Revista Interjet - Julio 2017

ISSN: 2007-6495

REVISTA

Aterrizamos en Toronto

#128

JULIO 2017

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Julio 2017

July 2017

Estimados amigos:

Dear friends:

Ha comenzado la temporada de verano y con ello el periodo en que

Summer season has begun, and with it the time in which we can

podemos disfrutar de unas merecidas vacaciones en compañía de fami-

have a well-deserved vacation surrounded by our family and friends.

liares y amigos.

The Interjet air network offers a wide range of national and interLa red aérea de Interjet les ofrece una amplia gama de destinos nacio-

national destinations. In Mexico, you can choose among 35 desti-

nales e internacionales. En México, ustedes pueden optar entre 35 des-

nations. Our tourist offer is vast: beaches, colonial cities, adventure

tinos. Nuestra oferta turística es amplísima: playas, ciudades coloniales,

tourism and exploration. For example, The Mexican capital city is a

turismo de aventura y exploración. La capital mexicana es una excelente

great option for those residing in the province states. The city –for-

opción, por ejemplo, para quienes residen en el interior de la República.

merly known as Federal District, just changed its name to Mexico

La ciudad ahora abreviada como CDMX es una de las más cosmopolitas

City (CDMX, its abbreviation in Spanish)– is one of the most cosmo-

del planeta y en ella podemos encontrar: gastronomía, museos, sitios

politan on the planet, and in it we can find: gastronomy, museums,

históricos, espectáculos, entretenimiento, vida nocturna y un inabarca-

historical sites, shows, entertainment, nightlife, and a numberless

ble etcétera.

etcetera.

Nunca como ahora los mexicanos podemos volar al extranjero a pre-

It is now, more than ever, that Mexicans can fly abroad at afforda-

cios accesibles, viajando con la mayor comodidad y calidad, gracias

ble prices, traveling in the highest comfort and quality, thanks to

al servicio de Interjet. A partir del día 13 de este mes abrimos la ruta a

Interjet’s excellent service. From the 13th of this month we are ope-

Montreal (Canadá); en Estados Unidos volamos a: Nueva York, Chicago,

ning the route to Montreal (Canada); In the United States we fly to:

Miami, Orlando, San Antonio, Houston, Dallas, Las Vegas y Los Ángeles.

New York, Chicago, Miami, Orlando, San Antonio, Houston, Dallas,

En Cuba, a La Habana, Varadero y Santa María. En Centroamérica llega-

Las Vegas, and Los Angeles. In Cuba, to Havana, Varadero and Santa

mos a Guatemala y San José (Costa Rica). Además de nuestros vuelos dia-

Maria. In Central America we are flying to Guatemala and San Jose

rios a Bogotá (Colombia) y Lima (Perú), en Sudamérica.

(Costa Rica). In addition to our daily flights to Bogota (Colombia) and Lima (Peru), in South America.

Los invito a que naveguen en nuestra página de Internet para que en calma revisen opciones, horarios y fechas. Seleccionen la clase tarifaria

I invite you to browse our website to calmly review options, schedu-

que mejor se adapte a su presupuesto, plan de viaje y deseos.

les and dates. Select the rate class that best fits your budget, travel plan and wishes.

Ustedes, que son viajeros inteligentes, saben que los modelos de nego-

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cios de algunos competidores no incorporan conceptos elementales

You, who are smart travelers, know that the business models of some

de calidad. Por lo tanto, deben pagar precios ultra elevados para tener

competitors do not incorporate basic quality concepts. Therefore,

derecho a componentes esenciales del servicio de vuelo, con lo cual se

they must pay very high prices to be entitled to essential compo-

cancela la aparente ventaja de un “precio bajo”. Por ello, les agradezco

nents of the flight service, thereby canceling the apparent advan-

su amable preferencia.

tage of a “low price”. For this, I thank you for your kind preference.

Disfruten su viaje,

Enjoy your flight.

José Luis Garza Álvarez

José Luis Garza Álvarez

Director General Interjet

CEO Interjet

la CINCO

C

on diferencia de unos días fallecieron sendos actores de quienes todos guardamos un recuerdo en la memoria: Roger Moore y Adam West. Ambos, en su peculiar estilo, encarnaron en la pantalla a entrañables personajes de aventuras, uno a un agente secreto seductor y otro a un superhéroe sin superpoderes.

Cortesía

Me inclino a abundar sobre el segundo. ¿Por qué?

No es que West haya donado más dinero a la beneficencia, o que haya obtenido más premios en su trayectoria (comparada con la de Moore, un sir británico protagonista de siete películas de James Bond, su carrera tendría que ser vista casi como la de un aficionado). No. Se trata sencillamente de que un día, hace muchos años cuando yo era un niño, lo vi bailar el “Batusi”… y ningún Batman después de él –léase Keaton, Kilmer, Clooney, Affleck; con Christian Bale lo pongo en un empate salomónico– me pareció más encantador.

Aquella coreografía de West, tan chusca como inolvidable, enfundado el actor en el no menos irrisorio traje de Hombre Murciélago de una era pretimburtonesca, se encuentra en YouTube a disposición de quien quiera verlo y experimentar, al final del acto a ritmo a gogó y salpicado de cabriolas, puñetazos y onomatopeyas, la irresistible sensación de aplaudir de pie al danzante encapuchado. Por mucho, su mejor performance.

Nacido en Seattle, en 1928, el primer Batman de la televisión falleció el 9 de junio, a los 88 años, a causa de leucemia. La sombra del murciélago le dificultó lograr el reconocimiento del público con otros papeles. Así, el resto de su carrera nunca llegó al nivel de este exitazo, y decayó entre series de televisión y su doblaje de dibujos animados. Su renacer llegó en ese campo, como el alcalde loco Adam West (sí, le pusieron su nombre) en la serie Padre de familia y con su aparición en la serie The Big Bang Theory, en la que el actor se interpretó a sí mismo en febrero de 2016.

Su familia lo recordó en un comunicado publicado tras su partida, un mensaje que cualquier seguidor de Batman podría suscribir: “Aspiró a tener un impacto positivo en las vidas de sus fans. Fue y siempre será nuestro héroe”.

5

En este número...

Julio 2017

96

116

76

INTRO

92 CURIOSIDADES

5 LA CINCO

96 PERSONAJES

¡Santas cabriolas, Batman!

8 AGENDA 10 THE PLACE TO BE

izZzleep, hospedaje inteligente

12 FASHIONISTAS

¿Por qué estaba feliz Ingmar Bergman? ¡Huye Tom Cruise!

100 ESPECTÁCULOS

Madonna ya no recuerda su vida

104 MÚSICA

25 años de Babasónicos

Tú: el hombre más elegante del mundo

108 LETRAS

Director General José Luis Ramírez Cota jlr@interjet.com.mx

14 ESTILOS

112 MITOLOGÍAS

Editor Marco Antonio Cuevas Campuzano marcoantonio.cuevas@interjet.com.mx marcocuevas76@hotmail.com

16 MODA

Diseño y formación Daniela Garza Proal Maribel Canales Berenguer

año 10 /julio de 2017/número 128

Coordinación editorial J.J. Hernández Publicidad ventas@interjetrevista.com Consejo editorial Miguel Alemán Velasco Diana Ramírez Magnani

El muestrario de la moda

www.interjet.com.mx Editor responsable: Marco Antonio Cuevas Campuzano Número de reserva otorgado por el Instituto Nacional de Derechos de Autor: 04-2007-011915304300-102 Número de certificado de licitud de título: 13653 ISSN: 2007-6495 Certificado de licitud de contenido: 11226 Publicación inscrita en el Padrón Nacional de Medios Impresos Impresión Offset Multicolor Calzada de la Viga 1332, Iztapalapa, C.P. 09430, México, D.F., Teléfono: 5633-1182 info@multicolor.com.mx Este ejemplar se teminó de imprimir el 27/06/17

PORTADA

20 LIBROS

116 DE CERCA

Juan Rulfo camino al bicentenario

¡Pronto, Toronto!

22 EXPOSICIONES

BACK

Jill Magid y su compleja propuesta

28 ARTE

La sonrisa infinita de Jeff Koons

38 LITERATURA Esos libros

Ferran Adrià te dice cómo abrir un restaurante

48 ARQUITECTURA

Winy Maas, el arquitecto pop

56 GENTE

Adam Driver: en sus propios términos

64 SERIES

La primera dama Robin Wright

68 DE VIVA VOZ

Carlos Vives vive Vegas

74 DEPORTES

Real Zidane Club de Futbol

76 CINE

González Iñárritu pone el dedo en la llaga

80 MÉXICO LINDO Portada: Toronto, Canadá Foto: Getty

6

El libro más loco y más alegre de Cortázar

Sandra Weil: con sabor a Lima

44 GASTRONOMÍA Revista de publicación mensual Editada y distribuida por: Publicación de Revistas Azteca S.A. de C.V. Monte Líbano 235-302, col. Lomas de Chapultepec, C.P. 11000, Miguel Hidalgo, México, D.F. Teléfonos: 5520-7712 y 5520-6803. Fax: 5520-4932

James Rhodes te enseña a tocar el piano

Todos Santos: las penas con mar son menos

126 ACTUALIDADES

Ellas los prefieren con barba

134 BIENESTAR

Corre con Haruki Murakami

138 COACHING

8 pasos para convertirte en CEO

140 PSICOLOGÍA

Cómo un niño autista afrontó el autismo gracias a los clásicos de Disney

144 MANERAS DE VIVIR Por Rosa Montero

146 AQUEL AYER

Por Ramón de Flórez

148 RECUENTO DE VIAJES Por Armando Vega-Gil

150 DE LO PERDIDO Por Luis Lago

152 MÁQUINAS 154 QUÉ HAY DE NUEVO 158 NUBECITA 160 INTERJET INFORMA

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julio 2017

Agenda

Con mucho sabor mexicano

México es el país invitado de honor a la 22ª edición de la Feria Internacional del Libro de Lima. Entre los autores asistentes figuran: Juan Villoro, Myriam Moscona, Paco Ignacio Taibo II, Margo Glantz, Guillermo Arriaga, Alberto Chimal, Mónica Lavín, Antonio Ortuño, Cristina Rivera Garza y Diego Enrique Osorno.

Parque de los Próceres, en la capital peruana, del 21 de julio al 6 de agosto www.fillima.com.pe

Canadá con los brazos abiertos

El mejor juego del mundo Unos días antes de disputar la Supercopa de España, Barcelona y Real Madrid juegan una edición más de El Clásico, la primera en suelo estadounidense.

Hard Rock Stadium, en Miami, 29 de julio

Te invitamos a conocer lo que podrás descubrir si planeas pronto un viaje a Canadá con Interjet, a través de la exposición fotográfica Canadá, un viaje llamado amistad, que celebra 150 años de vida de esta maravillosa nación.

Galerías Abiertas de las Rejas de Chapultepec, CDMX

Maestro de la fotografía Una extensa exposición que recorre 70 años de trabajo de Irving Penn sirve también para conmemorar el centenario del natalicio del fotógrafo estadounidense, conocido por sus icónicas instantáneas de moda –colaboro más de medio siglo con la revista Vogue– y sus retratos de estudio.

The Metropolitan Museum of Art, en Nueva York, hasta el 30 de julio www.metmuseum.org

Icono de la danza Con más de 80 bailarines en escena, el Ballet Folklórico de México celebra a su creadora, la coreógrafa Amalia Hernández, en el centenario de su nacimiento. Acompaña la Orquesta Sinfónica Juvenil de la Universidad Autónoma del Estado de México, bajo la batuta de la maestra Hilda Saquicoray.

Auditorio Nacional, CDMX, 5 y 6 de agosto www.balletfolkloricodemexico.com.mx

Batazo de hit La 88ª edición del Juego de Estrellas de las ligas mayores será histórica, ya que por vez primera se disputa en el parque de los Marlins, la nueva joya de la corona de nuevos estadios de la MLB, inaugurado hace apenas cinco años y con capacidad para 36 mil aficionados. La noche previa no hay que perderse el emocionante show de cuadrangulares.

Marlins Park, en Miami, 10 y 11 de julio www.mlb.com

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¡Felices 20 años, Harry Potter!

Magic Fest es una convención para fans del universo Harry Potter, que se realiza en el marco del 20º aniversario de la publicación del primer libro del famoso mago, obra de la escritora J. K. Rowling. Aquí podrás encontrar desde disfraces y cafeterías temáticas hasta artículos de colección.

World Trade Center, CDMX, 15 y 16 de julio www.magicfest.com.mx

Tras su paso por Europa –que incluye el fatídico concierto en Manchester del pasado 22 de mayo–, y recién cumplidos 24 años, la cantante estadounidense Ariana Grande continúa su gira mundial, ahora en territorio latinoamericano, para presentar en sociedad Dangerous Woman, su tercer álbum de estudio.

Imágenes: cortesía

En plan Grande

Parque Viva, en San José (Costa Rica), 9 de julio; Palacio de los Deportes, CDMX, 12 y 13 de julio; Arena Monterrey, 18 y 19 de julio www.arianagrande.com

9

THE PLACE TO BE

izZzleep,

hospedaje inteligente ¿Quién no ha tenido que volar de madrugada sin apenas dormir o ha padecido una larga espera debido a la demora de un vuelo o su conexión? Con izZzleep, ya sea por hora o por noche, el viajero de negocios o el vacacionista podrá descansar cómodamente sin salir del aeropuerto.

10

L

os hoteles cápsula, creados en Japón, tenían como objetivo responder a las necesidades de los hombres de negocios que, simplemente, requerían de un alojamiento para dormir cuando se les hacía tarde en el trabajo. El primer establecimiento de esta clase fue diseñado por el arquitecto Kisho Kurokawa (1934-2007) y abrió al público en la ciudad de Osaka el 1 de febrero de 1979. Pronto se propagó el éxito y llegaron a las principales ciudades, para después extender su presencia a otros países, como Estados Unidos, Reino Unido, India, Rusia y China, entre otros.

El ritmo de vida que nos impone el mundo globalizado de hoy, abre la puerta en nuestro país a un acierto de la cultura oriental, haciendo de éste un concepto revolucionario en el ámbito del hospedaje, donde el diseño original ha evolucionado al ritmo de la tecnología y las ventajas de la época. izZzleep es una propuesta innovadora de alojamiento para el viajero actual. Concebida por un grupo de emprendedores mexicanos, llega al Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México para ofrecer áreas cómodas de descanso, que conjugan sosiego y tranquilidad, a precios muy accesibles. Esta clase de hospedaje, con innumerables ventajas, cada vez goza de más popularidad, y hace de este concepto una experiencia diferente, una forma inteligente de realizar una pausa relajante mientras esperas tu vuelo.

Toma su nombre del diseño del espacio donde se encuentra la habitación: una especie de cápsula que tiene el tamaño ideal para incluir la cama y diversas comodidades. Aisladas del ajetreo del aeropuerto, exclusivas para adultos y de manera individual, 40 cabinas se distribuyen en dos secciones cuyas características invitan al reposo.

Texto: Doris Bravo / Fotos: Seila Montes

Más información En la página www.izzzleep.com y en los principales buscadores de hospedaje como Expedia, Trivago, Booking y Kayak.

Colocadas a dos niveles, con dimensiones mayores a los dos metros de longitud, 1.20 m de alto y 1.30 m de ancho, con paredes de colores neutros o vanguardistas, son una excelente opción no sólo para dormir, sino para trabajar, entretenerse o refrescarse.

Incluyen todo el equipamiento que el viajero requiere para hacer de su descanso un tiempo de calidad: televisión, WiFi, luces de lectura, ventilación, caja de seguridad, reloj despertador, alarma, un kit con toalla y calcetines de descanso, agua, y una zona para resguardo de equipaje, baños y regaderas. izZzleep está abierto 24/7 en la Terminal 1 del AICM, a unos pasos del área de comida rápida, y próximamente lo podremos encontrar en otros aeropuertos de nuestro país.

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Tú: FASHIONISTAS

el hombre más elegante del mundo Texto: CARLOTA OTERO

La elegancia masculina es atemporal.

En otras palabras: cuando la adquieres no tiene fin. Por eso queremos que tú seas el protagonista de esta temporada. ¿Cómo?

Atendiendo estos sencillos puntos.

L

a libertad no se implora: se conquista, y gracias al valor que ha tenido el hombre de romper estereotipos y reafirmar sus convicciones, poco a poco, ha logrado construir un estilo que le permite seguir las tendencias en boga, haciendo de la espontaneidad y la elegancia natural sus principales atributos. Vivimos una nueva era que rinde culto a la personalidad, pero… ¡lo normal es que los hombres sean vanidosos!

Tradicionalmente, a la hora de vestir, ellos tenían menos libertad que ellas, pero las redes sociales han cambiado la percepción y el deseo de los hombres por la moda. Hoy, la moda parece abierta para que los hombres exploren nuevas identidades y consuman a un ritmo que una vez fue sólo aceptable para las mujeres.

“No hay una se para un gunda oportun a prime ra impre idad sión” Oscar W ilde

Traje de Club Monaco,

Aunque todavía vivimos en una sociedad llena de tabúes que exige para ellos un perfil “perfecto sin ser demasiado perfecto” (el equilibrio más difícil de encontrar en la moda masculina de hoy), te dejamos algunos sencillos lineamientos para tomar en cuenta: 12

reloj de Montblanc y calcetines de Paul Smith.

• Elegancia

La elegancia, según Balzac, es “la ciencia de no hacer nada igual que los demás, pareciendo que se hace todo de la misma manera que ellos”. Se ha frivolizado mucho la palabra “elegante”, olvidando que viene del latín elegere, que quiere decir elegir, lo cual es una cua-

Tenis de Cole Haan.

• El accesorio

El reloj porque es ornamental, funcional y marca la personalidad. Un ejemplo clásico: Hugh Jackman portando con gusto su Montblanc. Podríamos agregar que, además del reloj en la muñeca, una fragancia masculina es clave.

• El traje

De las marcas Club Monaco y J. Crew. Se ajustan perfecto a tu cuerpo, con una hechura impecable y un precio justo. De allí podríamos saltar –algún día– a lucir algunos trajes de la firma italiana Brunello Cucinelli.

•¿Tatuajes y joyas?

¡Absolutamente! A lo largo de la historia de la humanidad los tatuajes y las joyas han cumplido una función similar: mostrar tanto la inclusión en una sociedad como distinguir al individuo. En la joyería lo mejor son las piezas burdas en plata y piel; hay que alejarse de piedras muy coloridas y las piezas brillosas.

• Debajo del pantalón

La vida es demasiado corta para calcetines aburridos. Esta frase es de un abogado de sexo masculino que conozco, que todos los días usa calcetines de rayas de colores con un traje oscuro. Parte de los mejores son los de la marca inglesa Paul Smith.

• Sneakers

Tan cómodos, tan prácticos y tan frescos: un estilo que las mujeres envidiamos. La firma de calzado Cole Haan le atinó a lo que el mundo necesitaba: una amalgama entre diseño y tecnología deportiva de punta.

• Corte de pelo

Depende del tipo de cara, la cantidad y la textura del pelo, pero un buen corte hace la diferencia. En general podría decir que mientras se vea limpio, ¡lo demás es cuestión de actitud!

¿En quién te puedes inspirar?

Siempre es bueno tener referentes en la moda, aunque considero que para un hombre es más difícil porque suelen tener como inspiración a personalidades del deporte (por ejemplo, el futbolista Cristiano Ronaldo), lo que, en muchos de los casos, resulta equivocado. Otros iconos son los que han pasado de generación en generación dejando un legado de estilo insustituible; en esta categoría podemos situar a los actores James Dean, Steve McQueen, Paul Newman y Robert Redford. A continuación, te damos algunos ejemplos contemporáneos para seguir:

Bradley Cooper: los trajes son su fuerte, le quedan que da gusto mirarlo. Con corbata, chaleco o simplemente con una camisa o un abrigo, el actor de 42 años siempre luce estupendo.

George Clooney: a sus 56 años, es uno de los gala-

nes más atractivos y bien vestidos de Hollywood. Posee elegancia, clase y masculinidad. Algo que le da un plus es la forma en que lleva sus canas con orgullo y estilo.

Ryan Reynolds: lo que más atrae de este guapo canadiense de 40 años es su buen gusto por la moda, en especial cuando viste prendas sencillas. Esto nos hace recordar que, en la moda, menos es más. No importa el evento, él sabe qué usar para verse bien.

Ryan Gosling: también canadiense, de 36 años, posee un estilo propio. Me encanta cómo viste en su día a día. Su estilo, informal-casual, lo hace ver a la moda y con todo bajo control.

David Beckham:

el exfutbolista inglés de 42 años, hoy embajador de moda para marcas como H&M, vence a una cantidad enorme de galanes que compiten por ser los hombres más atractivos y elegantes del planeta. Acaso habría que darle crédito a su mujer, la diseñadora Victoria Beckham.

Imágenes: cortesía

lidad humana. Se supone que siempre “elegimos lo mejor”.

Una palabra con majestuoso pasado que se encuentra en constante metamorfosis gracias a ese laboratorio global llamado Instagram, así como las pasarelas de Nueva York, París, Milán y Londres.

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el ESTILOS

muestrario de la moda

Texto: ELISABET SANS

Rihanna y Puma: amor del bueno La colaboración de Rihanna con Puma es cada vez más estrecha. La cantante de Barbados, de 29 años, anunció en días recientes que va a lanzar el próximo otoño Fenty Beauty, una línea de cosméticos de la que nada ha adelantado por ahora. Una noticia que se esperaba desde 2016, cuando la intérprete de “Umbrella” firmó un acuerdo con Kendo, la división del imperio del lujo LVMH que se encarga de las líneas de maquillaje de Marc Jacobs y Kat Von D, entre otras marcas. Su primer lipstick lo presentó en el desfile de su colección de verano de 2016 en París; pero solo era una holografía del labial en el backstage.

Esta no será la primera línea de maquillaje de Rihanna, pues en 2013 y 2014 se unió para una colaboración con MAC.

No más runways para Vetements La firma que ha revolucionado la industria convirtiendo la antimoda en tendencia, Vetements, anunció que dejará de presentar sus colecciones en las pasarelas. “No vamos a seguir desfilando bajo el sistema clásico”, confesó el diseñador georgiano Demna Gvasalia, líder de la firma, en una entrevista para la revista Vogue estadounidense. “Hemos desfilado en un sex club, un restaurante, una iglesia…

Adelantamos la temporada, presentamos las colecciones para hombre y mujer a la vez. Se ha convertido en repetitivo y agotador. Haremos algo cuando sea el momento y haya necesidad. Será más bien como una sorpresa”. El creador vive hoy rodeado de un nuevo ritmo de vida, pues ha trasladado su estudio de París a Zúrich, lo que ha influido en la decisión del cambio de estrategia en la presentación de sus propuestas: la última colección se pudo apreciar el mes pasado en su showroom parisino tan solo acompañada de una banda musical en vivo.

14

Lo último para estar a la última: en tanto Rihanna sigue su romance con Puma, Kendall Jenner inicia affaire con Adidas; Vetements se baja de las pasarelas y Cortefiel desembarca en La Habana.

El secreto mejor guardado en Cuba Cortefiel aterrizó en la tierra de Fidel Castro con su primera tienda: un establecimiento de Women’s Secret abierto en Manzana Kempinski, el primer hotel de cinco estrellas ubicado en el casco histórico de La Habana. El grupo español prevé abrir este año una segunda tienda de la firma de lencería, baño y pijamas que nació en 1993 y, además, inaugurar puntos de venta de sus marcas Cortefiel y Springfield en la capital cubana.

Según explicó la cadena a través de un comunicado, su entrada en el país caribeño es la “apuesta por un mercado con un gran potencial de crecimiento”. Cortefiel planea continuar su expansión en Latinoamérica, región en la que ya está presente en 16 mercados, entre ellos México, Chile, Perú, Ecuador, Venezuela y Bolivia.

Fotos: cortesía

Kendall Jenner se viste de Adidas Que es una de las modelos del momento lo confirma con cada nuevo gran contrato de la industria de la moda que firma. La californiana Kendall Jenner, de 21 años, se convirtió en la flamante embajadora de Adidas. Como no podía ser de otra manera, una de las llamadas instamodelos lo anunció en su cuenta de Instagram, en la que tiene más de 81 millones de seguidores. Esta vez su cuñado Kanye West seguro que está contento; el rapero mantiene una colaboración con la firma deportiva alemana a través de Yeezy, sus estrambóticos sneakers, y en el pasado no le sentó muy bien que Kylie Jenner, otra de las medias hermanas de su esposa, Kim Kardashian, fuera el rostro de Puma.

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MODA

Texto: KARINA GONZÁLEZ FAUERMAN Fotos: MARIBEL CANALES 16

La diseñadora peruana nos abrió las puertas de su atelier en la Ciudad de México, capital donde radica desde hace nueve años. Además de revelar que sus inicios tuvieron que ver con una boda –y no precisamente la suya–, en esta conversación queda de manifiesto su pasión y compromiso por crear prendas que hacen sentir bien a quien las lleva puestas.

1. Mezcla sedas, chifón, fibras naturales, piel y terciopelo, entre otros materiales. Su propuesta es ecléctica.

2. Una de las prendas más icónicas de su colección es un bustier con técnicas de alta costura.

3. Sandra prueba sus propios diseños antes de mandarlos a producción.

4. Adapta las tendencias, pero al mismo tiempo se rebela de ellas para crear piezas nuevas y diferentes que experimenten con distintos cortes, patrones y telas.

5. Para Weil, la clave del éxito consiste en ser perseverante, en rodearse de gente que comparte su visión profesional y en no dejarse vencer por las adversidades.

6. Admira a diseñadores como Alessandro Michele, de Gucci, Christian Dior y Balenciaga.

7. Usa tacones para sentirse mejor vestida. En su clóset hay faldas, pero utiliza más pantalones.

8. Lo que más le gusta comprar son: zapatos, anillos y bufandas.

9. Desde su punto de vista, la moda debe cumplir una función social. Por ello, Sandra Weil apoya a fundaciones en pro de niños enfermos y otras que desarrollan viviendas sustentables.

S

in sospechar el impacto que causaría en una boda, diseñó su primer vestido con un top de mezclilla de unos jeans viejos y una falda de tafeta rosa.

Muchas personas se acercaron a preguntarle sobre él, incluso le encargaron uno para una niña que festejaría su cumpleaños en días posteriores. Ese sería el principio de la exitosa carrera de la peruana Sandra Weil, quien se dedica a la moda desde hace más de una década y ha descubierto en ella una enorme pasión.

“El día que la niña se puso el atuendo que le había inventado, corrió a agradecerme lo bien que se sentía. Y es que la moda suele tener una connotación superficial, cuando no la tiene en absoluto. Las prendas que usamos son lo más íntimo que puede existir, ya que están sobre nuestra piel. Es una enorme gratificación hacer feliz a las mujeres para que conecten con su propia identidad”, explica la diseñadora que ha vestido a celebridades como Julieta Venegas, Bárbara Mori y Ludwika Paleta.

Originaria de Lima, la capital de Perú, Weil asegura que una de las personas que más ha marcado su vida es su abuela Sima, quien confeccionaba vestidos de alta costura con las telas que traía de sus viajes. Sandra creció en el atelier de Sima y, gracias a ella, desarrolló un profundo gusto e intuición por la estética.

“Vengo de un matriarcado de mujeres creativas, que son inovadoras, que son curiosas y que hacen las cosas con sus propias manos. Mi abuela hasta la fecha me habla para ver el patronaje del vestido de una telenovela”, explica la diseñadora que se define como curiosa, detallista, freak de lo bien hecho y workaholic.

17

Aunque Sandra Weil vive en México desde hace casi una década, aún extraña el mar de Lima y la sensación de infinidad al contemplarlo.

También echa de menos la gastronomía de su tierra. “Me sorprende que cada vez que voy a Perú, como mejor. El hecho de tener el mar tan cerca hace que los mariscos y pescados sean frescos y sabrosos. Y me fascina el choclo, que es un maíz típico de allá.

“Procuro ir a mi país entre dos y tres veces al año, porque es mi casa y allí está toda mi familia. Promuevo que mis hijos tengan contacto con el mar y la naturaleza”.

La moda en Lima, indica Weil, es bastante relajada, ya que al estar situada a orillas del Pacífico y ser una ciudad con clima cálido y húmedo, la gente viste de manera casual.

Algo que ella aplaude y reconoce es que los diseñadores peruanos han revalorado la cultura del país y las propuestas locales.

Tras estudiar Artes Plásticas con mención en Diseño Gráfico en su ciudad natal, Weil se mudó a Barcelona con el objetivo de especializarse en Moda y Alta Costura. Ahí conoció a su esposo, un arquitecto mexicano, y juntos decidieron radicar en la Ciudad de México donde la creadora establecería su marca homónima que se caracteriza por tres elementos: atención al detalle, calidad y distinción a través de siluetas femeninas que favorecen al cuerpo. Y es que según Sandra, muchos creen que la ropa que diseña es para “flacas”, pero no es así: tiene el efecto de estilizar a quien la use.

Al principio de su carrera, la también mamá de dos niños y quien ha participado en el evento interactivo de moda Google + Fashion México, además de haber sido seleccionada como una de las tres finalistas de la primera edición de Vogue Who’s On Next México, se enfocó en lo hecho sobre medida. Y hace cinco años, a raíz de un proyecto para comercializar sus productos en Nueva York, se asoció con María Eugenia Cruz Barney y entre ambas lanzaron una línea ready to wear. Weil explica: “Son conjuntos versátiles. Se integran no sólo de vestidos sino de varios elementos separados como pantalones, tops y faldas que puedes mezclar a tu antojo. Genera looks personalizados y mucho más usables para diferentes ocasiones”.

Otras líneas de su marca son couture (alta costura) y brides (colección de novias), en la cual destaca como alternativa usar pantalón en lugar del tradicional vestido para lucir fresca y original. “No es el vestido quien lleva a la mujer, sino la mujer la que lleva el vestido. Nuestra ropa no es casual ni formal, es algo intermedio. Tiene un corte clásico, pero al mismo tiempo atemporal, con un giro edgy style o inesperado que se diferencia del resto”.

La limeña de 33 años mira el 2017 con optimismo, pues en este año quiere consolidar su marca en el extranjero e idear prendas cada vez mejores. Hoy en día la marca Sandra Weil tiene presencia en la capital mexicana, Guadalajara, Los Cabos, San Miguel de Allende, Puebla y Mérida, y se vende online en Estados Unidos.

“Espero que este año volvamos los ojos hacia adentro y no hacia afuera para que se fortalezca la economía nacional.

Como marca local, lo que queremos es llevar el talento mexicano y latino al mundo sin perder de vista nuestras raíces para tener un impacto positivo en el planeta”.

A pesar de sortear toda clase de retos como no estar en algunos momentos importantes con su familia, resolver algunos contratiempos previos a un desfile (vestidos con hilos expuestos, por ejemplo), no dormir mucho o sobrevivir a un insoportable dolor de un diente por estrés, Sandra se confiesa enamorada de su profesión y no la cambia por nada.

La palabra sacrificio, concluye, no está en su vocabulario.

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LIBROS

Juan Rulfo camino al bicentenario Texto: NINA FLORES

Para estos días de sol en la hamaca o junto a la alberca o con el mar acariciándonos los pies, recomendamos la obra rulfiana, a propósito de los primeros 100 años del autor de Pedro Páramo.

N

perduran en el tiempo ya por una obra imperecedera, ya por una experiencia de vida fascinante, ya por la conjunción de ambas cosas, suelen gozar de una segunda vida en su centenario.

Como antes de él fue el turno de Octavio Paz (el creador de El laberinto de la soledad nació en 1914), y como después lo será de Carlos Fuentes (en 2028 tocará celebrar al autor de Aura), los escritores mexicanos que –contra todos los pronósticos en un país donde, el mundo lo sabe, se lee demasiado poco–

Rulfo no es la excepción. Hoy, su larga sombra abarca a todos sus lectores, los viejos y los nuevos, con los dos únicos –¡inmensos!– libros que dio a conocer en vida: El llano en llamas y Pedro Páramo.

Más una exigua obra póstuma, en la que destaca El gallo de oro, la novela corta (o rulfiana; la abundancia de párrafos, a diferencia de lo que consideraba

unca es tarde para acercarse a un clásico. Y clásico es justo el título que ostenta el hombre del nombre kilométrico: Juan Nepomuceno Carlos Pérez Rulfo Vizcaíno, de quien se conmemoran 100 años de su natalicio en este 2017.

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Y así, entre lecturas deslumbrantes, iremos sumando horas, días, meses, años; bruma y sol; vida y muerte…

Y Juan Rulfo va camino a Comala,

Maribel Canales

en dirección al bicentenario…

el francés Jean-Paul Sartre, no era una virtud para el autor jalisciense) que en los años 60, sin ser editada aún –esto ocurrió dos décadas más tarde–, adaptaron para el cine Gabriel García Márquez y el citado Carlos Fuentes.

En un apunte a propósito del centenario, aparecido en el periódico El País, Juan Villoro dice: “La ronda de los fantasmas rulfianos no ha dejado de suceder”, en referencia a que muchos escritores modernos siguen abrevando de este inagotable caudal. La tamaulipeca Cristina Rivera Garza, por ejem-

plo, publicó Había mucha neblina o humo o no sé qué, bitácora que aborda los parajes, los libros, las fotografías, los trabajos, las fatigas, la vida concreta y dura del hombre que sería leyenda.

Y así, entre lecturas deslumbrantes, iremos sumando horas, días, meses, años; bruma y sol; vida y muerte… Y Juan Rulfo va camino a Comala, en dirección al bicentenario, en donde será recordado y aplaudido por quienes hoy aún no nacen pero que sin duda serán –también, al igual que nosotros– sus lectores agradecidos.

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EXPOSICIONES

Texto: MARTHA LÓPEZ Fotos: DANTE CASTILLO

La artista estadounidense presenta en México la exhibición Una carta siempre llega a su destino, que incluye La propuesta, una controvertida pieza que consta de un diamante azul de dos quilates, hecho con la cuarta parte de las cenizas del arquitecto Luis Barragán, montado en un anillo de plata.

E

n los últimos 100 años, como nunca antes, los artistas se han encargado de sacudir las nociones sociales sobre el arte mismo y su función, la que ha cambiado drásticamente: de objetos decorativos o religiosos a piezas provocadoras o concientizadoras sobre los valores establecidos o situaciones particulares.

Entre los primeros estuvo el francés Marcel Duchamp, que ya en 1917 escandalizó al presentar un urinario al que llamó Fuente, o L. H. O. O. Q., una burlesca reproducción de la Mona Lisa de Da Vinci.

A lo largo del siglo XX, muchos creadores retomarían el desafío de sacudir las conciencias y las percepciones, a veces recurriendo a materiales poco ortodoxos, bordeando o sobrepasando los límites del llamado “buen gusto” o

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Memorable y efectiva, o no, La propuesta de Jill Magid nos recuerda que nada está dicho en materia de arte, y sirve como una elaborada lección moral acerca de lo que debe hacerse al pedirle a alguien matrimonio

incluso lo legal, con alusiones al cuerpo y a la sexualidad. Entre pinturas, performances o instalaciones, en video e incluso en vivo, interactuando con el público y los medios, siendo noticia, el arte contemporáneo ha escandalizado, provocado e inquietado a las audiencias al explorar los miedos, las ansiedades de nuestra época, y los iconos políticos y religiosos. La influencia de artistas como el chino Ai Weiwei o el británico Banksy los ha convertido en auténticos héroes; en Latinoamérica, los mexicanos Julio Galán y José Luis Cuevas y el colombiano Fernando Botero pugnaron por introducir nuevos temas bajo formas clásicas, a veces ilustrando la violencia o la diversidad sexual con obras efímeras o materiales insólitos, como fluidos corporales.

A partir de 1990, los mexicanos del colectivo SEMEFO –creado por la artista conceptual sinaloense Teresa Margolles– o la pintora Rosa María Robles llamaron la atención con piezas radicales, destinadas a provocar controversia por su utilización de elementos procedentes de escenas de crimen; a Robles le significó recibir incluso amenazas contra su vida. Obras y exposiciones han sido polémicas por su abordaje de personajes, figuras religiosas y símbolos patrios, como la del escultor Rolando de la Rosa en el Museo de Arte Moderno en 1988, contra la cual hubo movilizaciones, o una muestra del austriaco Hermann Nitsch en el Museo Jumex que incluía trabajos con restos de animales y que fue abruptamente cancelada en 2015.

Sin duda, la recopilación más reciente de la estadounidense Jill Magid (Connecticut, 1973) puede inscribirse entre estas últimas: Una carta siempre llega a su destino. Los Archivos Barragán abarca su producción de 2012 a 2016 luego de su desencuentro con Federica Zanco, propietaria del archivo de trabajo del arquitecto Luis Barragán, único mexicano que ha obtenido el prestigiado Premio Pritzker, el “Nobel de Arquitectura”, en 1980.

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Sabías que…

• Las cenizas de Luis Ramiro Barragán Morfín se extrajeron el 23 de septiembre de 2015; Jill Magid las proporcionó el 30 a la empresa que fabricaría el diamante. El 29 de marzo de 2016, la pieza le fue entregada.

• Libros intercambiados con comentarios entre Magid y Federica Zanco: Climas, de André Maurois; El extranjero, de Albert Camus; Malone muere, de Samuel Beckett; La Fanfarlo, de Charles Baudelaire, El profeta, de Jalil Gibran, y Por el camino de Swann, de Marcel Proust.

• Costo de un diamante de un quilate producido con cenizas humanas: poco más de 13 mil dólares (unos 250 mil pesos mexicanos).

• La muestra de Magid en el MUAC está conformada por 38 piezas en seis núcleos sobre diferentes aspectos de la aproximación de la artista al legado de Barragán.

• El arquitecto nacido en Guadalajara, Jalisco, el 9 de marzo de 1902, nunca se casó ni tuvo hijos. Murió a consecuencia del párkinson a los 78 años, el 22 de noviembre de 1988, en la Ciudad de México. Era un católico ferviente. Toda su obra se encuentra en nuestro país.

• Otros artistas que han utilizado restos humanos en sus obras: el sudafricano Steven Gregory, el británico Damien Hirst y el mexicano Gabriel Orozco.

• La inscripción en el anillo reza: “Soy solamente tuyo”.

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Una historia complicada En 1995 Zanco recibió de su prometido, Rolf Fehlbaum, propietario de Vitra –empresa suiza de muebles de diseño– el archivo profesional del arquitecto tapatío (fallecido en 1988), incluidos los derechos de autor, comprado todo a un galerista de Nueva York por 2.5 millones de dólares, quien a su vez había pagado un millón a la viuda de un amigo de Barragán, la que en todos esos años no encontró institución alguna, pública o privada, que pudiera pagarle tal cantidad. Esto ha significado que fotografías y diseños de Barragán se han convertido en propiedad privada, y su reproducción y estudio deben ser autorizados por la Barragan Foundation, institución creada por Federica Zanco para proteger dichos materiales en su poder.

En 2012, Jill Magid se acercó a la obra de Barragán, y supo de una extraña historia: que la compra del archivo había sido a petición de Zanco, a cambio del tradicional anillo de compromiso, como regalo de bodas de Fehlbaum. Ante presuntas dificultades para acceder a los materiales –resguardados en Suiza–, Magid comenzó un proceso de comunicación con Zanco, entre correos electrónicos y el envío de libros físicos con anotaciones, planteándole que encontraba loable su trabajo de resguardar los preciados materiales arquitectónicos, pero que le parecía que su posesión obstaculizaba el acceso a los interesados.

Siguiendo la idea de la historia, Magid concibió La propuesta: con la cuarta parte de las cenizas de Barragán, 525 gramos –que repuso simbólicamente con un caballo de plata del mismo peso, a manera de exvoto– mandó fabricar un diamante azul de dos quilates que hizo montar en un anillo de plata y ofreció a Zanco personalmente como un compromiso simbólico de devolver el archivo a los mexicanos o facilitar su acceso; una propuesta abierta y de largo plazo.

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Motivos y repercusiones Si bien la producción de Magid sigue una línea que la ha llevado a interactuar con instituciones de seguridad e inteligencia con trabajos que cuestionan la vigilancia y la secrecía de la administración pública contemporánea, con La propuesta, que forma parte de Una carta siempre llega a su destino –en exhibición en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM, hasta el 8 de octubre–, discute la propiedad intelectual en manos privadas en el sentido de si preserva el legado de un creador o se apropia de él.

Desafortunadamente, en nuestro país ha tenido una dura recepción por parte de intelectuales y críticos de arte, los que han objetado tanto el valor artístico del anillo como el proceso por el que se obtuvo, considerando que se perturbó el descanso del arquitecto y se actuó contra las creencias religiosas que tuvo en vida. Se ha pedido la destrucción del diamante y su reintegración a los restos, a lo que la artista ha respondido que eso sería censurar su obra. La UNAM decidió abordar la polémica con una serie de mesas de debate, y aunque la mayoría de los participantes elogiaron el espíritu de la muestra y la necesidad de protegerla, hubo voces en contra.

Memorable y efectiva, o no, La propuesta de Jill Magid nos recuerda que nada está dicho en materia de arte, y sirve como una elaborada lección moral acerca de lo que debe hacerse al pedirle a alguien matrimonio.

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ARTE

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La sonrisa infinita de

Texto: IKER SEISDEDOS

A lo largo de toda su carrera, el artista estadounidense erigió un monumento a su propia fama con las piedras que los críticos le lanzaban. Incluso consiguió superar la barrera del sonido mediático marcada por Andy Warhol y su festejado comentario: “En el futuro, todo el mundo será famoso durante 15 minutos”.

Este es un recorrido por su taller en compañía del propio Koons, donde 160 personas hacen realidad su universo.

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E

n una esquina del estudio en el que el pintor y escultor Jeff Koons trabaja pegado al río Hudson a su paso por el acaudalado barrio de Chelsea, un cartel advierte sobre una escalera de aluminio, de esas que venden en las ferreterías: “No tocar.

Es una obra de arte”. Podría ser la broma de un empleado chistoso, de los que hay en cualquier empresa, aunque en esta, una factoría en la que trabajan “unas 160 personas” para hacer realidad los sueños salvajes del creador vivo más cotizado del mercado, el tono pareció un tanto serio el día de la visita, primer miércoles del año en Nueva York. Tal vez el objeto se prestara a una de esas crueles ironías que hacen de cierto arte contemporáneo un asunto más bien risible para la gente corriente, si no fuera porque es, en efecto, parte de una de las carismáticas esculturas de Koons: Caterpillar Ladder (2003). En ella, un insecto inflable se inclina burlón, encajonado entre los peldaños tercero y cuarto de la dichosa escalera.

La pieza pertenece a la serie Popeye, con la que a principios de este siglo el artista elevó a nuevas cotas su amor por la banalidad y lo kitsch, los clichés del arte pop y la cultura de masas, el viejo truco “duchampiano” del objeto encontrado y los juguetes inflables para niños.

Un universo inconfundible y controvertido, qué duda cabe.

Jefe de jefes Jeff Koons, de 62 años recién cumplidos, se sienta en la mesa corrida de formaica que es su lugar de trabajo, donde una gigantesca computadora escoltada por una de sus caracte-

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“Yo me definiría más bien como alguien autosuficiente. No es un negocio, sino la mera responsabilidad de ser el mejor artista que pueda ser. Siempre he sentido que si trabajaba para la sociedad, esta me correspondería y me permitiría conseguir mis objetivos” rísticas bailarinas sustituye a los clásicos utensilios de artista; no hay rastro de paletas, mandiles llenos de churros de pintura o bloques de mármol. El jefe comparte el espacio con media docena de asistentes, que continúan con su trabajo en silencio. Parecen algo así como su guardia pretoriana, cuando no su memoria exógena. Si fallan los recuerdos (número de obras de una exposición, tal o cual nombre de galerista), el artista recurre a Lauran, una chica llegada desde Dakota del Sur directamente a la cúspide del arte contemporáneo, o a Gary, con su aspecto de matemático anacoreta. El espacio es un generoso cubo blanco lleno de cacharros inmediatamente reconocibles para cualquiera familiarizado con su trayectoria. Desde hulks y delfines inflables hasta las esferas azules reflectantes que habitualmente sirven de adorno en los jardines del gran suburbio estadounidense, pero que él coloca sobre esculturas de corte clásico en Gazing Ball, su producción más reciente. La idea surgió de un regalo de su anciana madre, que aún vive.

Imágenes: cortesía

En la habitación contigua se trabaja en perfeccionar diseños en tres dimensiones. Al final del pasillo a la izquierda está el taller de pintura, donde 17 personas copian obras maestras para la próxima exposición en la vecina galería Gagosian de Chelsea. No es posible, advierten, tomar fotos o escribir sobre ese cuerpo de trabajo aún en proceso y todavía secreto. Más allá de la cocina para empleados se encuentra uno de los dos talleres de escultura. Para llegar al otro, una nave inmensa con olor a productos químicos en la que reina, esta vez sí, el bullicio que uno asociaría al estudio de un artista, hay que bajar la Calle 29 hacia el río. Koons calcula que en esta pequeña ciudad, que pronto cambiará por otra (“un estudio que pueda construir de cero y en el que la comunicación entre las distintas divisiones sea más fluida”), trabajan “unas 160 personas”.

A estas hay que añadir las “cerca de 30” que tiene empleadas en una factoría de su propiedad en su natal Pensilvania dedicada a la confección de sus esculturas de piedra. “Además hay una empresa, Arnold, con unos 100 trabajadores en Alemania con la que trabajo muy estrechamente”, añade. A la pregunta de por qué clase de jefe se tiene a sí mismo, responde: “Soy bastante exigente, pero al mismo tiempo doy a la gente espacio para que se desarrolle y participe en la mejora del sistema y en el aseguramiento de la realización de mis deseos”. Después, una de sus tra-

bajadoras –en la compañía desde hace “una década”, cuando “sólo” eran 40 empleados– explicará que “la mayor parte” lleva muchos años con Koons. “Eso te da una idea de cómo es el ambiente y cuáles son las condiciones aquí”.

Esta manera de organizar la tarea, ciertamente más fordista que aquella de los lobos esteparios del expresionismo abstracto estadounidense (Jackson Pollock, Franz Kline, Mark Rothko), se da con frecuencia en la parte alta del sistema del arte; el británico Damien Hirst y el danés Olafur Eliasson son otros rentables creadores con una legión de ayudantes. Koons explica que trabaja con toda esta gente “como quien lo hace con los dedos de la mano”.

“Yo soy responsable de cada detalle del proceso. Todo pasa por mí. Cuando una pintura está terminada es exactamente como yo deseaba que fuera. No hay posibilidad de que se mezcle la subjetividad de ninguno de los empleados. Nadie cambia ni una pizca un color o el sentido de una composición. Vengo a trabajar todos los días, necesito estar encima. Tal vez suene muy sofisticado, pero en realidad no ha cambiado en absoluto durante siglos”.

El escultor defiende que, pese a las recurrentes comparaciones, su factoría no tiene mucho que ver con la de Andy Warhol (“nunca la visité, pero he leído acerca de ella”), sino más bien con los talleres de artistas como Tiziano o Rubens (de quienes atesora gruesos catálogos en la oficina).

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Es cierto que la producción de Koons es menor que la de la leyenda del pop, apóstol del sucedáneo y de la producción en serie. El ritmo de generación de obras, que oscila entre seis y siete pinturas y entre 15 y 20 esculturas de media por año, queda ralentizado por la obsesión por la perfección pulida y la búsqueda del material idóneo y el equilibrio, concepto que le sirvió para titular la serie con la que a mediados de los 80 cambió su suerte y en la que contó con la ayuda de Richard Feynman, Premio Nobel de Física 1965, para hacer flotar un balón de básquetbol en la mitad exacta de un tanque con agua dulce y salada.

A la luz de tanto abrumador dato, parece obvio que el sostenimiento del tinglado requiere de ciertas dotes de hombre de negocios y probadas aptitudes comerciales, aunque Koons lo niegue.

“Yo me definiría más bien como alguien autosuficiente. No es un negocio, sino la mera responsabilidad de ser el mejor artista que pueda ser. Siempre he sentido que si trabajaba para la sociedad, esta me correspondería y me permitiría conseguir mis objetivos”.

Jeff antes de Koons Varios hechos biográficos invitan a tomar con escepticismo sus palabras: Koons es uno de los pocos grandes nombres del negocio en trato simultáneo con dos de las galerías más importantes (y enfrentadas) de Nueva York: además de Gagosian, expone con David Zwirner. También, por razones sentimentales, sigue unido a la galería de la fallecida Ileana Sonnabend, su marchante en los años del primer boom, que, ahora en manos de Antonio Homem, mantiene un perfil bajo en el ámbito privado. Y su capacidad para vender quedó probada muy pronto; a finales de los 70, desconoci32

do aún, trabajaba para ganarse la vida en el servicio de membresías del MoMA (“de noche y durante el fin de semana era artista”, recuerda), aunque, debido a su aspecto excéntrico, que adornaban chalecos multicolores y flores, tenía que dejar su puesto cuando venían los “peces gordos” para evitar ahuyentarlos.

Obviamente, eran los mismos “peces gordos” que después pagaron millones por sus piezas. Como uno de sus Balloon Dog, una escultura de tres metros de acero pulido pintado de naranja, inspirada en uno de esos perritos que arman en un santiamén los payasos de las fiestas de cumpleaños infantiles, se convertía en la pieza más cara de un artista vivo adjudicada en subasta, por más de 50 millones de dólares.

En la gran mitología de Koons destaca aquella temporada en la que ejerció de broker en Wall Street para recuperarse de su primer fracaso profesional. La exposición en 1980 de su serie The New, guiño efímero al minimalismo en

el que colocó costosas aspiradoras industriales en vitrinas de metacrilato iluminadas desde abajo por fluorescentes, le condenó a la ruina. Volvió para lamerse las heridas a casa de sus padres, quienes se habían mudado a Florida desde York (Pensilvania), donde el chico creció feliz como el hijo de un decorador y una costurera. “Aquel fue el peor momento de mi carrera; simplemente, no había coleccionistas para lo que yo hacía”, recuerda. De vuelta en la Gran Manzana, Koons acudió al mercado de futuros para financiar sus aventuras en el arte pop.

No fue aquella la última vez en la que el púgil mordió el polvo. A principios de los 90, el ya cotizado escultor se casó con Ilona Staller, Cicciolina, estrella del cine pornográfico, cantante y parlamentaria italiana de origen húngaro. Juntos protagonizaron uno de los proyectos más controvertidos de su tiempo: Made in Heaven (1989-1991), serie de pinturas y esculturas de cristal, plástico, madera y mármol en las que la pareja practicaba sexo con la crudeza, sofisticada e irreal, de una película triple equis de la época.

Jeff Koons, Louis Vuitton y el arte Los nuevos bolsos de LV abandonaron su tradicional estampado con las siglas de la firma. En su lugar, aparecen La Gioconda de Leonardo da Vinci o un paisaje de Vincent van Gogh. Esta es la última aventura de la marca francesa: una colección de bolsos y accesorios creada por el artista estadounidense Jeff Koons. Su inspiración: cinco grandes cuadros de la historia del arte: La Gioconda de Da Vinci, Chasse au tigre de Rubens, La Gimblette de JeanHonoré Fragonard, Campo de trigo con cipreses de Van Gogh y Marte, Venus y Cupido de Tiziano, todos reproducidos a mano y estampados en artículos de lujo.

La línea se presentó en una fiesta por todo lo alto celebrada en el Museo del Louvre de París, a la que no faltaron rostros conocidos, como las actrices Cate Blanchett, Jennifer Aniston y Michelle Williams. Los modelos de esta colección Masters, que busca mostrar cómo los cánones de belleza siguen influidos por una larga lista de artistas clásicos, ya están a la venta y, por ejemplo, un modelo Speedy cuesta alrededor de 2,100 euros (unos 43 mil pesos mexicanos).

El resultado recibió las críticas más duras de una carrera jalonada de despiadados descuartizamientos.

El crítico y columnista Michael Kimmelman definió a Koons en el New York Times como “un oportunista, un traficante de publicidad que fusiona su vida y su obra de un modo que precipitará esa autodestrucción que parece su sino”, mientras que Robert Hughes, tal vez el crítico más popular de su generación, escribió: “Dada su sobreexposición, [su trabajo] no pierde nada cuando se reproduce, pero tampoco gana al contemplarse en la versión original”. La práctica de utilizarlo como el pimpampum favorito del arte así llamado “serio” no ha decaído, si bien la recepción de la retrospectiva fue más considerada que tradicionalmente. “No estaba acostumbrado”, admite él.

“Los críticos son críticos y su trabajo es odiar las cosas”, opina con logrado acento de excéntrico inglés sir Norman Rosenthal, curador independiente de 72 años, jefe de exposiciones de la Royal Academy de Londres entre 1977 y 2008 y autor de un libro de conversaciones con Koons publicado en 2013 por Thames & Hudson. Ambos se conocieron en 1982, cuando el primero era un curador asociado al resurgir de la pintura. “[La galerista] Ileana Sonnabend me dijo: ‘Norman, hay un nuevo zeitgeist’, me tomo del brazo y me llevó a conocer a un nuevo escultor al Lower East Side, que, créame, era un sitio bastante diferente del que es ahora”, recuerda Rosenthal.

“Jeff, por el contrario, no ha cambiado mucho desde entonces, él solo quiere ver a la gente sonreír. Es una persona increíblemente positiva y siempre busca la perfección, la persigue hasta el límite de lo imposible. Todos andan empeñados últimamente en que el arte resuelva los problemas del mundo, pero él no pretende eso. Cuando fui a su exposición en Versalles [celebrada, entre la polémica, en 2008], vi a miles de turistas sonriendo, disfrutando. ¿Cuántos artistas son capaces de algo así?”.

Tal vez no resulte extraño que “aceptación” sea uno de los conceptos más recurrentes en el discurso de Koons, que explica que el tema central de su obra es “la filosofía, las sensaciones y la trascendencia”. ¿También en piezas como Michael Jackson and Bubbles, su célebre retrato en porcelana de la estrella del pop y el chimpancé que le hacía compañía?

“Claro que sí. Tiene la misma estructura triangular que la Piedad de Miguel Ángel. En ella –Jackson está tratado como un sujeto de autoridad casi religiosa– se habla sobre cómo el arte puede colmar todas nuestras necesidades físicas y espirituales”. Más allá de las ventas millonarias, de las colaboraciones con Lady Gaga, BMW o el grand cru Mouton Rothschild 33

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LO INSóLITO (cosecha de 2010), el artista cree que todos sus problemas quedarían resueltos si aparcáramos nuestra tendencia a emitir veredictos. O en palabras del teórico pop Arthur Danto: “A todo el mundo le gusta el arte de Jeff Koons salvo a aquellos a los que les educaron para que no les gustara”. “Me siento parte de un linaje de vanguardia que clama por la muerte de los juicios”, explica el escultor. “Más bien, de los prejuicios negativos. Y cuando pretendes algo así, es lógico que te enfrentes a los críticos. Una mala crítica encierra las inseguridades de quien la escribe. Pero yo estoy a favor de aceptar las cosas tal y como vienen; todo me parece perfecto en su propio ser”.

Cumplidos los 62 en plena forma física (gracias a un estricto régimen de ejercicio físico; Koons asegura que es capaz de levantar 150 kilos de peso muerto), insiste en su rendida admiración por el estilo tardío de Pablo Picasso, como quien desea mirarse en el espejo de la madurez del genio. Y confía en que “más allá de sus limitaciones inherentes, al ser humano le aguarda un estado superior de sabiduría”. Entre sus planes figura culminar su proyecto más ambicioso: una estatua pública formada por un tren en movimiento colgado de una grúa de 49 metros de altura, cuya colocación ha estado planeada (y después cancelada) en Los Ángeles, Nueva York y París.

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Los vituperios de un puñado de académicos no fueron, con todo, lo peor de su historia con Cicciolina, episodio que es inevitable contemplar como la relación de un artista con un objeto encontrado. Aquello multiplicó la fama de Koons –cuyos ideales de feminidad son las actrices Pamela Anderson y Gretchen Mol–, cargó su obra de connotaciones sexuales y dio como fruto a un hijo, Ludwig, nacido cuando la pareja ya se había separado en 1992. La cosa acabó en los tribunales; ella se llevó al niño a Italia; él la acusó de secuestro; litigó por recobrar al pequeño, cuya custodia obtuvo, aunque no sirviera de nada, y fundó The Koons Family Institute, que aún prosigue su tarea asociado al Centro Internacional para Niños Desaparecidos y Explotados. El artista quedó en los límites de la bancarrota debido a los costes de la batalla legal sumados a los de su ambición creciente, plasmada en las gigantescas esculturas de acero pulido y formas fálicas (“en lo fálico se funde lo femenino y lo masculino”) de Celebration: perritos, huevos y tulipanes con los que pretendía mandar un mensaje de amor al pequeño Ludwig.

El “sueño americano” encarnado Como corresponde al perfecto cuento del “sueño americano”, Jeff Koons fue capaz de levantarse y rehacer su vida con la ayuda de sus fieles coleccionistas, entre los que se encuentran los magnates François-Henri Pinault (actual esposo de la actriz mexicana Salma Hayek), Dakis Joannou, Peter Brant y Eli Broad. Se casó con la artista sudafricana Justine Wheeler, a quien conoció como trabajadora de su estudio. Tienen seis hijos (Koons es padre de ocho; además de Ludwig, tuvo otra niña, que fue dada en adopción, en sus días de estudiante en el Maryland College of Art) y viven en una mansión de varios pisos en el Upper East Side. En cierto modo, el artista, que reparte sus días entre la casa de Manhattan y la granja en Pensilvania que era de sus abuelos maternos y él recompró en 2005, ha logrado reproducir el sólido ambiente familiar que disfrutó en su York natal antes de que el chico marchase a estudiar arte, primero a Baltimore y luego a Chicago.

En 2010 aceptó volver a exponer parte de los cuadros de Cicciolina que no destruyó durante la separación. “Ludwig tiene ahora 24 años y hace poco vino a Estados Unidos a visitarme, y con un poco de suerte se mudará en algún momento a quedarse para vivir con sus hermanos”, explica el artista. ¿Han visto sus hijos menores las imágenes pornográficas de Made in Heaven? “Sí. No dijeron nada, ni pidieron explicaciones, simplemente pasaron de largo. Lo contemplaron como cualquier obra de arte, como quien ve un fragonard, un courbet o un poussin. Todos mis niños gozan de una gran sensibilidad artística”.

“Me siento parte de un linaje de vanguardia que clama por la muerte de los juicios […] Más bien, de los prejuicios negativos. Y cuando pretendes algo así, es lógico que te enfrentes a los críticos. Una mala crítica encierra las inseguridades de quien la escribe. Pero yo estoy a favor de aceptar las cosas tal y como vienen” Una de las mayores frustraciones de su carrera llegó el día en el que primero se pospuso y finalmente se canceló el proyecto de exponer en la sede neoyorquina del Guggenheim, en 1996, debido al coste excesivo de la operación y a severos problemas técnicos. Dos fantasmas que sobrevuelan sus proyectos con cierta recurrencia y que fueron invocados con motivo de la reciente cancelación de la exposición de sus esculturas en las galerías del XIX del Louvre que debía redondear su consagración parisiense. La fiesta quedó también empañada por la retirada de dos obras del Pompidou por sendas acusaciones de plagio: Fait d’Hiver (1988), supuestamente copiada de un anuncio de Naf Naf, y Naked (1988), cuyos derechos de autor reclama la viuda del fotógrafo Jean-François Bauret. “[La retirada de las obras por parte del museo] no fue muy afortunada”, opina Koons, que se ha enfrentado a acusaciones de ese tipo con anterioridad. Aun admitiendo las similitudes, sus defensores recurren al concepto de la apropiación, práctica consustancial al arte desde las primeras vanguardias. Ambas obras forman parte de la serie Banality, en la que el artista partió de “imágenes que veía en revistas o en postales y que montaba para producir” sus “propias creaciones”.

Koons es uno de los principales protagonistas de esos titulares en periódicos y revistas que hablan del exorbitante boom en el mercado del arte. El artista cree que el fenómeno es “fantástico, maravilloso”. “Me educaron para ser autosuficiente, así que nunca pensé demasiado en el dinero, siempre que tuviese lo suficiente para ocuparme de mí mismo y de los que me rodean.

Sólo me interesa saber si seré capaz de hacer tal o cuál proyecto, de mantener el estudio como está”. No parece preocuparle la paradoja que encierra el hecho de que mientras el mercado del arte rebosa de millones, los museos sean entes cada vez más empobrecidos, sin medios para pagar las fortunas que cuestan sus piezas. ¿En qué lugar dejará eso a su obra para las generaciones venideras? “No creo que hayan cambiado tanto las cosas”, responde Koons. “El trabajo de Picasso o Dalí era caro en su época y la mayor parte de las obras las compraban patrones del arte que luego las donaban a los museos. Eso aún sucede hoy. Es innegable que el mercado ha explotado, pero el arte siempre ha sido una mercancía interesante para el poder económico. Leonardo da Vinci era un hombre muy rico, como Rubens y todos los pintores cortesanos”.

Para la exposición inaugural del nuevo Museo Whitney, en la primavera de 2015, que propuso un repaso a un siglo de arte estadounidense bajo un título prestado del poeta Robert Frost, America is Hard to See, la curadora Donna de Salvo escogió una de las tempranas piezas de aspiradoras de Koons. El gesto sirve para subrayar lo mucho que ha cambiado la escena del arte en Nueva York desde los tiempos en los que el escultor las expuso por primera vez en un escaparate del New Museum of Contemporary Art (que también mudó recientemente su sede a un reluciente edificio con pedigrí arquitectónico). Un poco más allá, en otra de las amplias salas con olor a nuevo colgaba Untitled (Jeff), obra de 2004 en la que el artista londinense Adam McEwen imagina cómo sería la necrológica de Koons en el New York Times. Con el tono entre solemne y emocionado de la prosa elegiaca del venerable periódico, McEwen escribe: “Predicó un arte para las masas (…) y superó las diferencias entre el buen y el mal gusto (…) con un trabajo que hablaba elocuentemente del deseo, el sentimentalismo y la muerte”.

Koons encajó la broma pesada con la misma sonrisa de siempre. Tal vez porque parece perpetuamente convencido de que lo mejor está aún por llegar. Cuando, al final de la charla, llegue la pregunta de si se arrepiente de haber sido pionero de muchas de las cosas (el culto a la fama, el abuso de la publicidad, el coqueteo con las marcas de lujo…) que hoy definen el mundo del arte, la sonrisa quedará por primera vez congelada en un rictus de extrañeza. “No, en absoluto. ¿Por qué iba a estarlo?”.

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Esos libros

LITERATURA

(la verdadera historia de las historias verdaderas)

Texto: MARTÍN CAPARRÓS Ilustraciones: RODOLFO PIZANO

La obra de autores como Svetlana Alexiévich, Vasili Grossman, Joan Didion, Jon Lee Anderson, Cees Nooteboom o Juan Villoro, que han marcado estos años, precisa de un nombre. El autor, con su peculiar estilo, ensaya uno al final de esta reflexión.

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Esos libros son una trinchera.

En tiempos en que las series de tele cuentan más y mejor que la mayoría de las novelas –y ocupan su lugar–, hay algo en esos libros –la cercanía, la profundidad, el estilo– que todavía no pudo ser reemplazado por formas más contemporáneas de contar

C

aminaba, pensaba tonterías, se odiaba por pensarlas, se preguntaba una y otra vez, tan falto de respuesta: si, como dijo alguno, en las letras de rosa está la rosa y todo el Nilo en la palabra Nilo, ¿dónde cuernos está lo que no tiene nombre?

Hay unos libros: muchos libros que se parecen –un poco– entre sí y no logran tenerlo. O, quizá: que tienen demasiados, la mejor forma de no tener ninguno. Nos confunden. La ves leyendo A sangre y fuego, del resurrecto Manuel Chaves Nogales, y, cosa de acercarte, le preguntas qué es eso. Ella te dice que unas historias de la Guerra Civil y tú que si es una novela, cuentos, y ella turbada que te dice no, historias que pasaron, no sé cómo decirte. Esos libros que no tienen nombre.

Esos libros tampoco tienen, muchas veces, lugar. Entras a una librería y preguntas dónde está Ébano, un suponer, la obra maestra del maestro Ryszard Kapuscinski, y el librero independiente o dependiente te pregunta si es novela o si es historia o autoayuda o qué y le dices, digamos, que es un gran reportaje. Ah, no sé, de eso no tenemos; quizás en el segundo piso, donde están los de sociología y las recetas de cocina, te dice, ni siquiera muy turbado. Tiene coartada fácil: hace unos meses, cuando el suplemento cultural “Babelia” del diario El País dividió los libros en 13 géneros, desde narrativa española hasta filosofía, música a ciencia-ficción, biografías a novela histórica, para hacer sus recomendaciones para la Feria de Madrid, no incluyó un

género que incluyera esos libros. No tienen lugar.

Quizá sea porque no tienen nombre.

Es cierto que esos libros pueden ser muy variados: qué semejanza entre los que escriben Gabriel García Márquez, Vasili Grossman, Svetlana Aleksiévich, John Hershey, Rodolfo Walsh, Truman Capote, Joan Didion, Emmanuel Carrère, Cees Nooteboom, Jon Lee Anderson, Juan Villoro y compañía limitada. Pero tampoco se parecen tanto, convengamos, entre sí esos que llamamos novelas –sí, novelas– de García Márquez, Grossman, Santiago Posteguillo, Marguerite Yourcenar, Julio Cortázar, Luis Martín-Santos, Isabel Allende, David Foster Wallace, Virginia Woolf, Tom Wolfe, J. M. G. Le Clézio o John le Carré. O sea que esos libros no son más diversos que otros, pero igual no tienen un nombre que los una. Lo más fácil, hasta ahora, ha sido definirlos por lo que no son: no ficción, dicen. Es cierto que no son ficción: tampoco lo son algunos manuales de historia, ciertos ensayos, algún tratado de filosofía, bastantes poemarios, la guía de teléfonos. Y además el mecanismo es un poco humillante. Imagínese que a usted, Gonzalo González, lo definen así: no es una mujer, no es un plantígrado, no es australiano pero tampoco tutsi, no nació hace dos años, no trabaja en la mina de carbón, no sabe matemáticas, no tiene un chalet en la sierra –y tal–. Decir que son porque no son no parece una buena estrategia.

Quizá, para saber cómo llamarlos, sería mejor saber qué sí son esos libros.

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Un particular pacto con el lector

Esos libros son una fuente de placer. A veces están escritos con tanto arte que se siguen leyendo muchos años después, cuando las historias que cuentan o los problemas que tratan ya no importan. Es la prueba más concluyente de que son literatura: buena literatura 40

Esos libros son el refugio del mejor periodismo: ante la renuncia de la mayoría de los medios, que temen pagar intentos de cierta envergadura y usar su espacio para publicarlos, algunos de los periodistas más preparados, más inquietos, encuentran en ellos el lugar donde sí pueden hacer su trabajo.

Esos libros son el resultado de un pacto particular con el lector: te prometo que lo que te estoy contando aquí no es el producto de mi imaginación. Sucedió, me enteré, lo pensé, lo estructuré, lo escribo.

Esos libros son un laboratorio: porque arman un espacio de libertad, sin reglas previas ni límites de páginas ni editores que supuestamente saben lo que el público quiere, en ellos se experimentan formas distintas de contar, que, después, a veces, se volcarán en los periódicos –o en las novelas–.

Esos libros son torrentes de historias: en ellos se puede narrar la caída del sah de Persia o las formas de la muerte atómica, pero también la intimidad de una familia mafiosa o la vida de un gran revolucionario o los viajes de los migrantes más golpeados o las formas en que el mundo no come suficiente o las tribulaciones de un campeón de malambo.

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Caparrós presenta Lacrónica Martín Caparrós (Buenos Aires, 29 de mayo de 1957) lo ha repetido con frecuencia: la crónica demanda la primera persona, pero no como un énfasis del yo, sino para conformar a un sujeto que mira. Una mirada posible, entre tantas, que implica una decisión política, pues se desvía de la hegemonía informativa que promueven los medios desde un lugar desatendido o marginal –“la crónica será marginal o no será”, insiste Caparrós–, resistiéndose a la noticia para construir un relato, consecuencia de la extrañeza de llegar “cargando con lo que creemos que vamos a ver y nos despierta lo que vemos”. Esto resulta evidente para el autor de El hambre, pero la crónica es un género híbrido que, dada su singular naturaleza –¿es literatura, es periodismo?–, vive bajo

Esos libros son, para quienes los escribimos, una obsesión: frente a esa velocidad del periodismo que nos pone frente a cuestiones nuevas cada día o cada semana, hacerlos nos obliga a pasarnos mucho tiempo dedicados a lo mismo.

Son proyectos a largo plazo, con estructuras, formas, dificultades propias: una apuesta de años para gente acostumbrada a jugar a la quiniela de esa misma tarde.

Este libro imperdible reúne una sorprendente muestra de la práctica de la crónica, articulado a modo de “crónica del cronista”, ya que no es sólo un compendio de piezas selectas, sino un recorrido por la responsabilidad de la propia mirada y la adicción a la escritura, imposibles de desligar en un maestro del género.

Esos libros son una fuente de placer. A veces están escritos con tanto arte que se siguen leyendo muchos años después, cuando las historias que cuentan o los problemas que tratan ya no importan. Es la prueba más concluyente de que son literatura: buena literatura.

Esos libros son una trinchera. En tiempos en que las series de tele cuentan más y mejor que la mayoría de las novelas –y ocupan su lugar–, hay algo en esos libros –la cercanía, la profundidad, el estilo– que todavía no pudo ser reemplazado por formas más contemporáneas de contar. En ellos la forma libro subsiste y desafía.

Y, aun así, siguen sin tener un nombre que los nombre como conjunto, como género. Alguien retomó la perífrasis de García Márquez –“cuentos que son verdad”– y habló de historias verdaderas. El nombre me gusta, pero no me veo entrando en aquella librería y preguntando al (in)dependiente dónde tiene las historias verdaderas. Contra los que lo llaman periodismo narrativo me incomoda que no tienen por qué ser “periodismo”: miren El año del pensamiento mágico, de Joan Didion, por ejemplo. Contra los que periodismo literario me molesta el uso de literario como si fuera un adjetivo de calidad: si el periodismo es bueno es literario, cosa que nadie diría, digamos, de la poesía. Contra los que nuevo periodismo, el recuerdo de que la etiqueta se acuñó hacia 1960: su novedad está ancianita.

De no ficción ya hablamos; la palabra testimonio no incluye el trabajo del escritor, que transforma esos – eventuales– testimonios en una narración; gran reportaje suena bien en francés, pero en castellano resulta tan pretencioso como cualquier francés.

Esos libros son una reserva de datos y de comprensión: producto de largos esfuerzos, su interés no se deshace al día siguiente; no comparten con el periodismo periódico su vocación de envolver el pescado –aunque a veces lo hagan–.

Miles de libros necesitan un nombre, un apellido.

Quizá sería bueno utilizar estas páginas para buscarlo. En la web, por ejemplo, lkjahsdf. Yo, por ahora, aún con reticencias, esperando algo mejor, voto por crónica. Después de todo se trata de intentar, una vez más, fijar el tiempo.

Esos libros están fuera del modelo económico hegemónico: nunca compensan la inversión de tiempo y esfuerzo que precisan. El trabajo de construirlos siempre supera las recompensas materiales que pueden producir. A cambio ofrecen una recompensa simbólica importante, la condecoración de quienes no creemos en medallas –decimos que no creemos en medallas–.

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sospecha del creador de ficciones y del reportero, y amenazada por lo “interesante”, que se reduce a sensacional en detrimento de lo verdadero. Disyuntiva que Caparrós desarma con sus crónicas enriquecidas con toda suerte de procedimientos, algunos derivados de la poesía. Son más de 20 años recorriendo el mundo para contar “lo que ve la mirada”, no para confirmar postales.

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GASTRONOMÍA

Ferran Adrià te dice cómo abrir un restaurante

El libro Mise en Place pretende fungir de manual para montar negocios con éxito en el mundo de la cocina. A sus 55 años, el famoso chef catalán está lleno de proyectos e ideas, como la Bullipedia, una enciclopedia digital de la gastronomía, y el Bullilab, un laboratorio de creación.

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Imágenes: cortesía

Texto: CARLOS ORQUÍN

Imágenes: cortesía

H

ace tiempo que Ferran Adrià Acosta (Hospitalet de Llobregat, Barcelona, 14 de mayo de 1962) es mucho más que cocinero. El empresario, convertido en gurú de la cocina, emprende y desarrolla mil proyectos e ideas a la vez con distinto resultado.

Después de renunciar a la ampliación de su famoso restaurante en Cala Montjoi (Girona) por la paralización de las obras al estar en suelo protegido, Adrià se centra en su fundación. Dentro del ámbito de la entidad, donde hay propósitos como una enciclopedia digital de la gastronomía –la Bullipedia– que va con retraso en su culminación; o el laboratorio de creación –el Bullilab–, que recientemente inició un trabajo con Disney; acaba de presentar Mise en Place, una guía para quien no quiera morir en el intento de abrir un restaurante. El libro se distribuye entre clientes de la sección de negocios de La Caixa y estará disponible en la web del banco español (caixabanklab.com).

Sobre todo es un documento para aprender gestión económica.

Lo que, según dijo el cocinero catalán, es la parte más difícil de todo lo que supone montar un restaurante. Está editado junto con eco-

Uno de los elementos centrales de la guía es que sólo está pensada para triunfar. Ferran Adrià no quiere oír ni hablar de la palabra “fracaso” nomistas de la entidad bancaria para que los que lo utilicen “minimicen el riesgo de la inversión realizada”. El dinero sale del presupuesto de la fundación de Adrià, que según él mismo asciende a 1.1 millón de euros.

El banco, por su parte, amplía capital en el fondo de garantía de la organización –de 12 millones– para colaborar. La edición impresa del texto tiene 200 páginas y la online unas 700. “Es un work in progress”, justifica el chef de 55 años. Abarca ámbitos desde el diseño hasta las operaciones de marketing o la burocracia administrativa.

Uno de los elementos centrales de la guía es que sólo está pensada para triunfar. Ferran Adrià no quiere oír ni hablar de la palabra “fracaso”.

Y según el propio protagonista, el ejemplo es su propia trayectoria resumida en una pregunta y una respuesta que él mismo se ha dado: “¿Qué es la innovación? Buscarse la vida”.

Cuenta Adrià que ha impulsado la guía con la intención de explicar de forma didáctica ese espíritu que lo ha llevado a él a tener en la actualidad “más de 20 y pico” de proyectos dentro de la citada fundación. En realidad, la necesidad de “buscarse la vida” es el origen de todos los retos que a veces le salieron mal. Tal es el caso de la paralización de las obras en 2015 de su restaurante que intentó convertir en centro cultural por encontrarse en suelo protegido en el parque natural Cap de Creus de Girona.

El Bulli, que tuvo tres estrellas Michelin y obtuvo el premio al mejor restaurante del mundo por cuatro años consecutivos, bajó la cortina en 2011 con pérdidas. “Lo he explicado 100 veces, no quería ganar dinero.

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a la altura de la calle 30 con la 10ª Avenida, a los pies de High Line, una de las zonas que más rápido se está desarrollando en Manhattan.

Cocina con sabor

a España en NY

E

l chef español José Andrés –condecorado en 2016 por el presidente Barack Obama con la Medalla de las Humanidades–, propietario del MiniBar, un exitoso restaurante en la ciudad de Washington, se atreve finalmente con Nueva York.

Y lo hace a lo grande, sumando fuer-

Según Adrià, el ejemplo es su propia trayectoria resumida en una pregunta y una respuesta que él mismo se ha dado: “¿Qué es la innovación?

Buscarse la vida”

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zas con Ferran y Albert Adrià en un ambicioso proyecto que servirá de plataforma para dar aún más relevancia a la cocina española en Estados Unidos. El templo culinario del trío de chefs se inaugurará a finales de 2018 en el nuevo complejo de negocios que se construye en Hudson Yards, al oeste de Manhattan. Será un espacio que seguirá una idea similar a la de Eataly, del chef Mario Batali, uno de los lugares más populares en la ciudad de los rascacielos.

El local tendrá 3,250 metros cuadrados de superficie y estará situado

La idea de Andrés y los hermanos Adrià es que este espacio sirva para presentar al público neoyorquino los diferentes conceptos de la cocina de su país. Las tapas, por supuesto, ocuparán un lugar central en este local, en el que también se podrán comprar productos españoles para llevar a casa.

El proyecto es fruto de la larga colaboración creativa que tiene José Andrés, de 48 años, con los hermanos Adrià. Para los dueños de El Bulli será, además, la primera empresa en la que se embarquen en Estados Unidos. Es también el primer proyecto empresarial del trío de innovadores, que busca convertirlo en un destino singular en el mundo de la gastronomía. El espacio será dinámico y utilizará la comida como un canal creativo para que el visitante se sumerja en la cultura española.

Era un departamento de I+D+I”, justifica el cocinero español. “El problema es que no hemos sido capaces de explicarlo. Entendemos que es culpa nuestra porque hemos cambiado tres veces el proyecto”. Ahora se enfrenta al retraso de la Bullipedia que costará 20 millones de euros más y no tendrá acabada hasta dentro de 10 años.

A pesar de todo, Adrià asegura que mucha gente le pide consejo a la hora de montar un negocio gastronómico, por eso participa en la guía. “Nadie se ha preguntado las cosas. Este es un trabajo holístico”, aseguró en la presentación de Mise en Place en uno de los espacios de la fundación, rodeado de gráficos, notas y dibujos en paneles que sólo él entiende.

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ARQUITECTURA

Winy

Maa

s, pop

Texto: ANATXU ZABALBEASCOA

En tiempos de contención formal y económica, este constructor holandés –una especie de Leonardo Da Vinci del siglo XXI con dotes de diplomático y la adrenalina de Mick Jagger en sus mejores tiempos– defiende con vehemencia una arquitectura icónica. Su estudio, MVRDV, ha trabajado importantes proyectos para marcas como Chanel.

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E

xtender la densidad de Benidorm a toda la costa del Mediterráneo, construir bloques de casas en lugar de bloques de pisos… Lejos de apaciguarse con la madurez, la desbordante imaginación del estudio holandés MVRDV parece aumentar con los años. Su fundador, Winy Maas (Schijndel, Países Bajos, 1959), investiga el futuro de la arquitectura con sus alumnos de la Universidad de Delft en The Why Factory, una exposición itinerante cuya última parada se llevó a cabo en el Colegio de Arquitectos de Madrid.

¿La arquitectura de MVRDV es pop?

Nos interesa la arquitectura no elitista que conecta con el mundo. Ser pop no es ser populista. Que la arquitectura hable en voz alta no significa que apueste por simplezas.

Sus edificios han evolucionado hacia una arquitectura cercana al cómic. ¿Lo exigen así los nuevos tiempos?

Nuestros últimos trabajos son más visuales, más icónicos, pero también más maduros. La raíz de los proyectos y de nuestra actitud no ha cambiado: escuchamos a la sociedad, pero no giramos en torno a las novedades. Creo que hemos demostrado que lo pop tiene muchos significados. Puede ser chic. Nuestra tienda Chanel en Ámsterdam restaura un edificio sustituyendo su base de ladrillos por pavés translúcido. ¿Por qué dan tanta importancia a la imagen?

Es la vía más rápida para trabajar la identidad. Reconocer algo es mejor que simplemente verlo. La tienda de Chanel es transparente. A la vez modesta y lujosa. Cuestiona cómo se restaura. No es una ampliación moderna que dialoga con lo existente desde la neutralidad. Tampoco trata de borrar el paso del tiempo. Habla desde el tiempo actual.

De arriba abajo: Mercado de Róterdam, el icónico Balancing Barn en Reino Unido y la tienda Chanel en Ámsterdam. Página de apertura, Museo de pop, rock y cultura juvenil en Dinamarca.

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Con una arquitectura tan llamativa, ¿sienten el peligro de pasar de moda o de convertirse en un chiste?

El humor no es malo. La sonrisa es buena porque se repite, pero el chiste es un fracaso porque agota la reacción. Buscamos alegrar la vida, no sorprender una vez. ¿Cómo se consigue controlar la calidad del humor en la arquitectura?

A partir de cierta abstracción. Si uno es demasiado literal y pierde la sutileza, no involucra al espectador. La abstracción es una clave reduccionista, una herramienta para la convivencia porque permite dialogar con otras ideas y formalizaciones.

“Nos interesa la arquitectura no elitista que conecta con el mundo.

Ser pop no es ser populista. Que la arquitectura hable en voz alta no significa que apueste por simplezas” El mercado de Róterdam es a la vez cueva y atracción turística.

Tiene viviendas, restaurantes y tiendas…

Un edificio público que ocupa un lugar central no puede abrirse sólo unas horas. Por eso combinamos puestos de verdura con restaurantes. Pero son los apartamentos de las dos fachadas los 52

Breve historia de MVRDV Una pareja y el amigo. O dos amigos y la novia. Los holandeses Winy Maas, Jacob van Rijs y Nathalie de Vries (hoy de 58, 53 y 52 años respectivamente) coincidieron en la Universidad Técnica de Delft. Maas llevaba ventaja: había estudiado paisajismo. Y venía de trabajar un año en Nairobi para la Unesco. Van Rijs también tenía las miras puestas más allá de la arquitectura. Había estudiado química. Y era –es– un tipo rápido, un hombre despierto. Se hicieron amigos. Al terminar los estudios comenzaron a trabajar para el que, ya en 1990, era un mito entre los arquitectos del mundo, su paisano Rem Koolhaas (72).

Nathalie, la novia de Jacob, prefirió emplearse en el estudio Mecanoo de Delft para hacer una arquitectura que combina prefabricación industrial con materiales naturales.

El plan era adquirir conocimiento, experiencia y un sueldo.

Pero continuar diseñando al margen, en los ratos libres, durante las vacaciones. El objetivo: despegar como estudio. Funcionó. Así, sumando las siglas de sus apellidos, nació MVRDV. En 1997, el asilo WOZOCO de Ámsterdam se convirtió en el bloque de viviendas sociales más económico de Holanda. Y ése no era el mérito. La manera en que colgaron de la fachada nuevos pisos para no privar a los vecinos del sol matutino le dio cara y ojos al inmueble.

Y los hizo famosos. Tres años después firmaban el pabellón holandés en la Expo 2000 de Hannover, un edificio que apilaba jardines como solución para el problema de la densidad que aprieta su país.

El resto es... historia.

que pagan el gran coste de un proyecto abierto al público. La arquitectura ha evolucionado. El cliente cada vez pide más. No hay que olvidar que tenemos brillantes predecesores. Hoy quien te encarga un mercado conoce Santa Caterina, de Miralles, en Barcelona. Y quiere un efecto similar en el barrio. No lo mismo, pero sí el mismo impacto. Lo fascinante de la arquitectura siempre es el siguiente paso. Se evoluciona conociendo a los predecesores y buscando liberarse de su peso. Hoy la gente es muy consciente de su alimentación y un edificio puede representarlo. Ámsterdam y Estocolmo están plagadas de mercados hípsters. Claro que puedes hacer uno más, pero ¿es ese el siguiente paso?

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¿Qué importancia tiene para su arquitectura su propia ciudad, Róterdam?

Cualquier ciudad cambia continuamente, pero en Róterdam el cambio es extremo porque había mucho por hacer tras los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. De esa transformación continua saca la ciudad su fortaleza. Ha desarrollado una cultura del cambio que afecta a la apertura mental de los ciudadanos. ¿Defender hoy la arquitectura icónica es valentía u obcecación?

Es lógico que en lugares como Valencia se asocie la palabra icono a despilfarro y falta de responsabilidad. Pero es muy triste haber visto cómo las grandes estrellas de la arquitectura devoraron todo ese potencial con avaricia. Nuestra generación, y la siguiente aún más, ha tenido que trabajar con presupuestos bajos y cuidados mayores. Con todo, un icono también puede asociarse a transformaciones positivas. Sería una pena no volver a construir con voluntad de marcar las ciudades. La mejor arquitectura es la que construye lo inesperado y

“Hay una diferencia entre arriesgar de joven y hacerlo con una trayectoria profesional. Pero hagas lo que hagas, arriesgas. Ser arquitecto te obliga a creer en el futuro.

Lo tienes que imaginar” 54

transforma los núcleos urbanos y el punto de vista de los ciudadanos. Un marco neutro no sirve. Hay que empujar la arquitectura para que esta impulse y ayude a las personas. La arquitectura debe recuperar ese liderazgo. No todo el mundo puede ni debe hacer cosas pequeñas, casi invisibles. Mire las revistas: ahora todos trabajan con miedo.

Nadie quiere decir una palabra más alta. Alguien tendrá que pensar a lo grande. La sociedad necesita marcar las ciudades y los momentos. La neutralidad y la humildad son la espera, pero todos estamos esperando la llegada de lo grande. ¿Qué debe tener un estudio de arquitectura para creer que puede dar un paso más?

Una mezcla de seguridad y dudas. Hay quien entiende que está en la vida para experimentar y tratar de aportar y quien considera que debe proteger lo existente. Eso genera tipos diferentes de vida. En la arquitectura es muy visible. Pero en mi opinión el exceso de protección mata la curiosidad. Entiendo que si alguien necesita certezas sea conservador. Personalmente creo que no hay certezas y prefiero reunir el valor para atreverme a pensar de otra manera. ¿Los arquitectos arriesgan más al madurar? Pienso en Frank Gehry, Herzog & de Meuron…

Hay una diferencia entre arriesgar de joven y hacerlo con una trayectoria profesional. Pero hagas lo que hagas, arriesgas. Ser arquitecto te obliga a creer en el futuro. Lo tienes que imaginar.

Ante un gran edificio, tienes que pensar en cómo será el mundo en 10 años. Eso requiere imaginación y capacidad de observación y riesgo. Si uno no mira hacia el futuro, cuando llega está más atrás que cuando comenzó.

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GENTE

D Texto: IRENE CRESPO

Después de trabajar con Martin Scorsese, el actor estadounidense presentó Paterson, de Jim Jarmusch, donde consigue su mejor papel interpretando a un exmarine, conductor de autobús y poeta.

Hoy trabaja en la nueva película de Steven Soderbergh y a finales de 2017 presentará un flamante episodio de Star Wars.

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esde que estallara el éxito de la serie Girls y con él despegara la carrera de Adam Douglas Driver (San Diego, California, 19 de noviembre de 1983), el actor tiene un único lema: “No la jodas”. En los últimos cuatro años ha trabajado con Noah Baumbach (Frances Ha, Mientras somos jóvenes), Steven Spielberg (Lincoln), los hermanos Coen (Balada de un hombre común), John Curran (Tracks), Jeff Nichols (Midnight Special) y Martin Scorsese (Silencio); ganó una Copa Volpi en Venecia (por el drama Hungry Hearts)… Ah, sí, y fue el villano en esa peliculita llamada Star Wars: El despertar de la fuerza (2015).

“Quizá alguien elocuente sea capaz de explicar el giro que da tu vida, lo que estoy viviendo, ponerle una etiqueta, pero yo no. No he tenido tiempo ni de sentarme de verdad a reflexionarlo”, explica el hombre de 33 años mirando a los ojos, siempre, pero con una timidez palpable.

Su casi 1.90m de altura, su corpulencia y enormes manos (que tan bien le iban a su Kylo Ren en la saga galáctica) se queda en nada cuando se planta en la habitación de un hotel en Toronto (Canadá), resignado a hacer una entrevista tras otra. Driver se repliega sobre sí mismo y contesta con amabilidad y sinceridad. Como buen exmarine, sabe que esto es parte del “servicio” que da siendo actor, pero eso no cambia que sea un hombre parco en palabras, aunque luego los directores con los que trabaja precisamente alaben de él su arte para manejar-

las. “Mientras la mayoría intenta adaptar los guiones a su propio ritmo, Adam trabaja con sus frases hasta hacerlas suyas, por eso cada vez es distinto”, explicaba Shawn Levy que lo dirigió en 2014 en This is where I leave you, junto a la veterana actriz Jane Fonda.

Quizá por ese talento innato para trabajar con palabras lo escogió Jim Jarmusch para protagonizar Paterson, su última película. El título es el nombre de la ciudad, en Nueva Jersey, en la que se desarrolla la historia, hoy en decadencia pero un lugar histórico de poetas. Los escritores William Carlos Williams, Allen Ginsberg y, más recientemente, Junot Diaz se han inspirado en sus calles industriales. Paterson es también el nombre del personaje de Driver, un conductor de autobús, también exmarine, y poeta en secreto. Un hombre que ama su rutina sencilla, porque es en las pequeñas variaciones de esa rutina en las que surge la poesía

y la belleza. Esa rutina anónima que el actor ahora busca y es incapaz de encontrar, convertido en una estrella a pesar de sí mismo. ¿Eres lector de poesía?

Ahora sí, pero no lo era hasta que hice Paterson. ¿No leías ni escribías poesía? ¿Ni siquiera el típico poema de amor?

No, no, no, no creo en el amor o en las relaciones. Son un despilfarro económico [risas]. No, nunca he escrito poesía. Ni siquiera sabía mucho sobre William Carlos Williams o Ron Padgett, que escribió los poemas originales para esta película. Pero Jim [Jarmusch] me enseñó mucho. ¿Te hizo esta película pensar en la poesía del día a día? ¿Dónde la encuentras?

Desde luego. Esta película te hace frenar. Es muy valiente por parte de Jim pensar que un personaje cuya principal actividad es escuchar es lo suficientemente cinemático. Él confía tanto en su audiencia como para saber que 57

pueden aguantar viendo a alguien que sólo piensa.

Yo no dedico tanto tiempo a observar las cosas.

Obviamente, vivimos en una cultura que necesita mucha acción y actividad. Recuerdo que, incluso cuando leí el guion la primera vez, no pude evitar pensar que algo iba a pasar en cada escena como: “Ahora atropellan al perro”, o “El conductor de autobús se sale de la carretera”… Pero al final [que no pase nada] añade mucho a una bonita relación en la que los dos [su personaje y su novia, Laura] se han dado espacio. Dos personas han estructurado sus vidas de tal forma que pueden flotar en su arte. Creo que es una película muy valiente.

Interpretas a un exmarine y tú mismo lo eres, ¿qué te llevó a alistarte?

El 11 de septiembre de 2001. Como mucha gente de mi edad entonces, se me despertó un sentimiento de patriotismo y castigo y quería involucrarme. Pero después llegas al ejército y te das cuenta de que no tiene nada que ver con eso. Se trata de colaboración entre un grupo de gente, y eso es lo que intento aplicar en la interpretación, porque también se trata del esfuerzo en equipo. No se trata de ti. Tú tienes un papel. Tienes que saber cuál es tu papel dentro del equipo. Creo que lo que me gustó de Paterson, de hacer que el personaje fuera un marine –que no fue algo que Jim añadiera después–, fue la idea de subvertir las expectativas: como es conductor de autobús, no puede ser un poeta. Estuvo en el ejército, pero no es lo que le define. Simplemente porque la gente haga algo no quiere decir que son eso. La gente es más compleja.

Trabajar con Jarmusch o Scorsese, o en Star Wars, ¿significa cumplir sueños de infancia?

Lo pienso y luego lo elimino de mi cabeza inmediatamente porque se puede interponer en tu trabajo. Cuando ves Star Wars no puedes darte cuenta de que estoy emocionado por estar allí. Trabajar en todas esas películas es similar, aunque el catering es claramente mejor en una que en otras, o tienes mejor tráiler. Trabajar en algo como Star Wars también es una experiencia única porque la dirige gente como J. J. Abrams o Rian Johnson, que encabeza la segunda [Star Wars: Episodio VIII: Los últimos Jedi, cuyo estreno se tiene previsto para finales de este año]; aunque sean producciones de una escala mucho más grande, la forma de trabajar es igual que en el resto.

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Por tu forma de ser parece que te sientas más cómodo en algo como Paterson que en Star Wars, aunque sólo sea por la promoción y la atención que implican.

Sí, supongo que eso es verdad. Y hay más gente. Hay más ruido en un set de Star Wars, cuando cortan la escena, hay cientos de personas haciendo diferentes trabajos. Uno se dedica a barrer las hojas, otro a poner a punto las espadas láser. Este tipo de películas llevan más tiempo que otras. En películas como la de Jim, como es tan íntimo, trabajas más rápido. Ahora estoy trabajando con Steven Soberbergh [en Logan Lucky], y es igual de rápido, porque es un set pequeño e íntimo. ¿Cambia tu vida cuando ves a gente disfrazada de un personaje que tú has interpretado?

Como actor, tratas ser tan anónimo como puedas. Tu trabajo consiste en intentar espiar y observar a otra gente, pero cuando la gente te observa a ti, dificulta mucho tu trabajo. Se supone que tienes que vivir experiencias, fracasar, no vivir de manera imprudente. Tener una vida todo lo normal posible. Cuando eres el observado –sólo hablo por mí– te conviertes en alguien muy autoconsciente, ya no quieres salir ni hablar con nadie. ¿Cómo mantienes una vida normal?

Estoy rodeado de gente que es normal, como mi mujer, que es genial, y tengo un buen agente. Un buen círculo de amigos –estos clichés que decimos los actores–.

Pero tienes que superarlo de alguna forma. No puedes tenerle miedo a todo.

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Su nombre es Paterson En Paterson, la película de Jim Jarmusch, un conductor de autobús es poeta en la intimidad. Un asunto delicado, el de conducir un autobús pensando en versos. Pero Paterson (Adam Driver) lo resuelve bien: escribe antes de empezar la ruta, guarda su cuaderno secreto y conduce. Quien la ve sin saber de qué trata, va de sobresalto en sobresalto esperando que al autobús se suba Keanu Reeves, que al perro lo secuestren unos raperos, que su novia (interpretada por la actriz Golshifteh Farahani) muera metiendo la cabeza en el horno por vigilar sus cupcakes. Pero como en la vida, en la película siempre está a punto de pasar algo mientras está pasando todo. ¿Cómo descubriste la actuación?

Paterson es una historia feliz porque de algún modo al Me interesaba antes de entrar en final se cae en que el protagonista es un poeta cuyo oficio los marines, pero me crié en un clandestino, a fuerza de exhibirlo, es el de conductor de pueblo pequeño de Indiana, donde autobús, como todos nosotros. Y se agradece que sonría ser actor no es un trabajo real. Y sin necesidad de acariciarle el lomo: la rutina suele ser al salir de los marines, me sentí maltratada en el cine y fuera de él, señalada con adjetivos con toda esta falsa confianza y condescendientes y paternalistas. Así que a ese hombre que me decía: “Comparado con el ejérsiempre parece que le va a ocurrir algo, la gloria o el crimen, cito, los problemas civiles se puelo mejor que le ocurre es que todo sigue igual. Que eso se den manejar fácilmente”. Sabía interprete como felicidad y no como resignación es uno de que Nueva York era el lugar en el los éxitos de la película. Otro de los éxitos es acabar de verla que los actores que me gustaban sin saber qué se ha visto; la película también enseña que el habían empezado, así que me fui desconcierto está infravalorado. allá y tuve la suerte de entrar en la escuela Juilliard. Mi plan B era simplemente vivir en las calles, porque sabía cómo sobrevivir en las montañas de California. ¿Pero estás preparado para protagonizar películas más grandes?

Hace no mucho dijiste que Cada vez estás más en primer término. nunca serías protagonista por No tengo un plan de juego. Tener más que hacer en una película es bueno tu “aspecto raro”. y malo a la vez. Con suerte lo único que continuaré haciendo es traba¿Dije eso? Quizá. No intento jar con buenos directores. Sin importar la escala del proyecto, ser parte verme como un actor princide cualquier historia que alguien intente contar es emocionante para pal. Es una profesión demasiado mí. No tengo ningún plan del tipo “ahora sólo interpretaré personajes egoísta. Prefiero no pensar en así de grandes…”, porque pienso que hay secundarios muy interesantes. qué voy a hacer después o cuál Intento no limitarme a nada. Una de mis grandes preocupaciones es acoes mi objetivo. modarme demasiado, que todo me resulte fácil.

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Imágenes: cortesía

LO INSóLITO ¿Te dio miedo acomodarte o encasillarte después de Girls?

Enseguida conseguí papeles muy diferentes. Lo bueno de Girls es que es muy particular y extraña a su manera. No creo que tenga muchas oportunidades de interpretar otro personaje como Adam Sackler, ya sabes, alguien que se masturbe encima de alguien [risas]… Así que a no ser que me pidan hacer porno… ¿Estás preparado para el rodaje maldito de The Man Who Killed Don Quixote [con Terry Gilliam, que lo ha intentado poner en marcha cuatro veces antes]?

No quiero ni hablar sobre eso para no arruinarlo.

Mejor, toquemos madera.

Jarmusch dice que hizo Paterson como antídoto a una película de acción. ¿Por eso la hiciste tú, por mantener un equilibrio con las grandes producciones?

No, la hice por Jim, la única razón fue trabajar con él. No me importaba la escala del proyecto.

Creo que es uno de los mejores cineastas vivos.

Trabajar con él me confirmó muchas cosas. Jim es muy concreto y muy divertido, es una de las personas más divertidas que conozco. Su sentido de la ironía siempre se cuela en sus películas. Es una de esas personas con las que crees que no vas a trabajar nunca y, cuando lo logras, sólo quiere colaborar y te pregunta qué piensas sobre todo.

“Hice Paterson por Jim Jarmusch, la única razón fue trabajar con él. No me importaba la escala del proyecto. Creo que es uno de los mejores cineastas vivos”

¿Cómo te sientes con el final de Girls?

Es agridulce. Nunca he interpretado un papel durante seis años. Todo este tiempo tenía el personaje en mi mente, sabía que tenía que volver en algún momento, así que nunca lo dejaba ir.

Incluso rodando la última temporada era difícil darse cuenta de que iba a ser la última vez.

Fue un momento muy agridulce. La serie me dio la posibilidad de crecer. Gracias a Girls toda la gente con la que he querido trabajar empezó a estar interesada en mí. Aunque también tuvo su parte mala por esa situación antinatural de la fama. Después de haber pasado la mayor parte de mi vida en el anonimato, ahora lo considero un lujo. Pero intento no pensar mucho en eso. ¿Dónde encuentras el silencio ahora que tu vida va a este ritmo?

Ahora me voy a la habitación de al lado y empiezo a gritar durante 20 minutos [risas]. No. Creo que soy alguien que disfruta mucho de… no tener que hablar. Pero no tengo mucha más vida fuera de la actuación.

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SERIES

Texto: ROCÍO AYUSO

Conversamos con quien da vida a Claire Underwood en House of Cards, serie original de Netflix que recién estrenó su quinta temporada. Por palabra de la actriz, podemos albergar la esperanza de que habrá una sexta entrega.

E

s un tópico decir que el arte imita a la realidad, pero en el caso de House of Cards ha ocurrido lo contrario –otro tópico– y, para bien o para mal, la realidad política de Estados Unidos, con la llegada de Donald Trump a la Casa Blanca, parece haber imitado a la televisión. “Rodamos hace un año y, sin embargo, mostramos lo que está pasando hoy”, dice con asombro Robin Virginia Wright (Dallas, Texas, 8 de abril de 1966), protagonista de la serie política más exitosa de los últimos años, cuya quinta temporada fue estrenada hace unas semanas en Netflix.

La mujer de 51 años, exesposa de Sean Penn, con quien tiene dos hijos, no oculta sus temores como actriz y como ciudadana de su país. Robin interpreta a Claire Underwood, esposa del presidente Frank Underwood (Kevin Spacey). Ambos controlan una Casa Blanca corrupta en la que sus ansias de poder y su capacidad de manipulación los convierten en reyes.

“No me puedo ni imaginar cuan corruptos pueden llegar a ser”, describe la intérprete en esta entrevista, sin especificar si habla de la serie o de la realidad política.

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También productora ejecutiva de la serie, Wright ha visto cómo su personaje ha ganado importancia con el paso de las temporadas. “Ha aprendido del mejor, de las tácticas de su marido, y ahora veremos cómo, utilizando el mismo plan, se traza el suyo para dejar de ser una observadora estoica”. Cabe resaltar que esta nueva entrega de House of Cards es la primera sin su creador, Beau Willimon, al frente.

La actriz que comparte créditos con Gal Gadot en la nueva versión de Mujer Maravilla ha aprendido mucho con la fama que le ha signi-

ficado la serie. Cuatro veces candidata por su papel tanto a un Emmy como a un Globo de Oro, que ganó en 2014, sabe ahora llevar esa relevancia pública a cuestiones ajenas a su carrera, como la defensa de la mujer y de la igualdad laboral de sexos. “Igual trabajo significa igual salario”, resume de la pública batalla que mantuvo cuando descubrió que su sueldo era más bajo que el de su marido en la ficción.

“Lo bueno de la fama es para qué la usas. Crea una conversación, una vía de comunicación que te permite hablar de lo que es importante. Trabajo con mujeres en el Congo a través de una ONG. Creo que el feminismo no es la exclusión de otros géneros sino la inclusión de todos de forma igualitaria. Lo que digo: el mismo trabajo, el mismo sueldo. Así de simple. Y dado que la fama me permite estar ahí, es bueno mantener el mensaje alto y claro”, se explaya.

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“No entiendo de política ni me interesa.

La serie me ha enseñado mucho, pero para correr en sentido contrario, a Groenlandia si es necesario”

Pero el final de la serie se va acercando. A juzgar por su discurso, es seguro que habrá al menos una sexta temporada de House of Cards. A partir de ahí, Robin no se pronuncia. “Es el problema con las series que van más allá del primer año, que tienes miedo de reciclar, regurgitar las mismas ideas”.

Echará de menos encarnar a Claire Underwood, pero sus planes inmediatos son otros. En el cine tiene pendiente el estreno de Blade Runner 2049, al lado de Ryan Gosling y Harrison Ford. La televisión le sirve como campo de entrenamiento para lo que realmente quiere hacer: la realización. “He dirigido tres o cuatro episodios, ya ni me acuerdo”, apunta, tras agradecer al equipo de la serie su paciencia. También le apetece disponer de más tiempo para viajar sin esperar al descanso entre temporadas. Lo que tiene muy claro es su desinterés absoluto por la política. “No entiendo de política ni me interesa. La serie me ha enseñado mucho, pero para correr en sentido contrario, a Groenlandia si es necesario”, sentencia entre risas.

Imágenes: cortesía

Doblete. Eso es lo que hace estos días la actriz Robin Wright con su carrera. Mientras que en la pantalla chica es Claire Underwood, en la grande interpreta a Antiope, tía de la protagonista en la historia de Mujer Maravilla. “Si tengo que elegir, me quedo con la amazona”, dice divertida, sin ocultar su preferencia por las chicas guerreras.

Como recuerda, ya tuvo su época de “mujeres heridas y esposas dolientes” al principio de su carrera, así que está encantada con este cambio de escenario. Lo malo fue el cambio de cuerpo. Primero fue la musculatura que tuvo que esculpir en sus carnes para estar a la altura de los demás en Mujer Maravilla. “Y luego perderla, porque si no parecía una culturista embutida en los trajes entallados de Claire”, describe divertida la estrella de House of Cards. Tan complicado llegó a ser el tema de la forma física que la rubia sugirió poner mangas a un par de modelos de la primera dama de Estados Unidos para poder ocultar los bíceps.

Imágenes: cortesía

El espíritu de una amazona

No existe tensión con Kevin Spacey. Muy al contrario, al hablar de su compañero de reparto se la nota cómoda. Es tal la familiaridad que en ocasiones, tras una toma, no se había dado cuenta de que estaba delante de las cámaras. “Dios bendiga esa camaradería”, se ríe.

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DE VIVA VOZ

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Con más de 20 millones de álbumes vendidos, y con el mayor número de nominaciones a los Latin Grammy, la música del cantautor colombiano es alegría contagiosa como una feliz gripe. Volamos a Las Vegas para que nos hablara de su nuevo disco, previo a un concierto en la famosa Ciudad del Juego.

Texto: MARIANA MIJARES Fotos: SEILA MONTES

C

arlos Alberto Vives Restrepo (7 de agosto de 1961) inició su carrera en los años 80 con la intención de ser actor de telenovelas. No buscaba la fama ni reconocimientos, sólo la aceptación del público. Pero cuatro décadas más tarde e incontables éxitos musicales de por medio (“La gota fría”, “El pollo vallenato”, “Fruta fresca”, “Bailar contigo”, “Volví a nacer”, “Al filo de tu amor”), el nacido en Santa Marta, la ciudad más antigua existente en Colombia, ubicada en la costa del Caribe, vive uno de los mejores momentos de su carrera.

“En mi vida di muchas vueltas. Trabajé en tantas cosas, por ejemplo, en televisión, cuando en Colombia no se exportaban telenovelas. Y dentro de la

televisión, vi cómo se producía nuestra música tropical y fue entonces que soñé con hacer una propuesta musical”, dice el cantante en el encuentro que sostenemos con él en Las Vegas, ciudad a la que acudimos a ver uno de los conciertos de su más reciente gira.

que le permitió ser conocido en todo el mundo.

El colombiano poseedor del récord de mayor número de nominaciones a los Latin Grammy, y que en este día soleado de primavera viste playera y jeans negros y un paliacate en la cabeza, sonríe al mencionar que fue su estilo auténtico y personal, además de atreverse a fusionar estilos y géneros musicales en apariencia tan disímbolos como el vallenato y la cumbia con el pop, lo

Montado en bici con Shakira

“Yo escogí hacer vallenato en una época en que me decían: ‘Estás loco, eso no es lo tuyo, mejor haz baladas. El vallenato es muy pobre, muy humilde. No va a gustar en ninguna parte’”.

Aunque Vives ha tenido éxitos fundamentales en su trayectoria como cantante y compositor, definitivamente fue “La bicicleta”, un pegajoso tema de 2016 del cual, al escucharlo, se enamoró su paisana Shakira y que hoy tiene más de 900 millones de reproducciones en YouTube, el que le dio una exposición mediática sin precedentes.

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“Hay de todo un poco en Vives. Es un disco que se fue llenando de canciones lentamente, porque el éxito de ‘La bicicleta’, lo tengo que decir, retrasó un poco su salida. Hubo que promocionar y viajar mucho.

Entonces, iba haciendo cosas en el estudio de Miami, en Los Ángeles, en Bogotá”

El colombiano explica el éxito de la canción: “Yo había entregado mi disco a la compañía y ellos se lo mostraron a Shakira. Ella y yo siempre habíamos querido trabajar juntos, pero estábamos en disqueras diferentes y nunca lo habíamos conseguido. Pero ahora que estamos en la misma empresa era una cosa como muy ‘de casa’. Cantar con Shakira ‘La bicicleta’ le dio a la canción una dimensión distinta para llegar a lugares donde mi música no había llegado antes”.

“La bicicleta” le permitió a Vives, además, llegar a un público nuevo: los niños y los jóvenes, quienes gracias a este sencillo descubrieron la música del cantautor. “Claro que mucha gente nueva llegó, y de pronto empezaron a revisar en la historia de mi música y encontraron cosas que les hicieron decir: ‘¡Ah, mira, ahí hay mucho más!’”.

La bicicleta es, por cierto, parte de la vida de Vives en su natal Colombia, pues en Bogotá, la ciudad donde radica, es un medio de transportarse usual. “Allá tenemos buenas vías para bicicletas. Es una ciudad con buenos espacios para ellas. Cuando era joven, en una época en donde no había mucho dinero, no había para tener una buena bicicleta. Pero a los 15 años entré en un equipo de ciclocrós. Colombia es potencia mundial en esta disciplina y estuve en los primeros equipos amateur. Ahí me enamoré de la bicicleta”.

Aderezo de vallenato Además de su conocido tema al lado de Shakira, en los últimos años Carlos Vives ha colaborado con otros artistas de talla internacional como Marc Anthony y Maluma, experiencias que le han permitido internacionalizar aún más su música. “Mis colaboraciones han sido sui géneris y se han dado de manera natural. Tal vez porque durante mucho tiempo, sobre todo en mis inicios, no se hacían estos ejercicios artísticos, no era la moda, o simplemente uno estaba solo con un proyecto. Y después del tiempo que estuve fuera [Vives se tomó un descanso de la música de ocho años], veía que muchos artistas se juntaban. Cuando regresé, la primera colaboración fue muy curiosa, con un cantante brasileño de nombre Michel Teló. Brasil es un lugar en el que a uno lo tienen vetado, porque si no hablas portugués no entras en ese país. Pero lo de Teló se dio por amistad”.

Y añade: “Con ChocQuibTown [banda colombiana de hip hop y música alternativa] grabé porque son de mis bandas favoritas y son de casa. También somos amigos y nos queremos mucho. Me encanta su música y terminamos haciendo una canción en lo profundo del corazón. Así se han dado las cosas”.

En Puerto Rico, por otra parte, sus duetos con famosos intérpretes de reggaetón se dieron gracias a que en este país a Vives se le recuerda como actor. “En Puerto Rico me recuerdan de todos esos personajes que hice cuando ellos eran niños. Daddy Yankee y Wisin me recuerdan en las telenovelas… y mis telenovelas eran bastante pintorescas: hice de boxeador, de ciclista, de compositor de vallenato. Entonces tienen un recuerdo muy especial de mí y de los vallenatos. Tienen sus ideas muy ‘hip hoperas’, muy de rap y me invitan para que yo les ponga un poquito de vallenato, de cumbia”.

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Vives lo nuevo Con cerca de 40 años de trayectoria, el intérprete colombiano continúa renovándose, y aunque sus motivaciones siguen siendo las mismas, su música ha evolucionado. Prueba de ello es el lanzamiento de Vives, nuevo material discográfico que sale a la venta este verano. “Hay de todo un poco en Vives. Es un disco que se fue llenando de canciones lentamente, porque el éxito de ‘La bicicleta’, lo tengo que decir, retrasó un poco su salida. Hubo que promocionar y viajar mucho. Entonces, iba haciendo cosas en el estudio de Miami, en Los Ángeles, en Bogotá”.

“A mí me gusta mucho la gente. Así es mi forma de ser, natural. Vengo de un lugar donde la gente es muy cariñosa, hablamos mucho y somos muy metidos. Confianzudos.

La idea es no cambiar”

“Son 16 canciones, todas composiciones mías”, explica el cantautor. “Siento que es un disco que tiene un matiz entre la alegría y la tristeza. Porque hay temas para celebrar, y otros con deudas que hay que llorar: niños que hay que llorar, mujeres abusadas que hay que llorar. Hay cosas de nuestra sociedad que no hablan bien de nosotros”.

Al ahondar sobre sus inspiraciones a la hora de componer, Carlos se remonta a historias de su vida cotidiana. “Me inspira la vida misma; trabajo en la vida. Trabajo con mi fundación, trabajo en Santa Marta.

Vivo en Bogotá. Uno vive, como todos, la vida: lo que nos muestran las noticias, las cosas que pasan, las situaciones en nuestro país y en muchas partes del mundo, y el artista se nutre de eso”.

No obstante, Vives está consciente de que, aunque existen cantantes colombianos conocidos en el mundo, falta una apertura mayor. “Creo que en Colombia hay un movimiento muy hermoso, muy grande, del que poco se conoce. Digamos que yo soy privilegiado porque tengo muchos años en esto. Pero veo que es muy difícil para los que tienen sonidos auténticos, encontrar exposición mediática. Por ejemplo, hay toda una corriente de hip hop en la costa del Pacífico de grupos buenísimos, como ChocQuibTown, que trabajan y trabajan… y les es muy difícil salir.

A pesar de eso hacen cosas increíbles”.

¿Y cómo pinta el futuro para él? “Sabes, hay mucha magia alrededor de este trabajo, hay muchas cosas que aún pueden pasar. Lo he vivido en carne propia: empecé a trabajar a los 18 años y hoy tengo 55”.

Y concluye: “A mí me gusta mucho la gente. Así es mi forma de ser, natural. Vengo de un lugar donde la gente es muy cariñosa, hablamos mucho y somos muy metidos. Confianzudos. La idea es no cambiar”.

Agradecemos las facilidades otorgadas a Las Vegas Convention and Visitors Authority (LVCVA), Seven Magic Mountains, Sony Music y ADNOVA Comunicación Estratégica para la realización de esta pieza periodística.

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DEPORTES

El técnico francés del Real Madrid se hizo entrenador trabajando y olvidándose de su pasado de estrella. Tras año y medio dirigiendo el timón del equipo blanco ha logrado mucho más que dos Copas de Europa, una Liga española, un Mundial de Clubes y una Supercopa Europea: ha hecho del vestidor su parroquia.

Texto: JOSÉ SÁMANO

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Fotos: cortesía

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ostenía Johan Cruyff con “piel de ticas o de cera. Hace mucho que ante los enojos, desplantes y caprigallina” que nada hay más com- él, como Johan y otros del Olimpo chos de esos vestidores hoy converplejo en el futbol que lo más del Balón, son una gloria y morirán tidos en camerinos. Como tampoco sencillo. Por ejemplo, la anormal nor- como tal. Cuando se es Zidane no se se alertan más de lo debido en la malidad de un pase al compañero necesita recordar a nadie que se es “mediosfera” de micrófonos, cámaras y no al rival. ¿Y cuando las cosas se Zidane. Ni siquiera ante una final de la y grabadoras o ante las tramas, intriponen feas? “Pues dásela al mejor”, Champions League o descorchado ya gas y filtraciones de agentes intermecontestó un día el holandés a uno de el título. Por eso, con la misma natu- diarios. Y el jugador, siempre atento a los suyos abrumado por una derrota ralidad con la que un día antes del su único espejo, el propio, percibe con inminente. Cruyff era todo menos encuentro decisivo ante la Juventus agrado que el míster sólo parezca un alguien que pasara por la vida inad- por el título europeo se tachó como míster, sin más. Como suele decir Del vertido y, sin embargo, nada lo dis- goleador quien ha marcado dos tan- Bosque, al jugador hay que hacerle tinguía más que su extraordinaria tos en una final de la Copa del Mundo, creer que manda él, pero... simplicidad. Mientras muchos técni- Zidane moduló una sonrisa muda cos precisan de libretas, pizarrones, para festejar su segunda Copa de Zidane no ha tenido que asistir a computadoras, laptops, tabletas y Europa en su año y medio como entre- ningún simposio en Harvard sobre demás herramientas, digitaachiques de espacios para les o no, al coach de equipos doctorarse en lo que ya Su paso firme es ir de puntitas por la lateral como Ajax y Barcelona le estaba doctorado: el futbol. bastaba con sentarse sobre Sólo le faltaba alguna beca para que el eco lo tengan los jugadores. O un balón en los entrenapara probarse como tutor que al menos lo parezca y así lo sientan los mientos. Ese era su púlpito. de una plantilla de altíY en la misma pose se ha simos vuelos. Florentino muchachos. Llevan corbata, pero se sienten visto en ocasiones al franPérez se la concedió en futbolistas y entrenan y piensan como tales. cés Zinedine Zidane. enero de 2016 y ya tiene el posgrado y el cum laude.

Fueron actores principales y ahora son Dice mucho de los entreLlegó en un cruce de camiintérpretes de ególatras y engominados nadores cuando se les ve en nos con Rafa Benítez y con el ruedo entre un bosque Messi a la vista, y el verano de pelotas a las que no se resisten a nador del Real Madrid. Con mucho pasado le ficharon menos que a nadie mimar con alguna patadita sutil. Los menos otros se hubieran vuelto locos. en el Madrid en décadas. Sin meter el hay que prefieren echar un vistazo Los hubo que hasta recurrieron a la dedo en ojo ajeno y sin una mala cara con aire de capataz desde una banda pirotecnia propia para brindar por a la tribuna o al entorno, ha logrado antes de encerar su despacho con fle- algunas semifinales. mucho más que dos Copas de Europa, chas y más flechas, como si el futbol una Liga española, un Mundial de clufuera álgebra. A estos se les tiene por Con Zizou no hay ruido, como bes y una Supercopa Europea. ingenieros espaciales de grado supe- no lo hubo con Vicente del Bosque, rior. Y cuanto más se desgañiten en la Jupp Heynckes o Carlo Ancelotti en Zizou, con manos al bolsillo, una banda ante los focos, mejor. Y cuan- su momento. Los tres entrenadores, mueca amable y un verbo de volutas más vueltas le den al triplete, uno español, otro alemán y otro ita- men ajustado, ha hecho del vestidor trivote, cuadrado mágico y otras gai- liano, le precedieron como ganado- su parroquia. Una gran mayoría de fietas, mejor aún. De lo contrario, al res de “la orejona” con el conjunto les al Real Zidane Club de Futbol, que Zidane o Cruyff de turno no se le atri- blanco. Junto a Miguel Muñoz, otro no es otra cosa que un Real Madrid buirá mayor mérito que el de haber director técnico de época, respon- Club de Futbol de otra galaxia. No la nacido con estrella. Sí, claro, pero no den al modelo idóneo para el Madrid. galáctica, no, sino la del peatonal unise subraya que pocos como ellos la Su paso firme es ir de puntitas por la verso de un equipo capaz de asumir hacen refulgir mejor. Tienen algo que lateral para que el eco lo tengan los que hay sitio para todos, cristianos otros jamás podrán tener por más jugadores. O que al menos lo parezca y noveles. Que no hay mejor prima que lo intenten: son licenciados en y así lo sientan los muchachos. Llevan que el mérito compartido y que la futbol por el futbol. corbata, pero se sienten futbolis- suma de todos es infinitamente supetas y entrenan y piensan como tales. rior al do de pecho de un solista. No Tras una vida en la gran pasa- Fueron actores principales y ahora hay táctica más compleja en el futrela, la gente como Zinedine Yazid son intérpretes de ególatras y engo- bol que tener igual de radiante a un Zidane (Marsella, 23 de junio de 1972) minados. Nada que les sorprenda Cristiano que a un Nacho. No es estreno necesita abrirse paso a codazos desde que incubaron como jugado- lla. Es hacer sencillo lo más complejo. entre otras celebridades, sean autén- res. Tampoco se inmutan demasiado Palabra de Cruyff.

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CINE

Texto: GREGORIO BELINCHÓN

El director mexicano ganador del Oscar presentó en Cannes su proyecto Carne y arena, una instalación en realidad virtual que sumerge al espectador en el drama de los refugiados que cruzan la frontera de México con Estados Unidos.

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M

ás allá del relumbrón de La Croisette, del ruido de los fotógrafos y los gritos de los cazadores de autógrafos, Alejandro González Iñárritu (Ciudad de México, 15 de agosto de 1963) guarda un espacio para dar voz a quienes habitualmente sólo forman parte de estadísticas. En un hangar en el pequeño aeropuerto –para avionetas– de Cannes hoy se estrena Carne y arena, una instalación en realidad virtual que sumerge al espectador durante seis minutos y medio en el drama de un grupo de inmigrantes mexicanos y centroamericanos que en mitad del desierto y tras cruzar la frontera son detenidos por la Patrulla Fronteriza. Arena, desierto, viento, dolor y miedo, todo ello en un evento que el director mexicano prefiere calificar de “instalación artística” y no de película.

Dos días antes de su estreno mundial, González Iñárritu, ganador de dos premios Oscar como mejor director (Birdman y El renacido), nos acompaña en la visita que hacemos a Carne y arena. “Empecé a pensar en ella hace cinco años, y a trabajar en su desarrollo hace cuatro, gracias al patrocinio de la Fundación Prada. Pero la tecnología no ha estado a la altura del reto hasta hace muy poco”. El creador de Amores perros subtituló la instalación de forma reveladora: Virtualmente presente, físicamente invisible. “Hablé con varios migrantes y de sus experiencias en la travesía y de los detalles que me especificaron escribí, rodé, con la ayuda de Emmanuel Lubezki, mi director de fotografía, y monté esta secuencia. Para cada visitante la experiencia es única, creo que catártica y emotiva”.

Mientras habla el cineasta mexicano muestra un costado de la enorme caja (más de 15 metros de largo) que contiene Carne y arena. Esa pared la delimita una valla metálica. “Fíjate: la usaron los estadounidenses en la guerra de Vietnam y después en la frontera con mi país. La desmontaron para hacer un muro más grande y nosotros la recogimos”. Se abre una puerta. En un pequeño habitáculo, decenas de tenis desparejados y desgastados por la arena rodean a director y periodista. “Todo visitante se sienta aquí y deja en la taquilla su calzado y sus calcetines. Estos zapatos son reales, tenemos cajas y cajas con ellos… recuerdo de toda la gente fallecida en el desierto”.

“Hablé con varios migrantes y de sus experiencias en la travesía y de los detalles que me especificaron escribí, rodé y monté esta secuencia.

Para cada visitante la experiencia es única, creo que catártica y emotiva” 77

Ocho películas por las que se recordará Cannes 2017 En un certamen con una sección oficial mediocre, los mejores títulos se proyectaron en otros apartados.

The Florida Project (Sean Baker). Por su tamaño, por desarrollarse en Florida y por lo presumible de su carrera de premios, The Florida Project podría ser el Moonlight de este año, aunque sin la referencia estética a Wong Karwai. La protagonista es una niña de seis años y su pandilla de amigos, pertenecientes a la white trash, muchos de ellos hijos de madres solteras y que viven en los delirantes moteles que rodean Disney World. De secundario, un enorme Willem Dafoe pidiendo a gritos el Oscar como el gerente del motel Magic Castle, un duro ángel de la guarda de ese mundo. Se vio en la Quincena de Realizadores.

La cordillera (Santiago Mitre). Otro director en crecimiento al que le gusta esconder géneros dentro de otros géneros. Si El estudiante albergaba un thriller político dentro de una trama socioestudiantil y Paulina un drama de autoafirmación dentro de un retrato social, en La cordillera una cumbre de jefes de estado latinoamericanos, un thriller político, esconde el mejor Polanski del festival, mejor incluso que la propia película de Polanski presentada en esta edición, D’après une histoire vraie. Sus referencias al mal, hechas siempre con planos precisos y bellos, aportan un fondo inquietante a la película.

Y Ricardo Darín como Mefistófeles. Se proyectó en Una cierta mirada.

L’Atelier (Laurent Cantet). Otra maravilla del director de Recursos humanos, La clase y Regreso a Ítaca. Con la facilidad de Cantet para rodar y levantar ágil testimonio de conversaciones con varios personajes, esta película retrata a la actual Francia a través del día a día de un taller literario para jóvenes de La Ciotat, una ciudad portuaria arrasada por la crisis. Se vio en Una cierta mirada.

L’Amant double (François Ozon). Para la historia deja, en su secuencia inicial, un homenaje a El perro andaluz, gran obra del surrealismo cinematográfico, cortesía de Buñuel y Dalí. Una vagina abierta en una exploración ginecológica se convierte en un ojo femenino para delirio de los fans del director francés. El resto es otra cosa.

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Nelyubov (Andréi Zvyagintsev). El director quería ser actor hasta que cumplió los 40 años y decidió ponerse detrás las cámaras. Desde entonces, ha dirigido un puñado de películas impecables: El regreso (2003), Elena (2011) y Leviatán (2014). Puede que este trabajo no sea el mejor, pero mantiene su pasión por largas tomas de una naturaleza que parece cernir cruelmente a sus protagonistas y por mostrar la realidad rusa. Un matrimonio en proceso de divorcio ve cómo sus planes se tambalean cuando su único hijo desaparece.

Un beau soleil intérieur (Claire Denis). El nuevo filme de la veterana Claire Denis, con Juliette Binoche encarnando a una artista divorciada en busca del amor verdadero, obtuvo el premio a mejor película en la Quincena de Realizadores. No dejó a nadie indiferente.

Okja (Bong Joonho). La primera película de Netflix que compitió para la Palma de Oro de Cannes y uno de los títulos que abrió la manzana de la discordia: ¿dónde hay que ver el cine? A Okja le pesa que es una historia para un público muy distinto del de los festivales, y el surcoreano Bong logrará más cariño y reconocimiento en otras audiencias... como las de Netflix.

The Square (Ruben Östlund). Al director sueco le puede su ambición, al intentar meter demasiados temas en este drama, y aun así deja un trabajo férreo, retrato de la actual estupidez humana y de lo “políticamente correcto” a través de uno de los mundos más discutibles en la actualidad: el del arte contemporáneo. Se alzó con la Palma de Oro.

Imágenes: cortesía

“Algunos espectadores llegan incluso a acabar de rodillas con las manos en la nuca”; cuenta el director. “Hay 14 puntos de vista, más el omnisciente, y aun así al final tienes que elegir” No es contra Trump pero…

Se abre otra puerta. Fin del primer acto.

Dos operarios esperan en una sala oscura de 10 metros de largo, con un suelo de arena de desierto. Del techo sale un cable que acaba en la mochila que portará el visitante. De ella salen los cables que conectan con las gafas Oculus y los audífonos.

Alejandro espía desde fuera. Comienza la inmersión. Al contrario que los cortos de realidad virtual mostrados en festivales, el espectador no está sentado, sino que puede moverse por la película. En mitad del desierto, un grupo de inmigrantes aparece a lo lejos, entre cactus, viento y calor.

Llevan tres días con poca agua para atravesar la frontera. Se acercan al espectador.

De repente surgen un helicóptero y dos todoterrenos policiales. La tensión estalla, los niños lloran, el visitante toma partido.

Hay un momento “muy González Iñárritu” que se relaciona con la espiritualidad habitual. “Eres muy racional”, regaña entre risas el cineasta. “¡Repítelo, métete más!”.

La segunda vez parece completamente distinta. Hay detalles que se aprecian mejor, como el guiño del mexicano a aquellos refugiados que realizan su viaje en barco, o un bebé escondido en el pecho de su padre. El dolor se incrementa, y los jeans del periodista se rompen. “Algunos llegan

incluso a acabar de rodillas con las manos en la nuca”; cuenta al final el director. “Hay 14 puntos de vista, más el omnisciente, y aun así al final tienes que elegir”.

En la tercera sala aparecen los retratos y un pequeño resumen de la vida de los inmigrantes que participaron en construir Carne y arena. Llega el momento de la charla. “Necesitaba hacer algo que fuera acorde con lo vivido con ellos, que su realidad fuera relevante. Y que, a pesar de todo el aparataje, en la pieza la humanidad eclipsara la tecnología. Hoy, toda realidad es tergiversada, hablamos de inmigrantes cuando son refugiados.

Como no quería cerrar mi visión, el momento onírico recuerda que para unos hay océanos y para otros, desiertos”, afirma Alejandro. “La inmigración la llevo dentro, yo mismo lo soy. Ya en Babel y, en menor grado, en Biutiful, traté el tema. Pero quería ir más allá, recordar que esta gente no es una amenaza, sino una oportunidad. Para México, son la segunda fuerza económica, tras los ingresos que genera el petróleo”.

Carne y arena no nació contra el presidente estadounidense Donald Trump, pero hoy toma una intención ulterior. “En tu país hay ocho personas que poseen ella solas el 50% de la riqueza de la nación, ¿y te volteas contra los más pobres? Trump no es el único, estamos en manos de políticos que usan el odio para atenazar emocionalmente a sus votantes”. González Iñárritu habla, se mueve, incide en sus palabras. Recuerda cada caso de los inmigrantes que colaboraron en la instalación que tras pasar por Cannes, estará en la Fundación Prada (Milán) hasta enero de 2018 y después viajará a Los Ángeles y a Ciudad de México. Antes de despedirse, el cineasta de 54 años confiesa: “Yo no quiero cambiar nada, sólo recordar su dolor y resucitar nuestra sensibilidad”.

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MÉXICO LINDO

Texto y fotos: ARMANDO VEGA-GIL

El Paraíso lo llevamos dentro, es parte de nuestra esencia; sin él, no podríamos sobrevivir.

Y no, no debemos dudar de esto: el Edén de cada uno está allí, a la espera de estallar frente a nosotros en alguna esquina del mundo, vuelto una maravilla iridiscente, con sus bahías de media luna, sus oasis y dunas, zorros escurridizos y lobos marinos, selvas inexplicables y océanos salvajes. Un Paraíso donde podemos llorar en paz y felices por nuestros muertos y nuestros vivos. Un lugar donde todos alcanzamos la santidad mundana de un huracán. Un rincón cerca del mar.

Un lugar de Todos Santos.

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“El arte es sólo una excusa” Felipe Ehrenberg (1943-2017)

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:45 pm. Estar de frente a una playa tan vasta, Punta Lobos, tan plena y desnuda, más oro sangrante que azul marino, más ventana gigantesca hacia otro punto en el Cosmos que camino invernal de lobos marinos, delfines, ballenas grises y jorobadas en migración; estar de frente aquí, pues, provoca una sensación de extrañamiento: ¿quién soy yo? O, mejor, ¿qué soy yo ahora mismo que el sol se resiste a morir en el horizonte acuático? “¿O soy yo y eres tú, querido Felipe, este par de cactus que recortan sus espinas contra el abismo?”. “No – me contestas–, son nuestros vellos de brazos y piel que se erizan por un viento helado que lame el apéndice final de Baja California Sur. Estamos en Todos Santos”. “¿También somos santos tú y yo?”, pregunto, y sueltas una de tus famosas carcajadas empujada por una voz telúrica que se ha hecho cada vez más arenisca por esos cigarros liados con hoja de maíz que solías fumar.

Entre El Mirador y la playa, hay un desierto empinado en un risco suave y espinudo que no alcanzo a distinguir, que engulle la noche. ¡Ñam! “Mañana exploraremos esos enredos de arbustos caducifolios, desnudos de hojas, pues hace un rato que no llueve”, te explico, y le damos la espalda a las estrellas. Regresamos al hogar chispeante de una palapa altísima y generosa a cenar jurel en salsa verde, el precioso pez plata que abunda en las aguas californianas y que nuestro chef, temprano en la madru-

7:45 pm. Estar de frente a una playa tan vasta, Punta Lobos, tan plena y desnuda, más oro sangrante que azul marino, más ventana gigantesca hacia otro punto en el Cosmos que camino invernal de lobos marinos, delfines, ballenas grises y jorobadas en migración; estar de frente aquí, pues, provoca una sensación de extrañamiento: ¿quién soy yo?

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gada, va a sacar de las cubetas de los famosos pescadores de la zona, ésos que entran del brazo de mar a la playa a velocidad de zumbido, volando sobre las olas en parábolas de mantarraya. “Son ángeles de sal y espuma estos pescadores bravos”, me aclaras, y chapaleteas la lengua junto al olor de la pesca del día, pues, lo sabemos y nos da tanto gusto, eres un antojadizo.

Sí, ya hace hambre y frío de humedades.

Dentro de El Mirador, charlan animados Dvorah y Guillermo. Yo les dije hace unos minutos: “Tengo que salir, discúlpenme”, y corrí al terraplén a llorar un poco, y tú me alcanzaste; pero ahora no entras a cenar. “¿Por qué estás tan callado, Felipe? ¿No morías de hambre?”.

Cuando bajamos al pueblo, encontramos las calles vacías, asombrosas de tanto silencio y quietud.

Un par de cactos recortan sus espinas contra el abismo. Son nuestros vellos de brazos y piel que se erizan por un viento helado que lame el apéndice final de Baja California.

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A diferencia de San José del Cabo, que en el punto nodal de su zona de antros se vuelve un pandemonio estridente, suma pastosa de todas la músicas de fiesta que uno pueda imaginar, chun chaca y punchis punchis, plagado de spring breakers y masas desorientadas, aquí, en Todos Santos, a partir de las 9 de la noche, sólo vagan sombras por las calles reticulares, por sus plazas y cancha de beisbol, o quizá un trío de amigos recientes o alguna parejita que va a echarse un trago al Todos Santos Inn, a la terraza del Hotel Guaycura, desborrado este edificio de ladrillos macizos por un manotazo de luces rojas y blancas. Fantasmales. Esta quietud es sin duda lo que ha atraído a pintores, escultores, literatos y compositores de varias partes de México y el mundo que buscan el silencio de lo exterior para escuchar sus voces más profundas: murmullos... y gritos. Durante el día, hay decenas de galerías activas, tiendas de artesanías, restaurantes geniales y un teatro risueño en el que, uno tras otro, hay encuentros de jazz, teatro, música y orquestas sinfónicas, incluso un festival de cine que comienza a destacar junto al de Los Cabos.

Hay mucha acción poética a la vuelta de cada esquina. Pero, “¿sirven de algo el arte, la cultura?”, te pregunto desesperanzado. “Sí –me aleccionas 84

Una luz barrida, de cara al hotel Guaycura, podría ser cualquier recuerdo, cualquier fantasma, cualquier arcángel.

como siempre, maestro perene–, son la demostración de que, en medio del desastre y la locura, el hombre también puede crear Belleza, aunque la Belleza duela”.

“Tú podrías vivir aquí, seguir produciendo a gusto tu obra, al lado de tu esposa, mi hermana por adopción, La Cocinera Atrevida”, le digo a uno de los artistas de ruptura y renovación perpetua más importantes del siglo XX, el neólogo Felipe Ehrenberg, mientras rondamos por la Plaza Principal, bajo las palmeras que proyectan una sombra tenue recortada por la luz de la luna y que ahora, sin explicación meteorológica de por medio, se ve enorme, rojiza, como corazón reventado.

–Sí, son extrañas esas palmeras, esta vegetación florida y templada en medio del desierto agreste de Baja California Sur —nos explica Guillermo, nuestro generoso anfitrión, con dicción cuidadosa a Dvorah y a mí—; pero Todos Santos se levanta en medio de un oasis alimentado por lluvias y tormentas atajadas por esa espina dorsal (¿de dinosaurio?) que se ve allá al Este, la Sierra de la Laguna, y que escurren sus aguas a salvo por ríos subterráneos hasta dar en pozas de agua fresca.

Montar Milagros “Comprobaremos la frontera del desierto y el oasis”, te digo al día siguiente, al montar una pandilla de caballos que Kaia, la caballeranga rubia, ha rescatado a lo largo de los años. Como la yegua tenaz en la que me amarro a dos piernas, yo que jamás había subido a un caballo, más, de este pelo, salvo un poni en Chapultepec que era más trol islandés que furia guerrera. Mi hembra se llama Milagros porque, cuando Kaia la rescató, una banda de zorros furiosos la atacaron recién salida del vientre de su madre. La daban por muerta, pero nuestra sueca rubicunda la curó y la protegió hasta poder ostentar semejante envergadura, lo que es, sin duda, un Milagro.

El oasis Todos Santos está dividido por un vado, y el otro lado del pueblo se llama así: el Otro Lado. Allá tal parece que estamos en una selva baja tropical, húmeda y verde a perpetuidad. Sombras que me abrazan bajo hojas amplias, zumbido de bichos y piar de cientos de especies de aves endémicas, fabulosas.

Pero, de golpe, ¡flap!, el oasis meridional se corta de tajo tras las riveras de La Poza, y vienen las dunas onduladas, las peñas pelonas que llevan allí más de 100 mil años, junto a enredos apretados como un bosque encantado por el palo verde, el copal aromático, los cactos cardones, erectos y heridos en sus pieles como ancianos sobrevivientes de la guerra. Hay choyas de espinas tenaces que más vale no rozar, lomboy –planta medicinal y maravillosa– para curar las hemorragias, 86

Cabalgar sobre un caballo junto a la orilla del mar, con el alma llena de tristeza, puede volverse uno de los momentos más felices a los que podemos acceder. / Los cactos cardones, erectos y heridos en sus pieles como ancianos sobrevivientes de la guerra y el cáncer.

damiana para preparar licores afrodisiacos que llevan a los amantes a gestar, porque la yerba es eficaz para combatir la esterilidad y el desánimo.

Al salir del oasis, el golpe de luz nos desorienta: cae el sol en vertical como una lluvia de alfileres en cada poro de la piel; pero Milagros es una brújula que trota a orillas del Pacífico y chapotea en las espumas de salitre.

Damos vuelta a un promontorio, y entre las rocas, encuentro un par de zapatos enormes secándose al sol. Sé que son tuyos, Felipe, pues tienes esa costumbre de andar siempre descalzo, aunque las arenas que pises estén ardiendo como partículas subatómicas aceleradas y en colisión. En Todos Santos, lo inmaterial, lo invisible, es denso, se toca, te atrapa dentro de una nube. La vida no es sueño.

Allá, a lo lejos, un chico camina por la cima de un cúmulo de arena junto al cerro que se recorta, agudo, como una pirámide: ¿no estábamos en una playa, no en un oasis? ¿Egipto?

Los huesos de un zorro se cuecen al sol hasta dar con el blanco más puro, sobre el polvo durísimo del desierto. Son el principio y el final de un camino. / En el obligo del desierto, un oasis estalla en una selva baja que se extiende hasta la plaza principal de Todos Santos. / Los rayos del sol se refractan en la loma de un acantilado. Arena y piedra de color siena quemada. Allí, una silueta puede ser un fantasma o un ángel con sombrero.

–No –nos responde sonriente Fernando, el joven todosanteño que vibra como una visión que me ciega en el espejismo viscoso de los rayos solares que refractan la tierra y sus sequedades: allí hay un rastro de pies que avanzan a ninguna parte, los seguimos, y, en el andar, el joven nos explica–: Los guaycuras, los pobladores originarios, andaban por aquí desnudos, descalzos y felices, migrando de una poza a otra. Las plantas comestibles y el agua potable abundaban. Pesca, caza con flechas y lanza. El Edén no estaba en África, sino aquí, en Todos Santos. Cuando intentaron someter y expulsar a los guaycuras con la espada cristiana, desde los “conquistadores” españoles, hasta los perdigones y la pólvora de un ejército yanqui de rostros abotagados y de color naranja, anticipaciones multiplicadas de pequeños Donalds Trumps, durante la guerra de intervención, los guaycuras jamás fueron derrotados; pero pudieron más las sequías y la enfermedad.

De pronto, entre el agua de mar que se pulveriza al azotarse en un cayo de rocas, veo la silueta de Felipe. Va desnudo como un guaycura originario, es un gigante antiguo, incendiándose en su piel blanquísima, con las manos tatuadas de huesos, falanges y falangetas. Corro tras él. Pero, un momento, ¿no cabalgaba yo en ancas de Milagros?

Felipe se esconde tras un nudo de torotes, jojobas y matacoras que parecen muertos; sí, pero no: este desierto es un ser vivo, y apenas llueve, en unas cuantas horas brotan frondas, hojas verdes y flores de colores alucinantes, como esos que reviven una Tonantzin Guadalupe que se tuesta al sol como un petroglifo moderno. Madre Tierra. Una lagartija cachora, un correcaminos sin coyote, un martín pescador: águila de mar.

Un masaje, un peso menos sobre los hombros En el club de playa del Guaycura, Dvorah se queda bajo un cobertizo a comer tostadas de sierra con habanero y tomar cerveza helada, mientras yo sigo tras de ti, “¡Felipe, espérame!”, hasta que doy en un claro con el esqueleto limpio de lo que parece un zorro. Está esparcido y lo acomodo con respeto.

Lo retrato. Es un presagio, una exigencia dejar mi huella en este desierto sin modificarlo del todo: el aleteo de una mariposa puede provocar un huracán, pero también lo puede detener. Como el Odile que desató, según la teoría del caos, el estornudo de un bebé en Ahuatepec y arrasó con el extremo entero de Baja California; un huracán que cambió para siempre el rostro de Todos Santos, arrancando palmeras icónicas y casas, retrayendo las playas, empapando lo mojado.

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A mi regreso al club de playa, Liz, hermosa y decidida, me sale al paso, ve mi rostro abotagado por la deshidratación y el cansancio, y me lleva un hermoso camarín teñido de colores cálidos: es un spa –yo confieso: nunca he estado en uno–. Con mano firme y decidida, la mujer me estruja en un masaje desintoxicante. Me brotan demonios verdes y colorados. Se vale gritar, llorar, reír. Me hundo en un sopor de profundidades irreconocibles. Sueño despierto y llamo a voz en cuello a Felipe: “¡Caramba, dónde andas?”. Me quedo dormido más de una hora y al incorporarme, caigo en cuenta de que he dejado de cargar con algo insoportable de tan pesado.

Camino; más bien, floto. El mundo me da vueltas. Veo el rostro sonriente de Liz, la mayora de este spa, y reconozco en su gesto el mismo de la Guadalupana tras la que se escondía Felipe, allá en el desierto.

–Gracias –le digo y vuelvo a caer dormido hasta que Dvorah me despierta en una huerta hermosa envuelta en olor a romero y albahaca, a papaya verde y arúgula.

–Aquí se le llama jasamango a la arúgula –me dice Guillermo, ya sentado a la mesa–, por eso te hemos traído a comer aquí, a este resTras un denso palmar del oasis, al norte del desierto de Todos Santos, la playa de San Pedrito se abre al mar en una bahía de aguas dulces de tan saladas. taurante llamado así, Jasamango, porque sabemos que tienes una obstrucción en la aorta y debes comer sano, bonito... en mi garganta, y me levanto de la mesa. Mañana para que vivas más de los 61 años que llevabas a iremos a San Pedrito. “Hay que dormir temprano, cuestas en los hombros antes de tu masaje. Por Felipe, para vagar en la bahía al amanecer y recibir ejemplo: te recomiendo la pechuga de pollo orgálos rayos del sol en soslayo”, pero de nuevo quedas nico de Santiago, es de pastoreo libre, de granja, en silencio, y brindamos con un Cabernet de Casa y es la más suave del mundo –¡y vaya que lo es!–, Magoni. Tu copa está vacía. Dvorah y Guillermo sin hormonas ni cianuro. Las ensaladas de tomaguardan silencio, ¿y yo?, vuelvo a llorar. tes antiguos, acelgas y rábanos negros, las cortan directo del huerto; y el pan, hecho de masa Un altar en punta lobos madre, le caerá bien a tus arterias, a tu corazón, si lo refrescas en aceite de olivo extra virgen del Sí, Felipe: había que descubrir esta boca de mar, Valle de Guadalupe.

San Pedrito, en pleno amanecer, cuando girones de niebla lamen su media luna. Las arenas de la playa Mientras devoro a Melquiades (así he decidido están intocadas, salvo por el rastro de cuatro patas que se llamaba el pollo), una matacora –raíz milade zorro que van hacia el acantilado norte, justo grosa– se recorta vuelta mano crispada de rayos y donde vamos a ascender para llegar a Punta Lobos centellas contra el cielo herido, largo, en un labio de y apostar por espiar una familia de lobos marinos luces incandescentes. Se ata y desata un nudo ciego que allí acampan... si es que tenemos suerte.

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La Madre Tierra, Guadalupe Tonantzin, guarda y resguarda a los viajantes que bordean la playa Punta Lobos rumbo a la elevación del desierto. / Al pie de un acantilado, un circo de basalto vestido de sal y espuma, un solar que aguarda por marinos intrépidos y viejos lobos de mar.

levantan en los lomos del acantilado como columnas ascendentes, breves túmulos funerarios que de golpe inundan el paisaje como menhires celtas, como atlantes de Tula deshojados.

Sé bien que Jelipe me espera en la parte más alta de este alto juego de acantilados desgajados y firmes.

–Es improbable que en estos días del año se junte la cantidad de nubes y niebla que hay ahora.

Este es un día irrepetible –me dice Guillermo, que vuela sobre el circo de piedras sueltas y tierras de color siena quemada. Va tan veloz que, de pronto, se recorta en una loma; es una sombra y se diluye en el aire. “Pero, el sombrero que llevas, ¿es uno de esos que tanto te gusta usar, Felipe? ¡Ey, espérame, no vayas tan rápido, no tan así!”.

Ahora el que corre soy yo, entre cientos de promontorios de lajas de piedra que los todosanteños

Estoy extraviado: nadie a vista. Dvorah sabe que debía venir solo y me espera en su habitación en el Guaycura. Tengo miedo. De golpe, un grito de Guillermo me dice que vuelva la mirada hacia abajo. ¡Sí, allí están los lobos marinos que, más que aullar, cantan! Brincan al agua, saltan sobre las olas como pescadores de sal y espuma, toman el sol para calentar sus gruesas pieles.

Sigo el camino hacia las alturas. Llego con el corazón pateándome la aorta Sí. Esta es la cima del acantilado.

Aquí quedé en cita formal con Felipe. Hoy. A esta justa hora.

El suelo está lleno de trozos de caracolas y conchas marinas que la furia de Odile trajo a estas alturas desde el lecho marino. Manos de viento salvaje desgarraron las aguas y sus habitantes. Están blancas las caracolas como huesos de zorro, tibias como el cadáver de un amigo.

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Felipe ya no habla. Se está alejando. Me sonríe. Retuerce su enorme bigote. Tomo de prisa un puñado de valvas, conchas y caracoles devastados: son ceniza solar, y con ellos levanto un túmulo funerario, un altar efímero que sé que el siguiente huracán llevará de regreso al mar, allí donde la vida comenzó hasta dar con el encuentro de un aprendiz con su maestro

Valvas, conchas, caracolas arrancadas por huracanes del fondo del océano, se elevan sobre el paisaje en un frágil monumento, a la espera de un nuevo ciclón que las regrese al agua.

“¿Hasta acá me trajo el pequeño cazador o tú, Felipe?”

“Viniste acá por tu propio pie, amigo Armando – me susurra él al oído–, hijo mío a quien di un beso final dos días antes de morir, con el corazón estallado en esquirlas de viento y acrílicos”.

“Pero, Felipe, estabas tan fuerte el sábado, teníamos tantos planes, hicimos tantas bromas y comimos como trogloditas. No, no te puedes ir así, no es justo”.

“No, no lo es, Armando. Pero, ¿qué muerte es justa?”.

“Aún hay tanto que debo aprender de ti, cientos de abrazos y carcajadas pendientes”.

Me echo a llorar como un loco lastimado, a aullar con los lobos marinos, como un grito de Odile, un relincho salvaje de Milagros, una bofetada de sol cayendo como navaja en mis carnes.

“Felipe, me siento tan triste de no haber estado en tus exequias, ayer y antier, entre mareas de mezcal a tu salud, música de banda y el llanto de todos tus amigos que, por vía de ti, son mis hermanos huérfanos. Traigo una espina de erizo atravesada en el pecho. ¿Qué será de tu mujer, mi hermana adop90

tiva, La Cocinera Atrevida? Pero, ¿sabes, Felipe?, el azar me trajo a este paisaje para despedirme de ti junto al mar. La vida me trajo hasta aquí para celebrar tu muerte en un Edén donde quizá algún día me traiga mi hijo para esparcir mis cenizas en el mar, una madrugada fría, de nubes extraviadas”.

Felipe ya no habla. Se está alejando. Me sonríe. Retuerce su enorme bigote. Tomo de prisa un puñado de valvas, conchas y caracoles devastados: son ceniza solar, y con ellos levanto un túmulo funerario, un altar efímero que sé que el siguiente huracán llevará de regreso al mar, allí donde la vida comenzó hasta dar con el encuentro de un aprendiz con su maestro, con su abuelo, su hermano.

Te quiero abrazar, pero ya estás más allá de donde pueda tocarte, a pesar de que las cosas invisibles de este mundo sean densas y nos abracen sin siquiera sentirlas.

Un zorro me mira temeroso desde una loma. Aúlla.

Ya no estás. Te has ido para siempre; pero aún así te nombraré cada vez que mire al mar, que el mar es un universo que se cuela por todos lados, por Todos (los) Santos.

Ya nos veremos a través de ese océano más oro sangrante que azul marino. Hasta pronto, Felipe.

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CURIOSIDADES

Por qué estaba feliz

Ingmar Bergman Los suecos parecen tristes o alejados, pero son cálidos aunque su risa se active tan solo cuando ya están frente a ti. Este mes se cumplen 10 años sin el director de filmes trascendentes como Fanny y Alexander, El séptimo sello y Fresas salvajes.

Texto: JUAN CRUZ 92

Todo conspiraba para que ese día no estuviera feliz Ingmar Bergman, nevaba a mares, eran las 12 de la mañana de una noche sin fin, Estocolmo parecía una carroza rusa perdida en Siberia y el director tenía que conceder una entrevista en el Dramaten, su teatro, una hora con alguien a quien no conocía

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odo conspiraba para que ese día no estuviera feliz Ingmar Bergman (14 de julio de 1918-30 de julio de 2007), nevaba a mares, eran las 12 de la mañana de una noche sin fin, Estocolmo parecía una carroza rusa perdida en Siberia y el director tenía que conceder una entrevista en el Dramaten, su teatro, una hora con alguien a quien no conocía.

Al otro lado de la ecuación, el periodista deseaba que el artista de Persona que no resolvió su infancia y por tanto no resolvió su vida, dijera no, no quiero, y cerrara la puerta que abrió Gabi Gleichman, húngaro y sueco, entonces periodista y ahora, también, el autor de El elixir de la inmortalidad, en la que sigue el rastro europeo del filósofo neerlandés Baruch Spinoza.

Los dos, alentados por Gleichmann, avanzaron desde caminos distintos a la misma dirección, y fatalmente se encontraron, en efecto, en un despacho austero del Dramaten; él era enorme, como un gigante nórdico, sonreía como si estuviera esperando la visita desde antes del alba, iba vestido con un pantalón verde, una camisa verde, un chaleco verde, como si viniera de cazar venados, y se agarraba al quicio de la puerta como si la estuviera fijando. Era él mismo la puerta entera, aquella madera simétrica que le daba a su rostro, a su cuerpo enorme, el aspecto de un cuadro recién pintado.

Los suecos parecen tristes o alejados, suecos del norte siempre, aunque sea verano y haga sol en Estocolmo; pero son cálidos en invierno y en verano, aunque su risa se active tan solo cuando ya están frente a ti, preguntándote de dónde eres, antes de que tú mismo desenfundes o rompas la timidez que da encontrarse con un astro así, autor de melancolías irresueltas y monumentos de silencio que se equiparan, en el siglo XX, a las metáforas rotas de Samuel Beckett.

Pero no son tristes, ni solitarios, ni ajenos; son hospitalarios en seguida, como si salieran de un cascarón de nieve y te estuvieran aguardando para darte paz. El primer ministro Olof Palme te abría el despacho como si te hubiera encontrado solo y desamparado en una calle del mundo o de la capital sueca; El embajador Peter Landelius y su mujer Nancy buscaban en lo alto de su despensa cualquier lata que constituyera el centro de una cena improbable que sabía a Santa Lucía. Y Gleichmann era capaz de abrir la puerta de Ingmar Bergman como si estuviera regalando aire, como si no le costara nada.

Y Bergman era este gigante que está en la puerta de su despacho en el Dramaten. En sus manos cabían todas tus manos y en su risa se diluían los gritos y los susurros, las fuentes de la edad que son sus películas. Como si, en efecto, estuviera habitado por todos sus personajes pero en ese momento quisiera dar a conocer, tan solo, el niño que fue. Estaba a punto de irse a la isla donde vivía, donde escribía o dibujaba sus películas, y eso, dijo, le otorgaba cierto sentimiento de reencuentro con las edades perdidas. “Pues volver es siempre regresar a otro”.

Tenía los ojos de Lorca, asombrados o tristes, sucesivamente, y la lengua vivaz, como si hubiera estado callado desde hace un siglo o más. “¿Usted tiene siempre esos ojos? ¿Por qué no se hace actor?” No era Bergman, en ese momento, un monstruo callado que se activara con tus palabras; era él quien te sonsacaba desde que te mostraba el mundo que se abría ante nosotros, Luis Magán, Gabi Gleichmann, el reportero que iba a interrogarlo, muerto de miedo por no saber de dónde sacar las preguntas.

Sobre la mesa cálida, de caoba, cabe imaginar, había una cesta de frutas de la que sobresalía un racimo de plátanos de Canarias; quizá 93

Desde que quiso saber del pasado de los ojos que lo miraban, ya no cesó de hablar, de cualquier cosa, de la infancia, de las imágenes, del cine, de Goya…

Era un torrente feliz de palabras, un muchacho que tenía la maleta hecha para irse a una isla. Y como siempre pasa en las entrevistas, al principio le preguntamos por qué era tan reacio a hacer lo que íbamos a hacer, una entrevista.

–Sí, es una cuestión de principios. Cuando trabajé haciendo películas tenía que hacer muchas entrevistas y me presionaban para que participara más que nunca. Ahora quiero proteger mi privacidad y eso significa que se acabaron las entrevistas.

Es muy difícil ver a alguien durante una hora. Te puedes encontrar con alguien que no te gusta y tienes que sentarte con ese alguien durante una hora. Lo que sale de allí son simples opiniones y malos entendidos. Si son míos, no hay problema, pero si vienen de otra persona sí.

–Como espectador siempre tuve la sensación de que algún día usted iba a decir: “Ya no voy a hablar más”.

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–Sí. Esto [la entrevista] es puro accidente. Ahora estoy alejado del mundo de las películas y soy un campesino. Sólo quiero sentarme en mi mesa a escribir y leer.

Luego hablamos de la infancia y él dijo: “Soy un niño. Ya lo dije una vez: toda mi vida creativa proviene de mi niñez. Y emocionalmente soy un niño. La razón por la que a la gente le gusta lo que hago o hacía es porque soy un niño y les hablo como un niño”.

Desde que nos vimos pasaron más de 18 mil palabras; al final agarró las cámaras de Magán, nos juntó como si estuviera haciendo juegos malabares con las sombras del cuarto y nos hizo varias fotografías. Quería saber si habíamos estado cómodos y al irse nos abrazó como si nos hubiera necesitado. Por la noche llamó a Gleichmann para decirle que por la mañana, antes de vernos, sintió que ojalá quien iba a preguntarle le llamara para decirle que no habría entrevista, que le había surgido otro viaje o que la nieve lo había ahogado en Estocolmo. Es curioso, le dijo Gabi, a tu invitado le pasó lo mismo.

Fue uno de los encuentros más felices de esta vida de encuentros que es el periodismo. Bergman murió en verano, el 30 de julio de hace 10 años. La noticia llegó a quien esto escribe a las islas Cíes, desierta como la isla que ansiaba aquel niño que nunca dejó de serlo y que nos recibió con risas y plátanos.

Fotos: cortesía

fue Gleichmann el que le sugirió el toque caribe de nuestras islas para decorar el centro de la estancia, por la procedencia del que iba a preguntarle, o simplemente fue el impulso de la memoria que todos los suecos de la segunda parte del siglo XX tienen de Canarias como tierra a la que fueron a tomar el sol para curarse los huesos. Lo cierto es que allí estaban los plátanos, al alcance de sus manos de guitarrista, como el Eduardo Falú de las canciones tristes.

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PERSONAJES

El actor estadounidense que este mes cumple 55 años protagoniza La momia, película que inaugura el universo fílmico de Universal consagrado a traer de vuelta a monstruos clásicos como Frankenstein y El hombre invisible.

Texto: MARIANA MIJARES

A

sus 55 años, Tom Cruise sigue reinventándose y luego de protagonizar franquicias de acción como Misión: imposible (actualmente se encuentra trabajando en la sexta entrega de la saga), este galán de Hollywood estelariza La momia, remake de la cinta homónima de 1932 que protagonizara el inmortal Boris Karloff, y que continúa el mundo de “Dioses y Monstruos” de la casa productora Universal Pictures, bautizado Dark Universe, que consta de una serie de cintas basadas en monstruos legendarios de la pantalla grande.

Tom, actor conocido por éxitos de taquilla como Entrevista con el vampiro, Vanilla Sky, Jerry Maguire y Top Gun (cuya secuela también está en su lista de futuros estrenos), visitó México para hablar sobre este nuevo trabajo, los detalles de la filmación –que incluyó rodar en un avión con gravedad cero– y, por supuesto, consentir a sus fans con selfis y autógrafos.

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“Desde niño, como a los cinco o seis años me encantaban las películas de monstruos, claro que me daban miedo y mis padres me las prohibían, pero me escapaba a verlas acostado en el suelo del cuarto de mis hermanas, quienes me advertían que no podía gritar”

La reinvención de un clásico Thomas Cruise Mapother IV (Siracusa, Nueva York, 3 de julio de 1962) busca continuamente nuevos retos, por eso, cuando le ofrecieron la oportunidad de “modernizar” una de las películas más icónicas de la década de los 30, aceptó de inmediato. “Desde niño, como a los cinco o seis años me encantaban las películas de monstruos, claro que me daban miedo y mis padres me las prohibían, pero me escapaba a verlas acostado en el suelo del cuarto de mis hermanas, quienes me advertían que no podía gritar”, cuenta entre risas el actor.

Imágenes: cortesía

“Estas películas clásicas me marcaron, no puedo decir que tengo una favorita: Frankestein (1931), La momia (1932), El hombre lobo (1941), El monstruo de la Laguna Negra (1954), pero ahora me cautiva la idea de transmitir esas mismas emociones que tuve con ellas a las audiencias actuales”.

En La momia, Cruise interpreta al arqueólogo aventurero Nick Morton, quien de manera accidental se topa con una tumba egipcia que guarda un extraño secreto: el cuerpo de la princesa Ahmanet (encarnada por la argelina Sofia Boutella), enterrado ahí por asesinar

a su padre y al bebé que le arrebataría el trono. Muchos siglos después, Ahmanet vuelve a la vida con deseos de venganza.

Cuenta Tom: “Es una película muy ambiciosa. Cuando acepté aún no terminaban el guion ni definían a mi personaje, pero me cautivó la primera foto de Sofia caracterizada como la momia. Pensé que era increíble y despertó mi imaginación sobre todo lo que podíamos hacer para entretener a la gente”.

Para el actor estadounidense, que también fungió como productor de la cinta, el atractivo principal de esta historia es que conjuga elementos que atraerán a público de todas las edades, además de que nos introduce al llamado Dark Universe.

“Me encantan los efectos especiales y visuales. El género es aventura, pero a la vez contiene romance, suspenso y comedia”, prosigue Cruise con su explicación. “Esta película nos iniciará en el mundo de ‘Dioses y Monstruos’ de Universal, un mundo que queremos que sea entretenido y que explore aventura y suspenso, pero también que sea un homenaje para los clásicos del cine”.

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Dark Universe: los monstruos de Universal vuelven a la vida

Desde los años 20, los estudios Universal han forjado un importante legado cinematográfico produciendo cintas de monstruos que con los años se volvieron clásicas. Hoy, la casa productora trae de vuelta esos filmes con interesantes remakes.

Después de La momia, protagonizada por Tom Cruise, la siguiente película en formar parte de este universo oscuro será La novia de Frankenstein, que dirigirá Bill Condon y contará con la participación de Javier Bardem; su estreno está proyectado para febrero de 2019.

Otros actores y títulos que se preparan son: El hombre invisible, con Johnny Depp, y Doctor Jekyll y Mr. Hyde, con Russell Crowe.

Arriesgando el físico La momia cuenta con muchas secuencias de acción, y como es característico en Tom Cruise, fue el propio actor quien ejecutó los stunts. “Desde chico me gustaba hacer cosas alocadas: motos, go-karts. Creo que ya desde los cuatro años me trepaba a los árboles sin medir mucho las consecuencias. ¡Mi pobre madre se volvía loca! Pero estoy agradecido con ella porque nunca intentó detenerme. Hacer mis propios trucos en las películas, sin dobles, le brinda a la gente una perspectiva diferente de la trama, y yo amo entretener a la audiencia, por eso me dedico a esto”.

Pero aun con toda la experiencia que le brinda una carrera de más de 35 años en la pantalla grande, Cruise continúa yendo más allá, por ello en La momia intentó algo que no había hecho antes: filmar en un avión con gravedad cero.

A 20 mil pies de altura en la aeronave, Tom, la actriz Annabelle Wallis (que hace el papel de Jenny Halsey) y el director Alex Kurtzman, entre otros miembros de la producción, alcanzaron rápidamente un ángulo de 50 grados; allí, el avión redujo la propulsión y bajó en caída libre. Durante poco más de 20 segundos, elenco y crew tuvieron que hacer un gran esfuerzo no sólo para mantenerse de pie dentro, sino para hacer cuadrar diálogos, movimientos de cámara y coreografías para una escena clave en la película.

El actor lo explica del siguiente modo: “Me llevó tiempo convencer a los ejecutivos del estudio, pero les expliqué que había un avión en Burdeos (Francia) dentro del cual podríamos construir la escenografía y grabar las secuencias sin gravedad, pero de veras. Lo filmamos en dos días e hicimos un total de 64 tomas”.

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Amor por México Tom Cruise creció rodeado de mujeres (con su madre y tres hermanas), por ello, en sus películas busca que ellas tengan un papel relevante, como pasa en La momia con la participación de las jóvenes actrices Sofia Boutella y Annabelle Wallis. “En las películas que veía de niño las mujeres siempre se mostraban como gente fuerte… y lo son. Son poderosas, un regalo de Dios para el mundo”.

Durante su visita a México, el también protagonista de Ojos bien cerrados, el último trabajo del cineasta Stanley Kubrick, no perdió la oportunidad de elogiar a la cultura latinoamericana. “Amo a los latinos, son muy especiales, tienen una cultura que me fascina y me cautiva. Me gusta mucho viajar en México, he venido muchas veces y amo su calidez, su música, su comida… ¡De verdad, su comida es increíble!”.

Y este amor por nuestro país es tal que Tom mencionó la posibilidad de rodar alguna de las películas de Dark Universe en nuestro país. “Parte del objetivo de este proyecto es filmar en diferentes partes del mundo, así que seguro vendremos a México.

Quiero filmar aquí, además de en otras partes de Latinoamérica. Mientras el ‘universo oscuro’ se expanda, filmaremos alrededor del mundo”, finalizó con la sonrisa grande y de dientes blanquísimos que lo caracteriza.

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ESPECTÁCULOS

Madonna ya no recuerda su vida Texto: IGNACIO GOMAR

La cantante de 58 años reveló parte del guion de la película Blond Ambition, una biografía no autorizada que prepara Universal Pictures, denunciando que incluye mentiras. Pero sus propios fans le recordaron que son frases suyas.

M

adonna ha desatado su ira contra la película Blond Ambition, la biografía no autorizada que prepara el estudio Universal Pictures sobre sus primeros años de carrera hasta que se convirtió en una superestrella con el disco Like a Virgin (1984). Al conocerse que el proyecto tenía luz verde, la reina del pop, de 58 años, reaccionó en Instagram declarando que sólo ella “sabe lo que vio y vivió y los demás son charlatanes y tontos”.

La cosa se complicó dos días después, cuando una copia del guion cayó en sus manos. La cantante publicó una captura de una página, con varios fragmentos marcados con plumón y señalados como mentiras. Se trataba de su entrevista en el programa del fallecido Dick Clark American Bandstand, considerada una de sus primeras apariciones destacadas en la que dejó su famosa frase “quiero dominar el mundo”. Madonna

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denunció en sus redes sociales presuntas falsedades, pero sus fans la corrigieron al momento enlazando el video en YouTube, que los guionistas habían transcrito de forma literal. Ella tuvo que borrar el post, pero no piensa detenerse en su batalla para parar la biopic.

Varios medios adelantan datos de un litigio en el que la artista tiene posibilidades de, si no impedir que vea la luz la cinta, al menos boicotearla para que no triunfe a su costa. “¿Por qué Universal quiere hacer una película basada en un guion que está lleno de mentiras? El autor Elyse Hollander debería escribir en los tabloides”, apuntó la intérprete de “Material Girl” en sus redes sociales. Como ejemplo de esas inexactitudes la cantante subrayó una frase del guion, correspondiente a su entrevista en el programa de Dick Clark en 1984. “Nací en Detroit y dejé la escuela”, dictaba el script. “Nací en Bay City, no en Detroit. Y no dejé la escuela, de hecho, fui a la Universidad de Michigan”, puntualizó. Pero la hemeroteca y la memoria traicionaron a la diva, ya que en su propia cuenta de YouTube se puede encontrar esa entrevista en la que dijo exactamente lo que aparece en el guion.

A pesar de haber perdido esta pequeña batalla en la Red y tener que reconocer la metedura de pata borrando el post de Instagram, Madonna está decidida a plantar batalla a la película, según adelanta la revista The Hollywood Reporter. Todo apunta a que podría ser un auténtico dolor de cabeza para los productores, ya que a diferencia de otras biografías no autorizadas en Blond Ambition la presencia de las canciones de Madonna se hace necesaria y ella podría vetarlas.

Serían todos los primeros éxitos de Madonna, como “Holiday” o “Lucky Star”. Universal tendría que hacerse con los derechos de publicación, actualmente propie-

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Fotos: cortesĂ­a

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El dato lond Ambition relatará los días en que la joven Madonna cambió su vida en la provinciana

Bay City (su ciudad natal en el estado de Michigan) por la mundana y cosmopolita Nueva York a finales de 1977. La cantante, actriz y empresaria ha hablado con frecuencia en los últimos años de sus primeras experiencias en la ciudad de los rascacielos, donde, según ha llegado a contar, fue víctima de una violación.

La cantante trabajó en una tienda de Dunkin’ Donuts en Times Square mientras estudiaba danza antes de lanzar su primer álbum, en 1983, en un momento en el que la industria musical menospreciaba a las mujeres. Además, mostrará el proceso creativo de algunos de sus éxitos hasta que estalló como estrella del pop con Like a Virgin.

Aunque muchas de sus canciones han sido interpretadas como reflexiones sobre su vida y se han escrito varios libros sobre ella, Madonna siempre ha evitado los trabajos biográficos o autobiográficos.

Por ello, hoy vuele a mostrar su furia contra quienes pretenden contar su vida en una película y sin contar con ella.

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“Nací en Detroit y dejé la escuela”, dictaba el script. “Nací en Bay City, no en Detroit.

Y no dejé la escuela, de hecho, fui a la Universidad de Michigan”, puntualizó.

Pero la hemeroteca y la memoria traicionaron a la diva, ya que en su propia cuenta de YouTube se puede encontrar esa entrevista en la que dijo exactamente lo que aparece en el guion

dad de Warner. Incluso aunque Madonna no sea la propietaria de los derechos, un abogado especialista en propiedad intelectual asegura que “dado su elevado estatus en la industria probablemente tenga un derecho de aprobación”. El resultado podría ser una película de factura pobre sin nada de música como el biopic sobre Britney Spears de este año, titulado Britney Ever After.

La otra opción para Madonna de parar la cinta es impugnar el guion por injurias y calumnias. Parece menos probable, pero hay algunos lazos a los que la cantante podría agarrarse. En un momento de la película se cuenta que copió su famoso look de lencería y crucifijos de un personaje de la escena nocturna neoyorquina llamado Bianca Stonewell. En otra escena pillan a Madonna robando un cepillo y pasta de dientes en una farmacia. Para colmo, en la escena final de la película, se descubre que la también actriz va a tener un aborto. Justo después de su triunfal actuación en los premios MTV de 1984, le dice a su novio de entonces, el productor de origen puertorriqueño Jellybean Benitez, que perdió el hijo que esperaban. “No voy a elegir entre mi carrera y una familia en este momento”, afirma mientras se pinta los labios frente a un espejo. El guion, en cambio, pasa de puntitas por la violación que Madonna sufrió en Nueva York a los 19 años y sobre la que habló abiertamente años después.

Madonna Louise Veronica Ciccone subió una foto más hablando de este asunto y esta vez no tuvo que borrarla.

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Imágenes: cortesía Sony Music

MÚSICA LO INSóLITO

25 años de

Babasónicos Texto: RODRIGO PÉREZ REMBAO

Una de las bandas más emblemáticas del rock argentino cumplió un cuarto de siglo. Para celebrar, decidieron reinventar 14 de sus canciones más representativas y grabarlas en un disco en vivo, frente a uno de sus públicos favoritos: el mexicano.

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an pasado más de 20 años desde la primera vez que estos argentinos vinieron a México. En aquel entonces, según cuenta Diego Uma Rodríguez (el guitarrista de Babasónicos; no confundir con Diego Tuñón ni con Diego Castellanos, quienes se hacen cargo de los teclados y de la batería, respectivamente), llegaron a la capital directamente de Los Ángeles, California, donde habían estado mezclando Trance Zomba, su segundo álbum.

Aunque para entonces Babasónicos era una banda emergente que atravesaba por las dificultades comunes en tales circunstancias, Pasto, su primer material había logrado tener buen impacto en el público y le había valido para amarrar algunas presentaciones en nuestro país. Además, contaron con la suerte de compartir cartel con Café Tacvba y con Tijuana No! (el grupo que dio a conocer a Julieta Venegas), quienes los invitaron a hacer gira con ellos, lo que dio como resultado un saldo de 28 conciertos en 32 días. “Vivíamos

de tacos de a peso –detalla Diego–. Sólo a veces nos alcanzaba para un licuado en la tarde. Lo que nos mantuvo aquí fue la generosidad de unos amigos que vivían atrás del aeropuerto. Fue ahí, con ellos, donde probé gran parte de la gastronomía mexicana: tacos, enchiladas, huaraches… todo hecho en casa. Fue difícil, sin duda, pero ya visto en retrospectiva, la verdad es que se trata de una historia encantadora, llena de buenos momentos”.

Con la fe repuesta Hace unos días Babasonicos lanzó una nueva producción titulada Repuesto de fe, un álbum en directo que incluye un recorrido (CD + DVD) por sus más grandes éxitos, reversionados en un formato único, meticulosamente armado y con los temas exquisitamente seleccionados.

Tras una gira de celebración por sus 25 años de carrera, que en el último año llevó a la banda a lo largo y ancho de Latinoamérica para presentar su disco Impuesto de fe, Babasonicos cerró la gira con un show en el monumental Teatro Colón de Argentina. Una puesta conceptual que intenta escapar del estándar y evitar clichés de formatos acústicos o desenchufados.

Aprovechando las cualidades del escenario, el grupo repasó su repertorio con arreglos que dejan al desnudo las canciones, buscando su punto más frágil para presentarlas desprotegidas ante el público, sin el amparo de la distorsión o el volumen característico del rock. De eso se trata Repuesto de fe.

Considerado a sí mismo como el optimista del grupo, Uma me cuenta un poco sobre la historia de los Babas, el grupo del cual forma parte desde hace más de 25 años y ha definido el rumbo de su vida. “Mirando hacia atrás, no queda duda de que es una gran carrera la que hemos hecho.

Imagínate que tuvimos que picar piedra pero terminamos siendo headliners en dos Vive Latino, hemos tocado 13 o 14 veces en el Metropólitan, giras internacionales… ¡es un montón!”.

Hasta ahora podríamos decir que ha sido una carrera ascendente, pero, ¿has pensado en que llegará un momento en que empiece el declive?

Bueno… creo que ese momento llegará con la muerte [ríe]. Llegaría si dejáramos de ser curiosos, de escuchar toda la música que escuchamos y de intentar las formas nuevas de producción que intentamos, porque, al ser productores de nuestros discos, logramos, desde la raíz de la composición, ya estar pensando en cómo va a ser la producción: si es un disco que va a requerir de muchos ensayos o no, si no nos vamos a juntar tanto, si nos vamos a juntar a grabar de a poco, si se graba todo junto o en etapas. Todo eso hace que sean bastante diferentes los discos. Cambiamos radicalmente de un disco a otro y eso, creo, es lo que nos ha mantenido en un constante crecimiento. Si hay algo que tenemos claro es que siempre queda más por hacer, algo más lindo, más nuevo… y eso nos mantiene unidos y con la satisfacción de haber logrado muchas cosas juntos. A través de esta historia de 12 discos, hemos ido ganando un espacio cada vez más grande en Latinoamérica.

“¡Hay muchos [directores que me gustaría que contarán la historia de Babasónicos]! Pero creo que me iría por Terry Gilliam o Guillermo del Toro… ¡o John Carpenter! Cualquiera de los que son un poco raros; esos que salen de lo común” Alguna vez, hablando del origen de la banda, varios de ustedes mencionaron que la posibilidad de formar un grupo se les presentó como una mejor opción que trabajar. Entiendo la broma, pero, ¿siguen viendo esto como algo divertido después de 25 años?

Sin duda. Tal vez la única diferencia es que ahora hay muchas cosas que no queremos seguir haciendo, que no nos interesan, y mejor las evitamos.

Pero la seguimos pasando bien, definitivamente. Además, con la ventaja de que nos hemos vuelto mejores compositores, intérpretes y performers. Teníamos un show bueno, podíamos componer y tocar bien, pero lo hemos venido haciendo cada vez mejor.

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Como aficionado al cine, ¿qué director te gustaría que contara la historia de Babasónicos? ¡Hay muchos! Pero creo que me iría por Terry Gilliam o Guillermo del Toro… ¡o John Carpenter! Cualquiera de los que son un poco raros; esos que salen de lo común.

Intuyo, entonces, que para ti ahí está la esencia de la banda: en ser algo fuera de lo común…

Sí: en ser diferentes, originales… en el sentido más plano de la palabra, sin que llegue a ser una posición petulante.

Algo que llamó la atención de Babasónicos a mediados de los 90, cuando apenas empezaban a ganar terreno, fueron esas declaraciones respecto a que no se identificaban con el rock argentino del momento, lo cual representaba una especie de ruptura.

Bueno… no es que no nos gustara nada de lo que se hacía entonces: nos gustaba, por ejemplo, lo que estaba haciendo Virus, Soda, por supuesto, bandas que, a nuestro parecer, mostraban algo distinto a lo que había estado sonando en la radio, y que a nosotros nos parecía un sonido muy comprimido, ya antiguo. ¿Te refieres a la música de Charly García, por ejemplo?

No era contra un artista, sino contra una postura y un sonido que respetábamos pero sentíamos que no nos representaba… bueno, tú mencionaste a Charly, pero también andaban por ahí Fito Páez, León Gieco.

Nosotros siempre quisimos hacer algo que sonara distinto, y ese interés lo hemos mantenido hasta ahora y queremos mantenerlo siempre, experimentando en cada nuevo disco que hacemos.

En ese sentido, ¿qué podrías decir de Impuesto de fe, el disco con el que celebran 25 años de trayectoria?

Justo lo que mencionaba: Impuesto de fe es un disco completamente distinto a su predecesor, que es Romantisísmico. Es un disco de muchas guitarras, en estéreo, cosas que pasan, coros, pero no es una sobregrabación. No es como Infame, en el que hay sobregrabación de los arreglos. Aquí cada uno grabó un solo instrumento. Habrá que decir, además, que tardamos mucho en armar una banda diferente a Babasónicos para que interpretara las canciones de Babasónicos de manera diferente, porque la idea era esa: queríamos hacer un disco particular, moderno pero con instrumentos clásicos, como marimba, saxo, vibráfono, piano, melotrón… y bajo esa idea es que se fue formando la banda de una manera diferente. En Impuesto de fe todos hicimos algo distinto, y para ello estuvimos ensayando ocho meses. Reinventarnos y encontrar un nuevo sonido nos tomó mucho más tiempo del que invertimos en cualquier otro disco, que suele ser alrededor de mes y medio.

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Redefiniendo el rock argentino

Desde su nacimiento, Babasónicos (juego de palabras entre el nombre del gurú Sai Baba y la caricatura Los Supersónicos) fue considerado parte del movimiento conocido como “nuevo rock argentino”, junto a bandas como Los brujos, Juana la loca y El otro yo.

Posteriormente, se convertiría en el principal representante del llamado “rock sónico”.

Además fue un disco grabado en una sola noche…

Así es. Lo grabamos aquí en México, en Quarry Studios, y fue una noche increíble. Ese día había alrededor de 160 personas trabajando en la grabación, y casi 2 mil como público, aun cuando habíamos dicho que entrarían solo mil. Ese día llegó toda esa gente y de alguna manera lograron entrar.

Estábamos muy contentos. Además, México siempre ha tenido un significado muy especial para la banda. Nos encanta el paisaje, el peyote, la cultura milenaria, la vasta cultura musical, el bolero, los gigantescos compositores: Juan Gabriel, Lara, Manzanero… en fin, no terminas nunca.

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LETRAS

Texto: JESÚS RUIZ MANTILLA

Concertista, escritor y padre, este británico arrasó los récords de ventas con Instrumental, su cruda autobiografía.

Ahora publica un método con el que asegura poder interpretar a su adorado Bach en seis semanas.

J

ames Rhodes (Londres, Inglaterra, 6 de marzo de 1975) se ha arrepentido de unas cuantas cosas en la vida. Por ejemplo: haber abandonado el piano durante una etapa más que atormentada. Fue broker en la City londinense, dependiente en Burger King...

Ahora vuelve a ser lo que siempre soñó, aparte de autor de best sellers: pianista. La clave para el instrumento es la continuidad. Con su disciplina recobrada y una carrera que se va consolidando, en gran parte, más por el ruido de sus libros que por su maestría, quiere enseñarnos a tocar. Harto de que le pidan que enseñe las manos o que le pregunten cuántas horas dedica al día, quien sacudiera a lo largo del año pasado la industria editorial con su autobiografía Instrumental: memorias de música, medicina y locura, promete resultados asombrosos en su nuevo libro, Toca el piano: “Si dedicas 45 minutos al día, te garantizo que en seis semanas puedes interpretar un preludio de Bach”. ¿Autoayuda? ¿Método milagroso? Un poco. Y tecnología mediante. Si en Instrumental añadía una lista de obras que le marcaron para escuchar mientras el estómago se enfrentaba a todo tipo de abusos infantiles, autolesiones y adicciones, ahora propone que te enganches a sus clases por video en su página web.

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Quizás, centrados en la tecla, los británicos que lleven semanas practicando –el libro apareció en inglés en octubre de 2016– pueden aislarse del desbarajuste mundial que han ocasionado con el Brexit. “Ay, Dios mío, menuda mierda, me da vergüenza ser británico, de verdad.

Me asusta lo que se nos viene encima”, salta Rhodes con su dominio del tema.

Por eso, entre otras cosas, el pianista propone un método de relajación por medio de la música. “Veo a la humanidad irritada, vivimos en una época en que todo nos lleva a la ansiedad, vamos demasiado acelerados, da miedo el ritmo que le imprimimos a nuestra vida entre estar pendientes del teléfono, el correo… Me acabo de comprar este aparato que sólo admite llamadas y mensajes. ¿Y qué me dices de los adolescentes? Cuando yo andaba en esa época no existía nada de esto: ni Facebook, ni Twitter, nada de esa porquería. Sencillamente no estabas disponible o lo estabas exclusivamente para ti”.

Sólo hazlo

Rhodes es uno de los concertistas de piano más reconocidos en el mundo. Ahora te enseña a tocar el “Preludio nº1 en Do Mayor” de Bach en seis semanas. Sólo necesitas dos manos.

Un simple teclado o un piano Steinway. Unos 45 minutos al día durante seis semanas. Y ganas. Ganas de lograrlo. Olvida el teléfono celular, cierra la computadora, apaga la televisión.

Silencio… y toca el piano.

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Una sensación parecida, pero en forma desagradable, debe sentir Rhodes cada vez que atiende una entrevista.

“Me siento harto de mí, todo el tiempo”.

Recordar los abusos que sufrió de niño duele, pero cree también que puede ayudar a otros Con suerte y dedicación, alguien, paso a paso, puede convertirse en alguien parecido a sus ídolos. “Los más grandes pianistas vivos, para mí, son el ruso Grigori Sokolov y el polaco Krystian Zimerman, por buscar su propio sonido. Puede que se traguen alguna nota, pero no importa, porque lo prioritario en ellos es el sonido. Se pasan horas afinando los pianos antes de cada recital… Y Sokolov dijo algo que me marcó. Le preguntaron cómo se sentía después de sus recitales y respondió: ‘No existe jamás el después, siempre, cuando acabas uno, sabes que viene otro. Lo único que cuenta para mí es cómo me siento antes del próximo…’”.

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De las cosas buenas de la vida Una sensación parecida, pero en forma desagradable, debe sentir Rhodes cada vez que atiende una entrevista. “Me siento harto de mí, todo el tiempo”. Recordar los abusos que sufrió de niño duele, pero cree también que puede ayudar a otros. “Ese capítulo forma parte de quien soy. Pero debo compatibilizarlo con quien me he convertido ahora: un padre, un músico, un escritor. Sería absurdo plantearse no hablar de ello. Especialmente cuando vivimos en un mundo en que los abusos avergüenzan, se mantienen en secreto… Si nos fijamos en la Iglesia católica y su culto por el secretismo, me enoja esta reacción: que se frieguen, no voy a dejar de denunciarlo”.

Hace unos meses compartió experiencias junto a la organización Save the Children para ayudar a niños en desgracia. Pero siempre resulta más agradable para él tratar otros asuntos. “Glenn Gould, Bach, Mozart, ser padre… de la cosas buenas de la vida. Pero quienes han dado el paso que yo di, nos sentimos responsables. Si tienes la suerte de contar con un micrófono, desde luego. Hago lo mismo con la música clásica. Es algo sobre lo que la gente prefiere no hablar y que está lleno de prejuicios. Si te proporcionan un micrófono, una voz que se escucha, hay que utilizarla”.

En alguna ocasión, sin embargo, se arrepintió de haber escrito Instrumental. “Una vez. Cuando tuve que enfrentarme a la Corte Suprema de Justicia, me gasté millones, perdí mi casa, me arruiné y fue tan tóxico y vergonzoso escuchar a los abogados utilizar ciertos términos sobre mí y mi pasado, tan agotador que me dije más de una vez: ojalá no hubiese escrito esta mierda de libro, casi lo tiro a la basura, pero no lo hice. Por dos razones. Primero por la responsabilidad de la que hablaba antes y después porque de haber perdido no habría podido hablar jamás de mi pasado. Me hubiesen arrebatado mi propia historia y eso no se puede hacer”.

Temió a fondo que la relación con su hijo se quebrara. Pero todo ha regresado naturalmente a su caudal. “Es magnífico, tan llevadero. No le importa nada lo que ha producido el libro. Si tienes 13 años y tu padre ha escrito una autobiografía: ¿querrías hablar de ello o prefieres comentar cosas de chicas, dedicarte a juegos de video, ver a tus amigos? Sabe que existe, que es para mayores, que si decide leerlo algún día, podrá y que si quiere preguntarme cualquier cosa, puede hacerlo”.

Imágenes: cortesía

El libro te enseña cómo leer música, a usar los dedos, el pedal y practicar. ¿También a ser paciente?

“Sí, porque con ese tiempo, vas poco a poco. En seis semanas…

Insisto. Concentrándose, enseño a concentrarse, porque vivimos en un tiempo imposible que no ayuda a eso. La tecnología nos mata”.

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MITOLOGÍAS

El libro más loco y más alegre de Julio Cortázar Texto: JUAN CRUZ Illustración: RODOLFO PIZANO

La reedición de los Los autonautas de la cosmopista, último libro del autor de Rayuela, revive el viaje que este realizó con su última compañera, Carol Dunlop, dos meses antes de que la escritora y fotógrafa estadounidense se despidiera de este mundo.

Cortázar le sobrevivió menos de dos años.

E

l 12 de mayo de 1982, dos años antes de su muerte, Julio Florencio Cortázar (que había nacido el 26 de agosto de 1914 en Bruselas, Bélgica) le escribió a su amigo el agente y editor Guillermo Shavelzon: “Te confío un plan completamente loco que vamos a poner en práctica Carol y yo a partir del 23 de mayo y hasta el 27 de junio”. De ese “plan completamente loco” surgió el libro más conmovedor y más alegre del autor argentino, Los autonautas de la cosmopista. Carol era Carol Dunlop, fotógrafa y escritora estadounidense, el último gran amor de su vida. Ella murió seis meses después de iniciado ese trayecto por la Autopista del Sur de Francia, que ya había sido referencia de uno de los cuentos más célebres del artista, La autopista del sur.

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Ese libro fue firmado por los dos y era, dice su primer editor, el argentino Mario Muchnik, “una carta de amor de Julio”. Muchnik y Cortázar fueron muy amigos; el editor hizo los que pueden considerarse sus últimos retratos, en el molino que los Muchnik (Mario y Nicole, pintora) tuvieron cerca de Segovia (España).

A ese molino vino a reposar su tristeza Julio Cortázar. Seis meses después de cumplir aquel “plan completamente loco”, Carol murió. Cortázar se lo comunicó así a su familia en Buenos Aires (su madre vivía) el 10 de noviembre de 1982: “Tal vez lo sepan ya por Aurora [la primera mujer de Julio], que me dijo que iba a escribirles enseguida. Carol se me fue como un hilito de agua entre los

dedos el martes dos de este mes.

Se fue dulcemente, como era ella, y yo estuve a su lado hasta el fin, los dos solos en esa sala de hospital donde pasó dos meses, donde todo resultó inútil”.

Esa desaparición convirtió la aparición del libro (en Muchnik Editores, en 1983) en un homenaje póstumo, “en una carta de amor” de Julio a Carol. Él sobrevivió hasta el 12 de febrero de 1984, cuidado por Aurora Bernárdez (19202014), que fue luego la heredera de los derechos de Cortázar y que con tanta fe como lealtad cuidó de su persona y su obra.

Esa historia de amor de Julio y Carol tiene su máxima expresión en este libro delicado cuyo trayecto él le explicó, antes de hacerlo, en aquella carta al citado Guillermo Shavelzon: “Consiste en embarcarnos en nuestra Volkswagen, que es como una casita con cama, cocina y todo lo necesario, y efectuar el viaje París-Marsella deteniéndonos cada día en dos parkings, sobre un total de unos 70”. Carol tenía 34 años; Julio, 68.

El viaje es una conjunción de poemas, reflexiones, bromas y fotografías; no hay ni un recodo, un árbol, un personaje, una comida (la que ellos cocina

Esa desaparición convirtió la aparición del libro en un homenaje póstumo, “en una carta de amor” de Julio a Carol. Él sobrevivió hasta el 12 de febrero de 1984 113

La Osita y el Lobo salen de paseo Una tarde de mayo de 1982, Carol Dunlop y Julio Cortázar emprenden un viaje por la Autopista del Sur, de París a Marsella, embarcados en Fafner, la combi Volkswagen roja transmutada en el mítico dragón wagneriano.

Desde el juego como último aliento de vida, Carol y Julio, la Osita y el Lobo, planean el viaje como si de una investigación científica se tratara. Navegantes de su tiempo, establecen un férreo reglamento que no deberán romper: no abandonar nunca la autopista y parar en dos áreas de descanso cada día.

Toda la aventura quedará reflejada en un detallado cuaderno de bitácora donde registrarán no sólo el itinerario, sino también la flora y la fauna fantásticas que van encontrándose a lo largo del camino, y las acechanzas y las amenazas más temibles: brujas, agentes secretos y ominosos camiones de procedencia desconocida empeñados, inútilmente, en hacer fracasar tan azarosa empresa.

La realidad y los sueños se entrecruzan en esta “interminable fiesta de la vida”, relatada con una prosa que oscila entre la comicidad y una ternura desgarradora, para concluir con la melancolía de la experiencia que se presiente única cuando llega a su término.

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ban, las que les llevaban sus devotos) que no tuviera reflejo en esta aventura tan especial, cuyo antecedente fue aquel cuento, La autopista del sur. Fue este relato célebre el que le abrió la puerta para que Cortázar reclamara apoyo a la autoridad de las autopistas francesas para realizar esta amorosa locura.

El libro salió en 1983, ya sin Carol en este mundo. Lo celebró en Argentina, donde lo esperó con la ansiedad de una carta retrasada. Él iba a emprender el penúltimo viaje de su viaje, a ver a “los nicas” que habían tomado el poder en su querida Nicaragua, a la que dedicó (también publicado por Muchnik) Nicaragua tan violentamente dulce. Le dijo a Muchnik, sobre el libro: “Me muero de ganas de llevárselo a los nicas (…). Para ellos va a ser una buena cosa sobre todo en el plano moral”.

De Nicaragua ya volvió enfermo Julio Cortázar. Aquel con Carol, como le dijo Julio a Muchnik, iba a ser su último libro grande. Y fue su despedida, con Carol y para Carol. ¿Cómo era Cortázar en el molino, cómo lo dejó esa pérdida? Muchnik le hizo entonces fotografías, y ahí se ve ese rostro ensombrecido por la incertidumbre y el dolor. Se levantaba al olor del café, se empeñaba en lavar los platos, seguía “tan delicadamente como siempre” conversando y preocupándose de los otros. “Pero ya la vida era una pesadumbre”, como si adivinara un final del que no tuvo información sino casi cuando la ciencia pudo hacer mucho menos que nadie para levantarle la moral que había perdido.

Ante la nueva edición de Alfaguara, Muchnik, su primer editor, los recuerda como “dos enamorados, dándose besos

El libro salió en 1983, ya sin Carol en este mundo. Lo celebró en Argentina, donde lo esperó con la ansiedad de una carta retrasada. Él iba a emprender el penúltimo viaje de su viaje, a ver a “los nicas” que habían tomado el poder en su querida Nicaragua como pajaritos en el Drugstore de Saint-Germain-de-Prés”. “Fue tan generoso Julio: me habían echado de una de las editoriales en las que trabajé, había montado la mía, y él me dejó tres libros, entre ellos Los autonautas… La gente lo quería tanto, lo quisimos tanto. Unos argentinos lo abordaron en Barcelona, le querían dar lo que tenían, unos bizcochitos… Él se resistía: ‘Pero don Julio, con todo lo que nos ha dado, ¿cómo no le vamos a dar lo que tenemos?’, le decían”.

Apesadumbrado él mismo por la pérdida de uno de sus admirados autores, Muchnick se quedó pensando largamente cuando le pregunté por lo que Julio es hoy.

Y después de darle vueltas a las palabras dijo: “¿Sabes qué me pasa? Me pasa Cortázar”.

Dice Muchnik que Cortázar tenía un sueño recurrente: una ciudad que se agrandaba cada vez que volvía a soñar. Soñó ese viaje con Carol Dunlop como una locura y ese fue el último sueño, su postrera locura.

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DELO CERCA INSóLITO

¡Pronto,

Toronto!

Texto: LUIS ERNESTO GONZÁLEZ

Canadá cumple 150 años como nación confederada este 1 de julio. En Toronto, el centro de finanzas por excelencia del país, se respira ese aire de fiesta e independencia.

La ciudad más grande y visitada de la nación de la hoja de maple está lista para recibir a sus invitados. Pero, además, continuará con su vida cotidiana, rápida, vertiginosa y, a la vez, rodeada de naturaleza, agua y cielos inmensamente azules.

V

erano en pleno. Eso significa que hace calor en Toronto; sí, unos 28 grados Celsius. Pero aquí existen, y en enormes cantidades, esos purificadores y enfriadores naturales del aire llamados… árboles. Y este mes se esperan lluvias. Si todo Canadá tiene fama de verde, aquí lo es con un mérito muy especial, pues estamos hablando de la ciudad más poblada del país (2.6 millones de habitantes), y de un área metropolitana (la GTA) que convierte a la zona en la quinta más poblada de todo el continente americano. En efecto… más de 1,600 parques públicos (8 mil hectáreas, es decir, 13% de la superficie total de la ciudad) hacen de Toronto

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una urbe muy habitable, pese a la tremenda urbanización y a los 6.4 millones de habitantes de la GTA. Aquí se da una convivencia más equilibrada entre civilización y naturaleza. Basta con echarle un vistazo al Lago Ontario, que da agua, vías de transportación acuática, frescura y mucha fauna en libertad a esta gran urbe para saber que los habitantes respetan el ambiente. Uno mira hacia el cielo, ve ese azul enorme salpicado de nubes blancas… y comprende por qué Toronto es el lugar favorito de los migrantes de todo el mundo (incluyendo gansos y demás aves migratorias). La mitad de los torontonianos (otros los llaman torontianos) no nació en Canadá, se hablan unos 140 idiomas, hay barrios con marcado sabor de ciertas etnias o nacionalidades (como Chinatown, Greektown, Little India, Little Budapest, Portugal Villa, Koreatown y otros) y se profesa gran cantidad de religiones.

Fotos: istock

Verano en pleno. Eso significa que hace calor en Toronto; sí, unos 28 grados Celsius. Pero aquí existen, y en enormes cantidades, esos purificadores y enfriadores naturales del aire llamados… árboles 117

LO INSóLITO

Además, los canadienses celebran sus primeros 150 años como nación independiente, de modo que nativos e inmigrantes se dan la mano y festejan y celebran que la diversidad reine en esta urbe, la más cosmopolita de Canadá.

está el imponente edificio sede de la Asamblea Legislativa de Ontario), Yorkville, North Toronto, North York, el Toronto Centre for the Arts, Richmond Hills, Newmarket y otros puntos y municipalidades hasta que se convierte en una autopista (Hwy 11) poco antes de llegar a otro lago (Simcoe).

Todo en grande

Por debajo de esta avenida pasa el metro, cuya primera línea fue también la primera de todo Canadá. Y ya que hablamos de metro, la ciudad está bien conectada por este medio, así como por redes de autobuses, tranvías y hasta bicicletas. Hay diferentes formas de pagar el transporte, y la más habitual es la tarjeta de prepago.

Desde el avión, es emocionante ver por la ventanilla esa gran mancha urbana, centro financiero del país y capital de la provincia de Ontario, con enormes edificios que, de tan conocidos, parecen viejos amigos que nos dan la bienvenida. ¿Quién no ha visto, por ejemplo, ya sea en foto, video, cine, pintura o documental la gran Torre CN, que por décadas fue la construcción más alta del mundo y que aún lo es de nuestro continente?

Tan pronto como llegamos al aeropuerto, nos trasladamos al hotel, ubicado en la llamada “ciudad vieja” de Toronto City, y a continuación salimos a recorrer a pie algunos lugares clave. Para hacernos una idea: Toronto crece a partir del Lago Ontario hacia el norte y se extiende a oriente y a poniente.

Otras municipalidades han sido devoradas por la mancha urbana, si bien, conservan su identidad. A la zona metropolitana se le conoce como Greater Toronto Area (GTA) y, ampliada aun más se le llama Greater Toronto and Hamilton Area.

La avenida más grande del mundo (certificada como tal en el libro de Récords Guinness) está aquí: Yonge Street. Comienza en el muelle y una de sus primeras atracciones es el Salón de la Fama del Hockey, el deporte amado del país, y se lanza al norte en línea recta por 56 kilómetros (la Avenida Insurgentes de la Ciudad de México mide casi 29 kilómetros), atravesando el downtown, Queen’s Park Crescent (donde 118

Pero, desde luego, para tomarle el pulso a Toronto no hay que recorrer toda Yonge Street. Si no se cuenta con muchos días para vagabundear al ritmo de cada cual, lo ideal es conocer cuanto antes la zona del muelle, el downtown, el Entertainment District y el Financial District. Y, muy especialmente, Toronto Islands, un conjunto de islotes que está justo enfrente del muelle, el más importante de los cuales es Centre Island.

Servicios de ferry van y vienen por las aguas del Lago Ontario para conectar el muelle con este archipiélago. Imagine el lector que las islas forma una especie de zapato cuya punta señala al noreste. Los islotes exteriores son muy delgados, como lenguas de tierra en forma de ele. Los interiores son más redondeados. Centre Island es el lugar ideal para contemplar la ciudad y su skyline. El parque, que ocupa casi toda la isla, se llama Toronto Island Park. Pero aquí hay, además, parques temáticos, restaurantes y cafés, renta de bicicletas y mucho más. Hay incluso un aeropuerto pequeño. Y, claro, Harbourfront Centre, lugar de encuentro y arte donde se puede escuchar música, adquirir comida local o hasta rentar un bote y navegar un rato.

Qué hacer en julio En Toronto, sobran las cosas que hacer en verano, desde navegar el lago o pasear en bicicleta por sus orillas, hasta ver jugar a los Blue Jays un partido de beisbol en el Rogers Centre; visitar museos, salas de cine… Pero sucede que este año, más concretamente el día 1 de julio, Canadá celebra sus primeros 150 años como país confederado, y el gobierno ha lanzado una campaña llamada “TO Canada with Love” llena de eventos deportivos y culturales a lo largo y ancho de Toronto. A continuación, una mínima sugerencia para que el amable lector organice su agenda en esta ciudad: Summer Music in the Garden, en Harbourfront… específicamente, en el Toronto Music Garden de ese espacio cultural. El festival comenzó a fines de junio y durará hasta septiembre. Este año se celebra la edición 18.

Ahora se presentarán desde el Cuarteto de Cuerdas de Nueva Zelandia o el violinista local Edwin Huizinga, hasta espectáculos de danza flamenca con el grupo español Fin de Fiesta, música brasileña con el Trío Chorinho o percusiones japonesas con el grupo Nagata Shachu. Si el espectador llega tarde, no encontrará banquitas donde sentarse, así que conviene que lleve su silla plegable o un cojín para poner sobre el pasto.

Ah, y también una sombrilla, por si hace mucho sol.

Redpath Waterfront Festival, los días 1, 2 y 3 de julio, en el Sherbourne Common. Este escenario alguna vez fue una contaminante fábrica que, tras su abandono, se convirtió en un hermoso parque que, además, trata las aguas de lluvia para aprovechamiento de la urbe y para la recreación. Abierto al público desde 2011, el parque es sede del Redpath Waterfront Festival. Entre otras cosas, este año se pondrá a navegar un inmenso pato de hule amarillo, el más grande del mundo, dicen los organizadores. Habrá desfiles de navíos de la Marina Canadiense y algunos eventos que recuerdan los años rurales de Canadá, como concursos de leñadores trepando árboles para llegar a la copa antes que sus adversarios. Música, danza, performances… Habrá de todo y será inolvidable.

Bob Dylan en el Air Canada Centre, el 5 de julio. No hace falta más presentación. Dylan ya era leyenda, pero ahora lo es más desde que ganó el Premio Nobel de Literatura. Por cierto,

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en ese mismo escenario, el día 10, se presenta la banda virtual Gorillaz, liderada por Damon Albarn.

Maker Extravaganza (Toronto Maker Festival), en la Toronto Reference Library. Durante un fin de semana, que esta vez será el 8 y 9 de julio, se reúnen los más destacados creadores, en especial del mundo digital y tecnológico, para compartir sus ideas con los participantes. Sin embargo, esto no es una atracción sólo para techies, pues también se dan cita artesanos e incluso personas cuyos hobbies las han llevado lejos. Así, si uno quiere, por ejemplo, ver sorprendentes creaciones en origami (papirolas, llamamos en México al arte de los dobleces en papel), este es el lugar. Los organizadores recomiendan no olvidar llevar con nosotros dos cosas: curiosidad e imaginación.

Lolë White Tour Toronto 2017 se llevará a cabo el 27 de julio en el Exhibition Place.

Se trata de una gira mundial de algunos de los más connotados instructores de yoga y meditación, quienes, durante un día, celebran con miles de participantes vestidos de blanco una jornada por la paz, realizando ejercicios, guardando silencio y creando esa sensación de que todos formamos una gran Unidad en el universo. El objetivo es sentir que la paz mundial es posible, no sólo una utopía de trasnochados.

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Cortesía

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LO INSóLITO

Ciudad de película Gracias a su tasa de criminalidad baja, uno se siente seguro caminando. Vemos gente con prisa y bien trajeada, como en cualquier ciudad importante de negocios. La Torre CN, cuyo nombre completo es Canadian National Tower, es el más grande imán para los visitantes. Con sus 553 metros, esta torre fue la más alta del mundo hasta hace 10 años. Se inauguró en junio de 1976 y tiene el récord de contar con la escalera metálica con más escalones en el planeta: 1,776. Claro, ninguno de los 2 millones de observadores que cada año suben al mirador necesita ir a pie. Elevadores se encargan de llevarlos en un minuto hasta el mirador, que tiene secciones de su piso donde el material es vidrio, para que el visitante sienta que camina en el aire. Ahí mismo puede uno comer, y el restaurante giratorio da toda una vuelta en unos 70 minutos, para gozar una vista de 360 grados. Unos metros más arriba hay otro mirador, desde donde puede verse la otra orilla del Lago Ontario, que corresponde ya a Estados Unidos.

Saliendo de la torre, nos encaminamos a dos de los edificios vecinos más conocidos: el Rogers Centre (antes llamado Skydome) y el Acuario Ripley.

El primero es todo un ícono de la ciudad. El equipo de Grandes Ligas de beisbol, los Toronto Blue Jays, juega aquí desde 1989. Los “Azulejos” son el único equipo fuera de las fronteras de la Unión Americana que ha ganado una Serie Mundial… y dos veces seguidas, en 1992 y 1993. El techo del estadio es retráctil, de modo que la lluvia no es pretexto y el aficionado puede tener la seguridad de que el juego no será interrumpido. El sólo hecho de estar en el estadio es toda una experiencia. Y no sólo se juega beisbol; también se programan ferias, eventos atléticos, conciertos y mucho más.

El acuario es espectacular, particularmente ese gran túnel de vidrio, llamado “Laguna Peligrosa”, que da la sensación de que uno está buceando y sobre su cabeza pasan tiburones, medusas, mantarayas y otros animales acuáticos. El acuario, inaugurado en 122

2014, tiene hasta 16 mil especies de animales marinos divididas en 17 hábitats. Además, ofrece talleres orientados a la conservación de la fauna acuática y del medio ambiente.

Otro lugar esencial es la Plaza Yonge-Dundas, en el Financial District, donde se programan habitualmente conciertos gratuitos, se dan funciones de cine y se imparten cursos de diferentes tipos. Es un lugar de reunión de propios y extraños. Será un escenario muy recurrente de los eventos de este 150 aniversario de la Independencia de Canadá.

Y si bien es hasta septiembre el célebre Toronto International Film Festival (considerado como el primer festival de cine de la agenda en repartir premios que van perfilando a los nominados al Oscar), todo el año hay festivales y una cartelera de primera. No por nada esta ciudad está considerada como amante del séptimo arte. Aquí nació, en 1943, el legendario realizador David Cronenberg y aquí se crio el actor Jim Carrey. Donald Sutherland estudió en la Universidad de Toronto; Rachel McAdams y Ryan Gosling nacieron en la provincia de Ontario cerca de esta ciudad… Aquí se rodó Good Will Hunting (Mente indomable, 1997) de Gus van Sant, con Matt Damon y Robin Williams.

También The Fly (La mosca, 1986) de Cronenberg, con Jeff Goldblum y Geena Davis… y muchas más. Y si hablamos también de series de televisión que tienen como sede Toronto, hay que citar a Being Erica (20092011) de la cadena CBC. Toronto es la ciudad más visitada de Canadá, tanto por locales como por extranjeros. Al año, unos 25 millones de paseantes o de personas que vienen acá por trabajo ayudan a que el ambiente cosmopolita de la ciudad se incremente. Esta misma diversidad ha hecho que el arte florezca aquí.

Hay que echarle un vistazo al Destillery District, que tiene sabor tradicional. Aquí la fama se debe al whisky. Calles con pisos empedrados o adoquinados, muchos cafés y restaurantes hacen que se conserve el sabor de una ciudad que, a causa de un gran

LO INSóLITO

En la ciudad

y sus alrededores

1.

Gibraltar Point Lighthouse, en las islas de Toronto (junto a Centre Island). El faro fue construido en 1808 para ayudar a la navegación en los Grandes Lagos. Su construcción es hexagonal y está hecho de piedra caliza. Es el símbolo más antiguo de la ciudad y está lleno de leyendas. Un hecho real, la muerte violenta del primer farero, es la fuente de cuentos de espectros que merodean el lugar en tardes y noches de neblina.

2.

Crucero por el Lago Ontario, que parte en los puertos de Toronto. Hay paseos de 45 minutos, pero los hay de mayor duración. Los hay diurnos y nocturnos. Los hay para todos los bolsillos y para sesiones muy exclusivas.

3.

Allan Gardens Conservatory, un invernadero con techo de cristal y hierro, lleno de flores y plantas que permiten al

alma dar un respiro en esta ciudad de rascacielos y vértigo.

4.

St. Lawrence Market. Especialmente en verano, este lugar se vuelve espectacular: multitud de puestos salen a la calle y llenan los alrededores con su mercancía. No es que los mexicanos podamos sorprendernos de ver un mercado tan colorido (somos expertos en ello), pero sentir el aire con la fragancia mezclada de frutos y verduras frescas es siempre un deleite.

5.

Wasaga Beach es la playa de agua dulce más grande del mundo. Son 14 kilómetros de arena, ideales para la relaja-

incendio en 1904, tuvo que ser reconstruida, un poco como lo que le ocurrió a Chicago en el siglo XIX. Otras zonas con sabor son el Kensington Market, el Barrio Chino y Nathan Phillips Square, considerada como la plaza central de la ciudad.

Al paso de los días, la lista de lugares visitados debe contemplar el Royal Ontario Museum, de historia natural y culturas del mundo, el museo más grande del país; la Casa Loma, un sorprendente castillo hecho en el siglo XX; Eaton Center, un mall que tiene una sección con techo de vidrio y figuras de gansos volando, etc.

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5

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7

ción. Otra es Sugar Beach, con hermosa arena blanca y a un paso del muelle de la ciudad.

6.

Algonquin Park. Hay que manejar algunas horas hacia el norte, pero bien vale la pena. Se trata de un área natural protegida con todo el sabor de los bosques canadienses. Un sitio perfecto para instalar la tienda de campaña y olvidarse del mundo.

7.

Cataratas del Niágara. Es un lugar común decir que la parte “más bonita” de las cataratas es la canadiense pero… es verdad. Y como está a menos de 140 kilómetros, sería todo un desperdicio ir a Toronto y no programar una visita a este lugar.

Algunas veces, Toronto fue capital temporal de Canadá, pero, desde 1866, Ottawa es el centro político de la nación. Como sea, este año es de celebración en todo el país y no habrá mejor lugar para vivirla que en Toronto, que lo tiene ya todo preparado para que la memoria de locales y visitantes no olvide jamás que este joven país está cumpliendo 150 años.

ACTUALIDADES

Texto: MARIANA FONTEBOA Fotos: DANTE CASTILLO

Ni líneas muy marcadas ni cortes radicales, ni pelos desaliñados. Tras varias temporadas de extremos, la sensatez regresó a la barbería en 2017. Para entenderlo mejor, hablamos con los expertos que trabajan en Barbería Capital, donde a diario se cumple el ritual del hombre.

Esto es lo que nos dijeron.

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ay niños que le temen a cosas como los payasos o la oscuridad, pero no era mi caso. A mí, cuando era pequeña, me daban miedo los hombres barbudos: era tanto mi temor que cuando los veía venir (fueran tíos, amigos de mis padres o extraños), simplemente me paralizaba. Eran mi peor pesadilla. Recuerdo que siempre que veía uno, intentaba esconderme detrás de la falda de mi madre y señalaba: “Mira, el viejo”. Pero mamá me enseñó a vencer el horror saludando a esos hombres con pelos en la cara, aunque fuera de lejos. ¡Y qué fortuna!, porque lo de hoy son los barbones y definitivamente los hombres así lucen más atractivos. ¡Imaginen lo que sería de mí si les siguiera temiendo!

Guadalajara, la tendencia de las barbas largas comenzó con ciertos deportistas. “Hace unos años, los beisbolistas de ligas mayores comenzaron a llevar barbas muy largas y bien cuidadas, ahí comenzó la moda”. Grimaldi tiene en mente, entre otros, el caso del pelotero Brian Wilson, que en 2013 rechazó una oferta multimillonaria de los New York Yankees, pues el contrato precisaba que debía rasurar su espesa barba.

Pero además de ser las barbas una moda, de acuerdo con una investigación publicada en el Journal of Evolutionary Biology, tener vello facial hace que los varones sean más deseados y aparenten mayor masculinidad. Para llegar a tales conclusiones, los investigadores analizaron las respuestas de más de 8 mil mujeres que evaluaron el aspecto de hombres con y sin barba.

Los investigadores fotografiaron a los mismos hombres de diferentes maneras: recién afeitados, cinco días después, 10 días tras el afeitado y, finalmente, cuatro semanas más tarde. La calificación más alta fue para los hombres con barba de tres días, seguidos de barbas completas y barbas incipientes de un día. Lo curioso es que cada uno de estos rostros era atractivo según el tipo de relación que estaban buscando las mujeres que los pretendían: los hombres con barba de unos días fueron considerados los más atrayentes cuando se trataba de relaciones temporales o de corto plazo, mientras que los hombres con barba prominente fueron considerados los más cautivadores para relaciones a largo plazo.

Rob Brooks, el científico imberbe al frente de la investigación, afirma que llevar barba está condicionado por las crisis económicas. Cuando estalló la de 2008 en todo el mundo, algunos hombres comenzaron a dejarse la barba para sus entrevistas de trabajo, lo que les dio ventaja sobre aquellos que lucían como el resto. Así, estar afeitado se relacionó con un estado pre-crisis, mientras que dejarse la barba daba la impresión de adaptación.

Pero para Alián Grimaldi, barbero en jefe de Barbería Capital, empresa que cuenta con cinco sucursales en la Ciudad de México y una más en

Profesión: ¿cirujano barbero?

Aunque estén de moda, ¡hay de barbas a barbas!

Definitivamente una bien cuidada tiene más puntos. Es así como renacieron las barberías. Sí, esos lugares cargados de testosterona en donde, sentados en cómodas butacas y con periódico o revista en mano, un grupo de hombres conversan alrededor del barbero en espera de su turno para rasurar la barba o cortarse el pelo.

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“Lo que viene es el aspecto de vikingo, que es pelo largo y abundante, sujeto, y la barba muy larga o barba corta y cuidada”

Las barberías están con nosotros desde hace siglos –en la Europa medieval, por ejemplo, existía la curiosa profesión de “cirujano barbero”–, pero con el tiempo perdieron su lugar en el imaginario colectivo, convirtiéndose en sitios a los cuales “sólo acudían los abuelos”. Sin embargo, en los últimos años, estos negocios resurgieron y ahora son lo más sofisticado en cuanto a cuidados masculinos se refiere. Gracias a su concepto innovador y excelente servicio, proliferaron cobrando bastante notoriedad.

De acuerdo con Luis Malpica, gerente de Barbería Capital, “ya no es sólo el largo de la barba, sino el estilo de vida, el tener un espacio sólo para los hombres” lo que ha posicionado las barberías en el gusto de clientes de todas las edades, incluyendo niños.

“Los clientes podrían afeitarse en su casa, sin embargo vienen a disfrutar ese tiempo que tienen con nosotros: se toman un whisky, un café, hojean una revista, reciben un ligero masaje, se relajan y viven el ritual del hombre en un ambiente pensado exclusivamente para ellos. Por eso, más que una moda, la barbería es un estilo de vida”, dice Malpica.

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“Los clientes podrían afeitarse en su casa, sin embargo vienen a disfrutar ese tiempo que tienen con nosotros: se toman un whisky, un café, hojean una revista, reciben un ligero masaje, se relajan y viven el ritual del hombre en un ambiente pensado exclusivamente para ellos”

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De hípster a vikingo La mayoría de las modas comienzan cuando una figura mediática, ya un actor, un modelo o un deportista, posiciona una imagen. Y aunque Alián Grimaldi piensa que fueron los jugadores de beisbol los responsables del regreso de la frondosa barba, otros aseveran que fueron los hípsters y los lumbersexuales (hombres que usan la barba poblada, camisas a cuadros y supuestamente aman la naturaleza; fueron los que arrebataron el podio a los metrosexuales) quienes impusieron esta moda en la segunda década del siglo XXI como seña de identidad.

Y aunque la imagen de la barba demasiado larga ya tuvo su boom y ahora la tendencia son las barbas bien recortadas, a juego con el cabello reducido a los lados de la cabeza, nuestro experto aclara que la tendencia va a dar un giro: “Lo que viene es el aspecto de vikingo, que es pelo largo y abundante, sujeto, y la barba muy larga o barba corta y cuidada”.

Y si acaso eres de los que todavía usan barba de candado, te tenemos una mala noticia: de acuerdo con Grimaldi, ese tipo de barba tiene años de haber pasado de moda, aunque la siga usando Robert Downey Jr. Finalmente, te preguntarás: ¿a quién le sienta bien la barba? Pues te diré que, según palabra de conocedor, a casi todos los hombres del planeta, salvo algunas raras excepciones (aunque todo depende de la forma que tenga tu cara). Es perfecta para todos aquellos que quieran “masculinizar” su aspecto. A las caras delgadas les favorece la barba larga, mientras que a las redondas la barba de tres días les sentará muy bien. Lo ideal es dejarte aconsejar por un diestro barbero –como nuestros amigos de Barbería Capital– para que estudie tu tipo de rostro y luzcas de una vez por todas la barba de tus sueños.

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BIENESTAR LO INSóLITO

Corre con

Haruki Murakami Texto: ÓSCAR TÉVEZ

Hace justo 10 años, el escritor japonés publicó un delicioso libro sobre salir a correr. Aquí algunas reflexiones que se desprenden de la obra y que pueden alentarte a seguir corriendo o a intentarlo por primera vez.

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aruki Murakami (Kioto, Japón, 12 de enero de 1949), sempiterno candidato al Nobel de Literatura, empezó a correr por lo mismo que todos: quería salir del “círculo vicioso” compuesto por “vida sedentariaaumento de peso-falta de aire cuando se hace un esfuerzo”. Y algo más, el cigarro. “Fumaba 60 cigarrillos al día. Los dedos me amarilleaban y todo el cuerpo me apestaba a tabaco”.

ren empezar a correr. Y también para aquellos que no les motiva: el texto te incita a ponerte los tenis e intentarlo. Y también para los que no han hecho footing en su vida ni tienen la más mínima intención de practicarlo: la calidad literaria merece una lectura.

Hace una década, el escritor japonés publicó un delicioso libro llamado De qué hablo cuando hablo de correr. El relato es a la vez pasional, inteligente y didáctico. De hecho, se ha convertido en un acicate para los que quie-

Estas son algunas de las reflexiones del también ensayista y traductor nipón, que sirven como consejos para cualquier persona que salga a correr semanalmente... o que nunca haya salido, pero no lo descarta:

Murakami empezó a correr tarde, con 33 años. Y no ha parado.

Hoy, el autor de Tokio blues y Kafka en la orilla tiene 68.

1.

En dos meses y medio Murakami adelgazó tres kilos. Así describe la sensación: “Me gustaría que imaginaran que van a una carnicería, piden tres kilos de carne y luego vuelven a casa caminando con ellos en la mano; tal vez así puedan hacerse una idea de lo que significa cargar con ese peso”.

2.

¿En qué pienso cuando corro? Es una pregunta que se hace el escritor. Y se responde: “Los días que hace frío, pienso un poco en el frío. Los días que hace calor, pienso un poco en el calor. Cuando estoy triste, pienso un poco en la tristeza. Cuando estoy alegre, pienso un poco en la alegría”.

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“Si haces ejercicio todos los días, tu peso ideal se acaba estableciendo de forma natural”

3.

El grupo favorito de Murakami para escuchar mientras corre son los neoyorquinos Lovin’ Spoonful. En concreto se decanta por dos álbumes de los 60: Daydream y Hums of the Lovin’ Spoonful. “La escuches donde la escuches siempre es estupenda. No pretende mostrar más de sí que lo necesario”.

5.

4.

6.

Cuando te pones a correr y no tienes claro la distancia que vas a hacer, sigue el consejo de Haruki: “Voy aumentando poco a poco (cada día) la distancia que recorro. Pero si aumento el ritmo acorto el tiempo de carrera. Procuro conservar y aplazar hasta el día siguiente las buenas sensaciones que experimenta

mi cuerpo. Idéntico truco utilizó cuando escribo una novela larga: dejo de escribir en el preciso momento en que siento que puedo seguir escribiendo. Al día siguiente me resulta más fácil reanudar la tarea”.

Todos los que salen a correr lo han padecido. Es ese momento en el que no puedes más e irremediablemente vas a parar. Pero, un momento, antes de pararte, en ese instante crítico, Murakami se repite mentalmente un mantra: “No soy un humano. Soy una máquina. Y, como tal, no tengo que sentir nada. Simplemente, avanzo”. Así supera la crisis y sigue corriendo.

Ventajas de correr frente a otros deportes: “No hacen falta compañeros ni contrincantes. Tampoco se necesita equipamiento ni enseres especiales. No hay que ir a ningún sitio especial. Con un calzado adecuado y un camino que cumpla unas mínimas condiciones, uno puede correr cuando y cuanto le apetezca”. Y a Murakami se le olvida decir un dato muy a favor, con los tiempos que corren: es gratis.

7.

El escritor relaciona su pasión por correr con el concepto de soledad: “Soy de los que prefieren estar solo. O, para expresarlo con mayor precisión, soy de esos a los que nos les produce tanto sufrimiento el hecho 135

de estar solos”. Pero se casó pronto, a los 22. Su momento de soledad lo disfruta ahora corriendo: “En mi interior siempre ha anidado el deseo de permanecer completamente solo.

Por eso, el simple hecho de correr una hora todos los días se convirtió en un hábito decisivo para mi salud mental”.

8.

Un tema controvertido: el autor japonés asegura que casi nunca hace estiramientos.

“Nunca me he lesionado”. Lo achaca a su “constitución fuerte”.

9.

El autor de 1Q84 reivindica con toda su alma la siesta. “Dormir un poco después de comer conserva la salud. Yo lo hago a menudo. Por lo general, después de la comida me entra sueño, así que me tumbo en el sofá y echo una cabezadita. Más o menos a la media hora me despierto”.

10.

Una de las cosas que más le gusta al escritor es disfrutar de una cerveza después de correr. De hecho, mientras está en la carrera ya imagina ese momento. Y, después de la carrera, ocurre: “Me tomo una cerveza Amstel todo lo fría que quiero.

Por supuesto, está buenísima. Pero la cerveza real no está tan buena como la que yo imaginaba y ansiaba fervientemente cuando corría. No existe en ninguna parte del mundo real nada tan bello como las fanta-

Imágenes: cortesía

“Si te pones a correr a diario, dejar el tabaco es una consecuencia natural.

Me costó mucho, pero correr a diario y fumar es incompatible” sías que alberga quien ha perdido la cordura”.

11.

Cuando se prepara para un maratón Haruki sigue unas reglas, como no descansar dos días seguidos. “Los músculos son como animales de carga dotados de buena memoria. Si los vas cargando gradualmente y con mucho cuidado, se van adaptando de manera natural para resistir esa carga”.

12.

La dieta de Murakami cambió cuando empezó a correr. Afirma que fue de forma natural, que era lo que le pedía el cuerpo: “Hice de los vegetales la base de mi dieta y obtenía las proteínas principalmente del pescado. Nunca me había hecho demasiada gracia la carne. Reduje el consumo de arroz y de alcohol, y empecé a emplear condimentos naturales. Los dulces nunca me gustaron”.

13.

El autor de After Dark se declara contrario a determinadas técnicas en las clases de educación física de las escuelas: “Cada vez que veo en un colegio esa escena en la que todos los chicos son obligados a correr en la hora de deportes, no puedo evitar compadecerlos. Obligar a correr largas dis-

tancias a personas que no desean correr, o que, por su constitución, no están hechas para ello, sin ni siquiera darles una opción, es una tortura sin sentido”.

14.

Lo mejor para mantener el peso adecuando es correr.

“Si haces ejercicio todos los días, tu peso ideal se acaba estableciendo de forma natural”.

15.

Sobre la siempre recurrente idea de que haciendo ejercicio se vive más, Murakami aporta una reflexión: “No importa si no vivo mucho, pero, mientras viva, quiero al menos que esa vida sea plena”.

16.

Así superó el novelista su dependencia al cigarro: “Si te pones a correr a diario, dejar el tabaco es una consecuencia natural. Me costó mucho, pero correr a diario y fumar es incompatible.

Creo que el deseo, tan natural, de querer correr cada vez más me motivó a la hora de aguantar sin fumar y me fue de gran ayuda a la hora de superar el síndrome de abstinencia”.

17.

Y una reflexión final: reivindicar sus días de descanso sin ninguna excusa. Algunos días, a sus 68 años, Haruki se dice: “Hoy no me apetece correr”. Y punto.

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COACHING

pasos para convertirte en CEO de tu propia empresa Ocupar esta posición laboral por tu cuenta es posible. Descubre qué hacer para lograrlo y cómo crecer profesionalmente al máximo.

Texto: KARINA GONZÁLEZ FAUERMAN

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i tu mayor sueño es ser CEO (Chief Executive Officer o director ejecutivo en español) de tu propia empresa, puedes hacerlo realidad. Nadie dijo que fuera fácil, pero si sigues un plan estratégico, lo lograrás. Como Joshua A. Aguilar, un guatemalteco-español que a los 25 años publicó Diario emprendedor, un libro que se volvió bestseller mundial. Actualmente, Joshua tiene 28 y dirige su propia compañía llamada Earth Technologies, que ofrece soluciones sustentables para el cuidado del medio ambiente.

De acuerdo con el autor, los ocho pasos necesarios para alcanzar la posición de CEO son los siguientes:

Estudia y gana experiencia La preparación es esencial sin importar la carrera que hayas elegido. Lo lógico sería pensar que un CEO deberá tener títulos universitarios relacionados con administración de empresas o MBA (Master in Business Administration). Sin embargo, muchas de las grandes empresas multinacionales están dirigidas por CEOs especializados en marketing, ingeniería, matemáticas o incluso biología. También es importante la experiencia: qué has hecho en tus empleos previos, qué ha cambiado en ese trabajo con tu presencia y cómo han mejorado las compañías en las que has laborado.

Sé el mejor Si trabajas en una empresa en la que te gustaría llegar a convertirte en CEO tienes que ser el mejor, hacer las cosas con nivel de excelencia y ser un empleado que siempre destaque.

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Conviértete en líder Un buen líder es aquel capaz de influir con su visión tanto a su equipo como a sus clientes. Así que abre nuevos caminos, no retrocedas; el miedo no deberá detenerte sino impulsarte a seguir delante. Serás el primero en entrar a trabajar y el último en irse. Deberás ser el modelo a seguir.

Trabaja en equipo Un CEO sabe escuchar y comprender las necesidades de su gente, utiliza siempre el “nosotros”, ayuda a su equipo a crecer profesionalmente y le brinda confianza. Sabe delegar responsabilidades y es un buen compañero de trabajo. Además, transmite respeto y respeta a los demás.

Frases inspiradoras de grandes líderes Mark Zuckerberg, 33 años, CEO de Facebook “El riesgo más grande es no tomar ninguno. En un mundo que está cambiando tan rápido, la única estrategia que está garantizada a fracasar es no tomar riesgos”

Denise Morrison, 63 años, CEO de Campbell Soup Company “Lo que aprendí muy pronto es que debes fijarte metas en la vida, tanto de corto como de largo plazo, al igual que se hace en los negocios. Tener metas a largo plazo te permite crear un plan para lograrlas. Lo aplicamos a los negocios, pero cuando se trata de nosotros mismos, raramente lo hacemos”

Indra Nooyi, 61 años, CEO de PepsiCo “La distancia entre el número uno y el número dos es siempre una constante.

Si quieres mejorar la organización debes mejorar tú. Y la organización crecerá contigo”

Da resultados Se enfoca en las soluciones y no en los problemas. También asume sus fracasos y crece a partir de ellos.

Está dispuesto a hacer sacrificios Uno de los principales precios que debe pagar un CEO es ver poco a la familia, a los amigos y, en general, a sus seres queridos. “No importa cuánto éxito o dinero llegues a tener: el tiempo no se recupera ni se compra. Busca un balance en tu vida y clasifica tus prioridades. De esta forma siempre sabrás qué es lo que ocupa el primer lugar en tu corazón y tendrás tus emociones en orden”, subraya el autor de Diario emprendedor.

Larry Page, 44 años, CEO de Google “Muchas empresas no triunfan a pesar del tiempo. ¿Qué hicieron fundamentalmente mal? Generalmente, dejan de lado el futuro”

Howard Schultz, 63 años, CEO de Starbucks “En esta sociedad cambiante, las marcas más poderosas y duraderas son construidas desde el corazón. Son reales y sostenibles, porque están edificadas con la fuerza del espíritu humano y no el de una campaña publicitaria. Las compañías que duran son aquellas que son auténticas”

Marissa Mayer, 42 años, CEO de Yahoo “Si puedes encontrar algo que realmente te apasione, el que seas hombre o mujer no tiene mayor relevancia.

La pasión es una fuerza que neutraliza al género”

Sigue tus sueños Todos en nuestro interior tenemos sueños acumulados que a veces los dejamos dormidos por miedo a despertarlos. No te mantengas indiferente a ellos y encuentra los aliados que necesitas para empezar a hacer realidad todo lo que deseas.

Rompe estereotipos No importa si eres joven o si tienes poca experiencia; lo importante es trabajar todos los días y demostrar cuánto vale tu talento y determinación.

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PSICOLOGÍA

Life, Animated, película del cineasta Roger Ross Williams, nominada al Oscar como mejor documental, cuenta cómo las fábulas animadas sacaron a Owen Suskind de su aislamiento.

Texto: TOMMASO KOCH

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e repente, el silencio. Ni una palabra más. A los tres años, Owen Suskind dejó de comunicarse con el mundo exterior y se encerró en el suyo. “Buscamos pistas de quién había secuestrado a nuestro hijo”, recuerda su padre, Ron. El primer pediatra no les ofreció ninguna: aceptó que los problemas del niño lo superaban. Finalmente, otro médico resolvió el caso: Owen era autista.

Los Suskind se quedaron noqueados. Decidieron, sin embargo, que la enfermedad no les impediría mantener ciertas tradiciones. Por ejemplo, ver los clásicos

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de Disney juntos en el sofá. “Lo seguía haciendo feliz”, rememora Ron sobre su hijo. Pero la alegría se volvió euforia cuando Owen rompió su aislamiento. Y habló.

Los padres creyeron que pedía un “juice” [“jugo”]. Sin embargo, decía: “It’s just your voice” [“Es solamente tu voz”]. Sus primeras palabras en un año venían de una canción de La sirenita.

“Memoricé cada película de Disney”, cuenta Owen en Life, Animated (La vida animada), un filme de Roger Ross Williams que fue nominado al Oscar como

mejor documental. La película parte del libro que Ron Suskind –periodista neoyorquino de importantes medios como The Wall Street Journal, Esquire y The New York Times– escribió sobre su hijo (Life, Animated: A Story of Sidekicks, Heroes, and Autism) para contar el mundo a través de los ojos de Owen. Y, con una mezcla de animación e imágenes reales, relata cómo las fábulas animadas ayudaron al chico a combatir el autismo. “Usa estas películas para darle sentido al mundo”, asevera un especialista en el filme.

Así, Hércules lo animó a seguir luchando. De El libro de la selva extrajo la importancia de la amistad. Y los títulos de los créditos lo enseñaron a leer. “Me conmovía que Owen, que no podía hablar, conectar con los demás ni mirar a los ojos, hallara un camino a través de las cintas de Disney”, tercia por teléfono Roger Ross Williams.

De ahí que el cineasta siguiera a su protagonista durante todo 2014: ante la cámara, Owen se gradúa, descubre luces y sombras del amor y se muda solo a un departamento. No antes de repasar la secuencia más apropiada para ese día: el traslado del circo de Dumbo.

“Estas películas expresan las emociones de forma más evidente que en la vida. Así Owen podía verlas y estudiarlas. También conectaba con la animación hecha a mano. Fue una gran guía para llevarlo a comunicarse de nuevo

La alegría se volvió euforia cuando Owen rompió su aislamiento. Y habló. Los padres creyeron que pedía un jugo. Sin embargo, decía: “It’s just your voice” [“Es solamente tu voz”]. Sus primeras palabras en un año venían de una canción de La sirenita

El director Roger Ross Williams y el protagonista del documental, Owen Suskind.

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Hércules lo animó a seguir luchando.

De El libro de la selva extrajo la importancia de la amistad.

Y los títulos de los créditos lo enseñaron a leer…

En general, y como en El rey león, Bambi o La cenicienta, el camino hacia un final más feliz fue complicado. Porque, tras su primera frase, Owen regresó a su prisión. Un médico concluyó que quizás tan solo había repetido las palabras de Úrsula –la villana de La sirenita–. Y otros cuatro años de silencio parecieron darle la razón. Hasta que, el día de su 9º cumpleaños, volvió a ocurrir. Esta vez Owen se refirió a su hermano: “Walter no quiere crecer, como Mowgli y Peter Pan”.

Días después, Ron se encontró a su hijo sentado en su cama.

Cerca de él, estaba su muñeco de Iago, el loro de Aladdín. Y el padre tuvo una intuición genial.

Se tumbó en el suelo y sacó el peluche por encima de las sábanas. “¿Cómo estás?”, le preguntó Iago a Owen. Y el chico se sinceró: “Mal, porque no tengo amigos”. “¿Y por qué tú y yo somos amigos?”, indagó entonces el loro.

“Porque en Aladdín me hiciste reír”. Padre e hijo conversaban –Iago mediante– por primera vez en sus vidas.

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Imágenes: cortesía

y expresar sentimientos como alegría o desesperación”, agrega el director del documental. Aunque entender el mundo con Disney también tiene sus desventajas. ¿Cómo explicarle a Owen que el amor no siempre es eterno? ¿Y el sexo? Su hermano mayor, Walter, llegó a plantearse mostrarle la versión pornográfica de sus adorados clásicos.

A partir de ahí Owen Suskind no dejó de avanzar. Y ante los obstáculos de la vida –fue expulsado de una escuela porque no progresaba, sufrió bullying–, acudía a sus compañeros fieles, con los que concibió y dibujó su propia historia –que derivaría en su propio cortometraje de seis minutos de duración–: Land of the Lost Sidekicks. En sus páginas, Rafiki, Baloo, Abu y compañía se juntan con el propio Owen y escapan del malvado Fuzzbutch, el autismo encarnado en un demonio. “Soy el protector de los Sidekicks. Nadie es dejado atrás”, escribió Owen. Tanto que hasta lanzó un cineclub de Disney y hoy en día da conferencias por el mundo ilustrando su caso. “Es impresionante su pureza. Como documentalistas siempre intentamos contar la verdad y que nuestro sujeto sea honesto. Owen no sabe hacer otra cosa”, afirma el director Roger Ross Williams.

Este cineasta estadounidense de 43 años se siente identificado con su protagonista. Afroamericano, homosexual, de orígenes pobres, Williams ha centrado su filmografía (God Loves Uganda, Music by Prudence) en la defensa de los marginados: “Tras ver la película, me gustaría que la gente pensara que todos tienen un sitio en este mundo”. Y añade: “Ahora más que nunca, los documentalistas tenemos que contar la verdad. Y ofrecer una alternativa a los mensajes de odio que llegan desde la Casa Blanca”. Tal vez los filmes de Disney atesoren lecciones también para Donald Trump. Por ejemplo, aquello que decía la liebre de Alicia en el País de las Maravillas: “Si antes no piensas, no deberías hablar”.

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MANERAS DE VIVIR

Tirarse de los pelos

Cortesía

ROSA MONTERO*

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ace unos años publiqué un artículo titumucosas del interior de las mejillas, nos comemos las uñas, lado “Comerse a uno mismo” que hablaba los mocos, las costras, las pielecillas resecas de los labios. de la tricotilomanía, una enfermedad de Yo misma me muerdo y arranco los pellejos de los dedos, y cuya existencia me acababa de enterar. Bajo ese en épocas de especial estrés lo hago tan concienzudamente nombre rimbombante se esconde un trastorno que luzco algún desgarro. Cómo es posible extraer placer de de conducta que puede ir de lo leve a lo inhabiliarrancarte la piel es algo que no entiendo, pero sin duda se tante y que consiste en arrancarse los pelos. Una de extrae. La trico es una manía absurda semejante, con el agracada cinco personas aquejadas de trico también se vante de que en ocasiones llega mucho más lejos. Un tercio come los cabellos; eso se llama tricofagia y es un hábito peligroso, “El ser humano es un extraño animal que sufre arreporque el pelo forma bolas en el estómago y batos de autofagia: nos mordisqueamos las mucosas a veces hay que recurrir a la cirugía para del interior de las mejillas, nos comemos las uñas, librarse de ellas.

los mocos, las costras, las pielecillas resecas de los

La manía comienza labios. Yo misma me muerdo y arranco los pellejos en la niñez; yo recuerdo haber visto de los dedos, y en épocas de especial estrés lo hago en la infancia a niñas chupando con fruitan concienzudamente que luzco algún desgarro. ción un mechón de pelo o enredando sus Cómo es posible extraer placer de arrancarte la piel cabellos en un dedo y dando tironcitos, cosa es algo que no entiendo, pero sin duda se extrae” que incluso me parecía elegante y que por fortuna no imité, porde los tricos tienen depresión, lo que no es de extrañar dado el que ahora sé que puede convertirse en una pesagrado de deterioro físico que pueden alcanzar y la culpabilidilla. Cuando la trico es grave, quienes la padecen dad y falta de confianza en ellos mismos que conlleva. se infligen terribles destrozos; se arrancan las pestañas, se hacen heridas en la cabeza, grandes calvas.

Beatriz Moreno Amador era una adolescente así de Su aspecto puede llegar a ser tan calamitoso que se herida cuando saqué aquel artículo. Lo leyó, y por eso ahora, encierran en casa para no ser vistos, porque suelen tantos años después, se puso en contacto conmigo. “Vivir ser víctimas de las burlas y la incomprensión del con tricotilomanía es como vivir encarcelada en tu propio entorno, lo cual constituye el mayor tormento. cuerpo, siendo tú carcelera y prisionera al mismo tiempo.

Te dicen: deja de hacerlo, sálvate… Y no puedes, te ves a El ser humano es un extraño animal que sufre ti misma cavar tu propia tumba”. Beatriz me escribió una arrebatos de autofagia: nos mordisqueamos las

(*) Rosa Montero es una periodista y escritora española, autora de más de una docena de novelas, entre ellas La hija del caníbal, llevada al cine por el director mexicano Antonio Serrano; además escribe cuentos infantiles, ensayos y es colaboradora habitual del diario El País.

Su más reciente publicación es La carne, una intriga emocional sobre el sexo, el paso del tiempo y la capacidad para sobrevivir al fracaso.

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larga y magnífica carta sobre esta enigmática enfermedad, tan humana en su incongruencia. Por fortuna ella aprendió a convivir con la trico, que ahora sólo experimenta en bajo grado; terminó la carrera de psicología, se siente fuerte y segura y quiere centrar su trabajo en esta dolencia: “Cada vez veo más necesaria la ayuda social y profesional, que se investigue, que se trabaje para su prevención y se evite su desarrollo insidioso, sobre todo en la niñez”.

Porque en España hay miles de afectados por esta destructiva manía, pero nadie habla de ella. “En castellano no existen investigaciones sobre la trico, los cuestionarios para este trastorno no están traducidos ni validados en nuestro idioma, y no hay profesionales especializados”. Beatriz salió con esfuerzo de su infierno gracias a la ayuda de otros afectados y a la aceptación de su trastorno como algo “normal”, esto

es, como una de las múltiples “anormalidades” que forman parte de la vida humana, siempre tan incompleta y tan fallida. Por otra parte, de la trico se sabe muy poco.

Incluso se especula con la posibilidad de que detrás del trastorno esté una bacteria u hongo, lo que supondría que un tratamiento físico podría curarlo o mejorarlo y, sobre todo, acabaría con la angustiosa culpa de quienes lo padecen.

Decidida a intentar acabar con la invisibilidad de la dolencia, Beatriz Moreno se propone crear una red de apoyo junto a pacientes con tricotilomanía y familiares, “para concienciar sobre este trastorno, demandar el respeto y ayuda terapéutica que merecemos y devolver las esperanzas a otras personas”. Poniendo su granito de arena, Beatriz aspira a iluminar la oscuridad que rodea el síntoma, a aliviar con información, normalización y empatía el dolor de este infierno. twitter@BrunaHusky

AQUEL AYER RAMÓN DE FLÓREZ*

U

na vez más Francia enseña al mundo que, gracias a su admirada sabiduría, en los momentos más difíciles siempre encuentra a la persona indicada para conducir sus destinos. En unas elecciones históricas e impecables celebradas en mayo, el joven político centrista Emmanuel Macron obtuvo en las urnas una victoria aplastante y se convirtió, a sus 39 años, en el presidente más joven de Francia. Ocho días después de este arrollador triunfo tomó posesión de su cargo y nombró como primer ministro al brillante político republicano Édouard Philippe. Quien llama para gobernar Francia a un abanico de personajes de distintas ideologías, pertenecientes todos a las élites de la política, de la economía y de la diplomacia francesa.

Así, a tambor batiente, el presidente Macron encara la salida de una crisis formidable y de una amenaza terrorista que atenta contra la grandeza del pueblo francés y contra la buena marcha de sus instituciones.

Esto lleva mis recuerdos de “Aquel ayer” al siglo pasado en que estando la IV República sumida en un fracaso estrepitoso, el general Charles de Gaulle fue llamado en 1958 a encabezar el poder en Francia.

Considerado por muchos como un hombre y militar con vocación imperialista, la poderosa ultraconservadora derecha francesa y sus

Cortesía

14 de julio altos mandos militares pensaron que De Gaulle, una figura de la Segunda Guerra Mundial, como presidente de Francia lograría ganar la guerra de Argelia. Y así complacer a los nacionalistas y terratenientes franceses que combatían a los patriotas argelinos que luchaban para lograr la independencia de su país. Pero se equivocaban porque el general De Gaulle no era la persona ni el político ni el militar que iba anteponer la conveniencia y las ideas, incluso las de él mismo, a los intereses de su nación.

De Gaulle, pues, decidió, contrariando el deseo de los conservadores a ultranza, que para restituir la magnificencia de Francia y recuperar su liderazgo menguado, había que sacrificar su último bastión colonialista. Y así, Argelia, gracias a unos conflictivos acuerdos, obtuvo su independencia después de 132 años de dominio francés.

Este hecho de enorme trascendencia, a pesar de los inmensos problemas que trajo y los severos atentados contra la vida del propio De Gaulle, significó para Francia poner fin a una guerra perdida, terminar con un atroz derramamiento de sangre y recuperar con la complacencia del mundo entero su prestigio y su grandeza.

Imposible en este espacio asignado mencionar siquiera los grandes logros de gigantesca relevancia que para Francia obtuvo el más importante de sus presidentes, por lo que me limitaré a comentar lo siguiente: después de 11 años de asumida la presidencia, el general Charles De Gaulle (que fallecería el 9 de noviembre de 1970) sintió que para continuar con éxito su notable gestión al frente de uno de los países más politizados del mundo, era necesario ampliar los limitados poderes que tiene el Presidente de Francia conforme a los lineamientos de la V República. Fue entonces que el 22 de abril de 1969 convocó al electorado a un referéndum necesario para lograr estos propósitos políticos. Pero contrariamente a lo que esperaba el viejo general, los franceses dieron un “no” rotundo a las pretensiones de su líder. Ese mismo día, pasada la medianoche, un imprevisto como sencillo comunicado del Palacio del Elíseo –sede de la Presidencia de la República francesa– anunciaba la dimisión del mítico general, a los 78 años. Al día siguiente de esta noticia que conmovió al mundo entero, los franceses, con aspecto sombrío, se encontraban por la calle y se miraban al fondo de los ojos como preguntándose sobre lo que habían hecho.

El presidente De Gaulle vino a México el 16 de marzo de 1964. Fue recibido apoteósicamente. En su primer acto como visitante distinguido y acompañado de su homólogo mexicano Adolfo López Mateos se dirigió desde el

*Su experiencia en medios electrónicos e impresos incluye apariciones como analista político en Televisa y TV Azteca, y artículos de opinión en el diario Ovaciones. Pero nada se compara con su conocimiento de la sociedad mexicana e internacional, de la cual formó parte y vio de cerca en su restaurante Villa Fontana, famoso entre los famosos a mediados del siglo XX en la capital de nuestro país.

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balcón central de Palacio Nacional a nuestra gente que abarrotaba el Zócalo.

Y en un perfecto castellano, pronunció las siguientes palabras: “México y Francia juntos con la mano en la mano”, comprometiendo y apoyando con estas palabras a nuestro gobierno y a nuestra política nacional y soberana.

Así se interpretó entonces por los medios de difusión del mundo entero quienes convirtieron este histórico encuentro en el centro de la atención mundial.

Durante su estancia de tres días en nuestra capital Charles de Gaulle charló en privado varias veces con nuestro primer mandatario, de quien recibió profundas muestras de atención en un México completamente distinto al de ahora. Las cortesías culminaron con una cena de gala en el Palacio de Minería, en el marco de una organización memorable por parte de nuestras máximas autoridades. Asistieron todos los miembros del gabinete, del senado, de la cámara de diputados, el cuerpo diplomático en pleno y los principales propietarios de los medios de difusión, además de la crema y nata del mundo social y empresarial de la época. Asistí acompañado de mi entrañable amiga, Dolores Valdés viuda de Lanz Duret, en ese tiempo propietaria del periódico El Universal. Recuerdo que estuvimos en la mesa con Bernardo Ponce, editorialista de Excélsior y su esposa Margarita, y con Antonieta Becerra Acosta, esposa de Guillermo González Camarena, nuestro laureado inventor de la televisión a color. Enfrente de nosotros cenaban y charlaban distendidamente el general De Gaulle, el presidente López Mateos, su esposa doña Eva Sámano, los

ministros de relaciones exteriores y los embajadores de los dos países. El esplendor de la fiesta fue inenarrable; la cena servida por el restaurante Ambassador, exquisita, el servicio impecable y los asistentes elegantes, vestidos de largo y de frac. Después de los postres tuve la fortuna de estrechar la mano de un personaje a quien siempre admiré profundamente, Charles de Gaulle.

Vive la France!, sería mi comentario final en esta entrega que sale en el mes en que los franceses celebran su fiesta nacional, el 14 de julio. ¡Y mucha suerte a su flamante presidente, Emmanuel Macron!

Feliz viaje, amigos de Interjet. ramondeflorez@yahoo.com.mx

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recuento de viajes

La isla de las mujeres

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972. Nuestro objetivo era llegar a Isla Mujeres, tras la punta más lejana de la península de Yucatán, cruzando media República Mexicana y un brazo de mar para descubrir, allí, un edén inaccesible que, en efecto, estaba lleno de mujeres... ¡desnudas!: hippies europeas, bostonianas y canadienses que venían en busca de playas nudistas para que su piel, pálida como la nieve de sus tierras, se trasfigurara en cuerpos bronceados bajo el sol que columbra ardiente en el mar Caribe... ¡ah!, y, por supuesto, en busca de mexican curious lovers, como esos pícaros lancheros de Acapulco, tostados como granos de café, correosos de tanto arrear embarcaciones, gigolós poderosos, sementales de libido potenciado por la ingesta cotidiana de mariscos y pescados frescos. ¡Imaginar a esas chicas rubias psicodélicas que, con flores en el pelo y signos de peace and love en las mejillas, abogaban por el amor libre como un principio de comunión con el cosmos, era el sueño de cualquier adolescente de 16 años! El problema era que mis compañeros y yo estábamos lejos de ese prototipo de buen salvaje –le bou sauvage– acapulqueño. Nosotros éramos apenas un cuarteto de adolescentes citadinos de pieles grises, flacos, panzones y ¡vírgenes!, a quienes las chicas no hacían caso, y que nos alimentábamos con las famosas quesadillas –sin queso¬– de chicharrón prensado de doña Tifo, afuera de la Voca 5 del Politécnico, y no con ostiones frescos de malecón.

—¡Vayan a Isla Mujeres, babosos!, nos había dicho el Pollo, un compañero de aula más audaz y vivido, con su cabello largo hasta la cintura y camisas de manta bordada con honguitos de Huautla—. Yo estuve allí el verano pasado y me ligué a una tortita italiana, capisci mascalzoni?

Y también a una alemana que tenía el doble de estatura que yo, wunderbar! Y allí andábamos los tres, Lotte, Domenica y yo, tomados de las manos, vagando por las playas de la arena más blanca y suave que jamás podrán ver en sus inútiles vidas.

Motazón, Torres, Lechuga y yo escuchábamos los relatos fantásticos del Pollo, salivando como perros de Pavlov.

—Tenemos que ir —concluyó Lechuga—.

Aprovechemos las vacaciones de verano. Tendríamos 10 días para ir y regresar.

“La travesía fue interminable, tortuosa, trepando camiones de redilas y autobuses enmohecidos, apretados en cabinas de tráilers con los escapes desembocando en nuestros pulmones; andando por horas en caminos con el asfalto hirviendo, pues nadie quería darle aventón a cuatro desarrapados; durmiendo en bancas de parques o en estaciones de camiones, esperando durante horas muertas de hastío la próxima salida al siguiente pueblo” —¿Y con qué dinero? —cuestionó apesadumbrado Motazón, que era el más pobre de los tres, aunque en realidad todo éramos unos pránganas.

—Pues así, con la poca lana que logremos juntar y... ¡de aventones!

Sí, el México de aquellos años era otro: un país donde cuatro tontos podían viajar de mochilazo y autostop sin temor a que les pasara algo malo.

La travesía fue interminable, tortuosa, trepando camiones de redilas y autobuses enmohecidos, apretados en cabinas de tráilers con los escapes desembocando en nuestros pulmones; andando por horas en caminos con el asfalto hirviendo, pues nadie quería darle aventón a cuatro desarrapados; durmiendo en bancas de parques o en estaciones de camiones, esperando durante horas muertas de hastío la próxima salida al siguiente pueblo. Al cabo de seis días nuestro aspecto era aterrador, al grado que una madrugada, en el atrio de una iglesia campechana, mientras dormíamos, dos maleantes armados con cuchillos nos estaban cuadrando, cuando uno le dijo al otro:

*El autor es miembro fundador de Botellita de Jerez, banda emblemática del rock mexicano contemporáneo. Ha ganado tres premios nacionales de literatura y ha publicado 31 libros entre crónica autobiográfica, novela, poesía y libros infantiles. Hace música para niños con su Ukulele Loco, conduce un programa de radio especializado en cine mexicano emergente y ha encontrado en la fotografía un nuevo medio para dar su opinión sobre la vida.

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Tania Sierra

ARMANDO VEGA-GIL*

—No, mejor vámonos, se ve que esos chilangos son gente peligrosa.

Estábamos tan urgidos de llegar a Isla Mujeres que los cuatro apenas si volteábamos a ver las selvas tropicales, playas desiertas, ríos de aguas cristalinas, montañas despejadas, bosques frondosos, barrancos impresionantes. Si hubiéramos parado en alguno de aquellos lugares habríamos sido parte de paisajes oníricos ahora inexistentes.

Cuando al fin llegamos al puerto yucateco de Progreso, sin dinero, en los huesos, mugrosos e insolados, cruzamos de allí, en panga, sobre un mar de azul picado que hizo vomitar nuestros últimos nutrientes, rumbo a Isla Mujeres. ¡Llegamos, llegamos! Motazón, Lechuga, Torres y yo estábamos felices, listos para el amor libre. Peace and love, maese. Pero de mujeres nudistas, jipis liberales y europeas vegetarianas hambrientas de huesos de adolescentes mexicas... no había ni huella. Ni una. Sólo pescadores que nos daban la vuelta y se reían a nuestras espadas. Buscando al menos el consuelo de un chapoteo en las olas de aquel mar alucinante, llegamos a una playa en la que, la noche anterior, habían destazado decenas de tortugas caguamas; la arena, llena de tripas viscosas y un olor putrefacto.

Sólo estuvimos en Isla Mujeres ¡seis horas! y salimos pitando de allí, frustrados, engañados, con mareos… y el deseo apremiante de regresar a casita.

Semanas después, al inicio de clases, fuimos a buscar al Pollo con ganas de partirle la cara en tres mitades.

—¡Qué onda, chavos! —nos recibió extrañado—. ¿Dónde andaban? Me fui detrás de ustedes para armar la fiesta playera. Nunca los alcancé. Cuando llegué a Isla, unos pescadores me dijeron que se habían ido un día antes, apenas desembarcaron. ¡Chale!, se hubieran quedado —dijo, y nos extendió una foto en la que se veía abrazando a una brasileña de piel tostada y sonrisa de media luna—: una delegación de garotas cariocas llegó a pasar unas vacaciones y, claro, me hice de una novia, ya saben: amor de verano.

Asustados, nos quedamos viéndonos entre nosotros para comprobar que, en efecto, éramos un cuarteto de tontos impacientes, destinados a vagar como ciegos en un país que hoy es otro, como otros éramos en ese momento, pues los viajes, a pesar de los pesares, nos cambian para siempre.

@ArmandoVegaGil

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DE LO PERDIDO LUIS LAGO*

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Cortesía

Platero y nosotros i bella y yo solemos contarnos los sueños cada mañana. Luego, acompañados de humeante café chiapaneco, leemos en voz alta novelas, cuentos, poemas. Sin saberlo, esta vez elegimos Platero y yo. ¿Sin saber qué? Que este año es el centenario de la obra cumbre, sencilla, dulce e inmortal del poeta español Juan Ramón Jiménez, premio Nobel de Literatura 1956. Emocionado, llego al bar nuestro de cada jueves a ver a mis amigos y les cuento.

—Por un lado, sí. A esta época del mundo le falta ternura, contemplación, amor a la naturaleza. Por otro lado…

—Estás en un error—, me dice Sharpei Planchado, el más culto de los presentes en esa habitual tertulia de cinco cuates con puntos de vista a veces opuestos.

—Justo de eso se trata, Raíces, de recuperar un poco de nuestra paz, de nuestras ganas de volver a contemplar el cielo, el paisaje. Encontrarle forma a las nubes y sentir que los animales son nuestros compañeros de vida, no unos juguetes que podemos torturar y despedazar o unas máquinas de carga y trabajo infernal…

—Yo sabía que los burros eran longevos, pero, ¿100 años? ¡Qué maravilla!—, aprovecha Cruz, amigo al que le gustan los juegos, para entrarle al tema. Cruz ha estado muy sensibilizado en torno a los animales desde que adoptó un perrito de la calle.

—Platero y yo se publicó en 1914. Lo sé porque estuve en Moguer, el pueblo natal del poeta, en el centenario. Hubo muchos eventos para recordar el libro. Allá me encontré todo el sabor de Andalucía y todo el ambiente de Platero. Claro, el sitio ha crecido, pero algo queda. Por cierto, ese lugar tuvo mucho que ver con la llegada de Colón a América, ¿sabían?—, comenta Sharpei.

—Tienes razón. Pero también 2017 ha sido declarado “Año Platero” en Moguer. Y es que ese libro se fue publicando por cachitos. La fecha que tú dices es cuando salieron los primeros capítulos. Bueno, la historia con principio y fin, pero, con los años, Juan Ramón Jiménez le fue añadiendo partes intermedias. Hace un siglo se publicó la edición completa.

—Bueno, ¿y?—, pregunta Bienes Raíces, amigo que ama sembrar dinero para verlo crecer.

—Y nada. ¿No lo has leído nunca? Mi bella y yo conocíamos bien la obra, pero esta vez, así, en voz alta, fue tan intensa…

—¿Nos estás invitando a reinvertir nuestro tiempo en su relectura?—, insiste.

—¿Y voy a ser feliz leyendo paisajes idílicos y rebuznos felices mientras voy como sardina en el metro?

—Oigo un dejo de mal humor en cierto contertulio hoy—, apunta Sharpei, sonriendo.

—¿Con un libro recuperas todo eso?

—Si, con Platero y yo, sí—, suelta Mutis, el más silencioso de los cinco que nos reunimos. —Siento que cambió algo en mi vida, me dio algo muy valioso y no sé decir qué es. El autor decía que el libro no es para niños, sino para adultos que aún conservan algo de niños. El Principito es parecido, pero ése sí es para niños, aunque Saint Exupéry se lo dedica a un adulto… “cuando era niño”.

—El mundo está canijo, pero la solución no es evadirse leyendo, contemplando, oliendo flores.

—¡No se lee para evadirse!, —truena Sharpei. Al revés: el que no lee es quien se evade. Pierde la oportunidad de ser parte de la sabiduría de la humanidad. El libro es la más grandiosa invención de todos los tiempos. Si dejamos de leer, tendremos gente manipulable sin historia, sin conocimiento de sí misma, sin sensibilidad, sin… sin raíces, pinche Raíces.

Quedamos un momento en silencio. Nunca le habíamos oído una grosería a Sharpei, pero me suena oportuna.

Siempre hay que defender con bravura lo que más nos importa. En estos tiempos difíciles, creo que deberíamos volver a preguntarle al niño que fuimos qué es lo que más nos gusta de la vida. quepena@hotmail.com

*Luis Lago nació en una tormenta, durante una tertulia literaria. Desde entonces se alimenta de libros, letras y lluvia. Hace periodismo cultural y de viajes en algunos medios nacionales y siempre está dispuesto a colgarse la mochila al hombro.

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MÁQUINAS

El BMW de Cao Fei

Imágenes: cortesía

Texto: JONATHAN MORALES

La tradición de los Art Car de BMW viene de 1975... y será ahora cuando dé el verdadero salto al siglo XXI de la mano de una artista de 39 años que ha dado forma al Art Car número 18 de la serie de 19 esculturas rodantes de la marca alemana.

Se trata, además de uno que es especial por su carácter digital.

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l modelo base es un BMW M6 GT3 de carreras en su forma y color originales; es decir, negro carbono con acabado mate al que se le ha añadido el dorsal 18, un número considerado de la suerte en China, tierra natal de Cao Fei. Pero la experiencia completa del BMW Art Car 18 consta también de una aplicación para teléfonos celulares con funciones de realidad virtual y aumentada en conexión con un video en el que se muestra a un practicante espiritual.

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Quién es esa chica La autora del sobrecogedor y logrado experimento llamado BMW GT3 Art Car es Cao Fei (Guangzhou, China, 1978), una de las estrellas emergentes –pero con amplio reconocimiento ya– del panorama artístico contemporáneo, que en sus obras, sobre todo instalaciones multimedia y videos, combina estética cibernética, lenguaje popular y surrealismo, con un inédito análisis de las caóticas transformaciones que están afectando a la sociedad de su país.

Sus movimientos se convierten en flujos de luz que mediante la app se pueden asociar al coche creando un efecto de velocidad inherente al ADN del vehículo, pero también representando la rápida evolución de la tradición a la modernidad que está experimentando China... y el resto del mundo con el avance de las tecnologías digitales, que también afectan a la automoción.

El BMW GT3 Art Car, de Cao Fei (la primera artista china que recibe el encargo para crear uno de estos modelos tan especiales), vio la luz apenas en mayo en el Minsheng Art Museum de Pekín... pero no se quedará ahí por siempre ya que, como muchos otros Art Car antes que él, competirá en una carrera del campeonato del mundo FIA GT en Macao en noviembre próximo.

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QUÉ HAY DE NUEVO

Texto: NOHEMÍ GONZÁLEZ MONZALVO Fotos: DANTE CASTILLO

Huawei lo volvió a hacer. Con el lanzamiento de Mate 9, el fabricante chino reitera su capacidad para hacer morder el polvo a la competencia, esta vez, con un smartphone de gama alta que apuesta por una cámara dual Leica de segunda generación, batería prácticamente inagotable y un procesador de ensueño.

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ebido a su enorme crecimiento de ventas en el mercado mexicano, Huawei decidió convertirse en una empresa cercana al consumidor, capaz de atender las necesidades reales del usuario en cuestión de minutos. De ahí que recibimos la invitación para visitar su experience store ubicada en el cosmopolita barrio de Polanco, en la Ciudad de México, para presenciar la desconstrucción y posterior ensamblaje de un Mate 9, y conocer el servicio premium disponible para los clientes VIP de la multinacional fundada en 1987.

Quitar y poner El proceso completo de desmontaje y montaje de piezas dura apenas 15 minutos. Comienza con el desprendimiento de la pantalla frontal del chasis metálico trasero, elaborado con aluminio de grado aeroespacial que garantiza la resistencia del Mate 9. La pantalla de 5.9 pulgadas, con resolución Full HD de 1,920 x 1,080 pixeles, se desprende con una cuña especial que no daña los metales ni los terminados laterales, y es uno de los componentes que puede ser reemplazado en la tienda de Polanco, en caso de daño o accidente, como parte de los beneficios del servicio exclusivo que la compañía ofrece a sus clientes.

Otro de los kits que pueden reemplazarse de manera integral es el de los sensores de huella digital. Huawei fue uno de los primeros fabricantes de dispositivos móviles que instalaron un sensor táctil que permite bloquear el acceso a diferentes aplicaciones o el ingreso directo al sistema operativo para atender llamadas, tomar fotos o acceder a las imágenes y videos de la galería.

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Batería todoterreno La serie Mate de Huawei está dedicada a usuarios que requieren un alto rendimiento de sus equipos móviles. Es por eso que una de las fortalezas del Mate 9 es la batería que posee, con tecnología SuperCharge, que alcanza una carga de más del 50% en tan solo 30 minutos, equivalente a un día de óptimo desempeño.

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¿Se descompuso tu teléfono? ¡Qué importa!

Además de las bondades descritas en este texto acerca del nuevo celular de Huawei, la compañía ofrece en México una garantía extendida de dos años para equipos de gama alta como P9, Mate 9 y, recientemente, P10.

David Moheno, director de comunicación para la región, informó que “si ustedes adquieren un dispositivo premium con nosotros, automáticamente van a tener una garantía extendida de un año adicional. Es decir, si la media de las marcas respecto a la garantía de los smartphones es de un año, nosotros les estamos ofreciendo dos en equipos premium”.

Este servicio se suma a la agresiva estrategia de marketing de la empresa china, mediante la cual busca satisfacer las necesidades de los usuarios de una forma más “íntima”. “Queremos ser una marca mucho más cálida, más cercana, que le hable de cerca al cliente”, para lo cual desde hace unos meses se instaló sobre Avenida Masaryk, uno de los paseos más fashion de la capital mexicana, la experience store de Huawei.

Mi amada Leica Mientras el técnico nos muestra a detalle la cámara dual que los nuevos modelos de teléfono de Huawei traen consigo, a partir del P9, el publirrelacionista de la marca nos explica que la lente del Mate 9 es la segunda generación hecha en coautoría con Leica. La prestigiosa marca alemana, con un siglo de experiencia, se arriesgó esta vez más que con el P9 y diseñó tanto las ópticas como el software para este dispositivo de alta gama. Por lo tanto, el Mate 9 permite tomar fotografías de 20 megapixeles –ocho MP más que el P9– en blanco y negro, garantizando 50% más nitidez en las imágenes que la media de smartphones que hay en el mercado. En otras palabras: “La cámara en blanco y negro captura las texturas que luego son ensambladas con las imágenes de color; un acierto que los amantes de la fotografía agradecerán”, dice David Moheno, miembro del equipo de la experience store de Huawei.

La sociedad de Huawei con Leica también favoreció a la calidad de video del Mate 9, pues además de ser el primer dispositivo del productor asiático que cuenta con un estabilizador óptico de cinco puntos, con lo que elimina la necesidad de usar tripié o un estabilizador externo, el flamante equipo puede grabar en 4K de video sin perder detalle, con archivos de la mitad de tamaño que ocuparía un video de la misma dimensión en cualquier smartphone de la competencia.

El audio es la otra revolución multimedia por la que apuesta el Mate 9. El equipo cuenta con cuatro micrófonos que, de forma inteligente, se dirigen hacia la fuente de audio hasta una distancia de tres metros a la redonda.

Características con las que el Huawei Mate 9 se coloca como uno de los phablets favoritos para los amantes de la fotografía y la creación multimedia desde un equipo móvil.

En suma, nada, ni un solo tornillo o tuerca, está de más. El Mate 9 es un teléfono sin desperdicio.

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SERVICIO A BORDO / SERVICE ON BOARD CANAL CHANNEL

GÉNERO GENDER

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Instrumental / Instrumental

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Clásica / Classic

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Audiovisions / Audiovisions

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Décadas en español / Decades in Spanish

7

Décadas en inglés / Decades in English

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Top Ten en español / Top Ten in Spanish

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Top Ten en inglés / Top Ten in English

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Grandes voces / Great voices

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Infantil / Children

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Regional / Regional

Espacio Interjet En vuelos con duración mayor a 2 horas y en aviones equipados con el servicio de audio, puedes disfrutar de los siguientes canales: Cámara de TV en los despegues y aterrizajes Cámara de TV en los despegues y aterrizajes Los aviones de Interjet son los únicos en Latinoamérica que cuentan con una cámara de televisión situada en la parte delantera del fuselaje. De esta manera, cuando esta cámara es activada por el comandante de la aeronave al momento del despegue o del aterrizaje, los pasajeros pueden disfrutar de la misma vista que tienen los pilotos desde la cabina de mando.

Viaje ligero y coma saludable Interjet, empresa comprometida en fomentar estilos de vida saludables a través de la buena alimentación, la práctica del deporte y el desarrollo de una conciencia ecológica, une sus esfuerzos con Comercializadora PepsiCo México para ofrecer a nuestros pasajeros productos nuevos de la más alta calidad.

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Botana dulce para vuelos matutinos: barra Stila de Gamesa.

Botana salada para vuelos vespertinos: productos de Sabritas en presentaciones mini (20 a 23 gr.).

Bebidas en todos los vuelos (adicionales a los refrescos y agua natural que servimos normalmente): H2Oh!, Be Light, Pepsi Light, Pepsi MAX, Corona Light y jugos de naranja, manzana y tomate de la marca Jumex.

Baño para damas Pensando siempre en la comodidad de sus pasajeros, Interjet es también la única aerolínea nacional que en todos sus aviones ha destinado un baño exclusivo para mujeres, cuya ubicación es señalada por las sobrecargos cuando se dan las indicaciones al inicio de cada vuelo.

Pase de abordar en línea Interjet te invita a que tu acceso al avión sea directo, y por lo tanto más rápido, y evitar las filas ante el mostrador. Con solo llegar 40 minutos antes de tu vuelo es suficiente. Para ello obtén tu pase de abordar vía Internet.

Interjet Space On flights with duration of more than 2 hours and on aircrafts equipped with audio service, you will be able to enjoy the following channels: TV camera in take-offs and landings Interjet aircraft are the only in Latin America with a TV camera in the front of the fuselage. When the captain activates the camera at the moment of takeoff or landing, the passengers can enjoy the same view the pilots have from the cabin.

Travel light and eat healthy Interjet is a company committed to encourage a healthy lifestyle through good nutrition, sports practice and the development of an ecological conscience. We join efforts with PepsiCo Mexico to offer our passengers new products of the highest quality.

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Sweet snack on morning flights Gamesa Stila bar.

Salted snack in afternoon flights mini presentations Sabritas (20 to 23 gr.)

Beverages in all flights (additional to the usual soft drinks and water served on board) H2Oh!, Be Light, Pepsi Light, Pepsi MAX, Corona Light and Jumez juices.

Lavatory for ladies Our concern for our passengers comfort has made Interjet the only national airline with a lavatory for ladies only in all our planes. The flight attendant will point out its’ location while indication the safety procedures at the start of each flight.

Boarding pass online

Interjet invites you to make your access to the plane direct and swift avoiding the lines at the counter. By getting your boarding pass online you will only need to be at the airport 40 minutes before your flight time.

Si no vas a documentar equipaje: imprime tu pase de abordar por lo menos 48 horas antes de tu vuelo, sin ningún costo adicional.

If you don’t need to check your baggage, print your boarding pass at least 48 hours before your flight with no additional cost.

Si eres socio MiJet: ingresa directamente a este sitio y allí mismo podrás hacer este breve trámite.

If you are a MIjet member enter this site directly where you will be able to make this brief procedure.

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LO INSóLITO

Chicago

Mapa de rutas / roadmap

Las Vegas

Los Ángeles Santa Clara Tijuana

Cd. Juárez Dallas San Antonio Houston

Chihuahua Hermosillo Cd. Obregón

Monterrey

Torreón La Paz

Orlando

Reynosa

Miami

Culiacán Zacatecas Mazatlán

León/Bajío

Guadalajara Puerto Vallarta

La Habana, Cuba

San Luis Potosí Tampico Aguascalientes

Los Cabos

Toluca

Campeche

Cozumel

Cd. del Carmen

Minatitlán Oaxaca

Ixtapa-Zihuatanejo

Mérida

Veracruz

México

Varadero

Cancún

Chetumal

Villahermosa

Acapulco Puerto Huatulco Escondido

Palenque Tuxtla Gutiérrez Guatemala

San José, Costa Rica

Bogotá, Colombia

SUPERJET 93 asientos / 93 seats empuje: 15,500 libras, con 2 motores / thrust:15,500 pounds, with two engines Alcance máximo: 2,870 km / Maximum range: 2.870 km Velocidad máxima: 780 km/h / Maximum speed: 780 km per hour

Rutas operadas por Superjet Routes operated by Superjet 164

Lima, Perú

Nueva York

AIRBUS A320 150 asientos / 150 seats empuje: 27,000 libras, con 2 motores / thrust: 27,000 pounds, with two engines Alcance máximo: 5,556 km / Maximum range:5.556 km Velocidad máxima: 977 km/h / Maximum speed: 977 km per hour

Listado de rutas SALIENDO DE MÉRIDA

SALIENDO DE CD. DE MÉXICO

DEPARTING FROM MERIDA

DEPARTING FROM MEXICO CITY

Acapulco (ACA) Aguascalientes (AGU) Bogotá, Colombia (BOG) Campeche (CPE) Cancún (CUN) Cd. Obregón (CEN) Cd. Juárez (CJS) Cd. del Carmen (CME) Chicago (ORD) Cozumel (CZM) Culiacán (CUL) Chetumal (CTM) Chihuahua (CUU) Dallas (DFW) Guadalajara (GDL) Guatemala (GUA) Hermosillo (HMO) Houston (IAH) Huatulco (HUX) Ixtapa-Zihuatanejo (ZIH) La Habana (HAV) La Paz (LAP) Lima, Perú (LIM) León/Bajío (BJX) Las Vegas (LAS) Los Ángeles (LAX) Los Cabos (SJD) Mazatlán (MZT) Mérida (MID) Miami (MIA) Minatitlán (MTT) Monterrey (MTY) Montreal, Canadá (YUL) Nueva York (JFK) Oaxaca (OAX) Orlando Sanford (SFB) Palenque (PQM) Puerto Escondido (PXM) Puerto Vallarta (PVR) Reynosa (REX) San Antonio (SAT)

San José,Costa Rica (SJO) San Luis Potosí (SLP) Santa Clara (SNU) Tampico (TAM) Tijuana (TIJ) Torreón (TRC) Tuxtla Gutierrez (TGZ) Varadero (VRA) Veracruz (VER) Villahermosa (VSA)

SALIENDO DE CANCÚN DEPARTING FROM CANCUN

Bogotá, Colombia (BOG) Cd.de México (MEX) Guadalajara (GDL) La Habana(HAV) Los Ángeles (LAX) Monterrey (MTY) Montreal, Canadá (YUL) Nueva York (JFK) Toluca (TLC)

Cd.de México (MEX) La Habana(HAV)

SALIENDO DE MONTERREY DEPARTING FROM MONTERREY

Cancún (CUN) Cd. de México (MEX) Guadalajara (GDL) Houston (IAH) Las Vegas (LAS) León/Bajío (BJX) San Antonio (SAT) Toluca (TLC) La Habana (HAV)

SALIENDO DE LEÓN/BAJÍO DEPARTING FROM LEON

Cd.de México (MEX) Monterrey (MTY) Puerto Vallarta (PVR) Tijuana (TIJ)

SALIENDO DE GUADALAJARA

SALIENDO DE TIJUANA

DEPARTING FROM GUADALAJARA

DEPARTING FROM TIJUANA

Cancún (CUN) Cd.de México (MEX) Chihuahua (CUU) Culiacán (CUL) Hermosillo (HMO) La Paz (LAP) Las Vegas (LAS) Los Ángeles (LAX) Los Cabos (SJD) Monterrey (MTY) Puerto Vallarta (PVR) San Antonio(SAT) Tijuana (TIJ) Toluca (TOL) Veracruz (VER)

Aguascalientes (AGU) Cd. de México (MEX) Culiacán (CUL) León/Bajío (BJX) Guadalajara (GDL)

SALIENDO DE TOLUCA DEPARTING FROM TOLUCA

Acapulco (ACA) Cancún (CUN) Guadalajara (GDL) Los Cabos (SJD) Monterrey (MTY) Puerto Vallarta (PVR)

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LO INSóLITO

Recomendaciones a los pasajeros que viajan a EEUU desde México Suggestions for passengers traveling from the USA to Mexico.

1. Estar en el aeropuerto tres horas antes de tu vuelo, es decir, como en cualquier vuelo internacional.

2. Tener a la mano pasaporte y visa vigentes, además de una dirección real (sea domicilio u hotel) donde te hospedarás.

3. Llenar con letra de molde y legible las formas migratorias que te pedirán una vez que arribes a tu destino.

4. En caso de ser ciudadano de Estados Unidos, presentar un pasaporte válido para reingresar a tu país.

5. En caso de no ser ciudadano mexicano ni estadounidense, será obligatorio establecer comunicación con la embajada o consulado de tu país para revisar los requisitos de abordaje.

Recomendaciones a los pasajeros que viajan a México desde EE.UU 1. Presentar pasaporte vigente.

2. Traer consigo la forma sellada expedida por la Secretaría de Relaciones Exteriores que se te proporcionó en el mostrador del aeropuerto o a bordo del avión antes de salir del país o de llegar a tu destino. ¿Hiciste shopping en Estados Unidos? No te preocupes por tus maletas. En Interjet está permitido: • Documentar hasta dos piezas de equipaje cuyo peso en conjunto no exceda los 50 kilos.

• En caso de exceder este límite, se cobrarán 50 pesos o 5 dólares por kilo adicional.

1.

2.

3.

4.

5.

La manera de llenar las formas migratorias es la siguiente: Correct way of filling out the migration forms.

HERNAN PEDRO

DEZ

GOMEZ 10

05

Y ROADWA 3540, B DALLAS

3

50

PERSON

S T. MÉXICO 54008 000002

AS

TX

MÉXICO MÉXICO

AIJ

Be at the airport three hours before your flight, the same as with any other International flight.

Have your valid passport and visa at hand as well as a real address (address or hotel) where you will be staying.

Fill out in legible print letter the immigration forms which will be required upon your arrival to your destination.

If you are a US citizen present a valid passport to reenter your country.

If you are a citizen other than from Mexico or the Unites States, it will be necessary to establish communication with your country’s embassy or consulate to review the boarding requirements.

412

X X

X

X

X X X X

Suggestions for passengers traveling from Mexico to the USA. 1. Present valid passport 2. Bring the stamped form issued by SRE (Ministry of Foreign Affairs) handed to you at the airport counter or on board the aircraft prior to leaving the country or upon arrival to your destination.

Did you go shopping in the USA? Don’t worry about your luggage. In Interjet you are allowed: • To check up to two pieces of luggage not exceeding 50 kilos between both of them.

• Should they exceed the weight limit there will be a charge of 50 pesos or 5 dollars per additional kilo.

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Gomez Pedro Hernandez

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2

NACIONAL AGUASCALIENTES

Aeropuerto Internacional de Aguascalientes “Jesús Terán” Carretera Panamericana Km. 2.2, Ejido de Peñuelas, C.P. 20340 Tel. (449) 238-0911, 238-0912 Horario: lunes a viernes 10:00 a 20:00 hrs.

Sábado 9:00 a 17:00 hrs.

Domingo 14:00 a 22:00 hrs.

BAJA CALIFORNIA Tijuana

Aeropuerto Internacional de Tijuana Tel. (664) 683-8484 Horario: lunes a domingo 6:00 a 1:00 hrs.

BAJA CALIFORNIA SUR La Paz

Aeropuerto Internacional “Manuel Márquez De León” Tel. (612) 138-7036 al 37 y 138-7197 Horario: lunes a domingo 9:00 a 17:00 hrs.

Tel. (612) 1387036 al 37 y 1387197

Los Cabos

Plaza Mega Comercial local 16 Comercial Mexicana Los Cabos Blvd. Mauricio Castro 4650, Zona Hotelera. C.P. 23400 Tel. (624) 142-3879 / 142-4858 Horario: lunes a sábado 9:00 a 18:30 hrs.

Domingo 10:00 a 18:30 hrs.

Oficinas de venta de boletos / Ticketing offices

Plaza Paraiso, local 287 segundo nivel Av. Lázaro Cárdenas, esq. Cabo Bello, col. El Médano. C.P. 23410 Tel: (624) 143-9645 Horario: lunes a sábado 9:00 a 18:30 hrs.

Domingo 10:00 a 18:30 hrs.

Aeropuerto Internacional de Los Cabos Tel. (624) 146-5484 al 87 Horario: 9:00 a 17:00 hrs.

CAMPECHE Campeche

Aeropuerto Internacional de Campeche Ing. Alberto Acuña Ongay Tel .(981)823-4143 Horario: lunes a domingo 8:00 a 19:30 hrs.

Ciudad del Carmen

Aeropuerto Internacional de Ciudad del Carmen Tel. (938) 131-0788 / 0716 / 0717 Horario: lunes a viernes 8:00 a 19:00 hrs.

Sábado y domingo 10:00 a 18:00 hrs.

CHIAPAS

Tuxtla Gutiérrez

Plaza Veranda, local 11 Blvd. Belisario Domínguez 1748, col.

Arboledas. C.P. 29000 Tel. (961) 121-5712 / 5725 / 5650 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs.

Sábado y domingo 9:00 a 14:00 hrs.

Palenque

Aeropuerto Internacional de Palenque Carretera Palenque- Pakalna km. 2 C.P. 29960 Tel. (916) 345-8070 / 8071 Horario: lunes a domingo 9:30 a 18:00 hrs.

CHIHUAHUA Chihuahua

Aeropuerto Internacional de Chihuahua Tel. (614) 446-8235 / 236 / 233 Horario: lunes a domingo 5:30 a 21:00 hrs.

Fashion Mall, locales 155 y 156 Periférico de la Juventud 3501, Fracc.

Puerta de Hierro. C.P. 31236 Tel. (614) 430-2546 / 2806 / 2807 Horario: lunes a viernes 11:00 a 21:00 hrs.

Sábado y domingo 11:00 a 20:00 hrs.

Cd. Juárez

Centro Comercial Las Misiones, local 115 Blvd. Teófilo Borunda 8681, (entre Paseo de la Victoria y Av. Tecnológico) Tel. (656) 648-3220 Horario: lunes a sábado 10:00 a 20:00 hrs.

Domingo 11:00 a 19:00 hrs.

Río Grande Mall Paseo Triunfo de la República 4450-10, Fracc. Monumental Tel. (656) 613-6292 Horario: lunes a jueves 10:00 a 18:00 hrs.

Viernes y sábado 11:00 a 20:00 hrs.

Aeropuerto Internacional de Ciudad Juárez Tel. (656) 633-4848 Horario: lunes a sábado 9:00 a 20:00 hrs.

Domingo 11:00 a 19:00 hrs.

COAHUILA

Torreón

Aeropuerto Internacional Francisco Zarabia Tel. (871) 751-5038, 751-5040, 751-5254 Horario:lunes a viernes 6:30 a 22:00 hrs.

Sabado 6:30 a 14:30 hrs.

Domingo 14:00 a 22:00 hrs

COLIMA

Manzanillo

Aeropuerto Internacional “Playa de Oro” Carretera Manzanillo Tel. (314) 334-2949 Horario: lunes a Domingo 8:00 a 16:00 hrs.

DISTRITO FEDERAL

Insurgentes Insurgentes Sur 1188 local 1 (frente al Parque Hundido).

Tel. (55) 5335-0384 / 0485 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs.

Sábado y domingo 9:00 a 14:00 hrs.

Fiesta Americana Reforma Paseo de la Reforma 80, Col. Juárez.

Tel. (55) 5566-6058 Horario: lunes a viernes 7:00 a 19:30 hrs.

Sábado y domingo 7:00 a 17:30hrs.

Haus Suites Santa Fe Prolongación Reforma 1190, Santa Fe, Cuajimalpa Tel. (55) 5393-5440 Horario: lunes a viernes 7:00 a 19:30 hrs.

Sábado y domingo 7:00 a 17:30hrs.

Aeropuerto Internacional de Acapulco Tel. (744) 466-9365 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:30 hrs.

Sábado 9:00 a 17:00 hrs.

Domingo 11:30 a 19:30 hrs.

Aeropuerto Internacional de Cozumel Tel. (987) 869-1707 Horario: jueves a lunes: 10:00 a 17:45 hrs. martes y miércoles: 10:00 a 13:45 y 15:00 a 17:45 hrs.

Ixtapa-Zihuatanejo

Chetumal

Aeropuerto Internacional de Ixtapa-Zihuatanejo Tel. (755) 553-7002 / 7161 / 7162 Horario: lunes a domingo 9:00 a 18:00 hrs.

JALISCO

Guadalajara

Plaza Los Arcos, local C1 Av. Vallarta 2440, col. Arcos Vallarta.

Tel. (33) 3630-5203 / 3630-1613 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs.

Sábado 9:00 a 14:00 hrs.

Aeropuerto Internacional de Guadalajara Tel. (33) 3688-6795 / 96 Horario: lunes a viernes 8:30 a 15:30 hrs.

Sábado y domingo 10:30 a 15:00 hrs.

Puerto Vallarta

Aeropuerto Internacional de Puerto Vallarta Tel. (322) 221-3206 Horario: lunes a viernes de 9:00 a 19:00 hrs.

Domingo 10:00 a 21:00 hrs.

Monterrey

Plaza Campestre, local 14 Av. José Vasconcelos 158 Oriente, col.

Jardines del Campestre, San Pedro Garza García. C.P. 66260 Tel. (81) 8363-6273 / 5872 Horario: lunes a viernes 9:00 a 20:00 hrs.

Sábado 9:00 a 15:00 hrs.

Kidzania Cuicuilco Av. Insurgentes sur 3500 o Av. San Fernando 649 (tiene dos entradas) Tels: (55) 5171-5111 y 5171-5681

Aeropuerto Internacional de Monterrey Tel. (81) 1088-8179 Horario: lunes a viernes 5:00 a 22:00 hrs.

Sábado 7:00 a 20:00 hrs.

Domingo 7:00 a 22:00 hrs.

Aeropuerto Internacional Benito Juarez Capitán Carlos León Díaz s/n col. Peñon de los Baños.

Tel. (55) 5036-2300 ext. 437 Mostrador Nacional Sala C Abierto 24hrs.

Mostrador internacional Sala F2 4:00 a 21:00 hrs.

ESTADO DE MÉXICO Naucalpan

Satélite Blvd. Manuel Ávila Camacho 2258, Tel. (55) 5393-5440 / 5734 Horario: lunes a viernes 5:30 a 19:30 hrs.

Sábado y domingo 7:00 a 17:30hrs.

Metepec

Plaza Mayor, local 7B Leona Vicario 386. C.P. 52140 Tel. (722) 235-1415 / 1416 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs.

Sábado y domingo 9:00 a 14:00 hrs.

Toluca

Aeropuerto Internacional de Toluca, Terminal 2 Tel. (722) 276-5300 Horario: lunes a domingo 7:30 a 21:00 hrs.

GUANAJUATO

BAJIO /LEON

Aeropuerto Internacional de Guanajuato Carretera Panamericana km 5.5 S/N, Silao Guanajuato Tel: (472) 748 2221 Horario: Lunes a Viernes 6:00 a 21:00 hrs Sábado 7:00 a 19:00 hrs.

Domingo 10:00 a 21:00 hrs.

GUERRERO Acapulco

Centro Comercial Plaza Marbella, local 26 Prolongación Farallón, esq. Costera Miguel Alemán (frente a La Diana) Fracc. Farallón del Obispo.

Tel. (744) 484-3712 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs. Sábado 9:00 a 17:00 hrs.

Aeropuerto Internacional de Chetumal Tel. (983) 833-2626 / 3147 Horario: lunes a viernes: 8:00 a 20:00 hrs.

Sábado: 8:00 a 17:00 hrs.

Domingo: 10:00 a 17:00 hrs.

TAMAULIPAS

Reynosa

Aeropuerto Internacional de Reynosa “Gral. Lucio Blanco” Tel. (899) 478-7000, 958-0703 Horario: Lunes a viernes 9:00 a 18:00 hrs.Sábado 5:00 a 13:00 hrs.

Domingo 16:00 a 23:00 hrs

Tampico

Plaza Covadonga Ejercito Mexicano 801, local 5B Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs.

Sábado 9:00 a 14:00 hrs.

Domingo 12:00 a 17:00 hrs.

Aeropuerto Internacional de Tampico Horario: lunes a viernes 8:00 a 21:30 hrs.

Sábado 10:00 a 17:00 hrs.

Domingo 11:00 a 21:30 hrs.

NUEVO LEÓN

Polanco Centro Comercial Antara Ejército Nacional 843 B Local SE-5 Planta baja (junto a PlayCity) Col. Granada, Del. Miguel Hidalgo Tel. (55) 5280-1957 / 5282-3454 ext. 714 Horario: lunes a viernes 9:00 a 20:00 hrs.

Sábado y domingo 10:00 a 18:00hrs.

World Trade Center Lobby Hotel Holiday Inn Express World Trade Center Dakota 95, Col. Nápoles.

Tel. (55) 1107-8466 Horario: lunes a viernes 7:00 a 19:30 hrs.

Sábado y domingo 7:00 a 17:30hrs.

Cozumel

Kidzania Monterrey Tel. (81) 8486-1597 / 8486-0071 Horario: martes a viernes 9:00 a 19:45 hrs.

Sábado y domingo 9:00 a 16:45 hrs.

OAXACA Oaxaca

Plaza Mazari Calz. Porfirio Díaz 256 local 10, col. Reforma C.P. 68050 Tel. (951)502-5723 / 513-3323 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs.

Sábado 9:00 a 15:00 hrs.

Domingo 10:00 a 14:00 hrs.

Aeropuerto Internacional de Oaxaca Tel. (951)503-3476 Horario: lunes a viernes de 6:00 a 19:30 hrs.

Sábado 7:00 a 15:30 hrs.

Domingo 12:30 a 20:00 hrs.

Huatulco

Plaza Chahué Blvd. Benito Juárez S/N local 8 Tel. (958)105-1336 Horario: lunes a viernes 9:00 a 19:00 hrs.

Sábado y domingo 9:00 a 18:00 hrs.

Aeropuerto Internacional de Huatulco Tel. (958)581-9116 y 581-1918 Horario: lunes a domingo 9:00 a 17:00 hrs.

Puerto Escondido

Aeropuerto Internacional de Puerto Escondido Carretera costera Km. 6.5 C.P.71980 Tel. (954) 107 99 57 / (552) 737 14 48 Horario: Lunes a domingo 8:00 a 19:00 hrs.

QUINTANA ROO Cancún

SAN LUIS POTOSI San Luis Potosí

Aeropuerto San Luis Potosí Carretera a Matehuala km 9.5, San Luis Potosí, C.P. 78340 Tel. (444) 852-3046 Horario:lunes a viernes 5:30 a 22:00 hrs.

Sabado 6:30 a 15:00 hrs.

Domingo 14:00 a 22:00 hrs

SINALOA

Culiacán

Carretera a Navolato km 4.5, col. Bachigualato Tel. (667) 760-9648 / 9733 / 9723

Mazatlán

Aeropuerto Internacional de Mazatlán Tel. (669) 954-8206, 954-8207, 954-8392 Horario: lunes a domingo 7:00 a 19:00hrs

SONORA Hermosillo

Aeropuerto Internacional de Hermosillo Tel. (662) 261-1403 / 1404 Horario: lunes a viernes 6:00 a 19:30 hrs.

Sábado 6:00 a 14:00 hrs.

Domingo 12:00 a 19:30 hrs.

Ciudad Obregón

Aeropuerto Internacional de Cd. Obregón Tel. (644) 445-0126 / 0124 / 0125

TABASCO

Villahermosa

Aeropuerto Internacional de Villahermosa Tel. (993) 356-1129 / 1127 Plaza Tabasco, local 4 Ave. Ruiz Cortines 1300 col. Tabasco 2000. C.P. 86035, Tel. (993) 352-5264 / 315-3377

VERACRUZ Veracruz

Aeropuerto Internacional de Veracruz Tel. (229) 956-8026 / 29 Plaza Boka, local 2 Av. Ruiz Cortines 2270 Fracc. Jardines de Virginia Tel. (229) 922-7202 / 7603

Plaza Hollywood, PB Local 6 Entre Av. Cobá y Xcaret Sm 35 Mz 1, Lote 1 C.P. 77500 Tel. (998) 8920278 / 8920160 / 8920161 Horario: lunes a viernes 09:00 a 19:00 hrs Sábado 9:00 a 18:00 hrs Domingo 10:00 a 15:00 hrs

Minatitlán

Aeropuerto Internacional de Cancún Terminal 2, Tel. (998) 8861065 / 8861066 Horarios: lunes a viernes 5:00 a 20:00 hrs.

Sábado y domingo 7:00 a 20:00 hrs.

Plaza Fiesta Americana, local 71 Calle 56-A 451 Tel. (999) 920-3414 y 925-6814 Horario: lunes a viernes 5:00 a 21:00 hrs.

Sábado y domingo 6:15 a 21:00 hrs.

Aeropuerto Internacional de Minatitlan Tel. (921) 278-0241, 278-0055, 278-0241 Horario: lunes a viernes de 9:30 a 18:30

YUCATÁN Mérida

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Aeropuerto Internacional de Mérida Tel. (999) 946-2737 Horario: lunes a domingo 5:00 a 21:00 hrs.

ZACATECAS

Local Número 15.

Tel: (506) 2228-2607 / 3258 / 2642 Horario lunes a viernes 9:00 a 18:00 hrs.

Sábados de 9:00 a 17:00 hrs.

CUBA

Aeropuerto Internacional de Zacatecas General Leobardo C. Ruíz.

Tel. (478) 109-0294 / 0126 / 0127 Horario: lunes a domingo 8:00 a 16:00 hrs.

Aeropuerto Internacional José Marti Tel. (537) 836-1195 / 649-7771 Horario: lunes a domingo 10:00 a 18:00 hrs.

INTERNACIONAL

GUATEMALA

COLOMBIA Bogotá

Aeropuerto Internacional El Dorado Terminal 1 / Segundo Piso Of. 307701 Tel. + (571) 742 83 55 Horario: lunes a domingo 8:00 a 16:00 hrs.

COSTA RICA

Aeropuerto Internacional Juan Santamaría Tel. (506) 2430-6953 Horario: lunes a domingo 8:00 a 16:00 hrs.

Aeropuerto Internacional La Aurora Zona 13 Tel. (502) 2322-5100 / 2322-5098 Horario: lunes a viernes 8:30 a 15:30 hrs.

Sábado y domingo 8:00 a 12:00 hrs.

Edificio Reforma 10, local 116 y 117 Av. Reforma 9-55 zona 10 Tel. (502) 2362-9204 Horario: lunes a viernes 9:00 a 18:00 hrs.

Sábado y domingo 8:00 a 12:00 hrs.

USA

NUEVA YORK

FLORIDA

JFK Internacional Airport Tel. 1 866 835 0357

5201 Blue Lagoon Drive 8th floor Miami, Florida, 33126 Tel. (305) 629-3250 Miami Internacional Airport Tel. (305) 869-1992 Horario: lunes a sábado 8:30 a 12:30 hrs.

Domingo y viernes 16:00 a 20:00 hrs.

Las Vegas

Miami

Nueva York

NEVADA McCarran Internacional Airport Tel. (702)261-5211

TEXAS

San Antonio

Aeropuerto Internacional de San Antonio Tel. (210) 822-3400 / 822-3019 Horario: lunes a viernes 7:00 a 21:00 hrs.

Sábado 7:00 a 13:00 hrs. Domingo 12:00 a 21:00 hrs.

Houston

Aeropuerto Internacional George Bush

Centro Comercial Plaza Tempo Contiguo al Hospital CIMA en Escazú.

Compra de boletos en línea: www.interjet.com o llamando del interior al 01 800 01 12345 del D.F. al 1102 5555 Online tickets: www.interjet.com.mx or call the number 01800 01 12345 in any part of the country, from Mexico City call the number 1102 5555.

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Oa aca JUNTOS CONSTRUIMOS EL CAMBIO

Gobierno del Estado