Kaaitheater seizoensmagazine 12-13 by Kaaitheater

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HORA EST! ••• De meeste van onze voorstellingen beginnen om 20:30 uur, maar van een aantal producties kan je ook een voorstelling om 15:00 of 19:00 (of een ander uur) bijwonen. ••• La plupart des spectacles commencent à 20h30, mais pour un certain nombre entre eux, nous vous proposons également des représentations à 15h00 ou 19h00 (ou à une autre heure). ••• Most of our performances start at 8.30 pm, but some productions are also on at 3 pm or 7 pm (or another time). >>> P. 86

FR ? EN? ••• Spectacles accessibles aux francophones ou autres allophones. ••• Productions perfect for speakers of English and other languages. >>> P. 87

QUO VADIS? Voor je de deur uitgaat, check nog even waar de voorstelling speelt: ••• in het Kaaitheater (Sainctelettesquare 20 — in de noordhoek van de Kleine Ring) ••• in de Kaaistudio’s (Onze-Lieve-Vrouw van Vaakstraat 81 — nabij de Dansaertstraat) ••• of op een externe locatie. Avant de quitter la maison, vérifiez où le spectacle se déroule : ••• au Kaaitheater (20, square Sainctelette — au coin nord de la petite ceinture) ••• aux Kaaistudio’s (81, rue Notre-Damedu-Sommeil — près de la rue Dansaert) ••• dans un lieu extérieur. Before you leave the house, just check where the performance is on: ••• at the Kaaitheater (square Sainctelette 20 — in the northern corner of the inner ring-road) ••• at the Kaaistudio’s (rue Notre-Damedu-Sommeil 81 — near rue Dansaert) ••• at an external venue.

KAAITHEATER 2012>2013 INHOUD | SOMMAIRE | CONTENTS

INDEX

PROGRAMMA/PROGRAMME 6–85 AGENDA BIJLAGE/ENCART/INSERT BESTELBON BIJLAGE BON DE COMMANDE ENCART BOOKING FORM INSERT

ABATTOIR FERMÉ 20 AGENTSCHAP/AGENCE/AGENCY 17 AMPE JAKOB 47 AMPE PIETER 46, 47 BARKEY GRACE ELLEN 73 BAUER ELEANOR 39, 40 BENGOLEA CECILIA 71 BL!NDMAN 16 BÖLTER FRANK 10 BURROWS JONATHAN 53 CASSIERS GUY 52 CHAIGNAUD FRANÇOIS 71 CHARMATZ BORIS 57, 77 CHICO GIUSEPPE 29 CHILDS LUCINDA 18–19 CHIVIALLE DAMIEN 10 CLAES GERARD-JAN 21 CREED MARTIN 58 DAMAGED GOODS 15 DECORTE JAN 26 DERUYTER KURT 11 DIMCHEV IVO 41 DISCORDIA 34 DOLRON LAURA VAN 33 DORNER WILLI 9 EDVARDSEN METTE 29 FABRE JAN 64, 65 FARGION MATTEO 53 FC BERGMAN 12 FOCCROULLE BERNARD 72 GARRIDO GUILHERME 46 GEHMACHER PHILIPP 59, 60 GIESCHE ALEXANDER-MAXIMILIAN 62 GINTERSDORFER MONIKA 24–25 GRAINDELAVOIX 6 HAAS MAXIMILIAN 70 HARRELL TRAJAL 56, 71 HASSABI MARIA 55 HAUERT THOMAS 50 HOGHE RAIMUND 48, 49 HOUSTOUN WENDY 45 HOVE IVO VAN 80 ICTUS 37, 66 INGVARTSEN METTE 30, 39, 40 IVANOVA ZHANA 61 KEERSMAEKER ANNE TERESA DE 5–6–7, 21, 51, 76–77 KLASSEN KNUT 24–25 LANG HEATHER 40 LAUWERS JAN 22 LAYES CLÉMENT 23 LE ROY XAVIER 31 LETZEL LEA 62 LEYSEN JOHAN 43 LINEHAN DANIEL 27

KAAI SPECIALS A FEAST FOR ALL SEASONS 82 BURNING ICE #6 68>69 FESTIVAL KANAL 8>11 HET GROENE BOEK #3 75 HOLLANDSE BERGEN 32>35 K & COMPANY 84 K-TEAM 85 MATINEE KADEE 83 PERFORMATIK2013 54>62 RESIDENTS’ WEEK 38>42 SOUL FOOD 85

MAATSCHAPPIJ DISCORDIA 34 MARGARIT ÀNGELS 50 MATIJEVIĆ BARBARA 29 McINTOSH KATE 45 MEIERHANS CHRISTOPHE 10 MILLER VLADIMIR 59 MONTEIRO FREITAS MARLENE 71 MUSÉE DE LA DANSE 57 NACHBAR MARTIN 68 NATURE THEATER OF OKLAHOMA 14 NEEDCOMPANY 22, 73 NTGENT 63 REYNIERS JOHAN 11 ROBERT JIMMY 55 ROCHETTE OLIVIA 21 ROOVERS DE 26 ROSAS 5–6–7, 21, 51, 76–77 SANCHIS SALVA 72 SCHWALBE 32 SICKLE ULA 13 SLOVAKS LES 28 STAN TG 74 STUART MEG 15, 59 SUPERAMAS 36 SZE SARAH 58 TONEELGROEP AMSTERDAM 80 TONEELHUIS 52 TRISTERO 67, 82 TROUBLEYN 64, 65 TWO DOGS COMPANY A 42, 43, 78–79 VANDEWALLE BENJAMIN 11 VANRUNXT MARC 44 VEERE DE 35 VERDONCK KRIS 42, 43, 78 VERHELST PETER 63 WEBER-KREBS DAVID 69 WEGO VZW 11 WPZIMMER 68 ZINS-BROWNE ANDROS 70

INTRO ‘Kan een betere soort fictie de wereld redden? Er is altijd wel een beetje hoop (soms gebeuren er rare dingen), maar het antwoord is zo goed als zeker nee, dat kan niet. Maar er is wel een redelijke kans dat ze je ziel kan redden.’ — Jonathan Franzen in Farther Away: Essays (2012)

MISSCHIEN KAN ZE JE ZIEL REDDEN We beginnen dit seizoen waar het vorige eindigde: buiten. In Villers-la-Ville danst Rosas bij het licht van de ondergaande en de opkomende zon. We vervolgen rond, op en over het kanaal met Festival Kanal en met FC Bergman op een braakliggend terrein van Tour & Taxis. Omdat onverwachte plekken altijd interessante ontmoetingen en nieuwe inzichten opleveren en nieuwe vragen aan de oppervlakte brengen. Het onderzoeken van de wereld, het stellen van vragen over de gang van zaken in het leven blijft een belangrijke taak. Omdat, zo schreef Hannah Arendt, ‘wereldloosheid bijna altijd leidt tot een vorm van barbarij’. Die vragen betreffen ook onszelf en de plek van het artistieke werk in de samenleving. Het bevragen van de functie en de noodzaak van kunst in de maatschappij is aan de orde in het werk van heel wat artiesten die dit seizoen op ons programma staan.

De complexiteit van keuzes vandaag en de ongrijpbaarheid van wat ons overkomt leiden bij FC Bergman tot een groeiende inertie, bij Anne Teresa De Keersmaeker tot een blik op onze lichamelijkheid en sterfelijkheid. Het wordt ook zichtbaar in de keuzes die de artiesten maken voor bepaalde theaterauteurs: Jan Decorte voor Friedrich Schiller en zijn roep naar meer vrijheid van denken, Kris Verdonck voor Heiner Müller en zijn beschrijving van onze nood aan een vijand, tg STAN voor Thomas Bernhard en zijn zelfkritische blik op grootse idealen en provinciale bekrompenheid. In de voorstellingen wordt ons traditionele mensbeeld onderuitgehaald: onze relatie tot seksualiteit en gender (Trajal Harrell, Marc Vanrunxt, Guy Cassiers’ Orlando, tg STAN’s Nora), onze relatie tot dieren en het dierlijke (Xavier Le Roy, Martin Nachbar, David Weber-Krebs), onze relatie tot de dingen en voorwerpen die ons omringen (Mette Ingvartsen, Mette Edvardsen). De premissen van de podiumkunsten worden in vraag gesteld door beeldend kunstenaars (Martin Creed, Jimmy Robert, Agentschap,…). Boris Charmatz doet het omgekeerde: hij choreografeert een tentoonstelling. Twee iconen uit de geschiedenis van de podiumkunsten, Lucinda Childs en Jan Fabre, hernemen werk dat dertig jaar of ouder is. Hoe hertekent de tijd de meest vluchtige aller kunsten? Wat is de relevantie vandaag van wat toen adembenemend nieuw was?

En we kijken met vele vraagtekens in de ogen naar de Nederlandse situatie. Samen met deBuren focussen we op de kwaliteit van het kunstenlandschap daar en hoe de toekomst ingevuld kan worden met minder middelen. Voor het eerst brengen we onze kunstenaars-in-residentie (Mette Ingvartsen, Eleanor Bauer, Ivo Dimchev en Kris Verdonck) samen in een ‘residentenweek’. We proberen podiumkunsten toegankelijk te maken voor een jong publiek (het K-team; de ‘jonge’ toegangsprijs van 8 euro voor wie nog geen 26 is). We laten de allerjongsten zich uitleven in de creatieve workshops van Matinee Kadee. En we lanceren een nieuwe reeks gesprekken met kunstenaars (Soul Food) en gesprekken tussen toeschouwers onderling (K & Company). Pasklare antwoorden verwachten we niet te vinden, wel vragen die weer andere vragen oproepen, nieuwsgierigheid en enthousiasme die aanstekelijk werken. We eindigen dan ook toepasselijk met een XL-versie van het bejubelde The Search Project van Tristero.

GUY GYPENS & KATLEEN VAN LANGENDONCK

INTRO « Une meilleure sorte de fiction peut-elle sauver le monde ? Il y a toujours une petite lueur d’espoir (parfois des choses étranges se produisent), mais la réponse est quasi certainement négative, elle ne le peut pas. Il existe cependant une chance raisonnable qu’elle puisse sauver votre âme. » — Jonathan Franzen dans Farther Away: Essays (2012) ELLE POURRAIT SAUVER VOTRE ÂME Nous commençons la saison là où la précédente s’est achevée : à l’extérieur. À Villers-la-Ville, Rosas danse à la lumière du soleil couchant et levant. Nous poursuivons autour, sur et au-delà du canal avec le Festival Kanal et sur un terrain désaffecté de Tour & Taxis avec FC Bergman. Parce que des lieux inattendus génèrent toujours des rencontres intéressantes et des conceptions novatrices et qu’ils font émerger des questions nouvelles. Analyser le monde, soulever des questions à propos du cours de la vie et des choses demeure une tâche importante. Parce que, comme l’écrivait Hannah Arendt, « l’acosmisme, hélas, est toujours une forme de barbarie ». Ces questions nous concernent personnellement aussi, ainsi que la place de la création artistique dans la société. L’interrogation relative à la fonction et la nécessité de l’art dans la société apparaît dans l’œuvre de bon nombre d’artistes à l’affiche cette saison.

La complexité des choix actuels et l’insaisissabilité de ce qui nous arrive mènent à une inertie croissante chez FC Bergman, à une observation de notre corporalité et de notre mortalité chez Anne Teresa De Keersmaeker. Ce questionnement se remarque aussi dans les choix que font les artistes de certains auteurs de théâtre : Jan Decorte opte pour Friedrich Schiller et son appel à plus de liberté de penser, Kris Verdonck jette son dévolu sur Heiner Müller et sa description de notre besoin d’ennemi, tg STAN se tourne une fois de plus vers Thomas Bernhard et son regard sans concession sur les grands idéaux et la mesquinerie provinciale. Dans les spectacles, l’image traditionnelle de l’être humain est sérieusement mise à mal : notre rapport à la sexualité et au « genre », le gender anglophone, (Trajal Harrell, Marc Vanrunxt, l’Orlando de Guy Cassiers, la Nora vue par tg STAN), notre rapport aux animaux et à l’animalité (Xavier Le Roy, Martin Nachbar, David WeberKrebs), notre rapport aux choses et objets qui nous entourent (Mette Ingvartsen, Mette Edvardsen). Si des plasticiens (Martin Creed, Jimmy Robert, Agence,…) remettent en question les prémisses des arts de la scène, Boris Charmatz fait le contraire : il chorégraphie une exposition. Deux icônes de l’histoire des arts du spectacle vivant, Lucinda Childs et Jan Fabre, reprennent chacune des œuvres qu’elles ont créées il y a trente ans ou plus. Comment le temps revisite-t-il le plus éphémère

des arts ? Quelle est aujourd’hui la pertinence de ce qui était jadis innovant à nous couper le souffle ? Et nous suivons avec curiosité et interrogation la situation aux PaysBas. En collaboration avec deBuren, nous nous focalisons sur la qualité du paysage artistique chez nos voisins du nord et sur la manière dont l’avenir peut s’écrire avec moins de moyens. Pour la première fois, nous réunissons nos artistes en résidence (Mette Ingvartsen, Eleanor Bauer, Ivo Dimchev et Kris Verdonck) à l’occasion de la « semaine des résidents ». Nous tentons de rendre les arts de la scène accessibles au jeune public (le K-team ; le prix unique et modique de 8 euros pour les moins de 26 ans). Nous offrons aux plus jeunes la possibilité de se défouler au cours des ateliers créatifs du programme Matinee Kadee. Nous lançons une nouvelle série de discussions avec les artistes (Soul Food) et entre spectateurs (K & Company). Nous ne nous attendons nullement à trouver des réponses toutes faites, mais nous croyons que les questions posées feront surgir de nouvelles questions, de la curiosité et de l’enthousiasme communicatif. Nous clôturons de manière tout à fait appropriée avec une version étendue de la production très applaudie de Tristero, The Search Project.

GUY GYPENS & KATLEEN VAN LANGENDONCK

INTRO ‘Can a better kind of fiction save the world? There’s always some tiny hope (strange things do happen), but the answer is almost certainly no, it can’t. There is some reasonable chance, however, that it could save your soul.’ — Jonathan Franzen in Farther Away: Essays (2012)

IT COULD SAVE YOUR SOUL We are starting this season where the last one ended: outdoors. In Villers-la-Ville, Rosas are dancing in the light of the setting and rising sun. We follow this with the Canal Festival, around, on and across the canal and with FC Bergman on a piece of wasteland at Tour & Taxis. Because unexpected places always give rise to interesting encounters and new insights, and bring new questions to the surface. Investigating the world and asking questions about the way things go in life remains an important task. Because, as Hannah Arendt wrote, ‘worldlessness almost always leads to a form of barbarism’. These questions also apply to us and the place occupied by artistic work in society. Questioning the function and necessity of art in society is an element in the work of many of the artists on this season’s programme. In FC Bergman’s work, the complexity of today’s choices and the intangibility of what happens to us lead to increasing inertia, and in Anne Teresa De Keersmaeker’s case to a view of our physicali-ty and mortality. It can also be seen in the playwrights the artists choose: Jan Decorte goes for Friedrich Schiller and his call for greater freedom of thought, Kris Verdonck opts for Heiner Müller and his description of our need for an enemy, tg STAN for Thomas Bernhard and his self-critical view of grand ideals and provincial narrow-mindedness.

In the performances we see our traditional view of man undermined: our relations with sexuality and gender (Trajal Harrell, Marc Vanrunxt, Guy Cassiers’ Orlando, tg STAN’s version of Nora), and our relations with the things and objects that surround us (Mette Ingvartsen, Mette Edvardsen). The premises of the performing arts are questioned by visual artists (Martin Creed, Jimmy Robert, Agency et al.) while Boris Charmatz does the reverse: he choreographs an exhibition. Two icons from the history of the performing arts, Lucinda Childs and Jan Fabre, revive work that is thirty years old or more. How does time reshape the most transient of all arts? What is the present relevance of what was once breathtakingly new? And we look at the situation in the Netherlands with many questions in our minds. Together with deBuren we focus on the quality of the arts landscape there and how the future can be shaped with fewer resources. For the first time we are bringing together our artists-in-residence (Mette Ingvartsen, Eleanor Bauer, Ivo Dimchev and Kris Verdonck) in a ‘residents’ week’. We shall be trying to make the performing arts accessible to a young audience (with the K-Team and the ‘young’ ticket price of 8 euro for those who aren’t yet 26). We let the very youngest among us do their thing in the creative Matinee Kadee workshops.

And we are launching a new series of conversations with artists (Soul Food) and conversations between members of the audience (K & Company). We don’t expect to find any ready answers, only questions — which raise yet more questions — plus the curiosity and enthusiasm that have an infectious effect. And we shall be ending quite appropriately with an XL version of the much-acclaimed Search Project by Tristero.

GUY GYPENS & KATLEEN VAN LANGENDONCK

AUG/SEP DE MUNT/LA MONNAIE, ROSAS & KAAITHEATER, ABBAYE DE VILLERS-LA-VILLE, FESTIVAL DE WALLONIE-BRABANT WALLON & CENTRE CULTUREL D’OTTIGNIES-LOUVAIN-LA-NEUVE PRESENT

EXTRA MUROS

ROSAS@VILLERS-LA-VILLE © HERMAN SORGELOOS

AUTHENTIEKE HEROPVOERING

REPRISE AUTHENTIQUE

AUTHENTIC RE-ENACTMENT

In 2010 en 2011 creëerde Anne Teresa De Keersmaeker twee producties voor het festival van Avignon: En Atendant en Cesena. Beide werden gedanst in de Cour d’honneur van het middeleeuwse Palais des Papes, en er werd alleen met natuurlijk licht gewerkt. In En Atendant gaat de avond over in de nacht, Cesena speelt bij het krieken van de dag.

En 2010 et en 2011, Anne Teresa De Keersmaeker a créé deux productions pour le festival d’Avignon : En Atendant et Cesena. Toutes deux se sont données dans la Cour d’honneur du médiéval Palais des Papes et n’ont fait usage que de lumière naturelle : dans En Atendant la tombée du jour évoluait vers la nuit, tandis que Cesena s’est donné au lever du jour.

In 2010 and 2011 Anne Teresa De Keersmaeker created two productions for the Avignon Festival: En Atendant and Cesena. Both were danced on the Cour d’Honneur at the medieval Papal Palace, where only natural lighting was used. In En Atendant evening passes into night, while Cesena is set at the crack of dawn.

Beide voorstellingen werden naderhand in Brussel opgevoerd in De Munt, maar dit seizoen kan u ze beleven in een ‘authentieke’ heropvoering, met alleen het licht van de dag dus, en in een kader dat al even magnifiek en middeleeuws is: de ruïnes van de abdij van Villers-la-Ville.

Les deux spectacles ont ensuite été interprétés à Bruxelles, à La Monnaie, mais cette saison, vous pouvez assister à leur reprise « authentique », tous deux baignés dans la seule lumière naturelle et dans un cadre aussi magnifique et médiéval : les ruines de l’Abbaye de Villers-la-Ville.

Villers-la-Ville ligt op amper 30 km van Brussel en is ook met de trein bereikbaar: het station van Villers-la-Ville ligt op de lijn Ottignies-Charleroi, op 2 km van de abdij.

Villers-la-Ville se situe à quelque 30 km de Bruxelles, et est aussi accessible en train : la gare de Villers-la-Ville se trouve sur la ligne Ottignies-Charleroi, à 2 km de l’Abbaye.

Zie pp. 6–7

Voir pp. 6–7

Both performances were subsequently staged at La Monnaie in Brussels, but this season audiences can experience them in an ‘authentic’ re-enactment, using only the light of day in a setting that is equally magnificent and medieval: the ruins of the abbey at Villers-la-Ville. Villers-la-Ville is only 30 km from Brussels and is accessible by train: the station at Villers-la-Ville is on the OttigniesCharleroi line, 2 km from the abbey.

See pp. 6–7

>>>WWW.VILLERS.BE

AUG/SEP EXTRA MUROS

ROSAS & GRAINDELAVOIX[BE] CESENA FR 31/08 + SA 1 & SU 2/09 05:20!!! ABBEY VILLERS-LA-VILLE

DANCE & MUSIC | 115 MIN. | € 35 PER PERFORMANCE, € 50 FOR CESENA + EN ATENDANT (NO REDUCTIONS; NO KAAI-ABO) | PERFORMANCE OUTDOORS, PLEASE BRING WARM CLOTHING © ANN VERONICA JANSSENS

HET BEGIN VAN DE DAG Voor Cesena werkten Anne Teresa De Keersmaeker en Rosas samen met Björn Schmelzer en diens ensemble graindelavoix. Negentien dansers en zangers staan samen op de vloer en tasten de grenzen van hun kunnen af. Dansers zingen en zangers dansen, opnieuw in dialoog met de 14de-eeuwse weerbarstige partituren van de Ars Subtilior. Ann Veronica Janssens staat voor de derde keer in voor de creatie van een scenografie van kleur en licht, een sculptuur van de verglijdende tijd, van de voortdurende transformatie van wat ons omringt, en van wat enkel doorheen de tijd zichtbaar wordt. Het begin van een nieuwe dag, of een nieuwe kijk op een ver verleden.

LE DÉBUT DE LA JOURNÉE Pour Cesena, Anne Teresa De Keersmaeker et Rosas ont collaboré avec Björn Schmelzer et son ensemble graindelavoix. Dix-neuf danseurs et chanteurs, réunis sur scène, y explorent leurs limites ; les danseurs chantent et les chanteurs dansent. Ils dialoguent une fois de plus avec les partitions récalcitrantes de l’Ars Subtilior du XIVe siècle. Ann Veronica Janssens crée sa troisième scénographie pour Rosas. À l’aide de la lumière et des couleurs, elle sculpte le passage du temps, la transformation incessante de ce qui nous entoure et ne devient visible qu’au fil du temps. Le début d’une nouvelle journée, ou un nouveau regard posé sur un passé lointain.

THE START OF THE DAY For Cesena, Anne Teresa De Keersmaeker and Rosas worked closely with Björn Schmelzer and his graindelavoix ensemble. The stage is shared by 19 dancers and singers who explore the limits of their ability. Dancers sing and singers dance, once again in dialogue with the wilful 14th-century scores of the Ars Subtilior. For the third time, Ann Veronica Janssens has collaborated with Rosas for a set design, providing a sculpture of passing time, of the constant transformation of what is around us and of what only becomes visible in the course of time. The start of a new day, or a new look at a distant past.

‘Ampleur esthétique, vision et intelligence combinées, Cesena et son corps polyphonique feront date.’ — Le Monde

‘De dans, soms dierlijk, erotisch, vaak ook zwoegend en strijdend, trekt ook de muziek richting het fysieke.’ — NRC

SUPPORT THE PROVINCE DU BRABANT WALLON

CONCEPT ANNE TERESA DE KEERSMAEKER, BJÖRN SCHMELZER | CHOREOGRAPHY ANNE TERESA DE KEERSMAEKER | MUSICAL DIRECTOR BJÖRN SCHMELZER | CREATED WITH & DANCED BY ROSAS & GRAINDELAVOIX: OLALLA ALEMÁN/ELS VAN LAETHEM, HAIDER AL TIMIMI, BOSTJAN ANTONCIC, ARON BLOM , CARLOS GARBIN, MARIE GOUDOT, LIEVEN GOUWY, DAVID HERNANDEZ, MATEJ KEJZAR, MIKAEL MARKLUND, TOMÀS MAXÉ, JULIEN MONTY, CHRYSA PARKINSON, MARIUS PETERSON, MICHAEL POMERO, ALBERT RIERA, GABRIEL SCHENKER, YVES VAN HANDENHOVE, SANDY WILLIAMS | SCENOGRAPHY ANN VERONICA JANSSENS | COSTUMES ANNE-CATHERINE KUNZ | MUSIC ARS SUBTILIOR | PRODUCTION ROSAS | CO-PRODUCTION LA MONNAIE/DE MUNT (BRUSSELS), FESTIVAL D’AVIGNON, THÉÂTRE DE LA VILLE (PARIS), LES THÉÂTRES DE LA VILLE DE LUXEMBOURG, FESTIVAL OUDE MUZIEK UTRECHT, GUIMARÃES 2012, STEIRISCHER HERBST (GRAZ), DESINGEL (ANTWERP), CONCERTGEBOUW BRUGGE >>> WWW.ROSAS.BE >>> ROSAS PP. 21, 51, 77

AUG/SEP EXTRA MUROS

ROSAS[BE] EN ATENDANT FR 31/08 + SA 1 & SU 2/09 19:00!!! ABBEY VILLERS-LA-VILLE

DANCE & MUSIC | 95 MIN. | € 35 PER PERFORMANCE, € 50 FOR CESENA + EN ATENDANT (NO REDUCTIONS; NO KAAI-ABO) PERFORMANCE OUTDOORS, PLEASE BRING WARM CLOTHING

‘Betoverend mooi.’ — De Morgen

‘Spectacle magistral.’ — Le Soir

HET VALLEN VAN DE NACHT Met En Atendant zette Anne Teresa De Keersmaeker een nieuwe stap in haar onderzoek naar het samengaan van dans en muziek. Na Bach en Webern in Zeitung, The Beatles in The Song en Mahler in 3Abschied, is het uitgangspunt deze keer de Ars Subtilior: een complexe, polyfone muziekvorm uit de 14de eeuw die uitgaat van dissonantie en tegenstelling. De Ars Subtilior ontwikkelde zich op de puinhopen van de pest en de Kerk, op het moment dat de sociale, politieke en religieuze pijlers van de middeleeuwse samenleving versplinterden. Vandaag lijkt die ontreddering actueler dan ooit. In de hedendaagse complexiteit van keuzes, in de ongrijpbaarheid van wat ons overkomt, staat de vraag naar onze lichamelijkheid, onze sterfelijkheid opnieuw centraal.

TOMBE LA NUIT Avec En Atendant, Anne Teresa De Keersmaeker entama une nouvelle étape dans sa recherche de l’alliance entre danse et musique. Après Bach et Webern dans Zeitung, les Beatles dans The Song et Mahler dans 3Abschied, elle prend cette fois pour point de départ l’Ars Subtilior, une forme musicale polyphonique complexe du XIVe siècle émanant de dissonances et de contrastes. L’Ars Subtilior s’est développé dans la pagaille laissée par la peste et par l’Église, au moment où les piliers sociaux, politiques et religieux de la société médiévale volent en éclats. Aujourd’hui, ce désarroi semble plus que jamais d’actualité. Au milieu de la complexité des choix contemporains et du caractère insaisissable de ce que nous vivons, la question de notre matérialité, de notre condition de mortels, occupe à nouveau une place centrale.

NIGHT FALLS In En Atendant, Anne Teresa De Keersmaeker was taking a new step in her exploration of the combination of music and dance. After Bach and Webern in Zeitung, The Beatles in The Song and Mahler in 3Abschied, this time her starting point was the Ars Subtilior: a complex form of polyphonic music from the 14th century that is based on dissonance and contrast. Ars Subtilior developed on the ruins of the plague and the Church at a time when the social, political and religious pillars of mediaeval society were fragmenting. Nowadays this upheaval seems more relevant than ever. In the light of today’s increasingly confusing events and the complexity of the choices we face, the question of our mortality and physicality is becoming ever more crucial.

SUPPORT THE PROVINCE DU BRABANT WALLON CHOREOGRAPHY ANNE TERESA DE KEERSMAEKER | CREATED WITH & DANCED BY BOSTJAN ANTONCIC, CARLOS GARBIN, CYNTHIA LOEMIJ, MARK LORIMER, MIKAEL MARKLUND, CHRYSA PARKINSON, SANDY WILLIAMS, SUE-YEON YOUN | MUSIC ARS SUBTILIOR | MUSICIANS MICHAEL SCHMID & COUR ET COEUR: BART COEN, BIRGIT GORIS, ANNELIES VAN GRAMBEREN/ELS VAN LAETHEM | SCENOGRAPHY MICHEL FRANÇOIS | COSTUMES ANNE-CATHERINE KUNZ | PRODUCTION ROSAS | CO-PRODUCTION DE MUNT/LA MONNAIE (BRUSSELS), FESTIVAL GREC (BARCELONA), GRAND THÉÂTRE DE LUXEMBOURG, THÉÂTRE DE LA VILLE (PARIS), FESTIVAL D’AVIGNON, CONCERTGEBOUW BRUGGE >>>WWW.ROSAS.BE 7

SEP EXTRA MUROS

FESTIVAL KANAL 14>16/09 © FRANK BÖLTER

atout en temps de vieillissement de la population vaut toutefois peu de crédit à la zone du canal. Les médias dépeignent les quartiers de Molenbeek et d’Anderlecht, comme une no go zone. Le FESTIVAL KANAL souhaite rectifier cette image : la zone du canal en tant que nouveau centre-ville, un espace public métropolitain, un pont entre les cultures et les groupes de population, un carrefour de plusieurs routes, un passage obligé, une must go zone. Avec un programme étendu d’interventions artistiques dans l’espace public, le FESTIVAL KANAL offre l’occasion unique de (re)découvrir ce quartier fascinant. Voici quelques-uns des projets comme avant-goût. Le programme complet du festival vous attendra à votre retour de vacances d’été.

EEN STAD AAN HET WATER? Het laatste wat je van Brussel kunt beweren is dat het een stad aan het water is. En toch ligt de toekomst van Brussel aan een waterweg: geen prachtige, brede rivier maar een door mensenhanden gebouwd kanaal. Binnen de al erg jonge leeftijdsstructuur van het Brussels Gewest vormen de buurten grenzend aan dat kanaal een ‘extra young zone’. Deze troef in tijden van vergrijzing levert de kanaalzone echter weinig krediet op. De mediaberichtgeving over de jongeren uit Molenbeek en Anderlecht creëert vooral een beeld van een ‘no go zone’. Het FESTIVAL KANAL wil dat beeld bijstellen: de kanaalzone als het nieuwe stadscentrum, als grootstedelijke publieke ruimte, als brug tussen culturen en bevolkingsgroepen, als kruispunt van vele wegen, als een ‘place

to be’, als een ‘must go zone’. Met een uitgebreid programma van artistieke interventies in de publieke ruimte biedt het FESTIVAL KANAL een unieke gelegenheid om deze fascinerende buurt te (her)ontdekken. Hierna enkele van de projecten als voorsmaakje. Het volledige festivalprogramma ligt na de zomervakantie op u te wachten. UNE VILLE AU BORD DE L’EAU ? La dernière chose dont on puisse qualifier Bruxelles c’est de ville au bord de l’eau. Néanmoins, l’avenir de Bruxelles se situe près d’une voie d’eau : pas une magnifique et large rivière, mais un canal construit de mains d’hommes. Dans la structure démographique très jeune de la Région Bruxelles Capitale, les quartiers qui jouxtent le canal constituent une « zone extra jeune ». Cet

A WATERSIDE CITY? One thing you can’t say about Brussels is that it is a waterside city. And yet the future of Brussels lies on a waterway: not a beautiful wide river but a canal built by human hands. The average age of the population in the Brussels Capital Region is already very young, but the neighbourhoods adjacent to this canal form an ‘extra young zone’. However, with an otherwise aging population this asset brings little benefit to the canal zone. The media coverage of young people from Molenbeek and Anderlecht mainly paints a picture of a ‘no go area’. The FESTIVAL KANAL aims to change this image: the canal zone as the new city centre, as a large urban public space, as a bridge between cultures and peoples, as a crossroads of many roads, as a ‘place to be’, as a ‘must-go zone’. With a comprehensive programme of artistic interventions in the public space, the FESTIVAL KANAL is a unique opportunity to (re)discover this fascinating neighbourhood. Here, to whet your appetite, are some of the projects. The full programme will be available after the summer break.

FESTIVAL KANAL IN ASSOCIATION WITH KAAITHEATER, LA RAFFINERIE/CHARLEROI DANSES, MET-X, MAISON DES CULTURES/HUIS VAN CULTUREN, ARCHITECTURE WORKROOM BRUSSELS, HET BESCHRIJF, I-MAL, WIELS, PLATFORM KANAL, MJ CHICAGO, LEZARTS URBAINS A.O.

SEP FESTIVAL KANAL

WILLI DORNER[AT] ABOVE UNDER INBETWEEN DATES & VENUE TO BE CONFIRMED | 50 MIN.

CHAISES, BANCS, TABLES, ARMOIRES, ETC. Ils surgissent du vide devant nous, ils apparaissent soudain dans le chambranle d’une porte ou forment une sculpture vivante dans un portique : les danseurs de Willi Dorner nous réservent de nombreuses surprises. De même que lors de la première édition du FESTIVAL KANAL, il y a deux ans, ils s’emparent de la ville d’une manière singulière. Dans Above Under Inbetween, ils sortent des meubles d’intérieur, de jardin et de cuisine de leur contexte familier et les installent dans la rue où ils leur insufflent une nouvelle vie. Les danseurs se meuvent au-dessus, en dessous et entre les chaises, bancs, tables, armoires, etc., et accordent leur danse sur l’espace qu’il leur reste entre les objets. Le public les suit tout au long de leur parcours remarquable à travers la ville.

STOELEN, BANKEN, TAFELS, KASTEN ETC. Ze duiken uit het niets voor je op, komen onverwacht uit een deurpost vandaan, springen over je hoofd of over de daken: de dansers van Willi Dorner hebben veel verrassingen in petto. Net als tijdens de eerste editie van FESTIVAL KANAL, twee jaar geleden, palmen ze op een eigenzinnige manier de stad in. In Above Under Inbetween halen ze huis-, tuin- en keukenmeubelen uit hun vertrouwde context en geven deze voorwerpen een nieuw leven op straat. De dansers bewegen zich boven, onder en tussen stoelen, banken, tafels, kasten etc. en stemmen hun dans af op de ruimte die ze krijgen tussen deze objecten. Het publiek volgt hen op hun opmerkelijk parcours door de stad. ••• De Oostenrijkse choreograaf Willi Dorner laat ons met een nieuwe blik kijken naar de stad en haar architectuur. Dorner richtte in 1999 zijn compagnie op waarmee hij zowel in theaterzalen als in de publieke ruimte optreedt. Zijn voorstelling Bodies in Urban Space, die we presenteerden tijdens FESTIVAL KANAL 2010, was een revelatie en stond ook in steden als Parijs, Philadelphia en Londen.

••• Le chorégraphe autrichien Willi Dorner nous fait porter un regard différent sur la ville et son architecture. Dorner a fondé sa compagnie en 1999 et se produit avec elle dans des salles de théâtre et dans l’espace public. Son spectacle Bodies in Urban Space, que nous avons présenté lors du FESTIVAL KANAL 2010, était une révélation, et s’est également donné à Paris, Philadelphie et Londres. CHAIRS, BENCHES, TABLES, CUPBOARDS, ETC. They suddenly loom up before you out of nowhere, appear unexpectedly from a doorway or form a living sculpture in a porch: Willi Dorner’s dancers have many surprises in store. As at the first FESTIVAL KANAL two years ago, they invade the city in a unique way. In Above Under Inbetween they remove home, garden and kitchen furniture from their familiar context and give these items a new life on the street. The dancers move over, under and between chairs, benches, tables, cupboards, etc., and adapt their dance to the space they are left with between the objects. The audience

follows them on their extraordinary journey through the city. ••• The Austrian choreographer Willi Dorner makes us see the city and its architecture with new eyes. Dorner founded his company, with which he performs in both theatres and public space, in 1999. We’ve presented his performance Bodies in Urban Space during FESTIVAL KANAL 2010. It was a revelation and was also staged in cities including Paris, Philadelphia and London.

SUPPORT INTPA – INTERNATIONAL NETWORK FOR DANCE AND PERFORMANCE AUSTRIA

CONCEPT, CHOREOGRAPHY WILLI DORNER | DANCE, CHOREOGRAPHY MEGAN BRIDGE, TOMAS DANIELIS, SEBASTIAN GEC, ÅSA ODEMARK, MICHAEL O’CONNOR, ANNA REITBAUER, ESTHER STEINKOGLER | MUSIC CONCEPT, COMPOSITION BERNHARD LANG | AUDIO-SOFTWARE-DEVELOPMENT THOMAS MUSIL, IEM/KUG | VISUAL-INTERFACE-SOFTWARE-DEVELOPMENT IOHANNES ZMÖLNIG M, IEM/KUG | STAGE KATHARINA HEISTINGER | PRODUCTION CIE. WILLI DORNER | CO-PRODUCTION LINZ09, DANCE ADVANCE – PHILADELPHIA CENTER FOR ARTS AND HERITAGE >>> WWW.CIEWDORNER.AT

SEP FESTIVAL KANAL

FRANK BÖLTER[DE] ON A VOYAGE DATES & VENUE TO BE CONFIRMED

UN BATEAU EN PAPIER L’artiste allemand Frank Bölter fabrique — aidé par le public — un bateau en papier avec lequel il navigue le canal. Avec un peu de chance, il reste quelques

DAMIEN CHIVIALLE

[FR]

heures à flot. S’il a de la malchance, il chavire avant d’atteindre le rivage. Mais en tant que capitaine, il reste à bord ! L’œuvre de Bölter se caractérise par des images fortes et hautement poétiques, souvent exécutées dans l’espace public. A PAPER BOAT Together with the audience, the German artist Frank Bölter folds a paper boat and sails out into the canal in it. With any luck he bobs around for hours. If his luck runs out he sinks before he can return to shore. Nevertheless, he is the captain and stays with his ship! Bölter´s work is characterised by highly poetic images and is often performed in public space.

UFU (URBAN FARM UNIT)

EEN BOOT VAN PAPIER De Duitse kunstenaar Frank Bölter vouwt — samen met het publiek — een boot van papier en vaart daarmee het kanaal op. Met een beetje geluk blijft hij uren dobberen. Heeft hij pech, dan zinkt hij voor hij de oever haalt. Maar als kapitein blijft hij aan boord! Bölters werk wordt gekenmerkt door sterke poëtische beelden en wordt vaak uitgevoerd in de publieke ruimte.

>>> YOUTUBE! A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

14>16/09 AKENKAAI/QUAI DES PÉNICHES © JONAS MAES

ZELFREGULERENDE STADSBOERDERIJ De Franse designer Damien Chivialle plaatst een serre bovenop een container waarin zich een aquarium met vissen bevindt. Hun water en uitwerpselen voeden de planten in de serre, die op hun beurt het water zuiveren zodat het terug proper in het aquarium vloeit. Het resultaat: een zelfregulerende stadsboerderij ter grootte van een parkeerplaats. Te zien in Parijs, Lissabon, Zürich en Brussel. UNE FERME URBAINE AUTO-RÉGULÉE Le concepteur français Damien Chivialle installe une serre audessus d’un conteneur, dans lequel se trouve un aquarium avec des poissons. L’eau et les excréments nourrissent les plantes de la serre, qui à leur tour, purifient l’eau qui revient ainsi filtrée dans l’aqua-rium. Résultat : une ferme urbaine auto-régulée de la taille d’une place de parking. À voir à Paris, Lisbonne, Zurich et Bruxelles. A SELF-REGULATING URBAN FARM The French designer Damien Chivialle puts a greenhouse on top of a container holding an aquarium with fish. Their water and droppings feed the plants in the conservatory, which in turn purify the water so it is clean when it flows back into the aquarium. The result: a self-regulating urban farm the size of a parking space. On show in Paris, Lisbon, Zurich and Brussels. >>> HTTP://DAMIENCHIVIALLE.BLOGSPOT.COM/ SUPPORT HAVEN VAN BRUSSEL/PORT DE BRUXELLES

SEP FESTIVAL KANAL

KURT DERUYTER & JOHAN REYNIERS[BE] SPROKEN DATES & VENUES TO BE CONFIRMED

DES QUATRE COINS DU MONDE Bruxelles compte de multiples nationalités. Tous ces Bruxellois ont leurs propres histoires. Des histoires des quatre coins du monde. Le photographe Kurt Deruyter et l’auteur Johan Reyniers

recueillent 52 contes autour de la zone du canal à Bruxelles : récits populaires, sagas, légendes, mythes, contes… Lors du FESTIVAL KANAL, celles-ci seront lues et/ou racontées. Et vous vous promenez d’une histoire à l’autre.

UIT ALLE HOEKEN VAN DE WERELD Brussel telt veel nationaliteiten. Al die Brusselaars hebben hun eigen verhalen, verhalen uit alle hoeken van de wereld. Fotograaf Kurt Deruyter en auteur Johan Reyniers verzamelden in en rond de Brusselse kanaalzone 52 sproken: volksverhalen, sagen, legendes, mythen, volkssprookjes,... Voor FESTIVAL KANAL worden die voorgelezen en/of verteld. U wandelt van het ene naar het andere verhaal.

FROM ALL OVER THE WORLD Brussels has many nationalities. All these locals have their own culture and stories from all over the world. Photographer Kurt Deruyter and writer Johan Reyniers collected 52 tales in and around the Brussels canal zone: folktales, myths, legends, popular fairytales, etc. They will provide the material for readings and/or storytelling at the FESTIVAL KANAL. You can walk from one story to the next.

A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

BENJAMIN VANDEWALLE/WEGO VZW[BE] BIRDWATCHING 4X4 DATES & VENUE TO BE CONFIRMED AUTOBUS MAGIQUE La saison passée, nous avons présenté Birdwatching de Benjamin Vandewalle et Erki De Vries. Dans ce spectacle, le public était véhiculé sur une plate-forme mobile, faisant ainsi partie intégrante d’une chorégraphie de parois dansantes et de danseurs qui paraissaient se mouvoir dans un autre monde. Une expérience escherienne. Pour Birdwatching 4x4, Vandewalle et De Vries ont construit un autobus magique dans lequel prennent place une vingtaine de compagnons de voyage pour une excursion à travers la ville. Le spectacle est créé par des danseurs et des habitants de la zone du canal.

MAGIC BUS Last season we presented Birdwatching by Benjamin Vandewalle and Erki De Vries. In this performance you were driven around on a moving platform. In this way you became part of a choreography of dancing walls and dancers who seemed to move in a different world. An Escher experience. For Birdwatching 4x4 Vandewalle and De Vries have built a magic bus in which you take your seat with about twenty fellow travellers for a trip through the city. The production is being made with dancers and residents of the canal zone.

MAGIC BUS Vorig seizoen toonden we van Benjamin Vandewalle en Erki De Vries Birdwatching. In deze voorstelling werd u rondgereden op een bewegend platform. Zo werd u deel van een choreografie van dansende wanden en dansers die in een andere wereld leken te bewegen. Een Escheriaanse ervaring. Voor Birdwatching 4x4 hebben Vandewalle en De Vries een magic bus gebouwd waarin u met een twintigtal reisgenoten plaatsneemt, klaar voor een trip door de stad. De voorstelling wordt gemaakt met dansers en bewoners uit de kanaalzone.

SUPPORT INTPA – INTERNATIONAL NETWORK FOR DANCE AND PERFORMANCE AUSTRIA CONCEPT & CHOREOGRAPHY BENJAMIN VANDEWALLE | ASSISTANT YOAN BOYER | ASSISTANT B-BOYS MOHAMED TOUKABRI | ORIGINAL CONCEPT SCENOGRAPHY ERKI DE VRIES | REALISATION SCENOGRAPHY PIETER HUYBRECHTS | DRAMATURGY MARNIX RUMMENS | DANCE BENJAMIN VANDEWALLE, YOANN BOYER, MOHAMED TOUKABRI, BREAK DANCERS TBC | PRODUCTION CARAVAN PRODUCTION (BRUSSELS) FOR WEGO VZW | CO-PRODUCTION KAAITHEATER (BRUSSELS), VRIJSTAAT O (OOSTENDE) | RESIDENCIES DOMMELHOF (NEERPELT), VRIJSTAAT O (OOSTENDE) >>> WWW.CARAVANPRODUCTION.BE

SEP KAAITHEATER, KVS, CC WESTRAND & CC STROMBEEK PRESENT

EXTRA MUROS

FC BERGMAN[BE] TERMINATOR TRILOGY WE 19, TH 20, FR 21 & SA 22/09 19:30!!! TOUR & TAXIS | HAVENLAAN 86C AVENUE DU PORT, 1000 BRUSSELS THEATRE | WITHOUT WORDS | CA. 75 MIN. | € 16/12

MEETING POINT ROYAL WAREHOUSE | BIKE & CAR PARKING (€5) AT THE SITE | PERFORMANCE OUTDOORS, PLEASE BRING WARM CLOTHING & WATERPROOFS © SOFIE SILBERMANN

‘Wat FC Bergman hier weer klaarspeelt, is klasse… een van de opmerkelijkste voorstellingen van dit seizoen’ — De Standaard

DE SPARTELENDE MENS FC Bergman is een van de jongste sensaties in het Vlaamse theater. Op korte tijd hebben de zes theatermakers een heel eigen theatertaal ontwikkeld: anarchistisch en licht chaotisch (‘grillig en gevaarlijk moeten we zijn!’), extreem beeldend en poëtisch. In hun eerdere voorstellingen stond vaak de spartelende, immer trachtende mens centraal, zoals in Wandelen op de Champs-Elysées… (selectie Nederlands Theaterfestival 2010). Met 300 el x 50 el x 30 el (gemaakt op uitnodiging van het Toneelhuis) bevestigden ze hun filmische aanpak. Maar bovenal willen ze ‘theater terugdenken tot een levende happening, want dat is waar het in de eerste plaats om draait’. Terminator Trilogy is FC Bergmans grootste creatie totnogtoe: een woordeloos spektakel in de openlucht, bij het gloren van de 21ste eeuw. Een eeuw waar de keuzemogelijkheden voor een gelukkig leven voor het grijpen liggen…

L’HOMME QUI SE DÉBAT La jeune compagnie FC Bergman fait sensation dans le paysage théâtral flamand. En peu de temps, les six membres ont développé leur propre langage théâtral très spécifique : anarchique et légèrement chaotique (« il nous faut être extravagants et dangereux ! »), particulièrement imagé et poétique. Leurs spectacles précédents s’articulaient autour de l’être humain qui se débat et ne cesse de tenter sa chance, comme dans Wandelen op de ChampsÉlysées… (sélectionné pour le Theaterfestival 2010). Avec 300 el x 50 el x 30 el (une commande de la Toneelhuis), ils confirment leur approche cinématographique. Mais par-dessus tout, ils souhaitent « repenser le théâtre comme un happening vivant, car c’est en premier lieu ce dont il s’agit pour nous ». Terminator Trilogy est la création la plus importante de FC Bergman jusqu’à présent : un spectacle muet en plein air, à l’aube du XXIe siècle, où les possibilités

de choix pour une existence heureuse sont à portée de main… THE FLOUNDERING HUMAN BEING FC Bergman is one of the latest sensations in Flemish theatre. The six artists have together developed their own theatre idiom: anarchic and mildly chaotic (‘we must be erratic and dangerous!’), extremely expressive and poetic. Their previous performances often focused on the floundering human being who is always trying, as in Walking Down the Champs-Elysées... (selected for the 2010 Dutch Theatre Festival). In 300 el x 50 el x 30 el (made at the invitation of Toneelhuis) they confirmed their cinematic approach. But above all they want to ‘reconceive of theatre as a living happening, because we believe this is what it is all about.’ Terminator Trilogy is FC Bergmans’ greatest creation so far: a silent spectacle in the open air, at the dawn of the 21st century. A century in which the choices for a happy life are abundant...

WANTED: EXTRAS FOR A SPECTACULAR THEATRE PERFORMANCE FC Bergman is looking for people of all sizes, colours and weights between 7 and 77 years old. REHEARSALS: 16+17+18/9 19:00>22:00 PERFORMANCE DATES: 19, 20, 21 & 22/09 19:30 TOUR & TAXIS (BRUSSELS) Would you like to join this adventure? E-mail to extras@kaaitheater.be

BY & WITH STEF AERTS, JOÉ AGEMANS, BART HOLLANDERS, MATTEO SIMONI, THOMAS VERSTRAETEN, MARIE VINCK, FRANÇOIS BRICE A.O. | DRAMATURGY BART VAN DEN EYNDE | SOUND DESIGN SENJAN JANSEN | COSTUMES JUDITH VAN HERCK | SET DESIGN MATTHIJS KUYER & FC BERGMAN | SFX LIEVEN SLABBINCK | PRODUCTION FC BERGMAN | CO-PRODUCTION MONTY (ANTWERP), THEATER OP DE MARKT HASSELT, TAKT DOMMELHOF (NEERPELT), OVER HET IJ-FESTIVAL AMSTERDAM, CULTURA NOVA (HEERLEN) & HUIS VAN BOURGONDIË (MAASTRICHT), DETHEATERMAKER (ANTWERP), TONEELHUIS (ANTWERP) >>>WWW.FCBERGMAN.BE 12

SEP A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

ULA SICKLE[CA/BE] EXTREME TENSION

WORLD PREMIERE

WE 26, TH 27 & FR 28/09 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | € 12/10

LE PORTRAIT D’UN CORPS Dans Extreme Tension, l’artiste francoétats-unienne Louise Bourgeois décrit son corps dans une série de onze dessins accompagnés de textes. Elle les réalise en 2007 à l’âge de 96 ans. Cette oeuvre a fourni le contenu, la structure et le titre au solo que la chorégraphe bruxello-canadienne Ula Sickle crée avec et pour la danseuse Marie De Corte. Le paysage sonore de Yann Leguay prend aux tripes, paraît par moments intime et familier et à d’autres moments distant et étrange. Ce rapport entre distanciation et proximité est central dans l’oeuvre de Louise Bourgeois qui n’a jamais cessé de montrer, sans gêne et avec beaucoup de

force, l’intimité physique et psychique du corps humain. Extreme Tension n’est pas un portrait de Marie ni de Louise, mais plutôt le portrait d’un corps qui est fort et fragile à la fois, l’exploration d’un paysage inconnu. ••• Ula Sickle a déjà travaillé auparavant avec Yann Leguay pour les spectacles Solid Gold et Jolie, à l’affiche du Kaaistudio’s en 2011. Marie De Corte a travaillé avec Marc Vanrunxt, Ugo Dehaes et bien d’autres. THE PORTRAIT OF A BODY In Extreme Tension, the French-American visual artist Louise Bourgeois describes her body in eleven powerful drawings with text. She was 96 when she completed the work in 2007. The series provides the content, structure and title for a solo created by the Brussels-Canadian

choreographer Ula Sickle with and for the dancer Marie De Corte. Yann Leguay creates a new sound score that is both seductively close and strangely unfamiliar. This play between distance and proximity is central to the work of Louise Bourgeois, who during her long career never ceased to show, without reservation and with much force, the psychological and physical intimacy of the human body. Extreme Tension is not a portrait of Marie or Louise, but rather the portrait of a body, exposed as an unknown landscape, both powerful and fragile. ••• Ula Sickle previously worked with Yann Leguay on Solid Gold and Jolie, which were presented in the Kaaistudio’s in 2011. Marie De Corte worked with Marc Vanrunxt, Ugo Dehaes and many others.

LOUISE BOURGEOIS, ‘EXTREME TENSION’, 2007. ETCHING AND MIXED MEDIA ON PAPER. PANEL 1 OF 11 PANELS OF VARIED DIMENSIONS. COLLECTION CENTRE GEORGES POMPIDOU. PHOTO: BEN SHIFF, © LOUISE BOURGEOIS TRUST/VAGA, NEW YORK/SABAM, BRUSSELS

HET PORTRET VAN EEN LICHAAM In Extreme Tension beschrijft de FransAmerikaanse kunstenares Louise Bourgeois haar lichaam in elf tekeningen met tekst. Bourgeois was 96 toen zij ze realiseerde in 2007. De tekeningenreeks levert de inhoud, structuur en titel voor de solo die de Brussels-Canadese choreografe Ula Sickle creëert met en voor danseres Marie De Corte. De soundscape van Yann Leguay kruipt onder de huid en klinkt soms intiem en vertrouwd, dan weer veraf en bevreemdend. De spanning tussen afstand en nabijheid staat ook centraal in het werk van Louise Bourgeois, die tijdens haar lange carrière steeds uiterst krachtig en zonder enig voorbehoud de psychologische en fysieke intimiteit van het menselijk lichaam toonde. Extreme Tension is geen portret van Marie of Louise, maar een portret van een lichaam, als een onbekend landschap, tegelijk sterk en breekbaar. ••• Ula Sickle werkte eerder met Yann Leguay voor Solid Gold en Jolie die zij in 2011 in de Kaaistudio’s toonde. Marie De Corte werkte o.a. met Marc Vanrunxt en recent met Ugo Dehaes.

CONCEPT ULA SICKLE | CREATION & PERFORMANCE MARIE DE CORTE | SOUND CREATION & LIVE PERFORMANCE YANN LEGUAY | MOVEMENT COACH TAMARA MILLA VIGO | SCENOGRAPHY & COSTUME DESIGN MARIE SZERSNOVICZ | LIGHT DESIGN ULA SICKLE IN COLLABORATION WITH PETER FOL (KAAITHEATER) | DRAMATURGY MARIANNE VAN KERKHOVEN (KAAITHEATER) | GRAPHIC DESIGN PIERRE LECRENIER – LA PETITE USINE | PRODUCTION CARAVAN PRODUCTION (BRUSSELS) | CO-PRODUCTION KAAITHEATER | RESIDENCIES KAAITHEATER, WP ZIMMER (ANTWERP), TAKT DOMMELHOF (NEERPELT) >>> WWW.ULASICKLE.COM 13

SEP A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

NATURE THEATER OF OKLAHOMA[US] LIFE AND TIMES – EPISODES 3 & 4 FR 28 & SA 29/09 19:00!!! + SU 30/09 15:00 KAAITHEATER

THEATRE | EN | 240 MIN. INCL. INTERMISSION | € 16/12 | EXTRA: MATINEE KADEE, 30/09 15:00 KAAITHEATER >>> P. 83

MATINEE KADEE

Proust ou à Je me souviens de Perec. Les épisodes 3 et 4 traitent des années d’adolescence, de leur désir de liberté, de quitter la soi-disant « prison » qu’est la vie familiale, du temps de la rébellion, de l’expérimentation et des grands drames. Cette fois, pas de comédie musicale ou de pas de danse un peu gauches, mais un véritable thriller à huis clos, sur le modèle de The Mouse Trap d’Agatha Christie.

EEN SIMPELE VRAAG Nature Theater of Oklahoma (NTO) komt met de episodes 3 & 4 van hun epische saga Life and Times. Voor wie de eerste afleveringen gemist heeft: je kan deze dubbelaflevering perfect volgen zonder dat je de eerste hebt gezien. Life and Times is gebaseerd op de transcriptie — woord na woord — van ruim 16 uur telefoongesprekken met een van de leden van de groep. Haar was de simpele vraag gesteld: ‘Kan je mij je leven vertellen?’ Klinkt boring, maar de voorstellingen zijn dat allerminst. Ze vormen een lappendeken van verhalen uit een heel gewoon leven. Je zal veel herkennen. Of misschien zal je terugdenken aan Prousts À la recherche du temps perdu of aan George Perecs Je me souviens. Episodes 3 en 4 gaan over de adolescentenjaren, met hun verlangen naar vrijheid, weg uit de ‘gevangenis’ van het gezinsleven, een tijd van rebelleren en experimenteren, een tijd van groots

drama. Deze keer geen musical of harkerige danspasjes, maar een heuse ‘locked room’ thriller, op het model van Agatha Christie’s The Mouse Trap. UNE QUESTION SIMPLE Nature Theater of Oklahoma (NTO) présente les épisodes 3 & 4 de leur saga épique Life and Times. Pour qui aurait raté les premiers épisodes : on peut parfaitement suivre ce double épisode sans avoir vu les premiers. Life and Times s’inspire de la transcription — mot à mot — de quelque 16 heures de conversation téléphonique de l’une des membres du groupe. On lui a posé la simple question : « Peux-tu nous raconter ta vie ? » Si cela peut paraître ennuyeux, les spectacles ne le sont pas le moins du monde. Life and Times est un patchwork d’histoires d’une vie très courante, dans laquelle on reconnaît beaucoup de choses. Cela peut faire penser À la recherche du temps perdu de

A SIMPLE QUESTION Nature Theater of Oklahoma (NTO) are back again with episodes 3 & 4 of their epic serial saga Life and Times. For those of you who missed the first episodes: you can follow this double episode perfectly without having seen the first. Life and Times is based on the transcript — word for word — of more than 16 hours of recorded telephone conversations with one of the members of the group. She was asked the simple question: ‘can you tell me your life story?’ Sounds boring, but the performances are anything but. They are a patchwork of stories of a very ordinary life. You will inevitably recognise much of it. Or maybe you’ll think back to Proust’s Remembrance of Things Past or George Perec’s Je Me Souviens. Episodes 3 and 4 encompass the years of young adulthood with their longing for freedom, getting away from the ‘prison’ of family life, a time of rebellion and experimentation, a time of great drama. This time no musical or stilted dance moves, but a real ‘locked room’ thriller in the fashion of Agatha Christie’s The Mouse Trap.

CONCEPT & DIRECTION PAVOL LISKA & KELLY COPPER | FROM A TELEPHONE CONVERSATION WITH KRISTIN WORRALL | ORIGINAL MUSIC ROBERT M. JOHANSON & DANIEL GOWER | FEATURING ANNE GRIDLEY, ROBERT M. JOHANSON, JULIE LAMENDOLA, ALISON WEISGALL, KRISTIN WORRALL | MUSICIANS DANIEL GOWER, ROBERT M. JOHANSON | PRODUCTION NATURE THEATER OF OKLAHOMA (NEW YORK), BURGTHEATER WIEN | CO-PRODUCTION KAMPNAGEL HAMBURG, INTERNATIONALE KEUZE FESTIVAL ROTTERDAMSE SCHOUWBURG, KAAITHEATER (BRUSSELS) | SUPPORT BRUSSELS HOOFDSTEDELIJK GEWEST >>> WWW.OKTHEATER.ORG 14

OCT MEG STUART/DAMAGED GOODS[BE] BUILT TO LAST TH 4, FR 5 & SA 6/10 20:30 KAAITHEATER DANCE & MUSIC | 120 MIN. | € 16/12

DONNER DU SOUFFLE Six danseurs et comédiens qui affrontent des musiques classiques et contemporaines, tel est le point de départ du nouveau spectacle de Meg Stuart, Built to Last. La fragilité, un thème important dans son œuvre, entre en relation avec le monumental. Quelle est aujourd’hui la pertinence de monuments historiques ? La rhétorique imposante estelle leur seule forme d’expression ou peuvent-ils nouer le contact avec nous de manière plus subtile ? Une statue peut-elle demeurer actuelle ou est-elle irrévocablement condamnée à se figer en gloire d’antan ? Que vaut aujourd’hui

une place sur un piédestal ? Dans Built to Last, les performeurs font face au surnaturel et créent un lien avec le passé et le désir d’un avenir meilleur. La partition musicale constitue dans ce contexte un organe vivant qui respire et donne du souffle. ••• Première coproduction de Meg Stuart/Damaged Good avec le Münchner Kammerspiele, la compagnie municipale allemande sous l’intendance de Johan Simons. La première du spectacle a eu lieu le 28 avril 2012, à la Spielhalle (Munich).

ADEM GEVEN De confrontatie van zes dansers en acteurs met een partituur van klassieke en hedendaagse muziek, dat is het vertrekpunt van Meg Stuarts nieuwe voorstelling Built to Last. Kwetsbaarheid, een belangrijk thema in het werk van Stuart, treedt er in relatie met het monumentale. Wat is vandaag de relevantie van historische monumenten? Is statige retoriek hun enige vorm van expressie of kunnen ze ook op een subtielere manier met ons in contact treden? Kan een standbeeld actueel blijven of is het onherroepelijk gedoemd om te verstarren tot vergane glorie? Wat is vandaag de plaats op een sokkel waard? In Built to Last plaatsen de performers zich tegenover het bovenmenselijke, treden ze in relatie met het verleden en het verlangen naar een betere toekomst. De muziekscore vormt daarbij een levend orgaan dat meeademt en adem geeft. ••• Eerste productie van Meg Stuart/ Damaged Goods samen met de Münchner Kammerspiele, het Duitse stadsgezelschap van intendant Johan Simons, waar de voorstelling op 28 april 2012 in de Spielhalle in première ging.

TO GIVE BREATH The confrontation on stage of six dancers and actors with classical and contemporary music is the point of departure for Meg Stuart’s new performance Built to Last. In the choreography, human vulnerability — a central concern in Stuart’s work — interacts with the monumental. What is the relevance of historical monuments today? Is stately rhetoric the only means of expression or can a monument also speak about complexity and subtlety? Can a statue remain contemporary or is it doomed to become a petrified mark of the past? The performers develop a relationship towards what is bigger-than-life, towards memory in relation with the past and the longing for a better future. Music is not only one of the starting points, it also seizes the piece and gives breath to its performers. ••• Built to Last is Meg Stuart/Damaged Goods’ first production with and for the German city theatre Münchner Kammerspiele of director Johan Simons, where the piece premiered in the Spielhalle on April 28th 2012.

CHOREOGRAPHY MEG STUART | CREATED WITH AND PERFORMED BY DRAGANA BULUT, DAVIS FREEMAN, ANJA MÜLLER, MARIA F. SCARONI, KRISTOF VAN BOVEN | DRAMATURGY BART VAN DEN EYNDE, JEROEN VERSTEELE | MUSIC DRAMATURGY ALAIN FRANCO | SOUND DESIGN KASSIAN TROYER | SCENOGRAPHY DORIS DZIERSK | COSTUMES NADINE GRELLINGER | LIGHT WOLFGANG GÖBBEL | VIDEO PHILIPP HOCHLEICHTER | PRODUCTION DAMAGED GOODS (BRUSSELS) & MÜNCHNER KAMMERSPIELE (MUNICH) | A HOUSE ON FIRE PROJECT, WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION >>> WWW.DAMAGEDGOODS.BE 15

OCT KAAITHEATER & BOZAR PRESENT

BL!NDMAN[BE] WHIPLASH TU 9/10 20:30 KAAITHEATER MUSIC | € 16/12

BL!NDMAN [SAX] © GUY KOKKEN

BL!NDMAN [DRUMS] © BRECHT BEUSELINCK

ÉÉN GROTE CALEIDOSCOOP Whiplash verenigt BL!NDMAN [sax] + [drums] in een volledig nieuw repertoire waarin een conceptuele aanpak van het ‘muziek denken’ centraal staat. De partituur wordt plastisch aanwezig. De musici worden de actoren van een theatrale klankervaring. Het octet biedt akoestisch een breed spectrum maar brengt via elektronische manipulatie ook ruimtelijkheid in de uitvoeringen. Riccardo Nova, Frederik Neyrinck, Mayke Nas, Wim Henderickx en Eric Sleichim vertegenwoordigen zeer eigenwijs één van deze uitgangspunten. Energetisch vuurwerk wordt afgewisseld met microscopische texturen, orthodox spel met op maat gemaakte uitvoeringsvormen. De steeds veranderende opstelling van instrumentarium en musici geeft een constant wijzigende luisterervaring. Tekst vervoegt muziek, muziek vervoegt tekst. De zaal wordt één grote caleidoscoop.

UN GRAND KALÉIDOSCOPE Whiplash réunit BL!NDMAN [sax] + [drums] pour un répertoire entièrement nouveau, axé autour d’une approche conceptuelle de la « pensée musicale ». La partition est plastiquement présente. Les musiciens deviennent les acteurs d’une expérience sonore théâtrale. Si l’octuor offre un large spectre sur le plan acoustique, il apporte aussi, par le biais de manipulations électroniques, de la spatialité dans les exécutions. Riccardo Nova, Frederik Neyrinck, Mayke Nas, Wim Henderickx et Eric Sleichim représentent de manière très singulière l’un de ces points de départ. Une énergie crépitante alterne avec des textures microscopiques, et le jeu orthodoxe avec des formes d’exécution sur mesure. La disposition toujours changeante des instruments et des musiciens permet une expérience d’écoute en évolution constante. Le texte rejoint la musique, la musique rejoint le texte. La salle se transforme en un grand kaléidoscope.

ONE BIG KALEIDOSCOPE Whiplash unites BL!NDMAN [sax] + [drums] in a completely new repertoire in which a conceptual approach to musical ‘thinking’ plays a central role. The score is given a plastic presence. The musicians are the actors in a theatrical sound experience. The octet presents a wide acoustic spectrum, but also creates space in the performances using electronic manipulation. Riccardo Nova, Frederick Neyrinck, Mayke Nas, Wim Henderickx and Eric Sleichim each represent one of these principles in their own special way. Lively fireworks are interspersed with microscopic textures, and orthodox playing with custom approaches to performance. The everchanging arrangement of instruments and musicians gives a constantly transforming listening experience. Words join music, music joins words. The concert hall is one big kaleidoscope.

PROGRAMME ••• Riccardo Nova, Ottetto ••• Frederick Neyrinck, Gestalt IV ••• Mayke Nas, Wim Henderickx, Eric Sleichim, new pieces ALL COMPOSITIONS COMMISSIONED BY BL!NDMAN

CONCEPT & ARTISTIC DIRECTION ERIC SLEICHIM | REPETITOR BART BOUCKAERT | BL!NDMAN [SAX]: KOEN MAAS, SOPRANO, ROELAND VANHOORNE, ALTO, PIET REBEL, TENOR, RAF MINTEN, BARITONE | BL!NDMAN [DRUMS]: CHRISTIAAN SARIS, YVES GOEMAERE, HANNES NIEUWLAET, RUBEN COOMAN, PERCUSSION | PRODUCTION BL!NDMAN | CO-PRODUCTION DESINGEL, BOZAR MUSIC & CONCERTGEBOUW BRUGGE >>> WWW.BLINDMAN.BE

OCT A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

AGENTSCHAP/AGENCE/AGENCY[BE] VERZAMELING/ASSEMBLÉE/ASSEMBLY DING/CHOSE/THING 000783: THE NUTCRACKER: A STORY & A BALLET WE 10/10 20:30 KAAISTUDIO’S DING/CHOSE/THING 000955: MARTHA GRAHAM’S CHOREOGRAPHIES TH 11/10 20:30 KAAISTUDIO’S PERFORMANCE & DEBATE | EN | € 12/10 | FREE OPEN ARCHIVE 18:00>20:00 DINGEN Agentschap werkt aan een lijst van ‘dingen’. Juridische conflicten over intellectuele eigendom leveren meestal het materiaal. In de Kaaistudio’s selecteert Agentschap ‘dingen’ over werk van de Amerikaanse choreografen George Balanchine en Martha Graham. Een aantal getuigen en genodigden zal ‘antwoorden’ op de ‘dingen’.

CHOSES Agence travaille avec une liste de « choses ». Des conflits juridiques autour de la propriété intellectuelle livrent en général le matériau. Aux Kaaistudio’s, Agence sélectionne des « choses » sur l’œuvre des chorégraphes états-uniens George Balanchine et Martha Graham. Un certain nombre de témoins et d’invités « répondront » à ces « choses ».

DING 000783 (THE NUTCRACKER: A STORY & A BALLET) Een dispuut over het boek The Nutcracker: A Story & A Ballet. De rechter moest beslissen of de foto’s in het boek al dan niet een afgeleide zijn van de choreografie. Tijdens deze bijeenkomst wordt de fotoreeks uit het boek getoond.

CHOSE 000783 (THE NUTCRACKER: A STORY & A BALLET) Une controverse à propos du livre The Nutcracker: A Story & A Ballet. Le juge a dû trancher la question de savoir si les photos du livre sont des dérivés – ou pas – de la chorégraphie. Lors de cette réunion, la série de photos du livre est montrée.

DING 000955 (MARTHA GRAHAM’S CHOREOGRAPHIES) Dispuut tussen de erfgenaam van Martha Graham en het Martha Graham Centre of Contemporary Dance over de opvoeringsrechten van Graham’s dansstukken. Tijdens de bijeenkomst worden verschillende versies van het exemplarische dansstuk Lamentation opnieuw opgevoerd. ••• Kobe Matthys richtte Agentschap op in 1992. Voor Performatik 2009 presenteerde Agentschap in Wiels een ‘geding’ in het kader van de tentoonstelling Un-Scene. In 2011 stond Agentschap met Speech Matters op de Biënnale van Venetië. De volledige verzameling ‘dingen’ van Agentschap kan geconsulteerd worden tussen 18:00 en 20:00 uur. Reservering noodzakelijk.

CHOSE 000955 (MARTHA GRAHAM’S CHOREOGRAPHIES) Un conflit entre le légataire de Martha Graham et le Martha Graham Centre of Contemporary Dance sur les droits de représentation des chorégraphies de Graham. Lors de la réunion, plusieurs versions du solo paradigmatique Lamentation seront à nouveau interprétées. ••• Kobe Matthys a fondé Agence en 1992. Pour Performatik 2009, Agence a présenté à Wiels « une procédure » dans le cadre de l’exposition Un-Scene. En 2011, on a pu voir Agence à la Biennale de Venise avec Speech Matters. La série complète des « choses » d’Agence peut être consultée entre 18:00 et 20:00. Réservation nécessaire. THINGS Agency is working on a list of ‘things’. The material generally consists of legal disputes over intellectual property. At the Kaaistudio’s, Agency selects a series of ‘things’ on the work of the American choreographers George Balanchine

and Martha Graham. Several witnesses and guests will ‘answer’ the ‘things’. THING 000783 (THE NUTCRACKER: A STORY & A BALLET) A dispute over the book The Nutcracker: A Story & A Ballet. The judge had to decide whether or not the pictures in the book were derivatives from the choreography. During this gathering the series of photographs from the book will be shown. THING 000955 (MARTHA GRAHAM’S CHOREOGRAPHIES) Dispute between Martha Graham’s heirs and the Martha Graham Centre of Contemporary Dance on the performance rights to Graham’s dance pieces. During the gathering various versions of the exemplary dance piece Lamentation will be performed again. ••• Kobe Matthys founded Agency in 1992. For Performatik 2009, Agency presented a ‘dispute’ in the context of the Un-Scene exhibition. In 2011 Agency performed Speech Matters at the Venice Biennale. The full series of ‘things’ by Agency may be consulted from 18:00 to 20:00. Reservation required.

PRODUCTION LES LABORATOIRES D’AUBERVILLIERS (PARIS) | CO-PRODUCTION KAAITHEATER (BRUSSELS), MUSÉE DE LA DANSE (RENNES)

OCT LUCINDA CHILDS[US] DANCE FR 12 & SA 13/10 20:30 KAAITHEATER

DANCE | 60 MIN. | € 30/25 (CAT. 1), € 25/20 (CAT. 2), € 20/16 (CAT. 3) | EXTRA: POST-PERFORMANCE TALK WITH LUCINDA CHILDS 12/10

ICÔNES Dance (1979) de Lucinda Childs, l’une des icônes de la danse post-moderne, nous plonge profondément dans l’histoire de la danse états-unienne. Childs a créé Dance avec le compositeur Philip Glass et le plasticien Sol LeWitt. Le spectacle se compose de cinq parties, dont trois sont reprises : la première et la troisième, des chorégraphies pour quatre hommes et quatre femmes, et la deuxième partie, un solo que Childs dansait elle-même à l’origine. Dans les trois parties, la danse suit avec fidélité la musique minimaliste de Glass, comme si elle en était la représentation visuelle. Les danseurs occupent l’espace en composant avec minutie des figures géométriques à des moments très précis, amenant des variations très subtiles aux schémas récurrents. Le décor est un film en noir et blanc de l’artiste conceptuel Sol LeWitt, dans lequel reviennent divers passages de la chorégraphie, comme si les danseurs filmés faisaient partie du corps de ballet. Avec Dance, Childs a réalisé un spectacle dans lequel la danse, le cinéma et la musique interagissent parfaitement. ••• Lucinda Childs (1940) entame sa carrière de danseuse en 1963, en tant que membre initiale du Judson Dance Theatre à New York. Dix ans plus tard, elle fonde sa propre compagnie. En 1976, elle travaille pour la première fois avec le compositeur Philip Glass et le metteur en scène Robert Wilson dans le cadre du spectacle légendaire, Einstein on the Beach. Childs a écrit l’histoire de la danse avec ses spectacles minimalistes et ses collaborations avec des artistes comme Sol LeWitt, des compositeurs comme Philip Glass et John Adams, et des designers comme l’architecte Frank Gehry. The Washington Post, The San Francisco Examiner, The Guardian et le magazine londonien Time Out ont qualifié Dance de meilleur spectacle de danse de 2011.

ICONS In Dance (1979) by Lucinda Childs, one of the icons of postmodern dance, we dive deep into American dance history. Childs created Dance in collaboration with composer Philip Glass and artist Sol LeWitt. The performance consists of five parts, three of which are being revived here: the first and the third, choreographic passages for four men and four women, and the second, a solo originally danced by Childs herself. In the three parts, the dance faithfully follows Glass’ minimalist dance music as if it were a visual rendering of it. The dancers take over the space meticulously in geometric figures and precise counting, adding very subtle variations to the recurring patterns. The stage decor is a black and white film by conceptual artist Sol LeWitt, in which various passages from the choreography are echoed. It’s as if the filmed dancers are a part of the corps de ballet. Here Childs produces a performance in which dance, film and music interlock perfectly. ••• Lucinda Childs (b. 1940) began her dance career in 1963 as one of the original members of the Judson Dance Theatre in New York. Ten years later she founded her own company. In 1976 she worked for the first time with composer Philip Glass and director Robert Wilson in the legendary Einstein on the Beach. Childs made history with her minimalist dance and her collaboration with artists like Sol LeWitt, composers like Philip Glass and John Adams, and designers such as architect Frank Gehry. The Washington Post, The San Francisco Examiner, The Guardian and Time Out magazine in London proclaimed Dance the best dance performance of 2011.

SUPPORT

‘DANCE 1979’ © NATHANIEL TILESTON

ICONEN Met Dance (1979) van Lucinda Childs, een van de iconen van de postmoderne dans, duiken we diep in de Amerikaanse dansgeschiedenis. Childs creëerde Dance samen met componist Philip Glass en beeldend kunstenaar Sol LeWitt. De voorstelling bestaat uit vijf delen, waarvan er drie worden hernomen: het eerste en het derde, choreografieën voor vier mannen en vier vrouwen, en het tweede, een solo die oorspronkelijk door Childs zelf werd gedanst. In de drie delen volgt de dans getrouw de minimalistische muziek van Glass, alsof het er een visuele weergave van is. Nauwgezet nemen de dansers met geometrische figuren en op precieze tellen de ruimte in, heel subtiel variaties aanbrengend in de terugkerende patronen. Het decor is een zwart-witfilm van conceptueel kunstenaar Sol LeWitt waarin verschillende passages uit de choreografie terugkomen. Het is alsof de gefilmde dansers mee deel uitmaken van het corps de ballet. Childs leverde hiermee een voorstelling waarin dans, film en muziek perfect in elkaar ingrijpen. ••• Lucinda Childs (1940) begon haar danscarrière in 1963, als een van de oorspronkelijke leden van het Judson Dance Theatre in New York. Tien jaar later richtte ze haar eigen compagnie op. In 1976 werkte ze voor het eerst samen met componist Philip Glass en regisseur Robert Wilson, aan het legendarische Einstein on the Beach. Childs schreef geschiedenis met haar minimalistische dansvoorstellingen en haar samenwerking met kunstenaars als Sol LeWitt, componisten als Philip Glass en John Adams, en designers als architect Frank Gehry. The Washington Post, The San Francisco Examiner, The Guardian en het Londense Time Out riepen Dance uit tot beste dansvoorstelling van 2011.

‘Divine revival of the 1979 piece by postmodern dance icon Lucinda Childs, with its Philip Glass score and Sol LeWitt projections. […] wonderful, mesmerising, joyful minimalism.’ — Lyndsey Winship, Time Out

SOL LEWITT[US] COLORS

21/06>14/10/2012 M – MUSEUM LEUVEN, VANDERKELENSTRAAT 28, 3000 LEUVEN NL M – Museum Leuven presenteert — voor het eerst in België — ruim twintig muurtekeningen in kleur van de Amerikaanse conceptueel kunstenaar Sol LeWitt (1928–2007). De werken omspannen LeWitts hele carrière. FR Le Musée M à Louvain présente, pour la première fois en Belgique, une rétrospective de dessins muraux en couleurs de l’artiste conceptuel états-unien Sol LeWitt (1928–2007). L’exposition couvre toute la carrière de LeWitt. EN M – Museum Leuven presents for the first time in Belgium over twenty colour wall drawings by American conceptual artist Sol LeWitt (1928–2007). The works selected span LeWitt’s entire career. >>> WWW.MLEUVEN.BE

CHOREOGRAPHY LUCINDA CHILDS | FILM SOL LEWITT | MUSIC PHILIP GLASS | ASSISTANT TO THE CHOREOGRAPHER TY BOOMERSHINE | DANCERS TY BOOMERSHINE, KATIE DORN, KATHERINE FISHER, ANNE LEWIS, VINCENT MCCLOSKEY, SHARON MILANESE, MATT PARDO, PATRICK JOHN O’NEILL, LONNIE POUPARD, JR., CAITLIN SCRANTON, STUART SINGER, SHAKIRAH STEWART | DANCE ALTERNATES SARAH HILLMON, JOHN SORENSEN-JOLINK | LIGHTING DESIGN BEVERLY EMMONS | COSTUME DESIGN A. CHRISTINA GIANNINI >>> WWW.POMEGRANATEARTS.COM/PROJECT-LUCINDA_CHILDS/INDEX.HTML >>> WWW.LUCINDACHILDS.COM 19

OCT ABATTOIR FERMÉ[BE] A BRIEF HISTORY OF HELL WE 17, TH 18, FR 19 & SA 20/10 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | € 16/12 © STEF LERNOUS

ONHEILSPELLEND KRAKENDE DEUREN Abattoir Fermé heeft een zwak voor kunstenaars die een schimmenrijk creëren. In A Brief History of Hell geven vier acteurs gestalte aan een reeks kunstenaars, verzamelaars, charlatans, kenners, critici en liefhebbers. Verschillende verhaallijnen lopen door mekaar. Een anatomisch/taxidermisch kunstwerk wordt ter inspectie aan het oog van drie critici onderworpen. Een conceptueel kunstenaar presenteert zijn nieuwe creatie, maar de techniek wil niet mee. En een wereldvreemde outsiderkunstenaar heeft rendez-vous met een patron of the arts die zijn toekomstig werk wil financieren. ••• Naar goede Abattoir Fermé-gewoonte wordt A Brief History of Hell een schaduwrijk universum, behangen met rituelen en donkere dromen, een visuele voorstelling mét tekst over de donkere kantjes van het creatieproces en het kunstbedrijf. A Brief History of Hell wordt — voorlopig ! — een kleurrijke satire over kunst in tijden van crisis, een komedie met onheilspellend krakende deuren.

INQUIÉTANTS GRINCEMENTS DE PORTE Abattoir Fermé a un faible pour les univers fantasmagoriques. Dans le spectacle A Brief History of Hell, quatre acteurs donnent corps à une série d’artistes, de collectionneurs, de charlatans, de connaisseurs, de critiques et d’amateurs. Plusieurs lignes narratives s’imbriquent. Une œuvre anatomique/taxidermiste est soumise à l’inspection de trois critiques. Un artiste conceptuel présente sa nouvelle création, mais la technique plante. Un artiste marginal, dont les œuvres relève de l’outsider art, a rendez-vous avec un mécène désireux de financer ses futures œuvres. ••• Fidèle aux bonnes habitudes d’Abattoir Fermé, A Brief History of Hell met en scène un univers ténébreux, habité par des rituels et des rêves sombres, un spectacle visuel avec du texte sur les aspects obscurs du processus de création et de la pratique artistique. A Brief History of Hell est — provisoirement ! — une satire haute en couleur sur l’art en temps de crise, une comédie aux inquiétants grincements de porte.

OMINOUSLY CREAKING DOORS Abattoir Fermé has a weakness for artists who create a phantom world. In A Brief History of Hell four actors epitomise a series of artists, collectors, charlatans, connoisseurs, critics and fans. Several story lines are intertwined. An anatomical/taxidermic work of art is given to three critics to examine. A conceptual artist presents his new creation, but the technology lets him down. And an unworldly artist has a rendezvous with a patron of the arts who wants to fund his future work. ••• In keeping with good Abattoir Fermé tradition, A Brief History of Hell becomes a shadowy universe full of dark rituals and dreams, a visual presentation with text about the dark sides of the creative process and the art business. A Brief History of Hell is — for the present! — a colourful satire on art in times of crisis, a comedy with ominously creaking doors

‘I was born with the devil in me. I could not help the fact that I was a murderer, no more than the poet can help the inspiration to sing… I was born with the “Evil One” standing as my sponsor beside the bed where I was ushered into the world, and he has been with me since.’ – H.H. Holmes (1861–1896)

TEKST & REGIE STEF LERNOUS | SPEL TINE VAN DEN WYNGAERT, CHIEL VAN BERKEL, KIRSTEN PIETERS, HILDE SEGOND VON BANCHET | MUZIEK KRENG | LICHTONTWERP, DECOR, TECHNISCHE LEIDING SVEN VAN KUIJK | PRODUCTIE ABATTOIR FERMÉ (MECHELEN) I.S.M. KC NONA (MECHELEN) >>> WWW.ABATTOIRFERME.BE

OCT SAVAGE FILM, ROSAS, KAAITHEATER & DE MUNT/LA MONNAIE PRESENT

OLIVIA ROCHETTE & GERARD-JAN CLAES[BE] RAIN TH 18/10 20:30 KAAITHEATER

FILM | 83 MIN. | EN, FR, NL, SURTITLED NL, FR | € 5 © OLIVIA ROCHETTE & GERARD-JAN CLAES

EEN ANDER SOORT STRENGHEID Op 25 mei 2011 bracht het wereldvermaarde Ballet de l’Opéra national de Paris met Rain voor het eerst een choreografie van Anne Teresa De Keersmaeker. De cineasten Olivia Rochette en Gerard-Jan Claes volgden het repetitieproces van de audities tot de première. De documentaire focust op de wijze waarop De Keersmaeker en de Rosasdansers haar danstaal overbrengen aan de klassiek geschoolde balletdansers. De rigiditeit van het ballet maakt plaats voor een ander soort strengheid, namelijk het wiskundige stramien van Rain, waaronder evenwel een grote emotionele gelaagdheid schuilgaat. Een poëtische documentaire over het zoeken, kijken en twijfelen binnen de muren van de soms claustrofobische opera.

UNE AUTRE FORME DE RIGUEUR Le 25 mai 2011, le prestigieux Ballet de l’Opéra national de Paris a présenté pour la première fois une chorégraphie d’Anne Teresa De Keersmaeker, Rain. Les cinéastes Olivia Rochette et Gerard-Jan Claes ont suivi les répétitions, des auditions à la première. Le documentaire se concentre sur la manière dont De Keersmaeker et les danseurs de Rosas transmettent le vocabulaire gestuel de la chorégraphe à ces danseurs de formation classique. La rigidité du ballet cède la place à une autre forme de rigueur, à savoir la trame mathématique de Rain, qui recèle toutefois une importante dimension émotionnelle. Un documentaire poétique à propos de la recherche, du regard et du doute au sein de l’espace parfois oppressant de l’opéra.

ANOTHER KIND OF SEVERITY On 25th May 2011 the world renowned Ballet de l’Opéra national de Paris presented Rain, its first ever performance of a choreography by Anne Teresa De Keersmaeker. The filmmakers Olivia Rochette and Gerard-Jan Claes followed the rehearsal process from the auditions to the opening performance. The documentary focuses on how De Keersmaeker and the Rosas dancers convey the dance idiom of the choreographer to the classically trained ballet dancers. The rigidity of ballet gives way to another kind of severity, namely the mathematical pattern of Rain, which, however, conceals a powerful emotional layering. A poetic documentary about searching, looking and hesitating within the walls of the opera, which at times can be claustrophobic.

PRODUCTION SAVAGE FILM (BE) | CO-PRODUCTION SCIAPODE (FR) & OPÉRA NATIONAL DE PARIS | SUPPORT FLANDERS AUDIOVISUAL FUND (VAF), CNC, MEDIA DEVELOPMENT PROGRAM OF THE E.U., THE BELGIAN TAX SHELTER FOR FILM FINANCING (INVESTOR : B-ARCHITECTEN) | WITH THE PARTICIPATION OF ROSAS & ICTUS | IN ASSOCIATION WITH EYEWORKS | IN COLLABORATION WITH CANVAS, NTR & MEZZO >>> WWW.ROSAS.BE >>> WWW.SAVAGEFILM.BE >>> ROSAS PP. 6–7, 51, 77

OCT JAN LAUWERS & NEEDCOMPANY[BE] MARKET PLACE 76 WE 24, TH 25, FR 26 & SA 27/10 20:30 KAAITHEATER

••• Avec Place du Marché 76, Lauwers et son groupe de performeurs polyvalents nous promettent une production musicale à grand spectacle. La première a lieu dans le cadre de la Ruhrtriënnale et est ensuite à l’affiche dans leur port d’attache, Bruxelles.

REDDINGSBOOT Marktplaats 76 vertelt het verhaal van een dorp dat wordt opgeschrikt door een ontploffing. Vierentwintig mensen laten het leven, onder wie zeven kinderen. De tragedie weegt zwaar op de achterblijvende dorpelingen. Verdriet overheerst. Tot er op een dag een reddingsboot uit de hemel valt. Jan Lauwers schrijft met Marktplaats 76 een nieuw episch en caleidoscopisch verhaal, opgebouwd uit vier seizoenen. Nauwkeurig brengt hij verslag uit van de dorpelingen die door de tijd ingehaald en voortgestuwd worden en ondanks alles weten te overleven op een heldhaftige manier. Marktplaats 76 rijmt donkere thema’s als rouw en verdriet, bloedschande en ontvoering, pedofilie en zelfmoord, met overdadige liefde, vriendschap, geluk en overleven. ••• Met Marktplaats 76 beloven Lauwers en zijn groep allroundperformers een voorstelling ‘met veel livemuziek en spektakel’. Ze gaan in première tijdens

de Ruhrtriënnale en komen nadien naar hun thuisstad Brussel. BATEAU DE SAUVETAGE Place du Marché 76 raconte l’histoire d’un village frappé par une explosion qui coûte la vie à vingt-quatre personnes, dont sept enfants. La tragédie traumatise les villageois survivants. Le chagrin règne. Jusqu’au jour où un bateau de sauvetage tombe du ciel. Avec Place du Marché 76, Lauwers écrit à nouveau une histoire épique et kaléidoscopique, articulée sur quatre saisons. Il rend compte avec minutie du sort de ces villageois à la fois rattrapés et poussés par le temps, qui parviennent malgré tout à survivre de manière héroïque. Dans Place du Marché 76, Lauwers concilie des thèmes obscurs comme le deuil et le chagrin, l’inceste et l’enlèvement, la pédophilie et le suicide avec l’amour effréné, l’amitié, le bonheur et la survie.

LIFEBOAT Marketplace 76 is the story of a village that is startled by an explosion. Twentyfour people lose their lives, including seven children. The tragedy weighs heavily on the surviving villagers. Grief dominates their lives. Until one day a lifeboat falls from the sky. In Marketplace 76, Jan Lauwers has written a new epic, a kaleidoscopic story composed of four seasons. It is a meticulous report on the villagers who have been overtaken and driven forward by time, and in spite of everything are able to survive heroically. Marketplace 76 reconciles dark themes such as mourning and sorrow, incest and abduction, paedophilia and suicide with excessive love, friendship, happiness and survival ••• In Marketplace 76, Lauwers and his group of all-round performers promise us a performance with ‘lots of live music and spectacle’. It will be premiered at the RuhrTriennale before coming to their home city of Brussels.

TEXT, DIRECTING, SET DESIGN JAN LAUWERS | WITH GRACE ELLEN BARKEY, ANNEKE BONNEMA, HANS PETTER DAHL, JULIEN FAURE, YUMIKO FUNAYA, BENOÎT GOB, SUNG-IM HER, ROMY LOUISE LAUWERS, MAARTEN SEGHERS, EMMANUEL SCHWARTZ, CATHERINE TRAVELLETTI | COMPOSERS MAARTEN SEGHERS, HANS PETTER DAHL, ROMBOUT WILLEMS | CHOREOGRAPHY MISHA DOWNEY | COSTUMES LOT LEMM | PRODUCTION MANAGER LUC GALLE | PRODUCTION NEEDCOMPANY (BRUSSELS) | CO-PRODUCTION RUHRTRIËNNALE, BURGTHEATER (VIENNA) >>> WWW.NEEDCOMPANY.ORG

OCT CLÉMENT LAYES/PUBLIC IN PRIVATE[FR/DE] ALLEGE FR 26 & SA 27/10 20:30 KAAISTUDIO’S PERFORMANCE | EN | 50 MIN. | € 12/10

UN VERRE D’EAU Parfois, le CV d’un artiste contient tout un programme : Clément Layes a fait des études d’art, de philosophie, de danse et… de cirque. Eh ben ! Dans son brillant solo Allege, il conjugue la philosophie et le slapstick chaplinesque. Il parle de liberté, d’entraves et de l’absurdité de la vie. Entre-temps, il donne les signaux pour la lumière et la musique. Et pendant tout ce temps, il maintient un verre d’eau en équilibre sur la tête. Chapeau l’artiste ! C’est une constante dans son œuvre, encore à ses débuts : Layes met en regard la chorégraphie, les arts

EEN GLAS WATER Soms houdt het cv van de kunstenaar een heel programma in: Clément Layes studeerde kunst, filosofie, dans en… circus. Nou! In zijn briljante solo Allege combineert Layes filosofie met Chaplineske slapstick. Hij heeft het over vrijheid, over de beperkingen en de absurditeit van het leven. Ondertussen geeft hij licht- en muziekcues. En al die tijd houdt hij een glas water op zijn hoofd in evenwicht. Applaus! Het is een constante in zijn nog jonge oeuvre: Layes confronteert choreografie, beeldende kunst en conceptueel denken met dagelijkse gebruiksvoorwerpen. Allege ging in 2010 in première in Sophiensaele Berlin, was sedertdien te zien op vele plekken in Europa en kaapte enkele prijzen weg, o.a. de prestigieuze Jardin d’Europe 2011. Clément Layes werkte eerder met Boris Charmatz en Odile Duboc. Sedert 2008 leeft en werkt hij in Berlijn. Samen met Jasna Vinovrški richtte hij het gezelschap Public in private op. Layes was recent in residentie bij workspace brussels.

plastiques, la pensée conceptuelle et des objets utilitaires du quotidien. La première d’Allege a eu lieu en 2010, aux Sophiensaele à Berlin. On a ensuite pu voir le spectacle dans divers endroits en Europe et il a raflé quelques prix au passage, entre autres, le prestigieux Jardin d’Europe 2011. Clément Layes a travaillé précédemment avec Boris Charmatz et Odile Duboc. Depuis 2008, il vit et travaille à Berlin. Il a fondé avec Jasna Vinovrški la compagnie Public in private. Layes était récemment en résidence à workspace brussels. A GLASS OF WATER Sometimes an artist’s CV includes a whole programme: Clément Layes studied art, philosophy, dance and… circus! Quite a feat. In a brilliant solo called Allege, Layes combines philosophy with Chaplinesque slapstick. He talks about freedom and the limitations and absurdity of life. In the meantime he gives

cues in light and music. And all the while he balances a glass of water on his head. Applause, please! While still very early in his career, Layes has established a constant of confronting choreography, art and conceptual thought with everyday utility objects. Allege premiered at the Sophiensaele in Berlin in 2010, has been performed at many European venues and has won several prizes, including the prestigious Jardin d’Europe in 2011. Layes has previously worked with Boris Charmatz and Odile Duboc. Since 2008 he has lived in Berlin. He set up the Public in Private company together with Jasna Vinovrški. He was recently in residence at Workspace Brussels.

NOV GINTERSDORFER & KLASSEN[DE] APRÈS NOUS C’EST NOUS THE END OF THE WESTERN + DESIST III FR 9/11 19:00!!! KAAISTUDIO’S | THEATRE & DANCE | EN & FR | CA. 200 MIN. INCL. INTERMISSIONS | € 16/12

THE INTERNATIONAL CRIMINAL COURT + LA JET SET SA 10/11 19:00!!! KAAISTUDIO’S | THEATRE & DANCE | EN & FR | CA. 200 MIN. INCL. INTERMISSIONS + PARTY | € 16/12

BLANK EN ZWART In 2005 zetten Monika Gintersdorfer en Knut Klassen voet aan wal in Ivoorkust. Het was de start van een reeks artistieke transfers tussen de West-Afrikaanse metropool Abidjan en de Europese kunsten theaterscène. Gintersdorfer & Klassen gaan uitdrukkelijk niet op zoek naar een wederzijds inspirerende, interculturele uitwisseling. Ze benadrukken net de verschillen tussen blank en zwart, meer nog: die tegenstellingen vormen de motor van hun eigengereide voorstellingen. Tijdens Spoken World 10 deed het gezelschap voor het eerst het Kaaitheater aan, met Othello, c’est qui? Nu nemen ze een weekend lang de Kaaistudio’s in. Elke avond wordt een totaalhappening met minstens twee voorstellingen, muziek en een ‘lifestyle show’! THE END OF THE WESTERN Een groep van zwarte dansers en blanke acteurs nemen samen de recente geschiedenis van Ivoorkust onder de loep. Maandenlang claimden twee presidenten elk de enige ware te zijn. Hoe kwam er een eind aan deze ‘western’, zoals Laurent Gbagbo de strijd met zijn aartsrivaal Ouattara noemde? DESIST III ‘To desist’ betekent stoppen, staken, verwerpen. In deze dansvoorstelling construeren Ivoriaanse en Duitse performers en muzikanten nieuwe levensverhalen voor elkaar om ze vervolgens weer 24

te verwerpen. Desist III is een radicaal vormexperiment waarbij taal instant wordt omgezet in dans. THE INTERNATIONAL CRIMINAL COURT Dertien processen die voor het Internationaal Strafhof in Den Haag werden gebracht, betreffen Afrikaanse landen. Bij een proces, kan de klank op de toeschouwerstribune er op elk moment uitgeschakeld worden. Je ziet dan enkel nog rituelen maar hebt het raden naar wat er gezegd wordt. Gintersdorfer & Klassen nemen die structuur over, in een scherpe performance over de spanning tussen ideaal en praktijk. LA JET SET Douk Saga, Lino Versace, Boro Sangui en Le Molare zijn supersterren van de Ivoriaanse muziek- en dansscène. Zij zingen verhalen over een wereld waarin immigranten het schoppen tot bankier, ambassadeur of president. Een uitbundige mix van politiek en entertainment. BLANC ET NOIR En 2005, Monika Gintersdorfer et Knut Klassen débarquent en Côte d’Ivoire. C’est le départ d’une série de transferts artistiques entre Abidjan, la métropole d’Afrique de l’Ouest, et la scène artistique et théâtrale européenne. Gintersdorfer & Klassen ne partent résolument pas en quête d’échanges réciproques inspirants et interculturels. Au contraire, ils soulignent les différences entre Blanc et Noir, mieux encore :

ces antagonismes constituent le moteur des spectacles qu’ils concoctent. Lors de Spoken World 2010, la compagnie s’est produite pour la première fois au Kaaitheater avec le spectacle Othello, c’est qui ? À présent, ils occupent les Kaaistudio’s tout un week-end durant. Chaque soir promet d’être un happening total avec au moins deux productions, de la musique et un « spectacle de style de vie » ! THE END OF THE WESTERN Des danseurs et des acteurs noirs et blancs passent ensemble l’histoire récente de la Côte d’Ivoire au crible. Pendant des mois, deux présidents revendiquaient chacun leur légitimité de chef d’État élu. Comment a pris fin ce « western », comme Laurent Gbagbo a appelé la lutte entre lui et son ennemi juré Allasane Ouattara ? DESIST III To desist, se désister, signifie arrêter, suspendre, renoncer. Dans ce spectacle de danse, des performeurs et des musiciens ivoiriens et allemands se construisent de nouvelles histoires de vie pour ensuite y renoncer. Desist III est une expérience formelle radicale qui transpose le langage en danse. THE INTERNATIONAL CRIMINAL COURT Treize procès portés devant la Cour pénale internationale de La Haye concernent des pays africains. Lors d’un procès, le son diffusé dans les tribu-

NOV © KNUT KLASSEN

nes publiques peut être coupé à tout moment. On ne voit plus que les rituels du procès, mais il faut deviner ce qui se dit. Gintersdorfer & Klassen reprennent cette structure dans un spectacle pointu sur la tension entre idéal et pratique. LA JET SET Douk Saga, Lino Versace, Boro Sangui et Le Molare sont des superstars sur la scène de la musique et de la danse ivoirienne. Ils chantent des histoires d’un monde où des immigrés parviennent à devenir banquier, ambassadeur ou président. Un mélange haut en couleur de politique et de divertissement. WHITES AND BLACKS In 2005, Monika Gintersdorfer and Knut Klassen stepped ashore in Ivory Coast. It was the start of a series of artistic transfers between the West African metropolis Abidjan and the European art and theatre scene. Gintersdorfer & Klassen are definitely not looking for a mutually inspiring, intercultural exchange. They simply emphasise the differences between whites and blacks, and more-

over, these contradictions are the driving force behind their idiosyncratic performances. At Spoken World 10 the company made its first appearance at Kaaitheater with Othello, c’est qui? Now they will be taking over the Kaaistudio’s for a whole weekend. Every night there will be an all-round happening with at least two performances, music and a ‘lifestyle show’! THE END OF THE WESTERN A group of black dancers and white actors take a close look at the recent history of the Ivory Coast. For months on end each of the two presidents claimed to be the only official leader. What resolved this ‘western’, which is how Laurent Gbagbo described his battle with his arch rival Ouattara? DESIST III To desist means to stop, cease, reject. In this dance performance, Ivorian and German performers and musicians create new life stories for each other only to reject them again.

Desist III is a radical formal experiment in which language is instantly transformed into dance. THE INTERNATIONAL CRIMINAL COURT Thirteen cases that were brought before the International Criminal Court in The Hague involve African countries. In these proceedings, the sound in the public gallery can be switched off at any time. What you then see are rituals, but you have to guess what is being said. Gintersdorfer & Klassen adopt this structure in an incisive performance about the tension between ideal and practice. LA JET SET Douk Saga, Lino Versace, Boro Sangui and Le Molare are superstars of the Ivorian music and dance scene. They sing stories about a world in which immigrants rise to become a banker, an ambassador or even a president. An exuberant mix of politics and entertainment.

THE END OF THE WESTERN BY MONIKA GINTERSDORFER & KNUT KLASSEN | WITH GOTTA DEPRI, DJ MEKO, TED GAIER, HAUKE HEUMANN, SKELLY, SHAGGY SHAROOF, FRANCK EDMOND YAO ALIAS GADOUKOU LA STAR | PRODUCTION GINTERSDORFER/KLASSEN | CO-PRODUCTION FFT DÜSSELDORF, KAMPNAGEL HAMBURG, PUMPENHAUS MÜNSTER, ROTTERDAMSE SCHOUWBURG, THEATER CHUR DESIST III BY MONIKA GINTERSDORFER & KNUT KLASSEN | WITH JEAN-CLAUDE DAGBO ALIAS DJ MEKO, LENA WICKE-AENGENHEYSTER, FRANCK EDMOND YAO ALIAS GADOUKOU LA STAR | PRODUCTION GINTERSDORFER/KLASSEN | CO-PRODUCTION FFT DÜSSELDORF, THEATER IM PUMPENHAUS MÜNSTER, SOPHIENSAELE BERLIN THE INTERNATIONAL CRIMINAL COURT BY MONIKA GINTERSDORFER & KNUT KLASSEN | WITH GOTTA DEPRI, JEAN CLAUDE DAGBO ALIAS DJ MEKO, TED GAIER, HAUKE HEUMAN, SKELLY, LENA WICKE-AENGENHAYSTER, FRANCK EDMOND YAO ALIAS GADOUKOU LA STAR | PRODUCTION GINTERSDORFER/KLASSEN, THEATER BREMEN LA JET SET BY MONIKA GINTERSDORFER & KNUT KLASSEN | WITH JEAN CLAUDE DAGBO ALIAS DJ MEKO, HAUKE HEUMANN, FRANCK EDMOND YAO A. O. | PRODUCTION GINTERSDORFER/KLASSEN, KAMPNAGEL (HAMBURG), RINGLOKSCHUPPEN (MÜHLHEIM), SOPHIENSAELE (BERLIN) A HOUSE ON FIRE PROJECT, WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION >>>WWW.GINTERSDORFERKLASSEN.ORG 25

NOV A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

JAN DECORTE/BLOET & DE ROOVERS[BE] SCHILLER/TASTEN

WORLD PREMIERE

TH 8, FR 9 & SA 10/11 20:30 KAAITHEATER THEATRE | NL | € 16/12 LUCAS CRANACH

STURM UND DRANG UND INDIGNADO’S Na de hilarische komedie Niks of Niks — vrij naar Shakespeare — pakt Jan Decorte nu de grote tragedies van Schiller aan, in alliantie met het Antwerpse theatercollectief de Roovers. Het werk van de klassieke Duitse dichter en theaterauteur Friedrich von Schiller wordt in dit project ‘afgetast’. Uit verschillende van zijn toneelstukken worden fragmenten hertaald en/of herschreven: zeker De Rovers, maar ook Kabale und Liebe, Maria Stuart, Don Carlos e.a. De periode van de Sturm und Drang, eind 18de eeuw, heeft Decorte altijd na aan het hart gelegen. De thema’s van de Sturm und Drang blijken in hun essentie nog brandend actueel te zijn: de rebellie van de jongeren tegen de ouderen, de roep om meer vrijheid en democratie, het belang van de natuur, enz. Schiller/Tasten toont ons een bloemlezing van scènes en monologen waarin zowel de individuele liefdesgevoelens als de politieke passies van Schillers tijd nazinderen, en waarin wij veel gelijkenissen met onze eigen tijd ontdekken. STURM UND DRANG UND INDIGNADO’S Après la comédie parfois désopilante Niks of Niks — librement inspirée de Shakespeare — Jan Decorte s’attaque à présent aux grandes tragédies de Schiller. Pour cette production, il s’allie au collectif anversois de Roovers. Le projet « explore » l’œuvre du poète, auteur dramatique et grand classique allemand, Friedrich von Schiller. Des extraits de différentes pièces de théâtre sont reformulés/réécrits : des passages de Die Raüber, mais aussi de Kabale und Liebe, Maria Stuart, Don Carlos, etc. La période du Sturm und Drang à la fin du XVIIIe siècle a toujours été chère à Jan Decorte. Dans leur essence, les

thèmes du Sturm und Drang se révèlent d’une actualité brûlante : la rébellion des jeunes contre les anciens, l’appel à plus de liberté et de démocratie, l’importance de la nature, etc. Schiller/Tasten, composé d’un florilège de scènes et de monologues, respire les sentiments d’amour individuel et les passions politiques de l’époque de Schiller, mais on y découvre aussi de multiples analogies avec notre temps. STURM UND DRANG UND INDIGNADO’S Following the hilarious comedy Niks of Niks — freely rewritten from Shakespeare — Jan Decorte is now tackling Schiller’s great tragedies, in alliance with the Antwerp theatre collective de Roovers. In this project the work of the classical German poet and playwright Friedrich von Schiller is ‘explored’. Excerpts from several of his plays are retranslated and/ or rewritten: Die Raüber certainly, but also Kabale und Liebe, Maria Stuart, Don Carlos and others. The period of the Sturm und Drang literary movement, the late 18th century, has always been close to Decorte’s heart. In their essence, the themes of Sturm und Drang still prove very topical: the rebellion of the young against the old, the call for more freedom and democracy, the importance of nature, etc. Schiller/Tasten presents us with an anthology of scenes and monologues in which both the individual feelings of love and the political passions of Schiller’s time resonate, but in which we also discover many similarities with our own era.

TEKST & REGIE JAN DECORTE, NAAR FRIEDRICH VON SCHILLER | MET JAN DECORTE, SIGRID VINKS, SARA DE BOSSCHERE & MICHAËL VERGAUWEN | DECOR JAN DECORTE & JOHAN DAENEN | KOSTUUMS JAN DECORTE, SIGRID VINKS & SOFIE D’HOORE | LICHT JAN DECORTE & LUC SCHALTIN (KAAITHEATER) | PRODUCTIE JAN DECORTE/BLOET (BRUSSEL) , KAAITHEATER & DE ROOVERS (ANTWERPEN) >>> WWW.DEROOVERS.BE

NOV A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

DANIEL LINEHAN[US/BE] GAZE IS A GAP IS A GHOST TH 15, FR 16 & SA 17/11 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | € 12/10

L’APPARENT ET L’INVISIBLE Dans son nouveau spectacle de danse, Gaze is a Gap is a Ghost, Daniel Linehan fait entrer en dialogue l’apparent et l’invisible et confronte notre connaissance du monde aux mouvements intimes de nos âmes. À l’aide de caméras vidéo, il nous donne l’impression de regarder à travers les yeux des trois danseurs. Et vu de « l’intérieur », on dirait que ce ne sont pas les performeurs qui se meuvent, mais l’espace. Ainsi, Gaze is a Gap is a Ghost soulève toute une série de questions sur la relation entre l’être humain et la technologie, entre le réel et le virtuel. Quelle

HET ZICHTBARE EN HET ONZICHTBARE In zijn nieuwe dansvoorstelling Gaze is a Gap is a Ghost laat Daniel Linehan het zichtbare in dialoog gaan met het onzichtbare en confronteert hij onze kennis van de wereld met onze intieme zielenroerselen. Met behulp van videocamera’s geeft hij ons de idee dat we door de ogen van de drie dansers kijken. Van ‘binnenuit’ bekeken, lijkt het alsof niet zozeer de performers bewegen, maar wel de ruimte. Op deze manier stelt Gaze is a Gap is a Ghost een hele reeks vragen over de relatie tussen mens en technologie, tussen het reële en het virtuele. Welke invloed heeft de onpersoonlijke technologie op onze ideeën van intimiteit? Wat doen digitale media met hoe we onze fysieke existentie ervaren? Op het einde van de voorstelling blijkt de scheiding tussen dansers en choreografie, tussen mens en structuur onvermijdelijk en onoverbrugbaar. ••• Vorig seizoen toonden we van Daniel Linehan het prachtige Zombie Aporia. Linehan was al actief als danser en choreograaf in New York voor hij aan zijn opleiding bij PARTS begon.

influence la technologie impersonnelle exerce-t-elle sur nos notions de l’intimité ? Quel effet les médias numériques ont-ils sur notre expérience de l’existence physique ? À la fin du spectacle, la séparation entre les danseurs et la chorégraphie, entre l’humain et la structure s’avère à la fois inévitable et infranchissable. ••• La saison passée, le Kaaitheater a présenté le magnifique spectacle Zombie Aporia de Linehan. Avant de suivre une formation à PARTS, ce dernier était déjà actif en tant que danseur et chorégraphe à New York. THE VISIBLE AND THE INVISIBLE In his new dance performance, Gaze is a Gap is a Ghost, Daniel Linehan establishes a dialogue between the visible and the invisible and confronts our knowledge of the world with our inner life. Using video cameras, he gives us the impression that we are looking through the eyes of the three dancers. From the ‘inside’ view,

it appears that it is not so much the dancers who are moving, but the space. In this way Gaze is a Gap is a Ghost poses a series of questions about the relationship between humans and technology, between the real and the virtual. How does impersonal technology influence our ideas of intimacy? How do the digital media influence the way we experience our physical existence? At the end of the performance the divide which separates the dancers from the choreography, and man from structure, appears to be inevitable and irreconcilable. ••• Last season we presented Daniel Linehan’s wonderful Zombie Aporia. Linehan was already a dancer and choreographer in New York before he started training at PARTS. ‘Daniel Linehan insuffle une énergie très rock dans la danse contemporaine.’ — les inrockuptibles on Zombie Aporia

CHOREOGRAPHY & CONCEPT DANIEL LINEHAN | DANCERS SALKA ARDAL ROSENGREN, ANNELEEN KEPPENS, MARIA SILVA | TECHNICAL ASSISTANCE, STAGE & LIGHT DESIGN ELKE VERACHTERT | COSTUME DESIGN ICARO IBAÑEZ-ARRICIVITA | DRAMATURGY AARON SCHUSTER | PRODUCTION CARAVAN PRODUCTION (BRUSSELS) | CO-PRODUCTION KAAITHEATER (BRUSSELS), DESINGEL (ANTWERP), KUNSTENCENTRUM BUDA (KORTRIJK), SADLER’S WELLS (LONDON), CENTRE DE DÉVELOPPEMENT CHORÉGRAPHIQUE TOULOUSE/MIDI-PYRENÉES A.O. >>> DLINEHAN.WORDPRESS.COM

NOV KAAITHEATER & DANSCENTRUM JETTE PRESENT

A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

LES SLOVAKS[SK/BE] FRAGMENTS (WORKING TITLE) FR 16 & SA 17/11 20:30 + SU 18/11 15:00 KAAITHEATER

DANCE | CA. 75 MIN. | € 16/12 | EXTRA: MATINEE KADEE, 18/11 15:00 KAAITHEATER >>> P. 83 © LES SLOVAKS

HET LEVEN DAT WE LEVEN OF DENKEN TE LEVEN Met Fragments willen Les SlovaKs een tragikomedie maken die rijk is aan beelden en emoties, aan verwikkelingen en contrasten. Die de menselijke breekbaarheid toont en de contradicties van het leven. Het leven dat we leven of denken te leven, het leven waarvan we dromen of dat we liever zouden vergeten. De dramaturgische lijn zal opgebouwd worden door de muziek, een originele compositie van Simon Thierrée. ••• De danstaal van Les SlovaKs, opgericht in 2006, is geënt op de danstradities van hun land van herkomst, Slovakije. Als kinderen dansten ze volksdansen, later kwamen ze elkaar weer tegen bij PARTS. In het werk van Les SlovaKs is muziek een essentiële inspiratiebron. Al sinds de eerste voorstelling werkt het collectief samen met de Franse muzikant en componist Simon Thierrée. In het Kaaitheater presenteerden Les SlovaKs eerder al Opening Night (2008) en Journey Home (2009). LA VIE QUE NOUS VIVONS OU CROYONS VIVRE Avec Fragments, Les SlovaKs souhaitent réaliser une tragicomédie, riche en images et en émotions, en péripéties et contrastes. Qui met en lumière la fragilité humaine et les paradoxes de la vie. La vie que nous vivons ou croyons vivre, la vie dont nous rêvons ou que nous préférerions oublier. La ligne dramaturgique repose sur la musique, une composition originale de Simon Thierrée. ••• Le vocabulaire gestuel des SlovaKs, une formation fondée en 2006, est vif et débridé, expressif et émotionnel, virtuose et greffé sur la tradition de la danse de leur pays d’origine, la Slovaquie. Enfants, ils dansaient des danses folkloriques, plus tard, ils se sont retrouvés à PARTS. Dans leurs spectacles, la musique est une source d’inspiration essentielle. Dès

MATINEE KADEE leur première production, le collectif a collaboré avec le musicien et compositeur français Simon Thierrée. Au Kaaitheater, Les SlovaKs ont précédemment présenté Opening Night (2008) et Journey Home (2009). THE LIFE WE LIVE OR THINK WE LIVE In Fragments, Les SlovaKs aim to create a tragicomedy that is rich in images and emotions, in complications and contrasts. That shows up human frailty and the contradictions of life. The life we live or think we live, the life we dream of or would rather forget. The dramaturgical line will be developed through the music, an original composition by Simon Thierrée. ••• The dance idiom of Les SlovaKs, founded in 2006, is lively and uninhibited, expressive and emotional, physically brilliant and bound up with the dance traditions of their home country, Slovakia. As children they performed folk dances, and later on they met again at PARTS. Music is an essential source of inspiration in their work. Ever since the first performance, the collective has worked together with the French musician and composer Simon Thierrée. Les SlovaKs have previously presented Opening Night (2008) and Journey Home (2009) in Kaaitheater.

CHOREOGRAPHY & DANCE LES SLOVAKS DANCE COLLECTIVE: MILAN HERICH, ANTON LACHKY, MILAN TOMASIK, PETER JASKO, MARTIN KILVADY | COMPOSER SIMON THIERRÉE | DECOR LES SLOVAKS DANCE COLLECTIVE, JORIS DE BOLLE | LIGHTING DESIGN JORIS DE BOLLE | COSTUMES MAT VOORTER, PEPA MARTINEZ | TECHNICAL DIRECTOR JORIS DE BOLLE | PRODUCTION PHILEAS PRODUCTIONS (BRUSSELS) | CO-PRODUCTION KAAITHEATER (BRUSSELS), TEATRE MERCAT DE LES FLORS (BARCELONA), HELLERAU - EUROPEAN CENTER FOR THE ARTS DRESDEN, NORRLANDSOPERAN AB (UMEA, SV) >>> WWW.LESSLOVAKS.COM 28

NOV A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

METTE EDVARDSEN[NO/BE] BLACK BARBARA MATIJEVIĆ & GIUSEPPE CHICO[HR/FR] FORECASTING TU 20/11 20:30 KAAISTUDIO’S

PERFORMANCE | RERUN | 25 + 50 MIN. + INTERMISSION | EN | € 12/10 © BARBARA MATIJEVIĆ & GIUSEPPE CHICO

BIJNA ALS EEN TOVENAAR In dit dubbelprogramma hernemen we twee korte voorstellingen die gecreëerd werden voor Performatik 2011. De voorstellingen kwamen los van elkaar tot stand maar hebben veel gemeen. ••• In Black tracht choreografe Mette Edvardsen — bijna als een tovenaar — op het lege toneel een aantal objecten te ‘verbeelden’. Ze benoemt ze, geeft ze een naam, herhaalt die. De objecten worden tot leven ‘gepraat’. Ze spelen hun rol in een aantal gebeurtenissen om daarna weer te verdwijnen. Een fascinerende voorstelling over het creëren van een wereld via woorden en bewegingen, over bewustzijn en verbeelding. ••• Voor Forecasting verzamelden Barbara Matijević en Giuseppe Chico een aantal YouTube-filmpjes waarop menselijke lichaamsdelen verschijnen. Matijević staat alleen op de scène met haar laptop en gaat ‘fysiek’ met deze beelden in gesprek. Er ontstaat zoiets als een verhaal. Relaties, belevenissen, incidenten tussen beelden en een levend lichaam.

QUASI COMME UNE MAGICIENNE Dans ce double programme, nous reprenons deux spectacles brefs créés à l’occasion de Performatik 2011. Tous deux ont vu le jour séparément l’un de l’autre, mais ont beaucoup en commun. ••• Dans Black, la chorégraphe norvégienne Mette Edvardsen tente — quasi comme une magicienne — d’ « imaginer » des objets sur une scène vide. Elle les nomme et répète le nom. Elle « formule » vie aux objets. Ils jouent leur rôle dans quelques numéros pour ensuite à nouveau disparaître. Un spectacle fascinant sur la création d’un monde par le biais de mots et de mouvements, sur la conscience et l’imagination. ••• Pour Forecasting, Barbara Matijević et Giuseppe Chico ont réuni une sélection de films YouTube dans lesquels apparaissent des parties de corps humain. Matijević est seul en scène avec son ordinateur portable et entre « physiquement » en conversation avec les images. Une sorte d’histoire émerge : relations, événements, incidents entre des images et un corps vivant.

ALMOST LIKE A MAGICIAN In this double programme we have a rerun of two short performances that were created for Performatik 2011. The performances were separately created but have much in common. ••• In Black, the choreographer Mette Edvardsen — almost like a magician — tries to ‘imagine’ a number of objects on an empty stage. She lists them, gives them a name and repeats it. The objects are ‘talked’ into life. They are used on stage, play their role in a number of events and then disappear again. A fascinating performance about creating a world through words and movements, about consciousness and imagination. ••• In Forecasting, Barbara Matijević and Giuseppe Chico collected a number of YouTube videos in which human body parts appear. Matijević is alone on stage with her laptop and converses ‘physically’ with these images. This generates something like a story. Relationships, experiences, incidents between images and a living body.

BLACK CREATED & PERFORMED BY METTE EDVARDSEN | PRODUCTION HELGA DUCHAMPS, DUCHAMPS VZW & METTE EDVARDSEN, ATHOME | CO-PRODUCED BY BLACK BOX TEATER (OSLO), WORKSPACE (BRUSSELS) | COLLABORATION KAAITHEATER (BRUSSELS), VOORUIT (GHENT), NETWERK (AALST) FORECASTING TEXT BARBARA MATIJEVIĆ & GIUSEPPE CHICO | PERFORMED BY BARBARA MATIJEVIĆ & GIUSEPPE CHICO | EXECUTIVE PRODUCTION MARIE ROCHE/GRAND ENSEMBLE | PRODUCTION DE FACTO & 1ER STRATAGEME | CO-PRODUCTION KAAITHEATER (BRUSSELS) 29

NOV A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

METTE INGVARTSEN[DK/BE] THE ARTIFICIAL NATURE PROJECT FR 23 & SA 24/11 20:30 KAAITHEATER DANCE PERFORMANCE | € 16/12

mue en un tourbillon de confettis, une sculpture abstraite devient une nuée d’animaux, des objets de toute taille et tout poids occupent la scène et sont animés par les danseurs qui font partie d’une masse fluide et volante. Une tempête d’images déferle et modifie notre image d’un paysage éblouissant.

EEN STORM VAN BEELDEN Een voorstelling zonder performers, waarin ‘geacteerd’ werd door bubbels, schuim, mist, geluid en licht. Dat was Evaporated Landscapes (2009, Burning Ice #2). Nadien zouden nog twee werken volgen waarin Mette Ingvartsen natuurlijke fenomenen en onze perceptie ervan fictionaliseerde en choreografeerde. Nu besluit ze de reeks met The Artificial Nature Project. Daarin zullen menselijke en niet-menselijke performers op de scène staan. Wat betekent het om een choreografie voor materialen te maken, waarin de focus niet langer ligt op de menselijke beweging? Hoe laat je de kracht van dingen en materialen inwerken op mensen? Wat is de relatie tussen de levende en de niet-levende wereld? Het resultaat is een voorstelling waarin de dingen in het rond vliegen en vorm geven aan een landschap dat constant verandert. Rust en contemplatie slaan om in chaos en energie, een vloedgolf in een confettistorm,

een abstracte sculptuur wordt een zwerm beesten, dingen in alle maten en gewichten vullen de scène, ze worden in beweging gezet door de dansers die deel zijn van een vloeiende, vliegende massa. De storm van beelden raast voorbij. En wijzigt ons beeld van een schitterend landschap. UNE TEMPÊTE D’IMAGES Dans The Artificial Nature Project, Mette Ingvartsen met en scène des performeurs humains et non-humains.. Que signifie la création d’une chorégraphie pour des matériaux qui ne se focalise plus sur le mouvement humain ? Comment permet-on à la force des objets et des matériaux d’agir sur les personnes ? Quelle est la relation entre le monde du vivant et du non-vivant ? Le résultat est un spectacle dans lequel les objets volent dans tous les sens et donnent corps à un paysage qui change constamment. Le calme et la contemplation se transforment en chaos et en énergie, un raz-de-marée se

A WHIRLWIND OF IMAGES A performance without performers, in which it is bubbles, foam, mist, sound and light that do the ‘acting’. That was Evaporated Landscapes (2009, Burning Ice #2). This was followed by two works in which Mette Ingvartsen fictionalised and choreographed natural phenomena and our perception of them. She now concludes the series with The Artificial Nature Project. In this performance human and non-human performers will appear on stage. What does it mean to make a choreographic work for materials, in which the focus is no longer on human movement? How do you get the power of things and materials to interact with people? What is the relationship between the living and the non-living world? The result is a performance in which things fly through the air and give rise to a landscape that constantly transforms. Calm and contemplation turn into chaos and energy, a tidal wave becomes a storm of confetti, an abstract sculpture becomes a swarm of animals, things of all shapes and sizes fill the stage, and are set in motion by the dancers who are part of a flowing, flying mass. The whirlwind of images roars past. And changes our image of a glittering landscape.

CONCEPT & CHOREOGRAPHY METTE INGVARTSEN | DANCE FRANZISKA AIGNER, EHUD DARASH, SIDNEY LEONI, MARTIN LERVIK, MAUD LE PLADEC, GUILLEM MONT DE PALOL, MANON SANTKIN, CHRISTINE DE SMEDT | LIGHTING DESIGN MINNA TIIKKAINEN | SOUND DESIGN PETER LENAERTS | TECHNICAL DIRECTOR PHILIPPE BASTE | ASSISTANT CHOREOGRAPHY & PRODUCTION ELISE SIMONET | PRODUCTION METTE INGVARTSEN/GREAT INVESTMENT | CO-PRODUCTION KAAITHEATER (BRUSSELS), PACT ZOLLVEREIN (ESSEN), FESTIVAL D’AUTOMNE À PARIS, LES SPECTACLES VIVANTS – CENTRE POMPIDOU (PARIS), THÉÂTRE NATIONAL DE BRETAGNE (RENNES), BUDA (KORTRIJK), APAP/SZENE (SALZBURG), MUSÉE DE LA DANSE/CENTRE CHORÉGRAPHIQUE NATIONAL DE RENNES ET DE BRETAGNE >>> SEE ALSO P. 39 & 40 30

NOV XAVIER LE ROY[FR/DE] LOW PIECES TU 27 & WE 28/11 20:30 KAAITHEATER DANCE | 90 MIN. | € 16/12

UNE MEUTE DE LOUPS ET DES ALGUES QUI SE BALANCENT Un groupe de corps nus se meut en rampant sur scène ; le groupe se disloque, se reconstitue sans cesse et chaque fois selon des constellations différentes. Il semble fluide. Parfois, ces créatures font penser à une meute de loups , d’autres fois on pense à des algues qui se balancent. Notre représentation traditionnelle du corps est mise à mal. Le spectacle commence et s’achève par une conversation limitée dans le temps : entre les performeurs, entre les performeurs et le public. À l’aide des moyens théâtraux minimaux le groupe crée des images d’une beauté étrange et les associe à

EEN ROEDEL WOLVEN EN WIEGEND ZEEWIER Een groep naakte lichamen beweegt kruipend over de scène; de groep valt uit elkaar, vormt zich opnieuw en opnieuw in telkens andere constellaties. Ze lijkt ‘vloeibaar’. Soms doen deze wezens denken aan een roedel wolven, dan weer aan wiegend zeewier. Onze traditionele voorstelling van een menselijk lichaam wordt onderuitgehaald. De dansvoorstelling begint en eindigt met een in tijd afgebakend gesprek: tussen de performers, tussen de performers en het publiek. Met minimale theatrale middelen creëert de groep beelden van een bizarre schoonheid en koppelt deze aan ‘een kleine oefening in democratie’ tussen spelers en publiek. ••• Sinds zijn solo Self Unfinished (1998) is de transformatie van het lichaam op de scène en de transformatie van de perceptie van de toeschouwer die naar dat lichaam kijkt één van de centrale aandachtspunten van de Franse choreograaf Xavier Le Roy. In het Kaaitheater wordt Low Pieces gespeeld in de versie die in de zomer van 2011 op het festival van Avignon te zien was.

de « petits exercices de démocratie » entre le public et les performeurs. ••• Depuis son solo Self Unfinished (1998), la métamorphose du corps sur scène et la transformation de la perception du spectateur qui observe ce corps est l’un des thèmes centraux du chorégraphe français Xavier Le Roy. Au Kaaitheater, le spectacle Low Pieces se donne dans la version que l’on a pu voir au cours de l’été 2011 au Festival d’Avignon. A PACK OF WOLVES AND SWAYING SEAWEED A group of naked bodies moving, crawling across the stage; the group breaks apart and constantly forms new formations. It appears ‘fluid’. Sometimes these creatures remind one of a pack of wolves. Then swaying seaweed again. Our traditional conception of the human body is undermined. The dance performance begins and ends with a conversation marked out in time: between the performers themselves and between the performers and the audience. Using

minimal theatrical resources, the group creates images with a bizarre beauty and links them to ‘a little exercise in democracy’ between actors and the audience. ••• Since his solo Self Unfinished (1998), the transformation of the body on stage and the transformation of the perception of the spectator who looks at that body has been one of the main points of focus for the French choreographer Xavier Le Roy. At the Kaaitheater, Low Pieces will performed in the version that was staged at the Avignon Festival in the summer of 2011.

CONCEPT XAVIER LE ROY | WITH SALKA ARDAL ROSENGREN, SASA ASENTIC, ELEANOR BAUER, METTE INGVARSTEN, ANNE JUREN, KRÕÕT JUURAK, NETO MACHADO, LUÌS MIGUEL FÉLIX, JAN RITSEMA, MANON SANTKIN, CHRISTINE DE SMEDT, JEFTA VAN DINTHER & XAVIER LE ROY | PRODUCTION LE KWATT (MONTPELLIER) >>> WWW.XAVIERLEROY.COM >>> SEE ALSO XAVIER LE ROY & ICTUS, P. 66

NOV/DEC KAAITHEATER & DEBUREN STELLEN VOOR

HOLLANDSE BERGEN 22/11>8/12/2012 NL Nederland was decennialang een Europees ‘gidsland’, op cultureel, politiek en maatschappelijk gebied. Dat is helaas voorbij. In 2013 valt voor vele initiatieven in de kunstsector de hakbijl. Hoe een en ander zal uitpakken is bij het ter perse gaan nog niet bekend. Maar het leek ons gepast om nú een hommage te brengen. Hollandse Bergen presenteert theater uit Nederland, waarvan u op deze bladzijden een voorsmaakje krijgt. Het programma wordt later aangevuld, met lezingen en debatten.

FR Des décennies durant, les Pays-Bas étaient le modèle à suivre sur le plan culturel, politique et social. Hélas, ce temps est révolu. En 2013, le couperet va s’abattre sur de nombreuses initiatives du secteur culturel. Au moment où nous mettons ce magazine sous presse, nous ignorons encore le sort réservé aux uns et aux autres. Néanmoins, il nous semble approprié de leur porter dès à présent un hommage. Hollandse Bergen propose du théâtre néerlandais dont ces pages vous donnent d’ores et déjà un avantgoût. Le programme se complétera plus tard, avec des conférences et des débats.

EN For several decades the Netherlands were the country that ‘guided’ Europe culturally, politically and socially. This is unfortunately a thing of the past. In 2013 many initiatives in the arts sector will be for the chop. At the time of going to press it is not yet known what the ultimate result will be. But it seems to us appropriate to pay tribute now. Hollandse Bergen presents theatre from the Netherlands, and you can get a foretaste on these pages. The programme will be filled out later, with talks and debates.

SCHWALBE[NL] SCHWALBE SPEELT VALS TU 27 & WE 28/11 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | WITHOUT WORDS | € 12/10 © PEPIJN LUTGERINK

‘Hier wordt radicaal en compromisloos theater gemaakt, en juist hier worden performers gepresenteerd die je niet gauw weer zal vergeten.’ — Het Parool

DE SPELERS EN HET SPEL Wie zijn we als we in het nauw gedreven worden? Wie zijn we als de ander zwakker is? Wie zijn we als de ander zich niet meer aan de regels houdt? We proberen ons te redden met de zin ‘het is maar een spel’, maar op dat moment is het al te laat... In Schwalbes derde voorstelling Schwalbe speelt vals verliezen de spelers zich in het spel. ••• Het Theatercollectief Schwalbe maakt fysiek theater met het lichaam als uitgangspunt. Het lijfelijke wordt op de spits gedreven; er wordt gezocht naar de uiterste consequentie van een opdracht. De poging — die leidt tot handelen — is de voorstelling. Het verloop van die poging is elke avond anders. In 2011 toonden we van hen Spaar ze… en Schwalbe speelt op eigen kracht. Tim Etchells (Forced Entertainment) verzorgde de eindregie van Schwalbe speelt vals.

CE N’EST QU’UN JEU Qui sommes-nous lorsque nous sommes acculés ? Qui sommes-nous lorsque l’autre est plus faible ? Nous tentons de nous en sortir en nous disant : « ce n’est qu’un jeu », mais à ce moment, il est déjà trop tard… Dans leur nouveau spectacle, les comédiens de Schwalbe se perdent dans le jeu. Le théâtre de Schwalbe prend le corps pour point de départ. Le charnel y est exacerbé. Tim Etchells (Forced Entertainment) assure la rédaction finale de Schwalbe speelt vals. THE PLAYERS AND THE GAME Who are we when we feel cornered? Who are we if the other is weaker? We try to save ourselves with the phrase ‘it’s only a game’, but at that point it’s already too late... In the new work by Schwalbe, the players lose themselves in the game. Schwalbe creates theatre where the body is the starting point. The physical taken to the extreme. Tim Etchells (Forced Entertainment) did the final editing of Schwalbe speelt vals.

CONCEPT & SPEL CHRISTINA FLICK, MELIH GENÇBOYACI, MARIE GROOTHOF, HILDE LABADIE, FLOOR VAN LEEUWEN, KIMMY LIGTVOET, ARIADNA RUBIO LLEÓ, DAAN SIMONS | VORMGEVING & TECHNIEK JOOST GIESKEN, DAVE STARING | EINDREGIE TIM ETCHELLS | PRODUCTIELEIDING JOOST ALLEMA | DRAMATURGIE ANOEK NUYENS | CO-PRODUCTIE SCHWALBE (AMSTERDAM), NXTSTP, CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION, OMSK (DORDRECHT), PRODUCTIEHUIS ROTTERDAM >>> WWW.SCHWALBE.NU

NOV HOLLANDSE BERGEN © DEEN VAN MEER

LAURA VAN DOLRON[NL] IEMAND MOET HET DOEN TH 22/11 20:30 KAAISTUDIO’S | THEATRE | NL | € 12/10

SARTRE ZEGT SORRY

FR 23/11 20:30 KAAISTUDIO’S | THEATRE | NL | 75 MIN. | € 12/10

UN LAVAGE DE CERVEAU RAFRAÎCHISSANT Laura van Dolron définit ses spectacles comme de la philosophie stand-up. « Le qualificatif stand-up est un gage de comique et la philosophie promet de l’intelligence. » Réflexion intense et humour acerbe vont main dans la main. ••• Pour son solo, Iemand moet het doen, elle a fait une retraite en Thaïlande, sur une île espagnole, et à Jérusalem. Elle a suivi un cours intitulé « comment transformer la colère en amour ? » à Groningen. Elle est partie à la recherche de personnes qui pensent avoir des réponses spirituelles ou philosophiques, pour imposer le silence aux politiciens.

EEN VERFRISSENDE BRAINWASH Laura van Dolron omschrijft haar voorstellingen als stand-up philosophy. ‘Stand-up belooft dat het grappig is, filosofie dat het slim is.’ Hard nadenken en keiharde humor gaan er hand in hand. ••• Voor haar solo Iemand moet het doen ging Van Dolron in retraite in Thailand, op een Spaans eiland en in Jeruzalem en ze volgde een cursus ‘hoe zet je woede om in liefde’ in Groningen. Ze ging op zoek naar mensen die spirituele en filosofische antwoorden hebben om politici het zwijgen op te leggen. Iemand moet het doen is geen voorstelling, maar een voorstel, voor een betere wereld. ••• Sartre zegt sorry zorgt voor een historische ontmoeting tussen Laura en Jean-Paul Sartre (1905–1980). Sartre staat op uit zijn graf om zijn excuses aan te bieden. Wat volgt is een verfrissende brainwash en een onhandige maar oprechte poging tot engagement. Sartre zegt sorry werd geselecteerd voor het Nederlands Theaterfestival en was de openingsvoorstelling van het Theaterfestival Vlaanderen 2011.

Iemand moet het doen n’est pas un spectacle, mais une proposition pour un monde meilleur. ••• Sartre zegt sorry met en scène une rencontre historique entre Laura et Jean-Paul Sartre (1905–1980). Sartre se lève de sa tombe pour présenter ses excuses. Ce qui suit est un lavage de cerveau rafraîchissant et une tentative maladroite mais sincère d’engagement. Sartre zegt sorry a été sélectionné pour le Theaterfestival néerlandais et a ouvert l’édition 2011 du Theaterfestival flamand. A REFRESHING BRAINWASH Laura van Dolron describes her performances as stand-up philosophy. ‘Standup means that it’s funny, and philosophy that it’s smart.’ Hard thinking and hardboiled humour go hand in hand here. ••• For her solo performance Iemand moet het doen, Van Dolron went on

retreat to Thailand, a Spanish island and Jerusalem, and followed a course on ‘how to transform your anger into love’ in Groningen. She sought people with spiritual and philosophical answers that could silence politicians. Iemand moet het doen is not a performance but a proposal for a better world. ••• Sartre zegt sorry is an historic meeting between Laura and Jean-Paul Sartre (1905–1980). Sartre rises from his grave to apologize. What follows is a refreshing brainwash and a clumsy but sincere attempt at engagement. Sartre zegt sorry was selected for the Dutch Theatre Festival and was the opening performance at the 2011 Flemish Theatre Festival.

IEMAND MOET HET DOEN TEKST, CONCEPT & SPEL LAURA VAN DOLRON | SARTRE ZEGT SORRY TEKST & CONCEPT LAURA VAN DOLRON | SPEL LAURA VAN DOLRON, STEVE AERNOUTS | DRAMATURGIE CELINE BUREN, REZY SCHUMACHER | LICHTONTWERP GÉ WEGMAN | TONEELBEELD WIKKE VAN HOUWELINGEN, MARLOES VAN DER HOEK | SPELADVIES JOKE DE BAERE | COPRODUCTIE LAURA VAN DOLRON & HET NATIONALE TONEEL >>> WWW.NATIONALETONEEL.NL

DEC HOLLANDSE BERGEN

MAATSCHAPPIJ DISCORDIA[NL] STANISLAVSKI WE 5 & TH 6/12 20:30 KAAISTUDIO’S | THEATRE | NL | € 16/12

BELGISCH-NEDERLANDSCHE REPERTOIREVEREENIGING ‘DE VEERE’[BE/NL] DER THEATERMACHER FR 7 & SA 8/12 20:30 KAAISTUDIO’S | THEATRE | NL | € 16/12

DER THEATERMACHER Discordia herneemt op vraag van het Kaaitheater Der Theatermacher van Thomas Bernhard. Dit werk staat al sinds 1984 op hun repertoire. Het is het verhaal van Bruscon, directeur van een klein familiaal theatergezelschap dat rondtrekt van de ene miezerige dorpsfeestzaal naar de andere. Bruscon schrijft zelf zijn theaterteksten. Hij acht zichzelf een miskend genie. In Het rad van de geschiedenis heeft hij in zijn grootheidswaan de hele wereldgeschiedenis samengevat. Hij kankert de hele tijd, met een drammerigheid die alleen Thomas Bernhard kan waarmaken. Niemand begrijpt hem, noch de hoge waarden die hij wil uitdragen. Discordia speelt Der Theatermacher samen met acteurs van ’t Barre Land, onder de naam ‘Belgisch-Nederlandsche Repertoirevereeniging ‘de Veere’.

STANISLAVSKI Discordia wijdt een cyclus aan het leven van de Russische theatervernieuwer Konstantin Stanislavski. Deze wordt meestal beschouwd als ‘de vader van het ingeleefde spelen’. Hij is de voorloper van de Actors Studio, zeg maar, de regisseur die zijn acteurs vroeg in de eigen psyche te graven om hun rol te stofferen. Theater was voor Stanislavski het zoeken naar een vorm van waarachtigheid en geloofwaardigheid, waarmee men iets kon zeggen over het leven. Theater als een medium dat vragen stelt over de wereld en over de rol die het zelf in die wereld kan spelen. Een opvatting die Discordia met Stanislavski deelt en die in deze voorstellingen aan de hand van beelden, fragmenten en citaten uit zijn leven wordt uiteengezet. Maatschappij Discordia speelt een deel uit deze Stanislavski cyclus.

TWO CHAMBERS OF THE SAME HEART Maatschappij Discordia is devoting a cycle of plays to the life of the Russian theatre innovator Konstantin Stanislavski. They will be performing a part of this Stanislavski cycle. At the request of Kaaitheater, Discordia will be presenting a rerun of Thomas Bernhard’s Der Theatermacher. This work has been in their repertoire since 1984. It is the story of Bruscon, director of a small family theatre that travels around from one miserable village hall to the next. Discordia performs together with actors from ‘t Barre Land, under the name Belgisch-Nederlandsche Repertoirevereniging ‘de Veere’ (BelgianDutch Repertory Society ‘de Veere’).

LES DEUX VENTRICULES D’UN MÊME CŒUR Maatschappij Discordia consacre un cycle à la vie de l’innovateur du théâtre que fut le Russe Constantin Stanislavski. Discordia présente un volet de ce cycle. Ensuite Discordia reprend, à l’invitation du Kaaitheater, Der Theatermacher de l’auteur autrichien Thomas Bernhard. Cette pièce, à leur répertoire depuis 1984, raconte l’histoire de Bruscon, directeur d’une petite compagnie de théâtre familiale qui voyage d’une salle de fête villageoise miteuse à l’autre. Discordia joue Der Theatermacher avec des comédiens de ’t Barre Land, sous le nom de « De Veere – Association belgonéerlandaise du répertoire ».

DER THEATERMACHER VAN THOMAS BERNHARD | MET MATTHIAS DE KONING, ANOUK DRIESSEN, ANNET KOUWENHOVEN, JAN JORIS LAMERS, INGEJAN LIGTHART SCHENK | PRODUCTIE DISCORDIA & ’T BARRE LAND STANISLAVSKI ANNETTE KOUWENHOVEN, JAN JORIS LAMERS, JORN HEIJDENRIJK, MATTHIAS DE KONING, MIRANDA PREIN >>> WWW.DISCORDIA.NL >>> ZIE OOK TG STAN, BERNHARD 3 NOG GEEN TITEL, P. 74

TWEE KAMERS VAN EENZELFDE HART Bij het horen van de naam Maatschappij Discordia denken velen in de eerste plaats aan teksten repertoiretheater, maar de jongste jaren kwamen in hun voorstellingen de beeldende kwaliteiten opvallend op de voorgrond. Hoe verschillend de vroegere en de huidige aanpak ook lijken, zij vertonen een intense verwantschap. Het zijn twee kamers van eenzelfde hart. Daarom willen we deze twee gedaanten van Discordia voor u samenbrengen.

‘Fascinerend vak, toneelspelen. […] Discordia bouwt er een meerdelig en vederlicht gespeeld essay over. Aanbevolen kost voor liefhebbers en toneelminnaars!’ HHHHH — Loek Zonneveld over Stanislavski II, Theaterkrant.nl

DEC SUPERAMAS[AT/FR] “THEATRE” FR 7 & SA 8/12 20:30 KAAITHEATER

le “mapping”), “THEATRE”, le nouveau projet de Superamas, s’attache à représenter un monde structuré par la politique de l’illusion. En jouant du vrai et du faux, en naviguant entre le réel et le virtuel, il s’agira de séparer la politique de son image. Ou de les mélanger encore davantage.

AVATARS EN RENAISSANCESCHILDERS Het ontstaan van het perspectief in de 15de-eeuwse Italiaanse schilderkunst is niet los te denken van politieke overwegingen. De De’ Medici ondersteunden de meesters van de perspectivische schilderkunst, want zij toonden een ‘gekaderde’ en ‘geordende’ visie op de wereld. Wat valt er te vertellen over het wereldbeeld dat gecreëerd wordt door de ononderbroken stroom aan digitale beelden waarmee we elke dag geconfronteerd worden? Zoals in de renaissance, is het een politieke aangelegenheid. De gezagdragers investeren massaal in het theater van de nieuwe technologieën om de illusie van politiek te ensceneren via de politiek van illusies. Door het gebruik van verschillende technieken van ‘versterkte realiteit’ (3-D beelden, avatars, mapping) onderzoekt Superamas in “THEATRE” de representatie van een wereld gestructureerd door een politiek van illusies. Door het mengen van echte en onechte verhalen, het

navigeren tussen realiteit en virtualiteit, tracht Superamas de politiek en het beeld van de politiek gescheiden te houden. Of de beide nog meer te vermengen. LES PEINTRES DE LA RENAISSANCE ET LES AVATARS La naissance de la perspective en peinture dans l’Italie du quinzième siècle n’est pas étrangère à des considérations politiques. En soutenant les peintres de la perspective, Les Médicis donnaient à voir une vision “cadrée” et “ordonnée” du monde. Que dire, dès lors, de la vision du monde renvoyée par le flux d’images digitales auquel nous sommes confrontés tous les jours? Qu’il s’agit, comme à la Renaissance, d’un enjeu éminemment politique, dont nos hommes de pouvoir se sont saisis pour mettre en scène une manière d’illusion du politique, par la politique de l’illusion. En s’appuyant sur différentes techniques de réalité augmentée (les images en trois dimensions, les “avatars” et

AVATARS AND RENAISSANCE PAINTERS The birth of perspective in fifteenthcentury Italian painting is not all disconnected from political considerations. The Medici supported representatives of perspectival painting — after all, they provided a ‘framed’ and ‘orderly’ view of the world. So, what can we say about the view of the world brought to us by an onslaught of digital images which we are confronted with every day? As it was in the day and age of the Renaissance, it is an enormously political thing. The powersthat-be have invested massively in the theatre of new technologies to stage some illusion of politics through the politics of illusion. By using various extended reality techniques (3-D images, avatars and mapping) “THEATRE”, the latest Superamas project, seeks to present a world structured by the politics of illusion. Playing true and false stories, navigating between reality and virtuality, Superamas will always seek to keep politics and the image of politics apart. Or mix it even more.

WRITTEN & DIRECTED BY SUPERAMAS | PERFORMED BY LUCIE EIDENBENZ, KAREN LAMBAEK, LIEVE DE POURCQ, FARIS ENDRIS RAHOMA, BAHAR TEMIZ & SUPERAMAS | 3D IMAGES SUPERAMAS IN COLLABORATION WITH TECHNOCITÉ (MONS), CCCP/FRANCE, HOWEST (KORTRIJK), KEVIN MARIEN | PRODUCTION SUPERAMAS | CO-PRODUCTION MARIBOR EUROPEAN CULTURAL CAPITAL 2012 (SLOVENIA), VOORUIT (GENT), MC AMIENS, SZENE SALZBURG, EN_KNAP (LJUBLJANA), MOUSONTURM/FRANKFURTER POSITIONEN, PÔLE IMAGES NORD-PAS DE CALAIS, TANZQUARTIER WIEN, CECN MANÈGE MONS, APAP NET/EU, TOULOUSE, FIGURENTHEATERFESTIVAL (ERLANGEN) >>> WWW.SUPERAMAS.COM 36

DEC KAAITHEATER, BOZAR & ICTUS PRESENT

ICTUS[BE] FAUNE SA 15/12 20:30 KAAITHEATER MUSIC | € 16/12

RACINES DE LA MODERNITÉ Ictus met sur la table trois chefs d’oeuvre du XXe siècle, trois incontournables racines de la modernité en musique. Chaque oeuvre est présentée sur un mode différent : cabaret, film, ré-écriture. ••• Dans Prélude à l’après-midi d’un faune de Claude Debussy, tout le XXe siècle est déjà là. Le Faune sera joué dans une réduction “de chambre” écrite par Benno Sachs. Les musiciens adapteront leur tempo au superbe film de Thierry De Mey, Prélude à la Mer, basé sur la chorégraphie d’Anne Teresa De Keersmaeker.

>>> WWW.ICTUS.BE

DRIE CULTWERKEN Ictus stelt drie meesterwerken uit de twintigste eeuw voor, drie cultwerken die de muziek de moderniteit binnenloodsten. Elk werk wordt op een andere manier voorgesteld: als cabaret, met begeleiding van film en in een hercompositie. ••• In Debussy’s Prélude à l’aprèsmidi d’un faune zit de essentie van de twintigste-eeuwse muziek reeds vervat. Ictus brengt een versie voor ensemble van Benno Sachs. Thierry De Mey’s film Prélude à la Mer, op een choreografie van Anne Teresa De Keersmaeker, geeft de maat aan. ••• Schoenberg schreef Pierrot Lunaire voor een beroemde cabaretière uit zijn tijd, Albertine Zehme. Marianne Pousseur herneemt dit werk met Ictus, na uitvoeringen met Philippe Herreweghe en Pierre Boulez. ••• La Valse van Ravel stelt het adellijke van de wals in vraag. De componist Frédéric Verrières maakt voor Ictus een hercompositie van de Valse voor sampler en ensemble.

••• Schoenberg a écrit Pierrot Lunaire pour une célèbre actrice de cabaret de l’époque, Albertine Zehme. Marianne Pousseur reprendra ce rôle où elle excelle — après l’avoir magistralement déployé sous les baguettes de Philippe Herreweghe et Pierre Boulez. ••• Le compositeur Frédéric Verrières signera une “ré-écriture” de la Valse de Ravel, pour clavier digital et ensemble instrumental. THREE CULT WORKS Ictus presents three masterpieces of the twentieth century, three cult works that steered music into modernity. Each work is presented in a different way: as cabaret, accompanied by film and in a re-composition. ••• Debussy’s Prélude à l’après-midi d’un faune already contains the essence of twentieth-century music. Ictus brings us a version for ensemble by Benno Sachs.

Thierry De Mey’s film Prélude à la Mer, after a choreography by Anne Teresa De Keersmaeker, sets the tone. ••• Schoenberg wrote Pierrot Lunaire for a famous cabaret artist of his time, Albertine Zehme. Marianne Pousseur revives this work with Ictus, following performances with Philippe Herreweghe and Pierre Boulez. ••• Ravel’s La Valse questions the noble quality of the waltz. Ictus commissioned the composer Frédéric Verrières to create a re-composition of the Valse for sampler and ensemble.

PROGRAMME ••• Arnold Schoenberg, Pierrot Lunaire, opus 21 (1912), Marianne Pousseur, voice, François Deppe, director ••• Claude Debussy, Prélude à l’après-midi d’un faune (1894), arranged by Benno Sachs + Thierry De Mey, Prélude à la Mer (film), choreography Anne Teresa De Keersmaeker ••• Maurice Ravel, La Valse (1919), arranged by Frédéric Verrières, Georges-Elie Octors, director

DEC

RESIDENTS’ WEEK@KAAISTUDIO’S 18>21/12 KUNSTENAARS IN RESIDENTIE Het Kaaitheater is in de loop van zijn 35-jarige bestaan enkele keren verveld: eerst was het een internationaal festival, dan een productiehuis en ten slotte het kunstencentrum van vandaag. Maar een constante was altijd de nauwe relatie met de kunstenaars die we steunen in de creatie van hun werk. Voor sommige kunstenaars is het Kaaitheater letterlijk het huis waar ze kantoor houden, repeteren en in première gaan, voor andere is het een tijdelijk onderdak, voor nog andere enkel een plek om hun werk te tonen. Met onze ‘artists in residence’ gaan we een bijzonder engagement aan dat samenvalt met de vierjarige subsidieperiode (in dit geval 2013–2016). De keuze voor de vier artiesten die in de komende jaren in residentie zijn, is artistiek gemotiveerd. In de voorbije jaren kwamen zij met erg sterk werk voor de dag. Bovendien hebben ze alle vier de wil uitgesproken om in de komende jaren werk voor het grote podium te maken. We willen hen graag steunen in deze ontwikkeling naar de grote zaal. ••• KRIS VERDONCK studeerde aan het RITS en het HISK en behoort al vele jaren tot onze huisartiesten.

ARTISTES EN RÉSIDENCE Au cours de ses 35 ans d’existence, le Kaaitheater a plusieurs fois fait peau neuve : au départ, le projet consistait en un festival international, ensuite en une maison de production, pour finalement devenir le centre d’art actuel. Mais tout au long de son évolution, le Kaaitheater a maintenu une constante : la relation étroite avec les artistes qu’il soutient dans leur création. Pour certains artistes, le Kaaitheater est littéralement la maison où ils ont leur bureau, répètent et présentent les premières de leurs spectacles. Pour d’autres, le Kaaitheater est un lieu de travail provisoire et pour d’autres encore, c’est uniquement un lieu de présentation. Pour d’autres encore, c’est uniquement un lieu de présentation. Notre « résidence d’artiste » coïncide avec la période de subvention de quatre ans (2013–2016). Le choix des quatre artistes qui seront en résidence dans les années à venir est motivé par la valeur artistique de leur œuvre. Au cours des dernières années, ils ont présenté des œuvres d’une très grande force. En outre, tous les quatre expriment la même volonté délibérée de réaliser des spectacles pour de grandes scènes. Le Kaaitheater souhaite les soutenir dans leur transition vers la grande salle.

••• De Deense danseres en choreorafe METTE INGVARTSEN studeerde aan PARTS en is al enkele jaren vaste gast in het Kaaitheater.

••• KRIS VERDONCK a étudié au RITS et HISK et appartient depuis longtemps à nos « artistes maison ».

••• De Amerikaanse ELEANOR BAUER studeerde aan PARTS en woont en werkt in Brussel.

••• La danseuse et chorégraphe danoise METTE INGVARTSEN a étudié à PARTS et est depuis quelques années une hôte habituelle du Kaaitheater.

••• De Bulgaarse performancekunstenaar IVO DIMCHEV resideert sinds enkele jaren in Brussel. In december stellen onze vier residenten een aantal bijzondere producties voor die we op de volgende bladzijden voorstellen.

••• L’Américaine ELEANOR BAUER a étudié à PARTS et vit et travaille à Bruxelles. ••• L’artiste bulgare de performance IVO DIMCHEV réside depuis quelques années à Bruxelles. En décembre, nos quatre artistes en résidence présentent certaines productions particulières que nous décrivons dans les pages qui suivent.

ARTISTS IN RESIDENCE During the 35 years of its existence, Kaaitheater has shed its skin several times: first it was an international festival, then a production company and, finally, an arts centre, which is what it is now. However, in all this time there has been a constant factor: the close relationship with the artists we support in the creation of their work. For some artists the Kaaitheater is literally the house where they have their office, rehearse and perform premieres, for others it is a temporary shelter, and for yet others only a place to present their work. With our ‘artists in residence’ we enter into a commitment that coincides with the four-year subsidy period (in this case 2013–2016). The choice of the four artists who will be in residence in the next four years, is artistically motivated. In recent years they came up with excellent work. Moreover, all four of them expressed the desire to create work for large stages. We would like to support them in this evolution towards productions for the larger stage. ••• KRIS VERDONCK studied at RITS and HISK and has been one of our house artists for many years. ••• The Danish dancer and choreographer METTE INGVARTSEN studied at PARTS and has for some years been a regular guest at the Kaaitheater. ••• The American ELEANOR BAUER studied at PARTS and lives and works in Brussels. ••• The Bulgarian performance artist IVO DIMCHEV has lived in Brussels for several years. In December our four residents will be presenting a number of special productions described on the following pages.

DEC RESIDENTS’ WEEK@KAAISTUDIO’S

METTE INGVARTSEN[DK/BE] 50/50 ELEANOR BAUER[US/BE] ELEANOR! TU 18/12 20:30 KAAISTUDIO’S

DANCE PERFORMANCE | 25 MIN. + 60 MIN. + INTERMISSION | € 12/10 © PAUL MPAGI SEPUYA

VROLIJK EN EXTREEM Als feestelijke opmaat voor de Residentenweek presenteren we twee solo’s van twee danseressen/choreografen die graag buiten de lijntjes kleuren en die dat met een aanstekelijk plezier doen. ••• Mette Ingvartsen herneemt 50/50, een productie uit 2004, waarin zij zoekt naar een extreme en spectaculaire fysieke expressie. Ze bewerkt de strikt gecodeerde bewegingstaal van b.v. een rockconcert, een opera of een circusact, tot die een vervormde expressiviteit krijgen. ••• Met haar debuut ELEANOR! maakte Eleanor Bauer een vrolijk en (zelf)kritisch schotschrift over artiesten die integer hun werk willen doen maar tegelijk moeten vechten om erkenning en geld op de rekening. De kunstenaar leert zichzelf te verkopen, zelfpromotie wordt een kunstwerk op zich. Portret van de kunstenaar als ‘postfordistische’ kunsthoer! Bauer studeerde nog aan PARTS toen ELEANOR! in januari 2005 in première ging in New York.

EXTRÊME ET PLEIN D’HUMOUR Deux solos de danseuses/chorégraphes qui aiment dépasser les frontières de leur domaine avec un plaisir contagieux. ••• Mette Ingvartsen reprend 50/50, une production de 2004, dans laquelle elle recherche une expression extrême et spectaculaire. Elle adapte un vocabulaire gestuel strictement codifié comme celui d’un concert rock, d’un opéra ou d’un numéro de cirque jusqu’à ce que ceux-ci obtiennent une expressivité déformée. ••• Le solo ELEANOR!, qui marque les débuts d’Eleanor Bauer, est une diatribe pleine d’humour et d’(auto)dérision à propos d’artistes qui souhaitent produire des œuvres intègres, mais doivent se battre pour obtenir de la reconnaissance et alimenter leur compte en banque. Le portrait de l’artiste en « prostituée post-fordiste de l’art » ! Bauer étudiait encore à PARTS lorsqu’a eu lieu la première d’ELEANOR! en janvier 2005, à New York.

EXTREME AND LIVELY As a festive prelude to Residents’ Week we present solos by two dancer-choreographers who like to break through existing boundaries and do so with an infectious pleasure. ••• Mette Ingvartsen is reviving 50/50, a production from 2004, in which she seeks a form of physical expression that is both extreme and spectacular. She processes the strictly coded language of movement seen in a rock concert, an opera or a circus act until it acquires a deformed expressivity. ••• In ELEANOR!, her debut production, Eleanor Bauer presented a lively and (self) critical diatribe on artists who want to do their work honestly and yet have to fight for recognition and money in the bank. The artist teaches himself how to sell himself and self-promotion is a masterpiece in itself. A portrait of the artist as a ‘postfordist’ art prostitute! Bauer was still a student at PARTS when ELEANOR! premiered in New York in January 2005.

50/50 CHOREOGRAPHY & PERFORMANCE METTE INGVARTSEN | MUSIC DEEP PURPLE, LEONCAVALLO, CORNELIUS | SOUND DESIGN PETER LENAERTS | THANKS TO PODEWIL (BERLIN), PARTS (BRUSSELS), HANNAH SOPHIE HOHLFELD, MÅRTEN SPÅNGBERG & BOJANA CVEJIĆ ELEANOR! BY ELEANOR BAUER | TEXT ADAPTED WITH PERMISSION FROM ‘PORTRAIT OF THE ARTIST AS A WORKER’ BY DIETER LESAGE >>> WWW.AISIKL.NET >>> WWW.GOODMOVE.BE 39

DEC RESIDENTS’ WEEK@KAAISTUDIO’S

METTE INGVARTSEN[DK/BE] SPECULATIONS WE 19/12 19:00!!! KAAISTUDIO’S

LECTURE PERFORMANCE | EN | 60 MIN. | € 5 IN HET HOOFD VAN DE TOESCHOUWER In de nieuwe lecture performance Speculations vertolkt Mette Ingvartsen in woord en gebaar en in fysieke actie ideeën over artificiële natuur, over catastrofale constructies en de autonomie van objecten (zie ook The Artificial Nature Project, dat zij in november presenteert). Op die manier wil zij een virtuele performance tot stand brengen in het hoofd van de toeschouwer.

DANS LA TÊTE DU SPECTATEUR Dans la nouvelle lecture-performance Speculations, Mette Ingvartsen traduit à travers paroles, gestes, et actions physiques des idées sur la nature artificielle, des constructions catastrophiques et l’autonomie des objets (voir aussi The Artificial Nature Project, qu’elle présente en novembre). Ainsi, elle souhaite matérialiser une performance virtuelle dans la tête du spectateur.

IN THE SPECTATOR’S MIND In the new lecture performance Speculations, Mette Ingvartsen voices in word, gesture and physical action ideas about artificial nature, catastrophic constructions and the autonomy of objects (see The Artificial Nature Project which she will present in November). Her aim here is to create a virtual performance in the spectator’s mind. >>> WWW.AISIKL.NET

ELEANOR BAUER & HEATHER LANG[US/BE] THE HEATHER LANG SHOW BY ELEANOR BAUER AND VICE VERSA TH 20/12 19:00!!! KAAISTUDIO’S

DANCE THEATRE | EN | 60 MIN. | € 12/10

RIEN N’EST TROP FOU Eleanor Bauer et Heather Lang présentent ensemble un double one-woman show. Elles conjuguent les genres théâtraux et les personnages caricaturaux. Rien n’est trop fou pour elles : spectacle de travestis, débat spirituel, pubs télévisées et ainsi de suite… Entre toutes les cocasseries, elles raillent des concepts tels que l’identité culturelle, le capitalisme et l’expression créative et abordent également le thème de l’identité sexuelle et de l’émancipation du performeur.

NIETS IS TE GEK Eleanor Bauer en Heather Lang brengen samen een dubbele one-woman show. Ze mixen theatergenres en typetjes, niets is hen te gek: een dragshow, een spirituele talkshow, televisiecommercials en nog zo een en ander. Tussen alle zottigheid door nemen ze grote begrippen als culturele identiteit, kapitalisme en creatieve expressie op de korrel en zetten ze in op het thema ‘gender’ en op de bevrijding van de performer.

NOTHING IS TOO OUTRAGEOUS Eleanor Bauer and Heather Lang present a double one-woman show. In it they create an amalgam of theatre genres and familiar characters, nothing is too outrageous for them: a drag show, a spiritual talk show, television commer-

cials and so on. Amidst all this madness they turn their guns on such major concepts as cultural identity, capitalism and creative expression and apply them to the theme of ‘gender’ and the emancipation of the performer.

DEC RESIDENTS’ WEEK@KAAISTUDIO’S © IVO DIMCHEV

IVO DIMCHEV[BG/BE] SOM FAVES

WE 19/12 20:30 KAAISTUDIO’S | PERFORMANCE | EN | 60 MIN. | € 12/10 [BG/BE]

IVO DIMCHEV

CONCERTO

TH 20/12 22:00!!! KAAISTUDIO’S | MUSIC PERFORMANCE | EN | 50 MIN. | € 12/10

DÉSOPILANT ET PROFOND Pour la performance en solo Som Faves, Ivo Dimchev a établi une liste de cent sujets, objets et personnes qui, de l’une ou l’autre manière, lui tiennent à cœur. Ce sont les « favoris » du titre. Dans chaque théâtre où il présente Som Faves, il demande de choisir dix thèmes. Ainsi, chaque représentation demeure unique. Ce qui commence comme un collage a priori incohérent évolue de manière quasi imperceptible vers un portrait intime et tragi-comique du performeur lui-même. Désopilant et profond à la fois. Som Faves a été sélectionné pour le Theaterfestival 2010, et le Time Out New York l’a proclamé l’un des moments forts des arts du spectacle vivant en 2011.

Avec Concerto, Dimchev assure une performance de fin de soirée : une improvisation vocale inimitable sous forme d’un concert. Dimchev a présenté Concerto pour la première fois en 2007 lors du Balkan Dance Platform en Athènes. Depuis, il a partagé la scène avec différents musiciens dans des théâtres et des clubs dans toute l’Europe. HILARIOUS AND PROFOUND For the solo performance of Som Faves Ivo Dimchev compiled a list of a hundred subjects, objects and people who in one way or another are close to his heart. They are the ‘favourites’ in the title. In every theatre where he stages Som Faves, he allows ten topics to be selected. This ensures that each performance is unique. What begins as a seemingly incoherent collage evolves almost imperceptibly into an intimate and tragicomic portrait of the performer. It is both hilarious and profound. Som Faves was selected for the Theatre Festival in 2010 and Time Out New York voted it one of the stage highlights of 2011. With Concerto, Dimchev gives us a late-night performance: an inimitable voice improvisation in the form of a concert. Dimchev staged Concerto for the first time at the Balkan Dance Platform in Athens in 2007. Since then he has shared the stage with various musicians in theatres and clubs across Europe.

HILARISCH EN DIEPZINNIG Voor de soloperformance Som Faves stelde Ivo Dimchev een lijst op met honderd onderwerpen, voorwerpen of personen die hem op de een of andere manier na aan het hart liggen. Het zijn de ‘favorites’ uit de titel. In elk theater waar hij Som Faves speelt, laat hij tien thema’s uitkiezen. Zo blijft elke voorstelling uniek. Wat begint als een schijnbaar incoherente collage evolueert bijna ongemerkt naar een intiem en tragikomisch portret van de performer zelf. Hilarisch en diepzinnig tegelijk. Som Faves werd geselecteerd voor het Theaterfestival 2010 en in Time Out New York uitgeroepen tot een van de podiumhoogtepunten van 2011. Met Concerto zorgt Dimchev voor een late night performance: een onnavolgbare stemimprovisatie in de vorm van een concert. Dimchev speelde Concerto voor het eerst in 2007 tijdens het Balkan Dance Platform in Athene. Sindsdien deelde hij het podium met verschillende muzikanten in theaters en clubs over heel Europa.

‘Ivo Dimchev verbindt in Som Faves thema’s als dood, bloed, liefde en pijn haast terloops met briljant komische beschouwingen over de eigenheid van kunst. HHHHH’ — De Morgen ‘Un grand performeur, un théâtre de la radicalité’ — La Libre

SOM FAVES CONCEPT, TEXT, MUSIC & PERFORMANCE IVO DIMCHEV | CO-PRODUCTION TANZ IM AUGUST (BERLIN), DASARTS (AMSTERDAM), EUROPEAN CULTURAL CAPITAL LINZ ’09, O IS NOT COMPANY (LINZ), KONINKLIJK CONSERVATORIUM /ARTESIS HOGESCHOOL (ANTWERP), O ESPAO DO TEMPO (MONTEMOR-O-NOVO, PORTUGAL) >>> WWW.IVODIMCHEV.COM

DEC KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY[BE] INSTALLATIONS

RESIDENTS’ WEEK@KAAISTUDIO’S

TU 18, WE 19, TH 20 & FR 21/12 KAAISTUDIO’S INSTALLATIONS | FREE

GIECHELEN, RODDELEN, LACHEN Kris Verdonck toont vier video-installaties. Ze maken deel uit van het tiendelige project K, a society dat in de zomer van 2010 in première ging in het Theater der Welt-festival in Essen (Duitsland). K staat voor Kafka. Verdonck creëerde deze beelden geïnspireerd door de wereld, de situaties en de personages in de werken van Kafka. Een wereld als een gesloten bolwerk. Een maatschappij als een nachtmerrie. In Mouse zien we een muis in een extreme slow motion in een val lopen. In Presyncope glijdt een camera traag naar beneden langs de gevel van een wolkenkrabber: ondertussen beschrijft iemand met rustige stem zijn gedachten tijdens deze val. Gossip is een vele meters lange projectie waarop een rij mensen dicht opeen gepakt staan; ze giechelen, roddelen, lachen; ze zijn allemaal verschillend, maar gedragen zich allemaal gelijk. Het feest dat de residentenweek afsluit, wordt geopend met Shell (ook uit K, a society). Een luidruchtige verrassing om ‘de dans te openen’.

GLOUSSER, JASER, RIRE Kris Verdonck présente quatre installations vidéo. Elles font partie du projet en dix volets K, a society, dont la première a eu lieu à l’été 2010 au Theater der Welt-festival à Essen (Allemagne). Le K fait référence à Kafka. Verdonck a créé ces images en s’inspirant de l’univers kafkaïen, des situations et des personnages de ses œuvres. Un monde en vase clos. Une société cauchemardesque. Dans Mouse, on voit une souris se faire prendre au piège au ralenti. Dans Presyncope, une caméra glisse lentement vers le bas le long de la façade d’un gratte-ciel alors qu’une voix posée décrit ses pensées pendant la chute. Gossip est une projection de plusieurs mètres de long sur laquelle on aperçoit une rangée très dense de personnes qui gloussent, jasent, rient ; tous sont différents, mais se comportent de la même façon. La fête de clôture de la semaine des résidents commence par Shell (également extrait de K, a society). Une surprise bruyante pour « ouvrir le bal ».

SOUL FOOD SPECIAL — CONVERSATIONS WITH METTE INGVARTSEN, ELEANOR BAUER, IVO DIMCHEV & KRIS VERDONCK FR 21/12 19:00 KAAISTUDIO’S | EN | € 12 INCL. DINNER >>> P. 85

RESIDENTS’ CLOSING PARTY!

FR 21/12 22:00 KAAISTUDIO’S | FREE >>> P. 85 42

GIGGLE, GOSSIP AND LAUGH Kris Verdonck presents four video installations from the ten-part project K, a society, which premiered at the Theater der Welt festival in Essen (Germany) in the summer of 2010. K stands for Kafka. Verdonck created these images after being inspired by the world, the situations and the characters in the works of Kafka. A world that is like a locked fortress. A society that is like a nightmare. In Mouse we see a mouse walk into a trap in very slow motion. In Presyncope, a camera slowly slides down the facade of a skyscraper: in the meantime someone calmly describes his thoughts during the descent. Gossip is a projection many metres long in which a line of people are huddled together; they giggle, gossip and laugh; they are all different, but all behave the same. The party that concludes the residents’ week will open with Shell (also from K, a society). A noisy surprise to ‘open the dance’. >>> WWW.ATWODOGSCOMPANY.ORG

JAN KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY & JOHAN LEYSEN[BE] M, A REFLECTION 11 & 12/01 20:30 KAAITHEATER THEATER | NL | € 16/12

DUBBELGANGER Als er één thema is dat het werk van de Duitse auteur Heiner Müller (1929–1995) beheerst, dan is het wel dat van de paradoxen en tegenstellingen in de geschiedenis. In zijn leven maakte hij verschillende politieke regimes mee: fascisme, communisme, (neo-)kapitalisme. Als geen ander heeft hij onze primaire behoefte aan een vijand beschreven: de lotsverbondenheid van meester en slaaf, van Goed en Kwaad, onze nood aan De Ander met wie we niet kunnen samenleven maar zonder wie leven even onmogelijk is. Zowel op het individuele als op het politieke vlak wordt onze identiteit immers bepaald door die Ander, aan wiens identiteit wij dan weer op onze beurt vorm geven. In K, a society creëerde Verdonck een beeldenreeks geïnspireerd op de wereld van Franz Kafka. In M, a reflection condenseert hij Heiner Müllers wereld in één beeld. Een beeld dat zich ontdubbelt, dat in dialoog gaat met zichzelf. Op de scène ziet het publiek acteur Johan Leysen die — via tekstmateriaal van Müller — in gesprek gaat met zijn antipode. DOUBLE S’il est un thème qui domine l’œuvre de l’auteur allemand Heiner Müller (1929–1995), c’est celui des paradoxes et contrastes de l’histoire. Au cours de sa vie, il a connu différents régimes politiques : le fascisme, le communisme, le (néo)capitalisme. Il a décrit comme nul autre notre besoin primaire d’ennemi : le sort lié du maître et de l’esclave, du Bien et du Mal, notre besoin de l’Autre avec lequel nous ne pouvons pas cohabiter, mais sans qui la vie est tout aussi impossible. Tant sur le plan individuel que politique, notre identité est définie par l’Autre et à notre tour, nous donnons corps à la sienne.

Dans K, a society, Kris Verdonck a réalisé une série d’images inspirées du monde de Franz Kafka. Dans M, a reflection, il condense l’univers de Heiner Müller en une seule image, qui se dédouble et entre en dialogue avec elle-même. Sur scène, le public voit le comédien Johan Leysen qui entame le dialogue avec son antipode, par le biais de matériau textuel de Müller. DOPPELGÄNGER If there is one theme that dominates the work of the German author Heiner Müller (1929–1995), it is that of the paradoxes and contradictions of history. During his lifetime he experienced several political regimes: fascism, communism, capitalism and neo-capitalism. More than anyone else, he has described our primary need for an enemy: the solidarity between master and slave, of Good and Evil, our need for The Other with whom we cannot cohabit but without whom life is just as impossible.

Indeed, both individually and politically our identity is determined by The Other, whose identity we in turn shape. In K, a society, Kris Verdonck created a sequence of images inspired by the world of Franz Kafka. In M, a reflection he condenses Heiner Müller’s world into one image. An image that is duplicated and enters into a dialogue with itself. On stage the audience sees the actor Johan Leysen — using Müller’s writings — in conversation with his antipode.

CONCEPT & DIRECTION KRIS VERDONCK | ACTOR JOHAN LEYSEN | DRAMATURGY MARIANNE VAN KERKHOVEN (KAAITHEATER) | COSTUME DESIGN AN BREUGELMANS | VIDEO VINCENT PINCKAERS | PRODUCTION & TECHNICAL COORDINATION A TWO DOGS COMPANY IN COLLABORATION WITH DÜSSELDORFER SCHAUSPIELHAUS | CO-PRODUCTION DÜSSELDORFER SCHAUSPIELHAUS (DÜSSELDORF), HEBBEL AM UFER (BERLIN), INTERNATIONALE KEUZE VAN DE ROTTERDAMSE SCHOUWBURG (ROTTERDAM), VOORUIT (GHENT) >>> WWW.ATWODOGSCOMPANY.ORG

JAN MARC VANRUNXT[BE] ZEIT TH 10 & FR 11/01 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | € 16/12 © RAYMOND MALLENTJER

TUSSEN MICRO EN MACRO Met Zeit creëerde Marc Vanrunxt een choreografie voor twee bijzondere dansers, Eva Kamala Rodenburg, een van zijn muzes, en Igor Shyshko (ex- Rosas). Zij transformeren tot een mythisch paar. In hun lange, androgyne gestalte lijken ze elkaars evenbeeld, dat zich tegelijkertijd differentieert en ontdubbelt door hun verschillende bewegingstaal. Zeit is gebaseerd op het gelijknamige dubbelalbum van Tangerine Dream, de Duitse elektrorockgroep die mee aan de basis ligt van de elektronische muziek zoals we die nu kennen, gaande van Kraftwerk en Brian Eno tot Radiohead en Recoil. Zeit gaat over de verbinding tussen het persoonlijke en de kosmos, tussen micro en macro en vertaalt zich als een zoektocht naar nieuwe dimensies en uitvalswegen. ••• Choreograaf Marc Vanrunxt ontwikkelde in de voorbije twintig jaar een consequent en integer oeuvre. Ingehouden energie en repetitieve bewegingspatronen weet hij telkens opnieuw om te zetten in een groots, universeel gebaar. Beeldend kunstenaar Koenraad Dedobbeleer verzorgt sinds 2001 de scenografie van de meeste voorstellingen van Vanrunxt.

ENTRE MICRO ET MACRO Avec Zeit, Marc Vanrunxt crée une chorégraphie pour deux danseurs exceptionnels, Eva Kamala Rodenburg, l’une de ses muses, et Igor Shyshko (ex-Rosas). Les deux se transforment en couple mythique. Leurs longues silhouettes androgynes semblent être la réplique l’une de l’autre, tout en se distinguant et se dédoublant par leur vocabulaire gestuel différent. Zeit s’inspire du double album éponyme de Tangerine Dream, le groupe allemand, pionnier du rock électro et de la musique électronique telle que nous la connaissons aujourd’hui, allant de Kraftwerk et Brian Eno à Radiohead et Recoil. Zeit traite du lien entre le personnel et le cosmos, entre le micro et le macro et se traduit en une quête de nouvelles dimensions et issues. ••• Le chorégraphe Marc Vanrunxt a développé au cours des vingt dernières années une œuvre conséquente et intègre, dans laquelle il parvient encore et toujours à transposer une énergie retenue et des schémas gestuels répétitifs en un geste sublime et universel. Depuis 2001, le plasticien Koenraad Dedobbeleer assure la scénographie de la plupart des productions de Vanrunxt.

BETWEEN MICRO AND MACRO With Zeit, Marc Vanrunxt created a choreography for two exceptional dancers, Eva Kamala Rodenburg (one of Vanrunxt’s fetish dancers) and Igor Shyshko (ex-Rosas), who in this setting transform into a mythical couple. With their tall, androgynous figures they appear to be a likeness of each other, which is both differentiated and duplicated by the differences in their languages of movement. Zeit is based on the double album of the same name by Tangerine Dream, the early electronic pop group from Germany which helped to create the basis of electronic music as we now know it, ranging from Kraftwerk and Brian Eno to Radiohead and Recoil. Zeit is about the connection between the individual and the cosmos, between micro and macro, and translates as a quest for new dimensions and ways to break out. ••• Over the past twenty years Vanrunxt has developed a consistent oeuvre of great integrity in which he turns controlled energy and repetitive movement patterns into grand, universal gestures. Since 2001, artist Koenraad Dedobbeleer has designed the sets of most of Marc Vanrunxt’s productions.

JAN A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

KATE McINTOSH & WENDY HOUSTOUN[NZ/BE/GB] COLD SWEAT (WORKING TITLE)

WORLD PREMIERE

TH 24, FR 25 & SA 26/01 20:30 KAAISTUDIO’S PERFORMANCE | EN | € 16/12

SCHERTS EN LUIM We lachen om onze angsten te bezweren. Dat is ook wat Kate McIntosh en Wendy Houstoun doen in Cold Sweat. Ze tekenen een wereld waar iedereen en alles altijd in beweging is of moet zijn, een wereld waar angst je koud in de nek valt of zorgvuldig georkestreerd wordt. Ze vormen een traditioneel komisch duo, niet van het type dat mekaar de loef afsteekt of loeren draait, maar een duo dat mekaar oppept met scherts en luim. Ze proberen het hoofd boven water te houden maar hun strategieën worden op de proef gesteld, hun trucs onderuitgehaald, ze krijgen het hard te verduren. Cold Sweat mixt theater met comedy en experiment met entertainment. ••• Kate McIntosh volgde een dansopleiding in Nieuw-Zeeland maar woont en werkt al vele jaren in Brussel. In de Kaaistudio’s toonden we al haar werk, recent o.a. Dark Matter (2009) en Untried Untested (2012). Ze werkte verschillende keren samen met Tim Etchells en Forced Entertainment. De Britse Wendy Houstoun werkt zowel als soloperformer als met andere artiesten. Zo was ze in het Kaaitheater te zien in voorstellingen van Tim Etchells, Jonathan Burrows en Davis Freeman. A COUP DE PLAISANTERIES Nous rions pour conjurer nos peurs. C’est également ce que font Kate McIntosh et Wendy Houstoun dans Cold Sweat. Elles brossent le tableau d’un monde où tout et tout le monde est ou doit toujours être en mouvement, un monde où l’angoisse saisit brutalement ou est savamment orchestrée. Les deux femmes forment un duo comique traditionnel, pas du type à se ravir la vedette ou à se faire des entourloupes, mais plutôt du genre à se stimuler à coup de plaisanteries. Elles tentent de garder la tête au-dessus de l’eau, mais avec leurs stratégies mises

à rude épreuve et leurs astuces mises à mal, elles en voient de toutes les couleurs. Cold Sweat marie le théâtre et la comédie, l’expérimental et le divertissement. ••• Kate McIntosh a suivi une formation de danse en Nouvelle-Zélande, mais vit et travaille à Bruxelles depuis plusieurs années. Elle a présenté bon nombre de ses œuvres aux Kaaistudio’s, dont récemment entre autres, Dark Matter (2009) et Untried Untested (2012). Elle a souvent travaillé avec Tim Etchells et Forced Entertainment. La Britannique Wendy Houstoun se produit en solo et collabore aussi avec d’autres artistes. Ainsi, on a pu la voir au Kaaitheater dans des spectacles de Tim Etchells, Jonathan Burrows et Davis Freeman. ENCOURAGEMENT AND BANTER We laugh to allay our fears. This is what Kate McIntosh and Wendy Houstoun do in Cold Sweat. They describe a world in which everyone and everything is or should be always in motion, a world of whipped up anxiety and orchestrated fear. They are a traditional comic duo,

the kind that rests more on encouragement and banter than combat and competition. Cold Sweat endeavours to place the performers in situations where their coping strategies are stretched, their habitual tactics are challenged, and their capacity to work as a team is under duress. As a performance, Cold Sweat is interested in combining theatrical strategies, formal composition, and the anarchic power of the comedian. It wants to teeter along the lines of experiment and entertainment. ••• Kate McIntosh studied dance in New Zealand but has lived and worked in Brussels for many years. Her work has already been presented at the Kaaistudios, including recent productions such as Dark Matter (2009) and Untried Untested (2012). She has worked with Tim Etchells and Forced Entertainment on several occasions. The British Wendy Houstoun works both as a solo performer and with other artists. She has appeared at the Kaaitheater in performances by Tim Etchells, Jonathan Burrows and Davis Freeman.

CREATED & PERFORMED BY KATE MCINTOSH & WENDY HOUSTOUN | SOUND DESIGN JOHN AVERY | LIGHT DESIGN NIGEL EDWARDS | PRODUCTION SPIN | CO-PRODUCTION KAAITHEATER (BRUSSELS) >>> WWW.SPINSPIN.BE

JAN PIETER AMPE & GUILHERME GARRIDO[BE/PT] STILL STANDING YOU TU 15/01 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | 60 MIN. | € 12/10 © PHILE DEPREZ

Van danser en choreograaf Pieter Ampe presenteren we dit seizoen twee duetten. Still Standing You, maakte hij samen met Guilherme Garrido, Jake & Pete samen met zijn broer Jakob Ampe. Cette saison, nous présentons deux duos du danseur et chorégraphe Pieter Ampe. Il a créé Still Standing You avec Guilherme Garrido et Jake & Pete avec son frère Jakob Ampe. This season we are presenting two duets by dancer and choreographer Pieter Ampe. He created Still Standing You in collaboration with Guilherme Garrido, and Jake & Pete together with his brother Jakob. COWBOY EN INDIAAN Drie jaar na Still Difficult Duet (2007) creëren Pieter Ampe en Guilherme Garrido Still Standing You, een dansvoorstelling over (hun) vriendschap, een grappig en herkenbaar portret van twee jongemannen die elkaars grenzen aftasten. Wat met speelse danspasjes begint wordt steeds ruwer en rauwer tot ze aan het vechten zijn. Trekkend en duwend onderzoeken ze hun onderlinge verhouding. Het enige dat ze zeker weten: ze zijn partners in crime, de Cowboy en de Indiaan, gezeten op hun paard, over de heuvels, richting zonsondergang. ••• Pieter Ampe (1982) studeerde o.a. aan PARTS. Als danser werkte hij o.a. mee aan Cirque Danton van Jan Decorte en The Song van Anne Teresa De Keersmaeker. Guilherme Garrido (1983) volgde een opleiding beeldende kunst en nam deel aan dansworkshops. Still Standing You werd geselecteerd voor het Circuit X van het Theaterfestival 2011.

COWBOY ET INDIEN Trois ans après Still Difficult Duet (2007), Pieter Ampe et Guilherme Garrido créent Still Standing You, une œuvre dansante à propos de l’amitié, de leur amitié. Un portrait drôle et reconnaissable de deux jeunes gens qui explorent leurs limites réciproques. Ce qui commence par quelques pas de danse ludiques devient de plus en plus rude et brutal jusqu’à ce que les deux finissent par se battre. Tout en se tirant et se poussant, ils examinent leur relation mutuelle. La seule chose qui paraît certaine, c’est qu’ils sont complices : le Cowboy et l’Indien sur leur cheval, galopant sur les collines en direction du soleil couchant. ••• Pieter Ampe (°1982) a étudié, entre autres, à PARTS. On l’a vu danser, entre autres, dans Cirque Danton de Jan Decorte et dans The Song d’Anne Teresa De Keersmaeker. Guilherme Garrido (°1983) a suivi une formation de plasticien et a participé à des ateliers de danse. Still Standing You a été sélectionné pour le Circuit X du Theaterfestival 2011.

COWBOY AND INDIAN Three years after Still Difficult Duet (2007), Pieter Ampe and Guilherme Garrido created Still Standing You, a dance about (their) friendship, an amusing and recognizable portrait of two young men who probe one another’s boundaries. What begins with playful dance movements gets rougher and rougher until they end up fighting. Pulling and pushing they explore their relationship. The only thing they know for sure is that they are partners in crime, the Cowboy and Indian, seated on their horses, riding over the hills into the sunset. ••• Pieter Ampe (1982) studied at PARTS and elsewhere. As a dancer he performed a.o. in Cirque Danton by Jan Decorte and The Song by Anne Teresa De Keersmaeker. Guilherme Garrido (1983) trained as an artist and participated in dance workshops. Still Standing You was selected for Circuit X at the 2011Theatre Festival.

JAN PIETER AMPE & JAKOB AMPE[BE] JAKE & PETE’S BIG RECONCILIATION ATTEMPT FOR THE DISPUTES FROM THE PAST TH 17 & FR 18/01 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | 60 MIN. | € 12/10

DEUX FRÈRES Deux frères, tous deux nés au Burundi, tous deux ayant de bons et de moins bons souvenirs de leur jeunesse, tous deux ayant atterri dans le monde artistique, l’un en tant que danseur et chorégraphe, l’autre en tant que musicien. Pieter et Jakob Ampe ont pris leur lien de fraternité comme point de départ de leur spectacle Jake & Pete’s big reconciliation attempt for the disputes from the past. Ils se sont étudiés en détail, comme dans un miroir. Ils abordent aussi bien ce qui les unit que ce qui les sépare, parfois de manière subtile, parfois de façon

TWEE BROERS Twee broers, allebei geboren in Burundi, allebei met goede en minder goede herinneringen aan hun jeugd, allebei terechtgekomen in de artistieke wereld, de ene als danser en choreograaf, de ander als muzikant. Pieter en Jakob Ampe namen hun broer-zijn als vertrekpunt voor hun voorstelling Jake & Pete’s big reconciliation attempt for the disputes from the past. Ze bestuderen elkaar nauwgezet, als in een spiegel. Zowel wat hen scheidt als wat hen bindt, komt aan bod, soms subtiel, dan weer extreem. De danser ontdekt zijn stem, de zanger leert zijn lichaam kennen en samen laten ze zich volledig gaan in hun voorliefde voor flauwe humor. ••• Pieter Ampe creëerde eerder al een dansduet (zie vorige pagina). Zijn twee jaar oudere broer Jakob studeerde jazzzang en logopedie. Hij is zanger van de rockband The Germans. Jake & Pete werd gecreëerd in het kader van het internationaal mentorprogramma CONNECT CONNECT waarbij choreograaf Alain Platel de mentor was van de twee broers.

extrême. Le danseur découvre sa voix, le chanteur apprend à connaître son corps et ensemble, ils se laissent aller à leur prédilection pour l’humour potache. ••• Pieter Ampe a créé précédemment un duo de danse (voir à la page précédente). Son frère aîné de deux ans a étudié le chant jazz et l’orthophonie. Il est le chanteur du groupe rock The Germans. Jake & Pete’s big reconciliation attempt for the disputes from the past a été créé dans le cadre du programme de mentorat international CONNECT CONNECT, dans lequel Alain Platel était le mentor des deux frères. TWO BROTHERS Two brothers, both born in Burundi, both with good and bad memories of their youth, both ending up in the artistic world, one as a dancer and choreographer, the other as a musician. Pieter and Jakob Ampe take being brothers as a starting point for their performance Jake & Pete’s big reconciliation attempt for the

disputes from the past. They study each other carefully, as if looking in a mirror. They discuss the things that divide them and unite them, in a way that is sometimes understated and sometimes extreme. The dancer discovers his voice, the singer gets to know his body and together they let themselves go completely in their penchant for offbeat humour. ••• Pieter Ampe has already created a dance duet (see previous page). His two year older brother Jakob studied jazz singing and speech therapy. He is a singer in the rock band The Germans. Jake & Pete was created as part of the international mentor programme CONNECT CONNECT, in which choreographer Alain Platel mentored the two brothers.

‘Laverend tussen tegendraadse dans, cabaret en muziektheater’ — Knack

JAN RAIMUND HOGHE[DE] PAS DE DEUX WE 16/01 20:30 KAAITHEATER DANCE | 120 MIN. | € 16/12 © ROSA-FRANK.COM

In 2012 viert de Duitse choreograaf Raimund Hoghe ‘twintig jaar dansarbeid’. Het Kaaitheater heeft het werk van Hoghe altijd gevolgd. De meeste van zijn creaties werden in Brussel getoond. We tonen twee van zijn voorstellingen: het in 2011 gecreëerde Pas de Deux en het nieuwe Cantatas. In de foyer presenteren we een tentoonstelling rond Hoghes werk. MET DE STEUN VAN GOETHE-INSTITUT BRÜSSEL

TWEE MENSEN In een klassieke pas de deux presenteren de vrouwelijke en de mannelijke sterdanser het toppunt van hun virtuoze kunnen aan het publiek. De Duitse choreograaf Raimund Hoghe benadert de pas de deux op een andere manier: voor hem is het letterlijk een pas, een stap voor twee. In Pas de Deux gaan de oudere Europeaan Hoghe en de jonge Japanse danser Takashi Ueno een (gedanste) dialoog aan, over dingen waarin ze op elkaar lijken en van elkaar verschillen. De vele ‘pas de deux’ die b.v. Stan Laurel en Oliver Hardy in hun films uitvoeren, worden bepaald door de persoonlijke (on)mogelijkheden van elke partner. Op dezelfde manier tasten Hoghe en Ueno af wie ze zijn en tot wat hun samenspel kan leiden. Soms spiegelen ze zich aan elkaar, soms vormen ze een tegenstelling. Verdubbeling en verschil, symmetrie en contrast, gelijkenis en uniciteit: het zijn evenzoveel stadia die zij op hun gemeenschappelijke reis doorlopen.

DEUX PERSONNES Dans un « pas de deux » classique une danseuse et un danseur étoiles présentent au public le sommet de leur virtuosité. Le chorégraphe allemand Raimund Hoghe approche le pas de deux d’une manière différente : pour lui, il s’agit littéralement d’un pas, un pas pour deux personnes. Dans Pas de Deux, l’Européen d’âge mûr, Hoghe, et le jeune danseur japonais Takashi Ueno, entament un dialogue à propos de leurs ressemblances et de leurs dissemblances. Les multiples « pas de deux » qu’exécutent, par exemple, Laurel et Hardy dans leurs films sont définis par les (im)possibilités personnelles de chaque partenaire. C’est par ce biais que Hoghe et Ueno examinent qui ils sont et ce à quoi leur jeu conjoint peut mener. Parfois ils se prennent pour modèle, parfois ils constituent des pôles opposés. Dédoublement et différences, symétrie et contraste, analogie et unicité : autant de stades qu’ils parcourent au long de leur voyage commun.

TWO PEOPLE In a classical ‘pas de deux’ the male and the female soloist present the full range of their virtuoso skills to the audience. The German choreographer Raimund Hoghe approaches the pas de deux in a new way: for him it is literally a step, a step for two. In Pas de Deux the older European Hoghe and the young Japanese dancer Takashi Ueno enter into a dialogue with one another about the things in which they are similar and those in which they differ. The many ‘pas de deux’ that performers such as Stan Laurel and Oliver Hardy act out in their films are determined by the personal potential and inabilities of each partner. In the same way Hoghe and Ueno explore who they are and where their interaction might lead. Sometimes they mirror themselves in each other, sometimes they form a contrast. Doubling and difference, symmetry and contrast, similarities and uniqueness: these are all the stages they go through on their common journey.

CONCEPT & CHOREOGRAPHY RAIMUND HOGHE | DANCE RAIMUND HOGHE, TAKASHI UENO | ARTISTIC COLLABORATION LUCA GIACOMO SCHULTE | SET & LIGHT RAIMUND HOGHE | SOUND FRANK STRÄTKER | PRODUCTION CIE RAIMUND HOGHE (DÜSSELDORF-PARIS) | CO-PRODUCTION THEATER IM PUMPENHAUS MÜNSTER, THÉÂTRE GARONNE (TOULOUSE), FESTIVAL D’AUTOMNE À PARIS >>> WWW.RAIMUNDHOGHE.COM

JAN RAIMUND HOGHE[DE] CANTATAS FR 18 & SA 19/01 20:30 KAAITHEATER DANCE | € 16/12

FORCE DE LIAISON Raimund Hoghe place la musique au cœur de son œuvre, non seulement comme soutien ou interlocutrice de la danse et du mouvement, mais comme créatrice d’un univers aussi. De la musique qui nous ouvre la porte de l’histoire. Hoghe puise pour cela dans des genres très divers. Outre les valses, les chansons romantiques et populaires, Hoghe a travaillé dans le passé avec des classiques musicaux de l’histoire de la danse : Le Lac des Cygnes de Tchaïkovski, Le Sacre du Printemps de Stravinski, L’après-midi d’un Faune de Debussy. Dans Boléro Variations, il a combiné la célèbre composition de Ravel

à des boléros sud-américains et à de la musique de Verdi et de Tchaïkovski. Dans son nouveau spectacle de groupe, Cantatas, les cantates de Bach jouent un rôle central. Hoghe introduit aussi des musiques d’autres compositeurs et choisit aussi bien des cantates religieuses que profanes. Et il travaille pour la première fois avec du chant en direct : la jeune soprano classique Kerstin Pohle chante a cappella et entame ainsi le dialogue avec les danseurs. UNIFYING POWER Music plays a central role in Raimund Hoghe’s oeuvre, not only as a partner in dialogue or a support for the dance and movement, but also as to create a world. Music that opens the door of history for us. Here Hoghe draws from many genres. In addition to waltz music, romantic pop songs and popular songs, in the past Hoghe has used musical classics from the history of dance: Tchaikovsky’s Swan Lake, Stravinsky’s Le Sacre du Printemps and Debussy’s L’après-midi d’un Faune. In Boléro Variations, Ravel’s famous composition was linked to South American boleros and to the music of Verdi and Tchaikovsky. In his new group performance Cantatas, Bach’s cantatas play a central role. Hoghe also makes use of music by other composers and the selected cantatas have are both religious and secular. And it will be the first time Hoghe uses live singing; the young classical soprano Kerstin Pohle sings a cappella and so enters into dialogue with the dancers.

VERBINDENDE KRACHT In het oeuvre van Raimund Hoghe staat muziek centraal, niet alleen als ondersteuning of dialoogpartner van dans en beweging, maar ook als de schepper van een universum, muziek die de deur van de geschiedenis voor ons opent. Hoghe put daarbij uit vele genres. Naast walsmuziek, romantische schlagers en populaire songs werkte Hoghe in het verleden met de muzikale klassiekers uit de dansgeschiedenis: Tsjaikovski’s Zwanenmeer, Stravinski’s Le Sacre du Printemps, Debussy’s L’après-midi d’un Faune. In de Boléro Variations werd Ravels befaamde compositie gekoppeld aan Zuid-Amerikaanse bolero’s en aan muziek van Verdi en Tsjaikovski. In zijn nieuwe groepsvoorstelling Cantatas spelen de cantates van Bach een centrale rol, maar werkt Hoghe ook met muziek van andere componisten en hebben de gekozen cantates zowel een religieus als wereldlijk karakter. Voor het eerst werkt Hoghe met live zang: de jonge klassieke sopraan Kerstin Pohle zingt a capella en treedt hiermee in dialoog met de dansers.

En 2012, le chorégraphe allemand Raimund Hoghe fête ses « 20 ans de productions dansantes ». Le Kaaitheater a toujours suivi avec fidélité l’œuvre de Hoghe, dont la plupart des créations ont été à l’affiche à Bruxelles. Nous présentons deux spectacles : Pas de Deux, créé en 2011, et le nouveau Cantatas. Au foyer, nous présentons une exposition autour de l’œuvre de Hoghe. AVEC LE SOUTIEN DU GOETHE-INSTITUT BRÜSSEL

In 2012, the German choreographer Raimund Hoghe celebrates ‘20 years of dance work’. Over the years, Kaaitheater has always followed Hoghe’s work and most of his creations have been staged in Brussels. We will be presenting two of his performances: Pas de Deux (2011), and his new group work Cantatas. In the foyer we will be presenting an exhibition on Hoghe’s work. SUPPORTED BY GOETHE-INSTITUT BRÜSSEL

DIRECTION, CHOREOGRAPHY & SET DESIGN RAIMUND HOGHE | WITH MARION BALLESTER, FINOLA CRONIN, ADRIEN DANTOU, EMMANUEL EGGERMONT, RAIMUND HOGHE, KERSTIN POHLE, YUTAKA TAKEI, TAKASHI UENO A.O.| ARTISTIC COLLABORATION LUCA GIACOMO SCHULTE | LIGHT RAIMUND HOGHE, TIM LENZING | SOUND FRANK STRÄTKER | PRODUCTION CIE RAIMUND HOGHE (DÜSSELDORF-PARIS) | CO-PRODUCTION MONTPELLIER DANSE >>> WWW.RAIMUNDHOGHE.COM

JAN THOMAS HAUERT & ÀNGELS MARGARIT[BE/ES] FROM B TO B SA 26/01 20:30 + SU 27/01 15:00 KAAITHEATER

DANCE THEATRE | CA. 60 MIN. | € 16/12 | EXTRA: MATINEE KADEE, 27/01 15:00 KAAITHEATER >>> P. 83

MATINEE KADEE

Quasi toutes ses productions ont été à l’affiche du Kaaitheater. Àngels Margarit a créé une vingtaine de chorégraphies depuis 1985, dont certaines ont figuré au programme, entre autres, du festival Klapstuk (Louvain) et du Vooruit, à Gand.

LUDIEK EN GEESTIG In From B to B gaan de Brussels-Zwitserse choreograaf Thomas Hauert en de Catalaanse choreografe Àngels Margarit samen aan de slag. From B to B evoceert een reis van Brussel naar Barcelona, maar misschien is het hoofdthema wel communicatie: de wil om de ander te begrijpen en de onmogelijkheid daarvan. Op die manier werd taal — taal die verbindt maar ook scheidt — een bijkomend thema in de voorstelling. De choreografen namen vervolgens de schrijver Màrius Serra onder de arm. Vertrekkend van de voornamen Thomas en Àngels schreef hij een ‘doublet’, een spel met letters en woorden waarvan de bedoeling is dat beide spelers mekaar via de taal ontmoeten. Een en ander resulteert in een ludiek en geestig stukje danstheater! ••• Thomas Hauert danste begin jaren 1990 bij Rosas en richtte in 1997 zijn gezelschap ZOO op. Zowat alle werk van Hauert was te zien in het Kaaitheater. Àngels Margarit bracht sedert 1985 ruim

twintig choreografieën uit. Werk van haar was o.a. op het Klapstukfestival (Leuven) en in de Gentse Vooruit te zien. LUDIQUE ET SPIRITUEL From B to B propose une collaboration entre le chorégraphe suisse basé à Bruxelles Thomas Hauert et la chorégraphe catalane Àngels Margarit. From B to B évoque un voyage de Bruxelles à Barcelone, mais on pourrait affirmer que le thème principal est la communication : la volonté de comprendre l’autre et l’impossibilité d’y parvenir, le langage qui unit (et sépare). Les chorégraphes ont fait appel au « verbivore » Màrius Serra. Partant des prénoms Thomas et Àngels, il a créé un doublet, un jeu, une suite de mots née de la volonté de faire se rencontrer par la langue les deux créateurs de la pièce. Le tout donne lieu à une jolie pièce de danse théâtre ludique et spirituelle ! ••• Au début des années 90, Thomas Hauert dansait avec Rosas. En 1997, il a fondé sa propre compagnie, ZOO.

PLAYFUL AND WITTY From B to B proposes a collaboration between Brussels-based Swiss choreographer Thomas Hauert and Catalonian choreographer Àngels Margarit. From B to B evokes a journey between Brussels and Barcelona, but one could say that the principal theme is communication: the will to understand the other and the impossibility to do so, the language that unites (and separates). The choreographers called upon writer Màrius Serra. Departing from the words ‘Thomas’ and ‘Àngels’ he created a doublet, a game, a chain of words born of the wish to make the piece’s creators meet through language. Everything together results in a playful and witty dance theatre performance! ••• Thomas Hauert danced with Rosas in the early nineties and founded his company ZOO in 1997. Virtually all Hauert’s work has been presented at the Kaaitheater. Since 1985 Àngels Margarit has created over twenty choreographic works. Her work has also been presented at the Klapstukfestival (Leuven) and in Vooruit in Ghent.

‘Un ravissement’ — Le Temps (Genève)

‘Thomas Hauert et Angels Margarit inventent à eux seuls un langage chorégraphique autonome.’ — L’Humanité (Paris) ‘A playful and lighthearted face-to-face’ — El País (Barcelona)

JAN/FEB ROSAS, KAAITHEATER & DE MUNT/LA MONNAIE PRESENT

ROSAS[BE] ELENA’S ARIA WE 30 & TH 31/01 + FR 1 & SA 2/02 20:30 KAAITHEATER DANCE | RERUN | € 25/20 (CAT. 1), € 20/16 (CAT. 2)

CINQ FEMMES Avec Fase (1982), Anne Teresa De Keersmaeker se propulse d’entrée de jeu sur le devant de la scène internationale. Un an plus tard, elle confirme sa renommée avec Rosas danst Rosas. La jeune chorégraphe démarre sa carrière sur les chapeaux de roue : tournées internationales, critiques dithyrambiques ! Dans Elena’s Aria (1984), la troisième production, la chorégraphe paraît évaluer son œuvre et partir en quête de l’orientation à donner à la suite. Fase et Rosas danst Rosas sont des chorégraphies rigoureuses, quasi mathématiques, sur des partitions musicales impérieuses, même si dans Rosas danst

VIJF VROUWEN Met Fase (1982) had Anne Teresa De Keersmaeker zich meteen op de internationale danskaart gezet. Een jaar later bevestigde zij haar renommee met Rosas danst Rosas. Het ging hard voor de jonge choreografe: internationale tournees, juichende kritieken! Met Elena’s Aria (1984), de derde productie, leek zij haar werk te evalueren en een antwoord te zoeken op de vraag hoe het verder moest. Fase en Rosas danst Rosas waren strakke, bijna mathematische choreografieën op een dwingende muziekscore, al liet De Keersmaeker in Rosas danst Rosas af en toe een streepje emotie toe. Bij Elena’s Aria verdwijnt de muziek naar de achtergrond, stilte wordt een deel van de compositie, filmbeelden en teksten krijgen een plek in de voorstelling, de bewegingstaal en de compositie zijn vrijer. En vooral: de voorstelling drijft op een stroom van emoties. Op de scène vijf vrouwen die vechten met liefde en haat, lust en pijn. Dat alles maakt Elena’s Aria tot een bijzonder rijke en indringende dansvoorstelling.

Rosas De Keersmaeker laisse parfois transparaître un trait d’émotion. Dans Elena’s Aria, la musique passe au second plan, le silence fait partie intégrante de la composition, des images filmiques et des textes s’intègrent au spectacle, le vocabulaire gestuel et la composition se libèrent. Mais plus que tout : le spectac-le vogue sur un flot d’émotions. Sur scène, cinq femmes sont aux prises avec l’amour et la haine, le désir et la douleur. Voilà ce qui fait d’Elena’s Aria un spectacle de danse particulièrement riche et profond. FIVE WOMEN In Fase (1982), Anne Teresa De Keersmaeker immediately made a name for herself in the international dance world. A year later, she confirmed her renown with Rosas danst Rosas. Things moved quickly for the young choreographer, with international tours and rave reviews! In Elena’s Aria (1984), the third production, she seemed to evaluate her

work and seek an answer to the question of how to proceed. Fase and Rosas danst Rosas were precise, almost mathematical choreographic works set to a compelling musical score, though in Rosas danst Rosas De Keersmaeker occasionally allowed a hint of emotion. In Elena’s Aria the music disappears into the background, silence is a part of the composition, film images and words are given a place in the performance, and the language of movement and composition are freer. Above all, the show floats on a stream of emotions. On stage, five women struggle with love and hate, pleasure and pain. This makes Elena’s Aria a particularly rich and haunting dance performance.

CHOREOGRAPHY ANNE TERESA DE KEERSMAEKER | DANCED BY ANNE TERESA DE KEERMAEKER, FUMIYO IKEDA, CYNTHIA LOEMIJ, SAMANTHA VAN WISSEN, TALE DOLVEN/SUE-YEON YOUN | MUSIC RINALDO DI CAPUA, GEORGES BIZET, GAETANO DONIZETTI, WOLFGANG AMADEUS MOZART | PRODUCTION 1984 ROSAS (BRUSSELS), SCHAAMTE VZW (BRUSSELS), KLAPSTUK (LEUVEN) IN COLLABORATION WITH FESTIVAL VAN VLAANDEREN >>> WWW.ROSAS.BE >>> ROSAS PP. 6–7, 21, 77

FEB TONEELHUIS/GUY CASSIERS[BE] ORLANDO WE 6, TH 7, FR 8 & SA 9/02 20:30 KAAITHEATER THEATRE | NL, SURTITLED FR | € 20/16 © FRIEKE JANSSENS

LIEFDESBRIEF Guy Cassiers en actrice Katelijne Damen bewerken Virginia Woolfs Orlando: A Biography (1928) voor het theater. Woolfs roman is een fantastische vertelling over een personage dat leeft van de zestiende tot de twintigste eeuw en dat in de loop van het verhaal van sexe verandert. De held(in) incarneert in een veelvoud van levens en personages. Dat geeft Woolf de gelegenheid om vragen te stellen over gender en identiteit. Het personage is losjes gebaseerd op Vita Sackville-West, de minnares van Woolf op dat ogenblik. De zoon van Sackville-West omschreef de roman als ‘de langste en meest charmante liefdesbrief in de literatuur’. ••• Met Orlando put Guy Cassiers opnieuw zijn inspiratie uit één van de grote romans van de moderne literatuur. Hij ‘vertaalt’ ook deze tekst naar zijn zeer persoonlijk theateridioom waarin de hedendaagse visuele technologie telkens weer in gesprek gaat met woorden en verhaal. Actrice Katelijne Damen speelde o.a. in Mefisto for ever, Onder de vulkaan en De man zonder eigenschappen. Op de televisie was zij o.a. te zien in de succesvolle reeks De Smaak van De Keyser. LETTRE D’AMOUR Guy Cassiers et la comédienne Katelijne Damen adaptent Orlando: A Biography (1928) de Virginia Woolf pour le théâtre. Ce roman est un récit fantastique sur un personnage ayant vécu du XVIe au XXe siècle et qui change de sexe au cours de l’histoire. Le ou la protagoniste se réincarne en une multitude de vies et de personnages. Cela permet à Woolf de soulever des questions sur le sexe et l’identité. Le personnage d’Orlando s’inspire librement de Vita SackvilleWest, la maîtresse de Virginia Woolf à l’époque. Le fils de Sackville-West

a défini le roman comme « la plus longue et la plus charmante lettre d’amour de la littérature ». ••• Avec Orlando, Guy Cassiers puise une fois de plus son inspiration dans l’un des plus grands romans de la littérature moderne. Il « traduit » aussi ce texte de Virginia Woolf vers son idiolecte théâtral dans lequel la technologie visuelle contemporaine entre chaque fois en dialogue avec des mots et des récits. La comédienne Katelijne Damen a joué dans, entre autres, Mefisto for ever, Sous le volcan et L’Homme sans Qualités. LOVE LETTER Guy Cassiers and actress Katelijne Damen have adapted Virginia Woolf’s Orlando: A Biography (1928) for theatre. Woolf’s novel is a fantastic story about a character who lives from the sixteenth to the twentieth century and changes sex during the course of the story. The hero/ heroine embodies a multiplicity of lives and characters. This gives Woolf the opportunity to ask questions about gender and identity. The character is loosely based on Vita Sackville-West, Woolf’s lover at that time. Sackville-West’s son described the novel as ‘the longest and most charming love letter in literature’. ••• In Orlando, Guy Cassiers has once again been inspired by one of the great novels of modern literature. Actress Katelijne Damen has played roles in Mefisto for ever, Under the Volcano and The Man Without Qualities.

FEB JONATHAN BURROWS & MATTEO FARGION[UK] COUNTING TO ONE HUNDRED + ONE FLUTE NOTE TH 7, FR 8 & SA 9/02 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | 60 MIN. + INTERMISSION | € 16/12

‘Op de duur gaat het een beetje dansen in je hoofd. Dat is prachtig.’ — Pieter T’Jonck, De Morgen

‘There are few performers who can hold an audience captive like this double act… the timing of every note, shrug, laugh and gesture is awesome. HHHHH’ — The Guardian

MET DE HAND GEMAAKT Danser-choreograaf Burrows en componist-muzikant Fargion beschrijven hun werk als ‘met de hand gemaakt’ en ‘op mensenmaat’. Ze bouwen hun voorstellingen op met simpele, onspectaculaire elementen. Het resultaat is bedrieglijk eenvoudig maar virtuoos en verrukkelijk. Het zet je op een prettige manier aan het denken. In de voorbije tien jaar hebben Burrows en Fargion een reeks duetten gecreëerd waarin zij het formele van een muziekcompositie combineren met een radicale en open benadering van de voorstelling en de toeschouwer. In Counting To One Hundred, dat we in het voorbije seizoen al toonden, en in het nieuwe One Flute Note gaan zij verder in dialoog met de structuur van John Cages Lecture On Nothing. Ze brengen een hommage aan een manier van denken die aan de basis ligt van veel dans en performance van de jongste dertig jaar en stellen die tegelijk in vraag.

PRODUCTION ARTISANALE Le danseur et chorégraphe Jonathan Burrows et le compositeur et musicien Matteo Fargion décrivent leur travail comme « artisanal » et « à échelle humaine ». Ils construisent leurs spectacles au moyen d’éléments simples et peu spectaculaires. D’une simplicité trompeuse, le résultat est virtuose et jubilatoire. Il stimule joyeusement les méninges. Ces dix dernières années, Burrows et Fargion ont créé une série de duos dans lesquels ils conjuguent le caractère formel de la composition musicale avec une approche ouverte et radicale du spectacle et du spectateur. Dans Counting To One Hundred, que nous avons présenté la saison passée, et dans la nouvelle production One Flute Note, le duo poursuit le dialogue entamé avec la structure de Lecture On Nothing de John Cage. Tout en le remettant en question, ils rendent hommage au mode de pensée qui sous-tend de multiples spectacles et performances de danse

créés au cours des trente dernières années. HANDMADE Dancer-choreographer Jonathan Burrows and composer-musician Matteo Fargion describe what they do as ‘handmade’ and ‘humanscale’. They compose their performances out of simple, non-spectacular elements. The result is a deceptive virtuosity, radiating delight even as it makes the audience think. Over the past ten years Burrows and Fargion have created a series of duets which juxtapose the formality of music composition with a radical and open approach to performance and audiences. In Counting To One Hundred, which we already staged last season, and the new One Flute Note, they continue their dialogue with the structure of John Cage’s Lecture On Nothing. They pay homage to and question a way of thinking that has underpinned so much dance and performance over the last thirty years.

CONCEPT & PERFORMANCE JONATHAN BURROWS & MATTEO FARGION | SUPPORT ARTS COUNCIL ENGLAND, KAAITHEATER (BRUSSELS), PACT ZOLLVEREIN (ESSEN), SADLER’S WELLS THEATRE (LONDON), TEATERGARSJEN (BERGEN) >>> WWW.JONATHANBURROWS.INFO

FEB/MAR A KAAITHEATER FESTIVAL

IN ASSOCIATION WITH ARGOS CENTRE FOR ART & MEDIA, BEURSSCHOUWBURG, BOZAR, CC STROMBEEK, ELEKTRICITEITSCENTRALE, QO2, WIELS CONTEMPORARY ART CENTRE A.O.

PERFORMATIK2013 21/02>2/03 © PAUL BOUDENS/KAAITHEATER

PE RF OR TIK MA 20 13 NL White box? Black cube? Neem plaats in een tentoonstelling, loop rond in een voorstelling! In de nieuwe editie van PERFORMATIK, de biënnale van de performance art, zoeken we opnieuw de kruisbestuiving op tussen de wereld van de beeldende kunst en die van de podiumkunsten. Turner Prize-winnaar Martin Creed trekt de theaterzaal in om zijn kijk op het klassiek ballet te geven. De Franse choreograaf Boris Charmatz verlaat net die zaal en zoekt de tentoonstellingsruimte van Argos op om een tentoonstelling-in-opbouw te laten activeren door een groep performers. In PERFORMATIK2013 zijn ontmoetingen tussen kunstenaars het vertrekpunt. Residenties waarbij er tijd is om elkaars wereld af te tasten en samen tot iets nieuws te komen: we zijn benieuwd naar de performances van Maria Hassabi en Jimmy Robert, Trajal Harrell en Sara Tze. We zijn blij eindelijk de prachtige ontmoeting tussen Meg Stuart, Philipp Gehmacher en Vladimir Miller in Brussel te kunnen tonen. 54

Het Kaaitheater is initiatiefnemer van dit festival maar verschillende Brusselse partners programmeren mee: Argos Centre for Art & Media, Beursschouwburg, Bozar, CC Strombeek, Elektriciteitscentrale, QO2, Wiels Contemporary Art Centre. ••• Het volledige programma wordt in november bekendgemaakt. FR Boîte blanche ? Cube noir ? Prenez place dans une exposition, promenez-vous dans un spectacle ! Lors de la nouvelle édition de PERFORMATIK, la biennale de l’art de la performance, nous partons à nouveau en quête de pollinisations croisées entre le monde des arts plastiques et celui des arts de la scène. Martin Creed, vainqueur du Turner Prize 2001, investit la salle de théâtre pour y donner sa vision du ballet classique, tandis que le chorégraphe français Boris Charmatz quitte cette salle pour s’installer dans l’espace d’exposition Argos où un groupe de performeurs s’emploie à activer une exposition en montage.

PERFORMATIK2013 prend pour point de départ des rencontres entre artistes. Des résidences qui donnent le temps d’explorer les mondes respectifs et d’en distiller quelque chose de nouveau : nous sommes curieux des performances de Maria Hassabi et Jimmy Robert, Trajal Harrell et Sara Tze. Nous sommes heureux de pouvoir enfin présenter la rencontre de Meg Stuart, Philipp Gehmacher et Vladimir Miller à Bruxelles. Si le Kaaitheater est l’initiateur de ce festival, différents partenaires bruxellois se partagent la programmation : Argos Centre for Art & Media, Beursschouwburg, Bozar, CC Strombeek, la Centrale électrique, QO2, Wiels Contemporary Art Centre. ••• Le programme complet sera rendu public en novembre. EN White box or black cube? Take your seat at an exhibition or walk around in a performance! In the new edition of PERFORMATIK, the performance art biennale, we once again explore the cross-pollination between the worlds of art and the performing arts. Turner Prize winner Martin Creed ventures into the theatre to present us with his view of classical ballet. On the other hand, the French choreographer Boris Charmatz has just quit the theatre for the exhibition space at Argos, where he and a group of performers will activate an exhibition that is in the process of being set up. In PERFORMATIK2013, the starting point is the encounter between artists. Residences in which artists have time to explore one another’s worlds and together create something new: we are curious to see the performances by Maria Hassabi and Jimmy Robert, and Trajal Harrell and Sara Tze. We are pleased to finally present the marvellous encounter between Meg Stuart, Philipp Gehmacher and Vladimir Miller in Brussels. Kaaitheater is the initiator of this festival; however, several Brussels partners will be participating: Argos Centre for Art & Media, Beursschouwburg, Bozar, CC Strombeek, Elekticiteitscentrale, QO2 and Wiels Contemporary Art Centre. ••• Full details of the programme will be announced in November. SUPPORT

FEB A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

MARIA HASSABI & JIMMY ROBERT[US/BE] COUNTER-RELIEF (CCS BARD) 2011

PERFORMATIK2013

PERFORMANCE FR 22/02 20:30 + SU 24/02 HOUR TO BE CONFIRMED KAAISTUDIO’S | € 5 INSTALLATION FR 22/02 AFTER THE PERFORMANCE + SA 23 & SU 24/02 IN THE AFTERNOON | FREE

VESTIGES ET CORPS Le plasticien Jimmy Robert avait déjà réalisé deux versions de son Counterrelief. L’année passée, le Bard College à New York lui a demandé, ainsi qu’à la chorégraphe Maria Hassabi, de créer une troisième version. Cela a donné lieu à Counter-relief (CCS Bard) 2011. Hassabi et Robert présentent une nouvelle version qu’ils réaliseront au Kaaitheater, dans le cadre de leur résidence. De la première version de Robert, il subsistait un film en 16 mm, une sculpture de planches en bois et un texte abstrait. C’est à partir de là que Hassabi

RELICTEN EN LICHAMEN Beeldend kunstenaar Jimmy Robert had al twee versies gemaakt van zijn Counter-relief. Vorig jaar vroeg het New Yorkse Bard College hem en choreografe Maria Hassabi om een derde editie te creëren. Dat werd Counter-relief (CCS Bard) 2011. Hassabi en Robert presenteren in het Kaaitheater een nieuwe versie die zij hier in residentie zullen maken. Van Roberts eerste versies bleven een 16 mm-film, een sculptuur van houten planken en een abstracte tekst over. Hiermee gingen hij en Hassabi aan de slag. De planken creëren steeds nieuwe ruimtes, en ook de verhouding tussen Robert en Hassabi wordt op verschillende manieren ingevuld. Het ene moment lijken ze in een intiem duet verbonden, een tel later spelen ze een spel waarin ze hun evenwicht niet mogen verliezen. Hassabi experimenteert met hoe het lichaam zich verhoudt tot de gegeven elementen van de installatie. Na de live performance blijven opnieuw dezelfde relicten over, precies zoals ze werden achtergelaten tijdens de perfor-mance: een door beweging geschreven installatie.

et lui se sont mis au travail. Les planches créent sans cesse de nouveaux espaces et les relations entre Robert et Hassabi sont nourries de diverses manières : par moments, ils semblent liés dans un duo intime, peu après ils jouent un jeu dans lequel ils ne peuvent pas perdre leur équilibre. Hassabi expérimente la manière dont le corps se rapporte aux éléments de l’installation. Après la performance en direct, les mêmes vestiges subsistent, exactement comme ils ont été laissés là lors de la performance : une installation écrite par le mouvement. RELICS AND BODIES The artist Jimmy Robert had already created two versions of his Counterrelief. Last year Bard College in New York asked him and choreographer Maria Hassabi to create a third version. This was Counter-relief (CCS Bard) 2011. At the Kaaitheater Hassabi and Robert will present a new version which they will create while in residence here.

A 16 mm film, a sculpture in wooden planks and an abstract text were left over from Robert’s first versions. Together he and Hassabi set to work with this material. The planks constantly create new spaces, and the relationship between Robert and Hassabi is also interpreted in different ways. One moment they seem to be connected in an intimate duet, and the next they are playing a game in which they are not allowed to lose their balance. Hassabi experiments with the way the body relates to the given elements of the installation. After the live performance the same relics remain precisely where they were abandoned during the performance: an installation ‘written’ by means of movement.

CREATED & PERFORMED BY MARIA HASSABI & JIMMY ROBERT | DEVELOPED THROUGH A RESIDENCY AT KAAITHEATER IN MARCH 2011 | CO-PRODUCTION KAAITHEATER (BRUSSELS) | SUPPORT REBECCA & MARTIN EISENBERG STUDENT EXHIBITION FUND, THE MITZI & WARREN EISENBERG FAMILY FOUNDATION, THE AUDRY & SYDNEY IRMAS CHARITABLE FOUNDATION, THE BOARD OF GOVERNORS OF THE CENTER FOR CURATORIAL STUDIES, THE CENTER’S PATRONS, SUPPORTERS, AND FRIENDS, THE MONIQUE BEUDERT AWARD FUND >>> WWW.MARIAHASSABI.COM

FEB PERFORMATIK2013

TRAJAL HARRELL & SARAH SZE[US] THE UNTITLED STILL LIFE COLLECTION FR 22/02 19:00!!! + SU 24/02 HOUR TO BE CONFIRMED KAAISTUDIO’S DANCE PERFORMANCE | 30 MIN. | € 5 © TRAJAL HARRELL & SARAH SZE

SPANNING Choreograaf Trajal Harrell en beeldhouwster Sarah Sze experimenteren samen, hij met bewegingen, zij met het gebruik van materialen. Die spanning tussen performers, materiaal en ruimte is de essentie van The Untitled Still Life Collection. Het beeld is geen ‘decor’ voor de dans, maar het sculpturale en het choreografische grijpen op elkaar in en veranderen elkaar, wat nieuwe, onvermoede mogelijkheden creëert. ••• De New-Yorkse danser en choreograaf Trajal Harrell was o.a. in residentie bij Workspacebrussels. Dit seizoen presenteren we ook zijn (M)imosa – Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (M), dat ook te zien was in het Festival van Avignon. Sarah Sze zal de VS vertegenwoordigen op de Biënnale van Venetië in 2013.

TENSION Le chorégraphe Trajal Harrell et la sculptrice Sarah Sze unissent leurs forces pour une expérience commune ; il expérimente des mouvements, elle des matériaux. Cette tension entre performeurs, matériaux et espace est l’essence du spectacle The Untitled Still Life Collection. L’interaction du sculptural et du chorégraphique génère des changements respectifs et crée de nouvelles potentialités insoupçonnées. ••• Le chorégraphe et danseur newyorkais Trajal Harrell était en résidence, entre autres, à Workspacebrussels. Cette saison, nous présentons aussi son spectacle (M)imosa – Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (M), qui était à l’affiche du Festival d’Avignon. Sarah Sze représentera les États-Unis à la Biennale de Venise en 2013.

TENSION Choreographer Trajal Harrell and sculptor Sarah Sze experiment together, he with movement and she with materials. This tension between performers, materials and space is the essence of The Untitled Still Life Collection. The stage setting is not a ‘backdrop’ for the dance, but the sculptural and choreographic elements interact and transform one another, thus generating new and unimagined possibilities. ••• The New York dancer and choreographer Trajal Harrell has been an artist in residence at Workspacebrussels. This season we will also be presenting his (M)imosa – Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (M), which was also staged at the Avignon Festival. Sarah Sze will represent the US at the Venice Biennale in 2013.

COMMISSION CO LAB: PROCESS + PERFORMANCE (SUMMER STAGES DANCE & ICA BOSTON) | FUNDING CONTEMPORARY ART CENTERS (CAC), NEW ENGLAND FOUNDATION FOR THE ARTS (NEFA) | SUPPORT DORIS DUKE CHARITABLE FOUNDATION >>> WWW.BETATRAJAL.ORG >>> (M)IMOSA – TWENTY LOOKS OR PARIS IS BURNING AT THE JUDSON CHURCH (M), P. 71

FEB KAAITHEATER & ARGOS PRESENT

A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

BORIS CHARMATZ/MUSÉE DE LA DANSE[FR] BROUILLON

PERFORMATIK2013

SA 23 & SU 24/02 14:00>19:00 ARGOS, WERFSTRAAT 13 RUE DU CHANTIER, 1000 BRUSSELS EXPO/PERFORMANCE

UNE EXPOSITION EN MOUVEMENT Le danseur et chorégraphe Boris Charmatz assure depuis 2009 la direction du Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne, qu’il a d’emblée reconverti en Musée de la danse. Un musée dansant. Un manifeste ! Lors du débat d’ouverture de la précédente édition de PERFORMATIK, Charmatz en a expliqué la nécessité au moyen de deux projets : expo zéro, une exposition sans objets, et brouillon, une exposition qui progresse en permanence, activée par un groupe de performeurs. Charmatz : « Il faut que la collection et la muséologie donnent lieu à des expérimentations qui modifient le cours de ce que ce musée doit urgemment devenir. Ainsi naquit l’exposition appelée brouillon. Au départ, il s’agit simplement de rassembler une petite équipe de commissaires qui choisissent un corpus d’œuvres plastiques, dont l’exposition est assurée par une poignée de performeurs chargés de l’accrochage-décrochage permanent des œuvres, d’en organiser la confrontation les unes avec les autres, du soin de leur faire prendre l’air ou de leur donner du mouvement. brouillon essaie d’être un territoire d’expérience de ce qu’une exposition en mouvement peut donner. » Après Rennes, Bruxelles est la deuxième ville où Charmatz réalise brouillon, avec une nouvelle équipe de commissaires, un nouveau corpus d’œuvres plastiques et nouvelle poignée de performeurs. AN EXHIBITION IN MOVEMENT Dancer and choreographer Boris Charmatz was appointed director of the Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne in 2009. He immediately changed the name to Musée de la danse. Museum of Dance. Dancing museum.

EEN TENTOONSTELLING IN BEWEGING Danser en choreograaf Boris Charmatz werd in 2009 directeur van het Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne. Hij maakte er meteen Musée de la danse van. Museum van de dans. Dansend museum. Een manifest! Tijdens het openingsgesprek van PERFORMATIK2011 legde Charmatz de noodzaak hiervan uit aan de hand van twee projecten: expo zéro, een tentoonstelling zonder objecten, en brouillon, een tentoonstelling die permanent in opbouw is en ‘geactiveerd’ wordt door een groep performers. Charmatz: ‘De collectie en de werking van het Musée de la danse moeten leiden tot experimenten die het Musée zelf wijzigen. Dat is de idee achter brouillon. In het begin verzamelen we een kleine groep curatoren die beeldend werk selecteren. Dat wordt in steeds wisselende accrochages tentoongesteld door een aantal performers. Zij confronteren de werken met elkaar, geven ze lucht, laten ze bewegen. brouillon wil onderzoeken wat “een tentoonstelling in beweging” zou kunnen zijn.’ Na Rennes is Brussel de tweede stad waar Charmatz brouillon realiseert, met een nieuwe ploeg curatoren, kunstwerken en performers.

A manifesto! During the opening debate of the last PERFORMATIK, Charmatz explained why this was necessary. He did this by way of two projects: expo zéro, an exhibition without objects, and brouillon, an exhibition that is continuously under construction and is ‘activated’ by a group of performers. Charmatz: ‘The collection and activities of the Musée de la danse should lead to experiments that change the Museum itself. That’s the idea behind brouillon. In the beginning we collect a small group of curators who select visual work. This is exhibited in constantly changing hangings by a number of performers. They confront the works with one another, give them air, let them move. The aim of brouillon is to explore what ‘an exhibition in movement’ could be.’

CO-PRODUCTION KAAITHEATER (BRUSSELS), ARGOS, MUSÉE DE LA DANSE (RENNES) >>> WWW.MUSEEDELADANSE.ORG

FEB PERFORMATIK2013

MARTIN CREED[GB] WORK NO. 1020 BALLET SA 23/02 20:30 KAAITHEATER

DANCE PERFORMANCE | 70 MIN. | € 16/12 © HUGO GLENDINNING

présentons Work No. 1020 Ballet que Martin Creed structure en s’appuyant sur cinq options de base du ballet classique, des séries de chiffres et l’alphabet. Tout cela se révèle une source inépuisable d’humour et de créativité. Soutenu par du punk-rock poétique interprété en direct, Creed s’exprime au passage sur la composition, la danse et la vie.

KLASSIEK BALLET EN PUNK De werken van beeldend kunstenaar Martin Creed (1968) zijn vaak het resultaat van een strikt toegepast concept of een structuur waarin het werk kan bewegen en interageren met de toeschouwer. In 2001 won hij de Turner Prize voor The Lights Going On and Off (Work No. 227): een lege kamer waarin het licht om de vijf seconden aan en uit ging. Voor Work No. 850 (2008) liet hij vier maanden lang om de 30 seconden een atleet op topsnelheid door de gangen van Tate Britain rennen. Creed is ook muzikant. In 1994 richtte hij de band Owada op. Creeds muzikale composities en voorstellingen zijn vaak parallel te zien met zijn beeldende werk. In PERFORMATIK tonen we Work No. 1020 Ballet. Martin Creed structureert het aan de hand van de vijf basisposities van het klassiek ballet, van cijferreeksen en van het alfabet. Een en ander blijkt een onuitputtelijke bron van humor en creativiteit. Ondersteund door poëtische

>>> WWW.MARTINCREED.COM

punkrock (live!) doet Creed terloops uitspraken over compositie, dans en het leven. BALLET CLASSIQUE ET PUNK Les œuvres du plasticien Martin Creed (°1968) sont souvent le fruit d’un concept appliqué avec rigueur ou d’une structure dans laquelle l’œuvre peut se mouvoir et interagir avec le spectateur. En 2001, Creed a remporté le Turner Prize pour l’œuvre The Lights Going On and Off (Work No. 227) : une pièce vide dans laquelle la lumière s’allume et s’éteint toutes les cinq secondes. Pour Work No. 850 (2008), il a fait courir un athlète à toute vitesse à travers les couloirs de la Tate Britain toutes les 30 secondes, et ce, quatre mois durant. Creed est également musicien. En 1994, il a fondé le groupe Owada. Les compositions musicales de Creed et ses spectacles sont souvent présentés en parallèle à des œuvres plastiques. Dans le cadre de PERFORMATIK, nous

CLASSICAL BALLET AND PUNK The works of the artist Martin Creed (1968) are often the result of a strictly applied concept or structure in which the work can move and interact with the viewer. In 2001 he was awarded the Turner Prize for The Lights Going On and Off (Work No. 227): an empty room in which the lights go on and off every five seconds. For Work No. 850 (2008) he had an athlete running at top speed through the halls of Tate Britain every 30 seconds for four months. Creed is also a musician. In 1994 he founded the band Owada. Creed’s musical compositions and performances are often seen in parallel with his visual art. In PERFORMATIK we will be presenting Work No. 1020 Ballet. Its structure is based on the five basic positions of classical ballet, numerical sequences and the alphabet. All this appears to be an inexhaustible source of humour and creativity. Supported by poetic punk (live!), in passing Creed makes statements about composition, dance and life.

‘A playful and engaging 70 minutes of repetitions where the limitations actually become the springboard of creativity.’ — The Guardian

FEB PERFORMATIK2013

MEG STUART, PHILIPP GEHMACHER & VLADIMIR MILLER[BE/AT/DE] THE FAULT LINES SA 23/02 19:00!!! + SU 24/02 20:30 | DE ELEKTRICITEITSCENTRALE/LA CENTRALE ÉLECTRIQUE, SINT-KATELIJNEPLEIN 44 PLACE SAINTE-CATHERINE, 1000 BRUSSELS DANCE PERFORMANCE | 50 MIN. | € 12/10

PERTURBANT ET FASCINANT Deux corps. Ils s’attirent, se repoussent, se manipulent, se recherchent à nouveau, paraissent se couvrir, glissent l’un par-dessus l’autre, se frottent l’un à l’autre, ressentent leurs fragilités réciproques, lèchent leurs plaies, et recommencent du début. Les ‘fault lines’ (lignes de faille) sont leur point de rencontre. L’intense action physique se transforme de manière à la fois perturbante et fascinante en une installation vidéo surprenante. ••• Dans le spectacle légendaire MAYBE FOREVER – dont la dernière a eu lieu la saison passée au Kaaitheater –, la chorégraphe belgo-états-unienne

ONTREGELEND EN FASCINEREND Twee lichamen. Ze trekken elkaar aan, stoten elkaar af, manipuleren elkaar, zoeken weer toenadering, lijken elkaar te bedekken, schuiven en schuren over elkaar, voelen elkaars kwetsbaarheid, likken hun wonden en beginnen weer van vooraf aan. De ‘fault lines’ (breuklijnen) zijn de plek waar ze elkaar ontmoeten. De heftige fysieke actie wordt op een ontregelende en fascinerende manier een bevreemdende video-installatie. ••• In het legendarische MAYBE FOREVER tekenden de Amerikaans-Belgische choreografe Meg Stuart en haar Oostenrijkse collega Philipp Gehmacher een indringend portret van een liefdesrelatie. De voorstelling beleefde vorig seizoen haar dernière in het Kaaitheater. Voor een researchproject van Sommerszene 08 (Salzburg) werkten Stuart en Gehmacher opnieuw samen. Ze nodigden voor die gelegenheid de Russische videokunstenaar Vladimir Miller uit. De samenwerking beviel zo goed dat ze die in 2010 uitwerkten tot een korte voorstelling: the fault lines.

Meg Stuart et son collègue autrichien Philipp Gehmacher brossaient le portrait pénétrant d’une relation amoureuse. Dans le cadre d’un projet de recherche pour Sommerszene 08 (Salzbourg), Stuart et Gehmacher ont à nouveau travaillé ensemble et ont invité à cette occasion le vidéaste russe Vladimir Miller à les rejoindre. De cette collaboration si fructueuse est né en 2010 un bref spectacle : the fault lines. DISTURBING AND FASCINATING Two bodies. They attract each other, repel each other, manipulate each other, seek to approach one another again, seem to cover each other, sliding and grinding over each other, feel each other’s vulnerability, lick their wounds and start from the beginning again. The ‘fault lines’ are where they meet. The intense physical action becomes a strange video installation in a way that is both disturbing and fascinating.

••• In the legendary MAYBE FOREVER, the American-Belgian choreographer Meg Stuart and her Austrian colleague Philipp Gehmacher have drawn a penetrating portrait of a love affair. Last season the production had its final performance at the Kaaitheater. For a research project for Sommerszene 08 (Salzburg) Stuart and Gehmacher worked together once again. They invited the Russian video artist Vladimir Miller to join them. The collaboration went so well that they developed it into a short performance, the fault lines, in 2010.

‘Een magische voorstelling’ — De Standaard

‘Eine grossartige Ménage à trois zwischen Performern, Bild und Publikum’ — Der Standard

CREATED BY PHILIPP GEHMACHER & VLADIMIR MILLER & MEG STUART | LIGHT JAN MAERTENS | SOUND VINCENT MALSTAF | COSTUMES NINA GUNDLACH | ASSISTANT CREATION PHILIPP HOCHLEICHTER | ASSISTANT SCENOGRAPHY ANIA PAS | PRODUCTION DAMAGED GOODS (BRUSSELS), MUMBLING FISH (VIENNA) | CO-PRODUCTION SZENE SALZBURG (SALZBURG) >>> WWW.DAMAGEDGOODS.BE >>> PHILIPP GEHMACHER, SOLO WITH JACK, P. 60

FEB/MAR A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

PHILIPP GEHMACHER[AT] SOLO WITH JACK

PERFORMATIK2013

DATES & VENUE TO BE CONFIRMED DANCE PERFORMANCE | € 12/10 © ANGELA BEDEKOVIC

fragments de mouvement. Gehmacher veut pouvoir parler sur scène. Cela donne lieu pour lui à une nouvelle sorte de narrativité. Il veut disposer de la liberté de pouvoir s’adresser au public : « permettre à mon corps dansant de parler encore plus fort ». Il croit au corps qui se « produit » littéralement.

STOTTEREND LICHAAM De Oostenrijkse choreograaf en danser Philipp Gehmacher staat met twee voorstellingen in PERFORMATIK: het prachtige the fault lines (met Meg Stuart en Vladimir Miller) en zijn nieuwste werk, solo with Jack. Recent was Gehmacher aan de slag met andere kunstvormen. Dat multidisciplinaire zal doorklinken in solo with Jack. Met solo with Jack keert Gehmacher terug naar zijn solowerk: hij alleen, met zijn ‘stotterende lichaam’, op de scène. Toch wil hij bij deze voorstelling ook partners en gasten betrekken. Die terugkeer naar de solo is een gevolg van zijn Walk and Talk-project. Daarin vroeg hij aan een aantal choreografen te vertellen over hun werk, over hoe het tot stand komt en daarbij bewegingsfragmenten te tonen. Gehmacher wil kunnen praten op de scène. Dat levert voor hem een nieuw soort narrativiteit op. Hij wil over de vrijheid beschikken om zijn publiek te kunnen aanspreken: ‘to allow my dan-

cing body to speak even more loudly’. Hij gelooft in het lichaam dat letterlijk ‘plaats grijpt’. CORPS BALBUTIANT Le chorégraphe et danseur autrichien Philipp Gehmacher est à l’affiche de PERFORMATIK avec deux spectacles : le magnifique the fault lines (avec Meg Stuart et Vladimir Miller) et sa nouvelle œuvre, solo with Jack. Récemment, Gehmacher s’est essayé à d’autres expressions artistiques. Ce caractère multidisciplinaire résonnera dans solo with Jack. Avec solo with Jack, Gehmacher revient au solo : lui, seul sur scène, avec son corps balbutiant. Il désire cependant associer des partenaires et des invités à ce spectacle. Ce retour au solo est une conséquence du projet Walk and Talk, dans lequel il a prié une série de chorégraphes contemporains de parler de leur œuvre, de la manière dont elle voit le jour et de l’illustrer en présentant des

STUTTERING BODY The Austrian choreographer and dancer Philipp Gehmacher will present two performances in PERFORMATIK: the superb the fault lines (with Meg Stuart and Vladimir Miller) and his latest work, solo with Jack. Gehmacher has recently been working with other art forms. This multidisciplinary approach will be reflected in solo with Jack. In his new production, the choreographer and dancer Philipp Gehmacher returns to the solo work in which he is alone on stage with his ‘stuttering body’. Nevertheless, his aim is also to involve partners and guests in this performance. This return to the solo is a result of his Walk and Talk project, in which he asked a series of contemporary choreographers to talk about their work and how it comes about, and to illustrate this with phrases of movement. Gehmacher wants to talk on stage. This generates a new kind of narrative for him. He wants the freedom to address his audience: ‘to allow my body to speak even more loudly’. He believes in the body that literally ‘takes place’.

CONCEPT & PERFORMANCE PHILIPP GEHMACHER | CREATED TOGETHER WITH JACK HAUSER (PERFORMANCE), JAN MAERTENS (LIGHT), VLADIMIR MILLER (SPACE, DRAMATURGY) | TECHNICAL DIRECTOR MONIKA GRUBER | PRODUCTION STEPHANIE LEONHARDT | ASSISTANCE PRODUCTION ANGELA BEDEKOVIC | ASSISTANCE SPACE ALINA HUBER | PRODUCTION MUMBLING FISH (VIENNA) | CO-PRODUCTION IMPULSTANZ (VIENNA), PACT ZOLLVEREIN (ESSEN), KAAITHEATER (BRUSSELS) >>> PHILIPPGEHMACHER.NET >>> THE FAULT LINES, P. 59

FEB/MAR PERFORMATIK2013

ZHANA IVANOVA[BG/NL] BORROWED SPLENDOUR DATES TO BE CONFIRMED | KAAISTUDIO’S

IGNORANT CE QUI VA SUIVRE La scène : un grand carré blanc, délimité par des bords noirs, une table et trois chaises ; ci et là, un marquage à l’aide de ruban adhésif. Les acteurs : inconnus. À chaque représentation, trois nouvelles personnes prennent place à table. Elles ont accepté au préalable de participer à l’exécution d’un scénario préétabli dans un décor préconçu. Du reste, et à l’instar du public, elles ignorent ce qui va suivre. Petit à petit, des instructions précises guident ces acteurs de circonstance à travers le spectacle. L’œuvre de l’artiste de performance russo-bulgare Zhana Ivanova s’articule autour de schémas et de systèmes qui façonnent notre quotidien. Elle recher-

che toujours des formes propres à ce qu’elle remet en question. Néanmoins, même les spectacles dans lesquels elle souhaite explicitement mettre en avant cette ambiguïté des règles connaissent un déroulement formel.

IN HET ONGEWISSE De scène: een groot wit vierkant, afgelijnd met zwarte randen, een tafel en drie stoelen; hier en daar is met tape een aanduiding aangebracht. De acteurs: onbekend. Bij elke performance nemen drie nieuwe mensen plaats aan de tafel. Ze stemden op voorhand in om deel te nemen aan de uitvoering van een voorgeschreven script in een vooropgestelde setting. Verder blijven ze, net als het publiek, in het ongewisse van wat er zal gebeuren. Stap voor stap worden deze gelegenheidsacteurs met precieze instructies door de voorstelling gegidst. Centraal in het werk van de RussischBulgaarse performance-artieste Zhana Ivanova staan de patronen en systemen waarmee we ons dagelijks leven vormgeven. Ze zoekt steeds naar vormen die eigen zijn aan de zaken die ze in vraagt stelt. Toch kennen zelfs die voorstellingen waarin ze expliciet de ambiguïteit van die regels tentoon wil stellen, een formeel verloop.

IN THE DARK On stage: a large white square marked off with black edges, plus a table and three chairs; here and there an indication is marked out with tape. The actors: unknown. For each performance three new people take their place at the table. They have agreed in advance to participate in the performance of a prescribed script in a predetermined setting. Furthermore, like the audience they are in the dark as to what will happen. Step by step these extras are given precise instructions and so are guided through the performance. In the work of the Russian-Bulgarian performance artist Zhana Ivanova, the patterns and systems that shape our daily lives play a central role. She is always looking for forms specific to the matters she questions. Nevertheless, even those performances in which she clearly attempts to reveal the ambiguities of these rules follow a formal course.

WITH ZHANA IVANOVA, SARAH VAN LAMSWEERDE AND GUESTS (T.B.C.)

FEB/MAR PERFORMATIK2013

ALEXANDER-MAXIMILIAN GIESCHE & LEA LETZEL[DE] RECORD OF TIME DATES TO BE CONFIRMED | KAAISTUDIO’S © ALEXANDER-MAXIMILIAN GIESCHE & LEA LETZEL

maîtrise en théâtre à DasArts à Amsterdam. Il a travaillé en tant qu’assistant du metteur en scène Stefan Pucher et du vidéaste Robert Lehniger. Son théâtre joue avec les conventions des arts plastiques et des arts de la scène, entre mouvement et immobilité, rêve et réalité. Lea Letzel (°1984) a étudié à l’Iceland Academy of the Arts à Reykjavik. En 2010, Giesche et elle ont créé le spectacle Drei.

POËTISCH TROMPE-L’OEIL Record of Time is een dialoog tussen live acties en levensgrote projecties. In een snelle opeenvolging van bewegingen, objecten en beelden ontstaat een poëtisch trompe-l’oeil. Alexander Giesche en Lea Letzel maakten deze voorstelling in 2008 als studenten aan de theateropleiding in Giessen. Giesche realiseerde eerder video’s voor de Münchner Kammerspiele en wou een voorstelling maken waarin het gebruik van video niet decoratief zou zijn maar echt centraal zou staan. Record of Time stond op veel festivals en werd door de Süddeutsche Zeitung een absoluut hoogtepunt genoemd. ••• Alexander-Maximilian Giesche (1982) volgt momenteel de Master of Theatreopleiding bij DasArts in Amsterdam. Hij werkte als assistent van regisseur Stefan Pucher en van videoartiest Robert Lehniger. Zijn theater speelt met de conventies van beeldende kunst en podiumkunsten, tussen beweging en stilstand, droom en werkelijkheid. Lea

Letzel (1984) studeerde ook nog aan de Iceland Academy of the Arts in Reykjavik. In 2010 maakten Giesche en Letzel samen de performance Drei. TROMPE-L’ŒIL POÉTIQUE Record of Time est un dialogue entre des actions en direct et des projections grandeur nature. Dans une succession rapide de mouvements, d’objets et d’images naît un trompe-l’œil poétique. Alexander Giesche et Lea Letzel ont créé ce spectacle en 2008, alors qu’ils étaient encore étudiants en art dramatique à Giessen. Giesche avait réalisé auparavant des vidéos pour le Münchner Kammerspiele et souhaitait créer un spectacle dans lequel l’usage de vidéo ne serait pas décoratif, mais véritablement au cœur de la production. Record of Time était à l’affiche de plusieurs festivals. Un sommet absolu, selon le Süddeutsche Zeitung. ••• Alexander-Maximilian Giesche (°1982) prépare à l’heure actuelle une

POETIC TROMPE-L’OEIL Record of Time is a dialogue between live action and life-size projections. In a rapid succession movements, objects and images create a poetic trompe-l’oeil. Alexander Giesche and Leah Letzel created this performance in 2008 as students on the theatre course in Giessen. Giesche has already made video films for the Munich Kammerspiele and wanted to create a performance in which the use of video would be decorative but not really play a central role. Record of Time has been shown at many festivals and was described by the Süddeutsche Zeitung as an absolute highlight. ••• Alexander-Maximilian Giesche (1982) is currently doing the Master of Theatre course at DasArts in Amsterdam. He has worked as assistant director to Stefan Pucher and video artist Robert Lehniger. His theatre work plays with the conventions of visual art and the performing arts, between movement and standstill, dream and reality. Lea Letzel (1984) has studied also at the Iceland Academy of the Arts in Reykjavik. In 2010 Giesche and Letzel together created the performance Drei.

DIRECTED & PERFORMED BY ALEXANDER-MAXIMILIAN GIESCHE & LEA LETZEL | SUPPORT INSTITUT FÜR ANGEWANDTE THEATERWISSENSCHAFT GIESSEN | COOPERATION THEATERSKOLEN KOPENHAGEN

MAR NTGENT/PETER VERHELST[BE] AFRICA TH 7 & FR 8/03 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | € 16/12

CET AUTRE CONTINENT L’auteur et créateur de théâtre Peter Verhelst écrit un monologue avec et pour Oscar Van Rompay. Outre son travail de comédien au NTGent, ce dernier a pris un engagement personnel au Kenya, où il séjourne quelques mois par an et s’investit à faire tourner une entreprise. En 2012, Peter Verhelst l’accompagne.

DAT ANDERE CONTINENT Schrijver en theatermaker Peter Verhelst maakt, na Nero met Wim Opbrouck, een monoloog voor en met Oscar Van Rompay. Die heeft, naast zijn theaterwerk bij NTGent, ook een persoonlijk engagement in Kenia, waar hij enkele maanden per jaar heen gaat en een bedrijf draaiende helpt te houden. In 2012 reist Peter Verhelst met hem mee. Als bagage nemen ze mee: de film Enjoy Poverty – Episode III van Renzo Martens en het boek Heart of Darkness (1902) van Joseph Conrad. Over een moeizame tocht stroomopwaarts over de Congorivier, ten tijde van het westerse imperialisme. En over de onbegrijpelijkheid van een ander continent. Over het verlangen op te gaan in dat andere continent. Over exotisme. Over seks. Hoe botst het beeldende, mythische theater van Peter Verhelst met de getuigenis van Oscar Van Rompay? En hoe kun je iets zinnigs vertellen over je eigen verlangen? ••• Peter Verhelst maakt sinds 2006 voorstellingen bij NTGent. Hij werkte o.m. samen met Kristof Van Boven (Lex, over Alexander de Grote), met Aus Greidanus Jr. (Julius Caesar) en met Wim Opbrouck (Nero). Al deze voorstellingen waren te zien in het Kaaitheater of de Kaaistudio’s. Peter Verhelst is ook een van de meest gelauwerde dichters en auteurs van zijn generatie.

Dans leurs bagages, ils emportent le film Enjoy Poverty – Episode III de Renzo Martens et le livre Heart of Darkness (1902) de Joseph Conrad, à propos d’une remontée pénible du fleuve Congo à l’époque de l’impérialisme occidental. À propos de l’incompréhensibilité d’un autre continent et du désir de se fondre dans cet autre continent. À propos d’exotisme et de sexe. ••• Peter Verhelst crée depuis 2006 des spectacles au NTGent. Il est également l’un des auteurs et poètes les plus primés de sa génération.

Their luggage will include: the movie Enjoy Poverty – Episode III by Renzo Martens and Joseph Conrad’s Heart of Darkness (1902), about a difficult journey upstream on the Congo River at the time of Western imperialism. And also about the incomprehensibility of another continent. About the desire to merge with that other continent. About exoticism. About sex. ••• Peter Verhelst has been creating plays at NTGent since 2006. He is also one of the most acclaimed poets and novelists of his generation.

THAT OTHER CONTINENT The writer and dramatist Peter Verhelst is creating a monologue for and with Oscar Van Rompay. Apart from his theatre work at NTGent, Van Rompay also has a personal commitment in Kenya, which he visits for several months each year and where he helps to keep a business running. In 2012 Peter Verhelst will travel with him.

REGIE & TEKST PETER VERHELST | SPEL OSCAR VAN ROMPAY | PRODUCTIE NTGENT >>> WWW.NTGENT.BE

MAR JAN FABRE/TROUBLEYN[BE] HET IS THEATER ZOALS TE VERWACHTEN EN TE VOORZIEN WAS FR 8 & SA 9/03 19:00!!! KAAITHEATER

THEATRE/PERFORMANCE | LANGUAGE NO PROBLEM | RERUN | 8 HOURS | € 25/20 © PATRICK T. SELLITTO

AUTHENTICITÉ Les points de départ du premier spectacle de théâtre de Jan Fabre étaient d’entrée de jeu fort radicaux. Le spectacle durait huit heures, soit la durée moyenne d’une journée de travail. Le public était libre de quitter la salle (pour aller se sustenter, par exemple) et d’ensuite reprendre place à sa guise. La plupart des actions dans ce spectacle très visuel se répétaient à l’infini ; le texte très restreint était dit par les huit jeunes performeurs en quatre langues différentes. La rançon de l’ennui et de l’épuisement était palpable, non seulement sur scène, mais dans la salle aussi : ce fut aussi le choix le plus radical de Fabre, l’authenticité au lieu de la fiction, de l’illusion ou du mensonge auquel on s’attend sur une scène de théâtre. In 2012 is het 30 jaar geleden dat theatermaker en beeldend kunstenaar Jan Fabre een zeer opgemerkte entree maakte in de Vlaamse theatergeschiedenis met zijn acht uur durende voorstelling Het is theater zoals te verwachten en te voorzien was. Twee jaar later veroverde hij de internationale podia met De macht der theaterlijke dwaasheden. Om deze verjaardag te vieren worden beide producties hernomen met een volledig nieuwe cast. En 2012, cela fait 30 ans que le créateur de théâtre et plasticien Jan Fabre faisait une entrée très remarquée dans l’histoire du théâtre flamand avec son spectacle de huit heures C’est du théâtre comme c’était à espérer et à prévoir. Deux ans plus tard, il conquiert les scènes internationales avec Le pouvoir des folies théâtrales. À l’occasion de ces anniversaires, les deux productions sont reprises avec une toute nouvelle distribution.

ECHTHEID De uitgangspunten van Fabres eerste theatervoorstelling waren meteen zeer radicaal. De voorstelling duurde acht uur, nl. de lengte van een doorsnee werkdag. Het publiek kon de voorstelling op elk moment verlaten (om iets te gaan drinken of een hapje te eten…) en daarna zijn plek in de zaal terug innemen. De meeste handelingen in deze zeer beeldende voorstelling werden eindeloos herhaald; de schaarse tekst werd door de acht jonge performers in vier talen uitgesproken. Verveling en uitputting eisten hun tol, niet alleen op de scène, maar ook in de zaal: dit was de meest radicale keuze van Fabre, een keuze voor ‘echtheid’ in plaats van voor de fictie, de illusie of de leugen die we normaal op een theaterscène verwachten.

AUTHENTICITY With already several exhibitions and performances to his name, in 1982 the artist Jan Fabre (1958) ventured to create his first theatre performance. His choice of principles was immediately very radical. The show lasted eight hours, the length of a typical working day. The audience was free to leave at any time (for something to drink or a bite to eat) and then return to their places in the theatre. Most of the actions in this highly visual presentation were endlessly repeated, the little text included was spoken in four languages by the eight young performers. Boredom and exhaustion took their toll not only on stage but also among the audience: this was also Fabre’s most radical choice, a choice for authenticity rather than for fiction, the illusion or the lie that we normally expect to see on a stage.

MAR A KAAITHEATER 1985 CO-PRODUCTION

JAN FABRE/TROUBLEYN[BE] DE MACHT DER THEATERLIJKE DWAASHEDEN SA 16/03 19:00!!! + SU 17/03 15:00 KAAITHEATER

THEATRE | 260 MIN. | LANGUAGE NO PROBLEM | RERUN | € 25/20 (CAT. 1), € 20/16 (CAT. 2) © PATRICK T. SELLITTO

In 2012, it will be 30 years since the theatre-maker and artist Jan Fabre made his quite remarkable entrance into Flemish theatre history with his eight-hour show This is theatre like it was to be expected and foreseen. Two years later he conquered international stages with The power of theatrical madness. To celebrate this anniversary there will be a rerun of both productions with a completely new cast.

KLATERGOUD Meer nog dan in Het is theater zoals te verwachten en te voorzien was stelt Jan Fabre in De macht der theaterlijke dwaasheden het theater (de opera, de dans) als medium in vraag. Tegelijk verbindt hij het theater van dat moment (1984) — en in het bijzonder zijn eigen theaterarbeid — met het theatrale erfgoed, met de traditie, de canon, de kunstgeschiedenis. De voorstelling is opnieuw in verschillende scènes of handelingen opgedeeld. Hans Christian Andersens verhaal van De nieuwe kleren van de keizer is een van de rode draden die de fragmenten met elkaar verbindt. De schijn, het pretenderen van de keizer staat als metafoor voor de illusie, voor het liegen van het theater. Fabre wenste deze voorstelling dan ook bij voorkeur te spelen in de rode pluche en het klatergoud van de grote burgerlijke schouwburgen.

DORURE Dans Le pouvoir des folies théâtrales, Jan Fabre remet en question le média théâtral (ainsi que l’opéra et la danse), plus encore que dans le spectacle précédent, C’est du théâtre comme c’était à espérer et à prévoir. Parallèlement, il jette des ponts entre l’art dramatique de l’époque (1984) — et sa propre œuvre scénique en particulier — et le patrimoine théâtral, la tradition, le canon et l’histoire de l’art. Le spectacle est une fois de plus subdivisé en différentes scènes ou actions. Le conte de Hans Christian Andersen, Les Habits neufs de l’empereur, constitue le fil rouge qui relie tous les passages. L’apparence, le faux-semblant de l’empereur file une métaphore de l’illusion, du mensonge au théâtre. Par conséquent, Fabre avait jeté son dévolu pour ce spectacle sur le velours et les dorures de théâtres bonbonnières.

TINSEL Even more than in This is theatre like it was to be expected and foreseen, in The power of theatrical madness Jan Fabre questions the medium of theatre (and also opera and dance). At the same time he links the theatre of that time (1984) — and especially his own theatre work — with the theatrical heritage, tradition and the canon of art history. Once again the performance is divided into several scenes or acts. Hans Christian Andersen’s story of The Emperor’s new clothes is one of the threads that connects the scenes. Appearance, the emperor’s pretence, is a metaphor for the illusion, the lie of theatre. Indeed, Fabre chose to stage this performance in the red plush and tinsel of the great conventional theatres.

CONCEPT, DIRECTION, LIGHT, SCENOGRAPHY, CHOREOGRAPHY JAN FABRE | MUSIC WIM MERTENS, SOFT VERDICT | CAST KASPER VANDENBERGHE, GILLES POLET, MARIA DAFNEROS AND OTHERS T.B.C. | COSTUMES POL ENGELS, JAN FABRE | TECHNIQUE BRUNO AERTSEN, MAART VELDMAN | PRODUCTION PROJEKT 3 (ANTWERP), MICKERY (AMSTERDAM), KAAITHEATER 85 (BRUSSELS) | CO-PRODUCTION FESTIVAL DE LILLE (LILLE), THEATRE GERARD PHILIPPE (PARIS) | CO-PRODUCTION RERUN 2012 DESINGEL (ANTWERP) A.O. >>>WWW.TROUBLEYN.BE

MAR KAAITHEATER, BOZAR & ICTUS PRESENT

ICTUS[BE] LIQUID ROOM #4: A HISTORY OF SYNCHRONICITY TH 14/03 20:30 KAAITHEATER MUSIC | € 16/12

FORCE SYNCHRONISANTE Ictus et le compositeur Paul Craenen ont composé un programme impressionnant autour du thème de la force synchronisante du son. Pièce de résistance est un « clip vidéo » dadaïste de George Antheil, Fernand Léger et Dudley Murphy. En outre, il y aura des œuvres de Steve Reich, Karl-Heinz Stockhausen, Peter Ablinger et Simon Steen-Andersen, ainsi qu’une lecture-performance du chorégraphe Xavier Le Roy. À l’instar des dernières éditions, on joue quasi non-stop sur quatre scènes et l’on entre et sort de la salle à sa guise. Dans cette édition, il y a également des performances entre les scènes, hors de la salle et avec le public.

SYNCHRONISERENDE KRACHT Ictus en componist Paul Craenen hebben een indrukwekkend programma samengesteld rond het thema van de synchroniserende kracht van geluid. Pièce de résistance is een dadaïstische ‘videoclip’ van George Antheil, Fernand Léger en Dudley Murphy. Daarnaast werk van Steve Reich, Karl-Heinz Stockhausen, Peter Ablinger en Simon Steen-Andersen en een lecture-performance van choreograaf Xavier Le Roy. Net als in de vorige edities wordt er quasi non-stop gespeeld van op vier podia en loopt u de zaal naar believen in of uit; in deze editie zijn er ook performances tussen de podia, buiten de zaal en mét het publiek.

SYNCHRONIZING CAPACITY Ictus and the composer Paul Craenen have put together a formidable programme on the theme of the synchronizing capacity of sound. The pièce de résistance is a Dadaist ‘video clip’ by George Antheil, Fernand Léger and Dudley Murphy. As well as work by Steve Reich, Karl-Heinz Stockhausen, Peter Ablinger and Simon Steen-Andersen and a lecture-performance by choreographer Xavier Le Roy. As in previous editions, there will be virtually non-stop playing on four stages and the public is free to walk in and out of the various rooms; this time there are also performances in between the stages, outside the hall and together with the public.

LIQUID ROOM #4

••• Freude (2005) by Karl-Heinz Stockhausen, one of his last compositions. ••• Voices and Piano by Peter Ablinger; here the piano merges seamlessly with historic voice recordings by Hanna Schygulla, Jacques Brel, Bertolt Brecht and others. ••• Letter Pieces by Matthew Shlomowitz; formal letter structures form the basis for the synchronization of actions and sounds; absurd, poetic and humorous. ••• Self-Simulator by Simon SteenAndersen; using video goggles and a webcam you see yourself as a ‘third person’, welcome to your own virtual reality! ••• Four Organs (1970) by Steve Reich, the ultimate desynchronization in a wonderful composition for four electric organs and maracas, performed simultaneously on the four stages. ••• Ballet Mécanique (1924) by the composer George Antheil and the painter/film-makers Fernand Léger and Dudley Murphy, this time in a contemporary version; a distant forerunner of today’s rock music videos. ••• Lecture-performance by the choreographer Xavier Le Roy on synchronising body, sound and image, drawn from recent productions.

ICTUS: 4 PERCUSSIONISTS, 2 HARPISTS, 2 PIANISTS, 1 GUITARIST | CONDUCTOR GEORGES-ELIE OCTORS | LECTURE-PERFORMANCE XAVIER LE ROY >>> WWW.ICTUS.BE >>> SEE ALSO XAVIER LE ROY, P. 31

MAR A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

TRISTERO[BE] TOESTAND, EEN ZELFPORTRET

WORLD PREMIERE

WE 20, TH 21, FR 22 & SA 23/03 20:30 KAAISTUDIO’S

THEATRE | NL | € 16/12 + SOUL FOOD: IN GESPREK MET TRISTERO 23/03 18:00>20:00 KAAISTUDIO’S | NL| € 12, INCL. DINNER >>> P. 85 NET ONDER DE OPPERVLAKTE In Toestand maakt een vrouw een stand van zaken op. Ze ontleedt zich, afstandelijk, en toont zich in alle oprechtheid aan haar publiek. Ze belooft objectief te zijn en zich te beperken tot de feiten. Uiterlijke kenmerken zullen geverifieerd kunnen worden. Maar is dat geen illusie? Ligt de waarheid niet net in dat wat ze niet laat zien? Is wat je ziet niet vooral jouw beeld van haar? En wat als ze zich nu eens niet aan de afspraken houdt? Toestand gaat op zoek naar wat er zich net onder de oppervlakte afspeelt. ••• Voor Toestand inspireert Kristien De Proost zich op het vlijmscherpe zelfportret dat de Franse schrijver François de La Rochefoucauld (1613–1680) opnam in zijn bundel Réflexions ou sentences et maximes morales (1665). Een tweede inspiratiebron zijn de indringende, niets verhullende zelfportretten van schilder Lucian Freud (1922–2011). DE MANIÈRE SOUS-JACENTE Une femme établit un état des lieux. Elle s’analyse à distance et se présente à son public en toute franchise. Elle promet d’être objective et de s’en tenir aux faits. Les caractéristiques physiques peuvent être vérifiées. Mais n’est-ce pas une illusion ? La vérité ne se situe-t-elle pas précisément dans ce qu’elle ne montre pas ? L’image que l’on se fait d’elle, ne s’appuie-t-elle pas avant tout sur ce que l’on peut voir d’elle ? Et si elle ne tenait pas parole ? Toestand part en quête de ce qui se déroule de manière sousjacente. ••• Pour Toestand, Kristien De Proost s’inspire à la fois de l’autoportrait au vitriol de l’auteur français François de La Rochefoucauld (1613–1680) dans son recueil Réflexions ou sentences et maximes morales (1665)et des autoportraits

‘Ik ben van gemiddelde lengte, niet stijf en goed gebouwd. Ik heb bruine haren die vanzelf krullen en dik en lang genoeg zijn om door te gaan voor een fraaie haardos. In mijn blik ligt iets droevigs en iets trots dat maakt dat de meeste mensen geloven dat ik iets minachtends heb, wat beslist niet waar is. Ik ben intelligent en durf dat openlijk te zeggen, want waar is het goed voor eromheen te praten?’

pénétrants qui ne dissimulent rien du peintre Lucian Freud (1922–2011). JUST UNDER THE SURFACE A woman takes a good look at herself. She analyses herself with detachment and reveals herself in all sincerity to her audience. She promises to be objective and to confine herself to the facts. External features can be verified. But is this not an illusion? Doesn’t the truth lie precisely in what she does not reveal? Is what you see not mainly your own image of her? And what if she doesn’t stick to the agreements? Toestand sets out in search of what takes place just under the surface. ••• For Toestand, Kristien De Proost was inspired by the razor-sharp self-portrait by the French writer François de La Rochefoucauld (1613–1680) included in his collection Réflexions ou sentences et maximes morales (1665). A second source of inspiration is the penetrating, revealing self-portraits of the painter Lucian Freud (1922–2011).

VAN EN MET KRISTIEN DE PROOST, I.S.M. YOURI DIRKX & PETER VANDENBEMPT | PRODUCTIE TRISTERO (BRUSSEL) | COPRODUCTIE KAAITHEATER, CAMPO (GENT) >>> WWW.TRISTERO.BE >>> TRISTERO, P. 82

MAR

BURNING ICE #6 25>29/03 WHEN ANIMALS LOOK BACK NL Dieren. We kweken ze, we schieten ze, we eten ze op, we stellen ze tentoon, we houden ze als vriend, we aanbidden ze, we roeien ze uit, we proberen ze te redden,... In welke verhouding ook, altijd primeert de idee dat wij mensen er als soort bovenuit steken. Maar de vraag naar de juiste ‘intersoortelijke verhoudingen’ wordt steeds nadrukkelijker gesteld, ook door kunstenaars. De zesde editie van BURNING ICE staat in het teken van deze ‘interspecies communication’.

FR Les animaux. Nous les élevons, nous les abattons, nous les mangeons, nous les exposons, nous les apprivoisons, nous les exterminons, nous tentons de les sauver… Quels que soient les rapports, l’idée prévaut que l’espèce humaine domine. Mais la question de la relation appropriée entre les espèces est posée avec toujours plus d’insistance, également par les artistes. La sixième édition de BURNING ICE s’inscrit sous le signe des « communications entre espèces ».

EN Animals. We breed them, shoot them, eat them, worship them, try to save them, etc. Whatever the relationship, the dominant idea is that man is a superior species. The question regarding proper ‘interspecies relations’ is being asked more and more emphatically, also by artists. The sixth edition of BURNING ICE is devoted to this ‘interspecies communication’.

MARTIN NACHBAR[DE] ANIMAL DANCES WE 27 & TH 28/03 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | € 12/10 © MARTIN NACHBAR

MENSEN EN ANDERE DIEREN Hoe verhouden wij, 21ste-eeuwse stadsdieren, ons tot de ‘andere dieren’? Martin Nachbar onderzoekt wat ons maakt tot dier of niet-mens en hoe het zit met het taboe op ‘dierendansen’. Hij wil onze relaties met dieren transparant maken door de dans. ••• Martin Nachbar is een Berlijns performer en choreograaf; hij doceert en schrijft af en toe ook over zijn werk. Enkele jaren geleden toonden we van hem Repeater – Dance Piece with Father, een dansvoorstelling waarin hij samen met zijn vader, die geen danser is, op de scène stond. ÊTRES HUMAINS ET AUTRES ANIMAUX Quels rapports entretenons-nous, animaux urbains du XXe siècle, avec les autres animaux ? Martin Nachbar se demande ce qui fait de nous des animaux ou des non-humains et ce qu’il en est du tabou de la « danse animale ». Par le biais de la danse, il souhaite rendre notre relation aux animaux transparente.

••• Martin Nachbar est un performeur et chorégraphe berlinois ; il enseigne et écrit parfois à propos de son travail. Il y a quelques années, il était à l’affiche du Kaaitheater avec Repeater – Dance Piece with Father, dans lequel on a pu le voir sur scène aux côtés de son père, qui n’est pas danseur. HUMANS AND OTHER ANIMALS How do we, urban animals of the 21st century, relate to ‘other animals’? Martin Nachbar examines what makes us animal or non-human and why there is a taboo on ‘dancing animals’. He aims to make our relationships with animals transparent through dance. ••• Martin Nachbar is a Berlin performer and choreographer; he teaches and occasionally writes about his work. Some years ago we presented his Repeater – Dance Piece with Father, a dance performance in which he appeared on stage with his father, who is not a dancer.

MAR BURNING ICE #6

DAVID WEBER-KREBS & MAXIMILIAN HAAS[NL/DE] BALTHAZAR TH 28 & FR 29/03 19:00!!! RITS-DE BOTTELARIJ, RUE DELAUNOYSTRAAT 58, 1080 BRUSSELS THEATRE | € 8

EEN EZEL IN DE HOOFDROL In Balthazar staat een ezel in het ‘centrum van de actie’. Een groep menselijke performers wordt met hem geconfronteerd. Balthazar is geïnspireerd op de film Au hasard Balthazar (1966) van Robert Bresson. De voorstelling plaatst de ezel in een vreemde, artistieke context die de mensheid voorstelt; dat heeft een impact op het dier en op de context waarin het wordt geplaatst. De ezel wordt hier niet tot een levend decorstuk herleid maar krijgt de hoofdrol. ••• Balthazar is een langlopend project van regisseur David Weber-Krebs en dramaturg Maximilian Haas waarin zij kijken naar het gedrag van dieren op het toneel. Een eerste versie kwam tot stand aan de Amsterdamse Hogeschool voor de Kunsten in 2011. Deze versie wordt gemaakt samen met studenten van het RITS. David Weber-Krebs is theater-, film- en videomaker en performer. Maximilian Haas is schrijver, dramaturg en curator.

UN ÂNE COMME PROTAGONISTE Dans Balthazar, l’action s’articule autour d’un âne auquel fait face un groupe de performeurs humains. Le spectacle s’inspire du film de Robert Bresson, Au hasard Balthazar (1966). Le spectacle situe l’âne dans un contexte artistique étrange qui représente l’humanité, ce qui exerce un impact à la fois sur l’animal et sur le cadre dans lequel il est placé. L’âne n’est pas réduit à un élément vivant du décor, il est le protagoniste. ••• Balthazar est un projet à long terme du metteur en scène David Weber-Krebs et du dramaturge Maximilian Haas dans lequel ils observent le comportement des animaux sur scène. La première version a vu le jour à l’école supérieure des arts à Amsterdam en 2011. Cette version est réalisée avec des étudiants du RITS. David Weber-Krebs est créateur de théâtre, de cinéma, de vidéo et performeur. Maximilian Haas est auteur, dramaturge et commissaire d’expositions.

A DONKEY IN THE LEADING PART In Balthazar, a donkey is at the ‘centre of the action’. A group of human performers is confronted with him. Balthazar was inspired by Robert Bresson’s film Au hasard Balthazar (1966). The performance puts the donkey in an alien, artistic context that represents mankind; this has an impact on the animal and the setting it finds itself in. The donkey is not reduced to the role of a piece of living scenery, but is assigned a leading part. ••• Balthazar is a long-term project by the director David Weber-Krebs and the dramaturge Maximilian Haas, in which they examine the behaviour of animals on stage. The first version was developed at the Amsterdam School of Arts in 2011. This version will be realised with students from the RITS highschool. David Weber-Krebs is a theatre, film and video maker and performer. Maximilian Haas is a writer, dramaturge and curator.

DIRECTION DAVID WEBER-KREBS | DRAMATURGY MAXIMILIAN HAAS | PERFORMANCE JOHANNES BELLINKX, SANNE DE WIT, TIM SENDERS, DIONNE VERWEY, ABDELKARIM EL BAZ, SUS VERBRUGGEN | RESEARCH MARIE URBAN | TECHNIQUE JEROEN DE BOER, BART VAN DEN HEUVEL, TIM VAN’T HOF | PRODUCTION TIM NIEBURG, PETRA PONTE, YVONNE GUIS >>> WWW.DAVIDWEBERKREBS.ORG

MAR A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

ANDROS ZINS-BROWNE[US/BE] WELCOME TO THE JUNGLE FR 22 & SA 23/03 19:00 + 20:00 + 21:00 + 22:00 KAAITHEATER PERFORMANCE INSTALLATION | CA. 30 MIN. | € 8 © PHILIP VAN LOOCKE SCULPTURE #01 | PHOTO PIETER HUYBRECHTS

EEN ZINTUIGLIJKE JUNGLE Een performance-installatie geïnspireerd door de global weirding, zijnde de effecten van de global warming. Je baant je een weg door een desolaat en bevreemdend labyrint van spiegelfolie. Geuren, samengesteld door parfumeur Laurent-David Garnier, mistgordijnen, temperatuurschommelingen, wind, soundscapes en vibraties dompelen je onder in een immaterieel maar uiterst zintuiglijk universum. De gechoreografeerde chaos roept een wereld op die niet langer gehoorzaamt aan de gekende natuurwetten, een zintuiglijke jungle. Wat rest is de zoektocht naar een nieuw evenwicht. ••• Andros Zins-Browne studeerde aan PARTS. We presenteerden van hem Second Life (2008) en The Host (2009), een choreografie van stoere maar stuurloze cowboys.

UNE JUNGLE SENSORIELLE Une installation-performance inspirée du global weirding (les effets du réchauffement climatique). On se fraie un chemin à travers un étrange labyrinthe abandonné, composé de feuilles miroir. Fragrances — conçues par le parfumeur Laurent-David Garnier —, rideaux de brouillard, fluctuations de température, vent, paysages sonores et vibrations plongent le visiteur dans un univers immatériel, mais particulièrement sensoriel. Le chaos chorégraphié évoque un monde qui n’obéit plus aux lois connues de la nature, une jungle sensorielle. Il ne subsiste que la quête d’un nouvel équilibre. ••• Andros Zins-Browne a étudié à PARTS. Nous avons présenté ses spectacles Second Life (2008) et The Host (2009), une chorégraphie de cow-boys tout en muscles, mais désemparés.

A SENSORY JUNGLE A performance installation inspired by ‘global weirding’, a term used to describe the effects of global warming. You make your way through a strange and desolate landscape of mirror foil. Smells designed by the perfumer Laurent-David Garnier, curtains of mist, temperature fluctuations, wind, soundscapes and vibrations immerse you in an immaterial but very sensory route. The choreographed chaos evokes a world that no longer adheres to the normal laws of nature. What remains is the search for a new balance. ••• Andros Zins-Browne studied at PARTS. We’ve presented his performance Second Life (2008) and The Host (2009), a choreography for tough but aimless cowboys.

CONCEPT & CHOREOGRAPHY ANDROS ZINS-BROWNE | SET DESIGN ERKI DE VRIES, ANDROS ZINS-BROWNE | SOUND DESIGN PETER LENAERTS | SMELL DESIGN LAURENT-DAVID GARNIER | LIGHT DESIGN & TECHNIQUE NICK SYMONS | PRODUCTION WPZIMMER (ANTWERP) | CO-PRODUCTION KAAITHEATER (BRUSSELS), JAN VAN EYCK ACADEMY (MAASTRICHT), PACT-ZOLLVEREIN (ESSEN), VOORUIT (GHENT), BUDA (KORTRIJK), DESINGEL (ANTWERP) | A HOUSE ON FIRE PROJECT, WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION >>> WWW.WPZIMMER.BE

MAR CECILIA BENGOLEA, FRANÇOIS CHAIGNAUD, TRAJAL HARRELL, MARLENE MONTEIRO FREITAS[FR/US] (M)IMOSA - TWENTY LOOKS OR PARIS IS BURNING AT THE JUDSON CHURCH (M) TH 28 & FR 29/03 20:30 KAAITHEATER

DANCE | 80 MIN. | € 16/12 + FREE VOGUING PARTY 29/03 KAAITHEATER >>> P. 84

LE DÉSIR D’ÊTRE AUTRUI En 2009, Trajal Harrell crée Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (S) au New Museum à New York. Que se serait-il passé, se demande-t-il, si en 1963 à New York, une figure de la scène voguing de Harlem était descendue à la Judson Church à Greenwich Village pour y danser aux côtés des pionniers de la danse post-moderne ? Il cherche la réponse à cette question dans une série de cinq chorégraphies, déclinées en cinq formats, allant de XS à XL. Le voguing est né à Harlem au début des années 60. Ce style de danse sensuelle n’a atteint le grand public que

HET VERLANGEN IEMAND ANDERS TE ZIJN In 2009 creëerde Trajal Harrell Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (S) in het New Museum in New York. Wat, vroeg hij zich af, zou er gebeurd zijn mocht in 1963 in New York iemand uit de voguing scene van Harlem was afgezakt naar de Judson Church in Greenwich Village om er met de vroege postmodernen te gaan dansen? Hij zoekt een antwoord op die vraag in een reeks van vijf choreografieën, in vijf formaten, van XS tot XL. Voguing ontstond in Harlem in de vroege jaren 1960. De sensuele dansstijl werd pas veel later mainstream, o.a. door Madonna’s Vogue en de documentaire Paris is Burning. De Judson Church was de plek waar de pioniers van de postmoderne dans — Trisha Brown, Lucinda Childs, Steve Paxton e.v.a. — van 1962 tot 1964 aan het werk waren. ••• (M)IMOSA is de medium-aflevering uit de reeks en is het werk van de choreografen Cecilia Bengolea, François Chaignaud, Marlene Monteiro Freitas en Harrell zelf. Het combineert moeiteloos hedendaagse dans, travestie, glamour en humor. De voorstelling was te zien op het festival van Avignon 2011.

bien plus tard, entre autres, à travers le tube de Madonna, Vogue, et le documentaire Paris is Burning. La Judson Church était le lieu où les pionniers de la danse post-moderne — Trisha Brown, Lucinda Childs, Steve Paxton, et bien d’autres — étaient à l’œuvre entre 1962 et 1964. ••• (M)IMOSA, l’épisode médium de la série, est une collaboration chorégraphique de Cecilia Bengolea, François Chaignaud, Marlene Monteiro Freitas et Trajal Harrell en personne. Le spectacle marie avec fluidité la danse contemporaine, le travestisme, le glamour et l’humour. Il était à l’affiche du festival d’Avignon 2011. THE DESIRE TO BE SOMEONE ELSE In 2009, Trajal Harrell created Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (S) at the New Museum in New York. What, he wondered, would have happened if in 1963 someone from the New York voguing scene in Harlem had come down to the Judson Church in Greenwich Village to perform alongside

the early postmodernists? He sought an answer to his question in a series of five choreographic works in five sizes ranging from XS to XL. ‘Voguing’ originated in Harlem in the early sixties. The sensual dance style only became mainstream much later on, for example through Madonna’s Vogue and the documentary Paris is Burning. The Judson Church was the place where the pioneers of postmodern dance – such as Trisha Brown, Lucinda Childs and Steve Paxton – worked from 1962 to 1964. ••• (M)IMOSA is the medium-sized episode in the series and is the work of the choreographers Cecilia Bengolea, François Chaignaud, Marlene Monteiro Freitas and Harrell himself. The performance effortlessly combines contemporary dance, transvestism, glamour and humour. It was staged at the 2011 Avignon Festival.

CHOREOGRAPHED & PERFORMED BY CECILIA BENGOLEA, FRANÇOIS CHAIGNAUD, TRAJAL HARRELL, MARLENE MONTEIRO FREITAS | PRODUCTION VLOVAJOB PRU WITH LE QUARTZ – SCÈNE NATIONALE DE BREST | CO-PRODUCTION LE QUARTZ – SCÈNE NATIONALE DE BREST, THÉÂTRE NATIONAL DE CHAILLOT, CENTRE DE DÉVELOPPEMENT CHORÉGRAPHIQUE – TOULOUSE, THE KITCHEN – NEW YORK, BOMBA SUICIDA, FUSED – FRENCH US EXCHANGE IN DANCE >>> VLOVAJOB.BLOGSPOT.COM >>> TRAJAL HARRELL & SARAH SZE, P. 56

APR BOZAR & KAAITHEATER PRESENT

EXTRA MUROS

BERNARD FOCCROULLE & SALVA SANCHIS[BE] ORGAN & DANCE MO 15 & TU 16/04 20:00!!! RIJKEKLARENKERK/EGLISE DES RICHES CLAIRES, RIJKEKLARENSTRAAT 21 RUE DES RICHES CLAIRES DANCE & MUSIC | 60 MIN. | € 14/12

PROGRAMME ••• Spiegel, Bernard Foccroulle (1953) ••• Salve Regina, Arnold Schlick (before 1460-after 1521) ••• Memory, Pascal Dusapin (1955) ••• Allein Gott in der Höh sei Her, Johann Sebastian Bach (1685–1750) ••• Die sind die heilgen zehen Gebot, Johann Sebastian Bach (1685–1750) ••• Fa-Si, Luciano Berio (1925–2003) ••• Toccata in F major, Dietrich Buxtehude (1637–1707)

VERRASSENDE ONTMOETING Orgelmuziek, dans en beeldende kunst — eeuwenlang waren er vele, verrijkende uitwisselingen tussen deze disciplines. In de geest van deze traditie, wil Bernard Foccroulle opnieuw in dialoog gaan met hedendaagse kunstvormen. Zo heeft hij de Spaans-Brusselse choreograaf Salva Sanchis uitgenodigd om samen te werken aan een programma van baroken hedendaagse muziek. De voorstelling ging in première in het prestigieuze Musée des Augustins in Toulouse. Een verrassende ontmoeting tussen muziek en dans, choreografie en improvisatie, heden en verleden. ••• Bernard Foccroulle is organist en componist. Hij musiceerde bij het Ricercar Consort en was van 1992 tot 2007 directeur van De Munt. Salva Sanchis studeerde in 1998 af aan PARTS. Hij choreografeerde voor Rosas (o.a. A Love Supreme, op muziek van John Coltrane) en voor zijn eigen ensemble.

RENCONTRE ÉTONNANTE Musique d’orgue, danse et arts plastiques — des siècles durant ces trois disciplines ont connu des échanges multiples et enrichissants. Dans l’esprit de cette tradition, Bernard Foccroulle souhaite entamer de nouveaux dialogues avec des formes d’art contemporain. Cette fois, il a invité le chorégraphe hispanobruxellois Salva Sanchis à travailler avec lui à un programme de musique baroque et contemporaine. La première du spectacle a eu lieu au prestigieux Musée des Augustins à Toulouse. Une rencontre étonnante entre la musique et la danse, la chorégraphie et l’improvisation, le passé et le présent. ••• Bernard Foccroulle est organiste et compositeur. Il a joué avec le Ricercar Consort et a dirigé La Monnaie de 1992 à 2007. Salva Sanchis a achevé ses études à PARTS en 1998. Il a créé des chorégraphies pour Rosas (entre autres, A Love Supreme sur des musiques de John Coltrane) et pour son propre ensemble.

SURPRISING ENCOUNTER Organ music, dance and visual arts — for centuries there have been many enriching exchanges between these disciplines. In the spirit of this tradition, Bernard Foccroulle would once more like to enter into dialogue with contemporary art forms. He therefore invited the SpanishBrussels choreographer Salva Sanchis to collaborate on a programme of baroque and contemporary music. The performance premiered in the prestigious Musée des Augustins in Toulouse. A surprising encounter between music and dance, choreography and improvisation, past and present. ••• Bernard Foccroulle is an organist and composer. He worked as a musician with the Ricercar Consort and from 1992 to 2007 was director of De Munt/ La Monnaie opera house. Salva Sanchis graduated from PARTS in 1998. He has created choreographic work for Rosas (including A Love Supreme, to music by John Coltrane) and for his own ensemble.

ORGAN BERNARD FOCCROULLE | CHOREOGRAPHY SALVA SANCHIS | DANCE TAREK HALABY, SALVA SANCHIS, MANON SANTKIN, GEORGIA VARDAROU >>> WWW.KARSTENWITT.COM >>> WWW.KUNST-WERK.BE

APR GRACE ELLEN BARKEY & NEEDCOMPANY[BE] MUSH-ROOM (WORKING TITLE) FR 19 & SA 20/04 20:30 + SU 21/04 15:00 KAAITHEATER

DANCE | 90 À 120 MIN. | € 16/12 + EXTRA: MATINEE KADEE 21/04 15:00 KAAITHEATER >>> P. 83

MATINEE KADEE © PHILE DEPREZ

HANGENDE PADDENSTOELEN Grace Ellen Barkey maakt elegante burlesken, kleuren fantasierijke tableaux vivants die de verbeelding van de toeschouwer aan het werk zetten. De muziek voor haar nieuwe voorstelling heeft ze besteld bij die andere meesters van de ongebreidelde verbeelding: het legendarische Amerikaanse kunstcollectief The Residents. Barkey: ‘Ik wil een wereld creëren waarin dans, beeld, tekst en muziek op een gelijkwaardige manier noodzakelijk zijn. Bij de voorbereiding van deze voorstelling lag The Third Reich ‘n’ Roll van The Residents op tafel, heerlijke, hysterische vervormde popmuziek. Ook mijn steeds weerkerende samenwerking met ontwerpster Lot Lemm is cruciaal. We stellen het beeldende aspect in de voorstelling voorop. Vanuit de materie herdefiniëren we het medium theater. De nieuwe voorstelling gaat zich afspelen in een woud van paddenstoelen. Paddenstoelen staan in de oosterse wereld voor geluk en ze zijn hallucino-

geen. De paddenstoelen zullen niet staan, maar omgekeerd hangen.’

Le nouveau spectacle se déroule dans une forêt de champignons.

CHAMPIGNONS SUSPENDUS ! Grace Ellen Barkey crée des tableaux vivants élégants, burlesques, hauts en couleur et riches en fantaisie qui stimulent l’imagination du spectateur. Pour son nouveau spectacle, elle a passé commande de la musique auprès des autres maîtres de l’imagination sans borne : le légendaire collectif artistique états-unien, The Residents. Barkey : « Je veux créer un monde dans lequel la danse, l’image, le texte et la musique sont nécessaires de manière équivalente. Lors de la préparation du spectacle, l’album The Third Reich ‘n’ Roll des Residents traînait sur la table. J’aime cet album pour sa déformation hystérique de la musique pop. Ma collaboration récurrente avec la créatrice Lot Lemm est également cruciale. Nous mettons l’aspect visuel du spectacle au premier plan. À partir de la matière, nous redéfinissons le média théâtral.

HANGING MUSHROOMS Grace Ellen Barkey makes elegant burlesques, and colourful and imaginative tableaux vivants that kindle the spectator’s imagination. She commissioned the music for her new show from those other masters of the unbridled imagination, the legendary American art collective, The Residents. Barkey: ‘I want to create a world in which dance, images, words and music are equally necessary. In the course of the preparatory work The Residents’ The Third Reich ‘n’ Roll was lying on the table. I love it for its hysterical distortion of pop music. My recurring collaboration with the designer Lot Lemm is crucial too. We give priority to the visual aspect of the performance. On the basis of this material we redefine the medium of theatre. The new show will be set in a forest of mushrooms.’

VISUAL CONCEPT LEMM&BARKEY | CHOREOGRAPHY GRACE ELLEN BARKEY | MUSIC THE RESIDENTS | WITH SUNG-IM HER, YUMIKO FUNAYA, BENOÎT GOB, MAARTEN SEGHERS, JULIEN FAURE, MISHA DOWNEY | PRODUCTION MANAGEMENT LUC GALLE | PRODUCTION NEEDCOMPANY (BRUSSELS) | CO-PRODUCTION PACT ZOLLVEREIN (ESSEN) >>> WWW.NEEDCOMPANY.ORG

APR WORLD PREMIERE

TG STAN[BE] BERNHARD 3 NOG GEEN TITEL TU 23, WE 24, TH 25, FR 26 & SA 27/04 + MO 29 & TU 30/04 20:30 KAAISTUDIO’S THEATER | NL | € 16/12 THOMAS BERNHARD AT HOME, OBERNATHAL, 1981 © BARBARA KLEMM

elle et politique, tout spécialement dans les domaines artistique et culturel.

ZOUT OP SLAKKEN Na Alles is rustig (1999) en “Redde wie zich redden kan” geen slechte titel (2005), maakt tg STAN nu het derde deel van hun Bernhard-trilogie. In februari 2013 beginnen de repetities. Een aantal stukken van de Oostenrijkse schrijver liggen op tafel, maar de spelers stellen de uiteindelijke beslissing nog even uit. Niet om de toeschouwer in spanning te houden maar omdat de urgentie van een tekst binnen een jaar heel anders kan liggen dan vandaag. Wat wel al vaststaat: Matthias de Koning (Maatschappij Discordia) zal de tafel dekken voor Bernhard 3 nog geen titel, Jolente De Keersmaeker, Sara De Roo en Damiaan De Schrijver spelen. Thomas Bernhard is voor hen een scherprechter, een meester van de overdrijving, virtuoos van de omkering. Hij plooit en breekt taal, legt zout op slakken, steekt vingers in wonden, sloopt heilige huizen, spaart god noch gebod, noch zichzelf. Hij is de gewetensonderzoeker van het individu, van de politiek en in het bijzonder van kunst en cultuur.

DU SEL SUR LES LIMACES Après Alles is rustig (1999) et “Redde wie zich redden kan” geen slechte titel (2005), Jolente De Keersmaeker, Sara De Roo et Damiaan De Schrijver créent le troisième volet de leur trilogie Bernhard. Les répétitions commencent en février 2013. Le collectif a retenu plusieurs textes, mais a reporté le choix définitif de quelque temps encore, non pas pour maintenir le public en haleine, mais parce que l’urgence d’un texte s’impose toujours dans l’instant. Ce qui est d’ores et déjà convenu : Matthias de Koning (Maatschappij Discordia) se voit confier le soin de dresser la table pour le spectacle Bernhard 3 nog geen titel, Jolente De Keersmaeker, Sara De Roo et Damiaan De Schrijver jouent. Pour STAN, Bernhard est un exécuteur des hautes œuvres, un maître de l’exagération, un virtuose du renversement. Il tord et brise la langue, jette du sel sur les limaces, pose le doigt sur les plaies, sape les tabous, n’a ni foi ni loi et ne se ménage pas lui-même. Il est l’examinateur de la conscience individu-

SALT ON SNAILS Following Alles is rustig (1999) and ‘Redde wie zich redden kan’ geen slechte titel (‘Devil take the hindmost’ not a bad title) (2005), tg STAN is now creating the third part of its Bernhard trilogy. Rehearsals begin in February. A number of the Austrian writer’s plays are under consideration, but the actors are not quite ready to make a final decision. This is not to keep the audience in suspense, but because the relevance of a play could change within the space of a year. However, several decisions have been made: Matthias de Koning (Maatschappij Discordia) will set the table for Bernhard 3 as yet untitled, and Jolente De Keersmaeker, Sara De Roo and Damiaan De Schrijver will act it. They view Thomas Bernhard as an executioner, a master of exaggeration and virtuoso of reversals. He bends and breaks language, splits hairs, sticks fingers in wounds, destroys sacred cows and spares neither God nor commandment, nor himself. He is the soul-searcher of the individual, of politics and in particular of art and culture.

TEKST THOMAS BERNHARD | VAN & MET JOLENTE DE KEERSMAEKER, SARA DE ROO, DAMIAAN DE SCHRIJVER | DECOR MATTHIAS DE KONING | TECHNIEK & PRODUCTIE TG STAN >>> WWW.STAN.BE >>> TG STAN, NORA, P. 81 >>> DISCORDIA/DE VEERE, DER THEATERMACHER, P. 34–35

APR HET GROENE BOEK #3 SU 28/04 11:00>20:00 KAAITHEATER BOOKS & DEBATES

NAAR EEN SOCIAAL-ECOLOGISCHE SAMENLEVING Iedereen heeft de mond vol van een duurzame samenleving. Maar wat betekent dat en hoe gaan we ernaartoe? De uitdaging van de klimaatcrisis kennen we ondertussen, maar werk maken van de oplossing is een ander paar mouwen. Wat is er nodig voor de noodzakelijke transitie? Wie is er al mee bezig? Deze vragen en uitdagingen vormen het uitgangspunt van Het Groene Boek. Het Groene Boek is een platform voor uitwisseling en debat over thema’s verbonden met de transitie naar een sociaalecologische samenleving. Dit vergt een bewustzijn over wat er fout loopt, nieuwe denkbeelden over een duurzame samenleving, motiverende praktijken en vooral een open dialoog. Als cultureel evenement focust Het Groene Boek op de cruciale rol die cultuur hierbij te spelen heeft. Het Groene Boek biedt een staalkaart van deze zoektocht naar een sociaal-ecologische samenleving, waarbij het boek centraal staat. Het Groene Boek is een uniek samenwerkingsverband van organisaties uit verschillende maatschappelijke domeinen: Kaaitheater, Denktank Oikos, Jeugdbond voor Natuur en Milieu (JNM), Milieuinformatiecentrum ARGUS en Wereldculturencentrum Zuiderpershuis.

VERS UNE SOCIÉTÉ SOCIALE-ÉCOLOGIQUE Tout le monde n’a à la bouche que la notion de société durable. Mais que signifie cette durabilité et de quelle manière évolue-t-on vers elle ? Entre-temps, nous faisons face au défi de la crise climatique, mais trouver et appliquer des solutions est une autre paire de manches. Que faut-il pour réaliser la transition nécessaire ? Qui s’y est déjà attelé ? Ces questions et défis constituent le point de départ de l’événement Het Groene Boek (le livre vert). Het Groene Boek est une plate-forme d’échanges et de débats autour de thèmes liés à la transition vers une société socialeécologique. Cela requiert une prise de conscience du fait que nous allons droit dans le mur, de nouvelles conceptions d’une société durable, des pratiques motivantes et surtout un dialogue ouvert. En tant qu’événement culturel, Het Groene Boek se focalise sur le rôle crucial que la culture peut jouer dans ces questions, et s’articule autour du livre pour nous proposer un échantillon de la quête vers cette société sociale-écologique. Het Groene Boek constitue une collaboration unique entre organisations de différents domaines sociétaux : le Kaaitheater, le laboratoire d’idées Oikos, la Fédération de la Jeunesse pour la Nature et l’Environnement (JNM), le centre d’information sur l’environnement ARGUS, et le centre des cultures du monde Zuiderpershuis.

TO A SOCIO-ECOLOGICAL SOCIETY Everyone is talking about a sustainable society. But what does that mean and how are we to achieve it? We are all very aware of the challenge of the climate crisis, but finding the solution is another matter. What is needed for the necessary transition? Who is already involved? These questions and challenges are the premise of Het Groene Boek (The Green Book). Het Groene Boek is a platform for debate and an exchange of ideas on themes relating to the transition to a socio-ecological society. This requires an awareness of what is wrong, new ideas about a sustainable society, motivational practices, and especially an open dialogue. As a cultural event, The Green Book focuses on the crucial role culture can play. The Green Book offers a sample of this quest for a social-ecological society, in which the book plays a central role. Het Groene Boek is a unique joint venture by organisations from different social domains: Kaaitheater, Denktank Oikos, Jeugdbond voor Natuur en Milieu (JNM, Youth League for Nature and Environment), ARGUS Milieu-informatiecentrum (Environmental Information Centre) and Wereldculturencentrum Zuiderpershuis.

MAY KAAITHEATER, KUNSTENFESTIVALDESARTS, DE MUNT/LA MONNAIE & ROSAS PRESENT

WORLD PREMIERE

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER & BORIS CHARMATZ[BE/FR] PARTITA #2 FR 3, SA 4, TU 7 & WE 8/05 20:30 + SU 5/05 15:00 KAAITHEATER DANCE | € 25/20 © HERMAN SORGELOOS

TWEE CIRKELS EN BACH De chaconne, de laatste beweging van de Partita nr. 2 van Johann Sebastian Bach, is het middelpunt van de dansvoorstelling die Anne Teresa De Keersmaeker schrijft in samenwerking met Boris Charmatz. In de ruimte tussen twee cirkels speelt Amandine Beyer viool. Boris Charmatz en Anne Teresa De Keersmaeker dansen. Zoals de muziek de stilte omsluit, zo opent het begin het einde. ••• In 2010 creëerden Anne Teresa De Keersmaeker en Jérome Bel 3Abschied. Drie jaar later werkt Anne Teresa samen met die andere grote naam uit de Franse dans, Boris Charmatz, danser, choreograaf en bezieler van het Musée de la danse, een plek om dans te maken en erover na te denken.

DEUX CERCLES ET BACH La chaconne, le dernier mouvement de la Partita n° 2 pour violon de Johann Sebastian Bach, est l’axe central du spectacle de danse qu’Anne Teresa De Keersmaeker réalise en collaboration avec Boris Charmatz. À l’interstice des deux cercles, Amandine Beyer joue au violon. Boris Charmatz et Anne Teresa De Keersmaeker dansent. Tel que la musique enveloppe le silence, le début introduit la fin. ••• En 2010, Anne Teresa De Keersmaeker et Jérôme Bel créent 3Abschied. Trois ans plus tard, Anne Teresa travaille avec l’autre grand nom de la danse contemporaine française, Boris Charmatz, danseur, chorégraphe et initiateur du Musée de la danse, un lieu de réflexion et de création.

TWO CIRCLES AND BACH The chaconne, the last movement of Bach’s Partita No. 2, plays a central role in the dance Anne Teresa De Keersmaeker has created in collaboration with Boris Charmatz. Amandine Beyer plays the violin in the space between two circles. Boris Charmatz and Anne Teresa De Keersmaeker dance. Exactly as the silence envelops the music, the beginning opens up the end. ••• In 2010, Anne Teresa De Keersmaeker and Jérôme Bel created 3Abschied. Three years later Anne Teresa is working with that other big name in the French dance world, Boris Charmatz, dancer, choreographer and inspirer of the Musée de la dance, a place to create and think about dance.

CHOREOGRAPHY ANNE TERESA DE KEERSMAEKER IN COLLABORATION WITH BORIS CHARMATZ | DANCE ANNE TERESA DE KEERSMAEKER, BORIS CHARMATZ | VIOLIN AMANDINE BEYER | MUSIC ‘PARTITA NO. 2’, JOHANN SEBASTIAN BACH | COSTUMES ANNE-CATHERINE KUNZ | PRODUCTION ROSAS (BRUSSELS) | CO-PRODUCTION LA MONNAIE/DE MUNT (BRUSSELS), FESTIVAL D’AVIGNON, LES THÉÂTRES DE LA VILLE DE LUXEMBOURG, KUNSTENFESTIVALDESARTS (BRUSSELS), IMPULSTANZ (VIENNA), LA BÂTIE – FESTIVAL DE GENÈVE, BERLINER FESTSPIELE, THÉÂTRE DE LA VILLE WITH THE FESTIVAL D’AUTOMNE À PARIS, FESTIVAL/TOKYO >>> WWW.ROSAS.BE >>> ROSAS PP. 6–7, 21, 51 77

MAY KAAITHEATER & KUNSTENFESTIVALDESARTS PRESENT

A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY[BE] H, AN INCIDENT

WORLD PREMIERE

WE 15, TH 16, FR 17 & SA 18/05 20:30 KAAITHEATER

THEATRE/PERFORMANCE | EN, SURTITLED NL & FR | € 16/12 + SOUL FOOD: IN GESPREK MET KRIS VERDONCK | SA 18/05 18:00>20:00 KAAITHEATER | NL | € 12 INCL. DINNER >>> P. 85 WANDELENDE TROMMELS EN TROMPETTEN De ‘H’ in H, an incident verwijst naar de Russische schrijver Daniil Harms (of Charms) (1905–1942). Harms schreef korte, compleet absurde verhaaltjes. Zijn humor én zijn gewelddadigheid doen aan Monthy Python denken, terwijl het absurde realisme dat hij beschrijft vaak erg lijkt op de waanzin die wij in ons dagelijkse leven meemaken. Het hoogst non-conformistische gedrag van Harms werd door de Stalinistische overheden als gevaarlijk en subversief beschouwd. H, an incident wordt de eerste muziektheaterproductie van theatermaker en beeldend kunstenaar Kris Verdonck. In de muziek wordt o.a. gebruik gemaakt van Russische kinderliedjes. Het koor bestaat uit zes IJslandse meisjes, aangevoerd door danseres en zangeres Erna Omarsdottir. Deze vrouwelijke wezens kunnen allerlei gedaanten aannemen, van meisje tot oud vrouwtje. Acteur Jan Steen is ‘de man op het dak’, de incarnatie van auteur Harms, de man die kijkt en beschrijft , zich verwondert en filosofeert. Tussen de abstracte decorstukken en de levende wezens in bewegen zich een aantal muziekinstrumenten. Trommels en trompetten van de befaamde gebroeders Decap wandelen geheel zelfstandig door Harms’ absurde wereld waarin voorwerpen en meubelstukken, katten en mensen met elkaar communiceren. ‘De kunst’, zei Harms, ‘is een kast.’

TAMBOURS ET TROMPETTES ITINÉRANTS Le « H » de H, an incident fait référence à l’auteur russe Daniil Harms (ou Charms) (1905–1942). Harms a écrit des histoires brèves, complètement absurdes. Son humour et sa violence font penser aux Monthy Python, tandis que le réalisme absurde qu’il décrit ressemble souvent à la folie que nous vivons au quotidien. Le comportement hautement anticonformiste de Harms fut considéré comme dangereux et subversif par les autorités staliniennes. H, an incident est la première production de théâtre musical du créateur de théâtre et plasticien Kris Verdonck. La musique reprend, entre autres, des chansons enfantines russes. Le chœur se compose de six jeunes Islandaises, dirigées par la danseuse et chanteuse Erna Omarsdottir. Ces créatures féminines adoptent différents aspects, allant de la petite fille à la femme âgée. Le comédien Jan Steen est « l’homme sur le toit », l’incarnation de l’auteur Harms, l’homme qui observe et décrit, s’étonne et philosophe. Entre les pièces du décor abstrait et les êtres vivants se meuvent des instruments de musique. Tambours et trompettes des fameux frères Decap se promènent de manière entièrement autonome à travers l’univers absurde de Harms dans lequel des objets et du mobilier, des chats et des humains communiquent entre eux. « L’art », disait Harms, « est une armoire ».

WALKING DRUMS AND TRUMPETS The ‘H’ in H, an incident refers to the Russian writer Daniil Harms (or Charms) (1905–1942). Harms wrote short stories that were completely absurd. His humour and violence remind us of Monty Python, while the absurd realism he portrays is often reminiscent of the madness we experience in our daily lives. The Stalinist authorities regarded Harms’ highly non-conformist behaviour as dangerous and subversive. H, an incident is the first musicaltheatre production by theatre-maker and artist Kris Verdonck. The music includes some Russian children’s songs. The choir consists of six Icelandic girls led by the singer and dancer Erna Omarsdottir. These female creatures can assume all kinds of guises, from girl to old woman. The actor Jan Steen is ‘the man on the roof’, the incarnation of Harms, the author, the man who watches and describes, wonders and philosophises. Several musical instruments move amongst the abstract bits of scenery and the living beings. In Harms’ absurd world, where objects and furniture, cats and people communicate, the famous Decap brothers’ drums and trumpets move about with complete independence. ‘Art’, said Harms, ‘is a cupboard.’

CONCEPT & DIRECTION KRIS VERDONCK | DRAMATURGY MARIANNE VAN KERKHOVEN (KAAITHEATER) | MUSIC COMPOSITION JÓNAS SEN, VALDIMAR JÓHANSSON | CHORUS ERNA ÓMARSDÓTTIR, ÞYRÍ HULD ARNADOTTIR, THORUNN ARNA KRISTJANSDOTTIR, SIBYLLE KOELL A.O. | ACTOR JAN STEEN A.O. | COSTUME DESIGN AN BREUGELMANS, SOFIE DURNEZ | STAGE SET KAAITHEATER, GEBROEDERS DECAP S.A. | SOUND TECHNICIAN STEF VAN ALSENOY | PRODUCTION & TECHNICAL COORDINATION A TWO DOGS COMPANY IN COLLABORATION WITH KAAITHEATER | COLLABORATION SHALALA/ ERNA ÓMARSDÓTTIR & VALDIMAR JÓHANSSON | CO-PRODUCTION KUNSTENFESTIVALDESARTS (BRUSSELS), KAAITHEATER (BRUSSELS) >>> WWW.ATWODOGSCOMPANY.ORG 78

‘L’absurde, c’est la raison lucide qui constate ses limites.’ — Albert Camus

MAY/JUN KAAITHEATER & DE MUNT/LA MONNAIE PRESENT

TONEELGROEP AMSTERDAM/IVO VAN HOVE[NL] NA DE REPETITIE/PERSONA FR 31/05 19:00!!! + SA 1/06 19:00!!! + SU 2/06 15:00 KAAITHEATER

FRAGIELE GRENS Regisseur Ivo van Hove heeft iets met Ingmar Bergman. Hij bracht eerder al geweldige ensceneringen van Scènes uit een huwelijk (2005) en Kreten en gefluister (2009). Nu regisseert hij twee teksten van de Zweedse theater- en filmregisseur: Na de repetitie (1984), een tv-essay over theater en toneelspelen, en Persona (1966), een film die Bergman zelf een van zijn beste werken vond. U krijgt ze beide op één avond te zien. Na de repetitie is een voorstelling over de betekenis van theater. Voor de regisseur is het theater zijn leven. Zijn voorstellingen vormen zijn autobiografie. Het illusionaire theater is zijn werkelijkheid. In Persona zien we hoe een topactrice een scène abrupt afbreekt en vervolgens weigert te spreken. Ze wordt naar het ziekenhuis gebracht, waar een jonge verpleegster haar verzorgt. Voor de actrice is haar leven leeg en betekenisloos geworden. De verpleegster probeert haar levenslust terug te geven. Diep van binnen voelt zij echter dezelfde onvrede. In beide teksten zoekt Bergman de fragiele grens tussen verbeelding en werkelijkheid, ziekte en normaliteit op. In beide teksten onderzoekt hij de betekenis van kunst, in ons leven en in

de maatschappij. Persoonlijk en menselijk. Glashard en liefdevol. FRONTIÈRE FRAGILE Le metteur en scène Ivo van Hove a des affinités avec l’œuvre d’Ingmar Bergman. Précédemment, il a déjà présenté une formidable adaptation théâtrale de Scènes de la vie conjugale en 2005, et de Cris et chuchotements en 2009. Cette fois, il met en scène deux textes du réalisateur suédois : Après la répétition, un téléfilm de 1984 sur le théâtre et l’interprétation théâtrale, et Persona, un film de 1966 que Bergman considérait lui-même comme l’un de ses meilleurs. Les deux œuvres sont à voir en une seule soirée. Après la répétition est un spectacle sur la signification du théâtre. Pour le metteur en scène, le théâtre est sa vie. Ses spectacles constituent son autobiographie et l’illusion théâtrale, sa réalité. Dans Persona, on voit une actrice vedette brutalement interrompre une scène et refuser de parler ensuite. On l’emmène à l’hôpital, où une jeune infirmière la prend en charge. L’actrice a le sentiment que sa vie est vide et dénuée de sens. L’infirmière tente de lui rendre le goût de la vie. Toutefois, au fond d’elle-même,

elle ressent le même malaise. Dans les textes, Bergman recherche la frontière fragile entre l’imaginaire et la réalité, la maladie et la normalité et examine le sens de l’art dans la vie et la société. Intime et humain. Âpre et débordant d’amour. FRAGILE BOUNDARY Ivo van Hove will be directing two plays by the Swedish theatre and film director: After the Rehearsal (1984), a TV essay about theatre and acting and Persona (1966), a film Bergman himself regarded as one of his best works. You will get to see them both on one evening. After the Rehearsal is a play about the meaning of theatre. For the director theatre is his life. His productions are his autobiography. The illusion of theatre is his reality. In Persona, we see how a leading actress abruptly breaks off a scene and then refuses to speak. She is taken to hospital.

JUN A KAAITHEATER CO-PRODUCTION

TG STAN[BE] NORA

TG STAN IN ENGLISH!!!

FR 7 & SA 8/06 20:30 KAAITHEATER THEATRE | EN, SURTITLED NL | € 16/12

UNE PIÈCE À SCANDALE L’auteur dramatique norvégien Henrik Ibsen publie Nora (La maison de poupées) en 1879. Il y brosse un tableau profondément critique du rôle traditionnel réservé à l’homme et à la femme dans l’union matrimoniale du XIXe siècle et suscite ainsi l’émoi dans l’Europe de l’époque. Dans la pièce, Nora Helmer sort de la léthargie de son existence confortable d’épouse et de mère de famille : quand son mariage est mis à rude épreuve, elle se met à douter de tout ce dont elle a été convaincue à ce jour. Même à travers notre regard du XXIe siècle, Nora demeure une analyse cinglante des

EEN SCHANDAALSTUK De Noorse toneelschrijver Henrik Ibsen publiceerde Nora (Het Poppenhuis) in 1879. Hij schetste een uiterst kritisch beeld van de traditionele rol van man en vrouw in het 19de-eeuwse huwelijk, en veroorzaakte daarmee heel wat opschudding in het Europa van toen. In het stuk ontwaakt Nora Helmer uit haar comfortabele bestaan als echtgenote en huismoeder. Wanneer haar huwelijk op de proef gesteld wordt, begint ze te twijfelen aan alles waarin ze tot dan toe geloofde. Ook door 21ste-eeuwse ogen gezien is Nora een huiveringwekkende analyse van de huidige verhoudingen tussen man en vrouw. Tg STAN maakt van Nora een boeiend verhaal over morele neerbuigendheid en maatschappelijke schijnheiligheid, maar ook een subtiele kritiek op het consumentisme in het Europa van 2012. ••• STAN-spelers Jolente De Keersmaeker en Frank Vercruyssen maken Nora samen met Wine Dierickx (Wunderbaum) en de Portugese acteur Tiago Rodrigues in Lissabon, en gaan er dan mee op tournee door heel Europa.

relations actuelles entre hommes et femmes. Tg STAN fait de Nora une histoire passionnante sur la condescendance morale et l’hypocrisie sociale, mais aussi une critique subtile de la société de consommation qu’est l’Europe de 2012. ••• Les comédiens de tg STAN, Jolente De Keersmaeker et Frank Vercruyssen, créent Nora avec Wine Dierickx (Wunderbaum) et le Portugais Tiago Rodrigues, à Lisbonne. Ensuite ils partent en tournée à travers toute l’Europe.

eyes, Nora is a chilling analysis of present-day husband and wife relationships. Tg STAN makes Nora into a fascinating story of moral condescension and social hypocrisy, but it is also a subtle critique of consumerism in the Europe of 2012. ••• The STAN actors Jolente De Keersmaeker and Frank Vercruyssen will be creating Nora with Wine Dierickx (Wunderbaum) and Portuguese actor Tiago Rodrigues in Lisbon, and will then go on tour with it throughout Europe.

A CONTROVERSIAL PLAY The Norwegian playwright Henrik Ibsen published Nora (A Doll’s House) in 1879. He presents us with a sharply critical picture of the traditional roles of husband and wife in 19th-century marriage, which caused quite a stir in Europe at the time. In the play, Nora Helmer awakens from her comfortable existence as wife and housewife. When her marriage is put to the test, she begins to doubt everything she has always believed in. Moreover, viewed through 21st-century

TEXT ‘A DOLL’S HOUSE’, HENRIK IBSEN | BY & WITH WINE DIERICKX, JOLENTE DE KEERSMAEKER, TIAGO RODRIGUES, FRANK VERCRUYSSEN | LIGHTING DESIGN THOMAS WALGRAVE | COSTUMES AN D’HUYS | PRODUCTION & TECHNIQUE TG STAN | CO-PRODUCTION TEATRO MARIA MATOS (LISBOA), KAAITHEATER (BRUSSELS) A HOUSE ON FIRE PROJECT, WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION >>> WWW.STAN.BE

JUN TRISTERO[BE] THE SEARCH PROJECT XL SA 15/06 20:30 KAAITHEATER

A FEAST FOR ALL SEASONS NL We zeggen goodbye aan het oude en hello aan het nieuwe seizoen. En we doen dat met een feestelijke avond. Om 19 uur krijgt u een woordje uitleg bij het programma voor 2013-14. Nadien kan u het geweldige Search Project van Tristero (opnieuw) zien, in de grote zaal en in een XL-versie. En tot slot wuiven we 2012–13 uit met een te gek feestje in het Kaaicafé.

HET JUISTE PAAR SCHOENEN Elke mens gaat op zoek om zijn wensen en verlangens te realiseren. Die zoektocht kan een leven lang duren (op zoek naar het geluk) of een paar uur (op zoek naar het juiste paar schoenen). De mensheid is echt op zoek naar álles: vriendschap en seks, maar ook naar werk, verzamelobjecten, vermiste dieren enz. Een zoekertjespagina is dan ook een ‘vrije tribune’ waarin iedereen die zijn leven wil veranderen het woord neemt. Tristero legt die universele zoektocht bloot en neemt u mee doorheen een vreemde, geestige en aandoenlijke verzameling zoekertjes, gevonden in kranten, van de 18de eeuw tot vandaag, en op het internet. LA PAIRE DE CHAUSSURES RÊVÉE Désirs et souhaits sont parfois difficiles à formuler, néanmoins tout le monde les traduit en une quête concrète. Celle-ci peut prendre une vie (à la recherche du bonheur) ou quelques heures (à la recherche de la paire de chaussures rêvée). Dans ce spectacle, qui s’inspire

de « petites annonces » trouvées, Tristero met à nu cette quête universelle. L’humanité est réellement à la recherche de tout : amitié et plus si affinités, travail, objets de collection, animaux perdus, etc. Une page de petites annonces est par conséquent une sorte de « tribune libre » dans laquelle toute personne désireuse de changer de vie a voix au chapitre. THE RIGHT SHOES Although wishes and desires are sometimes difficult to express in words, everyone still translates them into an actual quest. This quest can last a lifetime (in search of happiness) or a few hours (searching for the right shoes). In this performance – based on found ‘classified ads’ — Tristero brings this universal quest to light. Man is truly searching for all sorts of things: friendship and sex, but also work, collectables, missing animals and so on. A wanted ads page is therefore also an ‘open forum’ in which everyone wants to change their life and have their say.

FR Pour dire au revoir à la saison passée et saluer la nouvelle, nous organisons une soirée festive. À 19 heures, nous vous donnons quelques mots d’explication sur le programme 2013–14. Ensuite, vous pouvez (re) voir le formidable Search Project de Tristero, dans la grande salle et en version XL. Et pour finir, nous disons adieu à la saison 2012–13 avec une fête délirante au Kaaicafé. EN We shall say goodbye to the old season and hello to the new. And we shall do it with a festive evening. At 7pm we start with a short introduction to the programme for 2013–14. Afterwards you can once again watch Tristero’s wonderful Search Project in the main theatre and in a XL version. And finally, we take our leave of 2012–13 with a wild party in Kaaicafé.

TEXT & DIRECTION PETER VANDENBEMPT | CO-DIRECTION MYRIAM VAN IMSCHOOT | WITH SIMON ANDRÉ, TIERNO BARRY, LARA BARSACQ, ANNELORE CROLLET, YOURI DIRKX, LORENZA GOOS, PIERRE SARTENAER, NELE VAN DEN BROECK, ANS VAN DEN EEDE, HILDE WILS, A.O. | TECHNIQUE HANS MEIJER | PRODUCTION TRISTERO, 2010 | CO-PRODUCTION KAAITHEATER (BRUSSELS), STUK (LEUVEN) >>> WWW.TRISTERO.BE >>> SEE ALSO STRISTERO, P. 67

MATINEE KADEE

SPEELSE WORKSHOPS VOOR KINDEREN Bij de MATINEE KADEES is het Kaaitheater altijd in feeststemming. Dan loopt het er vol jonge en piepjonge toeschouwers en bruist het van een aanstekelijk enthousiasme. Om 15 uur trekken de ouders naar ‘hun’ voorstelling en nemen de kinderen de rest van het Kaaitheatergebouw in.

ATELIERS LUDIQUES POUR ENFANTS Lors des MATINEE KADEE, il règne toujours une ambiance festive au Kaaitheater. La maison grouille de jeunes et très jeunes spectateurs et bouillonne d’un enthousiasme contagieux. A 15 heures les parents vont voir « leur » spectacle et les enfants prennent d’assaut le reste de l’édifice.

FUN WORKSHOPS FOR CHILDREN At the MATINEE KADEES, the Kaaitheater is filled with young and very young spectators and brimming with infectious enthusiasm. At 3 pm, the parents move on to ‘their’ show and the children take over the rest of the Kaaitheater building.

WAT? > workshops voor kinderen van 4 tot 12 jaar > opvang in de speelkamer voor kinderen van 0 tot 4 jaar > gratis, mits reservering van een ticket voor de voorstelling > op voorhand inschrijven is noodzakelijk, het aantal plaatsen is beperkt!

QUOI ? > ateliers ludiques enfants de 4 à 12 ans > accueil dans la salle de jeu des enfants de 0 à 4 ans > gratuit, à condition d’avoir réservé un billet pour le spectacle > il est impératif de s’inscrire à l’avance, le nombre de places est limité !

WHAT? > Workshops for children aged 4 to 12 years > Supervisors in the playroom for children aged 0 to 4 years > Free if you book a ticket for the show > Advance booking is required as there are a limited number of places!

PROGRAMMA

PROGRAMME

ZONDAG 30/09 ••• VOOR DE OUDERS: NATURE THEATER OF OKLAHOMA LIFE AND TIMES 3+4 (4U30) ••• VOOR DE KINDEREN: WORKSHOP CIRCUS We trekken in groep naar de circusschool (Tour & Taxis) voor een namiddag jongleren, acrobatie, diabolo en koorddansen. De voorstelling van het NTO duurt 4,5 uur, daarom is er uitzonderlijk geen opvang voor baby’s en kleuters.

DIMANCHE 30/09 ••• POUR LES PARENTS : NATURE THEATER OF OKLAHOMA LIFE AND TIMES 3+4 (4H30) ••• POUR LES ENFANTS : ATELIER DE CIRQUE Le spectacle du NTO dure 4h30. Voilà pourquoi il n’y aura pas d’accueil des moins de 4 ans.

SUNDAY 30/09 ••• FOR PARENTS: NATURE THEATER OF OKLAHOMA LIFE AND TIMES 3+4 (4 ½ HOURS) ••• FOR CHILDREN: ATELIER DE CIRQUE The performance by NTO takes 4 ½ hours, so exceptionally there are no care facilities for toddlers.

DIMANCHE 18/11 ••• POUR LES PARENTS : LES SLOVAKS FRAGMENTS (60 MIN.) ••• POUR LES ENFANTS : ATELIER DE DANSE PAR BAL MODERNE

SUNDAY 18/11 ••• FOR PARENTS: LES SLOVAKS FRAGMENTS (60 MIN.) ••• FOR CHILDREN: DANCE WORKSHOP BY BAL MODERNE

DIMANCHE 27/01 ••• POUR LES PARENTS : THOMAS HAUERT & ÀNGELS MARGARIT FROM B TO B (60 MIN.) ••• POUR LES ENFANTS : APRÈS-MIDI DE JEU AVEC LE CENTRE DES JEUX INFORMATIFS

SUNDAY 27/01 ••• FOR PARENTS: THOMAS HAUERT & ÀNGELS MARGARIT FROM B TO B (60 MIN.) ••• FOR CHILDREN: AFTERNOON GAMES WITH CENTRUM INFORMATIEVE SPELEN (CENTRE FOR EDUCATIONAL GAMES)

ZONDAG 18/11 ••• VOOR DE OUDERS: LES SLOVAKS FRAGMENTS (75 MIN.) ••• VOOR DE KINDEREN: WORKSHOP DANS DOOR BAL MODERNE In het kader van de Kunstendag voor Kinderen organiseren we, samen met Bal Moderne, een namiddag hedendaagse dans: de kinderen steken zelf een dansje in elkaar en voeren het na de workshop op voor de ouders. >>> WWW.KUNSTENDAGVOORKINDEREN.BE

ZONDAG 21/04 ••• VOOR DE OUDERS: GRACE ELLEN BARKEY & NEEDCOMPANY MUSH-ROOM (WORKING TITLE) (90 TOT 120 MIN.) ••• VOOR DE KINDEREN: VERHALENWORKSHOP DOOR KAMO VZW (ATELIER MADERAS + ATELIER AMADEO) Kom je mee naar een land dat nog niet bestaat? We bouwen met vormen, klanken en kleuren onze eigen fantasiewereld.

SUNDAY 21/04 ••• FOR PARENTS: GRACE ELLEN BARKEY & NEEDCOMPANY MUSH-ROOM (WORKING TITLE) (90 TO 120 MIN.) ••• FOR CHILDREN: STORY WORKSHOP BY KAMO VZW (ATELIER MADERAS + ATELIER AMADEO)

ZONDAG 27/01 ••• VOOR DE OUDERS: THOMAS HAUERT & ÀNGELS MARGARIT FROM B TO B (60 MIN.) ••• VOOR DE KINDEREN: SPELNAMIDDAG MET HET CENTRUM INFORMATIEVE SPELEN We leven ons uit in korte actieve spelen en leren spelenderwijs over eerlijke handel. Speelvogels aan de macht!

DIMANCHE 21/04 ••• POUR LES PARENTS : GRACE ELLEN BARKEY & NEEDCOMPANY MUSH-ROOM (TITRE PROVISOIRE) (90 À 120 MIN.) ••• POUR LES ENFANTS : ATELIERS D’HISTOIRES PAR L’ASBL KAMO (ATELIER MADERAS + ATELIER AMADEO)

INFO & CONTACT PUBLIEKSWERKING@KAAITHEATER.BE | T 02 274 03 88 83

K & COMPANY

K-TEAM

KAAITOURS

NIEUW: K & COMPANY Ben je nieuw in Brussel en zoek je geestesgenoten? Woon je hier al een leven lang en wil je je horizont verruimen? K & COMPANY is de bezoekersclub van het Kaaitheater. We komen één keer per maand samen: we pikken een voorstelling mee uit het internationale programma van het Kaaitheater, nadien blijven we kletsen, over de voorstelling, over kunst, over Brussel, over leven in Brussel… K & COMPANY is een informele club, zonder lidkaarten of verplichtingen, maar met veel zin om van gedachten te wisselen. De club richt zich op alle nationaliteiten in Brussel. De voertaal is dus Engels.

ENTHOUSIASTE JONGEREN Het K-TEAM wil een virus zijn dat jongeren besmet met enthousiasme voor de podiumkunsten van vandaag. > Woon je in Brussel en ben je tussen 16 en 26 jaar? Ben je nieuwsgierig naar theater en dans? Wil je je mening kwijt over onze voorstellingen? > Maak je graag je vrienden en andere studenten warm voor het Kaaitheater? > Dan ben jij de geschikte kandidaat voor het K-TEAM van het Kaaitheater!

GRATIS RONDLEIDINGEN Kom met je klas of vereniging een kijkje nemen achter de schermen van het Kaaitheater. > OVERDAG, VAN MAANDAG TOT VRIJDAG > ENKEL OP AFSPRAAK > GRATIS

NOUVEAU : K & COMPANY Vous êtes nouveau à Bruxelles et en quête d’âmes sœurs ? Vous vivez depuis toujours à Bruxelles, mais souhaitez élargir vos horizons ? K & COMPANY est le club des spectateurs du Kaaitheater. Nous nous réunissons une fois par mois : nous choisissons un spectacle du programme international du Kaaitheater et ensuite nous restons bavarder agréablement, à propos de spectacles, d’art, de Bruxelles, de la vie à Bruxelles… K & COMPANY est un club informel, sans cartes de membre, sans obligations, mais avec une réelle envie d’échanger des idées. Le club s’adresse à toutes les nationalités présentes à Bruxelles. La langue véhiculaire est l’anglais. NEW: K & COMPANY Are you new to Brussels and looking for kindred spirits? Or have lived here all your life and want to expand your horizons? K & COMPANY is the Kaaitheater visitor’s club. We get together once a month: we watch a show from the Kaaitheater’s international programme, and then stay on for a chat, about the show, or about art, Brussels, life in Brussels or anything that takes our fancy. K & COMPANY is an informal club with no membership cards or obligations, but with an enthusiasm for exchanging ideas. It is intended for all nationalities in Brussels and so the language spoken is English.

JEUNES ENTHOUSIASTES Le K-TEAM souhaite être un virus contagieux qui contamine les jeunes et leur inocule l’enthousiasme pour les arts du spectacle vivant contemporain. > Vous habitez à Bruxelles ? Vous avez entre 16 et 26 ans ? Vous êtes curieux et avez envie de découvrir le théâtre et la danse ? Vous souhaitez nous donner votre avis sur nos spectacles ? > Vous aimeriez communiquer votre enthousiasme pour le Kaaitheater à vos amis et condisciples ? > Alors, vous êtes le/la candidat(e) idéal(e) pour le K-TEAM du Kaaitheater ! > La langue véhiculaire est le néerlandais. ENTHUSIASTIC YOUNG PEOPLE The K-TEAM aims to be a virus that infects young people with enthusiasm for today’s performing arts. > Do you live in Brussels and are you between 16 and 26 years old? Are you interested in theatre and dance? > Would you like to comment on our performances? > Do you enjoy telling your friends and other students about Kaaitheater? > Then you are the perfect candidate for the Kaaitheater K-TEAM! > The language spoken is Dutch.

INFO & CONTACT PUBLIEKSWERKING@KAAITHEATER.BE | T 02 274 03 88 84

VISITES GUIDÉES GRATUITES Venez visiter les coulisses du Kaaitheater avec votre classe ou votre association. > EN JOURNÉE, DU LUNDI AU VENDREDI > UNIQUEMENT SUR RENDEZ-VOUS > GRATUIT FREE GUIDED TOURS Come with your class or club and take a look behind the scenes at the Kaaitheater. > DAYTIME, MONDAY TO FRIDAY > BY APPOINTMENT ONLY > FREE

IT’S PARTY TIME!

SOUL FOOD

RESIDENTS’ WEEK CLOSING PARTY 21/12 KAAISTUDIO’S > OM HET JAAR EN DE RESIDENTENWEEK IN SCHOONHEID TE BESLUITEN > POUR CLÔTURER EN BEAUTÉ L’ANNÉE ET LA SEMAINE DES RÉSIDENTS > TO BRING THE YEAR AND THE RESIDENTS’ WEEK TO A FINE CONCLUSION

GESPREKKEN MET KUNSTENAARS Kunstenaars geven zich bloot in hun werk. Ze gunnen ons een inkijk in hun hoofd, in hun hart. Ze inspireren ons. Maar wie of wat inspireert hen? Een zaterdagavond, een tafel, twee stoelen. De kunstenaar gaat een intiem gesprek aan. U kijkt met hem in zijn archief, leert zijn inspiratiebronnen en grote voorbeelden kennen. Wij zorgen voor eten en drinken. En de kunstenaar kiest het dessert!

PERFORMATIK CLOSING PARTY 2/03 KAAITHEATER > OM EEN PERFORMANT PUNT TE ZETTEN ACHTER PERFORMATIK2013 > POUR METTRE UN POINT PERFORMANT DERRIÈRE PERFORMATIK2013 > TO BRING PERFORMATIK2013 TO A HIGH PERFORMANCE END VOGUING PARTY 29/03 KAAITHEATER > OM NA DE VOORSTELLING VAN (M)IMOSA DE VOGUING IN PRAKTIJK OM TE ZETTEN > POUR METTRE LE VOGUING EN PRATIQUE APRÈS LE SPECTACLE (M)IMOSA > TO PUT VOGUING INTO PRACTICE FOLLOWING THE PERFORMANCE OF (M)IMOSA A FEAST FOR ALL SEASONS 15/06 KAAITHEATER > OM EEN FEESTELIJK SLOT TE BREIEN AAN > HET SEIZOEN 2012–2013 > POUR MARQUER DE MANIÈRE FESTIVE LA FIN DE > LA SAISON 2012–2013 > TO BRING THE 2012–2013 SEASON > TO A FESTIVE CLOSE

PRIJS PER AVOND: € 12, MAALTIJD INBEGREPEN (TICKET VOORSTELLING NIET INBEGREPEN). CONVERSATIONS AVEC DES ARTISTES Dans leurs œuvres, les artistes se mettent à nu. Ils nous permettent de jeter un coup d’œil dans leur tête et dans leur cœur. Ils nous inspirent. Mais où les artistes puisent-ils leur inspiration ? Un samedi soir, une table, deux chaises. L’artiste s’engage dans une conversation intime. Il vous invite à regarder ses archives, vous dévoile ses sources d’inspiration et ses grands modèles. Nous nous chargeons de la nourriture et des boissons. Et l’artiste choisit le dessert !

PROGRAMMA | PROGRAMME IN GESPREK MET JAN LAUWERS (NEEDCOMPANY) ZATERDAG 27/10 18:00>20:00 KAAITHEATER | NL Aansluitend kan u naar de voorstelling MARKET PLACE 76. CONVERSATION WITH SUPERAMAS SATURDAY 8/12 6 PM > 8 PM KAAITHEATER | EN This is followed by the performance “THEATRE”. IN GESPREK MET TRISTERO ZATERDAG 23/03 18:00>20:00 KAAISTUDIO’S | NL Aansluitend kan u naar de voorstelling TOESTAND, EEN ZELFPORTRET. IN GESPREK MET KRIS VERDONCK ZATERDAG 18/05 18:00>20:00 KAAITHEATER | NL Aansluitend kan u naar de voorstelling H, AN INCIDENT.

PRIX PAR SOIRÉE : € 12, REPAS COMPRIS (MAIS HORS BILLET POUR LE SPECTACLE). CONVERSATIONS WITH ARTISTS Artists reveal themselves in their work. They give us a glimpse of what is going on in their minds, in their hearts. They inspire us. But who or what inspires them? A Saturday evening, a table, two chairs. The artist enters into an intimate discussion. You join him to look into his archives, discover his sources of inspiration and great examples. We provide the food and drink. And the artist chooses the dessert! PRICE PER NIGHT: € 12, MEAL INCLUDED (PERFORMANCE NOT INCLUDED).

!!! ANDERE AANVANGSUREN AUTRES HEURES DE DÉBUT DE SPECTACLE DIFFERENT STARTING TIMES > De meeste van onze voorstellingen beginnen om 20:30 uur, maar van een aantal producties kan je ook een voorstelling om 15:00 of 19:00 (of een ander uur) bijwonen. > La plupart des spectacles commencent à 20h30, mais pour un certain nombre entre eux, nous vous proposons également des représentations à 15h00 ou 19h00 (ou à une autre heure). > Most of our performances start at 8.30 pm, but some productions are also on at 3 pm or 7 pm (or another time).

ROSAS & GRAINDELAVOIX CESENA 31/08 + 1 & 2/09 05:20 ABBEY VILLERS-LA-VILLE, P. 6

BORIS CHARMATZ/MUSÉE DE LA DANSE BROUILLON 23 & 24/02 14:00>19:00 ARGOS, P. 57

ROSAS EN ATENDANT 31/08 + 1 & 2/09 19:00 ABBEY VILLERS-LA-VILLE, P. 7

MEG STUART, PHILIPP GEHMACHER & VLADIMIR MILLER THE FAULT LINES 23/2 19:00 DE ELEKTRICITEITSCENTRALE/ LA CENTRALE ÉLECTRIQUE, P. 59

FC BERGMAN TERMINATOR TRILOGY 19, 20, 21 & 22/09 19:30 TOUR & TAXIS, P. 12 NATURE THEATER OF OKLAHOMA LIFE AND TIMES – EPISODES 3 & 4 28 & 29/09 19:00 + 30/09 15:00 KAAITHEATER, P. 14 MONIKA GINTERSDORFER & KNUT KLASSEN THE END OF THE WESTERN + DESIST III 9/11 19:00 KAAISTUDIO’S, P. 24–25

JAN FABRE/TROUBLEYN DE MACHT DER THEATERLIJKE DWAASHEDEN 16/03 19:00 + 17/03 15:00 KAAITHEATER, P. 65

MONIKA GINTERSDORFER & KNUT KLASSEN THE INTERNATIONAL CRIMINAL COURT + LA JET SET 10/11 19:00 KAAISTUDIO’S, P. 24–25

ANDROS ZINS-BROWNE WELCOME TO THE JUNGLE 22 & 23/03 19:00 + 20:00 + 21:00 + 22:00 KAAITHEATER, P. 70

LES SLOVAKS FRAGMENTS 18/11 15:00 KAAITHEATER, P. 28

GRACE ELLEN BARKEY & NEEDCOMPANY MUSH-ROOM 21/04 15:00 KAAITHEATER, P. 73

METTE INGVARTSEN SPECULATIONS 19/12 19:00 KAAISTUDIO’S, P. 40

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER & BORIS CHARMATZ PARTITA #2 5/05 15:00 KAAITHEATER, P. 76

THOMAS HAUERT & ÀNGELS MARGARIT FROM B TO B 27/01 15:00 KAAITHEATER, P. 50

TONEELGROEP AMSTERDAM/IVO VAN HOVE NA DE REPETITIE/PERSONA 31/05 19:00 + 1/06 19:00 + 2/06 15:00 KAAITHEATER, P. 80

TRAJAL HARRELL & SARAH SZE THE UNTITLED STILL LIFE COLLECTION 22/02 19:00 KAAISTUDIO’S, P. 58

JAN FABRE/TROUBLEYN HET IS THEATER ZOALS TE VERWACHTEN EN TE VOORZIEN WAS 8 & 9/03 19:00 KAAITHEATER, P. 64

FR ? EN? LA LANGUE N’EST PAS UNE BARRIÈRE Spectacles accessibles aux francophones ou autres allophones :

BARBARA MATIJEVIĆ & GIUSEPPE CHICO FORECASTING DANCE PERFORMANCE, P. 29

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METTE INGVARTSEN THE ARTIFICIAL NATURE PROJECT DANCE PERFORMANCE, P. 30

ROSAS & GRAINDELAVOIX CESENA DANCE & MUSIC, P. 6 ROSAS EN ATENDANT DANCE & MUSIC, P. 7 WILLI DORNER ABOVE UNDER INBETWEEN DANCE, P. 9 FESTIVAL KANAL DANCE, PERFORMANCE & URBAN PROJECTS, P. 8>11

ROSAS ELENA’S ARIA DANCE, P. 51 TONEELHUIS/GUY CASSIERS ORLANDO THEATRE, P. 62

XAVIER LE ROY LOW PIECES DANCE, P. 31

JONATHAN BURROWS & MATTEO FARGION COUNTING TO ONE HUNDRED + ONE FLUTE NOTE DANCE, P. 53

SUPERAMAS “THEATRE” THEATRE, P. 36

PERFORMATIK2013 PERFORMANCE FESTIVAL, P. 54>62

ICTUS FAUNE MUSIC, P. 37

JAN FABRE/TROUBLEYN HET IS THEATER ZOALS TE VERWACHTEN EN TE VOORZIEN WAS THEATRE/PERFORMANCE, P. 64

METTE INGVARTSEN 50/50 DANCE PERFORMANCE, P. 39 ELEANOR BAUER ELEANOR! DANCE PERFORMANCE, P. 39

JAN FABRE/TROUBLEYN DE MACHT DER THEATERLIJKE DWAASHEDEN THEATRE, P. 65

METTE INGVARTSEN SPECULATIONS LECTURE PERFORMANCE, P. 40

ICTUS LIQUID ROOM # 4: A HISTORY OF SYNCHRONICITY MUSIC, P. 66

NATURE THEATER OF OKLAHOMA LIFE AND TIMES – EPISODES 3 & 4 THEATRE, P. 14

ELEANOR BAUER & HEATHER LANG THE HEATHER LANG SHOW BY ELEANOR BAUER AND VICE VERSA DANCE THEATRE, P. 40

BURNING ICE #6 FESTIVAL, P. 68>70

MEG STUART/DAMAGED GOODS BUILT TO LAST DANCE & MUSIC, P. 15

IVO DIMCHEV SOM FAVES PERFORMANCE, P. 41

BL!NDMAN WHIPLASH MUSIC, P. 16

IVO DIMCHEV CONCERTO MUSIC PERFORMANCE, P. 41

AGENTSCHAP/AGENCE/AGENCY VERZAMELING/ASSEMBLÉE/ASSEMBLY PERFORMANCE & DEBATE, P. 17

KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY INSTALLATIONS INSTALLATIONS, P. 42

LUCINDA CHILDS DANCE DANCE, P. 18–19

MARC VANRUNXT ZEIT DANCE, P. 44

OLIVIA ROCHETTE & GERARD-JAN CLAES RAIN FILM, P. 21

KATE McINTOSH & WENDY HOUSTOUN COLD SWEAT PERFORMANCE, P. 45

FC BERGMAN TERMINATOR TRILOGY THEATRE, P. 12 ULA SICKLE EXTREME TENSION DANCE, P. 13

JAN LAUWERS & NEEDCOMPANY MARKET PLACE 76 THEATRE, P. 22 MONIKA GINTERSDORFER & KNUT KLASSEN THEATRE & DANCE, P. 24–25 DANIEL LINEHAN GAZE IS A GAP IS A GHOST DANCE, P. 27 LES SLOVAKS FRAGMENTS DANCE, P. 28 METTE EDVARDSEN BLACK DANCE PERFORMANCE, P. 29

PIETER AMPE & GUILHERME GARRIDO STILL STANDING YOU DANCE, P. 46 PIETER AMPE & JAKOB AMPE JAKE & PETE DANCE, P. 47 RAIMUND HOGHE PAS DE DEUX DANCE , P. 48 RAIMUND HOGHE CANTATAS DANCE, P. 49 THOMAS HAUERT & ÀNGELS MARGARIT FROM B TO B DANCE THEATRE, P. 50

CECILIA BENGOLEA, FRANÇOIS CHAIGNAUD, TRAJAL HARRELL, MARLENE MONTEIRO FREITAS (M)IMOSA DANCE, P. 71 BERNARD FOCCROULLE & SALVA SANCHIS ORGAN & DANCE DANCE & MUSIC, P. 72 GRACE ELLEN BARKEY & NEEDCOMPANY MUSH-ROOM DANCE, P. 73 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER & BORIS CHARMATZ PARTITA #2 DANCE, P. 76 KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY H, AN INCIDENT THEATRE/PERFORMANCE, P. 78 TONEELGROEP AMSTERDAM/IVO VAN HOVE NA DE REPETITIE/PERSONA THEATRE, P. 80 TG STAN NORA THEATRE, P. 81 TRISTERO THE SEARCH PROJECT XL THEATRE, P. 82 K & COMPANY KAAITHEATER VISITOR’S CLUB, P. 84

KAAITHEATER.BE NL ••• Alle info over de producties, met foto’s, recensies, audio- en beeldfragmenten, extra tekstmateriaal, links, etc. ••• Tickets online > Veilig en snel reserveren, 24/24 > Betaal met VISA/Eurocard/ Bancontact > Kies je zitplaats op het zaalplan > Je ontvangt een bevestiging per mail en krijgt je tickets met de post ••• Online bookshop ••• Blijf op de hoogte via onze maandelijkse nieuwsbrief ••• Like us on facebook: www.facebook.com/kaaitheater ••• Join us on twitter: www.twitter.com/kaaitheater FR ••• Toutes les informations à propos des productions, avec photos, critiques, extraits audiovisuels, textes supplémentaires, liens, etc. ••• Billets en ligne > Réservation rapide et sécurisée, 24/24 > Payement avec les cartes VISA/ Eurocard/Bancontact > Choisissez votre siège sur le plan de la salle > Vous recevez une confirmation par courriel et vos billets vous parviennent par la poste ••• Librairie en ligne ••• Restez au courant à travers notre lettre d’information mensuelle ••• Rejoignez-nous sur facebook : www.facebook.com/kaaitheater ••• Rejoignez-nous sur twitter : www.twitter.com/kaaitheater EN ••• All the info you need about the productions, with photos, reviews, audio- and video excerpts, extra written material, links, etc. ••• Tickets online > Book quickly and securely, 24/24 > Pay by VISA/Eurocard/Bancontact > Choose your own seat on the seating plan > You will receive confirmation by e-mail and your tickets in the post ••• Online bookshop ••• Keep up to date with our monthly newsletter ••• Like us on facebook: www.facebook.com/kaaitheater ••• Join us on twitter: www.twitter.com/kaaitheater

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We houden van cultuur. Cultuur is adembenemend. Schreeuwt het uit. Of maakt je stil. Cultuur brengt leven in de maatschappij. En KBC leeft graag mee. Met culturele initiatieven. En met u. Want als grote bankverzekeraar geven we graag iets terug. Daarom helpen we culturele projecten vooruit: muziek, theater, dans, tentoonstellingen, kunst, ... Kortom, cultuur waar u van houdt. KBC, trotse sponsor van het Kaaitheater.

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INFO & TICKETS 2012>2013 BASISPRIJS | REDUCTIEPRIJS De prijzen vermeld bij de voorstellingen zijn de basis- en de reductieprijs. De reductieprijs geldt voor houders van een K-kaart (zie verder), voor 65+, werkzoekenden, personen met een handicap, Knack-Club, Lerarenkaart, oKo, Danspunt en sociaal-culturele verenigingen (vanaf 10 personen). Reducties zijn niet cumuleerbaar. Wie jonger is dan 26: even verder lezen!

heidsprijs van € 8. Soms nodigen we uit voor try-outs, bezorg ons je e-mailadres. Voor alle info: scholen@kaaitheater.be.

JONGER DAN 26 = TICKETS À € 8 Ben je jonger dan 26, kan je — op vertoon van je identiteitskaart — elke productie zien tegen de sympathieke prijs van € 8. De tickets worden niet opgestuurd.

BESTELLEN ••• via internet: www.kaaitheater.be (24/24 u); ••• via telefoon: 02 201 59 59 (uren: zie ticketshop); ••• in de ticketshop van het Kaaitheater (zie hierna); ••• aan de avondkassa (zie hierna).

KAAI ABO: TICKETS AAN HALVE PRIJS! Verbeter je leven: boek 10 of meer verschillende voorstellingen en je krijgt -50% op de basisprijs. Je stelt je abonnement geheel naar eigen smaak samen. Boek je later extra voorstellingen, krijg je dezelfde reductie. K-KAART: REDUCTIE VOOR LATE BESLISSERS Je wil meerdere voorstellingen zien maar je agenda nog niet vastleggen? Met een K-kaart (€ 10) krijg je het hele seizoen je tickets tegen reductietarief. Je hebt je K-kaart snel terugverdiend! CULTUURWAARDEBON & ARTICLE 27 Het Kaaitheater aanvaardt de Cultuurwaardebons en Article 27. MATINEE KADEE Leve de zondagmatinees van het Kaaitheater! Mama en papa gaan naar de voorstelling, ondertussen halen de kinderen (4-12 jaar) hun hart op in gratis workshops. Er is gratis opvang voor de allerkleinsten. Het is wel echt nodig om te reserveren! Zie p. 83. KINDEREN TOEGELATEN? Onze voorstellingen richten zich tot een (jong)volwassen publiek. Wil je met je kinderen naar de voorstelling, check dan telefonisch de aanbevolen minimumleeftijd. Baby’s en kleuters mag je niet meenemen in de voorstellingen. SCHOLEN Voor scholen hebben we heel wat programmatips. We bezorgen graag extra informatie of organiseren zo mogelijk een inleiding. Studenten en begeleidende leraars krijgen de tickets tegen de een-

ROLSTOELGEBRUIKERS Het Kaaitheater en de Kaaistudio’s zijn toegankelijk voor rolstoelgebruikers; meld je komst vooraf, dan zorgen wij voor een goede plaats en zo gewenst ook voor begeleiding; er is een rolstoel beschikbaar.

BETALEN ••• cash; ••• met Bancontact of Visa/MasterCard (in de Kaaistudio’s alleen Bancontact); ••• overschrijving: binnen 5 werkdagen na reservering en uiterlijk 3 werkdagen voor de voorstelling; ••• rekening 432-9192433-80, IBAN: BE47 4329 1924 3380, BIC: KREDBEBB TICKETSHOP KAAITHEATER: SAINCTELETTESQUARE 20 ••• seizoen: di-vr, 11-18 u; za, vanaf 18 u; ••• schoolvakanties: di-vr, 11-17 u; za gesloten; ••• gesloten van 9 tot en met 30 juli. AVONDKASSA’S Vanaf 1 uur voor aanvang van de voorstelling, in de zaal waar deze plaatsheeft. Enkel tickets voor de voorstelling van die avond. NIET BETAALDE RESERVERINGEN Niet betaalde reserveringen vervallen een half uur voor aanvang van de voorstelling. ANNULERING Tickets worden alleen terugbetaald wanneer een voorstelling wordt afgelast en enkel per overschrijving. ADRESSEN & VERVOER KAAITHEATER Sainctelettesquare 20, 1000 Brussel ••• te voet: op 20’ van het Noordstation ••• per fiets: fietsenstalling voor het

theater; Villo-station Saincteletteplein (overkant kanaal) ••• metro IJzer (lijnen 2 & 6; uitgang 6) ••• MIVB tram 51, bus 47, Noctis N18 (Heizel-De Brouckère) ••• De Lijn bussen 129, 190, 212, 213, 214, 230, 231, 232, 233, 235, 240, 241, 242, 243, 246, 250, 251, 260 en 355; ••• auto: Kleine Ring, Leopold II-tunnel tussen Rogier en Basiliek, uitritten Sainctelette & IJzer KAAISTUDIO’S Onze-Lieve-Vrouw van Vaakstraat 81, 1000 Brussel ••• te voet: op 5’ van de Dansaertstraat, 10’ van de Beurs ••• per fiets: fietsenstalling in het theater; Villo-station Ninoofsepoort ••• metro: Sint-Katelijne (lijnen 1 & 5) ••• MIVB tram 51, bus 86 ••• De Lijn bussen 126, 127, 128 ••• auto: Kleine Ring, nabij de Ninoofsepoort, aan het kanaal; Parking Dansaert (Nieuwe Graanmarkt 2) en Parking Lepage (Léon Lepagestraat 23-31): voordeeltarief € 5 per avond TICKETSHOP Sainctelettesquare 20, B-1000 Brussel T 02 201 59 59 F 02 201 59 65 tickets@kaaitheater.be vervoer: zie Kaaitheater ADMINISTRATIE KAAITHEATER VZW Akenkaai 2, B-1000 Brussel T 02 201 58 58 info@kaaitheater.be vervoer: zie Kaaitheater HORECA: KAAICAFÉ Sainctelettesquare 18, 1000 Brussel ••• free wifi, free press ••• T 02 427 87 72 ••• info@kaaicafe.be ••• www.kaaicafe.be ••• bar: ma-vr, vanaf 11:00, en voor en na de voorstellingen ••• keuken: van 12:00 tot 20:30

PRIVACY Adresgegevens komen terecht in het bestand van het Kaaitheater. Het Kaaitheater kan deze doorgeven aan zijn structurele sponsors. Als je dat niet wenst, laat het ons weten. Je hebt inzage- en correctierecht conform de wet op de privacy van 8/12/1992. 93

INFO & BILLETS 2012>2013 PRIX DE BASE | PRIX RÉDUITS Les prix mentionnés à côté des spectacles sont les prix de base et les prix réduits. Les prix réduits s’appliquent aux détenteurs d’une Carte K (voir ciaprès), aux 65+, demandeurs d’emploi, personnes handicapées, Knack-Club, détenteurs d’une carte d’enseignant, oKo, Danspunt, associations socioculturelles (à partir de 10 personnes). Les réductions ne sont pas cumulables. Pour les moins de 26 ans, lire les informations qui suivent. MOINS DE 26 ANS ? BILLETS À € 8 Vous avez moins de 26 ans, alors vous pouvez assister — sur présentation de votre carte d’identité — à tous les spectacles pour la somme modique de € 8. Les billets ne sont pas envoyés. ABO KAAI : BILLETS À MOITIÉ PRIX ! Faites-vous plaisir : réservez 10 spectacles différents ou plus et obtenez une réduction de 50 % sur le prix de base. Vous composez votre abonnement à votre guise. Si vous réservez d’autres spectacles par la suite, vous avez droit à la même réduction. CARTE K : RÉDUCTION POUR LES DÉCIDEURS TARDIFS Vous souhaitez voir plusieurs spectacles, mais vous ne souhaitez pas encore bloquer de dates. Avec une carte K (€ 10), vous avez droit à billets à prix réduits toute la saison durant. Vous récupérez rapidement votre investissement. CULTUURWAARDEBONS & ARTICLE 27 Le Kaaitheater accepte les Cultuurwaardebons (chèques culture) et l’Article 27. MATINEE KADEE Vive le dimanche après-midi au Kaaitheater ! Maman et papa vont au spectacle, entre-temps les enfants (4-12 ans) s’en donnent à cœur joie à l’atelier gratuit. Un accueil gratuit est prévu pour les tout petits. Il faut cependant impérativement réserver ! Voir p. 83. ENFANTS ADMIS ? Nos spectacles s’adressent en général à un public de (jeunes) adultes. Vous avez envie d’emmener vos enfants au théâtre ? Contactez-nous pour vérifier l’âge minimum conseillé. Les spectacles ne sont pas accessibles aux bébés et aux tout petits (élèves de maternelle). ÉCOLES Pour les écoles, nous avons un tas de bons conseils à propos du programme. Nous vous fournissons de l’information supplémentaire et organisons si possible 94

une introduction. Les élèves et les enseignants qui les accompagnent reçoivent les billets au prix unitaire de € 8. Parfois, nous invitons à des essais, envoyez-nous votre adresse électronique. Pour toutes les informations : scholen@kaaitheater.be. USAGERS DE FAUTEUILS ROULANTS Le Kaaitheater et les Kaaistudio’s sont accessibles aux usagers de fauteuils roulants ; si vous nous annoncez votre venue, nous vous réservons une bonne place et si nécessaire, nous vous procurons un accompagnement. Nous disposons d’un fauteuil roulant. RÉSERVER ••• par internet : www.kaaitheater.be (24/24h) ; ••• par téléphone : 02 201 59 59 (horaire : voir Billetterie) ; ••• à la billetterie du Kaaitheater (voir ci-après) ; ••• à la billetterie du soir (voir ci-après). PAYEMENTS ••• en espèces ; ••• Bancontact ou Visa/MasterCard (seulement Bancontact aux Kaaistudio’s) ; ••• virement bancaire : dans les 5 jours ouvrables après la réservation et maximum 3 jours ouvrables avant le spectacle ••• compte : 432-9192433-80, IBAN : BE47 4329 1924 3380, BIC : KREDBEBB BILLETTERIE DU KAAITHEATER : 20, PLACE SAINCTELETTE ••• en saison : ma-ve 11-18h ; sa à partir de 18h ; ••• vacances scolaires : ma-ve 11-17h ; sa fermé ; ••• fermé du 9 au 30 juillet. BILLETTERIES DU SOIR Cette billetterie ouvre une heure avant le spectacle, dans la salle où celui-ci a lieu. Uniquement des billets pour la représentation du soir même. RÉSERVATION NON PAYÉE Les réservations impayées sont annulées une demi-heure avant le début du spectacle. ANNULATION Les billets ne sont remboursés qu’en cas d’annulation d’un spectacle et uniquement par virement bancaire. ADRESSES & TRANSPORT KAAITHEATER 20, square Sainctelette, 1000 Bruxelles

••• à pied : 20’ de la Gare du Nord ••• à vélo : range-vélos devant le théâtre ; station Villo place Sainctelette (autre côté du canal) ••• métro Yser (lignes 2 & 6 ; sortie 6) ••• STIB tram 51, autobus 47, Noctis N18 (Heysel-De Brouckère) ••• De Lijn autobus 129, 190, 212, 213, 214, 230, 231, 232, 233, 235, 240, 241, 242, 243, 246, 250, 251, 260 et 355 ; ••• en voiture : petite ceinture, tunnel Léopold II entre Rogier et Basilique, sorties Sainctelette & Yser KAAISTUDIO’S 81, Notre-Dame du Sommeil, 1000 Bruxelles ••• à pied : 5’ de la rue Dansaert, 10’ de la Bourse ••• à vélo : range-vélos à l’intérieur du théâtre ; station Villo Porte de Ninove ••• métro : Sainte-Catherine (lignes 1 & 5) ••• STIB tram 51, autobus 86 ••• De Lijn autobus 126, 127, 128 ••• en voiture : petite ceinture, à proximité de la Porte de Ninove, à hauteur du canal ; Parking Dansaert (Nouveau Marché aux Grains 2) et Parking Lepage (rue Léon Lepage 23-31) : tarif avantageux € 5/soir BILLETTERIE 20, square Sainctelette, B-1000 Bruxelles T 02 201 59 59 F 02 201 59 65 tickets@kaaitheater.be transport : voir Kaaitheater ADMINISTRATION KAAITHEATER VZW 2, quai des Péniches, B-1000 Bruxelles T 02 201 58 58 info@kaaitheater.be transport : voir Kaaitheater HORECA: KAAICAFÉ 18, square Sainctelette, 1000 Bruxelles ••• free wifi, free press ••• T 02 427 87 72 ••• info@kaaicafe.be ••• www.kaaicafe.be ••• bar: lu-ve, à partir de 11:00, et avant et après les représentations ••• cuisine: de 12:00 à 20:30

RESPECT DE LA VIE PRIVÉE Vos coordonnées sont reprises dans le fichier du Kaaitheater. Ce dernier se réserve le droit de les transmettre à ses sponsors structurels. Si vous vous y opposez, faites-le-nous savoir. Vous avez un droit de regard et de correction, conforme à la loi sur la vie privée du 8/12/1992.

INFO & TICKETS 2012>2013 STANDARD PRICE | REDUCED PRICE The prices given for each performance are the standard and reduced prices respectively. The reduced price applies to K-cardholders (see below), over-65s, jobseekers, people with disabilities, Knack-Club members, holders of Teacher’s cards, oKo, Danspunt, sociocultural associations (10 people or more). Only one reduction applies at a time. For those under 26, read on! UNDER 26 = TICKETS AT ONLY € 8 If you are younger than 26, you can see — on presentation of your identification card — any production at the friendly price of € 8. Tickets are not send by post. KAAI ABO: TICKETS AT HALF-PRICE Improve your life: book 10 or more different performances and you get a 50% reduction on the standard price. Compile your own Kaai Abo season ticket. If you book extra performances later you will be entitled to the same discount. K-CARD: REDUCTION FOR LAST-MINUTE DECISIONS Do you want to see several performances but don’t want to fix the dates yet? With a K-card (€ 10) you get your tickets at a reduced rate throughout the season. You will soon cover the cost! CULTUURWAARDEBONS & ARTICLE 27 The Kaaitheater accepts Cultuurwaardebons (culture vouchers) and Article 27. MATINEE KADEE Long live the Kaaitheater Sunday matinees! Mum and dad go to the performance while the children (4-12 years old) have fun in a free workshop. Free care facility for tiny tots. But it is necessary to book! See p. 83. CHILDREN ALLOWED? Our performances are intended for an audience of (young) adults. If you would like to bring your children, call first to check the recommended minimum age. Babies and toddlers are not admitted to performances. SCHOOLS We have a lot of programme tips for schools. We are happy to provide extra information or if possible organise an introductory talk. Students and accompanying teachers get their tickets at the uniform price of € 8. Sometimes we send out invitations to try-outs, so send us your e-mail address. For all information, contact: scholen@kaaitheater.be.

WHEELCHAIR USERS The Kaaitheater and Kaaistudio’s are accessible to wheelchair users; if you tell us in advance that you are coming, we shall provide a good place and if desired someone to assist you too; a wheelchair is also available in the theatres. BOOKING ••• internet: www.kaaitheater.be (24/24) ••• telephone: 02 201 59 59 (for times, see Ticketshop) ••• in the Kaaitheater Ticketshop (see below) ••• at the box office in the evenings (see below) PAYMENT ••• cash ••• with Bancontact debit card or Visa/ MasterCard (only Bancontact in the Kaaistudios) ••• bank transfer: within 5 workdays of booking and no later than 3 workdays before the performance; ••• account no. 432-9192433-80, IBAN: BE47 4329 1924 3380, BIC: KREDBEBB KAAITHEATER TICKETSHOP: SAINCTELETTESQUARE 20 ••• during the season: Tu-Fr, 11-6, Sat from 6 pm ••• school holidays: Tu-Fr, 11-5, closed on Sat. ••• closed from 9 to 30 July. EVENING BOX OFFICES From 1 hour before curtain-up at the theatre concerned. Only tickets for the performance of that evening. UNPAID BOOKINGS Unpaid bookings expire half an hour before curtain-up.

••• car: Inner Ring, Leopold II-tunnel between Rogier and Basilique, exits Sainctelette & Yser KAAISTUDIOS Onze-Lieve-Vrouw van Vaakstraat 81 rue Notre-Dame du Sommeil, 1000 Brussels ••• walk: 5 min. from rue Dansaert, 10 min. from place de la Bourse (Stock Exchange) ••• by bike: cycle parking inside theatre; Villo stand at Porte de Ninove ••• metro to Sint-Katelijne/SainteCatherine station (lines 1 & 5) ••• STIB tram 51, bus 86 ••• De Lijn buses 126, 127, 128 ••• car: Inner Ring, near Ninoofsepoort, close to the canal; Parking Dansaert (Nouveau Marché aux Grains 2) and Parking Lepage (rue Léon Lepage 23-31): reduced fare € 5/night TICKETSHOP Sainctelettesquare 20, B-1000 Brussels T 02 201 59 59 F 02 201 59 65 tickets@kaaitheater.be transport: see Kaaitheater KAAITHEATER VZW OFFICES Akenkaai 2, B-1000 Brussels T 02 201 58 58 info@kaaitheater.be transport: see Kaaitheater HORECA: KAAICAFÉ Sainctelettesquare 18, 1000 Brussels ••• free wifi, free press ••• T 02 427 87 72 ••• info@kaaicafe.be ••• www.kaaicafe.be ••• bar: Mo-Fr, as from 11:00, and before & after the performances ••• kitchen: from 12:00 till 20:30

CANCELLATIONS Tickets are only refunded when a performance is cancelled, and only by bank transfer. ADDRESSES & TRANSPORT KAAITHEATER ••• Sainctelettesquare 20, 1000 Brussels ••• walk: 20 minutes from North Station ••• by bike: cycle racks in front of the theatre; Villo stand on place Sainctelette (other bank of the canal) ••• metro to IJzer/Yser station (lines 2 & 6; exit 6) ••• STIB tram 51, bus 47, Noctis N18 (Heizel-De Brouckère) ••• De Lijn buses 129, 190, 212, 213, 214, 230, 231, 232, 233, 235, 240, 241, 242, 243, 246, 250, 251, 260 and 355;

PRIVACY Your details are entered in the Kaaitheater database. The Kaaitheater may pass them on to its main sponsors. If you do not want this, let us know. You have the right to examine and correct the information in compliance with the law on privacy of 8/12/1992. 95

COLOFON | COLOPHON KAAITHEATER VZW RAAD VAN BESTUUR | CONSEIL D’ADMINISTRATION | BOARD OF MANAGING DIRECTORS Chantal Pattyn, voorzitter/président/chairman; Peter De Jonge, voorzitter dagelijks bestuur/président du comité de direction/ chairman of executive committee; Bart Claes, secretaris/secrétaire/secretary; Eddy Van Gelder, penningmeester/trésorier/treasurer; Sarah Avci, Ton Broeders, Joachim Declerck, Guido Fonteyn, Farida Lamkanfi, Bénédicte Lobelle, Olivier Onghena, Mia Vaerman, Dirk Vanoverbeke, Marleen Wynants, bestuurders/ administrateurs/directors; Kaat Exterbille, Gert Nys, regeringscommissarissen/commissaires d’état/government commissioners. ALGEMENE VERGADERING | ASSEMBLÉE GÉNÉRALE | GENERAL ASSEMBLY Karel Anthierens, Sigrid Bousset, Herman Croux, Jean De Groef, Bart Decoster, Ivo Goris, Peter Maenhout, Marc Ooms, Peter Thomas, Piet Van Waeyenberge, leden/membres/ members ADMINISTRATIE | ADMINISTRATION Hugo Vanden Driessche, algemeen directeur/ directeur général/general director; Miriam Rottiers, boekhouding/comptabilité/bookkeeper; Tanja Wentzel/ personeelsadministratie/ administration du personnel/personnel administration ARTISTIEKE WERKING | ACTIVITÉS ARTISTIQUES | ARTISTIC ACTIVITIES Guy Gypens, artistiek directeur/directeur artistique/artistic director; Katleen Van Langendonck, programmator/programmatrice/ programmer; Lana Willems, project manager; Marianne Van Kerkhoven, dramaturge; Myriam Drabs, planning; Valerie Vernimme, administratie & productie/administration & production; Karen De Cooman, publiekswerking/développement des publics/audience development COMMUNICATIE | COMMUNICATION Katelijne Meeusen, persrelaties, coördinatie/ relations de presse, coordination/press officer, coordination; Johan Wambacq, redactie publicaties/rédaction/editor; Jonas Maes, marketing, digital communication; n.n., archief/ archives/archivist TECHNIEK | TECHNIQUE Mark Bisaerts, leiding/directeur/manager; Inne Box, adjunct/assistante/assistant; Piet De Koster, Peter Fol, Guy Peeters, Luc Schaltin, Chris Segers, Frank Vandezande, Herman Venderickx, podiumtechniek/techniciens de plateau/stage technicians TICKETSHOP | BILLETTERIE Wanda Horemans, Wati Koesharto, Geertje Terlaeken ONTHAAL | RECEPTION Lus Baleci, Safahatou Roufai

INFRASTRUCTUUR & COÖRDINATIE/ INFRASTRUCTURE & COORDINATION Paul Van Santvoort, preventieadviseur, verantwoordelijke/conseiller de prévention, responsable /safety advisor, manager; Ann De Ridder, adjunct/assistante/assistant; Hilde Fauconnier, coördinatie Kaaistudio’s/ coordination Kaaistudio’s; Jonas Maes, beheer horeca/gestion restauration/catering manager; n.n., coördinatie voorstellingen/coordination des représentations/coordination performances; Emeterio Temino, Mohammad Amini, technisch onderhoud/entretien technique/ technical maintenance; Erna De Raes, verantwoordelijke onderhoud/responsable entretien/ maintenance manager; Serpil Akgün, Gus De Winter, Fatima Raklih, onderhoud/entretien/ maintenance ENSEMBLES & VERENIGINGEN IN HET KAAITHEATERCOMPLEX | ENSEMBLES & ASSOCIATIONS DANS LE COMPLEXE DU KAAITHEATER | ENSEMBLES & ASSOCIATIONS IN THE KAAITHEATERCOMPLEX ••• Akenkaai 2 quai des Péniches: A Two Dogs Company/Kris Verdonck performance company Mokum vzw artists management & production office Theaterfestival Vlaanderen ••• Sainctelettesquare 19 square Sainctelette: BKO Brussels Kunstenoverleg BL!NDMAN muziekensemble CJP Cultureel Jongeren Paspoort Dēmos kenniscentrum voor participatie en democratie IETM International network for contemporary performing arts Kaaitheater kunstencentrum voor dans, theater en muziek Karuur ondersteunt lokale jeugdparticipatie Kunstenloket aanspreekpunt voor zakelijk advies Lasso Brussels netwerk voor kunsteducatie en publieksbemiddeling oKo Overleg Kunstenorganisaties Pearle Performing Arts Employers Associations League Europe SFP Sociaal Fonds voor de Podiumkunsten Taaluniecentrum NVT steunpunt voor docenten van Nederlands als Vreemde Taal VTi steunpunt voor de podiumkunsten ENSEMBLES IN HET COMPLEX VAN DE KAAISTUDIO’S | ENSEMBLES DANS LE COMPLEXE DES KAAISTUDIO’S | ENSEMBLES IN THE KAAISTUDIO’S COMPLEX ••• Onze-Lieve-Vrouw van Vaakstraat 83 rue Notre-Dame du Sommeil: Tristero theatergezelschap Meg Stuart/Damaged Goods dansgezelschap ZOO/Thomas Hauert dansgezelschap WorkSpaceBrussels werkplaats

MET STEUN VAN | AVEC LE SUPPORT DE | SUPPORTED BY de Vlaamse overheid, de Vlaamse Gemeenschapscommissie van het Brussels Hoofdstedelijk Gewest, het Brussels Hoofdstedelijk Gewest en de Stad Brussel SPONSORS HOOFDSPONSOR | SPONSOR PRINCIPAL | MAIN SPONSOR KBC Bank & Verzekeringen MEDIASPONSORS | SPONSORS MÉDIAS | MEDIA SPONSORS Brussel Deze Week Klara Knack TV-Brussel FM Brussel MAGAZINE REDACTIE | RÉDACTION | EDITORS Guy Gypens, Katelijne Meeusen, Marianne Van Kerkhoven, Katleen Van Langendonck, Johan Wambacq, Lana Willems; Johan Wambacq, eindredactie FRANSE VERTALING | TRADUCTION FRANÇAISE | FRENCH TRANSLATION Isabelle Grynberg ENGELSE VERTALING | TRADUCTION ANGLAISE | ENGLISH TRANSLATION Gregory Ball BEELD COVER | IMAGE COUVERTURE | IMAGE COVER Johan Wambacq VORMGEVING | DESIGN Paul Boudens — www.a-g-i.org/paulboudens DRUK | IMPRESSION | PRINTED BY Arteprint, Brussel VERZENDING | EXPÉDITION | MAILING Etiket, Brussels, etiket@ateliergrooteiland.be WETTELIJK DEPOT/DÉPÔT LÉGAL/LEGAL REGISTRATION D/2012/2871/1

KAAITHEATER 2012>2013 SUBSIDIES | SUBVENTIONS

STEUN | SUPPORT

PARTNERS | PARTENAIRES ABBEY VILLERS-LA-VILLE, ARGOS CENTRE FOR ART & MEDIA, BEURSSCHOUWBURG, BOZAR, CC STROMBEEK, CC WESTRAND, DANSCENTRUM JETTE, DEBUREN, DE ELEKTRICITEITSCENTRALE/LA CENTRALE ÉLECTRIQUE, DE MUNT/LA MONNAIE, HET GROENE BOEK, KUNSTENFESTIVALDESARTS, KVS, MUSEUM M, QO2, SAVAGE FILM, WIELS CONTEMPORARY ART CENTRE, WORKSPACE BRUSSELS EUROPEAN IMAGINE 2020 NETWORK THE IMAGINE 2020 NETWORK BRINGS TOGETHER EUROPEAN PERFORMING ARTS ORGANISATIONS TO CONSIDER THE ISSUE OF CLIMATE CHANGE. THE NETWORK BELIEVES IN THE POWER OF THE ARTISTIC IMAGINATION TO COME UP WITH NEW AND DIFFERENT FUTURE SCENARIOS. IMAGINE 2020 IS RECOGNISED BY THE EUROPEAN COMMISSION FOR A PERIOD OF FIVE YEARS (2010–2015) IN THE CONTEXT OF THE EUROPEAN CULTURE PROGRAMME AND HAS RECEIVED A SUBSIDY OF €2.2 MILLION FOR ITS ACTIVITIES. THE PARTNERS IN THE NETWORK ARE KAAITHEATER (BRUSSELS), LE DOMAINE D’O (MONTPELLIER), ARTSADMIN (LONDON), KAMPNAGEL (HAMBURG), BUNKER (LJUBLJANA), TRANSFORMA (TORRES VEDRAS), LONDON INTERNATIONAL FESTIVAL OF THEATRE (LONDON), THÉÂTRE LE QUAI (ANGERS), DOMINO (ZAGREB), STICHTING ROTTERDAMSE SCHOUWBURG (ROTTERDAM), NEW THEATRE INSTITUTE OF LATVIA (RIGA). SUPPORTED BY THE EDUCATION, AUDIOVISUAL AND CULTURE EXECUTIVE AGENCY (EU)

HOUSE ON FIRE NETWORK THE PARTNERS OF THE HOUSE ON FIRE NETWORK PURSUE AN INTERNATIONAL PROGRAMMING AND CO-PRODUCTION POLICY, BASED ON THE CONVICTION THAT THE ARTS HAVE AN ESSENTIAL ROLE TO PLAY BOTH IN THE COMMUNICATION BETWEEN PEOPLES AND IN THE DEVELOPMENT OF THOUGHT AND DEBATE ABOUT PROBLEMS AND CHALLENGES THAT OUR SOCIETIES AND THE WORLD ARE FACING. THE PARTNERS OF HOUSE ON FIRE ARE LIFT (LONDON), HAU (BERLIN), KAAITHEATER (BRUSSELS), BRUT (VIENNA), ARCHA THEATRE (PRAGUE), TEATRO MARIA MATOS (LISBON), FRASCATI (AMSTERDAM), MALTA FESTIVAL (POZNAN), THÉÂTRE GARONNE (TOULOUSE) AND BIT (BERGEN). SUPPORTED BY THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION. 97

BELGIË – BELGIQUE P.B.–P.P. BRUSSEL X BC 6407

MAGAZINE 6 EDITIES PER JAAR VERSCHIJNT IN FEBRUARI, APRIL, JUNI, AUGUSTUS, OKTOBER, DECEMBER AFGIFTEKANTOOR BRUSSEL X P3A9139 | JUNI 2012

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1 KAAITHEATER SAINCTELETTESQUARE 20 20 SQUARE SAINCTELETTE B-1000 BRUSSELS

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CENTRAAL STATION GARE CENTRALE

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INFO & TICKETS 24/24H: WWW.KAAITHEATER.BE

ZUIDSTATION GARE DU MIDI

PRIVACY ADRESGEGEVENS KOMEN TERECHT IN HET BESTAND VAN HET KAAITHEATER. HET KAAITHEATER KAN DEZE DOORGEVEN AAN ZIJN STRUCTURELE SPONSORS. ALS JE DAT NIET WENST, LAAT HET ONS WETEN. JE HEBT INZAGE- EN CORRECTIERECHT CONFORM DE WET OP DE PRIVACY VAN 8/12/1992.

VERANTWOORDELIJKE UITGEVER: BART CLAES, C/O AKENKAAI 2, 1000 BRUSSEL | WETTELIJK DEPOT D/2012/2871/1

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