Revista Semestral Núm. 16 Junio 2021
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EDITORIAL H
AG
logo, estudiando la naturaleza, le impelía a ver en la realidad pro-cesos, por eso para él era más importante el proceso de producción que el producto mismo, ya acabado. 2. «el arte nace cuando de muchas observaciones experimentales surge una sola concepción universal sobre las cosas semejantes». 3. Aristóteles, consideraba al arte en oposición a la naturaleza como un proceso “psico-físico”. Ya que si bien es cierto que nace de la mente del artista, termina, o suele hacerlo, en el mundo físico como un producto material, una obra artística. Aunque también es cierto que para él tanto naturaleza como arte buscaban un fin, elemento que los uniría, así que tal oposición no es del todo evidente.
EL ARTE
(Según Aristóteles)
Aristóteles decía: el arte es aquella producción humana realizada de manera consciente. Fruto, por tanto, de su conocimiento. Siguiendo esta definición nos encontramos con que tanto las “bellas artes” como la artesanía tendrían que estar dentro del mundo del arte. Es decir, tanto la pintura y la escultura como la herrería o la cons-trucción de puentes, etc. Características del arte aristotélico Para Aristóteles el arte se definía por una serie de características. A saber: 1. El arte es dinámico. Su experiencia como bió-
Este énfasis en el conocimiento tiene como consecuencia una asimilación con la ciencia, ya que esta se basa fun-damentalmente en el mismo elemento. Para distinguir ambas disciplinas, Aristóteles aseguró que «a partir de la experiencia o del universal establecido como un todo en el alma, el uno junto a lo mucho, la unidad que está presente, ella misma, en todo ello, surge el principio del arte y la ciencia; si versa sobre la creación, del arte, y si versa sobre lo que existe, de la ciencia». Es decir, el objeto de la ciencia es desentrañar las leyes de la naturaleza, las características de los animales, de los seres humanos, etc. Mientras que el arte versa sobre lo creado.
ICONOGRAFIA
Arte naíf Corriente artística
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Naíf, es una palabra que viene del francés naïf, o del anglosajón naive; las cuales significan “ingenuo” o “inocente”. Aunque hoy en día en el arte no existe casi nada inocente, esta corriente buscó traer de vuelta la pureza del “sentirse niño” a través de la pintura y el dibujo. Al contrario de otras expresiones, el arte Naíf no fue una corriente unificada como el surealismo o el cubismo, sino una corriente hecha por varios artistas a lo largo del tiempo. Naíf simplemente fue la palabra que se utilizó para englobar a este tipo de trabajos que buscaban regresar a los trazos de la infancia.
19 En
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Frida Kahlo
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Pisti Carton
Salud:
Virginia Woolf
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Salud mental
Citas Célebres
30 Alucinaciones Hipnagógicas
Espacio Político
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Toque de Queda
Espacio Literario
Música
PISTEYANDO
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Sigmund Freud
75
46
The Kinks
61 David Lynch
82 86
O iotic IMB X s
EN PORTADA
Retomada de: La obra, que recibe el nombre “Frida en tiempos de pandemia”, tiene una extensión de ocho por 10 metros, y fue pintada por el artista Julio Ferrer, con el apoyo de Daniela, Orión Ferrer y Benito.
FRIDA KAHLO En 1932. Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 de julio de 1907-ibidem, 13 de julio de 1954) fue una pintora mexicana. ... Fue autora de 150 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir.
C
onsiderada una de las más grandes artistas de México, Frida Kahlo nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, Ciudad de México, México.
Rivera en ese momento estaba trabajando en un mural llamado La Creación en el campus de la escuela. Frida lo veía a menudo y le dijo a una amiga que algún día se casaría con él.
Creció en la casa de la familia, donde más tarde se la llamó la Casa Azul o Casa Azul. Su padre es descendiente de alemanes y fotógrafo. Emigró a México donde conoció y se casó con su madre Matilde.
Ese mismo año, Kahlo se unió a una pandilla de estudiantes que compartían puntos de vista políticos e intelectuales similares. Se enamoró del líder Alejandro Gómez Arias.
Su madre es mitad amerindia y mitad española. Frida Kahlo tiene dos hermanas mayores y una hermana menor.
En una tarde de septiembre, cuando viajaba con Gómez Arias en un autobús, ocurrió el trágico accidente. El autobús chocó con un tranvía y Frida Kahlo resultó gravemente herida.
Frida Kahlo tiene mala salud en su infancia. Contrajo polio a la edad de 6 años y tuvo que permanecer postrada en cama durante nueve meses. Esta enfermedad hizo que su pierna y pie derechos se volvieran mucho más delgados que el izquierdo. Cojeó después de recuperarse de la polio. Ha estado usando faldas largas para cubrir eso por el resto de su vida. Su padre la animó a hacer muchos deportes para ayudarla a recuperarse. Jugó fútbol, fue a nadar e incluso luchó, lo cual es muy inusual en ese momento para una niña. Ha mantenido una relación muy estrecha con su padre durante toda su vida. Frida Kahlo asistió a la reconocida Escuela Nacional Preparatoria en la Ciudad de México en el año de 1922. Solo hay treinta y cinco alumnas inscritas en esa escuela y pronto se hizo famosa por su franqueza y valentía. En esta escuela conoció por primera vez al famoso muralista mexicano Diego Rivera .
Una barandilla de acero la atravesó por la cadera. Su columna vertebral y pelvis están fracturadas y este accidente la dejó con un gran dolor, tanto físico como fisiológico. Ella resultó gravemente herida y tuvo que permanecer en el Hospital de la Cruz Roja en la Ciudad de México durante varias semanas. Después de eso, regresó a casa para recuperarse más. Tuvo que usar yeso de cuerpo entero durante tres meses. Para matar el tiempo y aliviar el dolor, comenzó a pintar y terminó su primer autorretrato al año siguiente. Frida Kahlo dijo una vez: “Me pinto a mí misma porque a menudo estoy sola y soy el sujeto que mejor conozco”. Sus padres la animaron a pintar y le hicieron un caballete especial para que pudiera pintar en la cama. También le dieron pinceles y cajas de pinturas. Frida Kahlo se reencontró con Rivera en 1928. Ella le pidió que evaluara su trabajo y él la animó.
Los dos pronto comenzaron la relación romántica. A pesar de la objeción de su madre, Frida y Diego Rivera se casaron al año siguiente. Durante sus primeros años como pareja casada, Frida tuvo que mudarse mucho por el trabajo de Diego. En 1930, vivían en San Francisco, California. Luego se mudaron a la ciudad de Nueva York para la exhibición de arte de Rivera en el Museo de Arte Moderno . Luego se mudaron a Detroit mientras Diego Rivera trabajaba para el Detroit Institute of Arts . En 1932, Kahlo agregó componentes más realistas y surrealistas en su estilo de pintura. En la pintura titulada Hospital Henry Ford (1932) , Frida Kahlo yacía desnuda en una cama de hospital y estaba rodeada de algunas cosas flotando, que incluyen un feto, una flor, una pelvis, un caracol, todo conectado por venas. Esta pintura fue una expresión de sus sentimientos sobre su segundo aborto espontáneo. Es tan personal como sus otros autorretratos. En 1933, Kahlo vivía en la ciudad de Nueva York con su esposo Diego Rivera. Nelson Rockefeller le encargó a Rivera que creara un mural llamado Man at the Crossroadsen el Rockefeller Center. Rivera intentó incluir en la pintura a Vladimir Lenin, quien es un líder comunista. Rockefeller detuvo su trabajo y se pintó esa parte. La pareja tuvo que regresar a México luego de este incidente. Regresaron y viven en San Ángel, México.
El matrimonio de Frida Kahlo y Diego Rivera no es el habitual. Habían mantenido casas y estudios separados durante todos esos años. Diego tuvo tantas aventuras y una de ellas fue con Cristina, la hermana de Kahlo. Frida Kahlo estaba muy triste y se cortó el pelo largo para mostrar su desesperación por la traición.
o no, pero sí sé que son la expresión más franca de mí misma”. “Dado que mis temas siempre han sido mis sensaciones, mis estados de ánimo y las reacciones profundas que la vida ha ido produciendo en mí, con frecuencia he objetivado todo esto en figuras de mí mismo, que eran lo más sincero y real que podía hacer en
Ha anhelado tener hijos, pero no puede tener uno debido al accidente de autobús. Estaba desconsolada cuando experimentó un segundo aborto espontáneo en 1934.
Leon Trotsky es un comunista exiliado y rival del líder soviético Joseph Stalin. Kahlo y Rivera dieron la bienvenida a la pareja juntos y los dejaron quedarse en su Casa Azul. Kahlo también tuvo un breve romance con Leon Trotsky cuando la pareja se quedó en su casa.
Kahlo recibió un encargo del gobierno mexicano por cinco retratos de mujeres mexicanas importantes en 1941, pero no pudo terminar el proyecto.
Foto Frida Kahlo
También escribió: “Realmente no sé si mis pinturas son surrealistas
Al año siguiente, 1939, Kahlo fue invitada por Andre Breton y se fue a París. Allí se exhiben sus obras y se hace amiga de artistas como Marc Chagall , Piet Mondrian y Pablo Picasso . Ella y Rivera se divorciaron ese año y pintó uno de sus cuadros más famosos, Las dos Fridas (1939). Pero pronto Frida Kahlo y Diego Rivera se volvieron a casar en 1940. El segundo matrimonio es aproximadamente el mismo que el primero. Todavía mantienen vidas y casas separadas. Ambos tuvieron infidelidades con otras personas durante el matrimonio.
Kahlo y Rivera se han separado varias veces, pero siempre volvieron a estar juntos. En 1937 ayudaron a León Trotsky y su esposa Natalia.
En 1938, Frida Kahlo se hizo amiga de Andre Breton, quien es una de las figuras principales del movimiento surrealista. Frida dijo que nunca se consideró surrealista “hasta que André Breton vino a México y me dijo que yo lo era”.
amiga Dorothy Hale que se suicidó. Pintó El suicidio de Dorothy Hale (1939), que cuenta la historia del trágico salto de Dorothy. El mecenas Luce estaba horrorizada y casi destruyó esta pintura.
para expresar lo que sentía dentro y fuera de mí “. En el mismo año, tuvo una exposición en la galería de la ciudad de Nueva York. Vendió algunas de sus pinturas y recibió dos encargos. Uno de ellos es de Clare Boothe Luce para pintar a su
Ese año perdió a su amado padre y continuó sufriendo problemas de salud crónicos. A pesar de sus desafíos personales, su trabajo continuó creciendo en popularidad y se incluyó en numerosos programas colectivos en esta época.
En el año de 1944, Frida Kahlo pintó uno de sus retratos más famosos, La columna rota... Su columna vertebral está destrozada como una columna. Lleva un aparato ortopédico y tiene clavos por todo el cuerpo, lo que indica el dolor constante por el que pasó. En esta pintura, Frida expresó sus desafíos físicos a través de su arte. Durante ese tiempo, tuvo algunas cirugías y tuvo que usar corsés especiales para proteger su columna vertebral. Busca mucho tratamiento médico para su dolor crónico, pero nada realmente funcionó. Su estado de salud ha empeorado en 1950. Ese año le diagnosticaron gangrena en el pie derecho. Ella estuvo postrada en cama durante los siguientes nueve meses y tuvo que permanecer en el hospital y tuvo varias cirugías. Pero con gran empeño, Frida Kahlo siguió trabajando y pintando. En el año de 1953 realizó una exposición individual en mexicano. Aunque tenía movilidad limitada en ese momento, se presentó en la ceremonia de apertura de la exposición. Llegó en ambulancia, dio la bienvenida a los asistentes, celebró la ceremonia en una cama que la galería le preparó. Unos meses después, tuvo que aceptar otra cirugía. Le amputaron parte de la pierna derecha para detener la gangrena. Con el mal estado físico, también está profundamente deprimida. Incluso tenía una inclinación por el suicidio. Frida Kahlo ha estado hospitalizada durante ese año. Pero a pesar de sus problemas de salud, ha participado activamente en el movimiento político.
Se presentó en la manifestación contra el derrocamiento respaldado por Estados Unidos del presidente Jacobo Arbenz de Guatemala el 2 de julio. Esta es su última aparición pública. Aproximadamente una semana después de cumplir 47 años, Frida Kahlo falleció en su amada Bule House. Se informó públicamente que murió de una embolia pulmonar, pero se especula que decía que murió de un posible suicidio. La fama de Frida Kahlo ha ido creciendo después de su muerte. Su Casa Azul fue inaugurada como museo en el año de 1958. En la década de 1970 se renueva el interés por su obra y su vida debido al movimiento feminista ya que fue vista como un ícono de la creatividad femenina. En 1983, Hayden Herrera publicó su libro sobre ella, Una biografía de Frida Kahlo , que llamó más la atención del público hacia esta gran artista. En el año 2002, se estrenó una película llamada Frida, protagonizada por Alma Hayek como Frida Kahlo y Alfred Molina como Diego Rivera. Esta película fue nominada a seis premios de la Academia y ganó como Mejor Maquillaje y Partitura Original.
Las 5 obras mas significativas.
Este cuadro data de 1939, donde se aprecia a la pintora con traje de tehuana que representa la herencia mexicana oaxaqueña de su madre. En sus manos sostiene el retrato del joven Diego Rivera. A un lado podemos ver a Kahlo vestida con un traje blanco estilo europeo, herencia alemana de su padre. La dualidad de las dos Fridas muestra la unión a través del corazón, que representa lo emocional, y por las manos, lo racional. El cuadro se alberga en la colección del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.
Una pintura sumamente icónica en la vida de la artista. Fue elaborada en 1944 y, como prácticamente todos sus cuadros, se representa a sí misma, pero en este caso aluda a su recuperación después de su operación de la columna vertebral. Esto a raíz de las lesiones que sufrió después del accidente en el tranvía en 1925, lo que la obligó a usar un corsé de acero, que le provocaba intensos dolores. Donde se halla esta pintura: actualmente se conserva en el Museo Dolores Olmedo de la Ciudad de México.
Este cuadro fue pintado en 1940, el que se pude observar a Frida Kahlo con un
collar de espinas que se hunden en su cuello derramando sangre. Claramente se alude a un simbolismo religioso: la tortura de Cristo con la corona de espinas. Por otro lado se puede ver acompañada de tres animales; cada uno de ellos representan lo siguiente: .. el gato negro: la buena y mala suerte. .. el mono (mascota que le regaló Diego) que posados en sus hombros miran a un colibrí muerto que cuelga del collar. ..las mariposas: representan la resurrección.
En este cuadro, Frida se representa con el cuerpo de un venado, y herida por varias flechas que atraviesan su cuerpo. El paisaje desolado de la naturaleza muerta es el miedo y desesperación, después de su operación en su espina dorsal en Nueva York en 1946, ya que esperaba que esta cirugía la liberara del severo dolor de espalda pero falló.
Kahlo estuvo en completo reposo durante el año de 1945, además de someterse a una dieta de purés cada dos horas para ganar peso después de su falta de apetito por las operaciones y enfermedades la había dejado sumamente delgada. El cuadro muestra esta parte de su vida: podemos ver una estructura de madera que sostiene un embudo que la alimenta continuamente, además de una calavera de azúcar en lo alto del embudo y la manta que cubre su cuerpo decorada con células de vida miscroscópica.
Su obra ‘Roots’ estableció el récord de una obra de arte latinoamericana Frida Kahlo fue una figura central en el Movimiento Artístico Neomexicanismo en México que surgió en la década de 1970. Su arte ha sido llamado arte popular debido a elementos tradicionales y algunos lo llaman surrealista, aunque la propia Kahlo dijo: “Ellos pensaban que era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté sueños. Pinté mi propia realidad”. En mayo de 2006, su autorretrato Roots se vendió por 5,6 millones de dólares, estableciendo un récord de subasta para una obra de arte latinoamericana.
res bonitas, y Kahlo encontró su estatura en el mundo, ya los ojos de Diego, atractiva. Pero, en poco tiempo, Kahlo se cansó de Trotsky, a quien llamó “el viejo” y el romance terminó. Después de que su relación terminó en julio, Frida pintó este autorretrato y se lo dio a Trotsky, quien lo colgó en la pared de su estudio. En abril de 1939, En noviembre de 1938, esta pintura se mostró en la primera exposición individual de Kahlo en la Galería Julien Levy en la ciudad de Nueva York. Se mostró con el título: “Entre las cortinas”.
Autorretrato dedicado a Leon Trotsky, 1937 - por Frida Kahlo Esta pintura a veces se conoce como “Entre las cortinas”. Es un autorretrato que Frida pintó como regalo para León Trotsky en su cumpleaños. El papel que sostiene dedica el retrato a León: “A León Trotsky, con todo mi amor, dedico este cuadro el 7 de noviembre de 1937. Frida Kahlo en San Ángel, México”. El retrato está pintado con colores cálidos y suaves, y Frida se ve hermosa, seductora y segura de sí misma. Trotsky, un rival político ruso de Stalin, estaba profundamente comprometido con las teorías del marxismo como pensador, escritor, organizador y estratega militar.
En 1936, Stalin finalmente persiguió al rival Trotsky al exilio. Incapaz de encontrar asilo en otros países, el esposo de Frida, Diego Rivera, persuadió al presidente mexicano Lázaro Cárdenas para que le concediera asilo a Trotsky en México. En enero de 1937, León Trotsky y su esposa, Natalia Sedova, llegaron a México y fueron recibidos por Kahlo. Les dio el uso de la Casa Azul en Coyoacán donde vivieron durante los siguientes dos años. Durante ese tiempo, los Rivera y los Trotsky pasaron mucho tiempo juntos y, a principios del verano de 1937, Frida y León comenzaron una historia de amor secreta. Trotsky se sentía notoriamente atraído por las muje-
DATOS: Se convirtió en pintora después de un accidente casi fatal. El 17 de septiembre de 1925, Frida y su amiga Alex viajaban en un autobús cuando chocó contra un tranvía de la calle. La recuperación después del accidente de autobús tomó más de un año, tiempo durante el cual Kahlo abandonó su programa de pre-medicina y comenzó a pintar. Su padre, un artista, le prestó sus pantalones de aceite y sus pinceles, mientras que su madre encargó un caballete especial, para que Kahlo pudiera pintar en su cama de hospital, y colocó un espejo en el dosel, lo que permitió el autorretrato de Kahlo.
Ella es conocida como la maestra de los autorretratos. En su carrera, Frida Kahlo creó 143 pinturas de las cuales 55 son autorretratos. Kahlo dijo: “Me pinto a mí mismo porque a menudo estoy solo y porque soy el sujeto que mejor conozco”. Sus autorretratos a menudo incluyen interpretaciones de heridas físicas y psicológicas. Los autorretratos de Frida Kahlo están considerados entre los mejores jamás creados. Su autorretrato más famoso es quizás Autorretrato con collar de espinas y colibrí . La pintura de Frida es la primera obra de un artista mexicano del siglo XX comprada por un museo de renombre internacional. Obras y Características Las obras de Frida poseen un estilo propio y logran expresar aquello que buscó con su arte. De sus obras se destacan la identidad nacional mexicana enmarcada en los temas de la cultura popular y del folclore indígena, el cual está impregnado de colores fuertes y vibrantes. Andrés Bretón (1896-1966) y Salvador Dalí (1904-1989) denominaron la obra de Frida Kahlo como surrealista. Sin embargo, la artista no consideraba que sus obras fuesen surrealistas, a lo que dijo: “Nunca pinté sueños. Pinté mi propia realidad”. Frida se centró en transformar sus sentimientos en arte, de manera que en su trabajo se encuentran reflejados diversos momentos de su vida. Según ella: “La pintura me completó la vida. Perdí tres hijos y otra serie de cosas que hubieran llenado mi vida horrible. Todo eso lo sustituyó la pintura”.
Dibujos de Frida:
https://www.fridakahlo.org/frida-kahlo-biography.jsp
acida en un hogar inglés priN vilegiado en 1882, la autora Virginia Woolf fue criada por padres de libre pensamiento.
Comenzó a escribir cuando era niña y publicó su primera novela, The Voyage Out , en 1915. Escribió clásicos modernistas como Mrs. Dallowa y, To the Lighthouse y Orlando , así como obras feministas pioneras, A Room of One’s Own y Three Guineas . En su vida personal, sufrió episodios de profunda depresión. Se suicidó en 1941, a la edad de 59 años.
Nacida el 25 de enero de 1882, Adeline Virginia Stephen se crio en un hogar extraordinario. Su padre, Sir Leslie Stephen, fue historiador y autor, además de una de las figuras más destacadas de la época dorada del montañismo. La madre de Woolf, Julia Prinsep Stephen (de soltera Jackson), había nacido en India y más tarde sirvió como modelo para varios pintores prerrafaelitas. También fue enfermera y escribió un libro sobre la profesión. Sus dos padres se habían casado y enviudado antes de casarse.
Desideré
Woolf tenía tres hermanos completos, Thoby, Vanessa y Adrian, y cuatro medios hermanos, Laura Makepeace, Stephen y George, Gerald y Stella Duckworth. Los ocho niños vivían bajo un mismo techo en 22 Hyde Park Gate, Kensington. Dos de los hermanos de Woolf habían sido educados en Cambridge, pero a todas las niñas les enseñaron en casa y utilizaron los espléndidos confines de la exuberante biblioteca victoriana de la familia. Además, los padres de Woolf estaban muy bien conectados, tanto social como artísticamente. Su padre era amigo de William Thackeray, el padre de su primera esposa que murió inesperadamente, y de George Henry Lewes, así como de muchos otros pensadores destacados. La tía de su madre era la famosa fotógrafa del siglo XIX Julia Margaret Cameron. Desde su nacimiento hasta 1895, Woolf pasó sus veranos en St. Ives, una ciudad costera en el extremo suroeste de Inglaterra. La casa de verano de los Stephens, Talland House, que todavía está en pie hoy, mira hacia la espectacular bahía de Porthminster y tiene una vista del faro de Godre-
vy, que inspiró su escritura. En sus memorias posteriores, Woolf recuerda a St. Ives con gran cariño. De hecho, incorporó escenas de esos primeros veranos en su novela modernista, Al faro (1927). Cuando era niña, Virginia era curiosa, alegre y juguetona. Comenzó un periódico familiar, Hyde Park Gate News , para documentar las anécdotas humorísticas de su familia. Sin embargo, los traumas tempranos oscurecieron su infancia, incluida los abusos sexuales de sus medio hermanos George y Gerald Duckworth, sobre lo que escribió en sus ensayos A Sketch of the Past y 22 Hyde Park Gate . En 1895, a la edad de 13 años, también tuvo que afrontar la repentina muerte de su madre por fiebre reumática, que la llevó a su primer colapso mental, y la pérdida de su media hermana Stella, quien se había convertido en la jefa del hogar, dos años después. Mientras lidiaba con sus pérdidas personales, Woolf continuó sus estudios en alemán, griego y latín en el Departamento de Damas del King’s College de Londres. Sus cuatro años de estudio la presentaron a un puñado de feministas radicales al frente de las reformas educativas. En 1904, su padre murió de cáncer de estómago, lo que contribuyó a otro revés emocional que llevó a Woolf a ser institucionalizado por un breve período. La danza de Virginia Woolf entre la expresión literaria y la desolación personal continuaría por el resto de su vida. En 1905, comenzó a escribir profesionalmente como colaboradora de The Times Literary Supplement . Un año después, el hermano de Woolf, Thoby, de 26 años, murió de fiebre tifoidea
después de un viaje familiar a Grecia. Después de la muerte de su padre, la hermana de Woolf, Vanessa, y su hermano Adrian vendieron la casa familiar en Hyde Park Gate y compraron una casa en el área de Bloomsbury en Londres. Durante este período, Virginia conoció a varios miembros del Bloomsbury Group, un círculo de intelectuales y artistas que incluía al crítico de arte Clive Bell, quien se casó con la hermana de Virginia, Vanessa, el novelista EM Forster, el pintor Duncan Grant, el biógrafo Lytton Strachey, el economista John Maynard Keynes y el ensayista Leonard Woolf, entre otros. El grupo se hizo famoso en 1910 por el Dreadnought Hoax, una broma práctica en la que los miembros del grupo se disfrazaron como una delegación de la realeza etíope, incluida Virginia disfrazado de hombre barbudo, y persuadieron con éxito a la Royal Navy inglesa para que les mostrara su barco de guerra. el HMS Dreadnought. Después del escandaloso acto, Leonard Woolf y Virginia se hicieron más cercanos, y finalmente se casaron el 10 de agosto de 1912. Los dos compartieron un amor apasionado el uno por el otro por el resto de sus vidas.
compraron una imprenta usada y establecieron Hogarth Press, su propia editorial operada desde su casa, Hogarth House. Virginia y Leonard publicaron algunos de sus escritos, así como el trabajo de Sigmund Freud, Katharine Mansfield y TS Eliot. Un año después del final de la Primera Guerra Mundial, los Woolf compraron Monk’s House, una cabaña en el pueblo de Rodmell en 1919, y ese mismo año Virginia publicó Night and Day , una novela ambientada en la Inglaterra eduardiana. Su tercera novela Jacob’s Room fue publicada por Hogarth en 1922. Basada en su hermano Thoby, se consideró una desviación significativa de sus novelas anteriores con sus elementos modernistas. Ese año, conoció a la escritora, poeta y jardinera Vita Sackville-West, esposa del diplomático inglés Harold Nicolson. Virginia y Vita comenzaron una amistad que se convirtió en una aventura amorosa. Aunque su aventura terminó finalmente, siguieron siendo amigos hasta la muerte de Virginia Woolf.
Varios años antes de casarse con Leonard, Virginia había comenzado a trabajar en su primera novela.
En 1925, Woolf recibió críticas muy favorables por Mrs. Dalloway , su cuarta novela. La fascinante historia entrelazó monólogos interiores y planteó cuestiones de feminismo, enfermedades mentales y homosexualidad en la Inglaterra posterior a la Primera Guerra Mundial.
El título original era Melymbrosia . Después de nueve años e innumerables borradores, fue lanzado en 1915 como The Voyage Out. Woolf utilizó el libro para experimentar con varias herramientas literarias, incluidas perspectivas narrativas convincentes e inusuales, estados oníricos y prosa de asociación libre. Dos años más tarde, los Woolf
La Sra. Dalloway fue adaptada a una película de 1997, protagonizada por Vanessa Redgrave, e inspiró The Hours , una novela de 1998 de Michael Cunningham y una adaptación cinematográfica de 2002. Su novela de 1928, To the Lighthouse , fue otro éxito de crítica y se consideró revolucionaria por su flujo de narración de la conciencia.
Trabajo literario
El clásico modernista examina el subtexto de las relaciones humanas a través de la vida de la familia Ramsay durante sus vacaciones en la Isla de Skye en Escocia.
capacidad para equilibrar escenas de ensueño con tramas profundamente tensas le valió un increíble respeto de sus compañeros y del público por igual.
Woolf encontró una musa literaria en Sackville-West, la inspiración para la novela de 1928 de Woolf, Orlando , que sigue a un noble inglés que misteriosamente se convierte en mujer a la edad de 30 años y vive durante más de tres siglos de historia inglesa. La novela fue un gran avance para Woolf, quien recibió elogios de la crítica por el trabajo pionero, así como un nuevo nivel de popularidad.
A pesar de su éxito exterior, continuó sufriendo regularmente ataques debilitantes de depresión y cambios de humor dramáticos.
En 1929, Woolf publicó A Room of One’s Own , un ensayo feminista basado en conferencias que había dado en universidades para mujeres, en el que examina el papel de la mujer en la literatura. En el trabajo, expone la idea de que “una mujer debe tener dinero y una habitación propia si va a escribir ficción”. Woolf traspasó los límites narrativos en su siguiente obra, The Waves (1931), que describió como “un poema teatral” escrito con las voces de seis personajes diferentes. Woolf publicó The Years , la última novela publicada durante su vida en 1937, sobre la historia de una familia a lo largo de una generación. Al año siguiente publicó Three Guineas , un ensayo que continuaba con los temas feministas de A Room of One’s Own. y abordaba el fascismo y la guerra. A lo largo de su carrera, Woolf habló con regularidad en colegios y universidades, escribió cartas dramáticas, escribió ensayos conmovedores y autoeditó una larga lista de cuentos. A mediados de los cuarenta, se había establecido como intelectual, escritora innovadora e influyente y feminista pionera. Su
Suicidio y legado El esposo de Woolf, Leonard, siempre a su lado, estaba muy consciente de cualquier signo que apuntara al descenso de su esposa a la depresión. Vio, mientras ella trabajaba en el que sería su manuscrito final, Between the Acts (publicado póstumamente en 1941), que se hundía en una desesperación cada vez más profunda. En ese momento, la Segunda Guerra Mundial estaba en su apogeo y la pareja decidió que si Inglaterra era invadida por Alemania, se suicidarían juntos, temiendo que Leonard, que era judío, corriera un peligro particular. En 1940, la casa de la pareja en Londres fue destruida durante el Blitz, el bombardeo alemán de la ciudad. Incapaz de hacer frente a su desesperación, Woolf se puso el abrigo, se llenó los bolsillos de piedras y caminó hacia el río Ouse el 28 de marzo de 1941. Cuando se metió en el agua, el arroyo se la llevó. Las autoridades encontraron su cuerpo tres semanas después. Leonard Woolf la incineró y sus restos fueron esparcidos en su casa, Monk’s House. Aunque su popularidad disminuyó después de la Segunda Guerra Mundial, el trabajo de Woolf volvió a resonar en una nueva generación de lectores durante el movimiento feminista de la década de 1970. Woolf sigue siendo uno de los autores más influyentes del siglo XXI.
Nombre de nacimiento: Adeline Virginia Stephen
Nacimiento:25 de enero de 1882 Kensington, Londres, Reino Unido Bandera de Reino Unido Fallecimiento 28 de marzo de 1941 (59 años) Río Ouse, cerca de Lewes, Sussex Oriental, Reino Unido Bandera de Reino Unido Causa de la muerte S u i c i dio por ahogamiento Lengua materna:Inglés británico Religión: Ateísmo Familia Padres Leslie Stephen Ver y modificar los datos en Wikidata Julia Prinsep Stephen Cónyuge: Leonard Woolf (m. 1912–1941; su muerte) Educación Educada en King’s College de Londres Información profesional Ocupación Escritora Años activa Siglo XX Movimiento Modernismo anglosajón Lengua de producción literaria: Inglés Género: Drama y prosa
A R HO E D R E LE Su técnica narrativa del monólogo interior y su estilo poético destacan como las contribuciones más importantes a la novela moderna. Virginia Woolf es una de las poquísimas escritoras que fueron publicadas durante la primera mitad del siglo XX. Una de las principales características de su escritura era darle especial presencia a las emociones e interpretaciones sociales, sobre todo aquellas de las que, a pesar de ser vividas de manera cotidiana, eran muy poco habladas. Una de sus aportaciones a la novela moderna fue el recurso del monólogo interior y el flujo de consciencia que, en boga el psicoanálisis, le dio profundidad a la construcción de sus personajes y que la acercó a James Joyce, Marcel Proust, Franz Kafka y Thomas Mann. La forma de escribir y de pensar de Virginia Woolf la llevó a
ser inspiración e influencia del movimiento feminista liberal sufragista, al que después se fue uniendo de forma consciente de diferentes maneras. La primera y más relevante, en los temas que analizó en sus obras, como el uso de la violencia de hombres sobre mujeres para reprimir-las de forma política e intelectual –en Mrs. Dalloway–; o en Una habitación propia en la que, con la célebre frase, “Una mujer debe tener dinero y una habitación propia si va a escribir ficción”, hace alusión a la necesidad de inde-pendencia financiera de la mujer. En las cartas que se escribió con los intelectuales del círculo de Bloomsbury se ha encontrado gran evidencia de la manera en la que percibía la vida y opinaba sobre la misma, como en el largo intercambio que tuvo con Vita SackvilleWes, una escritora con la que comentaba que la sexualidad era más fluida de lo que indicaban términos como “heterosexualidad” y “homosexualidad”.
Está basada en la propia infancia de la autora, narra la historia de la familia Ramsey en la isla escocesa de Skye, en el periodo de entreguerras. El rumor del mar, la presencia insomne del faro, la guerra, la muerte, el erotismo o el paso del tiempo se mezclan formando un oleaje de símbolos, palabras e imágenes.
Género: Novelas / Literatura Universal.
Pese a todo, día a día siguió consignando la impresión que le causaban escritores como W. B. Yeats, H. G. Wells o Thomas Hardy, su amor por Vita Sackville-West y el de Ethel Smith por ella, sus lecturas, sus empeños, las franjas más inaprensibles de su intimidad.
Año de publicación: 1927 Idioma: Español / Idioma Original: Inglés Título Original: To the Lighthouse
Como otras obras de la autora, “Al faro” ha sido considerada por la Crítica como una de las novelas esenciales de la narrativa modernista del siglo XX. En ella, así como en el Ulises de Joyce, o en la obra En búsqueda del tiempo perdido de Marcel Proust, no pasa absolutamente nada significativo, pues el interés no está en la descripción del paisaje, o en la acción, sino en el mundo interno, emotivo y psicológico de los personajes que constituyen la obra.
La luz de la escritora se vierte sobre los espacios, su ingenio y clarividencia iluminan ya un suceso menor en el curso de la noche; alguien robó su bolso; ya los grandes hitos de su obra literaria. «Digo que estoy escribiendo Las olas siguiendo un ritmo, no una trama», leemos, o bien: «Orlando es un libro muy rápido y brillante, sí, pero no intenté explorar». Este volumen abarca íntegramente el período de tiempo comprendido entre 1925 y 1930. Virginia Woolf alcanzó entonces su plena madurez como escritora, consiguió una posición segura y respetada en el mundo de las letras y participó de una agitada vida social.
Al Faro
Breve descripción:
otro campo: con tu luz. Allí, una colina. Ensancho mi paisaje», nos dice, y sus palabras nombran también y dan sentido a la lectura de estas páginas.
Diarios Género: Novelas / Literatura Universal Idioma: Español Breve descripción: Escritos con honestidad, agudeza y sentido de la inmediatez, los diarios de Virginia Woolf hacen aflorar esa corriente de vida que fluye incontenible detrás de sus novelas. «Yo utilizo a mis amigos más bien como lámparas: veo que ahí hay
Inglaterra desde la Edad Media hasta los días previos al estallido de la Segunda Guerra Mundial. Presente y pasado, la historia remota y la historia que está a punto de ocurrir, el mundo remoto y el mundo que ya empieza a desaparecer se entrelazan en esta prodigiosa novela, el último acto de una de las representaciones literarias más poderosas, valientes y perdurables de todos los tiempos.
de nuestros días. Las olas tejen el contrapunto de seis voces que evocan con intensidad los recuerdos de la infancia y la primera adolescencia desde el distanciamiento de la edad madura. Diálogos, emociones, pensamientos, sensaciones, todo fluye en un solo tapiz de delicado y minucioso trazo que evoca, como indica el título, el flujo y reflujo constante y eterno, pero siempre mudable, del mar. Las olas es sin duda la obra por excelencia de Virginia Woolf, y si ella ha quedado como una de las creadoras más vigentes de su tiempo, esta novela sigue siendo su obra más emblemática.
Entre Actos
La vida y la obra de Virginia Woolf no han dejado de despertar el interés de escritores, biógrafos, ensayistas, críticos literarios y cineastas muy diversos, y Nicole Kidman fue premiada en los BAFTA, Los Globos de Oro y los Oscar por su interpretación de la escritora en Las horas.
Género: Novelas / Ficción y Literatura Idioma: Español Breve descripción:
No hay duda de que es una de las escritoras del siglo xx más ampliamente valoradas y conocida.
Última novela de Virginia Woolf, Entre actos es la obra que la autora escribió antes de suicidarse en 1941. Fue publicada póstumamente y enseguida se consideró una obra maestra, la quintaesencia de su carrera novelística, una de las aportaciones más brillantes y decisivas a la literatura europea del siglo XX. La historia transcurre durante el verano de 1939 en Pointz Hall, la casa de campo de la familia Oliver desde hace más de un siglo. El principal evento de la novela es la representación de la obra teatral que cada año se hace en el pueblo, escrita y dirigida esta vez por la vehemente señorita La Trobe, que refleja la historia de
Las Olas Género: Novelas Año de publicación: 1931 Idioma: Español / Idioma Original: Inglés Título Original: The Waves Breve descripción: Las olas han sido considerada una de las cumbres de la literatura del siglo XX, y su influencia sigue repercutiendo en la novela
mente esencial de la obra estriba en que los hechos están narrados desde la mente de los personajes, con un lenguaje capaz de dibujar los meandros y ritmos escurridizos de la conciencia y de expresar la condición de la mujer de un modo a la vez íntimo y objetivo. Casi ochenta años después de su aparición, La señora Dalloway conserva intactas la oscura belleza y la originalidad que le permitieron ingresar en la restringida familia de los clásicos del siglo XX. La señora Dalloway continúa considerándose una de las más conocidas novelas de Woolf.
Género: Novelas Año de publicación: 1925 Idioma: Español / Idioma Original: Inglés Título Original: Mrs. Dalloway Breve descripción:
La historia comienza una soleada mañana de 1923 y termina es a misma noche, cuando empiezan a retirarse los invitados de una fiesta que se celebra en la mansión de los Dalloway. Aunque en el curso del día suceda un hecho trágico -el suicidio de un joven que volvió de la guerra con la mente perturbada-, lo verdadera-
Los Pargiter, una típica familia burguesa, recorren en estas páginas un período de tiempo comprendido entre los últimos estertores de la era victoriana y los primeros años treinta. Y en el seno de su hogar se dramatizan las tensiones históricas, sociales e ideológicas de esa época de transición y niebla, cuando un mundo y una idea de la civilización se desmoronaban para dar paso a un tiempo nuevo y lleno de incertidumbre. La guerra, la estructura patriarcal, el capitalismo, el Imperio o el auge del fascismo son algunas de las sombras que se proyectan en las paredes de la casa de esta familia inglesa, emparentada, podría decirse, con los Buddenbrook, la familia alemana creada por Thomas Mann en su novela homónima.
La Señora Dalloway
La señora Dalloway, es la primera de las novelas con que Virginia Woolf revolucionó la narrativa de su tiempo, relata un día en la vida londinense de Clarissa, una dama de alta alcurnia casada con un diputado conservador y madre de una adolescente.
Los años fue la novela más popular de Virginia Woolf durante su vida, quizá debido a su factura clásica, decididamente más convencional que su obra anterior.
Los Años Género: Novelas / Literatura Universal Idioma: Español Breve descripción:
vendió el doble de ejemplares y triplicó los ingresos de la autora. Virginia Woolf se sorprendió por la popularidad de la novela al ser obligada a hacer una tercera impresión en el transcurso de tres meses. El subtítulo «una biografía» -retirado casi enseguida- había desconcertado a muchos lectores, los cuales opinaban que no se trataba de un género popular. “Woolf consideraba a «Orlando» un juego, un vuelo de imaginación, y nunca tomó la novela en serio a pesar de su éxito comercial y de su aguda crítica social, que sólo llegaría a ser reconocida en los años 70”. Leah Leone
Orlando
Breve descripción: «Pero, me diréis, le hemos pedido que nos hable de las mujeres y la novela. ¿Qué tiene esto que ver con una habitación propia? Intentaré explicarme. Cuando me pedisteis que hablara de las mujeres y la novela, me senté a orillas de un río y me puse a pensar qué significarían esas palabras... ...He faltado a mi deber de llegar a una conclusión acerca de estas dos cuestiones; las mujeres y la novela siguen siendo, en lo que a mí respecta, problemas sin resolver. Mas para compensar un poco esta falta, voy a tratar de mostraros cómo he llegado a esta opinión sobre la habitación y el dinero». Virginia Woolf
Género: Novelas
“Una Habitación Propia” esconde la reflexión que la autora hizo para un ciclo de conferencias sobre la literatura y la mujer.
Idioma: Español Breve descripción:
El ensayo recorre la historia literaria de la mujeres, cuyo fin último es el de reivindicar para el género femenino la posibilidad de ser admitido en una cultura que hasta entonces se había mostrado como uso exclusivo de los hombres, en una sociedad inglesa de una pronunciada idiosincrasia patriarcal.
Singular biografía, la de Orlando se desarrolla entre la era isabelina y el siglo XX, y además, a mitad de camino, cambia el sexo de su protagonista. Sólo una agilidad narrativa como la de Woolf podía trenzar un juego literario semejante, y sólo un autor como Borges estaba en condiciones de verterla a nuestra lengua. Orlando sigue siendo como una de las mejores novelas de Virginia Woolf debido a su modernidad y a la presencia de todos los temas básicos de la obra de la autora inglesa: la condición de la mujer, el paso del tiempo y la recreación literaria de la realidad. A pesar de gozar de menos pres
Una Habitación Propia
tigio que otras novelas de Woolf, al publicarse Orlando en 1928 se
Título Original: A room of one’s own
Género: Novelas Año de publicación: 1929 Idioma: Español / Idioma Original: Inglés
Obra Novelas Fin de viaje (The voyage out, 1915). Noche y día (Night and day, 1919). El cuarto de Jacob (Jacob’s room, 1922). La señora Dalloway (Mrs. Dalloway, 1925). Al faro (To the lighthouse, 1927). Orlando (1928). Las olas (The waves, 1931). Los años (The years, 1937). Entre actos (Between the acts, 1941).
Cuentos Kew gardens (1919) Monday or Tuesday (1921) The new dress (1924) A haunted house and other short stories (1944). La casa encantada se publicó en 1983 por Editorial Lumen, ISBN 978-84-264-1135-8 Mrs. Dalloway’s party (1973). Editorial Lumen publicó La señora Dalloway recibe en 1983, ISBN 97884-264-2934-6 The complete shorter fiction (1985). En ella se publicó por primera vez el relato Phyllis and Rosamond («Phyllis y Rosamond»), que se incluye, precedido de nota biográfica, en las págs. 481ss de la antología Cuando se abrió la puerta. Cuentos de la nueva mujer (1882-1914), Alba, Clasica maior, 2008, ISBN 978-848428-418-5 Alianza Editorial ha publicado los Relatos completos en 1994, ISBN 978-84-206-3277-3, y en 2008, ISBN 978-84-206-5992-3, traducidos por Catalina Martínez Muñoz y edición de Susan Dick. Los cuentos de Virginia Woolf han sido, además, objeto de otras publicaciones y antologías en español: La niñera Lugton, cuento infantil, se publicó por Editorial Debate en 1992, ISBN 978-84-7444-578-7. También conocido como «La cortina de la niñera Lugton». Una rosa sin espinas, Editorial Planeta, 1999, ISBN 978-84-08-03275-5
La viuda y el loro, en tono humorístico, Editorial Debate, 1989, ISBN 978-84-7444-328-8 y Gadir Editorial, 2009, ISBN 978-84-935237-4-9 La sociedad se ha publicado junto con La inocentada del acorazado, obra de su hermano Adrian Stephen, por Valdemar en 1999, ISBN 97884-7702-293-0 Libros de no ficción Modern fiction (1919) The common reader (El lector común, 1925). Traducido por Editorial Lumen en 2009, ISBN 978-84-2641699-5 A room of one’s own (Una habitación propia, 1929). Publicada en España por Seix Barral en 1986 ISBN 84-322-3038-3, en 1997 ISBN 978-84-322-3038-7, en 1997 ISBN 978-84-322-1521-6, en 2008 ISBN 978-84-322-1789-0 y en 2009 ISBN 978-84-322-1964-1, y por Círculo de Lectores en 2004 ISBN 97884-672-0617-3. Publicada también con el título de Un cuarto propio en 1991 por Ediciones Júcar, ISBN 978-84-334-2817-2; en 2003 por la Editorial Horas y Horas, ISBN 97884-96004-02-3; en 2007 por Alianza Editorial, ISBN 978-84-206-5526-0; y en 2013 por Lumen, ISBN 978-84264-2165-4 On being Ill (1930) The London scene (1931). Londres ha sido publicada por Editorial Lumen en 2005 y por Viena Ediciones en 2008 ISBN 978-84-8330-476-1; Escenas de Londres fue publicada por Editorial Lumen en 1986 ISBN 978-84-264-2973-5 The Common Reader: Second Series (1932) Three guineas (Tres guineas, 1938). Publicado por Editorial Lumen en 1980 ISBN 978-84-264-4006-8, 1983 ISBN 978-84-264-1133-4 y 1999 ISBN 978-84-264-4954-2 The death of the moth and other essays (1942). Traducido al castellano en 2009 por Luïsa Moreno Llort para la editorial Capitán Swing Libros como La muerte de la polilla y otros escritos (índice aquí). The moment and other essays (1947) The captain’s death bed and other
essays (1950) Granite and rainbow (1958) Books and portraits (1978) Women and writing (Las mujeres y la literatura, 1979). Publicado en España en 1981 por Editorial Lumen ISBN 978-84-264-4013-6 Collected essays (cuatro volúmenes) Paseos por Londres, La Línea del Horizonte Ediciones, 2015, ISBN 978-84-15-95828-4 Una selección de ensayos de crítica literaria pueden leerse en tres antologías en castellano publicadas en España: La torre inclinada y otros ensayos, Editorial Lumen, 1980, ISBN 97884-264-1129-7 Horas en una biblioteca, El Aleph Editores, 2008, ISBN 978-84-7669718-4. Recopilación de ensayos realizados a lo largo de toda su carrera como escritora. Leer o no leer y otros escritos, Abada Editores, 2013, ISBN 978-84-1528972-2 Atardecer en Sussex y otros escritos, Abada Editores, 2014, ISBN 978-8416-16000-6
Cartas •Congenial spirits: The selected letters (1993) •The letters of Virginia Woolf 1888-1941 (seis volúmenes, 1975-1980) •Paper darts: The illustrated letters of Virginia Woolf (1991) •Carta a un joven poeta (1932)
https://www.wikiwand.com https://www.biography.com/writer/virginia-woolf
Por @gh
s e n cio
a n i luc
A
Alucinación
s a c i g ó s g a a c i n p p e i m h ó p o n hip
La definición clásica de la alucinación es la de Benjamín Ball (1833-1893) para él la alucinación es una percepción sin objeto a percibir, aunque no siempre las alucinaciones tienen las características de las percepciones. Para German Berrios la alucinación es una declaración perceptual, de grado variable de convicción, en la ausencia de un estímulo externo relevante. Las alucinaciones son todas aquellas percepciones que a pesar de no basarse en estímulos reales, nos hacen ver, oír, o incluso sentir por el tacto. En el caso de las alucinaciones hipnagógicas estas se dan durante la noche, y no están directamente relacionadas con trastornos de tipo orgánico.
Alucinaciones hipnagógicas e hipnopómpicas Sinónimos: alucinaciones fisiológicas, visiones de ensueño. Las alucinaciones hipnagógicas aparecen cuando el sujeto pasa de la vigilia al sueño, mientras que las hipnopómpicas aparecen en el momento del despertar. Se presentan sobre un fondo negro, en forma de imágenes geométricas, objetos, animales o personas. Se les llaman fisiológi-cas porque se pueden presentar en sujetos sanos aunque las alucinaciones hipnagógicas son características del síndrome narcoléptico. Alucinaciones imperativas Sobre una muestra de 650 estudiantes universitarios, 24% varo-
nes y 76% mujeres, se administraron seis escalas; cuatro para medir la intensidad de experiencias perceptuales y dos escalas de personalidad. Los resultados mostraron que los individuos con experiencias puntuaron significativamente alto en relación a absorción (r = .48, p < .001, a dos colas), disociación (r = .46, p < .001, a dos colas), esquizotipia (El trastorno esquizotípico de la personalidad (TEP) es un padecimiento mental por el cual una persona tiene dificultad con las relaciones interpersonales y alteraciones en los patrones de pensamiento, apariencia y comportamiento.) cognitivo-perceptual (r = .44, p < .001, a dos colas), propensidad (‘propensión, tendencia, inclinación’) a fantasear (r = .42, p < .001, a dos colas), y neuroticismo (r = .20, p = .001, a dos colas). Se puede concluir que estas diferencias reflejan la faci-
lidad con que una persona puede atravesar estados de consciencia que permiten el pasaje entre el estado de vigilia y el mundo de fantasía. Las percepciones aberrantes son frecuentes, breves, afectan a todas las modalidades sensitivas y habitualmente no son expresión de enfermedades neurológicas ni psiquiátricas. Clásicamente, se asocian los fenómenos auditivos a patología psicótica y otros estudios dan una incidencia poblacional baja. Sin embargo, los estudios sugieren que las percepciones auditivas simples, de corta duración y con crítica inmediata, son frecuentes y no se asocian a patología. Alucinación La definición clásica de la alucinación es la de Benjamín Ball (1833-1893) para él la alucinación es una percepción sin objeto a percibir, aunque no siempre las alucinaciones tienen las características de las percepciones. Para German Berrios la alucinación es una declaración perceptual, de grado variable de convicción, en la ausencia de un estímulo externo relevante. Las alucinacion es son todas aquellas percepciones que a pesar de no basarse en estímulos reales, nos hacen ver, oír, o incluso sentir por el tacto. En el caso de las alucinaciones hipnagógicas estas se dan durante la noche, y no están directamente relacionadas con trastornos de tipo orgánico. Alucinaciones Hipnagógicas Las alucinaciones hipnagógicas tienen la particularidad de que ocurren únicamente durante el proceso transitorio del estado de
vigilia al de sueño, específicamente en primera y segunda fase del sueño (MOR). Esto quiere decir que suceden cuando nos encontramos tratando de conciliar el sueño durante la noche. Es frecuente que estas alucinaciones guarden relación con experiencias vividas por el sujeto durante el día anterior, y las más comunes son de carácter auditivo y visual. Pueden ser alucinaciones de cualquier tipo; visuales, auditivas, gustativas, olfatorias, o incluso táctiles. Por lo general ocurren en las etapas jóvenes del desarrollo, cuando el sujeto se encuentra en la infancia y durante la adolescencia. Son menos frecuentes durante la edad adulta, donde en condiciones naturales, lo normal es que hayan desaparecido por completo. Sin embargo pueden existir excepciones, en cuyo caso podrían considerarse como indicadores de patologías neuróticas o psicóticas. Este tipo de alucinaciones son, en muchos de los casos, la explicación a las “experiencias paranormales” que algunas personas manifiestan haber sentido durante horas de la noche, en las que trataban de conciliar el sueño. No deben confundirse con las alucinaciones hipnopómpicas, las cuales ocurren durante el proceso de transición entre el estado de sueño al de vigilia, es decir, son exactamente lo opuesto a las hipnagógicas. También podría suceder que el sujeto sepa que lo que está sintiendo en ese momento no es real; en tal caso, se trataría entonces de una pseudoalucinación. Alucinaciones Hipnopómpicas Se denominan alucinaciones hipnopómpicas a aquellas que se producen en un estado intermedio entre el sueño y la vigilia, es
Benjamín Ball nació en Nápoles cuando era todavía capital del Reino de las Dos Sicilias de padre inglés y madre suiza. Se naturalizó como francés en 1844. Hizo toda su carrera en Francia. Estudió Medicina en París donde fue alumno de Jacques-Joseph Moreau de Tours y Jean-Martin Charcot. Después de haber sido nombrado Doctor en Medicina en 1866, fue asistente del profesor Lasègue. En 1875, gracias al apoyo de Charcot y Lasègue, obtuvo en detrimento de su rival, Valentin Magnan, la primera cátedra oficial de “Patología mental y enfermedades del encéfalo” en el Asilo de Santa Ana, iniciándose así la enseñanza universitaria de la psiquiatría en Francia. En 1881, Benjamin Ball creó con Jules Bernard Luys el periódico L’Encéphale (El Encéfalo), dedicado a la publicación de trabajos francófonos y en neurología experimental y clínica. Publicó numerosas e importantes obras, entre las que merecen mencionarse: La locura erótica (La Folie érotique), Del delirio de persecuciones ( Du délire des persécutions), Lecciones sobre las enfermedades mentales (Leçons sur les maladies mentales). Fue uno de los primeros en señalar los peligros de la cocaína que se utilizaba ampliamente como fármaco durante el siglo XIX.
lo de Víctor Li Carrillo, Augusto Salazar Bondy y Gred Ibscher. En 1965, obtuvo el grado de bachiller en Medicina y Cirugía luego de un intento fallido en el que el jurado desaprobó una tesis sobre la base teórica de la psiquiatría.
Germán Elías Berríos Marca (Tacna, 17 de abril de 1940) es un médico psiquiatra, filósofo, historiador y psicólogo peruano. Actualmente, es catedrático del departamento de Psiquiatría en la Universidad de Cambridge. Nacido el 17 de abril de 1940 en Tacna. Cursó estudios secundarios en el Colegio Nacional Coronel Bolognesi, entonces en la calle Billinghurst de Tacna. En 1961 se casó con Doris Alvarado Contreras, hija del automovilista Arnaldo Alvarado Degregori. La pareja tuvo cuatro hijos, de los cuales solo dos le sobreviven: Germán Arnaldo, Francisco Javier, Claudio Fabricio (fisiólogo) y Rubén Ernesto (filósofo). Berríos realizó estudios superiores de Medicina y Filosofía en las facultades de San Fernando y Letras de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, donde fue discípu-
En 1966, se trasladó a Irlanda del Norte, donde trabajó por un año en el Banbridge Hospital para revalidar su titulación médica. Gracias a una beca completa obtenida por examen, estudió Filosofía, Psicología y Fisiología en el Corpus Christi College de la Universidad de Oxford, de la que se graduó con honores en 1968 (B.A.) y en donde trabajó bajo la tutoría de G. Ryle, F. Strawson, E Anscombe y J. Ayer. Luego completó su entrenamiento en Neurología y Psiquiatría en los Oxford University Hospitals, obteniendo así su diploma en Medicina Psicológica. Luego de obtener la disputada Wellcome Trust Fellowship, siguió estudios de doctorado en Historia y Filosofía de la Ciencia (DPhil) bajo la tutela de A.C. Crombie, C. Webster y R. Harré. Posteriormente, realizó dos maestrías (M.A.) en Oxford y en Cambridge, y el doctorado en Medicina en San Marcos en 1983. Tras ejercer en el hospital mental de Littlemore, en Oxford, y ser investigador en el Corpus Christi, en
1973 ingresó como profesor asistente a la Universidad de Leeds, donde se formó en estadística y modelación matemática con el profesor Max Hamilton. Desde 1977 ha ejercido la docencia en Cambridge como Catedrático de Neuropsiquiatría y luego de la Epistemología de la Psiquiatría y como Fellow del Robinson College, del fue director de estudios médicos (1981-1996) y del que actualmente es fellow vitalicio y catedrático emérito. Además, ha sido jefe de Neuropsiquiatría Clínica del Addenbrooke’s Hospital de la misma universidad hasta su jubilación. Por muchos años ha sido consultor en temas de psiquiatría del gobierno español y del gobierno británico en Hong Kong. Actualmente, es presidente del comité de Ética e Investigación de Cambridge y es director de la revista académica History of Psychiatry -esta última fundada junto a Roy Porter en 1989. En 1988, fue nombrado fellow de la British Psychological Society y, en el 2000, de la Academy of Medical Sciences. En 2020 sus estudiantes le publicaron un libro de homenaje (Festschrift).
decir, ocurren cuando nos estamos despertando. Son percepciones visuales (imágenes intensas, auditivas o táctiles) que aparecen cuando se está despertando del sueño, cuyo vínculo con la realidad objetiva no está clara, pero son experimentadas como tales, de manera que el sujeto no las distingue de una experiencia normal vivida completamente despierto. También suelen ocurrir durante el fenómeno de parálisis del sueño. No son patológicas. Son inofensivas, aunque podrían estar ocasionadas por niveles estrés o ansiedad elevados. Este tipo de alucinaciones son parte de las alucinaciones hípnicas. Causas Esta clase de alucinaciones suelen presentarse de manera aislada en las personas, dependiendo de la etapa del desarrollo en que se encuentre el sujeto. Como ya hemos mencionado anteriormente, son comunes en la infancia y adolescencia, momento en el que los seres humanos aún no poseen instaurado en su totalidad el pensamiento lógico-racional, y el que prevalece todavía es el pensamiento mágicoreligioso. Durante estas etapas jóvenes de la vida, esas alucinaciones pueden atribuirse a aquellas fantasías y creencias propias de las respectivas edades (entres los 6 y los 17 años). En los casos más repetitivos, cuando estas alucinaciones se repiten con frecuencia, podrían ser ocasionadas con algunos trastornos específicos del sueño. Por ejemplo, la conocida parálisis del sueño. Si ocurre que la intensidad de las alucinaciones hipnagógicas es
más severa, podría ser uno de los síntomas de narcolepsia (sueño excesivo durante el día). Sin embargo, este tipo de alucinación no se considera patológico cuando ocurre de manera aislada. En la vida adulta se podrían presentar una vez sin que se consideren como indicador de algún trastorno. Si por el contrario, si la prevalencia es significativa, exactamente en los casos donde ocurren a lo largo de un mes prolongadamente, se debe acudir al especialista (neurólogo o psiquiatra). El médico será quien realice las pruebas necesarias para detectar el posible origen de las alucinaciones. En circunstancias normales, estas experiencias no duran más de veinte segundos, y al despertar el sujeto, este no suele recordarlas.
incluy en formas de respiración específicas para disminuir los niveles de ansiedad y poder conciliar el sueño de mejor forma. En lo relativo al consumo de determinadas sustancias, la prevención pasa por abandonar dicho consumo, o de lo contrario las alucinaciones hipnagógicas persistirán o incluso podrían intensificarse dependiendo de cuál sea la sustancia o si la persona pasa a consumir alguna otra que tenga un efecto más potente para su organismo. Por último, cuando las alucinaciones hipnagógicas son producto de algún trastorno del sueño, entonces su tratamiento y prevención pasan por los mismos del trastorno específico que esté padeciendo el sujeto.
Cómo se previenen La prevención de estas alucinaciones pasa por tener en cuenta varios factores relativos al origen de las mismas, lo que significa que se debe haber determinado qué es lo que las ocasiona para prevenir de una manera específica para cada circunstancia. Comencemos por las causas más comunes: el exceso de cansancio provocado por no tener adecuadas rutinas de sueño. Cuando esta es la causa, lo que se recomienda es distribuir mejor el tiempo. La idea es que puedas irte a dormir a una hora prudente y conseguir un sueño reparador de entre 6 y ocho 8 (en el caso de los adultos). La ansiedad y el consumo de algunas sustancias también puede generar estas alucinaciones nocturnas. Particularmente, cuando la causa es la ansiedad, las técnicas de relajaciones antes de dormir funcionan bastante bien. Estas
Referencias bibliográficas: Germaine, A., Nielsen, T.A. (1997). Distribution of spontaneous hypnagogic images across Hori’s EEG stages of sleep onset. Sleep Research. 26: 243. Nielsen, T., Germain, A., Ouellet, L. (1995). Atonia-signalled hypnagogic imagery: Comparative EEG mapping of sleep onset transitions, REM sleep, and wakefulness. Sleep Research. 24: 133. https://es.wikipedia.org/wiki/Germ%C3%A1n_Berr%C3%ADos https://es.wikipedia.org/wiki/Benjamin_Ball https://es.linkfang.org http://pepsic.bvsalud.org/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0034-96902009000100015
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Arte Naif El arte naíf es un tipo de arte muy simple, poco sofisticado que, por lo general, se refiere específicamente al arte realizado por artistas que no han recibido capacitación formal en una escuela de arte o academia. La denominación naíf, naif o naïf (del francés naïf, ‘ingenuo’) se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la interpretación libre de la perspectiva o incluso la ausencia de ella. I. Nacimiento del arte ingenuo Hay dos formas posibles de definir cuándo se originó el arte ingenuo. Uno es reconocer que sucedió cuando el arte ingenuo fue aceptado por primera vez como un modo artístico de estatus igual a cualquier otro modo artístico . Eso daría su nacimiento a los primeros años del siglo XX. La otra es aprehender el arte ingenuo como nada más ni menos que eso, y mirar hacia atrás en la prehistoria humana y en una época en la que todo el arte era de un tipo que ahora podría considerarse ingenuo, hace decenas de miles de años, cuando la primera Se grabaron dibujos rupestres y cuando las primeras pinturas rupestres de osos y otros animales fueron tachados. Si aceptamos esta segunda definición, inevitablemente nos enfrentamos a la pregunta muy intrigante, entonces, ¿quién fue ese primer artista ingenuo?
Entonces, hace muchos miles de años, en los albores de la conciencia humana, vivía un cazador. Un día se le ocurrió rascar en una superficie rocosa plana los contornos de un ciervo o una cabra en el acto de huir. Una sola línea económica fue suficiente para representar la forma exquisita de la graciosa criatura y la ágil rapidez de su vuelo. La experiencia del cazador no fue la de un artista, simplemente la de un cazador que había observado su modelo.’ toda su vida. Es imposible a esta distancia en el tiempo saber por qué hizo su dibujo. Quizás fue un intento de decirle algo importante a su grupo familiar; tal vez estaba destinado a ser un símbolo divino, un amuleto destinado a lograr el éxito en la caza. Sea lo que sea, pero desde el punto de vista de un historiador del arte, tal forma de expresión artística atestigua, como mínimo, el despertar de la energía creativa individual y la necesidad, después de su acumulación a través del proceso de encuentros con el saber de la naturaleza, de encontrar una salida para ello. Este primer artista realmente existió. Debe haber existido. Y, por tanto, debió haber sido verdaderamente “ingenuo” en lo que describió porque vivía en una época en la que no se había inventado ningún sistema de representación pictórica. Solo a partir de entonces ese sistema comenzó a tomar forma y desarrollarse gradualmente. Y solo cuan-
do existe un sistema de este tipo puede haber algo parecido a un artista “profesional”. Es muy poco probable, por ejemplo, que las pinturas de las paredes de las cuevas de Altamira o Lascaux fueran creaciones de artistas inexpertos. La precisión en la representación de los rasgos característicos del bisonte, especialmente su enorme agilidad., el uso del claroscuro, la belleza general de las pinturas con sus sutilezas de coloración, todo esto seguramente revela la brillante artesanía del artista profesional. Entonces, ¿qué pasa con el artista ‘ingenuo’, ese cazador que no se volvió profesional? Probablemente continuó con su experimentación pictórica, utilizando cualquier material que tuviera a mano; la gente que lo rodeaba no lo percibía como un artista, y sus esfuerzos fueron bastante ignorados.
Cualquier sistema establecido de representación pictórica - de hecho, cualquier modo de arte sistemático - se convierte automáticamente en un estándar contra el cual juzgar a aquellos que por incapacidad u obstinación no se adhieren.
antiguos no han sobrevivido y el tiempo no nos ha conservado las pinturas de caballete de aquellos maestros legendarios cuyos nombres han sido inmortalizados a través de la palabra escrita. El nombre del Henri Rousseau de la Atenas clásica se ha perdido para siempre, pero sin duda existió. La Sección Áurea, el ‘canon’ de la (proporciones ideales de la) forma humana tal como la usa Policlito (o Policleto de Larisa fue un geógrafo e historiador del siglo IV a. C.), la noción de ‘armonía’ basada en las matemáticas para dar perfección al arte, todo esto derivado de una isla de civilización antigua a la deriva en un verdadero mar de pueblos “salvajes”: el de los griegos.
Los griegos se encontraron con esta marea de salvajismo dondequiera que fueran. Las estatuas de piedra de mujeres ejecutadas por los escitas en la zona al norte del Mar Negro, por ejemplo, las consideraban arte “primitivo” bárbaro y sus escultores como artistas “ingenuos” ajenos a las leyes de la armonía.
Las naciones de Europa han conservado cuidadosamente tantas obras maestras de la antigüedad clásica como han podido, y también han consignado escrupulosamente a la historia los nombres de los artistas, arquitectos , escultores y diseñadores clásicos .
Ya durante el siglo III a. C. la influencia de los “bárbaros” comenzó a penetrar en el arte romano, que en ese momento derivaba en gran medida de los modelos griegos. Los romanos creían no solo que eran la única nación verdaderamente civilizada del mundo, sino que su misión era civilizar a otros fuera de sus costumbres incultas, para acercar sus formas de arte primitivas a los rigurosos estándares del arte clásico del Imperio.
¿Qué oportunidad había, entonces, para algún mortal menor de la Atenas del siglo V a. C. que intentó pintar un cuadro, de que todavía pudiera ser recordado hoy, cuando la mayoría de los frescos
De todos modos, los escultores romanos se sintieron libres para interpretar la forma de una manera “bárbara”, por ejemplo, creando una escultura tan simple que parecía primitiva y dejando la
superficie irregular y solo ligeramente pulida. El resultado fue irónicamente que el ‘correcto’ Habiendo derrocado el dominio de Roma sobre la mayor parte de Europa, los “bárbaros” prescindieron del sistema clásico del arte. Era como si el “canon” tan notablemente realizado por Policlito nunca hubiera existido. Ahora el arte aprendió a asustar a la gente, a inducir un estado de asombro y temor por su expresividad. Los capiteles de las catedrales románicas medievales estaban plagados de extrañas criaturas con piernas cortas, cuerpos diminutos y cabezas enormes. ¿Quién los talló? Se conocen muy pocos nombres de los creadores. Sin duda, sin embargo, eran excelentes artesanos , virtuosos en el trabajo de la piedra. También eran verdaderos artistas, o su trabajo no emanaría un poder tan tremendo. Estos artistas procedían de ese mundo paralelo que siempre había existido, el mundo de lo que los europeos llamaron arte ‘primitivo’.
El arte “ingenuo” y los artistas que lo crearon se hicieron muy conocidos en Europa a principios del siglo XX. ¿Quiénes eran estos artistas y cuál era su origen? Para averiguarlo, tenemos que retroceder el tiempo y mirar la historia del arte en ese momento. Es interesante que durante gran parte del siglo intermedio, los propios artistas ingenuos parecen haber atraído bastante menos atención que las personas responsables de “descubrirlos” o publicitarlos. Sin embargo, eso no es inusual. Después de todo, los artistas ingenuos nunca hubieran salido a la luz del escrutinio público si no hubiera sido por
la fascinación que otros jóvenes artistas europeos del movimiento de vanguardia tenían por su trabajo, artistas de vanguardia cuyo propio trabajo ha ahora, en el cambio de milenio, también pasó a la historia del arte. De esta manera, no deberíamos considerar ver obras de, digamos, Henri Rousseau, Niko Pirosmani, Ivan Generalic, Andre Bauchant o Louis Vivin sin hacer referencia al mismo tiempo a las ideas y estilos de maestros tan reconocidos como Pablo Picasso, Henri Matisse, Pero, por supuesto, hacer esa referencia en sí presenta problemas. ¿Quién fue influenciado por quién, de qué manera y cuál fue el resultado? El trabajo de los artistas ingenuos plantea tantas preguntas de este tipo que, sin duda, los expertos seguirán intentando desentrañar las respuestas durante un buen rato. La principal necesidad es establecer para cada uno de los artistas ingenuos precisamente quién o cuál fue la principal fuente de inspiración. Esto tiene que ubicarse dentro de un marco que exprese la relación del artista con el arte académico “clásico” (“oficial”) de la época. Por difícil que sea avanzar en tal investigación. Se pone peor. Todo el tiempo están saliendo a la luz obras de artistas ingenuos previamente desconocidos, algunos de ellos de los primeros días del arte ingenuo, algunos de ellos relativamente contemporáneos. Su arte puede contribuir a nuestra comprensión del fenómeno del arte ingenuo o puede cambiarlo por completo. Por esta sola razón, simplemente no sería factible llegar a una apreciación del arte ingenuo que fuera estrictamente definido, completo y estático. En este estudio, por lo tanto, contemplaremos solo aquellos ejemplos sobresalientes, pero extraordinariamente diversos, de arte ingenuo que realmente constituyen indicadores hacia un estilo genuino, una dirección genuina en la representación pictórica, aunque poco conocida en la actualidad. Piense en este libro, si lo desea, como un boceto preliminar de un cuadro que completarán las generaciones futuras.
Es difícil, quizás incluso imposible, cuantificar la influencia de Henri Rousseau , Niko Pirosmani e Ivan Generalic sobre los artistas profesionales “modernos” y las obras de arte que producen. La razón es obvia: los tres no pertenecían a ninguna escuela específica y, de hecho, no trabajaban con ningún sistema de arte específico. Es por esta razón que los auténticos eruditos del arte ingenuo son algo delgados en el terreno. Después de todo, es difícil encontrar un elemento básico, un factor coherente, que una su arte y permita estudiarlo como un fenómeno discreto. Los problemas comienzan incluso en encontrar un nombre propio para este tipo de arte. Ningún término es suficientemente descriptivo. Está muy bien consultar diccionarios, no sirven de mucho en esta situación. Una definición de diccionario de “primitivo” en relación con el arte, por ejemplo, podría ser “Un artista o escultor del período anterior al Renacimiento”. En realidad, esta definición no es inusual en los diccionarios de hoy, pero se escribió por primera vez en el siglo XIX y ahora está muy desactualizada porque el concepto de arte “primitivo” se ha expandido para incluir el arte de culturas no europeas además del arte. de artistas ingenuos en todo el mundo. Al incorporar una diversidad tan masiva de dementos, el término ha adquirido una amplitud que lo hace, como definición, todo indefinido. La palabra ‘ingenuo’, que implica naturalidad, inocencia, falta de afecto, inexperiencia, confiabilidad, destreza e ingenuidad, tiene el tipo de sonido descriptivamente emotivo que refleja claramente el espíritu de tales artistas. Pero como término técnico, está abierto a confusión. Como Louis Aragon, podríamos decir que “es ingenuo considerar ingenuo este cuadro”. Se han sugerido muchas otras expresiones descriptivas para llenar el vacío. Wilhelm Uhde llamó a la exposición de 1928 en París Les Artists du Sacre-Coeur, aparentemente con la intención de enfatizar no tanto un lugar
como la naturaleza virgen y pura de las disposiciones de los artistas. Otra propuesta fue llamarlos ‘artistas instintivos’ en referencia a los aspectos intuitivos de su método. Otro fue el de “neoprimitivos” como una especie de referencia a la idea del arte “primitivo” al estilo del siglo XIX, sin dejar de distinguirlos de él. Una facción diferente tomó la observación de Gustave Coquiot en elogio del trabajo de Henri Rousseau y decidió que deberían ser conocidos como ‘artistas dominicales’. De todos los términos que se ofrecen, fue ingenuo el que ganó. Esta es la palabra que se utiliza en los títulos de los libros y en los nombres de un número creciente de museos. Presumiblemente, es la combinación de factores morales y estéticos en el trabajo de artistas ingenuos lo que parece apropiado en la descripción. Gerd Claussnitzer, alternativamente, cree que el término se entiende peyorativamente, como un comentario del siglo XIX de la escuela realista sobre un estilo de pintura visiblemente torpe y poco hábil. “Por todo eso, para un lector o espectador poco sofisticado, el término ‘artista ingenuo’ sí aporta pensar en una imagen del artista como un tipo de persona muy humana. Todo estudiante de arte siente la compulsión natural de tratar de clasificar a los artistas ingenuos, de categorizarlos sobre la base de alguna característica o características que tienen en común. El problema con esto es que los artistas ingenuos, como se señaló anteriormente, no pertenecen a ninguna escuela de arte específica y trabajan a ningún sistema específico de expresión. Precisamente por eso, los artistas profesionales se sienten tan atraídos por su trabajo. Maurice de Vlaminck, resumiendo su larga vida, escribió: “Al principio me parece que seguí el fauvismo y luego seguí los pasos de Cézanne. Lo que sea, no me importa ... siempre que en primer lugar siga siendo Vlaminck”. Los artistas ingenuos han sido independientes de otras formas de arte desde el principio. Es su cualidad esencial. Paradójicamente, es su independencia lo que determina su similitud. Suelen uti-
lizar el mismo tipo de temas y materias; tienden a tener el mismo tipo de visión de la vida en general, lo que se traduce en un estilo de pintura muy parecido. Y esta similitud se debe principalmente a la naturaleza instintiva de su proceso creativo.
preocupación de la fotografía debería ser imitar el arte. En un esfuerzo por superar a la fotografía en sus propios términos, los pintores recurrieron a copiar la naturaleza tridimensional con detalles minuciosamente refinados, utilizando una miríada de pinceladas.
Pero aparte de esto, casi todos los artistas ingenuos están o han estado asociados hasta cierto punto con uno u otro campo del arte no profesional. El campo del arte más popular para los artistas ingenuos hasta la fecha ha sido el arte popular.
Esto fue en sí mismo nada menos que un reconocimiento de la incapacidad y la derrota de la pintura. Y tal fue el fin del dominio de la Academia, que había durado desde el siglo XVII. El más liberado de los artistas de la época romántica ya no se preocupaba mucho por la realidad de la presentación: la fotografía,
Arte moderno en busca de nuevos materiales La rebelión del romanticismo contra el clasicismo y el consiguiente entusiasmo general por las obras de arte que rompieron el molde clásico, prepararon el escenario para los acontecimientos que tuvieron lugar en el umbral entre los siglos XIX y XX. Los estilos de pintura clásica quedaron obsoletos: incluso sus acérrimos defensores se dieron cuenta de que el clasicismo estaba en crisis. La pintura histórica y de género, tal como se presenta en los salones de París, se había acostumbrado a tratar la máxima de Leonardo de que “el arte debería ser un reflejo de la realidad” como una excusa para la mera vulgaridad de una manera que el gran maestro italiano ciertamente nunca había imaginado. La admiración por el mundo antiguo había pasado de la devoción servil a las obras de Plutarco al sentimentalismo lascivo encarnado en obras como La subasta de una esclava de JeanLeon Gerome.
Las famosas palabras de Maurice Denis, escritas cuando solo tenía veinte años en 1890, adquieren un significado especial a este respecto. ‘Recuerde que una imagen, antes de convertirse en un caballo de guerra o una mujer desnuda o una escena de una historia, es esencialmente una superficie plana cubierta con colores reunidos en un orden particular’. Fueron los maestros de los primeros años del Renacimiento, ya conocidos habitualmente como “primitivos” en la Europa del siglo XIX, cuyo trabajo podría utilizarse para proporcionar una guía para comprender el papel de la superficie plana como base del color. Y esta herencia tenía el potencial de conducir a ese nuevo Renacimiento que los futuros impresionistas soñaron en su juventud.
Lo que el célebre filósofo alemán Oswald Spengler llamó Der Untergang des Abendlandes, `` el declive de Occidente ‘’ (que era el título de su libro), fue también un factor poderoso que aumentó la división entre los artistas que optaron por atacar el sistema de los antiguos y los artistas clásicos que no tenían camión con tales criterios. El eurocentrismo político se derrumbó bajo la presión de una compleja multitud de presiones, y lo hizo precisamente en este momento, el umbral entre los dos siglos. Sin embargo, para entonces, los artistas europeos ya llevaban un tiempo buscando aprender cosas nuevas de otras partes del mundo. Así, por ejemplo, en su investigación sobre el ‘Oriente misterioso’, la juventud romántica de la década de 1890 también examinaba el arte japonés y chino como parte de una búsqueda de diferentes enfoques de la “superficie plana” sobre la que había escrito Maurice Denis. Más cerca de casa, el arte islámico - ‘primitivo’ en el sentido más logrado de la palabra - alcanzó una popularidad considerable durante la primera década del siglo XX, que aumentó después de grandes exposiciones en París y Alemania. El mayor impulso a la nueva forma de arte romántico se produjo en forma de una afluencia masiva de obras del mundo `` primitivo ‘’, algunas de América Central y del Sur, pero la mayoría de África, que llegaron a Europa a principios del siglo XX. siglo, principalmente a través de agentes coloniales.
Al mismo tiempo, la búsqueda de la representación natural, de la realidad de la presentación, había estimulado el desarrollo de la fotografía, que en un momento fue un rival acérrimo de la pintura. Después de todo, Andre Malraux dijo con razón que la única
Horace Pippin, Desayuno del domingo por la mañana , 1943
Hasta ese momento, la única descripción concebible de las obras de arte de estas áreas era como “primitiva”. Los maravillosos artefactos de oro fabricados por los nativos peruanos y mexicanos, que inundaron Europa tras el descubrimiento y la colonización de sus tierras, se consideraban simplemente como metales preciosos para fundir y reelaborar.
Los museos conservaron y exhibieron artículos de África y el Pacífico, pero se mostró poco interés en obtenerlos. Sin embargo, a finales del siglo XIX, los territorios del mundo abiertos a la exploración y el comercio europeos se habían expandido de forma tan espectacular que los países lejanos se convirtieron no sólo en objetos de curiosidad sino también de estudio. Nació una nueva ciencia, la antropología. En 1882 se abrió un museo antropológico en París. En 1893 tuvo lugar en Madrid una Exposición de América Central. Y en 1898 los franceses descubrieron una rica fuente de arte tribal en su colonia de Benin en África Occidental (llamada Dahomey de 1899 a 1975).
a su vez, convenció a su amigo para que se los vendiera todos.
primordial de objetos gracias a la expresividad de la escultura africana.
Es de suponer que Derain luego los llevó al estudio de Matisse para mostrárselo y lo mismo sucedió una vez más, porque Picasso se sorprendió de que se los mostraran cuando Matisse lo invitó a cenar especialmente. La historia fue concluida por Max Jacob,
Por primitivo que el sentido de la forma presentado por la escultura negra africana pudiera parecer a los ojos de los europeos, representaba una escuela estética que tenía siglos de antigüedad y una tradición de artesanía heredada de ancestros remotos.
Vlaminck percibió cuál era el punto más valioso de las cosas “primitivas”. ‘El arte negro africano se las arregla por los medios más simples para transmitir una impresión de majestuosidad pero también de quietud’ ‘.
Que exista un sistema significa que es posible estudiarlo, aprender de él y trabajar en él. Por eso la influencia de la talla africana en el arte europeo ha sido tan marcada durante el siglo XX.
Así fue que, aunque la primera Exposición de Arte Africano se montó en París solo en 1919, los artistas jóvenes ya habían estado familiarizados con los artefactos africanos durante bastante tiempo. Según un marchante de arte, algunos de los artistas parisinos tenían colecciones personales de tamaño considerable del África negra y Oceanía.
Como ha dicho el experto en arte Jean Laude, el “descubrimiento” del arte negro africano por los europeos “parece ser una parte integral del proceso general de renovación de fuentes; ciertamente es un factor contribuyente ‘”. Fue en la cima de esta ola de entusiasmo, en el mismo momento del“ declive de Occidente ”, donde surgieron los artistas ingenuos. No había necesidad de buscarlos en África ni en Oceanía.
Es más que posible que el pintor expresionista alemán Karl Schmidt-Rottluff haya desarrollado un interés en coleccionar tales artículos incluso antes. Su compañero expresionista Ernst Kirchner afirmó que había “descubierto” la escultura negra africana en 1904, en el museo antropológico. Un evento en particular marcó una etapa significativa en la interfaz entre el arte europeo y africano, ya que presagió el rejuvenecimiento del primero por el segundo. La historia fue luego narrada por el artista Maurice de Vlaminck y sus amigos. Vlaminck volvía de hacer unos bocetos en Argenteuil, al noroeste de París, cuando decidió detenerse en un bistró. Allí, se sorprendió al ver, entre las botellas de Pernod, estatuillas de madera y máscaras, todas traídas de África por el hijo del propietario del bistró. Vlaminck compró el lote allí mismo. Una vez que llegó a casa, se los mostró a su compañero de estudio, Andre Derain, quien quedó tan impresionado que,
Hoy, entonces, los cursos de arte de muchos establecimientos educativos se enfocan en la interrelación entre la pintura del siglo XX y el arte negro africano, junto con la influencia de las formas de arte de los nativos de América del Norte, Oceanía y África árabe / islámica en los artistas europeos y norteamericanos. desde Gauguin hasta los surrealistas.
Sava Sekulic, Retrato de un hombre con bigote
Descubrimiento: el banquete en honor de Rousseau
Sin embargo, después de haber pasado por las manos de Vlaminck, Derain y Matisse, todos ellos grandes artistas, la escultura africana afectó directamente solo a Pablo Picasso. Vlaminck fechó esta historia en 1905, aunque lo más probable es que sucediera un poco más tarde.
El impresionismo en realidad tuvo más efecto sobre el arte en general de lo que parecía inicialmente. La rebelión contra la ‘tiranía’ del antiguo y tradicional sistema clasicista que fomentó - el establecimiento del principio de libertad en contenido, forma, estilo y contexto - llevó a una ampliación de todo el concepto de “arte” en sí.
En cualquier caso, todos los artistas involucrados estaban entonces dispuestos a aceptar el arte primitivo como un fenómeno completo y completo, no simplemente como una masa de elementos individuales y múltiples. Más significativamente, Picasso descubrió gradualmente cómo revelar la naturaleza
Hacia el final del `` período ‘’ impresionista, tanto que siempre se les etiquetará como posimpresionistas, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh se unieron a las filas de los impresionistas. Lo que les faltaba en entrenamiento lo compensaban con trabajo duro.
De hecho, solo en las primeras imágenes de Gauguin es evidente alguna deficiencia de habilidad. Y cuando Van Gogh llegó a París en 1886, nadie expresó ninguna duda sobre su valía para ocupar su lugar entre la camarilla internacional de artistas de la comunidad de Montmartre, que en ese momento había existido allí durante casi un siglo. Quizás inevitablemente, la pareja, sin embargo, no encontró aceptación en el salón dedicado a las formas más clásicas del arte contemporáneo. No obstante, pudieron exhibir sus obras al público, especialmente desde que los marchands parisinos abrían cada vez más galerías. En 1884 se inauguró el Salón de los Independientes. No tenía comité de selección y se creó específicamente para mostrar las obras de aquellos artistas que pintaban para ganarse la vida pero que aún no podían o no querían cumplir con los requisitos de los salones oficiales. Por supuesto, había muchos de esos artistas y, por supuesto, entre la abrumadora multiplicidad de sus obras, en su mayoría sin talento, no siempre fue fácil identificar aquellas imágenes que tenían un mérito excepcional. No tenía comité de selección y se creó específicamente para mostrar las obras de aquellos artistas que pintaban para ganarse la vida pero que aún no podían o no querían cumplir con los requisitos de los salones oficiales. Por supuesto, había muchos de esos artistas y, por supuesto, entre la abrumadora multiplicidad de sus obras, en su mayoría sin talento, no siempre fue fácil identificar aquellas imágenes que tenían un mérito excepcional. No tenía comité de selección y se creó específicamente para mostrar las obras de aquellos artistas que pintaban para ganarse la vida pero que aún no podían o no querían cumplir con los requisitos de los salones oficiales. Por supuesto, había muchos de esos artistas y, por supuesto, entre la abrumadora multiplicidad de sus obras, en su mayoría sin talento, no siempre fue fácil identificar aquellas imágenes que tenían un mérito excepcional.
Henri Rousseau se desempeñó como oficial de aduanas en la Puerta de Vanves en París. En su tiempo libre pintaba, a veces por encargo de sus vecinos y otras a cambio de comida. Año tras año, de 1886 a 1910, llevó su obra al Salón de los Independientes para su exhibición, y año tras año su obra se exhibió con la de todos los demás a pesar de su total falta de valor profesional. No obstante, se enorgullecía de estar entre los artistas de la ciudad y disfrutaba plenamente del derecho que tenían todos a ver sus obras mostradas al público como los artistas más aceptados en los mejores salones. Henri Rousseau fue uno de los primeros de su generación en percibir el amanecer de una nueva era en el arte en la que era posible comprender la noción de libertad: libertad para aspirar a ser descrito como un artista independientemente de un estilo específico de pintura o de la posesión o falta de calificaciones profesionales. Su famoso cuadro (ahora en la Galería Nacional de Praga), fechado en 18.90 y titulado Yo mismo, retrato-paisaje, en lugar del autorretrato comparativamente débil, reflejó esa misma autoconfianza exuberante que era una característica suya, y estableció la imagen del artista aficionado tomando su lugar en las filas de los profesionales. “ Dio la casualidad de que Pablo Picasso visitaba con bastante regularidad la tienda de baratijas de M. Soulier en la Rue des Martyrs: a veces lograba vender uno de sus cuadros a M. Soulier. En una de esas ocasiones, Picasso notó una pintura extraña. Podría haberse confundido con un pastiche sobre el tipo de retratos ceremoniales realizados por James Tissot o Charles-Emile-Auguste (Carolus-Duran) de no haber sido por su extraordinario aire de seriedad. El rostro de una mujer poco atractiva fue representado con detalles inusualmente precisos debido a sus rasgos individuales, pero con un sentido de profundo respeto por la modelo.
De alguna manera, la figura femenina, vestida con un traje austero que involucra pliegues y pliegues complejos y rodeada por una asombrosa panoplia de pensamientos en macetas en un balcón, Observar un pájaro prominente volando a través de un cielo nublado, y sosteniendo una ramita grande en una mano, parecía para todo el mundo como el modelo de un fotógrafo posado por un fotógrafo aficionado, pero aún así era inquietantemente realista y deslumbrante. El artista fue Henri Rousseau . El precio era de cinco francos. Picasso lo compró y lo colgó en su estudio. De hecho, no solo Picasso estaba interesado en la obra de Rousseau en este momento. El marchante de arte Ambroise Vollard ya había comprado algunas de las pinturas de Rousseau, y los jóvenes artistas Sonja y Robert Delaunay eran amigos suyos, al igual que Wilhelm Uhde, el crítico de arte alemán que organizó la primera exposición individual de Rousseau en 1908 (en las instalaciones de un Comerciante de muebles parisino). Pero fue Picasso quien, con sus amigos, decidió ese mismo año realizar una fiesta en honor a Rousseau. Tuvo lugar en el estudio de Picasso en la Rue Ravignan en una casa llamada Bateau-Lavoir. Asistieron una treintena de personas, muchas de ellas, naturalmente, amigos y vecinos de Picasso, pero también estuvieron presentes el crítico Maurice Raynal y los estadounidenses Leo y Gertrude Stein. Décadas más tarde, durante la década de 1960, cuando el ‘banquete de Rousseau’ se había convertido en una leyenda en sí mismo, uno de los invitados, el ingenuo artista Manuel Blasco Alarcón, que era primo de Picasso, pintó un cuadro del evento de memoria. Henri Rousseau fue representado de pie en un podio frente a una de sus propias obras y sosteniendo un violín. Mientras tanto, sentados alrededor de una mesa había varios invitados a los que Alarcón retrató al estilo de Gertrude Stein de Picasso y Apollinaire y Marie Laurencin de Henri Rousseau .
En el banquete de todos esos años antes, el anciano ex-Douanier Rousseau (entonces de sesenta y cuatro años, habiéndose retirado de su puesto de aduanas a la edad de cuarenta y un para concentrarse en el arte) se encontró rodeado principalmente por jóvenes vivaces en pasar un buen rato pero de una manera cultural. Se recitaban poemas incluso mientras se cenaba.
tistas de nuestro tiempo: ¡tú en el género egipcio y yo en el moderno!” los jóvenes siguieron adelante con la fiesta. Sólo más tarde, en la memoria de las personas que habían estado allí, este ‘banquete’ se destacó en sus mentes como una ocasión verdaderamente notable. Sólo entonces las anécdotas individuales sobre lo sucedido allí adquirieron el aspecto de lo mítico y lo mágico.
Había bailes con la música de George Braque en el acordeón y Rousseau en el violín; de hecho, Rousseau tocó un vals, que él mismo había compuesto. ‘La fiesta seguía siendo fuerte al amanecer del día siguiente cuando Rousseau, emocional y más que medio dormido, finalmente lo metieron en un fiacre para llevarlo a casa.
Algunos recordaron a una Marie Laurencin borracha cayéndose sobre una selección de bollos y pasteles. Otros recordaron indeleblemente la declaración de Rousseau a Picasso de que “Nosotros dos somos los más grandes artistas de nuestro tiempo: ¡tú en el género egipcio y yo en el moderno!” Sólo entonces las anécdotas individuales sobre lo sucedido allí adquirieron el aspecto de lo mítico y lo mágico.
(Cuando salió del fiacre, dejó en él todas las copias de los poemas escritos para él por Apollinaire y que se le entregó solícitamente como regalo de celebración.) Incluso después de su partida, los jóvenes siguieron adelante con la juerga. Sólo más tarde, en la memoria de las personas que habían estado allí, este ‘banquete’ se destacó en sus mentes como una ocasión verdaderamente notable. Sólo entonces las anécdotas individuales sobre lo sucedido allí adquirieron el aspecto de lo mítico y lo mágico. Algunos recordaron a una Marie Laurencin borracha cayéndose sobre una selección de bollos y pasteles. Otros recordaron indeleblemente la declaración de Rousseau a Picasso de que “Nosotros dos somos los más grandes artistas de nuestro tiempo: ¡tú en el género egipcio y yo en el moderno!” los jóvenes siguieron adelante con la fiesta. Sólo más tarde, en la memoria de las personas que habían estado allí, este ‘banquete’ se destacó en sus mentes como una ocasión verdaderamente notable. Sólo entonces las anécdotas individuales sobre lo sucedido allí adquirieron el aspecto de lo mítico y lo mágico. Algunos recordaron a una Marie Laurencin borracha cayéndose sobre una selección de bollos y pasteles. Otros recordaron indeleblemente la declaración de Rousseau a Picasso de que “Nosotros dos somos los más grandes ar-
Algunos recordaron a una Marie Laurencin borracha cayéndose sobre una selección de bollos y pasteles. Otros recordaron indeleblemente la declaración de Rousseau a Picasso de que “Nosotros dos somos los más grandes artistas de nuestro tiempo: ¡tú en el género egipcio y yo en el moderno!” Sólo entonces las anécdotas individuales sobre lo sucedido allí adquirieron el aspecto de lo mítico y lo mágico. Algunos recordaron a una Marie Laurencin borracha cayéndose sobre una selección de bollos y pasteles. Otros recordaron indeleblemente la declaración de Rousseau a Picasso de que “Nosotros dos somos los más grandes artistas de nuestro tiempo: ¡tú en el género egipcio y yo en el moderno!” Esta afirmación, por arrogante que pudiera haber parecido en ese momento a quienes la oyeron, no fue en absoluto tan ridícula como podrían haber supuesto algunos de los presentes. A medida que la historia del ‘banquete de Rousseau’ se extendía por la ciudad de París y más allá, las personas que habían estado allí comenzaron en sus mentes a editar lo que habían visto y escuchado para presentar sus propias versiones cuando se les preguntaba. Seis años después, en 1914, Maurice Raynal narró sus recuerdos en la revista de Apollinaire Soirres de Paris.
Más tarde, Fernanda Olivier y Gertrude Stein lo plasmaron en sus respectivas memorias. En su Souvenirs sans fin, Andre Salmon hizo un esfuerzo considerable para señalar que el ‘banquete’ no tenía la intención de ser una broma pesada a expensas de Rousseau. y que, a pesar de las sugerencias en sentido contrario, la fiesta estaba pensada con toda sinceridad como una celebración del arte de Rousseau. ¿Por qué si no, insistió, intelectuales como Picasso, Apollinaire y él mismo, Andre Salmon, se tomaron la molestia de organizar el banquete en primer lugar? Esto fue demasiado para el artista y escultor francés Andre Derain, que respondió públicamente a Salmon: “¿Qué es esto?”. ¿Una victoria para la estafa? “ Más tarde, lamentó su arrebato, especialmente en vista del tacto de que admiraba bastante el trabajo de Rousseau, y solo se peleó con Maurice de Vlaminck, uno de sus mejores amigos, cuando Vlaminck fue lo suficientemente imprudente como para sugerir en una entrevista con un periodista que Derain desdeñó el trabajo de Rousseau. Solo unos años después, y en realidad hubo una disputa sobre quién había “descubierto” a Rousseau. El crítico Gustavo Coquiot en un libro titulado Independientes expresó su exasperación al escuchar a la gente decir que había sido Wilhelm Uhde quien había presentado a Rousseau y su obra al mundo. ¿Cómo es posible, preguntó indignado, que algún alemán pudiera pretender en 1908 presentar por primera vez al público parisino un artista parisino cuya obra se había expuesto en París a quienes querían verla desde 1885 o antes? Escribiendo con entusiasmo sobre las pinturas de Rousseau y alabando su estilo único, Coquiot pasó a hacer un comentario interesante. “Debe haber muchos artistas aficionados en Francia: pintores dominicales que durante el resto de la semana pueden ser trabajadores, comerciantes o hombres de negocios. Una vez le regalé al artista Vlaminek una pintura llamada Danza del Bayadere, realizada por un comerciante de vinos de Narbona. Era un lienzo bastante pretencioso al es-
tilo de Rousseau. Pero el caso es que en otra ocasión el mismo comerciante pintó un cuadro que llamó Place de l’Opera, que de hecho mostraba la Ópera en todos sus intrincados detalles. ¡asombroso!” norte. Estas palabras de Coquiot marcan una nueva línea en el espectro que es la historia del arte ingenuo. La discusión y la apreciación de las obras de Rousseau condujeron inevitablemente a la discusión y (a veces) la apreciación de las obras de otros en una línea similar. En consecuencia, algunos artistas quizás no tan talentosos pero sin duda originales fueron notados e incluso alentados a presentarse. Siguió una cadena de “descubrimientos”. El arte ‘primitivo1 e’ ingenuo ‘apareció de repente por todas partes, hasta el punto de que los artistas profesionales se estaban involucrando mucho.
Henri Rousseau Francia, 1844–1910 Henri Julien Félix Rousseau (21 de mayo de 1844 -2 de septiembre de 1910) Nació en Laval, Francia. Pintor francés, considerado una de las figuras claves de la corriente artística naif, estilo que se caracterizó por la ingenuidad y la espontaneidad expuesta en sus obras. Rousseau se dio a conocer en el ambiente artístico parisino a mediados de la década de 1880, momento en el que su obra fue expuesta en el Salón de los independientes, lugar en el que fueron expuestas las obras de grandes artistas postimpresionistas como Georges Seurat, Paul Signac, Edgar Degas, Camille Pissarro y Paul Gauguin, entre otros. Debido a su origen humilde no pudo formarse académicamente como artista, sin embargo, con disciplina y esfuerzo aprendió de manera autodidacta, consiguiendo desarrollar su talento sin formación especializada. Antes de dedicarse de lleno a la pin-
tura trabajo como empleado de los arbitrios, profesión que en la que se inspiró su sobrenombre, El Aduanero. Entre sus obras más reconocidas están: La guerra (1894), La gitana dormida (1897) y La encantadora de serpientes (1907). Nació en el seno de una familia humilde, cursó sus estudios académicos mientras realizaba pequeños trabajos. Durante su juventud se enlistó en el ejército, formando parte de este por cuatro años; en la década de 1870, estuvo en el campo de batalla debido al estallido de la Guerra franco-prusiana, tras el fallecimiento de su padre fue enviado a casa. En 1871 se estableció con su esposa, Clémence Boitard en París, ciudad en la que comenzó a trabajar como empleado de los arbitrios, oficina fiscal municipal que se encarga de la recaudación de impuestos. Mientras trabajaba comenzó a interesarse por la poesía, la música y el arte, apasionado por estas, pero sin poder costear sus estudios, aprendió todo lo necesario de forma autodidacta.
http://all-art.org/art_20th_century/
Consideraciones psicosociales y de salud mental durante el brote de COVID-19 En enero del 2020, la Organización Mundial de la Salud (OMS) declaró el brote de la enfermedad por el nuevo coronavirus 2019 (COVID-19) como una emergencia de salud pública de importancia internacional. La OMS afirmó que existe un riesgo alto de diseminación de la enfermedad por COVID-19 a otros países en todo el mundo. En marzo del 2020, tras una evaluación la OMS decidió que COVID-19 puede ser caracterizado como una pandemia. La OMS y las autoridades de salud pública de todo el mundo están actuando para contener el broteBde COVID-19. Sin embargo, este momento de crisis está generando estrés en la población. EstasBconsideraciones de salud mental fueron elaboradas por el Departamento de la OMS de SaludBMental y Uso de Sustancias, como mensajes dirigidos a diferentes grupos clave para apoyar elBbienestar psicosocial y la salud mental durante el brote de COVID-19.
y es probable que siga afectando, a la población de muchos países, en numerosos lugares del mundo. Este virus no debe asociarse con ningún grupo étnico ni nacionalidad. Demuestre empatía hacia todas las personas afectadas, dentro de un país dado o procedentes de cualquier país. Recuerde que las personas que están afectadas por COVID-19 no han hecho nada malo, no tienen culpa y merecen nuestro apoyo, compasión y amabilidad. Cada persona puede contribuir a reducir los riesgos a nivel individual, familiar, comunitario y social. 2. No se refiera a las personas que tienen la enfermedad como “casos de COVID-19”, las “víctimas”, las “familias de COVID-19” o los “enfermos”.
Población general
Se trata de “personas que tienen COVID-19”, “personas que están en tratamiento para COVID-19”, “personas que se están recuperando de COVID-19” y que, una vez superada la enfermedad, seguirán adelante con su vida, su trabajo, su familia y sus seres queridos. Es importante separar a la persona de tener una identidad definida por COVID-19, para reducir el estigma.
1. La enfermedad por el coronavirus 2019 (COVID-19) ya ha afectado,
3. Minimice el tiempo que dedica a mirar, leer o escuchar noticias que le
causen ansiedad o angustia. Busque información únicamente de fuentes confiables y principalmente sobre medidas prácticas que le ayuden a hacer planes de protección para usted y sus seres queridos. Busque actualizaciones de la información una o dos veces al día, a horas específicas. El flujo repentino y casi constante de noticias acerca de un brote epidémico puede hacer que cualquiera se sienta preocupado. Infórmese sobre lo que en realidad está sucediendo, no escuche los rumores y la información errónea. Recopile información a intervalos regulares, del sitio web de la OMS, el sitio web de la OPS y de las plataformas de las autoridades nacionales y locales de salud, a fin de ayudarle a distinguir los hechos de los rumores. Conocer las informaciones fiables pueden ayudar a minimizar el miedo. 4. Protéjase a usted mismo y brinde apoyo a otras personas. Ayudar a otros que lo necesitan puede ser beneficioso, no solo para la persona que lo recibe sino también para quien lo ofrece. Por ejemplo, llame por teléfono a sus vecinos o a las personas en su comunidad que puedan necesitar asistencia adicional. Trabajar jun
tos como una sola comunidad puede ayudar a crear solidaridad al abordar juntos COVID-19. 5. Busque oportunidades de amplificar las historias e imágenes positivas y alentadoras de personas de su localidad que tuvieron COVID-19, por ejemplo, historias sobre las personas que se recuperaron o que cuidaron a un ser querido durante la recuperación y que estén dispuestas a hablar sobre esta experiencia. 6. Reconozca la importancia de las personas que cuidan a otros y de los trabajadores de salud que se están ocupando de las personas con COVID-19 en su comunidad. Reconozca asimismo el papel que desempeñan para salvar vidas y mantener seguros a sus seres queridos. Trabajadores de salud 7. En el caso de los trabajadores de salud, sentirse bajo presión es una experiencia que usted y muchos de sus colegas probablemente estén viviendo; de hecho, es muy normal sentirse así en la situación actual. El estrés y los sentimientos que lo acompañan no son reflejo, de ninguna manera, de que usted no puede hacer su trabajo o de que sea débil. Atender su salud mental y su bienestar psicosocial en estos momentos es tan importante como cuidar su salud física. 8. Cuídese mucho en estos momentos. Pruebe y adopte estrategias útiles de respuesta, como descansar y hacer pausas durante el trabajo o entre turnos, alimentarse saludablemente y en cantidad suficiente, realizar actividad física, y mantenerse en contacto con la familia y los amigos.
res, en especial si nunca habían participado en respuestas similares. Las estrategias que en otras ocasiones le han ayudado a manejar el estrés pueden ser útiles también en este momento. Usted probablemente sepa cómo aliviar el estrés y no debe dudar en mantenerse psicológicamente bien. Esta no es una carrera de velocidad, es una maratón a largo plazo. 9. Es posible que algunos trabajadores de salud perciban que su familia o su comunidad no quieren tenerlos cerca debido al riesgo, al estigma o al temor. Esto puede contribuir a que una situación ya complicada resulte mucho más difícil. De ser posible, mantenga la comunicación con sus seres queridos; para lograrlo, pueden resultar útiles los medios digitales que ofrecen una buena manera de mantener el contacto. Recurra a sus colegas, al gerente de su establecimiento o a otras personas de confianza para recibir apoyo social, ya que es posible que sus colegas estén viviendo experiencias similares a la suya. 10. Utilice maneras adecuadas para intercambiar mensajes con las personas que tienen discapacidades intelectuales, cognitivas o psicosociales. Si usted es líder de un equipo o gerente en un establecimiento de salud, utilice formas de comunicarse que no dependan exclusivamente de la información escrita. 11. Sepa cómo brindar apoyo a las personas que se han visto afectadas por COVID-19 y cómo vincularlas con los recursos disponibles. Esto es especialmente importante para quienes requieran apoyo psicosocial y de salud mental.
Trate de no adoptar estrategias de respuesta inadecuadas como el consumo de tabaco, alcohol u otras drogas. A largo plazo, esto podría empeorar su bienestar mental y físico.
El estigma asociado con los problemas de salud mental podría causar cierta renuencia a buscar atención tanto por COVID-19 como por los trastornos de salud mental.
Se trata de una situación única y sin precedentes para muchos trabajado-
La Guía de intervención humanitaria mhGAP proporciona orientación
clínica para abordar los trastornos de salud mental prioritarios y ha sido pensada para abordar las condiciones de salud mental prioritarias en situaciones humanitarias y se dirige a trabajadores de salud en general.
Los gerentes y los líderes de los equipos también están expuestos a condiciones estresantes similares a las de su personal y, posiblemente, a una mayor presión debido al nivel de responsabilidad de su cargo.
Líderes de un equipo o gerentes de un establecimiento de salud
Es importante que se hayan adoptado las disposiciones y estrategias anteriores tanto para los trabajadores como para los gerentes, y que estos puedan demostrar estrategias de autocuidado para mitigar el estrés, que puedan servir de ejemplo a los demás.
12. Mantener una buena salud mental y lidiar con el estrés del personal durante la respuesta ayudará a que estén mejor preparados para cumplir sus funciones. Tenga en cuenta que esta situación no va a desaparecer de la noche a la mañana y que debe enfocarse en la capacidad ocupacional a largo plazo en lugar de las respuestas reiteradas a crisis a corto plazo. 13. Asegúrese de mantener una comunicación de buena calidad y de brindar actualizaciones precisas de la información a todo el personal. Haga que el personal rote entre las funciones que crean un nivel alto de estrés y las que causan menos estrés. Haga que los trabajadores sin experiencia trabajen de cerca con sus colegas más experimentados. Los compañeros ayudan a brindar apoyo, vigilar el estrés y reforzar los procedimientos de seguridad. Inicie, promueva y compruebe los descansos en el trabajo. Establezca horarios flexibles para los trabajadores que estén directamente afectados o que tengan familiares afectados. Asegúrese de brindar tiempo para que los colegas se den apoyo social entre ellos, si es recomendable, de manera virtual. 14. Si usted es líder de un equipo o gerente de un establecimiento de salud, identifique los medios adecuados para brindar servicios psicosociales y de apoyo para la salud mental, aprovechando las modalidades virtuales; además, asegúrese de que el personal sepa que estos servicios están a su disposición.
15. Brinde orientación a las personas que prestan el primer nivel de respuesta, como enfermeras, conductores de ambulancias, voluntarios, personas que detectan los casos, maestros y líderes comunitarios, así como a los trabajadores de los sitios de cuarentena, acerca de la manera de prestar apoyo emocional y práctico básico a las personas afectadas, por medio de orientación como la primera ayuda psicológica. 16. Identifique y gestione las necesidades urgentes de salud mental y neurológica (por ejemplo, confusión, psicosis, ansiedad grave o depresión) en los establecimientos de atención de emergencia o atención de salud general. Considere implementar de forma virtual acciones de salud mental, así como capacitaciones al personal de salud general para que pueda brindar intervenciones básicas de apoyo psicosocial y en salud mental (véase la Guía de intervención humanitaria mhGAP). 17. Asegúrese de que se disponga de medicamentos psicotrópicos genéricos esenciales para las personas que lo necesiten. Las personas que tienen trastornos crónicos de salud mental o ataques epilépticos necesitarán acceso ininterrumpido a su medicación, y se debe evitar la discontinuación repentina.
Para quienes tienen niños bajo su cuidado. 18. Ayude a los niños a encontrar maneras positivas de expresar sus sentimientos, como el temor y la tristeza. Cada niño tiene su propia manera de expresar sus emociones. Algunas veces, la participación en una actividad creativa, como jugar y dibujar, puede facilitar este proceso. Los niños se sienten aliviados si pueden expresar y comunicar sus sentimientos en un entorno seguro y de apoyo. 19. Mantenga a los niños cerca de sus padres y la familia, si se considera que esto es seguro y, en lo posible, evite separarlos de las personas con las que viven. Si es necesario separar a un niño de su cuidador principal, asegúrese de que haya un cuidado y seguimiento alternativo adecuado. Además, compruebe que durante los períodos de separación se mantenga el contacto regular con padres, cuidadores y otros niños, por ejemplo, por medio de llamadas telefónicas o de video u otra comunicación adecuada para la edad (por ejemplo, uso de las redes sociales según la edad del niño), que podrían hacerse dos veces al día. 20. En la medida de lo posible, mantenga las rutinas familiares en la vida cotidiana o cree nuevas rutinas, en especial si los niños tienen que permanecer en la casa. Organice actividades interesantes y apropiadas para la edad, incluidas las actividades de aprendizaje. De ser posible, aliente a los niños a que sigan jugando y socializando con otros, aunque solo sea dentro de la familia cuando se haya recomendado limitar el contacto social. 21. Durante las épocas de crisis y estrés, es común que los niños muestren más necesidad de estar cerca de sus padres y de recibir más atención. Hable sobre COVID-19 con los niños y apóyese en información franca y adecuada para la edad.
Si sus hijos tienen preocupaciones, abordarlas juntos podría disminuir la ansiedad. Los niños observarán los comportamientos y las emociones de los adultos para buscar señales que les indiquen cómo manejar sus propias emociones en los momentos difíciles.
manas de toda la medicación regular que pueda necesitar.
Para adultos mayores, cuidadores y personas con trastornos de salud subyacentes.
27. Mantenga la rutina y los horarios habituales en la medida de lo posible o ayude a crear nuevas rutinas u horarios, incluido el ejercicio regular, la limpieza y las tareas domésticas diarias, y otras actividades como cantar y bailar. Mantenga contacto regular con sus seres queridos (por ejemplo, por teléfono o de otra manera).
22. Las personas mayores, en especial si están aisladas y tienen algún deterioro cognitivo o demencia, pueden volverse más ansiosas, enojadas, estresadas, agitadas y retraídas durante el brote o mientras están en cuarentena. Suministre apoyo práctico y emocional por parte de familiares, cuidadores y profesionales de la salud. 23. Transmita datos sencillos acerca de lo que está pasando y suministre información clara sobre la manera de reducir el riesgo de infección, en palabras que las personas con o sin deterioro cognitivo puedan entender. Repita la información cada vez que sea necesario. Las instrucciones deben comunicarse de manera clara, concisa, respetuosa y paciente; es posible que también resulte útil transmitir información por escrito o por medio de imágenes. Haga que la familia y otras redes de apoyo participen en aportar información y ayúdeles a practicar las medidas preventivas (por ejemplo, lavado de las manos, etc.). 24. Si usted tiene una afección de salud subyacente, asegúrese de tener acceso a todos los medicamentos que esté usando actualmente. Active sus contactos sociales para que, de ser necesario, le brinden asistencia. 25. Esté preparado y sepa de antemano dónde y cómo obtener ayuda práctica si la necesita, como la manera de llamar a un taxi, recibir comida o solicitar atención médica. Asegúrese de tener al menos dos se-
26. Aprenda ejercicios físicos simples que pueda realizar a diario en su casa, en cuarentena o en aislamiento para mantener la movilidad y reducir el aburrimiento.
Busque actualizaciones de la información y orientación práctica a ciertas horas del día, procedente de profesionales de la salud y del sitio web de la OMS; además, trate de no escuchar ni de dar seguimiento a los rumores que le hagan sentir incómodo.
Personas en aislamiento o cuarentena. 28. Siga conectado y mantenga sus redes de relaciones sociales. Incluso en las situaciones de aislamiento, trate en lo posible de mantener sus rutinas personales diarias o cree otras nuevas. Si las autoridades de salud han recomendado limitar su contacto físico social para controlar el brote, puede seguir conectado por medio del correo electrónico, las redes sociales, videoconferencias y teléfono. 29. En los períodos de estrés, preste atención a sus propias necesidades y sentimientos. Ocúpese de actividades saludables que le gusten y que encuentre relajantes. Haga ejercicio regularmente, mantenga sus rutinas habituales de sueño y consuma alimentos saludables. Las instituciones de salud pública y los expertos de todos los países están trabajando en torno al brote para asegurar que todas las personas afectadas dispongan de la mejor atención posible. 30. Un flujo casi constante de noticias acerca de un brote puede llevar a que una persona se sienta ansiosa o angustiada.
Encuentre la información más reciente de la OMS sobre dónde se está transmitiendo la COVID19 [en inglés]: https://www.who.int/emergencies/diseases/novel-coronavirus-2019/situation-reports/ Consejos y guías de la OMS sobre la COVID-19 [en inglés]: https://www.who.int/es/emergencies/diseases/ novel-coronavirus-2019 https://www.epi-win.com/ Consejos y guías de la OPS sobre la COVID-19 https://www.paho.org/es/temas/coronavirus/enfermedad-por-coronavirus-covid-19 Cómo abordar el estigma social [en inglés]: https://www.epi-win.com/sites/epiwin/files/content/ attachments/2020-0224/COVID19%20Stigma%20Guide%2024022020_1.pdf Nota informativa del IASC sobre el abordaje de la salud mental y otros aspectos psicológicos de la COVID-19 [en inglés]: https://interagencystandingcommittee.org/iasc-reference-group-mental-health-and-psychosocial-supportemergency-settings/briefing-note-about
cerebro y el tejido nervioso de humanos y animales. Después de graduarse, Freud estableció rápidamente una práctica privada y comenzó a tratar varios trastornos psicológicos. Considerándose a sí mismo ante todo un científico, más que un médico, se esforzó por comprender el viaje del conocimiento y la experiencia humanos.
Sigmund Freud (1856-1939) Sigmund Freud fue un neurólogo austriaco más conocido por desarrollar las teorías y técnicas del psicoanálisis. Sigmund Freud fue un neurólogo austríaco que desarrolló el psicoanálisis, un método mediante el cual un analista desempaqueta los conflictos inconscientes a partir de las asociaciones, los sueños y las fantasías libres del paciente. Sus teorías sobre la sexualidad infantil, la libido y el ego, entre otros temas, fueron algunos de los conceptos académicos más influyentes del siglo XX. Vida temprana, educación y carrera Freud nació en la ciudad austriaca de Freiberg, ahora conocida como República Checa, el 6 de mayo de 1856. Cuando tenía cuatro años, la familia de Freud se mudó a Viena, la ciudad donde viviría y trabajaría durante la mayor parte del resto de su vida. Recibió su título de médico en 1881. Como estudiante de medicina y joven investigador, la investigación de Freud se centró en la neurobiología, explorando la biología del
Al principio de su carrera, Freud se vio muy influenciado por el trabajo de su amigo y colega vienés, Josef Breuer, quien había descubierto que cuando animaba a un paciente histérico a hablar sin inhibiciones sobre las primeras apariciones de los síntomas, los síntomas a veces disminuían gradualmente. Después de mucho trabajar juntos, Breuer terminó la relación, sintiendo que Freud ponía demasiado énfasis en los orígenes sexuales de las neurosis de un paciente y no estaba dispuesto a considerar otros puntos de vista. Mientras tanto, Freud continuó refinando su propio argumento. Teorías La teoría psicoanalítica de Freud, inspirada por su colega Josef Breuer, postulaba que las neurosis tenían su origen en experiencias profundamente traumáticas que habían ocurrido en el pasado del paciente. Creía que los sucesos originales habían sido olvidados y ocultos a la conciencia. Su tratamiento consistió en capacitar a sus pacientes para recordar la experiencia y traerla a la conciencia y, al hacerlo, confrontarla tanto intelectual como emocionalmente. Creía que luego se podía descargar y deshacerse de los síntomas neuróticos. Algunas de las teorías más discutidas de Freud incluyen:
•Id, ego y superyó: estas son las tres partes esenciales de la personalidad humana. El ello es el inconsciente primitivo, impulsivo e irracional que opera únicamente sobre el resultado del placer o el dolor y es responsable de los instintos de sexo y agresión. El ego es el “yo” que la gente percibe que evalúa el mundo exterior físico y social y hace planes en consecuencia. Y el superyó es la voz moral y la conciencia que guía al ego; violarlo resulta en sentimientos de culpa y ansiedad. Freud creía que el superyó se formaba principalmente durante los primeros cinco años de vida según los estándares morales de los padres de una persona; en la adolescencia continuó siendo influenciada por otros modelos a seguir. •Energía psíquica: Freud postuló que el ello era la fuente básica de energía psíquica o la fuerza que impulsa todos los procesos mentales. En particular, creía que la libido, o impulsos sexuales, era una energía psíquica que impulsa todas las acciones humanas; la libido fue contrarrestada por Thanatos, el instinto de muerte que impulsa el comportamiento destructivo. •Complejo de Edipo: entre los tres y los cinco años, Freud sugirió que, como parte normal del proceso de desarrollo, todos los niños se sienten atraídos sexualmente por el padre del sexo opuesto y compiten con el padre del mismo sexo. La teoría lleva el nombre de la leyenda griega de Edipo, quien mató a su padre para poder casarse con su madre.
•Análisis de sueños: en su libro La interpretación de los sueños , Freud creía que la gente soñaba por una razón: para hacer frente a los problemas con los que la mente está luchando subconscientemente y con los que no puede afrontar conscientemente.
Esposa e hijos
Libros
En 1882, Freud se comprometió para casarse con Martha Bernays. La pareja tuvo seis hi-jos, el más joven de los cuales, Anna Freud, se convirtió en una distinguida psicoanalista
Freud ha publicado varios trabajos importantes sobre psicoanálisis. Algunos de los más influyentes incluyen:
Los sueños fueron alimentados por los deseos de una persona. Freud creía que al analizar nuestros sueños y recuerdos, podemos comprenderlos, lo que puede influir subconscientemente en nuestro comportamiento y sentimientos actuales. Las teorías de Freud fueron sin duda influenciadas por otros descubrimientos científicos de su época. Charles Darwin La comprensión de de la humanidad como un elemento progresivo del reino animal ciertamente informó la investigación de Freud sobre el comportamiento humano. Además, la formulación de un nuevo principio por el científico Hermann von Helmholtz, que afirma que la energía en cualquier sistema físico dado es siempre constante, informó las investigaciones científicas de Freud sobre la mente humana. El trabajo de Freud ha sido elogiado y criticado con entusiasmo, pero nadie ha influido en la ciencia de la psicología con tanta intensidad como Sigmund Freud. La gran reverencia que se le dio más tarde a las teorías de Freud no se puso de manifiesto durante algunos años. La mayoría de sus contemporáneos sintieron que su énfasis en la sexualidad era escandaloso o exagerado. En 1909, fue invitado a dar una serie de conferencias en los Estados Unidos; Fue sólo después de la publicación subsiguiente de su libro Cinco conferencias sobre psicoanálisis (1916) que su fama creció exponencialmente.
Muerte Freud huyó de Austria para escapar de los nazis en 1938 y murió en Inglaterra el 23 de septiembre de 1939, a los 83 años por suicidio. Había solicitado una dosis letal de morfina a su médico, tras una larga y dolorosa batalla contra el cáncer oral.
‘Estudios en histeria’ (1895). Freud y Breuer publicaron sus teorías y hallazgos en este libro, en el que discutieron sus teorías de que al enfrentar el trauma del pasado de un paciente, un psicoanalista puede ayudar a un paciente a deshacerse de las neurosis.
‘La interpretación de los sueños’ (1900).
Tótem y Tabú (1913)
En 1900, después de un período serio de autoanálisis, Freud publicó lo que se ha convertido en su trabajo más importante y definitorio, que postula que el análisis de los sueños puede dar una idea del funcionamiento de la mente inconsciente.
A diferencia del resto de libros de Freud, en esta selección de ensayos se sale más del ámbito clínico para adentrarse en aquellos fenómenos arraigados históricamente en lo social y lo cultural. Las conclusiones que se encuentran entre las páginas de esta obra tienen implicaciones sobre temas como la religión, los rituales y hasta la arqueología.
El libro fue y sigue siendo controvertido, produciendo temas como el complejo de Edipo. Muchos psicólogos dicen que este trabajo dio origen al pensamiento científico moderno sobre la mente y los campos de la psicología, la psiquiatría y el psicoanálisis.
El contenido de esta obra es más filosófico y antropológico que el del resto de los libros de Freud. ‘Tres ensayos sobre la teoría de la sexualidad’ (1905). Si bien ninguna persona morirá sin el sexo, toda la humanidad lo haría sin él, así que el sexo impulsa los instintos humanos, creía Freud. En este trabajo, explora el desarrollo sexual y la relación entre sexo y comportamiento social sin aplicar su controvertido complejo edípico.
Introducción (1914). ‘La psicopatología de la vida cotidiana’ (1901). Este libro dio origen al llamado “desliz freudiano”, el significado psicológico detrás del mal uso de las palabras en la escritura y el habla cotidianos y el olvido de nombres y palabras. Estos deslices, explicó a través de una serie de ejemplos, revelaron nuestros deseos, ansiedades y fantasías interiores.
del
narcisismo
El contenido de este libro es una revisión de la teoría de las pulsiones de Freud. En Introducción del narcisismo, Freud explica que el narcisismo forma parte del funcionamiento normal de la psique y que su semilla está presente desde las primeras etapas del desarrollo psicosexual. https://www.biography.com/ Publisher A&E Television Networks Website Name The Biography.com website
“Sólo una cosa vuelve un sueño imposible: el miedo a fracasar”
Paulo Coelho, escritor.
“Tienes que soñar antes que tus sueños se hagan realidad”
Abdul Kalam, político.
“La realidad está equivocada. Los sueños son reales”
Tupac Shakur, cantante.
“Puede ser que quienes más hacen, sueñan más”
Stephen Leacock, escritor.
“Yo no sueño de noche. Yo sueño todos los días. Yo sueño para vivir” Steven Spielberg, cineasta.
“Los sueños son necesarios para la vida”
Anaís Nin, escritora.
Mi pintura lleva consigo el mensaje de dolor ”. La pintura completó mi vida. ”
Pies, ¿para qué los necesito cuando tengo alas para volar? Te dejo mi retrato para que tengas mi presencia todos los días y noches que estoy lejos de ti. ” Te amo más que a mi propia piel. ” Nunca pinto sueños ni pesadillas. Yo pinto mi propia realidad.”
“Su cerebro se encontraba en perfecto estado. Seguro que el mundo tenía la culpa de que no fuera capaz de sentir.” (“Her brain was in perfect condition, surely the world was to blame for not being able to feel.”)
“Los libros son el reflejo del alma.”
(“Books are the mirrors of the soul.”)
“Si no cuentas tu propia verdad, no puedes contar la de los demás”. (“If you do not tell the truth about yourself you cannot tell it about other people.”)
“Una mujer debe tener dinero y una habitación propia si desea escribir ficción.” (“A woman must have money and a room of her own if she is to write fiction.”)
“Como mujer no tengo patria, como mujer no quiero patria. Como mujer, mi patria es el mundo”. (“As a woman I have no country. As a woman I want no country. As a woman, my country is the whole world.”)
Un cambio de actitud lo cambia todo. El arte no cambia nada, el arte te cambia a ti. Cada cosa en el mundo hecha por alguien comenzó con una idea. Las ideas dictan todo, tienes que ser fiel a eso, o estás muerto. Uno debe abandonarse a su intuición: sabemos más de lo que creemos. Los sueños verdaderamente importantes son los que tienes cuando estás despierto.
«Las flores son un descanso para la vista. No tienen ni emociones ni conflictos». «Uno es dueño de lo que calla y esclavo de lo que habla». «La libertad del individuo no es un regalo de la civilización. Era mayor antes de haber cualquier civilización». «Con solo temer a la mediocridad, ya se está a salvo». «Cuando la inspiración no viene a mi, hago medio camino para encontrarla». «Fumar es indispensable, si no se tiene a nadie a quien besar».
Sandpoint, la familia se mudó nuevamente, esta vez a Spokane, Washington. Allí nació su hermana Martha. Una vez más, los Lynch se mudaron a Durham en Carolina del Norte. Finalmente, se establecieron en Boise por un período de tiempo más largo, donde David pudo asistir a la misma escuela desde el tercer al octavo grado. Fue criado como presbiteriano. En ese momento, Espera a que brille el sol, Nellie (1952) de Henry King estaba en los cines; esta es la primera película que David recuerda.
David Lynch Wikimedia Commons
Los padres de David Los padres de Lynch, Edwina Lynch, de soltera Sundholm, y Donald Walton Lynch se conocieron y se enamoraron el uno del otro mientras estudiaban en la Universidad de Duke en Carolina del Norte. El padre, que creció en una granja en el noroeste de Estados Unidos, trabajaba como científico agrícola para el Departamento de Agricultura de Estados Unidos. Siendo oriunda de Brooklyn, la madre al principio dio lecciones de idiomas y luego se dedicó por completo a la vida familiar. David Keith Lynch nació el 20 de enero de 1946 en Missoula, Montana. Dos meses después, la familia se mudó a Sandpoint, una ciudad situada en el estado de Idaho. Debido a su trabajo, el padre de Lynch se vio obligado a mudarse con frecuencia, por lo que David se familiarizó con una vida errante a una edad temprana de hadas. Después de que el hermano de David, John, naciera en
En una retrospectiva, dice Lynch, ha tenido una infancia despreocupada y ha crecido bien protegido en un ambiente pacífico: ‘[Mi juventud] era un mundo de sueños, esos aviones zumbantes, cielos azules, vallas, pasto verde, cerezos. Centroamérica como se suponía que debía ser. Pero luego, en el cerezo estaría esta brea rezumando, una parte negra, otra amarilla, y había millones y millones de hormigas rojas corriendo por todo el césped pegajoso, por todo el árbol. Como ves, hay un mundo hermoso y si miras un poco más de cerca, son todas hormigas rojas ‘. Estrecha relación con la naturaleza Cuando era niño, David construyó una relación especial con la naturaleza debido a la profesión de su padre. Su padre a menudo realizaba experimentos con insectos y enfermeda-des de los árboles. Tenía a su disposición bosques enormes como zona de prueba. Como resultado, David entró en contacto con el crecimiento, las enfermedades y los insectos en un mundo orgánico. No era raro que Lynch diseccionara ocasionalmente ranas o rato-nes. Estas experiencias se reflejan claramente en el trabajo posterior de David. Amor por la pintura, el arte del espíritu y pasión por los viajes
En 1960, la familia finalmente se estableció en Alexandria, Virginia. Aquí David, de 14 años, descubrió por primera vez su amor por la pintura. Aunque su tío bávaro de Munich se ga-naba la vida como pintor, Lynch no veía un futuro prometedor en ello. Sin embargo, esto cambió cuando Lynch conoció al padre de su compañero de escuela Toby Bushnell Keeler, quien era pintor profesional. Le ofreció a Lynch alquilar una habitación en su estudio en Georgetown, donde podría desahogarse creativamente. Además, Lynch viajaba diariamente a Washington DC los fines de semana, donde tomaba cursos en la Corcoran School of Art . Allí, un libro titulado El arte del espíritu de Robert Henri se cruzó en su camino y fue crucial para que Lynch finalmente cediera al sueño de ser artista. El libro, que contenía las reglas para la vida de un artista, se convirtió en su biblia. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1964, Lynch decidió estudiar en la Escuela del Museo de Bellas Artes , una escuela de arte privada en Boston. Sin embargo, este entusiasmo duró solo brevemente. Ya después de un año, interrumpió la formación por falta de inspiración y la compañía de los compañeros “equivocados”. Junto con su amigo Jack Fisk, que había compartido la pasión de Lynch por la pintura durante mucho tiempo, David se mudó a Salzburgo, donde los dos se inscribieron en la Academia de Verano de Oskar Kokoschka... Sin embargo, ambos encontraron la ciudad demasiado “limpia”, razón por la cual París pronto se convirtió en su nuevo hogar. Con la pasión por los viajes en la sangre, viajaron a Atenas en el Orient Express. Sin embargo, esta ciudad tampoco era exactamente lo que Lynch esperaba: «Recuerdo estar tumbado en un sótano
en Atenas y las lagartijas subían y bajaban por las murallas. Comencé a contemplar cómo estaba a 7,000 millas de McDonald’s. Y realmente lo extrañaba. Extrañaba América. Sabía que era estadounidense y quería estar allí ‘. Regreso a Estados Unidos y primeras películas de arte. De vuelta en los Estados Unidos, Lynch tuvo que mantenerse a flote con una variedad de trabajos de medio tiempo, ya que no podía contar con el apoyo monetario de sus padres. Trabajó, entre otros, en la oficina de arquitectura del tío de su amigo, luego en una tienda de armazones, donde luego se convirtió en conserje. Aun así, no podía dejar de pintar. Decidió retomar sus estudios y se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia, donde estudió durante dos años. Permaneció en Filadelfia hasta 1970. En 1967, Lynch se casó con Margeret Reavey - Peggy para abreviar - quien dio a luz a su hija Jennifer Lynch el 7 de abril de 1968. La pequeña familia se mudó a una pequeña casa que Lynch había comprado por 3.500 dólares. Su nuevo hogar estaba situado en una zona deteriorada, pobre e insegura. Con el tiempo, David se dio cuenta de que la pintura no le ofrecía dos elementos esenciales: sonido y movimiento. Inspirado por esta idea, creó sus primeros ensayos cinematográ-ficos titulados Six Men Getting Sick , una escultura cinematográfica, y The Alphabet en 1967 y 1968. Posteriormente, recibió una beca dotada con 5.000 dólares estadounidenses del American Film Institute , que le permitió Realice su película de media hora La abuela . La película se convirtió en un gran éxito después de mostrarse en varios festivales de cine y fue el boleto de admisión de Lynch al nuevo Centro de Estudios Cinematográficos Avanzados.En los angeles. Entonces, Lynch se mudó a Los Ángeles en 1970, donde aún vive hoy, lo que inició el comienzo de su verdadera carrera artística. En julio de 2005, se lanzó la fundación David Lynch Foundation for Cons-
ciousness-Based Education and World Peace , que se dedica a la educación de la conciencia, por ejemplo a través de la Meditación Trascendental, etc. Antes de esto, Lynch había fundado la productora Asymmetrical Productions en 1992. . En 1974 se divorció de su primera esposa Peggy. Tres años después, Lynch se casó con la hermana de su amigo Jack Fisk, Mary. El matrimonio, que terminó en 1987, produjo un hijo llamado Austin. Después de eso, Lynch vivió en una relación con la actriz Isabella Rossellini hasta 1990. En 2006, tomó a su productora y editora de cine Mary Sweeney como su esposa, de quien se divorció un mes después. Esta relación produjo a su hijo Riley. En 2009 contrajo matrimonio con la actriz Emily Stofle, con quien tiene a su segunda hija Lula Boginia. Carrera artística Los inicios Durante sus días de estudiante en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania , David creó sus primeros dibujos y pinturas sombrías. Obras de arte amplias, grandes y oscuras como La novia , que tematiza el auto-aborto en un estilo abstracto, vinieron a reemplazar sus imágenes coloridas y vibrantes que solía crear. Siguieron más pinturas de ac-ción. Simplemente consistían en pintura negra, que se salpicaba sobre el lienzo y a la que Lynch solo agregaba formas angulares. Un día, al contemplar una de sus obras con una figura en el medio, escuchó un aliento y un pequeño movimiento. Este fue el momento decisivo, cuando decidió iniciar sus experimentos cinematográficos. Como Lynch no sabía mucho sobre películas en ese momento, se compró una cámara de 16 mm y siguió varias instrucciones. Así, en 1967, Six Men Getting Sick , una pintura cuasi animada con el sonido de las sirenas de la policía, le valió el primer premio de la Academia. El trabajo también le consiguió su primer patrocinador llamado H. Barton Wasserman. Con su ayuda económica y el apoyo parcial de sus padres, se realizó el cortome-
traje de 4 minutos The Alphabet (1968), en el que su ex esposa Peggy interpreta el papel principal. The Alphabet le valió a Lynch una beca de 5.000 dólares para el American Film Institute , que utilizó para realizar su película de treinta y cuatro minutos The Grandmother (1970). Para ello pintó todo el tercer piso de su casa en color negro. Hasta Blue Velvet (1986) colaboró con el diseñador de sonido Alan Splet. El proyecto recibió una exce-lente respuesta, se presentó en el Festival de Cortometrajes de Oberhausen y en festivales de San Francisco y Atlanta. Además, Lynch recibió el premio Critics ‘Choice Movie Award por ello. Estudios cinematográficos y primer largometraje Tony Vellani estaba encantado con La abuela y animó a Lynch a enviar una solicitud al nuevo Centro de Estudios Cinematográficos Avanzados de Los Ángeles. El joven Lynch hizo eso en 1970 y fue aceptado. A Lynch le encantaba estudiar. Estaba especialmente entusiasmado con la parte práctica. De los temas teóricos, el que más le gustó fue el análisis cinematográfico de Frantisek Daniel. Sus compañeros de clase incluían a Tim Hunter, Jeremy Kagan y Terrence Malick. El compañero de estudios Caleb Deschanel llamó la atención de Lynch sobre un pro-ductor de 20th Century-Fox, que estaba interesado en el proyecto de la película Gardenback , que Lynch ya había completado. El productor estaba dispuesto a pagar 50.000 dólares por el proyecto, con la condición de que se extendiera a un largometraje regular. Lynch no pudo hacerse amigo de esta idea y rechazó la propuesta después de varios intentos de edición inútiles. Después de perder su entusiasmo inicial por su historia de terror de adulterio, Lynch decidió realizar su proyecto Eraserhead(1977) en blanco y negro y 35 mm. El proyecto recibió luz verde y Lynch recibió un presupuesto de 10,000 dólares. Los preparativos para la filmación comenzaron en 1972. Lynch quería hacer
él mismo la decoración, la producción, la edición y la música. Se estimó que la duración del rodaje duraría unas seis semanas, pero incluso después de un año, el equipo de filmación aún no había terminado. Dado que la fecha límite original estaba muy atrasada, se decidió suspender cualquier concesión adicional a Lynch. Después de una pausa de un año, la producción se reanudó en mayo de 1974. Los fondos provinieron de los amigos y familiares de Lynch. Después de cuatro años de trabajo, la película finalmente se completó en el verano de 1976. Después de que la versión original de 108 minutos de Eraserhead , que se estrenó el 19 de marzo de 1977 en el Festival de Cine de Los Ángeles Filmx , fue recibida con aburrimiento por parte del público, Lynch la redujo a 89 minutos. Ben Bahrenholz, un distribui-dor de películas independiente con sede en Nueva York conocido por sus actuaciones de medianoche fuera de los cines se dio cuenta de la película y la incluyó en el programa. Eraserhead se convirtió en una información privilegiada clandestina y se jugó hasta 1982 en 17 ciudades de EE. UU. Las críticas fueron abrumadoramente positivas y lo vieron asentado en la tradición del surrealismo y el expresionismo. Hoy, Eraserhead se conside-ra una película de culto y significó el gran avance artístico para Lynch. Avance y éxito Tras este gran éxito, Lynch asumió su proyecto bajo el título de Ronnie Rocket , pero los estudios cinematográficos no mostraron interés por él. Sin embargo, al mismo tiempo, Stuart Cornfeld buscaba proyectos adecuados para la productora Brooksfilms, recién fundada . Estaba encantado con Eraserhead y le sugirió a Lynch que escribiera el guion de El hombre elefante de Eric Bergren y Christopher De Vore. Lynch estuvo de acuerdo y vio en él la entrada perfecta a la corriente principal. El rodaje tuvo lugar de 1979 a 1980 con un presupuesto de 5 millones de dólares estadounidenses. La película fue nominada a ocho premios Oscar y generó ganancias cinco veces superiores a los costos de producción.
El gran éxito de El hombre elefante allanó la carrera de Lynch de muchas maneras. Francis Ford Coppola se ofreció a producir Ronnie Rocket , George Lucas quería contratar a Lynch para El regreso de los Caballeros Jedi y Dino De Laurentiis para la adaptación de la novela de ciencia ficción Dune . Finalmente, Lynch aceptó la propuesta de De Laurentiis para dirigir Dune . Además, ambos firmaron un contrato por otras cuatro pelícu-las: Ronnie Rocket , Blue Velvet , Dune II y Dune III . El rodaje de Dune se prolongó desde marzo de 1983 hasta principios de enero de 1984. Esta fue la primera película en color de Lynch. No habiendo asegurado los derechos del Final Cut, los productores intervinieron demasiado, lo que resultó en reacciones sarcásticas a viciosas de los críticos a la epopeya del desierto. Ahora, no solo estaba en juego la imagen anterior de Lynch como director excepcional, sino también la preproducción planificada de Blue Velvet . Sin embargo, esto último finalmente se realizó: Lynch pagó por el control artístico, que le quedó en esta película, con una reducción de su salario y su presupuesto. El rodaje tuvo lugar entre febrero de 1986 y abril de 1986. Básicamente, Blue Velvet recibió críticas positivas, pero también provocó controversia y discusión con respecto a la representación de la mujer. A pesar de la falta de audiencia, Blue Velvet se convirtió en una película de culto y restauró la reputación de Lynch como director. Durante el rodaje de Blue Velvet Lynch también conoció a Isabella Rossellini, con quien permaneció junto hasta 1990. Regresó a la pintura y al dibujo y expuso su arte entre 1987 y 1989 en las Roger La Pelle Galleries de Filadelfia, la Leo Castelli Gallery en Nueva York y la Galería James Corcoran en Los Ángeles. Además, diseñó la estatuilla para el Premio Rossellini en 1987 y, a partir de 1983, publicó la tira cómica semanal The Angriest Dog in the World en Los
Angeles Reader.así como otros periódicos. En 1987, un productor francés le preguntó a Lynch si le gustaría rodar un cortometraje sobre “Francia desde la pers-pectiva de…”. De este encargo resultó la película de 23 minutos El vaquero y los franceses , que se estrenó en 1988. En 1986 David Lynch conoció al guionista Mark Frost, con quien instantáneamente se llevó perfectamente y coescribió guiones como One Saliva Bubble (1987) o The Goddess (1987). También colaboraron en la serie de televisión The Lemurians . Después de eso, ambos se pusieron a trabajar escribiendo un nuevo guion: Northwest Passage , que luego pasó a llamarse Twin Peaks . El guion de la película piloto se escribió en 10 días y fue producido por la estación de televisión ABC. Aterrizaron un éxito con él. Después de esta altura, la ABC confió a David Lynch y Mark Frost la producción de otra temporada más en 1990, que se detuvo en 1991 debido a la falta de audiencia. Después del final temporal de Twin Peaks , Lynch desarrolló dos series más: On the Air (1992) y Hotel Room (1993). Mientras que el primero se suspendió después del tercer episodio debido a malas calificaciones y críticas, el segundo fue transmitido por el canal de cable HBO en enero de 1993. Paralelamente a Twin Peaks , Lynch había colaborado con Barry Gifford y filmó su novela Wild at Heart con Laura Dern y Nicholas Cage en los papeles principales. La road movie fue honrada con la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de mayo de 1990. Revés y crisis En septiembre de 1991, el rodaje de Twin Peaks comenzó y terminó en noviembre de 1991. Sin embargo, en el Festival de Cine de Cannes en 1992, la película fue abucheada por el público y también fue rechazada por la crítica. En la conferencia de prensa en Cannes, Lynch admitió que mató a Twin Peaks . Desde entonces, ha sido considerado un “factor de riesgo” en la industria cinematográfica. Ya no se confiaba en él
para administrar proyectos más grandes. Esto llevó a Lynch a una crisis creativa. Por motivos económicos, rodó numerosos comerciales para Armani, Adidas, Jil Sander, Karl Lagerfeld, Calvin Klein o Yves Saint Laurent en 1992 y 1994, y también trabajó como pintor. Mientras tanto, produjo un álbum titulado The Voice of Love de Julee Cruise junto con Angelo Badalamenti, y, con motivo del centenario de la invención del cinematógrafo por los hermanos Lumière, un cortometraje de 52 segundos Premonitions Following An Evil Dead . En 1994 y 1995, Lynch buscaba patrocinadores para la comedia Dream of the Bovine , cuyo guión había escrito junto a Robert Engels, pero fue en vano. Regreso al cine Mientras leía la novela Night People de Barry Gifford, Lynch se quedó atascada en “carretera perdida”, una frase utilizada en el libro. Le sugirió a Barry que escribieran un guión juntos. Se completó en marzo de 1995 y fue inmediatamente aceptado por Ciby2000 , por lo que el rodaje comenzó en el otoño del mismo año con un presupuesto de producción de $ 15 millones. La película se estrenó en enero de 1997 en París y recibió críticas en su mayoría positivas. Más tarde, la ganadora del Premio Nobel de Literatura Elfriede Jelinek y Olga Neuwirth editaron Lost Highway en una ópera, cuyo estreno tuvo lugar en Graz en octubre de 2003. Dos años más tarde, Lynch lanzó The Straight Story (1999), cuyo guión fue escrito por su entonces compañera Mary Sweeney. El proyecto fue producido por The Picture Factory , una productora fundada por Lynch, Neal Edelstein y Sweeney en 1997. En general, la película fue recibida positivamente, pero sorprendió tanto al público como a la crítica con la ausencia de escenas violentas, así como escenas que confrontan a la audiencia con rompecabezas sin solución. Algunas críticas consideran que esta película es la primera obra “para adultos” de Lynch.
A principios de 1999, Lynch comenzó a trabajar en la serie de televisión Mulholland Drive para el canal ABC. Después de que el proyecto se había dejado de lado inicialmente, Lynch luego lo extendió a la película Mulholland Drive . Por este logro, recibió el premio de director en el Festival de Cine de Cannes en 2001. En 1998, volvió a la música y produjo el álbum Lux Viviens (Living Light) con la cantante Jocelyn Montgomery, que se basa en las canciones de St. Hildegard of Bingen. En 2011, lanzó el álbum de rock experimental Blue Bob junto con John Neff. Cine experimental, trabajo online y música A finales de 2001, el sitio web de Lynch, davidlynch.com, se puso en línea. A partir de ese momento, publicó algunos de sus trabajos en Internet, incluido el cortometraje animado Dumb Land , así como una comedia de situación surrealista que consta de ocho cortometrajes titulados Rabbits . En 2002 Lynch fue nombrado presidente del 55º Festival Internacional de Cine de Cannes. Lynch, quien ha estado practicando la técnica de meditación de Maharishi Mahesh Yogi Meditación Trascendental desde 1973, lanzó la Fundación David Lynch para la Educación Basada en la Conciencia y la Paz Mundial en 2005. Mientras estaba en una gira mundial con el cantante de folk Donovan en 2007, hizo campaña para el establecimiento de las llamadas “universidades de invencibilidad”. En abril de 2009, el canal de televisión basado en Internet David Lynch Foundation Television se conectó a Internet con el objetivo de celebrar “Conciencia, creatividad y felicidad”. El largometraje más reciente de Lynch, Inland Empire , se estrenó a principios de septiembre de 2006. Fue honrado con el León de Oro por el trabajo de toda su vida en el Festival de Cine de Venecia. La característica especial de Inland Empire es que se filmó en su totalidad con una cámara digital de mano y algunas partes se improvisaron libremente.
De marzo a mayo de 2007, la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain de París presentó la exposición más completa de las obras de Lynch hasta la fecha. Se exhibieron un total de 800 obras en forma de dibujos, pinturas, gráficos, fotografías, collages, cortometrajes e instalaciones . En el mismo año Lynch fue contratada por la revista Elle para una serie de fotos de actrices francesas y nombrada Oficial de la Legión de Honor por el ex presidente Nicolas Sarkozy. De septiembre a noviembre de 2008, se llevó a cabo una exposición de fotografías de Lynch en el Epson Kunstbetrieb por primera vez en Düsseldorf y, por lo tanto, por primera vez en Alemania. Desde noviembre de 2009 hasta marzo de 2010, se exhibió otra exposición de fábrica en el Max Ernst Museum Brühl . Además, de octubre de 2010 a enero de 2011, el Museo de Arte Moderno de la Casa Goslar Monk mostró pinturas, fotografías y litografías de Lynch. En abril de 2009, el músico estadounidense Moby lanzó el sencillo Shot in the Back of the Head , al que David Lynch grabó el video musical. Además, Lynch fue responsable del di-seño visual del folleto del álbum Night of the Soul de DJ Danger Mouse y Sparklehor-se. Lynch también escribió la letra de dos canciones de este álbum y las cantó él mismo. Ese mismo año Lynch produjo la serie documental Interview Project con su hijo Austin, que incluye 121 entrevistas, la película Caring Son y 2010, el comercial de 16 minutos de Dior Lady Blue Shanghai . En 2011 Lynch diseñó la discoteca privada Silencio en París, de la que también es propietario. En enero del mismo año, se lanzó su primer sencillo en solitario Good Day Today / I Know . En Alemania, el álbum que lo acompaña se publicó el 4 de noviembre de 2011 y se titula Crazy Clown Time . En julio de 2013, Lynch lanzó su segundo álbum en solitario The Big Dream . Trabajo
Lynch es un artista talentoso en muchos sentidos. Su trabajo incluye cine, pintura, fotografía, litografía, música así como el diseño de habitaciones, mobiliario o incluso botellas de cava . Al mismo tiempo, logra realizar su visión personal, que se caracteriza por una atmósfera misteriosa y sugerente. Según el historiador del arte Thomas W. Gaehtgens, la continuidad y los puntos en común también son típicos del trabajo de Lynch. Sobre todo, el estilo de Lynch ha tenido un impacto significativo en el mundo del cine, por eso el mundo cinematográfico que creó tiene su propio nombre: “Lynchville”. En la cultura pop, su lenguaje cinematográfico se describe como “lynchesk” o “lynchean”.
modelo a seguir. Temáticamente, Lynch se refiere a los acontecimientos de su infancia en los años cincuenta, pero también a las experiencias de masas en la sociedad estadounidense. Entre sus temas favoritos se encuentran la seguridad del pueblo pequeño, la clase media, la música, la familia, el amor y el romance, por lo que no rehuye sus desventajas: la libido oprimida y la violencia, lo oculto, lo irracional y lo inconsciente.
Influencias
De esta manera, lo banal se convierte en horror, la violencia en comedia, el misticismo en lo ordinario, el patetismo se adorna con comentarios demasiado largos y lo improvisado se mezcla con lo aleatorio. La metáfora absoluta y la paradoja son típicas del trabajo de Lynch.
El trabajo de Lynch estuvo más influenciado por el arte de la pintura. Él mismo llama a Francis Bacon, Henri Rousseau y Edward Hopper sus modelos a seguir más importantes. El primero lo influyó a través de sus cuadros que mostraban la deformación de la car-ne; Rousseau a través de su tema del misterio y Hopper a través de su tema de la soledad. Además, los artistas Lucian Freud, David Hockney y Ed Kienholz fueron una gran ins-piración para Lynch.
En 1997, el crítico Andreas Kilb describió su obra como el “drama eterno del hombre inacabado”, para quien la creencia en la plenitud del alma de los objetos es inherente co-mo antipolo a la naturaleza “enmascarada” de los rostros humanos. No obstante, Lynch se ha mantenido relativamente comercializable como cineasta. En sus películas posteriores, las mujeres cobran importancia, especialmente en el contexto hollywoodense.
En términos de historia del cine, estuvo más influenciado por Federico Fellini y Jacques Tati, pero también por Werner Herzog, Stanley Kubrick, Ingmar Bergman, Alfred Hitchcock y Billy Wilder. Las películas favoritas de Lynch incluyen Lolita (1962), Sunset Boule-vard (1950) y El mago de Oz (1939).
Mientras que en el nivel del motivo, el hogar, la cabaña, los pasillos, el fuego, los colores rojo y negro, la calle como símbolo del destino, la cámara oculta, personajes desfigurados, mediadores extraños de otro mundo, cielos estrellados, doppelgangers, decadencia orgánica, la electricidad, etc., dominan.
Por último, pero no menos importante, también la literatura tuvo una enorme influencia en el estilo de Lynch. Lo atrajo especialmente Franz Kafka, razón por la cual planeaba filmar la novela de Kafka La metamorfosis durante mucho tiempo.
Una forma popular de interpretar las películas de Lynch, por lo tanto, es yuxtaponer los motivos con los de otras películas para ver la estructura superior, por así decirlo. Si busca resoluciones racionales y explicaciones lógicas de la narración, fracasará. Mientras tanto, se acepta que a Lynch no le gustan las formas racionales o comunes de narración cinematográfica.
El arte cinematográfico de Lynchean Las películas surrealistas de Lynch se caracterizan por el hecho de que los dispositivos estilísticos motivadores y temáticos se fusionan para formar un gran todo. Aquí, el Film noir sirve como
La atención se centra más bien en la intensa atmósfera de las películas. Asimismo, tiene preferencia por las estructuras
narrativas menos utilizadas, especialmente la “forma abierta”. Aquí utiliza principalmente la denominada tira de Möbiuso el “bucle extraño” así como la deconstrucción y las herramientas del posmodernismo. A Lynch le gusta comparar su proceso de hacer cine con el de pintar, utilizando lo onírico y la intuición. La banda sonora es un recurso deliberado a la cultura pop, en la que el sonido de los años de la posguerra se alterna con el del presente. Tiene un fino sentido para el ritmo del movimiento y el lenguaje, el color, el espacio, los efectos musicales y la interacción de la imagen y el sonido. Esto lo convierte en una excepción a la escena de la película, Chris Rodley elogia a Lynch sobre Lynch . Recepción Resonancia y crítica públicas En la mayoría de los casos, la recepción de la obra de Lynch se limita a aquellas películas que se encargan de construir su imagen como figura de culto. Sin embargo, el “artista universal” David Lynch tiende a pasar a un segundo plano, aunque también produce música, dibujos, pinturas y muebles. Las otras obras de Lynch han recibido una mayor atención desde el cambio de milenio, gracias a las numerosas exposiciones. La actitud del público hacia el arte de Lynch está dividida: por un lado, se lo describe como provocador, extravagante, incomprensible y extraño, por otro lado, se lo celebra como un artista innovador y hábil. En particular, sus películas son criticadas por la excesiva representación del sexo y la violencia. A menudo, también está bajo ataque debido a su compromiso con la Meditación Trascendental. Lynch juega un papel clave en el documental de David Sieveking, David quiere volar del año 2010. Después de una entrevista con Lynch sobre su tema favorito Meditación Trascendental, Sieveking, otrora gran fanático de las películas de Lynch se distancia del director y de la organización.
Esta actitud se ve agravada por el hecho de que durante otra entrevista, Sieveking tiene prohibido hacer preguntas críticas. Sobre todo, se critican los costos de aprender la Meditación Trascendental. Como es común con muchas otras sectas, la educación se vuelve más cara con cada nueva etapa de iluminación. El curso de iniciación cuesta unos 2.000 euros. Con cada nivel de formación adicional, el precio aumenta. Para obtener la educación para uno de los rangos más altos, debe pagar más de 100,000 dólares estadounidenses. Esto a menudo se compara con la situación en Scientology. Los partidarios de la Meditación Trascendental incluyen a David Lynch, Ringo Starr o Paul McCartney. Por medio de suFundación David Lynch , Lynch quiere presentar a los alumnos y estudiantes la Meditación Trascendental y permitirles hacer el Vuelo Yóguico. Ingresos Los logros financieros incluyen The Elephant Man ($ 26 millones), Wild at Heart ($ 14,6 millones), Mulholland Drive ($ 20,1 millones) y Blue Velvet ($ 8,5 millones). Premios (selección) David Lynch ha recibido 42 premios cinematográficos y ha sido nominado a otros 38, incluidos cuatro premios Oscar. En 1989, fue honrado con la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes, donde también obtuvo el Premio del Director en 2001. Recibió un León de Oro por el trabajo de su vida en el Festival de Cine de Venecia en 2006. En 2002, fue nombrado caballero por el Ministro de Cultura Jean-Jacques Aillagon, y Nicolas Sarkozy lo nombró Oficial de la Legión de Honor francesa en 2007. En 2010, Lynch recibió el Kaiserring de la ciudad de Goslar. Ese mismo año, recibió el Premio de Cine de Colonia en la Conferencia de Colonia. En la lista de The Guardian de los 40 mejores directores, Lynch ocupa el primer lugar.
Películas de David Lynch David Keith Lynch es conocido por sus películas surrealistas . Su estilo cinematográfico es tan único y peculiar que incluso se le dio su propio nombre: “Lynchian” . El término se refiere a las marcas re-gistradas de Lynch, como imágenes de sueños, un diseño de sonido cuidadoso, así como elementos surrealistas y violentos que se sabe que “perturban, insultan y confunden” a los espectadores. La obra de Lynch incluye largometrajes, así como cortometrajes, documentales y videos musicales, pero en este artículo, la atención se centrará claramente en los largometrajes . Su compromiso cubre una amplia gama de áreas, desde la dirección hasta la producción y el guión, pasando por el diseño de so-nido e incluso la actuación. El primer proyecto de Lynch fue el cortometraje de animación Six Men Get-ting Sick (Six Times) de 1967, en el que combinó elementos de escultura y pintura. Su primer largome-traje titulado Eraserhead(1977) se convirtió en una película de culto y representa el comienzo de su carrera en la corriente principal. En esta película, también trabajó con Jack Nance por primera vez, un actor que apareció en muchas otras producciones de Lynch hasta su muerte en 1996. Entre las películas de Lynch aclamadas por la crítica y también de mayor éxito comercial se encuentran The Elephant Man (1980), Blue Velvet (1986) y Mulholland Drive (2001), por la que recibió nominaciones al Os-car. Sin embargo, su épica Dune en el desierto fracasó.
lícula en el puesto 14. En 2010, ocupó el segundo lugar en la lista de las 100 mejores primeras películas de todos los tiempos por la Sociedad de Críticos de Cine en Línea . La película influyó en las obras de varios directores de renombre como Shining de Stanley Kubrick, Tetsuo: The Iron Man de Shin’ya Tsukamoto o Pi de Darren Aronofsky . La película de Lynch también influyó en el trabajo de Terry Gilliam o David Cronenberg.
Eraserhead (1977) Eraserhead fue escrito, dirigido, producido y editado por Lynch. La película se puede asignar a los géneros cine de terror, surrealista, fantástico , así como ciencia ficción y película punk . Sin embargo, ninguno de estos géneros específicos se aplica completamente a Eraserhead , razón por la cual la película también se llama “ completamente sui generis “. La historia gira en torno a la paternidad de Henry Spencer, que lo aflige tanto física como mentalmente. No solo los problemas de Henry se disuelven con la muerte del bebé, sino también él mismo junto con ellos. Como Lynch quería entrar en la película para el Festival de Cine de Nueva York , la película fue rechazada. Así que presentó la película en el Festival de Cine de Los Ángeles Filmex , donde se proyectó en su versión original de 108 minutos. Debido a la reacción de la audiencia, llegó a la conclusión de que la película era demasiado lenta y tediosa, por lo que la acortó a 89 minutos después. La primera reseña cinematográfica pública en la revista estadounidense Variety resultó un desastre total. La película fue etiquetada como una “experiencia insoportablemente insípida”. Además,
Eraserhead fue acusado de falta de sutileza y de acción inadecuada. No obstante, la presentación de Lynch en el festival fue su gran avance artístico. Gracias al distribuidor independiente de películas Ben Bahrenholz, con sede en Nueva York, Eraserhead se convirtió en un informante clandestino a medianoche. Desde 1979, la película también fue el centro de atención en el Reino Unido y Alemania . Las críticas fueron en su mayoría positivas y consideraron a Eraserhead como una película artísticamente ambiciosa en la tradición del surrealismo y el expresionismo. En el semanario Zeit la película fue calificada como la “película de culto de los próximos años”, en Cine se habló de un “brebaje fascinante”. Eraserhead también fue comparada con la obra surrealista de Luis Buñuel y Salvador Dali An Andalusian Dog , Alien de Ridley Scott y Zombie de George A. Romero . Eraserhead también fue un gran éxito comercial. Si bien los costos de producción fueron de $ 20,000, la película recaudó $ 7 millones solo en los EE. UU. Directores como John Waters y Stanley Kubrick llamaron al trabajo de Lynch una de sus películas favoritas, lo que hizo que Eraserhead fuera aún más popular. En el entretenimiento Weekly ‘s The Top 50 Películas Clásicas lista, la pe-
Musicalmente, la película también ha entrado en la cultura pop. Los Pixies, por ejemplo, interpretaron la canción que la mujer canta detrás del radiador: In Heaven . La canción del radiador, que fue escrita e interpretada por Peter Ivers para la película, también fue versionada por artistas como Keith Kenniff o Zola Jesus.
El hombre elefante (1980) David Lynch dirigió esta película dramática en blanco y negro. John Hurt interpretó al “hombre elefante” John Merrick, que quedó desfigurado por una enfermedad, y Anthony Hopkins fue elegido para el papel del médico Frederick Treves. La película está basada en una historia real. Debido a su extraña deformidad física, John Merrick se convierte en una atracción en las ferias. El médico Frederick Treves lo libera de esta situación, reconoce en él a un hombre elocuente y sensible y emprende el intento de integrarlo en la sociedad. El hombre elefante celebró su estreno mundial el 3 de octubre de 1980 en la ciudad de Nueva York. En Europa, la película se emitió por primera vez en 1981, pero tuvo poca asistencia. A pesar de eso, se convirtió en un éxito financiero y recaudó cinco veces el presu-puesto de la película solo en los EE. UU.
diseño de naves espaciales. Jodorowsky también quería ganar a Salvador Dali para este proyecto por una tarifa de $ 100,000 por minuto. Hacia finales de 1976, el productor de cine italiano Dino De Laurentiis adquirió los derechos de Dune y encargó a Herbert en 1978 que escribiera un guión. En 1979, Laurentiis contrató a Ridley Scott para dirigir la película. En ese momento, el guión había sido revisado por Rudy Wurlitzer. El proyecto se prolongó.
La película fue bien recibida tanto por la crítica como por el público. La característica más destacada fue la reconstrucción detallada de la época victoriana. Lynch luego admitió que al comienzo de la filmación, tenía muy poco conocimiento de la época, por lo que tuvo que hacer una investigación exhaustiva al respecto. En cuanto al sentimentalismo, las opiniones de los críticos divergieron. Algunos afirmaron que Lynch evitó el sentimentalismo en la película, mientras que otros opinaron que el sentimentalismo se usó bien y que benefició a la película. Otros vieron su uso negativamente y lo describieron como muy “superficial”. Si bien el crítico de cine Roger Ebert elogió la actuación teatral de Lynch, así como su trabajo de dirección, calificó las escenas de apertu-ra y cierre como “idiotas” e “imperdonables”. El hombre elefante ayudó a Lynch a establecerse como director en Hollywood. Como resultado, recibió muchas ofertas cinematográficas. George Lucas, por ejemplo, le ofreció dirigir El regreso de los Caballeros Jedi . Sin embargo, Lynch optó por el planeta desérti-co Dune de Dino De Laurentiis debido a la mayor libertad artística. En los Premios de la Academia de 1981, The Elephant Man fue nominado en un total de ocho categorías.
Duna (1984) Dune, basada en la novela homónima de Frank Herbert, se considera que pertenece al género de la ciencia ficción . Lynch dirigió la película . Los papeles principales fueron interpretados por Jürgen Prochnow, Kyle MacLachlan, Patrick Steward y Sting. Antes de Lynch, el autor y director Alejandro Jodorowsky intentó la adaptación de la novela. A mediados de la década de 1970, incluso los estudios de diseño fueron creados para este propósito por el artista suizo HR Giger. Al mismo tiempo, el artista británico Chris Foss también creó varios borradores de
En 1981, la hija de Dino De Laurentiis, Raffaella, también productora de cine, vio El hombre elefante y le pidió a Lynch que se hiciera cargo del proyecto. Aceptó dirigir y escribir el guión sin conocer el libro ni tener experiencia en el campo de la ciencia ficción. Lynch trabajó con Christopher De Vore y Eric Bergen en el guión durante seis meses. Debido a diferencias artísticas, el equipo de autores se disolvió y Lynch escribió otros cinco borradores él mismo. Finalmente, se filmó el sexto borrador, que terminó siendo de 135 páginas. La película fue filmada en México con un equipo de 1,700 personas y requirió 80 sets. El presupuesto superó los $ 40 millones. La versión original de la película tomó alrededor de 3,5 horas, pero el productor la redujo a menos de dos horas. Dune se estrenó el 3 de diciembre de 1984 en el Kennedy Center de Washington, luego de que varias revistas siguieran el trabajo de producción y lo elogiaran en artículos previos al estreno
de la película. En su primer fin de semana, la epopeya del desierto recaudó más de $ 6 millones y un total de casi $ 31 millones. Teniendo en cuenta que el presupuesto superaba los 40 millones, fue una gran decepción . Además, las críticas estaban lejos de ser satisfactorias. Robert Ebert le dio a Dune una de las cuatro estrellas y escribió: “Esta película es un verdadero desastre, una excursión incomprensible, fea, desestructurada e inútil a los reinos más oscuros de uno de los guiones más confusos de todos los tiempos”. Continuó: “La trama de la película sin duda significará más para las personas que han leído a Herbert que para las que caminan en frío”. Ebert finalmente llamó a Dune “la peor película del año”. Gene Siskel dijo en su reseña: “Es físicamente feo, contiene al menos una docena de escenas horribles y asquerosas, algunos de sus efectos especiales son baratos, sorprendentemente baratos porque esta película costó entre 40 y 45 millones de dólares”, y es La historia es increíblemente confusa. En caso de que no lo haya dejado claro, odié ver esta película ‘. Otros críticos criticaron los mismos aspectos y la duración de la película. Según el crítico de cine y escritor de ciencia ficción Harlan Ellison, las críticas negativas se debieron al hecho de que las proyecciones no solo se pospusieron una y otra vez, sino que a los críticos también se les negó verlas. Al parecer, estas circunstancias habían molestado a la comunidad cinematográfica e influido en la recepción de la película. Daniel Snyder también elogió el trabajo de Lynch, describiéndolo como “... un trabajo profundamente defectuoso que fracasó como empresa comercial, pero aún así logró capturar y destilar porciones esenciales de una de las obras más densas de la ciencia ficción”. Según Snyder, el estilo surrealista de Lynch había creado “un mundo que se sentía completamente extraño”, lleno de “secuencias de sueños extrañas, plagadas de imágenes de fetos no nacidos y energía brillante, y paisajes inquietantes como el infierno industrial del mundo natal
de los Harkonnen”, con lo que se acercó a Kubrick’s2001: Una odisea del espacio que la obra de George Lucas. Debido al fracaso comercial, así como a las críticas mordaces, los planes para una secuela de Dune se desvanecieron en el aire. Con respecto, Lynch admitió que hubiera sido mejor si no hubiera dirigido la película: ‘Comencé a venderme en Dune . Mirando hacia atrás, no es culpa de nadie más que mía. Probablemente no debería haber hecho esa película, pero vi toneladas y toneladas de posibilidades para las cosas que amaba, y esta era la estructura para hacerlas. Había mucho espacio para crear un mundo. Pero obtuve fuertes indicios de Raffaella y Dino De Laurentiis de qué tipo de película esperaban, y sabía que no tenía el corte final ‘. En 1985, la película recibió una nominación al Oscar a Mejor Película , así como nominaciones al Premio Saturno en las categorías Mejor Vestuario , Mejor Máscara , Mejores Efectos Especiales y Mejor Película de Ciencia Ficción . Dune también fue nominado al premio Hugo a la mejor presentación dramática .
Terciopelo azul (1986) Esta película fue escrita y dirigida por David Lynch. Blue Velvet pertenece al género de misterio neonoir y combina el terror psicológico con el cine negro . Fue producido y financiado por el estudio independiente De Laurentiis Entertainment Group . El reparto incluye a Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper y Laura Dern. El título de la película deriva de la canción homónima de Tony Bennett de 1951. La película cuenta la histo-ria de un joven estudiante universitario que regresa a casa para visitar a su padre enfermo. Descubre una oreja humana cortada en un campo que lo lleva a descubrir una gran conspiración criminal y a entablar una relación romántica con un cantante de salón plagado de problemas. La recepción de la película se dividió inicialmente. Muchos afirmaron que su contenido desagradable tenía poco propósito artístico. No obstante, Blue Velvet le valió a Lynch su segunda nominación al Premio de la Academia al Mejor Director , lo que lo llevó a un estatus de culto.
Como ejemplo de una directora que va en contra de la norma, a Lynch se le atri-buye haber vuelto a encarrilar la carrera de Hopper y darle a Rossellini la oportunidad de expresarse dramáticamente más allá de su trabajo anterior como portavoz de cosméticos y modelo de moda. La película atrajo la atención principalmente por su simbolismo temático y ahora se considera una de las principales obras de Lynch, así como una de las mejores películas de la década de 1980. Esta opinión también fue compartida por diversas publicaciones como Sight & Sound , Time , BBC Magazine y Entertainment Weekly . En 2008, el American Film Institute eligió la película como una de las mejores películas de misterio estadounidenses jamás realizadas. Varios actores relativamente desconocidos fueron elegidos para los papeles principales. Isabella Rossellini en realidad solo era conocida por sus comerciales de Lancôme y por el hecho de que era hija de la actriz Ingrid Bergman y del director de cine italiano Roberto Rossellini. Dennis Hopper fue el actor con mayor perfil. Anteriormente protagonizó Easy Rider (1969) y fue la tercera opción para el papel de Frank. Harry Dean Stanton y Steven Berkoff habían rechazado el papel debido al contenido violento de la película. Kyle MacLachlan interpretó al personaje principal en el fracaso comercial de Lynch, Dune . Laura Dern, que tenía 19 años en ese momento, solo fue elegida para el papel porque las otras actrices exitosas habían rechazado el papel, incluida Molly Ringwald. Blue Velvet ha ganado un total de 22 premios cinematográficos , incluido el Premio de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine y el Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles Además, la película recibió otras 12 nominaciones
Salvaje de corazón (1990) David Lynch escribió y dirigió esta película de crimen y comedia negra neonoir , que se basa en una novela de 1989 del mismo nombre de Barry Gifford. El elenco incluye a Nicolas Cage, Laura Dern, Willem Dafoe, Diane Ladd, Harry Dean Stanton y una vez más Isabella Rossellini. La historia gira en torno a una joven pareja de Cape Fear, Carolina del Norte, Sailor Ripley (Cage) y Lula Pace Fortune (Dern), que huyen de la madre dominante de Lula y de los gánsteres, que habían sido contratados para matar a Sailor. Originalmente, Lynch solo planeaba producir la película, pero después de leer la novela, decidió escribir y dirigir la película también. Como no le gustó el final de la novela, lo alteró según su visión de los personajes principales. Wild at Heart es de hecho una road movie e incluye una serie de alusiones a Elvis Presley y sus películas y El mago de Oz . En opinión de Lynch, uno de los temas principales de la película es “encontrar el amor en el infierno”. No obstante, se esforzó por cambiar conscientemente el final más oscuro original de la historia por uno “feliz”. Este aspecto fue severamente criticado por algunos críticos, quienes sostenían que el repentino final
idealista de la felicidad perfecta es demasiado irónico. Debido a la fuerte violencia en algunas escenas, las primeras proyecciones de prueba no fueron nada bien. En la primera proyección de prueba, ochenta personas abandonaron la habitación durante una escena de tortura que involucraba a Johnnie Farragut. A pesar de esto, Lynch decidió dejar la escena en la película. Sin embargo, en la segunda proyección de prueba, cien personas salieron durante la misma escena, por lo que suavizó un poco la película en este sentido. En el momento de su lanzamiento, la película recibió críticas mixtas . Jonathan Rosenbaum de la revista Sight & Sound , por ejemplo, declaró: “Quizás el mayor problema es que, a pesar de los mejores esfuerzos de Cage y Dern, Lynch está interesado en última instancia solo en la iconografía, no en los personajes en absoluto. Cuando se trata de imágenes de maldad, corrupción, desarreglo, pasión cruda y mutilación (aproximadamente en ese orden), Wild at Heart es una verdadera cornucopia ”. Time y la revista Cineaste prácticamente compartían esta opinión. Mientras que Peter Travers escribió en Rolling Stone revista, ‘Comenzando con lo escandaloso y construyendo desde allí,
enciende una ligera novela de amor sobre la marcha, creando una hoguera de película que confirma su reputación como el cineasta más emocionante e innovador de su generación’. A pesar de estas críticas iniciales divergentes, Wild at Heart ocupó el puesto 26 como la mejor película de la década de 1990 en una encuesta de Complex , la 47ª mejor película del mismo período en una encuesta de críticos de IndieWire y la 53ª mejor en la encuesta de Rolling Stone . Sin embargo, la película fue un éxito moderado en la taquilla de Estados Unidos, recaudando solo $ 14 millones, por encima de sus costos de producción de $ 10 millones. En cuanto a los elogios, Wild at Heart ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes en 1990, en el que recibió atención tanto positiva como negativa del público. Diane Ladd fue nominada a Mejor Actriz de Reparto en los Premios de la Academia de 1990 y en los Globos de Oro de 1991.
Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992) David Lynch dirigió esta película de terror psicológico y coescribió el guión con Robert Engels. Es una precuela de la serie de televisión Twin Peaks (19901991) y pertenece a los géneros de thriller, surrealista y cine de terror. La película se estrenó el 16 de mayo de 1992
en el 45 ° Festival Internacional de Cine de Cannes . La historia gira en torno a la investigación del asesinato de Teresa Banks, interpretada por Pamela Gidley, y la última semana en la vida de Laura Palmer, de diecisiete años, interpretada por Sheryl Lee. Similar a Terciopelo azul , Twin Peaks es un laberinto de sexo, drogas y violencia, que se esconde tras la fachada del idílico pueblito del mismo nombre. Con la excepción de Lara Flynn Boyle y Sherilyn Fenn, la mayoría del elenco de televisión repitió sus papeles para la película. Fire Walk with Me recibió inicialmente críticas negativas en los Estados Unidos . Janet Maslin del New York Times , por ejemplo, declaró: ‘Sr. El gusto de Lynch por lo grotesco con muerte cerebral ha perdido su novedad ”, mientras que USA Today llamó a la película“ un asunto morbosamente triste ”. Una excepción entre estas críticas fue la del novelista Steve Erickson, quien desafió la recepción negativa de la película y la defendió en el LA Weekly . En Europa, se informó que la película fue recibida con abucheos y burlas del público en el Festival de Cine de Cannes de 1992 . El coguionista Robert Engels, sin embargo, niega que tal evento haya tenido lugar. Financieramente, Fire Walk with Me fue una bomba de taquilla en los Estados Unidos. No obstante, logró inspirar a varios críticos en Europa y le fue mu-
cho mejor en Japón . En general, la película ganó tres premios cinematográficos y fue nominada a otros cinco. Los tres premios fueron entregados al compositor de cine Angelo Badalamenti por su interpretación musical.
Carretera perdida (1997) David Lynch dirigió esta película neonoir y la coescribió con Barry Gifford. Cuenta con Bill Pullman, Patricia Arquette, Balthazar Getty y Robert Blake en los papeles principales. La historia gira en torno a un músico (Pullman), que comienza a recibir misteriosas cintas VHS de él y su esposa (Arquette) en su casa, y de repente es condenado por asesinato. Después de esto, inexplicablemente desaparece y es reemplazado por un joven mecánico (Getty). Lost Highway se rodó en gran parte en Los Ángeles y fue financiada por la productora francesa Ciby 2000 . En esta película, Lynch colaboró con el director de fotografía Peter Deming y la productora Mary Sweeney. Lynch ve la película como una “fuga psicógena” más que como una historia lógica y convencional. Lost Highway se caracteriza por una estructura narrativa surrealista, que se ha comparado con una tira de Möbius. La banda sonora de la película fue producida por Trent Reznor y presenta una banda sonora original de Barry Adamson y Angelo Badalamenti, así como canciones de artistas como Marilyn Manson, Rammstein, David Bowie y The Smashing Pumpkins. Aunque generalmente se clasifica como una película neo-noir, Lost Highway también toma prestados elementos de géneros como la nueva ola francesa o el expresionismo alemán. Sus elementos narrativos también se han descrito
con los términos “película de terror” y “thriller psicológico”. Según Thomas Caldwell de la Australian Metro Magazine , Fred Madison es “un típico héroe del cine negro, que habita en un mundo condenado y desolado caracterizado por un exceso de sexualidad, oscuridad y violencia”. Otra característica típica del cine negro que está presente en la película es la femme fatale, personificada por Alice Wakefield. Lost Highway también se destacó por sus temas sexuales y violencia gráfica, que Lynch defendió afirmando que simplemente quería mantenerse fiel a su propia visión de la película. Parecida a la película Vértigo de Alfred Hitchcock de 1958 , la película aborda el tema de las obsesiones masculinas con las mujeres junto con las emociones relacionadas con ellas. Si bien la película trata definitivamente de “identidad”, es muy abstracta y deja la interpretación de los eventos a los espectadores. Como ya se mencionó, la narrativa circular de la película a menudo se ha comparado con una tira de Möbius. Según el crítico cultural Slavoj Žižek, la circularidad representa el proceso psicoanalítico. Afirma, ‘hay una frase clave sintomática ... que siempre regresa como un mensaje insistente, traumático e indescifrable, y hay un ciclo temporal, como en el análisis, donde el protagonista al principio no encuentra el yo, pero al final es capaz de pronunciar el síntoma conscientemente como propio ». Tras el lanzamiento, las críticas sobre Lost Highway fueron bastante variadas . Roger Ebert y Gene Siskel dieron a la película “dos pulgares hacia abajo”, que Lynch comentó más tarde con “dos grandes razones más para ver” la película. Ebert argumentó que a pesar del uso efectivo de imágenes combinado con una banda sonora fuerte y creadora de humor, la película no tiene mucho sentido. Para él, la película no se trata de cine, sino simplemente de diseño, una opinión compartida por Kenneth Turan de Los Angeles Times , para quien Lost
Highway es una película “bellamente hecha pero emocionalmente vacía” que “existe sólo por la sensación de su provocación”. momentos ”. Aún así, la película ha atraído desde entonces elogios de la crítica, interés académico y seguidores de culto. Después de una modesta ejecución de tres semanas, la película recaudó $ 3.7 millones en Norteamérica y también fue adaptada como ópera por Olga Neuwirth, una compositora austriaca.
mas..
La historia recta (1999) Mulholland Drive (2001) Inland Empire (2006)
Serie de televisión de David Lynch Twin Peaks (1990-1991) Crónicas americanas (1990) En el aire (1992) Habitación de hotel (1993) Twin Peaks: El regreso (2017)
https://www.davidlynch.de/biography/
Historia
L
os Kinks fueron una de las bandas más influyentes de la invasión británica. Los primeros sencillos “You Really Got Me” y “All Day and All of the Night” fueron brutales, ravers de tres acordes que allanaron el camino hacia el punk y el metal mientras inspiraban a compañeros como The Who. Luego, a mediados de los 60, el líder Ray Davies se hizo famoso como compositor, desarrollando un ingenio irónico y un ojo para el comentario social que culminó en un par de LPs conceptuales, The Village Green Preservation Society y Ar-
thur (Or the Decline and Fall of the British Empire), que demostraron ser enormemente influyentes a lo largo de los años. A finales de los 70, los Kinks se habían reformado como un acto de rock duro de estadio, resultando en una oleada de popularidad en el último período hasta que se disolvieron para siempre a mediados de los 90. A lo largo de su larga y variada carrera, el núcleo de los Kinks siguió siendo Ray (21 de junio de 1944) y Dave Davies (3 de febrero de 1947), que nacieron y se criaron en Muswell Hill, Londres. En su adolescencia, los hermanos comenzaron a tocar skiffle y rock & roll.
Pronto reclutaron a un compañero de escuela de Ray, Peter Quaife, para que tocara con ellos; al igual que los hermanos Davies, Quaife tocaba la guitarra, pero se pasó al bajo. En el verano de 1963, el grupo decidió llamarse The Ravens y reclutó a un nuevo baterista, Mickey Willet. Finalmente, su demo llegó a Shel Talmy, un productor discográfico americano contratado por Pye Records. Talmy ayudó a la banda a conseguir un contrato con Pye en 1964. Antes de firmar con la discográfica, los Ravens reemplazaron al baterista Willet por Mick Avory. Los Ravens grabaron su primer sin-
gle, una versión de “Long Tall Sally” de Little Richard, en enero de 1964. Antes de que saliera el single, el grupo cambió su nombre a The Kinks. “Long Tall Sally” salió en febrero de 1964 y no llegó a las listas de éxitos, al igual que su segundo single, “You Still Want Me”. El tercer single de la banda, “You Really Got Me”, era mucho más ruidoso y dinámico, con un salvaje riff de dos acordes y un frenético solo de Dave Davies. No sólo la versión final fue el plano del primer sonido de los Kinks, sino que decenas de grupos usaron los acordes de poder pesado como base para su propio trabajo. “You Really Got Me” alcanzó el número uno a un mes de su lanzamiento; publicado en Reprise en los EE.UU., el single subió al Top Ten. “All Day and All of the Night”, el cuarto single del grupo se lanzó a finales de 1964 y subió hasta el número dos; en América, llegó al número siete. Durante este tiempo, la banda también produjo dos álbumes completos y varios EPs. El grupo no sólo estaba grabando a un ritmo vertiginoso, sino que también estaban de gira implacablemente, lo que causó mucha tensión dentro de la banda. Al final de su gira americana del verano de 1965, el gobierno americano prohibió a los Kinks volver a entrar en los Estados Unidos por razones no especificadas. Durante cuatro años, se les prohibió regresar a los Estados Unidos, lo que no sólo significó que el grupo se vio privado del mercado musical más grande del mundo, sino que se vio efectivamente aislado de los trastornos musicales y sociales de finales de los años 60. En consecuencia, la composición de Ray Davies se volvió más introspectiva y nostálgica, confiando más
en las influencias musicales abiertamente inglesas, como el music hall, el country y el folclore inglés, que el resto de sus contemporáneos británicos. El siguiente álbum de The Kinks, The Kink Kontroversy, demostró la progresión en la composición de canciones de Davies. “Sunny Afternoon” fue una de las sátiras sociales irónicas de Davies y la canción fue el mayor éxito del verano de 1966 en el Reino Unido, alcanzando el número uno. “Sunny Afternoon” fue un adelanto del gran salto de la banda, Face to Face, un disco que presentaba una amplia gama de estilos musicales. En mayo de 1967, volvieron con “Waterloo Sunset”, una balada que alcanzó el número dos en el Reino Unido en la primavera de 1967. Something Else by the KinksLanzado en el otoño de 1967, Something Else by the Kinks continuó las progresiones de Face to Face. A pesar del crecimiento musical de la banda, su actuación en las listas de éxitos empezaba a estancarse. Después de la deslucida actuación de Something Else, los Kinks lanzaron un nuevo single, “Autumn Almanac”, que se convirtió en otro gran éxito en el Reino Unido. Lanzado en la primavera de 1968, “Wonderboy” fue el primer single de la banda que no entró en el Top Ten desde “You Really Got Me”. Se recuperaron un poco con “Days”, pero su declive comercial fue evidente por la falta de éxito de su siguiente LP. Lanzado en el otoño de 1968, The Village Green Preservation Society fue la culminación de las tendencias cada vez más nostálgicas de Ray Davies. Aunque el álbum no tuvo éxito, fue bien recibido por los críticos, especialmente en los EE.UU.
Peter Quaife pronto se cansó de la falta de éxito de la banda, y se fue a finales de año, reemplazado por John Dalton. A principios de 1969, se levantó la prohibición americana sobre los Kinks, dejándolos libres para hacer una gira por los EE.UU. por primera vez en cuatro años. Antes de comenzar la gira, los Kinks liberaron Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire). Como sus dos predecesores, Arthur contenía temas líricos y musicales distintivamente británicos, y sólo fue un éxito modesto. Mientras grababan la continuación de Arthur, los Kinks expandieron su alineación para incluir al tecladista John Gosling. La primera aparición de Gosling en un disco de los Kinks fue “Lola”. Con una base de rock más dura que sus últimos sencillos, “Lola” fue un éxito en el Top Ten tanto en el Reino Unido como en los EE.UU. Lanzado en el otoño de 1970, Lola Versus Powerman & the Moneygoround, Pt. 1 fue su disco más exitoso desde mediados de los 60 tanto en los EE.UU. como en el Reino Unido, ayudando a la banda a convertirse en favoritos para los conciertos en los EE.UU. Muswell HillbilliesSu contrato con Pye/Reprise expiró a principios de 1971, dejándolos libres para buscar un nuevo contrato discográfico. A finales de 1971, los Kinks habían conseguido un contrato de cinco discos con RCA Records, lo que les supuso un adelanto de un millón de dólares. Lanzado a finales de 1971, Muswell Hillbillies, el primer álbum del grupo para RCA marcó un retorno a la nostalgia de los álbumes de los Kinks de finales de los 60, sólo que con influencias más pronunciadas del country y del music hall.
El álbum no fue el éxito comercial que RCA esperaba. Unos meses después del lanzamiento de Muswell Hillbillies, Reprise lanzó una compilación de doble álbum llamada The Kink Kronikles, que superó las ventas de su debut en RCA. Everybody’s in Showbiz (1973), un conjunto de doble disco que consistía en un álbum de temas de estudio y otro de material en vivo, fue una decepción en el Reino Unido, aunque el álbum tuvo más éxito en los EE.UU. En 1973, Ray Davies compuso una ópera de rock en toda regla llamada Preservación. Cuando la primera entrega de la ópera finalmente apareció a finales de 1973, fue duramente criticada y recibida con frialdad por el público. El segundo acto apareció en el verano de 1974; la secuela recibió un trato peor que su predecesora. Davies comenzó otro musical, Starmaker, para la BBC; el proyecto finalmente se metamorfoseó en Telenovela, que se estrenó en la primavera de 1975. A pesar de las malas críticas, Soap Opera fue un disco más exitoso comercialmente que su predecesor. En 1976, los Kinks grabaron la tercera ópera rock de Davies, Schoolboys in Disgrace, que rockeó más fuerte que cualquier otro álbum que publicaron en la RCA. Sleepwalker Durante 1976, los Kinks dejaron la RCA y firmaron con Arista, y se reformaron como una banda de rock duro. El bajista John Dalton dejó el grupo cerca de la finalización de su álbum debut Arista; fue reemplazado por Andy Pyle. Sleepwalker, el primer álbum de los Kinks para la discográfica se convirtió en un gran éxito en los EE.UU. Cuando la banda estaba completando la continuación de Sleepwalker,
Pyle dejó el grupo y fue reemplazado por el Dalton que regresó. Misfits, el segundo álbum de la banda Arista, también fue un éxito en los Estados Unidos. Después de una gira británica, Dalton dejó la banda de nuevo, junto con el teclista John Gosling; el bajista Jim Rodford y el teclista Gordon Edwards llenaron las vacantes. Pronto, la banda estaba tocando en los Estados Unidos. A pesar de que los rockeros punk como Jam and the Pretenders hacían versiones de las canciones de Kinks a finales de los 70, el grupo se fue haciendo más descaradamente comercial con cada lanzamiento, culminando con el rock pesado de Low Budget (1979), que se convirtió en su mayor éxito americano, alcanzando el número 11. Su siguiente álbum, Give the People What They Want, apareció a finales de 1981; el disco alcanzó el número 15 y se convirtió en oro. Durante la mayor parte de 1982, la banda estuvo de gira. En la primavera de 1983, “Come Dancing” se convirtió en el mayor éxito americano del grupo desde “Cansados de esperar por ti”, gracias a la repetida exposición del vídeo en MTV; en EE.UU., la canción alcanzó el número 6, en el Reino Unido llegó al número 12. State of Confusion se estrenó después de “Come Dancing”, y fue otro éxito, alcanzando el número 12 en los EE.UU. Durante el resto de 1983, Ray Davies trabajó en un proyecto cinematográfico, “Return to Waterloo”, que causó una tensión considerable entre él y su hermano. En lugar de separarse, los Kinks simplemente reorganizaron su alineación, pero hubo una gran baja: Mick Avory, el baterista de la banda por 20 años fue despedido y reemplazado por Bob Henrit. Cuando Ray terminó la postproducción de Return to Wa-
terloo, escribió el siguiente álbum de los Kinks, Word of Mouth. Lanzado a finales de 1984, el álbum era similar en tono a los últimos discos de Kinks, pero fue una decepción comercial y comenzó un período de declive para la banda; nunca lanzaron otro disco que rompiera el Top 40. Piensa que VisualWord of Mouth fue el último álbum que grabaron para Arista. A principios de 1986, la banda firmó con MCA en EE.UU. y Londres en el Reino Unido. Think Visual, su primer álbum para su nuevo sello fue lanzado a finales de 1986. Fue un éxito leve pero no hubo singles de éxito en el disco. Al año siguiente, los Kinks lanzaron otro álbum en vivo, apropiadamente titulado The Road, que pasó un breve tiempo en las listas de éxitos. Dos años después, los Kinks lanzaron su último disco de estudio para MCA, UK Jive. Durante 1989, el teclista Ian Gibbons dejó la banda. Los Kinks fueron admitidos en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 1990, pero la admisión no ayudó a revivir su carrera. En 1991, apareció una compilación de sus discos de MCA, Lost & Found (1986-1989), señalando que su contrato con el sello había expirado. Más tarde ese año, la banda firmó con Columbia y lanzó un EP llamado Did Ya, que no llegó a los charts. Su primer álbum para Columbia, Phobia, llegó en 1993 con críticas justas pero ventas pobres. Para entonces, sólo quedaban Ray y Dave Davies de la formación original. En 1994, la banda se retiró de Columbia, dejando al grupo para lanzar el directo To the Bone en un sello independiente en el Reino Unido; se quedaron sin sello discográfico en los EE.UU.
A pesar de la falta de éxito comercial, el perfil público de la banda comenzó a aumentar en 1995, ya que el grupo fue aclamado como una influencia en varias de las bandas británicas más populares de la década, incluyendo Blur y Oasis. Ray Davies pronto volvió a aparecer en programas de televisión populares, actuando como padrino de la banda y promocionando su autobiografía, X-Ray, que se publicó a principios de 1995 en el Reino Unido. La autobiografía de Dave Davies, Kink, se publicó en la primavera de 1996. Los rumores de una reunión de Kinks comenzaron a circular a principios de la década de 2000, solo para calmarse después del accidente cerebrovascular de Dave Davies en junio de 2004. Dave se recuperará más tarde por completo, lo que provocó otra ronda de rumores de reunión a fines de la década de 2000, pero nada se materializó. Peter Quaife, el bajista original de la banda murió de insuficiencia renal el 23 de junio de 2010. Después de su muerte, Ray comenzó a hacer demostraciones con Mick Avory, y Dave poco a poco se convirtió en parte del proyecto. Mientras la banda preparaba una reedición del 50 aniversario de The Kinks Are the Village Green Preservation Society, los hermanos Davies y Avory confirmaron que estaban trabajando en un nuevo álbum de Kinks, el primero en el que participó el baterista desde Word of Mouth de 1984. Para cuando apareció la reedición del 50 aniversario de Arthur en 2019, los Kinks no habían lanzado ninguna música nueva.
Las mejores canciones de The Kinks Los hermanos Davies deben ser reivindicados más a menudo. Tienen una lista de canciones que en nada desmerecen a las de otros grupos. Hablamos de obras maestras, canciones que forman parte de la banda sonora de nuestras vidas. Aunque en muchos casos no seamos conscientes de ello. Por eso hemos preparado esta lista con algunas de las mejores canciones de The Kinks.
Waterloo Sunset (1967) Aunque el trono por ser la mejor canción de The Kinks está muy disputado, Waterloo Sunset debería tener ese puesto casi sin discusión. Lo tiene todo. Reúne en apenas tres minutos las principales esencias de lo que eran los londinenses. Además
lo hace con una letra marca de la casa, que evoca los grandes placeres y paisajes que deja la capital británica, a la manera de un Ray Davies que solo por esta canción merece el honor de ser uno de los grandes compositores del rock. Incluida en uno de los mejores discos de The Kinks como es ‘Something Else by The Kinks’, me destapo declarando que es, sin ningún género de duda, mi canción favorita del grupo. You Really Got Me (1964) Sin este tema nada del resto se entendería. You Really Got Me no solo es una de las mejores canciones de The Kinks, sino que fue la que les lanzó al estrellato y fama. Gracias a su magnético riff de guitarra los londinenses se hicieron un hueco en el disputadísimo mapa musical del Reino Unido de los años sesenta. Era su tercer single tras un par de fracasos que ni siquiera llegaron a las listas. La canción incluso cuenta con algo de leyenda urbana, ya que
las malas lenguas afirmaban que el solo de guitarra fue ejecutado por el después Led Zeppelin y guitar hero Jimmy Page. Algo negado por todas las partes. Como primer éxito del grupo logró el número 1 en el Reino Unido y el 7 en Estados Unidos. All Day and All of the Night (1964) Esta All Day and All of the Night fue el single que siguió al gran éxito que supuso ‘You Really Got Me’ para el grupo. La idea, estructura y ejecución de la canción es bastante similar, con un ‘power chord‘ que se repite durante todo el tema, coros y un tempo muy similar. Escuchando ambos temas uno maneja la teoría de que The Kinks decidieron repetir lo que había funcionado. No les fue del todo mal: consiguieron llegar al número 2 de las listas británicas y repetir el séptimo en Estados Unidos. Y por si fuera poco, también tuvo su polémica: el ‘Hello, I Love You’ de The Doors parece sospechosamente similar. Victoria (1969) Languidecía la década de los sesenta y volvieron a abrir el tarro de las esencias para lanzar al mercado Victoria, un excelente tema y sin duda una de las mejores canciones de The Kinks. Incluida en la ópera rock ‘Arthur (or the Decline and Fall of the British Empire)’, cuenta con una letra de nuevo muy británica en la que Ray Davies aprovecha para atizar a la época victoriana británica y ese Imperio que nunca volverá. La canción fue incluida en uno de los episodios más recordados de ‘Como conocí a vuestra madre’ (‘The Naked Man’). Solo alcanzó el 62 en las listas y tras unos años oscuros en lo comercial, The Kinks
pudieron ver ese puesto como un pequeño éxito. David Watts (1967) Con esta hablamos de otra canción incluida en ‘Something Else by The Kinks’, un exquisito álbum que incluye otras grandes canciones como ‘Death of a Clown’. En ella le cantan a un antiguo compañero de colegio de los hermanos Davies, aparentemente enamorado de Dave Davies. Aquí Ray Davies le da un pequeño aire psicodélico a la canción, en el que el año del verano del amor. Los ‘fa fa‘ iniciales son deliciosos, la melodía nos lleva en volandas durante todo el tema, como en una nube. Y aunque la versión de The Jam no está nada mal nos quedamos con la original. The Village Green Preservation Society (1968) Quizá la canción más inesperada de esta lista sobre las mejores canciones de The Kinks. El caso es que esta The Village Green Preservation Society, canción que da nombre a un álbum de los británicos, es una debilidad total y absoluta de este quien escribe. Recordando y anhelando la vida en el campo, la tranquilidad ante el caos de la ciudad. Como ocurría con David Watts y como sucede en tantas y tantas canciones de The Kinks, la melodía vuelve a ser deliciosa desde los segundos iniciales del tema. Sunny Afternoon (1966) Con Sunny Afternoon Ray Davies empezaba a demostrar cosas que se vio después, principalmente dejaba entrever la sensación de que el tiempo de la sencillez de ‘You Really Got Me’ o ‘All Day and All of the Night’ quedaba atrás. Al menos en
lo que a las guitarras se refiere. Este tema parece estar situado a medio camino entre esas primeras composiciones y lo que llegaría a partir del mencionado álbum ‘Something Else by The Kinks’. Disco, además, de nombre clarificador. Esta grabación supuso otro número de 1 británico para la banda. A cosas diferentes, buenos resultados. Y su sarcástica letra, que nos lleva a recordar que aún a pesar de las cosas malas que vivimos siempre nos quedará una soleada tarde de verano. Days (1968) ‘The Village Green Preservation Society’ es uno de los discos favoritos de The Kinks, y lo es por canciones como esta maravillosa Days. Sus aires ‘folkies‘ le dan un toque diferente al repertorio más clásico del grupo, con esos aires a música que puedes escuchar en un pueblo pequeño de la campiña inglesa, en una tarde de domingo soleada. En un momento de poco éxito comercial The Kinks se sacaron esta genial canción. Empezaba a quedar claro que los hermanos Davies y compañía no gozaban del favor absoluto del público, sin embargo son canciones como esta las que les sitúan en los altares del rock. Una magnífica y bellísima canción de adiós. Lola (1970) No se podía dejar escapar la oportunidad de colar la legendaria Lola en esta lista de mejores canciones de The Kinks. Se puede señalar sin miedo a equivocarse como el principal himno del grupo. Esta historia alrededor de un hombre, un travesti y una noche de sorpresas y diversión es la canción más reconocida de la banda.
Y eso, con su letra y siendo lanzada allá en los años 70, dice mucho y bueno de su nivel. El mítico cambio de línea -Coca Cola vs Cherry Colacobró demasiada importancia sobre el resto de la canción. Éxito de principio a fin, con el estribillo más coreable de cuantas canciones escribió y compuso Ray Davies, Lola es historia del rock. Los británicos solo le dieron el número dos de las listas.
Discografía completa 1965 Kinda Kinks 1965 The Kinks Kontroversy 1966 Face to Face 1967 Something Else By The Kinks 1967 Live at Kelvin Hall 1968 The Kinks Are the Village Green Preservation Society 1969 Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) 1970 Lola versus Powerman and the Moneygoround, Part One 1971 Percy 1971 Muswell Hillbillies 1972 Everybody’s in Show-Biz 1973 Preservation Act 1 1974 Preservation Act 2 1975 Soap Opera 1976 Schoolboys in Disgrace 1977 Sleepwalker 1978 Misfits 1979 Low Budget 1980 One for the Road 1981 Give the People What They Want 1982 The Kinks 1983 State of Confusion 1984 Word Of Mouth 1986 Think Visual 1987 The Road 1989 UK Jive 1993 Phobia 1994 To the Bone https://www.allmusic.com/
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TOQUE DE QUEDA Etimología. El nombre se deriva esencialmente de la práctica europea durante la guerra, después de cierto tiempo (por lo general la tarde), se hacía sonar una sirena de la población a abandonar las calles en caso de bombardeo.
En la actualidad, el término puede o no ser literal, a veces simplemente por patrullas que recorren las calles para exi-gir el regreso de los ciudadanos a sus hogares y alertar a los posibles infractores.
nazi entre 1933 y 1945 contra los judíos. Al mismo tiempo, los EE.UU. hizo lo mismo contra los inmigrantes japoneses y sus descendientes (niseis, sanseis) en la costa oeste del país (California, Oregón y Washington).
Antecedentes históricos-
En el mismo país y en las décadas siguientes, los ciudadanos afro-estadounidenses sufrieron el mismo tipo de res-tricción durante la vigencia de la Ley de Jim
El toque de queda fue ampliamente utilizado por la Alemania
Crow. Normas similares existen en la actualidad (desde 1980) en algu-nos lugares en Estados Unidos, que prohíben a los menores la reunión en lugares públicos durante el horario escolar. Qué es Toque de queda: Se llama toque de queda a la restricción parcial del derecho a la libre circulación por parte de un gobierno. Su aplicación suele estar contemplada en las constituciones o leyes de cada país. Es consecuencia de la declaración de un estado de alarma o estado de excepción. Cuando se decreta un toque de queda, se establece un horario de circulación y otro de resguardo. En algunos casos puede implicar la suspensión de determinado tipo de actividades.
Quien no cumple con el toque de queda es considerado como un factor de amenaza que pone en riesgo a la comunidad y, por lo tanto, está sujeto a su detención o a la aplicación de la fuerza por parte de los cuerpos de seguridad. Objetivo El toque de queda tiene como función garantizar la seguridad ciudadana frente a diversas amenazas, por lo cual la medida se considera como un medio para resguardar los derechos humanos. El objetivo del toque de queda es facilitar el trabajo de las autoridades durante una emergencia y restablecer el orden social. Sin embargo, en contextos de gobiernos dictatoriales o totalitarios, puede ocurrir que el decreto de toque de queda tenga por objetivo radicalizar el control político de una nación.
Fue el caso, por ejemplo, de la dictatura de Pinochet en Chile entre 1973-1987. Causas El toque de queda responde a emergencias que crean caos y ponen en riesgo la seguridad de los ciudadanos. Algunas de las causas más comunes son: •disturbios populares; •alzamientos militares; •situaciones de guerra; •desastres naturales; •pandemias. Precisamente la palabra queda hace referencia a esa calma o quietud que se vivía una vez que se daba el toque, generalmente tocando una campana. Con el tiempo, ese aviso se haría con otro tipo de instrumentos, especialmente en el ejército (corneta, tambor…), e incluso en
época de conflictos bélicos se llegarían a emplear sirenas que avisaban a toda la población de que era el momento de recogerse en sus hogares. El modo en que se denomina al toque de queda en otros idiomas se acerca más a esa visión protectora que tenía en su origen. En francés el término es Couvre-feu, en inglés Curfew y en italiano Coprifuoco. Y como se puede adivinar observando la construcción de estas palabras, todas ellas hacen referencia a cubrir el fuego, es decir, a apagar todas las fuentes de luz de las casas, como las lumbres y las velas, en el momento en que sonasen las campanas. De la protección a la represión Con el transcurrir del tiempo, los incendios se hicieron menos habituales (aumentaron las medidas de seguridad) y los núcleos urbanos crecieron hasta que las murallas terminaron formando parte de los centros históricos. El toque de queda ya no era necesario. Sin embargo, en los siglos XIX y XX se volvería a utilizar con el fin de restringir la libertad de movimiento de los ciudadanos, especialmente por la noche. El objetivo no era otro que limitar cualquier tipo de protesta o ataque de revolucionarios o insurrectos cuando el sol caía. Esa falta de libertad le otorgó muy mala fama al toque de queda, especialmente después de que
en la Alemania controlada por el partido nazi se impusiera a los habitantes judíos, o que incluso en algunos lugares de Estados Unidos se hiciera lo mismo a la población de raza negra. Si a eso se le une su utilización por parte de los gobiernos dictatoriales y que en España la última vez que se impuso lo decretó el teniente general Milans del Bosch durante el intento de golpe de estado del 23-F, no cabe duda de que escuchar las palabras toque de queda tiende a levantar sarpullidos. Medida médica No obstante, el toque de queda que se ha impuesto en buena parte de los países europeos se aleja de esas medidas de represión empleadas por estados totalitarios que desean controlar a sus “súbditos”. Su función, como se ha comunicado desde todos los ámbitos, pasa por limitar el tránsito a partir de ciertas horas de cara a contener en la medida de lo posible un virus que está trastocando la vida de casi todo el mundo. Ejemplos pueden ser: •Chile, 2019. El gobierno chileno declaró estado de emergencia y ordenó un toque de queda para aplacar los disturbios iniciados en Santiago de Chile tras el alza del transporte, los cuales se extendieron a otras ciudades del país.
•Chile, 2010. El gobierno decreta toque de queda de 12 horas diarias tras la ola de saqueos derivada del terremoto. •Chile, 1973-1987 aprox. Durante la dictadura de Pinochet, la práctica del toque de queda fue frecuente (aunque no permanente) y obediente a las intenciones de control político del dictador. •Colombia, 2019. Se decretó toque de queda en Cali y Bogotá a causa de los actos vandálicos y disturbios que siguieron a la marcha del paro nacional. •Colombia, 1970. Las manifestaciones en contra del robo de las elecciones en 1970 generaron la declara-ción del Estado de Sitio y la imposición del toque de queda. •Colombia, 1948. Luego del asesinato de Jorge Eliécer Gaitán, el gobierno intentó apaciguar las revueltas implementando toques de queda. •Honduras, 2017-2018. Ante las protestas postelectorales, el gobierno decretó toque de queda durante 12 horas por diez días. •Puerto Rico, 2017. Una ola de saqueos después del paso del huracán María motivó al gobernador a decre-tar toque de queda entre las 18:00 horas y las 6:00 horas de manera indefinida. •Venezuela, 1989. Tras una ola de saqueos conocida como “el caracazo”, el gobierno venezolano decretó toque de queda entre las 18:00 horas y las 6:00 horas a lo largo de varios días.
Por Alix - Shopie - Kim - Francis y Agh Nada comparable a tus manos, ni nada igual al oro-verde de tus ojos. Mi cuerpo se llena de ti por días y días. Eres el espejo de la noche. La luz violeta del relámpago. La humedad de la Tierra. El hueco de tus axilas es mi refugio. Toda mi alegría es sentir brotar la vida de tu fuente-flor que la mía guarda para llenar todos los caminos de mis nervios que son los tuyos, tus ojos, espadas verdes dentro de mi carne, ondas entre nuestras manos. Solo tú en el espacio lleno de sonidos. En la sombra y en la luz; tú te llamarás auxocromo, el que c apta el color. Yo cromóforo, la que da el color. Tú eres todas las combinaciones de números. La vida. Mi deseo es entender la línea, la forma, el movimiento. Tú llenas y yo recibo. Tu palabra recorre todo el espacio y llega a mis células que son mis astros y va a las tuyas que son mi luz. -Frida Khalo-
Querido: Creo que voy a enloquecer de nuevo. Siento que no podemos atravesar otro de esos tiempos hohorribles. Y esta vez no me recuperaré. Comienzo a escuchar voces y no puedo concentrarme. Así que voy a hacer lo que creo que es lo mejor. Tú me has dado la mayor de las felicidades posiposibles. Has sido, en todos los sentidos, todo lo que alguien puede ser. No creo que dos personas puepuedan haber sido más felices hasta que llegó esta enenfermedad. Y ya no puedo seguir pelenado. Sé que estoy arruinando tu vida, que sin mí podrás trabatrabajar. Y lo harás, lo sé. Ya ves que no puedo ni siquiesiquiera escribir esto con propiedad. No puedo leer. Lo que quiero decir es que te debo toda la felicifelicidad de mi vida a ti. Has sido totalmente paciente conmigo... e increíblemente bueno. Quiero decirdecirlo, aunque todo el mundo lo sabe. Si alguien pupudiera salvarme solo podrías haber sido tú. Todo se ha marchado de mí, salvo la certeza de tu bondad. Y no puedo seguir arruinando tu vida durante más tiempo. No creo que dos personas puedan ser más felices de lo que nosotros hemos sido. V.
Virginia Woolf se llenó los bolsillos de su abrigo de piedras y se lanzó al río Ouse, donde se ahogó. Su cuerpo no fue hallado hasta casi un mes después y actualmente, sus restos reposan bajo un árbol en Rodmel
A persa de todo... GRACIAS A LA VIDA
Gracias a la vida, que me ha dado tanto. Me dió dos luceros que, cuando los abro, perfecto distingo lo negro del blanco, y en el alto cielo su fondo estrellado, y en las multitudes el hombre que yo amo. Gracias a la vida, que me ha dado tanto. Me ha dado el oído, que en todo su ancho graba noche y día; grillos y canarios. martillos, turbinas, chubascos y la voz tan tierna de mi enamorado. Gracias a la vida, que me ha dado tanto. Me ha dado el sonido y ell abecedario, con el las palabras que pienso y declaro: madre, amigo, hermano y luz, alumbrando la ruta del alma del que estoy amando. Gracias a la vida, que me ha dado tanto. Me ha dado la marcha de mis pies cansados; con ellos anduve ciudades y charcos, playas y desiertos, montañas y llanos, y la casa tuya, tu calle y tu patio. Gracias a la vida, que me ha dado tanto. Me dió el corazón, que agita su marco cuando miro el fruto del cerebro humano, cuando miro el bueno tan lejos del malo, cuando miro el fondo de tus ojos claros. Gracias a la vida, que me ha dado tanto. Me ha dado la risa y me ha dado el llanto; así yo distingo dicha de quebranto, los dos materiales que forman mi canto y el canto de ustedes, que es el mismo canto, y el canto de todos, que es mi propio cantoGracias a la vida... Violeta Parra- Chile
Dale vida a los sueños que alimentan el alma, Dale vida a los sueños que alimentan el alma, no los confundas nunca con realidades vanas.
Mario Benedetti
Y aunque tu mente sienta necesidad, humana, de conseguir las metas y de escalar montañas, nunca rompas tus sueños, porque matas el alma. Dale vida a tus sueños aunque te llamen loco. No los dejes que mueran de hastío, poco a poco. No les rompas las alas, que son de fantasía, y déjalos que vuelen contigo en compañía. Dale vida a tus sueños y, con ellos volando, tocarás las estrellas y el viento, susurrando, te contará secretos que para ti ha guardado y sentirás el cuerpo con caricias, bañado, del alma que despierta para estar a tu lado. Dale vida a los sueños que tienes escondidos, descubrirás que puedes vivir estos momentos con los ojos abiertos y los miedos dormidos, con los ojos cerrados y los sueños despiertos.
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