KAMERA MAGAZINE Nº 3

FOTO RAUL BARTOLOMÉ

KAMERA MAGAZINE Nº 3

©de la edición: BlackKamera© ©de los textos: los autores. ©de las fotografías: los autores.

FOTO: MATÍAS COSTA

Edita: Blackkamera, Escuela de Fotografía de Bilbao. www.blackkamera.com Director: Josu Zaldibar. www.josuzaldibar.com Entrevistas: David Tijero. www.davidtijeroosorio.com Diseño: Mer Guevara, Océano Gráfico Diseño. www.oceanografico.info

Josu Zaldibar

DIRECTOR DE BLACKKAMERA, ESCUELA DE FOTOGRAFÍA DE BILBAO

Han pasado 10 años desde que el 31 de Marzo del 2012 el proyecto educativo de Blackkamera se pusiese en marcha. Nunca pensamos llegar tan lejos con tanto alumnado y rodeado de una impresionante nómina de profesionales. El tiempo ha confirmado que las ideas se construyen cuando el apoyo es solido. Todo el esfuerzo ha merecido la pena. Sabemos que hay mucho que mejorar y que un proyecto como Blackkamera no es sencillo mantenerlo durante tantos años en situaciones tan complejas. La motivación y el entusiasmo mostrado por todo el equipo ha permitido cumplir nuestros sueños. Hemos realizado cursos, talleres, Masterclass, talleres europeos, visitas guiadas, colaboraciones con instituciones y agentes culturales, Basquedokfestival, Kamera Magazine, e infinidad de iniciativas que han dado respuesta al interés mostrado por casi 4000 alumnos/as que han pasado por nuestras aulas.

A todo el alumnado de la Universidad del Pais Vasco que hemos formado. A las empresas que han confiado en nuestros profesionales para reforzar sus departamentos de comunicación.

Felicitar a todos/as por tantos años de compromiso.

A nuestras colaboradoras, Laura Guerrero, Ana Ruiz y Maite Vicente. Al profesorado que está y a las/os que han participado durante estos 10 años, Ixone Sadaba, Begoña Zubero, Erika Barahona, David Hornback, Jon Rodriguez, Rafa Badia, Maied Urrutia, Nere Falagan, Fabro Tranchida, Nick Turpin, Daniel Ocho de Olza, Gonzalo Golpe, Claudia Rodriguez, Elssie Ansareo, Javier Landeras, Lua Ribeira, Sofia Moro, Adrian del Hierro, Vicente Nadal, Anna Surinyach, Asier Gomez, Iñaki Andrés, Santiago Yaniz, Andoni Canela, Helena Velez, Judith Prat, Ofelia y Zorita, Hugo Rodriguez, Pedro Ribero, Silvia Omedes, Lara Izagirre, Jose Bautista, Manu Brabo, Jose Colón, Piko Zulueta, Tino Soriano, Miguel Oriola, Nuria Lopez Torres, Rafael Roa, Jose Manuel Navia, Gueorgui Pinkhassov, Marc Javierre, Aitor López de Audicana, Stuart Franklin, Maysun, David Gaberle, Laia Abril, Tanit Plana, Susan Meiselas, Laura Silleras, Alfons Rodriguez, Joan Roig, Ahmed Najm, Matt Stuart, Cristobal Hara, Bieke Depoorter, Darcy Padilla, Carol Körting, Martin Webber, Daro Sulakauri, David Viñuales, David Gibson, Mikel Ayestaran, Santi Palacios, Andoni Luibaki, Alessandra Sanguinetti, Diego Ibarra, Moises Samán, Cristina de Middel, Pep Bonet, Roberto Aguirrezabala, Irene Zottola, Ximena Echague, Ana Palacios, Nagore Esquisabel.

A nuestros patrocinadores, amigos/as y colaboradores, Canon España, Fotosamar, Hotel Miró, BMW Enekuri, Cafés Baque, UPV/EHU, La Salve, Grupo Iruña, Getxophoto, Basquedokfestival, Foc, Tania Castro, David Tijero, Koldo Badillo, Mer Guevara, Cesar Ochoa (Dpto educación Museo BBAA Bilbao), Tabakalera, Photomuseum Zarautz, Librería La Saturnina, Librería Cámara, Aiaraldea, Binke, Bilbao Formación, Daniel Sastre.

Y sobre todo a Reyes Garcia por su apoyo absoluto sin la cual esto no hubiese sido posible.

ÍN DI CE

ENTREVISTAS

DAVID SALCEDO Encontrando una voz propia en lo cercano. 8 FABRO TRANCHIDA. El arte contemporáneo a examen. 14 JON URIARTE. La labor de comisariado en Getxophoto. 26 LA SATURNINA°.

Un refugio para las Artes y las Letras. 30 MIREN PASTOR. Reflexiones en el camino. 34 NEREA GARAIZAR. Documentando el momento más mágico de la vida. 42

PROFESORADO DEL MÁSTER DE FOTOPERIODISMO Y NUEVOS DOCUMENTALISMOS CAROLE ALFARAH 56 MATÍAS COSTA 60 LORENA ROS 68 MAYSUN 72 GLORIA OYARZABAL 76

GANADOR Y FINALISTA DE LA BECA MÁSTER DE PR0YECTOS GANADOR: RAUL BARTOLOMÉSKY Butoh. Un baile más allá de la identidad. 84 FINALISTA JOHANNA HERNÁNDEZ. Blue print. 98

TRABAJOS DE MÁSTER DE PROYECTOS

JAVIER ALBARRÁN. Miedos. 108 JON ZABALLA. Oneiroi. 112 CLARA LÓPEZ. Izadia. 116 HUMBERTO BILBAO. Sudor y salitre. 120 JOSE MANUEL BERGANZA. Planeta barbarella. 124 LARA KAMINSKY Il vuoto dei fiori. 128 UXUE AZKARATE. Zuen arnasaren ondarea. El legado de vuestro respirar.132 ZOHARGI ROBLEDO Insomnio. 136

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David Salcedo.

Encontrando una voz propia en lo cercano.

El fotógrafo David Salcedo, una de los autores más prolíficos y con una visión más personal de la actualidad, compagina su actividad como creador visual con la docencia en sus diferentes talleres, auténticas experiencias catárticas para quienes participan en ellos. En esta entrevista hablamos sobre sus influencias e inquietudes dentro de la fotografía y cómo fue encontrando su lugar dentro de la creación visual.

Entrevista: David Tijero.

¿Cuáles fueron tus inicios en la fotografía, empezaron como una afición que fue derivando en algo más o hubo un momento crucial en el que decidiste que la misma iba a ser tu manera principal con la que expresarte?

Yo decidí salirme del Instituto. Lo que se enseñaba allí de una manera reglada no me convencía y desde entonces me he dedicado a leer, ver vídeos, documentales, a escuchar gente crítica con el mundo que habita y, en definitiva, a formarme por mi cuenta.

Fue al encontrar un par de fotografías de Ramón Masats lo que hizo que me decidiera a probar con ello. Vi lo que costaba vivir en Barcelona, lo que costaba formarse como fotógrafo y me puse a trabajar durante dos años para ello. Hice un módulo de FP de grado medio vinculado a la imagen y sonido y de ahí pasé al Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya donde pasé tres años en los que me “apretaron” muy bien. Cuando acabé en 2019, viendo cómo estaban las cosas a nivel económico, me tuve que poner a trabajar para, tiempo después, volver a ponerme a fotografiar y aprender algunas cosas desde cero, fotografiando en la calle. He aprendido mucho de los fotógrafos y profesores que he tenido a mi alrededor como Pep Mata, Rafa Badia o Antonio Molero. El momento crucial podría decirse que fue ver esas dos imágenes de Masats y luego me ha ayudado mucho ir aprendiendo de autores como Bernad Plossu, David Jiménez o Ricardo Cases.

Te atreverías a definir las principales características de tu fotografía en cuanto a temática y estilo?

Uno va poco a poco aprendiendo cosas de sí mismo y de su manera de trabajar. Sé que fotografío más en vertical porque es alejada del ser humano. Sé que también fotografío en vertical porque casi todo lo que tiene vida en este mundo es vertical. También fotografío

en vertical porque me gusta pensar que no fotografío, sino que hago retratos y la mayoría de ellos se hace, en vertical. En cuanto al estilo y temática.

Me he machacado mucho en calle y en la edición. Tanto la calle como la edición son importantes para que un fotógrafo se forje. Me ha servido para saber quién era yo y encontrar qué estaba buscando.

Y no era tanto buscar un silencio que fotografiar. No es tanto ver ese silencio en mis fotografías como la extracción de un sonido. Fue algo que pude confirmar con Matías Costa tras analizar mi obra. Esa inquietud probablemente viene de un periodo de mi vida cuando era pequeño en el que no escuchaba bien, algo que por fortuna he superado. En los últimos años han sido de búsqueda por saber quién soy era yo ante la imagen, porque creo importante eso de ser yo siempre y encontré ese nexo entre ese silencio que busco en mis fotos con mi pequeña historia personal. ¿Tienes referentes dentro de la fotografía que sientes que claramente han influido en tu obra? ¿Cuáles serían? ¿Alguna otra influencia en tu trabajo que viene de disciplinas ajenas a la fotografía?

PAG 10 I KAMERA MAGAZINE Nº 3 del pasado siglo, por esa forma de expresar tanto siempre de forma tan sencilla. Me parece enorme.

Alguien con quien tengo muchas referencias visuales, aunque no es fotógrafo, es Pedro Almodóvar, sobre todo por la simbología que emplea. También dentro del cine estaría Bigas Luna como un referente, también por el uso que hace de la simbología. Más nombres que me han influenciado, Fernando Trueba, David Trueba, José Luis Cuerda… también me siento influenciado por la literatura americana, sobre todo la sureña, con autores como William Faulkner y también por la irlandesa.

Los talleres y cursos son una parte importante de tu actividad profesional, ¿qué se encuentran los alumnos que participan en ella? ¿se basa en la revisión de porfolios o hay algo más?

Como he comentado anteriormente, Ramón Masats es una gran influencia.

He aprendido mucho de los silencios de Bernard Plossu, de la narrativa con imágenes de David Jiménez. Creo que los autores que más me han influenciado son aquellos que más se han dedicado al instante decisivo, como Lartigue, el verdadero padre del instante decisivo, aunque fuera CartierBresson quien más escribiera sobre el mismo. Robert Frank como el creador del instante interior o Ralph Gibson como el padre del instante que te lleva a otro mundo.

Tampoco quiero olvidar autores levantinos, que es de donde yo soy, ya que nací en Murcia y siempre he vivido en el Mediterráneo.

Fotógrafos como Txema Salvans o Ricardo Cases, que me encantan.

Fuera de la fotografía, es un referente Gloria Fuertes, para mí la mejor poeta española

No me gustan los talleres que se basen en revisiones de porfolio.

Quiero hacer talleres que obliguen al alumno a pensar que le ayude a crear narrativa y cultura fotográfica.

Obligo al alumno a pensar en torno a estos términos.

A aprender en “Con un 6 y un 4” que los retratos son más una metáfora, que están más cerca de lo representado que del acta notarial. Con el “144” pretendo enseñar que hay que poner el verbo pensar en cada acción fotográfica que realicemos, en el encuadre, en la toma, en la edición... En el “4 Laberintos 4” a pensar en narración, en “Composición con pasión” a entender que la base del lenguaje fotográfico es la composición. Que las imágenes se relacionan entre sí por su composición y que es lo que nos permite analizar una foto. Creo profundamente que la fotografía es un lenguaje, quizás, limitado, aunque yo no lo crea así, pues la fotografía se

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KAMERA MAGAZINE Nº 3 I PAG 13 basa mucho en la capacidad cultural y en los referentes que tenga quien la hace y en suma es un lenguaje que tienes que crear. Todos mis talleres son muy intensos porque obligan a pensar y trabajar. ¿Sueles encontrar algún patrón en los alumnos que participan en tus talleres? ¿Aprendes algo de ellos o la enseñanza va siempre en el sentido de profesor hacia alumnos?

No. La enseñanza es recíproca y lo que me encuentro en los talleres es sobre todo ganas de aprender, de tener la mente muy abierta y la intensidad que se crea es algo que engancha, que genera una motivación de salir a fotografiar y crear. ¿Tienes algún proyecto que estés desarrollando en la actualidad y del que nos puedas contar algo?

Actualmente estoy desarrollando dos. A partir del 20 de noviembre de 2020 empecé a dar paseos por mi pueblo para ver cómo se despertaba de la pandemia. Una vez pasado lo peor tras el confinamiento y cómo a partir de ahí despertaba el pueblo a pesar de los coletazos que hubo después. Salgo cada dos o tres días a fotografiar, lo que me ha generado un archivo muy grande sobre este proyecto que sigue abierto.

Tengo otro abierto de Barcelona, de Plaza Catalunya. Lo estoy haciendo allí porque es la ciudad grande que por cercanía me toca, en la que he vivido y en mis proyectos siempre han de tener un carácter personal.

Me gusta centrarme en lo cercano. No me gusta mucho viajar. Trata sobre ese peaje que se ha de pagar si se quiere entrar en una gran ciudad como Barcelona. Plaza Catalunya es una plaza muy dura y ya seas visitante, turista o alguien que llega con intención de vivir allí y aparece en Plaza Catalunya, se tiene que dejar algo allí. Es un

trabajo que estoy desarrollando con Leica que me deja una cámara para que haga el trabajo y lo continúe.

Este otoño impartirás un taller en Blackkamera, ¿qué podrá aprender quien se apunte al mismo? ¿qué ha de suceder en el mismo para que una vez finalizado te sientas satisfecho con el mismo?

Si bien antes he hablado de lo poco que me gusta los talleres basados en revisión de porfolios, sí habrá un visionado de porfolio, aunque será poco común. Otros han de presentar tu trabajo. Días antes de que comience el taller, los participantes enviarán las fotos y sin decir nada del trabajo y yo se lo reenviaré a otro participante, quien deberá encargarse de la presentación de dicho trabajo.

Será una forma de ver cómo otros ven tu trabajo lo que ayudará al fotógrafo a entender qué dicen sus fotos a los demás. El curso se llama “Un Círculo Mágico” el curso y me parece que va a ser un visionado de porfolios distinto.

Según lo que hemos podido saber, estás inmerso en la realización de un nuevo fotolibro, ¿puedes adelantarnos algo del mismo?

Lo puedo adelantar porque no es ningún secreto. El libro está basado en el concepto de díptico y parte de un trabajo con el que gané el Premio Nuevo Talento FNAC. Será un libro en el que se pueden ver las fotografías de forma individual y también ver las diferentes combinaciones que con ellas se pueden hacer. No es un libro al uso en el que yo muestre los dípticos sino ese momento tan intenso que viví mientras iba descubriendo dípticos diferentes a partir de ir buscando combinaciones entre las imágenes que conforman el libro. www.salcedofoto.com

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Fabro Tranchida.

El arte contemporáneo a examen.

Fabro Tranchida, destacado artista y gestor cultural, ha sido en este curso uno de los docentes con los que Blackkamera ha tenido la suerte de poder contar. En esta entrevista nos habla de los retos, alegrías y sinsabores que conlleva el trabajo de artista, de su proyecto Los Picoletos junto a Dante Latvik y de las grandes tendencias, debates y cuestionamientos por los que transita el arte contemporáneo.

Entrevista: David Tijero.

© Eneko Perez

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Para quien no te conozca, ¿quién es Fabro Tranchida y cómo empezó en el ámbito de la creación artística? ¿fue una vocación temprana?

Soy un artista nacido en Buenos Aires, ciudad en la que crecí y en la que me formé. Estudié Historia del Arte y Gestión Cultural en la Universidad Nacional Tres de Febrero, UNTREF. Desde un principio estuve involucrado en muchos proyectos en torno al arte contemporáneo, en general y sí, en realidad sí fue una vocación temprana. Mi primer acercamiento a lo artístico es con el dibujo y el cómic, desde muy pequeño y sin que nadie me lo indicara. Siempre estaba con un cuaderno. Ya siendo más grande me dediqué por un breve espacio de tiempo al teatro, aunque al poco me volqué de lleno al arte contemporáneo y es cuando empiezo a exponer en galerías y museos, en torno al año 2012. Mi primera exposición, que fue colectiva, tuvo lugar en una galería de Buenos Aires llamada Pasto.

A la par de mi formación, desde muy temprano, comencé con mi actividad

docente dando clases y seminarios tanto en el ámbito académico como en el educativo informal en el contexto de galerías de arte y otras fundaciones. Participé en distintas cátedras de Historia del Arte e incluso tuve mi propia cátedra en la Universidad de Ciencias Empresariales y Sociales, UCES. ¿Cuáles serían tus referentes principales? ¿Y las inquietudes principales que te impulsan a crear? ¿Han variados unos y otras con los años?

Actualmente estoy desarrollando dos.

Inevitablemente van variando. Hay ciertas inquietudes y temáticas que terminan ajustándose a un lenguaje que uno mismo desarrolla y que al final el público termina identificando como algo tuyo. Es algo que me sucede con el estilo que dibujo, que es muy reconocible. Tengo muchos referentes.

En el ámbito del arte, de la cultura desde una mirada política, Pier Paolo Paolini sería el principal, en su faceta como escritor, como poeta. Así se define en la última entrevista que le hicieron antes de ser asesinado.

PAG 16 I KAMERA MAGAZINE Nº 3 Escritor tal y como figura en su carnet de identidad. El imaginario de Pasolini me parece clave por tener esa cosa de releer un pasado antiguo, reelaborar esas tradiciones y decir algo nuevo. El mejor ejemplo es la Trilogía de la Vida en el que él toma antiguos textos como El Decameron de Bocaccio, Los Cuentos de Canterbury de Geoffrey Chaucer o Las Mil y Una Noches, que es un texto anónimo. Recupera esos textos, esos tiempos antiguos para reinterpretarlos como la libertad de los cuerpos en la década de los sesenta, algo de lo que más adelante abjura al darse cuenta de que todo este posicionamiento, que viene relacionado con el Mayo francés, ha sido una victoria del Capitalismo norteamericano por encima de los cuerpos de los jóvenes y es ahí cuando cambia de parecer y empieza otro proyecto que iba a ser la Trilogía de la Muerte, empezando con la película Saló o los 120 días de Sodoma, donde lo que él plantea en esa película es la corrupción de los cuerpos por parte del Capitalismo.

El imaginario de Pasolini me interesa mucho por esa representación de la juventud de los varones. Aunque yo me crié en Buenos Aires que es una gran ciudad, parte de mi adolescencia la pasé en un pueblo llamado Los Cardales y allí fue donde descubrí su poesía, sus ensayos y sus películas, sintiéndome muy identificado con todo ello. Es alguien que trabajó fuera de las artes plásticas durante prácticamente toda su carrera, pero es mi referente principal. En el ámbito estrictamente artístico, están Wolfgang Tillmans, Larry Clarke, con esa mirada íntima, cruda y sincera de esa biografía colectiva de los jóvenes y los contextos de la urbe. Raymond Pettibon por ese dibujo desenfadado, con espíritu adolescente, que es el encargado de darle vida a las portadas y carteles de conciertos de bandas míticas como Black Flag o Minuteman.

Del panorama argentino, Antonio Berni.

Un artista que tras un breve periplo en el París surrealista de la década del 30 termina adoptando las lógicas (o no lógicas) del movimiento para luego mutar y transformarse muchísimas veces, integrando en su lenguaje la pintura pero también la instalación, uno de los lenguajes, el de la instalación, que más me interesa en el arte.

Inquietudes, pues en mi obra individual, en principio yo tengo una investigación que tiene que ver con la representación de las identidades hegemónicas o no hegemónicas de la masculinidad y la representación de la juventud, algo que entronca con Pasolini.

La vida de esos muchachos con el rizo en la frente, que se visten de gala para el domingo de Pascua y luego se van con las chavalitas.

Esa vida ritual entre varones, que a mí tanto me interesa, también desde la literatura con, por ejemplo, todo el imaginario de Mark Twain en obras como Tom Sawyer o Huckleberry Finn en las que los protagonistas viven tantas aventuras hilarantes y muy contextuadas. Son temáticas que aparecen mucho en mi dibujo. En fotografía, la primera serie que hago tiene que ver más con la infancia que con la juventud y que son unas imágenes de figuritas de acción de Star Wars. Son fotografías digitales impresas en un soporte rígido recortado con formas extrañas y bajo metacrilato. Unas piezas muy trabajadas en el sentido formal. Esa obra quedó aislada, se vendió toda en su momento y al poco empecé a dedicarme más a ese tema de las amistades viriles, que es un poco el tema que venía trabajando. Es lo que me impulsa a crear a mí dentro de mi obra individual.

Con Los Picoletos básicamente lo que hacemos son investigaciones en torno a identidades juveniles disidentes, que están fuera de la ley y también fuera de los discursos políticamente correctos que hay hoy día. Entra la cultura Skater, la cultura

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Queer, la cultura de lo Punk, porque al final esas tres palabras resumen tres culturas underground que dialogan entre sí y a la vez se contradicen. El skate puede ser muy abierto y queer y a la vez muy machista y de masculinidad frágil y hegemónica. Lo mismo pasa con el Punk, movimiento en el que hay ámbitos de libertad que conviven con planteamientos más reaccionarios.

Los referentes varían con los años pues estamos conociendo de continuo nuevos artistas. Los mismos colegas artistas con lo que trabajamos en España u otros países pueden ser referentes. El cine quinqui también nos sirve de inspiración, siendo Eloy de la Iglesia un referente tanto cinematográfico como literario. En nuestra última exposición, Nudillos Rotos, junto con la colaboración de Niño de Elche, aparecen

todas estas temáticas que tienen que ver con lo juvenil y lo rebelde. Estamos buscando de continuo una materia poética en otros ámbitos fuera del arte visual que nos sirva a nosotros para crear.

Buena parte de tu trayectoria artística se ha desarrollado dentro del colectivo Los Picoletos junto con Dante Litvak, ¿cómo os conocisteis? ¿Pasó mucho tiempo hasta que decidisteis colaborar en un único proyecto?

A Dante le conocí en 2015 en Buenos Aires en un espacio que se llamaba la Ira de Dios, una lonja donde se alquilaban estudios para artistas. Yo tenía el mío en el piso de arriba y él en el de abajo y allí fue donde nos conocimos. Nos dimos cuenta de que

KAMERA MAGAZINE Nº 3 I PAG 19 los dos patinábamos, que nos gustaban los cómics y, de forma muy natural, empezamos a dibujar juntos simplemente por diversión. Más adelante, junto con otros artistas inauguramos un nuevo espacio que se llamó Desarmadero en el barrio de la Recoleta en Buenos Aires y que nosotros autogestionábamos. Allí hicimos nuestra primera exposición conjunta que sirvió para inaugurar el local en 2016. Aún no firmamos como Los Picoletos sino como Dante y Fabro, pero desde ese momento no hemos parado de hacer proyectos en común. Apenas nos conocimos comenzamos a trabajar juntos de una manera muy intuitiva. ¿Cómo es vuestro proceso de trabajo? ¿Contáis con unas inquietudes comunes a partir de las cuáles creáis vuestras obras? ¿Suelen cumplirse un mismo método o varía dependiendo cada proyecto?

Es 100% a cuatro manos. La forma más fácil de verlo es cuando trabajamos en pintura y dibujo de gran formato, literalmente, los dos dibujamos al unísono. O a veces hay proyectos pictóricos en el que uno empieza dibujando, el otro sigue y vamos completando la imagen de acuerdo con cómo responden las manos.

Cada proyecto que tenemos tiene que ver con una temática distinta y requiere de un método diferente. Hay un proyecto en el que investigamos la juventud punk vasca que iniciamos cuando llegamos a Bilbao en 2019 becados por BilbaoArte. El de Nudillos Rotos, es un proyecto que gira en torno al punk y el flamenco en el ámbito de los barrios bajos, porque la acción está registrada en una lonja fabril del barrio de Liniers, un barrio porteño donde el tango y ciertas costumbres están muy presentes. Entonces, son inquietudes diversas, compartimos ideas, nos juntamos y pensamos cosas. A veces, las ideas simplemente son imágenes que queremos

dibujar y otras veces las ideas tienen que ver con un recorrido e investigación que venimos haciendo.

En al ámbito de la performance el tema que abordamos es la precariedad laboral de los jóvenes en Europa. Hay una serie de tres performances Abanderados, Métodos de Cocción Precaria y ahora, vamos a presentar la tercera parte de esta trilogía que tiene que ver con la precariedad laboral y que se llama Una vita sottoterra en el festival Mercurio que se realiza en la ciudad italiana de Palermo.

Cada proyecto plantea retos y métodos distintos. Por ejemplo, en la exposición que he mencionado antes de Nudillos Rotos que hicimos en el Museo Patio Herreriano , por ejemplo, la principal lógica de esa exposición era la instalación, instalaciones que reproducían de algún modo la lonja fabril del barrio de Liniers. Una lonja que le pertenecía a mi abuelo y donde ahora mi padre trabaja.

Eran instalaciones realizadas con varillas de acero y fotografías que tomamos en Buenos Aires y que estaban impresas en un material textil que iban enganchadas en las estructuras de las instalaciones.

Vivimos en unos tiempos de cierta regresión en el que el debate público parece estar muy sujeto a la corrección política, con cíclicas polémicas, infladas en redes sociales, en torno a ciertos artistas, ¿es algo con lo que contáis a la hora de generar vuestro trabajo? ¿os imponéis algún tipo de autocensura o eso es algo que ni se os pasa por la cabeza?

No tratamos de crear polémica, si bien a la hora de investigar las identidades juveniles disidentes, también nos metemos mucho con la sexualidad y cómo hoy se consume la sexualidad como si fuera una serie de Netflix. Tenemos una relación con el cuerpo, con la desnudez muy amplia. Es algo que aparece mucho en nuestra obra y sucedió

PAG 20 I KAMERA MAGAZINE Nº 3 que muchos contenidos de nuestro perfil de Instagram de Los Picoletos fueron censurados, lo que nos llevó a decidir crear una cuenta de Only Fans en la que poder mostrar los trabajos censurados.

En un principio, Only Fans era una plataforma que estaba pensada para que artistas pudieran subir sus contenidos y el público accediera a ellos mediante una suscripción, pero que durante los meses de la pandemia empezó a utilizarse masivamente para subir contenido pornográfico. Vimos que nos empezó a seguir gente que esperaba ver solamente pornografía y eso fue algo que nos hizo pensar en cómo darle una vuelta al proyecto y lo pensamos desde un lugar que tiene que ver con la precariedad laboral.

Qué hace que tanta gente se abra un Only Fans. El dinero, un problema que agobia y para la que no hay una solución muy amplia al respecto. Hay mucha precariedad, sobre todo en los jóvenes. Veníamos investigando el trabajo de los riders de empresas que trabajan para plataformas de comida a domicilio. Vimos que la gran mayoría de los que trabajan para esas plataformas son chicos migrantes, igual que nosotros. Reparamos en que entre estos jóvenes que hacen estos repartos y el uso y consumo de Only Fans no hay mucha diferencia. Ambas cosas tienen que ver con el problema de la precariedad. Y es por ello por lo que adoptamos un carácter conceptual a ese uso que hacíamos de la plataforma para subir contenidos. Piezas de arte contemporáneo que gustan a algunos y que otros al verlo nos dejan de seguir por no ser lo que venían buscando.

Haremos algo en un futuro con todo ese contenido, aunque de momento no hemos pensado mucho en ello. Pero fuera de ello, no creo que haya ningún trabajoa que haya generado una amplia polémica. Pero bueno, supongo que ya nos tocará.

Estos discursos de lo políticamente correcto cada vez son más sofocantes y lejos de querer plantear un espacio de libertad para todos, hay una delgada línea entre lo que es correcto y lo que es abrasivo.

Y ahí está esa palabra que es el escándalo, que no está mal. Parafraseando a Pasolini, cuando le preguntaron y usted por qué quiere siempre escandalizar, respondió de manera muy inteligente que escandalizar debería ser un derecho y ser escandalizado debería ser un placer. Porque imagínate un mundo en el que no nos escandalizáramos por nada. Corre sangre por nuestras venas y si no vemos nada que nos escandalice, que nos parezca insólito, es que la vida es muy aburrida.

Distinguiría entre el artista que genera piezas específicamente y con el único afán de escandalizar de aquel que tiene su lenguaje, su recorrido y que de repente le sucede que la sociedad le sube el pulgar o le baja el pulgar y creo que eso le puede pasar a cualquier artista que tenga un camino hecho y mucha confianza en lo que hace y que no se autocensure. Lo peor que nos puede pasar como personas y artistas es autocensurarnos. Todos podemos disfrutar de todo y atravesar momentos distintos.

Tanto el deseo como el arte tienen caminos complejos y cambiantes.

Si bien la creación es el principal trabajo del artista, luego vienen otras tareas como conseguir visibilidad, acudir a ferias, presentarse a becas, vender obra… ¿es algo en lo que os sabéis desenvolver o contáis con algún tipo de ayuda externa?

Evidentemente para ser artista en este siglo veintiuno, también tienes que ser gestor, comunicador, experto en branding…, un licenciado en marketing, en suma. No

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recurrimos a nadie para que se encargue de todo ello. El diseño de la web, la comunicación, el branding y generar contenido en redes es un trabajo del que, dentro de Los Picoletos, me encargo yo.

Dante está más focalizado en la producción artística. Por mi formación en gestión cultual tengo herramientas que me permite cubrir esas necesidades que un artista hoy por hoy necesita saber. Confeccionar un dossier, maquetarlo, saber utilizar herramientas como Photoshop o In Design para ello. Cosas que en las carreras de Bellas Artes no se enseñan.

Gran parte de los artistas que integran hoy el panorama no tiene una formación clásica en el terreno de las Bellas Artes.

Más bien es todo lo contrario. De hecho,

existe un libro de ensayos de Boris Groys titulado “Volverse público”. Groys menciona en uno de estos textos que existe una suerte de profesionalización de la desprofesionalización del arte. A nadie se le ocurre interpretar como contemporáneo una producción hiperrealista o un trabajo plástico anatómicamente correcto, a menos que tenga una vuelta conceptual que lo haga contemporáneo. Al final, lo principal, lo que más necesita el artista para desenvolverse en el arte contemporáneo hoy en día es desarrollar un lenguaje propio, una identidad propia y confiar en eso, trabajar mucho, persistir y tener visión a largo plazo.

Ser artista hace treinta años creo que era mucho más fácil que hoy por esta competencia visual en la que vivimos, por

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esa necesidad de que si no estás en las redes sociales y no generas constantemente contenido es como si no existieras como artista. Es un debate abierto. Están los que generan mucho contenido como nosotros o los que están más tiempo centrados en producir la obra y ocupan menos tiempo en promocionarla. El tiempo que se emplea en viajar a ferias, preparar carpetas, generar dossiers, … al final, queda poco para producir obra.

Cuando comencé esta andadura en el mundo del arte en el 2010, no sabía desenvolverme en estas tareas y al final acabas aprendiendo con los golpes que te da la profesión, que es lo que consideramos que es el arte, un oficio. Toda esa parte de saber comunicar el proyecto es algo de lo que artistas de generaciones anteriores no tuvieron que ocuparse.

También es cierto que las redes sociales pueden servir para difundir tu obra e incluso venderla, algo que entra en contradicción con ese espíritu rebelde que se supone que es el arte contemporáneo.

El artista es ese que mira y analiza de forma crítica el tiempo que le ha tocado vivir y sentirse parte de ese mercado del arte genera una contradicción existencial, emocional e identitaria en el artista, hasta el punto de sentir que todo lo relacionado con el mercado es antiartístico.

Pero bueno, hay un poco de verdad y un poco de mito romántico, pues el arte nace en un principio como una expresión destinada a conectar a las personas con lo sacro, con lo fúnebre, pero con la experiencia renacentista y el nacimiento de una nueva clase social como es la burguesía, es cuando el arte se vuelve autónomo y se convierte en un bien de lujo. De por sí, el arte nace como un mercado. Andy Warhol lo entendía bien.

Sucede que hay artistas que crean una obra complaciente y sienten que se están vendiendo, pero creo que no hay que perder

KAMERA MAGAZINE Nº 3 I PAG 23 el foco, somos artistas, no revolucionarios, formamos parte de un mercado global, uno de los más elitistas que existen sobre la faz de la Tierra. Hay una gran contradicción ahí.

Yo no me posiciono ni en un lado ni en otro.

Podría decir que la propuesta de Los Picoletos tiene un carácter muy punk, pero incluso el punk es un invento del mercado. Hay mucha idealización de esa rebeldía que finalmente termina por convertirse en parte del mercado.

Sucedió con el urinario de Duchamp, ese objeto de la vida cotidiana que se muestra en el espacio expositivo y genera un sismo en la escena del arte contemporáneo. Duchamp otorga el poder a los artistas de convertir en arte cualquier cosa y eso es un acto de total rebeldía, pero automáticamente el urinario es fagocitado por el mercado y pasa a valer millones… ¿hay escapatoria?

Quizás los artistas visuales no deberíamos estar cuestionándonos de continuo y entender mejor el contexto en el que nos queremos mover, porque yo no sé si los escritores se plantean las banalidades y las contradicciones del mercado editorial a la hora de escribir, pero el artista contemporáneo está mucho tiempo pensando en eso, soy comercial, no soy comercial, no quiero ser comercial, pero de algo tengo que vivir… y ahí entra en escena el tema de la precariedad laboral. La gran mayoría de los artistas necesitan de otro trabajo extra para poder vivir. Poder vivir del arte es otro arte en sí.

Te atreverías a pronosticar hacia dónde se encaminan las principales temáticas de la creación artística, ¿ves en el panorama alguna tendencia mayoritaria? En cuanto a los soportes, ¿seguirá el auge de lo virtual frente a lo físico?

Las principales temáticas, hoy en día, coinciden con los principales temas socioculturales que están presentes y que aparecen cuando vemos televisión o redes. Los discursos presentes son

el postcolonialista, el discurso de la problemática y violencia hacia la inmigración en el contexto europeo, los derechos del colectivo de las mujeres, la mirada y discurso feminista y LGBTIQ… esas son las grandes temáticas y que tienen su reflejo en arte contemporáneo. Esos son los grandes temas. Son los disparadores la producción de muchos artistas. A partir de ellos van surgiendo diferentes subtemáticas. Por ejemplo, en Buenos Aires, había mucha producción de arte no figurativo relacionado con la naturaleza, con la vegetación. Son modas, tendencias que van apareciendo, pero para englobar todo ello, el gran tema de hoy es el colonialismo y el poscolonialismo de las hegemonías de todo tipo con respecto a los colectivos minoritarios.

El tema de la racialización, el tema de la explotación laboral, el tema de la discriminación LGBTIQ, la fuerza del discurso de la identidad Trans, las sexualidades y las políticas de género… Ese es el gran tema de hoy, el cual está trasladado y reproducido en el arte contemporáneo.

En cuanto a los soportes. Es inevitable pensar y sabernos en un contexto en el que la multiplicidad de imágenes nos agobia constantemente. Por lo que veo una tendencia a volver mucho a la mano de artista, a algo más físico. Por lo que puede ver en las últimas ferias a las que he acudido como la de Art Basel, sí hay una tendencia a que las obras tengan un peso, un aura, algo que con la virtualidad constante a la que estamos expuestos, se nos muestra muy atrofiada. Vuelvo a ver mucha pintura, algo curioso pues hace no muchos años se consideraba algo anticuado. Y ahora ha vuelto una pintura de forma salvaje, donde se mezclan óleos, aerógrafos y donde se hace una reinterpretación de la cultura del

PAG 24 I KAMERA MAGAZINE Nº 3 fanzine. Recuerdo haber visto también en Basilea una galería argentina de nombre Piedras, donde su propuesta va un poco por ahí, por lo pictórico. También dentro de lo hegemónico en cuanto a soportes están las instalaciones. La tipología instalativa es la principal en las ferias y exposiciones más importantes del mundo en la actualidad. Es algo innegable. Relacionado también con esa vuelta a esas prácticas antiguas, hay un auge del arte cerámico. En el contexto local, en Bilbao, hay infinidad de artistas que trabajan casi exclusivamente en el mismo. Es otra tendencia muy presente.

Dentro de la fotografía, el espacio de la fotografía en sí, autónoma, no se está viendo mucho. Sí, en cambio veo mucha fotografía en el contexto de la instalación, de la ambientación, del objeto… la fotografía hibridada o lo que se conoce como postfotografía. Ese el lugar donde la fotografía está haciendo más peso. No es que sea algo obsoleto, pues estos lenguajes conviven, ya que, hoy por hoy, todo es una foto. Pero sí existe cierto hastío o hartazgo con respecto a la imagen por estar tan presente y tan al alcance de todos. Quizás se perdió ese carácter arcano, mágico que tenía la fotografía. Es un medio que me sigue interesando mucho, pero la tendencia que veo es su uso como experiencias fotográficas hibridadas con otros lenguajes.

Esta entrevista la leerán muchos estudiantes de fotografía con inquietudes artísticas, ¿qué consejos les darías para poder sobrevivir en este tan difícil como apasionante mundo?

El principal consejo que un artista puede darle a otro que está empezando en este pedregoso camino del arte contemporáneo es, no desistir. No bajar los brazos. He conocido a excelentes artistas que, por lo duro que es este camino, se agobian, se

cansan de cómo funciona el sistema, un sistema en el que, como en cualquier otro, hay favoritismos, cosas que no son justas y es que es un campo más de la sociedad. Es como lo plantea Pierre Bourdieu. El campo tiene sus propios agentes y estos agentes interlegitiman el campo y hay veces que tu obra se legitima y otras que no y es algo que puede llegar a ser muy frustrante y que deja a muchos artistas por el camino, pues la vida te pasa por encima y has de trabajar en otra cosa a la par que intentas generar obra. Y puede suceder también que ganes una beca para exponer en un espacio, pero resulta que al final producir la obra, los precios de los traslados y tener que gestionar un montón de cosas termina siendo totalmente agotador y muchas veces es el artista quien acaba trabajando e invirtiendo más dinero que nadie. El campo del arte es un lugar donde hay muchos agentes que forman parte de este, pero que sin los artistas no existirían pues todos ellos giran en torno a él. Críticos, comisarios, galeristas, coleccionistas, historiadores… no tienen razón de ser sin el artista. Pero, curiosamente, el artista es el eslabón más débil de esa cadena, la clase obrera del mundo del arte siendo el arte un mundo de ricos. Es como la película Metropolis, en el que ves la ciudad perfecta funcionando en armonía y debajo está todo el pueblo en las minas de carbón haciendo que la ciudad funcione. Ese pueblo son los artistas.

Hay artistas ricos, sí, pero una minoría.

Lo que decía, la clave es persistir.

Tener fe y confianza. Has de tener una historia para contar y has de confiar en ella y también has de saber aislarte de distracciones y tener tiempo para experimentar.

En la experimentación surgen cosas que a veces por un vicio de un método que ya encontramos y nos resulta cómodo y es reconocible no avanzamos. Hay que

KAMERA MAGAZINE Nº 3 I PAG 25 experimentar y no hay que tener miedo a ser barroco. Esa es otra lucha que existe en el arte contemporáneo. Umberto Eco hablaba de los apocalípticos y los integrados. Hoy diría que la lucha es entre los barrocos y los minimal, o, mejor dicho, los barrocos y los despojados. Estas experiencias que son muy refinadas, muy equilibradas, con estas curadorías impolutas, donde nadie se mancha las manos. A veces, lo barroco es más difícil de digerir por aportar más informaciones y uno, como artista, tiende a no irse por ese lado porque quiere llegar a más publico, pero está bien dejarse llevar por el barroquismo, por el artificio, por el escándalo, por la exageración y ahí, poco a poco, vas encontrando tu camino.

Hay que aparcar esa idea de que el artista tiene una vida bohemia. Hay que ser muy disciplinado, tener un horario para trabajar en tu obra, un horario para buscar convocatorias en las que tu obra pueda tener cabida, tiempo para dedicarte a producir los dossiers que has de presentar a las convocatorias. Esa es una gran parte del trabajo de los artistas para poder llegar espacios donde exhibir tu obra. Todas son piezas necesarias del engranaje. Puede ser muchas veces frustrante. Puede que apliques a una, a dos, a seis becas y no te elijan en ninguna, pero antes o después, lo vas a lograr. Hay que intentarlo una y otra vez.

Puntualmente en el ámbito de la fotografía.

La fotografía es algo que está tan extendido que creo que hay que dejar de lado los purismos. Pensemos en la obra de Nan Goldin con esas cámaras cutres y mala iluminación y que, sin embargo, consiguió crear escuela. No hace falta tener el mejor equipo para ser el mejor fotógrafo.

Lo importante es tu ojo y qué quieres comunicar y está bueno experimentar con la fotografía digital, pero por qué no comprar una cámara analógica de segunda mano y

probar y meterte en el laboratorio a trabajar con los químicos o imprimir la fotografía e intervenirla. No hay que quedarse en los purismos de tener el mejor equipo.

La imagen que quieres generar siempre va a ser única por más que existan miles de millones de fotografías. Confía en eso y no te detengas en el camino.

Puedes apoyarte en los colegas. Aquí en Bilbao hay una gran comunidad artística, tanto locales como venidos de otros sitios, gracias a las becas residenciales de la fundación BilbaoArte. Muchos se terminan luego quedando a vivir en Bilbao por el contexto artístico que se fue generando y mucho de ese contexto es gracias a ese espacio. En suma, disciplina, madrugar y trabajar. Me pongo autoritario, pero es así. Hay que trabajar cada día en ello. Si eres dibujante, has de dibujar cada día y si eres fotógrafo, disparar, probar, imprimir, recortar, armar, pensar en series, en conceptos. Saber producir y editar. La postedición es muy importante. https://lospicoletos.com/

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Jon Uriarte.

La labor de comisariado en Getxophoto.

Las últimas tres ediciones del Festival Internacional de Imagen Getxophoto han contado con la colaboración de Jon Uriarte en tareas de comisario. Una intensa experiencia sobre la que nos habla en esta entrevista, así como de las tendencias imperantes en la creación artística por medio de la imagen.

Entrevista: David Tijero.

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¿Cuál sería el balance general de tu paso por Getxophoto tras tres años en labores de comisariado?

Entiendo que el balance de mi labor como comisario lo tendrán que hacer otras personas, pero mi experiencia trabajando en Getxophoto es, sin duda, positiva. Han sido tres años complejos por la incertidumbre y las condiciones que la pandemia ha impuesto, pero creo que hemos sabido salvar todos los obstáculos para seguir ofreciendo un festival interesante. Personalmente, han sido tres años de muchísimo aprendizaje, esfuerzo y trabajo en equipo con Begihaundi, la asociación que organiza el festival. A pesar de que conocía bien el festival, era la primera vez que tomaba las riendas de la programación de un evento de estas características tan concretas y estoy muy agradecido por la oportunidad, y contento y satisfecho con el resultado. ¿Cómo ha sido tu labor en el mismo? ¿has optado por una línea continuista de un festival ya consolidado o has intentado más bien dejar una impronta propia en las que han sido tus tareas dentro del mismo?

Hemos continuado con la mayoría de las iniciativas que el festival llevaba desarrollando antes de que yo llegara, como pueden ser la Encerrona o las convocatorias para la participación popular como la internacional entre otras muchas. Y al mismo tiempo hemos intentando sumar algunas nuevas como pueden ser MAPS, el encuentro de estudiantes de fotografía o la programación online, así como otras de carácter más interno o institucional como son la certificación Erronka Garbia del Gobierno Vasco que reconoce a aquellos eventos que integran medidas ambientales en el diseño y organización para minimizar los potenciales impactos negativos sobre el medio ambiente asociados a la celebración del mismo.

Tu paso por Getxophoto ha coincidido con una situación inédita de pandemia que ha trastocado prácticamente todo, convenciones sociales incluidas, ¿ha habido riesgo de que alguna de las ediciones hubiera quedado sin celebrarse? ¿ha quedado alguna actividad que tenías en mente sin organizarse debido a ello?

PAG 28 I KAMERA MAGAZINE Nº 3 El primero de los tres años fue el más complicado porque no sabíamos apenas nada sobre el Covid, y la incertidumbre dificultó mucho el trabajo. Aunque siempre tienes dudas y miedos, creo que entre todo el equipo nos mentalizamos de que había que sacar el festival adelante y así lo hicimos.

Durante los dos primeros años creo que todas las actividades se vieron afectadas, especialmente en la cuestión del aforo, pero no recuerdo que tuviésemos que cancelar ninguna estrictamente por la pandemia. Sí que hay varias actividades, proyectos e ideas que se han quedado en el tintero, pero no diría que exclusivamente por el Covid.

A la hora de montar una exposición, ¿cómo es la relación con el artista? ¿suelen tener una idea clara de cómo quieren que su trabajo se exponga? ¿se dejan asesorar? ¿cuál sería el papel del comisario en dicho proceso?

Cada caso es un mundo. Hay algunas personas que quieren estar muy involucradas en el proceso mientras que otras prefieren delegar. En el caso de Getxophoto, además se añade que los espacios son muy particulares. Apenas tenemos salas expositivas tradicionales en forma de cubo blanco, por lo que suele requerir de más intervención por mi parte para ayudarles a entender las particularidades de cada espacio y sus posibilidades. Además, la programación es bastante extensa, con unos 25 artistas aproximadamente, con la carga de trabajo que eso supone. Creo que es muy importante prestarle atención a cada una de las decisiones de cada una de las instalaciones pero al mismo tiempo, si alguna de las personas que participa en el programa quiere llevar a cabo su propuesta, estoy encantando de limitarme a supervisar y dar feedback sobre ella.

¿Cuál sería el objetivo último del festival? ¿Traer a grandes nombres, descubrir nuevos talentos, convertirse en punto de encuentro para aficionados y entusiastas o acercar al gran público obras que de otro modo difícilmente tendrían noticias de ellas?

Crear un tiempo y un espacio para que la gente de Getxo y de otros lugares se encuentren, compartan e imaginen juntas alrededor de la imagen. Creo que ese ejercicio incluye todas tus preguntas, ya que para ello queremos incluir tanto grandes nombres como recién llegados a la fotografía. Queremos explorar qué ofrece el mundo de la imagen en su rica diversidad tanto de públicos como de formas de hacer. ¿Qué conclusiones podrías sacar sobre los trabajos que han llegado al Festival de todas partes del mundo? ¿Denotas unas preocupaciones o inquietudes comunes en los artistas que se presentan? ¿Has echado de menos algún tipo de propuesta en cuanto a temática o soporte?

Es muy difícil hacer un balance porque en la convocatoria internacional llegan cientos de trabajos de todo el mundo. Sí que se puede detectar que las preocupaciones que están presentes en la sociedad, como puede ser la emergencia climática, se ven cada vez más reflejados en el trabajo, pero no sabría decir en qué proporción. También hay un interés importante por los cambios que el propio medio de la imagen está atravesando y las posibilidades que ofrece.

Esto son solo dos ejemplos, pero podría mencionar muchos más.

KAMERA MAGAZINE Nº 3 I PAG 29 ¿De qué forma impactará estos años inusuales que hemos vivido en la creación artística? ¿Serán una fuente de inspiración o más bien haremos todo los posible por olvidar un tiempo tan aciago y el arte que se produzca será muestra de ello?

La cultura y el arte están intrínsecamente relacionados con la experiencia, por lo que creo que es muy difícil que no haya un reflejo de las situaciones que estamos viviendo de una forma u otra. A partir de ahí, no tengo ni idea de qué forma se hará visible ese impacto.

Una de las facetas más interesantes del trabajo de comisariado es precisamente tratar de entender cuáles son las preocupaciones, intereses o necesidades de tu tiempo y qué puedes aportar para reflejarlas y reflexionar sobre ellas. Si fuera capaz de adivinarlas de antemano sería un trabajo muy aburrido.

Asistimos en los últimos tiempos una especie de universalización del acto de fotografiar o generar imágenes, pero probablemente no tanto el de saber mirar o interpretar dichas imágenes, ¿Es una responsabilidad adquirida por el festival paliar la falta de cultura visual del gran público?

En vez de una universalización o una democratización de la fotografía, yo hablaría de una liberalización. Ya que la base de su desarrollo tecnológico e industrial no ha sido un modelo democrático, sino productivo y político. Me parece importante hacer esa puntualización porque condiciona la forma en la que el medio se ha desarrollado, especialmente durante los últimos años. Las

prácticas de la imagen, al estar vinculadas necesariamente a la máquina, están intrínsecamente unidas a las posibilidades de esa máquina, que al mismo tiempo, se rigen por los intereses de quienes las producen. A partir de ahí, existen multitud de posibilidades que van desde seguir a rajatabla su programa o ahondar en sus grietas.

El hecho de que hoy la inmensa mayoría de la gente tenga teléfonos móviles con cámaras y que haga videos y fotografías constantemente, no implica que se cuestionen cómo opera el medio. Pero mi experiencia me ha enseñado que los profesionales del medio en muchas ocasiones tampoco han realizado una reflexión profunda sobre el impacto que tiene la práctica que desempeñan. Cuando las personas que trabajamos en el mundo de la imagen pedimos más cultura visual, una petición a la que Getxophoto se une sin ninguna duda, esa exigencia no se tiene que detener en la visión modernista de la imagen.

Ya no se trata de saber leer una imagen en su faceta como herramienta de representación, es fundamental también analizar y cuestionar cuál es su papel en la sociedad y cuáles son los elementos que la construyen como imagen en red. http://www.jonuriarte.es https://www.getxophoto.com/

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La Saturnina°.

Un refugio para las Artes y las Letras.

Hace poco más de un año, abrió sus puertas en el barrio bilbaíno de Basurto la libreríataller La Saturnina°. Un local que se ha convertido en un punto de referencia para todos los aficionados a la literatura, la fotografía y la creación artística en general.

Hablamos con su responsable, Vanesa Lara, de cómo echó a andar el proyecto y del pequeño milagro que supone sacar adelante una librería de barrio.

Entrevista: David Tijero.

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¿Quién está detrás de este proyecto de La Saturnina°?

Detrás de La Saturnina° estoy yo, Vanesa Lara.

Sobre mí puedo comentar que estudié Filología Románica y Literatura Comparada en Barcelona y aparte también me formé en Fotografía y Diseño Gráfico. Actualmente sigo con ambas facetas, la de fotografía y la de investigadora, buscando puntos de unión entre ambas.

Mi investigación trata sobre los paralelismos literarios en la obra de la fotógrafa Graciela Iturbide. Un trabajo que, creo, está desarrollándose bastante bien hasta ahora. A la par, en mi faceta como fotógrafa, trato de llevar todas esas investigaciones, todas esas lecturas, a mi terreno fotográfico, en el cual no sé si tengo un proyecto, pero sí sé que hago fotos con un hilo conductor.

Me he estado planteando lo del proyecto tras conseguir una beca en los Encuentros Fotográficos de Gijón, aunque proyecto es una palabra que siempre me cuestiono.

Mi trabajo no es algo cerrado que quiero terminar cuando lo imprima y se acabó. Mis fotografías y todo lo que hago forman parte de ese trabajo de investigación que llevo a cabo con la literatura y creo que, de alguna manera, todo ello casa.

Compaginando estas actividades que estoy comentando, decido abrir una librería, donde la literatura y la fotografía tienen un lugar especial, que es La Saturnina°.

Es un proyecto que sigue en proceso que poco a poco voy mejorando, descubriendo tranquilamente fotógrafos, fotógrafas, escritores y escritoras e incorporándolos a las estanterías. ¿Cómo surge la idea de iniciar una andadura de este tipo? ¿Se gestó durante el tiempo de pandemia o era ya algo pensado con anterioridad que se ha visto retrasado?

Es algo que ya había pensado con anterioridad. Me había inscrito en los cursos de emprendimiento del Ayuntamiento tras dejar el trabajo que tenía como docente para lanzarme de lleno a dar forma a esta

PAG 32 I KAMERA MAGAZINE Nº 3 idea que me rondaba. Fue entonces cuando nos confinaron por lo que tuve que hacer todos los cursos online. Fue durante ese confinamiento cuando fue fraguando un poco la idea del espacio que iba a abrir.

Sí que es verdad que en un principio no tenía en mente que fuera a ser una librería como tal sino que estuviera más dedicada a la fotografía, a la impresión, al papel o a proyectos artísticos, pero fue montándolo todo cuando encontré el local y, siguiendo mi instinto, pensé que debería ser librería junto con el pequeño taller de impresión y creación que tengo aquí.

La librería de momento se está llevando la mayor parte de mi tiempo, aunque la idea es que al final todo vaya fluyendo e ir dando salida a todo lo que en un principio tenía ideado. ¿Alguna historia interesante detrás de la elección del nombre?

No sé si puede resultar interesante.

El nombre viene por mi abuela, que se llamaba Saturnina, quien falleció hace relativamente poco. No era un nombre que lo tuviera pensado desde el principio y bueno, fue escribiendo a Elisabeth Pérez de Bonito Editorial, que tiene un libro titulado Saturnina, que es una preciosidad, cuando se me empezaron a disparar los sentidos y darme cuenta de que lo tenía todo, que ese era el nombre. Tenía la foto, tenía el logo… todo de cuando falleció mi abuela. Y simplemente fue decir, ese es el nombre.

Muchos pensarán en lo arriesgado de abrir un negocio de estas características en un tiempo en el que cada vez más la compra online va imponiéndose, ¿qué puede

ofrecer una librería de barrio frente a las grandes plataformas de venta?

Sobre todo, las relaciones que se crean.

El poder escuchar, recomendar e incluso charlar sobre los libros que de aquí salen con las personas que me visitan. Eso no te lo da ninguna plataforma online. ¿Los clientes vienen buscando algo que ya conocen o más bien se dejan asesorar para descubrir nuevos autores?

Hay de todo. Hay quienes saben a lo que vienen y si no lo tengo me lo encargan y esperan pacientemente a que lleguen y otros que vienen a descubrir, a que les asesore y que buscan salir un poco de su área de confort con la lectura.

La lista de actividades que se organizan en La Saturnina° deja claro que es mucho más que una librería, ¿puedes comentarnos alguna de ellas y cómo están siendo recibidas?

Vamos a seguir manteniendo las actividades que se han desarrollado durante este curso.

El club de lectura, el taller de escritura creativa para adultos y también el dirigido a niños y el de creación poética. Todos los retomaremos en octubre. Habrá también algunas novedades. Todos los participantes en los talleres han quedado muy contentos con la experiencia y prácticamente todos han mostrado interés en repetir.

También ha habido varias conferencias y he organizado alguna presentación de libros.

Trato de no hacer más de una o dos al mes, con ánimo de que sean siempre especiales y de que la gente las pueda disfrutar. Por nombrar unas pocas, aunque sé que me voy a dejar algunos nombres, presentaron sus trabajos escritores como Liliana Colanzi, Brenda Navarro, Jon Bilbao, Fernando Navarro o Álex Oviedo.

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¿Tras algo más de un año de andadura de La Saturnina° crees que hay un cliente tipo que se acerca por aquí o no hay un patrón general?

Hay de todo, la verdad. Gente de todas las edades, padres con sus hijos, viene tanto gente del barrio como de fuera del barrio, otros comerciantes de Basurto que están muy volcados apoyándome. Me he sentido muy respaldada por la acogida que ha tenido la librería.

Llevar adelante un negocio me imagino que se llevará buena parte de tu tiempo y energía, ¿queda algo de tiempo y energía para poder dedicarte a tus tareas de investigación?

La verdad es que yo soy muy casera y paso buena parte de los domingos trabajando en mi investigación, casi siempre hasta muy tarde y también las mañanas de los lunes, cuando la librería está cerrada. Poder dedicarme a ello es algo que disfruto muchísimo. He de decir que soy muy organizada y me cunde mucho el tiempo. No sé si es cosa de la maternidad, pero lo cierto es que ahora soy mucho más organizada que cuando era más joven y puedo aprovechar mejor el tiempo.

¿Algún libro u objeto por el que tengas especial predilección que podamos encontrar en la tienda a día de hoy y que creas que interesará a los lectores de esta entrevista, principalmente aficionados y estudiantes de fotografía?

Es difícil elegir unos pocos. ¿Por ejemplo, un libro que a buen seguro conocerán los alumnos de Blackkamera, es el de David Hornback “Where the hell is Wichita?”, que me parece un libro espectacular. “Piel de Lluvia” de Erika Ede también me parece una maravilla. El trabajo de las calles de Barcelona de Joan Colom. Otro que me encanta es “Trees, Water and Light” de Mika Horie, un fotolibro con cosido belga hecho a partir de cianotipias, de edición limitada, y en el que cada ejemplar de la tirada cuenta con una cianotipia original única como portada. También destacaría “Mi tía Ana Mari” de Héctor Mediavilla, en el que compagina fotografías de álbum familiar con dibujos y fotografías que su tía hizo durante el tiempo de confinamiento. https://lasaturnina.wordpress.com/

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Miren Pastor.

Reflexiones en el camino.

A pesar de su juventud, Miren Pastor es uno de los nombres más conocidos dentro de fotografía en su vertiente más artística. Gran valedora en el auge del fotolibro, combina junto a su faceta de creadora labores de comisariado y gestión cultural. Hablamos con ella para saber más sobre sus inquietudes y trabajo en diferentes proyectos.

Entrevista: David Tijero.

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Para quien no conozca tu obra, ¿cuáles serían a grandes rasgos el estilo y las inquietudes que definen tu trabajo fotográfico?

Tu nombre figura entre los de los principales impulsores del fotolibro en España, ¿qué fue lo que te sedujo de ese formato con respecto a otros?

Mi obra se centra en los ciclos mestizos de personas y paisajes, donde la proyección recíproca de los unos en los otros los convierte en unidad. “Bidean”, que en euskera significa que algo o alguien está en proceso o en camino, representa el salto de la adolescencia a la vida adulta, buscando paralelismos entre las efímeras etapas vitales y los ciclos inestables de la naturaleza.

Supongo que tuve la suerte de estar en el momento adecuado en el sitio adecuado.

Después de licenciarme en Bellas Artes en Leioa, me mudé a Madrid, para realizar las prácticas con la artista Cristina Iglesias.

Con la gran oferta formativa y cultural que ofrecía la ciudad, fue una escuela independiente y pequeña la que llamó mi atención. Estudiar en Blank Paper me marcó un antes y un después. Aquí descubrí el lenguaje fotográfico y la magia del fotolibro abrió un gran universo de posibilidades creativas para mi.

Los tres fotolibros publicados se han convertido en una herramienta clave para estructurar el proyecto y cumplen una doble función, como libro y como recurso expositivo. Al desencuadernar las páginas y seguir las coordenadas tímidamente indicadas en los bordes de las imágenes, el imaginario fragmentado se convierte a modo de un rompecabezas en un paisaje representativo que simboliza el inicio de una nueva etapa.

Además, tuve la suerte de formar parte del equipo durante casi una década, aprendiendo constantemente del contacto directo con autores y autoras que desarrollan sus proyectos en este formato. Aunque la escuela ya no existe, su mejor legado es Fiebre, el único festival en España en torno al fotolibro que este año celebra su décima

PAG 36 I KAMERA MAGAZINE Nº 3 edición y he tenido el placer de co-dirigir desde el inicio. ¿Tomas parte en todo el proceso en la creación de tus fotolibros o es un proceso en el que hay que saber delegar en otros?

Para mí hacer fotolibros es un trabajo en equipo. Como autores y autoras, creo que es muy necesario conocer nuestras limitaciones, puesto que si somos exigentes es difícil estar a la misma altura a la hora de crear las imágenes, redactar los textos, diseñar la maqueta, hacer la preimpresión o controlar temas de impresión y encuadernación.

Al apostar por la autopublicación, con lo bueno y lo malo que ello conlleva, me ha tocado llevar las riendas durante todo el proceso, pero he tenido la suerte de colaborar con grandes profesionales que admiro y se han creado sinergias muy especiales de forma recíproca.

Desde el creador de los textos Iván del Rey de la Torre, el editor Gonzalo Golpe, el diseñador Alberto Salván, el presimpresor Víctor Garrido, el impresor Miguel Ángel Esteban, hasta la encuadernadora Isabel Zambelli, cada uno ha ido aportando su experiencia y saber hacer con el fin de mejorar el resultado final. Creo que tan importante como confiar en uno mismo es saber escuchar consejos de profesionales y dejarles hacer su trabajo, no por ello, el fotolibro será más o menos nuestro.

Háblanos de tu colaboración en el festival Baffest, ¿Que exista un certamen de estas características es algo positivo o es más un síntoma de una situación de desigualdad que

debería ser solucionada lo antes posible?

Por suerte o desgracia, casi todas las oportunidades que me han surgido, tanto al exponer, como realizar encargos, dar clases o talleres, han sido porque estaban buscando perfiles femeninos.

De no haberse dado esa circunstancia, seguramente no habría tenido una primera oportunidad y sin ello sería imposible despegar. Ojalá hubiera más iniciativas en esta línea, porque hasta conseguir la igualdad, aún queda un largo camino por delante. En mi caso el BAFFEST me abrió una puerta importante al invitarme a exponer mi proyecto Bidean en su primera edición, en 2016, junto a grandes fotógrafas que admiraba como Cristina De Middel, Cristina García Rodero o Lurdes Basolí. Seis años después el festival sigue apostando con fuerza por visibilizar el trabajo de mujeres fotógrafas y se ha posicionado en el contexto de los festivales de fotografía más importantes a nivel nacional. Tanto como autora, y comisaria durante tres ediciones, creo que es un festival que hace una labor fundamental, no solo por mostrar el trabajo de fotógrafas reconocidas, sino por crear un espacio para las mujeres y apostar por dar esa primera oportunidad a autoras que prometen, pero que todavía no han dado el salto.

Volviendo a los fotolibros, sucede en muchas ocasiones que son trabajos difíciles de entender, ¿es cuestión de falta de cultura visual por parte del espectador o puede que algunos se hayan creado de forma pretendidamente críptica?

No ha sido la primera ni última vez al decir que he publicado un fotolibro, que me preguntan “¿has escrito un libro?”. Hay que ser conscientes de que hay un gran desconocimiento en torno a este soporte y tenemos una gran labor por delante todos

PAG 38 I KAMERA MAGAZINE Nº 3 los creadores visuales que trabajamos en este formato para conseguir alcanzar nuevos públicos. Cada tipología, temática, estilo… tiene su público y la gran variedad lo enriquece. En mi caso, si no entiendo un fotolibro en la primera lectura no lo veo como un problema. Me gusta tener que volver varias veces, retroceder en las páginas, analizar las diferentes capas, buscar guiños en la edición que sorprendan aún con el paso del tiempo… y a veces también ayuda investigar sobre el autor o autora y conocer mejor su contexto. ¿Hay algunas pautas que a la hora de abordar un fotolibro hayamos de tener en cuenta siempre para poder interpretar mejor lo que el autor/a del mismo pretende expresar? ¿A qué deberíamos prestar especial atención?

Como espectadora, me atrae mucho la secuenciación. Me fascina encontrarme un buen fotolibro con fotos que a priori pueden parecer aburridas, pero que gracias al ritmo en la edición, puesta en página y su materialización el discurso fluye correctamente, más allá del debate de que las fotos sean mejores o peores. ¿Qué futuro ves a ese formato físico en un tiempo en el que se ha producido una paulatina y últimamente acelerada virtualización de prácticamente todo?

Creo que el hecho de poder digitalizar un fotolibro, nunca sustituirá la emoción del pase de páginas, el sentir su tacto y la seducción del propio objeto como fetiche.

Compaginas el trabajo de fotógrafa con tareas de gestión cultural y también la docencia, ¿qué tipo de alumnos sueles encontrarte en los talleres que impartes? ¿es una experiencia que te enriquece o

inspira para tus proyectos fotográficos o prefieres separar una actividad de otra?

Disfruto mucho dando clases, compartiendo mi experiencia y siempre se aprende algo nuevo. Los aspectos que más me fascinan se basan en adentrar a los estudiantes al universo del fotolibro, animarlos a desarrollar sus proyectos y motivarles a salir en busca de oportunidades.

Más allá de crear proyectos, es importante también mostrarles cómo funciona el mundo laboral, cómo hacer frente a las dificultades con recursos por ejemplo para la búsqueda de financiación o cómo hacer llegar sus proyectos a las manos de quien les pueda interesar, a través de la creación de porfolios y el desarrollo de estrategias de comunicación a medida.

Esta entrevista la leerán muchos alumnos de Blackkamera, algunos de los cuales querrán hacer carrera profesional dentro de la fotografía, ¿cuál debería ser su prioridad para ello?

Desarrollar un perfil creativo es una carrera de largo recorrido y las prisas nunca ayudan.

Creo que es fundamental creer en uno mismo, trabajar mucho, ser constantes y, sobre todo, hacer muchas, muchas, muchas fotos. Teniendo un buen trabajo de base, será más sencillo alcanzar el resto de metas, así que, ¡ánimo! https://www.mirenpastor.com/

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Nerea Garaizar.

Documentando el momento más mágico de la vida.

El trabajo de Nerea Garaizar da cuenta del poder de la fotografía como herramienta tanto para documentar como para generar emociones. Imágenes llenas de intensidad y belleza, siempre hechas desde un profundo respeto y empatía. En esta entrevista nos habla en profundidad de su proyecto fotográfico y de qué le llevó a dedicarse al mismo.

Entrevista: David Tijero.

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¿Cuál fue tu primer contacto con la fotografía o el mundo de la imagen? ¿Tuviste siempre en mente que sería una labor que desarrollarías de modo profesional?

Mi primer contacto con la fotografía que recuerde fue en mi comunión, cuando me regalaron una Werlisa de botón verde, una cámara que llevaba a todas las excursiones con mis amigas y es la cámara con la que hice las fotos de mi infancia.

Sobre si pensé alguna vez en dedicarme a la fotografía, tengo el recuerdo de una conversación en casa con trece o catorce años diciendo que quería ser fotógrafa. La respuesta…, “déjate de tonterías, eso es muy caro, y nosotros somos pobres. Mejor que te dediques a estudiar” Así que fue algo que dejé apartado, aunque siempre he sido alguien con mucha memoria fotográfica y visual, que se solía quedar con detalles de los que el resto de la gente no reparaba.

En el 2007, en un momento laboral en el que estaba muy estresada, decidí empezar

a hacer de manera más seria cursos de fotografía y fue entonces cuando me di cuenta que hacer fotos tenía en mí un efecto terapéutico en el que me centraba solo en lo que veía a través del visor y conseguía olvidarme del resto.

Sin embargo, tu actividad profesional no ha girado siempre en torno a la fotografía, ¿hubo algún motivo en concreto para cambiar de gremio?

Sí, antes trabajaba como Educadora Social y la fotografía no pasaba de ser un hobby.

En aquel momento no conseguía que me gustasen mis fotos, no conseguía que las cosas conjugasen en mi cabeza y no acababa de disfrutar, porque faltaba emoción en mis imágenes.

Mi maternidad, la experiencia vital más brutal que he vivido, me descubrió la fotografía documental de familia a nivel personal, y de ahí surgió lo de ir haciendo fotografías a otras familias.

PAG 44 I KAMERA MAGAZINE Nº 3 Yo no tengo muchas fotos mías con mis hijas, porque estaba superada, y porque en aquel momento no tenía fuerzas para ello. Ahora hago a las familias, todas aquellas fotos que yo nunca me hice, y que ya no podré tener y que me habría encantado tener.

documentando el momento. Sin embargo, no está tan extendido documentar el que es uno de los momentos más importantes en la vida de una persona, el nacimiento de un hijo, ¿a qué crees que puede deberse algo así?

¿Cuáles serían los principales temas que abordas con la fotografía? ¿algún trabajo que te negarías en redondo a hacer?

En mi opinión, primero porque está muy relacionado con lo prohibido. Un parto está muy relacionado con lo sexual y eso en una sociedad como esta se considera tabú y porque se asocia con la intimidad, aunque en mi opinión la exposición a la que te sometes en una boda, en la que dices que vas a quererte a otra persona para toda la vida delante de un montón de personas me parece algo mucho más íntimo y es un momento de exposición brutal. Obviamente un parto es algo muy íntimo, pero es el momento más importante de la vida y eso es algo que, por ejemplo, a mí, me habría gustado tener en los días en los que nacieron mis hijas.

Mucha gente también piensa que la fotografía de parto se limita al momento del expulsivo, que es como pensar que la fotografía de boda se ciñe al “sí, quiero”, cuando no es así. La fotografía de parto narra qué es lo que pasó durante ese día, el proceso de dilatación, cómo estaba la pareja acompañando a esa mujer, sus miradas, sus gestos, sus primeros momentos al ver al bebe, que son momentos, desde mi punto de vista en los que aflora el amor más primario.

Es algo que socialmente cuesta verlo.

Creo que también es porque se desconoce bastante este género. Cualquiera que vea un reportaje mío verá que no hay nada explícito. La pareja tendrá imágenes que no aparecerán en el reportaje final y las enseñarán a quien quieran. Aunque comparta esa intimidad con ellos no lo voy a enseñar nunca. Me acerco desde el respeto absoluto a lo que es el momento más mágico de la vida.

Hago fotografía comercial, aunque no me quiero quedar solo en vender. Busco acompañar a las familias y la emoción de cada momento.

Cada persona tiene su historia y es lo que quiero reflejar en mis fotos. Hago sobre todo fotografía de embarazo, parto, primeras horas del recién nacido cuando conocen los otros miembros de la familia y también acompaño duelos por muerte perinatal. Tengo formación en acompañamiento a familias y parto. Aparte de educadora social, también soy doula. Últimamente estoy fotografiando y acompañando Lactancias. Son sesiones muy bonitas en las que busco homenajear a la mujer en esas primeras semanas y meses de crianza salvaje. Como haya sido alimentado ese bebe, me da igual. Detrás de cada historia de lactancia hay una toma de decisiones que casi nunca es fácil para la madre.

Trabajo también en otros géneros como fotografía infantil, de marcas, de producto, pero a lo que me gustaría dedicarme exclusivamente es a la fotografía perinatal, porque me apasiona y porque estoy convencida de que es lo que mejor se me da hacer.

Se asume socialmente que en ciertos eventos momentos importantes como bodas, reuniones familiares, graduaciones, comuniones va a haber un fotógrafo

KAMERA MAGAZINE Nº 3 I PAG 47 Cuál sería el proceso de trabajo una vez unos futuros padres deciden documentar el nacimiento de su hijo, ¿eres una integrante más del equipo que asistirá al mismo sujeta a unos horarios y guardias o es algo acordado de antemano con los padres y cada uno trabaja por separado?

La pareja se pone en contacto conmigo y hago una primera reunión con ellos para que nos vayamos conociendo. Voy a estar presente en un momento muy íntimo por lo que es necesario que nos conozcamos. Ver si conectamos, ver que es lo que quieren y si yo soy “su fotógrafa”.

Atiendo partos en casa porque en la red pública la situación aún es complicada. Y ahora con la pandemia, mucho más. Estoy en negociaciones para ello, pero aún no hay nada decidido.

Para que un parto pueda hacerse en casa ha de ser un parto normal, no haber ninguna complicación previa y que se den dentro de la semana 37 a la 41.

Me coordino con el equipo de matronas, para conocernos y para ir reservando las guardias una vez el parto se acerca.

Las guardias 24/7 son 15 días. Una semana antes y otra después de la FPP. Si el parto se desencadena antes de las fechas de guardia establecidas, intento llegar lo antes posible. Acudo a documentar cuando ellos consideran que es el momento del proceso ha comenzado y en el que quieren que esté. A veces antes de que llegue el equipo de matronas, a veces, una vez ya están allí. Y una vez en el domicilio estoy el tiempo que dure todo el proceso, que puede ser desde unas horas a un día entero.

Asistir y documentar algo que a pesar de ser hermoso y lleno de felicidad para los padres como es un parto debe de ser una experiencia que acarrea un profundo

desgaste emocional, ¿tienes alguna técnica para gestionar ese carrusel de emociones?

Emocional y físicamente es muy exigente.

Es un género que parece empieza a ponerse de moda entre fotógrafos, como que ahora todo el mundo quiere hacer partos, por eso de entrar en lo prohibido.

Aunque en mi opinión es algo para lo que creo que no todo el mundo está preparado para asistir a algo tan intenso. Has de saber cuándo acercarte, cuándo apartarte, has de saber cuándo apartar la cámara y tomar la mano al padre…

Un parto es un momento muy vulnerable, y un mal gesto, una palabra no adecuada puede estropearlo.

Yo llevo muchos años acompañando situaciones vitales intensas y estoy bastante entrenada en acompañamiento y en vivir ese tipo de situaciones al límite.

Una vez pasado todo y ya en casa, pues vas digiriendo todo lo vivido.

He estado en partos en los que ha habido complicaciones y obviamente eres humana y te puede afectar. Es un momento de tal concentración y tal intensidad que al día siguiente me duele todo.

Soy una persona muy emocional y me implico a tope durante todas las partes del proceso, desde que me llaman diciendo que el parto está empezando hasta que hago la edición del trabajo y lo entrego es lo que me hace sacarlo todo.

Para conseguir la intensidad de las imágenes que componen tus reportajes será necesario un ejercicio de empatía con la persona retratada, ¿crees que para documentar todo el proceso que supone nacer un hombre partirá siempre con desventaja?

PAG 48 I KAMERA MAGAZINE Nº 3 Sé de algunos hombres que trabajan haciendo fotografía de parto. Pero creo que conocer como mujer cuál es el proceso, puede ayudarte a empatizar más con todo lo que está sucediendo. Y en la mayoría de los casos somos fotógrafas las que nos estamos dedicando a ello. Este no es un trabajo comercial como otro cualquiera. Empatizar el proceso para conseguir reflejar en fotos la intensidad de un parto es primordial.

Una parte notable de tu trabajo es el retrato, ¿Qué tal es trabajar con niños pequeños? ¿Es condición indispensable armarse de paciencia con ellos por lo impredecible de su conducta o resulta más sencillo por su naturalidad que poner ante la cámara a un adulto lleno de esas inseguridades y reparos que la sociedad se encarga además de recordarle de continuo?

Yo necesito hacer sesiones largas. He de conectar con la persona que he de retratar para conseguir sacar lo que quiero de la persona, por lo que sé que la primera media hora ha de ser de hablar; soy una buena conversadora y eso ayuda a conectar con la gente más fácilmente y por lo general sé tratar bien con los niños, aunque claro, es lógico que a un niño no le guste demasiado de primeras ver a una señora con una cámara, pero bueno, mientras voy hablando con los padres, poco a poco voy consiguiendo que se vayan olvidando de mí. No siempre pasa con todas las familias y es verdad que puede haber niños complicados, puede suceder que las madres se ponen muy nerviosas porque los niños no hacen caso y bueno, en esos casos haces unas fotos correctas. El 80% de este trabajo es conectar con la gente y para ello has de acercarte de una forma sincera y sin prisa.

La medicina avanza, los protocolos mejoran y las tasas de mortalidad de los recién nacidos durante el parto son mínimos. A

pesar de ello ese riesgo siempre está ahí, ¿has vivido alguna situación complicada realmente complicada durante un parto?

En esas circunstancias, ¿hay que seguir fotografiando?

Sí asistí a un parto en el que hubo una situación complicada y lo que hice fue dejar al equipo médico con la madre y me encargué de acompañar a la pareja que estaba ya con el bebé. Fotografié lo que en ese momento sucedía entre el padre y el bebé, porque era la parte de la historia que la madre no estaba viviendo.

La fotografía de parto es poder contar a la familia qué es lo que sucedió en ese momento. Si surge cualquier complicación, yo salgo. Sucede algo que no necesito fotografiar y que la madre tampoco querrá ver en imágenes y recordar.

En ese momento me dedico a acompañar al padre, quien suele estar muy solo durante un parto. Los padres tienen un papel complicado en los partos porque están solos, se les asume el papel de acompañante, cuando en muchos casos no saben hacerlo, porque para ellos es una situación complicada y si pasa algo nadie les está acompañando a ellos, así que, como fotógrafa y como doula, mi papel sería acompañar al padre y seguir haciendo fotos con él.

Es contar con imágenes lo que rodea al parto y de esa familia. Para mí, hacer fotografías de una situación de urgencia no aporta nada. No tiene sentido.

Otra temática que abordas es la muerte perinatal. Tratar de documentar el duelo por alguien que apenas ha pasado por este mundo, ¿podrías explicarnos ese carácter terapéutico que la fotografía puede ejercer en los padres?

PAG 50 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

KAMERA MAGAZINE Nº 3 I PAG 51 Sobre esta temática hay dos tipos de sesiones. La más común suele ser la sesión a posteriori. La muerte de un bebé intraútero es una situación devastadora para la familia.

Acompañar el parto de ese bebé que va a nacer muerto o va a morir en pocas horas y de poder hacer a la familia fotos de ese bebé. Sé que suena muy macabro. Sé que hay gente que te dice que cómo vas a fotografiar muerte, pero son momentos muy intensos, de amor absoluto.

Esa madre y ese padre no están viendo a su bebe, con quien se han imaginado su vida millones de veces y están despidiéndose de él. Son los únicos momentos que estarán con él, y por eso es importante poder crear recuerdos. Es poder captar pequeños detalles, de cómo eran sus manos, de cómo eran sus pies, detalles que con el tiempo irán desapareciendo de la memoria.

Las sesiones más habituales son a posteriori en el que se documenta todo eso que la familia tenía preparado para la venida de ese bebé. Una familia, desde el momento en el que se entera de que va a haber un nuevo miembro, empieza ya a imaginar cómo será la vida con él. Planes que se desvanecen cuando te dicen que no hay latido. Entonces hay que elaborar ese duelo. Poder, por ejemplo, hacerte unas fotos con esas botas del Athletic que le habías comprado a tu primer hijo y tener esos documentos gráficos te hace ser socialmente reconocido. Tener ese algo físico que permita poder hablar del trance vivido, hace que también el resto de la gente te reconozca como madre de ese bebé.

Es una muerte incómoda, difícil y nadie te suele preguntar por ello. El duelo por muerte perinatal es un duelo silenciado, socialmente no aceptado. La gente no lo comenta, se ciñe a decir lo pronto que vas a volver a ser tú otra

vez, lo pronto que vas a volver a ser madre… pero si vuelves a ser madre, lo serás de otro bebé diferente, y tú nunca volverás a ser la misma. Será otro bebé y tú tendrás un amor diferente por ese bebé.

Esas sesiones son devastadoras, también para mí como fotógrafa, pues yo también vivo un momento de tristeza absoluta y no es fácil sobrellevarlo. Es por lo que digo que este no es un trabajo que pueda hacer cualquier fotógrafa. Son sesiones muy duras, donde el acompañamiento y la palabra son más importantes que la foto. Hay que dar espacio a los padres para que puedan expresarse y contar cómo se sienten y ya entonces comenzar con las fotografías. ¿Queda tiempo para algún tipo de proyecto personal en fotografía fuera de tu actividad profesional?

Es verdad que compaginar trabajo, familia y sacar además tiempo para algo más no es sencillo, pero sí encuentro algún hueco para un par de proyectos personales que tengo en marcha. Noto que en mi tiempo libre me cuesta coger la cámara, la que es mi herramienta de trabajo, así que hago uso de la fotografía móvil, la cámara analógica, la estenopeica, porque aunque a día de hoy sea mi actividad profesional, siempre seré una aficionada a la fotografía y es importante seguir explorando y jugando, algo que me da herramientas a la hora de ampliar mis recursos como fotógrafa. Sí, tengo cosillas por ahí pero no sé cuándo las mostraré. @nereagaraizar.

P R O F E SORADO MÁSTER FOTOPE RIODISMO Y NUEVOS DOCUMEN TALISMOS

PAG 56 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

CAROLE ALFARAH Carole Alfarah (Damasco, 1981) es una fotógrafa independiente siria. Desde 2009 ha documentado cuestiones relacionadas con los marginados, los jóvenes, el trabajo infantil o las madres trabajadoras en su país. En 2009-2010 siguió un año de formación en fotoperiodismo con la World Press Photo Foundation. En 2012 se vio obligada a abandonar Siria a causa del conflicto. Desde ese año y hasta 2015 trabajó en el proyecto My beloved broken home sobre la huella de la guerra en su país. Ha recibido premios como el Arab Media Award on Child Rights de Unicef. https://www.instagram.com/carolealfarah/

PAG 60 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

MATÍAS COSTA Matías Costa (Buenos Aires, 1973) es periodista y fotógrafo. Cofundador del colectivo NOPHOTO y miembro de PANOS Pictures, realiza proyectos de largo recorrido. En ellos reflexiona, mediante imágenes, textos y material de archivo sobre el territorio, la memoria y el azar.

Ha recibido distinciones como el World Press Photo o primer Descubrimientos PhotoEspaña. Es colaborador habitual de medios como El País Semanal, The New York Times o La Repubblica y su obra forma parte de colecciones nacionales e internacionales como la del Ministerio de Cultura, el CA2M o el Nederlans Fotomuseum de Róterdam. http://www.matiascosta.com/

©Aditya

PAG 68 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

LORENA ROS Lorena Ros es una fotógrafa documental cuyo trabajo se centra en la representación del trauma, especialmente la recuperación y resiliencia en personas que han sufrido violencia sexual y otros tipos de abuso.

Ha ganado tres premios World Press Photo, una Fotografía del año y el premio One World Media de Amnistía Internacional por sus historias sobre inmigración, tráfico de mujeres y sobrevivientes de abuso sexual infantil.

La mayor parte de su carrera la desarrolló en Londres y Nueva York donde trabajó regularmente para El País, Newsweek, The Sunday Times Magazine, The Telegraph Magazine y colaboró con organizaciones humanitarias como Soros, Human Rights Watch, Doctor’s of the World entre otras.

En 2005 fue seleccionada para la prestigiosa Joop Swart Masterclass organizada por la World Press Photo Foundation. Recibió la Beca Getty de fotografía editorial en 2008 y una beca OSI en 2011. Su obra ha sido expuesta internacionalmente y forma parte de la colección del MNAC (Catalonia At Museum) y otras colecciones privadas. Ha realizado talleres de fotografía participativa para internas en prisiones de mujeres españolas y otras comunidades en riesgo de exclusión social.

Tras cuatro años como profesora en la Universidad Politécnica de Cataluña, actualmente imparte docencia en el Máster de Fotografía de Elisava en Barcelona y en EFTI en Madrid. Es autora de Unspoken, 2014 publicado por Blume and Schilt. http://www.lorenaros.com/

©Tamara Rozas

PAG 72 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

MAYSUN Maysun es una galardonada periodista visual independiente hispano-palestina que reside en España y se centra principalmente en la fotografía documental y la narración de investigación. El interés por aprender y su deseo de ayudar a las personas le hicieron darse cuenta desde muy joven de la necesidad de documentar su entorno.

Licenciado en Fotografía, Diploma de Postgrado en Fotoperiodismo por la Universitat Autònoma de Barcelona y Máster en Dirección de Fotografía por la ECAM Escuela de Cine de Madrid, Maysun se ha dedicado al periodismo desde 2004.

Durante 18 años ha estado cubriendo conflictos, crisis políticas y sociales y temas ambientales en todo el mundo, incluyendo Europa -especialmente los Balcanes-, Sudeste Asiático, Norte y Este de África, América Central , pero con especial énfasis en Oriente Medio.

Ha trabajado para clientes sin ánimo de lucro (ONG) como Intermón-Oxfam y Oxfam Internacional, Cruz Roja, Comisión Europea (UE), AECID, Instituto Cervantes y Agencias de Noticias nacionales e internacionales como EPA, AFP, Corbis o ACN (España). ). Su trabajo ha sido publicado en los más importantes diarios, revistas y otros medios como Time Magazine, The New York Times, Lens Blog by NYT, National Geographic, Foreign Policy, The Guardian, Der Spiegel, Stern, Focus magazine, The Washington Post, The Wall Street Journal, Los Angeles Times, International Herald Tribune, ABC News, NBC News, Al Jazeera, Die Welt, El País, El Mundo, CNN, Ojo de Pez Magazine, entre otros.

Maysun también colabora con prestigiosas instituciones nacionales e internacionales de prestigio como la Universidad de Oxford, la Universidad de Columbia, la Universidad Complutense de Madrid, la Universidad de Zaragoza, la Universidad Ciudad de Alicante, entre otras.

Fotógrafa de mujeres, Federación Internacional de Periodistas (IJF), Asociación de Corresponsales Extranjeros de África Oriental (FCAEA) Frontline Freelance Register (FFG), becaria de Reporteros sin Fronteras, también es exalumna de capacitación de RISC y oradora de TEDx. Maysun combina su trabajo como narradora documental con la pintura, el diseño creativo, la oratoria y la docencia. También ha participado como Directora de Fotografía / DOP de “Llueven Vacas”(2017), película varias veces premiada del director Fran Arráez y del guionista y autor de la obra Carlos B., junto a actores consagrados como Eduardo Noriega, Maribel Verdú, María Barranco, Laia Marull, Sergio PerisMencheta, Asier Etxeandía, Secun de la Rosa o Víctor Clavijo, entre otros. Maysun ha protagonizado, junto a otros compañeros, el último documental de Hernán Zin, “Morir por contar” , que actualmente se emite en más de 100 países, a través de NETFLIX .

En esa línea, Maysun ha trabajado en el departamento de cámara de las famosas series españolas “Cuéntame cómo pasó” y “HIT” de RTVE . https://www.maysun.eu/

© Jewgeni Roppel @jewro

PAG 76 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

GLORIA OYARZABAL Licenciada en Bellas Artes, diversifica su actividad profesional entre el cine, la fotografía y la enseñanza. Programadora y co-fundadora de la Sala de Cine Independiente “La Enana Marrón” en Madrid (1999-2009), dedicada a la difusión del cine de autor, experimental y alternativo.

Vive 3 años en Bamako, Mali (2009-12)desarrollando su interés por la construcción del imaginario africano, los procesos de colonización/descolonización, nuevas tácticas de colonialismo y las diversas voces africanas en torno a los feminismos.

En 2017 realiza la residencia artística Ranchito Matadero Nigeria /Sudáfrica entre Madrid y Art House Foundation Lagos (Nigeria) que le permite desarrollar su investigación sobre la colonización del concepto de mujer.

En 2020 le invitan como artista residente en Gibellina Photoroad (Sicilia, Italia) Desde el año 1996 realiza labores de dirección artística y foto fija de cortometrajes experimentales y en documentales de autor.

Master en Creación y Desarrollo de Proyectos Fotográficos en Blankpaper (Madrid 2014-15).

Diplomada en Restauración y Conservación de Obras de Arte (1993).

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (1998).

Profesora de Análisis de Formas en IADE (2001-2010). https://gloriaoyarzabal.com/

FOTO RAUL BARTOLOMÉ

GANADOR Y FINALISTA DE LA B E C A M Á S T E R DE PR0YECTOS FOTOGRÁFICOS

PAG 84 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

GANADOR RAUL BARTOLOMÉ BUTOH. UN BAILE MÁS ALLÁ DE LA IDENTIDAD.

Butoh es una danza contemporánea originada en los años 60 en Japón que surge como respuesta al estilo convencional de danza occidental dominante de aquella época en Japón. Se rebeló contra las danzas que exaltaban lo estético y la eterna juventud, el orden y la perfección.

Horror, angustia, sexualidad, vida y muerte, lo grotesco, la debilidad, lo amputado…nos confronta con aspectos de nuestra psique reprimidos, que tratamos de esconder. Con aquello que no se puede expresar en palabras y que habita dormido en la oscuridad el cuerpo. Hoy la danza Butoh se practica por todo el mundo. Este proyecto quiere dar a conocer la danza Butoh actual, reuniendo a los distintos creadores, profesores, coreógrafos y bailarines de Butoh a nivel mundial. A través de las fotografías tomadas en colaboración con los bailarines, se pretende reconocer y visualizar la parte sumergida de nuestra consciencia, ese desconocido que soy para mi mismo. Se busca crear una poética conjunta sobre el inconsciente, y responder a la pregunta ¿Como se expresa ese inconsciente en el cuerpo?

PAG 98 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

FINALISTA JOHANNA HERNÁNDEZ. BLUE PRINT.

Este proyecto tiene como objetivo reunir técnicas fotográficas antiguas y contemporáneas, es decir capturar imágenes digitales que mediante un proceso de edición se convertirán en negativos y posteriormente se revelarán con métodos como la cianotipia (con la que he experimentado anteriormente) y otros como el Van Dyke, papel a la albúmina y el platino paladio que serían procesos totalmente nuevos para mí.

Uno de los referentes que inspiraron este proyecto es la botánica Anna Atkins, ya que su trabajo reúne dos de mis grandes pasiones las plantas y la fotografía, así que me gustaría hacer una versión propia de “Photographs of British Algae”; un libro fotográfico que contenga imágenes actuales desarrolladas con técnicas análogas tradicionales.

Paralelamente al paisaje natural he estado haciendo imágenes del paisaje urbano y arquitectura, allí me gustaría aplicar propiamente el concepto de Blueprint o planos y hacer todo un estudio de diferentes edificaciones y la historia detrás de ellas.

PAG 108 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

JAVIER ALBARRÁN. MIEDOS.

Uno, dos, tres… “ahora, sí, ya estoy preparado y nada me va a pasar”.

Preparado, ¿para qué? Realmente para subir unas simples escaleras sin saber lo que me depara esta acción.

Irracionalmente sentimos miedo a algo desconocido, y muchas veces son situaciones simples e incluso rutinarias.

Este proyecto arrancó con ese miedo en las famosas escaleras que tengo registradas en mi memoria desde pequeño. Y he seguido explorando otras situaciones que, sin tener una explicación racional, pueden generar esta emoción.

El mensaje a lo largo de las fotografías no es claro, no es directo… sino personal y único para cada persona. Observa, siente y viaja dentro de ti. ¿Qué sientes?

“Let everything happen to you Beauty and terror Just keep going No feeling is final” (Rainer Maria Rilke)

PAG 112 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

JON ZABALLA. ONEIROI.

En la Grecia clásica, los Oniros, espíritus de oscuras alas, eran los mil hijos engendrados por Hipnos, dios del sueño y Nix, diosa de la noche.

Ellos personificaban los sueños de los hombres.

Ovidio nos nombra los tres mas famosos, Morfeo, Fobétor y Fantaso.

En este trabajo concibo el cuerpo de la mujer en blanco y negro buscando formas, contrastes, volúmenes de un mundo en el que las sombras guardan para si sus propios secretos, dibujando una elegancia formal del cuerpo femenino partiendo de una estética clásica.

En base a esa finalidad persigo lograr una representación poética de lo femenino, contraponiéndola a una naturaleza que, de alguna manera, la complementa obligando a realizar una nueva lectura que me ayuda a expresar una nueva visión de la misma.

Naturaleza, unas veces etérea, otras veces simplemente formal, que ofrece una visión de una esencia por mi soñada.

PAG 116 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

CLARA LÓPEZ. IZADIA.

Izadla es un proyecto que trabaja el luto tomando como referencia los antiguos rituales folclóricos. Muestra la relación entre mi abuela (fallecida recien-temente) y yo. Ella, representada a través de la flora, va invadiendo los espacios que compartimos y a las personas que los habitamos.

PAG 120 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

HUMBERTO BILBAO. SUDOR Y SALITRE.

“Durante los fines de semana de parte de la primavera y verano de varias temporadas, he sido testigo privilegiado de las más importantes competiciones de remo de banco fijo por todo el Cantábrico. Mi participación intensa durante varios años me ha permitido conocer desde dentro este peculiar y poco conocido deporte. Abordando gracias a mi relación con clubes y deportistas, otras facetas fuera del calendario competitivo.

Entrenamientos, pruebas de resistencia física”, trabajo en tierra, concentraciones, celebraciones, costumbre y supersticiones. De todo ello fui espectador privilegiado, para poder recoger en este trabajo una colección de imágenes con las que el espectador podrá conocer el esfuerzo de los remeros, el trabajo de equipo y el orgullo y decepción que se transmite desde el mar a los espectadores cada vez que la tripulación de un club cruza la línea de meta.

PAG 124 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

JOSE MANUEL BERGANZA. PLANETA BARBARELLA.

Según la Teogonía de Hesíodo todo comienza con el Caos, el estado primigenio del cosmos. Luego surgió Gea, que es la Madre Tierra, Eros, que representa el Amor, y Tárta­ro, que es el profundo abismo. Gea sin ninguna ayuda dio a luz a Urano, que representa el Cielo, y éste fertilizó a Gea, su Madre, y de este enlace nacieron los Titanes, Cíclopes y Hecatónquiros.

Pero Gea fue cautivada por la sensualidad de Eros y de esta pasión nació una diosa, que se le puso el nombre de Barbarella, pero Nix la noche, hija del Caos, lo vió todo y se lo contó a Urano. Cuando Urano observó la belleza de la criatura abrazada a Gea, en un arrebato de celos le proyectó un rayo de luz que la convirtió en polvo cósmico y la sacri­ficó a vagar por la tierra en todo tiempo y en todo lugar.

Y ésta es la historia de Barbarella ...

PAG 128 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

LARA KAMINSKY IL VUOTO DEI FIORI.

Ti ricordi come quando eravamo piccoli un piccolo buco nei vestiti è diventato un nuovo pezzo quando lo abbiamo coperto con una toppa?

L’idea di riempire un vuoto fa sperare. Da martire a santa. Dal dolore ai fiori.

PAG 132 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

UXUE AZKARATE. ZUEN ARNASAREN ONDAREA. EL LEGADO DE VUESTRO RESPIRAR.

“Zuen arnasaren ondarea” es un ensayo visual que explora el concepto de álbum familiar desde una mirada anclada en la nostalgia y la vivencia propia.

Mi familia puede considerarse una unión fuera de lo normativo. En el caserío familiar vivimos colectivamente mi ama, aita, hermana, izeko, osaba, prima, primo y aitite. Este tipo de convivencia ha hecho que hayamos construido un vínculo familiar fuerte, que el paso del tiempo amenaza con diluir.

Así, cada día vamos envejeciendo y el cuerpo se vuelve cada vez más pesado y caprichoso.

El tiempo es especialmente cruel con los mayores, donde el cuerpo deja de responder autonomamente y la dependencia física aparece, con sus necesidades y tormentos. Realidad que cada día golpea de forma más explícita a mi aitite, y evidencia la dureza del trabajo diario de los cuidados.

En el organismo vivo que es el hogar, la ausencia se convierte en la nueva compañera de nuestro espacio vital, sustituyendo el cuerpo por el recuerdo de lo que una vez fue ella, mi amuma.

Al final sólo quedan los recuerdos en forma de cápsulas manipuladas que se inscriben desordenadamente en el entramado memoria.

Y este proyecto es un intento desesperado por mantener ese recuerdo lo más vivo posible.

PAG 136 I KAMERA MAGAZINE Nº 3

ZOHARGI ROBLEDO INSOMNIO.

En este proyecto me adentro con mi cámara analogica en el mundo nocturno, donde solo los animales más salvajes sobreviven.

Muestro un mundo que se aleja bastante de lo cotidiano, donde el abanico de posibilidades, historias y personalidades se mezclan y todo se distorsiona. Somos jóvenes y queremos seguir siéndolo por siempre, queremos vivir cada segundo como si fuese el último. Intento transmitir el frío de las calles, las luces nocturnas y el retumbar de los altavoces que hace que bailemos hasta morir. Los días son largos y las noches muy rápidas, las pocas horas de sueño dan paso al insomnio, que agudiza nuestros sentidos y libera nuestro ser más real.

Y ADEMÁS...

FOTO: ELISKA SKY.

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