S 2015
PÁGINAS DE DANZA
Tres obras que se conjugan en una para formar un ecléctico abanico, diferenciado en el vocabulario de sus coreografías: Obertura Cubana, Bolero de Ravel y Sinfonía Vivantes. Música: George Gershwin, Maurice Ravel, Georges Bizet Coreografía: Gonzalo Galguera Duración totale: 61 minutos (+ 15 minutos de intermedio)
S 2015
PÁGINAS DE DANZA
Nomi Ballerini
C OM PANIA C OLOM BIA NA DE BA LLET
OBE RT U R A C U BA NA
Coreografía: Gonzalo Galguera Música: George Gershwin Bailarines en escena: 1 bailarín y 10 bailarinas Duración: 11 minutos
Inspirada en los bailes de los clubes sociales y la música popular de Cuba en las décadas del treinta y cuarenta del siglo XX, Obertura Cubana es una coreografía donde la mujer es protagonista y el hombre se define como elemento complementario y equilibrio de ese protagonismo. Un hombre baila con varias mujeres dejando ver en ellas a las soberanas del escenario. Él se entreteje en esa femenil cadencia que se acompasa por las notas de Gershwin. La sensualidad cobra vida en el baile. El hombre inmerso en ese universo de exuberancia, interactúa y deja ver su admiración por ella, sus movimientos y belleza, iluminado por la majestuosa gracia de su baile.
Este poema sinfónico para orquesta del compositor estadounidense George Gershwin (EE.UU., 1898-1937), en un principio llamado Rumba y luego Obertura Cubana, pues según su autor, “da una idea más justa del carácter y la intención de la música”, fue el resultado de las vacaciones de dos semanas que Gershwin tuvo en La Habana, Cuba, en febrero de 1932. Cuando Gershwin hizo este viaje a La Habana ya disfrutaba de popularidad y fama bien merecida, su estreno de 1924 en Nueva York, Rapsodia in Blue, fue un triunfo sin igual que le convirtió en el más reconocido de los compositores de su país, reputación que incrementó con Un Americano en París, y en especial, con Porgy and Bess, que al decir de Alejo Carpentier, es “una creación única y sin precedente, dentro del teatro lírico moderno, volviéndose una suerte de ópera nacional norteamericana”. Fotografia/ Pinco Pallino www.pincopallino.it Scenografia/ Pinco Pallino Hair Styling/ Pinco Pallino
OBERTURA CUBANA
CAPTION TEXT DESCRIPTION Item Name
Obertura Cubana es una evidente muestra del talento consumado por el compositor norteamericano, basada en la influencia de los ritmos caribeños, la percusión nativa cubana y su tradición musical popular; y aunque su viaje fue en total anonimato, su presencia en la isla no pasó desapercibida. Los grandes músicos de la isla le acompañaron en sus jornadas, Ernesto Lecuona, Alejandro García Caturla, Amadeo Roldán y Félix Guerrero, fueron algunos de ellos. De esta manera, Gershwin, gratamente impresionado por los ritmos cubanos, fue llevado a la estación radial CMCJ, desde donde transmitía el Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro, allí entablaron amistad y recogió anotaciones musicales de sus obras. Así nace la idea de hacer una Obertura Cubana, partiendo del son-pregón
de Piñeiro Échale salsita, composición que se inspira en las butifarras de El Congo, en el poblado de Catalina de Güines. La obra fue estrenada en Nueva York el 16 de agosto del mismo 1932, los instrumentos fundamentales de la orquesta fueron el bongó, las claves, el güiro y las maracas, situadas a la derecha y al frente del conductor. También integraron la instrumentación: flautas, oboes, clarinetes, bajos y contrabajos, trombones, tubas y tímpanos. El estreno fue la apoteosis de la inspiración de Gershwin, del cual él mismo escribió “Era, realmente creo, la noche más emocionante que he tenido... 17.845 personas pagaron para entrar y casi 5.000 fueron a las puertas cerradas intentando abrirse camino en vano”.
UN HOMENAJE A LA MUJER Y SU BAILAR La mujer como protagonista y el hombre como elemento complementario y equilibrio de ese protagonismo, es el marco visual que prevalece en esta coreografía. Un hombre baila con varias mujeres dejando ver en ellas a las soberanas del escenario. Él se entreteje en esa femenil cadencia que se acompasa por las notas de Gershwin. La sensualidad cobra vida en el baile. El hombre inmerso en ese universo de exuberancia, interactúa y deja ver su admiración por ella, sus movimientos y belleza, iluminado por la majestuosa gracia de su baile.
Obertura Cubana de Gonzalo Galguera está inspirada en los bailes de los clubes sociales y la música popular de Cuba en las décadas del treinta y cuarenta del siglo XX. Es una coreografía que trata de elevar y resaltar el personaje de la mujer dentro del movimiento de esos bailes, los cuales influenciaron la estética de Hollywood de ese tiempo, particularmente en el contexto bailable popular nocturno, en un periodo tan creativo, en términos musicales, cuando se gestaron ritmos como el mambo, y el son.
En este contexto la mujer mantuvo un rol preponderante, su manera de bailar influenció el movimiento en las composiciones musicales, la moda y la estética. Obertura Cubana nace de la inspiración de bailarinas de esa época como Carmen Miranda, quien llegó a ser un personaje muy emblemático en el cine latinoamericano y el hollywoodense.
Esta Obertura Cubana, quiere ser el homenaje a esas bailarinas, que sin ser bailarinas profesionales, llevaron los bailes populares cubanos a Hollywood. De esta manera Gonzalo Galguera trata de conformar un equilibrio entre la danza profesional, en este caso el ballet clásico, y un homenaje a esas bailarinas que acompañaron o que hicieron la referencia bailable de esas grandes músicas.
Fotografia/ Pinco Pallino
Nomi Ballerini
C OM PANIA C OLOM BIA NA DE BA LLET
B OL E RO
Coreografía: Gonzalo Galguera Música: Maurice Ravel Bailarines en escena: 12 bailarines y 1 bailarina Duración: 25 minutos
Una mirada hacia el poder de seducción que ejerce la mujer en el hombre, su fuerza creadora de ambientes místicos, de rivalidad y desafío. En esta obra la mujer muestra su dominio sobre el hombre, ejerciendo el rol de victimaria con su capacidad mística y la expectación que oculta en ella.
AVValorada como una de las joyas musicales del siglo XX, Bolero, del francés Maurice Ravel, es una brillantez desprovista de complejas variaciones melódicas; una obra excepcional, dado su carácter minimalista, que con tan solo un patrón rítmico de dos compases y una melodía obstinada de treinta y dos que sólo modulan al final, después de deleitar con su juego de repeticiones en una única tonalidad. Bolero es una constante reiteración de ideas musicales con cambios poco sensibles. Ravel supo descifrar el misterio de cómo atrapar al público con una monotonía sonora que crea expectativa, y envuelve a la vez, en un círculo vicioso de tonada reiterativa que emociona y cautiva.
Fotografia/ Pinco Pallino www.pincopallino.it Scenografia/ Pinco Pallino Hair Styling/ Pinco Pallino
Su maestría como orquestador le permitió desarrollar una sencilla graduación de orquesta para hacer de dos compases insistentes una obra universal. A pesar de ello, en un principio, el mismo Ravel no le otorgó su respectivo valor; aun así, Bolero, sigue siendo y será una de las más convincentes lecciones de orquestación creada por músico alguno.
BOLERO
CAPTION TEXT DESCRIPTION Item Name
La idea de crear Bolero le vino a Ravel por encargo de la bailarina de origen, Ida Rubinstein, quien le solicitó una pieza musical para un ballet que le permitiera bailar sola. La pieza de ballet Bolero fue estrenada en la Ópera Garnier de París el 28 de noviembre de 1928, con un triunfo sin precedentes. Los compases orquestados de Ravel envuelven la narración de este ballet que presenta en escena una mesera quien baila en un bar atrayendo la mirada de las personas que se encuentran allí. La mujer se ondea al ritmo del crescendo y desafía a su público al compás de la música. Al parecer Ravel estuvo confundido con respecto al éxito de su obra, no lograba concebir la idea de que su trabajo alcanzase tal trascendencia, lo cual lo llevó a pensar que pocas buenas orquestas,
o tal vez ninguna, llegaran a tomarse el trabajo de interpretarla. Hoy su obra día a día aumenta sus públicos, las orquestas del mundo la tienen entre su repertorio, las grandes compañías de ballet la escenifican con admirables libres interpretaciones, el cine la ha llevado a sus pantallas; haciendo de esta pieza una obra cada vez más popular, reiterando al Bolero de Ravel como una de las piezas más populares de la música clásica. Maurice Ravel, quien naciera en Ciboure, Francia en 1875, murió en París en 1937, es considerado junto a Claude-Achille Debussy como uno de los músicos franceses más importantes del siglo pasado. Suele reconocérsele como el gran representante de la moderna escuela musical francesa.
BOLERO, DANZA RITUAL. La coreografía, Bolero, de Gonzalo Galguera, es una mirada hacia el poder de seducción que ejerce la mujer en el hombre, su fuerza creadora de ambientes místicos, de rivalidad y desafío. En esta obra la mujer muestra su dominio sobre el hombre, ejerciendo el rol de victimaria con su capacidad mística y la expectación que oculta en ella. La mujer crea una ambivalencia que hace a cada uno de los hombres mostrar diferentes facetas de cómo llamar su atención; así, sin darse cuenta, ellos otorgan el valor fundamental dentro de la obra a la mujer.
Este ballet de Galguera, hace de la mujer principio y fin de todo cuanto ocurre a su alrededor, y al final, el hombre motivado por la imponente figura de la mujer, construye el ritual, y pone en juego sus herramientas de conquista para llegar a ella, y en una dinámica de movimientos ondulantes concluyen para lograr tal efecto. La mujer durante toda la coreografía permanece en un solo punto. No se mueve de la cumbre en la cual se encuentra situada. Los hombre a su alrededor admiran y codician su singular figura femenina, desde la perspectiva que le merece su admiración por ella. Observándola de abajo hacia arriba.
En su búsqueda de la conquista, ven a la mujer siempre en diferentes situaciones, en una circular e inalcanzable cúspide que le hace cada vez más preciada. El deseo les hace marcar siempre nuevos matiz para merecerla, cayendo en un ritual cíclico que se acompasa con las notas insistentes del Bolero de Maurice Ravel. Dos espacios muy definidos se marcan en escena, la mujer creando un pacto sensitivo y físico hacia
el hombre, y el hombre dispuesto reaccionar hacia ella. Un exotismo telúrico que exhibe el dominio de las pasiones sobre la razón. Una invocación y homenaje a la belleza de la mujer en su estado más salvaje y puro, en un cuadro escenográfico cargado de comunicación, donde los hombres exponen sus argumentos con el lenguaje de sus cuerpos, entablando un tour de force a manera de diálogo que llena la obra de misterio y de mucha sensualidad.
Fotografia/ Pinco Pallino
Nomi Ballerini
C OM PANIA C OLOM BIA NA DE BA LLET
SIN F ON ÍA V I VA N T E Coreografía: Gonzalo Galguera Música: Georges Bizet Bailarines en escena: 26 (veinte y seis) 1ros solistas: 1 pareja (1 bailarín, 1 bailarina) Solistas: 2 parejas (2 bailarines, 2 bailarinas) Cuerpo de baile: 10 parejas (10 bailarines, 10 bailarinas)
Duración: 48 minutos Al igual que el célebre Georges Balanchine, Gonzalo Galguera coreografía la Sinfonía en Do Mayor de Georges Bizet. Para esta oportunidad Galguera titula su obra Sinfonía Vivante, donde el movimiento adquiere validez partiendo de un motivo dramatúrgico musical tan concreto como lo es la sinfonía de Bizet. En Sinfonía Vivante antepone en su creación la emoción y procesos psicológicos humanos como base creadora y línea imaginaria de la composición, donde la forma adquiere en su ejercicio coreográfico una dimensión elocuente y concreta.
Avalorada como una de las joyas musicales del siglo XX, Bolero, del francés Maurice Ravel, es una brillantez desprovista de complejas variaciones melódicas; una obra excepcional, dado su carácter minimalista, que con tan solo un patrón rítmico de dos compases y una melodía obstinada de treinta y dos que sólo modulan al final, después de deleitar con su juego de repeticiones en una única tonalidad. Bolero es una constante reiteración de ideas musicales con cambios poco sensibles. Ravel supo descifrar el misterio de cómo atrapar al público con una monotonía sonora que crea expectativa, y envuelve a la vez, en un círculo vicioso de tonada reiterativa que emociona y cautiva.
Fotografia/ Pinco Pallino www.pincopallino.it Scenografia/ Pinco Pallino Hair Styling/ Pinco Pallino
Su maestría como orquestador le permitió desarrollar una sencilla graduación de orquesta para hacer de dos compases insistentes una obra universal. A pesar de ello, en un principio, el mismo Ravel no le otorgó su respectivo valor; aun así, Bolero, sigue siendo y será una de las más convincentes lecciones de orquestación creada por músico alguno.
SINFONÍA VIVANTE
CAPTION TEXT DESCRIPTION Item Name
La idea de crear Bolero le vino a Ravel por encargo de la bailarina de origen, Ida Rubinstein, quien le solicitó una pieza musical para un ballet que le permitiera bailar sola. La pieza de ballet Bolero fue estrenada en la Ópera Garnier de París el 28 de noviembre de 1928, con un triunfo sin precedentes. Los compases orquestados de Ravel envuelven la narración de este ballet que presenta en escena una mesera quien baila en un bar atrayendo la mirada de las personas que se encuentran allí. La mujer se ondea al ritmo del crescendo y desafía a su público al compás de la música. Al parecer Ravel estuvo confundido con respecto al éxito de su obra, no lograba concebir la idea de que su trabajo alcanzase tal trascendencia, lo cual lo llevó a pensar que pocas buenas orquestas,
o tal vez ninguna, llegaran a tomarse el trabajo de interpretarla. Hoy su obra día a día aumenta sus públicos, las orquestas del mundo la tienen entre su repertorio, las grandes compañías de ballet la escenifican con admirables libres interpretaciones, el cine la ha llevado a sus pantallas; haciendo de esta pieza una obra cada vez más popular, reiterando al Bolero de Ravel como una de las piezas más populares de la música clásica. Maurice Ravel, quien naciera en Ciboure, Francia en 1875, murió en París en 1937, es considerado junto a Claude-Achille Debussy como uno de los músicos franceses más importantes del siglo pasado. Suele reconocérsele como el gran representante de la moderna escuela musical francesa.
BOLERO, DANZA RITUAL. La coreografía, Bolero, de Gonzalo Galguera, es una mirada hacia el poder de seducción que ejerce la mujer en el hombre, su fuerza creadora de ambientes místicos, de rivalidad y desafío. En esta obra la mujer muestra su dominio sobre el hombre, ejerciendo el rol de victimaria con su capacidad mística y la expectación que oculta en ella. La mujer crea una ambivalencia que hace a cada uno de los hombres mostrar diferentes facetas de cómo llamar su atención; así, sin darse cuenta, ellos otorgan el valor fundamental dentro de la obra a la mujer.
Este ballet de Galguera, hace de la mujer principio y fin de todo cuanto ocurre a su alrededor, y al final, el hombre motivado por la imponente figura de la mujer, construye el ritual, y pone en juego sus herramientas de conquista para llegar a ella, y en una dinámica de movimientos ondulantes concluyen para lograr tal efecto. La mujer durante toda la coreografía permanece en un solo punto. No se mueve de la cumbre en la cual se encuentra situada. Los hombre a su alrededor admiran y codician su singular figura femenina, desde la perspectiva que le merece su admiración por ella. Observándola de abajo hacia arriba.
En su búsqueda de la conquista, ven a la mujer siempre en diferentes situaciones, en una circular e inalcanzable cúspide que le hace cada vez más preciada. El deseo les hace marcar siempre nuevos matiz para merecerla, cayendo en un ritual cíclico que se acompasa con las notas insistentes del Bolero de Maurice Ravel. Dos espacios muy definidos se marcan en escena, la mujer creando un pacto sensitivo y físico hacia
el hombre, y el hombre dispuesto reaccionar hacia ella. Un exotismo telúrico que exhibe el dominio de las pasiones sobre la razón. Una invocación y homenaje a la belleza de la mujer en su estado más salvaje y puro, en un cuadro escenográfico cargado de comunicación, donde los hombres exponen sus argumentos con el lenguaje de sus cuerpos, entablando un tour de force a manera de diálogo que llena la obra de misterio y de mucha sensualidad.
Fotografia/ Pinco Pallino
CAPTION TEXT DESCRIPTION Item Name
Ent re v ist a
GONZ A LO
a
G ALG UER A
Director Artístico y Coreógrafo de la Compañía Colombiana de Ballet
¿Qué es Páginas de Danza? Es un homenaje a la creatividad, a la ductilidad de una compañía. Son Páginas de salutación y de celebración al espíritu más puro de la comunicación humana, la danza y el movimiento, lo que nos condiciona como seres sensitivos y racionales.
Con Páginas de Danza nuestra Compañía escribirá un nuevo camino artístico, un nuevo rumbo estético, el cual será escrito por todos y entre todos los protagonistas de esta nueva etapa de la Compañía. Páginas que marcarán un nuevo estilo y una nueva búsqueda con la ayuda del lenguaje clásico de la danza.
Como director artístico de la CCB, este espectáculo significa para mí un gran privilegio, por poder ser testigo del momento histórico que todos hemos asumido, con tres obras de mi autoría: Obertura Cubana, Bolero y Sinfonía Vivante, cuales muestran un abanico ecléctico en cuanto a los contenidos de las obras y el diferenciado vocabulario de las coreografías entre sí.
¿Cuáles son los valores estéticos destacables de estas obras? Las tres obras están condicionadas por la profundidad y características de su contenido. Obertura Cubana, de George Gershwin, es una elegía al mundo sonoro y musical de los años 30 a los años 50 del pasado siglo en la música cubana tradicional bailable. Al mismo tiempo es un exponente importante a la hora de entender la evolución de la música clásica sinfónica en Cuba y en Latinoamérica, de la cual muchos compositores europeos y norteamericanos encontraron inspiración y referente para sus composiciones musicales.
Bolero, de Maurice Ravel, encierra una estética muy definida, está enfocada hacia la danza masculina que a su vez nos permite adentrarnos en los orígenes del ritual como vehículo comunicador entre las personas, para transmitir sentimientos o desempeñarse en situaciones determinadas como la rivalidad, la capacidad física para la ejecución de actividades o la sensualidad.
Sinfonía Vivante es una obra con un discurso polifónico de positivismo y esperanza. La estética de la danza clásica es la protagonista y eje central de comunicación entre el espectador y la danza, lo que permite transportar al espectador a un nivel visual superior para poder visualizar la plasticidad de la música en todo su universo armónico, melódico y rítmico.
CAPTION TEXT DESCRIPTION Item Name
¿La obra se constituye como una pieza coreográfica de Ballet Clásico, Neoclásico o Contemporánea? El espectáculo tiene tres pilares importantes, la danza clásica, la música contemporánea del siglo XX y la música clásica tardía, como es el caso de la Sinfonía en Do Mayor de Bizet, complementando estos aspectos el vocabulario clásico y neclásico de nuestros días.
El concepto de danza neoclásica ha sido a lo largo del siglo XX y hasta nuestros días muy discutido y redefinido por especialistas y estudiosos de la danza a diferencia de la música o la pintura. A cada coreografía que utiliza el lenguaje clásico como medio de expresión puede atribuirse el concepto de neoclásico.
¿En qué contexto y época se instala la estética de las obras?
¿Qué pueden esperar los fieles espectadores de la CCB de este nuevo montaje coreográfico?
Están concebidas a modo intemporal, su temática es universal, lo que las aleja de todo modismo o afecto épico.
¿Para esta ocasión quiénes están a cargo de la creación de montaje, escenografía y vestuario? En la obra han intervenido dos importantes diseñadores de vestuario, el francés Jerome Kaplan y el alemán Stephan Stanisic, y la escenografía está a cargo del diseñador chileno-alemán Juan León.
Ello ha creado históricamente una tendencia a generalizar todo aquello que sea interpretado o ejecutado con el vocabulario clásico, creando carencias conceptuales y superfluas conclusiones, por ello prefiero decir que es un lenguaje de danza clásica o académica que acata temáticas y situaciones de la contemporaneidad.
Páginas de Danza quiere cautivar al público con una nueva estética refinada y un nuevo compromiso artístico. Es un espectáculo para los amantes de la danza, pero también para quienes por primera vez se acercan a ella. El público encontrará en cada obra su propuesta favorita y disfrutará del contraste y versatilidad de las tres obras; muy variadas entre sí, llenas de fuerza, emoción y poseía. Entrevista por Fredy Prado Gutiérrez Oficina de Comunicaciones de Incolballet