Go Mag 113

ARCADE FIRE THE DEAD WEATHER JAMES HOLDEN PETER HOOK SKREAM THE DRUMS THE MORNING BENDERS

113 JULIO-AGOSTO 2010 CONSIGUE LA EDICIÓN CON CD EN TU QUIOSCO

GO SERIES 72: FIB HEINEKEN 2010 Incluye temas de Four Tet, Yacht, Dirty Projectors, Skream, JJ, Standstill, Japanese Popstars, Cuchillo, Cohete, The Temper Trap, Brendan Brenson, Two Door Cinema Club y más...

EDICIÓN GRATUITA FREE ISSUE

THE REQUESTERS MATHEW JONSON MUMFORD & SONS

+ ESPECIAL FIB HEINEKEN 2010

113

sumario

JULIO-AGOSTO 2010

08 BITES

staff Edita UNIPRENSA S.A. Subdirector general: José Rabadán GO MAG Directora: Janina Canet.

Jefe de redacción: Manu González. Director de arte y diseño gráfico: Fabián Taranto y Natalia Cambello (www.groteskdesign.com).

Redacción GO MAG. Muntaner, 492, Bajos. 08022 Barcelona.

Tel. (+34) 93 417 68 67 / (+34) 93 418 50 05 Fax (+34) 93 417 33 63 E-mail: go@go–mag.com Suscripción y logística: 93 418 50 05 solicitudejemplares@uniprensa.com Web: www.go–mag.com Facebook: www.facebook.com/gomagspain Coordinador de cine y literatura: Philipp Engel.

Coordinadoras de moda: Leticia Blanco y Ana Tomás. Coordinador de tecnología: Xan Pita.

Corrección: Nati Arco.

Redactores: María Adell, Virginia Arroyo, Leticia Blanco, David Broc, Óscar Broc, Javier Burgueño, Matías Bosch, Philipp Engel, Albert Fernández, Laura Fernández, Laura Gamundi, Álex Gil, David Giménez, Daniel Gómez, Gloria González, Manu González, Aleix Ibars, Jordi Kodrinsky, Violeta Kovacsics, Milo J. Krmpotic’, Carolina León, Israel Márquez, Pepo Márquez, Toni Márquez, Luís Meyer, Àlex Montoya, Half Nelson, Jorge Palomar, Banessa Pellisa, Rubens Pérez, Marc Piñol, Xan Pita, Florence Rodenstein, Alicia Rodríguez, Vidal Romero, Arantxa Ruíz, Ana S. Pareja, Arnau Sabaté, Jesús Sáez, Silly Savage, Toni Vall, Daniel López Valle, Alberto Vidal, Pablo Vinuesa y Álex Vicente.

Fotógrafos: Juan Aragonés, Shaun Bloodworth, Lars Borges, Melanie Brown, Dani Cantó, Juan Cea, Rebecca Escabrós, Javier Fernández, Olly Hearsey, Jamie Hewlett, Mario Krmpotic, Óscar Romero, Floria Sigismondi, Fabian Taranto, Inma Varandela y Abraham de Vicente.

Dibujo de portada: Jamie Hewlett.

44

12 INTROS

THE DRUMS

16 FESTIVALES 21 INFORME FIB HEINEKEN 10 24 PETER HOOK

20 EN PORTADA: GORILLAZ

26 MUMFORD AND SONS 28 SKREAM 30 PRINS THOMAS 38 THE REQUESTERS 42 THE DEAD WEATHER 46 TECHNASIA

52 ARCADE FIRE

48

50 VIVIAN GIRLS

JAMES HOLDEN

52 VIGO TRANSFORMA 54 TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO 56 DISCOS, MAXIS, ÚLTIMO CLÁSICO...

70 AGENDA MUSICAL Y LIVE

52 THE MORNING BENDERS

47 MATHEW JONSON

Publicidad Barcelona Tel. (+34) 93 418 50 05 / 93 417 68 67 E-mail: publicidad@go–mag.com Agentes comerciales: Ramón Villarquídez, Gina Selicorni y Eneida Fonseca.

Publicidad Madrid Christian Osuna. Tel. (+34) 617 458 768 E-mail: christian.osuna@go-mag.com

82 GADGETS Y MODA

Dep. Legal: B-19124-00 Fotomecánica, impresión y encuadernación: Tu Grupo Gráfico 2005 S.L. Distribución gratuita: Barcelona (Blind Records). Resto de España (Envialia).

Distribución en quioscos: Coedis.

GO MAG se distribuye gratuitamente en las siguientes ciudades españolas: A Coruña, Alicante, Barcelona, Bilbao, Burgos, Cáceres, Cartagena, Castellón de la Plana, Ciudad Real, Donostia, Girona, Granada, Lleida, Logroño, Lugo, Madrid, Málaga, Murcia, Pamplona, Gijón, Vigo, Santander, Sevilla, Tarragona, Valencia, Vitoria y Zaragoza.

GO MAG está disponible en los quioscos de España, Portugal, Argentina, México, Chile, Costa Rica y Perú.

88 IN & OUT 92 CINE Y LIBROS

004/005

concurso

¡Sorteamos 2 abonos dobles para Vigo Transforma!

Vigo se abre a la modernidad con el Festival Vigo Transforma, incluido en la programación de Xacobeo 2010, que celebrará su primera edición del 2 al 10 de julio de 2010. Artistas como Orbital, Standstill, Miike Snow, Devendra Banhart, The XX, Jeff Tweedy, The Divine Comedy, Fanfarlo o Love Of Lesbian, entre otros, se darán cita en este festival, que incluirá una programación alternativa centrada en instalaciones artísticas, bajo el título Vasos Comunicantes. Como medio oficial de Vigo Transforma sorteamos 2 abonos dobles para los días 9 y 10 de julio.

Participa en nuestra web: www.go-mag.com

¡Sorteamos 2 abonos para el Berlin Festival!

El Berlin Festival se celebrará los próximos 11 y 12 de septiembre en el aeropuerto abandonado de Tempelhof con las actuaciones de Editors, LCD Soundsystem, Fever Ray, 2ManyDjs, Soulwax, Tricky, Boys Noize, Caribou, Herman Dune, Port O’Brien, Atari Teenage Riot y First Aid Kit, entre muchos otros. Sorteamos en exclusiva dos abonos para asistir a este impresionante festival en la ciudad más excitante de Europa. Participa ahora a través de nuestra web: www.go-mag.com

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estrenamos nueva web Hemos realizado un completo rediseño de nuestra web con el objetivo de ofrecer un espacio más actual, interactivo, práctico, útil y, sobre todo, el entorno idóneo para que el lector de Go Mag pueda seguir al momento toda la actualidad musical y cultural al alcance. Un portal musical interactivo con vocación internacional, destinado a crear comunidad y promover el intercambio de ideas entre usuarios, con noticias actualizadas a diario, blogs, reseñas y entrevistas, música a la carta, vídeos de facturación propia, foros y redes sociales. Y no sólo música... también cine, libros, cómics, moda y tecnología. Vísitanos.

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008/009

bites

Festival Subterráneo en el Costello de Madrid

Bites

Showcases de sellos independientes, mercadillo y exposiciones

Por segundo año consecutivo, y tras el éxito de la primera edición, el II Festival de Sellos Independientes Subterráneo vuelve al Costello Club de Madrid este verano. El Subterráneo nació como iniciativa para apoyar tanto a los sellos independientes de nuestro país, como a las promotoras, y agencias de management que apuestan por la calidad musical, que va desde los sonidos mas experiementales a grupos ya consolidados dentro de la escena independiente. Este año participarán una totalidad de 9 compañías, entre sellos, promotoras y productoras, durante los meses de julio y agosto. Cada compañía tiene dedicada una semana donde habrá actuaciones de sus grupos, mercadillos de discos a precios especiales, proyecciones, exposiciones y muchas más actividades y sorpresas.

En julio nos visitan desde Madrid Gran Derby Records (con un concierto acústico de Secret Society + Nine Stories) y La Trinchera (conciertos especiales de Cohete + Los Claveles y Nick Garrie), Repetidor de Barcelona (con Kokoshca + Remate, Duo Cobra + Kiev Cuando Nieva), Malatesta Records y Dress For Excess de Valencia (ojo a las actuaciones de Algora y Meneo).

Y en agosto, Nooirax Producciones, Algoenblanco y Gig’n’Tik desde Madrid, y La Produktiva desde Barcelona. Consulta toda la programación en www.costelloclub.com.

// El 7 de agosto se celebra en la Playa Honda de La Manga, Murcia, el festival Electromar, con las actuaciones destacadas desde las 17h de la tarde de Zombie Nation (en la foto), Josh Wink, Delorean, Cycle, Mistress Barbara, Alex Under, Oxia, Alexander Kowalski, Pablo Bolivar, Tadeo o Audiofly, entre otros. // El Festival Visual Brasil tiene programada su octava edición para los días 2 y 3 de julio en el centro cultural Punt Multimedia de Barcelona. Videoarte, performances, audiovisuales e instalaciones conforman el grueso del festival, donde destaca el proyecto “Videopomg server” del grupo Bildstörung de Suiza, la presentación del colectivo femenino Emily TripleHead de Alemania o el colectivo brasileño EMBOLEX, entre otros. La entrada es gratuita. www.festivalvisualbrasil.com // El festival de cortometrajes de El Masnou, Fascurt 2010, tendrá lugar los días 8, 9 y 10 de julio en la playa de Ocata, en el cine La Calàndria de El Masnou y en el centro de participación juvenil Ca N’Humet. También habrá actuaciones del grupo Mujeres y los DJs Sidechains y Koo. www.fascurt.com // El 14 de septiembre el grupo de post-punk neoyorquino Interpol publica su cuarto álbum de estudio, titulado simplemente “Interpol”, a través de Matador. El disco está producido por ellos mismos y fue grabado en el Electric Lady Studios de Nueva York y mezclado por Alan Moulder en Londres.

Tras la grabación del disco, el bajista y teclista Carlos Dengler abandonó el grupo para perseguir sus propios intereses artísticos, y le sustituirán en esta gira el guitarrista de Slint, Dave Pajo, y el teclista Brandon Curtis de Secret Machines. Interpol estarán de gira por España en las siguientes fechas: 5 de octubre, Teatro Campos Eliseos (Bilbao); 13 de noviembre, Palacio Vistalegre (Madrid); y 14 de noviembre, San Jordi Club (Barcelona). www.interpolnyc.com // Ya tenemos las primeras confirmaciones del 981 Festival, a celebrarse el 16 de octubre en el Complejo Playa Club de A Coruña: Gilles Peterson, Hudson Mohawke, Naive New Beaters, Cristal Fighters, Theo Parrish y más por confirmar. www.981festival.com

Go Mag se va de gira este verano

Bench presenta Ecopop 2010

Can Chill Out, Hits’N’Hots y FIB Heineken

Moda, música y naturaleza

Este verano sigue la gira de los Go Mag DJs con tres paradas en Barcelona y Benicàssim. Can Chill Out, organizado por Depósito Legal, se celebra el 9 y 10 de julio en los Jardines de Can Sumarro (L’Hospitalet). El viernes, sesión de post-punk, rock y pop con Nona Blond (Go Mag DJs) y el sábado, DJ Tolo.

Las noches de los miércoles son para el Hits’N’Hots en el Sidecar de Barcelona, un nuevo club abierto a todos los estilos con el único objetivo de hacer bailar al público. Estrenamos la noche del 14 de julio con una sesión de hitazos a cargo de Manu González (Go Mag DJ). Y como guinda al pastel, el sábado 16 de julio, Half Nelson (Go Mag DJ), hará bailar al respetable de la Carpa Jack Daniels en el festival FIB Heineken, a las 23.30 h. No te pierdas los hits de este verano.

La marca de ropa británica Bench anuncia su segunda colaboración como patrocinador oficial del festival Ecopop 2010.

Ecopop llega a su sexta edición los próximos 20 y 21 de agosto en Arenas de San Pedro (Ávila), un festival donde música y naturaleza se dan la mano en un entorno tan especial como el Castillo Medieval de Álvaro de Luna.

En esta nueva edición participan artistas como Love Of Lesbian, Lori Meyers, La Habitación Roja, Sr. Nadie, Mañana, Los Pedales y un gran elenco de DJs. Aparte de conciertos, también habrán diferentes actividades paralelas como charlas, desfiles y talleres que ayudan a expandir la causa ecologista entre sus asistentes. www.ecopop.es / www.bench.co.uk

Visit Up en el Pulitzer Hotel

Noches de cóctel

En julio y agosto vuelven los atardeceres más cool de Barcelona en la terraza Visit Up del Hotel Pulitzer, con música en directo, excelentes vistas y el ‘VisitUp Cocktail Tasting Time’ (una degustación gratuita de cócteles de 19.30 a 20.30 h cada miércoles). Destacan sesiones de bossa nova acompañadas de una degustación de Tom Collins a base de London Gin, o instrumnentales de jazz con degustación de Daiquiri de plátano a base de Ron Flor de Caña. Para disfrutar de la brisa vespertina primaveral y dar la bienvenida al verano, nada como subir a este oasis en pleno centro de Barcelona. Pide tu invitación a miercoles@doyouvisitbarcelona.com

Cine al aire libre en el castillo de Montjuïc

Desde Kubrick, Jacques Tati y Berlanga hasta Guy Ritchie o Hayao Miyazaki Vuelven en julio y agosto las noches de cine al aire libre en el marco incomparable de los fosos del Castillo de Montjuïc, en Barcelona. Música en vivo para amenizar la velada, cortometrajes y películas de variada procedencia y temática por un precio accesible y en un entorno para el relax y el encuentro social.

Las sesiones tienen lugar todos los lunes, miércoles y viernes del 5 de julio al 6 de agosto. Se abren puertas a las 20.30 h, a las 21 h se inicia el concierto, y a las 22 h se proyecta un cortometraje de producción nacional seguido de la película del día. Todo en 35mm en una pantalla de 16 x 9 metros y versión original. Se proyectarán películas con una clara vocación de denuncia social como “Gomorra” o “La clase”, y una propuesta formal rompedora y única en su género, “Vals con Balshir”. La restauración de una cinta clásica como “La naranja mecánica” permitirá revivir este polémico filme de Kubrick, o redescubrir a uno de los maestros del cine español, Berlanga, con su mejor obra “El verdugo”.

También se rendirá homenaje a uno de los genios del humor, Jacques Tati, con “Las vacaciones del señor Hulot”. También tendrán sitio comedias más recientes como “Buscando un beso a medianoche” o “Rockanrolla”, y un drama contemporáneo, “Revolutionary Road”. Sin olvidar la película de animación japonesa del verano, “Mi vecino Totoro”. www.salamontjuic.org

Enrique Bunbury en 3D

Bunbury como nunca lo habías visto

Rototom Sunsplash Reggae Festival

Bites

//Electrosonic presenta la primera edición del festival Electrobeach, el 26, 27 y 28 de agosto en Benidorm, en espacios diferenciados de la ciudad. Cristian Varela, Richie Hawtin, Sven Väth y Carl Cox (en la foto) encabezan las primeras confirmaciones. //Del 8 al 11 de julio se celebra una nueva edición del Fuengirola Pop Weekend, con The Sunday Drivers, Los Coronas, Sex Museum, Los Hermanos Dalton, Octubre, Champagne y Love of Lesbian. www. fuengirolapop.com

Paz, amor y reggae

//Completando el cartel de este verano, se confirma la actuación en el festival Ibiza Rocks de LCD Soundsystem, el martes 17 de agosto, que acaban de sacar el que dice será su último disco, “This is happening”.

Otros artistas confirmados en julio son Calvin Harris, Maxïmo Park, The Prodigy y Dizzee Rascal; y en agosto tocarán Chase & Status, Tinie Tempah, The Kooks, Florence & The Machine, The Drums, Kele, Delphic y Pendulum. www.ibizarocks.com

El próximo 1 de julio se estrena en Cines Yelmo de toda España el primer concierto rodado en directo con tecnología 3D. Enrique Bunbury es el protagonista de este concierto, grabado por Canal + y Vértice 360, y dirigido por Paco Plaza. Para realizar el concierto se creó un monumental escenario circular con tres ambientes que responden al imaginario musical y estético de Bunbury.

Cada uno de los tres espacios responde a una etapa musical del cantante aragonés. En la primera parte se recrea un cementerio en una zona desértica, donde Bunbury interpreta canciones de “Las consecuencias”. En la segunda, un avión estrellado, que remarca la idea épica de desastre. Para finalizar, el concierto se vuelve más íntimo y los músicos interpretan en un motel de carretera su vertiente más cabaretera. www.enriquebunbury.com

//Ya está en marcha la segunda edición del Monkey Week, la muestra internacional de música independiente del Puerto de Santa María, Cádiz. Se celebrará entre los días 8 y 12 de octubre, y se han confirmado por el momento las actuaciones de Faust, Kid Koala, Chrome Hoof, Triángulo de Amor Bizarro, Mr. Quintron & Mrs. Pussycat, Cave, Rhys Chatham y Lüger.

En 16 años el Rototom Sunsplash se ha convertido en el mayor encuentro de música reggae de Europa, llegando a las 160.000 personas anuales. Su éxito se debe a la singularidad del festival que durante ocho días, además de traer lo mejor de la música jamaicana, ofrece una serie de actividades que tienen como eje la paz, el medioambiente, los derechos humanos y el desarrollo sostenible. Del 21 al 28 de agosto en Benicàssim, //Erykah Badu presentará en julio en Barcedisfrutaremos de las actuaciones de 250 artistas, entre ellos, lona su nuevo disco “New Amerykah Part la leyenda del reggae africano Alpha Blondy; el pionero del estilo Deejay, Big Youth; el ex miembro de Paragons, Bob Andy; Two: Return of The Ankh” en el incomparable marco de “Els concerts de l’estiu al un nombre fundamental de la escena roots inglesa, Aswad; Poble Espanyol”. el explosivo grupo dancehall italiano Sud Sound System o el roots reggae de Alborosie. www.rototom.com

Afro Cubism

Estreno mundial en La Mar de Músicas

//Del 1 al 10 de julio se celebra en Barcelona, en el Instituto Francés, la muestra de cine FIRE!!: películas y documentales de autor de calidad dedicadas este año a los países de Francia y Latinoamérica. Destaca la retrospectiva del director Sébastien Lifshitz, el ciclo “Somos familia” y el dedicado al cine asiático “Al este del Edén”. Además el 3 de julio se celebra La Nit en Rouge, donde se proyectará el largometraje “Contracorriente” de Javier Fuentes León, ganador del Premio del Público del Festival Sundance.

La Mar de Músicas se ha convertido en uno de los tres festivales de músicas del mundo más importante de Europa. La crítica, el público y sobre toda la calidad de su programación, así lo avalan. Y, como ejemplo, para esta XVI edición el festival contará con el estreno mundial, el día de la inauguración, 9 de julio, de Afro Cubism, un proyecto que une las músicas de Mali y Cuba, y donde participan Eliades Ochoa, Toumani Diabaté, Basekou Kouyate y Kassy Mady. La idea es retomar el proyecto que //La primera banda confirmada para el FIZ 2010 es Massive Attack, el día 9 de octubre, originó Buena Vista Social Club, aquella producción de Ry Copresentando nuevo disco. oder que devolvió la gloria a veteranos músicos cubanos como Ibrahim Ferrer o Compay Segundo. www.lamardemusicas.com

010/011

bites

Aquasella Festival Asturtechno

Bites

// Todavía andan calientes los suelos del CCCB y Gran Vía 2 por los intensos bailes del pasado Sónar y la gente de Advanced Music (organizadores del festival) ya anuncian una nueva fecha de música electrónica (experimental y de baile). Esta vez se trasladan a Chicago, en el precioso edificio del Chicago Cultural Center (busquen en internet fotos de sus impresionantes salas) y la intención es hacer un festival en versión reducida de la inedulible cita de la capital catalana. Serán tres días (del 9 al 11 de septiembre) y habrá dos programaciones divididas en Sónar de Día y Sónar de Noche en el mismo recinto. La intención es juntar a artistas emergentes norteamericanos y catalanes, así que si estás en Chicago durante esas fechas yo de ti no me lo pensaría demasiado. Más información en www.sonarchicago.com // Jeff Tweedy no para. Antes de su interminable gira europea (en España actuará en el Faraday y el Vigo Transforma) le daba los últimos retoques a un especial trabajo de producción: nada más y nada menos que el nuevo disco en estudio de Mavis Staples.

Esta leyenda del rhythm & blues y el gospel de Chicago, activista de los derechos civiles y una de las estrellas de Stax Records en su etapa con The Staple Singers, ha confiado en el autor de “Yankee Hotel Foxtrot” para que le produzca su álbum, “You are not alone”, que verá la luz en septiembre en el sello Anti (distribuido por PIAS). El resultado puede ser bastante interesante. // El 23 de julio se celebrará el quinto Efímer Club en el Can Xalant (Centre de Creació i Pensament Contemporani de Mataró). Una cita completamente gratis en la que podrás disfrutar de los conciertos de Mark Eitzel, Za!, Joan Colomo o Ayankoko. En ocasiones anteriores han contado con la presencia de Howe Gelb, Dent Mai, Matt Elliot o Lydia Lunch, una lista de nombres a la que se suma el cantante de American Music Club, Mark Eitzel. www.canxalant.org // Ahora que Galicia está repleta de festivales gracias al Año Xacobeo no podemos olvidarnos de un clásico, el Cultura Quente, que celebra sus 12 añitos. El 16 y 17 de julio en las Carballerías de Caldas (Caldas de Reis, Pontevedra) actuarán artistas como Tricky, The Raveonettes, The Sonics, Ocean Colour Scene o Kitty, Daisy & Lewis. Más información en www.culturaquente.com

En Aquasella saben lo que quieren desde hace bastante tiempo: que bailes y que no pares durante dos días. 14 años (desde aquel lejano 1997 en el que contaron con Óscar Mulero y Cristian Varela) contempla un festival que poco a poco se ha ido convirtiendo en una cita inedulible para todos los clubbers de media Europa. Este año se vuelve a celebrar en el mismo recinto de Arriondas (Asturias) e incluye una fantástica zona de acampada en la que prometen sombra para todo el mundo (algo indispensable en el tórrido mes de agosto). Un ligero repaso al cartel es más que suficiente para darse cuenta de que en el Aquasella no se han olvidado de casi ningún estilo que transcurre entre el techno y el house. Algunos de sus platos fuertes son el directo de Sino! (en la foto, dúo formado por nuestro Dosem y el calvo Charles Siegling de Technasia), la visita de Luke Slater como Planetary Assault System, ese showcase minimalero de Luciano y su gente de Cadenza, el live de Pascal Arbez con el proyecto “Vitalic V Mirror” (un espectáculo audiovisual al mismo nivel que la última gira de Plastikman) o las sesiones de Óscar Mulero, Sven Väth o Dave Clarke. Recuerda, del 6 al 7 de agosto en Arriondas. www.aquasella.com

Palmfest

Paredes de Coura

Festival de música independiente de la Costa Daurada

El mejor festival de Portugal

La Costa Daurada quiere convertirse en visita obligada para todos los amantes de la música. Si en breve comienza el Faraday en Vilanova i la Geltrú, prepara también los bártulos para el fin de semana del 2 al 5 de septiembre para coger el tren hasta L’Hospitalet de l’Infant (Tarragona) y darte el último chapuzón del verano al ritmo de La Habitación Roja, Naive New Beaters (en la foto), Los Punsetes, <<rinôçérôse>> DJ Club, Lacrosse, The New Raemon, Mujeres, Mendetz o Manos de Topo, entre otros. El Palmfest se celebrará en las playas y el Club Nàutic de L’Hospitalet de l’Infant. La imagen gráfica del festival es la risa gracias a la participación de los Ojete Calor de “Muchachada Nui” (Carlos Aceres y Aníbal Gómez). Más información en www.palmfest.es

Escribimos esto a sólo 24 horas de que España y Portugal se enfrenten en octavos de final del Mundial de Sudáfrica.

Esperemos que pase La Roja, claro, porque en Portugal ya tienen el festival Paredes de Coura para estar contentos todo el verano. Del 28 al 31 de julio, en la idílica Praia Do Tabuão (al norte de Portugal, en la frontera con Galicia), se juntarán algunos de los nombres más esperados de este verano: The Specials (en la foto), Peter Hook tocando el “Unknown pleasures” de Joy Division, la fuerza ravera de los siempre incombustibles The Prodigy o Klaxons, la inmediatez de Los Campesinos!, Vivian Girls o Dum Dum Girls, la solvente profesionalidad de The Dandy Warhols, The Courteeners y The Tallest Man On Earth. www.paredesdecoura.com

Ebrovisión

Rumbo a Burgos

Si después de un verano intenso repleto de festivales (cada vez hay más, pese a la crisis) te has quedado con ganas de más, siempre nos queda alargar la fiesta hasta septiembre. Ebrovisión es uno de esos festivales que prefieren la mezcla del sol y frescor de septiembre en lugar de la rudeza solar de agosto. Del 16 al 18 de septiembre, en Miranda de Ebro (Burgos), podrás disfrutar de los conciertos de The New Pornographers (en la foto), The Wave Pictures, Lori Meyers, Love Of Lesbian o We Are Standard. Más información en www. ebrovision.com

012/013

intro

The Magic Numbers La voz de la experiencia

Dos años pueden dar mucho de sí. A The Magic Numbers les ha dado tiempo a adquirir su propio estudio, visitar África, palpar la vida y entender un poco más la muerte. De su nuevo trabajo se desprende aprendizaje y madurez. Hablan de ser humano. ¿Hay algún propósito tras el título “The runaway” (Heavenly / Nuevos Medios, 10)? (Romeo) Tenemos la sensación de comenzar de nuevo. No significa que nos dejemos atrás a nosotros mismos, sino que nos dirigimos a un lugar diferente. Refleja la libertad que advertimos recientemente en todas las cosas.

También se percibe afecto hacia el respetado Robert Kirby. (Angela) Consiguió que las cuerdas sonaran justo como queríamos tres semanas antes de morir.

(Romeo) Aún estamos impresionados. Hemos trabajado con él desde nuestro segundo disco y terminamos convirtiéndonos en amigos, así que le estamos dedicando este disco. Agradecemos haberlo conocido.

Africa Express Project suena a experiencia enriquecedora. (Romeo) Es algo que me gusta haber hecho y continuar haciendo. Fui a Nigeria con Damon Albarn y otros músicos y pasé cerca de una semana tocando todos los días. Aprendí mucho. Cuando volví, estaba deseando contárselo al grupo y comenzar a hacer cosas. ¿Cómo afecta a los sonidos un productor escandinavo?

(Angela) Tenía muchas ideas diferentes. Se le ocurrían pequeños sonidos tan diversos que nunca sabías qué

eran. Utilizaba el ruido que hace el papel al convertirlo en una bola y golpeaba cosas entre sí. No podías saber.

Añade un toque de misterio a las canciones.

“The pulse” como apertura del disco es sobrecogedora. (Romeo) La escribí en el piano del estudio bien entrada la noche y parecía estar escribiéndose sola, como si existiera de antemano. Fue una de esas canciones en las que, tras presentársela al grupo, todos estaban deseando trabajar. Va a ser el primer single. Sentimos que es una gran canción y salió exactamente como queríamos. Además, sencillamente ocurrió. Me gusta que las canciones ocurran.

(Angela) También creo que plasma muy bien el tono

del disco, y el cómo queremos ser vistos con este nuevo álbum.

Tal y como planteáis al inicio del disco, ¿qué es amor?

(Romeo) Supongo que es necesario reconocer cuándo algo es realmente hermoso, y para nosotros la música, la banda y tener la oportunidad de hacer lo que hacemos… Adoro cada segundo y no quiero que cambie.

Quiero seguir haciendo música hasta que mi barba sea blanca. ¿Qué es para ti, Angela?

(Angela) No sé. No sé si soy muy experimentada.

Supongo que si estoy en una relación, esto va antes, así que esto es amor. Cristina Arias / Foto Melanie Brown www.myspace.com/themagicnumbers

3mellizas

Triskys, Friskis y Crispis

Jorge Pérez, Pedro Señalada y Juan Crespo no compartieron el mismo vientre materno pero, por lo oído en su recientemente publicado álbum de debut, de título homónimo y publicado por Naked Man Recordings, es innegable que sí tienen en común otro árbol genealógico: el del rock y el post-rock de los 90. 3mellizas son vástagos, más o menos reconocidos, de bandas como Mogwai, Built to Spill o Pavement. “Siempre citan esa música como influencia de nuestras canciones, y desde luego lo es. Pero te prometemos que escuchamos mucha más música, aunque luego en el escenario parezca que solo sabemos hacer ruido. Siempre tratamos de ir un poco más allá, darle su rollo ‘melliza’ a las canciones: un gorgorito, un ‘punteíco’, un cambio de ritmo, un poco de ‘ruidera’, una parte bonita… Otra cosa es que nos quede como una mierda, que es lo más probable. A nosotros saber si están de moda los 90 se nos escapa un poco... Ojalá así fuera, pero a lo grande. Que las crías prefirieran el remáster de Pavement que el Patito Feo de los cojones. Nos encantaría estar de moda para vivir del cuento y no trabajar”. “3mellizas” (Gran Derby, 10), el disco, se mueve entre el estruendo al borde de la fragilidad y algunos pasajes de delicadeza abrupta. Sorprende por este hecho el talante en sus

respuestas. La intensidad emotiva se ve frenada en el tú a tú ante el humor como arma de respuesta. ¿Qué razonamiento hay para explicar estas dos caras del grupo? “¡Gran pregunta! Mejor respuesta: no lo sé.

Supongo que por compensar y lograr el equilibrio.

El infierno que supone nuestra música y el paraíso terrenal que es podernos entrevistar. Pero para hacerlo tienes que haber escuchado antes nuestro disco, así que espero estar consiguiendo que te olvides del mal rato que has pasado con él. Si eres de esos que hacen la entrevista sin preparársela serás doblemente feliz”.

Desde la formación de la banda hasta el momento de esta publicación han transcurrido siete años. “Al estar la mayor parte del tiempo cada uno en lugares diferentes de residencia cuesta progresar. Al menos es así para nosotros, que damos forma a las canciones en los ensayos y ya está. No somos de esos grupos que se mandan canciones por correo o cosas así.

También porque somos vagos, sí. Pero desde este año ya estamos juntos, como buen trío, y se está notando, la verdad. Hemos hecho ya cinco ‘pepinos’ muy buenos (así llaman a sus canciones) que ya tocamos en directo y que algún día formarán parte de nuestro futuro disco, que saldrá en…”. David Giménez www.myspace.com/3mellizas

014/015

intro

Laura Gibson Ante todo, calma

Portland está sumergida en la región de Willamette Valley, un compendio de inmensos valles tapizados de vegetación salvaje y árboles de copas inalcanzables a los pies del Pacífico. Este paisaje rural recorre infinidad de pequeños embarcaderos que en las épocas frías del año parecen flotar sobre una bruma malva y estática de la que a menudo brotan bateles de pescadores que parece que volvieran de faenar en el limbo.

En un entorno tan onírico y atemporal no es extraño que hayan surgido artistas como Elliot Smith o The Decemberists, entre otras muchas bandas con un denominador común: el folk en su vertiente más melancólica y reflexiva apoyado en el crujido de las guitarras y el olor a madera húmeda lejos, muy lejos de las nuevas tecnologías. Laura Gibson, oriunda de Oregón, encaja perfectamente en este grupo de bardos taciturnos, pero lleva aún más allá el efecto de atemporalidad. La era de Internet y las rápidas escuchas en las que, si la canción no explota a los 10 segundos se pasa a la siguiente relegándola al olvido, no vale para esta cantante de apariencia frágil cuyas creaciones se toman su tiempo para respirar y requieren dos y hasta tres escuchas para crear la atmósfera adecuada. Los tres primeros discos de Laura Gibson, folk melódico aquilatado, a veces romántico, a veces triste y a veces tenebroso, podían llegar a enervar a los menos pacientes por sus aparente (que no real) simpleza y su tempo extremadamente lánguido. Su último álbum, “Best of seasons” (Hush

/ Pias, 10), deja más espacio a la experimentación y, sobre todo, a la diversidad de instrumentos: acordeón, ukelele, banjo, melódica… Incluso se cuela algún efecto sampleado, pero eso sí, lo suficientemente tenue para no perturbar el olor a clásico que impregna a las dos partes que componen este trabajo, como si se tratara de un vinilo. La primera habla de seres queridos, la segunda reflexiona sobre la mortalidad. “Me he lanzado a experimentar más en este disco que en los anteriores.

Antes buscaba la sencillez, tal vez influida por el folk que escuchaba de pequeña. Ahora hay más arreglos, pero sigue siendo igual de íntimo, igual de mío”, dice Laura la mañana después de actuar en Madrid junto a Port O Brien el pasado abril. La artista no tenía planeado vivir de la música hasta que decidió, con apenas 20 años, participar en un proyecto de voluntariado: “Yo

ya tocaba antes la guitarra, y empecé a cantar en un hospital de enfermos terminales para suavizarles la estancia”, comenta. “Y me di cuenta de que gustaba y, sobre todo, de que a mí me gustaba”. Hace seis años lanzó su primer disco y su nombre suena cada vez más, lento pero seguro. En otoño visitará nuestro país de nuevo. “Participo en un proyecto junto a músicos españoles del que no puedo decir mucho todavía”, adelanta. Lo que está claro es que en este tiempo en que la humanidad parece acelerar a un ritmo exponencial no ha traicionado su estilo ni su manera de hacer música: “Veo, experimento, oigo, siento. Y escribo y me inspiro en todo eso”. Acuérdate del paisaje que la rodea en su apartamento de Portland y entenderás por qué Laura Gibson es Laura Gibson. Luis Meyer www.myspace.com/lauragibson

Mr. Hubba y el Mono Inventor Porque muriendo bailamos

“La muerte” no siempre es el final. En el caso de Guillermo Martorell y Miguel Yuste es el regreso a la vida.

El que debería haber sido el segundo álbum de Mr. Hubba y el Mono Inventor se rescata del olvido para pasar a formar parte, junto con su debut, “Stargarder” (06), y otros imprescindibles documentos sonoros, de una cuidada antología de este grupo afincado en Barcelona. Es Guillermo quien habla. “La idea surgió del sello Bankrobber. Puede decirse que ‘Vida y muerte de...’ (BankRobber, 10) es un retrato muy fiel de lo que Miguel y yo hicimos durante esos años juntos.

Insistieron en que estuvieran todas las grabaciones

posibles, como la de nuestro último concierto juntos en Ámsterdam, e incluso de proyectos paralelos, como las sesiones en California con nuestro amigo Bob Marsh”. Y es que sus composiciones tuvieron una repercusión a nivel mundial. “En general tengo muy buen recuerdo de todo. Viajando por el mundo, haciendo lo que más me gusta junto a mi mejor amigo. Considero un éxito lo que conseguimos. Lo que el proyecto me aportó superó mis expectativas a todos los niveles. Hay que creer en lo que haces. Hay algo a los 19 años que te hace pensar que todo es posible y creo que, por suerte, nunca hemos crecido en ese

sentido. Pudimos presentar, tanto directos como grabaciones, en condiciones muy buenas. Además, hemos conocido a músicos a los que admirábamos y trabajado con ellos”. Abrazando la electrónica paisajística y experimental se les emparentó con artistas de la talla de Seefeel, Boards of Canada o The Future Sound of London entre otros. “Creo que nunca pensamos en términos que definieran lo que estábamos haciendo sino en la música en sí misma.

En un día tal como hoy hace siete años te diría que estoy escuchando ‘La consagración de la primavera’, el concierto de Hendrix en Woodstock, a Charles Ives, el ‘In a silent way’ de Miles, el ‘Music for airports’ de Brian Eno o música clásica india”. Es lógico deducir que músicos tan inquietos tendrán nuevos proyectos entre manos. “He estado componiendo y grabando bastante últimamente. Hace poco me estrenaron una obra para coro en la Catedral de Barcelona. Estoy montando un grupo con instrumentos de viento y este año he trabajado en unas piezas mías de electrónica con Sisu Coromina (saxo) y Ruth Barberán (trompeta).

Y no descarto volver a hacer cosas como Mr. Hubba yo solo, como al principio, antes de formar el difunto dúo con Miguel. Lo que es seguro es que nuestros años de colaboración han terminado. Así que, como ves, el futuro está lleno de música”. David Giménez www.myspace.com/hubbamono

016/017

agenda festivales

agenda festivales R R ADO OL ABO A EDIO C R ANSFORM M , G GO MA DE VIGO T L IA OFIC

ADOR L ABOR DIO CO EKEN 2010 E M , G IN GO MA DE FIB-HE L OFICIA

FIB HEINEKEN

VIGO TRANSFORMA

DEL 15 AL 18 DE JULIO (BENICÀSSIM, CASTELLÓN) ENTRADA: ABONO (3 DÍAS): 155 €. ABONO (4 DÍAS): 180 €. PASE VIP: 300 €.

INCLUYE ZONA DE ACAMPADA GRATUITA WWW.FIBERFIB.COM

9 Y 10 DE JULIO (VIGO, GALICIA) MUELLE DE TRANSATLÁNTICOS Y ENTORNO URBANO ENTRADA: ABONO (2 DÍAS): 40 €. ENTRADA (1 DÍA): 25 €. ENTRADA STANDSTILL: 15 €.

WWW.VIGOTRANSFORMA.COM

Cartel... Klaxons (en la foto), Gorillaz, Vampire Weekend, The Prodigy, Kasabian, Leftfield, Dizzie Rascal, DJ Shadow, Ray Davies, Brendan Benson, Charlotte Gainsbourg, Lily Allen, Echo & The Bunnymen, P.I.L., Julian Casablancas, Hot Chip, Goldfrapp, The Specials, Mumford & Sons, Foals, The Cribs, Four Tet, Ian Brown, The Sunday Drivers, Alondra Bentley, Sr. Chinarro, Love Of Lesbian, Ilegales, The Courteeners, Boys Noize, Calvin Harris, Cut Copy, Dirty Projectors, Midnight Juggernauts, Prins Thomas...

Cartel... Orbital (en la foto), Jeff Tweedy, The XX, The Divine Comedy, Love Of Lesbian, Fischerspooner, Standstill, Devendra Banhart, Fanfarlo, The Morning Benders, Os Mutantes, Miike Snow, Triángulo de Amor Bizarro, Delafé y las Flores Azules, Eladio y los Seres Queridos, Polock, Caino (Arkestra) & Zinqin Visuals...

Programación Vasos Comunicantes... Gavin Morris, Parto, Memo Akten, Berio Molina, Xesús Valle, Igmig, Carlos Suárez, Manuela Barile, Durán Vázquez, Mwëslee...

ELECTROMAR

EBROVISIÓN

7 DE AGOSTO (MURCIA) PLAYA HONDA, LA MANGA ABONO: 22 €.

WWW.ELECTROMARFESTIVAL.COM

DEL 16 AL 18 DE SEPTIEMBRE (BURGOS) MIRANDA DE EBRO ENTRADAS: 35 € (ACAMPADA GRATUITA) WWW.EBROVISION.COM

Cartel... Josh Wink, Zombie Nation, Delorean, Alexander Kowalski, Misstress Barbara, Tadeo, Oxia, Cycle, Alex Under, Audiofly, Pablo Bolivar, Edu Imbernon, Dana Leese, The Leadings...

Cartel... The New Pornographers, The Wave Pictures, Lori Meyers, Iván Ferreiro, Love Of Lesbian, The Heavy, La Habitación Roja, We Are Standard, L.A., Airbag, Devito, DJ Amable, Chema Rey...

BILBAO BBK LIVE

SOUTH POP ISLA CRISTINA

DEL 8 AL 10 DE JULIO (BILBAO) KOBETAMENDI ABONO (3 DÍAS): 110 €. ENTRADA DÍA: 50 €.

WWW.BILBAOBBKLIVE.COM

10 Y 11 DE SEPTIEMBRE (ISLA CRISTINA, HUELVA) ABONO: 37 €. ENTRADA 1 DÍA: 22 €.

WWW.SOUTHPOPFESTIVAL.COM

Cartel... Jeff Tweedy (en la foto), Gogol Bordello, Pearl Jam, Alice In Chains, Paul Weller, Rammstein, Slayer, Biffy Clyro, Skunk Anansie, Rise Against, Dropkick Murphys, Faith No More, Manic Street Preachers, Jet, Capsula, Coheed And Cambria, Bullet For My Valentine...

AQUASELLA

Cartel... We Have Band (en la foto), The Whitest Boy Alive, The Radio Dept., Dorian, The Baltic Sea, The School, At Swim Two Birds play Sinatra, Hidrogenesse, Bob Stanley DJ, Sad Day For Puppets, Fitness Forever...

ECOPOP BY BENCH

LA MAR DE MÚSICAS

20 Y 21 DE AGOSTO (ÁVILA) ARENAS DE SAN PEDRO ABONO 35 €. ENTRADA DÍA: 20 €. HASTA EL 10 AGO. WWW.ECOPOP.ES (WEB SIN ACTUALIZAR)

DEL 9 AL 24 DE JULIO (CARTAGENA, MURCIA) VARIOS ESPACIOS WWW.LAMARDEMUSICAS.COM

Cartel... Mañana (en la foto), Love Of Lesbian, Sr. Nadie, Sidonie, La Habitación Roja, Arizona Baby, Tulsa, Niños Mutantes, Los Seis Días, Los Pedales, SalsaDeCarne DJs, Julio DJ Solmad...

Cartel... Omar Souleyman (en la foto), Patti Smith, Gotan Project, Youssou N’Dour, Salif Keita, Toumani Diabaté, Kings Of Convenience, Melody Gardot, Macaco, Aterciopelados, Staff Benda Billili, The Very Best, Totó La Momposina...

FRESH WEEKEND

6 Y 7 DE AGOSTO (ARRIONDAS, ASTURIAS) ABONO: 60 €.

WWW.AQUASELLA.COM

2 Y 3 DE JULIO (A CORUÑA) AQUAPARK DE CERCEDA ABONO: 30 € (ACAMPADA GRATIS) WWW.FRESHWEEKEND.ES

Cartel... Vitalic vs. Mirror Live (en la foto), Luke Slater aka Planetary Assault Systems, Scan 7, Óscar Mulero aka Dr. Smoke, Marco Remus, Jimpster, Matthias Tranzman, Sven Väth, Luciano and Cadenza showcase, Dave Clarke...

Cartel... Cadenza showcase feat. Luciano, Reboot, Blackstrobe, DJ Hell, Octave One, Zombie Nation, The Hacker, The Glimmers, Dave Clarke, Kevin Saunderson, Alexander Kowalski, Aeroplane, Aril Brikha, Mark Marzenit, Kabale Und Liebe, Julien Chaptal...

MONEGROS DESERT FESTIVAL 17 DE JULIO (FRAGA, HUESCA) DESIERTO DE LOS MONEGROS WWW.MONEGROSFESTIVAL.COM

Cartel... Joker (en la foto), Busta Rhymes, Pendulum, DJ Murphy, Laurent Garnier, Buraka Som Sistema, The Bug feat. Flowdan, Richie Hawtin, Jeff Mills, Luciano, Digitalism, Dave Clarke, La Mala, Ben Sims, SFDK, Morodo, Adam Beber, Technasia, DJ Rush, Oscar Mulero, Umek, Cristian Varela, Popof, Frank Kvitta, Pet Duo, Matthew Jonson...

PALMFEST DEL 2 AL 5 DE SEPTIEMBRE (COSTA DAURADA, TARRAGONA) PLATGES Y CLUB NÀUTIC DE L’HOSPITALET DE L’INFANT ABONO: 35 €. JUEVES 2 Y DOMINGO 5: GRATIS WWW.PALMFEST.ES

Cartel... La Habitación Roja, The New Raemon, Mujeres, Tarántula, Febrero...

destacados junio-julio 2010 Creamfields

Santander Music

Almería baila

Vuelve el clásico festival internacional de música de baile Creamfields, en su edición andaluza, que se celebra el 14 de agosto en la Playa de Guardias Viejas, El Ejido, Almería. Creamfields, de origen británico (de hecho, existen ediciones de Creamfields en Inglaterra, Abu Dhabi, Chile, Australia, Brasil, Buenos Aires y Malta) hace años que viene celebrándose en Almería con gran éxito de publico.

El francés entronado como nuevo rey del house mundial, David Guetta, hacía cinco años que no visitaba Creamfields Andalucía y le echábamos de menos. Por su parte, John Digweed es considerado de forma unánime como uno de los mejores DJs del planeta. Icono máximo del house progresivo, Digweed incursionó a principios de los 90 en este género electrónico, consolidándose como

Pop de altos vuelos

una de sus mayores estrellas. El dúo belga 2 Many Djs (en la foto), harán bailar de lo lindo al personal con su mashup imposible de hits. Otro que nos hace mover las piernas, pero esta vez con hits de rock, electro, house y techno, es el popular DJ residente del legendario Trash Club de Londres, Erol Alkan. No le quedan a la zaga nuestras estrellas españolas, el francotirador madrileño Óscar Mulero, sin el cual no puede entenderse la evolución de la música de baile en España, y el madrileño Henry Saiz; o los barceloneses The Requesters, con una pierna en los 80 y otra en los 90. Completan el cartel Benny Bensassi, Vitalic con su innovador proyecto “V Mirror Live”, Bloody Beetroots, Crookers, Wally Lopez, Drop The Lime y Digitalism, entre otros.

Low Cost

Contempopránea

Benidorm es más que playa

Low Cost Festival se celebra los días 23 y 24 de julio en el recinto Parque de l‘Aigüera, Benidorm (Alicante), corazón verde de una de las ciudades turísticas más importantes de toda Europa. Dos días de programación musical de marcado corte indie, con las actuaciones de peso de Placebo (en la foto), Editors, These New Puritans, Vive La Fête, Love Of Lesbian o Los Planetas. Placebo todavía viven de las rentas de su disco de 2009, “Battle for the sun”, el primero en contar en sus filas con el nuevo batería Steve Forrest, y con el que consiguieron un MTV award como mejor banda de rock alternativo. Aunque ya no son tan relevantes ahora como lo fueron con sus tres primeros discos, Placebo sigue congregando a multitudes en sus conciertos y serán, sin duda, el gran cabeza de cartel del Low Cost Festival,

Santander Music vuelve a celebrarse los días 23 y 24 de julio en Santander, como propuesta paralela al programa de fiestas de la Semana Grande santanderina. La campa del Palacio de la Magdalena, situada entre dos playas, es el escenario mágico donde tendrán lugar las actuaciones de Belle And Sebastian (una ocasión única para volver a degustar la orfebrería pop de los de Glasgow), Editors (siguen cosechando éxito con el disco “In this light and on this evening”), The Dandy Warhols (en la foto; el grupo de Oregón acaba de lanzar el recopilatorio “The Capitol Years 1995-2007”), Vive La Fête (que sigue girando con su último disco “Disque D’Or”), y los españoles Dorian, La Habitación Roja, Sidonie, We Are Standard y Delorean, que siguen arrasando allá donde van.

15 años de pop

junto a The Editors. Estos últimos siguen girando con el disco “In this light and on this evening”, un álbum más correoso y crudo que los anteriores y con la marca de la casa de su productor, Mark ‘Flood’ Ellis (responsable en gran medida del sonido de Depeche Mode, Nine Inch Nails, U2 o Jesus & Mary Chain). Jesse Dee es un cantante de soul y r’n’b de Boston todavía bastante desconocido, pero que ya se está haciendo oír, sobre todo en su natal país. El retro-rock contemporáneo de These New Puritans, el pop belga de Viva La Fête y el punk cabaretero de los berlineses Jessie Evans completan la parte internacional. Por la parte nacional, disfrutaremos del directo de Los Planetas, Love Of Lesbian, Iván Ferreiro, Lori Meyers, Tokyo Sex Destruction, Arizona Baby, Boat Beam, Los Coronas, Niños Mutantes, Montevideo y más.

El festival Extremadura Contempopránea Cruzcampo celebra 15 años fiel a su filosofía de programar a las mejores bandas españolas y dar a conocer a muchos de los grupos del mañana. Por la parte internacional, destaca la actuación de los neoyorquinos The Pains Of Being Pure At Heart (en la foto) y el grupo de post-punk británico de los 80, The Primitives. Por la parte nacional, Los Planetas, Love Of Lesbian, Tachenko, Delorean, Arizona Baby, Los Punsetes, La Habitación Roja, Dorian, Klaus & Kinski o Sidonie. De la selección de grupos noveles, destacan los sevillanos Mañana, que han editado uno de los debuts más redondos del año, “A ver quién llega gasta el fin”; el proyecto personal de Nacho Casado (Ligre), La Familia del Árbol; y los madrileños Capitán Sunrisel. Del 22 al 24 de julio en Alburquerque. www.contempopranea.com

FIB Heineken 10 019/020

fib heineken 2010

020/021

FIB Heineken 10 Gorillaz

Gorillaz

PIRATAS

Grupo estrella del Festival Internacional de Benicàssim este año, Gorillaz presentan su nuevo disco, “Plastic Beach” (EMI, 10) en un ambiente de euforia colectiva y arropados por mil colaboradores que pueden acabar apareciendo por el festival como han hecho en Coachella o Glastonbury. Bobby Womack, De la Soul, Bashy, Mos Def, Little Dragon, ¿quién será? ¿Vendrá Bruce Willis?

Texto

Banessa Pellisa Jamie Hewlett

Ilustraciones

022/023

FIB Heineken 10 Gorillaz

P

laneábamos la entrevista de portada y nos dijeron que hablaríamos con el grupo directamente. Pero algo se torció. Un día llamaron para decirnos que la entrevista la respondería Murdoc. Murdoc es un dibujo animado, así que me temblaron las piernas.

Ni Damon Albarn (el genio musical tras el proyecto), ni Jamie Hewlett (el dibujante que creó a Gorillaz). Nada de nada. La imagen de un promocioneta en la oficina de EMI a las once de la mañana, sobres de burbujas sobre la mesa, una hoja de prensa por terminar y marcas de café en la agenda, respondiendo a mis preguntas con rapidez y eficacia, me venía a la memoria a cada rato como una tortura china. En el proceso, y para facilitarme el trabajo, mi jefe de redacción se dedicó a acosarme a llamadas y e-mails en las que sugería una imagen si cabe aún más perversa… la señora de la limpieza de EMI, residente en Milton Keynes, y dispuesta a responder a mis preguntas con medio pitillo de liar entre los dientes. Tanto elucubrar me debe de haber vuelto loca porque creo que la entrevista la ha respondido (¡de verdad!) el auténtico Murdoc.

No sé.

Hola, y gracias por dedicarme unos minutos. No problemo. Es básicamente lo que hago. Hablar. Beber ron. Hacer discos. Hacer que me disparen piratas.

Vamos, lo normal.

Me llamo Banessa y trabajo para Go Mag de Barcelona. Fantástico. Hola Banessa. Me llamo Murdoc Niccals y he concebido el grupo más fantástico del mundo: Gorillaz. He montado la banda, he compuesto todas las canciones y después las he llevado a lo más alto de las listas de éxitos de todo el mundo innovando en el formato de single y utilizando nuevas tecnologías para entretener al público con cada nuevo disco, lo que nos ha proporcionado premios y reconocimiento en todos y cada uno de los campos y categorías imaginables de la industria musical. El grupo lo ha secuestrado una panda de humanos horribles, Damon Albarn y la mitad de The Clash, a quienes tengo previsto matar en algún momento.

Estas preguntas son para una entrevista de portada que dedicaremos al nuevo disco. ...que yo he escrito. Suena guay.

Las bandas virtuales están blindadas a las críticas. En cierto modo, me gusta la idea, pero las entrevistas se hacen un poco difíciles… Deberías ponerte en mi lugar durante un día. Es una risa constante. Pero no te preocupes, amor, seré amable. ¡Espero pronto tus respuestas! ¡Yo también! Nunca sé lo que va a salir de mi estúpida bocaza. Dispara.

El disco me produce una sensación de maldición y oscuridad. Como si la música de este disco llevara consigo un mensaje de perdición, de malos presagios. Hay algo desolado en los paisajes que dibuja. Me hace pensar en cómo será el último día en la tierra: desordenado, violento. La inquietud que me produce a medida que lo escucho es como si respirara un aire espeso. Es muy extraño. Ah, bueno… el aire de “Plastic Beach” es bastante espeso, muy… viscoso. Cargado, como una niebla pegajosa. Pero sí, creo que es una opinión justa. Todos los paisajes tienen algún elemento de desolación. Y “Plastic Beach” tiene algunos temas de oscuridad. Salpimentados con luz, esperanza y optimismo, también, así que no es todo tan malo, ¿sabes? Un poco como la vida misma, ¿no? Sin hablar del día del Juicio Final, sí creo que parece una diapositiva del lugar en el que nos encontramos ahora en el mundo. Es un microcosmos dentro del mundo real…. Con un par de cortes para la publicidad.

Incluso cuando en algún punto del disco parece haber algo de luz (“Empire ants”, por ejemplo), todo se distorsiona otra vez. No estoy muy segura de dónde sale todo esto… ni siquiera de si este era uno de los objetivos del disco… distorsionar la primera impresión de las canciones. Quizás, pero quizás eso sea lo que tú escuchas. “Empire ants”, tal y como yo la imagino, es como bañarse a la luz de la luna flotando en la bahía de “Plastic Beach”, rascando la guitarra y observando el cielo de media noche, una oscuridad de tinta negra y terciopelo, espolvoreada con polvo y luz de estrellas. Ya ves. Además es dónde estaba cuando la escribí. Medio tajado con ginebra y valium.

Muy tranquilo. Puedes ver el Universo entero desde aquí. Muy pacífico, ¿sabes? Pero, y eso se escucha en la canción, el bote flota hasta la bahía, se estanca en la orilla y

¡al llegar se encuentra con un club fantástico! ¡Todo bajos, luces de neón y disco! ¡Con Yukimi, de Little Dragon, grooveando en lo alto! No lo veo como un problema, sólo es una textura distinta. “Empire ants” en directo es fantástica. Es una melodía fantástica.

Suena muy, muy grande ahora. Sobre todo desde que Paul Simonon le ha metido esa línea de bajo tan Chic. Línea de bajo que, de hecho, me robó a mí…

Este es el primer disco auto-producido de Gorillaz, ¿no es así? Sí, supongo que sí.

Dan The Automator trabajó en el primer disco y Danger Mouse dirigió “Demon days”.

Decidí llevar la batuta yo mismo esta vez.

Parece una producción complicada. ¿Como la planeasteis? ¿Por qué decidiste hacerlo tú mismo? Necesidad. Y vanidad. Y el hecho de que soy un control freak. Y que no quiero que nadie toquetee mis cosas hasta que sé exactamente que es lo que quiero…

Cuando finalmente supe qué es lo que estaba buscando, ya no necesitaba a nadie para que me ayudara a acabarlo. Quería comprobar que podía recorrer el trayecto entre la concepción y la entrega sin delegar la visión en nadie.

Empecé con apenas unos esbozos, líneas musicales para orientarme y luego, poco a poco, el disco empezó a crecer y se convirtió en este mapa musical gigante. Como un mapa musical del mundo. Luego me di cuenta de que le faltaban partes y que necesitaba un poco de Siria en algunos trozos. Algo de la gritty soul de Nueva York. Algo británico, así que recluté a Bashy y Kano. Algo de Suecia, y llamé a Little Dragon. Ya sabes, quería que el disco pareciera un trocito del mundo, y para conseguirlo, eso es lo que hay que hacer, unir trocitos del globo con cinta adhesiva… Luego todo empezó a tener sentido. Y eso era algo que no me gustaba, tampoco. Así que le puse trocitos de Gran Bretaña, los raperos sobre las orquestras de Siria y algo de Jamaican dancehall beat y hice algo nuevo. Quería crear un álbum que uniera no sólo elementos distintos, ni géneros distintos, sino también sitios. Si puedes unir elementos, estilos y lugares distintos y hacer que funcionen juntos, seguro que eso es un gran paso para la paz.

Empatía, saber de qué va el tema, ¿no? Bueno, mientras me haces la siguiente pregunta voy a salir un momento de la habitación. Tengo que coger otra botella de ron de la bodega. Mmmmmm. Mammy.... Te veo en un rato....

Me parece bastante curioso que el disco consiga retener esta personalidad tan fuerte teniendo en cuenta que está hecho por gente con personalidades musicales muy marcadas y muy distintas entre sí. Es curioso pero de hecho me parece un disco mucho más compacto y centrado que los anteriores. Ya he vuelto… bien. ¿dónde estábamos? Ah, sí… “más compacto y centrado”. Lo pillo. “¡Oh, muchas gracias, señorita!”

Mucha otra gente lo ha llamado, eh… largo y desordenado en ambición y ejecución.

Pero de nuevo, vivimos en un mundo que sufre un severo déficit de atención y donde cualquier cosa que supere los treinta segundos y no explote en purpurina digital technicolor cada dos segundos es considerada difícil de pillar. O indulgente. A veces, necesitas tomarte algo de tiempo para escuchar algo… al menos un par de veces para poder pillar el potencial que custodia el groove y el brillo. Pero es un disco que tardé dos años en crear así que no creo que sea mucho pedir que la gente se lo escuché una o dos veces al menos. Bueno, lo que decía. A pesar de que el disco lleva pedacitos de todo el mundo, todo está canalizado a través de mi muy única e idiosincrática sensibilidad británica. Mis huellas están en todos y cada uno de los temas del disco y es por eso por lo que suena cohesionado. Todo pasa por mis manos. MI TRABAJO. ¿Cómo conseguisteis ese sonido? ¿Estableciste este… no sé muy bien cómo llamarlo… ‘carácter’ del disco de antemano? Oh, no. No, cariño. Eso no se puede hacer.

Puedes meditar los temas pero no puedes establecer la personalidad de un disco antes de hacerlo. Es imposible. Sólo puedes ir hacia allí con una sensación en mente y ver qué es lo que ocurre después. De ese modo le das a la música la oportunidad de conformar su propia identidad y respirar. Si no sería como intentar decidir la personalidad de tus hijos antes de que sean concebidos. Los tienes y luego lo haces lo mejor que puedes para criarlos, pero salen como salen. A veces salen rana. Algunos discos, como algunos niños, salen mal. Al lago con ellos, digo yo. ¿Cuáles son tus colaboraciones favoritas del disco? Bueno, creo que no hay ni una que no funcione. Lou Reed suena genial. Perfecto, realmente, como una voz rota y vieja de Nueva York. Snoop entrega un g-funk molón. La orquesta siria le dan al disco una

profundidad increíble, muy evocadora. De la Soul casi nos superan en color. Mark E. Smith ondea sus líneas como el Viento del Norte… Todas son buenas. Las que no funcionan se archivan en la papelera, así que nunca escucharas los descartes del disco.

Gorillaz no trafican con basura. ¿Empezaste desde cero o diste a los colaboradores alguna guía? ¿Planeabais las sesiones de antemano? Temas. Les susurraba al oído tres o cuatro palabras clave.

Esto no puede dictarse. Puedo sugerir un par de áreas o imágenes, pero esta gente son artistas completos por derecho propio, así que intentar meterles en la cabeza podría ser contraproducentes. Se trata de darles un tapiz para que hagan lo que saben hacer.

Mi tapiz, sus colores. Así es cómo funciona.

Tengo la sensación de que este disco es imposible de entender o situar mentalmente en otro lugar que no sea Londres. No un Londres imaginario sino un Londres arrogante, sucio y maravilloso de verdad. Bien. Eso es probablemente porque soy arrogante, sucio y maravilloso. Y hay mucho del West London en este disco, con Mick Jones y Paul Simonon detrás. El disco está imbuido de eso. Llevando esta perspectiva del West London al mezclar, dub, reggae, punk, calypso, música cubana... masticándolo todo y viendo qué resulta. Y luego llevarlo a todo el mundo. Eso es lo que estamos haciendo ahora. Estamos navegando alrededor del globo, recogiendo sonidos y sensaciones y cargándolas a bordo de nuestro barco. Eso también es muy británico, ¿no te parece?

Mira, Gran Bretaña es una isla. Rodeada de agua, así que siempre hemos sido una nación marítima, dispuesta a saltar a un bote y plantarnos en la orilla de otra gente a las primeras de cambio. Una vez llegados ahí, normalmente nos metemos en el bolsillo lo que queremos, lo cargamos al barco y nos las piramos otra vez. Eso es justamente lo que es este disco de Gorillaz. La piratería llevada a la música. ¿Qué puedes contarme sobre la perspectiva ecologista del disco? Es una premisa importante a nivel conceptual pero no sé si afecta a la textura de las canciones de algún modo más directo. Bueno, no sé muy bien. Es un disco. Un disco de rock’n’roll.

No señala con el dedo a nadie, tan sólo describe un aspecto del mundo natural. Mi casa, Plastic Beach, es una mezcla de plástico que se ha formado en el océano. Toda la basura que acumula esta parte del océano en una espiral, una masa de materia. Pero tan sólo es otra ocurrencia de la naturaleza, así que ¿cómo va a ser malo? Simplemente, es. Está aquí ahora. Mar de plástico, playa de plástico y disco de plástico. No he oído hablar mucho de James Blunt últimamente, por cierto. A lo mejor se ha quedado encerrado en una mina… perdón, mira… ¿Te importa si me sirvo otro Rohypnol?

Algunos de mis temas favoritos del disco son los que más se alejan estéticamente de los discos anteriores. Bueno, esa es la gracia ¿no? Si sonara igual que el último disco, entonces bastaría con que escucharas ese directamente. “Demon days” es el mejor disco que podíamos hacer en ese momento El mejor, pero repetirlo hubiera servido para diluirlo, no para enfatizarlo. Saber que haríamos un disco inferior de entrada no era bueno. Tiene que ser distinto siempre, cada vez diferente.

Plastic Beach es el lugar más guay del mundo. ¡Es la mejor web que he visto nunca!

Es donde vivo. El sitio está creciendo. Y cada día hay más gente. Cuando encontré el sitio por primera vez era algo especial, a pesar de estar hecho de plástico podrido. Y apestaba. Quiero decir que cuando el sol brilla en este sitio, cosa que no ocurre muy a menudo, es como un contenedor de basura en verano. De todos modos, tan pronto como tuve mi mansión construida, mi palacio de plástico (que es donde tengo el estudio de grabación), hice instalar cámaras por todo el edificio y alrededor de la isla, para que los fans de Gorillaz pudieran ver lo que pasaba aquí dentro. Y unirse al grupo, si querían. Convertí el sitio en una especie de juego de aventuras interactivo y orgánico que muta constantemente. Chungo, ¿no? Échale un vistazo a www.gorillaz.com. Es el futuro aquí, ahora. En tu cara. La página, como la banda, es un trabajo de evolución así que sí, hay mucho más que podemos mirar. Se actualiza a diario. Muy divertido…

Así, que… ¿ya está? No más preguntas. Bien. Ha sido un placer hablar contigo, Banessa… “Adiós, y véale pronto” (en castellano). Te veo en Benicássim, ¿sí? Besitos. www.myspace.com/gorillaz Escenario Verde, domingo 18.

024/025

FIB Heineken 10 Peter Hook

Peter Hook SUPERVIVIENTE

Bajista mítico de dos míticas bandas, no hay quién pare a Peter Hook. Mientras Freebass, su enésimo proyecto en solitario empieza a caminar después de años de gestación, Hook se lanza a un nada velado autohomenaje con la reposición integral en directo del mítico primer álbum de Joy Division. Como propina, él mismo organiza la Hacienda Night que reivindica en clave acid house el espíritu hedonista y pionero del mítico club. Y además se mete a propietario de discoteca resucitando el mítico Hacienda. Demasiados mitos para un solo hombre.

Texto

Half Nelson

E

l que fuera bajista de Joy Division y New Order (lo de Revenge y Monaco mejor lo dejamos) se convierte en estandarte del culto a Joy Division. Encabeza el espectáculo “Peter Hook performing Unknown pleasures” que podrá verse el viernes en esta próxima edición del Festival Internacional de Benicàssim y que consiste en “‘At a later date’ la primera canción que Joy Division publicó —en el EP en directo “Short circuit: Live at the Electric Circus” (Virgin, 78)—, después el EP “An ideal for living” (Enigma, 78), después los dos temas del “A factory sample” (Factory, 78) y después “Unknown pleasures” (Factory, 79) en su totalidad”. Peter Hook nos desgrana vía telefónica desde su casa en Manchester el tracklisting de este espectáculo de recuerdo y de homenaje: un completo repaso a la carrera discográfica de Joy Division mientras vivió Ian Curtis. En teoría, nada de “Closer” (Factory, 80), ni siquiera el archiconocido single “Love will tear us apart” (Factory, 80). Sin embargo, no hay que ser demasiado listo para imaginar cuál será el bis de ese concierto.

Ese respeto a la figura de Ian Curtis parece ser el leit motiv de la vivacidad de Hook.

Aún más si consideramos que el primer concierto de esta gira tuvo lugar el pasado 18 de mayo, el día en que se cumplía el trigésimo aniversario del suicidio de Curtis.

Sin embargo, como parte integrante de aquella mítica banda, el de Salford reivindica que aquellas canciones le pertenecen tanto como al mismísimo Curtis. “Ya ha pasado mucho tiempo desde aquello, así que la tristeza hace mucho que ha quedado atrás”. Responde con rapidez, como si ya tuviera preparada la respuesta. “El principal obstáculo a la hora de enfrentarme a esas canciones era que sentía algo de aprensión a acercarme a algo por lo que tanta gente siente tanta sincera admiración, pero una vez empezamos a tocar me di cuenta de cuánto estaba disfrutando y cuán especiales eran esas canciones para mi vida. ‘Unknown pleasures’ fue mi primer gran trabajo como músico y eso marcó el camino y el tono del resto de mi vida. Así que tengo que estar agradecido a ese disco y a Joy Division por la vida fantástica que he tenido”. Así pues “Peter Hook performs Unknown pleasures” no es un homenaje a Ian Curtis, sino un homenaje a Peter Hook. “Todos en Joy Division teníamos nuestros trabajos para poder comprar los instrumentos y pagar las salas en las que tocábamos. Era como se hacía en aquellos tiempos. El único lujo que nos podíamos permitir era viajar a otras ciudades para tocar y salir de nuestro barrio. Era duro porque todo lo hacíamos al acabar nuestros respectivos trabajos, cuando ya no estás en las mejores condiciones. Ganarse la vida con tu trabajo está bien, ser tu propio jefe es mejor”. Al menos Peter recuerda las duras condiciones de sus inicios y a lo largo de la entrevista da gracias una y otra vez por haber podido escapar de los ghettos obreros del norte de Inglaterra, aunque desgraciadamente ya no se hable con los que le acompañaron en aquella escapada. “No tengo contacto con ellos (los restantes miembros de New Order), así que no sé lo que opinan de esto”. Y hasta parece rozar el sarcasmo cuando le transmito mi tristeza. “También es triste para mi decirlo amigo mío, pero así es como funciona el mundo”. ¿Y qué hay de Debbie Curtis, la viuda de Ian? “No, tampoco estoy en contacto con Debbie.

Ellos comparten un management que yo denuncié, así que no tenemos ningún tipo de relación ahora mismo”. Todo viene de la discusión acerca del estado de latencia de New Order. Tras “Waiting for the siren’s call” (London, 05), su último disco y la consiguiente gira, Peter Hook expresó su deseo de abandonar la banda. Hook insiste en el pacto que hicieron en sus inicios por el que si cualquiera de los cuatro miembros originales (Curtis, Hook, Bernard Sumner y Stephen Morris) dejaba la banda, los restantes miembros debían de trabajar bajo otro nombre. Así se hizo tras la muerte de Curtis con la fundación de New Order. Fue la negativa de Sumner y Morris a aceptar la disolución de la banda lo que llevó a Hook, tras un agrio intercambio de reproches, a demandar a sus compañeros en 2007. ¿Y qué crees que pensaría Ian de esta gira? “Creo que Ian se reiría muchísimo, sin ningún tipo de duda. Estoy seguro de que le habría gustado New Order, habría sido fantástico si hubiera podido acompañarnos. Es muy triste lo que pasó, pero estoy seguro de que Ian entendería lo mucho que esas canciones significan también para mi. La máxima aspiración de un músico es que tu música sea difundida y apreciada. Así que me imagino a Ian mirando desde el Cielo diciendo: ‘OK, muy bien hecho’”. Sin embargo, todo este culto al pasado, en el que incluyo las reuniones de multitud de bandas de los 90s que vuelven sin ningún nuevo trabajo me da algo de miedo, ¿no estaremos dejándonos llevar por la nostalgia? La respuesta de Hook no puede ser más tópica. “La buena música siempre pervivirá. El problema de mirar demasiado atrás… no sé, lo sabremos si no viene nadie a vernos. Si programas a muchas bandas antiguas y la gente no viene, el promotor dirá: ‘tengo que buscar grupos nuevos’. Pero si hay miles y miles de personas que quieren escuchar eso…”. Un argumento inapelable, pero me pregunto si él recuerda cuánta gente había cuando fue a ver los Sex Pistols en Manchester en 1976, si no cree que se está ofreciendo una ‘nostalgia heredada’ a una juventud que nunca pudo disfrutar de eso. “Mira, hace poco hicimos una subasta benéfica para vender una de las pinturas de Ian. Esperábamos recaudar sobre unas 100 libras, pero conseguimos 500 de una chica, que era un grandísima fan de Joy Division que ¡¡¡tenía tan sólo dieciocho años!!! Vino a recoger el cuadro con su camiseta de Joy Division y no se me ocurrió decirle: ‘eres demasiado joven, vete de aquí, esto es sólo para los mayores de cincuenta’”.

Además, Hook también está detrás de la Hacienda Night que inmediatamente después de su pase contará en Benicàssim con las sesiones de Graeme Park (uno de los residentes originales del Hacienda), DJ Pierre y Justin Robertson. “El pasado para todos, el de 1978 y el de 1988 (risas). Regodearse en el pasado puede ser bueno o malo. Si lo disfrutas es bueno, si no, entonces es malo. Si la gente disfruta seguiré haciéndolo, si no lo disfruta no volveré a hacerlo nunca más”. De nuevo, una lógica inapelable. La relación de Hook con el acid house no es nueva, ya en 2007 compiló el recopilatorio “The Hacienda - Manchester, England - Acid House Classics Vol. 2” (DefSTAR, 07) y es, sin duda y pese a lo que él mismo diga, un influencia

en la carrera de New Order. “No estoy seguro de que fuera una influencia, quizás un poco alrededor de 87 u 88, como en ‘Fine time” que se inspiraba en la música house de Ibiza —donde se grabó “Technique” (Factory, 89) el LP que la contenía—, pero no mucho, la verdad. Si te fijas en el siguiente LP, ‘Republic’ (London, 93) ya no tiene esa influencia en absoluto, ni ‘Spooky’ que es el tema más bailable, tiene nada de acid house”. Como guinda del pastel, el propio Hooky se pone detrás de la barra como promotor de un nuevo club en Manchester llamado FAC251, el número del Hacienda en el catálogo de Factory, que por si fuera poco, está ubicado “en el mismo edificio en que estaban las oficinas de Factory Records antes de que fueran a la bancarrota”. Dado el carácter pseudo-cooperativo de Factory y la enorme influencia de New Order, y de su manager, Rob Gretton, en la estructura de la compañía, debemos considerar a Hook copropietario del Hacienda original. Aquella experiencia acabó en la bancarrota de la sala, junto con el sello del que formaba parte, cuando se desinfló la euforia (la económica y la químicamente inducida) de principios de los noventa, lo que nuestro hombre recogió en el divertido libro “How not to run a club” (Simon & Schuster, 09). Pese a todo, Hook lo vuelve a intentar. “(Carcajadas) Lo que haré ahora que soy un ‘exitoso hombre de negocios’ (con sorna) es esperar que todo salga bien. Si no es así, escribiré otro libro titulado ‘How not to run a Club Vol. 2’ y si todo sale bien escribiré el contrario, ‘How to run a Club Vol. 1’”. No sé porqué, pero no me cabe la menor duda de ello.

Ya que estamos fuera del ámbito estrictamente musical me intereso por la opinión de Hook en relación a los recientes proyectos cinematográficos sobre la escena de Manchester en general y sobre Joy Division en particular. “‘24 hour party people’ (Michael Winterbottom, 2002) era una comedia, así que se suponía que tenía que ser divertido. Algunas cosas no lo eran. La gente se reía con el episodio de la portada de ‘Blue monday’ que era tan jodidamente cara que nos hacía perder dinero cada vez que se vendía un disco. ¡¡¡Y se vendieron trescientos mil!!! Eso no tenía nada de gracia. Para mi, ‘Control’ (Anton Corbijn, 07) es mucho mejor, está mucho mejor interpretada y es mucho más fiel a la realidad. Sin duda la prefiero”. Llega el momento de la despedida, asegura estar ansioso de volver a Benicàssim. “Vivo la vida, ya sabes. La última vez que toqué en Benicàssim fue con New Order, fue un fantástico concierto y tuve la oportunidad de ver a mi héroe, Iggy Pop. Y en esta ocasión veré a otro de mis ídolos, que es Johnny Rotten”. Y se cerrará el círculo que se inició en Manchester, el veinte de junio de 1976 cuando Hook vió por primera vez a los Sex Pistols. www.myspace.com/peterhookneworder Escenario Eastpack FIB Club, viernes 16.

026/027

FIB Heineken 10 Mumford & Sons

Mumford & Sons LA NIEBLA NOS HARÁ BAILAR

¿Qué distancia cubren un millón de fracasos? ¿Vuelvo sobre mis pasos o me corrijo con otro error? Algunas de las cuestiones más íntimas, conversaciones confesionales que sólo nos atrevemos a mantener en silencio con nosotros mismos, a menudo adquieren la fuerza y potencia de una tempestad irrefrenable. Cuando esto sucede es mejor correr a buscar refugio.

Si lo haces en dirección a las colinas, en lo más remoto del horizonte, quizá tengas la suerte de toparte con un lugar llamado “Sigh no more”.

Texto

David Giménez

C

orría el año 2007 cuando Marcus Mumford, junto a Ben Lovett, Ted Dwane y ‘Country’ Winston, formaron Mumford & Sons. “Escogimos ese nombre porque para nosotros tenía un significado similar al de una pequeña empresa o un negocio familiar”. Todos ellos provenían ya, de una manera u otra, de la escena nu-folk británica.

De hecho, solían codearse en pubs y escenarios con músicos como Laura Marling y bandas como Noah and The Whale.

Un año más tarde se autoeditaban su primer EP, “Mumford & Sons” (08), al cual les seguirían “Love your ground” (08) y “The cave & the open sea” (09). Estos primeros trabajos ya evidenciaban una querencia y gusto por el folk inglés de ritmo frenético, el country y el bluegrass. Arpegios de guitarras acústicas, banjos, dobros, pianos, bombo y una voz agrietada. En estas primeras versiones se respira toda la sinceridad de una propuesta que algunos, como Pitchfork, no han sabido (o querido) encontrar en su primer álbum (los del portal web, en una de sus cada vez más habituales meteduras de pata, calificaron el disco como “artificial, pomposo y pretencioso” poniéndole un 2,1 de nota). "Es difícil analizar una crítica así. Nosotros hacemos lo que nos gusta e intentamos no pensar mucho sobre ello. Somos lo más sincero posibles con nosotros mismos. No tratamos de estar a la moda con nuestra música. Sólo tratamos de pasar un buen rato. Nuestra única pretensión es la diversión”.

Antes de firmar con la multinacional Island grabaron “Sigh no more” (09) de nuevo en su propio sello discográfico, Gentlemen Of The Road, “con el fin de mantener en todo momento el control artístico sobre nuestra propia obra”. Como gran parte del repertorio de éste álbum se basaba en las mejores composiciones de los EPs ya publicados, decidieron darle una vuelta de tuerca más a su propio sonido contratando a Marcus Dravs (Arcade Fire, Bjork) para las tareas de producción. El resultado obtenido es realmente espectacular. En sus manos las canciones de los londinenses pasaron de recordar a bandas clásicas como The Byrds, The Pogues y The Fairport Convention a sonar totalmente contemporáneos, tanto como si imagináramos un idílico cruce

entre Fleet Foxes y los propios Arcade Fire. Lo que encontramos en los doce temas que componen esta maravilla de disco es un sonido clásico renovado que podría definirse como folk de explosión épica. Marcus insiste: “lo único que sé es que no somos un grupo de pop”.

Existe una relación directa entre los progenitores de Marcus y sus letras, muy influenciadas también por la literatura de John Steinbeck. “Mis padres son directores nacionales de una iglesia evangélica protestante repartida a lo largo y ancho de todo el mundo”. La educación recibida puede intuirse en el modo (la forma) como plantea cuestiones universales, y a la vez tan individuales y particulares, como la lucha por mantener la fe en el amor a pesar de vivir bajo el reinado del desamor (“…So tell me now, where was my fault in loving you with my whole heart…”, “White blank page”).

En la actualidad andan inmersos en una extensa gira que le ha llevado por casi todo el mundo y que los traerá, por fin, a nuestro país. A pesar de la vorágine de conciertos y entrevistas el grupo ya está planeando la salida de un nuevo EP, con material nuevo, para finales de este 2010. "Se tratará de un EP de canciones de bluegrass. La idea es, simplemente, la de soltarnos un poco la melena al aire", dice Marcus. "Dos de las canciones fueron escritas antes de nuestro primer álbum, pero sentíamos como si no perteneciesen a ese disco y decidimos guardarlas. Desde entonces hemos escrito algunas nuevas y hemos recuperado una realmente vieja que estamos probando”.

Paralelamente, Winston (banjo y dobro) se ha enrolado, junto a Tim y Ronnie (Keane), Tom Hobden (Noah and the Whale), John Roderick (The Long Winters), Ronnie Vannucci (The Killers) y el productor Emery Dobyns (que ha trabajado en los discos de Battles y Anthony & The Jonsons), en un nuevo proyecto de country llamado Mt Desolation. www.myspace.com/mumfordandsons Escenario Fiberffib.com, viernes 16.

028/029

FIB Heineken 10 Skream

Skream EL GRITO EN EL CIELO

La que se va a liar. El más mimado y popular productor de dubstep está a punto de editar uno de los álbumes más esperados del momento. Pero ojo, que el primer single es más hortera que ponerse los calcetines por encima del pantalón. Gritos en la comunidad. Por un lado de alegría, ya era hora que uno de los tótems del género se saltara los clichés. Por otro lado de terror, ¿será todo el álbum así?

Texto Foto

Marc Piñol Shaun Bloodworth

O

liver Jones ya vive solo. Se ha hecho mayor, pero sigue teniendo el estudio en su vieja habitación, en casa de sus padres. Pero después de escuchar un single como “Listening to the records on my wall”, un delirio en el que el mejor drum'n'bass old skool —ese delicioso a la par que histérico amen break— y el peor progressive house, el de Armin Van Buuren y DJ Tiësto, se dan la mano, nos será fácil deducir que el bombazo será tal que por fin podrá independizarse. “Tiene que ver con el hecho de mi trabajo como DJ”, me responde, “al final me he dado cuenta de que la gente se lo quiere pasar bien en la pista, no quiere estar de mal rollo”.

Empecemos a preocuparnos.

A raíz de tus sonados remixes para La Roux o Chromeo hay gente que, no sé si por envidia, te está empezando a tachar de comercial. Tu nuevo single dinamita estos registros. No sé, allá ellos, ¿no? No creo que mi música sea comercial. Si me aprietas un poco reconoceré que estoy haciendo un material bastante más accesible que antes, pero no comercial. Quizá ocurra que, al editar mucho material, puede pasar que de vez en cuando algo funcione un poco mejor a nivel de ventas.

Es algo que tampoco me preocupa mucho, de todas maneras.

Respecto a todo ese material, se dice que tienes muchísimas canciones terminadas en tu casa, pero que te las vas guardando para no saturar el mercado.

Teniendo en cuenta que en siete años has editado cincuenta referencias, además de remixes, colaboraciones y sesiones de DJ, me cuesta creer que aún te queden cosas por sacar a la luz. Pues sí. Debo tener, aproximadamente, dos mil canciones repartidas en varios discos duros, CD-Rs y demás soportes. He leído por ahí que unos dicen mil quinientas, otros dicen veinte mil. Son unos exagerados. De todas formas no están todas terminadas. Hay todo lo que puedas imaginar, ten en cuenta que empecé a producir a los trece años. Hay bootlegs, edits, remixes, versiones de tracks propios, algún proyecto a medias con Benga o algún amigo que se pasa por mi casa... Creo que, más que mérito, he tenido bastante suerte de llegar a esa cifra.

No he perdido ningún dato de mi PC en todos estos años. Me gusta tener copias de

seguridad de mis trabajos y lo tengo todo bajo llave. De todas maneras, desde que pasé del PC al Mac hay proyectos que se han quedado en otro formato y no creo que los recupere. Bueno, quién sabe.

Se conoce que algunas de tus primeras referencias estaban creadas al cien por cien con Fruity Loops, un software muy maltratado por músicos y productores de todo el mundo. La versión era pirateada, por si fuera poco. En algunos de mis nuevos tracks he vuelto a usar Fruity Loops. Me encanta el flujo de trabajo que me da. Sonará tópico, pero da igual el software que uses, es cómo lo uses. Nadie puede insultar a nadie por usar un programa como Fruity Loops. Me parece una tontería. He podido comprobar con mis propios oídos que hay gente que hace mejores canciones con Fruity que con Logic, así que mi conclusión es que el programa jamás hará la música por ti. Hay gente tan preocupada por su equipo que se olvida que puedes hacer canciones con una grabadora, un micro y una cacerola, si quieres. Hace unos años, cuando por fin empecé a sacar dinero gracias a mi música, me pareció honesto ir a la tienda y comprar una copia original de Fruity Loops. Qué menos, ¿no?

Este verano editas en Tempa tu segundo álbum, “Outside the box”. Muchas de las canciones ya corrían en formato white label desde hace un par de años, pero por lo que he escuchado se puede comprobar que esto ya es un disco de verdad.

Muy variado, de hecho. Bueno, ante todo quería que el álbum tuviera forma de álbum. He dejado de estar interesado en un LP con el mismo tipo de material que el ya típico triple maxi de dubstep. Creo que mi primer disco adolecía un poco de eso. Reconozco también que he cogido un puñado de viejas canciones, pero las he unido a un montón de nuevos tracks. Además han colaborado conmigo La Roux, Murs y Sam Frank, lo que mola mucho. No sé, he intentado que todo tuviera sentido. Creo que ha quedado de puta madre, ¿no crees? ¿Tú qué opinas? www.myspace.com/skreamuk Escenario Eastpack FIB Club, jueves 15.

030/031

FIB Heineken 10 Prins Thomas

Prins Thomas COSMIC THING

Dice Prins Thomas que se considera tan sólo "un tipo que está aprendiendo a tocar", pero no deben hacerle mucho caso. El puñado de maxis y las incontables remezclas que ha grabado hablan de un tipo con muchos recursos, con una sensibilidad especial para mezclar música de baile, kraut rock y aliños espaciales. Una sensibilidad que hasta ahora había que consumir a cuentagotas, porque el productor noruego no es de los que se prodigan mucho, pero que por fin ha dado frutos en formato largo.

Texto

Vidal Romero

"H

abía olvidado por completo que teníamos que hacer esta entrevista", reconoce, al otro lado del teléfono, Prins Thomas. "Estaba haciendo la cena para mi hijo.

Espero que no te importe que siga cocinando mientras hablamos". No, claro, no importa que de fondo resuenen cacerolas y chisporroteos si a cambio obtenemos a un Prins Thomas risueño y parlanchín, que gusta definirse a sí mismo como un hombre de familia. "Mi educación musical es el resultado de haber crecido en casa de mis padres", explica, "una casa en la que siempre había música sonando, en la que siempre me alentaron a tocar instrumentos". Era inevitable, en fin, que el pequeño Thomas comenzara "a comprar mis propios discos desde muy pequeño. Todo el dinero que conseguía lo destinaba a eso, a comprar discos. No recuerdo haberme pagado jamás un dulce". Y claro, con ese amor por los vinilos, y a pesar de que había pasado "por la escuela de música, donde aprendí a tocar varios instrumentos de manera más o menos rudimentaria", era también inevitable que el Thomas adolescente comenzara a experimentar con platos. "Soy DJ antes que músico, eso está claro. Y creo que se nota cuando me siento a producir, porque muchos de mis temas están pensados con mentalidad de DJ. Es una ventaja a la hora de pinchar, porque al ser tan largos puedes escoger secciones del principio o del final: tienes varios temas por el precio de uno, y si estás borracho, los puedes dejar sonando todo el tiempo y bajar a por otra copa. Pero reconozco que para los oyentes puede resultar algo cansado. Es algo que he intentado controlar cuando he estado grabando el disco, pero no tengo muy claro que me haya salido bien", concluye entre risas.

El disco del que habla se llama como él, "Prins Thomas" (Full Pupp, 10), y es el primero que publica después de más de diez años de carrera y media docena escasa de maxis. "Dicho así parece que soy un vago", se ríe, "pero en realidad he pasado los últimos años ocupado con otras cosas. He grabado dos discos a medias con Lindstrøm, he viajado mucho, he pinchado casi todos los fines de semana, y sobre todo he sido padre". De hecho, reconoce que ha relajado el ritmo para poder trabajar con tranquilidad, y gracias a eso "he conseguido terminar el disco en un tiempo bastante corto, apenas nueve meses". Cuenta también que la grabación ha sido "muy natural y orgánica. La mayoría de la música que hago proviene de improvisaciones y jams, a

veces con amigos" como Lindstrøm o Todd Terje, que aportan teclados y trompetas en un par de canciones, "y otras veces solo, cambiando de instrumento para intentar añadir matices o llevar los temas hacia otras direcciones". Direcciones que, eso sí, pasan siempre por el kraut rock y el cosmic disco. "Es curioso, porque es una música que empezó a interesarme relativamente tarde. Cuando era más joven lo que me gustaba era The Beatles. Su capacidad para experimentar con el estudio de grabación me seducía e intentaba imitarla, por supuesto sin éxito", reconoce entre risas. "Pero de repente escuché a Neu! y mi percepción cambió por completo, aquello funcionaba muy bien y además me resultaba muy natural a la hora de tocar, tal vez porque la música disco ha sido una de mis grandes pasiones desde niño. Así que imagino que no puedo luchar contra ello, estoy condenado a mezclar bajos con groove y ritmos monótonos".

Lo que tampoco puede evitar es que su agenda se llene de peticiones de remezclas.

Tan activo en este campo como perezoso para sus propias producciones, reconoce que le emociona "ese momento en el que comienzas a pensar en una remezcla y se te abren cientos de posibilidades". De hecho, "es un ejercicio estupendo para ampliar tus recursos, intento que los encargos sean siempre muy diferentes porque en el proceso aprendo cosas que después puedo utilizar en mis temas. A veces, incluso remezclo temas que no me han encargado, sólo por investigar". Lo que ya no quiere hacer es "remezclar cosas que no me gusten. Me tienen que pagar muy, muy bien, y al final no puedo evitar cambiar el tema por completo, un desastre", concluye entre risas. Eso sí, lleva algún tiempo aceptando menos encargos porque le apetece tocar en directo.

"Es una idea que llevo acariciando algún tiempo", explica, "pero no me podré poner a ello hasta el año que viene, cuando termine con todos los proyectos que tengo entre manos. Mi intención es montar una banda completa, grabar un disco nuevo y salir de gira, ya sabes, algo de rocanrol. Y no, no creo que toquemos ningún tema de este disco. Después de todo, se trata del esfuerzo de un hombre solo, y no quiero aburrir a los músicos que me busque con algo tan soso". www.myspace.com/prinsthomas Escenario Fiberfib.com, domingo 18.

032/033

FIB Heineken 10

FIB Heineken MUCHO MÁS QUE MÚSICA

Desde hace algunas ediciones, ir al FIB supone además de música, disfrutar de muchas otras actividades. Moda, cortos, cursos, danza y teatro se dan cita también en Benicàssim. Las playas y el recinto del festival se convierten durante unos días en una gran sala abierta. Simbiosis entre obra y entorno, interacción absoluta con la música y todo aquello que nace de su influencia. Una semana entera de actividades extramusicales para conocer las expresiones de la cultura más joven con proyección internacional.

Texto

Ana Tomás

L

as ciudades son un ser vivo, nacen y renacen, se sueñan y se reinventan. Benicàssim es hoy una palabra clave en el diccionario indie internacional. Su sol, sus playas de cuevas, riscos y simas se entremezclan con la magia de Björk, el pop de Oasis y el aullido de Jon Spencer. Benicàssim hoy no se entiende sin FIB Heineken.

Del mismo modo, el FIB Heineken no es únicamente un festival de música. Además de cuatro intensos días de conciertos, este festival ofrece una experiencia cultural completa. FIBArt, FIBCursos, FIBActúa, FIBDanza y FIBCortos bañan Benicàssim con un mar de buenas propuestas.

La inauguración de FIBArt 10, el próximo 12 de julio, dará el pistoletazo de salida a una semana de expresión del arte contemporáneo emergente. En el recinto de conciertos podremos disfrutar de una propuesta lúdico-participativa de Antonio Herrera, danzalibre, consistente en un pequeño plató donde los participantes bailarán un tema elegido por ellos mismos. Con la suma de sus grabaciones, Herrera compondrá un mosaico de miniaturas danzantes que podrán verse bailando cada una a su ritmo, como en una Silent Disco. El colectivo Atakontu nos propone con “Kissing bench” un escenario de cine para ese beso pasional que nos aguarda entre concierto y concierto.

M.J. Climent nos invita a subir a su “Punto de observación” de falsas realidades playeras para, desde ahí y con un suave balanceo, poder hacer lo que habitualmente realizamos en la playa, mirar los cuerpos que nos rodean, espiar las actitudes de nuestros vecinos de toalla, contemplar el paisaje, etc. Conceptualarte, CR3AM y Judas Arrieta completan esta programación artística dirigida tanto a los asistentes al Festival como a vecinos y visitantes de Benicàssim en estas fechas.

FIB Heineken es uno de los pocos festivales de música en el mundo que incluye entre sus actividades la realización de cursos de verano. Este año FIBCursos nos propone acercarnos a la esencia de los videoclips a través de sus protagonistas: artistas, realizadores, músicos y teóricos. El curso “Videoclips, entre la música y la videocreación" se llevará a cabo del 13 al 16 de julio en la sede de la UJI de Benicàssim.

2 Toreros 2, los ganadores de la V edición del concurso Scena Simulacro, que se estuvo desarrollando en la Sala Triángulo de Madrid hasta el pasado mayo, inaugurarán la programación de teatro del FIB; esta compañía ubicada en Sevilla presentará “La fiesta del toro”, una mirada icónica al mundo de los astados. Les Filles Föllen estarán también presentes en el FIBActúa con un espectáculo a medio camino entre el cabaret, la danza contemporánea y el juego con el público.

La XII Cita con la Danza del FIB rinde homenaje a William Forsyhte. Un taller que tendrá lugar del 1 al 14 de julio con jóvenes bailarines que ensayarán una pieza de este reconocido coreógrafo estadounidense. Esta nueva edición del FIBDanza contará también con las creaciones de CDC Barcelona Joan Boix & Roser Muñoz, el Taller del Ballet Nacional de España y artistas del Ballet de Carmen Roche, entre otros.

FIBCortos cumple 11 años y para celebrar el cambio de década nos ha preparado una programación muy especial. Quince cortometrajes que exploran la relación entre la música y el cine. Habrá también pases de cine (“West Side Story", “Joy Division”, de Grant Gee y “Gainsbourg, vida de un héroe”, de Joann Sfar) y por primera vez una sección de videoclips donde tú serás quien otorgue el premio al ganador.

La moda también estará presente en el FIB Heineken. Dr. Martens va a instalar una bota gigante hinchable dentro del recinto y H&M tendrá un stand propio dónde los asistentes al festival podrán aprender más sobre el virus del VIH, en línea con la colección Fashion Against Aids (FAA) que la marca sueca lanzó el pasado mes de mayo. Junto a Durex se repartirán preservativos para fomentar la prevención.

Además, aquellos que se animen a participar en las actividades FAA podrán optar a premios como tiendas de campaña, abanicos y otros artículos de esta colección inspirada en los festivales, con prendas y accesorios a medio camino entre el estilo bohemio y el look rockero. www.fiberfib.com

034/035

FIB Heineken 10

Artistas FIB 2010 Aunque el FIB es un hervidero de artistas más o menos reconocidos, hay suficientes opciones en su cartel como para meter la pata hasta el fondo. Aquí va una pequeña —y subjetiva, huelga decir— guía orientativa de algunas de esas opciones, no siempre en clave positiva. Como suele ser lo habitual en estos casos, es muy probable que luego nos arrepintamos de haber presenciado un concierto a priori imprescindible. O todo lo contrario. El FIB es eso y mucho más. Ahí está la gracia.

Texto

Marc Piñol

Four Tet Kieran Hebden lleva diez años en forma, pero en los últimos tres el tipo se ha dedicado a fulminar sus registros. Colaboración estratosférica con Burial, ristra de 12” que te quita el hipo (del techno-kraut de “Ringer” al IDM hardcore de “Love cry”), un “There is love in you” (Domino, 10) que es un sol y remixes como para caerse de culo, Joe Goddard y Pantha Du Prince pueden atestiguarlo. Ya era hora de que alguien con la sapiencia y el brío de este hombre se dedicara a facturar canciones para la pista. Eso sí, a su rollo, psicodélicos y marcianos a más no poder. Presencia obligatoria.

Escenario Eastpak FIB Club, sábado 17.

Dirty Projectors Con una formación más o menos abierta que ha llegado a albergar a veinte personas a lo largo de su carrera, la friolera de nueve álbums editados en siete años y una cantante, Amber Coffman, que lo mismo suelta gorgoritos que irritan que canta como los mismos ángeles, es de recibo confesar que el directo de Dirty Projectors será una incógnita hasta el preciso instante en que suban al escenario. Cualquiera de sus discos, en especial sus cuatro últimos, contiene pequeñas y psicodélicas joyas pop que remiten a Magnetic Fields, Talking Heads, Talk Talk y hasta Brian Eno. Compro.

Escenario Eastpak FIB Club, jueves 15.

The Prodigy A pesar de que están en horas bajas, que ya no hay visos de Old Skool Hardcore en sus canciones y que empiezan a ser bastante más parecidos a Skunk Anansie que a aquella tremenda banda capaz de resucitar a un muerto con sus directos, Liam Howlett y su troupe de freaks de circo se merecen una oportunidad. Admito que en mis más húmedas fantasías imagino un directo conformado al cien por cien por “Music for the jilted generation” y “Experience”, aunque mucho me temo que la castaña de “Invaders must die” se llevará el premio gordo. Temblemos.

Escenario Verde, sábado 17.

Leftfield Mira que me gustaban Leftfield. Pero vas reescuchando “Leftism” o “Rhythm and Stealth” y, duele decirlo, no hay que ser demasiado espabilado para admitir que su música ha envejecido de manera atroz. Se dice que esta visita del mas allá se debe a motivos económicos, así que no tienen planteado volver a hacer ningún disco. Es más, parece ser que Paul Daley se ha negado a pisar los escenarios, quién sabe si por vergüenza o porque a él ya le va más o menos bien pinchando a solas. ¿Valdrá la pena, por eso, escuchar a estas alturas “Open up”, “Phat planet” o “Afrika shox”? La duda ofende.

Escenario Verde, domingo 18.

The Japanese Popstars Fiesta por todo lo alto, sin miramientos y con el subidón macarra por bandera. Estos tipos lo mismo remezclan a Beyoncé que a Depeche Mode, The Ting Tings o Benny Benassi. O sea, que tienen una cara más dura que el hormigón armado y no se avergüenzan ni una pizca de su garrula condición de fiesteros empedernidos. Irlandeses de nacimiento, estos cuatro chavales han editado un sólo disco y parecen tomarse muy poco en serio terminar el segundo. Con el remix de “On melancholy hill” de Gorillaz y un nuevo single junto a Jon Spencer (decepcionante “Destroy”) se conforman.

Escenario Fiberfib.com, sábado 17.

Foals Hace dos años dieron la campanada con un debut, “Antidotes”, que parecía firmado por alguien que llevara toda la vida sacando discos. En alguna entrevista, además, se han encargado de asegurar que en sus coordenadas estilísticas se citan Arthur Russell, Talking Heads, Harmonia, el minimal techno y la marihuana. Esta primavera han vuelto a la carga con “Total life forever”, un álbum medido al milímetro y capaz de batir los registros de su primer disco. Cuando no se les ve el plumero U2 (que lo tienen, por desgracia) es cuando dan lo mejor de sí mismos. Esperemos que no sea el caso.

Escenario Fiberfib.com, domingo 18.

PIL La moda de traer a viejas glorias a los festivales sigue en pie. Lo que no sigue en pie —en el peor de los casos— suelen ser esas viejas glorias, que pasan el cepillo de recaudación por todos los festivales posibles con la intención de retirarse quién sabe si un poco más ricos, pero también un poco menos considerados por el público y la crítica. En esta ocasión es John Lydon, ex-cantante de Sex Pistols, el que vuelve para presentar el retorno de Public Image Ltd. Después de diecisiete años de silencio y sin Keith Levene ni Jah Wobble en sus filas, huele a que la cosa hará aguas por todos lados.

Escenario Fiberfib.com, sábado 17.

DJ Shadow Cualquiera que haya visto a Josh Davis tras los platos —y dándole caña a su querida MPC, que para algo es de la vieja guardia— sabe que su mera presencia en el cartel de cualquier festival es garantía de que éste no será un desastre completo. Porque el californiano es uno de esos artistas exigentes y autocríticos que no se plantea hacer un directo con la intención única de pasar por caja. No, lo suyo es algo que va mucho más allá, sólo por escuchar lo que puede llegar a hacer con las canciones de “Endtroducing...” y “The private press” ya valdrá la pena verlo.

Escenario Verde, viernes 16.

Charlotte Gainsbourg Por ser hija de quién es, uno tiende, a veces, a hacerle menos caso del que debiera. Pero mucho ojo, porque a Charlotte Gainsbourg hay que hacerle caso siempre. Quién sabe si después de firmar en el cine una interpretación de órdago se puede destapar con un álbum lleno de fenomenales canciones. Retozando a ratos en el mainstream y jugando con el folk, la electrónica o el rock más experimental y obtuso, discos como“5:55”, “Songs that we sing” o el fantástico “IRM” (producido con mano de santo por Beck), Gainsbourg firmará uno de los momentos más esperados del festival. Hay ganas.

Escenario Verde, jueves 15.

Vampire Weekend Si hay que tirar de apuestas seguras, aquí tienen una. Ni un pequeño asomo de dudas. La banda que capitanea Ezra Koenig tiene clarísimo que no hace falta firmar el concierto (ni el disco) del año para tener a sus acérrimos e histéricos fans en el bolsillo. Quizá sea esa comodidad la que ha conseguido que tras un esperanzador debut volvieran a la carga con “Contra”, un disco aburrido, vulgar y cutre hasta decir basta. A su legión de seguidores, por eso, les da lo mismo, saben que los de Nueva York sólo tiene que tocar el riff de “A-Punk” para levantarles el ánimo. Simple y efectivo.

Escenario Verde, viernes 16.

Hot Chip No llevan el ritmo infernal de directos que llevaban hace unos años, pero la banda inglesa suple sus carencias a nivel puramente musical (“One life stand” es su peor trabajo hasta la fecha) con tablas y una experiencia palpable sobre el escenario. Lo mejor de ver en directo a Hot Chip, por eso, es la sensación de que casi todas las canciones sufren severas mutaciones y acaban convirtiéndose, como quien no quiere la cosa, en tracks de baile puro y duro. Después de la decepción que significó para muchos su concierto en el pasado Sónar tienen la opción de resarcirse. Recemos para que así sea.

Escenario Verde, viernes 16.

Dizzee Rascal Otro geniecillo que empezó a ver billetes verdes y perdió el oremus. De grabar uno de los hits más impepinables de la década, un white label grabado en un andrajoso PC —aquél tremendo “I luv U”— por el que se firmó uno de los contratos más desorbitados de la época, a codearse con Armand Van Helden, editar un zurullo como “Holiday”, flirtear con el nu rave de manera estrepitosa en “Dance wiv me” o perder su flow barriobajero y divertidísimo hasta llegar a unos niveles de absurdo pocas veces vistos. Queda el recuerdo de un “Boy in the corner” por el que parece no pasar el tiempo. A ver si cae enterito.

Escenario Verde, domingo 18.

036/037

go series 72 FIB Heineken 2010

72 go o series FIB Heineken 2010 Este CD promocional se vende exclusivamente con el número # #113 de GO MAG, disponible en quioscos de toda España.

Texto

Albert Fernández

01

Cuchillo “Summertime in Sweden” Los bamboleos psicodélicos de esta clara incitación a un verano lisérgico reverberarán en la noche estrella del festival. Ese sábado, Israel Marco y Dani Domínguez tratarán de llevarse a todo el mundo de su lado del telón, embebiendo su actuación en una ceremonia de causalidades efectivas y mágicas superposiciones sonoras. Aquí están los días soleados, preñados de sentimientos; y las suecas, también.

Benicàssim les esperaba, ellos esperaban a Benicàssim.

07

Dirty Projectors “Stillness is the move” El movimiento dignifica el alma, y esta canción es sin duda un tránsito a lo elevado. Desde la última obra del privilegiado Dave Longstreth, las voces femeninas que dominan esta concatenación melódica hacen amanecer indescriptibles tramos de belleza bailable, despertando la sensibilidad en cada tramo de piel. Así, erizados, escucharemos los gorgoritos elevados de la pieza más distinguida entre las cúspides de orfebrería pop de “Bitte Orca”.

02

Cohete “Mi corbata” Entre los ronroneos por hacerse con la pulsera, con las primeras marcas de arena y cerveza sobre las chanclas, emergerán los acordes descarados de estos madrileños que tienen a todo el mundo con la boca abierta desde la aparición de “Matrimonio” (Micro Macro, 09). En esa lanzadera de rock enlazado, canciones como ésta se convierten en prendas de quita y pon, que encantan por su inmediatez, pero se resuelven en nudos de ebria trascendencia, de música que se quita importancia.

08

JJ “You know” Para ver actuar a esta pareja de misteriosos suecos, es posible que haga falta alargar las pestañas para ocultar las lágrimas. Apenas resulta imaginable la traducción de esa belleza claustrofóbica capturada en “Nº 3” (Houston Party, 10) a la grandiosa escena de cielos abiertos de un escenario estival. ¿Es posible que, entre sudores y alborotos, todo se detenga en un único baile helado? “You know” es una crónica de pop romántica, el rastro sentido de unas eternas vacaciones en las tierras del deseo no correspondido.

03

Two Door Cinema Club “Something good can work” En muchos momentos vas a necesitar agarrarte a un estribillo para darte cuenta de lo que está pasando alrededor tuyo. Los chicos de Two Door Cinema Club te lo sirven entre flequillos al viento y alegres guitarras, con tal de hacer que el resto de la noche funcione. El debut de este trío irlandés, “Tourist history” (Kitsuné / Nuevos Medios, 10), lleva unos meses engatusando al viejo continente, a base de guitarras agudas y reconfortantes sintetizadores.

09

Yacht “Psychic city” Cercana la medianoche, cuando todas las luces se vuelvan misteriosas, tomará la palabra el dúo formado por Jona Bechtolt y Claire L. Evans. Los últimos fichajes de James Murphy para su sello todavía tienen pendiente la edición de su primer álbum, pero de los coros adictivos de su 12” “Psychic city” (DFA / Nuevos Medios, 10) ya podemos extraer las líneas maestras de su obra: vanguardia electro-pop y hedonismo bailable. Dicen que hacen presentaciones de Power-Point en sus directos, ¿urgh?

04

Standstill “Adelante, Bonaparte (I)” Se entienda o no la compleja forma que tiene el combo de Enric Montefusco de imbricar formas y fondo, hay algo que se vuelve innegable, y es esa poderosa manera en que Standstill enciende un aliento de vida con cada una de sus canciones. Con el disco más adorado y a la vez polémico de su trayectoria, los barceloneses se plantarán sobre las tablas de Benicàssim sin dudas, sabiendo que la escapada melódica es el mejor plan para salir adelante. ¡Ven!

10

Skream “Rimz” Si te pierdes, que sea en el dubstep. Y cuando sólo veas caras borrosas, mientras no aciertas a moverte en una dirección concreta al tiempo que los bajos agitan órganos que ni siquiera sabías que estaban ahí, quien mejor que uno de los generadores del género para embriagarte hasta la noche sideral. Las reverberaciones promovidas por el productor Oliver Jones desde los tres vinilos de “Skreamizm Vol. 5” podrían hacerte volver a casa con la formidable sensación de haber vivido una experiencia religiosa. Flota.

05

Brendan Brenson “Garbage day” Solemne pero próximo, el directo de Brendan Brenson es increíblemente intrépido. El líder de The Raconteurs reinició por enésima vez su carrera en solitario con “My old, familiar friend” (ATO / Nuevos Medios, 09), y deja claro que está dispuesto a extender su palabra de cantautor multidisciplinado por todos los rincones. El crescendo de “Garbage day” nos enciende como una antorcha que arde hace décadas, prendida para ofrecer alternativas al amor solitario.

11

Four Tet “Love cry” Ya es tarde, está todo removido, cualquier cosa vale. Necesitas seguir bailando con lágrimas en los ojos, ya saludas sin palabras, y te aplicas en la prosa ahorrativa pero certera de los sms de madrugada. Kieran Hebden te va a ir salpicando el reguero de piedrecitas house, para que te agites con tranquilidad y todo vuelva poco a poco a su sitio. Él sabe que te queda mucho por dar, y “There is love in you” (Domino / Pias, 10) guarda algunos besos en trance para el final de la madrugada.

06

The Temper Trap “Fader” Como todos los años, los australianos han hecho de las suyas.

Esta vez, han colocado a esta nueva banda, The Temper Trap, en el tracklisting de FIFA 2010 y en el cartel del FIB Heineken 2010. No está mal, ¿eh? En realidad, en “Fader” no hay rastro de nada nocivo, tan sólo muchas ganas de agradar. Está claro que éste no va a ser el concierto más marcado en los programas de mano, pero un rato de este electro-rock polivalente puede servir de gran paréntesis en una larga velada festivalera.

12

The Japanese Popstars “We just are (Finalizer)” Esto es bonito, fluye con ello. Electrónica melódica y bengalas de euforia, una conmoción de beats etéreos que despegan para volverse directos. La poderosa carga hipnótica y emocional en la música de esta coalición de DJs proveniente del norte de Irlanda (nada de Japón) puede llegar a elevar el tono de cualquier noche de bajón. Así que súbete a la órbita de sus sintetizadores, tararea aunque no entiendas una palabra, evita que te pisen, y aunque sólo sea por una vez, trata de acabar bien la noche.

Nueva entrega GO SERIES_SEPTIEMBRE 2010

Stolen Recordings Seguimos a la búsqueda de los sellos independientes más interesantes del pop actual. Esta vez, centramos nuestra mirada en el Reino Unido. Nos hemos ido a Londres para traeros lo mejor de Stolen Recordings, un pequeño gran sello de pop con mayúsculas, casa de Pete And The Pirates... Aparte de la famosa banda de Reading, en el GoSeries de septiembre podrás encontrar temas de Tap Tap, Serafina Steer, My Sad Captains, Screming Tea Party, Bo Ningen, The European y más. ¡Síguenos en Facebook!

Entra en www.facebook.com/gomagspain. Podrás añadirte a nuestra lista de amigos, ver la portada y contenidos de cada número, seguir la actualidad musical, participar en concursos, invitaciones a fiestas y mucho más. También estamos en MySpace: www.myspace.com/gomagbarcelona.

A los 5 primeros suscriptores de este mes se les obsequiará con el debut de The Drums, “Album”, cortesía de Nuevos Medios.

Ahora tambiénpuedeshacerlo a través de nuestra web: www.go-mag.com

038/039

report The Requesters

The Requesters

SOMOS LOS 90

Van pasando los años, nos vamos haciendo viejos y es imposible no pensar en la última década del siglo XX como un momento de transición esencial para la música de baile. Los géneros se mezclaban sin complejos y se intentaba dinamitar la pista rompiendo tabús. Con The Requesters, no es que vuelvan los 90... Es que son los 90.

Texto

Marc Piñol

P

ianos a mansalva, divas histéricas, breaks de batería y una sensación de felicidad que se apodera del entorno. Música que hoy parece relegada a un segundo plano en favor de sonidos digitales distorsionados hasta el absurdo, voces cavernosas y un mal rollo flotando en el aire que no se lo salta un galgo. ¿Cómo hemos llegado hasta este punto? No sé, pero coño, parece que vayamos a los clubs a sufrir y no a bailar. Álex y Oriol quieren cambiar esa tónica, y su intención es luchar contra la férrea mercadotecnia del beat dándole una dosis de su propia medicina. Y, maravilla, funciona.

Tengo la sensación de que, a pesar de haber sido incluidos dentro de la nueva hornada rave, tenéis la necesidad de alejaros de esa vertiente tan agresiva que se factura a día de hoy. (Álex) Lo cierto es que ni a Oriol ni a mí nos gusta demasiado esa música. Creemos que se puede hacer algo intenso sin necesidad de estresar a la gente, y nuestras referencias están más en grupos de los noventa que siempre nos han gustado que en intentar hacer el track llenapistas más histérico del momento. Escuchas los primeros discos de The Prodigy, Underworld o Daft Punk y ahí hay magia, magia de verdad. Se nota que la música está viva, que tiene dinámica.

(Oriol) A mí lo que me jode es que el concepto de álbum que podías ver a mediados de los noventa se ha perdido. Hoy en día te venden una colección de tracks para la pista, y santas pascuas. Lo que más me inspira son aquellos saltos abruptos de los viejos

discos de techno: un track de jungle por aquí, otro de techno por allá, y más allá uno de house. Era refrescante.

chunga, que la tiene, es que casi nadie puede vivir sólo de la música. Las cifras que se mueven, incluso en grandes sellos, son irrisorias.

A mí se me hace inaudito que el último álbum de electrónica de club que se atrevió a hacer esto era el “Machine says yes” de FC Kahuna. De eso casi hace diez años. (Oriol) Y es lo que no acabo de comprender. Fue un álbum que funcionó bien y que estaba bastante bien, ¿no? No comprendo la razón por la que en estos últimos años, en vez de abrirnos, que era algo que estábamos haciendo muy bien, nos hemos cerrado completamente. Hablo a nivel de artistas, de público y principalmente de discográficas. De todo en general, vamos. (Álex) Yo me he dado cuenta de que somos bastante cabezotas. Queremos hacer algo que le guste a la gente, pero está claro que ahora mismo, gracias a internet, puedes llegar a muchos sitios sin tener la presión de un gran sello que te dicte cómo hacer tu disco. Y no queremos pasar por el aro.

Entonces, ¿cuál es la razón por la que estáis tardando tanto en terminar vuestro primer álbum? Si las circunstancias son tan propicias quizá deberíais lanzaros a la piscina, ¿no? (Oriol) Tanto Álex como yo no tenemos tiempo libre: los dos tenemos nuestros respectivos trabajos y proyectos. Hemos decidido lanzar un sello propio, Highlights, y creo que eso nos puede motivar para terminar el disco. Además, podremos incluir muestras sin tener que pedir permisos.

Los sellos grandes tienen que negociar, y no queremos renunciar a las virtudes de coger sonidos de aquí y de allá. De hecho, uno de nuestros principales problemas tiene que ver con los samples que hemos ido robando (risas). (Álex) Nuestro último single se retrasó porque por una de las muestras nos pidieron mucha pasta. Y no hace mucho recibí un email de Strictly Rhythm para decirme que retirara de mi MySpace un edit que hice de una de las canciones de su catálogo. Quizá podamos ser aún más brutos (risas).

Supongo que estar en un sello grande puede suponer un problema. Oriol, tú que perteneces a un pequeño sello como Hivern estarás al quite de lo que se cuece.

(Oriol) Creo que desde una pequeña plataforma puedes llegar a mucha gente. Ahora mismo, gracias a cómo está montado el negocio, sabes que si haces algo que está realmente bien no hará falta que te lleve un sello grande. Puedes montártelo tú solito y la gente se encargará del boca-oreja en blogs y webs. La parte

Cómo dice el refrán: “Es mejor pedir perdón que pedir permiso”. ¤ The Requesters tocarán en el festival Creamfields Andalucía el 14 de agosto (Playa de Guardias Viejas, El Ejido, Almería).

040/041

report Arcade Fire

Arcade Fire DESDE LA PERIFERIA Texto

Pepo Márquez

Puede que exista una sensación generalizada cuando se habla de Arcade Fire: son un grupo que infunde un respeto absoluto basado en discos misteriosos, profundos, importantes, y quizás también en esa imagen de ganaderos de finales del siglo XIX profundamente religiosos que tan bien han sabido plasmar, al margen de modas, cotilleos y farándula barata. Una banda que trabaja en la periferia del sistema, pero que afecta profundamente al mismo cuando se deciden a intervenir. Con “The suburbs” (Universal, 10) ahondan todavía más en esta idea y se presentan distantes, seguros y con un lenguaje propio todavía más desarrollado.

E

s una pena que en los tiempos que corren los grupos grandes (o quizás las discográficas, quién sabe), sumidos en una paranoia parcialmente justificable, sólo permitan a la prensa escuchar los discos una vez, como si un trabajo de 16 canciones como el que nos ocupa no diese más de sí. Es una pena porque todos salimos perdiendo: la banda, los sellos y la prensa. Porque hay discos especiales, que no pueden ser digeridos a la carrera como un vulgar sándwich de gasolinera.

“Creo que la gran diferencia entre este y los demás discos es que, sin ser un disco conceptual, creo que hemos conseguido hacer unas canciones que no tenían como objetivo sorprender, sino acompañar para siempre a las personas que nos escuchan”. La afirmación no es gratuita. Quien habla con tanto mimo de su trabajo es Jeremy Gara (Ottawa, Canadá, 1978), batería de Arcade Fire. Habla de canciones como “Deep blue” o “City with no children”, donde, en lugar de sonar como esa banda a punto de estallar que podíamos encontrar en “Funeral” (Merge, 04) o, en menor medida, en “Neon Bible” (Universal, 07), suena a grupo de adultos que acaban de reconocerse como tales, sin prejuicios y sin complejos.

Aún a riesgo de provocar la sorpresa (o la burla) de algunos, Arcade Fire se han acercado más a Bruce Springsteen y la E Street Band con este disco que a Spiritualized, para entendernos.

“Quizás el cambio más importante sea que nos hemos quitado un poco de encima esa carga trágica que siempre nos ha acompañado”, reconoce Gara. “Yo me uní a la banda antes de salir de gira con ‘Funeral’, pero cuando éste ya había sido grabado, y recuerdo que pensé que había muchísimo dolor en esas canciones”.

No en vano, “Funeral” fue la respuesta de Win Butler y Régine Chassagne (matrimonio, residentes en Montreal y líderes al alimón del grupo) a la muerte de personas muy cercanas a ellos. “El siguiente disco, ‘Neon Bible’, fue un experimento absoluto. Conseguimos montar nuestro propio estudio en una pequeña iglesia que compramos en Montreal y allí nos volvimos locos con los sonidos, con las composiciones largas… Estábamos aprendiendo a no depender de nadie. Era una especie de Arcade Fire contra el mundo”.

La sensación es que “The suburbs” es distinto sin dejar de ser un disco totalmente Arcade Fire. Sigue existiendo ese misterio, residente en la voz de Butler y en las letras ambiguas que hablan de amigos que ya no lo son, ciudades intercambiables, chicos modernos perdidos en calles desiertas, bailes nocturnos, sueños con muertos o aviones que cruzan el cielo sin descanso. Es la clase de poesía que va asociada a los grupos que crecen en la periferia, en los márgenes de la industria, pero que se convierten, por los motivos correctos, en verdaderos protagonistas de la historia. Quizás por eso parezca que todo el mundo querría tocar en Arcade Fire. “Somos conscientes de la magnitud que tiene la banda para mucha gente”, reconoce Jeremy. “Sin embargo, seguimos siendo un grupo muy unido, un grupo sin demasiado contacto con el exterior. Vamos por la calle y nadie nos reconoce, nos seguimos sorprendiendo de algunas cosas… Hace unas semanas, por ejemplo, cuando decidimos grabar algunas tomas finales en Nueva York, fuera de nuestro propio estudio, no podíamos creer lo caro que nos estaba costando esa idea. ¡Es una locura! Vivimos tan aislados en nuestro mundo que cuando sacamos la cabeza para ver qué se cuece ahí fuera nos sentimos cada vez más y más desconectados.

Es una suerte que la única cosa que nos une al resto de gente ‘normal’ sea nuestra música”.

Esta vez, Arcade Fire han vuelto a tomarse su tiempo para comprender y reaccionar propiamente ante el momento en el que están como banda, seleccionar sus necesidades y extirparse las canciones adecuadas para poder seguir adelante como una de las bandas más importantes y necesarias de la década pasada y, probablemente, de esta.

Según su entrada en Wikipedia (a la que se puede acceder desde su propia página web, www.arcadefire.com), en febrero de 2008 Win Butler anunció en su blog que la gira de “Neon Bible” había llegado a su fin después de un total de 122 conciertos —incluidos 33 festivales— en 75 ciudades y 19 países diferentes. “Después de eso, decidimos darnos un respiro”, cuenta Gara. “Cada uno se fue de viaje, se casó o se compró una casa. Hicimos cosas de personas normales, la verdad, pero con vacaciones indefinidas”. Se ríe incrédulo.

Lo que no cuenta es que Win Butler se involucró personalmente en la campaña de Obama después de las primarias de New Hampshire y que Arcade Fire llegaron a protagonizar hasta cuatro conciertos gratuitos en diferentes ciudades de Ohio y Carolina del Norte para apoyar al ahora Presidente de Estados Unidos.

Tras estas apariciones, Arcade Fire capitanearon una gala irrepetible junto con Jay-Z en Washington, donde Butler agradeció al ya electo Obama que intentara cerrar la prisión de Guantánamo, y a los voluntarios de su campaña que demostraran que se podía trabajar duramente por unos ideales de izquierda en un país como Estados Unidos.

“No sé si las letras que escriben Win o Regina tienen una clara voluntad política, pero lo que sí es cierto es que no somos una banda que trabaje al margen de la política”, dice el batería. “Hemos vivido tiempos revueltos desde que comenzamos y es imposible que este tipo de cosas, como lo que sucedió en Estados Unidos antes de la presidencia de Obama, no afecten a un artista. A nosotros nos inspira la vida diaria y, por tanto, todo lo que esté dentro de esa vida forma parte de nuestras canciones. La decisión de comprar la iglesia en Montreal y trabajar en nuestro propio estudio va en esa dirección: no depender de nadie, no dejarse presionar, tener tiempo para reflexionar y decidir. Creo que en este disco hay decisiones importantísimas que quizás no sean tan evidentes pero que están ahí”.

Una de las sorpresas de “The suburbs” no sólo es su largísimo contenido (16 canciones para un disco editado en 2010 es una auténtica declaración de principios), sino el tratamiento estilístico diferente que tienen algunas canciones. Cuando en vuestros aparatos suenen canciones como “Sprawl I (Flatland)” y descubráis el potencial discotequero de la misma, se arquearán muchas cejas, pero también se dibujarán unas cuantas sonrisas. “Experimentar forma parte de nuestra naturaleza, y eso ha sido siempre así”, reconoce Jeremy. “Hay un par de canciones de este disco que surgieron a partir de cajas de ritmo, y eso nos ha conectado extrañamente con el pop de los años 80 durante unos minutos. Es curioso como las canciones van tomando forma por ellas mismas”.

El pasado 27 de mayo, la banda, que siempre ha utilizado su web y las diferentes redes sociales como medios de comunicación con el exterior (o el interior del sistema, según se mire), publicó una nota manuscrita que decía que habían casi terminado la grabación del nuevo disco, que saldría el 2 o el 3 de agosto, dependiendo de en qué territorio viva cada cual y que estaban emocionados con la noticia.

También anunciaban la edición de un single doble cara A (es decir, que ambas canciones estarían posteriormente incluidas en el disco final) y daban algunos datos sobre “The suburbs”: que había sido producido por Markus Dravs (que ya había trabajado con ellos en “Neon Bible” además de con Björk, Brian Eno o Coldplay en “Viva la vida or death and all his friends”), que había canciones disponibles para comprar en su web y que, como guiño, los fans podían reservar el disco en su web y recibir gratis las dos canciones del single.

“La comunicación con la gente que nos sigue siempre ha sido muy directa”, subraya con total normalidad Gara. “Nacimos en un periodo de la historia absolutamente marcado por las redes sociales, la comunicación directa y la falta de privacidad.

Si bien es cierto que nosotros hemos querido siempre preservar nuestra intimidad como banda y como individuos, no es menos cierto que hemos tratado de aprovecharnos de las ventajas de Internet a todos los niveles. Es una gran herramienta para lograr cierta independencia como banda, supongo…”.

La periferia. Los suburbios. Los barrios a las salidas de las ciudades, no como única opción (o como opción menos mala), sino como posición vigilante a los que están (¿estamos?) en el centro del sistema. Esas carreteras de circunvalación donde se pierden los coches, el tiempo y las esperanzas, pero donde se gana el orgullo y la rabia. Las canciones que miran desde lejos, esperándonos, con la razón que otorga la sensación del trabajo bien hecho, de haber dado todo lo que se tenía dentro, sin la necesidad de que los del centro del sistema lo aprueben, pero con la esperanza de que lo aprecien en algún momento de sus vidas. Porque para eso están escritas las canciones de este disco, para permanecer con nosotros para siempre. www.myspace.com/arcadefireofficial

042/043

report The Dead Weather

The Dead Weather

PLURIEMPLEADOS DE LUJO

Por todos es sabido que Jack White es un culo de mal asiento. No contento con liderar The White Stripes y The Raconteurs, producir discos a mansalva, realizar colaboraciones diversas e incluso hacer sus pinitos en el cine (“Cold Mountain”), hace año y medio Jack decidió enredarse en un nuevo proyecto. Para ello, nadie mejor que otra amante del garage rock y el pluriempleo: Alison Mosshart. La horma de su zapato.

Texto

Virginia Arroyo

T

he Dead Weather no pierden el tiempo y vuelven con nuevo disco bajo el brazo. “Sea of cowards” es su segundo largo en un año, una gesta considerable teniendo en cuenta la apretada agenda de sus componentes. Alison Mosshart, cantante de The Kills y de The Dead Weather, busca un hueco en la suya para atender a Go Mag y hablarnos de sus proyectos y de un álbum que define como “oscuro, pesado, personal, clásico y moderno a la vez”. La próxima vez también le pregunto por el suavizante de Jack, lo prometo.

Segundo disco. Parece que al final The Dead Weather sí que va a ser un proyecto a largo plazo, ¿no? Pues sí, eso parece. Y eso que empezamos pensando que sólo íbamos a hacer un 7’’. Ni siquiera teníamos un nombre, simplemente queríamos hacer música juntos en el estudio. Y entonces, un día, ya teníamos grabadas cinco canciones. Y pensamos: “Buf, es demasiado para un 7”, quizá deberíamos hacer un EP”. Así que, mientras en principio yo tenía que estar en el estudio una semana, acabé estando tres y nos salió un disco entero. Entonces lo sacamos y a la gente le encantó, hicimos unos cuantos conciertos y una cosa iba llevando a la otra. Y cuando nos quisimos dar cuenta, ya teníamos escrito el segundo álbum.

De hecho “Sea of cowards” (Third Man / Warner, 10) es vuestro segundo LP en un año… La verdad es que sacar dos discos en cosa de un año es algo bastante insólito, ¿no? Sacamos el primer álbum y no quisimos

esperarnos hasta poder enseñarlo a la gente y poder hacer más cosas juntos.

Lo de Jack White ya es de juzgado de guardia, pero, ¿y tú? ¿Cómo te lo montas para repartir tu tiempo entre The Dead Weather y The Kills? Hasta ahora me las estoy apañando bien. Al principio hice una gira de un año y medio con The Kills y cuando acabé caí en este otro proyecto. Desde entonces lo he ido compaginando. Creo que más o menos he hecho cada cosa en su momento y nunca han interferido el uno con el otro. De hecho, con The Dead Weather acabamos de sacar “Sea of cowards” pero el nuevo álbum de The Kills ya está casi acabado también. ¿Para cuándo estará listo? Pues acabo de volver al estudio con Jamie, así que esperamos sacarlo a finales de año. ¿Crees que el hecho de formar parte de The Dead Weather ha cambiado tu enfoque con respecto a The Kills o viceversa? La verdad es que no lo sé. Tengo la sensación de haber aprendido muchísimo en el último año y medio. Ha sido muy inspirador, me ha dado nueva energía. Me ha dado una perspectiva diferente y he acabado haciendo cosas que creía imposibles, como sacar un álbum al año.

Jack White es un personaje bastante mediático. ¿Crees que esto puede atraer en ocasiones demasiada atención hacia la banda? Bueno, para mí es

un verdadero reto. Ciertamente, lo que más respeto me da de este proyecto es que el público tiene unas expectativas muy altas. Todos los componentes de The Dead Weather provenimos de grupos muy diferentes, cada uno con su background y su público. La mezcla puede generar demasiada expectación, pero me gustan los retos y acepto éste, porque además creo que The Dead Weather es un grupo con entidad propia.

Has colaborado con gente como Placebo, Arctic Monkeys o The Last Shadow Puppets. ¿Cómo han influido estas experiencias en tu manera de hacer música?

Bueno, no creo que pueda considerarse ni siquiera una ‘experiencia’. Es cuestión de entrar en el estudio y cantar una canción para ellos, nada más. Es cosa de dos horas, como mucho un día. No es algo que te marque demasiado, es más bien un trabajo como cualquier otro: alguien te da una canción con una letra y tú la cantas. No es algo demasiado creativo, no es como escribir tus propias canciones, grabarlas en el estudio y hacer con ellas lo que te da la gana. No me malinterpretes: todos ellos son amigos míos y me gustan sus respectivas bandas; lo que quiero decir es que esas colaboraciones no han surgido de un proceso creativo compartido.

Hay una frase en “Gasoline” (séptima canción de “Sea of cowards”) que se me ha quedado grabada: “Estar asustado es un lujo”. ¿Hay algo que te asuste especialmente a día de hoy? Que se me vaya la cabeza. Eso es lo que más miedo me da ahora mismo. www.myspace.com/thedeadweather

mishima EDADES DE LA MORAL Más allá de costumbrismos, o de tratar de recordar todas las cosas que uno ha hecho en la vida, la existencia nos dibuja horizontes en suspenso, que tarde o temprano conviene resolver. Para David Carabén ha acabado por volverse crucial el hecho de ir uniendo esa línea de puntos y dar con el dibujo escondido tras los titubeos de la conciencia y la creencia. Por eso, en “Ordre i aventura” (Sones, 10) la identidad de Mishima se traza con una impronta de seguridad que hace a la banda más poderosa que nunca. Y quizás también justo por eso, Carabén y yo nos sentamos en una terraza con la única duda de si es ya hora para la cerveza. Así que David pide un agua con gas y yo un café solo.

Texto

Albert Fernández / Foto Inma Varandela

L

legados al punto de “Ordre y aventura”, uno lo escucha y está claro que “Tot torna a començar” no se parece a “Com abans”, y así lo mismo si fuéramos relacionando unas canciones con otras. El cancionero alberga diversos carismas, hay matices y curvas anímicas, pero en cambio enseguida se nota que todo eso habita una misma casa. Eso nos lleva a la conclusión, prácticamente inopinada, de que estas canciones están trabajadas primero desde la forma, y que el fondo ha llegado después. En un disco puede —o quizás deba— haber un tema más desnudo, uno más denso, otro directamente bailable… Pero lo que le da una coherencia, lo que le da integridad es tener una buena banda que ya ha limado sus aristas internas, donde uno acepta las críticas del otro sin importar de qué humor has entrado al local. Cuesta años llegar a ese entente, darse cuenta de que tienes un norte común, que es trabajar en servicio de la canción. Una vez llegados a eso, la manera de trabajar es tan consolidada, que puedes dar un sonido muy íntegro al disco.

En un disco cargado de instrumentaciones y arreglos, se deja notar la especial importancia de las guitarras: como están imbricadas las rítmicas, lo medido y trascendente de cada salto a la distorsión. Paco Loco, nuestro productor, es guitarra. Es verdad que él invierte en las capacidades expresivas de cada uno de nosotros, pero aquí le ha dado campo para correr a nuestro guitarra, Dani Vega. Las sesiones para este disco han sido ‘guitar oriented’, se ha sabido como poner las diferentes cuerdas en escena. Por otra parte, pasa que, al componer, ahora dejo más espacio para la música. Cuando empiezas a escribir, y a relacionar

texto y melodía, tiendes a ocupar toda la canción de letra. Ahora le doy más importancia a lo instrumental.

En “Deixa’m creure” hay un solo de guitarra que ya lo concibo yo en casa, cuando antes me tenían que asistir en los puentes instrumentales. Este solo ocupa casi toda la canción, por eso el significado de la canción está en el solo.

Casi sin atender a las letras, se da una suerte de relax emocional que acompaña la escucha del disco. “Ordre i aventura” no es en ningún momento bucólico ni catastrofista. Hay en sus canciones algo de hoy y algo de antes, una ponderación de los elementos que tienes delante al tiempo que se recupera algo del pasado. Los sentimientos no llegan recogidos por una pesca de arrastre, sino después de tirar de la cuerda con determinación, con la sabiduría de un viejo pescador. Sí, creo que la propuesta anímica o moral de Mishima va bastante por aquí. Muchas veces se nos ha pintado como un grupo de domingo por la tarde, o de banda para depres. Yo creo que somos más eso que dices, una mezcla peculiar de cosas nostálgicas, pero de fortaleza en tu nostalgia. No te quejas de que cualquier tiempo pasado fue mejor, lo celebras. Muchas veces me dicen: “tú no cantas nunca al amor en el momento del subidón”. A mí me gusta hablar de lo otro, de esas otras certezas en la vida que también se pueden celebrar, pero desde un punto de vista más tranquilo, aunque también con energía. “Tot torna a començar” es un buen ejemplo de eso, con esas baterías a lo Phil Spector donde la banda subraya de alguna manera la épica.

El título “Ordre i aventura”, y la recitación sombría de la canción, sugieren un equilibrio inestable, el darse cuenta de que vas atravesando etapas en la vida, pero no quieres dejar de ser ciertas cosas. Esa canción, como tantas otras, me cayó sin acabar de entenderla. Pasado el tiempo, veo que posee una gran coherencia, y tiene que ver con algún tipo de orden espiritual en mi vida: he tenido dos hijos, y a raíz de ser padre me han empezado a interesar cosas que no me habían interesado en la vida. Por una parte, cual es el origen, la explicación científica del principio de las cosas, con lo que me he puesto a leer mucha divulgación científica. Y al tiempo, aspectos sobre la tradición religiosa y la espiritualidad. Soy ateo, no vengo de una familia religiosa, pero como a cualquier ser humano, siempre me ha interesado el asunto de la existencia de un dios. Ahora, frente a mis hijos, es una situación que he querido resolver. ¿Tendré tentación de dejarlos que crean, de que no crean? Así que el disco es un poco esa búsqueda de orden espiritual. La vida es una sucesión de significados que no acabamos de pillar, y el arte puede ser una buena manera de ordenarlos. Vivo una vida desordenada, me ordeno a través del arte. La canción “Ordre i aventura” habla de la Luna sin nombrarla nunca. Yo me interpreto a mí mismo que, si a través de todo el disco trato de buscar una imagen de divinidad, dado que no creo en Dios, que mejor imagen que la de la Luna como divinidad alternativa. Es un “Moon River”. Se refiere a la luna sobre el mar. La luna es la estrella de los desesperados, de los románticos, de los que viven del otro lado de la moral. www.myspace.com/intomishima

044/045

report The Drums

The Drums

DE ESPALDAS AL SOL

Con la ciudad atrás, esquivándonos, en una calurosa caseta de otro festival que mira al mar, mientras el público se hace con el primer cubata de la noche en su correspondiente vaso de papel. Así es como me encuentro por primera vez con The Drums, tal vez porque no podía ser de otra manera. Más tarde, nos saludaremos en los lavabos y las barras de madrugada, cuando todavía resuenen los ecos de su pop luminoso y fantasmal, hecho de nostalgias precoces y susurros juveniles. No es fácil despejar de la memoria una canción de The Drums.

Texto

Albert Fernández

A

esas horas, The Drums ya habrán tocado, soportado fotos y grititos, se habrán mezclado entre la gente.

Para entonces, habremos hablado ya largo y tendido sobre su fulgurante ascenso a los tronos del surf pop, y de la reciente aparición de su disco largo, “Album” (Moshi Moshi / Nuevos Medios, 10). Los miembros de esta nueva y poderosa banda de aires retro se muestran tan desacomplejados y naturales como aquello que transmiten en sus canciones. Quizás sea esa falta de complejos la que me lleva a intuir que no hay mejor manera de inaugurar esta entrevista que preguntarles por esas declaraciones que hizo Boy George sobre las pintillas que se gasta la banda. En concreto, dijo de ellos que parecían unos ‘rent boys’, esto es, unos chaperos. Cualquiera diría que se trata de una introducción agresiva, pero lo cierto es que hace brotar sonrisas cómplices y la cosa pronto circula. Creo que fue Connor Hanwick, o Adam Kessler, uno de los dos, quien comentó: “No sé muy bien que quiso decir Boy George con eso, pero está claro que es coña. Es muy amigo nuestro, y siempre le gusta hacer estos comentarios ácidos sobre todo. Puede decir lo que quiera, seguro que en un punto u otro tiene algo de razón (risas)”. Entusiasmado con esa espontaneidad y despreocupación, les hago notar un par de cosas que ya deben de saber, como que en menos de un año han amasado una legión de fervorosos fans, y que su nombre sigue creciendo hasta instaurarse en la primera línea de todos los carteles de verano. Entonces, como estoy de cuclillas y me he perdido en mi propio rollo y tengo algo de sed, les pregunto rápidamente si piensan demasiado en todo eso, o únicamente se preocupan

por saber en qué ciudad están a cada momento. “Sí, bueno, creo que una vez hablamos de ello (risas). No, lo cierto es que todo está pasando tan rápido que no tenemos espacio para instalarnos en ningún punto de vista. Alguien dijo que grabáramos un disco y lo grabamos. Después, salimos de gira a toda prisa, y en eso estamos aún. Por suerte, todavía nos enteramos del cambio de ciudad”. Connor puntualiza. “Lo que hemos intentado hacer es poner toda la presión resultante de este tiempo en alguna especie de balde, y dejar que macere para hacer algo con ella en el futuro”. Llevados a este grado de espesor existencial, quizá sea demasiado pedir que distingan cuál fue el punto de inflexión que les hizo saltar entre estados, de ser una banda del montón a un nombre mundialmente conocido. Al fin y al cabo, los sonidos de The Drums son contagiosos, pero no comerciales. “Palabras como ‘comercial’ o ‘popular’ se están utilizando mucho, pero solemos mantenernos al margen de esas consideraciones.

Nos interesa nuestra ubicación musical, el saber que damos forma a una identidad sonora que nos interesa.

Nos gusta pensar que, si en vez de compartir nuestras canciones con tanta gente lo hiciéramos únicamente con nuestra familia y nuestros amigos, las canciones serían las mismas. Por lo tanto, el entorno de la banda no determina nuestra música, puesto que esta sale de dentro, de nosotros mismos, y no se mezcla con la reacción o aceptación que suscite. Queremos que la gente escuche lo que hacemos, pero no nos volvemos locos por dónde se nos coloque, o cuáles son nuestras referencias; eso es secundario”. Con todo, es justo que reconozcan que, entre los logros de la breve historia

de la banda, sin duda llegar a ser conocidos en Europa podría ser uno de los más importantes. “Sin duda, llegar a Europa ha significado un gran giro para nosotros. Editamos el EP en Reino Unido y fue como dar una gran zancada. De repente, se abrieron un montón de fronteras, estadios donde tocar, mucha más gente dio con nuestras canciones. No creo que estuviéramos aquí ahora sin esa sencilla edición inglesa de ‘Summertime’ (Moshi Moshi / Nuevos Medios, 10)”.

Entonces decido enunciar una pregunta en la mente de todos, desde que se pudo apreciar el casi inexistente hiato entre “Summertime” y “Album”: ¿Existían ya las canciones que conformarían el largo mientras se grababa el EP? “Básicamente teníamos elaboradas un cuerpo de canciones informes, surgidas de momentos del verano. Llegados septiembre y octubre, se trabajó para dar forma a un disco completo, con una sola apariencia”. Las canciones del disco se parten además por una mudanza de costa a costa, antes y después de que la banda se instalara en Brooklyn. Quizás esos cambios, y el final del buen tiempo, motiven esa especie de alegría decadente del disco, las caídas del júbilo a la miseria que encontramos en muchas de las melodías de “Album”. “Con el disco, quisimos que quedaran plasmadas todas nuestras caras. ‘Summertime’ representa el marco de una tarde en que lo pasas en grande, cuando te subes a la montaña rusa lleno de excitación y no paras de reír con tus amigos. ‘Album’ es más bien el momento en que te bajas mareado de las atracciones, y empiezas a darte cuenta de que se hace tarde y toca volver a casa, a lo de siempre”. www.myspace.com/thedrumsforever

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report Technasia / Mathew Jonson

Technasia GIMNASIA TECHNO Los contratiempos existen para superarlos. Pese a que Technasia ya sólo es una sola persona a los mandos (Charles Siegling) y los maravillosos años del techno noventero ya se han marchitado, el proyecto sigue con timón firme. Sin temblores de pulso, “Central” (Technorient, 10) supone un elegante discurso tech-house que dejará a más de uno sorprendido. El sabio de Charles no se anda con chorradas, amigos.

Texto

Alberto Vidal

T

al y como comentó el compañero Jordi Kodrinsky en el anterior número de junio de Go Mag, la pereza nos invadía a más de uno a la hora de desenfundar “Central” para pegarlo a nuestra oreja. Reconozcámoslo. Bien es cierto que este antiguo dúo (Charles Siegling y Amil Khan) nos ha regalado paquetes sonoros techno notables, pero, al igual que toda lata de conserva, todo tiene su fecha de caducidad algún día. Más aún cuando se separaron amistosamente, ya que “Amil, al ser padre, decidió abandonar Technasia.

En términos de producción musical, supongo que no cambia mucho, porque yo siempre me he involucrado más en el trabajo de producción. Amil fue más el director del proyecto”, comenta un ilusionado Charles Siegling. Vaya, que el proyecto sigue más vivo que muerto, con las coordenadas techno intactas, justo para seguir haciendo gimnasia con el ritmo que dicta Siegling.

La sorpresa saltó, como decía, al introducir el CD en su correspondiente reproductor. De repente, el mejor tech-house de alta escuela se colaba por los altavoces sin previo aviso. ¿Qué ha sucedido en la mente de Charlie? Su pasión por la música queda patente en cada palabra que evoca, como si la vida le fuera en ello. Es entonces cuando empiezo a entender el ‘leitmotiv’ de su nuevo trabajo, que el mismo se encarga de sintetizar con una gran verborrea. “El concepto de este disco es tener una colección de temas que crean un viaje sonoro único en mi mundo musical.

El significado de este disco es mostrar que es posible ser muy versátil en la música electrónica y al mismo tiempo sacarlo desde el fondo del corazón. Como bien

has mencionado, ‘Central’ tiene unas construcciones muy melódicas, que siempre ha sido una especie de marca en mi música durante todos estos años. Aunque también trato de combinar una gran cantidad de horizontes musicales en un solo viaje, y no sólo dentro del género del techno”.

REGRESO AL PASADO

Charles no vive de rentas, pero reconoce que la época dorada de los 90 para la electrónica ya es historia. Por sus palabras, se desprende una nostalgia a la par que romanticismo propia de alguien que ha vivido los primerizos pasos del techno con pasión extrema. Según Charles, “no me auto denomino como una persona nostálgica, pero me gusta mucho la música electrónica de los años 90, por su sencillez, su naturaleza, la forma en que puede expresarse libremente, lejos de los estándares de la industria techno comercializada que tenemos hoy. El techno de los 90 seguirá siendo atemporal porque fue creado sin un propósito en particular, simplemente por la pasión de hacer música electrónica. Así que tal vez, sí, en cierto modo existe mucha nostalgia en este disco. Tengo la suerte de poseer esa manera particular que los productores de mediados de los 90 utilizaron para componer música electrónica, sin toda la tecnología que se ofrece hoy en día”. Lagrimón que le caería al comentar esto.

SINO LIVE! Y LA SPANISH CONNECTION

España está de moda, ya sea por ‘La Roja’ o bien por programas como “El gato al agua”. Charlie parece ser que quiso pescar en la cantera española, y encontró

un diamante en bruto: Marc Dosem. “Es realmente difícil para mí perder la cabeza con artistas de la música electrónica actual, pero la primera vez que vi en vivo a Dosem quedé prendado. Marc es alguien con un talento enorme y un montón de interesantes historias musicales para contar”. Juntos forman el más que interesante proyecto Sino Live!, la fresca apuesta de realizar directos que nació debido a que “Marc y yo queríamos encontrar una manera de combinar en un espectáculo único la energía y nuestras habilidades. La simbiosis tomó forma muy rápidamente. ¡Buscamos que la gente sude, baile, grite y se vuelvan locos! Eso es para lo que nació Sino Live!”.

NITSA Y TECHNASIA: LA SIMBIOSIS PERFECTA

La simbiosis del pez payaso y la anémona de mar dejó de ser la más reconocible cuando la Sala Apolo de Barcelona y Technasia se dieron de la mano. “Es difícil describir con palabras lo que este club significa para mí, ya que he vivido momentos de pura magia. No me canso de dar las gracias al público de Barcelona y a la gestión de Nitsa por hacer posible esas magníficas noches. Sin duda es el mejor club donde he pinchado”. Gracias a ti, campeón. www.myspace.com/technasia

¤ Technasia tocará el día 10 de julio (Nitsa, BCN) y 17 de julio (Monegros Desert Festival, Monegros). Y en agosto, el día 6 (Aquasella, Oviedo) y 7 (Florida 135, Fraga).

Mathew Jonson ES LO QUE ES Casi diez años después de su debut en 12”, el canadiense presenta el primer álbum en solitario de su carrera. De acuerdo, quizá “Agents of time” (Wagon Repair, 10) no sea lo que esperábamos. Quizá no sea, tampoco, un disco suficientemente ambicioso para los tiempos que corren y sus canciones pierden algo de fuelle a medida que avanza el disco. ¿Se lo perdonamos? Joder, pues claro que se lo perdonamos.

Texto Foto

Marc Piñol Lars Borges

A

l empezar la entrevista Jonson me suelta algo que me deja tumbado: “Estoy muy desconectado de lo que se cuece ahora mismo en la escena de clubs.

Pero mucho. No tenía idea de que había un hype con la música disco”. Resulta muy curioso que alguien que pisa más clubs que nadie, que se dedica a hacer bailar a la gente semana tras semana, no esté nada al día. “En casa escucho mucho hip hop y jungle. Pero no suelo fijarme en lo que programan los clubs, la verdad.

Es una manera de escapar de la tendencia, quizá. Seguro que me pierdo muchísimas cosas buenas, pero de lo contrario no podría hacer música con tranquilidad”.

Así pues, ¿cómo es tu proceso de trabajo? Sé que te gusta mucho usar hardware y que evitas siempre que puedes los sintes y efectos software. Tengo mi propio equipo y me lo conozco muy bien. Quizá pueda influenciar de una manera u otra mi sonido, pero he visto a gente usar equipos parecidos a los míos y a veces los resultados no tienen absolutamente nada que ver. Con el tiempo he llegado a la conclusión de que la mayoría de artistas, si saben hacer las cosas más o menos bien y conocen sus propios cacharros, terminan teniendo su propio sonido. De todas maneras, y aunque no quiero ser demasiado atrevido (mucha gente parece decir lo contrario últimamente), creo que los sintetizadores hardware son más estables que un mero plug-in software. Aunque, bueno, cada uno tiene su manera de trabajar. En mi caso, me gusta trabajar las cosas en directo y pasarlas a mi ordenador sin automatizar parámetros ni hacer demasiadas tonterías. Me hace sentir más libre.

La verdad es que siempre había pensado que hacías tus tracks de esta manera, pues a veces hasta se notan pequeños fallos. Que conste que te lo digo como un halago. ¿Cuánto tiempo le sueles dedicar a una canción? Habitualmente tardo unas seis horas en crear un track. A veces me espero un día o dos para darle un poco de fuerza a la mezcla, para pulir algun sonido...

De todas maneras lo suelo dejar todo, ya desde un principio, bastante terminado. A veces tengo los oídos hechos un cristo, me cuesta concentrarme y todo eso, pero tiene que ver más con la edad (risas).

También resulta curioso que hayas incluído una primigenia versión de “Marionette”, uno de tus 12” más famosos. La versión que sale en el álbum es de hace cinco años. Fue a partir de este bosquejo de donde salió la idea para el maxi en Wagon Repair. Afortunadamente había guardado todas las versiones previas, que es algo que me gusta hacer porque nunca sabes si estás retocando las cosas para hacerlas mejor o, por el contrario, estás metiendo la pata hasta el fondo y desgraciando una buena canción. Volví a escuchar la primera versión hace un tiempo y pensé que era lo suficientemente fresca y cruda como para incluirla en el disco. La línea de bajo de las dos versiones está hecha con un Roland SH-101, pero hay pequeñas variaciones que fui puliendo a posteriori. ¿Sueles llevarte hardware, como es el caso del SH-101, para hacer directos? A mí me daría un poco de miedo de que se me jodieran, la verdad. Pienso lo mismo

que tú. Para los directos no me la quiero llevar, así que suelo hacer la línea de bajo de “Marionette” con un Nord Lead 2 que también me sirve para otros menesteres. Sólo los freaks se dan cuenta de que no es el sinte del 12”, por eso (risas). El bajo que puedes escuchar en “Girls got rhythm”, por ejemplo, es de un Roland MKS80 Super Jupiter. En estos momentos es mi máquina favorita, no puedo parar de usarla y es tremendamente versátil. El único problema es que pesa como un muerto. Así que también se queda en casa. ¿En qué casa? ¿En la de Vancouver, en la de Berlín o en la de Goa? He leído tantas cosas que ya no sé exactamente dónde vives. Ahora hace dos años que vivo en Berlín, así que no tengo demasiado contacto con Vancouver. Hay algunos festivales que han hecho que la ciudad haya cogido un poco de vida, pero no estoy muy al quite, la verdad. Creo que me ha ido bien todo este movimiento, me ha ayudado a salir de mi propia burbuja, aunque tampoco es que haga mucha vida social. Simplemente estoy mejor comunicado con el resto del mundo. Además, mi hermano (otro de los artistas de Wagon Repair, Hrdvision) también vive en Berlín, así que cuando me apetece ya tengo con quien pelearme (risas). www.myspace.com/mathewjonson

¤ Mathew Jonson tocará el próximo 17 de julio en el Monegros Desert Festival (Huesca).

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report James Holden

James Holden

Texto

Vidal Romero

UNA SESIÓN LLAMADA LIBERTAD Nadie, y es importante recalcar lo de nadie, hace discos de sesión como James Holden. No existen djs como él, capaces de mezclar músicas de esferas diferentes, de esferas que muchas veces no tienen que ver con el baile, y conseguir un resultado homogéneo, brillante, hipnótico. Holden, en fin, es un ejemplar único, un tipo que se enfrenta a sus sesiones sin miedos ni prejuicios, que coge de la mano al oyente y le arrastra hacia un viaje de naturaleza cósmica, en el que cualquier cosa puede suceder. Es lo que sucede cada vez que se sube a una pecera, y también lo que sucede cuando su particular entrega para la serie “DJ kicks” (!K7/¡Pop Stock!) comienza a sonar.

“E

s cierto que después de ‘At the controls’ (06) había prometido no volver a grabar un disco de sesión”, reconoce James Holden. “Lo veía como una forma de arte muerto, una reliquia de otra época, pero me había olvidado de que existe una excepción, que es ‘DJ Kicks’. Lo que ha conseguido esa serie durante todos estos años justifica su continuidad, pero es que además los precedentes demuestran que existe una libertad absoluta, y trabajar de esa manera sólo puede resultar inspirador”. Y no le falta razón: si algo caracteriza la sesión que Holden ha grabado para la mítica serie del sello !K7 es su falta de prejuicios. Lejos de concentrarse en estilos o géneros relacionados con el baile mezcla techno con pop, house con rock y hasta alguna pincelada de jazz, y luego deja que los temas se vayan engarzando entre sí de una manera que muchas veces parece cosa de druidas. “En casa siempre tenemos puesta música de un manera aleatoria”, continúa. “Cualquier cosa que escuche y me parezca interesante, la grabo en la carpeta ‘DJ’ de mi ordenador y dejo que se vaya combinando con otras canciones hasta que de repente sucede la magia. Y te aseguro que coleccionamos música como locos, sobre todo cosas antiguas: hay mucho por descubrir todavía”. Tan particular sistema de trabajo permite sacar adelante matrimonios en apariencia imposibles: Luke Abott con Mogwai, Walls con Legowelt, Lucky Dragons con Arp... Gentes muy diferentes, pero que tienen en común “aspectos melódicos, concepciones del sonido similares” que les permiten convivir en armonía, pero sobre todo “ritmos que encajan entre sí con naturalidad, algo que me parece fundamental, porque siempre persigo que la mezcla avance de manera hipnótica”.

Cuenta también Holden que debido a los clásicos problemas de licencias “he tenido que dejar fuera del disco algunos temas que me parecían fundamentales para vertebrar la mezcla”, y que otros que quería meter a cualquier precio, “como uno de Xeno & Oaklander para Wierd Records, han terminado por caerse porque no encajaban. Realizar un disco de sesión es siempre un compromiso. Debes escoger entre poner todas tus pistas favoritas o buscar combinaciones que casen bien entre sí, y todo se complica porque además tienes un límite temporal, así que al final terminas comenzando por algún tema especial”, en este caso el bonito “Wintersport / cross country” de Piano Magic, “y comprobando hasta donde puedes llegar. Y si te equivocas basta con volver sobre tus pasos, como un ratón buscando la salida de un laberinto”.

Tu disco representa una manera de pinchar muy actual, en la que tiene mucho más valor el contenido, la atmósfera general, que la selección de temas. ¿Que opinas de los djs que insisten en encerrarse en un nicho y sólo pinchan techno o house? Estoy seguro de que es posible realizar sets ‘puristas’ alrededor de un único género, yo mismo he disfrutado de cosas así en el pasado. Pero creo que ahora mismo es más interesante probar otras cosas, ni siquiera tengo muy claro cómo podría justificarse un set estricto de techno o de house, es algo que me parece demasiado ‘tradicional’. Después de todo, hablamos de música con más de treinta años de historia, y me da la impresión de que los chicos más jóvenes ven a esos DJs como dinosaurios, con los mismos prejuicios que nosotros demostrábamos hacia las viejas estrellas del rock a su edad.

O sea, que ya no te interesa el techno. La mayoría de los artistas que me interesan ahora mismo no te dirían que hacen techno, pero a pesar de eso la música de baile está en uno de los momentos más interesantes de los últimos años. Al menos es lo que sucede en Inglaterra, hay un montón de proyectos inclasificables floreciendo por todas partes, música muy fresca, que elude cualquier tipo de hype. Pienso en Zomby, en el nuevo disco de Four Tet, en Mount Kimbie, en Lone, en Bullion. Oh, y en el nuevo disco de Actress, que es increíble.

En “DJ Kicks” aparece una remezcla de Mogwai de la que no había escuchado hablar. Me parece curioso, porque aparte de la que acabas de grabar para Caribou, no recuerdo muchas remezclas tuyas en los últimos años. Ahora mismo hacer remezclas me pone enfermo, así que he decidido dejar de hacerlas, al menos por un par de años. Es muy duro trabajar de DJ, codirigir un sello y además hacer música, y las remezclas me han apartado de mis propios temas durante demasiado tiempo. Pero la remezcla de Mogwai era algo que tenía que hacer, han sido una influencia muy importante para mí desde los noventa, desde la época de “Ten rapid” y “Young team”. No nos van a dejar publicarla (las políticas absurdas de la industria musical, ya sabes), pero al menos me han dado permiso para incluirlo en la sesión, y eso me hace feliz. ¿Eso significa que tendremos pronto nuevo material tuyo? Me encanta “Triangle folds”, el tema exclusivo que has grabado para “DJ Kicks”. Estaré de gira todo el verano, así que no creo que tenga demasiado tiempo para sentarme en el estudio. Pero al menos ahora tengo claro qué es lo que quiero hacer. Las remezclas de Mogwai y Caribou, y sobre todo “Triangle folds”, representan a James Holden alcanzando por fin un tipo de sonido nuevo con el que se siente feliz. Y es algo que estoy deseando investigar más a fondo. www.myspace.com/iamtherealjamesholden

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band to watch Vivian Girls

Vivian Girls

CHICAS DE HOY EN DÍA

Las chicas de Vivian Girls son lo bastante monas como para tener una tienda en Etsy o hornear cupcakes de colorines los domingos por la tarde, pero en vez de eso han decidido hacer discos. Cabe decir que hacen sus canciones con la misma actitud con la que harían los cupcakes, pero empalagan mucho menos y además no engordan. Con la Band to Watch de este mes la línea fina entre el DIY y el handmade se diluye como azúcar fundido.

Texto

Banessa Pellisa Olly Hearsey

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V

ivian Girls son la clase de banda que en directo puede apabullar o matar de aburrimiento. Su fama se cimenta en la urgencia efervescente de singles opacos como “Where do you run to”, que intenta acercarse al surf pero lleva en dirección opuesta a la Inglaterra de Marine Girls y Brighton en los ochenta. Canciones como “Tell the World” transportaron a los nostálgicos a lo mejor de K Records y a la imagen perfecta de una Rose Melberg en estado de gracia con o sin The Softies, o el nuevo single, “My love will follow me”, te lleva de inmediato a la textura de siete pulgadas que sólo se encontraba en los dormitorios universitarios de Massachussets a finales de los noventa.

El trío de Brooklyn sería menos famoso si no fuera por la nostalgia de los que echan de menos esos singles y las fotocopias que recreaba “Vivian Girls” (In the Red, 08), deliberadamente naïve y adolescente, un rasgo que sólo molesta a quien no escucharía un disco como “Everything goes wrong” (In the Red, 09) a no ser que llevara una camisa de fuerza.

Las chicas son, pese a las críticas y su pose de Urban Outfitters mucho mejores cuando buscan parecerse a The B-52’s y The Delmonas y mucho peores cuando imitan a Wavves o el lo-fi real de sus compañeros de sello.

Pero ahí está la gracia, son un grupo inconstante que a ratos suena a tomadura de pelo y a ratos tienen la chispa limpia del instinto y el talento en bruto. Puede que sea esta imprevisibilidad la que ha cautivado a la prensa internacional que ha colocado al trío de Brooklyn en lo más alto del podio del coolismo moderno.

Las canciones de su último disco comparten esa calidad vocal, dulce y perversa en contraste con la masa de sonido acelerado de unas quinceañeras ingenuas. La sensación se acrecenta en directo y la inocencia —real o no— que promueven las hace parecer medio lelas, pese a que el resultado sea, a menudo, efectivo y chispeante como ninguno.

“Cantar y armonizar en directo es una de las partes más difíciles e interesantes de los conciertos. Cuando empezamos a tocar juntas no sabíamos la importancia que acabaría teniendo en nuestra música. El año pasado empezamos a cantar una canción a cappella en directo para intentar expandir nuestros límites y usar nuestras voces de una manera nueva”. Y lo cierto es que la mezcla funciona, pese a que comentarios de este tipo pongan la piel de gallina por espeluznantes y encantadores. La mística DIY cercana de Vivian Girls en el gancho definitivo de la banda. Son la novia lela.

Pero en directo rockean. ¿Cómo se explica? Puede que haya truco o que sencillamente la respuesta esté en la distancia.

De momento el grupo prepara su tercer álbum con la imagen de grupo antiguo en la mirada. Imagen y sonido que han potenciado con el single “My love will follow me” y que según comentan recupera “un sonido viejo, pasado, de manera consciente. Hemos utilizado cuatro micrófonos y un cuatro pistas, y hemos grabado las canciones en una habitación minúscula en directo”.

La banda llega a España en plena gira europea y con el disco a medio hacer. “Ha llegado un punto en que la vida en la carretera es una cuestión amor-odio. Cuando empezamos a girar nos metíamos en un coche diminuto y tomábamos prestado el backline y lo que necesitabamos en cada concierto pero ahora tenemos una minifurgo”. Dispuestas a planear sobre Barcelona como abejas reinas, las chicas de Brooklyn pueden deparar alguna sorpresa a los escépticos y algún momento digno de elogio si se sacuden la artificialidad y apuestan por ser más Ronettes que nunca. www.myspace.com/viviangirlsnyc ¤ Vivian Girls tocarán en el ciclo Band To Watch los días 27 (Razzmatazz 3, BCN) y 28 de julio (Moby Dick, Madrid).

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Vigo Transforma The Morning Benders

The Morning Benders CANTAMAĂ&#x2018;ANAS

Amanece el día y te desperezas con “Wet cement”, te lavas los dientes con “Stitches”, escoges la ropa y te vistes a ritmo de “All day day light”, sales por la puerta canturreando “Cold war”, te subes al autobús y ahí vuelve a estar ese alguien que pinta de colores pastel tu mañana y la pone en slow motion mientras suena “Excuses”. Es la historia de todas las mañanas y Chris, un cantamañanas. Una vez escuches “Big echo”, no amanecerá un día sin que resuene su voz en tu cabeza.

Texto

Virginia Arroyo

A

los listos que os intenten hacer creer que el mérito del nuevo trabajo de The Morning Benders se debe únicamente a la colaboración con Chris Taylor de Grizzly Bear, respondedles muy educadamente que estos cuatro californianos ya habían girado junto a colosos como Yo La Tengo, MGMT o Death Cab for Cutie mucho antes de que el oso pardo apareciera en sus vidas. Y luego les dais una buena colleja de mi parte y les decís que se escuchen bien su debut, “Talking through tin cans” (+1 Records, 09), y se atrevan a decir que ahí no había potencial. Una vez resueltas estas dudas, podréis conceder que, efectivamente, la pincelada rugosa y preciosista del Grizzly Bear se deja notar en este álbum del cuarteto, en especial en joyas como “Pleasure sighs” o “Mason jar”. Con “Big echo” (Rough Trade / ¡Pop Stock!, 10), Chris Chu y compañía se pasan por el forro el mito del ‘difícil segundo álbum’ para presentarnos una colección de diez temazacos en los que reinventan su sonido sin perder su identidad.

No es de extrañar que muchos hayan depositado en ellos su esperanza en el pop en un año en que el género se está viendo eclipsado por brutales lanzamientos de electrónica. Y lo cierto es que si 2010 tiene alguna posibilidad de equipararse, poperamente hablando, al prolífico 2009, ésta reside en las enclenques espalditas de Chris Chu. Mucho peso que cargar para un chiquillo con pinta de no haber roto un plato, pero, claro, uno no puede facturar un temón como “Excuses” y pensarse que no habrá consecuencias.

Todos los ojos están puestos en ellos y todas las orejas se derriten de goce al ritmo de cualquiera de los diez cortes que componen “Big echo”. No es para menos. ¿Cómo se te ocurrió llamar a la banda The Morning Benders (las juergas mañaneras)? ¿Eres de los que creen que las mejores fiestas suceden a plena luz del día? (Risas) En realidad el nombre se me ocurrió cuando me mudé a Berkeley, en California, para ir a la universidad. En ese momento es cuando empecé de verdad a escribir canciones por primera vez. Y lo que tenía claro es que quería tener un grupo, que no quería ser un músico del palo cantautor. Así que, aunque por el momento sólo estaba yo, le puse un nombre de banda. Pero sí, las mejores fiestas pueden ser bajo el sol (Risas). ¿Y qué escuchas para ponerte en modo fiesta? (Risas) Creo que me pondría algo de R. Kelly o quizá “Age of consent” de New Order.

Bueno, ¿y qué tal ha sido trabajar con Chris Taylor (bajista de Grizzly Bear) para “Big echo”? Es genial, es… la pareja perfecta. Yo tenía mucho miedo de delegar mi poder, soy un “control freak” total. Y él es una de las personas con las que llevaba un tiempo en contacto, hablando sobre música en general, sobre nuestra música en particular, y me daba la sensación de que la comunicación era fluida y estábamos en la misma onda. Y para mí eso es lo más importante a la

hora de trabajar con alguien. Además me encantó su trabajo en la producción del “Rise above” de los Dirty Projectors y en los discos de Grizzly bear, así que le iba enviando demos de las cosas que íbamos haciendo de “Big echo” y él se mostraba muy recepctivo y era de gran ayuda. Por eso cuando surgió el tema de la producción, no tuve ninguna duda en proponérselo.

Sabes que esta colaboración va a levantar todavía más comparaciones con Grizzly Bear, ¿no? ¿Qué opinas al respecto? Bueno, ésa es la parte mala.

Para este disco hemos recogido influencias de tantos sitios… De hecho, en parte por eso lo hemos llamado “Big echo”, porque nos hemos inspirado en música de todas partes y de todos los tiempos: de los ochenta, de los noventa.... Y, aunque muchas de esas influencias probablemente sean compartidas con Grizzly Bear, si lo pones todo junto, ahí hay mucho más que una burda comparación con Grizzly Bear. Hay muchas cosas que queremos mostrarle al mundo, así que animo a la gente a que escuche el disco, ya verán que tiene un montón de cosas que ofrecer.

Aparte de esas influencias genéricas que mencionas, ¿puedes señalar algún referente concreto que haya sido importante para vosotros en el proceso de composición de este álbum? Una gran influencia sería el “Think tank” de Blur. También he estado escuchando mucho el “Lesser matters” de The Radio Dept y el “Hounds of love” de Kate Bush. ¿Cómo es el proceso de composición de The Morning Benders? ¿Cuál es tu papel y el del resto de la banda?

Yo escribo las canciones y normalmente las tengo bastante definidas cuando entramos en el estudio. El volumen de colaboración de los otros miembros de la banda depende de cada canción. A veces compongo una canción y tengo una idea muy clara y muy buena sobre cómo deben ser los arreglos y otras veces hay que pulir más el tema entre todos en el estudio.

En “Big echo” se nota un cambio en vuestro sonido. ¿Este cambio fue algo que surgió, como aquel que dice, mientras grababais o ya venía de antes? Bueno, la cuestión es que queríamos probar algo diferente.

No planeamos hacia dónde queríamos ir, sólo el hecho de que queríamos intentar hacer algo diferente, que no nos íbamos a poner restricciones de ningún tipo. Entonces, con esta premisa en mente, cuando llegamos al estudio exploramos a fondo las posibilidades que nos ofrecía ese estudio en concreto y nos pusimos a experimentar hasta que salió lo que a día de hoy es “Big echo”. ¿Por qué crees que “Big echo” está teniendo más repercusión internacional que vuestro debut “Talking through tin cans”? Pues no lo sé, no estoy seguro.

Supongo que en parte es por la nueva discográfica con la que hemos firmado, Rough Trade. Nos han ayudado

mucho. Para una banda americana no es fácil conseguir ser oída en Europa y planear conciertos y todas esas cosas, hay muchas cosas que hay que tener en cuenta. También supongo que otro motivo importante es que para este disco queríamos darle un enfoque más abierto a nuestros temas, canciones más directas, con las que cualquiera se pudiera identificar, independientemente de cómo sea cada uno o de si tiene un día bueno o malo.

Bueno y, ¿por qué habéis dividido el álbum en Cara A y Cara B? Nos gustaba la idea de hacer las cosas como antes. Antes la gente pensaba la música en términos de discos. Queríamos que nuestros temas tuvieran ese valor conjunto como disco porque hemos pasado mucho tiempo escogiendo las canciones, secuenciándolas, construyendo “Big echo”, que es un álbum entero, y nos gustaría que la gente lo escuchara de ese modo. Y el hecho de separarlo en cara A y cara B era una manera de acentuar ese aspecto.

Entonces, ¿cómo veis la preponderancia del single, de la descarga de una canción suelta, en la ‘nueva industria musical’? Pues supongo que a alguna gente le funciona y le parece bien. De hecho creo que es un buen punto de partida: es fascinante que puedas entrar en Internet y escuchar tanta música tan rápido, y también encontrar tanta información sobre tal banda o tal otra. Esa parte me encanta. Pero por otro lado, me gustan mucho los álbumes y The Morning Benders vamos a seguir haciendo álbumes. Sé que ahí fuera hay gente que aún escucha discos, así que vamos a hacer música para esa gente. Igualmente, siempre se puede sacar una canción de su contexto, y eso va a pasar independientemente de cómo publiquemos nosotros nuestros temas. No se puede luchar contra ello.

Para quitar el mal sabor de boca de vuestra cancelación en el Primavera Sound, este verano os tendremos en el Norte de España por partida doble: en Vigo y en el Festival de Jazz de San Sebastián. ¿No os sorprendió un poco que os contrataran para tocar en un festival de jazz? Pues sí, la verdad. Pero creo que va a ser muy interesante. Me gusta la idea de tocar para un público diferente al que estamos acostumbrados. Nosotros solemos tocar en festivales con bandas de corte indie, o llámalo como quieras. Esta vez tocaremos ante gente que probablemente ni nos haya escuchado nunca ni nos tendría entre sus escuchas habituales. Será todo un reto. www.myspace.com/themorningbenders

¤ Escenario Xacobeo, 10/07/10.

054/055

Vigo Transforma Triángulo de Amor Bizarro

Triángulo de Amor Bizarro

NUEVA ORDEN

Con su debut de título homónimo, los gallegos Triángulo de Amor Bizarro se convirtieron de forma directa en uno de los referentes del rock estatal. Su síntesis de pop-rock + distorsión funcionó y, con su segundo ataque titulado “Año santo” (Mushroom Pillow, 10), ya poseen una legión de seguidores incondicionales dispuestos a todo por verles sobre las tablas para efectuar el sacrificio de sus melodías a golpe de fuzz. La tormenta eléctrica recaerá sobre el festival Vigo Transforma el 9 de julio. Santígüense.

Texto

L

Matías Bosch / Foto Juan Cea

legar y besar el santo. Desde el lanzamiento de “Triángulo de amor bizarro” en 2007 todo ha ido rodado para estos gallegos intrépidos, que han apostado desde el principio por un sonido que se aleja del habitual esquema de pop que invade la radio-fórmula estatal. Inequívocamente auspiciados por el auge de las nuevas tecnologías y en paralelo a la labor de su sello Mushroom Pillow, parece que la promoción se ha basado plenamente en la confianza que los fans han depositado en ellos desde la primera escucha. Como explica su guitarra y vocalista Rodrigo Caamaño. “Está claro que las redes de internet permiten un contacto más directo con la gente a la que le gusta el grupo. Creo que este es el modelo. Tener una relación cercana con toda la base de posibles seguidores. No creo que haya nada perjudicial. Todo el problema de las descargas reside en que no existe ninguna regulación. Creo que la clave está en que el que genera determinados contenidos, es decir, el grupo y el editor, tienen que tener la posibilidad de escoger la forma que ellos creen conveniente de distribuir sus canciones, sea gratis o no. El problema es que, como no existe ninguna legislación, por un lado, se culpa al consumidor y por otro, se permite que existan multinacionales como Megaupload, Rapidshare (que además ganan muchísimo dinero con contenidos que no son suyos), agarrándose a la bandera de lo gratis, a costa de hacerse de oro con anuncios sobre el alarga-

miento del pene o sobre putas”. Con declaraciones como ésta, no le vendría nada mal tomar nota a nuestra excelentísima ministra de cultura, Ángeles González-Sinde, si es que sabe a ciencia cierta hacia dónde ha de dirigir sus labores. Aunque difícilmente les veremos compartir escenario con gente como Ana Belén y Víctor Manuel, las composiciones de Triángulo llegan tan bien al público precisamente porque penetran en temáticas con las que todos podemos sentirnos directamente identificados.

“Creo que nuestras letras tienen significados muy claros, aunque muchas veces están bastante ocultos, pero no de forma intencionada, simplemente nos salen de esa forma. Para nosotros lo contrario sería forzar, y no nos quedaría natural”, argumenta Rodrigo. “Hablamos de temas clásicos en el pop, pero intentamos darles vueltas para que en la forma no sea lo mismo de siempre, ya sabes, el amor chico-chica y todo eso. Pero nosotros también hablamos de amor, pero de otro tipo”.

Aún así, lo que de verdad sorprende de “Año santo” es su producción —que ha estado bajo la tutela de Paco Loco— y el contundente resultado de su sonido, poseedor de un excelente tratamiento de los instrumentos, especialmente las guitarras. “Las guitarras las hemos grabado usando dos amplificadores puenteados, un Vox ac30 y un Fender Twin Reverb. Ambos con todo al 10.

Para grabar todos juntos, y poder sacarlas sin que se ensucie todo lo demás, Paco tiene un armario insonori-

zado donde mete las guitarras, así puedes sacar todo el volumen que quieras. Apenas usé pedales, más allá de algún overdrive, un wah-wah que uso desde siempre y algunos delays, claro. Eso sí, en cada canción estuvimos probando un rato hasta encontrar el sonido que queríamos directamente del amplificador. Nos pasamos más tiempo probando sonido que grabando. No tienen más misterio, la verdad”. Por supuesto, ni a Isa, ni a Rodrigo ni a Julián les hace ninguna falta vestir uniformes ni disfraces, pero sí que para presentar su música, saben encontrar la estética que mejor se adapta a su sonido.

Por ejemplo, su vídeo promocional, en el que aparecen sacrificios satánicos y se muestran explícitas imágenes relacionadas con el sexo —dirigido magistralmente por Luís Cerveró (recuerden aquel excelente “Alegrías del incendio”, de Los Planetas)— sin ningún temor a posibles represalias por parte de colectivos religiosos. “Que se jodan, la verdad, no creo que haya nada en el vídeo de mal gusto ni nada parecido. Es que ahora todo molesta... nadie protesta por las imágenes de atentados del telediario. Eso sí que hiere sensibilidades, y a las tres de la tarde. Yo creo que el vídeo es bellísimo; el gusto de Luis Cerveró es excelente, y pienso que lo que busca transmitir no tiene nada que ver con la provocación”. ¿Qué es el punk? Actitud. www.myspace.com/trianguloamorbizarro ¤ Escenario Heineken, 09/07/10.

Vasos Comunicantes ARTE EN MOVIMIENTO No sólo de música vive el hombre, y Vigo Transforma no iba a ser menos. De hecho, el auténtico ‘leitmotiv’ del festival, el que esconde bajo ese “Transforma”, implica la puesta en marcha de iniciativas basadas en la sostenibilidad y la responsabilidad ambiental. Comisionada por Isaac Cordal, administrador de la Comunidad de Arte Alg-a (de la que depende el net label del mismo nombre), la programación dará vida y color a la ciudad a base de instalaciones, talleres y performances.

Texto

L

Jesús Sáez

as instalaciones podrán verse a lo largo de todo el festival, destacando especialmente las tres que realizará el británico Giles Walker, dos de ellas relacionadas y tituladas “Communication breakdown”, situadas respectivamente en la Plaza de la Estación y en la Calle Príncipe, y la exitosa “Peep show”, ya presentada en el festival de Glastonbury con gran éxito. Walker impresiona siempre con su diseño de robots (recordemos ese grupo robotizado que formó junto a Ian Dury, Ruby Throat), sumergiendo los aspectos tecnológicos de sus creaciones en los fondos más oscuros de la sociedad: el público podrá interactuar, entre los días 2 y 10 de julio, con ‘homeless’ o bailarinas de club, todos ellos fabricados a partir de piezas encontradas en chatarrerías.

Más sarcástica es la propuesta de Gavin Morris y su “Digital fun fair”, una especie de parque de atracciones construido a base de viejas piezas de desguaces, que combina la melancolía por la vieja electrónica digital con la ironía más desatada, descarada e, incluso por momentos, gamberra. Se podrá ver entre los días 7 y 11 de julio en los Jardines de Elduayen.

Como curiosidades, una nueva demostración del Aquofono, los días 7 y 8, por parte del dúo Parto, un instrumento cuyo funcionamiento se basa en electricidad y agua y que compone curiosas capas de sonidos cristalinos con un interesante poder ambiental, y el “Body paint” de Memo Akten, en el que los asistentes

podrán desarrollar un llamativo proyecto pictográfico de naturaleza digital a través de los movimientos de su cuerpo (del 5 al 10).

Ya en horario nocturno, y tan solo los días 2 y 3, como parte del colectivo Alg-a, Berio Molina presentará su “Augmented sound”, un proyecto de audio experimental cuya idea básica es extraer nuevas cualidades sonoras a un objeto a través de un juego interactivo con sus cualidades físicas.

Las performances tendrán lugar en la Porta Do Sol, en horario vespertino (de 20 a 22 h, en su mayoría), y su protagonista será principalmente la música experimental de aliento digital (¿cuantos experimentan hoy musicalmente de manera orgánica? ¿Alguien se acuerda de The Blithe Sons?) acompañada, en ocasiones, con videoarte. Así, el viernes 2 será el turno para la turbadora concreta de @c, el dúo formado por Pedro Tudela y Miguel Carvalhais, que lleva ya más de diez años publicando su música por medio mundo.

Lo de Xesús Valle (sábado 3), otro de los integrantes de Alg-a, tiene una propulsión más percusiva, menos ambiental, con cierta agresividad, aunque para eso ya tenemos a Igmig (domingo 4). Lo de este dúo de Pontevedra es el ruido incómodo, las frecuencias estiradas, y el impacto sobre el oyente, bruto, sin otro objetivo ni coartada, pero al mismo tiempo, sin concesiones.

Carlos Suárez (lunes 5) es otro de los invitados que han participado en el colectivo Alg-a, y su aproximación está llena de espontaneidad y azar, con un limitado juego de lo digital, participando de ritmos tribales y con una clara búsqueda de lo etnológico, lo que da a sus performances un valor didáctico. Curiosas sus grabaciones paisajísticas.

Manuela Barile (martes 6) asalta lo multidisciplinar, integrando la investigación sonora con el juego visual, con resultados curiosos, en cualquier caso. Lo de Durán Vázquez (miércoles 7), otro que también publica en Alg-a, es un ejercicio de laptop y ruidismo con coartada social, pero la traca gorda llega con Mwëslee (jueves 8), visitante del Sónar en las ediciones de 2006 y 2009, que juega a la concreción entre ritmos abstractos, sampleando con inteligencia desde Arkestra.

Los talleres, por su parte, apuestan eminentemente por un aspecto pedagógico y didáctico, como ese Laboratorio de Escucha y Experimentación Sonora para niños, y el llamado Migrando Linux que trata de ofrecer a los visitantes las innumerables posibilidades del software libre.

En definitiva una propuesta complementaria al cartel gordo del festival, mimando la escena local, y tratando de dar al conjunto una coartada de mayor carácter artístico.

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discos

La selección Jäger

discos Uffie “Sex dreams and denim jeans”

Disfruta de un consumo responsable 35o

ED BANGER / WARNER

Release The Beast la manera en la que se introducen las voces (“Follow” es algo muy hermoso), todo en este disco suena a pop; a pop enfermizo y ralentizado hasta la insania, a pop deshuesado y opaco. Claro que la belleza, algunas veces, adquiere formas insospechadas, o no identificadas. Vidal Romero Bernhard Loibner “Unidentified musical subject”

Blitzen Trapper “Destroyer of the void”

Electro hip pop. ¿Conoces a Uffie? De ser así, sería una lástima que lo único que apreciaras de ella fueran sus piernas relucientes, esos ojos esquivos, las mejores poses de su repertorio fotográfico, o cualquier otro atributo que esta veinteañera de Miami se dedique a desplegar por los medios. Porque Uffie ha sacado un disco, ¿sabes? Y el caso es que ha tardado casi cuatro años en lograr dar forma y, sobre todo, salida, a este recorrido en catorce pasos por los más estilosos distritos del beat sensual. Y es que eso es lo que te puede pasar cuando consigues que tu novio, el Dj y poderoso productor Feadz, te deje grabar unas voces para uno de sus temas, luego te ayude a grabar tu primer single propio, y te conecte con la crème de la crème del mundillo discográfico francés, para después dejarle en la estacada y acto seguido casarte con otro, divorciarte del otro, y tener una criatura entre after y after. Desde entonces, la vida de la artista se fue desordenando entre fiestas y rumores, mientras la discográfica posponía una y otra vez la salida del disco, y la lista de colaboradores y productores se engrosaba a base de nombres relevantes: Feadz, claro, pero también Mr. Oizo, Mirways y SebastiAn tras la mesa.

“Sex dreams and Denim jeans” es una crónica noctámbula de una persona convertida

en escaparate, un despliegue de ritmos testimonial, donde lo que menos interesa son las letras. Atraen más los lechos de sonidos, las ambientaciones crepitantes y los ocasionales arpegios soul, y todos esos rasgueos electrónicos y los sintetizadores subrayando los fraseos más descarados de la chica. La fascinación se eleva hasta altas cotas en los cortes más celebrados, como “ADD SUV”, la versión de “Hong Garden” o “MCs can kiss”.

Aunque debo reconocer que a mi me cautiva especialmente la sinuosidad equilibrada en la melodía de “First love”, canción que palpita con una inocencia romántica, casi ochentera, rasgo que durante el resto del disco se esconde tras pantallazos de agresividad MC. El tratamiento de voces confiere al disco una onda hipnótica que ancla los sueños y vuelve estos surcos seductores, pero el peligro de que la burbuja estalle está presente todo el tiempo. Realmente me gustaría que Uffie encontrara un norte, y supiera darle continuidad a estos años de batalla vital y musical.

Aunque creo que ella es ya muy consciente de que la vida te scratchea de adelante a atrás, cambia bruscamente de pitch y repite estribillos hasta cansarnos. Al fin y al cabo, a menudo creemos participar en un juego que se juega solo. Uffie ya lo sabe, ¿lo sabes tú?

Albert Fernández

anchos y cambiantes, llámense “Dragon song” o “The tailor”, más un amplio aliento de esperanza consumado de forma inmejorable en el discurso entre harmónicas de “The man who should speak true”. Esa setentera manera de hacer canciones de Eric Earley dota a su obra de una personalidad magnética, que deshace los velos del tiempo y torna nuestros oídos inmortales. Por mucho que aceleres, la carretera nunca acaba. Albert Fernández

hace medio año. Con un poco de suerte, la chavala esbozará una sonrisa, se pondrá jubilosa con “Disco light” y con “Grab your life”, puede que hasta libidinosa, y tal vez te devuelva el regalo en forma de amor frenético.

Habrá que probar. Jordi Kodrinsky Challenger “Ümelsion” BCORE

SUB POP / ¡POP STOCK!

MOOZAK — IMPORT

Pop abstracto. No es nada casual que Bernhard Loibner se gane la vida como consultor informático para músicos (para músicos serios, de los de pajarita y orquesta) allá en su Viena natal: su segundo disco demuestra un impresionante dominio de las herramientas que permiten manipular un sonido por ordenador; es como un gran muestrario de perversiones aurales, la última frontera del destroce digital. Pero al mismo tiempo, también impresiona por su capacidad para conjurar géneros y estilos, para manejar recursos de la música concreta, el jazz y (sobre todo) el pop, y después mezclarlos en un potaje en el que cuesta reconocer los sabores, no digamos ya las influencias. Así que definir “Unidentified musical subject” como ‘pop abstracto’ tiene sus riesgos. Muchos de ustedes me tirarían este disco a la cabeza antes de que hubieran llegado a sonar dos canciones (insisto, canciones) protestando por la falta de movimiento, pero también su lógica. Y es que, si alguna grandeza tiene Loibner es precisamente esa, que ha realizado un ejercicio de abstracción, de reducción a elementos básicos y borrado de huellas, en el que la música popular actúa como centro de gravedad. Las cuidadas líneas melódicas, los floridos arreglos rítmicos,

Rock eterno. Sin duda, necesitamos más discos así: cancioneros henchidos como este de Blitzen Trapper, un racimo de melodías repletas de respiración y júbilo, que consiguen abortar cualquier sucesión temporal, puesto que hablan de ahora y de siempre, y, al fin y al cabo, todas las colillas van a parar al mismo cenicero al final de la noche. La primera vez que escuché la canción que abre y titula el disco pude verme claramente en el asiento de atrás del coche, mientras mi viejo, entonces todavía joven, iba cambiando casetes de Queen al tiempo que pisaba el acelerador bastante más de lo que cualquier pasajero infantil desearía. Las voces diáfanas y engoladas, sobrevoladas de coros y de punteos de guitarras gentiles, más todos los cambios de tono y ritmo de esta media docena de minutos musicales, me llevaron a los tiempos del “Theo Torriatte”. Pese a que ambas canciones no se parezcan en realidad demasiado, su deriva anímica, los giros de la melancolía a los riffsrock, las emparentó en mi imaginario. En el disco, esos horizontes de grandeza imaginada se perpetúan en el aliento eufórico de “Laughing lover”, o la penumbra reposada de “Below the hurricane”, con sus idas y venidas de segundas voces y rítmicas embebidas en crepitaciones. Y así, el viaje prospera entre paisajes

Anthony Rother “Popkiller II” DATAPUNK / DECODER

Electrotechnopop. A Anthony Rother lo que no se le puede negar es tener un gran sentido del humor. De guante blanco, eso sí. La secuela de “Popkiller” (Datapunk, 04), al igual que su predecesor, es de todo menos un popkiller en sentido estricto. Siendo riguroso, los verdaderos popkillers de su extensa discografía serían “Sex with the machines” (Kanzleramt, 97) y “Simulationszeitalter” (Psi49net, 00). Por el contrario, los dos “Popkiller” vienen a ser pop ‘quillo’ con todas las letras. No hay más. El de Offenbach entrega un álbum perfecto para regalar a esa amiga tuya que se quedó enganchada a la ola electroclash hace una década, y a la que le debes un regalo de cumpleaños y una disculpa después de desaparecer tras aquel polvazo que pegasteis

Hardcore. Entusiasmo sincero y en ebullición. Eso es lo que demuestran y merecen recibir a cambio los madrileños Challenger con su primer disco para el incomparable sello BCore, en el sentido año del 25 aniversario de la discográfica. Ahora que la apertura estilística de BCore es un hecho, no está de más que sigan apareciendo bajo su manto bandas como aquellas que les significaron en sus inicios. Challenger responden a las credenciales del punk aguerrido e impetuoso, pero se agradece en ellos la alegría que emerge de cada acorde y fraseo. “Ready for next show” seduce en su despreocupado despegue de bajo y batería, y se vuelve un himno hermoso una vez irrumpen los coros y la guitarra. Todo “Ümelsion” hierve de canciones que explotan con un sano orgullo de distorsión y frenesí, de furia sonriente y carente de pose. El fabuloso escándalo de los versos de “Homemade movies”, y la nitidez con que se resuelve su estribillo, o la creciente línea melódica de “Heart attack” y toda la épica sin mancha de la banda, son motivos más que suficientes para gritar fuerte y celebrar este disco. Porque vale la pena, en cada cabalgar de la percusión, en cada nota y alarido, y en todas esas paradas repentinas, que en realidad nos preparan para un nuevo salto. Albert Fernández

Ariel Pink’s Haunted Graffiti “Before today” 4AD / ¡POP STOCK!

Avi Buffalo “Avi Buffalo” SUB POP / ¡POP STOCK!

Psychodelic sunny pop. De igual manera que algunas frutas aparentan ser dulces a la vista y acaban sorprendiendo extrañamente por su sabor ácido y amargo, las canciones de Avi Buffalo nos ofrecen una falsa imagen de atardeceres idílicos en primavera que luego no resultan serlo ni de lejos. A pesar de su juventud, todos ellos/as rondan los diecinueve años, sus textos nos sorprenden por la manera explícita con la que tratan asuntos como la prematura muerte, la llamada de los profundos, torpes e incontrolables deseos sexuales —“Summer cum” (traduzcan Uds. mismos)— o la falta de comunicación. Es este álbum de debut un trabajo repleto de sobresalientes y cálidas melodías que ponen sobre el tapete el gran talento compositivo de los californianos. No deja de causar admiración que ya hayan sido capaces de crear clásicos instantáneos como “One last”, “Remember last time” o “What’s in it for?”, un tema que podría pasar perfectamente por ser un tributo de The Shins a The Beach Boys. Sorprendentemente buenos. David Giménez Arto Mwambé “Live at Robert Johnson Volume 6” LARJ — IMPORT

Deep house. Hubo un tiempo en el que la cátedra hacía cábalas sobre el origen de Arto Mwambé. El nombre del combo nos remitía directamente a Burkina Faso y se montó la película de algún africano haciendo deep house jugoso como un bistec con pasta de maní. Ahora sabemos que Arto Mwambé es un dúo de Fráncfort —Phillip Lauer y Christian Beisswenger en sus respectivos pasaportes—, con querencia por el house más profundo y los cacharros de Roland. El sexto volumen de la saga del club salchichero, al contrario que las entregas anteriores, cambia platos por hardware para entregarnos un soberbio live set cocinado en su estudio con el que hacernos una idea, a modo de simulacro, de cómo se desenvuelve la pareja tras las máquinas. Once cortes, la mayoría de ellos inéditos, enlazados espontáneamente en poco más de una hora, salpicados de disco house elegante y emotivo, con un toque romántico, y salpicados con frases de piano y algunas gotitas de ñigo-ñigo. Una maravilla. Jordi Kodrinsky Cherry Ghost “Beneath this burning shoreline” HEAVENLY / NUEVOS MEDIOS

Pop. Cuando ves que un disco tiene canciones que duran más de cinco minutos es muy mala señal, más que nada porque significa que en algún momento te ha parecido que alguna canción era como interminable, has tenido que verificar cuánto rato llevabas escuchando el mismo estribillo y te has percatado del particular. El segundo disco de Cherry Ghost, quinteto inglés, no es que sea malo del todo. Apoyándose en la potente voz de Simon Aldred, ofrece un pop expansivo, marcadamente teatral; evoca la ven-

ganza en clave rockabilly (“We sleep on stones”), recuerda un entusiasmo pretérito en plan Arcade Fire (“A month of mornings”) y, en general, se agarra a lo que sea con tal de tocarle la fibra sensible al oyente. Por desgracia, ahí donde, por ejemplo, unos Clearlake son capaces de crear un pop expresionista entretenido y emocionante, Cherry Ghost se enmarañan entre arreglos insulsos y vacuo sentimentalismo (“Barberini Square”: cinco minutos y 50 segundos) y hasta la relativamente lograda “Kissing strangers”, el single, acaba arrastrándose lastimosamente.

Gloria González Chief “Modern rituals” DOMINO / PIAS

Folk. Hay algo que resulta curiosamente atractivo en el debut de este cuarteto californiano. En él está ese colorido en las melodías tan particular de la costa oeste, esos coros luminosos, y también encontramos cierta suciedad neoyorquina, incluso algo de lo que hizo grandes a The Strokes. Pero el tono folk y acústico de la guitarra de Evan Koga, y el hecho de que no busquen de manera descarada el hit, huyendo de la épica más facilona, es lo que hace que el disco no quede aparcado en el apartado de ‘bandas que no conozco pero ya había escuchado’. Al final Neil Young aparece como una referencia (“This land” es muy clara en este aspecto) en un disco que huye de lo evidente sin ser esquivo, sin poner trabas al oyente, huyendo de la trampa que marca que lo diferente ha de ser difícil de asimilar, como se ve en esa inicial “The minute I saw it”, o en ese single impropio que es “Breaking walls”. ¿El problema? Al final falta un punto extra de excitación o de emoción para que todo acabe bien redondito.

En cualquier caso, interesante, como poco.

Jesús Sáez

Pop experimental. Hay discos que llaman poderosamente la atención porque parecen cuadrar mucho mejor que los demás en un punto situado a medio camino entre un pasado glorioso injustamente desconocido y un futuro que se anuncia cargado de esperanzas, de promesas de cosas bonitas y raras; un futuro lleno de discos que nunca habíamos imaginado pero que ahora, de repente, intuimos y que desde ya mismo esperamos impacientes. El pasado reciente de Ariel Pink son años y años de grabaciones obsesivas encerrado en una habitación, en Los Angeles, tocando él mismo una larga serie de instrumentos e imitando con la boca los que le faltaban, intentando casar una y otra vez a los Beach Boys con Michael Jackson y a Elvis Costello con Suicide, cual surfista gótico empeñado en deslizarse sobre la new wave cantando a los Monkees boca abajo. A la vera de la discografía de este iconoclasta incontrolado, que en su día dieron a conocer Animal Collective a través del sello Paw Tracks, ha aprendido a (de)construir sus propios mundos toda una generación de nuevas promesas. Llámenlo chillwave, llámenlo como sea: más de un artista posmoderno ha estudiado cómo cortar y pegar influencias sin ningún tipo de complejo escuchando las lecciones de pop marciano de Ariel Pink (miren a Toro Y Moi y vean).

“Before today” ve la luz en un sello impor-

tante, en un momento en que el enfant terrible del indie americano se ha vuelto casi una auténtica referencia digna de ser mentada y, por lo tanto, no podía defraudar. Y no defrauda. Grabado en condiciones normales, más o menos, con un grupo de verdad (sí, Haunted Graffiti ya es un grupo de verdad), con instrumentos no imaginarios y en un estudio profesional, presenta doce temas y resulta que más de la mitad son espantosamente eficaces. “Bright lit blue skies”, interpretada en actitud de gato callejero; “Fright night (Nevermore)”, delicioso thriller vaporoso; “Round and round”, romántica pepita pop, la ostentosamente ochentera “Can’t hear my eyes” (¿se ha hablado ya de Michael Jackson?) o el gran éxito mundial potencial “Beverly kills” (rabiosamente polifónico y denso) demuestran que, sin perder un ápice de su talento para desconcertar, Ariel Pink se ha dotado por fin de los medios necesarios para acertar.

No es que el resto del disco sea peor, aunque sí ligeramente más obtuso, abarcando desde “L’estat (acc. to the widow’s maid)” y sus momentos de abstracción posmoderna hasta el grunge de dibujos animados para niños sónicos de “Butt-house blondies”, el pop barroco de “Little wig”, que es como un tema de Elvis Costello multiplicado por ochocientos, la muy (literalmente) accidentada “Menopause man” o la oscura y casi violenta “Revolution’s a lie”. Ariel Pink mira hacia atrás con el corazón en la mano, con las manos en los bolsillos y los bolsillos descosidos; pone décadas de sabiduría e inconsciencia pop al servicio de algo siempre imprevisible y encuentra como por arte de magia la tensión perfecta entre ayer y pasado mañana. “Before today” es, pues, un disco que hay que tener muy presente. Gloria González

les?) que las que escribe para su banda. Se nota, en fin, que el gaditano atraviesa un momento dulce, que como dice al principio de “Fools”, ha “encontrado el lugar al que pertenece”. Y nosotros lo celebramos. Vidal Romero Damien Jurado “Saint Bartlett” Dani Llamas “Speaking thru the others”

SECRETLY CANADIAN / HOUSTON PARTY

RED VANETTE

Broken Social Scene “Forgiveness rock record” CITY SLANG / NUEVOS MEDIOS

Rock experimental. Como la alameda más serena, la piel más tersa envuelta en sábanas de idilio, “Forgivenes rock record” amanece en nuestro reproductor como un amante que pide perdón sin motivo, delineando con dulzura la insania de la creación en “World sick” primero, asomándose luego a escenas sucesivamente más enrevesadas y agresivas, desde los compases de “Chase scene”, “Texico bitches”, o el romance descreído de “Torced to love”. La seducción es inmediata, este es el tipo de discos que se te agarran adentro y no te sueltan en días. El estómago se encoge con cada viraje melódico, y las texturas ingrávidas de voces y percusiones reverberantes te llevan a perderte en pensamientos. Todo vuela aquí, las canciones son abundantes e inasibles, y veo claro que hoy diré que mi favorita es “Meet me in the basement”, pero pasado mañana sólo estaré por “Water in hell”; porque hay más de una docena entre las que escoger, y todas miran al cielo. Siempre pasa, el mayor colectivo musical de Toronto vuelve a reunirse, y nuestros pechos se abrasan por dentro. Es una secuencia personal dislocada.

Albert Fernández

Folk. Imagine usted, querido lector, que un buen día está de copas con uno de sus ídolos de siempre (pongamos para la ocasión a Ken Stringfellow, el cantante de los Posies) y que la cosa se complica. Que termina tocándole algunas canciones que consideraba demasiado íntimas, el tipo de cosas que uno no enseñaría ni a su novia, y que ese señor les convence para que graben esas canciones, que si hace falta se las produce él mismo; que si hace falta, maldita sea, toca la guitarra, los teclados, la pandereta y hasta las palmas. Bien, pues eso es lo que le ha pasado a Dani Llamas. Al menudo cantante de Gas Drummers le tocó lidiar con la perseverancia del tito Stringfellow, y menos mal que le hizo caso y se dejó arrastrar hasta los estudios de Paco Loco, porque gracias a eso tenemos en nuestras manos este “Speaking thru the others”, un disco íntimo y delicado, en el que más allá de nombres propios (que los hay, y siempre buenos, Elliott Smith, Neil Young, Nick Drake, el inevitable Dylan) resuena la propia voz de Dani. Algo que se nota en la música, de naturaleza acústica y contenida, que prefiere el susurro al oído antes que la explosión eléctrica, pero sobre todo en las letras, mucho más personales y emotivas (¿alguien ha dicho confesiona-

Folk rock. El tiempo vuela. Se cumplen diez años desde que la aparición de “The ghost of David” (Sub pop) sumase a Damien Jurado a la lista de los grandes cantautores folk contemporáneos con un disco que supuso una sorpresa mayúscula, colocándole a la izquierda de Nick Drake y a la derecha de Neil Young. Durante la década que acaba de finalizar, ha crecido hasta convertirse en un gigante: “On my way to absence” (05) o “Caught in the trees” (08) son claros ejemplos de su valía compositiva y se sirven como precedentes perfectos, de evolución lógica, a este “Saint Bartlett” que desde ya, se impone como su mejor obra. A dúo con Richard Swift (no sólo produce el disco, sino que participa activamente en él encargándose de la batería y el órgano Rhodes), Jurado hace historia con doce canciones inmensas, todas ellas dignas de mención entre exclamaciones. Desde la grandilocuencia de “Cloudy shoes” hasta el reposo crepuscular de “With the lightning in your hands”, pasando por las estremecedoras “The falling snow” y “Bacon Hill” la perfección es el sustantivo más adecuado para definir el sonido de “Saint Bartlett”, merecedor de todos los elogios posibles y algún día, candidato directo a ocupar esa sección de esta revista titulada ‘El último clásico’.

Matías Bosch

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discos

Deepchord presents Echospace “Liumin” MODERN LOVE / DECODER

Dub techno. Según un libro que he rescatado de mis tiempos mozos de la escuela (no tuve la suerte de asistir a la John Talabot y llegar a componer un “Sunshine”) se denomina gas “al estado de agregación de la materia que no tiene forma ni volumen propio. Su principal composición son moléculas no unidas, provocando que este se expanda para ocupar todo el volumen del recipiente que la contiene”. No he vuelto a acordarme de gases ni otros conceptos de química chunga hasta topar de nuevo con el segundo trabajo de Steve Hitchell (aka Soultek) y Rod Modell (Deepchord). Es poner el primer tema, “In echospace” y sentir como ese gas incoloro e inodoro, en forma de ondas acústicas, invade impunemente mi habitación hasta ocupar todo su volumen al completo. Acto seguido llega El orgasmo y un cosquilleo en mis piernas. efectivamente, Deepchord presents Echospace han vuelto.

Han pasado ya tres años después de la obra maestra “The coldest season” (Modern Love, 08), debut impagable del dúo y un verdadero viaje por los interiores de un bosque gélido de frondosa y tupida tundra. Para matar el rato, los americanos se han metido en algún berenjenal con algunas aventurillas de matar gusanillo, bajo los alías cv313 o Intrusion. De paso, la legión de imitadores (la mayoría con menos sustancia que las pastillas de caldo de marca blanca) ha brotado cual hongos en las

duchas de las piscinas públicas. Pues bien, han vuelto para dar un portazo contundente.

Ojo, esto no es la segunda parte del debut.

El dub gaseoso sigue presente, pero esta vez menos tóxico, justo con la misión de recubrir la nueva capa de sonido más dura y áspera que se llama techno Detroit. El concepto del álbum también ha cambiado. La pareja se ha dedicado a reproducir en cada tema el ambiente captado —grabadora en mano— del lugar dónde se encontraban para realizar sus actuaciones (de hecho hay una edición con disco extra el cual contiene grabaciones de campo realizadas en Japón).

Como apuntaba, el techno en su versión más Detroit es la apuesta al estilo all in del póquer. Te pegas la hostia en cuanto el segundo tema, “Summer haze”, empieza. Para que se hagan una idea, tiran más por el tema “Empyrean” que por “Abraxas”, ambos tracks de su debut. El ambient gaseoso se diluye para incluso mover los pies al compás 4x4, como ocurre con “Sub-Marine”. El vapor de altos hornos sigue presente, pero ahora es el segundo plano, en detrimento de las estructuras rítmicas con cara y ojos (es decir, que Von Oswald y Ernestus siguen estando presentes, sobre todo en “Maglev”). El ejemplo clave es el homenaje a Barcelona de “Bcn dub”, la cual desde ya debería ser el himno de la ciudad: trompetas distorsionadas al son de una síncopa que recuerda al minimal más sugerente. En “Firefly” el tech-house de alto standing asoma el hocico con más clase que Isabel Preisler. Poco después, para apagar la brasa que han encendido, se marcan la pieza ambient por excelencia para cerrar el disco. Se acabó: el gas se filtra por la ventana y escapa. Gracias, de nuevo, por el viaje.

Alberto Vidal

na pieza crepuscular y memorable, como “No place like home”. En los tiempos de la involución, Devo buscan seguir moviéndose hacia adelante. Claro que quizás a la cuarta tengas ganas de quitar el disco. Pero eso no importa, ¿vale? Albert Fernández Frank Bretschneider “EXP” Devo “Something for everybody”

RASTER-NOTON / ROTOR

WARNER

Synth pop. No es lo mismo, vale. Quizás fuera innecesario, vale. Que veinte años son muchos, sí. Y bueno, tal vez sea cierto también que da la sensación de que, para dar forma y color al regreso de Devo, se ha estado atendiendo más al reguero de expectativas previo a la salida del disco, que a la impronta del producto final. Pero bueno, no nos pongamos tensos. Porque si bien es cierto que a veces yo me pongo pesadito con mi entusiasmo pasajero, las derivas mentales y ciertas argumentaciones agarradas con pinzas verdes y feas, caídas al patio desde el piso del vecino tunero, hay otros por ahí que también cargan lo suyo: que si la campaña de Devo Song Study es una tontería, que si Devo no pintan nada en la vanguardia actual, que sus beats salen en cualquier recetario básico, que están viejos… No creo que a nadie se le quede la cabeza con forma de cubo piramidal soltando tales elocuencias. Olvídate. “Something for everybody” es un disco de velocidad contagiosa y tremenda energía, que representa el retorno a la acción de gente saludablemente agitada y se significa en cada surco, en cada beat o fraseo auto-paródico, desde su mismo título, ajeno a petulancias o cargas históricas.

Una descarga de sano frenesí, pop sintético y frontal con letras elementales e incluso algu-

Techno. Que un tipo tan prolífico como Frank Bretschneider, capaz de publicar varios discos propios y alguna colaboración cada temporada, llevara tres años sin abrir la boca (un par de remezclas y algún video son como pequeños bostezos para alguien así) sólo podía significar dos cosas. O que la creación del inmenso “Rhythm” (07) le había dejado exhausto, seco de ideas, o que el repentino éxito mediático de que goza Raster-Noton (éxito en el que, por cierto, tiene mucho que ver ese disco) le mantenía tan ocupado que no se concentraba.

La respuesta a esa pregunta, desde luego, no la va a dar “EXP”, que más parece una versión mejorada y focalizada de “Rhythm” que un proyecto nuevo, el resultado de llevar todo este tiempo de gira, depurando la relación entre imágenes y sonido hasta conseguir una alquimia perfecta, en la que sin embargo se ha perdido la capacidad de sorpresa. No me malinterpreten. “EXP” es un disco impresionante, tanto a nivel de detalle sonoro como a nivel constructivo.

Bretschneider tiene la maldita capacidad de trabajar con glitches que son, a un mismo tiempo, fríos y cálidos, y tiene también la maldita capacidad de programar ritmos que son pura cinética. El problema, en realidad, está en el segundo compacto de “EXP”, una colección de vídeos elaborados a partir de

las pistas de audio, que funcionan como traslaciones geométricas, abstracciones que cualquiera que haya visto a los popes de Raster-Noton en directo puede imaginar. Y es un problema porque se nota que, para potenciar la belleza de esas pequeñas piezas visuales, el productor berlinés se ha contenido a la hora de producir el audio, relajando tanto la complejidad como la duración de los temas. Temas, insisto, que siguen estando muy por encima de la media, que alcanzan el notable alto. Pero es que al tito Frank siempre hay que exigirle el sobresaliente. Vidal Romero

Campbell y Lanegan no tienen piedad, y su árido “Hawk” nos llena de brea y nos arrastra por el suelo con el veneno del desierto en la serpenteante “Snake song”, junto al carisma bamboleante y mortecino que desprende “Come undone”, el ebrio escándalo que se arma en “Hawk” o la gloria apagada que se concreta en “Sunrise”. Pero dices que quieres seguir bebiendo y escuchando esto. No me extraña que después te marees y sientas que no tienes donde caerte muerto. Albert Fernández Guilty Simpson “OJ Simpson” STONES THROW / NUEVOS MEDIOS

Department of Eagles ”Archive 2003-2006” BELLA UNION / NUEVOS MEDIOS

Symphonic folk room recordings. Como ya sabemos, Daniel Rossen y Fred Nicolaus formaron Department of Eagles en la época en que ambos eran compañeros de habitación durante sus años universitarios. Una buena muestra del material inédito que grabaron durante esa época y que nunca vio la luz, a veces por considerarlo ellos mismos como parte de álbumes fallidos, encuentra su lugar en éste recopilatorio titulado “Archive 2003-2006”. Desde algunos experimentos, como la pequeña pieza pianística e instrumental con la que se abre este bootleg oficial (“Practice room sketch 1”), hasta temas de folk-pop sinfónico mucho más sofisticados como la enorme “Deadly disclousure” o la urgente “While we’re young”, grabada en Nueva York con parte de la producción de Chris Taylor (compañero de andanzas de Daniel en su otro grupo, Grizzly Bear).

Canciones como “Practice room sketch 2” y, sobre todo, “Flip” dejan ver claramente los primeros indicios de lo que posteriormente pasaría a formar parte del lenguaje musical de ambas bandas neoyorquinas. David Giménez Isobel Campbell & Mark Lanegan “Hawk”

Hip hop. Sobre el papel, el segundo largo de Guilty Simpson aspiraba a disco con entidad: como los Nuggets de Melo y Billups era un serio candidato, si no a acomodarse el anillo que lo coronase como mejor álbum rap del año, sí a luchar una vez más por colarse en las finales de conferencia, tal vez dejando a los Lakers en la cuneta para gozo y disfrute de los haters de los de púrpura y oro. Los precedentes hablaban de un Madlib en formísima —las series “Beat Konducta” y el disco producido a Strong Arm Steady así lo atestiguaban—, de un MC prometedor en plena progresión y, de entrada, el hip hop funky y stoned del productor californiano parecía encajar como un guante de látex sobre las rimas complejas y ásperas del rapper de Detroit. De salida, un despropósito de álbum tratándose de quien se trata, infestado de skits (de los 24 cortes justo la mitad) que dejan un regusto a coitus interruptus, media docena de canciones breves que ni fu ni fa (“Scratch warning”, con Frank-n-Dank, roza el sonrojo) y algún temazo del quince como “Coroner’s music”.

Decepción. Jordi Kodrinsky

HEALTH “Disco2” CITY SLANG / NUEVOS MEDIOS

V2 / NUEVOS MEDIOS

Campbellaneguismo. Así que estabas al final del túnel, y la luz blanca te impedía ver. Sin poder sentir ninguna parte del cuerpo ni poseer verdadera noción de lo que había sido tu vida, empezabas a deshacerte en un continuo de limbo inconcreto, cuando te llegó el rumor de sus voces.

Isabel & Mark, “We die and see beauty again”. Sí, claro, sé como te sientes, fue como pisar la hierba por primera vez. Devenir algo de nuevo, justo cuando las cosas empezaban a carecer de nombre. Volver del final del corredor y sentirte vivo otra vez, darte cuenta de todo alrededor, reinando desde una atalaya sensitiva. Esas canciones de Mark & Isabel, joder. Ahora, suelta el vaso de una vez. Y qué quieres que te cuente; si has entrado en este tugurio otras veces, ya sabes lo que sirven. La tercera colaboración entre el reverendo del pecado y la cándida locura es otra repetición de cómo apreciar una verdad, o dos.

Dúo de genios, hosco y profundo él, dulce y mortal ella, aliados en un tiroteo de baladas asesinas, imposible no rendirse. Pero

Remezclas electrónicas. Los chicos de HEALTH siguen dando de qué hablar. Siguen recorriendo medio mundo presentando su sensacional “Get color” (City Slang, 09) a base de mucho ruido y muchas nueces. Hace ya un par de años la liaron parda con “Disco”, que valió para avisar de qué palo iban estos angelinos y de paso pusieron en la palestra a los proto punks de Crystal Castles con el temazo “Crimewave”. En este caso, “Disco2” es la continuación natural, volviendo a ser un llamamiento del cuarteto noise a sus mejores amiguetes para remezclar el sonido de su debut. El concepto clave sigue siendo el ruido, claro, pero con un ojo puesto en el clubbing que tanto deben de practicar los Health. El batiburrillo es de mojar pan en abundante aceite con vinagre y sal. Algunas muestras serían la remezcla de Salem de “In violet”, ideal para una madrugada de post fiesta desenfrenada. “In heat” con el toque afrancesado que pone Javelin. El temazo orginal “Die slow” esta vez con un toque hiphopero suave por parte de Tobacco, o bien en clave pista de baile de pijos por Little Loud. En fin, unas correctas remezclas para un buen álbum. Alberto Vidal

Roc Marciano “Marcberg” FAT BEATS — IMPORT

Jamie Lidell “Compass” WARP / PIAS

Nu-soul. “Compass” es Jamie Lidell en estado de gracia, ‘iluminado’, echando mano de una artillería pesada que se traduce con un extenso elenco de colaboraciones estelares.

Su colega Beck Hansen (a la producción), los ya habituales Gonzales y Feist, Pat Sansone (Wilco), Chris Bear (Grizzly Bear), alguna leyenda viva como James Gadson (batería de Quincy Jones o Herbie Hancock) y hasta sorpresas que invitan a elevar el entrecejo como la presencia de Nikka Costa. Pues sí, la otra mitad de Super Collider sabe perfectamente que la unión hace la fuerza y se hace valer de ésta con descaro para convertirse en el mejor alumno de maestros como Marvin Gaye, George Benson o Curtis Mayfield. En realidad “Compass” nada tiene que envidiar al “1999” de Prince (“I wanna be your telephone” es todo un guiño al canijo de Minneapolis) y seguro que a Jamiroquai consigue subirle la tensión arterial unas cuantas décimas (ya desearía él tener temazos en su haber como “The ring”). Hoy por hoy, “Compass” es el disco sintetizador de funk, soul y R&B que tiene en su poder todas las papeletas para arrasar con un simple chasquido de dedos. Chulo como un ocho. Matías Bosch Melody Gardot “My one and only thrill” DECCA / UNIVERSAL

Vocal jazz. Corto pero intenso, y elegante. En solo 48 minutos, Melody Gardot demuestra que el entusiasmo desatado tras su primer álbum hace dos años fue más que merecido.

Mucho se habló entonces del trágico accidente de tráfico que casi acaba con su vida y del rol que tuvo la música en su recuperación. Lo seguro es que la segunda vida de Gardot ya es parte de la nuestra. Es un deleite escuchar la mezcla de melancolía y esperanza que se desliza por sus melodías, intuir los chelos y violines que acompañan su voz ligeramente empañada. La americana compuso casi todos los temas, y aunque se entiende la comparación con Norah Jones o Madeleine Peyroux, lo que la hace especial es su vertiente más oscura. En este aspecto, así como en el color de su voz, se acerca más a la gran Fiona Apple que a sus compatriotas del jazz. No te pierdas “Our love is easy”, una bellísima composición que abraza a la vez que lastima, o “Your heart is as black as night”, que bien podría ser un clásico de Nina Simone, con su trompeta sensual que recorre la noche. No lo dudes, déjate embriagar… Florence Rodenstein Jana Winderen “Energy field” TOUCH — IMPORT

Soundscape. De todas las incorporaciones que se produjeron en la familia Touch durante el año pasado, tal vez la que mejor representaba el ideario ‘tradicional’ del sello fue la de Jana Winderen, una artista noruega que trabaja capturando sonidos con micrófonos hidropónicos (para grabar debajo del agua, es decir), y que después construye paisajes

sonoros a partir de esas piezas. Su primer disco, “Heated: Live in Japan”, tenía el handicap de que estaba grabado en directo, una desventaja en un género en el que se aprecia el detalle minúsculo y la tensión controlada, pero a pesar de eso conseguía transportar al oyente hacia un universo irreal y desvaído, en el que los sentidos se desorientaban y el vello de la piel se erizaba (a la altura de popes del sello como Chris Watson o BJ Nilsen). Una capacidad, la de emocionar, que las tres piezas de “Energy field”, mucho más contenidas y pulidas, llevan aún más lejos. La estrategia es la misma, sonidos marinos (corrientes de agua, borboteos, chillidos de peces, hielo en descomposición) capturados en los mares del norte, manipulados y maltratados en un portátil, reducidos en muchos casos a drones y murmullos, que luego se van dejando caer a lo largo de las piezas hasta construir un absorbente arco narrativo, que tiene mucho de fragmentario, pero también de hipnótico y colorista. Si a Jackson Pollock se le hubiera ocurrido alguna vez retratar el paisaje del Mar de Groenlandia, seguro que le hubiera salido algo parecido a esto. Muy grande. Vidal Romero

Hip hop. Aunque tuviera un pasado al cobijo axilar de Busta Rhymes, Roc Marciano consiguió abrillantar su armadura en las filas de The UN, apasionante grupo de pezuña rugosa y labia neoyorquina que, bajo el apadrinamiento de Pete Rock, nos permitió descubrir el verdadero talento de un self made man, ora productor, ora MC, pero siempre hiphoper en estado puro. “Marcberg” nos ha devuelto a un soldado raso al que muchos ya dábamos por muerto en un campo de batalla copado por sureños con incisivos de oro, metrosexuales con gafas Vuitton y marionetas de la radiofórmula. Y resulta imposible resistirse al baño de integridad que propone en su debut en solitario. Marciano retoma el camino de grandes como Large Professor o Diamond D, produciendo, mezclando y rapeando sólo contra los elementos, y forjando un tracklist sin relleno que prescinde de avalorios —tan sólo una intro, cero skits— y, por supuesto, no tiene un solo segundo que huela a concesión.

Sin coros, sin melodía, sin samples reconocibles, sin azúcar.

“Marcberg” es un pedrusco asimétrico de salientes afilados, sólo manos callosas y curtidas en la fragua de la golden era pue-

den sostenerlo sin cortarse. El artefacto es dañino; destila los goterones de funk oscuro y la halitosis callejera de los grandes álbumes que en los 90 se cocinaron en D& D Studios; tiene la crudeza lo-fi de las producciones más caseras de Largepro; no busca en ningún momento la sobreproducción por la sobreproducción. Los violines de “It’s a crime” son puro Wu-Tang primera época; “Raw deal” es la canción que Funkdoobiest habrían grabado si fueran de Nueva York; “Pop” es horrorcore de tintes épicos; “Jungle fever” parece un homenaje a los Mobb Deep de “Shook ones”… Imposible encontrar beats rápidos o breaks aburguesados. Imposible sonreír. O bailar. Esto es funk sofocante (“Ridin around”), spaghetti western negroide (“Thugs prayer”), soul adoquinado (brutal “Don shit”).

Y es un placer escuchar los raps de Marciano otra vez. Con unas pulsaciones en la dicción parejas a las de Raekwon, una forma de escupir 100% street y un tono agudo que suena como el reverso oscuro de Q-Tip, el rapper/productor vive en una literatura de esquinas, marihuana y épica de barrio que flota en perfecto equilibrio en esta sopa de beats con fecha de caducidad 1993. “Marcberg” es el disco que necesitábamos los nostálgicos para no sentirnos como abueletes quejicas. Se trata de un boca a boca milagroso para una escena neoyorquina que necesitaba mirarse de nuevo al espejo, con el mentón en postura desafiante. El mejor disco de rap del 2010 no va al grano, lo revienta. Óscar Broc

Jubilee “A place called home” GRABACIONES EN EL MAR

Americana. Que nadie cometa el grave error de dejar pasar el nuevo álbum de los andaluces Jubilee. Maestros en al arte de las canciones luminosas (con todo el brillo del que es capaz de emitir la melancolía), dominan estilos como el folk norteamericano, el pop de orfebrería de los sesenta, la psicodelia, el country y hasta el soul, con una destreza fuera de lo común dentro de nuestras fronteras. Ya dieron buena muestra de su poderío en aquel maravilloso debut titulado “The ghost orchestra” (Mushroom Pillow, 03), donde ya desplegaron sus cuidados arreglos y orquestaciones. En este “A place called home” todos los temas rayan una altura excepcional, dejando un listón demasiado alto como para ser igualado. Mención especial para la voz de Pedro Cantudo, de un timbre y una textura elegante y atemporal, que coloca la guinda a unas canciones a menudo más cercanas a Crosby, Stills, Nash & Young, The Grateful Dead o The Jayhawks que a The Beatles. El pop nacional está de enhorabuena. Gracias por existir. David Giménez Lilium “Felt” GLITTERHOUSE / NUEVOS MEDIOS

Folk. De la escisón de Lilium salió por un lado el proyecto de Dave Eugene Edwards con Wovenhand, y por otro lado, su parte rítmica, Pascal Humbert y Thomas Belhom, montó Lilium. Sin la personalidad, la contundencia y el aplomo de Edwards, Humbert y Belhom apuestan también por un folk espectral mayormente instrumental pero con hechuras más clásicas, menos oscurantista y excesivo, manteniendo ciertas similitudes con los Calexico más desérticos, o los Friends of Dean Martínez más desnudos, y alcanzando importantes cotas en temas como “Felt” o “Her man has a run”. Los re-

sultados son más que notables, depurados con respecto a anteriores entregas algo más ambiguas e intermedias, con una importante capacidad de evocación gracias al consistente manejo de una instrumentación capaz de evocar ambientes desolados, áridos y profundamente melancólicos. A seguir. Jesús Sáez

Mr. G “Still here (get on down)” REKIDS — IMPORT

Tech-house. Mr. G es Colin McBean, un veterano productor de la escuela británica amante del buen ron —supongo que también lo será de las buenas jamelgas—, el tenis y de los textos de Platón, que formó pareja con Cisco Ferreira en los 90 como mitad de los archiconocidos The Advent. Pese a lo dilatado de su trayectoria, que incluye cerca de 40 maxis en sellos de house underground como Defected, Moods & Grooves, Phoenix G y, ultimamente, Rekids. “Still here (get on down)” es su primer álbum de estudio en solitario. Para su debut en formato largo el británico hilvana nueve cortes que no se mueven un ápice del registro que ha venido exhibiendo hasta la fecha: tech-house modernete de bassline potente, con algúna parada en el techno más clásico de escuela europea, de hechuras analógicas, bien facturado, muy bailable, unas veces funcional, otras regado con unas gotitas de ácido y la mayoría de veces infectado de Philly soul. A los fans de Radio Slave seguro que les molará cantidubi. Jordi Kodrinsky

Men Among Animals “Run ego” TAPETE / GREEN UFOS

Pop. Estaba claro que iba a costar poco que las influencias de Animal Collective empezasen a hacer mella en la escena musical.

Después podemos encontrarnos con mimetistas desafortunados, imitadores inspirados, o trituradores de buena digestión. Lo que ha hecho este quinteto danés con su segundo disco tiene más que ver con lo último (aunque tampoco falta un poco de lo segundo), ya que han cogido el colorismo digitalizado de los de Baltimore, lo han pasado por el lado más funk y trasnochado de Talking Heads, con un pequeño baño de sonidos con querencias industriales (sobre todo esa contundencia rítmica), dejando como resultado un disco que deja espacio para los hits pop (“Sunset und Titan”) y el baile (“White”). Solo cuando se acercan al sonido británico en su vertiente más melosa (“Gavrilov”) es cuando naufragan, a pesar de esos giros explosivos que tanto nos gustan suavicen el desastre. Lo suyo es el músculo, y cuando lo ejercitan, los resultados son más que notables. A seguirles la pista. Hace falta prueba del algodón.

Jesús Sáez Mugstar “…Sun, broken…”

IMPORTANT

Rock progresivo. A la par que Oneida o Earthless, Mugstar facturan psicodelia que escupe electricidad a chorro, muy caracterizada por el rock progresivo correspondiente a la década de los setenta y ahora galvanizada hasta cobrar una patente apariencia metálica gracias a la influencia instrumental de Mogwai, con la singularidad, eso sí, de que Mugstar son de Liverpool, aunque su sonido les emparenta directamente con cualquier otro combo norteamericano de esas guisas.

060/061

discos

Micah P. Hinson “Micah P. Hinson and the Pioneer Saboteurs” FULL TIME HOBBY / HOUSTON PARTY

Americana alternativa. Lo texano es a Estados Unidos como lo gracienco a Barcelona o lo vasco al resto de la Península: una especificidad en la que la diferencia parece doble por el orgullo que tradicionalmente conlleva. El estado de la estrella solitaria perteneció a España, Francia y México; vivió ocho años como república independiente, se unió a su vecino del norte para evitar ser conquistado de nuevo por su vecino del sur y aún tuvo arrestos, cuando la guerra civil, para añadir una sexta bandera a su historial: la confederada. Pueblo terco e idealista, oigan, que tiene en la masacre de El Álamo uno de sus mitos fundacionales y que, sin importarle la imagen que pueda proyectar ante el resto del mundo, defenderá a sangre y fuego cualquier forma de injerencia por parte de ese mismo resto del mundo.

Lección de historia y psicología colectiva que viene a cuento en esta reseña musical, pueden creerlo, por un doble motivo. Fondo y forma, mismamente. Micah Paul Hinson, nacido en Memphis pero criado y formado en la localidad texana de Abilene, viene diferenciando sus trabajos discográficos no a través de un lema claro y sí por el nombre que otorga a su supuesta banda de acompañamiento: The Gospel of Progress, The Opera Circuit, The Red Empire Orchestra...

Y, en el caso que nos ocupa, The Pioneer Saboteurs, inspirándose en el poema de

Las canciones de “…Sun, broken…” llegan a ser tensas como un músculo agarrotado (“Ouro bords”), densas como las aguas del Mar Muerto (“Labrador hatchet” o “She ran away with my medicine”) y hasta incitadoras a la velocidad temeraria frente al volante (“Today is the wrong shape”). La perlita del disco: los más de doce minutos de duración de su último corte, toda una odisea espacial y manifiesto homenaje al krautrock bajo el impronunciable título de “Furklausundbo”.

Mientras vayan saliendo discos como éste, todos contentos. Matías Bosch

No Dogs “Go on” LENGUA ARMADA

Hip hop. Sorprendente debut el de este terceto madrileño. Con un sonido sucio, heredero de nombres tan imponentes como Don Byron, Portishead o Soulsavers, No Dogs afrontan una revisión de estilos como el rock, el jazz o el funk desde una perspectiva hip hop. Unos parámetros que ya han sido ampliamente abonados, pero que Dani Higueruela, Fernan Robledillo y Nacho Bejarano han rematado con contundencia, abrazando por momentos incluso el baile desde la perspectiva más sucia de aquellos Prodigy que nunca debieron irse. Más fallidos cuando relajan el músculo, y ceden ante los postulados más facilones del pop (“That sweet home”),

“Hojas de hierba” con el que Walt Whitman rindió épico homenaje a los protagonistas anónimos de la conquista del Oeste.

Filiación lírica que no resulta baladí en lo ideológico: en una reciente entrevista con The Quietus, el amigo tachaba a Obama de “asesino del Sueño Americano” por su política “socialista”; no en vano, “América es un lugar en el que puedes hacer que sucedan cosas maravillosas y en el que también puedes cagarla terriblemente, y creo que hay una belleza tremenda en eso”.

Para Micah P. Hinson, que niega ser un “jodido republicano”, el actual presidente es una “celebridad” cuyas posturas en temas de sanidad, por ejemplo, atentan contra la suma de libertades individuales que, a bordo de carretas, esgrimiendo sus pistolas y sus hachas, construyeron el país. Y quien dice el país, dice Texas.

Hay también en estos doce cortes amor y muerte contemporáneos, pero tal mención nos conducirá del contenido al continente.

Es sabido que la voz profunda y las posibilidades que le presta un historial torturado conforman el plato fuerte de la casa.

Tras la sorpresa inicial, la propuesta venía decayendo, con el habitual disco de versiones como plasmación última de la escasez de ideas. Aquí, no obstante, la cosa vuelve a mostrarse tan fecunda como bella. Y la explicación, más allá de las cuerdas que abren, puntúan y cierran el disco, apunta al sonido que el productor Matt Pence ha heredado de su experiencia como mezclador y batería de Centro-Matic y South San Gabriel. Sonido turbio y poliédricamente americano que cabe situar, pues, en torno a la localidad de Denton. A la sazón, Denton, Texas. Milo J. Krmpotic’

que conjura imágenes hermosas y delicadas.

No pasará a la historia del ambient, pero al menos proporciona buenos momentos. Que no es poco. Vidal Romero

Philip Selway “Familial” BELLA UNION / NUEVOS MEDIOS

triunfan cuando adoptan formatos más orgánicos, como en la fantástica “Good reason”, uno de los grandes hallazgos del álbum, o la también interesante “Riff”. Apuntan maneras; ahora, la propuesta debe solidificar.

Jesús Sáez

Pop acústico. El batería de Radiohead se lanza, tímidamente, en solitario recuperando la plenitud de su nombre de pila y acompañado, tímidamente, por Lisa Germano (a la que apoya esporádicamente en sus giras), el ex bajista de Soul Coughing Sebastian Steinberg y los Wilco Glenn Kotche y Pat Sansone (con los que contactó en 7 Worlds Collide, el proyecto benéfico de Neil Finn de Crowded House). Insisto en la timidez que parece gobernar todo el proyecto porque no se cae aquí, lo cual se agradece, en el típico defecto de los discos de buenos instrumentistas metidos a leaders que no es otro que la incontinencia. Selway se aleja todo lo posible de su instrumento principal, de hecho apenas hay baterías en todo el disco, y se agarra a la guitarra acústica y a una voz escasa pero agradable, desnuda y sí, tímida, que sin embargo recuerda en ocasiones a la del mismo Thom Yorke (“By some miracle”). Las letras, sobrios comentarios a historias de desarraigo y decepción (especialmente “Broken promises”), se montan sobre tímidas estructuras sin apenas alardes y sobre los que es difícil dar referencias especificas: algo de Wilco en el bonito inicio acústico de “All eyes on you” o una línea de contrabajo jazzístico en “The ties that bind us”. Un disco que puede curar o cortar, pero que merece la pena escuchar. Half Nelson

Pjusk “Sval”

Robert Wyatt “His greatest misses”

12K / ROTOR

DOMINO / PIAS

Ambient. Aunque en la superficie pueda parecer un disco de ambient en la más pura escuela de 12k (ya saben: microsonidos, texturas luminosas, abstracciones rítmicas que alguna vez fueron techno), hay algo en el segundo disco de Pjusk que resulta nórdico por completo, que hace pensar al oyente que la inspiración para el puñado de piezas que componen “Sval” proviene de los áridos paisajes noruegos, de esos prados y bosques llenos de nieve, en los que cuesta creer que la vida sigue adelante. Ayuda, por supuesto, la presencia de las grabaciones de campo que recorren el disco de arriba a abajo: el sonido del agua burbujeando en los riachuelos congelados, el viento que sopla con inevitable frialdad, algún lobo que aúlla en la distancia, pero más allá de esos detalles evidentes se adivina una cierta sensibilidad nórdica. Los saxos que suenan en “Glimt”, por ejemplo, traen a la cabeza los experimentos ambientales que de vez en cuando se publican en Rune Grammofon o Fonal, y lo mismo sucede con los contrabajos que puntean “Skumring”. “Demrig”, por su parte, recuerda poderosamente a Biosphere (una cita que se repite a lo largo del disco) y, si se aguza el oído, hasta es posible detectar la rítmica en descomposición de Uusitalo en cortes como “Sus”. Materiales que Pjusk utiliza para construir un discurso cinemático y asequible, que tiene mucho de banda sonora,

Canción de autor. Ahora que la espléndida box set con nueve discos editada en 2009 ha acabado fuera de stock —convirtiéndose así en lujosa pieza de coleccionista—, cualquier novedad que aparezca en el mercado firmada por el ex Soft Machine merece todas las atenciones del mundo, aunque esta vez no se trate exactamente de una novedad, sino de la reedición de un recopilatorio que tuvo fecha de salida con destino a Japón durante el 2004, previamente editado por Rykodisc y ahora en las perspicaces manos de la gente de Domino. En “His greatest misses” se reúnen diecisiete piezas —desde sus inicios como solista con su ars magna “Rock bottom” (74) hasta “Cuckooland” (03)— que se quedan cortas para hacer justicia a su vasta e intachable carrera. La mejor iniciación a su música siempre será la adquisición de los álbumes que aquí se resumen a modo de degustación. Aún así, la selección de temas congregados en “His greatest misses” es igualmente grandiosa: versiones mejoradas de Neil Diamond (“I´m a believer”), Elvis Costello (“Shipbuilding”), el “Arauco” de Violeta Parra interpretado por él mismo en castellano o algunas de sus cumbres compositivas como “Sea song” y “At last I am free”. El fetiche se completa con un asombroso diseño de portada a partir de dibujos firmados por él mismo a la edad de siete años. Matías Bosch

Pernice Brothers “Goodbye, killer” ASHMONT RECORDS-ONE LITTLE INDIAN / ¡POP STOCK!

Americana. Pernice Brothers pueden ser considerados ya unos veteranos de la escena del alternative country. Formados en 1997 por Joe Pernice tras la disolución de los siempre reivindicables Scud Mountain Boys, y con media docena de álbumes a sus espaldas, el combo de Massachussets es consciente del hecho de que el vagón de un tren que les conduzca a una fama mayor ya ha pasado. Siendo consecuentes ante esta situación, su loable apuesta como artistas consiste en venir facturando, uno tras otro, unos discos siempre honestos que suenan a clásicos de manera inmediata. Y es esto lo que encontramos en su nueva entrega, “Goodbye, killer”, diez composiciones de una calidad excepcional, como el pop de “Bechamel”, el power pop de “Jaqueline Susann” (dedicada a la escritora de “El valle de las muñecas”), el rock americano presente en “Something for you” (que recuerda a Tom Petty) y la deslumbrante belleza de canciones que beben de la americana como “Newport news” y “The loving kind”. Un notable acompañante. David Giménez

Recoil “Selected” MUTE / PIAS

Industrial. Tal cual su título indica, “Selected”, reúne a modo de compilación algunas de las composiciones que dieron vida al proyecto paralelo de Alan Wilder, al margen de Depeche Mode y bajo el alias de Recoil.

A medio camino entre la electrónica que recogía directamente el testigo de su banda nodriza, la música industrial y el trip hop, Wilder se arropó de diversas colaboraciones relacionadas con las vertientes más oscuras del panorama musical de mediados de los noventa y principios del dosmil, dando vida a diversos álbumes: “Bloodine” (92), “Unsound methods” (97), el notable “Liquid” (00) y “SubHuman” (07). Aunque como introducción a la banda “Selected” es un trabajo muy válido, la limitación de tan sólo catorce temas no le hace la justicia histórica que Recoil merece. “Selected” revive cortes imperecederos junto a Diamanda Galás (“Strange hours”), Nicole Blackman (en la tenebrosa sensualidad de “Want”) o Hildia Campbell (“Last breath”) y se completa con un segundo compacto de remezclas entre las que destaca una revisión glaciar de “Shunt” a cargo de Pan Sonic que quita el hipo. Matías Bosch Robin Guthrie “Sunflower Stories” ROCKET GIRL — IMPORT

Shoegazing. Parece que Robin Guthrie se siente cómodo con el formato EP, una elección acertada para su exigente música, no cabe duda, cerrando así una trilogía que abrió el año pasado con “Songs to help my children sleep” y “Angel falls”. Sin salirse ni un ápice de sus parámetros estilísticos, Guthrie deja su sello personal en cuatro compo-

Klaus&Kinski “Tierra, trágalos” JABALINA MÚSICA

siciones instrumentales que devanean entre el dream-pop, el ambient y el shoegazing.

Entre la melancolía y la ensoñación, con sus brumosas capas de reverberación, el que fuera cerebro pensante en Cocteau Twins puede ser acusado de inmovilista y conservador, pero no cabe duda de que sus objetivos los logra: pocos artistas a día de hoy pueden alcanzar esas líneas melódicas rayando las más lánguidas emociones, con la intensidad y el aplomo que le caracterizan. El problema es que al final todo esto queda más como ejercicio alimenticio para seguidores incondicionales. ¿Reivindicación? Jesús Sáez

The Boxer Rebellion “Union” THE BOXER REBELLION / WARNER

Pop-rock. El principio del nuevo siglo, para bien y para mal, será recordado como la era de Internet y de la democratización/demonización de la música gracias a la www.

La red ofrece a los músicos la posibilidad de aplicar fácilmente la filosofía del Do It Yourself e incluso de olvidarse de las discográficas cuando no existen intereses comunes. Es el caso de The Boxer Rebellion, banda inglesa que a los pocos meses de publicar su debut con el efímero sello Poptones de Alan McGee vieron como este desaparecía y no encontrando ninguna compañía que les respaldase, decidieron seguir adelante en solitario. A principios de 2009 veían recompensado su esfuerzo cuando “Evacuate”, primer single de “Union”, aparecía en iTunes como “single of the week”.

Su rock épico influenciado por Radiohead, Coldplay y U2 llamó la atención del público y a pesar de no tener soporte físico acabó siendo elegido como mejor álbum alternativo del año por los editores norteamericanos de itunes. Gracias al éxito en la web la banda ha acabado publicando una cuidada edición en CD del disco. Javier Burgueño Savas Pascalidis “Nuclear rawmance”

The Pinker Tones “Modular” OUTSTANDING

Pop electrónico. Cuando se habla de bandas españolas con éxito fuera de nuestras fronteras, a la gente se le llena la boca con El Guincho y Delorean, relegando al olvido en muchas ocasiones a The Pinker Tones. Toda una injusticia porque este dúo catalán tiene motivos de sobras para instalarse en nuestras orejas, en nuestras discotecas y en las puntas de nuestras lenguas. Prueba de ello es su nueva entrega, “Modular”, un disco del que Profesor Manso y Mr. Furia decidieron regalar nada más y nada menos que 50.000 copias. Si no conseguiste hacerte con una el pasado 11 de junio, afloja la mosca, que no te arrepentirás.

Además, la época del año no podría ser más apropiada porque estos diez temas y cuatro interludios son la compañía perfecta para tus mañanas en la playa, tus tardes en la piscina y tus noches en el chiringuito. O, si eres menos afortunado, para alegrarte el camino al trabajo. Ya lo dicen ellos: “Son las cosas que me pasan estirado al sol, no puedo imaginarme una postura mejor”. Virginia Arroyo School Of Seven Bells “Disconnect from Desire” GHOSTLY INTERNATIONAL / ¡POP STOCK!

Pop. Después de las querencias etéreas de su álbum de debut, “Alpinisms”, la banda de Benjamin Curtis y las gemelas Deheza se ha lanzado al pop sin contemplaciones, dejando más de lado el componente dream-pop, casi únicamente presente en las armonías vocales y puntuales arreglos de guitarra, y potenciando el componente electrónico, agilizando las bases, y escorándose, cada vez de manera más clara, hacia la inmediatez y el baile. El resultado parece afincado en tierra de nadie: desarrollos demasiado largos y dispersos para impactar, mucha melancolía para la pista, y por otro lado, cierta falta de sutilidad, causada por la búsqueda del hit, para emocionar, ritmos demasiado machacones como para despertar esa paisajística languidez tan propia del pop más vaporoso. La escucha acaba resultando pesada, y las finas voces de las hermanas Deheza no empastan bien con la producción más agresiva de los ritmos, conformando un producto, casi siempre, aburrido y falto de inspiración. Jesús Sáez

Pop. A fuerza de ser sincero diré que en un principio estuve tentado por la idea de copiar y pegar la crítica que un servidor escribió con motivo de la publicación del primer disco de Klaus&Kinski, “Tu hoguera está ardiendo” (08). ¿Mis motivos? Básicamente porque aunque estemos ante un nuevo trabajo, el segundo álbum de los murcianos —el tercer artefacto sonoro tras el EP “Por qué no me das tu dinero” (09)—, es el reflejo de una banda que sigue siendo estrictamente fiel a su particular estilo musical, muy ecléctico y nada definido (o definido en su indefinición). Todo es diferente aunque sigue siendo igual. Catorce temas en ambos discos (sí, vale, uno más en la versión LP). Estilos ya presentes anteriormente como el shoegaze (“Eres un sinvergüenza”), la electrónica (“Brilla como una estrella”), el country (“Mamá, no quiero ir al colegio”), la bossa nova (“Deja el odio para después de comer”) y un pasodoble ahora (“El Rey del Mambo y la Reina de Saba”) donde antes hubo un bolero (un exitoso bolero, por cierto). En el apartado lírico las formas continúan por los mismos derroteros: impostura, desgana, incredulidad, mala leche y mucho sentido del humor. Quizás ahora Alejandro parezca mostrar más reiteradamente su descontento por la clase política mundial. Entonces, ¿por qué no hago copy and paste? Existen varios motivos. A saber, mi jefe de redac-

thgaze que shoegaze. Se podría decir que por su ingravidez, su tendencia al intimismo más cadencioso y menos urgente The Depreciation Guild están más cercanos a The XX que a The Big Pink. Diez canciones hipnóticas de texturas oscuras por donde vagamente se cuela algún halo de luz entre las que destacan, por encima de todo, “Dream about me” y la épica “Trace”. David Giménez Secret Cities “Pink graffiti”

The Depreciation Guild � “Spirit youth” KANINE RECORDS / HOUSTON PARTY

Dreamgaze. Aquellos que hayan supuesto que el sonido de The Depreciation Guild es similar al de The Pains Of Being... basándose en el hecho de que los primeros tienen entre sus filas a dos de los componentes de la banda que se alzó con el título de ‘hype’ del pasado año se van a encontrar con una sorpresa. El trío de Brooklyn publica “Spirit youth”, su segundo largo tras el autoeditado “In her gentle jaws” (07), que está producido por Josh Eustis, del grupo electrónico Telefon Tel Aviv. Esa apuesta tras los mandos es definitoria a la hora de intuir las intenciones de la banda apostando por un sonido más syn-

Tracey Thorn “Love and its opposite” STRANGE FEELING / PIAS

WESTERN VINYL — IMPORT

SWEATSHOP — IMPORT

Teutechno. Después de más de tres lustros rondando por las cabinas de medio planeta y dos LPs en Gigolo que recibieron más palos que Sonny Liston el día que Ali le arrebató el cinturón de la WBA, el veterano Savas Pascalidis factura su tercer largo casi cuando nadie se acordaba de su existencia.

Lejos de tirar la toalla al borde de la cuarentena, el de Stuttgart arma su mejor trabajo hasta la fecha. Aunque los doce cortes de “Nuclear rawmance”, por descontado, no vienen a descubrir las Américas ni ningún islote perdido a orillas del Pacífico, sin duda funcionarán de fábula como remiendo a aquellos pinchadiscos que gustan de navegar en sus sesiones a bordo del jacking y el techno de hechuras analógicas. Otro punto a favor de Pascalidis vendría a ser el radiante sonido de su tercer vástago, cimentado sobre un magnífico trabajo de masterización que le da un brillo especial a la mayoría de las pistas. Eso sí, el último tramo está metido con calzador y, siendo benévolos, resulta poco menos que prescindible.

Jordi Kodrinsky

ción no me lo consentiría, algo (bastante) dentro de mí me lo impide por ley y moral y, sobre todo y por encima de lo demás, hay algo en ambos trabajos discográficos que los hace ligeramente distintos. Y no, la diferencia no consiste en si éste es mejor o peor que aquel, o viceversa, porque hasta en este punto podría decirse que son igual de buenos aunque no.

La diferencia radica en que este “Tierra, trágalos” no resulta tan inmediato como su predecesor. El nuevo trabajo de Alejandro Martínez, Marina Gómez y compañía obliga a numerosas escuchas, te exige lealtad y esfuerzo, ganas. Así y sólo así es posible adentrarse esta vez en su mundo, un mismo universo que a es a la vez desemejante. Si bien la anteriormente mencionada “Mamá, no quiero ir al colegio’’ es un ejemplo de un hipotético grupo de canciones que bien podrían haber aparecido en su álbum de debut, otras como “Forma, sentido y realidad”, donde recuerdan a Saint Etienne, les acerca a referencias con las que habían coqueteado hasta la fecha pero que ahora se plasman con claridad y autoridad, haciéndole un gran favor al repertorio del grupo.

Otro momento memorable es “Los niños muertos y la decadencia política”, un acercamiento a ese pop nacional triste y gris de los años setenta que tiene como ejemplos a Cecilia, Jeannette o Mari Trini. También se atreven a experimentar, sin demasiada fortuna, con el funk en “Sobria y Serena”, aunque acabe siendo un tema resultón. La recta final del disco es realmente soberbia con ese trío de ases en la manga que Klaus&Kinski, como buenos tahúres, guardaban para darnos el golpe definitivo: “Ley y moral”, “El fin del mundo” y “Desidilio”.

David Giménez

Pop. Verano de 2001. Dos jóvenes de apenas quince años se conocen en un campamento de bandas en Dakota del Norte, congenian y deciden formar un grupo juntos. Al volver a sus casas, 500 km separan al uno del otro. Eso es algo que normalmente significaría unas cuantas ideas cruzadas, un montón de buenas intenciones y un proyecto abandonado al poco tiempo de comenzar. Sin embargo durante varios años Charles y M.J. intercambian cintas por correo, graban y regraban, utilizando un cuatro pistas y acaban editando el miniLP “Zurich” bajo el nombre de The White Foliage. Poco después Alex se une a la banda y tras un paréntesis temporal, amplían el dream-pop de sus inicios hacia el pop electrónico y cambian su nombre a Secret Cities. “Pink graffiti”, su apabullante puesta de largo, propone un mundo imaginario impregnado de un romanticismo oscuro y barroco, pop electrónico de juguete salpicado de psicodelia lo-fi y talento a raudales.

Difícil no caer embrujado ante la emotividad y el encanto de “Boyfriends” o “Pink Graffiti Pt 1”. Consideren la apuesta, antes de acabar el año su nombre estará en boca de todos.

Javier Burgueño

Pop. Un artista se pasa su vida entera luchando contra sí mismo. Después de conseguir aferrarse a una industria que contiene pocos dormitorios libres, el público espera con ansia, entrega tan entrega, que iguale o supere cotas pretéritas, que sea fiel a sus principios (incluso si éstos son no tenerlos), cuando a lo mejor nuestro protagonista no tiene siquiera intención de apuntar a aquellas alturas. En ese aspecto, soy consciente de que mucha gente echará en cara a Tracey Thorn que con su tercer disco en solitario no haya apostado más por esa electrónica melancólica pero con visión para la pista que le catapultó a la fama con Everything But The Girl. Pero la sedosa voz de la Thorn puede ofrecer muchos matices, y “Love and its opposite” es un disco pausado, orgánico, bello, que trata todas las desmitificaciones amorosas propias de una persona que supera con escepticismo los cuarenta, y que aún deja alguna concesión a la galería como “Why does the wind” o ese dúo con Jens Lekman en “Late in the afternoon”. Se nota que no es donde más cómoda se encuentra, pero el disco es una preciosidad que merece la pena, y mucho, disfrutar. Jesús Sáez

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discos

Mount Kimbie “Crooks and lovers” HOTFLUSH — IMPORT

Post dubstep. Que el mundo de la música en general, y el de la crítica musical en particular, corren desbocados hacia la esquizofrenia es algo que puede comprobar cualquiera que haya intentado seguir la evolución del dubstep desde sus inicios. En apenas cinco años hemos pasado de descubrir y asimilar un género que plantaba sus raíces en el continuum hardcore inglés pero miraba hacia los guetos de Jamaica, a intentar lidiar con una tercera y una cuarta generación de productores. A intentar censar una inacabable nómina de artistas que toman ese género difuso y mutante (un género que en realidad ya nació así, difuso y mutante, porque lo elevamos a los altares con precipitación, sin ni siquiera dejar que su ADN se estabilizara) y lo expanden como un virus hacia todas las direcciones posibles.

Esta dispersión provoca que cada vez resulte más complicado fijar los límites del dubstep y que terminemos por meter dentro de este saco sin fondo a artistas que podrían haberse afiliado a cualquier otra familia: basta con escuchar un ritmo arrastrado, con captar algo de oscuridad en las atmósferas, para que se nos afile el teclado y nos lancemos a proclamar la buena nueva. Una precipitación que tiene varias consecuencias, casi siempre negativas, ya que permite que nombres mediocres alcancen un reconocimiento que no merecen, tan sólo a cuenta de modismos y filiaciones, y obliga a otros a madurar con más rapidez de la que sería deseable, perdiendo la magia que alumbraba sus primeros pasos.

A Mount Kimbie le podía haber sucedido esto. Su primer EP, “Maybes”, se publicó a principios del año pasado y catapultó al dúo que forman los londinenses Kai Campos y Dominic Maker a la primera división de la escena en un abrir y cerrar de ojos. Los dos amigos pasaron de armar temas con cuatro

Toundra “II”

cacharros en el salón de casa, a subirse a escenarios prácticamente cada fin de semana y tener que atender peticiones de remezclas de bandas que flirtean con el mainstream, como Foals o The Big Pink. Por suerte, han sabido mantener los pies en el suelo y han ido dando pequeños pasos de manera apropiada. El primero, la publicación de un segundo EP, “Sketch on glass” (09), aún mejor que el anterior, y que además sirvió para sentar las bases de su particular sonido, que comenzaba a dejar atrás el dubstep para abrazar la IDM, el ambient emborronado y el post-rock de guitarras maltratadas. Un EP con el que Mount Kimbie estaba buscando un espacio propio dentro de esa interzona en la que decíamos que se ha convertido el género (de ahí que hayamos escogido una etiqueta tan obtusa como post dubstep para definirlo); espacio que ha terminado por cobrar forma con “Crooks & lovers”, un disco corto en duración (apenas 35 minutos), pero de contenido impecable, hermoso hasta la nausea. Y es que cado una de los once temas que contiene parece querer explorar un camino diferente: desde el ambient especulativo de la intro, “Tunnel vision”, al post rock deshuesado con el que se echa el cierre, “Between time”, aquí se pueden capturar jirones de r’n’b (“Carbonated”, un single adhesivo en la estela de James Blake), miniaturas hip hop (“Would know”, “Mayor”), IDM quebradiza (“Before I move off”, “Field”), ambient gaseoso (“Ruby”), post-rock de tintes hipnagógicos (“Ode to bear”) y hasta algo de oscuridad dubstep (“Blind night errand”, aunque al final termina por suavizar sus aristas). Once visiones que, lo mejor de todo, fluyen en una extraña solución de continuidad, persiguiendo una narrativa que tiene mucho de hipnótica y de aventurera, que potencia los elementos orgánicos (las guitarras tienen mucho protagonismo) y antepone las melodías y texturas a los componentes rítmicos, y que sobre todo considera el disco como una gran entidad, y no como una suma de temas más o menos acertados. No es raro, entonces, que asomarse a “Crooks & lovers” sea como abrir una gran ventana hacia un prado verde y húmedo, un genuino soplo de aire fresco. Vidal Romero

des esfuerzos para superar el tercero. La querencia abierta por el hardcore y unas ligeramente previsibles influencias árabes (fantástica “Völand”) apuntan en la buena dirección, lo cual, junto a un buen manejo de la dinámica acaban resultando las mejores bazas de un disco al que, por el contrario, le falta romper tópicos y estar algo más inspirado en las melodías para alcanzar la cima. Magnífico esfuerzo, de cualquier modo. Jesús Sáez

ALOUD

Post-rock. El famoso hijo bastardo del rock progresivo (hablamos del post-rock) es un estilo con muchas trampas y dificultades planteadas para los músicos que deciden adentrarse en sus pantanosas aguas. Y entre las más claras, primero, la dificultad de plasmar en disco un concepto que está mucho más pensado para el directo, segundo, la facilidad de caer en la repetición y linealidad gratuita, y tercero, la definición tan delimitada en que ha quedado finalmente, que ha provocado que todos los grupos acaben pareciendo émulos de Godspeed You! Black Emperor o Explosions In the Sky. ¿El premio? Emoción pura e intensa como oro de 24 quilates. Los madrileños Toundra evitan con habilidad en su segundo álbum los dos primeros escollos, y realizan gran-

Varios Artistas “Soma Coma Vol. 4” SOMA — IMPORT

Recopilación electrónica. El sello escocés con más ‘quality’ vuelve a la carga con el cuarto volumen recopilatorio de sus artistas en cartera. El mítico label pone toda la carne en el asador, dándole forma a un disco con tonalidades más bien grisáceas y con un fondo bastante anímico. La veda queda abierta de una manera acertada con el “Paradolia intro” de Sir Alex Smoke, seguido del “Journey’s end” de Pablo (extraído del finísimo “Turntable technology”), avisando al personal de qué palo va esta compilación: una delicia sonora construida para abstraerse de toda la mierda que nos rodea a diario (sí, apaguen sus Black Berrys, por favor). Mientras los jefes

The Black Dog ponen encima de la mesa un orgasmo del calibre de “Kissing someone else’s D.O.G.”, también desfilan perlas como Vector Lovers, Silicone Soul, Slam o Funk D’Void (es decir, una jodida delicia). Si te gusta el sonido made in Scotland y el ambient de quedarse arropado en la cama (o de dejar la habitación humeante a base de canutos de María) amarás esta colección tanto como lo he hecho yo. Sólo para sibaritas. Alberto Vidal

dian con el que, para muchos, es su mejor álbum “We fight til death” (04). Desde entonces hasta ahora, la carrera musical de los norteamericanos ha sido más o menos lineal, como un devaneo entre muchas de las bandas de post-rock que ocuparon la mitad de la década de los noventa y el pop más convencional. “Against love” continúa fiel a su reposado sonido y no aporta grandes cambios, vuelve a ofrecer un recogido de notables composiciones destinadas a la intimidad de cualquier alcoba vespertina. Tan pronto se atreven a jugar a ser los Flying Saucer Attack de su segunda fase (“Autumn song”) como que les da por lanzarse a la electrónica preciosista de la factoría de Morr Music (“Hips”) dejando incluso lugar a la sorpresa con cortes de dark-ambient como el encargado de cerrar el álbum bajo el título de “Tropical depression”. Correcto. Matías Bosch

Travels “Robber on the run” OWN — IMPORT

Rock de habitación. Entre la crudeza instrumental de su propuesta de habitación, y la ensoñación de muchas de sus melodías, Anar Badalov y Mona Elliott desgranan su tercer álbum, primero para Own Records, entre la dispersión y la inspiración. A veces disueltos entre una propuesta que a veces por desnuda peca de vacía (a todos los niveles), en otros momentos destacan gracias a inspiradas melodías en las que la voz masculina y femenina interactúan notablemente, sobre guitarras eléctricas cortantes y efímeras trompetas que colorean un resultado que a veces resulta demasiado uniforme y falto de colorido instrumental. En cualquier caso, cabe destacar el logro principal del disco, con “Robber on the run” consiguen un álbum capaz de mezclar la tensión con la intimidad, la soledad con la inestabilidad, todo bajo una brumosa propuesta. Interesante. Jesús Sáez Varios Autores “Minimúsica: Els aliments” SONES

Pop educativo. Para los que, como un servidor, vieron, de cerca, nacer el proyecto Minimúsica, supone toda una alegría contemplar como la aventura iniciada hace ya casi cuatro años, y capitaneada por Núria Muntaner, no para de crecer y obtener numerosos reconocimientos. Fieles a sus postulados (a saber, acercar al público infantil la música indie a través de espectáculos temáticos y educativos siempre de manera divertida), publican ahora el primer volumen de lo que prometen será una serie de CDs. El que nos ocupa, “Els aliments” (“Los alimentos”), contiene diez temas (dos por cada uno de los cinco grupos que aparecen) grabados para la ocasión: El Petit de Cal Eril a ritmo de ese folk tan característico de los de Guissona, los interesantísimos Internet 2 y su electrónica marciana, Sedaiós y Fred i Son en clave twee pop y las divertidísimas Oh!Cake & the Cookie con sus tonadillas infantiles. David Giménez Windsor for the Derby “Against love” SECRETLY CANADIAN / ¡POP STOCK!

Post-pop. Desde que Dan Matz y Jason McNeely conjugaran sus pareceres para dar vida a Windsor for the Derby allá por el año 1996, han ido pasando por algunos de los sellos independientes con más prestigio de los noventa: Trance Syndicate, Young God Records o Aesthetics hasta ir a parar a Secret-ly Cana-

We Are Scientists “Barbara” MASTERSWAN / PIAS

Indie-rock. Algunas críticas son más fáciles. Y es que We Are Scientists nos lo ponen en bandeja con su tercer disco, una fusión equilibrada de power pop, disco-punk e indie rock. En solo 30 minutos se le da la vuelta a “Barbara”, y con escucharlo un par de veces las notas ya se han pegado al cuerpo. Entre The Killers y Weezer, entre beats bailables y melodías agridulces, los californianos encuentran un sonido personal, contando con los teclados post-new-wave que propulsan notas saltarinas o mordaces. Lo mejorcito para moverse: “Rules don’t stop” e “I don’t bite”, que se acercan a los hits del revival rock inglés de los últimos años. Y para conectar un poco más con las emociones, “Pittsburg” sale primera gracias a su melodía directa (“all we want is to be together”) y su riff hipnótico.

Una experiencia fresca y sin grandes pretensiones. Esto de ser científico parece que no sienta del todo mal… Florence Rodenstein Varios Autores “Be yourself: A tribute to Graham Nash’s Songs for beginners” GRASS ROOTS / GREEN UFOS

Folk-rock. Graham Nash, antiguo miembro de The Hollies, The Byrds y de Crosby, Still & Nash debutó en solitario en 1971 con el álbum “Songs for beginners”. Una obra maestra de folk-rock que compuso tras su ruptura sentimental con Joni Mitchell y que contó con músicos como Jerry García (de Grateful Dead) o el propio Neil Young bajo el alias de Joe Yanke. A punto de cumplirse cuarenta años de su publicación, artistas contemporáneos como Robin Pecknold (de Fleet Foxes), Alela Diane, Brendan Benson (de The Raconteurs) o Sleepy Sun reinterpretan cada una de las canciones de este mítico álbum. Bonnie ‘Prince’ Billy canta en español “Un hombre sencillo” (“Simple man”), Vetiver es fiel al espíritu de la original al versionear “Used to be a king”, la hija de Graham, Nile Nash, rinde tributo a su padre por partida doble en “Wounded bird” y “We can change the world (reprise)” y Port O’Brien, a medias con Papercuts, hacen suya, magistralmente, “Military madness”. Maravilloso. David Giménez

chado en Fabric, no bailó ni el tato, ya que esta sesión se degusta más estando por casa apalancado y con luz tenue. Vaya, que se podría haber quedado en casa mezclándolo.

Alberto Vidal Varios Autores “Live At Robert Johnson vol. 5 by Roman Flügel” Varios Artistas “Fabric 51 mixed by Dj T”

scapes” de Idioma. A partir de ahí, Roman juega con el acid como si de un juguete se tratara, para ir rematando con el bombo desvirgador de Ratsnake y su “Swedish woman”. Tema inédito del propio Flügel para cerrar y todos a la cama. Sesionaca, señoras y señores. Alberto Vidal

El Hijo “Madrileña”

KOMPAKT / DECODER

FABRIC / PIAS

Sesión de estar por casa. Volvemos a tener otro producto de la franquicia Fabric entre manos, y eso nos gusta. Esta vez surtido por una eminencia en esto de las mezclas, el señor Thomas Koch, más conocido como DJ T y co—fundador del sello Get Physical, uno de los estandartes del tech-house de calidad—.

Por tanto, cabe esperar en esta selección un discurso de housete con pinceladas finas de techno, siendo a la postre lo que el alemán nos brinda. Porque DJ T es un auténtico maestro con mayúsculas en el arte de pinchar, su modus operandi suele combinar una distintiva selección donde suelen predominar las voces houseras y los no más de 120-125 BPM por norma. Específicamente para este mix, millares de voces seductoras chocan como átomos, tanto masculinas como femeninas, circundando una serie de temas que chocan entre ellos, los cuales paradójicamente convergen al mismo tiempo (¿Danton Eeprom y Matías Aguayo seguidos?

Sí, todo en esta vida es posible). El gran pero que se masca es que si esto fue pin-

distintas de adentrase en una obra que al fin y al cabo nos habla (con palabras prestadas) no de una pareja en concreto sino de la cara más sombría del amor, de su poder como elemento de cohesión social, en general, y de cuánto engañan las apariencias.

Una delicia que se escucha (y se lee) con gran placer y provecho. Gloria González

ACUARELA

Live mix. Visitar Frankfurt implica la realización obligada de tres acciones: comerse una buena salchicha con doble de mostaza, hacerse una foto en el monumento del signo del euro gigante y por último visitar el club Robert Johnson. Es allí dónde el techno cobra su verdadero sentido y la salida del astro solar se vuelve épica observada desde su acogedora terraza. Su estatus de club mítico obligaba a tener una serie de DJ mix propios, justo cuando nombres del calibre de Ivan Smagghe o Prins Thomas así lo realizaron (y con nota muy alta). Esta vez, el adalid del techno germano Roman Flügel toma las riendas de la nueva entrega de live mixes. Con más precisión que el cirujano de Belén Esteban (excepto en los retoques nasales), Roman consigue sin realizar espavientos extraños ni filigranas, una sublime mezcla del mejor techno actual y de antaño (el mítico Armando está presente con el fino “Don’t take it”). El secreto, claro, está en la masa. Roman sabe pringarse bien las manos dividiendo el mix en dos actos. El primero con un techno directo a la yugular hasta que se alcanza la orgasmal “Land-

People Like Us & Wobbly “Music for the fire” ILLEGAL ART — IMPORT

Collages. La británica People Like Us y el estadounidense Wobbly son auténticos maestros del recorta y pega experimental, por lo que no es de extrañar que “Music for the fire”, disco de collages en el que han estado trabajando juntos durante años, sea todo un éxito. Un éxito estético, aunque también conceptual. La idea, dicen, era narrar la historia de una pareja a partir de múltiples fuentes sonoras, incluyendo música pretérita y diálogos variopintos. El resultado son 17 viñetas en tonos muy, pero que muy kitsch que se suceden muy placenteramente y, además, la retranscripción, en el libreto, de las palabras que se van oyendo como si de un texto seguido se tratara: dos formas

Pop de autor. Abel Hernández es capaz de soportar el peso del pasado más lejano y siempre reivindicable (aquellos Migala que llegaron a publicar un single para Sub Pop) y el del más reciente —los maravillosos EPs “La piel del oso” (05) y “Canciones gringas” (06) y el soberbio LP “Las otras vidas” (07), todos publicados en Acuarela— y continuar caminando hacia delante de manera triunfal. El temor a una decepción se desvanece de inmediato, en el minuto uno de “Siempre ella”, un tema de pop psicodélico que abre “Madrileña”, su nuevo álbum. Nuevamente contando con Raül Fernández como arreglista y productor. Un giro estilístico en su carrera sin dejar de ser el mismo de siempre. La presencia de la americana y el folk da paso a un repertorio mucho más rico en matices (“El hada de los dulces” y “Quebradizo y transparente” son, posiblemente, los únicos temas que recuerden a sus anteriores composiciones). La nueva piel de El Hijo supone un nuevo acierto que emerge de entre las tramposas noches madrileñas. David Giménez

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discos maxis / dvds-libros

+maxis ANBB “Ret marut handshake” RASTER-NOTON — IMPORT, 12”

Sobre el papel, la colaboración que plantea ANBB ya resulta fascinante: Alva Noto pone los ritmos, los ruiditos y la gélida producción y Blixa Bargeld pone las voces, esas voces suyas que parecen arrancadas al mismo infierno. Sobre el papel parece fascinante, pero una vez que la aguja se posa sobre el vinilo, el resultado supera cualquier expectativa previa: dramático, intenso, a veces cercano a un latido dadaísta. Bargeld explora todas las posibilidades cromáticas de su voz en cinco temas que oscilan entre la violencia física (el tema titular, sin ir más lejos) y una candidez pop sorprendente por venir de semejantes bestias pardas (“One”, versión de Harry Nilsson). Aquí hay candela. VR

Becoming Real “Fast motion” RAMP RECORDINGS — IMPORT, 12”

Toby Ridler, el mancebo londinense sin apenas pelillos en la cara que se esconde tras Becoming Real, ha pegado el estirón alimentándose a base de una dieta estricta de Dilla y Mary Ann Hobbs. Se estrena en Ramp, cantera inagotable de talentos de la bass music británica, con dos temas de wonky embrujado o crunkstep psicótico, como ustedes prefieran —al chaval le gusta el apelativo ghoststep—, rarete como un perro verde chupando sellos de correos, sexy, vampírico, dos tercios asombroso y uno terrorífico. El vinilo se completa con un remix de “Fast motion”, mucho más orientado a la pista de baile —y también más prescindible—, a cargo de DVA. JK

D-Bridge “Producer #2 remix EP” FAT CITY — IMPORT, 12”

Sólo por el tremebundo remix que se marca el amigo Shed de “ZX81” este vinilo vale un Potosí. Seguramente sea el pedrusco más serio del berlinés desde “Sheding the past”,

Textos

un disparo certero de techno con mimbres de himno infalible, entre Basic Channel y el mejor Kenny Larkin, de esos que te pinchan a según qué horas de la noche y prefieres orinarte los gayumbos antes que abandonar la pista, por mucho que la vejiga la tengas a punto de estallar. La otra cara la remezcla el prolífico Ramadanman, David Kennedy para los amigos y Pearson Sound para los hinchas de Hessle Audio, y surca por las aguas bravas de la síncopa tribal. Un maxi gigantesco e imponente. Gracias. JK

Don Williams “Dynamic rain” BAUD — WORDANDSOUND, 12”

Don Williams, el capo de Mojuba y A.R.T. Less, sirve a Baud tres cortes de techno profundo y jacking, delicados como el aleteo de un colibrí, formidablemente masterizados por Redshape, jugosos como el néctar de breva, que hacen la boca agua de nada más oírlos. El tema que abre el maxi, “Dynamic rain”, es funky e hipnótico, de kick enérgico y neumático. “Rain reprise”, más reposado, completa la cara a modo de apéndice, mientras que “Glis groove”, al dorso, se zambulle en las simas del techno narcótico y proverbial. Muy redshapiano, muy suculento y tremendamente lustroso. Hay que comprar. JK

la ceniza que flota en alguna galaxia lejana.

Decir hermoso es decir muy poco. VR

John Talabot “Matilda’s dream” PERMANENT VACATION — IMPORT, 12”

Ahora que todo el mundo sabe ya quién es John Talabot (es lo que sucede cuando se pincha a cara descubierta en un sitio como el Sónar), seguro que resulta más sencillo entender de dónde salen esos temas tan rematadamente buenos. “Matilda’s dream” no es una excepción: comienza con percusiones afrohouse y el sample de un niño susurrando al oído, deja que crezcan desde el fondo una magnética línea de 303 y una línea melódica de sintetizador que es puro ensueño, y a partir de ahí se lanza a conquistar el cosmos. “La ninya (afrodub version)”, en la otra cara, sigue la misma senda, pero con un espíritu más cercano al italo. La felicidad, en fin. VR

Emeralds “Candy shoppe” / “Lake effect snow”

Umbral “Doble cuervo”

WAGON — IMPORT, 7” + 7”

ARTIFEXBCN — IMPORT, 12”

Dos nuevos singles de Emeralds, o lo que es lo mismo, dos nuevas entregas de cosmicidad y pop hipnagógico envueltas en bonitas portadas, para consumir en pequeñas dosis.

De los dos, “Candy shoppe” es el de tintes más kraut, con arpegios que caen en cascada, arrebatos sintéticos de aire psicodélico y algunas texturas que recuerdan a los pasajes más planeadores de Ash Ra Tempel (la cara B, “The cycle of abuse”, es pura narcolepsia).

“Lake effect snow”, por su parte, recupera el lado más misterioso del trío, ese que levanta drones impenetrables, tallados a partir de

Umbral, aunque suene a chiste, ni nacieron en el castizo barrio de Lavapiés ni se llaman Francisco, son de Barcelona y responden al nombre de Manel Ruiz —Sistema en technolandia— y Marc Piñol —compañero de esta casa y DJ de Mierda para los nitseros de toda la vida—. Sin necesidad de viagramazo, alumbran su primer retoño como pareja de hecho para el sello condal Artifex: un maxi hermoso como la tripa de Natanael, limitadísimo a 30 copias numeradas a mano, preñado de ñogui-ñogui y dub techno que palpita lento, demorado, con tardanza de asteroide en “Secreficio” —homenaje sentido al inefable José Toxeiro— y les sale rubio germánico, alto y férreo, en “Doble cuervo”. JK

Oval “Oh” THRILL JOCKEY / ¡POP STOCK!, 12”

James Blake “CMYK” R&S — IMPORT, 12”

Si en la sección de discos ya avisamos de la madurez de Mount Kimbie, en este otro rincón no queda más remedio que volver a situar en un lugar destacado el nuevo maxi de James Blake, ese jovenzuelo londinense de juventud insultante (veintiuna primaveras, casi sacado de la cuna) que suele acompañarles en directo. Y no queda más remedio porque con cada nueva entrega el chaval multiplica sus habilidades, crece de manera exponen-

cial, rumbo a un infinito en el que muy posiblemente le esperen la fama, las botellas de Moët & Chandon servidas por docenas y las señoritas ligeras de ropa. Por supuesto, ayuda que Blake sea guapo y luzca palmito, pero también que de todos los nuevos cachorros que habitan esa interzona que es ahora mismo el dubstep, él sea el que más cerca parece estar de las mieles comerciales, siempre con el permiso de Roska. “CMYK”, el tema, confirma esta tesis: samples acelerados a lo Kanye West, pianos en tensión, sintetizadores luminosos y una melodía que se pega a la memoria y ya no se suelta. Más ambientales pero igual de efectivos, los otros tres temas del maxi investigan caminos cercanos, siempre con el r’n’b en el punto de mira: “Footnotes” es como una pieza de soul tórrido y robótico, “Postpone” juega con atmósferas de jazz humeante y nocturno, casi cinematográfico, y “I’ll stay” abraza un dubstep deshuesado y en descomposición. Cuatro temas como cuatro soles: el futuro, sin duda, pertenece a James Blake. Vidal Romero

Justo antes de sumirse en un silencio que duraba ya casi diez años, Markus Popp decidió que el uso del glitch y el error digital como fuerzas motrices en su música ya no podían dar más juego, que era necesario pegar un golpe de timón y mirar hacia otros terrenos donde lo orgánico tuviera más presencia. Un giro que ya intentó sin éxito con So, y que en “Oh” se completa, al abrazar un post-rock de tintes luminosos en el que los instrumentos acústicos juegan un papel fundamental: temas cortos, de sonido acariciante y estética amable, que desarrollan pequeños caprichos melódicos antes de disolverse como volutas en el aire. En otoño hay disco nuevo y, la verdad, uno ya está contando los días. VR

Perseus Traxx “Remake 508” FUTURE FLASH — IMPORT, 12”

Juntar los nombres de Perseo y Traxx, la Grecia clásica con el Chicago jacking, es sen-

Jordi Kodrinsky y Vidal Romero

cillamente Dios, por lo menos para el menda que firma unas líneas más abajo. Planchar un vinilo a una cara con una oda disco, ácida y retrofuturista, singular como las alas de Pegaso, pieza de caza mayor como la testa de Medusa. Estampar en la galleta un sello de lacre del tamaño de una moneda de diez duros de las de antes, esas en las que venía una efigie del Caudillo tallada por Benlliure, es lo siguiente, así de claro. El héroe que logra la gesta no es otro que Nigel Rogers —aquel que se hiciera con la serie ácida de Balkan podrá seguir su rastro, en el CD verde firma una remezcla como Robokid—, desde ahora mismo rey de Micenas. Directo al Olimpo, claro. JK

Rhythm Monks “Primal beat” RM — IMPORT, 12”

Con Rhythm Monks sucede lo mismo que pasaba hasta ahora con John Talabot: todo el secretismo que rodea a esta especie de superbanda (que sí toca en directo, pero con las inevitables máscaras) sugiere que detrás de la producción está alguna figura reconocida, con ganas de divertirse. “Primal beat”, tema de avance de un disco que llegará en otoño, ofrece ritmos tribales, capas y capas de percusiones étnicas superpuestas y un estribillo épico, con voz de diva, que parece diseñado para vender miles de copias, si es que eso es posible todavía. Para completar el paquete, sendas remezclas de Timo Maas y Mutant Clan, que acercan el producto (todavía más) a la pista de baile. VR

Sepalcure “Love pressure EP” HOTFLUSH — RUB-A-DUB, 12”

Directamente desde NYC y tras la estela radiante que marcan a su paso Joy Orbison y Mount Kimbie, Travis Stewart y Praveen Sharma —antes escondidos tras los alias Machinedrum y Praveen & Benoît, respectivamente—, entregan a Hotflush cuatro gajos efervescentes de lovestep, broken beat y garage emo, hinchados con voces de diva, unas veces con el pitch al +8 y otras justo al revés, como mandan los cánones de la nueva escuela post-dubstep, de esos que tantas erecciones generales provocan en el personal.

“Love pressure” y “Down” vendrían a ser los hermanos mellizos de “Hyph Mngo”, mientras que los dos cortes al dorso, “Every day of my life” y “The warning”, de atmósfera nebulosa y suntuosa, evocan directamente a un mundo feliz pintado de azul. Habrá que estar al loro porque esta pareja promete.

Mucho. JK

Sistol “(Remakes) EP” HALO CYAN — IMPORT, 12”

Vaya usted a saber por qué, Vladislav Delay ha decidido recuperar su alias más obtuso y lejano, Sistol, con el que publicó un solitario disco de techno clínico y frío allá por 1999, y su primer fruto es este “(Remakes) EP”, en el que Alva Noto, John Tejada, FaltyDL y [a]pendics.shuffle remezclan temas incluidos allí. Todos ellos, claro, disfrutan como peces en el agua, ya que la paleta de sonidos original les da para formular un techno rudo y seco como mojama. Sólo FaltyDL, que también comienza rugoso, pero luego pasa a un dubtec más o menos amable, introduce algo de luz en un vinilo que triunfaría en las discotecas de Mordor. Cosa que siempre mola, claro. VR

Bryan ‘Morpho’ Younce “Secondhand sureshots” DUDLAB-STONES THROW / NUEVOS MEDIOS

+dvds Pierre & François Lamourex “Pretenders. Live in London”

Andrew Coleman + Defasten “Openland” COCOSOL1DC1T1

E1ENTERTAINMENT / WARNER

Las reglas son bien sencillas: te damos cinco dólares para que compres cinco vinilos antiguos sin escucharlos en tiendas genéricas de segunda mano (no tiendas especializadas de discos). De esos cinco vinilos tienes que sacar samples para crear un tema y está prohibido añadir instrumentos o cajas de ritmo, sólo samples y efectos. Con esta sencilla premisa el director Bryan ‘Morpho’ Younce reúne a cuatro de los mejores beatmakers de Los Angeles en un documental que es toda una declaración de amor al arte del digging (rebuscar discos en las cubetas para encontrar el beat perfecto) y el arte del sampling. Los cuatro productores son nada más y nada menos que Daedelus (y su pinta de judio nerd estudioso de la música), Nobody (el más ordenado y metódico de los cuatro), J-Rocc (el más dicharachero y divertido de todos) y Ras G (el filósofo y cósmico del grupo), y los cuatro temas que facturan son cuatro hitazos en toda regla, cuatro ‘sureshots’.

El documental es ameno, no se hace eterno (Younce podría haber caído en la espiral experimental del asunto pero se aleja de ello con un montaje hábil) y tiene auténticas

joyas dentro. Daedelus comentando que sólo en Los Angeles puedes encontrar miles y miles de discos de segunda mano de Barbra Streisand en cualquier tienda (plano de Ras G tirando disco tras disco de la Streisand con cara de asco) pero J-Rocc se queda con uno porque le da buen feeling la portada.

Y eso es principalmente en lo que consiste este ejercicio de digging y sampling: buscar la portada perfecta, la que te transmita que ahí dentro se debe encontrar un beat de oro.

Daedelus busca las palabras claves (organ tunes), Nobody prefiere los viejos discos de cuentos infantiles, J-Rocc tira por lo más hortera (y crea un temazo el cabrón) y Ras G prefiere la parte más exótica (un disco de japanese tunes y otro de música árabe caen en sus rápidas manos).

Al final, como los cuatro son unos pequeños genios en el arte del sampling, te entregan cuatro gemitas más algún mix o tema extra que viene bien empaquetadito en CD junto al DVD documental. Tras escuchar los cuatro temas, se les dio a los cuatro productores un disco conmemorativo para que los escondieran entre los discos antiguos de las tiendas de segunda mano que visitaron. Algún afortunado se debió llevar uno de esos cuatro vinilos limitadísimos. Manu González

Esto es lo bueno del rock, que no necesita ni proyecciones conceptuales, ni focazos, ni efectitos. Uno puede poner una cámara delante y dejar que la música y la actitud hagan el resto.

Eso es precisamente lo que hacen Pierre y François Lamoureux en este “Pretenders Live in London”. Ojo, que no estoy desmereciendo su dirección. Más bien al contrario, es difícil sepultar el ego cinematográfico de uno y dejar a los protagonistas ser los verdaderos protagonistas. Para “Live in London”, Pierre y François se llevaron a Chrissie Hynde a Londres y los pusieron a hacer lo que mejor saben hacer, tocar. La cámara de los hermanos capta sobria y fielmente un directo en el que los Pretenders repasan lo mejor de su discografía con la misma garra de siempre y Chrissie se pavonea de unos 60 llevados con más dignidad, aunque se le corra el rímel a chorros. Te sorprenderás de nuevo tarareando “Don’t get me wrong” y notando tu piel erizarse con “I’ll stand by you”. Y no te olvides de echarle un ojo a los extras, donde verás a Chrissie durmiendo en el bus con un antifaz que reza “fuck off”. La actitud nunca muere. Virginia Arroyo

Fragmentario y voluntariamente marciano, “Openland” supone un híbrido entre el documental, el videoarte y el puzzle contemplativo; una reflexión, montada a pedazos, sobre lo que significan conceptos como individualidad, colectividad o conciencia social en un mundo como el actual, gobernado por los medios de comunicación. Esa, al menos, parece ser la idea que subyace detrás del extravagante artefacto que se ha sacado de la manga Defasten, un artista canadiense al que se le nota bajo la influencia de Guy Débord y de los situacionistas: eso es lo que sugiere el montaje errático (al menos en apariencia, uno quiere creer que la voluntad del autor es no emitir juicios de valor) de la pieza y muchas de las reflexiones que vuelcan las personas entrevistadas. Y es una pena que el guión haga aguas, porque tanto a nivel contemplativo como musical (la banda sonora es del gran Andrew Coleman, y viene incluida en un compacto aparte) “Openland” contiene momentos de una belleza irreal, casi mágica. Vidal Romero

+libros Jordi Costa y Dario Adanti “Fotogramas, 2000 años de cine” “Fotogramas número 2.000” GLÉNAT

Greil Marcus “Like a rolling stone: Bob Dylan en la encrucijada”

Revistas y revistas, toneladas de revistas.

No hace falta llegar a 2.000, claro. Con una cuarta parte de esa cantidad hemos inundado nuestras habitaciones durante años, se nos ha acusado de síndrome de Diógenes en cada mudanza en pareja, y hemos terminado llorando delante del contenedor al tener que librarnos de aquel número con Catwoman Pfeiffer en portada, o ese otro con un reportaje a fondo sobre “Star Wars”. Fotogramas ha sido la revista de nuestra vida y, aunque es cierto que parece que se pasen todos los números celebrando esto o aquello, sin duda se merecen una gran felicitación por haber alcanzado los 2.000 números en sus más de 60 años de historia. Desde aquel noviembre de 1946, firmas de la talla de Terenci Moix, Maruja Torres, Mr. Belvedere, Enrique VilaMatas, Sergi Sánchez, Mirito Torreiro, Daniel Monzón, Desireé de Fez, Antonio Trashorras o Pere Vall han dejado su impronta en una galería de críticas, entrevistas y reportajes,

siempre amenizadas con otras tantas secciones, como las especialmente predilectas “Museo del recorte”, “Zona caliente” o “Flashback”. La publicación ha sido privilegiado testigo de la travesía cinematográfica nacional e internacional a lo largo de un gran trecho de la historia del séptimo arte, y en su estilismo y formas periodísticas hayamos grandes eslabones de nuestra identidad.

Además, la revista de cine por excelencia en nuestro país nos regala las dedicatorias de significativos cineastas e intérpretes, y ha querido que sean ni más ni menos que dos despampanantes y cabareteras Leonor Watling y Maribel Verdú las que nos sirvan el pastel de cumpleaños, así que, pon de beber. Para completar la fanfarria, Dario Avanti y Jordi Costa han perpetrado un cómic en homenaje a la andadura de la publicación.

En las histriónicas páginas de “2000 años de cine”, Mostrenco y Che-qué-loco envuelven a toda la redacción de Fotogramas, con Toni Ulled a la cabeza, en una excéntrica aventura que nos llevará, realidades alternativas mediante, hasta el origen del cine.

Christoph Waltz como Philipp Engel. Fan. Albert Fernández

Mezz Mezzrow “Really the blues” ACUARELA / MACHADO

GLOBAL RHYTHM

“Simpathy for the devil” (1968) fue el filme que Jean-Luc Godard rodó a modo de ensayo documental partiendo de la célebre canción de The Rolling Stones para llevar a cabo la biopsia de los numerosos episodios políticoculturales que tuvieron lugar en la costa este de EEUU a partir de la mitad de la década de los sesenta. Aunque ambos toman como punto de partida ‘la canción’, de un modo distinto se aborda la temática en este “Like a rolling stone”, particularmente centrada en la persona de un Dylan a punto de ser absorbido por la fama y en plena ascensión por la conquista de la cumbres del Billboard en paralelo a The Beatles. Greil Marcus detalla los instantes que rodearon aquel 16 de junio de 1965, planeando alrededor del artista y su obra e iluminando algunas de las incógnitas que hasta ahora se han escondido tras una de las mejores composiciones musicales jamás escritas. Un análisis que recala en los entresijos de un carácter impenetrable que fue capaz de dar vida a una canción que, todavía hoy, sigue teniendo tanta fuerza como el primer día. Matías Bosch

En lo que resta de temporada, seguramente no volveremos a tener la ocasión de recibir una autobiografía con tanta chicha y tan bien contada como este “Really the blues” que por fin se presenta traducida en nuestro país. Mezzrow —blanco por fuera, negro por dentro— profundiza con arte casi pictórico en sus recuerdos y sus primeros encuentros con la música, atrapando al lector desde la primera página mediante un relato honesto, sinceramente confesional, por momentos increíblemente crudo, que abre de par en par el corazón de un músico apasionado, por el convulso mundo que rodeaba la escena jazzística del Harlem de principios del siglo XX. Todo un referente novelístico, histórico y piedra filosofal de la generación Beat por su constante irreverencia al sistema norteamericano, “Really the blues” deja una huella imborrable en la memoria de todo aquel que penetra en su lectura. Si hay vidas que merecen ser contadas, indudablemente, la de Mezzrow merece ser leída.

Matías Bosch

066/067

songwriters / último clásico

songwriters

Recuerdo que Hank Williams era, mucho antes de conocerle mejor, un referente exclusivamente literario para mí.

Apenas sabía nada de él, aparte de que era importante y que a mi amigo Laddis le gustaba tanto que hasta su gato se llamaba Hank. En privado, las fotografías de color sepia y el gorro de ala ancha me trasladaban a John Steinbeck y a los “Viajes con Charlie” que, por aquel entonces, seguramente era mi libro favorito. Me imaginaba como una heroína de Carson McCullers, vestida con un peto vaquero y jugando en la avenida principal de un cuento de Sinclair Lewis. Yo quería ser una tomboy auténtica.

Años más tarde, convencida de que los personajes femeninos de la literatura que realmente me interesaban se parecían más a Jo de “Mujercitas” y a Scout de “Matar a un Ruiseñor” que a Madame Bovary, volví de un viaje largo en el que pude comprobar que el chico auténtico que me hubiera gustado ser era un hijo de la Depresión (o de la Guerra Civil) y que la América que yo tanto anhelaba no era accesible a las chicas de Reus.

Sin planearlo, y mientras intentaba reubicarme, me volví a encontrar con las canciones de Hank Williams, el chico que las chicas querían ser. Su música formó parte de nuestro reencuentro, pero sus palabras aparecieron con más fuerza, un poco de la nada, conjurando una imagen tras otra, sin parar, todas ellas evocativas y nítidas. Eso era literatura de verdad. Eso era, de hecho, lo que más apreciaba de la literatura norte-americana.

“Wedding Bells” sigue siendo mi letra favorita. No es original, ni pretende serlo. De hecho, la imaginería de esta canción se repite a lo largo de toda su obra: alguien se lamenta por una mujer que ya no está. A ella nos la encontramos aquí camino al altar vestida de blanco y con el corazón más negro que el carbón. Quien canta está algo obnubilado por la pena, pero intuimos que los celos tienen algo que ver con este camino de doble sentido hacia el ‘sí, quiero’. El fracaso es un mal augurio. Se nos cuenta que el nuevo, el que la espera al final del pasillo, siempre la tratará mejor, que se sabe de buena tinta que es mejor partido. Se nos dice también que ella siempre pensará en quién no debe. Claro, ¿a santo de qué se casa si no? Ya lo ven. El escenario ideal para un drama perfecto.

Hank Williams tiene letras más buenas, seguro. Pero hablar de celos y futuros negros es hablar de brujería, algo tan clásico como “Macbeth” y casi igual de difícil de hacer. La sencillez con la que nos cuenta la historia de su pena es única e inexplicable quizás porque no utiliza los trucos baratos de los prestidigitadores literarios al uso (predicadores, músicos, charlatanes o borrachos). No, no, sus recursos son dignos de los grandes, como William Faulkner, Tennessee Williams y Sherwood Anderson. Sus letras presentan hechos consumados que, con la ayuda de la distancia y el paso del tiempo, se explican esencialmente. Puesto que ya que no hay nada qué hacer, ni prisa por llegar a ninguna parte, nos sentamos a escuchar la historia de esta desgraciada desventura amorosa, con el pelo alborotado, los zapatos sucios y la cara llena de arañazos. Banessa Pellisa

Ilustración

Hank Williams

Pablo Moreno

“Wedding bells”

Letra: Hank Williams. Incluída en el 7” “Wedding bells” / “I’ve just told mama goodbye” (MGM, 1949).

I have the invitation that you sent me You wanted me to see you change your name I couldn’t stand to see you wed another But dear I hope you’re happy just the same

Recibí la invitación que me mandaste Querías que te viera como ‘señora de’ No podría soportar ver como te casas con otro Pero aún así te deseo que seas feliz

Wedding bells are ringing in the chapel That should be ringing out for you and me Down the aisle with someone else you’re walking Those wedding bell will never ring for me

Suenan en la capilla campanas de boda Hoy deberían sonar por ti y por mí Al final del pasillo es otro quien te espera Estas campanas nunca van a tocar para mí

I planned a little cottage in the valley I even bought a little band of gold I thought some day I’d place it on your finger But now the future looks so dark and cold

Planeé comprar una pequeña cabaña en el valle De oro era el anillo que te quería dar Pensé que algún día sería tuyo Pero ahora el futuro es oscuro y frío

Wedding bells are ringing in the chapel I hear the children laughing out with glee At home alone I hang my head in sorrow Those wedding bells will never ring for me

Suenan en la capilla campanas de boda El regocijo de las risas de los niños puedo oír En casa, solo, bajo la cabeza con pena Estas campanas nunca van a tocar para mí

I fancy that I see a bunch of roses A blossom from an orange tree in your hair And while the organ plays I love you truly Please let me pretend that I am there

Cierro los ojos y veo un ramo de rosas Una flor de naranjo cuelga de tu sien Y mientras toca el órgano te quiero de verdad Déjame que crea que soy yo quien está contigo ahí

Wedding bells are ringing in the chapel Ever since the day you set me free I knew someday that you would wed another But wedding bells will never ring for me

Suenan en la capilla campanas de boda Desde el día en que me dejaste escapar Sabía que algún día te casarías con otro Pero estas campanas nunca van a tocar para mí

Texto

Virginia Arroyo

E

The Zodiac

“Cosmic sounds” ELEKTRA, 67

Mort Garson

“Mother Earth’s Plantasia” HOMEWOOD, 76

Lucifer

“Black mass” MCA, 71

el último clásico

El mes pasado, en esta misma sección, Vidal Romero sacaba a relucir las excelencias de “Soothing sounds for baby”, una de las indiscutibles obras maestras de Raymond Scott.

Sin llegar a las cotas de innovación y maestría del genial compositor neoyorquino, es de recibo continuar con tres discos conceptuales y oscuros, todos ellos dedicados a temas lo suficientemente raros como para catalogar a su autor como un freak de tomo y lomo.

l primero de ellos, “Cosmic sounds”, está dedicado a los signos del zodíaco y tuvo una notable influencia en los primeros trabajos de Broadcast. El segundo, “Mother Earth’s Plantasia”, tiene en mente, según puede leerse en la leyenda de portada, “a las plantas y... a aquellos que las aman”, y fue la respuesta de los cerebros del márketing norteamericano al micropop luminoso, delicado y marciano de Isao Tomita. El tercero, “Black mass”, estaba dedicado al satanismo. El hombre que se escondía tras estos insospechados delirios era Mort Garson, uno de los grandes defensores de los sintetizadores Moog, además del gran olvidado de toda la maraña de artistas electrónicos que surgió en Estados Unidos a partir de la Guerra Fría. Empezó coproduciendo singles de lounge-pop —“Our day will come” de Ruby and The Romantics fue un éxito en 1963—, trabajó a las órdenes de Doris Day o Glenn Campbell y, más adelante, rompió con esa etapa pop de manera radical. Se empezó a enfrascar en proyectos de mayor calado experimental, aunque con un pie en la feroz mercadotecnia de la era hippie: en “Cosmic sounds” escribe partituras y arreglos para The Zodiac, una banda que se unió, en pleno boom de la era de acuario, con la única intención de crear doce canciones, cada una de ellas dedicada, claro está, a un signo del zodíaco. Una vez planchado el disco se separarían y no volverían a grabar juntos jamás. Algunas de las canciones no han pasado la prueba del tiempo —gran parte de la culpa es por las poesías que se recitan a lo largo de todo el disco con voz profunda y pretendidamente didáctica—, pero otras siguen en plena posesión de facultades; una de las más famosas fue “Taurus – The voluptuary”, que Broadcast plagió de principio a fin en “We’ve got time”, cara B del primer single que editaron en Wurlitzer Jukebox. A lo largo del disco se puede palpar la influencia que tuvo en Leonard Rosenman, productor del

“Parallelograms” de Linda Perhacs, y seguidores del folk ácido y los cuelgues psicotrópicos en general. Dato a tener en cuenta: fue el primer disco de la historia, al lado del “December’s children” de The Rolling Stones y del “Strange days” de The Doors, en incluír un Moog.

“Mother’s Earth plantasia” y “Black mass” son otro cantar. Garson dejó a un lado las restricciones que le había impuesto el sello Elektra y pudo grabar a su aire y sin colaboradores. A pesar de incluir algunos temas de relleno en el primero, se nota que dejó volar la imaginación y firma algunas de sus mejores canciones: “Plantasia”, “Music to soothe the savage snake plant” y “Symphony for a spider plant”, en especial, son obras de arte inigualables e imposibles de explicar en tan pequeño espacio. Bajo el nombre de Lucifer (hay que reconocer que el tipo los tenía bien puestos) firmó un “Black mass” que flirtea con la library music, el ambient experimental y la música concreta. Un disco por el que no pasa el tiempo y que a ratos puede recordar a revisionistas como Oneohtrix Point Never, The Focus Group o Luke Vibert y que, tal y como están las cosas ahora mismo, bien podría editar Mego. El tratamiento de voces, percusión y efectos en “The ride of Aida (Voodoo)” lo sitúa en una coordenada temporal paralela a Can, Faust y Amon Düül, mientras que en “Witch trial” juega a unir los mundos de Walter Carlos y Pierre Henry con soltura abrumadora. El único problema al respecto de estas tres joyas es que sólo “Cosmic sounds” está reeditado en Cd. Cd que, por otro lado, está completamente agotado desde hace años. El resto de discos pueden encontrarse en eBay a precios que oscilan entre los 50 y los 350 euros, pero también circulan rips a una calidad más que decente en algunos blogs especializados. En cualquier caso, un más que injusto destino para un compositor de tamaño calado.

068/069

open mic

+net labels Columna

Marc Piñol

+import

Columna

CUELGUE FINO Albergaba uno serias esperanzas con “Returnal”, nuevo trabajo en largo de Daniel Lopatin, pero el hecho de que Mego editara el disco podía hacernos pensar lo peor, ¿tendríamos la ración de ruido insoportable y cultureta con que nos suele maltratar a menudo el sello austríaco? El canadiense de orígen ruso ha demostrado que, cuando le apetece —sólo hace falta recordar los dos directos que se marcó en la piel de toro esta pasada primavera, más duros que un turrón de Alicante—, puede ser un enorme grano en el culo. Un grano que da cierto gustirrinín al ser rascado, pero un grano al fin y al cabo.

Por otro lado, flotaba aún el recuerdo de aquel “Endless Summer” de Christian Fennesz que, pasados casi diez años desde su fecha de edición, seguía palpitando en nuestros corazones y, por si aún no lo habíamos pensado, ha resultado ser el más claro exponente de lo que ha resultado ser la música electrónica más paisajística, ambiental y viajera de esta convulsa década que abandonamos. La opción de que el nuevo disco de Oneohtrix Point Never recodificara aquella maraña de ruiditos y melodías celestiales y la llevara a otras latitudes —dichosa hauntology— era algo que a más de uno le ponía, hablando en plata, cachondo hasta decir basta.

Masterizado con mano maestra por James Plotkin, uno de los ingenieros más experimentados de los estudios Dubplates & Mastering de Berlín, “Returnal” no se conforma con hacer un repaso a todas las manifestaciones del ambient de ayer y de hoy —el illbient incómodo y rocoso en “Nil Admirari”, los flotantes e inconexos arpegios con voces amarcianadas del hit (si es que se le puede llamar así) “Returnal”—, sino que se lo lleva a su terreno con una pericia que está a la altura de sólo unos pocos elegidos.

La música de Oneohtrix Point Never, y en especial la de estos cuarenta y dos minutos de hipnosis que son “Returnal”, puede recordarnos aquella escena de “La guerra de las galaxias” en la que Obi-Wan le cuenta a Luke Skywalker, mientras le muestra su sable de luz, que esa era “un arma noble para tiempos más civilizados”, un viaje a un pasado que no es tal porque, como en toda obra de ciencia ficción, sólo existe en nuestra imaginación.

Su arsenal de instrumentos hardware, viejos cacharros pasados de moda que nadie parecía querer volver a escuchar, sacan de sus tripas lamentos y reproches a un nuevo mundo digital, frío y distante, en el que han perdido la voz y el voto. En gran parte son instrumentos baratos, relativamente fáciles de conseguir en el mercado de segunda mano, que demuestran comportarse con vida y carácter propios. Lopatin —se nota—, los ama con locura y los mima hasta lo indecible. En la web Forced Exposure, copio y pego la información, dan cuenta del arsenal sintetizadores Akai AX-60 y Roland Juno-60, secuenciador Roland MSQ-700 y aquel entrañable engendro que es el Korg Electribe ES-1 (responsable de los acuosos y difusos matices de “Preyouandi”), todos ellos aparatos eminentemente lo-fi que consiguen llegar a nuestros oídos de un modo directo y crudo, muy a pesar de las infinitas capas de sonido que conforman el disco.

Turbio y encerrado en sí mismo como aquella vieja Polaroid rescatada de lo más hondo de un cajón, “Returnal” es un álbum que a priori puede llevarnos a muchísimos otros lugares —con Lopatin el name dropping es inevitable: Klaus Schulze, Popol Vuh, toda la kosmische musik y así hasta llegar al infinito, en resumidas cuentas—, pero termina siendo todo tan difuso que, no se sabe cómo, acaba descubriendo una identidad propia y fuera de toda referencia; como un sitio jamás explorado anteriormente en el que, como en un déjà vu, creemos reconocer todas y cada una de las cosas que nos rodean, por pequeñas que éstas sean.

Gloria González

TOMA DECISIONES Necesitamos un concepto nuevo, creo, el concepto de ‘escucha responsable’, que sería algo así como una invitación a que cada cual reflexione sobre sus prácticas de consumo musical, se haga una serie de preguntas (por ejemplo, ¿cómo ha llegado hasta mí la música que escucho?, ¿qué puedo hacer con ella?, ¿tengo que pagar algo por hacerlo?, ¿quién se lleva el dinero? y ¿por qué?) y tome las decisiones que estime pertinentes para contribuir a un mundo mejor. Los netlabels ofrecen música gratis, por definición, y, aunque pueden hacerlo por motivos muy distintos y de maneras muy variadas, podemos pensar que quienes acuden a ellos, ya hayan dado o están dando un gran paso hacia esa ‘escucha responsable’. Algunos, además, van dando pasitos hacia la cama. Es sobre todo el caso de los que han llegado hasta Rural Colours, un prometedor sello que se estrena con una referencia de un artista llamado Beginnings (muy adecuadamente llamado así, es verdad), a saber, “Waiting for the weather”, una delicia emo-ambiental con guitarra y drones, ideal para contemplar como no se mueve el techo durante horas, y que hay descargarse desde aquí: www.ruralcolours. co.uk . Un pasito hacia adentro es, quizá, lo que quiso dar el dúo argentino Cldscp cuando decidió grabar canciones reducidas a su mínima expresión instrumental, o casi.

Unos juguetes, un acordeón, un charango, un banjo y, sobre todo, ellos mismos imitando una caja de ritmos sin pilas. El resultado es “Menso Freakfolk”, siete temas de pop lo-fi que suenan como simpáticas nanas

interpretadas por seres extraños durante una noche de insomnio, en una guardería.

Está disponible aquí: www.lclweb.org.

Muy juguetona, aunque completamente distinta, es la música de Cagey House. “Do the magnet!”, su nueva entrega para el fino netlabel WeirdandWired (aquí: www. weirdandwired.net). Es como un hipnótico sinfín de imprevistos y desencuentros sonoros que alegrará a las orejas hiperactivas más selectas. Paradójicamente, resulta que suena mucho más seria la última referencia propuesta por 8bitpeoples, firmada por Linde y titulada “Lander”, que podría describirse como la banda sonora de una película de ciencia ficción que habla de un mundo gobernado por peligrosas maquinitas de colores; cinco temas sorprendentes y contundentes, en fin, excelentes, que están a su disposición aquí: www.8bitpeoples. com. Para descargar, escuchar, compartir y meditar, siguiendo el orden que se prefiera.

+jander Columna

EL BAILE NEOCLÁSICO Ya hemos comentado alguna vez en estas páginas que, de todo el pelotón de artistas neoclásicos, Max Richter es el que más se acerca a los patrones convencionales de la música contemporánea. Como sus otros compañeros de viaje (Jóhann Jóhannsson, Nico Muhly, Peter Broderick), gusta de mezclar arreglos orquestales, grabaciones de campo y recursos electrónicos, siempre con el piano como elemento protagonista, y siempre dejando que un aroma cinematográfico impregne sus partituras. Pero al mismo tiempo, permite que en sus composiciones se cuelen referencias reconocibles para el oído educado, sobre todo provenientes de la primera oleada del minimalismo norteamericano y la música sacra del este de Europa.

En “Infra” (130701-Fat Cat / ¡Pop Stock!), su último disco, las sombras de Henryk Gorécki y Arvo Pärt caen a plomo sobre muchos de los arreglos de cuerda, aportando la gravedad que todos esperamos en un disco

Vidal Romero

de Richter. Pero la presencia que más se deja sentir a lo largo del disco es la de Philip Glass: se percibe en las sutiles melodías, que crecen trazando círculos, en las repeticiones y ecos que salpican las distintas piezas, incluso en la manera de golpear el piano, con un espíritu motórico a pesar de que en todo el disco impere una velocidad baja. Es seguro que en esa presencia tiene mucho que ver la naturaleza de “Infra”, que en su primera versión respondía a un encargo del coreógrafo Wayne McGregor para el Royal Ballet londinense: después de todo, las partituras de Glass forman parte íntima del ADN de la danza contemporánea, así que parece inevitable recurrir a él en un caso como este (Richter, por cierto, no es el primero: Peter Broderick ya lo hizo en su fantástico “Music for falling from trees”). Eso sí, lejos de limitarse a reproducir la música de la obra tal cual, el compositor inglés ha expandido la duración y complejidad de la banda sonora hasta convertirla en un disco con una narrativa poderosa. Y la novedad es precisamente esa, que si en discos anteriores Richter se limitaba a juntar una serie de piezas y miniaturas, escritas utilizando una cierta paleta de sonidos, pero de algún modo dispersas, en esta ocasión se ha esforzado por armar una historia con su principio, su nudo y su desenlace. Algo que ya había intentado en las bandas sonoras que ha escrito en los últimos años (“Waltz with Bashir” y, sobre todo, “La prima linea”), pero que hasta ahora no había conseguido. Y el resultado, ya se lo voy advirtiendo, es una experiencia sobrecogedora.

+all that jazz

Columna

Pepo Márquez

HOMENAJE A VITORIA Vitoria, para los recién llegados, lleva más de treinta años siendo una ciudad clave para el jazz mundial. Su festival, del que ya hablamos en el número pasado, es uno de los más valientes e interesantes de los que se realizan en España. Uno de esos platos de alta cocina para el que no está preparado todo el mundo. Una constante revelación y un matrimonio estable con el público fiel y con la crítica más exigente. Ha habido años buenos y años muy buenos, pero la mediocridad no está entre su moneda de cambio.

El caso es que hace doce años, el director del festival, Iñaki Añúa, sugirió a Wynton Marsalis (Nueva Orleans, 1961) la composición de un pequeño blues para festejar el vigésimo quinto aniversario del festival.

Wynton Marsalis es al jazz lo que Jay-Z al hip hop: un tipo con voz y voto en la escena, un capo; nada se mueve en el jazz sin que Marsalis lo sepa. Se nos quedaría pequeña la columna para hablar de los logros de este personaje vital, pero prometemos hacer una dedicada exclusivamente a él en cuanto tengamos la más mínima oportunidad.

El caso es que la respuesta de Marsalis fue rápida: “Como no sé componer cosas cortas, voy a componer una suite”. Desde entonces (1998), el compositor y trompetista norteamericano fue concibiendo esta obra que hoy ya tiene forma de disco y de la que ya adelantó cuatro movimientos, precisamente en 2001, a tiempo para el 25 cumpleaños del festival. La obra completa se estrenó cinco años más tarde, en el 30 aniversario del evento y a finales de 2008 se interpretó por primera vez en Nueva York. Para su estreno en La Ciudad de Ciudades, Wynton Marsalis invitó al pianista Chano Domínguez a participar en los movimientos flamencos. En ese momento, Paco de Lucía no estaba todavía incorporado al proyecto. Marsalis y él habían coincidido en el festival de Vitoria en 2006 y compartieron escenario en una velada que muchos valoraron de inolvidable. Dada la sonoridad flamenca de varios movimientos de “Vitoria Suite”, parece lógico que al final el guitarrista acabara participando en ella.

Atención, dato: es la primera vez que el

genio del jazz y el máximo representante de la guitarra flamenca colaboran en una grabación. Y “Vitoria Suite” es importante no sólo por este hecho, sino también por ser una demostración palpable de que la música es un idioma universal. Además del claro deje jazzístico de la obra, podemos escuchar ecos de flamenco y de música tradicional vasca en ella. Ahí es nada, un norteamericano dejándose seducir por dos de las músicas más tradicionales de, con perdón, España. Por si esto fuera poco, además de los nombres propios de Marsalis, Chano Domínguez y Paco de Lucía, el protagonismo de la Jazz at Lincoln Center Orchestra es superior, con una interpretación y una entrega en la grabación sin precedentes.

Este “Vitoria Suite”, grabado los días 20, 21 y 22 de julio de 2009, viene a certificar la relación de amor entre la ciudad, su Festival de Jazz y el trompetista que, desde que actuó en él por primera vez en 1987, ha actuado en numerosas ocasiones —con formaciones diferentes, desde un dúo con Ellis hasta cinco veces con la Jazz at Lincoln Center Orchestra, pasando por un septeto, su propio cuarteto y otro con Elvin Jones— y ha sido partícipe de otras actividades paralelas. Ha ofrecido clases magistrales para músicos, conciertos para niños e incluso una sesión dedicada a bailar el swing.

Y el amor, además, parece recíproco. Si la ciudad ya tiene su suite, Marsalis ya tiene una estatua en uno de los parques de la vieja villa, para ser uno más de los que pasean a la sombra de los muros de La Virgen Blanca.

yendo por los cerros de Úbeda. Mi colega de la crítica musical y yo estábamos enzarzados en un agrio combate verbal, citando versos y canciones de los Dexys para demostrar nuestra devoción. Apenas citaba yo un verso de “Tell me when my light turns green” (“He visto bastante en mis 23 años / He sido maníaco depresivo y he soltado algunas lágrimas”), que él me la devolvía con un verso de la melancólica “Old” o la brillante “Plan B”.

Ambas canciones son del segundo álbum de Dexys, “Too Rye Aye”, el disco que alumbró el hitazo “Come on Eileen” (sin lugar a dudas, el tema más mediocre que compusieron).

A cada giro, él me retaba y me devolvía los golpes —amor por amor, pasión por pasión—.

Así que le pegué. Era el único recurso que me quedaba para demostrarle que mi devoción era mayor que la suya. “¡No me digas cuánto amas a los Dexys!”, le grité enfurecido, mientras nuestros editores se apresuraban a separarnos. “¡No tienes derecho, no tienes puto derecho!”.

No, no me siento orgulloso de mí mismo —aunque estoy seguro de que de Kevin lo hubiera aprobado—. Él era conocido por su carácter volátil, especialmente con los periodistas. Ya que, tal como cantaba en el improvisado e inspirado “Don’t stand me down” —un álbum que en su día parecía no tener precursores, contemporáneos o precedentes—, en el tema que abre el disco, “The occasional flicker”: “El compromiso es el Diablo hablando / Y él me habla directamente a mí / Me dice que debo prepararme para el ataque”.

No puedo escribir sobre el tercer álbum de

los Dexys, ni siquiera ahora: es demasiado especial para mí, demasiado emotivo. Cada vez que lo escucho, todavía me salta alguna lágrima —especialmente en la épica “This is what she’s like”, donde Kevin suelta una intro de ‘spoken word’ que dura tres minutos y que amenaza con destuir toda las escena de impostores de Londres—. Cuando finalmente le llega el momento de describir el objeto de su deseo, se queda sin palabras, su única descripción, un alegre cántico pre-verbal. Y si no crees que el verso “I was thinking of a compromise / When I saw the beauty in your eyes” es la frase más hermosa y punzante que se ha escrito jamás (de la canción “Listen to this”, la mejor canción de amor de la historia), entonces estás leyendo la columna equivocada. “No sabes que todo este tiempo te he amado tanto”, canta Kevin.

“Te quiero”.

+the true report Columna

Everett True

Una vez le pegué a un colega de la crítica musical sólo por decirme cuánto adoraba a los Dexys Midnight Runners.

No me siento orgulloso de ello. Fue un acto propiciado por mi estado de embriagadez más que la pasión. Ocurrió durante uno de esos interminables festivales de Reading a mitad de los 90, a medianoche, en un bar de hotel. Habíamos estado discutiendo sobre las excelencias del primer disco de los Dexys, uno de esos discos que te cambian la vida, “Searching for the young soul rebels”.

Confesamos cómo nos había llegado a tocar la fibra este álbum —apasionados e ingenuos adolescentes que éramos tratando de encontrar nuesto lugar en el mundo adulto— con una claridad y certeza que jamás habíamos tenido. Hablamos de cómo este disco fue nuestra primera introducción a Otis Redding, Wilson Pickett, The Foundations —todas esas leyendas del soul—. Cómo fue la primera vez que llegamos a comprender el calado emocional del precursor irlandés de los Dexys, Van Morrison. Amábamos el cristalino sonido de los instrumentos de viento, la manera en que nos hablaba directamente con palabras que no dejaban lugar a dudas, con canciones como “There, there, My Dear”, “Keep it” y la triunfante “Dance stance”.

“Ive been searching for the young soul rebels (He estado buscando a las jóvenes almas rebeldes)”, decía Kevin Rowland a mitad del tema “There, there, My Dear”: “He estado buscándolas en todas partes. ¡No las encuentro en ninguna parte! ¿Dónde las habéis escondido?”. “Estamos aquí, Kevin! Estamos aquí”.

Su primer single en llegar al nº1 de las listas

británicas, “Geno” —un guiño al trobador del soul de los 60, Geno Washington— era pura inspiración. Cuando los Dexys aparecieron tocando en “Top Of The Pops” para celebrar su ascenso al estrellato, iban vestidos con la elegancia y pulcritud de los mods. Fue como volver a nacer.

Kevin Rowland prohibió el consumo de alcohol en sus shows (él creía que interfería con su visión pura del soul), cantaba como un hombre poseído, y expulsaba y multaba a los miembros de la banda con un vigor que no se había visto desde James Brown. Odiaba el punk, el ska, los mods, el metal, el rock... cualquier cosa que hubiera existido antes.

Odiaba a los críticos musicales con vehemencia —llegando incluso a comprar anuncios en los semanarios musicales ingleses, explicando en ellos la magnitud de su desconfianza y exponiendo su particular manifesto—. Sí, se podría decir que este hombre era un perfeccionista. Y un hijo de puta arrogante además, para completar el cuadro.

Fue la primera vez que descubrí a un grupo que despreciaba el amor tanto como yo. “Todos te dedican cumplidos, cumplidos vacuos que son fáciles de desentrañar / Fornican con palabras y lo llaman amor / Para así poder pretender que sienten algo que yo nunca siento/ ¿Soy yo el primero en dudar de tu existencia?”, escupía Kevin durante la amarga “Love part one”, evocando precisamente mis sentimientos sobre la hipocresía de todas las parejas egoístas que me rodeaban.

Cito esto de memoria: estas líneas quedaron grabadas en mi cerebro y se convirtieron en mi mantra durante años. Pero me estoy

070/071

agenda Jueves, 22 de julio _The Chemistry Set. Monasterio. Hora y precio S/C. _Febrero + Neurótica. Bikini. Hora y precio S/C. _Stuntfox + Dominti. Apolo. Hora y precio S/C. Viernes, 23 de julio _Efímer: Mark Eitzel, Za!, Joan Colomo… Can Xalant (Mataró). 18 h. Entrada gratuita. _Linda Mirada DJ. La [2]. 24:30 h. 13 €. _Adam Green. Razz Clubs. 1 h. 15 €. _Derrick May. BeCool. Hora y precio S/C.

Jueves, 8 de julio _Tachenko, Brian Hunt… Heineken. 21:30 h.

Precio S/C. _Lula + Colatonic. El Sol. 23 h. 8 €. _Capleton. Rockitchen. 20:30 h. Precio S/C.

Sábado, 24 de julio _Mark Eitzel. Heliogàbal. 22 h. 8 €. _Nea. Eléctric Bar. 23 h. 5 €. _Glamour To Kill. Salamandra 1. 21 h. 18 €. _Russ Gabriel + Jaumëtic. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Francesco Tristano. Razz Clubs. 1 h. 15 €.

Viernes, 9 de julio _SOctubre. Ramdall. 21 h. 10 €. _Marianne Faithfull. Puerta del Ángel. 21:30 h.

20-40 €. _Supercola. Ochoymedio. 1 h. 12 €. _Cohete + Los Claveles. Costello. 21:30 h. 9 €.

Martes, 27 de julio _Band To Watch: Vivian Girls. Razzmatazz 3.

20:30 h. 15 €.

Sábado, 10 de julio _Devendra Banhart. Joy Eslava. 19:30 h. 26 €. _Blueberry Hill. Wurlitzer Ballroom. 22 h. 10 €. _Golden Bug. Over. 21:30 h. Precio S/C. _Madame Mostaza. Elástico. 1 h. 12 €. _Nick Garrie. Costello. 21:30 h. 12 €.

Miércoles, 28 de julio _Pink Martini. L’Auditori. Hora y precio S/C. _Amanda Jayne. Eléctric Bar. 23 h. 4 €. _Savas Pascadilis. Moog. 24 h. 12 €.

The Strange Boys

Sidecar (BCN), 10/07/10 Insitu (Vic), 12/07/10

Barcelona Jueves, 1 de julio _Microfusa: Triángulo de Amor Bizarro… Razzmatazz 2. 19 h. Entrada con invitación. _Will Johnson. Apolo. 21:45 h. Precio S/C. _Espaldamaceta. Heliogàbal. 22 h. 5 €. _The New Raemon. Can Rin (Cabrils). Hora y precio S/C. _Hidrogenesse. La [2]. 24:30 h. 13 €.

Viernes, 2 de julio _Faraday: The Weeding Present, Clem Snide, Abraham Boba… Molí del Mar (Vilanova i la Geltrú). 18 h. Abono 65 €. Día 35 €. _Musik N Viu: The New Raemon, El Petit de Cal Eril… Parc Firal (Granollers). Hora S/C. Entrada gratuita. _Sidonie, Vinodelfin… Bikini. 21 h. 22 €. _Luke Slater. Razz Clubs. 1 h. 15 €. _Dave Tarrida. Moog. 24 h. 12 €.

Sábado, 3 de julio _Faraday: Jeff Tweedy, Los Punsetes, Linda Mirada… Molí del Mar (Vilanova i la Geltrú). 18 h. Abono 65 €. Día 45 €. _Montjuïc de Nit: Manos de Topo, The New Raemon, Nisei… Avinguda del Estadi. 20 h.

Entrada gratuita. _Montjuïc de Nit: Falsalarma, ZPU… Anella Olímpica. 20 h. Entrada gratuita. _First Aid Kit. Razzmatazz 3. Hora y precio S/C. _Mae Kurtz. Eléctric Bar. 23 h. 5 €. _Mark Marzenit. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Kriss Menace. Razz Clubs. 1 h. 15 €.

Domingo, 4 de julio _Faraday: Nick Lowe… Molí del Mar (Vilanova i la Geltrú). 18 h. Abono 65 €. Día 25 €.

Miércoles, 7 de julio _Èric Fuentes. Heliogàbal. 22 h. 5 €. _Capleton. Apolo. 21:30 h. Precio S/C. _Steven Munar & The Miracle Band. Eléctric Bar. 22 h. 5 €.

Jueves, 8 de julio _Gomez + Polar. Bikini. 20:30 h. 22 €. _Kitty Banb Bang… Apolo. 22 h. Precio S/C. _Centella. Heliogàbal. 22 h. 5 €. _The Last 3 Lines. Gran de la Platja de Llevant (Vilassa de Mar). Hora y precio S/C.

agenda Viernes, 9 de julio _Pony Bravo. Heliogàbal. 22 h. 6 €. _Borrokan. Jazz Cava (Vic). Hora y precio S/C. _Go Mag DJs (Nona Blond). Jardines de Can Sumarro. Hora S/C. Entrada gratuita. _Le Petit Ramon. Plaça Nova (Vilassa de Mar).

Hora y precio S/C. _Paul Oakenfold. Razz Clubs. 1 h. 15 €.

Sábado, 10 de julio _The Strange Boys. Sidecar. Hora S/C. 15 €. _Sino. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Chromeo. Razz Clubs. 1 h. 15 €. _Carmelo&Dhanimal. Mondo. 24 h. 12 €. _Mode D. BeCool. Hora y precio S/C. _Angel Molina. Lasal (Arenys). Hora y precio S/C.

Jueves, 29 de julio _Toots And The Maytals. Razzmatazz 1. 20 h.

25 €. _Maria Rodés. Can Rin (Cabrils). Hora y precio S/C. _Marc Piñol. Moog. 24 h. 12 €.

Viernes, 30 de julio _The Lions Constellation + Moon Duo. Heliogàbal. 22 h. 6 €. _Marc Piñol. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Delorean. Razz Clubs. 1 h. 15 €.

Sábado, 31 de julio _Toktok & Soffy O. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Alex Under. Razz Clubs. 1 h. 15 €.

Viernes, 6 de agosto _Kevin Saunderson. Razz Clubs. 1 h. 15 €. _Zombie Nation. BeCool. Hora y precio S/C. Domingo, 15 de agosto _Inspira, Za! y Pony Bravo. Plaça Rovira i Trias.

22 h. Entrada gratuita.

Lunes, 16 de agosto _ Les Anciens, Charades. Plaça Rovira i Trias. 22 h. Entrada gratuita.

Lunes, 12 de julio _The Strange Boys. Bar Insitu (Vic). Hora y precio S/C.

Martes, 17 de agosto _Joan Colomo, Els Trons. Plaça Rovira i Trias. 22 h. Entrada gratuita.

Martes, 13 de julio _Morcheeba. Apolo. 21:30 h. Precio S/C.

Viernes, 20 de agosto _John Digweed. Razz Clubs. 1 h. 15 €. _Angel Molina. Lasal (Arenys). Hora y precio S/C.

Miércoles, 14 de julio _Bill Evans. Apolo. 21:30 h. Precio S/C. _Hits’n’hots Vs Go Mag DJs (Manu González).

Sidecar. 24 h. Precio S/C. _Ceephax Acid Crew. Moog. 24 h. 12 €.

Jueves, 15 de julio _Solomon Burke. Apolo. 20:30 h. Precio S/C. _Steven Munar & The Miracle Band. El Kalamar (Prat Llbr.). Hora y precio S/C. _David Caraben. Can Rin (Cabrils). Hora y precio S/C. _Guillamino. Lasal (Arenys). Hora y precio S/C. Viernes, 16 de julio _Cruïlla BCN: Maria Rodés, Love Of Lesbian, Pony Bravo… Parc del Fòrum. 17 h. Precio S/C. _Internet2 + Tarántula. Sidecar. 22 h. Precio S/C. _Alexander Kowalski. Razz Clubs. 1 h. 15 €. _Chicks On Speed. BeCool. Hora y precio S/C. Sábado, 17 de julio _Cruïlla BCN: Eli ‘Paperboy’ Reed, Alpha Blondy, Ass Trio… Parc del Fòrum. 17 h. Precio S/C. _Erykah Badu. Poble Espanyol. Hora y precio S/C. _DJ Fra. Nitsa. 24:30 h. 13 €. _Mario Cobo + Brioles. La [2]. 24:30 h. 13 €. _Don Rimini. Razz Clubs. 1 h. 15 €.

S/C. 10 €. _Crystal Thomas + Mae Kurtz. Wurtlizer Ballroom. Hora y precio S/C. _The Secret Society. Costello. 21:30 h. 5 €. _Raz Ohara & The Odd Orchestra. La Casa Encendida. 21 h. 3 €.

Sábado, 21 de agosto _Deepchord presents Echospace. Razz Clubs.

1 h. 15 €.

Martes, 13 de julio _Tulsa. El Sol. 22 h. 15 €.

Miércoles, 14 de julio _Morcheeba. Heineken. 21:30 h. Precio S/C. Jueves, 15 de julio _Joaquín Pascual. Costello. 21:30 h. 10 €.

Viernes, 16 de julio _Furguson + Lüger. Costello. 21:30 h. 10 €.

Sábado, 17 de julio _Veranos de la Villa: Erykah Badu. Escenario Puerta del Ángel. Hora y precio S/C. _Five Alarm Fire. Gruta 77. 23 h. 12 €. _Vicknoise. Over. 21:30 h. Precio S/C. _ Alado Sincera. Costello. 21:30 h. 8 €.

Domingo, 18 de julio _Duo Cobra. Costello. 21:30 h. 5 €.

Martes, 20 de julio _Patti Smith Band. Puerta del Ángel. 22 h.

Precio S/C. Miércoles, 21 de julio _Mark Eitzel. Moby Dick. 21 h. Precio S/C. _The Pains of Being Pure at Heart. Teatro Lara.

Hora y precio S/C. Jueves, 22 de julio _Veranos de la Villa: Elvis Costello. Escenario Puerta del Ángel. Hora y precio S/C. _The Pains of Being Pure at Heart. Teatro Lara.

Hora y precio S/C. _Gentle Music Men. Auditorio El Escorial. Hora y precio S/C. _Eddie & the Hot Rods. Gruta 77. 22 h. 17 €. _Aaron Avanish + The Funiculars. Costello. Hora y precio S/C.

Viernes, 27 de agosto _Aeroplane. Razz Clubs. 1 h. 15 €.

Domingo, 25 de julio _Veranos de la Villa: Herbie Hancock. Escenario Puerta del Ángel. Hora y precio S/C. _Black To Comm. La Casa Encendida. 21 h. 3 €.

Madrid

Martes, 27 de julio _Pink Martini. Teatro Lope de Vega. Hora y precio S/C.

Viernes, 2 de julio _No Aloha. Wurlitzer Ballroom. 22 h. 10 €. _Última Experiencia. El Sol. 22 h. 10 €. _Aye. Moby Dick. 21 h. 9 €. _Bla. Ochoymedio. 1 h. 12 €. _Buena Esperanza. Costello. 21:30 h. 5 €. _JF Sebastian. Café La Palma. 22 h. 7 €.

Sábado, 3 de julio _Contempopranea: La Familia del Árbol… Rock And Roll Radio Club. Hora S/C. 5 €. _SLos Hermanos Dalton. Ramdall. 22 h. 12 €. _Undo. Over. 21:30 h. Precio S/C. _Madel. Elástico. 1 h. 12 €.

Domingo, 4 de julio _Contempopranea: Lentejas Los Viernes, Blacanova… Rock And Roll Radio Club. Hora

Miércoles, 28 de julio _Band To Watch: Vivian Girls. Moby Dick. 21 h. 15 €.

Jueves, 29 de julio _The Apeks. Moby Dick. 21 h. Entrada gratuita. _Tulsa. Auditorio El Escorial. Hora y precio S/C. Viernes, 30 de julio _Revolutionaires. Gruta 77. 23 h. 12 €.

Sábado, 31 de julio _Moon Duo. Wutlizer Ballroom. 20 h. 12 €. _Aitor Molina. Over. 21:30 h. Precio S/C. Domingo, 1 de agosto _The Dandy Warhols. Heineken. 20:30 h. 25 €.

_Nacho Umbert & La Compañía. La Casa Encendida. 21 h. 3 €.

Martes, 3 de agosto _The Right Ones. La Boca del Lobo. 22 h. Precio S/C. Domingo, 8 de agosto _Lucrecia Dalt. La Casa Encendida. 21 h. 3 €.

Viernes, 20 de agosto _Ecopop: Love Of Lesbian, Niños Mutantes…

Castillo de Don Álvaro de Luna (Arenas de San Pedro, Ávila). Hora y precio S/C. Sábado, 21 de agosto _Ecopop: Sidonie, La Habitación Roja, Arizona Baby… Castillo de Don Álvaro de Luna (Arenas de San Pedro, Ávila). Hora y precio S/C.

Viernes, 16 de julio _Fernando Alfaro. Universidad (Sevilla). Hora y precio S/C. Miércoles, 21 de julio _Nocturama: Lloyd Cole. CAAC (Sevilla). 22 h. 5 €.

Jueves, 22 de julio _Nocturama: Exsonvaldes. CAAC (Sevilla). 22 h. 5 €.

Viernes, 23 de julio _Placebo. Teatro de la Axerquia (Córdoba). Hora S/C. 40 €. _Elvis Costello. La Rábida (Huelva). Hora y precio S/C. Miércoles, 28 de julio _Nocturama: Dente. CAAC (Sevilla). 22 h. 5 €.

Domingo, 22 de agosto _Toro y Moi. La Casa Encendida. 21 h. 3 €.

Jueves, 29 de julio _Nocturama: Wildbirds. CAAC (Sevilla). 22 h. 5 €.

Domingo, 29 de agosto _Kath Bloom. La Casa Encendida. 21 h. 3 €.

Sábado, 7 de agosto _PlaymusicFest: Supersubmarina, <<rinôcérôse>>… Centro de Congresos Campohermoso (Níjar, Almería). Hora y precio S/C.

Andalucia Jueves, 1 de julio _Nocturama: Baby Dee. CAAC (Sevilla). 22 h. 5 €.

Viernes, 2 de julio _Intramuros: Michael Northam… Monasterio Cartujo Cazalla de la Sierra (Sevilla). Hora y precio S/C. _Terral: Marlango. Teatro Cervantes (Málaga). 21 h. Precio S/C. _JamonPop: Joe Crepúsculo, Pollock… Castillo de Cortenaga (Cortenaga, Huelva). Hora y precio S/C. Sábado, 3 de julio _SunParade: The Advent, Frank Kvitta… Malibu (Balerma, Almería). Hora S/C. 11 €. _Intramuros: Jason Khan… Monasterio Cartujo Cazalla de la Sierra (Sevilla). Hora y precio S/C. _JamonPop: Sr. Chinarro, Triángulo de Amor Bizarro… Castillo de Cortenaga (Cortenaga, Huelva). Hora y precio S/C. Miércoles, 7 de julio _Nocturama: Friska Viljor. CAAC (Sevilla). 22 h. 5 €.

Jueves, 8 de julio _Nocturama: Lali Puna. CAAC (Sevilla). 22 h. 5 €.

Viernes, 9 de julio _Fuengirola Pop: Los Hermanos Dalton… Bikini Beach (Fuengirola). Hora y precio S/C. _Terral: Arizona Baby. Teatro Echegaray (Málaga). 23 h. Precio S/C. Sábado, 10 de julio _Pulpop: Maga, Love Of Lesbian… Plaza de Toros (Roquetas de Mar). Hora y precio S/C. _Fuengirola Pop: The Sunday Drivers… Castillo Sohail (Fuengirola). Hora y precio S/C. _Terral: Marianne Faithfull. Teatro Cervantes (Málaga). 21 h. Precio S/C. _Terral: Sweet Billy Pilgrim. Teatro Echegaray (Málaga). 23 h. Precio S/C. _Briatore. Locos (Marbella). 23 h. Precio S/C. Domingo, 11 de julio _Fuengirola Pop: Love Of Lesbian. Castillo Sohail (Fuengirola). Hora y precio S/C. _Terral: Vinila Von Bismarck. Teatro Echegaray (Málaga). 22 h. Precio S/C. Martes, 13 de julio _Terral: Dr. John. Teatro Cervantes (Málaga). 21 h. Precio S/C. Miércoles, 14 de julio _Nocturama: Emily Jane White. CAAC (Sevilla).

22 h. 5 €.

Jueves, 15 de julio _Patti Smith Band. La Rábida (Huelva). Hora y precio S/C. _Nocturama: Hellsongs. CAAC (Sevilla). 22 h.

5 €.

Sábado, 14 de agosto _Creamfields Andalucía: Orbital, 2ManyDJs, Vitalic, Skream vs Benga… Playa de Guardias Viejas (El Ejido, Almería). Hora S/C. 65 €.

Aragón Jueves, 1 de julio _Clem Snide. La Lata de Bombillas (Zaragoza).

Hora y precio S/C. Viernes, 2 de julio _Zaragoza Ciudad: Nach, Buckshot, Evil Dee… Anfiteatro Ranillas (Zaragoza). Hora S/C. Abono 40 €. Día 25 €.

Sábado, 3 de julio _Zaragoza Ciudad: Tote King, Talib Kweli & HiTek… Anfiteatro Ranillas (Zaragoza). Hora S/C. Abono 40 €. Día 25 €.

Sábado, 17 de julio _Monegros Desert: Laurent Garnier, Richie Hawtin, Mathew Jonson… Recinto Festival (Fraga, Huesca). 17 h. 70 €.

Viernes, 23 de julio _Luna Lunera: Imelda May + Eli ‘Paperboy’ Reed. Lonja Medieval (Sos del Rey Católico).

Hora y precio S/C. Sábado, 24 de julio _Luna Lunera: Elvis Costello. Lonja Medieval (Sos del Rey Católico). Hora y precio S/C. Sábado, 31 de julio _Luna Lunera: The Right Ons. Lonja Medieval (Sos del Rey Católico). Hora y precio S/C. Viernes, 6 de agosto _Luna Lunera: Marah + The Brew. Lonja Medieval (Sos del Rey Católico). Hora y precio S/C. Sábado, 7 de agosto _Luna Lunera: Nick Lowe. Lonja Medieval (Sos del Rey Católico). Hora y precio S/C. Domingo 8 de agosto _Luna Lunera: Drive-By Truckers. Lonja Medieval (Sos del Rey Católico). Hora y precio S/C.

Asturias Sábado, 17 de julio _Placebo. Plaza El Bibio (Gijón). Hora S/C. 40 €.

Viernes, 6 de agosto _Aquasella: Luciano, Luke Slater, Sven Väth…

Recinto Ferial (Arriondas). Hora y precio S/C. Sábado, 7 de agosto _Aquasella: Luciano, Luke Slater, Sven Väth…

Recinto Ferial (Arriondas). Hora y precio S/C.

Cantabria Jueves, 22 de julio _We Are Standard. BNS (Santander). Hora y precio S/C. Viernes, 23 de julio _Santander Amstel: The Wave Pictures, Delorean, Belle & Sebastian… Campa de la Magadalena (Santander). Hora y precio S/C. Sábado, 24 de julio _Santander Amstel: White Lies, Sidonie, The Dandy Warhols… Campa de la Magadalena (Santander). Hora y precio S/C.

C. Valenciana Sábado, 3 de julio _Los Quinaos. Wah Wah (Valencia). 22:30 h.

8 €.

Sábado, 10 de julio _Southill. Wah Wah (Valencia). 23 h. Entrada gratuita.

Jueves, 15 de julio _FIB Heineken: Ray Davies, The Temper Trap, Brendan Benson, Dirty Projectors… Recinto Festival (Benicàssim). Hora S/C. Abono 190 €.

Día 80 €.

Viernes, 16 de julio _FIB Heineken: Vampire Weekend, Goldfrapp, Calvin Harris, Peter Hook… Recinto Festival (Benicàssim). Hora S/C. Abono 190 €. Día 80 €.

Sábado, 17 de julio _FIB Heineken: The Prodigy, Klaxons, PiL, Four Tet… Recinto Festival (Benicàssim). Hora S/C. Abono 190 €. Día 80 €.

Domingo, 18 de julio _FIB Heineken: Gorillaz, Echo & The Bunnymen, Efterklang, Dizzee Rascal… Recinto Festival (Benicàssim). Hora S/C. Abono 190 €.

Día 90 €.

Miércoles, 21 de julio _Rototom Sunsplash: Morodo… Recinto Sunsplash (Benicàssim). Hora y precio S/C. Jueves, 22 de julio _Rototom Sunsplash: Big Youth, Bob Youth…

Recinto Sunsplash (Benicàssim). Hora y precio S/C. Viernes, 23 de julio _Low Cost: Placebo, Los Planetas Love Of Lesbians… Parque de L’Aigüera (Benidorm). Hora S/C. Abono 45 €. Día 30 €. _Rototom Sunsplash: Alpha Blondy… Recinto Sunsplash (Benicàssim). Hora y precio S/C. Sábado, 24 de julio _Low Cost: Memory Tapes, 1990s, Editors, Adam Green… Parque de L’Aigüera (Benidorm). Hora S/C. Abono 45 €. Día 30 €. _Rototom Sunsplash: Khaled, Ginjah… Recinto Sunsplash (Benicàssim). Hora y precio S/C. Domingo, 25 de julio _Rototom Sunsplash: Sund Sound System…

Recinto Sunsplash (Benicàssim). Hora y precio S/C. Lunes, 26 de julio _Rototom Sunsplash: Pablo Moses, Queen Ifrica… Recinto Sunsplash (Benicàssim). Hora y precio S/C. Martes, 27 de julio _Rototom Sunsplash: Sugar Minott, Mighty Diamonds… Recinto Sunsplash (Benicàssim).

Hora y precio S/C. Miércoles, 28 de julio _Rototom Sunsplash: Abyssinians, Marcia Griffith… Recinto Sunsplash (Benicàssim).

Hora y precio S/C.

072/073

agenda Jueves, 29 de julio _Efecto Secundario + Step Out. Matisse (Valencia). Hora y precio S/C. Sábado, 22 de agosto _Black Lips, Cycle… Parc de la Sequieta (Alaquàs). 20:30 h. Precio S/C. De 26 al 28 de agosto _Electrosonic: Richie Hawtin, Sven Väth, Carl Cox… Varios recintos (Benidorm). Hora y precio S/C.

Euskadi Jueves, 8 de julio _Bilbao BBK Live: Rammstein, Slayer… Kobetamendi (Billbao). 17 h. Abono 110 €. Día 50 €.

Viernes, 9 de julio _Bilbao BBK Live: Pearl Jam, Paul Weller, Gomez… Kobetamendi (Billbao). 16 h. Abono 110 €. Día 50 €.

Sábado, 10 de julio _Bilbao BBK Live: Jeff Tweedy, Manic Street Preachers, Feeder… Kobetamendi (Billbao). 16 h. Abono 110 €. Día 50 €.

Jueves, 15 de julio _Delorean. Explanada del Sagües (Donosti).

Hora y precio S/C. Domingo, 18 de julio _The Wailers. Jimmy Jazz (Vitoria-Gasteiz). 21 h. 20 €.

Martes, 20 de julio _Bad Music. Jimmy Jazz (Vitoria-Gasteiz). Hora y precio S/C.

Viernes, 9 de julio _Vigo Transforma: The XX, Devendra Banhart, Jeff Tweedy, Fanfarlo… Muelle de Transatlánticos (Vigo). 18 h. Abono 40 €. Día 25 €.

Sábado, 10 de julio _Vigo Transforma: The Divine Comedy, Orbital, The Morning Benders, Fischerspooner…

Muelle de Transatlánticos (Vigo). 18 h. Abono 40 €. Día 25 €.

Martes, 27 de julio _Dizzee Rascal. Rocks Hotel (Ibiza). Hora y precio S/C. Viernes, 30 de julio _Etienne de Crecy. Amnesia (Ibiza). Hora y precio S/C. Domingo, 1 de agosto _Four Tet. We Love (Ibiza). Hora y precio S/C.

Miércoles, 14 de julio _SinSal: Omar Souleyman. Jardines Méndez Núñez (A Coruña). 21 h. Entrada gratuita.

Martes, 3 de agosto _Carl Cox. Future Disco (Ibiza). Hora y precio S/C.

Viernes, 16 de julio _Cultura Quente: Tricky… Carballeira de Caldas (Caldas de Reis). Hora y precio S/C.

Viernes, 6 de agosto _Jeff Mills. Amnesia (Ibiza). Hora y precio S/C.

Sábado, 17 de julio _Cultura Quente: The Sonics,… Carballeira de Caldas (Caldas de Reis). Hora y precio S/C. _SinSal: Phill Niblock & Katherine Liberovskaya.

Museo Quiñones de León (Vigo). 21 h. 8 €.

Domingo, 18 de julio _Patti Smith Band. Auditorio de Castrelos (Vigo).

23 h. Precio S/C. Martes, 20 de julio _The Pains of Being Pure at Heart. Playa Club (A Coruña). Hora y precio S/C. Martes, 27 de julio _Elvis Costello. Praza da Quintana (Santiago).

Hora y precio S/C. Sábado, 21 de agosto _FIV: Love Of Lesbian, Zenttric, Estereotypo…

Recinto Festival (Vilalba, Lugo). Hora S/C. Entrada gratuita…

Domingo, 8 de agosto _Simian Mobile Disco. We Love (Ibiza). Hora y precio S/C. Martes, 10 de agosto _Carl Cox. Future Disco (Ibiza). Hora y precio S/C. _The Kooks. Rocks Hotel (Ibiza). Hora y precio S/C. Viernes, 13 de agosto _2manyDJs. Amnesia (Ibiza). Hora y precio S/C. Domingo, 15 de agosto _Felix Da Housecat. We Love (Ibiza). Hora y precio S/C. Martes, 17 de agosto _LCD Soundsystem. Rocks Hotel (Ibiza). Hora y precio S/C. Domingo, 22 de agosto _Miss Kittin. We Love (Ibiza). Hora y precio S/C.

Baleares

Martes, 24 de agosto _Carl Cox. Future Disco (Ibiza). Hora y precio S/C. _Florence And The Machine + The Drums.

Rocks Hotel (Ibiza). Hora y precio S/C.

Domingo, 4 de julio _2manyDJs. We Love (Ibiza). Hora y precio S/C.

Viernes, 27 de agosto _Digitalism. Amnesia (Ibiza). Hora y precio S/C.

Lunes, 5 de julio _Calvin Harris. Rocks Hotel (Mallorca). Hora y precio S/C.

Domingo, 29 de agosto _Ewan Pearson. We Love (Ibiza). Hora y precio S/C.

Martes, 6 de julio _Calvin Harris. Rocks Hotel (Ibiza). Hora y precio S/C.

Murcia

Sábado, 10 de julio _The Juan MacLean. Future Disco (Ibiza). Hora y precio S/C.

Viernes, 9 de julio _La Mar de Músicas: Bomba Estereo. Castillo Árabe (Cartagena). 02:30 h. Precio S/C.

Domingo, 11 de julio _The Juan MacLean. We Love (Ibiza). Hora y precio S/C.

Sábado, 10 de julio _La Mar de Músicas: Os Mutantes. Castillo Árabe (Cartagena). 1 h. Precio S/C.

Martes, 13 de julio _Maxïmo Park. Rocks Hotel (Ibiza). Hora y precio S/C.

Miércoles, 14 de julio _La Mar de Músicas: Dirty Projectors. Castillo Árabe (Cartagena). 24 h. Precio S/C.

Viernes, 16 de julio _Laurent Garnier. Amnesia (Ibiza). Hora y precio S/C.

Viernes, 16 de julio _La Mar de Músicas: Patti Smith Band. Auditorio Parque Torres (Cartagena). 23 h. Precio S/C.

Galicia

Domingo, 18 de julio _Carl Craig. We Love (Ibiza). Hora y precio S/C.

Sábado, 17 de julio _La Mar de Músicas: Omar Souleyman. Castillo Árabe (Cartagena). 02:30 h. Precio S/C.

Viernes, 2 de julio _Fresh Weekend: Luciano, Blackstrobe, DJ Hell…

Aquapark de Cerceda (A Coruña). Hora S/C. Abono 50 €. Día 30 €. _Ewan Pearson, Grobas… Maremagno (Sanxenxo). Hora S/C. 15 €.

Lunes, 19 de julio _The Courteeners. Rocks Hotel (Mallorca). Hora y precio S/C.

Jueves, 22 de julio _Mild + Cadenza. Rockstar (Bilbao). Hora y precio S/C. Sábado, 31 de julio _We Are Standard. Plaza Munoa (Zarautz). Hora y precio S/C.

Extremadura Jueves, 22 de julio _Contempopránea: Maga, Sidonie, Klaus&Kinski… Paseo de las Laderas (Alburquerque). Hora S/C. Abono 75 €.

Día 55 €.

Viernes, 23 de julio _Contempopránea: Pains Of Being Pure At Heart, Dorian, Joe Crepúsculo… Paseo de las Laderas (Alburquerque). Hora S/C. Abono 75 €. Día 55 €.

Sábado, 24 de julio _Contempopránea: Los Punsetes, Tachenko, Los Planetas… Paseo de las Laderas (Alburquerque). Hora S/C. Abono 75 €. Día 55 €.

Sábado, 3 de julio _Fresh Weekend: The Hacker, Aeroplane, Dave Clarke… Aquapark de Cerceda (A Coruña).

Hora S/C. Abono 50 €. Día 30 €.

Martes, 20 de julio _Placebo. Parc de n’Hereveta (Palma). Hora S/C. 35 €. _Carl Cox. Future Disco (Ibiza). Hora y precio S/C. _Prodigy. Rocks Hotel (Ibiza). Hora y precio S/C. Viernes, 23 de julio _2manyDJs. Amnesia (Ibiza). Hora y precio S/C.

Domingo, 4 de julio _SinSal: Susan Alcorn. Museo Verbum (Vigo).

21 h. 5 €.

Domingo, 25 de julio _Jeff Mills. We Love (Ibiza). Hora y precio S/C.

Jueves, 8 de julio _Vigo Transforma: Standstill. CC Caixa Noca (Vigo). 20 h. 25 €.

Lunes, 26 de julio _Dizzee Rascal. Rocks Hotel (Mallorca). Hora y precio S/C.

Lunes, 19 de julio _La Mar de Músicas: Martha Wainwright.

Parque de Artillería (Cartagena). 22:30 h.

Precio S/C. Miércoles, 21 de julio _La Mar de Músicas: Kings Of Convenience.

Parque de Artillería (Cartagena). 22:30 h.

Precio S/C. Sábado, 24 de julio _La Mar de Músicas: The Very Best. Castillo Árabe (Cartagena). 02:30 h. Precio S/C. Sábado, 7 de agosto _ElectroMar: Josh Wink, Zombie Nation, Delorean… Playa Honda (La Manga, Murcia).

Hora S/C. 22 €.

074/075

live Sónar 2010

CLUSTER

Sónar 2010

CARIBOU

KING MIDAS SOUND

SÓNAR DE DÍA, JUEVES 17

En el principio era Go Mag. Y Go Mag extendió su mirada sobre el SonarVillage y vio jóvenes de variopinto pelaje desperezándose bajo el cálido sol primaveral y pensó que aquello era bueno. Y Go Mag se hizo carne en la forma de Vidal Romero y Manu González para traer kraut y space a todas las criaturas que pueblan la tierra; y cuando dio por concluida su obra y se retiró a descansar, la música seguía brotando de los escenarios porque la semilla había sido plantada.

Por ejemplo, el minimal traído desde Estambul por Buggy Boy & Tufan Demir que era grato de escuchar e hizo moverse a quienes se refugiaban a esa hora bajo la carpa del SonarDôme. Carpa que horas más tarde resultó insuficiente para acoger a todos los que querían ver el concierto de Caribou, y muchos, como el que suscribe, se quedaron fuera.

De vuelta al SonarVillage, y tras la sesión house de Pete Tong, la actuación de Speech Debelle derivó en cansina y aburrida, debido sobre todo al irritante soniquete de la guitarra acústica que la acompañaba.

Un poquito de variedad instrumental para la próxima vez, por favor. Tampoco convencieron Tim and Puma Mimi, una simpática pareja que practica una especie de shibuya-kei con escasa enjundia.

Centrándonos ya en propuestas más serias, que en el Sónar de Día suelen dilucidarse en espacios cerrados, habría que citar por sorprendentes la nueva y muy austera de Patrick Pulsinger, un dúo de sintetizador modular y contrabajo llamado dp-S, y la de sus producidos Elektro Guzzi, techno en formato de power trío.

Entre medias, los veteranos Cluster abrieron el tarro de las esencias y nos regalaron una hora de improvisación electrónica original y fascinante. Y hecha con

DELOREAN

medios modernos, lo que decepcionó a muchos de los allí congregados que esperaban un catálogo de arqueología musical. Pues no.

Al SonarHall le tocó acoger los sonidos de 1 bit de Tristan Perich, primero interactuando con bcn216, una primorosa orquesta de diez violines, y más tarde como Loud Object, un taller de soldadura de circuitos muy ruidoso. El esperado concierto de Broadcast comenzó con overbooking, pero el cariz experimental de los primeros temas tuvo el efecto beneficioso de ahuyentar al público playero. Como dijo una chica al pasar a nuestro lado: “Yo no soy tan moderna para esto” (firme candidata a Frase del Sónar 2010). Una vez despejado el patio el dúo, sacó a relucir su pop electrónico disonante y fantasmal de siempre para deleite de los connoisseurs. Así se cumplió lo que estaba escrito.

Francisco J. López SÓNAR DE DÍA, VIERNES 18

No sé bien si es que me estoy haciendo viejo, pero no acierto a comprender la orientación que está tomando un evento como es el Sónar de día. La feria discográfica, sitio necesario en el que podía uno perderse, ha dado paso a un sinfín de flipados con maquinitas montándose su propio festival alternativo. Craso error.

Pero no sólo eso, si el jueves a las cinco de la tarde teníamos a Pete Tong mezclando un single de Shakira con techno-house de terraza del Space, el viernes fue llegar y besar el santo, Rude Taylor estaba firmando una sesión digna de un sábado a las cuatro de la mañana en SonarClub. Ya no hablamos de menor o mayor calidad a nivel musical (que la tenía, claro está), sino más bien de concepto, cada cosa tiene su momento, y está claro que un festival de referencia

PLASTIKMAN

HOT CHIP

LCD SOUNDSYSTEM

LA CHAMBRE DES MACHINES

Fotos

como Sónar debe dar cabida a propuestas que no sólo funcionen a altas horas de la mañana, sean o no de baile. Se antoja imperdonable, por dar un sólo ejemplo, que no hayan tenido en cuenta el auge del balearic y el nu-disco para conformar un cartel diurno mucho más estival, refrescante y alejado de los lugares comunes que frecuentan otros festivales de menor calado. Quiénes sí pecaron de frescos y comunes fueron Lemonade DJs, dejaron la vergüenza a un lado y lograron que los allí presentes fuéramos testigos de la más sonrojante sesión que se ha visto jamás en Sónar.

Y es que hacer un warm-up para Delorean y marcarse una sesión de minimal terracero, techno con congas africanas y gritos de “Barcelona” y “Sónar” a través del micro es una falta de respeto con todas las letras.

Claro que no todo podían ser cosas malas. El arrebatador directo de Aufgang levantó ampollas entre sus asistentes. King Midas Sound nos dieron una de las alegrías del festival, dubstep de otra galaxia que nos hacía pensar en unos Massive Attack hipermusculados y cafres. Y eso nos gusta, claro. Hay quien se confundió y fue a ver a Bradien pensando en encontrarse a Braiden y al revés. Nadie salió decepcionado en ninguno de los casos, los primeros se marcaron un concierto la mar de bonito y el segundo le dio al dubstep, al electro y a la marcianada bailable. A Nosaj Thing hay que felicitarle, su festival de polirritmia inmisericorde y melodías de ensueño se vio arropado por visuales simples a la par que tremebundos. Pero al final fueron Emilio José, bRUNA, Lesley Flanigan y Delorean los que firmaron los mejores conciertos de la jornada. El primero, sin terminar sus canciones y con un aire adorable y despistado. El segundo, tocando de una manera virtuosa el teclado mientras unos

visuales nos demostraban que bRUNA es un tipo legal y paga cuando coge el metro. Flanigan, con un show a medio camino entre el timo de la estampita y lo sublime. Y Delorean, tirando de directo metronómico, con nervio, y cerrando a lo bruto con una versión del “Sunshine” de John Talabot en la que el propio Talabot les echó un cable y disparó sonidos desde su laptop. Un cierre que casi nos hizo olvidar lo mal que empezó la tarde. Marc Piñol SÓNAR DE NOCHE, VIERNES 18

Después de dos días churruscándonos en el Sónar de día, ya echaba de menos el imponente recinto ferial Gran Vía 2 hasta los topes de gente y guiris dándose de hostias en los autos de choque. Mirar la programación iba seguido de un escalofrío espino dorsal, debido a unos incomprensibles solapamientos entre grandísimos artistas de diverso corte, lo cual casi invitaba a tirar una moneda al aire y decidir a cara o cruz qué ver. Mi primera decisión errónea fue empezar con Hot Chip en SónarPub (no quería inmolarme viendo a los cansinos Air). Digo errónea porque sonaron bastante desangelados, sin su gancho usual que atrapa al público. Empezar con “And I was a boy from school” ya presagiaba que el asunto no sería para tirar cohetes. Ni con “One life stand” los rabos se pusieron firmes, aunque es de agradecer que no aburrieran al personal con las insulsas baladas de su último trabajo. Era el momento, entonces, de abandonar el barco y guiarme hasta las coordenadas 2Step dubsteperas de Joy Orbison, dentro del showcase que había montado la jefa Mary Anne Hobbs en el escenario SónarLab. Primer acierto de la noche, ya que llegar y contemplar “The shrew would have

Fabian Taranto y Archivo Sónar

cushioned the blow” y “So derobe” es lo que comúnmente se denomina besar el santo. Casi me pongo de rodillas (pese al MC…). Era entonces el turno de coger sitio para ver al maestro de ceremonias James Murphy, en lo que según dicen es su gira de despedida como LCD Soundsystem. El éxtasis físico (ni en polvo ni líquido) fue absoluto, bajo un rotundo y exitoso repertorio calculado al milímetro. James repartió para todos. Los fans incondicionales con “Drunk girls” o “I can change”, los que pasaban por ahí con “Daft Punk is playing at my house” o los que querían fiesta con “Tribulations”. El broche lo puso “Yeah”, en un momento que se recordará para siempre en la historia del Sónar. Espectacular es quedarse corto. Acto seguido no quería perderme como John Talabot daba la cara (¿todavía no sabes quién es?) para desenmascarar su house tribalero elegante y finísimo. Seguirá dando de qué hablar. La fiesta no decayó gracias al chute en vena de los 2Manydjs. Es curioso, ya que por más singles petardos o topicazos que mezclen, siempre te la meten doblada y te hacen saltar como un histérico. Tirar confeti al son de “Love will tear us apart” de Joy Division seguro que habría hecho reír mucho a Ian Curtis. Era el momento de desertar y después ver alguna pincelada housera de Carte Blanche. ¿Por qué no he mencionado a Plastikman?

Bueno, tuve la bendita suerte de verlo jugar en casa en el Time Warp. No quería fastidiarlo. Alberto Vidal SÓNAR DE DÍA, SÁBADO 19

La lluvia me acompaña según me adentro en esa selva de ingles y sobacos que acostumbra a ser el SonarVillage. Refugiados en los toldos de las barras vemos al inefable Jimi Tenor con el saxo al cuello

076/077

live Sónar 2010

NECRO DEATHMORT

junto a Kabu Kabu dirigiendo una jazzband sin tener el soplido necesario. En el SonarDôme copado por las huestes de la Red Bull Music Academy, Moodyman (protegiendo su peinado de la lluvia con una toalla pese a estar a cubierto) imparte toda una lección de coherencia y estilo y se gana al respetable con buenas dosis de funk y groove yendo de J Dilla a Parliament y presentando algunos de los temas como si fuera un DJ de Northern Soul. La lluvia cesa en el Village, mientras el zaragozano Funkforward aumenta los beats de su sesión de camino al Hall y a los ingleses Post War Years. Su pop trabado, sincopado, con dos bajos y constantes cambios de vocalista no es inmediato, pero poco a poco, deja la sensación de banda futurible que quizás hayamos visto demasiado pronto. Tras ellos los también ingleses Necro Deathmort la lían con su ¿parodía? del doom metal a base de breaks amenazadores.

Posiblemente sean los mejores humoristas de la escena electrónica desde Richard D. James. Algo que le falta, el humor digo, a la pobrecita Uffie. Todo lo que en disco (y en fotos y en vídeos) es provocación (más o menos gratuita) en directo se queda en sosez y en pastiche ochentero. Ya está bien, ¿no? Mientras, los canadienses La Chambre des Machines nos muestran un frío espectáculo de ruidismo mecánico a base de curiosos y simpáticos artilugios fabricados por Alexandre Landry, pero que parecen no ser capaces de abandonar el plano teórico para deleitarnos en el práctico. Reconozcámoslo, todos esperábamos lo peor de esa reconversión rockera de Kid Koala junto a The Slew. Sin embargo, el canadiense estuvo contenido, sutil y bien secundado por DJ Dynomite D y los ex Wolfmother, Chris Ross y Myles Heskett.

JÓNSI

THE CHEMICAL BROTHERS

Los cuatro crearon unos cuantos temas llenos de groove retro (como los experimentos de Mark Ramos Nishita al borde de Beastie Boys) que respondieron a la expectación creada (el Hall estaba abarrotado), pese a que eché en falta un poquito más de contundencia. En el Complex, los veteranos barceloneses Macromassa con tan sólo sintetizador modular, clarinete y algunos esquivos textos reivindican su legado ante una audiencia masivamente indiferente. Todo lo contrario que Pablo Sánchez cuya sesión parece preparada para ser perpetrada exactamente doce horas más tarde, a las diez de la mañana en algún after. Half Nelson SÓNAR DE NOCHE, SÁBADO 19

Caprichosa es la noche de todo festival. La traca final de Sónar 2010 no iba a ser menos, ¿quién coño se iba a negar a pasarse por los tímpanos este contraste finito de energía callejera, psicodelia mainstream o pop sedoso? Culpables de esto último los nada pipiolos Roxy Music. Sabiduría musical en directo comandada por la voz muelle de Brian Ferry y los aplaudidos solos de guitarra de Phil Manzaneda. El satisfecho gentío quizás echó de menos más minutaje y alguna guinda incontestable como “More than this” que acompañase como broche al peculiar “Same old scene”. Cumplieron como gran banda generacional que son, ataviados de romanticismo aunque poco atisbo de esa modernidad irónica que el sintetizado Brian Eno nos hubiese regalado sin duda alguna.

Tras la vaselina de nostalgia, turno para las acometidas magistrales de un Jónsi crecido en sentimientos vocales, ambigüedad y desafíos instrumentales bellos pero ensordecedores. Carne de pollo la que nos

FUCK BUTTONS

dejase el carismático líder de Sigur Rós presentando su trabajo en solitario “Go”. La explosión fue máxima con un cierre escalonado como “Grow till tall”.

Paralelamente y limando zapas danzantes Buffetlibre DJs y Dizzee Rascal. Los barceloneses aireando zarpazos de hits como “Into the groove” de Madonna o “Lithium” de Nirvana. Debidamente tuneados.

Mientras, en el cuadrilátero grande se batían entre abejorronchazos, electro-rap y dubstep a garrote vil, el MC londinense y sus secuaces. Estampida de decibelios con temas como “Bonkers” o “Heavy”. Junto a Jónsi, el otro momento mágico-intenso se desgranaría con el cara a cara de Fuck Buttons. Fragoso banquete analógico, micrófonos detonados por lo ‘bajini’ y distorsiones melódicas perturbadoras. A priori sencillas pero siempre multiplicadas y diabólicamente viciadas. “Tarot sport” da para mucho, y en directo lo exprimieron que daba gusto.

Finalmente tras la exhibición de chicharitos dubstep del pálido genio Caspa, el esperadísimo plato fuerte, The Chemical Brothers. Vinieron a presentarnos “Further”, y así lo hicieron. Al menos en el primer acto de una hora. Embebidos en una cabina de aparatejos que ni la misma Enterprise, nos enchufaron una tras otra novedades como “Escape velocity” o “Swoon”.

Para éxtasis de la turba, nos hicieron sudar posteriormente con sus clásicos bimbazos: “Hey boy, hey girl”, “Out of control” o, al postre, “Chemical beats”. Subidas y bajadas constantes, como ya te imaginas. Teatralidad infantil antes de tocar botones y un despliegue visual lleno de aciertos. Caprichos tiene la noche.

Donde unos puntean y reparten satén, otros incendian y desparraman con eficacia la técnica del “prepárateque-viene-zambomba”. Bruno Garca

LCD SOUNDSYSTEM

BROADCAST

BOOKA SHADE

Sónar Galicia 2010

Texto y fotos

EXPOCORUÑA (A CORUÑA), 17-19/06/10

JUEVES 17

Con todas las entradas agotadas desde la semana anterior, el encargado de romper el hielo fue David M, que nos obsequió con una sesión, elegante y discreta mientras el selecto público gallego iba llenando la pista de baile. En la hora prevista llegó John Talabot.

Catalán iconoclasta y muy orgánico, realizó una sesión directa con temas como “La ninya” o “Sunshine” que calentaron el Village. El profesor Talabot dio paso al maestro James Murphy y sus LCD Soundsystem. Punk, funk, discohouse… todo con unas bases muy potentes y efectivas, Mr. Murphy y amigos demostraron todo su poder y potencia en directo. Fuerza desgarradora, profesionalidad y pasión, aspectos que el público agradeció y disfrutó, entre palmas, gritos y baile, mucho baile. Un pequeño repaso al último trabajo de los neoyorquinos, “This is happening”, y temas como “North American scum”, “Pow pow”, “All my friends”, “Daft Punk is playing at my house” o el gamberro “Drunk girls”. Con el público todavía flotando en las alturas continuó Grobas, el DJ residente del famoso Playa Club, que nos hizo bailar con una sesión afable, divertida y cargada de energía —una más de sus ‘981 sessions’— dando cierre a la primera noche del Sónar en tierras gallegas.

VIERNES 18

Volviendo al recinto EXPOCoruña —y, otra vez, todas las entradas agotadas—, da comienzo al segundo día de Sónar. Cauto nos mostró por qué es uno de los mejores de la escena dubstep nacional, una fuerte gravedad en sus sonidos hizo mover la cabeza al menos

adicto a los portuarios ritmos del dubstep. De vuelta al SónarVillage, los Fuck Buttons destruyeron nuestros tímpanos con su abanico de sonidos y registros más oscuros; del drone al pop más cósmico con parada en el noise más desquiciado; bailes experimentales en temas como “Surf solar”, “Olympians” o “Bright tomorrow”, donde los chicos de Bristol se mostraron irreductibles y muy diferentes al resto de su generación. En el teatro (SónarComplex), Broadcast se encontraron con una sala llena y una oscuridad prácticamente absoluta; los de Birgmingham lanzaron su arsenal de melodías incandescentes para un público acostumbrado al frío del norte; sonoridades reversibles con sintonía armónica que alternaban con unos audiovisuales muy trabajados y una calidad demoledora, melancolía con sabor a menta.

Mathew Herbert presentaba el último álbum que cierra la trilogía “One”. Con problemas de sonido, que arrastró la mayor parte de la actuación, el maestro del sampling orgánico nos volvió a sorprender con la anacronía de nuevos sonidos, de modulación y de estridencias sonoras que por momentos rozaban ambientes trance y de musicalidad quebrada. Laurent Garnier ofreció una perfecta segunda noche de Sónar agitando a todo el público del Village. Con Garnier todo es posible. Presentando su último trabajo “Tales of Kleptomaniac”, el francés jugó con el sonido y el color, un cocktail perfecto para volver al público medio loco (sobre todo cuando cayó “Crispy Bacon”).

Sasha puso el contrapunto perfecto para el final de la noche con su progresiva sesión que le acercó por momentos al ñigo-ñigo más ácido.

Abraham de Vicente

SÁBADO 19

En el escenario Village, el norteamericano Flying Lotus comenzó a desgranar casi todo su repertorio con esa mezcla esteta de hip hop, psicodelia, jazz y mucha experimentación. En el teatro del SónarComplex, Alva Noto + Blixa Bargeld ofrecieron una de las mejores actuaciones de la tarde donde los glitches y las secuencias digitales se entremezclaban con la fantástica actuación y esa voz gótica y angelical de Blixa Bargeld. Eme DJ continuó en el recién abierto SónarClub con sus sonidos frescos y divertidos que nos introdujeron poco a poco en la última noche de Sónar Galicia. Mientras Delorean (en el SónarVillage) agitaban su coctelera mediterránea y Air (SónarClub) enamoraban a sus fieles con temas como “Sexy boy”, en el SónarComplex Fluzo, el MC Gallego, realizaba una interesante actuación con sintentizadores mono y partes de ‘commodores’. Después de Delorean, Viktor Flores, uno de los precursores de la escena de baile de Galicia, actuó por partida doble realizando lo que mejor sabe hacer: una sesión de tech-house y pop electrónico perfecta. La nota gamberra del sábado la pusieron los siempre adictivos 2ManyDJs, dueños de unos remixes imposibles (AC/DC, Gossip, MGMT, Chimo Bayo) que hicieron la delicia de un público muy entregado. Tras tal derroche de fuerza, Hot Chip mantuvieron el tipo en un SónarVillage atestado de público con sus ya conocidos hits de pop electrónico. Para cerrar la noche del Sónar Galicia la responsabilidad cayó en la joven Cora Novoa que pasó el examen cum laude.

078/079

live

live

Territorios configuró una edición de transición, aunque con nombres de evidente interés, donde se apreciaba la apuesta segura por la veteranía, tanto por el grado de efectividad que supone —Public Enemy o Mulatu Astatke— como por asegurar un público entregado —Los Planetas o SFDK—. Lo cierto es que la mayoría de ellos cumplieron las expectativas, salvo unos flemáticos Tindersticks empeñados en recorrer los pasajes de su discografía que menos encaje podían tener en un festival y que, en consecuencia, cedieron a Los Planetas

el protagonismo de la segunda noche. Los granadinos, en cambio, ofrecieron un concierto sin fisuras, centrado en sus exploraciones en el flamenco, con escasas concesiones al pasado y rematado con un subidón de singles recientes al alcance de muy pocos. A destacar también en esa jornada a unos Pony Bravo contentos de jugar en casa, excitados rítmicamente y sacando todo el jugo a su repertorio; y Pantha du Prince, que potenció el perfil techno del elegante “Black noise” (10) en un set más cercano al continuum de una sesión que a un live. Pero Territorios se jugó, fundamentalmente, en el terreno de los veteranos, algo evidente en la primera y la última noche. En aquella, Salif Keita ofreció una estupenda lección de afro-pop, aunque fue Mulatu Astatke con The Heliocentrics quien ofreció, a pesar de los problemas de sonido, uno de los mejores momentos del festival, con un hipnótico fresco de jazzrock, funk, psicodelia cósmica y raíces etíopes. El otro gran momento corrió a cargo, el último día, de Public Enemy (en la foto). Puede que sus obras maestras queden algo lejos, pero en directo, secundados por un potente power-trío de rock, siguen destilando ese rap apocalíptico en la forma y político en el fondo que los hizo grandes, antes de rematar con unas inesperadas proclamas pacifistas con Bob Marley de fondo. En definitiva, una edición menos sustanciosa respecto a otros años, pero salpicada de instantes para el recuerdo.

Jesús Morillo / Foto Óscar Romero

propios conciertos, donde Sr. Chinarro y Hola A Todo El Mundo tocaban juntos su versión de “El fantasma de la transición” de Triángulo de Amor Bizarro. Tras ellos, The Popopopops consiguieron animar un poco más el ambiente, incitando al público a moverse al son loco y divertido de su sonido punk-funk, versión del “Break on through” de The Doors incluida. El mismo sudor, energía y oda al baile y la diversión con Daily Bread, cuya cantante parecía una réplica vocal de Nina

Gordon, ex de Veruca Salt. Momento para la introspección, la melancolía y el desamor con Christina Rosenvinge, y más aún cuando la madrileña se las tuvo que arreglar para encontrar un sustituto a Benjamin Biolay, quien al final no pudo presentarse para hacer su tan esperada colaboración. El elegido, Sr. Chinarro, que jugó a ser Biolay por unos momentos. Dicen FM Belfast que lo suyo es como jugar al “Tetris”. Y debe serlo, porque la gente disfrutó su actuación como si de una partida al famoso juego de piezas coloreadas se tratara. Los catalanes Manel se valieron de algunas de sus mejores canciones (“Ai, Dolors”, “Al mar!”) para enganchar al público y prepararlo para la versión del “My kiss” de The Wave Pictures, su colaboración con Nacho Vegas para la ocasión. El asturiano ofreció una de las actuaciones más emotivas y aplaudidas de la jornada. Y es que con temas como “Dry Martini S. A.” o “Gang bang” es difícil no caer en la ovación generalizada. Fanfarlo (en la foto) y Delorean cerraron el primer día, estupendos los primeros, contundentes pero demasiado repetitivos los segundos. Al día siguiente, Polock abrieron cuerpos y mentes para la que se avecinaba, primero con Standstill y después con The XX. De los barceloneses poco podemos decir ya a estas alturas: son muy (demasiado) grandes, y sólo una canción como “¿Por qué me llamas a estas horas?” puede desatar olas de aplausos, gritos y sonrisas como las que allí vimos. Lo mismo podemos decir de The XX y su “Crystalised”, quizá el mejor single pop en años.

Un lujo de actuación para cerrar este (doble) Día de la Música, por mucho que algunos les recriminasen no hacer un bis que tampoco era necesario. Israel Márquez / Foto Juan Aragonés

Territorios Sevilla 2010

CENTRO ANDALUZ DE ARTE CONTEMPORÁNEO (SEVILLA), 3-5/06/10

Tras años de crecimiento, Territorios Sevilla alcanzó su XIII edición con notables recortes en su programación.

Las actividades paralelas desaparecieron, incluida la estimulante Territorios Digitales, quedando el festival reducido a tres noches de conciertos centradas, como ya es habitual, en las músicas del mundo, el pop-rock y el hip hop. La razón: recortes en los patrocinios, sobre todo públicos, y un cambio de fecha a última hora, ajeno a la organización, que muestran que ni los festivales escapan a la crisis. Con estas premisas,

Día de la Música Heineken TEATRO CIRCO PRICE (MADRID), 20-21/06/10

Nada más llegar a los alrededores del Teatro Circo Price me encuentro con ese ajetreo, nerviosismo e ida de olla generalizada ante todo lo gratis que es tan nuestro como la tortilla de patatas, las sevillanas o el toreo, por tomar los referentes patrios que dominan el imaginario guiri en su versión estándar (léase turista).

El buen tiempo hizo que mucha gente prefiriera estar deambulando, comprando, charlando y bebiendo al aire libre por el Mercado de la Música que atenta a los

GRIZZLY BEAR

PET SHOP BOYS

PIXIES

Primavera Sound 2010 PARC DEL FÒRUM (BCN), 27-29/05/10 Texto Foto

Virginia Arroyo Dani Cantó y Inma Varandela

Jueves 27. El jueves dio comienzo con un horario trazado por alrededor de los The XX. En previsión del petamiento masivo del escenario Ray Ban, llegué al recinto con tiempo y pude disfrutar del final de la actuación de los Surfer Blood, que además de hacer un rock surfero la mar de fresquito, resulta que son supermonos. Los siguientes en subir al escenario Pitchfork fueron Titus Andronicus, que ofrecieron una de las actuaciones más enérgicas del festival hilvanando sus temas de punk ruidoso. Y llegó el nombre que todos teníamos fosforiteado en nuestros excels: The XX. Lástima que el trío no sea pasto de grandes festivales ni grandes audiencias. El hecho de tocar al aire libre y en uno de los escenarios más grandes (Ray Ban) hizo flaquear su actuación, que pecó de sosilla a ratos, aunque nos regalara grandes momentos, como un tempranísimo “Crystalised”. Al término de este concierto nos esperaba en el otro escenario grande, el San Miguel, un retorno noventero que se había visto eclipsado por el comeback de Pavement, pero que, ironías de la vida, acabó haciendo sombra al concierto de los de Stephen Malkmus. Y es que Superchunk, sin tantísimo revuelo, conquistó a los asistentes por derecho propio con temones de la altura de “Drive by the driveway”. Cuando acabaron, tocaba volver al Pitchfork, donde los ingleses Wild Beasts presentaban un segundo disco con la excéntrica y aguda voz de Hayden Thorpe como protagonista. Un gran concierto, tal y como se esperaba. Y The Big Pink, tras ellos, no bajaron el listón. El dúo se subió al escenario acompañado de dos músicos para dar rienda suelta a su pop shoegazer con toneladas de distorsión y hacernos felices desde un inicio triunfal (“Velvet”) a un final glorioso (“Dominos”).

Pavement, por su parte, repasaron todos sus hits y dejaron más que satisfecho a un público que ya tenían en el bolsillo de antemano.

Viernes 28. El jueves acabó pronto para mí por diversos motivos, entre ellos, Owen Pallett. El señor Pallett tocaba ni más ni menos que a las 4 de la tarde y yo no

pensaba perdérmelo por nada del mundo. El sacrificio valió la pena, fue el mejor concierto de mi Primavera.

El canadiense se mostró tímido y agradecido por un Auditorio Rockdelux a reventar a primerísima hora de la tarde. Cual hombre orquesta, él solito se guisó un concierto que ya quisieran muchos para sus bandas: teclado y violín en ristre, pedalera de loops mediante, Owen nos puso la piel de gallina con “Lewis takes off his shirt” y nos robó unas lagrimillas con “The great elsewhere”, para luego rematarlo con una inesperada y fantástica versión de “Odessa” de Caribou. Salí del Auditori flotando en una nube de crescendos de violines y aterricé en el césped del escenario San Miguel para disfrutar a los New Pornographers, que empezaron tranquilotes pero fueron ganando fuerza hasta arrancarnos a todos a bailar con “Moves” y “Your hands (together)”. El viernes el escenario San Miguel monopolizaba las grandes actuaciones así que decidimos permanecer en él guardando nuestro sitio para ver a Spoon. Oh, Spoon.

Aquello era hitazo tras hitazo: suculentas novedades (“Got nuffin”, “Written in reverse”) de la mano de joyones clásicos (“I turn my camera”, “The way we get by”).

Tras ellos, Wilco enamoraron con un “Wilco (the song)” y esa “I am trying to break your heart” que erizarían la piel del más desalmado. Tener que abandonar esta gozada para llegar a tiempo a Panda Bear dolió. Y más todavía cuando el señor oso panda salió 20 minutos tarde por problemas técnicos que le obligaron a actuar sin proyecciones ni visuales ni capas de sonido. Estas ausencias, sumadas al pobre sonido del Vice, deslucieron la actuación del Animal Collective, que resultó lineal y carente de profundidad. Desbandada general y MARABUNTA para Pixies. No cabía ni un alma, hasta el césped colindante estaba abarrotado. Y, si bien se ha dicho por ahí que fue actuación sin alma, yo os reto a que me nombréis un solo concierto en el que se puedan oír uno detrás del otro temazos de la categoría de “Debaser”, “Here comes your man”, “Gigantic” o “Hey”, y con “Where is my mind” como colofón.

Sábado 29. Último día del festival y consigo dejarme caer a las 20h por el escenario Adidas para ver la brutal puesta en escena de los barceloneses Mujeres. Tras sopesarlo y jugármelo a piedra, papel y tijera, Standstill gana a Florence and The Machine y me quedo en el Adidas para el que será uno de los conciertos más emotivos y que demuestra que las buenas críticas de “Adelante Bonaparte” no son fruto del hype o la casualidad. Otro piedra papel y tijera me hace decantar por los Grizzly Bear en detrimento de The Drums. Un espectáculo sobrio pero bonito que llenó de magia el escenario Ray-Ban. Tras los osos, llegaba el solapamiento mayúsculo: The Charlatans, No Age, Built to Spill, Matt & Kim. ¿Alguien puede matarme? Gracias. Confié en mi instinto y me falló. The Charlatans estuvieron más bien aburridotes, y eso que el que repasaban (“Some friendly”) es uno de los mejores álbumes de su discografía. Aguanté 3 canciones antes de migrar al Vice con Matt & Kim. Y si digo que fue el concierto más divertido del fin de semana, me quedo corta: Kim hizo stage-diving, versionaron temas de (¡flipa!) Alice Deejay, Guns’n’Roses y Europe y dejaron para el postre su temón “Daylight”. Una buena manera de inaugurar la última madrugada del festival, cuyos protagonistas fueron los Pet Shop Boys. Con ellos sacamos nuestro lado más gayer y hooligan para corear estribillos míticos como el de “New York City Boy” o “West End girls” en un espectáculo deslumbrante con bailarinas cubistas, efectitos mil, luces, colores y cambios de vestuario para un dúo por el que el tiempo no pasa. Con la lagrimita en los ojos y los pies machacados, me dirigía hacia el último concierto de mi Primavera mientras Orbital hacían el ravenero. Y menudo broche: HEALTH avasallaron a los asistentes con una tromba de ruido y ritmos cambiantes que ahuyentó a los menos convencidos pero recompensó a los valientes con una locura maravillosa plagada de ruido, guitarrazos, cabezas agitándose, rock, electrónica y rítmica imposibles.

Un fantástico caos que ponía el punto y final a tres días igualmente eclécticos, caóticos y maravillosos.

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live

FANFARLO

PETE AND THE PIRATES

NADA SURF

LOS PLANETAS

PATRICK WOLF

Festival Do Norte 2010 RECINTO FERIAL EXTERIOR FEXDEGA (VILLARDÍA, AROUSA), 30/04/10—01/05/10

H

ay artistas que se toman a sí mismos tan en serio que acaban resultando cómicos. Emilio José es de los otros. Único-inimitable-genuino-original y todo el repertorio calificativo de José Luis Moreno. Él es de los que riéndose de sí mismo llega a parecerte el más en serio de todos. Un sonido premeditadamente feísta en sintonía con el estilo arquitectónico del rural gallego, para envolver una fábula político-costumbrista en la que se permitió numerosas pausas aclaratorias a modo de apuntes a pie de página.

Para editar un disco debería exigírsele a los grupos un kilometraje mínimo en su furgoneta. Los argumentos los encontramos en Hola a Todo el Mundo. Con su disco debut sacado hace un par de meses, seis madrileños como recién salidos del rancho de Waco, Texas, mostraron un directo curtido. Un tejido perfecto de instrumentos y armonías vocales al servicio de unas canciones de folk delicado, inquieto e impulsivo que hicieron de la carpa una fiesta. Palmas y diversión. Sin duda, uno de los debuts del año.

Lejos del carácter grosero patológico del verdadero klaus, Klaus & Kinski, los terceros de la tarde, mostraron un pop amable y simpático que, pese a lo ecléctico de su repertorio, sonaron en ocasiones demasiado monótonos. Sin pausa, transición de escenarios tan rápida que pareció hacerse un crossfade entre K&K y Munich.

Como bien dijo Ramón, las primeras filas son agradecidas. Lo fueron para Dorian, que centraron su setlist en “Ciudad subterránea” e hicieron bailar a la chavalada. Después, a esperar. Fanfarlo salían al

escenario cuarenta minutos tarde y sin prueba de sonido. Empiezaba a llover. Se mascaba la tragedia.

Pero la lluvia duró lo que tardó el grupo en recomponerse y empezar a sentirse cómodo en el escenario.

Los de Londres sacaron adelante un concierto en el que momentos como “The walls are coming down” o “Comets” demostraron el porqué “Reservoir” es de lo mejorcito del año pasado (o de este año).

Nada Surf (esta vez en versión cuarteto con la colaboración de Martin Wenk, trompetista de Calexico) consumaron un repertorio sobrado de grandes canciones que volvieron a poner de manifiesto lo infravalorado que está este grupo. Los encargados de terminar fueron We Are Standard, más que acostumbrados ya a cerrar escenarios. Un perfecto piscolabis de wachu wachu y chumba chumba para descomprimir oídos antes de la cita con los DJs. Primer propósito del sábado: desenmascarar a Los Punsetes. Destapar el fraude que se oculta detrás del grupo del que todos escriben. Mi gozo en un pozo. Lo hacen bien. La banda responde y suena contundente.

Alucinante lo de Ariadna, la hierática frontwoman, haciendo un ejercicio de interactuación cero, mantuvo un estatismo total durante cincuenta minutos. El concierto de La Bien Querida, (AKA La Bien Vestida), pese a mejorar en mi opinión una producción un tanto fría de “Romancero”, denotó cierta falta de recorrido y no llegó a arrancar del todo. La vez la tenían Nudozurdo.

Pequeña demostración de media hora de tensión e intensidad. Lo precipitado de su despedida por problemas de horario me dejó la sensación de haber visto

Fotos

Texto H. Esmerode Javier Fernández

un tráiler de una peli con muy buena pinta.

“Come on feet”, “Knots” o la magnífica “Mr. Understanding” nos recordaron lo necesario que es contar en un festival con un grupo como Pete & The Pirates.

Frescos y energéticos, es de esos grupos que hacen que desparrames la mitad de la cerveza en cada canción.

La performance del festival la hicieron los rubiales suecos JJ. Mientras Elin ponía voz a una serie de videoclips proyectados en el escenario dignos del peor karaoke subterráneo, el J chico se dedicaba cual expontáneo borracho a realizar apariciones innecesarias ante la mirada alucinada del respetable. Semejante Talent Show fue culminado con una versión al estilo excursión fin de curso de “Lithium” de Nirvana.

A estas alturas la actuación ya sufría heridas mortales de necesidad de las que fue imposible reanimarlo.

Quiero pensar que ése no era su lugar.

A esas horas el recinto repleto parecía curiosamente más grande que a primeras horas de la tarde. El porqué del lleno: un clásico. Los Planetas compensaron la espantada a última hora del año pasado con un concierto lo suficientemente retrospectivo para hacer olvidar sus idas de olla más recientes.

El Guincho, ese coleccionista compulsivo de géneros musicales se dio cuenta un buen día de que sólo le faltaban dos para completar el album: pop y rock.

Fue entonces cuando decidió introducir en sus shows una guitarra y un bajo (los de Extraperlo, por cierto).

Cachondeo y cierre de festival como deberían acabar todos los festivales del mundo. Con una conga.

DORIAN

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO

LOS PUNSETES

Plaça Odissea 2010 PLAÇA DE L’ODISSEA (BARCELONA), 29-30/04/10—01/05/10

C

on la llegada del buen tiempo comienza la temporada de festivales al aire libre. Uno de los más esperados y exitosos en la ciudad de Barcelona es el que, desde hace cuatro años, organizan el Centro Comercial Maremagnum y la crew de la sala Depósito Legal de L’Hospitalet de Llobregat: el Festival Plaça Odissea.

Al atractivo habitual de la propuesta de su cartel hay que sumarle una localización cercana al mar y de que hablamos de un gran evento musical que no supone coste alguno para el bolsillo de un público, que en esta edición, rozó los cinco mil asistentes por noche.

Jueves 29. La jornada inaugural arrancó aún con la presencia de los últimos rayos de sol del día. Un hecho que no dejaba de ser curioso ante la propuesta musical de los barceloneses Anika Sade. Discípulos aventajados del post-punk y de la new wave (léase Joy División, Bauhaus y The Human League) parecieron no inmutarse ante la tenue luz de una jornada que languidecía y que estuvo presente en todas y cada una de las oscuras melodías de su debut titulado “Last night was automatic” (09). Que Zoé son unas estrellas en su país natal resultó una evidencia vista la multitudinaria presencia de sus compatriotas entre el numeroso público que abarrotó el espacio marítimo de la Plaça de l’Odisea. Su rock para grande estadios y la dicción del cantante impidió que la otra mitad de los asistentes conectaran con la propuesta a pesar de los esfuerzos de Marc (Dorian), invitado a participar con su voz en uno de los temas de los mexicanos, por hacernos saber

que era un honor tenerlos sobre el escenario. “La ciudad subterránea” no es tan sólo, a mí parecer, el mejor disco de Dorian, es también el punto y aparte que les ha servido para encontrar un sonido compacto que les sitúa en una división superior. Ellos fueron los culpables de que la noche del jueves se cerrara con uno de esos conciertos memorables que tardan en olvidarse.

Intensos, épicos y bailables, los barceloneses lograron completar un set perfecto, trasladando al directo el excelente sonido de su nuevo álbum y llevando el nuevo leguaje musical a todos y cada uno de los hits de su carrera. Inconmensurables.

Viernes 30. A la espera de la publicación de su segundo largo The Last 3 Lines eran una de las propuestas más esperadas de esta segunda noche. Su post-punk de corte épico se vio trasladado al escenario incluso con más garra y potencia. “First tank” debe figurar entre las mejores canciones nacionales de la década.

La pequeña decepción vino de la mano de los daneses Men Among Animals. Al contrario que los barceloneses éstos no consiguieron trasladar al directo las virtudes de “Run ego” (10) y su show resultó irregular y disperso. Los Punsetes conquistaron incluso a aquellos que hasta ese momento habían declarado ser sus detractores. Se sobrepusieron al retraso aéreo, a la pérdida de todos sus instrumentos en algún aeropuerto, a la imposibilidad de realizar una prueba de sonido y a tener que tocar con el equipo prestado. Y aún así sonaron compactos y contundentes. Medalla

THE RAVEONETTES

David Giménez Rebecca Escabrós

Texto Foto

de oro ex aequo para ellos y para Triángulo de Amor Bizarro, cuyo “Año santo” (10) es uno de los discos nacionales favoritos para muchos de los redactores de esta revista. Sacándose la espina del concierto que ofrecieron un par de meses atrás en su participación dentro del Let’s Festival, los gallegos cautivaron con su maraña de guitarras, una sección rítmica agresiva y contundente y, ante todo, con unas canciones enormes. Implacables.

Sábado 1. A través del intimismo folk-rock de los interesantísimos Estúpida Erikah llegamos a las asturianas Pauline en la Playa. Como si formara parte del espectáculo, la lluvia hizo acto de presencia con ellas. Sus historias cotidianas fueron el paraguas perfecto para una audiencia que, hipnotizada y cautivada, se entregó a la melancolía pop de temas como “Tendencia de sastre”. Para cuando los donostierras Single hicieron acto de presencia las nubes ya habían desaparecido. Adelantando temas de su inminente nuevo álbum, “Monólogo Interior”, Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin hicieron repaso a su discografía versioneándose a sí mismos, sonando, como no, elegantes a la par que eclécticos. La sorpresa la ofrecieron The Raveonettes. Los suecos ofrecieron un set sin altibajos, escogiendo certeramente una colección de éxitos innegable que han ido repartiendo a lo largo de toda su discografía y echando el telón de oro de una manera inmejorable a un festival que va a mejor con cada nueva edición.

MODAGADGETS RVCA vs.

The Cobrasnake

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TEXTO ANA TOMÁS

GADGETS

Si todavía no sabes quién es The Cobrasnake, visita su web www.thecobrasnake.com y comprobarás cómo el fotógrafo se ha convertido en toda una eminencia dentro de los círculos más cool de la escena nocturna mundial. Compañero de batallas del DJ y productor Steve Aoki, Mark “The Cobrasnake” Hunter se ha unido a RVCA para presentar una fabulosa colección cápsula para los días más calurosos. Camisas, camisetas, bermudas, pantalones y gorras en vivos colores y con reminiscencias ochenteras. A la venta sólo en las tiendas Hackney y 12 Pulgadas (Barcelona), Extasis (Madrid) y Piel de Gallina (Palma de Mallorca).

DC Shoes Quema el asfalto

Beefeater London Calling La invasión de las cabinas rojas ¿Alguien se imagina una calle de Londres sin las tradicionales cabinas rojas?

La Red Telephone Box fue creada en 1921 por el arquitecto Sir Giles Gilbert Scott. El modelo de cabina que creó ha marcado la identidad británica y se ha convertido en el icono British por excelencia (con permiso de S. M. la Reina Isabel). Este verano las cabinas telefónicas rojas se instalan en A Coruña, Bilbao, Málaga, Madrid, Sevilla y Valencia. Con Beefeater London Calling (www.londonize.com) la gente de cada ciudad podrá llamar gratuitamente a ese amigo que está haciendo prácticas o estudiando inglés en Londres. Lo mejor de todo es que, además, las cabinas repartirán premios.

El teléfono sonará a cualquier hora. Quien descuelgue, responda correctamente a una pregunta y demuestre estar completamente londonizado podrá ganar entradas para espectáculos, cursos de inglés, viajes a la Londres y mucho más. ¡Londonízate!

Ligereza y funcionalidad, colores vivos y originales estampados son las señas de la colección primavera/verano 2010 que presenta la firma californiana DC Shoes, en la que se condensa toda su esencia y origen skateboarder. DC propone una colección muy, muy casual. Atrevidas y holgadas bermudas para él y, para ella, shorts extra minis, vestidos y camisetas lisas o con brillantes flores y locos estampados. Y todo ello combinado con una amplia propuesta de zapatillas DC para todos los gustos, extremadamente ligeras y cómodas para saltar por el asfalto que ya empieza a coger temperatura.

Lee Stretch Deluxe/Amy El fit más sexy El fit Amy para chica es una de las prendas clave del Lee ADN de esta temporada. Estos jeans se caracterizan por tener una cintura súper slim y la pierna estrecha, con lo que se consiguen unas piernas muy estilizadas. Otra de las prendas estrella de la próxima temporada otoño-invierno de Lee son los vaqueros Stretch Deluxe, toda una innovación en el tejido denim femenino. Super cómodos y muy ajustados, estos jeans no pierden nunca la forma, sin importar la cantidad de tiempo que hayan sido usados. Dentro de esta nueva colección, destaca el modelo Scarlett, que se ajusta al cuerpo como una segunda piel. Extra slim y muy sexys, estos vaqueros son a al mismo tiempo suaves al tacto y muy confortables, adaptándose a la silueta femenina.

MODA

iPulse Fotodepilación en casa Llega el verano y con él la ferviente voluntad de lucir unas piernas sin pelos. Ahora, con la tecnología iPulse, diseñada por el equipo de CyDen, la fotodepilación es posible incluso en casa. Este nuevo sistema de depilación doméstica es igual de eficaz que el láser pero es indoloro, más seguro y apto para un mayor número de tipos y tonos de piel. Además, iPulse tiene un coste de 329 € (www.ipulse.es y en El Corte Inglés), lo que supone una mejor relación calidad-precio que muchos dispositivos láser y centros de belleza. iPulse (fotodepilación) cumple con el estándar de seguridad ocular británico, mientras que la mayoría de los tratamientos por láser requieren el uso de gafas de protección ocular o resultan ser no aptos para la depilación facial. Además, numerosas investigaciones han demostrado su eficacia en la reducción del vello y protección de la piel. Este verano luce unas piernas impresionantes.

Heineken Extra Cold Experience Tómate una cerveza a temperatura bajo cero Por segundo año consecutivo, Heineken llevará el camión Extra Cold por la geografía española durante este mes de julio.

Este camión itinerante, convertido en un Ice Bar al estilo de los países nórdicos, permitirá a todo el que lo desee disfrutar de una Heineken a temperaturas bajo cero en pleno verano. Para vivir esta experiencia, los invitados deberán equiparse con gorros y abrigos para afrontar las bajas temperaturas. Los efectos de iluminación y sonido, así como la ambientación de las diferentes fases de la actividad, permitirán vivir una experiencia única. El camión Extra Cold de Heineken estará en la playa de la Barceloneta (Barcelona) hasta el 3 de julio. Posteriormente, del 6 al 9 de julio, se instalará en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Además, el último destino del camión será elegido por los consumidores de Heineken a través de sus votaciones en su perfil de Facebook y en la página web: www.extracoldexperience.es

New Yorker Rock legends La marca de ropa New Yorker tiene claro que el verano es para disfrutar de la música al aire libre, con jeans, una T-shirt roquera y sneakers en los pies. Para los festivales que se avecinan, no lo dudes y hazte con alguna de las camisetas de la colección Rock Legends & Superheroes, que la firma acaba de lanzar a un precio increíble (16,95 €). Vamos, ¡Un hit! Esta edición especial apuesta por los colores básicos: negro, blanco, verde, azul eléctrico... sobre los que aparecen estampaciones de AC/C, Elvis, Sex Pistols y The Who, en tipografías ochenteras que logran que las camisetas parezcan originales de la época de estas legendarias bandas y cantantes. La colección la completan una serie de camisetas, también en 100% algodón, con personajes famosos del cómic como Batman y The Simpsons.

Fred Perry Tell your story ¿Eres de los que recuerdan las prendas que has llevado en conciertos, fiestas y ocasiones especiales? Pues estate atento: Fred Perry acaba de lanzar la competición online “Tell us your story”, con la que quiere homenajear precisamente esas historias memorables que disfrutaste vistiendo el mítico polo del laurel. El formato es simple: sube una imagen o un vídeo de ti mismo vestido de Fred Perry en el site http://fredperrytellusyourstory.com y añade un pequeño texto acerca de los recuerdos que tienes sobre este clásico de la moda urbana, testigo de estilo y de buen gusto desde hace más de 50 años. Los visitantes de la web votarán por la foto o la historia que prefieran y el que más votos obtenga puede ganar hasta 5.000 €. No buscan la calidad fotográfica. Buscan historias divertidas, míticas... Participa ya y cuenta tu historia de amor con Fred Perry.

ESPECIAL

GAFAS DE SOL

...eclipsar con la mirada

Desde que los diseñadores y las marcas de ropa empezaron a prestar atención a las gafas de sol como accesorio

indispensable de todo look, cada temporada se

clave de la temporada. Aquí te presentamos

las creaciones más originales y vanguardistas.

Este verano protege tus ojos del sol, pero hazlo con mucho

estilo y sobre todo siguiendo las

últimas tendencias.

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TEXTO ANA TOMÁS

ESPECIAL GAFAS DE SOL

espera con impaciencia conocer los modelos

ARNETTE Destinada a gente dinámica e independiente, la nueva colección de la firma californiana Arnette consta de nueve modelos diferentes que apuestan por el color, las líneas aerodinámicas y los materiales de alta tecnología. Las lentes son en todos los casos de policarbonato de alta calidad para hacer frente a los rayos ultravioleta. Para lograr la máxima comodidad, la montura ha sido fabricada en plástico-nylon Grilamid o en una aleación de metal, con un resultado muy ligero en ambos casos. Aunque el negro, el blanco o el habana son colores que nunca pasan de moda y siguen siendo un ‘must’, esta temporada los colores más rompedores tratarán de desbancar a los clásicos. Desde los tonos industriales en grises, metalizados y verdes transparentes, hasta colores llenos de vida y muy saturados, propios del estilo pop. www.arnette.com

C A LV I N K L E I N Gafas de sol y vanguardismo son, ahora más que nunca, sinónimos. La nueva colección de CK Calvin Klein Eyewear by Marchon consta de dos modelos que incorporan memoria USB, ofreciendo así la posibilidad de almacenar datos, imágenes y música en una de las varillas. www.calvinklein.com

/ BLANCO /

MODA

OAKLEY Lo que inspiró las Split Jacket de Oakley fue la ciencia y el arte que se esconden tras las Jawbone, unas nuevas gafas de vanguardia para todo el que se emociona con la intensidad del deporte y se entusiasma con un estilo de vida al límite. Destacan por su montura hipercompacta y el sistema SwitchLock, que permite intercambiar las lentes con suma facilidad, asegurando una flexibilidad óptima. www.oakley.com

VANS VANS sigue apostando por el modelo Aviador, con varillas muy finas y lentes en distintas tonalidades. Ana Locking para YFSPAIN se ha inspirado también en este clásico modelo que puso de moda Tom Cruise en los ochenta con la película “Top Gun”, pero reinterpretándolo con formas más contemporáneas: la favorecedora línea recta del puente sirve de marco perfecto para ensalzar el exclusivo acetato, creando un característico entramado de texturas absolutamente urbanas para un diseño tan versátil. www.vans.es

VONZIPPER VonZipper también apuesta por los clásicos. En este caso, las lentes tienen un aura retro. Aires sesenteros para gozar al máximo de los festivales de verano. La colección Frenzy de este verano es un tributo a los modernistas de este mundo. Un guiño a Edie y Nico, Twiggy y Dusty, Cathy... y ahora tú. El epítome de la gafa de sol elegante, sensual e icónica, oscura y misteriosa, de grandes lentes. Asegura una protección 100% antes los rayos UVA (la distinción de una buena marca), lentes de polycarbonato resistentes al impacto y montura de acetato. www.vonzipper.com

EVITA PERONI Qué la seducción radica en la inocencia es algo que también conoce bien la marca danesa Evita Peroni.. Su nueva colección incluye modelos de originales monturas con varillas a modo de hebillas o flores que se alternan con otros modelos en concha de estilo setentero y de estilo aviador. Las tonalidades son lo mejor, con colores como el rosa y el lila, donde queda patente su inspiración en los jardines floreados de Monet, el art deco y la geometría. www.evitaperoni.com

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TEXTO ANA TOMÁS

H&M Fashion Against Aids 2010

H&M+ 2010 La estación veraniega de festivales es una de las épocas más emocionantes del año. Con H&M, vivir la mejor música al aire libre se convierte también en una acción solidaria. El pasado mes de mayo la firma sueca sacó a la venta su colección Fashion Against Aids (FAA), una propuesta cuyo objetivo es recaudar fondos para la lucha contra el SIDA (el 25% de la recaudación de las ventas se dona íntegramente a proyectos relacionados con la prevención del VIH/Sida entre los jóvenes) y que ya va por su tercera edición. Si anteriormente H&M apostó por las colaboraciones con cantantes y celebrities, como Chicks on Speed, Katy Perry, Dita von Teese, Rufus Wainwright, Rhianna y Cyndi Lauper, entre otros, en esta ocasión ha sido el equipo creativo de H&M el encargado de dar forma a la colección FAA. Los festivales de música y el espíritu festivo que en ellos reina son la inspiración de una serie de prendas y complementos a medio camino entre el estilo bohemio y el look roquero.

“Para mí los festivales son lugares únicos e inspiradores donde la moda y la música entran en armonía. Escuchar a tus grupos favoritos, conocer y ver gente creativa en un mismo lugar, personas de diferentes países y con looks completamente distintos me inspira mucho”, afirma Ann-Sofie Johansson, Directora de Diseño de H&M. El look de los festivales es una tendencia global de libertad de expresión y experiencias compartidas. Es una vía de escape del mundo real donde la moda salta a la palestra. Este verano, las chicas podrán mezclar el estilo más roquero con toques bohemios y étnicos: maxi vestidos con chaquetas

de piel, para combinar con sandalias romanas, pulseras y collares de cuentas; pantalones cortos en denim con leggings y camisetas básicas; y vestidos vaqueros de corte ajustado, para un look más glamouroso.

El estilo de los chicos, en cambio, se inspira en los componentes de un grupo de música. Chaquetas y americanas estrechas, pantalones cortos, vaqueros descoloridos y con parches, chalecos con adornos y camisetas con estampados de cachemira, sin olvidarse del característico sombrero de estilo roquero que forma parte de este look. Además de las prendas, H&M nos propone una original línea de complementos con esas piezas indispensables en cualquier festival que se precie: tiendas de campaña, sacos de dormir, auriculares e incluso sillas plegables.

Esta colección marca el tercer año del apoyo que H&M proporciona a la lucha contra el Sida, que hasta ahora ha recaudado más de 4,3 millones de dólares. Este dinero se ha repartido entre Designers Against Aids, la organización que trajo el concepto de Fashion Against Aids a H&M y que fomenta la sensibilización del VIH/SIDA entre los jóvenes mediante la búsqueda de nuevos métodos de educación de grupo y campañas; Youth Aids; el MTV Staying Alive Foundation y el UNFPA, el Fondo de Población de las Naciones Unidas.

Además, H&M tendrá un stand propio en el festival FIB Heineken, dónde los asistentes podrán aprender más sobre el virus del VIH, en línea con la colección Fashion Against Aids (FAA).

MODA

HAVAIANAS, ...a Brazilian way of life

Con Havaianas siempre es verano. Para que en Europa podamos vivir este sentimiento vacacional todo el año, Havaianas ha creado este 2010 la nueva SOUL COLLECTION, formada por sneakers, bailarinas y alpargatas de coloridos vibrantes. Además, esta temporada Havaianas sigue ofreciendo la colección con cristales Swarovski y ha desarrollado dos colaboraciones exclusivas con Paul & Joe y Marimekko.

Pero es que todavía hay más. Desde el pasado marzo Havaianas cuenta con una Concept Store en Barcelona, en el centro comercial El Triangle

de Plaza Cataluña. Se trata de la primera tienda oficial de la marca en Europa, y la tenemos en nuestro país. Entrar en ella es sentir una oleada de viento cálido. “La idea es que cuando la gente entre en la Boutique sienta que es verano, que está de vacaciones… Cuando te pones un par de Havaianas enseguida sientes ese “Brazilian way of life”, explica Herrero.

Nacidas para ofrecer un calzado óptimo a las clases más desfavorecidas, Havaianas es una marca comprometida socialmente. En 2004 la firma y el Instituto de Pesquisas Ecológicas firmaron un acuerdo por el que se asignaba un 7% de las ventas del modelo Havaianas IPE a la investigación para preservar los bosques Atlánticos y la jungla del Amazonas. “Desde 2004 se han vendido más de 2,5 millones de pares de este modelo generando 500.000 euros para este Instituto”. Asimismo, la marca se distingue por una relación calidad-precio inigualable, para que todos podamos tener nuestro par de Havaianas. De hecho, se trata de la única marca en el mundo que ha logrado democratizar algo tan básico como el cubrir los pies. ¡Y de que manera! Miles de colores, para todas las edades, con motivos urbanos para todos los gustos… y lo que más nos gusta: la posibilidad de personalizar nuestro par. El año pasado la MYOH (Make Your Own Havaianas) recorrió varios países, entre ellos España, invitando a todo el mundo a crear sus propias sandalias de la firma. “Nuestros consumidores tienen una relación muy cercana y emocional con la marca. El MYOH significa un paso más en esa dirección, ofreciéndoles modelos exclusivos que ellos mismos crean y que sólo ellos podrán disfrutar”. www.havaianas.com

HAVAIANAS, a Brazilian way of life

Havaianas es más que una sandalia. Havaianas es un modo de vida.

Cuando tu pie se sumerge en esta tira doble que separa el dedo gordo del resto del pie sientes el verano a flor de piel, te invade esa alegría soleada y ese bienestar que podríamos denominar “Brazilian way of life”.

Así lo expresa Silvia Herrero, Directora de Comunicación de Havaianas Europa: “Havaianas expresa energía, vitalidad, confort. Valores universales que encajan con todo tipo de identidades… ¡y todo el mundo puede ponérselas!”. Son las sandalias más famosas del mundo, con más de 40 años de historia a sus espaldas. En 1962, la empresa Sao Paulo Alpargatas utilizó una de las materias primas más abundantes en Brasil, el caucho, para confeccionar una versión moderna de las tradicionales sandalias japonesas, las zori, hechas de arroz y madera. El primer modelo de Havaianas nacía en blanco y azul, y con franjas laterales en la base.

Poco a poco su comodidad, calidad y espíritu fresco fueron conquistando terreno. Se sumaron otros modelos, muchos más colores, y el mundo se fue literalmente rindiendo a sus pies.

TEXTO ANNA TOMÁS 01 87

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in&out

in & out Clubbing BCN C/ ARC DEL TEATRE, 3. TEL. 93 318 59 66.

Techno-house, incursiones en el electro y la música disco. Miércoles, invitados internacionales. Vie-Sab., sesiones con el DJ residente Robert X. Todas las noches de 23.30 a 5 h.

SALA RAZZMATAZZ 2. C/ PAMPLONA, 88.

TEL. 93 272 09 10 Tech-house, hard techno y techno con los residentes MouseUp, Undo, Vicknoise, además de las residencias de James Holden, Felix da Housecat, Miss Kittin o Tiga. H: Vie-Sab. y vísperas de festivos de 1 h. a 5 h. Entrada única a Razz Club: 15 € (c/i).

SALA APOLO. C/ NOU DE LA RAMBLA, 113. TEL. 93 301 00 90 La meca del eclecticismo: house, techno, breakbeat y pop electrónico, según el día.

Alberga residencias de Kompakt, Bpitch Control, Bungalow, Cristian Vogel, etc. Nitsa selectors: Fra, DJ De Mierda, DJ Coco y Sesentaynueve. H: Vie-Sab. y vísperas, a partir de las 24.30 h. Precio: 12 € (c/i).

Clubbing Madrid electro-pop, deep house y leftfield de mano de MouseUp, Undo, Vicknoise); Rex (technopop). H: vie-sab. y vísperas de festivos de 1 a 5 h. Entrada única: 12 € (c/i). www.salarazzmatazz.com

B LOUNGE @ HOTEL BARCELÓ RAVAL RBLA. DEL RAVAL 17-21. TEL. 93 320 14 90 El lugar más cool de la ciudad, el nuevo punto de encuentro de Barcelona. Tapas sorprendentes, extensa carta de cócteles y la mejor música. Terraza Plaza Manuel Vázquez Montalbán. Jueves, viernes y sábados DJ en directo de 23 h a 02 h. Entrada libre. www.BarceloRaval.com

C/SANTA ANNA 14, L’HOSPITALET. T. 93 337 76 16.

La alternativa musical de la ciudad de L’Hospitalet desde 1985. El mejor pop, indie, post-rock, technopop... de la mano de los DJs Jordi Monamí, Marty Mcfly, Crtl+alt+supr, Gato. Actuaciones musicales en pequeño formato. www.depositolegal.com.

@ SALA APOLO. C/NOU DE LA RAMBLA, 113.

Residencia semanal para la noche de los jueves en el Apolo. Powder Room acoge las mejores noches de deep funk, breaks y rare grooves en Barcelona. H: todos los jueves, de 24.30 a 6 h. 9 €.

C/ FONTRODONA, 33 (BCN). TEL: 93 441 80 15 Antigua nave industrial convertida en enorme y comfortable lounge club. Urban & soulful music + laid-back atmosphere + underground attitude. www.maumaunderground.com. H: jueves 23 - 2.30 h., vie-sáb 23 - 3 h., domingos tarde (excepto verano).

SALA CITY HALL C/ RAMBLA CATALUNYA, 4.

Lun: Internacional Party. Mar: Budah Hall Night. Mie: Pigs & Diamonds. Jue: Club 4 (techno & minimal techno). Vie: 100% Uhm Underground (tech-microfunk). Sab: Pure City Nights (house, deephouse, latin). Dom: Zen Club (techhouse/ electro).

C/ ALMOGÀVERS, 122. TEL. 93 272 09 10 5 clubs en un mismo espacio: Razz Club (Viesab. DJ Amable y Dj Gato, el mejor indie y rock de todos los tiempos. Jue. Bongo Palace (latin house); Pop Bar (vie-sab. lo mejor en pop, electro y sixties); The Loft (tech-house, hard techno y techno); Lo*Li*Ta (techno-pop,

C/ LINCOLN, 15. T. 93 238 07 22 Martes: Glitter and Glamour. Miércoles: Strawberry & Chocolate. Jueves: Buziós - Brazilian soul. Viernes y Sábado: 3 floors open- hip hop and R&B, house music, classic garage 80’s-90’s. www.ottozutz.com

C/ VALLDONZELLA, 40 / PLAZA MILANS, BARRIO GÓTICO. Tel. 627 73 30 81 En el bar Manchester se dan cita amigos y seguidores de la música de los 80 y 90 y sus tendencias más brit. Desde Joy Division hasta Placebo, pasando por The Smiths y Happy Mondays.

VALENCIA, 166 (ENTRE VILLARROEL Y CASANOVAS). WWW.MINUSACLUB.COM Minusa Club es un bar musical en el ensanche izquierdo de BCN, donde puedes tomar un té o probar uno de nuestros cócteles. Programamos sesiones de DJs eclécticas desde música de los 50 hasta la actualidad. Los jueves, conciertos acústicos de los mejores grupos de nueva hornada de Barcelona. Todas las tardes la caña a 1,80 € y los combinados a partir de 4,50 € hasta las 10.30 h. Días de concierto hasta las 21.30 h. H: Todos los días menos el lunes, de 17 a 2.30 h. Fines de semana y vísperas hasta las 3 h.

C / ESCUDELLERS BLANCS, 3 (BARRI GÒTIC) Con una acertada mezcla de graffiti, videos, skate y grunge. Su amplia sala alberga cómodamente a los personajes más diversos de la fauna barcelonesa, que se pierden entre detalles y acordes, cubatas y chupitos, chicas y kickflips. A tres pasos de la turística Plaza Real se esconde el secreto mejor guardado del Gótico, Nevermind. Abierto todos los días hasta las 3 h. www.myspace.com/nevermindbcn

SALA 1 AV. CARRILET 235 - SALA 2 AV. CARRILET 301, L’HOSPITALET. T. 93 337 06 02 La Salamandra es el espacio de referencia de las noches de L’Hospitalet. Dos salas que ofrecen la mejor programación de conciertos y sesiones de DJs de la escena indie y mestiza.

Sala 1: Indie-pop-electro con YoSET & McFly, visuals de High Distortion & Mon Feijóo. Sala 2: Musicollage con Nafentt & Darkomedia. H. Abierto todos los viernes, sábados y vísperas de 24 a 6 h. Entrada única: 8 € (c/i). Gratis hasta las 2 h. www.salamandra.cat

C/BAILÉN 16, 28005. MADRID ContraClub es un bar donde coinciden varias tipologías de noctámbulos con un denominador común: su gusto por la calidad y variedad musical. ContraClub pretende romper barreras entre disciplinas y generaciones, ser un lugar de encuentro de artistas y un escaparate para todo tipo de espectáculos de calidad. Un lugar abierto y dispuesto a juntar funk con flamenco, cabaret con música electrónica. X y J de 22 a 05:30 h. V y S de 22 a 06 h. www.contraclub.es

C/FOMENTO 30 (MADRID) Desde 1997 el Home Bar es un referente para los amantes de la música. El pop, la electrónica y el indie son el eje central de las sesiones de nuestros DJs, desde los clásicos imprescindibles hasta las últimas novedades. En el Home podrás escuchar desde Depeche Mode, REM o The Smiths hasta White Lies, Hot Chip y Temper Trap, pasando por Placebo, Massive Attack, Muse, Royksopp, Radiohead, Ladytron, Foo Fighters, Interpol... Abierto los viernes y los sábados a las 23h.

HOTEL LE MERIDIEN. C/ RAMBLAS, 111 De jueves a sábado, de 23 a 3 h. Residente: DJ Lui. Música: Popism. Cocktails. La cabina del DJ se encuentra encima de un piano de cola, al estilo de los tradicionales piano bar.

Clubbing Bilbao C/ RAFAEL DE CASANOVA, 3. SANTA COLOMA DE GRAMENET. [M] L1 SANTA COLOMA La Sala Pop tiene una programación semanal de conciertos cuidadamente seleccionados dentro de la escena independiente tanto catalana como estatal. Los conciertos se realizan viernes y sábado pero la sala ofrece sesiones de indie, pop, rock, electrónica a cargo de DJ Oki One y programación cultural los domingos. H: mie-dom 19 - 3.30 h. www.myspace/popclubsantacoloma

MIMETICA · DLRO LIVE! C/ PELAYO 59 Mimetica + DLRO se unen para ofrecer un evento mensual donde los amantes de la electrónica podrán embelesarse con las figuras más sugerentes de la escena electrónica. En nuestra noche tienen cabida el house, dubstep, techno, disco... Sin ningún tipo de complejos ni tapujos. De 24 a 06 h. www.cargocollective.com/mimetica

EN SANTANA 27. POL.IND.SANTA ANA. TELLERÍA 27. BOLUETA. WWW.FEVER.ES Pink Fever: tecnopop, electropop & trashpop con Madel, Ojospintados y Unai Goikolea.

Gold Fever: indie, pop-rock & hits con Kinki, Mimoloco, Mr. Chase y Santo. Black Fever: hip hop, reggae, soul & funk con Adrian, Almah Mater Djs y Bomb Bass Hi-Fi. Blue Fever: electro-house, minimal-techno & neo-trance con Arne Ö, Auto y DJS Sound. H: Sáb, 24 h.

10 € c/c, gratis hasta la 1.30 h.

Clubbing Galicia COMPLEJO PLAYA CLUB. AVENIDA DE LA HABANA, ESTADIO DE RIAZOR (LA CORUÑA).

WWW.PLAYACLUB.NET Pop, indie y electrónica. Más de 60 conciertos de música alternativa al año. Sesiones los jueves, viernes, sábados y vísperas de festivos desde las 3 h. +info en www.playaclub.net

625 líneas Perdidos

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Perdidos

ESTA LUZ NUNCA SE APAGARÁ

No es fácil desprenderse de algo que ha estado inoculado en tu sangre durante tanto tiempo. Varias semanas después del magnífico final, resulta imposible no maravillarse con lo que ha logrado la que para muchos es la serie más grande de todos los tiempos. “Perdidos” ha sido una catarsis irrepetible en la que hemos participado todos. Puede que se haya ido, puede que pasen muchos años hasta que se repita algo igual, pero mientras haya alguien ahí fuera tecleando los números 4, 8, 15, 16, 23, 42 cada 108 segundos, esta luz nunca se apagará.

Texto

Óscar Broc

C

on las primeras imágenes del episodio piloto tan frescas en la memoria como los últimos fotogramas del arrebatador capítulo final, servidor todavía se pregunta qué nos ha pasado en los últimos seis años; qué clase de hipnosis colectiva, histeria global o sueño paranoico —llamadle como queráis— nos ha despojado de cualquier atisbo de madurez, para convertirnos en niños maravillados ante una atracción de circo, un libro troquelado, una colección de cómics que no queremos que acabe nunca. La respuesta en frío está clara y se ha repetido en infinitud de artículos: “Perdidos” es una serie única en incontables flancos. Suyo es el mérito de que millones de personas se olvidaran de las emisiones estatales de cada país y siguieran la trama a casi tiempo real, bajándose en masa los episodios de la red. Suyo es el mérito, también, de que por primera vez una serie se vertebrara en internet a través de blogs, foros y páginas monográficas que han alimentado y siguen alimentando a la bestia. El fenómeno ha trascendido fronteras que jamás antes habían profanado un producto televisivo, alcanzando los visos de locura y devoción que sólo se habían vivido en Olimpos tan

intocables —hasta ahora— como “Star Wars” o “Star Trek”. También ha dejado una profunda muesca en lo que a la estructura narrativa se refiere. Los creadores de “Perdidos” han asumido riesgos impensables para un producto de semejante calado comercial y la jugada les ha salido bien —todavía recuerdo la cara de pasmo ante el primer ‘flash-forward’: “We have to go back, we have to go back!”—. Desde el primer momento, era evidente que tenías delante de las narices algo nuevo, un juguete que nunca habías visto antes y con el que querías retozar a toda costa.

EXTRAÑO EN UNA ISLA EXTRAÑA

De todos modos, la grandeza de esta serie es algo tan insondable como la llama divina que arde en las entrañas de la isla. “Perdidos” es literatura de altos vuelos; es un producto moderno que no sólo ha buscado los resortes del suspense y la ciencia ficción para dar sentido al viaje. El mérito es que hay algo que late mucho más abajo de la escotilla y fascina tanto o más que el mero caparazón de misterio. Espiritualidad, religión, esoterismo, mitología, filosofía y física moderna chocan en un majestuoso baile de

implicaciones emocionales y dilemas existenciales que van de los reinos invisibles del mundo subatómico a la implacable inmensidad de Dios. Realidades paralelas, multiverso, desplazamientos en el continuo espacio-tiempo y elementos que antes eran ciencia ficción pero la física más avanzada admite ya en sus libros teóricos, se entrelazan con saltos de fe, misticismo, esoterismo, intuición y superstición religiosa.

Y todo fluye. El caldo es delicioso, turbador, consigue darle a la historia un revestimiento único que no se había visto nunca en televisión y que supera holgadamente lo tangible.

Y es que más allá de sus incontables enigmas y de su componente adictivo, “Perdidos” ha conseguido golpearnos los adentros como lo hacen las emociones que no podemos explicar. Se trata de una serie epidérmica. El nivel de identificación y empatía con los personajes principales es absoluto: sufres, ríes, lloras, te asombras con ellos. “Lost” ha alcanzado convertir el simple visionado de un episodio en un ritual religioso, una experiencia que escapa del rectángulo de nuestra pantalla para pegarse a nuestra piel y acompañarnos tiempo después del

final de capítulo. Los que han estado enfangados en este barrizal catódico, saben mejor que nadie que activa tanto tu cerebro como tu corazón. Te obliga a implicarte, a fabricar tus propias teorías, a rumiar y proyectar finales, pero también tira de ti de forma irracional a través de hilos invisibles. Y esa sensación de vértigo es impagable.

EL PRINCIPIO DEL FIN

La segunda ley de la termodinámica dice a grandes rasgos que la entropía tiende a incrementarse con el tiempo. Todo muere. Todo termina. “Perdidos” también, y como cabía esperar en un fenómeno de magnitudes cósmicas como el que nos ocupa, creer en el consenso habría sido una ingenuidad. Para el que esto firma, la sexta temporada ha sido trepidante y ha conseguido encajar casi todas las piezas más visibles de un argumento caleidoscópico, lleno de trampas y dobles fondos. Los guionistas han estado a la altura y nos han brindado respuestas satisfactorias, evitando caer en el componente fantástico por la patilla para arreglar entuertos. Sin lugar a dudas, la integridad de los escribas ha sido intachable: han seguido la lógica que dictaba la serie para dar por terminado el periplo. Y es que, ante todo, “Perdidos” es una historia de personajes al límite en busca de redención, de almas perdidas que necesitan reencontrar el camino. Por eso no cabía esperar otro final. ¿Es lícito exigir que se invirtieran tantas energías para cerrar todos y cada uno de los interrogantes? Cuesta comprender esta obsesión enfermiza por levantar acta del catálogo enterito de enigmas menores, por muy nula que sea su incidencia en el acabado de la serie.

Además, ¿qué querían ver los que han vomitado todo su veneno en las connotaciones épicas y espirituales de la conclusión? Como dijo Damon Lindelof, uno de los principales cerebros del tinglado, lo absurdo sería

que, de repente, la isla fuera un platillo volante y salieran todos volando. Ahí está la clave. “Perdidos” no es una película de M. Night Shyamalan, con ‘what a twist!’ final. El último episodio tenía que ser el vahído definitivo, la llegada a meta después de una larga y extenuante maratón, el descanso, la reconciliación, el THE END clásico de toda la vida. Y este cuento se ha acabado. “Perdidos” ya es historia, por mucho que en internet el incendio sea más virulento que nunca. Atrás queda una experiencia que será imposible repetir; seis temporadas de televisión al máximo nivel que hemos vivido todos a tiempo real, sincronizando relojes como Parker Lewis y sus amigos, creando una nueva cultura y comunidad del telespectador, dejando las uñas marcadas en el mando a distancia… ¿Y ahora qué?

EL CANDIDATO

Cuando la ABC puso hasta los higadillos en el magnífico primer capítulo de “Flash forward”, parecía lógico pensar que la ausencia de “Perdidos” iba a ser más llevadera. Todo apuntaba a que esta nueva serie, cargada de saltos en el tiempo, universos paralelos y oscuros poderes actuando en la penumbra, había encontrado una vía para que los huérfanos de la isla electromagnética se subieran a otra nave del misterio, que diría Iker Jiménez. Pero el diseño falló a media carrera. A pesar de las buenas intenciones, de explotar una idea tremendamente atractiva y de acercarse a “Perdidos” en muchos de sus componentes, aquello terminó convirtiéndose en un burdo parcheado de personajes erráticos, premisas demasiado alargadas y suspense sin magia. Algo ha fallado en “Flash forward” (2009), le falta el alma y la compleja composición atómica que ha hecho de “Perdidos” algo más que un entretenimiento. Lo peor de todo esto es que, mientras esperábamos la explosión de una

serie con pólvora mojada por culpa seguramente de la agresiva campaña de la ABC (la sucesora de “Perdidos”, dijeron), nos perdimos algo: en la marmita de la Fox hervía una sopa con todos los ingredientes para atraer a los seguidores que buscaban la heredera de “Perdidos” en el lugar equivocado.

“Fringe” (2008), una serie en cuyos créditos también encontramos a JJ Abrams, ha conseguido poco a poco y sin hacer ruido alcanzar un nirvana, un magnetismo y un estado de inspiración tan dulce que me lleva indefectiblemente a calificarla como la droga más cercana al colocón de “Perdidos”. Si en su primera temporada se perfiló como una elegante actualización de “Expediente X”, en su segunda campaña la serie ha conseguido hallar una voz propia que, pese a las evidentes diferencias argumentales, ha dado verbo a una fantasía moderna con los mismos mimbres científicos de la mitología lostiana (la física extrema, las teorías más arriesgadas sobre el tejido de la realidad y el continuo espacio-tiempo, etc). El multiverso una vez más, los viajes en el tiempo, una conspiración de altos poderes en una guerra entre el bien y el mal que se libra en los márgenes de la realidad, pseudotecnología al servicio de un futuro plausible, guiños al cine fantástico, personajes ubicados en una gran tablero de ajedrez que apenas entienden… Sin el peso que supone el venenoso calificativo promocional de “el nuevo ‘Perdidos’” y con un trabajo concienzudo de guión, a medio camino entre el thriller, el drama personal, el género detectivesco, el cine de terror y la epopeya fantástica, “Fringe” nos ha brindado los mejores minutos de ficción televisiva de este año y, aunque el fenómeno no ha generado la fiebre global de “Perdidos”, en sus tripas guarda una luz muy parecida a la que ha convertido una olvidada isla de Hawaii en el cielo de todo un planeta durante seis increíbles años. El futuro está a salvo.

092/093

cine Joann Sfar

El dibujante de cómics Joann Sfar se quedó fascinado por la figura de Serge Gainsbourg cuando era un crío y el controvertido artista aparecía borracho en televisión. Se convirtió en su héroe y así lo retrata en su ópera prima, que introduce elementos de fantasía y donde los protagonistas, Eric Elmosnino, Laetitia Casta y Lucy Gordon, reinterpretan con su propia voz clásicos como “Je t’aime moi non plus”, “Nazi rock” o la versión reggae de “La Marseillaise”.

Texto

Iago Fernández

Joann Sfar NI TAN TRUHÁN NI TAN SEÑOR

S

ólo quedan unas horas para que su película inaugure la vigesimoquinta edición del Cinema Jove de Valencia y el hasta ahora novelista gráfico Joann Sfar parece estrenar zapatos nuevos. El castellano aprendido de su madre gibraltareña acentúa el tono infantil de un entrañable discurso en el que asegura haber escrito la historia del mujeriego cantautor como si éste se la hubiera contado entre copa y copa. ¿Cómo recomendarías tu película a alguien que no conozca el personaje ni su obra? Le diría que es la historia de un tío que se creía muy feo pero que vivió una historia de amor con la sex-symbol del momento (Brigitte Bardot, interpretada por Laetitia Casta). Hasta puede que sea mejor no saber nada de Gainsbourg y contemplar la historia de un aspirante a pintor que no pinta bien y que más tarde se encuentra consigo mismo y con un montón de mujeres guapas, para acabar transformándose en un viejo loco. Es un homenaje a los musicales americanos. Una especie de cabaret.

Cannes 2010, Top 10 10 “My joy”. Sergei Loznitsa recoge el testigo de Aleksei Balabanov y retrata las miserias y corrupciones de la Unión Soviética. Una puesta en escena medida y un poso de violencia terminan por acercar su cine al del maestro ruso.

09 “Carancho”. Pablo Trapero le da la vuelta al cine social con esta película sobre los accidentes de coche y los chanchullos que hacen las aseguradoras. Mucha sangre, accidentes y golpes rodados sin tapujos ponen salsa a un filme más cercano al gore que al cine social.

08 “O estranho caso d’Angelica”. Pilar López de Ayala interpreta a la Angelica del título, una joven que, fallecida, despierta ante la cámara de un fotógrafo y le sonríe hasta enamorarlo. Filme de fantasmas como el de Apichatpong, contiene momentos en los que la imagen,

Has optado por no abordar sus obsesiones sexuales de manera explícita ¿Qué otros aspectos de su vida has preferido obviar? Me gusta que la película sea para todos los públicos. Además, tengo una relación muy respetuosa con mis actores y no quiero verles desnudos. Mi intención es componer bellas imágenes y que el público se enamore de los personajes. Tampoco he mostrado la etapa final de su vida, en la que se vuelve un provocador en el peor de los sentidos.

Sólo he tratado de hacer un retrato heroico y elogioso.

No quiero ser uno de esos directores que juzgan.

años diciendo que no a todos los guiones que llegaban a sus manos, la familia me pidió que hiciera la película porque les gustaba mi idea y, según ellos, es lo que hubiera hecho feliz a Gainsbourg. Si hemos podido realizar este proyecto es gracias a Jane Birkin.

También trabajé con Charlotte Gainsbourg durante meses porque, antes de contar con Eric Elmosnino, ella iba a interpretar a su propio padre. Una mañana se levantó y decidió que era más duro de lo que pensaba.

Dedicas la película a la memoria de Lucy Gordon, que encarna a Jane Birkin ¿Cómo recibiste la noticia de su suicidio? A través de la productora. Fue terrible porque incluso cuando no tenía que trabajar venía al rodaje y éramos como una familia. Se suicidó dos semanas después de acabar de rodar. El día antes de quitarse la vida yo estaba en Cannes. Me llamó y me dijo que se iba a cambiar el color de pelo, que estaba todo bien y que nos veríamos al día siguiente. Aún me cuesta ver sus escenas. Todo el montaje estuvo influenciado por su muerte.

Explícame en qué consistió tu técnica de emborracharte para escribir el guión. ¡No recomiendo ese método! Lo que pasa es que me encontré ante un género que desconozco. Nunca antes había escrito cine. No estaba familiarizado con el alcohol y necesitaba saber qué ocurría en su cabeza, así que bebí regularmente. Su personaje es a veces muy triste y te tienes que poner en el mismo estado para hacerle hablar. Yo sobre todo tomaba vino y pastis, el anís típico del sur de Francia, que es de dónde vengo. En cuanto terminé el guión abandoné esa rutina y trabajé con normalidad.

Tu deseo era que la familia del músico se sintiera orgullosa de tu obra, pero ellos se han negado a verla. No han querido verla porque dicen que sería demasiado doloroso para ellos. Después de quince

Si tuvieras que elegir un personaje para otra película biográfica, ¿quién sería? De los que ya no están entre nosotros, probablemente al pintor Marc Chagalle. Y de personajes vivos, quizá Carla Bruni (risas).

sea la del fotógrafo o la del cineasta Manoel de Oliveira, desprende magia.

07 “Poetry”. Lee Chang-dong compone esta película circular, en la que una mujer mayor comienza a vivir plenamente gracias a la poesía. Película sensible sin caer en sensiblerías.

06 “HaHaHa”. La veta cómica la explotó Hong Sangsoo, cada día más cercano al cine de Woody Allen.

Hong ilustra la charla entre dos amigos, que ahondan, entre copas, en sus problemas de amorío.

05 “Tournée”. Mathieu Amalric, el mejor actor del panorama europeo, se llevó el premio al mejor director con esta película rodada entre bastidores que retrata las alegrías y dificultades de una troupe de teatro burlesco.

04 “Le quattro volte”. El ciclo de la vida a través de la vida y la muerte de un hombre, una cabra y un árbol.

Una película pequeña con fuertes vínculos con el docu-

mental. Sin duda, contiene la escena más cómica del festival: un plano secuencia en el que un perro intenta hacer la vida imposible a una procesión.

03 “I wish I knew”. Jia Zhang-ke prosigue con su labor de retratar los fuertes cambios que está sufriendo su China natal. Una de sus películas más accesibles y también un bello homenaje al cine de su país.

02 “Uncle Boonmee who can recall his past”. La Palma de Oro fue para este filme de fantasmas en el que Apichatpong Weerasethakul homenajea el imaginario y las texturas del audiovisual tailandés. Sin duda, contiene la imagen del festival: un simio fantasma con ojos rojizos y brillantes.

01 “Des hommes et des dieux”. El francés Xavier Beauvois se adentra en la vida en un monasterio en pleno conflicto algeriano. Un filme austero y espiritual, cuya cámara se pega al pensamiento y a los sentimientos de sus monjes protagonistas. Violeta Kovacsics

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cine

Columna

Texto

Philipp Engel

Philipp Engel

“The girlfriend experience” DE STEVEN SODERBERGH (EE.UU., 2009)

“Toy story 3” DE JOHN LASSETTER

¿Recuerdan la conmoción que supuso hace 15 años “Toy story”? Cuatro años después, la 2 no sólo no decepcionó, sino que disparó nuestro entusiasmo con la incorporación de un villano de excepción, y a la vez tan próximo, como es El Coleccionista de Juguetes.

Pues bien, la saga de Píxar nos llevará más allá del infinito con apariciones estelares como la de Ken: “No soy un juguete para niñas”. No cabe la menor duda de que este será el motivo principal para sobrevivir a la travesía del verano 2010. No se suiciden todavía, vamos a ver si encontramos alguno más.

el cine que viene “Nothing personal”

“Origen”

DE URSZULA ANTONIAK

DE CHRISTOPHER NOLAN

¿Vacaciones en Irlanda aplazadas una y otra vez? No sabemos hasta qué punto este film un tanto solemne premiado en Locarno sobre dos soledades que se encuentran con fondo de melancólicos paisajes servirá como ersatz vacacional. Stephen Rea siempre es una garantía, aunque no sabemos bien de qué.

En cualquier caso no de optimismo, como tampoco la otra soledad que aparece en su vida, una mochilera pelirroja con el drama a cuestas que viene de Amsterdam y acabará en Cádiz.

Tras el Marienbad para todos los públicos que supuso “Shutter Island” —el mejor Scorsese desde “Casino” (1995)—, el muy hiperactivo Leo DiCaprio se sumerge en otro complejo viaje alucinante al fondo de la mente: “I specialize in very specific type of security, subconscious security”. A partir de aquí, posibilidades infinitas, y las que deja entrever el tráiler aseguran que el 6 de agosto, por fin, habremos encontrado una buena razón para olvidarnos de la crisis.

“London River”

“Airbender, el último guerrero”

DE RACHID BOUCHAREB

DE M. NIGHT SHYAMALAN

Fui a Londres una vez, y no creo que vuelva. Acabé harto de pollo al curry, de cerveza tibia y de patear lo indecible para tratar de comer algo decente que no fuera un sándwich de Marks & Spencer. No hay club, ni tienda de vinilos que justifique tan magno calvario. De regresar, tal vez reparase en Brenda Blethyn sentada junto a un rastafari en un banco del parque.

Han perdido a sus hijos en los atentados del 2005. Lo lamento, no hay forma de parar a esos salvajes enturbantados.

Nunca he sido fan del Sr. Noche, tal vez por ello, de todos sus films, me siga gustando la que todo el mundo parece detestar. Me refiero a “El incidente”. Muy fan de caminar hacia atrás en plan breaker antes de quitarse la vida con aire ausente. En cualquier caso, esta versión de un anime yankee con los cuatro elementos, niños guerreros y fantasías a todo píxel no es para mí. Y menos si sale Dev Patel. Cualquier película con Dev Patel deja automáticamente de ser para mí.

“Pesadilla en Elm Street (El origen)”

“Los mercenarios”

DE SAMUEL BAYER

DE SYLVESTER STALLONE

Mr. Krueger ya tenía media docena de películas, un crossover y no sé cuantas parodias, amén de videojuegos y series de televisión. Pero hay quien no lo veía suficiente. Nos referimos a Michael Bay, que ya produjo los remakes de “La matanza de Texas” o “Viernes 13”. La clave de esta vuelta a los orígenes reside en que Robert Englund ha sido reemplazado por el no menos atractivo Jackie Earle Haley, que también interpreta a Roger Salvans en el último cómic Adanti-Costa.

Tras recuperar a John Rambo y Rocky Balboa, Sly riza el rizo y plantea una cinta con todos los que hicieron grande el cine de acción más comercial de los 80. Sólo faltan Jean-Claude Van Damme (no se llegó a un acuerdo) y Wesley Snipes (problemas legales). Por lo demás: Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Eric Roberts, y hasta Bruce Willis y el Gobernator en un pequeño papel. Un recital de actores de método(s) expeditivo(s). Les deseamos unas muy felices vacaciones.

“El Equipo A”

“The shock doctrine”

DE JOE CARNAHAN

DE MICHAEL WINTERBOTTOM & MAT WHITECROSS

La tagline de esta nueva atrocidad hollywoodiense se presenta como la bofetada definitiva a nuestros planes vacacionales: “There is no Plan B”. Pues vaya. Seamos francos, más allá de su pegadiza sintonía, la serie original no servía más que para instalarnos en el tedio de una tarde mortecina. El paso del tiempo, las referencias a Iraq y los efectos especiales de vídeojuego barato no han mejorado las cosas. De verdad, mejor incrustarse en la masía de algún amigo millonetis.

El único momento reseñable de mi aventura facebookera llegó el día en el que Lou Ford solicitó mi amistad. Pero resulta que la versión Winterbottom de “The killer inside me”, perla negra de la bibliografía thompsoniana, es “demasiado oscura”, o vaya usted a saber qué demonios le pasa. El caso es que llegará antes, el viernes 13 de agosto, este documental basado en las doctrinas de Naomi Klein (“No logo”), que pretende demostrar que el capitalismo es el peor de los males.

No me gustan los penes, tal vez por ello no ande por ahí cual enciclopedia del porno ambulante, ni siento gran interés por el género. Naturalmente, ya había oído hablar de Sasha Grey cuando pude ver por primera vez, hará ya más de un año, esta intrigante pequeña joya digital que, sumada a la infravalorada “¡El soplón!” (2009), completaba una de las mejores añadas de Soderbergh. Es más, animado por una curiosidad puramente científica, entré en Red Tube para ampliar mis conocimientos sobre la porn star que mantenía en estado de alucinación a la plantilla masculina de Go por combinar sus variopintas habilidades con una imagen sofisticada alimentada con loas a Anna Karina, Nietzche, Vini Reilly o la colección Criterion que, como muchos, anda completando para compensar su falta de lo mismo. No sé si lo que vi —cosas como “Milky enema and assfuck with hot Sasha”— acabó de gustarme, o me pareció repugnante, pero parece claro que Soderbergh le ofreció el papel de escort de lujo, que puede recordar a la Jane Fonda de “Klute” (Alan J. Pakula, 1971), fascinado por lo que les acabo de contar y que ustedes, sin duda, ya sabían. Con Sasha como protagonista, el retrato de una puta ya no necesita sexo, ni casi sugerirlo. Y viene bien, ya que así Soderbergh puede concentrarse en la médula del film: el dinero. Fuertemente localizado en la capital del mundo occidental, al inicio de la crisis y durante las presidenciales que ganaría Obama, “The girlfriend experience” contrapone el servicio estrella que da título al film —novia por una noche (cine, cena, hotel)— con la pareja ‘auténtica’ formada por Sasha, aquí Chelsea (nombre de guerra) o Christine (en su casa), y un trainer de gimnasios de lujo —Chris Santos (muy fan)— que, en su especialidad, también se dedica a distraer los cuerpos de los poderosos.

Existen, y tienen el tren de vida que tienen, por los servicios que prestan. Ella misma lo da a entender a una suerte de entrevistador que acaba de dar un aire de docudrama a este original artefacto que se lee por capas, en sucesivas lecturas, y da pie a diversas interpretaciones (algunos sugieren que podría tratarse de un autorretrato del propio cineasta). Una fascinante radiografía del corazón del sistema, sin coartadas políticamente correctas ni aires de (falsa) denuncia, que muestra como incluso la acorazada heroína puede llegar a tambalearse cuando está a punto de dejarse atrapar por su propia ficción.

La realidad no existe, el capital nos ha dejado una ilusión de vida a la que tampoco hay alternativa, y cuando esta estalla, ya no queda nada.

autopsia

cine

“Greenberg”

“El silencio de Lorna”

DE NOAH BAUMBACH (EE.UU., 2010)

DE JEAN PIERRE Y LUC DARDENNE (BÉLGICA 2008)

“La chica del tren” DE ANDRÉ TÉCHINÉ (FRANCIA, 2009)

El 9 de julio de 2004 la joven Marie-Leónie Leblanc conmocionó a Francia al denunciar que había sido víctima de una agresión antisemita en el RER, el cercanías de París. Días después de que el presidente francés Jacques Chirac y el primer ministro israelí Ariel Sharon se sumaran a la condena del ataque, Leblanc confesó que todo había sido (glups) producto de su imaginación. André Téchiné, siempre más atento al sujeto y sus emociones que al contexto sociopolítico, pasa de la exploración periodística del caso para hacer genealogía de la mentira. Para ello divide quirúrgicamente el filme en dos partes, una dedicada a las circunstancias que rodearon la falacia y otra a sus consecuencias. Y lo que obtenemos es una ficción pura más próxima a un thriller emocional de gran empuje cinemático —las imágenes de movimiento son recurrentes en el filme— que al drama documental. La protagonista, rollergirl mitómana y confusa que nada tiene de las heroínas sedentarias y ‘crepusculares’ tan en boga, libera su ‘angst’ juvenil subida a sus patines de línea de la mano de su atlético novio. Con él comparte la frustración laboral y el final abrupto de un romance que quebrará su razón y la llevará a fabricar una patraña de grandes dimensiones y alcance, símbolo de su reacción al rechazo social y al amor fracasado. Laura Gamundí

La gente herida hiere a gente: la frase de libro de autoayuda que, como un mantra, se repite a lo largo del film, funciona como perfecto leitmotiv de la obra de Baumbach. Roger Greenberg, músico frustrado que vuelve a L.A. tras sufrir una crisis nerviosa, es uno de esos personajes baumbachianos repletos de taras que incluyen al padre de “Una historia de Brooklyn” y a Margot de “Margot y la boda”. Mientras éstos desataban su terrorismo emocional en el marco familiar, “Greenberg” lo hace en el terreno del amor (sin compromiso) y el sexo (casual). La elección de Greta Gerwig como la antiheroína, Florence, no es accidental: estrella de ese movimiento cinematográfico “con nombre de personaje de Harry Potter” (J. Hoberman dixit), el mumblecore, Gerwig aporta naturalidad y un físico imperfecto a la torpe relación con Greenberg, basada en anécdotas estúpidas que dan al traste una cita y embarazosos encuentros sexuales. Como Larry David, otro iracundo misántropo, Greenberg es un neoyorquino atrapado en L.A. Baumbach traza la odisea de este pez fuera del agua con una narrativa dispersa y una sucesión de conflictos de baja intensidad que desembocan en una magistral secuencia en la que Greenberg (un excepcional Stiller), colocado y rodeado de adolescentes que no conocen a Duran Duran, se da cuenta de que ya no es joven, hermoso ni maldito. María Adell

El cine de los Dardenne abre con “El silencio de Lorna” su campo. La gravedad con que los cuerpos aparecían en sus encuadres se disipa con la llegada de Lorna a su trayectoria: aquí ya no hay una cámara detrás de unos personajes desesperados, sino un intento por contextualizar al máximo un rostro que busca integrarse en la Europa comunitaria. No es la única variación que se da en su nueva propuesta, la tragedia de esta ambiciosa inmigrante les ha hecho mutar su geografía (ahora estamos en Lieja en lugar de la aislada Seraing) y su gramática, de tal modo que se podría decir que los irreductibles cineastas se toman ciertas licencias líricas.

Especialmente con la elipsis que divide el filme como un férreo gozne y con su final, alejado de la habitual redención con la que los Dardenne cierran sus películas y más próximo, así, a cierta sensibilidad contemporánea obsesionada con la locura y la deriva como única salida ante la imposibilidad de encontrar la lógica en el dolor, la frustración o, en este caso, la crueldad del capitalismo exacerbado. Los acérrimos señalarán este giro como una traición (jamás la pareja de directores había mostrado tal desorientación con sus criaturas), pero siempre habrá quien vea en ello un halo de luz capaz de traspasar el obturado, ¿quizá desgastado? discurso de los belgas. Arantxa Ruiz

“Entre nosotros”

“Le refuge”

“Zombies nazis”

DE MAREN ADE (ALEMANIA, 2009)

DE FRANÇOIS OZON (FRANCIA, 2009)

DE TOMMY WIRKOLA (NORUEGA, 2010)

Ya lo sugería Lucrecia Martel en “La ciénaga”: la piscina y el verano pueden resultar absolutamente asfixiantes. Maren Ade toma el relevo de la directora argentina y traslada la desesperación a la mediterránea isla de Cerdeña y a una pareja alemana. “Entre nosotros” se pega a los blancos cuerpos de dos jóvenes, con torsos desnudos o en bañador, aferrados el uno al otro o separados, protagonistas de incómodos silencios. Ade sólo necesita la pareja y la casa para crear un drama en torno a la madurez y a la asunción de un compromiso, aprovechando la gestión de los tiempos y la composición de los planos. En una secuencia muestra a sus dos protagonistas escuchando violentos una canción de amor. Junto a ellos, una pareja amiga, que se abraza y sonríe.

La pieza musical ha dejado mella en ellos. Los protagonistas, sin embargo, se mantienen alejados, cada uno en una punta del cuadro, totalmente distanciados. “Entre nosotros” se compone de instantes como este: de una imagen de la chica rezagada en la montaña, de un plano de ella sola en la piscina. Permanece continuamente del lado de lo cotidiano, pues si incomoda es por su capacidad de alcanzar, con impecable acierto y sensibilidad, momentos tan universales como hirientes. Violeta Kovacsics

Me gusta el cine de François Ozon. De “Gotas de agua sobre piedras calientes” a “La piscina”, pasando por “Bajo la arena” y “El tiempo que queda”. Con la sola salvedad de esa incomprensible memez llamada “Ricky”, suelo conectar con su mirada, su libre albedrío expresivo, su humanismo cruel y descarnado. “Le refuge” es un cuento sobre una mujer perdida, sobre la soledad dejada por un novio muerto y la esperanza de un hijo. Y uno piensa que cuando el cine francés —el buen cine francés, se entiende— consigue atrapar el alma de un personaje, la verdad se hace presente de forma incontestable. Hay aquí varios de esos momentos, instantáneas de amor y muerte tomadas por un artista talentoso y atrevido. Pronto el relato abandona, por suerte, el tremendismo algo enfático y bastante desagradable de sus primeros minutos, para instalarse en un impresionismo rohmeriano que le sienta como un guante. Fantástica creación de Isabelle Carré en un personaje de tremendos vaivenes emocionales, una mujer que busca desesperadamente un refugio donde esconderse, donde hallar una paz simulada que le permita huir de la barbarie.

Y lo encuentra, y es en ese refugio donde descubrirá que en los escondites habitan monstruos. Toni Vall

En una presumible “Guía para el verdadero entendimiento del resurgir del fenómeno zombie” se podrían concretar las claves de la sádica audiencia de la sociedad actual, o servir un elevado análisis sobre estas criaturas como gran representación de la muerte. Primero ves como todo el mundo muere a tu alrededor, luego la muerte se te acerca y pasas a ser simplemente un muerto más. Bah, ¿no? Se trata de decir si es una peli de zombies buena o mala. Pues bien, para eso siempre hay que fiarse de un freaky de zombies, y como hay uno en cada esquina, pues nada... Tú, ¡ven aquí! Voilà!, aquí lo tenemos, os dejo con él. Hola, yo, la verdad, me lo pasé bien con lo de los estudiantes en una caseta en medio de la montaña nevada, y los zombies con uniformes de oficiales nazi, pero la verdad es que, salvo un par de escenas de desmembramiento, los homenajes al género, especialmente a “Evil dead”, y la rubia, que está bastante buena, pues bueno, ¡psé! Mira, de hecho, lo mejor de esta peli es precisamente la escena protagonizada por el gordo freaky, el que va con la camiseta de “Braindead”.

El tipo tiene la inmensa suerte de que sus adorados muertos vivientes le revienten la cabeza después de montárselo con una noruega, justo en el preciso instante posterior a una excreción gustosa. Planazo, ¿no? Albert Fernández

096/097

libros Enrique Vila-Matas

american most wanted Texto

“Las tres balas de Boris Bardin”

Milo J. Krmpotic CABALLO DE TROYA

Antonio Lozano Tamara (Anacronic)

Ilustración

Gay Talese OCEAN CITY (NUEVA JERSEY), 1932

“L

os escritores de no ficción están considerados ciudadanos de segunda y eso me revienta”. (Gay Talese) Dicen que el hábito no hace al monje y que no hay que fiarse de las primeras impresiones, pero ninguna de estas máximas se aplican a Gay Talese porque los trajes a medida, el sombrero de ala ancha y el pañuelo de seda en la solapa, esto es, el dandismo desde el que te saluda en todas las fotos es la metáfora perfecta del legendario periodismo que lleva ejerciendo desde que con veintipocos años entró como chico de los recados en The New York Times y, en una semana y media, ya había engatusado a un editor para que le publicara un artículo sobre la vida del encargado de componer los anuncios luminosos con las noticias que asaltan las retinas de quienes cruzan Times Square. Y es la metáfora perfecta porque: 1. Talese ‘aprendió’ el oficio observando a su padre, un inmigrante italiano que abrió una sastrería en Ocean City (Nueva Jersey) —busquen a este progenitor metido de niño en un apuro con la mafia en el sensacional artículo “Los sastres valientes de Maida”—, del que dijo: “Me impresionaba el cuidado que ponía a la hora de coser y, aunque no ganaba mucho dinero, pensaba que era un tipo auténtico. Su buen nombre estaba en juego en esos trajes, no se les podía caer un botón.

Debían lucir, encajar y durar. No era un negocio rentable, pero me permitió ver que yo también quería ser un artesano”. Y así los retratos y reportajes de Talese están confeccionados más que escritos, reúnen el mimo y la belleza de un tomate RAF de huerta dorado por las dosis precisas de sol, de un baúl de madera y herrajes de hierro fabricado a mano en el siglo XVIII, de un asiento de cuero de un Rolls Royce. Para empezar, Talese no se ayuda de grabadora, de internet ni de teléfono móvil, desde siempre toma sus notas en los cartones que sostienen las camisas que le devuelven de la lavandería (quizás es el tipo que más gasta en ellas pues se cambia dos veces al día: desayuna en casa, siempre solo y con

el diario, para lo que se pone traje y corbata y luego, al bajar al sótano sin ventanas, una antigua bodega, a trabajar, se cambia de muda).

2. Talese también ‘aprendió’ el oficio de su madre, dueña de una tienda de vestidos en el mismo establecimiento donde su marido elaboraba trajes como Rafael pintaba frescos. Ahí se reunían las clientas y las conversadoras profesionales, ahí chismorreaban y arreglaban el mundo después de condenarlo, y el pequeño Talese enchufaba sus grandes orejas dándose cuenta de que este cacofónico drama humano, este zoco de gente anónima y moliente dándole a la lengua, contenía las mejores historias, porque la vida está en los detalles en apariencia inanes y en los momentos delgadísimos como los alfileres con los que clava en un corcho de su estudio subterráneo esa única página que logra completar en toda una mañana de trabajo. En ellas Talese ha hablado de dos vecinos que conversan en una acera donde se acaba de apagar un fuego y no sobre el incendio en sí; sobre una pareja que tiene una discusión de enamorados durante un partido de béisbol y no del juego en sí; sobre la perspectiva que tenía de una procesión del Día de San Patricio el músico que la cerraba con su tuba y no de la fiesta en sí. “Cuando empecé nadie prestaba atención a la gente desconocida. Yo no quería salir en la portada del diario porque ahí la noticia te domina y yo lo que buscaba era dominar la historia”.

El señor al que Tom Wolfe declaró el padre del Nuevo Periodismo, al que La Voz le hizo el favor de su vida al no concederle una entrevista y permitirle escribir el considerado mejor artículo de la historia de la revista Esquire (“Frank Sinatra está resfriado”), que se metió en una comuna nudista, practicó el sexo libre y abrió dos saunas para conocer los hábitos sexuales de sus compatriotas en los 60 (“La mujer de tu libro”), acaba de ver reunidas en “Retratos y encuentros” (Alfaguara) 14 piezas con las que una y otra vez rompió el molde de la perfección periodística. Para leerlos todos deberíamos ponernos traje y corbata.

“Solamente en Argentina, viejo, solamente en Argentina”, medita para sí mismo uno de los personajes que habitan en las sombras de la nueva novela del barcelonés Milo J. Krmpotic. Como si los cuerpos desnudos y a menudo sudorosos que poco a poco van mostrándose en estas páginas pudieran secarse únicamente con toallas recogidas del suelo, pisoteadas y sucias igual que la moral de un país al que no le queda nada por esconder, porque ya es sabido que cada prójimo lleva algo oculto. Con el cañón apuntando en más de una dirección, “Las tres balas de Boris Bardin” disfraza en clave de negro un submundo que estalla en blancos, desembocando una y otra vez en el albugíneo vacío de una pléyade de personajes atravesados por la frustración y el desencanto, jardines familiares compartiendo un espejismo de orden que antes y después faltará. En el centro de ese cónclave de recelos y engaños, damos con el dolor punzante de Boris Bardin, hombre torcido y con agujeros, antiguo cana venido a menos (que ahora trabaja de vigilante), horadado en el alma por las muchas humillaciones de su vida, más la joda de la venganza, y con el cuerpo descosido, claro, por las tres balas del título. Como palanca de la acción, leemos las cavilaciones en cursiva y primera persona de un investigador llegado a la ciudad para desenmascarar a los ladrones de un furgón blindado. La narración interna de esta figura opaca y anónima, trasunto rudo y febril de las contemplaciones de Persio en “Los premios” de Cortázar, sirve de catapulta para las acciones del resto de personajes, y anuda poco a poco una reflexión sobre la identidad argentina, al tiempo que enfatiza el sabor de la violencia. Esos primeros planos, sin embargo, no desvelan tanto como la íntima crónica en tercera persona que nos introduce en los pasos, divagaciones, entrañas y eructos de los hermanos Boris y Aleksandar, sobre todo, y de sus mujeres, familia y resto del cuerpo policial, además.

Así, poco a poco, se va conformando una formidable persecución entre párrafos, mientras la amoralidad de los protagonistas se acumula como una hinchazón y las líneas acaban por resolverse en un cuerpo a cuerpo que propina tal cantidad de drama, que verdaderamente sentimos el sabor de la sangre en la boca. La formidable impronta del autor se pronuncia en el uso de sus frases-palíndromo, el detenimiento en las cinematográficas composiciones de lugar, o la manera de poner el foco en cada pliegue de intensidad emocional, y hacernos degustar lo mismo el asado que el sexo, promoviendo una concatenación de sofocos apabullante. Albert Fernández

Vila-Matas confesó el otro día que se renueva cada quince años, y que “Dublinesca” (Seix Barral) da inicio a una nueva etapa que podría transformarse en trilogía, una trilogía dominada por “el salto inglés” que, de momento, da Samuel Riba, un editor demasiado jubilado, abstemio por prescripción médica y un poquito hikikomori que viajará a Irlanda perseguido por un sueño premonitorio. Una aventura literaria tras los pasos de Joyce y Beckett, que podría ser el último capítulo de la Era Gutenberg.

Texto Foto

Philipp Engel Mario Krmpotic

Enrique Vila-Matas EL GRAN SALTO “I

ntertextualidad; conexiones con la alta poesía; conciencia de un paisaje moral en ruinas; ligera superioridad del estilo sobre la trama; la escritura vista como un reloj que avanza”: ¿Es la teoría literaria esbozada por Riba una perfecta síntesis de la escritura vila-matiense? No, es tan sólo la síntesis idónea de la teoría que está detrás de “Dublinesca”. Y es que cada libro nuevo que hago inventa una nueva teoría. Esta la he desarrollado en un librito que ya ha aparecido en Francia (“Perdre des theories”) y que Seix Barral publicará en septiembre.

Riba es un hikikimori muy literario ¿Hasta qué punto su Dublín está fuera de la pantalla? Eduardo Lago, miembro también de la Orden del Finnegans (véase el volumen colectivo que acaba de sacar Alfabia con este título), opina que el Dublín de “Dublinesca” tiene más de Nueva York que de Dublín, un Nueva York irlandés, eso sí. Hay otras paradojas, dice, y la más importante, tal vez, sea la de que el espacio en el que se encapsula la ciudad creada es doble: virtual a la vez que real. También yo lo veo así. Los hikikomoris son un punto de referencia importante en “Dublinesca”. Gracias a ellos, se comprende, con una mezcla de terror y fascinación, que, más que morir, mi literatura se ha trasladado a unas coordenadas que desdibujan la noción de espacio-tiempo en que estábamos acostumbrados a movernos.

Las referencias a Cronenberg y Lynch en “Dublinesca” hacen pensar en la existencia de un inquietante subsuelo de su escritura que no estaría visible a primera vista. Para Maurice Nadeau, que es el único superviviente de entre los fundadores del Surrealismo francés de los años veinte, mis libros analizan la capa

que está debajo de la realidad aparente. Por decirlo de la forma tan directa en la que él lo dijo: soy surrealista. Al modo peculiar en el que lo era Gracq. Es decir, sin ser únicamente surrealista. Porque Gracq era muchas más cosas. Yo me dedico a mezclar esa tendencia surrealista con otras técnicas o interpretaciones de la realidad circundante. El cine de Lynch es lógico que me atraiga, aunque sólo sea porque propone nuevas maneras de contar historias. Creo que a estas alturas del partido ya está bien claro que sólo me aburre lo familiar, lo que ya conozco o me sé de memoria, lo que carece de sentido lúdico o de imaginación.

A pesar de estar muy presente en toda su obra, el cine no le ha devuelto el favor. A veces me imagino a Rohmer o a Kubrick (bien distintos) adaptando “Una casa para siempre”, o bien “Dublinesca”, o “Doctor Pasavento” (ésta última la soñé un día, soñé la versión cinematográfica de cinco horas y era espectacular; otro día soñé la versión minimalista y aún era, a pesar de su reducido tamaño, más espectacular todavía). Todavía tengo la esperanza de que aparezca un genio que se dé cuenta de las inmensas posibilidades que tendrían algunos libros míos si alguien quisiera hacer una película muy imaginativa y rompedora.

“Dublinesca” es una novela abstemia ¿Cómo escribe sin resaca? Imagino que tengo resaca y escribo como si tuviera dolor de cabeza y confusión, hago un borrador extenuante y alcohólico. Luego dejo que ese borrador, como si fuera una pintura, se seque. Y vuelvo al cabo de unas horas para ordenarlo todo. Tengo allí, al completo, el material deslavazado de la resaca, pero curiosamente no falta nada, salvo corregir, ordenar, dar

sentido, quitárselo a continuación para darle un segundo sentido, más profundo e inesperado.

Riba fustiga a los jóvenes editores. ¿Cómo ve usted el momento editorial actual? Me parece una clara muestra de que la línea literaria en nuestro país prosigue más fuerte que nunca y no hay que temer pues, el hundimiento de Gutenberg (pobre Riba, qué preocupaciones tiene más absurdas). Detrás de los jóvenes editores maltratados en “Dublinesca” hay en realidad escritores españoles, más o menos jóvenes, engreídos que suplen su falta de lectores (comprensible por los bodrios que producen) con una supuesta superioridad de sus objetivos intelectuales que en realidad no esconde más que su absoluta falta de talento para la creación.

Sin embargo, cada vez son más los jóvenes escritores que le tienen como el Gran Maestro de la Narrativa ¿Qué le supone esta responsabilidad? Influir a escritores jóvenes es una señal inequívoca de que, a diferencia de tantos muermos mesetarios, desprende vitalidad lo que he escrito y escribo. Pero el terreno de las influencias es resbaladizo. Nada más lamentable que ver a jóvenes influidos por lo peor de mí en lugar de lo contrario. Entiendo que la única influencia interesante que puedo transmitir es la libertad narrativa, lograr que el principiante comprenda que no hay reglas fijas y que se pueden transgredir todas las normas hasta lograr algo muy personal y nuevo. A fin de cuentas, algo está claro: esa aventura de inventarse un estilo propio es al menos infinitamente más divertida que la de imitar a la parroquia de los escritores castellano-severos convencionales… un estamento literario particularmente rancio y que sólo se da en este país de subalternos.

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libros

libros “Alba Cromm” Vicente Luis Mora

“La pesca de la trucha en América” Richard Brautigan

“€®O$” Eloy Fernández Porta

SEIX BARRAL

BLACKIE BOOKS

ANAGRAMA

“Artificio abusa de lo anunciado en su título, y nos deja tras la lectura con la sensación de haber sostenido en todo momento un muñeco de trapo, en vez de un ser vivo”. Esta cita se la hemos robado a uno de los personajes-blogueros de “Alba Cromm”, no está en el libro per se. Pertenece a una crítica que le hace el personaje Vicente Luis Mora, crítico mordaz (en todos sus avatares), al poemario de otro personaje, Ezequiel Martínez. Si la labor del crítico ha de ser elaborar una lectura transversal, en unas pocas horas, de una propuesta que ha sido elaborada en meses, años...

Si esta lectora abrió el libro con interés, a pesar de las reticencias que le producía su portada (no soy la única que piensa en Lara Croft)... Si Vicente Luis Mora, el de verdad, es narrador y poeta, y tiene un blog de crítica literaria temido por todo bicho que se mueve en el ‘mundillo’ de las letras... Abro “Alba Cromm” y me encuentro con un formato ‘novedoso’, que me recuerda mucho a la experimentación editorial de las vanguardias del pasado siglo.

Con una serie de temas trascendentes, interesantes de todo punto para un gran número de personas que desean vivir en una sociedad justa, libre, segura, y que hacen un buen y bonito artefacto narrativo a priori. Con un personaje femenino cojonudo, tan perfecto y bien delineado que hasta los secundarios tienen que proclamarlo: “...es una súper mujer”, “ninguno somos (...) lo suficientemente buenos...”.

En fin. Me remito a la cita con la que abría 1450 caracteres antes. Carolina León

Richard Brautigan no tuvo, lo que se dice, una infancia feliz.

Primero le abandonó su padre, luego, su madre. Por eso hay quien asegura que el único juguete con el que contó fue su imaginación. De ahí que sus novelas sean delirantes fábulas para adultos. De hecho, parecen escritas por un chaval atrapado (para siempre) en un cuerpo que no deja de crecer. En sus historias hay parejas a las que unas extrañas verrugas mutantes impiden tener sexo y pájaros gigantes de papel maché que coleccionan trofeos de bolos (“Willard y sus trofeos de bolos”) y hay mundos hechos de azúcar de sandía en los que los tigres se comen a tus padres (“In watermelon sugar”). Y hay, sí, un hotel que se llama “La pesca de la trucha en América” (la novela que nos ocupa, recién recuperada por Blackie Books, en una traducción que, desgraciadamente, rompe con el brillante Brautigan que nos dio a conocer Anagrama) y un tipo que confunde a señoras con arroyos llenos de truchas. Porque sí, hay truchas. Y una estatua de Benjamin Franklin, y un viaje que, dicen, en su momento (1967) funcionó como parodia hippie de “En la carretera”. Pero supongo que cuando tu madre te abandona en una habitación de motel tienes que jugar a que eres un vaquero atrapado en el cuerpo de un niño de nueve años que algún día tendrá una máquina de escribir y podrá acabar para siempre con ese lugar horrible en el que se ha convertido el mundo. Por eso no puede leerse a Brautigan como se lee a cualquiera. Hay que leer a Brautigan con la ingenuidad que él arrastró durante toda su vida. Y simplemente, reírse. Del mundo, sí, pero sobre todo, de uno mismo. Laura Fernández

¿Quién sino Eloy F. Porta (inquieto pensador natural de una ciudad como Barcelona, la verdadera Babilonia del siglo XXI) podría haber sido mejor candidato al Premio Anagrama de Ensayo 2010 por semejante estudio sobre el amor en la actual sociedad de consumo? Nadie excepto él mismo. “€®O$” es una obra directa y sin concesiones en la que, a través de la ironía cítrica, hace alarde del dominio de un incalculable número de recursos estilísticos —revisen su anterior cumbre “Homo Sampler” (Anagrama, 2008)— quedando patentado ya como su original e inherente método de expresión narrativa. “€®O$” es un ensayo desbordado de brillantes pasajes paródicos que, tras la carcajada, invitan a la reflexión mostrando realidades que nadie reconoce —ya sea por ineptitud, ceguera o por simple cabezonería— y en las que todos (y todas) nos vemos reflejados en algún momento. Fernández Porta sitúa al lector frente a un espejo, mientras le muestra las aseveraciones ocultas tras la publicidad y la moda, las verdaderas catapultas de la economía del sentimiento; además, ejemplifica cada uno de los estadios del enamoramiento característico de la sociedad occidental globalizada a través de la influencia de la cultura pop (la recta final del libro en torno a la dolida banda granadina Los Planetas es sublime). Una tesis que arremete con mano dura contra los clichés, reiteraciones y paroxismos que alimentan a un monstruo despiadado, de la peor estirpe imaginable, que es el sentimiento capitalizado, una de las características de la sórdida Era de la Comunicación en la que nos ha tocado vivir. Matías Bosch

“El anorak de Picasso” José Antonio Garriga Vela

“Indigno de ser humano” Osamu Dazai

“Autobiografía sin vida” Félix de Azúa

CANDAYA

SAJALÍN

MONDADORI

En 1981 la madre de la artista Sophie Calle, a instancias de su hija, contrata a un detective para que la siga y documente sus actividades, aportando de esa manera un testimonio de su existencia. Años más tarde Enrique Vila-Matas ofrece una conferencia sobre dicha artista. Tras la publicación del libro “Muntaner, 98” de José Antonio Garriga Vela, Vila-Matas se preguntó si éste conocía que la casa del título había sido el taller de Santiago Rusiñol, donde junto a otros artistas coetáneos fundó El Cau Ferrat. Esa pregunta dio lugar al relato “El anorak de Picasso” que encabeza y titula este volumen. Garriga Vela cuenta la anécdota en la que el pintor malagueño acude al que era domicilio familiar y sastrería de su padre, que antes había acogido el taller de Rusiñol, y una vez allí encarga un anorak que no sería entregado hasta 25 años después. La persecución y el azar forman parte del mundo literario de Garriga Vela; “una realidad imaginada y una ficción vivida”, como dice Juan Bonilla en la contraportada, y que tiene siempre como protagonista al propio autor. El resto de relatos, algunos ya esbozados anteriormente como artículos en prensa, muestran el proceso de creación de sus novelas así como otras vivencias personales convenientemente fabuladas. Garriga Vela, miembro de la Orden del Finnegans, se inscribe en la autoficción pero sin la carga metaliteraria de Vila-Matas, lo que hace que su lectura sea más ligera. Un aperitivo que invita a buscar sus novelas y seguir leyéndole. Álex Gil

“Por lo general, las personas no muestran lo terribles que son. Pero son como una vaca pastando tranquila que, de repente, levanta la cola y descarga un latigazo sobre el tábano. Basta que se dé la ocasión para que muestren su horrenda naturaleza”. Este párrafo condensa la visión trágica y nihilista que el autor Osamu Dazai, pseudónimo de Tsushima Shuji, derramó sobre “Indigno de ser humano”, relato existencial compuesto de tres cuadernos, publicado por primera vez en 1948 y uno de los grandes best sellers de la literatura nipona.

La mirada abismada y desesperanzada de Yozo va hilando una narración en primera persona en la que la degradación del sujeto y el miedo al prójimo —y por extensión a uno mismo— se imponen como motores narrativos. Un continuum de luchas internas, malestar y yoísmo extremo marcado por un sentimiento de perpetua huida de la sociedad que su protagonista intenta purgar a través de la adicción al alcohol, la morfina y la mala vida en general, y que encuentra su colofón fuera de los márgenes ficticios de la novela. Poco después de haber publicado “Indigno de ser humano”, el autor se suicidó con su amante arrojándose a un río. Así acabó Dazai su lucha desesperada con la sociedad, ese montaje hipócrita en el que, como llega a decirnos en algún punto del libro, “los seres humanos no pueden relacionarse más allá de la rivalidad entre perder y ganar”. Laura Gamundí

Hace unos pocos años Félix de Azúa explicó por qué, de repente, decidió dejar de escribir poemas, “La poesía, como la religión, tiene papas, obispos, curas y hasta monaguillos.

Luego están los que hablan directamente con dios. Yo dejé de escribir poemas porque me di cuenta de que nunca hablaría directamente con dios. Hasta entonces sólo había hecho versitos”. Pues bien, a sus sesenta y tantos, si en “Autobiografía sin vida” Félix de Azúa no habla con dios, por lo menos le ha sido concedida la gracia de ver de cerca su gloria. A través del análisis de las imágenes que han marcado su vida, construye un libro indefinible, adulto y musculoso, que se lee poco a poco, en la trinchera, y que obliga a reflexionar sobre cada capítulo, cada página, cada frase. De cuevas prehistóricas ¿decoradas? con impenetrables dibujos de caballos a meditaciones sobre la naturaleza de la novela moderna, Azúa viaja a través del ser humano deteniéndose en las imágenes que de un modo u otro son el Ónfalos del nacimiento de una nueva época. Y se para en anteayer, oteando desde la orilla la muerte de dioses viejos y el nacimiento de dioses aún desconocidos. Imposible encontrar un gramo de grasa en “Autobiografía sin vida”. Los aspirantes a notario se han lanzado al examen del libro como si fuera un vulgar folleto after-lo-que-sea. ¿Es ensayo? ¿Biografía? ¿Relato? ¿Qué? ¡Y a quién le importa! Es, a secas, lo mejor de Azúa, agota, abruma, apabulla y vence en ciento sesenta páginas. De tener que subrayar algo, sería el libro entero. Daniel López Valle