SEPTEMBER OCTOBER
CALENDAR SEPTEMBER 2016 TUE 13
20:00
BENJAMIN BARBER & MAYORS On the Global Parliament of Mayors
KAAITHEATER
SAT 24 16:00 JAN FABRE/TROUBLEYN Mount Olympus KAAITHEATER SAT 24 19:00 NADIA SELS A.O. About Mythos & Logos, annotations to Mount Olympus KAAITHEATER SUN 25 11:30 JEROEN OLYSLAEGERS A.O. BOOK LAUNCH Mount Olympus – het script KAAITHEATER KAAISTUDIO’S FRI 30 20:30 LAILA SOLIMAN Zig Zig
OCTOBER 2016 LIESBET STEVENS About Gender-Related Stereotypes LAILA SOLIMAN Zig Zig
SAT 1 SAT 1 TUE 4 TUE 4 WED 5 WED 5 WED 5 THU 6 FRI 7 FRI 7 SAT 8 SAT 8
19:00 20:30
WED 12 THU 13 FRI 14 FRI 14 SAT 15 SAT 15 MON 17 TUE 18 WED 19 FRI 21 SAT 22 SAT 22 SUN 23 SUN 23 SUN 23 TUE 25 THU 27 FRI 28 FRI 28 SAT 29 SAT 29
20:30 IVO DIMCHEV & LEA PETRA Concerto KAAITHEATER KAAISTUDIO’S 20:30 TIAGO RODRIGUES Antony and Cleopatra KAAISTUDIO’S 20:30 TIAGO RODRIGUES Antony and Cleopatra 20:30 IVO DIMCHEV Operville KAAITHEATER KAAISTUDIO’S 14:00+15:00 WORKSHOP Filosofielabo voor kinderen KAAISTUDIO’S 20:30 TIAGO RODRIGUES Antony and Cleopatra
KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S
CIRQUE ROYAL 20:00 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUS Rain (live) KAAISTUDIO’S 20:30 METTE INGVARTSEN 69 Positions KAAISTUDIO’S 14:00 WORKSHOP Gender under the microscope CIRQUE ROYAL 20:00 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUS Rain (live) KAAISTUDIO’S 20:30 METTE INGVARTSEN 69 Positions CIRQUE ROYAL 20:00 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUS Rain (live) CIRQUE ROYAL 20:00 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUS Rain (live) 20:30 METTE INGVARTSEN 7 Pleasures KAAITHEATER KAAISTUDIO’S 9:30>19:30 METTE INGVARTSEN The Permeable Stage KAAITHEATER 20:30 METTE INGVARTSEN 7 Pleasures
20:30 SUSAN NEIMAN On Grown-Up Idealism KAAITHEATER KAAISTUDIO’S 20:30 MAATSCHAPPIJ DISCORDIA Weiblicher Akt 7: Mevrouw Macbeth KAAISTUDIO’S 20:30 MAATSCHAPPIJ DISCORDIA Weiblicher Akt 7: Mevrouw Macbeth KAAITHEATER 20:30 LEMM&BARKEY & NEEDCOMPANY FOREVER KAAISTUDIO’S 14:00>22:00 FASTER/SLOWER/FUTURE, towards postcapitalism KAAITHEATER 20:30 LEMM&BARKEY & NEEDCOMPANY FOREVER KAAISTUDIO’S 11:00>15:00 FASTER/SLOWER/FUTURE, towards postcapitalism KAAITHEATER 15:00 LEMM&BARKEY & NEEDCOMPANY FOREVER KAAITHEATER 15:00 MATINEE KADEE Bouwen met hooi 19:00 20:30 20:30 20:30 20:30 20:30
KAAITHEATER MASEREELFONDS Circulaire economie, hoe zit dat in Brussel? TRISTERO Leave a comment KAAITHEATER TRISTERO Leave a comment KAAITHEATER KAAISTUDIO’S CLAIRE CROIZÉ/ACTION SCÉNIQUE EVOL TRISTERO Leave a comment KAAITHEATER KAAISTUDIO’S CLAIRE CROIZÉ/ACTION SCÉNIQUE EVOL
RE:MAKE
TUE 13/09 20:00
BENJAMIN BARBER[US] & MAYORS The Global Parliament of Mayors
Na het wereldwijde succes van zijn boek If Mayors Ruled the World, toetst de Amerikaanse politicoloog Benjamin Barber zijn ideeën aan de praktijk tijdens een allereerste Global Parliament of Mayors. Na de bijeenkomst in Den Haag reist Barber door naar Brussel om de resultaten bekend te maken. Après le succès mondial de son livre If Mayors Ruled the World, le politologue étatsunien Benjamin Barber met ses idées à l’épreuve de la pratique lors du tout premier Global Parliament of Mayors. Après l’assemblée à La Haye, Barber se rend à Bruxelles pour y communiquer les résultats. After the global success of his book If Mayors Ruled the World, American political scientist Benjamin Barber is putting his ideas to the test during the very first Global Parliament of Mayors. After a meeting in The Hague, Barber makes the trip to Brussels to announce its results. Benjamin Barber engages in conversation with: — Mayor Jozias van Aartsen (The Hague), chairman of the GPM — Mayor Daniël Termont (Ghent) — Mayor Yvan Mayeur (Brussels) KAAITHEATER DEBATE | ENGLISH | FREE RE:MAKE
IN COLLABORATION WITH
A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION
RE:MAKE How are we to ‘remake’ society at the dawn of the 21st century? RE:MAKE is a series of lectures and debates that bring both concrete practice and new ideas to the fore. 3
SAT 24 > SUN 25/09 16:00>16:00 JAN FABRE/TROUBLEYN[BE] MOUNT OLYMPUS. To glorify the cult of tragedy, a 24-hour performance
Que représente le temps dans le théâtre et que se passe-t-il quand on l’étire à l’extrême ? Mount Olympus anime une part d’histoire sous nos yeux : vingt-quatre heures durant, un infini maelström d’images nous
emmène dans un temps différent, labyrinthique. Jamais auparavant Jan Fabre n’a offert un panorama aussi complet de ses trente années de création théâtrale. What is time in theatre and what happens when you stretch it to the extreme? In Mount Olympus, a piece of history comes to life before your very eyes. For 24 hours, an endless maelstrom of images will transport you to a different, labyrinthine age. Jan Fabre has never presented such a comprehensive overview of his 30 years in theatre.
KAAITHEATER THEATRE | 24H | DUTCH/FRENCH/ENGLISH (SURTITLED DUTCH/ENGLISH) > LIMITED TICKETS ARE AVAILABLE AT THE DOOR DURING OFF-PEAK HOURS (€ 35) > CHECK WWW.KAAITHEATER.BE FOR MORE PRACTICAL DETAILS
SAT 24/09 19:00
SUN 25/09 11:30
NADIA SELS[BE] Over Mythos & Logos. Aantekeningen bij Mount Olympus van Jan Fabre
BOEKPRESENTATIE Mount Olympus – het script Jan Fabre en Jeroen Olyslaegers bundelen de waanzin van Dionysos in één boek, samen met regie-aanwijzingen, beschrijvingen en essays. Een paar uur voor de apotheose van Mount Olympus geeft Sigrid Bousset tekst en uitleg bij het ontstaan van het script, daarna nemen Jeroen Olyslaegers en filoloog Freddy Decreus het woord. KAAITHEATER BOOK PRESENTATION | DUTCH | FREE
© WONGE BERGMANN
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RE:MAKE
De presocratici zochten als eersten naar een wetmatigheid in de natuur. De strijd tussen mythos en logos was geboren. Aan de rand van Mount Olympus komen denkers aan het woord over de rol en het belang van mythen in de onttoverde wereld van vandaag. KAAITHEATER TALK | DUTCH | FREE RE:MAKE
THEATRE
Wat is tijd in theater en wat gebeurt er wanneer je die extreem oprekt? Tijdens Mount Olympus komt een brok geschiedenis voor je ogen tot leven. Een etmaal lang ontvoert een eindeloze maalstroom van beelden je naar een andere, labyrintische tijd. Jan Fabre gaf nog nooit zo’n totaalbeeld van zijn 30 jaar theaterarbeid.
THEATRE
FRI 30/09, SAT 1/10 20:30
LAILA SOLIMAN[EG] Zig Zig Tijdens de Britse bezetting van Egypte komt een regiment soldaten voor een militaire rechtbank vanwege extreem wangedrag. Tussen de getuigen bevinden zich een twaalftal vrouwen die verkracht werden. De transcripties van hun moedige getuigenissen vormen het vertrekpunt van deze documentaire theatervoorstelling. Pendant l’occupation britannique de l’Égypte, un régiment de soldats comparaît devant un tribunal militaire à cause d’inconduite extrême. Parmi les témoins se retrouve une douzaine
de femmes qu’ils ont violées. Les transcriptions de leurs témoignages courageux forment le point de départ de cette pièce de théâtre documentaire. During the British occupation of Egypt, a regiment of soldiers is brought before a military tribunal due to their extreme misconduct. The witnesses include twelve women who were raped. The transcriptions of their courageous testimonies are the basis of this documentary theatre production.
BELGIAN PREMIERE
A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTIONS WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION
SAT 1/10 19:00 LIESBET STEVENS[BE] Gender Stereotypes as a Challenge for Law and Society
RE:MAKE
KAAISTUDIO’S THEATRE | 1H30 | ARABIC/ENGLISH (SURTITLED ARABIC/ENGLISH) | 1H30 | € 12/10/8 + POST-PERFORMANCE TALK 30/09 + RE:MAKE TALK BY LIESBET STEVENS 1/10
Stereotypical conceptions of women, men and gender are still very common in our society. The judicial system is no different. How is that manifested? What are its effects? And what can we do about it? Liesbet Stevens is deputy director of the Institute for the Equality of Women and Men and teaches sexual law at KU Leuven. KAAISTUDIO’S TALK | ENGLISH | FREE RE:MAKE 5
TUE 4, WED 5, THU 6, FRI 7/10 20:00 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS[BE] Rain (live) PRESENTED BY DE MUNT/LA MONNAIE, ROSAS & KAAITHEATER
Sur les tonalités pulsatoires de la musique minimaliste de Steve Reich — interprétée sur scène par Ictus — dix danseurs se laissent emporter par une irrésistible énergie partagée. Figures mathématiques, répétitions persistantes et art de la variation perpétuelle : Rain reste un des spectacles les plus étourdissants d’Anne Teresa De Keersmaeker. ON LOCATION KONINKLIJK CIRCUS/CIRQUE ROYAL ONDERRICHTSSTRAAT 81 RUE DE L’ENSEIGNEMENT DANCE | 1H10 | € 35/30/20/15
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To the pulsating tones of Steve Reich’s minimalist music — performed live by Ictus — ten dancers surrender themselves to an irrepressible collective energy. Mathematical figures, continuous repetitions and the art of unrelenting variation: Rain is still one of Anne Teresa De Keersmaeker’s most vibrant productions.
DANCE
Op de pulserende tonen van Steve Reichs minimalistische muziek — live uitgevoerd door Ictus — laten tien dansers zich meeslepen door een onstuitbare gezamenlijke energie. Wiskundige figuren, aanhoudende herhalingen en de kunst van de voortdurende variatie: Rain blijft een van Anne Teresa De Keersmaekers meest wervelende voorstellingen.
TUE 4, WED 5/10 20:30
FRI 7, SAT 8/10 20:30
METTE INGVARTSEN[DK/BE] 69 Positions
METTE INGVARTSEN[DK/BE] 7 Pleasures
Mette Ingvartsen onderzoekt de manier waarop we omgaan met lichaam en seksualiteit — ergens tussen expo en performance in. Ze leidt je doorheen video’s, performances, boeken, films, bewegingen, tekst en beeld en brengt zo de tegencultuur en experimentele performances van de jaren ’60 terug tot leven.
Mette Ingvartsen houdt zeven concepten van plezier tegen het licht. In een lange sensuele beweging raken twaalf lichamen elkaar aan, verliezen hun grenzen, vibreren, en vormen onverwachte constellaties met de omgeving.
Mette Ingvartsen analyse nos rapports au corps et à la sexualité – quelque part entre l’exposition et la performance. Elle nous guide à travers des vidéos, des performances, des livres, des films, des mouvements, des textes et des images et ressuscite ainsi la contreculture et les performances expérimentales des années 60. Mette Ingvartsen explores our ways of dealing with our bodies and sexualities – somewhere between exhibition and performance. She presents videos, performances, books, films, movements, texts and images, bringing the counter-culture and experimental performances of the sixties back to life.
Mette Ingvartsen examine sept concepts du plaisir. Dans un long mouvement sensuel, douze corps se touchent, perdent leurs limites, vibrent et forment des constellations inattendues avec leur environnement. Mette Ingvartsen showcases seven concepts of pleasure. In one long, sensual movement, twelve bodies touch each other, lose their boundaries, vibrate, and form unexpected constellations with their surroundings.
FRI 7, SAT 8/10 20:30 KAAITHEATER DANCE/PERFORMANCE | 1H30 | € 16/12/8 A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION
KAAISTUDIO’S DANCE/PERFORMANCE | WITHOUT SEATS | ENGLISH | 1H45 | € 16/12/8
READ A CONVERSATION WITH METTE INGVARTSEN >> P. 10>21
WED 5/10 14:00>15:00 WORKSHOP Gender under the microscope: girls are different and boys too
6-10 Y
Gender, wat betekent dat eigenlijk? Verwachten we andere dromen en wensen van jongens en meisjes? Zijn we ons bewust van bepaalde stereotypen in ons denken? De kinderen testen hun eigen onbewuste vooroordelen over m/v uit en denken op een creatieve manier na over stereotypen in de wereld rondom hen.
© SERGE LEBLON
Gender, what does it actually mean? Do we expect other dreams and desires from boys and girls? Are we conscious of certain stereotypes in the way we think? The kids test their own subconscious prejudices about men and women and reflect creatively on stereotypes in the world around them. KAAISTUDIO’S DUTCH + ENGLISH | FREE, BUT RESERVATION IS REQUIRED: WWW.KAAITHEATER.BE/WORKSHOPS
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SAT 8/10 9:30>19:30 The Permeable Stage – a performative conference The Permeable Stage is a 10-hour long research event, dedicated to investigating the politics of sexuality and its proximal relations to privacy and the public sphere. It attempts to develop an understanding of how sexuality today is everywhere. How it exceeds human bodies – and can also be found in relations to objects, instruments, environments and media technologies.
KAAISTUDIO’S PERFORMANCE/CONFERENCE | ENGLISH | € 8
Mette Ingvartsen invites: Claire Bishop Daniela Bershan Mette Edvardsen Anne Juren Caroline Godard Eszter Salomon Gerald Kurdian a.o.
A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION
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© DANNY WILLEMS
AN INITIATIVE BY CHOREOGRAPHER METTE INGVARTSEN/GREAT INVESTMENT
PERFORMANCE/CONFERENCE
Theorists, artists, musicians and a cook will occupy the entire building of the Kaaistudios. They examine in-distinctions between private and public space, as well as questions regarding participation, collectivity, equality, pornography, language, and immateriality. By presenting their respective practices, they develop an ongoing discursive and performative situation. You are invited to join the entire day. To listen, to watch, to discuss, and to eat.
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THE RED PIECES In haar nieuwste voorstellingcyclus The Red Pieces onderzoekt Mette Ingvartsen wat naaktheid en seksualiteit in onze maatschappij betekenen. In oktober herneemt ze 69 Positions en 7 Pleasures in het Kaaitheater, gevolgd door een conferentie met performances, lezingen en discussies. ‘Ik gebruik een zachte toon, hoewel de dingen die ik vraag soms de grens van de comfortzone naderen.’ EN FRANÇAIS > P. 13 | IN ENGLISH > P. 18
Kun je ons iets vertellen over de cyclus The Red Pieces en je voorliefde om in reeksen te werken? Toen ik begon met dansvoorstellingen te maken, wilde ik dat de stukken op zichzelf stonden, los van elkaar. De laatste vijf jaar is dat veranderd omdat bepaalde thema’s altijd opnieuw opdoken. The Artificial Nature Series werd pas retrospectief een cyclus toen ik besefte dat de vijf afzonderlijke voorstellingen hetzelfde thema aansnijden en perfect bij elkaar aansluiten. The Red Pieces is de eerste cyclus die ik bewust vooraf als reeks plande. Door in cycli te werken is er meer tijd om een thema verder uit te diepen en te experimenteren met verschillende performancevormen en relaties tot het publiek. De ruimte van 69 Positions is klein en intiem: de mensen kunnen in de ruimte rond mij bewegen. Ik noem dat een discursive practice performance (discursieve praktijk performance): ze ontwikkelt zich ergens tussen taal, acties, gebaren en dans in. Met 7 Pleasures keer ik terug naar een frontaal scènegebruik, maar zoek nog altijd manieren om de scène uit te breiden naar de publieksruimte. Het stuk reflecteert over de manier waarop seksuele en erotische lichamen vaak als vlakke tweedimensionale beelden worden voorgesteld, en over het potentieel van het theater om deze lichamen anders te laten zien. Naar wat verwijzen de getallen 69 en 7, in 69 Positions en 7 Pleasures? Voor mij refereert 69 Positions enerzijds aan de egalitaire seksuele positie. Mijn werk gaat vaak over structuren van gelijkheid, en het getal 69 heeft een omgekeerde symmetrie. In deze zin zit in gelijkheid de mogelijkheid vervat om van elkaar te verschillen, maar toch gelijk te zijn. Anderzijds refereert 69 Positions aan een geschiedenis van performances die begint in de jaren zestig. Ik kruip in diverse rollen uit verschillende voorstellingen: soms spreek ik als een performer uit zo’n voorstelling, soms als een gids die een rondleiding geeft, soms voer ik een fragment uit van een dans. Naargelang de positie die ik inneem, verandert mijn lichaam van gedaante. Aanvankelijk wilde ik exact 69 referenties gebruiken om een grondig overzicht te geven, maar dat bleek echt te veel! Het getal 7 van 7 Pleasures wordt vaak geassocieerd met de zeven hoofdzonden. Er is zeker een verband, maar de voorstelling focust niet expliciet op die zonden. Ze is eerder een reflectie over hoe een bepaalde culturele geschiedenis ook vandaag nog in onze lichamen voortleeft, en onze seksuele praktijk beïnvloedt. Ik vind het bijvoorbeeld interessant om te zien hoe seksualiteit nog altijd nauw samenhangt met religie en hoe mechanismen van schuldgevoelens en schaamte nog altijd in onze lichamen doorwerken. Met 7 Pleasures wilde ik inzicht krijgen in hoe we vandaag tegenover seksualiteit staan. Hoe onze seksualiteit wordt gemanipuleerd en gecontroleerd, zelfs op moleculair niveau. Een duidelijk voorbeeld daarvan is het gebruik van testosteron waarover ik het ook al heb in 69 Positions: je neemt testosteron, dat wijzigt je hormonenevenwicht en dat leidt tot veranderingen in de manier waarop je begeerte werkt. Hetzelfde gebeurt als je Viagra neemt of anticonceptiepillen of producten die je seksuele driften of reproductieve vermogens beïnvloeden. Ik denk dat deze veranderingen in de manier van begeren aantonen dat onze lichamen nog 10
altijd erg kwetsbaar zijn. Onze affecten en zintuiglijke waarnemingen maken ons vatbaar voor allerlei vormen van controle en speculatie. Deze lichaamsniveaus zijn bovendien niet altijd erg bewust. Met 69 Positions keer je terug naar seksualiteit, naaktheid en participatie van de jaren zestig. Waarom nu? In de jaren zestig was er de utopie van gelijkheid door seksuele bevrijding. Dit ideaal mislukte en we worden vandaag nog altijd geconfronteerd met de gevolgen daarvan. In Scandinavië en vooral in Zweden, heeft gelijkheid al aanzienlijke stappen gezet in de maatschappij. Maar algemeen gesproken kunnen we stellen dat de strijd van de jaren zestig en zeventig — gelijk loon voor gelijk werk, nieuwe verdeling van zorg en verantwoordelijkheid voor kinderen — nog niet is gestreden. Dat is een goede reden om terug te kijken en te proberen de bewegingen uit die tijd te doorgronden. 69 Positions begon eigenlijk als een reactie op mijn eigen werk. In The Artificial Nature Project werkte ik met de materiële tussenkomst van dingen en maakte ik ontmenselijkte choreografieën. Ik had nood aan een terugkeer naar het menselijk lichaam: seksualiteit bleek een interessant terrein te zijn om dieper na te denken over collectiviteit en participatie. Ik denk dat er vandaag grote nood is aan samen te komen in en buiten het theater. Dit is vooral belangrijk in tijden van sociale en politieke crises, van onzekerheid en instabiliteit. Hiermee samenhangend wil ik de grenzen onderzoeken tussen wat vandaag nog privé is en wat publiek, en bijvoorbeeld de dubbelzinnige rol die sociale media hierin spelen. Hoe vertaal je die verstoring tussen privé en publiek naar je voorstellingen? In 69 Positions gebruik ik een techniek die ik soft choreography noem. In het verleden draaide het in voorstellingen over seksualiteit vaak rond agressie en confrontatie, wat veelal leidde tot afwijzende reacties van het publiek. Ik zocht een andere strategie om de toeschouwer bij het thema te betrekken, in plaats van het te verwerpen. Ik gebruik daarom een zachte toon, hoewel de dingen die ik vraag soms de grens van de comfortzone naderen. Enkele performances van de jaren zestig waaraan ik refereer, waren een uitnodiging om een orgie te beginnen — en in die tijd gebeurde dat soms ook. Het geloof in collectiviteit verschilde van dat van vandaag. Het participatieve aspect van 69 Positions focust eerder op het moment waarop je als toeschouwer afweegt of je al dan niet de stap zal zetten om deel te nemen. Op dat moment van afweging gebeurt er iets me je grenzen: is het oké om het te doen of niet? Wil ik deel uitmaken van dit collectief, en op welke manier? Je creëerde 7 Pleasures voor het grote podium in een frontale enscenering. Maar ook hier betrek je het publiek bij de voorstelling. In 7 Pleasures werk ik met het choreografische principe dat ik spilling noem. Dit betekent dat de voorstelling ‘overloopt’ in de ruimte waar het publiek zit. In de openingsscène kleden de dansers zich uit tussen het publiek. Dit suggereert dat de lichamen van de dansers sterk gelijken op de lichamen van de toeschouwers. Wat wij doen is nooit zo gek of virtuoos dat niemand anders zich kan voorstellen het te doen. Tegelijk proberen we de hele omgeving in onze choreografie te betrekken: het publiek maakt er deel van uit, net zoals de trap en de objecten rondom ons. We zien veel naaktheid in 7 Pleasures, maar meer op een sensuele dan op een seksuele manier. Dat zegt veel over de manier waarop we vandaag ‘seksueel’ interpreteren! Als er geen penetratie is, is er geen seks, niet? In dit stuk is er geen penetratie, maar toch denk ik dat wat we doen, kan worden gezien als een vorm van seksuele praktijk. De dansers stellen vragen over wat genot is, over hoe we het ervaren, en hoe onze lichamen kunnen veranderen als we op andere manieren dan diegene die we kennen, genot ervaren. Het stuk is opgebouwd rond verschillende manieren van intiem samenzijn. In het eerste 11
deel richten we de aandacht op andere lichaamsdelen dan diegene die absoluut erotiserend zijn. Sommige lichaamsdelen hebben weliswaar meer zenuwuiteinden dan andere, maar we onderschatten het ongelooflijke potentieel aan gevoelens dat ook andere lichaamsdelen bezitten. In het tweede deel werken we met vibraties. Onze lichamen lossen op in een vibrerende massa die op een zeker moment ook alle objecten op de scène omvat. We breiden de notie van begeerte tussen twee mensen uit tot de relatie met de omgeving en haar objecten. In het laatste deel is de helft van de dansers in het zwart gekleed en de andere helft blijft naakt. Daar focussen we op de manieren waarop macht en geweld functioneren binnen seksuele beeldvorming. We doen het op een manier dat het moeilijk is om uit te maken wie manipuleert en wie gemanipuleerd wordt, wie er plezier geeft en wie er ontvangt. Ter voorbereiding van het derde en laatste deel van The Red Pieces organiseer je The Permeable Stage: een tien uur durende performance-conferentie. Wat kunnen we verwachten? Het is de bedoeling om met de conferentie tijd en ruimte te scheppen om collectief over seksualiteit na te denken als een ruim onderzoeksveld. Dit wil zeggen dat we op zoek gaan aar het snijpunt tussen het seksuele, het sociale en het politieke. Kunstenaars, theoretici, muzikanten en ook een kok, creëren een ruimte voor informele gesprekken en verschillende soorten presentaties. Kom en doe mee!
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© FERNANDA TAFNER
METTE INGVARTSEN (artist-in-residence 2013–2016) in gesprek met KATLEEN VAN LANGENDONCK (artistieke leiding Kaaitheater) & EVA DECAESSTECKER (communicatie Kaaitheater)
THE RED PIECES Dans son nouveau cycle de spectacles, The Red Pieces, la chorégraphe danoise Mette Ingvartsen analyse la relation entre sexualité et sphère publique. En octobre, elle présente 69 Positions et 7 Pleasures au Kaaitheater suivi d’un colloque accompagné de performances, de conférences et de discussions. « J’utilise un ton doux, même si les questions que je pose atteignent parfois la limite de la zone de confort.»
Pouvez-vous nous dire quelque chose à propos du cycle The Red Pieces et de votre prédilection à travailler par série de spectacles ? Lorsque j’ai commencé à créer des spectacles de danse, je voulais que les pièces existent de manière autonome, indépendamment les unes des autres. Cela a changé au cours des cinq dernières années, car certains thèmes continuaient à faire surface. The Artificial Nature Series, par exemple, n’est devenu un cycle que rétrospectivement, lorsque je me suis rendu compte que les cinq spectacles individuels abordaient le même thème et se répondaient parfaitement. The Red Pieces est le premier cycle que j’ai conçu sciemment et dès le départ en tant que série. Pour moi, travailler par cycles génère plus de temps pour réellement approfondir un thème et expérimenter différentes formules de spectacle et de relations avec le public. L’espace de 69 Positions est restreint et intime : les spectateurs peuvent se déplacer autour de moi dans la salle. J’appelle cela une « performance pratique discursive » : elle se déploie quelque part entre le langage, les actions, les gestes et la danse. Avec 7 Pleasures, j’ai décidé de revenir à une utilisation frontale de la scène, tout en continuant à réfléchir à des manières d’étendre la scène dans l’espace du public. Il s’agit d’une réflexion sur la manière dont les corps sexuels et érotiques sont souvent représentés par des images planes, bidimensionnelles, et sur le potentiel du théâtre à montrer ces corps différemment. Que signifient les chiffres 69 et 7 dans 69 Positions et 7 Pleasures ? Pour moi, 69 Positions réfère à deux choses : d’une part, la position sexuelle égalitaire. Mon travail traite souvent de structures égalitaires, et le chiffre 69 présente par ailleurs une symétrie inverse. En ce sens, l’égalité inclut la possibilité d’être différents l’un de l’autre, et néanmoins égaux. D’autre part, 69 Positions réfère à l’histoire des performances qui débute dans les années 60. Je me glisse dans divers rôles de différentes pièces : parfois, je parle comme un performeur dans l’un des spectacles, d’autres fois comme un guide qui mène une visite guidée, d’autres fois encore j’exécute un extrait d’une danse. Mon corps se transforme à mesure que j’incarne tous ces différents rôles. Initialement, je voulais utiliser précisément 69 références afin de créer une réelle vue d’ensemble, mais il s’est avéré que c’était tout simplement beaucoup trop ! On associe souvent le chiffre 7 de 7 Pleasures aux sept péchés capitaux — et il y a bien sûr un rapport —, mais le spectacle n’est pas envisagé comme une réponse concrète aux péchés. Il s’agit toutefois d’une réflexion sur la façon dont une certaine histoire culturelle vit toujours dans nos corps à ce jour et influence encore notre pratique sexuelle. Par exemple, je trouve intéressant de constater à quel point la sexualité est encore étroitement liée à la religion, et à quel point des mécanismes de culpabilité et de honte opèrent toujours dans nos corps. Avec 7 Pleasures, je cherchais à comprendre où nous en sommes aujourd’hui vis-à-vis de la sexualité. Comment notre sexualité est-elle manipulée et contrôlée au niveau moléculaire ? La prise de testostérone dont je parle dans 69 Positions en est un exemple évident : on prend de la testostérone, ce qui modifie l’équilibre hormonal et engendre des changements dans la manière dont opère le désir. Le même phénomène s’observe lorsqu’on prend du Viagra, la pilule 13
contraceptive ou d’autres produits pharmaceutiques destinés à agir sur les pulsions sexuelles ou les fonctions reproductives. Je pense que ces modifications du désir démontrent que nos corps sont encore très fragiles. Nos affects et nos sensations nous rendent perméables à toutes sortes de formes de contrôle et de spéculation. Qui plus est, ces niveaux physiques ne sont pas forcément conscients. Avec 69 Positions, vous revenez à la sexualité, la nudité et l’esprit participatif des années 60. Pourquoi maintenant ? Dans les années 60, il y avait cette utopie de l’égalité par la libération sexuelle. Cet idéal a échoué et nous en subissons encore les conséquences aujourd’hui. En Scandinavie, et surtout en Suède, l’égalité a acquis une meilleure position dans la société. Néanmoins, de manière générale, les combats menés dans les années 60 et 70 — à travail égal, salaire égal, et un nouveau partage des tâches ménagères et des responsabilités envers les enfants – ne peuvent être considérés comme aboutis. C’est une bonne raison pour porter un regard rétrospectif et tenter de sonder les mouvements de cette époque. 69 Positions a commencé en réaction à mon propre travail. Dans The Artificial Nature Project, j’ai travaillé sur l’entremise matérielle des choses et la création de chorégraphies déshumanisées. J’ai ressenti un besoin de revenir au corps humain : la sexualité s’est révélée un terrain intéressant pour poursuivre la réflexion sur le collectif et le participatif. Je pense qu’aujourd’hui, il y a un grand besoin de se rassembler à l’intérieur et à l’extérieur du théâtre. C’est surtout important à une époque de crise sociale et politique, d’insécurité et d’instabilité, comme celle que nous vivons. À cet égard, je souhaite analyser les frontières entre ce qui est encore privé de nos jours et ce qui est public, ainsi que le rôle ambivalent que jouent les réseaux sociaux dans cette question. Comment intégrez-vous cette perturbation entre public et privé dans vos spectacles ? Dans 69 Positions, j’utilise une technique que j’appelle la chorégraphie soft. Par le passé, bon nombre d’œuvres traitant de sexualité tournaient autour de l’agression et de l’affrontement, ce qui peut provoquer un rejet de la part du public. J’ai donc cherché une autre stratégie pour permettre aux gens d’aborder le thème de plus près et d’y réfléchir collectivement au lieu de le rejeter. J’utilise un ton doux, même si les questions que je pose atteignent parfois la limite de la zone de confort. Certaines performances des années 60 auxquelles je fais référence étaient des invitations à entamer une orgie — et de fait, c’est ce qui se produisait à l’époque. La foi dans le collectif différait de celle d’aujourd’hui. L’aspect participatif de 69 Positions se concentre plutôt sur le moment où, en tant que membre du public, on négocie avec soi-même quant à franchir — ou non — le pas et participer. Durant ce moment de négociation, les limites de chacun sont remises en question : est-ce bien de le faire ou vaut-il mieux s’abstenir ? A-t-on envie de faire partie de ce collectif, et si oui, de quelle manière ? Vous avez créé 7 Pleasures pour la grande scène et avec un dispositif frontal. Ce qui ne vous empêche pas d’également faire interagir le public ? Dans 7 Pleasures, je travaille avec le principe chorégraphique que j’appelle spilling. Cela signifie que le spectacle « déborde » dans l’espace où est assis le public. Dans la scène d’ouverture, les performeurs se déshabillent au milieu du public, ce qui suggère que les corps des danseurs sont analogues à ceux des spectateurs. Ce que nous faisons n’est jamais aussi fou ou virtuose que nul autre ne puisse imaginer le faire. En même temps, nous essayons d’inclure tout l’environnement dans notre chorégraphie : le public en fait partie, de même que l’escalier et les objets qui nous entourent. On voit beaucoup de nudité dans 7 Pleasures, mais d’une manière plus sensuelle que sexuelle. Voilà qui en dit beaucoup sur la manière dont nous interprétons le mot « sexuel » aujourd’hui ! S’il n’y a pas de pénétration, il n’y a pas de sexe, exact ? Dans cette pièce, il n’y 14
a pas de pénétration, mais je pense quand même que ce que nous faisons peut être considéré comme une forme de pratique sexuelle. Les performeurs posent des questions sur ce qu’est le plaisir, sur la façon dont nous le ressentons et se demandent si éprouver du plaisir de manière différente que celle que nous connaissons jusque-là peut changer nos corps. La pièce est créée autour de différentes modes d’intimité avec les autres. La première partie cherche à détourner l’attention des parties du corps explicitement érotisées. Il est vrai que certaines parties du corps ont plus de terminaisons nerveuses que d’autres, mais nous sous-estimons l’incroyable potentiel de sensations que possèdent d’autres parties du corps. Dans la deuxième partie, nous travaillons avec des vibrations. Nos corps individuels se fondent en une masse vibrante qui, à un certain moment, inclut aussi tous les objets sur scène. Nous étendons la notion de désir entre deux personnes à la relation avec l’environnement et ses objets. Dans la dernière partie, la moitié des performeurs sont vêtus de noir, tandis que l’autre moitié reste nue. Ainsi, nous mettons l’accent sur les modes opératoires du pouvoir et de la violence dans l’imagerie sexuelle. Nous le faisons de telle sorte qu’il est difficile de discerner qui manipule et qui est manipulé, qui donne du plaisir et qui en reçoit. Pour la troisième et dernière partie de la série The Red Pieces, vous organisez The Permeable Stage : une conférence-performance de dix heures. Que va-t-il s’y passer ? L’idée derrière cette conférence est de créer du temps et de l’espace pour réfléchir collectivement à la sexualité comme domaine de recherche étendu. Ce qui signifie que nous cherchons l’intersection entre le sexuel, le social et le politique. Artistes, théoriciens, musiciens ainsi qu’un chef cuisinier créent un espace pour des discussions informelles et des présentations diverses et variées. Venez vous joindre à nous ! METTE INGVARTSEN (artist-in-residence 2013–2016) en discussion avec KATLEEN VAN LANGENDONCK (directrice artistique Kaaitheater) & EVA DECAESSTECKER (communication Kaaitheater)
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© MARC COUDRAIS
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THE RED PIECES In her latest performance cycle The Red Pieces, Danish choreographer Mette Ingvartsen investigates the role of nudity and sexuality in our society. In October she will present 69 Positions and 7 Pleasures at Kaaitheater, followed by a conference with performative proposals, lectures and discussions. ‘I use a soft tone, even though the things I ask sometimes come close to the edge of what is comfortable.’
Can you tell us something about the cycle The Red Pieces and your preference for creating work in series? When I started creating choreographies, I wanted the pieces to be singular and independent from one another. That has changed over the last five years because certain topics kept on resurfacing. The Artificial Nature Series, for instance, retrospectively turned into a cycle when I noticed that the five separate pieces dealt with the same topics, and fit together perfectly. The Red Pieces is the first time that I have conceived a series of works that were connected beforehand. For me, working in cycles generates more time to really think through a topic and experiment with the various formats of performance and different relations to the public. The space of 69 Positions is very small and intimate: people can move around me in the room. I call it a discursive practice performance: it unfolds somewhere between language, actions, gestures and dances. With 7 Pleasures I decided to return to a frontal use of the stage, while still thinking of ways to extend the stage into the audience area. It’s a reflection on how sexual and erotic bodies are very often represented as flat two-dimensional images, and on the potentiality of theatre to treat these bodies differently. What about the figures 69 and 7, in 69 Positions and 7 Pleasures? For me, 69 Positions refers to two things: on the one hand it signifies the egalitarian sexual position. My work often deals with thinking about egalitarian structures, and 69 as a figure has an inversed symmetry. In this sense, equality includes the possibility of being different from one another, yet equal. On the other hand 69 Positions goes through a history of performances, starting in the Sixties. I take up various positions from different works: sometimes I’m speaking as a performer in one of the shows, sometimes as a guide who is giving a tour, sometimes I’m really embodying an extract of a dance. My body transforms while going through all these different positions. Initially I wanted to use exactly 69 references to create an overview, but that turned out to be simply too much! People often associate the 7 in 7 Pleasures with the seven deadly sins — and there is definitely a link – but the piece isn’t meant as a concrete response to the sins. Nevertheless, it’s a reflection on how a certain cultural history is still living in our bodies today, and how it influences our sexual practices. For instance, I find it interesting to see how sexuality is still very much connected to religion, and how mechanisms of guilt and shame still operate within our bodies. With 7 Pleasures I was concerned with understanding where we are today in regards to sexuality. How our sexuality is being manipulated and controlled on a molecular level. The testosterone practice I speak about in 69 Positions is a very clear example: you take testosterone, which changes your hormonal balance leading to modifications in the ways you can desire. The same happens when you take Viagra, birth control pills, or other pharmaceutical products designed to affect your sexual drive or reproductive capacities. I think these modifications of desire demonstrate that our bodies are very fragile, even now. Our affects and sensations make 18
us susceptible to all kinds of forms of control and speculation. Moreover, these levels of the body are not necessarily very conscious. In 69 Positions you return to the sexuality, nudity and participation of the Sixties. Why now? In the Sixties there was this utopia of coming together through sexual liberation. The ideal failed and we are still dealing with its consequences today. In Scandinavia, and especially Sweden, equality has achieved a stronger position in society. But generally speaking, the struggles of the Sixties and Seventies — equal pay for equal work, new distributions of labour or responsibilities towards children — have not been completely successful. This is a fitting reason to look back and try to understand the movements of that time period. 69 Positions initially came about as a reaction to my own work. In The Artificial Nature Project I had been working with the material agency of things and with making dehumanized choreographies. I felt a need to return to the human body: sexuality appeared as an interesting territory to further think about the collective and participation. Today I think there is a tremendous need to assemble together inside and outside the theatre. This is especially important in times of social and political crises, of insecurity and instability. In this regard, I want to investigate the boundaries between what is still private and what is public, and the ambivalent role of social media today. How do you translate this disruption between public and private into your performances? In 69 Positions I employ a technique I call soft choreography. Historically, much work on sexuality has dealt with aggression and confrontation, which can stir rejection from the audience. I tried to find another strategy to include the audience, thinking together about the topic, instead of rejecting it. That’s why I use a soft tone, even though the things I ask sometimes come close to the edge of what is comfortable. Some of the Sixties’ performances I’m referring to proposed to initiate an orgy — and at that time that’s what sometimes happened. The belief in the collective differed from today. The participatory aspect of 69 Positions rather deals with the moment when, as a spectator, you negotiate whether or not you will take the step to participate. In this moment of negotiation something actually happens to your limits: is it okay to do this or not? Do I want to be part of this collective, and in which way? You created 7 Pleasures for the big stage in a frontal setting. But there, too, you involve the audience. In 7 Pleasures we work with a choreographic principal that I call spilling. The basic idea is to let the performance spill onto the area where the audience is sitting. In the opening scene, the performers undress in the audience. There is a suggestion that the performers’ bodies are very similar to the bodies of the spectators. Our practices are neither crazy, nor so virtuosic that no one else could imagine doing them. At the same time, we try to include the entire environment into our choreography: the audience is part of it, so are the staircase and the objects around us. We see a lot of nakedness in 7 Pleasures, but more in a sensual than a sexual way. That says a lot about the way we understand the word ‘sexual’ today! If there is no penetration, there is no sex, right? In this piece there is no penetration, but I still think what we do can be considered a form of sexual practice. The performers pose questions of what pleasure is, of how we feel it, and of how it can change our bodies to sense pleasure in different and unfamiliar ways. The piece is created through different modes of intimate togetherness. The first section deals with getting away from the parts of our body that are certainly erotising. It’s true that certain body parts have more nerve endings than others, but we underestimate the incredible potential of sensations that other parts of the body also possess. In the second section we work with vibrations. Our individual bodies dissolve into one vibrational 19
mass that at a certain point also includes all the objects on stage. We extend the notion of desire between humans to include the relation with the environment and its objects. During the last section, half of the performers are dressed in black clothes, while the other half remains naked. There we focus on the ways power and violence operate within sexual images. We do it in such a way that makes it difficult to determine who is manipulating and who is being manipulated, who is giving and who is receiving the pleasure. As a preparation of the third and final part of The Red Pieces you organise The Permeable Stage: a ten-hour performative conference. What can we expect? The idea behind the conference is to create a time and space for thinking collectively about sexuality as an expanded field of research. This means looking for the intersection between the sexual, the social and the political. Artists, theorists, musicians as well as a chef cook, create a space for informal conversations and presentations of various kinds. Come join us! METTE INGVARTSEN (artist-in-residence 2013–2016) in conversation with KATLEEN VAN LANGENDONCK (artistic direction Kaaitheater) & EVA DECAESSTECKER (communication Kaaitheater)
Š FERNANDA TAFNER
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A COLLABORATION OF LOVE PORTUGUESE DIRECTOR TIAGO RODRIGUES ON ANTONY AND CLEOPATRA (13>15/10 KAAISTUDIO’S) “But the fortune of the day was still undecided, and the battle equal, when on a sudden Cleopatra’s sixty ships were seen hoisting sail and making out to sea in full flight, right through the ships that were engaged. For they were placed behind the great ships, which, in breaking through, they put into disorder. The enemy was astonished to see them sailing off with a fair wind towards Peloponnesus. Here it was Antony showed to all the world that he was no longer actuated by the thoughts and motives of a commander or a man, or indeed by his own judgment at all, and what was once said as a jest, that a soul of a lover lives in some one else’s body, he proved to be a serious truth. For, as if he had been born part of her, and must move with her wherever she went, as soon as he saw her ship sailing away, he abandoned all that were fighting and spending their lives for him, and put himself aboard a gallery of five ranks of oars, taking with him only Alexander of Syria and Scellias, to follow her that had so well begun his ruin and would hereafter accomplish it.” — Plutarch, Parallel Lives
The piece Anthony and Cleopatra that we created is not simply a rendition of William Shakespeare’s play. It is an original play that we built on the memory of Shakespeare’s tragedy, which in turn had its roots in the biographical portrait that the Greek philosopher Plutarch sketched of Mark Antony in Parallel Lives (1st/2nd century AD). He had himself inherited several writings and live accounts — Plutarch even cites his own great grandfather in the chapter about Mark Antony. We take on these and other legacies, less ancient but just as monumental. For example, we use fragments of music from the 1963 marathon film Cleopatra directed by Joseph L. Mankiewicz, featuring the famous couple Elizabeth Taylor and Richard Burton. And we let ourselves get inspired by various paraphernalia resulting from the dazzling aura that Antony and Cleopatra’s romance still casts over historians, fictionists and audiences. On a blurry line between plagiarism and quotation that would please Shakespeare (we use different sentences from the tragedy, drawn from Rui Carvalho Homem’s remarkable translation for the edition by Campo das Letras), we accept that the transmission of a historical fact to a literary episode and a legend is marked by erosion. The erosion of time and language that dooms memory to incompleteness, and that, for that very reason, allows for interpretation and contribution. If we knew everything, we would know too much and be satisfied, therefore we wouldn’t feel the urge to make this show. Shakespeare wrote an Antony and Cleopatra, presumably in 1606, which throughout time has not been appreciated as much as his other tragic works, such as Hamlet, Othello, King Lear or Macbeth. The work has been accused of a certain ‘imperfection’ or ‘canon transgression’ due to the multiplicity and dispersion of times and settings in its narrative, in clear disobedience to the Aristotelian parameters. Shakespeare scholar John Drakakis described the specific literary style of the work as “deconstruction avant la lettre” originated by a language that appears to come from a “stream of consciousness”. In the readings we did of the original Shakespeare play, during the first rehearsals for our project, it was precisely this transgressive spirit in the play’s structure that pushed us to take the necessary freedom and ‘irresponsibility’ in order to dare to create our own Antony and Cleopatra. The specificity of Shakespeare’s tragedy lies in the fact that it is an inventory of dichotomies: east and west; reason and feeling; masculine and feminine; politics and sex; war and love; work and leisure; tragedy and comedy. Face to face, side by side, in complementarity 21
or symbiosis, each ingredient in this play always finds its match or its reverse, much like the titular pair of the work. Fascinated by the idea of the pair, we downsized Shakespeare’s pharaonic cast to two performers: the dancer/couple Sofia Dias and Vítor Roriz. On stage, they are more themselves than they are a representation of Cleopatra and Antony. As performers, they actively engage with their role, with their own ‘character’ in relation to the other. Sofia talks obsessively of an Antony and Vítor talks with equal persistence about a Cleopatra. Sofia is always describing what an Antony, who lives in an imaginary staging, does and says, and vice-versa. “Always viceversa”, we say in the synopsis of the show. Indeed, vice-versa could have been a title for this piece. So we tried to invent a pair that speaks of another pair, continually reciting and evoking the invisible Antony and Cleopatra shifting between historical spectres and fictions, to the point of merging momentarily with these names, giving them a visible form. We feed the identity confusion between Antony and Cleopatra, but also between performers and characters. We propose the entanglement that a pair is always about. That’s the idea that Plutarch himself proposes when, in the passage describing the way Antony flees the battle to pursue Cleopatra, he writes in a jocular but understanding tone that “the soul of a lover always lives in someone else’s body.” This idea from Plutarch, which speaks of an Antony disconnecting himself from his identity, destroying his reputation and honour to see the world through Cleopatra’s eyes, is as much a love thesis as a theatrical paradox. It is exactly the ‘soul in someone else’s body’ that we aim for when the pair Sofia and Vítor try to see the world through Antony and Cleopatra’s eyes, but also through each other’s eyes. It is the ‘soul in someone else’s body’ that we speak of when we invent a play for a pair of choreographers. Much like the confusion of a pair that switches bodies, we wanted to create a show in which the theatrical writing and staging would understand the world vicariously: essential to achieving this is the mathematical, playful and strictly poetic language of Sofia Dias and Vítor Roriz’s choreographic universe. Our Antony and Cleopatra was composed imagining theatre through their eyes. Their performances are committed to being on stage, using a body of text and theatre that is foreign to them, though at the same time also familiar. It is important to say that ‘foreign’ does not imply distance. On the contrary, this collaboration is born out of the recognition that there is an artistic affinity with the foreign body. That although it belongs to somebody else we could picture it as our own. And when switching bodies, we don’t hopelessly lose ours. We lend it temporarily. Those lent bodies can be translated literally into a collaboration, into working together. Angela Rocha’s set design and the lighting by Nuno Meira, governed by an idea of instability and perpetual movement, shape the apparently rule-free playing field where this artistic collaboration takes place, inspired by the atmosphere of a collaboration of love. We also collaborate with history, with Plutarch, with Shakespeare. And finally we collaborate with the audience, that indispensable and ultimate collaborator. That foreign body we want our lover’s soul to inhabit.
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‘FASTER/SLOWER/FUTURE, towards postcapitalism’ SAT 22, SUN 23/10 KAAISTUDIO’S
A post-work world will not emerge out of the benevolence of capitalists, the inevitable tendencies of the economy or the necessity of crisis. The power of the left — broadly construed — needs to be rebuilt before a post-work society can become a meaningful strategic option. This will involve a broad counter-hegemonic project that seeks to overturn neoliberal common sense and to rearticulate new understandings of ‘modernisation’, ‘work’ and ‘freedom’. — NICK SRNICEK & ALEX WILLIAMS, ‘Inventing the future’
Despite the extreme crises that the capitalist system has recently undergone and the growing dissatisfaction of the public with current ways of political representation, a (post-capitalistic) alternative seems more unthinkable than ever. We simply thunder on at an ever-faster pace, while convulsively holding on to specific values and patterns ‘modern’ society has handed down to us. What we describe as ‘the left’ is breathlessly searching for ways out. Interestingly, in a world where the notion of time has become precarious and multi-interpretable, different ways of dealing with time have come to stand as metaphors for new ways of thinking. Many social grassroots movements are calling for things to slow down. On the other hand, in recent years a new way of thinking about speeding up has arisen: why should the unremitting, chaotic and unbalanced acceleration that is inherent to capitalism not also contain an emancipatory potential and be the herald of a post-capitalist order? During a two-day programme, we will be taking a detailed look at this Faster-Slower contradiction. Central guests are Nick Srnicek and Alex Williams, who together wrote the #ACCELERATE MANIFESTO for an Accelerationist Politics and Inventing the Future: Postcapitalism and a World Without Work. Supporters and opponents will speak out, while we search for suggestions as to how to rethink the future.
CO-FUNDED BY THE CREATIVE EUROPE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION
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© WARD HEIRWEGH
SATURDAY 22/10 14:00 — NICK SRNICEK & ALEX WILLIAMS: ‘Inventing the future’ In recent months a range of studies has warned of an imminent job apocalypse due to automation. This is not simply a rich country problem either, as low-income economies look set to be hit even harder. It would seem that we are on the verge of a mass job extinction. But is this the case? Some point to the longer history of automation, suggesting there is nothing to worry about. This talk examines some of the issues and sets the conditions and progressive potentials for a world without work. — Nick Srnicek is a lecturer at City University London. He is the author of Platform Capitalism (Polity, 2016), and Inventing the Future (Verso, 2015 with Alex Williams). He is currently writing After Work: What’s Left and Who Cares? (Verso, 2017 with Helen Hester). — Alex Williams is a PhD student at the University of East London working on a thesis entitled Complexity & Hegemony.
15:45 — PATRICIA REED: ‘Politics and Complexity Mediation’ 17:00 — HELEN HESTER: ‘The Reproductive Body Politic: Technology, Gender, Collectivity’ 19:00 — BENJAMIN NOYS: ‘Futures of Accelerationism’ 20:15 — Conversation between NICK SRNICEK, ALEX WILLIAMS, BENJAMIN NOYS, PATRICIA REED, HELEN HESTER (moderated by Laurent de Sutter) 22:00 — Screening ‘HYPERSTITION: The retooling of philosophy and political theory for the 21st Century’ (Christopher Roth in collaboration with Armen Avanessian)
SUNDAY 23/10 11:00 — PANEL: ‘On the relation between man and technology’ ANTON JÄGER, ALEX WILLIAMS 12:30 — PANEL: ‘Post-work imaginaries’ THOMAS DECREUS, NICK SRNICEK, A.O. 24
THU 13, FRI 14, SAT 15/10 20:30 TIAGO RODRIGUES[PT] Antony and Cleopatra Hoe vertel je de legende van Antonius en Cleopatra vandaag opnieuw als elk detail ervan al zo gekend is? Tiago Rodrigues kiest voor een verfijnd distillaat met twee uitzonderlijke dansers. Hun speelse danstaal verstrengelt zich met Rodrigues’ poëtische hertaling van de meest hopeloze onder de liefdestragedies.
How do you retell the legend of Antony and Cleopatra today when all its details are so well known? Tiago Rodrigues has opted for a refined distillation featuring two extraordinary dancers. Their playful choreography is interwoven with Rodrigues’ poetic retelling of the most doomed of romantic tragedies.
THEATRE
Comment raconter une fois de plus la légende d’Antoine et de Cléopâtre, dont chaque détail est entre-temps si connu ? Tiago Rodrigues choisit d’en distiller la quintessence et de la faire interpréter par deux danseurs d’exception qui marient un vocabulaire gestuel ludique et la réécriture poétique de Rodrigues de la plus désespérée des tragédies d’amour.
READ MORE: TIAGO RODRIGUES ABOUT HIS WORKING PROCESS >> P. 21 BELGIAN PREMIERE © MAGDA BIZARRO
KAAISTUDIO’S THEATRE | ENGLISH | 1H20 | € 16/12/8 + POST-PERFORMANCE TALK 13/10
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PERFORMANCE/ MUSIC
OPERVILLE © IVO DIMCHEV
WED 12/10 20:30
FRI 14/10 20:30
IVO DIMCHEV[BG] & LEA PETRA[AR/BE] Concerto
IVO DIMCHEV[BG] Operville
Met zijn Concerto’s nodigt rasperformer Ivo Dimchev telkens een andere muzikant uit voor een stemimprovisatie in de vorm van een concert. Net als zijn performances zijn het ‘borderline events’ waarin alles mogelijk is. Deze keer deelt hij de scène met de Argentijnse componiste en pianiste Lea Petra.
Drie zangers/performers creëren een aaneenschakeling van intrigerende tableaux vivants. Op de achterwand verschijnt gelijktijdig Ivo Dimchevs stream-of-consciousness. Via de kracht van de stem, extreme theatraliteit en een arsenaal aan temperament, gaat hij op zoek naar wat opera is en kan zijn.
Pour ces Concertos, le performeur pur-sang Ivo Dimchev invite chaque fois un autre musicien à donner une improvisation vocale sous forme de concert. De même que ses spectacles, il s’agit d’« événements borderline » où tout est possible. Cette fois, il partage la scène avec la compositrice et pianiste argentine Lea Petra.
Trois chanteurs/performeurs créent un enchaînement de tableaux vivants intrigants. En toile de fond apparaît simultanément un courant de conscience de Dimchev. Par la force de la voix, une théâtralité extrême et un tempérament à toute épreuve, il part en quête de ce qu’est l’opéra et de ce qu’il pourrait être.
For each of his Concertos, born performer Ivo Dimchev invites a different musician to provide a voice improvisation in the form of a concert. Just like his performances, these are ‘borderline events’ in which anything is possible. This time, he is sharing the stage with the Argentinian composer and pianist Lea Petra.
Three singers/performers create a sequence of intriguing tableaux vivants. At the same time, Ivo Dimchev’s stream-of-consciousness is projected on the back wall. Via the power of the voice, extreme theatricality and an arsenal of temperament, he explores what opera is and can be. A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION
KAAITHEATER PERFORMANCE/MUSIC | 50 MIN. | € 12/10/8
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KAAITHEATER PERFORMANCE/MUSIC | ENGLISH | 1H | € 16/12/8 + BOOK PRESENTATION AFTER THE SHOW: IVO DIMCHEV – STAGE WORKS 2002–2016
MON 17/10 20:30
American moral philosopher Susan Neiman has written books such as Why Grow Up? Subversive Thoughts for an Infantile Age and Moral Clarity: A Guide for Grown-Up Idealists. She always seeks to find a middle ground between blind utopianism and cynical realism, and is now coming to present her ideas in Brussels. KAAITHEATER TALK | ENGLISH | € 5 RE:MAKE
A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION
RE:MAKE
SUSAN NEIMAN[US] On Grown-Up Idealism
TUE 18, WED 19/10 20:30
Al zes keer maakte Maatschappij Discordia een voorstelling vanuit het vrouwelijk perspectief. Dit zevende deel gaat over vrouwen en macht. Discordia bewerkt de plot van Macbeth naar een verhaal vanuit de vrouw. Het wordt Mevrouw Macbeth. Préalablement à ce spectacle, le collectif Maatschappij Discordia a monté six spectacles à partir d’une perspective féminine. Cette septième partie traite de femmes et de pouvoir. Discordia adapte l’intrigue de Macbeth en un récit relaté du point de vue de « madame » et l’intitule Mevrouw Macbeth. Maatschappij Discordia has made six productions from a female perspective. This seventh piece is about women and power. Discordia has adapted the plot of Macbeth into a woman-centred story, entitled Lady Macbeth.
KAAISTUDIO’S THEATRE | DUTCH | € 16/12/8
© FERRY ANDRÉ DE LA PORTE
BELGIAN PREMIERE
THEATER
MAATSCHAPPIJ DISCORDIA[NL] Weiblicher Akt 7: Mevrouw Macbeth
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DANCE
FRI 21, SAT 22/10 20:30, SUN 23/10 15:00
LEMM&BARKEY & NEEDCOMPANY[BE] FOREVER Nadat artsen een fatale hartziekte vaststellen bij Gustav Mahler, schrijft hij Das Lied von der Erde. Van het laatste deel — Der Abschied — maakt hij een van zijn persoonlijkste composities. Grace Ellen Barkey en Lot Lemm stellen nu dezelfde vragen over de worsteling met sterfelijkheid. Après que les médecins lui diagnostiquent une maladie cardiaque fatale, Gustav Mahler écrit Das Lied von der Erde. De la dernière partie — Der Abschied — il fait une de ses compositions les plus personnelles. BELGIAN PREMIERE KAAITHEATER DANCE | € 20/16/8 + MATINEE KADEE: SUN 23/10 15:00 > P. 29
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Grace Ellen Barkey et Lot Lemm soulèvent aujourd’hui les mêmes questions à propos des frictions qu’engendre en nous l’idée de notre mortalité. After doctors diagnosed Gustav Mahler with a fatal heart disease, he wrote Das Lied von der Erde. Its final movement — Der Abschied — is one of his most personal compositions. Grace Ellen Barkey and Lot Lemm are now asking the same questions about wrestling with mortality.
SAT 22/10 14:00>22:00, SUN 23/10 11:00>15:00 NICK SRNICEK, ALEX WILLIAMS A.O. FASTER/SLOWER/FUTURE, towards post-capitalism WITHIN THE FRAMEWORK OF TRANSITIEFESTIVAL 2016
KAAISTUDIO’S CONFERENCE | ENGLISH | € 8 RE:MAKE
READ MORE ABOUT THE FASTER/SLOWER/FUTURE PROGRAMME >> P. 23-24
TUE 25/10 19:00 Circulaire economie, hoe zit dat in Brussel? THOMAS LOMMÉ, WILLIAM DONCK, STIJN BROUCKE, CÉLINE SCHAAR A.O. WITHIN THE FRAMEWORK OF TRANSITIEFESTIVAL 2016 IN COLLABORATION WITH MASEREELFONDS
RE:MAKE
New social grassroots movements increasingly advocate deceleration. But over the past few years, a counter movement has been growing: why not destroy capitalism with its own means of acceleration? This two-day programme will focus on this Faster-Slower-opposition.
In de circulaire economie worden producten en materialen hergebruikt en behouden grondstoffen hun waarde. Verschillende ondernemingen stellen hun initiatief voor aan het publiek: van kledingabonnementen tot op koffiegruis gekweekte paddenstoelen. KAAITHEATER DUTCH | FREE RE:MAKE
CO-FUNDED BY THE CREATIVE EUROPE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION
SUN 23/10 15:00 WORKSHOP MATINEE KADEE: Bouwen met hooi (i.s.m. Mooss)
0-12 Y
>> LEMM&BARKEY FOREVER Heb je kinderen jonger dan twaalf jaar en wil je met een gerust gemoed een voorstelling bijwonen? Tijdens Matinee Kadee organiseren we workshops of opvang voor kinderen van 4 tot 12, bij de matineevoorstellingen op zondag. Wat begint als enkele balen hooi, een stapel bamboestokken en een hoop nylonkousen, eindigt als de meest bizarre constructie. Vous avez des enfants de moins de douze ans et aimeriez pouvoir assister le cœur léger à un spectacle ? Le programme Matinee Kadee propose des ateliers ou accueil pour enfants de 4 à 12 ans lors des matinées du dimanche
après-midi. Ce qui commence par quelques bottes de foin, une pile de bâtons de bambou et un tas de bas nylon, termine par la plus bizarre des constructions. Do you have children under twelve years old and would you like to bring them to a show? During Matinee Kadee, we organize workshops or childcare for children aged 4-12 that take place during the matinee productions on Sunday. What started out as a few bales of hay, a stack of bamboo sticks and plenty of nylon stockings gradually becomes the most bizarre construction.
KAAITHEATER DUTCH | FRENCH | ENGLISH FREE, SUBJECT TO A PAID BOOKING FOR THE MATINEE PERFORMANCE RESERVATION REQUIRED >> WWW.KAAITHEATER.BE/MATINEEKADEE
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THEATRE
THU 27, FRI 28, SAT 29/10 20:30
TRISTERO[BE] Leave a comment Geleid door een selectie comments op YouTube boort Tristero fundamentele maatschappelijke thema’s aan, zoals de fragiliteit van kunst én van vrije meningsuiting. Wat volgt is een droog-komisch, soms onthutsend portret van de wereldwijd verbonden YouTube-gemeenschap.
Inspired by a selection of comments on YouTube, Tristero explores fundamental social themes such as the fragility of art and of freedom of expression. The result is a dry-comic, occasionally disconcerting portrait of the global alliances of the YouTube community.
Guidé par des commentaires sélectionnés sur YouTube, Tristero creuse des thèmes sociétaux fondamentaux comme la fragilité de l’art et la liberté d’expression. Ce qui en découle est un portrait acerbe, parfois déconcertant, de la communauté mondiale reliée à YouTube.
PREMIERE
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© ALICE PIEMME
KAAITHEATER THEATRE | DUTCH/FRENCH/ENGLISH (SURTITLED DUTCH/FRENCH/ENGLISH) | € 16/12/8 + POST-PERFORMANCE TALK 28/10
FRI 28, SAT 29/10 20:30 CLAIRE CROIZÉ/ACTION SCÉNIQUE[FR/BE] EVOL De titel EVOL ontleent Claire Croizé aan het gelijknamige Sonic Youth-album. Net zo goed is het LOVE achterstevoren geschreven, én een afkorting van ‘evolutie’. Het zijn alle twee centrale begrippen in deze tedere creatie op songs van David Bowie.
Claire Croizé took the title EVOL from the Sonic Youth album of the same name. But it is also LOVE spelled backwards and an abbreviation of ‘evolution’. These are both central concepts in this tender creation set to songs by David Bowie.
KAAISTUDIO’S DANCE | € 16/12/8 + POST-PERFORMANCE TALK 29/10
DANCE
Claire Croizé emprunte le titre EVOL à l’album éponyme de Sonic Youth. Le terme est à la fois l’inverse de LOVE et un raccourci du mot évolution. Les deux concepts sont au cœur de cette tendre création sur des chansons de David Bowie.
© JOERI THIRY
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KAAITHEATER
SAINCTELETTESQUARE 20 20 SQUARE SAINCTELETTE B-1000 BRUSSELS T 02 201 58 58
KAAISTUDIO’S
ONZE-LIEVE-VROUW VAN VAAKSTRAAT 81 81 RUE NOTRE-DAME DU SOMMEIL B-1000 BRUSSELS
/KAAITHEATER
MAGAZINE 6 EDITIES PER JAAR | VERSCHIJNT IN FEBRUARI, APRIL, JUNI, AUGUSTUS, OKTOBER & DECEMBER P3A9139 | AUGUSTUS 2016 V.U.: BART CLAES, C/O AKENKAAI 2, 1000 BRUSSEL COVERBEELD: JAN FABRE/TROUBLEYN, MOUNT OLYMPUS © WONGE BERGMANN ONTWERP: PAUL BOUDENS
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