M ANU AL M O N T AJ E
distorsi贸n mutualista
M A NUAL M O N T AJ E
distorsi贸n mutualista
ÍNDICE
Introducción
Inspiraciones
Photoshoot
04 55 87
Concepto
Moodboard
Conclusiones
15 71 93
Referentes
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Proceso y desarrollo
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Bibliografía y filmografía
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INTRODUCCIÓN
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El objetivo de este documento es mostrar el proceso de desarrollo de la aplicación creada partiendo de la reversa del video musical “Intergalactic" de la banda de hip hop Beastie Boys. El video es dirigido por Adam Yauch, integrante de la misma banda y realizado bajo el método de producción low tech, comúnmente usado en sus filmes. Luego del análisis del mismo, se abstrae el concepto de distorsión mutualista que refiere a las diferentes interpretaciones que pueden tener las acciones del ser humano y como estas inherentemente se tildan de correctas o incorrectas, siempre una necesitando a la otra. La union de esto con la idea de la la Liga de la Injusticia se articula en la creación de un espacio de trabajo en el cual la esencia de estos supervillanos sea expuesta. Finalmente, el propósito de este documento es llevar un registro y explicación del proceso que permitió entender los diferentes, contextos e inspiraciones para la elaboración de lo anteriormente mencionado.
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INTERGALACTIC ‘Intergalactic’ es una canción y vídeo del Grupo norteamericano de Hip Hop, Beastie Boys. Lanzado en 1998, fue el primer sencillo del quinto álbum de estudio de la banda llamado ‘Hello Nasty’. Fue escrita por los Beastie Boys y producida por el reconocido productor Mario Caldato. En Hello Nasty, se marca una 6|. nueva etapa de los siempre
multifacéticos Beastie Boys. Un álbum completamente enfocado en el hip hop, pero al mismo tiempo con añadiduras de una cantidad de sonidos hechos mediante sampler, convirtiendo a cada una de las canciones en el álbum, en algo imprevisible y que dan ganas de escuchar. En ‘Intergalactic’, tanto en la letra, como en el vídeo se pre-
sentan a ellos mismos como seres que vienen de otro universo, con habilidades extraordinarias y superiores. En la letra específicamente, hacen alarde de su grandeza evidenciada en sus habilidades con los ritmos y cómo sin importar quien los enfrente, siempre van a ganar pues además de talento, cuentan con un equipo (que es mencionado a lo largo de la letra) extraordinario de respaldo. Por otra parte en el vídeo, hacen uso de su característica burla y sátira, para demostrar la arrogancia de la sociedad japonesa que cree ser superior a las demás. La intervención de los Beastie Boys siendo Estados Unidos, que por su parte también se proclaman como los mejores, en un enfrentamiento simbólico entre estas dos sociedades para mostrar la ironía y la arrogancia que ambas tienen. Esta representación se hace mediante low-tech (ciudad maqueta destruida por un robot de cartón), para hacer mofa de la situación económica que atravesaba Japón en la época y el boom de la tecnología como reemplazo del trabajo del hombre. Adicional a
esto, la evidente exhibición a manera de burla de aspectos populares de la cultura japonesa como el super sentai (poses de los Beastie Boys), los kaijus (monstruo gigante destructivo) y el género de películas tokusatsu (‘efectos especiales’ que son evidentemente hechos).
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ADAM YAUCH DIRECTOR
Adam Yauch es el director del video musical Intergalactic de la banda Beastie Boys. Yauch más conocido como MCA fue el fundador de la banda a comienzos de 1980 junto a Mike D, luego Adam Horovitz, aka Ad-Rock se unió al trío. MCA es conocido por su trayectoria musical que exponía rap fusionado con el funk y el rock, sin embargo fue distinguido por interpretar varios papeles a lo largo de su corta vida. Entre sus trabajos y estilos de vida, Yauch se caracterizó por ser el bromista del grupo, bajista, primer rapero de raza blanca, budista, feminista, activista tibetano, director de __.videos musicales y 8|
documentales, otros.
entre
muchos
MCA fue director de videos de Los Beastie Boys como Intergalactic, Body Movin y Three MC’s and One DJ. Estos tres se hicieron basados en un estilo llamado Low Tech, que se centraba en la idea de utilizar la menor cantidad de elementos y tecnología para producir estos videos, con la intensión de resaltar la letra y el contenido de la canción junto al concepto de estas, en vez de distraer la atención del espectador en el video. De igual forma, este low-tech, se utilizó en videos como intergalactic para contrastar el crecimiento tecnológico que se estaba viviendo para finales de los 90’s, momento en el que este video fue realizado. En estos primeros videos dirigidos por MCA, los tres sencillos del mismo álbum Hello Nasty muestran una estética similar, paleta de colores afines y en cuanto al contenido, se expone como una persona o grupo tiene control de su entorno, ya sea por medio de una máquina o robot.
Yaucht fijaba un estilo particular para ese entonces, pero fue cambiando a medida que fue conociéndose más como director. Adam Yaucht no fue como tal reconocido como director a principios de su carrera, sino como el miembro fundador del grupo, pero fue luego de crear una compañía de filmes independientes donde se dio a reconocer como director. Oscilloscope Laboratories fue el nombre que le dieron Yaucht y David Fenkel (otro director de filmes) a este espacio de dirección, producción y distribución de filmes y música. Este espacio fue el detonante para la exploración de MCA como director y como productor musical no solo para su grupo sino para grabaciones y mixes de filmes. El trabajo mas importante en cuanto a direccion y produccion musical fue su filme Gunnin’ for that #1 Spot, lanzada en 2008. Este film marcó la trayectoria de Yaucht debido a la trama del filme, la producción de sonido y temas que abarcaba. Fue bastante importante para Oscilloscope Laboratories por unir los tres núcleos de espacio de trabajo para producir la película de uno de sus fundadores. 9|
REFERENTES RELEVANTES REVERSA DE VIDEO DONDI
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Fue un artista graffitero de Nueva York con raíces afroamericanas, considerado uno de las más grandes influencias del movimiento. Nació, creció y se desarrolló como artista, en la época de crisis de Nueva York, por lo cual estuvo muy involucrado en los problemas que estaba atravesando la ciudad. Inició su arte graffiti plasmando simplemente su firma en diferentes puntos de la ciudad, usando sus tags NACO y DONDI. Posteriormente, fue experimentando e incursionando en el estilo wildstyle del graffiti, volviéndose pionero de este modificándolo a su estilo personal, de manera que fuera legible y todos pudieran entender el mensaje. Para el montaje, fue clave como inspiración la idea de plasmar palabras que se entendieran para dejar mensajes claros, partiendo de esta idea en el montaje se plasmó una palabra que reunía la esencia del concepto.
PHASE 2
Es unos de los artistas graffiteros de Nueva york, de mayor influencia, no solo en el movimiento del graffiti, sino también en la cultura hip hop. Se considera el creador de la “Bubble letter”, usada inicialmente en su apodo y que posteriormente fue evolucionando en una cantidad considerable de variedades que empezaron a ser imitadas por otros grafiteros. Su apodo surgió de una experiencia previa, dándole gran significado para él, pero interpretado de otra manera para los demás. Por otro lado, estuvo siempre muy involucrado en la escena del hip hop, colaborando con bandas, mientras estas cantaban el hacía graffitis en vivo. Llegó a ser la inspiración para el personaje principal de la famosa película Wildstyle, la cual trata la historia del hip hop. Para el montaje fue de gran importanica su idea de usar el graffiti como medio para dar a conocer su apodo a todo el mundo, pero aún así mantener su verdadera identidad oculta. De esta manera, se buscó aplicarlo a la idea de la liga que se planteó, la cual nunca dio a conocer su identidad real, pero su alias era claro en sus pertenencias.
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POWER RANGERS
Es una serie de televisión del género Tokusatsu, que muestra a un super escuadrón que lucha contra las fuerzas del mal haciendo exageración de todas sus acciones y movimientos. Presenta a este grupo como ‘héroes’ que pelean con objetos comúnmente usados que se encuentren en su entorno.
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Para el concepto del montaje, se tomó la idea de héroes del común que se valen de herramientas de su diario vivir; en el caso de la liga de injusticia propuesta, las latas de graffiti son su poder y su arma.
GODZILLA Es uno de los personajes más emblemáticos del género cinematográfico japonés Kaiju, su primera aparición fue en 1975, y fue creado como un monstruo que amenaza con destruir Japón, aunque luego es su defensor, y protege a la cuidad de varios peligros, por lo general propiciados por los mismos humanos. Jugando así el papel del predador y protector, castigando y protegiendo a quien lo merece. Se tuvo en cuenta como la Está directamente relacionado con la aplicación realizada debido a que muestra la superioridad y grandeza de unos sobre otros.
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CONCEPTO
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Oponerse al ideal tradicional de héroe y convertirse en un nuevo prototipo de ídolo para la sociedad
Rompiendo los esquemas culturales sin dejar de ser la representación de los temores que aquejan a la sociedad y la contraposición de los valores que personificaban los superhéroes.
De esto se entiende la coexistencia de ambas fuerzas en un mismo ser, y así un dualismo constante entre lo que es correcto socialmente y lo que no.
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LIGA DE LA INJUSTICIA
INTERGALACTIC | BEASTIE BOYS
héroes que representan superioridad frente a una sociedad que a sus propios ojos es la más grande de todas.
La destrucción en una metrópoli
EL AVANCE TECNOLÓGICO Y SOCIAL 17|
DISTORSIÓN MUTUALISTA
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La realidad que no es vista objetivamente, se acopla a quien la ve, se difumina dependiendo de quién la mire (y cómo la mire). La base de la dualidad de una sociedad está en la defensa de diferentes ideales, mayorías y minorías se pelean por ser reconocidas, deformando el panorama en el que se desarrolla esta lucha. Unos pelean por sus derechos, otros por oprimirlos; unos quieren hacer ver lo que no es, y otros declarar su realidad. Entender el concepto de distorsión es el punto de partida para comprender lo que realmente es la diversidad de los puntos de vista y cómo éstos afectan la forma en la que se ven las cosas. La percepción es el aspecto más dual del ser humano, puesto que este es el que determina bajo qué posición se ubica el observador y la manera en cómo una acción, declaración o movimiento va a ser interpretado. La idea del bien y el mal juega un papel determinante para establecer los parámetros morales que rigen una sociedad, es de esta forma que valores como: Oposición, justicia, libertad, legado, comunidad, son los aceptados y esperados. Por otra parte, el contrapeso necesario son las ideas que se oponen, que surgen en los espacios marginados y reprimidos, los valores de las minorías. Los ideales que terminan siendo iguales pero rescatados e interpretados desde mundos distintos; el espacio de la distorsión. La idea de recrear un ambiente místico y clandestino, una muestra de los mundos paralelos y de ideales tangibilizados, que permitan un sin fin de interpretaciones y que remiten nuevamente a un juego de realidades alteradas. 19|
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REFERENTES
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REFERENTES CONCEPTUALES ANN VERONICA JANSSENS Ann Veronica Janssens es una artista visual contemporánea Inglesa conocida por sus trabajos con la luz. Sus intereses varían, pero constantemente juega con espacios y creaciones que capturen y logren por medio de reflejos, juegos de luz y colores crear diversos ambientes y sensaciones. En su instalación “Blue, Red and Yellow” crea estructuras sensoriales en policarbonato cubiertas de una película transparente las cuales están rodeadas en su totalidad por un vapor denso de diversos colores. Los espectadores de estos espacios, transforman su percepción al estar inmersos 22|
en un espacio bañado de luz, un espacio que aparenta no tener límites y que juega con la configuración del tiempo y del movimiento. Los límites se desvanecen y abren la mente a un mundo infinito de perspectivas y puntos de vista, lo cual es precisamente lo que se quería evidenciar en el montaje. La relación esencial de este con la aplicación realizada, es la capacidad que tiene para cuestionar la perspectiva de los espectadores por medio de la creación de un ambiente que permite diversas interpretaciones y que tiene una relación directa con los conceptos que se trabajaron a la hora de realizarlo.
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BATMAN COMIC 1939 Batman es un personaje creado por Bob Kane y Bill Finger para DC Comics, apareció por primera vez en 1939 en una historia titulada El Caso del Sindicato Químico del cómic Detective Comics No. 27. Debido a su popularidad en 1940 tuvo su propio cómic, donde luchaba contra el mal que buscaba destruir Cuidad Gótica. Batman es uno de los personajes más emblemáticos de DC Comics, y vive bajo la identidad de Bruce Wayne un millonario y filántropo de ciudad Gótica. Es uno de los super héroes que más super villanos tiene es por esto que se vuelve interesante el hecho de que sea humano y no tenga poderes especiales. En Batman cada villano representa alguna de sus debilidades o miedos, por ejemplo el 24|
acertijo es el reto mental constante; El pingüino es la burla a la clase social a la cual Bruce pertenecía; Gatubela representa la tensión sexual que siempre lleva consigo Batman; y finalmente el Guasón, quien es su villano estrella, representa la dualidad y la realidad de éste super héroe en caso de haberse dejado llevar por la ira y haber tomado las decisiones incorrectas. La psicología de Batman es compleja y llena de miedos, pero depende del lado del que se mire, él es un arrogante que quiere ser reconocido sin dejar ver su rostro, o un héroe que solo busca el bien de Ciudad Gótica. Es esta dualidad, y uso de juegos mentales para comprender e interpretar las acciones de un personaje lo que se busca exponer en el montaje.
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NECESSARY EVIL: SUPER-VILLIANS OF DC COMICS Este documental realizado en el año 2003 cuyos directores son Scott Devine y J.M. Kenny, trata el porqué más que inevitable del mal en todos y cada uno de los cómics de superhéroes. Donde los escritores de los cómics, los dibujantes y los productores, describen a cada superhéroe y la necesidad que tiene este de un supervillano. De éste documental entendimos porque los villanos son necesarios para la creación de un cómic y por qué éstos también nos representan como humanos. Estos personajes reflejan nuestros miedos y frustraciones, los peligros de la vida diaria, y todo aquello que no somos capaces de hacer; es la con26|
traposición a los héroes que representan nuestros deseos y nuestra esperanza de una forma exagerada. Existe siempre una dualidad, donde el villano es lo que el héroe pudo ser si hubiera tomado la decisión equivocada. Esta necesidad constante entre el bien y el mal, es el punto de partida de los conceptos explorados en el montaje. Principalmente al utilizar la idea de justicia, la cual dependiendo de donde sea vista puede ser tomada como buena o mala. La liga planteada no tendría sustento si no existiera una sociedad y un conjunto de valores a los cuales oponerse.
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LA NARANJA MECÁNICA | STANLEY KURBICK Es un filme producido, escrito y dirigido por Stanley Kubrick en 1971, adaptado de la novela de 1962 de Anthony Burguess. Se desarrolla en la Inglaterra del futuro (que en este momento era 1995) y sigue la vida de su personaje principal, Alex DeLarge, un joven psicópata y delincuente cuyas pasiones son la música de Beethoven, el sexo y la ultraviolencia. La historia se desarrolla inicialmente en torno a él y a su pandilla, la cual denomina Drugos, estos son Pete, Georgie y Dim, son los cuatro y siempre se encuentran en el bar lácteo Korova, donde beben leche-plus, esta leche contiene ciertas drogas que potencian la conducta violenta de la pandilla mientras planean sus próximos delitos.
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Cansados de sus abusos, los drugos deciden tenderle una trampa a Alex, dejando que la policía lo atrape y lo lleve a la cárcel. Desesperado por salir, decide ser voluntario en un nuevo método de resocialización a delincuentes, este método consistía en presentar una serie de imágenes de ultraviolencia sin que él pudiera cerrar los ojos, generando así estímulos de dolor frente a este tipo de conductas. De ésta película tomamos los comportamientos que se dan dentro de una pandilla o un grupo de personas que se une por una misma causa. La idea de que juntos pueden generar un mayor impacto que el que podría lograr un individuo solo.
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THE WYNWOOD WALLS | EL GRAFFITI HECHO ARTE Wyndwood es el barrio de arte urbano en la ciudad de Miami. Sus grandes paredes hoy en día son un espectáculo visual fascinante para los artistas que quieran admirar y estudiar el arte de otra forma, es una gran galería al aire libre en la cual solo la imaginación y los colores son los protagonistas. El primer sábado de cada mes se hace un recorrido general donde se explica pieza por pieza y donde diferentes artistas llegan a renovar sus obras o crear algunas nuevas. En este espacio, el graffiti deja de verse como una expresión vandálica, para empezar a ser propiamente una obra digna de admirar.
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En el marco del art basel, Wyndood se convierte en una de las atracciones principales, pues para los artistas urbanos más importantes del mundo este es el lugar predilecto para exponer su talento y apreciar el de sus colegas. Wyndwood es el lugar que cambió la concepción del graffiti convirtiéndose en una de las galerías más controversiales y coloridas del mundo, donde cualquier artista puede desarrollarse sin restricciones. Está directamente conectado con el montaje ya que esta expresión artística fue la que se usó como referente principal para exponer la idea que quería plasmarse.
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MONUMENTOS VANDALIZABLES | JOSE CARLOS MARTINAT Este proyecto está conformado por estructuras que Martinat crea en MDF pintado de blanco, para esta exposición basó sus estructuras en los diseños de edificios creados por Oscar Niemeyer para la ciudad de Brasilia, relacionadas con el poder en Brasil. La intención que tiene el autor con esto, es que los espectadores sean quienes intervengan y complementen la obra, para hacer esto posible él ofrece diferentes objetos como marcadores, pintura de barril y pintura en spray. Además de esto, Martinat invitó a diferentes grupos sociales como sindicatos y
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organizaciones para que vandalizaran sus estructuras, esto con el fin de exponer toda la inconformidad social que hay contra las instituciones del Estado. Los actores se pudieron expresar de un forma libre con el objetivo de hacer ver el graffiti como medio de protesta y fuerza liberadora contra el abuso generalizado del poder. Este referente es de gran importancia ya que deja en evidencia el poder que tiene el graffiti como detonante expresivo de las frustraciones e inconformidades que pueden tener los grupos marginados dándoles así el poder de expresarse.
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REFERENTES FORMALES BORDERGATE DI TORINO | STREER ART MUSEUM BorderGate de Turín inció en 2012 el proyecto SAM, que busca mediante el arte urbano la recuperación de zonas urbanas abandonadas o degradadas. Su primera intervención fue en lo que era un zoológico municipal llamado Parco Michelotti, lugar que estaba abandonado y en ruinas. Con la ayuda de 60 artistas recuperaron el espacio, interviniendo cada lugar con los animales que allí estaban, casi haciendo un homenaje a ellos. Particularmente uno de estos trabajos nos
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llamó la atención, fue el de Mach505 y Ninja1 llamado Global Warning, donde buscan hacer consciente a los demás de la situación en los polos y su gravedad en la vida de los osos. Al igual que lo que queremos expresar en el montaje, la perspectiva que tiene el graffiti le da profundidad, y el uso de una fuente tipográfica bastante recta y clara hace que el mensaje se entienda y tenga impacto.
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FROM HERE RIGHT NOW | PANYA CLARK ESPINAL Pana Clark Espinal es una artista canadiense quien a través de sus instalaciones busca traer la intimidad del espectador mientras mira, planteando interrogantes sobre autenticidad, apropiación y reproducción.
el frente aparece distorsionada pero si es vista desde un lado vuelve a la proporción normal. El objetivo de este montaje es el de hacer reflexionar a nuestra conciencia sobre el movimiento, la transición y los espacios.
From Here Right Now fue una intervención realizada en el metro de Toronto en el 2002 donde objetos de la vida cotidiana fueron integrados en la arquitectura de las estaciones. Las imágenes fueron proyectadas digitalmente para obtener un modelado y se transfirieron finalmente en baldosa, creando una serie de imágenes alargadas y con diferentes orientaciones a través del esquinas, pisos y paredes. La distorsión visual cambia con el movimiento del espectador: si es vista desde
Este trabajo está relacionado directamente con el montaje por la manera en que las cosas se pueden distorsionar dependiendo del punto de vista en que se tomen y también por cómo la artista logra solucionar la proyección de la sombra que va extendida desde el suelo hasta la pared.
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SPRAY CAN CONCEPT | ANTONIO BRASKO Antonio Brasko es un diseñador y director de arte estadounidense que trabaja para marcas como Nike, Adidas, Dr. Martens, Intel y EA Sports, innovando, diseñando y desarrollando nuevos conceptos y experiencias para estas marcas. Es mundialmente conocido por su proyecto Brandalism, que consiste en un estudio creativo basado en el paralelo entre el graffiti y el branding corporativo. Es la extensión del “Spray Can Concept” donde plasma la esencia de marcas reconocidas mundialmente, a través del uso de sus colores
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e iconos en latas de pintura acrílica profesional Montana. Va de la mano con la aplicación de “Distorsión Mutualista” por la manera en la que el artista le da poder a las latas a través de representaciones y ayudas gráficas, clasificándolas y permitiendo una fácil identificación de cada una.
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THE GEOMETRY OF CONSCIENCE | ALFREDO JAAR El artista neoyorkino Alfred Jaar en su obra ‘The Geometry of Conscience’ hace un memorial a las víctimas del régimen militar y dictadura de Pinochet de 17 años de largo. Es instalado e inaugurado en el museo de la memoria en Santiago de Chile, ofreciendo una oportunidad íntima para los chilenos que vivieron la historia, para así conectar los puntos de una memoria colectiva que se creía enterrada. La exposición es una experiencia silenciosa que tarda tres minutos, estrecha y a la cual solo puede apreciarse con diez personas a la vez, siendo un espacio alterno y allegado para los espectadores. Al ser
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esta una exposición intrínseca y cerrada para cierta cantidad de público, logra crear misterio y comunicar uno a uno lo importante de las víctimas. En relación a la exploración de imágenes e iluminación, es una obra que juega con estos dos aspectos para lograr una composición de sombras delineadas con luz, siendo este un gran aporte para el montaje en cuanto a formalidad de un espacio como concepto.
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A LOVE LETTER TO THE CITY | STEPHEN POWERS Stephen Powers es un Artista de la ciudad de Filadelfia y a su vez es uno de los artistas urbanos más importantes de Nueva York. Su trabajo urbano se mueve entre la línea de lo legal y lo ilegal y es probablemente el artista conceptual más importante de la ciudad de en la década de los 90’s. A love letter to the city es un libro que comprende cerca de 150 obras urbanas del artista Stephen Powers. Se pueden apreciar textos que evidentemente parecen escritos de amor de un hombre a una mujer, pero realmente son las letras de amor de un artista a una ciudad. Aunque Powers no es originario de
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Nueva York, ofrece este homenaje a la ciudad que lo vio crecer como artista y que le dio la oportunidad de desarrollarse como tal. Los graffitis que se pueden apreciar en el libro son totalmente limpios y esto es lo que él también busca con esto, limpiar y expresar amor en zonas urbanas de la ciudad que están olvidadas y maltratadas. En palabras de Power, este proyecto es “una carta para alguien, con significado para todos.”.
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REFERENTES TÉCNICOS ILLUSIONS | REGINA SILVEIRA Es una artista brasileña que se caracteriza por crear espacios alrededor de la anamorfosis, mezclado con la luz y la sombra. Sus obras van dirigidas a la apreciación óptica (utilizando vinilo adhesivo) del espectador y se ven influenciadas en gran parte por la perspectiva que este tenga. Con base en el principio de la anamorfosis, deforma la imagen de acuerdo al punto de perspectiva, ubicando la imagen en un ángulo específico para poder apreciar bien la pieza. Además, la manera en que juega con la luz logra que el punto de
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atención cambie.
en
el
espacio
Para el montaje, se utilizó su concepción de la deformación de la imagen, usando un punto específico de perspectiva para que en el espacio tuviera coherencia. Además, se tomó como base técnica su propuesta de utilizar vinilo adhesivo para proyectar sombras, ya que la luz negra que se proponía no permitía la proyección de siluetas que se buscaban.
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DEPENDENCIAS | EULALIA VALLDOSERA En la exposición ‘Dependencias’ de la artista Eulalia Valldosera, se investigan aspectos entre lo material y lo inmaterial para su obra y concepto. Se crea un grupo de obras que se basan en el uso de la luz como elemento principal para exaltar y componer objetos del hogar, a través de las sombras que producen con un proyector. El resultado termina siendo instalaciones monumentales, participativas en las que el espectador hace función y parte de la obra, pasando a ser activo y complementar de igual forma la imagen final proyectada. En la obra ‘Envases’, se encuentran contenedores de jabón y productos de limpieza (los cuales son sus objetos
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lei motiv en la mayoría de sus instalaciones) son iluminados desde abajo, donde se muestra su potencial simbólico y representando de cierta manera a la mujer en una sociedad patriarcal, metaforizando la limpieza y sumisión, estos envases en el suelo se reflejan como sombras gigantes proyectadas en las paredes. Partiendo de cómo Valldosera representa y cambia la intensión de los objetos cotidianos en sus proyecciones para reflejar imágenes de personas, hace referencia a la sombra forzada que se da en el montaje. Los objetos también cotidianos tales como latas de aerosol, cajas, luces, entre otros, de cierta forma se proyectan para así mostrar otra verdad de estos en la pared.
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GRACIELA SACCO Es una artista visual y fotógrafa de nacionalidad argentina. Su trabajo se caracteriza por el uso de procesos y recursos que involucran manejo detallado de la luz para así plasmar sus conceptos basados en investigaciones prácticas y teóricas, de manera única. Para el montaje, la idea del uso de la luz como recurso principal para trazar imágenes que mostraran los conceptos fue de gran ayuda en el momento de desarrollar la idea de una proyección como foco central del concepto.
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LAND SCAPES | DAVID LACHAPELLE Land Scapes es una serie fotográfica del director y fotógrafo estadounidense David LaChapelle. El artista en esta serie creó modelos a escala de estaciones de gasolina y refinerías que fotografió con miles de luces LED. Estos modelos fueron hechos a base de cartón y materiales como latas, abrelatas, materiales reciclados entre otros productos a base del petróleo. El artista busca mostrar un paisaje no sostenible de los sistemas de producción y distribución de hoy en día. Al
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formar estos edificios y estructuras iluminados de esta manera, intenta desviar los peligros de estas refinerías. Esto hace referencia tanto a los materiales como la iluminación del montaje, ya que se quiere transmitir el espacio de trabajo y principalmente la producción de los aerosoles de los personajes a los que pertenece esta máquina hecha a base de cartón y otros objetos, iluminados de manera que muestre lo radioactivos que pueden ser estos materiales.
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SMOKE BOMB | OLAF BREUNING Artista suizo basado en Nueva York presentó su trabajo “Smoke Bomb” para la feria de arte contemporáneo Fiac, 2012. Este está compuesto por una serie de objetos que recrean espacios de trabajo en un contexto urbano donde lo que busca el artista es dejar rastro del caos que dejan estos procesos en una imagen, para de esta manera ofrecerle a los espectadores una visión del espacio detrás de escena de una producción. Es una obra cargada de la saturación y explosión de color encapsulados en el tiempo Es precisamente por esto que
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se entrelaza este proyecto con el montaje realizado. La saturación característica de los colores de los graffitis al igual que la esencia de un espacio de trabajo y de creación son ambos puntos esenciales de la propuesta, y en “Smoke Bomb” es clara una fusión entre estas 2 ideas que se tangibiliza de forma clara y que tiene un acercamiento a nivel compositivo con el montaje realizado.
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INSPIRACIONES
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CULTURE = CAPITAL | ALFREDO JAAR Alfredo Jaar, artista chileno reconocido por hacer instalaciones, fotografías, filmes e intervenciones en el espacio, examina el tema global de problemas socio políticos en sus obras. En la instalación llamada Culture = Capital, el artista busca seguir las creencias de Antonio Gramsci y Frederich Nietsche, de ver la cultura como algo fundamental para la existencia humana. De igual forma mostrar que la cultura debe mantenerse como ‘un espacio de resis-
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tencia’ el cual ‘juega un papel fundamental en nuestras vidas’. El manejo de luces en los letreros de Jaar sirven para analizar cómo un efecto de iluminación o el simple letrero realizado en tubos de luz fluorescente, cambian un espacio plano para generar expresión, impacto en las palabras y atracción visual.
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NEON SCULPTURES | IVÁN NAVARRO Iván Navarro es un artista Chileno que trabaja en la creación de espacios ficcionales utilizando la luz como medio principal. Crea puertas y composiciones geométricas de color neón, portales a otras dimensiones que enfatizan y juegan en muchas ocasiones con una palabra. Por medio de estas estructuras y el juego con la luz, logra crear espacios que interactúan naturalmente con el espectador y lo sumergen en un ambiente que evidencia el poder que tiene una palabra al ser transformada y deformada. Este trabajo per-
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mitió analizar los efectos que produce en el espacio y en el espectador resaltar una palabra que se reinterprete y por medio de juegos con luz y modificaciones con diversos materiales, logre conectarlo con unos conceptos y sensaciones específicas.
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LADDIE JOHN DILL Es un artista originaria de California, Estados Unidos. Se destaca por buscarle una alternativa a la pintura en caballete debido a la decadencia de esta, empieza a experimentar y a trabajar con materiales poco convencionales. Estos materiales incluyen elementos derivados de la tierra (arena, metal, concreto y vidrio), en unión con iluminación neón y fluorescente, convirtiéndolo así en una figura importante del movimiento de luz y espacio. En cuanto a la iluminación, se enfoca en el uso de luces de neón, en conjunto con pigmentos derivados de minera-
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les naturales, que hacen que los materiales se vean brillantes en partes estratégicas. Para el montaje se tuvo como inspiración el uso tanto de luces como de colores fluorescentes que tiene Dill. Aunque no se usaron recursos propiamente naturales, si se pensó (al igual que Dill) la ubicación de la iluminación de manera en que formaran un “equipo” y se complementaran visualmente.
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MOON FLOWER DREAM | TANYA SCHULTZ La artista australiana Tanya Schultz llamada con el nombre Pip & Pop, es conocida por crear instalaciones artísticas a base de azúcar, dulces, flores plásticas, brillantina, entre otros materiales tanto comestibles como manuales. Con estos, crea mundos surreales e instalaciones que terminan siendo efímeras. Se tuvo como inspiración esta diversidad de materiales y colores vivos usados por Pip & Pop para crear una combinación psicodélica de formas, atrayente al tacto y visualmente sugestivo para el espectador. Por otro lado,
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Schultz escoge espacios oscuros en los que pueda resaltar varios de estos materiales con luces específicas, lo cual ayudó a entender, aprovechar y distribuir el espacio oscuro establecido en el montaje.
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UNTITLED (BURRA) 2012 | JOHNATAN JONES Espacio del artista australiano Johnatan Jones, fue expuesto en la 18va Biennale de Sydney en el 2012. Esta obra visualiza la migración de temporada que hacen las anguilas a través del puerto de Sydney, es un fenómeno que se repite cada año y este acontecimiento marca una transición importante en el calendario. La pretensión de Jones con esta instalación, es mostrar mediante luces, el registro de las marcas que dejan las anguilas para así reconectar
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a los observadores con el conocimiento local. En el montaje, sirvió como inspiración el uso de la luz como marca de una “secuencia” visual, que es necesaria para entender y apreciar adecuadamente el espacio como un conjunto.
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BRUCE NAUMAN Es un artista norteamericano que basa sus obras en cuestionar la relación entre lenguaje y percepción. Para el desarrollo de sus exposiciones siempre se preocupa por crear un lenguaje propio para que nunca se agote, teniendo así diversas formas de experimentación. Para la creación de este lenguaje combina en sus proyectos figuras corporales y palabras, donde el cuerpo es el medio y las palabras interpretadas el complemento. Pero fue solo hasta los 80’s cuando incorpora las palabras, donde aprovecha para exponer una crítica social y política con mensaje simples, irónicos y ambiguos. En esta misma época incluye en sus obras la luz neón, generando figuras y textos que ponen en evidencia las contradicciones de la condición humana 66|
y del mundo que se ha construido. Por lo general, sus obras suelen estar expuestas a modo de reclamo como medio luminoso publicitario, lo cual lo hace llamativo, evocativo e, incluso, con un toque sexual al recordar las luminarias de los centros nocturnos. Este tipo de choque emocional y conceptual es un tema constante en la obra de Nauman. El concepto de palabra dentro de una instalación que complementa una puesta en escena, no siempre es clara. Al igual que en el montaje, se busca que el espectador busque diferentes supuestos que le ayuden a descifrar lo que se quiere mostrar. Además el juego de luces neón dentro de espacios oscuros funciona como inspiración tanto en color e iluminación como en composición.
None Sing Neon Sign
Malice
Floating Room
Mindfuck
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SONIDO INTRO PASS THE MIC
(2009 DIGITAL REMASTER; PART 2, SKILLS TO PAY THE BILLS)
BEASTIE BOYS
La máquina creada era la evidencia de la producción de los aerosoles de los héroes callejeros. Es por esto, que hay una mezcla de sonidos tanto de laboratorio químico, como de ambiente callejero propios de un espacio de la producción de herramientas de la liga. Partiendo de estos sonidos, se tuvo en cuenta el trabajo producido por Adam Yauch para un mix digital de los Beatie Boys llamado Pass The Mic (2009 Digital Remaster; Part 2, Skills To Pay The Bills), ejecutado en los Osciloscope Laboratories Studios. En este, se revelan ciertos sonidos experimentales que se fusionan con sus voces y cantos, todo esto es propio de un ambiente retorcido en el que se buscaba introducir al espectador 68|
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MOODBOARD
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MOODBOARD ESTÉTICO Este moodboard es la combinación de elementos gráficos, texturas y paleta de colores que inspiraron la realización del montaje. Los elementos principalmente utilizados son la textura del espacio, colores neón que están presentes en los graffitis y la imagen de un laboratorio que muestra un espacio de trabajo y de creación. Se logra llegar así a dar la sensación de un espacio intergaláctico que en su composición cree la sensación de un ambiente callejero, logrando que el espectador se sienta rodeado por el espacio de trabajo que tendría un héroe del hip hop.
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MOODBOARD CONCEPTUAL
Este moodboard es la recopilación de los aspectos formales que fueron utilizados en el montaje y principalmente en la creación de los conceptos abstraídos para la realización del mismo.
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Es por esto que las imágenes presentes son las inspiraciones principales de la aplicación realizada, Distorsión Mutualista. Hay una tensión constante entre las imágenes; el graffiti callejero de Nueva York en la época de los 80s contrastado con el icónico arte Kaiju característico de la cultura Japonesa de la época, el hip hop que nace en el Bronx y Harlem. el cual defendía a los afroamericanos y por su parte los supervillanos y la liga de la injusticia que representaban el poder de las minorías sobre las mayorías. Esto nos lleva al análisis de los puntos de vista y como estos se distorsionan dependiendo de quién es el observador, y esto es lo que denota este moodboard.
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PROCESO
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1. INVESTIGACIÓN
Inicialmente se realizó una búsqueda basada en el concepto dado de Liga de la Injusticia, donde exploramos el mundo de los cómics entendiendo tanto a super héroes como a super villanos, sus relaciones y el porqué de su existencia. Entender que son necesarios y que solos no podrían desarrollarse. Además, entendimos el concepto de liga y el cómo un grupo es más poderoso que un individuo.
2. UNIÓN DE CONCEPTOS
Luego de esto, comenzamos a relacionar los conceptos y definiciones encontradas en la investigación con el concepto y la definición previa del video. En este momento, sesgamos nuestra información relacionándola al contexto que nos interesaba y entendiendo cómo traducir este universo de superhéroes dentro del universo del hip-hop y Nueva York.
3. CONCEPTO
Al entender esto, y tener claro cuáles eran los puntos claves en cada tema, desarrollamos nuestro concepto iniciando en imágenes y moodboards para luego llevarlo a las palabras y al universo de lo poético. Entendiendo nuestro concepto como Distorsión Mutualista.
4. LLUVIA DE IDEAS
Al tener el concepto claro, entendimos que lo que debíamos crear era un espacio, por lo que comenzamos con una lluvia de idea la cual constaba de elementos y escenarios. Para visualizar estas ideas, se hicieron bocetos, de los cuales se unieron diferentes aspectos de cada uno para llegar a un todo final.
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5. IDEA
Al escoger qué elementos queríamos y considerábamos pertinentes comenzamos a pensar un espacio que los reuniera y transmite la sensación deseada.
6. MAQUETACIÓN
Según la bocetación de las maquetas realizadas, entendimos el espacio y las dimensiones de éste para poder ejecutar la idea final. Al tener las ideas plasmadas en un formato pequeño decidimos qué aspectos, materiales, formas y tamaños cuadraba mejor en el espacio escogido.
7. BUSQUEDA NUEVAS IDEAS
Luego de entender, ver inspiraciones y tomar de base referentes tanto formales como técnicos, buscamos nuevas ideas de intervenciones del espacio para así tomar la decisión final de cómo adaptar nuestro concepto a un espacio.
8. IDEA FINAL
Finalmente, luego de tener tres ideas de materialización de nuestro concepto, llegamos a la idea que mejor plasmaba la idea en el montaje. Esta propuesta se probo por medio de bocetacion e inspiración de unos referentes para lograr definir la organización de los objetos y materiales. 79|
9. VISUALIZACIÓN DEL ESPACIO
10. BUSQUEDA DE MATERIALES
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El salón asignado para el montaje fue el S1-105. Este, es un salón amplio casi cuadrado. Cuenta con gran iluminación debido a las muchas y grandes ventanas que tiene. Además cuenta con una altura considerable. El piso es de cemento y las paredes inmediatas son tableros acrílicos. El salón estuvo compartido con otro grupo, por lo tanto era la mitad para el montaje de Beastie Boys. Debido a esto, en equipo con el otro grupo, se oscureció todo el lugar, para poder jugar con las iluminación. Por otro lado, se tenía un espacio máximo para realizar el montaje, por lo cual se decidió realizar la instalación a la mitad de una pared y de manera alargada intentando también simular la idea de callejón con un gran mural, pero sin tener que cerrarlo. Tomando como inspiración la estética Low-tech extraída del vídeo de intergalactic, se decidió hacer toda la parte de la máquina de aerosoles de esta misma manera. Para esto se utilizó cartulina, cartones, mangueras y tubos baratos de sistema de agua, todo pintado con color plateado para darle un mejor “acabado”, pero con la intención de que se viera como algo muy elaborado a mano pues soporta la idea del superhéroe de la calle que no cuenta con muchos recursos pero se las arregla con lo que tiene. La pared fue recubierta con papel blanco con las intenciones de que este reflejara parte de la luz que tenía la máquina y que dejara apreciar en su totalidad el vinilo que tenía
pegado. En cuanto al vinilo, fue elegido negro debido a que al estar pegado se veía más ligado a la pared y al piso, y generaba adecuadamente la simulación de sombra que se buscaba que tuviera y porque. Las pinturas neón y la iluminación neón/negra, fueron escogidas ya que se complementaban entre sí para generar la sensación de radioactividad y sustancias clandestinas pero poderosas, manipuladas por el personaje.
11. ILUMINACIÓN
Las pinturas neón y la iluminación neón/negra, fueron escogidas ya que se complementaban entre sí para generar la sensación de radioactividad y sustancias clandestinas pero poderosas, manipuladas por el personaje.
12. MÁQUINA
Tomando como inspiración la estética Low-tech extraída del vídeo de intergalactic, se decidió hacer toda la parte de la máquina de aerosoles de esta misma manera. Para esto se utilizó cartulina, cartones, mangueras y tubos baratos de sistema de agua, todo pintado con color plateado para darle un mejor “acabado”, pero con la intención de que se viera como algo muy elaborado a mano pues soporta la idea del superhéroe de la calle que no cuenta con muchos recursos pero se las arregla con lo que tiene.
13. SOMBRA
En cuanto al vinilo, fue elegido negro debido a que al estar pegado se veía más ligado a la pared y al piso, y generaba adecuadamente la simulación de sombra que se buscaba que tuviera y porque. 81|
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PHOTOSHOOT
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Link Video: https://youtu.be/9K49sxC7Tvk
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CONCLUSIONES
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CONCLUSIÓN
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REVERSA DE VIDEO
A partir de la unión entre la exposición del espacio urbano con la idea de un ser monstruoso gigante, es como los Beastie Boys logran distinguirse con su video Intergalactic dentro del contexto del hip hop en los 80s. Esto lo logran mediante la estética low tech, que al mismo tiempo se une con la idea de ridiculizar y parodiar los contextos en los que estaban inmersos. Así, por una parte están los escenarios y locaciones en Tokio que fueron elegidos para hacer alusión a Nueva York y su grandeza como metrópoli. Por otra parte, la parodia a elementos culturales de japón como el super sentai y el género kaiju están presentes a lo largo del este.
La reversa del video permitió abstraer los elementos constitutivos y fundamentales de este. Es por esto que se habla de la ironía y la arrogancia como los elementos base que lo caracterizan. De esta manera es como se desarrolla la narrativa de unos monstruos que combaten a otros que aun siendo ajenos, terminan por ser esencialmente cercanos. Basado en el estética Low Tech, esta narrativa quiere enfatizar su contenido interpretativo y no ser una distracción visual que desvíe la atención del espectador de lo que es realmente expuesto. En este sentido, lo que se busca no es mostrar la realidad de los conceptos sino en trasfondo de estos. Finalmente la unión entre las visiones anteriormente mencionadas, termina por producir un universo de enlaces contrastados y de mundos paralelos que al encontrarse exploran la percepción y la perspectiva de este imaginar95| io estético.
CONCLUSIÓN 96|
DISTORSIÓN MUTUALISTA
La idea de distorsión y las múltiples interpretaciones que pueden llegar a tener las diferentes acciones son los aspectos más influyentes en la percepción humana. Es necesario contemplar las múltiples facetas del entendimiento humano para comprender la diversidad en las apreciaciones. Existen atributos propios de cada uno que permiten establecer discursos de valor con los cuales se defienden los ideales correctos desde cada punto de vista. La idea de justicia es subjetiva y manipulable, es por esto que lo que para unos es correcto para otros solo es la manifestación de todo aquello que rechazan. Sin embargo es posible encontrar una necesidad constante entre estas
fuerzas ; lo justo y lo injusto, el bien y el mal, dependen uno del otro para poder ser y expresar en totalidad su naturaleza. Mediante la materialización de esta relación, surge la idea de un ambiente y espacio en el cual los ideales que pareciendo injustos para la sociedad, se muestran de tal forma que defiendan a las minorías adquiriendo así un valor único que permite diversas concepciones. Es la unión entre estos mundos paralelos, la coexistencia entre ideales y la relevancia que adquieren los valores marginales lo que construye el concepto de distorsión mutualista.
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BIBLIOGRAFÍA
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Dani el a Ba e n a Mari a Pa ul a B a r r e r a Alej an dr a L e a l Jenn if er P i n t o Mari a Co nc h i t a R o z o