ImKinsky - 130. Kunstauktion - Zeitgenössische Kunst

Juan Muñoz, Chino mirándose en espejo redondo, 1999, 142 x 48 x 43 cm, Kat. Nr. 750, € 300.000–500.000

Günther Uecker, Lichtscheibe, 1967, Kat. Nr. 756, € 250.000–400.000

Juan Muñoz, Chino mirándose en espejo redondo, 1999, 142 x 48 x 43 cm, Kat. Nr. 750, € 300.000–500.000

Günther Uecker, Lichtscheibe, 1967, Kat. Nr. 756, € 250.000–400.000

ZEITGENÖSSISCHE KUNS T

4. DE ZEMBER 2019

4 DECEMBER 2019

1 3 0 . AU K T I O N

CONTEMPORARY ART ZEITGENÖSSISCHE KUNST

4. DEZEMBER 2019

Josef Mikl (Detail) Kat. Nr. 772

Zeitgenössische Kunst Contemporary Art

Adrian, Marc ® 505–508 Anzinger, Siegfried ® 542 Astuy, Christy ® 518 Attersee, Christian Ludwig ® 509 Avramidis, Joannis ® 740 Bertlmann, Renate ® 510, 511 Bertoni, Wander ® 517 Bischoffshausen, Hans ® 703–717 Bohatsch, Erwin ® 504, 557 Bottoli, Oskar ® 519 Brandl, Herbert ® 725 Brus, Günter ® 580 Casselman, Stanley W. ® 752 Christo, Javacheff ® 579 Dalpra, Mario ® 524, 543, 737 Damisch, Gunter ® 521–523, 723, 724, 771 Dubuffet, Jean ® 691 Eckert, Walter ® 668 Eisenberger, Christian ® 581–583 Eisler, Georg ® 537 Fleck, Karl Anton ® 532, 533 Francis, Sam ® 753 Frieberger, Padhi ® 584 Frohner, Adolf ® 526–530, 592 Fuchs, Ernst ® 587–591 Gangl, Harald ® 672 Gasteiger, Jakob ® 677 Gironcoli, Bruno ® 538–541, 776 Goeschl, Roland ® 586, 747 Grabmayr, Franz ® 562, 565, 566 Graf, Franz ® 544, 545 Hammerstiel, Robert ® 572 Haring, Keith ® 765, 769 Hartung, Hans ® 742 Hausner, Rudolf ® 596 Hausner, Xenia ® 780–782 Herzig, Wolfgang ® 598, 599 Hessing, Gustav ® 678 Holdhaus, Rudi ® 605 Hollegha, Wolfgang ® 603, 720 Holzinger, Andrea ® 548 Hrdlicka, Alfred ® 693, 741

Hundertwasser, Friedensreich ® 567–569, 787 Jesse, Joanna ® 670 Joos, Hildegard ® 554, 555 Jungwirth, Martha ® 718, 783–785 Kaiser, Eva ® 553 Katol, Guido ® 679, 680 Kedl, Rudolf ® 746 Klinkan, Alfred ® 560, 681 Kogelnik, Kiki ® 689 Komad, Zenita ® 549, 585 Korab, Karl ® 682, 683, 684 Kornberger, Alfred ® 685–687 Krawagna, Peter ® 698, 699 Krawagna, Suse ® 621 Krystufek, Elke ® 520, 576 Kumpf, Gottfried ® 673 Lassnig, Maria ® 690, 692, 694, 697, 786 Leherb, Helmut ® 593–595 Lehmden, Anton ® 597 Leikauf, Andreas ® 551, 552 Maderthaner, Franziska ® 604, 726 Marquant, Peter ® 607–609 Meese, Jonathan ® 738 Mikl, Josef ® 515, 516, 600–602, 695, 696, 772 Mlenek, Hannes ® 578 Moser, Maria ® 667 Moser, Nikolaus ® 610–612 Muehl, Otto ® 615–619, 760–763 Muñoz, Juan ® 750 Muntean, Robert ® 577 Navratil, Walter ® 531 Newton, Helmut ® 766–768 Nitsch, Hermann ® 613, 614 Oberhuber, Oswald ® 663–666 Oman, Valentin ® 669 B., ONA ® 573 Oppenheim, Meret ® 570 Paladino, Mimmo ® 606 Penck, A. R. ® 755 Pichler, Walter ® 512–514

Piene, Otto ® 743 Polanszky, Rudolf ® 757–759 Prachensky, Markus ® 536, 654–657 Prantl, Karl ® 739 Rainer, Arnulf ® 501–503, 580, 701, 702, 774, 775 Regl, Bianca ® 728–730 Reinhold, Thomas ® 676 Riccelli, Lucia ® 675 Riess, Thomas ® 550 Ringel, Franz ® 658–662 Rosa, Christian ® 754 Ruthner, Alex ® 620 Schauer, Gernot ® 547 Scheibl, Hubert ® 751 Schmalix, Hubert ® 525, 564 Schmögner, Walter ® 721, 722 Schnekenburger, Ramona ® 732 Schnur, Martin ® 727 Sengl, Deborah ® 574 Stangl, Heinz ® 534, 535 Staudacher, Hans ® 622–653, 700, 719 Stenvert, Curt ® 674 Stifter, Wolfgang ® 733 Stocker, Esther ® 736 Sturm, Judith ® 731 Szilit, Jeanne ® 546 Tàpies, Antoni ® 744, 745 Taupe, Johann Julian ® 571 Torschenko, Igor ® 559 Uecker, Günther ® 756 Urteil, Andreas ® 563 van Lieshout, Atelier ® 734 Vopava, Walter ® 556 Walla, August ® 575 Waltinger, Ty ® 735 Warhol, Andy ® 764, 770 Weiler, Max ® 561, 777–779 Weissenbacher, Sebastian ® 671 West, Franz ® 725, 773 Wurm, Erwin ® 748, 749 Zechyr, Othmar ® 688 Zens, Herwig ® 558

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A. R. Penck (Detail) Kat. Nr. 755

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Rudolf Hausner (Detail) Kat. Nr. 596

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Erwin Wurm Kat. Nr. 749

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Auktion 3. & 4. Dezember 2019 Dienstag, 3. Dezember 2019 Jugendstil & Design (Kat. Nr. 1–265) Klassische Moderne (Kat. Nr. 301–473)

15 Uhr 18 Uhr

Mittwoch, 4. Dezember 2019 Zeitgenössische Kunst Teil I (Kat. Nr. 501–702) Zeitgenössische Kunst Teil II (Kat. Nr. 703–787)

16 Uhr 18 Uhr

Vernissage, Montag, 25. November 2019, ab 18 Uhr Vortrag um 18.30 Uhr: Günther Oberhollenzer (Kurator der Landesgalerie Niederösterreich) spricht über ausgewählte Werke der Auktion zeitgenössischer Kunst Besichtigung der Schaustellung 26. November–4. Dezember 2019 Montag–Freitag 10–18 Uhr, Samstag & Sonntag 10–17 Uhr Wir erlauben uns, auf die seit 1. November 2019 geltenden neuen Käuferprovisionen (siehe „Gebühren für Käufer“ im hinteren Teil des Kataloges bzw. auf unserer Website) hinzuweisen.

Auction 3 & 4 December 2019 Tuesday, 3 December 2019 Art Nouveau & Design (Lots 1–265) Modern Art (Lots 301–473)

3 pm 6 pm

Wednesday, 23 October 2019 Contemporary Art Part I (Lots 501–702) Contemporary Art Part II (Lots 703–787)

4 pm 6 pm

Opening, Monday, 25 November 2019, from 6 pm Lecture at 6.30 pm: Günther Oberhollenzer, Curator of Landesgalerie Niederösterreich talks about the highlights of the contemporary art auction Exhibition from 26 November–4 December 2019 Monday–Friday 10 am–6 pm, Saturday & Sunday 10 am–5 pm We would like to draw your attention to our new buyer’s commission (see “Fees for buyers” at the back of the catalogue or on our website), effective November 1, 2019.

Auktionshaus im Kinsky GmbH, Palais Kinsky, Freyung 4, 1010 Wien | Vienna, Austria T +43 1 532 42 00, F +43 1 532 42 00-9, office@imkinsky.com

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ExpertInnen | Experts

Mag. Astrid Pfeiffer T +43 1 532 42 00-13 pfeiffer@imkinsky.com

Mag. Christoph la Garde T +43 1 532 42 00-25 lagarde@imkinsky.com

Prof. Peter Baum M +43 676 351 66 59

Assistenz | Assistance

Timea Pinter, MA T +43 1 532 42 00-41 pinter@imkinsky.com

Zustandsberichte & Beratung | Condition Reports & Consultation Mag. Astrid Pfeiffer, T +43 1 532 42 00-13, pfeiffer@imkinsky.com

Kaufaufträge | Order Bids T +43 1 532 42 00, office@imkinsky.com

Sensalin | Broker Monika Uzman, T +43 1 532 42 00-22, M +43 664 421 34 59

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Zeitgenössische Kunst Teil I Contemporary Art Part I

Mittwoch 4. Dezember 2019 Kat. Nr. 501–702 16 Uhr Wednesday 4 December 2019 Lots 501–702 4 pm

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Aus dem Nachlass von Dr. Reinhard Rainer Kat. 501–503

501 Arnulf Rainer * (Baden 1929 geb.)

Landschaft Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 25,5 × 35,5 cm Signiert rechts unten: A. Rainer Bezeichnet links unten: Landschaft ​EUR 12.000–18.000

ım Kinsky

502

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Arnulf Rainer *

Arnulf Rainer *

(Baden 1929 geb.)

(Baden 1929 geb.)

o.T., 1980er Jahre Öl auf Karton auf Holzplatte; gerahmt; 73 × 51 cm Monogrammiert rechts unten: R

o.T., 1980er Jahre Öl auf Karton auf Holz; gerahmt; 73 × 51 cm Monogrammiert rechts unten: AR

​EUR 25.000–45.000

​EUR 25.000–45.000

Die Methode der Fingermalerei erschließt sich Arnulf Rainer durch Zufall. Bei der Übermalung eines Großfotos brach ihm der Pinsel. Im Malrausch benützte er seine Finger und schlug mit den Händen auf das Gesicht ein. Die Unmittelbarkeit dieser Spuren faszinierte ihn und er begann diese Praktik bewusst einzusetzen. Die Gebärde der Hände ist Ausdruck seiner Körpersprache. Die Hände übersetzen direkt und unmittelbar die Emotionen in Farbe und Geste einzig beschränkt und kontrolliert durch das Format der Bildfläche. „….Nachdem ich viele Kartons auf dem Boden aufgelegt hatte und von einem zum anderen kroch, um die Farbmaterie als Schmiere, Markierung, Spur zu hinterlassen, fand ich zu einer sehr physischen Malweise, die so etwas wie den Höhepunkt eines Gestaltungsprinzips darstellte, das mit Kampf, Krampf und großer körperlicher Verausgabung einherging, also auf einer psychophysischen Ausdrucksgestik beruht….“ Arnulf Rainer, Gejammer in: Die Finger malen, Ausstellungskatalog Lausanne 1986.

Die ersten Fingermalereien entstanden bereits ab 1973. Es sind Handschläge. Aggressive singuläre rote Spuren auf weißem Grund. Daraus entwickelte Arnulf Rainer zu Beginn der 1980er Jahre immer dichtere Malereien. Eine Vermischung von Maltechniken und Materialien. Die Farbe wird gewischt, getropft, gespritzt, geronnen mit Pinseln, Händen, Fetzen und sonstigen unmittelbaren Hilfsmittel. Auch die Konsistenz der Farbe variiert von lasierend bis pastos. Aggressive Geste, Artikulation durch Linienführung und opake Abdeckung, Verschleierung und Entschleierung zeigen eine chaotische Malerei.

Die beiden vorliegenden Arbeiten sind aus allen diesen malerischen Möglichkeiten aufgebaut. Die Schichten entstehen durch Auslassen und Verdichten. Ähnliche Farbwelten aus glühendem Rot, Gelb, Orange im Kontrast zu Grün und Schwarz verbinden diese Arbeiten optisch. Pulsierend aufflackernd und doch durch eine schwarze zentralisierende Geste gebündelt, erscheint die eine Arbeit und aus einem feurigen Zentrum herauswachsend die Andere. Grafische strenge Linien dynamisieren die Farbflächen und umschließen den Bildraum. Die Arbeiten wirken wie Gegenstücke. In einem Fall ein zurückdrängen und beherrschen wollen des Darunterliegenden und im anderen Fall ein freilegen und hervortreten lassen noch tiefer liegender Schichten.

Zwei Arbeiten von einer wilden, anziehenden, einnehmenden Schönheit. (Christa Armann)

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Kat.Nr. 502

ım Kinsky

Kat.Nr. 503

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504 Erwin Bohatsch * (Mürzzuschlag 1951 geb.) o.T., 2006 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 135 × 100 cm Rückseitig signiert und datiert: Bohatsch 11.06 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 7.000–10.000

ım Kinsky

505 Marc Adrian * (Wien 1930–2008 Wien) O12, 1962 Hinterglasmontage, Collage hinter Edelitglas; 63 × 90 × 7 cm Rückseitig signiert: Marc Adrian Rückseitig bezeichnet: O12 Provenienz Privatbesitz, Niederösterreich–2000; Privatbesitz, St. Pölten Ausstellungen Ausst.-Kat. Mailand, Adrian, 1968; Ausst.-Einl. Brescia, Adrian, 1968; Ausst.-Einl. Macerata, Adrian, 1970; Ausst.-Kat. Graz, Adrian, 1975-WV 71; Ausst.-Kat. Kirchberg, Kunst, 1977; Ausst.-Kat. Graz, Adrian, 2007, S. 403; Literatur Dieter Bogner, Cornelia Cabuk, Olaf Moeller, Harald Krejci, Marc Adrian. Film Kust Medien, Monografie & Werkverzeichnis. Wien 2016, Abb. S. 254, S/O 1962 5; Ausstellungskatalog, Retrospektive, Marc Adrian. Graz 2007, Abb. S. 221, Kat. 71. ​EUR 8.000–12.000

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506 Marc Adrian * (Wien 1930–2008 Wien) Portrait Carl Laszlo, 1973 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 110 × 85 cm Rückseitig bezeichnet, datiert und signiert: Portrait 73 Carl Laszlo Marc Adrian Provenienz Privatbesitz, Wien Literatur Dieter Bogner, Cornelia Cabuk, Olaf Moeller, Harald Krejci, Marc Adrian. Film Kust Medien, Monografie & Werkverzeichnis. Wien 2016, M 1970 6, Abb. S. 423. ​EUR 3.000–5.000

507 Marc Adrian * (Wien 1930–2008 Wien) Portrait Carl Laszlo II, 1971 Acryl auf Leinwand; ungerahmt; 90 × 120 cm Rückseitig bezeichnet und signiert: Portrait Carl Laszlo II Marc Adrian Provenienz Privatbesitz, Wien Literatur Dieter Bogner, Cornelia Cabuk, Olaf Moeller, Harald Krejci, Marc Adrian. Film Kust Medien, Monografie & Werkverzeichnis. Wien 2016, M 1971 1, Abb. 424. ​EUR 2.500–4.000

ım Kinsky

508 Marc Adrian * (Wien 1930–2008 Wien) Ich war nie ein wir, um 2004 Bronze; H. 73 cm Bezeichnet und signiert auf der Plinthe: Ich war nie ein wir Marc Adrian Provenienz Privatsammlung, Steiermark Literatur Agnes Husslein-Arco, Cornelia Cabuk, Harald Krejci (Hg.), Marc Adrian, Monografie und Werkverzeichnis, Belvedere Werkverzeichnisse, Bd. 5, Wien 2016, S/O 2004 5, Abb. S. 388. ▲ EUR 8.000–12.000

Details Signatur

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509 Christian Ludwig Attersee * (Preßburg 1940 geb.)

Sohn, 1988 Acryl, Lack und Farbkreide auf Leinwand; mit Originalrahmen; 105 × 80 cm; 120 × 95,5 cm (mit Originalrahmen) Bezeichnet, signiert und datiert links unten: Sohn, Attersee 88 Signiert und datiert rechts unten: Attersee 88 Provenienz Privatbesitz, Österreich; 2015 Auktionshaus im Kinsky, 108. Auktion (lot 423); Privatbesitz, Wien Literatur Peter Gorsen, Attersee. Werkverzeichnis 1963 – 1994, Salzburg und Wien 1994, WV-Nr. 2766; Ausst.-Kat. Errötende Tiere. Auswahl von Wasser, Mensch und Tier.

1987–88. Katalog zur 100. Attersee-Ausstellung. Galerie Heike Curtze, Wien (November 1988 bis Jänner 1989) und Galerie Folker Skulima, Berlin (März bis April 1989), Wien 1988; Ausst.-Kat. Attersee. Malerei 1984 bis 1994. Ausstellung im Künstlerhaus Palais Thurn & Taxis, Bregenz, 1994, Abb., o.p.

Das Bild ist im Werkverzeichnis unter der Nummer WV-Nr. 2766 verzeichnet. ​EUR 16.000–20.000

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510 Renate Bertlmann * (Wien 1943 geb.) o.T., 1973 Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 35,5 × 50 cm Signiert und datiert rechts unten: R. Bertlmann 1973 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 5.000–8.000

ım Kinsky

511 Renate Bertlmann * (Wien 1943 geb.)

Der wassersüchtige Onkel wird abgezapft (Brecht „Kleinbürgerhochzeit“), 1973 Mischtechnik auf Transparentpapier auf Papier; ungerahmt; 38 × 53 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert und datiert rechts unten: Renate Bertlmann 73 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 5.000–8.000

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512

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Walter Pichler *

Walter Pichler *

(Deutschnofen/Südtirol 1936–2012 St. Martin / Raab)

(Deutschnofen/Südtirol 1936–2012 St. Martin / Raab)

Lebendiges Kreuz, 1975 Bleistift auf Papier; gerahmt; 34,5 × 48 cm Signiert und datiert rechts unten: W. Pichler 1975

o.T., 1975 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 29,5 × 32,5 cm Signiert und datiert rechts unten: Walter Pichler 75

Provenienz Privatbesitz, Wien

Provenienz direkt vom Künstler erhalten; seither österreichischer Privatbesitz

​EUR 2.000–3.000

​EUR 1.500–2.500

ım Kinsky

514 Walter Pichler * (Deutschnofen/Südtirol 1936– 2012 St. Martin / Raab) o.T., 1987 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 49 × 20,5 cm Signiert und datiert: W. Pichler 1987 Rückseitig mit persönlicher Widmung versehen Provenienz direkt vom Künstler erhalten; seither österreichischer Privatbesitz ​EUR 3.000–5.000

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515 Josef Mikl * (Wien 1929–2008 Wien) Sitzender Akt, 1967 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 62,5 × 44 cm Signiert und datiert rechts unten: Mikl 67 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 3.500–5.000

ım Kinsky

516 Josef Mikl * (Wien 1929–2008 Wien) o.T., 1949/50 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 58,5 × 42 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert und datiert unten mittig: Mikl 49/50 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 4.500–6.500

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517 Wander Bertoni * (Cordisotto 1925 geb.)

Mutter, Kind kämmend, 1979 Bronze; H. 48 cm Signiert und datiert unten auf der Rückseite: Bertoni 1979 Provenienz Privatbesitz, Wien Literatur Wander Bertoni, Indisches Tagebuch, Verlag Jugend & Volk, Wien 1985, Abb. S. 53; Kristian Sotriffer, Wander Bertoni, Das plastische Werk 1945 bis 1980, Edition Tusch, Wien 1981, Abb. S. 146. ​EUR 7.000–12.000

ım Kinsky

„Es dürfte ein Feiertag gewesen sein, als ich in einem Newari – Dorf in Nepal, auf einem Platz mit Fachwerkhäusern aus Ziegeln und reich beschnitztem Holz, trat. Das Aussehen der Häuser erinnerte an eine mittelalterliche, europäische Stadt.

Es fand eine allgemeine Waschung um eine Wasserstelle statt; eine unbeschreibliche Idylle, braune Körper, aufgelöste, schwarze, nasse Mähnen, plätschernde Kinder, kämmende und waschende Mütter – ein unvergeßliches Bild.“ (Wander Bertoni, in: Indisches Tagebuch, S. 53.)

518 Christy Astuy * (Carmel 1959 geb.)

All for Love, 1992 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 95 × 75 cm Signiert und datiert rechts unten: Astuy 92 Bezeichnet in der Bildmitte: All for Love Rückseitig bezeichnet: All for love Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 3.000–4.000

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519 Oskar Bottoli * (Wien 1921–1995) Dicke Margot, 1973 Bronze; H. 152 cm Monogrammiert und datiert unten auf der Plinthe: OB 1973 Gießerstempel: GUSS A. ZÖTTL WIEN, Gießerstempel Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 20.000–30.000

„Die Ballade von Villon und seiner dicken Margot Da regen sich die Menschen auf, weil ich mit einem Mädchen geh, das sich vom Strich ernährt und meine Wenigkeit dazu.

Ich aber hab die Kleine doch so schrecklich gern, ich bürste ihr die Kleider, putz ihr auch die Schuh, damit die Offiziers und Kammerherrn sich wie im Himmel fühlen, in dem Kabuff, in dem wir beide wohnen.

Ich bleibe immer vornehm und diskret und warte, bis die Kundschaft wieder geht, und zähle schnell die Taler nach, und wenn es weniger sind, als der geehrte Herr versprach, dann gibt es leider etwas Wind in dem Kabuff, in dem wir beide wohnen.

Mitunter nage ich auch an dem Hungertuch bei meinem schwarzen Schwan, wenn der Besuch ins Stocken kam.

Mein Gott, die schönste Huld hört auf und macht den Menschen weniger zahm, der Teufel hole die Geduld.

Und so läuft mir die Galle eben über in dem Kabuff, in dem wir beide wohnen.

Dann hat mich die Margot so lieb wie nie und schnurrt und putzt sich wie ein Katzenvieh: „Sei wieder nett zu mir und gut!“ Und ich bin auch kein hölzernes Gestell, das gibt uns beiden einen frischen Mut. Bald ist es wieder flott, das Karussell, und dreht die kunterbuntesten Figuren in dem Kabuff, in dem wir beide wohnen.

Anhängsel zur freundlichen Aufmunterung: Sehnt ihr in dieser tristen Zeit euch sterbenskrank nach einer warmen, weichen Ruhebank, dann, meine Herren, seid ihr uns willkommen in dem Kabuff, in dem wir beide wohnen.“ Text: François Villon, Nachdichtung: Paul Zech

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Detail

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520 Elke Krystufek * (Wien 1970 geb.)

The idea of love (Dubai), 1999 Acryl auf Leinwand; 169,5 × 129,5 cm Rückseitig datiert, signiert und bezeichnet: 3/18–19/99 Elke Krystufek, ’The idea of love (Dubai)’ Provenienz Privatbesitz, Deutschland ​EUR 15.000–25.000

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521 Gunter Damisch * (Steyr 1958–2016 Wien) o.T., 1996/97 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 110 × 70 cm Rückseitig signiert und datiert auf der Leinwand: G. Damisch / 1996/97 Provenienz direkt beim Künstler erworben Privatbesitz, Tirol ​EUR 12.000–18.000

ım Kinsky

522 Gunter Damisch * (Steyr 1958–2016 Wien) Oranges Weltfeld, 2005 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 110 × 81 cm Rückseitig signiert und datiert: G. Damisch 2005 Provenienz seit 2018 Privatsammlung, Wien ​EUR 12.000–18.000

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523

524

Gunter Damisch *

Mario Dalpra *

(Steyr 1958–2016 Wien)

(Feldkirch 1960 geb.)

o.T., 1990/91 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 40 × 40 cm Rückseitig signiert und datiert: G. Damisch 90/91

o.T., 1992 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 70 × 87,5 cm Rückseitig signiert und datiert: Dalpra M 92

Provenienz Privatbesitz, Wien

Provenienz in den 1990er Jahren direkt vom Künstler erworben; seither Privatbesitz, Wien

​EUR 2.000–4.000

​EUR 1.500–2.500

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525 Hubert Schmalix * (Graz 1952 geb.) o.T., 2011 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 90 × 70 cm Rückseitig signiert und datiert: Schmalix 11 Provenienz 2014 direkt vom Künstler erworben; seither Privatbesitz, Salzburg ​EUR 5.000–8.000

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526 Adolf Frohner * (Groß Inzersdorf 1934–2007 Wien) o.T., 1980 Ölkreide und Acryl auf Papier; gerahmt; 64 × 48,5 cm (Rahmen-Ausschn.)

Signiert und datiert rechts unten: Frohner 80 Provenienz Sammlung Katharina Hilger, Wien ​EUR 1.500–3.000

527 Adolf Frohner * (Groß Inzersdorf 1934–2007 Wien) o.T., 1983 Ölkreide und Acryl auf Papier; gerahmt; 54 × 39 cm Signiert und datiert rechts unten: Frohner 83 Provenienz Sammlung Katharina Hilger, Wien ​EUR 1.500–3.000

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528 Adolf Frohner * (Groß Inzersdorf 1934–2007 Wien) o.T., 1970er Jahre Bronzeguss; 44 × 14 × 21 cm Am Sockel signiert und nummeriert: A. Frohner 1/10 Provenienz Privatbesitz, Wien Literatur Dieter Ronte, Elisabeth Voggeneder (Hg.), Adolf Frohner Plastik, Werkverzeichnis Band 1, Christian Brandstätter Verlag, Wien 2014, Wvz. Nr. P 76 FV 437, Abb. S. 147. ​EUR 3.000–5.000

529 Adolf Frohner * (Groß Inzersdorf 1934–2007 Wien) Fej, 1976 Bronzeguss; 48 × 14 × 25 cm Am Sockel signiert und nummeriert: A. Frohner 1/10 Provenienz Privatbesitz, Wien Literatur Dieter Ronte, Elisabeth Voggeneder (Hg.), Adolf Frohner Plastik, Werkverzeichnis Band 1, Christian Brandstätter Verlag, Wien 2014, Wvz. Nr. P 94 FV 715, Abb. S. 153. ​EUR 3.000–5.000

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530 Adolf Frohner * (Groß Inzersdorf 1934–2007 Wien) Totenkopf, 1986 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 60 × 42,5 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert und datiert rechts unten: Frohner 86 Provenienz direkt vom Künstler erhalten; seither Privatbesitz, Wien ​EUR 1.500–2.000

531 Walter Navratil * (Klosterneuburg 1950–2003 Wien) o.T., 1976 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 65 × 50 cm Signiert und datiert rechts unten: Navratil 1976 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.000–1.500

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532

533

Karl Anton Fleck *

Karl Anton Fleck *

(Wien 1928–1983 Wien)

(Wien 1928–1983 Wien)

Liegender Akt, 1981 Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 45 × 61,5 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert und datiert rechts unten: KAF 1981 8. 81.

Neumarkt a. d. Raab, 1973 Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 62 × 90 cm Bezeichnet unten mittig: Neumarkt a. d. Raab Signiert und datiert rechts unten: KAF 1973

Provenienz Privatbesitz, Wien

Provenienz Privatbesitz, Wien

​EUR 1.500–2.000

​EUR 1.200–2.000

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534 Heinz Stangl * (Wien 1942–2008 Wien) o.T. Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 60 × 48 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert und datiert links oben Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.200–2.000

535 Heinz Stangl * (Wien 1942–2008 Wien) o.T., 1977 Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 34,5 × 25 cm Signiert und datiert links unten: Heinz Stangl 1977 Provenienz Privatbesitz, Niederösterreich ​EUR 500–800

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536 Markus Prachensky * (Innsbruck 1932–2011 Wien) „California revisited“, 2001 Acryl auf Bütten; gerahmt; 78 × 54 cm Signiert und datiert links unten: Prachensky 01 Provenienz Galerie am Lindenplatz, Vorarlberg; Privatbesitz, Vorarlberg ​EUR 3.500–5.000

537 Georg Eisler * (Wien 1928–1998 Wien) Innenansicht, 1975 Pastell auf Papier; ungerahmt; 49,5 × 65 cm Signiert und datiert links oben: Eisler, 25.II. 75 Provenienz Privatbesitz, Niederösterreich ​EUR 1.000–1.500

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538 Bruno Gironcoli * (Villach 1936–2010 Wien) o.T. (Ähre), 1972/2000 Aluminiumguss; Auflage: 65/99; Skulptur: 152 × 15 × 15,5 cm Sockel: 27,6 × 27,3 × 3 cm Nummerierte Auflage: 1/99–99/99 Gießer: Krismer, Telfs Punziert: BG Editeurspunze: ETK Provenienz Privatbesitz, Wien Literatur vgl. Bettina M. Busse (Hg.), Bruno Gironcoli. Die Skulpturen 1956–2008, Ostfildern, 2008, Abb. S. 362. ​EUR 2.500–5.000

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539 Bruno Gironcoli * (Villach 1936–2010 Wien) o.T. Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 89 × 61 cm Signiert unten mittig: B. Gironcoli Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 6.000–10.000

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540 Bruno Gironcoli * (Villach 1936–2010 Wien) Doppelte Kornähre (Moses verfängt sich im Schilf), 2001 Aluminiumguss; Auflage: 2/30; 155 × 63 × 60 cm Nummerierte Auflage: 1/30–30/30 Gießer: Rabas, Wien Punziert: GIRONCOLI Edition Galerie Chobot, Wien Provenienz Galerie Chobot, Wien; Privatbesitz, Wien Literatur vgl. Bettina M. Busse (Hg.), Bruno Gironcoli. Die Skulpturen 1956–2008, Ostfildern, 2008, Abb. S. 368. ​EUR 7.000–12.000

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541 Bruno Gironcoli * (Villach 1936–2010 Wien) Antwort für W. R., 1970er Jahre Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 31 × 45 cm Signiert und bezeichnet links mittig: B. Gironcoli, Antwort für W. R. Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 8.000–12.000

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542 Siegfried Anzinger * (Weyer 1953 geb.)

Das verliebte Nashorn, 1982 Mischtechnik auf Papier auf Hartfaserplatte; gerahmt; 100,5 × 70 cm Datiert und signiert unten links: 1981 Anzinger Bezeichnet rechts im Bild: Das verliebte Nashorn Provenienz Sammlung Leopold II; Auktionshaus im Kinsky (82. Auktion, lot 287); österreichische Privatsammlung

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Ausstellungen Frauenbad, Baden bei Wien (16. 12. 2000 – 25. 2. 2001); Alpen-Adria-Galerie, Klagenfurt (8. 3. 2001 – 29. 4. 2001); Universität für angewandte Kunst Wien, Heiligenkreuzer Hof, Wien (24. 5. 2001 – 21. 7. 2001) Literatur Farbenlust und Formgedanken. Abstrakte Wege in Österreich 1900–2000, Ausst.-Kat. Frauenbad, Baden bei Wien 2001, Abb. S. 79. ​EUR 7.000–12.000

543 Mario Dalpra * (Feldkirch 1960 geb.)

Knieende, Unikat, 2017 Bronze, patiniert; 40 × 25 × 20 cm Monogrammiert und datiert unten: MD 17 Provenienz österreichische Privatsammlung ​EUR 4.000–6.000

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544 Franz Graf * (Tulln 1954 geb.)

Serie von 7 Siebdrucken (Au Fut; Inmagyn; Delle Belle Arti; Warum; Copyou; Ja Nein; Bon Annee), 2000 sieben, doppelseitig im Siebdruckverfahren bedruckte Hartfolien (Tundra 0,4mm); hinter Glas; je 60 × 42,5 cm Jedes Blatt ist nummeriert und signiert: A.P. VI / IX Franz Graf Zenita Ein Blatt datiert: 2000 Auflage: A.P. VI / IX Edition Atelier (Hg.), Graz 2000 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 2.500–5.000

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545 Franz Graf * (Tulln 1954 geb.)

Tisch, 2006 Stahl, Glas; B. 100 × T. 155 × H. 59 cm Mit einem Gedicht von Georg Trakl: Damit begann der Abend der ganz unter Blumen verschwand.

Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 8.000–12.000

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546 Jeanne Szilit * (Schrobenhausen bei München geb.)

Mortal Systems – Flower Suites No 8, 2015 Chromogenic Print on High Quality Photo covered with Plexiglass, backed on Aluminium Plate; 85 × 90 cm Rückseitig signiert, datiert, bezeichnet und nummeriert: Jeanne Szilit 2015, MORTAL SYSTEMS-Flowersuites No 8 Ltd. Edition 3 + 1AP/No 3 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 3.000–5.000

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547 Gernot Schauer * (Wolfsberg 1940 geb.) o.T., 2001 Fotografie auf Aluminiumplatte mit Kunstharzlack überarbeitet; gerahmt; 120 × 150 cm Rückseitig signiert und datiert: Schauer 2001 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 4.000–6.000

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548 Andrea Holzinger * (Innsbruck 1963 geb.)

Landschaft, 2006 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 100 × 110 cm Rückseitig signiert und datiert: Andrea Holzinger 2006 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 3.000–5.000

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549 Zenita Komad * (Klagenfurt 1980 geb.)

A significant contribution to the arts, 2002 Mischtechnik, Collage auf Leinwand; ungerahmt; 150 × 110 cm Rückseitig signiert und datiert: Zenita Komad 2002 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 4.000–6.000

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550 Thomas Riess * (Tirol 1970 geb.)

Wind, 2016 Öl auf Leinwand; gerahmt; 50 × 70 cm Rückseitig bezeichnet, signiert und datiert: Wind, Riess 16 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.800–3.000

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551 Andreas Leikauf * (Obersteiermark 1966 geb.)

Nothing New, 2006 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 55 × 40 cm Bezeichnet vorne: Nothing New Rückseitig signiert und datiert: A. Leikauf 06 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 600–1.000

552 Andreas Leikauf * (Obersteiermark 1966 geb.)

Random Memories, 2005 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 50 × 40 cm Bezeichnet vorne: Random Memories Rückseitig signiert, datiert und bezeichnet: A. Leikauf 05 „Random M.“ Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 600–1.000

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553 Eva Kaiser * (Salzburg 1963 geb.)

Das Jetzt, 2018 Mischtechnik auf Leinwand; gerahmt; 100 × 82 cm Rückseitig bezeichnet, signiert und datiert: „Das Jetzt“, Eva Kaiser 2018 Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 1.500–2.500

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554 Hildegard Joos * (Wien 1909–2005 Niederösterreich) o.T. Öl auf Leinwand; gerahmt; 49,5 × 37,5 cm Signaturenzeichen links unten Provenienz Privatbesitz, Niederösterreich ​EUR 2.500–4.500

555 Hildegard Joos * (Wien 1909–2005 Niederösterreich) o.T. Öl auf Leinwand; 60 × 50 cm Rückseitige Widmung und Signatur Provenienz Privatbesitz, Niederösterreich ​EUR 3.000–5.000

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556 Walter Vopava * (Wien 1948 geb.) o.T. Öl auf Leinwand; ungerahmt; 125 × 127 cm Rückseitig signiert: Vopava Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 3.500–5.000

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557 Erwin Bohatsch * (Mürzzuschlag 1951 geb.) o.T., 1990 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 70 × 55 cm Rückseitig signiert und datiert: Bohatsch 9.90 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 3.000–5.000

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558 Herwig Zens * (Himberg 1943 geb.)

Tod und strenge Domina, 2009 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 100 × 80 cm Signiert und datiert links unten: Zens Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.000–1.500

559 Igor Torschenko * (Kursk/UdSSR 1965 geb.)

Zusammen, 2006 Öl auf Leinwand; gerahmt; 120 × 120 cm Rückseitig signiert und datiert: Torshenko Igor, Top. 06 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 2.500–5.000

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560 Alfred Klinkan * (Judenburg 1950–1994 Wien) Der Beobachter, 1984 Öl auf Leinwand; gerahmt; 90 × 100 cm Rückseitig bezeichnet, signiert und datiert: Kat. für d. Kunst, Alfred Klinkan, 1984 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 3.500–5.000

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561 Max Weiler * (Absam bei Hall i. Tirol 1910–2001 Wien) Lautes Land, 1991 Eitempera auf Papier; gerahmt; 59 × 87 cm Signiert und datiert rechts unten: Weiler 91; betitelt links unten: „lautes Land“ Provenienz 1993, direkt beim Künstler erworben; seither Privatbesitz, Tirol ​EUR 25.000–40.000

1991, in seinem 80. Lebensjahr, gelang es Max Weiler nach wie vor, Bilder von großer Dynamik und Kraft zu schaffen. Gerade sein spätes Werk ist gekennzeichnet durch eine besondere Souveränität, eine verspielte Leichtigkeit, neue Farben und Formen entstehen zu lassen. Sein Credo, Kunst und Natur als Prozess der Veränderung wahrzunehmen, gewinnt so eine neue Tiefe, die das Wesen der Natur in ihrem eigentlichen Sein eindrucksvoll und zeitlos vermitteln. Seine abstrakten Figurationen „sind farbige Flecken, Rinnsale, Tropfen, Tupfen, aufgerissene Flächen, verschlungene Striche. Ihre Handlung sind die Taten und Leiden von Licht und Farbe, sind die Bewegungen des Farbstroms, ist die Erzeugung von Raum, ist das Entstehen von Natur.“ (Wieland Schmied, in: Weiler. Die innere Figur, Salzburg 1989.)

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562 Franz Grabmayr (Pfaffenberg b. Obervellach/Kärnten 1927–2015 Wien) Landschaft, 2002 Öl auf Leinwand; gerahmt; 93 × 117 cm Rückseitig signiert und datiert: Grabmayr 2002 Provenienz österreichischer Privatbesitz; 2010 Auktionshaus im Kinsky, 78. Auktion (Lot. 538); seither österreichischer Privatbesitz ​EUR 25.000–35.000

Die 2002 entstandene Landschaft Franz Grabmayrs ist ein imposantes Zeugnis des späten Werks des Künstlers, in dem er die prägnante pastose Farbmalerei noch einmal radikal weiterentwickelt. Typisch ist das Freilassen des Bildgrundes in den Randzonen. Die Komposition breitet sich vor einer neutralen Fläche gleichsam explosionsartig wie nach dem Urknall aus. Das Kontrastieren eines energiegeladenen Kraftfeldes mit dem weißen Grund kennen wir auch aus den späten Tanzblättern, wo im spontanen Gestus die Bewegung der Tänzerinnen vor dem Weiß des Papiers festgehalten wird.

Eigentlich sind diese Landschaften nur mehr abstrakte Farbmuster. Die Schwere der pastosen Farbschicht wird durch das Schweben vor dem weißen Grund konterkariert. Auch ist die Farbe nicht mehr allein Quelle des Lichts, sondern „das Eigenlicht des Bildträgers wird zu Bildlicht“ (Robert Fleck, Caro Wiesauer, Franz Grabmayr.

Feuerbilder – Tanzblätter – Materialbilder, Ausstellungskatalog, Museum Angerlehner, Thalheim bei Wels, 2017, S. 40). Wenngleich es in dieser Landschaft keinen Vorder-, keinen Hintergrund gibt und Nah- und Fernsicht ineinander verschmelzen, ist dennoch durch die Farbgebung eindeutig ein Oben und Unten definiert. Die Struktur der Felder, Wiesen, Bäume und der Wolken am Himmel wird durch den pastosen Farbauftrag greifbar, die Farbe zur lebendigen Substanz. Durch die heftige Geste ist alles in Bewegung. Man kann sich einen Wind vorstellen, der durch die Kornfelder zieht und die Ähren wiegt, der die Wolken am Himmel vor sich hertreibt. Gleichzeitig fühlt man die Dynamik und Lebendigkeit, die der Natur innewohnt, das Licht der Sonne, die alles Leben erst möglich macht. Es ist diese allumfassende Energie, die es darzustellen gilt, dabei interessieren den Künstler weniger die einzelnen Teile der Natur als eben vielmehr „die Farbe, die Dynamik, die Kraft des Lebendigen“ (Klaus Albrecht Schröder, Franz Grabmayr, Ausstellungskatalog, Österreichische Galerie Belvedere, Oberes Belvedere, Wien 2002, S. 11). Die unglaubliche Wucht der Farbmasse, diese „hochexplosive Energie im Umgang mit dem Pigment“ (Schröder, S. 17) ist es auch, die Franz Grabmayrs Kunst auszeichnet.

Wie keinem sonst gelingt es ihm, die Landschaftsmalerei von jenem Konflikt zu erlösen, den der „Aufstand der Abstraktion gegen die Nachahmung ausgelöst hat“ (Schröder, S. 19), und die malerische Umsetzung eines Naturerlebens in Farbe und Form auf neue Beine zu stellen und zu revolutionieren. (Sophie Cieslar)

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563 Andreas Urteil * (Gakovo 1933–1963 Wien) Figur gedreht Bronze; H. 44 cm Signiert auf der Plinthe: Urteil Nr. 107, Auflage 1000 arabisch nummerierte Güsse, Gießerstempel Venturi Arte Bologna, Edition Euro Art Provenienz Privatbesitz, Österreich ​EUR 1.000–2.000

564 Hubert Schmalix * (Graz 1952 geb.) o.T., 2001 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 80 × 55 cm Signiert und datiert rechts unten: Schmalix 01 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.200–2.000

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565 Franz Grabmayr * (Pfaffenberg b. Obervellach/Kärnten 1927–2015 Wien) Tanzblatt Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 100 × 69,5 cm Rückseitig signiert: Grabmayr Provenienz direkt vom Künstler erworben; seither Privatsammlung, Wien ▲ EUR 3.000–5.000

566 Franz Grabmayr * (Pfaffenberg b. Obervellach/Kärnten 1927–2015 Wien) Tanzblatt Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 97,5 × 76,5 (Passep.-Ausschn.)

Rückseitig signiert: Grabmayr Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 2.700–4.000

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567 Friedensreich Hundertwasser * (Wien 1928–2000 vor Brisbane, Australien) HWG 92-97, 846A-851A Joy of Man; Joie de L’Homme; Menschenfreude (6 Stück in Portfolio), 1986 Japanischer Farbholzschnitt in 19-28 Farben; je 57 × 42 cm Exemplar: 133/200 Edition of 200, signed and numbered 1–200/200; plus 3 specimens dedicated to the cutter, the printer and the coordinator, respectively Published by Galerie de L‘Etoile, S.A., 1988 Studio: Uchida Moto Han, Kyoto Coordinator: Yamagami Provenienz Privatbesitz, Salzburg Literatur A. C. Fürst, Hundertwasser 1928-2000, Catalogue Raisonné, Köln 2002, Vol. II, S. 877-881. ​EUR 18.000–24.000

Original-Holzkassette

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568 Friedensreich Hundertwasser * (Wien 1928–2000 vor Brisbane, Australien) HWG 24, 639 Seereise I – The Journey I – Voyage par Mer I, Published in 1967 Etching; framed; Format: 57 × 38 cm Image: 32 × 24 cm Etching on the 4 blocks of the colour extracts (red, green, yellow, blue) of the reproduction of the original Edition: 12/15 Provenienz Privatbesitz, Wien Literatur A. C. Fürst, Hundertwasser 1928-2000, Catalogue Raisonné, Köln 2002, Vol. II, S. 781.

After 344 Nostalgie de L’Au-Dela un Spiraloid, mixed media, 1958.

Printed by Jacques David, Paris, 1967 (started with Roger Lacouriere , Paris). Artist’s work on the plates in Venice, Sardinia, Paris, 1966–1967 ​EUR 1.600–3.000

569 Friedensreich Hundertwasser * (Wien 1928–2000 vor Brisbane, Australien) HWG 32, 551A Spiralsun and Moonhouse - The Neighbours Die Nachbarn I - Spiralsonne und Mondhaus Les Voisins - Soleil Spirale et Maison Lune Taiyoo No Rinjin To Tsuki No Ie, Printed in 1967, published in portfolio in 1973 Japanese woodcut in approximately 20 colours; framed; Format: 35,5 × 52,2 cm Image: 32,4 × 49,3 cm Numbered, signed and dated: 23/200 Hundertwasser Regentag 1967 Edition: 23/200, 551A Edition of 200, signed and numbered 1–200/200 Dieses Blatt ist eines von 7 des Portfolio Nana Hyaku Mizu.

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Provenienz 1974 erworben in der Galerie Winter; seither Privatsammlung, Niederösterreich Literatur Literatur: A. C. Fürst, Hundertwasser 1928-2000, Catalogue Raisonné, Köln 2002, Vol. II, S. 794. ​EUR 3.500–5.000

570 Meret Oppenheim * (Berlin 1913–1985 Berlin) Bird Feet Table Bronze, Holz, vergoldet; H. 65 cm Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 4.000–6.000

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571 Johann Julian Taupe * (Gritschach, Villach 1954 geb.) o.T., 1999 Acryl auf Leinwand; gerahmt; 50 × 70 cm Monogrammiert rechts unten: T. Rückseitig signiert und datiert: Taupe 99 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 2.500–3.500

572 Robert Hammerstiel * (Werschetz, Banat 1933 geb.)

Yves Tanguy (Distances), 2012 Öl auf Leinwand; gerahmt; 40 × 40 cm Rückseitig bezeichnet, signiert und datiert: Yves Tanguy, Frankreich, Distances (Distanzen) 1944, Hammerstiel 2012 Provenienz Privatbesitz, Niederösterreich ​EUR 2.000–3.000

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573 ONA B. * (Wien 1957 geb.) o.T., 1987 Öl auf Leinwand; gerahmt; 169,5 × 120 cm Rückseitig signiert und datiert: Ona B. 1987 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.000–2.000

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574 Deborah Sengl * (Wien 1974 geb.) o.T., 2008 Mischtechnik, Collage auf Papier; gerahmt; 59 × 41,5 cm Signiert und datiert links unten: Deborah Sengl, 2008 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.000–2.000

575 August Walla * (Klosterneuburg 1936–2001 Klosterneuburg) Karlikasparek Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 29 × 20,5 cm (Passep.-Ausschn.)

Rückseitig bezeichnet und signiert: Das Bild von August Walla.! Die Zeichnung der Karli Kasparek.!

Der Brave so Karlikasparek.!

Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.200–2.000

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576 Elke Krystufek * (Wien 1970 geb.)

I hate my desire for food, 1995 Kohle auf Papier; gerahmt; 59 × 45 cm Rückseitig signiert und datiert: Elke Krystufek 1995 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 5.000–8.000

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577 Robert Muntean * (Leoben 1982 geb.) o.T., 2012 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 160 × 140 cm Rückseitig datiert und signiert: R Muntean 2012 Provenienz Privatsammlung, Wien ​EUR 6.000–10.000

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578 Hannes Mlenek * (Wiener Neustadt 1949 geb.) o.T., 2012 Mischtechnik auf Leinwand; gerahmt; 242,5 × 146 cm Rückseitig signiert und datiert: HAM 12 Provenienz Privatsammlung, Wien ​EUR 5.000–8.000

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579 Christo Javacheff * (Grabovo, Bulgarien 1935 geb.)

Wrapped Volkswagen , 2013 überarbeitete Collage-Grafik; im Plexiglasrahmen; 56 × 70 cm Signiert und nummeriert rechts unten: Christo 74/160 Auflage: 160 Exemplare arabisch nummeriert, 90 Exemplare römisch nummeriert Provenienz Privatsammlung, Wien ​EUR 6.000–10.000

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580 Arnulf Rainer (Baden 1929 geb.) und Günter Brus (Ardning 1938 geb.)

Geschichten aus dem Wienerwald, 1984 Mischtechnik auf Radierung; gerahmt; 57,5 × 40,5 cm Oben von Günter Brus bezeichnet, signiert und datiert: Geschichten aus dem Wienerwald Brus 84 Signiert unten von Arnulf Rainer: A. Rainer Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 8.000–12.000

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581 Christian Eisenberger * (Graz 1978 geb.) o.T. (Urex 7453), 2006 Collage, Acryl auf Leinwand; ungerahmt; 154 × 240 cm Signiert und datiert rechts unten: Eisenberger 2006 Provenienz 2006 direkt vom Künstler erworben; seither Privatsammlung, USA ​EUR 8.000–12.000

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582 Christian Eisenberger * (Graz 1978 geb.) o.T. Mischtechnik auf Leinwand; gerahmt; 80 × 60 cm Rückseitig monogrammiert und datiert.

Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.000–1.500

583 Christian Eisenberger * (Graz 1978 geb.) o.T., 2009 Mischtechnik auf Leinwand; ungerahmt; 100 × 70 cm Rückseitig monogrammiert und datiert: CE 2009 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.000–1.500

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584 Padhi Frieberger * (Wien 1931–2016 Wien) Padhi’s Sinnkarten Unterschiedliche Materialien auf Karton fixiert in einem Plexiglaskasten; 56,5 × 46 cm Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 3.000–5.000

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585 Zenita Komad * (Klagenfurt 1980 geb.) mikado iacta est, 2013 Mischtechnik, Mikadostäbchen auf Leinwand; ungerahmt; 150 × 110 cm Rückseitig signiert und datiert: Zenita Komad 2013 Provenienz Privatsammlung, Wien ​▲​​EUR 4.000–6.000

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586 Roland Goeschl * (Salzburg 1932–2016 Wien) Eckbild, 1983 Holz, bemalt; Kunststoff; 93,5 × 51 × 50 cm Signiert und datiert rechts oben: Göschl 83 Provenienz Privatsammlung, Steiermark ▲ EUR 5.000–8.000

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587 Ernst Fuchs * (Wien 1930–2015 Wien) Die Entschleierung der Diana, 1988 Öl auf Leinwand; gerahmt; 145 × 83,5 cm 161,5 × 100,5 cm (mit Rahmen) Datiert und signiert rechts unten: 1988 Ernst Fuchs Provenienz Privatbesitz, Oberösterreich Literatur Richard P. Hartmann (Hg.), Ernst Fuchs. Der Feuerfuchs, Frankfurt am Main 1988, Abb. S. 57. ​EUR 35.000–55.000

In der Klasse von Albert Paris Gütersloh trifft Ernst Fuchs auf Arik Brauer, Rudolf Hausner, Wolfgang Hutter und Anton Lehmden, gemeinsam gründen sie die „Wiener Schule des phantastischen Realismus“. Christliche und jüdische Mystik, Tiefenpsychologie und die Verarbeitung der beiden Weltkriege bestimmen die Themenwelten der erfolgreichen Künstlergruppe und werden auch in Zukunft Ernst Fuchs’ Werk prägen. 1947 lernt er in Turin Felipe Casorati, Giorgio de Chirico und dessen Bruder kennen: die bedeutendsten Maler der Pittura Metaphisica, die einen tiefen Eindruck bei ihm hinterlässt.

Nach 12 Jahren in Paris, in denen Fuchs wichtige Vertreter des Surrealismus kennenlernt, kehrt er nach Wien zurück, wo er mit seinen in altmeisterlicher Technik gemalten Bildern, aber auch Architekturentwürfen, Skulpturen und angewandter Kunst große Erfolge verzeichnen kann. Seine Werke sind stark von christlich-mythischen Themen mit jüdischer Symbolik und mythologischen Figuren geprägt, in denen der Eros zunehmend eine dominierende Rolle einnimmt. In den späten 70er Jahren zeichnet sich eine neue Phase in seinem Werk ab, Fuchs arbeitet nun mit leuchtenden Farben, die Kompositionen werden im Vergleich zu den detailreichen früheren Werken einfacher und gehen stellenweise ins Dekorative über. Helden und Götter der antiken und germanischen Mythologie faszinieren den Maler besonders, die er gerne in einen geheimnisvoll erotischen Kontext setzt – wie auch im hier gezeigten Bild. Mit dem ab den 60er Jahren einsetzenden kommerziellen Erfolg verändert sich die Technik des Künstlers, die Feinmalerei weicht einem schnelleren, selbstbewussten Strich. Immer wieder greift Fuchs auf Motive und Themen zurück, mit denen er sich schon früher beschäftigt hatte, was ihm einerseits die Kritik einbrachte, sich selbst zu wiederholen, andererseits aber durchaus auf Tradition in der Kunstgeschichte basiert. Ernst Fuchs verstarb im November 2015 in Wien.

(Ina Waldstein)

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588 Ernst Fuchs * (Wien 1930–2015 Wien) o.T. Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 59 × 42 cm Signiert rechts unten: Ernst Fuchs Provenienz Privatbesitz, Niederösterreich ​EUR 2.000–4.000

589 Ernst Fuchs * (Wien 1930–2015 Wien) o.T., 1993 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 50,5 × 30,5 cm Signiert und datiert unten: Ernst Fuchs 93 Rückseitig mit persönlicher Widmung versehen.

Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 2.500–4.000

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590 Ernst Fuchs * (Wien 1930–2015 Wien) Zur Fledermaus, 2002 Mischtechnik auf Karton; gerahmt; 29,5 × 21 cm Signiert rechts unten: Ernst Fuchs Bezeichnet und datiert links unten: Zur Fledermaus 2002 Provenienz Privatbesitz, Niederösterreich ​EUR 3.000–5.000

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591 Ernst Fuchs * (Wien 1930–2015 Wien) Der Strauß des Morpheus, 1984 Öl auf Leinwand; 69 × 48,5 cm Signiert und datiert links unten: Ernst Fuchs 1984 Provenienz 2011 Auktionshaus im Kinsky, (86. Auktion, lot 85); 2017 Austria Auction Company, Wien; Privatbesitz, Steiermark ​EUR 18.000–25.000

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592 Adolf Frohner * (Groß Inzersdorf 1934–2007 Wien) Sitzende, 1972 Tusche laviert auf Papier; gerahmt; 30 × 23 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert und datiert links unten: Frohner 72 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.500–2.500

593 Helmut Leherb * (Wien 1933–1997 Wien) Douleur Graphit auf Papier; gerahmt; 36 × 44 cm (Passep.-Ausschn.)

Rückseitiger Nachlass-Stempel.

Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 2.000–4.000

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594 Helmut Leherb * (Wien 1933–1997 Wien) Melange mit Kaffeetasse Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 33 × 26,5 cm Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 5.500–7.500

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595 Helmut Leherb * (Wien 1933–1997 Wien) Die Krönung, um 1990 Öl auf Leinwand; gerahmt; 102 × 108 cm mit Originalrahmen: 131,5 x138,5 cm Signiert rechts unten: Leherb Provenienz direkt vom Künstler erworben; seither Privatbesitz, Wien ​EUR 25.000–45.000

Vergleichsbild, „Australien“, 1990/1992, Fayence, 8 x 8 m, aus dem Zyklus der Kontinente für die WU, Wien, Copyright Nachlass Maître Leherb

Helmut Leherb, der zu den frühen Protagonisten der Wiener Schule des Phantastischen Realismus gezählt wird, wendet sich in Folge und verstärkt mit seiner Übersiedlung nach Paris 1964 immer mehr dem Surrealismus französischer und belgischer Prägung zu. Seine allegorisch aufgeladenen Bildthemen erinnern an Max Ernst, René Magritte, Paul Delvaux und Salvador Dali.

Wie Letzterer trägt er einen gezwirbelten Bart, dessen Spitzen aber nach unten gedreht sind. Er nennt sich fortan „Maître Leherb“ und inszeniert sich gemeinsam mit seiner Frau, der Künstlerin Lotte Profohs, öffentlich als exzentrisches Künstler- und Liebespaar.

Die „Uniformität ist die Bahre der Phantasie“, sagt Leherb in einem Fernsehinterview (https://www.youtube.com/ watch?v=z5xMcOTGRxI, zugegriffen am 29.8.2019). Er beklagt den Mangel an Fantasielosigkeit und das kritiklose Gleichgeschaltetsein der meisten Menschen. So spielt eine grenzenlose Fantasie und ein Hang zu einem gewissen Mystizismus nicht nur in seiner Lebensphilosophie sondern auch in seinem malerischen Werk eine große Rolle.

Seine Frau Lotte Profohs, die oft als Modell Einzug in die Bildwelten des Malers findet, sitzt als geheimnisvolles, halb durchscheinendes Wesen in ätherischem Blau auf einer Ikone der Designkunst, dem Willow Chair. Diesen hat Charles Rennie Makkintosh 1904 für den „Willow Tea Room“ in Glasgow entworfen. Der Stuhl gehört auch heute noch zu den handwerklich anspruchsvollsten Möbelklassikern, für dessen Herstellung nur die erfahrensten Handwerker eingesetzt werden: gleichsam die Krönung der Tischlerkunst, die erste Assoziation mit dem Bildtitel. Dass der Mensch oft als Krönung der Schöpfung bezeichnet wird und hier die vom Künstler verehrte Frau in diese Rolle schlüpft, kann als weitere Interpretation des Bildtitels herangezogen werden. Mit der Farbgebung und jenen Körperpartien, an denen das markante Muster der Stuhllehne durchschimmert, rückt Leherb die Figur in einen irrealen Bildraum. Trotz der naturalistischen Gestaltung ist sie ein Wesen aus einer anderen Welt, ein Trug- oder Traumbild, das hier in legerer Pose auf dem Stuhl Platz genommen hat. Der strenge Gesichtsausdruck in akkurater Profilansicht mit der Haarpracht, die wehend aber in der Bewegung eingefroren scheint, steht im Gegensatz zur komplett entspannten Sitzposition. Ist die Figur vollplastisch gemalt, so kontrastiert Leherb das mit einer kaum dreidimensionalen, eher in die Fläche gekippten Räumlichkeit des Stuhles, dessen geometrische Musterung im ebenfalls vom Künstler gestalteten Rahmen aufgenommen wird. Ein ähnliches Motiv verwendet Leherb auch in einer der großen Fayencen, die er 1980 bis 1992 für die Wirtschaftsuniversität Wien gestaltet hat. Das dem Kontinent Australien gewidmete Mosaik zeigt ein AborigineMädchen auf dem Willow Chair – Sinnbild des Glaubens der englischen Siedler an ihre zivilisatorische Überlegenheit – hinter dem zwei weitere Frauenfiguren, eine davon mit gesprengten Ketten, vor den Kata Tjuta – einem rituell bedeutenden Ort in der Nähe des Uluru (Ayers Rock) – stehen. (Sophie Cieslar)

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596 Rudolf Hausner * (Wien 1914–1995 Wien) Adam gut getroffen, 1958–59 Harzölfarbe, Eitempera auf Sperrholz und Halbkreidegrund; gerahmt; 74 × 41,5 cm Signiert und datiert rechts unten: R. Hausner 59 Rückseitig signiert, bezeichnet und datiert: Rudolf Hausner Adam gut getroffen 1958–1959 Ausstellungsetikett „The Arts Council of Great Britain“ Provenienz 1958/59 direkt vom Künstler erhalten; seither Privatsammlung, Schweiz Literatur Hans Holländer, Edition Volker Huber (Hg.), Hausner. Werkmonographie, Offenbach am Main 1985 , S. 257, Abb. Nr. 25 Diese Arbeit ist im Werkverzeichnis der Gemälde unter der Nr. 25 bekannt. ​▲​​EUR 70.000–120.000

Detail Rückseite

In der Malerei Rudolf Hausners geht es um die Erforschung des eigenen Ichs. Malend ringt er um seine eigene Identität, um seinen Platz in der Welt, um seine Ziele, um eine Daseinsberechtigung. Dabei betritt ab 1957 Adam, als Alter Ego nach seinem Ebenbild geschaffen, aber auch als Identifikationsfigur für den Betrachter, seine Bildwelt. Diesen Adam setzt er in ein Universum voller Andeutungen und Symbole. In diesem Zusammenhang wird Hausner als „erster wirklich psychoanalytischer Maler“ (Wieland Schmied, Rudolf Hausner, Salzburg 1970) bezeichnet und seine Bilder als „angewandte Psychoanalyse“ (Otto Breicha, Radikale Introspektion, in: Christine Donath (Hg.), Rudolf Hausner, Wien 1989). „Grotesk deformierend, absurd kombinierend, hintergründig bizarr und mit klinischer Präzision malt Hausner das absurd Unbegreifliche der menschlichen Existenz.“ (Friedrich Hacker, Adam – Vom ersten zum mündigen Menschen, in: Christine Donath (Hg.), Rudolf Hausner, Wien 1989) Als wichtiges Hauptwerk des Künstlers ist „Adam gut getroffen“ 1958/1959 entstanden in jenen Jahren, in denen er am Carnegie Institute in Pittsburgh und auf der Documenta II in Kassel internationale Erfolge feiert. Ein Bild steht auf einer Staffelei, dahinter ein Himmel, der sich in artifiziellen Grün-Gelbtönungen von einer Sonnenaufgangsstimmung in zartem Gelb am unteren Bildrand in die tiefste Nachtschwärze am oberen Rand entwickelt. Unterhalb des Bildes ist auf der Staffelei eine kleine Zielscheibe angebracht, in der immens lange Stecknadeln wie Dartpfeile von einem Versuch zeugen, ins Schwarze zu treffen.

Oberhalb der Staffelei ragt aus dem Nichts kommend ein Hochhaus empor, das dem New Yorker Flat Iron Building gleicht.

Das Unheimlich-Irreale dieses Raumkonstrukts erinnert an die Pittura metafisica eines Giorgio de Chirico. Das Bild im Bild zeigt den Adam mit der Matrosenkappe, wie oft in Hausners Bildern in leichter Untersicht wiedergegeben. Die Büste des Adam ruht auf einer hölzernen Box, in einer Öffnung nach vorne hin ist der nackte Oberkörper einer Frau zu sehen, durch schlaglichtartige Beleuchtung reduziert auf Brüste und Arme. Die Figur hält eine überdimensionale Stecknadel als Zeigestab und weist damit in Richtung Zielscheibe, die ja außerhalb ihrer Realitätsebene angesiedelt ist und verbindet so diese beiden Ebenen miteinander. Ebenfalls im Bild zwei Spulen, eine stehend, eine umgestoßen im Schatten rechts davon. Ein weiteres Symbol, das neben der kopflosen Anima, der Verkörperung des weiblichen Prinzips, immer wieder in den Bildern Rudolf Hausners auftaucht. Die Garnspule kann als Spielzeug gesehen einen Verweis in die Kindheit des Künstlers darstellen, aber auch als leere Spule ohne darauf gewickelten Faden, das Ende eines Zyklus’, des Lebens schlechthin, symbolisieren. Durch eine schwarze Lochleiste wird das Adam-Bild in zwei Hälften geteilt, die rechte Hälfte ist nicht figural besetzt, sondern großflächig von zwei rot-blauen Schildern bedeckt, ein drittes schiebt sich von links ins Bild. Rätselhaft wie die Geschichte, die das Bild erzählt, sind auch diese mandelförmigen Gebilde, die in eine rote und blaue Hälfte unterteilt, vielleicht auch Sinnbilder des männlichen und weiblichen Prinzips sind – Animus und Anima, Begriffe der analytischen Psychologie von Carl Gustav Jung. „Hausner malt mit bestürzender Klarheit die Zeitlosigkeit, die räumliche Verschachtelung des Unbewußten, die Überschneidungen, Verdichtungen und Verschiebungen des Traumes und die nachhaltige, niemals ganz abzuschüttelnde Wirkung prägender, frühkindlicher Eindrücke.“ (Friedrich Hacker, in: Christine Donath (Hg.), Rudolf Hausner, Wien 1989) (Sophie Cieslar)

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597 Anton Lehmden * (Nitra, Slowakei 1929 geb.)

Offene Landschaft, 1996–97 Öl auf Holz; gerahmt; 50 × 64 cm Signiert und datiert rechts oben: Lehmden 1996/ 97 Signiert und datiert links unten: gemacht 1996–97 / Lehmden Provenienz Privatbesitz, Tirol ​EUR 15.000–25.000

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598 Wolfgang Herzig * (Judenburg 1941 geb.) o.T., (Krieg), 1966 Öl auf Leinwand; gerahmt; 93 × 144,5 cm Datiert und monogrammiert unten mittig: 66 HW Provenienz seit 2001 institutionelle Sammlung, Wien ​EUR 5.000–8.000

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599 Wolfgang Herzig * (Judenburg 1941 geb.)

Picture of a Dining Room, 1971 Öl auf Leinwand; gerahmt; 128 × 184 cm Monogrammiert und datiert links unten: HW 71 Provenienz europäische Privatsammlung ​EUR 25.000–45.000

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600 Josef Mikl * (Wien 1929–2008 Wien) Büste, 1960 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 33 × 29,7 cm Signiert und datiert rechts unten: Mikl 60 Rückseitig bezeichnet, signiert und datiert: Büste Mikl 60 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.800–3.000

601 Josef Mikl * (Wien 1929–2008 Wien) o.T., 1984/85 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 61 × 86 cm Signiert und datiert links unten: Mikl 84/85 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 3.000–5.000

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602 Josef Mikl * (Wien 1929–2008 Wien) Skizzen zu Gogol (Tote Seelen) Öl auf Leinwand auf Karton; gerahmt; 60 × 79,5 cm Signiert und datiert unten mittig Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 8.000–12.000

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603 Wolfgang Hollegha * (Klagenfurt 1929 geb.) o.T., 1980 Öl auf Leinwand; gerahmt; 80 × 99 cm Provenienz Privatbesitz, Wien Ausstellung 08.05.–30.06.1981, Galerie Ulysses, Wien Literatur Akademie der bildenden Künste Wien (Hg.), Wolfgang Hollegha, Bilder 1974–1981, Wien 1981, Abb. S. 42. ​EUR 12.000–20.000

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604 Franziska Maderthaner * (Wien 1962 geb.)

Home, sweet Home, 2011 Öl und Mischtechnik auf Leinwand; ungerahmt; 130 × 170 cm Rückseitig bezeichnet, datiert und signiert: „Home, sweet Home“, 2011, F. Maderthaner Provenienz Privatbesitz, Deutschland ​EUR 8.000–14.000

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605 Rudi Holdhaus * (Wien 1950 geb.) o.T. Öl auf Hartfaserplatte; gerahmt; 130 × 171 cm Rückseitig bezeichnet (unleserlich) Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 5.000–8.000

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606 Mimmo Paladino * (Paduli, Italien 1948 geb.) o.T., 1988 Mischtechnik auf Karton auf Hartfaserplatte; gerahmt; 103 × 72,5 cm Rückseitig signiert und datiert: Mimmo Paladino 1988 Provenienz private Sammlung, Deutschland; 7.12.2005 Koller Auktionen, Zürich, (Lot 3117); seither europäische Privatsammlung ​EUR 10.000–18.000

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607 Peter Marquant * (Wien 1954 geb.) o.T., 1976 Öl auf Leinwand; gerahmt; 220 × 215 cm Signiert und datiert links unten: Marquant 76 Provenienz Sammlung Brau Union, Linz ​▲​​EUR 5.000–8.000

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608 Peter Marquant * (Wien 1954 geb.) o.T., 1975 Tempera auf Leinwand; gerahmt; 150 × 120 cm Signiert und datiert unten: P. Marquant 75 Provenienz Sammlung Brau Union, Linz ​▲​​EUR 3.000–5.000

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609 Peter Marquant * (Wien 1954 geb.) o.T., 2010 Tempera auf Leinwand; ungerahmt; 140 × 90 cm Rückseitig signiert und datiert: Marquant 2010 Provenienz österreichische Privatsammlung ​EUR 4.000–7.000

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610 Nikolaus Moser * (Spittal 1956 geb.) o.T., 2011 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 40 × 40 cm Rückseitig signiert und datiert: Moser Niko 2011 Provenienz Privatsammlung, Steiermark ​EUR 1.500–3.000

611 Nikolaus Moser * (Spittal 1956 geb.) o.T., 2011 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 40 × 40 cm Rückseitig signiert und datiert: Moser Niko 2011 Provenienz Privatsammlung, Steiermark ​EUR 1.500–3.000

ım Kinsky

612 Nikolaus Moser * (Spittal 1956 geb.) o.T., 2008 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 172 × 110 cm Rückseitig signiert und datiert: Moser Niko 2008 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 4.000–6.000

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613 Hermann Nitsch * (Wien 1938 geb.)

Schüttbild, 2010 Acryl, Blut auf Jute; ungerahmt; 160 × 100 cm Rückseitig signiert und datiert: Hermann Nitsch 2010 Provenienz Nitsch Foundation; seit 2017 Privatsammlung, Wien ​EUR 18.000–28.000

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Detail Signatur Rückseite

614 Hermann Nitsch * (Wien 1938 geb.) o.T., 2011 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 58 × 78 cm Signiert und datiert unten mittig: Hermann Nitsch 2011 Provenienz österreichische Privatsammlung ​EUR 4.000–7.000

ım Kinsky

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Otto Muehl *

Otto Muehl *

(Grodnau/Bgld. 1925–2013 Moncarapacho/Portugal)

(Grodnau/Bgld. 1925–2013 Moncarapacho/Portugal)

o.T., 1985 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 35 × 47 cm Signiert und datiert rechts unten: Muehl 1.5.85

o.T., 1985 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 36 × 47,5 cm Signiert und datiert rechts unten: Muehl 1.5.85

Provenienz österreichischer Privatbesitz

Provenienz österreichischer Privatbesitz

​EUR 2.500–3.500

​EUR 2.500–3.500

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617 Otto Muehl * (Grodnau/Bgld. 1925– 2013 Moncarapacho/Portugal) Claudia, 1985 Aquarell auf Papier; gerahmt; 42 × 28,5 cm Bezeichnet, datiert und signiert rechts unten: Claudia 14.8.85 muehl Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 3.000–5.000

618 Otto Muehl * (Grodnau/Bgld. 1925– 2013 Moncarapacho/Portugal) o.T. (Akt) Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 31,5 × 44,5 cm Signiert und datiert unten mittig: Muehl 16.7.

Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 2.500–4.500

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619 Otto Muehl * (Grodnau/Bgld. 1925–2013 Moncarapacho/Portugal) o.T., 1981 Öl auf Leinwand; gerahmt; 80 × 80 cm Signiert und datiert rechts unten: muehl 11.9.81 Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 10.000–16.000

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620 Alex Ruthner * (Wien 1982 geb.)

No one’s afraid of dying anymore, 2014 Öl, Acryl auf Leinwand; gerahmt; 180 × 220 cm Rückseitig bezeichnet, signiert und datiert: No one’s afraid of dying anymore Alex Ruthner 2014 Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 3.000–5.000 Detail Signatur Rückseite

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621 Suse Krawagna * (Klagenfurt 1964 geb.) o.T., 2013 Mischtechnik auf Leinwand; ungerahmt; 200 × 160 cm Rückseitig signiert und datiert: Suse Krawagna 2013

Detail Signatur Rückseite

Provenienz Privatbesitz, Wien Literatur Parnass Kunstmagazin, Heft 3/2014, abgebildet am Cover. ​EUR 5.000–8.000

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622 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.) o.T., 1998 Öl auf Leinwand; gerahmt; 150 × 120 cm Signiert und datiert rechts unten: H. Staudacher 1998 Provenienz Dorotheum, Wien; Privatbesitz, Niederösterreich ​EUR 15.000–25.000

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623 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.) o.T., 1997 Öl auf Leinwand; gerahmt; 120 × 100 cm Signiert rechts unten: H. Staudacher Rückseitig signiert und datiert: H. Staudacher 1997 Provenienz Auktionshaus im Kinsky (92. Auktion, lot 245); seither Privatbesitz, Niederösterreich ​EUR 15.000–25.000

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Hans Staudacher mit seiner Schwester Ingeborg Weber

Sammlung Ingeborg Weber Kat.-Nr. 624–653 Hans Staudacher wuchs in bescheidenen Verhältnissen auf und begann sehr früh als Autodidakt mit Zeichnungen, Landschaftsaquarellen und Porträts – einerseits um seinem Drang zu folgen, sich verbal und künstlerisch auszudrücken, andererseits aber auch als Mittel zum Zweck um sein Überleben zu sichern, indem er seine Landschaftsaquarelle, Zeichnungen und Portraits verkaufte oder sie gegen Lebensmittel eintauschte, was sich dank seines Talentes als lukrativer erwies als viele Hilfsarbeiten. Schon bei seinen frühen, noch gegenständlichen Arbeiten sind der spontane Strich und die feinen Skizzierungen charakteristisch, mit denen er Bewegung und Lebendigkeit zu vermitteln suchte. In seinen frühen Aquarellen und Tuschzeichnungen konzentrierte er sich vorwiegend auf Landschaften und Tierbilder, wobei er sich intensiv mit Licht und Bewegung auseinandersetzte. Als passionierten Sportfischer interessierte ihn das Zeichnen von Fischen besonders, deren Bewegungen und Körperwindungen er in stundenlangen Beobachtungen genau studierte. Ihre blitzschnelle Dynamik, all die kleinsten Bewegungen unter Wasser einzufangen und auch auf dem Papier erhalten zu können faszinierte ihn und sollte sich auch auf andere Motive übertragen, die er in Tusche oder Bleistift festhielt. 1950 übersiedelte er nach Wien wo er sich mit klassischer Kunst und den Wegbereitern des 20 Jahrhunderts wie Alfred Kubin, Egon Schiele und Gustav Klimt beschäftigte.

Ab diesem Zeitpunkt veränderte sich sein Stil, seine individuelle, zwanglose Zeichensprache setzte sich durch und die ersten großen tachistischen Werke entstanden. In den nächsten 12 Jahren setzte sich Staudacher intensiv mit dem Werk von George Mathieu und dem „Lettrismus“, der Verbindung von Bild und Schrift, auseinander, was starke Auswirkungen auf sein eigenes Schaffen hatte. Im Gegensatz zur geometrischen Abstraktion unterlag der künstlerische Ausdruck keinen Regeln mehr, Spontaneität und Formlosigkeit sollen dem Unterbewussten Ausdruck verleihen. Im Informell fand sich Staudacher beheimatet, mit seinen lyrisch-kalligraphischen Zeichen und Notizen setzte er sich in der Kunstszene durch und schaffte 1965 den Durchbruch, der sich in zahlreichen Ehrungen, Ausstellungen und der Teilnahme an der Biennale manifestierte. (Ina Waldstein)

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624 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Paris; Blick auf den Eiffelturm, 1943 Tusche auf Papier; gerahmt; 29 × 20 cm (Passep.-Ausschn.)

Bezeichnet, datiert und signiert rechts unten: „Paris“ 1943, H. Staudacher Provenienz Aus der Privatsammlung Staudacher-Weber ​EUR 1.500–2.000

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625 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Paris, Triumphbogen, 1943 Tusche auf Papier; gerahmt; 21 × 28,5 cm (Passep.-Ausschn.)

Bezeichnet, datiert und signiert rechts unten: Paris 1943, H. Staudacher ​EUR 1.500–2.000

626 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Paris, Seine-Ufer, 1943 Tusche auf Papier; gerahmt; 20,5 × 28,5 cm Bezeichnet, datiert und signiert rechts unten: „Paris“ 43, H. Staudacher ​EUR 1.500–2.000

627 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.) o.T., 1942 Tusche auf Papier; gerahmt; 20 × 28,5 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert und datiert rechts unten: H. Staudacher 42 ​EUR 1.500–2.000

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629

Hans Staudacher *

Hans Staudacher *

(St. Urban 1923 geb.)

(St. Urban 1923 geb.)

Schloss Simonière, 1942 Tusche auf Papier; ungerahmt; 21,5 × 30,5 cm Bezeichnet, signiert und datiert links unten: Schloss Simonière „ H. Staudacher 42

Gut Chambon, 1943 Tusche auf Papier; ungerahmt; 21,3 × 30,5 cm Signiert und datiert rechts unten: H. Staudacher 43 Rückseitig bezeichnet, signiert und datiert: „Gut – Chambon“ H. Staudacher 43

​EUR 1.000–1.800

​EUR 1.000–1.800

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630 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Pelargonien, Ende 1940er Jahre vermutlich Öl auf Hartfaserplatte; gerahmt; 68,5 × 55,5 cm Rückseitig bezeichnet, signiert und datiert: Pelargonien, H. Staudacher (unleserliche Datierung) ​EUR 4.000–6.000

ım Kinsky

631 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Dalmatinische Küste Öl auf Hartfaserplatte; gerahmt; 73 × 85,5 cm ​EUR 6.000–9.000

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632 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Geburtshaus von Hans Staudacher in St. Urban Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 53,5 × 40,5 cm ​EUR 1.500–3.000

633 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Blick auf die Karlskirche in Wien, 1948 Aquarell auf Papier; gerahmt; 40,5 × 28 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert und datiert links oben: H. Staudacher 48. ​EUR 1.500–3.000

ım Kinsky

634 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

St. Martin Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 43 × 42,5 cm Rückseitig bezeichnet: St. Martin ​EUR 1.500–3.000

635 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Ossiacher See mit Blick auf das Stift Ossiach, 1947 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 24 × 35 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert und datiert rechts unten: H. Staudacher 47 ​EUR 1.500–3.000

636 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Spittal an der Drau, 1949 Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 53,5 × 58,5 cm Signiert und datiert links: H. Staudacher 49 Rückseitig bezeichnet: Spittal / Drau ​EUR 2.000–4.000

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637 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Liegender Frauenakt, 1948 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 27,5 × 50 cm Signiert und datiert links unten: H. Staudacher 48 Mit persönlicher Widmung links unten versehen. ​EUR 1.500–3.000

638 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Schale Kupfer, emailliert; Durchmesser: ca. 23,5 cm Signiert rechts unten: Staudacher ​EUR 500–700

ım Kinsky

639 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Colorado, 1977 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 49 × 68 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert, bezeichnet und datiert: H. Staudacher, Colorado 1977 ​EUR 2.000–4.000

640 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Landschaft bei Kiruna in Schweden, 1977 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 50 × 68 cm Signiert und datiert links unten: H. Staudacher 1977 ​EUR 2.000–4.000

641 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Dillon-See, 1977 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 48,5 × 68,5 cm Signiert, bezeichnet und datiert rechts unten: H. Staudacher, Dillonsee 77 ​EUR 2.000–4.000

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Hans Staudacher *

Hans Staudacher *

(St. Urban 1923 geb.)

(St. Urban 1923 geb.)

Wien, 1972 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 48 × 68 cm Bezeichnet, datiert und signiert unten mittig: Wien, 1972 H. Staudacher

Zarte Impression, 1978 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 18 × 21,5 cm Bezeichnet, signiert und datiert links unten: „Zarte Impression“, H. Staudacher 78

​EUR 2.000–4.000

​EUR 1.000–1.500

ım Kinsky

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Hans Staudacher *

Hans Staudacher *

(St. Urban 1923 geb.)

(St. Urban 1923 geb.)

Villach, 1980 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 48,5 × 67,5 cm (Passep.-Ausschn.)

Bezeichnet, signiert und datiert unten mittig: „Villach“, H. Staudacher 1980

Poetisches Zusammenkommen, 1983 Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 35 × 50 cm Signiert und bezeichnet rechts unten: H Staudacher „Poetisches Zusammenkommen“ Mit persönlicher Widmung rechts unten versehen.

​EUR 2.000–4.000

​EUR 1.800–3.000

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646 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Am Weiher, 1973 Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 69,5 × 50 cm Mit persönlicher Widmung links unten versehen.

Bezeichnet, signiert und datiert: H Staudacher 73 ​EUR 2.000–4.000

647 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Kopfspuren, 1970 Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 64 × 48,5 cm Signiert, datiert und bezeichnet rechts unten: H Staudacher 70 Kopfspuren Mit persönlicher Widmung rechts unten versehen. ​EUR 2.000–4.000

ım Kinsky

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Hans Staudacher *

Hans Staudacher *

(St. Urban 1923 geb.)

(St. Urban 1923 geb.)

Hochzeitsreise nach Venedig, 1987 Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 50,5 × 70 cm Signiert, datiert und bezeichnet links unten: H Staudacher 1987 Mehrfach am Blatt mit persönlicher Widmung, Datierung und Bezeichnung versehen.

o.T., 1979 Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 24 × 32,5 cm Signiert und datiert rechts unten: H Staudacher 1979 Nachträglich mit persönlicher Widmung versehen: Frohe Weihnachten 1990 ​EUR 1.200–2.000

​EUR 2.500–5.000

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650 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Konvolut aus 5 Weihnachts- und Neujahrs Glückwunschkarten Mischtechnik auf Papier; je ca. 13 × 20 cm Jede Karte ist signiert und mit einer Jahreszahl versehen. ​EUR 1.000–1.500

651 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Konvolut aus 7 Weihnachts- und Neujahrs Glückwunschkarten Mischtechnik auf Papier; diverse Formate von ca. 29,5 × 10 cm bis 9 × 18 cm Jede Karte ist signiert und mit einer Jahreszahl versehen. ​EUR 1.000–1.500

ım Kinsky

652 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Konvolut aus 6 Weihnachts- und Neujahrs Glückwunschkarten Mischtechnik auf Papier; je ca. 20 × 10 cm Jede Karte ist signiert und mit einer Jahreszahl versehen. ​EUR 1.000–1.500

653 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.)

Konvolut aus 6 Neujahrs-Glückwunschkarten Mischtechnik auf Papier; je ca. 10 × 16 cm Jede Karte ist signiert und mit einer Jahreszahl versehen. ​EUR 1.000–1.500

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654 Markus Prachensky * (Innsbruck 1932–2011 Wien) Farnesina Dixie, 2006 Acryl auf Leinwand; gerahmt; 95 × 140 cm Rückseitig bezeichnet und datiert: Farnesina Dixie 2006 Provenienz 2013 direkt im Atelier Prachensky erworben; seither Privatbesitz, Österreich ​EUR 20.000–30.000

Detail Rückseite

ım Kinsky

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655 Markus Prachensky * (Innsbruck 1932–2011 Wien) o.T., 1980 Aquarell auf Papier; gerahmt; 75 × 56 cm Signiert und datiert rechts unten: Prachensky 80 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 5.000–8.000

656 Markus Prachensky * (Innsbruck 1932–2011 Wien) o.T., 1980 Aquarell auf Papier; gerahmt; 76 × 56,5 cm Signiert und datiert rechts unten: Prachensky 80 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 5.000–8.000

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657 Markus Prachensky * (Innsbruck 1932–2011 Wien) o.T., 1981 Aquarell auf Büttenpapier; gerahmt; 76 × 56,5 cm Signiert und datiert rechts unten: Prachensky 81 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 5.000–8.000

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658 Franz Ringel * (Graz 1940–2011 Graz) o.T., 1991 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 56 × 41,5 cm Signiert und datiert rechts oben: M.J.M. Ringel 91 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 2.000–3.000

659 Franz Ringel * (Graz 1940–2011 Graz) o.T., 1980 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 98 × 68 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert und datiert links unten: M.J.M. 80 Ringel Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 3.000–5.000

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660 Franz Ringel * (Graz 1940–2011 Graz) o.T., 1982 Öl auf Leinwand; gerahmt; 102 × 81,5 cm Signiert und datiert rechts unten: Ringel 82 M.J.M. Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 10.000–15.000

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661 Franz Ringel * (Graz 1940–2011 Graz) Madrid, 1980 Mischtechnik, Collage auf Papier; gerahmt; 45,5 × 33 cm (Passep.-Ausschn.)

Datiert, bezeichnet und signiert rechts unten: 21.10.1980 Madrid Ringel M.J.M. 1980 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 2.800–3.500

662 Franz Ringel * (Graz 1940–2011 Graz) o.T. Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 87 × 62 cm Signiert links unten: Ringel M.J.M. Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 2.500–5.000

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663 Oswald Oberhuber * (Meran 1931 geb.)

Große Sitzende, 1951 Bronze; H. 82 cm 2. Auflage, Guss von der 1. Auflage, Gießerei unbekannt, in einer Auflage von 3 Stück, es ist kein nummeriertes Exemplar bekannt Provenienz Sammlung Katharina Hilger, Wien Literatur Oswald Oberhuber, Stephan Ettl (Hg.), Oberhuber Hoch 3. Skulpturen, Plastiken, Objekte, Verformungen, Assemblagen, Möbel, Mode, Raumkonzepte. Werke 1945–2012, Wien 2013, S. 91. ​EUR 8.000–12.000

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664 Oswald Oberhuber * (Meran 1931 geb.)

Sonne, 1951 Bronze; 32 × 47 cm Gießerei und Gussjahr unbekannt, in einer Auflage von vermutlich 3 Stück, die Nummer 2/3 ist bekannt Provenienz Sammlung Katharina Hilger, Wien Literatur Stephan Ettl (Hg.): Oberhuber hoch 3. Skulpturen, Plastiken, Objekte, Verformungen, Assemblagen, Möbel, Mode, Raumkonzepte. Werke 1945– 2012, Wien 2013, Abb. S. 92. ​EUR 3.000–5.000

665 Oswald Oberhuber * (Meran 1931 geb.)

Natur II, 1951 Bronze; 48,5 × 47 cm Gießerei und Gussjahr unbekannt, in einer Auflage von vermutlich 5 Stück, kein bekanntes Exemplar ist nummeriert Provenienz Sammlung Katharina Hilger, Wien Literatur Stephan Ettl (Hg.): Oberhuber hoch 3. Skulpturen, Plastiken, Objekte, Verformungen, Assemblagen, Möbel, Mode, Raumkonzepte. Werke 1945–2012, Wien 2013, Abb. S. 96; Wotruba und die Folgen, mit Texten von Otto Breicha, Rupertinum Salzburg (Hg.) 1994, Abb. 198; Anfänge des Informel in Österreich 1949 – 1954, Otto Breicha (Hg.) Graz 1997, Abb. S. 95. ​EUR 3.500–5.000

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666 Oswald Oberhuber * (Meran 1931 geb.)

Was ist es?, 1988 Dispersion (Grattage) auf Leinwand; gerahmt; 60 × 80 cm Signiert und datiert links unten: Oberhuber 1988 Rückseitig vierfach signiert und datiert: Oberhuber 1988 Rückseitig am Keilrahmen bezeichnet: „Was ist es?“ Provenienz Privatbesitz, Wien Literatur Galerie Elisabeth und Klaus Thomann (Hg.), Oswald Oberhuber, Werke 1949–1999, Innsbruck 1999, Abb. 23, o.S. ​EUR 3.000–5.000

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667 Maria Moser * (Frankenburg am Hausruck 1948 geb.) o.T., 1991 Mischtechnik auf Papier; ungerahmt; 70 × 50 cm Signiert und datiert links unten: M Moser 91 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.200–2.000

668 Walter Eckert * (Leobersdorf 1913–2001 Wien) o.T. Öl auf Leinwand; gerahmt; 90,5 x70 cm Rückseitig signiert: Eckert Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 3.000–5.000

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669 Valentin Oman * (St. Stefan b. Villach 1935 geb.) o.T. Mischtechnik auf Leinwand; gerahmt; 170 × 67,5 cm Provenienz 1980er Jahre im Kunsthandel erworben; seither Privatsammlung, Wien ​EUR 4.000–6.000

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670 Joanna Jesse * (Posen 1975 geb.) o.T., 2006 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 100 × 100 cm Signiert und datiert rechts unten: Joanna 06 Rückseitig signiert und datiert: Joanna Jesse 2006 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.500–3.000

671 Sebastian Weissenbacher * (Eggenburg 1959 geb.)

Ein Brezelesser, 2003 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 100 × 70 cm Rückseitig bezeichnet, datiert und signiert: „Ein Brezelesser“/“Another Pretzeleater“ 2003 Sebastian Weissenbacher Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 1.000–2.000

ım Kinsky

672 Harald Gangl * (Klagenfurt 1959 geb.) o.T., 2007 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 101 × 71 cm Rückseitig signiert und datiert: Gangl 2007 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 2.000–4.000

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673 Gottfried Kumpf * (Annaberg, Salzburg 1930 geb.)

Schnee-Eule, 2008 Bronze, weiß patiniert; H. 16 cm Signiert und nummeriert: Kumpf 59/149 Auflage: 149 + 15 E/A Guss: Venturi Arte Bologna Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 1.000–2.000

674 Curt Stenvert * (Wien 1926–1992 Wien) o.T., 1977 Mischtechnik, Kunststoffblumen, Muscheln in Glasschaukasten, von allen Seiten einsehbar; H. 78, B. 53,5, T. 59,5 cm Bezeichnet, signiert und datiert: Die 47. menschliche Situation durch die Liebe den Tod ueberwinden koennen und wollen 67 Curt Stenvert 1977 Provenienz Privatsammlung, Wien ​EUR 1.500–3.000

ım Kinsky

675 Lucia Riccelli * (Rom geb.)

The visit, 2013 Öl/Acryl auf Leinwand; ungerahmt; 100 × 80 cm Rückseitig signiert, bezeichnet und datiert: Lucia Riccelli, „The visit“, 2013 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 2.500–3.500

676 Thomas Reinhold * (Wien 1953 geb.) o.T., 1988 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 70,5 × 70,5 cm Rückseitig signiert und datiert: Reinhold Nov. 88 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.200–1.800

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677 Jakob Gasteiger * (Salzburg 1953 geb.)

11.3.2008, 2008 Acryl auf Leinwand; ungerahmt; 100 × 80 cm Rückseitig signiert und datiert: Jakob Gasteiger 11.3.2008 Rückseitiger Künstlerstempel Provenienz direkt vom Künstler erhalten; seither Privatbesitz, Burgenland ​EUR 5.000–8.000

ım Kinsky

678 Gustav Hessing * (Czernowitz 1909–1981 Wien) Landschaft mit Kirche Öl auf Leinwand; ungerahmt; 95 × 140 cm Provenienz österreichische Privatsammlung ​EUR 10.000–15.000

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679 Guido Katol * (Villach 1962 geb.)

Paarlauf, 2005 Öl auf Leinwand; gerahmt; 100 × 120 cm Signiert und datiert oben rechts: Katol 05 Provenienz Privatbesitz, Wien Literatur Ritter Verlag (Hg.), Guido Katol, Klagenfurt 2017, Abb. S. 111. ​EUR 3.500–5.000

ım Kinsky

680 Guido Katol * (Villach 1962 geb.) o.T., 1996 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 90 × 140 cm Signiert und datiert rechts unten: Katol 96 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 4.000–6.000

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681 Alfred Klinkan * (Judenburg 1950–1994 Wien) Zwei auf einer Bank Öl auf Leinen auf Leinwand; ungerahmt; 211,5 × 155 cm Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 15.000–20.000

ım Kinsky

682 Karl Korab * (Falkenstein 1937 geb.) o.T. Öl auf Leinwand; gerahmt; 100 × 80 cm Signiert rechts unten: Korab Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 5.000–8.000

683 Karl Korab * (Falkenstein 1937 geb.) o.T. Mischtechnik, Collage auf Papier; gerahmt; 25 × 25 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert rechts unten: Korab Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 1.500–2.500

ım Kinsky

684 Karl Korab * (Falkenstein 1937 geb.)

Der letzte Baum, 2004 Öl, Collage auf Leinwand; gerahmt; 60 × 60 cm Signiert rechts unten: Korab Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 7.000–10.000

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685 Alfred Kornberger * (Wien 1933–2002 Wien) Erotiktänzerin bei Tisch (aus dem Zyklus „Moulin Rouge“), 1985 Ölkreide auf Papier; gerahmt; 61,5 × 44 cm (Ausschn.)

Signiert unten mittig: Kornberger Provenienz österreichische Privatsammlung ​EUR 3.000–5.000

686 Alfred Kornberger * (Wien 1933–2002 Wien) Bunter Akt sitzend mit farbigem Fahrrad, 1977 Buntstift und Bleistift auf Papier; ungerahmt; 45 × 63 cm Signiert und datiert rechts unten: Kornberger 23.2.–77 Provenienz österreichische Privatsammlung ​EUR 2.000–4.000

ım Kinsky

687 Alfred Kornberger * (Wien 1933–2002 Wien) Sitzender Akt auf Grün, 1995 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 165 × 100 cm Signiert rechts unten: Kornberger Provenienz institutionelle Sammlung, Österreich; Auktionshaus im Kinsky, Juni 2009 (74. Auktion, lot 225); europäische Privatsammlung; österreichische Privatsammlung Literatur Smola Franz, Alfred Kornberger (1933–2002). Der Akt als Innovation, 1. Aufl. Wien 2007, Abb. S. 407.

Diese Arbeit ist unter der Wkvz.-Nr. 987 verzeichnet. ​EUR 12.000–18.000

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688 Othmar Zechyr * (Linz 1938–1996 Linz) o.T., 1969 Tusche auf Druck; ungerahmt; 62 × 44 cm Bezeichnet, datiert und signiert mittig links Provenienz Privatbesitz, Niederösterreich ​EUR 3.000–5.000

689 Kiki Kogelnik * (Bleiburg 1935–1997 Wien) Split Aquamarine, 1996 Serigraphie auf Papier; gerahmt; 50 × 40 cm Nummeriert, bezeichnet, signiert und datiert am unteren Blattrand: 41/100 Split Aquamarine Kiki Kogelnik 96 Auflage: 41/100 Provenienz Privatbesitz, Steiermark ​EUR 1.500–2.500

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Maria Lassnig *

Jean Dubuffet *

(Kappel am Krappfeld/Kärnten 1919–2014 Wien)

(Le Havre 1901–1985 Pari)

Subway, 1977 Radierung, handkolloriert; gerahmt; 23,7 × 33,7 cm Im Druck bezeichnet und datiert rechts oben: Subway 1977 Im Druck monogrammiert links unten: ML. Außerhalb mit Bleistift nummeriert und signiert: 14/50 M. Lassnig Auflage: 14/50

Lion Heraldique , 1976 Farbserigraphie; gerahmt; 62,5 × 79 cm Nummeriert, monogrammiert und datiert rechts unten: 38/50 JD 76

Provenienz Privatbesitz, Wien

Provenienz 1992, Christie’s, New York; Privatbesitz, Steiermark ​EUR 2.500–3.500

​EUR 2.000–4.000

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Maria Lassnig *

Alfred Hrdlicka *

(Kappel am Krappfeld/Kärnten 1919–2014 Wien)

(Wien 1928–2009 Wien)

Exkremente des Kolibri, 1950 Lichtdruck; ungerahmt; 32,1 × 43,7 cm Signiert und datiert rechts unten: M. Lassnig 1950(1) Rückseitig eigenhändig betitelt: Lichtdruck „Exkremente des Kolibri“

Skizze (beidseitig), 1972 Tusche auf Papier; ungerahmt; 48,5 × 62,5 cm Signiert und datiert rechts unten: Hrdlicka 1972

Provenienz direkt von der Künstlerin; seither Privatbesitz, Kärnten

Provenienz Privatbesitz, Niederösterreich ​EUR 2.000–4.000

​EUR 1.000–2.000

Rückseite

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694 Maria Lassnig * (Kappel am Krappfeld/Kärnten 1919–2014 Wien) o.T. (Figuren), 1942/43 Öl auf Papier; ungerahmt; 24 × 37,7 cm von der Künstlerin eigenhändig am Passepartout bezeichnet: Akademie 1942–43 Provenienz direkt von der Künstlerin; seither Privatbesitz, Kärnten ​EUR 7.000–10.000

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695 Josef Mikl * (Wien 1929–2008 Wien) o.T., 1966 Tusche auf Papier; gerahmt; 59 × 42 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert und datiert unten: Mikl 66 Provenienz Sammlung Brau Union, Linz ​▲​​EUR 1.000–2.000

696 Josef Mikl * (Wien 1929–2008 Wien) Sitzende, 1966 Tusche auf Papier; gerahmt; 61 × 43 cm Signiert und datiert unten: Mikl 66 Rückseitig bezeichnet und signiert: Sitzende Mikl Provenienz Sammlung Brau Union, Linz ​▲​​EUR 1.000–2.000

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697 Maria Lassnig * (Kappel am Krappfeld/Kärnten 1919–2014 Wien) o.T. (Figurenstudie) , 1972/73 Bleistift auf Papier; ungerahmt; 43 × 60,7 cm Provenienz direkt von der Künstlerin; seither Privatbesitz, Kärnten ​EUR 5.000–8.000

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698 Peter Krawagna * (Klagenfurt 1937 geb.) o.T., 1972 Öl auf Leinwand; gerahmt; 100 × 100 cm Signiert und datiert rechts unten: Krawagna 72 Provenienz Privatsammlung, Österreich ​EUR 5.000–8.000

699 Peter Krawagna * (Klagenfurt 1937 geb.) o.T., 2005 Öl auf Leinwand; gerahmt; 72 × 116 cm Signiert und datiert links unten: Krawagna 05 Provenienz Privatbesitz, Vorarlberg ​EUR 6.000–9.000

ım Kinsky

700 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.) o.T., 1989 Mischtechnik auf Leinwand; ungerahmt; 40 × 60 cm Signiert und datiert rechts unten: HStaudacher 89 Rückseitig signiert und datiert: HStaudacher 89 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 4.000–7.000

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701 Arnulf Rainer * (Baden 1929 geb.)

Manischmädel, 1966 mit Ölkreide übermalte Offsetlithographie auf Ultraphan; gerahmt; 65,5 × 49,5 cm Bezeichnet, signiert und datiert links oben: Manischmädel, Arnulf Rainer 1966 Provenienz Galerie Rottloff, Karlsruhe; Privatbesitz, Niederösterreich Ausstellung 1981 Kunstmesse Basel, bei der Galerie Rottloff ​EUR 12.000–18.000

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702 Arnulf Rainer * (Baden 1929 geb.)

Totenmaskenübermalung, 1978 Mischtechnik auf Foto, gekratzt; 60,5 × 50,5 cm Signiert links oben: Rainer Provenienz Galerie Lukas Feichtner, Wien; seit 2003 Privatbesitz, Burgenland ​EUR 12.000–18.000

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25.10.19 15:44

Martha Jungwirth (Detail) Kat. 718

Zeitgenössische Kunst Teil II Contemporary Art Part II

Mittwoch 4. Dezember 2019 Kat. Nr. 703–787 18 Uhr Wednesday 4 December 2019 Lots 703–787 6 pm

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703 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) o.T., 1955 Mischtechnik auf Papier auf Karton; ungerahmt; 63,5 × 34 cm Signiert und datiert rechts unten: Bischoffshausen 55 Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 5.000–8.000

Die zur Auktion gelangende Auswahl an Werken Hans Bischoffshausens bietet einen chronologisch wie auch stilistisch breit gestreuten Einblick in das Schaffen des 1927 geborenen Kärntners. Die materielle, formale und inhaltliche Vielfalt mag bei dem in erster Linie für seine monochrome Phase bekannten Maler überraschen.

Doch Bischoffshausen musste sich die Monochromie erst „erarbeiten“, ja, sich nach einer stark durch den zweiten Weltkrieg geprägten Jugend überhaupt erst die Malerei und ihre moderneren Entwicklungen erschließen.

Vor allen Dingen das Werk Paul Klees sollte dabei in der ersten Hälfte der 1950er Jahre prägend für den jungen Maler sein. Besonders stark sichtbar wird diese Affinität in einer Serie von „Buchgraphiken“ aus den Jahren 1952/53: Auf aus Büchern gerissenen Einzelseiten fertigte Bischoffshausen linienartige Zeichnungen in reduzierter Farbpalette (meist schwarz und rot), die stark an Klees Graphiken um 1940 erinnern.

In der 2. Hälfte der 1950er Jahre war Bischoffshausen dann künstlerisch im „Jetzt“ angekommen und setzte sich mit internationalen zeitgenössischen Tendenzen auseinander (z.B. Dripping Verfahren in Anlehnung an Jackson Pollock und gestische Malerei, siehe Kat.-Nr. 704).

Doch sein Weg führte ihn um 1960 (geographisch) nach Paris und (stilistisch) weg von jenen „tachistischen Farbschlachten“ (A. Rohsmann, Bischoffshausen, Klagenfurt 1991, S. 81), weg von „der Überbetonung der emotionalen Anteile bei der Bildfindung“ (ibid.) und von „vorfabrizierten Gefühlswelten aus Farbtuben und -töpfen“ (H.B. 1965). Bischoffshausen fand seinen persönlichen Stil im Unpersönlichen, in einer entemotionalisierten und entpersonalisierten künstlerischen Ausdrucksweise, die sich in asketischer Monochromie und in der radikalen Reduktion des Bildvokabulars auf einige wenige Strukturelemente zeigte. Auch abseits seiner großformatigen Arbeiten betrieb er „Strukturforschungen“, verwendete (auch) vorgefertigte Materialien als Strukturelemente, collagierte weißes Seidenpapier auf weißen Bristol-Karton, bearbeitete Papier durch Reißen, Durchlöchern, Knüllen, Kleben, Prägen.

Im Spätwerk Bischoffshausens sollte sich noch einmal eine überraschende Wende ereignen. Mit der Begründung, „die Monochromie nicht mehr ertragen zu können“ (H.B. zit. nach Rohsmann 1991, S. 178) kehrten die Farben und zusehends auch das Persönliche, Expressivität und Emotion zurück in Bischoffshausens Œuvre. In seinen letzten Lebensjahren schuf Bischoffshausen eine sehr persönliche, „wilde grafische Arbeit, ohne Maske, in Unrast“ (H.B. 1987), die von der Verzweiflung und Verletzlichkeit des fast komplett erblindeten und schwer alkoholkranken Malers zeugt. (Clara Kaufmann)

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704 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) Himmel 9, 1956 Öl, Asphalt auf Sperrholz; ungerahmt; 50 × 64,5 cm Signiert und datiert rechts unten: BISCHOFFSHAUSEN 1956/ XI Rückseitig: Monogramm-Etikett; eigenhändig signiert, datiert, betitelt: HANS BISCHOFFSHAUSEN 1956/ XI./ VILLACH, „BILD 3. XI. 1956“ / HIMMEL 9 / ÖL ASPHALT AUF HOLZ; Nachlass-Stempel, Inv. Nr. 206 Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 35.000–70.000

Detail Rückseite

„Himmel 9“ dokumentiert Bischoffshausens Auseinandersetzung mit den künstlerischen Strömungen seiner Zeit, in der er sich mit dem von Jackson Pollock etablierten „Drip painting“ und der gestischen Malerei beschäftigte. Das Dripping Verfahren erwies sich für Bischoffshausen schnell als unbefriedigend, ja ärgerte ihn richtiggehend. So schrieb er: „Ein neuer Stil wird geboren. Ausstellungsstrategen in Zeitnot giessen [sic!] Farbe und Verdünnungsmittel auf ihre Tafeln. Die Bilder malen sich selbst, während ihre Schöpfer auf Empfängen, Parties und Tagungen über Autopreise diskutieren.“ (aus: H. B., Strukturelle Malerei, Kat. Ausst., Wien 1958, S. 10) Der Ausflug in die gestische, expressive Malerei sollte jedoch der erster Schritt auf Bischoffshausens Weg zu seiner monochromen Phase werden, auch wenn dies alles andere als augenscheinlich ist. Doch Arnulf Rohsmann sieht in den annähernd parallel angelegten, rhythmischen Linienbündeln, die in jenen Bildern gehäuft vorkommen, die Vorläufer der „Stege“ in den „Fossilen Reliefs“ und in weiterer Folge der die monochrome Phase dominierenden „Rippen“ (vgl. A. Rohsmann, Bischoffshausen, Klagenfurt 1991, S. 38). Darüber hinaus waren auch Bischoffshausens erste Versuche, durch eine auf den Bildgrund aufgebrachte Putzschicht mit dreidimensionalem Relief zu arbeiten, noch stark in einer gestischen Ausdrucksweise verankert (Sandbilder).

In seinen gestischen Arbeiten waren also zwei von Bischoffshausens später wichtigsten Stilelementen bereits angelegt: 1) die konkrete Dreidimensionalität des Bildes und 2) parallel bzw. seriell angelegte Strukturelemente. So kann das Eintauchen des jungen Malers in die gestische Malerei als entscheidende, stilbildende Wegmarke für sein weiteres Schaffen gesehen werden, zu der er in seinem Spätwerk wieder zurückkehrte. (Clara Kaufmann)

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705 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) o.T. (Buchgrafik), 1953 schwarze und rote Kreide auf Buchseite; gerahmt; 15,5 × 23 cm Signiert und datiert rechts unten: Bischoffshausen; betitelt unten: Friseur erster Ball „Haarkünstler“ Rückseitig: Nachlass-Stempel, Inv. Nr. 346 Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 1.500–2.500

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706 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) o.T. (Buchgrafik), 1952 schwarze und rote Kreide auf Buchseite; gerahmt; 20,5 × 14,5 cm Signiert und datiert Mitte oben: Bischoffshausen 52 Betitelt unten: „der Maschinist“ / „Mit dem Schrecken davongekommen“ Rückseitig: Nachlass-Stempel, Inv. Nr. 350 Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 1.500–2.500

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707 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) o.T., 1962 Spachtelmasse, Lack auf Holz; ungerahmt; 26 × 21 cm Rückseitig in die Grundierung geritzt: „meiner liebsten Helena“ / Paris 21 November 1962; Monogramm-Etikett; Nachlass-Etikett, Inv. Nr. 166 Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 15.000–25.000

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Detail Rückseite

708 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) Ringschraubenkreuz, 1973 Goldlack und Ringschraube auf Spanplatte auf schwarz grundierter Spanplatte; ungerahmt; 30 × 30 cm Rückseitig betitelt, signiert: „RINGSCHRAUBENKREUZ“ / Bischoffshausen; Monogramm-Etikett; Nachlass-Etikett, Inv. Nr. 84 Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 15.000–30.000

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Detail Rückseite

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709 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) PAPER ACTION, 1976 Papier geknüllt auf Papier; gerahmt; 50 × 32 cm Signiert und datiert rechts unten: Bischoffshausen 76 Betitelt links unten: PAPER ACTION Rückseitig Nachlass-Etikett, Inv. Nr. 6 Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 5.000–10.000

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710 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) Zwei Reliefstudien, 1963 Kugelschreiber auf Papier; gerahmt; 27 × 20,5 cm Datiert links mittig: 2.2.53 Betitelt und signiert unten: AUSGIESSUNG / Reliefstudien ausgeführt in PVC auf Holz – Paris – Bischoffshausen; rückseitig: Monogramm-Etikett; „Reliefstudien Nr. 9“; Nachlass-Stempel, Inv. Nr. 292 Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 1.500–2.500

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711 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) o.T. (Buchgrafik), 1953 schwarze und rote Kreide auf Buchseite; gerahmt; 15,5 × 23 cm Signiert rechts unten: Bischoffshausen; datiert links unten: III/53 Rückseitig: Nachlass-Stempel, Inv. Nr. 356 Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 1.500–2.500

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712 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) Buchgrafik, 1953 schwarze und rote Malkreide auf Buchseite; gerahmt; 15,5 × 23 cm Signiert rechts unten: Bischoffshausen; datiert links unten: IV/ 53 Rückseitig: Nachlass-Stempel, Inv. Nr. 358 Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 1.500–2.500

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713 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) Papier sculpté, 1959 Seidenpapier auf Papier geklebt; gerahmt; 50 × 64 cm Signiert und datiert rechts unten: Bischoffshausen, VIII/ 1959 PARIS; Rückseitig: Nachlass-Etikett, Inv. Nr. 126 Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 5.000–8.000

714 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) Blinder in der Psychiatrie kaputt, 1977 Mischtechnik und Öl auf Papier; gerahmt; 62 × 45,5 cm Bezeichnet links unten: BLINDER in der PSYCHIATRIE KAPUTT; monogrammiert und datiert im Bild: HB / 77 Rückseitig: Monogramm-Etikett; betitelt und datiert: „BLINDER IN DER PSYCHIATRIE KAPUTT – 1977“; Nachlass-Stempel, Inv. Nr. 134 Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 6.000–10.000

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715 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) Stratification de l’espace, 1963 Lack und PVC auf Leinwand; ungerahmt; 73 × 93 cm Rückseitig signiert, betitelt und datiert: Bischoffshausen 1963 / STRATIFICATION DE L’ESPACE; signiert auf Keilrahmen: BISCHOFFSHAUSEN Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 40.000–70.000

Rückseite

„Stratification de l’espace“ ist ein Bild aus jener Schaffensphase, die Bischoffshausen selbst als seine „wichtigste“ bezeichnete. Diese Phase zeichnet sich durch radikale Reduktion der Bildmittel aus. Bischoffshausens Ziel war es, eine transpersonale Kunst zu schaffen, frei von jeglicher Ikonographie, Expressivität, Symbolhaftigkeit oder Mimesis – keine Realität abbildend, „die außer ihr selbst wäre“ (A. Rohsmann, Bischoffshausen. Klagenfurt 1991, S. 93). Dieses Bestreben drückt sich beispielsweise in strenger Monochromie (in den „Nicht-Farben“ Weiß, Schwarz oder Gold) aus und in der Beschränkung auf einige wenige Strukturelemente (Bahnen, Kurven, Pressdruckstellen, „Rippen“). Diese Elemente sind nicht aufgemalt sondern entwikkeln sich reliefartig aus dem Bildgrund heraus (oder in ihn hinein). Im vorliegenden Bild zog Bischoffshausen die parallel angelegten Bahnen (mit dem Finger) in die noch feuchte weiße Farbschicht, so dass sich die Linien kaum merkbar von der zum Vorschein kommenden, ebenfalls weißen Grundfläche abheben. Tatsächlich entsteht der Eindruck latenter Strukturen, die ohne das Zutun eines Künstlers aus sich selbst heraus entstehen und existieren. Durch die Einfarbigkeit sind sie oft nur durch Glanzlichter oder Schattenwirkung optisch wahrnehmbar. Nicht ohne stolz schrieb Bischoffshausen: „Ich treibe die Askese des WEISS bis zum Ende. Fotographen [sic!] sind nicht mehr in der Lage, meine letzten 20 Bilder zu fotographieren.“ (H.B. 1987) In ihrer Radikalität und Konsequenz rückte diese Schaffensphase Bischoffshausen direkt an die Front der internationalen Avantgarde und in das Umfeld der ZEROBewegung. (Clara Kaufmann)

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716 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) o.T., 2011 Prägedruck auf schwarzem Büttenpapier; ungerahmt; 57 × 75 cm Nach einem Motiv des Bildes ’Invasion’ von 1973; Entstehungsjahr 2011 Nummeriert links unten: 49/50; bezeichnet rechts unten: H. Bischoffshausen Nachlass Edition: Walker Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 1.500–2.500

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717 Hans Bischoffshausen * (Feld am See/Kärnten 1927–1987 Villach) o.T., 2011 Prägedruck auf weißem Büttenpapier; ungerahmt; 57 × 77,5 cm Nach einem Motiv des Bildes ’Invasion’ von 1973; Entstehungsjahr 2011 Nummeriert links unten: 40/50; bezeichnet rechts unten: H. Bischoffshausen Nachlass Edition: Walker Provenienz aus dem Nachlass des Künstlers ​EUR 1.500–2.500

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Der Eiserne Vorhang von Martha Jungwirth in der Wiener Staatsoper „Das trojanische Pferd“ von Martha Jungwirth findet in ihrem „Eisernen Vorhang“ in der Wiener Staatsoper seine monumentale Entsprechung. Seit 1998 realisiert die gemeinnützige Kunstinitiative museum in progress jedes Jahr ein neues Großbild (176 m2), das vor den eisernen Vorhang gespannt wird und für die Dauer von rund 8–9 Monaten zu sehen ist. Eine Jury (Daniel Birnbaum und Hans-Ulrich Obrist) zeichnet für die Künstlerauswahl verantwortlich, deren Werke mehr als 600.000 Opernbesucher/innen pro Spielzeit erreichen. Die bisherigen Künstler/innen inkludieren u.a. Tauba Auerbach, John Baldessari, David Hockney, Jeff Koons, Maria Lassnig, Rosemarie Trockel, Cy Twombly, Kara Walker und Franz West.

Durch das Kunstprojekt „Eiserner Vorhang“ wird die Brandschutzwand zwischen Bühne und Zuschauerraum zu einer Ausstellungsfläche für zeitgenössische Kunst.

In Momenten großer Spannung und Erwartung – vor Beginn der Aufführung und in den Pausen – entfaltet der „Eiserne Vorhang“ seine sinnliche Kraft, wobei dasselbe Werk eine Vielzahl unterschiedlicher Aufführungen begleitet und mitgestaltet.

Speziell für den Publikumsraum der Oper konzipiert, wirken die Bilder als integraler Bestandteil des ephemeren Aufführungserlebnisses auf ihren Umraum und das sich darin abspielende Geschehen.

Ungewöhnliche Präsentationsformen und -orte für zeitgenössische Kunst sind ein Credo der Kunstinitiative museum in progress, die 1990 von Kathrin Messner und Josef Ortner in Wien gegründet wurde. In Anlehnung an den „erweiterten Kunstbegriff“ von Joseph Beuys beansprucht und erweitert der gemeinnützige Kunstverein den Museumsbegriff, und transformiert durch seine Aktivitäten den öffentlichen und medialen Raum in ein „Museum“ für seine Kunstprojekte. Mit Ausstellungen in medialen und öffentlichen Räumen – wie beispielsweise in Zeitungen, Magazinen, auf Plakatflächen, an Gebäudefassaden, in Konzertsälen oder im Fernsehen – integriert museum in progress Kunst in das Spannungsfeld des täglichen Lebens und erreicht durch diese Arbeitsweise ein weitaus größeres Publikum als konventionelle Museumsinstitutionen.

Die Ausstellungsreihe „Eiserner Vorhang“ verwandelt die Wiener Staatsoper temporär in ein Museum und seinen Publikumsraum in einen Ausstellungsraum für ein einzelnes Bild. Folglich bildet das Projekt eine Schnittstelle zwischen darstellender und bildender Kunst, wobei die Grenze zwischen den beiden Kunstgattungen als „Schwelle“ fungiert, die verbindet und Neues ermöglicht.

Zum vorliegenden Text vgl.: Kaspar Mühlemann Hartl: museum in progress, Rideau de fer, in: Opéra Monde, Ausstellungskatalog Centre Pompidou-Metz, Metz 2019, S. 72.

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Martha Jungwirth, Das trojanische Pferd, Eiserner Vorhang, Wiener Staatsoper, 2019/2020, Foto: Andreas Scheiblecker, Š museum in progress (www.mip.at)

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718 Martha Jungwirth * (Wien 1940 geb.)

Das Trojanische Pferd, 2019 Öl auf Karton, auf Leinwand kaschiert; ungerahmt; 120 × 200 cm Rückseitig signiert und datiert: Martha Jungwirth 2019 Provenienz Auftragswerk für den „Eisernen Vorhang“ in der Wiener Staatsoper.

Ein Projekt des museum in progress in Kooperation mit der Wiener Staatsoper und der Bundestheater Holding. ​EUR 60.000–100.000 Die Hälfte des Verkaufserlöses geht an das Kunstprojekt „Eiserner Vorhang“ von museum in progress in der Wiener Staatsoper.

„Das trojanische Pferd“ von Martha Jungwirth Kraftvoll und dynamisch präsentiert sich das trojanische Pferd von Martha Jungwirth. Zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion oszillierend, ist das Pferd, das in expressiv-schwungvollem Duktus gestaltet wurde, insbesondere im Bereich seines Kopfes als solches gut erkennbar. Das intensive Kolorit ist überwiegend in Rotund Brauntönen gehalten und fungiert als formales Gestaltungsmittel. „Im Kontrast zum tonigen Packpapier sticht das leuchtende Rot stark hervor, Farbspritzer und Malspuren sind darauf sichtbar. Die einzelnen Linien konstruieren als Raumgerüst den Tierkörper, wobei die über die Silhouette hinaus schwingenden Pinselstriche die raumgreifende Dynamik des Pferdes potenzieren.“ (Antonia Hoerschelmann: Martha Jungwirth, Das trojanische Pferd, in: Ausstellungsfolder „Eiserner Vorhang 2019/20“, hg. v. museum in progress, Wien 2019, S. 2) Jungwirths Malprozess ist geprägt von Zufall und Kontrolle. In diesem Spannungsfeld entstehen ihre Kompositionen, wobei besonders die jeweiligen Farben und „intelligenten Flecken“, wie sie die Künstlerin nennt, als bildkonstituierende Elemente dienen. Die charakteristische Ausdrucksqualität ihrer Bilder erreicht Jungwirth nicht zuletzt dank der gestalterischen Inklusion des Entstehungsprozess, etwa durch Malspuren, die wiederum auf die Künstlerin selbst verweisen. Jungwirths Vorliebe für Rottöne, die auch beim trojanischen Pferd vorherrschen, dürfte auf ihre sinnliche Kraft und ihre durchaus zwiespältigen Konnotationen zwischen Blut, Leidenschaft, Aggression und Zerstörung zurückzuführen sein. Insofern passt die Ambivalenz der Farbkonnotationen zum Motiv des trojanischen Pferds, das hinter dem erhabenen Äußeren ein unheilbringendes Geheimnis verbirgt. Allerdings ist das Bildmotiv auch hier, wie bei Jungwirth üblich, in erster Linie Ausgangspunkt für die Komposition und rückt schließlich zugunsten einer lyrischen Abstraktion in den Hintergrund. Abbildhaftes wird bewusst vermieden, um Raum für Ausdruck und Emotionalität zu schaffen. „Das trojanische Pferd“ kann nicht nur aufgrund seines markanten Pendants in der Wiener Staatsoper, das im Rahmen des Kunstprojektes „Eiserner Vorhang“ realisiert wurde, als ein Hauptwerk der Künstlerin angesehen werden. Vielmehr sind darin die typischen Qualitäten, die das Gesamtwerk von Martha Jungwirth auszeichnen, meisterhaft umgesetzt und verdichtet. Jeder Pinselstrich, jeder Fleck, jede Farbnuance ist perfekt gesetzt, im kongenialen Wechselspiel zwischen Spontaneität und Kontrolle, zwischen Abstraktion und Form sowie zwischen Introvertiertheit und Ausdruck.

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Martha Jungwirth, Das trojanische Pferd, 2019, Öl auf Karton auf Leinwand, Foto: Rudolf Strobl, Š museum in progress (www.mip.at)

719 Hans Staudacher * (St. Urban 1923 geb.) o.T., 1958 Öl auf Jute; gerahmt; 185 × 160 cm Signiert unten mittig: H. Staudacher Datiert oben links: 1958 Provenienz 2011 Galerie Hilger, Wien; seither Privatbesitz, Wien Literatur Ausstellungskatalog Galerie Ernst Hilger, Hans Staudacher, Arbeiten 1957 – 1986, Wien 2011, Abb. S. 35 ​EUR 25.000–45.000

Detail Signatur

„abstrakte Kunst ist handschrift, farbe, tanz, spiel, zeichen, einfall, rede, wort, überfluß, bewegung, geschwindigkeit...“ (Hans Staudacher, Manifest 1960, in: Isabelle und Friedrich-Wihlem Goebel (Hg.), Staudacher, München 2000, S. 26.

In seinem Manifest von 1960 formuliert Hans Staudacher treffend die Grundprinzipien seiner Malerei. Bei mehreren Parisaufenthalten setzt er sich intensiv mit dem französischen Informel auseinander und entwickelt eine spontane, spannungsgeladene Aktionsmalerei, die eng verbunden ist mit einem Hang zur Poesie. So spielen neben dem malerischen Automatismus der Lettrismus – das Einfügen von Worten und Zeichen in seinen Bildern – und der skripturale Gestus eine wesentliche Rolle.

Martha Jungwirth, Das trojanische Pferd, 2019, Öl auf Karton auf Leinwand, Foto: Rudolf Strobl, © museum in progress (www.mip.at)

Die Kunst Hans Staudachers ist spontan, es ist die Sprache eines Autodidakten (Staudacher hat nie die Akademie besucht), eines Künstlers, der ganz unverfälscht und leidenschaftlich seine Empfindungen auf die Leinwand projiziert. Dabei zeigt er stets ein unglaubliches Gefühl für Rhythmus, für trotz aller Impulsivität ausgewogene Kompositionen, für eine Balance zwischen Intellekt und Emotion. Malt er bis knapp vor 1950 noch expressiv gegenständlich, so gewinnt seine Malerei im Laufe der 1950er Jahre an Freiheit und Spontaneität. In der österreichischen Kunstlandschaft nimmt er als vielgeschätzter Vertreter des Informel eine wichtige Rolle ein und wird von Josef Hoffmann, der in diesem Jahr das letzte Mal als Kommissär fungiert, 1956 als einer der Vertreter Österreichs zur 28. Biennale di Venezia eingeladen.

Pfeile weisen Richtungen, ein wenig Schwarz beginnt von rechts unten kommend erst in kompakten runden Farbformen und dann in immer wilder werdenden Zeichen die ungrundierte Jute zu erobern. Dann kommt das Weiß, das sich in spontan gesetzten Wirbeln, Kreiseln und Knäuel darüberlegt. Die an den unteren Bildrand gesetzte Signatur wird Bestandteil des spontanen Gestus. So irritierend die Geradlinigkeit und klare Lesebarkeit der Pfeile im Gegensatz zur spontanen Geste und transitorischen Beweglichkeit anmutet, so scheint auch die Datierung links im Bild ein Versuch, die ausufernden Emotionen im Hier und Jetzt zu verankern. Schon frühe gestische Kompositionen wie Vorliegende bestechen durch ihren „lyrischmusikalischen Beziehungsreichtum“. Es gelingt Hans Staudacher „eine Unmenge kompositioneller Abhängigkeiten, Verflechtungen und bildnerischer Dialogsituationen“ (Hans Staudacher – Prinzip Informel, Ausstellungskatalog, Neue Galerie der Stadt Linz, Linz 2001, S. 9) zu schaffen, deren Intensität man sich kaum entziehen kann. (Sophie Cieslar)

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720 Wolfgang Hollegha * (Klagenfurt 1929 geb.)

Komposition mit zwei Kreisen III, 1956 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 140 × 160 cm Rückseitig signiert am Keilrahmen: Hollegha Provenienz in den 60er Jahren in den Besitz von Josef Mikl gekommen; seit 2008 Privatsammlung, Wien Literatur Wolfgang Hollegha, Ausstellung im Museum des 20. Jahrhunderts, Wien 1967, Kat. Nr. 18, S. 39. ​EUR 17.000–25.000

Zwei kreisrunde Felder dominieren das Bild, dessen Farbgebung sich in hellen, lasierend aufgetragenen Tönen bewegt. Orange, Blau und Gelb sorgen für Leichtigkeit und eine anmutige Aura. Die Arbeit ist 1956 entstanden, als dritte Komposition einer Serie, die jeweils dasselbe Motiv zum Inhalt hat, jedoch in der Farbstellung deutlich von den anderen beiden abweicht.

Hollegha hat sich sehr früh den abstrakt-expressionistischen Arbeiten verschrieben, denen Naturbeobachtungen oder reale Gegenstände zu Grunde liegen. Den Anfang jedes Werkprozesses bildet eine Zeichnung. Das Bild selbst entsteht durch Schüttungen auf eine am Boden liegende Leinwand.

Hollegha hat das vorliegende Werk kurz nach seinem Abschluss an der Akademie der bildenden Künste in Wien geschaffen, zu einer Zeit, als er gemeinsam mit Josef Mikl, Markus Prachensky und Arnulf Rainer die „Malergruppe St. Stephan“ rund um den kunstsinnigen Monsignore Otto Mauer, ins Leben gerufen hatte. Zeitgleich gelang Wolfgang Hollegha auch der Durchbruch in den USA, wohin ihn der amerikanische Kunstkritiker Clement Greenberg eingeladen hatte. Im heurigen Jahr feierte der Künstler seinen 90sten Geburtstag. Er lebt und arbeitet mitten im Wald am Steirischen Rechberg. (Clarissa Mayer-Heinisch)

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721 Walter Schmögner * (Wien 1943 geb.)

Dahinter ist der Waschsalon, 2005 Acryl und Öl auf Leinwand; gerahmt; 200 × 150 cm Monogrammiert und datiert rechts unten: W. S. 05 Rückseitig signiert und datiert: W. Schmögner 05 Rückseitig am Keilrahmen bezeichnet: „Dahinter ist der Waschsalon“ Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 18.000–30.000

„Man kann nicht über Walter Schmögner sprechen, ohne seine unerschöpfliche Phantasie zu preisen. Nur der frühe Kubin ist ihm an Imaginationskraft und geistiger Unabhängigkeit gleichwertig. Doch teilt Schmögner nicht Kubins Pessimismus und dessen Verachtung der Welt. Seit bald fünf Jahrzehnten erfindet Schmögner Sujets und Objekte, die in der Kunstgeschichte schlechterdings ohne Vorbild sind.

Das macht ihn stark, unvergleichbar und eigenständig. Dieser Umstand führt aber auch dazu, dass man in ihm nur allzu leicht den unzeitgemäßen Sonderling erkennen möchte, weil er nicht Teil irgendeines aktuellen ästhetischen und kunsttheoretischen Diskurses ist.

Walter Schmögner gehörte nie zur PopArt, nie zum Minimalismus oder zur Konzeptkunst. Er ist kein Neuer Wilder, kein Neo-Expressionist. Die Gegenständlichkeit seiner Zeichnungen und Bilder verankert ihn in keiner wie auch immer gearteten Weise in eine der Realismusdebatten der 70er Jahre. Schmögner war von Beginn an Einzelgänger, und er ist es geblieben.

Obwohl selbst bestens informiert über alles, was in der Kunst geschieht, arbeitet er konsequent an seinem eigensinnigen Bilderkosmos, den er mit dem Weltbild bebildert: der Mensch ist kein Säugetier, sondern ein Insekt. Ein Insekt, das meint nicht nur dessen äußere Gestalt. Viel tiefer gehend meint es dessen Existenz, seine Nichtigkeit und Zwecklosigkeit. Aber dieses Menschen-Insekt erschlägt Schmögner nicht, im Gegenteil. Er stellt es unter den besonderen Schutz seiner künstlerischen Aufmerksamkeit; genauso wie er behutsam mit einem werdenden Ameisenhaufen in seinem Atelier umgeht oder wie er ein Spinnennetz hütet, das in seiner Küche entsteht. Spinnen und Insekten bedürfen unseres Schutzes, weil sie Artverwandte des Menschen sind. Dies ist es, was Schmögners Kunst sagt: gleich, ob er malt, zeichnet, Objekte schafft oder Bücher schreibt. Dies ist auch der tiefe Humanismus, der Schmögners Denken leitet, wenn sein Stift über das Papier fährt oder der Pinsel die Leinwand bestreicht.“ (Klaus Albrecht Schröder, in: Walter Schmögner. Nacht- und Tagbilder meiner Zeit. Bibliophile Edition, Wien 2012)

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722 Walter Schmögner * (Wien 1943 geb.)

Mezzanin, 2011 Tusche laviert und Kohle auf Papier; gerahmt; 60 × 79,5 cm Signiert und datiert links unten: W. Schmögner 2011 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 5.000–9.000

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723 Gunter Damisch * (Steyr 1958–2016 Wien) o.T., 1998 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 50,5 × 36 cm Signiert rechts unten: G Damisch Rückseitig signiert und datiert: G Damisch 1998 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.200–1.500

724 Gunter Damisch * (Steyr 1958–2016 Wien) o.T., 1992 Mischtechnik auf Papier; gerahmt; 57,5 × 45 cm Rückseitig signiert und datiert: G Damisch 1992 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 1.200–1.500

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725 Herbert Brandl (Graz 1959 geb.) und Franz West (Wien 1947–2012 Wien) o.T., 1988–90 Papiermaché, übermalt; H. 49 cm Provenienz Privatbesitz, Wien Die Authentizität der Arbeit wurde von Herbert Brandl und der Franz West Privatstiftung bestätigt. ​EUR 10.000–15.000

Kollaborationen mit verschiedenen Künstlern spielen im Werk von Franz West eine wichtige Rolle. Nicht nur die Besucher werden eingeladen, selbst Teil eines Kunstwerkes zu werden, sondern auch Kollegen werden gebeten, sich am Schaffensprozess, an der Gestaltung einer Arbeit zu beteiligen. West hinterfragt so konsequent die Rolle des Betrachters, aber auch das Verhältnis zwischen Künstler und seiner Schöpfung. Sein „offener Werkbegriff, der mit den Passstücken seinen Anfang nimmt, findet konsequente Erweiterung in der Relativierung der Bedeutung der Autorschaft“ (https://www.stayinart.com/franz-west-artistclub/, zugegriffen am 17.10.2019). Durch die Miteinbeziehung verschiedenster Künstlerkollegen spielt er ein oft humorvolles, aber gleichzeitig auch subversives Spiel mit dem Urheberbegriff und der Autonomie eines Kunstwerks. Kunst ist seiner Auffassung nach ein zugänglicher Akt. Mit diesem Konzept ist „Franz West unter den Kunstschaffenden in Österreich eine Ausnahmeerscheinung. Sein Prinzip der Zusammenarbeit mit anderen Künstlern und der Teilhabe der Kunstbetrachter ist bis heute einzigartig“ (Agnes Husslein, https://www.ots.at/presseaussendung/OTS_20161213_ OTS0050/21er-haus-franz-west-artistclub, zugegriffen am 18.10.2019).

1981 gründet der spätere künstlerische Leiter des Universalmuseums Joanneum und des Kunsthauses Graz Peter Pakesch, aus New York kommend, eine eigene Galerie in der Wiener Ballgasse. Hier begegnet Franz West den „Jungen Wilden“ Herbert Brandl, Otto Zitko und Heimo Zobernig, deren vehemente Farbigkeit er bald in seine Arbeiten einbauen wird. West selbst hat in den frühen 1980er Jahren in seinen gipsweißen Passstücken zunächst ja zugunsten der Form auf Farbigkeit weitgehend verzichtet, ja deren Verwendung scheint ihm gar problematisch. Er schreibt: „Der Inhalt des Farbtiegels bei Herbert Brandl läßt daran denken, daß alles optisch Wahrnehmbare irgendeine Farbe hat... Ich versuche meine „Feigheit“ in der Materialverwendung zu überwinden und setze die Farbe ein. Und dann entstehen die nächsten Probleme… (Hans Ulrich Obrist, Ines Turian (Hg.), Franz West schrieb, Texte von 1975–2010, Köln 2011). Nun lädt er andere Künstler ein, seine Objekte zu bemalen, durch ihre Mitarbeit zu verändern, zu erweitern. 1988 werden in der Ausstellung „Herbert Brandl – Franz West. Die Ernte des Tantalos“ verschiedenste Arbeiten in Graz, Wien, Turin und Frankfurt gezeigt.

Vorliegende Arbeit, in den Jahren 1988–1990 entstanden, ist ein Beispiel für eine Kollaboration mit Herbert Brandl. Kopflastig, monolithisch erhebt sich ein aus Papiermaché geformtes Gebilde auf einem zarten, weiß belassenen Sockel. Dicht, wie mit Teer begossen, legt sich eine dunkle Farbschicht über die Form und bringt mit leichtem Glanz jede Unebenheit noch stärker zur Geltung. Gleichzeit erhält die Skulptur durch die Farbigkeit eine neuartige Tiefe und Räumlichkeit. Eine echter Brandl, ein echter West.

(Sophie Cieslar)

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726 Franziska Maderthaner * (Wien 1962 geb.)

Les garçons d’Avignon, 2018 Öl auf Leinwand; gerahmt; 200 × 180 cm Rückseitig bezeichnet, signiert und datiert: „Les garçons d’Avignon“, 2018, F. Maderthaner Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 12.000–18.000

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727 Martin Schnur * (Vorau 1964 geb.)

Tryptichon aus der Serie Nocturns, 2002 Öl auf Leinwand; ungerahmt; je 70 × 90 cm Je rückseitig signiert und datiert: M. Schnur 2002 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 10.000–18.000

Detail Signatur Rückseite

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728

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Bianca Regl *

Bianca Regl *

(Linz 1980 geb.)

(Linz 1980 geb.)

Selbstporträt, 2004 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 85 × 100 cm Rückseitig signiert und datiert: Bianca 04

o.T., 2007 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 100 × 121 ,5 cm Rückseitig signiert und datiert: Bianca Regl 2007

Provenienz Privatbesitz, Wien

Provenienz Privatbesitz, Wien

​EUR 2.000–4.000

​EUR 3.000–5.000

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730 Bianca Regl * (Linz 1980 geb.)

Schwimmerin, 2009 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 200 × 170 cm Rückseitig signiert und datiert: Bianca Regl 2009 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 6.000–10.000

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731 Judith Sturm * (Saarlouis 1973 geb.)

Ohne Titel Nr. 5 (aus der Serie Hommage an Egon Schiele), 2005 Ölfarbe auf Acrylgrund auf Leinwand; ungerahmt; 140 × 120 cm Signiert und datiert rechts unten: Judith Sturm Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 2.000–3.000

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732 Ramona Schnekenburger * (Südwestdeutschland 1980 geb.)

Junge mit Bart, 2019 Öl und Bleistift auf Leinwand; ungerahmt; 160 × 100 cm Datiert und monogrammiert seitlich am Rand: 2019 RS Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 7.000–12.000

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733 Wolfgang Stifter * (Ottensheim 1946 geb.)

Die silberne Tulpe Mischtechnik auf Leinwand; 120 × 155 cm Signiert und datiert rechts unten: Stifter 012 Rückseitig bezeichnet, signiert und datiert: Die Silberne Tulpe, Stifter 2012 Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 4.000–7.000

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734 Atelier van Lieshout * (Ravenstein, Niederlande 1963 geb.)

Tree table lamp, 2009 Bronze; H. 74 cm Lampenschirm ø 45 cm Klebeetikett an der Unterseite: AVL 002271 15 + 2 AP Provenienz 2011 direkt beim Künstler gekauft; seither Privatsammlung, Schweiz ▲ EUR 8.000–14.000

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735 Ty Waltinger * (Wien 1962 geb.)

Regen-Triptychon, 2005 Öl-Inversionen auf Leinen; ungerahmt; 180 × 80 cm; 180 × 30 cm; 180 × 35 cm; (gesamt: 180 × 145 cm) Signiert rechts unten: Ty Verwendete Farbpigmente: Cadmiumgelb hell alt, Cadmiumgelb dunkel alt, Indischgelb, Kadmiumrot, Cochenille alt, Englischrot alt, Phtaloblau alt, Pariserblau alt, Ultramarin dunkel, Morellensalz alt, zerriebene Metalle Provenienz 2005 direkt vom Künstler erworben; seither Privatbesitz, Deutschland ​EUR 8.000–14.000

Dieses Werk wurde 2005 als Skizze von drei Regenbildern (sog. Hydro-Paintings) angelegt. Zwei Leinen, die überwiegend mit Gelb-Pigmenten bemalt wurden, waren über eine kurze Zeitdauer im Freien liegend den Einwirkungen des Regens ausgesetzt. Der mittlere Rahmen, mit grundiertem Leinen bespannt, war hingegen über die Zeitdauer von fast 3 Monaten den Naturkräften unmittelbar ausgesetzt. Die Regenfälle forderten einen oftmaligen Farbauftrag mit diversen, kostbaren Ölen angemischten alten Blau- und Braun-Pigmenten. Diese mit Dammar, Schellack, venezianischem Lärchenharz, Pinienöl, Orangen- und Rosmarinöl gebundenen Farbpigmente, stammen aus einer Zeit zwischen cirka 1900 und 1950.

Die immer wieder wechselnden Wetterbedingungen ließen im mittleren, blaudunklen Teil des Triptychons Krakleés und Zerreißungen entstehen und verleihen so dem Werk seine authentische Oberflächenstruktur. Dieses Triptychon ist durch seine einzigartige, beinahe „natürliche“ Entstehungsgeschichte ein Beispiel der Prozesskunst. (Ty Waltinger)

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736 Esther Stocker * (Schlanders in Südtirol 1974 geb.) o.T., 2008 Acryl auf Leiwand; ungerahmt; 160 × 200 cm Rückseitig signiert und datiert: Esther Stocker 2008 Provenienz erworben 2008 Galerie Krobath, Wien; seither Privatsammlung, Wien ​EUR 12.000–16.000

Detail Signatur Rückseite

737 Mario Dalpra * (Feldkirch 1960 geb.)

In koknito, 2009 Holzfigur, bemalt; 90 × 48 × 40 cm Monogrammiert und datiert unten: MD 09 Unikat Provenienz österreichische Privatsammlung ​EUR 4.500–9.000

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738 Jonathan Meese * (Tokio 1970 geb.)

Dr. Lilithyr (General Tanz Sautanz, s.v.p.), 2005 Mischtechnik auf Leinwand; gerahmt; 209,5 × 140,5 cm Signiert und datiert rechts unten: JM / 2005 Rückseitig mehrfach signiert und bezeichnet sowie mit Galerien-Stempeln versehen.

Provenienz Galerie Contemporary Fine Arts, Berlin; Phillips de Pury, London, 13.10.2007, Lot 55; Galerie Krinzinger, Wien; Sammlung Marino Golinelli, Wien/Bologna/Mailand; Ketterer, München, 04.06.2008, Lot 426; seither europäische Privatsammlung ​EUR 30.000–50.000

Detail Rückseite

Ab 2000 beginnt Jonathan Meese zu malen. Davor hatte er, der erst mit 22 Jahren die Kunst für sich entdeckte, abgesehen von frühen an Picasso und Horst Antes orientierten Figurenbildern mit Installationen, Performances und Aktionen auf sich aufmerksam gemacht. Nun durchbricht Meese lustvoll dieses sich gleichsam selbst auferlegte Malverbot.

Er bleibt beim Figürlichen, die Bilder zeigen aber eine deutlich eigenständigere Auffassung von Figur und Raum. Gleichzeitig tauchen literarische und mythologische Bezüge in seinem Werk auf. „Die Einführung des Mythos ist in mehrfacher Weise richtungsweisend für das Verständnis der Malerei Jonathan Meeses. So verweist der Mythos zunächst auf das Begriffspaar des Apollinisch-Dionysischen,... dass sich Meese dem dionysischen Prinzip zuordnet, wird bald offensichtlich: sowohl der Furor des malerischen Gestus als auch die Betonung des Triebhaften offenbaren ein Drängen ins Ungebundene, ins Rauschhafte, Ausufernde, in das, was die Grenzen aufhebt und die Form zerstört“ (Doris Mampe, Veit Ziegelmaier (Hg.), Jonathan Meese.

Malermeese-Meesemaler. Ausstellungskatalog, Museum der Moderne Salzburg, Salzburg 2013/2014, S. 38). Meese folgt in seiner Malerei dem „Lustprinzip“ (Mampe, S. 24), dabei bedient er sich frei und ungezwungen im großen Sammelbecken deutscher Literatur, nimmt Anleihen bei Sagen und Mythen, zitiert Wagner, mischt Religiöses ungeniert mit Trivialem, hat vor nichts und niemanden Respekt. Der entfremdete Figurenkanon aus Literatur und Mythos werden zum Sprachrohr einer neuartigen Bilderwelt, sie sind somit keiner Zeit mehr verhaftet, sie stehen über der Zeit, wie es auch Meese für die Kunst proklamiert. „Dr. Lilithyr“ betitelt er das 2005 – im selben Jahr wie die richtungsweisende Performance „Jonathan Meese ist Mutter Parzival“ im Magazin der Berliner Staatsoper – entstandene monumentale Leinwandbild und erweitert mit dem Untertitel „General Tanz, Sautanz, s.v.p.“ den Assoziationsspielraum. Lilithyr ist eine gelungene Kombination aus Lilith, geflügelte dämonische Göttin der Sumerer, und Satyr, dem zügellosen Gefährten des Dionysos, griechischer Gott des Weines, der Fruchtbarkeit und Ekstase. Sie trifft auf General Tanz, den mörderische Offizier aus Hans Hellmut Kirsts Roman „Die Nacht der Generale“ und lädt höflich zum gemeinsamen Sautanz – s.v.p., s’il vous plaît französisch für bitte. Jonathanull (eine weitere humorvolle Wortschöpfung) bringt auch noch den Mörder Siegfrieds, Hagen, ins Spiel und somit die Nibelungensage, Paradebeispiel der deutschen Heldensagen, und paart das Ganze mit einer Assemblage aus einem Totenkopf mit Perücke – einer ordentlichen Portion Voodoo Zauber. Die Sprache ist somit wesentliches und gleichwertiges Element neben Farbe, Form und Raum, dabei zeigt sich auch hier in der Verwendung und Kombination der einzelnen Begriffe, Meeses Bestreben, Autoritäten zu hinterfragen, ihren Einfluss zu brechen. „Seine Titel haben etwas Kindliches. Die Bilder tun so, als würden sie etwas befürworten, über das sie sich eigentlich lustig machen.“ (Pamela Kort in: Doris Mampe, S. 12) Also eine Falle, in die wir beim Betrachten von Meeses Bildern hineintappen. Er führt uns in den Verknüpfungen von Wort und Bild in die Irre, auf falsche Fährten, erschafft irritierende Interaktionen auf der Suche nach einer neuen Bildsprache. (Sophie Cieslar)

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739 Karl Prantl * (Pöttsching 1923–2010 Pöttsching) Litanei, 1966 Mühldorfer Marmor, grau-weiß; 100 × 45 × 21 cm Provenienz beim Künstler erworben; seither Privatbesitz, Deutschland Ausstellungen 1967, Staempfli Gallery, New York; 1977, Suzanne Fischer, Baden-Baden; 1981, Frankfurter Kunstverein Literatur Alexander Winter, Der Steinbildhauer Karl Prantl, Werkkatalog 1950–2000.

Dissertation, München 2008, Abb. S. 111, Kat. Nr.: WK 83. ​EUR 25.000–45.000

Neben Joannis Avramidis, Wander Bertoni und Josef Pillhofer gehört auch Karl Prantl zu jener Generation, die von Fritz Wotruba geprägt an die internationale Entwicklung der Bildhauerkunst anschließt. Im Falle Prantls sind es vor allem die Arbeiten Constantin Brancusis und Henry Moores, die ihn prägen, wobei er das Gegenständliche hinter sich lässt. Wie kaum bei einem anderen Bildhauer reichen seine Arbeiten ins Philosophische und Religiöse hinein. Dabei ist von Anfang an Stein sein bevorzugtes Medium.

Prantl fordert dazu auf, „Die Sprache der Steine mit dem Thema der Theologie der Steine zu ergänzen“ (Karl Prantl, Steine 1978–1980, Ausstellungskatalog, Erker-Galerie, St. Gallen 1980, S. 7). Der Stein als Zeuge der Urzeit, in der er entstanden ist, spricht zu uns. Der Künstler erspürt diese Sprache, erfühlt uralte Strukturen, verstärkt diese und macht sie uns wieder zugänglich. So wie Theologen die Theologie als „Gottes Rede zu den Menschen“ interpretieren und in weiterer Folge als Suche nach dem Guten und Wahren, denn Sinn und Zweck der gesamten Existenz, so haben für Karl Prantl Steine diese uralten Wahrheiten in sich.

In diesem Sinne ist auch der Titel „Litanei“ zu interpretieren, den der Künstler dem Block Mühldorfer oder Wachauer Marmor mit seinen welligen Graphiteinlagerungen gegeben hat. Sensibel spürt Prantl die Strukturen des Steines auf, er folgt den Adern, hebt diese durch Vertiefungen hervor, rundet sanft die Kanten und poliert den Marmor zu einer sanft glänzenden Oberfläche.

Wie Perlenschnüre aneinandergereiht folgen die vom Künstler angelegten Mulden in einem geheimnisvollen Rhythmus dem Verlauf der Gesteinsadern. Die Wiederholung des gewählten Formenkanons als Antwort auf die Sprache und Eigenart dieses Steins, assoziiert der Künstler mit einer Litanei, bei der die Gläubigen im gemeinschaftlichen Gebet dem Vorbeter mit einem gleichbleibenden Ruf antworten. Der meditative Charakter, der sich durch die Wiederholung ergibt, soll zusätzlich im haptischen Erleben vertieft werden. Diese sogenannten Steine zur Meditation sind ein wesentlicher Bestandteil des Schaffens Karl Prantls. „Der tiefen Wirkung, die von den taktilen wie von den visuellen, aus Farbe, Körnung und Oberfläche resultierenden Werten der Steine ausgeht, kann man sich schwerlich entziehen, so areligiös man auch sein mag. Prantls Steine sind Lebewesen, die zu uns sprechen“ und die uns von einer unglaublichen Aura umgeben, augenblicklich in einen „Andachtsraum“ (Klaus Albrecht Schröder, Karl Prantl – Die Sprache der Steine, Ausstellungskatalog, Albertina, Wien 2015, S. 4 f.) versetzen.

(Sophie Cieslar)

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740 Joannis Avramidis * (Batumi/Georgien 1922–2016 Wien) Mittlere Figur, 1980 Bronze; H. 108 cm Signiert und nummeriert auf der Plinthe: Avramidis 0/6 Monogrammiert auf der Plinthe: A Provenienz direkt vom Künstler; seither Privatbesitz Steiermark ​EUR 30.000–50.000

Detail Monogramm

Detail Nummerierung

Bereits Ende der 50er Jahre hatte der griechisch-österreichische Künstler mit seinen zeitlosen monumentalen Skulpturen erste große Erfolge, die bis heute anhalten. Die schlanken Figuren sind zwar in einem hohen Maße abstrahiert, dennoch geht Avramidis stets vom menschlichen Körper aus, den er in seiner Grundstruktur bar jeder individuellen Eigenschaft darzustellen sucht. Um hierhin zu kommen ist zunächst die Zeichnung besonders wichtig, über die er sich über das äußere Studium des Körpers langsam nach innen hin vorarbeitet und sich den Grundbau des Menschen aneignet bis er einen exakten Plan entwikkelt hat. Die Figur wird also von innen her aufgebaut, dafür schneidet Avramidis die Längs- und Querprofile aus Aluminiumblech aus und baut aus diesen das Konstruktionsgerüst, das für den Bronzeguss mit Gips gefüllt wird (später setzte er auch Kunstharz, massives Aluminium sowie Kupfer und andere Materialien ein). Auf seiner Suche nach der absoluten Form hat das Zufällige, Unregelmäßige keinen Platz, auch Gesicht und Geschlechtsmerkmale werden von der glatten, abgerundeten Oberfläche quasi absorbiert. Der Künstler komprimiert die Gestalt fast bis auf eine Säule, womit er sich -durchaus bewusst – auf die griechische Antike bezieht, in der die Säule als das klassische Symbol für das menschliche Maß, der Mensch in der weiteren europäischen Kulturgeschichte als das Maß aller Dinge galt. Dennoch bleibt der Bezug zur Gestalt und Haltung des Menschen erkennbar indem Avramidis die einzelnen Körperpartien in gleichmäßige horizontale Segmente unterteilte, die seinen Skulpturen einen strengen, aber eleganten Rhythmus verleihen. Neben dem Bezug zur klassischen Antike waren auch die Werke von Hans von Marées, Constantin Brancusi, Wilhelm Lehmbruck und seines Lehrers Fritz Wotruba Inspirationsquellen. Viele Arbeiten von Joannis Avramidis sind heute im öffentlichen Raum ausgestellt, unter anderem in Wien, Athen , München, Hamburg und Berlin. (Ina Waldstein)

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741 Alfred Hrdlicka * (Wien 1928–2009 Wien) Schachfiguren, 32 Stück (König, Dame, Turm, Springer, Läufer, Bauer), 1982 Bronze nach Gips, dieser nach Plastilin, nachgeschnitzt Auflage: 8 arabisch nummerierte Exemplare plus mehrere E.A.; zwischen 6 und 11,5 cm Jede Figur rückseitig mit Monogramm-Stempel und Nummerierung: A.H. 3/8 jede Figur auf der Unterseite punziert: GUSS A. ZÖTTL WIEN Provenienz Privatsammlung, Österreich Literatur Michael Lewin, Alfred Hrdlicka, Das Gesamtwerk Bildhauerei, Wien, Zürich 1987, WVZ.-Nr. 179/a, Abb. S. 326–329. ​EUR 28.000–40.000

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742 Hans Hartung * (Leipzig 1904–1989 Antibes) P3–1976-H4, 1976 Mischtechnik auf Karton; ungerahmt; 26,2 × 18,7 Signiert und datiert links unten: Hartung 76 Rückseitig bezeichnet: Hartung, P3–1976-H4 Provenienz 1999 Galerie Carinthia; seither Privatbesitz, Wien Originalbestätigungsschreiben (E-Mail) der Fondation Hans Hartung et Anna-Eva Bergman liegt vor. ​EUR 6.000–10.000

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743 Otto Piene * (Laasphe 1928 geb.)

Scirocco, 1975 Mischtechnik auf Karton; gerahmt; 90 × 64,5 cm Bezeichnet, signiert und datiert unten: „Scirocco“ Provenienz 19.05.2011, Dorotheum, Wien; seither Privatsammlung, Wien ​EUR 10.000–15.000

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744

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Antoni Tàpies *

Antoni Tàpies *

(Barcelona 1923–2012 Barcelona)

(Barcelona 1923–2012 Barcelona)

Matière, 1972 Radierung in schwarz, grau und ocker auf Chiffon de Mandeure-Papier; gerahmt; 64,5 × 88 cm Signiert rechts unten: Tàpies Nummeriert links unten: 31/75 Verlag Maeght Editeur, Paris

X-A, 1975 Radierung, mehrfarbig, auf Arches-Bütten Papier; gerahmt; 63 × 90 cm Signiert rechts unten: Tapies Nummeriert links unten: 25/75 Stück Verlag Maeght Editeur, Paris

Provenienz Privatbesitz, Deutschland

Provenienz Privatbesitz, Deutschland

Literatur Mariuccia Galfetti, Tàpies. Das graphische Werk. L’œuvre gravé. 1947–1972. Erker-Verlag (Hg.), St. Gallen, Abb. S. 201

Literatur Mariuccia Galfetti, Tàpies. Das graphische Werk.

L’œuvre gravé. 1973–1978. Erker-Verlag (Hg.), St. Gallen, Abb. S. 119

Diese Arbeit ist im Werkverzeichnis unter der Wkvz.-Nr. 329 angeführt. ​EUR 1.500–3.000

Diese Arbeit ist im Werkverzeichnis unter der Wkvz.-Nr. 498 angeführt. ​EUR 1.500–3.000

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746 Rudolf Kedl * (Stadtschlaining/Bgld.

1928–1991 Markt Neuhodis) Karyatide, 1977 Bronze; H. 98 cm Signiert unten: R. Kedl Auflage: 9 Stück Provenienz österreichischer Privatbesitz ​EUR 10.000–18.000

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747 Roland Goeschl * (Salzburg 1932–2016 Wien) Stehende Figur, 1989 Holz, Acrylfarbe; 233,5 × 50 × 50 cm Rückseitig signiert und datiert: R Goeschl 1989 Provenienz Privatsammlung, Steiermark ​EUR 18.000–25.000

Detail Signatur

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748 Erwin Wurm * (Bruck 1954 geb.)

Little Big Earth House, 2003/2005 Bronze, versilbert; H. 18 × B. 34 × T. 22 cm Innen nummeriert und mit Gießerstempel versehen: 22/25, Loderer Kunstguss Ein Zertifikat des Künstlers liegt bei.

Provenienz Sammlung Sanziany & Palais Rasumofsky ​EUR 15.000–25.000

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749 Erwin Wurm * (Bruck 1954 geb.)

Fat Car, 2005 Mischgips, silber bemalt; H. 34, B. 102, T. 57 cm Signiert unten: E. Wurm 2000/04 Prototyp Ein Zertifikat des Künstlers liegt bei.

Provenienz Sammlung Sanziany & Palais Rasumofsky ​EUR 60.000–100.000

Detail Signatur

Nach Überlegungen zur Dreidimensionalität, Volumen, Gewicht, Schwerkraft und Statik in früheren Arbeiten konzentrierte sich Erwin Wurm auf das Alltägliche, das er zur Skulptur erhöhte: In den „One Minute Sculptures“ wurden Menschen mit Alltagsgegenständen wie Möbeln, Kübeln, Schuhen oder Taschen in grotesk-museal anmutenden Posen bzw Situationen fotografiert und somit zur Skulptur erklärt. In der Literatur zu Wurm wird häufig von der „Erweiterung des Skulpturenbegriffs“ geschrieben, eine Idee, die an sich nicht ganz neu in der Kunstgeschichte ist, die Wurm jedoch einerseits gesellschaftskritisch angeht, aber mit einer ordentlichen Prise schrägen Humors garniert. Noch einen Schritt weiter ging er indem er Gegenständen des täglichen Gebrauchs den Nutzwert entzog bzw sie mit allzu menschlichen Eigenschaften ausstattete wie bei den „Fat Cars“ oder „Fat Houses“: Skulpturen, die Anfang der 2000er umgesetzt wurden und in kurzer Zeit einen enormen Bekanntheitsgrad erreichten. Kleinbürgerliche Statussymbole wie das Auto oder das Einfamilienhaus wurden aufgebläht und verfettet, was nicht nur optisch grotesk und irritierend wirkt sondern natürlich auch die Objekte unbrauchbar macht. Besonders Autos haben es dem Künstler angetan, geht es hier nicht nur um Status sondern auch um Mobilität, die durch das enorme Volumen obsolet wird.

Dabei geht Wurm aber stets vom Menschen aus, der nicht in persona in seinem Alltag gezeigt wird (wie es beispielsweise bei den Skulpturen Duane Hansons der Fall war) sondern durch wichtige Gebrauchsgegenstände wie sein Auto, Kleidung, das Familienhaus oder -wie in jüngeren Skulpturen- das beliebte Essig-Gurkerl versinnbildlicht wird. Dass Erwin Wurm es bei der Umsetzung seiner Skulpturen auch handwerklich sehr genau nimmt beweist die Tatsache, dass in jedem der „Fat Cars“ tatsächlich ein echtes Auto steckt, das mit enormem Aufwand und vielen Schichten Polyester „angemästet“ wurde, perfekt abgeschliffen, lackiert und poliert. Andere Autos oder Gebäude lässt der Künstler schmelzen, verbiegen oder extrem verschmälern – das Spiel mit den Maßstäben faszinierte ihn immer wieder.

Der Erfolg bei Publikum und am Kunstmarkt war enorm und resultierte in verschiedensten Varianten der „Fat Cars“ sowie kleineren Modellen, zu denen auch das hier gezeigte gehört. (Ina Waldstein)

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750 Juan Muñoz * (Madrid 1953–2001 Ibiza) Chino mirándose en espejo redondo, 1999 Polyesterharz, Spiegel; Figur: 142 × 48 × 43 cm Spiegel: ø 90 cm Unikat Provenienz erworben 1999 direkt von Juan Muñoz (im Zuge der Art Basel); seither Privatsammlung, Brasilien ​EUR 300.000–500.000

Der „Chinese betrachtet sich im runden Spiegel“ und lächelt sich dabei freundlich zu – ein nur allzu alltägliches Bild, möchte man meinen. Doch etwas stimmt hier nicht: Ist es die zu kleine Statur des Mannes? Sind es seine Füße, die unter der überlangen Hose verborgen bleiben? Oder ist es sein zur Maske erstarrtes Grinsen?

Und damit sind wir in die faszinierende Welt von Juan Muñoz eingetaucht. Der spanische Künstler hat die Figur 1999 geschaffen; sie gehört zu der Reihe von Skulpturen mit asiatischen Gesichtszügen, die eine der Eckpunkte seines Œuvres bildet. Das erste Mal tauchen die von ihm selbst so bezeichneten „Chinesen“ im Jahr 1996 in dem Werk „Plaza (Madrid)“ auf, einer Installation mit fünf im Raum stehenden, sich scheinbar unterhaltenden Figuren, die er im Auftrag des Museums Palacio Velazquez in Madrid schuf und die heute der Sammlung des Nationalmuseums Reina Sofia in Madrid angehören.

Alle ihre Gesichter gleichen einander – und tatsächlich hat Muñoz für seine Chinesen dieselbe Vorlage verwendet, nämlich eine Art Nouveau Büste. Gleichzeitig haben seine Köpfe jedoch auch etwas von Franz Xaver Messerschmidts Charakterköpfen des 18. Jahrhunderts. „Ich versuche, den Betrachter zu fesseln. Und dann, unbewusst, aber umso spannender, versuche ich ihn darauf hinzuweisen, dass etwas faul ist. Als ich damit anfing, die lachenden Chinesen zu machen, hatte ich zwei Assistenten. Sie sagten mir, sie wollten nicht über Nacht alleine mit diesen Figuren im Atelier bleiben.“ (Neal Benezra und Olga M. Viso in Juan Muñoz ©University of Chicago Press 2001, Seiten 145–150.)

Denn des Chinesen breites Grinsen löst zuerst vielleicht Belustigung aus, doch bald schon eine tiefere Irritation. Der Beobachter muss ja nur selbst in den Spiegel sehen, um festzustellen, dass der Chinese eigentlich über ihn lacht. So steht der Betrachter zwar neben der Figur, bleibt ihr jedoch emotional fern.

Dieses Spiel von Nähe und Distanz beherrscht der Künstler meisterhaft. Der Betrachter muss sich an den Gedanken gewöhnen, dass seine Gegenwart für die Bedeutung der Skulptur gänzlich unwichtig ist. „Ich glaube daran, dass die besten Arbeiten ganz ohne Betrachter auskommen“, sagt Muñoz denn auch. (B.J. Scheuermann in Juan Muñoz – Rooms of My Mind, Ausstellungskatalog, K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, 2006, Seite 158.)

Der Zuseher bleibt somit ein Fremder, ein Eindringling in die Welt des Chinesen; beide sind unfähig, sich zu verständigen.

Muñoz thematisiert immer wieder das Versagen der Kommunikation; seine Arbeit hier ist geradezu visionär. Nimmt sie doch unsere Gegenwart, in der durch Smartphones zwischenmenschlicher Kontakt abnimmt oder oberflächlich stattfindet, um Jahre vorweg. Genauso aktuell ist seine Faszination mit Narzissmus. Wir ertappen die Figur in einem Moment der Selbstbetrachtung, und diese Entdeckung verunsichert uns. Denn – will ich dabei gesehen werden, wie ich jemand anderen – oder mich selbst – ansehe?

Muñoz, 1953 geboren, wurde in den 1980-er Jahren mit Installationen bekannt, in denen er menschliche Figuren in eigens konstruierte Räume stellte. Menschlich? Seine Darstellungen haben immer etwas Seltsames – vor den Chinesen schuf er merkwürdige Zwerge, Akrobaten oder Kegelfiguren. Immer erzählen sie eine Geschichte. „Ich erinnere mich, in den 1990-er Jahren ein Geschichtenerzähler genannt worden zu sein, und daher nicht wirklich ein Künstler. Aber es ist doch nichts daran falsch, ein Geschichtenerzähler zu sein.“ (Neal Benezra und Olga M. Viso in Juan Muñoz ©University of Chicago Press 2001, Seiten 145–150.)

Im Jahr 2000 erhielt Muñoz den großen Kunstpreis von Spanien; er war der erste spanische Künstler, bei dem die Tate Modern Gallery in London eine monumentale Arbeit für ihre Turbinenhalle in Auftrag gab. „Double Bind“ war 2001 das letzte Werk, das der 48-Jährige vor seinem plötzlichen Tod im selben Jahr vollendete. Seine Arbeiten sind etwa in den Sammlungen der Tate Modern, des MOMA New York oder des Hirshhorn Museum Washington zu finden. (Alexandra Markl)

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Juan Muñoz * (Madrid 1953–2001 Ibiza) Chino mirándose en espejo redondo, 1999 Mirror and Polyester Resin, Figure: 142 × 48 × 43 cm Mirror: ø 90 cm Unique Provenienz acquired in 1999 directly from Juan Muñoz (during Art Basel); since then private collection, Brasil ​EUR 300.000–500.000

The „Chinese looking at himself in a round mirror“ is smiling happily – a perfectly mundane sight. But something is not quite right here: is it the small build of the man? Is it his feet, hidden under the overlong pants? Or is it just his smile, frozen into a grimace?

And so we have delved right into the fascinating world of Juan Munoz. The Spanish artist has created the figure in 1999, and it belongs to the series of sculptures with Asiatic features which constitute a milestone in his œuvre. For the first time, the socalled „Chinese“ appear in 1996 in the work „Plaza (Madrid)“, which is an installation comprising five figures standing in a space and apparently conversing. He executed this work for the Museum Palacio Velazquez in Madrid, today it is part of the collection of the National Museum Reina Sofia, also in Madrid.

All their faces are alike. Munoz used the same model – an Art Nouveau bust – for all of his Chinese figures. Also, at the same time, their faces recall Franz Xaver Messerschmidt’s character heads from the 18th century. „I try to make the work engaging for the spectator. And then unconsciously, but more interestingly, I try to make you aware that something is really wrong.

When I started making the smiling Chinese statues, I had two assistants who told me that they didn’t like to be left alone at night in the studio with all these figures.“ (Neal Benezra und Olga M. Viso in Juan Munoz ©University of Chicago Press 2001, pages 145–150) While the Chinese’ broad smile might at first arouse amusement, it does irritate the spectator too. He has just to look in the mirror to understand that the statue could very well be laughing about him. The viewer might stand close to the figure, but emotionally he is far removed from it: Munoz is a master at building up tension between proximity and distance. The spectator has to accept that his presence is of no importance to the significance of the sculpture. Therefore, the artist’s reflection: „I believe that the best work can exist without a spectator“ (B.J. Scheuermann in Juan Munoz – Rooms of My Mind, Ausstellungskatalog, K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, 2006, page 158.) comes as no surprise.

The onlooker is just a foreigner, an intruder into the Chinese’s world; both are incapable of any exchange. The impossibility of communication is a recurrent motive in Munoz’ work, and this statue is almost prescient. It points to our present, in which the use of smartphones is changing our communication beyond recognition. The same can be said for the artist’s fascination with narcissism. We come upon the statue in a moment of self-contemplation, which makes us uncomfortable. Because – Do we want to be seen while looking at someone else? Or at ourselves, even?

Munoz, born in 1953, became known to a wider public in the 1980-ies with sculptural installations in which he put humanized figures in constructed spaces. Human? His representations always have something that is quite off – before the Chinese, he created strange dwarfs, ventriloquists or cone-shaped figures. All of them tell a story, though: „I remember being called a storyteller in the early 1990-ies, and therefore accused of not really being an artist. But there’s nothing wrong with being a storyteller.“ (Neal Benezra und Olga M. Viso in Juan Munoz ©University of Chicago Press 2001, pages 145–150) Munoz was awarded the Spanish National Arts Award and was the first Spanish artist from whom the Tate Modern Gallery in London commissioned a large work for their turbine hall. „Double Bind“ from 2001 was one of the last works the artist completed before his sudden death at the age 48 that same year. His works are included – among others – in the collections of Tate Modern, MOMA New York or Hirshhorn Museum Washington. (Alexandra Markl)

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751 Hubert Scheibl * (Gmunden 1952 geb.)

Channel II, 1995–96 Öl auf Leinwand; 200 × 200 cm Rückseitig signiert und datiert: Hubert Scheibl 1995/96 Rückseitig bezeichnet: „Channel – II“ Provenienz 2007 Karl und Faber, München (los 1578); seither Privatbesitz, Wien ​EUR 22.000–30.000

Detail Signatur Rückseite

Ein sattgrünes, flächiges Gemäldes wird vom aufgehellten, lichtstarken Mittelteil dominiert. Auf diese Weise entsteht ein optischer Illusionsraum, der keine Bezüge zu naturalistischen Figurationen aufweist, jedoch durch die mehrschichtige und starke Farbigkeit und Hubert Scheibls ganz spezieller Maltechnik Assoziationen hervorruft. Das Bild wird mit individuell gestischer Malweise voller Energie und großzügigem Farbauftrag aufgebaut, um es dann durch Hineinkratzen, Wischen oder Abziehen zu finalisieren.

Hubert Scheibl gehörte in den 1980er-Jahren gemeinsam mit Herbert Brandl, Erwin Bohatsch und anderen der Künstlergruppe der „Neuen Wilden“ an, deren Charakteristikum es ist, sich auf den Malprozess und die Farbe als Materie zu konzentrierten. Scheibl selbst zeigte schnell Tendenzen zur monochromen Malerei. War sie vorerst pastos und reliefhaft, wurde sie in den 1990er-Jahren leichter und noch mehr von der Fläche bestimmt. Es entsteht eine veränderte Perzeption von Natur und Realität, die von einer statischen hin zu einer dynamischen Wahrnehmung führt.

Die Werktitel sind Scheibls langjährigem Aufenthalt in den USA geschuldet und beziehen sich oftmals auf amerikanische Filme und damit auf virtuelle Bilder, die im Kopf entstehen. (Clarissa Mayer-Heinisch)

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752 Stanley W. Casselman * (Phoenix, Arizona 1963 geb.)

IR–20, 2012 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 212 × 212 cm Rückseitig signiert, bezeichnet und datiert: Stanley Casselman „IR–20“, 2012 Provenienz Galerie ART 57.at, Wien; seit 2012 Privatbesitz, Wien ​EUR 20.000–30.000

Detail Signatur Rückseite

Stanley W. Casselmann, geboren in Phoenix, Arizona, studierte am Richmond College in London und am Pitzer College in Claremont, Kalifornien, und lebt und arbeitet in New York. Seine Bilder zeigen eine Auseinandersetzung mit der geometrischen Abstraktion, der Farbfeldmalerei Mark Rothkos und Helen Frankenthalers und dem abstrakten Expressionismus Joan Mitchels und Gerhard Richters. Letzterem hat er in den Jahren 2012 bis 2014 eine eigene Serie gewidmet „IR“ – Inhaling Richter.

Die intensive Auseinandersetzung mit Gerhard Richter ist der sogenannten „Saltz Challenge“ zu verdanken. Nachdem ein Werk des deutschen Künstlers auf einer New Yorker Auktion für $ 34,2 Millionen verkauft worden war, rief der Kunstkritiker Jerry Saltz junge Künstler dazu auf, Bilder hoher Qualität in der Art Richters zu malen. Casselman fand diese Idee faszinierend und abschreckend zugleich. Ein reines Kopieren kam für ihn nicht in Frage, vielmehr vertiefte er sich in die geheime Bildsprache von Richters Meisterwerken, dekodierte sie und fand zu seiner eigenen Interpretationsweise. Casselmans Zugang ist geplanter, konstruierter, wie ein architektonischer Bauplan: so spontan die Bilder auch wirken, nichts ist dem Zufall überlassen. Bereits in der untersten Malschicht wird die Komposition eines Bildes genau angelegt und in den darauffolgenden Schichten verstärkt und vertieft. „The only place where I find absolute logic is the pure abstraction“ (https://www. widewalls.ch/artist/stanley-casselman/, zugegriffen am 5.10.2019), lautet ein Statement des Künstlers. Die Abstraktion ist somit zentraler Angelpunkt in seinem Werk. Die Bilder der IR-Serie haben reliefartige Texturen, wirken wie Teile der Erdoberfläche und weisen eine unglaublich komplexe und intensive Farbgebung auf.

Die faszinierende Oberflächengestaltung entsteht durch die Verwendung von Rakeln in verschiedenen Größen, wie sie auch zur Fenster- und Bodenreinigung eingesetzt werden. Casselman gelingt es mit diesen ungewöhnlichen Malwerkzeugen einzigartige Kunstwerke zu kreieren. Dass der Künstler seine Ausbildung als Bildhauer begonnen und dann erst zur Malerei gewechselt hat, kommt seinem Gefühl für das Räumliche, seinem taktilen Empfinden sehr entgegen. Wie kein anderer versteht er es, mittels übereinander gelagerter Farbschichten Tiefe, Rhythmus, Licht und Bewegung in seine Bilder zu bringen. (Sophie Cieslar)

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753 Sam Francis * (San Mateo/Californien 1923–1994 Santa Monica) Female Nude, 1961 Aquarell auf Papier; gerahmt; 28 × 21 cm Rückseitig signiert, datiert und gewidmet: Sam Francis, Wien 61 Provenienz Auktionshaus im Kinsky (19.06.2007, Lot 413); seither Privatsammlung, Wien ​EUR 20.000–30.000

Folgt man den Linien, so fängt eine farbige amorphe Form, leicht nach rechts versetzt von der Mittelachse, den Blick der BetrachterInnen, denn er ist dunkler und pastoser als der Rest. Von hier aus scheinen die blauen, kraftvollen Bewegungen ihren Ursprung zu haben. Sie bäumen sich auf, schlagen aus und winden sich vor dem Weiß des Hintergrunds.

Das Weiß ermöglicht den Blick in die Unendlichkeit des Kosmos, gleichzeitig ist es die Ruhe, auf der die Bewegung stattfinden kann. So erst eröffnet sich ein Dialog zwischen dem Licht und der Farbe, denn diese wird durch den weißen Grund aktiviert, gleichzeitig ist die Farbe selbst ein Element des Lichts. Wie Francis selbst sagte: „Color is light on fire“ (D. Burchett-Lere, A. Zebala: The Artist’s Materials. Sam Francis, in: The Getty Conservation Institute, Los Angeles, 2019). Gerade für seine Farben ist Sam Fancis berühmt. Sie sind lebendig, satt, pur, intensiv und besonders reich in ihrer Pracht (Sam Francis et al.: Catalogue Raisonné of Canvas and Panel Paintings, 1946–1994, University of California Press, Sam Francis Foundation, Berkeley, 2011).

Dabei versteht er es vorzüglich, den gestischen, expressiven und kalligraphischen Pinselstrich Pollocks mit der meditativen, harmonischen Farbigkeit eines Rothkos zu verbinden, um erfolgreich zu seinem eigenen Ausdruck zu finden. So präsentiert er in einem intimen Dialog zwischen Werk und Betrachter eine Studie des Innersten, von Träumen und Unbewussten (N. Mozur: About the Artist. Sam Francis, Psychological Perspectives, 2014, 57, S. 4–6).

Möchte man nun das unruhige Zentrum des Bildes als Versinnbildlichung verstehen, als aufgewühltes Unbewusstes, so wäre es möglich, dass die äußere Form nun auf den Titel des Werkes hindeutet. Denn trotz der chaotischen Bewegung im Zentrum gewinnt das Werk an Ruhe, denn in einer subtilen Mischung aus Blau und Violett umrahmt eine durchscheinende Form mit weichen Linien und runden Schwüngen das Zentrum, folgt dem Bildrand und rahmt damit das Innere. Beinahe wie eine Umarmung scheint es, da am rechten Bildrand Anfang und Ende dieser geschwungenen Form sich hin beugen zur Mitte, sie umfangen und auch auffangen.

Diesen kontemplativen Zugang eröffnet Sam Francis den BetrachterInnen – mit seinen lyrischen Farben und seiner visuellen Poesie. (Valerie Gaber)

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754 Christian Rosa * (Rio de Janeiro 1982 geb.)

Ok Papi that’s Good, 2016 Harz, Öl und Kohle auf Leinwand; ungerahmt; 180 × 230 cm Provenienz seit 2019 Privatsammlung, Wien ​EUR 15.000–25.000

Ein großes Bild, das durch geometrische Linien, starke graphische Interventionen und klare Farbflächen strukturiert ist.

Auch wegen des Titels, ist man versucht, etwas aus der Komposition herauszulesen und das, obwohl der zeitgenössische Maler Christian Rosa für die Produktion großformatiger abstrakter Arbeiten bekannt ist. Auf der ungrundierten Leinwand scheinen die Formen, Flecken und auch die Kritzeleien zu schweben. Sie sind mit Ölstiften, mit Harz und Kohle aufgebracht. Frühe Arbeiten des, 1982 in Brasilien geborenen, jedoch in Wien aufgewachsenen Künstlers weisen dicht bearbeitete Oberflächen auf. Die neueren Gemälde hingegen sind viel reduzierter. Die Titel beziehen sich oftmals auf Rosa´s Bulldoge namens Pupi Chulo.

Christian Rosa gehört zu den erfolgreichsten Nachwuchsmalern der Akademie der bildenden Künste in Wien aus der Klasse von Daniel Richter. Mit der Verwendung etablierter Ausdrucksgesten der Moderne in seinen Arbeiten gelang ihm von seinem Wohnort Los Angeles aus ein kometenhafter Aufstieg. (Clarissa Mayer-Heinisch)

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755 A. R. Penck * (Dresden 1939–2017 Zürich) o.T. Acryl auf Leinwand; gerahmt; 200 × 300 cm Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 100.000–180.000

1987 kam A.R. Penck auf Einladung in die Kommune Otto Muehls am Friedrichshof um die Rolle Gustav Klimts bei den Dreharbeiten zum anarcho-ironischen Biopic Back To Fucking Cambridge von Otto Muehl und Terese Schulmeister zu übernehmen. Er zog sich aber aus dem Projekt zurück und statt dessen entstand ein eigener ca. 3 min langer Film mit dem Titel „Gustav Zimt“. Die gleichzeitig entstandene mit GK signierte großformatige Malerei verblieb in der Sammlung Friedrichshof.

Im Zuge der ökonomischen Turbulenzen bei der Auflösung der Kommune ab 1990 wurde die vorliegende Arbeit verkauft und verblieb seither in Wiener Privatbesitz.

In seinen mit rohem, kraftvollem Pinselstrich gemalten Standartbildern nahm Penck, ähnlich der bereits damals bereits legendären Position Otto Muehls, eine Vorreiterrolle für die in den 1980er Jahren entstehende Bewegung der Neuen Wilden ein. So wie diese beschränkte auch er sich nicht ausschließlich auf die Malerei, sondern drückte sich in verschiedensten Medien wie der Literatur und Poesie, dem Film und der Rockmusik aus.

Dr. Hubert Klocker Direktor Sammlung Friedrichshof und Estate Otto Muehl

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756 Günther Ücker * (Wendorf, Mecklenburg 1930 geb.)

Lichtscheibe, 1967 Nägel in Holz, mit Stoff bezogen und weiß lackiert, elektrischer Motor auf der Rückseite; ø 70 cm Rückseitig bezeichnet, signiert und datiert: Scheibe Uecker 67 Provenienz ersteigert am 27.06.2018, Bonhams, London; seither Privatsammlung, Schweiz Die Arbeit ist im Uecker-Archiv, Düsseldorf unter der Nummer GU.67.103 verzeichnet. ​▲​​EUR 250.000–400.000

Nagelkünstler genannt zu werden, stört den Künstler Günther Uecker nicht, im Gegenteil: „Menschen brauchen ein Zeichen, ein Emblem… bei mir ist es der Nagel oder der Speer.“ (Annette Bosetti: Günther Uecker malt mit Nägeln, in Rheinische Post, 11. März 2010).

Das vorliegende Werk „Lichtscheibe“ von 1967 ist ein charakteristisches Beispiel für die innovativste und damit gesuchteste Periode in Ueckers Schaffen; überhaupt bilden die kinetischen Lichtarbeiten einen Schwerpunkt in seinem Oeuvre. Dank ihrer gelang es ihm, die etablierten Konventionen darüber, wie man Bild und Raum sieht, auf den Kopf zu stellen.

Der Künstler hämmerte hier hunderte von Nägeln in die Scheibe, und überzog das so entstandene Muster mit weißer Farbe.

Die Bewegung der Scheibe durch den Motor führt zu einem faszinierenden Spiel von Licht und Schatten, das das Auge immer aufs Neue herausfordert und immer neue Muster entwirft. Uecker gelingt mit diesem Werk eine ganz eigene Eleganz. Nicht zufällig führte die Schönheit der Arbeiten dieser kreativen Phase zu seiner Beteiligung an der Dokumenta in Kassel 1968 und der 35. Biennale in Venedig 1970.

Für die Maße seiner Werke spielte Ueckers Körper eine wichtige Rolle: „Die Abstände der Nägel hatten ihren Ursprung in den Verhältnissen meiner Hände. Die Dicke meiner Finger waren die Abstände meiner Nägel. Der Zwischenraum war die Proportion meiner Hand.“ (Stephan von Wiese in: Der Zustand Weiß; Günther Uecker, Schriften, Gedichte; St. Gallen, 1979, Seite 167.)

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Doch nicht nur die Form der Arbeiten war und ist bahnbrechend, auch inhaltlich sind des Nagelkünstlers Bilder weit mehr als bloß genagelte Bretter. Zahlreiche Interpretationen kursieren: Einige Beobachter denken an den Wiederaufbau Nachkriegsdeutschlands, andere wiederum an die Passion Christi. Auch der Vergleich mit den von den Nazis verübten Verletzungen wird gerne herangezogen. Uecker selbst ergänzte diese Sichtweisen um eine biografische Note: Im Zuge des russischen Einzuges in sein Dorf auf der Ostseeinsel Wustrow hätte er seine Mutter und Schwestern vor den Russen schützen müssen; der damals 14-Jährige vernagelte alle Fenster und Türen seines Hauses mit Holzplatten. Als Künstler habe er dann zuerst „den Bleistift in das Papier geschlagen… Von da an war es nur ein kleiner Schritt, mit Hammer und Nägeln zu arbeiten.“ (Cornelius Tittel: Günther Uecker – mit Nägeln gegen die Russen, in Die Welt, 31. Mai 2012).

Bereits 1961 hatte sich Uecker der Gruppe Zero angeschlossen, die nach dem Krieg mit den Konventionen in der Kunst brach: Man experimentierte mit Motoren, Licht, Metall, Nägeln und Feuer. Uecker selbst verwendete das Hämmern, um das Konzept der Zweidimensionalität zu hinterfragen - wie es in Italien Lucio Fontana mit seinen geschlitzten Leinwänden tat. Die Kunstform der Wandskulptur entstand: Die herausstehenden Nägel nutzen den Raum weit über die Leinwand hinaus und legen Zeugnis von der hohen Innovationskraft des Künstlers ab. (Alexandra Markl)

Rückseite

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757 Rudolf Polanszky * (Wien 1951 geb.) o.T., 1983 Öl auf Leinwand; gerahmt; 119 × 145 cm Rückseitig signiert und datiert: Polanszky 83 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 10.000–18.000

Detail Signatur Rückseite

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758 Rudolf Polanszky * (Wien 1951 geb.) o.T., 1986 Mischtechnik auf Leinwand; gerahmt; 180 × 133,5 cm Rückseitig signiert und datiert: Polanszky 86 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 15.000–25.000

Rückseite

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759 Rudolf Polanszky * (Wien 1951 geb.)

Reconstructions, 1992 Plexiglas, Farbe, diverse Materialien auf Leinwand; ungerahmt; 235 × 135,5 cm Rückseitig zweifach signiert und datiert: Polanszky 92 Provenienz 2016 bei Galerie Konzett, Wien erworben; seither Privatsammlung, Wien ​EUR 60.000–90.000

Detail Signatur Rückseite

„In meiner Arbeit versuche ich durch Verzerrung und Überdehnung mentaler Vorstellungsmuster eine Veränderung des Grundmaterials zu erzielen und mich dem Gefängnis der biologistisch-adaptiven Sinnbedingungen zu entziehen.“ (Rudolf Polanszky, https:// www.freundederkuenste.de/archiv/nachrichten/einzelansicht/artikel/ausstellung-inkrems-rudolf-polanszky-translineare-strukturen-veraenderung-des-grundmaterials/, zugegriffen am 2.10.2019) Ausgehend von seiner Beschäftigung mit den Grundthemen der Mathematik, der Erkenntnistheorie oder der antiken griechischen Philosophie entwickelt Rudolf Polanszky einen theoretischen Denkansatz, mittels dem er neuartige künstlerische Verfahrensweisen entwickelt. Wesentlich ist dabei die unbewusste und somit fremdbestimmte Steuerung des Verhaltens zu umgehen. Wie gelingt es dem Künstler, Dinge ohne eingeübte und vorgeprägte Vorstellungen zu formen? Das Erforschen methodischer Ansätze nimmt daher einen großen Stellenwert im frühen Schaffen des Künstlers ein, daraus entwickelt Polanszky eine Begrifflichkeit, die seine Kunst im Wesentlichen definiert: Transformation, Nicht-Linearität, Symmetrien und Rekonstruktionen sind wesentliche Bestandteile des künstlerischen Vokabulars.

Um Strategien zur Umgehung festgefahrener Schemata zu entwickeln, bedient sich der Künstler unterschiedlicher Medien, Techniken und Materialien, wie Plexiglas, Metall, Spiegelfolie, Kunstharz, Draht und Schaumstoff, die er in der Verarbeitung von ihrem ursprünglichen Zweck oder vorgesehenen Nutzen entkoppelt und somit befreit. Das Zusammenfügen verschiedenster Materialien und zufälliger Formen bezeichnet Polanszky als „Ad-hoc-Synthese“.

In den Bilder der Serie der „Reconstructions“ aus den 1990er Jahren entstehen durch Überlagerung, Schichtung, Überschneidung, Verschachtelung oder Faltung diverser Materialien neue Strukturen. In Schichten überlagern einander Rechtecke mit ausgerissenen Kanten. In gestischem Duktus übermalt der Künstler in deckendem Weiß weite Partien der Bildfläche, stellenweise blitzt ein dunkler Grund hervor, braune Farbe „beschmutzt“ wie rostige Flecken die untere Hälfte. In der Bildmitte klafft eine offene Stelle, die den Blick auf den Grund freigibt und in Rot-Ockerfärbung wie eine Wunde anmutet. Bewegung, Veränderlichkeit, Assoziation werden in dieser „paradoxen Transformation in einen eingefrorenen Zustand gebracht“ (https://www.derstandard.at/story/1363711904688/das-gegenteildessen-tun-was-erwartet-wird, zugegriffen am 2.10.2019). Rudolf Polanszky erschafft Abstraktionen, die mit Räumen und Strukturen zu tun haben, aber noch vielmehr mit Ideen, mit idealen Vorstellungsweisen, mit dem nicht Definierbaren hinter den Ordnungen, die in einer radikalen Neuartigkeit und unabhängig von äußeren Einflüssen und bar jeder Ergebnisorientiertheit festgehalten werden sollen.

(Sophie Cieslar)

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760 Otto Muehl * (Grodnau/Bgld. 1925–2013 Moncarapacho/Portugal) Virginie mit Zigarre, 1986 Siebdruck auf Leinwand; ungerahmt; 129 × 159 cm Rückseitig am Klebeetikett signiert Auflage: Nr. 3/10 Provenienz Privatbesitz, Wien Die Authentizität dieser Arbeit wurde uns vom Archives Muehl (Daniele Roussel) bestätigt. Wir bedanken uns für die Mithilfe! ​▲​​EUR 18.000–25.000

Detail Rückseite

„he pushed the limits... he opened the borders... he questioned the morals... he forced us to rethink our sexuality...“ (Marina ˇ 2003, in: Otto Muehl. Leben / Kunst / Werk / Aktion Utopie Malerei 1960–2004, Ausstellungskatalog, MAK, Wien Abramovic, 2004, S. 391) Die Negation jeglicher Konventionen und Moral, das Ablehnen der Wertvorstellungen unserer Gesellschaft und das freie Ausleben der Sexualität kennzeichnen Werk und Leben Otto Muehls. Die Radikalität seines Lebensentwurfs macht es oft schwer, sich seinem Werk unbeeinflusst zu nähern. Sein Betrag zur österreichischen Malerei des 20. Jahrhunderts ist aber nicht gering zu schätzen.

In Otto Muehls Schaffen treten die unterschiedlichsten Stilexperimente gleichzeitig nebeneinander auf. Sie treten nicht in Wettstreit, sondern entwickeln sich getrennt voneinander, wie wenn hier mehrere Künstler am Schaffen gewesen wären. Das kann wohl auch durchaus im Sinne von Goethes „zwei Seelen wohnen ach in meiner Brust“ interpretiert werden. So finden sich um die Mitte der 1980er Jahre Materialbilder ebenso wie die farbexpressiven Arbeiten der Serie Vincent. Gleichzeitig entstehen Werke wie „Virginie mit Zigarre“. Diese sind gekennzeichnet durch starke Umrisslinien und eine fehlende Modulierung. Wie in Comics oder Ausmalheften sind die einzelnen Farbfelder flächig ausgefüllt. Die Emotionalität des Künstlers scheint aus der Malerei verbannt. Das Artifizielle der Darstellung wird zudem durch die „unnatürliche“ Farbwahl unterstrichen. Parallelen zur Pop-Art eines Roy Lichtenstein oder Tom Wesselmann drängen sich auf. Muehls Appell an die Künstler „sich nicht hinter Abstraktheit zu verstecken“ (Danièle Roussel (Hg.), Otto Mühl. Aus dem Gefängnis 1991–1997. Briefe / Gespräche / Bilder, Klagenfurt 1997, S. 111) wird hier auf die Spitze getrieben. Der Künstler erschafft eine neue, hyperästhetische Wirklichkeit als Sinnbild des prallen Lebens und der gelebten Sexualität, jene Pole, die seiner Meinung nach das Leben und die Kunst erst mit Sinn erfüllen.

Nicht zufällig taucht die Palme, als biblisches Sinnbild der Fruchtbarkeit, in mehreren vergleichbaren Bildern auf. Das nackte, Zigarre rauchende Mädchen, dessen Namen auf die berühmte Tabaksorte verweist, aber etymologisch als „die Jungfräuliche“ übersetzt werden kann, blickt dem Betrachter aufreizend entgegen. Ihre Lasterhaftigkeit wird noch durch das Glas Wein am Tisch und den danebenliegenden Apfel, Symbol der Liebe und des Sündenfalls, betont. (Sophie Cieslar)

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761 Otto Muehl * (Grodnau/Bgld. 1925–2013 Moncarapacho/Portugal) Rakelbild, 1988 Acryl, Bitumen, Mischtechnik auf Leinwand; gerahmt; 90 × 100 cm Rückseitig signiert und datiert: Muehl 27.10.88 Rückseitige Etikette der Friedrichshof Wohnungsgenossenschaft Provenienz Friedrichshof; Exkommunarde Düsseldorf, Deutschland; 2013 bei Galerie Konzett, Wien erworben; seither österreichischer Privatbesitz Originalzertifikat der Galerie Konzett liegt bei. ​EUR 15.000–25.000

Detail Signatur Rückseite

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762 Otto Muehl * (Grodnau/Bgld. 1925–2013 Moncarapacho/Portugal) Selbstportrait, 1954 Öl auf Leinwand; gerahmt; 84 × 44 cm Signiert und datiert rechts unten: Mühl 4. 54 Rückseitig: Bildentwurf mit Stier Provenienz Privatsammlung, Deutschland Die Authentizität dieser Arbeit wurde vom Archives Muehl bestätigt. ​EUR 12.000–18.000

Detail Signatur

Rückseite

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763 Otto Muehl * (Grodnau/Bgld. 1925–2013 Moncarapacho/Portugal) o.T., 1988/90 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 181 × 181 cm Rückseitig signiert und datiert: muehl 88/90 Provenienz internationale, institutionelle Sammlung ​EUR 35.000–55.000

Detail Signatur Rückseite

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764 Andy Warhol * (Pittsburgh 1928–1987 New York) o.T., 1986 Filzstift auf Buchseite eines Ausstellungskataloges „Andy Warhol: 10 Statues of Liberty“; 27 × 21 cm (Passep.-Ausschn.)

Signiert oben: Andy Warhol Rückseitiges Echtheitszertifikat von „Andy Warhol Art Authentification Board, Inc.“ ausgestellt am 05.07.2005 Provenienz 2006, Dorotheum, Wien; seither Privatsammlung, Wien ​EUR 5.500–8.000

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765 Keith Haring * (Kutztown 1958–1990 New York) o.T., 1989 Siebdruck; gerahmt; Blattgröße: 41,9 × 34,3 cm Darstellungsgröße: ca. 28,5 × 36,5 cm Edition: pp 1/5 Rückseitig bezeichnet und datiert am Echtheitszertifikat „The Keith Haring Estate“, ausgestellt am 20.05.1991 Provenienz 2010 Dorotheum, Wien; seither Privatsammlung, Wien ​EUR 5.000–8.000

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766 Helmut Newton * (Berlin 1920–2004) Jenny Kapitän in my studio, 1978 Polaroid; gerahmt; 10,5 × 8,5 cm Rückseitig bezeichnet, datiert und signiert: Jenny Kapitän in my studio, Paris 1978, Helmut Newton Provenienz Sammlung Katharina Hilger, Wien ​EUR 4.000–6.000

767 Helmut Newton * (Berlin 1920–2004) Y.S.L. Fashion in Ramutuelle Camping, 1979 Polaroid; gerahmt; 8,5 × 10,5 cm Rückseitig bezeichnet, datiert und signiert: Y.S.L. Fashion in Ramutuelle Camping 1979 Helmut Newton Provenienz Sammlung Katharina Hilger, Wien ​EUR 4.000–6.000

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768 Helmut Newton * (Berlin 1920–2004) At the Villa d’Este, Lake Como, 1975 Polaroid; gerahmt; 10,5 × 8,5 cm Rückseitig bezeichnet, datiert und signiert: At the Villa d’Este, Lake Como 1975 Helmut Newton Provenienz Sammlung Katharina Hilger, Wien ​EUR 4.000–6.000

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769 Keith Haring * (Kutztown 1958–1990 New York) Flowers I-V, 1990 Fünf Serigraphien; gerahmt; 99,5 × 129,5 cm Alle 5 Blätter nummeriert, signiert und datiert unten: 61/100 K. haring 90 Provenienz Sammlung Sanziany & Palais Rasumofsky ​EUR 35.000–60.000

Keith Haring wuchs zusammen mit seinen Eltern und drei jüngeren Schwestern in Pennsylvania auf. Sein Vater war Cartoonist, dessen Arbeit sicherlich Einfluss auf Harings Werk nahm. Erstmals große Aufmerksamkeit erzielten Malereien in der New Yorker U-Bahn, die aber schon damals mehr an Pop Art erinnerten als die bekannten Street-Art Graffities. Haring, der sich öffentlich zu seiner Homosexualität bekannte, vertrat sein kurzes aber intensives Leben lang die Idee, dass Kunst für alle zugänglich sein sollte. 1988 wurde er mit Aids diagnostiziert, was ihn dazu veranlasste, der damals noch wenig bekannten Krankheit öffentlich den Kampf anzusagen indem er über seine Kunst darauf aufmerksam machte und sich intensiv für Fundraising und Aufklärungsarbeit einsetzte. Obwohl man seinem Stil ein naives Element nicht absprechen kann ist Harings Werk keineswegs oberflächlich. Der Eindruck den die all-over-paintings Pierre Alechinskys und Jackson Pollocks auf ihn gemacht haben ist gut nachvollziehbar, ebenso dürfte sich Haring auch mit Picasso und Leger beschäftigt haben. Freundschaften sowie Zusammenarbeiten mit unter anderen Madonna, Grace Jones, William Borroughs, Kenny Scharf und JeanMichel Basquiat sowie seine intensive Produktivität und Organisationstalent verhalfen Haring schnell zu extremer Popularität. Von seinem Freund Andy Warhol inspiriert und unterstützt, schuf er neben beeindruckenden und oft auch verstörenden Werken, die längst im Kanon der Kunstgeschichte fest verankert sind und in den wichtigsten Museen der Welt hängen, Punk-Rock-Poster, Grafiken für T-Shirts, Sportbekleidung, Kinderkleidung und eine große Anzahl weiterer Kunstwerke im öffentlichen Raum, die sich nicht nur auf die USA beschränken. Seine Themen wurden verstärkt sozialpolitisch, neben Aids–Awareness Kampagnen setzte er sich auch gegen Rassismus und Drogenmissbrauch ein wobei seine Bilder formal stets in der Pop Art verwurzelt blieben. Durch den leicht zugänglichen, cartoonartigen Stil sowie seinen universellen Themen wie Liebe, Geburt, Sex und Gewalt erreichte Haring ein breites Publikum und schuf einige Ikonen der Kunstgeschichte.

Die „Flowers I-V“ war seine letzte Werkgruppe, Haring starb 1990 mit nur 32 Jahren an den Folgen seiner Krankheit. (Ina Waldstein)

ım Kinsky

770 Andy Warhol * (Pittsburgh 1928–1987 New York) Electric Chair Portfolio (10-teilig), 1971 Siebdruck auf Papier; gerahmt; 91,5 × 123 cm Rückseitig jedes Blatt signiert und datiert: Andy Warhol 71 Rückseitig nummeriert: A.p. XXXIV/L Edition: 250 + 50 AP Printer: Silkprint Kettner, Zürich, Schweiz Publisher: Bruno Bischofberger, Zürich, Schweiz Provenienz erworben 2015 Galerie Bruno Bischofberger, Schweiz; seither Privatsammlung, Schweiz Literatur Frayda Feldman und Jörg Schellmann, Andy Warhol Prints. A Catalogue Raisonné 1962–1987, 3. Aufl., New York, 1997 Nr. II.74–83, Abb. S. 74–75. ▲ EUR 150.000–250.000

Das Motiv des elektrischen Stuhls verwendet Andy Warhol erstmals in seiner Serie „Death and Disaster“ 1964. In den 1950er Jahren einer der begehrtesten Werbedesigner New York Citys, strebt Warhol Anfang der 1960er-Jahre eine Künstlerkarriere an. Heute gilt Warhol als Pop-Art-Ikone und zählt zu den bedeutendsten Künstlern des 20. Jahrhunderts.

Warhols Werk zeichnet sich aus durch die Reproduktion und Vervielfältigung populärer und kommerzieller Motive – neben Konsumgütern und Alltagsgegenständen waren es vor allem Porträts berühmter Persönlichkeiten, sowie Szenen aus der medialen Berichterstattung, die er provokant zu Kunst erhob. Als Vervielfältigungsmethode diente ihm die zuvor allein der Gebrauchsgrafik vorbehaltene Technik des Siebdrucks.

1962 ruft Warhol seine „Factory“ ins Leben – mehrere Ateliers in New Yorker Fabrikhallen. Dort produziert er unter enger Beteiligung seiner Mitarbeiter Kunst wie am Fließband. Im Jahr der Factory-Gründung soll der Kurator Henry Geldzahler den Künstler zu einem neuen Themenkomplex animiert haben, deren bewegendstes Herzstück die „Electric Chairs“ werden sollten. Warhol ewähnt später folgende Episode: „We were both having lunch one day in the summer […] and he laid the Daily News out on the table. The headline was ’129 die in jet’, and that’s what started me on the death series – the Car Crashes, the Disasters, the Electric Chairs“ (Andy Warhol) Für seine „Death and Disaster“-Serie verwendet Warhol schockierende Bilder aus der Klatschpresse mit starker Anziehungskraft. Die Fotografie des elektrischen Stuhls, die Warhol in Gemälden und in Drucken verarbeitet, stammt aus dem Jahr 1953 und wird unmittelbar nach der Exekution des vermeintlich russischen Spionagepaares Julius und Ethel Rosenberg im Sing Sing Gefängnis im Staat New York von der Presse veröffentlicht. Warhol greift das Motiv zehn Jahre später zu einem Zeitpunkt auf, als die Frage der Todesstrafe heiß diskutiert wird, und das Sing Sing Gefängnis seine letzte Exekution ausführt.

In den 1960er Jahren zeigt Warhol in seinen Arbeiten das unbeschnittene Pressefoto. Zu sehen ist die Hinrichtungskammer mit drei Türen. 1971, als Warhol Portfolios seiner besten Arbeiten herstellen lässt, wird der „Elektrische Stuhl“ erneut gedruckt und ein engerer Bildausschnitt gewählt, der den Tatort abstrahiert. Warhol führt uns mit seiner Arbeit sehr direkt den Zustand der Gesellschaft vor – ihr Hang zum Voyeurismus, zur Sensationslust und ihre Ängste.

Die poppigen Farben kontrastieren das düstere Sujet, rücken die Realität wohl in die Ferne, jedoch gleichzeitig auch ins Banale. Die Farbigkeit steigert die Dramatik, unterstreicht die Absurdität der Hinrichtung und ästhetisiert sie ebenso.

Buchstäblich strahlend wirken die in gleißendes Licht getauchten, invertierten Versionen des elektrischen Stuhls. In einem der Drucke ist der Hintergrund gestisch mit Pinselstrichen bearbeitet, was in den darauf folgenden Siebdruck-Serien der 1970er und 1980er Jahre zunehmend häufiger auftritt. (Vgl. hierzu: Donna de Salvo in: Andy Warhol Prints. A Catalogue Raisonné 1962–1987, München 1997, S.22) (Isabell Kneidinger)

771 Gunter Damisch * (Steyr 1958–2016 Wien) Blaufeldweltenflimmerflämmer, 2006 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 200 × 251 cm Rückseitig zweifach signiert: G Damisch Provenienz Sammlung Sanziany & Palais Rasumofsky ​EUR 22.000–35.000

Damisch erzählt in seinen charakteristischen Bildern keine Geschichten, wohl aber kreiert er Welten oder auch „kosmische Bildräume“ (Wolfgang Drechsler, Kontinuität und Wandel. Zur Malerei von Gunter Damisch, in: Gunter Damisch, Aus dem Weltengarten, Ausstellungskatalog, Linz/Emden 1999, S. 15) , die sich, fern der unsrigen Welt, über die Bildränder in die Unendlichkeit ausbreiten, bevölkert von geißeltier-artigen, vielfüßigen Wesen, die sich mal geballt zu dichten Haufen, mal explosionsartig auseinanderstiebend über die Bildflächen verteilen und den Eindruck dauerhafter Bewegung, man möchte sagen „Gewusels und Geflimmers“ vermitteln. Oder sind die Farbknäuel und -haufen die da scheinbar durch den Raum schweben selbst die Welten? Bildtitel wie „Nächtliche Blasensteher“, „Flämmler des Flimmerns“ oder „Blaufeldweltenflimmerflämmer“ widersprechen der Idee der vollständigen Abstraktion die sonst vielleicht aufkommen könnte und suggerieren Leben und Bewegung. Damisch verwendet leuchtende, kontrastierende Farben die er so stark pastos aufträgt, dass die Formen quasi aus der Leinwand in die Dreidimensionalität hinauswachsen: „Die dick aufgetragene Farbe wird zur fassbaren Mal-Materie, manchmal sogar klumpig, eine fast erdige Oberfläche. Hier und dort ist die Farbe dicht geballt, ein angedeuteter Lebensraum mit einer Besiedelung. Hier „leben“ merkwürdige Wesen, die aus einem amorphen Körper bestehen.“ (Sabine B. Vogel, Abstraktes Erzählen – Gunter Damischs Malerei und Raumarbeiten, in: Gunter Damisch. Teile vom Ganzen. Sammlung Würth und Leihgaben, Ausstellungskatalog, Sammlung Würth, Künzelsau 2012/13, S. 11) Das Moment der Bewegung wird durch zahlreiche Überschneidungen sowohl innerhalb des Bildes als auch durch die Bildränder verstärkt, die fadenartigen Formen wirken wie Kondensstreifen der flirrenden Wesen oder die Lichtschweife von Sternschnuppen. „Jede Schöpfung ist ein Kampf mit der Leere, und die Bildschöpfung macht das besonders anschaulich. Der Künstler nimmt die Auseinandersetzung mit der Leere um uns und der Leere in uns auf sich, um nicht untergehen, um nicht von ihr verschlungen zu werden. Dem Nichts gilt es etwas entgegenzusetzen, es Schritt für Schritt zurückzudrängen. Das Weiße Blatt auf dem Tisch – für den Zeichner wie für den Schreiber -, die leere Leinwand auf der Staffelei für den Maler – welch ungeheure Herausforderung, welch ein einschüchterndes Gegenüber! Es scheint jedes Mal ein Wunder davor nicht zu verzagen.“ (Wieland Schmidt, Mikroskopische Gärten – Über die Bilder und Plastiken von Gunter Damisch, zur Ausstellung Galerie Marie-José van de Loo „Weltendichte“, München 2003, in: www.gunter-damisch.at, Abruf am 14.10.2019) (Ina Waldstein)

772 Josef Mikl * (Wien 1929–2008 Wien) Gespräch (2 Figuren), 2002/03 Öl auf Leinwand; ungerahmt; 150 × 200 cm Rückseitig signiert, bezeichnet und datiert: Josef Mikl 2 Figuren Öl/Lwd 2003 Provenienz Privatbesitz, Wien Literatur Josef Mikl. Retrospektiv, 1947–2003, Krems 2004–2005, S. 163; Josef Mikl. Arbeiten, 1997–2008, 2008–2009, S. 67. ​EUR 40.000–65.000

Detail Signatur Rückseite

Genährt durch Literatur und Theater, beeinflusst von Expressionismus, Kubismus, Surrealismus und dem Informel schafft Josef Mikl in 60 Jahren ein sich stringent entwickelndes Œuvre und bleibt dabei seiner künstlerischen Vorgehensweise stets treu. Wohl durchdacht gestaltet der Maler seine einfach und doch rätselhaft wirkenden, ausdrucksstarken Bildwelten, die zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit angesiedelt sind. Obschon er sich konkret auf Figuratives bezieht – auf Mensch, Natur oder Stillleben – lässt Mikl das Benannte und Bekannte bisweilen bis zur Unkenntlichkeit und Undeutbarkeit zurücktreten. Er konzentriert sich auf das Wesen, auf die Innenwelt eines Gegenstands und übersetzt dies in eine Malerei, in der Form, Farbe, Linie und Geste harmonisch aufeinander abgestimmt sind.

Die vorliegende, späte Arbeit „Zwei Figuren“ weist eine für Mikl charakteristische Farbgebung auf: Tiefes Rot und leuchtendes Orange-Gelb begleitet ein akzentuiert eingesetztes Schwarz. Weiße Flächen lockern die Komposition auf. Die Malweise ist flüchtig, gestisch, skizzenhaft und wirkt spontan. Der Pinselduktus weist skripturale Züge auf. Wir erkennen der Zeichnung verwandte kalligrafische und kritzelige Spuren.

Mikls leidenschaftlicher, dynamischer und kraftvoller Einsatz der Farbe lässt seine Bilder pulsieren, verleiht ihnen Vitalität und Energie. Die Farben dürfen sich auf der Leinwand auch vermischen, der Hintergrund und der Vordergrund verschwimmen.

Schlussendlich wird das Bild „zu einer Bühne kämpfender Kräfte, die Akteure sind die Farben, sind Farbflächen und Flecken, sind ausgreifende Formen und ausfahrende Pinselzüge, sind dunkle Konturen auf hellem Grund, die gegen andere Konturen stehen und mit ihnen um die Vorherrschaft ringen.“ (Wieland Schmied in seiner Eröffnungsrede Juli 1999 in der Jesuitenkirche – Galerie der Stadt Aschaffenburg, zitiert in: Josef Mikl. Retrospektiv, 1947–2003, Ausstellungskatalog Krems 2004, S.171.)

Wie auch in der Arbeit „Zwei Figuren“ deutlich wird, thematisieren etliche von Mikls Zeichnungen und Gemälden Interaktion und Gespräch. Die dominanten Formenvolumina scheinen sich aufeinander zu oder voneinander weg zu bewegen, in jedem Fall auf eine gewisse Art und Weise miteinander zu kommunizieren und in Beziehung zu treten. (Isabell Kneidinger)

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773 Franz West * (Wien 1947–2012 Wien) o.T., („Sitzwust“), 2001 Aluminium, lackiert; 420 × 69 cm Provenienz 2016 erworben, Galerie Mario Sequeira, Portugal; seither Privatsammlung, Schweiz ​▲​​EUR 180.000–300.000

Vergleichsbild, Sitzwuste, 2000; abgebildet in: Götz Adriani (Hg.), Franz West. In & Out, Ausstellungskatalog, Karlsruhe 2000, Abb. S. 122.

In den 1990er Jahren bekommt Franz West den Auftrag, eine Skulptur für den Außenraum zu schaffen. Als Material wählt er Aluminium, das seiner Vorliebe für eine offene Arbeitsweise entgegenkommt. Der Werkstoff wird gebogen und zusammengeschweißt. Nahtstellen werden bewusst stehen gelassen, ein allzu glatter Perfektionismus ist nicht des Künstlers Sache. Den in den folgenden Jahren entstandenen Skulpturen ist allen eine monochrome Farblackierung gemein, zumeist sind es Farben, die so nicht unbedingt in der Natur vorkommen, die die Skulpturen deutlich von ihrem Umfeld abheben. „West geht davon aus, dass man weder die Formen, noch die Farben der Natur übertreffen könne, deswegen sollte man sie auch nicht imitieren.“ (http://sammlung-essl.at/jart/prj3/essl/main.jart?content-id=1363947043047&rel=de&article_id=1364903155043&reservemode=active, zugegriffen am 21.10.208) Diese Skulpturen laden einmal mehr dazu ein, angegriffen zu werden, auf ihnen zu sitzen oder liegen. Das entspricht der Maxime Franz Wests, dass es nicht darauf ankommt wie Kunst aussieht, sondern wie man sie gebraucht, erst durch diesen Gebrauch werden die Objekte zum Kunstwerk.

In hellem Grün hebt sich die Skulptur „Sitzwust“ von ihrer Umgebung ab. Wie in Packpapier gewickelt mutet das an. Verschleiert der Künstler hier eine geheimnisvolle Form? Man sieht sich versucht, den hier wie beiläufig platzierten länglichen Gegenstand auszuwickeln, und ist erstaunt über die metallische Haptik, sieht die Oberfläche bei reiner Betrachtung doch weich und nachgiebig aus. „Die Aluskulptur von Franz West wirkt sowohl einfach als auch allumfassend, banal und erhaben.“ (Veit Loers, Franz West, Köln 2006, S. 44) Hier geht es um Volumen, um einen in Alu verpackten Hohlkörper, eine verpackte Idee, die den öffentlichen Raum prägen soll. (Sophie Cieslar)

ım Kinsky

774 Arnulf Rainer * (Baden 1929 geb.)

Grüne Schlingen Schlangen, 1969/71 Öl und Ölkreide auf Foto; gerahmt; 60 × 50 cm Bezeichnet links unten: Grüne Schlingen Schlangen Signiert rechts unten: A. Rainer Foto signiert und datiert: A. Rainer 69 Provenienz 2008 erworben Galerie Ruberl, Wien; seither österreichische Privatsammlung Literatur A. Rainer, Arbeiten auf Papier 1956–76, Ausstellungskatalog 5. bis 20. November 1976, Künstlerhaus Klagenfurt 1976, Abb. 11. ​EUR 25.000–40.000

„Alle meine Fotoüberarbeitungen sind Selbstdarstellungen, Reproduktionen des mir noch nicht bekannten Ichs. ...der Versuch sich ganz zu verwandeln, zu entfremden in die unendliche Vielzahl des Möglichen…nicht nur ein Mensch schläft in mir, aber es soll alles einer werden…“ Arnulf Rainer 1974, Schriften, S127.

In den sechziger Jahren beschäftigte sich Arnulf Rainer mit der Zeichnung verschiedenster Gesichter und Grimassen. Im Augenblick des Zeichnens spiegelten sich diese Karikierungen auf seinen eigenen Gesichtszügen wider. 1968 entstanden auch aktionsbezogene Gesichtsbemalungen. Sein Körper wurde zum Ausdrucksmittel.

Zuerst physisch und in weiterer Folge durch Selbst-Fotografie. Nach ersten Aufnahmen in einer Fotoautomatenkabine am Wiener Westbahnhof arbeitete Rainer mit unterschiedlichen Fotografen. Von der gewollten Intensität des Abbildes seiner Verzerrungen enttäuscht, begann Arnulf Rainer die Fotos seiner mimischen Farcen zeichnerisch zu überarbeiten.

Die vorliegende Arbeit basiert auf einem dieser ersten Automatenfotos und wurde von ihm mit giftig anmutenden gelbgrünen Schlangenlinien überzeichnet. Es ist die spontane, aggressive Gestaltung einer momentanen Emotion hervorgerufen durch die fotografische Vorlage, sein Selbstbild.

Diese Werkgruppe hat, nach den frühen Übermalungen, eine besondere Bedeutung in Arnulf Rainers Œuvre. Auf der Biennale in Venedig 1978 erlangte er damit im österreichischen Pavillon erstmals international große Beachtung. Übermalungen des eigenen Gesichtes beschäftigten Arnulf Rainer zwischen 1968 und 1975. (Christa Armann)

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775 Arnulf Rainer * (Baden 1929 geb.) o.T. (Fingermalerei) Mischtechnik auf Karton auf Platte; gerahmt; 73 × 51 cm Signiert rechts unten: A. Rainer Provenienz seit 2003 Privatsammlung, Wien ​EUR 35.000–55.000

Arnulf Rainer entwickelte seine Bildsprache – das Übermalen – in den 50er Jahren.

Kontemplative, stille, zugemalte Arbeiten wechseln mit gestisch, dynamischen Arbeiten. Diese Gegensätze sind in allen seinen Werkgruppen zu finden.

Auch bei seinen Fingermalereien aus den 1980er Jahren gibt es die unterschiedlichsten Ausformungen. Die aggressiven roten Handschläge der ersten Arbeiten aus 1973 wurden mit der Zeit immer malerischer. Rainer begann mit den Fingern zu malen statt zu schlagen. Er arbeitete sehr rasch und impulsiv. Es war nun weniger der aggressive Schlag sondern die Spur der Finger, die ihn zu beschäftigen begann.

Mit den Händen malen – mit dieser Technik entwickelte er eine feine subtile Bildsprache. Die Bilder wurden vieldeutiger, geheimnisvoller und rätselhafter. Die Agression wich der Gestaltung.

Die vorliegende Arbeit ist von einer außergewöhnlichen Leichtigkeit. Wie ein Meteor schwebt ein dichtes Bündel aus Gesten im Bildraum. Der Karton ist naturbelassen, nicht grundiert. Die Farben sind in sich vermischt. Blau, Grün, Braun…erdige Töne verknäueln sich zu einem amorphen Körper. Ein Raum entsteht durch die freigelassene Fläche. Die erkennbare tänzerische Spur ist gebändigt durch ein Verwischen der obersten Schicht. Geste und Form, Gestaltung und Malgrund, Konzentration und Freiheit. Alle diese Aspekte sind ausgewogen und bewirken eine harmonische Unbeschwertheit. (Christa Armann)

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776 Bruno Gironcoli * (Villach 1936–2010 Wien) o.T. Metallpulverfarbe, Tusche und Mischtechnik auf karierten Linienspiegel; gerahmt; 106 × 145 cm Signiert unten: B. Gironcoli Provenienz seit 2019 Privatsammlung, Wien ​EUR 25.000–35.000

1975/76 schafft der Bildhauer Bruno Gironcoli eine großformatige Skulptur mit einer ungewöhnlichen Altarkonstruktion – ähnlich jenem Möbelelement, das auch in der vorliegenden Papierarbeit eine zentrale Rolle einnimmt: Ein Tisch mit zwei darauf thronenden Klosetts. Gironcolis Papierarbeit mag man auf die erwähnte Skulptur bezogen sehen – auch weil er in beiden Arbeiten leuchtendes Gelb verwendet: So erprobt er mit expressivem Pinselstrich den grellgelben Farbeinsatz im linken Bildteil der Grafik. Die Skulptur wiederum ist vollständig in Gelb getaucht. Zu greller Farbe greift der Künstler, der üblicherweise metallische Oberflächen bevorzugt, selten – vermehrt erst in seinen Malereien der 1980er Jahre.

Skulptur und Papierarbeit sind allerdings als eigenständige Arbeiten zu betrachten, fügt er dem Alter-ähnlichen Tisch doch jeweils unterschiedliche Figuren und Gegenstände hinzu, die Assoziationen und Interpretationen in verschiedene Richtungen zulassen.

Die kompakten Klosett-Formen verwendet Gironcoli in Papierarbeiten seit den späten 1960er Jahren. Er platziert sie auf Bänke, Tische oder auf Lattenrost, sich wie Sphinxen einander gegenüber stehend, den Eingang eines Heiligtums zu bewachen scheinend. Der Künstler attribuiert Sessel, Ähren, Kämme, Sicheln, Herzen, Madonnen oder diverse Figuren aus seinem unerschöpflichen Modulvokabular, das immer neue Kombinationsmöglichkeiten anbietet.

Auf kariertem, Struktur gebendem Linienspiegel komponiert er eine seiner charakteristischen, bühnenhaften Szenen, die grotesk und surreal, aber auch überaus lebendig wirken, was einerseits auf die skizzenhafte Optik, die expressiven Pinselund Tuschespuren, sowie auf die glänzende Metallfarbe und deren Materialität zurückzuführen ist, andererseits auf die Bewegung implizierenden Figuren – auf die ihre Gliedmaßen verrenkenden Säuglinge und die kauernde, Anzug tragende Rükkenfigur, die in Gironcolis Arbeiten seit den 1970er Jahren auftaucht und angelehnt an eine Romanfigur Samuel Becketts als Murphy, Robert oder als Lehrling bezeichnet wird. (vgl. hierzu Christian Reder in: Bruno Gironcoli. Die Ungeborenen, Ausst.-Kat. MAK, Wien 1997, S.109) Die Figuren klammern sich schier krampfhaft an die Gegenstände und Möbelstükke, zwängen sich an und zwischen die Dingwelt, mit der sich Gironcoli seit Anbeginn seines Schaffens eng auseinandersetzt – die kapitalistische Gesellschaft reflektierend, deren Sein sich über Dinge und Waren definiert, und beeinflusst von Sartres Existenzialismus-Kategorie der „Verdinglichung“ des Seins (vgl. Hierzu Manuela Ammer in: Bruno Gironcoli. In der Arbeit schüchtern bleiben: Arbeiten auf Papier, Ausst.-Kat. Mumok, Köln 2018, S.22). Figur und Gegenstand finden bei Gironcoli zu einer Vereinheitlichung, mutieren zu gleichwertigen Motiven, die für den Künstler in seinen das Dasein und seine Weltsicht beschreibenden Arbeiten, variabel einsetzbar sind, sich wiederholt der universellen, vielfältigen und unendlichen Erzählstruktur, die seinem Schaffen innewohnt, fügen. (Isabell Kneidinger)

ım Kinsky

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777 Max Weiler * (Absam bei Hall i. Tirol 1910–2001 Wien) Sommerzeichen, 1989 Eitempera auf Leinwand; gerahmt; 200 × 200 cm Signiert und datiert rechts unten: Weiler 89 Provenienz Kunsthandel Innsbruck; Privatbesitz, Tirol Ausstellung 1991, Prag Nationalgalerie Literatur Otto Breicha, Weiler. Die innere Figur, Galerie Welz Salzburg, Wien 1989, S. 410, Abb. 411; Yvonne Fahlström (Hg.), Weiler. Das Spätwerk 1973–1991, Ausstellungskatalog, Nationalgalerie Prag 1991, S. 160, Abb. 161. ​EUR 150.000–250.000

Max Weiler und sein Spätwerk Im Spätwerk von Max Weiler konzentriert sich seine Malerei auf die Natur und die Landschaft. Monat für Monat, quer durch die Jahreszeiten beschreiben die Titel seiner Arbeiten das Wesen der Landschaft: Bäume wachsen in den Himmel, Pflanzen breiten sich aus, Blumen tanzen farbig in der Luft, Berge formieren sich, Wolken hängen herab. Das alles formt sich zu einer Bildfläche, die immer abstrahierender wird und schließlich das Bildgeschehen in befreiender Farbe auflöst. Der Betrachter darf seiner Fantasie freien Lauf lassen und Assoziationen sind erwünscht.

Max Weilers Vorzeichnungen in Graphit bleiben manchmal unausgefüllt auf der Leinwand. Sie bilden auch die Basis aufeinander liegender Farbschichten, sodass die Formen zurücktreten und nur die Farbflächen die Kraft der Natur zum Ausdruck bringen. Seine bevorzugte Malweise war seit 1960 Eitempera. Eitempera besteht aus wasserverdünntem Eigelb als Bindemittel und einem Farbpigment. Diese Technik wurde bereits in der Antike verwendet.

Die späten Jahre sind also ein Bekenntnis zur Farbe und ein Bekenntnis zur Natur.

Ein Highlight aus Max Weilers Spätwerk, das Gemälde „Sommerzeichen“ aus dem Jahr 1989 bringt all das zum Ausdruck: Wie eruptive Farbkaskaden breitet sich hier die Malerei über die Leinwand, man kann den pflanzenähnlichen Formen quasi beim Wachsen zusehen. Das Bild bekommt noch von oben eine Dynamik, die uns in das Zentrum des Bildes hineinzieht. Je nach Stimmung lassen wir uns überraschen, was uns in der Bildmitte zwischen den Farberuptionen erwartet oder wir suchen in ihr einfach nur Geborgenheit.

Nachvollziehbar ist auch Weilers Nähe zum Berg, wie es im Bild „Blauer Berg“ von 1991 auch im Titel klar zum Ausdruck kommt. Max Weiler bezeichnete sich einmal als „Bergbewohner“. Damit meinte er nicht nur seine Tiroler Herkunft sondern er meinte damit auch den Berg und sein Wachsen nach oben analog zu seinem eigenen Streben nach Erfahrungserkenntnis. Auf dem höchsten Punkt wird man mit einem Weitblick belohnt, der einer Metapher gleich den Horizont erweitert. Aber das geht schon ins Philosophische und wir wollen in der Malerei bleiben.

Lassen wir doch Max Weiler selbst zu Wort kommen, mit dem auch das Gemälde mit den roten Blumen von 1991 wunderbar beschrieben ist: „es begibt sich ein weiter horizont, und auf der weißen fläche breiten sich wohlverteilt die farben aus und werden berge, steinstrukturen aus titanweiß und oxydschwarz, flechten, moos- und gräserformen aus böhmischer oder veroneser grüner erde oder chromoxydgrün stumpf und ocker verschwimmend oder dick, wie es trifft; punkte heben sich vom weiß ab, nebel aus titanweiß, oxydschwarz und coelinblau mit viel wasser ziehen auf der fläche hin, wie es die natur tut, oder alles spielt auf schwarzem, hoffnungslosem grund, dem grund der mondhölle, der hitze und der kälte und der luftlosigkeit, der verlorenheit und so gibt es noch unzählige nicht erklärbare sensationen der farben und ihrer anordnungen.“ (Max Weiler, zitiert in: Peter Weiermeier, Max Weiler, Ausstellungskatalog, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt am Main 1984, S. 64.)

(Charlotte Kreuzmayr)

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778 Max Weiler * (Absam bei Hall i. Tirol 1910–2001 Wien) o.T., 1991 Eitempera und Grahpit auf Leinwand; gerahmt; 50 × 60 cm Signiert und datiert rechts unten: Weiler 91 Provenienz Kunsthandel Innsbruck; Privatbesitz, Tirol ​EUR 25.000–40.000

779 Max Weiler * (Absam bei Hall i. Tirol 1910–2001 Wien) Blauer Berg, 1991 Eitempera und Graphit auf Leinwand; gerahmt; 80 × 90 cm Signiert und datiert rechts unten: Weiler 91 Provenienz Kunsthandel Innsbruck Privatbesitz, Tirol ​EUR 35.000–50.000

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780

781

Xenia Hausner *

Xenia Hausner *

(Wien 1951 geb.)

(Wien 1951 geb.)

Manhattan Handkolorierte Lithographie; ungerahmt; 90 × 105,5 cm (Blattgröße) Signiert rechts unten: Xenia Hausner Rückseitig signiert: Xenia Hausner Bezeichnet und nummeriert links unten: „Manhattan“ 25/35 Auflage: 35 Stück Unikat

Shaky times Archivechter Pigmentdruck auf 310g HahnemühlePapier, übermalt; gerahmt, 62 × 85,5 cm Nummeriert, bezeichnet und signiert links unten: 12/50 Shaky times Xenia Hausner Auflage: 50 Stück Unikat

Provenienz Privatbesitz, Deutschland ​EUR 3.000–5.000

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Provenienz Privatsammlung, Wien ​▲​​EUR 2.000–4.000

782 Xenia Hausner * (Wien 1951 geb.)

Indiskret Archivechter Pigmentdruck auf 310g Hahnemühle-Papier, übermalt; gerahmt, 70 × 100 cm Nummeriert, bezeichnet und datiert rechts oben: 7/20 Auflage: 20 Stück Unikat Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 3.500–5.000

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783 Martha Jungwirth * (Wien 1940 geb.) o.T., 1993 Aquarell auf Papier; gerahmt; 99 × 69 cm Signiert und datiert links unten: Martha Jungwirth 93 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 8.000–12.000

784 Martha Jungwirth * (Wien 1940 geb.) o.T., 1993 Aquarell auf Papier; gerahmt; 69 × 99,5 cm Signiert und datiert links unten: Martha Jungwirth 93 Provenienz Privatbesitz, Wien ​EUR 8.000–12.000

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785 Martha Jungwirth * (Wien 1940 geb.) o.T. Mischtechnik auf Papier auf Leinwand; gerahmt; 72,5 × 66 cm Signiert rechts oben: Martha Jungwirth Provenienz Privatsammlung, Wien ​EUR 12.000–18.000

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786 Maria Lassnig * (Kappel am Krappfeld/Kärnten 1919–2014 Wien) Figur, 1988 Aquarell auf Papier; gerahmt; 64,5 × 47,5 cm Bezeichnet, datiert und signiert rechts unten: Figur 1988 M. Lassnig Provenienz Privatbesitz, Kärnten ​EUR 25.000–35.000

Detail Signatur

Seit 1949 malt Maria Lassnig Selbstporträts, die ihr Körpergefühl, ihr physisches Empfinden widerspiegeln sollen. Sie verändert, ja abstrahiert ihren Körper und zeigt auf der Leinwand nicht, was man sieht, sondern übersetzt sowohl physische Gefühle als auch Emotionen wie Schmerz, Druck, körperliche Erschöpfung aber eben auch Angst, Panik oder Trauer in für sie entsprechende Farben und Formen, die mit ihrem äußeren Erscheinungsbild nichts oder nur mehr sehr wenig zu tun haben. „Ich nannte meine body awareness paintings zuerst „introspektive erlebnisse“, später nannte ich sie überhaupt nicht mehr, als ich meine knödel und farbhaufen als „selbstportraits“ behauptend nur hohn ernteten. Ich male body awareness seit dem beginn meiner malerei, sie ist als ideale kunstbetätigung zu empfinden, weil sie nie zu erschöpfen ist.“ .

In den 1980er Jahren erfährt die Künstlerin die Anerkennung, die ihr in früheren Jahren verwehrt geblieben ist: 1980 vertritt sie gemeinsam mit Valie Export Österreich auf der Biennale in Venedig, 1982 nimmt sie an der documenta 7 in Kassel teil, 1985 veranstaltet das Museum moderner Kunst in Wien die erste große Lassnig Retrospektive, 1988 erhält sie den großen österreichischen Staatspreis, der noch dazu erstmals an eine Frau vergeben wird .

Was genau in der „Figur“ von 1988 gemeint ist überlässt Lassnig dem Betrachter, aber man könnte sich vorstellen, dass hier ihr Kopf zu einer Art Gefäß transformiert wurde aus dem in irgendeiner Form Energie nach oben drängt und austritt, ob es nun Flammen, Lichtschein oder Blüten sind, die vor dem dunkelblauen Hintergrund nach oben lodern und flackern. Das Rätselhafte bleibt am Ende jedenfalls bestehen. (Ina Waldstein)

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787 Friedensreich Hundertwasser * (Wien 1928–2000 vor Brisbane, Australien) Sonnentropfen, 1955–56 Aquarell auf Packpapier, grundiert mit Kreide, Zinkweiß und Fischleim; 37,6 × 49,3 cm Rechts unten signiert, datiert und bezeichnet: Hundertwasser 1955 Mailand Wien Rückseitig originales Künstleretikett sowie betitelt und nummeriert: SONNENTROPFEN 217 Ausgeführt im Bergdorf Vegna, Val Cavargna (Como), März 1955; fertiggestellt in Maria Pfarr, Oktober 1956, Fürst WV Nr. 217, 37,6 x 49,3 cm Provenienz Privatbesitz, Schweden ​EUR 130.000–200.000

Detail Signatur

Die Spirale bildet im Werk von Hundertwasser ab 1953 das zentrale Bildmotiv. In ihrer einfachen Schönheit, die auf komplexen Strukturen und differenzierten mathematischen Formeln beruht, wie wegen ihrer uralten Symbolik sah der Künstler eine Analogie zur Natur, der Astronomie oder Religion. „Mir wurde schwindelig bei der Erkenntnis, dass die unregelmässige Spirale das Hauptgleichnis für Leben und Tod ist.“ (Hundertwasser) Das Unregelmäßige war dabei für ihn das entscheidende Prinzip, um das Unberechenbare und Dynamische des Lebens zu symbolisieren und sich bewusst von der dekorativen Ornamentik des Jugendstils abzuheben.

Ein ebenso elementares Motiv in seinem Werk ist der Regen, der der Welt das Wasser bringt und in zahlreichen Titeln aufscheint. Eine besonders schöne und ausdrucksstarke Variante stellt dieses Blatt aus schwedischem Privatbesitz dar. Die rote Energie der Sonne bildet im Kern eine Regentropfen-Spirale heraus, die sich als luzide blaue Fläche über das Blatt ergießt und dem Prinzip des Lebens eine poetische Note verleiht.

ım Kinsky

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Conditions of Auction Extract from the rules of procedure The wording of the complete rules of procedure can be viewed on our homepage www.imkinsky.com. By request we will also send the rules of procedure to you.

Rules of Business Auctions are conducted according to the conditions of sale as set down by Auktionshaus im Kinsky GmbH. The rules of business are available for viewing at the auction house, and can be requested by post or email (office@imkinsky.com), they can also be called up on the internet under www.imkinsky.com.

Estimates In the catalogues the lower and upper estimated values are indicated and represent the approximate bid expectations of the responsible experts.

Reserve (Limit) Sellers quite often appoint the auction house, not to sell their object beneath a certain price. This price (= reserve/ limit) usually matches the lower estimate, but in special situations can also surpass it.

Guarantee of Authenticity The valuation, as well as technical classification and description of the art objects is carried out by the specialists of Auktionshaus im Kinsky. Auktionshaus im Kinsky guarantees the purchaser the authenticity for three years – i.e. that the authorship of the art object is as set out in the catalogue.

Catalogue Descriptions Catalogue information concerning techniques, signatures, materials, condition, provenance, period of origin or manufacture­etc. are based on the current knowledge determined by the experts. Auktionshaus im Kinsky cannot be held responsible for the verification of these descriptions.

Insurance All the art objects are insured. The insurance value is the purchase price. The res­ponsibility of the auction house lasts until the eighth day after the auction. After that, each art object is only insured if there is an order from the purchaser to do so.

Starting price & Hammer price The starting price is determined by the auctioneer. The bidding rises in approximate increments of 10% from the starting price, or from the last bid. The highest bidder acknowledged by the auctioneer will be the purchaser as long as it has reached the minimum price (reserve).

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Purchase Price For art objects which require ‘difference’ taxation the purchase price consists of the hammer price plus the buyer’s commission of 28%. For art objects which require ‘normal’ taxation (marked with ▲), the price consists of the hammer price plus buyer’s commission of 24%, plus VAT (13% for paintings, 20% for antiques). For hammer price in excess of  500,000 we will charge a commission of 20% (margin taxation) or 17% (normal taxation).

Droit de suite Objects marked with an asterisk* in the catalogue are subject to droit de suite in addition to the purchase price. Droit de suite is calculated as a percentage of the highest bid as follows: 4% of the first  50,000, 3% of the next  150,000, 1% of the next  150,000, 0.5% of the next  150,000 and 0.25 % of the remaining amount (i.e. over  500,000), but not exceeding a total sum of  12,500. Droit de suite does not apply to ­highest bids below  2,500.

Absentee bids Clients can also submit written absentee bids or bid themselves over the phone, or give an order to the Broker. To do so Auktionshaus im Kinsky must have received signed order forms (available in the catalogues), in due time.

Telephone bids We will do our best to establish a telephone link, but we cannot warrant for such a telephone connection.

Online Bidding Interested parties can participate in the auction also via the Internet. The regulations of Auktionshaus im Kinsky shall be applicable. Auktionshaus im Kinsky assumes no liability for any breakdown or loss of the Internet connection.

Governing Law and jurisdiction The site for the dealings between Auktionshaus im Kinsky and the purchaser is the address of Auktionshaus im Kinsky. All legal dealings or conflicts between persons involved in the auctions are governed by Austrian Law, place of jurisdiction shall be the Courts for the First District of Vienna.

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Auktionsbedingungen Auszug aus der Geschäftsordnung Den Wortlaut der gesamten Geschäftsordnung können Sie unserer Homepage www.imkinsky.com entnehmen.

Auf Wunsch senden wir Ihnen die Geschäftsordnung auch zu.

Geschäftsordnung Die Auktion wird nach den Bestimmungen der Geschäftsordnung der Auktionshaus im Kinsky GmbH durchgeführt. Die Geschäftsordnung liegt im Auktionshaus zur Einsicht auf, kann von jedermann per Post oder E-mail (office@imkinsky.com) angefordert werden und ist im Internet unter www.imkinsky.com abrufbar.

Schätzpreise Im Katalog sind untere und obere Schätzwerte angegeben. Sie stellen die Meist­boterwartungen der zuständigen Experten dar.

Mindestverkaufspreis (Limit) Oft beauftragen Verkäufer das Auktionshaus, das ihnen gehörende Kunstwerk nicht unter einem bestimmten (Mindest-)Verkaufspreis zuzuschlagen.

Dieser Preis (= „Limit“) entspricht meist dem in den Katalogen an­­­ge­­­gebenen unteren Schätzwert, er kann aber in Ausnahmefällen auch darüber liegen.

Echtheitsgarantie Die Schätzung, fachliche Bestimmung und Beschreibung der Kunst­objekte erfolgt durch Experten des Auktions­ hauses. Das Auktionshaus steht innerhalb von drei Jahren gegenüber dem Käufer für die Echtheit und somit dafür ein, dass ein Kunstobjekt tatsächlich von dem im Katalog genannten Künstler stammt.

Katalogangaben Angaben über Technik, Signatur, Material, Zustand, Provenienz, Epoche der Entstehung usw. beruhen auf aktuellen wissenschaftlichen Erkenntnissen, die die Experten ausgeforscht haben. Das Auktionshaus leistet jedoch für die Richtigkeit dieser Angaben keine Gewähr.

Versicherung Die Kunstobjekte sind versichert. Versicherungswert ist der Kaufpreis. Die Haftung des Auktionshauses besteht bis zu dem auf die Auktion folgenden 8. Tag. Danach ist ein Kunstobjekt nur versichert, wenn der Käufer dies dem Auktionshaus aufgetragen hat.

Ausrufpreis und Zuschlag Der Ausrufpreis wird vom Auktionator festgesetzt.

Gesteigert wird um ca. 10 % des Ausrufpreises bzw. vom letzten Angebot ausgehend. Den Zuschlag erhält der Meistbietende, sofern der Mindestverkaufspreis erreicht ist. Der Käufer hat den Kaufpreis binnen 8 Tagen nach dem Zuschlag zu bezahlen.

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Kaufpreis Bei Kunstobjekten, die der Differenzbesteuerung unterliegen, besteht der Kaufpreis aus dem Meistbot zuzüglich der Käuferprovision von 28 %. Bei Kunstobjekten, die der Normalbesteuerung (mit ▲ gekennzeichnet) unterliegen, besteht der Kaufpreis aus dem Meistbot zuzüglich der Käuferprovision von 24 % und zuzüglich der Umsatzsteuer (13 % bei Bildern, 20 % bei Antiquitäten).

Bei  500.000 übersteigenden Meistboten wird eine Käuferprovision von 20 % (Differenzbesteuerung) bzw.

17 % (Normalbesteuerung) für den  500.000 übersteigenden Betrag verrechnet.

Folgerecht Bei Kunstobjekten, die im Katalog mit einem * gekennzeichnet sind, wird zusätzlich zum Kaufpreis die Folgerechtsabgabe verrechnet. Sie beträgt 4 % von den ersten  50.000 des Meistbotes, 3 % von den weiteren  150.000, 1 % von den weiteren  150.000, 0,5 % von den weiteren  150.000 und 0,25 % von allen weiteren, also  500.000 übersteigenden Meistboten, jedoch insgesamt nicht mehr als  12.500. Bei Meistboten von weniger als  2.500 entfällt die Folgerechtsabgabe.

Kaufaufträge Interessenten können auch schriftliche Kaufaufträge ab­geben oder telefonisch mitbieten oder den Sensal mit dem Mitbieten beauftragen. Dafür muss dem Auktionshaus zeitgerecht das unterfertigte, dem Katalog beiliegende Kaufauftragsformular übersandt worden sein.

Telefonische Gebote Das Auktionshaus wird unter der ihm bekanntgegebenen Nummer eine Verbindung herzustellen trachten. Für das Zustandekommen einer Verbindung übernimmt das Auktionshaus keine Haftung.

Online Bidding Interessenten können an Auktionen auch über das Internet teilnehmen. Die Bestimmungen über die unmittelbare Teilnahme an Auktionsveranstaltungen gelten hierfür sinngemäß. Für das Zustandekommen einer Internetverbindung übernimmt das Auktionshaus keine Haftung.

Gerichtsstand, Rechtswahl Die zwischen allen an der Auktion Beteiligten bestehenden Rechtsbeziehungen unterliegen österreichischem materiellem Recht. Als Gerichtsstand wird das für den 1. Wiener Gemeindebezirk örtlich zuständige Gericht vereinbart.

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Fees for buyers

Fees for sellers

Effective November 1st, 2019

Buyer’s commission Subject to differential taxation 28% of the hammer price up to and including an amount of  500.000, 20% of any amount in excess of  500.000 of the hammer price. These rates include 20% VAT. Subject to normal taxation (marked with ▲) 24% of the hammer price up to and including an amount of  500.000, 17% of any amount in excess of  500.000 of the hammer price. These rates exclude 13% VAT with paintings and 20% VAT with antiques.

If the works of art are transported to non-EU countries and export papers are provided, the purchase is VAT-exempt.

Buyer’s Commission on bids below the reserve after the auction (post-auction sale) For bids below the reserve price the buyer’s commission is 30%.

Seller’s commission for a reserve price: up to  5.000: 25% above  5.000: 15% value added tax included for high-value art pieces by agreement Catalogue fees for images Minimum price:  100 Half-page image:  200 Full-page image:  300 Double-page spread:  600 Cover:  900 Insurance All items accepted for auction shall be insured against the risk of loss and damage up to the due date of the purchase price. Unsold items are only insured if there is an order. Costs are covered by the seller.

Droit de suite Objects marked with an asterisk * in the catalogue are subject to droit de suite in addition to the purchase price.

Droit de suite is calculated as a percentage of the highest bid as follows: 4% of the first  50.000, 3% of the next  150.000, 1% of the next  150.000, 0.5% of the next  150.000 and 0.25% of the remaining amount (i.e. over  500.000), but not exceeding a total sum of  12.500.

Droit de suite does not apply to highest bids below  2.500.

Storage fees for unsold items Unsold items are offered in the post-auction sale for four weeks after the auction. Two weeks after the end of the post-auction sale, the items can be relocated and stored to a forwarding company unless there is no other agreement made. The seller has to carry the costs and risks.

Collection of Items bought at auction Items which have not been collected within 4 weeks after the auction are stored at the expense and risk of the buyer, even outside our business premises, without insurance.

Catalogue subscription Annual subscription (including shipping costs): Austria  115 Europe  130 Overseas  200

Advance payment interest 12% per annum

Interest on late payments * 12% per annum from the purchase price (from the 9th day after the auction) Insurance All art objects are insured. The insurance value is the arithmetic average of the two estimates. The responsibility of the Auction House lasts until the eighth day after the auction. After that, each art object is only insured if the purchaser is not in delay.

Broker fee 1,2% of the hammer price * Applied from the 9th day after the auction for nationals, from the 31st day for buyers from outside.

Packaging, shipping and insurance of auctioned objects only take place upon the buyer’s request and at his expense at risk.

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Gebühren für Käufer

Gebühren für Verkäufer

Gültig ab 1. November 2019

Käuferprovision Bei Differenzbesteuerung bis  500.000 28 % vom Meistbot, für den  500.000 übersteigenden Betrag 20 % vom Meistbot.

Im Aufgeld ist eine 20 %ige Umsatzsteuer enthalten.

Bei Normalbesteuerung (mit ▲ gekennzeichnet) bis  500.000 24 % vom Meistbot, für den  500.000 übersteigenden Betrag 17 % vom Meistbot. zuzüglich 13 % Umsatzsteuer bei Gemälden und 20 % bei Antiquitäten.

Werden die Kunstwerke ins Nicht-EU Ausland verbracht und Exportpapiere werden vorgelegt, ist der Kauf umsatzsteuerfrei.

Käuferprovision für Untergebote nach der Auktion (Nachverkauf) Bei Geboten unter dem Mindestverkaufspreis (Limit) beträgt die Provision 30 % des Untergebots.

Verkäuferprovision Bei einem Mindestverkaufspreis bis  5.000 25 % über  5.000 15 % inkl. USt bei teureren Kunstobjekten jeweils nach Vereinbarung Katalogkostenbeiträge für Abbildungen Mindestpreis  100 für halbe Seite  200 für ganzseitige Abbildung  300 für doppelseitige Abbildung  600 für Klappe  900 Versicherung Sämtliche zur Auktion übergebenen Gegenstände sind bis zum Zeitpunkt der Fälligkeit des Kaufpreises gegen die Gefahr des Verlustes und der Beschädigung versichert. Unverkaufte Objekte werden nur auf Anweisung und Kosten des Verkäufers versichert.

Folgerecht Bei Kunstobjekten, die im Katalog mit einem * gekennzeichnet sind, wird zusätzlich zum Kaufpreis die Folge­ rechtsabgabe verrechnet. Sie beträgt 4 % von den ersten  50.000 des Meistbotes, 3 % von den weiteren  150.000, 1 % von den weiteren  150.000 und 0,25 % von allen weiteren, also  500.000 übersteigenden Meistboten, jedoch insgesamt nicht mehr als  12.500. bei Meistboten von weniger als  2.500 entfällt die Folgerechtsabgabe.

Lagerkosten für unverkaufte Kunstwerke In der Auktion nicht verkaufte Objekte bleiben vier Wochen im Nachverkauf. Zwei Wochen nach dieser Nachverkaufsfrist werden sie, sofern nichts anderes vereinbart wurde, auf Kosten und Gefahr des Verkäufers ausgelagert.

Gekaufte aber nicht abgeholte Kunstwerke werden vier Wochen nach der Auktion auf Gefahr und Kosten des Käufers, unversichert, eingelagert oder an eine Spedition ausgelagert.

Katalogabonnement Jahres-Gesamt-Abonnement (inkl. Versandkosten) Österreich  115 Europa  130 Übersee  200

Vorschusszinsen 12 % pro Jahr

Verzugszinsen * 12 % pro Jahr des Meistbotes (ab dem 9. Tag nach der Auktion).

Versicherung Die Kunstobjekte sind versichert. Versicherungswert ist das Mittel aus unterem und oberem Schätzwert. Die Haftung des Auktionshauses besteht bis zu dem auf die Auktion folgenden 8. Tag. Danach ist ein Kunstobjekt nur versichert, wenn der Käufer mit der Zahlung und Abholung nicht im Verzug ist.

Sensalgebühr 1,2 % vom Meistbot * Verrechnung ab dem 9. Tag nach der Auktion für Inländer, ab dem 31. Tag für Ausländer.

Die Verpackung, Versendung und Versicherung ersteigerter Objekte erfolgt nur auf Anweisung des Käufers und auf seine Kosten und Gefahr.

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Ihr Team

Gesellschafter

Mag. Christoph la Garde T +43 1 532 42 00 lagarde@imkinsky.com Geschäftsführender Gesellschafter, Experte für Zeitgenössische Kunst

Michael Kovacek T +43 1 532 42 00 Gesellschafter & Gründungsmitglied Gerichtlich zertifizierter Sachverständiger, Experte für Möbel, Glas, Antiquitäten, Gemälde des 19./20. Jh.

Dr. Ernst Ploil T +43 1 532 42 00 Gesellschafter & Gründungsmitglied Gerichtlich zertifizierter Sachverständiger, Experte für Jugendstil & Design, Wiener Werkstätte & Lötz Glas

ExpertInnen

Mag. Kareen M. Schmid T +43 1 532 42 00-20 schmid@imkinsky.com Alte Meister

Mag. Monika Schweighofer T +43 1 532 42 00-10 schweighofer@imkinsky.com Gemälde des 19. Jh.

Mag. Astrid Pfeiffer T +43 1 532 42 00-13 pfeiffer@imkinsky.com Zeitgenössische Kunst

Mag. Claudia Mörth-Gasser T +43 1 532 42 00-14 moerth-gasser@imkinsky.com Klassische Moderne

Eva Gruber-Letz, BA MA T +43 1 532 42 00-15 gruber-letz@imkinsky.com Antiquitäten

Anja Wolf, BA MA T +43 1 532 42 00-66 wolf@imkinsky.com Junior Expert Jugendstil & Design

Prof. Kristian Scheed T +43 1 532 42 00 Uhren

Prof. Peter Baum M +43 676 351 66 59 Kunst 20. Jh.

Dr. Hansjörg Krug T +43 1 512 18 01 Alte Grafik, Zeichnungen und Bücher

Expertenassistenz

Jasmin Panagl, MA T +43 1 532 42 00-28 panagl@imkinsky.com Alte Meister, Gemälde des 19. Jh.

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Sabine Hofer T +43 1 532 42 00-19 hofer@imkinsky.com Antiquitäten, Jugendstil & Design

Timea Pinter, MA T +43 1 532 42 00-41 pinter@imkinsky.com Zeitgenössische Kunst

Barbara Berger, BA T +43 1 532 42 00-43 berger@imkinsky.com Klassische Moderne

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Sensal

Repräsentanz

Client Advisor

Monika Uzman T +43 1 532 42 00-22 Außerhalb der Öffnungszeiten: M +43 664 421 34 59 monika.uzman@gmail.com Sensalin

Westösterreich & Südtirol Dr. Marianne Hussl-Hörmann T +43 1 532 42 00-27 M +43 699 172 92 313 hussl-hoermann@imkinsky.com Alle Sparten (Schwerpunkte 19. Jh., Klassische Moderne), Presse, im Kinsky editionen, Private Sale

Steiermark & Kärnten Mag. Elisabeth Skofitsch-Haas M +43 676 450 67 50 skofitsch@imkinsky.com im Kinsky Graz A-8010 Graz, Kaiser Josef Platz 5 / Eingang Ecke Mandellstrasse Alle Sparten

Nadine Kraus-Drasche, BA MA T +43 1 532 42 00-47 M +43 664 213 33 68 kraus-drasche@imkinsky.com Client Advisor

Katharina Koja, BA T +43 1 532 42 00-11 koja@imkinsky.com Veranstaltungen, Projektmanagement & Kundenbetreuung

Mag. Valerie Gaber, BA T +43 1 532 42 00-24 gaber@imkinsky.com Online Content & Kundenbetreuung

Mag. phil. Attila Hollosy-Gecseg T +43 1 532 42 00-48 hollosy@imkinsky.com Administration & Kundenbetreuung

Service

Elena Wenzel-Hirsch T +43 1 532 42 00-31 wenzel@imkinsky.com Assistenz des Geschäftsführers & Kundenbetreuung

Barbara Passauer T +43 1 532 42 00-16 passauer@imkinsky.com Buchhaltung & Kaufmännische Administration

Logistik

Robert Mayr T +43 1 532 42 00-18 r.mayr@imkinsky.com Logistik & Transport

Thomas Cerny T +43 1 532 42 00-36 cerny@imkinsky.com Logistik

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Palais Kinsky, 1010 Wien, Freyung 4 office@imkinsky.com

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Ernst Ploil | Toby Sharp Wien 2017, 240 S., € 69,—

Ernst Ploil Wien 2014, 195 S., € 69,—

Andrea Winklbauer, unter Mitarbeit von Marianne Hussl-Hörmann Wien 2016, 304 S., € 69,—

Gabriele Spindler, Andreas Strohhammer Wien 2012, 256 Seiten, € 69,—

Marianne Hussl-Hörmann, mit Beiträgen von Herbert Giese, Sabine Grabner, Johann Kräftner Wien 2011, 200 Seiten, € 59,—

Marianne Hussl-Hörmann, mit Beiträgen von Manfried und Marianne Rauchensteiner, Matthias Boeckl Wien 2013, 356 S., € 69,—

Von sehr vielen bedeutenden österreichischen Künstlern gibt es keine – oder zumindest keine aktuellen – Mono­­ graphien und Werkverzeichnisse. Mit der Gründung der im Kinsky editionen haben wir daher als erste private Institution in Österreich im Jahr 2011 damit begonnen, diese Lücke zu füllen.

Bestellung office@imkinsky.com, T +43 1 532 42 00, www.imkinsky.com Michael Krapf Wien 2014, 326 S., € 39,90,—

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AUKTIONSKALENDER 2020 4. März

KLASSISCHE MODERNE ZEITGENÖSSISCHE KUNST

21. & 22. April

ALTE MEISTER GEMÄLDE DES 19. JAHRHUNDERTS ANTIQUITÄTEN

23. & 24. Juni

KLASSISCHE MODERNE ZEITGENÖSSISCHE KUNST JUGENDSTIL & DESIGN

Wir freuen uns, Ihre Kunstwerke bis 7 Wochen vor dem jeweiligen Auktionstermin zu über­nehmen.

We are delighted to consign your art works until 7 weeks before the auction takes place. office@imkinsky.com, T +43 1 532 42 00

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Friedensreich Hundertwasser Kat. Nr. 787

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Bitte beachten Sie, dass es nach Druck des Katalogs zu Änderungen oder Ergänzungen kommen kann.

Eine Liste solcher Änderungen finden Sie auf unserer Webseite oder in unseren Geschäftsräumen.

Please note that there may be changes or additions after printing the catalogue.

A list of such changes can be found on our website or in our business premises.

„Auktionshaus im Kinsky ist Partner von Art Loss Register. Sämtliche Gegenstände in diesem Katalog, sofern sie ein­deutig identifizierbar sind und einen Schätzwert von mind. EUR 5.000 haben, wurden vor der Versteigerung mit dem Datenbankbestand des Registers individuell abgeglichen.“ “Auktionshaus im Kinsky is a member of the Art Loss Register. All works in this catalogue, as far as they are uniquely ­identifiable and have an ­estimate of at least EUR 5,000 have been checked against the database of the Register prior to the auction.”

Eigentümer, Herausgeber und Verleger: Auktionshaus im Kinsky GmbH, Palais Kinsky, 1010 Wien, Freyung 4, FN 34302 w Handelsgericht Wien, UID Nr. ATU 37293905.

Für den Inhalt verantwortlich: Mag. Christoph la Garde, 1010 Wien, Freyung 4, T +43 1 532 42 00, F +43 1 532 42 00-9, office@imkinsky.com.

Digitalfotografie, Satz, Druck, Bindung: Print Alliance HAV Produktions GmbH, A-2540 Bad Vöslau, Druckhausstraße 1, T +43/2252/402-0, office@printalliance.at, www.printalliance.at Grafik Design: Alexander Rendi, Mitarbeit Eugen Lejeune

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Josef Mikl (Detail) Kat. Nr. 772

Zeitgenössische Kunst Contemporary Art

Adrian, Marc ® 505–508 Anzinger, Siegfried ® 542 Astuy, Christy ® 518 Attersee, Christian Ludwig ® 509 Avramidis, Joannis ® 740 Bertlmann, Renate ® 510, 511 Bertoni, Wander ® 517 Bischoffshausen, Hans ® 703–717 Bohatsch, Erwin ® 504, 557 Bottoli, Oskar ® 519 Brandl, Herbert ® 725 Brus, Günter ® 580 Casselman, Stanley W. ® 752 Christo, Javacheff ® 579 Dalpra, Mario ® 524, 543, 737 Damisch, Gunter ® 521–523, 723, 724, 771 Dubuffet, Jean ® 691 Eckert, Walter ® 668 Eisenberger, Christian ® 581–583 Eisler, Georg ® 537 Fleck, Karl Anton ® 532, 533 Francis, Sam ® 753 Frieberger, Padhi ® 584 Frohner, Adolf ® 526–530, 592 Fuchs, Ernst ® 587–591 Gangl, Harald ® 672 Gasteiger, Jakob ® 677 Gironcoli, Bruno ® 538–541, 776 Goeschl, Roland ® 586, 747 Grabmayr, Franz ® 562, 565, 566 Graf, Franz ® 544, 545 Hammerstiel, Robert ® 572 Haring, Keith ® 765, 769 Hartung, Hans ® 742 Hausner, Rudolf ® 596 Hausner, Xenia ® 780–782 Herzig, Wolfgang ® 598, 599 Hessing, Gustav ® 678 Holdhaus, Rudi ® 605 Hollegha, Wolfgang ® 603, 720 Holzinger, Andrea ® 548 Hrdlicka, Alfred ® 693, 741

Hundertwasser, Friedensreich ® 567–569, 787 Jesse, Joanna ® 670 Joos, Hildegard ® 554, 555 Jungwirth, Martha ® 718, 783–785 Kaiser, Eva ® 553 Katol, Guido ® 679, 680 Kedl, Rudolf ® 746 Klinkan, Alfred ® 560, 681 Kogelnik, Kiki ® 689 Komad, Zenita ® 549, 585 Korab, Karl ® 682, 683, 684 Kornberger, Alfred ® 685–687 Krawagna, Peter ® 698, 699 Krawagna, Suse ® 621 Krystufek, Elke ® 520, 576 Kumpf, Gottfried ® 673 Lassnig, Maria ® 690, 692, 694, 697, 786 Leherb, Helmut ® 593–595 Lehmden, Anton ® 597 Leikauf, Andreas ® 551, 552 Maderthaner, Franziska ® 604, 726 Marquant, Peter ® 607–609 Meese, Jonathan ® 738 Mikl, Josef ® 515, 516, 600–602, 695, 696, 772 Mlenek, Hannes ® 578 Moser, Maria ® 667 Moser, Nikolaus ® 610–612 Muehl, Otto ® 615–619, 760–763 Muñoz, Juan ® 750 Muntean, Robert ® 577 Navratil, Walter ® 531 Newton, Helmut ® 766–768 Nitsch, Hermann ® 613, 614 Oberhuber, Oswald ® 663–666 Oman, Valentin ® 669 B., ONA ® 573 Oppenheim, Meret ® 570 Paladino, Mimmo ® 606 Penck, A. R. ® 755 Pichler, Walter ® 512–514

Piene, Otto ® 743 Polanszky, Rudolf ® 757–759 Prachensky, Markus ® 536, 654–657 Prantl, Karl ® 739 Rainer, Arnulf ® 501–503, 580, 701, 702, 774, 775 Regl, Bianca ® 728–730 Reinhold, Thomas ® 676 Riccelli, Lucia ® 675 Riess, Thomas ® 550 Ringel, Franz ® 658–662 Rosa, Christian ® 754 Ruthner, Alex ® 620 Schauer, Gernot ® 547 Scheibl, Hubert ® 751 Schmalix, Hubert ® 525, 564 Schmögner, Walter ® 721, 722 Schnekenburger, Ramona ® 732 Schnur, Martin ® 727 Sengl, Deborah ® 574 Stangl, Heinz ® 534, 535 Staudacher, Hans ® 622–653, 700, 719 Stenvert, Curt ® 674 Stifter, Wolfgang ® 733 Stocker, Esther ® 736 Sturm, Judith ® 731 Szilit, Jeanne ® 546 Tàpies, Antoni ® 744, 745 Taupe, Johann Julian ® 571 Torschenko, Igor ® 559 Uecker, Günther ® 756 Urteil, Andreas ® 563 van Lieshout, Atelier ® 734 Vopava, Walter ® 556 Walla, August ® 575 Waltinger, Ty ® 735 Warhol, Andy ® 764, 770 Weiler, Max ® 561, 777–779 Weissenbacher, Sebastian ® 671 West, Franz ® 725, 773 Wurm, Erwin ® 748, 749 Zechyr, Othmar ® 688 Zens, Herwig ® 558

Juan Muñoz, Chino mirándose en espejo redondo, 1999, 142 x 48 x 43 cm, Kat. Nr. 750, € 300.000–500.000

Günther Uecker, Lichtscheibe, 1967, Kat. Nr. 756, € 250.000–400.000

Juan Muñoz, Chino mirándose en espejo redondo, 1999, 142 x 48 x 43 cm, Kat. Nr. 750, € 300.000–500.000

Günther Uecker, Lichtscheibe, 1967, Kat. Nr. 756, € 250.000–400.000

ZEITGENÖSSISCHE KUNS T

4. DE ZEMBER 2019

4 DECEMBER 2019

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CONTEMPORARY ART ZEITGENÖSSISCHE KUNST

4. DEZEMBER 2019