EL ARTE POP Surge como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, el que estaba considerado vacío y elitista. Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje. Es la vuelta de las representaciones pictóricas para dar a conocer a algo o a alguien en las zonas más desarrolladas
del
capitalismo
tardío,
como
las
de Inglaterra y
Estados Unidos. Fue el primer movimiento en redescubrir el día a día en los aspectos más banales de la sociedad industrial y de consumo. Este redescubrimiento del entorno vital, que trajo consigo la implantación de una nueva temática, hasta entonces ajena al arte: desde publicidad, artículos de consumo, estaciones de servicio, alimentos… hasta ilustraciones, revistas, cómics, ropas y estados de ánimo. Este movimiento artístico quiso ir contra todas las leyes y cánones establecidos. El arte pop al igual que la música pop, trataba de usar imágenes populares para contradecir la gran élite cultural existente en las Bellas Artes, apartándolas de su contexto y aislándolas o mezclándolas con otras, además de predominar el
Tira cómica de Jodellede GuyPeellaer
aspecto banal o kitsch 1 de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. Sus artistas fueron reacios a la enseñanza oficial de la Escuela de Artes Plásticas, por lo tanto, promovieron su renovación siguiendo las nuevas corrientes abstractas. Esto nos muestra claramente una rebeldía y absurdo ante la realidad en la que vivían. El pop-art fue uno de varios movimientos que pretendió transmitir este sentimiento. La mayoría de las obras de este estilo se consideran inadecuadas ya que las prácticas conceptuales que suelen emplearse hacen que sean incomprensibles. El movimiento como tal surgió durante la segunda mitad del siglo XX, concretamente en los años 50 en Reino Unido y a finales de los años 60 en los Estados Unidos, con diferentes 1
La estética kitsch se caracteriza por la mezcla de objetos desfasados y de mal gusto.
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motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo “Hardedge” y del arte representacional como respuesta de los artistas al usar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para equilibrar el simbolismo propio del expresionismo abstracto. El tamaño de las obras cada vez impresionará más, se extienden los motivos y pasan a primer plano o se reproducen a lo largo del plano. La expresividad se traslada a un segundo plano, siendo un estilo vulgar que plasma su actualidad con ligero conformismo. Entre los artistas precursores este estilo se encuentra a
Marcel Duchamp,
KurtSchwitters, ManRay, Max Ernst y Jean Arp; sin embargo los artistas más conocidos son Andy Warhol y Roy Lichtenstein.
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CONTEXTO HISTÓRICO: 2ª MITAD DEL SIGLO XX Este movimiento nace en la década de los 50 como es el reflejo de unos años conflictivos, la cultura de pos-guerra. Acababa de terminar la Segunda Guerra (que estudiaremos posteriormente pero que sabemos que fue espantosa y despiadada). La sociedad estaba dividida en dos bandos: La U.R.S.S Y EEUU. Esta era una guerra más bien ideológica, de dos formas de ver el mundo. A su vez existe un desarrollo en la Economía Inglesa y E.E.U.U persiste con su bienestar económico Como resultado de esta etapa surgirán corrientes que expresen la deshumanización del hombre. Empiezan a darse cuenta de la insensibilidad y de lo que es capaz el hombre. Conocieron al hombre como un desecho; por lo tanto sólo conseguiría traer basura. Se puede decir que 1945 supuso volver a empezar. La sensación de inquietud o de ilógico, la reflexión sobre el pasado adyacente y la responsabilidad ante la misma sensación de desagrado ante la sociedad en la que se vivía, son temas frecuentemente utilizados en literatura y arte de la posguerra. El centro y fuente de inspiración del Pop Art será el modelo reinante hasta nuestros días: Estados Unidos y la sociedad capitalista. Como consecuencia de ello podemos afirmar que el Pop-Art es el resultado de una forma de vida, la revelación plástica de una cultura (la popular del capitalismo) descrita por la tecnología, la moda y el consumo, en el que las cosas dejan de ser únicas para producirse en serie. El Arte Pop fue respetado y aceptado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que se podían entender fácilmente. Al público le gustaba reconocer cosas normales en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que suponía la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no entendieron su carga de ironía y de ambigüedad.
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REPRESENTANTES PRINCIPALES: Richard Hamilton Richard Hamilton nació en Londres el 24 de febrero de 1922 y fallece el 13 de septiembre de 2011 fue un pintor pionero del arte pop británico. Tras dejar el colegio sin obtener ningún título en su vida, ingresó a trabajar en una agencia publicitaria de Londres, mientras que acudía a clases nocturnas en una escuela de artes y en el Westminster Technical College. Con dieciséis años entró en la Real Academia de Arte para aprender pintura, en la que permaneció dos años. Entre 1941 y 1946 trabajó como delineante técnico, haciendo su primera exposición individual en 1950. En los años cincuenta, su obra, con Cézanne como modelo, el cubismo, el futurismo y la cronofotografía, se interesa por el movimiento o la perspectiva. 1952 sería un año clave en su trayectoria artística. Ese año emprendió clases de tipografía y diseño industrial en la Escuela Central de Arte y Diseño de Londres. Al tiempo fundó junto a otros artistas el IndependentGroup en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres. En 1956, se creó una exposición para la Whitechapel Art Gallery, bajo el título ThisisTomorrow. Este colaboró en la muestra, en la cual presentaría su collage What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing? (¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?), la cual ha sido considerada la primera obra del Arte Pop. Es un collage fotográfico que ataca a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, a la
What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing? -Richard Hamilton-
sensualidad, la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía y que solamente valora lo superficial y el aspecto. En esta obra aparecen gran cantidad de elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica pin up2, un fisicoculturista, un televisor, un logotipo de Ford, el
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Forma de vida, fotografía u otro tipo de ilustración en el que se muestra a una persona con una actitud
ingenua y alegre, aunque también dejan entrever un poquito de picardía.
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magnetófono, el póster de una viñeta de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme Chupa-Chups sostenido por el fisicoculturista como si fuese una raqueta de tenis, todo ello bajo el planeta Tierra a modo de techo. Desde este momento sus obras estaban repletas de los motivos y elementos de la cultura popular y de masas. También fue el diseñador de la cubierta del (Álbum Blanco) de The Beatles, en 1968. La pintura y los collages de Hamilton se hicieron famosos internacionalmente por ser uno de los diseñadores gráficos más famosos de las obras de The Beatles siendo en los 1960 uno de los exponentes más populares del popart junto a Andy Warhol. White Album de The Beatles -Richard Hamilton-
Solían aparecer en las portadas de revistas, cómics o calendarios… Existen desde hace siglos, pero en los 40 y 50 se convirtieron en un fenómeno de masas en los Estados Unidos, revolucionando el mundo del cómic.
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REPRESENTANTES PRINCIPALES: Roy Lichtenstein Roy Fox Lichtenstein nace en Nueva York el 27 de octubre de 1923. Fue un pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, muy conocido por sus grandes interpretaciones del arte del cómic. En 1949 adquirió el doctorado de Bellas Artes en Universidad Estatal de Ohio. Empezó pintando con un estilo expresionista abstracto, más tarde, en 1958 empezó a probar con imágenes sacadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles de menta, interpretadas como él quería y combinadas con imágenes sacadas de los retratos del Viejo Oeste de Frederic Remington. A partir de 1961 se dedicó enteramente a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva en los que incluía personajes de Disney como Mickey, Donald o Buggs Bunny, pero en 1962 cambia su estilo para dotar a su obra de una nueva definición, mostrándose como una de las principales figuras del Pop Art. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling, son un desarrollo de los personajes de los dibujos animados, representadas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se usan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las retratación de personajes famosos en la novela rosa, perspectivas estilizadas y calcos de postales de santuarios antiguos, muestran la como otros artistas, entre ellos Henri Matisse y Pablo Picasso, le sirven de modelo. También sus esculturas recrean los efectos de los cómics, además de obras hechas con cerámica.
Cap de Barcelona -Roy Lichtenstein-
Su estilo se puede definir como realismo social, los temas de sus obras recurren frecuentemente a situaciones cotidianas de la vida en la ciudad de Nueva York en los años 1920 y 1930. En 1993 expuso una retrospectiva de su obra en Nueva York que posteriormente viajó por muchos otros países.
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Roy Lichtenstein es un nombre apreciado en las subastas. El 15 de mayo de 2013 una de sus obras, Woman with flowered hat, fue vendida por 43 776 525 euros. Finalmente falleci贸 el 29 de septiembre de 1997 en el mismo lugar donde se crio.
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REPRESENTANTES PRINCIPALES: Andy Warhol Andrew Warhola nació el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pennsylvania, en el seno de una familia de origen checo. Es más conocido como Andy Warhol. Era un artista y cineasta que realizó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una prometedora etapa como ilustrador experto, Warhol ganó fama alrededor de todo el mundo gracias a su trabajo artístico, cinematográfico y literario. Warhol intervino en la relación entre artistas y eruditos, pero también entre nobles, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Nacido en una familia de inmigrantes eslovacos, sus padres se mudan a EEUU antes de que este naciera. Desde muy pequeño demostró gran interés por el arte. De este modo sobresale en sus primeras clases de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para marcas conocidas de zapatos o diversas revistas, entre ellas destacan Vogue, Seventeen y The New Yorker. A la vez pintó lienzos cuyo tema se basaba en algún elemento o imagen del medio cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación, esto es lo que viene a ser el Pop-Art. A mediados de 1962 y selló la apertura del movimiento pop art en el oeste. Unos meses más tarde, entre el 6 y 24 de noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York. En ella incluyó El díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100 botellas de cola y 100 billetes de dólar. En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor a los que consideraba tan iconos estadounidenses. Gracias a la fama que poco a poco va obteniendo, funda su estudio The Factory, que finalmente se convertirá no sólo en un lugar de creación sino también de reunión artistas,
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escritores, modelos, músicos y celebrities del momento. Su trabajo empezó a ser muy conocido y creó ciertas discusiones sobre el papel del artista y la finalidad del arte. RCA contrató a Warhol y a otros artistas autónomos, para el diseño de portadas de discos, cartelería y material publicitario. Realizó
unas
representaciones
pictóricas
propias mediante objetos plenamente corrientes en la vida, como dólares o nuevos productos de moda. Empleaba
imágenes
de
periódicos,
carteles
y
televisión para detallar un entorno personal, formado por símbolos de la cultura estadounidense: la silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles o los retratos de celebridades del momento. La botella de Coca-Cola se convirtió en un importante icono para él. Warhol usó diferentes métodos para crear sus obras, como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la imagen, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. Para las élites críticas de arte, el interés que este sentía por la cultura del consumismo resultaba vergonzoso e intolerable. Este grupo describió el tono en que se iba a aceptar su obra, aunque a lo largo de los 1960 se iba evidenciando que se habían producido grandes cambios en la cultura y el mundo del arte. También que Warhol había jugado un papel esencial en ese cambio. Comparados con la escandalosa (y exitosa) década de los 1960, los 1970 fueron años más tranquilos para Warhol, que se convirtió en un emprendedor. Warhol pasaba gran parte de su tiempo merodeando alrededor de nuevas estrellas y personajes famosos para proponerles un retrato, entre ellos destacamos a Mick Jagger, John Lennon, y Michael Jackson, entre otros. Su estilo inicialmente rupturista fue, con el tiempo, asimilado por el perímetro de galerías y por los círculos enriquecidos, a los que compensaba con retratos encargados. Esta fase es juzgada de manera dispar por la crítica actual. En los años 1970 hace retratos de sus amigos, entre ellos Carolina Herrera y Elizabeth Taylor. Es también en este tiempo cuando varios fabricantes de automóviles lo contratan para pintar sus vehículos de carrera de forma que llamaran la atención, como por ejemplo BMW. Así se creó el art car. Son famosas sus
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“cápsulas del tiempo” en las que guardaba cosas cotidianas en cajas de cartón, como expone en su primer libro. En 1979 presenta su serie de retratos de los 60. Mucha gente lo considera como el artista americano más influyente de la segunda mitad del siglo XX. Aún vivo ya era una leyenda gracias a su obra, su humorismo, el número de los escándalos que causó. El propio Warhol se había convertido por derecho propio en una imagen de marca registrada. El Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh, Pensilvania, en ella podemos encontrar una extensa recopilación artística de él. Resulta ser el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un solo artista. Fallece en Nueva York el 22 de febrero de 1987 tras una larga vida de trabajo intenso.
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Fuentes: http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/152/Andy%20Warhol http://popart22.blogspot.com.es/2005/12/contexto-histrico-pop.html http://es.slideshare.net/raulosses/art-pop http://www.arteespana.com/artepop.htm http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/warhol.htm http://www.arteespana.com/andywarhol.htm http://arteaula23.blogspot.com.es/2013/05/roy-lichtenstein-1923-1997.html http://arteaula23.blogspot.com.es/2013/05/roy-lichtenstein-1923-1997.html https://sillaeclectica.wordpress.com/tag/andy-warhol/ http://jalfocea.com/2014/07/08/10-obras-mas-famosas-pop-art-andy-warhol-91456/ http://www.abc.es/cultura/arte/20131003/abci-coca-cola-andy-warhol201310031006.html
http://nga.gov.au/warhol/details/113072.cfm http://dperez4.blogspot.com.es/2012/08/la-imagen-y-otras.html
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