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CUADERNO DE ARTE CONTEMPORÁNEO

CHEMA MADOZ La doble vida de los objetos

&

Subastas: ¿Alguien da más?

GALERÍAS VIRTUALES Picasso Mediterráneo

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FotografĂ­a: Santiago Picatoste

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ENTREVISTA Interview

Interview ENTREVISTA

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Chema Madoz La doble vida de los objetos

Nada es lo que parece en las composiciones de Chema Madoz (Madrid,1958), fotógrafo excelso y sutil, paradójico y exacto. Premio Nacional de Fotografía en el año 2000, entre otros importantes galardones internacionales, su recreación de mundos paralelos y nuevas dimensiones a través de los objetos más inesperados lo convierte en un artista único en su especie. En su estudio de Madrid, un antiguo establo lleno de magia, recibe a LaNave en una soleada y fría mañana de invierno.

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por Iván Terrasa y Santiago Picatoste

e cumplen 10 años de su exposición en el Museo Reina Sofía, quizás el verdadero punto de inflexión en su carrera profesional. ¿Hasta qué punto llegó a influir aquel acontecimiento en su trabajo y trayectoria actual? La exposición del Reina Sofía la recuerdo con cariño, para mí supuso un momento particular, teniendo en cuenta cuál era mi situación en aquel momento. Yo llevaba años trabajando, empecé a hacer exposiciones en torno a 1985, pero en aquellos años la fotografía y el arte eran como dos historias que estaban totalmente a espaldas la una de la otra. Ni los artistas se interesaban por lo que hacían los fotógrafos ni al revés. Entonces no tenía ni galería, ni representante, intentaba mostrar mi trabajo como buenamente podía, el panorama que tenía por delante era bastante desolador. Sabías que en otros países de Europa, en Estados Unidos, la fotografía estaba en otro nivel. Mi primera exposición no la hice hasta el año 1993 o 1994.

En 1998 surgió la oportunidad de hacer la exposición en el Reina Sofía. Para mí fue una inyección de moral total, supuso un cambio muy fuerte, no ya tanto en mi trabajo del día a día, sino a la percepción de cómo se veía mi trabajo desde fuera; cambió más la mirada del espectador hacia mi trabajo que la mía sobre mi propio desarrollo. Y claro, a partir de ahí te encuentras con una situación en la que te brindan más oportunidades. De todos modos fue realmente complicado salir adelante con mi propuesta y conseguir vivir de ella. ¿Por qué crees que tú sí que pudiste salir adelante? No lo sé, es difícil de analizar y de llegar a una conclusión clara, mi sensación era que el trabajo tenía una buena acogida, que lo que hacía buscaba pero no encontraba un hueco, espacios donde mostrarlo, y mucho

menos de mercado. Yo tenía la sensación que tenía una respuesta entusiasta que de alguna manera me desconcertaba un poco, evidentemente cualquier artista o fotógrafo que está desarrollando un trabajo pues lo hace desde la perspectiva de que está convencido de que lo suyo tiene un cierto interés, pero de ahí a que luego encuentres un eco, pues hay un tramo.

Es algo que yo creo que es difícil de valorar y de controlar, es algo que no puedes manejar.

En el momento en que tú cuelgas la obra está en manos de los demás.

Tus imágenes abordan una cierta metáfora sobre los objetos y su doble lectura, se aprecia una organización muy laboriosa en ellas. Me llaman mucho la atención las imágenes que se centran de manera muy clara en el objeto, aunque con el paso del tiempo se van diversificando las propuestas donde van apareciendo imágenes en las que su presencia queda como un poco más diluida.

Desde un primer momento, cuando empiezo a trabajar con los objetos, lo hago desde la intuición de que hay algo con lo que se puede jugar y trabajar, aunque no tenía claro que a partir de ahí se podía construir todo un universo. Y es luego investigando y profundizando cuando empiezas a tomar una conciencia más clara y evidente de las posibilidades que ofrece. El objeto tiene esa capacidad de vocación, casi de símbolo, de convocar conceptos o ideas que están ahí como latentes, son elementos creados por el hombre y que han sido generados para satisfacer un poco nuestras necesidades y deseos, y eso un poco contamina al objeto de alguna manera. Y desde mi punto de vista trabajar con ello es un poco hablar de nosotros, sin más. Al final volvemos a ideas tan manidas como las de Borges de que “las pecas de brazo de una mujer responden a las estrellas del universo”. Ese tipo

de historias son estructuras que encuentras en diferentes elementos de la naturaleza y que tanto en un macrocosmos como en un microcosmos están presentes, entonces da un poco lo mismo cual es el ángulo de la ampliación.

Tus objetos tienen algo de pregunta abierta, son el comienzo de una historia, la invitación a contemplar una secuencia que acaba de ser presentada por ti. Un objeto sacado de su cotidianidad, “creado” de nuevo, con nuevas preguntas y nuevas respuestas. ¿Estás de acuerdo? Sí, me gustaría pensar que tiene algo de eso. Dentro de mi trabajo no hay la pretensión de acotar, sino todo lo contrario, de intentar invitar al espectador, y a mí mismo como espectador, a disfrutar con la diversidad que ofrece, justamente todo lo contrario de esa idea de la realidad como algo totalmente asumido y plano pero que a poco que rascas un poquito y observas con una mirada un poco distinta todo parece multiplicarse y cargarse de significados nuevos y distintos. No es que yo tenga que descubrirle nada a nadie, pero hay una belleza y unas posibilidades fantásticas y casi inagotables de interpretación, y al final: ¿Dónde está la realidad? Dentro o fuera, depende con que ojos miras las cosas. ¿De todos los objetos puedes extraer esa mirada o hay algún objeto que incluso tú creyeras que iba a funcionar y luego, al tenerlo frente el objetivo, has visto que era imposible? A veces me he acercado a un objeto pensando que tendría una fotografía con una determinada idea, y luego eso no se mantenía de pie por ningún lado. Pero luego ese objeto ha sido retomado de una manera distinta, con un concepto diferente y sí ha funcionado. Hay tanta diversidad de objetos que hasta me resulta difícil el dar con uno con el que siempre se me haya negado. Objetos fallidos, sí, muchos. Yo creo que detrás de cada fotografía que puedes mostrar igual hay otras dos o tres que no han ido bien, y que guardas en el cajón. Por ejemplo, no he hecho nunca nada con un coche. Hay infinidad de objetos con los que todavía no he trabajado.

Tus fotografías tienen un concepto universal, todos podemos entender lo que muestras, como si ese mensaje fuera cierto y conectara, como si lo que estás haciendo de alguna manera tuviera mucho que ver con todos. Hay veces que me dicen que mis imágenes tienen mucho sentido del humor, que el espectador engancha muy bien con ellas. Yo de lo que soy consciente es de la cierta complicidad que se establece con las imágenes, que surge independientemente de que en

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muchas de esas manipulaciones hay también una cierta ironía, lo que digo siempre es que lo que no busco y no me interesa para nada es hacer chistes con las imágenes, no me interesa lo más mínimo, porque el chiste se agota en sí mismo, no va mas allá. Evidentemente buscas algo diferente y algo distinto. Algo que puedas visitar y revisitar y que siga teniendo un cierto atractivo. ¿Cómo observa el fenómeno de la fotografía digital? Apenas utilizo la fotografía digital, he hecho alguna cosas con ella, me interesa mucho como herramienta porque da unas posibilidades fantásticas, lo que pasa que para lo que yo hago no le veo mucho sentido, prefiero seguir trabajando el objeto directamente, digamos que la relación que establece la fotografía analógica con la idea de realidad es muchísimo más inmediata y directa, tiene un carácter totalmente distinto que el que establece la fotografía digital con la realidad. Curiosamente la fotografía analógica sigue jugando con esa identificación de que lo que has fotografiado estaba ahí, es real, cosa que no sucede con la fotografía digital, en la que todo parece más difuso, es otro territorio.

Con las cámaras digitales, hoy da la sensación de que todo el mundo es fotógrafo… A mí eso no me preocupa en exceso, quiero decir, al final estamos en la misma situación que el escritor. ¿Qué necesita un escritor? Pues un papel y un lápiz. ¿Pero por eso todo el mundo se convierte en escritor? No. Habrá mucha gente que escriba, pero de ahí a ser escritor…

Pues lo mismo sucede con la fotografía.

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Chema Madoz The double life of objects Nothing is what it seems in the compositions of Chema Madoz (Madrid,1958), a sublime and subtle photographer who is at once paradoxical and precise. The winner of the National Photography Prize in the year 2000, as well as other important international prizes, his recreation of parallel worlds and new dimensions using the most unexpected objects makes him a unique artist of his kind. He received LaNave in his studio in Madrid, an old stable full of magic, on a sunny, chilly winter morning.

It has been 10 years since your exhibition in the Reina Sofía Museum, perhaps the real inflection point in your career. To what extent did this event influence your work and current path? I remember the exhibition in the Reina Sofía fondly; it was a special moment for me, bearing in mind the situation I was in at the time. I had been working for years, I began exhibiting in around 1985, but in those years photography and art were like two totally separate worlds with entirely different perspectives. Artists were not interested in what photographers did and neither were photographers in what artists did. At the time I had no gallery or representative, I was trying to show my work as best I could, and my prospects looked pretty desolate. You knew that in other countries in Europe, and in the US, photography was on

a different level. I didn’t do my first exhibition until 1993 or 1994. In 1998 the opportunity for the exhibition in the Reina Sofía arose. For me it was a real injection of moral support, it meant a total change, no so much in my everyday work, but in the perception of how my work was seen from the outside: it changed the way spectators looked at my work more than the way I saw my own development. And of course, from then on you find yourself in a situation where you are offered more opportunities. Anyway it was really complicated to move forward with my proposal and manage to make a living from it.

Why do you think that you did manage to move forward? I don’t know, it’s difficult to analyse and reach a clearly-defined conclusion; the feeling I got was that the work met with a good reception, that what I was doing was seeking - but not finding - a niche for myself, spaces where I could exhibit, and much less on the market. I had the sensation that I obtained an enthusiastic response which somehow baffled me, obviously any artist or photographer who is developing work does so from the perspective of a conviction that his or her work is of some interest, but whether or not you then find an echo is an entirely different matter. It’s something I find difficult to appraise and to control, something you can’t manipulate.

From the moment when you hang up the work, it’s up to everyone else.

Your images deal with a certain metaphor on objects and their dual interpre-

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tation; one can perceive a highly laborious organisation in them. I find images that focus clearly on the object very striking, although in time the proposals gradually diversify, with images appearing in which the presence of the object is somewhat diluted.

From the beginning, when I start working with these objects, I do so on the basis of the intuition that there is something with which one can play and work, even though I was not clear about whether a whole universe could be built on this. And it is by investigating and delving further that you start to become aware, in a clearer, more evident way, of the possibilities the object offers. Objects have that capacity of vocation, almost of being symbols of calling up concepts or ideas that are almost latent, they are elements created by man that have been generated to satisfy our needs and desires, partially, and that contaminates them a little, in a way.

And from my point of view working with them is quite simply to speak of ourselves a little. In the end we return to hackneyed ideas like those of Borges such as “the freckles on a woman’s arm respond to the stars in the universe”. These kinds of stories are structures you find in different elements of nature and which are present both in macrocosms and microcosms, so it doesn’t really matter what the angle of enlargement is.

Your objects have an air of open-ended question to them; they are the beginning of a story, the invitation to contemplate a sequence that has just been presented by you. An object taken from your everyday routine, “created” anew, with new questions and new answers. Do you agree? Yes, I would like to think that there is an element of that in my work. There is no attempt to set limits in my work, but rather quite the contrary, to try and invite specta-

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tors, and myself as a spectator, to enjoy with the diversity it offers, precisely the opposite of that idea of reality as something totally accepted and flat but where, if you scratch the surface of it a little and look at it from a slightly different angle, everything seems to multiply and assume new, distinct meanings. It isn’t that I have to reveal anything to anybody, but there is a beauty and there are fantastic, near-inexhaustible possibilities of interpretation, and in the end – where is reality? Inside or outside, it depends which eyes you use to look at things.

Can you extract that gaze from all objects or are there some objects that even you thought were going to work and which, when you them have them in front of the lens, you have realised were impossible?

Sometimes I have approached an object thinking I would get a photograph with a certain idea, and then it hasn’t held up. But then I take up that object in a different way, with another concept and it does work. There is such a great diversity of objects that it is difficult even to find one that has always denied itself to me. Objects that have failed I have found, a great many of them. I believe that behind each photograph that you can exhibit there are another two or three that haven’t gone well, which you keep in a draw.

For example, I have never done anything with a car. There is an infinity of objects I haven’t worked with yet.

Your photographs have a universal concept, we can all understand what you are displaying, as though that message were certain and connected, as though what you are doing somehow had a great deal to do with everybody. Sometimes people tell me that my images have a lot of sense of humour, that spectators hook up to them very well. What I am aware of is of a cer-

tain complicity that is established with the images, which arises regardless of the fact that in many of those manipulations there is also a certain irony, what I always say is that what I am not trying for, and what I am not interested in at all, is to make jokes with the images, I really have absolutely no interest in that, because a joke spends itself, it goes no further. Obviously you are trying for something different, something distinct. Something you can visit and revisit and which continues to hold a certain attraction.

How do you see the phenomenon of digital photography? I hardly use digital photography at all; I have done a few things with it, I am extremely interested in it as a tool because it offers fantastic possibilities, but for what I do I don’t see much sense in it, I prefer to carry on working on the object directly, let’s say the relationship analogical photography establishes with the idea of reality is much more immediate and direct, it has a totally different character to the one digital photography establishes with reality.

Curiously enough, analogical photography still plays with that identification of the fact that what you photographed was there, is real, something that does not occur with digital photography, where everything appears more diffused, it is a different terrain.

With digital cameras, nowadays you get the feeling that everyone is a photographer… I don’t worry about that too much, I mean, at the end of the day we are in the same situation as writers. What does a writer need? Well, paper and a pencil. But does that make everyone a writer? No. Many people may write, but whether or not that means they are writers is another matter…

The same is true of photography.

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Dalia Padilla, Directora de Christie’s España

¿Alguien da más?

Christie’s es, junto a Sotheby’s, la casa de subastas más importante del planeta. Con la directora de Christie`s España, Dalia Padilla, nos metemos a fondo en este apasionante mundo de arte, poder y, sobre todo, muchísimo dinero. por Santiago Picatoste e Iván Terrasa

Para ponernos en situación, ¿Cuál es la labor de la oficina de Christie’s en España?

Todo empieza cuando alguien quiere vender piezas y se pone en contacto con nosotros, o nosotros con ellos. Vemos las piezas de las que quieren desprenderse, les indicamos la estimación que recomendamos de precio de salida, así como el mejor lugar (Londres o Nueva York principalmente) y fecha donde se puede vender la pieza a un precio más alto. Una vez que llegamos a un acuerdo en las estimaciones, negociamos las comisiones que cobramos nosotros. Luego nos entregan las piezas, las catalogamos, fotografiamos, hacemos un estudio si es que necesitan una certificación de autenticidad, maquetamos el catálogo y empezamos con el trabajo de preventa, esto es, contactar con todas las personas que creemos que pueden estar interesadas en adquirir esas piezas, se las enseñamos, les mandamos dosieres con fotografías, se hace una exposición una semana antes en el lugar donde se vaya a realizar la subasta, invitamos a la gente que pensamos que les puede interesar, repartimos los catálogos y finalmente realizamos la subasta en el lugar y la fecha determinados. ¿Afecta la crisis económica global a un negocio como el de las casas de subastas? Del 2004 hasta el 2007 fueron los años de súper boom, los catálogos tenían muchísimos lotes, eran bastante gordos y lujosos y se hacían muchísimas subastas. Nuestras estimaciones casi nunca se cumplían, ya que los precios llegaban incluso a triplicarse. Para nosotros la crisis se notó sobre todo a finales de 2008 y principios de 2009. A la gente le entró miedo y dejó de vender sus objetos, nuestros catálogos se redujeron enormemente, se presentaron menos obras de arte. Pero pasado ese tiempo observamos que las cosas buenas seguían vendiéndose muy bien. El mercado empezó a remontar a mediados de 2009 y recibimos muchas obras de altísima calidad, a la vez que dejamos de vender cosas de nivel medio-bajo, que no tenían tanta salida.

De alguna manera, las casas de subastas marcan una tendencia de valores en las corrientes artísticas, incluso en el arte contemporáneo. Nosotros somos comerciales,

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damos un valor comercial a las cosas. No es un valor artístico, el dinero a veces no se relaciona con el valor artístico del objeto. Hay grandes obras de arte con un valor artístico espectacular pero que no tienen mercado, es decir, que la gente no las quiere comprar. Por ejemplo, retratos del siglo XIX que en su momento despertaron mucho interés, pero para los que ahora no existe demanda.

Por el otro lado, hay artistas que siempre se subastan bien. Por supuesto, hay una serie de artistas que siempre se venden fenomenal porque son muy comerciales: Warhol, Picasso, Francis Bacon, Basquiat… hay una serie de gente que tiene como imán. Hay que tener en cuenta que además en los últimos años se han abierto mercados nuevos, el chino, el ruso, con coleccionistas que están empezando, que tienen mucho dinero y que quieren tener colecciones. Este tipo de coleccionista se guía un poco por los nombres, saben quién es Warhol y se vuelven locos por comprarlo.

Hablando de este tipo de coleccionistas, suelen tener una mayor capacidad adquisitiva a la hora de pujar que muchos museos en el mundo. ¿Qué le parece que grandes obras universales pertenezcan a colecciones privadas, alejadas de la contemplación del gran público? Con los museos nosotros tenemos muchísima relación, y hay veces veces que grandes piezas las ofertamos primero a los museos en venta privada directa. Luego, como he dicho antes, piezas que alcanzan pujas elevadísimas no están acordes con su valor artístico, lo que hace que de por sí los museos no se interesen por ellas.

Por ejemplo, de las grandes obras maestras de la época impresionista, muy pocas están en manos privadas, la mayoría están en museos o fundaciones. ¿Cómo está el mundo del coleccionismo en España respecto al resto del mundo? No tenemos la misma cultura del coleccionismo que pueden tener en Gran Bretaña u otros países.

En España hay colecciones de altísima calidad, sin duda, pero no son tan numerosas como en otros lugares.

Cuando alguien le llama porque quiere desprenderse de una colección realmente impresionante, ¿Qué sensación experimenta

usted? De pena. Hemos hecho varias, hicimos el año pasado la de Manolo March. Este año hay una gran colección en la que estamos trabajando ahora en la que hay muchas piezas de gran valor, la persona ha fallecido y se vende todo. Estas subastas te dan mucha pena, porque se trata de una persona que ha tenido una inquietud y una sensibilidad impresionante, y luego todo se disuelve, cae en manos de hijos que a lo mejor no han tenido ningún tipo de sensibilidad y se han deshecho de ella de cualquier manera. ¿Subastan de todo? Absolutamente de todo.

Cuadros, joyas, escultura, cerámica, muebles, vajillas, lámparas, alfombras, y también subastas temáticas: vestidos de artistas de rock and roll, del Titanic, esqueletos de animales, incluso animales disecados, de perros, zorros.

De todo, vamos.

Dalia Padilla, Director of Christie’s in Spain Any more bids?

Christie’s is the most important auction house on the planet, along with Sotheby’s. We delve into this exciting world of art, power and - above all – heaps of money with the director of Christie`s España, Dalia Padilla.

To bring us up to date, tell us what tasks the Christie’s office in Spain actually performs. It all starts when somebody wants to sell some items and contacts us, or we contact them. We see the pieces they want to get rid of, give them an estimate of what we recommend should be the starting price, and of the best place (usually London or New York) and date for selling the item at a higher price.

Once we have reached an agreement on the estimates, we negotiate the commission we will be charging. Then they hand the pieces over to us and we classify them, photograph them, carry out a study on them if they need to be authenticated, design the catalogue and begin the pre-sales work, which consists of contacting the people we believe may be interested in acquiring those pieces. We show them the pieces, send them dossiers with photos, and a display is held one week before the auction at the venue where it is to take place. We invite the people who we think might be interested, distribute the catalogues and finally, hold the auction on the established date at the venue.

Does the global recession affect a business like auctions? The years 2004 to 2007 were a super boom era, the catalogues were fat and luxurious and had a large number of lots in them, and a great many auctions were held.

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Equipo de Christie’s España, con Dalia Padilla sentada en el centro de la imagen

Our estimates were hardly ever right, because prices even tripled sometimes. For us the recession was noticeable above all at the end of 2008 and the beginning of 2009. People became frightened and stopped selling their ob-

“En España no tenemos la misma cultura del coleccionismo que existe en otros países” ‘In Spain we don’t have the same collecting culture that some other countries may have’

jects, our catalogues shrank right down, and less art works were presented. But after this period we saw that the good things were still selling very well. The market began to pick up again in mid-2009 and we received plenty of extremely high quality works, and at the same time we stopped selling low-mid range items which weren’t selling so well.

In a way auction houses set a trend as regards values in artistic tendencies, even in contemporary art. We are salespeople, we put a commercial value on things. It isn’t

an artistic value, sometimes money is not related to the artistic value of the object. There are great works of art with spectacular artistic value but which have no market, that is to say, people don’t want to buy them. For example, 19th-century portraits, which aroused a great deal of interest in their day, but for which there is no demand at all now.

On the other hand, there are some artists who always auction off well. Of course, there is a series of artists who always sell tremendously well because they are highly commercial names - Warhol, Picasso, Francis Bacon, Basquiat… there is a group of people who have a kind of magnet on them. We should bear in mind that new markets have also opened up in recent years, like the Chinese or the Russian ones, with collectors who are starting out, have a lot of money and want to have their own collections. To a certain extent this kind of collector is guided by the name, they know who Warhol is and they are crazy about buying his stuff.

Speaking of this type of collector, they usually have more purchasing power than many of the world’s museums when bidding.

How do you feel about great universal works belonging to private collections, away from the gaze of the general public? We have a close relationship with museums, and sometimes we offer the great pieces to the museums first, in direct private sales. Then, as I said before, there are items that reach extre-

mely high bids which aren’t in line with their artistic value, which means that the museums are not interested in them anyway. For example, very few of the great masterpieces of the impressionist era are privately owned, most of them are in museums or foundations.

How healthy is the world of collecting in Spain in comparison to the rest of the world? We don’t have the same collecting culture that Great Britain or some other countries may have. Without doubt there are some extremely high quality collections in Spain, but not as many as in other countries.

What do you feel when somebody calls you because they want to sell a really impressive collection? Sorrow. We have handled several, last year we handled Manolo March’s collection. This year there is a great collection we are working on right now, which contains many extremely valuable pieces. The owner died and everything is being sold off. These auctions make you feel sad, because this was a very sensitive person who had a real interest in art, and then everything fades away, it goes to the children who probably had no sensitivity at all and they get rid of it however they can.

Do you auction anything? Absolutely anything. Pictures, jewels, sculptures, ceramics, furniture, crockery, lamps, carpets and we also hold theme auctions, on the Titanic, animal skeletons, even stuffed animals, dogs, foxes. So yes, anything.

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REPORTAJE Report

GALERÍAS VIrTUALES

ARTE DESDE EL SOFÁ Como no podía ser menos en la era de internet, ahora podemos asistir desde el sofá de casa a la inauguración de una exposición de arte aunque ésta se produzca a más de 100.000 kilómetros de distancia. Museos y galerías de todo el mundo aprovechan el filón de las nuevas tecnologías para hacerse un hueco en las pantallas de los ordenadores. por Helena Guitart

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egún un estudio realizado en 2009 por la Fundación Tyssen-Bornemisza, en el que se analizaba la presencia de 100 importantes museos de todo el mundo en internet, la medalla de oro en cuanto a contenidos publicados en la red era para el Musée d´Orsay de Francia. En segundo lugar figuraban el Metropolitan Museum de Nueva York, el Fine Arts Museum de San Francisco y la TATE de Londres. La tercera posición era ocupada por la Saatchi Gallery de Londres. El primer centro español aparece en el puesto número 15 y lo ocupa el Centre de Cultura Contemporànea de Barcelona (CCCB); en el puesto 20 está la Fundación Juan March, en el 22 la Fundación Tyssen-Bornemisza, mientras que el Museo del Prado y el Museo Reina Sofía ocupan los puestos 37 y 60 respectivamente.

En este ranking ni siquiera aparecen el Guggenheim-Bilbao o el MACBA, entre otros. ¿QUÉ OFRECEN ESTAS WEBS? El éxito de la presencia en la red de los museos no sólo depende de la información aportada sino de la capacidad para organizar recorridos dentro de la web o incentivar la futura visita, es

“internet facilita a los museos el desarrollo de su doble función docente y de espacio cultural”

‘Internet facilitates museums the task of developing their dual function as didactical and cultural’ 62 IN PALMA

decir: la capacidad que tengan para interactuar con el usuario. Ya en 1997, cuando todavía pocas casas españolas disfrutaban de internet, en EEUU nacía la organización Archives&Museums, un espacio donde se intercambian opiniones sobre la aplicación de los recursos en internet acerca de los museos.

En Europa todavía no existe una web parecida donde poder poner en común las experiencias vividas en los diferentes museos, aplicación que se puede comparar a tener presencia en las web 2.0, es decir en las redes sociales (Facebook, Twitter, Flickr, Youtube…)

El punto clave de estas redes colectivas es la participación. ¿Y en qué posición se sitúan las instituciones y museos españoles respecto al resto del mundo? Según el estudio citado al principio, se constató en un ranking cuáles eran los museos que tenían mayor presencia en las redes sociales. La primera posición fue para el MOMA, que en octubre de 2010 llegaba a 563.174 suscriptores, cifra que va aumentando día a día. España aparece en el puesto 22 con el Museo del Prado, en el 32 con la Fundación March, en el 34 con el GuggenheimBilbao, y en el 37 el Musac de León.

El blog es el siguiente paso de las redes sociales, un sitio web que contiene artículos (posts) de un autor (blogger) sobre temáticas diversas donde los lectores pueden comentar sus opiniones y donde predominan los vínculos a otras páginas web de interés con el contenido.

Una de las principales bloggers en el mundo museístico es Nina Simon, responsable del blog Museum 2.0 donde analiza la participación colectiva en los museos y da opción a colaborar en dicho análisis. Además es autora de Participatory Museum, libro que reflexiona sobre la actualidad y el futuro de las entidades museísticas virtuales, el cual puede leerse en internet.

No cabe duda que internet facilita a los museos el desarrollo de su doble función docente y de espacio cultural. Por ejemplo el blog de la Fundación Tyssen-Bornemisza, llamado EducaThyssen, y el de la Funcación NMAC, han sido creados como espacios para la reflexión y el debate entre personas interesadas en el arte contemporáneo, además de ofrecer diferentes herramientas pensadas para la docencia y que se pueden distribuir de forma libre al pertenecer a Creative Commons, especificación que permite copiar, distribuir y comunicar públicamente el contenido bajo unas especificaciones mínimas.

Otro ejemplo a tener en cuenta es el “Learn On line” de la web de la TATE de Londres, el cual ofrece cursos online. Y para los más pequeños tiene una multitud de actividades para aprender arte jugando, altamente recomendable.

Otro museo que tiene en cuenta a los niños es el Guggenheim, en su sección “Aprendiendo a

través del arte”, un programa educativo que tiene como objetivo reforzar las materias de la Educación Primaria a través de actividades artísticas. El programa sitúa a artistas en colegios públicos para desarrollar una serie de talleres, trabajando en estrecha colaboración con los educadores del museo y los profesores de los centros. Todo un submundo artístico conectado a través de cables que han modificado los espacios físicos para ampliarlos en lugares virtuales con una infinidad de ventajas que no hay que dejar pasar.

COUCH ART

As one would expect in the age of the Internet, we can now attend the inauguration of an art exhibition from the comfort of our home even though it may be taking place thousands of miles away. Museums and galleries from all over the world are taking advantage of the lucrative thread presented by the new technologies to make a name for themselves on computer screens.

A study carried out by the Thyssen-Bornemisza Foundation in 2009 which analysed the presence of 100 important museums from all over the world on the Internet gave the gold medal as regards contents published online to the Musée d´Orsay in France. The Metropolitan Museum of New York, the Fine Arts Museum of San Francisco and the TATE gallery in London came in second place. Third place was awarded to the Saatchi Gallery in London. The first Spanish centre came in number 15 – the Centre de Cultura Contemporànea of Barcelona (CCCB); 20th place in the ranking is held by the Juan March Foundation, and 22nd by the Thyssen-Bornemisza Foundation, whilst the Museo del Prado and the Museo Reina Sofía occupy places 37 and 60, respectively. The Bilbao Guggenheim, the MACBA and others do not even appear in this list.

WHAT DO THESE WEBSITES OFFER? The success of the online presence of museums depends not only on the information they provide, but also on their capacity to organise routes within the site or create incentives for future visits, that is, their ability to interact with users. Back in 1997, when very few Spanish homes enjoyed Internet connections, in the USA the organisation Archives&Museums came into being, a space where people exchanged opinions on the application of Internet resources regarding museums. Europe does not have a similar site yet, where people can pool their experiences of different museums, an application comparable to a presence on Web 2.0 or social networking sites (Facebook, Twitter, Flickr, Youtube…)

Report REPORTAJE

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Panorámica del MUSAC. © Ángel Marcos

The key to these collective networks is participation. And what positions do Spanish museums and institutions hold with regard to the rest of the world in this respect? The report mentioned above established which museums had the most presence on the social networks.

First place went to the MOMA, which reached the figure of 563,174 subscribers in October of 2010, a number that is on the increase every day. Spain appears in position number 22 with the Museo del Prado, number 32 with the March Foundation, number 34 with the Guggenheim-Bilbao, and number 37 with the Musac of León.

The next step after the social networks is the blog, a website containing posts on different themes by bloggers, where readers can leave their opinions and with a prevalence of links to other websites of interest connected to the content. One of the main bloggers in the museum world is Nina Simon, responsible for the blog Museum 2.0 where she analyses collective participation in museums and gives the opportunity to collaborate on this analysis. She

is also the author of Participatory Museum, a book that can be read online reflecting on the current situation and the future of virtual museum institutions.

There can be no doubt that the Internet facilitates museums the task of developing their dual function as didactical and cultural spaces.

For example, the blog of the Thyssen-Bornemisza, called EducaThyssen, and that of the NMAC Foundation, were both created as spaces for reflection and debate amongst people interested in contemporary art, as well as offering different tools designed for teaching which can be freely distributed as they belong to Creative Commons, a specification that allows contents to be copied, distributed and publicly communicated under certain minimal specifications.

Another example to be borne in mind is the “Learn Online” section of the website of London’s TATE gallery, which offers online courses. And it also includes a host of activities for children, enabling them to learn art by playing - highly recommended. Another museum

“en internet, El primer centro español aparece en el puesto número 15 ” ‘The first Spanish centre on the Internet came in number 15’ that keeps children in mind is the Guggenheim, in its “Learning through art” section, an educational programme that aims to strengthen primary education subjects through artistic activities. The programme places artists in state schools to carry out a series of workshops, working in close collaboration with educators from the museum itself and teachers from the schools. A whole artistic underworld connected by cables that have modified physical spaces, blowing them up into virtual spaces offering numerous advantages we should not pass up.

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ENTREVISTA Interview

Elena Rendeiro

“En el mundo real sólo vemos hasta el muro, pero no somos capaces de penetrarlo” Elena Rendeiro (Madrid, 1976) se instaló en Nueva York en el año 2002, tras recibir la beca para estudios de postgrado en los Estados Unidos de la fundación La Caixa. Un año después cursó el master en bellas artes, especialidad nuevos medios (MFA) en Pratt Institute.

En 2007 irrumpe en la escena nacional, tras recibir la mención de honor 2007 por Generación Caja Madrid.

Artista plástica, escultora, arquitecto y aviadora vocacional, nos habla de su periodo reflexivo. por S. P.

¿En qué momento creativo se encuentra ahora? En un periodo introspectivo y experimental. Recuperando una voz sincera a la hora de encarar proyectos aunque eso me aparte por un tiempo del circuito comercial. A los artistas a veces se nos exige ser un poco como fábricas de hacer galletas, y yo creo que el arte no funciona así, el arte es producto de un pensamiento o de una sensación. Actualmente estamos bombardeados por estímulos visuales, hay mucha oferta artística y cada vez es más difícil encontrar inspiración, motivación, algo auténtico que nos llegue. Por eso cuando de repente me interesa algo, es como una especie de hallazgo. ¿Qué opina de la escena actual contemporánea? El arte contemporáneo ahora se ha vuelto muy teórico y restrictivo, nunca el arte fue menos libre que ahora, ni más moral. Al final los discursos artísticos se centran en los escritores que están de moda, filósofos que están de moda, los artistas que están de moda.

Por ello tengo plena consciencia de la responsabilidad de los artistas cuando creamos una imagen, sin limitar la parte creativa y visceral. ¿Qué está persiguiendo en sus nuevos proyectos, aparentemente tan arquitectónicos?

La arquitectura ya me interesaba desde niña, siempre ha estado presente en mi vida y obra, en mi manera de concebir las distintas propuestas. Trabajo con el espacio, también a nivel pictórico. Me interesa la lectura interior/exterior. Como si se tratara de un juego de espejos. ¿Qué materiales emplea? Utilizo los materiales que mejor se adaptan a la idea de un proyecto, a veces es necesario el uso de maquetas, aunque últimamente me interesan los mate64 IN PALMA

riales que simulan espejos, para mí son como puertas a otros universos, tambien las transparencias o los materiales translúcidos, como la piel que uno atraviesa, para entrar a otro mundo. En el mundo real sólo vemos hasta el muro pero no somos capaces de atravesarlo.

Siempre hay partes opacas dentro de nosotros que ni siquiera somos capaces de penetrar. ¿Qué relación tiene su obra con el sonido?

El sonido tiene una dimensión espacial que me interesa y que lo relaciona con temas como la arquitectura, el espacio y el tiempo, que son precisamante los temas sobre los que he estado trabajando recientemente. Normalmente las obras que me interesan son aquellas en las que me parece percibir sonido. Recientemente el CAC de Málaga adquirió una obra en la que trato el tema del sonido disociándolo de la imagen. Se trata de la obra “Off Line, The Story of Nastagio Degli Onesti”, 2008 (video performance) en la que trato de reconstruir a nivel sonoro, la leyenda conocida principalmente por el ciclo de cuatro cuadros de Botticelli, que narran la historia de un joven rechazado por su amada. Amor y celos, una manera de llevar al ser humano a ser sumiso a través del miedo. La imagen, separada de esa historia, nos asoma a un encadenarse a la “pared” pero sin captor, sin asesino, sin amante, sino que es uno mismo el que se engancha a esa “pared” el que se pone los límites, y es uno mismo también el que puede elegir no hacerlo. Esta pieza era un llamamiento a ese poder elegir. En los cuadros de Botticelli ella no tiene opción. Las pasiones humanas no han cambiado y cuando de repente las cambias de contexto, las sacas de su

tiempo y las pones en este, siguen reverberando de alguna manera como fantasmas que no habrán de abandonarnos, y que nos recuerdan que a veces avanzamos en algunas cosas pero en el fondo no a nivel humano. ¿Y qué relación tiene su obra con lo femenino? Lo de los conceptos de la mujer ha cambiado, pero en el fondo no tanto, sigue habiendo una reminiscencia de todo aquello, como herencia del tiempo. Me interesa lo femenino en el sentido filosófico del término, en cuanto a que es interior y oculto, en cuanto a que pertenece al mundo de lo sensible y a la relación de éste con lo masculino, visible y racional. En ese sentido para mí es como adentrase en el lugar de las sombras y no de la luz, o caminar en la frontera de ambos. ¿Cuáles son sus nuevos proyectos? Aparte de participar en ferias internacionales con las galerías Isabel Hurley (Málaga) y SKL (Palma de Mallorca), estoy trabajando en una escultura/pared, inspirada de forma onírica en el mar de mi infancia, el Mar Atlántico, un mar embravecido, frío, enfadado, siniestro. Por las noches no hay luces, está todo oscuro, solo ves el blanco apagado de la espuma. Al observarlo hay algo de asomarse al abismo. Es como acercarse a esa parte de uno mismo que es opaca, que no ves.

Elena Rendeiro “In the real world we only see as far as the wall, but we aren’t capable of penetrating it”

Elena Rendeiro (Madrid, 1976) settled in New York in 2002, after receiving a grant for postgraduate studies in the United States from the La Caixa foundation. One year later she took the master’s course in fine arts, speciality new media (MFA), at the Pratt Institute.

In 2007 she burst onto the national art scene after receiving an honorary mention in 2007

by Generación Caja Madrid. A plastic artist, sculptor, architect and vocational aviator, she speaks to us of her period of reflection.

What creative period are you going through right now? An introspective, experimental period. Recovering a sincere voice in my approach to projects even though this may distance me from the commercial circuit for a while.

Sometimes people demand that we artists be a little like biscuit factories, and I believe that

Interview ENTREVISTA

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Elena Rendeiro ante su obra “A Ras de Piel” (2007-2009). Instalación y Performance.

art doesn’t work like that, art is the product of a thought or a feeling. At present we are bombarded by visual stimuli, there is a huge artistic range on offer and it is more and more difficult to find inspiration, motivation, something authentic that reaches us. Which is why when I suddenly feel interested in something, it’s like a kind of discovery.

What is your opinion of the art scene today? Contemporary art has become highly theoretical and restrictive now; art was never less free than it is now, or more moral. In the end artistic discourses focus on the writers who are in fashion, philosophers who in fashion, the artists who are in fashion. Which is why I am fully aware of the responsibilities we artists have when we create an image, without restricting the creative, visceral part.

What are you pursuing in your new, apparently architectonic projects? I have been interested in architecture since I was a child; it has always been present in my life and work, in my way of conceiving different proposals. I work with space, on a pictorial level too. I am interested in the interior/exterior interpretation. As though it were a kind of mirror play.

What materials do you use? I use the materials that fit in best with the idea for a project; sometimes I have to use models, although recently I have been interested in the materials that simulate mirrors, for me they are like doors to other universes, also transparencies

or translucent materials, like the skin one passes through to enter another world. In the real world we only see as far as the wall, but we aren’t capable of penetrating it. There are always opaque parts inside us that even we are incapable of penetrating.

What relationship does your work have with sound? Sound has a spatial dimension that interests me and relates it to subjects like architecture, space and time, which are precisely the subjects I have been working on recently. Normally the works that interest me are those in which I seem to perceive sound.

Recently the Malaga Contemporary Art Centre acquired a work in which I deal with the issue of sound, disassociating it from image.

The work is “Off Line, The Story of Nastagio Degli Onesti”, 2008 (video performance), and in it I try to reconstruct on a sonorous level the legend most people know from the cycle of four paintings by Botticelli which tell the story of a young man rejected by his beloved.

Love and jealousy, a way of leading human beings to submissiveness through fear. The image, separate from this story, gives us a glimpse of a ‘chaining oneself’ to the “wall” but with no captor, no murderer, no lover; it is the self who ties itself to that “wall”, who sets the boundaries, and it is also the self who can choose not to do so. This piece was a call to this power of choice. In the Botticelli pictures she had no choice. Human passions have

not changed and when you suddenly change their context, remove them from their time and put them in this one, they still reverberate in a way, like ghosts that will not leave us, and which remind us that sometimes we make progress in some things but deep down, not on a human level.

And what relationship does your work have with things feminine? Everything surrounding the concepts of woman has changed, but not so much deep down, there is still a reminiscence of all that, like a legacy of time.

I am interested in things feminine in the philosophical sense of the word, as regards what is interior and hidden, as regards what belongs to the world of the sensitive and its relationship with things masculine, visible and rational.

In this regard, for me it is like penetrating the place that is shadowy and not light, or walking on the border between the two.

Tell us about your new projects. As well as taking part in international fairs with the galleries Isabel Hurley (Málaga) and SKL (Palma de Mallorca), I am working on a sculpture/wall inspired oneirically by the sea of my childhood, the Atlantic Ocean, a tempestuous, cold, angry, sinister sea. At night there are no lights, everything is dark, you only see the muffled whiteness of the foam. Observing it is a little like leaning over the abyss. It is like coming close to that part of oneself that is opaque, that you can’t see.

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EXPOSICIÓN Exhibition

Exposición Amathing en la galería Xavier Fiol

Amathing

EN BUSCA DE LA BELLEZA PLÁSTICA

H por L.N.

ace ahora 10 años que la galería Xavier Fiol y el artista Santiago Picatoste pusieron en marcha un proyecto que daba la oportunidad a aquellos artistas que no trabajaban con ninguna galería en esos momentos a exhibir sus propuestas multidisciplinares. Así el llamado Proyecto Salas dio la oportunidad a jóvenes valores de aquella época. Recogiendo ese testigo y a modo de tributo, nace un nuevo proyecto bautizado como Amathing, título de una exposición colectiva que pretende mostrar el pulso del arte que se gesta en buena parte en Mallorca, pero que se apoya y promociona en el panorama internacional.

Pintura, dibujo, fotografía, escultura e instalación, desde el punto de vista más actual, difuminan sus fronteras para generar un diálogo entre las obras de cinco artistas, Xisco Bonnín, Manuel Quijano, Santiago Villanueva, Concha Vidal y el propio Santiago Picatoste, coordinador de la exposición.

Bernardí Roig, “Spielraum”.

El concepto “Amathing”, cosa u objeto (en el caso artístico) sorprendente, viene dado por la 66 IN PALMA

fórmula empleada por estos artistas a la hora de encarar sus obras, que ejerciendo su huella imperfecta sobre las mismas, pretenden acercarse a la búsqueda de la belleza plástica, leitmotiv de esta exposición.

Amathing es también una reivindicación, surge en principio y sorprendentemente, tras reflexionar sobre el concepto de lo que se entiende hoy como “lo transgresor en el arte”, gestando sinónimos como estímulo acto reflejo. No descarta ser optimista en tiempos de dificultad y promocionar el valor del arte contemporáneo como experiencia estética, de conocimiento y denuncia.

Amathing IN SEARCH to plastic beauty

It is 10 years now since the Xavier Fiol gallery in Palma and the artist Santiago Picatoste started up a project that enabled artists who were not working with any galleries at the time to exhibit their multidisciplinary proposals. This is how the Proyecto Salas, as it was called, gave the young talents of the day a chance. Following

suit, and by way of a tribute, a new project has now been created, under the name of Amathing, the title of a group exhibition which aims to show the strength of an art that is largely produced in Mallorca, but is supported and promoted on the international scene.

The frontiers of painting, drawing, photography, sculpture and installation art become blurred to generate a dialogue between the works of five artists, Xisco Bonnín, Manuel Quijano, Santiago Villanueva, Concha Vidal and Santiago Picatoste himself, the coordinator of the exhibition.

The concept of “Amathing”, a surprising thing or object (in the artistic case), comes from the formula used by these artists in their approach to their own works when, making their imperfect mark on them, they try to come closer to the search for plastic beauty, the leitmotiv of the exhibition.

Amathing is also a kind of claim, emerging initially - and surprisingly - after reflecting on the concept of what is now understood as “the transgressive in art”, giving rise to synonyms such as stimulus, reflex action. It does not rule out being optimistic in hard times and promoting the value of contemporary art as an aesthetical experience, and one of knowledge and denouncement.

Exhibition EXPOSICIÓN

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Las mujeres de Argel

Casal Solleric

El Picasso más mediterráneo por H.G.

H

asta enero de 2011 el Ayuntamiento de Palma y Caja Mediterráneo presentan en el Casal Solleric la muestra “Picasso mediterráneo”, formada por 51 piezas de los fondos de la Fundación Picasso, el Museo Casa Natal. La exposición presenta grabados, cerámicas y libros ilustrados de Pablo Picasso (Málaga, 1881-Francia, 1973) a través de los que se pretende recoger los diversos aspectos de la cultura mediterránea.

Esta muestra, divida en seis secciones, se presenta como un caleidoscopio para aportar la visión precisa que el artista malagueño tenía del Mediterráneo. La primera fase, titulada “Expresiones del mundo antiguo” se divide en tres partes: “La Biblia”, “Cultura Grecolatina” y “El mundo Árabe”, apartados que aúnan la cultura occidental, la grecolatina y la árabe que se pueden percibir en obras como “Salomé”, “Las tres bañistas, II” y “Las mujeres de Argel, según Delacroix”. La segunda sección, “Celebración mitológica”, está centrada en la figura del fauno y en la que se representan momentos de exaltación del disfrute a cargo de faunos y centauros. En la tercera sección, “El esplendor de los cuerpos”, se muestra la desnudez consagrada por la iconografía de las culturas de Grecia y Roma, y aparece des-

provista de las connotaciones mitológicas, como se muestra en “Danzas”. La siguiente sección, “Tiempos de Playa”, demuestra que la playa fue uno de los escenarios predilectos del pintor, el grabado surrealista “Figuras en traje de baño con tiempo nublado”, o la cerámica sobre bañistas son el reflejo de sus veranos. La quinta sección de la exposición, “Fauna mediterránea”, tiene que ver con la alimentación en algunos casos, a través de los bodegones con peces y erizos. En sus largas estancias en Francia, el artista malagueño optó siempre por situar sus viviendas alternativas a París en la costa mediterránea.

Estos lugares pertenecen a la última sección, “Paisajes”. Una exposición que nadie debería perderse.

Mediterranean Picasso

Palma City Council and Caja Mediterráneo present an exhibition that will run until January of 2011 in the Casal Solleric, entitled “Mediterranean Picasso”. The display is comprised of 51 pieces from the collection of the Picasso Foundation, the Museo Casa Natal (Picasso birth house museum). The exhibition includes engravings, ceramics and books illustrated by Pablo Picasso (Malaga, 1881 France, 1973) designed to cover diverse aspects of Mediterranean culture.

Divided into six sections the display is presented like a kaleidoscope so as to give the

precise vision the Malaga-born artist had of the Mediterranean. The first phase, entitled “Expressions of the ancient world” is in turn divided into three parts – “The Bible”, “Greek and Latin Culture” and “The Arab World”.

These sections unify the Western, Greek and Latin and Arab cultures, as we may perceive in works such as “Salomé”, “Three bathers, II” and “The Women of Algiers, after Delacroix”.

The second section, “Mythological celebration”, centres on the figure of the faun and includes representations of moments involving exaltation of enjoyment by fauns and centaurs. In the third section, “The splendour of bodies”, we are shown nudity consecrated by the iconography of the Greek and Roman cultures, and it also appears devoid of mythological connotations, as shown in “Danzas”.

The next section, “Beach times”, proves that the beach was one of the painter’s favourite settings. The surrealist engraving “Figuras en traje de baño con tiempo nublado”, or the ceramic piece on bathers, are a reflection of his summers. The fifth section of the exhibition, “Mediterranean fauna”, is linked to food in some cases, through still lifes depicting fish and sea urchins. During the long periods he spent in France, the Andalusian artist always chose to locate his Paris-alternative dwellings on the Mediterranean coast. The landscapes of these places belong to the final section, called simply “Landscapes”. An exhibition nobody should miss. www.casalcolleric.cat

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ENTREVISTA Interview

Pilar Ribal, Directora Artística de Espacio Atlántico

La Feria que Palma anhela Licenciada en Historia del Arte por la Universitat de les Illes Balears, Pilar Ribal, ya sea como comisaria, asesora o crítica, es una de las personas más consideradas del mundo del arte no sólo en Mallorca, donde reside, sino también a nivel nacional, como demuestra su elección como directora artística de una de las ferias con mayor pujanza, Espacio Atlántico. por H.G.

¿Qué clase de feria es Espacio Atlántico?

Pues una feria de arte contemporáneo internacional que celebrará su segunda edición del 7 al 10 de abril de 2011 en Vigo. Es una iniciativa privada que cuenta con apoyo institucional y cuyo objetivo primordial pasa por consolidarse como una de las primeras ferias españolas de su categoría. ¿Cuáles son los cambios principales entre Espacio Atlántico y su antecesora, Puro Arte? La primera edición de Espacio Atlántico, celebrada en enero de 2010, atrajo el interés de las principales fundaciones e instituciones públicas y privadas de la comunidad gallega, además de recibir una muy buena acogida por parte de la prensa especializada. Ello se debe fundamentalmente al cambio de rumbo que impuso la incorporación de David Barro a la Dirección Artística. Este cambio cierra la etapa anterior de la feria como Puro Arte y abre el camino para la participación de galerías de un perfil altamente profesional y competitivo, línea que continuamos actualmente con el nuevo equipo, en el que destaca la colaboración con Sofía Barroso y Julieta Rafecas para el programa de coleccionistas y de Susana Mihalic y el equipo de Dardo al frente de la comunicación.

Por cierto, y ya que usted que vive en Mallorca, ¿Por qué cree que con el panorama cultural que hay en Palma no existe aquí una gran feria de arte internacional? Hubo una excelente oportunidad y no se supo, o no se pudo, aprovechar. Me refiero a “Art Cologne Palma”, cuya única edición se celebró en 2007.

Seguramente el cambio de gobierno jugó en contra de un proyecto que pudo haber cuajado pero que quedó frustrado nada más nacer. De lo que no hay duda es de la idoneidad de Palma como posible sede de una feria de arte “en condiciones”, algo de lo que de vez en cuando se oye hablar…

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Pilar Ribal

Volviendo a Espacio Atlántico, ¿Cuáles son los objetivos principales? El objetivo más inmediato es claramente mantener y consolidar la feria entre las más importantes de su nivel, dotándola de una personalidad diferencial y de propuestas capaces de atraer y convencer a todos, espónsores, expositores, visitantes y prensa. ¿A qué tipo de público va dirigido? Va dirigido al más amplio abanico de públicos, desde la institución, el museo y el coleccionista especializado hasta el público en general. Habrá espacio, iniciativas y actividades adecuadas para un amplio espectro de visitantes En un panorama en el que todo el mundo busca la diferenciación ¿qué tiene Espacio Atlántico que no tengan otras ferias? Al asumir la Dirección Artística de Espacio Atlántico me impuse como meta conferir a la feria algún rasgo diferencial. La feria no es sólo un acontecimiento comercial, debe ser también un evento cultural y una plataforma para la creatividad y la imaginación, por ello he querido dar al dibujo una atención especial.

Pilar Ribal, Artistic Director of Espacio Atlántico

The Fair Palma yearns for A graduate in Art History through the University of the Balearic Islands, Pilar Ribal, acting as curator, consultant or critic, is one of the most highly-regarded people of the art world not only in Mallorca, where she lives, but throughout the whole country, as is clear from her appointment as artistic director of one of the most booming of up-and-coming art fairs, Espacio Atlántico.

What kind of fair is Espacio Atlántico? Well, Espacio Atlántico is an international contem-

porary art fair in its second year, due to be held from 7th to 10th April 2011 in Vigo. It is a private initiative that also has institutional support, and the primary objective is for it to consolidate as one of the top Spanish fairs in its category.

What are the main differences between Espacio Atlántico and its predecessor, Puro Arte? The first Espacio Atlántico fair, which was held in January of 2010, attracted the interest of the main public and private foundations and institutions of the Galician community, and met with a good reception in the specialist press. This was fundamentally due to the change in direction that was imposed when David Barro was included in the Artistic Management team. This change ended the fair’s previous era as Puro Arte and paved the way for the participation of galleries with a highly professional and competitive profile, a line we are continuing now under the new team, with the outstanding collaboration of Sofía Barroso and Julieta Rafecas for the collectors’ programme and Susana Mihalic and the Dardo team heading up communication.

Incidentally, and since you live in Mallorca – why do you think it is that with Palma’s cultural scene the city does not host a big international art fair? An excellent opportunity arose but for some reason or other, it was not exploited. I am referring to “Art Cologne Palma”, which was held once only in 2007. Probably the change of government backfired against a project that could have gelled but ended up being frustrated just after it emerged. But there can be no doubt that Palma is ideal as a possible venue for a “proper” art fair, something one hears talk of from time to time…

Returning to Espacio Atlántico, what are its main objectives? Its most immediate objective is clearly to maintain and consolidate the fair amongst the most important ones of its level, bestowing a different personality on it along with proposals capable of attracting and convincing everyone – sponsors, exhibitors, visitors and the press.

What kind of public does it address? It addresses the widest possible range of publics, from institutions, museums and specialist collectors to the general public. There will be space, initiatives and activities suitable for a broad spectrum of visitors.

In a world in which everyone is seeking differentiation, what does Espacio Atlántico have that other fairs don’t? When I took over as Artistic Director of Espacio Atlántico I set myself the goal of giving the fair some differential features. The fair is not only a commercial event; it should also be a cultural event and a platform for creativity and imagination, which is why I wanted to give special attention to drawing. www.espacioatlantico.com

ARTE CONTEMPORÁNEO

LaNAVE

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LaNave

LIBROS Books

© Alberto García-Alix

LAS FLORES DEL MAL

EL ESPÍRITU DE CRISTAL

Art Show [Translúcids]

Charles Baudelaire. Ed. Nórdica Libros.

Carlos Jover. Ed. La Noche Polar.

Xisco Bonnín. Ed. Samakineta.

En el año 2007 se cumplían 150 años de este poemario esencial, obra cumbre de Baudelaire.

Poeta y crítico francés, admirador de Poe. Acusado por el gobierno francés de atentar contra la moral pública. Soberano de sus contemporáneos en lo sórdido y sublime del comportamiento humano. Es sabido que era amante de la pintura, por eso esta editorial decidió rendirle homenaje con las ilustraciones de Joos, profesor de pintura, cómics e ilustración, ganador del premio Walonie-Québec en la edición de 1998.

Según T. S. Eliot, Baudelaire es el mejor ejemplo de poesía moderna en cualquier idioma. En esta cuidada publicación podemos encontrar seis de los poemas censurados en la época.

The year 2007 was the 150th anniversary of the essential poems that were the greatest work of Baudelaire, the French poet and critic and an admirer of Poe. He was accused of offending public morals by the French government, and outranked all his contemporaries in things sordid and sublime within human behaviour. It is common knowledge that he loved painting, which is why Nórdica publishers’ decided to pay tribute to him with the illustrations of Joos, a teacher of painting, comics and illustration and winner of the 1988 Walonie-Québec prize.

According to T. S. Eliot, Baudelaire is the best example of modern poetry in any language.

Agenda de lanave

Con El Espíritu de Cristal, Carlos Jover se planta en el panorama de la narrativa española actual sin compasión. La historia de la aniquilación de Aníbal Ritsos, perdedor en el juego de los placeres, alcanza especiales cotas artísticas gracias al planteamiento original y arriesgado de Jover.

El vicio y las drogas, en este retrato crudo de un despojo humano, dejan su sordidez a un lado para invitar al lector a un juego literario ambicioso, que combina reflexión lingüística, filosófica y una mirada cínica. Pocas veces una ópera prima ha mostrado una apuesta narrativa tan contundente y meditada, una voz tan temperada por el distanciamiento y la desinhibición.

With “El Espíritu de Cristal” (The Glass Spirit), Carlos Jover positions himself on the scene of contemporary Spanish narrative with no compassion. The story of the annihilation of Aníbal Ritsos, a loser in the game of the pleasures, attains particular artistic heights thanks to Jover’s original, daring stance. In this harsh portrayal of a human wreck, drugs and vice leave their sordidness aside to invite the reader to an ambitious literary game which combines linguistic and philosophical reflection and a cynical view. Seldom has a first work shown such convincing, meditated narrative, a voice so tempered by remoteness and lack of inhibition.

Éste exquisito y cuidado volumen del fotógrafo mallorquín Xisco Bonnín recoge la segunda parte del proyecto Translúcids. Si en Motorland (publicado en 2007) el fotógrafo fijó su atención en los espacios urbanos, los extrarradios y los nuevos paisajes producto del espectacular desarrollo de las redes viarias, en esta serie, titulada Art show, aplica su óptica personal al entorno del mundo del arte desde una perspectiva irónica y surrealista. El libro ha sido editado por el colectivo fotográfico SamaKineta y se puede encontrar en librerías especializadas de Palma y las principales ciudades de España.

The layout of this exquisite, painstakinglyproduced volumeof the photographer Xisco Bonnín shows the second part of the Translúcids project. Whereas in Motorland (published in 2007) the photographer focussed his attention on urban spaces, the outskirts of cities and the new landscapes produced by the spectacular development of road networks, in this series, entitled Art show, he applies his personal vision to the environs of the art world from an ironic, surrealist perspective.

The book was published by the SamaKineta photographic group and is already on sale in specialist bookshops in Palma and Spain’s most important cities.

LaNave Local

Es Baluard. “Extimitat. Art, intimitat i tecnologia” hasta mayo de 2011. www.esbaluard.org

Fons Documental de Miquel Barceló. Fondos pertenecientes a toda la documentación existente del artista renovada día a día. www. miquelbarcelo.org

CaixaForum Madrid. “Dalí, Lorca y la ResiBrooklyn Museum, Nueva York. “Norman dencia de Estudiantes” hasta febrero de 2011. Rockwell: Behind the Camera” hasta el 10 de www.obrasocial.lacaixa.es Abril de 2011. www.brooklynmuseum.org

CaixaForum Palma. “Exposición sobre el Comercio Justo: un producto, una historia” hasta el 27 de febrero de 2011. www.obrasocial. lacaixa.es Fundación Juan March. “Giorgio Morandi.

Tres Acuarelas y doce Aguafuertes” hasta el 26 de febrero de 2011. www.march.es 70 IN PALMA

LaNave Nacional

MNAC, Barcelona. “Joies d’artista. Del modernisme a l’avantguarda” hasta el 13 de febrero de 201. www.mnac.cat MACUF, La Coruña. “Sinergias. Arte Latinoamericano actual en España” hasta el 27 de febrero 2011. www.macuf.es

Guggenheim Bilbao. “Haunted: Fotografía/

Vídeo/Performance contemporáneos” hasta el 13 de Marzo. www.guggenheim-bilbao.es LaNave Internacional

Tate Modern, Londres. “Gabriel Orozco” hasta el 25 de abril 2011. www.tate.org.uk Staatliche Museen, Berlín: “Modern Times.

The Collection.1900-1945. New National Gallery” hasta octubre 2011. www.smb.museum Centre Pompidou, París. “Mondrian/De Stijl” hasta el 21 de marzo de 2011. www.cnac-gp.fr