Digital Analogy 2014: Pioneers of New Media by Grey Cube Projects

Analogía Digital Digital Analogy

Pioneros de Nuevos Medios

Exhibición y encuentro mediático MAC (Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá) Del 8 al de 28 de Febrero del 2014

Rector General Corporación Universitaria Minuto de Dios Principal Minuto de Dios University Corporation Dr. Leonidas López Herrán Rector Sede Principal Principal Headquarters P. Harold Castilla Devoz, cjm Director Museo de Arte Contemporáneo Conteporary Art Museum Director Gustavo Ortiz Serrano Coordinador Curaduría y Colecciones Curatial and Collections Coordinator Santiago Rodríguez Ortiz

Pioneers of New media Exhibition and media encounter MAC (Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá) From 8th to the 28th of February 2014

Coordinador Administrativo Administrative coordinator Fabiola Duarte Secretaria Secretary Yuli Marcela Vargas Curador invitado Guest curator John Angel Rodríguez Diseño y Diagramación Graphic design Martha Carrizosa

Investigador de la Colección Collection Researcher Juan David Quintero Arbeláez

Carátula fragmento de la obra Cover artwork by Alberto Lezaca De Paz

Coordinador de Comunicaciones Communications Manager Alejandro Triana Laverde

Impresión Print Naranjo Comunicación Gráfica SAS

ISSN: 1909-3543

John Ángel Rodríguez, es egresado de artes plásticas y visuales de la Uni-

versidad Distrital de Bogotá, 2004. Becario de Colfuturo para estudios de curaduría de nuevos medios en la Universidad de Westminster, 2010. Dentro su trabajo curatorial se destacan :”equilibrio” 2007, “art acelerating art” 2009, “cities on the edge” 2013, “Vanishing points” 2014, “digital analogy” 2014. Vive y trabaja entre Londres y Bogotá.

John Angel Rodriguez, MA Art and Media Practice University of Westminster, 2011. BA District University of Bogota Francisco Jose de Caldas, 2004. Colfuturo Fellowship at the University of Westminster, 2010. Principal curatorial projects are: “Balance” 2007, “art acelerating art” 2009, “Cities on the edge” 2013, “Vanishing points” 2014, “Digital analogy” 2014. Lives and works between London and Bogota.

ANALOGÍA DIGITAL

Analogía Digital: Pioneros de Nuevos Medios- es una exposición que aborda las prácticas artísticasque han influenciado las formas de creación e interacción en el territorio del New Media Art. Los artistas que hacen parte de esta exhibición han sido pioneros de algunos de los discursos e innovaciones en este espectro de la creatividad; las investigaciones que han adelantado este grupo de artistas pueden ser comprendidas como las bases constituyentes y referentes conceptuales del arte Electrónico-Digital. Para evidenciar estas relaciones conceptuales entre arte y tecnología; la exhibición explora los discursos artísticos que fusionan el saber científico y el rol de la informática desde una plataforma filosófica. En esta exhibición se entiende como “Mediático”: La elaboración de pensamientoapropiando dispositivos electrónicos- con la finalidad de generar una aptitud revolucionaria e innovadora. Por ejemplo el concepto de la “Telemática” propuesto por el maestro británico Roy Ascott, sus teorías han sido fuente de inspiración para la creación de algunos de los dispositivos de comunicación móvil y el desarrollo de las redes de interacción virtual que nos rodean en el presente; otro ejemplo es la obra de Casey Reas que mediante software ha generado distintas interacciones intuitivas, similares a los gestos que encontramos en los dispositivos móviles. En el mundo contemporáneo los códigos y diagramas hacen parte de las formas más avanzada para trabajar e interactuar con otras comunidades. Por esta razón en esta exhibición el leguaje de programación es analizado mediante reflexiones filosóficas. Para este fin las obras instaladas son de formato análogo, por lo tanto la intervención de la tecnología esta presente mediante una escritura abierta de software y diagramas visuales. Transitar estos planteamientos filosóficos e incorporaciones tecno-científicas en el ámbito del arte nos permitirá comprender, tanto su lógica intencional como el origen de estos conceptos. Esta exhibición se caracteriza por presentar video instalaciones, mapeos y obras de intervención específica al espacio arquitectónico en donde la muestra es presentada, con esta iniciativa se pretende repensar el concepto de “site specific installation”; Analogía Digital es una exhibición que nos permitirá observar de cerca las estructuras conceptuales de estas obras, por lo tanto el programa académico de la exhibición aborda las investigaciones teóricas de estos creadores de una forma participativa. Involucrado al publico a través de charlas y talleres ejecutados por los artistas internacionales invitados Es así como esta exhibición examina los antecedentes de las artes electrónicas y digitales, ofreciendo a la audiencia Bogotana la obra de los precursores del New Media Art, termino que a su vez esta mediado por los flujos de información y sus subsecuentes hibridaciones informáticas.

Exhibición y Artistas Hoy en día podríamos pensar que la mejor manera de expresar una idea, más que a partir de la palabra, es incorporar estrategias de presentación audio visual y es en este espectro donde el intercambio de contenido utilizando interactividad en tiempo real, permite que un mensaje sea ampliamente distribuido. Este proceso es una forma de pensar fuertemente mediada por las interacciones e impulsos electrónicos, esta acción ha ocasionado que los procesos de comunicación, se establezcan desde una estructura interdisciplinar, la cual se caracteriza por incluir la telemática y el lenguaje de programación. Para expresar las relaciones entre arte electrónico, arte digital y arte textual, como las formas antecesoras e influénciales del arte de Nuevos Medios; la exposición incluye los siguientes artistas:

Artistas internacionales: Roy Ascott (Inglaterra) ///// Precursor de la Telemática Jorn Ebner (Germany) ///// Dibujo Mediático Michael Kargl (Austria) ////// Instalaciones análogas y digitales

Artistas Colombianos: Alberto Lezaca // Video instalación David Peña // Instalación Carlos Franklin // Video instalación

s[edition] Casey Reas (Austria) // Creador del software Processing MIT Jake & Dinos Chapman Mat Collishaw Damien Hirst Doug Foster Jenny Holzer Ruoji Ikeda Aaron Koblin Tim Noble & Sue Webster Angelo Plessas Matt Pyke Bill Viola AES+F Casey Reas Memo Akten

DIGITAL ANALOGY

Pioneros del New media /// Pioneers of New media Curated by: John Angel Rodriguez Digital Analogy is an exhibition that addresses the computer code from an artistic approach. The artists who are taking part in this exhibition have pioneered a number of processes and innovations that we regularly use to communicate, research and share our concerns. Their ideas also have influenced the creation of the interactive interfaces that nowadays are crucial components for our performance. Given the fact that at the time this group of creators came up with these kind of electronic artworks, what we recognise as digital art did not exist. Approximately four decades ago we had the ideas and philosophical frameworks to develop the complex platforms that we have integrated within the diverse range of social networks, but it was thanks to the contributions of these artists to the art community, that their concepts and explorations became the constituent bases of what nowadays is understood as New Media Art. This exhibition explores different discourses such as the artistic, social and computer science to understand the evolution of New Media Art. Looking at these approaches will help us to comprehend some of the philosophical and technological additions, which were brought to the field of art, and subsequently this methodology will enable us to seize the intentional origins of these concepts. For instance thanks to the revolutionary and innovative thinking of pioneers like British Professor Roy Ascot whose theories about “Telematics”, it made possible the foundation of such important developments as mobile communication. Also artists like Casey Reas co-creator of Processing that is a programming language, development environment, and online community. Therefore scrutinizing closely these terms trough site specific installations will enable viewers to get familiarise with the origins of some of the intuitive devices that surround us nowadays. This exhibition is characterized by the incorporation of video installations, mapping projections and site-specific interventions; this exhibition layout seeks to rethink concepts such as “progress and development”. For this reason this exhibition examines some specific artworks of electronic arts, in the same way as this group of creations will illustrate a fragment of the history of electronic and digital arts, and this initiative will provide Bogotá’s audience the outstanding works of the pioneers of New Media, a term that in turn is mediated by the flow of information and its subsequent computer hybridization. Digital Analogy is an exhibition that will allow us to examine closely the formal structures of these works and also aims to generate dialogue concerning the researches that these theories have arisen. In this exhibition the innovation comes from philosophical interpretations of technology and programming codes are seeing as poetical resources rather than being seen only as a practical tools; which in the contemporary world are part of the most advanced forms to distribute knowledge. Working and interacting with other communities has become one of the most important channels to generate knowledge transfer, thus inviting artist who have been working on the foundational bases of these subjects it might allow us to appreciate the backend of New Media Art.

Invited artists: Roy Ascott (UK) ///// Artist and theorist Jorn Ebner (Germany) ///// Digital drawings Michael Kargl (Austria) ////// Site-specific installations David Peña ///// (CO) Artist Alberto Lezaca ///// (CO) Artist and Lecturer Carlos Franklin ///// (CO) Artist

s[edition] Jake & Dinos Chapman (UK) ///// Artists Mat Collishaw (UK) ///// Artist Damien Hisrt (UK) ///// Artist Doug Foster (UK) ///// Artist Jenny Holzer (USA) ///// Artist Ryoji Ikeda (JP) ///// Artist Aaron Koblin (USA) ///// Artist and Visualizer Tim Noble & Sue Webster (UK) ///// Artists Angelo Plessas (IT) ///// Artist Matt Pyke (UK) ///// Artist Bill Viola (USA) ///// Artist AES+F (RUS) ///// Artist Casey Reas (USA) ///// Artist Memo Akten (TK) ///// Artist, musician and engineer

S[EDITION]

S[edition] es la plataforma online líder en el mundo en la que se exhiben la obra de los artistas y se vender su arte en formato digital para pantalla y los dispositivos conectados a la red. S[edition] ofrece a todos una manera fácil, divertida y social para experimentar el coleccionismo de arte a precios asequibles. La compañía fue fundada por Harry Blain el director de la galería de arte Blain|Southern. La misión de la S[edition] es cambiar el mundo del arte haciendo el arte asequible y accesible para todos. La S[edition] es pionera en una nueva forma de entender el concepto de coleccionar obras de arte, mediante del uso de dispositivos móviles y pantallas inteligentes. Por lo tanto, la gente tendrá la oportunidad de adquirir obras de arte en un formato digital. El aspecto interesante de esta plataforma es que en lugar de crear una versión digital de una obra de arte física, el artista es invitado para generar una pieza digital, en esta dinámica de intercambios el coleccionista se convierte en un usuario. Este proceso no sólo cambia la forma en que el arte se aprecia en términos de visualización, también cambia la concepción de la temporalidad y la materialidad de una obra de arte. El Usuario / colector consigue una pieza virtual que para ser apreciada depende de la interconectividad de una gama variada de fuentes digitales para verificar u autenticidad: la plataforma de S[edition], el dispositivo de visualización y el código que certifica la autenticidad de la obra . S[edition] ha sido invitado como una plataforma de arte que invita a los espectadores de la exhibición a convertirse en coleccionistas de arte, de esta forma los usuarios ahora pueden obtener el derecho de conservar obras de arte más allá de su materialidad y de los elevados precios de la as casas de subastas.

Sedition is the world’s leading online platform where artists display and sell their art in digital format for connected screens and devices. Sedition offers everyone an easy, enjoyable and social way to experience art collecting at affordable prices. The company was founded by Harry Blain, the owner of Blain|Southern. The mission of Sedition is to change the art world by making art affordable and universally accessible. Sedition is pioneering a new way of understanding the concept for collecting art, through the usage of mobile devices and smart screens. Therefore people will have the opportunity to acquire artworks in a digital format. The interesting aspect of this platform is that instead of creating a digital version of a physical artwork, the artist on Sedition have been invited to generate a digital piece, in this dynamic of exchanges the collector becomes an user. This process changes not only the way in which art is appreciated in terms of display, also shifts the conception of temporality and materiality of an artwork. The User/collector gets a virtual piece that to be appreciated relies on the interconnectivity of a vary range of digital sources, Sedition platform, the display device and the code that certificates the authenticity of the artwork. Sedition has been invited as a platform that encourage people to become art collectors, obtaining not only the digital artwork through the purchase of the artwork, in this form the users get the right to keep artwork beyond its materiality. http://www.seditionart.com/

Tecnología, Ciencia y Estética

Technology, Science, Aesthetics

Pensamos a menudo que la relación entre la tecnología, la ciencia y la estética es reciente, hasta casi la limitamos a las últimas décadas del siglo XX e inicios del siglo XXI; es una apreciación es limitada e incompleta relacionada con la fuerte mediación y difusión de mensajes ampliamente distribuidos por la corriente de información en la que estamos inmersos. La realidad, y lo confirma la curaduría Analogía Digital, es que tanto el lenguaje binario, la programación, el intercambio de contenidos junto con el componente estético se vienen dando en el comportamiento y comunicación humanas desde hace varios siglos; sus procesos han creado civilizaciones, abierto rutas comerciales, conquistado territorios inimaginados y han complejizado el conocimiento. Vivimos con el afán de lo nuevo en cualquiera de los campos: la comunicación, la educación, la moda, el transporte, la tecnología, el arte, la administración, la economía; este afán puede enceguecernos, parcializar nuestras opiniones y sesgar nuestro criterio, lo cierto es que estamos en una época de constantes cambios donde una capa se superpone rápidamente a la otra, un descubrimiento opaca avances que tardaron siglos o una conducta cambia radicalmente la forma de acercarse a la realidad. Esto, lo llamamos contemporaneidad o posmodernidad y una de sus características es la incertidumbre, ya que ante la avalancha de transformaciones a todo nivel no queda mas actitud que lo incierto. Otro de los signos de la posmodernidad es el auge del lenguaje audiovisual soportado por las plataformas de distribución de medios (streaming) que generan interactividad en tiempo real a la vez que establecen una estructura interdisciplinar donde se congregan los lenguajes verbales, visuales, acústicos, informáticos y sociales. El Museo de Arte Contemporáneo se complace en presentar Analogía Digital, Pioneros de los nuevos medios donde se abordan las prácticas artísticas que han influenciado la creación e interacción de los lenguajes contemporáneos desde la perspectiva filosófica, mediática, informática y estética.

We often think that the relationship between technology, science and aesthetics is recent, almost to the limit in the last decades of the twentieth century and early twenty-first century is a limited and incomplete assessment is related to the strong mediation and dissemination of messages widely distributed by the flow of information in which we are immersed. The reality , and confirms the Digital analogy curated project, is that both the binary language, programming, content sharing with the aesthetic component have been evolving in human behavior and communication for centuries, civilizations have created processes, open trade routes, unimagined territories conquered and have more complex knowledge. We live with the desire of the new in any of the fields: communication, education, fashion, transportation, technology, the arts, administration, economy, and this desire can blind us, parcel our opinions and skew our criteria, the truth is that we are in an era of constant change quickly where a layer overlaps the other an opaque discovery advances that took centuries or behavior radically changes the way you approach reality. This, we call contemporary or post-modern and one of its features is the uncertainty as to the avalanche of changes at all levels is no more uncertain attitude. Another sign of the rise of postmodernism is the language supported by the audiovisual media distribution platforms (streaming) which generate real interactivity while establishing an interdisciplinary structure where the verbal, visual, acoustic, programming and social congregate languages. The Museum of Contemporary Art is pleased to present Digital Analogy, pioneers of new media where artistic practices that have influenced the creation and interaction of contemporary languages from the philosophical, media, information technology and aesthetic perspective are discussed.

GUSTAVO A. ORTIZ SERRANO Director Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá

GUSTAVO A. ORTIZ SERRANO Director Museun of Contemporary Art Bogota

ROY ASCOTT

Tablero Negro Tiza, madera y marco Dimensiones variables 1966

Blackboard Notes Chalk, wood and frame Variables Dimension 1966

EXPOSITOR MAC Durante los últimos 50 años, Roy Ascott se ha dedicado a efectuar una forma de arte mediada por el intercambio y la interacción. Él ve la tecnología como una herramienta para otras actividades, que exploran la conciencia y la “espiritualidad” de la conectividad . Su uso creativo de las redes de telecomunicaciones, se adelantó a los cambios tecnológicos en el arte y la sociedad. En 1983, un año antes de la aparición de Internet , Ascott presenta ‘La Plissure du Texte (A Planetary Fairy Tale)’, una colaboración textual con artistas internacionales - la exposición incluyo una versión actualizada, de Second Life. En 1986, junto con Don Foresta y Tom Sherman, Ascott introdujo por primera vez la tecnología de la red en la Bienal de Venecia, con artistas de 3 continentes que interactuaron a través de redes informáticas, videotexto , televisión de barrido lento y fax. Ascott siempre ha estado adelante de su tiempo y en este momento de crisis en la educación artística, cambios generalizados en el sector de las artes y nuestra cultura móvil contemporáneo, su obra parece más sensible que nunca y exige mayor atención .

For the last 50 years Roy Ascott has been envisaging a mediated form of art governed by exchange and interaction. He sees technology as a tool for other activities that explore consciousness and the ‘spirituality’ of connectivity. His creative use of telecommunication networks preempted technological changes in art and society. In 1983, years before the rise of Internet, Ascott presented ‘La Plissure du Texte (A Planetary Fairy Tale)’, seminal international text collaboration between artists- the exhibition includes an updated version, set in Second Life. In 1986, alongside Don Foresta and Tom Sherman, Ascott first brought network technology to the Venice Biennale with artists from 3 continents interacting through computer networks, videotex, slowscan TV and fax. Ascott has always been ahead of his time, and at this point of crisis in art education, widespread changes in the arts sector and our contemporary mobile culture, his work appears more sentient than ever and demands closer attention.

EXPOSITOR MAC

JORN EBNER

La obra de Jorn provienen de una selección de 10 dibujos electrónicos para un libro de artista, que fue comisionado junto con dos ensayos por el Dr. Ian Thompson y el Dr. Ralf Adelmann, acerca de la estructura del paisaje. Jorn en su obras “Internet escapes” explora las posibilidades del diseño, de los principios del dibujo: la interpretación de la línea, el punto y el plano, en el contexto de las artes digitales, donde estos elementos se configuran a partir de la resolución de una obra costruída con píxeles y cómo esta configuración puede establecer una relación entre el número de píxeles por pulgada y las dimensiones conceptuales frente al procedimiento del dibujo.

Internet-escape 06 Impresión Láser sobre papel 460 mm x 240 mm 2006

A selection of 10 electronic drawings for artist book with two essays commissioned by Dr. Ian Thompson and Dr. Ralf Adelmann about the structure of the landscape, Jorn Internet-escapes explores the possibilities of media design, interpretation of the line, the point and the plane in the context of digital arts, where these elements are configured from the pixel work’s resolution and how this can be set from the number of pixels per inch to the conceptual dimensions versus procedure in respect of the drawing.

Internet-escape 06 Laser print on paper 460 mm x 240 mm 2006

MICHAEL KARGL

On Translation Instalación Medios mixtos 2008-2010

On Translation Installation Mixed Media 2008-2010

EXPOSITOR MAC

Todos los días tenemos que tomar decisiones. Se trata de decisiones entre la afirmación y la negación, entre el sí y el no, entre 1 y 0. El camino es largo, que finalmente conduce a la traducción de un texto y esto a un nuevo destino. No es obvio que cada entidad lingüística y cada categoría específica de un objeto suscite un cambio de sentido en relación con la interpretación, en el nuevo contexto y la recepción renovada. El rendimiento en la traducción (2008 / 09) visualiza los procesos de múltiples capas de la traducción como un campo de acción que oscila entre la traducción de la palabra por la palabra y la libertad de interpretación, entre la mera transcripción y la expansión contextual . Durante la exhibición de esta instalación un programa de ordenador traduce un pasaje del texto de Walter Benjamin “La tarea del traductor” esta traducción es visualizada en código ASCII-código binario- este código se traducir posteriormente. La transcripción de un sistema de signos a otro, en donde el sistema es universal los códigos de programación, no dependen exclusivamente de un idioma, a su vez esta traducción código binario es interrumpida por medio de un sistema que incorpora la aleatoriedad. El azar, el libre albedrío y la interpretación son parte del proceso de traducción y con esta instalación son acoplados directamente y el espectador se convierte en el traductor.

Every day we have to make decisions. These are decisions between affirmation and negation, between yes and no, between 1 and 0. The path is a long one that finally leads a translation of a text to its new destination. There it becomes obvious that every linguistic entity and every specific category undergoes a change in meaning regarding the interpretation within the new context and the renewed reception. The performance on translation (2008/09) visualizes the multilayered processes of translation as a field of action oscillating between word-by-word translation and the freedom of interpretation, between mere transcription and contextual expansion. During the performance a computer program was written that translates a passage from Walter Benjamin’s text “The task of a translator” from ASCIIcode to binary code, just to retranslate it subsequently. The transcription from one sign system to the other, however, from one language to another is interrupted by means of a built in randomness. Randomness, the free will and interpretation are part of the process of translation and by this directly coupled to the person of the translator. Above that, the videodocumentation shows a reflexion on translation - and becomes by this a translation itself.

EXPOSITOR MAC

DAVID PEÑA

David esta presentando una obra nueva, la cual deambula entre los procesos de intercambio y conversión de códigos preceptúales, para conseguir este objetivo ha convertido cada cuadro de una película a través del uso de un programa, que reduce el color promedio de cada cuadro, posteriormente esta conversión se proyecta sobre las paredes de una habitación vacía a través de un conjunto de luces de colores similares a los utilizados en los espectáculos de luces (DMX controlador de protocolo RGB). Estas luces tienen la capacidad de reproducir millones de diferentes colores y varían a un ritmo de color suficiente para proyectar todos y cada uno de los fotogramas de la película, manteniendo su sincronía con el sonido original, el audio de la película que se emite desde un amplificador. Este proceso de reducción resta gran parte del contenido, mientras que la dimensión de la energía se conserva (lo que va a ser reproducida en la sala, es el efecto que causa la distancia similar al efecto ocasionado cuando se ver a través de las ventanas de una sala en la que alguien está viendo la televisión).

David has converted each frame of the film through the usage of a program that reduces average color of each frame, subsequently this conversion will be projected onto the walls of a empty room through a set of colored lights similar to those used in shows (DMX controllable RGB floods protocol). These lights have the ability to play millions of different colors and vary at a rate of average color sufficient to project all and each of the frames of the film, keeping its sync with the original sound, which is emitted from an amplifier.

Sin título Instalación DMX controlador protocolo RGB 2014

No Title Installation DMX controllable RGB floods protocol 2014

This reduction process subtracts much of the content while the energy dimension is preserved (what is going to be reproduced in the room, is the effect that causes the distance similar to the effect occasioned while seeing through a windows room where someone is watching TV).

ALBERTO LEZACA DE PAZ

EXPOSITOR MAC

La instalación que Alberto está exhibiendo en esta exposición es configurada mediante del uso de proyecciones de vídeo, objetos pictóricos y escultóricos. Esta forma de configurar el espacio tiene como objeto desarticular el entorno arquitectónico. Para desarrollar este trabajo y logra este efecto en el espectador, Alberto hace alusión a los aspectos formales de la escultura geométrica. En esta instalación, Alberto está presentando un conjunto de modelos que le denomina micro pinturas, las cuales son acompañadas de proyecciones de video de gran formato en donde el zapping invade le espacio ocasionando una desbalanceada y aleatoria atmosfera, todo esto con el objetivo de romper la normalización del espacio, mientras que contradice lo que estamos acostumbrados a ver en una obra de arte geométrico.

Escultura involuntaria constante Video instalación 2014

Constant involuntary Sculpture Video installation 2014

El resultado es una obra que propone dentro de sí misma-un camino de percepción a referencias inusuales, esta dinámica le permite al espectador un escape a su cotidianidad. Esta ruptura es posible mediante la desarticulación de los códigos formales y espaciales de la experiencia preceptiva. En ese instante emerge un proceso de relaciones involuntarias, en el sentido que el espectador es inmerso en una configuración que esta concebida para invitar a repensar la tradición de la abstracción artística.

The installation that Alberto is displaying at the exhibition space will be operated through the usage of video projections, pictorial and sculptural objects this aims to disarticulate the architectural environment. To develop this work, he takes as a starting point the formal aspects of geometric sculpture. Alberto is presenting a set of micro models, large format paintings and video projections, all this with the objective of breaking the space normalization while contradicting what we are accustomed to see. The result is a work that proposes within itself- a perception path for escape- providing to the viewer unusual references whereas making formal and spatial codes a new form to explore the tradition of the artistic abstraction.

EXPOSITOR MAC

CARLOS FRANKLIN & ROQUE RIVAS

A través del estudio de Rem Koolhaas y de otros textos de este teórico de la arquitectura, después de haber realizado las investigaciones de referencia en la música y archivos, así como otros registros. Un músico y un artista visual han sido capaces de desarrollar una video instalación en donde cambio de forma es una prevalente. De esta manera sus conocimientos artísticos funcionan como contribuciones complementarias. Derivando un conjunto de palabras que hablan acerca de los medios de comunicación y los universos personales. Esta narrativa visual permite elaborar una performance audiovisual, esta obra fue un concierto y en esta exhibición se exhibirá la versión de video que acompaño este concierto. Esta obra mezcla la música electroacústica, el video, la arquitectura y la voz. Estos elementos reconstruyen nociones tales como: la coincidencia, la mezcla, la variedad y la acumulación. En Mutaciones de la Materia se pueden encontrar fragmentos de vivencia de la ciudad de Nueva York. El espectador deambula por una ciudad - ya imaginaria gracias a una espacialización sonora, que ofrece un testimonio de la profundidad y de los viajes urbanos de estos dos artistas. Esta instalación es presentada en una edición visual a dos pantallas, donde la verticalidad se impone y de vez en cuando, la anamorfosis se oponen al mismo contenido visual.

Mutations of Matter Original version for concert Installation version also available Video vertical 4:3 on two separated screens 14’ color

Through the study of Rem Koolhaas’s and other architectural theoretician’s texts, as well as other records, and after having made referential researches in music and files, a musician and an artist have been able to develop a shape shifting play. Their complementary contributions, in words of media and personal universes, enabled to elaborate an audiovisual performance, which mingles electro-acoustic music, video, architecture and voice. These items rebuild the mixing, the coincidence, the variety and the accumulation one can find in New York City. The spectator wanders through a city – already imaginary – thanks to a ringing spatialization, a witness to depth and traveling, as well as a visual editing upon two screens where verticality asserts itself and, from time to time, anamorphosis oppose itself.

BIOGRAFÍAS / BIOGRAPHIE

Roy Ascott

Hacia un arte cibernético, telemático, tecnoético y sincrético . Roy Ascott ha exhibido en la Biennal de Shanghai, Bienal de Venecia , V2 en Holanda, Trienal de Milán , Bienal del Mercosur Brasil, Festival Europeo de Medios de Comunicación, Musée d’Art Moderne, París. Varias exposiciones individuales y colectivas en el Reino Unido y Europa. Internacionalmente reconocido como el pionero del arte interactivo y telemático, sus proyectos incluyen La seminales Plissure du Texte, un cuento de hadas planetario de la autoría distribuida, creada primero para Electra, en el Muse d’Art Moderne, París 1984, con versiones de Second Life expuesto a nivel internacional entre 2010 y 2013, y los Aspectos de Gaia para Ars Electronica 1989. Su retrospectiva El Syncretic sentido se mostró en Plymouth Arts Centre Reino Unido, 2009 ; como arte móvil en el Festival Internacional de Incheon de Arte Digital, Corea, 2010, y en Space, Hackney, Londres, 2011. Roy Ascott : Syncretic Cibernética fue parte de la novena Bienal de Shanghai 2011. Roy Ascott: Los análogos se mostró en Plug -In ICA Winnipeg en 2013.

Jorn Ebner

Jorn Ebner trabajo como artista en el Reino Unido y ahora vive en Berlín. Nacio en 1966 en Bremerhaven, Alemania, vive en Berlín, Alemania. Estudio en Central Saint Martins, Londres [1995-1998], Universität Hamburg [1990-1995]. Las exposiciones internacionales individuales y colectivas reciente de Jorn Ebner son : Incertidumbre debajo de cielos inmensos, Newcastle; “ Paperpool “ “Doerrie Priess”, Hamburgo; Contemporary Flanery: reconfiguración de las ciudades, Oakland Galería de la Universidad , séptima Bienal del Mercosur , Porto Alegre, Brasil. Obras Online: Disturbio inminente [2010], Zentralperipher [2008], “ Leonardo Log” [2004], “ Leif Códices “ [2003], “ Lee Marvin Toolbox “ [2001], “Construcciones Medida Life” [2000 / 01] . Audio funciona: “ ( la indiferencia ofertas) “ [2008], el trabajo audiovisual basado en el navegador, “ ¿Qué --- Side” [2007], Canción- Escultura Descargable, el Ayuntamiento de Newcastle arte público, 2007, “ Leonardo Log ( Klanglandschaft ) “ [2002], la instalación transitable, iCamp Neues Theater, München . Festivales: “Japan Media Arts Festival” 2009; “ Siggraph “ 2004, 2006, 2008; “FILE “ 2003, 2004,2006 ,2008,2009 ; “ Stuttgarter Filmwinter “ 2003 ,2007 “ Río FILE” de selección, “Viper” 2001,2007, 2009, “ Ars Electronica Festival Linz comisiones: 2006 una visualización para John Cage, 2008 por Elliott Carter (ambos interpretada por la Orquesta Bruckner ).

Michael Kargl

Es un artista con sede en Viena que trabaja principalmente en la intersección del arte conceptual y la contextualización post-media. Su trabajo a menudo cuestiona los principios de la producción de arte, la exhibición y el consumo a un punto en el que se funden con las ideas generales sobre la percepción y los fenómenos rutinarios. Exposiciones incluyen la Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú, STUK Arts Centre, Lovaina y el Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Atenas.

David Peña

(1981) maestro en Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia y la Maestría en Bellas Artes del Instituto de Arte de San Francisco. Su obra ha sido expuesta en seis exposiciones individuales y más de treinta exposiciones colectivas . Actualmente es profesor en la Universidad Jorge Tadeo Lozano y la Universidad Javeriana. Su trabajo cuestiona los acuerdos de transparencia, imparcialidad o la autoridad y cómo el sistema de representación del conocimiento trabaja para este aspecto. David trabaja a partir de una modificación sistemática y de los sistemas geométricos y de información en que se basan estos acuerdos. Estas operaciones, al tiempo que reconoce la eficiencia y la elegancia de los sistemas en los que revelan las enfermedades transmitidas por las paradojas y pone a prueba los retos intelectuales, la inercia ideológica y perceptual.

Alberto Lezaca de Paz

Crea instalaciones contextuales en las que él utiliza materiales de construcción y proyecciones de video, a partir de la estética del diseño aplicado. Sus últimos trabajos se centran en visiones utópicas de la arquitectura modernista de 1930 y sus vínculos con el estado actual del paisaje urbano. Es profesor en la Universidad Nacional. En los últimos años, Alberto Lezaca de Paz ha participado en exposiciones colectivas como Enfrentamiento, Laboratorio de Arte Espacio-G, Valparaíso, Chile (2011), la Muestra de Vídeo Enfrentamiento, Ateliê 397, São Paulo, Brasil (2011), Gran Enciclopedia acémila, Galería Facultad de Artes ASAB, Bogotá, Colombia (2011) Bogotá una Ciudad en el Borde, Laznia CCA, Gdansk Polonia. Ha participado recientemente en un programa de residencia en la galería Gaswork en Londres (2012).

Carlos Franklin

Artista de origen colombiano, Carlos Franklin completó su pregrado en Bellas Artes en Colombia (2001) y una Maestría en Audiovisual y Artes Digitales en Le Fresnoy - Contemporary Arts Nacional Studio. Su obra utiliza el vídeo, el dibujo y la instalación, así como proyectos de colaboración con los músicos. Ha participado en exposiciones internacionales, proyecciones y festivales: Sonidos inminentes (Taipei Fine Arts Museum 2013), Vida Digital (MACRO / Testaccio - Italia, 2013), Festival d’Aix en Provence (Francia 2011), Electrónica Alive (Tampa - EE.UU. 2011), Normandie Impressionniste (Rouen, Francia 2010), RSB Premios Boursary (Londres, Reino Unido 2010), Dans la nuit des images (Grand Palais - París, 2008) Festival Agora (Ircam - Centro Georges Pompidou, París, 2008-2009-2010) la compresa Niños (CCF-Alianza Francesa, Indonesia, 2010), etc Fue curador de geometrías Virtuelles (Instituto Francés, Camboia, 2009).

Roque Rivas

Santiago del Chile, Chile, 1975 estudió composición y música electroacústica en el Conservatorio Superior de la Musique et Danse de Lyon, antes de ser admitido en el master en composición en el Conservatorio Nacional Superior de la Musique et Danse de París. En 2005 ganó el premio Francis y Mica Salabert en el departamento de composición del Conservatorio Superior Nacional para la composición y la música por computadora del IRCAM, la pieza que creó para su segundo año, las Mutaciones de la Materia a cinco voces, electrónica y videos fue presentada en 2008 en el Festival Agora.

EXPOSITORES MAC Roy Ascott

Towards an art that is cybernetic, telematic, technoetic, and syncretic. Roy Ascott has shown at the Shanghai Biennale, Venice Biennale, V2 in Holland , Milan Triennale, Biennale do Mercosul Brazil, European Media Festival, Musée d’Art Moderne, Paris, and many solo and group shows in the UK and Europe. Internationally acknowledged as the pioneer of interactive and telematic Art, his seminal projects include La Plissure du Texte, a planetary fairytale of distributed authorship, first created for Electra, at the Musé d’Art Moderne, Paris 1984, with Second Life versions shown internationally between 2010 and 2013; and Aspects of Gaia for Ars Electronica, 1989. His retrospective The Syncretic Sense was shown at Plymouth Arts Centre UK, 2009; as Mobile Art at the Incheon International Digital Art Festival, Korea, 2010, and at SPACE, Hackney, London, 2011. Roy Ascott: Syncretic Cybernetics was part of the 9th Shanghai Biennale 2012. Roy Ascott: The Analogues, was shown at Plug-In ICA Winnipeg in 2013.

Jorn Ebner

Jorn Ebner was a U.K. based artist and lives now in Berlin. Born 1966 in Bremerhaven, Germany, lives in Berlin, Germany. Studies: Central Saint Martins, London [1995-98], Universität Hamburg [1990-95]. International solo and group exhibitions, recent: “Jorn Ebner: Uncertainty underneath immense skies”, Vane, Newcastle; “Paperpool”, Doerrie*Priess, Hamburg; “Contemporary Flanery: Reconfiguring Cities“, Oakland University Gallery, “7th Bienal da Mercosur”, Porto Alegre. Online-works: “Impending Unrest” [2010], “zentralperipher” [since 2008], “Leonardo Log” [2004], “Leif Codices” [2003], “Lee Marvin Toolbox” [2001], “Life Measure Constructions” [2000/01]. Audio works: “(the tender indifference)” [2008], browser-based audio-visual work; “Which---Side” [2007], downloadable song-sculpture, Newcastle City Council public art 2007, “Leonardo Log (Klanglandschaft)” [2002], walkable installation, iCamp Neues Theater, München. Festivals: “Japan Media Arts Festival” 2009; “Siggraph” 2004, 2006, 2008; “FILE” 2003, 2004, 2006, 2008, 2009; “Stuttgarter Filmwinter” 2003, 2007; “Viper” 2001; selection “FILE Rio” 2007, 2009; “Ars Electronica Festival” [Linz] commissions: 2006 a visualisation for John Cage, 2008 for Elliott Carter (both performed by the Bruckner Orchestra).

Michael Kargl

(AT) is a Vienna-based artist working primarily on the intersection of conceptual art and postmedia contextualisation. His work often questions the principles of art production, exhibition and consumption to a point where they merge with general ideas about perception and phenomena of routine. Exhibitions include the Moscow Biennial of Contemporary Art, STUK Arts Centre, Leuven and the National Museum of Contemporary Art, Athens.

David Peña

(1981 ) BA’s in Fine Arts from the National University of Colombia and Master of Fine Arts from the San Francisco Art Institute. His work has been exhibited in six solo exhibitions and over thirty group exhibitions. He currently teaches at the University Jorge Tadeo Lozano and the Universidad Javeriana. His work questions the agreements of transparency, neutrality or authority and how knowledge representation system works to this regard. It is mostly made from a systematic and modification of geometrical and informational systems on which these agreements are built. These operations, while recognizing the efficiency and elegance of the systems on which borne reveal paradoxes and test the intellectuals’, ideological and perceptual inertia grown. The resulting discrete - visually, few physical intensity and a sense of humor with melancholy objects require a high degree of attention as reluctant to offer any degree of complexity different rhetoric, perhaps, point out the paradoxes latent in which lastradiciones come.

Alberto Lezaca de Paz

Creates contextual installations in which he uses construction materials and video projections, drawing on the aesthetics of applied design. His latest works focus on utopian visions of 1930s modernist architecture and their links to the current state of urban landscape. In recent years, Alberto Lezaca de Paz has participated in collective exhibitions such as Enfrentamiento, Laboratorio de Arte Espacio-G, Valparaiso, Chile (2011), Muestra de Vídeo Enfrentamiento, Ateliê 397, São Paulo, Brasil (2011), Gran Enciclopedia Acémila, Galería Facultad de Artes ASAB, Bogota, Colombia (2011). He has recently participated in a residency programme at the Gaswork gallery in London (2012). Lecturer National University of Colombia. He lives and works in Bogota.

Carlos Franklin

Colombian-born artist, Carlos Franklin completed a BA in Fine Arts in Colombia (2001) and a Master of Audiovisual and Digital Arts at Le Fresnoy – Contemporary Arts National Studio. His work uses video, drawing and installation as well as collaborative projects with musicians. He has participated in international exhibitions, screenings and festivals: Imminent Sounds (Taipei Fine Arts Museum 2013), Digital Life (MACRO/ Testaccio - Italy, 2013), Festival d’Aix en Provence (France 2011), Electronics Alive (Tampa – USA 2011), Normandie Impressionniste (Rouen, France 2010), RSB Boursary Awards (London, UK 2010), Dans la nuit des images (Grand Palais Paris, 2008), Agora Festival (Ircam – Pompidou Centre, Paris, 2008, 2009 et 2010), The Napkin Boys (CCF- Alliance Française, Indonesia, 2010), etc. He curated Géométries Virtuelles (French Institute, Cambodge, 2009).

Roque Rivas

(Santiago del Chile – Chile, 1975) studied electro-acoustic composition and computer music at the Conservatoire Supérieur de la Musique et Danse de Lyon before being admitted to the master course in composition at the Conservatoire National Supérieur de la Musique et Danse in Paris. In 2005 he won the Francis and Mica Salabert prize at the composition department of the Conservatoire National Supérieur for composition and computer music of IRCAM; the piece he created for his second year, Mutations of matter for five voices, electronics and videos, was presented in 2008 at the Agora Festival.

S[EDITION]

CASEY REAS

Casey Reas presenta un vídeo digital, realizado exclusivamente para una edición de obras digitales. Esta pieza se deriva de una obra temprana que Reas “Work Signal to Noise”. Esta última fue el resultado de un motor que genera un collage, este motor es un programa que utiliza señales de televisión terrestres como materia prima y los transcribe en tomas visual. Reas comenta acerca de esta obra: “ Son collages del siglo veinte, los cuales fueron construidos a partir de los medios de comunicación de la época y comparables a un collage de vídeo mediados del siglo 20, la señal de “Noisefractures” distorsiona la información contemporánea en una nueva estructura de datos”. Para 100% Gray Coverage, Reas desarrolló un motor de collage más evolucionado y nuevo para crear estas imágenes: el video es completamente abstracto y se mueve a un ritmo rápido. Sin embargo, los rudimentos que percibimos en esta obra, le pueden recordar al espectador las imágenes de televisión que aparecen de vez en cuando aleatoriamente, cuando la velocidad de la que la transmisión genera secuencias de color que cambian. Esto también nos recuerdan el zapping rápido. 100% Gray Coverage combina visualmente una estética familiar de la era moderna, la televisión y la interrupción o el parpadeo de las señales. Canales distorsionados cambiados a altas velocidades y una animación generada por ordenador. Casey Reas ha creado 100% Gray Coverage con un conjunto de comandos, todos de 10 minutos de duración y relacionados entre sí por el mismo motor de collage. 100% Gray Coverage Video Digital 10 Minutos

100% Gray Coverage Digital Video 10 Minute Casey Reas’ 10 minutes digital video-piece 100% Gray Coverage, exclusively available on Sedition, was derived from Reas’ work Signal to Noise. The latter is a so-called collage engine, a programme that uses terrestrial television signals as raw material and transcribes them into visual footage. Reas: “Like early twentieth-century collages built from the media of that time, and (comparable to) mid 20th century video collage, Signal to Noisefractures and distorts contemporary information into new data structure”. For 100% Gray Coverage, Reas developed a newer more evolved collage engine to create imagery: the video is completely abstract and moves at a rapid pace. However, rudiments of what remind the viewer of television images appear occasionally, and the speed with which animation and colour sequences change recalls quick channel surfing. 100% Gray Coverage visually combines a familiar aesthetic of the modern age - television and the disruption or flicker of distorted signals or channels changed at high speeds - and contemporary computer generated animation. Casey Reas created 100% Gray Coverage in conjunction with Infinite Command Team, both 10 minutes in length and interlinked, utilising the same collage engine.

BIOGRAFÍA Casey Reas escribe software para explorar sistemas condicionales tales como el arte. A través de la definición de las redes emergentes e instrucciones en capas, se ha definido en un área única de la experiencia visual, que se basa en el arte concreto, el arte conceptual, la animación experimental y el dibujo. Sin embargo el software generativo dinámico sigue siendo su medio básico, trabaja en los medios de comunicación con variables que incluyen grabados, objetos, instalaciones y performances para materializar sistemas visuales. Reas ha exhibido en más de cien exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías de Estados Unidos, Europa y Asia. Exposiciones recientes incluyen el Museo de San Francisco de Arte Moderno, el Instituto de Arte de Chicago, el Museo Whitney de Arte Americano y la New World Symphony de Miami le han comisionado obras recientes. El trabajo de Reas se encuentra en una gama de colecciones públicas y privadas, como en el Centro Georges Pompidou y el Victoria and Albert Museum . Reas es profesor en la Universidad de California, Los Angeles. Él tiene una maestría en el Instituto Tecnológico de Massachusetts en Arte y Ciencias Multimedia, así como una licenciatura de la Escuela de Diseño, Arquitectura, Arte y Planificación de la Universidad de Cincinnati. Con Ben Fry, Reas inició en 2001 Processing que es un lenguaje de programación de código abierto y un medio para las artes visuales .

BIOGRAPHIE Casey Reas writes software to explore conditional systems as art. Through defining emergent networks and layered instructions, he has defined a unique area of visual experience that builds upon concrete art, conceptual art, experimental animation and drawing. While dynamic, generative software remains his core medium, work in variable media including prints, objects, installations and performances materialise from his visual systems. Reas’ software, prints and installations have been featured in over one hundred solo and group exhibitions at museums and galleries in the United States, Europe, and Asia. Recent venues include the San Francisco Museum of Modern Art and the Art Institute of Chicago, and the Whitney Museum of American Art and the New World Symphony in Miami have awarded recent commissions. Reas’ work is in a range of private and public collections, including the Centre Georges Pompidou and the Victoria and Albert Museum. Reas is a professor at the University of California, Los Angeles. He holds a masters degree from the Massachusetts Institute of Technology in Media Arts and Sciences as well as a bachelors degree from the School of Design, Architecture, Art, and Planning at the University of Cincinnati. With Ben Fry, Reas initiated Processing in 2001. Processing is an open source programming language and environment for the visual arts.

JAKE & DINOS CHAPMAN

S[EDITION]

Los hermanos Jake y Dinos Chapman han estado haciendo arte juntos desde 1991 y han sido llamados los terribles enfants del movimiento YBA (Young British Artists). Sus obras pueden representar actos de crueldad o incluso escenas apocalípticas, pero estos son a menudo acompañado por un ingenio elemento humorístico. Sacrificial Mutilación y Muerte Andy Warhol, se deriva de una obra videoarte de 1990, donde diferentes artistas fueron retratados como personajes de caricatura. Se reúnen algunos de los personajes de arte moderno como Jackson Pollock y Richard Serra. Se hacen referencias que pueden llegar a un extremo en donde lo mortal se combina con lo absurdo. En este video el artista pop Andy Warhol examina un orgía como en la actividad de su famoso estudio “The Factory”, en ese momento entonces entra a ser confrontado con la pistola de Valerie Solanas, que en realidad le disparó a el artista en 1968, hiriendo gravemente a Andy. Este video es solo una parte de la serie titulada Sacrificio Mutilación y Muerte en el arte moderno. Sacrificad, Mutilación y Muerte en el Arte Moderno Andy Warhol Video 1 minuto 1990

Sacrificial Mutilation and Death in Modern Art - Andy Warhol Video 1 minute 1990 The brothers Jake and Dinos Chapman have been making art together since 1991, and have been called the enfants terribles of the YBA movement (Young British Artists). Their works can depict acts of cruelty or even apocalyptic scenes, but these are often accompanied by an element of humorous wit. Andy Warhol, derives from the 1990s video art piece Sacrificial Mutilation and Death in Modern Art, where different artists are portrayed as cartoon-like characters who meet a sticky, deadly end. Here, Pop artist Andy Warhol surveys an orgy-like hubbub of activity in his famous studio, The Factory, only then to be confronted with the gun of Valerie Solanas, who actually shot the artist in 1968, seriously wounding and scaring him. This work is part of a series entitled Sacrificial Mutilation and Death in Modern Art is available exclusively through Sedition.

BIOGRAFÍA Jake y Dinos hacen escultura iconoclastas , grabados e instalaciones que analizan , con ingenio punzante y la energía de la política contemporánea , la religión y la moral. Trabajando juntos desde su graduación del Royal College of Art en 1990, los Chapman recibieron los primero elogios de la crítica en 1991, con una escultura diorama Desastres titulada “of War” creada a partir de figuras de plástico remodeladas, disponiedno escenas de los Desastres de Guerra de los aguafuertes de Goya. Más tarde se realizaron una sola escena de la obra y meticulosamente la transformaron en grandes hazañas contra los muertos vivientes ( 1994 ) , un cuadro de tamaño natural de maniquíes de fibra de vidrio, que presentan tres soldados castrados y mutilados atados a un árbol . Jake Chapman nació en 1966 en Cheltenham, Dinos Chapman en 1962 en Londres. Viven y trabajan en Londres. Han realizado numerosas exposiciones, incluyendo individuales en el Museo Pino Pascali, Polignano a Mare, Italia (2010); Hastings Museum, Reino Unido (2009); Kestner Gesellschaft de Hannover (2008); Tate Britain, Londres (2007); Tate Liverpool (2006); Kunsthaus Bregenz (2005), el Museo Kunst Palast de Düsseldorf (2003); Arte Moderno de Oxford (2003) y PS1 Contemporary Art Center, Nueva York (2000). Exposiciones colectivas incluyen la 4ª Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú (2011), la 17 ª Bienal de Sydney (2010); Meadows Museum, Texas (2010); Rude Britannia, Tate Britain (2010); Bundeskunsthalle, Bonn (2010); Hareng Saur: Ensor y el arte contemporáneo, SMAK , Gante (2010), Centro Nacional de Arte Contemporáneo, Moscú (2009); Kunstverein de Hamburgo (2009), el Museo Británico de Londres (2009); Palais des Beaux Arts de Lille (2008); Haus der Kunst , Munich (2008); ICA , Londres ( 2008 ); Summer Exposición, Annenberg Courtyard, Royal Academy of Arts de Londres (2007); ARS 06, Museo de Arte Contemporáneo Kiasma de Helsinki ( 2006 ) y el Premio Turner, Tate Britain (2003) .

BIOGRAPHIE Make iconoclastic sculpture, prints and installations that examine, with searing wit and energy, contemporary politics, religion and morality. Working together since their graduation from the Royal College of Art in 1990, the Chapmans first received critical acclaim in 1991 for a diorama sculpture entitled Disasters of War created out of remodelled plastic figurines enacting scenes from Goya’s Disasters of War etchings. Later they took a single scene from the work and meticulously transformed it into Great Deeds Against the Dead (1994), a life-size tableau of reworked fibreglass mannequins depicting three castrated and mutilated soldiers tied to a tree. Jake Chapman was born in 1966 in Cheltenham, Dinos Chapman in 1962 in London. They live and work in London. They have exhibited extensively, including solo shows Museo Pino Pascali, Polignano a Mare, Italy (2010); Hastings Museum, UK (2009); Kestner Gesellschaft Hannover (2008); Tate Britain, London (2007); Tate Liverpool (2006); Kunsthaus Bregenz (2005); Museum Kunst Palast Düsseldorf (2003); Modern Art Oxford (2003); and PS1 Contemporary Art Center, New York (2000). Group exhibitions include the 4th Moscow Biennale of Contemporary Art (2011), the 17th Biennale of Sydney (2010); Meadows Museum, Texas (2010); ‘Rude Britannia’, Tate Britain (2010); Bundeskunsthalle, Bonn (2010); Hareng Saur: Ensor and Contemporary Art, S.M.A.K, Ghent (2010), National Center of Contemporary Art, Moscow (2009); Kunstverein Hamburg (2009); British Museum, London (2009); Palais des Beaux Arts de Lille (2008); Haus der Kunst, Munich (2008); ICA, London (2008); ‘Summer Exhibition’, Annenberg Courtyard, Royal Academy of Arts, London (2007); ARS 06, Museum of Contemporary Art KIASMA, Helsinki (2006) and Turner Prize, Tate Britain (2003).

S[EDITION]

MAT COLLISHAW

El cuerpo de trabajo de Mat Collishaw explora el deseo reprimido, la seducción y el placer oscuro. Con esta obra de arte Mat examina las posibilidades de los nuevos medios. En el fin de la inocencia, el artista presenta una imagen fantasmal que ha sido manipulada digitalmente. Al mirar más de cerca, esta oscila entre dos retratos apropiados del Papa Inocencio X uno pintado por el artista irlandés del siglo XX Francis Bacon y el otro por el artista español del siglo XVII Diego Velázquez. La obra fue creada por primera vez en 2009, en esa ocasión se proyecto en una escala monumental. En esta versión la imagen se disuelve y reconfigura para crear una imagen estriada a menor escala, que continuamente es una reminiscencia a una lluvia digital.

El fin la inocencia Obra digital 2009

The End of Innocence Digital video loop 2009

Mat Collishaw’s body of work explores suppressed desire, seduction and dark pleasure. With this exclusive new-media artwork, The End of Innocence, the artist presents a ghostly image that has been digitally manipulated. Upon a closer look, it oscillates between two appropriated portraits of Pope Innocent X—one painted by the Irish twentieth century artist Francis Bacon, and the other by the Spanish seventeenth century artist Diego Velázquez. The work was first created in 2009, where it was projected on a monumental scale. Here, it continually dissolves and reforms to create a smaller-scale striated image that is reminiscent of digital rain.

BIOGRAFÍA Está asociado con la generación YBA ( joven británicos Artistas). El uso de diversos medios caracteriza su arte, su obra explora temas tales como la belleza, la seducción, el deseo reprimido y el placer oscuro. Collishaw recibió su BFA en Goldsmith, Londres, en 1989. Su agujero de bala el trabajo (1988) se exhibió en la ya famos Art Freeze 1988, presentado en un almacén en desuso y comisariada por Damien Hirst. Esta exposición contó con la presencia de importantes personalidades del mundo del arte como Charles Saatchi, Norman Rosenthal y Nicholas Serota, lanzó las carreras de muchos de los artistas YBA, incluyendo Collishaw . Durante la última década, ha tenido numerosas exposiciones internacionales en solitario, incluyendo: Cohen Gallery, Nueva York, 1992; Camden Arts Centre, Londres, 1996 ; servicio Free Spirits, Lisson Gallery, Londres, 1997; Galeria d’Arte Moderne, Bolonia, Italia, 1999; Museo de Arte Contemporáneo, Varsovia, 2000 ; Mat Collishaw, Art & Public , Ginebra, 2004; Shooting Stars, Haunch of Venison, Londres, 2008; histeria, Freud Museum, London, 2009; Retrospectre, BFI Southbank , Londres , 2010 y la creación Condemned, BlainSuthern 2010 y 2013. Exposiciones colectivas incluyen: Instituto para la ansiedad Cultural, ICA , Londres, 1994; Aquí y Ahora, Serpentine Gallery, Londres; Sensation, Royal Academy of Art, Londres, 1996; The Edge de la Conciencia, PS1 , Nueva York, 1998; Life / Live, Musée d’Art Moderne de la Ville, París y el Museo de Brooklyn, Nueva York, 1998; Nueva sangre, Saatchi Gallery, Londres, 2004; En la hora más oscura puede haber luz, Serpentine Gallery, Londres, 2006 y las mitologías, Haunch of Venison, Londres, 2009 . Other Critera y Thames & Hudson han publicado libros con la obra de Collishaw y el Museo Victoria & Albert comisiono a Collishaw para producir el proyecto en un sitio monumental, linterna mágica, 2011. Más recientemente, exhibió “Esto no” en el Blain Suthern, London, 2013.

BIOGRAPHIE (1966, Nottingham, UK) is associated with the YBA (Young British Artist) generation. Using diverse media, his art explores themes of beauty, seduction, suppressed desire and dark pleasure. Collishaw received his BFA from Goldsmith, London, in 1989. His work Bullet Hole (1988) was exhibited in the now famous 1988 exhibition Freeze, presented in a disused warehouse and curated by Damien Hirst. This exhibition was attended by important art world figures including Charles Saatchi, Norman Rosenthal and Nicholas Serota, and launched the careers of many of the YBA artists, including Collishaw. Over the past decade, he has had numerous international solo shows, including: Cohen Gallery, New York, 1992; Camden Arts Centre, London, 1996; Duty Free Spirits, Lisson Gallery, London, 1997; Galeria d’Arte Moderne, Bologna, Italy, 1999; Museum of Contemporary Art, Warsaw, 2000; Mat Collishaw, Art & Public, Geneva, 2004; Shooting Stars, Haunch of Venison, London, 2008; Hysteria, Freud Museum, London, 2009; Retrospectre, BFI Southbank, London, 2010; and Creation Condemned, BlainSouthern, 2010 and 2013. Group exhibitions include: Institute for Cultural Anxiety, ICA, London, 1994; Here and Now, Serpentine Gallery, London and Brilliant! New Art From London, Walker Art Centre, Minneapolis, both 1995; Sensation, Royal Academy of Art, London, 1996; The Edge of Awareness, P.S.I, New York, 1998; Life/Live, Musée d’Art Moderne de la Ville, Paris and The Brooklyn Museum, New York, 1998; New Blood, Saatchi Gallery, London, 2004; In the Darkest Hour There May Be Light, Serpentine Gallery, London, 2006; and Mythologies, Haunch of Venison, London, 2009. Other Criteria and Thames & Hudson have published books with Collishaw’s work, and the Victoria & Albert Museum commissioned Collishaw to produce the monumental onsite project, Magic Lantern, 2011. Most recently, Collishaw’s solo exhibition This Is Not An Exit featured at Blain Southern, London, 2013.

DAMIEN HIRST

S[EDITION]

Damien Hirst ha conmocionado a la opinión pública utilizando como materiales artísticos: gusanos, ovejas diseccionadas en dos y la cabeza de una vaca sangrada. El artista explora temas existenciales como el de la muerte y su representación. Su obra por el amor de Dios fue un molde de platino de un cráneo humano real, también utilizo los dientes reales y después se incrustaron 8.601 diamantes. Un objeto sin vida adquirió una presencia fantasmal propia. “For Heaven’s Sake” muestra de manera similar el cráneo de un bebé en la pantalla y está adornado con diamantes de color rosa y blanco. Cada Glister de diamantes genera destellos de luz diminutos, de esta manera la obra gira lentamente ante nuestros ojos. Trabajando directamente con el artista, se ha realzado esta edición limitada en formato (HD).

For Heaven’s Sake Modelo 3D 1 m 45 s 2013

For Heaven’s Sake 3D Model 1 m 45 s 2013 Damien Hirst has often shocked the public using maggots, bisected sheep and a bleeding cow’s head as artistic materials. The artist explores existential topics including the subject of death and its representation. His work For The Love of God was a platinum cast of an actual human skull, which used real teeth and was encrusted with 8,601 diamonds. A lifeless object took on a ghostlike presence of its own. For Heaven’s Sake similarly casts a baby’s skull in platinum and is adorned with pink and white diamonds. Each tiny diamond glistens and glints in the light as the artwork slowly rotates before our eyes. Working directly with the artist, Sedition presents this exclusive limited edition in high definition (HD) format.

BIOGRAFÍA Es un artista principal de la generación YBA (Young British Artists). Él es ampliamente considerado como uno de los artistas más importantes de hoy en día, su trabajo se caracteriza por la creación de obras de arte altamente icónicas . Exposiciones individuales de Damien Hirst son la gran retrospectiva de Damien Hirst la Tate Modern, Londres, 2012; Asuntos Internos, el ICA de Londres, 1991; Astrup Fearnley Museum Oslo, 1997; La agonía y el éxtasis, Museo Arqueologico Nacional, Nápoles, 2004; Museo de Bellas Artes de Boston 2005; Por el amor de Dios, el Rijksmuseum, Amsterdam, 2008 y el Palazzo Vecchio, Florencia, 2010/11. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, incluyendo la Bienal de Venecia en 1993 y 2003; siglo XX Escultura Británica, Jeu de Paume, París, 1996; Extreme Abstraction, Albright Knox Art Gallery, Buffalo, 2005; dentro de mí / Out of Me, PS1 Contemporary Art Center, Nueva York, 2006; Re -Object, Kunsthaus Bregenz, 2007 y Carta de color: Reinventando el color de 1950 a la actualidad, el Museo de Arte Moderno, Nueva York, 2008. Recibio la beca del DAAD en Berlín en 1994 , también ganó el Premio Turner en 1995.

BIOGRAPHIE (1965, Bristol, UK) is a leading artist of the YBA (Young British Artist) generation. He is widely regarded as one of the most important artists working today, creating highly iconic artworks. Damien Hirst’s solo exhibitions include the major retrospective Damien Hirst, Tate Modern, London, 2012; Internal Affairs, ICA London, 1991; Astrup Fearnley Museum Oslo, 1997; The Agony and the Ecstasy, Museo Archeologico Nazionale, Naples, 2004; Museum of Fine Arts Boston 2005; For the Love of God, Rijksmuseum, Amsterdam, 2008 and Palazzo Vecchio, Florence, 2010/1. He has participated in numerous group exhibitions including the Venice Biennale in 1993 and 2003; Twentieth Century British Sculpture, Jeu de Paume, Paris, 1996; Extreme Abstraction, Albright Knox Art Gallery, Buffalo, 2005; Into Me / Out of Me, P.S.1 Contemporary Art Center, New York, 2006; Re-Object, Kunsthaus Bregenz, 2007 and Color Chart: Reinventing Color 1950 to Today, Museum of Modern Art, New York, 2008. Receiving the DAAD fellowship in Berlin in 1994, he also won the Turner Prize in 1995.

S[EDITION]

DOUG FOSTER

La obra cíclica “Velo de Luz” de Doug Foster presenta a una mujer con una mirada paralizada y una cara increíblemente simétrica. La cabeza y los hombros de la mujer parecen estar iluminados por patrones suaves y líquidos de luz proyectada, que modifican continuamente su apariencia y enmascaran su verdadera identidad. En una posterior visualización, toda su fisonomía parece alterarse bajo la influencia de esta fuerza externa ostensiblemente benigna. Según Foster, las lánguidos, ondulaciones rítmicas de luz que bañan la figura inmóvil están diseñados para tener un efecto calmante en el espectador. La intención es que un par de minutos de descanso y contemplación de la pieza se ralentizará el corazón y calmara la mente. Velo de Luz Obra digital 2012

Veil of Light Digital artwork 2012 Doug Foster’s cyclical work Veil of Light features a woman with a transfixed gaze and an impossibly symmetrical face. The woman’s head and shoulders seem to be illuminated by gentle, liquid patterns of projected light that continually modify her appearance and mask her true identity. On further viewing, her entire physiognomy seems to alter under the influence of this ostensibly benign external force. According to Foster, the languid, rhythmic undulations of light that wash over the motionless figure are designed to have a soothing effect on the viewer. The intention being that a few minutes restful contemplation of the piece will slow the heart and calm the mind.

BIOGRAFÍA El artista británico y el cineasta Doug Foster (b.1961) produce instalaciones fílmicas digitales a gran escala que juegan con la simetría y exploran la susceptibilidad del ojo humano a la ilusión óptica. En la obtención de una licenciatura en Diseño Gráfico y Animación en 1981 comenzó una carrera como camarógrafo de cine en la BBC. Cuatro años más tarde, asumió el papel de jefe de cámara de iluminación, en uno de los estudios de cine de efectos visuales de primera clase en Londres. En 1993 se unió a la fundación de Blink producciones como director de publicidad. Ha hecho películas en todo el mundo y ha recibido algunos de los premios más altos de la industria, incluyendo Silvers y Golds de D & AD, BTAA y Creative Circle. Foster ha expuesto a nivel internacional, incluso con obras de la Roberts Colección David, DRAF , Londres (2007); Only Human, La Sociedad de Bellas Artes de Londres (2008); medio acre del infierno, El Minotauro y Bedlam en el Old Vic Tunnels, Lazarides , Londres (2010 2012); El soñar despierto con La edición de Hong Kong, Artistry, Hong Kong ( 2012 ) y en los sueños, Cob Gallery, Londres, 2013.

BIOGRAPHIE British artist and filmmaker Doug Foster (b.1961) produces large-scale digital film installations that play with symmetry and exploit the human eye’s susceptibility to optical illusion. On gaining a BA in Graphic Design and Animation in 1981 he began a career as a film cameraman at the BBC. Four years later he took on the role of chief lighting cameraman at one of the premier visual effects film studios in London. In 1993 Foster joined the renowned Blink Productions as a commercials director. He made films all over the world and garnered some of the industry’s highest awards, including Silvers and Golds from D&AD, BTAA and Creative Circle. Foster has exhibited internationally, including at Works from the David Roberts Collection, DRAF, London (2007); Only Human, The Fine Arts Society, London (2008); Hell’s Half Acre, The Minotaur and Bedlam at The Old Vic Tunnels, Lazarides, London (2010 - 2012); Daydreaming With...The Hong Kong Edition, Artistry, Hong Kong (2012); and In Dreams, Cob Gallery, London, 2013. He lives and works in London.

S[EDITION]

JENNY HOLZER

“One Liner” de Jenny Holzer (2012) es una obra de arte digital de 25 minutos creada exclusivamente par una edición digital. Una selección de 20 frases que pertenecen a una obra anterior “Truisms” obra de Holzer (1977-1979) en esta pieza se juega con estas palabras a través de la pantalla en un bucle. En su ejecución se aproxima a la apariencia de las pantallas LED que se han asociado con el trabajo de Holzer. El interés de Holzer con las pantallas LED se debe al poder influyente que los medios de comunicación ejercen sobre el subconsciente colectivo. Una forma de deseo propagar el deseo y preguntar cómo este modo de comunicación afecta a la percepción, el conocimiento y la verdad. La serie Truisms se compone de más de 250 declaraciones – en una sola oración, que Holzer escribió con el propósito de parecerse a máximas o clichés existentes. Sin privilegiar ningún punto de vista individual, los Truisms examinan la construcción social de las creencias y costumbres. Los Truisms primero aparecieron en carteles anónimos de la calle, que luego fueron pegados por todo el centro de Manhattan, y desde entonces han aparecido en camisetas, gorras, carteles electrónicos, pisos de piedra y fachadas de bancos. Las expresiones son deliberadamente desafiantes y muchas veces contradictorias, Holzer ha utilizado los textos asociándolos con la compulsiva necesidad por la posesión, para desmantelar el falso conocimiento-que yace en la tontería habitual del mercadeo visual, el deseo y las emociones ligeras que alimentan las personas que siguen estos patrones de consumo desmesurado” ACCION PROVOCA MAS PROBLEMAS QUE ELLOS PENSAMIENTO, HIJOS SON LA ESPERANZA DEL FUTURO, MUCHOS PROFESIONALES SON CHIFLADOS, EL DINERO CREA GUSTO POR EL ABUSO DE PODER. Estos son algunos de los pronunciamientos que componen esta obra que Holzer decidió incluir en esta exposición.

One Liner Obra Digital 25 Minutos 2012

One Liner Digital Artwork 25 Minutes 2012

Jenny Holzer’s One-Liner (2012) is a 25-minute digital artwork created exclusively for Sedition. A selection of 20 phrases from Holzer’s series Truisms (1977-1979) play across the screen in a loop, approximating the appearance of the LED displays that have long been associated with Holzer’s work. Holzer’s interest in the LED medium resulted from her awareness of the power of mass media and a subsequent desire to ask how this mode of communication affects perception, knowledge and truth. The Truisms series is comprised of over 250 single-sentence declarations, which Holzer wrote to resemble existing maxims or clichés. Privileging no single viewpoint, the Truisms examine the social construction of beliefs and mores. The Truisms first were shown on anonymous street posters that were pasted throughout downtown Manhattan and have since appeared on t-shirts, hats, electronic signs, stone floors and benches. The Truisms are deliberately challenging and often contradictory. Holzer has expressed a desire for the texts to “sharpen people’s awareness of the usual baloney they are fed.” ACTION CAUSES MORE TROUBLE THAN THOUGHT, CHILDREN ARE THE HOPE OF THE FUTURE, A LOT OF PROFESSIONALS ARE CRACKPOTS, MONEY CREATES TASTE, and ABUSE OF POWER COMES AS NO SURPRISE are only some of the dicta that Holzer decided to include in this exclusive Sedition piece.

BIOGRAFÍA Por más de treinta años, Jenny Holzer ha presentado sus ideas astringentes, argumentos y penas en los lugares públicos. Exposiciones internacionales, entre ellas 7 World Trade Center, el Reichstag, la Bienal de Venecia, el Museo Guggenheim de Nueva York y de Bilbao, el Museo Whitney de Arte Americano. Su medio, ya sea formulado como una camiseta, como una placa, o como una señal LED, es la escritura y la dimensión pública es parte fundamental de la prestación de su trabajo. A partir de la década de 1970 ha trabajado con los carteles de la ciudad de Nueva York y hasta sus últimas proyecciones de luz sobre el paisaje y la arquitectura, su práctica ha rivalizado con la ignorancia y la violencia con el humor, la bondad y el coraje. Holzer recibió el León de Oro en la Bienal de Venecia en 1990 y el Premio Cristal del Foro Económico Mundial en 1996. Ella tiene títulos honorarios de la Universidad de Ohio, Williams College, la Escuela de Rhode Island del diseño, la nueva escuela y la universidad de Smith. Recibió la Medalla de Distinción Barnard en 2011.

BIOGRAPHIE For more than thirty years, Jenny Holzer has presented her astringent ideas, arguments and sorrows in public places and international exhibitions, including 7 World Trade Center, the Reichstag, the Venice Biennale, the Guggenheim Museums in New York and Bilbao and the Whitney Museum of American Art. Her medium, whether formulated as a T-shirt, as a plaque, or as an LED sign, is writing, and the public dimension is integral to the delivery of her work. Starting in the 1970s with the New York City posters, and up to her recent light projections on landscape and architecture, her practice has rivaled ignorance and violence with humor, kindness and courage. Holzer received the Leone d’Oro at the Venice Biennale in 1990 and the Crystal Award from the World Economic Forum in 1996. She holds honorary degrees from Ohio University, Williams College, the Rhode Island School of Design, The New School and Smith College. She received the Barnard Medal of Distinction in 2011. Holzer lives and works in New York.

S[EDITION]

RYOJI IKEDA

El trabajo de Ryoji Ikeda es una representación audiovisual compleja y fascinante de un solo número; un número tan grande que tiene 124.761.600 dígitos. En términos matemáticos, este número es bastante pequeño teniendo en cuenta las posibilidades sin fin entre la nada y el infinito. Si se visualiza en un solo dígito, 124761600 es inimaginablemente grande. Sin embargo, un número que necesita esta cantidad de dígitos para describirlo es totalmente más allá de la comprensión humana. Con un número único que tiene 124.761.600 dígitos Ryoji Ikeda trae todos los 124761600 dígitos antes nuestros ojos. Al hacerlo, demuestra un hecho matemático simple: que - debido a su complejidad computacional -es imposible verificar si este número de dígitos se colocan al azar, o siguiendo un patrón. Todo los 124761600 dígitos - en lo que parece una mancha aleatoria de estática corren delante de nuestros ojos sobre la pantalla. La animación está acompañado por un sonido de tono alto que representa la variación de la frecuencia del número real, de esta manera el espectador está escuchando el numero. A veces, la secuencia se detiene y hace una pausa, sólo entonces es posible reconocer los muchos dígitos pequeños que cubren la pantalla. Uno no puede encontrar cualquier significado en ciertos grandes números, que son, de hecho, la mayoría de los números. Sin embargo, un número único que tiene 124.761.600 dígitos más probable es la primera vez desde el principio del tiempo, que este número aparentemente sin sentido se representa visualmente en su totalidad digital, para que alguien sea testigo de este hecho.

Un numero único que tiene 124,761,600 dígitos Obra digital 2013

A Single Number That Has 124,761,600 Digits Digital artwork 2013

Ryoji Ikeda’s work is a complex and fascinating audio-visual representation of a single number; a number so large it has 124,761,600 digits. In mathematical terms, this number is fairly small considering the endless possibilities between naught and infinity. If visualized in single digits, 124,761,600 is unimaginably large. However a number that needs this many digits to describe it is utterly beyond human comprehension! With A Single Number That Has 124,761,600 Digits, Ryoji Ikeda brings all 124,761,600 digits before our eyes. In doing so he demonstrates a simple mathematical fact: that - due to their computational complexity - it is impossible to verify whether this number of digits are randomly placed, or following a pattern. The whole 124,761,600 digits - in what appears a random blur of static - run in front of our eyes over the screen. The animation is accompanied by a high-pitched varying sound that represents the frequency of the actual number the viewer is witnessing. At times, the sequence comes to a halt and pauses - and only then is it possible to recognise the many small digits covering the screen. One may not find any meaning of certain large numbers, which are in fact the majority of numbers. However, A Single Number That Has 124,761,600 Digits most likely is the first time - since the beginning of time - that this seemingly meaningless number is represented visually in its digital entirety, for someone to witness.

BIOGRAFÍA Compositor electrónico líder en Japón y artista visual Ryoji Ikeda se centra en las características esenciales del sonido en sí mismo. incorporando elementos visuales basados en la luz por medio de la precisión matemática y la estética matemática . Ikeda ha ganado una reputación como uno de los pocos artistas internacionales que trabajan de manera convincente a través de ambos medios visuales y sonoros. Él elaboradamente orquesta sonido, efectos visuales, materiales, fenómenos físicos y conceptos matemáticos en performances e instalaciones inmersivas en vivo . Álbumes de Ikeda como + / - ( 1996 ) Matriz ( 2000 ), y patrón de prueba ( 2008 ) fueron pioneros en un nuevo mundo de la música electrónica minimal a través de la técnica y la estética de gran nitidez. Junto a la actividad musical pura, Ikeda ha estado trabajando en proyectos a largo plazo a través de actuaciones en directo, instalaciones, libros y C , como ‘ datamatics ‘ ( 2006 -) , “patrón de pruebas ‘( 2008 -) , “espectros”( 2001), ‘ ciclo ‘ un proyecto de colaboración con Carsten Nicolai y ‘ superposición ‘ ( 2012 ) . Ikeda ha realizado y expuesto a nivel internacional, incluyendo en el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, Museo de Arte de Singapur, Singapur, Festival Electra, de Montreal; Palazzo Grassi, Venecia, El Barbican Centre, Londres y Hamburger Bahnhof, Berlín. En 2013 sus trabajos fueron presentados en numerosos festivales y ferias de todo el mundo, incluyendo SRTP Festival Eindhoven, Sharjah Biennale 11, Frac Franche- Comté, Besançon; Carriageworks Sydney, Auckland Trienal; Festival Mofo Oscuro y Mona Museo, Hobart, Tasmania; Festival de Marseille, Borusan Contemporary Istanbul; Ruhrtriennale, Duisburg, Fundación Telefónica, Madrid; Experimento Kyoto Festivaly la galería de Koyanagi Tokio.

BIOGRAPHIE Japan’s leading electronic composer and visual artist Ryoji Ikeda focuses on the essential characteristics of sound itself, incorporating light-based visuals by means of both mathematical precision and mathematical aesthetics. Ikeda has gained a reputation as one of the few international artists working convincingly across both visual and sonic media. He elaborately orchestrates sound, visuals, materials, physical phenomena and mathematical notions into immersive live performances and installations. Ikeda’s albums such as +/- (1996); matrix (2000); and test pattern (2008) pioneered a new minimal world of electronic music through razor-sharp technique and aesthetics. Alongside of pure musical activity, Ikeda has been working on long-term projects through live performances, installations, books and CD’s such as ‘datamatics’ (2006-), ‘test pattern’ (2008-), ‘spectra’ (2001-), ‘cyclo’ a collaborative project with Carsten Nicolai, and ‘superposition’ (2012-). Ikeda has performed and exhibited internationally, including at the Museum of Contemporary Art, Tokyo; Singapore Art Museum, Singapore; Electra Festival, Montreal; Palazzo Grassi, Venice; The Barbican Centre, London; and Hamburger Bahnhof, Berlin. In 2013, his works will be presented at numerous festivals and fairs around the world, including SRTP Festival Eindhoven, Sharjah Biennale 11, Frac Franche- Comté, Besançon; Carriageworks Sydney, Auckland Triennale; Dark Mofo Festival and Mona Museum, Hobart -Tasmania; Festival de Marseille, Borusan Contemporary Istanbul; Ruhrtriennale, Duisburg; Telefonica Foundation, Madrid; Kyoto Experiment Festival, and Koyanagi gallery Tokyo.

AARON KOBLIN

S[EDITION]

Aaron Koblin utiliza los datos para contar historias visuales asombrosas que reflexionan sobre la vida y la tecnología. Patrones de vuelo es una visualización del tránsito de aviones sobre América del Norte durante un período de 24 horas. Mientras avanza el vídeo se puede ver el flujo y reflujo de tráfico aéreo, los puntos rojos vuelos procedentes de California, la costa este en pleno despertar y la llegada de los vuelos europeos en el área tri-estatal. Los diferentes colores se codifican a los 573 tipos diferentes de aviones que viajaban a través de América del Norte, por un total de más de 205.000 vuelos, en ese día de agosto de 2010. Koblin uso los datos agregados para reflexionar sobre la vida y nuestros sistemas. Esta obra no sólo es espectacular visualmente, sino también como una reflexión sobre la relación entre los humanos y la tecnología. Patrones de Vuelo Visualización de datos 2010

Flight Patterns Data visualization 2010 Aaron Koblin uses data to tell amazing visual stories that reflect on life and technology. Flight Patterns is a visualization of airplane traffic over North America during a 24-hour period. As the video progresses one can see the ebb and flow of air traffic, red eyes coming from California, the East Coast waking up, and the arrival of European flights into the Tri-State area. The different colors are coded to the 573 different types of airplanes that traveled through North America, totaling over 205,000 flights, on this day in August 2010. Koblin’s use of aggregated data to reflect on life and our systems is not only visually spectacular but also a reflection on the relationship between humans and technology. Working directly with the artist, Sedition brings you this exclusive limited edition.

BIOGRAFÍA Es un artista y diseñador especializado en los datos y las tecnologías digitales. Su obra lleva el mundo real y los datos de la comunidad en general para reflexionar sobre las tendencias culturales y la cambiante relación entre los humanos y los sistemas que crean. Su obra forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, el Museo Victoria & Albert (V & A) de Londres y el Centro Pompidou de París. Sus proyectos se han exhibido en festivales internacionales, incluyendo TED, Ars Electronica, SIGGRAPH, OFFF y el Japan Media Arts Festival. Recibió primer premio de la Fundación Nacional de la Ciencia para la visualización de la ciencia y dos de sus colaboraciones de videos musicales han sido nominadas al Grammy. Recibió su maestría en Diseño Media Arts en la UCLA. En 2010 Aaron fue el Abramowitz Artista en Residencia en el MIT y lidera el equipo de datos de las Artes en el laboratorio creativo de Google.

BIOGRAPHIE Aaron Koblin is an artist and designer specializing in data and digital technologies. His work takes real-world and community generated data and uses it to reflect on cultural trends and the changing relationship between humans and the systems they create. His work is part of the permanent collection of the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, the Victoria & Albert Museum (V&A) in London, and the Centre Pompidou in Paris. His projects have been shown at international festivals including TED, Ars Electronica, SIGGRAPH, OFFF, and the Japan Media Arts Festival. He received the National Science Foundation’s first place award for science visualization and two of his music video collaborations have been Grammy nominated. He received his MFA in Design|Media Arts from UCLA. In 2010 Aaron was the Abramowitz Artist in Residence at MIT and he leads the Data Arts Team in Google’s Creative Lab.

S[EDITION]

TIM NOBLE AND SUE WEBSTER

Con fuente eléctrica, Tim Noble y Sue Webster presentan una reinterpretación híbrido entre las fuentes del Renacimiento en Roma y las fuentes de hoy en día que se encuentran en frente de los hoteles emblemáticos de Las Vegas como el Bellagio. Esta obra es una escultura mínimal y de índole electrónica, esta pieza de 35 pies de altura se construye con tubos de neón, acero y 3.390 bombillas LED, que eléctricamente pulsan para crear una espectacular fuente en cascada. La creación de una fuente central eléctrica pulsante monumental se instaló originalmente en el Rockefeller Plaza en febrero de 2008. Esta fuente eléctrica exhibe una simetría sorprendente y un elegante minimalismo, que también puede ser percibida como una fuente pop sumerge al espectador dentro de su resplandor hipnótico y luminoso. Trabajando directamente con los artistas, Sedición recreo cuidadosamente los efectos de la escultura original en un nuevo formato digital que se exhibe ahora en Analogía Digital.

Fuente Eléctrica Obra digital 2013

Electric Fountain Digital artwork 2013 With Electric Fountain, Tim Noble and Sue Webster present their hybrid reinterpretation of the gushing Renaissance fountains in Rome and the modern day fountains in front of iconic Las Vegas hotels such as the Bellagio. The work is both minimal and over-the-top. This 35 foot tall sculpture is constructed using neon tubing, steel and 3,390 LED light bulbs, which electrically pulse to create a spectacular tiered-cascading fountain. The monumental sculpture was originally installed at the Rockefeller Plaza in February 2008, creating an electrically pulsating centerpiece. Electric Fountain exhibits a striking symmetry and an elegant minimalism, and this pop fountain immerses the viewer within its hypnotic and luminous glow. Working directly with the artists, Sedition carefully recreates the effects of the original sculpture in a new digital format.

BIOGRAFÍA Tim Noble (1966, Stroud, Reino Unido) y Sue Webster (1967, Leicester, Reino Unido) se conocieron como estudiantes de bellas artes en la Universidad de Nottingham Trent en 1986, donde ambos llegaron un día tarde a clase. Los artistas han colaborado oficialmente desde 1996 y se asocian con el post- YBA (Young British Artists). La personalidad artística de Noble y Webster es intrínseca al significado de sus obras. Su arte se puede separar en ‘ Obras de Luz “y” Obras Shadow ‘ formalmente, sin embargo, estas categorías quedan directamente relacionados. ‘Shadow’ consisten principalmente de esculturas que incorporan diversos materiales tales como basura doméstica, chatarra y animales de taxidermia; haciendo brillar la luz sobre los conjuntos de este último que se transforman en perfil sombra como muy precisos retratos . Desde su primera exposición individual en Londres, Basura Británica (1996) Noble y Webster han gozado de reconocimiento internacional. Su trabajo está en la colección permanente del Museo de Arte Moderno Arken, Copenhague; Artis -François Pinault , Francia; Dakis Joannou Collection, Atenas, El Goss-Michael Collection, Dallas; Honart Museo, Teherán, Irán, el Museo de Arte Contemporáneo, Denver, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, la National Portrait Gallery, Londres; La colección Olbricht, Berlín Project Space 176 : la Colección Zabludowicz, Londres; Saatchi Collection, de Londres; Samsung Museum, Seúl, Corea, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York . Las publicaciones del trabajo de los artistas incluyen perverso polimorfo, un catálogo de su exposición Freud Museum (Londres : Other Criteria, 2008 ) y Wasted Youth, un estudio exhaustivo del trabajo de los artistas 1996-2006 con ensayos de Jeffrey Deitch y Sir Norman Rosenthal (Nueva York : Rizzoli, 2006). Rizzoli publicó su más reciente publicación titulada Basura Británica en 2011. En 2009 , Noble y Webster se adjudicaron Doctor Honoris Causa en Artes en la Universidad de Nottingham Trent , en reconocimiento a su contribución al arte británico contemporáneo. Las últimas exposiciones individuales fueron girando el Séptimo Corner, Blain Sur , Berlín, 2011 , y El optimismo nihilista , Blain Sur , Londres 2012 .

BIOGRAPHIE Tim Noble (1966, Stroud, UK) and Sue Webster (1967, Leicester, UK) met as Fine Art students at Nottingham Trent University in 1986, where they both arrived a day late for class. The artists have officially collaborated since 1996 and are associated with the post-YBA (Young British Artist) generation of artists. Noble and Webster’s artistic persona is intrinsic to the meaning of their works. Their art can be separated into ‘Light Works’ and ‘Shadow Works’ formally; yet both these categories remain directly related. ‘Shadow Works’ consist primarily of sculptures incorporating diverse materials such as household rubbish, scrap metal and taxidermy animals; by shining light onto assemblages of the latter, they are transformed into highly accurate shadow profile portraits. Since their first solo show in London, British Rubbish (1996), Noble and Webster have enjoyed international recognition. Their work is in the permanent collection of the Arken Museum of Modern Art, Copenhagen; Artis-François Pinault, France; Dakis Joannou Collection, Athens; The Goss-Michael Collection, Dallas; Honart Museum, Tehran, Iran; Museum of Contemporary Art, Denver; Museum of Contemporary Art, Los Angeles; National Portrait Gallery, London; The Olbricht Collection, Berlin; Project Space 176–The Zabludowicz Collection, London; Saatchi Collection, London; Samsung Museum, Seoul, Korea; Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Publications of the artists’ work include Polymorphous Perverse, a catalogue of their Freud Museum exhibition (London: Other Criteria, 2008), and Wasted Youth, a comprehensive survey of the artists’ work from 1996 to 2006 with essays by Jeffrey Deitch and Sir Norman Rosenthal (New York: Rizzoli, 2006). Rizzoli published their most recent publication titled British Rubbish in 2011. In 2009, Noble and Webster were awarded Honorary Doctor of Arts degrees at Nottingham Trent University in recognition of their contribution to contemporary British Art. Latest solo exhibitions were Turning The Seventh Corner, Blain Southern, Berlin, 2011; and Nihilistic Optimism, Blain Southern, London 2012.

ANGELO PLESSAS

S[EDITION]

Angelo Plessas cree que el retrato como forma de arte se encuentra en un punto alto en la historia del arte. Él comenta: “Pasar tanto tiempo con Facebook, Twitter o cualquier sitio de citas literalmente -se vive en frente de nuestras pantallas y elaboramos diferentes personajes o alter egos. La gente es tan creativa con su propia imagen en la actualidad, estoy muy interesado en esta forma de pensar (de la presentación) de la identidad dentro de una ventana de navegador”. La estética de Plessas ‘recuerda los primeros mundos digitalizados por ordenador - no importa si asemejan a el mundo de los videojuegos o los espectros de píxeles RGB simples o las referencias de las imágenes de principios de los 80 y 90 años. Plessas: “Creo que nuestras pantallas son nuestros nuevos espejos y esto es muy interesante para mis creaciones.” Uno tiene que preguntarse si Retrato 4 es la imagen contada de una realidad contemporánea digitalizada, o la realidad de una verdadera creación hype con casi ninguna limitación visual, pero en el marco de imagen.

Retrato #4 Obra Digital Animacion 2012

Portrait #4 Digital Artwork Animation 2012

Angelo Plessas believes that the portrait as art form is at a high point in history. He remarks: “Spending so much time with Facebook, Twitter or any dating sites we literally live in front of our screens and we elaborate different personas or alter egos. People are so creative with their self-image nowadays, (and) I am very interested in this mindset (of presenting) identity and self inside a browser window.” Plessas’ aesthetic recalls early-digitalised computer worlds - no matter whether of the gaming world or simple RGB pixel spectrums or heavily references early 80s and 90s imagery. Plessas: “I think our screens are our new mirrors and this is intriguing.” One has to ask whether Portrait 4 is the counter image of a contemporary digitalised reality, or the reality of a hyper real creation with almost no visual limitation but the picture frame.

BIOGRAFÍA El principal medio de Angelo Plessas ‘es la Internet. Él la utiliza para explorar la dualidad de realidades virtuales y vidas virtuales compuesta y dirigida por personas reales en un mundo real. Plessas : “ El Internet se podría llamar un monumento a un presente siempre cambiante (I) se apropia del tiempo de una manera interesante y estoy fascinado por ( cómo los seres humanos se comportan con el fin de parecer frente a esta apropiación)”. En 2007 fundó la Fundación Angelo Plessas, una serie de proyectos en curso centrados en la relación entre Internet y la cultura. Ha expuesto en todo el mundo incluso en el tercero de Salónica y Atenas tercera Bienal, el Jue De Paume, Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Atenas, la Trienal de Milán y el Proyecto de Estambul Yama, Turquía. En junio de 2012 Plessas tuvo su primera exposición individual en Londres, El crepúsculo de los ídolos, en Cell Projects Space. Más recientemente, ha diseñado el espacio de la familia en Frieze Art Fair de Londres 2013 y la convirtió en una obra de arte que lo abarca todo para interactuar con los visitantes. Él es el griego / italiano, con una beca Fulbright vive y trabaja en Atenas, Grecia.

BIOGRAPHIE Angelo Plessas’ main medium is the Internet. He uses it to explore the duality of virtual realities and virtual lives composed and conducted by real people in a real world. Plessas: “The internet could be called a monument to an ever-changing present. (It) appropriates time in an interesting way, and I am fascinated by (how humans behave in order to deal with this appropriation).” In 2007 Plessas founded The Angelo Foundation, a series of ongoing projects focused on the relationship between the Internet and culture. He has exhibited globally including at the the 3rd Thessaloniki and 3rd Athens Biennale, the Jue De Paume, National Museum of Contemporary Art, Athens, the Triennale of Milan, and the Yama Project Istanbul, Turkey. In June 2012 Plessas had his first solo show in London, Twilight of The Idols, at Cell Project Space. Most recently, he designed the Family Space at London’s Frieze Art Fair 2013 and turned it into an all-encompassing artwork for the visitors to engage with. He is Greek/ Italian, a Fulbright scholar, and lives and works in Athens, Greece.

S[EDITION]

MATT PYKE

Transfiguración, fue creada por Matt Pyke junto con Realise Studio para la reapertura de la prestigiosa galería de arte digital La Gaite Lyrique, París. Una figura humana voluminosa camina a una velocidad ecualizada a paso ligero, y en el centro de la pantalla se transforma en un ciclo de materiales transitorios y sorprendentes. Progresivamente vemos cómo las llamas crecen en estructuras metálicas que se transforman en la materia como una roca, de la cual los cristales de hielo de primavera se gestan. Después de numerosas transformaciones, posterior el gigante de piedra adquiere cualidades líquidas, entonces se convierte en gas, a su vez se transforma en una figura de piel perfectamente representado en innumerables hebras de pelo de varios colores y así sucesivamente. Durante todo este tiempo, la figura viaje a través de la pantalla en un fondo negro, esta transformación es acompañada por el sonido que se correlaciona con lo que ve el espectador. Simultáneamente, el audio es descriptivo del material de la transformación en sí. La figura finalmente se disuelve en lo que parece ser polvo de estrellas, o simplemente la luz - suscrito por un sonido de campana brillante agudo en re- se acumula en las llamas que volverán a empezar el ciclo. En su página web, Pyke describe Transfiguración como: “un gigante antropomórfico que evoluciona sin cesar entre los materiales primitivos y avanzados” Tanto la “transfiguración” y el “evolucionar” son palabras positivas que significan un desarrollo hacia un algo: una progresión. En este sentido, la Transfiguración se puede ver como una obra que hace referencia a la evolución de la vida y de la humanidad misma, cruzando los elementos simples encima de una edad hiperreal digital.

Transfiguración Modelo 3D Obra digital 2011

Transfiguration 3D Model Digital artwork 2011

Transfiguration, 2011, was created by Matt Pyke together with Realise Studio for the reopening of the prestigious digital arts gallery La Gaite Lyrique, Paris. A bulky human figure walks at a brisk equalized speed at the center of the screen and transforms in a cycle of progressively transient and surprising materials. We watch how flames grow into metal structures that transform into rock-like matter, out of which icy crystals spring. After numerous further transformations, the walking giant takes on liquid qualities, then becomes gas, and in turn transforms into a perfectly depicted fury figure out of innumerable strands of multi-colored hair; and so on. All this time, the figure’s journey across the black screen is accompanied by sound that correlates to what the viewer sees. Simultaneously, the audio is descriptive of the material of transformation itself. The figure finally dissolves into what appears to be stardust or simply light underwritten by a high-pitched sparkly bell-like sound - and re-accumulates into flames that re-start the cycle. On his website, Pyke describes Transfiguration as: “an anthropomorphic giant (that) endlessly evolves between primitive and advanced materials”. Both “transfiguration” and “evolve” are positive words that signify a development towards and into something: a progression. In this sense, Transfiguration can be seen as a work referencing the evolution of life and humanity itself, crossing from the simple elements over into a digital hyper-real age.

BIOGRAFÍA Es uno de los más innovadores artistas digitales de su tiempo. El cuerpo de trabajo de Pyke explora las tensiones entre la forma abstracta y figurativa. También la sinestesia entre sonido e imagen, su obra abarca una diversidad sorprendente: que va desde el diseño interactivo, el arte de marca para hacer compras instalaciones y aplicaciones para el iPhone colaborando con una gran variedad de empresas como Apple y AOL. Pyke ha participado en asociaciones artísticas y trabajó en comisiones para las instituciones de arte más importantes, incluyendo el V & A Museum, Londres, en 2008. Él es también el cerebro detrás del estudio de diseño Universal Everything, un colectivo de diseñadores, programadores, músicos y artistas que son famosos por sus comisiones para marcas como Chanel, MTV, y los Juegos Olímpicos 2012 de Londres. Las obras de arte de Matt Pyke se han exhibido por todo el mundo incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva Yor , el V & A Museum, Londres, La Academia Central de Bellas Artes, Beijing, el Centro Garage de Arte Contemporáneo de Moscú, La Gaite Lyrique, París y Art HK, Hong Kong. Vive y trabaja en el Reino Unido .

BIOGRAPHIE Matt Pyke (b.1975) is one of the most innovative digital-motion artists of his time. Pyke’s body of work, which explores the tensions between abstract and figurative form and the synaesthesia of sound and image, encompasses a striking diversity: it ranges from interactive design and branded art to shop installations and iPhone applications, and it is reflected in collaborations with a large variety of companies such as Apple and AOL. Pyke has engaged in artistic partnerships and worked on commissions for leading art institutions, including for the V&A Museum, London, in 2008. He is also the mastermind behind design studio Universal Everything, a collective of designers, programmers, musicians and artists who are famous for their boundary-pushing commissions for brands like Chanel, MTV, and London’s 2012 Olympics. Matt Pyke’s artworks have exhibited worldwide including at the Museum of Modern Art, New York; the V&A Museum, London; The Central Academy of Fine Arts, Beijing; Garage Centre for Contemporary Art, Moscow; La Gaite Lyrique, Paris; and Art HK, Hong Kong. He lives and works in the UK.

S[EDITION]

BILL VIOLA

Por más de 40 años Bill Viola ha creado instalaciones de vídeo que se funden con la arquitectura, películas de vídeo, ambientes sonoros, obras de música electrónica, piezas de vídeo planas y algunas obras para la televisión, así como conciertos de música, ópera y espacios sagrados. Una frase de “Chris “ es parte de su serie Transfiguraciones, que incluye la instalación del Océano Sin Shore (2007) creada para la 52 ª Bienal de Venecia. “Transfiguración se refiere a un proceso mediante el cual se reconfigura tanto la sustancia como la esencia de una entidad. En términos físicos, una transfiguración es un cambio en la forma, una remodelación de la apariencia. La palabra deriva del griego antiguo ‘metemorphothe’ o ‘metamorfosis’, lo que sugiere una reforma completa. Sin embargo, la palabra adquiere su pleno significado en el contexto espiritual cuando se refiere al momento en que una persona o un objeto se transforma no por medios externos, sino desde dentro. El cambio resultante es absoluto y completo, que afectan el corazón y el alma de la materia. Aunque la apariencia exterior a veces puede ser alterada en este proceso no siempre es necesario. La más profunda y completa transformación se produce en el interior, fuera de la vista, para una persona que reformula cada fibra de su ser, finalmente, queda irradia hacia fuera y puede afectar todo a su alrededor.” Una frase de “Chris” Video 2011

A Phrase from “Chris” Video 2011

BIOGRAFÍA Artista norteamericano Bill Viola (n. 1951) es reconocido internacionalmente como uno de los artistas más importantes de la actualidad. Desde la década de 1970, ha creado obras de arte de vídeo innovadoras y al hacerlo, ha sido fundamental en el establecimiento de este como una forma vital de la práctica del arte contemporáneo. Utilizando las tecnologías más avanzadas, Viola ha producido cintas de vídeo, vídeo instalaciones arquitectónicas, ambientes sonoros, actuaciones de música electrónica, piezas de video para pantalla plana y obras para la emisión de televisión. Viola utiliza el vídeo para explorar el fenómeno de la percepción de los sentidos como una vía para el autoconocimiento. Exploración de las experiencias humanas fundamentales, incluyendo el nacimiento, la muerte y el cambio de los estados de conciencia, el artista se relaciona con las tradiciones del arte oriental y occidental, así como propone las ideas religiosas o espirituales que se derivan de budismo zen , el sufismo islámico y el misticismo cristiano. Entre las numerosas exposiciones individuales de Viola desde 1973 se destacan: el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1979); Bill Viola : Encuesta de una década , Contemporary Arts Museum, Houston, Texas (1988), Bill Viola, Fukui Museo de Bellas Artes, Fukui, Japón (1989); Bill Viola : Las imágenes no se ven, Kunsthalle Düsseldorf, Alemania (1993-4) . Viola representó a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia en 1995. En 1997, el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York organizó una importante encuesta de 25 años de su obra, que viajó a seis museos de Europa y Estados Unidos. En 2002 Viola presenta su obra más ambiciosa hasta la fecha, el ciclo digital “ fresco” Going Forth By Day, encargado por el Deutsche Guggenheim de Berlín y el Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York. Desde entonces, las grandes exposiciones de la obra de Viola han sido organizadas por el Museo J. Paul Getty ( 2003 ) y el Museo de Arte Mori en Tokio (2006) Blain Suthern en Londres (2011 y 2013). En 2011 fue galardonado con el Premium Imperiale en la categoría de pintura, un premio global de arte prestigioso otorgado anualmente por la Asociación de Arte de Japón . Bill Viola vive y trabaja en Long Beach, California.

For over 40 years Bill Viola has created architectural video installations, video films, sound environments, electronic music performances, flat panel video pieces, and works for television broadcast, as well as music concerts, opera and sacred spaces. A Phrase from “Chris” is part of his Transfigurations series that includes the installation Ocean Without a Shore (2007) created for the 52nd Venice Biennale. “Transfiguration refers to a rare process whereby both the substance and essence of an entity is reconfigured. In physical terms, a transfiguration is a change in form, a remodeling of appearance. The word derives from the ancient Greek ‘metemorphothe’ or ‘metamorphosis,’ suggesting a complete reformation. However, the word takes on its fullest meaning in the spiritual context when it refers to the moment when a person or an object is transformed not by external means but from within. The resulting change is absolute and thorough, affecting the heart and soul of the subject. Although the outward appearance can sometimes be altered in this process as well, it is not necessary. A deeper, more profound, complete transformation occurs inside, out of sight and, for a person it reformulates the very fiber of their being, finally radiating outward to affect everything around it.”

BIOGRAPHIE American artist Bill Viola (b. 1951) is internationally recognised as one of today’s leading artists. Since the 1970s, he has created groundbreaking video artworks and in doing so has been instrumental in establishing this as a vital form of contemporary art practice. Utilising state of the art technologies, Viola has produced videotapes, architectural video installations, sound environments, electronic music performances, flat-panel video pieces and works for television broadcast. Viola uses video to explore the phenomena of sense perception as an avenue to selfknowledge. Exploring fundamental human experiences including birth, death and changing states of consciousness, the artist engages with Eastern and Western art traditions, as well as proposing religious or spiritual ideas deriving from Zen Buddhism, Islamic Sufism and Christian mysticism. Among Viola’s numerous solo exhibitions since 1973 are Projects, the Museum of Modern Art, New York (1979); Bill Viola: Survey of a Decade, Contemporary Arts Museum, Houston, Texas (1988); Bill Viola, Fukui Fine Arts Museum, Fukui, Japan (1989); Bill Viola: Unseen Images, Kunsthalle Düsseldorf, Germany (1993-4). Viola represented the United States at the Venice Biennale in 1995. In 1997, the Whitney Museum of American Art in New York organised a major 25-year survey of his work, which travelled to six museums in Europe and the United States. In 2002, Viola presented his most ambitious work to date, the digital ‘fresco’ cycle Going Forth By Day, commissioned by the Deutsche Guggenheim Berlin and the Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Since then, major exhibitions of Viola’s work have been organised by the J. Paul Getty Museum (2003) and the Mori Art Museum in Tokyo (2006), and Blain Southern in London (2011 and 2013). In 2011 he was awarded the Praemium Imperiale in the category of painting, a prestigious global art prize awarded annually by the Japan Art Association. Bill Viola lives and works in Long Beach, California.

S[EDITION]

AES+F

La Estética única de AES + F es famosa por incorporara un atractivo hipnótico, belleza clásica, una narración de varias capas y la alienación. Este proyecto de video, “La Reencarnación”, fue creado en colaboración con la revista Wallpaper y la participación completa del colectivo de artistas rusos. The Space Trilogy es acerca de una reinterpretación moderna de : el cielo, el purgatorio y el infierno. El trabajo se basa en la Allegoria Sacra purgatorio que representa a Juan Bellini: como niño innominado, figuras del Antiguo y del Nuevo Testamento y la mitología antigua se encuentran en un moderno aeropuerto internacional, donde los pasajeros a tierra se suspenden entre el tiempo y el lugar. AES + F reinterpreta la pintura mediante el transporte de los personajes en un futuro hyper-real donde combaten con temas reconocibles del mundo moderno. La reencarnación es un extracto de la película completa, Allegoria Sacra. Temas generales del trabajo incluyen la obsesión con la belleza, la juventud, el lujo y como la sociedad evita la responsabilidad moral y ética. Todo esto se desarrolla en un baile impresionante, pero grotesco música coral barroco. Reencarnación Video 3 m 12 s

AES+F’s unique aesthetic is famous for its hypnotic appeal, classical beauty, multilayered narrative, and alienation. This project for Sedition, Reincarnation, was created in collaboration with Wallpaper* magazine and completes the Russian artist collective’s The Liminal Space Trilogy about the modern world: heaven, purgatory and hell. The work is based on Giovanni Bellini’s Allegoria Sacra depicting purgatory: unchristened children, figures of the Old and New Testament and ancient mythology meet in a modern international airport where grounded passengers are suspended between time and place. AES+F reinterpret the painting by transporting the characters into a hyper real future where they combat with recognizable themes of the modern world. Reincarnation is an extract from the complete film, Allegoria Sacra. The work’s overarching themes include obsession with beauty, youth, luxury, and society’s avoidance of moral and ethic responsibility all unfolding in a stunning, yet grotesque dance to baroque choral music. Reincarnation Video 3 m 12 s

BIOGRAFÍA AES + F se formó en 1987 por los arquitectos conceptuales Tatiana Arzamasova, Lev Evzovich y el artista gráfico Evgeny Svyatsky. El trío ha colaborado en varios proyectos escultóricos, digitales de instalación, de collage digital, escultura de fibra de vidrio y de porcelana para instalación pública. En 1995, el fotógrafo de moda nacido en Moscú Vladimir Fridkes comenzó a colaborar con el grupo AES, formando la ‘ F’ en AES + F. El colectivo ha logrado el reconocimiento y la aclamación de todo el mundo en el Pabellón de Rusia en la Bienal de Venecia de 2007 con su provocativa de otro mundo Last Rio , la primera de un trío de gran escala de animaciones de vídeo multi-canal de sorprendente originalidad que han llegado a definir tanto su estética y ampliar los límites de la instalación de vídeo. Durante más de una década, las obras de AES + F se han exhibido en festivales de firma y exposiciones bienales de arte contemporáneo de todo el mundo, incluyendo los de: Adelaide, Gwangju, La Habana, Estambul, Kiev, Lille, Lyon, Melbourne, Sydney, Taipei, Tirana, y Toronto, además de Moscú y Venecia. Su trabajo también ha sido presentado en eventos influyentes dedicados a los nuevos medios, como ARS Electronica (Linz), Mediacity Seúl y la Zona Video (Tel Aviv) así como la muestra fotografía, FotoFest (Houston), Les Rencontres d’ Arles Bienal de Fotografía de Moscú. Casi 100 exposiciones individuales en museos, salas de exposiciones y galerías comerciales en todo el mundo, las obras de AES + F se han mostrado en lugares tan prestigiosos como el Neuer Berliner Kunstverein, ZKM (Karlsruhe), Casino Luxembourg, Kiasma (Helsinki ), el Moderna Museet (Estocolmo), Tate Britain (Londres), el Instituto de Artes Visuales internacionales (Iniva, varios lugares del Reino Unido), el Pasaje de Retz (París ), la Colección de Arte Vanhaerents (Bruselas), MACRO Future (Roma), el Museo Thyssen- Bornemisza (Madrid) y muchos otros. Entre las instituciones europeas importantes que recogen sus obras son el Moderna Museet, el Sammlung Goetz (Munich), la Neue Galerie Graz, la Maison Européenne de la Photographie (París ) y el Centro Georges Pompidou (París). Sus obras también se encuentran en las colecciones más importantes de Rusia, incluyendo la Casa de la Fotografía de Moscú, Moscú Museo de Arte Moderno, Galería Estatal Tretyakov (Moscú ) y el Museo Estatal Ruso (San Petersburgo).

BIOGRAPHIE AES+F was formed in 1987 by conceptual architects Tatiana Arzamasova and Lev Evzovich, and graphic artist Evgeny Svyatsky. The trio has worked together on various sculptural, digital and installation-based projects, from digital collage to porcelain, fiberglass sculpture to public installation. In 1995, Moscow-born fashion photographer Vladimir Fridkes began collaborating with AES group, forming the ‘F’ in AES+F. The collective achieved worldwide recognition and acclaim in the Russian Pavilion at the 2007 Venice Biennale with their provocative, otherworldly Last Riot, the first in a trio of large-scale, multi-channel video animations of striking originality that have come to define both their aesthetic and push the boundaries of video installation. For more than a decade, works by AES+F have been showcased in signature festivals and biennial exhibitions of contemporary art around the world, including those of Adelaide, Gwangju, Havana, Istanbul, Kiev, Lille, Lyon, Melbourne, Sydney, Taipei, Tirana, and Toronto, in addition to Moscow and Venice. Their work has also been featured in influential events devoted to new media, such as ARS Electronica (Linz), Mediacity Seoul, and Video Zone (Tel Aviv), as well as photography, such as FotoFest (Houston), Les Rencontres d’Arles, and Moscow’s Photo Biennial. By now the subject of almost 100 solo exhibitions at museums, exhibition spaces, and commercial galleries worldwide, AES+F works have been shown in such prestigious venues as the Neuer Berliner Kunstverein, ZKM (Karlsruhe), Casino Luxembourg, Kiasma (Helsinki), the Moderna Museet (Stockholm), Tate Britain (London), Institute of International Visual Arts (Iniva, various UK venues), the Passage De Retz (Paris), the Vanhaerents Art Collection (Brussels), MACRO Future (Rome), the Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid), and many others. Among the important European institutions collecting their works are the Moderna Museet, the Sammlung Goetz (Munich), the Neue Galerie Graz, the Maison Européenne de la Photographie (Paris), and the Centre Georges Pompidou (Paris). Their works are also found in the foremost collections of Russia, including the Moscow House of Photography, Moscow Museum of Modern Art, State Tretyakov Gallery (Moscow), and The State Russian Museum (St. Petersburg).

MEMO AKTEN

S[EDITION]

Las obra de Memo akten movimiento armónico simple es parte de una serie de investigaciones en curso, la investigación de la complejidad a través de la simplicidad para explorar la naturaleza de los patrones complejos creados a partir de la interacción de los ritmos de varias capas simples. Con software a medida crea una serie de “agentes” que se le asigna un comportamiento simple - un patrón repetitivo de movimiento y sonido. Por su parte, cada agente es monótono y mecánico. Sin embargo, en combinación con otros agentes, la interacción de las diversas partes crea una experiencia que abarca lo audiovisual. Akten se ha inspirado para crear el proyecto en el movimiento de los péndulos y otros fenómenos oscilatorios fundamentales que manifiestan movimiento armónico simple. Además , se basó en las obras de Norman Mclaren, John Whitney, Steve Reich, John Cage, Gyorgy Ligeti, Edgar Varese y Brian Eno. Movimiento armónico simple evoluciona continuamente y se concreta en diversos medios de comunicación, que van desde el vídeo al sonido de la instalación. La salida digital se ha creado exclusivamente para esta exhibición. Akten “Al abstraer, enfatizar y ampliar los hermosos patrones complejos creados a partir de la interacción del movimiento armónico simple a diferentes frecuencias, el proyecto tiene como objetivo compartir el entusiasmo, la emoción y la fascinación que siento personalmente con tales observaciones. En última instancia, la esperanza de alentar e inspirar a otros a mirar el mundo alrededor de ellos con más detalle, con un enfoque más interrogativo; más importante aprender a encontrar la fascinación de lo que normalmente ni siquiera han mirado” . Armónico simple en movimiento #5 Video 5m 19s

Simple Harmonic Motion #5 Video 5m 19s Memo Akten’s Simple Harmonic Motion works are part of an ongoing research series investigating complexity through simplicity: to explore the nature of complex patterns created from the interaction of simple multilayered rhythms. Custom software creates a number of ‘agents’ who are assigned a simple behaviour - a repetitive pattern of movement and sound. On its own, each agent is monotonous and mechanical. However, in combination with other agents, the interaction of the various parts creates an encompassing audiovisual experience. Akten drew inspiration for the project when exploring the motion of pendulums and other fundamental oscillatory phenomena that exhibit simple harmonic motion. In addition, drew on the works of Norman Mclaren, John Whitney, Steve Reich, John Cage, Gyorgi Ligeti, Edgar Varese and Brian Eno. Simple Harmonic Motion continually evolves and takes shape in various media, ranging from video to sound installation. The digital output has been created exclusively for Sedition. Akten: “By abstracting, emphasising and amplifying the beautiful complex patterns created from the interaction of simple harmonic motion at different frequencies, the project aims to share the enthusiasm, excitement and fascination I personally feel from such observations. (I) Ultimately hope to encourage and inspire others to look at the world around them in more detail, with a more interrogatory approach; most importantly learning to find fascination in what they normally would not even have looked at.”

BIOGRAFÍA Artista plástico, músico y ingeniero explora el espacio entre lo abstracto y lo figurativo, a partir de la naturaleza como su principal fuente de inspiración. Nacido y criado en Estambul, Akten comenzó a programar música y los gráficos por ordenadores de 8 bits a una edad temprana, después de lo cual trabajó en la industria de los juegos en Londres como diseñador y programador hasta que comenzó su carrera artística en 2003 . Su trabajo es impulsado por el deseo de ampliar las relaciones invisibles entre imágenes; evidenciando las asociaciones entre sonidos, movimiento y forma. Akten : “Mi mayor inspiración es la naturaleza y tratar de entender la naturaleza y la ciencia de la naturaleza. A diferencia de los que se inspiran directamente de la estética observables, yo parto de lo que veo a mi alrededor, me siento inspirado por los procesos y comportamientos que crean y dan forma a ellos.” El trabajo de Akten se ha exhibido en todo el mundo, incluyendo el Victoria & Albert Museum de Londres : Royal Festival Hall, de Londres; Holon Museum, de Tel Aviv, el Centro Garage de Cultura Contemporánea, Moscú; GECT Bienal, Eindhoven, creador de proyectos en: Nueva York, Sao Paulo y Pekín, The Roundhouse , Londres; Aldeburgh Festival de Música; Sydney Biennale y el Festival de Cine de Edimburgo Festival, Sao Paulo. En 2013, forma colaboración con Quayola ganó el Golden Nica en el Prix Ars Electronica en la categoría de Animación y el artista es uno de los contribuyentes principales para abrir Marcos, un conjunto de herramientas de programación creativa y conferencias en todo el mundo.

BIOGRAPHIE Visual artist, musician and engineer Memo Akten explores the space between the abstract and the figurative, drawing on nature as his main inspiration. Born and raised in Istanbul, Akten began programming music and graphics at an early age on 8-bit computers, after which he worked in the games industry in London as designer and programmer until he started his artistic career in 2003. His work is driven by the desire to amplify the unseen relationships within and between images; associations between sounds, movement and form. Akten: “My biggest inspiration is nature, and trying to understand the nature of nature, science. As opposed to taking inspiration directly from the observable aesthetics of what I see around me, I am inspired by the processes and behaviours that create and shape them.” Akten’s work has been exhibited and performed worldwide, including at the Victoria & Albert Museum, London: Royal Festival Hall, London; Holon Museum, Tel Aviv; Garage Centre for Contemporary Culture, Moscow; STRP Biennale, Eindhoven; Creators Project, New York, Sao Paulo and Beijing; The Roundhouse, London; File Festival, Sao Paulo and Rio; Aldeburgh Music Festival; Sydney Biennale; and the Edinburgh Film Festival. In 2013, Akten’s collaboration FORMS with Sedition artist Quayola won the Golden Nica at the Prix Ars Electronica in the Animation category, and the artist is one of the core contributors to open Frameworks, a creative programming toolkit and lectures around the world.