Revista pisteyo 18

Para formar opinión Revista Semestral Núm. 18 Junio 2022

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En Portada: Las señoritas de Avignon Libros: Guillaume Apollinaire Pisteyando: Pensamiento Mágico Artes Visuales: Cubismo Salud: Pandemias Mundales Personajes: Georges Braque Cine: Cortometraje Cubistas Música: Richard Strauss & Imagine Dragons • Política: Apartheid

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EDITORIAL

H

AG

ticamente alcanzó la abstracción. Para Picasso esta fue la culminación de los experimentos cubistas.

El tercer período se llama cubismo sintético. En esta fase, los objetos se ensamblaron nuevamente a partir de sus partes constituyentes para convertirse en objetos a menudo apenas reconocibles, pero reconocibles de todos modos. El cubismo sintético pasó El cubismo fue un corriente revolucionaria en la pintura creado por Pablo Picasso y Georges Braque.

El cubismo se fundó con la pintura de Picasso ‘Les Demoiselles d’Avignon’ de 1907, aunque todavía no era una imagen cubista en el sentido completo del término. La tendencia fue clara en una exposición de Georges Braque en la Galería Kahnweiler de París en 1908. El término cubismo se utilizó a partir de 1911.

Existieron 3 fases primordiales en el cubismo.

La primera fase se llama cubismo analítico. Este fue

de la abstracción para volver a la representación.

Este período fue principalmente la pintura de Juan Gris.

El cubismo analítico funcionó principalmente antes de la Primera Guerra Mundial, desde 1907 hasta alrededor de 1911. El cubismo hermético data de 1911 y 1912 en los cuadros de Picasso. El cubismo sintético fue un estilo de arte posterior y los pintores trabajaron principalmente después de la guerra de esta manera, a partir de 1912. El cubismo terminó alrededor de 1925. Juan Gris murió en 1927. El

el período de aprendizaje y experimentación de Picasso y Braque, quienes analizaron objetos y figuras en sus formas constituyentes y los reorganizaron en el lienzo.

La segunda fase podría llamarse cubismo hermético. Esta fue la forma madura de las investigaciones y experimentos de Picasso. Los elementos figurativos eran ahora apenas reconocibles y el cubismo prác-

El arte cubista era un arte de diseño, de repensar las cualidades básicas de forma y línea. Por lo tanto, era un arte que enfatizaba mucho más la línea y la forma que el color. Se prefirieron principalmente las líneas rectas en lugar de las curvas, pero las líneas curvas también se podrían utilizar para obtener los efectos del análisis.

ICONOGRAFIA

Cubismo E

l cubismo es un movimiento artístico creado en Francia por Pablo Picasso, Georges Braque, Albert Gleizes, Jean Metzinger, Juan Gris, Robert Delaunay, Guillaume Apollinaire y María Blanchard. Se le considera como el primer movimiento de vanguardia y se cree que es una de las principales tendencias artísticas de su época, pues a partir de él se desarrollaron varias de las vanguardias de Europa del siglo XX. El concepto de cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxceles, quien se refirió despectivamente a la obra de Georges Braque como composiciones de figuras geométricas y pequeños cubos. El cubismo, aunque se encuentra principalmente en obras pictóricas, también puede hallarse en el teatro, en algunas obras de Rafael Negrete-Portillo, y en la literatura, en la obra de Guillaume Apollinaire.

Enciclopedia OnLine

37

16 LIBROS

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Las señoritas de Avignon

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Salud:

Guillaume Apollinaire yb

Pandemias Mundales

46

Max Jacob

Citas Célebres

31

Pensamiento Mágico

Espacio Político Apartheid Espacio Literario

Música

PISTEYANDO

74

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Richard Strauss &

Imagine Dragons - Believer

64 Georges Braque

Cortometraje Cubistas

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EN PORTADA

Esta pintura, Les Demoiselles d’Avignon, fue pintada en 1907 y es el ejemplo más famoso de pintura cubista.

En esta pintura, Picasso abandonó todas las formas y representaciones conocidas del arte tradicional.

Utilizó la distorsión del cuerpo femenino y las formas geométricas de una manera innovadora, que desafía la expectativa de que las pinturas ofrecerán representaciones idealizadas de la belleza femenina.

También muestra la influencia del arte africano en Picasso.

E

sta pintura es una obra grande y tardó nueve meses en completarse. Demuestra el verdadero genio y la novedad de la pasión de Picasso. Creó cientos de bocetos y estudios para preparar el trabajo final.

Algunos críticos sostienen que la pintura era una reacción a Henri Matisse ‘s La alegría de vivir y el Desnudo azul .

Su parecido con Los Grandes Bañistas de Paul Cezanne , Estatua Oviri de Gauguin y Apertura del Quinto Sello de El Grecoha sido ampliamente mencionado por críticos posteriores. Cuando se exhibió por primera vez en 1916, la pintura se consideró inmoral.

Después de nueve años de creación de la pintura, Picasso siempre se había referido a ella como Le Bordel d’Avignon, pero el crítico de arte Andre Salmon, quien dirigió su primera exposición, la rebautizó como Les Demoiselles d’Avignon para reducir su escandaloso efecto en la sociedad en general.

A Picasso nunca le gustó el título de Salmon y, como compromiso, habría preferido Las chicas de Avignon.

En 1972, el comentarista crítico de arte Leo Steinberg en su artículo “El burdel filosófico” estableció una aclaración completamente distintiva para la extensa variedad de características expresivas.

Utilizando las representaciones anteriores, que la mayoría de los expertos habían pasado por alto, sostuvo que lejos de la prueba de un artesano que experimenta una rápida transformación expresiva, la variedad de estilos se puede leer como un esfuerzo intencional, una disposición cautelosa, para captar la mirada. del espectador.

Toma nota de que las cinco damas parecen todas espantosamente separadas, sin duda totalmente inconscientes entre sí. Más bien, se concentran singularmente en el espectador, sus diferentes estilos solo hacen avanzar el poder de su mirada.

Según Steinberg, la mirada invertida, es decir, el hecho de que las figuras miran directamente al espectador, así como la idea de la mujer dueña de sí misma, que ya no existe únicamente por el placer de la mirada masculina, se remonta a Olimpia , 1863 de Manet .

Gran parte del debate crítico que se ha producido a lo largo de los años se centra en intentar plasmar por esta multitud de estilos dentro de la obra.

El entendimiento predominante durante más de cinco décadas, adoptado de manera más eminente por Alfred Barr, el primer jefe del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York y coordinador de importantes reseñas profesionales para el artesano ha sido que se puede traducir como prueba de un período de transición en la especialidad de Picasso, un impulso para asociar su trabajo anterior al cubismo, el estilo que ayudaría a diseñar y crecer durante los siguientes cinco o seis años.

El Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York montó una importante exposición de Picasso el 15 de noviembre de 1939 que permaneció abierta hasta el 7 de enero de 1940.

La exposición titulada: Picasso: 40 años de su arte, fue organizada por Alfred H. Barr (1902 - 1981), en colaboración con el Art Institute of Chicago. La exposición contenía 344 obras, incluido el Guernica mayor y luego recién pintado y sus estudios, así como Les Demoiselles d’Avignon .

10 hechos sobre la obra maestra.

1. Picasso mantuvo “Les Demoiselles d’Avignon” en su estudio de Montmartre, París, durante años después de su finalización en 1907, debido a las reacciones en su mayoría negativas de su círculo inmediato de amigos y colegas.

El público pudo ver la pintura por primera vez en el Salon d’Antin en 1916, aunque una foto de la obra apareció en The Architectural Record en 1910. 3. Picasso se preparó durante seis meses para la creación final de “Les Demoiselles” haciendo cientos de bocetos, dibujos y pinturas.

Su trabajo preparatorio fue quizás más completo que el de cualquier otro artista en la historia para una sola obra de arte y ciertamente más intensivo que para cualquier otra obra de arte que produjo. 4.

Cuando su colega y competidor Henri Matisse vio el cuadro de Picasso, 2. El mundo del arte no comenzó a abrazar la pintura, la naciente obra cubista de Picasso, hasta principios de la década de 1920, cuando Andre Breton volvió a publicar la foto y el artículo titulado “Los hombres salvajes de París: Matisse, Picasso y Les Fauves”.

Matisse pensó que “Les Demoiselles” era una crítica del movimiento del arte moderno y sintió que la pintura le robó el trueno a su propio Blue Nude y Le Bonheur de Vivre . Llamó a las figuras del cuadro horribles putas.

5. Una de las razones por las que “Les Demoiselles” es revolucionaria es la omisión de la perspectiva por parte del artista. No hay un punto de fuga, ningún lugar para que el ojo se mueva más allá de las mujeres y sus miradas puntiagudas.

6. Al reducir sus figuras a una combinación de

formas geométricas, Picasso contradice siglos de tradición artística en los que la forma humana es divinizada, anatómicamente duplicada y / o romantizada.

7. Las máscaras del cuadro reflejan la obsesión de Picasso por el arte primitivo, no solo de origen africano, sino también del arte de la antigua Iberia, o de la actual España y Portugal.

Las formas simples, los planos angulares y las formas audaces utilizadas en el arte primitivo fueron fundamentales en la reestructuración de las convenciones artísticas por parte del artista.

8. En un boceto anterior de “Les Demoiselles”, la figura de la izquierda era un estudiante de medicina, cráneo en mano, entrando en el burdel, pero el artista decidió que ese cliente añadió un elemento narrativo que restaría valor a la situación general. impacto de la escena.

9. Picasso fue profundamente impactado por las revistas tahitianas de Paul Gauguin. y su exhibición de arte de 1906. La escultura de Gaughin de la diosa tahitiana Oviri inspiró a Picasso a probar suerte con la cerámica y los grabados en madera en 1906.

Los historiadores del arte atribuyen el fuerte elemento de primitivismo en la obra de Gaughin como una influencia significativa en “Les Demoiselles d’Avignon”.

10. En el título de la obra de arte, “Aviñón” no se refiere a la ciudad de la Provenza, sino al nombre de una calle de Barcelona en un distrito conocido por la prostitución.

llas Artes y comenzó a faltar a clases para poder vagar por las calles de Barcelona, dibujando las escenas de la ciudad que observaba.

En 1897, un Picasso de 16 años se trasladó a Madrid para asistir a la Real Academia de San Fernando. Sin embargo, nuevamente se sintió frustrado con el enfoque singular de su escuela en las materias y técnicas clásicas.

Pablo Picasso fue uno de los más grandes artistas del siglo XX, famoso por pinturas como ‘Guernica’ y por el movimiento artístico conocido como cubismo Educación El padre de Picasso comenzó a enseñarle a dibujar y pintar cuando era un niño, y cuando tenía 13 años, su nivel de habilidad había superado el de su padre. Pronto, Picasso perdió todo deseo de hacer los deberes escolares y decidió pasar los días escolares garabateando en su cuaderno.

“Por ser un mal estudiante, me desterraron al ‘calaboose’, una celda desnuda con paredes encaladas y un banco para sentarse”, recordó más tarde. “Me gustó allí, porque me llevé un bloc de dibujo y dibujé sin cesar ... Podría haberme quedado allí para siempre, dibujando sin parar”.

En 1895, cuando Picasso tenía 14 años, su familia se mudó a Barcelona, España, donde rápidamente se postuló a la prestigiosa Escuela de Bellas Artes de la ciudad. Aunque la escuela generalmente solo aceptaba estudiantes varios años mayores que él, el examen de ingreso de Picasso fue tan extraordinario que se le concedió una excepción y lo admitieron.

Sin embargo, Picasso se enfadó con las estrictas reglas y formalidades de la Escuela de Be-

Durante este tiempo, le escribió a un amigo: “Simplemente hablan de lo mismo de siempre: Velázquez para la pintura, Miguel Ángel para la escultura”. Una vez más, Picasso empezó a faltar a clase para vagar por la ciudad y pintar lo que observaba: gitanos, mendigos y prostitutas, entre otras cosas.

Vida temprana Pablo Picasso nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881. La madre de Picasso fue Doña María Picasso y López. Su padre fue Don José Ruiz Blasco, pintor y profesor de arte.

Su gigantesco nombre completo, que honra a una variedad de parientes y santos, es Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Clito Ruíz y Picasso.

Un niño serio y prematuramente cansado del mundo, el joven Picasso poseía un par de ojos negros penetrantes y vigilantes que parecían marcarlo destinado a la grandeza.

“Cuando era niño, mi madre me decía: ‘Si te conviertes en soldado, serás general. Si te conviertes en monje, terminarás como Papa’”, recordó más tarde. “En cambio, me convertí en pintor y terminé como Picasso”.

Aunque fue un estudiante relativamente pobre, Picasso mostró un talento prodigioso para el dibujo a una edad muy temprana. Según la leyenda, sus primeras palabras fueron “piz, piz”, su intento infantil de decir “lápiz”, la palabra española para lápiz.

En 1899, Picasso regresa a Barcelona y se une a una multitud de artistas e intelectuales que tienen su sede en un café llamado El Quatre Gats (“Los cuatro gatos”).

Inspirado por los anarquistas y radicales que conoció allí, Picasso hizo su ruptura decisiva con los métodos clásicos en los que se había formado y comenzó lo que se convertiría en un proceso de experimentación e innovación de por vida.

“Siempre que quería decir algo, lo decía de la manera que creía que debía”, explicó. “Diferentes temas requieren inevitablemente diferentes métodos de expresión. Esto no implica ni evolución ni progreso, se trata de seguir la idea que se quiere expresar y la forma en que se quiere expresar”.

Pinturas Picasso sigue siendo conocido por reinventarse sin cesar, cambiando entre estilos tan radicalmente diferentes que el trabajo de su vida parece ser el producto de cinco o seis grandes artistas en lugar de uno solo.

De su inclinación por la diversidad de estilos, Picasso insistió en que su trabajo variado no era indicativo de cambios radicales a lo largo de su carrera, sino más bien de su dedicación a evaluar objetivamente para cada pieza la forma y técnica más adecuadas para lograr el efecto deseado.

Periodo azul Los críticos de arte y los historiadores suelen dividir la carrera adulta de Picasso en períodos distintos, el primero de los cuales duró de 1901 a 1904 y se llama su “período azul”, por el color que dominó casi todas sus pinturas durante estos años.

A principios del siglo XX, Picasso se mudó a París, Francia, el centro del arte europeo, para abrir su propio estudio. Solo y profundamente deprimido por la muerte de su amigo íntimo, Carlos Casagemas, pintó escenas de pobreza,

aislamiento y angustia, casi exclusivamente en tonos de azul y verde.

Las pinturas más famosas de Picasso del Período Azul incluyen “Desnudo azul”, “La Vie” y “El viejo guitarrista”, las tres terminadas en 1903.

Al contemplar a Picasso y su Período Azul, el escritor y crítico Charles Morice preguntó una vez: “¿Este niño terriblemente precoz no está destinado a otorgar la consagración de una obra maestra al sentido negativo de la vida? estar sufriendo? “ Periodo rosa En 1905, Picasso había superado en gran medida la depresión que lo había debilitado anteriormente, y la manifestación artística de la mejora del espíritu de Picasso fue la introducción de colores más cálidos, incluidos beiges, rosas y rojos, en lo que se conoce como su “Período Rosa” (1904- 06).

No solo estaba locamente enamorado de una hermosa modelo, Fernande Olivier, sino que también era próspero gracias al generoso patrocinio del marchante de arte Ambroise Vollard.

Sus pinturas más famosas de estos años incluyen “Familia en Saltimbanques” (1905), “Gertrude Stein” (1905-06) y “Dos desnudos” (1906).

Cubismo El cubismo fue un estilo artístico iniciado por Picasso y su amigo y compañero pintor Georges Braque.

En las pinturas cubistas, los objetos se separan y se vuelven a ensamblar en una forma abstracta, resaltando sus formas geométricas compuestas y representándolas desde múltiples puntos de vista simultáneos para crear efectos de collage que desafían la física. Al mismo tiempo destructivo y creativo, el cubismo conmocionó, horrorizó y fascinó al mundo del arte.

En 1907, Picasso produjo un cuadro que hoy se considera el precursor e inspiración del cubis-

mo: “Les Demoiselles d’Avignon”.

Una escalofriante representación de cinco prostitutas desnudas, abstraídas y distorsionadas con afilados rasgos geométricos y marcadas manchas de azules, verdes y grises, la obra no se parecía a nada que él o cualquier otra persona hubiera pintado antes e influiría profundamente en la dirección del arte en el siglo XX. .

“Me hizo sentir como si alguien estuviera bebiendo gasolina y escupiendo fuego”, dijo Braque, y explicó que se sorprendió cuando vio por primera vez “Les Demoiselles” de Picasso.

Braque rápidamente se sintió intrigado por el cubismo, viendo el nuevo estilo como un movimiento revolucionario.

El escritor y crítico francés Max Jacob, un buen amigo tanto de Picasso como del pintor Juan Gris, llamó al cubismo “el ‘cometa presagio’ del nuevo siglo”, afirmando: “El cubismo es ... un cuadro en sí mismo. El cubismo literario lo hace”. lo mismo en la literatura, utilizando la realidad meramente como un medio y no como un fin “.

Las primeras pinturas cubistas de Picasso, conocidas como sus obras “analíticas cubistas”, incluyen “Tres mujeres” (1907), “Plato de pan y frutas sobre una mesa” (1909) y “Niña con mandolina” (1910).

Sus últimas obras cubistas se distinguen como “Cubismo sintético” por alejarse aún más de las tipicidades artísticas de la época, creando vastos collages a partir de una gran cantidad de pequeños fragmentos individuales. Estas pinturas incluyen “Naturaleza muerta con golpes de silla” (1912), “Jugador de cartas” (1913-14) y “Tres músicos” (1921).

Período clásico: ‘Tres mujeres en la primavera’ Las obras de Picasso entre 1918 y 1927 se clasifican como parte de su “período clásico”, un breve regreso al realismo en una carrera dominada por lo demás por la experimentación. El estallido de la Primera Guerra Mundial marcó el comienzo del próximo gran cambio en el arte de Picasso.

Se volvió más sombrío y, una vez más, se preocupó por la descripción de la realidad. Sus obras más interesantes e importantes de este período incluyen “Tres mujeres en la primavera” (1921), “Dos mujeres corriendo en la playa / La carrera” (1922) y “Las tuberías de Pan” (1923).

‘Guernica’ A partir de 1927, Picasso se vio envuelto en un nuevo movimiento filosófico y cultural conocido como surrealismo , cuya manifestación artística fue producto de su propio cubismo.

La pintura surrealista más conocida de Picasso, considerada una de las más grandes de todos los tiempos, se completó en 1937, durante la Guerra Civil española: “Guernica”. Después de que los bombarderos alemanes nazis que apoyaban a las fuerzas nacionalistas de Francisco Franco llevaran a cabo un devastador ataque aéreo contra la localidad vasca de Guernica el 26 de abril de 1937, Picasso, indignado por los bombardeos y la inhumanidad de la guerra, pintó esta obra de arte.

En negro, blanco y gris, la pintura es un testimonio surrealista de los horrores de la guerra, y presenta un minotauro y varias figuras de apariencia humana en varios estados de angustia y terror. “Guernica” sigue siendo una de las pinturas antibélicas más conmovedoras y poderosas de la historia.

Obras posteriores: ‘Autorretrato frente a la muerte’ En contraste con la deslumbrante complejidad del cubismo sintético, las pinturas posteriores de Picasso muestran imágenes sencillas e infantiles y una técnica tosca. Al mencionar la validez artística de estas últimas obras, Picasso comentó una vez al pasar junto a un grupo de escolares en su vejez: “Cuando tenía la edad de estos niños, podía dibujar como Rafael , pero me tomó toda una vida aprender a hacerlo. dibuja como ellos “.

A raíz de Segunda Guerra Mundial , Picasso se volvió más abiertamente político y se unió al Partido Comunista. Fue honrado dos veces con el Premio Internacional Lenin de la Paz, primero en 1950 y nuevamente en 1961.

Se separaron en 1953 (Gilot se casaría más tarde con el científico Jonas Salk , el inventor de la vacuna contra la polio).

En este punto de su vida, también era una celebridad internacional, el artista vivo más famoso del mundo. Sin embargo, aunque los paparazzi hicieron una crónica de cada uno de sus movimientos, pocos prestaron atención a su arte durante este tiempo. Picasso continuó creando arte y manteniendo un programa ambicioso en sus últimos años, creyendo supersticiosamente que el trabajo lo mantendría con vida.

Picasso tuvo cuatro hijos: Paulo (Paul), Maya, Claude y Paloma Picasso. Su hija Paloma, que aparece en varias de las pinturas de su padre, se convertiría en una famosa diseñadora, elaborando joyas y otros artículos para Tiffany & Co. Muerte

Picasso creó el epítome de su obra posterior, “Autorretrato frente a la muerte”, utilizando lápiz y crayón, un año antes de su muerte. El sujeto autobiográfico, dibujado con tosca técnica, aparece como algo entre un humano y un simio, de rostro verde y cabello rosado. Sin embargo, la expresión de sus ojos, que captura toda una vida de sabiduría, miedo e incertidumbre, es el trabajo inconfundible de un maestro en el apogeo de sus poderes.

Se casó con una bailarina llamada Olga Khokhlova en 1918, y permanecieron juntos durante nueve años, separándose en 1927. Tuvieron un hijo juntos, Paulo. En 1961, a la edad de 79 años, se casó con su segunda esposa, Jacqueline Roque.

Mientras estaba casado con Khokhlova, comenzó una relación a largo plazo con Marie-Thérèse Walter. Tuvieron una hija, Maya, juntas. Walter se suicidó después de la muerte de Picasso.

Entre matrimonios, en 1935, Picasso conoció a Dora Maar, una compañera artista, en el set de la película de Jean Renoir Le Crime de Monsieur Lange (estrenada en 1936). Los dos pronto se embarcaron en una relación romántica y profesional.

Su relación duró más de una década, durante y después del cual Maar luchó contra la depresión; se separaron en 1946, tres años después de que Picasso comenzara a tener un romance con una mujer llamada Françoise Gilot, con quien tuvo dos hijos, un hijo Claude y una hija Paloma.

Hijos

Picasso murió el 8 de abril de 1973, a los 91 años, en Mougins, Francia. Murió de insuficiencia cardíaca, según los informes, mientras él y su esposa Jacqueline invitaban a cenar a sus amigos.

Legado Considerado radical en su trabajo, Picasso sigue cosechando reverencia por su dominio técnico, creatividad visionaria y profunda empatía. Juntas, estas cualidades han distinguido al español “inquietante” de ojos “penetrantes” como artista revolucionario.

Durante casi 80 de sus 91 años, Picasso se dedicó a una producción artística que creía supersticiosamente que lo mantendría con vida, contribuyendo significativa y paralelamente a todo el desarrollo del arte moderno en el siglo XX. Pablo Picasso OBRAS

(Algunas)

A Pablo Picasso (1881-1973), quien desarrolló el cubismo, también se le atribuye posiblemente la primera escultura cubista.

Su Cabeza de mujer de 1909 fue modelada a partir de una mujer que entonces era su amante, pero ciertamente no es un retrato. La escultura, originalmente hecha en arcilla y luego fundida en bronce, se parece un poco a una cabeza humana, pero es angular con rasgos distorsionados y cabello en púas.

Picasso toma esta forma reconocible y juega con ella, explorando múltiples puntos de vista y ángulos.

Escultura

Dibukos

www.PabloPicasso.org

Wilhelm Apollinaris

Desideré

Entre sus obras más conocidas están: Las once mil vergas (1908), El bestiario o el Cortejo de Orfeo (1911), Alcoholes (1913) y Caligramas (1918).

Familia y estudios.

Hijo de Angélica de Kostrowitzky, una aristócrata polaca y un oficial italiano de nombre desconocido, a quien algunos escritos mencionan como Francesco d’Aspermont o Constantino Flugi d’Aspermont. Apollinaire y su hermano Esteban, fueron abandonados por su padre cuando este tenía sólo cinco años.

Wilhelm Apollinaris de Kostrowitzky (26 de agosto de 1880 – 9 de noviembre de 1918) Nació en Roma, Italia.

Poeta y ensayista francés, cuya obra influyó en la formación de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX. Fue conocido como Guillaume Apollinaire o Apollinaire, nombre con el que se dio a conocer como escritor a comienzos del siglo XX. Después de ganar notoriedad en los círculos de artísticos de Francia, comenzó a publicar sus primeros poemas en los que abordó temáticas como la soledad, el erotismo, la angustia y el amor.

Creció en Mónaco junto a su madre y cursó parte de sus estudios en el Lycée Sant-Charles.

Posteriormente estudió en Cannes y Niza. Mientras estudiaba comenzó a mostrar interés por la literatura y la escritura, devorando las obras de Balzac, Tolstói y Elémir Bourges, asimismo, comenzó a escribir sus primeros poemas inspirados en el amor adolescente.

Tras abandonar el liceo en Niza, regresó a la casa de su madre en Mónaco. Junto a ésta viajó a París, ciudad en la que esperaba encontrar un trabajo estable, sin embargo, las dificultades para encontrarlo lo llevaron a convertirse en preceptor de la hija de la Vizcondesa de Milhau en Alemania, entre 1901 y 1902. Junto a la acaudalada familia visitó: Múnich, Berlín, Praga, Bonn, Núremberg, Viena, Colonia, Stuttgart y Fráncfort.

Mientras trabajaba consiguió publicar algunos de sus primeros cuentos, bajo el nombre de Guillaume Apollinaire en La Revue Blanche

Al regresar a París, comenzó a frecuentar los círculos literarios y artísticos, adquiriendo cierta notoriedad. Poco tiempo después fue contratado como contable en la Bolsa y como criticó en diversas revistas literarias, en las cuales empezó a teorizar sobre las corrientes artísticas y las nuevas tendencias, como el fauvismo de Henri Matisse y el cubismo de George Braque y Pablo Picasso, con quienes compartía en los círculos artísticos y el ambiente bohemio.

Ese mismo año se adhirió a la corriente futurista con el manifiesto La antitradición futurista (1913) y defendió las nuevas tendencias como el cubismo con Los pintores cubistas (1913).

El siguiente año publicó La Roma de los Borgia (1914), seguido de la obra en prosa, El poeta asesinado (1916).

Trayectoria de Guillaume Apollinaire

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Apollinaire, se unió al ejército francés como voluntario.

Pasado poco tiempo obtuvo el grado de teniente y la condecoración de la Cruz de Guerra.

Tras establecerse en París, Apollinaire se dedicó de lleno a su carrera literaria, escribiendo y publicando gran parte de sus escritos en revistas literarias como, La Pume.

En marzo de 1916, fue herido con metralla en la cabeza, lo cual dejó secuelas en su salud, forzándolo a descansar y alejarse del campo de batalla.

En 1903, fundó su propia revista llamada, Le Festin d’Esope (1903), en la cual publicó su novela L’Enchanteur pourrissant, obra centrada en el popular hechicero medieval Merlín y las leyendas artúricas. Colaboró en diversas publicaciones como el Mercure de France, París-midi y Les Marges, en las que firmaba con el seudónimo de Louise Lalane.

Durante su recuperación escribió Los pezones de Tiresias (1917), El color del tiempo (1918) y Caligramas (1918), libro de poemas en el que el texto da forma a una imagen (poemas gráficos).

A finales de la década de 1900, publicó la novela erótica Las once mil vergas (1908), seguido de Las hazañas de un joven Don Juan (1908), asimismo, editó la colección de relatos eróticos Los maestros del amor (1909).

Estos poemas gráficos o ideogramas líricos abrieron las puertas a nuevos experimentos en el ámbito de la poesía visual. En mayo de 1918 contrajo matrimonio con Jacqueline Kolb y el 9 de noviembre del mismo año falleció a causa de la epidemia de gripe que azotaba a París por ese entonces.

Ese mismo año, publicó una de sus obras más conocidas, El encantador en putrefacción (1909), basada en la leyenda del Mago Merlín y Viviana.

En 1911, publicó el libro de poemas El bestiario o el Cortejo de Orfeo (1911), obra en la que se aprecia la influencia del simbolismo y la introducción de ciertas innovaciones literarias. Dos años más tarde fue exaltado por la crítica tras publicar su obra Alcoholes (1913), poemario en el que se aprecia la transición entre las viejas formas de hacer poesía y la renovación planteada por las vanguardias, motivo por el que esta obra carece de signos de puntuación.

Retrato de Apollinaire hecho por Jean Cocteau, retomado de la edición de “Poésie critique” de Gallimard, 1959.

•El poeta asesinado El poeta asesinado de Guillaume Apollinaire Novela del escritor francés de origen polaco Guillaume Apollinaire (1880-1918) publicada por primer vez en 1916.

El poeta Croniamantal ha sido engendrado en el fugacísimo encuentro entre un músico ambulante y una chica alegre y desvergonzada.

Ella consigue casarse con un barón, pero muere en el parto.

El niño es educado por su propio padre y muy pronto destaca por su prodigiosa inteligencia.

Croniamantal va en busca de su destino: ha alcanzado una fama excepcional como poeta y después de varios viajes por Europa vuelve a Francia cuando en todo el mundo se ha desencadenado una cruzada contra la poesía.

Es degollado por una muchedumbre y honrado por la posteridad como genio, porque el mundo tortura a sus poetas y después de la muerte los eleva a la grandeza de la tradición.

La sátira y el dinamismo de la vanguardia contra el estatismo clasicista.

•Zona y otros poemas de la Ciudad y el Corazón Zona y otros poemas de la Ciudad y el Corazón de Guillaume Apollinaire Ningún otro poeta del pasado siglo XX despertó tanta empatía ni tanta simpatía como Guillaume Apollinaire.

Considerado unánimemente como uno de los fundadores de la lírica moderna, creador de la “poesía cubista”, de los “poemas caligramas” y del concepto “supernaturalista” o “superrealista”, desarrollado posteriormente por André Breton, Apollinaire supo fundir en su crisol alquímico los últimos frutos del simbolismo francés con los primeros brotes de las vanguardias europeas que él mismo ayudó a consolidar y difundir.

Esta antología, elaborada, traducida y anotada por el poeta, traductor, y fotógrafo gallego Xoán Abeleira, recoge casi todos los poemas de Apollinaire que aún hoy continúan admirando y emocionando a sus lectores hasta el tuétano, incluido el que da título a la misma, “Zona”, uno de los más importantes e influyentes de la historia de la poesía de todos los tiempos.

•El heresiarca y cía.

El heresiarca y cía. de Guillaume Apollinaire Cuando Guillaume Apollinaire (1880-1918) comienza a publicar sus primeros cuentos en revistas apenas contaba con veinte años, pero hasta diez años después no verán la luz reunidos en un libro: El Heresiarca y Cía.

Las tramas de estos relatos nos remiten en parte a la infancia italiana de Apollinaire, a su adolescencia en Mónaco y Niza, y a las tradiciones centroeuropeas recogidas en un viaje por Alemania.

Sus temas se nutren también de las abundantes y desordenadas lecturas adolescentes de Apollinaire y su predilección por la fábula: epopeyas italianas, novelas de la Tabla Redonda, la Biblia, la mitología griega, etc.

De estas fuentes provienen muchos de los personajes inmortales y fabulosos a los que da vida en El Heresiarca: Simón el mago, el judío errante o Salomé, cuyas vidas y milagros recrea o reinventa Apollinaire con erudición e imaginación, a la manera de las Vidas imaginarias de Marcel Schwob.

Como curiosidad, reproducimos a continuación algunas líneas que redactó el propio Apollinaire como presentación de la obra a la prensa: «El Heresiarca y Cía es, en efecto, una obra curiosa y muy interesante.

Entre tantas invenciones fantásticas, trágicas y a veces sublimes, el autor se embriaga de una deliciosa erudición con la que también embriaga a sus lectores». ´

•El encantador putrefacto; Las tetas de Tiresias El encantador putrefacto; Las tetas de Tiresias de Guillaume Apollinaire El gran renombre de Guillaume Apollinaire (1880-1918) se basa en dos libros fundamentales para la literatura moderna: Alcoholes, de 1913, y Caligramas, de 1918, que abrieron las puertas por las que iba a ingresar una parte importante de la poesía del siglo xx.

Pero, además, Apollinaire escribió libros de cuentos, obras teatrales, ensayos sobre arte y sobre literatura, y recopilaciones de artículos periodísticos.

Dentro de esta obra tan valiosa, El encantador putrefacto (el mago Merlín) tiene un lugar muy particular En principio porque es, justamente, el primer libro publicado por Apollinaire, a fines de 1909. Y también porque, escrito al mismo tiempo que los poemas de Alcoholes y los cuentos de El heresiarca y cía. se encuentran en él muchos elementos que estarán presentes en toda su obra.

Con Las tetas de Tiresias (1903), ya estamos en pleno surrealismo, el término que Apollinaire inventó para describir esta novedosa obra teatral en verso.

•Cartas a Lou Cartas a Lou de Guillaume Apollinaire Fascinado por la literatura medieval, Apollinaire quiso actualizar su tradición erótica en la más radical contemporaneidad.

Lector de Sade (fue su primer apologeta moderno), conjugó las antiguas convenciones poéticas del amor con la literatura libertina para situar la carnalidad en el centro de una creación sin límite, un lirismo que estalla en pasión posesiva y generosa, despótica y desprendida a la vez, y que, en plena guerra europea y con Apollinaire voluntario en el frente, es juego, mágico universo privado y resumen de la vida toda.

Apollinaire conoció a Lou (Geneviève Marguerite Marie-Louise de Pillot de Coligny) en septiembre de 1914, poco antes de incorporarse voluntario al 38.o Regimiento de Artillería de Campaña.

De ese encuentro nació una apasionada relación amorosa. Le dedicó poemas prodigiosos y encendidos en los que el ardor del deseo y la alegría por la comunión exultan y se modelan en una poesía sensual, ensoñada y tierna. El presente volumen publica esos poemas y las cartas en que se arroparon, ofreciéndonos probablemente uno de los libros con mayor carga erótica de la poesía europea.

•Alcoholes : El poeta asesinado La perplejidad que la obra de Guillaume Apolinaire suele causar en lectores no suficientemente advertidos puede ser resultado de las diversas orientaciones de su producción y de la aparente variedad formal de su escritura.

Apollinaire cataliza toda la energía de las vanguardias a comienzos del siglo XX, y Alcoholes y El Poeta asesinado representan dos muestras de esa variedad de tonos y registros -entre lo burlesco y la ternura, la ironía y el ars poética, la melancolía y la exaltación- que le caracterizan, y

bajo la cual también subyace una profunda unidad.

•La mujer sentada : Crónica de Francia y de América La mujer sentada : Crónica de Francia y de América de Guillaume Apollinaire Guillaume Apollinaire escribió La mujer sentada, que se publicaría de forma póstuma en 1920, a partir de dos escritos previos, extrañamente complementarios: La mormona y el danita, de 1914, e Irene de Montparnasse o París en tiempos de guerra, de 1917.

El primero es una crónica épica sobre la fundación del Estado mormón de Utah en el siglo XIX. El segundo una evocación de la vida encendida y febril del París de las vanguardias, del Montparnasse en el que vivían, creaban y se peleaban Picasso, Max Jacob, Blaise Cendrars o el propio Apollinaire, todos ellos personajes del libro.

A pesar de su variedad de temas y estilos, hay en esta novela una cuestión esencial y absolutamente moderna: la mujer libre, bárbara, la mujer que cuenta con ingresos propios y con un harén propio, que ha aprendido a vivir «sentada» en un mundo de «hombres en pie» que vagan perplejos y asustados. «El poeta es el que descubre alegrías nuevas, aunque sean penosas de soportar», Guillaume Apollinaire.

•Las once mil vergas «Más fuerte que el Marqués de Sade», así calificó un crítico célebre Las once mil vergas, libro que Apollinaire publicó con sus iniciales entre 1906 y 1907, con destino a un círculo muy restringido y del que pronto todos los salones mundanos y literarios de París hablaron en voz baja.

Las once mil vergas es una obra abundante en escenas conmovedoras que mezclan de forma armoniosa la pederastia, el safismo, la necrofilia, el bestialismo... con los registros literarios del gran autor de los Poemas a Lou. Apollinaire publicó Las once mil vergas con sus iniciales entre 1906 y 1907, destinada a un círculo muy restringido, y pronto todos los salones mundanos y literarios de parís hablaban de ella en voz baja.

Sin embargo, en los círculos culturales de vanguardia la identidad del autor de Las once mil vergas era un secreto a voces ?Pierre Mac Orlan poseía un ejemplar de la primera edición con una dedicatoria del autor? Picasso, Braque, Jacob, Bretón, Eluard y Aragón, entre otros, reivindicaron a Apollinaire como uno de los precursores del surrealismo.

•Las hazañas de un joven don Juan Las hazañas de un joven don Juan, de Apollinaire, es una de las obras en las que el erotismo y la ironía se unen con más asombrosos resultados.

Maligno, lúbrico, casi demoniaco, Apollinaire juega con los instintos del lector, calienta su imaginación y le hace dudar si en verdad es erotismo lo que se le ofrece o es un infa me juego de espejos deformantes que pretende mostrar al lector desprevenido sus más ocultas perversiones.

Apollinaire nos cuenta la historia de Roger, el hijo de un matrimonio de la alta burguesía francesa, que se marcha de vacaciones a su castillo en el campo, con su madre, su tía y dos de sus hermanas; fornicará -salvo con su madre- con todas las mujeres de su familia y con casi todas las del servicio.

Por delante, por detrás, por arriba y por abajo.

“Las hazañas de un joven don Juan” es un pequeño catálogo de perversiones y pecados; incluso viola el secreto de confesión al escuchar las revelaciones íntimas que todas las mujeres del castillo hacen al cura, incluyendo la confesión de las perversiones sexuales de su padre, que le complacen extremadamente.

Hay sodomía, felaciones, homosexualidad entre mujeres, estupro, incesto, lamidas de ano, olores de excrementos que le excitan... Es todo un inventario de depravaciones que más bien parece escrito para ironizar sobre la literatura pornográfica y sobre los vicios de la sociedad francesa.

Apollinaire escribió Las hazañas de un joven don Juan entre 1910 y 1913, casi en la misma época en que creó su mundialmente conocida “Las once mil vergas”, obra en la que coincide en ausencia de seriedad y trascendencia, en sus valores satíricos y humorísticos. En el fondo, parece que el autor se ha burlado del lector y ha sacado a la luz sus más bajos instintos.

•La Roma de los Borgia Desde su aparición en la «Bibliothèque des Curieux» en 1913, La Roma de los Borgia ha sido calificada indistintamente como blasfema, pornográfica, antirreligiosa, etc...

Sin embargo, la obra de Apollinaire intenta reflejar a modo de fresco la atmósfera del crimen, crueldad y terror de una época que llegó al máximo grado de depravación con la familia Borgia, cuyos miembros más destacados fueron el papa libertino Alejandro, entregado a los placeres más abyectos en el Vaticano, el asesino y verdugo César Borgia, y la hermosa envenenadora Lucrecia.

Fue Lucrecia quien ayudó a la casa de los Borgia a alcanzar las cimas que pretendía. Fue Lucrecia la que, al principio de forma inconsciente, más hizo para llevar el apellido de los Borgia muy lejos y muy alto en el temor y en el desprecio. «El veneno forma parte de la familia: lo empleaban por cualquier motivo, y sobre todo sin motivo.

Los edictos represores están familiarizados con ese modo de asesinato, hasta el punto de que el envenenamiento sólo se castiga si afecta a un grupo o a una colectividad. Por así decir, el veneno está admitido, y puede decirse que casi ha recibido consagración oficial.»

•Caligramas Guillaume Apollinaire (1880-1918) no ha perdido todavía su puesto destacado entre los autores más desconcertantes de la literatura francesa contemporánea.

Muy pronto captó la atención de exégetas e investigadores y actualmente sus obras más diversas continúan despertando extraordinario interés, tanto por su original sensibilidad como por la audacia de sus propuestas literarias, que han servido de punto de partida para una parte importante de las vanguardias actuales.

En Caligramas aparece, junto con las constelaciones imaginarias que caracterizan al poeta, un

amplio y variado repertorio de sus búsquedas formales, que en la presente edición completa se ha querido respetar tal como el autor lo publicó en 1918.

•Antología poética Guillaume Apollinaire Nació en Roma, hijo de una aventurera polaca, en 1880 y murió en París en 1918.

Considerado como uno de los poetas metafóricos más grandes de la lírica universal, su poesía vive en una encrucijada donde coinciden la canción, la profecía y las visiones oníricas.

Poeta de muchos modos, suscitó imitaciones y modas, pero que al fin demostraron lo que tenía de inimitable su genio de transmutaciones y de canto, su ritmo personal, su herencia de Villon y Rabelais.

Retrato de Apollinaire hecho por Jean Cocteau, retomado de la edición de “Poésie critique” de Gallimard, 1959.

Max Jacob

Segunda Guerra Mundial , cuando fue internado en el campo de concentración de Drancy., cerca de París, donde murió.

Destacan en su voluminosa producción Le Cornet à dés (1917; “Caja de dados”), una colección de poemas en prosa al estilo surrealista ; Le Laboratoire central (1921), “viales taponados” de poesía lírica; y su Breton Poèmes de Morvan le Gaëlique (1953).

La Défense de Tartufe (1919), que con la novela San Matorel (1909) describe su experiencia religiosa; Le Sacrifice impérial (1929); y suLa correspondencia (1953-1955) muestra su incansable autoexamen, su fantasía y sus payasadas verbales, que ocultaban el profundo tormento de un converso, temeroso de la condenación y anhelo del cielo.

Max Jacob , (nacido el 12 de julio de 1876 en Quimper , P. - fallecido el 5 de marzo de 1944 en Drancy), poeta francés que jugó un papel decisivo en las nuevas direcciones de la poesía moderna durante la primera parte del siglo XX.

Sus “novelas”, principalmente epistolares, son ejercicios de mimetismo verbal que reproducen todos los matices de la conversación del pequeñoburgués, del que fue un observador sarcástico pero afectuoso. Influyó en muchos de sus contemporáneos y hacia el final de su vida estuvo rodeado por un grupo devoto de artistas jóvenes y mayores.

Su escritura fue el producto de una compleja amalgama de elementos judíos, bretones, parisinos y católicos romanos.

Jacob partió de su Bretaña natal en 1894 para ir a París, donde vivió en la pobreza extrema, pero finalmente se convirtió en una figura importante en Montmartre durante el período formativo del cubismo.

Fue amigo de los pintores cubistas Pablo Picasso y Juan Gris y del poeta Guillaume Apollinaire . Jacob se convirtió al cristianismo en 1909 y se hizo católico en 1915, pero sin embargo continuó oscilando entre la penitencia extravagante y la bohemia salvaje hasta 1921, momento en el que se retiró a un aislamiento semimonástico en Saint Benoît-sur-Loire. Vivió allí la mayor parte del tiempo, apoyándose en la pintura, hasta la

Pablo Picasso (Spanish, 1881–1973)

FILIBUTH O EL RELOJ DE ORO Un reloj de oro, comprado por el abuelo Bastien en 1840, es el protagonista de un viaje prodigioso a través de los años.

La joya pasa por las manos del señor Lafleur, por las de un muchacho de catorce años que lo revende, por el taller de un pintor y el despacho de un juez de instrucción.

A partir de este momento, el Breguet cuesta ya una fortuna, y empieza su carrera internacional.

Sirve de cebo a una red de espionaje austrofrances; de amuleto para los snobs de la Costa Azul; es utilizado en Venecia en una sesión de hipnotismo, entre otras tribulaciones, para acabar bajo un coche.

De Montmartre al fin del mundo, Max Jacob utiliza este peculiar viaje para desplegar su extraordinaria capacidad de insuflar ternura, ironía bizarra, mofa y fantasía en una historia con tintes morales y el regusto de la poesía más versátil.

CONSEJOS A UN JOVEN POETA Max Jacob es autor de una obra literaria considerable y altamente original.

El texto que presentamos, rebosante de sabiduría literaria y psicológica, es una mina de ideas utilísimas para toda persona interesada en la creación literaria.

«Acuérdese para siempre de esta frase: “Al principio de toda carrera hay un milagro de trabajo”. Y trabajo significa soledad.»

EL CUBILETE DE DADOS De pocas obras se puede decir que su prólogo sea más conocido que su contenido, pero el prefacio-manifiesto de Max Jacob a su Cubilete de dados se convirtió desde su alumbramiento en uno de los más lúcidos textos sobre la creación que dio el siglo XX

ESPEJO DE ASTROLOGIA Edición que incluye extractos del Libro de Arcadam, las analogías correspondientes a cada constelación, las correspondencias astrológicas de las Láminas de Tarot, así como emblemas propuestos para cada signo y las Damas de los Decanes

Por @gh

Pensamiento mágico Superstición

¿Qué es el pensamiento mágico?

La mayoría de las personas no creen en la magia, pero aún pueden desear un buen resultado tocando madera.

El pensamiento mágico, la necesidad de creer que las esperanzas y los deseos de uno pueden tener un efecto sobre cómo gira el mundo, está en todas partes.

Espíritus, fantasmas, patrones y signos parecen estar en todas partes, especialmente si los buscas. La gente tiende a hacer conexiones entre el pensamiento místico y los eventos de la vida real, incluso cuando no es racional.

Por supuesto, algo de esto es un pensamiento animista, con la creencia de que lo sobrenatural está en todas partes y tiene cierto poder sobre lo que sucede en la vida de las personas. Es reconfortante pensar que alguien o algo está moviendo todos los hilos cósmicos.

Nos da permiso para relajarnos un poco.

El pensamiento mágico comienza a una edad temprana

Buscando señales de lo sobrenatural

Los niños son los principales entusiastas de la fantasía, abrazan las fantasías como amigos imaginarios con pasión.

A veces la gente busca significado en lugares extraños, eso se debe a que el cerebro está diseñado para captar patrones.

Esto es normal en el desarrollo infantil. Esta creencia se presenta en diferentes formas, incluidos Santa y el Hada de los Dientes. Los niños, además, se aferran a objetos como un peluche especial o una manta rota y sucia para ayudar a mantener a raya sus miedos y ansiedades. Y cerrar la puerta del armario del dormitorio definitivamente mantendrá alejados a los monstruos.

Hacer cuentos conexiones ayudó a nuestros antepasados a sobrevivir a lo que no entendían completamente; por ejemplo, aprendieron a no comer cierto tipo de baya o morirían.

¿Cuándo empiezan y dejan de creer los niños?

Los niños comienzan a creer cuando son pequeños. Los adultos alimentan su pensamiento mágico con creencias como Santa , el Conejito de Pascua, el Hada de los Dientes, entre otras.

A medida que los niños crecen, alrededor de los 10 años, abandonan el juego fantástico y se preguntan qué tan factible es el pensamiento mágico. ¿Cómo puede un hombre volar por el cielo y colmar de regalos a todos los niños de la tierra?

Los niños pueden prescindir de tales creencias, pero aún mantienen sus supersticiones al alcance de la mano. ¿El pensamiento mágico mejora la creatividad en los niños?

Los investigadores creen que el juego fantástico y el pensamiento mágico sí promueven el pensamiento divergente creativo .

Un estudio descubrió que cuando los niños veían una película con matices mágicos, su desempeño en tareas creativas aumentaba significativamente en comparación con los niños que veían una película sin referencias a la magia.

Ver patrones también da una ilusión de control, lo que confiere algo de comodidad al eliminar sorpresas no deseadas. Los humanos buscamos supersticiones, números de la suerte, coincidencias, sincronicidades , entre otras formas de pensamiento. ¿Qué es superstición?

Las supersticiones adoptan muchas formas y aparecen en todas las culturas.

En Portugal, por ejemplo, la gente camina hacia atrás para que el diablo no sepa hacia dónde se dirige. En los países del Medio Oriente, la gente cuelga amuletos de color azul en forma de ojo, que evitarán las maldiciones hechas a través de una mirada maliciosa.

En Estados Unidos, la gente toca madera, cruza los dedos, evita cruzarse en el camino de los gatos negros, camina debajo de escaleras, entre otros hábitos. ¿Qué es coincidencia?

Todos experimentan alguna forma de destino , algunos más poderosos que otros. Por ejemplo, una persona puede pensar en un amigo perdido hace mucho tiempo, uno que no le ha venido a la mente durante años. Y luego, al mismo tiempo, el viejo amigo resurge a través de una llamada telefónica o un mensaje de texto aparentemente de la nada.

Algunos de nosotros creemos más que otros

¿Es la religión una forma de pensamiento mágico?

Algunas personas parecen tener toda la suerte , mientras que otras, que están claramente condenadas, nunca parecen tener un respiro. Sin embargo, los investigadores sostienen que las personas “ afortunadas “ están más abiertas a nuevas oportunidades.

Para algunas personas, la religión está llena de pensamientos mágicos.

Sus personalidades encuentran las posibilidades en la vida. Son los más incluidos a buscar patrones y coincidencias.

Mientras que los ateos se preguntan cómo les está funcionando a todos esa oración, incluso los mismos ateos practican hábitos de pensamiento mágico, muchos sí tocan madera solo para evitar una maldición y una posible catástrofe y caos.

¿Quién cree en los números de la suerte?

Una vez más, en todas las culturas, los números de la suerte traerán prosperidad, buena salud y otras formas de éxito.

En China, el número 8 se pronuncia bah, que suena como fah, una palabra que significa riqueza. En India, el número 9 toca el amor, la paz, la fe, entre otras cosas importantes. Y si juega a la lotería de EE. UU., Los números de la suerte parecen ser el 23, el 11 y el 9. ¿Por qué aparece el pensamiento mágico en los rituales?

Estas prácticas se implementan en muchos dominios.

El representante de ventas ansioso puede usar su traje de la “ suerte “ en una reunión importante; y por qué no lo haría si ha disfrutado de la prosperidad una y otra vez con ese traje en particular.

Mientras tanto, los jugadores de béisbol pueden ajustarse los guantes de la misma manera antes de una jugada, o pueden escupir en el mismo lugar antes de cada lanzamiento.

Para los religiosos, el mundo está lleno de espíritus y fantasmas y almas incorpóreas, y quieren que su poder superior escuche sus oraciones.

El pensamiento mágico ha acompañado a la humanidad desde el principio de los tiempos.

Tenemos una tendencia natural a establecer relaciones de causa y efecto sin comprobarlas de modo lógico; esta predisposición es muy marcada en la infancia y se mantiene si el contexto en el que nos encontramos lo promueve, como ha sucedido en muchas culturas.

En este artículo definiremos el pensamiento mágico y explicaremos cuáles son sus causas y sus funciones, según la literatura existente. Para finalizar expondremos algunos ejemplos significativos y contextos en los que este tipo de razonamiento aparece de forma habitual.

Ejemplos:

1. Egocentrismo infantil Entre los 2 y los 7 años, durante el estadio preoperacional descrito por Piaget, los niños creen que pueden modificar elementos del mundo con la mente, sea de forma voluntaria o involuntaria.

A esta edad el pensamiento se caracteriza por la dificultad para comprender conceptos abstractos y por el egocentrismo, o incapacidad para adoptar la perspectiva de otros.

Este tipo de ideas aparecen más habitualmente cuando se produce la muerte de un ser querido; en estos casos los niños tienden a creer que han tenido la culpa de algún modo.

No obstante, las atribuciones causales arbitrarias y el pensamiento ilógico en general, favorecidos por la falta de comprensión del mundo, son muy típicas en la infancia.

El pensamiento mágico es muy habitual en niños porque es consustancial a la naturaleza humana. A medida que el desarrollo cognitivo progresa la frecuencia de este tipo de ideas se va atenuando, al menos en caso de que el contexto social favorezca el pensamiento racional; si esto no es así, las creencias mágicas pueden transmitirse de generación en generación.

Así, es típico que quienes no creen firmemente en la existencia de dioses pero tampoco la descartan del todo intenten comunicarse con ellos cuando están desesperados.

Algunas supersticiones e ideas sobrenaturales se transmiten a través de la cultura.

Esto ha sucedido con innumerables mitos a través de la historia, y también es habitual que se haga creer a los niños que existen Papá Noel, los Reyes Magos o el Ratoncito Pérez. Constructos como el destino y el karma también son buenos ejemplos de pensamiento mágico.

2. Superstición y pensamiento sobrenatural

3. Trastorno obsesivo-compulsivo

Las supersticiones son creencias sin fundamento lógico ni pruebas científicas. Son un tipo de pensamiento mágico, si bien resulta difícil delimitar qué constituye exactamente una superstición; por ejemplo, las religiones no tienden a ser vistas como supersticiones a pesar de que el único criterio que las distingue es que son compartidas por muchas personas.

En ocasiones los rituales característicos del trastorno obsesivo-compulsivo (TOC) pueden clasificarse como pensamiento mágico.

Como sucede con el pensamiento mágico en general, las supersticiones son más habituales cuando las personas se encuentran en situaciones de estrés.

Esto es más frecuente en los casos en que la persona no es consciente de que tiene un trastorno o bien exagera el realismo de sus convicciones.

En particular las personas con TOC a menudo creen, o al menos temen, que pueda suceder una desgracia desproporcionadamente grave si no llevan a cabo el ritual; por ejemplo, alguien que sufra de este trastorno podría llegar a pen-

sar que si se le cae una colilla encendida en la alfombra su piso entero se quemaría en cuestión de segundos.

4. Delirios y psicosis El pensamiento mágico aparece con frecuencia en los delirios, se den o no en el contexto de un trastorno del espectro de la esquizofrenia. Si bien en el trastorno delirante las creencias irracionales tienden a tener una estructura relativamente creíble, en el caso del trastorno esquizotípico y, sobre todo, de la esquizofrenia paranoide las creencias son más estrambóticas.

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CUBISMO

S

u nombre lo puso el crítico francés Louis Vauxcelles y lo hizo de una manera absolutamente despectiva pues según él, las obras de Picasso, Braque y Gris habían acabado convirtiéndose en una suma de pequeños cubos.

El cubismo es un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, creado por Pablo Picasso y Georges Braque. Otros artistas que destacaron en el cubismo fueron Jean Metzinger, María Blanchard, Juan Gris o Robert Delaunay

Se conoce con el nombre de cubismo a un movimiento artístico del siglo XX que irrumpió en la escena artística europea en 1907, marcando un fuerte distanciamiento respecto a la pintura tradicional y sentando un precedente vital para el surgimiento de las vanguardias artísticas.

El cubismo fue uno de los estilos de arte visual más influyentes de principios del siglo XX. Fue creado por Pablo Picasso (español, 1881-1973) y Georges Braque (francés, 1882-1963) en París entre 1907 y 1914.

El crítico de arte francés Louis Vauxcelles acuñó el término cubismo después de ver los paisajes que Braque había pintado en 1908 en L’Estaque en emulación de Cézanne . Vauxcelles llamó a las formas geométricas en las obras altamente

abstractas “cubos”. Otras influencias en el cubismo temprano se han relacionado con el primitivismo y fuentes no occidentales.

La estilización y distorsión de la pionera Les Demoiselles d’Avignon de Picasso ( Museo de Arte Moderno de Nueva York), pintado en 1907, proviene del arte africano. Picasso había visto el arte africano por primera vez cuando, en mayo o junio de 1907, visitó el museo etnográfico en el Palais du Trocadéro de París.

Los pintores cubistas rechazaron el concepto heredado de que el arte debería copiar la naturaleza, o que los artistas deberían adoptar las técnicas tradicionales de perspectiva, modelado y escorzo.

En cambio, querían enfatizar la bidimensionalidad del lienzo. Así que redujeron y fracturaron objetos en formas geométricas, y luego los realinearon dentro de un espacio poco profundo, parecido a un relieve. También utilizaron puntos de vista múltiples o contrastantes.

En la obra cubista hasta 1910, el tema de un cuadro solía ser discernible. Aunque las figuras y los objetos se diseccionaron o “analizaron” en una multitud de pequeñas facetas, luego se volvieron a ensamblar, de alguna manera, para evocar esas mismas figuras u objetos.

Durante el cubismo analítico (1910–12), también llamado “hermético”, Picasso y Braque abstrajeron tanto sus obras que se redujeron a una serie de planos y facetas superpuestos, principalmente en marrones, grises o negros casi monocromáticos.

En su trabajo de este período, Picasso y Braque combinaron con frecuencia motivos representativos con letras ( 1999.363.63 ; 1999.363.11 ).

Sus motivos favoritos eran bodegones con instrumentos musicales, botellas, cántaros, vasos, periódicos, naipes ( 1997.149.12), y el rostro y la figura humanos. Los paisajes eran raros.

Durante el invierno de 1912-13, Picasso ejecutó un gran número de papiers collés ( 1999.363.64 ). Con esta nueva técnica de pegar trozos de papel coloreados o impresos en sus composicio-

nes, Picasso y Braque barrieron los últimos vestigios de espacio tridimensional (ilusionismo) que aún quedaban en su obra analítica “alta”.

Mientras que, en el cubismo analítico, las pequeñas facetas de un objeto disecado o “analizado” se reensamblan para evocar ese mismo objeto, en el espacio superficial del cubismo sintético — iniciado por los papiers collés— grandes trozos de papel neutro o de colores aluden ellos mismos a una objeto en particular, ya sea porque a menudo se recortan en la forma deseada o bien, a veces llevan un elemento gráfico que aclara la asociación.

Si bien se atribuye a Picasso y Braque la creación de este nuevo lenguaje visual, fue adoptado y desarrollado por muchos pintores, incluidos Fernand Léger ( 1999.363.36 ), Robert y Sonia Delaunay, Juan Gris ( 1996.403.14 ), Roger de la Fresnaye ( 1991.397 ), Marcel Duchamp , Albert Gleizes, Jean Metzinger ( 59.86 ) e incluso Diego Rivera ( 49.70.51 ). Aunque principalmente asociado con la pintura, el cubismo también ejerció una profunda influencia en la escultura y la arquitectura del siglo XX. Los principales escultores cubistas fueron Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon y Jacques Lipchitz.

Los conceptos formales liberadores iniciados por el cubismo también tuvieron consecuencias de gran alcance para el dadaísmo y el surrealismo , así como para todos los artistas que persiguen la abstracción en Alemania, Holanda, Italia, Inglaterra, Estados Unidos y Rusia.

1- Abandono de la perspectiva y el realismo Los artistas abandonaron la perspectiva, que había sido utilizada para representar el espacio desde el Renacimiento, y también se alejaron del modelado realista de las figuras.

2- Experimentaron con las figuras y los objetos Los cubistas exploraron formas abiertas, perforando figuras y objetos dejando que el espacio fluyera a través de ellos, mezclando el fondo en primer plano y mostrando objetos desde varios ángulos.

Varios artistas que vieron la retrospectiva fueron influenciados por su falta de tridimensionalidad, la calidad material de su pincelada, y su uso de pinceladas uniformes. Las Casas de Braque en L’Estaque (1908) es un buen ejemplo de este tipo de cubismo.

Algunos historiadores han argumentado que estas innovaciones representan una respuesta a la cambiante experiencia del espacio, el movimiento y el tiempo en el mundo moderno. Esta primera fase del movimiento se llamó cubismo analítico.

6- Cubismo analítico (1910 – 1912)

3- Simbología abstracta En la segunda fase del cubismo, los cubistas sintéticos exploraron el uso de materiales no artísticos como signos abstractos.

Su uso del periódico llevaría a los historiadores posteriores a argumentar que, en lugar de preocuparse sobre todo con la forma, los artistas también eran muy conscientes de los acontecimientos actuales, particularmente de la Primera Guerra Mundial.

4- Arte no representativo El cubismo pavimentó el camino para el arte no representativo poniendo nuevo énfasis en la unidad entre una escena representada y la superficie del lienzo.

Estos experimentos serían retomados por gente como Piet Mondrian, que continuó explorando el uso de la red, el sistema abstracto de signos y el espacio superficial.

Además, se pueden reconocer rasgos más específicos que fueron moldeando el cubismo convencional y lo convirtieron en un movimiento con varias ramificaciones a través de los años.

5- Cubismo cezaniano (1908 – 1909) Esta primera fase del movimiento surgió a raíz de la retrospectiva de Paul Cézanne en 1907, cuando muchos artistas fueron reintroducidos o introducidos por primera vez en la obra del pintor residente en Aix-en-Provence en el sur de Francia.

En esta fase, el cubismo se desarrolló de una manera altamente sistemática. Más tarde conocido como el período analítico del estilo, se basó en la observación de los objetos en sus contextos de fondo, mostrándolos a menudo desde varios puntos de vista.

Picasso y Braque restringieron su tema a los géneros tradicionales del retrato y de la naturaleza muerta y también limitaron su paleta a los tonos de la tierra y a los grises silenciados para disminuir la claridad entre las formas fragmentadas de figuras y de objetos.

Aunque sus trabajos eran a menudo similares en aspecto, sus intereses separados demostraron con el tiempo.

Braque tendía a mostrar objetos que explotaban o se deshacían en fragmentos, mientras Picasso los hacía magnetizados, asumiendo fuerzas que atraían elementos del espacio pictórico hacia el centro de la composición.

Obras en este estilo incluyen Violín y Paleta de Braque (1909) y Ma Jolie de Picasso (1911-1912).

Hacia el final de esta etapa del cubismo, Juan Gris comenzó a hacer contribuciones al estilo: mantuvo una claridad aguda a sus formas, proporcionó sugerencias de una rejilla composicional, e introdujo más color a lo que había sido un estilo austero y monocromático.

7- Cubismo sintético (1912 – 1914) En 1912 Picasso y Braque comenzaron a introducir elementos extranjeros en sus composiciones, continuando sus experimentos con múltiples perspectivas.

Picasso incorporó un papel de pared que imitaba a la silla que cantaba en Still Life with Chair-Caning (1912), iniciando así el collage cubista, y Braque empezó a pegar el periódico en sus lienzos, comenzando la exploración del papier-colle en el movimiento.

En parte, esto puede haber resultado del creciente desconcierto de los artistas con la abstracción radical del cubismo analítico, aunque también podría argumentarse que estos experimentos sintéticos desencadenaron un cambio aún más radical de las representaciones renacentistas del espacio y hacia una representación más conceptual de objetos y figuras.

Los experimentos de Picasso con la escultura también se incluyen como parte del estilo cubista sintético, ya que emplean elementos de collage.

8- Cubismo de cristal (1915 -1922) Como respuesta al caos de la guerra, hubo una tendencia entre muchos artistas franceses a retirarse de la experimentación radical; esta inclinación no era exclusiva del cubismo.

Un historiador del arte ha descrito esta etapa del cubismo como el «producto final de un cierre progresivo de las posibilidades».

En Léger’s Three Women (1921), por ejemplo, los sujetos representados son más bien afilados que parecidos a trozos superpuestos de escultura de bajo relieve; Léger tampoco intentó mostrar objetos desde varios ángulos.

El Cubismo de cristal se asocia con el Cubismo de salón, así como con las obras de Picasso y Braque.

El cubismo de cristal es parte de la tendencia más grande conocida como «Vuelta a la Orden» que fue asociada con los artistas en la escuela de París.

Escultura cubista CARACTERÍSTICA DE LA ESCULTURA CUBISTA: El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones.

Sus esculturas se caracterizan por la simultaneidad de perspectivas por la intersección de volúmenes, la descomposición de formas y la nueva valoración de los materiales y su ensamblaje. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por la intersección de planos y volúmenes, y la descomposición de las formas. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico, tanto la masa como el hueco sirven para la expresión plástica.

Debido a la ausencia de color en la pintura la escultura se revela como una manifestación artística especialmente valiosa. Se dedican a la escultura muchos de los pintores cubistas, Picasso: Cabeza, Mujer, Cabeza de toro, y George Braque: Mujer de pie.

Alexander Archipenko El escultor nacido en Rusia Alexander Archipenko (1887-1964) tomó la idea de múltiples puntos de vista para atravesar la figura. Usó el espacio negativo para explorar áreas cambiantes de formas convexas y cóncavas, proporcionando vistas inusuales del tema.

En Walking Woman , de 1912, jugaba con vacíos y sólidos. Podemos decir que es la escultura de una figura, pero su rostro y torso están perforados con agujeros, y sus piernas se han convertido en formas geométricas contrastantes.

Raymond Duchamp-Villon El escultor francés Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) se hizo conocido por una de las obras maestras de la escultura cubista. Titulado The Horse , utilizaba la cabeza de un caballo como base para explorar el poder y el movimiento.

Duchamp-Villon conocía bien su tema porque había servido en la caballería francesa.

En esta obra fusiona la era de las máquinas con una bestia de carga, jugando con el espacio y la masa. Transmite una sensación de movimiento y fuerza al mismo tiempo que captura la gracia del animal. Lamentablemente, Duchamp-Villon nunca tuvo la oportunidad de desarrollar más su carrera porque fue asesinado en la Primera Guerra Mundial.

Jacques Lipchitz Jacques Lipchitz (1891-1973) fue un escultor francés que se pasó al cubismo poco después de conocer a Picasso en París.

Las primeras obras de Lipchitz exploraron líneas y planos en bloques sólidos de formas, a menudo realizados en bajo relieve, donde las figuras están elevadas pero no exentas de la superficie detrás de ellas.

En sus naturalezas muertas, los objetos están fracturados y los bordes de la mesa pueden difuminarse con secciones de una pared o techo.

Más adelante en su carrera, Lipchitz cambió un poco su estilo y comenzó a crear obras con líneas más curvas y formas redondeadas.

Obras mas representativas del cubismo

1 “Cases d’Horta”, Pablo Picasso, 1909 Es una de las primeras obras cubistas de Picasso. En ella se representa un paisaje, arquitectónico en este caso, con una fuerte predominancia del color ocre y los tonos grises.

En Cases d’Horta Picasso aporta formas geométricas bien depuradas y contiguas entre ellas, todas diferentes caras de poliedros, en este caso cuadrados, rectángulos y triángulos.

3 “Violín y jarra”, Georges Braque, 1909-1910 Este bodegón muestra claramente el estilo de las obras del cubismo: descomponiendo los objetos en más de un plano.

Braque, en Violín y jarra, en lugar de pintar lo que tenía delante desde un único punto de vista, pinta el bodegón visto desde diferentes caras, en la misma superficie.

Se pueden diferenciar el violín y la jarra vistos desde arriba, colocados aparentemente en una mesa. En cuanto al uso del color, de nuevo encontramos los grises, negros, ocres y blancos.

2 “Cap de Fernande sobre la muntanya de Santa Bárbara”, Pablo Picaso, 1909 El pintor representa, en este caso, una figura humana: el rostro de Fernande, su compañera, con un fondo de montañas. Con la paleta también limitada a colores ocres, gris y verde, Picasso pinta la figura de la mujer con formas geométricas más marcadas, y el fondo con líneas menos concretas.

4 “Paisaje en L’Estaque”, Georges Braque, 1908 En Paisaje en L’Estaque se aprecia la geometría de todos los elementos: a pesar de ser un paisaje, todo está representado mediante bloques, principalmente.

La obra parece desordenada y caótica, pero esto se debe a la mezcla de las formas geométricas

utilizadas con la representación de los árboles. Éstos están pintados en colores más oscuros, como verdes y marrones, a diferencia de las construcciones, que son, de nuevo, de color ocre.

tella, entre otros elementos. Lo que destaca de esta obra es la vista al exterior. Aunque en este caso no existe conexión entre el interior y el paisaje exterior.

5 “Retrato de Pablo Picasso”, Juan Gris, 1912 Cuando Juan Gris conoció a Picasso y a Braque quedó maravillado por el cubismo y se convirtió al original movimiento. En Retrato de Pablo Picasso, Gris representa a Picasso descomponiendo su figura en diferentes planos, recomponiendo una misma imagen desde diferentes ángulos.

6 “La ventana abierta”, Juan Gris, 1921 En este cuadro de la serie Ventanas abiertas, Juan Gris representa diferentes objetos basándose en las formas geométricas, una de las características básicas del cubismo En este caso podemos reconocer una guitarra, los portones abiertos de la ventana y una bo-

fin

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PANDEMIA Según el diccionario Merriam-Webster, ‘pandemia’ fue la séptima definición más buscada en 2020.

Una pandemia se define como un brote de una enfermedad que afecta a todo un país o al mundo entero. Desde 2002 ha habido 5 grandes pandemias.

Es posible tener una pandemia que solo afecte a una nación o continente. Un ejemplo de esto es la epidemia de ébola de 2014 que afectó a vastas áreas de África, pero tuvo poco o ningún efecto en Europa y América.

¿Cuántas Pandemias han sido través de la historia?

No existen registros de tiempos pasados, no hay forma de saber en realidad. Sin embargo, se tiene registros bastante grandes de la vida en la Era Común, por lo que se tiene una comprensión bastante adecuada de todo lo que ha sucedido durante parte de este tiempo.

Durante la Era Común tenemos un registro de 20 brotes de enfermedades que cumplen con los criterios pandémicos. 5 de los cuales han ocurrido en los últimos 20 años.

Los registros anteriores son poco precisos por la falta de logística en esos tiempos, y situaciones mundiales así como de los propios países.

Causas:

En primer lugar, un diagnóstico preciso era casi imposible hasta hace unos 70 años. Hasta entonces, no había forma conjunta de probar de qué había muerto alguien. Es posible que haya muchas personas que murieron sin ser diagnosticadas o personas que murieron durante una pandemia, pero no a causa de ella.

En segundo lugar, no hubo recuentos de población precisos durante muchos miles de años.

Solo podemos hacer conjeturas sobre los números de la población y cuántas personas murieron a causa de estas enfermedades.

Finalmente, la comunicación fue deficiente hasta principios del siglo XX. En la Edad Media, la comunicación entre pueblos era difícil, y mucho menos la comunicación entre continentes.

Diferencia entre una pandemia y una epidemia A lo largo de la historia, ha habido miles de epidemias, pero Puede ser difícil para la persona promedio comprender las diferencias entre los dos, ya que los médicos y los políticos a menudo hacen un mal uso de estos mundos a propósito para hacer que sus puntos parezcan más válidos.

Hay cuatro formas de clasificar un brote de enfermedad: ENDÉMICA: una enfermedad endémica es un nivel de enfermedad casi constante en un país o área. Un ejemplo de esto es la malaria en África central.

BROTE: un brote es una enfermedad endémica que se ha propagado en mayor número o en una nueva ubicación cuando no se esperaba. Un ejemplo de esto es el reciente brote de dengue en Hawái.

EPIDEMIA: una epidemia es un brote que se desarrolla para afectar a un porcentaje importante de una población específica (un pueblo, una ciudad, un continente). La mayoría de los países tienen una epidemia de gripe anual.

PANDEMIA: una pandemia es una epidemia que ha viajado a un lugar donde no se esperaba.

Las pandemias son problemas transfronterizos

y, con el desarrollo de los viajes intercontinentales, se han convertido en problemas globales.

COVID-19 es un ejemplo de pandemia.

Lista de pandemias a lo largo de la historia A continuación se muestra una lista de las 20 pandemias de las que se tiene registros que tuvieron lugar durante la Era Común.

Plaga Antonina ( 165 d.C.) Esta es la primera pandemia de la que tenemos registro. Según los registros que sobrevivieron del médico Galeno, se creía que se trataba de una enfermedad que se relajó con la viruela o el sarampión. Se cree que acabó con más de 5 a 10 millones de romanos, galos y alemanes.

Se creía que esta pandemia había sido traída al Imperio Romano con tropas que regresaban de Egipto o Turquía (el Cercano Oriente). Los primeros registros que tenemos provienen de Galeno, quien describió haber presenciado la enfermedad mientras saqueaba la ciudad mesopotámica de Seleucia.

Los romanos luego propagaron esta enfermedad a lo largo de las orillas del Rin (Alemania) y en los territorios de la Galia (ahora Francia).

La enfermedad destruyó muchas aldeas y casi acabó con el ejército romano. Incluso se creía que había matado a un emperador, Lucius Verus, el corregente de Marco Aurelio, en 169.

Plaga de Justiniano ( 541 d.C.) La plaga de Justiniano fue causada por la bacteria Yersinia Pestis y fue la segunda de las pandemias del Viejo Mundo de las que tenemos registros. Los historiadores a menudo se refieren a esta situación de la plaga como La Primera Plaga.

La plaga de Justiniano fue el primer y mayor brote de la primera plaga. Fue nombrado en honor al emperador bizantino en Constantinopla, Justiniano I, quien se recuperó y se recuperó de la plaga según Procopio , el historiador de la corte en ese momento.

Viruela ( 1520 d.C.) En 1520 EC, los españoles desembarcaron en América del Sur e introdujeron la viruela en la población indígena.

Turquía, Egipto, la mayor parte de Europa continental y la cuenca del Mediterráneo se vieron afectados por esta pandemia. Y se cree que es una de las pandemias más mortíferas de todos los tiempos.

Esta pandemia ayudó a la conquista española de la región, ya que la población nunca había estado expuesta a ella antes. Algunos registros sugieren que la viruela acabó con el 40% de la población azteca en un año.

Epidemia de viruela japonesa ( 735 d.C.)

Este brote también mató al gobernante inca, Huayna Capac, y a otras 200.000 personas en su reino.

Esta pandemia duró poco pero fue increíblemente mortal. El brote duró solo dos años, pero en ese tiempo se cree que mató a un tercio de las personas que vivían en Japón en ese momento.

Se creía que un grupo de pescadores contrajo esta cepa de viruela en Corea antes de traerla de regreso a la nación isleña.

La enfermedad mató a campesinos y nobles por igual, y muchas de las familias más poderosas perdieron generaciones enteras a causa de la enfermedad. Tantos agricultores murieron por este brote que el cultivo de arroz se vio afectado durante dos décadas después.

Muerte negra ( 1347 d.C.) La peste negra fue un brote de peste bubónica que fue la pandemia más mortal de todos los tiempos. Es posible que esta enfermedad haya matado a más de 200 millones de personas. Los historiadores también se refieren a la peste bubónica como la segunda plaga.

La totalidad de Europa, así como el norte y centro de África, se vieron afectados por esta plaga.

El brote comenzó en África Central, pero se registró por primera vez en Crimea. Las pulgas infectadas con la enfermedad luego viajan por toda Europa a lomos de ratas causando estragos dondequiera que vayan.

La peste bubónica también es causada por Yersinia pestis pero no está directamente relacionada con la primera plaga.

Otros estudios sugieren que la viruela y otras enfermedades europeas contribuyeron a la muerte de 56 millones de nativos tanto en América del Norte como en América del Sur. Plaga italiana (1629 d.C.) Este brote fue la segunda ola de La Segunda Plaga (Peste bubónica) que golpeó a Italia, un país que había sido completamente devastado por la primera ola (La Peste Negra).

Se creía que esta pandemia había causado la muerte de alrededor de 1 millón de personas en Italia. Lo que representaba el 25% de la población del condado en ese momento.

Se creía que los soldados Vancianos que regresaban de la Guerra de los Treinta Años habían traído la peste a Italia.

Verona fue la ciudad más afectada y perdió alrededor del 60% de su población a causa de la plaga.

Gran plaga de Londres ( 1665 d.C.) En 1665, Londres fue golpeada por una nueva ola de la Segunda Plaga (Peste bubónica), y el brote duró alrededor de 18 meses.

El brote mató a alrededor de una cuarta parte de la población de Londres, 100.000 personas. Este fue el momento más difícil en que Inglaterra fue

golpeada por la peste bubónica durante toda su historia.

El brote fue tan grave que el rey y su corte real fueron trasladados fuera de la ciudad.

Otro desastre puso fin a la peste en 1666. Se cree que el Gran Incendio de Londres mató a suficientes ratas y pulgas de la ciudad como para detener el brote.

Pandemias de cólera ( 1817 d.C.) Esta pandemia se originó en un pequeño pueblo en las afueras de Calcuta antes de extenderse por India, Asia, África Oriental y tan al norte como el Mediterráneo. Fue una de las primeras pandemias que afectó a casi todos los países de Asia.

Se desconoce la tasa de mortalidad real de esta pandemia ya que los registros en ese momento eran deficientes. India informó casi 9 millones de muertes en toda la pandemia, pero muchos creen que esto es exagerado.

Sabemos que uno de los lugares más afectados fue la isla de Java, que perdió a más de 100.000 personas a causa de la enfermedad.

Tercera plaga ( 1885 d.C.) Aunque esta pandemia comenzó en 1885, la OMS no consideró que esta pandemia hubiera terminado hasta la década de 1960. Este fue el tercer brote importante de una cepa de peste bubónica (el primero fue la peste de Justiniano y el segundo la peste negra). Muchas de las siguientes pandemias que vamos a cubrir fueron nuevos brotes de la Tercera Plaga.

La Tercera Plaga comenzó en China y mató a más de 2 millones de personas solo en ese país.

Este brote se contuvo principalmente en Asia, pero finalmente se extendió a todos los continentes habitados del mundo.

Fiebre amarilla ( finales del siglo XIX d. C.) A finales del siglo XVIII y principios del XIX, Estados Unidos y el Caribe se vieron afectados por una pandemia de fiebre amarilla .

Se cree que la enfermedad se originó en África Central, pero causó devastación cuando llegó a América a través del Caribe.

Filadelfia fue la primera ciudad afectada por la enfermedad, y durante 7 años alrededor del 20% de su población (10,000 personas) murió.

La enfermedad también se propagó a Haití, Georgia, Bermudas, Nueva Orleans, Virginia, Texas y el Canal de Panamá. Debido a la falta de registros, es difícil hacerse una idea de las tasas totales de mortalidad por esta enfermedad en las Américas, pero podrían superar el millón.

Gripe rusa ( 1889 d.C.) La gripe rusa fue la segunda gran ola de la Tercera Plaga. Se informó por primera vez dentro del Imperio Ruso. Sin embargo, el ferrocarril Trans-Capsian causó la plaga en más de 3200 km en menos de seis meses.

La gripe rusa había llegado a Estados Unidos a fines de 1889. Y llegó a México dos meses después. Fue una de las primeras epidemias verdaderamente globales.

Se creía que la gripe rusa mataba a más de 1 millón de personas en todo el mundo. Con la mayoría de las muertes ocurriendo en Rusia y Europa.

Gripe española - ( 1918 CE) La gripe española fue causada por el subtipo del virus de la influenza A H1N1 . A pesar de su nombre, la gripe española se documentó por primera vez en los Estados Unidos. Sin embargo, informes de periódicos falsos revelaron que España había sido gravemente afectada por el virus y desarrolló el nombre de gripe española.

La enfermedad se propagó de América a Europa cuando el ejército estadounidense entró en la Primera Guerra Mundial. El continente ya se estaba derrumbando bajo la presión de la guerra y, por lo tanto, las condiciones para que el virus se propagara eran perfectas.

Algunos historiadores creen que las altas tasas de mortalidad causadas por el virus llevaron a que se redactara un tratado de paz y que la guerra terminara antes de lo esperado.

Gripe asiática - ( 1957 d.C.) La gripe asiática fue causada por el subtipo del virus de la influenza A H2N2 . La influenza se originó en Guizhou en el sur de China. En el año en que estuvo activa, se creía que la gripe asiática había causado la muerte de entre 1 y 4 millones de personas en todo el mundo.

La pandemia se extendió lentamente por Asia, golpeando a India con especial dureza, antes de llegar al Reino Unido y Estados Unidos.

Un biólogo estadounidense llamado Maurice Hilleman desarrolló una vacuna para el virus que se cree que ha salvado cientos de miles de vidas. Sin la vacuna, se pronosticaba que las tasas de mortalidad en los EE. UU. Superarían el millón.

nas siguen viviendo con el VIH. Y el virus todavía mata a casi 1 millón de personas al año.

El VIH se puede transmitir de tres maneras: a través del contacto sexual, los fluidos corporales y de madre a hijo. El 90% de los niños que tienen el VIH se lo transmitieron sus madres. Todavía no existe cura para el VIH ni una vacuna eficaz.

El VIH se descubrió por primera vez en Nueva York en 1981 e inicialmente se transmitió por un grupo de consumidores de drogas que compartían agujas.

SARS - ( 2002 CE) En 2002 hubo un brote de síndrome respiratorio agudo severo (SARS) . El virus se propagó por 29 países e infectó a unas 8000 personas. Mató a 774 personas en total.

Gripe de Hong Kong - (1968 EC)

41 de las muertes por SARS fueron profesionales de la salud que trataron a pacientes por el virus, incluidas 2 enfermeras y un médico de Canadá.

La gripe de Hong Kong fue una segunda ola de gripe asiática que asomó a Hong Kong a finales de la década de 1960.

El SARS hace que la pandemia no se deba a la cantidad de personas que mató, sino a lo lejos que se propagó.

En 6 semanas, el 15% de la población de Hong Kong se infectó con esta gripe, es decir, 500.000 infecciones en un mes y medio.

Al SARS también se le ha dado esta calificación elevada debido a su relación con el virus COVID-19 (que también se conoce como SARSCOV-2). Las cepas están estrechamente relacionadas y atacan al cuerpo de manera similar.

Más tarde, la gripe se extendió por Europa con una tasa de mortalidad mucho más alta. El equipo que participó en la fabricación de la vacuna para la gripe asiática también creó una vacuna para la gripe de Hong Kong que se administró a 9 millones de personas.

Sin esta vacuna, el número de muertos habría sido mucho mayor que el estimado de 1 a 4 millones de personas.

VIH / SIDA- (1981 EC) La pandemia del VIH / SIDA ha matado a millones desde que apareció por primera vez en 1981. Hoy en día, más de 38 millones de perso-

Gripe porcina - ( 2009 CE) Los expertos creen (debido a que muchos pacientes eran asintomáticos) que el número de personas infectadas por la gripe porcina se reduce entre 700 millones y 1.400 millones de personas (entre el 11 y el 20% de la población en ese momento).

La gripe porcina fue la tercera gran ola de infecciones por el virus de la gripe H1N1 (la primera fue la gripe rusa y la segunda la gripe española).

La gripe obtuvo su nombre porque surgió por primera vez en granjas de cerdos de México an-

tes de aparecer en humanos., También se la conoció extraoficialmente como gripe mexicana.

Se estima que el número de muertos por gripe porcina es de entre 19.000 y 248.000, y se informa oficialmente de 18.449 muertes confirmadas por laboratorio. Ébola - ( 2014 CE) Esta pandemia de ébola ocurrió en África Occidental y afectó principalmente a las naciones de Guinea, Liberia y Sierra Leona. Fue el mayor brote de ébola que jamás se haya visto en el mundo. La pandemia duró 3 años antes de ser contenida.

También se notificaron casos de ébola en Nigeria y Malí. Los trabajadores sanitarios que regresaban al Reino Unido y España también contrajeron la enfermedad. El Reino Unido fue el único país fuera de África que vio una muerte durante la pandemia.

Durante ese tiempo, más de 10.000 personas murieron a causa de la enfermedad.

MERS - ( 2015 CE) El MERS ha sido endémico en el Medio Oriente desde su descubrimiento en 2012. Sin embargo, en 2015, un empresario coreano contrajo el virus mientras visitaba el Medio Oriente y lo trajo de regreso a Corea del Sur con él.

Se notificaron un total de 186 casos con 38 muertes. La mayoría de estos casos se produjeron en Corea, pero también se notificaron algunos casos en China.

Este brote de MERS se trató como una pandemia en 2015, ya que el virus se propagó a un lugar donde no se esperaba, a pesar de que las tasas de mortalidad son bastante bajas.

COVID-19 - ( 2019 CE) Nota: esta pandemia todavía está ocurriendo al momento de escribir este artículo.

COVID-19 es una cepa de coronavirus que está estrechamente relacionada con el SARS. Los ca-

sos se informaron por primera vez en Wuhan a fines de 2019. A principios de 2020 se había extendido por todo el mundo, en parte debido a los hombres de negocios que regresaban de sus viajes a China.

También se cree que si muchos gobiernos hubieran reaccionado más rápido a la amenaza, las tasas de mortalidad habrían sido mucho más bajas.

Hasta ahora se han identificado 4 variaciones de COVID-19, la más reciente se originó en India.

Se han desarrollado varias vacunas y se está implementando en todo el mundo.

Las pandemias más mortales

La muerte negra 75-200 millones de muertes Viruela 56 millones de muertes Gripe española 45 millones de muertes Plaga de Justiniano 40 millones de muertes VIH / SIDA 30 millones de muertes La tercera plaga 12 millones de muertes Plaga de Antonine 5 millones de muertes COVID-19 3,9 millones de muertes (al 28/06/2021)

Resumen

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Si se examina la historia de las pandemias, se tiene mucho que aprender.

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El éxito de las vacunas contra la influenza asiática y de Hong Kong sugiere que la vacunación es la mejor arma contra las pandemias.

y megamuerte en el México del siglo XVI”. Enfermedades infecciosas emergentes. 8(4): 360–362.

Particularmente en un mundo donde los viajes intercontinentales son tan comunes y es mucho más fácil que los virus y las enfermedades se propaguen.

do el 25 de febrero de 2021 .

También se puede considerar la erradicación de la viruela como una señal de un futuro mejor.

Donde, con suerte, también se erradicarán las enfermedades más mortales de la actualidad.

Cada enfermedad que se encuentra como especie impulsa la ciencia más adelante.

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Cada pandemia ayuda a prepararnos mejor para la próxima y nos ayudará a prevenir más muertes.

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Tedros Adhanom Ghebreyesus, director general de la OMS, en los primeros meses de la pandemia.

Georges Braque (1882-1963) fue un pintor francés. Junto con Pablo Picasso inició el Cubismo, uno de los movimientos más importantes del Arte Moderno del siglo XX. Georges Braque nació en Argenteuil, Francia, el 13 de mayo de 1882. Hijo de un pintor, pronto descubrió su vocación.

Georges Braque

GEORGES BRAQUE. PINTOR CLAVE PARA ENTENDER EL ARTE DEL COMIENZO DEL SIGLO XX. Georges Braque (1882-1963) es un pintor francés al que en España no se le ha dado la importancia que merecía, puesto que su carrera se emparejó pronto con la de Pablo Picasso y, más tarde, con la de Juan Gris.

Sin embargo, su contribución a la historia del arte es indiscutible.

De los dos anteriores ya he trabajado en varios artículos que se pueden leer en este blog, pero me faltaba el tercero de los tres grandes creadores del cubismo. Pero es que además Braque fue un gran pintor fauvista y surrealista. Sepamos algo más de su trabajo.

En 1899 se trasladó a París y al año siguiente ingresó en la Escuela de Bellas Artes. En 1906, influenciado por su amigo Othon Friezs, se unió a Fauvismo, el primer movimiento moderno del siglo XX. Entre las obras de la época destacan «O Porto de Anvers», «O Porto de L’Estaque» y «Paisagem de L’Estaque». En marzo de ese mismo año, expone por primera vez en el Salon des Independents de París.

En 1907, durante una exposición de Cézanne, Braque conoció al pintor español Pablo Picasso y teniendo ideas en común, inició una asociación que dio lugar a uno de los movimientos más importantes del Arte Moderno, el Cubismo. Ambos buscaban nuevas respuestas a la eterna pregunta de cómo retratar el mundo real tridimensional sin una pantalla plana bidimensional.

Influenciado por la escultura tribal africana entonces descubierta. Picasso y Braque analizaron objetos, separándolos en sus formas geométricas y reestructurándolos para mostrar las diversas facetas de cada forma en una imagen. Estas primeras obras del «Cubismo analítico», como se las conoce, retrataban generalmente figuras únicas o naturalezas muertas utilizando una gama limitada de tonos de gris y marrón, como «Piano y mandolina» (1909) y «Violín y jarra» (1910) y «Mujer con mandolina» (1910).

Entre 1910 y 1911, las pinturas de Braque eran mezclas abstractas de colores y líneas – el tema era identificable sólo por pistas, como una pipa o un bigote. Para combatir este movimiento hacia la abstracción, el artista comenzó a añadir referencias al mundo real, añadiendo letras o simulando texturas reales como la madera y el tejido.

Después de algún tiempo, incluso arena y recortes de periódicos se adhirieron al lienzo para hacer un collage. En esta fase se utilizaron colores más vivos, que se conocieron como «Cubismo abstracto», entre ellos, «Bodegón com Vaso e Jornal» (1913) y «Copo, botella y pipa sobre una mesa» (1914).

En 1914, Braque fue convocado para servir en la Primera Guerra Mundial. En 1915 fue herido y pasó dos años sin pintar. Después de la guerra, el artista despreció los trazos angulares y las líneas fuertemente geométricas de su etapa anterior para comenzar a trabajar con líneas curvas y un nuevo repertorio de temas como bodegones y pinturas figurativas, pero siempre dentro del estilo cubista.

En 1922 expuso en el Salón de Otoño de París.

En ese momento, hizo dos escenografías para el ballet de Sergei Diaghilev. En 1925, ya con éxito, mandó construir una casa del arquitecto Auguste Perret (la misma que diseñó el teatro de los Campos Elíseos).

En 1931 realizó los primeros grabados y comenzó a utilizar motivos mitológicos. En 1933 realizó su primera retrospectiva en Basilea, Suiza.

En 1937, ganó el primer premio en Carnegie International en Pittsburgh, Estados Unidos.

Durante la Segunda Guerra Mundial, se retiró a Varengeville, Normandía, y trabajó con grabados en metal y esculturas.

Braque en su taller pintando L Echo, 1954.

Estilo Georges Braque tuvo unos primeros momentos fauvistas. En el verano de 1907 pinta en L’Estaque, lugar donde pintó Cézanne, una serie de paisajes «lineales» que son ya precubistas.

Existen dos fases en su cubismo. En una segunda época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos.

Después pasó por una fase de “cubismo analítico” (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. En un tercer momento cultiva el “cubismo sintético”, es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso en esta tendencia del cubismo sintético.

A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color.

Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar.

Después de la Segunda Guerra Mundial pintó una obra a la que llamó Sofia y Mauro. http://pinturas.arteygalerias.com

Georges Braque murió en París, Francia, el 31 de agosto de 1963.

http://algargosarte.blogspot.com

Pablo Picasso

«Todo lo que puede ser imaginado es real».

«Yo hago lo imposible, porque lo posible lo hace cualquiera».

«El principal enemigo de la creatividad es el buen gusto».

«No nací aprendido, pero he aprendido desde que nací».

«La calidad de un pintor depende de la cantidad de pasado que lleve consigo».

«La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando».

Guillaume Apollinaire

“Un hombre como Picasso estudia un objeto como un cirujano disecciona un cadáver”

“Incertidumbre, iremos lejos y alegres, sin volver jamás, Así como van los cangrejos; De para atrás...De para atrás...”

“Ante todo, los artistas son los hombres que quieren llegar a ser humanos.”

“No se puede llevar consigo a todos sitios el cadáver del padre.”

“Mi vaso se ha quebrado como una carcajada.”

“Las horas pasan lentamente como el desfile de un entierro.

Georges Braque

El jarrón da forma al vacío y la música al silencio

Si la pintura no inquieta, ¿es una pintura?

Forma y color no se fusionan, hay simultaneidad.

Una buena pintura no cesa de dar de sí misma.

La realidad sólo se revela cuando es iluminada por el rayo de la poesía.

El cuadro está completo cuando se acaba la idea.

Richard Strauss

La voz humana es el más bello instrumento, pero es el más difícil.

Puede que no sea un compositor de primer nivel, pero soy un compositor de segunda fila de primera clase.

Por lo concerniente al aprendizaje de la música instrumental, tan sólo puedo darte un pequeño consejo: no aprendas de los libros, puesto que esto, como dice mi padre, es lo peor que se puede hacer.

¿Cree usted que yo me conduzco en todos mis actos pensando que soy “alemán”? ¿Cree usted que Mozart era consciente de ser “ario” cuando componía? Sólo conozco dos tipos de personas: las que tienen talento y las que no lo tienen.

Si no mucho, por lo menos piensa un poco en mí; quizás deberías preguntar a tu corazón de una vez por todas, en lugar de consultar con tu dura cabeza bávara (con lo preciosa que es); de esa forma, es probable que recibas la respuesta adecuada.

Cortometrajes cubistas, muestran la influencia de la pintura en el séptimo arte

L via.

a relación de lo pictórico con la imagen fotográfica y posteriormente con esa imagen en movimiento es más que ob-

Un conocedor de cine y pintura probablemente lo entienda mejor de esta manera. Por lo tanto, no es de extrañarse saber que hubo artistas que lograron influenciar el cine con sus obras y maneras de plasmar la realidad.

El séptimo arte se caracteriza por ser un camaleón y ha encontrado inspiración en miles de fuentes.

Uno de los movimientos artísticos que logró influenciar el mundo del séptimo arte fue el cubismo, la primera forma de arte abstracto.

El cubismo surge en París en 1907, con Pablo Picasso como su mayor exponente. Como cualquier otro movimiento artístico, surgió como reacción a lo académicamente establecido y buscó desligarse de aquello que se considerara tradicional.

El cubismo se caracteriza por ignorar detalles y el concepto de perspectiva tradicional, por lo que los artistas de este estilo planteaban “perspectivas múltiples” usando líneas y

figuras geométricas sin enfocarse en un punto específico del lienzo. Las paletas de colores de los cubistas tienden a la monocromía, en contraposición con la variedad en la gama y tonos de los impresionistas.

El cine estaba en boga durante los años 20.

Aunque aún no era un fenómeno mundial, cautivaba a multitudes y mantenía a los artistas en una constante búsqueda de nuevas formas, por lo que exploraban las posibilidades de la cámara, el encuadre y la proyección en función de otras formas de representar imágenes.

1.- Una de las obras cinematográficas que logra rendir tributo al cubismo es Ballet méchanique (Fernand Léger, 1924).

Este cortometraje está lleno de dinamismo y no hay espacio para un solo punto de enfoque, pues la cámara dirige la vista hacia varios lugares y escenas en constate movimiento. La cámara logra mostrar una perspectiva múltiple, fragmentada.

Léger quiso representar al ser humano del siglo XX como alguien mirando hacia al progreso. Ya no hay cabida para lo clásico o renacentista, pues todo se ha vuelto automatizado, como una pieza de baile en la que la maquinaria crea una sinfonía que guía los pasos de las masas urbanas.

2.- Otra obra que fue inspirada por el movimiento fue el cortometraje titulado Guernica (Resnais y Robert Hessens, 1950).

Como su nombre lo indica, esta pieza usó como inspiración el famoso cuadro de Picasso. La historia se compone por imágenes sobre el terrible bombardeo de las fuerza aérea nazi a la ciudad de Guernica, en el País Vasco.

En el cortometraje un hombre y una mujer narran fragmentos del poema de Paul Éluard que explican los horrores de esa tragedia, con lo que expone distintas perspectivas del suceso por medio de un collage de imágenes de la obra de Picasso en fragmentos, intercalados con close-ups de las caras de horror de las víctimas.

3.- La filmografía del siglo XXI no se ha zafado de la influencia del cubismo y del afán por explorar su estética.

El cortometraje Cubism (Robert Gordon, 2010) es un claro homenaje al movimiento en formato experimental o de videoarte. Gordon protagoniza la obra y narra los aspectos esenciales de esta corriente artística.

En el montaje divide en rectángulos y cuadros que enfocan detalles de su rostro, creando diferentes ángulos y una figura distorsionada pero visible, pues el ojo del espectador se mueve alrededor de la pantalla identificando los elementos.

En el arte poco más o menos todo se vale, pero siempre se puede volver a los orígenes e indagar en las fuentes que desencadenaron todo lo demás, pues ningún acto creativo nace de la nada.

Ballet mecánico Creció en un pequeño pueblo de Francia, pero Fernand Léger era urbano hasta la médula.

Las máquinas modernas , los productos, las tecnologías, la velocidad y los medios de comunicación lo emocionaron, y encontró su expresión más concentrada en la ciudad.

Desde su base en París e influenciado por estancias en ciudades como Nueva York y Chicago, dedicó su carrera a desarrollar un lenguaje vi-

sual para su época.

“Si la expresión pictórica ha cambiado es porque la vida moderna lo ha necesitado ...” el escribió. “Un hombre moderno registra cien veces más impresiones sensoriales que un artista del siglo XVIII”.

nes fugaces, Léger nos presenta un conjunto de destellos, imbuidos de su visión optimista de la modernidad y sus posibilidades ilimitadas.

Aunque era pintor , Léger experimentó con otros medios . Hizo su incursión en el cine en 1924 con el Ballet mécanique (ballet mecánico), en el que colaboró con los artistas Dudley Murphy y Man Ray. Se abre con una foto de una mujer en un columpio.

Va de un lado a otro hasta que, de repente, tres botellas de vino, un triángulo, un sombrero de paja y una boca sonriente pasan en rápida e inconexa sucesión. Una breve pausa. La cámara permanece en la boca hasta que pasa otra ráfaga de imágenes dispares .

Pronto estas imágenes, entre ellas utensilios de cocina, piezas de máquinas, personas, formas geométricas —Se vuelve caleidoscópico, multiplicándose a lo largo del marco.

Hacia el final de la película, Léger incluye un titular que grita en letras mayúsculas: “¡ En un campo de campaña un collier de perles de 5 millones ” (Collar de perlas por valor de 5 millones robado)! Como casi todo lo demás, estas letras y números se rompen, bailan y parpadean en la pantalla.

El músico de vanguardia George Antheil compuso un acompañamiento musical en vivo para el Ballet mécanique , sus ritmos entrecortados y su vigoroso impulso complementan el ritmo frenético de la película y las imágenes frecuentemente fragmentadas.

Evitando la estructura lineal, Léger buscó capturar la energía palpitante de la vida urbana moderna y la explosión de la publicidad comercial moderna con una sobrecarga cacofónica de imágenes fracturadas, destellantes, danzantes, nerviosas, repetitivas y veloces.

El ballet mécanique pasa como la ciudad en hora punta. Y así como recibimos las vistas de las bulliciosas calles urbanas como impresio-

Ballet mecánico Fernand Léger (francés, 1881-1955) Título original Ballet mécanique Año 1924 Duración 19 min.

País

Francia

Dirección Fernand Léger, Dudley Murphy Guion Fernand Léger Música George Antheil, Michael Nyman (Película muda)

Fotografía Dudley Murphy, Man Ray (B&W)

girse en el lenguaje de la vanguardia.

Reparto Fernand Léger, Dudley Murphy, Katherine Murphy, Kiki of Montparnasse, Katrin Murphy

Se relacionó con los pintores cubistas, con Apollinaire, y en 1910 entró a formar parte de los artistas de la galería de Daniel-Henry Kahnweiler.

Productora Synchro-Ciné

Sus primeras obras dentro de la órbita cubista tuvieron un componente figurativo, que evolucionó a partir de su serie Contrastes de formas, de 1913, hacia planteamientos más abstractos.

Estuvo vinculado al grupo de Puteaux, un círculo de artistas entre los que se encontraban los hermanos Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon que, bajo la influencia de las teorías del filósofo Henri Bergson, estaban interesados por la analogía entre el arte, las matemáticas y la música.

Género Fantástico | Surrealismo. Cine experimental. Cine mudo. Cortometraje Proyecto del compositor norteamericano George Antheil y el artista Fernand Léger en el que diversos objetos ejecutan un peculiar ballet.

Léger expuso con ellos en los salones de la Section d’Or. También estuvo en contacto con la vanguardia rusa y con los futuristas italianos, y mantuvo una estrecha relación con el pintor Robert Delaunay.

Durante la Primera Guerra Mundial fue movilizado y acabó ingresado en un hospital. Posteriormente, durante el periodo de entreguerras su obra acusó la influencia de los preceptos de la revista L’Esprit Nouveau, fundada por el arquitecto Le Corbusier, que defendía la estética de la máquina, dando comienzo a su «periodo maquinista», en el que reflejaba su fascinación por el paisaje urbano de París.

Fernand Léger (1881/02/04 - 1955/08/17) Pintor francés Nació el 4 de febrero de 1881 en Argentan.

Se formó como arquitecto en Caen, y en 1900 se trasladó a París, donde trabajó como dibujante de arquitectura y acudió a las academias de pintura de Gérôme y de Gabriel Ferrier.

La fuerte impresión que le produjo la retrospectiva de Cézanne de 1907 le hizo abandonar el impresionismo de sus primeras obras y sumer-

Su obra Composición con tres figuras, de 1932 (París, Centre Pompidou- Musée national d’art moderne), marcó el inicio de su interés por la figura humana y su personal acercamiento al clasicismo, siguiendo la tendencia generalizada de «vuelta al orden».

Durante la Segunda Guerra Mundial se exilió en Estados Unidos, donde trabajó como profesor en diversas universidades.

A su regreso a París, se afilió al Partido Comunista y hasta el final de su vida llevó a cabo una prolífica actividad creadora. Realizó numerosas pinturas murales y se interesó por las vidrieras, los mosaicos y los tapices.

Fernand Léger fue uno de los principales protagonistas de la vanguardia parisiense de la primera mitad del siglo XX. Alunas de sus obras.

Contiene asimismo imágenes de archivo sobre el bombardeo nazi de la población vasca que da nombre a la obra, pictórica y cinematográfica.

Título original Guernica Año 1950 Duración 13 min.

País

Francia

Dirección Alain Resnais, Robert Hessens Guion Poema: Paul Éluard Música Guy Bernard Fotografía

Henry Ferrand (B&W)

Reparto Documental, intervenciones de: María Casares, Jacques Pruvost Productora Género tórico.

Panthéon Productions

Documental. Drama | Pintura. His-

Cortometraje

Guernica Cortometraje de 1950 de Robert Hessens y Alain Resnais con subtítulos en español.

La célebre obra de Picasso es ofrecida en este trabajo de manera fragmentada y convulsa, sometida a dramáticos juegos de iluminación. La narración corre a cargo de la actriz española María Casares y Jacques Pruvost.

La célebre obra de Picasso es ofrecida en este trabajo de manera fragmentada y convulsa, sometida a dramáticos juegos de iluminación. La narración corre a cargo de la actriz española María Casares y Jacques Pruvost.

Contiene asimismo imágenes de archivo sobre el bombardeo nazi de la población vasca que da nombre a la obra, pictórica y cinematográfica.

Alain Resnais Nació el 3 de junio de 1922 en Vannes (Francia).

Hijo de un farmacéutico acomodado de provincias, comenzó a rodar con trece años películas de aficionado con una cámara de 8 mm realizando retratos de artistas y piezas documentales.

Robert Hessens Nacido el 14 de febrero de 1912 en París y fallecido el 28 de julio de 2002 en Chevilly-Larue, es un director francés.

Pintor, colaboró a finales de la década de 1940 con Alain Resnais y Gaston Diehl.

Su obra constituye una importante contribución al cine documental sobre arte. Jacques Siclier lo considera uno de los innovadores del cine artístico.

Filmografía Cortometrajes 1948: Malfray (codirector: Alain Resnais) 1950: Henri de Toulouse-Lautrec 1950: Guernica (codirector: Alain Resnais) 1951: Pictura (codirector) 1953: Chagall 1956: estatuas de terror 1962: Le petit Forain 1969: Precinto de Vasarely 1969: Vasarely, los múltiples

Muy influenciado por el surrealismo rodó a partir de 1945 una segunda serie de películas en 16 mm: Schèma d’une identification, Ouvert pour cause d’inventaire, L’alcool tue, y “Visites” a pintores.

Uno de los directores mejor considerados de la Nouvelle Vague, su carrera profesional comenzó en 1948, con una serie de películas sobre el arte. Paralelamente, participó como montador en varias películas de Nicole Védrés, Paul Paviot, Agnes Varda y otros.

En 1955, dirigió un réquiem dedicado al horror de los campos de concentración nazis, Nuit et brouillard, un año después Toute la mémoire du monde, en 1958 Le chant du Styrène y Hiroshima mon amour (1959).

Después se inclina hacia una reflexión sobre las guerras perdidas Argelia: Muriel, España: La guerra ha terminado, Vietnam: uno de los sketches de Loin du Viét-nam, Te amo, te amo, Stavisky, Providence, La vie est un roman y Mi tío de América.

En 1993 dirige Smoking y No Smoking, basada en obras de Alan Ayckbourn y obtuvo el León de Oro del Festival de Venecia en 1995 y el Oso de Plata en el Festival de Berlín en 1998.

Ese mismo año, logró un éxito internacional con una comedia en clave musical On connait la chanson, “Conocemos la canción”, que obtuvo siete César, entre ellos el de la mejor película francesa.

En 2003 filma Pas sur la bouche adaptando una opereta de André Barde. En 2006 dirige Coeurs, muy valorada por la crítica en publicaciones como Cahiers du cinema.

En 2009 fue homenajeado en Cannes por toda su carrera y presenta Les herbes folles, de nuevo muy apreciada.

Contrajo matrimonio en 1969 con su ayudante, Florence Malraux, y desde los años ochenta vivió con su musa Sabine Azéma, con quien finalmente se casó en 1998.

Alain Resnais falleció el 2 de marzo de 2014 a los 91 años en París rodeado de su familia.

Su último largometraje, Aimer , boir et chanter, galardonada en la Berlinale con el premio Alfred Bauer se estrena en Francia una semana después.

En total recibió cinco premios César del cine francés (tres como mejor película y dos como mejor director), dos Osos de Plata de Berlín, tres galardones en la Mostra de Venecia, un BAFTA y un premio especial del jurado de Cannes, entre otros.

Filmografía 1936: La aventura de Guy (L’Aventure de Guy) 1946: Boceto de una identificación (Schéma d’une identification) 1946: Abierto por inventario (Ouvert pour cause d’inventaire) 1947: Visita a Óscar Domínguez (Visite à Oscar Dominguez) 1947: Visita a Lucien Coutaud (Visite à Lucien Coutaud) 1947: Visita a Hans Hartnung (Visite à Hans Hartnung) 1947: Visita a Félix Labisse (Visite à Félix Labisse) 1947: Visita a César Domela (Visite à César Doméla) 1947: Van Gogh 1947: Retrato de Henri Goetz (Portrait d’Henri Goetz) 1947: La leche Nestlé (le Lait Nestlé) 1947: Día natural (Journée naturelle) 1948: Van Gogh 1948: Malfray

1948: Los jardines de París (les Jardins de Paris) 1948: Castillos de Francia (Châteaux de France) 1950: Guernica 1950: Gauguin 1952: Pictura 1953: Las estatuas también mueren (les Statues meurent aussi) 1955: Noche y niebla (Nuit et brouillard) 1956: Toda la memoria del mundo (Toute la mémoire du monde) 1957: El misterio del taller quince (le Mystère de l’atelier quinze) 1958: El canto del estireno (le Chant du styrène) (documental) 1959: Hiroshima mon amour 1961: El año pasado en Marienbad (l’Année dernière à Marienbad) 1963: Muriel 1966: La guerra ha terminado (La Guerre est finie) 1967: Lejos de Vietnam (Loin du Vietnam) 1968: Te amo, te amo (Je t’aime, je t’aime) 1968: Cinétracts 1973: El año 01 de Jacques Doillon 1974: Stavisky 1977: Providence 1980: Mi tío de América (Mon oncle d’Amérique) 1983: La vida es una novela (la Vie est un roman) 1984: Muerte al Amor (L’Amour à mort) 1986: Mélo 1989: I Want to go home 1991: Contra el olvido (Contre l’oubli) 1992: Gershwin 1993: Smoking 1993: No smoking 1997: On connaît la chanson 2003: En la boca no (Pas sur la bouche) 2007: Asuntos privados en lugares públicos (Coeurs) 2009: Les herbes folles 2012: Vous n’avez encore rien vu (You Ain’t Seen Nothin’ Yet!) 2013: Aimer, boire et chanter

posición de técnica pictórica a plano, no a estructura: cada plano está dividido en múltiples fragmentos, y cada uno de ellos representa una parte del rostro de un hombre.

Así, la suma de todas las partes nos permite acceder al retrato completo de su rostro, y esta operación debe realizarse en la mente del espectador.

Además, cada una de las partes están en movimiento, de modo que vislumbramos un retrato cubista en tiempo real, en movimiento, no una idea fija del rostro: es un conglomerado vivo.

La forma que ha elegido Gordon para ejecutar su obra es la subdivisión en pequeños cuadrados, que se van sumando hasta componer una totalidad compleja: así, la forma matemática del rectángulo es la base con la que se erige, después, el retrato en movimiento.

El protagonista narra con su voz las técnicas del cubismo, condensada en 2 minutos, de modo que hace explícitos los principios del movimiento como si una obra de arte nos hablase de sí misma.

De vez en cuando nos encontramos con proyectos que parecen pasar desapercibidos para todos y no son vistos a gran escala, debe ser bastante frustrante para el artista involucrado, ya que su claro trabajo es lo suficientemente bueno como para llegar a un público más amplio.

Hace un tiempo, Robert Gordon creó Cubism, un cortometraje que, según Robert, se inspiró en personajes como Picasso, Braque y Duchamp, capturando la esencia visual y las técnicas del cubismo.

Cubism (2010), de Robert Gordon El cortometraje Cubism (2010) del artista británico experimental Robert Gordon no parte en concreto de Picasso, sino del movimiento cubista en general, para poder realizar la utopía de aplicar de forma rigurosa dicha vanguardia en una pieza audiovisual.

Este cortometraje experimental es un miembro de un díptico vanguardista, compuesto por otro cortometraje titulado Surrealism. Y, en el caso de Cubismo, encontramos una rigurosa trans-

Me encanta el uso del audio aquí. Robert ha tomado un clip de voz en off antiguo que discute el concepto de cubismo, el orador explica cómo evolucionó y fue utilizado por muchos artistas creativos.

Realmente aporta una sensación original a todo el proyecto, aunque reciclando el audio antiguo, estoy seguro de que esta pieza aún será admirada dentro de diez o quince años por eso. https://culturacolectiva.com https://extracine.com https://historia-arte.com https://www.moma.org/ https://www.filmaffinity.com/ https://the189.com/art/cubism-by-robert-gordon/

Richard Georg Strauss Strauss nació en Múnich el 11 de junio de 1864, hijo de Franz Strauss, primer trompa de la orquesta de la corte allí.

Tuvo sus primeras lecciones de piano a la edad de cuatro años y comenzó sus estudios de violín cuatro años después; otra parte invaluable de su aprendizaje fue poder participar en los ensayos de la orquesta en la que tocaba su padre.

Los primeros esfuerzos de Strauss en la composición se realizaron ya en 1870, de modo que cuando ingresó en la Royal Grammar School, el Ludwigs-Gymnasium, en 1874, ya era un compositor experimentado. Strauss disfrutó de muchas representaciones de sus obras en los siete años de su educación clásica allí.

Richard Georg Strauss (Múnich; 11 de junio de 1864 - Garmisch-Partenkirchen; 8 de septiembre de 1949) fue un destacado compositor y director de orquesta alemán cuya larga trayectoria abarca desde el romanticismo tardío hasta la primera mitad del siglo XX.

Su primera obra orquestal, finalizada en 1877, fue una Serenataen sol mayor, dedicado a su maestro, Frierich Wilhelm Mayer; su primera sinfonía, en re menor, seguida en 1881, al mismo tiempo que un cuarteto de cuerda en la mayor y una marcha festiva , su Op “oficial”.

En 1874 Strauss había escuchado la música de Wagner por primera vez; en 1883, en Berlín con su padre, escuchó ahora su primer Brahms. Ambos encuentros lo marcaron profundamente. En Berlín también disfrutó de la interpretación de varias de sus obras con la Orquesta Meiningen dirigida por Hans von Bülow, y en 1884 dirigió él mismo la orquesta por primera vez; en un año fue nombrado director asistente de von Bülow, superando a la competencia de Mahler y Weingartner.

Ya había compuesto muchas de las obras que ahora son parte permanente del repertorio, incluido el Primer Concierto para Trompa y la canción Zueignung .

En 1886, Strauss dejó la Orquesta de Meiningen para ocupar el puesto de tercer director de la Orquesta de la Ópera de Munich.

Una visita a Italia ese año le sirvió de inspiración para su “fantasía sinfónica” Aus Italien , estrenada al año siguiente; pero fue Don Juan , escrito en 1888 e interpretado por primera vez en 1889, lo que le proporcionó su verdadero avance: fue aclamado instantáneamente como el compositor alemán más importante y progresista desde Wagner.

El pan de cada día de Strauss se ganaba en el teatro de la ópera, por lo que no pasaría mucho tiempo antes de que intentara componer él mismo una obra de teatro.

Su primer intento, Guntram (1894), fracasó, pero el segundo, Feuersnot (1898), fue recibido con entusiasmo en su primera producción, en Dresde en 1901. Strauss era ahora una figura aclamada internacionalmente, tanto como compositor como como director: dio la primera representación de la Sinfonía doméstica , por ejemplo, en 1904, en Nueva York en una visita a Estados Unidos.

El estreno de su tercera ópera, Salomé , aplaudido vociferantemente en Dresde en 1905 puso el sello a su posición como uno de los compositores vivos más importantes.

La asociación más significativa de su carrera operística se produjo también en 1905, cuando empezó a colaborar con Hugo von Hoffmansthal en un libreto para Elektra , que se presentó por primera vez en Dresde cuatro años después. Mientras tanto, Strauss había utilizado las regalías de Salomé para construirse una villa en Garmisch-Partenkirchen en Baviera; iba a seguir siendo su hogar por el resto de su vida.

Más óperas de Hoffmansthal siguieron ahora en rápida sucesión: Der Rosenkavalier , su mayor éxito operístico, se completó en 1910; la primera versión de Ariadne auf Naxos llegó dos años

después; y Die Frau ohne Schatten se inició poco después, aunque tuvo que esperar hasta 1919 para su primera representación.

Mientras tanto, Strauss estaba obteniendo honores como director, lo que lo llevó a su nombramiento en 1919 como director adjunto (con Franz Schalk) de la Ópera Estatal de Viena, aunque se vio obligado a renunciar al cargo en 1924 después de diferencias con Schalk y el gobierno austriaco.

Su siguiente ópera, Intermezzo (esta vez con su propio libreto), se estrenó en Dresde en el mismo año. La colaboración con Hoffsmansthal continuó con Die ägyptische Helene (1927), pero la prematura muerte del poeta en 1929 dejó inacabado el libreto de Arabella ; en 1932 Strauss lo completó en su memoria.

Con la toma del poder por los nazis en 1933, comenzó el período más turbulento de la vida de Strauss. Tal vez imprudentemente, dirigió Parsifal en el Festival de Bayreuth después de que Toscanini se retirara en protesta y aceptara el puesto de presidente del Reichsmusikkammer (aunque no fue consultado de antemano), pero se mantuvo obstinadamente en su colaboración con su nuevo libretista judío, Stefan. Zweig, cargo que poco a poco le costó su posición de favor con el nuevo régimen.

Die schweigsame Frau , su primera colaboración, se permitió su estreno en Dresde en 1935, pero el resto de la carrera fue cancelada, mientras que Daphne y Friedenstag, ambos con libretos con Joseph Gregor, siguió adelante sin obstáculos en 1938. Strauss estaba seguro de que su próxima ópera, Die Liebe der Danae , sería la última y prodigó toda su maestría en esta radiante partitura, terminada en 1940.

Pero como trabajo sobre Die Liebe der Danae llegó a su fin, ahora comienza a trabajar en un libreto del director Clemens Krauss; esto se convertiría en Capriccio , cuyo estreno dirigió Krauss en 1942.

En 1943, Strauss compuso su Segundo Concierto para trompa , que marcó el comienzo de un notable verano indio de suaves obras maestras otoñales: Metamorphosen para 23 cuerdas solistas, escrito como una elegía por la destrucción de la Alemania que amaba Strauss; dos Sonatinas para instrumentos de viento; el Oboe Concerto y Duett-Concertino para clarinete, fagot y orquesta; y las Cuatro Últimas Canciones , quizás las canciones orquestales más queridas por cualquier compositor.

Strauss todavía estaba activo como director de orquesta de sus propias celebraciones de 85 cumpleaños, pero después de una serie de ataques cardíacos murió pacíficamente en su casa el 8 de septiembre de 1949.

Esta biografía se puede reproducir gratuitamente en programas de conciertos con el siguiente crédito: Reimpreso con el amable permiso de Boosey & Hawkes.

El majestuoso comienzo de esta última fue empleado en 1968 por el cineasta Stanley Kubrick para su 2001: Odisea en el espacio y se convirtió en parte de la historia de la música pop.

Tuvo un solo gran fracaso: la primera ópera, “Guntram” (1893). “Nunca olvidaría este revés, ni siquiera en sus últimas semanas de vida”, apunta Bryan Gilliam en la biografía “Vida de Richard Strauss”.

La llegada del nuevo siglo fue escenario de su meteórico ascenso y la ciudad de Dresde, la cuna de sus óperas. Allí estrenó de 1901 a 1911 cuatro de ellas: “Necesidad de fuego”, “Salomé”, “Electra” y “El caballero de la rosa”.

Strauss lanzó nueve de sus 15 óperas en Dresde, que describió como “el Dorado de los estrenos”, y trabajó con libretistas de la talla de Hugo von Hofmannsthal y Stefan Zweig.

Duras críticas El director Ernst von Schuch respaldó plenamente al compositor. El sucesor actual de Schuch, Christian Thielemann, sigue sintiendo un cosquilleo cuando dirige la partitura original de “Electra” y dice percibir el espíritu del maestro en la Ópera Semper de Dresde.

“Con Strauss uno siempre tiene la sensación de que está allí”. Su impresionante obra relega a un segundo plano la maestría de Strauss como director de orquesta. En este papel, también a su paso por Berlín y Viena, se afanó por divulgar la obra de otros colegas.

Salto a la fama Tras Meiningen asumió la dirección de orquesta en Múnich, Weimar y nuevamente en Múnich.

Allí conoció a la que sería posteriormente su esposa, Pauline. Su relación dio paso a una nueva etapa creativa. Tras los primeros poemas sinfónicos “Macbeth” y “De Italia”, su obra “Don Juan” adquirió gran popularidad.

Otras piezas de este género como “Till Eulenspiegel” y “Así habló Zarathustra” lo catapultaron definitivamente a la fama.

“En su primer viaje a Sudámerica con la Filarmónica de Viena en 1924 incluyó en su programa unas 50 obras de compositores europeos contemporáneos. Dirigió obras incluso de Pfitzner y Bruckner que en realidad no eran de su agrado”, cuenta Stephan Kohler, un erudito de Strauss.

La genialidad musical se vio ensombrecida por el papel que jugó durante el nazismo. Strauss fue nombrado por el dictador Adolf Hitler, un apasionado de Wagner y de Franz Lehár, presi-

dente de la Cámara de Música del Reich a pesar de no ser simpatizante ni compartir la ideología antisemita.

Duró sólo 20 meses en el puesto, hasta 1935, y se dijo entonces que había buscado la cercanía del poder para proteger a su nuera judía. El escritor Klaus Mann lo juzgó severamente en su autobiografía novelada.

El hijo mayor del Nobel Thomas Mann lo entrevistó en Múnich haciéndose pasar por un reportero estadounidense. “¡Un artista de tal sensibilidad y al mismo tiempo obtuso en cuestiones de ideología y conciencia! ¡Un gran hombre sin ninguna grandeza!”.

Al final de su vida retomó la senda emprendida en los inicios de su carrera con la composición de música instrumental y lieder.

“La forma ideal para caracterizar a Strauss no sería una pintura ni un dibujo o escultura. Sería más bien un mosaico, coherente de lejos, pero de cerca compuesto por fragmentos contrastantes”, opina Bryan Gilliam.

El “intocable” Según el semanario “Der Spiegel”, Strauss “se consideraba intocable. Quería aprovechar el sistema. No era nazi, ni miembro del partido ni antisemita. Era un auténtico oportunista”.

Tras la capitulación de la Alemania, las fuerzas aliadas lo investigaron pero llegaron a la conclusión de que no podía ser considerado un nazi. Pero su grandeza musical es indiscutida.

“Su obra es un meteoro que cautiva a todos con su fuerza y su brillo, incluso a aquellos que no la aprecian”, le escribió el literato francés Romain Rolland.

Thielemann destaca la calidad “única” de la armonía de Strauss. “En su música se encuentran giros armónicos que se creía que no podrían existir en nuestro sistema de coordenadas.

El viejo (Johann) Brahms aconsejó al joven Strauss inventar primero una melodía de cuatro compases. Se tomó el consejo muy en serio; su música siempre tiene algo de canto popular”.

Strauss se apoyó en la tradición del romanticismo tardío para emprender su propio camino, como en el “El caballero de la rosa”, que evoca las refinadas óperas de Mozart.

Cinco de sus más representativas obras 1 - Der Rosenkavalier El caballero de la rosa (título original en alemán, Der Rosenkavalier, Op. 59) es una ópera en tres actos con libreto en alemán de Hugo von Hofmannsthal.

2 - Also sprach Zarathustra Así habló Zaratustra, op. 30 es un poema sinfónico compuesto en 1896. Strauss se inspiró en la obra homónima del filósofo Friedrich Nietzsche. El siguiente video es de la obra dirigida por el mismísimo compositor en 1944, frente a la Filarmónica de Viena.

3 - Muerte y transfiguración Muerte y transfiguración (Tod und Verklärung), Op. 24, es un poema sinfónico para orquesta.

Strauss comenzó la composición en el verano de 1888 y terminó en 1889. El trabajo está dedicado al amigo del compositor Friedrich Rosch.

4 - Las cuatro últimas canciones.

En alemán Vier letzte Lieder, para soprano y orquesta fue la última obra de Richard Strauss, quien las compuso en 1948, a la edad de 84 años.

Se consideran el último capítulo en la literatura lírica postromántica.

5 - Electra En alemán Elektra es una ópera en un acto con música de Strauss y libreto en alemán de Hugo von Hofmannsthal, fruto de una de las primeras colaboraciones de ambos, basado en el mito griego de Electra según la tragedia de Sófocles.

Fue estrenada el 25 de enero de 1909 en la Königliches Opernhaus de Dresde.

(Fuente: Deutsche Welle ) Boyden, Matthew (1999). Richard Strauss. Weidenfeld & Nicolson. ISBN 9781555534189.

Carrascosa Alamazán, Ángel (1984). «Richard Strauss». Los Grandes Compositores. Pamplona: Salvat.

Kennedy, Michael (2006). Richard Strauss: Man, Music, Enigma. Cambridge University Press.

ISBN 9780521027748.

Marco, Tomás (1989). «El Siglo XX». Historia General de la Música. Madrid: Istmo.

Ross, Alex (2009). El ruido eterno. Seix Barral. ISBN 9788432209130.

Strauss, Richard; Zweig, Stefan (1977). A Confidential Matter: Richard Strauss and Stefan Zweig, 1931–1935. Music & Letters 59 (4). University of California Press.

Believer – Imagine Dragons First things first I’ma say all the words inside my head I’m fired up and tired of the way that things have been, oh, ooh The way that things have been, oh-ooh Second thing second Don’t you tell me what you think that I can be I’m the one at the sail, I’m the master of my sea, oh, ooh The master of my sea, oh, ooh.

I was broken from a young age Taking my soul into the masses Write down my poems for the few That looked at me, took to me, shook to me, feeling me Singing from heart ache from the pain Take up my message from the veins Speaking my lesson from the brain Seeing the beauty through the...

Pain!

You made me a, you made me a believer, believer Pain!

You break me down, you build me up, believer, believer Pain!

I let the bullets fly, oh let them rain My luck, my love, my God, they came from...

Pain!

You made me a, you made me a believer, believer

Third things third Send a prayer to the ones up above All the hate that you’ve heard has turned your spirit to a dove, oh, ooh Your spirit up above, oh, ooh I was choking in the crowd Living my brain up in the cloud Falling like ashes to the ground Hoping my feelings, they would drown But they never did, ever lived, ebbing and flowing Inhibited, limited Till it broke up and it rained down It rained down, like...

Pain!

You made me a, you made me a believer, believer Pain!

You break me down, you built me up, believer, believer Pain!

I let the bullets fly, oh let them rain My luck, my love, my God, they came from...

Pain!

You made me a, you made me a believer, believer Last things last By the grace of the fire and the flames You’re the face of the future, the blood in my veins, oh, ooh The blood in my veins, oh, ooh But they never did, ever lived, ebbing and flowing Inhibited, limited Till it broke up and it rained down It rained down, like...

Pain!

You made me a, you made me a believer, believer Pain!

You break me down, you built me up, believer, believer Pain!

I let the bullets fly, oh let them rain My luck, my love, my God, they came from...

Pain!

You made me a, you made me a believer, believer

Imagine Dragons es una banda estadounidense de Pop Rock originaria de Las Vegas, Nevada. Está compuesta por Dan Reynolds (vocalista), Daniel Wayne Sermon (guitarrista), Ben McKee (bajista) y Daniel Platzman (baterista). La banda ganó el reconocimiento mundial con el lanzamiento de su álbum de estudio debut Night Visions (2012), y con su canción “It’s Time”. Billboard colocó a Imagine Dragons en la cima de su ranking del 2013 “Year In Rock”, además los llamó «la banda revelación del 2013». La revista Rolling Stone llamó a su canción Radioactive de Night Visions «el mayor éxito rock del año».789 MTV los llamó «la banda revelación del año».10 “Radioactive” es la segunda canción con más semanas dentro del Billboard Hot 100 en la historia con un total de 87 semanas, con esto la banda hace historia.

Night Visions alcanzó su punto máximo en el número dos de la lista semanal Billboard 200 y en UK Albums Chart. Su segundo álbum de estudio, Smoke + Mirrors, alcanzó el número uno en los Estados Unidos, Canadá y el Reino Unido.

Creyente – Imagine Dragons Lo primero es lo primero, voy a decir todas las palabras que tengo dentro de mi cabeza.

Estoy enfadado(1) y cansado de cómo han idolas cosas, oh, ooh, de cómo han ido las cosas, oh, ooh.

Lo segundo es lo segundo, no me digas lo que crees que puedo ser.

Soy el que maneja las velas(2), el dueño de mi mar, oh, ooh, el dueño de mi mar, oh, ooh.

Me destrozaron cuando era joven, llevando mi alma a las masas.

Escribo mis poemas para los pocos que me miraron, me cogieron cariño, se estremecieron conmigo, me entendieron.

Cantando desde el dolor del corazón, desde el dolor.

Mi mensaje surge desde las venas, diciendo la lección desde el cerebro, viendo la belleza a través del… ¡Dolor!

Tú me hiciste un, me hiciste un creyente, creyente. ¡Dolor!

Tú me destrozas, tú me levantas, creyente, creyente. ¡Dolor!

Dejo que las balas vuelen, oh déjalas caer.

Mi suerte, mi amor, mi Dios proceden del… ¡Dolor!

Tú me hiciste un, me hiciste un creyente, creyente.

Lo tercero es lo tercero, manda una oración a los que están allí arriba.

Todo el odio que has oído ha transformado tu espíritu en una paloma, oh, ooh, tu espíritu allí arriba, oh, ooh.

Me estaba ahogando en la multitud, viviendo mi cerebro arriba en una nube, cayendo como las cenizas en la tierra.

Esperando que mis sentimientos se ahogaran pero nunca lo hicieron, siempre vivieron, con altibajos,(3) inhibidos, limitados, hasta que se rompieron y precipitaron como la lluvia,(4) precipitaron, como… ¡Dolor!

Tú me hiciste un, me hiciste un creyente, creyente. ¡Dolor!

Tú me destrozas, tú me levantas, creyente, creyente. ¡Dolor!

Dejo que las balas vuelen, oh déjalas caer.

Mi suerte, mi amor, mi Dios proceden del… ¡Dolor!

Tú me hiciste un, me hiciste un creyente, creyente.

Lo último es lo último, por la gracia del fuego y de las llamas, tú eres el rostro del futuro, la sangre de mis venas, oh, ooh, la sangre de mis venas, oh, ooh.

Pero nunca lo hicieron, siempre vivieron, con altibajos, inhibidos, limitados, hasta que se rompieron y diluviaron, diluviaron, como… ¡Dolor!

Tú me hiciste un, me hiciste un creyente, creyente. ¡Dolor!

Tú me destrozas, tú me levantas, creyente, creyente. ¡Dolor!

Dejo que las balas vuelen, oh déjalas caer.

Mi suerte, mi amor, mi Dios proceden del… ¡Dolor!

Tú me hiciste un, me hiciste un creyente, creyente.

1- I’m fired up: normalmente,”to be fired up” significa estar emocionado, entusiasmado, animado, pero en este caso, tiene un sentido más de estar caliente, enojado, cabreado, enfadado.

2- I’m the one of my sail: “sail” son las velas de un barco, es decir, la frase significa “soy el que está en las velas”, es decir, el que maneja las velas. “Sail” como verbo significa manejar, navegar con el barco.

3- Ebbing and flowing: es una expresión que expresa el movimiento de la marea del mar, de flujo y reflujo. En este sentido, se utiliza para decir que algo sube y baja constantemente, es decir, con altibajos.

4- Rain down: significa llover fuertemente, diluviar, es decir, que algo cae fuertemente del cielo.

“Creyente” En general, “Creyente” se trata de alguien que encuentra sentido en el dolor de su vida.

Sin ser necesariamente autobiográfico para nadie en la agrupación musical, pero hay tanta emoción en la vocalización que es difícil no creer que esta canción tenga un profundo significado personal. La canción es la declaración de una persona que ha experimen-

tado un gran dolor en su vida pero que ha aprendido cosas importantes sobre sí mismo a través de esas experiencias.

Verso 1 En el primer verso de “Believer”, canta: “Lo primero es lo primero”, y esas tres palabras nos dicen algo importante sobre la forma de esta canción: habrá una lista de cosas. Esta “primera” cosa es que todas las palabras dentro de mi cabeza / Estoy entusiasmado y cansado de cómo han sido las cosas”.

Continúan: “Lo segundo es lo segundo / No me digas lo que piensas que puedo ser / Soy el que navega, soy el dueño de mi mar”. Todo este versículo es un mensaje de empoderamiento. Se dirá lo que quiere decir y hará lo que quiera hacer.

Pre-coro 1 En esta estrofa de “Creyente”, dice: “Fui quebrado desde muy joven”. Esto podría significar cualquier cantidad de cosas, pero quizás sea para comunicarnos que ha sido introspectivo sobre sus propias debilidades desde que se es un niño. Se conoce los límites y luchado con ellos. Esa batalla se llevó a un “enfurruñamiento a las masas” en forma de canción, o como dice: “Escribe mis poemas para unos pocos / Que me miraron, me llevaron, me sacudieron, sintiéndome.

Se continúa diciéndonos que “nos tomaría [su] mensaje de las venas / Hablando [su] lección del cerebro”. Las “venas” pueden representar la sangre y el corazón de uno mientras que “el cerebro” habla de racionalidad. Esencialmente, todo él ha creado este mensaje: es quién es y está compartiendo algo muy personal con nosotros. ¿Y cuál ha sido este mensaje?

Bueno, se trata de “Ver la belleza a través de ... ¡Dolor!” que discute en el coro.

Coro El coro de “Creyente” es una dirección directa al concepto y la experiencia de “¡Dolor!”. Dice este personaje “Pain”, “Me hiciste un, me hiciste un creyente, creyente”. ¿ es esto una creencia? Podría estar en Dios, el poder de vencer, o en otras personas. No se deja claro, quizás es porque esto es una creencia en la esperanza y la capacidad de creer en las cosas en general.

En lugar de que las cosas mejoraran cuando esperaba que sus “sentimientos ... se ahogaran”, “nunca lo hicieron ...”. En cambio, “alguna vez vivieron, menguando y fluyendo”. Pero también fueron encajonados o, como él dice, “inhibidos, limitados”.

Constreñidos así, “se abrieron y ... llovieron ... cómo / ¡Dolor!” La violencia de estas emociones era demasiado grande para ser contenida y manifestarse en dolor emocional. fin Aquí, se agrega: “Las últimas cosas duran / Por la gracia del fuego y las llamas / Eres la cara del futuro, la sangre en mis venas”. Puede haber múltiples teorías sobre lo que esto significa, pero parece ser que dice a los oyentes cuánto significa -y pesar de todo el dolor- brindar apoyo y poder para continuar la vida.

En respuesta al dolor, se dice: “Dejé que las balas vuelen, oh, que llueva / Mi vida, mi amor, mi impulso, vino de / ¡Dolor!” Sabiendo que el dolor lo ha convertido en quien es hoy, se le dice al dolor que continúe llegando. No está necesariamente entusiasmado, pero parece creer que el dolor es parte de la vida normal, y está listo para aprender de él y ser retado.

Sumario “Creyente”, tiene un significado potente y profundo, la vida es a veces un poco difícil, y a veces esa dificultad nos hace querer dimitir. Pero la letra nos dice que, en lugar de rendirnos, a veces tenemos que enfrentar el dolor de frente y descubrir qué podemos aprender.

Verso 2 Dice: “Terceras cosas en tercer lugar / Envía una oración a los de arriba”, haciendo referencia quizás a los ángeles o la religión. Esto parece ser una referencia religiosa, tal vez a la Trinidad o Dios. Cuando canta: “Todo el odio que has escuchado ha convertido tu espíritu en una paloma”, parece ser que dice a los oyentes o a sí mismo que el dolor duradero les ha dado gracia o paciencia.

Es indudable que mirando hacia atrás de nuestras propias vidas, veremos que partes de quiénes somos fueron moldeadas por el dolor en un momento u otro. Estoy seguro de que preferiríamos no haber sido moldeados por algunas de estas experiencias, pero de todos modos somos quienes somos. Al parecer nos dice que se ha aprendido esto y que sabe que el dolor nunca desaparecerá, por lo que lo que se enfrentará en lugar de huir.

Pre-coro 2 Dice: “Me estaba ahogando en la multitud”, tal vez sugiriendo que necesitaba expresarse como individuo. Estaba “ levantando mi cerebro en la nube / Cayendo como cenizas al suelo”, lo que parece ser una alusión que luchar con los pensamientos dentro de la propia mente mientras uno se enfrenta a circunstancias externas difíciles. Después de lidiar con esto, se siente casi demasiado débil para lidiar con el resto de la vida.

Es buen mensaje, pero sin incitar a buscar el dolor en la vida, sin dejar de ser un poco atrayente quizás para algunos, sobre todo esos días con demasiado estrés y caer en la tentación, al castigo y autoflagelación las personas están más abiertas a buscar el dolor de lo que uno piensa, pero reconozcamos la diferencia entre el dolor que no tiene que suceder y el dolor que es parte de la vida. Se puede enfrentar los obstáculos de mejor manera, que es lo que nos dice “Creyente”. https://www.imaginedragonsmusic.com

X n Be ¿Qué fue el apartheid?

Traducido del afrikaans que significa `` apartheid ‘’, el apartheid era la ideología apoyada por el Partido Nacional.(NP) y se introdujo en Sudáfrica en 1948.

El apartheid exigía el desarrollo separado de los diferentes grupos raciales en Sudáfrica.

Sobre el papel, parecía exigir un desarrollo igualitario y la libertad de expresión cultural, pero la forma en que se implementó lo hizo imposible.

Historia del apartheid en Sudáfrica Antecedentes y política del apartheid Antes de que podamos mirar la historia del período del apartheid, es necesario comprender qué fue el apartheid y cómo afectó a las personas.

Las leyes del apartheid obligaron a los diferentes grupos raciales a vivir por separado y desarrollarse por separado, y también de manera muy desigual. Intentó detener todos los matrimonios y la integración social entre grupos raciales.

Durante el apartheid, tener una amistad con alguien de una raza diferente generalmente generaba sospechas sobre usted, o algo peor.

Más que esto, el apartheid era un sistema social que perjudicaba gravemente a la mayoría de la población, simplemente porque no compartían el color de piel de los gobernantes. Muchos fue-

ron mantenidos justo por encima de la indigencia porque estaban ‘ En principios básicos, el apartheid no difería mucho de la política de segregación de los gobiernos sudafricanos que existía antes de que el Partido Nacionalista Afrikaner llegara al poder en 1948.

La principal diferencia es que el apartheid hizo de la segregación parte de la ley. El apartheid separaba a las personas de forma cruel y forzada, y tenía un aparato estatal temible para castigar a los que no estaban de acuerdo.

Otra razón por la que se consideraba que el apartheid era mucho peor que la segregación fue que se introdujo en un período en el que otros países se estaban alejando de las políticas racistas.

Antes de la Segunda Guerra Mundial, el mundo occidental no era tan crítico con la discriminación racial y África fue colonizada en este período.

La segunda guerra mundialdestacó los problemas del racismo, haciendo que el mundo se alejara de tales políticas y alentando las demandas de descolonización. Fue durante este período que Sudáfrica introdujo la política racial más rígida del apartheid.

La gente a menudo se pregunta por qué se introdujo una política de este tipo y por qué tuvo tanto apoyo.

Se pueden dar varias razones para el apartheid, aunque todas están estrechamente relacionadas. Las principales razones radican en ideas de superioridad racial y miedo.

En todo el mundo, el racismo está influenciado por la idea de que una raza debe ser superior a otra.

Tales ideas se encuentran en todos los grupos de población. La otra razón principal del apartheid fue el miedo, ya que en Sudáfrica la gente blanca es una minoría y muchos estaban preocupados de perder sus trabajos, cultura e idioma.

Obviamente, esto no es una justificación para el apartheid, pero explica cómo pensaba la gente.

Leyes del apartheid Se aprobaron numerosas leyes en la creación del estado de apartheid. Estos son algunos de los pilares sobre los que descansaba: Ley de registro de población de 1950 Esta ley exigía que las personas fueran registradas de

rra solo podía ser propiedad de blancos. Esta ley causó muchas dificultades y resentimiento.

Las personas perdieron sus hogares, se trasladaron de tierras que habían tenido durante muchos años y se trasladaron a áreas no desarrolladas lejos de su lugar de trabajo.

Algunas otras leyes importantes fueron: Ley de Prohibición de Matrimonios Mixtos, Ley de Enmienda de la Inmoralidad de 1949, Ley de Representación Separada de los Votantes de 1950 , 1951 Resistencia antes de 1960 acuerdo con su grupo racial. Esto significaba que el Departamento del Interior tendría un registro de personas según fueran blancas, de color, negras, indias o asiáticas.

Entonces, las personas serían tratadas de manera diferente según su grupo de población, por lo que esta ley formó la base del apartheid. Sin embargo, no siempre fue tan fácil decidir de qué grupo racial formaba parte una persona, y esto causó algunos problemas.

Ley de Áreas de Grupo, 1950 Esta fue la ley que inició la separación física entre razas, especialmente en las áreas urbanas. La ley también pedía el traslado de algunos grupos de personas a áreas reservadas para su grupo racial.

Ley de promoción del autogobierno bantú, 1959 Esta ley decía que los diferentes grupos raciales tenían que vivir en diferentes áreas. Solo un pequeño porcentaje de Sudáfrica quedó para que los negros (que constituían la gran mayoría) formaran sus ‘patrias’.

Esta ley también eliminó los ‘puntos negros’ dentro de las áreas blancas, al sacar a todas las personas negras de la ciudad. Las mudanzas más conocidas fueron las del Distrito 6, Sophiatown y Lady Selborne.

Luego, estos negros fueron colocados en municipios fuera de la ciudad. No podían poseer propiedades aquí, solo alquilarlas, ya que la tie-

La resistencia al apartheid provino de todos los círculos y no solo, como a menudo se presume, de quienes sufrieron los efectos negativos de la discriminación. También vinieron críticas de otros países, y algunos de ellos apoyaron a los movimientos de libertad sudafricanos.

Algunas de las organizaciones más importantes involucradas en la lucha por la liberación fueron el Congreso Nacional Africano (ANC), el Congreso Panafricanista (PAC), el Partido de la Libertad Inkatha ( IFP), el Movimiento de Conciencia Negra (BCM) y el Frente Democrático Unido. (UDF).

También había movimientos de resistencia organizados de indios y de color (por ejemplo, el Congreso Indio de Natal (NIC), la Organización del Pueblo de Color), grupos organizados de blancos (por ejemplo, el Movimiento de Resistencia Armada radical (ARM) y Black Sash) y grupos basados en la iglesia (los cristianos Instituto). Consideraremos el ANC. El ANC El ANC se formó en Bloemfontein en 1912, poco después de la Unión de Sudáfrica. Originalmente se llamó Congreso Nacional Nativo de Sudáfrica (SANNC). Se inició como un movimiento para la élite negra, es decir, los negros que fueron educados.

En 1919, el ANC envió una delegación a Londres para abogar por un nuevo trato para los negros sudafricanos, pero su posición no cambió.

La historia de resistencia del ANC pasa por tres fases.

El primero fue el diálogo y la petición; la segunda oposición directa y la última el período de lucha armada en el exilio.

En 1949, justo después de la introducción del apartheid, el ANC inició un camino más militante, con la Liga Juvenil jugando un papel más importante.

El ANC presentó su Programa de Acción en 1949, apoyando la huelga, las protestas y otras formas de resistencia no violenta. Nelson Mandela, Oliver Tambo y Walter Sisulu comenzaron a jugar un papel importante en el ANC en este período.

En 1952, el ANC inició la Campaña de desafío.

Esta campaña hizo un llamado a la gente a romper deliberadamente las leyes del apartheid y ofrecerse a sí mismos para ser arrestados. Se esperaba que el aumento de prisioneros provocaría el colapso del sistema y conseguiría apoyo internacional para el ANC. La gente negra se subió a ‘ autobuses blancos ‘, usaron’ baños blancos ‘, entraron en’ áreas blancas ‘y se negaron a usar pases. A pesar de que 8 000 personas terminaron en la cárcel, el ANC no supuso ninguna amenaza para el régimen del apartheid.

El ANC continuó por el mismo camino durante el resto de la década de 1950, hasta que en 1959 algunos miembros se separaron y formaron el PAC. Estos miembros querían seguir una ruta más violenta y militante, y sentían que no se podía lograr el éxito a través del método del ANC.

Fuentes:

Un crimen de lesa humanidad: análisis de la represión del Estado del apartheid editado por Max Coleman Relaciones exteriores de los Estados Unidos 1969–1976 Volumen XXVIII África austral Extracto de la declaración del dr. Horace Mann se vinculó ante el comité especial de Naciones Unidas sobre las políticas de apartheid del gobierno de la República de Sudáfrica.

Pacificadores modernos: Nelson Mandela poniendo fin al apartheid en Sudáfrica por Samuel Willard Crompton Mi lucha contra el apartheid por Michael Dingake Notificación de desalojo de áreas de grupo Documento presentado a la Conferencia Internacional de Sanciones contra Sudáfrica, 1 de abril de 1964, Londres Liberation of Southern Africa - Our Responsibility Discursos seleccionados de Olof Palme editados por ES Reddy Cómo quemó libros el régimen del apartheid: decenas de miles, 24 de octubre de 2018 Guava Juice de Ntokozo Mahlalela, 25 de septiembre de 2012 mostrar todo https://www.unisa.ac.za/

Tu, mar Hermoso, majestuoso, tú que eres más antiguo que la raza humana, tú que muestras todas las formas, sentimientos y colores del mundo, tú que salpicas con las perfectas espumas las costas, tu que puedes ser liso o rugoso, tranquilo amable espectacular o tú que nos muestras enojo con bravura con inmensas olas y turbulentas mareas.. (fragmento) X Alfonso gh

Judita Vaiciunaüe

Tierra Un viejo canasto cubierto de terrones. Tomates polvorientos.

Junto a ellos, un inmenso pañuelo negro.

Mercados norteños con su / pavimento grts . ... Tú - un gramo de suelo patrio, viejo tesoro inapreciable. ¡Qué severa tu gravedad! Y sobre ti -tanta luz, tanto aire ...

Negra cáscara del planeta, fría corte7.a. Una capa sólo, sólo /la superficie.

Pero quedan en ti las huellas. Te siento debajo del suelo y /del pavimento.

Respiro tu aliento purificado por frutales y flores del verano, olvidando la tumba recién cavada, el viejo cementerio de la /peste y las fosas comunes.

Botticelli. Tres velas. Tiernos labios apenas sonriéndose.

Llevados, lavados por una onda de luz - ¿hacia dónde? ...

El silencio se levanta como la niebla, se vuelve más alto /el techo, y la ciudad se cubre de blanca cera que se derrite.

No quiero escuchar cómo dan la5 horas, lentas; igual que los óleos viejos huelo a humedad de espuma /marina ...

Qué frágil la habitación. Y la noche, tan elevada en el cuenco de tus manos - esa desnudez soleada ... (de Lietuviu poezija 11, 1969)

La linda pelirroja Estoy aquí delante de todos un hombre con sentido común que conoce la vida y de la muerte lo que un hombre puede conocer probó los dolores y los goces del amor impuso algunas veces sus ideas conoce varias lenguas y no ha viajado poco vio la guerra en la infantería y la artillería herido en la cabeza trepanada bajo el cloroformo perdió sus mejores amigos en la espantosa lucha sé de lo antiguo y de lo nuevo lo que un hombre solitario puede saber de esas cosas y sin inquietarme hoy de esta guerra entre nosotros y para vosotros amigos míos juzgo esta larga querella de la tradición y de la invención del orden y de la aventura Vosotros con la boca hecha a la imagen de la boca de Dios boca que es el orden mismo sed indulgentes al compararnos con los que fueron la perfección y el orden nosotros que siempre buscamos la aventura no somos enemigos Al queremos daros vastos y extraños dominios donde el misterio germina para el que quiera cosecharlo hay fuegos nuevos colores nunca vistos mil fantasmas imponderables para darles realidad y explorar la bondad país enorme y silencioso hay tiempo para desterrar y tiempo para el regreso piedad para nosotros que combatimos siempre en las fronteras de lo ilimitado y lo porvenir piedad para nuestros errores piedad para nuestros pecados He aquí que viene el estío la estación violenta y mi juventud ha muerto como la primavera oh sol es el tiempo de la razón ardiente y espero para seguir la forma noble y dulce que adopta ella para que pueda amarla llega y me atrae como al hierro el imán tiene el aspecto encantador de una adorable pelirroja Sus cabellos son de oro se diría un bello relámpago que nunca acaba o esas llamas que presumen en las rosas te marchitas ya Reíd reíd de mí hombres de todas partes sobre todo gentes de aquí porque hay tantas cosas que no me atrevo a decir tantas cosas que no me dejaríais decir tened piedad de mí

Con mi soledad Por haber dormido tan a menudo con mi soledad se ha convertido casi en una amiga, en una dulce costumbre.

No me deja ni un momento. Fiel como una sombra me ha seguido por todas partes, por los cuatro rincones del mundo.

No, nunca estoy solo, con mi soledad Cuando se tiende en mi cama, la ocupa toda entera, y pasamos largas noches, los dos, frente a frente.

Realmente no sé hasta dónde me seguirá esta cómplice.

Será preciso que me acostumbre o reaccione.

No, nunca estoy solo, con mi soledad Por su culpa he visto tanto que he llorado.

Si alguna vez la rechazo, nunca se rinde y, aunque a veces prefiera el amor de alguna otra cortesana, ella será, en mi último día, mi última compañera.

No, nunca estoy solo, con mi soledad.

Autor: Georges Moustaki

Georges Moustaki, nombre artístico de Giuseppe Mustacchi​, fue un músico multiinstrumentista, y un cantautor políglota Nacimiento: 3 de mayo de 1934, Alejandría, Egipto Fallecimiento: 23 de mayo de 2013, Niza, Francia

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