Revista Keyboard Brasil 2016 número 36

Revista

Keyboard ANO 3 :: 2016 :: nº 36 ::

:: Seu canal de comunicação com a boa música!

Brasil

www.keyboard.art.br

A ODISSEIA THE BEATLES Gravações e efeitos ocultos da Abbey Road.

CORAL NA TERCEIRA IDADE Por uma vida mais saudável!

A VERDADE SOBRE PIANOS ACÚSTICOS Piano bom é piano novo!

CASSIA ELLER A acidez doce que se calou há 15 anos!

ROGERIO TUTTI O virtuoso maestro e pianista brasileiro que tem conquistado o mundo!

E MAIS:

Ahmada Jamal / Plácido Domingo / Martha Argerich Rogério Rochlitz / Daniel Sanches / Adelbert Carneiro...

Editorial Em um país onde predominam as nulidades musicais, algumas gritantemente óbvias e outras mais camufladas para os ouvidos incautos, é um alento constatar que existam brasileiros com sensibilidade e talento para a música, seja ela qual for o estilo. Este mês e como sempre, fazendo parte de nossa edição, estão grandes músicos! A começar por nossa matéria de capa: Rogerio Tutti, virtuoso pianista e maestro de reconhecimento mundial e atualmente um grande showman! Entre os aniversariantes, estão 3 personalidades que não poderíamos deixar de falar: Ahmad Jamal, uma das figuras centrais na longa história do Jazz; a pianista argentina Martha Argerich, comemorando a data com o lançamento de um CD através do selo Deutsche Grammophon; e um dos tenores mais versáteis do mundo da ópera, o espanhol Plácido Domingo. Esses dois últimos artigos escritos brilhantemente por nosso colaborador maestro Osvaldo Colarusso. Rafael Sanit traz, na seção outros sons, o músico contrabaixista, arranjador e compositor Adelbert Carneiro, músico que une a linguagem sofisticada do Jazz à música legitimamente amazônica. Amyr Cantusio Jr, apreciador da banda The Beatles, presenteia os leitores com um artigo baseado em suas pesquisas pessoais de 30 anos, sobre as gravações e efeitos ocultos da Abbey Road.

Você ainda acredita que um piano velho é um piano bom?

Leia o artigo de Luiz Carlos Rigo Uhlik! É esclarecedor.

Sergio Ferraz traz a segunda parte de seu artigo sobre o nacionalismo na música erudita. Há 15 anos perdíamos uma das vozes mais expressivas da música brasileira: Cássia Eller, a nossa diva do mês, através de Marina Ribeiro. E que tal conhecer o rock experimental

er & Foto: Stiebl

Bucciarelli

Expediente

Julho / 2016

Heloísa Godoy Fagundes - Publisher

revolucionário, fresco e emocionante da Venezuela da década de 70? Venezuela 70: Visões Cósmicas de uma terra da América Latina é uma compilação impressionante e única! E, atenção músicos! Façam como Rogério Rochlitz e Daniel Sanches, enviem seu material e apareçam! É gratuito!

Excelente leitura a todos!

NOTA: Por motivos de saúde, excepcionalmente este mês, não teremos a coluna do colaborador Murilo Muraah. Nosso desejo é que retorne suas atividades 100%!!

Daqui enviamos boas vibrações!

Revista

Keyboard

Brasil

Editora Musical

Revista Keyboard Brasil é uma publicação mensal digital gratuita da Keyboard Editora Musical.

Diretor: maestro Marcelo D. Fagundes / Editora: Heloísa C. G. Fagundes Capa: Stiebler & Bucciarelli / Caricaturas: André Luiz / Marketing e Publicidade: Keyboard Editora Musical / Correspondências / Envio de material: Rua Rangel Pestana, 1044 - centro - Jundiaí / S.P. CEP: 13.201-000 / Central de Atendimento da Revista Keyboard Brasil: contato@keyboard.art.br As matérias desta edição podem ser utilizadas em outras mídias ou veículos desde que citada a fonte.

Matérias assinadas não expressam obrigatoriamente a opinião da Keyboard Editora Musical.

04 / Revista Keyboard Brasil

Espaço do Leitor Mais uma matéria fantástica do Uhlik: O QUE A FÓRMULA DE BHASKARA TEM A VER COM A MÚSICA? Só a Editora Keyboard, sob o comando da talentosa Helô, dispõem este tipo de reflexão!

Luiz Carlos Rigo Uhlik – via facebook Parabéns! Excelente matéria O QUE A FÓRMULA DE BHASKARA TEM A VER COM A MÚSICA? (matéria de Luiz Carlos Rigo Uhlik, edição nº 35 junho).

Rick Ventury – via facebook Sabe tudo dr. Uhlich entrei agora no menu mic setting/vocalharmony, na parte do talk, do PSR S 950. Onde gosto de cantar e me impressionei, nos recursos de alteração na voz, só voz sem vocalist, primeiro, e começei a mexer em equalização da voz, EQ LOW, EQ MID, no EQ HIGH, e RATIO, REVERBE , CHORUS, e fiquei impressionado, salva-se tudo como quer, renomeio a voz que quiseres e cara, é de surpreender, Yamaha matou a pau.. E com tuas orientações, fica muito bom tocar como falastes teclados arranjadores, rytmo, harmonia, e melodia... Agora descobri como mexer equalização da voz. Com este par de CXS HS 8 , ativas, dá vontade de não trabalhar mais em meu escritório contábil... Viva Bháskara. Pitágoras, regra de 3, etc e um escambal de loucos... (matéria de Luiz Carlos Rigo Uhlik, edição nº 35 - junho).

Unknown – via Blog Muito bom o texto "A CRISE E OS PROTAGONISMOS DO ESTADO E DA SOCIEDADE"! (matéria de Luiz Bersou, edição nº 34 - maio).

Dimas Costa – via Blog Adorei o toque do pianista Diogo Monzo!!! Não o conhecia. Fiquei conhecendo através de você Heloísa! (matéria de capa da edição nº 35 - junho). maestro Osvaldo Colarusso – via facebook

A Revista Keyboard Brasil agradece a todos os comentários e lança uma pergunta: o que desejam que a Revista publique? Queremos saber o que nossos leitores pensam! Deixem sua opinião em nossa página do facebook, no site da editora Keyboard, no blog da Revista ou mande um e-mail.

Revista Keyboard Brasil / 05

Índice

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COMEMORAÇÃO: Martha Argerich - por Osvaldo Colarusso

MATÉRIA DE CAPA: Rogerio Tutti - por Heloísa Godoy Fagundes

36 LANÇAMENTO: CD Venezuela 70 - por Heloísa Godoy Fagundes

PERFIL: Rogerio Rochlitz - por Heloísa Godoy Fagundes

38 CONTAGEM REGRESSIVA: Reforçando a educação musical no país - Redação

A VISTA DE MEU PONTO: A verdade sobre pianos acústicos - por Luiz Carlos Rigo Uhlik

84 PIONEIRISMO: Plácido Domingo - por Osvaldo Colarusso 06 / Revista Keyboard Brasil

ACONTECEU: Daniel Sanches por Virtuosi Produções

EXPERIÊNCIAS: Gravações & efeitos ocultos da Abbey Road- por Amyr Cantusio Jr.

42

56

HOMENAGEM: Ahmada Jamal - por Heloísa Godoy Fagundes

68

62

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SOBRE OS SONS: Nacionalismo na Música Erudita / parte 2 - por Sergio Ferraz

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78

PAPO DE TECLADISTA: Hanon nº 1 - Exercícios de Técnica - por Tiago Mineiro

90 EDUCAÇÃO: Dicas para um coral da terceira idade - por Hamilton de Oliveira

OUTROS SONS: Adelbert Carneiro por Rafael Sanit

94 DIVAS DA VOZ: Cássia Eller - por Marina Ribeiro

www.beatlesparacriancas.com

Comemoração

MARTHA ARGERICH:

Retrato de uma pianista quando jovem 08 / Revista Keyboard Brasil

Serviço: Martha Argerich – Early recordings.

Obras de Mozart, Beethoven, Ravel e Prokofiev.

Selo Deutsche Grammophon. 2 Cds. Lançamento internacional no último dia 16 de maio. Para baixar em mp3 (com o libreto incluso) no iTunes: U$ 7,99. No site Presto Classical (http://www.prestoclassical.co.uk/) em MP 3 U$ 5,25 e em flac U$ 6,50 (com libreto incluso nos dois formatos).

Para quem quer o disco físico é encontrável no site brasileiro CD Point (www.cdpoint.com.br), e você deverá desembolsar R$ 148,39..

DECIDIDAMENTE MARTHA ARGERICH É UMA DAS MAIORES PIANISTAS DE SUA GERAÇÃO, E PODEMOS CONSTATAR QUE ELA JÁ ERA UMA MUSICISTA EXCEPCIONAL AOS 19 ANOS DE IDADE. NAS OBRAS DE MOZART E BEETHOVEN O “HUMOR CLÁSSICO”, CITADO PELO PIANISTA E MUSICÓLOGO CHARLES ROSEN, SURGE DE FORMA CLARA E ESPONTÂNEA. OS MISTÉRIOS DA ESCRITA DE RAVEL SE APROXIMAM DA LOUCURA E DO FRENESI NA VISÃO DA ENTÃO JOVEM PIANISTA, E RARAMENTE IDEIAS MAGICAMENTE ARTICULADAS DE PROKOFIEV FORAM TÃO VALORIZADAS E EVIDENCIADAS. A PIANISTA FEZ ANIVERSÁRIO, MAS QUEM GANHOU O PRESENTE FOMOS NÓS: QUASE CITANDO JAMES JOYCE, UM BELÍSSIMO “RETRATO DE UMA PIANISTA QUANDO JOVEM”. * * Por Maestro Osvaldo Colarusso

A

grande pianista argentina Martha Argerich completou 75 anos de idade

mês passado. Para festejar a data o selo Deutsche Grammophon lançou um CD

duplo com gravações teste da pianista efetuadas no ano de 1960, isto é, quando a artista tinha apenas 19 anos de idade, 5 anos antes dela ganhar o Concurso Chopin de Varsóvia. Algumas obras aparecem Revista Keyboard Brasil / 09

aqui pela primeira vez numa gravação comercial e com um som excelente!

Entre as obras que Martha Argerich gravaria posteriormente temos duas de Maurice Ravel: Sonatine e Gaspard de la nuit. Em 1974, a pianista gravou estas obras de forma tão arrebatadora que os

registros permanecem como referência absoluta até hoje entre as inúmeras gravações que existem destas obras. Mas é muito interessante ouvi-la executando-as 14 anos antes, em 1960.

Sem dúvida, há uma selvageria e uma impetuosidade que devem ter assustado os executivos da gravadora (talvez a razão destas gravações não terem sido lançadas na época), mas não podemos ignorar a genialidade da então jovem pianista. Sim, há mais controle na gravação de 1974, mas talvez haja mais genialidade nesta gravação que permane-

ceu inédita por 56 anos.

As obras que nunca apareceram em gravações comerciais da pianista convertem-se em itens absolutamente valiosos. Inicialmente duas obras do classicismo musical, também gravadas em 1960: de Beethoven, a Sonata Nº 7 em Ré maior opus 10 Nº 3 e de Mozart, a Sonata Nº 18 em ré maior IK 576.

Versões rápidas, leves e ao mesmo tempo expressivas, sobretudo no andamento lento da Sonata de Beethoven. Do compositor russo Sergei Prokofiev aparecem três obras primas, mais uma vez em gravações inéditas: a Tocatta opus 11 (numa gravação anterior daquela lançada comercialmente), e duas obras nunca antes lançadas comercialmente: a Sonata Nº 3 e a Sonata Nº 7 (a única gravação de 1967 no álbum).

* Osvaldo Colarusso é maestro premiado pela Associação Paulista dos Críticos de Arte (APCA).

Esteve à frente de grandes orquestras, além de ter atuado com solistas do nível de Mikhail Rudi, Nelson Freire, Vadim Rudenko, Arnaldo Cohen, Arthur Moreira Lima, Gilberto Tinetti, David Garret, Cristian Budu, entre outros. Atualmente, desdobra-se regendo como maestro convidado nas principais orquestras do país e nos principais Festivais de Música, além de desenvolver atividades como professor, produtor, apresentador, blogueiro e colaborador da Revista Keyboard Brasil. ** Texto retirado do Blog Falando de Música, do jornal paranaense Gazeta do Povo.

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Fotos: Stiebler & Bucciarelli

MatĂŠria de Capa

ROGERIO TUTT 12 / Revista Keyboard Brasil

TI

O virtuoso maestro e pianista brasileiro que tem conquistado o mundo!

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ROGERIO TUTTI É UM MAESTRO RECONHECIDO MUNDIALMENTE POR SER UM VIRTUOSO DO PIANO E TAMBÉM UM SHOWMAN. SEUS CONCERTOS – SOLO OU COM SUA PRÓPRIA ORQUESTRA – EMOCIONAM E ENCANTAM PLATEIAS DO MUNDO TODO. EM SUA RECENTE TURNÊ PELA EUROPA PASSOU POR MAIS DE 20 PAÍSES, LOTANDO TEATROS E SENDO APLAUDIDO EM PÉ EM TODAS AS SUAS PERFORMANCES. EM 2017, TUTTI FARÁ UMA TURNÊ COM SUA ORQUESTRA PELAS PRINCIPAIS CIDADES DOS ESTADOS UNIDOS. ATUALMENTE RESIDENTE EM NOVA YORK, COM AGENDA LOTADA ATÉ O FINAL DO PRÓXIMO ANO, E ENTRE TANTAS VIAGENS, ROGERIO TUTTI NOSSA MATÉRIA DE CAPA - DÁ UMA PAUSA PARA NOS CONCEDER UMA ENTREVISTA ESPECIAL. Por Heloísa Godoy Fagundes

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R

ogerio Tutti iniciou sua carreira

pianística aos 11 anos, em Bauru no interior de São Paulo. Em pouco tempo teve grande destaque em concursos nacionais e internacionais, o que lhe gerou ótimas oportunidades de estudar piano clássico nas principais escolas do mundo, como o Conservatório de Tchaikovsky, na Rússia e o New England Conservatory, em Boston. Aos 16 anos já tinha estabelecido uma carreira internacional, apresentando-se em algumas das principais salas do mundo todo, em concertos solo e com algumas das mais prestigiadas orquestras e regentes.

Em 2007, Tutti lançou seu DVD intitulado “Concerto de Piano”, que projetou ainda mais sua carreira internacional, pois foi transmitido em mais de 40 países. No mesmo ano, apresentou um programa de TV sobre música clássica na Rede Vida de Televisão. Desde então, o músico tem feito aparições constantes na TV, onde conquista o público com seu carisma e personalidade.

Em maio de 2015, Rogerio Tutti gravou seu segundo DVD no Citibank Hall em São Paulo, considerada uma das mais importantes casas de shows do país, apresentando o seu show “Crossover Performance”. O espetáculo, apresentado para mais de 3000 pessoas, misturou jazz, rock, pop e música clássica. Inteiramente idealizado, escrito e dirigido pelo pianista, contou com participações especiais, de solistas e dançarinos. Na superprodução, o maestro surpreendeu o público com duas de suas composições.

Atualmente, Tutti é convidado para fazer shows para grandes públicos em teatros do mundo todo, onde tem se apresentado com sua própria orquestra. Nestas apresentações, ele é o pianista solista e também regente.

Trajetoria (1) DVD Concerto de Piano Intérprete: Rogerio Tutti Gravadora: Klavier, 2007 (2) CD Chopin and Debussy Intérprete: Rogério Tutti Gravadora: Klavier, 2014 (3) CD Brilliance Chopin and Lizst - Etudes Intérprete: Rogério Tutti Gravadora: Klavier, 2015

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A música tem o poder de levar alegria e felicidade para as pessoas e, assim, construir um mundo melhor.

Foto: Edi Pereira

– Rogerio Tutti

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O

e compositor resenta seu Rogerio Tutti ap ulado Rogerio segundo DVD, intit gravado ao vivo no Tutti in Concert, do ano o Paulo, em maio Citibank Hall, em Sã de resentado para mais passado. O show, ap úsica ou jazz, pop, rock e m 3000 pessoas, mistur to e cri mente idealizado, es clássica e foi inteira sua ico. Ao lado de dirigido pelo mús e qu s njo apresentou arra orquestra, o artista y, ov sk si co s de Tc ha ik m is tu ra ra m cl ás rock, p sucessos do po e Beethoven e Liszt a to Hell Aznavour, Highway como She, de Charles sso, o do Sertão. Além di de ACDC e Luar ciais m participações espe espetáculo contou co o o es da música, com de grandes virtuos e o Jô do quarteto do saxofonista Derico, tervenPópolo, além de in guitarrista Marcos ém do tango e sapatea . Al ções de dançarinos de úsicas, tração de todas as m de escrever a orques sições ao público compo Tutti apresentou Déa ra o músico, este DV próprias inéditas. Pa artista, ais completa como sua manifestação m l de ce vai além do pape pois sua performan o. ionalmente virtuos ista clássico excepc an pi do igi o dir m e co o também do, escrit Inteiramente idealiza , Tutti apresenta-se ow sh In ste tti Tu Ne rio ge D Ro pelo músico, o DV e anfitrião. ra jazz, regente, compositor do em 2015, mistu Concert, grava r ssica, além de conta pop, rock e música clá eciais. com participações esp

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maestro,

pianista

ENTREVISTA Revista Keyboard Brasil: Como a música surgiu em sua vida? O que você ouvia na infância?

Rogerio Tutti: Acredito que a música sempre fez parte da minha vida. Não consigo me lembrar de um momento em que ela não estivesse presente. Apesar de não ter nenhum músico na família, meu pai sempre gostou muito de ouvir orquestras e big bands e eu adorava.

Minha mãe conta que com 4 anos de idade pedi para ela um “casaco de rabinho”, que provavelmente devo ter visto ao assistir o Tom (do desenho Tom & Jerry) tocando a Rapsódia Húngara n. 2 naquele desenho famoso, sabe? Aquele em que o Tom tenta tocar todo sério e o Jerry fica dentro do piano “fazendo arte”.

Revista Keyboard Brasil: Qual sua recordação mais marcante onde você teve a certeza dizendo: - é isso que eu quero!

Rogerio Tutti: Aos 11 anos comecei a estudar piano, e foi como um amor à primeira vista. Lembro que com apenas 3 meses de estudo, tive contato com algumas músicas mais complexas do repertório pianístico e fiquei muito impressionado. E fui perguntar ao meu professor como deveria fazer para tocar aquelas músicas e ele me disse, com muita naturalidade: “É só sentar naquele banquinho e estudar”. Aquela frase marcou a minha vida e foi como um grande insight.

Foi isso o que eu fiz: sentei e estudei. E faço isso até hoje (risos).

Revista Keyboard Brasil: Como começou a tocar piano? Conte-nos sobre a sua formação.

Rogerio Tutti: Meu pai sempre teve vontade de tocar um instrumento e comprou um teclado. Então, eu, meu irmão e meu pai começamos a fazer aulas de piano. Em pouco tempo, eles pararam e eu continuei. Primeiramente, estudei com professores particulares. Depois fiz técnico, graduação, pós-graduação, mestrado e doutorado em piano performance. Estudei em Cuba, na Rússia e nos Estados Unidos. No total foram 19 anos de estudo em instituições. Posso dizer que ainda estou “em formação” e acredito que vou continuar estudando até morrer (risos).

Revista Keyboard Brasil: Quais foram os pianistas que mais influenciaram a sua maneira de tocar?

Rogerio Tutti: Posso citar o nome de diversos pianistas clássicos consagrados que me influenciaram e a lista ficaria bem grande, mas aqui quero lembrar um pianista muito especial pra mim, que eu nunca vi tocar, que é Franz Liszt. Ele foi o primeiro pianista showman, que ajudou a perpetuar a ideia do solista virtuose. Uma curiosidade sobre ele é que foi o primeiro a colocar o teclado virado para a plateia em suas apresentações, de forma que o público pudesse acompanhar sua performance. Como compositor, desenvolveu a técnica pianística ao máximo e fez muitos arranjos, transcrições para piano solo de músicas famosas de seu tempo.

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Revista Keyboard Brasil: Diferentemente de seu primeiro DVD, intitulado "Concerto de Piano", de 2007, seu segundo DVD, "In Concert", foi uma superprodução, onde você misturou diversos estilos, como o rock, o jazz e a música clássica em formato instrumental com solos de piano acompanhado de uma grande orquestra. Essa superprodução foi acompanhada por bailarinos, efeitos visuais e artistas consagrados, seguindo os passos de André Rieu e David Garret. Pergunto: Como surgiu essa ideia?

Rogerio Tutti: Os dois DVDs mostram o caminho da minha carreira. Comecei como pianista concertista clássico. Esse segundo DVD é resultado natural do processo de meu desenvolvimento como artista. Hoje, considero que nos meus shows me expresso de uma forma bem mais completa como artista: não só como pianista concertista, mas também como compositor, arranjador e regente. Além disso, sou também anfitrião e apresentador. Meu papel, portanto, é bem mais desafiador. Além de ter que estudar muitas horas diárias para os solos do piano, tenho que pensar e compor toda a orquestração, além de cuidar da concepção temática e da direção artística de todos os aspectos do show, como iluminação artística, vídeo-arte projetado, as participações especiais, etc. Quanto ao repertório, escolho as músicas que me tocam o coração e a alma. A mistura de gêneros, assim, acaba acontecendo de forma natural, pois com a formação acadêmica sólida que tenho me sinto livre para tocar qualquer estilo. O meu show procura mostrar o lado virtuosístico e performático do piano, sem limitações quanto ao repertório, claro que sempre procurando as belas melodias que tocam o coração.

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RKB: Em seu show, você apresenta diversos arranjos e composições próprias.

Como se dá o seu processo criativo?

RT: Muitas de minhas ideias vêm de reflexões que faço imaginando um determinado compositor em um cenário completamente diferente. Penso no que levou determinado compositor a escrever de certa forma, o que o inspirou, o que o influenciou. E se Beethoven tivesse nascido em Porto Rico? Daí nasceu uma composição minha chamada “Moonlight Salsa” (risos). Também penso se os compositores estivessem vivos hoje, num tempo completamente diferente. Por exemplo, que transcrições Liszt faria se estivesse vivo hoje? Além disso, gosto de misturar diferentes compositores, em uma mesma música, como se eles fossem um. Ideias como esta surgem quase todos os dias e assim vou criando meus arranjos.

Quanto às minhas composições, às vezes parto de um tema, de uma progressão harmônica, ou mesmo de uma célula rítmica e aí desenvolvo.

RKB: Como é sua rotina diária de estudos?

RT: Eu continuo estudando com a mesma intensidade de quando comecei. Quando não estou em turnê, fico o dia inteiro no piano. Em turnê, procuro manter pelo menos 4 horas de estudo.

poder de...

RT: levar alegria e felicidade para as pessoas e, assim, construir um mundo melhor.

RKB: Você é pianista, compositor, regente, estuda diariamente, e mantém uma agenda de shows lotada. Não se sente sobrecarregado?

RT: Eu amo o que eu faço, então toda a minha dedicação e o meu esforço são, na verdade, um prazer pra mim. Gosto muito desta frase de Confúcio e acredito que ela reflete muito o meu ideal de vida: “Escolha um trabalho que você ame e não terá que trabalhar um único dia de sua vida”. Além do trabalho, também gosto muito de viajar, conhecer lugares diferentes e ter contato com pessoas do mundo todo. Sou muito grato à vida por ter a oportunidade de viver de música.

RKB: Quais seus projetos futuros?

RT: Nesse momento, estou em turnê divulgando este novo trabalho, meu DVD e CD “In Concert” e meu próximo ano está comprometido com isso. Claro que estou sempre escrevendo coisas novas, e um próximo álbum já está na mira para o segundo semestre do ano que vem.

RKB: Muito obrigada pela entrevista!

RT: Eu que agradeço pela oportunidade.

O prazer foi meu!

RKB: Continue a frase: a música tem o

* Heloísa Godoy Fagundes é pesquisadora, ghost Writer e esportista. Amante da boa música, está há 10 anos no mercado musical de revistas. Já trabalhou na extinta Revista Weril e atualmente é publisher e uma das idealizadoras da Revista Keyboard Brasil.

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ExperiĂŞncias

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GRAVAÇÕES & EFEITOS OCULTOS DA ABBEY ROAD

DE ANTEMÃO JÁ DEIXO CLARO AOS MÚSICOS, FÃS, LEITORES E APRECIADORES QUE FIZ ESTE ARTIGO BASEADO EM MINHAS PESQUISAS PESSOAIS DE 30 ANOS, EM MINHA VISÃO, AUDIÇÃO E EXPERIÊNCIA COMO MÚSICO, OUVINTE E APRECIADOR. O OBJETIVO É UM SÓ: DAR UMA IDEIA DO QUE SE PODE CRIAR DE EFEITOS E ATMOSFERAS DENTRO DE UM ESTÚDIO E GERAR UMA MÚSICA MAIS PROFUNDA E RICA PARA A POSTERIDADE. * Por Amyr Cantusio Jr.

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Ouça The Beatles - Norwegian Wood, em rara versão (take 2).

T

udo realmente começou no álbum RUBBER SOUL em 1965, (música "Norwegian Wood (This Bird Has

udo realmente começou no álbum RUBBER SOUL em 1965, (música “Norwegian Wood (This Bird Has Flown”) com a entrada de George Harrison com a música indiana (sitars e tablas) e vai se estender para todos os outros discos posteriores (Revolver, Álbum Branco, Magycal Mystery Tour, Sgt.Peppers,Yellow Submarine,Abbey Road e Let It Be).

Para detalhes, trago neste artigo, o LINK de “Norwegian Wood” no Youtube composição de Lennon e instrumentação de sitars hindus pela primeira vez na história do rock por George Harrison.

O LP Rubber Soul, além da influência indiana, traz também os primeiros LPS com camadas de “reverber” e “ecos” pincelados para dar mais brilho e diferenciar sua música das de outras bandas. Toque de gênios.

Não vou me estender amplamente pois o assunto é complexo. Mas focarei no alvo principal, que descobri ser o produto final “psíquico” que eles utilizaram em 90% das composições pós 1965. E isto fez com que a

música metafisicamente “grudasse” em quem quer que fosse o ouvinte! Eu mesmo gravei e comprovei estes efeitos nos meus trabalhos desde 1974.

Fui aprimorar nos Estudios Americanos da Juratel, em Campinas, suntuoso e hiper equipado com telas defletoras de som, piano de cauda e um conjunto primoroso de GRAVADORES FOSTEX/AMPEX e REVOX (incluindo de uma polegada). Gravei 7 LPS do ALPHA III ali e mais uns 5 de outras bandas.

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Então o foco seria os GRAVADORES DE ROLO. Estes possuem um PITCH (afinador de altura musical mais rápido, lento ou ondulante) o qual foi utilizado amplamente pelos BEATLES e George Martin, com certeza absoluta.

A “oscilação meio desafinada” ouvida principalmente no Álbum Branco (“Long Long Long”, por exemplo) é uma constante em todos os álbuns... Algo parecido com um “Leslie ou Phaser com defasagem ondulatória lenta contínua”.

Esse efeito provoca no ser humano, de maneira geral, uma “angústia” ou uma certa “tristeza”, algo melancólico e onírico. A certeza

Os gravadores de rolo possuem um PITCH (afinador de altura musical mais rápido, lento ou ondulante) o qual foi utilizado amplamente pelos BEATLES e George Martin, com certeza absoluta.

absoluta é que veio do contato de Harrison e Lennon com a música indiana, que é microtonal e cheia de glissandos e legatos, dando este efeito natural na sitar e nas ragas com instrumentos folclóricos de arco indiano. Inclui-se, também, o “shenai” sopros oscilantes e flautas. E, ainda, as TABLAS que tem esta mesma oscilação. O outro foi o “loop” de guitarras de Harrison (cortar a fita do solo gravado e inverter de trás para frente) em “I'm only Sleeping” (LP Revolver). Ouça com atenção. Depois, isso vira uma constante e vai se desenvolver em guitarristas do progressivo, principalmente em Robert Fripp e Eno. De forma que ao aplicarem a sitar e estes “loops” dentro da música tradicional “reta” europeia, tiveram que “desafinar”seus instrumentos para poder encaixá-la.

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Ouรงa The Beatles - Long, Long, Long, (ร lbum Branco).

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(1) Contendo atonalismo e arritmia, além de dissonâncias extremas, no disco Sgt. Peppers (“A Day in The Life”) o grupo utilizou orquestrações provindas da música erudita d e v a n g u a r d a .

(2) Electronic Sounds (1969), de George Harrison foi um disco voltado para o Mini-Mog. Harrison foi um dos grandes “experimentadores” do grupo, apesar de ser ofuscado pelo brilho de Lennon e Mc Cartney.

Eis aí o produto principal da música dos Beatles ser “diferente”: tanto a música quanto a metafísica hindu modificaram para sempre os rumos do rock, indo parar na psicodelia e inserção dos movimentos “beatniks”, literatura oculta e filosofia oriental no mesmo. De 1970 para frente, quase todas as bandas utilizariam em maior ou menor grau estes efeitos.

Lógico que este foi o efeito “supremo” usado em todos os discos deles. Mas existiram os experimentais como assistidos no filme Let It Be e Get Back.

Trilhos de trem, copos cheios de água com sabão assoprados por canudos, pedaços de metal, serras, campainhas, apitos, vozes alteradas, ruídos gerais.

Além disto incluíram orquestrações com instrumentos medievais e barrocos... alaúdes, cravos, harpsichords, órgão e, finalmente, orquestrações provindas da música erudita de vanguarda como em Sgt. Peppers (“A Day in The Life”) que contém atonalismo e arritmia, além de dissonâncias extremas. E, por fim, inseriram o Mini Moog recém criado (além do mellotron) em Abbey Road, a suprema obra prima do grupo.

George Harrison faria um disco só voltado para o Mini-Mog chamado Electronic Sounds (1969). Harrison foi um dos grandes “experimentadores” do grupo, apesar de ser ofuscado pelo brilho de Lennon e Mc Cartney.

Enfim, fica aqui o registro a todos os interessados em ouvir agora com “novos ouvidos” a música genial deste que foi o maior grupo de rock do século XX !!

*Amyr Cantusio Jr. é músico (piano, teclados e sintetizadores) compositor, produtor, arranjador, programador de sintetizadores, teósofo, psicanalista ambiental, historiador de música formado pela extensão universitária da Unicamp e colaborador da Revista Keyboard Brasil.

Revista Keyboard Brasil / 29

Fotos: JoĂŁo Souza

Aconteceu

32 / Revista Keyboard Brasil

DANIEL SANCHES LANÇA CD EM HOMENAGEM AO RIO DE JANEIRO PREMIADO PIANISTA FEZ RECITAL DEDICADO À CIDADE MARAVILHOSA NO ESPAÇO CULTURAL BNDES. * Por Virtuosi Produções

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H

omenageando a cidade do Rio de Janeiro, o premiado pianista Daniel Sanches lançou este mês, seu primeiro CD solo, intitulado “Carioca”, no Espaço Cultural BNDES, na Série “Quartas Clássicas”.

No álbum, que conta com a Direção Musical de Maria Teresa Madeira, Sanches gravou peças que fazem parte de sua memória auditiva e também afetiva.

Estão no disco composições de Ernesto Nazareth, Alberto Nepomuceno, Edino Krieger, Eli Joory e Ronaldo Miranda, nomes importantes para a história cultural do Rio de Janeiro. Embora nem todos sejam nascidos no Rio, em algum momento de suas vidas esses compositores tiveram uma ligação com a cidade, como esclarece o pianista: “Todos os compositores que estão no disco tiveram parte de sua trajetória no Rio e este foi o ponto principal durante a concepção do CD”, explica.

Dentre as obras que o compõem, está o tango brasileiro que o nomeia.

Carioca foi composto em 1913 é uma das peças mais famosas de Ernesto Nazareth, autor que é reconhecido como um dos principais compositores do gênero e que deixa transparecer a fronteira entre o popular e o erudito. Ao inserir peças dos demais compositores, o álbum faz um

panorama histórico da música brasileira. “Temos o romantismo do século XIX com Alberto Nepomuceno e estéticas pósmodernas de autores como Krieger, Joory e Miranda”, finaliza o músico.

34 / Revista Keyboard Brasil

Vencedor de concursos como Nilda Freitas, X Concurso Nacional de Piano Souza Lima e Jovens Solistas na Bahia, Daniel Sanches atualmente é pianista da Universidade Federal do Rio de Janeiro.

Bacharel em piano e pósgraduado em Pedagogia do Piano pelo Conservatório Brasileiro de Música, o músico obteve seu título de mestre pela pós-graduação em Práticas Interpretativas da UNIRIO, com dissertação baseada nas interseções artísticas nas obras de compositores brasileiros.

Como solista, Sanches realizou turnê junto à Orquestra Sinfônica Jovem de Campos, além das orquestras Sinfônica da Bahia e a Filarmônica do Espírito Santo.

Em 2013, realizou uma turnê em Portugal, com destaque para um concerto solo realizado em Lisboa, com repertório dedicado à música brasileira. Atualmente, o pianista tem se apresentado solo ou como camerista nas principais salas de concerto do Brasil.

Revista Keyboard Brasil / 35

Lançamento

VENEZUELA 70 Visões cósmicas de uma Venezuela fascinante!

Venezuela 70: Visões cósmicas de uma terra da América Latina Vários Artistas Gravadora: Soul Jazz Records

A VENEZUELA PROSPEROU CULTURAL E ECONOMICAMENTE NOS ANOS 70 MOMENTO EM QUE A CENA MUSICAL N A Q U E L E PA Í S E N C O N T R AVA S E U PRÓPRIO SOM. RESGATANDO O ROCK EXPERIMENTAL REVOLUCIONÁRIO, FRESCO E EMOCIONANTE SURGE UMA COMPILAÇÃO IMPRESSIONANTE E ÚNICA, SEU NOME? VENEZUELA 70: VISÕES CÓSMICAS DE UMA TERRA DA AMÉRICA LATINA. * Por Heloísa Godoy Fagundes 36 / Revista Keyboard Brasil

Um dos melhores experimentadores nessa compilação é Angel Rada. Rada é uma figura inovadora na música eletrônica venezuelana. Em suas canções, você ouve novas experiências construídas sobre, entre outras influências, a cena do Krautrock.

U

m álbum impressionante que mergulha sobre o rock experimental e revolucionário que

apareceu na Venezuela na década de 1970, numa época em que o país prosperou tanto cultural quanto economicamente na América Latina, graças à riqueza criada pelas vastas reservas de petróleo. Embora grande parte inspirada no estilo Inglês e americano da década de 60, a nova

geração de criativos artistas venezuelanos tais como Vytas Brenner, Angel Rada, Pablo Schneider e Miguel Angel Fuster, fundiram essas influências em seus próprios sons. Para isso, misturaram ritmos eletrônicos, latinos, funk, jazz, entre outros. A música resultante de Venezuela 70 revela a cena de um rock experimental revolucionário, fresco e emocionante, às vezes simplesmente excêntrico.

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Contagem Regressiva

COM EXPOMUSIC, ABEMÚSICA REFORÇA CARÁTER DE PROMOTORA DA EDUCAÇÃO MUSICAL NO PAÍS

HÁ 33 ANOS EMPRESÁRIOS DO SETOR INVESTEM NA MAIOR FEIRA DE MÚSICA DA AMÉRICA LATINA COM O OBJETIVO PRINCIPAL DE INCENTIVAR AS NOVAS GERAÇÕES A SE INTERESSAR PELA EDUCAÇÃO MUSICAL. * Redação

P

or conta dessa proposta, segundo o presidente da Abemúsica – Associação Brasileira da Música,

Synésio Batista da Costa, a

EXPOMUSIC 2016 – 33ª Feira 38 / Revista Keyboard Brasil

Internacional da Música chega mais encorpada, ainda que as dificuldades econômicas venham batendo a muitas portas desde o ano passado.

“Este ano levamos a Expomusic para o

“Este ano levamos a Expomusic para o maior centro de exposições da América Latina, o Anhembi, com a proposta de ampliar o leque de atrações e de poder promover uma série de eventos no Auditório Elis Regina e na área externa que inclui a lâmina d´água”, informa Synésio Batista da Costa.

maior centro de exposições da América Latina, o Anhembi, com a proposta de ampliar o leque de atrações e de poder promover uma série de eventos no Auditório Elis Regina e na área externa que inclui a lâmina d´água”, informa Synésio Batista da Costa.

Na opinião do presidente da Abemúsica, os eventos paralelos à Expomusic que costumam ser realizados na mesma data em nada contribuem para o desenvolvimento do mercado e da própria educação musical, pois são essencialmente comerciais. “Sem a Expomusic eles teriam dificuldades ou talvez não existissem. Mas tendem a não atrapalhar o evento máster”.

“São dois os pontos que fazem a Roland tomar a decisão de participar da Expomusic. O primeiro é o aspecto comercial, a fim de fortalecer a relação com nossos clientes. O segundo é por termos notado uma mudança de perfil nos últimos anos. A feira tem passado por uma metamorfose de local propriamente voltado aos negócios para uma feira de exposição de produtos e marcas não somente aos lojistas, mas também ao consumidor final.

Por esses motivos, julgamos válida nossa presença”, explica Sérgio Pais, presidente da Roland.

“Com o domínio da internet, o tato e a experimentação deixaram de fazer parte da nossa rotina. Diante dessa realidade, a Yamaha Musical enxerga os dias de Expomusic como fundamentais para conhecer de perto seu consumidor e mostrar suas novas tecnologias na integra”, reforça Isis Petronella, supervisora de Marketing da Yamaha Musical do Brasil.

A responsabilidade por movimentar até 40% dos negócios realizados pela cadeia musical, cujo faturamento é estimado em R$ 2,5 bilhões anuais, faz da Expomusic um evento estratégico na visão das principais empresas do mercado, pelas perspectivas de impulsionar as vendas, ampliar a rede de novos contatos, estimular o aprendizado musical em instituições de ensino e formar novas gerações de músicos.

“Renovar a feira foi a consequência de acompanharmos a evolução desse mercado e oferecer o melhor evento”, avalia o presiRevista Keyboard Brasil / 39

dente da Abemúsica. Presidente da Francal Feiras, Abdala Jamil Abdala ressalta que o complexo do Anhembi oferece estrutura mais apropriada para o novo formato do evento.

Faz parte da tradição da Expomusic promover o encontro do setor para discussão de suas diretrizes e assuntos relacionados aos negócios, com a promoção de palestras, workshops e workshows. E de realizar ações educacionais, em busca das novas gerações, como as Oficinas de Iniciação Musical e a visitação escolar.

Muita inovaçãcao e adrenalina Este ano a feira contará com a Arena Expomusic, onde Auditório Elis Regina e a área externa que contempla a lâmina d´água abrigarão uma série de atrações voltadas para o entretenimento do público. Estão marcados para a Arena Expomusic o Music Hall Festival, os encontros musicais e de gastronomia, além de festivais convidados, como o Barkley Smooth Jazz.

Resgatando sua essência de festival, o Music Hall, em parceria com a Get My Idol, vai buscar novos talentos – o regulamento será divulgado até o final do mês – no formato júri, público e o dinamismo que tornaram os antigos concursos musicais, entre os anos 60 e 80, uma febre.

Ainda na Arena Expomusic bandas de diferentes gêneros serão convidadas a atuar, contemplando os mais diferentes ritmos, como swing, soul, pop e rock, entre outros.

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A Expomusic, em conjunto com a Central de Apoio às Escolas de Música – CAEM, Abemúsica e o São Paulo Convention & Visitors Bureau, abrigará também o festival “São Paulo é Tudo de Bom, a Expomusic Também”. Dividido em duas fases, uma regional e uma finalíssima a ser realizada durante a Expomusic, o Festival tem como objetivo revelar novos talentos e criar uma nova música que represente São Paulo, com o tema “São Paulo é tudo de bom”.

Os interessados em participar devem se inscrever por meio do site www.escolasdemusica.com.br, no link 'Festival'. Nele, deverão preencher o formulário com o link da música postada no youtube. As bandas concorrentes devem ter de 3 a 7 participantes, sendo no mínimo dois inscritos em uma mesma escola de música e um profissional, podendo ser professor ou diretor da escola de música. Nesta fase, que vai até 21 de agosto de 2016, bandas do Brasil inteiro poderão se inscrever para participar.

Promovida pela Abemúsica – Associação Brasileira da Música e Francal Feiras, a Expomusic ainda exibirá cerca de 1 mil produtos apresentados por aproximadamente 300 marcas, o que permite aos visitantes, profissionais e público em geral “degustarem” as novidades nos próprios estandes durante todo o período da feira.

Serviço EXPOMUSIC 2016 – 33ª FE IRA INTERNACIONAL DA MÚSICA Data: 21 a 25 de setembro de Horários: Dias 21 a 24: das

2016

13h às 21h

Dia 25: das 13h às 19h Local: Pavilhão de Exposiç

ões do Anhembi Promoção/Organização: Fra ncal Feiras Patrocínio: Abemúsica – Associação Brasileira da Música Apoio: I-Música – Ins tituto Abemúsica pela Educação Musical e campan ha A Música Quer Você!

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Homenagem

AHMAD JAMAL Uma das figuras centrais na longa histรณria do Jazz

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POSSUIDOR DE UMA CARREIRA COM MAIS DE 70 ANOS E EM ATIVIDADE POR TODO O MUNDO, INCLUINDO O BRASIL, ÍCONE DO PIANO JAZZÍSTICO, NÃO SÓ COMO SOLISTA E LÍDER, MAS COMO COMPOSITOR E EDUCADOR, AHMAD JAMAL INFLUENCIOU NOMES COMO KEITH JARRETT E MILES DAVIS. ENTRE OS INÚMEROS SUCESSOS DO PIANISTA E COMPOSITOR ESTÃO POINCIANA, AHMAD'S BLUES E NEW RUMBA. A REVISTA KEYBOARD BRASIL PRESTA UMA HOMENAGEM AO ILUSTRE ANIVERSARIANTE DO MÊS. Por Heloísa Godoy Fagundes

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The Four Strings, incluindo Tommy Sewell no baixo, Ahmad Jamal aos 15 anos de idade, Joseph Kennedy Jr na rabeca e Ray Crawford no violão, em Pittsburgh, Pennsylvania, 1945.

N

ascido em 2 de julho de 1930, na Pensilvânia, Estados Unidos Ahmad Jamal fez história no jazz, multiplicando as

possibilidades do tradicional trio de piano, baixo e bateria. Elogiado como um dos maiores inovadores do jazz sobre sua excepcionalmente longa carreira e seguindo grandes nomes como Charlie Parker e Dizzy Gillespie, Jamal entrou no mundo do jazz em um momento onde a velocidade e improvisação virtuosística foram fundamentais para o sucesso de músicos de jazz como artistas. Jamal, no entanto, deu passos no sentido de um novo movimento, depois cunhado “cool jazz” – um esforço para mover o jazz na direção 44 / Revista Keyboard Brasil

da música popular. O músico enfatizou espaço e tempo em suas composições musicais e interpretações em vez de focalizar a velocidade ofuscante do bebop. Jamal explorou a textura de riffs, timbres e frases e não a quantidade ou a velocidade de notas em qualquer improvisação.

Embora seja muitas vezes ignorado por críticos de jazz e historiadores, o músico exerceu grande influência sobre o trompetista Miles Davis (1926 – 1991) que chegou a dizer que vivia para poder ouvir o próximo disco de seu colega pianista.

Jamal e Davis se tornaram amigos

Foto: Teenie Harris Archive/Carnegie Museum of Art

nos anos 1950, e Davis continuou a apoiálo como um colega até sua morte, em 1991.

Tão grande era a admiração de Miles Davis pelo amigo que o músico dizia a seus pianistas: “Toque como Jamal”.

Sobre essa célebre frase, Jamal diz: “Todos os músicos vêm de algum lugar do mundo, com uma personalidade que influencia o mundo todo. Como a bossa nova de Tom Jobim.

Eu venho de uma cidade que produz músicos que influenciaram o mundo todo. Quando criança, ouvia Billy Strayhorn, que compôs a mais famosa canção de Duke Ellington, Take the A Train e muitas outras. Um grande baixista, Ray Brown, veio da minha cidade. E um grande baterista, Art Blakey, veio de Pittsburgh. Um grande pianista, Earl Wild.

Um grande artista, Andy Warhol. Um famoso dançarino, Gene Kelly. Posso dar dezenas de nomes. Há famosos industriais. Sabe o catchup? É de Pittsburgh. Então, o que Miles Davis ouviu em mim foi isso: Pittsburgh.

Todos são diferentes, mas todos têm seu próprio som. Ninguém toca como eu, e eu não toco como mais ninguém. Miles veio de Saint Louis, que produziu muitos músicos. Certas cidades produzem fenômenos, e isso foi o que Miles ouviu em mim, algo diferente”.

Somente para constar, quando a virtuosa pianista japonesa Hiromi Uehara estudou na Berklee College of Music, em Boston, foi orientada por ninguém menos que o próprio Jamal.

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Ahmad Jamal gravando em estúdio na década de 1950.

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Os primeiros estudos...

Uma criança prodígio! Jamal se encantou pelo piano aos 3 anos de idade.

Aos sete, passou a ter aulas com Mary Cardwell Dawson (1894 – 1962), uma professora de música afro-americana muito elegante e presidente da Associação Nacional dos Músicos Negro, que já naquela época, incutiu em seus alunos uma relação igual para a música norte-americana e a vinda da Europa. “Em Pittsburgh não tínha-mos essa diferença entre a música norteamericana e a música clássica europeia. Estudávamos os dois. Eu tocava Franz Liszt aos 10 anos", analisa Jamal. Suas raízes vindas de Pittsburgh são uma parte importante da sua identidade: “Pittsburgh significou tudo para mim e ainda significa”. Foi lá que esteve imerso em influências de artistas de jazz

como Earl Hines, Billy Strayhorn, Mary Lou Williams e Erroll Garner. Jamal também estudou com o pianista James Miller e começou a tocar profissionalmente aos 14 anos, sendo reconhecido como um “coming great” pelo pianista Art Tatum.

Quando perguntado sobre seus hábitos de prática por um crítico do jornal The New York Times, Jamal foi enfático: “Quando era jovem, eu costumava praticar e praticar com a porta aberta, esperando que alguém viesse me descobrir. Eu nunca fui um praticante no sentido de doze horas por dia, mas eu sempre pensei em música. Eu penso em música o tempo todo.” E, foi assim que conquistou um vasto e variado repertório tornando-se tão influente sobre outros músicos. Jamal também credita esse feito à sua tia Louise, que vivia na Carolina do Norte e mandava remessas regulares de partituras para o sobrinho.

Sobre sua tia Louise, ele diz: “Ela era uma educadora. Acreditava fortemente na educação e queria que seu sobrinho tivesse todas as oportunidades. Qualquer coisa que você recebesse através do correio naquela época era excitante. Aqueles pacotes da tia Louise foram mais que emocionantes. Era uma aventura desbravar as partituras no piano de minha mãe.”

Mary Cardwell Dawson foi professora de piano em Pittsburgh. Entre seus alunos estavam Robert McFerrin, pai de Bobby McFerrin, Ahmad Jamal e Napoleão Reed.

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O profissional... mudança de nome, são assuntos expressamente proibidos).

Em 1951, gravou para o selo Okeh com The Three Strings, que viria a se chamar The Ahmad Jamal Trio. O trio era formado pelo guitarrista Ray Crawford e pelo baixista Eddie Calhoun (de 19501952), Richard Davis (de 1953-1954), e Israel Crosby (em 1954). Somente em Nova York a fama chegou para o seu The Three Strings. Lá, John Hammond viu a banda tocar. Hammond, era um produtor musical que descobriu talentos e aumentou a fama de músicos como Benny Goodman, Billie Holiday e Count Basie.

Com o trio de Jamal não foi diferente!

Hammond ajudou a atrair elogios da crítica. Foi nessa época, inclusive, que Jamal passou a utilizar a linha pianoguitarra-baixo.

Foto: Pertencente à coleção de Frank Driigs

Aos 10 anos de idade já tocava com músicos profissionais ao redor da cidade de Pittsburgh, surpreendendo-os com a variedade de músicas tocadas. Sobre as influências musicais, o músico diz: “Eu ouvia a minha cidade quando eu estava crescendo porque, como disse anteriormente, eu venho de um lugar que é um fenômeno. Mas a minha maior influência foi Erroll Garner.”

Em 1948 e aos 14 anos de idade, juntou-se o sindicato dos músicos depois de se formar na George Westinghouse High School, e começou a excursionar com a Orquestra de George Hudson. Mais tarde, o músico se juntou ao grupo The Four Strings. Foi esse som refinado que atingiu Miles Davis em cheio, era meados da década de 1950. Foi nessa década, aliás, que Jamal se mudou para Chicago e alterou legalmente seu nome de batismo (sobre sua conversão ao islamismo e sua

O produtor musical Hammond em uma sessão de gravação com Buck Clayton, Lester Young, Charlie Christian, Benny Goodman e Count Basie.

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John Hammond (1 910-1987) – o ma inf luente caçador is de talentos e prod utor musical da história Hammond era um gr an de pr od ut or musical. Além de descobrir talentos ajudou a alavancar a carreira de músicos como Benny Go od m an , Bi lli e H ol id ay, Ar et ha Franklin, Ahmad Jamal e seu trio, Count Basie e Bob D y l a n .

G

rande apreciador de música com uma incrível capa cidade de descobrir talentos e lan çar carreiras. Por mais de cinco déca das John Hamm ond não mediu esforç os para colocar Billie Holiday, Count Ba sie, Ahmad Jamal e Charlie Christian no mapa musical, para nã o mencionar Bob Dy lan, Bruce Springs tee n, Aretha Franklin e uma série de outro s grandes músicos.

Nascido da alta arist ocracia de East Side em Manhattan.

Quando saiu da Yale em 1932, John decidiu que iria fazer a difer en ça com sua riqueza pe ssoal. E o Jazz torn ou

se sua grande caus a. Através dela ele acreditav

a que poderia ajuda r a corrigir os erros de uma socie dade profundamen te segregada.

Tudo começou no início dos anos 1930 quando John Hammond traçou um curso na música e que seguiu por 55 an os, financiando do seu próprio bolso.

John Hammond era mais do que um observador de tal entos. Possuía a capacidade de juntar mús icos que resultaram em gravações das mais aclamados da história do jazz. Dizia que qu eria “produzir faísca s musicais para depois ve r tudo incendiar”.

Jo hn H am m on d se rá se m pr e lembrado por seu ou vido afinado, sua vi são de um futuro mais positivo e seu dese jo incontrolável em espalhar o jazz pelo mundo.

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Jamal posteriormente gravou para Parrot (1953-1955) e Epic (1955). Nessa, o som do trio mudou significativamente e o grupo trabalhou como a “House Trio” no Chicago's Pershing Hotel. O trio lançou o álbum ao vivo, 'Live at the Pershing'.

Após seu retorno para os EUA depois de uma turnê do Norte da África, o sucesso financeiro de 'Live at the Pershing: But Not For Me' permitiu que Jamal abrisse em Chicago, um restaurante/clube chamado The Alhambra.

Em 1962, The Three Strings se dissolveu e Jamal se mudou para Nova York, então com 32 anos de idade.

Em 1964, Jamal retomou as turnês e gravações, desta vez, com o baixista Jamil Nasser, gravando um novo álbum, chamado 'Extensions', em 1965. Jamal e Nasser continuaram a tocar e gravar juntos até 1972. Ele também se juntou novamente a Fournier (mas apenas cerca de um ano) e ao baterista Frank Gant (de 1966-1976).

Até 1970, tocou piano acústico exclusivamente. A partir da década de 1970, passou a tocar também piano elétrico. Dizia-se que o piano Rhodes foi um presente de alguém na Suíça. Ao longo dos anos 1970 e 1980, continuou a desempenhar principalmente trios com piano, baixo e bateria, ocasionalmente incluindo uma guitarra, além de continuar produzindo álbuns de sucesso.

Em 1994, Jamal recebeu o prêmio American Jazz Masters fellowship da National Endowment for the Arts. Em 1995, duas faixas de seu álbum de sucesso 'But Not For Me' - Music, Music, Music e

Poinciana fizeram parte do filme de Clint Eastwood The Bridges of Madison County.

Em 2003, o músico foi introduzido no American Jazz Hall of Fame instituída pela New Jersey Jazz Society.

Em junho de 2007, o Governo francês introduzido Jamal no prestigiado l'Ordre des Arts et des Lettres, figurando entre nomes como William Faulkner, Ralph Waldo Emerson, Jackson Pollock, Ella Fitzgerald, Alan Ginsberg e Toni Morrison.

Em 2008, lançou o álbum 'It's Magic' que atingiu as paradas de sucesso imediatamente após o seu lançamento nos EUA, sendo apontado como um de seus melhores trabalhos até hoje. Aclamado pelos críticos como um grande destaque em sua carreira, o álbum figurou no Top Billboard Jazz, no iTunes Jazz Top 10, e alcançou a posição de número 2 nas paradas da Jazz Week Radio Chart na França. Com 'It's Magic' foi premiado como Melhor Álbum Internacional (Album International de Production Francaise) por Les Victoires du Jazz, o equivalente francês do Grammy. O álbum também ganhou o prêmio 'Gravação do Ano' pela Jazz Man Magazine.

Performances ao vivo sempre foram bem representadas em sua discografia ao longo dos últimos sessenta anos. Gravado em Junho de 2012 'Live at the Olympia' é a quarta gravação ao vivo na capital francesa desde 1992. O CD / DVD duplo ao vivo realizado no Olympia Theatre em Paris traz o flautista Yusef Lateef (1920-2013) e é certamente um marco histórico.

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Foto: Frank Stewart A Ahmad Jamal Ensemble com o percussionista Manolo Badrena, o baterista Herlin Riley, o baixista Reginald Veal e Ahmad Jamal no piano.

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Em 2012, seu trabalho 'Ahmad - Blue Moon - The New York Session' foi indicado para o Grammy, na categoria de Melhor Jazz Instrumental. Em 2015, Jamal recebeu o diploma honorário de Doutor em Música (hon. DM) pelo NEC (New England Conservatory).

Atualmente, Ahmad Jamal grava e produz jovens artistas, além de possuir sua própria gravadora. O músico também tem sido Artista Steinway por mais de meio século.

Incansável e recebendo inúmeros prêm i o s , sua música

ainda permanece jovem, fresca e influente.

* Heloísa Godoy Fagundes é pesquisadora, ghost Writer e esportista. Amante da boa música, está há 10 anos no mercado musical de revistas. Já trabalhou na extinta Revista Weril e atualmente é publisher e uma das idealizadoras da Revista Keyboard Brasil.

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Sobre os sons

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NACIONALISMO NA

Música erudita Parte 2 A CORRENTE NACIONALISTA, INICIADA DURANTE A SEGUNDA METADE DO SÉCULO ANTERIOR, PENETROU NO SÉCULO XX. CERTOS COMPOSITORES, COMO BARTÓK, NA HUNGRIA, FIZERAM UMA ABORDAGEM CIENTÍFICA: RECOLHERAM CANTOS FOLCLÓRICOS E ESTUDARAM MINUCIOSAMENTE SEUS PADRÕES RÍTMICOS E MELÓDICOS - QUE FREQUENTEMENTE PERCEBIAM BASEAR-SE EM MODOS E ESCALAS INCOMUNS. OUTROS FIZERAM USO DE ELEMENTOS DA MÚSICA POPULAR, TANTO NO INTUITO DE OBTER UM NOVO MATERIAL PARA SUA MÚSICA, COMO DE CONFERIR-LHE IDENTIDADE PRÓPRIA, COMO STRAVINSKY, SIBELIUS, ELGAR, DE FALLA, COPLAND E, NO BRASIL, HEITOR VILLA-LOBOS. * Por Sergio Ferraz

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O

século XX é marcado por ser um momento ímpar na história da música. Época

de grande diversidade de ideias como o neoclassicismo, impressionismo, expressionismo, dodecafonismo, entre outras tendências. O nacionalismo ainda

continuava forte, sobretudo nos países do leste europeu e em outros continentes. Os motivos que levaram os compositores a trilhar esse caminho eram, por um lado, a tentativa de emancipação de uma música erudita livre de influências externas e, por outro, a necessidade de encontrar novos caminhos e soluções para a música do novo século que se distanciasse o mais que possível do eixo clássico-romântico do século XIX.

A força da música húngara Surge na Hungria, no início do século XX, um dos compositores mais comprometidos com a causa nacionalista, deixando seu nome para sempre lembrado: Béla Bartók. Bartók exerceu

importância sem precedentes no campo da etnomusicologia, publicou perto de duas mil melodias populares, principalmente da Hungria, Romênia e da antiga Iugoslávia, além de ter viajado e pesquisado a música da Turquia e do Norte da África.

Bartók também foi um virtuoso pianista e professor de piano na Academia de Música de Budapeste de 1907 a 1934.

Criou um método para este instrumento batizado de Mikrokosmos, que compreende 153 peças para piano, em seis livros de 58 / Revista Keyboard Brasil

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dificuldade progressiva. Bartók desenvolveu um estilo próprio ao piano, ressaltando o aspecto percussivo do instrumento, mais do que como fonte de melodias cantábile e acordes arpejados como faziam os românticos.

O estilo pessoal de Bartók surge por volta de 1908, tempo em que o compositor começa a interessar-se pelo folclore húngaro, romeno, servo-croata e do Norte da África. Ele redescobriu o valor sonoro dos antigos modos gregos e de escalas pentatônicas, escala de tons inteiros, escala cromática e outras muitas dessas encontradas em suas pesquisas na música popular. Pode-se dizer que a maior parte da música de Bartók é tonal, no sentido que nela surge recorrentemente um centro tonal fundamental, embora esse possa ser obscurecido por períodos longos de harmonia modal ou cromática, ou ainda uma mistura dos dois.

Nas suas obras da década de 1920, ele escreve em dois ou mais planos harmônicos simultâneos. Esse processo ficou conhecido como Politonalidade. No âmbito do ritmo, Bartók combinou vigorosos ritmos motores, compassos irregulares e acentuações em tempos fracos.

Bartók conjugou com versatilidade e enorme talento a essência da música popular com as mais altas formas da música erudita ocidental. Podemos destacar em sua obra os Seis Quartetos de Cordas, que equiparam-se em importância aos de Beethoven, O Mandarim Maravilhoso de 1919, as Duas Sonatas para Violino e 60 / Revista Keyboard Brasil

Piano, respectivamente de 1922 e 1923, o Primeiro Concerto para piano de 1926, o Concerto para violino de 1938, Concerto para Orquestra de 1943, Divertimento para Orquestra de Cordas de 1936, as Sonatas para Dois Pianos e Percussão de 1937, o Mikrokosmos (método para piano) escrito entre 1926-1937, a famosa Música para Cordas, Percussão e Celesta de 1936.

Na primeira metade do século XX em diante, foram muitos os compositores que fizeram uso de elementos da música popular, tanto no intuito de obter um novo material para sua música, como de conferir-lhe identidade própria. Ou por outras razões, que poderia ser de ordem ideológica ou política, por exemplo.

Stravinsky também teve sua fase nacionalista durante seus anos de exílio voluntário entre 1914 a 1920; na Finlândia, Jan Sibelius (1865-1957) lutava pela busca de uma música genuinamente nacional; na Inglaterra, Edward Elgar (1857-1934) apesar de não ter ido em busca de elementos folclóricos inglês, sua música soa como tipicamente inglesa. Na Espanha, Manuel de Falla (1876-1946) foi o grande compositor nacionalista que, como Bartók, extraiu ideias abstratas da música folclórica sem citá-la diretamente.

Nos Estados Unidos, Aaron Copland (1900-1990) integrou os idiomas nacionais, os elementos jazzísticos e a dissonância, desempenhando papel importante em algumas de suas obras.

Essa busca ao elemento nacionalista espalhou-se não apenas entre os países europeus mas, também, nas Américas, incluindo o Brasil, onde todo

esse processo se deu de forma mais lenta e complexa. Com Heitor Villa-Lobos a música erudita chegaria ao seu mais alto grau resultando posteriormente em

diversos segmentos nacionalistas e regionalistas. Na próxima edição, veremos com mais detalhes essa parte da nossa história.

* Sergio Ferraz é violinista, tecladista e compositor. Bacharel em música pela UFPE, possui seis discos lançados até o momento. Também se dedica a composição de músicas Eletroacústica, Concreta e peças para orquestra, além de colaborador da Revista Keyboard Brasil.

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Perfil

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A destreza pianística de

ROGÉRIO ROCHLITZ COM MAIS DE 20 ANOS DE CARREIRA, O PIANISTA, TECLADISTA, COMPOSITOR, ARRANJADOR E PRODUTOR MUSICAL ROGÉRIO ROCHLITZ JÁ TOCOU COM TRIO MOCOTÓ, ELTON MEDEIROS, PAULA LIMA, SIDNEY MAGAL, DANILO CAYMMI, FERNANDA ABREU, SEU JORGE, HAMILTON DE HOLANDA, PEPEU GOMES, OTTO, NÁ OZZETTI, PAULINHO MOSKA, ARNALDO ANTUNES ENTRE TANTOS OUTROS. COM ARRANJOS INUSITADOS E MÚSICAS DOS MAIS DIFERENTES ESTILOS, ROGÉRIO ROCHLITZ AGRADA A DIFERENTES PÚBLICOS.

* Por Heloísa Godoy Fagundes

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Em sua discografia solo, Rogério Rochlitz investe em música instrumental com tempero brasileiro e repleta de elementos internacionais como jazz, funk, soul, rock e latinidade - uma mistura ideal.

N

ascido em São Paulo em 1972, Rogério Rochlitz é pianista, tecladista, compositor, arranjador e produtor musical. For-

mou-se em Música Popular pela Unicamp em 1993. Estudou piano clássico com Adylson Godoy. Em 1992, montou a banda Jambêndola, que foi premiada pela Radio France Internationale no concurso Les Découvèrtes '93. O único CD da banda foi lançado em 1996 pelo selo holandês Roadrunner.

Em 2000, lançou seu primeiro disco solo, 'Tango Zulu', de música instrumental, com as participações da Metaleira Funk Como Le Gusta, Sergei Eleazar de Carvalho, Ubaldo Vesolato e Fernando Barba (criador dos Barbatuques), entre outros. Em 2003, lançou seu segundo CD, 'Carro de Boy', de canções, com as participações dos cantores Maurício Pereira, Ney Mesquita, Cris Aflalo, Skowa, Marcelo Pretto, entre outros. Em 2009, lançou seu terceiro CD, 'Cores', de

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música instrumental, com as participações de Alexandre Ribeiro, Mário Manga, Renato Anesi, entre outros. Em 2011, foi selecionado pelo projeto 'Rumos Itaú Cultural', na categoria 'Mapeamento'.

Foram setenta e cinco artistas selecionados entre dois mil e setecentos inscritos.

Deste show foi feito um DVD, lançado em janeiro de 2013. Em novembro de 2012, lançou seu quarto CD, 'Móbile', de música instrumental, com a participação de trinta e dois músicos da cena musical paulistana, entre eles Bocato, Tião Carvalho, Guilherme Held, Fábio Sá e João Parahyba.

Como pianista e tecladista Rochlitz acompanhou diversas bandas e cantores, e já dividiu o palco com Elton Medeiros, Paula Lima, Sidney Magal, Danilo Caymmi, Fernanda Abreu, Pedro Luís, Renato Godá, Seu Jorge, Hamilton de Holanda, Pepeu Gomes, Otto, Ná Ozzetti, Paulinho Moska, Curumim, Arnaldo Antunes, entre outros. Desde 2003,

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integra o Trio Mocotó, em um posto já ocupado por César Camargo Mariano e Laércio de Freitas. Com o Mocotó apresentou-se em cerca de vinte países, entre 2004 e 2008, tocando em lugares como o festival de Glastonbury, o Joe Zawinul's Birdland em Viena e o Alcalatin Festival (abrindo para Marcus Miller). Em 2006, produziu o CD “Tião (Carvalho) Canta João (do Vale)” com patrocínio da Petrobrás. O CD foi premiado no Maranhão, terra natal de João do Vale. Também produziu duas faixas para o disco da cantora Tita Lima (filha do produtor Liminha), com quem excursionou pelo Reino Unido em 2007, no festival TrocaBrahma.

Produziu em 2007 o EP 'Afro' de Kiko DiNucci e o Bando Afromacarrônico.

Rogério Rochlitz trabalha com trilhas sonoras para filmes, documentários e balés. Com a artista plástica Regina Silveira produz instalações sonoras que já foram expostas no Brasil, Estados Unidos, Índia, Colômbia, Polônia e Espanha. Produziu as trilhas de três espetáculos da Cia. de Dança Caleidos. Foi tecladista da banda Farufyno, da qual produziu o terceiro CD. Foi tecladista dos programas 'Circo do Edgard' e 'Edgard no Ar', do canal Multishow, onde tocou com Lenine, Ed Motta, O Rappa, Beth Carvalho, Teresa Cristina, Arlindo Cruz, Toni Garrido, Wanessa Camargo e Frejat, entre outros. O programa recebeu o prêmio Qualidade Brasil 2008.

Rochlitz foi professor/diretor em caráter voluntário do projeto 'Estúdio Garagem', no Centro Cultural Rio Verde (SP), onde ensinava música para alunos da rede pública de ensino. Em 2014, foi um dos cinco finalistas do E-Festival Samsung, entre mais de oitocentos concorrentes. Em 2015 lançou seu quinto CD, intitulado '2345', acompanhado por João Poleto nos sopros, David Rangel no baixo e Ramon Montagner na bateria. O CD ainda conta com as participações de Sergei Eleazar de Carvalho no violino e Ivan Vilela na viola caipira.

Discografia: (1) Tango Zulu. (2) Carro de Boi. (3) Cores. (4) Móbile. (5) 2 3 4 5.

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A vista do meu ponto

A

Verdade

SOBRE PIANOS

ACĂšSTICOS 68 / Revista Keyboard Brasil

AO CONTRÁRIO DE OUTROS INSTRUMENTOS DE CORDA, OU MESMO DE BONS VINHOS, UM PIANO NÃO GANHA EM QUALIDADE COM O PASSAR DO TEMPO. * Por Luiz Carlos Rigo Uhlik

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T

ive o privilégio de conhecer as principais fábricas de pianos do mundo, bem como boa parte de

seus representantes. Então, vou falar um pouco sobre pianos:

– Ah, o Piano! É interessante descobrir e vasculhar a história e as peculiaridades deste magnífico instrumento. O primeiro piano, com as características que conhecemos hoje, foi projetado por Bartolomeu Cristofori, no século XVI. Haviam outros instrumentos de teclas na época como os “harpsichord” e “clavichord”. Esses instrumentos “beliscavam” as cordas e produziam um som de igual intensidade, não importando a dinâmica da ação sobre as teclas.

Cristofori teve a ideia de produzir um instrumento onde as teclas fossem “marteladas”, permitindo ao instrumentista a ação sensível sobre as teclas: quanto maior a intensidade da ação sobre as teclas, maior o volume e o corpo do som. É assim, até hoje, com os pianos. O nome original do piano era “gravicembalo col piano e forte”; em resumo, pianoforte. Na Itália ainda se utiliza este nome para designar os pianos.

Existem dois tipos de pianos: os Pianos de Cauda (Grand Pianos), que possuem a tábua harmônica na posição horizontal, paralela ao chão, e os Pianos Verticais (Uprights), com a tábua harmônica na posição vertical. Ambos possuem uma grande variedade de modelos e tamanhos.

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Luiz Carlos Rigo Uhlik: “Se você pretende investir no mercado de melhor oportunidade do setor de instrumentos musicais, o piano, é interessante contratar um bom profissional para manter essas maravilhas afinadas e ajustadas, bem como uma equipe competente para o transporte deles.”.

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Luiz Carlos Rigo Uhlik: “Devemos ser um pouco mais exigentes com relação ao piano porque o universo que vislumbramos no Brasil, incluindo fabricantes, é fraco, muito fraco, fraquíssimo!”.

Duas são as principais partes do piano: a carcaça (Frame - estrutura metálica) e mecanismo de acionamento das teclas. A qualidade, a tecnologia e o

conhecimento empregado nestas duas partes é que distinguem um piano de outro.

O som do piano é produzido pelo acionamento da tecla, que faz funcionar um complexo de mecanismos que impulsionam um martelo a atingir a corda. Entretanto, o corpo do som é produzido pela vibração da corda “martelada” sobre uma tábua de ressonância, denominada “Soudboard”.

A qualidade, a tecnologia e o conhecimento empregado, também, nesta madeira é que propor72 / Revista Keyboard Brasil

ciona a excelência do som do piano.

Como curiosidade é interessante saber que o piano acústico possui três vezes mais componentes do que um automóvel. Portanto, fazer com que esses componentes funcionem a contento é realmente uma arte.

Tomo a liberdade de apresentar algumas das principais marcas de pianos do mundo. Esses, realmente, são os “verdadeiros pianos”, ao contrário do que estamos acostumados a ver e apreciar no Brasil.

Infelizmente, a América Latina ainda não teve nenhum dos seus fabricantes com características de produção de piano com alguma qualidade:

Clique e entre nos sites oficiais das marcas!

STEINWAY & SONS Fundada em 1853 pelo imigrante alemão Henry Engelhard Steinway. É o mais renomado piano do mundo. Os filhos (Sons) de Henry são: Henry Jr., Albert, C. F. Theodore e Charles. Produz os pianos das marcas Essex e Boston.

YAMAHA

FAZIOLI Empresa de Paulo Fazioli fundada em 1981. Poucas peças são produzidas deste piano que é uma verdadeira obra de arte.

Possui um Grand Piano com a designação F 308. Este modelo possui um quarto pedal, que aproxima o martelo das cordas fazendo com que produza um som mais baixo, porém com a mesma intensidade e qualidade sonora característica do piano.

Torakuso Yamaha fabricou o seu primeiro piano em 1900.

SCHIMMEL GROTRIAN Fundada em 1830 por Friedrich Grotrian.

BLÜTHNER Iniciou as atividades em 1853 com Julius Blüthner na cidade de Leipzig. Único piano que utiliza quatro cordas nas notas agudas. O martelo não toca esta quarta corda. O objetivo dela é somente a ressonância.

BÖSENDORFER Fundada por Ignaz Bösendorfer em 1828.

Hoje é controlada pela Yamaha.

Fundada em 1885 por Wilhelm Shimmel em Leipzig, atualmente Braunschweig.

Marcas: Schimmel, Vogel, May

MASON & HAMLIN Fundada em 1854 por Henry Mason e Emmons Hamlin, inicialmente em Boston. Desenvolveu a tecnologia exclusiva denominada Tension Resonator e utiliza White Spruce para a produção da tábua de ressonância (como a massa desta madeira é menor, menos energia é utilizada para a vibração).

BECHSTEIN Foi fundada em 1° de Outubro de 1853 por Carl Bechstein, em Berlin.

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E você? Já ouviu falar destas marcas? Agora, mudando de assunto: lembra da frase inicial desta matéria?

“AO CONTRÁRIO DE OUTROS INSTRUMENTOS DE CORDA, OU MESMO DE BONS VINHOS, UM PIANO NÃO GANHA EM QUALIDADE COM O PASSAR DO TEMPO”.

Por isso é necessária a manutenção constante deste maravilhoso instrumento. É claro que estamos no Brasil e a tradição de manter e afinar pianos de forma constante e preventiva é uma exceção. Então, falar de manutenção e afinadores é uma condição “sine qua non” para deixar o mercado de pianos aquecido.

O que você precisa saber sobre a manutenção de pianos: 1. O preço, em média, do trabalho de um afinador gira em torno de US$ 100,00 a hora. É claro que, no Brasil, este valor muitas vezes é cobrado pelo trabalho de “afinação”, independentemente do tempo da execução da tarefa. Normalmente, esta “afinação” custa em torno de R$ 300,00.

2. A primeira providência é manter o piano afinado em 440 Hz, que é o padrão de afinação.

3. A limpeza do interior do piano ajuda na

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manutenção e longevidade do instrumento.

4. Também é importante observar o ajuste dos pedais e a sua lubrificação.

5. Outro item importante diz respeito ao acionamento das teclas. Cada tecla tem que respeitar um valor determinado de peso e é importante que haja equilíbrio no acionamento delas, respeitando as normas referentes a cada tipo de piano.

Você sabia que o “peso” do acionamento das teclas graves é bem maior do que o das teclas agudas?

6. A questão do ajuste dos martelos é imprescindível. Martelos desregulados costumam “enterrar” pianos de ótima qualidade. Um complexo de peças gera a ação do martelo. Portanto, se uma dessas peças estiver desregulada, com certeza a vida útil do componente e das peças que dependem dela estarão comprometidas. É sempre importante saber também que, a ação do martelo é feita com peças de madeira, feltro, ferro e couro. Estes materiais sofrem as intempéries normais de temperatura, pressão e umidade, além de desgastarem com a ação contínua do instrumento. Manter este sistema “afinado” contribui para a vida longa do piano.

Quem vende instrumentos musicais, lojas especializadas, precisa manter os pianos de exposição sempre regulados e afinados.

– Eu disse, SEMPRE, ALWAYS, TOUJOUR, SIEMPRE! Imagine um concertista testando

Luiz Carlos Rigo Uhlik: “No Brasil, a tradição de manter e afinar pianos de forma constante e preventiva é uma exceção.”.

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‘ ‘

– Baixei um “sample” de piano que é “matador”! Nunca ouvi coisa igual!

– Olha, desta vez consegui tocar num piano excepcional!

– O piano “daquela” marca não é bom!

– Acabei de reformar um Piano Bentley! Ficou “novinho em folha”!

A pergunta que eu faço é: – Que referência de som de piano estas pessoas tem para comentar o que é bom, o que é ruim, o som de piano com qualidade, o som de piano fraquinho? – Como, assim, reformei o piano e ele ficou “novinho em folha”?

‘

um piano desafinado e desregulado. Com certeza, a imagem da marca do piano e a da loja ficará depreciada.

Portanto, se você pretende investir no mercado de melhor oportunidade do setor de instrumentos musicais, o piano, é interessante contratar um bom profissional para manter essas maravilhas afinadas e ajustadas, bem como uma equipe competente para o transporte deles.

Dois, três, quatro, cinco colaboradores da sua loja tentando movimentar, ou transportar, um piano com certeza vai gerar muita dor de cabeça (e dor no corpo, também).

Outra questão interessante de se observar com relação ao piano e sua sonoridade é a quantidade de “experts” em pianos que vislumbramos por aí:

Piano tem prazo de validade. Por isso, piano bom é piano novo.

– Luiz Carlos Rigo Uhlik

Raramente, dificilmente, excepcionalmente é possível tocar num piano bom em nosso país.

Portanto, vamos ser um pouco

mais exigentes com relação ao piano porque o universo que vislumbramos no Brasil, incluindo fabricantes, é fraco, muito fraco, fraquíssimo!

E, para não perder a sintonia sobre o assunto: Amigos do piano, amantes do piano, professores de piano, pilotos de piano, pianistas e amadores.

Piano tem prazo de validade. Não invista em piano com mais de 30 anos.

Não reforme piano velho. Não pense que o piano da vovó é bom, só porque é de marca. Ele não é. Pior: ele já morreu.

Tem muita gente se aproveitando dos incautos e “recuperando” sarcófagos e seus cadáveres. Piano bom é piano

novo. O resto é história, balela!

Só recupere um piano “velho” se ele tiver valor sentimental ou se algum grande e nobre pianista tenha tocado nele.

Fora isso, troque por um novo.

Avante!

*Amante da música desde o dia da sua concepção, no ano de 1961, Luiz Carlos Rigo Uhlik é especialista de produtos, Consultor em Trade Marketing da Yamaha do Brasil e colaborador da Revista Keyboard Brasil.

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Papo de Tecladista

Hanon nº 1 - Exercícios de técnica A PARCERIA ENTRE A REVISTA KEYBOARD BRASIL E O PORTAL WWW.TECLADISTAS.COM.BR TRAZ ESTE MÊS O MÚSICO TIAGO MINEIRO !

N

esta aula de teclado, o pianista e tecladista Tiago Mineiro ensina o primeiro exercício do

método Hanon. Ele é um dos mais utilizados para o aprendizado e desenvol-

vimento da técnica para tocar piano. Ele fortalece os dedos, ajuda na coordenação e faz com que a mão esquerda seja capaz de tocar as mesmas coisas que a mão direita.

Tiago Mineiro – Conhecido por sua versatilidade, acompanha artistas como Tony Tornado, Edu Falaschi, Made in Brazil, Maria Christina entre outros, o músico já dividiu o palco com nomes como Seu Jorge, Thaíde, Lanny Gordin, Urs Wittwer (Suíça), Rene Calvin (Camarões) e Mind Priority (Bélgica). É endorse: ASK suportes, Mac Cabos, Capcase e Meteoro.

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Outros Sons

Adelbert Carneiro UNINDO A LINGUAGEM SOFISTICADA DO JAZZ À MÚSICA LEGITIMAMENTE AMAZÔNICA

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ADELBERT CARNEIRO É CONTRABAIXISTA, ARRANJADOR E COMPOSITOR. POSSUI UM TRABALHO DE MERECIDO DESTAQUE, TORNANDO-O UM DOS MÚSICOS MAIS SOLICITADOS DA REGIÃO NORTE. SEU COMPROMETIMENTO COM A PRESERVAÇÃO DA MÚSICA AMAZÔNICA É PERCEBIDO EM TODOS OS SEUS TRABALHOS E É JUSTAMENTE ESTE O DIFERENCIAL DE SUA MÚSICA: UNIR A LINGUAGEM SOFISTICADA DO JAZZ AOS SOTAQUES DOS RITMOS NORTISTAS, PERPASSANDO E ASSEGURANDO TODA A RIQUEZA DA MÚSICA B R A S I L E I R A .

* Por Rafael Sanit

C

ontrabaixista, arranjador e c o m p o s i t o r, A d e l b e r t Carneiro, 44 anos, nasceu na

cidade de Belém (Pará). Ingressou nos estudos musicais em 1981, no curso técnico de violino da Escola de Música da Universidade Federal do Pará (EMUFPA) e atua como músico profissional desde os 17 anos de idade.

Desde cedo sua linguagem musical vislumbrava um concílio entre o jazz e a música legitimamente amazônica. O perfil de sua tendência ganhou força na década de 1990 quando, além de

estudar contrabaixo elétrico no Musicians Institute (MI), em Hollywood, Los Angeles, (Califórnia); também participou de cursos de especialização na área de música na Escola de Brasília, tendo como orientador o violinista e contrabaixista Nico Assumpção.

Em Belém, ainda nessa década, seu trabalho continuou a ganhar merecido destaque, tornando-o um dos músicos mais solicitados da região Norte, quase sempre atuando também como arranjador e diretor musical.

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Em 1993, iniciou os estudos de contrabaixo também na Escola de Música da UFPA. Paralelamente, já se envolvia com a música popular, seja em oficinas, cursos livres ou casas noturnas da cidade. No mesmo período, fazendo parte da Orquestra da EMUFPA, apresentou-se nos principais eventos e teatros do Pará.

Em 1995, Adelbert Carneiro integrava a Marília Ciribelli Band, composta por músicos brasileiros, realizando várias apresentações na Suíça, no Montreux Jazz Festival.

Integrou, também, a Amazon Jazz Band (atualmente Orquestra do Theatro da Paz) por mais de dois anos, executando contrabaixo acústico.

Na função de diretor musical, já atuou em dezenas de festivais de música, a exemplo do SERVFEST (Festival de Música dos Servidores do Estado), um dos festivais de maior destaque do Norte do Brasil, no qual realizou a direção musical das oito edições. Também na função de diretor musical participou da 1ª Bienal de Música de Belém, realizada pela Prefeitura Municipal de Belém, em 2000.

Ao longo de sua trajetória, vem atuando em diversos shows e CDs de artistas também no trabalho com direção e arranjo, como os de Nilson Chaves, Lucinnha Bastos, Lia Sophia e, mais recentemente, por meio do projeto Pixinguinha, os CDs de Patrícia Bastos, Euterpe, Enrico de Micceli e Joãozinho Gomes.

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Pelas mãos do talentoso Adelbert Carneiro, a música típica da região Norte ganhou características mais arrojadas e harmonias arriscadas, sem falar na qualidade das composições que desafiam o comum da música instrumental.

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Foto: Sergio Malcher

Sua veia nortista está presente em todos os trabalhos aos quais se dedicou.

Os ritmos amazônicos sempre fizeram parte de seus arranjos, possibilitando uma linguagem própria, onde logo se percebe a assinatura de Adelbert Carneiro, comprovando a autenticidade de sua obra, tal qual o comprometimento com a preservação da música amazônica. É

justamente este o diferencial de sua música: unir a linguagem sofisticada do jazz aos sotaques dos ritmos nortistas, perpassando e assegurando toda a riqueza da música brasileira.

O talento de Adelbert Carneiro como compositor em seus dois primeiros discos – Cacique Camutá (1997) e Cacique Muaná (2003), em parceria com o guitarrista Gileno Foinquinos – é a prova disso. Neles, foi possível o diverso se tornar um único som. A música típica da região Norte ganhou características mais arrojadas e harmonias arriscadas à primeira audição, sem falar na qualidade das composições que desafiam o comum da música instrumental.

Duas músicas de sua autoria, encontradas no primeiro CD, Cacique Camutá, foram negociadas e integram o

CD Dance in Rio, produzido pelo selo alemão Ganzer. Cacique Muaná, seu segundo CD foi premiado com os incentivos da Lei Municipal Tó Teixeira.

Com o CD Ianubiá (2010), todo autoral, Adelbert Carneiro comprova a indiscutível e elogiada experiência no âmbito musical, renovando a música instrumental paraense, com ares de rio e arranha-céus, tudo em uma mesma cartada: regional, brasileiro, contemporâneo, sofisticado e ritmado. Eis uma inauguração na música, um som verdadeiro e intenso.

Na década de 2000, Adelbert Carneiro integrou a banda que acompanhou a cantora paraense Fafá de Belém em turnê pelas cidades de Porto e Lisboa, em Portugal. Também integrou um grupo de músicos e cantores paraenses que representaram o Brasil nas comemorações do Ano do Brasil na França.

E apresentou-se em diversos festivais. O músico conquistou o prêmio de melhor arranjador do 1º Prêmio Cultura de Música, realizado pela Rádio e TV Cultura do Pará e graduou-se no curso de licenciatura em música no ano de 2008, pela Universidade do Estado do Pará (UEPA).

* Rafael Sanit é tecladista, Dj e produtor musical, endorsee das marcas Roland, Stay Music, Mac Cabos e Jones Jeans. Também trabalha como demonstrador de produtos Roland onde realiza treinamentos para consultores de lojas através de workshops e mantém uma coluna na Revista Keyboard Brasil.

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Pioneirismo

PLÁCIDO DOMINGO:

uma ressurreição PLÁCIDO DOMINGO, ESTE NOTÁVEL CANTOR ESPANHOL, CONTINUA A NOS SURPREENDER MESMO ESTANDO COM 75 ANOS, IDADE NA QUAL A MAIORIA DOS CANTORES DE ÓPERA JÁ SE RETIRARAM DOS PALCOS. ** Por Maestro Osvaldo Colarusso 84 / Revista Keyboard Brasil

D

epois de se tornar o tenor mais versátil e com o maior repertório de toda a história

da ópera, nos últimos anos Plácido Domingo passa a cantar no registro de barítono. Desde 2010, vem interpretando o papel título de “Rigoletto” de Verdi, uma ópera em que sempre atuou no papel do tenor, o “Duque de Mantua”. Outros papéis de barítono de óperas de Verdi entraram em seu repertório nos anos seguintes: “Simon Boccanegra”, O “Conde de Luna” (da ópera “Il Trovatore”) e “Nabucco”. O que mais me surpreende é que aquilo que aparentava ser um fim de carreira de um grande tenor (eu o assisti numa apagada performance de “Siegmund” na “Valquíria” de Wagner em 2010) tornou-se um renascer do artista.

Plácido Domingo, mesmo septuagenário, se inscreve na lista dos maiores barítonos verdianos da história.

Uma carreira cheia de recordes Plácido Domingo começou a cantar profissionalmente aos 18 anos em alguns teatros do México e de Israel. Nesta época, apesar de atuar em partes de barítono de Zarzuelas, cantava papéis pouco pesados de tenor como “Ferrando” do “Così fan tutte” e “Don Ottavio” do “Don Giovanni”, ambas de Mozart. Sua guinada para papeis mais pesados e dramáticos coincide com suas estreias no Metropolitan Opera de Nova York, na Ópera de Viena e na Ópera de Hamburgo,

no final da década de 1960. Especializado no repertório italiano, cantando os mais importantes papeis dramáticos de Verdi e Puccini, a partir de 1968 se aventura no repertório wagneriano. Sua formação musical excepcional (já atuou como Maestro e é um bom pianista) lhe permite aprender novos papeis com impressionante rapidez, e talvez isto tenha feito com que ele se torne o tenor com o maior repertório da história como aponta o “Guinness Book”: 147 papéis diferentes, em 6 idiomas: italiano, espanhol, francês, inglês, alemão e russo.

Para nós brasileiros é interessante lembrar que o tenor espanhol atuou em duas produções de “Il Guarany” de Carlos Gomes, em Bonn e Washington. Sua competência e versatilidade o levaram a ser o tenor mais desejado de todos os grandes maestros e de todos os grandes teatros de ópera do mundo, atuando em centenas de grava-ções tanto de áudio como de vídeo.

Foi o primeiro tenor espanhol a atuar no Festival wagneriano de Bayreuth na A l e m a n h a ( c a n t o u “ Pa r s i f a l ” e “Siegmund” na “colina verde”) e foi o cantor que mais vezes atuou na abertura da temporada do Metropolitan Opera de Nova York: 24 vezes. Aliás até hoje Domingo já cantou 673 vezes naquele teatro, o dobro das vezes que seu colega Luciano Pavarotti cantou por lá. Outro recorde absoluto de Plácido Domingo:

foi o único cantor até hoje que chegou a cantar em cena 225 vezes o papel de “Cavaradossi” da “Tosca” de Puccini. Nada mal!

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O Plácido Domingo essencial Muito difícil escolher o realmente essencial entre as centenas de registros que Domingo realizou. Escolho cinco entre os mais notáveis testemunhos deste grande artista.

Verdi - ‘‘otello’’

berlioz - ‘‘Les troyens’’

Plácido Domingo, Te Kanawa e Leiferkus.

Regência: Solti.

DVD. Covent Garden.

1992.

Plácido Domingo, Jessye Norman e Tatiana Troyanos.

Regência: James Levine.

DVD. Metropolitan Opera.

1982.

Domingo preparou o dificílimo papel de “Eneas” da obra de Berlioz apenas para esta produção grandiosa do met. No entanto, ele canta o papel como se tivesse uma enorme familiaridade com o mesmo.

Sua pronúncia do francês é assombrosa.

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O papel de “Otello” cai como uma luva para a voz a as aptidões cênicas de Domingo. Na falta de uma cópia comercial da versão de Milão regida por Carlos Kleiber, esta é sem dúvida a melhor opção de se ver e ouvir Domingo encarnando o Mouro de Veneza. Se é só para ouvir existe um registro excepcional desta ópera em que Domingo atua junto a Renata Scoto, regida por James Levine. Agora como barítono não seria nada mal ver Domingo cantando o papel de” Yago”.

Verdi - ‘‘il trovatore’’

Este registro foi feito depois das legendarias apresentações feitas no Met regidas por Zubin Mehta. O então jovem tenor deixa aqui um registro do frescor, beleza e virilidade de sua voz. Se tivesse que escolher apenas uma gravação de Domingo, esta seria uma forte candidata.

puccini - ‘‘turandot’’ Plácido Domingo, Leontyne Price e Sherril Milnes.

Regência: Zubin Mehta.

CD. 1970.

Wagner - ‘‘Lohengrin’’

Plácido Domingo, Jessye Norman e Siegmund Ninsgern.

Regência: Solti.

CD. 1986.

Muitas vezes só em estúdio, Domingo cantou todos os papéis principais das óperas de Wagner. “Lohengrin” foi o papel wagneriano que Domingo cantou mais vezes em cena.

Existe um bom DVD regido por Abbado, mas a voz de Domingo aparece aqui de forma ainda mais gloriosa. As páginas em que ele canta junto a Jessye Norman são absolutamente antológicas.

Plácido Domingo e Eva Marton.

Regência: Jamoes Levine.

DVD. Metropolitan opera.

1988.

Na suntuosa (e, às vezes, de gosto duvidoso) produção de Franco Zefirelli Domingo ilumina cada nota, cada passagem da última ópera de Puccini. O equilíbrio obtido com Eva Marton está entre os momentos antológicos vividos pelo tenor espanhol.

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PlĂĄcido Domingo atuando em Nabucco, sob regĂŞncia de Nicola Luisotti Dirigido por Daniele Abbado.

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O Plácido Domingo barítono

Sem atingir o nível destes 5 registros já históricos existem DVDs muito bons com Plácido Domingo atuando como barítono realizados recentemente. Por isso, para finalizar destacaria “Simon Boccanegra” que ele gravou em Milão com Daniel Barenboim em 2012 e “Nabucco” que ele gravou em Londres com Danielle Abbado, em 2015.

* Osvaldo Colarusso é maestro premiado pela Associação Paulista dos Críticos de Arte (APCA).

Esteve à frente de grandes orquestras, além de ter atuado com solistas do nível de Mikhail Rudi, Nelson Freire, Vadim Rudenko, Arnaldo Cohen, Arthur Moreira Lima, Gilberto Tinetti, David Garret, Cristian Budu, entre outros. Atualmente, desdobra-se regendo como maestro convidado nas principais orquestras do país e nos principais Festivais de Música, além de desenvolver a t i v i d a d e s c o m o p r o f e s s o r, p r o d u t o r, apresentador, blogueiro e colaborador da Revista Keyboard Brasil. ** Texto retirado do Blog Falando de Música, do jornal paranaense Gazeta do Povo.

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Educação

DICAS PARA UM CORAL DA TERCEIRA

I D A D E

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O TRABALHO COM PESSOAS DA TERCEIRA IDADE TEM SIDO UM TEMA MUITO DEBATIDO NOS DIAS DE HOJE EM RAZÃO DO AUMENTO DA EXPECTATIVA DO TEMPO DE VIDA. NESSA FAIXA ETÁRIA, ALGUMAS ATIVIDADES SÃO DE EXTREMA IMPORTÂNCIA PARA UMA VIDA MAIS SAUDÁVEL. DENTRE AS ATIVIDADES REALIZADAS ESTÁ A MÚSICA CANTADA, QUE TEM COMO OBJETIVO, ALÉM DE PREVENIR A SAÚDE VOCAL DO APARELHO FONADOR, DESENVOLVER A CRIATIVIDADE E A LIVRE EXPRESSÃO, COMO É O CASO DA PRÁTICA CORAL.

* Por Hamilton de Oliveira

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E

m 2013 escrevi um TCC em forma de artigo na conclusão do meu curso de Licenciatura em Música

pela Uniso (Universidade de Soocaba) que tinha como foco a importância da preparação vocal antes e depois de um ensaio de um coral da terceira idade. Esse trabalho foi relevante para mim, pois a pesquisa foi realizada com o coral “Prof.

Eloir Rodrigues” da ACM (Associação Cristã de Moços) de Sorocaba, o qual faço parte como regente e arranjador.

A voz é primordial para a expressividade, a comunicação, a interação, a socialização e a qualidade de vida das pessoas. Em um coral da terceira idade, uma voz saudável, aquecida corretamente, obterá o efeito desejado no que diz respeito à afinação, emissão de ar, boa dicção vocal, além de outros benefícios que vão ajudar no ensaio das músicas sem prejudicar as pregas vocais. Hoje em dia, pouco se sabe a respeito de como os idosos cuidam da voz ou de como a percebem. O processo de envelhecimento humano implica em transformações estruturais e funcionais que afetam a qualidade da voz, daí a importância de um bom aquecimento e desaquecimento vocal.

A atividade com o coral da terceira idade tem dado resultados satisfatórios no que diz respeito à saúde, ao bem-estar social e emocional dos integrantes. Uma das principais melhorias obtidas é o cuidado com a voz antes e depois dos ensaios periódicos que envolvem seu aquecimen-

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to e desaquecimento. Trata-se de procedimentos que ajudam para um melhor rendimento vocal dos cantores antes de começar o ensaio propriamente dito e tem como objetivo preservar a saúde do aparelho fonador.

Em uma entrevista realizada durante a pesquisa, Dra. Mara Behlau ressaltou que é possível retardar o processo de envelhecimento vocal ou atenuar o impacto deste na qualidade da voz do idoso. Os idosos que possuem demanda vocal intensa como, por exemplo, aqueles que integram um coral, necessitam desenvolver a atenção e a percepção sobre a própria voz e os cuidados de saúde vocal a fim de possibilitar a busca precoce de orientação e apoio especializado para o aprimoramento vocal, bem como de prevenir ou retardar o impacto negativo das alterações vocais decorrentes do processo de envelhecimento.

Durante as aulas a educação vocal se realiza, basicamente, em três níveis: controle de fluxo aéreo (exercícios respiratórios), vocalizações (exercícios específicos com vogais) e técnica vocal propriamente dita – canto (impostação e articulação). A voz cantada e sua produção em grupo estabelecem um processo de ensino/ aprendizagem dos procedimentos vocais com alto grau de rendimento, pois na convivência com vários modelos vocais é possível desenvolver técnicas de propriocepção e imitação altamente eficazes para uma produção de música coral de qualidade.

Foto: Vivi Arts

‘ ‘

O ensaio musical é um momento único que une técnica, afinação, repertório e muita animação dos coralistas da terceira idade que tanto merecem nosso respeito e admiração.

‘

O aquecimento vocal corresponde à realização de uma série de exercícios respiratórios e vocais, cuja finalidade é aquecer a musculatura das pregas vocais antes de uma atividade mais intensa para evitar sobrecarga, o uso inadequado ou um quadro de fadiga vocal.

O objetivo do aquecimento vocal é preservar a saúde do aparelho fonador, por isso a importância de um bom professor de canto, que é o profissional que possui conhecimentos relativos à arte.

Ele estuda e ensina técnicas vocais específicas para a voz cantada com o objetivo de treinar o aluno para adquirir espontaneidade, serenidade, maleabilidade, aprimorando toda sua sonoridade vocal. É necessário que tenha pelo menos conhecimentos básicos de fisiologia da voz para que não utilize técnicas que possam ser prejudiciais ou inadequadas sob esse ponto de vista.

Beber água e comer maçã são benefícios importantes no que diz respeito ao cuidado com a voz. A água hidrata o organismo, inclusive as pregas vocais, fazendo-as vibrar com mais facilidade, diminuindo o esforço. Já a maçã possui propriedades adstringentes que ajudam na limpeza da boca e da faringe, melhorando a ressonância da voz.

A mastigação da maçã também auxilia na musculatura em torno da boca que resulta na melhor articulação das palavras.

Hamilton de Oliveira

Depois de aquecida corretamente a voz é hora de cantar as músicas previamente selecionadas e fazer do ensaio musical um momento único que une técnica, afinação, repertório e muita animação dos coralistas da terceira idade que tanto merecem nosso respeito e admiração.

* Hamilton de Oliveira iniciou seus estudos no Curso de MPB/Jazz no Conservatório de Tatuí, formou-se em Licenciatura pela UNISO no curso de Música e Pós-graduou-se pelo SENAC em Docência no Ensino Superior. É maestro, tecladista, pianista, acordeonista, arranjador, produtor musical, professor e colaborador da Revista Keyboard Brasil.

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Divas da Voz

Intensa e rápida

CÁSSIA ELLER ÁCIDA E DOCE. VERDADEIRA. UMA DAS MAIS BRILHANTES ARTISTAS DOS ÚLTIMOS TEMPOS. HÁ 15 ANOS MORRIA CÁSSIA ELLER. ESTE MÊS, MARINA RIBEIRO PRESTA UMA HOMENAGEM AQUELA QUE ERA MÚSICA DA CABEÇA AOS PÉS. * Por Marina Ribeiro

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N

o início dos anos 90, sem internet, sem YouTube, as notícias costumavam demorar mais para chegar. As rádios

tocavam uma regravação de Por Enquanto, de Renato Russo, uma canção singela, numa voz forte e grave. Eu lembro da noite em que esta cantora se apresentou em uma casa noturna de Curitiba. O fato de ela ter pisado no palco com um enorme copo de uísque na mão, cuspido para o lado e começado a cantar, não aquela faixa, mas outras, menos suaves, do repertório do seu primeiro disco, causou um congelamento na plateia, que naquele primeiro momento não entendeu nada.

Quem esperava a cantora intimista ficou chocado.

O palco era dela e o choque durou pouco, até chegar na tão esperada Por Enquanto, levando a audiência nas mãos. Uma fita demo, com aquela música, tinha sido a porta de entrada na gravadora PolyGram que contratou a cantora, naquele início de década.

Cássia Eller não era muito conhecida, mas já tinha uma carreira de vários anos em Brasília, cantando em bares e peças. Fez parte do primeiro Trio Elétrico de Brasília e entrou no mundo artístico trabalhando em um dos espetáculos de Oswaldo Montenegro.

Quem a via no palco e a considerava extravagante, tinha uma impressão errada. Era imensamente tímida, daquela timidez que emudece. Não conseguia falar com as pessoas, odiava dar entrevistas. Mas, ao pisar o palco, acontecia a transformação radical de alguém que

não gostava de se mostrar através da fala, mas não tinha qualquer escrúpulos através da música. Adorava o palco, preferia shows intimistas, a ponto de fazer muitos incógnita, para desespero do produtor, cobrando cinco,

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Acervo: Deborah Dornellas

dez reais pelos ingressos em bares e clubes de cidades pequenas, durante as turnês.

Pelo puro prazer de cantar e poder se comunicar com uma audiência mais próxima.

A maternidade foi um marco importante na vida de Cássia, que a fez mudar de postura e atitudes. A chegada do filho, em 1993, fez com que diminuísse o consumo de álcool e drogas e buscasse mais equilíbrio.

Em 1998 Cássia conheceu Nando Reis - um início de uma amizade profunda: “nosso mútuo encantamento se deu imediatamente” nas palavras dele. A partir desta amizade, Cássia iniciou uma nova etapa na carreira. Passou a usar melhor os recursos de sua voz e de seu talento, suavizando seu modo de cantar, em parte pela influência do amigo, em parte porque Chicão disse que ela não cantava, mas berrava! Nando Reis produziu o disco 'Com você... Meu mundo ficaria completo' com a canção “O segundo sol” e foi sucesso. Este novo estilo trouxe mais popularidade e sua carreira ia cada vez melhor.

O ano de 2001 começou fantástico.

Foi quando aconteceu a apresentação no Rock in Rio III. Impagável, inesquecível.

Ela circulou por ritmos, cantou Nirvana, apresentou um repertório diferente e segurou a audiência de mais de 100 mil pessoas com maestria. Foi a consa-

gração da artista.

Logo após foi convidada para o programa Acústico MTV, o CD, gravado ao vivo, como ela gostava, vendeu 900 mil cópias. Até aquela data, no ano foram 95 shows. Muito trabalho, pouca privacidade, muito estresse. E, em dezembro, ela se foi. Cássia morreu por infarto do miocárdio, aos 39 anos.

Foi casada com Maria Eugênia por 14 anos. Uma das primeiras artistas a assumir a homossexualidade, Cássia afirmou várias vezes que a companheira deveria ter a guarda do filho se alguma coisa acontecesse com ela. A decisão da justiça foi inédita neste caso, garantindo a vontade da mãe, e negando um pedido de guarda do avô.

Uma das vozes mais significativas do país, uma roqueira que cantava todos os ritmos, a tímida que não tinha o menor pudor no palco, artista famosa que cantava por puro prazer. Ácida e doce.

Verdadeira. Uma das mais brilhantes artistas dos últimos tempos. Cássia

Eller nos falta.

* Marina Ribeiro é profissional de marketing, atua em comunicação digital e e-commerce e é colaboradora da Revista Keyboard Brasil. Mantém uma loja virtual de roupas infantis e escreve por prazer. Geminiana, seu maior desafio é manter o foco.

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“ Quando criança, queria fugir com o circo, mas acabei sendo garçonete e cozinheira, aos 18 anos, em Brasília". Um ano mais tarde, fui para Minas Gerais e trabalhei como servente de pedreiro. Fiz massa e assentei tijolos. Quando voltei para Brasília, substitui uma amiga como secretária no Ministério da Agricultura.

Fui demitida no terceiro dia. Aí resolvi só cantar.” Disse Cássia Eller certa vez.

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