Comentarios Pop Art

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Obras Pop-Art

Warhol, Lietchenstein y Hamilton

Lata de sopa Campbell y Coca-Cola Autor: Andy Warhol

Tipo de obra: Polímero sobre tela Estilo: Pop - Art Año: 1962

Localización geográfica: Colección Personal EE. UU. A finales de los años cincuenta y durante los 60, hubo varios artistas que añadieron en sus cuadros objetos de consumo cotidiano, corrientes y vulgares, algunos desagradables. Crearon un nuevo estilo amplio y diverso.

Pasando por las botellas de Coca-Cola, una cama, los cómics o anuncios publicitarios. Esta nueva forma de arte destrozaba con las antiguas formas de pintar tan perfeccionistas dominantes en Norteamérica y Europa en los años cincuenta.

Su triunfo hizo que Estados Unidos fuera líder en el campo de las artes plásticas. Su recuperación de objetos insignificantes, intranscendentes y vulgares lo vinculó al dadaísmo de Duchamp (considerado como anti-artista).

Las latas de sopa Campbell son una serie de cuadros, 32 en total. Es una de las imágenes más populares mundiales. En américa es un objeto vulgar, como en Europa, donde podría tratarse de los Chupa-Chups, los envases de Cola-Cao... La lata se presenta de frente para que el logotipo de la marca se vea bien.

La obra permite ver el realismo en una lata, ya que en esta pintura se plasman todos y cada uno de los detalles que ayudan a que la imagen sea una réplica idéntica al objeto en la realidad. La pintura tiene como objetivo que el público se dé cuenta que no hay que pintar algo muy complicado para que sea algo popular, esto es una lata normal y corriente que con un contexto histórico marca al mundo y al arte en

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general. La obra insinúa una semejanza que hay miles de casas que tienen un objeto similar, una representación insignificante y diaria del espíritu de nuestro tiempo. Lo que este realmente pretende es pretende provocar e incluso ridiculizar la sociedad de consumo americana.

La obra al ser una pintura famosa y ser un objeto simple, permite tener una sensación familiar, consigue que el espectador consiga reconocerla. Gracias a esto se ve una atención espontanea, ya que no hay que hacer un gran esfuerzo para reconocer y saber de qué trata la obra. La opción es poca, ya que solo hay un objeto en la obra, entonces siempre será elegida la lata como tal.

El contenido de la obra en general se trata del mismo, ya que solo hay un elemento, así que, la imagen puede ser vista como una sola, al menos esto es desde mi punto de vista, está claro que para otras personas pueden significar 32 cosas diferentes.

Con este mismo comentario también hago referencia a la serie de este mismo artista “Coca-Cola ” la cual fue subastada a lo largo de los años, fue expuesta también en 1962, como la anterior, causo gran cantidad de polémicas y aun así fue bien recibida por gran parte del público.

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Marilyn Monroe y Mick Jagger Autor: Warhol

Autor: Warhol

Tipo de obra: Serigrafía sobre lienzo

Tipo de obra: Serigrafía sobre

Estilo: Pop Art

lienzo

Fecha: 1967

Estilo: Pop Art

Museo: Colección Particular

Fecha: 1975 Museo: Colección Particular

En los 60, gran cantidad de pintores se rebelaron contra el expresionismo abstracto y contra otros estilos, plasmando imágenes de la vida cotidiana con diferentes técnicas sacadas del cine, los periódicos o la publicidad. El arte pop está cargado de imágenes reales que el público visualiza a diario, con el objetivo romper las fronteras entre la vida cotidiana y el arte. Para ello usarían técnicas gráficas, usando a alguien o algo familiar para multiplicarlo en diferentes columnas, con diferentes motivos (colores) en la impresión de cada una de las imágenes. Así, el espectador ha de seguir las columnas y percibir las diferencias.

Warhol dio de pleno con una imagen que todo el mundo conociera, nada más ni nada menos que Marylin Monroe, el mito erótico de los 50. Warhol realizó una serie en donde la plasma tanto en columnas como aislada en una sola imagen, tomando como referencia la fotografía de la actriz, aplicando diferentes colores para dotar a la imagen de un aspecto de cartel, confundiéndose de esta manera cartel y cuadro. Posteriormente decidió hacer lo mismo con otros artistas.

A partir de 1970 Warhol ya no se basó en imágenes “ofrecidas” y se había ampliado considerablemente su conjunto de temas. A menudo hizo sus propias fotografías y el “retrato” cada vez más evidente por la suma de elementos de collage usando documentos de ayuda gráfica a color. Realizó una serie de 10

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retratos/seriegrafías a Mick Jagger, el líder del grupo The Rolling Stones, al cual diseñaría la portada de su disco Sticky Fingers.

Estos retratos fueron característicos de este cambio en el estilo y el artista utiliza una selección de diez de sus propias fotografías que había tomado de Jagger.

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Hammer and sickle Autor: Warhol

Tipo de obra: Serigrafía sobre lienzo Estilo: Pop Art Fecha: 1976

Localizacion geográfica: Colección Particular Andy Warhol creó esta en 1976 tras de un viaje a Italia. Allí los graffiti más comunes eran este símbolo que se encuentra en las banderas soviéticas. Bajo control comunista que significó la unión de intereses de los trabajadores industriales y agrícolas. Italia, que era un país democrático desde el final de la II Guerra Mundial, el símbolo de graffiti repetido para Warhol tenía un significado Pop más que político. Al regresar a los Estados Unidos, Warhol le pidió a su asistente que le ayudara encontrar imágenes de origen de este símbolo. Las reproducciones que hay en los libros eran como la bandera soviética, aparentemente “planos”, y Warhol quería algo diferente. Su ayudante se hizo con un martillo de doble cabeza y una hoz en una ferretería y cuidadosamente y fotografió las herramientas en muchas posiciones. Warhol usó estas las fotografías para su serie.

En 1977, estas obras fueron expuestas bajo el título Naturaleza Muerta en la galería de Castelli en la ciudad de Nueva York. Warhol rechazó cualquier lazo político con su trabajo, mientras que al mismo tiempo era consciente del poder de los símbolos y el clima cultural de la Guerra Fría. Esta guerra entre superpotencias, Estados Unidos y la Unión Soviética, desde principios del 1940 hasta la década de 1980 se caracterizó por no combate militar real, sino por un clima de tensión y las percepciones mutuas de hostilidad entre Oriente y Occidente, el comunismo y el capitalismo, lo que resulta en el edificio de armas, las armas nucleares y el tráfico de influencias en todo el mundo.

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Portfolio Electric Chair Autor: Warhol

Tipo de obra: Serigrafía sobre tela Estilo: Pop Art Fecha: 1971

Localización geográfica: Portfolio Electric Chairs Este también creó una serie sobre la muerte inspiradas en la silla eléctrica que prefigurarían la siguiente serie Desastres. Son serigrafías de los 70 que denuncian la pena muerte en EE UU y anteceden en el camino a la exposición en la sombra de la silla eléctrica.

Es un viejo modelo, que inmortaliza a los instrumentos de tortura de la Inquisición. Warhol, como a gran parte de sus obras lo como posibilidad de una obra y también como objeto de humor negro. Se la intentó comprar a Psaier, pero éste sólo accedió a alquilársela. Warhol también la usó en su película Flesh for Frankenstein.

Al parecer en los años 60 muy poca gente había visto como era una cámara de ejecución. La silla desocupada, el cartel de “silencio” en una esquina, la casi oscuridad reinante, el ambiente tenebroso, es una imagen fuerte y poderosa.

La silla, no deja de

estimular

comentarios de todo tipo. De hecho, en la exposición hay un cartel que recuerda que en el Estado de Nebraska se continúa usando como forma de ejecución, entre otras formas.

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Pin-Up

Autor: Richard Hamilton

Tipo de obra: Óleo, celulosa y collage sobre tabla Estilo: Pop-Art Año: 1961 Dimensiones: 136,5 x 95,8 x 7,6 cm Localización: MoMa, New York En la década de los 50 y la de los 60, el concepto Pin-Up empieza a ganas fama.

Pin-Up: Forma de vida, fotografía u otro tipo de ilustración en el que se muestra a una persona con una actitud ingenua y alegre, aunque también dejan entrever un poquito de picardía.

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Just what’s it make today’s homes so different, so appeling?

Autor: Richard Hamilton Año: 1956 Tipo de obra: Collage Estilo: Pop-Art Tamaño: 26 cm × 24.8 cm Localización geográfica: Kunsthalle Tübingen, Tübingen Podría decirse que es su obra más famosa y conocida. Se creó para la exposición de arte de Londres, 'This is Tomorrow', que contó con el trabajo de gran cantidad de artistas que se basa en las ideas de los espacios cotidianos y de la gente que vive dentro de ellos.

Su decisión de emplear imágenes de revistas en gran parte estadounidenses para este collage nos hace pensar que Hamilton cree que el hogar típico década de los 50 en Gran Bretaña fue influenciado en gran medida por el avance en los Estados Unidos al mismo tiempo.

La mejor forma de realizar un análisis de los elementos del collage es razonar la pregunta de Hamilton, la cual es el título de la obra. El collage se compone de todos los aspectos de la vida de 1950 que supuestamente hicieron la vida tan diferente.

Es un collage fotográfico que ataca a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, a la sensualidad, la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía y que solamente valora lo superficial y el aspecto. En esta obra aparecen gran cantidad de elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica pin up, un fisicoculturista, un televisor, un logotipo de Ford, el magnetófono, el póster de una viñeta de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme ChupaChups sostenido por el fisicoculturista como si fuese una raqueta de tenis, todo ello bajo el planeta Tierra a modo de techo.

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Look Mickey Autor: Roy Liechtenstein

Tipo de obra: Óleo sobre lienzo Estilo: Pop-Art Año: 1961

Fue la primera pintura en la que se alejó por completo del expresionismo abstracto y el inicio del Lichtenstein pop.

En esta obra aparecen el Pato Donald y Mickey Mouse pescando en un muelle. El artista sacó esta escena de un libro ilustrado sobre personajes de Disney que leían a sus hijos.

Un

pato

Donald,

no

dibujado

exactamente, hablando con Mickey de trazos tampoco exactos, generan en Liechtenstein un anhelo de ruptura con todo lo que anteriormente hubo pintado y será uno de los que expandan un estilo cuyos temas fueran insignificantes pero a la vez muy significativos y adoptó los métodos que suelen dibujar las clásicas figuras de las tiras cómicas.

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