto Marc Piñol Foto Shaun Bloodworth

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en portada Mary Anne Hobbs

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u vida es el rock y de eso se alimenta, como los rockeros de pro. De fiesta en fiesta y tiro porque me toca, trasnochando entre semana y tomando aviones como quien se sube a un ascensor.

Lo curioso es que, por el camino y aprovechando la coyuntura, empezó también a alimentarse de grime, dubstep, bassline (le pirra este cateto subgénero del UK Garage), IDM de alto copete, electrónica bizarra y beats pluscuamperfectos. Lo de Mary Anne Hobbs es único porque, después de todos estos años, ha conseguido que poco a poco el público de todo el mundo empiece a seguir religiosamente BBC Radio 1 Experimental Show, su excepcional programa semanal sobre músicas alternativas y fuera del ámbito del mainstream. Lo mismito que pasa en España con Ramón Trecet, para entendernos.

Pero cuidado, que hay punto de inflexión en la historia: hace cuatro años Mike Paradinas le edita el excelente recopliatorio “Warrior dubz” en Planet Mu (2006), la mujer empieza a pinchar en clubs y festivales y, en el momento y lugar adecuados, explota la bomba: el dubstep, género que Hobbs siempre ha apoyado incondicionalmente y por el que estaría dispuesta a poner el culo, extiende sus aún renqueantes redes hacia el cielo e influye en el mercado mainstream de manera más o menos palpable. Ya en 2010, es de cajón que el dubstep se ha afianzado en el mercado de una manera parecida a la que significó el auge del drum'n'bass y a un nivel muy superior que el UK Garage, un hecho lo suficientemente impepinable como para tenerlo muy en cuenta. Si el futuro, ahora mismo y si nada se tuerce, pasa por el dubstep, y da la casualidad de que Mary Anne Hobbs es la padrina de todo el asunto, la regla de tres es clara: nadie mejor que ella para echar lumbre sobre algunas de las incógnitas (mucho ojo a lo que nos descubre acerca de Joker) y nuevos talentos que nos depara el futuro de la escena británica, que tendrá su representación en este Sónar 2010 (17, 18 y 19 de junio). Arrodíllense, arrodíllense, que entra por la puerta.

para poder trabajar con ellos mano a mano. Rihanna y Snoop Dog han empezado a flirtear con ritmos más o menos dubstep, lo cual hace pensar que esto puede llegar a ser más grande que el drum'n'bass, que no trascendió mucho fuera a nivel comercial. ¿Más cosas? Magnetic Man ha firmado el primer gran contrato del género y en estos momentos está preparando un álbum para Columbia. Además, la mayor parte de las grandes discográficas del país están peleándose para conseguir que Joker firme su debut en largo para ellos. Literalmente, están matándose unos a otros para publicarle material. En lo que se refiere al tema de sesiones y directos, el dubstep ha conseguido un hito que ningún género había conseguido hasta la fecha: ha desplazado al drum'n'bass a la sala pequeña de los clubs y se ha afianzado en la sala principal, lo cual es un dato, a mí parecer, impresionante. También en los festivales empieza a verse una presencia significativa de artistas relacionados íntimamente con el dubstep. En fin, ¡un millón de cosas y parece que aún no se ha tocado techo!

Parece que el dubstep se ha afianzado en el mercado definitivamente. Ahora se puede ver en todas partes y mezclado de todas las maneras posibles, o casi. A nivel popular es algo que en su momento sólo llegó a cristalizar con The Streets y el garage. Es decir, que ha llovido ya un poco. No te puedo negar que los últimos doce meses han sido fenomenales para el dubstep en su asalto al mainstream. Han pasado un montón de cosas que en su momento sólo pasaron en géneros como el garage o el drum'n'bass, por ejemplo. Skream ha llegado al número 2 de las listas de ventas en el Reino Unido gracias al remix que le hizo a La Roux por “In for the kill”. Pharrell, de Neptunes, se ha llevado a Benga y Skream al estudio

Los últimos años han sido de Burial, Skream, Shackleton y Flying Lotus. Este año parece ser que será el de Joy Orbison. Es curioso: a veces parece que toda la escena descanse sobre los hombros de un sólo elegido, aunque siempre parece haber chavales que empiezan a despuntar y están dispuestos a recoger el testigo, generalmente muy jóvenes. ¿Tienes algunos nombres a destacar? Si lo que buscas son los nuevos nombres que están saliendo no tienes más que escuchar mi show en BBC Radio1 cada semana (lo puedes escuchar online en www.bbc.co.uk/programmes/ b006wqb7). Es lo único que te puedo decir, porque generalmente, entre tanta maraña de artistas, a veces no soy ni consciente de qué es lo que funciona y lo

Sabiendo que el dubstep es un género en constante mutación y que multitud de sellos surgen como setas, ¿cuáles son los sellos que me recomendarías en estos precisos momentos? Pues hay unos cuantos, algunos que siguen estando de moda y sacan referencias muy importantes para la escena, como Hyperdub y Tectonic, y otros que son menos conocidos pero que tienen un montón de posibilidades de dar el salto a la fama en breve. Hay que seguir de cerca a Brainfeeder, Rinse, Low End Theory, FWD>>, Applepips, Hemlock, Numbers, Night Slugs y Lucky Me. Creo que siguiendo a estos tienes suficiente como para empezar a profundizar en lo más esencial de la actual escena. En algunos de estos sellos ya están empezando a despuntar absolutos desconocidos que darán mucho que hablar: Mosca, L-Vis, Untold... Todos ellos tienen un potencial enorme y me parecen muy personales en sus planteamientos. Me encantaría que les fuera genial.

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en portada Mary Anne Hobbs

que no. Estoy una media de diez horas diarias escuchando nueva música: me llegan por correo vinilos y CDs en cantidades industriales, al estilo de la vieja escuela. De hecho, ¡a veces me llegan incluso cassettes! Pero debo reconocer que lo que más me apasiona ahora mismo es moverme por blogs especializados en busca de algo que nadie conozca. Hay días en que puedo estar saltando de MySpace a Soundcloud y viceversa y es un no parar muy agradecido, pero también un poco estresante. Reconozco que es mucho más difícil encontrar cosas interesantes, pero cuando encuentras algo que nadie conoce y te apasiona te sientes literalmente como si te hubiera tocado la lotería. De hecho, sacar algo de esta manera te hace sentir que realmente el trabajo lo estás haciendo tú y, claro, te llena más. Pero sigo diciéndolo, es cansado. ¡Aunque no lo parezca!

Como periodista musical te entiendo. Es complicado y a veces no sabes cuando parar. Mucha gente que me conoce (mi novia, vamos, para qué nos vamos a engañar ahora) puede ver este no parar de investigar como algo más parecido a la diversión y al vicio que a un trabajo. Y en cierta manera no se equivoca.

Pero cansar, cansa. Y te aísla un poco de la vida real.

Estoy de acuerdo. Es terrorífico el nivel de autismo al que puedes llegar a veces con estas cosas. De todas formas tienes que saber trazar una línea en la arena y decir ‘vale, hasta aquí puedo llegar’. Lo que sí te puedo decir es que no importa mucho la cantidad de horas que uses para conseguir sonidos y producciones que nadie ha escuchado aún. Siempre te acaba quedando la rara sensación de que te estás perdiendo cosas, porque internet es, ahora mismo, un agujero negro repleto a rebosar de cosas que jamás podremos llegar a procesar. Y la cosa está yendo a más.

Oye, que al final no me has recomendado ningún nuevo artista... Oh, ¡ya decía yo! Te hago un pequeño recuento de lo que más he estado escuchando esta semana, si quieres. Mosca, Egyptrixx, YoungMontana? (ojo a los temas que tiene colgados en SoundCloud y en especial a la pátina terrorista e IDM que le da al “Mykonos” de Fleet Foxes), Asura, LHF, Deep Teknologi, Kavsrave y Krystal Klear. Todos ellos me parecen geniales.

En los últimos años estás editando tus selecciones en Planet Mu. Supongo que a raíz de esto se te pregunta mucho acerca de si tienes interés en sacar tu propia música algún día. Lo digo porque ahora que has pasado a pinchar en festivales estás más en contacto con DJs y artistas (al menos en el campo de batalla), y eso puede llevar a pensar que es un proceso natural.

Me lo han preguntado muchísimas veces, sí. Más en estos últimos dos años, y a menudo pienso que quizá tenga que ver con lo que me dices: pincho fuera de la cabina de radio y eso debe de dar cierta imagen. Pero no soy productora ni lo seré jamás, yo sólo soy una comunicadora. Mi gran héroe, por encima de cualquier artista o grupo, fue John Peel. Y al igual que John, mi máxima pasión es la de crear bonitos mosaicos con

sonidos de aquí y allá, e intentar darle un poco de sentido al vasto —¡y a veces demasiado vasto!— océano de información que nos proporciona la red en estos momentos. Mi intención es la de hacer cada semana el más especial show de música en la radio del planeta tierra, y eso es mucho trabajo, ¡creo yo!

Suena pretencioso, pero también muy exigente. Lo es, sin duda. Lo que más me gustaría en este mundo es ser una antorcha, un faro en la oscuridad, de la misma manera que John lo fue para mí. No produciré nunca, pero hace poco he empezado a hacer mis propias películas, y recientemente he creado un canal en YouTube en el que filmo y edito mis propios diarios desde América. Los puedes ver en www.youtube.com/ maryannehobbstv, por si te interesa.

Si te parece bien, y cambiando un poco de tercio, podemos hablar un poco del Sónar de este año. ¿Hay alguna actuación que no querrías perderte por nada del mundo? Pues sí. La verdad, estoy seriamente emocionada con la presencia de Roxy Music, y no me pienso perder su directo por nada del mundo. Bryan Ferry, y por supuesto Brian Eno, fueron músicos muy influyentes en mi adolescencia. Crecí en un pequeño y remoto pueblo en el norte de Inglaterra y lo que ofrecían Roxy Music me parecía lo más exótico y raro que pueda escuchar una chica en medio del campo.

La única cosa excitante que pasaba en mi pueblo en mi primera adolescencia era el sitio al que la gente iba a bailar. Prefiero llamarlo ‘sitio al que la gente iba a bailar’ porque tampoco me atrevería a decir que aquello fuera una discoteca, pero bueno, el local se usaba como tal, y uno de los grandes momentos de la noche llegaba cuando el DJ pinchaba “Tokyo Joe” de Bryan Ferry. Me haría mucha ilusión que la tocaran en este Sónar, muchísima. Dicho esto, también espero ver el show audiovisual de Nosaj Thing. Hay unos vídeos corriendo por Vimeo que me parecen absolutamente alucinantes. Si puedes, míratelos. Luego tendrás ganas de verlo tú también, seguro.

Nuevamente estarás pinchando en el Sónar este año. ¿Qué nos depara tu noche? Falta tiempo para decidirlo, pero es muy probable que abra mi set con un abanico bastante amplio de sonidos. Será el viernes a partir de las doce de la noche en el SonarLab, así que no creo que me ponga demasiado dura pinchando. Joy Orbison, que para mí es lo más grande que ha salido este último año, continuará a los platos y seguro que lo hará la mar de bien. Después vendrán Flying Lotus y Roska, que cerrarán el showcase por todo lo alto.

Me hace mucha ilusión porque después, en el mismo escenario, estarán Sugarhill Gang y Hudson Mohawke.

Creo que será una noche para el recuerdo, muy bonita y variada a nivel musical. Vaya, ¡me apetecería mucho estar ahí ahora mismo!

Veo que sigues teniendo mucho entusiasmo con la música, pero quizá eches de menos alguna cosa de tu adolescencia como amante de la música. ¿Cómo empezó tu relación sentimental con la radio? Cuando

era joven comprar discos era un reto, al menos donde yo vivía. Tenías que ir a la tienda de juguetes del pueblo y encargar el disco que querías. Nueve semanas después lo tenías en las manos, sin ni siquiera saber qué era lo que te esperaba. Luego venía una parte importante, en especial para mí: tenía que esconder el disco en algún lugar seguro. La música, en general toda la música, estaba prohibida en mi casa. Cosas de mi padre, que era un tipo terriblemente estricto, así que ya te puedes imaginar qué hubiera pasado si hubiera encontrado alguno de los vinilos de Sex Pistols que había comprado: ¡los hubiera roto a patadas! Lo triste es que a veces se ponía a buscar como un loco y los encontraba. Pero bueno, no todo son malos recuerdos: para mi fortuna, lo que nunca encontró fue una pequeña radio de transistor con la que estaba toda la noche despierta, moviendo el dial bajo las sábanas, la mayoría de las veces escuchando a John Peel. Y es por eso que te decía que, para mí al menos, John abrió una puerta a un universo paralelo, un universo que yo quería vivir en primera persona, y especialmente, ayudar a construirlo, darle forma. Creo que la ambición y compromiso que mostraba Peel fue el mapa que tuve en todo momento, mi particular antorcha en la oscuridad. Siempre he intentado seguir sus ideas, de una u otra forma.

Me imagino que algo que te anima a continuar en los momentos difíciles es el feedback con los oyentes, también. El feedback, para mí, es la mejor parte. No siempre lo tienes en cuenta, así que cuando te llega es como un subidón inesperado que te da energías de sobra. Cientos de emails, mensajes en Facebook, MySpace y Twitter cada semana. No sé, ha contactado conmigo gente de Polonia, Osaka, Portugal, San Petersburgo... Me mandaron un mail desde las oficinas de una sitcom famosísima de televisión, otro desde una peluquería de San Francisco... Puedo recordar mil historias, y todas me emocionan por igual: niños de diez años, personas invidentes a las que les encanta la música que pongo, gente de Chile, Venezuela y Perú... ¡Peruanos! De vez en cuando, entre toda la marabunta, recibo incluso algún mail de algún músico reconocido oculto entre todos estos correos. Es algo que me deja fuera de juego y que me hace ser muy consciente de que, en cierta manera, es un trabajo importante. ¿No te parece? Estar unos minutos a la semana con la gente, ayudándoles a pasar el rato, conectando con ellos... Es algo que me emociona. www.myspace.com/maryannehobbs ¤ Mary Anne Hobbs pinchará en un showcase especial con la participación de Flying Lotus, Joy Orbison y Roska en el festival Sónar el próximo viernes 18 de junio (Fira Gran Vía M2, Barcelona).

028/029

report Foals

Foals vida total He encontrado el argumento definitivo para desmentir a los cenizos que intentan convencer al mundo de que el amor sólo dura tres años: Foals. Lo mío con estos cinco fue un flechazo. Desde que se empezaron a oír sus temas pre “Antidotes”, “Hummer” y “Mathletics”, supe que esto iba a ser para siempre. Ahora acabamos de hacer tres años y en vez de rosas, bombones o viajes a París, Foals me regalan un discazo. Esto es amor.

Texto

Virginia Arroyo

C

on todo, he de conceder a esos alquimistas del desamor que mis sentimientos han variado un poco con el tiempo. Ya no es tanto ese éxtasis desbocado (que también, a ratos), como más bien una admiración más reposada, más madura, una felicidad profunda pero no insana. ¿Soy yo o han sido ellos los que han cambiado? “No ha sido una decisión consciente ni premeditada”, me aclara Yannis Philippakis, “de hecho ‘Total life forever’ (Transgressive / Warner, 10) tampoco es tan tranquilo… Sé lo que quieres decir: es como menos… frenético”. Exacto. El espíritu math-rock que los popularizó sigue ahí, pero matizado. “Yo creo que la principal diferencia es que está menos enfatizado, menos buscado. Somos la misma gente, haciendo más o menos la misma música, con la misma intención detrás de esa música. La diferencia es que no ponemos tanto énfasis. ¿Cómo explicarlo? No sé, en lugar de estar los dos frente a frente y esforzarnos en demostrarnos el uno al otro que conocemos la gramática, podemos simplemente sentarnos, charlar y comunicarnos. Pues este disco es más esa conversación, mientras que el otro era más una demostración de que conocíamos las palabras y sabíamos usarlas”.

Efectivamente, en temas como “What remains” o “2 trees” la esencia del math-rock se destila hasta conseguir un producto más compacto, con menos aristas, menos ácido, más temperado. El math-rock ya no busca ser protagonista, sino hilo conductor de una historia con muchos menos acelerones que su predecesora, “Antidotes” (Transgressive, 08), pero con la misma potencia, o incluso más. Esa desaceleración probablemente tenga mucho que ver con el sutil distanciamiento de la banda con el techno, estilo con el que tuvieron serios coqueteos durante la grabación de su debut y sobre todo en b-sides como “Gold gold gold” o “Titan arum”. Lo cierto es que, según me cuenta Yannis, la influencia electrónica la ponía Edwin. “Fue él quien la introdujo en la banda. Traía discos y los escuchábamos todos juntos. Pero ahora nos hemos vuelto más independientes, cada uno escucha diferentes cosas. Y creo que, en global, ya no sentimos tanta fascinación por el techno. Nos sigue gustando mucho pero ya no es esa pasión de antes”.

Y supongo que ni siquiera os lo preguntabais, pero a

Yannis le importa bien poco que este giro estilístico pueda no gustar a la gente. “Hacemos música para el público, pero también para nosotros mismos, como expresión de nuestro yo. No me preocupa demasiado lo que piense la gente. Si alguien quiere escuchar un disco techno, lo que debería hacer es ir a una tienda y comprarse un disco techno. No vamos a quedarnos quietecitos dentro de los parámetros de nadie. Tenemos que hacer lo que nos apetece. Además, seguro que si hubiéramos hecho un disco más movido, alguna gente hubiera dicho… ‘Oh, qué mal, Foals han hecho lo mismo que en el disco anterior’. Es contraproducente estarte preocupando por estas cosas”.

Lo que sí tenían claro Foals es que querían grabar su nuevo disco en Hawaii. Querían influencias surferas y tropicales y poder asomarse entre canción y canción a ver el mar por la ventana. Incluso tunearon su MySpace con imágenes de una gran ola dorada.

Al final, no obstante, cambiaron las olas por los fiordos y se fueron a Suecia a grabar. Y pese a que el mercurio estaba muchos grados por debajo del cero, el disco mantiene esa vocación tropical, muy patente en temas como “Miami”. Este cambio de localización respondió a criterios prácticos y no tanto a un capricho de la banda. “Al principio queríamos grabar en Hawaii porque buscábamos un entorno más tropical, pero al final los proyectos que teníamos allí no se concretaron. Creo que es un buen ejemplo de cómo uno no puede controlar absolutamente todas las partes del proceso creativo. Así que se nos presentó la posibilidad de grabar en el estudio Svenska Gramofon de Góteborg con Luke Smith (ex Clor) y allí fuimos”, y añade: “En realidad no sé cómo ha influido el grabar en Suecia en el sonido del álbum pero estoy seguro de que, de haber ido a Hawái, el resultado hubiera sido muy diferente”.

El proceso de composición, eso sí, fue muy similar al de su anterior trabajo, seguramente porque pudieron llevarlo a cabo “en casa”, en la “house of supreme mathematics”, que, por cierto, tienen pensado abandonar. “No pretendíamos estar allí para siempre, y ya hace dos años que la alquilamos. Necesitaremos cambiar de aires, seguro. Es importante moverse hacia delante y no anclarse en cosas ni en sitios.

Además, seguramente será más práctico que el

próximo lugar que nos busquemos esté en Londres”.

Sea donde sea, Yannis me confiesa que para ellos componer suele ser “básicamente un caos. Cuando nos pusimos a ello para este disco, teníamos como sesenta fragmentos de canciones en bruto… A partir de ahí, lo que hacíamos era juntarnos todos, ensayar esos trozos que teníamos, intentar que tuvieran cierta conexión y colocarnos todo lo que podíamos (risas)”.

En cuanto a las letras, siguen siendo abstractas, pero algo menos crípticas que anteriormente. Para Yannis, su tarea como compositor de las letras en Foals supone una gran responsabilidad. “No me gusta la idea de gastar cuarenta minutos de disco en hablar y no decir nada”. No es ya cuestión de contar una historia, sino quizá de evocar una imagen, una sensación. Con “Spanish Sahara”, por ejemplo, lo que Yannis quería era dibujar en la mente del oyente “una escena, una alucinación, algo parecido a una pesadilla que tiene lugar en un entorno que es extenso y árido, como un desierto”. Una idea un tanto oscura en comparación con el título de álbum, ¿no? “Sí, ‘Total life forever’ da una sensación como de euforia, de felicidad. Fue una frase que decíamos mucho durante el proceso de grabación. No sé, me gusta, tiene fuerza, como un eslogan, como un mantra religioso. Me gusta porque suena como muy grande pero en el fondo vacía. No sé, simplemente encajaba”.

Antes de despedirnos, surge el tema del impresionante remix dubstep que Mount Kimbie les han hecho para “Spanish Sahara”. “¿Te gustó? Pues para el próximo single tenemos uno de Sparky. Y también tenemos otro de The Maccabees, que, además, creo que es el primer remix que hacen y es muy, muy bueno”. Pero, en cuanto a colaboraciones, si tuviera que repetir con alguien, lo tiene muy claro. “Me lo pasé genial en la sesión que hicimos con Kieran Hebden de Four Tet. Se dividía en tres partes y, de hecho, una de ellas aún no ha salido a la venta. Creo que es una de las cosas más emocionantes que hemos hecho, tanto en el proceso como en el resultado”. El tiempo pactado se agota y sólo da tiempo para una última pregunta. ¿Dónde te gustaría estar dentro de cinco años? “Ni idea. Me conformaría con estar vivo.

Eso estaría bien”. www.myspace.com/foals

Foals “Total life forever” transgressive / warner

Llevábamos dos años esperándolo. Dos años apurando los últimos resquicios no desgastados de “Cassius”, deseando poder sacudir la cabeza pronto con nuevas melodías, con ritmos delirantes, esperando para saltar, gritar, agitarnos, conmocionarnos, lesionarnos las cervicales bien a gustito botando en el salón de casa. Y van estos mozos y nos traen, de entrada, un medio tiempo de casi siete minutos en el que los punteados frenéticos marca de la casa no aparecen por ningún lado. ¿Cómo se te queda el cuerpo? Pues muy bien, gracias. Porque lo nuevo de Foals no es un “Antidotes II”, es un “Antidotes” pasado por el tamiz de la reflexión y el tiempo. Bien por ellos.

“Spanish Sahara” fue la primera canción que el quinteto de Oxford dio a conocer y con ella preparó al público para unos Foals más reposados pero igual de intensos, permitiéndose incluso 40 segundos iniciales de repiqueteo y acordes prácticamente inaudibles cuando nos tenían acostumbrados a estruendosos principios in media res.

En este primer single, quinto corte del álbum, la intensidad va creciendo a medida que se van añadiendo capas.

Tanto que, alrededor del minuto cuatro, el oyente ya arquea la espalda, todos los músculos tensados, preparado para un clímax que nunca llega. Y es precisamente en esa negación del orgasmo donde los nuevos temas de Foals encuentran su grandeza. Este juego constante de tensión no culminada se teje a través de unas atmósferas donde los elementos electrónicos se van dejando caer sin aspavientos, formando un poso etéreo que se va viendo salpicado de pacíficos contrapuntos orgánicos. ¿Y dónde queda el dichoso math-rock en todo esto? Pues en un lenguaje, en una técnica, en un medio más que en un fin. Haberlo, haylo, pero está tan difuminado que algún despistado lo pasará por alto y pedirá que le devuelvan el dinero, que estos no son los Foals que él había comprado.

Sin embargo, el oído atento identificará el math-rock como hilo conductor de esta historia de once capítulos que es “Total life forever”. Fíjense sino en el punteo al principio de “2 trees”, puro “Two steps, twice” pero sin furia. O en la guitarra del inicio de “Afterglow”, cada vez más impaciente para acabar desembocando en un antiestribillo downtempo. Precisamente este tema me hace recordar aquel fantástico “Electric Bloom” y caigo en la cuenta de que todo el post-“Antidotes” fue una estrategia, un despiste, una finta maravillosamente ejecutada para hacernos creer que iban a seguir acelerando hasta descoyuntarse (“Astronauts and all”, “Titan arum”, “Gold gold gold”), cuando en realidad era otro el camino que iban a llevar al límite. El límite, por supuesto, es acelerarnos el pulso, dilatarnos las pupilas, provocarnos escalofríos y, al final, justo al final, darnos un beso en la frente y echarse a dormir a nuestro lado para dejar que los queramos para siempre. Virginia Arroyo

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report Big City / David Holmes

Big City Hermanos Big City son una de esas bandas en las que el buen hacer se impone en una manera de entender la música muy orgánica y pura. Es como el hermano mayor, que ve a los pequeños triunfar y, lejos de la envidia, se enorgullece mientras sigue haciendo una tarea igualmente estimable, honesta y humilde. En este caso los hermanos pequeños podrían ser Tachenko, Bigott o The Secret Society. Y el hermano mayor se acaba de sacar de la manga un “Celebrate it all” (I+D Music, 10) para dar toda una lección vital.

Texto

Jesús Sáez

N

o cabe duda que esta tercera entrega probablemente suponga el trabajo más complejo en la historia de la banda maña, lleno de matices, sensaciones de todos los colores, pero, como bien reza el titulo, siempre guardando un poco de euforia para que el regusto siempre sea positivo y energético. Javier Vicente responde: “Mi madre siempre decía que había que celebrarlo todo, tanto lo bueno como lo malo. Este disco habla de todo eso, de lo bueno y de lo malo.

Pasaron muchas cosas cuando componía las canciones: mi madre murió, yo me había ido de Zaragoza, había cambiado de trabajo, mi novia se fue al extranjero, cambiamos de sello, también nacieron nuevos miembros de la familia… situaciones que te golpean y que hacen que te plantees cosas, que cambies, que pienses, y que reposes tus pensamientos. ‘Celebrate it all’ celebra todo, porque todo tiene un por qué y un para qué, y todo te hace sentir vivo”. Un disco que nace al abrigo de grandes bandas como Wilco, Centromatic o Neil Young, especialmente los primeros, con cuyo “A ghost is born” guarda ciertos paralelismos (cada uno en su ámbito) este nuevo disco en alguno aspectos: la mayor complejidad de los arreglos, la búsqueda de las aristas dentro de un lenguaje que anteriormente se había apoyado con fuerza sobre el pop y sobre todo, el excelente trabajo de guitarras. ¿Similitudes? No. Cuestión de personalidad. “Big City

tiene referentes y casi todos son de fuera más que de dentro, pero lo que nos interesa de ellos no es aprendernos los arreglos y los acordes de sus singles y vomitarlos como una máquina de hacer churros, lo que nos interesa es ir más allá, intentar comprender qué buscan, qué expresan, en qué piensan, por qué hacen lo que hacen, leer sobre ellos, investigar. Por eso no les copiamos y punto, como hacen tantos otros grupos de aquí (independientemente del idioma en que canten). Es inspiración a otro nivel, no necesariamente musical, que hace también que aprendas de ti mismo como músico, y desde ahí, sí puede salir algo tuyo. Desde la copia es imposible”.

Como suele ocurrir con estos discos-salto, con estas atractivas sorpresas, el lanzamiento viene acompañado de un cambio de contexto, por un lado, en el proceso compositivo: “El proceso de composición sí cambió bastante con respecto a discos como ‘A spring of summers’ (Gelmar, 03), en el sentido de que escarbé en sentimientos y en giros compositivos que a priori no son tan agradables al oído como otros, es un disco exigente para el oyente, y también para la banda. Pero a su vez tiene singles mucho más directos que los otros discos, porque encontramos la forma de dar salida a sensaciones más directas sin caer en la obviedad. La obviedad es el gran veneno de la música, hay que huir de ella como de

la peste”. Y por otro en el industrial. “Bueno, Big City no dejó atrás Grabaciones en el Mar. Pedro Vizcaíno fue quien decidió que quería centrarse en el grupo que le daba más dinero, prescindiendo de otros que le daban menos. Paradójicamente, yo tocaba también en ese grupo. De todas formas, jamás hemos culpado a Pedro por ello, aquí cada uno ha de velar por sus propios intereses, y nuestra relación con él siempre ha sido buena, de hecho acaba de publicar un doble CD de Big City llamado ‘The brugal years’ con los dos primeros discos más rarezas, demos y versiones. Pedro es un extraterrestre del planeta Zaragoza y, como tantos otros, es imprevisible y adorable”. Y ahora llega el momento de I+D Music. Y el momento de una banda con una propuesta remozada, perfeccionada y afilada. “Nuestro disco estaba listo mucho antes de que el proyecto I+D lo estuviera, así que tuvimos que esperar, pero estamos contentos de haberlo hecho. Hasta ahora las cosas ajenas a lo estrictamente musical digamos que no nos interesaban mucho, y en alguna ocasión eso hizo que lo que publicábamos no tuviera el apoyo necesario de promo, distribución, etc. Al final todo eso merma el impacto del disco. Ahora hemos esperado a que todo encaje, y por fin es el momento de sacar ‘Celebrate it all’”. Suerte. La merecen. www.myspace.com/bigcitymyspace

David Holmes Corazonada Si hay algo que no tiene David Holmes son prejuicios. Culo de mal asiento, el de Belfast lleva ya veinte años en una progresión ascendente a la par que desordenada y caótica, viviendo al margen de las modas y dejándose influir casi por cualquier disco de naturaleza oscura. Un maestro de la cabeza a los pies.

Texto

Marc Piñol

P

ara celebrar estas dos décadas de trabajo, el norirlandés ha publicado “The dogs are parading” (Universal, 10), un doble CD con hits de ayer y hoy (de aquel delicioso “Gone” que firmara junto a Sarah Cracknell en el 94 al más cercano “I heard wonders”, tremebunda canción de su último disco), rarezas (una revisión de “Living room” firmada por Kevin Shields), remixes varios (Mogwai, Arab Strap, Alter Ego, Andrew Weatherall), apuntes de alguna de sus numerosas incursiones en el terreno de la banda sonora (la de “The girlfriend experience”, sin los jadeos e improperios de Sasha Grey para amenizarla, desgraciadamente) y su adorable escarceo con The Free Association (psicodélica versión del “Sugar man” de Sixto Rodríguez incluída). Es decir, que después de tanto meneo tocaba poner un poco de órden en casa.

Empezaste haciendo techno en Warp. Ahora mismo, y viendo tu carrera posterior, bandas sonoras incluidas, se le puede hacer raro a más de uno. El primer maxi que edité era de techno, pero antes de eso ya pinchaba en algunas fiestas y lo que siempre me había flipado era el soul y el punk. Decidí empezar a grabar después de una noche en la que fui al Delta Club, un sitio de Belfast al que solía ir los fines de semana, y el DJ puso un disco de Farley ‘Jackmaster’ Funk. Empecé a coleccionar vinilos de acid house y al poco tenía cajas de ritmos en mi habitación. A pesar de que mis primeros trabajos fueron cien por cien

techno, en “This film’s crap, Let’s slash the seats”, mi primer LP, intenté darle un aire más cinematográfico. Siempre me han gustado las bandas sonoras y a menudo pienso en mis canciones desde un punto de vista visual, sean de la naturaleza que sean. Que sean techno, soul, punk o disco no importa demasiado. ¿Cómo te sientes al ver en tu recopilatorio un remix de Alter Ego justo al lado de uno de Mogwai y poco después de uno de Kevin Shields? ¿Crees que hace unos años la gente tenía cierta apertura de miras y eso, de un modo u otro, se ha ido perdiendo? ¡Pues cómo me voy a sentir! Me siento orgulloso y satisfecho. Me parece muy bien que a lo largo de todos estos años mi música haya cambiado, y me encanta haber podido conocer a tanta gente de tantas escenas distintas. Creo que si no lo hubiera hecho me sentiría jodidamente triste. Es muy triste ver a alguien que no es capaz de sorprenderse con algo diferente, aunque sea de vez en cuando. Llámalo hip hop, krautrock, música concreta o rockabilly. Hay gente que me sigue pidiendo que vuelva al techno, por ejemplo, y aunque lo valoro no puedo evitar decirles que ya no puedo: mi vida ha cambiado mucho y creo que sería poco honesto seguir haciendo lo mismo. Por otro lado, estoy de acuerdo en lo que dices: parece que la gente se encuentra cómoda etiquetando y separando. Hace unos años no importaba tanto. O eso me parece.

Quizá la escena musical de hace unos años fuera más rica en este aspecto: había constantes cambios de coordenadas y cada nuevo movimiento era apasionante y nada predecible. De hecho, hace unos años te vi pinchar en un Primavera Sound y dejaste caer seguidos a Harmonia y Fast Eddie. Han pasado pocos años y ya parece imposible ver eso en un club o festival sin que alguien le tire una botella al DJ. La verdad es que no me preocupa demasiado. El acid house y el krautrock me vuelven loco, y a quien no le guste es que le falta un tornillo. Creo que toda la música se puede separar en dos bandos muy específicos: oscuro por un lado, mainstream por el otro. Para mí, toda esa música oscura tiene una historia apasionante detrás. Una verdadera historia, quiero decir, de esas que salen en los libros. Hay que interesarse por todo lo que suena auténtico, sea de un estilo o de otro, y luego intentar huir de las categorías. Son dañinas y llevan al estancamiento.

Por cierto, estaba haciendo cuentas: después de todos estos años no te he visto jamás en directo. ¿No te gustaría llevar tus canciones al escenario? ¡Nunca!

Me volvería loco repetir la misma canción una y otra vez. Para mí es divertido poner discos, y es aún más divertido hacerlos. Pero montar una gira junto a más gente, con toda esa infraestructura absurda y desmesurada que conlleva... No, hombre, ni de coña. www.myspace.com/davidholmesofficial

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report The Ruby Suns

The Ruby Suns

Billete de ida

Desconcertante, cosmopolita, encantador y sosegado. Estos cuatro adjetivos podrían servir tanto para describir al propio Ryan McPhun como al tercer disco que acaba de firmar al frente de The Ruby Suns, “Fight softly”. En la onda del pop psicodélico de tintes tribales que tan de moda está últimamente, la nueva propuesta de esta banda neozelandesa sume al oyente en un profundo trance, en un viaje del que no sabe si va o vuelve, en un maravilloso estado catatónico en el que bailar, volar y soñar son todo la misma cosa.

Texto

Virginia Arroyo

¿Q

ué pensarías si los Fuck Buttons te dijeran que su artista favorita es Lady Gaga? Que se han metido algo, ¿verdad? Pues imagínate la cara que se me quedó cuando Ryan McPhun me confesó que le encanta Britney Spears. “Lo que más me gusta es el pop. Michael Jackson, por ejemplo, lo llevo escuchando desde que era pequeño. Pero también me gustan cosas más modernas, como Madonna o Britney Spears”. Y acto seguido, ante mis oídos atónitos empieza a soltar una retahíla de nombres de bandas folclóricas de Argentina, de Botswana y de no sé dónde más. En un último tanteo antes de colgar y asegurarme de que había llamado al número correcto le pregunto por las similitudes entre su música y Yeasayer o Animal Colective.

“No creo que Yeasayer haya influido demasiado en mi música, aunque he escuchado unas cuantas canciones de su nuevo álbum y son muy buenas. Quienes sí me encantan y los considero una gran influencia son Animal Colective. Me gusta todo lo que han hecho, aunque sus primeros trabajos son los que me resultan más inspiradores”. Todo en orden.

Debería haber imaginado que Ryan McPhun no iba a ser un tipo corriente, con gustos corrientes y respuestas corrientes. Escuchando cualquiera de sus tres álbumes ya queda claro que la etiqueta de ‘normal’

no le pega y que, además, le da igual. Pasando de fusilar elegantemente a los Beach Boys (“The Ruby Suns”), a un pop experimental cercano a Panda Bear (“Sea lion”), en este nuevo “Fight softly” (Memphis Industries / Nuevos Medios, 10), McPhun riza el rizo de la psicodelia y lo hace dotando a su sonido de un carácter marcadamente sintético. “La principal diferencia entre este disco y ‘Sea lion’ radica sobre todo en la producción. Éste suena más electrónico, menos orgánico. Los instrumentos acústicos han sido sustituidos por elementos digitales”. Así es como Ryan ha parido temas tan diversos como la burbujeante “Mingus and Pike”, la divertida e inclasificable “Olympics on pot” y joyas como “Haunted house” o “Cranberry”.

Todas ellas diferentes pero con un denominador común: la experimentación dentro del marco de lo accesible. “Mi intención es hacer música pop, pero que sea interesante”.

En esencia, escuchar un disco de The Ruby Suns es emprender un viaje sin un destino claro pero con un paisaje precioso con el que embobarte por el camino.

Seguramente esta sensación de teletransporte, de fuga de la propia realidad, tiene mucho que ver con el hecho de que el propio McPhun se haya pasado media vida recorriendo el mundo. “Cuando viajas,

conoces a otras gentes, otras formas de hacer las cosas y también escuchas música muy diferente a la que estás acostumbrado. Se aprende mucho”. Por eso, para él lo más enriquecedor impregnarse de otras culturas. “Musical y personalmente los lugares que más me han aportado seguramente han sido los países del sur de África, como Kenia o Botswana.

Poder estar allí, hablar con aquella gente, descubrir cómo viven, esa cultura tan diferente… Es absolutamente fascinante, una de las experiencias más inspiradoras de mi vida. Sobre todo con los Masai, en Kenia”. Y entre que no para quieto y que su centro de operaciones está en las antípodas del mundo, no es de extrañar que Ryan no encuentre una formación fija para la banda. “Es difícil, no hay mucha gente que pueda dejar lo que está haciendo y venirse a pasar largos periodos tan lejos de su casa”. Y lo curioso es que no me lo dice resignado. Ryan se siente igual de bien solo que acompañado. Sin haberlo tenido cara a cara, le he visto durante toda la conversación esa sonrisa serena del que no se preocupa por nada, del que vive y deja vivir y si alguna vez pelea, “pelea suavemente”, dándole unos golpecitos en el hombro a su adversario, asegurándole que todo va a salir bien. www.myspace.com/therubysuns

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034/035

report Lori Meyers / Gotan Project

Lori Meyers Los 80 no eran tan malos

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Luís Meyer Javier Callejas

La solvente banda granadina de pop-rock publica este mes “Cuando el destino nos alcance”, un trabajo que es una paradoja en sí mismo: la discográfica les ha dado libertad total para experimentar, pero sus canciones suenan más centradas y directas que nunca, con un envoltorio más definido. Nada que ver con el superbarroco “Cronolánea”, ese disco anterior que saturaron de arreglos y se quedó en algo difuso y epidérmico, rápidamente olvidable. Su cuarto álbum se escora más hacia el pop y empapa desde la primera escucha. De esos que dejan poso.

N

oni, cantante y compositor de la banda, responde a la entrevista en medio del rodaje del vídeo de “Mi realidad”, un tratado de pop fresco que se ha convertido en el primer single por méritos propios. La primera pregunta cae por su propio peso: ¿De qué va el vídeo?

“Pues no tengo ni idea, la verdad. Llevamos todo el día grabando en escenarios, con cromas… pero si te soy sincero, hasta que termine el rodaje no nos enteraremos de qué va esto”.

El título del disco suena al de un grupo que se lamenta de su madurez. ¿Miedo a cumplir los 30? (Ríe) No, para nada. De hecho, es el título español de “Soylent Green” (película de ciencia ficción estadounidense), que nos encanta. Sí tiene algo que ver con cómo vemos las cosas ahora, porque está claro que maduramos con cada disco, aprendemos algo nuevo y evolucionamos.

No queríamos hacer otro “Hostal Pimodan”.

En una ocasión dijisteis que vuestras influencias venían de los 60, 70 y 90, pero no de los 80, porque “la música de esa época era una mierda”. Ahora, en este disco, usáis teclados muy ochenteros e incluso hacéis un tributo a A-HA. Eso es lo que te decía con lo de madurar. Cuando empecé con el grupo con 18 años estaba lleno de prejuicios, pero un buen día descubrí a Kraftwerk, luego a New Order, y así muchas otras bandas de los 80. Supongo que aquello lo dijimos con un par de cervezas (ríe), pero ahora nos hemos abierto mucho más: se me ponen los pelos de punta oyendo una canción de Kilo Veneno, y también con

una de Daft Punk y no se me caen los anillos.

Y en este disco no os habéis privado de nada. Pues no.

Ken Coomer, (productor del disco anterior, “Cronolánea”) no nos dejó meter todos los sintes que queríamos, era más purista con el sonido rock. Pero este disco lo hemos grabado en Los Ángeles con Sebastián Kyrs, y el tío nos ha dejado ‘cacharrear’ todo lo que hemos querido y más. Es el disco con el que mejor nos lo hemos pasado grabando.

dos a los grupos mainstream: productores caros, buena promoción… Puede ser. Pero lo de ‘independiente’ cada vez tiene menos sentido. España es el único país donde se diferencia a los grupos ‘independientes’ del resto. Es un poco ridículo renunciar a cosas por mantener una etiqueta. Hay grupos que te gustan y grupos que no.

Esa debería ser la única división. Ah, y Sebastian no fue caro: se rebajó el caché para poder producirnos.

Define ‘cacharrear’. Bueno, a mi siempre me ha gustado investigar con aparatos, de pronto me da por pillarme un sinte Casio, o trastear con un Moog, y en fin…

Tenía muchas ideas originales que al final no entraron en Cronolánea y sí en este.

O sea, que estar con una multinacional no os libra de la crisis. Bueno, tenemos nuestro presupuesto, y lo usamos como mejor podemos. Por ejemplo, metemos trompetas midi en el disco ¿Hubiera sido mejor contratar a una sección de vientos? No lo sé. Desde luego habría salido mucho más caro, y meter sonidos midi era un reto para nosotros, porque nos obligaba a darle un valor añadido, a hacer algo que no sonara a lo de siempre.

Sebastián Kyrs ha producido también a David Bisbal o Luis Fonsi. Vuestros fans más cerriles no se lo van a tomar muy bien. Es que eso no tiene nada que ver con que sea o no un buen productor. Sebastian nos cogió el punto enseguida, se emocionó con nuestro proyecto y antes de ir a Los Ángeles nos escribía todo los días por facebook haciéndonos propuestas para meter esto o lo otro en tal o cual canción. Se implicó a saco. ¿Que ha grabado a otros músicos más comerciales? Eso no significa que sea lo que más le guste. A ti puede que no te guste Lori Meyers, pero es tu trabajo y tienes que entrevistarnos de todas formas.

Me da la impresión de que a muchos grupos a los que os pusieron la etiqueta de ‘independientes’ os están lanzando ahora con medios que antes estaban reserva-

Bueno, pero a vosotros no os va mal, ¿no? Me refiero a que Lori Meyers da para vivir bien. No te creas, somos mileuristas (ríe). Pero por lo menos podemos vivir de esto, que no es poco, porque hacemos lo que nos gusta.

Que no me oigan quejarme colegas míos que tienen que pringar todos los días en una oficina, que me matan. www.myspace.com/lorimeyersband ¤ Lori Meyers tocarán dentro de las Jack Daniel’s Session los próximos 6 (Joy Eslava, Madrid), 13 (Razzmatazz 2, BCN), 20 (The Mirror, Valencia) y 21 de mayo (Industrial Copera, Granada)

Gotan Project

más allá del tango

Pese a que no les guste pavonearse de ello, Gotan Project son los creadores de una nueva manera de hacer tango. Así lo atestigua su álbum “Tango 3.0” (¡Ya Basta! / Karonte, 10), donde este trío franco-suizo-argentino lleva su particular híbrido de tango y electrónica al encuentro del blues, atreviéndose incluso con vientos y metales. Su percusionista, Eduardo Makaroff, nos invita a viajar con él por la historia del tango y la ecléctica Argentina.

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Virginia Arroyo Prisca Lobjoy

T

anto el tango como el dub tienen raíces africanas, ¿es por ahí por donde Gotan Project encontró la conexión entre el tango y la electrónica? Es posible.

De hecho, las palabras ‘tango’, ‘milonga’, ‘candombe’… todas vienen de África. El swing del tango viene de África. Es un encuentro entre el jazz, la música europea y los ritmos africanos. Lo que pasa es que la negritud de nuestra música y nuestra historia ha sido negada durante mucho tiempo por temas políticos. Pero nuestros orígenes siempre han sido negros, muy negros (risas). ¿Os consideráis los creadores del tango electrónico?

Antes de vosotros no había ninguna propuesta parecida… Es verdad que cuando empezamos el grupo no había referentes anteriores, así que supongo que sí fue una innovación. Pero autoconsiderarse pioneros de algo no entra mucho en nuestro vocabulario. Además, lo cierto es que no nos sentimos excesivamente identificados con eso del electrotango o tango electrónico, si bien nos gusta mucho este movimiento.

Entonces, ¿con qué género os sentís más identificados? Bueno, tenemos muchas influencias, pero el trabajo que hacemos es esencialmente alrededor del tango. Lo llevamos al encuentro de la electrónica, el jazz, el dub jamaicano, el rock, el country... Incluso para “Tango 3.0” también hemos metido guitarras eléctricas y elementos del blues.

Pese a provenir de 3 nacionalidades distintas (argentina, suiza y francesa), en Myspace, por ejemplo, aparecéis como un grupo de París. ¿Creéis que la francesa es la nacionalidad que mejor os define?

Trabajamos desde París y París es una ciudad muy cosmopolita. Es la segunda capital histórica del tango: aquí es donde han venido siempre los argentinos a desarrollarlo: Gardel, Piazzola… A mí me acaban de dar la nacionalidad francesa y me siento francés, pero también sigo siendo argentino, y me encanta el fútbol, y hago cosas de argentino, como comida argentina, hablo como un argentino… De hecho, ‘gotan’ es ‘tango’ al revés. En Argentina se habla mucho así, al ‘verre’: tú en un bar puedes pedir un ‘sova’ de ‘novi’ y te lo ponen sobre la ‘same’ y tú te le ‘besbe’, lo ‘gaspa’ y luego sales por la ‘tapuer’ (risas). ¿Y qué papel tiene la política en vuestras letras?

Algunos temas, como por ejemplo “Época” de “La revancha del tango”, tienen un contenido manifiestamente político… Nosotros hacemos música, no política. Pero efectivamente en nuestras letras hablamos de la realidad del pasado reciente de Argentina, de la historia del tango y de su negritud negada… “Época” hace referencia a la época de los desaparecidos en Argentina. Yo, como argentino, tengo un sentimiento y unas opiniones al respecto.

Y lo que me ha fascinado de Philippe y Cristoph

es que, sin ser argentinos, se han implicado al máximo con la historia y la música de allá. Cuando reaparecía una niñita desaparecida se emocionaban tanto como yo. No han querido ser unos ‘turistas musicales’, sacar una foto y ya está. Han querido meterse hasta el fondo y convertirse en unos verdaderos tangueros.

Vuestro debut, “La revancha del tango”, está en la lista de los 100 mejores discos de la década para The Guardian, y en 2003 ganasteis el premio a mejor artista revelación en los premios de Música del Mundo de la BBC. Está claro que en Reino Unido tenéis buena acogida pero, ¿qué acogida tiene esta experimentación tanguera en Argentina? Tengo entendido que son un poco puristas del tango…

Bueno, no te creas, en Argentina somos disco de platino… La oficialidad del tango ya ha aceptado que se puede hacer tango de otras maneras y ha reconocido la existencia del tango electrónico. Hay algunos puristas, sí. Pero, si te paras a pensarlo, ser purista del tango no tiene demasiado sentido, porque Argentina y el tango son una mezcla de muchas influencias y muchas nacionalidades. Como se suele decir, los mejicanos descienden de los aztecas, los peruanos descienden de los incas y los argentinos descienden de los barcos (risas). www.myspace.com/gotanproject

036/037

report Lali Puna / Liars

Lali Puna

Todo va bien

Seamos sinceros: nadie se acordaba de Lali Puna. Nadie echaba de menos a una banda que lo fue todo cuando se produjo la explosión de la indietrónica a principios de la década pasada, pero que también sufrió más que nadie la presión de sosias e imitadores. Podrían haberse retirado a la francesa, en fin, y su bonita historia hubiera quedado rubricada con esa elegancia que tiene el saber abandonar a tiempo una escena. Pero no: la realidad es que nunca pensaron en marcharse, tan sólo andaban enredados en otras cosas y a la que han encontrado un hueco, se han lanzado a grabar un nuevo disco, "Our inventions", del que la mejor, y también lo peor, que se puede decir, es que suena a Lali Puna.

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Vidal Romero Gerald von Foris

“M

e parece que deberíamos haber hablado de esto en la hoja de prensa”, explica con humor Valerie Trebeljahr, “porque todos me estáis preguntando lo mismo: que dónde hemos estado metidos todos estos años”. Tal y como lo cuenta, parece que el plumilla medio tiene bastante poco de original, pero lo cierto es que Lali Puna ha permanecido mucho tiempo fuera del radar: entre “Faking the books” (04) y el reciente “Our inventions” (Morr Music / ¡Pop Stock!, 10) han transcurrido seis años, demasiados para un grupo que creció al calor de una escena muy concreta, la indietrónica, y que pareció desvanecerse a la vez que el público daba la espalda a ese género repleto de indies-armados-con-cacharritos-electrónicos. “No tiene nada que ver con que estuviéramos cansados de todo lo que se armó alrededor de la indietrónica”, se defiende Trebeljahr. “La razón principal es que queríamos tener un niño, y eso exige parar durante una temporada: no puedes salir de gira ni estar encerrado en un estudio de grabación si tienes que estar pendiente de un bebé. Y por otro lado, Markus (Acher) quería hacer otro disco con The Notwist, un proceso que es muy lento y laborioso, porque les gusta componer a medias y dejar que las canciones crezcan poco a poco”. Muy poco a poco, en realidad: en esta ocasión necesitaron más de un año para terminar “The devil, you + me” (08) y casi otro tanto para completar la larga gira que siguió a su publicación.

Menos mal que, según reconoce Trebeljahr, “en Lali Puna no somos tan meticulosos”. Las canciones, de hecho, siguen escribiéndolas a medias en casa, de manera bastante artesanal. “Siempre las empiezo yo: preparo las bases y algunos teclados, invento letras y melodías, y al final llega Markus, le da forma a todo lo que yo tengo y añade guitarras y sonidos”. Un proceso en el que cada vez tiene más peso el teclista de la banda, “que hace unos arreglos muy interesantes”, y que tal vez tenga algo que ver en la sensación de hastío que transmite su nuevo disco. Y es que “Our

inventions” suena demasiado parecido a sus hermanos mayores, representa antes un mantenimiento que una evolución: es un disco que podría haber salido a la vez que (o en vez de) "Faking the books", y ese inmovilismo no se ha perdonado en los foros, por mucho que Trebeljahr intente defenderse. “Es que nuestra intención era precisamente esa”, explica. “Dar un paso atrás, volver a un sonido más crudo y primitivo, en el que la electrónica tuviera un peso mayor.

Y de paso, olvidar los arreglos tan complicados que había en ‘Faking the books’, que son un quebradero de cabeza a la hora de tocar en directo”.

“Todo esto”, prosigue, “lo tenía más o menos claro desde hace cinco años”. Fue en esa época cuando escribió “Our inventions”, la canción, “para un proyecto paralelo, de naturaleza más acústica y folk, que nunca llegó a cuajar del todo”. De hecho, la canción aparece, en una versión bastante primitiva, en el recopilatorio “Girl monster” (Chicks On Speed Records, 06), bajo el nombre de Bonnie vs. Hunter.

“No es una versión muy buena”, reconoce entre risas, “pero al menos sirvió para empezar a trabajar en nuevas canciones para Lali Puna”, en las que resulta muy importante la idea de las “invenciones”.

Es decir, “esas pequeñas cosas que podemos hacer para alterar el mundo que nos rodea y apropiarnos de él. Cosas tan sencillas como personalizar la melodía de tu móvil o cambiar la apariencia de tu perfil en una red social: puede parecer una tontería, pero implica un grado de libertad del que carecíamos hace cinco años".

También se trata "de un disco más reposado, menos agresivo", prosigue, comparando de nuevo a su retoño con un “Faking the books” que era "mucho más

negativo y depresivo; un disco escrito en un momento muy duro, en el que teníamos la sensación de que era necesario tomar partido y luchar contra cosas que nos parecían injustas". En esta ocasión, en cambio, "he tenido mucho cuidado de no ser crítica a un nivel político. Ahora mismo estoy en un momento en el que me resulta complicado decidir qué cosas están bien y cuáles mal, y creo que esa desorientación se refleja en el tono del disco, que alterna momentos felices con otros definitivamente tristes".

No hay que buscar, por tanto, mensajes crípticos en el interior de las letras. "Soy incapaz de escribir sobre mí misma", se ríe, "así que me limito a describir el mundo que me rodea, la sociedad en la que vivo. Y cada vez me interesan cosas más sencillas: me hago vieja, y noto como mis ideales políticos están cada vez más disueltos, son cada vez más frágiles. Lo que es una lata, porque sigo igual de enfadada", termina entre más risas. “En serio, es posible que este cambio de actitud se deba a que tengo una hija, y a que me gustaría que viviera en un mundo mejor que el mío. Y para conseguir eso es necesario dejar de tener una visión tan negativa. Cuando eres joven puedes permitirte el lujo de criticar y romper todo, pero a medida que creces te vas dando cuenta de que para quejarse es necesario aportar soluciones. Debes aceptar cuáles son las cosas que puedes cambiar y descubrir cómo las puedes cambiar, y es importante realizar cambios, aunque afecten cosas pequeñas, porque es la mejor manera de sentirse vivo". Es decir, que todos los detalles importan, aunque sea algo tan intrascendente como el tono de un móvil. "Exacto, esa es la idea". www.myspace.com/lalipuna

Liars Al otro lado Texto Foto

El trío neoyorquino presenta su arrebatador quinto disco, “Sistersworld” (Mute / PIAS, 10), en el que dan rienda suelta a sus ideas, permaneciendo ajenos al resto del mundo. Una vez más, suenan pletóricos, oscuros, contundentes e inclasificables a partes iguales. LIARS han encontrado su espacio y en él se desenvuelven a sus anchas.

Matías Bosch Zen Sekizawa

L

iars no buscan el equilibrio; lo tienen. Al igual que tienen claros cada uno de los derroteros por los que deben circular sus ideas para poder continuar en la cabeza del pelotón de la vanguardia musical de nuestros días. Aaron Hemphil es un hombre directo y, como apreciarán los lectores, ejerce como un excelente portavoz de la banda, sin titubeos y demostrando que Liars no es un simple proyecto musical, sino el modus vivendi de tres músicos tan brillantes como insurrectos.

Los aspectos más oscuros de la religión católica siempre han sido una marca presente en las temáticas de vuestros discos. ¿Cuál sería la temática predominante en “Sistersworld”? ¿Qué os sugiere tal título? La principal inspiración proviene de la idea de crear una alternativa a la predominancia de estados de felicidad y escapismo de nuestra sociedad. En general, “Sistersworld” se refiere a la percepción de un espacio alternativo basado en la individualidad, en un lugar en el que se es aceptado, fuera de la realidad prescrita.

Vuestro productor, Tom Biller, anteriormente ha trabajado con otros artistas que distan mucho de lo que vosotros hacéis ¿Por qué le elegisteis para producir “Sistersworld”? Simplemente nos pareció que era el que disponía de más tiempo para grabar nuestro nuevo disco, con lo que a cambio, nos ofrecería la oportunidad de penetrar con más facilidad en el corazón de nuestras canciones para trabajar sobre ellas.

Las voces en “Sistersworld” suenan perfectas. Parece que les habéis dado preferencia por encima del resto de instrumentos. ¿Cómo habéis trabajado sobre ellas? ¿Habéis improvisado en algún momento? Sí, nuestra intención era que las voces sonasen lo más claras posible, así que nos concentramos en crear melodías y estructuras vocales más complejas. No improvisamos en ningún momento.

La distorsión es un recurso que utilizáis a menudo en vuestros discos, en “Sistersworld” parece especialmente controlada. Aún así, cortes como “Scarecrows on a killer slant” y “The overarchievers” suenan muy potentes. ¿Qué tipo de guitarras y pedales utilizáis?

No he cambiado mi juego de pedales en siete años.

Todavía creo que les puedo sacar partido a su sonido. Especialmente, las guitarras de Angus suenan de maravilla y son dramáticamente muy envolventes. La idea de las variaciones de disco a disco reside en la búsqueda de los tonos apropiados. En la mayoría de temas de “Sistersworld” hemos utilizado una guitarra muy especial que compré por veinte dólares.

El temerario uso de los arreglos de cuerda en “Plaster casts everything” (de vuestro disco homónimo) era impresionante, pero en “Here comes all the people” parece que aún vais más allá. ¿Quién los compone? Tenemos nuestros propios músicos que vienen y tocan en las canciones, Angus y yo las grabamos en demos y les añadimos teclados y guitarras.

¿Pensáis introducirlos en vuestros directos? Sí, esperamos poder introducir los arreglos de cuerda en nuestros directos en el futuro.

Los arreglos de viento en “Goodnight everything” también me gustan mucho. ¿Escucháis jazz últimamente? ¿Qué artistas actuales escucháis preferentemente? No escuchamos mucho jazz, la verdad. Nos gustan mucho Pink Dollaz, que aparecen en nuestro disco de remezclas. ¿Cómo surgió la idea de grabar un disco de remezclas como disco complementario a “Sistersword”?

Nos pareció que el diseño del packaging de Brian Roettinger requería un segundo disco. Creímos que la idea de ofrecer una alternativa a lo impuesto conectaba directamente con lo que queríamos expresar con nuestro disco. ¿Pertenecéis a algún otro proyecto musical paralelo a Liars? No. En tu opinión personal, ¿cuál ha sido la evolución de Liars desde vuestro éxito mundial “They were wrong, so we drowned” hasta el presente? Natural.

Hemos intentado crear un área propia donde poder expandirnos libremente. No podemos quedarnos atrapados en la música, aunque no tenemos otro lugar donde ir. www.myspace.com/liarsliarsliars

038/039

retrospectiva Nada Surf

Nada Surf

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Albert Fernández Peter Ellenby

Fenders & Cheerleaders

En todos los sueños imposibles de los adolescentes de los 90 suena una canción de Nada Surf. Las chicas sonríen y se van, el chico se tira al mar y sale por una lavadora, la vida se desordena y el mundo se ve siempre desde una azotea.

Matthew Caws, Daniel Lorca e Ira Elliot han ido tomando los retos según venían y han respondido con orgullo a cada nueva mirada hostil. Porque Nada Surf llevan más tiempo siendo malditos y populares del que van a durar la mitad de bandas que escuchas ahora. Te invito desde ya a escuchar este aplauso fundamentalista con distorsión. Ahora, súbete a la casa del árbol y hablemos de los viejos tiempos.

Q

uedan atrás las luces del instituto y las bibliotecas, pero Nada Surf continúan en un perpetuo paseo henchido de emoción e identidad adolescente, haciendo un camino que siempre ha ido más allá de las supuestas erosiones del tiempo y el estilo. En su hasta ahora aproximada media docena de discos, a través de decenas de canciones, se da siempre un asombroso efecto de cercanía, que delimita cualquier perspectiva existencial en unos cuantos acordes épicos. Caminando sobre un alambre de libre albedrío y batallas con discográficas, el trío ha sabido galvanizar cada momento de sombra en su carrera con un nuevo incendio de rock alternativo. Nada Surf siempre tiene algo más que lanzarnos, como este estupendo disco de versiones “If I had a hi-fi” (Mardev / Warner, 10) en el que lo mismo hacen suya una canción de Moody Blues como una de Coralie Clément o Mercromina.

Hiperespacio

Así pues, declaro desde el inicio de estas líneas que fue un verdadero placer repasar la vida de la banda con alguien tan generoso como el madrileño Daniel Lorca, fundador, bajista y segunda voz del grupo. Todo eso a la hora del aperitivo y, claro, empezando por el principio, llámale génesis, formación, accidente, gloria bendita.

“Mateo (que es como Daniel llama a Matthew) y yo nos conocimos en Nueva York en la época del colegio, cuando teníamos cinco años. Yo luego viví en Francia, y volví a Nueva York con catorce. Me hice muy amigo de un chaval que acababa de llegar de Francia también, que era muy rockero. A mí me encantaba la música, pero hasta conocer a este chico no había escuchado, por ejemplo, los tres primeros discos de The Clash.

Recuerdo que a Mateo le hicimos una prueba, y no la pasó (risas). Le hicimos tocar el solo de ‘Brand New Cadillac’ de The Clash se puso nervioso y no le salió, porque él nunca había tocado así, simplemente tenía aprendidos algunos acordes. Se fue a casa, estuvo practicando y aprendió a tocar escuchando los discos, y después ya sí empezamos a tocar juntos. Hubo algunos baterías distintos, el otro guitarrista acabó por largarse, y fundamos una banda que se llamaba Because Because Because. Teníamos un cantante inglés, y Matthew y yo sólo cantábamos en los coros. Nos pasábamos los días regalando maquetas y tratando de invitar a gente famosilla a nuestros bolos, y encima nos llevábamos muy mal con ese cantante. Así que cuando empezamos a ganarnos un nombre rompimos el grupo, y creamos el antigrupo, que era Nada Surf. Nos pusimos a tocar canciones de los Stooges en el sótano de mi casa, sin preocuparnos por el éxito, y ése fue el verdadero catalizador. Cambiamos la actitud, nos pusimos a cantar Matthew y yo, tomando como máxima premisa hacerlo de la manera más natural, y entonces empezaron a surgir las canciones de lo que sería ‘High / Low’”.

Vaya, yo que pensaba simplemente que Nada Surf tenían su propio Dave Mustaine (googléese “Metallica” para más información) en el batería que grabó junto a ellos la demo del primer disco, y ahora resulta que

hubo tropecientos baterías y un cantante tontín. “Lo del batería se está retorciendo todavía, porque había un sello en España que se llamaba Roto, que había escuchado nuestras canciones y nos quería editar, y traernos de gira por España. El caso es que ya estábamos preparándolo, sacando los billetes para venir, y aquel primer batería empezó a decir que compráramos billetes para su novia, porque él no podía pasarse dos semanas sin ella. Imagínate, nosotros no éramos nadie, no teníamos dinero para nada de eso. La novia se cabreó un montón, y por eso él se largó de la banda. Entonces pensé en Ira Elliot, que era mi batería preferido, y por aquel entonces tocaba en los Fuzztones. Le busqué en la guía de teléfonos, y cuando dimos con él, el tío estaba a punto de dejar de tocar la batería, empezaba a hacer sus canciones y a adentrarse más en la guitarra.

Por suerte accedió a probar con nosotros. Enseguida sentimos que cuando tocábamos con él sonábamos totalmente distintos y que el grupo alcanzaba su forma definitiva”.

Juventud americana

Después de una especie de sucesión despreocupada de entregas de demos y conciertos, Nada Surf grabó un prácticamente olvidado EP, “Karmic” (Nº 6 Records, 95), antes de conseguir lanzar su primer y recordadísimo LP, “High / Low” (Elektra, 96). Entonces fue cuando realmente las cheerleaders salieron al campo. Pese a que el disco era un pieza maestra de rock alternativo hecho a partes iguales de urgencia y sabiduría, con cúspides como “Stalemate” o “The plan”, fue sin duda el éxito de la también brillante e inolvidable “Popular” lo que les convirtió en los reyes del ‘geek rock’, y les impuso el frustrante lastre de ser considerados automáticamente una ‘one hit band’. “A nosotros ese éxito nos pilló por sorpresa, y también nos hizo algo de daño.

Antes de salir el disco, un tío de la emisora KROQ FM en Los Angeles recibió el single de ‘Popular’ y su hijo se lo llevó a la universidad. Pasó lo contrario del proceso habitual. Normalmente cuando empiezas tienes que ir de rodillas por todas las radios pidiendo que pongan la canción. A nosotros, MTV nos estaba pidiendo insistentemente el vídeo cuando todavía se estaba rodando.

La canción estaba en todas partes, pero la prensa trató al grupo de banda sin importancia. Nosotros, antes de abordar el segundo disco, quisimos desmarcarnos absolutamente de todo eso. En todo caso, mucha gente nos conoció a partir de esa tema. A mí ‘Popular’ es una canción que me encanta, y una de las más oscuras de Nada Surf”.

Limbo discográfico

Pese a todos los entresijos por descubrir sobre la profundidad temática y el apogeo melódico del segundo disco de la banda, Daniel apenas sabe relatar algo más que los conflictos discográficos que en aquella época mantuvieron a la banda en serios aprietos. “The proximity effect” (Elektra, 98) es una emocionante colección de espinas guitarreras, donde destacan la

aventura sónica de “Bacardi” o la tristeza insondable de “80 windows”, entre otros tantos despliegues de alineación y caras ocultas del ego. Pero el verdadero sufrimiento para Nada Surf fue conseguir que el disco viera la luz. “En realidad, pese a todo lo que giramos, nosotros entregamos el segundo disco en febrero del 98. Pasó que, cuando fichamos por Elektra, solicitamos que todos nuestros discos en Europa pudieran ser distribuidos por el sello que nos diera la gana.

Matthew es medio francés, y yo soy de aquí, así que para nosotros eso era muy importante. Eso implicaba también hacer el doble de giras que cualquier banda americana, porque una vez acabábamos allí, veníamos aquí, desde los inicios. Esas decisiones, tomadas tan al principio, nos han ido muy bien. Por ejemplo, vendemos la misma cantidad de discos en EE.UU. que en Europa. El disco tenía que haber salido en agosto, y lo pospusieron a septiembre. Nosotros conseguimos editarlo para septiembre del 98 en Francia, Holanda y España, y entonces Elektra nos dijo que querían que volviéramos a entrar en el estudio a grabar otra vez, porque no oían ningún single, que no había ningún ‘Popular’. Nosotros les enviamos a la mierda, y al cabo de seis semanas retiraron el disco de las tiendas, en los pocos sitios de Europa donde había salido. Estuvimos dos años y medio de pleitos con Elektra, pero no teníamos poder económico para enfrentarnos a ellos. Fue la presión de otros tantos sellos la que hizo que al final nos cedieran los derechos, para que nosotros mismos lo editáramos. Nos fuimos de gira de Nueva York a Los Angeles, vendiendo el disco en mano por tres dólares aproximadamente”.

Almas veloces

En una época de aislamiento y auto-edición, llegaron “North 6th Street”, recopilación de rarezas y caras B, que ni siquiera llegó a aparecer en las tiendas, y “Let go” (Barsuk, 02), tercer disco oficial de la banda, álbum donde preponderan las teclas y los temas de encierro espiritual, como la incomunicación y la apatía. En ese momento, la banda tenía claro que el único camino por el que seguir era hacer aquello que nacía de dentro, y nunca intentar re-engancharse a antiguos éxitos, repetir fórmulas o dar guitarrazos porque sí. “Sí, de hecho, después de todo el drama con ‘The proximity effect’, creo que incluso nos empecinamos más aún en hacer la nuestra. Hubieron muchas caras raras con ‘Let go’. La agente que nos contrataba los conciertos nos decía que era imposible salir adelante con eso, que las salas iban a estar vacías. Decidimos apostar por la humildad de un agente más pequeño, que estaba empezando y no tenía tantas miras a la hora de buscar salas. Y pasó lo mismo con el mánager que teníamos, un tipo con muchos contactos en la industria. Cuando le dijimos que volvíamos a EE.UU. para grabar ‘Let go’, nos dijo: ‘Ah, ¿vais a grabar otro disco? ¿Y cómo vais a llamar al grupo?’. Él consideraba que Nada Surf estaba totalmente hundido.

‘Necesitáis un nombre nuevo’, dijo. Matthew le respondió: ‘No, me parece que lo que necesitamos es un mána-

ger nuevo’. Así que, cuando llegamos a Los Angeles a grabar ‘Let go’, no teníamos ni mánager, ni agente, ni sello discográfico. Tuvimos una libertad tan grande que fue como grabar sumergidos en un vacío total. No teníamos que rendirle cuentas a nadie. En ese momento fue cuando aprendimos definitivamente a componer y grabar de esa manera tan orgánica, dejando que sean las canciones las que poco a poco van haciendo surgir el sabor, el ‘feeling’ del disco”. Más tarde, la ternura de “The weight is a gift” (Barsuk, 04) fue en algún momento malinterpretada como candidez a destiempo.

El juego de palabras del título fue retorcido en su contra en algunos foros, y la sensibilidad romántica de varias de las canciones se emparentó con el momentáneo endulzamiento de bandas como Death Cub For Cutie y los ascendentes e invasivos Coldplay. La madurez y el legado de éxitos pasados se plantaba sobre cada surco de la banda. Esta vez, el entorno de cada canción se vuelve muy importante, y el disco parece prendado de un imaginario onírico. Curiosamente, marcado por unos parámetros similares, los contrapuntos lumínicos de “Lucky” (Barsuk, 08) consiguieron que la banda volviera a ganarse el pleno respeto de la audiencia. En todo ese tiempo apenas se sufrió de los nervios ya, todo consistía en un vuelo sereno hacia el brillo personal y musical.

“Desde ‘The weight is a gift’ por fin encontramos a un sello de discos, Barsuk, de Seattle, que es el que nos

hubiera encantado tener desde el principio. Poco a poco vas adquiriendo confianza y sabes que puedes hacer las cosas de otra manera y probablemente acertarás. Te propones las metas más altas y, hasta que no consigues algo que realmente te gusta, no lo aceptas. Tu control de calidad va subiendo. Hace ya mucho que sabemos que las canciones de Nada Surf simplemente aparecen, por eso solemos venir al estudio con bocetos de los que sabemos que tarde o temprano aflorará un disco”.

Alta fidelidad

En clave de broma, le pido a Daniel que me hable de todas las discusiones que habrán tenido en la banda hasta llegar a concretar el cancionero de su nuevo disco de versiones, “If I had a Hi-Fi”. Es curioso porque, si a uno le hablan de un disco de versiones de Nada Surf, se piensa que habrá algunas que no faltarán, como el “Blue Monday” de New Order, uno de sus referentes en directo, pero no. Los americanos han hecho ya infinidad de versiones de bandas hermanadas, y esta vez se trataba de hacer propio lo ajeno, con canciones viejas o nuevas. “En principio era algo a lo que queríamos dedicarle un par de semanas, con la idea de ganar algo de tiempo antes de completar nuestro sexto disco. No se tenía pensado complicarse demasiado la vida, ni girar.

Obviamente, no hemos conseguido nada de todo eso.

Mateo e Ira se venían a mi loft de Nueva York, al que

llamamos Sitcom, nos tomábamos algo o cenábamos, y después cada uno hacía sus aportaciones, que llevaba en el Ipod o en el ordenador. Claro, llegamos a una lista de unas 160 canciones (risas), entre las que podías encontrar desde Leonard Cohen hasta reggae. Al intentar versionarlas, había algunas con las que dábamos con el tono sorprendiéndonos a nosotros mismos, mientras otras que pensábamos que funcionarían no salían bien, porque sonaban demasiado como la original. Al final, ha sido una especie de proceso darwiniano, donde las canciones han dictado la lista final”. En ese pulimento se ha llegado a una heterodoxia fascinante, donde se pasa sin complejo de un clásico de Depeche Mode a algo de los novísimos The Soft Pack, o incluso un tema de los españoles Mercromina. “Eso sucede porque no pretendíamos hacer un disco tributo, o hacer un recorrido por nuestras influencias. Era simplemente crear una colección de canciones que nos vinieran bien a nosotros y dieran lugar a un disco coherente, con los altibajos de un disco de Nada Surf. Teníamos claro que todas las grandes influencias, The Clash, Pixies, The Who, desaparecían, y que el juego estaba en escoger canciones variadas, y de cualquier época”. www.myspace.com/nadasurf ¤ Nada Surf actuarán en el Festival Do Norte (30 abril y 1 de mayo, Vilagarcía de Arousa) y SOS 4.8.

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go series 70 Sevilla Calling

70 go series Sevilla Calling Este CD promocional se vende exclusivamente con el número #111 de GO MAG disponible en quioscos de toda España.

Texto

Daniel Gómez y Virginia Arroyo

01

Fetén “Sevilla llama” Fetén recogen con acierto el espíritu reivindicativo del “London Calling” original mimetizando el sonido y traduciendo al castellano y a la escena sevillana, aunque podría trasladarse a la totalidad de las ciudades españolas, la triste realidad de la escasez de apoyo de salas, críticos y emisoras (y ya no hablemos de la tele) a las bandas emergentes. Tronchantes los recortes de radio incorporados al final.

02

Los Farsantes “Brand New Cadillac – Me voy, papito” El colectivo electro-mestizo Los Farsantes le da la vuelta complemente a los clichés rockeros de este clásico de Vince Taylor a través de una reversión, vía The Clash, impregnada de groove, sabor latino y scratches. Brillante la intervención de la Srta. Vancouver (“ahora soy yo la que cierra los bares”) que abre la puerta al final con regusto breakbeat y tendencia fiestera. ¡¡Remezcla ya!!

03

Instant Party “Jimmy Jazz” ¿Puedes imaginar a los Stones más baladísticos y elegantes homenajeando a The Clash con nada menos que Rod Stewart al frente? Pues así suenan Instant Party en este fantástico tema: elegantes y respetuosos con los (buenos) clásicos. Este “Jimmy Jazz” es un número arrastrado defendido con un torrente de voz que encaja perfectamente con un repertorio retro-pop, quizás en algunos casos demasiado contenido, lleno de joyas de orfebrería como “The girl” o la balada “Knaphill”.

04

Termostato “Hateful – Odioso” Aunque a ellos lo que les va más es el rock espacioso y macarra de unos Stones o unos Burning, Termostato saben acercarse al garage para, respetando en su totalidad el culto drogota, trasponer al castellano el “Hateful” de Strummer (al que homenajean en el primer verso) y Jones, aunque quizás eliminando el matiz algo crítico del original. “Si no hay en las farmacias / recurro a las mafias” debería convertirse en un estribillo clásico por la lucha por la legalización.

05

Surpop “Rudie can’t fail” Surpop son unos de los que optan por mantenerse más fieles al original (ni siquiera usan el castellano) sin dejar de acercarse al pop que ahora predomina en las composiciones de Agustín Gallardo (ex Mary Wilson) para este supergupo sevillano con miembros de Tiernos Mancebos o Las Balas. Reduciendo la importancia de los metales y rebajando algo el tempo, Surpop le dan un leve giro soul que casa bien con la historia del pobre e inadaptado ‘rude boy’ que lucha para salir adelante en una Gran Bretaña beligerante con los hijos de los recién llegados.

06

Chencho Fernández y Los Milagro “Spanish Bombs – Bombas de España” A priori uno de los temas más difíciles de adaptar al contener esas míticas frases en pretendido castellano en el original que, con buen criterio, Fernández decide reescribir. Restando fiereza, añadiendo casticismo (y a Antonio Machado) y renunciando a una transcripción literal, Chencho Fernández y sus Milagro transportan “Spanish Bombs” a la nueva realidad de nuestros días en que no es lucha ideológica sino RyanAir o que une a España y Gran Bretaña.

07

Montevideo “Lost in the supermarket – Perdidos en el supermercado” Una de las bandas más curtidas de este recopilatorio, con ya tres LPs en su haber, se atreve con una traducción valiente de uno de los muchos clásicos que forman este LP. La adaptación de Damiana Dubatti y Manu C. Villalba es más ligera, más cercana a su propio estilo (en el que han abandonado sus habituales bases programadas para acercarse al rock como en su reciente “Vértigo y euforia”), pero con un interludio ruidoso que sin duda deberían de haber extendido.

08

Southern Arts Society “The right profile” Los Southern Arts Society de Andy Jarman (todo un veterano de la escena independiente británica refugiado en Sevilla: A Popular History of Signs, Strange Fruit, Aquaplane) se acercan al ‘New York City Man’ Lou Reed para mejor reflejar la fascinación por el glamour y el óxido neoyorquino que los propios The Clash quisieron plasmar en “The right profile”.

09

Astronautas “Clamp down – Barrios bajos” Con tan sólo un EP autoeditado de escasas pretensiones (“Remedios caseros”, 09) los Astronautas de Esse G. están en la actualidad preparando un nuevo EP que ha de dar la verdadera medida de sus posibilidades. Como en el resto de su repertorio, Astronautas optan por alinearse en la tradición de pop en castellano menos estridente.

10

Lentejas Los Viernes “The guns of Brixton” No ha de ser fácil versionar un tema con un status como el de “Guns of Brixton”. Lentejas Los Viernes optan por una versión tranquila, eléctrica y en castellano, a la que además añaden la correspondiente adaptación a los barrios sevillanos. Sin embargo, se enmarañan en una letra de difícil digestión y que no respeta la mítica línea de bajo de Paul Simonon.

11

La Mirilla “Wrong’em boyo” Reversión de una versión con la que The Clash rindieron homenaje a uno de sus ídolos, el compositor jamaicano Clive Alphonso (The Rulers), aunque al parecer fue el productor Guy Stevens quien la propuso. La Mirilla es un dúo todavía sin contrato formado por Reyes Morgado y Pepe Maestro, quienes transfieren esta sórdida historia de jugadores y timadores a unos cánones de pop levemente electrónico y sobradamente cándido.

12

Bikini Red “Death or glory” Bikini Red, la aventura sevillana del sueco Daniel Stombeck, traslada el original de Jones y Strummer a las coordenadas del punk-rock californiano que tanto les debe a los ingleses.

Aunque su primer LP “If you love me, get out!” (Happy Place, 10) suene en una honda muy diferente (atención a la versión de “Horse with no name” de America), ésta es una de las versiones más conseguidas del lote.

13

Juano Bombones + Hurry Up! “Koka Kola” Juano es el cantante de Bombones, pero también el guitarrista en la última formación de presentación del “Multiverso” de Antonio Arias. Aquí, junto a Hurry Up!, presenta una de las versiones más miméticas del lote sobre este clásico de la música reivindicativa y anticorporativa, pero demuestra que

su banda es una de las mejores adaptadoras de la independencia sevillana, como lo prueba su EP de versiones “A kiss supreme” (Rock Indiana, 05)

14

Salieri “The card cheat” Salieri vuelven a nuestras Go Series (ya aparecieron con “Frogs, lemons, sea” como una de las mejores canciones nacionales de 2008) y aprovechan plenamente la ocasión con una estupenda versión, muy alejada de la original, muy bien llevada a sus propias coordenadas (quizás es más sencillo cuando se trata de una de las canciones menos mitificadas del disco). La contención a la hora de cantar de Diana Morales es el perfecto reflejo del buen hacer de esta prometedora banda con ex miembros de Sick Buzos o Sr. Chinarro.

15 Pinocho Detective “Lover’s rock” Pinocho Detective no han hecho una versión de “Lover’s rock”, la han reinventado. Fran Pedrosa canta “Lover’s rock” (“Ya te aviso”) como si hubiera salido de sus propias entrañas y Daniel Barja potencia los acordes menores aportándole al tema halo más sugerente y misterioso.

16 Los Sentíos “Four horsemen” Yo no sé si es por la voz socarrona de Eduardo Bonachera, por la aceleración que le meten al tema o por la sensación de que se lo están pasando en grande que uno tiene cuando escucha este “Four horsemen”, pero me atrevería a decir que nos hallamos ante la versión más gamberra del recopilatorio.

17 Yakolev “I’m not down” En pleno proceso de masterización de sus primeros temas, el quintento Yakolev nos regala una revisión del medio tiempo de The Clash convertido en todo un himno indie-pop. Sobre la batería trotona de Antonio y unos riffs ultra-pegadizos, destaca la voz de crooner de Javier, que alcanza profundidades iancurtisianas.

18 Harry Haller “Revolution rock – Todo va a salir bien” No se asusten que aunque el título sea digno de alguno de los últimos discos de Hombres G, el ejercicio de los Harry Haller poco tiene que ver con la música de David Summers. Los sevillanos cambian aquí el reggae del original para entregarnos una revisión tan tranquila y relajada que al final el oyente acaba convencido de que, efectivamente, “todo va a salir bien”.

19 José Casas y la Pistola de Papá “Train in vain – Tren en vano” Lejos queda la época en la que el Dúo Dinámico, Los Brincos y compañía popularizaban los grandes éxitos del extranjero en versión hispana. Ahora mismo, traducir un hit como “Train in vain” al castellano supone un riesgo y una responsabilidad de la que José Casas no sólo sale airoso, sino que además se luce.

20 Farmacopea “Brand new Cadillac” Líricamente hablando, la de Farmacopea es la versión más diferente a su original. En “Yo no bailo con los pies”, José Cano (que no tiene nada que ver con el de Mecano) cambia el Cadillac por la silla de ruedas y sigue siendo el rey de la pista que se lleva a todas las nenas. Ése es el espíritu.

Nueva entrega GO SERIES_JUNIO 2010

Sónar 2010 Como cada año, Go Mag te ofrece un magnífico sampler que recoje las mejores promesas que actuarán en el festival Sónar de Barcelona (y este año también, A Coruña). El recopilatorio estará mezclado por el aragonés Carlos Hollers, uno de los mejores DJs de este país.

En “Sónar 2010” podrás encontrar temas de Function, King Midas Sound, bRUNA, Zomby, Fuck Buttons, Tim & Puma Mimi, Necro Deathmort, John Talabot y muchos más.

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A los 5 primeros suscriptores de este mes se les obsequiará con el nuevo e imprescindible trabajo de Klaus&Kinski, “Tierra, trágalos”, cortesía de Jabalina Música.

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042/043

cómics-dvds / discos

“Viaje” Yuichi Yokoyama

cómics

apa apa

Se equivocan aquellos que se dejan llevar por la apabullante geometría de escenarios o personajes, a la hora de valorar “Viaje”. La exactitud del trazo de Yokoyama contribuyen a resaltar el encrespamiento conductual de los personajes, porque no creo que las precisas formas de esta odisea guarden una codificación de significados superior a los gestos. Lo que cabe explorar en este manga intrincado y vanguardista es el comportamiento de esos tres viajeros que se mueven al unísono, en relación a un entorno, más el importante transitar por el interior de un tren a su vez en movimiento, y las reacciones de los personajes con los que se cruzan. La tensión aflora en cada una de estas ‘imágenes’ nos ilustran la adaptación de los organismos a un ambiente, dentro de un engranaje que se respira a toda velocidad, que se lee y acoge al revés de todos los cómics occidentales, y no hablo únicamente del sentido de la lectura. La cercanía entre viñetas resta aire a cada página, mientras la ansiedad crece con cada tramo de virulencia gestual. Es esta una obra de grandes argumentos y escasa trama, donde los significados se encuentran al final de la línea más larga.

Albert Fernández

DVDs

“Rebétiko” David Prudhomme

“Alicia en Sunderland” Bryan Talbot

“Hellboy: El hombre retorcido” Mignola y Corben

Sins Entido

mondadori

norma

La primera es en la frente: la portada. Ese tipo de sonrisa desdentada, gesto demente y chorro de sangre está muy lejos de reflejar el contenido del tebeo. Porque “Rebétiko” es de esas cosas bonitas, que fascinan, a kilómetros de la inquietud que sugiere la imagen. Muy en plan BD, Prudhomme te descubre un mundo del que no tenías ni idea, con músicos griegos bohemios, sensibles y fumetas; te regala una historia de apariencia sencilla (unas horas en la vida de un puñado de artistas), fluida en la primera lectura. Es después, tras cerrar el álbum y pensar en él o cuando te regalas una segunda lectura, el momento en el que lo aprecias todo. Lo bien empleado que está el color, tan de verano, tan mediterráneo; los caramelos narrativos como representar la música, el sentimiento, el baile, en una serie de páginas que prescinden de la onomatopeya o la representación gráfica de notas musicales. Y así. Todo, a pesar de la portada. ¿Que las apariencias engañan? No sabes cuánto. Xan Pita

Texto

Entre todos los libros que podrás encontrar este año sobre la pequeña Alicia, aprovechando el boom del mediocre film de Tim Burton, te recomendamos este “Alice en Sunderland” del historietista Bryan Talbot. Cuando a muchos se les llena la boca con los nombres de Alan Moore y Neil Gaiman para hablar de la influencia británica en el nuevo cómic para adultos, se olvidan muchas veces de este clásico orfebre que revolucionó las neuronas de los dos escritores antes mencionados con aquella maravillosa “Las Aventuras de Luther Arkwright” (1978). Con “Alice en Sunderland”, Talbot crea un entramado fantástico y muy didáctico para contarnos, a la vez, la historia de Gran Bretaña, la de una de sus ciudades, Sunderland, y la gran influencia que esta gran ciudad costera del norte de Inglaterra tuvo en la creación de las dos obras maestras de Lewis Carroll en contra de la teoría que nos cuenta que “Alicia” se gestó en Oxford.

Demencial y muy grande. Manu González

“El desprecio” Jean-Luc Godard

Philipp Engel

Universal

“Quai des orfèvres” Henri-Georges Clouzot

“Dos hombres en Manhattan” Jean-Pierre Melville

“El profesional” Georges Lautner

Filmoteca Fnac

Versus Entertainment

Divisa

Gran maestro del cine francés, a menudo comparado por la crítica con Hitchcock, Clouzot fue condenado por los suyos por no haber interrumpido su trabajo durante la ocupación y, sobre todo, o también, por haber facturado una joya insuperable como “Le corbeau” (1943), aquí todavía inédita en DVD. Llega mientras tanto este rutilante policiaco asimilable al realismo poético que marca el momento en el que Clouzot vuelve a rodar, dos años después de la guerra y gracias al apoyo de Sartre y Camus, entre otros. El mítico Louis Jouvet borda uno de sus mejores papeles al investigar un caso de homicidio en el que se ve implicada una pareja de artistas de music-hall, un género que de algún modo contamina la trama acentuando los aspectos más cómicos y humanos, en detrimento del cinismo descarnado, o lucidez nihilista, por el que Clouzot es tan bien conocido entre nosotros, sus acérrimos admiradores.

Mike Mignola parece haber encontrado a un socio perfecto para poder contarnos las historias de ese gran demonio rojo que trabaja a las órdenes del gobierno como investigador de lo paranormal. Nos referimos al personaje de Hellboy, claro, y el dibujante que mejor ha sabido recoger el testigo de Mignola no es otro que el mítico Richard Corben (“Rowlf”, “Den” o “Hellblazer: Tiempos difíciles”).

Mignola y Corben ya habían colaborado juntos en el seminal “Hellboy: Makoma” en la que Corben rescataba parte del imaginario derrochado en el tenebroso mundo de “Den”. Con “Hellboy: El hombre retorcido”, el sencillo guión del guionista y dibujante californiano se encuentra con un Corben en estado de gracia que nos recuerda mucho a sus mejores trabajos para “Creepy” o en sus aterradoras versiones de H.P. Lovecraft.

La imaginación de este dúo dinámico es inagotable y esperamos desde aquí nuevos encuentros tan disfrutables como este. MG

Melville, otro Dios. Su quinto largo llega en una magnífica edición que incluye el espléndido documental de la serie “Cineastes de notre temps”, que André S. Labarthe le dedicó en 1971, doce años después de este clásico de culto en el que el polar parte al encuentro de su modelo americano. Melville no lo vio así, ni el público de la época tampoco. Pero vista hoy, “Dos hombres en Mahattan” constituye una pieza clave en la apasionante historia del cine negro francés, por su retrato de la sombría Nueva York de 1958 y porque el propio Melville encarna a uno de los protagonistas, dos periodistas a la caza de una historia. Verlo actuar es todo un regalo, una rareza imponderable, pues no se le volvería a ver más que en dos pequeños papeles, en el célebre debut de Godard y en el “Landru” de Chabrol. Una verdadera lástima, porque esas ojeras completaban un rostro realmente especial.

Ya lo habíamos comentado. Tras el fracaso comercial de “Stavisky” (Alain Resnais, 1974), a Jean-Paul Belmondo se le hincharon los mismísimos y decidió ir a lo seguro invirtiendo el dinero de su productora (Cérito Films) en una larga serie de comedias de acción abiertamente comerciales que, año tras año, llenaban las salas de espectadores y sus bolsillos de millones de francos. La premisa no variaba, humor básico, un look no se sabe hasta qué punto involuntariamente kitsch y escenas peligrosas que se empeñaba en protagonizar sin contar con dobles, aquellos “cascadeurs”.

Algunas han aparecido en DVD en los últimos meses (“El animal”, “El incorregible”, “Simpático y caradura”, “Rufianes y tramposos”…), pero la más emblemática del lote sigue siendo “El profesional”. Los títulos de crédito con su estética pop art a lo spaghetti western y la partitura de Morricone me siguen emocionando.

Hay quien dice que las mejores películas de la historia son norteamericanas, oigo cosas como esta todos los días y ya ni me molestan. No es que tenga nada contra el cine americano, que me encanta, ni que sea un rancio proteccionista patriotero de lo que se produce en el viejo continente. Pero si me atengo a mi voluble Top 10 no me salen las cuentas, empezando por la película más hermosa y deslumbrante de todos los tiempos, “El desprecio”, claro, un film de Jean-Luc Godard (1963). Si les cuento esto, es porque esa tensión también figura de alguna manera entre los temas de la película. Una tensión, no sólo entre dos cinematografías que se retroalimentan entre sí, sino también entre los Paul (Michel Piccoli) y Jeremy Prokosh (Jack Palance) de este mundo: dos modelos de hombre entre los cuales el desprecio es mutuo. Contemplando —no cabe otro verbo— “Le mépris”, o disfrutando del estupendo documental de Julien Gaurichon que acompaña esta edición, sigo sin comprender cómo pueden existir cinefilia que no ame enloquecidamente esta película que lo tiene absolutamente todo. La obra cumbre de Godard sigue siendo la más maravillosa oda al mundo del cine y el más desgarrador poema de (des)amor. Una película por encima del bien y del mal, una película en el Olimpo de los dioses.

+el negociador

Holy Fuck “Latin”

YOUNG TURKS-XL / ¡POP STOCK!

A favor

En contra

En una entrevista que realizamos con él tras la publicación del segundo disco de Holy Fuck, el incendiario “LP” (07), Brian Borcherdt explicó que el objetivo principal de su banda era tocar en directo. “Es nuestro hábitat natural”, dijo entonces, “el lugar donde producimos nuestras mejores ideas y en el que las canciones crecen y adoptan su forma definitiva”. Es importante recordar esto porque en esa filosofía radican tanto las (muchas) virtudes como los (escasos) defectos del cuarteto canadiense. Entre las primeras destaca su capacidad para trabajar con ritmos metronómicos y estructuras en continua progresión: basta escuchar “Red lights”, el segundo tema de “Latin”, para imaginarse a estos tipos desmelenados sobre el escenario, anclados a un loop de batería distorsionado (muy Chemical Brothers primera época, para que se hagan una idea) que cada vez se acelera más, que golpea una y otra vez el estómago del oyente, hasta que estalla de manera pirotécnica y brutal. La fórmula se repite varias veces a lo largo del disco: en “Silva & grimes” de manera contundente y obsesiva, en “SHT MTN” destapando la ruidosa caja de Pandora en la que guardan todos sus pedales de distorsión, en “Stilettos” abrazando una estética krautrock (ritmos motóricos, arpegios circulares, melodías hipnóticas lanzadas a baja velocidad) inédita hasta la fecha en ellos. Es en esa repetición de esquemas donde se localiza la principal virtud de Holy Fuck, decíamos, pero también su punto más débil, porque si la banda no buscara vías de crecimiento alternativas podría llegar a un callejón sin salida, en el que todos los temas parecerían extraídos de un mismo molde. Por fortuna, esto es algo que los chicos de Borcherdt todavía tienen claro, y por eso en “Latin” hay varios temas que cumplen esa misión: “Latin America”, por ejemplo, presenta una estructura mucho más compleja y elaborada, con varios cambios de intensidad y una estética que roza el rock progresivo (cosa que este servidor defiende y apoya, por cierto). “Stay lit”, por otro lado, juega con perversiones melódicas, líneas de teclado delicadas y coros bonitos (aunque de vez en cuando se cuela algún exabrupto de distorsión: la cabra tira al monte), mientras “Lucky”, un poco más allá, se deja enredar por espirales psicodélicas, y “P.I.G.S.” cierra el disco insistiendo en esos novedosos aires progresivos (más cercanos a Ash Ra Tempel que a Alan Parsons Project, en cualquier caso) que parecen señalar el futuro de la banda. Y que sigan así, por favor. Vidal Romero

Holy Fuck ya tienen tres discos en el mercado y las buenas sensaciones que me daba este grupo se han ido apagando con cada nuevo trabajo. En el anterior “LP” ya nos encontrábamos ante una banda con muchos altibajos: una banda capaz de montar un subidón cósmico de la altura de “Lovely Allen” a perderse en unos medios tiempos ruidosos que, francamente, no había por donde cogerlos. En “Latin” continúan por esa senda del despiste, con el agravante de que ahora ya no mandan ni el ruido ni las autopistas motorik, sino una especie de math-rock de parvulario sazonado con momentos raveros que sonrojaría hasta a los KLF más petardos (los de “What time is love?” se entiende, no los de las ovejas). El problema de Holy Fuck es que no tienen la contundencia o la imaginación de los Battles, ni tampoco las ganas de llegar a crear un sonido propio como los Fuck Buttons (no se equivoquen de ‘Fuck’, estos últimos son los buenos), por eso los cuarenta minutos de “Latin” pueden llegar a hacerse eternos para el oyente. Cuando se acuerdan del krautrock convencen a cualquiera (como en la muy inspirada “Silva & Grimes”) y en las distancias cortas, como en la cinemática pieza inicial que abre el disco (“MD”), suelen funcionar mejor. Pero cuando se lían la manta a la cabeza y se lanzan a practicar sus divertimentos mirando al directo suelen ser bastantes plomizos. Desde el funk atropellado de “Red lights” hasta la rave progressive de “P.I.G.S.”, pasando por el aburrimiento supino de “Latin America” (un tema que con otra base hubiera estado bastante bien), la pseudo balada épica de “Stay lit”, el electro-rock de la insoportable “SHT MTN”, los aires kraut acelerados de “Stilettos” (tema que hace que corras a por todos tus discos de Neu!) o “Lucky”, que parece una toma descartada de una cara b de los peores Chemical Brothers.

Ellos se lo deben pasar de coña en directo pero el sufrido oyent,e que se enfrenta a “Latin” esperando encontrarse a los mejores Holy Fuck, lo tienen crudo, muy crudo. Y al final, de eso mismo estamos hablando aquí, del resultado del disco, no de cómo va a sonar sobre un escenario en cualquier festival del mundo a altas horas de la madrugada, cuando el alcohol y otras sustancias favorecen que cualquier sonido con un mínimo de ritmo se convierta en una fiesta. Brian Borcherdt y los suyos podrían haber evolucionado a mejor con su tercer y esperado nuevo álbum (razones musicales tienen), pero “Latin” les ha quedado muy mediocre. Manu González

044/045

discos

La selección Jäger

discos LCD Soundsystem “This is happening”

Disfruta de un consumo responsable 35o

dfa / emi

Release The Beast Archie Bronson Outfit “Coconut” Domino / Pias

Ambarchi/O´Rourke/Haino “Tima Formosa” Black Truffle — Import

Drone. Tanto en su excelente portada, diseñada por Stephen O´Malley como en el título del álbum, se alude a las especies marinas de invertebrados que habitan en las profundidades oceánicas más oscuras del planeta. Con tal premisa, el contenido sonoro de “Tima Formosa” no puede ser más que profundamente tenebroso, a la vez que melancólico y hasta por momentos, turbadoramente violento. La primera colaboración entre los virtuosos Oren Ambarchi, Jim O´Rourke —más tarde enrolado en Fenn O´Berg— y Haino tuvo lugar en enero de 2009 en los estudios Playhouse de Japón bajo las consignas del riguroso directo y por consiguiente, la estricta libertad de la improvisación. Una hora dividida en tres cortes que se sumergen en los abismos a través de tonos de guitarra, destellos de electrónica desmembrada, lúgubres notas de piano y cánticos corales a cargo del propio Haino. Con el tercer tiempo del álbum, “Tima Formosa” alcanza el clímax absoluto —llegando a colocarse en la línea de bandas como Wolf Eyes o Yellow Swans— que evoca la soledad absoluta, la distancia insuperable y la ausencia de humanidad que predomina en un ambiente de hostilidad tan natural como el caos que gobierna en el cosmos. Matías Bosch

Nu Garaje. Los británicos Archie Bronson Outfit sorprendieron a los oyentes más atentos con un magnífico debut, “Fur” (04) que conquistó de manera unánime a la crítica internacional. Su revisitación del sonido garajero y del rock psicodélico, y sus intensos directos crearon una pequeña gran legión de seguidores que aumentó con su segundo álbum, “Derdang Derdang” (06), un trabajo a la misma altura que su predecesor. Tras cuatro años de silencio, algunos ya pensábamos que los Archies habían pasado a mejor vida.

“Coconut” supone el regreso a casa del hijo pródigo. Y como en la parábola, un servidor los recibe con los brazos abiertos a pesar de algún pequeño desliz cometido (“Chunk” parece un tema a medias entre Brian Ferry y David Bowie). El motivo del porqué de mis perdones se encuentra en canciones tan redondas y rotundas como “Wild strawberries”, “Shark’s tooth”, “Magnetic warrior” y demás.

A su personal sonido han sumado cierta dosis del estilo DFA: punk bailable más sintetizadores. Apabullantes. David Giménez Bigott “This is the beginning of a beautiful friendship” Grabaciones en el Mar

Folk-rock. El excentricismo y peculiar humor de Borja Laudo, caballero que se esconde tras el nombre artístico de Bigott, predispone a la escucha de sus canciones de manera equivocada (conste que yo me parto con él).

Aunque en sus letras encontramos la fina (y

Murphymanía. Es imposible no bailar (o perder directamente la cabeza) con alguno de los hitazos que el capo del label DFA nos ha regalado a lo largo de ocho años de breve pero intensa historia. Tres discos después de que “Losing my edge” estallara en la pista de baile de medio mundo como una bomba de relojería, James Murphy anuncia que, quizá, este “This is happening” podría ser su último trabajo. Y la verdad es que lo entiendo. A Murphy el éxito de LCD le pilló mayor y con otras responsabilidades más urgentes para él. Más pendiente del buen hacer de DFA junto a Tim Goldsworthy, siempre he pensado que la maquinaria de LCD se le hacía muy cuesta arriba y que si esta inesperada fama le hubiera pillado con veinte años se hubiera comido con patatas fritas a The Kills en el puesto de best alternative band de Estados Unidos.

Si es cierto que “This is happening” es de verdad el último trabajo de LCD Soundsystem, sólo Murphy lo sabe, pero, por ahora, volvemos a tener otra batería de hits imparables para poder alimentar la ruidosa maquinaria de esa bola de espejos que nunca puede parar. Como en “LCD Soundsystem” (DFA, 05) y “Sound of silver” (DFA-EMI, 07) los juegos de referencias de Murphy continúan estando muy patentes por todo el recorrido de “This is happening”. Podríamos decir que mucho más que anteriormente. Por

ejemplo, pon juntos su primer single, “Drunk girls”, y el mítico “White light/white heat” de la Velvet Underground y juega a encontrar las diez diferencias... lo vas a tener difícil.

Su escapada a tierras californianas no hace mella en la bola de espejos. Más neoyorquina que nunca, pero también muy berlinesa, como lo demuestran las fugaces apariciones de los espíritus de Reed y Bowie por la mayoría de los cortes (fusilada impresionante al “Heroes” del británico en “All I want”).

Pero no sólo de la etapa berlinesa del rubio de ojos desparejados o la Velvet vive el imaginario de James Murphy. Por los cortes de “This is happening” aparecen los espíritus de Gary Numan (“I can change”) o Roxy Music (“Somebody’s calling me”). Pero cuando Murphy, como Tarantino, es capaz de destilar sus influencias hasta convertirlo en algo nuevo (y muy LCD) como ocurre en “Pow pow” (tema para todos aquellos nostálgicos de su primera etapa “Losing my edge” y “Yeah”) o con “One touch” (seguramente, el tema más bailable escondido del disco), todos salimos ganando. Murphy sigue siendo un gran manipulador de nuestra memoria musical más festiva, un mago con cartas marcadas que siempre nos desarma con el mismo truco.

Esperemos que éste no sea su último disco y que, al menos, se despida con un álbum de versiones. Estoy convencido de que será muy grande. Manu González

la gorda) ironía, hay mucho más y mejor. Sus discos son auténticos cofres donde guarda (no sé si muy celosamente, la verdad) joyas que son canciones (o viceversa). En su nuevo álbum encontramos una nueva y acertadísima inmersión al western (arrebatadora “Dead mum walking”), al pop (“Cool single wedding”), al country (“My my love”), al gospel (el inicio de “Horse is back”) y al resto del catálogo de sonidos americanos que son parte del bagaje musical del zaragozano. Este “This is the beginning…” muestra la lucidez, el buen gusto y la genialidad de un autor que no debemos perder de vista y que ha firmado un disco excepcional, en el que las pinceladas vocales de Clara Carnicer elevan el conjunto total por encima de la matrícula de honor. David Giménez

Seguramente esa producción tan cuidada y unas atmósferas magistralmente construidas jugando con la intensidad y las texturas.

Eso, y temazos como “Donut” (con la colaboración de M.A.N.D.Y.), que se te incrustan a presión en el cráneo. O “Regenerate”, con la explosión 8-bit culminando la progresión galopante del tema. O “Havanna Sex Dwarf”, que además de tener un título cachondísimo, es él solito un festival en sí mismo. O el fácil y adictivo “Bad love”. O “The door”. Y podría seguir enumerando canciones hasta completar las once que trae este álbum que, encima, no decae en ningún momento. Discazo.

Virginia Arroyo Chris Liebing “10 years CLR” CLR — Import

Booka Shade “More!”

V2 / NUEVOS MEDIOS

Electro-house. Pocas palabras puedo encontrar que le hagan justicia al sexto largo de este dúo alemán. Walter Merziger y Arno Kammermeier, aka Booka Shade, vuelven a la carga con “More!” para intentar superar el éxito cosechado en 2008 con “The sun & the neon light”. Y yo no sé cómo lo verán ustedes, pero a mí a la primera escucha ya se me han metido en el bolsillo. ¿El secreto?

Truchanga mix. Chris Liebing es a la música lo mismo que Schwarzenegger al celuloide: su carrera artística no es que abunde en obras maestras que enaltezcan el género —aunque esto último podría ser ampliamente discutido: “Comando” es una de las mejores comedias de los 80 sin ningún género de duda—, pero al igual que Conan aporta necesarias dosis de ferocidad y punch a los amantes de lo rudo y violento. Para celebrar el décimo aniversario del sello con más metralla al otro lado del Rin, el tatuado teutón pone en circulación un CD mix de techno anabólico —que además viene acompañado por una serie de 10 sencillos con más chatarra que un Panzer— en el que el de Frankfurt va soltando tracks inéditos de techno granítico y agreste para construir un mix que, aunque no descubre nada nuevo —de hecho, en el tracklist encontraremos los nombres de siempre: Speedy J, Alex Bau, Adam Beyer y

Roska “Rinse presents Roska” rinse — IMPORT

demás paladines trucheros—, como dice Ángel Molina, siempre acaba resultando efectivo y funky. Jordi Kodrinsky

Club 8 “The people’s record” LABRADOR / ¡POP STOCK!

Pop tropical. El primer single y tema que abre el disco, “Western hospitality”, ya da buena cuenta de lo que hallaremos en el séptimo disco de Club 8: afrofunk y krautrock en una cópula improvisada de noche de verano. No es de extrañar que este trabajo tenga un espíritu tan tropical, ya que el dúo ha aprovechado los 3 años que han pasado desde el lanzamiento de su último álbum “The boy who couldn’t stop dreaming” para viajar y absorber la cultura de Brasil y del oeste de África. Y es que los experimentos de Karolina y Johan con la samba y la bossa nova ya empezaron hace ocho años en su largo “Spring came, rain fell”, pero en “The people’s record” hay temas como “Isn’t that great” que son un teletransporte instantáneo a tierras cariocas. El verano ya está aquí: yo que ustedes iría pensando en empezar la operación bikini y hacerme con este disco. Virginia Arroyo Goldfrapp “Head first”

ma, que le permite enfrentar un repertorio operístico, gritar como un poseso o cantar estándares sin despeinarse. En Denseland, su nuevo proyecto, Moss se hace acompañar de dos pluriempleados berlineses: el bajista Hannes Strobl y el hombre-para-todo Hanno Leichtmann, más conocido como Static. Una pareja que construye castillos de loops de naturaleza herrumbrosa y mecanicista (como si a Battles les quitáramos los elementos melódicos, para entendernos) en los que resuenan ecos de blues y cabaret: el perfecto vehículo sonoro para que Moss saque a pasear su lado más aguardentoso, para que juegue a ser un Tom Waits enredado en espirales electrónicas, un crooner que navega entre ambientes en descomposición. Una música que en una primera escucha puede resultar arisca y difícil, pero que poco a poco va revelando un corazoncito pop: basta prestar atención a canciones como “Obsidian”, “Alluvial news” o “Cyclone’s center” para caer rendido ante sus muchas virtudes, para confirmar que “Chunk” es un disco aventurero, sorprendente, de esos que acaban gastados de tantas veces como uno lo pone en el equipo de música. Hay que hacerse fan. Vidal Romero

Elektro Guzzi “Elektro Guzzi” Macro / Decoder

Virgin

Pop ochentero. Este disco ha generado mucha expectación así que me veo obligada a preveniros antes de nada de que el retorno de Goldfrapp no derrocha creatividad ni es la octava maravilla. Eso sí, es un álbum directo y divertido, y eso, a veces, se agradece. Está bien de vez en cuando dejarse llevar por la ligereza, bailar como si nada más importara y admitir que los 80, digan lo que digan, no fueron en absoluto una mala época para la música. Para este quinto largo, el dúo se pone las mallas y la purpurina y se sube al carro del revival ochentero sin ningún tipo de tapujo. Si tuviera más copias de este disco, se lo enviaría a Olivia Newton-John para que rememorara su época gloriosa (si tuviera otra copia, y su dirección, claro). También le enviaría una a ABBA (sólo una y al barbas, que siempre ha sido mi favorito). Y el resto de copias me dedicaría a venderlas ilegalmente a la entrada de mi máquina del tiempo y me forraría, seguro. Ahora, lo que es en mayo de 2010 y con la monstruosa sombra de la crisis discográfica encima, dudo que Goldfrapp vayan a petarlo. No obstante, “Head first” resulta un disco entretenido y, si te cae en las manos, yo no le haría un feo. Virginia Arroyo Denseland “Chunk” Mosz — import

Avant pop. Aunque al público del pop le sonará a chino, el cantante David Moss es una figura de culto en mundos tan poco dados a la pirueta vocal como los del free jazz, la composición moderna o la improvisación.

Es, para que se hagan una idea, la primera opción que manejan Fred Frith, John Zorn o Bill Dixon cuando quieren grabar ‘canciones’, y lo es porque posee una versatilidad extre-

Electrónica humana. El trío alemán Elektro Guzzi se han propuesto chafar en diez composiciones las eternas discusiones que, cerveza en mano, todo buen amante de la música ha tenido sobre la electrónica: componer con máquinas no es lo mismo que hacerlo con guitarras. Pues bien, esto se acabó, ya que el grupo germano cogen guitarra, batería y bajo para sonar a sintes, cajas de ritmo y bajos made in Ableton Live. Sí, frotémonos los oídos: formación de rock tradicional llevando al escenario un minimal techno muy pulido.

Nada más y nada menos. Sin loops pre-grabados u ordenadores, todo cocinado desde la mecánica de las cuerdas y la percusión de madera, esta sorpresa producida por Patrick Pulsinger contiene canciones como “Hexenschuss” o “Elastic Bulb” con ritmos sincopados que harían despeinar el flequillo del mismísimo Richie Hawtin. Por fin hemos hallado los verdaderos herederos de los robots de Kraftwerk. Por fin hemos callado muchas bocas con este gol por la escuadra: chuparos esa, detractores del techno. Alberto Vidal Harper Simon “Harper Simon”

Funkstep. Confieso (con vergüenza torera, además) que no había prestado atención a Roska hasta hace muy poco tiempo. Habían pasado por mis manos un par de maxis, es cierto, pero en mi equivocada cabeza no dejaba de ser un productor de dubstep con querencia por el house y una cierta maña a la hora de ensamblar los temas. La primera piedra de toque, el momento en que decidí replantear mi relación con este jovenzuelo, llegó tras escuchar el estupendo remix que hizo para el “Love cry” de Four Tet. Aquella combinación de ritmos cinéticos, esencias de house de vieja escuela y suaves texturas que florecían sobre la línea melódica original resultaba tan intrigante como novedosa.

Un par de vistazos a los maxis que había por mis estanterías trajeron otras dos pruebas más de genio en forma de remezclas: la visión circular, repleta de ritmos tribales, que inventó para el “Predator mode” de Ghosts On Tape y, sobre todo, el baño deep al que quedaba sometido el (también brillante) “Just for you” de Untold. Todo aquello parecía confirmar a Roska como el más brillante de los productores funkstep, el que mejor sabía integrar los bajos musculosos y las síncopas rítmicas heredadas del grime dentro de un deep house luminoso y esencial, ese house que parece atemporal, que suena a clásico porque sigue utilizando los mismos recursos que inventaron los pioneros de Chicago, que mira hacia el futuro, pero mantiene los pies bien enraizados en el pasado.

logra zafarse de ella, hay ocasiones como “Berkeley girl” (donde nos devuelve a los tiempos de Simon & Garfunkel) en los que la comparación, donde nunca puede salir bien parado, es inevitable. En definitiva, un primer intento respetuoso con los clásicos, amable a la escucha pero carente de riesgo, algo que de repetirse en posteriores entregas podría transformarse en un handicap para Harper. Javier Burgueño

single directo ante el que resulta imposible no caer rendido y “Anvil”, una preciosa balada a medio camino entre The Everly Brothers y Richard Hawley. A un nivel similar, cumplen con las expectativas creadas en este gran inicio del álbum, “Last decade”, “Hope hung high” o “So long St. Christopher”, evidenciando que éste es un más que notable debut.

David Giménez

Jason Kahn and Jon Mueller “Phase” Flingco Sound System — Import

Goldheart Assembly “Wolves and thieves” Fierce Panda / ¡Pop stock!

UBI / PIAS

Folk. Tras haber formado parte de la banda londinense de rock Menlo Park, el hijo mayor de Paul Simon debuta en solitario a la edad de 37 años. Arropado por veteranos músicos de estudio, Harper se olvida del punk-rock que practicaba en sus inicios y aborda un folk pop preciosista plagado de arreglos y armonías vocales que beben tanto de la costa oeste como de Nashville. Los mejores momentos del álbum transcurren arropados por la pedal steel de Lloyd Green (los aires californianos de “Shooting star”, el ritmo trotón de “Tennessee”). Pero la sombra de su padre es alargada, y aunque la mayoría de veces

Todo esta ambición cristalizó en un tema destinado a alcanzar la categoría de mítico, un “Love 2 nite” repleto de ritmos circulares, cuerdas sintéticas y bajos cálidos, sobre los que Jamie George esparce su voz educada en el soul, un temazo que se adhiere a la oreja y a la piel, perfecto para introducir un rayo luminoso en mitad de una sesión, pero también para bajar las bragas (o los calzones, que en realidad el trasfondo del tema es bastante gáyer) de esa conquista con la que se ha tropezado en los rincones más oscuros del club. “Love 2 nite”, por supuesto, aparece en el debut en largo de Roska, “Rinse presents Roska”, acompañado por el no menos tremendo “Wonderful day” (igual de adhesivo, un auténtico himno de UK garage) y por otros dos cortes vocales de prospección deep y atmósfera tórrida, la muy garaje a secas “Energy”, a medias con Nikki, y “I need love”, con la diva lolita Anesha y una progresión melódica que es pura felicidad. Y basta pasar a los cortes instrumentales para descubrir que en “Rinse presents Roska” hay mucho más: hay una apertura two step, “Tomorrow is today”, que derrama emoción por todos sus bordes; hay suntuosos arreglos de cuerdas sintéticas que miran de reojo a Chicago (la preciosista “Time stamp”); hay algún guiño hacia el sector más wonky del público (“Squark”) y algún gesto tribal (engarzado con un gusto impecable, que nadie se asuste) en “Burn in flames”; hay un delicioso ejercicio de house progresivo y épico, “Messages”; y por encima de todo hay una producción limpia y sexual (que no sensual), que evita los lugares comunes y las florituras innecesarias. Una economía de recursos y una claridad de lenguaje que hablan de madurez y oficio, y que sitúan a Roska en la cúspide de un subgénero, el UK funky, del que hay que esperar muchas alegrías en los próximos meses. Vidal Romero

Rock coral. Otro grupo que, haciendo de sus coros un sayo, hará las delicias de aquellos que se exciten imaginando una coctelera donde los ingredientes son, a partes iguales, Fleet Foxes y los momentos más inspirados de las discografías de Turin Brakes y Lowgold.

Goldheart Assembly es un sexteto de Londres que bien podría provenir de la costa oeste norteamericana, pues es allí donde nace la máxima inspiración de sus composiciones. El ejemplo claro de esa mezcla de estilos entre el pop coral épico y pomposo, el rock guitarrero y abigarrado de los setenta y el country lánguido se refleja en las dos magníficas canciones que abren el disco: “King of Rome”, un

Improvisación. La extraña asociación entre Jason Khan y Jon Mueller, dos reputados baterías de las escenas de música improvisada alemana y neoyorquina, ya produjo un disco de naturaleza intrigante y resultados notables hace un par de años. “Topography”, que así se llamaba el invento, documentaba una gira que habían realizado juntos y en la que se dedicaban a tocar sus instrumentos de maneras atípicas: utilizando todo tipo de objetos para golpear, rascar y acariciar las distintas superficies de tambores y platillos, pero también procesando en directo muchos de los sonidos que arrancaban, una estrategia similar a la que emplea Fennesz con la guitarra, y que les permitían poblar el plano de fondo de sus temas con cortinas de ruido y drones marcianos. “Phase”, su nueva aventura, insiste en esa estética, pero con matices. Por un lado está grabado en estudio, en falso directo, circunstancia que se traduce en una mayor nitidez de sonido (algo que se agradece en una música tan afecta al detalle minúsculo), pero también en la posibilidad de añadir overdubs. Por

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discos

Murs & 9th Wonder “Fornever” SMC — Import

Hip hop. Cocinado enteramente al cálido sol de Los Angeles, cual chuleta de cerdo en una barbacoa nigga a media tarde, el nuevo esfuerzo del MC Murs y el beatmaker 9th Wonder se deja querer por las vaharadas ultravioletas de la costa californiana —la presencia de Kurupt o Suga Free así lo atestigua— y adquiere un tono dorado de piel muy oportuno, ahora que falta poco para que lleguen las estaciones cálidas y el cambio climático incinere calvas como si fuera napalm. Por todos es sabido que esta alianza funciona: las pinceladas de soul lo-fi de 9th Wonder se ajustan como un salto de cama a las peligrosas curvas vocales de Murs. Sus tres anteriores discos son pruebas calentísimas de que la fórmula, aunque simple y sin ambiciones más allá del groove, es puro winner.

El cuarto hijo se parece mucho al primero, al legendario “3:16: The ninth edition”. Bueno, al menos lo intenta. Hay en el ambiente un fuerte aroma de marihuana chamuscada, los nuggets de pollo acaban de llegar, ahí vienen las tetudas de Long Beach. El dúo recupera el vigor de antaño —la ‘trempera matinera’ que se dice en Catalunya— y se entrega a una fiesta bajo el sol, con la habitual calma marca de la casa, con ese fluir tan deudor de De La Soul, pero con un diminuto aguijón street, también, que pica cuando el

otro lado, han aparecido dos instrumentos nuevos: una máquina de cinta, a la que seguro se deben los cálidos fondos de sabor analógico que aparecen hacia la mitad del disco, y un sintetizador que aporta sonidos espaciales aquí y allá. Lo que no ha cambiado es el resultado, fondos que bullen cargados de ruido, arreglos que aparecen y desaparecen, bucles que se adueñan de la mezcla durante largos periodos de tiempo y una ausencia total de elementos melódicos.

Todo ello punteado con un manejo del sonido sorprendente (muchas de las cosas que se escuchan en el disco resultan familiares de una manera perversa y enigmática) y con un sabio control de la tensión. Ver esto sobre un escenario tiene que resultar toda una experiencia. Vidal Romero

Juan Maclean “DJ Kicks” !K7 / ¡Pop stock!

DJ mix fiestero. Que Juan Maclean se ponga a los mandos del nuevo encargo de K7 y sus fantásticas series Dj Kicks es una excelente noticia. Sin su compañera de fatigas japonesa, el hombre fuerte de DFA engrasa una buena sesión con una sola idea: la pista de baile —tal y como reza su debut “The future will come” (DFA, 09)—. Armado con dos tablas, un par de filtros y un delay, el bueno de Juan nos muestra el arte de dirigir una sesión(aca) vista desde diferentes prismas, como el techhouse del viejo continente (Alex Niggemann o

productor le mete caña. Esta vez 9th Wonder no aporta obras maestras, pero sigue siendo el dador de vida en una procesión de beats que pone el soul y el jazz al servicio del boom bap con notable inteligencia.

Y sin graves cavernosos, sin bombos excesivamente engordados. Lo clava en “The lick” —seguramente el mejor corte—, con cuerdas west coast, base low rider y pisada p-funk.

Tiene un momento funkydivertido en “Cigarrettes & liquor” —el ejemplo más claro del tono festivo del LP—. Se saca jugo de rosas del sobaco con “Live from Roscoe”, magnífico puzzle de disco-soul-rap sólo al alcance de su alquimia. “I used to love her (again)”, aun siendo un remake del clásico de Common, suena con alma. De todos modos, el tracklist no es perdurable. Pero claro, 9th Wonder siempre cumple, siempre da lo que se espera de él aunque no firme, como es el caso, sus cabriolas más inspiradas.

En el otro extremo del ring, armado con su flow trotón y una dialéctica de notable pegada, Murs se reconcilia con los pequeños detalles y opta por una ducha de realismo freak con notas de humor considerables.

En “Asian girl” nos cuenta que las chinas le ponen cosa mala. En la mencionada “Cigarretes & liquor” relata una resaca épica en el curro. Nos habla de amores truncados, de problemas con la churri, evoca historias de perrerías amorosas con actrices porno. Hay cachondeo, relax, ganas de pasar la tardenoche delante de la barbacoa, jugando a los dados, bebiendo Hennessy… No sé, puede que sea el peor disco de Murs y 9th Wonder, pero, coño, te deja con una perfecta sonrisa de gilipollas en los labios. Óscar Broc

Florian Meindl) o el neo disco que tanto está arrasando por la capital mundial neoyorkina (Shit Robot o 6th Borough Project), como bien se encarga de predicar DFA. Se escuchan ecos de las míticas voces house femeninas (de hecho, el mítico Armando está presente), deslumbran reflejos de bolas de disco y huele a sudor humano rancio de tanto mover caderas en la pista. Por si fuera poco, se aprecia el eterno loop de batería del fallecido Jerry Fuchs en “Feel so good”. ¡A bailar! Alberto Vidal Karen Elson “The ghost who walks” XL / ¡POP STOCK!

Folk-rock. Era sólo cuestión de tiempo que Karen Elson sacara un disco en solitario. Exmiembro de la banda-cabaret The Citizen’s Band, cantante colaboradora de Cat Power y esposa de Jack White, a esta modelo ni siquiera le hacía falta una voz bonita para debutar. Pero resulta que además la tiene. No una voz prodigiosa ni virtuosa, nada espectacular, simplemente una voz de ésas que te arrastran, te acarician y te arrullan. Una voz que transmite, que no es cosa trivial. Y como además se acompaña de gente como Rachelle Garniez, The Dead Weather o Carl Broemel de My Morning Jacket (además de su hiperactivo maridito en la producción, claro), el resultado ha quedado la mar de bonito. “The ghost that walks”, que toma el nombre del mote de Karen en el colegio (curiosos niños, los británicos, sí), va picoteando del country, del folk, del rock y del blues en los doce temas que lo integran, si bien el country-folk es lo que predomina hacia el final del álbum, precisamente la parte más aburrida del largo. Si por mí fuera, que se deje de coñazos como “Lunasa” y se dedique a hacer temazos como los tres que abren el disco. Virginia Arroyo

Marcel Dettman “Dettmann” Ostgut Ton / Decoder

Techno oscuro. Ante un primer disco, el músico puede optar por meter la vía directa y llegar fácil al oyente, o bien puede quedarse con todo el mundo y sacar una obra experimental (u oscura) para que la gente frunza el ceño con alevosía. En esta segunda variante entra el rey de la pista Marcel Dettmann —aunque claro, con la seguridad de sacarlo bajo la marca Ostgut Ton, sello por el cual la gente cometería crímenes—. El cachas de Marcel deja las máquinas de gimnasio por un momento para producir esta gran obra de dark techno, pseudo bailable a ratos y con trazas placenteramente experimentales.

El teutón condensa con mucho arte muchas de las corrientes que han marcado la escena electrónica germana (y de Detroit, claro) durante la última década, acoplando como eje y motor el dub techno flotante de Basic Channel (sobre todo en “Viscous” o bien temas con baja frecuencia y ‘minimalmente’ repetitivos, como “Silex”) y añadiendo ese desvirgador y machacón ultra bombo estilo Barghain. En pocas palabras, suena como si estuvieras encerrado en el lavabo del Panorama durante 1 hora. Alberto Vidal Mañana “A ver quién llega antes al fin” Aullido Discos

Americana. Los sevillanos Mañana debutan en largo tras dos EPs también autoeditados, “Algunas causas perdidas” (07) y “El fuego en casa” (08). El disco, grabado en los estudios La Mina de la capital andaluza, fue masterizado por, atención, Doug Van Sloun (M. Ward, Bright Eyes, Magnolia Electric Co., Kings Of Convenience). Un trabajo que continúa su línea electro-acústica y coquetea a partes iguales con la americana y el pop clásico. Y aunque pudiera, con relativa facilidad, asociarse su sonido a los granadinos Lori Meyers, la realidad es que su propuesta está mucho más cerca del sonido de bandas como The Byrds, The Jayhawks o Wilco. Sus letras, de certera sencillez y paladar agridulce, les sitúa muy por encima de la media del resto de grupos nacionales. Sobresaliente trabajo en el que cada una de las composiciones brillan con luz propia: la vaquera “Río abajo” —que cuenta con la colaboración de Miren Iza (Tulsa)—, la intensidad de “El fuego en casa”, o el pop arrebatador y pegadizo de “Tres deseos”.

David Giménez Nacho Umbert & La Compañía “Ay…” Acuarela Discos

Pop de autor. En el solar que dejaron las ruinas de Paperhouse (banda que en los noventa firmó dos singles de influencias shoegaze —gloriosa aquella “Pale Winona”— y un disco siempre reivindicable, “Adiós” (Acuarela, 96), donde planteaban un slowcore cantado en castellano) hace ya quince años se levanta hoy un nuevo edificio coronado por una espléndida azotea. Su arquitecto es Nacho Umbert, el que fuera su cantante y compositor,

que con la ayuda de Raül Fernández (Refree) en las labores de producción y la compañía de otros espléndidos músicos (coros, violín, viola, cello, trompeta y la presencia de Xavi Molero a la batería), diseña una casa con vistas al mar, al patio de vecinos, a la vida en el barrio. Las pequeñas estampas de lo cotidiano invaden cada una de las composiciones con un ritmo cadencioso, de luces y sombras, a través de un observador que deambula entre ellas en zapatillas de andar por casa. Historias de regusto amargo, no siempre de fácil digestión, como la turbadora “La gata soprano”. David Giménez Napoleón Solo “Napoleón Solo en la ópera” EL VOLCÁN

Pop. Ni del emperador ni del personaje de la mítica serie “El agente del C.I.P.O.L.”, Napoleón Solo cogieron su nombre de una canción de At the Drive-In. Y, aunque no se parecen ni un poquito a los de Texas, eso ya demuestra un buen gusto que sí es palpable en su disco. Y es que yo no sé qué le dan de comer las madres granadinas a sus niños, si serán las tapas, el choto al ajillo, los piononos o el ajoblanco, pero Granada lleva ya unas décadas siendo una importante cantera del pop patrio y la cosa no parece tender al receso.

Napoleón Solo son Alonso, Jay, José, Miki y Eric, y después de lanzar su EP “Será maravilloso” el año pasado, ahora se atreven con un largo que evidencia tanto el saber hacer del quinteto como su pasado y su bagaje (El Mito de Sísifo, Los Planetas, Lagartija Nick…).

“Hola, qué tal” abre el álbum y el apetito del oyente con una melodía pegadiza que recuerda a ratos a Los Piratas del “Manual para los fieles”. Los doce temas que le siguen, dejarán saciado y más que satisfecho al público más exigente, especialmente en bocados como “Todo está tan cerca” o en la magistralmente instrumentada “El fondo de los sueños”. Bon appétit. Virginia Arroyo

Montevideo “Vértigo y euforia” El Genio Equivocado

Pop. Segunda referencia del nuevo sello discográfico comandado por Joan y Rafa (los Pin&Pon DJs) y segundo acierto incontestable. Los sevillanos Montevideo abandonan la indietrónica naíf que les ha acompañado durante toda su carrera para entregar un disco de pop con mayúsculas. Un punto y aparte que bien podrían resumir en su título, el vértigo frente a la búsqueda de un nuevo concepto musical, la euforia ante un resultado tan excepcional, tan redondo y compacto. Estamos ante una colección de himnos generacionales. “Orillas plutonianas” es un single de estos que se colocan en lo alto de todas las listas al finalizar el año. Bailable y contagiosa, se inocula a través de los oídos y ya no puedes parar de tararearla. Un cruce entre la lírica más afinada de Love of Lesbian y la rítmica incesante de los mejores Dorian.

Montevideo no sólo han dejado de ser un dúo para ser una banda de cinco integrantes, Montevideo han pasado, con este álbum, a la primera categoría del pop nacional de calidad. David Giménez

Charanjit Singh “Ten Ragas To A Disco Beat” Bombay Connection — import

suntuosa y fantasmagórica voz femenina, interpretada por Lucrecia Pérez. Un fuerte contraste con el formalismo esteticista de “--“ y “Tape machine dream”. Aspectos interesantes. Jesús Sáez Starkey “Ear drums and black holes” PLANET MU — IMPORT

Nina Nastasia “Outlaster” Fat Cat / ¡Pop stock!

Folk-rock. Su álbum a medias con el baterista Jim White, “You follow me” (Fat Cat, 07) acabó por confirmar lo que “Dogs” (Touch and Go, 01) vaticinaba y Nina Nastasia demostó que posee un talento superlativo, como el de todos aquellos artistas que parecen ‘tocados’ por una divinidad suprema. “Outlaster” es la prueba de que Nina Nastasia ha nacido para la música y su misión en la tierra es estremecernos con su voz. “Outlaster” escuece que da gusto y penetra de forma directa en el corazón del oyente hasta desnudar su alma por completo. Como PJ Harvey, Bon Iver, Iron and wine o Bill Callahan, Nina Nastasia es una artista única en su especie y todo lo que toca lo convierte en oro, redefine el concepto de la ‘americana’ —de nuevo con la ayuda de su productor, ya habitual, Steve Albini— y vuelve a conceder diez temas redondos de folk-rock árido como el desierto abrasador. Seguramente el disco que gente como Alannis Morrisette ha estado intentando componer durante gran parte de su carrera, sin éxito alguno.

Matías Bosch

Grime homo. El segundo largo de Starkey hace bueno aquel aforismo que avisa de que las segundas partes nunca van a ser buenas, o al menos no tan provechosas y apetecibles como una ópera prima del pelaje de “Ephemeral exhibits” (Planet Mu, 08), un álbum bastante guarrete en el buen sentido, con más artificio que un volcán islandés y fiero como una leona con la prole hambrienta. El segundo del de Filadelfia descubre un giro algo gáyer y melindroso que casi nunca resulta ser todo lo afortunadadamente recomendable si exceptuamos la fosforescente “Stars”, una nana sideral bautizada con los delicados rizos vocales de la starlette Anneka Warburton. La otra mitad del álbum circula entre oleadas de pads violáceos, streetbass, cibercrunk hinchado con clembuterol y algunas pinceladas de skweee, pero los niveles de testosterona y violencia andan tan bajos que los ganchos melódicos más que darle frescura al trabajo provocan el efecto contrario. Jordi Kodrinsky

Spartak “Verona”

Proto-acid. Si hay algo que adoro de la música electrónica de baile, y quizá sea esto lo que ha conseguido desplazar al resto de estilos musicales de mi agenda, es que tiende a la confusión, a la duda sistemática y, en especial, al pitorreo desconsiderado por parte de los que no son capaces de comprender su funcionamiento. Género imberbe al lado de las otras muchas músicas que nos ha ido abasteciendo la historia, suele ocurrir, sólo de vez en cuando, que aparece algo (un disco, DAT o cinta de cassette) que había estado guardando polvo en un desván y se lía la marimorena. Es el caso que nos ocupa. La diferencia es que este disco, urdido por un desconocido músico de Bombay en el 82, reescribe parte de la historia de la música electrónica. Así, por las buenas. El tan cacareado “quién fue el primero en crear un track de acid” acaba de saltar por los aires. Ni Phuture, ni Alexander Robotnick. Repitan conmigo y no olviden el nombre: Charanjit Singh.

Principios de los ochenta: músico de bodas y compositor para películas de Bollywood, Charanjit se queda fascinado por el auge de la música disco en la India y, sin dudarlo, compra una caja de ritmos TR-808, una TB-303 y un Jupiter-8, todos ellos fabricados por Roland. Graba un disco, editado por EMI India, y luego, pasados casi tres lustros, el coleccionista Edo Bouman encuentra una

vieja copia del vinilo en una tienda de Nueva Delhi. Al reproducirla no acierta a creer lo que está escuchando: por un lado suena a Kraftwerk, pero por el otro podría pasar por cualquier referencia de Ceephax Acid Crew o Luke Vibert en Rephlex. Es decir, un hallazgo que se salta veinte años de historia.

Como encontrar una Thermomix en medio de un yacimiento arqueológico. Huelga decir que la primera sensación que tendrán los versados en la materia es que aquí hay gato encerrado: en blogs especializados ya se ha hablado de que Vibert —nuevamente en el punto de mira después de otro de los hallazgos de la década, Black Devil’s Disco Club— está gastándonos una broma pesada. Pero no. Los patrones de TB-303 que usó Charanjit son adelantadísimos para la época y demuestra cierta habilidad para programar (notación de raigambre hindú y sucesión de cuatro compases de 4/4 encadenados, cuando lo habitual por el house de Chicago es sólo uno), y una visión futurista que supera cualquier triquiñuela, léase el uso y abuso de la resonancia y el cut off. Para eso ya tenemos a Hardfloor.

Debo admitir que aún sigo en shock. Quizá las ocho canciones sean demasiado parecidas, de acuerdo. Se puede admitir que los ritmos de 808 son prehistóricos, simples y repetitivos. También podemos decir que no suena más que un solo preset del Jupiter-8 en todo el disco. Y, aún así, Singh supo dotar a la 303 de una expresividad que, lo digo muy sinceramente, no se me ocurre emparentar a la de ningún otro maestro: ni Aphex Twin, ni Ceephax, ni Luke Vibert. No debemos cometer el error de ver “Ten Ragas To A disco Beat” sólo como un disco. Esto va mucho más allá. Mucho. Marc Piñol

Low Point — Import

Out rock. Segundo álbum del dúo australiano formado por Shoeb Ahmad y Evan Dorrian, “Verona” es un disco más complejo en sonoridades que su predecesor “Tales from the colony room”. Con la improvisación como coartada (fue grabado en apenas dos días), y las texturas como motivación principal, Spartak aborda un disco de desiguales resultados, con momentos de emotiva belleza, como ese cristalizado crepitar de guitarras de “Morning prayer”, y búsqueda fútil, como demuestra la dispersión turbadora y densa de “The waves to the rails” o “Tweezer”, buscando de alguna manera parte de la senda abierta por bandas como Gastr del Sol. Los delays y los efectos percusivos desatan la curiosidad por “Pulled by rope”, pero es en “Sleepstalker” y “Secondhalf clouded” donde el disco alcanza su clímax, primero con una dramática saturación a base de ruido y polvo, y después con esa

Ora Cogan “The quarry” Borne — impot

Folk. La cantautora canadiense Ora Cogan es una de esas artistas ajena a los dictados de la industria, hasta el punto de haber editado sus últimos cincos discos entre los años 2008 y el actual 2010. Con su voz dulce de tonos aniñados desgrana ahora con “The quarry”, su décimo álbum, un dechado de folk brumoso que vaga entre paisajes candorosos de sacarosa y alucinados viajes de aire barroco. Con una versión del clásico “Down to the river” y del “Troubled mind” de Sam Cooke (que parece fruto de una colaboración entre Mimi Parker de Low y Cat Power), Cogan pasa del halo misterioso del folk de raíces inglesas en temas como “Shine”, al blues pantanoso con querencias por 4AD de

“The quarry” mediante una propuesta desnuda y áspera, de elevado voltaje emocional y pequeños apuntes slowcore. Un disco que sin duda hará las delicias de los amantes del género, realizando una incómoda revisión de las raíces de la música anglosajona, no demasiado lejos de lo que hizo en sus principios Will Oldham con Palace Brothers.

Notable. Jesús Sáez The Pipettes “Earth vs. The Pipettes” Fortuna Pop / ¡Pop stock!

Pop préfabriqué. Como pasa cada vez que alguien relata alucinado el avistamiento de un ovni ante una concurrencia reservada, no hay manera de que podamos creernos este disco como el segundo álbum de The Pipettes. La sola imagen de las dos (¡dos!) chicas que aparecen ataviadas con trajes

espaciales en una horrorosa portada enmarcada por platillos volantes son la constatación de una invasión de los ultracuerpos torpe y desconsiderada. Al frente de The Pipettes está ahora la que ya en su momento fuera una primera sustituta, Gwenno Saunders, respaldada por su hermana, Ani, y una banda de músicos que se hace llamar The Cassette. No queda ya ni una sola de las componentes originales del trío, y con ellas se fue toda la gracia del invento. Por eso, sin el concurso de Rosie o la preferida de todo el mundo, RiotBecki, tampoco hay manera de escuchar esta sopa patosa de animaciones ochenteras y melodías à la ABBA, con sintetizadores deliberados y coros angelicales, sin sentir un profundo hastío. Al fin y al cabo, “We are The Pipettes” (Memphis Industries, 06) tampoco era una obra excelsa, pero le sobraba carisma a raudales, que es lo que una banda-producto como ésta necesita, en todo caso. No hay

048/049

discos

Maria Rodés “Una forma de hablar” BCore

Muchomásque folk. A Maria Rodés hay que agradecerle su atrevimiento a la hora de explorar los lugares a los que hasta ahora nadie había llegado dentro del folk compuesto e interpretado en nuestro país. Esta afirmación se sostiene mucho más allá que en argumentos como los de la utilización lingüística de la que hace uso (en español; a diferencia de otras propuestas nacionales, en castellano; para no encasillarse en la nueva —e interesantísima— micro escena catalana). Más allá incluso de la admirable absorción y asimilación que su folk hace de otros estilos musicales (country, jazz, bossa nova) sin que en ningún momento tengamos la sensación de dejar de estar escuchando al mismo artista fiel a su lenguaje musical.

Maria no lo pretende, no es consciente, porque su discurso nace desde la modestia, pero su concepción musical podría ser definida como internacionalista (o universalista) y no tiene parangón, dentro de su estilo, en este país. Así que olviden buscar referencias y paralelismos nacionales o quedarán todos retratados. El duelo (bien entendido) que se produjo en la producción entre el siempre pulido Ricky Falkner (Love of Lesbian, Sidonie, Zahara, Standstill) y la propia Rodés, siempre defensora del enrarecimiento de los ambientes más bucólicos y los paisajes más bellos, dotan de un equilibrio perfecto al conjunto del álbum. Ayuda y termina de re-

más que rememorar aquel magnético “Pull shapes”, y dedicar luego dos minutos a alguno de sus nuevos singles, como “Stop the music”, para darse cuenta de que no hay hombre del espacio que pueda venir a salvar esto. Albert Fernández

dondear esa sensación el trabajo de Coqué Azcona, la ilustradora encargada del diseño y arte del disco (habitual también en los trabajos de Abraham Boba). Más cercana a una versión femenina del multiinstrumentista norteamericano Richard Swift o a un hipotético proyecto en solitario de alguna de las hermanas del grupo CocoRosie, Maria susurra sólo cuando es necesario, y no como un recurso constante, unas letras que desnudan complejos y fracasos, dudas e inseguridades, amores que vienen y van, y vienen, y van. “Desorden” se inicia con una travesía a través de una maraña de sonidos que no impide acabar alcanzando un claro desde el que observar lo que está sucediendo (“... vuelvo a pasar por el camino acostumbrado sin acordarme si es el equivocado…Parece ser que el inconsciente nunca aprende, algo me dice que esto me pasará siempre…”). La apariencia idílica que la música parece retratar en “A lo mejor” esconde otra verdad (“….nada es verdad…a lo mejor será mejor enloquecer…”). La fronteriza y pegadiza ‘Una forma de hablar’ da un respiro emocional y nos invita al optimismo (“…cuando volvemos a hablar se me van los miedos, sólo veo vasos semi-llenos / Esta es mi oportunidad para recordar / ¡Qué calidad!...). La paisajística “De cero a cien”, la inquietante y oscura “El lobo”, el delicado último suspiro de “La nana del agua” justo antes de ahogarse en la charca del desamor, todas y cada una de ellas mantienen el nivel siempre por encima de lo excepcional. Con “Una forma de hablar” (el disco) Maria Rodés marca un tanto generacional. Se desmarca y aventaja, traza un antes y un después.

Felicidades a todos los que la disfrutamos.

David Giménez

me arrancaban del todo la razón y devenía bestia. No sé tú, pero a mí no va a venir ningún moderno a contarme que vibra más con estas ambientaciones crepusculares y gorgoritos de ópera electrónica que con los beats a flor de piel de los singles más famosos de The Knife, aquellos con los que bailábamos en la época del “Deep cuts” (Rabid, 03) y el “Silent shout” (Mute, 06).

Por eso les perdonamos. Tal día hará un año. Albert Fernández The Terror Pigeon Dance Revolt!

“Have the best day of your life!”

LUAKA BOP / ¡POP STOCK!

The Knife In Collaboration With Mt. Sims And Planningtorock “Tomorrow in a year” rabid / Nuevos Medios

Electropera. ¡Qué bonita falacia espacial!

Nah, no dejes que ahora todos los adoradores de vanguardias o incendios intelectuales vengan a contarte que esto es lo más.

Para empezar, me gustaría que alzaran las manos honestamente todos los opinadores oficiales del reino que hayan escuchado con pundonor esta mastodóntica obra, de cabo a rabo, y en más de una ocasión. Yo lo he probado de todas las maneras, y no he pasado de apenas una y media, poniendo mi salud mental en juego. Lo he intentado mientras fregaba los platos, leyendo algo, o frente al ordenador, atónito viendo la barra del iTunes avanzar; o cortándome las uñas y buscando algún tipo de arista harmónica que complementara la extravagancia de The Knife & cia con mis ‘clacs’; e incluso hablando con teléfono para tener a alguien al otro lado de la línea, por si las ondas de estática y las voces agudísimas

Pop festivo. Es importante subrayar la obsesión de esta panda por los signos de exclamación, presentes en su nombre, presentes en su primer EP (con un título buenísimo, por cierto) “We’re humans: BE AWESOME!” y presentes también en su álbum debut, cuyo título completo es “I LOVE YOU! I LOVE YOU! I LOVE YOU AND I’M IN LOVE WITH YOU! HAVE THE BEST DAY OF YOUR LIFE!”. Mayúsculas incluidas.

Creo que con toda esta introducción ya os podéis hacer una idea de lo que aquí podemos encontrar: pop glorioso, festivo, sin complejos, cantado, hablado, berreado, extático, caótico. Piensa en unos Campesinos! (con los que no es casualidad que compartan adoración por las exclamaciones y los títulos kilométricos) más gamberros y quizá un poco bebidos y multiplícalos por tres en ruido y en número (estos neoyorquinos son cerca de veinte, aunque la formación va variando). Desde la aceleradísma “Snakebites” hasta la explosión de saxofones en “My favourite hair”, “Have the best day of your life!” le alegrará el día hasta al más emo. Virginia Arroyo

The New Pornographers “Together” Matador / ¡Pop stock!

Pop-rock. Si alguien tenía alguna duda, The New Pornographers cada vez están más cerca de alcanzar esa utopía que se esconde tras el concepto del ‘supergrupo’: una unión de mentes efervescentes que interactúan para dar lugar a grandes e inusitadas obras. Y si ya debíamos contar con los fijos A.C. Newman, Neko Case o Dan Bejar (Destroyer), en esta ocasión deberemos añadir la aparición de otros entes preclaros como Will Sheff (Okkervil River), Annie Clark (St Vincent) o Zach Condon (Beirut). Esta asociación de palabras mayores del rock americano da una vez más con la diana en el quinto álbum de la banda canadiense, abriendo el espectro instrumental y de influencias y dejando canciones tan inmensas como “The moves” o “Your hands together”. ¿Qué nadie se ha dado cuenta de la descomunal banda de rock que tenemos la posibilidad de disfrutar? ¿Necesitan más pruebas de que su imaginación y concepción de la música va más allá de todas las clasificaciones y límites que les quieren imponer?

“Together” debería alejar definitivamente los fantasmas de las odiosas comparaciones, y colocarles en el limbo que merecen.

Jesús Sáez The Baltic Sea “El gran blanco” CUAC!

Pop. Que un grupo se pase al castellano habiendo empezado a cantar en inglés es siempre loable y hay que aplaudirlo. Cantar en castellano significa tener que empezar a decir cosas, sin posibilidad de escudarse en frases hechas que llevamos siglos oyendo. Cantar en castellano implica la necesidad de conseguir una rima brutal o apostar deliberadamente por la rima libre. Significa cambiar el rumbo hacia una composición mucho más autorreflexiva, más consciente de sus posibilidades y de a dónde se quiere llegar. Significa desnudarse por completo y exponerse a que cualquier crítico de medio pelo, entendiendo por primera vez lo que oye, te tache de ñoño, de simplón, de estúpido, de gañán o de lo que le pase por la cabeza en ese momento. The Baltic Sea han asumido todos estos riesgos con un segundo disco íntimo, bonito y capaz de transmitir miles de emociones por minuto. Con temas como “Tú nunca duermes” o su primer single, “La verdad”, los sevillanos avanzan con paso seguro hacia un futuro que, ya sea en inglés o en español, se prevé radiante. Virginia Arroyo The Clientele “Bonfires on the heath” POINTY / GREEN UFOS

Pop. The Clientele siempre ha sido un grupo fiable, una de esas bandas a las que buscas cuando necesitas la compañía de unas canciones amables que te arreglen la tarde.

Poco a poco han ido cimentando una sólida carrera plagada de buenos temas y discos cada vez mejores, pero estabas tan acostumbrado a tenerlos cerca que casi no te dabas

cuenta. Hasta que escuchas por primera vez “Bonfires on the heath” y de repente comprendes lo que han hecho, comprendes que Alasdair MacLean y compañía han conseguido lo que siempre habían buscado, grabar el disco de pop melancólico perfecto. Afinando todo lo aprendido en sus entregas anteriores consiguen una colección de temas brillantes que envuelven al oyente con su calidez y dan forma a un disco jovial y ensoñador, heredero del pop otoñal de Galaxie 500 (el medio tiempo que da el título al álbum) y de la vitalidad de Love (“Never anyone but you”, “I know I’ll see your face”). Una pequeña obra maestra. Javier Burgueño The Last Dinosaur “Hooray! For hapiness” Dearstereofan

Pop-rock. Una advertencia: el primer álbum de The Last Dinosaur fue grabado en casa en un 16 pistas, limitando la grabación de la batería a un par de micrófonos y utilizando un pedal de loop para salvar la falta de pistas cuando el tratamiento de las armonías así lo requería.

Una aclaración: este hecho, y la no utilización de ordenadores durante todo el proceso, no constituye una frivolidad por parte de Jamie Cameron y Luke Hayden (los componentes del dúo) sino una forma de trabajo artesano que eleva el Do It Yourself a su máxima expresión.

Un contenido: de la explosión controlada de “Every second is a second chance” a los paisajes abiertos de “The song playing at the end of the film”, de los aires quelónidos de “Home” a la jovialidad de “The first last dinosaur song”, el álbum se apoya sobre los cimientos del post-rock para, inyectado de una fuerte personalidad, crecer más allá de los parámetros del género.

Una conclusión: escucha obligada para aficionados al post-rock y exploradores curiosos.

Javier Burgueño

The School “Loveless unbeliever” Elefant

Retro pop. Entre los amantes de la música Twee Pop y el revival 60s hace tiempo que se viene aguardando el debut de este multitudinario grupo galés (hasta ocho integrantes).

The School ya habían dado mucho de que hablar con todos los singles publicados hasta la fecha. De hecho, los temas más destacados de todos ellos aparecen presentes en este “Loveless unbeliever”. En su primer disco repiten fórmula con notable éxito. Liz Hunt, su líder y vocalista, firma (a veces en coautoría con su compañero Simon Stone) trece dulces bailables que esconden en su interior el veneno del amargo desamor. Canciones de pop coral femenino a lo The Shirelles, de melódicas composiciones al más puro estilo Phil Spector, incluso de sunshine pop. Todos ellos estilos que, a su vez, también hicieron suyos las bandas suecas del catálogo Labrador, algunas otras del sello Sarah Records, y grupos actuales que siempre tienen la mirada puesta en el pasado como los escoceses Camera Obscura o aquellas primeras The Pipettes.

David Giménez

Varios Autores “Deutsche elektronische musik” Soul Jazz / Satélite K

“Mandarinen Träume” Permanent Vacation — import

“Berlin 61/89. Wall of sound” The Maquis / Green Ufos

Kosmische musik. Despreciado en su momento por los medios anglosajones y recuperado de manera progresiva desde mediados de la pasada década, el rico y complejo mosaico que conforma el rock hecho en Alemania entre finales de los sesenta y mediados de los setenta supone una cantera inagotable de ideas vanguardistas y discos geniales: una veta tan generosa que, a veces, da la impresión de que se podría seguir excavando durante años a la caza de pepitas de oro. Hablamos de un fenómeno que ha sido estudiado hasta la saciedad, desde el seminal y lisérgico “Krautrocksampler” de Julian Cope, que puso las primeras piedras del revival allá por 1995, hasta el enciclopédico “Krautrock. Cosmic rock and its legacy” que Black Dog Publishing acaba de sacar a las calles. Pero ese esfuerzo editorial no impide que cada año salgan a la luz grabaciones perdidas y que se reivindiquen nombres cada vez más oscuros.

Basta echar un vistazo al volumen de reediciones que ha inundado las tiendas en las dos últimas temporadas para comprobar que existe un gran interés tanto por parte de los sellos como por los oyentes.

Interés en el que seguro que tiene algo que ver esa pasión por todo lo que suene a cósmico que abunda últimamente en los universos de la música electrónica y el rock, y que afecta por igual a los paladines del cosmic disco (Lindstrøm, Prins Thomas), a revisionistas del sonido motorik como Subway, Fujiya & Miyagi o Cloudland Canyon y, por qué no, a esos druidas como Oneohtrix Point Never o Jonas Reinhardt, que parecen querer revivir los tiempos en los que el ambient se transformaba en algo llamado new age.

Una de las consecuencias de ese interés es que las fronteras de este no-género están cada vez más difuminadas, tanto a nivel estilístico (a estas alturas cabe casi cualquier cosa, mientras suenen sintetizadores y se cuele algún ramalazo progresivo) como a nivel temporal: si antes se consideraba que el período de esplendor del krautrock rock abarcaba entre 1968 y 1975, años en los que vieron la luz casi todas las grandes obras del asunto, ahora se han ampliado esas fechas de manera notable para poder meter dentro del mismo saco a la segunda generación de músicos y a los artistas que abrazaron la filosofía new age a mediados de los ochenta. Variaciones que son fundamentales para entender tres estupendas recopilaciones que estudian el fenómeno de la kosmische musik desde otras tantas perspectivas complementarias.

De las tres, es “Deutsche elektronische musik. Experimental German rock and electronic music 1972-83” la que mayores ambiciones canónicas demuestra: sus dos compactos incluyen auténticos himnos del género como “No man’s land” de Tangerine Dream, el “Heisse lippen” de Cluster o el inevitable “Hallo gallo”, que catapultó a Neu! a la gloria. Y no acaba ahí la cosa, ya que habituales como Can, Conrad Schnitzler, Amon Düül II, Harmonia o Popol Vuh completan un listado de canciones que

para el aficionado de largo recorrido tiene pocos alicientes (sólo la inclusión de artistas como Deuter o Michael Bunt escapa de lo predecible), pero que en el caso de recién llegados funciona como perfecto mapa de situación. Además, y como suele ser habitual en Soul Jazz, la presentación es un lujo, con profusión de notas y mucha información.

Mucho menos predecible resulta “Mandarinen Träume”, que estudia la particular visión que del krautrock tenían los artistas en Alemania del Este. Artistas que habían escuchado los discos de Tangerine Dream, Pink Floyd, Ash Ra Tempel y Klaus Schulze, y que a principios de los ochenta intentaban realizar su propia versión de aquella música electrónica y altamente meditativa, utilizando los particulares medios técnicos que poseían a ese lado del telón de acero (extravagantes sintetizadores de fabricación rusa, estudios de grabación anticuados, sellos controlados de manera férrea por el estado). El resultado es muchas veces naíf e ingenuo, las bandas nunca llegan a alcanzar la madurez, la riqueza de sonido que manejaban sus compañeros occidentales, pero al mismo tiempo existe un encantador aire experimental, una habilidad para sobreponerse a las numerosas adversidades, que se traduce en temas de elevado nivel escapista, minimalistas por necesidad y distópicos por vocación. Temas que a veces buscan la cabalgada cósmica (el absorbente “Es wachst das gras nicht über alles” de Reinhard Lakomy, que abre el disco), otras veces se pliegan a una ácida psicodelia y más allá miran hacia la pista de baile (los temas morodorianos que factura el misterioso Julius Krebs).

Todo ello empaquetado en un bonito compacto, con profusas notas de Florian Sievers, el especialista en el tema de la revista Groove.

“Berlin 61/89. Wall of sound”, por último, representa una visión más atípica: interesados antes en documentar la efervescente escena del Berlín de la guerra fría que en hacer proselitismo del krautrock, los responsables del sello The Maquis amplían notablemente el arco temporal, para hacerlo coincidir con los años en los que el muro estuvo en pie. También aumentan el abanico de estilos, para que tengan cabida artistas como Nico, Nina Hagen o Einstürzende Neubauten, que en cierto modo son herederos de la kosmische musik, y que además representan a la perfección la música que se ha hecho en la capital alemana durante las décadas de los setenta y los ochenta. Y aunque hay que reconocer que el disco se toma ciertas licencias (muchas de las bandas seleccionadas no son berlinesas, incluso hay alguna que no es alemana, como The Young Gods), también hay que reconocer que la selección está realizada con un gusto exquisito y que en muchos casos se elude el lugar común.

Las profusas notas interiores y la presencia de grabaciones de campo entre canción y canción añaden un plus de interés a un disco original y muy recomendable. Vidal Romero

050/051

discos Ia Batiste “Un gran dia” / “Chichonera´s cat” Jarka “Ortodoxia” / “Morgue o Berenice” Om “Om” Wah Wah Records

Prog-rock catalán. La tienda de discos Wah Wah, situada en el centro del barrio barcelonés del Raval, ha sido durante más de tres lustros el punto de referencia más importante de cualquier coleccionista de vinilo, tanto como si reside en la Ciudad Condal como si no. Diez años después de la puesta en marcha de su marca propia, Wah Wah Records —dedicada fundamentalmente a la reedición e importación de obras de vital importancia en la historia de la música—, celebra su onomástica rescatando algunos de los discos más importantes del rock progresivo catalán, joyas de la música con originales tasados a precio de oro en el mercado internacional que ahora, gracias al intachable esfuerzo y dedicación del sello, se ponen a la venta a un precio más que asequible y, lo que es más importante, cuidando con sumo cariño cada una de sus ediciones.

Así se reeditan estos cinco discos en formato de vinilo, en fundas de máxima calidad, respetando las portadas originales hasta el mínimo detalle y añadiendo material extra como libretos y singles en formato de 7”para convertir cada uno de sus productos en un objeto irresistible para coleccionistas y amantes del vinilo de cualquier rincón del planeta. En primer lugar, reaparecen dos de las obras más importantes del rock progresivo catalán, Ia-Batiste (fruto de la unión

entre Ia Clúa y Jordi Batiste). “Un gran día” y “Chichonera´s cat” de originales prensados en 1973 y 1975 respectivamente y a los que sumaron la colaboración de algunos de los músicos más importantes de la vanguardia catalana del momento como los excelentes bateristas Juan Soriano y Francis Rabassa, el guitarrista Max Sunyer o el saxofonista Pau Casares. Por fin vuelven a sonar piezas bucólicas, cargadas de extrema sensibilidad y riqueza compositiva como los clásicos “Morrissong” o “Sifón”. Otras de las grandes reediciones por partida doble son “Ortodoxia” (71) y “Morgue o Berenice” (72) —ambas extraordinarias cumbres del rock instrumental y el jazz de fusión— a cargo de Jarka, producto de la simbiosis de ideas de los músicos Jordi Sabatés (piano) y Alfonso de Lucas (bajo eléctrico y contrabajo), entre los que se hallan colaboradores de lujo como el baterista Tom Furgal (asiduo entre las filas de Chick Corea). Ambos discos son de adquisición obligada para amantes del jazz y harán las delicias de aquellos que adoren la música del tristemente desaparecido, pero eterno maestro Tete Montoliu. Por último, y por si fuera poco, la edición de megalujo del disco de título homónimo de Om o lo que es lo mismo; los reyes del prog-rock catalán —con Toti Soler y Jordi Sabatés haciendo un alarde técnico inconmensurable de fusión entre psicodélia, rock progresivo y jazz cósmico en sintonía con el de la familia Coltrane— prensado originalmente en 1971 por Picap, de adquisición casi imposible y que ahora se pone a la venta en una edición limitada de 500 copias que contiene libreto interior, póster y vinilo adicional de 7”con dos temas inéditos. Babeando. Matías Bosch

deslavazadas y algún glitch; todo cabe en el interior de un disco similar en atmósfera a las cosas que publican sellos-juguete como Noble o Ahornfelder, pero con un trasfondo más oscuro. Cosa que, por supuesto, es de agradecer. Vidal Romero

Tomáš Dvorák “Machinarium” Minority — import

Pop deconstruído y naíf. Para adentrarse en este disco de Tomáš Dvorák (un músico checo que al parecer goza de mucho prestigio en la, ejem, escena IDM de su país) es importante saber que sirve de banda sonora a un videojuego, “Machinarium”, es una aventura del tipo point-and-click, de esas en las que el protagonista tiene que ir descubriendo los jeroglíficos ocultos en cada escena para pasar a la siguiente. Y saber esto es importante porque, a diferencia de lo que sucede cuando se compone música para películas, aquí los fondos sonoros tienen que repetirse cada cierto tiempo. El músico necesita trabajar con bucles y formas armónicas circulares, al tiempo que intenta apoyar la acción que transcurre en la pantalla. “Machinarium”, el juego, transcurre en un mundo distópico y ruinoso, habitado sólo por robots (muy) humanos, y aunque yo no sé mucho de juegos, creo que la ambientación y el trabajo gráfico son muy buenos, algo a medio camino entre la decadente estética steam-punk que tanto gusta a Hayao Miyazaki y los tenebrosos fondos de H. R. Giger para “Alien”. Escenarios a los que Dvorák responde con piezas elaboradas a modo de milhoja, con ritmos y arreglos en constante superposición: cajas de música, colchones ambientales, melodías de corte naíf, detalles con aire a free jazz, percusiones

To Rococo Rot “Speculation” Domino / Pias

Post-rock. En quince años, el trío de Stefan Schneider ha exhibido su música alrededor del planeta, firmando para algunos de los sellos más prestigiosos de la escena independiente: Kitty- Yo, Fat Cat, City Slang, Staubgold y ahora, Domino. Con “Speculation”, el disco más versátil y fresco de toda su carrera, el palíndromo berlinés dibuja un horizonte imaginario en el que se pueden distinguir todas las líneas convergentes que anteriormente han trazado el camino de los trabajos paralelos de sus componentes, tanto en Kreidler como en Tarwater pasando por las delicias minimalistas de Mapstation. Claros, concisos y certeros, cada uno de los movimientos que conforman “Speculation” redefinen su sonido a través de la unión de elementos digitales y analógicos en un matrimonio inquebrantable, dando vida a un álbum grabado con premeditación y alevosía en los estudios de Faust, que tiene todas la papeletas para convertirse en un clásico de la música contemporánea.

Aritmética emocional de primer orden que

supone un paso adelante así en el rock como en la electrónica. Matías Bosch

The Tallest Man On Earth “The wild hunt”

la vida cotidiana de la ciudad, creando un detallado mosaico de la metrópoli alemana. Con esta base, el suizo, que celebra este año 30 años de vida en la carretera, elabora un viaje temporal que condensa en poco más de una hora gran parte de la tradición musical de la capital germana. Hace parada en la electrónica seminal de Manuel Göttsching, añade capas y capas de riquísimas texturas, cruza con maestría house y techno de sabor clásico con pasajes que recuerdan a las series “Pop ambient”, y como no podía ser de otra manera, añade a la bacanal sonora mucho dub de raiz berlinesa. Jordi Kodrinsky

Dead Oceans / ¡Pop Stock!

Folk. Kristian Matsson no es, ni de lejos, el hombre más alto del mundo, pero si parece ser el que más certeramente ha heredado el legado de la concepción lírica, musical, y sobre todo, vocal del Bob Dylan de discos como “The times they are a-changin’” o “Bringing it all back home”. Se desenvuelve con soltura y credibilidad en ese estilo tan roots que es el folk tradicional, tan desarmado, austero y atemporal y que también practicó en sus días otra figura indispensable del género como Muddy Waters. Obviamente, citar a estas dos referencias no implica, ni de lejos, pretender poner al sueco a la altura de estas dos leyendas. “The wild hunt” es un buen disco, dinámico y, hasta incluso, divertido, como se demuestra en “King of Spain”, donde el artista confiesa su deseo en llegar a convertirse algún día en rey de nuestro país tras haber disfrutado de los placeres del flamenco, el vino, la paella y la siesta, lo que indica que, además de un músico al que seguirle la pista, es un tipo listo. David Giménez The Unwinding hours “The Unwinding hours” Chemikal Underground / ¡Pop Stock!

Rock. The Unwinding hours, el proyecto común de Craig B e Iain Cook, surge de las cenizas de la banda escocesa de post-rock Aereogramme. Tras su disolución, Ian comienza a ayudar a Craig a grabar sus nuevas canciones y conforme Cook se va involucrando en la composición, empiezan a tomar forma un proyecto que debido a sus características necesitará casi dos años para salir a la luz. Canciones grabadas durante el tiempo libre que les permiten otros proyectos y que remiten tanto a la banda madre (no en vano Craig era el compositor principal) como a vecinos de ciudad y sello como Mogwai. Rock alternativo, medios tiempos, y toneladas de feedback conforman el grueso de un disco que habla de las relaciones de pareja en todas sus variantes: la emoción del comienzo en “Traces”, la agonía de una relación que se resquebraja en “There are worse things than being alone” o la sensación de que algo funciona mal y no podemos arreglarlo en “Knut”. Tensión, calma, tensión, y vuelta a empezar. ¿Qué mejor sello para publicarlo que Chemikal Underground? Javier Burgueño Thomas Fehlmann “Gute luft: Original soundtrack from the 24h Berlin TV documentary” KOMPAKT / DECODER

BSO. El primer álbum en solitario en casi tres años del legendario Thomas Fehlmann recopila y edita parte del material que no pasó el corte final de las sesiones que sirvieron para proyectar la banda sonora de “24h Berlin”, una especie de reality faraónico que se metió en hogares y lugares públicos para filmar en una jornada el mayor número de aspectos de

Ulrich Snauss “Missing deadlines – Selected remixes” Rocket Girl / Dearstereofan

Shoegaze. Escuchar un disco de Ulrich Snauss es como abrir la llave del gas: ese sonido inconfundible, la neblina, el efecto somnoliento, el aletargamiento. Y todo ello sin matarte, más bien al contrario. En su carrera de shoegazer refinado, inquieto y buscavidas, el compositor alemán se ha convertido en una referencia con pedigrí en un universo atiborrado de copias de copias. De ahí que cada nuevo lanzamiento suponga un pequeño acontecimiento para los buscadores de feedback ensoñador y melodías etéreas. “Missing deadlines – Selected remixes” se define a sí mismo en el título, se trata de una compilación rigurosa y pensada a conciencia por el propio Snauss de algunas de las remezclas más inspiradas que ha venido facturando aquí y allá. Por el disco desfilan relecturas de canciones de Mojave 3, A Sunny Day In Glasgow, Howling Bells, Aus, Mark Gardener, Madrid o I’m Not a Gun, entre muchas otras.

Pocas sorpresas, pero fiabilidad total: chorros de gas melódico, voces lánguidas, insertos electrónicos y empleo meticuloso de la épica emocional. Una compra segura, se mire por donde se mire. David Broc

Triángulo de Amor Bizarro “Año santo” Mushroom Pillow

Noise-rock. El segundo asalto de los gallegos no puede empezar mejor para todos aquellos que se hicieron fanáticos de la voz de Isa en aquel “El fantasma de la transición”. Con “De la monarquía a la criptocracia” retoma la carrera donde la dejaron y acelera a base de bien (el estruendo que continúa con el tercer corte, “La malicia de las especies protegidas”, es un desfase absoluto). “Año santo” es lo más parecido a unos Chucho tocando cabreados bajo una tormenta eléctrica con un Fernando Alfaro poseído por Satanás. Como se esperaba, “Año santo” cumple con las grandes expectativas que despertó su debut.

Es una bestia parda que se alimenta de poprock embadurnado de ruido blanco, distorsión en los límites del colapso sónico y feedbacks ensordecedores. He aquí el artefacto de punk nacional que no deja títere con cabeza, ensañándose contra el sistema y usando la rabia como fuente de inspiración de una forma tan directa como inteligente. Cría cuervos. Si los Penélope Trip de “Politomanía” levantaran la cabeza, no podrían creer lo que en su día gestaron. Matías Bosch

Stornoway “Beachcomber’s windowsill” 4AD / ¡POP STOCK!

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Varios Autores “Ten Years of Highgrade” Highgrade — Import

Tech-house. La gran familia del sello Highgrade soplan velas para celebrar una década planchando vinilos. El label berlinés (como no) fundado por Tom Clark ha creado un universo sonoro bastante propio, dictando siempre los cánones del tech house elegante 4x4.

El elenco de artistas es variado, ya que en sus filas cuentan con figuras consagradas como James Flavour, Guido Schneider, Todd Bodine, Jens Bond, Dirty Boots o Daniel Dreier. La compilación transcurre por 20 temas minimalistas sin supremacía del bombo, trazando así una línea casi continua, con bajos en formato loop que van al mismo ritmo que los latidos del corazón. Sucesiones de ritmos muy marcados y entrecortados, que hacen prestar atención extrema al oyente, obligándonos a entrar en su particular sub mundo minimalista —siendo ideal también para pinchar si eres DJ—. Aquí no se mira a la pista, se saborea cada beat moviendo la cabeza lado a lado y siguiendo el compás con una sola pierna. ¡Felicidades! Estaremos al tanto otros diez años más. Alberto Vidal Varios Artistas “2010” DIAL — IMPORT

Emo techno. Como lanzamiento que acompañe los fastos del décimo aniversario del nacimiento del sello de Hamburgo, paradigma del techno melódico más sofisticado sin que el término esconda peligrosamente connotaciones negativas —a estas alturas del juego la elegancia y el savoir-faire de los teutones está fuera de toda duda—, Carsten Jost y Lawrence reclutan a lo más granado de su escuadra, con el fichaje añadido del siempre grande Isolée. Efdemin, John Roberts, Pigon, Rndm, o el fugado a Rough Trade Pantha du Prince, confían al sello un rosario de producciones, inéditas en su mayoría, con un excepcional sentido de la sutileza en las melodías que copulan plácidamente entre precisos golpes rítmicos. Los cortes basculan entre el techno emocional y el deep house más contemplativo del que hacen bandera, con alguna propuesta más afín al pop de cámara —Phantom Ghost y Dominique— para abrir y cerrar el compacto. Que cumplan muchos más, sin duda se lo merecen. Jordi Kodrinsky Villagers “Becoming a Jackal” Domino / PIAS

Pop. Tras la disolución de The Immediates, Conor J. O’Brien, quemado por la dinámica de los grupos, se lanza a un proyecto en solitario bajo el pseudónimo Villagers. Su álbum de debut sabe jugar con los elementos habituales del pop y el folk británico sin caer en sus habituales clichés, es decir, sabe sonar lírico e incluso, por momentos, dramático, sin caer en la épica más superficial; juega con las melodías y los arreglos, las capas de cuerdas, pero sin saturar en ningún momento; sus líneas vocales son personales, atractivas,

incluso ligeramente adictivas, huyendo de lo obvio, previsible, y de los gallitos de castratti. Por todo esto, “Becoming a Jackal” es un disco que pone sobre la pista a un artista con muchas cosas que decir de una forma notable, sin referencias demasiado obvias, más cerca de los clásicos (Paddy McAloon o Paul Simon entre otros) que de los autores modernos, y con una interesante concepción del pop, como evidencian canciones tan atractivas y frágiles como “Home”, “That day” o la orbisoniana “The pact (I’ll be your fever)”.

Jesús Sáez White Rabbits “It’s frightening” Mute / Pias

Rock. Internet y sus plataformas de despegue para bandas recién iniciadas al mundo de la música también tiene sus contras: dentro del aluvión de grupos y formaciones que no dejan de aparecer hay un alto porcentaje de mediocridad y muy a menudo uno se pregunta por la finalidad de algunos músicos que firman discos que no expresan nada más que un refrito de lo que ellos mismos están acostumbrados a escuchar. Los grandes sellos —en este caso, Mute— también se equivocan en algunas de sus apuestas. A pesar de su título, “It’s frightening” no asusta ni a una mosca. No posee gancho e induce a la indiferencia por su práctica sobada de rock al uso, sin un ápice de experimentación que invite a la mínima sorpresa. Como es natural, tras repetidas escuchas se puede encontrar algún tema más o menos aceptable. “Lionesse” y el oscuro corte bajo notas de piano arpegiadas que cierra el álbum, “Leave it at the door”, son los únicos destellos de luz de otra banda más que intenta emular a Radiohead, Coldplay o cualquier otro grupo de indie rock americano con más carisma que ellos. Matías Bosch

Pop. Quizás sean imaginaciones mías pero me da la sensación de que la vida es más importante según dónde. Pasear no es lo mismo en París que en Montreuil. Leer no es lo mismo en el Hotel Algonquin que en la Pensión Estrella. Es imposible. No puede ser lo mismo comer en el Wolfson College de la Universidad de Oxford que en el sótano de la facultad de filología de la plaza Universitat. Tiene que ser diferente. Stornoway son de no sé sabe donde pero se encontraron todos en Oxford durante el primer año de carrera. No eran nadie y ya llenaban las salas de la ciudad. Eso es porque no ser nadie también es más importante según dónde. Es difícil entender por qué pero su música parece importante. No es algo aparente. Todo es tan sencillo y fácil que encaja sin estrépito y como es bien sabido, por lo general, al público mordaz nos cuesta reconocer el mérito de lo que no muestra a simple vista un esfuerzo evidente, en forma de ojeras y horas extra. Las canciones de “Beachcomber’s windowsill” logran el equilibrio perfecto entre lo sencillo y lo evocador. El esfuerzo es imperceptible. Todo fluye naturalmente. Tanto que el oyente más desentrenado les caza a la primera. ¡Ajá! Ahí radica la grandeza de este disco, precisamente. Las reticencias se caen a pedazos cuando “Zorbing” suena en el coche.

Llega el verano. Amigo, estaba usted obnubilado por la lluvia reciente y el sol le ha cogido desprevenido.

Qué imprevisto tan agradable. Es el efecto de las canciones bonitas sin ñoñería. La felicidad

Jugoplastika “Say hello to the kid” ERNIE PRODUCCIONES

Von Spar “Foreigner” Italic / Decoder

Kraut-Disco. Es una auténtica gozada que a día de hoy todavía existan artistas que elijan el camino ampuloso y lleno de obstáculos del krautrock. Los alemanes (claro, teutones tenían que ser) Von Spar además eligen el de toda la vida, el clásico y retro de los 70, aunque siempre visto desde una perspectiva híbrida con el disco kosmische. “Troops” es la carta presentación en formato single, un medio tiempo pop plagado de sintes vintage, con aura astral y una pizca de ritmo bailable. Luego se van por peteneras, con tres temas empalmados que resultan ser viajes cósmicos de tomo y lomo: “I can’t stand the grain”, “Collecting natural antimatter” —que recuerda con nostalgia al “Phaedra” de Tangerine Dream, ya que es casi un calco de la intro— y “HyBoLT”, donde beben del “Neu!’75”. En “You can shake down on my settee tonight” suenan más a los primerizos Neu! y en “Lambda” miran algo más a la pista, aunque provoque una ligera sonrisa recordando a Jean Michel Jarre. “Foreigner” es una interesante propuesta, que nos viene a recordad que el krautrock está de moda.

Alberto Vidal

Power pop. Los noventa han llegado a la redacción y yo que me alegro. Después de un primer trabajo homónimo con muchas ganas pero algunas carencias y de un segundo álbum en el que empezaban a pulir sus maneras, en este tercer disco a Jugoplastika se les nota cómodos, radiantes y seguros con su sonido. Seguramente haya ayudado contar con Paco Loco o con las mezclas del mismo tipo que sus adorados Sonic Youth (John Agnello). Sea como sea, en este “Say hello to the kid”. Jugoplastika afianza sus ya conocidas referencias (Pavement, Dinosaur Jr, Yo La Tengo o los ya citados Sonic Youth), inyectándo en pleno músculo un buen chute de power pop (“Hug and bite”, “Holidays in Delaware”, “Kiss”). Si es tu primera vez con Jugoplastika, dos recomendaciones bien diferentes, para todos los gustos: “Kirby and Debbie” y el brillante medio tiempo “Not here, not there”. Virginia Arroyo Big Boss Man “Full English beat breakfast” BLOW UP — IMPORT

R&B. A diferencia de su portada (consistente en un plato con un huevo frito, tres lonchas de beicon, dos salchichas, tres tomates al horno, dos rebanadas de pan, algunos champiñones y medio puchero de baked beans), “Full English beat breakfast” pasa fácil y no empacha. En este tercer álbum, estos londinenses nos presentan su propuesta más ambiciosa

es un estado embarazoso si se estupidiza con clichés, pero aquí no hay espacio a la tontería. El sol está ahí, y punto. El disco toma conciencia de sí mismo, y avanza solo. Desde el primer tema, este “Zorbing” del que les hablaba y que fue también el primer single de la banda, el disco presenta pruebas certificadas de oficio y habilidad que no buscan asombrar a nadie pero te dejan con más hambre que antes, como el vermouth. El disco sigue. En Gran Bretaña todos dicen que se parecen a Belle And Sebastian y puede que tengan algo que ver con su “If you’re feeling sinister”, pero desde luego son mucho menos artificiosos que la última encarnación de la banda escocesa. Más bien su cantante se parece al Tali White de The Lucksmiths en 1999, y según cómo se mire a los Decemberists de “Picaresque”. Hasta me atrevería a decir que algunas canciones de este disco las podría firmar una versión moderna de The Housemartins. “Here come the blackout...!”, dos minutos clavados, es el tema coral definitivo esta temporada, una canción que supera los adjetivos encantadores y debe entenderse como un adverbio de manera, en movimiento, como se debe escuchar este disco. “Fuel’s up” y el molino y la imagen algo retorcida de los molinos y el verde “Waterland” de Graham Swift les viene a la memoria sin preaviso. Ven, esto es música evocadora.

Sabían lo que se hacían cuando eligieron su nombre. La pequeña ciudad escocesa al norte, agarrada a lo que queda de tierra antes de que el Atlántico se trague el Mar del Norte y sometida a inclemencias meterorólogicas que sólo puede compensar con encanto pintoresco y la observancia estricta de las costumbres que mantienen al pueblo en funcionamiento, está detrás de estas canciones. Cuando sale el sol en Stornoway, la gente abre las ventanas.

Es un acontecimiento. Banessa Pellisa

hasta la fecha. Si bien mantienen intacto su espíritu a base de bajos funk, ritmos soul pasados de revoluciones y elegancia a raudales, aquí Big Boss Man engrasan su sonido con una ración doble de Hammond.

El mejor momento del álbum, muy Blues Brothers, es el temón “C’est moi”, que, seguido del adictivo “Clown face”, llega a cotas muy altas de nostalgia bailonga sesentera. Y además al disco no hay que perdonarle ni un pinchazo, es para escuchar enterito de principio a fin. Virginia Arroyo Windmill “EPCOT starfields” MELODIC / GREEN UFOS

Pop épico. Con su debut, “Puddle city racing lights”, Matthew Thomas Dillon nos ofrecía una ecuación milagrosa: Flaming Lips + Mercury Rev + Arcade Fire + piano = Windmill.

Basándose en estos parámetros iniciales el desánimo podía devenir una opción ya que era fácil preguntarse ‘si tienes los originales, ¿para qué quieres una copia?’. La cuestión es que la fórmula, por sobada que pareciese, encajaba a la perfección y el disco consiguió un cierto reconocimiento. Windmill construye su segunda entrega a partir del recuerdo de una visita al centro EPCOT de Florida que realizó junto a su familia en su niñez. El parque futurista, Carl Sagan, la película “Tron” y el sentimiento de pérdida y mortalidad inspiran un disco que musicalmente sigue los parámetros de su predecesor. Pero esta vez la apuesta funciona sólo a medias, la épica desbocada emociona en algunos momentos mientras que satura en otros y el concepto que rodea el álbum se deja llevar hacia lugares comunes de un niño que no quería crecer. Javier Burgueño

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discos maxis / dvds-libros

+maxis Claro Intelecto “New life EP” MODERN LOVE — BOOMKAT, 12”

Hábil productor y aún más sagaz a la hora de capturar el zeitgeist del momento —el mancuniano, según épocas y conveniencia, ha facturado con excelente mano IDM, electro, Detroit o dub-techno—, Mark Stewart fusila descaradamente en “Back in the day” —el corte que abre el vinilo— a Tod Terry vía Royal House; aunque también lo hicieron los Jungle Brothers en “I’ll house you” y les edificamos un monumento, así que con el de Mánchester no vamos a ser menos. Del clásico del neoyorquino prescinde de la sirena, el “can you feel it” y el “check this out”, y se queda apenas con unas frases de piano con las que elabora un house reduccionista y dubby de bassline cuadrada y kick enérgico. En el reverso del maxi, “New life”, todavía más enérgico y dubby. Bastante amazing. JK

Funckarma “Dubstoned EP 3” EAT CONCRETE — IMPORT, 12”

Con Funckarma sucede que el hábito no hace al monje: con éste son ya tres los volúmenes que han dedicado al noble arte de interpretar el dubstep a su manera y lo cierto es que, aunque saben cómo invocar esos ambientes distópicos y arrastrados, esos burbujeos plenos de dub que ayudaron a poner a Croydon en el mapa, nunca rematan la faena del todo.

No pueden evitar sacar a relucir un ramalazo electro, ese gusto por los arreglos ácidos, los filtros guarretes y los beats recortados que, a fin de cuentas, es lo que nos gusta y nos pone de ellos. Y que sigan así, por favor. VR

Fuck Buttons “Olympians” ATP / HOUSTON PARTY, 12”

“Olympians” es uno de los mejores cortes del segundo disco de Fuck Buttons: una orgía de ruido, ritmos metronómicos y melodías crecidas al calor de Vangelis (me apuesto un riñón

T++ “Wireless” HONEST JON’S RECORDS — IMPORT, 2 X12”

Actress “Paint, straw and bubbles” HONEST JON’S RECORDS — IMPORT, 12”

A pares, pero con diferentes sabores, como aquellos Petit Suisse de fresa y plátano que te daban de crío, vienen los destacados del mes. Uno, doble, el de T++, sociarro de Henke en Monolake; el otro, sencillo, el del negrata y mánager del sello Werk Actress.

El de sabor a plátano, claramente, es el del berlinés, aunque sólo fuere por analogía

Textos

a que el título es una parodia de “Carros de fuego”), que sube y baja como una montaña rusa durante once intensos minutos. Una golosina que Jason Spaceman, fiel a su manual de estilo, enfrenta en este bonito vinilo retirando gran parte de la electricidad superficial, llenando el fondo de sonidos acuáticos y añadiendo unos coros tóxicos que dan al conjunto un aire perverso, como de nana alucinada.

Más brutote, Alan Vega se lleva “Rough steez” a su terreno con un recurso tan simple como gritar por encima con voz rasposa y aires punkis. El resultado, claro, es puritito Suicide. Y eso mola mucho, claro. VR

manera que apenas se intuyen las numerosas líneas melódicas (pianos, guitarras manipuladas, violines) que se entrecruzan por detrás.

Claro que lo mejor del lote está en la cara B, una particular versión de “Für Alina” que añade texturas ominosas y aires de tormenta a las delicadas progresiones del piano que escribiera Arvo Pärt. Oscuro y emocionante: es decir, necesario. VR

Onra “Long distance” ALL CITY — GROOVE ATTACK, 12”

Decíamos el mes pasado que Slottkavic gobernaba con mucho tino All City, que nos ponía muy burros ese wonky psicodélico de beat grasiento infectado de boogie, y que eramos capaces de dejarnos el sueldo en 7 y 10 pulgadas con los ojos cerrados. Pero nos faltó decir que el pastiche electrosoul de Olivier DaySoul y Reggie B no se soporta —y mira que se intentó con alguna que otra referencia en 4lux, pero no hubo modo quasimodo—, que no hay sitio por donde agarrarlo porque suena vulgar y poco callejero; así que el franchute de Onra y el jefe nos podrían haber ahorrado el suplicio, y nunca hubiese sido necesario el tirón de orejas. Como les dé ahora por una tanda de éstas estamos apañados. JK

Rafael Anton Irisarri “Reverie” IMMUNE — IMPORT, 12”

Casi al mismo tiempo que publica el estupendo “It falls apart” con su alias más gaseoso y shoegaze, The Sight Below, Irisarri desempolva su piano para dar forma a un EP generoso y volátil. La cara A contiene dos temas propios, un “Lit a dawn” en el que las desperdigadas notas del piano se esfuerzan por no naufragar entre los vaporosos ecos que burbujean en el fondo de la mezcla, y el maravilloso “Embraced”, que sitúa los drones en primer plano, de

fálica con el instrumento de que toma prestadas algunas muestras que, por otra parte, resultarían indescifrables de no advertirlo la promo: el endingidi —una especie de violín africano que tensa una cuerda entre un tambor y un pitón bovino coronado con una cabellera la mar de maja— del ugandés y virtuoso del ídem Ssekinomu. Para colmo, a estas horas el aborigen debe haber criado más malvas que Rock Hudson: los samples son de grabaciones de principios de los 40 y todos sabemos que el SIDA hizo furor en Uganda. El resultado son cuatro cortes de techno sincopado y breaks —el colchón rítmico no es otra cosa mas que garage—, a medio camino entre Monolake y Shackleton, regados con gruñidos bantúes que le dan cierto toque afrofuturista. El de sabor a fresa, por deducción, debe ser el de Actress: dos cortes que evocan tanto a la ola sintética fría e industrial de los primeros 80 —la planeadora “Maze”— como al Detroit espacial —la titular—, con el añadido de un remix la mar de woncarra de Zomby, que bien valen las dos orejas y el rabo. Jordi Kodrinsky

Mount Kimbie “Remixes part 1” “Remixes part 2” HOT FLUSH — IMPORT, 12”+12”

Mientras llega ese disco que debería confirmarles (siempre con permiso de Roska y Joy Orbison) como los reyes del dubstep de esta temporada, los chicos de Mount Kimbie encargan un puñado de remezclas a sus amigotes.

El primer volumen se mantiene en coordenadas funkstep, con James Blake retorciendo el fantástico “Maybes”, dejándolo retozar entre síncopas de soul y voces pasadas de pitch, FaltyDL sumergiendo “Serged” en vapores acuáticos, negros como el carbón, e Instr: mental dando un toque de drum’n’bass a “At least”. Más orientado al techno, el segundo de los maxis lo ocupa por una cara SCB (es decir, el alias trucha de Scuba), con una lectura de “Vertical” profunda y cavernosa, de cuarto oscuro del Berghain, y por la otra unos elegantísimos Tama Sumo & Prosumer, que convierten “William” en algo que podrían haber firmado los mejores Super_Collider. Nivelazo, señora. VR

Jordi Kodrinsky y Vidal Romero

facto no es otra que ese deep techno sensual y narcótico que factura el calvorota. Finísimo no, lo siguiente de lo siguiente. JK

SBTRKT “2020” BRAINMATH — IMPORT, 2X12”

Aunque sólo por la máscara mandinga tan guapa que se marca el colega ya sería merecedor de unas letras, lo cierto es que el pavo está en vena: primero fue “Laika”, a principios de año y en el mismo sello, y ahora va el tío y nos cede, sin dudarlo y en dos gajos, cuatro riddims garageros para gourmets. Abre la veda con el broken house de “2020”, sigue al dorso con “Jamlock” —que nos trae reminiscencias al primer house de Detroit—, continúa la fiesta de la síncopa con “One week over” y cierra el lote magistralmente con el garage espacial y free de la enorme “Pause for though”. Habrá que ir pensando en elevarle ya un monolito, ¿no? JK

SCB “20_4” SCB — BAKED GOODS, 12”

Con su segundo y opulento álbum todavía calentito, Scuba, desprendido y hacendoso que es él, estrena sello bajo el abrigo de Hotflush y rescata el alias SCB para planchar dos pepinos que harán las delicias de los sibaritas del sonido Berghain. Se confirma la tendencia que ya habíamos advertido en anteriores entregas: el sonido de Paul Rose se ha escorado mucho hacia un techno fracturado de subgraves robustos con un cierto toque house en las estructuras rítmicas, que en “20_4” vienen agarrados a unos hi hats muy en la onda de Robert Hood, y en “3_5” traen reminiscencias al tech-house dubby más melódico. JK

To Rococo Rot “Forwardness fridays EP” DOMINO / PIAS, 12”

Ramadanman “Ramadanman EP” HESSLE AUDIO — IMPORT, 2X12”

Con su otro alias, Pearson Sound, David Kennedy ya había comenzado a investigar las conexiones entre el dubstep y las ramas más horizontales y gaseosas del drum’n’bass: ritmos sincopados, velocidad controlada y una cierta vocación experimental. Exploración que continúa en este homónimo EP, que mezcla un par de temas de aire clásico (“A couple more years” es puro jungle de los noventa), algún capricho atmosférico y, sobre todo, temas de funkstep como “Tumble”, en los que todo suena a retorcido: desde los subgraves amenazantes hasta esas melodías fracturadas que, poco a poco, se van convirtiendo en la marca de casa de su sello, el últimamente intratable Hessle Audio. VR

De la alianza entre To Rococo Rot y Joachim Irmler (Faust) ha salido un disco, “Speculation”, que actualiza los lugares comunes del krautrock (metronomía, cosmicidad, improvisación controlada) y los impulsa hacia un futuro distópico y oscuro, en el que las máquinas han eliminado cualquier vestigio de emoción. Es el tipo de paisaje que Shackleton gusta de recorrer, así que no es extraño que su remezcla de “Fridays” sea claustrofóbica y fracturada, cargada con bajos que erizan la piel y ritmos que ahuecan el estómago. Menos intenso, menos interesante también, Traversable Wormhole añade ritmos étnicos y un poso industrial a “Forwardness”. Que no está mal, pero no alcanza para toser a Shackleton. VR

Stephen Brown “Red room / Stress free” MUSIC MAN — IMPORT, 12”

Reade Truth “The left hand path EP” WHITE LABEL — IMPORT, 12”

La lista de deidades neoyorquinas es prácticamente interminable: por citar a unos pocos del más diverso pelaje, valgan los nombres de Spike Lee, Preem y Jordan, y por encima de todos ellos, está nuestro hombre en la ONU —llamémosle Marcos Regio— que por un casual también es un poco lefty, como el título del maxi que nos ocupa. Otro que tiene el honor de pertenecer a este selecto olimpo de dioses de la Gran Manzana —aunque ahora resida en Viena es un newyorker de pura cepa— es Reade Truth, y la razón por la que es miembro de

Por los escoceses siempre se ha de de tener cierta querencia, aunque sólo sea por destilar el mejor güisqui de malta del planeta, del que dicho sea de paso uno es ocasional bebedor aunque, paradójicamente, a estas alturas de la vida no soporte ni las resacas ni a los borrachos. Stephen Brown, que es de Edimburgo y tiene solera en esto del techno de raigambre detroitiana, filtra por el alambicado de Coffey un techno épico y etéreo con aroma a clasicazo —reserva 16 años en barrica de roble— que le sale reposado y suntuoso como un trago de Mortlach, y que puede recordar tanto al Carl Craig de “Landcruising” como al inefable Shed.

Habrá que echarse un par de tragos, socios. JK

Emmet Malloy “The White Stripes. Under great white northern lights” XL / ¡pop stock!

Jack y Meg White, tras un breve matrimonio y diez años juntos en la carretera, son ese tipo de parejas que se acaban las frases el uno al otro. Podrían haber sido hermanos en realidad, si nos hubiéramos tragado ese cuento desde el principio. “Under white northern lights” es un documental dirigido por Emmet Malloy que sigue a The White Stripes poco después de la publicación de “Icky Thump”, por un viaje ascendente desde su Detroit natal hasta las salvajes tierras de Canadá, improvisando shows para pequeñas audiencias en cada provincia y remoto territorio, desde Newfoundland hasta Nunavut, y culminando su periplo en Nova Scotia con un conciertohomenaje a sus diez años de carrera en el mítico Savoy Theatre. Por el camino, interactúan con sus gentes, se mezclan con la comunidad local y dejan para el recuerdo escenas memorables como sus improvisados conciertos en piscinas públicas,

escuelas, boleras o un centro para jóvenes cristianos. Da igual si entre el público la mitad de la gente no conoce a White Stripes o si en lugar de adolescentes melenudos nos encontramos con sexagenarios de piel curtida. La música del dúo americano apela tanto a jóvenes como a viejos por su mezcla de nostalgia y modernidad. “Under white northern lights” es una auténtica vuelta a las raíces, a los días en que cogían su furgoneta y tenían que abrirse camino en pueblos de mala muerte. Entre show y show se intercalan escenas de la vida en la carretera y entrevistas con Jack (siempre revelador en sus declaraciones) y la ultratímida Meg, que nunca habla pero aquí sí lo hace. Asistimos a pequeñas jam sessions entre ambos y momentos privados en su día a día que nos acercan un poco más a las personas detrás de los artistas.

Lo que hace especial este documental es su simpleza, el montaje del vídeo es respetuoso con la narrativa; las canciones se escuchan enteras y también hay momentos de silencio que invitan a la contemplación. Al final, Jack parece exhausto y Meg se echa a llorar, y nunca sabremos por qué. Como todo en White Stripes está envuelto en un halo de misterio. Janina Canet

+dvds

Alexis Guideon “Video musics”

Antonio de Prada “Rock·Ola: una noche en la movida”

Africantape Group — Import

avalon

Mediante una historia dividida en cinco episodios a modo de vídeoclips entrelazados, el músico y vídeo-artista Alexis Guideon expone una narración que se inspira en la mitología húngara para contar un cuento que requiere más de diez visionados para llegar a ser entendido. A través de una animación por ordenador harto rudimentaria y simple en la que se combinan dibujos de personajes coloreados digitalmente e imagen retocada, Guideon arroja composiciones musicales a medio camino entre el hip hop, el folk y la electrónica que convierte “Video musics” en un producto bizarro propio de unos Ween carentes de inspiración (si es que alguna vez les ha faltado). Una brasa sin ton ni son que aporta bien poco, excepto bostezos y aburrimiento baladí durante más de veinte inacabables minutos dejando al espectador con cara de bobo y con una expresión facial que se acerca al poema.

Malo no; penoso. Matías Bosch

Contínuamente referenciada, parece que los fastos dedicados a la Movida Madrileña no son cosa de un día. Pero faltaba un documental que hiciera un recorrido por alguno de sus sitios comunes. Y es aquí donde la película de Antonio de Prada encuentra su lugar entre tanto homenaje casposo. Sí, “Rock·Ola” va de la Movida, pero, sobre todo, es un documental sobre un lugar, una discoteca-sala de conciertos que pudo aglutinar entre sus negras paredes a toda la intelectualidad cultural española de los primeros ochentas. Viendo el documental, uno siente envidia de no haber estado allí para ver los primeros conciertos de Depeche Mode, Echo & The Bunnymen, UK Subs o Roxy Music, entre muchos otros... pero, sobre todo, el documental investiga en la boca de sus protagonistas todas aquellas cosas que hicieron del Rock·Ola un lugar mítico: cualquier moda musical tenía su sitio y en el local se apostó por toda clase de cultura, desde la fotografía hasta el teatro. Manu González

Santiago García “La novela gráfica”

Joan S. Luna “Los colores del underground”

FS Blumm “Back to the plants”

astiberri

astiberri

Ahornfelder

Loable tarea la del señor Joan S. Luna (jefe de redacción de la revista Mondo Sonoro y, sobre todo, amigo) al intentar dar una visión conjunta de ese estilo pictórico llamado Surrealismo Pop en un libro con entrevistas a 22 artistas internacionales que se mueven por coordenadas pictóricas entre el surrealismo y la cultura pop. Evidentemente, casi todos los artistas dicen no pertenecer a este estilo (como siempre ocurre en estos casos), pero Luna es capaz de desnudar con sus preguntas a unos artistas que no se cortan a la hora de contar su proceso y cuál es el motivo principal de su obra, macabra en muchos casos, y muy imaginativa siempre. Sobre todo, conviene acercarse a las entrevistas a pintores con más o menos relación con la música —de Alex Gross a Chris Mars pasando por nuestros Gonzalo Rueda (portadas de Manos de Topo o Joe Crepúsculo) o Sergio Mora (ex Fromheadtotoe)— y dejarse subyugar por las excelentes acuarelas repartidas por todo el libro (cinco por cada artista).

Un libro imprescindible para todos aquellos fans del arte moderno. Manu González

Al entrañable FS Blumm siempre le ha gustado que sus trabajos desprendan un halo de inocencia. Los discos que graba están llenos de piezas íntimas y juguetonas, como si fueran la obra de un niño que estuviera trasteando con los instrumentos, que intentara cazar melodías al vuelo. Y lo mismo sucede con las portadas que dibuja, que suelen tener un trazo naíf y desenfadado.

Dibujos que pueden parecer sencillos a primera vista, pero que en realidad esconden una técnica cuidada y una imaginería apegada al op-art. “Back to the plants” es un coqueto librito en el que Blumm ha reunido un puñado de esos dibujos. Pinturas que en su mayor parte son abstractas y coloristas, y que reflejan motivos cotidianos. Un invento que hará gracia a los fans y que además se completa con un bonito single, que contiene cuatro piezas improvisadas, grabadas a medias con David Grubbs. Como los dibujos, también esta música es delicada, abstracta y naíf, puro disfrute para la vista y los oídos. Vidal Romero

+libros

Lo ves en el metro, o por la calle, empieza a pasar en las librerías. Antes, si eras alguien tan freakie o convencido como para llevar un cómic en tus manos en algún lugar público, debías soportar miradas de desprecio, o gestos conmiserativos de sesentones amargados allá por donde te plantaras con tus viñetas. Todo eso está cambiando, porque la gente se aburre de todo y ya no sabe donde agarrarse, y de un tiempo a esta parte, parece que leer cómic ya no es tan estúpido e infantil, sino que forma parte del espectro intelectual, Molinas-Foix aparte. Sólo que no es cómic, ni tebeo, es cómic de autor, es novela gráfica. En este importante tomo, Santiago García se dedica a explorar la fuente de ese prejuicio cultural que él parece tener muy asumido, y yo todavía no alcanzo a entender, máxime cuando insignes como John Updike ya predijeron en su momento el afloramiento de grandes obras del ingenio humano fruto de la combinación de la letra con una vertiente gráfica. Probablemente la aparición de “Maus” y el Premio Pulitzer

que se concedió a la obra de Spiegelman supuso el punto de inflexión para este viraje en las perspectivas de los encapuchados cerebrales, pero está claro que hay precedentes muy anteriores que dan señales de la madurez del medio. García dedica su buen hacer a buscar las bases para un debate que nos ubique, analizando el estado de la cuestión a partir de la búsqueda de una definición del formato y del término ‘novela gráfica’. En realidad, eso no es más que otra reformulación de la descripción del lenguaje del cómic que ya hace años llevó a cabo con pasmosa agilidad el brillante Scott Mcloud en “Entender el cómic”. Como siempre, el foro de discusión nos llega tarde aquí, cuando ya hace tiempo está presente en todo el mundo. Pero eso no resta valor a la ordenada recapitulación y estudio de la historia del cómic que García emprende con la ayuda de acertadas reproducciones de obras clave, desde los los grabados de Maeserel hasta los híbridos de dibujo y fotografía de Guibert. Albert Fernández

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songwriters / último clásico

songwriters

SOmos ESCORIA NORTEAMERICANA Admiro sobre todo una cualidad de los americanos y es su gran capacidad para reírse de sí mismos. No hay ninguna otra nación en el mundo con mayor predisposición a la autoparodia y a reconocer sus defectos y limitaciones, sin riesgo de parecer antipatriótico. Porque patriotas lo son un rato. James Murphy ha viajado por Europa, ha visto mundo, ha catado las escenas de aquí y de allá, y tiene suficiente ingenio como para escribir una canción, en apariencia crítica con su país, con el punto de humor, sutileza y calculada ambigüedad para despistar a más de uno. A primera vista, “North American scum” parece un alegato contra la política y cultura norteamericana, pero ¿hemos entendido algo de la letra? Déjenme que les transcriba lo que en realidad James Murphy quiso decir en “North American scum”...

No sé por donde empezar, porque se nos acusa de tantas cosas a la vez... Somos norteamericanos, no ingleses, aunque hablamos el mismo idioma, hemos nacido en países distintos y tenemos culturas distintas. Somos una civilización nueva que se ha hecho a sí misma, lejos de la vieja y ‘culta’ Europa, que tiene muchos más siglos de historia, y sí, eso ya lo hemos oído miles de veces. Me miras con desprecio por ser norteamericano, los cabeza de turco de todos los problemas del mundo; obesos, ricos, estúpidos, tiranos, prepotentes... ¿Pero no te acuerdas de cuándo os salvamos el culo? Sí, claro, te has olvidado ya de que si no fuera por nosotros ahora en Europa hablaríais todos alemán. Y cada vez que viajo a tu país me recuerdas por qué no te gustamos, nos culpas de todo lo malo que sucede en este planeta, como si tuviéramos que pedir perdón por ello cada vez que respiramos, pero si hago ver que te doy la razón y bajo la mirada, entonces serás mi amigo, porque nos entendemos.

Porque al fin y al cabo yo también odio a Norteamérica. Mira, he escrito una canción cagándome en ella. Ya sé que en Europa tenéis fiestas estupendas que no se acaban nunca y que vuestra escena es la más avanzada, leemos vuestras revistas donde habláis de nosotros, claro. Pero las mejores fiestas están en Nueva York, ¿sabes? Yo soy de allí. Nueva York es como una burbuja dentro de Norteamérica, un microcosmos humano que se rige por sus propias leyes. En California prohiben el matrimonio gay, en Texas te mandan a la silla eléctrica y en Nebraska te multan por eructar en una iglesia. Pero en Nueva York puedes hacer lo que te dé la gana y, seguramente, si metes tu basura en una caja y tratas de venderla, alguien dirá que es arte. Porque todo es posible en Nueva York y de allí es de donde vengo. Es la ciudad más cosmopolita del mundo, la ciudad que nunca duerme... Y aunque sólo está a cuatro horas de Washington, aquí somos mayoría demócrata y no votamos a Bush; créeme, también pensamos que era un idiota. Pero no me mires mal, tío, yo no soy responsable de la guerra en Irak, ni de nuestra política exterior, ni de que en tu ciudad destruyan monumentos para construir McDonald’s. No me juzgues porque nunca has pisado mi país. ¿Te crees que nos conoces? ¿Y me llamas ignorante a mí? Sí, ya sé que para ti sólo soy un yanki apestoso y que no me tocarías ni con un palo, pero estás escuchando esta canción, así que te gusta mi música americana, compras mis Nike y flipas con mis series, comes mis hamburguesas y me imitas en todo lo demás. En el fondo no somos tan diferentes. Sé que hemos cometido muchos errores como nación, pero no hagas que me acuerde de los vuestros, al fin y al cabo, nos lleváis siglos de ventaja. Sí, somos escoria norteamericana, pero orgullosos de serlo. Y que te jodan a ti también. Janina Canet

LCD Soundsystem “North American Scum”

Letra: James Murphy. Incluída en el LP “Sound of Silver” (DFA, 2007) Oh oh, I don’t know, I don’t know, oh, where to begin/ We are North Americans/ And for those of you who still think we’re from England/ We’re not, no/ We build our planes and our trains till we think we might die, far from North America, where the buildings are old and you might have lots of mimes/ I hate the feelin’ when you’re looking at me that way cause we’re North Americans/ But if we act all shy, it’ll make it ok, makes it go away/ Oh I don’t know, I don’t know where to begin when we’re North American/ But in the end we make the same mistakes all over again/ Come on North Americans! We are North American scum/ And all the kids that want to make the scene here in North America/ When our young kids get to read it in your magazines/ We don’t have those/ So where’s the love, where’s the love, where’s the love tonight? But there’s no love, man, there’s no love and the kids are uptight/ So throw a party till the cops come in and bust it up/ Let’s go North Americans!/ Oh you were planning it, i didn’t mean to interrupt, sorry/ I did it once and my parents got pretty upset/ Freaked out in North America/ But then I said the more I do it the better it gets/ Let’s rock North America!/ We are North American scum/ New York’s the greatest if you get someone to pay the rent/ And it’s the furthest you can live from the government/ Some proud American christians might disagree here in North America/ But New York’s the only place we’re keepin them off the street/ Now we can’t have parties like in Spain where they go all night/ Shut down in North America/ Or like Berlin where they go another night, alright/ You see I love this place that I have grown to know, alright, North America/ And yeah, I know you wouldn’t touch us with a ten-foot pole cause were North Americans/ We are North American scum/ We love North America/ Take me back to the States, man/ Where we can be all we want if we really try/ Where the DJ gigs are as fun here in North American scum/ Don’t blame the Canadians/ Let’s go North America!

Oh oh, no sé dónde empezar, somos norteamericanos/ Y aquellos de vosotros que todavía pensáis que somos ingleses, no lo somos, no/ Construimos nuestros aviones y trenes/ lejos de Norteamérica/ donde los edificios son viejos/ Odio cuando me miras de ese modo sólo porque somos norteamericanos/ Pero si nos comportamos humildemente, entonces eso lo arregla todo/ Oh no sé, no sé dónde empezar cuando somos norteamericanos/ Pero al final repetimos los mismos errores una y otra vez/ ¡Venga norteamericanos! Somos escoria norteamericana/ Y todos los chavales que quieren triunfar en la escena aquí en Norteamérica / Tienen que leerlo en vuestras revistas/ Nosotros no tenemos de ésas/ Así que ¿dónde está el amor? ¿Dónde está el amor esta noche? Pero no hay amor, tío, no hay amor y los chavales están tensos/ Así que organiza una fiesta hasta que los polis vengan a joderla/ ¡Vamos norteamericanos!/ Oh, perdona, estabas planeando una, no quería interrumpir/ Yo hice una una vez y mis padres se enfadaron mucho/ Fliparon en Norteamérica/ Pero yo digo que cuantas más hagas mejores son/ ¡Vamos a rockear Norteamérica!/ Nueva York es el mejor sitio del mundo si consigues que alguien te pague el alquiler/ Y es el lugar en el que puedes vivir que queda más lejos del gobierno/ Aunque algunos cristianos orgullosos puedan no estar de acuerdo/ Aquí en Norteamérica/ Pero Nueva York es el único sitio donde les tenemos a raya/ No podemos hacer fiestas como en España donde salen toda la noche/ Está todo cerrado en Norteamérica/ O como Berlín donde salen noche tras noche, bien, uh huh/ Mira, amo este lugar al que he aprendido a conocer bien, Norteamérica/ Y sí, sé que no nos tocarías ni con un palo de tres metros/ Porque somos escoria norteamericana/ Amamos a Norteamérica/ Llévame de vuelta a Estados Unidos, tío/ Escoria norteamericana/ Donde podemos ser todo lo que queramos si lo intentamos de verdad/ Norteamericanos/ Donde los sets de los DJs son igual de divertidos aquí en la escoria norteamericana/ No culpes a los canadienses, ¡Venga, vamos Norteamérica!

el último clásico

Si tú pudieras decirme cuál es tu disco favorito de todos los tiempos, estoy prácticamente convencido de que en realidad no te gustaría tanto como me embriaga a mí “The death of Quickspace”, la última pátina desgarradora de una imprudente banda inglesa que a finales de los 90 hizo despegar cometas subterráneos de los estéreos más aventajados. Claro que eso de los favoritos es una tontería, y es imposible mesurar con precisión científica la pasión melómana de unos u otros. Lo único importante aquí es esta escalada por colinas resbaladizas, seguir sin pensar el rastro de leve locura de tanto rock enmarañado y cambiante, paladear la ebria resaca que todavía nos deja Quickspace.

Albert Fernández Adrianicz

Texto Foto

alguien que se cree todo lo que lee, y viene a recordarme que voy contando mi vida en todas partes. No, antes vamos a buscar un orden en esta maraña incontenible.

Atengámonos a los hechos, las personas y las canciones, o nos desparramaremos por acantilados cual disco de Quickspace. En serio, ¿nunca has escuchado este disco?

extraño sello italiano, e incluso llego a resucitar a Th’ Faith Healers para algún concierto. En realidad, no es del todo descabellado que todavía haya quienes esperemos un nuevo y endiablado resurgir de las cenizas de Quickspace.

Las canciones

Las personas

Quickspace

“The death of Quickspace” domino, 00

E

mpieza y ya se va, no pasa nada con tu cadena de música, no es el volumen. La esquizofrenia se hace presente desde los primeros segundos de “The lobbalong song”, el sonido explota en el altavoz y se va sin más, para volver en una fracción de segundo y epatar, epatar sin remedio cuando la rítmica y la armonía se desgarran con la crispada voz de Nina Pascale. Ella, y también Tom Cullinan, Paul Shilton, Steve d’Enton y Sean Newsham, te devuelven el asombro por estar vivo en un disco que en realidad está tan impregnado de la muerte y otras sorpresas. “The death of Quickspace” es el testamento de una banda destemplada y sin control, una formación en perpetuo cambio que cesó su crecimiento quizás antes de terminar de florecer. Sus canciones son largas como los ríos más inauditos, o mínimas e hirientes, siempre hirviendo heladas en el cambio de temperaturas, expresando dulzura y desazón entre montañas de ropa sucia y estruendos experimentales. Éste es un disco rotundamente acircular y enrevesado, pero a la vez una obra que se disfruta en la habitación más solitaria, en compañía íntima o presidiendo una gran fiesta. Por eso estas canciones han sido testigos de noches y mañanas para recordar en la vida del que escribe. Pero no voy a hablar nada de todo eso, porque luego siempre hay

Mucho tiempo antes de que se hablara constantemente de rotaciones en el fútbol, los disonantes Quickspace eran capaces de hacer cambios en la alineación incluso en mitad de un concierto. La inestabilidad fue la única constante de una banda que nació como consecuencia del bullicio y el desorden posterior a la disolución de Th’ Faith Healers. En aquel combo militaba el guitarra y vocalista Tom Cullinan, que junto a Sean Newsham, Wendy Harper, Max Corradi y Barry Stillwell fundó lo que se daría en llamar Quickspace Supersport. En un inicio cercano a la adrenalina a medio gas de su banda predecesora, el combo fue adquiriendo nombre al tiempo que su discografía se ponía en marcha. Pero tan pronto como todo eso amanecía, se desparramaban los cristales por el suelo. Después de medio año en el limbo, la banda reapareció con la mitad de los miembros cambiados, y el nombre se simplificó por Quickspace. Nina Pascale, más Paul Shilton y Shin, se unían a Cullinan y Newsham para persistir en ese bucle indómito de valores drónicos. Por abandonar el tono wikipedia, diremos simplemente que la columna vertebral de la banda se aserró alguna vez más, entrando y saliendo algún miembro en el proceso, al tiempo que Quickspace se convertía en un combo salvaje en sus directos, tremendamente populares por los lugares más fríos del norte de Europa. Los chicos de Cullinan llegaron a tocar en seis impagables “John Peel Sessions” y, acertadamente, se temieron lo peor cuando el jefe decidió titular el que resultaría su álbum póstumo con el contundente lema “The death of Quickspace”. Desde entonces, nadie entendió la deriva de Cullinan, que en los siguientes años se dedicó a reversionar un EP de Fleetwood Mac bajo el pseudónimo de Dougal Reed, editó un par de singles más de Quickspace en algún

Te parecerá extraño y fuera de razón, pero cuando más elevan el tono de crispación las canciones de este disco, en realidad más paz y grandes respiraciones me confieren en mi fuero interno. Hacer el desayuno lanzando alaridos y tostadas al aire impulsado por la eclosión roquera, álgida e instrumental, de “Muncher no munchers” es pura alegría. En cambio, el desasosiego se apodera de mí en los pasajes donde se empiezan a aligerar las melodías y, casi sin percibirse, suenan violines o dulces pájaros acompañando los versos, más algún theremin intranquilizador, como en “Gloriana”, cuya madeja en crescendo nos mece en una paranoia lo-fi de aires bucólicos y terremotos internos. En realidad, todas y cada una de las canciones de “The death of Quickspace” te llenan el alma hasta rebosar, pero pocas componen un ambiente tan intricado y mágico como “They shoot horse dont they”. La parsimonia en el avance de las cuerdas, subidas en la grupa de unas baterías que cabalgan con siete patas, van abriendo orificios mentales. La sensación de pérdida y escapada son tan enormes que cuando hablo de esta canción tengo que mencionar el término adicción. La ascensión arrastrada por más de once minutos de “Climbing a hill”, donde las voces de Cullinan y Pascale conforman una extraña vitrina de suspiros blancos, nos deja sumidos en lechos de angustia vital y aspiraciones románticas, y cualquier pesadilla disfrazada que llegue después, llámese “A rose” o “Lob it”, será acogida con la sonrisa torcida de un toxicómano. También hay algo de perversa alquimia y cábala numérica alternativa en ese supersticioso clímax punk consumado en los 33 segundos de guitarrazos de “4”. Quickspace abre ventanas y levanta techos al tiempo que nos lleva distraídamente al más oscuro sótano de la angustia. Ahora, cerrad la puerta, yo me quedo aquí.

056/057

open mic

+net labels Columna

David Broc

+import

Columna

A pie de campo Así, a bote pronto, a las primeras de cambio, los discos de field recordings o grabaciones de campo no parecen el acompañamiento perfecto para una tarde soleada de primavera o para una noche de verano. Digamos que no tienen muchas papeletas para convertirse en hits o para ocupar espacio ad eternum en iPods y demás cacharrería tecnológica para andar bien conectado rumbo al trabajo. Y si quieres ligarte a esa amiga que no acaba de caer, quizá no sea el momento para citar a Chris Watson, es solo un consejo. En fin, los álbumes de grabaciones de campo, tema peliagudo… ¿Una brasa solo apta para cuatro freaks?¿Tomadura de pelo? ¿Ladrillo presuntuoso? ¿Paja mental con coartada experimental? ¿Ecologismo de brocha gorda camuflado bajo aspiraciones arty? Podríamos seguir toda la tarde, pero no es el plan, ha quedado bastante claro: los haters de este subsubgénero son más numerosos que los defensores.

Y los que directamente ignoran o desconocen este océano de ruidos y sonido ambiente son mayoría, por supuesto. El mundo sigue a lo suyo sin tener constancia de artistas suicida que editan CDs repletos de mantras ambientales con sonidos recogidos en la profundidad del mar, en llanuras nevadas, en montañas abandonadas, en parques naturales o dentro de barcos anclados en el fondo del océano. Pero aquellos que se dejan llevar por cualquier tipo de abstracción musical, aquellos que sienten curiosidad y fascinación por el ambient y sus múltiples representaciones, aquellos que, en definitiva, sienten la llamada de la experimentación límite, saben que en este pequeño círculo clandestino se pueden encontrar discos de impacto que van más allá del tópico y del manual más ortodoxo.

Uno de los últimos y más recientes podría ser, con toda tranquilidad, “Energy field”, nuevo disco de la compositora noruega Jana Winderen, toda una especialista en la materia.

En la imagen de arriba la vemos en plena acción: no está persiguiendo ballenas ni se dispone a peinar la zona en busca de focas, sino que está extrayendo los sonidos que fluyen del paraje desolado, hostil y violento del norte de Europa. Es este un álbum grabado en Groenlandia, Noruega y el Mar de Barents, enclaves desolados, solitarios y taciturnos en los que el silencio es la banda sonora del paisaje. Winderen mete el micro, que diría el maestro Trecet, y deja que hable por sí mismo el entorno. Ambient espectral, duro, con instantes que parecen sicofonías, elementos extraños, aspecto gélido, ruido de fondo, pulso vivo… este es un buen ejemplo para contemplar el espinoso tema de las grabaciones de campo con buena perspectiva creativa. El panorama sigue siendo el mismo de siempre, pero este es de los títulos que realmente merecen la pena. Winderen se enfrentó al frío y a los glaciares para robarle pálpitos, aullidos y lamentos a la fauna del lugar, todo tipo de especies marinas que habitan por esas aguas y que seguían su rutina ajenas a lo que se estaba fraguando. Un buen equipo sonoro y, sobre todo, una laboriosa y precisa tarea de edición y selección del material se encargan del resto, que no es poco.

Como es de menester en estos casos, y porque ya es una firma protegida y mimada en el sello británico, el álbum está publicado por Touch, cuna insaciable de propuestas de este calado, que cuida al máximo todos los detalles del diseño y obligan a pasar por caja incluso a aquellos que se han acostumbrado a robar impunemente en la Red. Banda sonora idónea para ser escuchada y absorbida en cascos o para acompañar una jornada de trabajo frente el ordenador.

Gloria González

Grandes amigos de lo ajeno Share Your Music (¿el mejor nombre de netlabel de todos los tiempos?) es un sello recién nacido que empieza lo que se espera sea una larga vida bien, muy bien, lanzando un delicioso álbum de hip hop abstracto a la vez enigmático y familiar, denso pero también ligero. Llamado “Recursion”, lo firma el misterioso Wingclipper y está disponible desde ya (y gratis, claro) aquí: www.sharefreemusic.org. Compartir música es lo que gustan de hacer todos los netlabels, que, por lo demás, pueden no compartir entre ellos absolutamente nada. El sello indonesio Yes No Wave, por ejemplo, es una plataforma de lo más peculiar, difícilmente comparable con nadie: como prueba de su particular idiosincrasia puede escucharse la nueva entrega de Frau, una cantautora que toca el piano como si viviera en una comedia más o menos musical y nos canta que es un señor, entre otras cosas. Su disco se titula “Starlit carousel” y vale la pena (en serio) pasar a buscarlo por aquí: www.yesnowave. com. En Inglorious Ocean son mucho más circunspectos, por no decir muchísimo más profundos, como demuestra el ambient insondable de los italianos Ornitology, cuyo “Hybris” acompañará perfectamente todo tipo de exploraciones estáticas y otros esfuerzos contemplativos y/o místicos; lo regalan desde www.ingloriousocean.bandcamp. com. También bastante formal parece ser el polaco Horiso, autor del excelente “Walks”, un paseo instrumental con influencias jazz y mucha clase a través de un bosque postmoderno de sonidos digitales y analógicos, a disposición de todo el mundo desde aquí:

www.breathe-comp.com. No al bosque sino al mar quieren volver los suecos Adam & Alma, dúo de techno-pop de combustión lenta, sutilmente adictivo, tendencialmente nostálgico, cuyo exquisito y muy variado “Back to the sea” se ofrece desde aquí: www.23seconds.org. El cantante Myll también es sueco y muy amante del pop, pero sobre todo del pop psicodélico, campestre, raro y divertido. “Bland siffror och troll i en bil utan blinkers”, su primera entrega en solitario, es un caramelo propuesto por el sello 4-4-2 (www.4-4-2music.com) que no cabe rechazar. El disco del mes, de todas formas, puede que sea la nueva referencia del francés Kaneel, que se llama “Here is a heart so you can remember how much I hate you” y suena como una gran fiesta de pegadizos ritmos locos para niños dolorosamente solos, o algo así. Disponible aquí: www.petitejolie.com. Muy bonito y, por lo tanto, para compartir.

+jander Columna

Revisitar a los clásicos Aunque se le conoce sobre todo por sus incursiones fuera de los entornos más académicos, por todas esas colaboraciones con artistas relacionados con el noise y la electrónica experimental (Alva Noto, Terre Thaemlitz, Keijo Haino, Bernhard Guenter, Merzbow o Phill Niblock), por las particulares versiones orquestales que han realizado de obras tan alejadas del lenguaje clásico convencional como el “E2 E4” de Manuel Göttsching o el “Metal Machine Music” de Lou Reed, nunca hay que olvidar que Zeitkratzer comenzó su carrera como una formación dedicada a explorar el repertorio contemporáneo más radical y atípico. No hay que olvidarlo, porque ha sido en el circuito de teatros ‘serios’ donde la ensemble dirigida por Reinhold Friedl (en la foto) se ha labrado su reputación: sus interpretaciones de obras de Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen, Alvin Lucier, Morton Feldman o John Cage tienen fama de intensas y meticulosas, auténticos

Vidal Romero

asaltos al particular imaginario de esos autores, que buscan establecer una visión oblicua, diferente. Hasta ahora, el disfrute de este repertorio estaba reservado a los afortunados que se los han cruzado alguna vez en directo: tan sólo su particular visión del “Pierrot Lunaire” de Schöenberg había llegado a plancharse en compacto. Particular porque, para reducir la ominosa carga intelectual que presenta la obra (la más ‘difícil’ de su autor, tanto a la hora de escucharla como de interpretarla), Friedl realizó una adaptación de la partitura en la que los músicos debían tocar sus instrumentos como si estuvieran borrachos: el resultado, entre lo hilarante y lo respetuoso, supone un acercamiento fresco a una de las obras más importantes del siglo XX. Siguiendo en esa línea, la ensemble presenta ahora la serie “Old school” en su propio sello: dos volúmenes dedicados a autores con cuya obra lleva más de una década trabajando. Así, en “[Old school] James Tenney” (Zeitkratzer, 10) interpretan varias piezas tardías del compositor norteamericano: aquellas en las que se juega con variaciones tonales, tan sutiles y cerradas que el oyente termina sumergido en un hipnótico mundo de drones y murmullos sedantes. Y aún mejor resulta el contenido de “[Old school] John Cage” (Zeitkratzer, 10), tres piezas de la última época de Cage que los músicos acometen con inesperada sensualidad: nunca las delicadas estructuras en repetición de “Four6” sonaron tan claras y acariciantes. La prueba palpable de que es posible revisitar a los clásicos y hasta insuflarles vida nueva.

+all that jazz Columna

Pepo Márquez

Estándares tranquilos para un público masivo No debería ser noticia un disco de estándares. No en 2010, donde la producción diaria de trabajos parecidos es apabullante. Así, destacar entre las infinitas propuestas sólo puede darse por dos vías: la originalidad y la calidad. Y después de escuchar “For all we know”, uno llega a la conclusión de que José James tiene de las dos. Primero, porque presenta un repertorio archiconocido

de forma curiosa: desnuda las canciones hasta dejarlas únicamente con un piano (el del tremendísimo Jef Neve, belga de apenas 32 años y con un currículum que asusta, especializado en música clásica y que ha estudiado con maestros contemporáneos del jazz como Brad Mehldau) y su voz, profunda, limpia y educada.

José James es un norteamericano nacido en Minneapolis pero residente en Londres, y prácticamente desconocido para el público de su país de origen. Esto último ya tiene una fecha para el cambio: el 11 de mayo se publica en Impulse! Records (lo diré otra vez: quizás el mejor sello de jazz del planeta conocido como Tierra) en todo el mundo y entonces, quizás gracias a eso, pero no sólo por eso, José James dé el salto definitivo que ha venido buscando en sus dos anteriores trabajos, “Blackmagic” y “The dreamer” (ambos publicados en Brownswood Records, el sello del gurú de la World Music con coartada intelectual, Gilles Peterson, que dijo de él al ficharlo: “Pensé que ya no existían cantantes como él, pero José James está aquí para recordarnos por qué amamos la música tanto como lo hacemos”), donde casi todas las canciones eran suyas y se le podía escuchar picoteando del funk, del jazz, del hip hop o del blues menos ortodoxo, resultado de colaborar a lo largo de los años con artistas tan diferentes entre sí como Basement Jaxx, Nicola Conte, Toshio Matsuura, Jazzanova, Flying Lotus, Christian McBride,

Elan Mehler, the Heritage Orchestra, Robert Mitchell, Jazzy Sport o Simbad.

Pero entonces, un programa de televisión belga cruzó por casualidad los caminos de Neve y James. Tras actuar por primera vez con la misma naturalidad de los que llevan años haciéndolo, decidieron continuar con su flechazo musical y Neve se convirtió en el pianista en directo del siempre activo José James.

Y entonces surgió la posibilidad de grabar juntos. Esto pasó en los Galaxy Estudios de Mol (Bélgica), bajo una dieta estricta: no había productor, no se registraba nada que no fuera riguroso directo y no se permitía añadir nada posterior a la grabación. Con estas instrucciones, sólo quedaba seleccionar un repertorio que va desde el clásico de “Autumn in New York” de Vernon Duke, al “Just squeeze me” de Duke Ellington y Lee Gaines pasando por “Embraceable you” de George e Ira Gershwin, sin dejar de lado su lado más pop, representado aquí por “Body & soul” o “Tenderly”.

Un disco donde la sorpresa no está en el qué sino en el cómo y que, vistas las últimas exigencias del público que abarrota festivales de jazz internacionales —poca gente viendo a Atomic y mucha gente viendo a intérpretes con poca o ninguna vena jazzística como Russian Red (sí, lo prometo, ella actuó en Donosti el año pasado)—, harán que José James se meta en el bolsillo a un público que hasta ahora le ha considerado invisible.

+the true report

Columna

Everett True

Primera parte: The Runaways

Toda esta publicidad suscitada alrededor de la nueva película de las Runaways me recuerda que una vez Joan Jett me pidió una cita.

Era 1986. Yo era por entonces colaborador del NME con el pseudónimo The Legend! Mi carta de presentación era una gran invectiva redactada con un conocimiento rudimentario de la lengua inglesa, adjetivos en lugar de nombres, exclamaciones en lugar de signos de puntuación... El NME me contrató porque siempre bailaba en primera fila en los conciertos y porque los músicos acababan durmiendo en el suelo de mi casa. Y éstas eran bandas que el NME quería seguir.

Escribí una reseña del último disco de Joan Jett en tono ligeramente irónico (no podía tomarme en serio a nadie que amara tanto el rock’n’roll), pero aún así me seguía atrayendo su musa (¡ELLA era Joan Jett, por Dios! ¡Tenía un póster suyo colgado en mi pared a los 19 años!).

Su PR me llamó a las oficinas del NME para decirme que a Joan le había encantado la crítica y que quería invitarme a su concierto en Londres para agradecérmelo en persona.

Ignoré la invitación, pensando que era la típica farsa del Relaciones Públicas.

A la semana siguiente, recibí una carta de Joan Jett escrita de su puño y letra, de una hoja de extensión, donde me decía lo mucho que le había gustado mi reseña y que yo era prácticamente el primer crítico musical en haber entendido lo que ella trataba de conseguir con su música. Y que si alguna vez coincidíamos en la ciudad, que me pusiera en contacto con ella. Nunca lo hice. Soy un imbécil.

Segunda parte: The Go-Betweens

Recientemente asistí a una conferencia de Robert Forster en la Queensland University of Technology (Australia) junto a cuarenta estudiantes de primer curso. Tocó dos canciones, “Born to a family” (de “Ocean’s apart”) y “Surfing magazines” (de mi disco favorito “The friends of Rachel Worth”), con dos guitarras acústicas y una introducción muy larga.

El preámbulo a la primera canción constó de una larga explicación de Forster acerca de lo mucho que influyó en su música el hecho de haber nacido en un suburbio de Brisbane (donde vivo yo ahora) sin amigos ni familiares que estuvieran metidos en el mundo de la música. Eso y su amor por el sonido ‘simple’ que practicaban grupos como la Velvet Underground, Jonathan Richman & The Modern Lovers y Television. Eso y el hecho de que escribiera poesía desde los 14 años. Eso y que el punk liberara a los grupos de Brisbane —permitiendo que pudieran subirse a un escenario, sin saber tocar sus instrumentos, y hacer un set de dos canciones si hacía falta—. Para demostrar su teoría, interpretó con su guitarra diferentes estilos (country, folk, r’n’b) con acordes en G y C. Las canciones de Robert normalmente se desarrollan a partir del título (que siempre incluye historias). El proceso se ha ido complicando con el tiempo —o quizás Robert se ha autoexigido demasiado—, ya que varias de las secuencias de acordes han perdido su frescura, y los brotes de inspiración parecen extinguirse. Tiene suerte si ahora es capaz de escribir tres canciones juntas en un año

Joan Jett (izq.) con The Runaways de las que pueda estar orgulloso, pero él no deja nunca de componer.

Cuando presentó la segunda canción, “Surfing magazines”, nos contó una graciosa historia sobre el momento en que la compuso: dio con un buen riff y empezó a yuxtaponer frases tomadas de varias revistas que yacían esparcidas por su apartamento. La letra le vino en un momento. Pero normalmente, la letra es lo primero que se escribe.

Tras la canción, Robert contestó a varias preguntas de los estudiantes y yo le formulé la mía: ¿Qué hace buena o mala una canción

en tu cabeza? Robert elaboró que eso venía determinado en parte por la reacción del público, en parte por la respuesta de su mujer y en parte por su propio sentido del gusto. A lo que yo le repliqué: ¿Cómo puede ser eso posible si al principio de su carrera The GoBetweens tocaban ante una audiencia inexistente y sólo dependían de su propio criterio? ¿Cómo podía juzgar bajo esas circunstancias si algo era bueno o malo? ¡Chico, sí que han cambiado las conferencias universitarias desde que abandoné el College en 1981!

058/059

agenda Vinila Von Bismark & The LuckyDados

Joy Eslava (Madrid), 14/05/10

agenda

_Polar + Damien Lott. Sidecar. 22 h. 10 €. _The Marzipan Man. Depósito Legal (Hospitalet Llbr.). 20 h. Entrada gratuita. _Bomjack. BeCool. 24 h. 10 €.

Viernes, 7 de mayo _Bcore 20 Aniversario: The Unfinished Sympathy, Tokyo Sex Destruction... La [2]. 21 h. Precio S/C. _LEM: Pascal Comelade i Carlos Pazos. MACBA. 21 h. Precio S/C. _DJ Fra. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Hunx And His Punx. Razz Clubs. 1 h. 15 €.

Barcelona Sábado, 1 de mayo _L’Odissea: Single, Pauline en la Playa, The Raveonettes… Plaça L’Odissea. 19:30 h.

Entrada gratuita. _Wild Honey + Anímic. La [2]. 21 h. Precio S/C. _Francisco Nixon + The New Raemon. Heliogàbal. 22 h. 7 €. _Lady Lemon. BeCool. 21 h. 6€. _Raydibaum. Elèctric Bar. 23 h. 5 €. _Indie Pendent: Susan’s Red Nipples, Twisted Nails, Ciudad Neón. Monasterio. 21 h. 4 €. _J-Wow. Nitsa. 24:30 h. 15 €. _DJ Coco. La [2]@Nitsa. 24:30 h. 15 €. _Fairmont aka Jake Fairley. Razz Clubs. 1 h.

15 €. _Federico Molinari. The One. Hora y precio S/C. _Groove Armada DJs. Port Olímpic. 12 h.

Precio S/C. Domingo, 2 de mayo _Fiesta presentación Faraday: The Intelligence + Mujeres. Monasterio. 20:30 h. 10 €.

Lunes, 3 de mayo _Robert Fripp & Theo Davis. Apolo. 21 h.

Precio S/C. Martes, 4 de mayo _Gil Scott Heron. Bikini. 21:30 h. 35 €. _TV Ghost. La [2]. 21 h. Precio S/C. Miércoles, 5 de mayo _Venetian Snares. BeCool. 21 h. 14 €. _Enablers. Sidecar. 22 h. 10 €. _Boutros Bubba. Clandestino. Hora y precio S/C. _DJ Loe. Moog. 24 h. 12 €.

Jueves, 6 de mayo _Bcore 20 Aniversario: Nisei, Madee... La [2].

21 h. Precio S/C. _Pennywise. Apolo. 19 h. 24 €.

Sábado, 8 de mayo _Bcore 20 Aniversario: Nueva Vulcano, Maple... La [2]. 19 h. Precio S/C. _Two Tone: The Bite, The Thorpedians… Rock Bulevar (Granollers). Hora y precio S/C. _Thelemáticos + ¡Pelea! Espai Motel. 19 h. 5 €. _Indie Pendent: Santa Rita, Nordkapp, S.ym.

Monasterio. 21 h. 4 €. _Sascha Funke. Nitsa. 24:30 h. 15 €. _Dave Tarrida. Moog. 24 h. 12 €. _Donnacha Costello. Razz Clubs. 1 h. 15 €. _Serge Santiago. BeCool. 24 h. 12 €. _Yaya. The One. Hora y precio S/C. Lunes, 10 de mayo _A Place To Bury Strangers. Sidecar. 21:30 h.

20 €. _Damon And Naomi. Heliogàbal. 22 h. 8 €.

Martes, 11 de mayo _Rufus Wainwright. Liceo. Hora y precio S/C. _Simon Felice. Sidecar. 22:30 h. 14 €. _The Skatalites. Apolo. 20 h. Precio S/C. _Fun Lovin’ Criminals. Bikini. 21:30 h. 42 €. _Nacho Vegas & Abraham Boba. Luz de Gas. 21 h. 22 €.

Jueves, 13 de mayo _Jack Sessions: Lori Meyers. Razmatazz 2. 19 h. 7 €. _Festival de Rock: Le Petit Ramon, Les Aus… Sidecar. 22 h. Día 8 €. Abono 12 €. _Presentación Azkena: The Blasters + The Phantom Four. Razmatazz 3. 19 h. 23 €. _We Have Band + Anika Sade. La [2]. 21:15 h.

Precio S/C. _Levi’s® Unfamous: The Sunday Drivers.

Apolo. 21 h. 12 €. _Nubla. Heliogàbal. 22 h. 6 €. _Seward + Atleta. Monasterio. 22 h. 9 €.

Viernes, 14 de mayo _Festival de Rock: Mondo Fumatore, Els Surfing Sirles… Sidecar. 22 h. Día 8 €. Abono 12 €. _Autòcton: Els Amics de les Arts, Samitier… La [2]. 20 h. Precio S/C. _Berri Txarrak . Apolo. 20:30 h. Precio S/C.

Friska Viljor Tremendo Pop (Monzón), 08/05/10 Moby Dick (Madrid), 09/05/10 Nasty Mondays@Apolo (BCN), 10/05/10

_Shonen Knife. BeCool. 19 h. 19 €. _Mayer Hawthorne. Bikini. 21:30 h. 22 €. _Marky Ramone. DF (Cornellà). Hora y precio S/C. _So Cow. La [2]. 20 h. Precio S/C. _DJ Fra. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _The Cabriolets. Razz Clubs. 1 h. 15 €. _Alex Gopher. BeCool. 24 h. 12 €. _Raresh. The One. Hora y precio S/C. Sábado, 15 de mayo _Plug: Fibla, Errorvision, Alex Marco… Espai Jove Boca Nord. 20 h. 5 €. _The!Fuck + Ravales. La [2]. 22:30 h. Precio S/C. _Doctor Deseo. Apolo. 20:30 h. Precio S/C. _McEnroe. Auditori Barradas (Hospitalet Llbr.).

20 h. Entrada gratuita. _Second Coming. Clandestino. Hora y precio S/C. _Indie Pendent: Mae Kurtz, The Lady Sounds, Dr. Mashirito. Monasterio. 21 h. 4 €. _Skream. Nitsa. 24:30 h. 15 €. _So Cow. La [2]@Nitsa. 24:30 h. 15 €. _Suill. The One. Hora y precio S/C. Lunes, 17 de mayo _Mark Lanegan. Bikini. 20:30 h. 24 €.

Miércoles, 19 de mayo _Cibelle. Apolo. 21 h. Precio S/C. _Miguel Mendoza. Moog. 24 h. 12 €.

Jueves, 20 de mayo _La Otra Gloria + Tu Madre. Heliogàbal. 22 h. 5 €. _Klaudia. Elèctric Bar. 23 h. 5 €. _The Beatiful Taste + Hannuman. Rocksound.

22 h. 9 €.

Viernes, 21 de mayo _Go Mag Night: María Rodes + Albert Fernández. Depósito Legal (Hospitalet Llbr.). 21 h.

Entrada gratuita. _Duo Cobra. Heliogàbal. 22 h. 5 €. _Exsonvaldes. BeCool. Hora y precio S/C. _Tanlines. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Suburban Kids With Biblical Names. La [2]@Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Dave Tarrida. Moog. 24 h. 12 €. _Olímpic. Razz Clubs. 1 h. 15 €. _Terry Lee Brown Jr. La Terrrazza. Hora y precio S/C. Sábado, 22 de mayo _Gogol Bordello. Razmatazz 1. 19 h. 23 €. _Bloodlights. Rocksound. Hora y precio S/C. _Indie Pendent: L’Hautacam, The Idiot, Niki.

Monasterio. 21 h. 4 €. _Marc Piñol. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Jeremy Jay. La [2]@Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Mark Ess. The One. Hora y precio S/C.

Domingo, 23 de mayo _Jason & The Scorchers. La [2]. 21 h. Precio S/C. _Bitter Tears. Kasal de Roquetes. 19:30 h. 5 €. _Juan B. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _The Lovely Jonjo. La [2]@Nitsa. 24:30 h. 13 €.

Lunes, 24 de mayo _Primavera Sound: Pájaro Sunrice, Marka Makovski… Apolo. Hora y precio S/C. _Primavera Sound: Furguson, Me And The Bees… Monasterio. Hora y precio S/C. _Primavera Sound: Fred i Son, Bedroom… A Viva Veu@Fantástico. Hora y precio S/C. Martes, 25 de mayo _Primavera Sound: Two Dead Cats, Atleta…

Apolo. Hora y precio S/C. _Primavera Sound: Ching Chong Song, The Wonz… Monasterio. Hora y precio S/C. _Primavera Sound: Montañas, Pelea… A Viva Veu@Fantástico. Hora y precio S/C. _Radar: Fibla + Lucius Works Here. Obra Social Cajamadrid. 19 h. Entrada gratuita. _Retribution Gospel Choir. Sidecar. Hora y precio S/C. _Au Revoir Simone. Bikini. 21:30 h. 24 €. _Neon Indian. Razmatazz 3. 20 h. Precio S/C. Miércoles, 26 de mayo _Primavera Sound: First Aid Kit, Los Campesinos!… Apolo. Hora y precio S/C. _Primavera Sound: Kokochca, La Otra GLoria…

La [2]. Hora y precio S/C. _Primavera Sound: Nacho Umbert. A Viva Veu@Fantástico. Hora y precio S/C. _Vague Angels + H-Burns. Heliogàbal. 22 h.

6 €. _June Madrona + Christian Antipa. Elèctric Bar. 22 h. 5 €. _David Fonseca. Bikini. 20:30 h. 19 €. _Smudge + Bambino Koresh. BeCool. Hora y precio S/C. _Stewart Walker. Moog. 24 h. 12 €.

Jueves, 27 de mayo _Primavera Sound: The XX, Fuck Buttons, Pavement, Superchunk… Fòrum. Hora S/C. Entrada día: 75 €. _Jamie Cullum. Sant Jordi Club. Hora S/C. 40 €. _Sly & Robbie. Razmatazz 2. 20 h. Precio S/C. _Angel Molina. Moog. 24 h. 12 €.

Viernes, 28 de mayo _Primavera Sound: Pixies, Spoon, Wilco, Low… Fòrum. Hora S/C. Entrada día: 75 €. _Marc Piñol. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Kerito Motherfucker. La [2]@Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Sergio Patricio. La Terrrazza. Hora y precio S/C. _Departure Brothers. BeCool. 24 h. 12 €.

060/061

agenda Sábado, 29 de mayo _Primavera Sound: Orbital Pet Shop Boys, Grizzly Bear, Atlas Sound… Fòrum. Hora S/C. Entrada día: 75 €. _Primavera Sound: A Sunny Day In Glasgow, Circulatory System, Thelematicos… Parc Joan Miró. Hora y precio S/C. _The Surfin Burritos. Elèctric Bar. 23 h. 5 €. _Juan B. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Kerito Motherfucker. La [2]@Nitsa. 24:30 h. 13 €. _VoltechParty. Mondo. 24 h. Precio S/C. Domingo, 30 de mayo _Primavera Sound: Black Lips, Jeffrey Lewis…

Apolo. Hora y precio S/C. _Primavera Sound: McEnroe, Dum Dum Girls, Diploide… Parc Joan Miró. Hora y precio S/C.

Madrid Sábado, 1 de mayo _Festimad 2M: TresTrece. El Sol. 22 h. 10 €. _New Among Animals + Souvenir. Moby Dick. Hora S/C. 12 €. _Mr. Chase. Elástico. 24:30 h. 12 €. _Sacred. Contraclub. 22:30 h. 6 €.

Martes, 4 de mayo _The Real McKenzies. Gruta 77. 21:30 h. 12 €.

Miércoles, 5 de mayo _Festimad 2M: Hola A Todo El Mundo. El Sol. 22 h. 10 €. _Rufus Wainwright. Teatro Circo Price. 21 h.

56/51/46 €. _Gil Scott-Heron. Joy Eslava. 20:30 h. 35 €.

Jueves, 6 de mayo _Jack Sessions: Lori Meyers. Joy Eslava. Hora y precio S/C. _Oblique. Café La Palma. 22 h. 8 €. _Pelle Carlberg. Moby Dick. 21 h. Precio S/C. _Otto Von Schirach + Venetian Snares. Live.

22 h. 22 €. _TV Ghost. El Perro Club. Hora y precio S/C. _Heineken Music Selectro: The Unthanks.

Heineken. Hora y precio S/C. _Talk. Contraclub. 22:30 h. 6 €. _Peter Hook DJ. Heineken. 24 h. Precio S/C. Viernes, 7 de mayo _Festimad 2M: Erizonte. El Perro de la parte de Atrás del Coche. 22 h. 5 €. _Theoretical Girl. Siroco. 21:30 h. 13 €. _Areoplane. Low. 24 h. Precio S/C. _Triángulo de Amor Bizarro. Ochoymedio.

22:30 h. 12 €. _Ashela. Contraclub. 22:30 h. 6 €. _Xpansul. Café La Palma. 24 h. Entrada gratuita.

Sábado, 8 de mayo _Vertigo: Tiga, 2 Many DJs, Josh Wink Matias Aguayo… Fabrik. Hora y precio S/C. _Levi’s® Unfamous: The Sunday Drivers.

Teatro Circo Price. 21 h. 19 €. _Klaus&Kinski. Neu! 21:30 h. Precio S/C. _KK Null + Tabara Mitsuru. La Faena. Hora y precio S/C. _Friska Viljor. Moby Dick. Hora y precio S/C. _Russian Red DJ. Elástico. 24:30 h. 12 €. _Wagon Cookin’. Café La Palma. 24 h.

Entrada gratuita.

Lunes, 10 de mayo _The Skatalites. Joy Eslava. 20 h. 25 €. _Fun Lovin’ Criminals. Heineken. Hora y precio S/C. Miércoles, 12 de mayo _Retribution Gospel Choir. Moby Dick. 21 h.

Precio S/C. _We Have Band + Anika Sade. Ramdall. 20 h. 18 €.

Jueves, 13 de mayo _Los Coronas. El Sol. 23 h. 15 €. _The Adicts. Caracol. 21 h. 23 €.

Viernes, 14 de mayo _Vinila Von Bismark + The Lucky Dados. Joy

Eslava. Hora y precio S/C. _Cohete + Sedaiós. El Sol. 22 h. 10 €. _Top Models. La Boite. Hora y precio S/C. _Carte Blanche. Low. 24 h. Precio S/C. _L’Enfant Terrible. Ochoymedio. 24:30 h.

12 €.

Sábado, 15 de mayo _Cultura Urbana: SFDK, Raekwon, ZPU, La Mala… Madrid Arena. 12 h. Precio S/C. _Presentación Azkena: The Blasters + The Phantom Four. Razmatazz 3. 20:30 h. 23 €. _Shonen Knife. Gruta 77. 23 h. 19 €. _Mayer Hawthorne. Heineken. Hora y precio S/C. _Freak Mummy. El Sol. 22 h. 12 €. _So Cow. Wurlitzer Ballroom. 20 h. Precio S/C. _Supercola + Ontape DJs. Elástico. 24:30 h. 12 €. _HD Substance. Café La Palma. 24 h. Entrada gratuita.

Domingo, 16 de mayo _Mark Lanegan. Joy Eslava. Hora y precio S/C. _Alien Suite + Gema Cuéllar. Clamores. Hora y precio S/C. Martes, 18 de mayo _Dayna Kurtz. El Sol. 22 h. 18 €. _Marky Ramone. Gruta 77. 21 h. 20 €.

Miércoles, 19 de mayo _Jason & The Scorchers. El Sol. 22 h. 20 €. _Marky Ramone. Gruta 77. 21 h. 20 €. _Suburban Kids with Biblical Names. Círculo Bellas Artes. Hora y precio S/C. Jueves, 20 de mayo _Viva La Canción: Nixon... Casa América.

Hora S/C. 10 €. _Bloodlights. La Boite. Hora y precio S/C. Viernes, 21 de mayo _Viva La Canción: Julio de la Rosa, Álex Ferreira... Casa América. Hora S/C. 10 €. _Gogol Bordello. La Riviera. Hora y precio S/C. _Jeremy Jay. Nasti. Hora y precio S/C. _Maga. El Sol. 22 h. 15 €. _Sa Dingding. Joy Eslava. Hora y precio S/C. _DJ Feadz. Low. 24 h. Precio S/C. _Tama Sumo + EFDemin. DLRO. 24 h.

12 €. _Bla. Ochoymedio. 24:30 h. 12 €.

Sábado, 22 de mayo _Viva La Canción: Natalia Lafourcade, The Sound Of Lucrecia... Casa América. Hora S/C. 10 €. Hora y precio S/C. _Deadmau5. La Riviera. _Inhabitants + Marina Gallardo. El Sol. 22 h. 10 €. _Briatore. La Boca del Lobo. Hora y precio S/C. _Audience. Moby Dick. Hora y precio S/C. _Gato. Elástico. 24:30 h. 12 €. _Mountage. Café La Palma. 24 h. Entrada gratuita.

Domingo, 23 de mayo _Viva La Canción: Tulsa... Casa América.

Hora S/C. 10 €. _Gentle Music Men. La Casa Encendida.

Hora y precio S/C. Lunes, 24 de mayo _Au Revoir Simone. Ramdall. Hora y precio S/C. Martes, 25 de mayo _Let’s Dance: These Are Powers. La Casa Encendida. 21:30 h. 3 €.

Miércoles, 26 de mayo _Let’s Dance: Javelin. La Casa Encendida.

21:30 h. 3 €. _Jamie Cullum. La Riviera. Hora y precio S/C. Jueves, 27 de mayo _Let’s Dance: Darkstar. La Casa Encendida.

21:30 h. 3 €. _The Stems. El Sol. 23 h. 18 €. _David Fonseca. Caracol. 20:30 h. 19 €.

Viernes, 28 de mayo _Gecko Turner. El Sol. 22:30 h. Precio S/C. _Paul Zinard. Café La Palma. 21:30 h. 12 €. _Garret Wall Band + Raw. Moby Dick. Hora y precio S/C. _Buffet Libre DJs. Low. 24 h. Precio S/C. _Hormone DJ. Ochoymedio. 24:30 h. 12 €. _Nutopía. Contraclub. 22:30 h. 8 €.

Sábado, 29 de mayo _Smudge + Bambino Koresh. Café La Palma.

Hora y precio S/C. _Cosmickeva. Elástico. 24:30 h. 12 €. _La Heydi. Contraclub. 22:30 h. 7 €. _Vasco Ispirian. Café La Palma. 24 h. Entrada gratuita.

Lunes, 31 de mayo _Pajarao Sunrise + Delco. Teatro Lara. Hora y precio S/C.

Andalucía Sábado, 1 de mayo _Niños Mutantes. El Tren (Granada). Hora y precio S/C. Miércoles, 5 de mayo _We Used To Party: The Posies. Teatro Pedro Muñoz (Puerto de Santa María). Hora y precio S/C. Jueves, 6 de mayo _We Used To Party: The Posies. CC Caja Granada (Granada). Hora y precio S/C. Viernes, 7 de mayo _Niños Mutantes. Teatro Torcal (Antequera).

Hora y precio S/C. Sábado, 15 de mayo _Extratonauta: Los Planetas, La Bien Querida, Dorian… Coliseo Ciudad de Atarfe (Granada).

Hora S/C. 30 €.

Martes, 18 de mayo _Suburban Kids with Biblical Names. CC Ollerías (Málaga). Hora y precio S/C. _Bloodlights. W (Cádiz). Hora y precio S/C. Miércoles, 19 de mayo _Bloodlights. Q (Sevilla). Hora y precio S/C. Viernes, 21 de mayo _Jack Sessions: Lori Meyers. Industrial Copera (Granada). Hora y precio S/C. Sábado, 22 de mayo _Montevideo. Supersonic (Cádiz). 22 h.

Precio S/C.

Aragón Sábado, 1 de mayo _We Used To Party: The Posies. Oasis (Zaragoza). Hora y precio S/C. Jueves, 6 de mayo _Tremendo Pop: Chema Rey + Tupe. Limites (Monzón). 24 h. Abono 70 €. Día 10 €.

Viernes, 7 de mayo _Tremendo Pop: The Whip, Love Of Lesbian, Delorean... Pavellón Los Olímpicos (Monzón). 19h. Abono 60 €. Día 45 €. _Simon Felice. Lata de Bombillas (Zaragoza).

Hora y precio S/C. Sábado, 8 de mayo _Tremendo Pop: New Young Pony Club, Whitey, Dorian... Pavellón Los Olímpicos (Monzón). 19h. Abono 60 €. Día 45 €.

Jueves, 20 de mayo _Suburban Kids with Biblical Names. La Lata de Bombillas (Zaragoza). Hora y precio S/C. Viernes, 21 de mayo _Marky Ramone. Devizio (Zaragoza). Hora y precio S/C.

062/063

agenda

Asturias Martes, 11 de mayo _Presentación Azkena: The Blasters + The Phantom Four. Savoy (Gijón). 20:30 h. 23 €.

Domingo, 16 de mayo _Bloodlights. Dom Pedro (Gijón). Hora y precio S/C.

_Nathalie M. El Tornillo (Valencia). 24 h. Precio S/C. Viernes, 7 de mayo _Javier Corcobado. Wah Wah (Valencia). 22:30 h. 15 €. _Toxicosmos DJ. El Tornillo (Valencia). 24 h.

Precio S/C.

Domingo, 9 de mayo _Rufus Wainwright. Palacio Euskalduna (Bilbao). Hora y precio S/C. _Fun Lovin’ Criminals. Rockstar (Bilbao). Hora y precio S/C. Miércoles, 12 de mayo _The Skatalites. Kafe Antzokia (Bilbao). Hora y precio S/C.

Martes, 25 de mayo _The Stems. Savoy (Gijón). 21 h. 18 €.

Sábado, 8 de mayo _Tokio Sex Destruction. Woody (Valencia). 22 h. 12 €. _Top Model + Second Coming. Black Note (Valencia). Hora y precio S/C.

Viernes, 14 de mayo _Superpitcher. Fever (Bilbao). Hora y precio S/C.

Baleares

Domingo, 9 de mayo _Simon Felice. El Loco (Valencia). Hora y precio S/C.

Sábado, 15 de mayo _Ikultur: Delorean, rinôçérôse, Front 242…

FICOBA (Irún). 21 h. 35 €. _Brand New Sinclairs. Le Bukowski (Donosti).

Hora y precio S/C.

Sábado, 1 de mayo _Alternatilla: Franz Ferdinand. Palma Arena (Palma). 20:30 h. 25 €.

Jueves, 6 de mayo _Alternatilla: Simon Felice. Bluesville (Palma).

21:30 h. 10 €.

Jueves, 13 de mayo _Shonen Knife + Jugoplastika. Matisse (Valencia). 22:30 h. 19 €. _Joe Grushecky. Wah Wah (Valencia). 22 h.

18 €. _So Cow. CC Octubre (Valencia). 20 h. Precio S/C.

Domingo, 16 de mayo _Presentación Azkena: The Blasters + The Phantom Four. Azkena (Bilbao). 20:30 h.

23 €. _Mayer Hawthorne. Kafe Antzokia (Bilbao).

Hora y precio S/C.

Viernes, 8 de mayo _Alternatilla: Damon & Naomi + Alondra Bentley. Teatre Xesc Forteza (Palma). 20 h. 10 €.

Viernes, 14 de mayo _Presentación Azkena: The Blasters + The Phantom Four. La 3 (Valencia). 20:30 h. 23 €.

Jueves, 20 de mayo _Jason & The Scorchers. Kafe Antzokia (Bilbao). Hora y precio S/C.

Sábado, 9 de mayo _We Use To Party: The Posies. Teatre Lloseta (Lloseta). 21:30 h. 12 €.

Sábado, 15 de mayo _Alondra Bentley. El Tornillo (Valencia). 20:30 h. Precio S/C.

Sábado, 22 de mayo _The Requesters. Fever (Bilbao). Hora y precio S/C.

Jueves, 13 de mayo _Marky Ramone. Assaig (Palma). Hora y precio S/C.

Domingo, 16 de mayo _Marky Ramone. Stereo (Alicante). Hora y precio S/C.

Sábado, 29 de mayo _Anari. Kafe Antzokia (Ondarroa). Hora y precio S/C. _Anika Sade. Fever (Bilbao). Hora y precio S/C.

Sabado, 15 de mayo _Alternatilla: Bigott. Teatre Lloseta (Lloseta).

21:30 h. 10 €.

Jueves, 20 de mayo _Jack Sessions: Lori Meyers. The Mirror (Valencia). Hora y precio S/C.

Domingo, 16 de mayo _Alternatilla: Pao Loco Trío. Teatre Lloseta (Lloseta). 21:30 h. 10 €.

Viernes, 21 de mayo _Los Coronas. Woody (Valencia). 22 h. 12 €. _Niños Mutantes. El Loco (Valencia). Hora y precio S/C. _Bloodlights. Four Seasons (Castellón). Hora y precio S/C.

Viernes, 21 de mayo _Alternatilla: Jason & The Scorchers. Teatre Lloseta (Lloseta). 21:30 h. 12 €.

Viernes, 28 de mayo _IMS: Buraka Som Sistema, Skream, Sasha…

Dalt Vila (Ibiza). 18:30 h. 23 €.

Catalunya Sábado, 15 de mayo _Derrick Morgan, The Pepper Pots… Plaça de les Nacions sense Estat (Tàrrega). 22 h.

Entrada gratuita. _Mondo Fumatore. Zero (Tarragona). Hora y precio S/C.

C. Valenciana Sábado, 1 de mayo _Anni B. Sweet. Auditori (Castellón). 23 h.

Precio S/C. _Raulsesson. Coyote (Alicante). Hora y precio S/C. _Obtuso. El Tornillo (Valencia). 24 h. Precio S/C. Domingo, 2 de mayo _Robert Fripp & Theo Travis. Aula de Cultura CAM (Alicante). Hora y precio S/C. _Abraham Boba + Raulsesson. Auditori (Castellón). Hora y precio S/C.

Sábado, 22 de mayo _Tortel + Pau + Miqui Puig. El Tornillo (Valencia). 20:30 h. Precio S/C. _Cola Jet Set. Wah Wah (Valencia). 22:30 h.

10 €. _Jason & The Scorchers. Durango (Valencia).

Hora y precio S/C. Domingo, 23 de mayo _June Madrona + Cristina Antipa. El Tornillo (Valencia). 20:30 h. Precio S/C. Sábado, 29 de mayo _The Stems. La Llotja (Elche). 21 h. 5 €.

Euskadi Sábado, 1 de mayo _Port O’Brien. Doka (Donosti). Hora y precio S/C. _Kinki. Fever (Bilbao). Hora y precio S/C. Domingo, 2 de mayo _We Used To Party: The Posies. Guardetxea (Donosti). Hora y precio S/C. Martes, 4 de mayo _Boutros Bubba. Jimmy Jazz (Vitoria-Gasteiz).

Hora y precio S/C.

Lunes, 31 de mayo _God is an Astronaut. Azkena (Bilbao). 20 h.

17 €.

Galicia Sábado, 1 de mayo _Festival Do Norte: Los Planetas, JJ, Pete & The Pirates… Recinto Ferial Exterior Fexdega (Villagardía Arousa). Hora S/C. 25 €.

Viernes, 7 de mayo _Pelle Carlberg + Nadadora. Teatro Principal (Ourense). Hora y precio S/C. _The Unthanks. La Fábrica de Chocolate (Vigo). Hora y precio S/C. Sábado, 8 de mayo _We Used To Party: The Posies. Mondo (Vigo).

Hora y precio S/C. Viernes, 14 de mayo _Campus Rock: The Field, Pumuky, Giardini di Mirò… Coliseum (A Coruña). Hora y precio S/C. Martes, 18 de mayo _Jason & The Scorchers. Mardiras (A Coruña).

Hora y precio S/C. Viernes, 21 de mayo _David Fonseca. Capitol (Santiago). 22 h. 19 h.

Miércoles, 26 de mayo _Sinsal: Shellac + Mission Of Burma. Mondo (Vigo). Hora y precio S/C. _The Stems. Nasa (Santiago). 21 h. 18 €.

Murcia

Lunes, 3 de mayo _We Used To Party: The Posies. Four Seasons (Castellón). Hora y precio S/C.

Jueves, 6 de mayo _Nacho Vegas. Kafe Antzokia (Bilbao). 21:30 h. 18 €. _KK Null + Tabara Mitsuru. Cotton Club (Bilbao). Hora y precio S/C.

Sábado, 15 de mayo _Otras Músicas: Benjamin Biolay. Auditorio Víctor Villegas (Murcia). 21:30 h. 18 €.

Martes, 4 de mayo _We Used To Party: The Posies. La Llotja (Elche). Hora y precio S/C.

Viernes, 7 de mayo _Eddie Piller. Be Bop (Donosti). Hora y precio S/C.

Viernes, 21 de mayo _Klaus&Kinski + Los Punsetes. 12ymedio (Murcia). 22 h. Precio S/C.

Jueves, 6 de mayo _Napoleón Solo. Wah Wah (Valencia). 21:30 h. 10 €.

Sábado, 8 de mayo _Jeff Automatic. Fever (Bilbao). Hora y precio S/C.

Sábado, 22 de mayo _Niños Mutantes. 12ymedio (Murcia). Hora y precio S/C.

064/065

live

plastikman

villalobos, carola, loco dice,

plastikman

chris lieibing

patrick wolf

Time Warp 10

Texto

Alberto Vidal

maimarkthalle (mannheim, alemania), 27/03/10

E

l sábado 27 de marzo de 2010 era una fecha señalada para cualquier clubber de medio pelo. Es el día cuando los astros de la electrónica se alinean entre sí, en las coordenadas exactas: Mannheim, dentro del recinto ferial Maimarkthalle. La jornada empezó torcida: vuelo a las 8 de la mañana, o lo que es lo mismo, gravísimo error cuando debes acudir a un festival de música electrónica que dura la friolera de 20 horas ininterrumpidas. Hacer tiempo para las horas previas al festival sólo hacía que confirmarme que en Italia no tienen fiestas donde caerse muertos, debido a una absoluta invasión de seres con gafas más grandes que las del Sheriff del condado. Después de una cena con la gente de Kwikkend, promotora del festival en España, era el turno de comprobar si lo que se cuece en ese recinto ferial es verídico y tangible, si la leyenda tiene un poso real donde asentarse.

Hay que tenerlos cuadrados para entrar directamente al recinto a eso de las 2 —o las 3, ya que justo el festival coincidió con el cambio de horario de verano.

Bendita ironía, que bien fue subsanada añadiendo una hora más a la finalización del evento, aquí no se regala nada, con Chris Liebing. Ya sabemos como las gasta el germano, aunque esta vez no se marcó ese schranz machacón que tanto detesto, aplicable para las raves más sucias perdidas por los montes recónditos de España. Pinchó bastante a lo bestia, pero sin perder el oremus. Así que unos cuantos temas, y a cambiar de estilo se ha dicho. Y créanme, había una caminata de punta a punta del recinto, lo que parecía una especie de típica ciudad Outlet, con sus calles artificiales. Una vez en la carpa 5 —su techo de cristal le otorgaba el ‘privilegio’ de ser la única donde podías

bailar al ritmo de la luz solar—, Karotte ya estaba partiendo la pana para goce de la tropa con gafas de sol.

Tech-house del bueno, con tintes de fiesta épica. Tras un acertado final de sesión, que mejor que dar paso al maestro Laurent Garnier. El francés eterno tenía por delante un set de 6 horas, así que decidí moverme al escenario 2 para ver al profeta Sven Väth (‘Tito’ Sven para los amigos). Sven se siente como en casa en este festival —al igual que todos sus coetáneos: Time Warp para ellos es el festival por excelencia para dejarse llevar— y lo demostró cuando, en medio de su sesión housera, micro en mano baja casi al límite de la pista de baile para da las gracias en formato multi idioma a todos los clubbers repartidos por todo el globo terráqueo. Gracias a ti, Sven, pero todavía no vas lo suficiente puesto como para hacer una sesión decente. Bailarinas acróbatas adornaban su regulero set, mientras que ya se le entreveía alguna payasada de las suyas. Así que moví mi cansado culo hacía Marco Carola, donde aprendí que este tipo siempre será un fan del minimal ibicenco que tanto gusta a los ciclados cachas. Asomé la cabeza por el desfasado Ricardo Villalobos y el efectivo Speedy J, a la espera del EVENTO presentado en primicia mundial: Plastikman, o sea, Dios. De 8 a 10 de la mañana el mundo se paró: Hawtin, escondido tras una jaula que a su vez proyectaba espectaculares visuales, se dedicó a repasar su grandísima discografía hecha de plástico.

Todo comenzó con la hipnótica “Ask yourself” de “Closer”, empalmando casi sin quererlo con la acidísima “Marbles” de “Musik” (planeando también por “Plastique” o la marciana “Kriket”). Figuras 3D, gráficos en HD y visuales parecidos a los del Media

Player del Windows se iban fusionando con la música y con las mentes de los asistentes. Hawtin regaló a los amantes de las 303 y la 909 una amplia mirada al bestial “Recycled plastik”, sin llegar a meter “Spastik”, que iba entrando y saliendo de refilón a lo largo del directo. La gente, a lo largo del espectáculo, iba dejando el escenario como ratas cuando el barco se hunde. Los mismos que pensaban que obras maestras como “Plasticine” (himno por excelencia) o “Ping pong” (para servidor uno de los mejores temas minimal de todos los tiempos) era tracks rompepistas. No se lo pierdan en el Sónar, háganme el favor. Dos horas de sublime catarsis.

Son las 10 AM. La espalda ya avisa de que está en fuera de juego. “Dubfire” reactivó al personal después de la hipnosis, aunque lo mejor era presenciar el final de Garnier. Buena elección: una hora más extra de cierre de sesión, con la gente extasiada (nótese la sutileza) tarareando el “7 nation army” de los White Stripes, que gentilmente pinchó para colofón final. Dios es poco. Ya medio muerto, ruego que me disculpen al no presenciar al completo el set final con Villalobos, Carola y Loco Dice a la vez, cada uno poniendo un tema. Mi flamante avión en primera clase con RyanAir me esperaba, aunque podrán preguntar a cualquier espécimen de mandíbula desencajada que tal pincharon. Con mucho gusto os informarán. De todas formas, un gustazo ver a todos los DJs en familia detrás de los platos, jugando como niños y abrazándose. La gran familia Time Warp.

Va a ser que sí, que la leyenda techno de Mannheim existe: un lugar lejano donde ‘fiesta’ se escribe con mayúsculas y en alemán.

066/067

live

ARMIN VAN BUUREN

SVEN VÄTH

ÓSCAR MULERO

patrick wolf

Klubbers Day 2010

Texto

Diego Pinilla y Edu Ramos

MADRID ARENA CASA DE CAMPO (MADRID), 18-20/03/10

Jueves 18

22 h. Llegamos a los alrededores del recinto Madrid Arena Casa de Campo. Cualquier turista, transeúnte o persona paseante que no sepa lo que acontece se percataría al primer instante de que algo especial, inusual y cuanto menos bien recibido por parte de la juventud va a ocurrir. Y no se estaría equivocando, ya que dicho jueves 18 de marzo daba comienzo la quinta edición del Klubbers Day, una de la más diferente y atrevida. Apenas quedaban diez minutos para las dos de la mañana, y se palpaba en el ambiente una cierta inquietud. Se escuchaba un susurro cada vez más pronunciado que coreaba un nombre: Armin… Armin…

Armin… Y es que en apenas un par de minutos iba a dar comienzo la actuación del cabeza de cartel (si no del festival) de la noche del jueves. Armin Van Buuren, nombrado hace pocos meses el mejor DJ del mundo por la prestigiosa revista británica DJ Magazine por tercer año consecutivo y destronando al todopoderoso Tiesto. El holandés no defraudó, buena impresión general entre los asistentes (con excepciones) y un público muy entregado y satisfecho. Muchas canciones, muchos éxitos, momentos álgidos entre las dos y las cinco de la madrugada del jueves con temas como “Man on the run” (Dash Berlin), sus “In and out of love” y “We are one”, y, por supuesto, el cierre con el tema que todo el mundo estaba esperando: “Zocalo”.

Todo un profesional y artista agradecido, como se pudo observar cuando al finalizar su sesión se dirigió a primera fila del público a firmar camisetas, dar autógrafos y saludar a todos esos incondicionales, que llevaban desde el 2006 esperando su visita a la

capital, raro era el que no tenía cámara en mano.

“Nunca había visto a Armin en directo, y aún me duelen los brazos y las piernas de saltar y moverme como un loco”.

Armin no fue la primera sorpresa de la noche, ya que previamente Gareth Emery demostró porque está siendo uno de los nombres que más empieza a sonar en las pista de baile de todo el planeta.

Duro, duro pero increíble. Ese es el titular con el que podríamos resumir la sesión del siguiente artista que actuó en la sala Madrid Arena: Markus Schulz. Un cierre en toda regla con temas como “Art of trance (Madagascar-Ruchard Duran Remix)” o “The new world” que provocaron una euforia colectiva.

En esta noche del jueves tampoco nos podemos olvidar del residente de Pacha Ibiza, Pete Tong, que junto a los españoles Wally Lopez, Abel Ramos, Ismael Rivas (y otros) se encargaron de hacer lo suyo en la sala Satellite.

Viernes 19

Faithless Sound System, el trio británico tan conocido por éxitos como “God is a DJ” o “We come 1” era otra de las grandes promesas de esta edición del festival, cabeza de cartel de la noche del viernes. Grandes temas aparte, la sesión de Faithless fue un poco decepcionante, decepción tanto por comenzar tarde como por apenas prolongarla después de sesenta escasos minutos.

Acompañando a Faithless en esta noche del viernes actuaron otros muchos grandes artistas como Dubfire, Paul Ritch, y el muy esperado Óscar Mulero en la

sala Satellite. Con motivo de sus veinte años tras los platos Óscar Mulero dispuso de su propio escenario, acompañado de DJs de gran nivel como Luke Slater, Surgeon y Christian Wünsch. Mucha expectación para el set de Mulero (aforo completo en la sala Satellite, no cabía ni un alfiler)… y es que como todos sabían allí: “cuando Mulero se pone… se lía”, y la verdad es que terminó liándola.

Sábado 20

Llegamos al tercer y, por desgracia, último día de esta quinta edición del Klubbers Day. Cuatro horas de Sven Väth en la sala principal del Madrid Arena nos esperan esta noche. El DJ germano, káiser que domina el prestigioso sello de música electrónica Cocoon, al que tantas veces hemos tenido la oportunidad de ver parece no tener límites. Año tras año, ya sea en un recinto gigante o en una sala pequeña, el tío Sven siempre nos prepara grandes noches en las que el público, entusiasmado, no deja de saltar. Y esto es lo que a él más le gusta, ver a la gente bailando y pasándoselo bien. Y ya no únicamente al público, sólo hace falta echar un vistazo a la cabina mientras Sven Vath está a los platos y observar que aquello parece otra pista de baile. Lleno de gente, lleno de fiesta. No nos olvidamos en esta última noche de otros grandes artistas como el sueco Adam Beyer, el alemán Alexander Kowalsky, el directo de Zombie Nation y muchos artistas españoles como Pelacha o Monica Kruse.

Un año más hemos sido testigos de cómo el Klubbers Day se ha consolidado como uno de los mejores encuentros de dance music del país.

UN DiA EN LA CIUDAD DEL ROCK. APROVECHA CADA MINUTO.

L

a fiesta va a comenzar, tendrás 11 horas al día para conocer todo lo que la Ciudad del Rock ofrece. Aprovecha cada minuto la emoción de los conciertos en el Escenario Mundo, los conciertos inéditos del Escenario Sunset, los desfiles del Espacio Moda y la vibración de la zona Electrónica. Rock in Ri Rio ess fiesta i sta ttodo el día. ía.

Asistee a una mezcla de ritmos en el Sunset, un ario de grandes encuentros que recibirá a Macaco co escenario & Invitado, O’Funk’illo & la intervención de Los Rumbers, Marillion, El Sueño de Morfeo y Draco.

Disfruta en las fuentes.

Durante el día son pura diversión, por la noche un espectáculo de luces y colores.

Vuela sobre el público conn la tirolina, gira en la gran noria oria y siente toda la emoción de descender a toda velocidad en el Free Fall - Lanzadera.

Niños, dá un io Niñ paccio e disfruten en el Espa ue q qu ra pa p s o os j hij s su a a Espacio Moda, llev Asiste a los desfiles en el

as. paseo por todas las tiend

oni ca Vib ra en la zon a ele ctriza con el son ido ele ctr nte de los mej ore s Djs del, mu ndo com o Axw ell San der Kle ine nbe rg, The Mar tin ez Bro the rs,, Cri sti an Var ela .

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Prepárate para no dejar pasar nada! En la Ciudad del Rock puede haber sorpresas en cualquier momento. No vuelvas a casa antes de los fuegos artificiales. Rock in Rio es un espectáculo a parte.

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¡El transporte ya está incluido en la entrada! Los autobuses harán el tray trayecto de ida y vuelta desde el centro de Madrid hasta Arganda del Rey y hay zonas de aparcamiento cerca del metro. Aparte, hay 6.000 plaz plazas de parking en la Ciudad del Rock a la venta en El Corte Inglés.

068/069

live

live Cuando un grupo conjuga buen hacer compositivo e interpretativo con bonhomía, ilusión y respeto a la audiencia los grandes conciertos salen solos. El debut de los estadounidenses Megafaun en los escenarios barceloneses será recordado durante muchos años incluso por la propia banda, atónita ante la entusiasta y respetuosa respuesta de un público, por una vez, concentrado y silencioso. La epifanía fue recíproca. La banda celebraba el fin de su gira europea y su estado de ánimo basculaba entre la morriña ante el inminente regreso a casa y la excitación por el éxito cosechado, así que ya nos habían conquistado cuando al final de “Impressions of the past”, primer tema, desconectaron de golpe sus instrumentos y obviaron los micrófonos para cantar desde el borde del escenario. A partir de ahí, la acertada combinación de registros (desde el country más enraizado al folk de nuevo cuño pasando por las progresiones rockeras algo más ruidosas, pero siempre con un sentido de la melodía prácticamente pop como en la brillante “Kaufman’s ballad”) de estos tres barbudos ex compañeros de Justin Vernon (Bon Iver) en DeYearmond Edison nos llevó en volandas a través de su repertorio —a casi todo “Gather, form & fly” (Hometapes, 09) añadieron la nueva “Volunteers”, según ellos mismos: “la única que hemos ensayado lo suficiente”— hacia un inevitable bis en el que después de agradecer una y mil veces a los asistentes su atento silencio se bajaron del escenario para demandar nuestra colaboración vocal en el himno “Worried man” (algo parecido a lo que hace el propio Vernon en “The wolves”). En fin, uno de los mejores conciertos a los que servidor ha tenido el placer de asistir. Volved cuando queráis, amigos. Half Nelson / Dani Cantó

Megafaun

la [2] (BCN), 20/03/10

Sonic Youth Razzmatazz 1 (BCN), 18/04/10

Es menester de un servidor de ustedes, aquellos que no pudieron asistir a ninguno de los respectivos conciertos de la reciente gira española de los neoyorquinos, que no sigan leyendo esta crónica, pues muy probablemente se arrepientan profundamente de no haber estado presentes. Lo que Sonic Youth tenían preparado para su concierto en Barcelona, muy pocos se lo esperaban y muchas fueron la sorpresas que surgieron de esa enorme velada que probablemente restará en la memoria de los asistentes durante el resto de su vida. De principio a fin el show se convirtió en un repaso exhaustivo de una carrera de treinta años de vigencia plagada de éxitos y esos éxitos son los que se dedicaron a tumbar, uno por uno, dejando al público sumido en el éxtasis total; de “Candle” a “Bull in the heather” pasando por “Tom Violence”, “Drunken butterfly” o “Sugar Kane”. A falta del trance rock de “Diamond sea”, ahí estuvo presente la hipnótica relectura de “Expressway to yr skull”; quince minutos de guitarras trazando espirales en el aire de la sala.

Ni rastro de Mark Ibold, ni rastro de su reciente y sensacional álbum “The eternal”, sino una alabanza hacia el público joven —y ya no tan joven— que les ha seguido la pista de manera incondicional. Un sentido “gracias” de hora y tres cuartos de duración que concluyó con el arrebato punk de “Death Valley´69” dejando a todo el mundo satisfecho, boquiabierto y casi con lágrimas en los ojos. Matías Bosch

Blood Red Shoes Razz Clubs (BCN), 09/04/10

Hace un tiempo leí en un reportaje sobre Blood Red Shoes: “Estos dos nacieron para estar juntos”. Y la dichosa frase (que en inglés sonaba mucho menos ñoña) no deja de resonarme en la cabeza cada vez

que oigo alguna de sus canciones, porque no hay mejor manera de describir la sintonía, la química, la unión perfecta de Laura-Mary Carter y Steve Ansell. El viernes tuvimos la ocasión de volver a comprobar que la pareja sigue en excelente forma, pasando en poco más de un año de tocar en una Lo*Li*Ta con cuatro gatos a subirse al escenario de honor de Razzmatazz.

Empezaron con “It’s getting boring by the sea” y ya tenían al público en el bolsillo, un mérito considerable tratándose de un concierto en sesión de clubs y a las 3 de la mañana. A partir de aquí, los dos de Brighton fueron intercalando temas de “Fire like this” —más clásicos, más sucios, más rock— con hits del “Box of secrets” —más inventivos, más rápidos, más directos—, con alguna sutil metida de gamba de Steve que no hizo más que demostrar que no es un androide con brazos biónicos. Sorprendentemente pronto tiraron “I wish I was someone better”, guardándose para el final de la partida una mano de temas algo menores como “Heartsink” o “Say something, say anything”. Una estrategia poco usual, pero igualmente efectiva que nos dejó a todos con buen sabor de boca a pesar del garrafón. Virginia Arroyo

The Joy Formidable Razz Clubs (Barcelona), 16/04/10

Ni la duda que cubría mi cabeza sobre si las cenizas del impronunciable volcán islandés habrían permitido volar a los galeses hasta Barcelona, ni las cancelaciones de última hora por este mismo motivo en algunas de las salas del Razzmatazz, y la descoordinación y falta de información general que esto supuso en la entrada del recinto, ni tan siquiera un público tan variopinto y fuera de lugar como el que llenaba la sala donde se llevó a cabo el concierto impidieron que un servidor disfrutara de una actuación de altísimo nivel y voltaje. El potencial en directo de The Joy Formidable se basa en un sonido directo y salvaje, algo así

como una mezcla entre Sonic Youth, The Breeders, My Bloody Valentine y Nirvana (Matt Thomas, su batería, recuerda tocando a Dave Grohl). Ritzy Bryan, vocalista de apariencia cándida y angelical, se transforma en un huracán irrefrenable y, junto a sus compañeros, te conduce al centro mismo de un ciclón sónico en el que uno no puede ni quiere escapar. Durante la tormenta perfecta sonaron temas tan brillantes como “Whirring”, “Austere” y “Greyhounds in the slips”. Un servidor necesita volver a sentirse zarandeado por ellos como si se tratara de un teleñeco. David Giménez

Loquillo (30 aniversario) sant jordi club (BCN), 09/04/10

La música de este país ha tenido en Loquillo a una figura capital. El pasado día 9 de abril, su ciudad, Barcelona, acogía el concierto de su 30 aniversario como estrella del rock. Por ello su primer tema, “En las calles de Madrid”, fue toda una declaración de intenciones. El rockero del Clot siempre formó parte de esa movida madrileña. Como su adorado Johnny Cash, surgió de negro tras su imponente banda, en un Sant Jordi Club que registró una gran entrada. El show se dividió en dos partes, la primera más arriesgada y menos conocida, aunque hubo tiempo para “Chanel, Cocaina y Don Perignon” o “María”, se centró en el excelente “Balmoral”, que incomprensiblemente ha pasado bastante desapercibido para buena parte del público y crítica.

El tema más bailable de Loquillo, “Sol”, una delicia pop, provocó un sorprendente mutismo por parte de la audiencia; “Línea clara” arrancó tibias ovaciones y sólo la épica de “Memoria de jóvenes airados” consiguió subir la temperatura de la sala. Después de dedicar la velada al recientemente desaparecido Malcolm McLaren, comenzaron a disparar esas balas escondidas en la recámara de su revólver: “El Rompeolas”, “Rock suave”, “Todo el mundo ama a

Electrónica en Abril 2010 la casa encendida (madrid), 16-18/04/10

Esta edición del festival Electrónica en Abril será recordada por ser una de las más flojas de su trayectoria, no tanto por el cartel programado, que prometía, sino por el apresurado reajuste que los organizadores tuvieron que realizar cuando buena parte de los artistas programados (Guido Möbius, Aoki Takamasa, Jon Hopkins y Hudson Mohawke) no pudieron coger su avión y viajar a Madrid como consecuencia de la nube de cenizas generada por la erupción del volcán islandés Eyjafja-

Isabel” o “Carne para Linda”. Más tarde el himno, “Cuando fuimos los mejores”. La humildad del mito viviente, siempre buscando el origen. Encendida la llama, una declaración de amor a quemarropa, la indultada “La mataré”. La fiesta culminó con la aparición de Sabino Méndez, autor de sus mejores himnos, un genio al que debe mucho la música popular de este país. Dos amigos de barrio de nuevo reunidos. Y después la traca final con “Barcelona ciudad”, “Rock’n’roll star” y “El ritmo del garaje”.

Para finalizar, por supuesto, estaba esperando, con el motor encendido, un viejo Cadillac de segunda mano.

Final apoteósico para un Sant Jordi Club rendido a los pies de su ídolo, y de un Montjuïc que guiñó con su ojo al Tibidabo. Javier Mateos

Ola Podrida / Alasdair Roberts / BiiRDS La [2] (BCN), 13/04/10

Tras la breve e interesantísima actuación de BiiRDS, combo barcelonés que practica una suerte de folk psicodélico y experimental, llegó el turno del joven cantautor Alasdair Roberts, al cual ya tuvimos el placer de disfrutar hace años en Barcelona teloneando a Joanna Newsom. Acompañado de un violinista que paliaba la desnudez de la propuesta sumando coros, el escocés enmudeció al público desgranando unos temas, los de “Spoils” (10), su nuevo trabajo, donde realiza una nueva y particular inmersión la música tradicional de su país. David Wingo y su banda, Ola Podrida, no defraudaron. Todas las excelencias de “Belly of the lion” (09) se potenciaron en directo. La calidez confortable de sus aproximaciones al folk intimista, su voz aparentemente desganada y los arreglos de banjo se esfumaron paulatinamente dando paso a una tormenta electro acústica de un sobrecogimiento estremecedor. Siempre certero, nunca excesivo, Ola Podrida supieron manejar con destreza nuestras emociones a su antojo. David Giménez

llajokull. Los que sí estuvieron tampoco brillaron lo suficiente como para hacer olvidar esta eventualidad, y de ahí las quejas y caras de resignación de muchos al finalizar ciertas actuaciones. Tal fue el caso de James Kirby, el viernes como Leyland Kirby y el sábado como V/Vm sustituyendo a Möbius. Kirby presentó su actuación del viernes como “una banda sonora para el caótico mundo en que vivimos” y su música alcanzó verdaderos momentos de belleza y lirismo que se esfu-

maron cuando decidió coger el micro y hacer el loco en una sesión de playback que nadie entendió muy bien pero que volvió a repetir de forma exagerada al día siguiente como V/Vm, decisión que muchos interpretaron como una tomadura de pelo del artista dejando la sala casi desértica. Está claro que Kirby venía a divertirse y punto. Emeralds tampoco estuvieron muy finos: los atractivos momentos Tangerine Dream evocados por los sintetizadores quedaron en un segundo plano ante una guitarra saturada de delay que terminó cansando por lo repetitivo de su sonido. High Places destacaron por la bonita voz de su vocalista y por sus interesantes juegos de guitarra y percusión, aunque pecaron en exceso de sonidos pregrabados. Sustituyendo a Takamasa, los barceloneses Debilos se sirvieron de una sesión dubstep muy al estilo Skream para animar el ambiente y prepararlo para Sensational & Spectre, quienes acompañaron su hip hop puramente neoyorquino con un recordatorio visual de la erupción del maldito volcán, cuyo fantasma recorrió todo el festival.

Lo mejor llegó el domingo a las ocho, con Oneohtrix Point Never y su universo de loops y drones naciendo y muriendo en un directo perfecto, sublime, capaz de llevarnos a los territorios más íntimos de nuestro ser.

Jimmy Edgar y Cristian Vogel cerraron el festival ante la ausencia de Hopkins y Mohawke. Edgar ofreció una buena sesión techno de corte futurista que Vogel intentó continuar sin demasiado éxito: tuvo problemas al hilar un discurso que apostó más por lo experimental que por lo visceral, decisión no muy acertada si tenemos en cuenta las caras, gestos y comentarios de un público que salió de allí de todo menos satisfecho.

Israel Márquez / Foto Óscar Romero

liveclubs Este año nos ha tocado vivir la semana santa muy temprano, casi a bote pronto, con los polvorones todavía en el estómago fundiéndose en ácido clorhídrico y con regalos por desempaquetar. Ya se sabe: las cofradías cargan a hombros pesadas losas —otros se agarran a la cofradía del clavo ardiendo para remontar cosas inalcanzables— mientras que la procesión en Barcelona sigue siendo la de la noche. Electrónica, claro está. Nuestros jesucristos particulares pueden ser machos o hembras, cometen también milagros y se enfundan cascos en las orejas para pre escuchar la bendita oración fervorosa. Así que como cada mes me cargo a hombros la mochila y salgo en procesión noctámbula para intentar sintetizar el vaivén de DJs que se dejan caer por la Ciudad Condal, al son que marca el agua bendita que sirven los simpáticos camareros de barra. La sagrada liturgia empezó muy fuerte con el caza festivales Ben Sims en la sala The Loft. Sí, el orondo hombre asiduo en Monegros Desert Festival, el cual siempre tiene la delicadeza de marcar golazos por la escuadra con su techno machacón, puro y lleno de groove.

Lleno hasta la bandera, fue una excelente manera de acometer pecados en Viernes Santo y expulsar todos los demonios con el mejor método de exorcismo: BMP acelerados y bombos comprimidos. Sin tiempo a asimilarlo, pero ya con lucifer fuera de mi cuerpo, lo mejor era seguir el Sábado 3 de Abril en otra misa que parecía sumamente interesante: Hot Chip. Los sacerdotes fueron dos componentes de la banda inglesa (Felix Martin y Al Doyle), los cuales no llegaron a conectar en ningún momento con sus fieles. Se movieron durante la sesión entre el electro más resultón, pero con pobres resultados para los que queríamos una vuelta más de tuerca a la noche. Vaya, que fue algo tostón, quedándote con esa sensación cuando el profesor de turno de la universidad aclara que para aprobar su asignatura tienes que pasar por caja y comprar su infumable libro —se oyeron ecos de “Ready for the floor” y “One life stand”—. Nos quedamos mejor con los Hot Chip formato banda y en directo, en todo caso.

Seis días tardé en volver a dejarme caer en Apolo (mi segunda casa), esta vez tras tener una magnífica entrevista y charla con Ellen Allien en un hotel cercano al centro de Barcelona. La dueña del pequeño imperio B-Pitch volvía a la sala que es también su segunda casa después de Berlín, para demostrarnos de nuevo que cuando quiere puede pinchar de una manera muy irregular. Algo parecido a la anorgasmia: ese climax que se intuye pero que nunca llega, por muy burro y calentón que uno esté. El subidón clásico para todo DJ que no le daba la gana de procurar.

De todas formas, Ellen siempre será Ellen, y por todo lo que ha significado para la escena electrónica mundial, se lo perdonamos.

El colofón final antes del cierre de edición de esta santa revista lo puso otro que le da músculo a esto del techno crudo: Umek. El clásico DJ del este nos regaló otra noche mágica como las del Camp Nou, ahondando directamente en lo que todos los clubbers queremos: música para ser bailada. Techno sin concesiones ni discursos extraños. En Apolo, claro está.

Hasta aquí hemos llegado. El mes que viene, si la cartera y el cuerpo lo permiten, más.

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maschine!, maschine!, maschine!

Autogestión informática Búscate la vida

Texto

Seguro que te suena la escena: estás en el trabajo, ejecutas un par de programas y ¡PUMBA!… tu ordenador se niega a obedecerte. De hecho, tu equipo falla más que una escopeta de feria. Y el de sistemas, el informático, el que se supone que debería solucionar el problema, está desaparecido en combate. ¿La solución? Arreglar tú mismo el desaguisado. Hazlo tal que así…

Xan Pita

Y

por una vez no estamos hablando de un problema puramente español. El 52 % de las empresas estadounidenses disminuyeron el año pasado su gasto en tecnología y el 28% planean seguir con los recortes este año, según la Sociedad para la Gestión de la Información. ¿Necesitas poner tu equipo al día? Ahí van un puñado de pistas…

Música enlatada

Tus altavoces se oyen fatal. Cómprate unos cómodos auriculares que te puedas dejar puestos toda la jornada, como los ClearChat Comfort USB de Logitech (49,99€ en logitech.com). Utilízalos para escuchar música sin molestar a los colegas de departamento.

Y además te serán útiles para tus vídeo-conferencias por Internet.

Tu tecnología de casa y la de la oficina no son compatibles

BlackBerry solía fallar en eso pero acaban de lanzar su aplicación Mac Desktop, que le da solución. Si eres un tipo Mac, pero en el trabajo tienes PC, cómprate el Microsoft Office para que los archivos sirvan en ambos. O pregúntale a los informáticos si puedes con-

figurar tu portátil para que controle el ordenador del trabajo. Así podrías trabajar desde casa y no tener que transferir más los archivos.

En mí rebota y en ti explota

El mail se entiende: tu bandeja de entrada se satura.

Programa tu gestor de correo electrónico de forma que copie todos los mensajes en una cuenta de Gmail (en Outlook pincha Herramientas/Reglas), para almacenarlos y organizarlos mejor. O configura Outlook para que, cada cierto tiempo, archive y mueva los e-mails desde la bandeja de entrada a otra carpeta.

Me arrepiento de esas palabras

Vale, no querías enviar ese correo. Si haces uso de la función ‘desenviar’ del Outlook y el e-mail ya ha sido leído, el destinatario verá que has intentado frenarlo (embarazoso). En lugar de eso, ponle un temporizador a tu bandeja de salida para que los correos se queden retenidos unos minutos antes de lanzarse. Así tendrás un plazo para reaccionar.

Tu empresa no tiene pen drives

Dropbox. Es un programa gratuito (getdropbox.com)

que te permite acceder y sincronizarte con los archivos de otros ordenadores. Incluso puedes usarla desde tu iPhone. Si los archivos son muy pesados, olvida los pequeños pendrives y prueba el disco duro externo Western Digital (mira www.wdc.com, apartado dónde comprar) Donde trabajas no hay cobertura

Prueba el Google Voice. Es un programa gratuito que te envía por e-mail el contenido de los mensajes de voz que dejen en tu móvil cuando pierdas la llamada (y así recibes los mensajes sin que tu jefe se entere).

O registra un número de línea que llame a todos tus teléfonos a la vez: móvil, fijo de casa y fijo de la oficina. Así no perderás ni una llamada.

Los faxes nunca pasan

Déjate de faxear y utiliza un servicio fax de Internet, como el eFax (efax.com). Por una pequeña cuota mensual puedes enviar y recibir faxes a través de tu correo electrónico, y archivar los faxes que envías.

Ventaja adicional: te ahorras estar inmerso en las extrañas conversaciones que se generan en torno a la máquina de fax.

Smart Phones

¡PERO QUÉ TELÉFONOS TAN LISTOS!

Blackberry 8900 Javelin

HTC Magic

Si buscas un sistema de envío y recepción de e-mail efectivo, el de BlackBerry sigue siendo el mejor. En lo que se refiere a hardware (vamos, el aspecto físico del chisme), este 8900 Javelin ha encontrado el equilibrio entre tamaño y peso. Por cierto, que el teclado es increíblemente cómodo. Si hubiese que señalar algún aspecto negativo, un par se llevan la palma: no es 3G y la memoria se queda en unos tristes 250Mb. Pese a todo, con estos smarthphones pasa un poco como con el iPhone, cuando pruebas una BlackBerry no hay quien te cambie. Como los marines: semper fidelis.

El sistema operativo Android es uno de sus grandes argumentos. Intuitivo y de fácil compresión. Además, se beneficia de toda la potencia de Google. Tienes, por ejemplo, todas las aplicaciones web creadas por el famoso buscador y la lista de programas diseñados por terceros sigue creciendo. Ah, y si eres amigo de la personalización, el HTC Magic es para ti. Lástima su acabado (muy plasticoso) y la batería, que no dura demasiado. Pero vamos, un buen ejemplo de qué significa tener un teléfono Android.

Samsung 1900 Omnia

iPhone 3G

Lo que más nos gusta: que es un teléfono que triunfa en todo lo que se refiere a lo multimedia y que cuenta con una pantalla de generosas dimensiones. Es rápido, responde bien. Y los elementos básicos (es decir, duración de la batería, calidad de la voz durante las llamadas, por ejemplo) funcionan a la perfección. No nos acaba de convencer la interfaz. De todos modos, entre los imitadores de iPhone, este es de los mejores.

No podía faltar, señores. El App Store sigue siendo la reina de los sistemas para descargarte aplicaciones. Tienes literalmente cientos de programillas diseñados para este teléfono.

La interfaz es exageradamente eficaz, la experiencia táctil definitiva. Quizás lo que más juegue en contra de esta joya de la tecnología es su precio. Y el hecho de funcionar con el dedo y no con un lápiz provoca que la pantalla se ensucie rápidamente. Ha cambiado las cosas para siempre.

maschine!, maschine!, maschine!

Hay más novedades en el mercado, claro, pero que te las recomienden otros. Nosotros nos quedamos con lo que era lo último antes de que saliese lo último. No es que nos hayamos quedado anticuados, es que van de lujo. Y no tiñen de rojo los números de tu cuenta. Además, cumplen con lo que los smartphones llevan prometiendo desde hace no sé cuánto: si te lo compras, un ordenador vivirá en tu bolsillo

MODAGADGETS DeliShop para Wallpaper*

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Texto ana tomás

gadgets

La tienda gourmet Delishop ha sido seleccionada para participar en el ambicioso proyecto ‘Handmade’ del número de agosto de la revista de tendencias americana Wallpaper, que quiere mostrar como lo artesanal no está reñido con el diseño.

Delishop participa con dos productos creados en exclusiva para la prestigiosa revista: ‘Allioli con azafrán de La Mancha y zumo de naranjas de Valencia’, y ‘Allioli con menta fresca y tomillo salvaje de la sierra del Montsant’. Con estas propuestas, Delishop ha querido reflejar el binomio tradición/modernidad en la cocina. www.delishop.es

Red Bull Shot Chute de energía

Insight Nómadas del desierto La firma australiana Insight se inspira esta primavera en los años sesenta para dar forma a una colección fresca, original y transgresora. Para ella, el ‘swinging’ rebelde de esos años se vislumbra en vestidos playeros en tonos pastel, minifaldas skinny, camisetas de tirantes y manga corta en tejido acid y chaquetas estilo Sargent Pepper, dando a tu look un aura retro chic. Para él, la provocación toma las riendas de este viaje en la máquina del tiempo y nos propone una serie de camisetas con slóganes atrevidos en tejidos envejecidos, lijados y con rotos, al más puro estilo punk. Encima, americanas en color hueso y blanco, que contrastan con bermudas a la altura de la rodilla con detalles en tonos naranja y azul. La colección de baño de Insight refleja el espíritu de la firma: estampados surferos con flores y otros motivos naturales en colores vivos. Pura vida.

Para todos los que nos hemos aficionado al Red Bull como agua de mayo, nos hincha de placer recibir en la oficina una caja ‘tester’ del nuevo lanzamiento estrella de la marca, el Red Bull Energy Shot. Este novedoso producto es una versión concentrada, no carbonatada, de Red Bull Energy Drink, y se presenta en un bote de 60 ml. que no necesita frío, por lo que se convierte en una fuente de energía en movimiento. En cualquier momento y en cualquier lugar.

Red Bull Energy Shot tiene 27 kilocalorías y contiene 80 mg de cafeína.

Ya está a la venta en todo el territorio nacional, en el canal ‘impulso’ y en las principales cadenas de alimentación. www.redbull.es

Blanco Man Do It Yourself Blanco lo tiene claro: la melancolía, lejos de lo que muchos puedan decir, es fuente de creación. Recordar el pasado, esos momentos que vivimos o quisiéramos haber vivido, es todo un motor artístico. ¿A que hubierais querido estar en el festival de Woodstock? ¿Verdad que hubiera sido lo más presenciar un concierto de Joy Division con Ian Curtis balanceando sus brazos en el escenario? Esta primavera, Blanco lanza una nueva colección para hombre, inspirándose en el espíritu revolucionario de los años setenta y en la explosión punk del Manchester industrial, para crear una colección desenfadada: jeans sumamente desgastados, camisetas con diseños psicodélicos o clásicas en blanco inmaculado y cómodas zapatillas en colores flúor. Para redondearlo, bolsas de deporte de espíritu college y carteras de mano que juegan con el contraste entre blanco y negro.

MODA

Fenchurch Tee Fest Fenchurch te invita a diseñar la camiseta del verano. Mediante el concurso TeeFest (www.fenchurch.com/teefest), que dura hasta el próximo 1 de junio, la firma te reta a usar tu imaginación y diseñar una camiseta que, si resulta ganadora, se venderá en tiendas y vía online. Las premisas creativas del concurso son muy sencillas: diseñar un estampado llamativo e innovador, que incorpore el logo de Fenchurch, y que se inspire en la temporada de festivales que está a la vuelta de la esquina. Los mejores 20 diseños (10 de camisetas para chico y 10 para chica) se podrán votar en la web a partir del 1 de junio. Los dos diseños ganadores (chico-chica) se anunciarán el 11 del mismo mes. Cada diseñador recibirá como premio 200 pounds y su diseño se venderá en las Flagship stores de Covent Garden y Cardiff, así como a través de la Woouf es un nuevo concepto de puf que sale de los caminos trillados. Rellenos de originalidad y frescura, estos pufs apeweb de la firma a partir de julio. lan a la nostalgia para ser algo más que funcionales, cómodos o meramente decorativos. Afincados en Barcelona desde 2008, los culpables de Woouf nacen y crecen en un estudio de diseño independiente, apostando por la combinación entre creatividad, funcionalidad y calidad. Sus pufs, cojines y pósters reinterpretan los iconos de los años 60 y 70. Diseños como el auténtico sintetizador de los 60 o la mítica Burguer con extra de queso son los motivos de estas originales creaciones que seducen a nuestra melancolía. Su colección se puede encontrar en la tienda Domestico Shop (Pl. St. Agustí Vell 16), en el barrio del Born barcelonés, y a través de su web www.woouf.com. Sin duda, el descanso perfecto para los traseros que huyen del convencionalismo.

Woouf Pufs de otra galaxia

Shoplogue Moda online ¿Sabes en qué tienda de Barcelona venden esas marcas suecas que tanto aparecen en los blogs? ¿En qué tiendas de Madrid tienen ropa para chica de Fred Perry? ¿Dónde puedes encontrar los mejores vinilos para la pared de tu habitación? ¿Buscas algo y no sabes en qué tienda de tu ciudad puedes comprarlo? ¡Entra en shoplogue.com y alucina! A diferencia de los típicos buscadores y directorios online de comercios, en shoplogue no sólo encuentras la información de contacto de la tienda (dirección, teléfono, etc.) sino que también puedes ver una selección de los artículos que encontrarás en el establecimiento (fotos, descripción, precio). De esta forma, el usuario puede acceder a una base de datos de miles y miles de artículos en los que inspirarse antes de salir de compras y conocer en qué tienda de su ciudad puede adquirirlos. ¡Qué gozada!

Stüssy Chapter Store Tienda oficial de Stüssy en Madrid El pasado 18 de marzo la firma californiana Stüssy celebró por todo lo alto la apertura de su primera tienda oficial en España, en la calle Argensola número 10 de Madrid, localización en la que ya contaba con un córner. Chema de Ama Records amenizó la velada y luego la fiesta se trasladó al emblemático Chicote Cocktail Bar en la Gran Vía. Para celebrar tan esperada apertura, Stüssy ha puesto a la venta una camiseta de venta exclusiva en Madrid en dos colores, blanca, con el logo de Stüssy en negro, y negra, con las letras en rojo. En la nueva Chapter Store podrás encontrar todas esas confortables prendas, de espíritu surf y notas hip hoperas, que hasta ahora eran tan difíciles de encontrar en nuestro país, así como las camisetas que Stüssy va creando en colaboración con artistas y diseñadores de la escena emergente. ¡Estamos de enhorabuena!

MODATENDENCIAS Botines

Uno de los eternos clásicos de la moda de verano vuelve este año con más fuerza que nunca: el look marinero. La camiseta de rayas, el pantalón azul marino, los náuticos, los botones dorados y los destellos de rojo inundan las colecciones de todas las firmas. Bench da un paso más y combina la opción navy con el espíritu college: el clásico polo toma el motivo de las rayas horizontales rojas o azules, con corte entallado para ella. Ideal para combinar con un par de jeans, un look tradicional con el que irás a la última. Sandro, la marca creado por Didier y Evelyne Chetrite, también apuesta por este look para una mujer muy refinada, nada ostentosa ni recargada.

Las sandalias se suben a las alturas, pero como el verano requiere un zapato cómodo, la opción más sensata es la plataforma, de un par de centímetros como mínimo. Este tipo de sandalias admite su uso tanto de día como de noche, ya que combina con casi cualquier prenda, siendo sus más fieles aliados el vestido estampado, el short en jeans y el pantalón marinero. Para las que el verano es sinónimo de esparto, hay también una infinidad de modelos disponibles con la plataforma en este tejido tan natural.

PACO GIL

BF

02 74 / 75

Look marinero

TOMMY HILFIGER

Texto ana tomás

MODA TENDENCIAS : 2010

primavera/verano 2010

SANDRO

Zuecos La moda de los zuecos tiene tantos seguidores como detractores, pero lo innegable es que este zapato, nacido en Holanda, ha dejado la madera para conquistar corazones en los más suntuosos materiales y acabados.

La firma Gunnel’s Zuecos se inspira en la paleta de tonos propia del pop art ochentero y nos propone una serie de modelos en vibrantes colores que resaltan con la suela de madera, que podemos elegir en tono oscuro o claro. Con acabado en mate o charol y disponibles con tacón bajo o con un maravilloso taconazo de 7 cm, estos zuecos darán a tu look un toque boho chic encantador.

Look militar La estética militar nunca se bate en retirada. Cada dos temporadas la tenemos de nuevo entre nosotros. Este verano hazte con una chaqueta militar estilo sahariana, de tipo camuflaje o estilo uniforme del ejército con botones dorados.

Llévala con un maxicinturón para lograr un aspecto más sofisticado.

Para él, chaquetas y pantalones en verde militar y bermudas con bolsillos laterales, a medio camino entre el look militar y el de explorador.

GUNNELS

BABY PHAT

LEVI’S RED TAB

MONIC

MODA

Tocados

H&M

Faldas con vuelo

Junto con los colores pastel, los tonos maquillaje son la gama más importante para esta primavera/verano: melocotón, albaricoque, beis rosado.... La paleta, como los tonos de piel, es infinita y va desde el rosa pálido hasta el bronceado intenso. Son la alternativa, o el complemento ideal, al negro y combinan también a la perfección con los granates y naranjas. Versátiles y sensuales, son las dos caras de una misma moneda: realzan los materiales y, al mismo tiempo, simulan un desnudo. Busca el tono más acorde con tu propia piel y maquíllate poco. ¡Un look natural nunca fue tan atrevido!

Alícia en el País de las Maravillas está marcando tendencia, como ya lo hicieron otros films en el pasado. Gracias a la película de Tim Burton que versiona este clásico de Lewis Carroll, están triunfando todas esas marcas que llevan años apostando por líneas muy femeninas y de inspiración girly, como Diksi, Kling y DaWanda. La pieza clave de estos nuevos aires románticos es la falda de vuelo. Las hay con muchos colores y estampados, como el tartán escocés, pero si quieres lograr un auténtico aire naif escoge una en color rosa palo, muy vaporosa, y combínala con un blazer, mocasines y calcetines altos. La guinda: un lazo negro o un bonito pañuelo anudado al cuello.

VANS

Nude

VANS

Solemos prestar mucha atención a nuestra ropa, incluso a los accesorios, pero nos olvidamos casi siempre de la cabeza y de nuestro pelo. Esta temporada la clave reside en nuestros cabellos, que se adornan con diademas coquetas y tocados sofisticados. Sí, sí, tocados. No hay que ir de boda para atreverse a llevar uno. Las firmas Monic y Paca Peca nos proponen una serie de adornos para todo tipo de cabello (corto, rizado, liso, con flequillo...) de inspiración vintage. Tocados con plumas de avestruz, marabú y faisán que complementan materiales como la organza natural, la seda y el crin, y con añadidos de tul y pedrería. Si el tocado encuentra su momento en la noche veraniega, durante el día adorna tu melena con una de las diademas de Paca Peca, con flores de piel sintética y tachuelas en colores pastel. Un total look nunca había sido tan fácil.

Orgánico

Estampados Los nuevos procesos de estampación digital permiten plasmar cualquier tipo de motivo. Ningún dibujo es imposible y diferenciarse de los demás es más fácil que nunca. Primero se dibuja la prenda y después se busca la mejor manera de poner el motivo que el diseñador haya soñado. Este verano nada de camisetas lisas, hay miles de opciones estampadas que te dejaran con la boca abierta: tipografías pop, serigrafías abstractas, dibujos animados, motivos rockeros e incluso fotografías de festivales tan míticos como Woodstock. Aprovecha que el abrigo se ha quedado en el armario y sacude tu personalidad a golpe de camiseta.

BLANCO

LEVI’S RED TAB

Denim total Una temporada más, el denim es el tejido estrella. Y un verano más, la clave es llevar más de una prenda vaquera a la vez, tiñendo toda la silueta de azul. Gracias a este esplendor denim hay decenas de modelos y tonalidades disponibles, que van desde el más oscuro al destrozado y casi blanco. La camisa vaquera es la prenda básica a adquirir, que sustituye a la camisa leñador. Y si el furor denim se ha apoderado de ti, atrévete con un peto como los de Lee, con un par de sneakers en los pies, cómodo y a la última. Levi’s y G-Star abogan por la cazadora vaquera como la prenda básica para las noches de verano en terrazas y fiestas al aire libre. Para ella, la silueta denim incorpora aplicaciones de otros tejidos, como el modelo de culto de la marca italiana Fracomina, un vaquero perfectamente estructurado y con parches internos decorados con estampados y bordados strass. Miss Sixty y Diesel apuestan por el short en denim, en diversos largos y anchos, y en índigo desgastado: básico, veraniego y ¡rebelde!

Después de temporadas vanagloriando los acabados futuristas y cibernéticos, echábamos de menos una mirada a lo natural.

Esta primavera vuelven los tejidos orgánicos de aspecto natural, con especial hincapié en las texturas más gruesas y de look más rústico, que, sin embargo, se logran mediante procesos tecnológicos que permiten deshilachados bajo control o bordes sin dobladillo. Destaca el nuevo modelo Rata Vulc, de la línea Surf de Vans, una zapatilla plegable y lavable, que en su interior dispone de una plantilla suave en material EVA para un confort total. Además de ser ligeras, fáciles de transportar y cómodas como ninguna, están fabricadas con materiales orgánicos: 100% de cáñamo + tintas y colas a base de agua.

MODATENDENCIAS primavera/verano 2010

MODA TENDENCIAS : 2010

H&M

Retorno del body ODD MOLLY

H&M

Después del fallido intento de la haute couture de sacar el pijama a la calle, ahora le llega el turno a la ropa interior. Sin embargo, a diferencia de su predecesor, la corsetería forma parte de cualquier look primaveral que se precie. Desde corsés y bodys a ligeros e incluso pícaros sujetadores. La lencería se lleva por fuera y cuanta más puntilla y encaje tenga mejor. Complicadas superposiciones en pasteles y negro que reafirman la sensualidad femenina. La colección íntima de Sonia Rykiel para H&M, utilizada ampliamente como parte del outfit de cada día, fue el pistoletazo de salida. Ahora, con el buen tiempo, vivimos un auténtico exhibicionismo lencero. El babydoll de encaje es la culminación de una revolución sensual más propia de los sweet sixties que de la austeridad que la crisis actual conlleva. Pero, como se suele decir, al mal tiempo buena cara y todas estas deliciosas prendas que parecen sacadas de un boudoir parisino han llegado para quedarse. ¡Aparca la austeridad y dale rienda suelta a tu fantasía!

LEE

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01

Texto ana tomás

La lencería sale a la calle

El body, esa prenda tan emblemática de los noventa, vuelve para realzar nuestras siluetas y lograr que el look más básico sea el más sensacional. Los que más se llevan son los de escote palabra de honor o con un solo hombro, para combinarlos con unos mini short o con una falda de talle alto y mucho vuelo.

Mango, Blanco, Topshop y H&M apuestan fuerte por este revival, que encuentra en el negro su mejor aliado.

Espíritu college

Blanco impoluto Cuero Esta primavera el retorno a lo natural es la apuesta más fuerte. ¿Y que hay más puro que el blanco? Un comodín valioso este verano es la camisa blanca, en algodón u organzas transparentes. Es ideal para crear tu look marinero o para llevar con vaqueros y unas sandalias o zapatillas veraniegas. Para ella, el patrón masculino se complementa con voluminosas mangas, hombreras y cuellos originales.

G-STAR / SCHOTT NYC

Las cazadoras de piel de estilo motero son un must imprescindible en cualquier armario masculino y femenino. Con cierre de cremallera, botones, diversos cuellos y mayor o menor longitud, las chupas de cuero se adaptan a todos los looks. Esta temporada se lleva en negro total, huyendo de la ya clásica cazadora marrón de anteriores temporadas. Llévala con una camiseta básica de cuello redondo, unos vaqueros desgastados y unas deportivas, al más puro estilo Beatnik de finales de los cincuenta. Schott NYC, Massimo Dutti, Armand Basi, Pull&Bear, Zara y H&M apuestan por las cazadoras ceñidas al cuerpo y con varias cremalleras. G-star da un paso más y le añade capucha y detalles en los puños y los bajos, para darle un toque más sport. Si no tienes tu chupa todavía, es hora de buscar una y sentir el rugido del motor!

El espíritu revolucionario en los campus norteamericanos de los setenta, con Berkeley a la cabeza, es el punto de partida del look college, en el que los protagonistas son las cazadoras vaqueras, los pantalones cargo y los polos y camisetas con sloganes contestatarios.

La colección de Levi’s Red Tab para este verano incluye la clásica cazadora trucker y una serie de camisetas de aura vintage con mensajes como “Grow your hair” y grafismos psicodélicos como el clásico careto Acid en los colores de la bandera americana. Lee se inspira en las carreras de coches de los años 50 y en la figura de James Dean y nos propone una serie de camisetas estilo beisbolera, bicolores e ilustradas con fotografías del circuito de Kansas City y los coches de carreras de la época.

SHOWROOM 2010

I

P R I M AV E R A V E R A N O CAMISA LEVI’S RED TAB MEN

CHALECO LEVI’S RED TAB WOMAN

EUR 93

EUR 115

PANTALÓN JEAN NO.1

CAMISA ‘SAWTOOTH’ LEVI’S RED TAB WOMAN

‘PHILOSOPHY TEE’ LEVI’S RED TAB MEN

EUR 115

EUR 43

Levi’s

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01

Texto ana tomás

SHOWROOM : LEVI’S

EUR 14.99

SLIM BOYFRIEND LEVI’S RED TAB WOMAN

JEANS 201 LEVI’S RED TAB MEN

EUR 115

EUR 100

Red Tab: Denim de la cabeza a los pies Levi’s Red Tab se inspira en los héroes del entorno universitario en su avance de colección otoño/invierno 2010, a la venta en mayo. No se trata, como podrías pensar, de un homenaje al más guapo, ni al más listillo, sino de toda una veneración al estudiante más cerebrito, al empollón de la clase, a ese chico cargado de carisma con un look muy “nerd” definido por un color claramente predominante: el azul. Una propuesta que se caracteriza por el denim de la cabeza a los pies. Cazadoras “trucker”, la clásica camisa de chambray y una serie de jeans con nuevas tonalidades de azul y tejidos más ligeros. Esta colección crucero, a la venta este mayo, incluye también una serie de camisetas con gráficos “educativos” y tipográficos como la “Philosophy Tee” y cazadoras Harrington en azul marino.

Los cuadros mono-tono y las rayas se presentan en camisas abotonadas y jerséis muy básicos. Y sin olvidar la gran apuesta de la primera parte de la temporada, Levi’s Product With Roots, la colección que toma prendas legendarias de Levi’s y las readapta a la actualidad. En este caso, con uno de los jeans más auténticos de la marca: el 201. Reproducidos como el original con un solo bolsillo trasero, botones sin relleno y parches de lino.

INFORMACIÓN DE CONTACTO T. 93 227 69 00 • http://eu.levi.com

CHICA ‘LETTER’ TEE

CHICA ‘AUREA’ TEE

CHICA ‘MEDI’ TEE

CHICO ‘PLANT’ BERMUDAS

EUR 33

EUR 20

EUR 26

EUR 39

SLIM OX

CHICO ‘SET’ TEE

STAR PLAYER EV OX

CHICO ‘LUC’ TEE

EUR 30

EUR 75

EUR 20

STAR PLAYER EV MID

SHOWROON : CONVERSE

EUR 70

EUR 100 Texto ana tomás

INFORMACIÓN DE CONTACTO www.converse.es

79

Converse

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icono del verano Converse es tu fiel aliado, eso ya lo sabemos, pero esta temporada la firma te tiene preparada una de buena, su nueva colección textil. Seis líneas distintas donde el algodón, las fibras sintéticas y los elásticos toman protagonismo en tratamientos especiales como los rotos, los envejecidos, los volúmenes y las superposiciones. La colección se llena de estampados de cuadros, rayas, puntos y diseños atrevidos. Destaca la línea PUNK, con referencias musicales de Los Ramones, The Clash y Blondie. Camisetas a rayas, con estampado de leopardo y mensajes rompedores que forman parte del subconsciente colectivo de varias generaciones. Para los pies, Converse tiene dos propuestas perfectas para calzar el verano. La Chuck Taylor All Star Slim conserva las líneas de diseño icónicas de la Chuck Taylor pero presenta un nuevo perfil con la suela rebajada. Se trata de un modelo sobrio y sencillo, en versión de bota y zapatilla, disponible en lona y cuero. Esta primavera Converse relanza también la zapatilla Star Player, que mezcla el estilo icónico del Star Chevron con una inconfundible silueta de Converse, demostrando que los patrones originales siguen siendo modernos. La línea Star Player comprende varios modelos de bota y uno de zapatilla acordonada.

BRAZALETES EUR 12.95

Fashion Against Aids H&M vuelve a apostar por su colección solidaria “Fashion Against Aids”, una propuesta que tiene como objetivo recaudar fondos para la lucha contra el Sida (el 25% de las ventas se dona íntegramente a proyectos relacionados con la prevención del VIH/Sida) y que ya va por su tercera edición. Si anteriormente la firma sueca apostó por las colaboraciones con cantantes y celebrities, en esta ocasión ha sido el equipo creativo de H&M el encargado de dar forma a esta colección. Los festivales de música y el espíritu festivo que en ellos reina son la inspiración de una serie de prendas y complementos a medio camino entre el estilo bohemio y el look rockero. Chaquetas moteras, túnicas con flecos, americanas, jeans descoloridos, shorts en denim y camisetas estampadas son las prendas estrella de esta colección tan musical. Además de las prendas, H&M nos propone una original línea de complementos con esas piezas indispensables en cualquier festival que se precie: tienda de campaña, sacos de dormir, auriculares e incluso sillas plegables. Lizzy Jagger y Lou Doillon encarnan el espíritu libre y artístico de los festivales en la campaña publicitaria que la marca ha preparado para esta colección que se pondrá a la venta el 20 de mayo.

TÚNICA CHICA

CHAQUETA CHICA

VESTIDO CHICA

EUR 29.95

EUR 59.95

EUR 19.95

80

03

Texto ana tomás

SHOWROOM : H&M

H&M

SHORTS CHICA CHAQUETA CHICO

EUR 19.95

EUR 39.95 PANTALÓN CHICO EUR 39.95

AMERICANA CHICO EUR 29.95

CAMISETA CHICO EUR 7.95

SOMBRERO CHICO

SHORTS CHICO

SANDALIAS CHICA

EUR 7.95

EUR 29.95

EUR 19.95

INFORMACIÓN DE CONTACTO T. 901 12 00 84 • www.hm.com

POLO RAYAS AZUL

EUR 52

EUR 36.50

CAMISETA ‘CUENTO’

VESTIDO RAYA MARINERA

EUR 33.80

EUR 44.20

SHOWROON : bench

CAMISA CUADROS SALMÓN

Texto ana tomás 04

Bench

81

MUSIC LIFE Bench abre sus puertas a la nueva temporada con una colección inconfundible que se sustenta en el binomio modernidad y tradición.

La música sigue siendo la principal fuente de inspiración, aportando a los diseños ritmo, movimiento y energía. Una tradición que tiene sus orígenes en la década de los noventa, cuando Bench apoyó la explosión underground que surgía del corazón de la ciudad de Manchester. Veinte años después, la marca patrocina festivales como Creamfields y giras como la de Arctic Monkeys.

La colección de hombre se sumerge en las raíces profundas de lo urbano, dando la vuelta a los patrones clásicos con motivos graffiti y de inspiración musical. La mujer Bench es urbana a base de pinceladas new folk y cortes vanguardistas que resaltan la feminidad. Gamas de rojo, azul y morado suavizado que logran crear un look coqueto y rockero al mismo tiempo.

Todo ello porque Bench no deja de cuidar su melodía, su fuente de inspiración constante, alcanzando nuevas metas donde el binomio música y moda se funden en uno.

VESTIDO ROSA

ZAPATILLA ‘BOHEMIA BLUE’

EUR 52

EUR 39.90 INFORMACIÓN DE CONTACTO www.movimientosismico.com

082/083

in&out

in & out Clubbing BCN C/ Arc del Teatre, 3. Tel. 93 318 59 66.

Techno-house, incursiones en el electro y la música disco. Miércoles, invitados internacionales. Vie-Sab., sesiones con el DJ residente Robert X. Todas las noches de 23.30 a 5 h.

sala razzmatazz 2 & 3. c/ Pamplona, 88.

Tel. 93 272 09 10 Techno-house, hard techno y techno con los residentes djd!, Vicknoise, MouseUp, Undo, Buenavista y d.a.r.y.l., con una programación semanal de DJs internacionales. H: Vie-Sab. y vísperas de festivos de 1 h. a 5 h. Entrada única a Razzmatazz: 12 € (c/i).

(techno-pop, electro-pop, deep house y leftfield de mano de Djd!, I-F y Buenavista); Rex (techno-pop). H: vie-sab. y vísperas de festivos de 1 a 5 h. Entrada única: 12 € (c/i). www.salarazzmatazz.com

B Lounge @ Hotel Barceló Raval Rbla. Del Raval 17-21. Tel. 93 320 14 90 El lugar más cool de la ciudad, el nuevo punto de encuentro de Barcelona. Tapas sorprendentes, extensa carta de cócteles y la mejor música. Terraza Plaza Manuel Vázquez Montalbán. Jueves, viernes y sábados DJ en directo de 23 h a 02 h. Entrada libre. www.BarceloRaval.com

Sala Apolo. C/ Nou de la Rambla, 113. Tel. 93 301 00 90 La meca del eclecticismo: house, techno, breakbeat y pop electrónico, según el día.

Alberga residencias de Kompakt, Bpitch Control, Bungalow, Cristian Vogel, etc. Nitsa selectors: Fra, DJ De Mierda, DJ Coco y Sesentaynueve. H: Vie-Sab. y vísperas, a partir de las 24.30 h. Precio: 12 € (c/i).

C/Santa Anna 14, L’Hospitalet.

T. 93 337 76 16.

La alternativa musical de la ciudad de L’Hospitalet desde 1985. El mejor pop, indie, post-rock, technopop... de la mano de los DJs Jordi Monamí, Marty Mcfly, Crtl+alt+supr, Gato. Actuaciones musicales en pequeño formato. www.depositolegal.com.

@ Sala Apolo. C/Nou de la Rambla, 113.

Residencia semanal para la noche de los jueves en el Apolo. Powder Room acoge las mejores noches de deep funk, breaks y rare grooves en Barcelona. H: todos los jueves, de 24.30 a 6 h. 9 €.

C/ Fontrodona, 33 (BCN). Tel: 93 441 80 15 Antigua nave industrial convertida en enorme y comfortable lounge club. Urban & soulful music + laid-back atmosphere + underground attitude. www.maumaunderground.com. H: jueves 23 - 2.30 h., vie-sáb 23 - 3 h., domingos tarde (excepto verano).

sala city hall C/ Rambla catalunya, 4.

Lun: Internacional Party. Mar: Budah Hall Night. Mie: Pigs & Diamonds. Jue: Club 4 (techno & minimal techno). Vie: 100% Uhm Underground (tech-microfunk). Sab: Pure City Nights (house, deephouse, latin). Dom: Zen Club (techhouse/ electro).

C/ Almogàvers, 122. Tel. 93 272 09 10 5 clubs en un mismo espacio: Razz Club (Viesab. DJ Amable y Dj Gato, el mejor indie y rock de todos los tiempos. Jue. Bongo Palace (latin house); Pop Bar (vie-sab. lo mejor en pop, electro y sixties); The Loft (technohouse, hard techno y techno); Lo*Li*Ta

C/ LINCOLN, 15. T. 93 238 07 22 Martes: Glitter and Glamour. Miércoles: Strawberry & Chocolate. Jueves: Buziós - Brazilian soul. Viernes y Sábado: 3 floors open- hip hop and R&B, house music, classic garage 80’s-90’s. www.ottozutz.com

C/ VALLDONZELLA, 40 / Plaza Milans, Barrio Gótico. Tel. 627 73 30 81 En el bar Manchester se dan cita amigos y seguidores de la música de los 80 y 90 y sus tendencias más brit. Desde Joy Division hasta Placebo, pasando por The Smiths y Happy Mondays.

C/ RAFAEL DE CASANOVA, 3. SANTA COLOMA DE GRAMENET. [M] L1 SANTA COLOMA La Sala Pop tiene una programación semanal de conciertos cuidadamente seleccionados dentro de la escena independiente tanto catalana como estatal. Los conciertos se realizan viernes y sábado pero la sala ofrece sesiones de indie, pop, rock, electrónica a cargo de DJ Oki One y programación cultural los domingos. H: mie-dom 19 - 3.30 h. www.myspace/popclubsantacoloma

Valencia, 166 (entre Villarroel y Casanovas). www.minusaclub.com Minusa Club es un bar musical en el ensanche izquierdo de BCN, donde puedes tomar un té o probar uno de nuestros cócteles. Programamos sesiones de DJs eclécticas desde música de los 50 hasta la actualidad. Los jueves, conciertos acústicos de los mejores grupos de nueva hornada de Barcelona. Todas las tardes la caña a 1,80 € y los combinados a partir de 4,50 € hasta las 10.30 h. Días de concierto hasta las 21.30 h. H: Todos los días menos el lunes, de 17 a 2.30 h. Fines de semana y vísperas hasta las 3 h.

C / ESCUDELLERS BLANCS, 3 (BARRI GÒTIC) Con una acertada mezcla de graffiti, videos, skate y grunge. Su amplia sala alberga cómodamente a los personajes más diversos de la fauna barcelonesa, que se pierden entre detalles y acordes, cubatas y chupitos, chicas y kickflips. A tres pasos de la turística Plaza Real se esconde el secreto mejor guardado del Gótico, Nevermind. Abierto todos los días hasta las 3 h. www.myspace.com/nevermindbcn

SALA 1 AV. CARRILET 235 - SALA 2 AV. CARRILET 301, L’HOSPITALET. T. 93 337 06 02 La Salamandra es el espacio de referencia de las noches de L’Hospitalet. Dos salas que ofrecen la mejor programación de conciertos y sesiones de los más prestigiosos DJs de la escena indie y mestiza. Sala 1: Indie-pop-electro con YoSET & McFly, visuals de High Distortion & Mon Feijóo. Sala 2: Musicollage con Nafentt & Darkomedia. H. Abierto todos los viernes, sábados y vísperas de 24 a 6 h. Entrada única: 8 € (c/i). Gratis hasta las 2 h. www.salamandra.cat

Hotel Le Meridien. c/ Ramblas, 111 De jueves a sábado, de 23 a 3 h. Residente: DJ Lui. Música: Popism. Cocktails. La cabina del DJ se encuentra encima de un piano de cola, al estilo de los tradicionales piano bar.

C/Bailén 16, 28005. Madrid ContraClub es un bar donde coinciden varias tipologías de noctámbulos con un denominador común: su gusto por la calidad y variedad musical. ContraClub pretende romper barreras entre disciplinas y generaciones, ser un lugar de encuentro de artistas y un escaparate para todo tipo de espectáculos de calidad. Un lugar abierto y dispuesto a juntar funk con flamenco, cabaret con música electrónica. X y J de 22 a 05:30 h. V y S de 22 a 06 h. www.contraclub.es

C/Fomento 30 (madrid) Desde 1997 el Home Bar es un referente para los amantes de la música. El pop, la electrónica y el indie son el eje central de las sesiones de nuestros DJs, desde los clásicos imprescindibles hasta las últimas novedades. En el Home podrás escuchar desde Depeche Mode, REM o The Smiths hasta White Lies, Hot Chip y Temper Trap, pasando por Placebo, Massive Attack, Muse, Royksopp, Radiohead, Ladytron, Foo Fighters, Interpol... Abierto los viernes y los sábados a las 23h.

Clubbing Bilbao EN SANTANA 27. POL.IND.SANTA ANA. TELLERÍA 27. BOLUETA (BILBAO). TEL. 944 598 617. www.fever.es Pink Fever: tecnopop, electropop & trashpop con Madel, Ojospintados y Unai Goikolea.

Gold Fever: indie, pop-rock & hits con Kinki, Mimoloco, Mr. Chase y Santo. Black Fever: hip hop, reggae, soul & funk con Adrian, Almah Mater Djs y Bomb Bass Hi-Fi. Blue Fever: electro-house, minimal-techno & neo-trance con Arne Ö, Auto y DJS Sound. H: Sábados, 24 h. 10 € c/c, gratis hasta la 1.30 h.

Clubbing Madrid

Clubbing Galicia

MIMETICA · DLRO Live! C/ Pelayo 59 Mimetica + DLRO se unen para ofrecer un evento mensual donde los amantes de la electrónica podrán embelesarse con las figuras más sugerentes de la escena electrónica.

En nuestra noche tienen cabida el house, dubstep, techno, disco... Sin ningún tipo de complejos ni tapujos. De 24 a 06 h. www. cargocollective.com/mimetica

Complejo Playa Club. Avenida de La Habana, Estadio de Riazor (La Coruña).

WWW.PLAYACLUB.NET Pop, indie y electrónica. Más de 60 conciertos de música alternativa al año. Sesiones los jueves, viernes, sábados y vísperas de festivos desde las 3 h. +info en www.playaclub.net

084/085

625 líneas Animación 2010 / cine Yorgos Lanthimos

625 líneas

Animación 2010 Sin trampa ni cartoon

Texto

Óscar Broc

En la animación hay actividad neuronal más allá del canal Adult Swim o de “Padre de Familia” y “Los Simpson”. Todavía no han llegado a España, pero estas cinco gemas son el presente de los dibujos animados para adultos. Zombies y demonios campando sus respetos por Nueva York. Un veinteañero cuya mejor amiga es una puta negra desdentada. Un agente secreto que trata a las mujeres como si fueran latas de cerveza. Un negro perdedor con crisis de los cuarenta y un plantígrado obeso por amigo. Ricky Gervais y Stephen Merchant en versión Hannah-Barbera… Palomitas prohibidas: podríais atragantaros.

“Ugly americans” (Comedy Central, 2010)

Una de las series del año. Y no sólo me refiero al campo de la animación. En un momento en que los dibujos animados para adultos parecen haber alcanzado un punto de no retorno en cuanto a capacidad de sorpresa, llega esta inclasificable locura para poner el tablero patas arriba a golpe de imaginación y freakismo indie. La serie narra las tribulaciones de un trabajador social en el Departameno de Integración de una Nueva York alternativa poblada de yetis, demonios, zombies, vampiros, robots, magos, criaturas mitológicas y toda suerte de monstruos aberrantes que comparten hábitat con el ser humano. “Ugly Americans” es un producto distinto; tiene algo que lo hace tremendamente especial. Un look de cómic underground que puede recordar en alguna ocasión al universo Charles Burns; un sentido del humor que bucea entre la finura indie y el gore porno; un estilo robado de los tebeos de terror de los 50… En Estados Unidos, las críticas han sido benévolas, aunque la serie también ha cosechado sus detractores.

Servidor no se ha podido resistir a semejante torrente de imaginación freak: quede para el recuerdo el restaurante para demonios, con brazos de bebé rebozados a modo de entrantes.

“The life & times of Tim” (HBO, 2008-2010)

En el primer episodio, la novia de Tim entra en su casa acompañada de sus padres y se encuentra al chaval en el sofá, acompañado de una puta negra (seguramente adicta al crack y de unos 50 años muy mal llevados) que le exige 300 pavos por una mamada y un griego.

Toda una declaración de principios. De avance lento y personajes borderline, “The life & times of Tim” es una sucesión de gags absurdos, sin límites de decencia, sin remordimientos morales: humor homófobo, falta de respeto por los ancianos, escatología, cretinismo, putas baratas, agresiones sexuales de vagabundos… Posee trazas de “Curb your enthusiasm” por la facilidad que tiene el protagonista para meterse en situaciones ultraviolentas y autohumillantes. También recuerda a “South Park” por la inocencia casi infantiloide de los dibujos y la lactosa envenenada que esconden sus guiones. Aunque de momento sólo tenemos dos cortas temporadas entre manos, la serie queda ya como una crónica sulfúrica del fracaso y la incapacidad más absoluta para encajar en los cauces de la ‘normalidad’. Con estilo indie y espíritu punk. ¡Toma!

“The Cleveland Show” (Fox, 2009-10)

Este spin off en formato negroide de “Padre de familia”, la serie más punk del universo, es otro irresistible y doloroso ladrillazo genital con la firma de Seth McFarlane. Centrada en la vida familiar de Cleveland Brown, el amigo negro con voz nasal de Peter Griffin, la serie de la Fox sigue las constantes de la franquicia: humor ofensivo hasta extremos insoportables, gags histéricos, falta de respeto por todo bicho viviente independientemente de sexo, raza o afiliación política y, cómo no, los inevitables animales parlantes, en este caso una familia de osos obesos mórbidos. Evidentemente no tiene la grandiosidad y la chispa de “Padre de familia”, pero como complemento en negativo a la serie de Peter y Brian es un bien que se agradece en momentos de necesidad.

“The Ricky Gervais Show” (HBO, 2010)

Ricky Gervais, Stephen Merchant y el megafreak retrasado Karl Pilkington grabaron una serie de shows radiofónicos para la BBC en los que se sentaban ante el micro y se entregaban a conversaciones absurdas, con un alto índice de improvisación. Fueron un éxito rotundo y los podcasts se bajaron a millones. Ante este panorama, la HBO decidió darle la vuelta a esta tortilla y brindarle corporeidad a las conversaciones en forma de cartoons estilo Hannah Barbera: enanos mutilados por un león, el sistema de aprendizaje de los monos astronautas, delfines asesinos o la convivencia entre humanos y dinosaurios son algunos de los temas de conversación de este producto experimental. Lo más chocante es que la HBO ya ha encargado una segunda temporada. Un must para los fans de Ricky Gervais que, como un servidor, lloran sangre desde la defunción de “Extras”.

“Archer” (FX, 2009-10)

Aunque a mi modo de ver carece del encanto alucinógeno de “Ugly Americans”, se trata de una de las producciones más vitriólicas y mal intencionadas de la televisión yanqui. Archer es el miembro estrella de una agencia secreta llamada ISIS. Aunque las apariencias nos hablen de un intrépido y modélico justiciero, la realidad es otra: el tipo es misógino, adicto al sexo, tiene un complejo de Edipo muy sospechoso (se le escapa una tremenda erección cuando ve a su madre con una pistola), es un clasista, un niño de mamá, un déspota, un racista, un machista, un cretino integral… Un auténtico hijo de la gran puta, para qué andarnos con rodeos. Coged la versión americana de “The office”, las películas de James Bond, la irrespetuosidad de “Padre de familia”, metedlo todo en un cómic retro de espías de los años 60 y tendréis delante de vuestras narices una de las propuestas más jugosas de la animación estadounidense actual. Imprescindible.

Yorgos Lanthimos Sexo, mentiras y VHS El cine europeo enseña los dientes con esta comedia negra y provocadora que mezcla las disfunciones familiares con la cultura pop. Tres adolescentes crecen encerrados en la casa paterna sin tener contacto alguno con el mundo exterior, ¿os suena?. En la era post-Josef Fritzl nada debería ser motivo de escándalo y, sin embargo, la griega “Canino” fascina e irrita a partes iguales, y a ambos lados del Atlántico. Tiene mérito, ¿no?.

Texto

María Adell

N

ueva York es, básicamente, un lugar en el que suceden cosas. Como ver “Amanecer”, de Murnau, con Lou Reed sentado al lado. O la aparición sorpresa de la gran (en pie y ovación) Thelma Schoonmaker, montadora de Scorsese y viuda de Michael Powell, en la proyección de una rareza de su marido. El neoyorquino está, por tanto, acostumbrado a una relación con las celebridades que para nosotros puede resultar demasiado, digamos, ‘espontánea’. El debate posterior a la proyección de “Canino” en el reivindicable festival New Directors/New Films, celebrado entre el MoMA y el Lincoln Center, se inició con una pregunta lanzada a su director a bocajarro: “¿Consigues algún tipo de placer en cabrear al público?”. Risa nerviosa del resto de la sala, sonrisa irónica del aludido y respuesta contundente: “Mi propósito no es molestar a nadie sino provocar en el espectador emociones fuertes. No quiero que mis películas se queden en un término medio, prefiero que provoquen algo, ya sea rechazo o admiración”. Yorgos Lanthimos (Atenas, 1973) se las sabe todas: lleva un año promocionando su segunda película (desde que ganó el premio Un Certain Regard en Cannes) y sabe cómo lidiar con espectadores ofendidos y periodistas morbosos.

Cuando se le pregunta por la similitud de la trama con el caso Josef Fritzl, niega cualquier parecido: “La historia de Fritzl, que apareció cuando el guión ya estaba escrito, es mucho más oscura y tenía una orientación totalmente diferente a la nuestra. ‘Canino’ tiene un toque de humor absurdo y un tono cómico

que la hace divertida en muchas ocasiones”. Uno de los mayores logros de la película es, justamente, el delicado equilibrio entre una historia perturbadora y un sentido del humor negrísimo, basado, sobre todo, en la distorsionada imagen del mundo que tienen los tres jóvenes protagonistas. Basándose en la realidad artificial construida por el padre, un control freak patológico, los chicos creen que la madre va a dar a luz a un perro y que los aviones que pasan por encima de sus cabezas son juguetes que a veces caen en su jardín. Uno de los gags más efectivos es el ‘renombramiento’ de las cosas a las que no tienen acceso en ese Edén trastornado: un teléfono es un salero, el mar es un sofá y un zombie es una flor. “Aunque algunas cosas se improvisaron durante los ensayos con los actores, casi todo estaba en el guión, como la idea del ‘renombramiento’. Todo parte del concepto del lenguaje como principal vía de comunicación y, por lo tanto, de control. Si alguien puede controlar el lenguaje, manipularlo a su antojo, entonces puede influir sobre las personas”. El humor surrealista y retorcido, que Buñuel aplaudiría, y las estilizadas imágenes de la película, no ocultan que “Canino” es, sobre todo, una interesante reflexión acerca del poder: “Me apetecía observar cómo alguien puede manipular la mente de la gente, cómo se puede cambiar la percepción que alguien tiene del mundo, educándole de un cierto modo, o dándole una información determinada. Quería explorar los mecanismos de ese control, mostrar lo terrible y, a la vez, lo fácil

que es ejercerlo”. La familia, el gobierno, los medios de comunicación… el blanco al que apunta este universo distópico a escala doméstica es múltiple e intercambiable. El film no elude mostrar las escabrosas consecuencias de este régimen autárquico: el embarazoso aprendizaje sexual de los protagonistas, filmado en distanciadas y explícitas tomas, es uno de los elementos más perturbadores de la película. “El sexo debía ser torpe e incómodo, no apasionado ni estilizado. Para ellos es, simplemente, un deber más.

Utilizan el sexo como medio de conseguir cosas, no es un deseo natural”. En esta analógica realidad paralela pre-redes sociales, que parece una versión distorsionada de las aburridas horas de la siesta de nuestros veranos infantiles, unas películas en VHS (“Rocky” y “Tiburón”, aunque atención a la sorpresa final) se convertirán en objetos codiciados. La obsesión de la hermana mayor con ambas da pie a escenas desternillantes pero también constituye el germen del cambio. ¿Es una tarantiniana alegoría sobre el poder del cine? “No lo hice con ese propósito. La idea del cine como elemento liberador es interesante, pero sólo lo incluí porque era divertido”. Antes de despedirnos, le recuerdo el altercado con una indignada anciana griega que, el día anterior, había abandonada la sala de cine gritándole “¡No tienes educación!”. Lanthimos, riéndose, le quita importancia. “Supongo que ella creía que iba a ver una bonita historia desarrollada en Grecia, con hermosos paisajes y demás”. Desde luego, si algo no es “Canino”, es justamente eso.

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cine

Columna

Texto

Arantxa Ruiz

Philipp Engel

“Fish tank” de Andrea Arnold (Reino Unido, 2009)

“Iron Man 2” DE JON FAVREAU

Su te gustó la primera, pues dos tazas. De eso ya se encarga Scarlett Johansson que hará gala de sus generosas formas ceñidas en un traje de neopreno atómico. Pero de todas las novedades que promete esta esperada secuela escrita por Justin Theroux, la que más nos fascina es que el villano ñu encarnado por el bueno de Mickey Rourke haya alimentado su sed de venganza leyendo El País (obsérvese el recorte en lugar destacado de su colección de prensa sobre Tony Stark). El asunto, por supuesto, se presta a las más diversas interpretaciones ¿Quién es el bueno, y quién es el malo?

el cine que viene “Welcome”

“Baaria”

DE PHILIPPE LIORET

DE GIUSEPPE TORNATORE

Una de emigrantes. En este caso, Vincent Lindon —el ex de Carolina de Monaco— entrena a un joven kurdo que pretende atravesar el Canal de la Mancha a nado para reunirse con su amada. Cine con buenas intenciones, visto en Gijón, que pretende concienciar a la opinión pública francesa sobre el trato que se dispensa a los que se apelotonan en el Pas de Calais con la idea de alcanzar ese paraíso del sueño británico, desmentido en otras tantas películas del mismo género.

Cuando se presentó en la Mostra de Venecia este largo bodrio sentimental de Tornatore (“Cinema Paradiso”), el único que le dedicó grandes palabras elogiosas fue el mismísimo Berlusconi, que no por casualidad produce la cinta a través de alguna de sus empresas. Se trata de un recorrido nostálgico más o menos autobiográfico por la Sicilia del realizador, de los años 30 hasta los 80, un fresco académico que no nos libra del aburrimiento ni por la partitura de Morricone.

“Honeymoons”

“About Elly”

DE GORAN PASKALJEVIC

DE ASGHAR FARHADI

Otra de emigrantes. En este caso, una pareja serbia y otra albanesa tratan de llegar a Italia. La triunfadora en la pasada SEMINCI, donde el serbio es niño mimado (ya van tres Espigas de Oro). Es además la primera coproducción entre dos naciones tradicionalmente enfrentadas, la serbia y la albanesa. Un poco de folklore a la Kusturica, un poco de desenfado y un poco más de drama sobre la realidad de una Europa en movimiento, donde los pobres van a por las casas de los ricos.

A propósito de grandes dignatarios y de sus gustos cinematográficos. Se dice que el mismísimo Ahmadinejad (el de lo nuclear y el paluego) rompió una lanza por esta película para que no la mutilaran demasiado los censores de su país, perplejos ante la ambigüedad del film. El planteamiento recuerda al de “La aventura”, de Antonioni, una profesora desaparece sin más explicaciones durante las vacaciones de un grupo de jóvenes en el norte de Irán. Interesante.

“El último verano de la Boyita”

“Son & Moon, diario de un astronauta”

JULIA SOLOMONOFF

DE MANUEL HUERGA

Después de producir a la más incómoda Lucrecia Martel, los hermanos Almodóvar se encariñan ahora del segundo largo de Julia Solomonoff, que fue presentado en el BAFICI 09 en medio de las habituales propuestas, mucho más radicales, del certamen. Pero la Boyita, retrato vacacional de un grupo de niños presidido por la pequeña Guadalupe Alonso, tiene su encanto y gana adeptos pese a apostar por un clasicismo en medio de la revolución del Nuevo Cine Argentino.

El espacio contado a los niños. López-Alegría, primer astronauta (de padre) español (pero educado en California) en viajar al espacio exterior, es quien registró sus experiencias con una simple webcam a lo largo de seis meses a bordo de la estación espacial internacional. Una sinfonía espacial orquestada a partir de las videoconferencias que el comandante mantuvo con su hijo de seis años y un homenaje a “2001, una odisea del espacio”, por uno de sus fans, Manuel Huerga.

“Robin Hood”

“Los amos de Brooklyn”

DE RIDLEY SCOTT

DE ANTOINE FUQUA

El muy sacrificado Russell Crowe ha invertido muchas horas en el gimnasio para conseguir eliminar esos kilos de más y marcar paquete en este Gladiator de los bosques que promete ser uno de los más grandes entretenimientos de la temporada: palomitas sin pretensiones ni complejos que contentarán a los caballeros y a las damas que aspiran a sentarse con la guardia baja a disfrutar del espectáculo ideal para matar la morosa tarde de un domingo cualquiera.

La presencia de algunos miembros del reparto de “The wire” en el último film del de “Día de entrenamiento” busca sin duda dar un barniz de autenticidad a una nueva historia de policías al borde de la criminalidad que protagonizan Richard Gere (el poli a punto de jubilarse), Don Cheadle (el poli infiltrado) y Ethan Hawke (el poli con acuciantes problemas familiares). Un sofisticado desfile de tópicos con tufillo al Paul Haggis de “Crash”. No malo, pero sí poco memorable.

Por su insistencia en los universos del extrarradio urbano, Andrea Arnold podría enmarcarse en la tradición del cine social que tanto ha hecho por la cinematografía británica. Sin embargo, la realizadora no parece interesada en la denuncia oenegista que practican Ken Loach o Mike Leigh, sino más bien en los conflictos personales que se cuecen en esas marginales cocinas del infierno. Si “Red road” (2006) se desmarcaba de esa tendencia, en “Fish tank” tal voluntad queda aún más subrayada. Este segundo largometraje es, de hecho, una variación, salvando las distancias, del primero. Ambos comparten protagonistas femeninas al límite, estructura narrativa con idéntico vuelco hacia el melodrama terminal y también arrancan con imágenes emparentadas. En su ópera prima, el aislamiento de Jackie quedaba fuertemente pronunciado al descubrírnosla ya en los primeros planos rodeada de pantallas televisivas, realidades mediadas sin posibilidad de interacción. Y aquí Arnold retoma ese mismo motivo de la ventana para presentar a Mia (arrolladora Katie Jarvis), una chica de 15 años alienada, en guerra con el mundo, cuya única fuga ante la crudeza de su vida es el breakdance y la música. Marcado contraluz y horizonte suburbial, esa imagen pecera a la que alude el título de la película augura un futuro que ha de venir irremediable tras una transformación. Un cambio que será no duro, sino muy perturbador y provocado, cómo no, por un hombre, el nuevo novio de su madre, cuya presencia parece prometer algo de orden en el hogar disfuncional. A los cotidianos ‘vete a tomar por culo’ con los que se saludan madre, hija y hermana pequeña, el tipo, Connor (magnífico Michael Fassbender), impone sonrisas y cariño, revolucionando las hormonas no sólo de la matriarca. Atracción sexual y competición con su madre también se harán un hueco en la vida de Mia con la llegada del ambiguo guaperas. Arnold, no obstante, se encarga pronto de desmitificar el amor fou como única salida del hostil día a día de su protagonista (inevitable la comparación, algo perezosa, con la reciente “Una educación”). El deseo en Mia no es más que otra muestra de sus ansías de libertad, como su obsesión recurrente por liberar al caballo anclado en un terreno del barrio o las tomas de animales alados que van apareciendo una y otra vez en la cinta. La pregunta que queda al final, tras un reconciliador clímax último, es saber si en su huida, no acabará, como le sucede a su progenitora, en otra pecera con menos oxígeno que antaño.

autopsia

cine

“Increíble pero falso”

“Habitación en Roma”

de Ricky Gervais y Matthew Robinson (EE.UU., 2009)

de Julio Medem (España, 2010)

“Two lovers” DE JAMES GRAY (EE.UU., 2008)

Con la mirada puesta en “Noches blancas” de Dostoievsky, James Gray salta en “Two lovers” del drama criminal al melodrama, pero sin perder las constantes temáticas de su cine por el camino. De nuevo aparecen el brillo nocturno, las asimetrías románticas y la familia como refugio o fuente de conflicto. Y también su habitual estilización, esta vez empujada seriamente al terreno de lo fantástico. Me explico, el fuerte componente irreal y subjetivo que subyace en toda efusión amorosa sirve al director como pretexto para orquestar un elegante juego de espejos y fantasmas.

Gray transfiere en imágenes esa sensación de irrealidad de la que es víctima el enajenado Leonard —inmenso Joaquin Phoenix—, ser bipolar que pierde los papeles por la rubia e inestable vecinita de al lado. Lo hace filmando los rascacielos de Nueva York al son de la música de ensueño de Henry Mancini, o envolviendo el encuentro de dos amantes en el tejado en una atmósfera onírica y espectral propia de “Vértigo”. Con aires de clásico moderno, “Two lovers” es una lección de romanticismo atemporal que, sin embargo, conecta con nuestros días por el voyeurismo compulsivo de unos personajes que, conscientes de que el mayor enemigo del amor es el contacto con lo real, prefieren mirarse desde la ventana o desnudarse tras el cristal. Laura Gamundí

Si vieron total o parcialmente la última gala de los Globos de Oro debieron fijarse en que el maestro de ceremonias escondía un vaso de cerveza en su atril y bebía de ella sin disimulo justo antes de cada una de sus intervenciones.

Era Ricky Gervais, nuevo gurú de la comedia americana, guionista de “The office” —serie clave de la modernidad— y actor cada vez más en auge, que debuta en la dirección con este “Increíble pero falso”, de sabrosas esencias y notable poso. Y si aquella cerveza deglutida a largos sorbos era un dardo emponzoñado contra lo políticamente correcto, lo mismo es este feliz artefacto sobre la infelicidad de nuestra existencia, sobre la mentira como convención insalvable, presencia inexcusable en nuestras vidas y motor de ellas. Hecha de trazos inequívocamente geniales pero algo sobrecargada tanto de diálogos como de autoconciencia a la Gondry —por ejemplo—, la película transita por luminosos senderos humorísticos, desde lo más inspirado hasta retazos más mostrencos, bastante previsibles, que no invalidan, ni mucho menos, su poderoso calado, su continuada progresión ascendente hacia el coma etílico de mala leche que Gervais y compañía nos proponen. Toni Vall

Quien viera en su momento “En la cama” de Matías Bize sabrá ya cuál es la premisa argumental de esta película, un chico y una chica que se acaban de conocer pasan la noche en una habitación de hotel. Y ya. Diferencias: lo que en el film chileno era toda una sorpresa y diálogos naturales entre los protagonistas aquí pasa por el tamiz Medem. Y sobre todo, el cambio fundamental que encontramos en “Habitación en Roma” es que la pareja en esta ocasión está formada por dos mujeres, dos mujeres estupendísimas como Elena Anaya y Natasha Yarovenko que se enfrentan a un verdadero tour de force interpretativo compartiendo todas las escenas de la película. La poética del director vasco está tan presente como siempre. En esta ocasión los diálogos entre las protagonistas son los que tienen que sustentar todo ese peso. Por un lado, la resistencia de las dos a abrirse ante un extraño dando lugar a un juego de medias verdades. Y por otro lado está la historia que encierran las cuatro paredes, los cuadros le sirven como pretexto para enlazar con posibles lecturas simbólicas. El que acuda a las salas a ver retozar a las dos protagonistas se llevará una desilusión enorme, porque todavía quedan rastros de la sensibilidad y el buen saber hacer de Medem en el tratamiento de esta efímera historia de amor. Álex Gil

“Gentleman Broncos”

“Soul kitchen”

“The Marc Pease experience”

DE JARED HESS (EE.UU., 2010)

de Fatih Akin (Alemania, 2009)

DE TODD LOUISO (EE.UU., 2009)

En el año 2525, glorificarán esta película, abrirán museos en homenaje al lerdo de Benjamin, se dispararán lásers al cielo celebrando el día de la muerte del Dr. Ronald Chevalier, y la saga de películas sobre “Yeasts Lords” habrá alcanzado las dos docenas de secuelas, con Sam Rockwell dando vida a un Broncos crepuscular. Venga, si vamos a hacernos fans de estupideces, que sean al menos tonterías con corazón. Todo, todo es malo en esta película. Pero esa es la idea. No me valen los remilgos, que ahora vengas diciendo “a mi ‘Napoleon Dynamite’ me hacía gracia pero esta no”. Si crees que Jared Hess antes facturaba humor de alto nivel y ahora hace humor barato porque encadena vómitos con besos, o hace grandes usos espaciales de los testículos de su protagonista, entonces nos estamos volviendo todos locos. Los relatos dentro de relatos de esta fácilmente intricada historia sobre un atontado adolescente escritor de cuentos de ciencia ficción, al que un autor endiosado del género plagia su primera novela, poseen más magia e hilarante emoción que decenas de las consideradas ‘pelis buenas’. Las tres versiones de la historia de Bronco, y la torpeza premeditada de esta trama-basura, me dejaron con una gran sonrisa, más cierta nostalgia adolescente, sólo combatible con batido de cacao. Fantásticonious! Albert Fernández

Parece haber unanimidad en que la banda sonora de “Soul kitchen” es su mejor carta de presentación. Sin cuestionar una selección de tracks que confirma el excelente DJ que es Fatih Akin, faceta a la que consagró el apabullante documental sobre el crisol musical turco “Cruzando el puente”, el juicio denota las notables carencias de su último film, pues vendría a ser como destacar una ensalada por la justa proporción de su aliño. Alabar los espléndidos créditos finales confirmaría que el director puso tanto énfasis en el envoltorio que se olvidó de cuidar su contenido. Pese a su ritmo atolondrado, su tono histriónico y su querencia por la gansada, “Soul kitchen” no es una mala película. Es una comedia más, lo que viniendo de alguien que en el registro opuesto, el drama en vena, venía sacando un músculo que arrojaba al espectador contra la pared, amplifica la decepción. Sus personajes de antaño, heridos y luchadores, imperecederos y complejos, son ahora volubles peones del gag fácil. Hay tres zarpazos divertidos, una camarera felina y una jocosa chanza a costa de la cocina molecular. Con esto y poco más, uno abandona la sala y se dirige a la tienda de discos más cercana, donde a duras penas retiene el nombre de la película para solicitar el correspondiente CD. Antonio Lozano

Sobre el papel, la cosa prometía. Louiso, actor de mediopelo, nos sorprendió hace unos años brindando una de las mejores interpretaciones de un Philip Seymour Hoffman que se pasaba la película (“Love Liza”, 2002) amorrado a un bidón de gasolina para paliar el dolor de la pérdida. El regreso de Louiso tras la cámara parecía que iba a más, aunque tan sólo fuera porque juntaba a Ben Stiller y Jason Schwartzman en el cartel de un film que podría acabar llamándose “Movida en el instituto” (al cierre de esta edición el título todavía no era seguro).

En algún momento nos atrevimos a soñar con una mezcla de delicadeza andersoniana y despiporre zoolanderiano, pero la realidad es otra. Si la hubiera, la mezcla no cuaja. Cual eterno repetidor de Rushmore, Jason sigue pegado a los pasillos del instituto, saliendo con una adolescente (la repipi de “Up in the air”) y tratando de relanzar su mermado grupo a capela. Ben es el histriónico profesor que no se lo puede sacar de encima mientras prepara su particular High School Musical basado en “El mago”, la versión Lumet de Oz. Si aquella fue un fracaso, esta le va a la zaga y toda la función queda resumida a los antiestéticos tocados capilares de sus máximos protagonistas.

Una decepción mucho mayor que la sufrida con el “Art School Confidential” de Terry Zwigoff. Direct to video. Philipp Engel

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libros Pola Oloixarac

american most wanted Texto

“Corona de flores”

Javier Calvo mondadori

Philipp Engel Tamara (Anacronic)

Ilustración

Wells Tower VANCOUVER (CANADÁ), 1973

“D

jarf era oriundo de Hedeby-Slesvig, en el fiordo de Sli, una localidad pestilente y rocosa cuyos habitantes extraían un preocupante placer de los aspectos más asquerosos de la vida. Allí tenían una costumbre: si no les gusta el aspecto de un niño recién salido del vientre, lo tiran al abismo y esperan al siguiente. Al parecer, el propio Djarf había sido un bebé propenso a los cólicos, y sólo gracias a la benevolencia de las mareas y a su tenacidad había alcanzado la playa cuando su padre intentó que se despidiera de este mundo”. “Todo arrasado, todo quemado” de Wells Tower.

Vikingos que hablan como si fueran moteros salvajes de una serie de televisión. Así de festiva es la pieza que da título a “Todo arrasado, todo quemado” (Seix Barral), el compendio de nueve magníficos relatos con el que Wells Tower ha arrasado de veras en Estados Unidos. Sabemos que, en estos menesteres, las dimensiones de un éxito no tienen por qué ser proporcionales a su calidad. Pero en este caso no es para menos. Siempre dentro de las distancias cortas y sin hacer grandes esfuerzos de memoria, servidor no recuerda un debut tan contundente desde el ya muy lejano “Aquí no eres un extraño”, de Adam Haslett (Salamandra). Un rápido barrido Google confirma que, cuando el volumen que nos ocupa salió a la venta en Estados Unidos —hará un año—, Mr. Tower quemó todas las expectativas. No uno, sino dos críticos del New York Times —Michiko Kakutani y Edmund White— compitieron en elogios; Michael Chabon y Nick Hornby se bajaron los pantalones; la masa de fans sigue creciendo a ojos vista y se comprende; sumemos premios y reconocimientos diversos, entrevistas a tutiplén y youtubes a porrillo.

Entre ellos, una animación rudimentaria sobre los ya famosos vikingos que charlan como moteros catódicos: “Joder, Gnut, ¿y desde cuando te has vuelto tan condenadamente cabrón?”.

Naturalmente, Mr. Tower ya tiene proyecto cinema-

tográfico a la vuelta de la esquina. Mientras escribe la que será su primera novela, ultima la adaptación de “Ahora sabréis lo que es correr”, de Dave Eggers, que dirigirá Miguel Arteta. Otras cosas que sabemos de él: de padres profesores, nació en Vancouver pero creció en Carolina del Norte; compaginó una sólida formación universitaria con fanzines y una banda de punk (los Hellbender, puede descargarse su “Con limón”) y, finalmente, cuando ya se había establecido como periodista de reportajes largos, decidió dar forma de libro a los relatos que había escrito y reescrito, publicado y republicado en diversas revistas, incluidas McSweeney’s y Paris Review, la que le consagró. Nos parece un detalle revelador que dispone de dos mesas para escribir: una con internet para los artículos, otra sin distracciones para sus ficciones. Podríamos seguir, pero lo que más importa aquí son los vikingos. Digamos que los ocho primeros relatos atrapan y deleitan, aunque se ajustan al canon temático de lo que podemos esperar de un joven escritor estadounidense. No es un reproche, en absoluto. Abre el fuego, por ejemplo, “La costa marrón”, que curiosamente también fue su primer relato: Un tipo que ha engañado a su mujer se impone un exilio en una isla sin playas a la espera de que las cosas se arreglen mientras contempla un acuario que nos recuerda al de una película de Kiyoshi Kurosawa. En las páginas que siguen, aparecen rencillas entre hermanos, un padre que pierde la memoria, un abuelete que se fuma un porro para huir de su hija, un viaje con el novio de la ex, e incluso existe la amenaza de un par de pederastas. Resultan magníficos, en la mejor tradición americana. Pero queda claro que los dichosos vikingos susceptibles de ser contratados por la HBO marcan la diferencia.

No hay forma humana de quitárselos de la cabeza: “No sé para qué volvéis. Durante el último asalto os llevasteis todo lo de valor”. Llorando, en fin muchas gracias. Y no más spoilers.

Tengo que reconocer que me gustaba el primer Javier Calvo, aquel que jugaba a la modernidad con obras como “Risas enlatadas” (2001) y “El Dios reflectante” (2003). Siempre me ha atraído su literatura como un compañero de generación, como un escritor cuyas inquietudes han mutado en paralelo a mis propias inquietudes. Sí, el primer Calvo me gustaba, pero el nuevo Javier me fascina. Todo comenzó con “Los ríos perdidos de Londres”, uno de esos libros que tienes que comprar sólo por el título. En esa colección de relatos este barcelonés comenzaba a jugar con ciertos elementos esotéricos, introducía una de sus grandes pasiones (la religión) y, sobre todo, se olvidaba de la literatura norteamericana y fijaba su mirada en la época victoriana. “Mundo maravilloso”, su intento de crear un folletín dickensiano en la Barcelona del siglo XXI, salió publicado cuando el vocablo ‘Nocilla’ hacía furor. Así que nadie se percató que Calvo estaba navegando en las antípodas de esa ‘generación’. Su acertada mezcla de literatura post-moderna y amor por la época victoriana nos ha dado a uno de los mejores escribas de esta época. Confirmación que alcanza todo su potencial con esta “Corona de flores”.

Si Dickens estaba presente en casi toda “Mundo maravilloso”, Calvo cambia de escritor (ahora es Conan Doyle, e incluso el Stevenson más gótico) y también de época (la acción se sitúa ahora en plena restauración borbónica de finales del XIX)... pero no de ciudad: Barcelona continúa siendo el escenario donde Calvo juega al gran titiritero con unos personajes que ya pueden ser considerados míticos: el cruel inspector Semproni de Paula, cuyo aciago físico le hace parecerse a un niño de diez años y su némesis (o su Sherlock Holmes), un ser mostruoso al que llaman el Trasgo pero que en realidad responde al nombre de Menelaus Roca, anatomista agarafóbico, fotofóbico y recién salido de la cárcel donde fue internado años atrás por asesinato. Juntos tendrán que detener al llamado Asesino de la Esperanza, un psicópata cuyos cruentos crímenes serían aplaudidos por el misterioso Jack. Maravillosamente estructurada y dueña de un ritmo frenético que te obliga a devorarla hasta el final, “Corona de flores” presenta, como en todas las obras de Calvo (gran aficionado a la obra de Terry Pratchett), varias lecturas inquietantes. Por un lado tenemos el misterio, en un segundo plano se encuentra esa Barcelona maldita por siglos de sangre, rituales y caos, y, en el centro, el enfrentamiento de la religión visceral contra la ciencia más impersonal. Concederle un sobresaliente sería quedarse corto. Manu González

Pola Oloixarac Desmontando a Pola Es la chica de moda. Ha escrito la novela que, según Javier Calvo, la mayor parte de escritores se pasan la vida tratando de escribir. “Las teorías salvajes” es, en palabras de la propia Pola, “una comedia negra sobre la guerra y la seducción”. O lo que es lo mismo, una novela sobre la cultura contemporánea”. Pola colecciona orquídeas (su favorita es una Paphiopedilum insigne, Paphio, para los amigos) y durante un tiempo su libro favorito fue “American Psycho”. Una chica lista.

Texto Foto

Laura Fernández Chus Sánchez

P

ola escribió su primera nouvelle en un barco. Se llamaba “Días de revolución”. “Era la historia de una familia de nobles agazapados en un castillo en las provincias de Francia, en 1789”, cuenta. Tenía ocho años.

Ocho años. Y “venía de fracasar con un largo cuento árabe que no había podido terminar”, dice. Durante un tiempo, después de meter su primera novelita en un cajón, se dedicó a hacer jugosos retratos de sus “compañeritas” de escuela, “a la manera de las novelas de internados, que me encantaban”. Superado el affaire con la literatura de chicas encerradas, empezó a escribir cuentos y novelas “demasiado intelectuales, demasiado complicadas” hasta que, un día, charlando con su amiga Maxine Swan, también novelista, se dio cuenta de que tenía que fundir los dos mundos, “el de la vida y el de la literatura”. “Descubrí que habíamos entendido mal a Borges, porque las teorías también son literatura”, asegura. Así nacieron “Las teorías salvajes” (Alpha Decay, 2010), su primer puñetazo literario, la historia de una chica rara y guapa y sórdidamente enamorada de uno de sus profesores (hasta el punto de que el tipo parece sentirse acosado por la chica), en busca de la teoría definitiva.

A través de un discurso potente (erótico y erudito a partes iguales) construido a conciencia (“siempre he sido de las que no quieren perder cuando se pone a discutir, de hecho, durante mucho tiempo jugaba a

encontrar el argumento definitivo antes de meterme en cualquier discusión”), la historia de la chica rara, emparentada fantasmagóricamente con el investigador Van Vliet, “enamorado de su objeto de estudio”, una tribu caníbal, y convertido en toda una leyenda macabra, se entrecruza con la de la pareja que forman el feísimo Pabst y la desproporcionada Kamtchowsky, cuyas teorías sobre la relación entre la fealdad y la inteligencia estallan en mil pedazos cuando conocen a Mara y Andy, una pareja inteligente y guapísima, que los adopta sexualmente.

“En realidad, los cuatro forman parte de un sistema en el que todos giran entorno al sol de la vanidad, porque la pasión por la autoestima me parecía más importante que el sexo”, sentencia Pola, que suele escribir por las mañanas y tomar mucho chocolate.

“Así es como soborno al cuerpo para tolerar el trabajo físico que implica escribir”, dice. Acostumbra a poner la misma canción en repeat durante horas.

“Escucho mucho pop y música de los 50: cosas ecualizadas para excitarte sexual y socialmente. Cuando voy a bares a escribir uso auriculares potentes. No sé, Michael Jackson, Donna Summer, Barry White, Stevie Wonder, mucho Frank Sinatra, y a veces Nirvana y The Smiths. De hecho, casi siempre escribo en bares y así”, confiesa.

Además de escuchar la misma canción durante horas

lo que hace Pola cuando escribe es citar. Cita muchísimo. Cita a Leibniz y a Descartes y hasta transcribe, a modo de “piezas arqueológicas”, anuncios de Levi’s y horóscopos de revistas femeninas. ¿Preparada para una legión de nerdie fans? “Los nerds ocupan hoy el lugar del Napoleón capitalista del siglo XXI. Ese capitalismo nerd lleva la impronta de un entrenamiento emocional basado en el cultivo de la autoestima, la actitud crítica, la ultraespecialización, la meritocracia: pero más que nada, una relación reverencial con la información. Un nerd es una persona especialmente sensible a estas coordenadas epocales y goza de esos torbellinos, y, de alguna manera, el entretenimiento de los demás va diseñándose según el patrón de goce del nerd, el campeón de la época”.

Cuando imagina “Las teorías salvajes” convirtiéndose en algo más que un fenómeno literario (que ya ha alcanzado, por cierto, la tercera edición en España), dice que imagina una delirante película de Tarantino. “¿Por qué no? Así podría tomarme algo con él”, dice.

“Aunque quizás quedaría mejor Whit Stillman, un director americano que hacía comedias talkie”, se apresura a añadir. ¿Y quién sería la dueña de Montaigne, la gatita, y por lo tanto, la protagonista de la teoría salvaje, en la gran pantalla? “Selma Blair, sin duda, tiene una manera de ser snob y estar loca a la vez que es muy cómica”.

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libros

libros “El gran mundo” David Malouf

“El afinador de habitaciones” Celso Castro

“El buen ladrón” Hannah Tinti

libros del asteroide

libros del silencio

anagrama

Una persona con más bilis que sangre rechaza una novela sin habérsela leído por varias y muy bonitas razones. En “El gran mundo” encontramos varias de ellas. David Malouf, es de ascendencia libanesa (lo cual hace que uno piense inevitable y fatalmente en Maruja Torres), el tema principal de su literatura es Australia y lo australiano (algo tan fascinante que no se puede contener la emoción) y, encima, el autor tiende más a la novela psicológica que a la novela de asunto. Por fortuna, las personas con más bilis que sangre son capaces de aceptar una novela sin habérsela leído por otras tantas y muy bonitas razones. Y en “El gran mundo” encontramos varias de ellas. La primera es que la editorial, Libros del Asteroide, ha publicado varias felicidades completas como “Vida de Manolo”, “Postales de invierno”, “En busca del Barón Corvo” o (a santiguarse todo el mundo) “Juan Belmonte, matador de toros”, lo cual implica que la marca de fábrica es inmejorable. La segunda es que “El gran mundo” aspira a lo pequeño a través de lo universal y viceversa, mediante la historia de dos amigos de biografía dispar, atrapados entre guerras mundiales, un campo de prisioneros japonés y un futuro aún por vislumbrar. La tercera (y la más importante) es que se trata de un libro entretenidísimo, admirablemente bien escrito, sobrio pero puntillista y en el que la penetración psicológica no oculta ni desprecia el gusto por la acción. Por suerte para todos, las personas con más bilis que sangre no siempre dirigen editoriales. Daniel López Valle

La gentileza, la suma de todas sus acepciones, tiene la culpa de lo que le sucede al joven protagonista de “El afinador de habitaciones”. Con ese término abre Celso Castro su novela, que se agota rapidísimo por la velocidad de los acontecimientos que explica, una narrativa vertiginosa la que practica, sin mayúsculas, con rictus espontáneo, donde se dan cita la alta y la baja cultura. Esa mezcla del espíritu bohemio, la delincuencia, los alcoholes y los humos, alternan con la Viena fin de siècle, los compositores excelsos, el canallismo y los fantasmas del pasado (en forma de madre muerta o de amigos), el reverso tenebroso de la vida. Y por encima de todos estos temas está la pasión por la literatura (la profesión de librero, la aparición de un libro de Maiakovski, o anécdotas de Nietzsche y Beckett) y sobre todo su relación con las mujeres. Castro afirma que se deja llevar por la trama, aquí el narrador la construye en primera persona a partir de sus historias de amor (con Rosalía, Esther e Iris) y la comparte con el protagonista de “La Cuervo”, relato que abre el volumen y con el que tiene en común alguno de los personajes secundarios. Relaciones convulsas, que funcionan a base de impulsos, y fluyen, al igual que este libro, a medio camino entre lo real y lo fabulado. Un bocado breve y exquisito con el que nos deleita la nueva editorial Libros del Silencio, que ya anuncia dos libros más de Castro que conformarán junto a este la ‘Trilogía del Yo’. Mientras tanto, sean gentiles. Álex Gil

En los últimos tiempos, afloran más que nunca los escritores jóvenes, cuya primera novela aparece tras ganar innumerables premios y concursos literarios. Toda esa estirpe puede llegar a producirme la misma inquietud que un viejo escritor que piensa que todo lo que saca del lavabo puede llegar a ser publicable simplemente porque es él quien lo firma. De entre la primera especie de escribas, sin duda la más escalofriante la representan aquellos que pretenden ‘revitalizar el medio’, ‘dislocar el discurso’, o vete a saber que otra fenomenal tontería. Por fortuna, Hannah Tinti nada tiene que ver con todo eso. Ella protagoniza un insólito caso de escritora de verdad en un mundo de fantasmales apariencias, y todo aquello de lo que está hecho “El buen ladrón” es justificado y digno de mención. Como la mayoría de niños, esta literata de Masachussets sentía una contradictoria atracción por los cementerios cuando era pequeña. En una de sus visitas a ese reguero de tumbas y inscripciones, Tinti sufrió un accidente con un trozo de lápida, que le dejo una cicatriz en su mano izquierda. Justo esa es la mano que le falta al niño que protagoniza esta historia, un huérfano que es adoptado por unos ladrones de tumbas en la Nueva Inglaterra del siglo XIX. La partitura narrativa de Tinti es clásica, y lo mismo sucede con su prosa, que consigue dar un tamiz natural a sucesos de fábula. Al fin, alguien extiende los dedos desde una perspectiva moderna, y da con la vieja manera de hacer las cosas. Albert Fernández

“La piel afilada” Josan Hatero

“Diario de un ama de casa desquiciada” Sue Kaufman

“Dinámica de los cuerpos eléctricos” Juan Sardá

alfaguara

libros del asteroide

suma de letras

No me hablen de experimento, los experimentos explotan y éste está muy contenido. Me hubiese entrado mejor como enciclopedia. Desearía haber encontrado más riesgo, seguridad, saltos al vacío, altanería en el intento de capturar el mundo (aunque sólo fuese como catálogo de amantes) en unas cuantas páginas. No me discutan, soy una amante ‘miope’, nadie podrá convencerme de que no me enamoro de aquello que no veo, que veo borroso. Sin embargo, me gusta este libro.

Me gusta —es mi esencia— por lo que no es, por lo que no alcanzó a ser. El autor se esconde de la verdadera tarea, de la imperiosa tarea de imaginarnos. Estamos todos hechos un lío. No necesitábamos la constatación de que ahí fuera hay otros como nosotros, los testimonios de las “personas reales” entrevistadas no aportan nada a la literatura y acercan peligrosamente el ‘experimento’ a un manual de autoayuda.

Sin embargo, ahí está el bestiario. Afilados, narcolépticos, diferentes, santos, berlineses. Imposible sustraerse a la inclinación por vernos reflejados. Te vas a encontrar, y seguramente te vas a reflejar hermosamente descrito. Hay prolijosa documentación, variedades, pero también repeticiones o conceptos demasiado cercanos. Pero sobre todo hay dudas y no me gustan los amantes —ni los libros— dubitativos.

Inventen ustedes, que son escritores, un mundo orgulloso de su esencia de mundo y que no tenga nada que deberle a nadie. Evite cuestionarse, que eso lo hará el lector atento, y más que ninguno el pornógrafo. Carolina León

Desde el punto de vista literario, la insatisfacción conyugal americana ha tenido tradicionalmente la categoría de daño colateral de un sistema de vida asfixiado por su propias ansias de perfección. Estas quedarían reflejadas en el parcelamiento milimétrico y las achispadas barbacoas al aire libre que definen el suburbio. Asimismo, los cronistas más citados de esta visión del matrimonio han sido hombres. “Diario de un ama desquiciada”, publicada originariamente en 1967, supone un (in)feliz desvío de este patrón, primero porque autora y protagonista son mujeres y segundo porque el marco se traslada al Manhattan de los WASP con sirvienta y problemas gordos como acertar en la colocación de las tarjetas de los invitados a una cena de etiqueta. El rescate de la novela no podía ser más oportuno para los seguidores de “Mad men”, ya que su predecesora alma gemela en mentiras domésticas y estatus social, Tina Balser, sirve de testimonio ‘presencial’ del momento histórico . Obras de ficción recientes como los libros “Las horas” de Michael Cunningham y “Juegos de niños” de Tom Perrotta o la película “Lejos del cielo”, encuentran también en Sue Kaufman un maduro referente en la exposición de la batalla femenina por la realización personal en un hogar falso y saboteador.

Con acidez tragicómica, Tina Balser vuelca en su diario toda la frustración que resulta incomunicable a su marido, su amante y su psicoanalista, palabras sinceras y biliosas que le eviten la locura de creerse que la ostentosa farsa en la que nada, configura la realidad y sus deseos. Antonio Lozano

“Quiero ser indie y quiero ser guay. O, como mínimo, quiero parecerlo. A mí lo que me mola es la ropa y la sensación colectiva de que eres más listo que el resto. La música, no es que no me guste, es que no la entiendo”. “Dinámica de los cuerpos eléctricos” es el fiero debut del barcelonés Juan Sardá y su protagonista, un cínico clasista y egoísta, siempre salido, bastante cabroncete y crápula sin remedio, dice cosas como esa y como esta: “A nadie le apetece hablar del corazón un viernes por la noche de farlopa”. Novela de iniciación sobre la bisexualidad, las drogas, la desintegración familiar y la incapacidad crónica para amar, la puesta de largo narrativa de Sardá es un viaje nostálgico pero sin demasiada compasión a la noche barcelonesa de finales de los 90, cuando el fenómeno indie explotó, el pop nos iba a hacer libres y las noches no terminaban precisamente con el amanecer. También es un retrato crudo de la alta sociedad catalana, con sus hipocresías y miserias (los ricos también lloran) y de “una generación que creció en la abundancia y se encontró con el vacío más absoluto”. Aunque más allá de vicios, traiciones y pasiones, el amor es el protagonista aquí.

Un amor puro, profundo, imposible y destructivo a partes iguales que sobrevuela toda la novela. Divertida, honesta, políticamente incorrecta y bastante adictiva, “Dinámica...” se lee como un rayo. Puntos extra por dejar testimonio de una época y una escena de Barcelona que hasta ahora nadie había retratado, y menos así. Leticia Blanco

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