MIKRÓN (μΜ)

John Ángel Rodríguez Curador

Del 6 de mayo de 2020 al 1 de agosto de 2020

Organiza:

Casa Hoffmann

Carrera 2A # 70 - 25 Bogotá D.C., Colombia info@casa-hoffmann.com www.casa-hoffmann.com +57 312 439 0627

Artistas Johanna Arenas Karen Aune Marcela Calderón María Fernanda Cardoso Ximena Díaz Yury Forero Alfredo Gil Carmen Gil Aníbal Gomescasseres Álvaro Diego Gómez Iván Herrera Lina Hincapié Philip Klawitter Alvaro Lacouture Andrés Layos María José Leaño Luz Lizarazo Adriana Marmorek Camilo Manrique Sonia Rojas Santiago Torres Santiago Vargas Carolina Villegas

En el contexto de la revolución molecular, hemos alcanzado un alto nivel de desarrollo tecnológico que nos ha permitido conocer y descifrar micro-universos, los cuales eran inalcanzables, e incluso en ocasiones incomprensibles para el modelo de especulación científica propio del siglo XX. Con las nuevas formas de observación microscópicas y la interpretación de datos asistida por la fusión de un conocimiento transversal, nuestra civilización adquiere el compromiso de modificar sus principios de supervivencia, para redefinir el concepto del origen y de la evolución de la vida en el universo.

MIKRÓN es una curaduría cuyo formato de investigación examina el pensamiento multidimensional. Por lo tanto, los artistas y obras que hacen parte de esta exhibición, documentan de forma tangencial el resultado de esa indagación teórica, donde los proyectos proponen miradas transversales a este universo.

El término que se ha elegido para denominar esta exhibición colectiva, funciona como un gesto catalizador que intenta abrir un camino hacia la especulación discursiva de esta oculta dimensión.

La microbiología, la bioquímica, la neurología y la física cuántica son algunas de las áreas del conocimiento de elaboración tecno-científica que están desarrollando estas nuevas aproximaciones, teóricas y prácticas, al mecanismo que permite la vida, con el objetivo de empezar a entender cómo se organizan y estructuran las más minúsculas formas de existencia y de qué manera se relacionan con los macro-sistemas. Por lo tanto, uno de los grandes retos que afronta nuestra civilización es descifrar esas interacciones y sus más imperceptibles componentes, para poder optimizar nuestra relación con el medio ambiente y también ejecutar una apropiada transición hacia una civilización planetaria.

Acceder a este inmenso reino de micro-organismos, micro-estructuras, agrupaciones unicelulares y formas de vida no-orgánicas, nos permitirá potencializar y corregir nuestra correlación con la biósfera; asimismo podremos redefinir la idea de existencia e implementar múltiples dispositivos simbióticos, aprovechando las funciones de ciertos organismos fuera de sus contextos. A su vez, esto nos permitirá elaborar una coordinada ingeniería de concepto, para así rediseñar nuestra matriz de términos esenciales. En esta medida y dirección de redescubrimiento, tanto los conceptos como el lenguaje requieren ser actualizados a las luces de estos insólitos develamientos.

El arte, la ciencia y la tecnología serán los territorios de indagación que se empalmarán con más frecuencia y estas iniciativas aproximarán didácticamente tanto a los investigadores-creadores como a las audiencias.

John Ángel Rodríguez

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Casa Hoffmann Casa Hoffmann es un espacio de exhibición dedicado a producir investigaciones en arte contemporáneo comisionadas a curadores o investigadores. Nuestro ciclo expositivo se consolida en proyectos curatoriales que establecen ejes de diálogos entre propuestas de artistas del ámbito local e internacional. Nuestro objetivo es promover y divulgar las investigaciones en museos, fundaciones e instituciones. Paralelamente, Casa Hoffmann asesora y promociona artistas locales dedicados a la investigación en arte, ciencias y tecnología.

Casa Hoffmann is an exhibition space that produces investigations in contemporary art commissioned to curators or researchers. Our exposing cycle is consolidated into curatorial projects that establish axes of dialogue between the proposals of local and international artists. Likewise, our aim is to promote and disseminate those investigations within museums, foundations, and institutions. Simultaneously, Casa Hoffmann advises and promotes local artists committed to research in arts, science, and technology.

Andrés Moreno Director

Camilo José Martín Direction assistant

Lorena Serna Production assistant

Contact: (+57) 312 439 0627 (+57 1) 357 6002 info@casa-hoffmann.com Carrera 2A # 70 - 25 Bogotá, Colombia

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John Ángel Rodríguez Egresado de artes plásticas y visuales de la ASAB UniversidadDistrital Francisco José de Caldas, 2004 con énfasis en nuevos medios. Maestría Art and Media Practice University of Westminster, Londres, Reino Unido, proyecto de grado curaduría de medios. Inició su actividad como artista mientras cursaba sus estudios en artes, desde 1999 hasta el 2005, participó en salones de arte universitario, exposiciones colectivas y proyectos de investigación. Trabajó en el Museo Nacional de Colombia 2002, en el departamento de educación. También realizó una investigación de intercambio académico internacional en la ASAB para el departamento de artes visuales.

Inició su actividad como curador independiente en 2004, en el 2007 se trasladó a Londres para realizar una investigación de campo en el sector de las industrias creativas. En 2009 fue curador invitado por la embajada de Colombia en Londres realizando la exposición “Equilibrio” presentada en el SouthBank Centre. Paralelo a su actividad como curador independiente, trabajó en la Saatchi Gallery, uno de los proyectos a destacar en este periodo fue “Art Accelerating Art”. Curo la exposición “Parallel Connections” que abordó las practicas del video performance, esta fue exhibida en la Wayward Gallery, Londres.

soluciones digitales para el sector cultural, en el contexto del Programa “Building Digital Capacity for the Arts” BBC & Arts Council England. En marzo de 2013 efectuó una investigación curatorial en New York, USA, durante esta residencia hizo una charla para Hack TED en EYEBEAM. En 2015 fue Co-fundador de PERMANENTE espacio independiente para la creación y experimentación de las practicas artísticas contemporáneas.

En ese mismo periodo curo exposiciones colectivas, individuales y residencias internacionales entre ellas: Vida No Orgánica, ArtFutura, Dark Matter y Deconstrucción.

Fundador de la plataforma curatorial GREY CUBE PROJECTS, que establece múltiples intervenciones transversales al interior del conocimiento tecno-científico, para de esta manera emprender proyectos de artes visuales y plásticos. En este ejercicio la instalación y la intervención especifica funcionan como una estrategia que intenta ser un detonante intuitivo para el espectador.

Entre sus más recientes reconocimientos se destacan: La beca de circulación internacional de IDARTES 2018 para realizar una conferencia en el MOCA Londres. En 2017 realizo la charla “Simbiosis Entrópica” en el departamento de investigación de FACT Liverpool, U.K con la beca de movilidad de IDARTES. Beca de movilidad internacional del Ministerio de Cultura e IDARTES 2016 para realizar una residencia curatorial en Varsovia, “Políticas Periféricas” Lokal 30 galería, obtuvo la misma beca para asistir como conferencista a ISEA 2012 “Machine Wilderness” Albuquerque, Nuevo México, USA. En el 2013 recibió la beca de la Getty Foundation de Los Angeles, USA para asistir a la conferencia anual de curaduría CIMAM 2013 “New Dynamics in Museums Curator, Artwork & Public Governance” Rio de Janeiro, Brasil, a esta asistió como el curador de la exposición “Digital Analogy: Pioneers of New Media”.

Hasta la fecha ha realizado 9 exhibiciones internacionales: una para la institución cultural ŁAZNIA 1 en la Ciudad de Gdanks, Polonia, “Bogotá Ciudad en el Borde” que hace parte del programa de intercambio “Cities on the Edge”, presentando el trabajo de cuatro artistas (Jaime Ávila, Andrés Londoño, Adriana Salazar y Alberto Lezaca). En Londres, ganó la beca curatorial´de Guest Projects para presentar la exposición “Vanishing Points” Londres, Julio de 2014. En Bogotá presento en Febrero de 2014 la exhibición de “Los Pioneros de el New Media”, en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá MAC, la cual obtuvo la participación de veinte artistas internacionales y tres nacionales. En 2011 fundó su empresa Digital Attila en Londres la cual se dedico a realizar

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Johanna Arenas Un trabajo artístico de múltiples soportes y multimedial es el producto de una ardua labor de investigación y estudio que Johanna Arenas ha emprendido atraída por la naturaleza, sus procesos y la observación experimental. A través de estudios de comportamiento, que conservan su orden cronológico, descubre transformaciones que traslada a dibujos, videos, fotografía o instalaciones para crear nexos entre el comportamiento del ecosistema y del ser humano.

Son asociaciones que se extraen de eventos particulares y que la artista vincula a algunas conductas que se replican en la cotidianidad. Así, ha llegado a derivar del comportamiento del movimiento, el espacio y las estructuras, rutinas o procesos que se extrapolan a diferentes organismos y seres, creando patrones y un tejido entre el comportamiento del hombre y la naturaleza.

Esencias No3 El principio constructivo de esta pieza es el diminuto hongo Rhizopus stolonifer que crece en la parte interna de la cáscara de algunas frutas durante su proceso de degradación. A partir de módulos artificiales amplificados y constelados entre sí, se configura una red que a pesar de la fragilidad de sus hilos logra emerger, y expandirse en rincones arquitectónicos a semejanza del Rhizopus en el material orgánico.

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Esencias No3, 2019 Johanna Arenas Triptych animation Fotografía.

Chromaluxe sobre aluminio y plotter 45 x 77 cm

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Marcela Calderón Es artista plástica egresada de la Universidad Nacional de Colombia (2015). Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en espacios como Flora ars+natura, FLACSO Ecuador (2019), la sala de proyectos de la Universidad de los Andes (2018), las salas de exposición de la Cámara de Comercio de Bogotá (2017), el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá (2015) entre otros. Ganó la beca de circulación internacional en Artes plásticas (2019) y fue finalista del premio Sara Modiano y el premio de arte joven Colsanitas- Embajada de España (2018).

Hizo parte del programa Escuela Flora con la beca CONSCAR (2015). Hasta 2016 trabajó en el proyecto educativo de NC-arte y desde el 2017 hasta la actualidad dirige el área de producción en Espacio Odeón.

Hongo Su trabajo parte de la premisa que somos en el plano biológico, político, social y emocional un sistema en el que todo está conectado, que es codependiente y simbiótico. Concibe el mundo físico y la realidad como la sumatoria de montones de –fragilidades-, de actos mínimos que se potencian en la colaboración y el tejido. Observa con cuidado los métodos de configuración, construcción y conformación de formas, seres y estructuras que provienen de lo orgánico o mejor de lo no industrializado. Hace exploraciones materiales con o partir de ellas como ejercicios de cuestionamiento sobre cómo percibimos y gestionamos esa red de debilidades.

Hongo, 2019 Marcela Calderón Construcción módular de agujas de acupuntura y esferas de gel 200 cm x 50cm x 30cm 12

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Yury Forero Yuri Forero desarrolla propuestas en diversas técnicas que abarcan el dibujo y lo escultórico, así como instalaciones, videos y performances. Su obra se ha centrado en las tensiones entre cultura e historia, rastreando en ello las relaciones entre sociedad y política. Investiga sobre el tiempo a través de diversos dispositivos que confrontan la representación a la presencia, mediante la arqueología del presente o una latencia continua de obsolescencia, construye piezas que abordan asuntos que deslocalizan e implican relectura y performatividad.

Ha trabajado con diferentes organizaciones comunitarias y centros culturales así como investigador y docente en la Universidad Del Valle, Facultad de artes visuales, la universidad Javeriana Cali en Colombia y Con la Facultad de Humanidades en la UAM Cuajimalpa y la UNAM en el CCU Tlatelolco en Ciudad de México. Ha expuesto de manera individual y colectiva desde los 90´s en diversos países. Vive actualmente entre Ciudad de México y Bogotá.

PARADIGMAS La historia conjunta procesos de un devenir de realidad que no se detiene, transformarse es su constante, en cada época se genera un estado o modo de ser preciso y acorde a su tiempo, estas configuraciones son resultado tanto de las relaciones entre humanos como de la especie con su entorno, una suerte de cosmovisión que sabe su pasado aunque no lo pueda conservar del todo y desconoce su futuro, aunque se erija en una proyección un poco planeada, un poco sorprendente, la vida es un fluir, las sociedades van fijando entendimientos y comportamientos para funcionar y esto le da la idea de cierta estabilidad que su mutación es muchas veces imperceptible, múltiples dinámicas en múltiples instancias, escalas o dimensiones, desde la condición físico-química de una materia vehículo de realidad, atravesando sus incidencias, relaciones y concepciones, así como el tiempo, la realidad se desvanece en tanto configura un nuevo estado de ilusión.

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PARADIGMA 1, 2, 3, 4, 5 y 6, 2019 - 2020 Yury Forero Dibujo; grafito / papel 50 x 32 cm

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Lina Hincapié Maestra en artes plásticas del Instituto departamental de Bellas Artes. Instaura en Cali su práctica artística desarrollando procesos donde involucra el quehacer como artista plástica y visual. Es su interés la investigación y el planteamiento de dinámicas que desde el arte inciden en lo social. A este respecto, su gestión en proyectos de curaduría y exhibición, como La Casa Tomada, El Proyecto de las Brujas, entre otros, cuestionan la importancia de indagar los sistemas del arte dentro de su propio contexto.

Lina Hincapié es una artista cuya obra explora sin remilgos, las complejas relaciones entre arte, sociedad, sistemas económicos y la vida cotidiana. A través del entendimiento de sus propias habilidades y posibilidades, busca desde sus inicios que su praxis generé una continua revisión crítica a los canales tradicionales de legitimación, difusión y comercialización de obras. Actualmente desarrolla diferentes líneas de trabajo en fotografía, pintura y dibujo y video-instalación.

Cósmos de la serie Catarsis En la antigua grecia catarsis significaba purificación de las pasiones, del ánimo, mediante las emociones que provoca la contemplación de una situación trágica.

Término empleado por primera vez por Aristóteles, que decía que los espectadores al ver la tragedia podrían sentir una especie de proceso de purificación sobre sus bajas pasiones y emociones profundas. Después fue acuñado por Freud en sicoterapia, como descarga y alivio de la tensión emocional. La eliminación de recuerdos que perturban la mente o el equilibrio nervioso. Mi trabajo actual comprende un sinnúmero de dibujos en diferentes formatos en los que se refleja la intimidad de una neurosis con composiciones abstractas. A diferencia de otro tipo de obras en las que he trabajado, éstas no están respaldadas por un concepto, sino por una visión más íntima del arte, experimentación con materiales… el regreso al papel.

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Cósmos De la serie Catarsis, 2020 Lina Hincapíe Técnica mixta sobre papel 110 x 70 cm

Dibujos en los cuales a través de periodos de meditación y repetición de patrones llegué a composiciones que de alguna manera me hicieron retornar a la labor pura del artista. Los espectadores interpretan ESTAS obras como el universo y la vía láctea, o como imágenes microscópicas, es la manera en que perciben estos mapas mentales.

A partir de este trabajo Y en la búsqueda de referentes artísticos encontré muchos caminos, pero sobretodo llegué a las tres religiones que marcaron la civilización oriental, como lo es el budismo, confucionismo y taoísmo. Corrientes religiosas donde la meditación y uso de simbología marcan un punto histórico y profundamente espiritual. Esta serie en la que trabajo particularmente hace 4 años, fue un proceso de eliminación de recuerdos… desde lo personal empecé un estudio principalmente motivada por la sicoterapia. Volver a la sicología y a la filosofía desde lo personal a lo global, renunciar al ego, reinventar los procesos creativos como artista, estudiar los principios budistas, así se van perfilando las composiciones abstractas, mediante el uso de texturas, marmolinas, acrílicos Y tintas se construyen los mapas mentales que representan constelaciones y galaxias.

Miguel Gonzalez info@casa-hoffmann.com | www.casa-hoffmann.com | (+5 4 7) 3 12 43 9 06 27 | Carrera 2 a # 70 - 25. Bogotá, Colombia

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María José Leaño Artista textil de la Universidad de los Andes, Maestra en Ciencias de la Estampación de la Universidad de Filadelfia como becaria de Colfuturo.

Investigadora en Biomímesis y Microscopía, con un fuerte interés en polinización, materiales inteligentes y sostenibilidad, inspirados en la naturaleza.

La evolución de su trabajo pasa de la impresión textil de temas florales a la impresión digital textil de micrografías, hasta la impresión 3D de granos de polen. Se destacan la muestra científica Polen a lo grande, en el Museo de Historia Natural de la Universidad Nacional, 2017, y Polinizando, Polen para llevar, una muestra de joyería y fotografía, en la galería Arte Portable, 2018, en donde utiliza su trabajo para transmitir ciencia al público general.

Ganadora de varios premios y menciones en diseño sostenible, siendo el más reciente el proyecto b.all (be all) del Core Group Biomímesis Bogotá, finalista y ganador en concepto de diseño del Biomimicry Design Challenge 2016, sobre comida para el futuro, del cual fue gestora y directora. El proyecto se centró en el diseño de materiales funcionales y sostenibles para empacar comida, inspirados en organismos naturales como semillas e insectos.

Actualmente cursa una Maestría en Ingeniería Biomédica en la Universidad de los Andes. Su proyecto de investigación se basa en el estudio de las interacciones entre las estructuras involucradas en la polinización, como las paredes de los granos de polen y los pelos de abejas silvestres, para ser aplicados en el desarrollo de biomateriales, utilizando sedas de polilla y de arañas como material base.

Polen Los granos de polen son cápsulas diseñadas por la naturaleza para transportar los gametos masculinos de una planta a otra y poder realizar la fecundación cruzada de sus óvulos para producir semillas sanas. Cada planta tiene un diseño específico de polen que ha evolucionado junto con sus flores y los animales que ayudan a transportarlos.

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Polen, 2016 - 2019 María José Leaño Microscopía de Barrido de Electrones, Impresión digital en papel fotográfico.

Microscopía conofocal e Impresión 3D

Impresión tridimensional de granos de polen, creadas usando imágenes tomadas con Microscopía Confocal. El polen tiene diferentes tamaños y formas dependiendo de la planta que los contiene y del tipo de polinizador que lo transporta. Las formas y tamaños presentados en esta colección son tomados directamente de la naturaleza, no han sido transformados ni editados en ninguna forma. Las dimensiones reales (escala 1:1000) se pueden calcular fácilmente, el grano de polen más grande, es generalmente de la familia de las calabazas, que mide alrededor de 20 centímetros en esta muestra, mide en realidad 200 µm o micrómetros, lo que corresponde a 1/5 parte de un milímetro. El más pequeño mide alrededor de 8 µm.

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Camilo Manrique Artista de la Escuela de Artes y Letras (2017) que cuestiona los métodos de control y ejercicios de poder desde el dibujo, escultura e instalación, procurando trabajar con materiales de fácil asociación por la frecuencia de su empleo.

Su curiosidad por los ejercicios de poder aparece a muy temprana edad a causa de las recurrentes noticias en los medios de comunicación colombianos, especialmente en las noticias televisadas durante la década de los 90’s y su contraparte aún más informativo en los productos del difunto periodista y abogado Jaime Garzón, tema que lleva a investigación durante su carrera en la Escuela de Artes y continúa hasta la fecha; cuestionando algunos de los métodos empleados en el control y mantenimiento de las sociedades en su obra con temas como: Sistemas educativos y ejercicios militares en su proyecto “OCCIDENTE” (dibujo e instalaciones en papel de lija); Estructuras arquitectónicas estructuras sociales en “ARTROPOCONSTRUCCIONES” (dibujo, instalación y esculturas en acero tomando por referente las patas de los insectos como base de construcción para el desarrollo de cada estructura) y medios de comunicación en “HORRORWOOD” (dibujo e instalación).

Artropoestadio

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Artropoestadio, 2020 Camilo Manrique Escultura en hierro pulido y soldado con pintura anticorrosiva y laca negra brillante 63x63x61 cm

Hace parte del proyecto “Artropoconstrucciones” donde presento un mundo arquitectónico alterno partiendo desde la Edad Media, puntualmente el momento “Gótico” por el cambio trascendental que hubo, pasando de la arquitectura pesada y de paredes gruesas del románico, al “imperio de la luz” gracias a las estructuras altas y livianas, y el inicio de los vitrales como elemento educativo y decorativo en sus iglesias. Recreo edificios que tienen incidencia en el comportamiento social actual, ya sean edificios de culto (iglesias, mezquitas) capitolios, cárceles, estadios etc. Recordando que en la edad media (época feudal) las decisiones y ritos se desarrollaban en las naves de las iglesias católicas cuando estas no se encontraban ocupadas por los feligreses (la institución católica las prestaba a la comunidad); sin embargo en mi trabajo las vigas de estos edificios hacen referencia a patas de insectos, partiendo de un imaginario, donde la sociedad de la época no se concentraba en mirar hacia afuera (la bóveda celeste) y en vez de dedicarse a la teoría heliocéntrica se dedican a contemplar hacia adentro de la tierra, a lo más pequeño, los insectos y descubrir que diferentes especies pueden convivir en un mismo espacio.

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Carolina Villegas Su obra se centra en un profundo deseo de habitar la materia en nuestra forma física a través del arte. En general, Villegas se enamora de un material como si se enamorara de una persona, este es un proceso completamente visceral que tiene relaciones a lo largo del tiempo, haciendo que su vida gire, inexplicablemente, en relación con ese material. Carolina está interesada en la investigación desde disciplinas como la biología, la geología, la física, la química y la astronomía, sus sueños diarios y la lectura de su intuición también nutren su obra de arte de manera integral. Reuniendo conceptos que parten del microcosmos para entender el macrocosmos y así crear espacios alrededor de la habitabilidad de la materia, concibe el conocimiento del arte como una relación intrínseca e inexorable con la obra, con el estudio, con la experimentación y las sensaciones, y después de eso, la teoría se construye y se fusiona con la obra. Su trabajo se ha desarrollado en Instalación (pintura expandida), grabado, dibujo a gran escala, escultura, fotografía, performance y danza.

Microcosmos de la fragilidad I y II Esta obra hace parte de “La forma de la fragilidad”; un proyecto que surge del encantamiento hacia el carbón vegetal. Este material posee dicotomías marcadas, su construcción por capas es de una belleza extraordinaria y el proceso por el cual llega a ser carbón pasando por el fuego lo deja despojado pero con su escencia, una esencia capaz de ser el motor de la civilización y a la vez de ser tan frágil en su materialidad. Esta obra hace parte de las diferentes perspectivas microscópicas de ese material, que representa una mirada hacia el microcosmos de la propia fragilidad de la artista. El momento en el que ese grano de carbón fue puesto en el microscopio, nunca se repetirá, esa partícula está ahora en un espacio desconicido y se transformará en el tiempo , así que esta obra es la evidencia, de lo efímero de la materia y de la belleza que hay en ello.

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Microcosmos de la fragilidad I y II, 2018 Carolina Villegas grabado a punta seca en caja de luz 34 x 31 x 6 cm

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Karen Aune Brasilia 1971, vive y trabaja en Bogotá como Artista e investigadora desde el 2006. Es Profesora Asociada en el Departamento de Diseño de la Universidad de los Andes en Bogotá. Su área de investigación incluye la intersección entre de Arte, Diseño y Arquitectura desde procesos análogos complementados por tecnologías de diseño y fabricación digital teniendo como concepto principal los cruces entre la biología y la tecnología desde una óptica de la ciencia ficción.

Tiene un doctorado en el programa de “Estudios Avanzados en Producciones Artísticas” de la Universidad de Barcelona y realizó la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Montemorelos, Nuevo León en México (1996). Ha participado en varias exposiciones Individuales y colectivas en Museos, Centros Culturales, Galerías y Ferias, con premios de adquisición en Museos de Brasil y con obra en colecciones de museos, instituciones públicas y privadas en Colombia, Brasil, España, México y Estados Unidos e Inglaterra.

Lapsus Trópicus Aune plantea un ecosistema transformado por la tecnología, un mundo artificial, sensorialmente virtual, fractal, simbiótico, orgánico e invasivo que promueve la inmersión del espectador-explorador en un mundo alterado por un glitch.

Los nuevos objetos botánicos que surgen de estas interfaces son clonados; mutan digitalmente, una y otra vez, hacia otros elementos más complejos.

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Lapsus Trópicus/ Invitro, 2015 Karen Aune Petry, madera and Plexiglas 10 x 2 cm

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María Fernanda Cardoso Artista contemporánea colombiana radicada en Sídney, Australia.

Se graduó en Artes Plásticas de la Universidad de los Andes.

Tiene una maestría en la Universidad de Yale en Escultura e Instalación y un doctorado en Filosofía de la Universidad de Sídney. Su trabajo explora temas relacionados al arte y la ciencia, colaborando con científicos, cinematógrafos, microscopistas, camarógrafos, artistas de sonido, diseñadores industriales y arquitectos paisajistas para expresar manifestaciones del mundo natural de maneras poco convencionales.

Su carrera pionera y multidisciplinaria abarca más de tres décadas, 28 países, 48 exposiciones individuales, 146 exposiciones colectivas, 9 comisiones de arte público y 12 performances. Ha expuesto en prestigiosas instituciones de todo el mundo, incluido el Centro Georges Pompidou en París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Centro Reina Sofía en Madrid. Sus obras se encuentran en numerosas colecciones en el mundo, incluída la Tate Modern de Londres; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Museo de Arte Contemporáneo de Sídney; la Galería Nacional de Australia en Canberra; el Museo de Arte Moderno de San Francisco; el Museo de Arte de Miami; La colección de Arte Latinoamericano Daros de Zúrich; entre otras colecciones importantes en América, Europa y varias galerías regionales en Australia.

Pene de Phallomedusa Solida

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Pene de Phallomedusa Solida (Especie de caracol de manglar proveniente de la bahía de Sídney, Australia), 2011 María Fernanda Cardoso Fotograbado en papel de algodón coloreado a mano 70 x 50 cm

Ampliación de la imagen capturada con microscopio electrónico del pene de la Phallomedusa solida, especie de caracol nativo de los manglares de la bahía de Sídney, Australia. Esta obra hace parte del Museo de Órganos Copulatorios (2012) (proyecto de tesis de su PhD), donde la artista toma de referente a este espécimen para profundizar sobre la complejidad y la extravagancia del órgano reproductor de este invertebrado recientemente descubierto. El trabajo de Cardoso investiga sobre el valor estético de las morfologías genitales de ciertos animales haciendo una contribución a la investigación científica a través de las artes visuales, al facilitar la visualización y comprensión de fenómenos complejos y al acercar un público diferente al académico.

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Ximena Díaz Trabaja principalmente con video, instalación y fotografía experimental. Estudió artes plásticas en la Universidad de los Andes y en 2004 recibió una beca Fulbright para cursar una Maestría en Medios Digitales en Rhode Island School of Design, donde se graduó con honores. Ha sido artista residente en Skowhegan School of Art en Maine, con una beca de la Fundación Cisneros, en SOMA summer en México y en Harvestworks Digital Media Arts Center, Nueva York. Ha participado en exposiciones individuales en la Alianza Francesa, en la galería Doce Cero Cero y en la Cámara de Comercio de Bogotá; en exposiciones colectivas en instituciones como el Centro Cultural Tijuana, el Centro de Arte Contemporáneo Paserelle en Brest, Francia, el MamBo, ArteCámara, el Salón Regional de Artistas, Nuevos Nombres y el Salón de Arte BBVA; en espacios independientes como Tompkins projects y Zora Space en Nueva York, la Usurpadora en Puerto Colombia y en galerías como NoMínimo en Guayaquil, galería Santa Fé y L.A. galería en Bogotá. Ha sido profesora de la Universidad de Los Andes y la Universidad de Caldas. Desde 2009 es Profesora Asociada del Programa de Artes Plásticas de la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano.

Trabaja con ruinas electrónicas como scanners, teléfonos o cds, obras civiles inacabadas que quedaron atascadas en el paisaje, carreteras que llevan décadas sin poder completarse y empiezan a parecer una alucinación, o presentadores de noticias desorientados en el andamiaje audiovisual del set de grabación. Sus instalaciones, trabajos en papel y videos expanden las narrativas en torno a estos fallos estructurales, a estas parálisis en la aparente continuidad de la vida, de los proyectos sociales y los modelos económicos dominantes. Ximena Díaz usa diferentes estrategias temporales y materiales para pensar este presente desorientado ante las diferentes formas de la experiencia moderna, tecnológica y existencial.

Magma

Magma, 2017 Ximena Díaz CDs y DVDs descartados, arena, madera 90 x 50 x 15 cm 32

Los cristales se forman a altísimas temperaturas en el centro de la tierra, donde las piedras se funden, el gas se solidifica y las cosas tienen un billón de veces la edad del universo. Un espejo mineral ha sido quemado con diminutas marcas que guardan información en milimétricos valles y depresiones: lands y pits que reflejan la luz del lector láser. Son memoria óptica. Su declive, entre 50 y 200 años, apenas está sucediendo. Estamos encontrando los primeros discos de memoria óptica degradada, oxidada, ilegible. Estos minerales informáticos, formados a partir de cds y dvds descartados, cruzan tiempos opuestos: del tiempo profundo mineral a la mortalidad del tiempo de la tecnología. Estos clusters de policarbonato, plata, telurio y antimonio tienen las formas, colores y la fascinación mística de los cristales, pero sus recónditos pliegues nos llevan por la naturaleza física y química de un objeto improbable.

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Álvaro Diego Gómez Estudió arquitectura y paisajismo, disciplinas que condujeron su experimentación hacia las artes plásticas, y las cuales han incidido claramente en distintos momentos de su producción.

Su trabajo ha sido presentado en importantes exposiciones colectivas, tanto en Colombia y otros países de América Latina, como en Estados Unidos y Europa.

A pesar de que algunas de sus primeras obras pueden considerarse planimétricas debido a su exigua tridimensionalidad, en realidad toda su producción parte de concepciones espaciales que han ido separándose paulatinamente de los muros, hasta convertirse en obras exentas. El artista ha utilizado textiles, chatarras, piezas metálicas, resinas, planchas de concreto y piedras en la ejecución de sus obras. En su producción más reciente los procesos naturales juegan un papel fundamental, puesto que la oxidación, el moho y el crecimiento orgánico son los medios a través de los cuales plasma sus imágenes.

Eclosión Las esculturas de Diego son aproximaciones y magnificaciones de criaturas microscópicas, este trabajo nos hace reflexionar de qué manera vamos a transitar de una economía consumista a una economía circular, que acceda a implementar materiales que no destruyan los ecosistemas de la tierra y las formas de vida acuáticas; estas extrañas criaturas pueden revelar cómo utilizar mejor nuestros recursos naturales y minerales, debido a que estos organismos utilizan y conmutan la energía de maneras enigmáticas.

En la era cuántica se han podido observar los universos imperceptibles para el hombre, empleando diferentes técnicas: visualización de datos, sonorización de datos y en el caso del trabajo de Diego podemos leer una materialización de datos.

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Eclosión I, II y III, 2019 Álvaro Diego Gómez Poliuretano 35 x 30 x 30 cm 25 x 25 x 15 cm 20 x 20 x 20 cm

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Iván Herrera Trabaja como fotógrafo y videógrafo independiente. Estudió biología y fotografía en la Universidad de los Andes de Bogotá.

Ha realizado tres exposiciones individuales: Normanda (2007), Postales de viajes (2013), serie que fue publicada en un libro ese mismo año y Retratos Anacrónicos (2014) Entre las exposiciones colectivas en las que ha participado destacan: FotoGrafia-Festival Internazionale di Roma (2008); 21 Salón Colombiano de Fotografía-7a Bienal, Medellín (2010) y Tormenta, Casa Hoffmann, Bogotá 2018. Dentro de las distinciones que ha recibido sobresalen el primer premio en el XII Concurso Nacional de Fotografía Documental de la Escuela Nacional Sindical de Medellín (2006) y ganador de la Convocatoria Nacional de Artes Plásticas y Visuales (2007). En el 2013 obtuvo la Beca de exposiciones en la Galería Santa Fe y en el 2016 gano el primer puesto en el concurso de Reportería Gráfica del Instituto Distrital de Patrimonio Cultural. En el 2017 participó en la realización del largometraje de ficción “La defensa del dragón” como director de fotografía, película que fue estrenada en el Festival de Cannes, Francia el mismo año.

En el año 2018 fue elegido ganador del Premio de Fotografía Ciudad de Bogotá. Recibió mención honorífica en el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura en el año 2020.

Paisajes Domésticos

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Mota de bolsillo, Polvo de barrido y Sopa de Pollo, de la serie Paisajes domésticos, 2016 Iván Herrera Fotografía digital en color (impresa en papel metalizado plata + brillante uv) 30 x 40 cm

Es una incursión a los paisajes íntimos que imperceptiblemente nos definen en la cotidianidad. Son imágenes fotográficas digitales del universo minúsculo que nos rodea, una suerte de disección de la privacidad, capturada a través de un microscopio. El entorno visible que habitamos nos define a través de nuestros gustos: nuestras sillas, los alimentos que comemos, los libros, la crema de dientes. Pero el mundo que no podemos ver, también cuenta una historia sobre nosotros: una biblioteca cubierta de polvo o una mota de un bolsillo son mundos enormes si uno pretende retratarlos a una escala celular. Estas imágenes descontextualizadas ofrecen una nueva perspectiva de nuestra intimidad.

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Andrés Layos Artista plástico de Medellín, graduado en la Universidad de Bellas Artes. En el Museo El Castillo, con el apoyo de la curadora y museóloga Lucrecia Piedrahita, tuvo la oportunidad de mostrar su propuesta artística, utilizando el sabotaje como estrategia para expresar su inconformidad. Lo abyecto y lo monstruoso son dos elementos que han influido en su obra, pues con ellos, el artista muestra la vulnerabilidad de la condición humana, no solamente para recrearse en lo deforme y monstruoso, sino para instalarse en el reconocimiento de nuestros primarios impulsos tanáticos, de nuestra condición predadora y autodestructiva.

Me besó Es una obra que visualiza la manera como el artista vivencio un procedimiento clínico para curar el contagio de TBC (TBC enfermedad bacteriana que suele afectar los pulmones).

Durante el periodo de cuarentena 2 años y 3 meses aproximadamente, el artista prosiguió un riguroso tratamiento de aislamiento y medicación. En este transcurso de tiempo, utilizo el dibujo como un ejercicio de catarsis, este gesto le permitió documentar tanto su progreso inmunológico como las etapas de degradación de la bacteria; las cuales pudo observar a partir de muestras microscópicas. Para realizar esta pieza de dibujo modular, se apropió de imágenes ampliadas de fotografías microscópicas de barrido, mezclando fragmentos de pastilla, acuarela y sangre forjó un pigmento con el que recreó un calendario, en donde registró su avance médico y evolución fisiológica.

Las tecnologías permiten aproximar nuestras experiencias perceptuales, vivenciales y racionales a una serie de realidad y dimensiones es que se encuentran a escalas minúsculas.

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Me besó, 2020 Andrés Layos Lápiz sobre papel / laminas de vidrio (porta objetos para microscopio) pigmentos y grafito 80 x 52cm 52 x 52 cm

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Luz Lizarazo La obra de Luz Ángela Lizarazo (Bogotá 1966), reflexiona sobre la condición humana. En su trabajo se destaca el uso de materiales tan frágiles y delicados como el vidrio, la porcelana, las especies, alimentos y redes para aves y algunos elementos orgánicos como huesos y pelo, con los que crea imágenes poéticas que revelan su mirada atenta y constante sobre la permanencia humana en el mundo. Redes y tejidos son otra constante en su obra. Lizarazo encuentra un asiento cómodo entre esas labores “femeninas” que le permiten, desde el tejer y el bordar o el enredar, crear universos metafóricos y vulnerables que dialogan permanentemente con sus obsesiones.

Sus objetos y dibujos construyen una estética que habla desde adentro, trayendo a la luz por medio de metáforas, aquello que está oculto a simple vista, lo inconsciente que subyace al quehacer. La voz, la levedad, la vida, la muerte, la intimidad, el cuerpo por dentro, el cuerpo como universo creador, el canto, el silencio, lo doméstico, la mente, son temas sobre los cuales Lizarazo ha revoloteado alrededor como un pájaro que busca donde construir su nido, para pasar allí alguna temporada.

Red de luz Las redes de luz hacen parte de una serie de obras que se despliegan en el espacio construyendo una arquitectura efímera. Esta clase de configuraciones ha sido importante para el desarrollo y el diseño de estructuras modulares, las cuales se pueden acoplar simbióticamente a espacios irregulares. La biomímesis es la ciencia que estudia la naturaleza como fuente de inspiración, para inventar tecnologías innovadoras que puedan resolver problemas humanos.

Luz Lizarazo recurre a las redes que usan los ornitólogos en sus estudios de campo. Por ejemplo la sangre o plumas tomadas sin daño, pueden ser estudiadas en el laboratorio con un espectrómetro de masas, estas muestras de plumas permiten establecer la variación entre isótopos de hidrógeno en las diferentes latitudes y determinar aproximadamente el origen de las aves migratorias.

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Red de luz, 2016 Luz Lizarazo Cadenas de oro goldfield 180 x 180 cms 2016

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Adriana Marmorek Los inicios artísticos de Marmorek están en el campo de la escultura, expandiéndose después a la fotografía, el video y la instalación, siendo una artista conceptual. Su investigación la denomina “Arquitectura del deseo”. En la carrera de Adriana Marmorek hay una clarísima línea de trabajo en torno al deseo y el placer y el amor. Su discurso no se limita al elemento erótico, sino que incorpora también elementos sociales, históricos y humanos, fundamentalmente relativos al imaginario occidental y a su cuestionamiento.

La obra de Adriana Marmorek ha sido expuesta en distintos museos e instituciones, no sólo a nivel nacional sino también en estados unidos, suramérica y europa. Sus obras están en varias colecciones públicas y privadas. En el 2007 participó en el Salón de Arte Joven-Artecámara, en 2010 fue nominada para el Premio Bienal de Arte de Bogotá y en 2015 participó en el Salón Regional de Artistas, Zona Centro. Representó a Colombia en la feria ARCO Madrid 2015, y participó en la sección SITIO de ArtBo 2015. En la edición pasada fue nominada al premio IX Luis Caballero, que la llevó a la exposición en el 2018 “Háblame, amor” en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Actualmente expone “Flower to Bee” en Nohra Haime Gallery en Nueva York.

Conjunción N33 B2 y Proliferación en acertijo 3

Proliferación en acertijo 3, 2020 Adriana Marmorek Vidrio soplado y espejado, imanes, hierro con pintura electroestática 1,20 x 80 x 8 cm

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Conjunción N33 B2 , 2020 Adriana Marmorek Porcelana, vidrio soplado 30 x 19 cm de diámetro

En estas obras se manifiestan dos procesos ocultos de la materia y que gracias a las observaciones científicas o métodos de visualización físicos, podemos ahora deslumbrar; por un lado encontramos una pieza que asemeja las formas fluidas que se han descubierto en los organismos unicelulares. Una ameba que es un protozoo caracterizado por su forma cambiante.

Es importante destacar que las obras para MIKRON fueron recreadas a partir de unas series anteriores, pertenecientes a un proyecto que indagaba la potencialidad de la materia para transmutar y permutar entre superficies y receptáculos. La segunda pieza hace parte de su reciente trabajo creativo, el cual es una reconstrucción personal del jardín de las delicias, por esta razón ejecuta interpretaciones de los seres y objetos que allí se retratan. Los elementos que permitieron la vida en el planeta tierra, son los mismos componentes de los cuales proviene el universo, por lo tanto el fenómeno del principio de la vida es una génesis química modelada por el ADN.

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Santiago Torres Politólogo y Maestro en Relaciones internacionales de la Universidad Complutense de Madrid, especialista en estudios latinoamericanos de la Universidad de París, en desarrollo comunitario de la Agencia Japonesa de Cooperación Internacional (Tokio) y Maestro en Desarrollo Rural de la Universidad Javeriana. Trabaja la escultura y pintura con interés en la instalación de gran formato e intervención arquitectónica como metáforas artísticas de inclusión. Sus referentes estéticos y espirituales incluyen la arquitectura,, el arte abstracto y las formas modulares y de crecimiento fractal, así como la geometría y misticismo ancestral. Su investigación artística e ideológica proviene de un período de doce (12) años de trabajo comunitario en construcción de paz en las zonas rurales de Colombia.

Hongos de nieve, luz intramineral verde Las piezas de Santiago se titulan Luz Intramineral, en estas piezas emplea la geometría funciona como una forma de reinterpretar el crecimiento generativo en la naturaleza, sus obras poseen una semejanza a las piezas de arte digital, pero están ejecutadas análogamente, con pinturas acrílicas metalizadas. Santiago está interesado en el conocimiento oculto que yace bajo la superficie terráquea, no como una forma de estractivismo y minería; el artista prefiere transcribir los minerales como una forma de colores y fuentes de luminosidad donde los pigmentos pueden sugerir distintos estados de ánimo.

Una de las nociones más interesantes que hemos podido extraer de la física cuántica, es entender la luz como un conglomerado de partículas y ondas, este fenómeno nos hace pensar como hemos descuidado los otros sentidos y hemos potencializado la vista. Los seres humanos tenemos muchas limitaciones para reconocer distintas ondas del espectro lumínico, facultad que otras especies poseen. El neuró-científico Rodolfo Llinás ha señalado que existen diferentes tipos de inteligencia, en las otras especies animales, mediante experimentos e investigaciones ha podido demostrar como los insectos o las aves poseen una conciencia propia de su naturaleza.

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Hongos de nieve, luz intramineral verde, 2020 Santiago Torres Acrílico para esquina hembra 45 x 45 x 45 cm

Los colores metalizados han podido ser descritos, observados e imitados mediante la observación microscópica, los exoesqueletos de los insectos contienen una rica gama de colores metalizados y las culturas aborígenes sudamericanas identificaron estos atributos matéricos y efectuaron una amplia gama de metáforas ritualistas y funcionales que desaparecieron con la devastación colonial. Santiago rescata el conocimiento de estas civilizaciones indígenas y lo reinterpreta con procedimientos modulares propios del minimalismo, en donde los artistas utilizaron pigmentos y materiales de origen industrial.

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Alfredo Gil La Virginia/Risaralda (1974) Es artista Plástico con formación en microbiología industrial.

Le interesan los procesos biológicos, su poética y los gestos performáticos presentes en los mismos; en especial, en los relacionados con la acción de los microorganismos del suelo. Su proceso creativo parte de una permanente inquietud por abordar problemáticas ambientales, principalmente las asociadas con los desechos tecnológicos y su impacto sobre los ecosistemas.

Apoyado en metodologías de investigación científica y en el empleo de diferentes lenguajes plásticos, desarrolla propuestas en las que el tiempo se presenta como un elemento constante alrededor del cual gira la completación como concepto. Con su trabajo confronta al espectador y lo lleva a reflexionar sobre fenómenos de su propio entorno relacionados con este término. Ha participado en congresos nacionales y latinoamericanos de fito-patología realizados por ASCOLFI (Asociación colombiana de fitopatología), en seminarios de compostajes con la organización GAIA, en seminarios de manejo de reactivos desarrollados por los laboratorios ANNAR Diagnostica Import y la Universidad Nacional de Colombia y en congresos de empaques invitado por ARMO; también en proyectos con PBM (Procesos Biotecnológicos y medioambientales) y Filtec S.A. Entre los años 2008 al 2013 trabajó para el laboratorio Quality Biology, en donde realizó importantes aportes para su departamento de producción. Desde el año 2011 forma parte del equipo de veedores ambientales de la Personería de Bogotá. Es también fundador de DOBLENUEZ, un proyecto multiplataforma en permanente construcción que promueve la circulación de contenidos en arte, ciencia y tecnología. De igual forma, es miembro fundador del colectivo artístico Blanco Conejo. Entre los años 2018 al 2019 se desempeñó como tutor del programa de formación artística MAMBO PFA del Museo de Arte Moderno de Bogotá MAMBO y actualmente hace parte de su departamento de producción de exposiciones. Su trabajo ha recibido importantes reconocimientos, entre ellos se cuentan, el primer lugar en la Bienal de Venecia de Bogotá edición 8.0, El primer lugar en el primer Salón de Arte y Bioética de la Universidad Javeriana y la Beca Plataforma en Arte, Ciencia y Tecnología y ha sido expuesto también en diversos espacios en Colombia y el exterior. Vive y trabaja en Bogotá.

M.P-6 / De la serie Maquinaria en proceso

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M.P-6 / De la serie Maquinaria en proceso, 2013-2020 Alfredo Gil Performance. Bioreactor + producción de biomasa + modela escala (10:1) de desecho tecnológico + consorcio microbiano aislado de la microbióita del cuerpo 43 x 43 x 52 cm

M.P (Maquinaria en proceso), es un proyecto que ha mutado orgánicamente hasta comprenderse como una performance. Está compuesto por una serie de piezas que son réplicas a escala de pequeños desechos plásticos (2 cm x 2 cm aprox), de origen tecnológico que he recolectado del suelo en derivas realizadas por la ciudad de Bogotá. Estás piezas plásticas las he reeditado como modelos a escala (10:1) en cartón industrial; Luego, he introducido cada una de estos modelos a escala en Bio-reactores en donde los he sometido a un proceso constante de fermentación y producción de biomasa promovido por un consorcio de microorganismos aislados de mi propia microbióta, la cual disminuye y se completa constantemente manteniéndose alrededor del 54% del total de las células que configuran mi cuerpo. El acto de ficcionar los desechos plásticos, más la variables ambientales aportadas por la presencia del público en el espacio expositivo, dinamizan el proceso de degradación y permiten evidenciarlo en una especie de gesto de completación, que a la vez posibilita una mirada poética y una serie de reflexiones en torno al cuerpo como máquina ideal que se mantiene en permanente cambio en un tiempo-espacio que se escapa a nuestros sentidos. Una vez finalizado el proceso de degradación y transformación al interior de cada Bió- reactor, el contenido de este será reincorporado al suelo, en donde continuará formando parte de los procesos lógicos del mismo. info@casa-hoffmann.com | www.casa-hoffmann.com | (+5 4 7) 3 12 43 9 06 27 | Carrera 2 a # 70 - 25. Bogotá, Colombia

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Carmen Gil Artista, docente y teórica. Trabaja en el Departamento de Arte de la Universidad de los Andes como profesora asociada en la Maestría en Artes Plásticas, electrónicas y del tiempo. Ha participado como artista y conferencista en eventos sobre nuevas tecnologías, arte y ciencia en América Latina, Asia y Europa, entres esto se destacan: Expo Shaghai 2010, Sai Wan Ho Theatre, Hong Kong, [CN], Maison des Cultures du Monde [FR], Haus der Kulturen der Welt [DE], Festival del Norte de Noruega y Paço das Artes [BR], Re:Trace [AT] Crea proyectos multimedia e interactivos enfocados en el uso de video en tiempo real, especialmente en artes escénicas y proyecciones monumentales recientemente ha empezado a trabajar en formatos experimentales Fulldome. Es fundadora de los colectivos retroVISOR y La Quinta del Lobo, con los cuales ha creado varias obras que han recibido diversas distinciones, una de ellas “Cuentos de Manglería” fue ganadora de la Beca Interdisciplinaria de gran formato (IDARTES, Teatro Mayor y Jorge Eliécer Gaitán) y de la Beca de Creación Micultura para artistas con trayectoria, entre otras. Es curadora de Voltaje (Salón de Arte y Tecnología).

Pulsos (Physarum Polycephalum para la serie Hybris) El Physarum Polycephalum es un organismo unicelular que en su crecimiento presenta procesos de aprendizaje y memoria, esta serie de Timelapses registran sus formas de expansión y pulsación, las cuales son imperceptibles a simple vista.

Las piezas fueron desarrolladas con el apoyo y asesoría científica de Camila González Rosas y Cielo León Ramos para el performance instalativo Hybris.

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Pulsos (Physarum Polycephalum para la serie Hybris), 2020 Carmen Gil Vrolijk Timelapse Duración 8 minutos

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Aníbal Gomescasseres Cartagenero de nacimiento, estudió artes en la Academia Superior de Artes de Bogotá. Aunque hace parte de una nueva generación de artistas contemporáneos, el reconocimiento de su trabajo ha sido grande en los últimos años, no solo a nivel nacional sino internacional. De sus recientes logros podemos destacar que en el 2011 Anibal inauguró su serie “Artificial Satisfaction” en la galería Art Fussion en el Design District de Miami. En el 2012 fue inaugurada su exhibición “Atmósfera Lumínica” en la galería La Cometa, más la representación en dos ferias internacionales: Art Shanghai y Art Korea en Seoul. A parte de esta importante representación, Anibal fue invitado este mismo año por la galería Midori-So en Tokyo, Japón para su exhibición individual ¨Sueños¨, y así mismo fue incluido en una importante publicación de nuevos artistas contemporáneos en “The New Collectors Book” en New York. Actualmente su obra hace parte de grandes colecciones privadas, entre ellas Correval que se destaca por ser una de las mas importantes bancas de inversión en Colombia, y en la Fundación Cardioinfantil. En los ultimos meses expuso su obra en la reconocida feria “Art Wynwood 2014” en Miami y en Seoul Korea en Eugenie Gallery, y en Bogotá, en “ArtBo” con Beatriz Esguerra.

Diagonal, de la serie Microgénesis Microgénesis es una obra lumínica que contiene un componente bilógico vivo en su interior, esta intervención invita al espectador a reflexionar acerca del manejo inteligente de los recursos biológicos. Para este fin Anibal Gomescasseres ha incorporado elementos tecnológicos como estructuras fundamentales para el desarrollo de micro-ambientes; capturando las condiciones esenciales y necesarias para la obtención de vida bilógica en la tierra.

El artista Propone Cultivos inteligentes que en un futuro podrían mitigar el impacto del existente sistema agrario y los subyacentes influjos negativos que este ejerce en el medio ambiente. Prevalecer en la recuperación de los espacios naturales, la autonomía energética y la descentralización del poder económico, permitirá un transito a la producción individualizada, este sistema funcionara como una cadena de células independientes. Prosperar en la germinación de dispositivos productores de energía bilógica, nos admitirá independizarnos de la obsolescencia programada del actual entorno circundante en el que nos encontramos inmersos. Este planteamiento puede ser percibido como una idea utópica, sin embargo podría ser un pieza fundamental para reorientar nuestra civilización y que esta no dependa de sus mediadores externos, mas bien que seamos capaces de originar nuestra propia plataforma sostenible y que esta nos provea los elementos esenciales para nuestra subsistencia.

Este tipo de micro-ambientes pueden generar prototipos, que nos ayudaran a redefinir nuestra relación con el planeta y posiblemente en un futuro también podamos adaptarnos a las condiciones de vida de otros planetas.

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Diagonal de la serie Microgenesis, 2020 Aníbal Gomescasseres Plexiglass, madera, musgo y sistema led 70 x 70 cms

Microgénesis es una obra que exterioriza un problema de sublimación estética, pues extraer plantas de un ambiente e implantarlas en una capsula las convierte en un escenario artificial, sin embargo lo que Aníbal pretende es incentivar la reflexión participativa y resaltar la importancia de las estructuras bilógicas en nuestro ecosistema. Esta observación artística, induce al espectador a un detalle bilógico mediante el montaje de un micro-ambiente y este gesto amplia la dimensión de nuestro entorno, que en ocasiones es distante a nuestra experiencia sensorial y con esta acción Aníbal magnifica la riqueza de las condiciones de vida en nuestro planeta y su particularidad en el universo. info@casa-hoffmann.com | www.casa-hoffmann.com | (+5 4 7) 3 12 43 9 06 27 | Carrera 2 a # 70 - 25. Bogotá, Colombia

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Philip Klawitter Nacido en Chile 1985, Artista multimedia. El trabajo de Klawitter juega con el hecho de que como observadores de la naturaleza percibimos solo una microscópica fracción de lo que hay ahí afuera. Nuestros sentidos tienen un límite físico, pero la realidad pareciera ser casi infinita, contínua en patrones fractales hasta donde no podemos ni imaginar.

Según el Klawitter, la tecnología, desde el principio de los tiempos, ha sido una herramienta para extender nuestras limitaciones físicas. Nos permite mirar más lejos, desde espacios subatómicos en donde las reglas de la física son distintas, hasta el profundo espacio exterior, en donde las distancias son tan grandes que el tiempo parece perder sentido.

Klawitter combina un proceso de trabajo basado en la ingeniería, junto con estudios de arquitectura y arte, construye máquinas escultóricas para observar donde nuestros sentidos no llegan. Usando internet como una externalización de su cerebro, micro controladores Arduino, equipamiento modificado y un proceso heurístico basado completamente en un método de ensayo y error, Philip crea sistemas para filmar y registrar el crecimiento de micro planetas.

El resultado final es contenido multimedia variando desde instalación, imágenes procesadas y técnicas híbridas de video timelapse. El proceso para crecer los micro planetas fue desarrollado en conjunto con un laboratorio de biotecnología.

Biogénesis El trabajo de Klawitter juega con la observación de la naturaleza y cómo percibimos solo una microscópica fracción de lo que existe ahí afuera.

Nuestros sentidos tienen un límite físico, pero la realidad pareciera ser casi infinita. Continúa en patrones fractales hasta donde no podemos ni imaginar.

La tecnología, desde el principio de los tiempos ha sido una herramienta para extender nuestras limitaciones perceptuales. Nos permite mirar más lejos, desde espacios subatómicos en donde las reglas de la física son distintas, hasta el profundo espacio exterior, en donde las distancias son tan grandes que el tiempo parece perder sentido.

Klawitter combina un proceso de trabajo basado en la ingeniería, junto con estudios de arquitectura y arte, construyendo máquinas escultóricas para evidenciar lo que nuestros sentidos no registran.

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Biogénesis, 2019 Philip Klawitter Video (time lapse) 3m 42s 1920x1080 Documental 17m 28s 1920x1080

Usando internet como una continuación de la mente, microcontroladores Arduino, equipamiento modificado y un proceso heurístico basado completamente en un método de ensayo y error, Philip crea sistemas para filmar y registrar el crecimiento de micro planetas.

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Alvaro Lacouture Nació en Bogotá, Colombia en 1992. Como estudiante universitario, completó sus estudios en Antropología y Artes de Medios Electrónicos en la Universidad de los Andes. Actualmente está inscrito en el Programa de Telecomunicaciones Interactivas de la NYU, donde está explorando el uso de la tecnología para crear experiencias significativas a través de un enfoque humano. Alvaro ve la combinación de diferentes disciplinas relacionadas con el arte, la ciencia y la tecnología como un vasto campo con un potencial ilimitado. Como artista y antropólogo interesado en la interacción humano-computadora, sus diseños trabajan para el desarrollo de experiencias estéticas donde el individuo se convierte en la pieza más esencial. La mayoría de sus proyectos buscan encontrar una conexión entre humanos a través de experiencias creadas digitalmente e involucran la creación de experiencias audiovisuales inmersivas. sus proyectos han abordado la creación de contenido digital generativo y el desarrollo de instalaciones multimedia, que a veces utilizan codificación, motores de juegos, sitios web, aplicaciones, experiencias de realidad mixta y software y hardware diseñados a medida. Básicamente cualquier cosa que pueda servir como un medio para comunicar sus ideas.

VII Es una obra de imagen en movimiento que intenta aproximar al espectador a lo que podría ser el universo molecular. Las teorías de la física cuántica han permitido deslumbrar e identificar que existen fracciones microscópicas que son las que conforman gran parte de la materia del universo y eso incluye los elementos esenciales de los cuales el cuerpo humano esta compuesto. En esta obra el artista esta interesado en explorar el potencial neuronal y como podría aplicarse e interpretarse en proyectos de realidad virtual.

VII proyecta la visón que el artista tiene respecto a los sueños, los procesos neuronales y las conexiones eléctricas que suceden mientras soñamos, esta es un área de investigación con amplio potencial en el desarrollo de tecnologías medicas, educación y neuro psicología.

La neuropsicología es una rama de la psicología que se ocupa de cómo el cerebro y el resto del sistema nervioso influyen en la cognición y los comportamientos de una persona.

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VII, 2017 Álvaro Lacouture Animación 4:38 min

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Sonia Rojas Vive y trabaja en Bogotá, Colombia. Es Maestra en Arte de la Universidad de los Andes. Su trabajo se centra en la reflexión continua del tiempo, las percepciones temporales y las memorias efímeras. Crea realidades paralelas que irrumpen con la cotidianidad y cuestiona la relación de ser humano con su entorno natural y cómo éste se transforma. Su trabajo se percibe desde distintos medios como la escultura, la fotografía, el video y la instalación. Emplea en sus obras materiales naturales como tierra, musgo, madera, agua y piedras.

Expuso su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá en 2016, donde fue premiada con un estímulo de creación para artistas jóvenes.

En 2016 y 2018 participó en Voltaje – Salón de Arte y Tecnología, también hizo parte de El salón Universitario de Fotografía. En 2017 fue seleccionada para participar en la residencia artística Zone de Convergence II en Annecy Francia bajo el marco del año Colombia – Francia. En 2019 hizo parte de Espacios atemporales organizada por la Alianza Francesa de Bogotá y fue seleccionada para exponer su trabajo en la sección de Artecámara de la Feria Internacional de Arte de Bogotá ARTBO.

Obra en Proceso Obra en proceso presenta al espectador en formato instalación, el estudio de las dinámicas diarias que siguen los obreros habitantes de un mundo paralelo al nuestro. Este funciona bajo ciertas condiciones diferentes a las que nosotros experimentamos a diario. Una piedra suspendida y cinco videos de paisajes, exponen el imaginario y la sensación que sentiría cualquiera de nosotros si por alguna razón llegara a ser parte de este mundo en miniatura.

Cuando la sensación del tiempo se distorsiona y comienza a concebirse como algo denso, pesado e infinito, la configuración mental de los individuos que viven bajo este estado, poco a poco comienza a mutar. La relativa inmensidad física de estos lugares de escala reducida envuelve a sus habitantes en una soledad abrumadora y hace de su presencia algo casi insignificante. Finalmente, los obreros que se convierten en metáforas del trabajo del artista, desarrollan un gusto particular por los procesos sin finalidad donde pueden derrochar, en actividades de construcción, todo el tiempo que su mundo les permite.

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Obra en proceso, 2015 Sonia Rojas Video instalación de 5 canales y piedra Video HD, Color Duración: 00:02:00 cada video

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Santiago Vargas A lo largo de su experiencia científica ha trabajado en adquisición y análisis de datos astronómicos. Durante su proyecto de investigación de maestría en astronomía, se ha dedicado al estudio de población estelar en galaxias, utilizó técnicas para reducir, procesar y analizar grandes cantidades de datos fotométricos. El área de física solar, que ha sido el tema central de sus investigaciones desde que comenzó sus estudios de doctorado en astrofísica, incluyó una parte instrumental dedicada a la caracterización, modelamiento y análisis de aberraciones ópticas instrumentales. Tiene experiencia en óptica para instrumentación astronómica, y en el tratamiento y técnicas de restauración de imágenes; en particular en el procesamiento de datos solares de telescopios en tierra y en misiones espaciales. Durante sus investigaciones postdoctorales se ha desempeñado coordinando y adquiriendo observaciones de instrumentos astronómicos como el espectrómetro en el extremo ultravioleta (EIS)abordó de la misión Hinode, y analizando datos de los telescopios espaciales SOHO, SDO e IRIS. Igualmente tiene experiencia en telescopios en tierra durante su desempeño como astrónomo de soporte en el Dutch Open Telescope en las Islas Canarias.

Ha dedicado varios esfuerzos encaminados a promover la divulgación de la ciencia, y en particular de la astronomía, vinculando a iniciativas internacionales y nacionales que desarrollan actividades en festivales de astronomía y eventos en colegios y universidades.

Un micro universo en una gota de agua Las tecnologías microscópicas nos han permitido reconocer que existen muchos mas reinos y organizaciones de vida, de las que habíamos observado anteriormente. Los microscopios electrónicos permiten alcanzar amplificaciones mayores que los mejores microscopios ópticos.

La instalación de Santiago es un ensamblaje que nos permite magnificar los micro organismos vinientes en una gota de agua, en ese espacio tan pequeño pero tan complejo a la vez, se manifiestan distintas formas de vida.

Este proyecto esta construido con un cuentagotas, un recipiente de vidrio (vaso de precipitado) y un laser de laboratorio. Del acrónimo inglés LASER, (light amplification by stimulated emission of radiation; amplificación de luz por emisión estimulada de radiación) es un dispositivo que utiliza un efecto de la mecánica cuántica, la emisión inducida o estimulada.

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Un micro universo en una gota de agua , 2020 Santiago Vargas Instalación con proyección láser Dimensiones variables

El resultado es una instalación que combina elementos de laboratorio y la proyección de una imagen en movimiento, un bucle originado por la caída de las gotas de agua al interior del recipiente. En esta pieza aunque no se usa un microscopio, podemos ver el vibrante ecosistema que se gesta en una gota de agua.

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