Abril de 2015 Estimados amigos: Hemos comenzado la temporada de primavera, que nos trae, junto con el ciclo renovador de la naturaleza, un sentimiento de alegría y optimismo. Espero que ustedes compartan con nosotros los buenos deseos y nos brindemos la oportunidad de gozar de las cosas buenas de la vida. Pensando en ustedes y en su economía, Interjet ha puesto a su alcance, en todos los destinos, alrededor de 500 mil asientos a precios increíblemente bajos, comprando con cierta anticipación. Recuerden que sólo Interjet les permite transferir sus boletos a otras personas pagando únicamente el servicio de cambio. Ninguna otra aerolínea en México les ofrece precios bajos con esta flexibilidad. Consulte asimismo Intertours®, que contiene nuestros paquetes de avión, hotel y servicios complementarios. Para estas vacaciones les recuerdo algunos de los diferenciadores de calidad que ofrece Interjet: nunca sobrevendemos asientos; sus lugares quedan preseleccionados desde el momento de la compra; los aviones que ponemos a su disposición son nuevos y tienen el mayor espacio entre filas de asientos; ustedes pueden transportar hasta 50 kilos de equipaje documentado, más 10 kilos de equipaje de mano, por pasajero, lo que les permite transportar sin pagar extra su equipo deportivo o bien, a su mascota; las mamás pueden llevar consigo a sus bebés en un asiento sin pagar boleto. De igual modo, si no son miebros de Club Interjet®, los invito a afiliarse para que comiencen a recibir recompensas, y si planean viajar en familia, les conviene inscribirse a Club Interjet Familiar® para recibir en un monedero electrónico el dinero en efectivo equivalente al 10% de la tarifa aérea de toda su compra. Y recuerde usar el saldo de su monedero electrónico de Club Interjet® para pagar sus boletos e igualmente puede adquirirlos con sus puntos de American Express®, Payback® o Membership Rewards®.
April 2015 Dear friends: The spring season is here and with it the renewable cycle of nature along with a sense of joy and optimism. I hope you share our good desires and allow ourselves the opportunity to enjoy the good things of life. Thinking of you and your economy Interjet has put within reach for you approximately five hundred thousand seats in all our destinations at incredibly low prices buying them in advance. Remember that only Interjet allows you to transfer your tickets to another person paying only the change service. No other airline in Mexico offers you low prices with this flexibility. You can also consult Intertours® for our plane, hotel and complementary services packages. For these holidays I remind you some of the distinguishing elements Interjet offers: we never overbook seats; your places are preselected as of the moment of your purchase; the planes we put at your disposal are new with larger space between seat rows; you can transport up to 50 kilos of checked baggage plus 10 kilos of hand luggage per passenger which allows you to take free of extra charge your sports equipment or your pet; mothers can take their babies in a seat with them without paying for a ticket. Also if you are not a member of Club Interjet® I invite you to join in so you can start receiving rewards and if you are planning to travel with your family it would be in your interest to join Club Interjet Familiar® and receive in electronic purse the equivalent of 10% of the air rate of your entire purchase in cash. Remember to use the amount of your Club Interjet® electronic purse to pay your tickets, you can also pay them with American Express®, Payback® or Membership Rewards® points.
Es para mí un honor expresarles ahora y siempre mi más sincero agradecimiento. En Interjet nos interesa profundamente ser merecedores de su confianza y mantenernos dentro de su amable preferencia.
It is an honor for me to express now and always my most sincere thanks to you. At Interjet we are very interested in being worthy of your trust to continue counting with your kind preference.
Disfruten su viaje,
Enjoy your trip,
José Luis Garza Álvarez Director General Interjet
José Luis Garza Álvarez CEO Interjet
Al cierre de esta edición, el futbolista jalisciense que el 1 de junio cumplirá 27 años, concentrado con su selección para disputar un par de juegos amistosos en Estados
Cortesía
cuestión de tiempo
Chicharito: H
ace unos días, Javier Hernández fue noticia en España y en México. No lo fue por haber anotado un gol importante (ni un gol cualquiera) con el Real Madrid, tampoco porque su entrenador, Carlo Ancelotti, lo hubiese considerado para ser titular en algún partido de la liga española o siquiera para entrar a disputar unos cuantos minutos en un juego oficial. Lo fue, en cambio, por haber trascendido que su posible nueva conquista es una guapa presentadora española de 26 años, Lucía Villalón, a la que antes se ligó sentimentalmente con Cristiano Ronaldo.
La tres
Unidos, no había confirmado o desmentido el rumor. Sin embargo, eso no es lo importante, sino el hecho de que una vez más el alguna vez famoso Chicharito (famoso por sus goles que antaño ayudaron a conquistar un puñado de títulos a su anterior club, el Manchester United, en donde jugó de 2010 a 2013, siendo titular bajo las órdenes del hoy retirado entrenador Sir Alex Ferguson) brinda oportunidad a los periodistas de hablar de su persona. Pero algo debe andar mal cuando un personaje de quien se debieran ocupar los espacios deportivos comienza a dar nota en las páginas del corazón. “Por algo estoy aquí (en el Madrid) y lo voy demostrar. En las pocas oportunidades que he tenido lo he tratado de demostrar, ser profesional, darlo todo e intentar ayudar a mis compañeros, y estar preparado para la oportunidad que tenga”, declaró Javier el mes pasado a los medios tras asegurar que se siente a la par de los mejores delanteros del mundo. Sin embargo, todo hace indicar que tras la actual temporada no tendrá muchas más oportunidades con su club, que no hará válida la opción de compra por sus servicios, y en el United, equipo dueño de su carta, no entra en los planes del estratega Louis van Gaal. ¿Qué le queda? Volverse a cotizar teniendo un verano de ensueño con el Tricolor, como aquel de 2010 que incluyó un gol a Francia y otro a Argentina en el Mundial de Sudáfrica, que le valieron su boleto a Europa. Pero entonces tenía 22 años y ya se sabe que “Dios sí perdona, el tiempo no”. Buena suerte. 3
Abril 2015 en este número...
año 9 /abril de 2015/número 101 Director General José Luis Ramírez Cota jlr@interjet.com.mx
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Editor Marco Antonio Cuevas Campuzano marcoantonio.cuevas@interjet.com.mx marcocuevas76@hotmail.com
LA TRES
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Diseño y formación Daniela Garza Proal Pilar Fernández Salinas Corrección de estilo Alba Damián Publicidad Firmesa 5250-7788 ricardo@firmesa.com.mx joseluis@firmesa.com.mx Consejo Editorial Miguel Alemán Velasco Diana Ramírez Magnani Revista Interjet, número 101, abril de 2015
THE PLACE TO BE Hotel Boca Chica en Acapulco
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FASHIONISTAS
Revista de publicación mensual Editada y distribuida por: Publicación de Revistas Azteca S.A. de C.V. Monte Líbano 235-302, col. Lomas de Chapultepec, C.P. 11000, Miguel Hidalgo, México, D.F. Teléfonos: 5520-7712 y 5520-6803. Fax: 5520-4932 www.interjet.com.mx Editor responsable: Marco Antonio Cuevas Campuzano
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TENDENCIAS Un paseo por las obsesiones de Gaultier en París
Número de reserva otorgado por el Instituto Nacional de Derechos de Autor: 04-2007-011915304300-102 Número de certificado de licitud de título: 13653 ISSN: 2007-6495 Certificado de licitud de contenido: 11226
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Publicación inscrita en el Padrón Nacional de Medios Impresos Impresión Offset Multicolor Calzada de la Viga 1332, Iztapalapa, C.P. 09430, México, D.F., Teléfono: 5633-1182 info@multicolor.com.mx Este ejemplar se teminó de imprimir el 25/03/15 El tiraje consta de 67 mil ejemplares Portada: La Habana, Cuba Foto: istock
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AGENDA
LIBROS
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CULTURA Es temporada de Björk en Nueva York
TESTIMONIOS Wim Wenders, profeta del 3D
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ARQUITECTURA Frei Otto, la solidez de la ligereza
GENTE
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MÚSICA
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GASTRONOMÍA Jamie Oliver en su punto
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DEPORTES Mayweather vs Pacquiao, la pelea del siglo
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LITERATURA Los 150 años de Alicia
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ARTE Henri CartierBresson: el instante es lo que cuenta
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DE VIVA VOZ Ignacio López Tarso
ESTILOS
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TRADICIONES Tropicana mon amour
114
DE CERCA Cuba año cero
MANERAS DE VIVIR
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132
AQUEL AYER
PALOS DE CIEGO
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138
EL PULSO
140 MOTOR
80
MÉXICO LINDO Puerto Vallarta: un paseo entre historias de amor
124
PSICOLOGÍA Vivir tras una coraza
90
ENTREVISTA González Iñárritu, más allá del Oscar
98
CINE Messi de película
144
QUÉ HAY DE NUEVO
148
NUBECITA
128
BIENESTAR Comer sin sufrir
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INTERJET INFORMA
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Agenda abril 2015 Sobre las olas
En el marco de Fiesta San Antonio (un gran festival de primavera a celebrarse este año del 16 al 26 de abril), la selección mexicana de futbol enfrenta a su similar de Estados Unidos, en un choque de preparación rumbo a la Copa Oro.
Fotos: cortesía
¿Amistoso?
Alamodome, en San Antonio, 15 de abril www.femexfut.org.mx
Cancún, del 24 al 26 de abril www.jetsurf.com
Un Nobel en el Tec Gabo en su tierra El segundo Festival Internacional de Música de Bogotá viene cargado de Mozart; entre los artistas invitados se encuentran los violinistas Benjamin Schmid (Austria), Julian Rachlin (Lituania), Isabelle van Keulen (Países Bajos) e Isabelle Faust (Alemania). Mientras que el universo de Macondo y su creador Gabriel García Márquez se trasladarán a la Feria Internacional del Libro de Bogotá.
El Caribe mexicano será sede de la primera carrera internacional de JetSurf: Motosurf GP Championship Race (tablas de surf motorizadas creadas por ingenieros de la Formula 1), a la cuál asistirán más de 30 campeones de todo el mundo: Estados Unidos, Brasil, República Checa, Japón, Israel, Francia y más.
El Nobel de Literatura peruano Mario Vargas Llosa visita nuestro país como parte de las actividades de la Cátedra Alfonso Reyes. El autor de Travesuras de la niña mala impartirá la conferencia titulada “Mis pasiones literarias”. Tecnológico de Monterrey, en la Sultana del Norte, 20 de abril www.mvargasllosa.com
El mejor sonido Sound Check Expo se compone de conciertos didácticos, clínicas, conferencias, showcase, exposición fotográfica y mucho más. En esta edición participan personajes de la talla de los músico y productores Alan Parsons y Tweety González. WTC, en la Ciudad de México, del 26 al 28 de abril www.soundcheckexpo.com.mx
¡Cámara, acción! Dos banquetes imperdibles para los amantes del séptimo arte: Havana Film Festival, que rendirá un homenaje a Gabriel García Márquez a un año de su fallecimiento, y el Riviera Maya Film Festival, con más de 200 proyecciones, entre ellas el estreno de la cinta de Terrence Malick, Knight of Cups, protagonizada por Christian Bale.
FIMB: 15 escenarios diferentes de la capital colombiana, del 1 al 4 de abril
HFF: en Nueva York, del 9 al 17 de abril / www.hffny.com
FILBO: Centro de exposiciones Corferias, del 21 de abril al 4 de mayo
RMFF: en Playa del Carmen, Tulum, Cancún y otros escenarios de la Riviera Maya, del 23 al 29 de abril / www.rmff.mx
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THE PLACE TO BE
Hotel Boca Chica en Acapulco
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Fotos: cortesía Grupo Habita/ Undine Pröhl
A
cuérdate de Acapulco, cantaba Agustín Lara a la bella María Félix en recuerdo de las noches y los días que la pareja pasó en el paradisiaco puerto en los tiempos que ahora se llaman, con cierto dejo de nostalgia, época de oro.
Está ubicado en: Playa Caletilla s/n, Fraccionamiento Las Playas, Acapulco, Guerrero (México)
En México, época de oro hubo en el cine, en la música, en la arquitectura, en la literatura, en el periodismo, y si se quiere, hasta en la televisión. La de Acapulco se forjó a la sombra de nombres de celebridades como los de Elizabeth Taylor, Frank Sinatra, Ava Gardner, Cantinflas, Gloria Gaynor, Cary Grant, Jackie y John F. Kennedy. Y también de sitios emblemáticos como el hotel Los Flamingos y la legendaria discoteca Armando’s Le Club. De esta línea de tiempo proviene el Boca Chica.
El buen detalle: date una vuelta por el spa, en donde se utilizan ingredientes naturales y herbales, aromaterapia artesanal, compresas curativas inspiradas en la medicina tradicional y scrubs dulces aplicados por manos intuitivas. Además, las noches en Acapulco son completamente diferentes en Coco Wash, un antro estilo años 50 con el exclusivo toque Boca Chica.
Inmortalizado hace medio siglo en la secuencia de créditos iniciales de Fun in Acapulco, la película protagonizada por Elvis Presley que el Rey del Rock nunca vino a filmar a nuestro país, el edificio que data de los años 50 del siglo pasado, autoría del arquitecto Antonio Peláez, fue cuidadosamente restaurado por los diseñadores Frida Escobedo y José Rojas, en conjunto con el arquitecto Fernando Romero, y puesto a funcionar hace exactamente cinco años bajo el auspicio de Grupo Habita, líder en hoteles de estilo de vida en México a partir del año 2000 cuando inauguró su buque insignia, Hotel Habita, en el capitalino y cosmopolita barrio de Polanco.
lounge esparcida en el ambiente– que se concentra en el área de la alberca (una espectacular terraza que da al azul del mar), en el frondoso jardín, en el pequeño muelle (el hotel carece de playa, pero se puede nadar en las calmas aguas que bañan las rocas de su caleta privada) o debajo de la palapa que alberga el restaurante con un menú compuesto por las creaciones mexicano-japonesas del chef Keisuke Harada.
Lujo, modernidad, chic, elegancia, diseño minimalista, mobiliario vintage y buen gusto, todo aderezado con un aura de glamour y nostalgia, las 36 suites de Boca Chica, dotadas con impresionantes vistas a la zona antigua de Acapulco en la Bahía de Santa Lucía –que no pide nada en belleza a la de Río de Janeiro–, a la isla de la Roqueta y al Club de Yates, brindan al viajero exactamente eso que desea: descanso placentero mezclado con una moderada pero incesante dosis de actividad social –y música
Una vez decidido el final del día, nos podemos brindar un último lujo: un arrullo marino bajo un cielo estrellado, con la tenue luz de la luna llena colándose por las rendijas del ventanal que para este propósito hemos dejado abierto para así dormir a merced de la cálida noche. Y sí, es verdad, antes de caer rendidos en los brazos de Morfeo, uno puede seguir oyendo en la lejanía: acuérdate de Acapulco….
Página web: www.hotel-bocachica.com
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fashionistas
Karla Martínez de Salas
Realización: Karla Martínez de Salas.
Estilo desde
la Gran Manzana Texto: CARLOTA OTERO
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Diseños de Piamita SS/15.
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uando alguien desea ir en contra de la corriente y descubrir una manera distinta de hacer las cosas es muy probable que desarrolle un estilo muy peculiar –particular– y termine dedicándose a algo creativo. Esta manera de pensar acerca de la vida y hacer las cosas de manera diferente, hasta el es más mínimo detalle, es lo que te da valor en el mundo de la moda.
la exitosa sección Keeping up with Karla en la revista de moda neoyorquina W, en donde también ocupó el puesto de directora de moda y accesorios. En aquella sección hacía una curaduría de las tendencias it y recomendaba piezas dignas de inversión. Anteriormente también colaboró en publicaciones como Vogue, Elle y The New York Times Magazine. ¿Cómo empezaste en el mundo de la moda? Mi primer trabajo fue en Aeffe Group que representaba a diseñadores como Alberta Ferretti, Moschino, Narciso Rodríguez y Jean Paul Gaultier. Ahí conocí a una estilista que trabajaba en la revista W. Yo sentía mucha curiosidad acerca del trabajo que desempeñaba, por lo que entré a trabajar el verano siguiente con ella… y me encantó. ¿En qué consistía tu trabajo como directora de moda y accesorios en W? Mi trabajo consistía en ir a las pasarelas en Nueva York, Milán, París, ver las tendencias de moda y saber interpretarlas para la revista. ¿Cuál es la parte más divertida de tu trabajo? Me encanta ver las colecciones nuevas, los diseñadores, sus puntos de vista y procesos creativos. Tuve la suerte de trabajar durante 15 años con gente muy talentosa, conocer a diseñadores muy interesantes y viajar a ciudades increíbles. ¿Cómo es un día habitual en tu vida? Normalmente me despierto a las 6:30 de la mañana y hago ejercicio, tomo café o té. Luego, casi siempre tengo un desayuno o una reunión, y después asisto a citas en diferentes showrooms con los diseñadores. El resto del día lo paso en la oficina con pendientes administrativos, entre juntas y llamadas. También dedico algún tiempo de la semana y fines de semana a Piamita, mi línea de ropa.
Tal es el caso de Karla Martínez de Salas, quien desde niña se hacía con revistas de moda para investigar, analizar y descubrir ideas nuevas que llamaran su atención. Tener esta visión la llevó a ser autora de
¿Tienes algún mentor? Si, muchos. Cuando empecé en la revista W trabajaba para Edward Enninful, en Elle para Nina García, en Vogue para Virginia Smith y en The New York Times Magazine para Anne Christensen. Son personas a las que admiro muchísimo y con las que sigo en contacto.
Con el diseñador Guiseppe Zanotti.
Con el también diseñador Peter Som.
Propuestas de Karla Martínez de Salas.
Fotos: BFAnyc.com
Experta en moda, colaboradora de publicaciones como Vogue, Elle, The New York Times Magazine y W, además de amiga de diseñadores y dueña de su propia marca de ropa, Karla comparte con nuestros lectores sus secretos para destacar y ganar respeto en el fascinante pero competido universo fashion.
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¿Cómo aprendes a pronosticar las tendencias? Cuando más de tres diseñadores tienen la misma idea. ¿Qué es lo que más llamó tu atención de los últimos Fashion Week? Realmente te das cuenta que la ropa de pasarela son piezas show. Siempre me ha encantado el trabajo de Carolina Herrera, Proenza Schouler, Marc Jacobs, y ahora también el de Peter Copping para Oscar de la Renta. El desfile de Dolce & Gabbana con mujeres embarazadas y niños fue una idea muy interesante.
¿A quién admiras por su estilo y creatividad? Me encanta el estilo de Marie-Amélie Sauvé [estilista de moda y consultora creativa], Marina Larroudé [directora de moda de la revista Teen Vogue], Julie de Libran [flamante diseñadora de la marca Sonia Rykiel], Camilla Nickerson [editora de la revista Vogue] y una de mis jefas mientras trabajé en Vogue, Elissa Santisi. ¿Cómo ganas respeto en el universo de la moda? Trabajando duro, teniendo pasión por lo que haces y siendo paciente y humilde.
“Vivir en la Gran Manzana ha sido muy enriquecedor gracias a las personas con las que he tenido la oportunidad de trabajar. Estar tan cerca de los diseñadores y la producción sólo es posible en ciudades como Nueva York, Paris, Milán o Londres” Para alguien que está en el mundo de la moda, ¿qué tan importante es vivir en Nueva York? Vivir en la Gran Manzana ha sido muy enriquecedor gracias a las personas con las que he tenido la oportunidad de trabajar como la directora creativa de la revista Vogue, Grace Coddington. Estar tan cerca de los diseñadores y la producción sólo es posible en ciudades como Nueva York, Paris, Milán o Londres. ¿De qué manera han cambiado las nuevas tecnologías tu forma de trabajar? De muchas maneras, por ejemplo, cambió totalmente el trabajo de mercadeo que hacemos. Hace unos años cuando trabajé en The New York Times Magazine no teníamos la cantidad de paginas de papel suficientes para publicar todos los productos que veíamos; ahora hay diversas plataformas para ello. El chiste está en la correcta edición y saber colocar el producto en el lugar indicado, sea revista física o en línea. También creo que en la actualidad hay muchas voces –bloggers– expresando sus opiniones y pienso que lo importante es saber cuáles de estas voces realmente saben de lo que están hablando. ¿Qué vuelve interesante a un atuendo? Para mí es quien lo lleva y cómo lo lleva. Las tendencias no son para todas las personas. 14
¿Qué te inspira? Los viajes, las diversas culturas y el arte. Cuéntame de Piamita, tu marca de ropa. La creamos mi amiga Cecilia de Sola y yo en un viaje a Italia. Sentíamos que hacía falta una línea de ropa loungewear, ropa tipo pijama que puede usarse en toda ocasión por su diseño y los materiales con que está hecha. Son piezas cómodas sin dejar de ser sofisticadas. Scarlett Johansson tiene algunas de nuestras piezas. ¿Cuál es tu relación con México? He estado involucrada en varios proyectos como Project Paz y Project Art. Los fondos que recaudamos son para apoyar programas de desarrollo comunitario orientados a difundir la esperanza entre las futuras generaciones y promover la paz en Ciudad Juárez, Chihuahua. Me encanta. México y pronto viviré allá. ¿Cómo te visualizas en cinco años? Me gustaría seguir colaborando con revistas importantes, trabajando de cerca con los diseñadores y haciendo consultoría de moda.
TENDENCIAS
Un paseo por las obsesiones de Gaultier en París Texto: MARTHA LÓPEZ
Abril marca la llegada de la primera –y ya célebre– retrospectiva sobre uno de los creadores de moda más originales del último medio siglo. Permanecerá abierta hasta el 3 de agosto en el Grand Palais de París, la ciudad que vio realizar el sueño de un chico de los suburbios de triunfar –¡y de qué forma!– como diseñador.
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i propósito no es impactar –por supuesto, creía que la gente podría quedar impactada por lo que hacía–, pero no lo hacía porque tuviera que impactar”, dice el hombre que más conmoción ha causado en una trayectoria en el mundo de la moda que rebasa ya las cuatro décadas, aunque su primera colección individual data de 1976. Su nombre es sinónimo de provocación, se lo haya propuesto o no, y lejos ya de los años infantiles, Jean Paul Gaultier, que este mes cumple 63 años, sigue acudiendo a cada una de sus pasarelas con su eterna sonrisa juguetona de enfant terrible.
Diseños icónicos de Gaultier en la muestra Fashion World.
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Tras el cierre, luego de 38 años, de su prêt-à-porter en septiembre pasado –aunque este 4 de marzo se dio a conocer sorpresivamente el lanzamiento de una colección cápsula en Japón firmada por Gaultier, con 50 prendas de precio accesible que saldrán a la venta en octubre—, el modisto francés (nació en Arcueil, en los suburbios de París, el 24 de abril de 1952) celebró a fines de enero su regreso a las pasarelas con su colección más reciente, 61 maneras de decir sí, para la Semana de la Moda en París, ciudad que tendrá mucho más de uno de sus consentidos al recibir en el Grand Palais (hasta el próximo 3 de agosto), luego de su paso por Dallas, Rotterdam, San Francisco, Estocolmo, Nueva York, Londres y Melbourne, la retrospectiva The Fashion World of Jean Paul Gaultier: From the Sidewalk to the Catwalk (El Mundo de la Moda de JPG: de la acera a la pasarela), montada originalmente por el Museo de Bellas Artes de Montreal en 2011.
El ramo de novia… ¡camina por la pasarela!
Marinero de agua fashion Si bien de entrada parece difícil conciliar la reputación de provocador de Gaultier con una retrospectiva en un museo tradicional, lo que el mismo diseñador encontraba improbable pues semejante reconocimiento al trabajo de un creador en el campo de la moda sólo tenía lugar después de su muerte, Thierry-Maxime Loriot, curador de la muestra, modelo a principios de este siglo para marcas como Burberry, Ermenegildo Zegna y Lanvin, ha logrado convertirla en la exhibición más exitosa de su tipo en el mundo. Con la participación del propio homenajeado, se ha adaptado para cada punto en que se ha presentado: con motivos marítimos en Rotterdam, el mayor puerto naval del planeta; con relieve en la colaboración del modisto con el cineasta Pedro Almodóvar en España –el francés hizo el vestuario para la película Kika (1993)–, y en Nueva York enfocándose en las musas que lo han acompañado en sus correrías, tanto en las calles de las principales capitales como en sus desfiles, los que se caracterizan por el ambiente de fiesta y la cantidad de luminarias que atraen, entre ellas: Catherine Deneuve, Boy George, Conchita Wurst, Pierre Bergé, Dita von Teese y Carla Bruni, e incluso diseñadores como Elbaz, Jeremy Scott, Rick Owens, Gareth Pugh y Alexander Wang.
ómoda en su universo paralelo, la alta costura se rige por sus propias reglas. Si en las presentaciones tradicionales los diseñadores suelen cerrar el desfile con un vestido de novia, en la pasada Semana de la Moda en París Jean Paul Gaultier decidió darle la vuelta a esta norma no escrita y llevar a todas las modelos al altar. Su colección fue un ejercicio de reinterpretación del atuendo nupcial, tanto masculino como femenino. La primera modelo recorrió la pasarela con una montaña de rulos a modo de corona. Después: velos bajo gorras de beisbol, batas blancas de pijama con cola, esmoquin con aperturas en las piernas y esculturales estructuras que reposaban sobre las caderas de los vestidos. Una representación más que metafórica de su compromiso con la alta costura, después de que el pasado septiembre anunciase que abandonaba el prêt à porter. Lo hacía, según confesó a la publicación especializada Women’s Wear Daily, hastiado de los frenéticos ritmos impuestos por la industria de la moda que le obligaban a producir una colección prácticamente cada dos meses. Fotos: cortesía
Fotos: cortesía
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En la pasarela francesa, sin embargo, el espíritu era de celebración. Tras experimentar con los pliegues y las simetrías, su última modelo lucía una pieza mitad vestido de boda, mitad esmoquin. Pero Gaultier no podía permitirse terminar el desfile como lo harían los demás. El broche final no fue la novia sino el ramo de flores. Uno muy especial: la top inglesa Naomi Campbell transformada en bouquet con su plástico y su tarjeta de felicitación incluidos.
Fashion World aborda, por supuesto, las fijaciones y obsesiones de este creador a lo largo de su carrera, desde el punk a los corsés, de la moda callejera a la cultura popular, y su preocupación por reflejar los cambios en la sociedad, entre ellos el deseo de las mujeres por lucir prendas sensuales como el corsé, pero ahora como una elección personal frente a la sumisión que representó en otro tiempo. “Fíjate en Madonna. Ella encarnó ese espíritu de las mujeres modernas: fuertes, y 19
Gaultier por Gaultier Quisiera decirle a la gente que abra los ojos y busque la belleza donde normalmente no esperarían encontrarla. El impacto por la forma en que mezclo telas y diseños puede ser desconcertante, pero lo que trato de hacer es provocar nuevas ideas acerca de cómo pueden acomodarse las piezas de modos distintos. Creo que es una manera más moderna de vestir prendas que en sí mismas son bastante clásicas.
La moda tiene que ver con lo que te gusta, lo que se traduce en aquello a lo que quisieras parecerte.
Mi excentricidad se volvió mi orientación.
La ropa es cara. Tienes que comprarla, y para comprarla tienes que creer en ella.
Tomo la vida como viene. Y me concedo a mí mismo muchísima libertad.
La moda no es arte. Nunca. Cuando comencé en la moda, ya había adoptado la camisa marinera a rayas como mi uniforme; así no tenía que volverme loco tratando de encontrar qué ponerme.
Hacer diseños de moda era la única manera que tenía de expresarme Cuando hago una cuando era adolescente. colección, es de cierto modo mi propia historia.
Sigo asombrado por la reacción de algunas personas a cosas que considero bastante normales.
La gente piensa que todo mundo viste de negro en Francia; de hecho todos llevan gris. al mismo tiempo frágiles, pero más machas que los machos a veces”, explica Gaultier. Sobre lo que nutre su trabajo, dice: “Tengo obsesiones, diferentes cosas que están muy dentro de mí, sobre las que trabajo y las desarrollo de otra manera”. Unos 140 diseños, incluidos atuendos usados por las cantantes Kylie Minogue y Beyoncé y vestidos de alta costura lucidos por la actriz Nicole Kidman, además de maniquíes con rostros animados, entre ellos el del propio Gaultier con su icónica camisa marinera a rayas azules, son algunas de 20
[La alta costura] me permite expresar mi creatividad y mi gusto por la investigación y la experimentación. Al mismo tiempo el prêt-à-porter ha cambiado mucho, las limitaciones comerciales así como el ritmo frenético de las colecciones no dejan ninguna libertad ni el tiempo necesario para encontrar nuevas ideas.
Mírenme, yo siempre quise ser diseñador de moda, y me volví diseñador de moda. Así que creo que todo es posible.
las piezas de la exposición, que tan sólo en Australia atrajo a 200 mil visitantes. Debido a la considerable afluencia que ha convocado a lo largo de su recorrido, para su montaje ha requerido espacios mayores a los 900 m2, los que ocupan sus prendas más características, como el corsé rosa con pechos
cónicos que Madonna hizo famoso a principios de los años 90.
La interminable fiesta del enfant terrible Fashion World asombra, entre otras cosas, porque permite reflexionar sobre los retos técnicos que Gaultier ha emprendido, como recurrir a las fibras vegetales y plumas, los outfits divididos por la mitad o invertidos como si la espalda se llevara por el frente, además de trasladar una prenda esencialmente femenina como la falda al guardarropa masculino. Sus propuestas no carecen de humor, lo que abona a su leyenda de alborotador aunque es también un rasgo que lo distingue en el panorama de la moda, donde los intereses comerciales tienden a hacer las cosas mucho más serias. Una clave más en sus planteamientos es la diversidad que ha buscado en sus modelos, que van de los físicos poco comunes en las pasarelas contemporáneas por sus siluetas más llenas –y realistas– hasta la androginia, con lo que ha manifestado una percepción más amplia de la belleza y una conexión con un sector más grande de la sociedad, aunque es consciente de la relación entre la moda y el lujo. “Creo que la alta costura tiene que ver con el lujo”, sostiene el creador, aunque algunos de sus productos, como su perfume Le Mâle, han sido exitosos al punto de conseguir los primeros lugares en ventas en Europa, Australia y Estados Unidos. Las celebraciones para Gaultier parecen continuar por el resto del año, con la perspectiva de su curación del Life Ball, una gala dedicada a crear conciencia acerca del sida, a realizarse en Viena el mes entrante con el oro como tema; la actriz Charlize Theron promete estar entre las luminarias involucradas además de la fotógrafa Ellen von Unwerth. Además se estrenará en la Comédie Française un espectáculo para el que realizó el vestuario, y sin duda la llegada de Fashion World a la Ciudad Luz marca una de las paradas estelares de la célebre retrospectiva en un año que parece un nuevo comienzo para Jean Paul Gaultier, una de las mentes más creativas de los últimos 50 años en el demandante mundo de la moda aunque su influencia ha trascendido a la música y al cine, ámbito este último que lo distinguió en 2012 al incorporarlo al jurado del prestigioso Festival de Cannes. Para quien jura no haber tratado de provocar deliberadamente, su obra refleja un resultado muy exitoso en ese sentido.
libros
Letras que dibujan En el principio fue el dibujo y luego las letras, después todo se invirtió. Ahora esta fórmula de los libros clásicos ilustrados vuelve como una de las estrategias para fomentar la lectura y reducir la crisis del sector. A las creaciones de Camus, Allan Poe, Melville, Scott Fitzgerald, Kafka, Proust y Kipling se suma el talento de genios de las artes plásticas, lo que da por resultado verdaderos objetos de colección.
Cuentos de muerte y demencia
El extranjero
Autor: Edgar Allan Poe
Autor: Albert Camus
Ilustraciones: Gris Grimly
Ilustraciones: José Muñoz
Poe, cuya pluma vertía ríos de angustia y opresión, y Grimly, maestro en aplicar el pincel a las obras maestras del género de terror, es como juntar el hambre y las ganas de comer, matrimonio perfectamente avenido que da a luz una epopeya terrorífica. Poe y Grimly, pavor escrito y dibujado en cuatro relatos: “El corazón delator”, “El sistema del doctor Tarr y el profesor Fether”, “La caja oblonga” y “Los hechos del caso del Sr. Valdemar”.
Recreación de la novela de Camus con tono de filme noir. El extranjero arranca con la ya célebre frase: “Hoy, mamá ha muerto. O tal vez ayer, no sé” y Muñoz dibuja un hombre de espaldas al lector, que se aleja por la callejuela de una ciudad de luz y palmeras. Dos hombres árabes hablan sentados en un banco. El tiempo corre despacio…
El gran Gatsby Autor: F. Scott Fitzgerald Ilustraciones: Jonny Ruzzo Ideado como el perfecto juego de espejos que es la obra original, esta edición con cinematográficas ilustraciones se abre al lector sin perder un ápice de la calidad que ha hecho que El gran Gatsby sea considerada, como su autor predijo, una de las mejores novelas estadounidenses de la historia. 22
Imágenes: cortesía
Texto: NINA FLORES
Dalí el ilustrador Sería imposible cansarse de decir que Salvador Dalí era multifacético. Destacó como uno de los más importantes exponentes del surrealismo principalmente en la pintura, en el cine y en una de sus facetas menos conocidas, como
Kipling ilustrado
En busca del tiempo perdido
Autor: Rudyard Kipling
Moby Dick
Ilustraciones: Pablo Amargo, Pep Montserrat, Ajubel, et al.
Autor: Herman Melville Ilustraciones: Gabriel Pacheco
Ilustraciones: Stéphane Heuet
Kipling, además del Nobel de Literatura más joven de la historia –recibió el galardón a los 42 años de edad–, fue un escritor que, al igual que Henry James (y como más tarde también demostrarían Alice Munro o John Cheever, entre otros), demostró que se puede cargar un cuento con todo lo que una novela puede contener. Algunos de sus mejores relatos –muy especialmente “El cuento más hermoso del mundo”– se hallan en esta edición y van acompañados hermosamente con ilustraciones de siete destacados dibujantes españoles.
Clásico entre los clásicos, intensa, desmesurada, erudita, fascinante, polifónica… Pocas obras podrían reunir más méritos que Moby Dick –por su carácter titánico, aglutinante y fundacional– para aspirar al ansiado trono de “la gran novela norteamericana”. Un libro que, como el propio leviatán que atraviesa sus páginas, es monstruoso, intempestivo y sublime. La presente edición se beneficia de las bellísimas y minuciosas ilustraciones del mexicano Gabriel Pacheco y su estilo inolvidable.
El proyecto de hacer una adaptación ilustrada de una gran obra tan compleja como En busca del tiempo perdido es atrevido. Sin embargo, desde el primer volumen se demuestra que es realizable y, sobre todo, acertado. El artista Stéphane Heuet logra así poner en escena una obra difícil que de por sí es muy visual, y lo ha hecho respetando cuidadosamente el texto, los personajes y los decorados que el mismo Proust creó hace poco más de un siglo.
Autor: Marcel Proust
ilustrador de textos importantes para la historia de la literatura. Aunque no tan famosos como sus pinturas, el artista catalán dio luz a trabajos que
La metamorfosis
ilustran pasajes de la
Autor: Franz Kafka
Divina comedia de Dante, Macbeth
Ilustraciones: Paco Roca
de William Shakespeare, Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll y Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra. Dalí no pretendió hacer la traducción de un texto literario a otro medio, sino que su intención, según contó, era proveer al lector de una experiencia complementaria.
Una treintena de ilustraciones a toda página se van sucediendo a lo largo de la obra más famosa de Kafka, algunas más realistas, otras menos definidas, pero todas exquisitas y en riguroso blanco y negro, capaces de captar esa atmósfera opresiva que tanto se repite en las novelas del escritor nacido en Praga. 23
B jö 24
Texto: LUIS LAGO
rk en Nueva
k r Yo Imágenes: cortesía
s
o r p a d m a e t d
e
E
cultura
La islandesa es algo más que una cantante que ha vendido 20 millones de discos. Hoy, el MoMa la eleva a la categoría de artista con una exposición retrospectiva sobre sus más de dos décadas de carrera. A ello se suma una nueva gira con su último disco, Vulnicura, compuesto por canciones marcadas por el desamor con las que revisa sus orígenes musicales.
E
n el video de la canción “Army of me”, Björk, la cantante islandesa nacida el 21 de noviembre de 1965, de rostro infantil y sonriente, vuela un museo con una bomba de tiempo. Era 1995. Dos décadas después, además de lanzar nuevo disco, vuelve al bombardeo de museos, pero ahora se trata del célebre MoMA, de Nueva York. Terrorismo artístico que no por estar a la vanguardia deja de hincar la raíz en viejas escuelas de expresión humana. Para no ir más lejos, Buñuel, Cocteau y otros surrealistas afirmaban que el acto supremo del arte sería volar una sala de cine llena de espectadores. Algunos seguidores no se quedaron con las ganas, pero, prudentemente, en lugar de explosivos, usaron bombas pestilentes que convirtieron los cines en espacios nauseabundos, y las únicas bajas fueron algunos pares de zapatos atorados entre las butacas al momento en que la gente huía. Eso pasaba en las primeras décadas del siglo pasado. En el XXI, toma la batuta acústica y visual esta extraña mujer de la tierra del hielo, y nos da arte para nuestra era de ruido, estrés, industria, cibernética y una sed de autenticidad y honestidad desnuda entre las ruinas de la civilización. Herramientas que los futuristas del siglo XX (nuestros estridentistas, si hablamos de México) adorarían; ruidos que Beethoven jamás escuchó: señales de teléfono, sintetizadores, distorsionadores… Estamos, pues, lejísimos de una versión idílica, callada, serena, de esa isla gélida cuyo nombre correcto debería ser “Hielolandia” y no Islandia, la difícil cuna de Björk Guðmundsdóttir, que vivió sus primeros años en la capital, Reikiavik (y con sus padres cada cual por su lado, tras un temprano divorcio). Estamos lejos de ese escenario literario que Julio Verne usó como puerta para bajar al centro de la Tierra. Y lejos también de las llanuras de caballos y géiseres que aparecen en las letras del Nobel de Literatura 1955 Halldór Laxness.
Un puente entre dos mundos Björk creció en ese puente tan al norte del mundo, puente entre Europa y América, puente tan escasamente poblado (menos de 350 mil habitantes) debido a sus climas extremos y sus muy activos volcanes (uno de ellos puso en jaque a la aviación mundial hace pocos años, desviando y demorando miles de vuelos). Noticias de ese lugar llegan a cuentagotas al resto del mundo, pero algunas, como la llamada Revolución islandesa (un rescate a los ahorradores, no a los banqueros), iluminó y animó la lucha contra el llamado capitalismo salvaje e hizo de la isla una de las cinco naciones más prósperas del planeta. Otra noticia que llegó para quedarse fue la aparición fulgurante de Björk, hoy considerada como una de las grandes artistas contemporáneas.
Björk sutura las heridas
Vulnicura es el octavo álbum de estudio que Björk graba como solista. Se trata de nueve pistas que revelan un corazón roto, una familia en peligro y la búsqueda del alivio. Una de las canciones, “Black Lake”, da origen a un video que forma parte clave de la exhibición del MoMA. El pasado 16 de marzo lanzó un tercer video (el primero fue “Lionsong”), ahora sobre la pieza “Family”, dirigido (igual que “Black Lake”) por Andrew Thomas Huang. En “Family” podemos ver a una mujer dolorosamente recostada en una roca, que de pronto se pone a coser su propia herida en el centro del pecho. Vulnicura, que la islandesa definió en su página oficial como “un álbum sobre un corazón completamente roto”, fue filtrado clandestinamente por Internet, lo que obligó a adelantar su publicación.
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LO INSóLITO y ella fue responsable también de la música del filme, un soundtrack incómodo, bello e irritante a la vez. Y aunque no le siguió mucho por ahí, la artista ha incursionado en multitud de manifestaciones expresivas (animación, e-books, performances, objetos interactivos en 3D, etc.), algunas al lado de quien fuera su pareja por años, el artista estadounidense Matthew Barney. En Drawing Restraint 9 (2005), una exposición, con todo y largometraje actuado por él y Björk, ocurre una metamorfosis que convierte a los amantes en ballenas, tras suicidarse.
Violentamente feliz Activa en la música desde los 11 años, su popularidad rebasó las fronteras al frente del grupo de rock alternativo The Sugarcubes, pero su consolidación llegó con su álbum Debut (1993), una especie de relanzamiento de su carrera, ahora decididamente solista. Instalada en Londres, tras una maternidad temprana, comenzó a explorar la relación entre imagen y sonido a través de audaces videos, sobre todo bajo la dirección de Michel Gondry (muy conocido también por su largometraje Eterno resplandor de una mente sin recuerdos –2004–, pero también por sus colaboraciones como videoasta con Paul McCartney, Radiohead, Kylie Minogue, Sinéad O’Connor y otros). Para 1995, Björk era una celebridad. El puente entre Europa y América abarcaba también el resto del mundo. Vestuario excéntrico (de la mano de los mejores diseñadores del planeta; inolvidable aquel atuendo de cisne en la gala del Oscar del año 2000, a cargo de la modista macedonia Marjan Pejoski), mezcla de accesorios de las más diversas culturas, peinados que hasta en una pasarela de moda dejarían sin aliento, premios como mejor intérprete… Incluso se llegó a dar el lujo de hacer discos como Biophilia (2011, uno de los menos comerciales de su carrera) en el que diversos ingenieros (por ejemplo, del Instituto Tecnológico de Massachusetts, MIT) le diseñaron instrumentos electrónicos especialmente para el proyecto, como la Gravity Harp, el Tesla Coil, el Gemeleste y algunos otros. Su debut cinematográfico (oficial) no podía ser más sonado: se hizo acreedora al premio como mejor actriz nada menos que en el Festival de Cannes. La cinta –acompañada de la francesa Catherine Deneuve– se llamó Dancer in the dark (2000, bajo la dirección del polémico cineasta danés Lars von Trier) 26
La vida real, sin embargo, les deparaba otro destino. Tras la muerte de la relación no hubo renacimiento ni mutación en otros seres. Cada uno tuvo que vivir a fondo su desolación. Justamente el nuevo disco de la islandesa, Vulnicura, nació bajo la inspiración del dolor que le causó su separación de quien es padre de uno de sus dos hijos. Sus letras lo reiteran: “…respeta mis emociones, tengo necesidades emocionales”. O bien, “…cuando estoy rota, estoy entera; cuando estoy entera, estoy rota”. “Vulnicura” significa “cura de heridas”, en latín.
En el video de la canción “Army of me”, Björk, de rostro infantil y sonriente, vuela un museo con una bomba de tiempo. Era 1995. Dos décadas después vuelve al bombardeo de museos, pero ahora se trata del célebre MoMA No hay lógica, no hay mapa para entender el comportamiento humano, dice ella en su vieja canción “Human Beheavor”. Tampoco en su música la hay demasiada. Aires de folk, electrónico, dance, cabaret, jazz, trash, punk y hasta balada romántica y música étnica aparecen atravesados por una voz blanca, potente y frágil a la vez, como el rostro mismo de la artista. Locura, violencia, sangre, armas punzocor-
Sonidos que se ven en el MoMA ciertos sonidos, y une los elementos
lenguaje entre documental
en un gran todo que se potencia en
y poético a cargo de un escritor
sus significados.
muy reconocido en el país natal
En el MoMA, entre el 8 de marzo y el 7 de junio de este año,
de Björk: Sjón. Aquí se verán también los robots
Como en el caso de las exposiciones
el visitante encontrará lo más
que aparecen en el video “All is
que se hacen, por ejemplo,
destacado de la parafernalia que
full of love”, diseñados por Chris
sobre cantantes como David
ha generado esta artista a lo largo
Cunningham, así como el polémico
Bowie, los curadores enfatizan
de más de dos décadas. Desde el
vestido de cisne que le diseñó
el carácter multifacético de
lobby (donde se verán sus videos
Marjan Pejoski para la entrega
estas personalidades, que no se
musicales, se exhibirán instrumentos
de los Oscar en el año 2000, “el
conforman con cantar. Björk utiliza
y otras cosas), hasta instalaciones
noveno más icónico de la historia
la moda, las artes plásticas, los
interactivas en el tercer piso, donde
de ese premio”, para revistas
recursos visuales, crea instrumentos
se podrá conocer más sobre la vida
especializadas… y el más ridículo
musicales específicos para dar
de la cantante islandesa, con un
de todos los tiempos, para otros.
tantes, abismos, persecuciones, entornos industriales, naturaleza presente sólo en artificiales animaciones, visiones oníricas, autos, confesiones de ser “violentamente feliz” deambulan por sus sonidos y sus imágenes provocando siempre al espectador a no permanecer inmóvil. Vulnicura parece regresar a las fuentes primarias de sus sonidos pero, sobre todo, a su mundo íntimo y familiar, a su relación con Barney y su hijo. Ha confesado en entrevistas que la hechura de este álbum le acarreó grandes dolores y temores, pero que a la vez hubo cierta sanación de su corazón roto. Así pues, la artista abre su mundo más personal y lo hace, como suele, llenando espacios con algo más que ondas sonoras. La exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York abre sus puertas para acompañar su nuevo álbum. Se trata de una poderosa retrospectiva que abarca más de 20 años de carrera. Se inauguró el 8 de marzo y permanecerá abierta hasta el 7 de junio. Una bomba de temperamento. Una voz contemporánea, tratando de hacer su trabajo con el material que tiene a mano, reinterpretando, reacomodando, reenfocando, pero también buscando lo que no está sino allá lejos, al alcance de las miradas más innovadoras. A veces, 28
sus experimentos dan resultados grandiosos, a veces sólo quedan en propuestas incomprendidas. El hecho es que pocos artistas como ella tienen en sus manos casi la totalidad del control del trabajo final. Ella compone, produce, elige equipo, goza de una enorme independencia y se rodea de los mejores. Hoy, como hace 20 años, bombardea museos tratando de provocar que el público no permanezca en su butaca. Siempre lo logra.
TESTIMONIOS
Wim Wenders, profeta del 3D Texto: GREGORIO BELINCHÓN
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© 2015 Gregorio Belinchón, Ediciones El País, SL
E
l 14 de agosto Wim Wenders cumplirá 70 años. Buen momento para que la Berlinale le entregue el Oso de Oro de Honor, un homenaje que recibió en febrero pasado en la sesión de gala y al que el festival acompañó con la proyección de 10 de los grandes títulos del director alemán. A muy pocos metros de donde los ángeles se asoman a la ciudad en Las alas del deseo y su continuación Tan lejos, tan cerca, el cineasta nacido en Düsseldorf, pero que en los años 70 se mudó a la actual capital alemana, presentó su último filme. Esta vez tocó ficción, Every thing will be fine, una de las “ocho películas pendientes de estreno” que tiene James Franco, su protagonista –al menos así lo dijo el actor californiano a la prensa–, y que en Berlín presentó tres.
Al igual que Werner Herzog, que también hizo su aparición en la reciente Berlinale (y con Franco en el reparto de su cinta Queen of the desert, junto a Nicole Kidman y Robert Pattinson), Wenders ha estado en la última década demostrando su talento en los documentales, sintiendo que había historias más interesantes en la vida que en la ficción. Pero hace cinco años le llegó por correo electrónico un guión de Bjørn Olaf Johannessen, “alguien del que sólo sabía que había ganado un premio en Sundance; es decir, el guión me encontró a mí”. Allí había material para algo a lo que quiere dedicar los años que le queden como cineasta: “No hay suficientes películas sobre la sanación, la mayor parte hablan sobre las heridas. Y curar es parte fundamental de nuestras vidas”. Una declaración poderosa que viene de alguien que dirigió París, Texas, El miedo del arquero al tiro penal y Falso movimiento, hecatombes morales y emocionales de sus protagonistas.
Imágenes: cortesía
Lo Lo que le dio la pintura
Acogida con frialdad en la pasada Berlinale, el cineasta alemán presentó –fuera de competencia– su última película de ficción, Every thing will be fine, protagonizada por James Franco. Otro trabajo reciente del maestro que en agosto cumplirá 70 años, es La sal de la tierra… simplemente imperdible.
En los últimos años Ernest Wilhelm Wenders (su nombre real) ha desarrollado un profundo amor por el 3D. Y en esta inmersión en la vida de un escritor (Franco), al que la muerte acaricia en diversas ocasiones, no pudo sustraerse al estereoscópico. “El libreto es nórdico en su corazón. Por su autor y por cómo trata la contención de los sentimientos, algo de lo que sufrimos igualmente los alemanes. El 3D magnifica todo, incluso la falta de sentimientos. Es una lupa que agiganta todo lo que ves, y logra que la película se parezca más a lo que entiendes por realidad y menos a algo que se proyecta en una pantalla. Fíjense en cómo cambia la relación del espectador con los primeros planos”. El cineasta alemán descubrió su pasión por el 3D en el documental Pina (2011), y aunque entonces aseguró que habría temas en los que no lo usaría, posteriormente rectificó y se convirtió en otro de los paladines de la causa. “Es verdad que su uso es más vibrante con el baile y la arquitectura, pero a su vez intensifica la plasmación de los sentimientos. Y eso vale en la ficción”. Wenders empezó su carrera artística como pintor en París, donde se enamoró del cine. Puede que de ahí nazca su composición de planos en Every thing will be fine (donde también actúan Rachel McAdams y Charlotte Gainsbourg) a la manera de la soledad que emana de la obra de Edward Hopper, lo que le enlazaría con Alfred 31
Wenders empezó su carrera artística como pintor en París. Primera página: el cineasta alemán con James Franco, protagonista de su nueva película.
La sal la pone Wenders
Luego del éxito obtenido con Pina (2011), Wim Wenders regresa al documental con The salt of the earth (La sal de la tierra, 2014), esbozando la fascinante vida y obra del fotógrafo brasileño Sebastião Salgado (en la imagen con el director alemán). En codirección con el hijo de Salgado,
“Wenders es un apasionado por todos los aspectos que componen un cineasta, entiende la importancia de estar atento a cada uno de los elementos que intervienen en una película”: James Franco Hitchcock –otro deudor artístico del pintor– y su mejor acompañante musical, Bernard Herrmann: la banda sonora de Alexandre Desplat para Every thing will be fine recuerda en sus cuerdas al tema central de Vértigo. “Alexander es un enorme compositor, que terminó su trabajo hace apenas dos semanas. En mi cabeza había varias ideas para las cuerdas, esos posibles ecos de Herrmann, y Alexandre supo leer mi inconsciente”, confirma sonriendo Wenders.
Juliano Ribeiro, Wenders retoma las fotografías del artista y –literalmente– las fusiona con reflexiones del propio Salgado sobre la condición humana. La película, un verdadero tributo a la belleza del planeta, fue estrenada en México en la última gira de documentales Ambulante, y se espera que tenga pronto una corrida comercial.
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James Franco define así al director, que mantiene una melena envidiable para sus compañeros de generación, la más fructífera del cine alemán: “Es un apasionado por todos los aspectos que componen un cineasta, entiende la importancia de estar atento a cada uno de los elementos que intervienen en una película”. Puede que sea cierto, pero esta vez algo falló en el control central: el recibimiento en la Berlinale 2015 de Every thing will be fine fue más bien gélido.
Imágenes: cortesía Premio Pritzker
ARQUITECTURA
Frei Otto,
la solidez de la ligereza Texto : ANATXU ZABALBEASCOA
Su nombre quiere decir “libre”. Y así fue su obra. Autor del Estadio Olímpico de Munich, el arquitectoinventor, adelantado de la preocupación ecológica y precursor del creador que comparte sus hallazgos en lugar de registrarlos para lucrar con ellos, recibió el Premio Pritzker un día después de despedirse de este mundo. 36
D
e la estirpe de los arquitectos-inventores, el alemán Frei Otto (Chemnitz, 1925-Stuttgart, 2015) terminó siendo, además de un proyectista transversal –estudió arquitectura, sociología, urbanismo e ingeniería–, y más allá de un precursor de la prefabricación, el bajo coste y la sustentabilidad, el primer Pritzker póstumo. La organización del premio –que ya había informado su fallo antes de que el arquitecto falleciera el lunes 9 de marzo; “he aquí un hombre feliz”, dijo Otto cuando el jurado se desplazó a su hogar en Stuttgart para comunicárselo– se vio obligada a adelantar el fallo precisamente porque el Premio Pritzker –el llamado Nobel de los arquitectos– no puede ser un galardón póstumo. Y, aunque es evidente que ni al mejor de los jurados se le pueden pedir dotes adivinatorias, lo de llegar a tiempo no es nunca una anécdota. El trabajo de un jurado que aspire a apuntar caminos debe establecer prioridades a la hora de repartir premios. Así, si el autor del audaz e icónico Estadio Olímpico de Munich (1972) es un proyectista incuestionable, tal vez sea el momento de preguntarse
Pabellón japonés para la Expo 2000 en Hannover. Arriba, Estadio Olímpico de Munich.
por qué lo incuestionable no se reconoce en primer lugar… y de reflexionar sobre los juicios que se dejan llevar más por los signos de los tiempos que por los hallazgos y esfuerzos que hacen crecer la arquitectura. Sea como sea, el desaparecido Otto es el premiado perfecto para, desde la ligereza de sus cubiertas tensadas, dejar clara la solidez de la mejor arquitectura.
La historia de una obsesión Adelantado de la preocupación ecológica, precursor del profesional que analiza e inventa y antesala del creador que comparte sus hallazgos –en lugar de registrarlos para lucrar con ellos–, Frei Otto es un modelo incues38
¿Por qué no cuajó su forma de trabajar? La respuesta podría estar en otra pregunta: ¿quién teme asociar arquitectura con cambio, temporalidad y levedad? Desvincular la arquitectura de los grandes réditos económicos y políticos todavía no es de este mundo
tionable para los tiempos actuales. Tal vez por eso, la suya fue la historia de una obsesión, la que relacionó arquitectura y biología, construcción y naturaleza, una dicotomía sobre la que no dejó de investigar, escribir y enseñar en Harvard o MIT y, casi 30 años, en la Universidad de Stuttgart. Como miembro del selecto grupo de los grandes inventores de la arquitectura (en compañía del español Félix Candela con sus paraboloides hiperbólicas, el uruguayo Eladio Dieste con sus cerámicas armadas y el estadounidense Buckminster Fuller con sus prefabricados), Otto cuestionó no sólo el estilo imperante en cada momento sino, sobre todo, los valores que representaban las arquitecturas más admiradas. Como todos los citados –que además del ingenio compartían la preocupación por hacer de la arquitectura un arte más útil que representativo– su vida serviría para escribir una novela. Frei (se lo puso su madre y quiere decir “libre”) Otto aprendió a ser arquitecto antes de estudiar arquitectura. Lo hizo construyendo con lo poco que encontraba en el campo de prisioneros cercano a Chartres (Francia) donde permaneció dos años, tras ser apresado en Núremberg. Hijo y nieto de escultores y piloto de la Luftwaffe, se convirtió en arquitecto tras la Segunda Guerra Mundial. Después de estudiar en Berlín, continuó añadiendo títulos a su conocimiento: sociología, urbanismo e ingeniería. Se hizo doctor con una tesis sobre cubiertas suspendidas traducida a varios idiomas. Y esos fueron sus primeros proyectos: cubiertas tensadas. La del Pabellón Alemán de la Expo de Montreal se convirtió en el símbolo de la recuperación alemana. La firmó con Rolf Gutbord y Fritz Leonhardt en 1967. Cinco años después, Günter Behnisch se sumaría para culminar la membrana hiperbólica del Estadio Olímpico de Munich, un icono ejemplar que resume el ideario de Otto: mínimos materiales, máximas prestaciones, las formas orgánicas de la naturaleza, lo temporal convertido en permanente y la sustentabilidad para acercarse a la gente. Un año antes de esos juegos olímpicos, el MoMA le rindió homenaje con la muestra Natural Construction, que viajó por 80 países. ¿Por qué no cuajó su forma de trabajar? La respuesta podría estar en otra pregunta: ¿quién teme asociar arquitectura con cambio, temporalidad y levedad? Desvincular la arquitectura de los grandes réditos económicos y políticos todavía no es de este mundo. Sin embargo, algo así debió de preguntarse el Pritzker del año pasado, Shigeru Ban, cuando invitó a Otto a trabajar con él en el Pabellón Japonés para la Expo de Hannover (2000). En otra paradoja del destino, Otto fue el modelo
Ojalá esta póstuma recuperación mediática sirva para dar a conocer un modelo de arquitecto obsesionado con que el planeta y la arquitectura se entendieran simbiótica además de simbólicamente de Ban, el ejemplo que empujó al japonés a estudiar arquitectura. ¿Le llega tarde el reconocimiento a un incuestionable arquitecto que acumulaba premios? Evidentemente no. Ojalá esta póstuma recuperación mediática sirva para dar a conocer un modelo de arquitecto obsesionado con que el planeta y la arquitectura se entendieran simbiótica además de simbólicamente.
Arctic City, modelo de Frei Otto para albergar a 40 mil personas en un domo de dos kilómetros en el Círculo Ártico.
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ﾂｩ 2015 Mﾃ｡bel Galaz, Ediciones El Paﾃｭs, SL
gente
Ricky Martin en la intimidad Texto: Mﾃ。EL GALAZ
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A
caba de levantarse y su voz suena relajada pero sobre todo feliz cuando atiende la llamada. Su gente de prensa advierte de que el tiempo es limitado, pero él se olvida del reloj. Se nota que le gusta conversar no sólo de su música, de la vida y, además, le agrada escuchar. Precisamente el título de su nuevo disco –A quien quiera escuchar, que salió a la venta en febrero– tiene que ver con esa afición por el diálogo.
Ricky Martin (Enrique Martín Morales, su nombre real), reconocido como “un icono internacional y embajador global de la música latina” por la revista Billboard y honrado por la Academia Latina de la Grabación o LatinGrammy como “Persona del Año”, ha vendido más de 60 millones de discos y continúa agotando localidades en estadios de todo el mundo. Pero sigue viviendo todo lo que le pasa, a sus 43 años, con la ilusión del novato. “Me gusta lo que hago, esa es la clave. Sólo tengo que recordar lo que se siente en un escenario ante 25 mil personas que te aplauden. Ese es mi alimento. Sí soy adicto al aplauso. Es lo que me motiva y me inspira a seguir. Trabajar en lo que me gusta me hace descansar”. Y cuando se produce un bajón hace un alto. “Cuando no me siento cómodo me paro y medito. Me ha pasado varias veces en mi carrera. En el año 2000 detuve una gira para volver a casa y luego también lo hice el año que nacieron los niños para estar en casa cuidándolos”. Ahora Valentino y Matteo, sus gemelos, le acompañan allí por donde va y hace poco descubrieron que su padre es toda una estrella.
Hacer el bien sin mirar a quién El boricua se define como un hombre feliz. Tiene nuevo disco, una familia que poco a poco irá creciendo, y se siente querido. Su situación personal se refleja en su trabajo. “A quien quiera escuchar es un disco muy simple en el que he vuelto a recuperar las baladas. Recién hice una gira por México y cuando cantaba mis éxitos más románticos el público se cortaba las venas. Lo que quiero es volver a ese sentimiento romántico. Hace tiempo que no jugaba con él. El disco es multicultural porque soy latino, vivo ahora en Estados Unidos pero también lo he hecho en Australia. El álbum es un trabajo fruto de la fusión. ¡Hace tanto tiempo que no me sentía tan bien con mi música!”. ¿El disco refleja su estado anímico? “Siempre cuento mis historias. Nunca me pongo caretas cuando subo al escenario, pero también cuento cosas que le pasan a la gente. Las letras son historias de amor y desamor, también hay música para hacer bebés. Estoy muy satisfecho”. Y, personalmente, ¿en qué momento se encuentra el nacido en San Juan, Puerto Rico, el 24 de diciembre de 1971? “Estoy agradecido con la vida que tengo. Soy padre de familia, tengo dos
Fotos: cortesía
Está en la cima de su carrera, pero conserva la ilusión del primer día. Con nuevo disco bajo el brazo, el cantante puertorriqueño se declara feliz como hace mucho no lo era. Adicto a las redes sociales y padre de dos niños, también necesita el silencio para vivir.
El cantante con sus hijos gemelos, Valentino y Matteo, nacidos en agosto de 2008.
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niños que están creciendo. He logrado todo lo que he querido en mi vida. Desde que salí de mi casa he hecho todo lo que he deseado. He podido llevar mi idioma a donde no se habla y a través de él romper fronteras. Eso es lo que me llevo a mi casa cuando regreso de una gira”. A diferencia de otros famosos, Ricky Martin habla de sus niños con naturalidad y también de sus planes para volver a ser padre. “Quiero una niña. Estoy empezando a construir mi familia, pero todavía no es el momento de pensar en una niña por mucho que algunos medios lo digan”. Se confiesa un buen padre, quizá por ello mucho de su trabajo solidario tenga que ver con la infancia más desfavorecida. A través de la Fundación Ricky Martin aboga por el bienestar de los niños en áreas como la justicia social, la educación y la salud. Trabaja para denunciar
la trata infantil en colaboración con el Comité Internacional de Derechos Humanos de la Cámara de Representantes de Estados Unidos, es embajador global de UNICEF, y colabora con Bill Gates y la Corporación Microsoft en el programa Navega Protegido, que ofrece herramientas para prevenir delitos cibernéticos como la pornografía infantil. “Me siento comprometido. El poder de convocatoria que me ha dado la música me sirve para hablar de cosas que me han
“La gente me quiere más porque yo me quiero más y ellos lo perciben. Aceptar mi homosexualidad fue una cuestión de autoestima”
Ricky dispara al corazón “He vuelto a lo maravilloso que
homenaje “nostálgico” a su Puerto
cubano Yotuel Romero y la
es disfrutar de un buen piano,
Rico natal, pero asimismo un tema
cantante española Beatriz Luengo,
un buen acordeón, un buen chelo
que permite identificarse a cualquier
que también escribió y compuso
o una buena trompeta. Creo que
que haya dejado su tierra. “No
algunas de las canciones. “Ellos
éste es uno de mis discos más ricos,
importa si eres isleño o no, porque
son los que traen poesía e historias
musicalmente hablando”. Así se
te vas a identificar si has tenido que
que me llegan al corazón. Estoy
expresa Ricky Martin de A quien
dejar tu tierra buscando una mejor
encantado de trabajar con ellos
quiera escuchar, su décimo álbum
vida o porque así te lo exige tu
y espero que sea el comienzo de
de estudio cuyos primeros sencillos
carrera”, argumenta el cantante.
muchas cosas que podamos hacer
fueron los titulados “Adiós” y “Disparo al corazón”. Entre los temas de la producción también figura “Isla bella”, un
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Para la producción de este
juntos”, concluyó el intérprete de
trabajo Ricky Martin se rodeó de
éxitos como “A medio vivir”, “She
algunos profesionales como el
bangs”, “Vuelve”, “Livin’ la vida
cantautor Pedro Capó, el músico
loca” y “María”.
impactado en mi vida. En India, por ejemplo, visité un orfanato donde había niñas que iban a ser invitadas a entrar en el mundo de la prostitución y me di cuenta de que es un problema que tenemos en todas partes. Por eso estoy intentando crear conciencia. En Puerto Rico construimos un centro que da la opción a 136 niños y niñas de salir de las calles y dejar la prostitución”. India siempre es un punto de referencia para el cantante. Allí encuentra la calma, la inspiración y la salud. Allí descubrió la medicina ayurvédica [que trata el espíritu y el cuerpo con terapias naturales]. “Vas caminando y te encuentras con seres humanos que te van dando información y te das cuenta de que hay muchas opciones para prolongar la vida. Es muy importante tomar espacio para buscar en tu interior y cuando lo haces el impacto para tu música es maravilloso. Es un círculo vicioso que fortalece tu carrera. Necesito silencio para escribir música”. Pero hay otro Ricky, ese que huye de la calma y vive enganchado a las nuevas tecnologías y en especial a las redes sociales. “Tenemos la suerte de ser testigos de esta revolución en la comunicación. Yo me despierto, desayuno y lo primero que hago es entrar en mis redes sociales y ver lo qué se está comentando, qué les gusta, qué no les gusta y comenzar a tomar decisiones. Twitter y Facebook te abren una ventana a la comunicación, al diálogo. Yo me obsesiono con las redes sociales, sinceramente. Es algo que no tuve en el inicio de mi carrera”. A diferencia de otros famosos, maneja sus cuentas personalmente. “Tengo un equipo de personas que me ayudan a analizar lo que pasa, que me van diciendo qué tipo de reacción tuvo una foto que posteé, en qué países gustó más. Pero todas las redes las manejo yo personalmente. Me encanta. Soy adicto”. El 30 de marzo de 2010 en su web habló por primera vez de su sexualidad y desde entonces se ha convertido en un activista por los derechos de los homosexuales. “Siento la necesidad de apoyar estas causas. Si mis 11 millones de seguidores en Twitter y mis 10 millones en Facebook me escuchan, debo hablar de cosas de impacto social. Siempre he trabajado fuerte en pro de los derechos humanos, y como soy parte de la comunidad LGBT voy a luchar por la igualdad en todas partes del mundo”. A Ricky Martin le costó mucho hablar de su vida íntima pero desde entonces se siente mejor que nunca y también más querido. “Mucha gente me dice: ‘no importa lo que eres. Lo que importa es tu música’. Y sí, probablemente la gente me quiere más porque yo me quiero más y ellos lo perciben. Aceptar mi homosexualidad fue una cuestión de autoestima”.
música
se pone el disfraz de Smashing Pumpkins Texto: PATRICIA TUBELLA
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© 2015 Patricia Tubella, Ediciones El País, SL
o r C g a y l n l i B
Al grito de “Smashing Pumpkins nunca fue una democracia”, el líder de la influyente banda de rock de los años 90, que el mes pasado cumplió 48 años, habla del nuevo disco Monuments to an Elegy, que tendrá una continuación a finales de 2015.
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E
l público de hoy ya no escucha”. Es la sentencia que William Patrick Corgan Jr. (Illinois, Estados Unidos, 17 de marzo de 1967) repite a lo largo de una entrevista destinada paradójicamente a promocionar el nuevo proyecto musical de The Smashing Pumpkins, la banda de Chicago cuya agitada trayectoria lidera este genio calvo desde hace más de 25 años, y que en los últimos tiempos viene reconquistando un espacio en el panorama del rock alternativo en el cual reinó en la década de los 90. El lanzamiento del álbum Monuments to an Elegy, seguido de una segunda entrega del material a finales del próximo año, explicaría esa desoladora radiografía del panorama de la música.
“Ya no hay banda. Somos un concepto que no necesita presentarse como grupo, y creo que a la mayoría del público no le importa. Somos un colectivo que suma las partes necesarias” ¿Significa eso que el disco ha sido seccionado por meras necesidades del marketing? Sí y no, es la ambigua respuesta del artista, que este mes cumple 48 años. “El sonido de Monuments to an Elegy es menos oscuro y más tonificante de lo que la gente identifica con un álbum de Smashing Pumpkins, por eso creo que sorprenderá, mientras que los temas del segundo disco (Day for Night) tienen un tono más introspectivo, incluso poético. Pero escribí las canciones en un mismo tiempo, son geme-
datos que te harán comprar (o no) Monuments to an Elegy
1. “Guitarras, guitarras, guitarras, y más guitarras”, fue como describió en un principio Billy Corgan el nuevo disco.
2. Tommy Lee, el baterista de Mötley Crüe, se encargó de la batería en los nueve tracks que lo componen.
3. Es el disco de Smashing Pumpkins que mejores críticas ha recibido desde los tiempos del viejo Machina/The Machines of God (2000). 4. Salvo “Run2me”, ninguna canción rebasa los cuatro minutos de duración, así que si no te gusta el álbum, la “tortura” de oírlo no será prolongada.
5. Pero si tras escucharlo de principio a fin de te quedas con ganas de más, habrá una continuación, el LP titulado Day for Night, a finales de este año.
Portada del nuevo disco de los Pumpkins.
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Fotos: cortesía
Érase una vez un cuarteto: D'arcy Wretzky, James Iha, Billy Corgan y Jimmy Chamberlin, los Smashing Pumpkins originales.
las que encarnan las dos caras de la luna, y el motivo para no compilarlas en un doble álbum es que resultaba demasiado arriesgado”. Corgan vaticina una regresión de la industria musical hacia los años 50 del siglo XX, la era del single, porque “la gente no tiene hoy tiempo ni paciencia para escuchar 10 canciones de un tirón, y no digamos 20”. El regreso a escena de los Smashing Pumpinks, grupo nacido como cuarteto en 1988 (la formación original incluía a Corgan, el guitarrista James Iha, la bajista D’arcy Wretzky y el baterista Jimmy Chamberlin) y artífice de álbumes tan exitosos como Siamese Dream (1993), Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995) y Adore (1998), se ha reducido al actual dúo de Corgan y el guitarrista Jeff Schroeder y se nutre de colaboraciones externas. “Ya no hay banda. Somos un concepto que no necesita presentarse como grupo, y creo que a la mayoría del público no le importa. Somos un colectivo que suma las partes necesarias”, enfatiza su líder. La presencia como invitado estelar del baterista Tommy Lee (de la banda californiana Mötley Crüe, que este año se despide de los escenarios) destaca en el nuevo disco, sobre cuyos nueve cortes Corgan no tiene empacho en afirmar que buscó “un sonido sencillo y edificante, porque por muy artísticos que sean tus objetivos si no atrapas al oyente la primera vez ya no va a escucharlo más”.
El hombre de la tienda de té Con la salida al mercado de Monuments to an Elegy, y nueve meses después de Day for Night, concluirá un proyecto iniciado en 2010 que, bajo el título Teargarden by Kaleidyscope, engloba a modo de “macroálbum” sus últimas 44 canciones. 46
“Los Beatles me demostraron que puedes hacer calidad y a la vez ser comercial”, subraya el autor de éxitos como “Disarm”, “1979”, “Perfect” y “The Everlasting Gaze” sobre esa ecuación que apenas asoma hoy en una industria que, “sobre todo en Estados Unidos, busca alimentar las necesidades infantiles del público”. Lo que vende “es barato y es fácil, pero no es arte, es ‘pornografía’ musical”, apostilla. El papel de la música en la cultura a su entender se ha devaluado y está al servicio “del beneficio comercial de la tecnología, es una herramienta del marketing: la guitarra solía ser el dios del rock, pero hoy lo es el teléfono celular, que sustituye al artista”. Hombre de inquietudes tan diversas como su tienda de té en Chicago o la promoción de la lucha libre, Corgan lleva tiempo inmerso en la escritura de sus memorias, que serán “más espirituales que musicales”. El único miembro original que permanece en Smashing Pumpkins asegura que las publicitadas diferencias entre sus antiguos miembros fueron fruto de la invención periodística. Admite, sin embargo, que la banda “nunca fue una democracia, aunque tení-amos una regla de oro: el poder estaba en manos de quien escribía la canción”.
gastronomía
Oliver en
su punto Texto: PABLO GUIMÓN
Fotos: cortesía
Estrella de televisión y de los fogones, autor de libros, maestro, empresario, publicista, filántropo, padre modelo, hijo y nieto de cocineros. Todo esto es el chef Jamie Oliver, un joven disléxico y pésimo estudiante británico que ahora, a sus casi 40 años, está a punto de cocinar el segundo plato de su banquete de dominación mundial. Un plato que, como no podía ser de otra manera, se prepara en los medios digitales.
James Trevor Oliver (Essex, Inglaterra, 27 de mayo de 1975) es probablemente el cocinero que más dinero ha ganado nunca. Es dueño de un complicado holding empresarial, con infinitas ramificaciones, que emplea a
© 2015 Pablo Guimón, Ediciones El País, SL
Jamie
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esultaría complicado explicar a un extraterrestre quién es Jamie Oliver. Es un cocinero, sí. Aquí en la Tierra, a estas alturas, millones de personas han visto alguno de sus programas de televisión, que llevan ininterrumpidamente al aire –en más de 50 países– desde que comenzó el nuevo milenio. O leído alguno de los 16 libros que ha lanzado. El último de ellos, Comfort food, un homenaje a la comida de siempre, se acaba de publicar en castellano. Pero este británico es mucho más que un celebrity chef.
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cerca de 6 mil personas y cuyo valor –aunque 2014 no fue su mejor año económicamente– se calcula que rebasa los 300 millones de dólares. Posee varias cadenas de restaurantes, con sedes en Brasil, China, Rusia, Dubái e India. Una sola de ellas, la de Jamie’s Italian, factura más de 150 millones de dólares al año. A eso hay que sumar escuelas de cocina, productoras de televisión, organizaciones benéficas, compañías de publicidad online, libros, revistas, aplicaciones, licencias de menaje de cocina y electrodomésticos, tiendas de alimentación. Pero no es sólo eso. Él se define como “alguien muy apasionado con el poder de la comida y con cómo este poder puede afectar a una comunidad, a una familia o a un individuo”. Ese convencimiento lo ha llevado a convertirse en uno de los activistas por la buena alimentación más importantes y efectivos de la historia. Si tú has notado que en Reino Unido se come mejor que hace 10 años es gracias a Oliver. Si las escuelas públicas británicas ofrecen ahora comida más sana a sus alumnos; si estos reciben, por ley, tres horas de clases prácticas de cocina a la semana, es por las campañas de Oliver. Si en Virginia Occidental, un estado de la Unión Americana famoso por su elevado índice de obesidad infantil, los colegios han dejado de ofrecer todos los días pizza congelada, ahí está la mano de Oliver. Si desde hace unos años ves con peores ojos las bandejas de pollo de color blanquecino en los supermercados, también, aunque no lo sepas, tiene algo que ver con Oliver. Igual que el hecho de que los mercados de medio mundo se llenen de jóvenes en busca de especias y verduras recién salidas del huerto en puestos bucólicos: esa idealización de lo rural en la vida moderna también tiene algo de la marca de este cocinero.
En sus dominios Todo esto es Jamie Oliver, un joven disléxico, pésimo estudiante, padre de cuatro hijos y que ahora, a sus casi 40 años, está a punto de cocinar el segundo plato de su banquete de dominación mundial. Un plato que, como no podía ser de otra manera, se prepara en los medios digitales. Su cuartel general en Londres es exactamente como no lo imaginamos. Al menos la planta del conjunto de edificios que ocupan sus oficinas junto a Old Street, en el nuevo distrito tecnológico del este de la capital inglesa. Mesas de madera rústica, muebles y adornos vintage, y jóvenes guapos y saludables trabajando sonrientes, con sus computadoras Mac, en distintos frentes de la marca. Jamie –en sus dominios y entre sus seguidores se le conoce por su nombre de pila– saluda amablemente y ofrece un trozo de una pecaminosa tarta de chocolate que, dice, acaba de cocinar. Usa jeans, camisa de cuadros azules y amarillos, el pelo echado hacia atrás y, en la muñeca izquierda, una pulsera Jawbone: uno de esos aparatos, englobados en la tendencia de la tecnología para vestir, que miden la energía y el tiempo de sueño. Los prueba todos, dice, dejando ver por dónde van sus pensamientos en estos días.
“En Inglaterra tenemos un producto para untar muy popular que se llama Marmite, que lo amas o lo odias. Y creo que soy un poco así. En general, me considero afortunado”
El punto de partida es muy claro: lo más buscado en Google, después de “porno” (porn), es “comida” (food). “Tengo una fotografía del futuro, y es una imagen muy grande”, explica. “No sé si puede funcionar. El planteamiento es que, a medida que la cultura digital crece y la nueva generación pasa por el momento en que empieza a cocinar, teclean lo que buscan y lo que aparece es un motón de mierda. ¿Qué es esa mierda? Puede ser un buen chef, pero que comunica mal. No hay buenos videos, tutoriales sobre las técnicas. Así que mi sueño es crear la mayor y más reputada red social de comida del planeta. Lo cual suena muy grandilocuente. No es una cosa de Jamie Oliver, aunque estaré por ahí. Se trata de crear una gran familia. Puedo estudiar quiénes son los grandes comunicadores de cocina mexicanos e italianos, eso no es un problema, lo sé ver enseguida. En el mundo online nadie ha reclutado a gente maravillosa que trabaje duro para crear contenidos de calidad. ¡Vengan! ¡Tengamos una gran familia! No habrá competencia entre nosotros. El mundo de la televisión y los libros es competitivo, pero eso no sucede en los nuevos medios. Es una cultura diferente. La Tierra se está convirtiendo en un lugar más pequeño. Ahora mismo, en FoodTube albergamos a gente de todo el planeta, hasta personas de zonas en guerra. La conversación 49
solía ser territorial, pero ya no. Y se trata de eso: conversación. No soy yo hablándote a ti; somos nosotros yendo del uno al otro. Es muy estimulante, es un tiempo nuevo. Estoy muy emocionado con esto”. En esta misma sala diáfana donde tiene lugar la entrevista se encuentran una pequeña cocina y una barra, decoradas al más puro estilo Jamie, que sirven de estudios para sus canales de YouTube. FoodTube, su canal de cocina, ha superado el millón de seguidores en menos de un año. Y el más reciente DrinksTube, sobre bebidas, sigue el mismo camino. Hay videos de jóvenes cocineros de la cantera que está formando el chef, tutoriales y piezas con invitados como el actor Kevin Spacey o Alex James, el exbajista del grupo Blur convertido en artesano de quesos. Suscribirse es gratis, pero esta plataforma golosa atrae a numerosos anunciantes.
“Tengo un desinterés lo suficientemente sano por el dinero. Soy bastante emprendedor, y no me importa perder algunas partidas. Lo he hecho durante 10 años y ahora llega la siguiente parte de la historia” Oliver –que mantiene una base en California, donde comparte experiencias e ideas con empresarios de Silicon Valley– no es el primero en darse cuenta del potencial de la comida en Internet. Hay algunos personajes, desconocidos hace pocos años, que tienen aún más seguidores que los canales de Jamie, y compañías como BuzzFeed o Vice ya han lanzado sus propias divisiones gastronómicas. Pero él ve todo esto además como un arma más en su campaña global por la alimentación sana. “Si creas un sitio con recetas buenas y de confianza, puedes mejorar la salud de la gente”, explica. “En los últimos 10 años he aprendido que la comida es una de las grandes extremidades de la economía mundial. La agricultura es el mayor empleador del planeta. Y hay mucho sobre este tema que se hace mal en los tiempos modernos. Debemos preguntarnos cuál es su verdadero precio. Ver si las cosas están bien hechas, para que sean deliciosas y nutritivas, pero también éticamente correctas. Todo lo que hago es contar en distintos medios. Y me he dado cuenta de que los humanos somos muy listos: si tenemos la información adecuada, tomaremos buenas decisiones. Discutir sobre alimentación es sano. Hay países, con Estados Unidos a la cabeza, en los que la gente no sabe comprar ni preparar platos. La erosión de las habilidades en la cocina es un gran problema. Los supermercados cada vez están más llenos de productos procesados. Creo que es importante proteger los alimentos frescos y verdaderos. Circula la idea de que sentarse alrededor de una mesa y disfrutar de buenos platos de comida es sólo para los ricos. Y eso me entristece, porque no es verdad. Si sabes comprar y cocinar, cualquiera puede comer como un rey. Además, ¿cuánto estarías dispuesto a pagar por 15 años más de vida sana? Esa es mi motivación cada mañana”. 50
Recetas de familia Los fogones han sido el hábitat natural de Jamie desde que nació. Su padre, también cocinero, se formó en Francia y tenía su propio establecimiento. Su abuelo, también. “Crecí en ese ambiente familiar”, recuerda el cocinero. “Cuando salía por las mañanas bajaba directamente al restaurante. Tuve la suerte de que el de mi padre fue uno de los primeros
gastropubs, hace 40 años. Eso quiere decir que teníamos una brigada completa de cocineros. Pastelería, pescados, carnes. Comprábamos producto local, cerdos enteros, corderos. Los martes y los jueves eran los días del pescado. Teníamos langostas, cangrejos, pescados enormes. Así que para una niño era como ¡guaaaaaauuuu! Hombres grandes, animales enteros, fuego, olores. Era un tiempo en que la comida en Inglaterra era muy mala, pero en casa de mi padre se cocinaba muy bien. A mí me gustaba el lenguaje, las risas, era un poco salvaje, porque el estrés entre fogones es alto. La gente que trabaja allí es especial, está sometida a un estrés particular. Y a mí me encanta”.
Ayudó el hecho de que la escuela se le daba tirando a mal. “La pasaba fatal en la mayoría de las asignaturas”, recuerda Oliver. “Y solía acabar en las clases para niños con necesidades especiales. Se me daba mal la escuela, pero fui muy feliz. Hice amigos para toda la vida. Si había 120 chicos en mi curso, sigo comunicándome activamente con 80. Pero estudiar no era lo mío y la cocina fue mi salvación”. Cuando terminó el colegio se matriculó en una de las mejores escuelas de cocina de su país, Westminster Catering College, y fue “como el principio de un nuevo mundo”. Para entonces ya había trabajado muchas
Con el sabor de casa Comfort food es según su autor, el polifacético cocinero Jamie Oliver, el “libro definitivo de recetas caseras”. Una centena de platos que recorren el mundo para garantizar “un festín de recuerdos nostálgicos y tradiciones” y que al comensal se le dibuje “una enorme sonrisa” cuando los deguste. Esa es la intención del chef inglés, quien recuerda que hace 15 años que escribe libros “con recetas serias, rigurosas”, pero en esta ocasión se ha propuesto llevar a sus seguidores “a otras latitudes” en un viaje por sus “emociones”. Desde el pastel de carne de mamá al popular fish & chips de su tierra.
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horas en el restaurante de su padre, a quien define como “un jefe duro”. “Para ser un buen cocinero”, explica Jamie, “hay una parte emocional, de saber conectar tu cerebro con tu paladar. Pero también hay mucho de repetición. Y para cuando tenía 15 años había repetido tanto que, aunque no era muy bueno en lo académico, destacaba en las cocinas y acabé haciéndolo muy bien en la escuela”.
“Circula la idea de que sentarse alrededor de una mesa y disfrutar de buenos platos de comida es sólo para los ricos. Y eso me entristece, porque no es verdad. Si sabes comprar y cocinar, cualquiera puede comer como un rey”
Al graduarse pasó un tiempo en un restaurante del norte de Francia, donde aprendió que “en la cocina el lenguaje deja de ser importante para comunicarse”. Tras su vuelta a Londres, trabajó en establecimientos como el Carluccio, donde conoció a su maestro, el amalfitano Gennaro Contaldo, uno de sus grandes amigos e invitado habitual de sus programas, que le descubrió los secretos de la comida tradicional italiana.
Y un buen sábado por la noche, cubriendo un turno que no le correspondía en el River Café, apare52
ció la televisión. “Mis jefas, dos mujeres increíbles, me preguntaron si podía ir porque uno de los chefs se había enfermado. Yo fui, y resulta que había un equipo de televisión. El comedor estaba abarrotado y esa noche me tocó una labor muy divertida: platos casi en crudo, rehogados, todo muy rápido. Y los de la televisión alucinaron. Me preguntaban todo el rato qué estaba haciendo, y yo podía hacerlo y hablar con ellos a la vez. Así que seis meses después salió al aire y al día siguiente los teléfonos no pararon de sonar”.
Así nació The naked chef, una auténtica revolución en la televisión de este género. Un chico normal haciendo comida casera con buena técnica. “Yo tenía 21 años”, recuerda Oliver. “Fue mucha presión. Pero, como no me iba la vida en ello, me lo tomaba con cinismo. La televisión de cocina era muy aburrida entonces. Sólo se veían chefs mayores con sombreros enormes, trajes blancos, estrellas Michelin. The naked chef era casi documental, yo ni siquiera miraba a cámara. Y, de repente, despegó”.
El imperio creció y el chef más mediático de la historia utilizó su poder para combatir en todo el mundo por la buena alimentación desde distintos realities televisivos. “Hemos hecho grandes cambios”, asegura. “Pero es como si tienes toda tu casa llena de basura y yo voy allí y limpio tu dormitorio. Estarías contento de que lo haya limpiado, pero el resto de la casa seguiría sucia. Así me siento. Cuando estás trabajando al nivel del gobierno británico, con 7 millones de niños, 28 mil escuelas, 150 mil comidas, cuando tienes a los jóvenes con peor salud de Europa… empiezas a ver que es cuestión de detalles, y los gobiernos no entran en eso. Los médicos dicen que esta es la primera generación que vivirá menos que sus padres. Cada vez que voy a ver a un político, me dice: ‘Dime aunque sea sólo una cosa que podamos hacer’. Pero, hermano, no puedes arreglar la salud pública con una sola cosa”. Asegura que ahora está en un momento de repliegue. “A través de la comida, hemos probado cosas muy diferentes. Pero, para ser sincero, puede que el 40% de ellas no hayan funcionado por alguna razón. Sin embargo, hemos aprendido lecciones muy importantes, hemos sido muy experimentales. Y ahora estamos en una etapa de concentrarnos en lo que hacemos bien, en los contenidos, la calidad y la confianza. No diría que soy un buen hombre de negocios. Tengo un desinterés lo suficientemente sano por el dinero. Soy bastante emprendedor, y no me importa perder algunas partidas. Lo he hecho durante 10 años y ahora llega la siguiente parte de la historia. En 2015 cumplo 40 y planeo vivir bien 10 años. No quiero decir que deje de ser activista, pero me gustaría hacerlo más desde la unión que como una voz solitaria”.
Juego de niños Jamie Oliver es un adicto al trabajo cuyas semanas laborables “pueden empezar con un jefe de estado y terminar con Oprah Winfrey”. Pero el contrapeso llega cuando se enfrenta a su papel de padre de cuatro hijos. “Los fines de semana me convierto en papá”, asegura. “Me tomo mi tiempo. Y trato de no viajar mucho. Cuando estoy en casa siempre cocino, me gusta. Hacemos cosas simples como familia. Jugar con los niños, tratar de que sean felices. Y a partir de las siete somos mamá y yo tomando un vaso de vino, una buena cena y relajándonos. Necesito ese antídoto”. Asegura que le interesan las nuevas tendencias de la cocina. Aún no ha estado en Noma, del danés René Redzepi, considerado el mejor restaurante del mundo, pero dice conocer y compartir tiempo con algunos de esos cocineros vanguardistas. “Estoy al corriente”, explica, “pero desde un punto de vista personal siempre me he concentrado en las abuelas y las madres. Eso es lo que me inspira. Aprecio la cocina técnica, pero en mi vida profesional únicamente quiero llevarlo hasta determinado extremo. Me parece más accesible y democrático trabajar en esta otra área. Creo que España y Japón, así como algunos daneses y suecos, son los innovadores más activos. Están empujando las fronteras técnicamente. Pero, una vez que has estirado los límites, también es bonito volver. Pronto vamos a abrir nuestro segundo restaurante Barbacoa. Va a ser épico. Sin electricidad, sólo fuego y madera. Es el sueño de cualquier cocinero. Habrá tandooris, rowatas japonesas, hornos de madera…”. 54
La falta de talento, dice, es el problema más grande que encuentra ahora en Reino Unido. “No hay suficientes chefs. Necesitamos profesionales de todo el mundo. Estamos trabajando en un proyecto para traerlos. Que puedan venir a Londres y ofrecerles alojamiento los primeros meses. Así que ¡vengan, vengan aquí!”. Su sobreexposición mediática, de la que empieza a estar cansado, dice que le ha traído tantos amigos como enemigos. “En Inglaterra tenemos un producto para untar muy popular que se llama Marmite, que lo amas o lo odias”, dice. “Y yo creo que soy un poco así. En general, me considero afortunado. Llevo 15 años haciendo televisión y libros, lo que me convierte en una de las personas más longevas en este aspecto. Me siento afortunado porque creo que no me he traicionado, no hay historias ‘complicadas’ sobre mí. Ni bailarinas de table dance, ni drogas, ni otros esqueletos en mi armario. Trato de no quejarme todo el rato, soy muy táctico. Si gritara todo el tiempo, la gente no me haría caso. Es un juego difícil. Pero creo que el público piensa que soy bastante congruente. Y creo que lo soy”.
Mayweather vs Pacquiao,
la pelea del siglo Texto: RODRIGO PÉREZ REMBAO
Aunque tardaron más de cinco años en ponerse de acuerdo y ninguno está en su mejor momento, el enfrentamiento entre estos dos titanes del boxeo, el 2 de mayo en Las Vegas, promete ser no sólo un gran espectáculo, sino todo un fenómeno mediático y, por ende, un negocio redondo para los involucrados.
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Imágenes: cortesía
DEPORTES
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loyd Joy Sinclair, conocido también como Floyd Mayweather Jr., Pretty Boy o Floyd Money Mayweather, aparece vestido de amarillo con negro dando hachazos a un enorme tronco caído. Durante 30 segundos, el boxeador no hace más que impactar el hacha contra la madera, sin pronunciar palabra ni dirigirse a la cámara que registra sus movimientos. El propio Mayweather hizo circular este video a través de su cuenta de Twitter, para que luego fuera compartido cualquier cantidad de veces, tanto por usuarios particulares de redes sociales como por diversos medios representantes de la prensa internacional. Pero, ¿cómo una pieza tan simple como esta logra viralizarse a tal grado?
Existen tres factores determinantes: A) El leñador es en realidad uno de los mejores y más famosos boxeadores del mundo (si no el que más en ambos casos). B) La práctica nos remite a los entrenamientos de Rocky –Sylvester Stallone–, el protagonista de la saga de películas sobre boxeo más taquillera en la historia del cine. C) Cuando el video se hizo público (el pasado 16 de marzo) faltaban 47 días para que Mayweather enfrentara a Manny Pacman Pacquiao, un duelo que tardó más de cinco años en concretarse y al que los especialistas han llegado a referirse como “la pelea del siglo”.
“Vamos a cocinar a ese pequeño tonto amarillo. Una vez que destroce al enano, haré que me haga un rollo de sushi y me cocine un poco de arroz”: Floyd Mayweather Jr.
Oro y esmeraldas En la pelea se defenderán tres títulos de peso wélter: el del Consejo Mundial de Boxeo (WBC) y el de la Asociación Mundial de Boxeo (WBA), que pertenecen a Floyd Mayweather Jr., y el de la Organización Mundial de Boxeo (WBO), que pertenece a Manny Pacquiao. Por ello, Mauricio Sulaimán, presidente del Consejo Mundial de Boxeo, mandó diseñar un cinturón especial, con incrustaciones de esmeraldas y las siglas WBC en oro de 24 quilates, para al vencedor. El valor de la faja se estima en casi un millón de dólares.
Cuento de nunca acabar La primera vez que se mencionó la posibilidad de que estos dos peleadores se encontraran sobre el cuadrilátero fue en diciembre de 2009. Por las características y logros alcanzados por parte de ambos, ningún otro duelo se antojaba tan intenso y espectacular como el que protogonizarían estos dos titanes, así que la reacción de los aficionados no se hizo esperar. La pelea, según lo anunció la cadena de televisión ESPN, se realizaría el 13 de marzo del año por venir. Se especuló, incluso, que llegaría a generar la mayor derrama económica en la historia del boxeo, 57
con cálculos de hasta 300 millones de dólares. Sin embargo, todo se vino abajo a finales de ese mismo mes, al no llegar a un acuerdo sobre cómo realizar las pruebas antidopaje antes y después del encuentro.
Pelea multimillonaria
El 13 de mayo de 2010, Bob Arum, dueño de Top Rank, promotora del filipino, volvió a hablar públicamente sobre un posible enfrentamiento. Un mes después, Oscar de la Hoya, dueño mayoritario de Golden Boy Promotions, aseguró que las negociaciones estaban por concluir favorablemente. Sin embargo, el tiempo transcurrió sin que los planes se concretaran y, nuevamente, todo quedó en meras especulaciones. En septiembre de 2010, cuando nadie entendía por qué las promotoras no podían llegar a un acuerdo, Mayweather complicó aún más las cosas al publicar en Internet un video lleno de insultos hacia Pacquiao. “Vamos a cocinar a ese pequeño tonto amarillo”, dijo. “Una vez que destroce al enano, haré que ese hijo de puta me haga un rollo de sushi y me cocine un poco de arroz”. En el video, además, el estadounidense volvió a acusar al filipino de utilizar sustancias ilegales para mejorar su rendimiento, algo que ya había hecho a principios de ese mismo año, y le había valido una demanda por difamación.
Hasta que un día… Así se fue yendo el tiempo –y los mejores años de ambos pugilistas–, hasta que el pasado 27 de enero, mientras se llevaba a cabo un partido de la NBA en la American Airlines Arena, casa del equipo Miami Heat, las cámaras de televisión captaron a estos dos boxeadores entre el público: Mayweather ocupaba un asiento junto a la banca del equipo local; Pacquiao se encontraba cerca de la banda contraria, casi enfrente. Quienes esa noche estuvieron en la arena o vieron el partido por televisión, fueron testigos de cómo, al término de la primera mitad, el estadounidense se dirigió hasta donde se encontraba el filipino para darle la mano e intercambiar unas palabras con él. Apenas unas semanas después, luego de que, por fin, el 20 de febrero se anunció como un hecho que la pelea se llevaría a cabo el próximo 2 de mayo, el filipino aseguró que aquel encuentro fortuito resultó ser uno de los factores decisivos para llegar a un acuerdo sobre las condiciones del duelo; otro, aseguró determinante, fue su humildad: “(La pelea 58
• Aunque el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas sólo tiene capacidad para 16,800 espectadores, se espera que el combate se convierta en el evento deportivo más lucrativo de la historia debido al costo de las entradas. • La página GoTickets.com empezó ofreciendo el boleto más barato en 3,749 dólares y en 22,500 el más caro, en ringside. Tres semanas después, el asiento menos costoso había llegado a los 5,525 dólares, mientras que los pases para ringside se habían agotado. • En Ticketstogo.com, el asiento más caro, en ringside, llegó a costar 101,250 dólares a mediados de marzo pasado, lo que equivale a más de un millón 500 mil pesos mexicanos. • Mayweather Promotions y Top Rank –la empresa del manejador Bob Arum y a la cual pertenece Pacquiao– esperan recaudar 50 millones de dólares en taquilla. • Se estima que la bolsa a repartir entre los boxeadores alcance los 200 millones de dólares, de los cuales, el 60 % (120) correspondería a Mayweather y 40% (80) a Pacquiao. • En cuanto a la transmisión de la pelea, estará a cargo de HBO y Showtime, en modalidad pay per view, y se estima que llegará a más de 3 millones de hogares. Considerando que el costo oscilará entre 90 y 100 dólares, se puede calcular una ganancia aproximada de 300 millones de dólares bajo este concepto. • En lo que respecta a México, al cierre de la edición todo parece indicar que tanto Televisa como TV Azteca llegarán a un acuerdo para transmitir la pelea en televisión abierta.
LO INSóLITO sucederá) porque estuve de acuerdo en que la repartición fuera 60%-40% –comentó Pacman en entrevista con Michele Beadle, de HBO–. Gracias a ello, esta pelea es una realidad”. Y es que, en su calidad de invicto, Mayweather exigió como parte del trato que, al momento de repartir las ganancias, hubiera un “lado A” y un “lado B”. Pacquiao, finalmente, aceptó tal condición y con ello hizo posible lo que desde 2009 no se había podido concretar.
Quienes ven en Mayweather mayores posibilidades de acreditarse el triunfo, supondrán que logrará imponer su impecable técnica para eludir el daño para luego lastimar a su rival en un feroz contraataque; quienes se decantan por Pacquiao, pensarán que aún mantiene algo de esa velocidad mortífera que mostró hace unos años (recuérdese el espectacular combate con el británico Ricky Hatton el 2 de mayo de 2009), y podrá franquear la férrea defensa del estadounidense. Pero, más allá de lo que pueda deducirse al analizar la trayectoria de ambos pugilistas y ver los momios en las casas de apuestas, lo más sensato sería entender esta pelea, “la pelea del siglo”, como de pronóstico reservado.
De pronósticos reservados Después de tantos años subiendo al cuadrilátero como el rival a vencer (rival de guerreros como los mexicanos Marco Antonio Barrera, Érik Morales, Jorge Solís, Antonio Margarito y Juan Manuel Márquez; este último le propinó al filipino el nocaut más estrepitoso de su carrera en diciembre de 2012), esta vez Manny Pacquiao figura como “el débil” de la contienda. Esta circunstancia, sin embargo, parece no incomodar en lo más mínimo al Pacman, sino todo lo contrario. “Es bueno no ser el favorito –declaró recientemente en una entrevista para CBS Sports–. Me ayuda mucho a enfocarme en entrenar. Siento como si estuviera comenzando otra vez”. Una vez que se hizo oficial el combate, los principales portales de apuestas en el mundo colocaron al estadounidense con una ventaja de 3 a 1; es decir, para ganar 100 dólares había que poner 300 en juego. Al cierre de esta edición, esa aparente superioridad inicial se ha reducido a 2.25 a 1, lo que significa que, para ganar 100 dólares, sólo es necesario poner en juego 225 (por otro lado, 100 dólares a favor de Pacman se convertirían en casi 190 de ganancia según los momios actuales).
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Manny Pacquiao
Floyd Mayweather Jr.
Nació en Bukidnon, Filipinas, el 17 de diciembre de 1978.
Nació en Michigan, Estados Unidos, el 24 de febrero de 1977.
Mide 1.69 de estatura.
Mide 1.73 de estatura.
Empezó como profesional a los 16 años, en peso minimosca.
Empezó como profesional a los 19 años, en peso superpluma.
Es el único boxeador en la historia que ha obtenido títulos en ocho categorías distintas: mosca, supergallo, pluma, superpluma, ligero, superligero, wélter y superwélter.
Ha sido campeón del mundo en cinco categorías distintas: superpluma, ligero, superligero, wélter y superwélter.
En 2011, el CMB lo nombró “Boxeador de la década” por sus logros alcanzados en los primeros 10 años del nuevo milenio.
Es considerado el mejor “libra por libra” por la revista The Ring.
Actualmente, posee el título de la Organización Mundial de Boxeo (WBO), peso wélter.
Actualmente, posee el título del Consejo Mundial de Boxeo (WBC) y el de la Asociación Mundial de Boxeo (WBA), peso wélter.
Su marca es de 57 victorias (38 por nocaut), 2 empates y 5 derrotas.
Su marca es de 47 victorias (26 por nocaut), 0 empates y 0 derrotas.
Imagenes: cortesía
literatura
Los 150 años de Alicia Texto: LUIS ERNESTO GONZÁLEZ
Las aventuras de una niña llamada Alicia que se cuela por un agujero para emerger en el País de las Maravillas convirtieron a Lewis Carroll en un autor reconocido y exitoso, en un famoso de su tiempo. Y sin embargo, el creador de aquel fantástico relato deseó un día no haber escrito el libro que acabó consagrándole como leyenda literaria. Hoy, pese a todo, la magia continúa un siglo y medio después. 62
E
l señor Dodgson era un profesor algo extraño. Tenía gran imaginación, era aficionado a la fotografía y escribía poemas. Y además, enseñaba matemáticas y se encargaba de la biblioteca de su escuela. Estaba llamado al sacerdocio, pero logró evitarlo. Sin embargo, ni por sus clases ni por sus versos ni por sus imágenes se le recuerda hoy. En cambio, difícilmente alguien podría decir que no sabe quién es Alicia, la muchachita que visitó el País de las Maravillas gracias a la pluma de… ¿Charles Lutwidge Dodgson? Bueno, mejor llamémosle por su pseudónimo, su nombre artístico: Lewis Carroll, que así es como la posteridad conoce a este hombre tímido que vivió en la Inglaterra victoriana entre 1832 y 1898. Su obra cumbre cumple este año 150… y está tan vigente, tan loca y tan sensata como siempre, tratando de contestar preguntas como: ¿quién soy?, ¿qué es lo real?, ¿por qué pienso lo que pienso? Entre las nuevas y no tan nuevas preocupaciones de los biógrafos y analistas de Dodgson, la más incómoda puede resumirse en esta frase: “A Lewis Carroll le gustaban las niñas”. ¿Y qué?, puede preguntarse uno: es obvio que le gustaban, pues creó uno de los personajes más entrañables de
las letras universales, en la niña Alicia. Pero el asunto se complica: unos hablan de probable pederastia y otros, por el contrario, de una intensa búsqueda de la inocencia y los amores puros, a la manera del escritor danés Hans Chirstian Andersen, otro maravilloso autor de cuentos infantiles (¿recuerdan La sirenita, El patito feo, El soldadito de plomo?). Lo cierto es que Carroll prefería la compañía de niñas que de sus camaradas de edad, trabajo o vecindario. Y otra cosa: cuando sus pequeñas amigas crecían, él se desinteresaba de ellas. Alicia no fue la excepción… pero sí lo fue.
Absurdos lógicos y contradictorias claridades Alice Liddell se llamaba una pequeñita que tenía cuatro años cuando conoció al tímido profesor. Era hija de un compañero de Dodgson en el Colegio Christ Church (uno de los departamentos de la Universidad de Oxford). A ella, la historia le tenía reservado el lugar de la musa inspiradora de esa novelita de absurdos lógicos y contradictorias claridades que hoy es inmortal. Alice y sus hermanas Lorina y Edith trabaron una amistad muy alegre con el compañero de trabajo de su padre y con frecuencia salían todos de paseo. Senderos boscosos, lagos, campos de siembra, valles, colinas veían pasar al grupo envuelto en amenas pláticas. Pero los mejores momentos ocurrían cuando el profesor se ponía a improvisar relatos usando como protagonistas a las hermanas Liddell. A Alice, Lorina y Edith les encantaban esas jornadas. Y así se siguieron durante algunos años. Luego, Carroll llevó al papel sus invenciones y se las regaló a Alice. Un día, los papás de las niñas lo convencieron de publicarlas. Entonces el autor hizo una versión más larga que la que originalmente había llamado “Las aventuras subterráneas de Alicia”; desechó sus propias ilustraciones y contrató a un profesional, John Tenniel, para que hiciera los dibujos que hoy conocemos todos. La primera edición de Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas (Alice advertures in Wonderland) es de julio de 1865. El éxito fue rotundo, al grado que generó una segunda parte, hoy convertida ya en una sola unidad con el primer texto: A través del espejo y lo que Alicia encontró allí (Through the Lookingglass and What Alice Found There), donde vienen 64
Una curiosa celebración Aunque seguramente se anunciarán pronto diversos homenajes a Lewis Carroll, ya hay uno en puerta de lo más adecuado: en un tiempo en que la correspondencia parece cosa del pasado gracias al correo electrónico, el Reino Unido ha decidido emitir una serie de estampillas o timbres postales con dibujos de los principales personajes de Alicia en el país de las maravillas. Pero no se usarán las imágenes clásicas de Tenniel, sino del contemporáneo Grahame Baker-Smith. Perfecta provocación para coleccionistas.
Alicia va al cine
Tema favorito del arte, Alicia aparece en óperas, comedias musicales, pintura, danza y en al menos 20 cintas en diversas partes del mundo (por no hablar hasta de videojuegos: American McGee’s Alice y Alice: Madness Returns). Adaptaciones libres, fieles o apenas sugerencias (e incluso versiones pornográficas) inundan la pantalla, dando relevancia a diferentes personajes, como La Liebre de Marzo, El Sombrerero Loco, El Gato de Cheshire, La Reina de Corazones, etc. Entre las más famosas destacan:
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capítulos memorables, como “Tweedledum y Tweedledee” y “Humpty Dumpty”. El libro se tradujo muy pronto a otros idiomas europeos y conquistó el mundo. Alice’s Adventures in Wonderland Edwin S. Porter, 1910, película muda del gran director y creador de Asalto y robo de un tren, primera cinta western de Estados Unidos.
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Alice in Wonderland Alice in Wonderland
Cecil Hepworth y Percy Stow, 1903, una película muda que, seguramente, es la primera que abordó esta novela.
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Walt Disney, 1951, dibujos animados; mezcla episodios de esta novela y de Through the Looking Glass.
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Alice Alice in Wonderland
Norman Z. McLeod, 1933, con Charlotte Henry, Gary Cooper y Cary Grant.
Jan Švankmajer, 1988, cinta checoslovaca con poéticos tintes surrealistas.
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Alicia en el país de las maravillas
Alicia en el País de las Maravillas Efrem Pruzhanskiy, 1981, dibujos animados. La versión soviética de esta historia.
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Tim Burton, 2010, con Mia Wasikowska [Alicia], Johnny Depp [El Sombrerero Loco], Helena Bonham Carter [Reina de Corazones] y Anne Hathaway [Reina Blanca]; adaptación libre de ambas novelas.
Luego Alice creció (tenía 13 cuando se publicó Alicia), su familia se enemistó con el escritor por causas no muy claras (tal vez, piensan algunos, porque Dodsgon pidió la mano de la todavía jovencísima Alice) y siguió pasando el tiempo. Mientras ella se casaba (con otro, claro), él encontraba nuevas niñas con quienes hacer sus paseos y sentir cercana la inocencia. Y el patrón pareció repetirse: Carroll se inspiraba siempre en jovencitas menores de 15 años, a quienes dejaba de ver entradas en la adolescencia. No falta quien especula, a partir de algunas frases enigmáticas escritas en el diario del autor, que en su juventud, cuando era estudiante, habría sufrido quizá de algún abuso “incómodo” por parte de los mayores. Lo que sí parece indiscutible es que Carroll creía en la belleza innata, en la natural bondad del ser humano… y en la corrupción casi inevitable que los años traen consigo. Pero el milagro del arte logró cumplirle a Carroll su más preciado sueño: Alicia, su amada Alicia, su niña curiosa, cumple 150 años… ¡y sigue siendo una niña! Esa niña rebelde, valiente (¿o imprudente?), claridosa e imaginativa que en una siesta bajo un árbol encontró a un conejo que hablaba consigo mismo y miraba con angustia su reloj; esa niña, que en la novela tenía siete años; esa niña que es, de tantas maneras, cada uno de nosotros, asombrados ante el mundo y sus maravillas.
Al otro lado de esta historia
un paraíso (y que es el campo de croquet –no críquet– de la Reina de Corazones), pero su nueva estatura le impide tomar la llave... que ha quedado en la mesa… en la mesa que ahora, desde su nueva perspectiva, es altísima e inalcanzable. Luego de muchas peripecias, en las que un pastel la vuelve una gigante, Alicia se echa a llorar… y como es gigantesca, su llanto crea un mar… ¡y ahí está! En ese mundo de locos, los mares de lágrimas sí existen y, si ella vuelve a reducirse puede ahogarse en sus propias lágrimas. La metáfora es clara… y bellísima.
Maravillados también, los analistas de la novela no saben si se trata de una gran broma, de una lección de ética (ponerse siempre en los zapatos del otro para ver la vida desde diferentes ángulos), de unas clases bien diseñadas para mantener la atención de una alumna especialmente distraída, de un juego de lógica, de una adivinanza endiabladamente compleja o… en un extremo de delirio interpretativo… en un elogio de las drogas (bebidas y pasteles y hongos y pipas que hacen que el cuerpo se agrande y se achique). Lo que sin duda es verdad es que quien habla inglés comprende mejor los juegos de palabras que abundan en la obra (por ejemplo, dado que suenan igual las palabras tail [“cola” o “seguir de cerca”] y tale [cuento, historia], Carroll hace que Alicia, hablando sola, se enrede con los significados y diga una cosa por otra... descubriendo relaciones secretas entre un cuento, su cola o final y su manera de seguir de cerca lo que se va contando. Lewis Carroll se regodea también en algunos significados que nosotros llamaríamos “frases hechas”, aquellas que repetimos sin analizar, como “ser un mar de lágrimas” o “ahogarnos en nuestro propio llanto”. Cuando Alicia, por seguir al conejo, se ha metido en la madriguera y de pronto cae por un pozo que parece no tener fondo, llega a una salita donde hay muchas puertas. Sobre una mesa de cristal hay una llavecita. También hay una poción que dice “Bébeme” y ella (habiendo confirmado que en ningún lado dice “Veneno”), la ingiere. Acto seguido, su cuerpo se reduce y se vuelve diminuto. Ahora ve una puertecita pequeña y bella que da a un hermoso jardín que parece 68
Alice Liddell, la pequeña musa de Lewis Carroll, en un retrato de 1858.
Pero el milagro del arte logró cumplirle a Carroll su más preciado sueño: Alicia, su amada Alicia, su niña curiosa, cumple 150 años… ¡y sigue siendo una niña!
El enanismo y el gigantismo de Alicia dan pie a nuevas invenciones. Por ejemplo, jugar con las palabras “grande” como “mayor de estatura”, pero también como “mayor de edad”, en algún momento hará que Alicia se regañe a sí misma, porque una niña “grande” no debe llorar. Ejemplos como este no sólo revitalizan y relativizan el lenguaje, sino también aquello que nosotros entendemos desde nuestros limitados puntos de vista y creemos que es una verdad inamovible. Alicia ama a su gato… pero si está platicando con un ratón, más le vale no mencionarlo. Tacto. Y si habla con un pájaro, que no le diga que ella come huevos. Su amigo potencial le tendrá miedo, aunque ella sea un pan de Dios. Leer Alicia en el País de las Maravillas es toda una lección de empatía: ponernos en el lugar del otro, ver el mundo desde unos ojos que no son nuestros, cuestionarlo todo, hasta lo que creemos que es más cierto. Comprender que a veces lo que nos enseñan en la escuela quizá nos sirva llegado el momento… o quizá haya que ponerlo de cabeza para entender algo… no sólo con la cabeza sino con el alma, el corazón o la intuición.
Sabías que… 1 El nombre correcto de la novela en español es: Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas, aunque se popularizó sin la primera parte. Lo que pocos saben es que Lewis Carroll, el autor, en algún momento del proceso creativo, quiso llamarla “Alicia pasa una hora en el País de los Elfos”. 2 Contra lo que puede imaginarse en alguien que inventa complicados trabalenguas y poemas rítmicos, Lewis Carroll era un poco tartamudo. 3 Carroll tomó muchas fotos de desnudos de mujeres menores de edad. Sin embargo, en el época en que vivió, aquello no se consideraba ilegal o morboso, sino como una muestra de inocencia. Hoy se conservan sólo seis de aquellas fotos. 4 El autor pagó la primera edición de Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas, sin imaginar que con el tiempo la obra generaría millones de dólares. 5 Alice Pleasance Liddell (su nombre completo), según puede verse en fotos, fue una niña encantadora. Pero sin duda lo fue también de veinteañera, pues fue pretendida por el príncipe Leopoldo, duque de Albany, hijo menor de la mismísima reina Victoria del Reino Unido. A los 28 años se casó con el estudiante de Christ Church e hijo de un próspero empresario, Reginald Gervis Hargreaves y tuvo tres hijos: Alan Knyveton, Leopold Reginald y Caryl Liddell; los dos primeros fallecieron en combate en la Primera Guerra Mundial. 6 El texto autografiado que Carroll regaló a Alice de “Las aventuras subterráneas de Alicia” (1863) fue vendido por la misma Alice a la casa de subastas Sotheby’s, en los años 20 del siglo pasado, pues su estilo de vida era sumamente costoso. Obtuvo por él la elevada suma de 15,400 libras esterlinas. Actualmente, el manuscrito se conserva en la Biblioteca del Museo Británico. 7 La palabra favorita de Alicia es “supongamos”.
La estructura de la novela es sencilla: algunas historias entrelazadas que terminan cuando Alicia despierta y se encuentra al lado de su hermana en un día de campo. Puede entenderse que nada ha sido real y que se ha tratado de un viaje onírico sin más. Pero… para la segunda parte, A través del espejo, el comienzo es aun más poético, pues ella está bien despierta (¿o no?) y trepada en una repisa sobre la chimenea, donde está el gran espejo de la sala, y de pronto éste se vuelve como de niebla y Alicia, al notar que no le ofrece la resistencia de una superficie sólida, no duda en pasar a través de él para llegar a una sala idéntica a la suya, pero donde todo está al revés. “Lo que me pregunto es si la nieve es capaz de amar a los árboles y a los campos y besarlos con tanta dulzura como a los cristales de las ventanas”, se pregunta Alicia mirando hacia su jardín. Aquí Carroll ya no está haciendo juegos de palabras ni arriesgando la lógica de la reflexión: aquí está haciendo poesía desnuda, encontrando un país de maravillas sin salir de éste, del suyo, del nuestro. La puerta (¿o ventana?) hacia lo maravilloso… es la poesía. Alice Liddell (1852-1934) guardó toda su vida una gran cantidad de secretos relacionados con Charles Lutwidge Dodgson. Y él mismo, en su diario, abordó siempre su relación con las niñas de manera muy ambigua. Luego, los familiares de Carroll se encargaron de arrancar algunas páginas de dicho diario para hacer las cosas todavía más ininteligibles. Todo queda para la especulación y depende de cada cual convertir al autor de este clásico de la literatura en un monstruo o en un
Leer Alicia es toda una lección de empatía: ponernos en el lugar del otro, ver ver el mundo desde unos ojos que no son nuestros, cuestionarlo todo, hasta lo que creemos que es más cierto
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personaje angelical. Dodgson, quien debió convertirse en sacerdote para seguir ejerciendo en Christ Church, logró, no se sabe bien cómo, evitar ese paso y ser un caso excepcional de profesor laico en esa institución. No fue sacerdote… pero tampoco se casó. Su ideal, en todo caso, se cumplió cabalmente: Alicia hoy se mantiene tan niña y tan maravillosa como hace 150 años. Las ilustraciones originales de la obra son del artista británico John Tenniel (1820-1914).
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arte
Henri Cartier-Bresson: el instante es lo que cuenta Texto: JONATHAN MORALES Fotos: DANTE CASTILLO
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El célebre fotógrafo francés, que también fue pintor y dibujante, mostró una capacidad inusual para la observación, de ahí que saber sobre su obra signifique tanto como conocer una parte de la historia gráfica del siglo XX. Presentamos este breve perfil con motivo de la retrospectiva dedicada en su honor en el Palacio de Bellas Artes.
C
osta de Marfil, Egipto, Estados Unidos, Polonia, Francia, Alemania, México, India, Yugoslavia, China, Cuba, Rusia, Italia, Japón, Marruecos, España… Y, también: Jean-Paul Sartre, Samuel Beckett, Coco Chanel, Pablo Picasso, Henri Matisse, Robert Oppenheimer, William Faulkner, Alberto Giacometti, Arthur Miller, Truman Capote, Marie Curie, Fidel Castro, Saul Steinberg, Albert Camus, Edith Piaf, André Malraux, Eugene Ionesco, Ezra Pound, Jean Genet, Igor Stravinsky… Prácticamente no hubo lugar en el mundo ni rostro humano que fuera desconocido o permaneciera oculto e insondable para el ojo y la lente de Cartier-Bresson (22 de agosto de 1908 – 3 de agosto de 2004), fotógrafo francés que, aun antes de morir, había grabado su nombre con letras de oro en el libro de la inmortalidad artística.
mado padre del surrealismo], las cuales me hicieron comprender el papel de la expresión espontánea y de la intuición y, sobre todo, la actitud de rebelarse”. Así que a los 23 años, armado con una cámara de segunda mano, se embarcó rumbo a África para realizar sus primeras instantáneas. Su método consistía en captar imágenes “a hurtadillas”, justo en el momento en que se desarrollaba el clímax de una acción. Es por eso que Cartier-Bresson es considerado por muchos como el padre del fotoperiodismo. En 1932, de regreso de su viaje africano, donde vivió de la venta de la carne y las pieles de animales salvajes que él mismo cazaba, publicó en Francia un fotorreportaje con las imágenes de aquella aventura, desgarradoramente hermosas, y decidió dejar de lado la pintura. De pronto, “el aventurero en mí se sintió obligado a testificar, con un instrumento más rápido que el pincel, las cicatrices del mundo”. También en este periodo ocurre un hecho importante: Cartier-Bresson adquiere su primera cámara Leica, una marca a la que su nombre permanecería indisolublemente asociado toda la vida. A los 26 años viaja a México, junto con algunos colegas, para realizar un proyecto etnográfico patrocinado por el gobierno mexicano; no obstante que el plan fracasa, Cartier-Bresson decide prolongar su estadía en nuestro país por un año, lo que resulta en una exposición en el Palacio de Bellas Artes. Luego viaja a Nueva York, donde expone en conjunto con el afamado fotógrafo estadounidense Walker Evans, y comienza a interesarse en el cine, tanto que a su regreso a Francia, en 1936, convence a Jean Renoir de trabajar como su asistente y participa con él en tres películas a lo largo del mismo número de años (antes había intentado colaborar con el cineasta español Luis Buñuel, quien se negó a aceptarlo). En 1940, durante la Segunda Guerra Mundial, Cartier-Bresson es capturado por los nazis y permanece encarcelado hasta 1943, cuando logra escapar y se une a un movimiento de resistencia. Al cabo de la guerra, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York se prepara una retrospectiva del trabajo del célebre fotógrafo francés, al que creían fallecido; sin embargo, Cartier-Bresson se entera a tiempo y vuela a Estados Unidos para estar de cuerpo presente en este “homenaje póstumo”.
“Hay un punto de partida para el dibujo y la fotografía: el acto de mirar, pero a partir de ahí se separan… La fotografía es una acción inmediata; el dibujo, una reflexión” Como muchos de sus contemporáneos, que consideraban que no bastaba con dominar un solo arte para desarrollar una sensibilidad artística, CartierBresson estudió dibujo y pintura con el maestro cubista André Lhote, en Montparnasse, antes de dedicarse a la fotografía. Coqueteó de cerca con el surrealismo, sin embargo, como más tarde lo reconocería, “no estaba marcado por la pintura surrealista, pero si por las concepciones de André Breton [el lla-
A partir de entonces, el fotógrafo autodidacta se vuelve un experto que, no obstante, jamás deja de 73
No te quedes fuera El Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y el Instituto Nacional de Bellas Artes, en colaboración con el Centro Pompidou y la Fundación Cartier-Bresson, presentan la primera gran retrospectiva del artista francés tras su muerte acaecida en 2004, abriendo múltiples miradas que van desde el surrealismo, la Guerra Civil Española, la Segunda Guerra Mundial hasta descolonización de África. El proyecto, a 80 años de la primera muestra del fotógrafo en el Palacio de Bellas Artes, ofrece una doble propuesta: recordar su vasta obra para mostrar su evolución fotográfica y artística y leer la historia del siglo XX, a través de 398 piezas que incluyen fotografías, collages, pinturas, dibujos, periódicos, revistas y películas. El arte curatorial de esta exposición itinerante (antes fue presentada, con tremendo éxito, en Francia, España e Italia) corre a cargo del historiador de la fotografía Clément Cheroux. Abierta al público hasta el 17 de mayo.
aprender ni de maravillarse con las experiencias de cada nuevo viaje. Cartier-Bresson estaría en los cinco continentes, siempre a tiempo y siempre oportuno, retratando no sólo lugares y personas, sino acontecimientos históricos como la Liberación de París (1944), la construcción del Muro de Berlín (1961), la Guerra Civil Española (1936-1939) y los funerales de Mahatma Gandhi (1948), entre muchos otros eventos. En 1973 decide darle la vuelta a la página y retomar su otra pasión, que había dejado en pausa por cuatro décadas: el dibujo y la pintura. “En mi opinión, hay un punto de partida para el dibujo y la foto-
Prácticamente no hubo lugar en el mundo ni rostro humano que fuera desconocido o permaneciera oculto e insondable para el ojo y la lente de Cartier-Bresson
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Mil palabras sobre una imagen Para seguir en el mood fotográfico, te recomendamos El París de Man Ray, una exquisita biografía del neoyorquino Herbert R. Lottman sobre uno de los artistas más relevantes del avant-garde. Emmanuel Radnitzky (nacido en Filadelfia, Estados Unidos, en 1890 y muerto en París en 1976), verdadero nombre de quien también fuera un excelente bailarín y jugador de ajedrez y principal rival de Marcel Duchamp en este juego, fue contemporáneo de personajes de la talla de Max Ernst, Salvador Dalí, Guillaume Apollinaire, André Breton, Louis Aragon y Joseph Stella, entre otros. Cabe destacar que Lottman (fallecido en agosto de 2014, a los 86 años, en París, ciudad en la que vivió los últimos 58 años de su vida) es responsable de otras estupendas biografías de escritores como Albert Camus, Oscar Wilde, Gustave Flaubert y Julio Verne.
grafía: el acto de mirar, pero a partir de ahí se separan… La fotografía es una acción inmediata; el dibujo, una reflexión”. Tendría 30 años más para desarrollar y dominar este arte, sin descuidar del todo a su vieja Leica, a la cual, de vez en cuando, tomaba entre sus manos para hacerla disparar en el momento preciso. “A fin de cuentas –dijo el maestro–, la foto en sí misma no me interesa en absoluto. Lo único que quiero es retener la realidad una fracción de segundo”.
*Las imágenes que acompañan este artículo fueron tomadas, en febrero pasado, durante la inauguración de la retrospectiva Henri Cartier-Bresson. La mirada del siglo XX, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México
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DE VIVA VOZ
Ignacio López Tarso: muchos personajes por hacer Texto: JESSICA SERVÍN CASTILLO Fotos: DANTE CASTILLO
Minutos antes de salir a escena en la obra Aeroplanos, el primer actor mexicano nos recibe en su camerino para charlar de su vida y obra. Nos enteramos que tiene un estrecho vínculo con Birdman, la cinta de Alejandro González Iñárritu, que detesta dormir con la luz apagada, que aún pide que le preparen las recetas de su esposa y que tiene muchas ganas de hacer una buena película.
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unca traté de ser otra cosa en la vida. Bueno, cuando estaba buscando ser actor quise hacer carrera en el ejército. Y antes también probé como seminarista y luego de bracero, vendedor, agente viajero… Anduve buscándole por un lado y por el otro, y nunca me interesó nada de verdad más que la actuación”. Es la declaración de princiopis de un hombre que tras 65 años de trayectoria aún sigue lleno de proyectos y muy activo, como en aquellos días en que nos regaló actuaciones dignas de reconocimiento como Nazarín (1959), a las órdenes de Luis Buñuel, Macario (1960, su primer gran papel), de Roberto Gavaldón, El hombre de papel (1963), de Ismael Rodríguez, La vida inútil de Pito Pérez (1970), también de Gavaldón, y La Generala (1971), al lado de María Félix y dirigido por Juan Ibáñez.
trarme. Pero eso ya lo he aprendido a hacer de manera más rápida. ¿Cómo le hace para no aburrirse de ser actor? Yo nunca me he sentido aburrido como actor. Aunque hay veces en las que me he visto obligado a aceptar compromisos y hacer cosas que no me gustan. Pero llegar a aburrirme, jamás. ¿Qué lección le ha dado su carrera? Me ha dado madurez, autoridad, conocimiento, práctica, seguridad en mí mismo. También estabilidad económica porque que no tengo presión de hacer algo por dinero. ¿Qué personaje le falta por hacer? Muchos, hay muchísimos personajes por hacer. Por ejemplo de Molière o de autores modernos como Arthur Miller y Ionesco.
Son 65 años de carrera, ¿qué siente cuando escucha eso? Pienso que he utilizado mi carrera de actor para hacer otras cosas, para grabar discos y cantar corridos. He aprovechado muy bien el tiempo. Debía tener más beneficios, debería ser un actor muy rico por haber trabajado tanto. Eso es una demostración de que no he sabido manejar mi economía, porque después de 65 años de constante trabajo, ya debería de ser multimillonario.
¿Cómo evalúa el teatro que se hace en México? Bien, hay de todo. Es una buena cartelera, aunque se ha ido reduciendo a viernes, sábado y domingo. Eso es malo porque una ciudad que tiene cada vez más habitantes debería tener más actividad teatral, con temporadas más largas, más teatros abiertos, una cartelera más amplia. Ha de saber que yo inauguré el 90% de los teatros que existen actualmente en la Ciudad de México.
¿Cree que es un mal negocio ser actor en México? Para mí, sí. Hay otros actores que han trabajado mucho menos que yo y tienen más dinero. ¡Quién sabe cómo le hacen!
Como primer actor sigue muy activo en teatro y televisión [participa en la telenovela Amores con trampa], pero, ¿todavía tiene antojo de hacer cine? Sí, ya tengo ganas de actuar en cine. Hace mucho que no hago una buena película.
¿Cómo se prepara antes de salir al escenario? Pues a veces tengo entrevistas que no me permiten prepárame [risas]. Pero las entrevistas también me gustan mucho; nunca me niego. Para prepararme necesito estar solo, necesito pensar, concen-
El pasado 15 de enero, Ignacio López López (su verdadero nombre) también cumplió 90 años de vida, sobre lo que opina: “Es ya mucho tiempo. Me siento bien como estoy, es muy bueno llegar a esta edad
bien de todo, con buena salud en general, con trabajo, con una situación cómoda. Mis hijos, mis nietos y mis bisnietos están cada vez más cerca, estamos muy unidos, y la celebración fue con ellos”. Su hijo, Juan Ignacio Aranda, es actor, pero, ¿tiene algún nieto que quiera también serlo? ¿Qué consejo le daría? Tengo un nieto que es un baterista famosísimo, se llama Antonio Sánchez y estuvo haciendo la música de Birdman, de Alejandro González Iñárritu. Ha sido invitado a muchos festivales, ha sido premiado y le ha dado la vuelta al mundo varias veces en giras con los mejores jazzistas, por ejemplo con Pat Metheny. También tengo una nieta que es maestra, estudió psicología y docencia, y otra que es una bailarina estupenda, que empezó con ballet clásico y ahora baila tango en Buenos Aires. ¿A quién se parece más, a su padre o a su madre? Algo debo tener de los dos. Mi padre era militar, de él heredé la 77
“Cuando estaba buscando ser actor quise hacer carrera en el ejército. Y antes también probé como seminarista y luego de brasero, vendedor, agente viajero… Anduve buscándole por un lado y por el otro, y nunca me interesó nada de verdad más que la actuación”
Sabías que... 1.
Ignacio López Tarso nació en la capital mexicana, en un barrio cerca de La Villa, aunque por el trabajo de su padre pasó su infancia en lugares como Veracruz, Navojoa, Hermosillo y Guadalajara.
2.
En esta última ciudad descubrió el teatro a los ocho o nueve años: sus papás lo llevaron a una carpa y el niño quedó impactado al ver cómo se apagaba la luz, se abría el telón entre la oscuridad y sólo quedaba iluminado el escenario.
3.
Sus padres eran primos hermanos.
4.
En su incursión en el ejército, logró obtener el grado de sargento primero.
5.
Se fue de bracero a California, y en vez de regresar cargado de muchos dólares, volvió a su país cargado de muchos dolores pues cayó de espaldas de lo alto de un naranjo, lastimándose seriamente la espina dorsal.
6.
A los 24 años ingresó en la Academia de Arte Dramático del INBA, la única escuela de teatro por entonces en México, y
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también contrajo nupcias con Clara Aranda. Su padre, medio en broma y medio en serio, le dijo que los dos errores que iba a cometer en su vida serían casarse y ser actor.
7.
Su debut teatral, aún siendo estudiante, fue en el montaje de la obra El sueño de una noche de verano, de William Shakespeare.
8.
Ha interpretado papeles en obras de autores como: Fernando de Rojas, José Zorrilla, Lope de Vega, León Felipe, Calderón de la Barca, Sor Juana Inés de la Cruz, Miguel de Cervantes, Arthur Miller, Sófocles, Eurípides, Valle-Inclán, Chejov, Gogol, Hugo Argüelles y Emilio Carballido, entre muchos otros.
9.
A lo largo de su carrera cinematográfica, que comenzó en 1954, ha compartido créditos con actores de la talla de Dolores del Río, Marga López, Carlos López Moctezuma, Elsa Aguirre, Luis Aguilar, Katy Jurado, Pedro Armendáriz, María Félix y Emilio Fernández, entre otros.
10.
El poeta Xavier Villaurrutia le advirtió que con su nombre verdadero no podría ser actor ni alcanzar el éxito, así que le recomendó que adoptara otro. El nuevo nombre tiene que ver con San Pablo Apóstol, que era originario de la ciudad de Tarso. Don Ignacio aprendió la historia del santo en sus épocas de seminarista.
disciplina, el carácter de cumplir, de exigirme. De mi madre, pues, ella cantaba bonito aunque nunca lo hizo profesionalmente. A veces cantaba con mi padre y los escuchaba a los dos. Ambos eran de la zona del Bajío, de manera que en mi casa nací escuchando corridos y canciones mexicanas. Por eso cuando la CBS me invitó a grabar, les dije que sí pero que íbamos a grabar corridos, y me dijeron que cómo, si los corridos ya existían, y les dije que yo no los iba a cantar, sino a relatar. Se asombraron. ¿A qué le teme? Nunca he tenido miedo, sin embargo no duermo a oscuras, nunca estoy en la oscuridad absoluta, no lo soporto, necesito una luz. En los hoteles busco que la lucecita del buró no me de fuerte en la cara para dormir y dejo la puerta del baño abierta o el clóset. Siempre necesito una luz. Me molesta despertar y no ver nada. ¿Quién es el amor de su vida? El amor de mi vida es mi trabajo como actor. Viví con una mujer mucho tiempo porque estaba muy enamorado de ella, Clara [fallecida en 2002], y fue mi mujer por 50 años. Fue mi gran amor. Claro, la madre de sus tres hijos, Susana, Gabriela y Juan Ignacio… Y también fue una destacada cocinera. Fíjese, era tan buena cocinera que yo prefería siempre comer en casa que en cualquier restaurante fino. Ella cocinaba de todo, sobre todo platillos mexicanos, y dejó muchas recetas que aún pido que me las preparen.
MÉXICO LINDO
Puer to Va llarta :
un p a entr seo e histo r de a ias mor
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Texto: HUGO ROCA JOGLAR Fotos: DENISSE POHLS
Acurrucada entre montañas cubiertas de selva, Puerto Vallarta es la segunda bahía más grande de Norteamérica y fue durante muchos años el centro turístico más bello de Jalisco y todo México –sitio que desea recuperar a pasos agigantados–. A una hora de la ciudad hay playas recónditas, paseos a caballo, avistamiento de ballenas, submarinismo y pesca, con capturas que darán para contar una buena historia después en la sobremesa.
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as primeras luces del alba surgen todavía dormidas al fondo del océano Pacífico pero tan pronto dejan el influjo del agua adquieren intensos brillos naranjas y rojos que iluminan las formas de una nueva mañana para los pescadores de Puerto Vallarta. Carlos es el primero en llegar a la playa Las Gemelas, al sur de la ciudad. Es un pescador fornido de cuerpo tostado que sueña con atrapar un pez marlín, cortarle la espada y dársela a su hijo. Me prometió una historia de amor antigua y tan pronto me ve señala la luna, tenue y pequeña en el centro del cielo. “Hace miles de años, este mar se robó a la luna. Mandó olas tan altas que llegaron hasta el cielo y la hundieron en el fondo del océano. Una noche sin luces se tragó al mundo y comenzaron a desparecer todas las cosas”. Es una leyenda que le escuchó a su abuelo, un minero huichol que llegó a Puerto Vallarta en 1929 para extraer plata. Ahora, Carlos, el pescador, me la cuenta a mí, como hace un año se la contó a su hijo. Así, de voz en voz, la historia ha ido rodando en esta playa, a través de generaciones, desde épocas remotas
Castillo de arena en el corredor artístico en Playa de los Muertos.
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¡A tu salud!
Los otros pescadores comienzan a llegar. ¿Son jóvenes, son viejos? Imposible saberlo. Las señales del tiempo se han borrado de sus caras. Es hora de embarcarse (6 de la mañana) y Carlos termina su narración abruptamente: “Pero el sol, dispuesto a recuperar a su compañera, lanzó todos sus rayos al fondo del océano y ascendió la luna hasta depositarla otra vez en el cielo, a su lado”.
A 25 minutos en bote de Puerto Vallarta se encuentra Yelapa, un pequeño pueblo (2 mil habitantes, 18 hoteles y cerca de 30 restaurantes) que ofrece al visitante cansado del ajetreo turístico el encanto de una jornada rústica en la playa (sin gente, sin escándalo, sin edificios altos). Aunque no es una isla, a este pueblo se accede por vía marítima –debido a que se encuentra rodeado de montañas. En la década de los 60, distintas celebridades que buscaban inspiración y calma pasaron largas temporadas en Yelapa; desde Bob Dylan hasta Peter Fonda, pasando por Dennis Hopper y Jack Nicholson. No hay automóviles y entre sus atractivos se encuentran una cascada, artesanías hechas con la madera de palos de rosa que ahí se cultivan y la “raicilla”, un aguardiente local. En lo alto de una colina, en una de las zonas menos accesibles del pueblo (para llegar es necesario ir, literalmente, a lomo de mula), se encuentra el hotel boutique Verana, famoso por sus sesiones místicas de yoga y reconfortantes spas. ¡Bienvenido!
Los pescadores preparan sus lanchas. Llevan redes, amarran cosas, acomodan cañas, descargan comida; todo sin hacer ruido. Trabajan en silencio con los ojos clavados en la arena. Sus cuerpos son ágiles, los movimientos precisos y cuando todo está listo suben a sus navíos. Cantan mientras reman y a la distancia se van haciendo chiquitos. La luna sigue ahí, cada vez más pálida, cada vez más pequeña. Parece deseosa de extender una noche que el canto acrobático de las aves anuncia irremediablemente perdida.
Mucha vida en la Playa de los Muertos Karina está contenta. Lleva un corto vestido rojo con flores moradas y sandalias en los pies. Son las 8 de la mañana y nos encontramos en la Playa de los Muertos. Puerto Vallarta está constituido por la gran Bahía de Banderas, que se divide en dos puntas, Corrientes y Mita. El pueblo, de casitas blancas de techos rojo y dos plantas cuando muy altas (el color y la altura están reglamentadas), es atravesado por el Río Cuale y se ubica al centro de la bahía. La parte más cercana a la arena se le conoce como Zona Romántica (por sus callejones estrechos y cafés con íntimas terrazas entre flores y vista al mar) y desemboca en la Playa de los Muertos. En ésta se levantan las olas más populares para los surfistas profesionales. Son grandes (alcanzan dos metros de altura por las tardes) y tienen fama de ser crueles: por debajo de su diversión laten corrientes de espíAun en la costa, no se olvida que estamos en tierra jalisciense.
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ritu endiablado que al principio se muestran cálidas y serenas para después, cuando se han ganado la confianza de los incautos, tornarse despiadadas y salvajes. Se llama Playa de los Muertos, de hecho, por su extensa colección de ahogados y naufragios. El sol, bajo y macilento, está incompleto y aprovechamos la arena aún tibia para caminar descalzos por la playa. A lo lejos se ve un barco y casi inmediatamente, un poco más cerca de la orilla, una ballena salta una vez, dos veces, y luego desaparece. “Una vez existió un capitán noruego de nombre Björn que se enamoró de una guapa vallartense, Gilda, en la Playa de los Muertos. El padre de ella, sacerdote, se opuso tajantemente a este amor y el capitán noruego la raptó”. Karina nació en Puerto Vallarta. Su papá, noruego de nacimiento, es hotelero y ella creció entre los mundos diversos que configuran la realidad diaria de esta playa: el turístico (efímero y alegre, con su ritmo de gastos y reposo, ansioso de comodidades y atracciones); el de los locales (pescadores principalmente, de pocas palabras y hondamente religiosos) y el de la población de estadounidenses y europeos (jóvenes aventureros con intereses deportivos o matrimonios de retirados que se dedican a impulsar las actividades artísticas de la ciudad).
Iglesia de Nuestra Señora de Guadalupe atrás del zócalo de Puerto Vallarta. Abajo, músicos huicholes en el nuevo malecón.
Karina se identifica con este último grupo. Su padrino, Andrew Jacobsen, es un escritor noruego que vive en Puerto Vallarta desde 1983 y escribe cuentos fantásticos que combinan elementos huicholes con mitología escandinava. El cuento favorito de la mujer es el del capitán Björn. “Cuando descubrió el rapto, el sacerdote ahogó a su hija en la Playa de los Muertos y condenó a Björn a navegar eternamente, sin jamás tocar puerto, como un fantasma”. Conforme avanzamos hacia el sur en la Playa de los Muertos, la selva se acerca al océano y ahora están lado a lado. De sólito mundos contrarios, separados por kilométricas distancias, aquí son hermanos. El mar avanza hacia flores de colores, las olas caen sobre montañas; jaguares junto a 84
delfines; pulpos cerca de armadillos; pericos y gaviotas mezclan sus canciones, y mapaches buscan ostiones en el agua salada. Minas que casi tocan barcos; pescadores y mineros yendo a trabajar en la misma arena; palas y redes con camarones y carretas llenas de plata.
La leche
más rica de la región
Una promesa como la que hace La Leche: brindar una experiencia culinaria emocional e irreverente, sólo podría provenir de un poeta. Y en efecto: el dueño es Ignacio Cadena, quien desde hace más de 30 años escribe apasionados versos de amor. Su restaurante es todo blanco: fachada, uniformes, paredes, techos (muy altos), pisos, sillas, lámparas, mesas, platos, productos y estantes. En la entrada, lo primero que te recibe es el retrato de una mujer guapa que saca la lengua para lamer la mancha de leche que tiene en la comisura de los labios.
No hay carta fija. La oferta de comida cambia de acuerdo al día y a los humores del chef (quien es hijo de Ignacio). Es costumbre servir pequeños entremeses entre plato y plato, por ejemplo, paté de ganso o carne de jaiba con aderezo de azafrán, y el martini de pepino es una especialidad de la casa simplemente imperdible. 86
Bajo el encanto de estas asociaciones que en otras tierras parecerían surrealistas, la playa se ha llenado de alegría. Los niños se persiguen en la orilla del Pacífico para mojarse los pies; hombres y mujeres toman el sol mientras las cervezas y los cocos llenos de ginebra barata se reparten con asiduidad; todos sudan copiosamente y el alcohol sale tan libre y fácil como entra, por lo que pronto es necesaria otra cerveza y otro coco. En el nuevo malecón (abierto en 2012) unos músicos huicholes descansan al lado de sus instrumentos, un bandoneón y un contrabajo. Observan fijamente a dos viejos que han comenzado a lanzar una herradura; el objeto del juego es insertarla en un palo de metal clavado en la arena a tres metros de distancia. Dejamos la playa y Karina me guía por la Zona Romántica, cuyas callecitas angostas serpentean constantemente entre bares, galerías, museos, tiendas naturistas, cafés, restaurantes, abarrotes y dulcerías hasta desembocar en el zócalo de Puerto Vallarta, donde la diversión pierde la extranjería y adquiere colores más brillantes y locales. Atrás del zócalo está la Iglesia de Nuestra Señora de Guadalupe y adelante el teatro al aire libre Aquiles Serdán, de escenario hundido y rodeado por arcos que abren sus ventanas hacia el mar. En el centro se encuentra el kiosco y desde ahí todos los días a las 4 de la tarde la Orquesta Municipal toca danzón para que la gente baile en la Plaza Principal; las parejas se forman de manera espontánea y curiosamente suelen adoptar la forma de un hombre mayor con una mujer joven. “¿Sabías que Puerto Vallarta se volvió un destino turístico por una escandalosa historia de amor?”. Mientras caminamos de regreso a la Playa de los Muertos, Karina me
cuenta que el mundo entero supo de esta playa en las páginas de chismes de los periódicos en 1963 cuando Richard Burton, entonces casado con la actriz Sybil Williams, llegó a Puerto Vallarta para filmar La noche de la iguana acompañado de su amante la actriz Elizabeth Taylor, entonces casada con el cantante Eddie Fisher. Este amor prohibido fue condenado por el Vaticano y al poco tiempo los protagonistas se divorciaron de sus respectivos cónyuges para casarse en 1964. Su matrimonio duró 10 años y se caracterizó por tormentoso (él llegó a escribir cosas como: “Si me dejas, tendré que matarme. No hay vida sin ti”), pero en Puerto Vallarta, donde compraron una casa, pasaron los días más románticos e íntimos de su relación.
jero Francisco Javier Calvillo construye desde hace tres días con ayuda de sus amigos. Contra este cielo gris, luce lúgubre y misterioso. Es una pena que en la próxima tormenta las olas vayan a destruirlo como si nunca hubiera existido. Cerca de ahí está la escultura más famosa de Puerto Vallarta: Nostalgia (1984), de Ramiz Barquet. Muestra a una pareja sentada en la playa viendo el mar con las manos entrelazadas. Barquet tuvo un romance de juventud en el que juró amor eterno pero por órdenes maternas tuvo que separarse de su amada y al poco tiempo ambos ya estaban casados con alguien más. Siempre se extrañaron. Muchos años después, viejos y tristes, ya sin esperar nada, enviudaron y decidieron reencontrarse y vivir juntos en la playa. “Nostalgia representa ese primer amor que tras una vida de distancia regresa en la vejez para ser el último”, me explica Karina.
“Gracias a ellos, la gente de todo el mundo comenzó a visitar esta playa mexicana y desde entonces las historias de amor en todas sus formas (prohibido, romántico, apasionado, imposible, tierno, incierto o permanente) han sido la esencia de Puerto Vallarta”. Llegamos a la Playa de los Muertos a la hora del crepúsculo. El sol al final del mar parece sangrar conforme se hunde en el agua y Karina me invita a caminar por el corredor artístico que une a la playa con el norte de la ciudad, donde se concentra la vida nocturna.
Se está haciendo tarde (final en el río) En el corredor hay esculturas de todo tipo: abstractas, figurativas, de lenguajes plásticos tradicionales, modernos y contemporáneos; escenas trágicas, de peleas y asesinatos, así como postales absurdas: gnomos jugando parchís, John Lennon con atuendo de rapero y fantásticos seres diminutos que trepan una escalera para llegar a las estrellas. A la mitad del corredor se encuentra un espacio para esculturas en la arena donde hay un castillo de tres metros de largo y uno de alto que el artista calle-
Nostalgia, la escultura más famosa de la ciudad, del artista Ramiz Barquet.
El corredor termina en el río Cuale. Su cauce a esta altura es angosto y desemboca en la zona del más rocosa del mar. La luz de un barco brilla intermitente a la distancia y de pronto recuerdo a Björn, ese capitán condenado a navegar eternamente en la Playa de los Muertos como un fantasma. Le pregunto a Karina: “¿por qué tu leyenda favorita de Puerto Vallarta es una tan triste?”. Ella duda un instante y luego dice: “Oh, no, no, es que no te la terminé de contar. Gilda no murió ahogada, fue salvada por tres sirenas quienes la ayudaron para convencer a la deidad del mar que anulara la maldición del capitán –ser un fantasma– con un beso de amor. Gilda subió al barco, besó a Björn y desembarcaron juntos en la Playa de los Muertos”. Karina se queda callada y ve hacia la playa. Un niño avienta un palo a su perro y su mamá le grita: “Ya ven, se está haciendo tarde”. La noche ha caído en Puerto Vallarta, pero la luna está perdida, tal vez detrás de alguna nube de lluvia o quizá, como la historia de Carlos, cautiva en el fondo del océano. 87
Fotos: cortesía
ENTREVISTA
González Iñárritu, más allá del Oscar Texto: JAN MARTÍNEZ AHRENS 90
Horas antes de obtener el Oscar como mejor director, charlamos con el autor de Amores perros tras un –gélido– día de rodaje de la que será su nueva película, The Revenant, protagonizada por Leonardo DiCaprio. Con un trago en mano y más sincero que nunca, el mexicano habla de su particular “guerra a muerte por lograr una buena película” y da la clave para entender la manera como se confeccionó Birdman, la cinta que finalmente le abrió las puertas al estrellato.
L
os barcos, a veces, albergan historias secretas. El Toluca, un carguero de la compañía Transportación Marítima Mexicana, fue uno de ellos. Anclado en el puerto de Veracruz, enroló en 1980 a un muchacho de 17 años y pelo negrísimo que buscaba poner un océano entre su pasado y su presente. Pocos meses antes se había escapado de casa con una mujer mayor que él. La fuga terminó en desastre: el padre de la dama amenazó al padre del soñador; ella se sumió en una crisis profunda, y él perdió el hilo, fue expulsado de la escuela y, bajo el sol del trópico, acabó embarcado en el Toluca, donde daban comida y transporte a cambio de fregar el suelo y engrasar las máquinas. A bordo del buque, recorrió el curso del Misisipi, descubrió Barcelona y alcanzó la Toscana y Sicilia (Italia). Corría 1980 y en Alejandro González Iñárritu se había abierto el hambre de mundo. Dos años después volvería a embarcarse. Esta vez, arribó a Bilbao (España), y desde allí, con mil dólares que le había dado su papá, vivió un año a la deriva. Recogió el fruto de las viñas en Toledo, durante semanas durmió a la intemperie en el parque madrileño del Retiro y, al final, saltó a Marruecos. Sin saberlo, en su interior se había dibujado la geografía de su obra. La huella sobre la que andaría a lo largo de los años, la semilla de su cine. A la mujer, nunca la volvió a ver.
El falso DiCaprio Han pasado casi 35 años, el Toluca hace ya mucho que fue desarmado y, a orillas del río Bow, en la gran planicie de la canadiense Calgary el sol parece recién salido del congelador. No es un lugar fácil para un rodaje. La temperatura rondaría los 30 grados bajo cero, si no fuera por el cálido chinook, el único viento capaz de frenar las aterradoras masas de aire ártico. Su aliento agita esta mañana de invierno los álamos desnudos, bajo cuya sombra se juega un simulacro de muerte. Sobre la nieve hay sangre demasiado roja para ser sangre, un fantasma indio embadurnado de ceniza al que por las tardes le gusta escuchar la música un poco empalagosa de Herbie Hancock y, sobre todo, un tipo de ojos acuosos y pelo rubio que se parece a Leonardo DiCaprio, actúa (o eso intenta) como él, pero que no es Leonardo DiCaprio. Sólo un doble, una imitación, como la sangre o el fantasma, pero que hoy, bajo la brisa del chinook, sirve para moldear, en una incesante cadena de repeticiones y correcciones, las escenas que habrán de rodarse la semana siguiente, cuando llegue el verdadero DiCaprio. “A cada paso, esculpo al animal que hay dentro de la piedra”. Alejandro González Iñárritu (Ciudad de México, 15 de agosto de 1963) es quien impone el orden a orillas del helado Bow. Tiene 51 años y sigue embarcado en su viaje interior. Broncíneo y de barbas velazqueñas, su poderosa voz mueve los hilos de la trama. Todo gira a su alrededor. Y no es fácil. Sus pasos conducen con extrema rapidez de un universo a otro. Hoy le toca una masacre en un poblado indio, un diálogo entre dos tramperos de 1823 y una pesadilla con fantasmas y cabezas despellejadas. Tres escenas que forman parte de The Revenant, su próxima película. Un prewestern de espacios abiertos y tensos silencios. Su primera obra histórica y rodada en condiciones extremas. “Me excita poder fallar”, señala el realizador. A su lado, siempre cerca, camina el director de fotografía, su compatriota Emmanuel Lubezki, un año más joven, ganador en 2014 de un Oscar por Gravity y otro más por Birdman este año. Entre sí se llaman por sus apodos.
“La inteligencia puede definirse como la posibilidad de poseer dos ideas opuestas simultáneamente y tener la capacidad de operar. Yo soy dos piernas con una contradicción constante cuyo resultado es mi obra” Negro (Iñárritu) y Chivo (Lubezki). Dos viejos amigos del Distrito Federal. Al equipo se dirigen en perfecto inglés. Pero cuando tienen que decidir sobre aspectos fundamentales, ambos se apartan y, de pie en la nieve, deliberan en español, mientras los demás integrantes del rodaje, estáticos, esperan la decisión que luego ejecutarán bajo el mando único de Iñárritu. “Soy muy duro, muy militante, muy exigente; se me teme más que se me quiere. La gente sabe que no va a haber tregua, pero logro conectar con ellos, porque no exijo nada de lo que no doy y porque la experiencia crea una catarsis, lleva a un conocimiento profundo de las capacidades de todos nosotros. Cualquiera puede hacer una película, pero lograr una buena es abrir una guerra a muerte, principalmente contigo mismo. Por eso me da miedo cada vez que voy a empezar una, porque no la suelto”. 91
La siguiente estación del magno Alejandro
Después de conquistar el mundo con Birdman, González Iñárritu retornó al rodaje de su nueva cinta The Revenant, que tiene en su papel protagónico a Leonardo DiCaprio, y en la lente, al doblemente ganador del Oscar, Emmanuel Lubezki. Filmada en Canadá, la película –a estrenarse a comienzos de 2016– se aparta de las temáticas que el cineasta mexicano había manejado en sus producciones anteriores. La trama está basada en la novela homónima de Michael Punke y narra una historia real de supervivencia, ambientada en 1820. DiCaprio da vida al cazador Hugh Glass, quien en las profundidades de la Norteamérica salvaje resulta herido por un oso y es abandonado a su suerte por su compañero John Fitzgerald (Tom Hardy). Con la fuerza de voluntad como única arma, Glass deberá enfrentar un territorio hostil, un invierno brutal y la guerra constante entre las tribus de nativos, en una búsqueda heroica para conseguir vengarse de Fitzgerald.
La afirmación es empíricamente comprobable. Alejandro actúa como una centrifugadora. No para un segundo. En pocos minutos decide sobre la vestimenta del indio que hace de fantasma, el color de la sangre (“más oscura, que han pasado 24 horas de la masacre”), la duración de las tomas, la inclinación de la cámara, la longitud de los pasos del falso DiCaprio, la perspectiva del poblado, el gesto triste de una anciana india… Todo tiene su huella. El universo gira aceleradamente a su alrededor. Pero en esta rutina, hoy es un día distinto.
El vacío y la pérdida Aunque nadie lo diga en voz alta, por superstición o modestia, todos saben que Birdman, la última película de Iñárritu, recibió la noche anterior nueve nominaciones a los Oscar y por los apartados más codiciados: mejor película, director, actor (Michael Keaton), actor y actriz de reparto (Edward Norton y Emma Stone), guión original, fotografía, sonido… Ganará cuatro. La gloria cinematográfica aletea esta mañana entre los álamos helados. No es la primera vez que Iñárritu ve sus películas aclamadas, pero nunca con tanta fuerza. ¿Cómo vives la expectativa de los premios? Lo vivo con distancia, porque, si no, te vuelves loco. En mi carrera me he vuelto un experto en pasar, en un segundo y sin haber hecho nada, de ser un exitoso nominado a un perdedor. No quiero decir que no tenga ninguna importancia, puedo sentir cierta 92
excitación, no nerviosismo; hay encanto, pero no es Santa Claus. A fin de cuentas, la competición en el arte es absurda. No quiero darle lógica y decir: “Es que soy el mejor y voy a ganar porque tengo estos méritos”. Si piensas así, acabas perdiendo la cabeza. La noche es clara en Calgary. En el centro de la ciudad, a la altura del piso 25 de un cortante edificio de cristal y acero, el Negro, harto de hoteles, ha instalado su vivienda. Es un departamento de tonos marrones, aséptico y funcional. Apenas hay detalles personales a la vista, aunque los muebles, sin estridencias, denotan una confortable provisionalidad, perfecta para un nómada que recién se bajó del 4x4 que lo trajo del rodaje, en calcetines y hablando de México y Octavio Paz. Ahora, ya en la estancia, Iñárritu se sirve un campari con mucho hielo, extrae de sus ropas un cigarro electrónico que conecta a la mac y se reclina en un alero del sofá para responder a las preguntas del periodista. Sus frases son articuladas; la voz, grave y fuerte, arrastra una modulación radiofónica, pero suena sincera. A veces, antes de hablar, medita. Largos segundos hasta que cincela la idea. Y entonces la desgrana con seguridad. ¿Cómo explicas tu éxito? Es difícil de explicarlo, yo no puedo ser objetivo. En un mundo donde la ironía reina, donde hay que separarse, protegerse y reírse de cualquier cosa que sea honesta o tenga una carga emocional, yo apuesto por la catarsis. Me gusta invertir emocionalmente en las cosas. Y la catarsis, cuando toca la vena emocional, tiene la posibilidad de abrir las puertas incluso de quienes se protegen. Aunque Birdman desborda humor, sus personajes se mueven en la amargura. ¿Eres pesimista, estás desencantado? La inteligencia puede definirse como la posibilidad de poseer dos ideas opuestas simultáneamente
y tener la capacidad de operar. Yo soy dos piernas con una contradicción constante cuyo resultado es mi obra. Me puedo drenar rápidamente y llenar de un vacío existencial. En ese sentido, soy un hombre que observa más las pérdidas que las ganancias, estoy obsesionado con la pérdida, porque me duele perder lo que he tenido.
riencia iniciática, en la que conjuró un amor cruzando el océano. Sea lo que sea, desde aquel instante no dejó de estar en movimiento. Tras sus aventuras por Europa y el norte de África, regresó a la Ciudad de México para ensayar la carrera de Comunicación, aunque muy pronto eligió otros derroteros. Fue locutor de radio, dirigió la estación musical número uno en la capital mexicana en los años 80, y se volcó en la música (“soy más musicólogo que cinéfilo”, dice). Pero ni tener banda propia ni componer para seis películas le dio paz. No era un virtuoso. El perfeccionismo, esa pulsión que le permite rodar a 30 grados bajo cero, chocó contra él mismo. “Tengo los dedos torpes”, confiesa.
El vacío y la pérdida. Iñárritu empieza a dar golpecitos con el dedo índice al cigarro electrónico, de aspecto galáctico. Aspira, da otro golpecito, aspira. Pero nada. No funciona. Riéndose de su fracaso, lo vuelve a conectar a la mac y se toma un trago de campari. “Probaremos luego”. El cineasta no parece darse fácilmente por vencido. Quienes lo conocen dicen que nunca lo hace. Quizá sea herencia de su padre, un banquero que se arruinó y se rehizo vendiendo fruta, o de su propia expe-
El cine se le apareció como única salida. Anuncios, cortometrajes, televisión. Poco a poco descubrió que tenía un talento natural para un mundo en el que no existían antecedentes familiares (“salgo de mí mismo, soy una flor extraña”). Las horas pasadas en la Cineteca Nacional empapándose de neorrealismo italiano, el ADN de su cine, hicieron el resto. Estudió dirección teatral con el legendario Ludwik Margules, un tiránico maestro que le inculcó la necesidad de tener bajo su bota cada milímetro de la escena y de hacerlo con un espíritu renacentista. “Nada puede escapar, todo es responsabilidad mía, de todo he de saber”. El demiurgo empezaba a despuntar. La alianza con el guionista Guillermo Arriaga culminó este proceso. En 2000 se estrenó la desgarradora Amores perros, luego vinieron 21 gramos (2003), Babel (2006, la última con Arriaga), Biutiful (2010) y ahora Birdman. La escalera lo llevó cada vez más arriba. La huella del carguero Toluca iba por delante. Memphis, a orillas del Misisipi, Barcelona o Marruecos fueron el escenario de sus películas. “Aquel viaje me marcó para siempre”.
“Birdman habla de la necesidad de reconocimiento, de confundir la admiración con el amor; de entender ya demasiado tarde que era amor lo que tuvimos y que no lo supimos… y que eso era lo único que necesitábamos tener” Emmanuel Lubezki y González Iñárritu con Michael Keaton dentro del traje de Birdman.
Todos somos Birdman Encumbrado por los premios, entre ellos el de mejor director en el Festival de Cannes por Babel, el mexicano se volvió un artista codiciado por los gigantes de la pantalla, se erigió en la cabeza visible de una camada que, junto con sus amigos Alfonso Cuarón y Guillermo del Toro, ha pulverizado todos los techos para los creadores mexicanos. “Pero no es un boom, hay una sincronía, una generación que comparte un espacio de la cinematografía y que además es amiga. Lo del boom está tan desgastado, el boom siempre trae un tum-tum-tum, como el final de una canción…”. En este camino ascendente se fue a vivir a Los Ángeles, rompió sonoramente con Guillermo Arriaga y avanzó en la madurez. En el camino también cruzó la barrera de los 50 años. El tiempo empezó a agostarse. Su mirada volcánica se serenó. Pudo sentarse, como él mismo explica, “a la orilla del río a ver el flujo desbordante de los pensamientos y sentimientos”. ¿Te influyó mucho cumplir 50 años? Decían que los 40 eran duros, aunque yo ni me di cuenta cuando los pasé. Pero con los 50 entré en una melancolía profunda. Aún sigo navegando en esa nube en donde se empiezan a apagar las luces de la fiesta. Todo se vuelve pasado. La fiesta se va a acabar. Pero no me preocupa el pasado, sino lo que voy a perder, nuevamente. Birdman es hijo de ese crepúsculo. A medida que se acercaba al medio siglo de vida, Alejandro buscó puerto en la meditación zen. Hizo un retiro. Observó sus voces internas, sobre todo, esa que le convierte en el centro del universo en los rodajes, desde la que irradia el magnetismo que le reconocen sus amigos. “Esa voz inquisidora”, explica el director, “a la que llamo el Torquemada interno, un tipo al que le presentas cualquier caso y te mandará al fuego, un terrorista con el que no hay negociación posible”. Fue esa voz la que dio la clave de Birdman. Sobre su huella construyó una película casi experimental, asentada sobre gigantescos planos-secuencia, que se mueven continuamente al borde del precipicio. Una comedia agridulce (“a non funny comedy”, bromea el director) que tiene mucho de repaso vital: un actor que años atrás alcanzó el estrellato por interpretar a un superhéroe lo apuesta todo con una obra de teatro en Broadway, pero a medida que se acerca la hora del estreno, ese hombre, de más de 50 años, atormentado por su voz interior, se enfrenta a su pasado, a su familia, a sí mismo. A la perplejidad del arte. “Birdman es una película que tiene alas que me han liberado. He cambiado la forma de abordar los temas, pero estos siguen siendo los mismos: quién diablos somos, qué significado tiene y de qué trata esta vida. Es una película para todos los que sentimos eso. Habla de la necesidad de reconocimiento, de confundir la admiración con el amor; de entender ya demasiado tarde que era amor lo que tuvimos y que no lo supimos… y que eso era lo único que necesitábamos tener. Los seres humanos somos criaturas patéticas y adorables. Todos tenemos algo de Birdman”. El director se sirve un segundo campari. Dice que le abre el apetito. Durante la conversación traen la cena. Bistec con espinacas. Los platos aguardan a ser recalentados en el horno. A lo largo de la entrevista, González Iñárritu habla
con convicción. No gesticula demasiado. Sólo en ciertos momentos, enfatiza sus palabras con un golpe de manos. Ocurre al tratar la crisis de los 50, los amores perdidos, al analizar los problemas de México y el cinismo de Estados Unidos, que vende las armas y compra las drogas a su vecino del sur. Pero también sazona sus contestaciones de humor. Entonces sonríe abiertamente, busca la complicidad con la mirada. En ningún momento parece cansado. Su voltaje es constante. No hay bajones. Ni siquiera cuando entra en los meandros de Birdman. En la obra no sólo se representa otra obra (De qué hablamos cuando hablamos de amor, de Raymond Carver), sino que, en un juego de espejos, el actor principal, Michael Keaton, que se hizo famoso por haber interpretado Batman a finales de los 80 y principios de los 90, en la película representa a Riggan Thomson, conocido por haber encarnado a Birdman. La ficción, la realidad y la metarrealidad se superponen, como muñecas rusas, en la cinta.
“Esta película es sincera. Yo estoy ahí dentro y esas son mis miserias, mis realidades. Yo he sido todos esos personajes. O he sido yo o he trabajado con ellos o he sido víctima suya. Ese ha sido mi mundo”
¿Qué buscaba al escoger a Keaton/ Batman para interpretar a Riggan /Birdman? La metarrealidad que Michael Keaton agregó a la película era muy importante, pero también un factor de alto riesgo. Y no fue el único, Edward Norton tiene la misma reputación que el personaje que interpreta, el actor de Nueva York que ha estado en la escena del teatro, pesado, dominante y sobreintelectualizado. En el set reinó eso: el gozo de poder representarse a uno mismo desnudo y sin vergüenza. Se abordó de una forma honesta, no intelectual, no irónica. Esta película es sincera. Yo estoy ahí dentro y esas son mis miserias, mis realidades. Yo he sido todos esos personajes. O he sido yo o he trabajado con ellos o he sido víctima suya. Ese ha sido mi mundo. Esa fue la apuesta. Y son elecciones reales, no es el actor interpretando a los actores fallidos; no, es el actor que ha pasado por eso.
el arte es la palpitación de ese ritmo y, si no lo tienes, es imposible crear algo. Ese ritmo lo poseo. Suena abstracto e idiota, pero cuando pongo una escena sé naturalmente cuándo debe haber un espacio entre una palabra y la otra; sé cuánto tiene que estar separado un actor del otro y de la cámara, sé qué lentes debe usar, sé si debe estar más arriba o más abajo, sé la velocidad… Iñárritu habla, a veces, como filma. Se distancia, se eleva, vuelve en picado al punto original. Mira hacia delante. Al igual que otros autores, no es propenso a revisar su obra pasada. La primera vez que lo hizo fue en Los Ángeles, en 2010. Alquiló un cine y preparó tres días de sesión para sus hijos, que acababan de cumplir 15 y 17 años y que nunca antes habían visto sus películas. Proyector, sala oscura, negativos. “Mis hijos han sufrido mis ausencias y me dije: ‘por lo menos que vean que lo que hice merecía la pena’”. Alejandro se enfrentó entonces a su propio cine. Digirió su “perturbadora vitalidad”, se dejó arrastrar por su “flujo sanguíneo emocional”, pero también advirtió que algo se había quebrado. “Hay abuso en la construc-
¿Y cómo fue el rodaje con esos planos-secuencia tan largos? Fue extremadamente meticuloso y arriesgado, porque si fallaba no había forma de esconder mi mierda. Iba a quedar expuesta. Pero curiosamente por la misma efervescencia e inseguridad del proceso, hubo un gozo que yo no había conocido. Por primera vez me reía a carcajadas en el rodaje. E incluso sentía culpa. Me decía: “¿Cómo puedo disfrutar en un set si esto es trabajo?”. Yo tengo un concepto protestante: en el trabajo no se ríe uno. Pero en esta ocasión, fue una liberación. En su juventud fue director de la estación de radio número uno en la capital mexicana, WFM.
¿Improvisas o va con la idea ya totalmente fija? Tengo dos virtudes. Una es el concepto. Veo con precisión todo lo que no debe ser y lo que debe ser. La segunda es el ritmo. Para mí el ritmo es Dios. Sin ritmo no hay danza, ni arquitectura ni música… Las estrellas tienen un ritmo, el universo está rítmicamente ordenado,
ción, en la fragmentación, me avergüenzo de ciertas cosas, me incomodan, pero tras Birdman soy un nuevo cineasta, cambió mi perspectiva formal”. ¿Y tus hijos qué dijeron? Amores perros les encantó. Se sorprendieron muchísimo de que fuera una película tan moderna. Les pareció un poco hip, les asombró que su papá, ese viejo, de pronto tuviese un aspecto medio moderno. 21 gramos les impresionó, no la articularon, pero les impactó. Y Babel les emocionó. Biutiful les dio un bajón tremendo… 95
Lo dice riendo, con un dejo de orgullo por sus hijos. Cuando habla de la familia, se le nota próximo, emerge una calidez profunda. Lo mismo ocurre al analizar su país. Ha filmado en todos los rincones del planeta; su obra, como él mismo recuerda, busca una universalidad sin pasaporte, pero su punto de vista está arraigado, embebido en México. De algún modo, sigue anclado en aquel puerto lejano de Veracruz: “Puedo volar donde me dé la gana sin cortar esas raíces”. Pero México, esa tierra negra y solar, le duele. La tragedia de Iguala le recuerda a otros “hartazgos” sufridos a lo largo de su existencia; como cuando vivió de niño, junto a su padre, la salvaje devaluación del peso con López Portillo; o la abismal crisis de con-
biar”, comenta el director para, acto seguido, como en su propio cine, someter la cuestión al movimiento pendular de su cámara mental: “¿Quién es el culpable de la corrupción? ¿Somos nosotros, son ellos, o ellos somos nosotros? Eso me provoca mucho conflicto”. ¿Y sientes miedo en México? Es un miedo como el que nos causa el lobo, le tememos porque no lo vemos. Sabemos de él porque vivimos en el mismo espacio, por sus huellas, por sus rastros de sangre. Pero no tenemos ni idea de cuándo va a aparecer. Ese es el miedo que se siente en mi país. La invisibilidad. Puedes llegar a una oficina a denunciar, y el lobo puede estar ahí, pero no lo ves. El narco se permeó. Esa es la parte del vértigo. Estamos en una estepa.
Tras la ceremonia del Oscar, el Negro muestra con orgullo tres de las cuatro estatuillas que se llevó su película, Birdman.
fianza de Salinas de Gortari… “Estoy acostumbrado a estos grandes derrumbamientos. Ahora, la diferencia radica en que la corrupción es tal que ha llegado a los niveles más básicos de la vida. Antes se secuestraba a los ricos, ahora el tipo que vende verduras o refrescos en la calle, el que arregla llantas, la gente más humilde es extorsionada por bandas de narcos que han tomado los municipios y que se reparten el dinero con el alcalde. Ya no es que los gobiernos sean una parte de la corrupción, sino que el Estado es la corrupción. Esa impunidad no puede sostenerse; no sé en qué forma va a cambiar, pero tiene que cam96
González Iñárritu se termina su segundo campari y parece dar por olvidado el cigarro electrónico. La entrevista, después de más de dos horas, llega a su fin. El director se aleja un momento a su habitación para atender una llamada. Luego, obsequioso, calienta la cena en el horno y abre una botella de vino tinto para compartirla con todos los presentes. A la mañana siguiente, volverá a la orilla del río Bow. Enfundado en su ropa polar negra, buscará la complicidad del Chivo mientras afinan nuevos simulacros. Ambos, bajo los álamos deshojados, dejarán sus huellas en la nieve.
Imágenes: cortesía
cine
Messi
de película Texto: JAVIER OCAÑA
Un icono merengue intenta condensar en un guión la esencia de la máxima figura del Barcelona. Jorge Valdano es autor de la historia de Messi, un documental del español Álex de la Iglesia y presentado en el pasado Festival Internacional de Cine de Guadalajara. 98
A
unque los documentales deberían ser más una búsqueda, un camino hacia el descubrimiento, que la exposición de una teoría previa, con Lionel Andrés Messi Cuccittini (Rosario, Argentina, 24 de junio de 1987) quizá no haya esa posibilidad. Todo se ha escrito, todo se ha leído ya. Así que queda el análisis, y queda la fiesta, justo la sistemática que han elegido los responsables de Messi, documento hagiográfico sobre la figura del astro argentino, escrito por el exfutbolista, exdirigente del Real Madrid y hoy autor de libros Jorge Valdano y dirigido por Álex de la Iglesia (a quien recordamos por filmes como El día de la bestia y Perdita Durango; su próxima cinta será Mi gran noche), compuesto a partir de una celebración en la que se analiza la trayectoria del 10 del Barcelona, importancia y legado. Eso sí, la puesta en escena del festejo, una cena en un restaurante donde cada una de las mesas está ocupada por un grupo humano relacionado con la vida del jugador (sus amigos de la escuela, sus profesores, sus compañeros en el Barça, los periodistas...), puede ser una idea más o menos buena en función de cómo se ejercite. Sin embargo, a pesar de que gracias a una buena labor de montaje el desarrollo es meritorio, la justificación inicial es fatal. Oír en los primeros minutos de Messi, cuando todos llegan al local, frases como “¡Mira, es Cruyff, el de la naranja mecánica!”, o “Ese es Valdano, el del Mundial del 86”, resulta simplemente sonrojante. Es entonces cuando se empieza a adivinar que la película no tiene como objetivo a los futboleros (a ellos tales informaciones no sólo les sobran, también les molestan), sino a un arco de público mucho mayor. Sobre todo cuando se confirma a través de la segunda de las metodologías de exposición, y el segundo de los errores: discretas
Ficha técnica de Messi
Álex de la Iglesia (extrema derecha) da órdenes a los actores que dramatizaron parte de su documental Messi.
dramatizaciones con actores representando a Messi y a su familia (y, más tarde, a gente como los entrenadores Carles Rexach o Frank Rijkaard), que guían, sobre todo, la mitad inicial de la película, con sus problemas de crecimiento y su salto desde Argentina a España.
Dirección: Álex de la Iglesia.
Guión: Jorge Valdano.
Participan: Johann Cruyff,
Diego Armando Maradona, Andrés Iniesta, Javier Mascherano, César Luis Menoti, Alejandro Sabella y Gerard Piqué, entre otros. Género: documental.
Dramatizado: España, 2014. Duración: 93 minutos.
Sin embargo, con la eclosión del futbolista en el primer equipo culé, cuando por fin acaban las escenas de ficción, la película levanta el vuelo. Es entonces cuando las palabras de análisis, los videos grabados por el padre del protagonista durante toda su vida (que hacían innecesarias las dramatizaciones), el montaje y el ritmo adquieren velocidad, talento y brillantez, como ese juego de planos con Messi cabizbajo durante el himno argentino, o algunos de sus goles de niño, unidos a los de su madurez. Como buena parte del cine familiar, esa quimera que intenta contentar a varias generaciones con el disfrute en grupo, la película cojea por demasiados lugares, pero De la Iglesia y Valdano quizá hayan inventado la figura del documental deportivo familiar ficcionado. Ni más ni menos. 99
Lio es una obra de arte Takashi Murakami y su propuesta.
Dos de los artistas más cotizados del planeta convirtieron a Lionel Messi en objeto de deseo artístico.
E
l británico Damien Hirst y el japonés Takashi Murakami realizaron dos obras con el futbolista como protagonista y que fueron subastadas el pasado 12 de febrero en Sotheby’s en Londres, en el marco de la campaña benéfica 1 in 11. Organizada por UNICEF, la Fundación FC Barcelona y la ONG Reach Out To Asia (ROTA), que tiene como objetivo financiar la escolarización de los 58 millones de niños en edad
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escolar que no tienen acceso a una escuela, es decir, 1 de cada 11 en el planeta. Murakami colocó a Messi, con su camiseta del Barça (logo de Qatar Airways incluido) y un balón a sus pies, en un campo de flores de colores pop sobre las que pintó rostros ingenuos y sonrientes. La obra se titula Lionel Messi and a Universe of Flowers. No es precisamente original puesto que es un fondo que ha utilizado otras veces, pero para este artista los límites entre arte, marketing y comercio se difuminan sin reparo. Y La obra de Damien Hirst.
aunque por ello se le haya definido despectivamente como “el Starbucks del arte” (por su tendencia a mezclar lo elitista con lo popular) sus productos no son tan baratos como un capuchino: el cuadro de Messi está valorado entre 350 mil y 400 mil euros. Lo que hizo Hirst con el futbolista, en cambio, es elevarlo a una categoría casi religiosa con un tríptico titulado Beautiful Messi Spin Painting for one in eleven, en el que aparece el rostro del delantero argentino en un plano corto envuelto en manchas de colores psicodélicos y flanqueado por dos balones de futbol
con su estampado de estrellas bien marcado sobre fondo amarillo y rojo. Una santísima trinidad valorada en unos 450 mil euros hecha con la técnica del spin painting (pintura centrífuga) que Hirst también acostumbra a utilizar para producir en masa. Es decir, ninguna de las obras es especialmente original pero están firmadas por dos de los artistas mejor pagados del planeta, y sobre ellas corretea un ídolo popular que, al margen de sus problemas con el fisco, sigue siendo un dios planetario del balón cuya imagen pública no parece, de momento, haberse resentido. La subasta de Sotheby’s fue parte esencial del plan de UNICEF para financiar el proyecto, así que no sólo se subastaron los dos cuadros hechos a medida por Hirst y Murakami, sino que otros 15 artistas donaron su obra, entre ellos Jeff Koons, Richard Serra, Cai Guo Qiang, Francesco Vezzoli, Shirin Neshat, Luc Tuymans, Jenny Holzer y el diseñador Marc Newson. (TEXTO: BÁRBARA CELIS).
ESTILOS
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Pink Magnolia: para la niña que todas
llevamos dentro Texto: NOHEMÍ GONZÁLEZ MONZALVO Fotos: MARTINA BALABAN
Desde la pop up store de Pink Magnolia en el capitalino barrio de Polanco, charlamos con la directora de diseño de la marca, Paola Wong, sobre cómo reinterpretó la imagen y el estilo único de Barbie para, mediante una colección cápsula, cumplir el sueño infantil de muchas mujeres: lucir como la muñeca más afamada y glamorosa del planeta.
D
espués de plasmar sus creaciones en Minnie Mouse, con una colección presentada con bombo y platillo en la Fashion Week México de 2013, Barbie es el segundo icono que viste Pink Magnolia.
Así, con una colección de 20 outfis, que van desde las básicas t-shirts y sudaderas, hasta elegantes vestidos largos y faldas circulares de tul, entre otras piezas, Paola Wong se suma a la lista de diseñadores reconocidos que durante más de medio siglo han vestido a Barbie, entre los que destacan: Chanel, Lacroix, Carolina Herrera, Coach, Jean Paul Gaultier, Gucci, Dior, Versace, Oscar de la Renta, Karl Lagerfeld y Moschino con su reciente creación para primavera/verano 2015 de Jeremy Scott.
¿Pero qué es lo que la muñeca más célebre del mundo tiene en común con esta marca de moda mexicana? Ambas aman ser fashion y son apasionadas del estilo girly, elegante y sofisticado. De ahí que la compañía de juguetes Mattel haya visto en Pink Magnolia la oportunidad de hacer realidad el sueño de muchas mujeres: vestir como la ultra femenina muñeca que acompañó sus juegos de infancia.
Pink Magnolia parece estar viviendo uno de sus mejores momentos, ¿cómo ha sido esta evolución? Pink Magnolia tiene una historia de seis años de existencia y ha tenido un crecimiento orgánico increíble; con cada colección hemos construido una identidad que hoy en día nos da la oportunidad de hacer colaboraciones para grandes marcas como Mattel, y para grandes símbolos como Barbie, que es el sueño de cualquier niña. Yo diseñaba ropa desde que era chiquita y ahora hacerlo para “barbies” grandes es un sueño hecho realidad. ¿Cuéntanos cómo se dio esta alianza? Se dio por la esencia en sí de Pink Magnolia, pues todas las características que busca Barbie en una marca de moda las tenemos nosotras. Una de ellas 103
Presume Barbie look de Pink Magnolia en Instagram
A Barbie le gusta viajar, ir a los mejores eventos, vestirse con los mejores diseños y presumirlo en su cuenta de Instagram @barbie, que goza de 420 mil seguidores.
En la imagen, Barbie luce dos vestidos, uno en blanco y negro, y el otro estampado en flores magenta con fondo color perla, además de finos accesorios y zapatos.
“Más que describir a alguien físicamente nos interesa la mentalidad de las clientas que compran nuestros diseños. Esta colección está abierta a todas las mujeres que se sienten identificadas con Barbie, que crecieron con ella, independientemente de la talla que sean” Paola y Pamela Wong, diseñadora y brand manager de Pink Magnolia.
es el pink power, que claro que está presente en nuestras prendas; la siguiente es el luxury, porque la ropa de Barbie debe tener cierto nivel de elegancia y lujo en cuanto al concepto y las telas; la tercera es que algo en el look tiene que brillar; la cuarta es el sentido del iconic. En suma, el reto fue grande, ya que vestir a Barbie no es vestir a cualquier icono, ¡es Barbie! ¿Cómo desarrollaron el concepto de esta colección? Decidimos seleccionar una guía de arte que retomaba a la Barbie de los años 50, la primera que salió al mercado. Es una Barbie que transmite glamour, elegancia, y rescata valores de mucha feminidad que se han perdido con el tiempo. Eso lo mezclamos con todo lo que está sucediendo en la actualidad, es decir, el estilo de mujeres independientes, elegantes, con un lado masculino también interesante. Hay que recordar que Barbie siempre está dispuesta a evolucionar. En estos momentos vestir a Barbie también puede tener un lado polémico si pensamos en la corriente que defiende la promoción del cuerpo femenino en sus formas naturales. ¿Pink Magnolia qué postura tiene ante esto y a qué tipo de silueta dirige sus diseños? Más que describir a alguien físicamente nos interesa la mentalidad de las clientas que compran nuestros diseños. Esta 104
Cortesía Mattel
Así que durante la pasada New York Fashion Week, la muñeca eligió un atuendo de Pink Magnolia para iniciar la semana de la moda. “Me conmovió muchísimo cuando vi que subió una foto en Instragram con un vestido de nuestra colección, ¡casi lloro!”, expresó Paola Wong, directora creativa de la marca mexicana.
“Decidimos seleccionar una guía de arte que retomaba a la Barbie de los años 50, la primera que salió al mercado. Es una Barbie que transmite glamour, elegancia, y rescata valores de mucha feminidad que se han perdido con el tiempo” colección está abierta a todas las mujeres que se sienten identificadas con Barbie, que crecieron con ella, independientemente de la talla que sean, ya que incluye una gran variedad de prendas como sudaderas, que son muy básicas, o faldas amponas y que justamente pueden ir bien en cualquier tipo de silueta. Tampoco cuestionamos la ideología. ¿Cuál fue la respuesta del público ante esta nueva colección? ¡Increíble! Se hizo tan buena mancuerna que funcionó a la perfección. Además, el proceso creativo fue padrísimo porque estamos hablando de una muñeca clásica, de muchas perlas, cadenas y todo eso que es como muy de Pink Magnolia. Son 20 looks, y todos los días llegan a la tienda modelos nuevos y todos los días se acaban esos mismos modelos. Así que lo que no compres hoy, ya no lo vas a volver a ver. Es la segunda vez que dedican una colección a un icono de la cultura moderna y también de las niñas, ¿cómo fue la transición de vestir primero a Minnie Mouse y luego a Barbie? Fue algo totalmente distinto porque son procesos creativos muy diferentes y no tienen punto de comparación. Cuando lo de Minnie Mouse fui la primera diseñadora en ir al corporativo y a los talleres de costura de Minnie, que es algo de lo que no cualquier creador puede presumir. El único punto en común 106
El fin de las conversaciones imaginarias A pesar de tener más de medio siglo de vida, Barbie se encuentra en primera línea en lo que a nuevas tecnologías y redes sociales se refiere. Tanto que recientemente se anunció la creación de Hello Barbie, una suerte de muñeca versión 3.0 que se conectará a Internet vía Wi-Fi para entablar conversaciones con sus amigas. Para ello, la compañía de juguetes Mattel se asoció con la firma tecnológica ToyTalk. El prototipo fue presentado en la pasada feria de juguetes de Nueva York, donde se explicó que esta muñeca funcionará gracias a un sistema de inteligencia artificial que le permitirá responder a las preguntas de sus interlocutores, además de participar en juegos interactivos por medio de un micrófono que estará instalado en un collar.
es que se trata de iconos infantiles cuyos conceptos se trasladan al universo de la moda de los adultos. Lograrlo parece imposible, pero para Pink Magnolia no lo es. El año pasado Pink Magnolia cumplió otra meta: figurar en el New York Fashion Week, ¿cómo fue esta experiencia? Muy divertida porque montamos una especie de instalación artística en la galería del Hotel Americano, en donde presentamos nuestra colección primavera-verano 2015, inspirada en la cultura de las artesanas tzotziles de los Altos de Chiapas, que es la que se está vendiendo ahorita en la tienda Saks Fifth Avenue México. Creo que detrás de cada colección nuestra hay una historia muy fuerte y eso le llama la atención a nuestro público. ¿Qué hay de cierto en que Pink Magnolia desea llegar a Japón? Nuestras colecciones han llamado la atención en muchos lugares de Europa y Asia, y Japón es uno de los destinos que más nos atraen. Yo fui allá de vacaciones hace como año y medio y el sentido de la moda que tienen las japonesas es impresionante. Quiero decir que no tienen miedo, compran como si no hubiera un mañana, y eso realmente es un sueño para cualquier diseñador. Pero para llegar ahí hay que tocar muchas puertas antes, aunque confiamos en que lo vamos a lograr. ¿Qué presentarán en su colección otoño/invierno 2015? Ya estamos trabajando en ella y va a estar muy padre porque tiene que ver con un rollo cósmico. Viene junto con nuestros planes de inaugurar nuestra tienda en Polanco. El día que termine la pop up store de Barbie [lo cual ocurrió el pasado 15 de marzo] se desviste la tienda y empieza la obra de nuestra primera boutique, que para nosotras es un gran logro.
Ilustración: Blenda Estudio
TRADICIONES
Tropicana
mon amour Texto: MAURICIO VICENT
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A
cababa de triunfar la revolución, el dictador Fulgencio Batista había huido y el trovador Carlos Puebla le daba vueltas al estribillo de una guaracha que arrasaría en Cuba en los años 60 del siglo XX: “se acabó la diversión/ llegó el Comandante y mando a parar”. En aquel ambiente de júbilo miliciano y pistolones, los casinos de juego fueron los primeros en caer en enero de 1959, y el de Tropicana también. El interventor del cabaret se llamaba Rodobaldo, y el día que tomó posesión iba vestido de uniforme verdeoliva, una indumentaria que chocaba con el espíritu del lugar, donde ya por entonces habían actuado Nat King Cole, Josephine Baker, Carmen Miranda y Tongolele. Acodados en la barra del bar, algunos habituales del Tropicana hablaban entre murmullos a distancia prudencial de Rodobaldo, que sentado en un taburete lo observaba todo con cara de pocos amigos. En eso una puerta se abrió y entró dando saltos el pianista Felo Berganza: “¡Sí! ¡Llegó La Fela!”. Conocido por su pluma y sus bromas, Berganza era un mulato colorao, simpático y bembón, que aparecía a mitad del show entre las palmas
©2015 Mauricio Vicent, Ediciones El País, SL
La mítica sala de fiestas de La Habana ha vivido 20 años de capitalismo y 55 de socialismo sin perder el paso. Ya no existe su casino, pero su espectáculo sigue siendo una referencia internacional cuando se celebra su 75º aniversario.
tocando un piano blanco de cola. “Tatachán”, continuó con su coreografía, brincando de mesa en mesa hasta caer al lado de Rodobaldo. “¡Compañero!”, exclamó el comisario insultado. Felito Berganza arqueó las cejas y exageró todavía más el ademán en medio de la carcajada general. “¡Coño! No me diga que usted también es maricón”. Con esta anécdota –contada por el clarinetista y saxofonista de jazz Paquito D’Rivera en su libro Mi vida saxual– terminaron 20 años del Tropicana capitalista, y empezó la larga travesía socialista de uno de los cabarets más famosos del mundo, de prestigio equiparable al del Moulin Rouge o el Lido de París, que este año celebra su 75 aniversario.
Paraíso bajo las estrellas En realidad, su primer nombre fue Beau Site y su promotor fue el empresario brasileño-italiano Víctor Correa, que inauguró el cabaret la noche del 31 de diciembre de 1939 en los terrenos arrendados de Villa Mina, una imponente propiedad suburbana en la zona de Marianao, que poseía unos palmerales fabulosos y grandes árboles tropicales. Correa estaba casado con la cantante Teresa de España, y fue ella la que protagonizó el primer espectáculo con el acompañamiento de la orquesta de Alfredo Brito, autor de las estrofas que un año después darían nombre al lugar: “Tropicana/ diosa de amor/ eres tú, mi bien/ la que inspiró mi canción”, con las que desde entonces comenzaría siempre el espectáculo. Desde el principio Tropicana fue un éxito. A la increíble vegetación tropical insertada en el contexto arquitectónico del salón, abierto a las estrellas, había que sumar la belleza de sus bailarinas (“lo mejor
de las mulatas cubanas”, según la prensa de la época) junto a la calidad de su orquesta y de sus espectáculos en vivo. En abril de 1941 se estrenó Congo Pantera, y a partir de ese momento su consagración fue absoluta. La revista –espectáculo que combina música, baile y, en muchas ocasiones, sketches humorísticos o satíricos– evocaba la caza de una pantera en las selvas africanas y su coreografía era de David Lichine, de los famosos Ballets Rusos de Montecarlo. Durante el espectáculo los bailarines surgían dentro del follaje iluminado, y la pantera –la bailarina rusa Tatiana Leskova, que aún vive y tiene 92 años– acababa descendiendo al escenario desde un árbol perseguida por el cazador-percusionista Chano Pozo, que después daría forma con Dizzy Gillespie al jazz afrocubano. Para horror del cercano y puritano Colegio de Belén, que presionó para cerrar el cabaret, Tropicana se convirtió durante tres meses en una selva con Chano y Mongo Santamaría haciendo sonar sus tambores subidos en los árboles. En los años siguientes el aporte artístico de figuras como Xavier Xugat o los Chavales de España no se hizo esperar, mientras entre el público se hallaba lo más granado de la burguesía criolla y también del turismo estadounidense, incluido el mafioso siciliano Lucky Luciano, quien vivió en La Habana entre 1946 y 1947, hasta que fue descubierto y deportado.
El espíritu de Nat King Cole regresa Desde el inicio el Tropicana estuvo vinculado al negocio del juego, primero tímidamente y después a lo grande, cuando casino y cabaret pasaron a manos del guajiro Martin Fox a finales de los años 40. Fox contrató al arquitecto Max Borges para remodelar las instalaciones, instaló la famosa araña del escenario y mandó colocar en la entrada la Fuente de las Ninfas, hasta hoy imagen del Tropicana junto a la escultura de una bailarina de ballet clásico, obra de Rita Longa. También introdujo una segunda orquesta, la de Armando Roemu, quien en 1948 trajo a Bebo Valdés como pianista a aquella big band de lujo que llegó a tener cinco saxos, cuatro trompetas y tres trombones. En 1952, año del golpe de Estado de Batista, hizo su aparición el coreógrafo Roderico Neyra, Rodney, que revolucionó el show con rompedoras revistas como Omelen Ko, La viuda alegre, Primavera en Roma o Casa de té. Fue la época dorada del Tropicana, cuando Nat King Cole, Pedro Vargas, Sarah Vaughan y artistas cubanos como Celia Cruz, Omara Portuondo, Benny Moré y Bola de Nieve pasaron por su escenario. Los actores Spencer Tracy, Ava Gardner y Errol Flyn fueron algunos de los que disfrutaron de sus espectáculos por aquel entonces, cuando las ruletas giraban sin cesar hasta que llegó el Comandante y mandó a parar. En 1959 el casino fue cerrado y el cabaret pasó a manos del gobierno revolucionario, que lo mantuvo funcionando. Tropicana siguió creando revistas de calidad, pero el turismo estadounidense fue sustituido por viajeros rusos que llegaban calzados con toscas sandalias y calcetines blancos. En los años 80, el saludo inicial del Tropicana se hacía en ruso, en inglés y en español. Por aquella época ya las mallas de muchas bailarinas estaban rotas, algo de lo que se dio cuenta el político español Felipe González cuando visitó Cuba en 1986 y asistió con Fidel Castro al espectáculo. El propio Comandante recordaría después que cada vez que la derecha quería cri-
Parte del elenco que actuó en el Tropicana Rita Montaner, una de las más grandes glorias cubanas del teatro, cine y cabaret. Fue apodada La Única. Omara Portuondo, cantante cubana de son y boleros, miembro del colectivo Buena Vista Social Club.
Elena Burke, popular cantante cubana de boleros y sones. Tongolele, bailarina y actriz con un amplio recorrido en el cine de rumberas en México. Poco saben que nació en Spokane, en el estado de Washington, Estados Unidos.
Cheo Feliciano, compositor y cantante puertorriqueño de salsa y bolero.
Bola de Nieve, famoso compositor y pianista cubano.
Celia Cruz, cantante cubana de son, guaracha y salsa.
ticar a González publicaba la foto del expresidente rodeado de mulatas bajo el título de “De juerga con el dictador”. Tropicana vivió milicianamente todos los avatares de la revolución, la invasión de Bahía de Cochinos, la Crisis de los Misiles, el éxodo del Mariel y la caída del campo socialista; y cuando las cosas se pusieron críticas el cabaret también dio un paso al frente. En los años 90 el 112
Josephine Baker, bailarina, cantante y actriz estadounidense nacionalizada francesa.
Nat King Cole, pianista y cantante estadounidense de jazz.
Fotos: cortesía
Amalia Aguilar, bailarina, cantante y actriz mexicana del llamado cine de rumberas.
Libertad Lamarque, actriz y cantante argentina, estrella en la época de oro del cine mexicano.
El interventor del cabaret se llamaba Rodobaldo, y el día que tomó posesión iba vestido de uniforme verdeoliva, una indumentaria que chocaba con el espíritu del lugar, donde ya por entonces habían actuado Nat King Cole, Josephine Baker, Carmen Miranda y Tongolele
gobierno pidió crear en todos los centros de trabajo Destacamentos de Respuesta Rápida (sic), para salir al paso a las manifestaciones “contrarrevolucionarias”. “En el Tropicana también se crearon, pero la verdad, a uno le daban ganas de hacer chistes gusanos para que aquellas mulatas te cayeran arriba”, bromeó un músico de entonces. Por suerte el cabaret sobrevivió tanto a la crisis como a la ideología, y hoy los espectáculos que ofrece, con sus 50 bailarines, 40 modelos, 11 cantantes y 25 músicos, siguen siendo una referencia mundial. Unos 150 mil turistas visitan el Tropicana cada año, pero ahora sus gerentes esperan que vuelvan los clientes estadounidenses si las tensiones con Norteamérica disminuyen y las relaciones se restablecen por fin. El espíritu de Nat King Cole regresa y el del “colectivo Tropicana” hace rato se esfumó. Vaya, que hacia más socialismo no vamos.
de cerca
Cuba año cero © 2015 Yoani Sánchez, Ediciones El País, SL
Texto: YOANI SÁNCHEZ Fotos: MARTINA BALABAN
“¡Estalló la paz!”, se le oyó decir a un viejo maestro el mismo día en que Barack Obama y Raúl Castro informaron del restablecimiento de relaciones entre Cuba y Estados Unidos. La frase recogía el simbolismo de un momento que tuvo todas las connotaciones del armisticio alcanzado después de una larga guerra. 114
T
res meses después de aquel 17 de diciembre, en Cuba los soldados de la concluida contienda no saben si deponer las armas, brindar con el enemigo o reprocharle al gobierno tantas décadas de inútil conflagración. Cada cual vive el alto al fuego a su manera, pero una indeleble marca temporal ya se ha establecido en la historia de la isla. Los niños nacidos en las últimas semanas estudiarán el conflicto con el gigante del Norte en los libros de texto y no lo tendrán como centro de la propaganda ideológica de cada día. Esa es una gran diferencia. Hasta la bandera de barras y estrellas ha ondeado estos días en La Habana, sin que el fuego revolucionario la haya hecho arder en la hoguera de algún acto antiimperialista. Para millones de personas en el mundo, este es un capítulo que pone fin al último vestigio de la Guerra Fría, pero para los cubanos es una interrogante aún sin resolver. La realidad va más despacio que los titulares de prensa desatados por el acuerdo entre David y Goliat, pues todavía los efectos del nuevo talante diplomático no se han notado sobre los platos, en los bolsillos ni en la ampliación de las libertades ciudadanas.
Y aquí va la Apple Store Vivimos entre dos velocidades, latimos en dos diferentes frecuencias de onda. Por un lado, la lenta cotidianidad de un país atorado en el siglo XX, y por otro,
la prisa que parece dispuesto a imprimirle a todo el proceso el gigante del Norte. Las medidas aprobadas el 16 de enero pasado, que flexibilizaban el envío de remesas, los viajes a la isla o la colaboración en telecomunicaciones y muchos otros sectores, dan la idea de que la administración de Obama parece dispuesta a seguir rindiendo al contendiente a fuerza de ofrecimientos. Obligarlo a izar la discreta bandera blanca de la conveniencia material y económica. La sensación de que todo puede acelerarse ha hecho que dentro de Cuba algunos reevalúen el precio del metro cuadrado de sus viviendas, otros proyecten dónde se ubicará el primer Apple Store que se abrirá en La Habana y no pocos comiencen a vislumbrar la silueta de un ferry que unirá la isla con Florida. Las ilusiones no han hecho, sin embargo, que se detenga el flujo migratorio. “¿Para qué voy a esperar que los yumas lleguen aquí, si yo puedo ir a conocerlos allá?”, decía pícaramente un joven que a finales de enero aguardaba en la fila para una visa de reunificación familiar a las afueras del consulado de Estados Unidos en la capital cubana. El temor a que durante el restablecimiento de relaciones pueda derogarse la Ley de Ajuste cubano, aprobada por el Congreso estadounidense en 1966 y que ofrece considerables beneficios migratorios a los cubanos, ha multiplicado las salidas ilegales. Quienes no quieren partir, se aprestan a sacarle ventaja al nuevo escenario.
La vida fluye en el Malecón con el Capitolio al fondo. Izquierda, Monumento a José Martí en La Habana.
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Si hace unos años la fiebre migratoria hizo a miles de compatriotas desempolvar sus ancestros españoles en aras de obtener un pasaporte comunitario, ahora el que tenga algún pariente en Estados Unidos se siente con ventaja en la carrera por la Cuba futura. De allí puede venir no sólo el ansiado alivio económico, piensan muchos, sino también la necesaria apertura política. A falta de una rebeldía popular que obligue al cambio de sistema, los cubanos vuelven a poner sus esperanzas en las transformaciones condicionadas desde afuera. Ironías de la vida, en un país cuyo discurso público se ha apoyado tanto en la soberanía nacional. Quienes han tenido más dificultad para tramitar lo sucedido son aquellos cuya vida y energías giraron alrededor del diferendo. Los más recalcitrantes militantes del Partido Comunista sienten que Raúl Castro los ha traicionado. Un año y medio de conversaciones secretas con el adversario es demasiado tiempo para quienes en sus centros laborales estigmatizaron a un colega porque se carteó con un hermano que vivía en Miami o porque gustaba de la música estadounidense. A las afueras de la Sección de Intereses de Estados Unidos en La Habana (SINA, por sus siglas en inglés), el oficialismo no ha vuelto a colocar aquellas feas banderas negras que se interponían entre las ansiosas miradas de los cubanos y el protegido
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Tienes que estar ahí
Interjet te lleva a donde se está escribiendo la historia con un vuelo diario a La Habana saliendo del aeropuerto de la Ciudad de México a las 11:15 horas, y sumando un segundo viaje domingo y jueves a las 15:25 horas, y sábado a las 12:40 horas. De La Habana despegamos rumbo a la capital mexicana diario a las 16:40 horas, también martes a las 15:35 horas, miércoles y sábado a las 17:35 horas, y jueves a las 20:50 horas. Además tenemos un vuelo adicional a Cuba partiendo del aeropuerto de Aguascalientes jueves y viernes a las 7:55 horas, y de La Habana a Aguascalientes martes a las 15:35 horas.
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Niños juegan el playa de Varadero.
Tres meses después de aquel 17 de diciembre, en Cuba los soldados de la concluida contienda no saben si deponer las armas, brindar con el enemigo o reprocharle al gobierno tantas décadas de inútil conflagración. Cada cual vive el alto al fuego a su manera, pero una indeleble marca temporal ya se ha establecido en la historia de la isla Vista de una típica calle en el centro de La Habana.
edificio. Nadie puede ubicar siquiera el momento en que se retiró la valla que a pocos metros de allí alardeaba: “Señores imperialistas, no les tenemos absolutamente ningún miedo”. Hasta la programación televisiva se percibe un tanto vacía, ahora que los presentadores no tienen que dedicar largos minutos a emprenderla contra Obama y la Casa Blanca. Miriam, una de los periodistas independientes que vapulea a la televisión oficial, se pregunta si ahora ya no satanizarán a nadie por acercarse a diplomáticos estadounidenses o por traspasar el umbral de la temida –pero seductora– SINA. Muchos se cuestionan lo mismo después de ver a funcionarios cubanos, como Josefina Vidal, sonriendo a Roberta Jacobson, secretaria de Estado adjunta para Asuntos del Hemisferio Occidental. El mito de la discordancia se ha quebrado.
El Netflix más caro del mundo
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Habana Vi
En una casa de la barriada del Cerro, donde han abierto un punto de ventas de pizzas, un hombre de unos 50 años apagó el radio nada más escuchar el discurso de Raúl Castro aquel miércoles de diciembre. Chasqueó la lengua con molestia y le gritó a su mujer: “¡Mira tú, después que nos jodieron tanto!”. Santiago, que así se llama, no pudo graduarse de médico porque toda su familia se fue por el Puerto del Mariel en 1980 y él fue declarado “no confiable”. Aunque desde mediados de los años 90 retomó el contacto con sus hermanos exiliados, no deja de sentirse incómodo porque ahora se aplaude lo que antes estuvo prohibido. Un día después de aquel histórico anuncio, los alrededores del capitalino Parque de la Fraternidad eran un hormiguero. Ahí convergen los viejos autos norteamericanos que recorren La Habana como taxis colectivos. El dueño de un Chevrolet de 1954 pontificaba en una esquina que ahora “los precios de estos carros se van a disparar”. De seguro, concluía el hombre, “los yumas van a comprar esta chatarra como pieza de museo”. Un país a remate aguarda por los amplios bolsillos de los que hasta ayer eran sus rivales. Esa sensación de que Estados Unidos salvará a la isla de las penurias económicas y el desabastecimiento crónico apuntala una ilusión a la que se aferran millones de cubanos. Hemos pasado del Yankee go home! a Yankee welcome!. Cuanto más negro pintaba la propaganda oficial el panorama en la Unión Americana, más ayudaba a fomentar el interés por ese país. Cada intento de provocar rechazo hacia el poderoso vecino trajo su cuota de fascinación. Entre los más jóvenes ese sentimiento ha crecido en los últimos años, apoyado también por la entrada al país de producciones audiovisuales y musicales que ensalzan el american way of life. “A veces para molestar a mi abuelo me pongo en la cabeza este pañuelo con la bandera de Estados Unidos”, confiesa Brandon, un adolescente que los fines de semana espera las madrugadas sentado en algún banco de la calle G. Alrededor de él, una fauna de emos, rockeros, frikis a destiempo y hasta imitadores de
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escándalos sobre los hombros– que se hacen una selfie con el primogénito de Fidel Castro. Cuba cambia a la velocidad de una tortuga que vuela agarrada a las patas de un águila.
Mural del Che Guevara en el barrio El Vedado. Derecha, Catedral de La Habana.
vampiros se juntan para conversar en voz alta y cantar a coro. Para muchos de ellos, sus sueños parecen más cercanos de concretarse después del abrazo entre la Casa Blanca y la Plaza de la Revolución. “Tenemos un grupo de jugadores de Dota 2”, cuenta Brandon sobre su pasatiempo favorito, un videojuego que causa furor en Cuba. Él y sus colegas llevaban meses preparándose para un torneo nacional, pero después del 17 de diciembre han empezado a soñar en grande. “El campeonato internacional será en el mes de agosto en Seattle [Washington], así que ahora quizá podamos participar”. El año pasado, el equipo de China se coronó campeón, por lo que los gamers cubanos no pierden la esperanza.
A pesar de todo, la Plaza de la Revolución no quiere hacer notar su fracaso y ha rodeado el restablecimiento de relaciones con Estados Unidos con una aureola de victoria. Dice haber ganado el pulso sostenido por más de cinco décadas, pero lo cierto es que ha perdido la más importante de sus batallas. No importa que la derrota se enmascare ahora con frases fanfarronas y alardes de tenerlo todo bajo control; como dice un hastiado santiaguero, “después de tanto nadar han terminado por ahogarse en la orilla”. En busca de esa imagen de control, Raúl Castro no ha disminuido la represión contra disidentes, que en febrero alcanzó la cifra de 492 arrestos arbitrarios. El castrismo tiende su mano hacia la Casa Blanca, mientras mantiene la bota presionada sobre los inconformes de casa. No obstante, la desproporción de fuerzas para la negociación entre ambos gobiernos se ha hecho notar incluso en los chistes populares. “¿Sabes que Estados Unidos y Cuba volvieron a romper relaciones?”, le espetaban burlonamente a los incautos en diciembre. Ante un incrédulo “¿Noooo?”, respondían con cara muy seria: “Sí, Obama se molestó porque Raúl lo llamó por teléfono por cobrar”. Toda la indigencia material de nuestra nación contenida en esa frase.
El primer usuario de Netflix en Cuba fue un extranjero, un diplomático europeo que corrió a hacerse una cuenta en el reconocido servicio de streaming nada más saber que ya era posible. Costeó una tarifa de apenas 7.99 dólares mensuales, pero el ancho de banda necesario para reproducir video lo obligó a pagarle a la Empresa de Telecomunicaciones de Cuba otros 380 dólares al mes por una conexión a Internet. Ahora disfruta en su mansión del Netflix más caro del mundo.
Ahora bien, para que nadie vaya a creerse que el castrismo terminará aplastado ante los McDonald’s y los Starbucks, la propaganda oficial reaviva de vez en cuando un antiimperialismo de cartón que ya no convence a nadie. Como en el altisonante discurso de Raúl Castro ante la III Cumbre de la Comunidad de Estados Latinoamericanos y del Caribe (CELAC) en Costa Rica, en el que ponía duras exigencias para el restablecimiento de relaciones con Washington. Pura fanfarria. O como el último mensaje de Fidel Castro al presidente venezolano Nicolás Maduro, brindándole su apoyo “frente a los brutales planes del Gobierno de Estados Unidos”. O como los llamamientos a defender la Revolución “ante el enemigo que intenta nuevos métodos de subversión”.
Partidos de beisbol con equipos de las grandes ligas; célebres bandas de rock que llegan a la isla; tarjetas MasterCard que funcionan en los cajeros de todo el país; empresas de telecomunicaciones que establecen llamadas directas desde Estados Unidos; granjeros colorados dispuestos a ofrecer insumos a los atribulados guajiros cubanos; presentadores de televisión made in USA que vienen a filmar sus shows en las calles habaneras, y atractivas modelos como Paris Hilton y Naomi Campbell –con varios
Lo cierto es que aquel día de San Lázaro, la diplomacia, el azar y hasta el venerado santo milagroso se ocuparon de las llagas del país. Habíamos necesitado medio siglo de doloroso caminar de rodillas por el asfalto de la confrontación para que nos llegara un poco del bálsamo del entendimiento. Nada está solucionado todavía y todo el proceso para la tregua es precario y lento, pero aquel 17 de diciembre el alto el fuego llegó para millones de cubanos que sólo habíamos conocido la trinchera.
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psicología
© 2015 Borja Vilaseca, Ediciones El País, SL
Vivir tras una coraza Texto: BORJA VILASECA
Hay personas que tienen tanto miedo a ser heridas que terminan viviendo a la defensiva. Se muestran frías y desafiantes en un intento por lograr el control sobre su entorno. Sin embargo, vivir sin coraza implica aceptar y sentir la propia vulnerabilidad. Esta es la auténtica fortaleza.
por la vida suelen irradiar un aura de poder y fuerza. De hecho, suelen ser individuos que enseguida están al mando de la situación. Nadie pone en duda que son líderes natos. Y que desprenden un magnetismo de lo más seductor. Sin embargo, su liderazgo a menudo deviene en autoritarismo, en especial cuando se sienten amenazados. Es entonces cuando aflora su enorme visceralidad, arremetiendo con dureza y agresividad en contra de quienes se atreven a confrontarlos.
¿Respeto o miedo? “La mejor defensa no es un buen ataque. La mejor defensa es no sentirse atacado” Gerardo Schmedling
M
uy pocas personas miran fijamente a los ojos cuando hablan con sus interlocutores. Debido a la falta de seguridad, o de costumbre, suelen desviar la mirada a la nariz o la boca. Sin embargo, hay quienes no saben mirar de otro modo, clavando sus ojos de forma directa, franca y honesta. Y cuando uno se encuentra con alguien que mira así, muchos se pueden sentir algo incómodos e incluso intimidados. No es casualidad que a estas personas se le cuelgue el “milagrito” de desafiadores. Quienes van de cara
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Están tan acostumbrados a imponer su voluntad sobre los demás que no soportan que nadie les diga lo que tienen que hacer. Poseen madera de jefes y algún que otro rasgo de tiranos. Más que respeto, los demás les tienen miedo. No es muy recomendable cuestionar su autoritarismo. Ni mucho menos discutir o pelearse con ellos. Cuando piensan que alguien ha actuado de manera injusta, se sienten legitimados a contraatacar de forma violenta. El fuego que anida en sus entrañas tan sólo necesita de una pequeña chispa para estallar en llamas, quemando todo aquello que obstaculiza su paso.
El justiciero que llevan dentro quienes viven a la defensiva les dota de una fuerza sobrenatural, ayudándoles a desarrollar un instinto protector al servicio de los suyos, o de aquellos que consideran más vulnerables y débiles. Y para no perder el dominio de sí mismos, tratan desesperadamente de controlar cualquier situación. Los individuos que poseen este tipo de personalidad no resultan fáciles de conocer. Viven detrás de una coraza. Cuanto más en conflicto entran con los demás, más se protegen y se encierran en sí mismos. En casos extremos terminan por aislarse de su entorno social, pudiendo llegar a vivir como ermitaños. Una historia refleja la clave para deshacerse de esa protección excesiva. Un viejo pescador vivía completamente solo en una playa alejada del pueblo. Harto de discusiones, conflictos y peleas, llevaba años sin relacionarse con nadie. Se había convertido en un hombre frío y distante, que pasaba los días leyendo y pescando. Un día salió a navegar con su pequeña barca en alta mar. De pronto apareció un bote que chocó frontalmente contra el del pescador. Este se pegó tal susto que dio un salto y cayó directamente al agua.
guir sentarse y recuperar la compostura se dio cuenta de que allí no había nadie más. Era un bote a la deriva. El viejo pescador estaba empapado, rabioso y sin nadie a quien culpar. De pronto, por primera vez en mucho tiempo, emitió una enorme carcajada. Algo en su interior hizo clic. Y esa misma tarde se dejó caer por el bar del pueblo. Para que estos desafiadores bajen la guardia es fundamental que comprendan las motivaciones ocultas que les llevaron a tomar el escudo y a desenfundar la espada en primer lugar. Por más que les moleste reconocerlo, son como los cangrejos: muy duros por fuera y extremadamente blandos por dentro. Su apariencia hostil y fuerte no es más que una fachada, un mecanismo de defensa que han desarrollado desde niños para que nadie vuelva a hacerles daño. Y también para tratar de que nada, ni nadie, pueda dominarlos.
La ley del más fuerte “Prefiero sufrir una injusticia que cometerla” Sócrates
Mientras nadaba para volver a subir a su barca, empezó a maldecir al tripulante del otro bote. “¡Pero, ¿cómo pudiste chocar contra mí?! ¡Con lo grande que es el mar! ¡Maldito seas! ¡Ya verás cuando te agarre!”. Al conse-
Quienes viven tras una coraza comparten un mismo tipo de recuerdo. En muchos casos, algo sucedió cuando todavía eran niños inocentes e indefen-
Para soltar la culpa *Un libro
Matar a un ruiseñor de Harper Lee
Estados Unidos, un periodo de tres años durante la Gran Depresión. Un negro es acusado de violar a una joven blanca. Un abogado blanco lo defenderá, dejando sus propios prejuicios a un lado. Una oda a la inocencia, al perdón y a la redención.
*Una película
El Padrino de Francis Ford Coppola
En esta película, Marlon Brando interpreta a un capo de la mafia de Nueva York que valora el perdón y que tiene sentido de la justicia. Una de las más grandes cintas de todos los tiempos.
sos. Tal vez un cambio de escuela. La separación de los padres. Un accidente. Abusos y maltratos de cualquier índole, o la muerte de un ser querido. No importa tanto el qué, sino cómo interpretó el suceso la persona que lo vivió. A raíz de afrontar alguna situación adversa suele tomar conciencia –siendo todavía muy niño– de que el mundo es un lugar amenazante, injusto y violento, donde prevalece la ley del más fuerte y sólo los duros consiguen sobrevivir. Esa es precisamente su herida. La que nace de haber conectado con su propia vulnerabilidad. Al negar y condenar esta debilidad, esa persona empieza a construir, ladrillo a ladrillo, una muralla que lo proteja de volver a sufrir. Paradójicamente, al vivir a la defensiva, con el tiempo se convierten en adultos controladores y dominantes. Y también hiperreactivos. Es decir, de mecha corta. Por eso suelen mostrarse tan agresivos y cosechan multitud de enemigos. Los problemas derivados de este tipo de actitud van más allá. Una vez que cesa la lucha, estas personas tienden a culpar a los demás por el sufrimiento que han experimentado. Y al hacerlo, se sienten legi126
timados para castigar a sus supuestos agresores. Pueden llegar incluso a vengarse de ellos de forma cruel. Al mismo tiempo también se culpan a sí mismos del sufrimiento que consideran que han causado a los demás. Es entonces cuando, en un intento desesperado por redimirse, pueden llegar a hacerse daño a sí mismos, tanto física como emocionalmente.
Sociedad victimista “Sólo podemos perdonar cuando comprendemos que el otro nunca nos ha hecho daño” Irene Orce
Llegados a este punto, cabe diferenciar entre el dolor físico y el sufrimiento emocional. Es cierto que tenemos el poder de matarnos unos a otros. Pero nadie nos ha hecho sufrir sin nuestro consentimiento. Los demás pueden tomar decisiones que nos perjudican directamente, o comportarse de una forma con la que no estamos de acuerdo. Pueden incluso insultarnos a la cara. Pero analizamos estas situaciones detenidamente, nos damos cuenta de que lo que sentimos no tiene tanto que ver con lo que ha sucedido, sino con nuestra interpretación de los hechos. El punto de inflexión en la vida de quienes viven detrás de una coraza llega el día en que empiezan a cuestionar una creencia tan falsa como limitante: “Los demás son la causa de mi sufrimiento”. Es entonces cuando comprenden que el poder –el de verdad– no consiste en vivir a la defensiva o tratar de controlar, sino en ser verdaderamente dueños de sí mismos. Para lograrlo, han de dejar de ser reactivos para empezar a cultivar la responsabilidad. Es decir, deben aprender el arte de responder de forma proactiva frente a cada situación adversa y cada persona conflictiva con la que se cruzan. La culpa existe en una sociedad victimista, una que condena el hecho de que las personas necesitemos cometer errores para evolucionar. Por ello, el gran aprendizaje vital de estos desafiadores pasa por perdonarse a sí mismos por los errores cometidos en el pasado, lo que les permitirá liberarse del sentimiento de culpa que cargan a sus espaldas. Ese es precisamente el significado de la palabra “inocencia”: el estado del alma libre de culpa. Sólo así pueden perdonar a quienes consideran que les agredieron: llegando a comprender que, más que maldad, el motor de los errores de los demás fue la ignorancia y la inconsciencia. Vivir sin coraza implica aceptar y sentir la propia vulnerabilidad. Esta es la auténtica fortaleza.
Comer sin sufrir Texto: PATRICIA RAMÍREZ
“Comer es una necesidad, pero comer inteligentemente es un arte”. La frase no ha perdido un ápice de vigencia a pesar de haber sido pronunciada en el siglo XVII por el aristócrata francés La Rochefoucauld. Hoy está claro que ingerir alimentos de forma compulsiva puede enmascarar frustración, rabia o tristeza. Si eres de las personas angustiadas con la comida y las dietas, sigue algunos consejos para volver a disfrutar de la comida de forma relajada y en armonía.
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engo una terrible angustia que me lleva a comer de forma compulsiva. Me siento nerviosa, estoy frustrada en mi trabajo, llego a casa y todo son problemas: los niños y sus deberes, mi marido llega tarde porque está lleno de compromisos laborales, no consigo seguir una dieta y estar motivada para perder peso, y me siento culpable cada vez que me salto el régimen. La ansiedad la calmo atracando el refrigerador. Pico sin ganas y me acabo las sobras de los niños de la cena. Me encantaría poder comer en paz, disfrutar de la comida en lugar de engullirla y saber detenerme cuando no tengo apetito. Quiero perder peso, pero estoy metida en un callejón sin salida que no me deja vivir”. Comer de forma compulsiva puede ser un comportamiento sustitutivo. No siempre se realiza por el propio placer de comer, sino que se lleva a cabo para enmascarar emociones como la frustración, la rabia, la tristeza o la ansiedad provocadas por el estilo de vida, las circunstancias de cada uno o la forma de interpretar el entorno que se está viviendo.
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© 2015 Patricia Ramírez, Ediciones El País, SL
BIENESTAR
Comer puede ser, además de una conducta vital para la supervivencia, un placer. No sólo el acto en sí, sino toda la parafernalia que conlleva: el arte de cocinar, compartir una velada con alguien, la sobremesa y sus temas de debate. Pero también puede convertirse en el enemigo; el refrigerador, el rival al que hay que derrotar; un cálculo matemático contando calorías, el desencadenante del sentimiento de culpabilidad por tomar lo prohibido… y una verdadera lucha contra ti mismo.
Quiero pero no debo
Serotonina y endorfinas desempeñan un papel fundamental en la regulación del bienestar. Las personas a las que su trabajo no les llena, que se sienten solas, que se atan a dietas imposibles de seguir o que viven otras situaciones frustrantes terminan por buscar consuelo en la comida en lugar de soluciones al problema de origen. Ahogar las penas abriendo la puerta del refri, mantener una lucha interna entre el “quiero, pero no debo”, sólo te lleva a poner parches a las emociones. Si realmente fuera eficaz, recuperarías tu sonrisa y tu tranquilidad. Pero lo cierto es que al rato se vuelve a estar tan triste y ansioso como antes de comer lo que no era una elección, sino un impulso por saciar tu ansiedad. La relación entre emociones y alimentación es bidireccional. Lo que se ingiere provoca cambios en la conducta: la cafeína del café excita y despierta, el azúcar y la glucosa dan energía y el consumo de alcohol desinhibe. Los estados de humor afectan también a los hábitos de alimentación. Una vida equilibrada favorece conductas saludables. Si alguien practica deporte, descansa de forma apropiada, disfruta con su trabajo, aprovecha su tiempo libre, dispone de
Imágenes: istock
¿Por qué la ansiedad o la tristeza llevan a comer alimentos calóricos, ricos en grasas y carbohidratos? Son muchos los estudios que demuestran que alimentos como el chocolate reducen el hambre, elevan el estado de ánimo y provocan un aumento de la activación. El consumo de hidratos de carbono lleva a estados de bienestar y tranquilidad, y el azúcar influye en la liberación de serotonina y de endorfinas. Pero no es oro todo lo que reluce, porque un artículo de la British Journal of Clinical Psychology afirmó que aunque el chocolate proporciona placer, este es de corta duración y va acompañado de sentimientos de culpa para aquellos que consideran que no lo deben tomar.
Otra de las variables que llevan a angustiarse con la comida es la necesidad absurda de responder a un canon de belleza que se relaciona con lo perfecto. Perder peso de forma sana es más de sentido común que de experimentos privativos que luego generan un efecto rebote y modifican el humor 129
Oye cómo va Si eres de las personas angustiadas con las dietas y el peso y deseas disfrutar de comer y hacerlo de forma relajada y con armonía, puedes seguir los siguientes consejos: Ten paciencia y consigue un ritmo en el que todo fluya. Perder peso no es algo de hoy para mañana. Cuanto más exigente seas con tu objetivo, mayor será la presión. Sé sensato: es mejor un objetivo a largo plazo, que te permita compaginar tu vida con las relaciones personales y el trabajo. No se trata de todo o nada. Lo que se quiere conseguir de forma inmediata puede generar un efecto rebote. No hagas tonterías con la dieta. Consulta con un profesional que te aconseje. No hay milagros en la pérdida de peso. No abuses del autocontrol. La investigación sobre la fuerza de voluntad y el autocontrol asegura que tener capacidad para decir no y decidir lo correcto es un factor de éxito. Pero si tensas la cuerda y no te permites de vez en cuando un margen de error, igual te llevará a un fracaso mayor. Planifíca. Si no quieres comer lo que no está en tus planes, ten la despensa llena de lo que sí entra en ellos. Facilítate la vida. Es muy difícil tener hambre y no saber qué comer porque te faltan los alimentos “permitidos”. Visualiza dónde quieres llegar y cómo será tu vida cuando consigas el objetivo. Imagina el tipo de ropa que te podrás poner o lo cómodo que te sentirás al
caminar. Podrás empezar a practicar deportes que ahora te cuestan o dejarás de tener dolores en articulaciones y complicaciones debidas al sobrepeso. Sé flexible contigo mismo. No tienes que ser perfecto; exigirte mucho y no permitirte un margen de error elevará tu nivel de ansiedad e insatisfacción. De vez en cuando, y de forma planificada, decide en qué vas a transgredir la dieta: una comida con amigos, unas cervezas el viernes por la noche o una celebración. Eso sí, no utilices el “capricho” para comer sin control aludiendo a la mítica frase “mañana empiezo otra vez”. Busca argumentos. Las personas no tienden a empatizar con quien está siendo capaz de controlar una situación a base de sacrificio y renuncias. En muchos casos, tu éxito es el fracaso de otros. Habrá mucha gente que te incite a romperlo, porque fracasar en la dieta y caer en lo que no debes te convierte en “uno de los nuestros”. Utiliza la técnica del disco rayado. Consiste en repetir una y otra vez, con el mismo tono de voz, la misma frase: “Gracias, prefiero seguir la dieta”. No intentes justificarte ni trates de convencer a nadie. Cuando los demás se den cuenta de que tienes las ideas claras y que no eres débil, abandonarán la provocación. Disfruta de la comida. Busca tiempo para comer tranquilo, aunque sea media
tiempo para comer de forma pausada y cocinar sano, tenderá a alimentarse mejor. Una persona que se esfuerza por hacer ejercicio también se esforzará eligiendo alimentos saludables. Otra de las variables que llevan a angustiarse con la comida es la necesidad absurda de responder a un canon de belleza que se relaciona con lo perfecto. Perder peso de forma sana, como aconsejan los nutriólogos y dietistas, es más de sentido común que de experimentos privativos que luego generan un efecto rebote y modifican el humor. 130
hora. Prepara una ensalada atractiva. La comida nos atrae no sólo por el gusto, sino también por la vista. Retrasa, no prohíbas. Cuando sientas la necesidad imperiosa de lanzarte al dulce, no te martirices con un debate interno entre “uno no es ninguno” y “¡ni se te ocurra!”. Trata sólo de retrasar el deseo en lugar de prohibirte el capricho. Lo prohibido es muy atractivo, mientras que retrasar el impulso hará que tomes distancia de él y decidas más tarde si de verdad te sigue apeteciendo o únicamente fue un deseo momentáneo. Calma durante esta espera tu ansiedad con un té o una fruta y realiza alguna actividad que te relaje. Practica el buen humor y haz cosas que te plazcan. Disfruta de la vida. No todo es perder peso. Haz deporte, sal con amigos, lee, ve al cine y busca el placer en nuevos pasatiempos. Si tu estado de ánimo es positivo, no necesitarás acudir a la comida para sentirte mejor.
A veces no son los kilos los que pesan, sino la mochila llena de frustraciones, obligaciones, estar sometido al qué dirán o ser un actor de reparto en la película de la vida de cada uno. Antes de empezar a tachar alimentos de la lista, elimina lo que te aprieta en tu vida.
MANERAS DE VIVIR
Todos los besos y todos los bichos
U
no de los trastornos obsesivos más comunes es la hipersensibilidad a la posible suciedad de las cosas, el horror patológico a los microbios. He conocido personas que se lavaban las manos 200 veces al día, o que se estremecían ante la idea de tener que estrecharle la mano a alguien. Llevo pensando en ellos desde que leí, hace unas semanas, un fascinante reportaje de Miguel Ángel Criado en el diario El País en donde explicaba que, cada vez que nos besamos con lengua con alguien durante 10 segundos, intercambiamos 80 millones de bacterias. Pobres maniáticos de la higiene míos: supongo que a los casos más graves ya les daría cierto repelús lo de mezclar salivas, pero me temo que este reportaje pudo terminar de estropear la vida sexual de más de uno. Siempre he sentido fascinación por los microbios y todos los organismos diminutos, por ese colosal hervor de vidas que nos rodea y que, con nuestra habitual ceguera etnocentrista, ignoramos olímpicamente, como si todo aquello que no podemos contemplar con nuestros defectuosos y limitados ojos simplemente no existiera. Nos sentimos los reyes de la creación, la medida del mundo, individuos orgullosos y solitarios, y no nos damos cuenta de que hasta el misántropo más aislado del planeta está inmerso en un tumulto monumental de bichejos varios. Empezando por los ácaros del colchón, de los sillones, de los cojines; vistos al microscopio, son unas bestias de aspecto aterrador y repugnante, peores que el Alien de la película. Y convivimos todos los días con millones. En el agua, en el suelo, en el polvo, en el aire, en la superficie de las mesas, en la pelambre de nuestros animales de compañía, por doquier nos rodean batallones y batallones de cosas vivas. Por no hablar, claro está, de nosotros mismos, que somos un territorio colonizado por los micro-
bios. Según leí hace años en un libro escolar genial, Ni contigo ni sin ti, escrito por Miguel Vicente, Marta García-Ovalle y Javier Medina, nueve de cada 10 células de nuestro cuerpo son bacterias. Bien mirado, es como si las bacterias nos explotaran biológicamente, como si fuéramos su huerto, su vaquita. Por cada célula mía, nueve pasajeros: ¡qué invasión, qué barullo! En total acarreamos cerca de kilo y medio de bacterias en nuestro cuerpo, la mayoría en el sistema digestivo. ¡Y en ocasiones nos sentimos solos! ¡Qué ceguera! Sabemos que convivimos con todo ese submundo maravilloso desde hace varios siglos. La primera persona que vio los microbios fue un comer-
“Cada vez que nos besamos con lengua con alguien durante 10 segundos, intercambiamos 80 millones de bacterias. Pobres maniáticos de la higiene míos: supongo que a los casos más graves ya les daría cierto repelús lo de mezclar salivas, pero me temo que este reportaje pudo terminar de estropear la vida sexual de más de uno”
(*) Rosa Montero es una periodista y escritora española, autora de más de una docena de novelas, entre ellas La hija del caníbal, llevada al cine por el director mexicano Antonio Serrano; además escribe cuentos infantiles, ensayos y es colaboradora habitual del diario El País. Su más reciente publicación es El peso del corazón, una thriller, una novela de aventuras, una historia de fantasía, de amor.
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Cortesía
ROSA MONTERO*
ciante de telas holandés llamado Antoine van Leeuwenhoek. Como necesitaba poder contar los hilos de los tejidos que vendía, este hombre habilidoso fabricó unas cuantas lupas que luego, movido por la curiosidad, fue enfocando sobre todo cuanto le rodeaba: la hierba, las moscas, las gotas de agua. Así descubrió que, alrededor de él e incluso dentro de su cuerpo, porque también escudriñó su saliva, había una infinidad de cosas que se movían. Dedujo acertadamente que esas pizcas itinerantes estaban vivas y las denominó animálculos. Si te detienes a pensarlo, tuvo que ser un momento espeluznante y grandioso: el hallazgo de todo un universo paralelo de seres vivos que compartían el planeta con nosotros. Es como haber establecido contacto con los alienígenas, sólo que se trataba de unos marcianos muy diminutos. Todo esto sucedió en 1676, o sea, hace un montón de años, pero de algún modo nos las hemos arreglado para olvidarlo, de la misma manera que olvidamos que nos vamos a morir: son saberes incómodos, humillantes, amedrentantes. Nos rompen nuestro espejismo de protagonismo orgánico. Por eso nadie se acuerda de Antoine van Leeuwenhoek ni de aquel instante estelar de la humanidad. Descubrir que somos una colonia de bacterias es un conocimiento amargo de tragar. Y ahora además nos dicen que nuestros besos, eso tan húmedo y tan íntimo, no es sólo cosa de dos, sino que interviene una multitud. Al parecer en la boca puede haber hasta 700 bacterias diferentes. Bichos aventureros y viajeros dispuestos a mudarse a una lengua ajena, verdaderos exploradores interestelares. Porque, desde el punto de vista de los microbios que nos habitan, debemos de ser tan grandes e inabarcables como una galaxia. Un inmenso sistema que los acoge, a ellos y a los hijos de sus hijos. A veces me imagino que los humanos somos las bacterias de algún organismo enorme, microbios alojados en la centelleante negrura intestinal de un megaser. Curiosamente, es un pensamiento que me serena.
twitter@BrunaHusky
AQUEL AYER
España, ayer y hoy
V
ientos de fronda y de incertidumbre nos llegan de una España que siente que su joven pero cuajada democracia, impulsada ejemplarmente por el Rey Juan Carlos de Borbón a la muerte de Franco, corre severo peligro. Según los analistas políticos más prestigiados de la madre patria, la explosiva y contundente llegada de una formación política de extrema izquierda para competir con el abanico de partidos políticos de aquel país con miras a llegar al poder en las próximas elecciones generales del mes de diciembre de este año, puede alterar severamente un orden establecido desde 1978 y que ha logrado un desarrollo espectacular. Aunque este haya tenido severos tropiezos en los últimos años por la gestión gubernamental de una inmensa crisis económica. Gran parte de la población sufre de profundas carencias económicas, de falta de empleo, de recorte de salarios, alza del coste de la vida y en general una visión catastrófica del futuro. Sumando a esto, el descubrimiento irritante de un conjunto de corruptelas por parte de políticos y empresarios de alto nivel.
Lo que hace pensar a muchos que “Podemos”, que no oculta su “extremismo”, en caso de obtener el mandato popular para gobernar, lo haga de manera totalitaria y absolutista. Y que de ser así podría, por caminos sinuosos, inventarse para España una nueva dictadura populista de signo e ideología radicalmente opuesta a la que ejerció el General Francisco Franco durante casi cuarenta años. Todo ello remonta mis recuerdos al año de 1972 en que desde México llegué a San Sebastián con la ilusión de pasar un año sabático en esa bellísima ciudad del País Vasco y me quedé veinte. Franco estaba todavía en el poder ejerciendo su dominio absoluto, pero en el País Vasco muy pocos eran los partidarios de su dictadura. La represión que ejecutó el auto-llamado “Generalísimo” contra las Provincias Vascongadas por haber apoyado mayoritariamente a las fuerzas de la República durante la cruenta guerra civil española, fueron hechos imperdonables para su población.
En solo unos meses el tsunami “Podemos” ha logrado relegar al PSOE de las intenciones de voto y acercarse en los sondeos opinión a muy corta distancia del derechista Partido Popular.
Las fuerzas armadas triunfadoras, unidas a los falangistas, los requetés y la policía cometieron atrocidades y vejaciones inolvidables para los Vascos. Además de prohibir la enseñanza de su idioma y terminar por la fuerza con cualquier manifestación costumbrista o cultural que les daba una identidad propia y diferente. Para vengarse de ello, nació la organización separatista ETA quien encontró en sus comienzos apoyo y recursos entre sectores poderosos vascos incluyendo su rica burguesía que en su fuero interno, a pesar de no estar conforme con los métodos terroristas de la lucha de ETA, seguían acariciando el sueño de un trato político diferente para los suyos en una España democrática y plural.
La oferta de “Podemos”, recién convertido en partido político, se fundamenta en su manifiesto, “Mover Ficha”, del 13 de enero de este año 2015 donde señala con toda claridad su propuesta de “Convertir la Indignación en Cambio Político” y es promovido por militantes y líderes de una Izquierda Anticapitalista.
En San Sebastián, capital de Guipúzcoa, una de las tres provincias vascongadas, el ambiente cuando yo llegué, estaba enrarecido y tenso. Se sabía que Franco estaba enfermo y en plena decadencia física por lo que se vislumbraban tiempos diferentes. Los políticos nacionalistas que vivían en la clandestinidad se reunían
El nuevo movimiento social, “Podemos”, ha logrado captar las simpatías y esperanzas de un gran sector de ciudadanos indignados por la política del gobierno en el poder (Partido Popular) y por la tibia oposición de un PSOE que ocupa el segundo lugar en las preferencias electorales.
*Su experiencia en medios electrónicos e impresos incluye apariciones como analista político en Televisa y TV Azteca, y artículos de opinión en el diario Ovaciones. Pero nada se compara con su conocimiento de la sociedad mexicana e internacional, de la cual formó parte y vio de cerca en su restaurante Villa Fontana, famoso entre los famosos a mediados del siglo XX en la capital de nuestro país.
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Cortesía
RAMÓN DE FLÓREZ*
secretamente para acordar sobre un “tema tabú”: el futuro político de España y en particular del País Vasco cuando Franco muriera. Pero a pesar de la tiesura, la belleza de San Sebastián, sus paseos, su incomparable gastronomía, las regatas de traineras, las corridas de toros en agosto y el futbol, disipaban la tensión. Recuerdo que las fiestas más divertidas y apasionantes que me tocó presenciar fueron los dos títulos seguidos como campeón de la Liga Española de Futbol que obtuvo La Real Sociedad, en los años 1979 y 1980. Todos salimos a la calle a festejar con una inmensa alegría la hazaña del equipo local. Niños, mayores, ancianos juntos cantando y echando porras envueltos en la bandera del equipo con balones y camisetas autografiados por los jugadores llenaban las calles de San Sebastián en un ambiente de felicidad que contagiaba a todos. En los jardines del Ayuntamiento se lanzaban fuegos artificiales que iluminaban con colores espectaculares la Bahía de la Concha. Fueron unas celebraciones extraordinarias que solo habían sido superadas por el festejo que se organizo tres años y medio antes, la noche del 20 de noviembre de 1975, día en que murió Francisco Franco. El Generalísimo llevaba semanas en agonía internado en el Hospital de la Paz de Madrid bajo los esfuerzos desesperados de sus médicos para alargarle la vida. En muchos hogares de San Sebastián se preparaban suculentas cenas para celebrar en familia y con amigos el próximo y feliz acontecimiento de la muerte del Dictador. Pero Franco no se acababa de morir y la suculenta comida se echaba a perder, había pues que tirarla y guisar de nuevo. Hasta que en la mañana de ese
inolvidable 20 de noviembre, el presidente Carlos Arias Navarro vestido de negro y con rostro lloroso anunciaba por la TV que su jefe, el Caudillo de España, acababa de fallecer. Esa noche en casa de unos amigos nos pusimos ciegos de champaña, mariscos, angulas y besugo. Las calles de San Sebastián estaban repletas de gente que entraban y salían de los cientos de tabernas, bares y pub´s donde el vino se regalaba a todo el mundo. La gente bailaba y se abrazaba con emoción celebrando el feliz acontecimiento que ya todos conocíamos pero sobre el cual no se mencionaba nada. Todo esto, bajo la mirada torva de una policía perpleja y boquiabierta que no sabía si intervenir a palos ante la falta absoluta de respeto hacia el difunto o unirse a la juerga más grande en toda la historia de San Sebastián y de España. Según los comentaristas oficiales de la televisión estatal, toda España de riguroso luto, acudía a las iglesias para unirse a la multitud de dolientes que pedían a Franco, ya en el cielo, que siguiera velando por los españoles. Pero que yo recuerde nadie habló de la felicidad e insólita celebración de la población de San Sebastián, a 400 km al norte de la Puerta del Sol de Madrid. Al día siguiente la pregunta era que iba a pasar en España. La resaca tenía ahora rostro de incertidumbre y preocupación. El mismo que al parecer se percibe en la calle, cuarenta años después, en la España de hoy. ramondeflorez@yahoo.com.mx
PALOS DE CIEGO
Literatura más allá de la literatura U
no de los mejores textos literarios que he leído en mi vida no es un texto literario. De hecho, ni siquiera fue pensado para publicarse. Lo escribió el escritor israelí David Grossman y lo leyó en el funeral de su hijo Uri, muerto el 21 de agosto de 2006, cuando el carro de combate en el que avanzaba por el sur de Líbano fue alcanzado por un misil antitanque de Hezbolá; los periodistas presentes en las exequias reprodujeron con mayor o menor fidelidad pasajes del discurso fúnebre y al final, para evitar confusiones, Grossman lo corrigió y se lo entregó a los periódicos, varios de los cuales lo reprodujeron. Aunque días antes de la muerte de su hijo Grossman había firmado con otros escritores un llamamiento al gobierno israelí para que diera por terminadas sus operaciones militares en Líbano, a lo largo del texto apenas se dice una sola palabra del conflicto, salvo en el título: “Nuestra familia ha perdido la guerra”. Grossman habla de las cosas que nunca volverá a hacer con su hijo, como ver Los Simpson, y de las cosas que aprendió de él. Describe su carácter, recuerda su sentido del humor, afirma que, contra la opinión de sus superiores, se empeñó en ser jefe de una compañía de carros de combate (y que lo consiguió), dice que era el izquierdista de su batallón, sostiene que era de esas raras personas que se hacen responsables de lo que ocurre a su alrededor, que siempre se podía contar con él, que siempre estaba en primera línea, que nunca se arrugaba. Escribe: “Era un chico que tenía unos valores,
ese término tan vilipendiado en los últimos años; porque en nuestro mundo loco, cruel y cínico no es cool tener valores”. Escribe que debemos defender nuestras vidas, pero también “empeñarnos en proteger nuestra alma, empeñarnos en protegerla de la tentación de la fuerza y las ideas simplistas, la tentación del cinismo, la contaminación del corazón y el desprecio del individuo”. Concluye: “Has iluminado nuestra vida, Uri. Tu madre y yo te criamos con amor. Fue fácil quererte con todo nuestro corazón, y sé que tú también viviste bien. Que tu breve vida fue bella. Espero haber sido un padre digno de un hijo como tú”. Es un texto brutal, de una serenidad y un coraje asombrosos, que resulta imposible leer sin sobrecogerse. Repito que no era, en principio, un texto literario, pero al final resulta un texto infinitamente más literario que infinidad de textos literarios. Esto no es extraño, por supuesto; al fin y al cabo, la gran literatura a menudo ha sido aquella que en principio no parece literatura, o que defrauda las expectativas literarias de su tiempo: para sus contemporáneos cultos, Cervantes nunca pasó de ser el autor de un bestseller sin importancia, y lo que Shakespeare escribía no era ni siquiera literatura (de ahí que sus obras no se editaran con seriedad en vida, privilegio reservado a los autores “relevantes”). Pero ¿de dónde extrae su fuerza un texto como el de Grossman? ¿Qué lo convierte no ya en literatura, sino en gran literatura? La respuesta está en un texto escrito también por un padre a un hijo y publicado en español pocos meses
*Javier Cercas (Ibahernando, España, 1962) es escritor y periodista, colaborador habitual del diario El País. Entre sus novelas se encuentran El inquilino, El vientre de la ballena y Anatomía de un instante. A partir de Soldados de Salamina (2001), novela aclamada internacionalmente y llevada al cine por David Trueba, su obra ha sido traducida a más de una veintena de países. Su libro más reciente es El impostor, que cuenta la historia del sindicalista español Enric Marco Batlle, de quén se descubrió que había falsificado información para hacerse pasar como sobreviviente de los campos de concentración nazis durante la Segunda Guerra Mundial.
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Cortesía
JAVIER CERCAS*
“¿A qué crees que se reduce la literatura? A escribir con las tripas, no con la cabeza. La mayoría escribe con la cabeza. Si el delincuente semianalfabeto escribe normalmente una larga carta a su novia, será como la mayoría de las cartas de semejantes personas. Si el delincuente escribe la carta justo antes de ser ejecutado, será literatura” antes de que se publicara el de Grossman. Se trata de una carta que el 22 de octubre de 1950 le escribió su progenitor a V. S. Naipaul, uno de los mayores escritores vivos y Nobel de Literatura 2001. Por entonces Naipaul, de origen trinitense-hindú, había llegado a Oxford con una beca, dispuesto no sólo a ser un escritor, sino a ser el mejor escritor posible, y su padre, deseoso de evitarle a su hijo su propio destino de escritor frustrado, le escribe desde su remoto y provinciano hogar en la isla de Trinidad unas palabras que, estoy seguro, Naipaul nunca olvidó: “¿A qué crees que se reduce la literatura? A escribir con las tripas, no con la cabeza. La mayoría escribe con la cabeza. Si el delincuente semianalfabeto escribe normalmente una larga carta a su novia, será como la mayoría de las cartas de semejantes personas. Si el delincuente escribe la carta justo antes de ser ejecutado, será literatura”. Esa es la respuesta. La literatura es lo que se escribe como si uno estuviera a punto de ser ejecutado; o, mejor aún, como si ya hubiese sido ejecutado, que es como escribe su texto Grossman. La gran literatura es precisamente eso: lo que está justo en el borde de la literatura. O un poco más allá. www.javiercercas.com
EL PULSO MARTÍN CAPARRÓS*
D
urante siglos fue un arte para pocos. Después se transformó en una artesanía para muchos que lo hacían cada tanto. Ahora parece ser una tarea de todos, todo el tiempo: posamos, nos ponemos. Es el paso más reciente de la sociedad del espectáculo. Ya no sólo miramos sin parar; ahora también tenemos que aprender a mostrarnos. El arte de posar es una novedad de estos años plagados de registro. Nueve de cada 10 personas cargamos todo el tiempo un aparato que registra. Teléfonos, los más. Y, como la máquina crea la función, documentamos sin parar. Dejamos de confiar en nuestros ojos. Así como ya pasamos de usar nuestra memoria –y recurrimos, en cuanto aparece cualquier duda, a esa memoria externa de la cultura actual, la Red en 4G–, tampoco suponemos que tenemos que usar la memoria visual y almacenamos en esos aparatitos las imágenes que alguna vez podríamos querer. Entre ellas, por supuesto, nada más habitual que las caras de los seres queridos y, primero entre pares, querido entre queridos, uno mismo. “¿Viste la foto que te mandé desde la torre?”. Somos, ante la lente omnipresente, aparatos de producir futuro, de intentar definir nuestro recuerdo. Somos memorialistas
Cortesía
El registro continuo de la sonrisa persistentes, componiendo el tipo para los que nos verán mañana o –esperamos– dentro de 20 años. Por eso es importante saber cómo mostrarse –cómo ponerse en el recuerdo, qué poses, gestos, muecas adoptar para ser alguna vez mejores que ahora mismo–. Ir armando la propia historia que, cada vez más, será visual o no será. “Uy, viste al abuelito de tan joven. Si hasta era guapo…”. Para eso lo primero es hacerse una cara: armar la cara ante el espejo ya de bitios, dibujarse la cara en cada foto. Aunque es muy fácil que la foto te traicione: que te muestre una cara que habías intentado, tan cuidadosamente, no ver nunca. Pero el intento insiste y la cara buscada, por supuesto, tiene que incluir una sonrisa. El futuro será sonriente o no será. La sonrisa es el mensaje que queremos darle: miren, amigos –amigos es una palabra muy actual–, lo bien que vivo… o que he vivido. En nuestra cultura de hedonismo inmediato, la sonrisa es la ganzúa que abre todas las puertas. Darwin creyó que la sonrisa formaba parte de nuestra herencia evolutiva, y que por eso se encuentra en casi todas las culturas. Colegas suyos descubrieron que los primates ya la usaban como una forma de comunicar intenciones pacíficas. Ahora es, en cualquier caso, el signo universal de todo bien, la estoy pasando bien, soy un poco feliz, contigo no hay problema. Y no tenerla es sospechoso: alguien podría querer saber por qué, así que la ponemos. Con lo cual el signo precede a su significado: no sonreímos porque estemos contentos; sonreímos para que parezca que estamos contentos, o sea: para estar contentos. Nunca el género humano ha sonreído tanto ante tan pocas gracias: whisky, tequila, cheese, patatapatatapatata. Las formas de lograr la apariencia de sonrisa se multiplican y confunden. Hay que posar, hay que mostrar –a los parientes, los amores, los amigos de Facebook, el tiempo y sus edades– lo feliz que es uno. Hay que dejar registro. Sólo que, más y más, el registro se hace casi continuo. Quizá lo sea tanto que al fin nos exima de posar, y habremos dado toda la vuelta: de no preocuparnos porque de todos modos nunca nos registraban, pasaremos a no preocuparnos porque siempre. Y los extremos –para volver el viejo dicho– se tocarán y placerán entre sonrisas.
twitter@martin_caparros
*Bigote imperial, Martín Caparrós (Buenos Aires, Argentina, 1957) es un periodista y premiado escritor, autor de las novelas El tercer cuerpo, Un día en la vida de Dios, Valfierno (Premio Planeta Latinoamérica 2004) y Los Living (Premio Herralde 2011), entre otras. Su pasión por el Boca Juniors lo dejó plasmado en Boquita; y en 2010, a propósito del Mundial de Sudáfrica, entabló una correspondencia sobre futbol con su colega Juan Villoro, el resultado lleva por título Ida y vuelta. Su más reciente obra se titula El hambre.
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motor
Juego de niños Texto: JONATHAN MORALES
Imagenes: cortesía de las marcas
¿Recuerdas cuando de pequeño jugabas con tus carritos de fricción y de más grande la diversión consistía en “robarle” el coche a papá? Bien, pues jamás habrás de ser más feliz como al volante de estos autos, todos nuevos modelos, que invitan a pasar horas de solaz y esparcimiento tanto en ciudad como en carretera.
VW Nuevo Golf GTI Muy pocos vehículos logran hacer de la introducción de una nueva generación todo un suceso. El Volkswagen Golf es uno de ellos. Se trata de un vehículo tremendamente significativo, creador de una categoría de mercado y que a lo largo de sus ya siete generaciones (contando la que se presentó recientemente) ha colocado más de 30 millones de unidades. Bajo el cofre 140
encontramos virtualmente la misma oferta mecánica que conocemos en el GTI desde la quinta generación, es decir, una mecánica de cuatro cilindros y 2.0 litros de desplazamiento, acoplada a una transmisión de doble clutch DSG de seis velocidades. Claro está que tanto motor como caja han recibido bastantes mejoras, por lo que la potencia ahora es de 220 hp.
Dodge Vision
Suzuki Ciaz
El adiós del Attitude dejó un hueco importante en la gama de Dodge en México. Para cubrirlo, el fabricante estadounidense aprovechó su buena relación con Fiat poniendo a la venta su propia versión del Fiat Grand Siena –o Palio Sedan– bajo el nombre Dodge Vision. Se trata de un sedán pequeño nacido en Brasil que se ofrecerá únicamente con la transmisión automática Dualogic de cinco velocidades con modo manual. Será impulsado por un motor de 1.6 litros capaz de desarrollar 115 hp. Para mayores referencias, preguntar a Álex Lora y su banda Tri, que lo recomiendan en la publicidad para los medios.
En un mercado donde los sedanes son el pan de cada día, no se puede vivir únicamente de hatchbacks y crossovers. Aunque los Suzuki Swift y S-Cross ya se han posicionado como productos populares en México, el fabricante nipón no tenía un producto que compitiera en la categoría de los subcompactos con cajuela. Por eso llega el Ciaz. Para moverse, recurre al pequeño bloque de cuatro cilindros de 1.4 litros que encontramos en el actual Swift. Genera 100 hp, suficientes para mover su masa de una tonelada en escenarios urbanos y mantener consumos respetables.
Mini John Cooper Works Lo primero que hay que decir es que este vehículo será el Mini más potente de la historia. Bajo el cofre guarda un motor de gasolina de cuatro cilindros de 2.000 cc con tecnología TwinPower Turbo, que entrega 231 hp, frente a los 192 hp que entrega el Cooper S. Presenta caja de cambios manual de seis velocidades, aunque también de forma opcional se puede montar la caja Steptronic de seis velocidades con la que se reducen otros 0.2 segundos en aceleración de 0 a 100 km/h, siendo capaz de parar el cronómetro en 6.1 segundos.
Fiat 500L El Fiat 500, como todos lo conocemos, es un auto muy atractivo y cómodo para la ciudad, pero resulta poco útil si debes transportar una familia o si sales continuamente a carretera. Para no perder a esos clientes, Fiat decidió que era buena idea introducir en nuestro mercado el 500L. Es la versión familiar del popular Cinquecento, y la “L”, como en la ropa, hace alusión a la palabra large y destaca los 54 centímetros de diferencia entre el hatchback de 3.6 metros y este nuevo monovolumen de 4.14 metros de largo. Llega en dos versiones: Easy y Trekking, y ambas emplean un motor de 1.4 litros MultiAir Turbo de 160 hp, asociado a una transmisión automática de seis velocidades. Seguramente estas cifras te suenan conocidas, se debe a que el propulsor es compartido con la versión más radical del Fiat 500, el Abarth. 141
Peugeot 308 GT El salto experimentado con los Peugeot 308 y Peugeot 308 SW se complementa a partir de ahora con una nueva versión con dos variantes de motorización que estará disponible en cada una de las carrocerías del compacto francés: el Peugeot 308 GT y el Peugeot 308 SW GT. Bajo el cofre se encuentran los motores 1.6 THP de 205 hp con Start&Stop y cambio manual de seis relaciones, o bien 2.0 BlueHDi de 180 hp con cambio automático de seis velocidades.
Hyundai Sonata Mitsubishi Mirage Mitsubishi sigue buscando la forma de avivar la llama de su presencia en el mercado mexicano, esta vez con el lanzamiento de este pequeño hatchback. Cuando su lanzamiento en Estados Unidos se anunció como el coche no híbrido más eficiente en aquellas tierras. En México, promete un consumo de hasta 27.8 km/l. Se comercializará con un motor de 1.2 litros que desarrolla 76 hp, con transmisión CVT o una manual de cinco velocidade
Con la presentación de la séptima generación del Sonata, Hyundai eleva el listón en el competido segmento de los sedanes medianos en México. Conserva los propulsores de cuatro cilindros de la generación pasada, el 2.4 litros atmosférico de 185 hp, y el interesante 2.0 turbo de 245 hp. Ambos adoptan una transmisión automática de seis velocidades. ¿Un detalle curioso? El interior apunta hacia lo premium… y no hace falta que la marca lo mencione en su comunicado. El parecido con los tableros de Audi y BMW deja claro hacia dónde está mirando el fabricante coreano.
Renault Logan Pese a ser la evolución del Aprio –sí, ese pequeño sedán cuadrado y sin gracia que Nissan vendió sin mucho éxito en nuestro país hace unos pocos años–, Renault supo hacer de este vehículo un auto atractivo y apto para competir en el segmento de los sedanes pequeños. Su plataforma continúa siendo compartida con el Renault Sandero, incluso la dirección hidráulica y el motor de 1.6 litros de 100 hp son los mismos. La diferencia radica en que, en el caso del Logan, está disponible únicamente con caja manual de cinco velocidades y el interior…mejor pasa a conocerlo para que lo veas.
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Interjet pone a tu disposición el servicio de transportación terrestre con camionetas de lujo Mercedes Benz con capacidad para 14 pasajeros; cuentan con un metro de espacio entre asientos; y respaldos reclinables para ir o volver cómodamente del aeropuerto de Toluca y desde cualquiera de los cinco módulos ubicados en el Distrito Federal, así mismo con nuestros socios comerciales en los aeropuertos donde contamos con este servicio. La compra de este servicio de transporte terrestre se hace por Internet al momento de adquirir el boleto aéreo; en caso de que en ese momento no desees la transportación puedes comprarlo posteriormente con tu código de reservación tambien por Internet o bien directamente en cualquiera de las oficinas de ventas de INTERJET. Para realizar tu compra vía telefónica, comunícate a nuestro Call Center, en el D.F al 11-02-55-55 y para el interior de la República al 01 800 01 12345.
Interjet offers you ground transportation in luxury Mercedes Benz vans with capacity for 14 passengers with a 3 ft. space between seats and reclining chair backs for a comfortable ride to and from Toluca airport to any of our five terminals in Mexico City as well as our associates in airports which offer our services. The purchase of our ground transportation service is available on-line when you buy your flight ticket. If you do not wish to purchase it then, you may buy it later with your reservation code on-line or directly in one of the Interjet sales offices. For purchases via telephone from Mexico City contact our Call Center calling 11-02-55-55 and from other places in Mexico calling 01 800 01 12345
Servicio de Shuttle / Shuttle Service
Horario de oficinas: lunes a sábado de 4:00 a 20:30 hrs. Domingo de 5:00 a 20:30 hrs. Office hours: Monday through Saturday from 4:00 a.m. to 20:30 p.m.; Sunday from 5:00 a.m. to 20:30 p.m.
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Toluca El m贸dulo de venta de transportaci贸n terrestre se encuentra a un costado de la salida de Llegadas Nacionales. La salida y llegada del transporte terrestre se realiza en la planta baja del estacionamiento (frente a la terminal). Horario: 05:30 a 00:00 hrs en aeropuerto.
Toluca The ground transportation sales counter is located next to the National Arrivals exit. The ground transportation departure and arrival take place on the ground floor of the parking building (facing the terminal). Office hours: from 05:30 a.m. to 00:00 a.m. at airport.
Servicio de estacionamiento / Parking Service
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Servicio de Taxi / Taxi Service Pensando en tu comodidad te ofrecemos servicio de taxi en los siguientes destinos, con nuestros socios comerciales y con estas características. • Transportación a cualquier punto del área metropolitana de la ciudad. • Vamos donde te encuentres (te recomendamos un horario de acuerdo a la salida de tu vuelo). • Transporte seguro. • Capacidad hasta para cuatro ocupantes. • Sin cargos por cambios de fecha y/o horarios. • Compra en Internet, Call Center y Oficinas de Ventas.
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For your comfort, we offer you cab service in the following destinations together with our business partners and with the following characteristics: • Transportation to any destination within the metropolitan area in the city. • We go wherever you are (we recommend a schedule according to your flight time). • Secure transportation. • Capacity up to four persons. • Date or time modifications free of charge. • Purchase on the Web, Call Center or Sales offices.
TABLA DE SERVICIOS Y PRECIOS / SERVICES AND PRICES CHART SERVICIO / SERVICE
DEL AEROPUERTO DE: / FROM THE AIRPORT TO:
TOLUCA
HACIA Y DESDE: / FROM AND TO: • ANTARA POLANCO. Ejército Nacional No. 843, esq. Moliere.
$115
• REFORMA CENTRO. Fiesta Americana. Av. Paseo de la Reforma No. 80, col. Juárez.
$115
• WORLD TRADE CENTER. Holiday Inn Express Hotel & Suites. Dakota No.95, col. Nápoles.
$115
• SATELITE. Boulevard Manuel Ávila Camacho No. 2258 planta baja, Cd. Satélite, Naucalpan de Juárez.
$132
• SANTA FE. Haus Suites. Pról. Reforma No. 1190. • CUERNAVACA, Morelos. Av. Domingo Diez No. 1880 A, col. Maravillas, Cuernavaca Morelos. CP 62230.
SHUTTLE (Ground Transportation)
CANCÚN
SAN JOSÉ DEL CABO
HUATULCO
LA PAZ
• CANCÚN Centro. Terminal ADO.
$232 $49 $123
• LA PAZ. Terminal turística Malecón.
$487
• HUATULCO CENTRO, PLAZA CHAHUÉ Blvd Benito Juárez S/N local 8
$133
• TODOS LOS SANTOS
$319
• CABOS SAN LUCAS
$487
• LORETO
$493 $794
• ZONA METROPOLITANA DE CANCÚN, ZONA HOTELERA Y RIVIERA MAYA.
desde
$371
MONTERREY
• ZONA METROPOLITANA DE MONTERREY.
desde
$151
AICM (Cd. de México)
• ZONA METROPOLITANA D.F. Y EDO MÉX.
desde
$128
• ZONA METROPOLITANA DE LA PAZ
desde
$232
CANCÚN
LA PAZ COZUMEL
• ZONA HOTELERA COZUMEL
$1100
• ZONA METROPOLITANA DE GUADALAJARA
desde
$340
• SAN JOSE DEL CABO, CABO SAN LUCAS Y CORREDOR TURISTICO DE SAN JOSE
desde
$203
COZUMEL
• ZONA HOTELERA COZUMEL
desde
$200
CANCUN
• PLAYA MUJERES, ZONA HOTELERA, PUERTO JUAREZ, PUERTO MORELOS, PLAYA DEL CARMEN Y TULUM
desde
$120
GUADALAJARA SAN JOSÉ DEL CABO
TAXI-COMPARTIDO
ESTACIONAMIENTO
$98
• PLAYA DEL CARMEN. Terminal ADO.
• CIUDAD CONSTITUCIÓN
TAXI
TARIFA / RATE (PESOS)
AICM (Cd. de México)
• CAMINO REAL con Valet Parking.
$190 por día $90 segundo día en adelande
• CENTRAL - MARRIOT con Valet Parking.
$165 primer día $75 segundo día en adelande
(valet parking)
MONTERREY
• SAFE (a 3 minutos del aeropuerto).
$150 por día
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SERVICIO A BORDO / SERVICE ON BOARD CANAL CHANNEL
GÉNERO GENDER
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Instrumental / Instrumental
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Clásica / Classic
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Audiovisions / Audiovisions
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Décadas en español / Decades in Spanish
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Décadas en inglés / Decades in English
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Top Ten en español / Top Ten in Spanish
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Top Ten en inglés / Top Ten in English
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Grandes voces / Great voices
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Infantil / Children
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Regional / Regional
Espacio Interjet En vuelos con duración mayor a 2 horas y en aviones equipados con el servicio de audio, puedes disfrutar de los siguientes canales: Cámara de TV en los despegues y aterrizajes Cámara de TV en los despegues y aterrizajes Los aviones de Interjet son los únicos en Latinoamérica que cuentan con una cámara de televisión situada en la parte delantera del fuselaje. De esta manera, cuando esta cámara es activada por el comandante de la aeronave al momento del despegue o del aterrizaje, los pasajeros pueden disfrutar de la misma vista que tienen los pilotos desde la cabina de mando. Viaje ligero y coma saludable Interjet, empresa comprometida en fomentar estilos de vida saludables a través de la buena alimentación, la práctica del deporte y el desarrollo de una conciencia ecológica, une sus esfuerzos con Comercializadora PepsiCo México para ofrecer a nuestros pasajeros productos nuevos de la más alta calidad. • • •
Botana dulce para vuelos matutinos: barra Stila de Gamesa. Botana salada para vuelos vespertinos: productos de Sabritas en presentaciones mini (20 a 23 gr.). Bebidas en todos los vuelos (adicionales a los refrescos y agua natural que servimos normalmente): H2Oh!, Be Light, Pepsi Light, Pepsi MAX, Corona Light y jugos de naranja, manzana y tomate de la marca Jumex.
Baño para damas Pensando siempre en la comodidad de sus pasajeros, Interjet es también la única aerolínea nacional que en todos sus aviones ha destinado un baño exclusivo para mujeres, cuya ubicación es señalada por las sobrecargos cuando se dan las indicaciones al inicio de cada vuelo.
Pase de abordar en línea Interjet te invita a que tu acceso al avión sea directo, y por lo tanto más rápido, y evitar las filas ante el mostrador. Con solo llegar 40 minutos antes de tu vuelo es suficiente. Para ello obtén tu pase de abordar vía Internet.
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Interjet Space On flights with duration of more than 2 hours and on aircrafts equipped with audio service, you will be able to enjoy the following channels: TV camera in take-offs and landings Interjet aircraft are the only in Latin America with a TV camera in the front of the fuselage. When the captain activates the camera at the moment of takeoff or landing, the passengers can enjoy the same view the pilots have from the cabin.
Travel light and eat healthy Interjet is a company committed to encourage a healthy lifestyle through good nutrition, sports practice and the development of an ecological conscience. We join efforts with PepsiCo Mexico to offer our passengers new products of the highest quality. • • •
Sweet snack on morning flights Gamesa Stila bar. Salted snack in afternoon flights mini presentations Sabritas (20 to 23 gr.) Beverages in all flights (additional to the usual soft drinks and water served on board) H2Oh!, Be Light, Pepsi Light, Pepsi MAX, Corona Light and Jumez juices.
Lavatory for ladies Our concern for our passengers comfort has made Interjet the only national airline with a lavatory for ladies only in all our planes. The flight attendant will point out its’ location while indication the safety procedures at the start of each flight.
Boarding pass online
Interjet invites you to make your access to the plane direct and swift avoiding the lines at the counter. By getting your boarding pass online you will only need to be at the airport 40 minutes before your flight time.
Si no vas a documentar equipaje: imprime tu pase de abordar por lo menos 48 horas antes de tu vuelo, sin ningún costo adicional.
If you don’t need to check your baggage, print your boarding pass at least 48 hours before your flight with no additional cost.
Si eres socio MiJet: ingresa directamente a este sitio y allí mismo podrás hacer este breve trámite.
If you are a MIjet member enter this site directly where you will be able to make this brief procedure.
Interjet informa / Interjet informs Recomendaciones a los pasajeros que viajan a EEUU desde México Suggestions for passengers traveling from the USA to Mexico. 1. Estar en el aeropuerto tres horas antes de tu vuelo, es decir, como en cualquier vuelo internacional. 2. Tener a la mano pasaporte y visa vigentes, además de una dirección real (sea domicilio u hotel) donde te hospedarás. 3. Llenar con letra de molde y legible las formas migratorias que te pedirán una vez que arribes a tu destino. 4. En caso de ser ciudadano de Estados Unidos, presentar un pasaporte válido para reingresar a tu país. 5. En caso de no ser ciudadano mexicano ni estadounidense, será obligatorio establecer comunicación con la embajada o consulado de tu país para revisar los requisitos de abordaje. Recomendaciones a los pasajeros que viajan a México desde EE.UU 1. Presentar pasaporte vigente. 2. Traer consigo la forma sellada expedida por la Secretaría de Relaciones Exteriores que se te proporcionó en el mostrador del aeropuerto o a bordo del avión antes de salir del país o de llegar a tu destino. ¿Hiciste shopping en Estados Unidos? No te preocupes por tus maletas. En Interjet está permitido: • Documentar hasta dos piezas de equipaje cuyo peso en conjunto no exceda los 50 kilos. • En caso de exceder este límite, se cobrarán 50 pesos o 5 dólares por kilo adicional.
1. 2. 3. 4. 5.
La manera de llenar las formas migratorias es la siguiente: Correct way of filling out the migration forms.
HERNAN PEDRO
DEZ
GOMEZ 10
05
Y ROADWA 3540, B S DALLA
50
PERSON
S T. MÉXICO 54008 000002
AS
TX
MÉXICO MÉXICO
AIJ
412
X X
X
X
Be at the airport three hours before your flight, the same as with any other International flight. Have your valid passport and visa at hand as well as a real address (address or hotel) where you will be staying. Fill out in legible print letter the immigration forms which will be required upon your arrival to your destination. If you are a US citizen present a valid passport to reenter your country. If you are a citizen other than from Mexico or the Unites States, it will be necessary to establish communication with your country’s embassy or consulate to review the boarding requirements.
Suggestions for passengers traveling from Mexico to the USA. 1. Present valid passport 2. Bring the stamped form issued by SRE (Ministry of Foreign Affairs) handed to you at the airport counter or on board the aircraft prior to leaving the country or upon arrival to your destination.
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X X X X
1.000
Gomez Pedro Hernandez
2 7/ 0 5 / 1
2
Did you go shopping in the USA? Don’t worry about your luggage. In Interjet you are allowed: • To check up to two pieces of luggage not exceeding 50 kilos between both of them. • Should they exceed the weight limit there will be a charge of 50 pesos or 5 dollars per additional kilo.
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Mapa de rutas / roadmap Las Vegas
AIRBUS A320 150 asientos / 150 seats empuje: 27,000 libras, con 2 motores / pressure: 27,000 pounds, with two engines Alcance máximo: 5,556 km / Maximum range:5.556 km Velocidad máxima: 977 km/h / Maximum speed: 977 km per hour
Tijuana Cd. Juárez Houston
San Antonio
Chihuahua Hermosillo
Cd. Obregón
Torreón
Monterrey
Reynosa
Culiacán
La Paz
Zacatecas San Luis Potosí
Los Cabos
Mazatlán Guadalajara Puerto Vallarta
Tampico
Aguascalientes León/Bajío
Cancún
Toluca
Veracruz
México
Cd. del Carmen Chetumal
Minatitlán
Manzanillo
Mérida
Campeche
Villahermosa Palenque Oaxaca
Ixtapa-Zihuatanejo Acapulco
Tuxtla Gutiérrez Puerto Escondido Huatulco
Guatemala
San José, Costa Rica
SUPERJET 93 asientos / 93 seats empuje: 15,500 libras, con 2 motores / pressure:15,500 pounds, with two engines Alcance máximo: 2,870 km / Maximum range: 2.870 km Velocidad máxima: 780 km/h / Maximum speed: 780 km per hour
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Cozumel
Nueva York
Aeropuerto de la Cd. de México Mexico City Airport
Aeropuerto de Toluca Toluca Airport
Aeropuerto de MTY, GDL y TIJ Monterrey and Guadalajara Airport
Rutas operadas por Superjet Routes operated by Superjet
Listado de rutas SALIENDO DE CD. DE MÉXICO DEPARTING FROM MEXICO CITY
Miami
La Habana, Cuba
Acapulco (ACA) Aguascalientes (AGU) Bogotá, Colombia (BOG) Campeche (CPE) Cancún (CUN) Cd. del Carmen (CME) Cd. Juárez (CJS) Cd. Obregón (CEN) Chihuahua (CUU) Chetumal (CTM) Costa Rica (SJO) Cozumel (CZM) Culiacán (CUL) Guadalajara (GDL) Guatemala (GUA)
Oaxaca (OAX) Palenque (PQM) Puerto Escondido (PXM) Puerto Vallarta (PVR) Reynosa (REX) San Antonio (SAT) San Luis Potosí (SLP) Tampico (TAM) Tijuana (TIJ) Torreón (TRC) Tuxtla Gutierrez (TGZ) Veracruz (VER) Villahermosa (VSA) Zacatecas (ZCL)
SALIENDO DE GUADALAJARA
DEPARTING FROM GUADALAJARA
SALIENDO DE TOLUCA
DEPARTING FROM MONTERREY
Cancún (CUN) Cd. de México (MEX) Cd. Juárez (CJS) Guadalajara (GDL) Houston (IAH) Las Vegas (LAS) León/Bajío (BJX) San Antonio (SAT) Toluca (TLC) Veracruz (VER) Villahermosa (VSA)
Cancún (CUN) Cd.de México (MEX) Los Cabos (SJD) Monterrey (MTY) Puerto Vallarta (PVR) San Antonio(SAT) Tijuana (TIJ)
Acapulco (ACA) Cancún (CUN) Ixtapa-Zihuatanejo (ZIH) Las Vegas (LAS) Los Cabos (SJD) Monterrey (MTY) Puerto Vallarta (PVR) San Antonio (SAT)
SALIENDO DE MONTERREY
Bogotá, Colombia
Hermosillo (HMO) Huatulco (HUX) Huston (IAH) Ixtapa-Zihuatanejo (ZIH) La Habana (HAV) La Paz (LAP) Los Cabos (SJD) León/Bajío (BJX) Manzanillo(ZLO) Mazatlán (MZT) Mérida (MID) Miami (MIA) Minatitlán (MTT) Monterrey (MTY) Nueva York (JFK)
DEPARTING FROM TOLUCA
SALIENDO DE TIJUANA
DEPARTING FROM TIJUANA
Aguascalientes (AGU) Culiacán (CUL) León/Bajío (BJX) Oaxaca (OAX) Cd. de México (MEX) Guadalajara (GDL)
SALIENDO DE CANCÚN
DEPARTING FROM CANCUN
Cd.de México (MEX) Guadalajara (GDL) Miami (MIA) Monterrey (MTY) Toluca (TLC)
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NACIONAL AGUASCALIENTES
Aeropuerto Internacional de Aguascalientes “Jesús Terán” Carretera Panamericana Km. 2.2, Ejido de Peñuelas, C.P. 20340 Tel. (449) 238-0911, 238-0912 Horario: lunes a viernes 10:00 a 20:00 hrs. Sábado 9:00 a 17:00 hrs. Domingo 14:00 a 22:00 hrs.
BAJA CALIFORNIA Tijuana
Aeropuerto Internacional de Tijuana Tel. (664) 683-8484 Horario: lunes a domingo 6:00 a 1:00 hrs.
Fracc. Monumental Tel. (656) 613-6292 Horario: lunes a jueves 10:00 a 18:00 hrs. Viernes y sábado 11:00 a 20:00 hrs. Aeropuerto Internacional de Ciudad Juárez Tel. (656) 633-4848 Horario: lunes a sábado 9:00 a 20:00 hrs. Domingo 11:00 a 19:00 hrs.
COAHUILA
Torreón
Aeropuerto Internacional Francisco Zarabia Tel. (871) 751-5038, 751-5040, 751-5254 Horario:lunes a viernes 6:30 a 22:00 hrs. Sabado 6:30 a 14:30 hrs. Domingo 14:00 a 22:00 hrs
BAJA CALIFORNIA SUR La Paz
Aeropuerto Internacional “Manuel Márquez De León” Tel. (612) 138-7036 al 37 y 138-7197 Horario: lunes a domingo 9:00 a 17:00 hrs. Tel. (612) 1387036 al 37 y 1387197
COLIMA
Manzanillo
Aeropuerto Internacional “Playa de Oro” Carretera Manzanillo Tel. (314) 334-2949 Horario: lunes a Domingo 8:00 a 16:00 hrs.
Los Cabos
Plaza Mega Comercial local 16 Comercial Mexicana Los Cabos Blvd. Mauricio Castro 4650, Zona Hotelera. C.P. 23400 Tel. (624) 142-3879 / 142-4858 Horario: lunes a sábado 9:00 a 18:30 hrs. Domingo 10:00 a 18:30 hrs.
Oficinas de venta de boletos / Ticketing offices
Plaza Paraiso, local 287 segundo nivel Av. Lázaro Cárdenas, esq. Cabo Bello, col. El Médano. C.P. 23410 Tel: (624) 143-9645 Horario: lunes a sábado 9:00 a 18:30 hrs. Domingo 10:00 a 18:30 hrs.
158
Aeropuerto Internacional de Los Cabos Tel. (624) 146-5484 al 87 Horario: 9:00 a 17:00 hrs.
DISTRITO FEDERAL
Centro Comercial Antara Ejército Nacional 843-B, planta baja (junto a Play City y en la bahía del valet parking), Polanco Tel. (55) 5282-3454 ext. 714 Horario: lunes a domingo 5:00 a 19:30 hrs. Insurgentes Insurgentes Sur 1188 local 1 (frente al Parque Hundido). Tel. (55) 5335-0384 / 0485 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs. Sábado y domingo 9:00 a 14:00 hrs. Fiesta Americana Reforma Paseo de la Reforma 80, col. Juárez. Tel. (55) 5566-6058 Horario: lunes a domingo 5:00 a 19:30 hrs.
Campeche
Haus Suites Santa Fe Prolongación Reforma 1190, Santa Fe, Cuajimalpa Tel. (55) 5393-5440 Horario: lunes a domingo 5:00 a 19:30 hrs.
Ciudad del Carmen
Kidzania Cuicuilco Av. Insurgentes sur 3500 o Av. San Fernando 649 (tiene dos entradas) Tels: (55) 5171-5111 y 5171-5681
CAMPECHE Aeropuerto Internacional de Campeche Ing. Alberto Acuña Ongay Tel .(981)823-4143 Horario: lunes a domingo 8:00 a 19:30 hrs. Aeropuerto Internacional de Ciudad del Carmen Tel. (938) 131-0788 / 0716 / 0717 Horario: lunes a viernes 8:00 a 19:00 hrs. Sábado y domingo 10:00 a 18:00 hrs.
CHIAPAS
Tuxtla Gutiérrez
Plaza Veranda, local 11 Blvd. Belisario Domínguez 1748, col. Arboledas. C.P. 29000 Tel. (961) 121-5712 / 5725 / 5650 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs. Sábado 9:00 a 17:00 hrs.
Palenque
Aeropuerto Internacional de Palenque Carretera Palenque- Pakalna km. 2 C.P. 29960 Tel. (916) 345-8070 / 8071 Horario: lunes a domingo 9:30 a 18:00 hrs.
CHIHUAHUA Chihuahua
Aeropuerto Internacional de Chihuahua Tel. (614) 446-8235 / 236 / 233 Horario: lunes a domingo 5:30 a 21:00 hrs.
Fashion Mall, locales 155 y 156 Periférico de la Juventud 3501, Fracc. Puerta de Hierro. C.P. 31236 Tel. (614) 430-2546 / 2806 / 2807 Horario: lunes a viernes 11:00 a 21:00 hrs. Sábado y domingo 11:00 a 20:00 hrs.
Cd. Juárez
Centro Comercial Las Misiones, local 115 Blvd. Teófilo Borunda 8681, (entre Paseo de la Victoria y Av. Tecnológico) Tel. (656) 648-3220 Horario: lunes a sábado 10:00 a 20:00 hrs. Domingo 11:00 a 19:00 hrs. Río Grande Mall Paseo Triunfo de la República 4450-10,
World Trade Center Lobby Hotel Holiday Inn Express World Trade Center Dakota 95, col. Nápoles. Tel. (55) 1107-8466 Horario: lunes a domingo 5:00 a 19:30 hrs. Aeropuerto Internacional Benito Juarez Capitán Carlos León Díaz s/n col. Peñon de los Baños. Tel. (55) 5036-2300 ext. 437 Mostrador Nacional Sala C Abierto 24hrs. Mostrador internacional Sala F2 4:00 a 21:00 hrs.
ESTADO DE MÉXICO Naucalpan
Satélite Blvd. Manuel Ávila Camacho 2258, Tel. (55) 5393-5440 / 5734 Horario: lunes a domingo 5:00 a 19:30 hrs.
Metepec
Plaza Mayor, local 7B Leona Vicario 386. C.P. 52140 Tel. (722) 235-1415 / 1416 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs. Sábado 9:00 a 14:00 hrs.
Toluca
Aeropuerto Internacional de Toluca, Terminal 2 Tel. (722) 276-5400 Horario: lunes a domingo 5:00 a 22:00 hrs.
GUANAJUATO
BAJIO /LEON
Aeropuerto Internacional de Guanajuato Carretera Panamericana km 5.5 S/N, Silao Guanajuato Tel: (472) 748 2221 Horario: Lunes a Viernes 6:00 a 21:00 hrs Sábado 7:00 a 19:00 hrs. Domingo 10:00 a 21:00 hrs.
GUERRERO Acapulco
Centro Comercial Plaza Marbella, local 26 Prolongación Farallón, esq. Costera Miguel Alemán (frente a La Diana) Fracc. Farallón del Obispo. Tel. (744) 484-3712 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs. Sábado 9:00 a 17:00 hrs.
Tel. (998) 8920278 / 8920160 / 8920161 Horario: lunes a viernes 09:00 a 19:00 hrs Sábado 9:00 a 18:00 hrs Domingo 10:00 a 15:00 hrs Aeropuerto Internacional de Cancún Terminal 2, Tel. (998) 8861065 / 8861066 Horarios: lunes a viernes 5:00 a 20:00 hrs. Sábado y domingo 7:00 a 20:00 hrs.
Cozumel
Aeropuerto Internacional de Acapulco Tel. (744) 466-9365 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:30 hrs. Sábado 9:00 a 17:00 hrs. Domingo 11:30 a 19:30 hrs.
Aeropuerto Internacional de Cozumel Tel. (987) 869-1707 Horario: jueves a lunes: 10:00 a 17:45 hrs. martes y miércoles: 10:00 a 13:45 y 15:00 a 17:45 hrs.
Ixtapa-Zihuatanejo
Aeropuerto Internacional de Chetumal Tel. (983) 833-2626 / 3147 Horario: lunes a viernes: 8:00 a 20:00 hrs. Sábado: 8:00 a 17:00 hrs. Domingo: 10:00 a 17:00 hrs.
Aeropuerto Internacional de Ixtapa-Zihuatanejo Tel. (755) 553-7002 / 7161 / 7162 Horario: lunes a domingo 9:00 a 18:00 hrs.
JALISCO
Guadalajara
Plaza Los Arcos, local C1 Av. Vallarta 2440, col. Arcos Vallarta. Tel. (33) 3630-5203 / 3630-1613 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs. Sábado 9:00 a 14:00 hrs. Aeropuerto Internacional de Guadalajara Tel. (33) 3688-6795 / 96 Horario: lunes a viernes 8:30 a 15:30 hrs. Sábado y domingo 10:30 a 15:00 hrs.
Puerto Vallarta
Aeropuerto Internacional de Puerto Vallarta Tel. (322) 221-3206 Horario: lunes a viernes de 9:00 a 19:00 hrs. Domingo 10:00 a 21:00 hrs.
Chetumal
TAMAULIPAS
Reynosa
Aeropuerto Internacional de Reynosa “Gral. Lucio Blanco” Tel. (899) 478-7000, 958-0703 Horario: Lunes a viernes 9:00 a 18:00 hrs. Sábado 5:00 a 13:00 hrs. Domingo 16:00 a 23:00 hrs
Tampico
Plaza Covadonga Ejercito Mexicano 801, local 5B Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs. Sábado 9:00 a 14:00 hrs. Domingo 12:00 a 17:00 hrs. Aeropuerto Internacional de Tampico Horario: lunes a viernes 8:00 a 21:30 hrs. Sábado 10:00 a 17:00 hrs. Domingo 11:00 a 21:30 hrs.
NUEVO LEÓN
SAN LUIS POTOSI
Plaza Campestre, local 14 Av. José Vasconcelos 158 Oriente, col. Jardines del Campestre, San Pedro Garza García. C.P. 66260 Tel. (81) 8363-6273 / 5872 Horario: lunes a viernes 9:00 a 20:00 hrs. Sábado 9:00 a 15:00 hrs.
Aeropuerto San Luis Potosí Carretera a Matehuala km 9.5, San Luis Potosí, C.P. 78340 Tel. (444) 852-3046 Horario:lunes a viernes 5:30 a 22:00 hrs. Sabado 6:30 a 15:00 hrs. Domingo 14:00 a 22:00 hrs
Monterrey
Aeropuerto Internacional de Monterrey Tel. (81) 1088-8179 Horario: lunes a viernes 5:00 a 22:00 hrs. Sábado 7:00 a 20:00 hrs. Domingo 7:00 a 22:00 hrs. Kidzania Monterrey Tel. (81) 8486-1597 / 8486-0071 Horario: martes a viernes 9:00 a 19:45 hrs. Sábado y domingo 9:00 a 16:45 hrs.
OAXACA Oaxaca
Plaza Mazari Calz. Porfirio Díaz 256 local 10, col. Reforma C.P. 68050 Tel. (951)502-5723, 513-3323 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs. Sábado 9:00 a 15:00 hrs. Domingo 10:00 a 14:00 hrs. Aeropuerto Internacional de Oaxaca Tel. (951)503-3476 Horario: lunes a viernes de 6:00 a 19:30 hrs. Sábado 6:00 a 14:00 hrs. Domingo 12:00 a 19:30 hrs.
Huatulco
Plaza Chahué Blvd. Benito Juárez S/N local 8 Tel. (958)105-1336 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs. Sábado y domingo 9:00 a 18:00 hrs. Aeropuerto Internacional de Huatulco Tel. (958)581-9116 y 581-1918 Horario: lunes a domingo 9:00 a 17:00 hrs.
Puerto Escondido
Aeropuerto Internacional de Puerto Escondido Carretera costera Km. 6.5 C.P.71980 Tel. (954) 107 99 57 / (552) 737 14 48 Horario: Lunes a domingo 8:00 a 19:00 hrs.
QUINTANA ROO Cancún
Plaza Hollywood, PB Local 6 Entre Av. Cobá y Xcaret Sm 35 Mz 1, Lote 1 C.P. 77500
San Luis Potosí
SINALOA
Culiacán
Carretera a Navolato km 4.5, col. Bachigualato Tel. (667) 760-9648 / 9733 / 9723
Mazatlán
Aeropuerto Internacional de Mazatlán Tel. (669) 954-8206, 954-8207, 954-8392 Horario: lunes a domingo 7:00 a 19:00hrs
SONORA Hermosillo
Aeropuerto Internacional de Hermosillo Tel. (662) 261-1403 / 1404 Horario: lunes a viernes 6:00 a 19:30 hrs. Sábado 6:00 a 14:00 hrs. Domingo 12:00 a 19:30 hrs.
Ciudad Obregón
Aeropuerto Internacional de Cd. Obregón Tel. (644) 445-0126 / 0124 / 0125
TABASCO
Villahermosa
Aeropuerto Internacional de Villahermosa Tel. (993) 356-1129 / 1127 Plaza Tabasco, local 4 Ave. Ruiz Cortines 1300 col. Tabasco 2000. C.P. 86035, Tel. (993) 352-5264 / 315-3377
VERACRUZ Veracruz
Aeropuerto Internacional de Veracruz Tel. (229) 956-8026 / 29 Plaza Boka, local 2 Av. Ruiz Cortines 2270 Fracc. Jardines de Virginia Tel. (229) 922-7202 / 7603
Minatitlán
Aeropuerto Internacional de Minatitlan Tel. (921) 278-0241, 278-0055, 278-0241 Horario: lunes a viernes de 9:30 a 18:30
YUCATÁN Mérida
Plaza Fiesta Americana, local 71 Calle 56-A 451 Tel. (999) 920-3414 y 925-6814 Horario: lunes a viernes 5:00 a 21:00 hrs. Sábado y domingo 6:15 a 21:00 hrs. Aeropuerto Internacional de Mérida Tel. (999) 946-2737 Horario: lunes a domingo 5:00 a 21:00 hrs.
ZACATECAS
Aeropuerto Internacional de Zacatecas General Leobardo C. Ruíz. Tel. (478) 109-0294 / 0126 / 0127 Horario: lunes a domingo 8:00 a 16:00 hrs.
INTERNACIONAL COLOMBIA Bogotá
Aeropuerto Internacional El Dorado Terminal 1 / Segundo Piso Of. 307701 Tel.
+ (571) 742 83 55 Horario: lunes a domingo 8:00 a 16:00 hrs.
Horario: lunes a viernes 8:30 a 15:30 hrs. Sábado y domingo 8:00 a 12:00 hrs.
COSTA RICA
Edificio Reforma 10, local 116 y 117 Av. Reforma 9-55 zona 10 Tel. (502) 2362-9204 Horario: lunes a viernes 9:00 a 18:00 hrs. Sábado y domingo 8:00 a 12:00 hrs.
Aeropuerto Internacional Juan Santamaría Tel. (506) 2430-6953 Horario: lunes a domingo 8:00 a 16:00 hrs. Centro Comercial Plaza Tempo Contiguo al Hospital CIMA en Escazú. Local Número 15. Tel: (506) 2228-2607 / 3258 / 2642 Horario lunes a viernes 9:00 a 18:00 hrs. Sábados de 9:00 a 17:00 hrs.
CUBA
Aeropuerto Internacional José Marti Tel. (537) 836-1195 / 649-7771 Horario: lunes a domingo 10:00 a 18:00 hrs.
GUATEMALA
Aeropuerto Internacional La Aurora Zona 13 Tel. (502) 2322-5100 / 2322-5098
USA FLORIDA Miami
5201 Blue Lagoon Drive 8th floor Miami, Florida, 33126 Tel. (305) 629-3250 Miami Internacional Airport Tel. (305) 869-1992 Horario: lunes a sábado 8:30 a 12:30 hrs. Domingo y viernes 16:00 a 20:00 hrs.
Tel. (210) 822-3400 / 822-3019 Horario: lunes a viernes 7:00 a 21:00 hrs. Sábado 7:00 a 13:00 hrs. Domingo 12:00 a 21:00 hrs.
Houston
Aeropuerto Internacional George Bush
NUEVA YORK Nueva York
JFK Internacional Airport Tel. 1 866 835 0357
NEVADA
Las Vegas
McCarran Internacional Airport Tel. (702)261-5211
TEXAS
San Antonio
Aeropuerto Internacional de San Antonio
Compra de boletos en línea: www.interjet.com o llamando del interior al 01 800 01 12345 del D.F. al 1102 5555 Online tickets: www.interjet.com.mx or call the number 01800 01 12345 in any part of the country, from Mexico City call the number 1102 5555.
Fotos: Dante Castillo
Estuvimos presentes en We were present at
AeroExpo 2015 E
l mes pasado, en la ciudad de Toluca, Interjet participó en la 12ª edición de AeroExpo, la más importante exposición y convención internacional de aviación en nuestro país.
Con más de 140 empresas expositoras y un despliegue de alta tecnología aeronáutica, valuado en más de 6 mil millones de pesos, el evento fue inaugurado en presencia de la subsecretaria de Transporte de la Secretaría de Comunicaciones y Transportes,Yuriria Mascott Pérez, así como el director general de Aeropuertos y Servicios Auxiliares (ASA), Alfonso Sarabia de la Garza, el secretario de Comunicaciones del Estado de México, Apolinar Mena Vargas, y el director general del Aeropuerto Internacional de Toluca (AIT), Gabriel Betancourt García Moreno; este último anunció que en breve presentarán una propuesta ante la SCT, que les permitirá convivir de una mejor manera con el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México (AICM).
160
L
ast month in Toluca, Interjet took part in the 12th edition of AeroExpo, the most important International aviation exhibition and convention of our country.
With more than 140 exhibitor firms and a display of high-technology aeronautics valued in more than six thousand million pesos, the event was opened with the presence of Yuriria Mascott Pérez, undersecretary of Transportation of the Ministry of Communications and Transportation (SCT) as well as the director general of Airports and Auxiliary Services (ASA), Alfonso Sarabia de la Garza; Communications Secretary of the State of Mexico, Apolinar Mena Vargas; and the general manager of Toluca International Airport (AIT), Gabriel Betancourt García Moreno. The latter announced that soon they will submit a proposal to SCT which will encourage a better relationship with the Mexico City International Airport (AICM).
La propuesta que presentarán como Sistema Aeroportuario Metropolitano, que integra al aeropuerto de Puebla, al de Querétaro y Cuernavaca, tiene como finalidad hacer frente a todo lo que el mercado no ha logrado por sí mismo, como es distribuir los flujos de pasajeros que se tienen en el centro del país, para aprovechar la infraestructura subutilizada de estos aeropuertos
The proposal, which will be presented as Metropolitan Airport System, integrated by Puebla, Queretaro and Cuernavaca airports has as its objective to stand up to what the market has not achieved by itself such as: distribution of passenger flow in the center of the country to take advantage of the under-utilized infrastructure of these airports.
Ante los invitados al acto protocolario, Betancourt García Moreno subrayó que el proyecto responde a la enorme necesidad de resolver la saturación que sufre actualmente el AICM.
Before the guests of the formal act, Betancourt García Moreno underlined the enormous need to solve the saturation that AICM is undergoing.