Revista pisteyo 19

RP es una revista literaria, editada y amparada por Ediciones Tecnológicas(ET). Su objetivo es hacer de cada número un objeto de interés cultural, y resulte una experiencia cultivable. La cual esta apuntalada con notas, observaciones e Imágenes, aumentando el apego y redondeando sus temas. En la revista incluye trabajos literarios distinguidos por sus valores culturales, e inéditos, así como temas creativos con las más diversas extensiones inverosímiles del ingenio humano. En su contenido encontraras temas como: Literarios, cine, TV, música, Fotografía, pintura, muralismo, arte urbano, arquitectura, dibujo, crítica, opiniones, salud, política, etc.Valiéndonos de cualquier recurso en busca de una sociedad libre y preparada.

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REVISTA PISTEYO

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¿Qué es el art déco?

A veces denominado simplemente “Deco”, Art Deco era un estilo artístico que se ca racterizaba por colores vivos y geometría atrevida que conducía a obras de arte ex tremadamente lujosas y detalladas. Como un estilo de artes visuales que incorporó ele mentos de arquitectura y diseño, Art Deco apareció por primera vez en Francia justo antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, este movimiento solo se anunció al público en 1925 en la Exposi tion Internationale des Arts Décoratifs et In dustriels Modernes, que se basó libremente en el concepto de la Exposición Universal.

¿Qué

es el minimalismo?

El minimalismo es un estilo de arte abstracto que saltó a la fama en Estados Unidos en las décadas de 1960 y 1970. Inspirándose en el constructivismo, De Stijl y los readymades de Marcel Duchamp, los artistas minimalis tas rechazaron las narrativas heroicas del expresionismo abstracto en favor de for mas geométricas recortadas y puramente autorreferenciales. Mientras los pintores de acción de la década de 1950 enfatizaban la subjetividad artística y la expresión emo cional, esta nueva generación de artistas utilizó materiales industriales prefabricados y una economía de medios para erradicar signos de autoría. Vaciado de referencias externas, se destaca la presencia literal del objeto de arte: sus cualidades físicas, la re lación con su entorno y la experiencia fe nomenológica del espectador que se en cuentra con la obra.

El arte minimalista se caracteriza por varios factores: Una variedad de formas y patrones geométricos. Tan pocas formas como sea posible. Pocas variaciones en color y forma, utilizadas en repetición

Art minimalista ArtDéco

El art déco es un movimiento artístico que predominó en la arquitectura, el arte, el diseño gráfico, el diseño interiores y el diseño industrial entre los años 1920 y 1939.

Ubicado en la Plaza de la Repúbli ca S/N, Tabacalera, Cuauhtémoc, 06030, Ciudad de México, CDMX; con un altura de 67 mts y bajos los estilos arquitectónicos Art déco y Modernismo; el Monumento a la Revolución es una obra arquitectónica y un mausoleo dedicado a la conmemoración de la Revolución mexicana.

Es obra de Carlos Obregón Santacilia, quien tomó la estructura del Salón de los Pasos Perdidos del malogrado Palacio Le

gislativo de Émile Bénard para edificar el monumento, conclui do en 1938.

Actualmente es uno de los más reconocibles en la Ciudad de México, y forma parte de un conjunto integrado por el pro pio monumento, la Plaza de la República y el Museo Nacional de la Revolución.

Se localiza en la Colonia Taba calera de la Delegación Cuau htémoc, cerca del Centro Histó rico de la Ciudad de México.

En 1897, Porfirio Díaz lanzó una convocatoria para la construc ción de un Palacio Legislativo, mismo que albergaría además de las cámaras de senadores y diputados, dependencias de gobierno y oficinas.

El autor del proyecto fue Émile Bénard, quien nunca vio su sue ño materializado. La realización del proyecto que de haberse construido, tendría mayores di mensiones que el Capitolio de Washington D. C.

El sitio elegido para la edifica ción fueron unos terrenos pan tanosos cerca de la colonia Tabacalera y del Paseo de la Reforma.

Este recinto se pensó inicialmente para ser el Palacio Legislativo de México, en la épo ca del régimen de Porfirio Díaz.

Más tarde, la construcción se pausó debido al inicio de la Revolución Mexicana. Des pués de la guerra, entre 1933 a 1938, el ar quitecto Carlos Obregón Santacilia rescató la obra inconclusa de Émile Bénard, y junto con el escultor mexicano Oliverio Martínez, le dio forma al monumento que conocemos hoy en día.

Desde 1938 hasta 1970, el monumento fun cionó como mirador y éste permaneció abierto al público de la Ciudad de México por tres décadas; hasta que el elevador

para ascender fue clausurado de forma permanente.

En el año 2010, con motivo de festejos por el Centenario de la Revolución Mexicana, las puertas del interior y del mirador del mo numento tuvieron una revolución propia y volvieron a abrirse para los habitantes de la CDMX.

Los principales exponentes del Art Decó son Raymond Hood, William Van Alen, Henry Hohauser, L. Murray Dixon, T. L. Pflueger, Ma nuel J. Raspall I. Mayol, Octavio Pérez Picó, Miguel Zurita Quispe y Francisco Salamone.

La construcción se detuvo ante el inicio de la Revolución Mexicana.

El gobierno del nuevo presidente Francis co I. Madero una vez en el poder continuó con las obras, pero tras su fallecimiento fi nalmente se interrumpió la construcción. Años después de abandono, la estructura de acero quedó abandonada y en perma nente desgaste.

Émile Bénard volvería a México para intentar dar vida a su proyecto en 1922 proponien do un monumento a los grandes hombres de la lucha de la revolución, llamándole Panteón a los Héroes. El presidente electo Álvaro Obregón aceptó su proyecto, pero fue asesinado en 1928, un año después fa lleció el arquitecto Bénard.

•Nacimiento: 28 de abril de 1868; Lille, France

•Fallecimiento: 16 de abril de 1941; Paris, France

•Nacionalidad: French

•Movimiento: Posimpresionismo

•Escuela/grupo: Pont-Aven School

•Campo: pintura

•Amigos y compañeros de trabajo: Paul Gau guin

Bénard fue el ganador del Concurso Inter nacional de Arquitectura Phoebe Hearst y el campus de Berkeley en 1899 con su pro yecto “Roma”. El concurso y su diseño con dujeron a la actual Universidad de Califor nia, Berkeley Campus Architecture.

Émile Henri Bernard

Bénard nació en Goderville y se formó en la École des Beaux-Arts de París. Obtuvo el Premio de Roma de Arquitectura en 1867.

Al igual que los otros planes, Benard favore ció un diseño formal en lugar de topográfi co. Dejó la esquina suroeste del sitio (donde Haas Pavilion, y Edwards Stadiumson hoy) como bosque.

El diseño de Bénard para la arquitectura del campus ganó el concurso por abordar con éxito todas las preocupaciones que tenía el jurado del concurso. El esquema de Bénard ganó elogios unánimes por haber aborda do con éxito todas las preocupaciones del jurado.

Se consideró que los alzados eran excelen tes en escala y proporción, con los dibujos hechos a la perfección. La única debilidad observada fue que algunos de los edificios en la parte superior del plano estaban de masiado lejos de aquellos con departamen tos relacionados, lo que hizo necesaria una reorganización. Al final, el jurado declaró a Bénard arquitecto encargado de la ejecu ción de la obra. El plan de Bénard recibió el nombre en có digo apropiado de “Roma” para la compe tencia.

El plan conjuraba una ciudad de edificios parisinos organizados a lo largo de una ex planada inclinada. El eje continuaba fuera del campus a través de un acceso preexis tente conocido como University Avenue, que conducía directamente a la bahía. Su eje este-oeste incluía una explanada cua drada arbolada y un jardín formal. Su plan contenía muchos tamaños y formas diferen tes de edificios, con cúpulas, patios, torres y diferentes estilos de techo, en lugar de hile ras de edificios del mismo tamaño y forma.

Su plan hizo un uso elegante de Charter Hill, con escaleras y edificios que se abrían paso hasta un monumento en la parte superior. Además, a diferencia de la mayoría de los otros planes, ya diferencia del campus ac tual, ofrecía una vista de la colina desde puntos estratégicos del campus central.

Emile Bénard se negó a ser nombrado ar quitecto supervisor y en 1901 se le ofreció el puesto a John Galen Howard, el cuarto ganador del concurso.

Aunque se ordenó a Howard que ejecuta ra el plan de Bénard sin ninguna desviación sustancial, hizo modificaciones significativas hasta que el plan fue más suyo que de Bé nard. Sin embargo, Howard fue leal al ca rácter Beaux-Arts del plan de Bénard.

La competencia trajo a Berkeley no solo un plan de construcción, sino también noto riedad mundial. The London Spectator es cribió: “A primera vista, este es un gran es quema, que recuerda una de esas famosas competiciones en Italia en las que partici paron Brunelleschi y Miguel Ángel.

La concepción honra a la naciente ciuda danía de los estados del Pacífico. . ..” en la Universidad de Oxford, que en ese momen to estaba corto de fondos, un orador latino dijo: “Se trae un informe de que en California ya se ha establecido una universidad equi pada con recursos tan grandes que incluso a los arquitectos (una clase de hombres lu josos) se les ha dado permiso completo”. se ha dado sin escatimar en gastos.

En medio de las colinas más agradables en un sitio elevado, dominando una amplia vis ta al mar, se colocará un hogar de la Cien cia Universal y un asiento de las musas.

Carlos Obregón Santacilia

Nacimiento 5 de noviembre de 1896 Ciudad de México

Fallecimiento24 de septiembre de 1961 Ciudad de Méxicoco.

Santacilia nació en México el 5 de noviem bre, bisnieto de Benito Juárez estudió en la UNAM donde también fue profesor y publi có algunas obras como El maquinismo, la vida y la arquitectura (1939), México como eje de las antiguas arquitecturas de Méxi co (1947) y Cincuenta años de arquitectura mexicana (1952) entre otros.

Arquitectura moderna, art decó, neoco lonial y tendencia nacionalista fueron los movimientos en los que se ubicó su trabajo arquitectónico. En 1920 México se inundó de la influencia Art Decó. Algunos de estos edificios se van con los temblores y otros re sisten a ello, pero las construcciones conti núan dando vida a la ciudad.

La Colonia Tabacalera, Hipódromo Con desa entre otras delegaciones albergaron el estilo en muchas de sus construcciones como con el Edificio Basurto, Edificio El Moro, Monumento a la Revolución, Plaza Popoca tépetl, Frontón México, Edificio Picadilly y Edificio de la Alianza Ferrocarrilera.

Formas vegetales, formas geométricas, mezcla de estilos y lujos, eso fue el Art Decó en México. Los edificios se caracterizan su dinamismo, marquesinas con grecas, textu ras y acabados diversos junto con más geo metría. Los edificios se iluminaron de rayas, triángulos, círculos y espirales.

El monumento a la revolución fue de sus obras arquitectónicas más importantes y actualmente es uno de los monumentos más emblemáticos de la Ciudad de Méxi co. Distinguido por su altura y estructura ori ginal. El clásico de la colonia Tabacalera al berga el Museo Nacional de las Revolución y un público que gusta de ir a mojarse en la fuente, así como cantar y bailar en sus alre dedores.

Un color café claro y ventanas cuadradas es lo que define al lugar en su exterior. La obra de Santacilia es un legado arquitectó nico y cultural en la Ciudad de México que persiste en la actualidad.

Carlos Obregón Santacilia tuvo también una actividad importante en el sector gre mial, pues en tres ocasiones le correspondió por voto estar al frente de la presidencia de la Sociedad de Arquitectos Mexicanos.

En septiembre de 1961 falleció en la ciudad de México víctima del cáncer.

Amigo de grandes intelectuales y artistas de su época, la ausencia física de Carlos Obre gón Santacilia fue motivo de homenajes muy sentidos.

Pablo Neruda, el gran poeta y escritor chile no, al enterarse de su fallecimiento le rindió homenaje como sólo un poeta puede ha cerlo: con un poema, del cual se transcribe un fragmento:

Ha muerto éste mi amigo que se llamaba Carlos, no importa quién, no pregunten, no saben, tenía la bondad del buen pan en la mesa y un aire melancólico de caballero herido.

…

Es posible conocer toda la obra arquitectó nica de Santacilia en una visita por el Cen tro de la Ciudad de México. El edificio Guar diola fue construido en 1947 y se encuentra a un costado de la Torre Latinoamericana, actualmente pertenece al Banco de Méxi co y su estructura está concebida a partir de dos ejes de simetría.

Escribo estas palabras en mi libro pensando que este desnudo adiós en que no está presente, esta carta sencilla que no tiene respuesta no es nada sino polvo, nube, tinta, palabras y la única verdad es que mi amigo ha muerto.

Entre sus obras cabe destacar:

Pabellón de México para la Exposición Mundial de Río de Janeiro de 1922 Centro Educativo Benito Juárez (1922)

Remodelación del Edificio de Relaciones Exteriores en Av. Juárez (ya desaparecido) (1923)

Remodelación del edificio del Banco de México (1928)

Secretaría de Salubridad y Asistencia (1929)

Casa Gómez Morín (1931)

Casa unifamiliar (1930), propiedad de Obregón Santacilia

Hotel del Prado (en colaboración con Ma rio Pani Darqui) (1933) y destruido durante el Terremoto de 1985

Hotel Reforma (en colaboración con el Mario Pani Darqui) (1934)

Monumento a la Revolución (1938)

Oficinas centrales del Instituto Mexicano del Seguro Social (1940)

Edificio Guardiola (1947)

Oliverio Martínez

México

1901 - 1938

Nació en Piedras Negras, Coahuila, en el seno de una familia numerosa. Realizó sus estudios preparatorios en la Ciudad de Mé xico y, cuando tenía 24 años, se trasladó a Nueva York donde trabajó en la oficina de los Ferrocarriles Mexicanos.

Dos años después, regresó a la Ciudad de México e ingresó, en 1927, a la Escuela Na cional de Bellas Artes con la finalidad de es tudiar escultura.

Su paso por la academia fue breve, sin em bargo, este tiempo fue suficiente para ad quirir los conocimientos formales de la dis ciplina e iniciar una corta pero fructífera producción plástica que culminaría con las esculturas que realizó para el Monumento a la Revolución.

Al año de ingresar en la ENBA, ganó el con curso convocado por Alfredo Ramos Mar tínez y expuso en el patio principal de esta institución.

Al mismo tiempo ingresó al taller particular de su maestro, José María Fernández Urbi na, y realizó, en 1930, su primer monumento público dedicado al aviador Emilio Carran za.

En 1933 participó en el concurso para reali zar los motivos escultóricos del Monumento a la Revolución y su proyectó resultó gana dor.

Los grupos escultóricos que elaboró, entre 1934 y 1038, giraron en torno a cuatro ejes: la Independencia, las Leyes Obreras, las Le yes de Reforma y las Leyes Agrarias. En este corto periodo de tiempo realizó también obra de pequeño formato y se desempeñó como ayudante y maestro del taller “E” en la Escuela de Escultura y Talla Directa.

Oliverio Martínez falleció el 12 de enero de 1938 durante una intervención quirúrgica, en el Hospital para Tuberculosos de Huipul co, Tlalpan. Su legado para la plástica mexi cana es invaluable.

uentes: https://hmn.wiki/es/%C3%89mile_B%C3%A9nard https://inba.gob.mx/ http://www.mrm.mx/ https://www.cultura.gob.mx

Fuentes: (mayo 2013). MUNAL. CDMX, México: munalmx. Recuperado de munal.mx Redacción. (febrero 2016). Frontón México. La catedral de la pelota vasca, 1929. Relatos e Historias en México (No. 90). Ver sión digital disponible en: relatosehistorias.mx

“La arquitectura en el engranaje contemporáneo”; Sinopsis, año IX, 148, enero de 1958.

“Cuatro tiempos en la fisonomía de la ciudad de México”. Re vista Difusión Cultural de México, septiembre-octubre de 1957. México como eje de las antiguas arquitecturas de América, Editorial Atlante, México, 1947.

El Art Decó en Ciudad de México Retrospectiva de un movimiento arquitectónico Texto: Carolina Magaña Fajardo Fotografías: Paulina Lavista y Carolina Magaña Fajardo 2019, Siglo XXI Editores, Universidad Anáhuac, Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, México ISBN: 978-607-8566-41-9 192 páginas

Literatura

Características del minimalismo literario

El minimalismo literario tiene una serie de rasgos distintivos que lo convierten en una forma de escritura reconocible. A continua ción, se exponen algunas de las caracterís ticas comunes que se observan en las obras del minimalismo literario:

Frases cortas: A diferencia del estilo de es critura maximalista, la literatura minimalista suele basarse en frases cortas que se estruc turan de forma muy sencilla.

Menos, es más: Los escritores minimalistas tienden a escribir de forma sucinta, sin uti lizar excesivamente adjetivos y adverbios. Esta brevedad, tanto en la estructura como en la descripción, da lugar a una obra llena de matices que permite al lector extraer sus propias interpretaciones del texto.

Premisa simplista. Las novelas minimalistas suelen evitar las tramas intrincadas y se cen tran en temas más emotivos y en el desarro llo de los personajes. Si bien las relaciones entre los personajes pueden tener varias capas, las premisas en sí suelen ser más sen cillas.

Ernest Hemingway

El Premio Nobel de Literatura 1954

Nacimiento: 21 de julio de 1899, Oak Park, IL, EE. UU.

Fecha de defunción: 2 de julio de 1961 Ket chum, ID, EE. UU.

Residencia en el momento de la adjudica ción: EE.UU.

Motivo del premio: “por su dominio del arte de la narrativa, demostrado más reciente mente en El viejo y el mar, y por la influencia que ha ejercido en el estilo contemporá neo”.

Idioma: inglés

Ernest Hemingway nació en Oak Park, Illinois. Cuando tenía 17 años, comenzó su carrera como escritor en la oficina de un periódico en Kansas City. Después de que Estados Uni dos entró en la Primera Guerra Mundial, se unió a una unidad de ambulancia volunta ria en el ejército italiano.

Después de su regreso a los EE. UU., se con virtió en reportero de periódicos estadouni denses y pronto fue enviado de regreso a Europa.

Cubrió muchos eventos históricos como la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial, incluida la liberación de París. En 1954, sobrevivió a dos accidentes de avión que le causaron fuertes dolores por el resto de su vida.

Trabajo

Entre 1925 y 1929, Ernest Hemingway escri bió algunas de sus principales obras, como In Our Time (1924), The Sun Also Rises (1926) y A Farewell to Arms (1929).

Su prosa sucinta y lúcida tuvo una poderosa influencia en la ficción del siglo XX. Las obras de Hemingway exploran el amor, la guerra, el desierto y la pérdida.

El tema de la emasculación también pre valece en sus obras, sobre todo en The Sun Also Rises . En 1952, publicó El viejo y el mar , obra que fue elogiada por la Academia Sueca al otorgarle el Premio Nobel.

Ernest Hemingway pertenece al movimien to de “The Lost Generation” o Generación Perdida, nombre que recibió un grupo de notables escritores norteamericanos que vivieron en París y en otras ciudades euro peas en el periodo que va desde el final de la Primera Guerra Mundial hasta la Gran De presión.

Los autores que forman la generación per dida tienen en común el interés y la aten ción que prestan a la problemática social. Se centraron en la sociedad norteamerica na de su época, y van a reflejar con dureza esos aspectos sociales.

El contexto histórico y cultural de esta ge neración de escritores estadounidenses se centra en el clima de pesimismo y descon cierto que siguió a la Primera Guerra Mun dial.

Ellos se refugiaron en Europa por la frustra ción ante el panorama cultural de su país y así fue como describieron la inutilidad y la crueldad de la guerra, los felices años vein te, la era del jazz, la depresión económica y la sociedad norteamericana en general. La crisis moral que vivieron estos autores se re laciona con la crisis literaria, lo que les llevó a buscar nuevas formas de expresión.

Estos autores eran de la clase media esta dounidense y encontraron en el arte el me dio de romper con su clase conformista a través del liberalismo y el radicalismo. Fue por eso que no siguieron con los modelos de los escritores estadounidenses anteriores y esperaban reafirmarse con los intelectua les europeos.

El hecho fue que encontraron una Europa enloquecida y los intelectuales —también pertenecientes a la clase media— desmo ralizados. Esto hizo que se entregaran con pasión a la acción política y a experi mentar sensaciones límite.

The Sun Also Rises (1926) fue la primera no vela seria de Hemingway que utilizó frases cortas y diálogos.

El viejo y el mar (1952) también se considera un ejemplo de “narración desnuda”, en la que Hemingway utiliza un lenguaje sencillo y directo para transmitir al lector una narra ción breve pero emotiva en este cuento mi nimalista. Además, In Our Time (1925) es una colección de cuentos de Hemingway que ejemplifica el estilo minimalista.

“El viejo y el mar”

Una de las historias más grandes jamás con tadas.

En esta nueva y magistral traducción de Miguel Temprano García, El viejo y el mar recobra todo el esplendor del clásico impe recedero que le valió el Premio Pulitzer de 1953 a Ernest Hemingway.

Con un lenguaje de gran fuerza y sencillez, El viejo y el mar narra la historia de un viejo pescador cubano a quien la suerte parece haber abandonado, y del desafío mayús culo al que se enfrenta: la batalla despia dada y sin tregua con un pez gigantesco en las aguas del golfo.

Escrito en 1952, por encargo de la revista Life, este relato lo confirmó como uno de los escritores más significativos del siglo XX, obteniendo el Premio Pulitzer en 1953 y alla nando su carrera hacia el Nobel de Literatu ra, que recibió en 1954.

Por quién doblan las campanas es una de las novelas más populares del Premio Nobel de Literatura Ernest Hemingway. Ambien tada en la guerra civil española, la obra es una bella historia de amor y muerte que se ha convertido en un clásico de nuestro tiempo.

En los tupidos bosques de pinos de una re gión montañosa española, un grupo de mi licianos se dispone a volar un puente esen cial para la ofensiva republicana.

La acción cortará las comunicaciones por carretera y evitará el contraataque de los sublevados.

Robert Jordan, un joven voluntario de las Bri gadas Internacionales es el dinamitero ex perto que ha venido a España para llevar a cabo esta misión.

En las montañas descubrirá los peligros y la intensa camaradería de la guerra. Y descu brirá también a María, una joven rescatada por los milicianos de manos de las fuerzas sublevadas de Franco, de la cual se ena morará enseguida.

Una de las grandes novelas del Premio No bel de Literatura Ernest Hemingway, am bientada en Pamplona.

Esta hermosa y punzante historia narra la ex cursión a Pamplona de un grupo de ame ricanos e ingleses exiliados en París en los años veinte, donde se reencuentran la se ductora Brett Ashley y el desventurado Jake Barnes, que durante la Primera Guerra Mun dial vivieron un amor genuino e irrealizable.

El ambiente del París rive gauche y las des cripciones de las corridas de toros en Espa ña, brutalmente realistas, son la metáfora de una era de bancarrota moral, amores imposibles e ilusiones perdidas.

La mítica última novela del Premio Nobel de Literatura Ernest Hemingway.

Publicada póstumamente en 1964, París era una fiesta es la obra más personal y revela dora de Hemingway, quien, ya en el crepús culo de su vida, narra aquí los dorados, sal vajes y fructíferos años de su juventud en el París de los años veinte, en compañía de es critores como Scott Fitzgerald o Ezra Pound, la llamada «generación perdida», según la popular denominación acuñada en aque lla época por Gertrude Stein, mítica madri na del grupo.

Crónica de la formación de un joven escri tor, retrato de una ciudad perdida, oda a la amistad y verdadero testamento literario, París era una fiesta es uno de los libros ca pitales para entender el siglo XX, así como el universo y la personalidad de uno de sus más grandes creadores.

Una inolvidable historia de amor entre una enfermera y un joven soldado idealista en la Italia de la I Guerra Mundial.

Por el Premio Nobel de Literatura Ernest He mingway.

No amaba a Catherine Barkley, ni se le ocu rría que pudiera amarla. Aquello era como el bridge, un juego donde te largas a hablar en vez de manejar las cartas. Eso pensaba el teniente americano Frederic Henry, con ductor de ambulancias en el frente italiano durante la Primera Guerra Mundial, al poco de conocer a esta bella enfermera británi ca. Lo que parecía un juego se convirtió en pasión intensa, mientras la guerra lo arrasa ba todo y los hombres desfilaban bajo la llu via, agotados y hambrientos, sin pensar más que en huir de la muerte.

Inspirada en las vivencias de Hemingway, Adiós a las armas es ya un clásico de la lite ratura universal y uno de los mejores retratos de la voluntad humana.

Los cuentos de Ernest Hemingway no son sólo lo mejor de su obra, sino también fun damentales para entender el siglo.

«Lo mejor y más vivo de su obra [fueron] sus magníficos libros de relatos, recopilados por Lumen en un tomo directamente impres cindible. [...] Con una prosa tersa y directa, muestran que Hemingway fue un maestro. [...] Una pequeña obra maestra.»

Esta edición recupera la recopilación que el propio Hemingway hiciera de todos sus cuentos en 1938, conocida como Los cua renta y nueve primeros cuentos, donde se encuentran relatos tan magistrales como «Los asesinos», «Las nieves del Kilimanjaro» o «Padres e hijos».

El mundo estético y moral de Hemingway se encuentra aquí destilado, seco, sobrio, ce gador, latente. La caza, la pesca, el boxeo, la guerra, el alcohol, el deseo o la derrota son algunos de los materiales con que se construye esta obra cuyo aliento perdura con un vigor insospechado.

Obras

Cuentos

Tres relatos y diez poemas (Three Stories and Ten Poems, 1923)

En nuestro tiempo (In Our Time, 1925)

Hombres sin mujeres (Men Without Women, 1927)

El ganador no se lleva nada (Winner take Nothing, 1933)

La quinta columna y los primeros cuarenta y nueve relatos (The Fifth Column and the First Forty-Nine Stories, 1938).

Las nieves del Kilimanjaro (The Snows of Kilimanjaro, 1961). Compilación de diez relatos incluidos en La quinta colum na y los primeros cuarenta y nueve relatos.

La quinta columna y cuatro historias de la guerra civil espa ñola (The Fifth Column and Four Stories of the Spanish Civil War, 1969)

Nick Adams (The Nick Adams Stories, 1972)

The Complete Short Stories of Ernest Hemingway (1987)

Ernest Hemingway: The Collected Stories (1995)

Novelas

The Torrents of Spring (1926). Aguas primaverales (1946). Traductor; Romero, Enrique. Publicación; Barcelona: Albón. The Sun Also Rises (1926). Fiesta (1946). Traductores; Mora Guarnido, José, Hausner, John E. Publicación; Buenos Aires : Santiago Rueda, imp. 1944.

A Farewell to Arms (1929). Adiós a las armas (1963). Traduc tor; Horta, Joaquín. Publicación; Barcelona : Luis de Caralt, [1963 (Guada]).

To Have and Have Not (1937). Tener y no tener (1970). Tra ductor; Ibarzábal, Pedro. Publicación; Barcelona : EDHASA, 1970.

For Whom the Bell Tolls (1940). Por quién doblan las campa nas (1972). Traductor; Lola de Aguado. Publicación; Barce lona : Planeta, 1972.

Across the River and into the Trees (1950). Al otro lado del río y entre los árboles [(1978), segunda edición]. Traductor; Gurrea, Manuel. Publicación; Barcelona : Planeta, 1978.

The Old Man and the Sea (1952). El viejo y el mar (1965). Publicación; México, D.F. : Selecciones, 1965.

Islands in the Stream (1970). Islas a la deriva (1972). Traduc tora; Rowe, Mary. Publicación; Barcelona : Seix Barral, 1972. The Garden of Eden (1986) El jardín del Edén (1986) Traduc tor; Girona, Pilar Giralt. Publicación; Barcelona : Planeta, 1986.

True at First Light (1999). Al romper El alba (1999). Traductor; Corugedo, Fernando González. Publicación; Barcelona: Planeta, 1999.

Otros

Muerte en la tarde (Death in the Afternoon, 1932) París era una fiesta (A Moveable Feast, 1964) El verano peligroso (The Dangerous Summer, 1985)

Samuel Beckett

En la obra Esperando a Godot (1953), Bec kett crea toda una narrativa existencial con dos personajes que contemplan sus días, mientras esperan que aparezca un misterio so hombre llamado Godot. Al final, Godot nunca llega y su identidad no se revela

SAMUEL BECKETT

(1906-1989)

Samuel Bareluy Beckett nacio el 13 de abril del año 1906 en la localidad de Foxrock, Du blín (Irlanda), en el seno de una adinerada familia de creencias protestantes, siendo su madre Mary Roe enfermera y su padre Bill Beckett aparejador.

En el año 1920, Samuel acudió al Portora Ro yal School y tres años después se matriculó en el Trinity College, en donde estudió fran cés e italiano, graduándose en el año 1927.

Ejerció la docencia en Belfast antes de acu dir en 1928 a la ciudad de París, en donde actuó como lector de Lengua y Literatura Inglesa en la Ecole Normale Supérieure.

En este período, Beckett inició una estrecha amistad con otro ilustre escritor irlandés, Ja mes Joyce, al mismo tiempo que se ilustra ba con textos filosóficos de René Descartes y Arthur Schopenhauer.

Su carrera como literato se inició en el ámbi to de la poesía, escribiendo “Whoroscope” (1930).

En el año 1931 Beckett redactó un ensayo literario sobre la figura de Marcel Proust. Por esa época viajó por diversos países de Europa, entre ellos Alemania e Inglaterra.

Su primer cuento fue “Belacqua En Dublín” (1934).

Más tarde publicó la novela “Murphy” (1938).

A finales de los años 30, concretamente en 1938, fue apuñalado por un delincuente parisino.

En esa época conoció a Suzanne Desche vaux-Dusmesnil, muchacha francesa con quien comenzó una relación sentimental que terminó en boda en el año 1961.

A partir de mediados de los años 40, Becke tt escribió preferentemente en idioma fran cés.

Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, con Francia fue ocupada por el ejército nazi, Samuel apoyó la Resistencia Francesa y fue perseguido por la Gestapo.

En este período escribió la novela “Watt”, un libro que no vio la luz hasta los años 50. Lo mismo pasó con “Mercier y Camier”, no vela humorística escrita en 1946 que no fue publicada hasta la década de los 70.

Tras el conflicto bélico publicó novelas como…

“Molloy” (1951), importante novela con dos capítulos, el primero narrado por Molloy y el segundo por el detective Jacques Moran “Malone Muere” (1951)

“El Innombrable” (1953) “Como Es” (1961) …

Su texto revelación fue la obra teatral “Es perando A Godot” (1952), su segundo escri to teatral tras “Eleutheria” (1947).

Con “Esperando a Godot” el escritor irlan dés se convirtió, junto al rumano Eugene Io nesco, como puntal del teatro del absurdo, reflejando la alienación y angustia del indi viduo, el pesimismo vital y la soledad exis tencial con una disposición ilógica y gro tesca que rompía los cánones previos de la escena tradicional.

El 5 de enero de 1953 la obra fue represen tada por primera vez por Roger Blin.

Con posterioridad, aparecieron trabajos como “Fin De Partida” (1957), “La Última Cinta” (1959), “Los Días Felices” (1961), o “Acto Sin Palabras” (1962).

En el año 1969 le fue concedido el Premio Nobel de Literatura.

Beckett no acudió a recibir el galardón. Después de este premio, el autor irlandés es cribió títulos como…

“No Yo” (1973) “Mercier y Camier” (1974) “That Time” (1976) “Footfall” (1976) “Compañía” (1980) …

Además de novelas, ensayos y obras de teatro, Samuel Beckett, que padeció la en fermedad de Parkinson en los últimos años de su vida, también escribió libros de poe sía.

Murió en París (Francia) el 22 de diciembre de 1989 a causa de una insuficiencia respi ratoria.

Tenía 83 años.

Está enterrado en el cementerio de Mon tparnasse.

No tuvo hijos.

Tras su fallecimiento se publicó su primera novela, “Sueño Con Mujeres Que Ni Fú Ni Fá”, un libro escrito en 1932 que fue editado póstumamente.

Cuando en 1953 se estrenó en París Espe rando a Godot, pocos sabían quién era Samuel Beckett, salvo, quizá, los que ya lo conocías como ex secretario de otro irlan dés no menos genial: James Joyce.

Por aquellas fechas, Beckett tenía escrita ya gran parte de su obra literaria; sin embargo, para muchos pasó a ser «el autor de Espe rando a Godot». Se dice que, desde aque lla primera puesta en escena —que causó estupefacción y obtuvo tanto éxito— hasta nuestros días, no ha habido año en que, en algún lugar del planeta, no se haya repre sentado Esperando a Godot.

El propio Beckett comentó en cierta oca sión, poco después de recibir el Premio No bel de Literatura en 1969, que Esperando a Godot era una obra «horriblemente cómi ca».

Sí, todo lo horriblemente cómica que pue de resultar la situación de dos seres cuya grotesca vida se funda en la vana espera de ese ser al que llaman Godot.

Un texto poético correspondiente al perio do de madurez de Samuel Beckett que, en esta edición, se presenta por primera vez en castellano tanto en sus versiones originales (francés, inglés) como en las traducciones correspondientes de estas lenguas.

Se trata de un texto profundamente expe rimental en donde Beckett jugó con el azar para la composición de este.

Con El innombrable se cierra la gran trilogía iniciada con “Mohillo” y continuada con “Malone muere” -ambas publicadas asimis mo en esta colección-, punto culminante del largo proceso de desintegración y pér dida del yo a través del cual los personajes de Samuel Beckett (1906-1989) quedan re ducidos al discurso inconexo de una con ciencia separada del mundo exterior y di sociada incluso de su propia base corporal.

“Los días felices” es una pieza clave en el teatro de Beckett, que, continuando el pro ceso de depuración escénica de sus obras precedentes, presenta también caracterís ticas fundamentales de sus piezas posterio res. Winnie, torturada por una luz cegadora y semienterrada en un montículo calcinado, se arropa en un ritual de gestos cotidianos y encuentra siempre motivos, por insignifican tes que éstos sean, para considerar sus días felices.

Alegoría grotesca y patética de la impoten cia humana, el ente anónimo, paralítico e informe que monologa de manera obsesiva a lo largo de las páginas de la novela arras tra una existencia puramente vegetativa, condenado por siempre a escuchar el reso nar incesante de su propia voz.

Nadie ha logrado expresar con tanta fuerza -señala Frederich R. Kari en las páginas que sirven de prólogo a esta edición- la deses peración de una época que pone en duda no sólo ya el sentido de la existencia, sino incluso su misma realidad.

Con motivo del centenario del nacimiento de Samuel Beckett, Tusquets Editores publi ca en un solo volumen las principales obras teatrales de este autor.

Así reunidas, se aprecia no sólo con nitidez la evolución de su obra, sino que también se comprende el eco y la importancia que ha tenido y tiene Beckett no sólo en el tea tro contemporáneo sino también en nues tra concepción del mundo.

En Eleutheria, la primera pieza teatral de Beckett, escrita en 1947 pero que no vio la luz hasta 1995, Beckett somete todos los ingredientes del teatro convencional ya a una profunda remodelación: el protagonis ta, Victor Krap, ha abandonado su trabajo y a su familia y se ha recluido en una pensión a fin de alcanzar una imposible libertad.

fundan en la absurda y vana espera de ese ser llamado Godot.

Fin de partida, puesta por primera vez en escena en 1957, da un paso más hacia la devastación: sus personajes –Hamm, tullido y ciego, y Clov, Nagg y Nell– ya no esperan nada; el tiempo se ha detenido.

Estas tres obras fundamentales en la historia del teatro contemporáneo se complemen tan con las piezas, de menor extensión, que componen el volumen Pavesas, con textos tan conocidos como «Comedia», «La última cinta de Krapp» o «Acto sin palabras», a las que se añaden guiones radiofónicos y de películas, como Film.

Obras

Teatro

Eleutheria (escrita en 1947; publicada en 1995)

Esperando a Godot (1952)

Acto sin palabras (en inglés Act Without Words, 1956)

Final de partida (1957)

La última cinta (Krapp’s last tape, fue escrita en inglés y adaptada por Beckett al francés como La dernière bande, 1958)

Rough for Theatre I (finales de la década de 1950)

Rough for Theatre II (finales de la década de 1950)

Los días felices (Happy days fue escrita en in glés y luego traducida al francés por Beckett como Oh les beaux jours, 1960)

Play (1963)

A su vez, Esperando a Godot, estrenada en 1953, causó un impacto que no ha vuelto a repetirse en el mundo teatral; en ella descri be la situación de dos seres –Vladimir y Es tragón– cuya vida y grotesta solidaridad se

Come and Go (1965) Breath (estreno, 1969) Not I (1972) That Time (1975) Footfalls (1975)

A Piece of Monologue (1980)

Rockaby (1981)

Ohio Impromptu (1981)

Catastrophe (dedicada a Václav Havel, 1982)

What Where (1983)

Narración Novelas

Dream of Fair to Middling Women (1932; pu blicada en 1992)

Murphy (en inglés, 1938)

Watt (1945, en inglés, publicada en 1953) Mercier and Camier (1946, en inglés; publica da 1974)

Molloy (1951) Malone muere (1951)

El Innombrable (1953) Cómo es (experimento literario radical, 1961)

Novela corta

The Expelled (1946)

The Calmative (1946)

The End (1946)

The Lost Ones (1971) Compañía (1979) Ill Seen Ill Said (1981) Worstward Ho (1984)

Cuento

More Pricks Than Kicks (1934) Stories and Texts for Nothing (1954)

Primer amor (sketch de cine cómico mudo, 1973)

Fizzles (1976) Stirrings Still (1988)

Poesía

Whoroscope (1930)

Echo’s Bones and other Precipitates (1935)

Collected Poems in English (1961)

Collected Poems in English and French (1977) What is the Word (1989)

Ensayos, coloquios

Proust (1931)

Three Dialogues (con Georges Duthuit y Jac ques Putnam) (1958) Disjecta (1983)

Traducciones (Además de gran parte de su propia obra)

Negro: an Anthology (Nancy Cunard, editora (1934)

Anna Livia Plurabelle (de James Joyce, tra ducción al francés por Beckett y otros) (1931) Anthology of Mexican Poems (Octavio Paz, editor) (1958)

The Old Tune (Robert Pinget) (1963) What Is Surrealism: Selected Essays (André Breton) Radio All That Fall (1956) From an Abandoned Work (1957) Pavesas (Embers, fue escrita en inglés, versión francesa por Robert Pinget y el propio Becke tt, titulada: Cendres, 1959)

Rough for Radio I (1961)

Rough for Radio II (1961) Words and Music (1961) Cascando (1962)

Filmografía Cine

Film 1964, (rodada por Alan Schneider, cuyo actor principal es Buster Keaton)

Televisión

Eh Joe (pieza escrita para la BBC y presenta da en 1966, se ha representado también en teatro)

Ghost Trio (1975) ... but the clouds... (1976) Quad (1981) Nacht und Träume (1982)

Alba

antes de que amanezca aquí estarás y Dante y el Logos y todos los estratos y misterios y la luna marcada allende el blanco plano de la música que establezcas aquí antes del alba solemne suave seda cantarina inclínate hacia el negro firmamento de areca lluvia sobre bambúes flor de humo callejuela de sauces

quienes aunque te inclines con dedos compasivos para abonar el polvo en nada aumentarán tu generosidad cuya belleza ante mí será como un sudario informe de sí misma que se extiende sobre la tempestad de los emblemas de modo que no hay sol ni hay revelaciones ni víctima tampoco yo solamente y el sudario luego y un bulto muerto ya

FUENTES:

Baker, Carlos. (1969). Ernest Hemingway: A Life Story. New York: Charles Scribner’s Sons. ISBN 978-0-02-001690-8 Benson, Jackson. (1975). The Short Stories of Ernest Hemingway: Critical Essays. Durham: Duke UP. ISBN 978-0-8223-0320-6 Fiedler, Leslie. (1975). Love and Death in the American Novel. New York: Stein and Day. ISBN 978-0-8128-1799-7 Mellow, James. (1992). Hemingway: A Life Without Consequences. Boston: Houghton Mifflin. ISBN 978-0-395-37777-2 «Fathoms from Anywhere - A Samuel Beckett Centenary Exhibition». Archivado desde el original el 13 de octubre de 2007. Rónán McDonald, ed., The Cambridge Introduction to Samuel Beckett, Cambridge University Press, Cambridge, 2007, p. 17, en Google Books «Web Premio Formentor». www.epdlp.com. Consultado el 12 de julio de 2020. Trad. libre Knowlson (Bloomsbury), p. 62 citado por Rodríguez-Gago, p. 9 /www.todostuslibros.com/

Samuel Beckett.

Por @gh

El comic, ejemplificativo del art Deco.

El diseñador gráfico Greg Guillemin, creó una serie de héroes del comic, como Batman, Hellboy o Iron Man, con diferentes estilos artísticos del siglo XX, como el Art Decó o la Bauhaus.

Art Deco fue ampliamente utilizado en los cómics de ciencia ficción en las décadas de 1950 y 1960 para representar ciudades futuristas en otros planetas:

•Wayne Boring mostraba regularmente el planeta natal de Superman, Krypton, en un estilo Moderne Deco en Superman.

•George Papp usó Deco para casas krypto nianas en Superboy, y una vez para el pla neta Xanthu en The Legion of Super-Heroes.

•Gran parte del magnífico arte futurista en los notables cómics de ciencia ficción Mys tery in Space y Strange Adventures se basó en Deco.

•Carmine Infantino creó edificios Deco y paisajes urbanos para The Flash y el planeta Rann en Adam Strange.

•Jim Mooney usó Deco para las futuras aventuras de Tommy Tomorrow, y también para una futura ciudad de Nueva York en The Space Ranger.

Tales artistas a menudo también creaban interiores, muebles y maquinaria Deco. Si bien esta arquitectura era puramente ima ginaria, que consistía únicamente en ilustra ciones en un cómic, sin embargo, era rica mente inventiva.

Antes de esto:

•Alex Raymond había usado Art Deco para crear ciudades en el espacio exterior en su influyente tira cómica de 1930, Flash Gor don.

El trabajo de Raymond parece directamen te ancestral del de Carmine Infantino, por ejemplo, y también fue una fuerte influencia para el dibujante de cómics Murphy Ander

son.

•Joe Shuster (el artista que creó Superman con el escritor Jerry Siegel) hizo eco del es tilo Skyscraper Deco en los imponentes ras cacielos que dibujó en Federal Men y Slam Bradley en la década de 1930.

•Don Lynch creó un barco Art Deco (1939) para Steve Malone, fiscal de distrito.

•La ciudad de alta tecnología de 1940 de Alonzo Vincent en Calling 2-R está influen ciada por Deco.

•Tanto Raymond como Deco son influen cias en la visión de 1940 de Jack Kirby sobre una civilización avanzada en Blue Bolt.

•Ambos artistas, Martin Nodell y Paul Rein man, incluyeron edificios Art Deco en la dé cada de 1940 en Green Lantern.

•Harris Levy usó Deco en sus historias Air Wave de finales de la década de 1940.

•También se pueden ver edificios Art Deco a fines de la década de 1940 en Rick Ri chards. Estas son casas prefabricadas.

•El artista que firmó a sí mismo “CAIII” tam bién utilizó Deco para su diseño de van guardia en X-Venture a fines de la década de 1940.

•Manny Stallman usó Deco para el exterior del edificio del periódico del héroe (1952) en Big Town.

Parece extraño que, a medida que el Art Deco se volvió menos utilizado en la vida real, a partir de finales de la década de 1940, su uso se disparó en los cómics.

La gente tiende a subestimar la arquitectura de los cómics. Probablemente hay más edi ficios Art Deco en los cómics que los que se

han construido en la vida real, por ejemplo. Muchos son más grandes e inusuales que muchas estructuras Deco del mundo real. La arquitectura de los cómics forma todo un mundo paralelo, un mundo alternativo de arquitectura. Una nota sobre el arte abstracto en el dise ño.

De alguna manera, Art Deco simplemente era arte abstracto, se extendió por toda la sociedad y entró en todos los aspectos de la vida diaria.

Las formas geométricas de De Stijl y el cons tructivismo se utilizaron para el diseño de muebles, vajillas, joyas y edificios Deco. Permearon construcciones de ingeniería, edificios públicos y viviendas. También estu vieron en numerosas películas, el primer mo vimiento de arte moderno que se difundió a través de los medios de comunicación. Más tarde, Deco también floreció ampliamente en los cómics.

En muchos sentidos, el reemplazo de Deco con Modernismo después de la Segunda Guerra Mundial fue un rechazo del arte abs tracto.

En cambio, todo tenía un diseño funcional. Eran rectángulos, es cierto, pero de una re gularidad monótona, rítmica. El otro estilo arquitectónico popular de la década de 1950, Suburbia, tampoco tenía raíces en el arte abstracto o Deco. En cambio, las casas se construyeron para que parecieran colo niales o rancheras.

Batman

Batman (inicialmente The Bat-Man) es un personaje creado por Bob Kane y Bill Finger, y apareció por primera vez en «El caso del sindicato químico», de la revista Detective Comics n.º 27, publicada en mayo de 1939 por la editorial National Publications.

Por su buena aceptación, obtuvo su pro pia revista en 1940 y apens 3 años después, Columbia Pictures estrenó la primera adap tación para la televisión del personaje, a la que le siguió la serie Batman y Robin, en 1949 y, por último, en 1960 se lanzó la clási ca serie Batman. Posteriormente, los escrito res Dennis O’Neil, Neal Adams y Frank Miller ampliaron el universo de Batman entre los años 1970 y 1980, y para hacerlo, retomaron el diseño y elementos originales de la fran quicia, lo que finalmente lo transformó en el ícono del cómic que es hoy.

Por supuesto, las películas de Tim Burton y la trilogía de Christopher Nolan terminaron por consagrar a este superhéroe sin superpode res. Pero dejemos este resumen hasta aquí y comencemos a revisar la historia de este maravilloso personaje de DC Comics.

La identidad secreta de Batman es Bruce Wayne, un empresario multimillonario y fi lántropo de Gotham City. Después de ser testigo del asesinato de sus padres cuando era niño, jura vengarse y combatir la delin cuencia para lo cual se somete a un riguro so entrenamiento físico y mental. Adopta el diseño de un murciélago para su vestimen ta, sus utensilios de combate y sus vehículos.

A diferencia de otros superhéroes, no tiene superpoderes y recurre a su intelecto, así como a aplicaciones científicas y tecnoló gicas para crear armas y herramientas con las cuales lleva a cabo sus actividades.

Vive en la mansión Wayne, en cuyos subte rráneos se encuentra la Batcave. Entre sus aliados se cuentan Robin, Batgirl (posterior mente Oráculo), Nightwing, el oficial James Gordon y su mayordomo, Alfred Pennywor th.

La década de 1960 fue una época salvaje y rocosa en la historia estadounidense, y eso también fue cierto en el mundo del Caba llero de la Noche, que enfrentó una grave caída en las ventas hasta que un éxito te levisivo de la nada revitalizó al personaje y expandió su mundo aún más.

Los nuevos fanáticos se sintieron atraídos por Batman y su familia de luchadores con tra el crimen, lo que proporcionó un bien venido escape de la agitación política y la guerra destructiva que sacudió a la nación. Pero quizás lo más significativo para los lec tores de DC fue el debut de un superequipo icónico...

Para derrotar a la estrella de mar alienígena Starro the Conquerer, Batman se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Liga de la Justicia de América en The Brave and the Bold #28 (febrero de 1960), luchan do junto a miembros del equipo que incluían a Wonder Woman, Flash, Superman, Aqua man., Martian Manhunter y Linterna Verde. Sin embargo, aunque los superequipos de cómics pueden haber estado despegando,

en 1964 las ventas de Batman y Detective Comics se estaban hundiendo, y la serie estaba en peligro de ser cancelada. Para detener la caída de las ventas, los libros se asignaron a la editora Julie Schwartz. Los di seños de Carmine Infantino dieron paso a un nuevo look para Batman.

Los cambios incluyeron un óvalo amarillo al rededor del bate en el pecho del héroe, un nuevo Batimóvil y una línea directa a la sede de la policía. Batwoman, Ace y Bat-Mite se retiraron y la atención se centró en las histo rias de crímenes y detectives. El mayordo mo fiel Alfred fue asesinado, la tía Harriet de Dick Grayson vino a vivir con Bruce y Dick, y se reintrodujeron criminales clásicos como Riddler y Scarecrow, que no se habían visto desde la década de 1940.

La extravagante y colorida serie de televi sión de Batman protagonizada por Adam West y Burt Ward hizo su debut el 12 de ene ro de 1966. Un gran éxito de audiencia que se transmitió con dos nuevos episodios cada semana, el programa generó una cantidad sin precedentes de juguetes y productos re lacionados, y también inspiró a una nueva

generación de fans de Batman. Las ventas de los cómics de Batman pronto se dispa raron.

Creada a pedido de los productores del programa de televisión de Batman, una nueva Batgirl hizo su debut en Detective Comics #359 (enero de 1967).

Se reveló como la hija adolescente del co misionado de policía de Gotham City, Ja mes Gordon, quien nunca supo que Bar bara se escapaba todas las noches para luchar contra el crimen. Por suerte, siempre llegaba a casa a tiempo para continuar sus estudios de psicología forense.

Después de que se cancelara la serie de te levisión de Batman en 1968, y a pesar del modesto éxito de una continuación anima da llamada The Batman/Superman Hour que se desarrolló entre 1968 y 1969, las ven tas de los cómics volvieron a caer.

En Batman # 217 en 1969, Dick Grayson se fue a la universidad y Bruce Wayne cerró Wayne Manor para mudarse a un ático, el primer paso en un movimiento para resta blecer una atmósfera de “regreso a lo bási co” para el personaje que continuaría a lo largo. gran parte de la próxima década. 1970.

A principios de la década de 1970, el Joker y el resto de Rogues Gallery estaban fuera de escena, al menos por un tiempo. Bat man operaba solo y confiaba en su ingenio, resolviendo misterios y luchando contra ma tones callejeros en callejones. Atrás queda ron los excesos y el campamento de la dé cada de 1960. Batman había regresado a su encarnación original: una figura sombría que atormentaba a Gotham por la noche e infundía miedo en los corazones de los cri minales.

1971 vio la llegada del misterioso y omnis ciente villano Ra’s al Ghul en Batman #232, escrito por el influyente bat-escriba Dennis O’Neil y dibujado por Neal Adams.

Con los años, el inmortal Ra’s al Ghul se con vertiría en una amenaza de clase mundial y en uno de los villanos más desafiantes de Batman.

O’Neil y Adams continuaron su carrera le gendaria con Batman # 251 en 1973, que reintrodujo al Joker como una amenaza vio lenta y asesina después de haber pasado las últimas décadas como bromista. En “The Joker’s Five-Way Revenge”, se sentaron las bases para la introducción del ahora icó nico Arkham Asylum, que haría su primera aparición (como Arkham Hospital) en Bat man #258.

El todavía amado Batman de la década de 1960 regresó a la televisión más de una década después cuando la serie animada Las nuevas aventuras de Batman se estrenó el 12 de febrero de 1977. Con las voces de Adam West y Burt Ward como el dúo diná mico, la serie continuó transmitiéndose bajo diferentes nombres hasta 1981.

http://mikegrost.com/artdeco.htm https://www.dccomics.com/

Screen Deco (1985) de Howard Mandelbaum y Eric Myers. Una mirada ricamente ilustrada a las películas de Hollywood con decorados Art Deco. Art Deco: El estilo europeo (1990) de Sarah Morgan. Una amplia historia que se concentra en el uso del Art Deco en el diseño de pequeños

objetos en Europa.

Art Decó

El término Art Decó alude a las artes deco rativas producidas en Europa y América en las décadas de 1920 y 1930. La denominación tiene su origen en la “Ex position Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes” celebrada en París en 1925.

El término “Art Deco” se utilizó para describir un estilo asociado a la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes celebra da en París en 1925.

A veces conocido como “Jazz Moderno” o sim plemente “Moderno”, fue un estilo popular que se extendió rápidamente a través del diseño y la arquitectura. Todo un éxito internacional, fue utilizado en la moda, la publicidad y el diseño, como una versión popular más suave y lujosa del Art Nouveau.

En arquitectura, el estilo se asoció con el ocio debido a su uso en hoteles, bares, cines y tran satlánticos, así como en el contexto más utilita rio de bancos, tiendas, edificios de viviendas, fábricas y estaciones de servicio.

A pesar de que la Exposición Internacional de París en 1900, había atraído a un gran número de visitantes, no se puede decir que Francia mostrara una gran innovación en las artes de corativas, debido a esto ya en 1905 los diseña dores franceses eran urgidos a abandonar la ornamentación orgánica del Art Nouveau.

La Société des Artistes-Décorateurs planificó una exposición dedicada exclusivamente a las artes fabricadas para 1915, pero debido a la Primera Guerra Mundial y la situación política y económica de Europa luego de ella, la exposi ción no tuvo lugar sino hasta 1925.

Las raíces del Art Deco se encuentran en la tradición artesanal y las artes decorativas fran cesas, y en Francia el “nuevo” estilo incorporó gran parte del pasado. El Art Deco es a menudo interpretado como una reacción formal contra las tendencias curvilíneas del Art Nouveau, so bre todo por su amplio uso de las formas recti líneas y la geometría en todos los géneros del diseño.

Después de la Primera Guerra Mundial, Francia experimentó lo que se ha denominado el “re torno al orden”, y el estilo Deco muestra un es tado de ánimo políticamente conservador, que insistía en la continuidad de las tradiciones na cionales tanto como en una novedad estilística.

A esto se agregó el uso de materiales y formas exóticas tanto como la adopción consciente de otras fuentes iconográficas: egipcias, mayas y de Oceanía, y las referencias importadas de los movimientos artísticos del momento, como el cubismo y el futurismo.

En la exposición de cuatro de las principales tiendas parisinas, Au Printemps, Bon Marche, Magasins du Louvre y las Galerías Lafayette, se establecieron pabellones especializados don de se promovía el trabajo de diseñadores con temporáneos. La tradicional élite parisina de alta costura fue una de las primeras en definir el nuevo estilo, en particular, el Atelier Martine, dirigida por Paul Poiret. Las casas de moda que ofrecían gamas de perfumes y cosméticos, que se vendían en envases de lujo llevaron el estilo Art Deco a un público mucho más amplio. Los diseños de moda que se vendían en boutiques y tiendas de lujo fueron muy influyentes en la di fusión del aprecio por el Art Deco.

En el diseño gráfico, el estilo Art Deco era una mezcla ecléctica donde predominaban las for mas rectilíneas y geométricas, las líneas en zig zag se tomaron tanto del baile popular asocia do al Charleston como de los zigurats de Egipto, país que recibió considerable atención tras el descubrimiento de la tumba de Tutankamón en 1922.

De hecho, gran parte de la obra gráfica aso ciada al Art Decó fue producida después de 1925, los “livres d’artistes” y los catálogos de ex hibición eran parte de una elegante tradición tipográfica francesa. A finales de 1920 se pro dujo un movimiento general hacia la utilización de grandes titulares en las cabeceras de las revistas y espaciados generosos con cenefas y motivos egipcios usados como decoración en los bordes. Como ejemplo de los tipos de letra asociados al estilo Art Nouveau están la Noir Bi fur (1929) y la Acier (1936), ambas diseñadas por A.M. Cassandre.

Cassandre y sus colegas de la Alliance Graphi que, Paul Colin, Jean Carlu y Loupot Charles,

fueron algunos de los mayores exponentes del estilo en Francia con sus carteles y diseños de revistas. En Inglaterra, algunos de los trabajos de Edward McKnight Kauffer pueden ser ubicados dentro del Art Deco.

En los Estados Unidos el estilo se transformó en la década de 1920 debido a la primera gene ración de diseñadores industriales, que tomó muchos de los motivos visuales del Art Deco y los aplicó al diseño de producto como elemen tos de racionalización. En Europa ilustraciones y fotografías en revistas de moda mostraban un nuevo estilo en que cabezas de maniquí, a veces soportadas por propuestas neoclásicas, fueron motivos familiares, arlequines y pierrots fueron también abundantes.

Esta imaginería apareció en los diseños de ac cesorios, perfumes, cosméticos y otros artícu los pequeños fabricados por empresas de alta costura y grandes almacenes. Asociados al glamour femenino, el Art Deco fue adoptado como el lenguaje apropiado para la arquitec tura de los nuevos cines en la década de 1930, estos palacios de imágenes que proveían de sueños y fantasías a través de las películas sono ras, definieron las calles con el uso abundante de luces de neón en sus fachadas.

El Art Deco se enfrenta muy a menudo con los principios de la modernidad que buscaba un diseño funcional a través del uso mínimo de materiales y enfatizaba la producción industrial y la estandarización, además el historicismo, el eclecticismo y la aparente superficialidad del Art Deco fueron mal vistos por los modernistas, tanto por razones estéticas como por razones políticas.

* Tomado de Jeremy Aynsley. Pioneers of Mo dern Graphic Design, A Complete History; Octo pus Publishing Group Ltd. Londres 2004. Traduc ción libre.

El término art déco se acuñó en la retrospecti va titulada «Les Années 25», llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs (Museo de Artes Decorativas) del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966; el término es, por tanto, una apócope de la palabra francesa décoratif. En el ámbito castellanohablante, la RAE lo ha normalizado como art déco, con la tilde en la «e».

Este tipo de características fueron usadas tanto en la arquitectura como en la decoración, en tre ellas podemos destacar:

•No presenta exuberancia y exageración como sí lo hacía el Art Nouveau ya que el contexto sociopolítico de la época de entreguerras era muy complejo y suponía una búsqueda de la simplicidad y de las formas más auténticas an tes que del lujo y del gasto.

•Buscó la decoración por encima de la funcio nalidad.

•La característica principal de esta modalidad de arte básicamente es la geometría vigente del cupo, es decir, para entenderlo mejor se basa en la línea recta, la esfera y los zigzags que son una técnica imprescindible.

•Las formas son más simples y planas, el interés por la belleza y el arte nunca fueron dejados de lado.

•Intenta representar diversas abstracciones que muestren la naturaleza con sus fluidos acuáti cos, nubes ondulantes y rayos luminosos produ cidos por el sol.

•Usa imágenes de fuentes congeladas de ma nera ascendente.

•Representación faunística haciendo referen cia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palo mas, garzas. También representaban elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las pal meras, representados por medio de delineacio nes geométricas.

•Comienza a usar nuevos materiales como por ejemplo son el plástico, la madera de ébano, el cromo, las pinturas naturales de zapa, de ti burón, entre otros materiales menos utilizados es otros estilos como la baquelita, el cromo, el pa lisandro y el carey.

•En la arquitectura, además de usarse de forma continua las figuras geométricas, entre estas for mas geométricas es común encontrar rayos o líneas oblicuas, círculos, arcos de medio punto, puntas redondeadas, triángulos, líneas rectas. También se recurre a los acabados escalona

damente y con proas marítimas que son los que sostienen los mástiles. Además de usar puertas ochavadas, arcos y utiliza diversos y lujos mate riales como puede ser el aluminio, el mármol y el granito.

•La utilización de figuras humanas. Estas figuras representaban hombres obreros, gimnastas y en general los habitantes de la época, aunque también hacia una grata representación de mujeres que eran participes de la producción económica e iban vestidas con una moda mu cho más atrevida y con el pelo corto a modo de chico, además en diversas representaciones de mujeres estas fumaban y eran participes de cocteles, por lo tanto, se podía presentir que la mujer estaba dotada de una gran libertad.

•Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, Mesopotamia, vikin go o de los pueblos africanos o indios.

Ejemplos del Arte Decó

Buenos Aires: el estadio del Club Atlético HURACÁN situado en el sur de su ciudad fue el primer estadio Art Déco en toda América.

Miami Beach: tiene una vasta colección de edificios art déco, con alrededor de treinta manzanas de hoteles y edificios residencia les de los años 20 a los 40.

Los Ángeles: tiene también una abundante arquitectura art déco, edificios como el Bu llocks Wilshire y el Pellissier Building, construi dos en 1929 y 1931.

Montevideo: existen varios ejemplos nota bles de arquitectura Art Déco, como el Pa lacio Rinaldi.

La Habana: es unos de los mejores ejemplos sobre vivientes del arte y la arquitectura Art Déco, como ejemplo el Edificio Bacardí que se destaca por un esti lo particular que refleja los temas clásicos del art déco.

Nueva Zelanda: la ciudad de Napier fue reconstruida en estilo Art Déco después de haber sido destruida por un terremoto en el 1931.

Londres: El London Underground también es reconocido por tener en sus estaciones variados ejemplos del Art Decó.

China: al menos sesenta edificios Art Déco fueron proyectados por el arquitecto hún garo Laszlo Hudec, y sobreviven en el cen tro de Shanghái.

España: es posible encontrar muchas mues tras del estilo Art Déco, como ejemplo de ello es la Gran Vía de Madrid o el Paseo de Gracia en Barcelona, donde el art Déco convive con el modernismo.

Kansas city: esta ciudad tiene como repre sentante del Art Decó con el Power and Li ght Building, terminado en el 1931. Este edifi cio es un gran ejemplo de la Gran Depresión y sus efectos en la construcción Art Déco.

El Art Déco también fue un tipo de edifica ción que tuvo en común características que abarcan desde el esquema funcional-dis tributivo, estructura, fachada, volumetría, hasta la colonia de emplazamiento, autores en común y que existieron entre 1925 y 1940 dentro de una traza urbana de la Ciudad de México

Arte minimal / Minimalismo

El minimalismo o Minimal art, que significa «me nos es más» (frase acuñada por el famoso arqui tecto Mies Van der Rohe: less is more), nombre que se justifica por la mínima intervención del artista. En 1959, Frank Stella, considerado el ini ciador del movimiento

Surgiendo de forma coherente en Nueva York, durante la década de 1960, el arte minimalista , popularmente conocido como minimalismo,

pero también denominado a veces arte ABC, arte moderno , arte literal, arte de objetos y arte de estructura primaria , fue una de las princi pales movimiento de arte posmodernista , es pecíficamente un estilo de pintura o escultura abstracta caracterizada por una extrema sim plicidad de forma: en efecto, un tipo de arte visual reducido a lo esencial de la abstracción geométrica

Orígenes e Historia

El minimalismo deriva de las formas geométricas mínimas del pintor suprematista Kasimir Male vich (1878-1935), ejemplificadas en obras como Black Circle (1913, Museo Estatal Ruso, San Pe

tersburgo), y los “ready-mades” de Marcel Du champ (1887-1968).).

Los pioneros posteriores incluyeron al maestro de la Bauhaus/Black Mountain College Josef Al bers (1888-1976), conocido por su serie Homage to the Square, y Ad Reinhardt (1913-67), quien finalmente se decantó por las pinturas comple tamente negras a fines de la década de 1950. Así las cosas, el surgimiento del minimalismo fue tanto una reacción contra el emocionalismo del expresionismo abstracto. Como culminación de una estética particular.

Uno de los primeros pintores abstractos que se vinculó específicamente con el minimalismo fue el expresionista abstracto Frank Stella (n. 1936), cuyas pinturas negras de “rayas diplomáticas” tuvieron un gran impacto en la exposición de arte de 1959 (“16 estadounidenses”) organiza da por Dorothy. Miller en el Museo de Arte Mo derno de Nueva York. Las obras minimalistas de Stella (pintura de borde duro), siguiendo los pasos de obras anteriores de Kenneth Noland, Robert Motherwell, Ralph Humphrey y Robert Ryman, contrastaban marcadamente con las pinturas emocionales y llenas de energía de los expresionistas abstractos Willem de Kooning (1904-97) oFranz Kline (1910-62). Otra influencia en el desarrollo de la pintura minimalista fue Ed Ruscha (n. 1937). (Ver también: Abstracción pospictórica).

Características y Estilo del Minimalismo

Frank Stella proclamó célebremente: “Lo que ves es lo que ves”. El minimalismo adopta este literalismo, destacando las propiedades físicas del objeto de arte (su escala, peso, ubicación y materialidad) sobre el significado simbólico o emocional. Llevando la abstracción geomé trica a su extremo lógico, la obra de arte mi nimalista utiliza formas precisas y definidas, a menudo cuadrados y rectángulos, para crear composiciones no jerárquicas y matemática mente regulares.

Los materiales hechos en fábrica y comprados en tiendas minimizan aún más la mano del ar tista y enfatizan el anonimato. El énfasis en la forma también invita a una mayor conciencia del espacio o sitio de instalación, y una interpre tación contextual de la obra de arte. Si bien el

movimiento está más estrechamente asociado con la escultura, los minimalistas buscaron disol ver las distinciones tradicionales entre las formas de arte con materiales y presentaciones inespe rados.

¿Minimalismo en Pintura y Escultura - Caracte rísticas

Las pinturas y esculturas minimalistas general mente se componen de formas geométricas precisas, de bordes duros, con planos rígidos de pigmento de color, que generalmente utilizan tonos fríos o tal vez solo un color. Tienden a con sistir en composiciones no jerárquicas, geomé tricamente regulares, a menudo dispuestas en formato de cuadrícula y hechas de materiales industriales. Cualesquiera que sean los detalles precisos, la idea de este tipo de arte no obje tivo es depurar la obra de referencias o gestos externos, como la emotividad del expresionismo abstracto.

Según Robert Morris, uno de los teóricos más in fluyentes del minimalismo, en su serie de ensa yos “Notas sobre la escultura 1-3” (Artforum en 1966), el pintor o escultor minimalista está prin cipalmente interesado en cómo percibe el es pectador la relación entre las diferentes partes de la obra y de las partes al todo. La repetición que se ve a menudo en la escultura minimalista está diseñada para resaltar las diferencias suti les en esta relación.

Donald Judd esbozó un enfoque alternativo en su artículo “Specific Objects” (Arts Yearbook 8, 1965), arte americano.

El movimiento fue fuertemente criticado por va rios críticos de arte e historiadores importantes. Por ejemplo, el artículo crítico de Michael Fried “In Art and Objecthood” (Artforum en junio de 1967), criticó fuertemente su “teatralidad”.

Minimalismo en Arquitectura

Influenciado por los diseños japoneses tradicio nales, la escuela de arte Bauhaus y De Stijl, la arquitectura minimalista, ejemplificada por el estilo característico del arquitecto Mies van der Rohe, que él describe como “Menos es más”, se refiere a diseños de edificios que se reducen

a lo más absoluto. mínimo de elementos. El di seño arquitectónico minimalista generalmente usa formas geométricas básicas, colores armo niosos, texturas naturales, arreglos espaciales abiertos, componentes limpios y rectos, acaba dos limpios, techos planos o casi planos, venta nas grandes y espacios negativos satisfactorios.

Destacados diseñadores minimalistas incluyen arquitectos estadounidenses como Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), Philip Johnson (19062005), Raymond Hood (1881-1934) y Louis Skid more (1897-1962), por nombrar solo algunos. Para más detalles, ver: Arquitectura americana.

En la década de 1980, apareció una nueva generación de arquitectos japoneses influen ciados por el budismo zen, incluidos: Kazuo Shi nohara (n. 1925), Fumihiko Maki (n. 1928), Arata Isozaki (n. 1931) y Tadeo Ando (n. 1941). Otros diseñadores arquitectónicos minimalistas inclu yen: Alberto Campo Baeza, Michael Gabelli ni, Richard Gluckman, Hugh Newell Jacobsen, Eduardo Souto de Moura, John Pawson, Claudio Silvestrin, Vincent Van Duysen, Alvaro Siza Vieira y Peter Zumthor. Para conocer el efecto del mi nimalismo en los edificios súper altos, la forma dominante de arte urbano en Estados Unidos consulte: Skyscraper Architecture (1850-presen te).

Tipos de arte minimalista de finales del siglo XX

Justo cuando pensabas que era seguro, apa recen dos palabras de moda más relacionadas con el minimalismo. ¿Son importantes? ¿Valen la pena estudiarlos? Tú decides. Francamente, he terminado con el arte mínimo. Todo suena bastante interesante, pero en la carne puede ser una gran decepción. (¡Cuidado, también puede hacerlo Picasso!)

neominimalismo

El neominimalismo es un estilo/movimiento artís tico vagamente definido de finales del siglo XX y principios del XXI, en pintura, escultura, arqui tectura, diseño y música. A veces se lo denomi na “neo-geo”, “neoconceptualismo”, “neofu turismo”, “nueva abstracción”, “poptometría”, “posabstraccionismo”, “simulacionismo” y “arte inteligente”. Los artistas contemporáneos que

supuestamente están asociados con el término incluyen a David Burdeny, Catharine Burgess, Marjan Eggermont, Paul Kuhn, Eve Leader, Tan ya Rusnak, Laurel Smith, Christopher Willard y Time Zuck.

posminimalismo

El posminimalismo describe los intentos de ir más allá del idioma del minimalismo, en la arquitec tura o las artes visuales. En términos simples, el minimalismo de la década de 1960 es un estilo de arte bastante intelectual caracterizado por una extrema simplicidad de forma y una falta deliberada de contenido expresivo. Los artistas minimalistas solo estaban interesados en presen tar una “idea” pura. En Post-Minimalism (1971 en adelante), el enfoque cambia de la pureza de la idea a CÓMO se transmite.

El posminimalismo está asociado con los siguien tes artistas contemporáneos: Tom Friedman, Felix Gonzalez-Torres, Eva Hesse, Matthew Kandegas, Anish Kapoor, Wolfgang Laib, Joseph Nechva tal, Damian Ortega, Martin Puryear, Charles Ray, Joel Shapiro, Keith Sonnier, Cecil Touchon, Richard Tuttle, Richard Wentworth, Rachel Whi teread y Hannah Wilke, entre otros.

el termino arte minimalista apareció por prime ra vez en 1965 en la revista Art Magazine. No debemos confundir el arte minimalista con el abstracto, ya que los dos tienen el mismo ori gen pero el arte minimalista se reconoció con ese nombre posteriormente. El arte minimalista surgió como una reacción a la exageración del expresionismo abstracto.

Frank Stella

(Malden, 1936) Pintor estadounidense. Estudió historia en la Universidad de Princeton y se tras ladó luego a la ciudad de Nueva York.

A partir de un expresionismo abstracto, pasó a un estilo esencial, constituido por bandas mo nocromas o de colores planos, montadas sobre bastidores irregulares (cuadrados o en forma de H o X) dentro de la abstracción geométrica, con las que preanunciaba el minimal art de los años sesenta.

De esa etapa destacan una serie de pinturas monocromas de tonos oscuros (las llamadas pinturas negras o rayadas, 1958-1960) cuyo inte rior estaba recorrido por líneas paralelas al mar co del bastidor.

A través de ellas, Stella perseguía la síntesis entre la estructura interna y la estructura externa del cuadro, búsqueda que sentaría las bases del arte minimalista. Obras como A una profundi dad de seis millas, (1960, Tate Gallery, Londres) o La abadía de Newstead (1960, Stedelijk Mu seum, Amsterdam) son paradigmáticas de una investigación en la que la pintura abandona el ilusionismo de la profundidad para avanzar en su definición como “cosa en sí”, como puro ob jeto.

A mediados de la década de 1960 comenzó a utilizar la policromía en una nueva etapa que destacó por las formas curvilíneas geométricas entrecruzadas y los juegos de colores vívidos y armónicos. Destacan las llamadas Series trans portadoras (1967-1968), formadas con semicír culos y círculos de gran tamaño. Posteriormente comenzó a realizar relieves en técnicas mixtas, de colores sensuales, que presentan formas más orgánicas. En los años setenta y ochenta, Stella abandonó la rigidez programática de sus inicios para decantarse hacia la creación de barrocas pinturas tridimensionales.

De entre sus obras pueden destacarse de Pro tractor (1967), Polish Village Series (1970-1973) y Brazilian Series (1974-1975). En los años ochenta realizó la serie Cones and pillars. En 1970 y 1987 se realizaron exposiciones retrospectivas de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En la década de los noventa mostró su obra en el MNCARS de Madrid (1994) y en las galerías neoyorkinas Leo Castelli (1995), Knoed ler & Company y Sperone Westwater (1999).

Ludwig Mies van der Rohe (1886/03/271969/08/17)

berlinés de Bruno Paul, y en los siguientes cinco años en el de Peter Behrens (Neubabelsberg). En el año 1912 abrió su estudio en Berlín. El 10 de abril de 1913 contrajo matrimonio con Ada Bruhn, con quien tuvo tres hijas. Realiza el pa bellón alemán para la Exposición Universal de Barcelona de 1929 y la casa Tugendhat (1930) en Brno (actual República Checa), donde utilizó una estructura de pequeños pilares metálicos cruciformes que liberaban el área de la plan ta, compuesta por espacios que fluyen entre li geros paneles de ónice, mármol o madera de ébano, delimitados por grandes cristaleras que ocupan toda su altura.

Arquitecto alemán nacionalizado estadouni dense

Nació el 27 de marzo de 1886 en Aquisgran — una ciudad de lo que fuera el Reino de Prusia, hoy Alemania

Hijo del maestro albañil, Maria Ludwig Michael Mies, propietario de un pequeño taller de pica pedrero, no estudió arquitectura. Ni siquiera se sacó el bachillerato.

Comenzó a trabajar a los quince años hacien do florituras para un fabricante de cornisas. Des de 1905 hasta 1907 fue delineante en el estudio

Junto con Frank Lloyd Wright, Le Corbusier y Walter Gropius es conocido como uno de los cuatro arquitectos de mayor influencia durante la primera mitad del siglo XX. Su arquitectura se caracteriza por una sencillez esencialista y por la sinceridad expresiva de sus elementos estruc turales. En su obra se aprecia la composición rí gidamente geométrica y la ausencia total de elementos ornamentales. Dirigió la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, uno de los focos principales para la evolución del movimiento moderno, entre 1930 y 1933, fecha en que fue clausurada por el partido nazi.

En 1937 emigró a Estados Unidos, donde fue di rector de la Escuela de Arquitectura del Illinois Institute of Technology. Trabajó en numerosos edificios, como los apartamentos de Lake Shore Drive (1948-1951) o el Crown Hall del MIT (19501956). Entre sus obras más emblemáticas desta ca el Seagram Building (1958), un rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce construido en Nueva York. Antes realizó su obra maestra estadouni dense, la casa Farnsworth en Plano (junto al río Fox, Illinois, 1950), un pequeño refugio delimita do por un muro-cortina de vidrio plano, que se ha convertido en una de las residencias más es tudiadas de la arquitectura del siglo XX.

Mies van der Rohe falleció el 17 de agosto de 1969 en Chicago.

Algunas Obras

Canadá

Toronto-Dominion Centre - Complejo de torres de oficinas, Toronto Westmount Square - Complejo de torres de ofi cinas y viviendas, Westmount República Checa

Casa Tugendhat - Vivienda, Brno (1930)

Alemania

Casa Riehl - Vivienda, Potsdam (1907)

Casa Peris - Vivienda, Zehlendorf (1911)

Casa Werner - Vivienda, Zehlendorf (1913)

Casa Urbig - Vivienda, Potsdam (1917) Casa Kempner - Vivienda, Charlottenburg (1922)

España

Pabellón alemán - Pabellón de la Exposición In ternacional, Barcelona (1929)

Estados Unidos

Cullinan Hall - Museo de Arte, Houston Apartamentos The Promontory - Complejo resi dencial de apartamentos, Chicago

Biblioteca Memorial Martin Luther King, Jr. - Bi blioteca pública del distrito de Columbia, Was hington, DC

Richard King Mellon Hall of Science - Universidad de Duquesne, Pittsburgh, PA (1968)

IBM Plaza - Torre de oficinas, Chicago

Apartamentos Lake Shore Drive - Torres de apar tamentos, Chicago

Edificio Seagram - Torre de oficinas, Nueva York (1958)

Alumni Memorial Hall - Illinois Institute of Techno logy (1945) México Oficinas Bacardi (1961), Ciudad de México

En México: Instalaciones industriales de Bacardí (1957-1961)

Si uno conduce por el Periférico Norte, pasan do la zona de la Quebrada, Perinorte y Lechería en dirección a Querétaro, encontrará un gran logotipo del murciélago de una famosa marca de ron. Ahí se despliega un conjunto industrial casi desconocido. El moderno edificio adminis trativo de 52 metros de largo, 27 de ancho y 8 de alto es la única obra que el arquitecto reali zó en México. Se destaca por la composición rí gidamente geométrica y la usencia de elemen tos ornamentales.

Fuentes: /www.buscabiografias.com/ www.visual-arts www.artworld.net www.minimalistamin.org

La salud mental

La salud mental se refiere al bienes tar cognitivo, conductual y emocional. Se trata de cómo las personas piensan, sienten y se comportan. Las personas a veces usan el término “salud mental” para referirse a la ausencia de un tras torno mental. ¿Qué es la salud mental?

Salud mental es más que la mera ausencia de trastornos mentales. La dimensión positiva de la salud mental ha sido subrayada en la definición de salud de la OMS, tal cual consta en la constitución misma: «La salud es un estado de completo bienestar, físico, mental y social y no solamente la ausencia de afec ciones o enfermedades». Los conceptos de salud mental incluyen bienestar subjetivo, autonomía, competencia, de pendencia intergeneracional y reconocimiento de la habi lidad de realizarse intelectual y emocionalmente. También ha sido definido como un estado de bienestar por medio del cual los individuos reconocen sus habilidades, son ca paces de hacer frente al estrés normal de la vida, trabajar de forma productiva y fructífera, y contribuir a sus comu nidades.

Salud mental se refiere a la posibilidad de acrecentar la competencia de los individuos, comunidades y permitirles alcanzar sus propios objetivos. Salud mental es materia de interés para todos, y no sólo para aquellos afectados por un trastorno mental.

En efecto, los problemas de la salud mental afectan a la so ciedad en su totalidad, y no sólo a un segmento limitado o aislado de la misma y por lo tanto constituyen un desafío importante para el desarrollo general. No hay grupo hu

mano inmune, empero el riesgo es más alto en los pobres, los sintecho, el desempleado, en las per sonas con poco nivel de escolaridad, las víctimas de la violencia, los mi grantes y refugiados, las poblaciones indígenas, las mujeres maltratadas y el anciano abandonado.

En todos los individuos, la salud mental, la física y la social están íntimamente imbricadas. Con el creciente conoci miento sobre esta interdependencia, surge de manera más evidente que la salud mental es un pilar central en el bien estar general de los individuos, sociedades y naciones.

Desafortunadamente, en la mayor parte del mundo, no se le acuerda a la salud mental y a los trastornos mentales la misma importancia que a la física; en rigor, han sido más bien objeto de ignorancia o desatención.

Posibles causas: No hay una sola causa para la enfermedad mental. Una serie de factores pueden contribuir al riesgo de enfermedad mental, como

Las primeras experiencias adversas de la vida, como un trauma o un historial de abuso (por ejemplo, abuso infan til, agresión sexual, presenciar violencia, etc.)

Experiencias relacionadas con otras afecciones médicas continuas (crónicas), como el cáncer o la diabetes

Factores biológicos o desequilibrios químicos en el cerebro Uso de alcohol o drogas

Tener sentimientos de soledad o aislamiento.

La magnitud y la carga del problema

• 450 millones de personas sufren de un trastorno mental o de la conducta.

• Alrededor de 1 millón de personas se suicidan cada año.

• Cuatro de las 6 causas principales de los años vividos con discapacidad resultan de trastornos neuropsiquiátricos (depresión, trastornos generados por el uso de alcohol, es quizofrenia y trastorno bipolar).

• Una de cada cuatro familias tiene por lo menos un miem bro afectado por un trastorno mental. Los miembros de la familia son frecuentemente los cuidadores primarios de las personas con trastornos mentales. La magnitud de la carga en la familia es difícil de justipreciar, y por eso es frecuen temente ignorada.

No obstante, es dable afirmar que el impacto es importante en la calidad de la vida familiar.

• Amén de los costos de salud y sociales, las personas afec tadas por trastornos mentales son víctimas de violaciones de los derechos humanos, estigma y discriminación, den tro y fuera de las instituciones psiquiátricas.

Se estima que la carga de los trastornos mentales aumentará de manera significativa en los próximos 20 años

Consejos para tener una buena salud mental

Mantente activo

El ejercicio tiene múltiples beneficios para nues tro estado de salud general y por lo tanto para también para nuestra salud mental. Si realizas ejercicio físico a diario segregas dopamina, además de mantenerte en forma, reducir el ni vel de actividad fisiológica que se asocia al es trés, la ansiedad o la ira y por tanto aumenta tu bienestar personal.

Descansa

Descansar entre 7 y 8 horas diarias, dependien do de la persona (unas necesitamos más horas de sueño que otras para un descanso repara dor), te permite cuidar de tu salud porque me jora el rendimiento físico e intelectual y reduce

la probabilidad de que aparezcan algunos pro blemas físicos y psicológicos.

Come bien

Mantener una dieta saludable mantiene tu cuerpo sano, te hace sentir bien y por lo tanto aumenta tu bienestar

general

Si eliges bien los alimentos de tu dieta, limitando las grasas, los azúcares, el alcohol, aumentando el consumo de productos frescos, como las ver duras y las frutas, de legumbres, pescados azu les… proteges la salud de tu cerebro y por tanto tu salud mental.

Haz vida social

Cuidar y mantener las relaciones con otros o iniciar nuevas relaciones son de ayuda para ciertos problemas como la ansiedad o el estrés, evitan el aislamiento y mantienen más activo nuestro cerebro.

El apoyo social, el contacto sano con perso nas que enriquecen, con personas con las que compartir, además de mejorar tu bienestar, re trasa el deterioro de capacidades cognitivas como la memoria.

Diviértete

Dedicarte tiempo para realizar alguna activi dad placentera, solo o en compañía de otros, te permite mejorar tu estado de ánimo. Si estás contento sabrás gestionar las responsabilidades diarias como laborales o familiares de una for ma mejor.

Disfruta de esa actividad que te relaja, te ani ma, te ayuda a desconectar o a tomar pers pectiva de las situaciones problemáticas.

Gestiona tus pensamientos Gestionar adecuadamente las preocupaciones excesivas y continuas y los pensamientos nega tivos puede ayudarte a mantener una buena salud mental.

Este tipo de pensamientos te hacen actuar de una forma determinada, pueden hacerte ac

tuar de forma desesperada sin motivo o animar te a abandonar alguna tarea. Ser conscientes de ellos, de qué los activa o qué hay de cierto en ese pensamiento que no nos deja dormir son algunas de las pautas a poner en práctica. Sin duda, un profesional de la salud como un psicó logo, podrá guiarte para llevarlo a cabo.

Comunícate

En demasiadas ocasiones puedes encontrar problemas para comunicarte con otros, dar un mensaje sin que la otra persona lo entienda igual que tú. Puedes transmitir verbalmente una emoción y la otra persona no comprenderlo, simplemente porque tiene otra concepción de esta. Todo ello puede hacerte sentir mal, incom prendido y reducir tu bienestar personal. Las personas comprendemos normalmente desde nuestro punto de vista, nuestra experiencia. Pre guntar en lugar de suponer es en este caso pri mordial.

Mantener una comunicación eficaz, compren siva, de manera sencilla y clara, directa, escu chando activamente mejora sin duda la rela ción con el otro y por tanto el bienestar.

Relájate

Cuando disfrutas de momentos calmados y res piras de forma adecuada tu mente se relaja. Entonces las tensiones que puedes estar expe rimentando y el estrés disminuyen y por tanto aumenta tu bienestar y cuidas tu salud mental. Disfrutar de un baño de espuma, de un paseo por la playa o de la música que te gusta, siem pre según tus gustos, pueden conseguir que re duzcas tu nivel de estrés. Además, puedes pre guntar sobre alguna técnica de relajación que te ayudará en momentos concretos estresantes y pueden ayudarte a mantenerte relajado de forma más continua.

Ponte objetivos

Para mantener una buena salud mental es im portante que te plantees objetivos en tu día a día, metas alcanzables y prioridades.

Es importante que sean metas realizables a cor to plazo al principio, por ejemplo, beber un vaso de agua todos los días al levantarte.

De esta manera te comprometes y adquieres un hábito, y poco a poco añades retos y nue vas metas a tu día a día. Las pequeñas victorias te aportarán una gran satisfacción. No te pon gas metas inalcanzables o demasiado grandes al principio. Realiza una tarea, esfuérzate, com prométete a desarrollarla y poco a poco ponte objetivos más ambiciosos, ¡seguro que lo consi gues!

Busca ayuda

A veces es complicado poner en práctica estos consejos. Las situaciones, el entorno o las habili dades personales pueden dificultar el deseo y la intención de cuidar la salud mental.

Si te encuentras en estas circunstancias, busca ayuda, coméntalo con tus amistades, con per sonas de confianza, con profesionales. No dejes de cuidar tu salud mental, busca el apoyo ne cesario y cuídala. Y si no sabes dónde o a quién acudir, puedes pedirnos ayuda. Te guiaremos para que consigas tu objetivo, cuidar tu salud mental.

Además del peso social y económico, las personas que sufren de enfermedades mentales son también víctimas de violaciones de los derechos humanos, de estigma y discriminación.

Podemos orientarnos hacia la defensa, la seguridad o el miedo. Pero, en el lado opuesto, está la opción de cre cimiento. Elegir el crecimiento en lugar del miedo doce veces al día, significa avanzar doce veces al día hacia la autorrealización.

2001: El año de la salud mental

La OMS declaró al 2001 el Año de la Salud Mental. En ese año el Día Mundial de la Salud fue un éxito ro tundo. Más de 150 países organizaron actividades que descollaron por su im portancia, entre ellas, pro clamaciones por parte de las más altas autoridades de los países y la adop ción de leyes actualiza das y programas de salud mental.

Seguidamente, 130 mi nistros participantes en la Asamblea Mundial de la Salud emitieron un men saje claro e inequívoco: la salud mental, abando nada por largo tiempo, es crucial para lograr el bien estar de los individuos, so ciedades y países y debe ser vista desde una nueva perspectiva. Por último, el tema del Informe sobre la Salud en el Mundo 2001 fue la salud mental. Sus 10 recomendaciones fueron recibidas de forma muy positiva por todos los Esta dos Miembros.

Como resultado de las actividades del 2001, en el año siguiente se creó el Programa Mundial de Ac ción en Salud Mental. Este Programa constituye un nuevo y enérgico esfuerzo que busca implementar las 10 recomendaciones antes citadas. Se apo ya en cuatro estrategias para lograr su propósito fi nal: mejorar la salud men tal de las poblaciones.

I have a dream

Es un discurso profundamente optimista, espe ranzador, que propone el ideal de una socie dad fundamentada en los valores de la igual dad y la fraternidad, con pleno reconocimiento de los derechos civiles y las libertades individua les de la comunidad afroamericana.

Martin Luther King

Icono de la lucha por los derechos civiles en Es tados Unidos, el Dr. King luchó por la justicia so cial a través de la protesta pacífica y dio algu nos de los discursos más legendarios del siglo XX.

matriculó en el Seminario Teológico Crozer de Chester (Pensilvania), donde se licenció en Divi nidad en 1951. Se doctoró en teología sistemáti ca en la Universidad de Boston en 1955.

El Dr. King se casó con Coretta Scott el 18 de junio de 1953, en el jardín de la casa de sus padres en su ciudad natal de Heiberger, Ala bama. Fueron padres de cuatro hijos: Yolanda King (1955-2007), Martin Luther King III (nacido en 1957), Dexter Scott King (nacido en 1961) y Bernice King (nacida en 1963).

Cómo se convirtió en líder de los derechos civi les

En 1954, cuando tenía 25 años, el Dr. King se convirtió en pastor de la Iglesia Bautista de la Avenida Dexter en Montgomery, Alabama. En marzo de 1955, Claudette Colvin -una alumna negra de 15 años de Montgomery- se negó a ceder su asiento en el autobús a un hombre blanco, lo que suponía una violación de las le yes Jim Crow, leyes locales del sur de Estados Unidos que imponían la segregación racial.

Michael King, Jr. Nació en Atlanta, Georgia, el 15 de enero de 1929. Su padre, Michael King, era pastor de la Iglesia Bautista Ebenezer de At lanta. Durante un viaje a Alemania, King, padre, quedó tan impresionado por la historia del líder de la Reforma Protestante, Martín Lutero, que no sólo cambió su propio nombre, sino también el de Michael, de 5 años.

Su brillantez se hizo notar pronto, ya que a los 15 años fue aceptado en el Morehouse College, una escuela históricamente negra de Atlanta.

En el verano anterior a su último año de univer sidad, el Dr. King sabía que estaba destinado a continuar con la profesión familiar del trabajo pastoral y decidió entrar en el ministerio. Se li cenció en Morehouse a los 19 años, y luego se

El Dr. King formó parte del comité de la comu nidad afroamericana de Birmingham que inves tigó el caso. La sección local de la Asociación Nacional para el Progreso de las Personas de Color (NAACP) consideró brevemente la posibi lidad de utilizar el caso de Colvin para desafiar las leyes de segregación, pero decidió que, al ser tan joven -y haberse quedado embaraza da-, su caso atraería demasiada atención ne gativa.

Nueve meses después, el 1 de diciembre de 1955, se produjo un incidente similar cuando una costurera llamada Rosa Parks fue detenida por negarse a ceder su asiento en un autobús urbano. Los dos incidentes condujeron al boicot a los autobuses de Montgomery, instado y pla nificado por el presidente de la sección de Ala bama de la NAACP, E.D. Nixon, y dirigido por el Dr. King. El boicot duró 385 días.

El papel prominente y abierto del Dr. King en el boicot provocó numerosas amenazas contra su vida, y su casa fue atacada con explosivos.

Fue detenido durante la campaña, que conclu yó con la sentencia del Tribunal de Distrito de los Estados Unidos en el caso Browder contra Gayle (en el que Colvin era demandante) que puso fin a la segregación racial en todos los autobuses públicos de Montgomery. El papel del Dr. King en el boicot a los autobuses lo convirtió en una figura nacional y en el portavoz más conocido del movimiento por los derechos civiles. Lucha por el cambio mediante la protesta no violenta.

Desde los primeros días del boicot de Montgo mery, el Dr. King se había referido a menudo al Mahatma Gandhi de la India como “la luz que guía nuestra técnica de cambio social no vio lento”.

En 1957, el Dr. King, Ralph Abernathy, Fred Shu ttlesworth, Joseph Lowery y otros activistas de los derechos civiles fundaron la Conferencia de Liderazgo Cristiano del Sur para aprovechar el poder de organización de las iglesias negras para llevar a cabo protestas no violentas con el fin de lograr la reforma de los derechos civiles.

El grupo formaba parte de lo que se denomina ba “Los cinco grandes” de las organizaciones de derechos civiles, que incluían a la NAACP, la Liga Urbana Nacional, el Comité Coordina dor Estudiantil No Violento y el Congreso por la Igualdad Racial.

Gracias a sus conexiones con los Cinco Grandes grupos de derechos civiles, al apoyo abrumador de la América negra y al apoyo de destacados benefactores individuales, la habilidad y la efi cacia del Dr. King crecieron exponencialmente.

Organizó y dirigió marchas por el derecho al voto de los negros, la desegregación, los dere chos laborales y otros derechos civiles básicos.

El 28 de agosto de 1963, la Marcha sobre Was hington por el Empleo y la Libertad se convirtió en la cúspide de la influencia nacional e inter nacional del Dr. King.

Ante una multitud de 250.000 personas, pronun ció el legendario discurso “Tengo un sueño” en las escaleras del Lincoln Memorial. Ese discurso, junto con muchos otros que pronunció el Dr. King, ha tenido una influencia duradera en la retórica mundial.

En 1964, King recibió el Premio Nobel de la Paz por su activismo en pro de los derechos civiles y la justicia social. La mayoría de los derechos por los que el Dr. King organizó protestas se convir tieron en leyes con la aprobación de la Ley de Derechos Civiles de 1964 y la Ley de Derecho al Voto de 1965.

Justicia económica y la guerra de Vietnam

La oposición del Dr. King a la guerra de Vietnam se convirtió en una parte importante de su ima gen pública. El 4 de abril de 1967 -exactamente un año antes de su muerte- pronunció un discur so titulado “Más allá de Vietnam” en la ciudad de Nueva York, en el que propuso el cese de los bombardeos en Vietnam.

El Dr. King también sugirió que Estados Unidos declarara una tregua con el objetivo de lograr conversaciones de paz, y que fijara una fecha de retirada.

En última instancia, el Dr. King se vio impulsado a centrarse en la justicia social y económica en Estados Unidos. Había viajado a Memphis, Ten nessee, a principios de abril de 1968 para ayu dar a organizar una huelga de trabajadores sa nitarios, y en la noche del 3 de abril pronunció el legendario discurso “He estado en la cima de la montaña”, en el que comparó la huelga con la larga lucha por la libertad humana y la batalla por la justicia económica, utilizando la parábo la del buen samaritano del Nuevo Testamento para subrayar la necesidad de que la gente se involucre.

Asesinato

Pero el Dr. King no viviría para hacer realidad esa visión. Al día siguiente, el 4 de abril de 1968, el Dr. King fue asesinado a tiros en el balcón del Motel Lorraine de Memphis por James Earl Ray, un delincuente de poca monta que había es capado el año anterior de una prisión de máxi ma seguridad.

Ray fue acusado y condenado por el asesina to y sentenciado a 99 años de prisión el 10 de marzo de 1969. Después de tres días de cárcel, Ray afirmó que no era culpable y que le habían tenido una trampa. Pasó el resto de su vida luchando sin éxito por un juicio, a pesar del apoyo final de algunos miembros de la familia King y del reverendo Jes se Jackson.

Los días de Martin Luther King y Robert E. Lee Para la mayoría de los habitantes de Estados Unidos, el lunes 16 de enero es el día festivo co nocido como el Día de Martin Luther King (a me nudo abreviado como Día de MLK). Pero si vives en Arkansas, Alabama o Mississippi, entonces es el Día de Martin Luther King y Robert E. Lee.

Lee fue un general de la Guerra Civil para la Confederación, un grupo de estados que se se paró de Estados Unidos para formar un gobier no en el que, como decía el artículo IV de su constitución, “la institución de la esclavitud de los negros, tal como existe ahora en los Estados Confederados, será reconocida y protegida”.

capital de nuestra nación para cobrar un cheque. Cuando los arquitectos de nuestra república escri bieron las magníficas palabras de la Constitución y la Declaración de Independencia, firmaban una promisoria nota de la que todo estadounidense se ría heredero. Esa nota era una promesa de que to dos los hombres tendrían garantizados los derechos inalienables de ‘vida, libertad y búsqueda de la fe licidad’. Es obvio hoy que Estados Unidos ha fallado en su promesa en lo que respecta a sus ciudadanos de color. En vez de honrar su obligación sagrada, Estados Unidos dio al negro un cheque sin valor que fue devuelto con el sello de ‘fondos insuficientes’. Pero nos rehusamos a creer que el banco de la jus ticia está quebrado. Nos rehusamos a creer que no hay fondos en los grandes depósitos de oportuni dad en esta nación. Por eso hemos venido a cobrar ese cheque, un cheque que nos dará las riquezas de la libertad y la seguridad de la justicia.

«Tengo un sueño» por MARTIN LUTHER KING

«Estoy orgulloso de reunirme con ustedes hoy en la que quedará como la mayor manifestación por la libertad en la historia de nuestra nación. Hace cien años, un gran americano, cuya sombra simbólica nos cobija, firmó la Proclama de Emancipación.

Este importante decreto se convirtió en un gran faro de esperanza para millones de esclavos negros que fueron cocinados en las llamas de la injusticia. Lle gó como un amanecer de alegría para terminar la larga noche del cautiverio. Pero 100 años después debemos enfrentar el hecho trágico de que el ne gro aún no es libre. Cien años después, la vida del negro es todavía minada por los grilletes de la dis criminación. Cien años después, el negro vive en una solitaria isla de pobreza en medio de un vasto océano de prosperidad material. Cien años des pués, el negro todavía languidece en los rincones de la sociedad estadounidense y se encuentra a sí mismo exiliado en su propia tierra.

Y así hemos venido aquí hoy para dramatizar una condición extrema. En cierto sentido, llegamos a la

También hemos venido a este lugar sagrado para recordarle a Estados Unidos la urgencia feroz del ahora. Este no es tiempo para entrar en el lujo del enfriamiento o para tomar la droga tranquilizadora del gradualismo. Ahora es el tiempo de elevarnos del oscuro y desolado valle de la segregación ha cia el iluminado camino de la justicia racial. Ahora es el tiempo de elevar nuestra nación de las are nas movedizas de la injusticia racial hacia la sólida roca de la hermandad. Ahora es el tiempo de ha cer de la justicia una realidad para todos los hijos de Dios. Sería fatal para la nación pasar por alto la urgencia del momento. Este sofocante verano del legítimo descontento del negro no terminará has ta que venga un otoño revitalizador de libertad e igualdad. 1963 no es un fin, sino un principio. Aque llos que piensan que el negro sólo necesita evacuar su frustración y que ahora permanecerá contento, tendrán un rudo despertar si la nación regresa a su rutina.

No habrá ni descanso ni tranquilidad en Estados Unidos hasta que el negro tenga garantizados sus derechos de ciudadano. Los remolinos de la revuel ta continuarán sacudiendo los cimientos de nuestra nación hasta que emerja el esplendoroso día de la justicia. Pero hay algo que debo decir a mi gente, que aguarda en el cálido umbral que lleva al pa lacio de la justicia: en el proceso de ganar nuestro justo lugar no deberemos ser culpables de hechos erróneos. No saciemos nuestra sed de libertad to mando de la copa de la amargura y el odio. Siem pre debemos conducir nuestra lucha en el elevado plano de la dignidad y la disciplina. No debemos permitir que nuestra protesta creativa degenere en violencia física. Una y otra vez debemos elevar nos a las majestuosas alturas de la resistencia a la fuerza física con la fuerza del alma. Esta nueva mi litancia maravillosa que ha abrazado a la comuni dad negra no debe conducir a la desconfianza de los blancos, ya que muchos de nuestros hermanos blancos, como lo demuestra su presencia aquí hoy, se han dado cuenta de que su destino está atado al nuestro. Se han dado cuenta de que su libertad

está ligada inextricablemente a nuestra libertad. No podemos caminar solos. Y a medida que cami nemos, debemos hacernos la promesa de marchar siempre hacia el frente. No podemos volver atrás.

Hay quienes preguntan a los que luchan por los de rechos civiles: ‘¿Cuándo quedarán satisfechos?’ Nunca estaremos satisfechos mientras el negro sea víctima de los inimaginables horrores de la brutali dad policial. Nunca estaremos satisfechos en tanto nuestros cuerpos, pesados por la fatiga del viaje, no puedan acceder a un alojamiento en los moteles de las carreteras y los hoteles de las ciudades. No estaremos satisfechos mientras la movilidad bási ca del negro sea de un gueto pequeño a uno más grande. Nunca estaremos satisfechos mientras a nuestros hijos les sea arrancado su ser y robada su dignidad con carteles que rezan: ‘Solamente para blancos’. No podemos estar satisfechos y no esta remos satisfechos en tanto un negro de Mississippi no pueda votar y un negro en Nueva York crea que no tiene nada por qué votar. No, no estamos satis fechos, y no estaremos satisfechos hasta que la jus ticia nos caiga como una catarata y el bien como un torrente.

No olvido que muchos de ustedes están aquí tras pasar por grandes pruebas y tribulaciones. Algunos de ustedes acaban de salir de celdas angostas. Al gunos de ustedes llegaron desde zonas donde su búsqueda de libertad los ha dejado golpeados por las tormentas de la persecución y sacudidos por los vientos de la brutalidad policial. Ustedes son los ve teranos del sufrimiento creativo. Continúen su tra bajo con la fe de que el sufrimiento sin recompensa asegura la redención. Vuelvan a Mississippi, vuelvan a Alabama, regresen a Georgia, a Louisiana, a las zonas pobres y guetos de las ciudades norteñas, con la sabiduría de que, de alguna forma, esta si tuación puede ser y será cambiada. No nos delei temos en el valle de la desesperación. Les digo a ustedes hoy, mis amigos, que, pese a todas las di ficultades y frustraciones del momento, yo todavía tengo un sueño. Es un sueño arraigado profunda mente en el sueño americano.

Yo tengo un sueño de que un día esta nación se elevará y vivirá el verdadero significado de su cre do: ‘Creemos que estas verdades son evidentes: que todos los hombres son creados iguales’.

Yo tengo el sueño de que un día en las coloradas colinas de Georgia los hijos de los exesclavos y los hijos de los ex propietarios de esclavos serán capa ces de sentarse juntos en la mesa de la hermandad.

Yo tengo el sueño de que un día incluso el estado de Mississippi, un estado desierto, sofocado por el calor de la injusticia y la opresión, será transformado en un oasis de libertad y justicia.

Yo tengo el sueño de que mis cuatro hijos pequeños vivirán un día en una nación donde no serán juzga dos por el color de su piel sino por el contenido de

su carácter. ¡Yo tengo un sueño hoy!

Yo tengo el sueño de que un día, allá en Alabama, con sus racistas despiadados, con un gobernador cuyos labios gotean con las palabras de la interpo sición y la anulación; un día allí mismo en Alabama, pequeños niños negros y pequeñas niñas negras se rán capaces de unir sus manos con pequeños niños blancos como hermanos y hermanas. ¡Yo tengo un sueño hoy!

Yo tengo el sueño de que un día cada valle será exaltado, cada colina y montaña será bajada, los sitios escarpados serán aplanados y los sitios sinuo sos serán enderezados, y que la gloria del Señor será revelada y toda la carne la verá al unísono. Esta es nuestra esperanza. Esta es la fe con la que regresaré al sur. Con esta fe seremos capaces de esculpir en la montaña de la desesperación una piedra de esperanza. Con esta fe seremos capaces de transformar las discordancias de nuestra nación en una hermosa sinfonía de hermandad. Con esta fe seremos capaces de trabajar juntos, de rezar jun tos, de luchar juntos, de ir a prisión juntos, de luchar por nuestra libertad juntos, con la certeza de que un día seremos libres.

Este será el día, este será el día en que todos los ni ños de Dios serán capaces de cantar con un nuevo significado: ‘Mi país, dulce tierra de libertad, sobre ti canto. Tierra donde mis padres murieron, tierra del orgullo del peregrino, desde cada ladera, dejen re sonar la libertad’. Y si Estados Unidos va a conver tirse en una gran nación, esto debe convertirse en realidad. Entonces dejen resonar la libertad desde las prodigiosas cumbres de Nueva Hampshire. De jen resonar la libertad desde las grandes montañas de Nueva York. Dejen resonar la libertad desde los Alleghenies de Pennsylvania. Dejen resonar la liber tad desde los picos nevados de Colorado. Dejen resonar la libertad desde los curvados picos de Ca lifornia.

Dejen resonar la libertad desde las montañas de piedra de Georgia. ¡Dejen resonar la libertad de la montaña Lookout de Tennessee! Dejen resonar la libertad desde cada colina y cada montaña de Mississippi, desde cada ladera, ¡dejen resonar la li bertad! Y cuando esto ocurra, cuando dejemos re sonar la libertad, cuando la dejemos resonar desde cada pueblo y cada caserío, desde cada estado y cada ciudad, seremos capaces de apresurar la llegada de ese día en que todos los hijos de Dios, hombres negros y hombres blancos, judíos y cristia nos, protestantes y católicos, serán capaces de unir sus manos y cantar las palabras de un viejo espiri tual negro: ‘¡Por fin somos libres! ¡Por fin somos libres! Gracias a Dios todopoderoso, ¡por fin somos libres!’».

https://thekingcenter.org/ www.nationalgeographic. www.elmundo.es

“El hombre que ha empezado a vivir más seriamente por dentro, empieza a vivir más sencillamente por fuera”.

“El secreto de la sabiduría, del poder y del conocimiento es la humildad”.

“La gente buena, si se piensa un poco en ello, ha sido siempre gente alegre”.

“Se necesitan dos años para aprender a hablar y sesenta para aprender a callar”.

“El talento consiste en cómo vive uno la vida”.

Samuel Beckett

“Las palabras son todo lo que tenemos”

“Cada palabra es como una innecesaria mancha en el silencio y en la nada.”

“Da igual. Prueba otra vez. Fracasa otra vez. Fracasa mejor.”

“Nada es más divertido que la infelicidad, te lo aseguro. Sí, sí, es la cosa más cómica del mundo.”

“Respirar es un hábito. La vida es un hábito o, mejor dicho, una sucesión de hábitos, ya que un individuo es una sucesión de individuos.”

“Tengo un sueño, un solo sueño, seguir soñando. Soñar con la libertad, soñar con la justicia, soñar con la igualdad y ojalá ya no tuviera necesidad de soñarlas”.

“Lo preocupante no es la perversidad de los malvados sino la indiferencia de los buenos”.

“No soy negro, soy hombre”.

“Hemos guiado a los misiles y desviado a los hombres”.

“Busco el día en el que la gente no sea juzgada por el color de su piel, sino por el contenido de su carácter”.

salud mental

Las mejores y más bellas cosas en el mundo no se pueden ver, ni siquiera tocar, deben ser sentidas por el corazón.

Helen Keller

Podemos orientarnos hacia la defensa, la seguridad o el miedo. Pero, en el lado opuesto, está la opción de crecimiento. Elegir el crecimiento en lugar del miedo doce veces al día, significa avanzar doce veces al día hacia la autorrealización.

Abraham Maslow

Saber vivir es hacer lo mejor que podemos con lo que tenemos en el momento en que estamos.

Alejandro Jodorowsky

No se puede atravesar el mar simplemente mirando el agua.

Rabindranath Tagore

Algunas características que definen el cine minimalista son: Supresión de los elementos superfluos, condensación de la información y la austeridad formal. Escasez de los mo vimientos de cámara, los planos son generalmente estáticos. Número reducido de personajes y tramas.

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) surgió en París, influenciando a las artes decora tivas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales

El Art Déco, movimiento artístico iniciado en los años 20, influyó en las artes cinematográ ficas de principios del siglo XX y su influencia se extiende hasta los ´40.

La arquitectura, los sofisticados decorados, ambientes elegantes y mundanos, persona jes con trajes fastuosos y sensuales presen tados en las películas, ofrecen al público un mundo de lujo y sueños.

Metrópolis es uno de los pocos filmes con siderados Memoria del Mundo por la Unes co. Fue el primero en poseer esta catego ría, amparado en la vívida encarnación de toda la sociedad, y la profundidad de su contenido humano y social.

Metrópolis es una ciudad de rascacielos cuya arquitectura art decó recuerda a la de las ciudades más modernas de enton ces, principalmente Nueva York, aunque la arquitectura de rascacielos surge en la es cuela de Chicago.

Entre los edificios se enmarañan las aveni das y las líneas del tren. Los edificios de la ciudad de superficie son de una estructura majestuosa, mientras que la ciudad de los trabajadores, subterránea, resulta más sen cilla, lúgubre y sombría.

23 de enero de 1928 en cines / 2h 33min / Ciencia ficción, Sus pense.

Dirigida por Fritz Lang

Guion Fritz Lang, Thea von Harbou

Título original Metrópolis

Sinopsis

La película METROPOLIS, de 1927, de Fritz Lang, con sus impresionantes escenografías, es considerada como un ejemplo clásico y de lo más reconocibles del estilo Art Déco.

Metrópolis es una película muda alemana de 1927 del género de ciencia ficción dirigi da por Fritz Lang y realizada por la produc tora UFA. Es considerada una de las gran des películas del cine expresionista alemán y de la historia del cine mundial.

El guion fue escrito por Thea von Harbou y Fritz Lang, inspirándose en una novela de 1926 de la misma Von Harbou.

Ambientada en una ciudad futurista del año 2026 llamada Metrópolis, la película muestra el funcionamiento de la urbe con una estructura social bastante radical. Por un lado, están los pensadores, encargados de dirigir la ciudad y que viven en bonitas zonas situadas en los rascacielos. Por otro lado, se encuentran los trabajadores, en cargados de lograr los objetivos que pro ponen los pensadores, pero ambos estratos sociales deben permanecer separados por ley.

Los trabajadores, que viven en el subsuelo en condiciones bastante precarias, están cada vez más crispados con su situación y todo indica que pronto se producirá una re volución.

Reparto Brigitte Helm, Alfred Abel, Rudolf Klein-Rogge

Un día, Freder (Gustav Fröhlich, ‘Ball der Na tionen’), el hijo del dirigente de la ciudad, se salta las normas y decide comprobar la situación en la que viven los obreros aden trándose en el mundo subterráneo. Allí co nocerá a María (Brigitte Helm, ‘Liebe der Jeanne Ney, Diese’), una joven de clase obrera que con su talante defiende a los

trabajadores mediante la vía pacífica.

El joven se enamorará de María y ambos tendrán que vivir peligrosas situaciones y hechos discriminatorios por pertenecer a clases sociales distintas.

Tiene el subtítulo histoire féerique (“cuento de hadas”, “historia de encantamiento”). L’Inhumaine se destaca por sus técnicas experimentales y por la colaboración de muchos destacados profesionales de las ar tes decorativas, la arquitectura y la música. La película causó controversia en su lanza miento.

Productora Cinégraphic

Género Drama. Ciencia ficción | Cine mudo

Sinopsis.

“La inhumana” cuenta la fascinación que ejerce una famosa prima donna, Claire Lescot, entre los hombres.

Sin embargo, lo importante en esta película muda no es tanto la historia como la celebración de las diversas manifestaciones ar tísticas de mediados de los años 20.

Para realizar este filme, el director contó con la contribución del artista Fernand Léger y el arquitecto Rob Mallet-Stevens.

Título original Grand Hotel

Año 1932

Duración 115 min. País Estados Unidos Estados Unidos Dirección Edmund Goulding

Guion William A. Drake. Novela: Vicki Baum Música William Axt, Charles Maxwell

Fotografía William H. Daniels (B&W)

Reparto

Greta Garbo, John Barrymore, Joan Craw ford, Wallace Beery, Lionel Barrymore, Jean Hersholt, Robert McWade, Tully Marshall, Purnell Pratt

Productora Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Género Drama | Melodrama. Historias cruzadas

Premios 1931: Oscar: Mejor película

‘Grand Hotel’, dirigida por Edmund Goul ding en 1932, fue una apuesta innovadora en su momento por presentar una historia cruzando las vidas de unos personajes que no se conocen entre ellos pero que tienen que compartir el mismo escenario durante varios días, el de un hotel de lujo de Berlín: el Grand Hotel.

Aquí, una bailarina rusa, un trabajador hu milde, un aristócrata y un ladrón entrarán en contacto, acercándose, pero no demasia do. Además de su presentación, la película fue toda una novedad por su elenco, com puesto, por vez primera en el cine, por ac trices y actores de gran altura como Greta Garbo, Joan Crawford, John Barrymore, Lio nel Barrymore y Wallace Berry, entre otros.

El director Edmund Goulding adaptó la no vela de la escritora Vicki Baum titulada “Per sonas en el hotel” y llevó al cine este filme novedoso y arriesgado para su época.

ART DECÓ (Gran Hotel)

Estilo amplio y heterogéneo que abarco to das las disciplinas artísticas. Según la defini ción aportada por el Cambridge Dictionary, el art decó es un estilo de decoración que fue especialmente popular en los años 30 donde se utilizaban formas y líneas simples y colores fuertes.

En realidad, el art decó fue un movimien to amplio que inundó todas las disciplinas artísticas dejando maravillosos ejemplos de arquitectura, interiorismo, mobiliario, joyas, pintura y artes gráficas, encuadernación, moda, vidrio, cerámica

Cine Minimalista

El minimalismo es una corriente estética que refleja un sentido de individualidad, simplifi cando las cosas a lo más mínimo, tratando así de en cada una de las series de expresio nes artísticas: la pintura, la música, la moda, la arquitectura explicar lo más esencial.

Por ello, en lo que respecta al cine, el mini malismo no podría ser una excepción, sino se vuelve una nueva visión para el lenguaje cinematográfico.

Esta visión, se vincula con una manera ab solutamente diferente a la mayoría de las películas comerciales que, generalmente, estamos acostumbrados; encontraste, en las películas minimalistas se marca una for ma distinta de contar la trama con el uso del detalle de las cosas y resaltando la sim pleza o sencillez de estas.

Directores Minimalistas

Algunos

Aki Olavi Kaurismäki es el principal re presentante del cine finlandés, junto a su hermano mayor Mika, de estilo fílmico muy diferente.

Nacido en Orimattila, Finlandia, en 1957, creó junto a Mika, también cineasta, su propia productora, Villealfa Oy, nombre que homenajea a la película Alphaville, de Jean-Luc Godard; bastante más tarde rebautizaría su compañía como Sputnik Oy.

El título que lanzó a ambos hermanos y re volucionó el cine finés sería Valehtelija (El mentiroso), de 1981.

La dirección era de Mika, pero Aki coes cribió el libreto, además de interpretar un personaje, que justamente se llamaba Vi lle Alfa.

Aunque Aki ha abordado algún clásico literario –debutó en el largo en 1983 con Crimen y castigo, a partir de la novela de Dostoievsky, y Hamlet va de viaje de ne gocios es una mirada muy particular de la obra de Shakespeare–, su cine se carac teriza por el minimalismo, presente incluso en la duración de las películas, que afirma que nunca deberían durar más de hora y media, norma que cumple a rajatabla.

El hecho de que escribe dirige y produce sus películas le aseguran un control total de sus historias. Dice que le gusta improvi sar en el plató, pero que no son los actores los que improvisan, sino él, lo que da idea de ese férreo control sobre el resultado fi

nal. En sus películas dominan los silencios (“si la película se lleva a un nivel minimalista aún el simple sonido de una tos puede ser bastante dramático”, afirma), y cierto aire tristón.

Los personajes, trabajadores de condición humilde, son lacónicos, y expresan sus pensamientos con pocas palabras. Hay en sus miradas reconcentradas un anhelo de felicidad que no siempre es colmado. Y el cineasta ha encontrado en una serie de actores, sobre todo en los habituales Ma tti Pellonpää –fallecido prematuramente en 1995 de un infarto, con 44 años–, Kari Väänänen, Markku Peltola y Kati Outinen, los intérpretes perfectos para sus historias, existe una clara complicidad con ellos.

De su particular sentido del humor da idea el siguiente comentario: “Cuando era jo ven, me sentaba en el cuarto de baño y las ideas simplemente venían a mí. Aho ra sólo me siento en el baño.” ¿Es Aki un cineasta pesimista u optimista? No existe una respuesta simple.

Sus historias están abiertas a la esperanza, los náufragos existenciales que las pueblan pueden llegar a catar algo parecido a la felicidad (el final abierto de Sombras en el paraíso y Luces en el atardecer, la historia romántica de Ariel), pero también puede haber amarga ironía (la terrible odisea de La chica de la fábrica de cerillas).

Y, en cualquier caso, ese remanso de paz que pueden llegar a alcanzar habrá esta do precedido de vicisitudes que pueden incluir hasta la violencia física (las palizas que reciben los personajes es un motivo bastante recurrente en el cine del finlan dés, como ocurre en El hombre sin pasa do, título con el que ganó el Gran Premio del Jurado en Cannes, mientras que Kati Outinen fue la mejor actriz del certamen). Una de las grandes películas de Aki es Nu bes pasajeras, sobre la que comentó “es totalmente trágica.

Cuando comencé a escribir el guion para esta película, puse en un extremo la histo ria de rescate emocional de Frank Capra en ¡Qué bello es vivir! y en el otro Ladrón de bicicletas, de Vittorio De Sicca, y la realidad finlandesa en el medio.” El resul tado es una estupenda reflexión sobre el desempleo, más optimista de lo habitual

en el cineasta, y que está enmarcada en un restaurante.

No es un lugar casual, pues Aki es copro pietario de varios restaurantes en Helsinki, y del Hotel Nummi-Pusula.

Aki puede ser un tipo paradójico. El humor ligero que acompaña a la banda musical de Leningrad Cowboys Go America y Le ningrad Cowboys Meet Moses da idea de ello, contrasta con le etiqueta de ‘cine triste’, que fácilmente puede adherírsele. Mientras que la cuidada y alegre música que acompaña a sus películas, y una fo tografía de cuidada paleta de colores, deudor tal vez de un Fassbinder o un Al modóvar (aunque las influencias pueden ser mutuas), son también un desmarque de los lugares comunes.

Sobre el profundo compromiso moral de su cine, dan idea estas palabras del cineas ta: “El sentido de la vida es adquirir princi pios morales que respeten la naturaleza y a los demás seres humanos, y seguirlos.”

FILMES MÁS REPRESENTATIVOS DE AKI KAU RISMÄKI, EL CINEASTA FINLANDÉS

El filme relata la historia de amor entre el conductor de un camión de basura, Nikan der (Matti Pellonpää), y la cajera de super mercado, Ilona (Kati Outinen).

Ambos tienen anhelos de crecer, pero su condición social no se los permite. Ante las circunstancias, luchan por mantenerse uni dos. Esta cinta es la primera producción de una saga que analiza el estilo de vida del proletariado finlandés, conformada tam bién por Ariel y La muchacha de la fábrica de cerillos.

Ariel (1988)

Sombras en el paraíso (Varjoja paratiisissa, 1986)

La historia es conocida: Taisto Kasurinen (Turo Pajala) es un minero que debe encon trar la forma de sobrevivir después del suici dio de su padre y de perder su trabajo en una mina de carbón.

Los trabajos de Aki Kaurismäki se han carac terizado por una visión crítica de su entorno y por mostrar los estragos de la clase obrera. Sombras en el paraíso no es la excepción.

A través de un afilado humor negro, Kauris mäki logra algunas de las escenas más sig nificativas del cine finlandés, como aquella donde el padre de Taisto le habla del sin sentido de la vida para después pararse y darse un tiro en el baño de un restaurante. Un filme honesto que a cada minuto emite una dura crítica social.

Los Vaqueros de Leningrado en América (Leningrad Cowboys Go America, 1989)

El camino a la fama es lo que une a Los Va queros de Leningrado, una excéntrica ban da finlandesa.

Ante la falta de oportunidades en su tierra natal, deciden recorrer Estados Unidos y parte de México en busca de un espacio dentro de la industria musical.

A bordo de un viejo Cadillac y al ritmo de estilos como el folk, la polka y canciones populares rusas, utilizan el rock para romper fronteras culturales y lingüísticas.

La cinta presta especial atención a la ca racterización de los protagonistas para evi denciar el contraste entre ambos mundos. Esta película posicionó a Kaurismäki como uno de los directores más importantes de la región nórdica.

La muchacha de la fábrica de cerillos (Tulitikkuteh taan tyttö, 1990)

La situación económica y social de una chi ca solitaria (Kati Outinen) pone a prueba su capacidad de autocontrol.

La necesidad por alcanzar la felicidad, ena morarse y escapar de su monótona vida como trabajadora de una fábrica de ceri llos, le lleva a enfrentar retos que le harán cuestionar su lugar en el mundo.

La cinta es una representación del estilo de vida del proletariado y de las formas en que el sistema capitalista dominó a la juventud finlandesa de los años 90.

Su retrato es crudo pero realista. Kaurismäki construye narrativas a partir del montaje, la cinésica y los efectos sonoros para reducir al máximo el diálogo entre los personajes. Contraté a un asesino (I Hired a Contract Ki ller, 1990)

El temor a la muerte y el hastío de la vida se enfrentan en la mente de Henri Boulan ger (Jean-Pierre Léaud) cuando se queda sin trabajo. Tras varios intentos de suicidio, el protagonista reconoce su incapacidad para matarse y contrata a un asesino a suel do para que le ayude.

Sin embargo, una serie de sucesos inespe rados le hacen cambiar de parecer y debe revertir su destino antes de que su pago se haga efectivo.

Esta cinta resalta la importancia de la psico logía del personaje en el cine de Kaurismä ki. Los protagonistas son demasiado fuertes o excesivamente cobardes, y no necesitan más que de sí mismos para enfrentar los obs táculos del mundo donde se desenvuelven.

Un hombre sin pasado (Mies vailla men neisyyttä, 2002)

el Festival de Cannes de 2002 y una nomina ción al Óscar por mejor película extranjera en ese mismo año.

Filmografía

Crimen y castigo, 1983. Calamari Union, 1985. Sombras en el paraíso, de 1986. Hamlet va de negocios, 1987. Ariel, 1988.

Likaiset kädet (Les mains sales), 1989. Leningrad Cowboys Go America, 1989.

La chica de la fábrica de cerillas, 1990. Contraté a un asesino a sueldo, 1990. La vida de Bohemia, 1992. Toma tu pañuelo, Tatiana, 1994. Leningrad Cowboys Meet Moses, 1994. Nubes pasajeras, 1996. Juha, 1999.

Un hombre sin pasado (2002). Luces al atardecer de 2006. Le Havre de 2011. El otro lado de la esperanza de 2017.

Documentales

Saimaa-ilmiö (Saimaa Gesture), 1981 Total, Balalaika Show, 1994

Juice Leskinen & Grand Slam: Bluesia Pieksämäen asemalla, 2013 (18 min)

Cortometrajes

Al bajar de un tren en Helsinki, un hombre (Markku Peltola) comienza, sin saberlo, una nueva vida.

Tras dormir en una banca de la estación, es asaltado y golpeado hasta perder el cono cimiento. Al despertar pierde la memoria y es recibido por una familia de bajo estrato social. Nieminen (Juhani Niemelä), así como su esposa e hijos, le enseñan al señor “M” sus costumbres y mecanismos de supervivencia frente a un capitalismo salvaje como el de su época.

El argumento es sencillo y busca representar las dificultades que enfrenta el proletariado para satisfacer sus necesidades. Apegada a la realidad y llamando a la reflexión, esta cinta otorgó a Aki Kaurismäki tres premios en

Rocky VI, 1986 (8 min) Through the Wire, 1987 (6 min) Rich Little Bitch, 1987 (6 min) L.A. Woman, 1987 (5 min) Those Were The Days, 1991 (5 min) These Boots, 1992 (5 min)

Välittäjä, 1996

Dogs Have No Hell (episodio de 10 minutos de Ten Minutes Older - The Trumpet), 2002.

Bico (episodio de 5 minutos de Visions of Europe), 2004.

The Foundry (episodio de 3 minutos de To Each His Own Cinema), 2006.

Tavern Man (episodio de 14 minutos de Centro Histórico), 2012.

Vandaleyne (cameo y gracias), 2015.

Thomas Elsaesser: Metropolis – Der Filmklassiker von Fritz Lang, Europa Verlag, Hamburg 2000, ISBN 3-203-84118-5

Enno Patalas: Metropolis in/aus Trümmern – Eine Filmgeschichte, Bertz + Fischer Verlag, Berlín 2001, ISBN 3-929470-19-5

Thea von Harbou: Metropolis – Der Roman zu Fritz Langs Film, Ullstein, Frankfurt/M., Berlín, Wien, 1978, ISBN 3-548-03394-6 https://decine21.com https://www.imdb.com/ https://www.filmaffinity.com/

“

El minimalismo en la música se ha definido como una estética, un estilo y una técnica, cada uno de los cuales ha sido una descripción adecuada del término en ciertos puntos del de sarrollo de la música minimalista. Sin embargo, dos de estas definiciones de minimalismo: esté tica y estilo, ya no representan con precisión la música a la que a menudo se le da esa etique ta”.

Breve historia

La palabra “minimal” quizás fue utilizada por primera vez en relación con la música en 1968 por Michael Nyman, quien “dedujo una receta para el éxito de la ‘música mínima’ del entre tenimiento presentado por Charlotte Moorman y Nam June Paik en el ICA “, que incluyó una actuación de Springen de Henning Christiansen y una serie de piezas de arte escénico no iden tificadas.

Más tarde, Nyman amplió su definición de músi ca mínima en su libro de 1974 Experimental Mu sic: Cage and Beyond. Tom Johnson, uno de los pocos compositores que se identifica a sí mismo como minimalista, también afirma haber sido el primero en usar la palabra como nuevo crítico musical para The Village Voice. Él describe el “minimalismo”:

The Village Voice es un periódico estadouni dense de noticias y cultura, conocido por ser el primer semanario alternativo del país. Fundada en 1955 por Dan Wolf, Ed Fancher, John Wilcock

y Norman Mailer, Voice comenzó como una plataforma para la comunidad creativa de la ciudad de Nueva York. Dejó de publicarse en 2017, aunque sus archivos en línea permane cieron accesibles. Después de un cambio de propiedad, Voice reapareció en forma impresa como trimestral en abril de 202

Música minimalista

El movimiento hacia el minimalismo en la mú sica comenzó esencialmente durante la déca da de 1960, junto con el movimiento minimalista en el arte. Aunque algunos compositores ex perimentaron con el minimalismo en la música antes de mediados del siglo XX, el movimiento minimalista tanto en el arte como en la música floreció durante las décadas de 1960 y 1970.

Después de que la llegada de la guitarra eléc trica elevó el umbral del ruido y la capacidad de los músicos para tocar más notas más rápido durante el nuevo período contemporáneo en la década de 1950, el mundo del arte, en general, atravesó un período de contraste y abrazó el expresionismo reductivo durante este período. Las técnicas experimentales de los períodos musicales que precedieron a la era minimalista ayudaron a estimular a los compositores a su perar los límites de la definición de música para crear un género musical completamente nuevo por definición.

Algunas de las eras musicales anteriores que ayudaron a promover el minimalismo en la mú sica incluyen las siguientes:

Modernismo (1890-1975)

Impresionismo (1890-1930)

Expresionismo (1900-1930)

Neoclasicismo (1920-1975) Serialismo (1920-1975) Contemporáneo (1950-actualidad)

Es posible que Michael Nyman haya utilizado por primera vez el término “minimalista” en The Spectator en 1968. Nyman es un pianista, libre tista, musicólogo y compositor inglés de música minimalista sobre cuyo trabajo se fundó la ban da de Michael Nyman en 1976.

Nyman afirmó haber encontrado “una receta para la exitosa música mínima que sucede en el entretenimiento presentado por Charlotte Moorman y Nam June Paik en el ICA (Instituto de Arte Contemporáneo)”. (Nyman 1968, 519.) Sin embargo, el autoproclamado compositor minimalista Tom Johnson afirma haber sido el primero en utilizar el término “minimalismo” en referencia a la música como crítico musical de The Village Voice.

Se describe el minimalismo como “cualquier música que funcione con materiales mínimos”. piezas que utilizan sólo unas pocas notas piezas que usan solo unas pocas palabras de texto piezas escritas para instrumentos mínimos, como platillos antiguos, ruedas de bicicleta o vasos de whisky piezas que sostienen un estruendo elec trónico básico durante mucho tiempo.

piezas realizadas exclusivamente a partir de grabaciones de ríos y arroyos.

piezas que se mueven en círculos interminables. piezas que configuran un muro inmóvil de soni do de saxofón.

piezas que toman mucho tiempo para pasar gradualmente de un tipo de música a otra. piezas que permitan todos los tonos posibles, siempre que se encuentren entre C y D. piezas que ralentizan el tempo a dos o tres no tas por minuto”.

Hoy en día, el minimalismo en la música se reco noce comúnmente como una forma de música artística que limita la cantidad de instrumen tos musicales en una composición o reempla za la instrumentación tradicional con fuentes no instrumentales como expresiones musicales. La música minimalista generalmente presenta patrones, frases o ritmos repetitivos, sonidos de

zumbido prolongados y armonías de consonan tes.

Nuevas Formas Musicales

El movimiento minimalista introdujo nuevos ele mentos y formas de música, algunos de los cua les siguen estando de moda en la actualidad. El enfoque minimalista de la música está mar cado por un sistema no narrativo que llama al oyente a centrarse en el proceso o fases de la composición musical o partitura y promueve la escucha activa en lugar de servir como mero telón de fondo para otras actividades. Dos de estas nuevas reflexiones musicales inclu yen la música de fase y la música de proceso.

En el mundo de la música, el término minimalis mo se aplica a veces a la música que muestra ciertas características. El minimalismo busca la apertura mental. Tomando eso en cuenta, den tro de las características de la música minimalis ta son las siguientes:

•Armonía estática, a veces permaneciendo en un único acorde.

•Pulso constante.

•Utilización de tonos puros o afinación justa.

•Patrones rítmicos repetitivos.

•Utilización de procesos matemáticos o algorít micos.

•Utilización de patrones o permutaciones siste máticas.

•Transformaciones o transiciones lentas.

•Reiteración de frases o figuras musicales en pe queñas unidades.

•Retención de ritmos básicos o armonía por un largo período de tiempo.

•Frases cíclicas sin final.

•Sonidos inusuales.

•Instrumentación limitada.

•Instrumentación inusual.

•Experimentación de las propiedades de la per cepción, como la metamúsica (amplificación de la percepción como efecto colateral).

•Graduaciones mínimas entre notas de cerca na distancia.

•Influencia musical de culturas no occidentales (por ejemplo, música de la india o música afri cana).

•Utilización aleatoria y repetitiva de la voz, sin

estructura ni contenido, como factor rítmico. La primera composición que se considera mini malista fue la obra de 1958 “Trio for Strings” de La Monte Young, a la que siguieron, en la dé cada de 1970 las obras de Steve Reich y Philip Glass entre otros.

Sin embargo, se atribuye el empleo, por primera vez, del término música minimalista a Michael Nyman, quien en un artículo en The Spectator en 1968, se lo aplicaba al compositor inglés Cor nelius Cardew.

La música minimalista puede sonar a veces si milar a diferentes formas de música electrónica (e.g. Basic Channel), así como a algunas com posiciones basadas en la textura, como alguna de las obras de Gyorgy Ligeti. A veces el resul tado final es similar, pero el procedimiento de acercamiento no lo es.

También se habla de techno minimal, un gé nero secundario de la música techno, que se caracteriza por un bajo desnudo, sonido entre cortado, un compás rítmico de 4/4 simple (ge neralmente, alrededor de 120-135 BPM), una re petición de bucles cortos, y cambios sutiles.

Algunos de los compositores que frecuente mente se asocian con este movimiento son:

•Terry Riley: Mescalin Mix, The Gift, In C.

•Steve Reich: Six Pianos, it is Gonna Rain, Come Out, Piano Phase

•Philip Glass: 1+1, Two Pages, Music in Fifths, Mu sic in Contrary Motion

•La Monte Young: Trío para cuerdas.

•John Adams: Phrygian Gates, Shaker Loops

•Cuando el estilo llegó a Europa, sus mayores exponentes fueron los siguientes:

•Gabin Bryars

•John Tavener

•Karel Goeyvaerts

•Louis Andriessen

•Ludovico Einaudi

•Michael Nyman

•Stefano Ianne

•Steve Martiand

•Wim Mertens

•Yann Tiersen

En la tradición de la música de arte occidental, se atribuye a los compositores estadounidenses La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich y Philip Glass estar entre los primeros en desarrollar téc nicas de composición que explotan un enfoque mínimo

Michael Nyman nació el 23 de marzo de 1944 en Londres.

Se crio en el seno de una familia de peleteros con antepasados polacos.

Estudios: Cursó estudios en la Real Academia de Música y en el King’s College.

Crítico: En sus inicios no componía, limitándose a ser un teórico de la música clásica que escribía artículos para periódicos, como The Spectator.

Michael Nyman

Compositor: Michael Nyman escribió Música Ex perimental: John Cage y sus seguidores, 1974. De la decisión de poner música a páginas de Goldoni surge “Il campiollo”, una obra que in terpreta en directo con una formación hetero doxa, que a la larga se convertirá en la cam biante Michael Nyman Band.

Películas: En 1982, colabora con el director de cine Peter Greenaway, para quien compuso la banda sonora de El contrato del dibujante.

Le siguieron A Zed and two Noughts, en 1986 y Drowning by numbers. Su relación con Gree naway finaliza con la película Prospero’s Book en 1991. Nyman no soportó que Greenaway in trodujera sonidos electrónicos en lo que era una partitura vocal de tres voces.

Michael Nyman realizó una composición para el desfile de moda Yamamoto Perpetuo para el diseñador Yohji Yamamamoto, 1993; la banda sonora para el videojuego Enemy Zero, 1996 y la partitura para la obra de teatro El hombre que confundió a su mujer con un sombrero (1986).

Trabajó para coreógrafos como Siobhan Da vies, Shobana Jeyasingh, Lucinda Childs, Karine Saporta y Stephen Petronio.

Escribe bandas sonoras para películas como El Piano de Jane Campion, 1992, El Ogro de Wolker Schlöndorff, 1996, o Wonderland de Mi chael Winterbottom, 1999 y además compone obras para la Michael Nyman Band.

En el 2008 edita la banda sonora de la película Man on Wire del director James Marsh, inspira da en su álbum de 2006, The Composer’s Cut Series Vol. II: Nyman/Greenaway Revisited.

Obras

1995 Noises, Sounds & Sweet Airs (Ruidos, Soni dos ydulces Aires) (2 versions) Argo Records

1994 The Piano Concerto / MGV (CD, Album) Argo Records (2) (Concierto de Piano) *1994 Mi chael Nyman - Zoo II, The - Taking A Line For A Second Walk (CD, Album) Work Music London

(Tomando una línea para una segunda cami nata)

1994 a La Folie (2 versions) Virgin (Virgen)

1993 For Yohji Yamamoto - The Show, Vol.2 (CD, Album) Consipio Records

1993 Time Will Pronounce (The 1992 Commis sions) (Pronuncia Tiempo de voluntad) (CD, Al bum) Argo Records (2)

1993 The Piano (14 versions) Venture, Virgin (El Piano)

1992 le Mari De La Coiffeuse (Bande Originale Du Film) (3 versions) Soundtrack Listeners Com munications Inc.

1991 Massive Attack / Michael Nyman - Blue Li nes / The Piano (CD, Album, MP) Wild Bunch Re cords, Circa (Ataque Masivo)

1991 Michael Nyman - Ute Lemper - Songbook (2 versions) Decca (Cancionero)

1989 The Man Who Mistook His Wife For A Hat (Box + CD, Album) CBS Drowning By Numbers *1991 La Traversée De Paris (3 versions) Crite rion Michael Nyman, Balanescu Quartet- String Quartets 1-3 (4 versions) Argo Records.

1991 Michael Nyman - Michael Nyman BandProspero’s Books (3 versions) Argo Records (2), Decca Decay Music (8 versions) Obscure (2)

1979 Paul Richards (9) & Bruce McLean / Mi chael Nyman - ‘The Masterwork’ Award Winning Fish-Knife (Cass, Album, C60) Audio Arts

1982 The Draughtsman’s Contract (15 versions) Charisma Untitled (2 versions) Piano. 1985 music For Peter Greenaway’s Film A Zed & Two Noughts (11 versions) That’s Entertainment Records The Kiss And Other Movements (5 ver sions)

1986 And Do They Do / Zoo Caprices (4 versions) That’s Entertainment Records

Cornelio Cardew

Cornelius fue el segundo de los tres hijos de Mi chael y Mariel Cardew. Su padre era alfarero, su madre artista.

La familia se mudó a Cornualles unos años des pués de su nacimiento y fue desde aquí donde fue aceptado como alumno por la Escuela de la Catedral de Canterbury, que había evacua do la zona durante la guerra debido al bombar deo. Cornelius comenzó su vida musical como corista.

De 1953 a 1957 estudió piano y violonchelo con Percy Waller y composición con Howard Fergu son en la Royal Academy of Music y ganó una beca para estudiar música electrónica en Co lonia durante un año antes de convertirse en asistente de Karlheinz Stockhausen (1958-60), colaborando con él en Carre.

“Como músico se destacó porque no solo era un buen pianista sino también un buen improvi sador y lo contraté para que fuera mi asistente a fines de los años 50 y trabajó conmigo durante más de tres años. Le di trabajo para que lo hi ciera. nunca le he dado a ningún otro músico, lo que significa trabajar conmigo en la partitura que estaba componiendo. Fue uno de los me jores ejemplos que puedes encontrar entre los músicos porque estaba bien informado sobre las últimas teorías de la composición además de ser un intérprete” (Karlheinz Stockhausen).

Como músico y organizador de conciertos, fue responsable de muchas primeras representa ciones, incluidas las Estructuras de Boulez con Richard Rodney Bennet en la Royal Cademy of Music; así como la música de Cage, Stockhau sen, La Monte Young, Terry Riley, Wolff, Rzewski, etc, etc. En Londres tomó un curso de diseño gráfico y trabajó intermitentemente como ar tista gráfico/investigador durante el resto de su vida.

Estudió con Petrassi durante 1965 con una beca del Gobierno italiano. En 1966 fue elegido Fe llow de RAM y fue nombrado Profesor de Com posición allí en 1967. También fue asociado en el Centro de Artes Creativas y Escénicas de la Universidad Estatal de Nueva York durante 196667. Fue miembro del grupo de improvisación li bre AMM.

Mientras enseñaba una clase de música ex perimental en la universidad de Morely (1968), Cornelius, Howard Skempton y Micheal Parsons formaron la Scratch Orchestra, un gran grupo experimental que operó durante varios años dando actuaciones por toda Gran Bretaña, también en el extranjero. Fue durante este pe ríodo cuando se debatió acaloradamente toda la cuestión del “arte de quién” y Cornelius se in volucró más directamente en la política.

Pasó 1973 en Berlín Occidental con una beca de artistas de la ciudad, donde participó activa mente en una campaña para una clínica infan til. Al regresar a Londres formó parte del grupo Peoples Liberation Music con Laurie Scott Baker, John Marcangelo, Vicky Silva, Hugh Shrapnel, Keith Rowe y otros, que estaba desarrollando música al servicio del movimiento popular parti cipando musicalmente en muchos de los temas de actualidad del día.

Al mismo tiempo, estaba analizando con otros miembros de scratch escribiendo artículos sobre el estado de la música y lo que había estado haciendo anteriormente, que se reunieron en una crítica de su propio trabajo junto con el de Stockhausen y Cage en un libro, Stockhausen Serves. Imperialismo.

“Había formado parte de la ‘escuela de Stoc khausen’ desde aproximadamente el 56-60, tra bajando como ayudante de Stockhausen y co laborando con él en una gigantesca obra coral y orquestal. Desde el 58-68 también formé parte de la ‘escuela de Cage’ y a lo largo de los años sesenta había propagado enérgicamente, a través de transmisiones, conciertos y artículos en la prensa, la obra de ambos compositores. Esto fue algo malo y no lo excusaré...”

Trabajaba como investigador y también impar tía una clase, Canciones para nuestra sociedad en Goldsmiths, además de dar conferencias tanto en Gran Bretaña como en el extranjero. Durante este período se volvió más involucrado y activo políticamente, participó activamente en la formación de la Asociación Cultural Pro gresista en 1976 de muchos artistas, músicos y actores. Se convirtió en su secretario.

Fue miembro fundador del Partido Comunista

Revolucionario de Gran Bretaña (Marxista-Le ninista) en 1979. Acababa de comenzar a tra bajar en Gran Bretaña en el Segundo Festival Internacional de Deportes y Cultura que se llevó a cabo durante 1982, y había comenzado una Maestría en Análisis Musical. en King’s College London cuando fue asesinado trágicamente el 13 de diciembre de 1981 por un conductor que se dio a la fuga cerca de su casa en Leyton, East London.

Cornelius era ampliamente conocido en Gran Bretaña y en todo el mundo no solo por sus composiciones de vanguardia, sino también como compositor político y por su posición en la música contemporánea.

Discografía

•El gran aprendizaje (Deutsche Grammophon, 1971)

•Cuatro principios sobre Irlanda y otras piezas 1974 (Cramps, 1975)

•Concierto conmemorativo (Impetus, 1985)

•Variaciones de Thälmann (Matchless, 1986)

•Música de piano (B&L, 1991)

•Música de piano 1959-1970 (Matchless, 1996)

•Tratado (hatART, 1999)

•Solo queremos la tierra (Musicnow, 2001)

•Apartment House Chamber Music 1955-1964 (Matchless, 2001)

•¡Cantamos por el futuro! (New Albion, 2001)

•Material (hatART, 2004)

•Conscientemente (Musicnow, 2006)

•Tratado con Keith Rowe (Planam, 2009)

•Tratado con Petr Kotik (Mode, 2009)

•Obras 1960–70 (+ 3dB, 2010)

•Tratado (Versión de ruido fuerte) (Recapitula ción sublime, 2013)

El Art Decó en la música ensalzaba el pro greso, lo estridente y el jazz fue el movimiento emblemático de los años ’20. América contribu yó en el jazz y en la música con muchos escrito res de canciones en esa época.

Sus cantantes se convirtieron en nombres im portantes dentro de América, mientras que la música llegó a estar disponible para millones de personas gracias al nuevo medio: la radio. Cantantes tales como Ella Fitzgerald, Billie Holi day, entre otros, crearon sus propios estilos re conocibles y popularizaron además trabajos de otros artistas.

El Jazz es una expresión humana sorprendente, nacida del sufrimiento del pueblo africano en esclavitud. Lo que esa raza le ha dado al mun do, lo vuelve diferente; de tanta crueldad y tan ta destrucción, devolvió belleza y creación.

Los cantos, las percusiones y la imitación de voces naturales fue parte del legado que los africanos trajeron consigo a América entre los siglos XVII y XIX. En esa vida de desesperanza impuesta, sus cantos se volvieron historias de opresión, de trabajo y de súplica, y unidos a los ritmos europeos de los colonizadores dibujaron la pauta para la creación de novedosos ritmos y formas musicales.

El Jazz tuvo sus inicios hacia finales del siglo XIX, en la ciudad de Nueva Orleans, donde habita ban esclavos de África, del Caribe, del sur del país y criollos libres o mestizos, y fue precisamen te esa mezcla de culturas musicales lo que ori ginó una nueva forma de arte que terminó por definirlos a todos.

Ella Fitzgerald

(Newport News, Estados Unidos, 1918 - Los Án geles, 1996) Cantante estadounidense de jazz. Inició su carrera en la década de 1930 y fue ca lificada de «primera dama del jazz» por su ele gancia y por su técnica vocal, que la dotaba de una gran versatilidad en su repertorio. Fue, junto al genial trompetista Louis Armstrong, la principal figura del scat singing (uso de la voz de una manera instrumental mediante la entona ción de sílabas improvisadas), y trabajó, entre otros, con Chick Webb, el ya mencionado Louis Armstrong y Duke Ellington.

Tras pasar su infancia en un orfanato de Nue va York, inició su carrera con sólo dieciséis años, cuando ganó en 1934 un concurso para voces noveles en el Apolo Harlem de Nueva York. En tre los asistentes a la gala se encontraba Chick Webb, que quedó fascinado por su voz y la con trató para su orquesta; posteriormente se casa ría con ella. De 1935 data su primera grabación, Love & Kisses. Entre 1934 y 1939, Ella Fitzgerald cantó con la Chick Webb Band, grupo que diri gió tras la muerte de Webb (1939) durante dos años.

Empezó entonces su trayectoria como solista y grabó su primer álbum, My Wubba Dolly. Su cá lida voz, aunque nunca tan intensa como la de Billie Holiday, tenía un aire distinguido, llegando incluso a veces a parecer ingenua e infantil. Tras colaborar en grabaciones con un sinfín de personajes del mundo de la música negra (Louis Armstrong entre ellos), en el año 1946 se incor poró a una gira por Estados Unidos que la dio a conocer por todo el país. Trabajó con el productor discográfico estadou nidense Norman Granz y recorrió Europa y Asia

interviniendo en las jornadas musicales Jazz at the Philharmonic, organizadas por Granz. Ya en la década de los cincuenta fueron frecuen tes sus trabajos junto a nombres ilustres del jazz, como Cole Porter y Duke Ellington, en la que fue una de sus mejores etapas como vocalista. Rea lizó incluso una primera aparición en el celuloi de, en el filme Pete Kelly’s Blues (1955).

Ese mismo año se despidió de Decca, su sello dis cográfico hasta esa fecha, donde había orien tado su carrera artística hacia las baladas pop; su fichaje por el sello Verve, en 1956, la acercó más al jazz, e inició una fructífera etapa duran te la que, hasta mediados de la década de los sesenta, grabó más de 250 canciones con los mejores compositores del momento, como los mencionados Porter o Ellington o figuras de la magnitud de Richard Rogers, George Gershwin o Jerome Kern, entre otros.

Sus grabaciones con orquestas están considera das entre las mejores de la historia del jazz. Una de las realizadas para este sello fue Ella & Ba sie, donde colaboró con Count Basie y un joven Quincy Jones como artista invitado. Con Basie volvería a editar otro excelente disco, A Classy Pair, en 1979.

Para los aficionados al jazz, posiblemente su mejor trabajo es Ella Fitzgerald sings the Cole Porter songbook (1956), álbum que incluye la versión definitiva de Every time we say goodb ye, uno de sus mayores éxitos, aunque también hay que destacar grabaciones como Lady be good (1946) o A Tisket A Tasket (1968).

Entre 1957 y 1958 interpretó con la colabora ción, una vez más, de Louis Armstrong, la ópera de George Gershwin Porgy and Bess, en una ex celente versión jazz de esta. En 1958 actuó junto a Duke Ellington en el Carnegie Hall de Nueva York. En Europa ofrecería numerosos recitales con el trío de Oscar Peterson.

En el año 1960 organizó un concierto en la Deutschlandhalle de Berlín, donde Adolf Hitler había pronunciado un discurso condenando a dos grandes intelectuales alemanes como fue ron Kurt Weill y Bertolt Brecht, hecho que la can tante conmemoró en un homenaje a los mismos

intelectuales y que terminó en un apoteósico Mack The Knife (Weill-Brecht). Este simbólico acto acentuó aún más la leyenda mundial de esta diva del jazz.

Una grave enfermedad la mantuvo apartada de la escena musical desde mediados de los sesenta, pero recobró la actividad en los seten ta, grabando y volviendo a actuar con regula ridad. Entre sus últimas apariciones destaca el concierto que ofreció en 1985, con motivo del Kool Jazz Festival, en el Carnegie Hall. En 1986 fue operada a corazón abierto, y sólo el afán de superación le ayudó a superar la crisis; vol vió a los escenarios un año después. Sus últimos trabajos (30 by Ella, editado en 1991 y grabado con el saxofonista Benny Carter, o Misty Blue, del mismo año) demuestran la fuerza interpretativa que mantuvo prácticamente hasta su falleci miento.

Discografia

1950

Ella Sings Gershwin (1950)

For Sentimental Reasons (1952) Songs in a Mellow Mood (1954) Lullabies of Birdland (1954)

Miss Ella Fitzgerald & Mr Gordon Jenkins Invite You to Listen and Relax (1955)

Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Songbook (1956) Ella and Louis (1956)

Ella Fitzgerald Sings the Rodgers & Hart Songbook Ella and Louis Again

Ella Fitzgerald Sings the Duke Ellington Songbook Like Someone in Love Porgy and Bess Ella Swings Lightly

Ella Fitzgerald Sings the Irving Berlin Songbook Get Happy!

Ella Fitzgerald Sings Sweet Songs for Swingers Ella Fitzgerald Sings the George and Ira Gershwin Son gbook

1960

Ella Wishes You a Swinging Christmas Hello, Love

Ella Fitzgerald Sings Songs from “Let No Man Write My Epitaph”

Ella Fitzgerald Sings the Harold Arlen Songbook Clap Hands, Here Comes Charlie! Rhythm Is My Business Ella Swings Brightly with Nelson Ella Swings Gently with Nelson Ella Sings Broadway

Ella Fitzgerald Sings the Jerome Kern Songbook ¡Ella and Basie! These Are the Blues Hello, Dolly! Ella Fitzgerald Sings the Johnny Mercer Song BookElla at Duke’s Place Whisper Not Brighten the Corner Ella Fitzgerald’s Christmas 30 by Ella Misty Blue Ella 1970 Things Ain’t What They Used to Be (And You Better Be lieve It)

Ella Loves Cole Take Love Easy Fine and Mellow Ella and Oscar Fitzgerald and Pass... Again Lady Time Dream Dancing A Classy Pair

1980

Ella Abraça Jobim The Best Is Yet to Come · Speak Love Nice Work If You Can Get It Easy Living All That Jazz

Álbumes en vivo

Ella at the Opera House Ella Fitzgerald and Billie Holiday at Newport Ella in Rome: The Birthday Concert Ella Fitzgerald Live at Mister Kelly’s Ella in Berlin: Mack the Knife Ella in Hollywood Ella Returns to Berlin Twelve Nights in Hollywood Ella at Juan-Les-Pins Ella in Hamburg Ella and Duke at the Cote D’Azur Sunshine of Your Love

Newport Jazz Festival: Live at Carnegie Hall

The Stockholm Concert, 1966 Ella in Budapest, Hungary Ella à Nice

Jazz at Santa Monica Civic ‘72 Ella in London Montreux ‘75 Montreux ‘77 Digital III at Montreux A Perfect Match Sophisticated Lady

Billie Holiday

(Eleanora Fagan; Filadelfia, 1915 - Nueva York, 1959) Cantante de jazz estadounidense. Huérfa na desde temprana edad, su vida estuvo mar cada por el infortunio: violada a los diez años, con doce empezó a prostituirse, hecho por el cual estuvo cuatro meses en prisión.

Su suerte cambió a partir de su participación en un casting para un puesto de bailarina en el Pod’s & Jerry’s, donde, tras un estrepitoso fraca so, el pianista del local la invitó a cantar, lo cual permitió que el crítico y productor John Ham mond descubriese en ella unas extraordinarias cualidades vocales, a pesar de su nula forma ción musical.

Hammond logró que la joven grabase su primer disco junto al mítico clarinetista Benny Good man cuando la cantante tenía dieciocho años. Tras esta grabación, le llegó a Holiday una épo ca de grandes éxitos, durante la cual actuó con artistas de la talla de Teddy Wilson, Lester Young, con quien realizó algunas de sus mejores grabaciones, William Count Basie o Artie Shaw.

Su particular timbre de voz y su libertad rítmi ca hicieron de ella una de las cantantes más personales e influyentes del mundo del jazz; de hecho, a menudo es señalada como una de las mejores intérpretes de la historia del géne ro, junto a Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald. Sin embargo, Billie Holiday no supo asimilar el éxi to: consumidora habitual de drogas y alcohol, poco a poco entró en un proceso de decaden cia artística, al que se sumó una desafortunada vida sentimental que la condujo a una profun da depresión.

Durante este período de decadencia siguió ac tuando (acompañada por músicos mediocres), grabó su peor repertorio y fue consumiendo el merecido crédito que había obtenido en su pri mera época. Sin embargo, a mediados de la década de 1950 consiguió rehacer su carrera, aunque su persistente adicción a los estupefa cientes acabó finalmente con ella en 1959, a causa de una sobredosis de heroína.

En 1956 había aparecido su autobiografía, Lady Sings the Blues, que en 1972 sería llevada a la gran pantalla por el cineasta Sidney J. Furie; Diana Ross interpretó en la película a la mítica cantante.

Albums

1950 Billie Holiday Sings 1950 Billie Holiday, Vol. 1 1950 Billie Holiday, Vol. 2 1954 Billie Holiday, Vol. 3 1954 Lady Sings the Blues 1955 All or Nothing at All 1956 Songs for Distingué Lovers

1956 The Essential Billie Holiday Carnegie Hall 1957 Body and Soul 1958 Lady in Satin 1958 Blues Are Brewin’ 1959 Last Recordings 1959 Billie Holiday 1959 Stay with Me 1959 Stormy Blues 1960 The Unforgettable Lady Day 1991 Billie Holiday Live 2000 Essential Recordings

Filmografía

1959: Chelsea at Nine

1957: The Sound of Jazz, CBS Television, eight de di ciembre de 1957 1950: ‘Sugar Chile’ Robinson, Billie Holiday, Count Ba sie, and His Sextet

1947: New Orleans 1935: “Symphony in Black”, corto (con Duke Ellington) 1933: The Emperor Jones, apareció como extra.

Pleasants, H. (1974). The Great American Popular Singers. Simon and Schuster.

«Ella Fitzgerald Biography» (en inglés). Notablebiographies.com.

Cf. Megan Schoeneberger, Ella Fitzgerald: first lady of jazz, pág. 4.

«Consumer Guide Album».

Billie Holiday: Wishing on the Moon (en inglés). p. 96.

Lanie., Robertson, (1989). Lady Day at Emerson’s Bar & Grill. S. French. ISBN 0573681848. OCLC 19334003.

«Lady Day at Emerson’s Bar and Grill | Vineyard Theatre». Vineyard Theatre (en inglés estadounidense). 21 de febrero de 2013. Consultado el 10 de abril de 2018.

«Lady Day at Emerson’s Bar and Grill | Samuel French». www.samuelfrench.com (en inglés). Consultado el 10 de abril de 2018.

Gerard, Jeremy. «LONETTE MCKEE LEAVES ‘LADY DAY’ OVER HEALTH» (en inglés). Consultado el 10 de abril de 2018.

https://hellomusictheory.com/ wikipedia.org

Este texto se publicó originalmente en la Revista Cultural Alternativas http://bit.ly/RCAlternativas112 https://britishmusiccollection.org.uk/

La OTAN

La Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN) nació durante los primeros compases de la guerra fría en 1949 con la firma del Tratado de Washington por parte de Estados Unidos, Canadá y 10 países eu ropeos (Reino Unido, Francia, Italia, Bélgica, Holanda, Luxemburgo, Dinamarca, Norue ga, Islandia y Portugal). Su objetivo era con tener militarmente una potencial agresión militar de la Unión Soviética.

Este escenario parecía muy posible en aquellos años, se habían vivido momentos como el Bloqueo de Berlín o el golpe de Estado en Checoslovaquia. Por su parte y con el ingreso de Alemania Occidental en la Alianza Atlántica, el bloque comunista crearía en 1955 su propia alianza militar, el Pacto de Varsovia.

El artículo 5 del Tratado de Washington refle ja a la perfección el espíritu con el que na cía esta alianza: “Las partes convienen en que un ataque armado contra una o con tra varias de ellas, acaecido en Europa o en América del Norte, se considerará como un ataque dirigido contra todas ellas”.

Hasta la caída del Muro de Berlín en 1989, la OTAN tuvo tres ampliaciones con cuatro miembros más: Grecia y Turquía en 1952, Alemania en 1955 y España en 1982. Ade más, la organización cumplió con la función para la que había sido creada: disuadir a la URSS y al Pacto de Varsovia de atacar Euro pa Occidental. La desaparición del bloque comunista también trajo un nuevo contexto internacional que obligó a la Alianza a re definir su rol en los 90.

La OTAN buscó este nuevo papel como ins trumento de la seguridad europea y, en es pecial, con las misiones que asumió en los conflictos que estallaron en los Balcanes. Durante la Guerra de Bosnia (1992-1995) ac tuó bajo mandato del Consejo de Naciones Unidas.

Aquí se produjeron las primeras acciones ar madas en la historia de la Alianza, cuando tuvo que hacer cumplir las zonas de exclu sión aérea y con la Operación Fuerza Deli berada, que supuso el bombardeo intenso de posiciones de los serbobosnios para obli garles a firmar la Paz de Dayton.

En 1999 y dentro del contexto balcánico llegaría la otra gran operación militar de la Alianza Atlántica: los bombardeos en Yu goslavia contra Serbia para detener los crí menes contra la humanidad que estaban cometiéndose en Kosovo. Fue la primera acción armada de la OTAN que no contó con la aprobación del Consejo de Seguri dad de la ONU por las reticencias de Rusia y China. Aunque después sí que certificó la creación de la fuerza de paz KFOR.

El cambio de siglo trajo una nueva opera ción militar de gran envergadura, que tam bién marcaba un hito histórico. Los atenta dos del 11 de septiembre de 2001 en Estados Unidos llevaron a la organización a invocar por primera vez el artículo 5 para respon der a la agresión contra un país miembro. La Alianza desde un primer momento apo yó las operaciones contra los talibanes y Al Qaeda en Afganistán.

La intervención en el escenario afgano su puso que la OTAN ampliaba su marco de actuación fuera de Europa. Además, en

BenX

2003 asumía el mando de la Fuerza Inter nacional de Asistencia para la Seguridad (ISAF, en sus siglas en inglés), un contingente internacional con tropas de 42 países cuya misión era estabilizar al país y entrenar a sus fuerzas de seguridad. Esta ha sido su misión de combate más larga (desde diciembre de 2001 hasta diciembre de 2014) y donde ha tenido más bajas.

Tras el final de las operaciones de comba te en Afganistán en diciembre de 2014, la OTAN mantiene presencia en el país cen troasiático con la misión Resolute Support (Apoyo Decidido), destinada a entrenar y dar apoyo a las fuerzas afganas.

Otras actuaciones fuera del escenario eu ropeo han sido el despliegue en el Índico contra la piratería somalí en la Operación Ocean Shield (Escudo Oceánico) y, en es pecial, los bombardeos en Libia en marzo de 2011, Operación Unified Protector (Ope ración Protector Unificado). Esta última ac ción se hizo para hacer cumplir la resolución 1973 del Consejo de Seguridad de Naciones Unidas, que establecía la imposición de una zona de exclusión aérea y el ataque a las fuerzas del régimen libio de Muamar el Ga dafi que fueran una clara amenaza para la población civil.

Aunque la intervención provocó la caída de Gadafi y las operaciones militares de la Alianza cesaron el 31 de octubre de 2011, Libia está lejos de ser estable.

El país vive en una situación de guerra civil, donde el Gobierno reconocido internacio nalmente tiene que luchar contra una coa lición de milicias opositoras y la presencia de grupos yihadistas, entre ellos Daesh.

Hoy en día, mantiene misiones en Afganis tán, Kosovo, el Mediterráneo, el Cuerno de África, donde apoya a la Unión Africana, y la vigilancia aérea en el Báltico e Islandia. Más allá de su actividad militar, desde el fi nal de la guerra fría, la OTAN ha mantenido una intensa actividad diplomática amplian do sus Estados miembros y buscando la co laboración con otros países y organizacio nes internacionales.

En 1994 se estableció la Asociación para la Paz para cooperar con los países del centro y del Este de Europa.

Tres años después, se firmó el Acta Funda cional OTAN-Rusia sobre Relaciones Mutuas. Pretendía diseñar un marco de confianza para que Moscú no recelara de la expan sión de la organización hacia el Este, y de cooperación (como las misiones en Bosnia y Kosovo donde tropas rusas se coordinaron con los contingentes de la Alianza).

Pero las reticencias del Kremlin no se han podido vencer completamente, como de muestra su reacción cuando se han pro ducido acercamientos a Georgia (tras la guerra de 2008) o a Ucrania. Moscú siempre ha interpretado cualquier movimiento de la OTAN a sus fronteras como una posible agresión y ha sido un elemento que ha in fluido en la actual situación de tensión con Rusia.

En 1999, nueve años después de la des membración de la URSS y de la disolución del Pacto de Varsovia, ingresaban en la organización países del antiguo bloque co munista: Hungría, Polonia y República Che ca.

Pero la gran ampliación hacia Europa del Este llegaría en 2004. En esa fecha ingresa

ron siete naciones: Rumanía, Bulgaria, Eslo vaquia, Eslovenia y las exrepúblicas soviéti cas de Estonia, Letonia y Lituania. La sexta ampliación, y hasta la fecha última, llegó en 2009 con la entrada de Albania y Croacia.

Aspectos Básicos

Una Alianza política y militar

La seguridad en nuestras vidas diarias es cla ve para nuestro bienestar. La finalidad de la OTAN es garantizar la libertad y la seguridad de sus países miembros por medios políticos y militares.

POLÍTICOS: la OTAN promueve valores de mocráticos y permite que los miembros se consulten y cooperen cuestiones relaciona das con la defensa y la seguridad para sol ventar problemas, fomentar la confianza y, a largo plazo, evitar conflictos.

MILITARES: la OTAN tiene un compromiso de resolución pacífica de controversias. Cuan do los esfuerzos diplomáticos no dan fruto, la fuerza militar emprende operaciones de gestión de crisis. Estas operaciones se llevan a cabo bajo la cláusula de defensa colecti va del tratado fundacional de la OTAN (Ar tículo 5 del Tratado de Washington) o por mandato de las Naciones Unidas, por sí sola o en cooperación con otros países y orga nismos internacionales.

Defensa colectiva

La OTAN opera con arreglo al principio de que un ataque contra uno o varios de sus miembros se considera un ataque contra todos. Este es el principio de defensa colec tiva, consagrado en el Artículo 5 del Tratado de Washington.

Hasta la fecha, el Artículo 5 se ha invocado en una ocasión, en respuesta a los ataques terroristas del 11S de 2001 en los Estados Uni dos.

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El búho y el chimpancé fueron al mar En un hermoso bote llamado La Mente El búho era sensato, listo e inteligente El chimpancé estaba un poco detrás

El búho tomó decisiones basadas en los hechos Y sabía hacia dónde dirigir su barco El chimpancé reaccionaba demasiado rápido Y a menudo provocaba que el barco volcara

Las olas vinieron y se estrellaron a bordo El chimpancé empezó a llorar Grandes lágrimas rodaron por su rostro Atemorizado de morir

El chimpancé y el búho peleaban de noche Cuando el mundo estaba tranquilo y quieto El chimpancé saltaba y balanceaba el bote Y el barco empezó a llenarse Entonces el búho entró y agarró un balde Y comenzó a vaciarlo Y el chimpancé empezó a enfadarse bastante Y a menudo gritaba y gritaba

La batalla continuó noche tras noche Hasta que el chimpancé empezó a ver Que si dejaba que el búho tomara el control La noche sería más tranquila

Este poema escrito por la hipnoterapeuta y psicoterapeuta Jo Camacho describe la batalla interna que muchos de nosotros enfrentamos cuando la parte más primitiva de nuestro cerebro (el chimpancé) toma el control. El búho sabio también habita en nuestro interior. En el poema, el búho debe pelear con el chimpancé, quien parece solo empeorar la situación a pesar de su temor de que todo empeore. El conflicto interno es normal y totalmente humano. Si podemos aprender a controlar nuestro cerebro primitivo —impulsivo y salvaje— y escuchar a nuestro búho interior —sensato e inteligente—, disfrutaremos de un viaje más tranquilo.

Antonio Machado.

“La guerra es el crimen estúpido por excelencia, el único que no puede alcanzar el perdón de Dios ni de los hombres”.

“La guerra está contra la cultura, pues destruye todos los valores espirituales.”

“¡Señor! La guerra es mala y bárbara; la guerra odiada por las madres, las almas entigrecen; mientras la guerra pasa, ¿quién sembrará la tierra?

¿Quién sembrará la espiga que junto amarillece?”

Miguel de Cervantes.

“No hay en la tierra, a mi parecer, contento que se iguale a alcanzar la libertad perdida.”

“Un poco de luz y no más sangre.” “La libertad, Sancho, es uno de los más preciosos dones que a los hombres dieron los Cielos; con ella no pueden igualarse los tesoros que encierra la tierra, ni el mar encubre; por la Libertad, así como por la Honra, se puede y se debe aventurar la vida.”

El mar Que creas seductoras melodías con tus olas al tropiezo Que estas lleno de vida, con miles de colores hermosos Eres llano en la inmensidad y muy rugoso por tu cierzo Que eres apacible, pudiendo ser violento y monstruoso Que cuando duermes solo dejar oír un suspiro de paz Siendo yo un grano de arena de tu gran belleza.

agh

Está bien pedir ayuda. Las personas que nos rodean se preocupan por nosotros y estarán felices de apoyarnos si se los permi timos. Nadie debería pasar por una situa ción difícil estando solo.

Rupi Kaur ( ‘El sol y sus flores’)