Kaaitheater seizoensmagazine 2015-16 by Kaaitheater

ABO = –25% > –50%! WWW.KAAITHEATER.BE/ABO

-26 = € 8! FOR ANY SHOW YOU’D LIKE TO SEE

BUY YOUR TICKETS 24/7 WWW.KAAITHEATER.BE

/KAAITHEATER 1

‘As long as your ideas of what’s possible are limited by what’s actual, no other idea has a chance.’ — SUSAN NEIMAN

OVER WAT IS EN WAT KAN ZIJN De duizelingwekkende economische, politieke en technologische veranderingen van de voorbije decennia hebben een complexe, haast ongrijpbare, globale samenleving opgeleverd. Misschien moeten we de wereld zoals hij is, in al die complexiteit en ongrijpbaarheid, af en toe laten voor wat hij is om het nadenken over hoe hij zou moeten zijn nog een kans te geven. We worden vandaag geregeerd door zelf uitgeroepen politieke realisten die hun visie presenteren als een mix van gezond verstand en nuchtere observatie. Ideeën en ideologieën zijn iets geworden voor naïeve progressieven, bazelaars en avonturiers. Maar is die zogenaamd realistische visie niet geconstrueerd ter bestendiging van een maatschappelijk systeem dat precies die mensen begunstigt die het als onvermijdelijk bestempelen? Is dat dan de keuze die ons rest, die tussen cynisch realisme en naïef idealisme? De Amerikaanse filosofe Susan Neiman pleit voor een leven tussen ideaal en werkelijkheid in. Een leven waarin de werkelijkheid niet simpel waar te nemen valt, waar idealen niet makkelijk bereikbaar zijn maar geduld en grote tolerantie voor frustratie eisen. Ze verdedigt een volwassen idealisme dat zijn ogen niet sluit voor hoe de wereld is en ons bepaalt, maar dat zichzelf toelaat ervan weg te kijken in de richting van nieuwe mogelijkheden. Ze daagt je uit beide kanten in het vizier houden: geef je idealen niet op, tegelijkertijd beseffend dat ze nooit werkelijkheid zullen worden. Eén van de dingen die kunst kan doen is het levend houden van idealen, of de inspiratie leveren om opnieuw idealistisch te durven denken. Los van de feiten – of net niet – je verbeelding inzetten in een poging verhalen te vertellen over hoe de wereld ook zou kunnen zijn, of moeten zijn. Wij bieden je opnieuw een vol seizoen waarvan we hopen dat het je inzicht geeft in én laat wegkijken van wat is, in de richting van wat kan zijn.

Guy Gypens & Katleen Van Langendonck 2

À PROPOS DE CE QUI EST ET DE CE QUI PEUT ÊTRE

ON WHAT IS AND WHAT MIGHT BE

Les mutations vertigineuses des dernières décennies sur le plan économique, politique et technologique ont engendré une société mondialisée, complexe, quasi insaisissable. Peut-être faut-il parfois laisser le monde pour ce qu’il est, dans toute sa complexité et sa nature insaisissable, afin de donner une chance à la réflexion sur ce qu’il devrait être. Aujourd’hui, nous sommes dirigés par des politiciens qui s’autoproclament réalistes et nous présentent leur vision comme un mélange de bon sens et d’observation neutre. Idées et idéologies sont reléguées au rang d’archaïsme pour naïfs, radoteurs ou aventuriers. Mais cette vision dite réaliste n’est-elle pas construite pour assurer la continuité d’un système sociétal qui privilégie précisément ceux qui le qualifient d’incontournable ? Est-ce donc le seul choix qui nous reste : réalisme cynique ou idéalisme naïf ? La philosophe états-unienne Susan Neiman plaide pour une existence entre idéal et réalité ; une existence dans laquelle cette réalité n’est pas simple à appréhender, dans laquelle les idéaux ne sont pas faciles à atteindre, et où la patience et une grande tolérance suscitent de la frustration. Elle défend un idéalisme adulte qui ne détourne pas le regard de la manière dont le monde tourne et nous détermine, mais qui se permet aussi de porter son regard en direction de nouvelles possibilités. Elle invite à observer les deux côtés : ne pas abandonner ses idéaux tout en étant conscients qu’ils ne se réaliseront jamais. Une des choses à laquelle l’art peut contribuer est de maintenir en vie les idéaux, ou d’être une source d’inspiration pour à nouveau oser penser avec idéalisme. Engager son imagination, indépendamment des faits – ou justement par rapport à eux – dans une tentative de raconter des histoires sur le monde tel qu’il pourrait ou devrait être. Nous vous proposons une fois de plus une saison bien remplie dont nous espérons qu’elle vous donnera une notion de qui est et vous permettra de vous en détourner pour regarder dans la direction de ce qui peut être.

The dizzying economic, political and technological changes of recent decades have produced a complex, almost intangible global society. Perhaps we should occasionally forget the world as it is, in all this complexity and intangibility, and give ourselves another chance to reflect on how it ought to be. We are currently governed by self-proclaimed political realists who present their vision as a combination of common sense and down-to-earth observation. Ideas and ideologies have turned into something for naïve progressives, wafflers and adventurers. But has this supposedly realistic view not been constructed to perpetuate a social system that favours those people who label it as inevitable? So is this the choice that’s left to us, that between cynical realism and naïve idealism? The American philosopher Susan Neiman argues for a life lived between the ideal and the reality. A life in which reality is not easy to discern, where ideals are not easy to achieve, but demand patience and a tolerance for frustration. She defends a mature idealism that is not blind to the way the world is and determines our lives, but allows itself to look in another direction, towards new possibilities. It challenges you to keep both sides in view: don’t give up your ideals, while remaining aware that they will never come true. One of the things art can do is to keep ideals alive, or provide the inspiration to dare to think idealistically once again. To use your imagination without regard to the facts – or exactly the opposite – in an attempt to tell stories about how the world might be, or should be. Once again we are offering you a full season which we hope will give you an insight into and allow you to look away from what is and towards what might be.

Guy Gypens & Katleen Van Langendonck

Guy Gypens & Katleen Van Langendonck 3

KAAITHEATER 2015–16 THEATER | THÉÂTRE | THEATRE

ABATTOIR FERMÉ Alice NL>FR MAIKE LOND 10 journeys to a place where nothing happens* EN JULIAN HETZEL The Benefactor EN MUGMETDEGOUDENTAND Hannah en Martin NL YOUNG JEAN LEE’S THEATER COMPANY Straight White Men EN MAATSCHAPPIJ DISCORDIA Weiblicher Akt 6 – Vanuit Iokaste NL DE VERWONDERING Socrates NL NL/EN EMKE IDEMA RULETM JAN DECORTE/BLOET & DE ROOVERS Geboeid/Prometheus NL TINE VAN AERSCHOT – TREVOR when in doubt, duck EN IVO VAN HOVE/TG A’DAM Song from far away NL LAURA VAN DOLRON Liefhebben NL RIMINI PROTOKOLL Home Visit Europe EN/NL/FR/DE ABKE HARING/TONEELHUIS Unisono NL GUY CASSIERS/TONEELHUIS Caligula NL BOJAN DJORDJEV The Discreet Charm of Marxism EN BOJAN DJORDJEV De discrete charme van het marxisme NL ALLEMEERSCH/GLOBE AROMA De brievenschrijver/Letter home NL + FR IVO DIMCHEV Paris EN DE KOE Beckett Boulevard NL IVO DIMCHEV FB theater EN MESUT ARSLAN Betrayal EN KOEN DE SUTTER/DADANERO Montaigne NL ANT HAMPTON The Extra People NL/FR/EN GISÈLE VIENNE, DENNIS COOPER The Ventriloquists Convention EN CHRISTOPHE MEIERHANS Verein zur Aufhebungs… EN TIAGO RODRIGUES By Heart EN KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY In Void EN ANNIE DORSEN Hello Hi There EN KARL VAN WELDEN Mars II WW* DE WARME WINKEL & NIEUW WEST Amadeus NL TG STAN wat/nu NL ZINAPLATFORM Beauty Stories Salon NL/FR LAURA VAN DOLRON Wat nu nodig is NL ANGÉLICA LIDDELL/ATRA BILIS TEATRO Tandy ES>EN SCHWALBE Schwalbe is looking for crowds WW* SCHWALBE Save them WW* SCHWALBE Schwalbe performs on its own WW* SCHWALBE Schwalbe cheats WW* SCHWALBE Schwalbe takes time WW* RACHID BENZINE & RUUD GIELENS Averroès ou… FR>NL/EN IVO VAN HOVE & RAMSEY NASR/TG A’DAM De andere stem NL INNE GORIS & DOMINIQUE PAUWELS/LOD Zonder Bloed NL>EN LAURA VAN DOLRON Sartre zegt sorry NL NL PETER VERHELST/NTGENT Liefde ERIC JORIS/CREW & PETER VERHELST/NTGENT Absence NL LUCAS VANDERVOST Of Wittgenstein NL PHILIPPE QUESNE Welcome to Caveland! T.B.C. GERMAINE KRUIP A Possibility of an Abstraction WW* GUY CASSIERS/TONEELHUIS & TG A’DAM De welwillenden NL FC BERGMAN/TONEELHUIS Het land Nod WW*

THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE THEATRE THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE THEATRE THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE/EXPO THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE THEATRE THEATRE THEATRE THEATRE THEATRE/PERFORMANCE THEATRE THEATRE THEATRE THEATRE

*WITHOUT WORDS

13 14 15 16 24 26 27 34 36 39 42 45 50 52 53 55 55 56 60 62 63 64 66 67 68 70 74 76 80 83 88 92 93 96 98 101 101 102 102 103 104 106 108 112 119 120 122 123 126 128 130

DANS | DANSE | DANCE 12 18 20 22 23 28 29 30 32 38 40 46 48 58 65 72 78 81 82 84 86 91 97 110 114 115 116 117 124

MICHIEL VANDEVELDE Antithesis, the future of the image METTE INGVARTSEN 7 Pleasures LAURENT CHÉTOUANE & KALEIDOSKOP BACH/PASSION/JOHANNES DEUFERT&PLISCHKE Niemandszeit SIMON MAYER SunBengSitting ILYAS ODMAN happy happy together MARC VANRUNXT & KUNST/WERK A T M O S P H E R E ESZTER SALAMON MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013) ANNE COLLOD/... & ALTERS The Parliament of the Invisibles ALIX EYNAUDI Edelweiss MEG STUART/DAMAGED GOODS UNTIL OUR HEARTS STOP ETIENNE GUILLOTEAU/ACTION SCÉNIQUE & ZWERM Feu ROSAS Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke ROSAS & ICTUS Vortex Temporum CHARLOTTE VANDEN EYNDE Shapeless + I’m Sorry It’s (Not) A Story DANIEL LINEHAN dbddbb KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY Untitled SANDY WILLIAMS Everything Happens So Much GAËTAN RUSQUET Meanwhile MAGUY MARIN Umwelt NOÉ SOULIER Removing RADOUAN MRIZIGA 3600 SALVA SANCHIS Radical Light ROSAS Verklärte Nacht MEG STUART/DAMAGED GOODS Sketches/Notebook BURROWS & FARGION + SIKORSKI & WELLESLEY WESLEY New duet + Eleanor And Flora Music JONATHAN BURROWS & MATTEO FARGION Body Not Fit For Purpose CHRISTINE DE SMEDT & ESZTER SALAMON Dance #2 ELEANOR BAUER/GOODMOVE & ICTUS Meyoucycle

DANCE DANCE/PERFORMANCE DANCE DANCE/PERFORMANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE/PERFORMANCE DANCE/PERFORMANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE DANCE/PERFORMANCE DANCE/PERFORMANCE DANCE/PERFORMANCE DANCE

MUZIEK & MUZIEKTHEATER | MUSIQUE & THÉATRE MUSICALE | MUSIC & MUSIC THEATRE 20 54 58 61 87 90 94 124

LAURENT CHÉTOUANE & KALEIDOSKOP BACH/PASSION/JOHANNES ICTUS/EVA REITER The Lichtenberg Figures ROSAS & ICTUS Vortex Temporum ALAIN FRANCO Das Wohltemperierte Klavier ICTUS/LIESA VAN DER AA & TOM PAUWELS American Lament… BL!NDMAN [HYBRID] Beyond/Behind TRANSPARANT & B’ROCK And you must suffer/St. John Passion Bach ELEANOR BAUER/GOODMOVE & ICTUS Meyoucycle

MUSIC/DANCE MUSIC MUSIC/DANCE MUSIC MUSIC MUSIC MUSIC/THEATRE MUSIC/DANCE

SPECIALS 6–8 9 10 44 44 44

RE:THINK PARTS 20 HET THEATERFESTIVAL NACHT VAN DE KENNIS OVER BRUSSEL NUIT DU SAVOIR SUR BRUXELLES NIGHT OF KNOWLEDGE ON BRUSSELS

75–85 113 118 133 136

BURNING ICE ECOPOLIS DAG VAN DE DANS WORKING TITLE SITUATION MATINEE KADEE 5

IK DENK, DUS IK BEN? ‘Cogito, ergo sum.’ Het is wellicht het meest gekende filosofische principe. De Franse filosoof René Descartes schreef het neer in 1637. Vandaag confronteert zijn stelling ons met een belangrijke vraag. Het denken als kernpraktijk en voedingsbodem van het menselijke bestaan lijkt steeds minder vanzelfsprekend. De recente beslissing van twee Nederlandse universiteiten om de faculteiten Filosofie in te krimpen of af te schaffen illustreert hoe tijdloos en ongebonden denken terrein verliest. Maar als we als samenleving het denken niet meer installeren, zijn we dan nog wel? Een status questionis over het denken dringt zich op. Wat is denken en welke ‘meerwaarde’ levert het op? Wanneer worden ideeën gedachtegoed? Hoe hebben gedachten invloed op ons leven? Wat gebeurt er met een lichaam wanneer het denkt?

JE PENSE, DONC JE SUIS ? Cogito, ergo sum. Sans doute le principe philosophique le plus célèbre. Le philosophe français René Descartes l’a écrit en 1637. Aujourd’hui, cette assertion nous renvoie à une question importante. La pensée, pratique fondamentale et terreau fécond de l’existence humaine, paraît toujours moins évidente. La décision récente de deux universités néerlandaises de restreindre les Facultés de Philosophie ou de les abolir, illustre que la pensée libre et intemporelle perd du terrain. Mais si nous, en tant que société, n’installons plus la pensée, sommes-nous encore ? Un status quæstionis, un état de question de la pensée s’impose. Que signifie la pensée et quelle « plus-value » apporte-t-elle ? À quel moment des idées deviennent-elles une pensée ? Comment les pensées influencent-elles notre vie ? Quel effet observe-t-on sur un corps qui réfléchit ?

DENKEN IS EEN KUNST Het valt op hoe vaak filosofie haar intrede doet in de podiumkunsten van vandaag. Bekende filosofen worden personages, filosofische ideeën vormen een grid voor het artistieke werk. Er lijkt een noodzaak te bestaan om het pure denken zichtbaar te maken. Om zich te beroepen op ideeën, die ‘echter’ of authentieker aanvoelen dan de concrete, gefragmenteerde realiteit. Het denken krijgt letterlijk ‘plaats’ in de kunst, want net door het denken weet ook de kunst dat ze is en zal blijven zijn.

LA PENSÉE, UN ART Il est frappant de constater à quel point la philosophie apparaît souvent dans les arts de la scène de nos jours. Des philosophes célèbres deviennent des personnages, des idées philosophiques constituent une trame pour la création artistique. Il semble y avoir une nécessité de rendre apparente et tangible la pensée pure de se référer à des idées que l’on ressent comme plus « vraies » ou plus authentiques que la réalité concrète, fragmentée. La pensée se voit littéralement offrir une « place » dans les arts, parce que l’art sait que c’est précisément par la pensée qu’il est et pourra continuer à être.

FILOSOFEN OP DE SCÈNE Als rode draad doorheen het seizoen confronteert RE:THINK je met voorstellingen rond het gedachtegoed van steeds een andere filosofische grootmeester. Daarnaast organiseren we maandelijks RE:THINK TALKS at 7 PM. Experten leggen hier filosofische accenten, geïnspireerd door de voorstelling die erop volgt. Als klap op de vuurpijl ontvangen we gerenommeerde denkers die je tijdens avondvullende lezingen een inkijk geven in prangende maatschappelijke kwesties. In maart focust Philosophy in Action op ‘denken als doen’. Een driedaags programma gevuld met enkel filosofie: als performance, als activiteit en als een bij uitstek menselijke bezigheid.

WWW.KAAITHEATER.BE/RETHINK 6

PHILOSOPHES SUR SCÈNE En tant que fil rouge qui traverse toute la saison, RE:THINK vous propose des spectacles autour de la pensée d’un grand maître de la philosophie, chaque fois différent. Parallèlement, nous organisons les RE:THINK TALKS. Pendant ces talks mensuels, qui commencent à 19h00, des experts appréhendent le spectacle qui suit à travers un prisme philosophique. Pour couronner le tout, nous accueillons des penseurs renommés qui tenteront de vous faire entrevoir, lors de conférences de pleine soirée, les tenants et les aboutissants de questions sociétales cruciales. En mars, Philosophy in Action se focalise sur « penser en tant qu’action ». Un programme de trois jours exclusivement consacré à la philosophie : en tant que performance, activité, et occupation humaine par excellence.

I THINK, THEREFORE I AM? ‘Cogito, ergo sum.’ This is probably the bestknown of all philosophical principles. The French philosopher René Descartes wrote it down in 1637. Nowadays, his proposition confronts us with a major question. Thinking, as a core activity of and fuel for human existence, seems decreasingly self-evident. The recent decisions by two Dutch universities to reduce or even axe their faculties of Philosophy illustrate how timeless and unconditional thought is losing ground. But if we as a society no longer initiate thinking, do we still actually exist? There is an urgent need for an examination of this issue. When do ideas become a body of thought? How do thoughts influence our lives? What happens to a body when it thinks? THINKING IS AN ART It is striking how often philosophy makes an appearance in today’s performing arts. Wellknown philosophers become characters, and philosophical ideas form a grid that is a foundation for artistic work. There seems to be a necessity to make pure thinking visible. To refer to ideas that feel ‘more real’ or authentic than the actual fragmented reality. Thinking is literally given ‘room’ in art, because it is precisely by thinking that art too knows that it is and will continue to be. PHILOSOPHERS ON STAGE As a common thread throughout the season, RE:THINK confronts you with productions centred on the thoughts of several great philosophical minds. We shall also be holding monthly RE:THINK TALKS at 7 PM. Experts will spotlight philosophical points inspired by the performance that follows immediately afterwards. To cap it all we are also hosting a number of renowned thinkers who will offer an insight into pressing social issues in a series of full-length lectures. March will bring Philosophy in Action, on the theme of ‘thinking as an action’. This is a three-day programme packed with nothing but philosophy: as a performance, as an activity and as an eminently human occupation.

RE:THINK – THE PERFORMANCES MUGMETDEGOUDENTAND Hannah en Martin >> P. 16 VAN BRABANDT/VANDEN BROECKE/ DE VERWONDERING Socrates >> P. 27 BOJAN DJORDJEV The Discreet Charm of Marxism/ De discrete charme van het marxisme >> P. 55 KOEN DE SUTTER/DADANERO Montaigne >> P. 66 ANNIE DORSEN Hello Hi There >> P. 80 ROBERT CANTARELLA Faire le Gilles >> P. 95 RACHID BENZINE & RUUD GIELENS Averroès ou la solitude du penseur >> P. 104 LAURA VAN DOLRON Sartre zegt sorry >> P. 112 LUCAS VANDERVOST Of Wittgenstein >> P. 122

RE:THINK – MONTHLY TALKS AT 7PM PETRA VAN BRABANDT Over theater en filosofie Stefaan Van Brabandt/Bruno Vanden Broecke/De Verwondering >> P. 27 VINCIANE DESPRET L’inventivité des morts Anne Collod/... & alters >> P. 33 STÉPHANE SYMONS Over vergeten Jan Decorte/Bloet & de Roovers >> P. 37 TINNEKE BEECKMAN Over macht Guy Cassiers/Toneelhuis >> P. 53 MATHIJS VAN DE SANDE On citizenship Christophe Meierhans >> P. 70 JUDITH WAMBACQ On philosophy and dance Noé Soulier >> P. 86 MARLIES DE MUNCK Over filosofie en muziek BL!NDMAN [hybrid] >> P. 90 JOOST DE BLOOISE Over filosofie en literatuur Inne Goris & Dominique Pauwels >> P. 108 ARJEN MULDER The aesthetics of disappearance Germaine Kruip >> P. 126

RE:THINK LECTURES ABDELKADER BENALI & RACHID BENZINE OVER ISLAM, VRIJE MENINGSUITING EN DE ROL VAN CULTUUR/À PROPOS DE L’ISLAM, DE LA LIBERTÉ D’EXPRESSION ET DU RÔLE DE LA CULTURE TUE 29/09 20:30 KAAITHEATER NL/FR SIMULTAANVERTALING/ TRADUCTION SIMULTANÉE | € 5

NL Na de aanslag op de redactie van Charlie Hebdo schreven de Nederlands-Marokkaanse schrijver Abdelkader Benali en de FransMarokkaanse filosoof Rachid Benzine opgemerkte opiniestukken over Islam en vrije meningsuiting. Tijdens deze lezing zetten ze de discussie verder. Daarna volgt een debat over de mogelijke rol van cultuur in deze ingewikkelde kwestie. FR Après l’attentat meurtrier contre la rédaction de Charlie Hebdo, l’écrivain néerlandomarocain Abdelkader Benali et le philosophe franco-marocain Rachid Benzine ont rédigé des tribunes très remarquées sur l’islam et sur la liberté d’expression. Pendant cette conférence, ils poursuivent la discussion. Celle-ci sera suivie d’un débat sur le rôle possible de la culture dans cette question complexe. HANS ACHTERHUIS OVER GEWELD/ON VIOLENCE WED 7/10 20:30 KAAITHEATER NL | EN (SIMULTANEOUS TRANSLATION) | FREE IN THE CONTEXT OF ’10 YEARS MUSIC FUND’

NL In zijn boek Met alle geweld: Een filosofische zoektocht (2008) probeert de Nederlandse filosoof Hans Achterhuis geweld in al zijn verschijningsvormen te begrijpen. Tijdens deze lezing confronteert hij zijn analyse van toen met het extreme geweld uit recente tijden. Daarna volgt een debat over de mogelijke positieve impact van muziek op geweld en sociale achterstelling. EN In his book Met alle geweld: Een filosofische zoektocht (2008), the Dutch philosopher Hans Achterhuis tried to understand violence in all its forms. In this talk he reviews that analysis in the light of the extreme violence of recent times. This is followed by a debate on the possible positive impact of music on violence and social discrimination. PAUL VERHAEGHE OVER AUTORITEIT MON 23/11 20:30 KAAITHEATER | NL | € 5

NL In 2012 ontdekt het brede publiek Paul Verhaeghe door de publicatie van zijn boek Identiteit. Tijdens deze lezing stelt de psychoanalyticus zijn nieuwste boek Autoriteit voor. Centrale thema’s zijn de noodzaak het onderscheid tussen macht en autoriteit goed te begrijpen, collectiviteit, groepsdruk en de dood van de traditionele politiek. A HOUSE ON FIRE PROJECT WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

JEAN-LUC NANCY SUR L’ART DE LA PENSÉE

MON 29/02 20:30 KAAITHEATER | FR | € 5

NL De Franse filosoof Jean-Luc Nancy heeft uitgesproken reflecties over kunst en cultuur. Dit gesprek focust op de status van kunst als zodanig, op kunst als representatie, op concrete fenomenen in kunstwerken zelf en hoe de toeschouwer die aanschouwt. Vertrekpunt is het boek Jean-Luc Nancy – De kunst van het denken (2012). FR Le philosophe français Jean-Luc Nancy a des idées manifestes sur l’art et la culture. Cette discussion se concentre sur le statut de l’art en tant que tel et en tant que représentation, sur des phénomènes concrets dans des œuvres d’art et sur la façon dont le spectateur les contemple. Le point de départ est l’ouvrage Jean-Luc Nancy – De kunst van het denken (L’art de la pensée). MARLI HUIJER OVER ‘TUSSENDENKEN’

SAT 12/03 20:30 KAAISTUDIO’S | NL | € 5 IN THE CONTEXT OF PHILOSOPHY IN ACTION

NL De Nederlandse Denker des Vaderlands Marli Huijer verheldert het idee dat filosofie het leven moeilijker moet maken. Ze laat de rijkdom zien van op het eerste gezicht onverenigbare waarden en ideeën. SUSAN NEIMAN OVER VOLWASSEN WORDEN ALS SUBVERSIEF IDEAAL/ ON ADULTHOOD AS A SUBVERSIVE IDEAL SUN 17/04 KAAITHEATER EN | NL/FR SIMULTAANVERTALING/ TRADUCTION SIMULTANÉE | € 8/6 IN THE CONTEXT OF ECOPOLIS 2016 >> P. 113

NL In haar nieuwe boek Waarom zou je volwassen worden? constateert de Amerikaanse filosofe Susan Neiman dat onze cultuur er alles aan doet om mensen kinderlijk te houden. Een cultus van de jeugd, in de hand gewerkt door consumentisme. Ze stelt dat we de volwassenheid opnieuw moeten claimen als een subversief ideaal. FR Dans son nouveau livre Why grow up? (Pourquoi devenir adulte ?), la philosophe étatsunienne Susan Neiman constate que notre société tente par tous les moyens de nous infantiliser. Un culte de la jeunesse, encouragé par la société de consommation. Elle affirme qu’il faut à nouveau revendiquer le fait d’être adulte comme un idéal subversif. EN In her new book Why Grow Up?, the American philosopher Susan Neiman observes that our culture does all it can to keep people like children. A cult of youth, encouraged by consumerism. She proposes that we should reclaim adulthood as a subversive ideal.

FULL PROGRAMME WWW.KAAITHEATER.BE/RETHINK

20 JAAR Op 4 september 1995 opende PARTS, de dansschool o.l.v. Anne Teresa De Keersmaeker, de deuren voor een eerste generatie dansstudenten. De effecten van PARTS op de ontwikkeling van de hedendaagse dans in binnen- én buitenland zijn aanzienlijk. Sinds 1995 hebben ruim 400 dansers en choreografen in Brussel gestudeerd. Voor het overgrote deel buitenlanders, van alle continenten. Velen houden Brussel voor enkele of meerdere jaren als werkplek of uitvalbasis. Samen bepalen ze hier voor een groot deel het gezicht van de hedendaagse dans. PARTS zal in het seizoen 2015–16 op vele wijzen zijn 20ste verjaardag vieren. De beste manier om de betekenis en relevantie van die verjaardag in te schatten, is het aanschouwen van de producties van PARTS-ex-studenten.

20 YEARS It was on 4th September 1995 that PARTS, the Brussels dance school headed by Anne Teresa De Keersmaeker, opened for its first generation of dance students. PARTS has had a considerable effect on the development of contemporary dance in Belgium and abroad. Since 1995 at least 400 dancers and choreographers have studied there. The vast majority of them were from abroad, originating from every continent. For many Brussels remained their base or place of work briefly or for many years. Together, they have largely determined the character of contemporary dance in Belgium. PARTS will be celebrating its 20th anniversary in many ways during the 2015–16 season. The best way of evaluating the significance and relevance of this anniversary is to look at the productions by former PARTS students.

20 ANS Le 4 septembre 1995, PARTS, l’école de danse initiée et dirigée par Anne Teresa De Keersmaeker, ouvrait ses portes à une première génération d’étudiants en danse. Les effets de PARTS sur l’évolution de la danse contemporaine en Belgique et bien au-delà des frontières sont considérables. Depuis 1995, plus de 400 danseurs et chorégraphes ont poursuivi leurs études à Bruxelles. La plupart viennent de l’étranger, de tous les continents. Pour la majorité Bruxelles devient, quelques ou plusieurs années durant, le lieu de travail privilégié ou le port d’attache. Ensemble, ces jeunes artistes déterminent en grande partie le paysage de la danse contemporaine ici. Au cours de la saison 2015–16, PARTS célébrera ses vingt ans d’existence de plusieurs manières. Mais la meilleure façon d’évaluer la portée et la pertinence des vingt ans de PARTS est d’observer les productions de ses anciens étudiants.

MICHIEL VANDEVELDE[BE] >> P. 12 METTE INGVARTSEN[DK/BE] >> P. 19 deufert&plischke[DE] >> P. 22 SIMON MAYER[AT/BE] >> P. 23 ALIX EYNAUDI[AT/FR] >> P. 38 ETIENNE GUILLOTEAU[FR/BE] >> P. 46 CHARLOTTE VANDEN EYNDE[BE] >> P. 65 DANIEL LINEHAN[US/BE] >> P. 72 SANDY WILLIAMS[CA] >> P. 81 NOÉ SOULIER[FR] >> P. 86 RADOUAN MRIZIGA[MA/BE] >> P. 91 SALVA SANCHIS[ES/BE] >> P. 97 ELEANOR BAUER[US/BE] >> P. 124

PRESENTED BY BRUSSELS ACADEMY, BRUSSELS STUDIES INSTITUTE & KAAITHEATER

THEATERFESTIVAL 2015 3>13/09/2015 KAAITHEATER, KAAISTUDIO’S, BRONKS, KVS, CC STROMBEEK, WIELS HET THEATERFESTIVAL 2015 Het Theaterfestival bestaat 25 jaar en pakt uit met een extra large selectie van de meest belangwekkende voorstellingen van het voorbije seizoen. Een jury van experts trok het veld in. Zij presenteren een zinderend programma van maar liefst 17 voorstellingen. Voor Circuit X kozen ze vijf voorstellingen van jong theatergeweld die na afloop langs de cultuurcentra in Vlaanderen toeren. Daarnaast toont het festival ook één productie van het Nederlandse Theaterfestival. Een kinderjury presenteert in BRONKS het neusje van de zalm voor jeugdige culturo’s. En naar goede gewoonte is er een goedgevuld randprogramma in en rond het festivalcentrum. LE THEATERFESTIVAL 2015 Le Theaterfestival existe 25 ans et présente à cette occasion une sélection extra large des spectacles les plus intéressants de la saison passée. Un jury d’expert parti sur le terrain a composé un programme exaltant, avec à l’affiche non moins de 17 spectacles. Pour Circuit X, ils ont choisi cinq spectacles de créateurs de théâtre émergents qui entameront une tournée à travers les centres culturels flamands après le festival. Au Bronks, un jury d’enfant propose le fin du fin aux cultureux en culottes courtes. Et selon les bonnes habitudes, le festival offre un abondant programme parallèle dans et autour du centre du festival. THE 2015 THEATRE FESTIVAL The Theatre Festival has now been in existence for 25 years and is generously offering an extra-large selection of the most striking productions of the past season. A jury of experts went out into the field and is now presenting a dazzling programme of no less than 17 productions. For Circuit X they chose five pieces by dynamic young theatre-makers which afterwards will tour Flanders’ cultural centres. In addition, the festival shows one production from the Dutch Theatre Festival. At Bronks, a children’s jury will present the best of the best for young culturelovers. And, by tradition, there is a well-filled parallel programme in and around the festival centre. WWW.THEATERFESTIVAL.BE

SELECTIE HET THEATERFESTIVAL Al te luide eenzaamheid – Koen De Sutter/Theater Zuidpool Gavrilo Princip – De Warme Winkel Liefdesverklaring – Nicole Beutler & Magne van den Berg/ fABULEUS & NBprojects AH/HA – Lisbeth Gruwez/Voetvolk The Great Warmachine – Joachim Robbrecht Horror – Jakop Ahlbom Hunter – Meg Stuart/Damaged Goods Work/Travail/Arbeid – Anne Teresa De Keersmaeker/Rosas & WIELS The Marx Sisters – De Koe & Tg Stan Vader – Franck Chartier/Peeping Tom Slumberland – Nathalie Teirlinck/Zonzo Compagnie Augustus ergens op de vlakte – Olympique Dramatique/ Toneelhuis, NTGent & KVS The Civil Wars – Milo Rau/IIPM The Fountainhead – Ivo Van Hove/Toneelgroep Amsterdam* Revue Ravage – Josse De Pauw, Tom Lanoye & Peter Vermeersch/KVS & NTGent* Medea – Simon Stone/Toneelgroep Amsterdam* Colossus – Stef Lernous/Abattoir Fermé*

SELECTIE THEATERFESTIVAL NEDERLAND Angels in America – Theater Oostpool

SELECTIE CIRCUIT X A piece of time – Nick Steur/Stichting SoAP Het Weiss-effect – Hof van Eede A reason to talk – Sachli Gholamalizad/kunstZ To Break – The Window of Opportunity – Robbert & Frank/ Frank & Robbert/CAMPO THE LOVER – Bára Sigfúsdóttir/Curtain Call Productions

SELECTIE KINDERJURY Kriep – 4Hoog Tornar – Seppe Baeyens/Ultima Vez Wij/Zij – Bronks De Bank – Theater Stap

* Deze voorstelling kan helaas niet hernomen worden/ Ce spectacle ne peut pas être reprise/Unfortunately, this performance can’t be reprised.

MICHIEL VANDEVELDE[BE] Antithesis, the future of the image

THU 17, FRI 18/09 20:30 KAAITHEATER DANCE | EN | 1H15 | € 12/10/8 + EXTRA: PROTO-TALK WITH ELEANOR BAUER, THU 17/09 >> P. 132

EEN LITERAIRE YOUTUBE-DANCE-PERFORMANCE Beelden hebben geschreven taal vervangen als meest invloedrijke communicatiemiddel. Technologische ontwikkelingen bieden steeds meer mogelijkheden tot het manipuleren en editen van beelden. Wat betekent beeld nog? Danser en choreograaf Michiel Vandevelde stelt in zijn voorstelling ‘enkele theses en één antithese’ voor. Hij plaatst theoretische teksten tegenover dans, gebaseerd op bekende choreografieën uit de popmuziek. Het geheel noemt hij ‘een literaire YouTube-dance-performance’. Hij gebruikt reappropriatie of her-toe-eigenen als techniek. Met deze voorstelling wordt de focus op filosofie en denken binnen het programma van dit seizoen stevig ingezet. — Michiel Vandevelde is danser en choreograaf. Hij studeerde af aan PARTS. Zijn werk bestaat uit acties in de publieke ruimte, performances en het bouwen van verschillende constructies.

A LITERARY YOUTUBE DANCE PERFORMANCE Images have replaced written language as the most influential communication tool. Technological developments offer more and more opportunities to manipulate and edit images. What meaning do images still have? In his performance, the dancer and choreographer Michiel Vandevelde puts forward ‘a number of theses and one antithesis’. He juxtaposes theoretical texts with dance based on wellknown choreographies from the world of pop music. He describes the whole thing as ‘a literary YouTube dance performance’ and uses reappropriation as a technique. This performance gives a solid start to the focus in this season’s programme on philosophy and thinking. — Michiel Vandevelde is a dancer and choreographer who graduated from PARTS. His work comprises actions in public space, performances, and the building of various constructions.

CONCEPT, CHOREOGRAPHY & DANCE Michiel Vandevelde | FEEDBACK Dries Douibi | GRAPHIC DESIGN Ward Heirwegh | TEXT Adam Curtis, Vilém Flusser, Jean-Luc Godard, Victor Hugo, Aldous Huxley, Neil Postman, Jacques Rancière, Anna Siegel, Michiel Vandevelde, Kristof van Baarle | CO-PRODUCTION Vooruit

UN SPECTACLE DE DANSE LITTÉRAIRE YOUTUBE Les images ont remplacé le langage écrit comme moyen de communication le plus influent. Les développements technologiques offrent toujours plus de possibilités de manipuler et de monter des images. Que signifie encore l’image ? Dans son spectacle, le danseur et chorégraphe Michiel Vandevelde propose « quelques thèses et une seule antithèse ». Il met des textes théoriques en regard de danses inspirées de chorégraphies célèbres de la musique pop. Il nomme le tout « un spectacle de danse littéraire YouTube » et utilise la technique de la réappropriation. Ce spectacle s’inscrit résolument dans la thématique centrale du programme de cette saison, axé sur la philosophie et la pensée. — Michiel Vandevelde est danseur et chorégraphe. Il est diplômé de PARTS. Son œuvre se compose d’actions dans l’espace public, de performances et de la construction de différents dispositifs.

ABATTOIR FERMÉ[BE] Alice FRI 25, SAT 26/09 20:30 KAAITHEATER THEATRE | NL | SURTITRÉ FR | € 16/12/8

ALICE POUR ADULTES En 2015, Les Aventures d’Alice au Pays des merveilles de Lewis Carroll célèbre son 150e anniversaire. Un siècle et demi après sa publication, le texte n’a rien perdu de sa force. Les enfants restent fascinés par la logique et les personnages étranges, et pour les adultes, le livre demeure une mine de trésors. Il en va de même pour le metteur en scène Stef Lernous. Depuis qu’il a découvert le livre à l’âge de douze ans, il est fan et collectionneur de tout ce qui concerne Alice. Les aventures d’Alice se laissent lire comme un rêve envoûtant. Les rêves sont souvent si complexes que leur souvenir et leur reconstruction rationnelle ultérieure sont toujours défaillants – notre langage « éveillé » applique une autre sorte de logique. Mais la logique des rêves donne à la fois une notion essentielle de qui nous sommes ou ce que nous sommes.

Le caractère onirique d’Alice au pays des merveilles a inspiré à Abattoir Fermé cette adaptation pour adultes. La compagnie traduit la logique surréelle absurde de Lewis Carroll en un récit sombre, émaillé de puissantes scènes visuelles. — Abattoir Fermé crée des spectacles à partir d’une fascination pour le « monde au-delà du connu », pour les peurs ou les fantaisies que l’être humain préfère normalement rationaliser ou oublier. La compagnie a développé un langage visuel poussé à son paroxysme, avec un impact cinématographique et beaucoup de fantaisie théâtrale.

ALICE VOOR VOLWASSENEN In 2015 viert Lewis Carroll’s Alice in Wonderland haar 150ste verjaardag. Anderhalve eeuw na publicatie heeft de tekst niets aan kracht ingeboet. Kinderen blijven gefascineerd door de vreemde logica en dito personages, en voor volwassenen is het boek nog steeds een schattenkamer. Zo ook voor regisseur Stef Lernous. Sinds hij het boek als twaalfjarige ontdekte, is hij een fan en verzamelaar van all things Alice. Alice’s avonturen laten zich lezen als een fascinerende droom. Dromen zijn vaak zo complex dat het zich achteraf herinneren en rationeel reconstrueren altijd tekortschieten – onze ‘wakkere’ taal hanteert een ander soort logica. Maar de droomlogica geeft tegelijk een essentieel inzicht in wie of wat we zijn. Het droomachtige karakter van Alice in Wonderland inspireerde Abattoir Fermé tot deze bewerking voor volwassenen. Het gezelschap vertaalt Lewis Carroll’s absurde droomlogica naar een duistere vertelling met straffe visuele tableaus. — Abattoir Fermé maakt voorstellingen vanuit een fascinatie voor ‘de wereld achter het bekende’, voor angsten of fantasieën die de mens normaliter wil rationaliseren of vergeten. De beeldtaal van het gezelschap is hypervisueel, met een filmische inslag en veel theatrale fantasie.

ALICE FOR ADULTS The dreamy nature of Alice in Wonderland, the classic book that is celebrating its 150th anniversary in 2015, inspired Abattoir Fermé to create this adaptation for adults. The company translates Lewis Carroll’s absurd dreamlike logic into a dark tale with powerful visual tableaux.

TEKST & REGIE Stef Lernous, vrij naar Lewis Caroll | SPEL Aat Ceelen, Lobke Leirens, Kirsten Pieters, Lukas Smolders, Anneke Sluiters, Chiel van Berkel, Tine Van den Wyngaert | MUZIEK Kreng | DECOR- & LICHTONTWERP Stef Lernous & Sven Van Kuijk | PRODUCTIE Abattoir Fermé (Mechelen) | COPRODUCTIE NONA (Mechelen), STUK (Leuven)

ON ART AND SOCIETY NL Dat deze regering fors bespaart op cultuur is ondertussen bekend. Het zette het debat over ‘kunst en samenleving’ nog maar eens op scherp. Ook elders in Europa reageerden regeringen op de economische crisis met het schrappen in de cultuursubsidies. Behalve de kunstorganisaties zijn het vooral de individuele kunstenaars die hiervan het slachtoffer zijn. De precaire, vaak internationale constructies van subsidienten en coproducenten die hun werk mogelijk maken, dreigen door de besparingen in elkaar te stuiken. We laten bij het begin van dit ‘besparingsseizoen’ enkele van die jonge makers aan het woord over hun zoektocht naar middelen en over hun visie op ‘kunst en samenleving’. FR On sait que le gouvernement actuel a considérablement réduit les budgets alloués à la culture. Voilà qui a une fois de plus enflammé le débat sur « l’art et la société ». Ailleurs en Europe, les gouvernements ont aussi réagi à la crise économique par des coupes sombres dans les subventions à la culture. Outre les organisations artistiques, ce sont surtout les artistes individuels qui en sont les victimes. Les constructions précaires et souvent internationales des subventionnaires et des coproducteurs qui leur permettent de réaliser leurs créations sont par conséquent menacées de s’écrouler. En ce début de saison « d’austérité budgétaire », nous donnons la parole à quelques-uns de ces artistes émergents à propos de leur recherche de moyens et de leur vision sur « l’art et la société ». EN It is already clear that this government is making deep cuts to culture. This has only served to sharpen the debate on ‘art and society’. Elsewhere in Europe, governments have also reacted to the economic crisis by scrapping cultural subsidies. Apart from the arts organisations, it is primarily individual artists who have fallen victim to this. The precarious, often international constructions of the subsidising bodies and co-producers that make their work possible are threatened with collapse as a result of the cuts. At the start of this ‘season of cuts’, we give a number of these young theatre-makers the opportunity to talk about their search for funding and about their view of ‘art and society’.

A HOUSE ON FIRE PRESENTATION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

MAIKE LOND[EE] 10 journeys to a place where nothing happens* SAT 26/09 19:00 KAAISTUDIO’S LECTURE/PERFORMANCE | EN | 1H | RERUN | € 8 COMBI TICKET LOND/HETZEL € 12 SPONSORDEALS De Estlandse artieste Maike Lond brengt met veel humor verslag van haar pogingen om financieel samen te werken met de privésector. Ze probeerde het op alle mogelijke manieren: met klassieke sponsordeals, als werknemer, met publieke presentaties, met live debatten op de Estlandse tv... Haar (romantische) doel: financieel onafhankelijk zijn van curators en subsidiënten. Lond combineert haar elektro-akoestische muziek met beeldende, interactieve installaties. — 10 journeys to a place where nothing happens was eerder in de Kaaistudio’s te zien tijdens het Pharmakonweekend in 2014. PARRAINAGE CLASSIQUE L’artiste estonienne Maike Lond relate ses tentatives de collaboration financière avec le secteur privé. Elle a tout essayé : le parrainage classique, le salariat, des présentations publiques, des débats en direct à la télévision estonienne... Son objectif (romantique) : être financièrement indépendante des commissaires d’expositions et des organismes subventionnaires. Lond combine sa musique électroacoustique avec des installations visuelles interactives. — 10 journeys to a place where nothing happens était à l’affiche des Kaaistudio’s dans le cadre du week-end Pharmakon en 2014. STANDARD SPONSOR DEALS The Estonian artist Maike Lond reports on her attempts to cooperate financially with the private sector. She tried in every way possible: with standard sponsor deals, as an employee, in public presentations, live debates on Estonian television etc. Her (rather romantic) goal was to become financially independent from curators and subsidising bodies. Lond combines her electro-acoustic music with interactive visual installations. — 10 journeys to a place where nothing happens was previously performed at the Kaaistudios during the Pharmakonweekend in 2014. IDEA & PERFORMANCE Maike Lond | ASSISTANCE Kaja Kann | TRANSLATION SUPPORT Kadri Saar | CO-PRODUCTION Maike Lond & Kanuti Gildi SAAL

JULIAN HETZEL[NL/DE] The Benefactor

2000 STORTINGEN In 2010 protesteerde de politicus Frits Bolkestein tegen de cultuurbesparingen in Nederland: ‘Ik wil niet minder geld voor kunst en cultuur, maar méér. En dat verschil wil ik financieren uit de vermindering van de ontwikkelingshulp.’ Geïnspireerd door dit voorstel, ontwikkelde Julian Hetzel een project over een radicaal alternatief gebruik van geld voor cultuur. Een gift van € 2000 voor de ontwikkeling van een project schonk hij aan een uitgehongerd kind in Afrika. Hij maakte van de schenking een ‘intercontinentale performance van 2000 dagen’: elke dag stort hij 1 euro. — Julian Hetzel werkte enkele jaren als vormgever voor hij aan Dasarts in Amsterdam een opleiding podiumkunsten begon. Sindsdien maakt hij voorstellingen voor het theater en voor de publieke ruimte.

2000 VIREMENTS BANCAIRES En 2010, le politicien Frits Bolkestein a protesté contre les restrictions budgétaires imposées à la culture aux Pays-Bas : « Je ne veux pas qu’on donne moins d’argent à l’art et à la culture, mais plus. Et cette différence, je veux la puiser dans la réduction de l’aide au développement. » Inspiré par cette proposition, Julian Hetzel a développé un projet pour un usage radicalement alternatif de l’argent consacré à la culture. Ayant reçu 2 000 € pour l’élaboration d’un projet, il a décidé de verser ce montant à un enfant africain famélique et a fait de ce don une « performance intercontinentale de 2000 jours » : chaque jour, il verse 1 euro. — Julian Hetzel a travaillé quelques années comme graphiste avant d’entamer une formation aux arts de la scène à Dasarts, à Amsterdam. Depuis, il crée des spectacles pour le théâtre et l’espace public.

SAT 26/09 20:30 KAAISTUDIO’S LECTURE/PERFORMANCE | EN | 45 MIN. | € 8 | COMBI TICKET LOND/HETZEL € 12

2000 PAYMENTS In 2010, the politician Frits Bolkestein protested against the cultural cuts in the Netherlands: ‘I want to see more, not less money for art and culture. And I want to finance that difference by reducing foreign aid.’ Inspired by this suggestion, Julian Hetzel developed a project about a radical alternative use of money earmarked for culture. He had received a gift of € 2000 to develop a project. He donated that budget to a starving child in Africa and made the gift into a ‘2000-day intercontinental performance’, transferring 1 euro each day. — Julian Hetzel worked as a designer for several years before embarking on a performing arts course at Dasarts in Amsterdam. Since then, he has been making performances for theatre and for public space.

CONCEPT, TEXT, PERFORMANCE & DIRECTION Julian Hetzel | DRAMATURGICAL ADVICE Igor Dobricic | ARTISTIC ADVICE Siegmar Zacharias | PRODUCTION DasArts

MUGMETDEGOUDENTAND[NL] Hannah en Martin

re:think

WED 30/09, THU 1/10 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | 1H30 | € 16/12/8 GEHEIME LIEFDE Hannah en Martin is gebaseerd op de geheime liefdesrelatie van de Joodse filosofe Hannah Arendt en haar leraar, de filosoof Martin Heidegger die ook kortstondig actief nationaalsocialist was. De relatie tussen Arendt en Heidegger is veelvuldig als immoreel bestempeld. Zelf wilden zij het er niet over hebben. De scheiding tussen privé en publiek, waar zowel Hannah als Martin zo op gesteld waren, gaat in onze tijd niet meer op. Wij willen tegenwoordig alles van iedereen weten. Zo willen we ook weten hoe deze twee beroemde Duitsers zich door de dramatische tijd waarin ze leefden heen hebben geslagen. En wat ze eventueel gevonden zouden hebben van de tijd waarin wij leven. — De Amsterdamse groep Mugmetdegoudentand werd opgericht in 1985 door regisseur Jan Ritsema en een aantal net afgestudeerde acteurs. Het artistieke team bestaat vandaag uit Marcel Musters, Joan Nederlof en Lineke Rijxman. Hannah en Martin werd in 2010 geselecteerd voor het Nederlandse Theaterfestival en leverde Rijxman een Theo d’Or op voor beste vrouwelijke hoofdrol. AMOUR SECRET Hannah en Martin s’inspire de la relation amoureuse secrète entre la philosophe juive Hannah Arendt et son professeur, le philosophe allemand Martin Heidegger, brièvement actif au sein du parti nazi. En 2010, la production a été sélectionnée pour le Nederlandse Theaterfestival.

©X+L

SECRET LOVE Hannah en Martin is based on the secret love affair of the Jewish philosopher Hannah Arendt and her teacher, the philosopher and briefly active National Socialist Martin Heidegger. The performance was selected for the 2010 Dutch Theatre Festival.

‘Weergaloos, intelligent en soms beklemmend theater.’ — HET PAROOL

>> P. 62 SPEL Lineke Rijxman, Willem de Wolf | CONCEPT Lineke Rijxman, Willem de Wolf, Joan Nederlof

OKTOBER OCTOBRE OCTOBER

A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

METTE INGVARTSEN[DK/BE] 7 Pleasures FRI 2, SAT 3/10 20:30 KAAITHEATER DANCE/PERFORMANCE | € 16/12/8 + EXTRA: PROTO-TALK WITH ELEANOR BAUER, FRI 2/10

PLEZIER IN AL ZIJN GLORIE Vorig seizoen presenteerden we van de Deense danseres en choreografe Mette Ingvartsen 69 positions, het eerste deel van een cyclus over seksualiteit en de relatie tussen ‘de politiek van het lichaam en maatschappelijke structuren’. In 7 Pleasures houdt zij zeven concepten van plezier tegen het licht. Ervaringen van plezier die het lichaam veranderen, die de dingen en de omgeving aantasten. In de voorstelling is plezier evenzeer een kwestie van perceptie als van politiek. Hoe kunnen we andere vormen van plezier ervaren en delen dan diegene die het dagelijkse leven ons biedt? Hoe verken je het mysterieuze van plezier, zijn verbondenheid met het innerlijke, met de buitenwereld, zijn sociale en subjectieve gelaagdheden? Plezier kan vreugde genereren; kan je daarmee clichébeelden van naaktheid en seksualiteit doorprikken? Een groep van twaalf performers geeft vorm aan zintuiglijke gewaarwordingen. In een lange sensuele beweging raken lichamen elkaar aan, zij verliezen hun grenzen, vibreren, vormen onverwachte composities en constellaties met de dingen rond hen. Beetje bij beetje wordt een ervaring zichtbaar waarin elk soort van plezier wordt opgewekt in al zijn glorie. Het plezier in kaart gebracht! LE PLAISIR DANS TOUTE SA SPLENDEUR La saison passée, nous avons présenté 69 positions de la danseuse et chorégraphe danoise Mette Ingvartsen, la première partie d’un cycle sur la sexualité et la relation entre « la politique du corps et les structures sociales ». Dans 7 Pleasures, Ingvartsen examine sept concepts du plaisir. Des expériences de plaisir qui modifient le corps et affectent la matière et l’environnement. Dans le spectacle, le plaisir est tout autant une question de perception que de politique. Comment peut-on générer et transmettre d’autres formes de plaisir que celles que chorégraphie le quotidien ? Comment explore-t-on la part mystérieuse du plaisir, son lien avec l’intériorité, avec le monde extérieur, ses ramifications sociales et subjectives ? Le plaisir peut engendrer de la joie ; peut-il aussi démystifier les clichés attachés à la nudité et à la sexualité ? KAAITHEATER CO-PRODUCTION ARTIST IN RESIDENCE BELGIAN PREMIERE

Un groupe de douze performeurs donne corps à des perceptions sensorielles. Dans un long mouvement sensuel, les corps se touchent, perdent leurs limites, vibrent, forment des compositions et des constellations inattendues avec ce qui les entoure. Petit à petit, une expérience devient apparente dans laquelle tout type de plaisir est éveillé dans toute sa splendeur ! Un tour d’horizon du plaisir ! PLEASURE IN ALL ITS GLORY Last season, we presented 69 positions by the Danish dancer and choreographer Mette Ingvartsen, the first part of a cycle about sexuality and the relationship between ‘the politics of the body and social structures’. In 7 Pleasures, she explores seven concepts of pleasure. Pleasures transforming bodies, contaminating matter and the environment. In the performance, pleasure becomes a perceptual as much as a political question. How to generate and transmit other forms of pleasure than those choreographed by everyday life? How to explore pleasure’s uncanniness, its points of connection with the inside, the outside, and its social and subjective ramifications? How to use its joyful potential to disrupt clichéd images attached to nudity and sexuality? A group of twelve performers work on sensations and their representation. As a melting together of states, in a long sensual movement explored through the skin, bodies touch, test, and lose their borders. They vibrate, entering into contact and composition with the objects that surround them, and forming unexpected constellations of variable geometries. Little by little a sensation unfolds where every aspect of pleasure is handled, stirred, and returned in all its glory. A map of pleasure!

>> P. 132 CONCEPT, CHOREOGRAPHY Mette Ingvartsen | PERFORMERS Sirah Foighel Brutmann, Johanna Chemnitz, Katja Dreyer, Elias Girod, Bruno Freire, Dolores Hulan, Ligia Manuela Lewis, Danny Neyman, Norbert Pape, Pontus Pettersson, Hagar Tenenbaum, Marie Ursin | LIGHT Minna Tiikkainen | SOUND Peter Lenaerts | DRAMATURGY Bojana Cvejic | ASSISTANT CHOREOGRAPHY Manon Santkin | PRODUCTION Mette Ingvartsen/Great Investment | CO-PRODUCTION Kaaitheater, steirischer herbst festival (Graz), HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Festival d’Automne (Paris), Les Spectacles vivants – Centre Pompidou (Paris), Théâtre National de Bretagne (Rennes), PACT Zollverein (Essen), Dansens Hus (Oslo), Tanzquartier Wien (Vienna), Kunstencentrum BUDA (Kortrijk), BIT Teatergarasjen (Bergen), Dansehallerne (Copenhagen)

LAURENT CHÉTOUANE & SOLISTENENSEMBLE KALEIDOSKOP[FR/DE] BACH/PASSION/JOHANNES FRI 9, SAT 10/10 20:30 KAAITHEATER DANCE/MUSIC | 2H15 | € 16/12/8 BACH ZONDER VANGNET Twee seizoenen geleden was Laurent Chétouane voor het eerst te gast in het Kaaitheater: met zijn Sacré Sacre du Printemps bracht hij een radicale, volgens sommigen ironische herinterpretatie van de Sacre du Printemps van Stravinsky en Nijinsky, een van de legendarische werken uit de muziek- en de dansgeschiedenis. Chétouane begeeft zich andermaal aan een iconisch werk, de Johannespassie van Bach. Hij is niet geïnteresseerd in een perfecte uitvoering van de muziek en al evenmin laat hij zijn dansers het passieverhaal ‘verbeelden’. Wat hem bezighoudt is de vraag hoe Bachs muziek de dansers én de toeschouwers beroert, inspireert, verandert, uitdaagt… zonder het vangnet van een vastgelegde choreografie, zonder geschoolde zangers en met enkel zeven instrumenten. Wat gebeurt er als de muziek van Bach ‘ontheiligd’ wordt, ontdaan van zijn religieuze context? Kan zo’n directe, persoonlijke benadering van de muziek nog steeds gemeenschapszin en verbondenheid tot stand brengen? — De Fransman Laurent Chétouane (1973) is van opleiding ingenieur, maar gegrepen door de teksten van Heiner Müller ging hij theater studeren. Vandaag woont en werkt hij in Berlijn. In zijn theater speelt het lichaam van de acteur een belangrijke rol. Dat bracht hem bij het medium dans. Vandaag geldt hij als een belangrijke nieuwe stem in de hedendaagse dans.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION BELGIAN PREMIERE CHOREOGRAPHY Laurent Chétouane & dancers | DANCE Lisa Densem, Nitsan Margaliot, Mikael Marklund, Sigal Zouk | MUSIC ADAPTED FROM THE ORIGINAL BY Michael Rauter & Solistenensemble Kaleidoskop | MUSICIANS Timoti Fregni (violine), Nari Hong (flute), Tammin Julian Lee (organ), Ildiko Ludwig (viola), Tilman Kanitz (cello), Yumi Onda (violine), Beltane Ruiz (Bass) | VOICE Senem Gökce Ogultekin | SCENOGRAPHY Laurent Chétouane & Matthias Nebel | COSTUMES Sophie Reble | LIGHT Stefan Riccius | DRAMATURGY Leonie Otto | PRODUCTION Johannespassion GbR in collaboration with Solistenensemble Kaleidoskop | CO-PRODUCTION Kaaitheater, Kampnagel (Hamburg), Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis, Tanzquartier Wien, Maillon – Théâtre de Strasbourg/Scène européenne, TAP – Théâtre Auditorium de Poitiers, tanzhaus nrw, HAU Hebbel am Ufer Berlin, Metz en Scène

BACH SANS FILET DE SÉCURITÉ Il y a deux saisons, Laurent Chétouane était pour la première fois l’hôte du Kaaitheater : avec Sacré Sacre du Printemps, il a présenté une réinterprétation radicale, ironique d’après certains, du Sacre du Printemps de Stravinsky et Nijinski, l’une des œuvres légendaires de l’histoire de la musique et de la danse. Chétouane s’attaque de nouveau à une œuvre iconique, La Passion selon saint Jean de Bach. Ce qui l’intéresse n’est ni une interprétation parfaite de la musique ni une « représentation » de la Passion par ses danseurs. Ce qui occupe son esprit est la question : comment la musique de Bach peut-elle toucher, inspirer, transformer, défier… les danseurs et les spectateurs, sans le filet de sécurité d’une chorégraphie définie et de chanteurs professionnels, rien qu’avec sept instruments ? Que se passe-t-il quand on « désacralise » la musique de Bach, quand on l’extrait de son contexte religieux ? Une approche aussi personnelle et directe de la musique peut-elle encore générer un esprit de communauté et de fraternité ? — Le Français Laurent Chétouane (1973) est ingénieur de formation, mais bouleversé par les textes de Heiner Müller, il a décidé d’entamer des études de théâtre. Aujourd’hui, il vit et travaille à Berlin. Dans son théâtre, le corps de l’acteur joue un rôle primordial. C’est ce qui l’a mené à la danse. À l’heure actuelle, il compte parmi les plus grandes voix de la danse contemporaine.

‘Honderd jaar na de eerste Sacre du Printemps is Chétouane er wonderwel in geslaagd om aan de mythe van toen een bijzonder boeiende hedendaagse utopie te breien.’ — E-TCETERA.BE

Can such a direct, personal approach to the music still create a sense of community and connectedness? — The Frenchman Laurent Chétouane (1973) trained as an engineer, but, captivated by Heiner Müller’s work, he decided to study theatre. He now lives and works in Berlin. In his theatre work, the actor’s body plays an important role. This led him to the medium of dance. Today he is regarded as an important new voice in contemporary dance.

BACH WITHOUT SECURITY Two seasons ago Laurent Chétouane was a guest at Kaaitheater for the first time: with his Sacré Sacre du Printemps he presented a radical and, according to some, ironic reinterpretation of Stravinsky and Nijinski’s Sacre du Printemps, one of the legendary works of music and dance history. Once again Chétouane is embarking on an iconic work, Bach’s St John Passion. He is not interested in a perfect execution of the music, nor does he allow his dancers to ‘portray’ the Passion. What interests him is the question of how Bach’s music stirs, inspires, changes, and challenges the dancers and the audience… without the security of a set choreography, without trained singers and with just seven instruments. What happens if Bach’s music is desecrated, stripped of its religious context?

‘Vaslav Nijinsky’s erstwhile epoch-making and eruptive break with ballet tradition is most captivatingly mirrored in Chétouane’s experimental arrangement.’ — SÜDDEUTSCHE ZEITUNG

A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

deufert&plischke[DE] Niemandszeit THU 8, FRI 9/10 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE/PERFORMANCE | EN | 1H10 | € 16/12/8 CHOREOGRAFIE ALS SOCIALE PRAKTIJK In 1998 studeerde Thomas Plischke met een danssolo af aan PARTS, Kattrin Deufert met een tekst aan de Freie Universität Berlin. Sedertdien hebben zij als deufert&plischke zelf gedoceerd aan hogescholen, o.a. aan PARTS, en vele studenten begeleid bij hun afstudeerwerk. Voor Niemandszeit keren zij de rollen om: ze gaven hun afstudeerwerk aan hun studenten, om zelf student van hun eigen werk te worden, met hun studenten als mentors en zijzelf als performers. De studenten herwerkten de solo en de tekst met persoonlijke ervaringen en herinneringen aan de jaren 1998–2014, een tumultueuze periode waarin o.a. de oorlog in Irak, 9/11, de financiële crisis, de Arabische lente, Facebook, Google en de Amerikaanse National Security Agency het nieuws domineerden. De nieuwe solo en de nieuwe tekst worden uitgevoerd door deufert&plischke, samen met het publiek. Een en ander past in de artistieke strategie van deufert&plischke: zij schrappen het artistieke ego en laten hun werk collectief schrijven. Choreograferen als sociale praktijk.

BELGIAN PREMIERE CONCEPT & REALISATION deufert&plischke | CHOREOGRAPHY & TEXT Rosalind Goldberg, Ana Laura Lozza, Lee Meir, Miriam Jakob, Flavio Ribeiro, Kareth Schaffer | PERFORMED BY deufert&plischke | WITH A TEXT CONTRIBUTION BY Valda Setterfield | PRODUCTION deufert&plischke & Tanzfabrik Berlin e.V. | CO-PRODUCTION BIT Teatergarasjen Bergen, Kunstencentrum Buda Kortrijk, Tqw Vienna

CHOREOGRAPHY AS SOCIAL PRACTICE In 1998 Thomas Plischke graduated from PARTS with a dance solo, and Kattrin Deufert graduated from the Freie Universität Berlin with a text. Since then they have lectured as deufert&plischke at colleges, including PARTS, and supervised many students during their graduate projects. For Niemandszeit they reverse the roles: they gave their graduate projects to their students, so as to become students of their own work, with their students as mentors. The students reformulated the solo and text with personal experiences and memories from the years 1998–2014, a tumultuous period in which the Iraq war, 9/11, the financial crisis, the Arab Spring, Facebook, Google and the American National Security Agency dominated the headlines. The new solo and the new text are now being performed by deufert&plischke, together with the audience. This all fits within the artistic strategy of deufert& plischke: they erase the artistic ego and have their work written collectively. Choreography thus becomes a social activity.

LA CHORÉGRAPHIE COMME PRATIQUE SOCIALE En 1998, Thomas Plischke achevait ses études à PARTS avec un solo de danse et Kattrin Deufert rédigeait sa thèse de doctorat à l’Université Libre de Berlin. Depuis lors, ils enseignent sous le nom deufert&plischke dans des écoles supérieures, entre autres à PARTS, et accompagnent de nombreux étudiants dans leur travail de fin d’études. Dans Niemandszeit, ils inversent les rôles : ils confient leur travail de fin d’études à leurs étudiants, pour devenir étudiants de leur propre création, avec leurs étudiants comme mentors. Les étudiants ont retravaillé le solo et le texte avec des expériences et des souvenirs personnels des années 1998–2014, une époque tumultueuse pendant laquelle la guerre en Irak, les attentats du 11 septembre, la crise

financière, le Printemps arabe, Facebook, Google et la NSA ont dominé l’information. deufert&plischke interprètent le nouveau solo et le nouveau texte, avec le public. Plusieurs éléments cadrent dans la stratégie artistique de deufert& plischke : ils suppriment l’ego artistique et font écrire leur œuvre de façon collective. Chorégraphier devient ainsi une pratique sociale.

SIMON MAYER[AT/BE] SunBengSitting WED 14, THU 15/10 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | 1H10 | € 12/10/8 TEGENPOLEN SunBengSitting is een mix van Oostenrijkse volksdans, jodeltraditie en hedendaagse dans. De voorstelling speelt met Simon Mayers boerenachtergrond en is zowel een reis naar het verleden als een humoristische zoektocht naar identiteit. Een ‘SunBeng’ betekent in het OpperOostenrijkse dialect het traditionele zonnebankje naast de voordeur. Mayer biedt het publiek een inkijk in zijn leven, de tegenstellingen die daarin bestaan en zijn verontwaardiging over het denken in vaststaande categorieën en conventies. Zijn overstap van boerenzoon naar performancekunstenaar was even bevrijdend als beperkend. SunBengSitting beweegt voortdurend tussen tegenpolen als stad en platteland, thuisland en buitenland, artistieke vrijheid en het dwangmatige hokjesdenken. — Simon Mayer (1984) studeerde aan de dansafdeling van de Weense Staatsopera, danste er een jaar in het corps de ballet en vervolgde zijn studie bij PARTS in Brussel. In 2009, startte hij de band Rising halfmoon als zanger, gitarist en songwriter. Als danser/choreograaf en musicus was hij betrokken bij voorstellingen van Anne Teresa De Keersmaeker/Rosas (The Song), Wim Vandekeybus (Frisking) en Zita Swoon.

OPPOSITES SunBengSitting is a mix of Austrian folk dance, traditional yodelling and contemporary dance. The performance plays on Simon Mayers’ farming background and is both a journey to the past and a humorous quest for identity. In the dialect of Upper Austria, a ‘SunBeng’ is the traditional bench beside the front door where you sit in the sun. Mayer offers the audience an insight into his life, its contradictions and his dislike of thinking in terms of established categories and conventions. His transition from farmer’s son to performing artist proved as liberating as it was limiting. SunBengSitting is constantly shifting between opposites such as city and countryside, home and abroad, and artistic freedom and relentless compartmentalisation. — Simon Mayer (1984) studied in the dance department at Vienna’s Staatsopera, dancing there for a year in the corps de ballet before continuing his studies at PARTS in Brussels. In 2009, he founded the band Rising Halfmoon as a singer, guitarist and songwriter. As a dancer, choreographer and musician, he has been involved in performances by Anne Teresa De Keersmaeker/ Rosas (The Song), Wim Vandekeybus (Frisking) and Zita Swoon.

PÔLES OPPOSÉS SunBengSitting est un brassage de danse folklorique autrichienne, de tradition du jodel et de danse contemporaine. Le spectacle, qui joue sur les origines paysannes de Simon Mayer, est à la fois un voyage dans le passé et une quête identitaire teinté d’humour. En dialecte haut-autrichien, SunBeng désigne le petit banc traditionnel posé devant la porte d’entrée pour prendre le soleil. Mayer offre au public un aperçu de sa vie, des paradoxes qui s’y côtoient et de son indignation sur la pensée en catégories et conventions fixes. Sa transition de fils de paysans à artiste de la performance s’est révélée tout aussi libératrice que restrictive.

SunBengSitting oscille sans cesse entre pôles opposés, comme la ville et la campagne, le pays d’origine et l’étranger, la liberté artistique et la pensée compulsivement cloisonnée. — Simon Mayer (1984) a étudié au département de danse de l’Opéra national de Vienne, a dansé un an dans le corps de ballet et a poursuivi ses études à PARTS à Bruxelles. En 2009, il a fondé le groupe Rising halfmoon en tant que chanteur, guitariste et auteur-compositeur. Il a participé, en sa qualité de danseur/chorégraphe et musicien, à des spectacles d’Anne Teresa De Keersmaeker/Rosas (The Song), Wim Vandekeybus (Frisking) et Zita Swoon.

‘Is there anything Young Jean Lee cannot do?’ — THE NEW YORK TIMES, BEST THEATER OF 2014

‘Even toying with stage conventions, Young Jean Lee is radical.’

— TIME OUT NEW YORK, TIME OUT’S BEST SHOWS OF 2014

YOUNG JEAN LEE’S THEATER COMPANY[US] Straight White Men THU 15, FRI 16, SAT 17/10 20:30 KAAITHEATER THEATRE | EN | 2H INCL. INTERMISSION | € 20/16/8 BLANK, MAN, HETERO Ed en zijn drie volwassen zonen komen samen om kerst te vieren. Bij een hap van de afhaalchinees en de nodige drank wordt er vrolijk geleuterd en gedold tot een bijna existentieel probleem ter sprake komt: als blanke heteroseksuele man ben je geprivilegieerd maar je beseft het niet en misschien is dat laatste wel het grootste privilege. Wat gebeurt er als je dat privilege kwijtspeelt? Met Straight White Men begeeft de New Yorkse theatermaakster Young Jean Lee zich op het terrein van het klassieke, ‘naturalistische’ theater, maar ook dan blijft ze tegendraads, kritisch en geestig. Het stuk is een verre echo van Dood van een handelsreiziger van Arthur Miller, dat de morele conflicten van de blanke middenklasse in het naoorlogse Amerika ten tonele voerde. Met haar stuk legt Young Jean Lee de waarden van onze neoliberale maatschappij op de snijtafel en ons gevecht met alle mogelijke vormen van identiteit — etnisch, sociaal of seksueel. Straight White Men stond hoog op de eindejaarslijstjes van de New Yorkse theaterrecensenten. — In mei 2012 was de Amerikaans-Koreaanse Young Jean Lee te gast met haar Untitled Feminist Show, een geweldige voorstelling waarin zij met veel humor allerlei clichés over (seksuele) identiteit onderuithaalde. HOMME, BLANC, HÉTÉRO Ed et ses trois fils adultes se réunissent pour fêter Noël. Autour d’un repas composé de plats chinois à emporter et copieusement arrosé, ça bavarde et plaisante joyeusement jusqu’à ce qu’une question quasi existentielle soit évoquée : en tant qu’homme blanc hétérosexuel, on est privilégié, mais on n’en a pas conscience et c’est peut-être là que réside le plus grand privilège. Que se passe-t-il quand on perd ce privilège ? Avec Straight White Men, la créatrice new-yorkaise de théâtre Young Jean Lee s’aventure sur le terrain du théâtre classique, « naturaliste », mais même dans ce registre, elle reste rebelle, critique et spirituelle. La pièce fait vaguement écho à Mort d’un commis voyageur d’Arthur Miller, qui portait à la scène les conflits moraux de la classe moyenne blanche dans l’Amérique de l’après-guerre. La pièce de Young Jean Lee pose les valeurs de notre société néo-libérale sur la table de disA HOUSE ON FIRE PRESENTATION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

section ainsi que notre lutte avec toutes les formes possibles d’identité — éthique, sociale ou sexuelle. Straight White Men figurait en tête des listes de fin d’année des critiques des théâtres new-yorkais. — En mai 2012, l’américano-coréen Young Jean Lee était à l’affiche du Kaaitheater avec Untitled Feminist Show, un spectacle extraordinaire dans lequel elle met à mal, avec beaucoup d’humour, toutes sortes de clichés sur l’identité (sexuelle). WHITE, MALE, HETERO Ed and his three grown sons come together to celebrate Christmas. They enjoy a bite from the Chinese takeaway, and the requisite drink, and cheerfully chat and lark around until an almost existential problem comes up: as a white heterosexual male, you are privileged but are not aware of it, and perhaps that is the greatest privilege of all. What happens if you lose that privilege? In Straight White Men, the New York theatre-maker Young Jean Lee enters the domain of classic ‘naturalist’ theatre, but even then remains contrary, critical and witty. The play is a distant echo of Arthur Miller’s Death of a Salesman, which brought to the stage the moral conflicts of the white middle class in postwar America. In her play, Young Jean Lee examines the values of our neoliberal society and our struggle with all possible forms of identity – ethnic, social and sexual. Straight White Men featured high on New York theatre critics’ pick of the year lists. — In May 2012 the American-Korean Young Jean Lee was our guest with her Untitled Feminist Show, a wonderful performance in which she humorously ridiculed all sorts of clichés about (sexual) identity.

BELGIAN PREMIERE WRITTEN & DIRECTED BY Young Jean Lee | CAST Austin Pendleton, Pete Simpson, James Stanley, Gary Wilmes | ASSOCIATE DIRECTOR Emilyn Kowaleski | SCENIC DESIGNER David Evans Morrisc | COSTUME DESIGNER Enver Chakartash | LIGHTING DESIGNER Chris Kuhl | ORIGINAL MUSIC & REMIXES Chris Giarmo | SOUND DESIGN Jamie McElhinney | MOVEMENT Faye Driscoll | DRAMATURGY Mike Farry | PRODUCTION Young Jean Lee’s Theater Company | CO-PRODUCTION The Public Theater, Wexner Center for the Arts at The Ohio State University, Center Theater Group, Steirischer Herbst Festival, Festival d’Automne (Paris), Les spectacles vivants du Centre Pompidou (Paris)

MAATSCHAPPIJ DISCORDIA[NL] Weiblicher Akt 6 – Vanuit Iokaste WED 21, THU 22/10 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | € 16/12/8 WIJ VROUWEN De Franse filosoof René Girard meent dat we nooit rechtstreeks vanuit onszelf handelen, maar altijd naar heersende modellen die in verschillende culturen aanwezig zijn. Maatschappij Discordia kijkt naar de Oedipusmythe vanuit het perspectief van Oedipus’ moeder, Iokaste. Als reactie op het Orakel van Delphi, dat voorspeld had dat het kind de vader zou vermoorden, liet ze haar zoon met doorboorde hielen achter in een bos.

Volgens de mythe is Oedipus de man die zijn vader vermoordde en met zijn moeder sliep. Freud benoemt Oedipus als dader. Maar volgens Girard is hij slachtoffer. Naar welk model handelde Iokaste? Wat maakte dat zij als vrouw in die tijd zo’n gruwelijke beslissing nam? Naar welke modellen handelen vrouwen in onze tijd? En wie garandeert ons dat diegene die we met zonden beladen en wegsturen, de ‘zondebok’ die vroeger de woestijn werd ingestuurd, niet na 100 meter rechtsomkeert maakt en een heerlijk leven leidt in een naburig dorp? Of terugkomt om zich te wreken? Weiblicher Akt is een serie voorstellingen van Maatschappij Discordia vanuit vrouwelijk perspectief. Naast teksten van Girard en Freud wordt er in de voorstelling materiaal van Susan Sontag, Martha Graham, Shakespeare, Marguerite Yourcenar en Elfride Jelinek gebruikt. NOUS FEMMES Le philosophe français René Girard pense que nous n’agissons jamais de notre propre chef, mais toujours d’après des modèles dominants présents dans différentes cultures. Maatschappij Discordia analyse le mythe d’Œdipe à partir de la perspective de Jocaste, sa mère. Weiblicher Akt est une série de spectacles de Maatschappij Discordia conçus à partir d’un point de vue féminin. Mis à part des textes de Girard et Freud, le spectacle s’inspire d’écrits de Susan Sontag, Martha Graham, Shakespeare, Marguerite Yourcenar et Elfride Jelinek.

WE WOMEN The French philosopher René Girard believes that our actions never come directly from ourselves, but are always influenced by the prevalent models found in different cultures. Maatschappij Discordia takes a look at the Oedipus myth from the perspective of Oedipus’ mother, Jocasta. Weiblicher Akt is a series of productions by Maatschappij Discordia from a female perspective. As well as texts by Girard and Freud, this performance uses material by Susan Sontag, Martha Graham, Shakespeare, Marguerite Yourcenar and Elfride Jelinek.

VAN & MET Annette Kouwenhoven, Maureen Teeuwen, Miranda Prein & Jan Joris Lamers | CHOREOGRAFIE Patrice Kennedy | PRODUCTIE Maatschappij Discordia (Amsterdam)

re:think

STEFAAN VAN BRABANDT/ BRUNO VANDEN BROECKE/ DE VERWONDERING[BE] Socrates SAT 24/10 20:30 KAAITHEATER THEATRE | NL | € 16/12/8

PETRA VAN BRABANDT Over theater en filosofie SAT 24/10 19:00 KAAITHEATER RE:THINK TALK | NL | FREE

Filosofe Petra Van Brabandt (Sint-Lucas Antwerpen) leidt ons doorheen het gedachtegoed van filosofen die over theater schreven, van Aristoteles tot Rancière. Daarnaast heeft ze het over filosofen die hun ideeën op een performatieve manier uit de doeken doen, zoals Martha Nussbaum en Slavoj Žižek.

OP IRONISCHE WIJZE Veertig jaar na Julien Schoenaerts brengt acteur Bruno Vanden Broecke (de Koe, Missie, Safety First, Het Eiland…) de ‘vader van de Westerse filosofie’ weer tot leven. Socrates, leermeester van Plato, uitvinder van de socratische methode, zette de Atheense bevolking aan het denken door provocerende vragen te stellen die hun vooroordelen en overtuigingen ondermijnden. Het gedachtegoed van de ‘horzel van Athene’ heeft 2400 jaar na datum nog niets aan waarde ingeboet. In deze nieuwe theatertekst, geschreven en geregisseerd door Stefaan Van Brabandt, kijkt Socrates in de laatste uren voor zijn dood terug op zijn leven en denken. Het is de eerste in een reeks filosofenmonologen waarin Van Brabandt (vroeger bij compagnie de Koe, maakte met Het voordeel van de twijfel een tv-reeks en een boek over filosofie) de filosoof zelf aan het woord laat, in een toon en stijl die overeenstemmen met de denkhouding en het temperament van de filosoof in kwestie. In de geest van Socrates wordt Socrates dus een ironische, ontroerende, tragikomische voorstelling die aan het denken zet. ‘Het enige wat ik weet, is dat ik niets weet.’ — Socrates NON SANS IRONIE Socrates est le premier d’une série de monologues de philosophes de la main de Stefaan Van Brabandt. Chaque monologue est écrit comme si le philosophe prenait lui-même la parole. Socrates est un spectacle ironique, émouvant, tragicomique, qui invite à la réflexion. IRONICALLY Socrates is the first in a series of philosophic monologues by Stefaan Van Brabandt. Each monologue is written as if the philosopher himself were speaking. Socrates is an ironic, poignant, tragicomic piece that sets us thinking. SPEL Bruno Vanden Broecke | TEKST & REGIE Stefaan Van Brabandt | PRODUCTIE De Verwondering | COPRODUCTIE Het Zuidelijk Toneel, Vlaams Cultuurhuis De Brakke Grond, Arenbergschouwburg

ILYAS ODMAN[TR] happy happy together TUE 27/10 19:00 KAAISTUDIO’S DANCE | 45 MIN. | RERUN | € 8 COMBI TICKET VANRUNXT/ODMAN € 20/16

BOUCLES D’OREILLES Nous reprenons happy happy together, une performance inspirée du film de Happy Together de Wong Kar Wai. Deux hommes, reliés par le biais de boucles d’oreilles, tentent de retrouver leur autonomie, de se détacher. — Ilyas Odman conjugue la danse contemporaine avec l’acrobatie et le mime. Il était performeur dans The Show Must Go On de Jérôme Bel lors du festival iDANS à Istanbul en 2011. Il a également tourné à travers l’Europe avec ses propres œuvres : tired (2005), glassteps (2006), et oggi niente (2010).

PRESENTED BY KAAITHEATER & EUROPALIA CONCEPT, CHOREOGRAPHY Ilyas Odman | PERFORMANCE Ilyas Odman, Çaglar Yigitogullari | MUSIC Happy Together, The Turtles; Cucurrucucu Paloma, Caetano Veloso | DRAMATURGICAL SUPPORT Burcu Barakaci | LIGHT DESIGN Ayse Ayter | PHOTOGRAPHY, PHOTOGRAPHICAL ADVICE Ali Güler

EARRINGS We reprise happy happy together, a performative interpretation of Wong Kar Wai’s film Happy Together. Two men who are bound together by earrings try to be regain their independence; free, on their own. — Ilyas Odman combines contemporary dance with acrobatics and mime-theatre. He performed in Jérôme Bel’s The Show Must Go On at the iDANS Festival in Istanbul in 2011. He has toured Europe with three of his own productions: tired (2005), glassteps (2006) and oggi niente (2010). © ALI GÜLER

OORRINGEN We hernemen een dansvoorstelling die tijdens WoWmen 2014 het debat over feminisme en gendergelijkheid in Turkije op scherp stelde: happy happy together van de Turkse choreograaf Ilyas Odman. Het is een performatieve interpretatie van Wong Kar Wai’s film Happy Together. Twee mannen, met elkaar verbonden via oorringen, proberen weer alleen te zijn, vrij, op zichzelf. — Ilyas Odman combineert hedendaagse dans met acrobatie en mimetheater. Hij was performer in Jérôme Bel’s The Show Must Go On tijdens iDANS Festival Istanbul in 2011. Hij is medeoprichter van het collectief Copycats (waarin ook leden van Schwalbe, zie p. 100–104), waarmee hij de voorstellingen Countdown, Yowsah Yowsah Yowsah en Holy Holy Holy maakte. Hij toerde door Europa met eigen werk: tired (2005), glassteps (2006), en oggi niente (2010).

MARC VANRUNXT & KUNST/WERK[BE] ATMOSPHERE TUE 27/10 20:30 KAAITHEATER DANCE | € 16/12/8 COMBI TICKET VANRUNXT/ODMAN € 20/16

LE PROCHE ET LE LOINTAIN Dans A T M O S P H E R E, Marc Vanrunxt travaille avec cinq danseurs turcs, ce qui lui donne l’occasion de (re) découvrir certains thèmes et variations constituant le fondement de son œuvre avec de jeunes danseurs à la formation et au bagage culturel différents. Le titre A T M O S P H E R E réfère aux obsessions du temps (durée) et de l’espace (le proche et le lointain) de Vanrunxt, à un état d’esprit (proximité – introspection) et à une situation dans l’univers (éloignement – observation). — Au cours des dernières années, Vanrunxt a créé des solos pour des danseurs exceptionnels comme Marie De Corte (Real, So Real, 2015), Rob Fordeyn (Discografie, 2013) et Igor Shyshko (L’art touche au ciel et à la terre, 2014). Il a toujours greffé ces solos sur la personnalité des performeurs. Vanrunxt extrait une brillance de ces personnes pour ensuite l’amplifier. Pour ce spectacle turco-belge, Vanrunxt restera fidèle à sa démarche « sur mesure ».

NEARBY AND FAR AWAY In A T M O S P H E R E Marc Vanrunxt works with five Turkish dancers. This gives him the opportunity to (re)discover a number of themes and variations that form the basis of his work, together with younger dancers who have had a different training or come with different cultural influences. The title A T M O S P H E R E is a reference to Vanrunxt’s obsessions with time (duration) and space (nearby and far away), to a state of mind (nearby – introspection) and to a state in the universe (far away – observation). — In recent years Vanrunxt has made solos for exceptional dancers such as Marie De Corte (Real, So Real, 2015), Rob Fordeyn (Discografie, 2013) and Igor Shyshko (L’art touche au ciel et à la terre, 2014). These solos were always reliant on the personality of the performers. Vanrunxt extracts a brilliance from these people and then magnifies it. This made-to-measure approach will be no different in this Turkish-Belgian production.

DICHTBIJ EN VER WEG In A T M O S P H E R E werkt Marc Vanrunxt samen met vijf Turkse dansers. Dat geeft hem de kans om een aantal thema’s en variaties die de basis vormen van zijn oeuvre te (her)ontdekken samen met jongere dansers die een andere opleiding genoten en een andere culturele bagage meedragen. De titel A T M O S P H E R E verwijst naar Vanrunxts obsessies met tijd (duur) en ruimte (dichtbij en ver weg), naar een gemoedstoestand (dichtbij – introspectie) en naar een toestand in het heelal (ver weg – observatie). — Vanrunxt maakte de voorbije jaren solo’s voor bijzondere dansers als Marie De Corte (Real, So Real, 2015), Rob Fordeyn (Discografie, 2013) en Igor Shyshko (L’art touche au ciel et à la terre, 2014). Deze solo’s werden steeds geënt op de persoonlijkheid van de performers. Vanrunxt extraheert iets schitterends (‘brilliance’) uit deze mensen om dat vervolgens uit te vergroten. Deze madeto-measure-aanpak zal in deze Turks-Belgische voorstelling niet anders zijn.

PRESENTED BY KAAITHEATER & EUROPALIA PREMIERE CHOREOGRAPHY Marc Vanrunxt | DANCERS Bahar Temiz, Melih Kiraç, Aisli Bostanci, Orcun Okurgan, Gizem Aksu | PRODUCTION Kunst/Werk (Antwerpen) | CO-PRODUCTION Europalia , Platform 0090

ESZTER SALAMON[HU/DE/FR] MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013) TUE 20, WED 21/10 20:30 KAAITHEATER DANCE | 1H15 | € 16/12/8 EEN DUISTER SCENARIO In MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013) kijkt de Hongaarse choreografe Eszter Salamon terug op honderd jaar oorlogsvoering. Ze doet dat aan de hand van tribale dansen, volksdansen en andere populaire dansvormen, gerelateerd aan conflicthaarden uit de vijf continenten. Haar dans-archeologisch onderzoek strekt zich uit van de vooravond van Wereldoorlog I tot de meest recente conflicten. Samen met haar zes dansers boetseert Salamon met het gevonden materiaal een indrukwekkende ‘dodendans’. Het duistere en bijwijlen surrealistische scenario lijkt het publiek een blik te gunnen op een verborgen massagraf waaruit gemaskerde figuren oprijzen die de horror te lijf gaan met energieke rituelen. MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013) is het eerste deel van een serie voorstellingen waarin Salamon het verband onderzoekt tussen choreografie en geschiedenis. — Eszter Salamon was eerder te zien in het Kaaitheater met o.a. Giszelle (2005, i.s.m. Xavier Le Roy), Dance #1/ Driftworks (2008, i.s.m. Christine De Smedt), Magyar Tàncok (2008) en TALES OF THE BODILESS (2011). Op de eerste Dag van de Dans presenteren we ook nog Dance #2, een duet dat ze creëert samen met Christine De Smedt (zie p. 117). UN SCÉNARIO SOMBRE Dans MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013), la chorégraphe hongroise Eszter Salamon porte un regard rétrospectif sur cent ans de guerre. Elle le fait au moyen des danses tribales, folkloriques et autres danses populaires liées aux foyers de conflit des cinq continents. Sa recherche « chorégraphico-archéologique » s’étend de la veille de la Première Guerre mondiale aux conflits les plus récents. Avec ses six danseurs, Salamon façonne le matériau trouvé en une impressionnante « danse macabre ». Le scénario sombre, et par moments surréaliste, semble permettre au public d’entrevoir un charnier caché d’où surgissent des figures masquées qui affrontent l’horreur par le biais de rituels débordants de vitalité. A HOUSE ON FIRE PRESENTATION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

D E AT H CAN DANCE MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013) est la première partie d’une série de spectacles dans lesquels Salamon analyse la relation entre chorégraphie et histoire. — Eszter Salamon est une habituée du Kaaitheater où elle a présenté entre autres Giszelle (2005, en collaboration avec Xavier Le Roy), Dance #1/Driftworks (2008, en collaboration avec Christine De Smedt), Magyar Tàncok (2008) et TALES OF THE BODILESS (2011). Lors de la première Journée de la Danse, nous présentons également Dance #2, un duo qu’elle crée avec Christine De Smedt. (voir p. 117) A DARK SCENARIO In MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013), the choreographer Eszter Salamon looks back over a century of warfare, using tribal dances, folk dances and other popular forms of dance related to conflict zones from all five continents. Her dance-archaeology research stretches from the eve of the First World War to the most recent conflicts. Together with her six dancers, Salamon moulds a striking ‘dance of death’. The dark and at times surreal scenario seems to afford the audience a glimpse of a hidden mass grave from which masked figures rise up and fight against the horror in vibrant rituals. MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013) is the first part of a series of performances in which Salamon explores the link between choreography and history. — Eszter Salamon has previously appeared at the Kaaitheater with Giszelle (2005, in collaboration with Xavier Le Roy), Dance #1/Driftworks (2008, in collaboration with Christine De Smedt), Magyar Tàncok (2008) and TALES OF THE BODILESS (2011). On the first Day of the Dance we will also be presenting Dance #2, a duet she is creating with Christine De Smedt (see p. 117).

BELGIAN PREMIERE

>> P. 117

ARTISTIC DIRECTION Eszter Salamon | DANCERS Boglárka Börcsök, Ligia Lewis, João Martins, Yvon Nana-Kouala, Luis Rodriguez, Corey Scott-Gilbert | DRAMATURGICAL COLLABORATION Eszter Salamon, Ana Vujanovic, Christophe Wavelet | COSTUMES Vava Dudu | LIGHTS Sylvie Garot | SOUND Wilfrid Haberey | PRODUCTION Botschaft Gbr, Studio E.S. | CO-PRODUCTION HAU Hebbel am Ufer (Berlin), Internationales Sommerfestival Kampnagel (Hamburg), Les Spectacles Vivants/Centre Pompidou (Paris), PACT Zollverein (Essen), Tanzquartier (Vienna), Centre Chorégraphique de Montpellier Languedoc-Roussillon

ANNE COLLOD/... & ALTERS[FR] The Parliament of the Invisibles THU 29/10 20:30 KAAITHEATER DANCE | 1H | € 16/12/8 EEN HEDENDAAGSE DODENDANS In 2008 was de Franse choreografe Anne Collod te gast in het Kaaitheater met parades and changes, replays, een fantastische herwerking van het legendarische stuk van Anna Halprin uit 1965. Met The Parliament of the Invisibles brengt zij opnieuw een belangrijke historische dans in een eigentijdse interpretatie. De danse macabre of dodendans kent zijn oorsprong in de middeleeuwen. De Duitse choreograaf en pedagoog Kurt Leeder, medewerker van Kurt Jooss, maakte in 1935 zijn versie van 18 dansende skeletten op muziek van Camille Saint-Saëns. Voor The Parliament of the Invisibles maakt Anne Collod een filmische re-enactment van Leeders dans. De vijf dansers verhouden zich tot deze film en tot de originele archiefbeelden. De voorstelling wekt een vergeten werk tot leven, maar wil ook een dialoog zijn tussen levenden en doden. Via verschillende vormen – processie, carnaval, ritueel, trance – wordt de plaats van de doden in ons leven vandaag verbeeld. — Door haar studie in de Laban-dansnotatie kreeg Anne Collod interesse in de re-enactment van choreografisch werk uit de 20ste eeuw. Voor parades & changes, replays (2008), kreeg ze in 2010 een Bessie Award in New York. UNE DANSE MACABRE CONTEMPORAINE En 2008, la chorégraphe française Anne Collod était l’hôte du Kaaitheater avec parades and changes, replays, d’après la pièce légendaire d’Anna Halprin de 1965, qu’elle revisitait avec brio. Avec The Parliament of the Invisibles, Collod présente à nouveau une interprétation contemporaine d’une danse historique illustre.

BELGIAN PREMIERE

CONCEPT, ARTISTIC DIRECTION Anne Collod | CHOREOGRAPHY Anne Collod in association with the performers/Sigurd Leeder | ARTISTIC COLLABORATION Johann Maheut , Cécile Proust | DANCERS Jonas Chéreau, Germana Civera, I Fang Lin, Laurent Pichaud (replaces Fabrice Ramalingom), Betty Tchomanga | MUSIC Pierre-Yves after Camille Saint Saëns | LIGHTING Henri-Emmanuel Doublier | SCENOGRAPHY Johann Maheut | IMAGES Jacques Hœpffner | COSTUME DESIGN La Bourette | PRODUCTION ... & alters | CO-PRODUCTION La Briqueterie CDC Val de Marne, Fontenay en scènes, Théâtre Jean-Vilar (Vitry sur Seine), Le Vivat (Armentières), Parc de la Villette (Paris), Centre National de la Danse (Paris), Arsenal (Metz), Centre Chorégraphique National de Montpellier, Le Phare (Le Havre), Centre Chorégraphique National de Franche-Comté à Belfort

La danse macabre prend son origine au Moyen-Âge. Le chorégraphe et pédagogue allemand Kurt Leeder, collaborateur de Kurt Jooss, créa en 1935 sa version de 18 squelettes dansants sur une musique de Camille Saint-Saëns. Anne Collod réalise une reconstitution cinématographique de la danse de Leeder. Les cinq danseurs se réfèrent au film de Collod et aux images d’archives originales. Le spectacle ressuscite une œuvre oubliée, mais veut aussi engager un dialogue entre vivants et morts. La musique de Pierre-Yves Macé fait à la fois référence à la musique de Saint-Saëns, à la fanfare, au carnaval et à la lamentation. — À travers son étude du système de notation de la danse de Laban, Anne Collod en est venue à s’intéresser à la reconstitution d’œuvres chorégraphiques du XXe siècle. Pour parades & changes, replays (2008) elle a reçu un Bessie Award à New York en 2010. A CONTEMPORARY DANCE OF DEATH In 2008, the French choreographer Anne Collod was our guest here at the Kaaitheater with parades and changes, replays, a fantastic reworking of Anna Halprin’s legendary 1965 piece. In The Parliament of the Invisibles, she once again presents a contemporary interpretation of an important historical dance. The origins of the danse macabre or dance of death can be traced back to the Middle Ages. In 1935, the German choreographer and teacher Kurt Leeder, a colleague of Kurt Jooss, created his version of 18 dancing skeletons set to music by Camille Saint-Saëns. Anne Collod creates a filmic re-enactment of Leeder’s dance. The five dancers relate to his film and to the original archive footage. Whilst the performance is a resurrection of a forgotten work, it also seeks to be a dialogue between the living and the dead. The music of Pierre-Yves Macé also alludes to both the music of Saint-Saëns and to brass bands, carnivals and lamentation. — Through her study of Laban dance notation, Anne Collod became interested in the re-enactment of 20thcentury chorographic works. For parades & changes, replays (2008), she won a Bessie Award in New York in 2010.

D E AT H CA N DANCE

Under the collective title Death Can Dance we are presenting productions by two international artists: Anne Collod and Ezster Salamon. They have both been inspired by historical material and the danse macabre or dance of the dead.

VINCIANE DESPRET L’inventivité des morts THU 29/10 19:00 KAAITHEATER RE:THINK TALK | FR | FREE

À l’occasion de la présentation de The Parliament of the Invisibles, Kaaitheater invite la philosophe Vinciane Despret à échanger sur la façon dont les relations entre les morts et les vivants offrent des matrices inépuisables d’histoires et de création et nourrissent leurs recherches mutuelles. — Vinciane Despret enseigne à l’université de Liège et à l’université libre de Bruxelles. Elle a principalement travaillé sur les savoirs à propos des animaux. Son nouveau livre, Au bonheur des morts. Récits de ceux qui restent, apparait en septembre (La Découverte/Les empêcheurs de penser en rond).

EMKE IDEMA[NL] RULETM

THU 29 (EN), FRI 30/10 (NL) 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | 1H15 | € 12/10/8 WANNEER LAAT JE EEN ONBEKENDE JE HUIS BINNEN? In RULETM confronteert de jonge Nederlandse theatermaakster Emke Idema het publiek met grote maatschappelijke kwesties als migratie en illegaliteit en tast ze persoonlijke grenzen af. Wanneer laat je een onbekende je huis binnen? Wat doe je als vrienden die bij jou logeren jouw huisregels overschrijden? En hoe handel je als jij verantwoordelijk bent voor de uitzetting van een gezin? Als toeschouwer neem je deel aan dit theatraal spel zonder acteurs. Je krijgt dilemma’s en stellingen voorgeschoteld waarna je letterlijk positie moet innemen. Voel je de groepsdruk van de meerderheid of durf je als individu de regels in vraag te stellen? Speel je het spel idealistisch, conformistisch, strategisch of pragmatisch? Of telt toch het ‘buikgevoel’? Speel mee en geef de regels en grenzen van RULETM mee vorm volgens je eigen idealen. — De theaterwerken van Emke Idema (1980) fungeren als sociale, politieke en filosofische laboratoria rondom patronen en gedrag in onze samenleving. Ze creëert een platform voor het publiek om zich te engageren.

A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

‘Een razend knap scenario’ HHHH — HET PAROOL ‘A game that explores the limits’ HHHH — THEATERKRANT

GRANDES QUESTIONS Dans RULETM, la jeune créatrice néerlandaise de théâtre Emke Idema met en lien de grandes questions politiques et un niveau personnel. Une invitation à participer à une société en miniature et à en élaborer les règles et les limites selon ses propres idéaux. WHEN WOULD YOU LET A STRANGE MAN INTO YOUR HOME? In RULETM the young Dutch theatre-maker Emke Idema confronts the audience with social issues such as migration and illegality and pushes personal boundaries. When would you let a strange man into your home? What do you do if your friends break the house rules when staying with you? And how do you behave if you are responsible for deporting a family? As a viewer you participate in this theatrical gamewithout-actors. You are presented with dilemmas and hypotheses on which you literally have to take a stand. Do you feel the group pressure of the majority or, as an individual, do you dare to question the rules? Do you play the game in an idealistic, compliant, strategic or pragmatic way? Or does your ‘gut feeling’ count in the end? Play along in this miniature society and help create the rules and boundaries of RULETM according to your own ideals. — The theatre works of Emke Idema (1980) are social, political and philosophical laboratories around patterns and behaviour in our society. She creates a platform on which the audience can engage.

CONCEPT & UITVOERING Emke Idema | DRAMATURGIE Nienke Scholts | SCENOGRAFIE Joris van Oosterwijk | ARTISTIEKE COACHING Dirk Verstockt | PRODUCTIE Stichting STRANGER, Frascati Producties, Grand Theatre Groningen

JAN DECORTE/BLOET & DE ROOVERS[BE] Geboeid/Prometheus FRI 13, SAT 14/11 20:30 + SUN 15/11 15:00 KAAITHEATER THEATRE | NL | € 16/12/8 + EXTRA: MATINEE KADEE, SUN 15/11 15:00 >> SEE P. 136 EEN PORTRET VAN ONVERZETTELIJKHEID Geboeid/Prometheus is een nieuwe tekst van Jan Decorte, gebaseerd op Aischylos’ tragedie uit de 5de eeuw voor Christus. Het is een waanzinnig stuk, een krachtig en dreigend portret van onverzettelijkheid. Prometheus steelt het vuur van de goden en geeft het aan de mensen. Hij brengt hen zo beschaving, wetenschap en kunst. En hij schenkt de sterfelijke mensen ook het vergeten, zodat zij hun eigen dood niet voorzien. Dat niet-weten brengt rust. Zeus is woedend en laat Prometheus aan een rots ketenen. Elke dag pikt een adelaar aan zijn lever. Die groeit ‘s nachts weer aan, zodat er geen einde komt aan de pijn. Maar Prometheus buigt niet voor de macht. Hij weet als enige hoe Zeus van zijn troon gestoten kan worden, maar weigert zijn geheim prijs te geven. De zekerheid dat Zeus hem ooit nodig zal hebben, stelt hem in staat om zich niet over te geven. — Jan Decorte heeft ondertussen meer dan 50 producties op zijn naam – check bloet.be! Elke voorstelling is vintage Decorte, in zijn bekende ‘kindlijke’ taal, in zijn ‘arme’ enscenering en scenografie. En elke voorstelling gaat over Decorte zelf, over de lijdende en de groteske mens.

STÉPHANE SYMONS Over vergeten SAT 14/11 19:00 KAAITHEATER RE:THINK TALK | NL | FREE

Jan Decorte beschrijft het verhaal van Prometheus vanuit het vergeten dat die aan de mensen schonk. Filosoof Stéphane Symons (KUL) reflecteert over vergeten en over de verhouding van de mens tot verleden en toekomst.

UN PORTRAIT DE L’IRRÉDUCTIBILITÉ Geboeid/Prometheus, le nouveau texte de Jan Decorte, s’inspire de la tragédie d’Eschyle, Prométhée enchaîné, du Ve siècle avant J.-C. : une pièce délirante, un portrait puissant et menaçant de l’irréductibilité. — Jan Decorte a entre-temps plus de 50 productions à son actif – vérifiez sur bloet.be ! Chaque spectacle est du Decorte « pur jus », dans son langage « puéril » bien connu, dans sa mise en scène et sa scénographie « pauvres ». Et chaque spectacle parle de Decorte luimême, de la souffrance et de l’être humain grotesque. A PORTRAIT OF STUBBORNNESS Geboeid/Prometheus is a new play by Jan Decorte, based on the tragedy Aeschylus wrote in the 5th century BC. It’s an amazing work, and a powerful and menacing portrait of stubbornness. — Jan Decorte has more than 50 productions to his name – check it out at bloet.be! Each performance is vintage Decorte, in his famous ‘childish’ language, with his ‘meagre’ staging and set design. And each performance is about Decorte himself, about man, suffering and grotesque. 36

KAAITHEATER CO-PRODUCTION PREMIERE TEKST & REGIE Jan Decorte | MET Jan Decorte, Sigrid Vinks, Sara De Bosschere, Michael Vergauwen | DECOR Jan Decorte, Johan Daenen | KOSTUUMS Jan Decorte, Sigrid Vinks, Sofie D’Hoore | LICHT Jan Decorte, Luc Schaltin | PRODUCTIE Bloet | COPRODUCTIE Kaaitheater & De Roovers

ALIX EYNAUDI[AT/FR] Edelweiss THU 12, FRI 13, SAT 14/11 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | € 16/12/8 + EXTRA: PROTO-TALK WITH ELEANOR BAUER, FRI 13/11

CAMOUFLAGE ET MATELASSAGE Pour son spectacle précédent, Monique (2013), la danseuse et chorégraphe Alix Eynaudi s’est inspirée de la discipline sadomasochiste du bondage. Dans Edelweiss, le camouflage et le matelassage constituent le matériau de base. Camoufler ou dissimuler semble être le contraire de « montrer », l’essence même du théâtre ou de la danse. Eynaudi recherche la composante théâtrale du camouflage. En ce qui concerne le matelassage (rembourrage de textile pour des couvertures, des coussins, des patchworks, et ainsi de suite) : dans un passé révolu, les femmes exécutaient souvent ce type de travail en groupe ; il s’agissait d’une activité commune qui contribuait à la cohésion sociale. An Breugelmans, qui a conçu les magnifiques costumes de Monique, signe à nouveau les costumes et la scénographie.

CONCEPT & CHOREOGRAPHY Alix Eynaudi | PERFORMERS Alix Eynaudi, Mark Lorimer, Cécile Tonizzo, Alice Chauchat | COSTUMES & SET DESIGN An Breugelmans | LIGHT DESIGN Bruno Pocheron | PRODUCTION IN BELGIUM Hiros | PRODUCTION IN AUSTRIA “boîte de production – Verein für Zeitgenössischen Tanz und zeitgenössische Installationen” | CO-PRODUCTION Kunstencentrum BUDA (Kortrijk), Tanzquartier Wien

— Alix Eynaudi a étudié le ballet à l’Opéra de Paris et la danse à PARTS. De 1996 à 2002, elle a dansé avec Rosas. Au Kaaitheater elle a montré ses propres spectacles comme Supernaturel (2007), Long Long Short Long Short (2008) et Monique (2013). CAMOUFLAGE AND PADDING For her previous production, Monique (2013), the dancer and choreographer Alix Eynaudi was inspired by the symbolic sadomasochist discipline of bondage. Camouflage and padding are her basic material in Edelweiss. Concealment and disguise would seem to be the opposite of ‘showing’, which is essentially what theatre and dance are all about. Eynaudi searches for the theatrical component in camouflage. And as for the padding (filling a piece of fabric, blankets, pillows, patchwork and so on): in a bygone age women often did this kind of work in a group; it was a social activity that contributed to community-building. An Breugelmans, who designed the beautiful costumes for Monique, is once again responsible for the costumes and stage set. — Alix Eynaudi studied ballet at the Paris Opera and dance at PARTS. She danced with Rosas from 1996 to 2002. In recent years she showed work of her own in the Kaaitheater, such as Supernaturel (2007), Long Long Short Long Short (2008) and Monique (2013).

VERHULLEN EN OPVULLEN Voor haar vorige voorstelling, Monique (2013), vond danseres en choreografe Alix Eynaudi inspiratie bij de sadomasochistische discipline bondage. Voor Edelweiss leveren camouflage en capitonnage het basismateriaal. Camoufleren of verhullen lijkt het tegendeel van ‘tonen’, wat theater of dans in essentie is. Eynaudi zoekt naar de theatrale component in camoufleren. En wat het capitonneren betreft (het opvullen van een stuk textiel, voor bijvoorbeeld dekens, kussens en patchwork): in lang vervlogen tijden voerden vrouwen dat soort werk vaak in groep uit; het was een sociale activiteit die bijdroeg tot gemeenschapsvorming. An Breugelmans, die de prachtige kostuums voor Monique ontwierp, tekent opnieuw voor de kostuums en de scenografie. — Alix Eynaudi studeerde ballet aan de Opera van Parijs en dans bij PARTS. Van 1996 tot 2002 danste ze bij Rosas. Het Kaaitheater toonde eerder eigen werk van haar zoals Supernaturel (2007), Long Long Short Long Short (2008) en Monique (2013).

TINE VAN AERSCHOT – TREVOR[BE] when in doubt, duck WED 18, THU 19, FRI 20/11 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | EN | € 16/12/8 The protagonist in this show is the text. It is is offered in as many different forms as possible: projection, sound, spoken word, or movement. The actors are the translators of the text. Everything is said and done freely. The reading is not directed, and so the audience becomes co-author and director. — Tine Van Aerschot is a visual artist. She has worked for Meg Stuart, among others. In 2006 her first show I have no thoughts, and this is one of them was premiered at the Kaaistudios, followed in 2009 by Triple Trooper Trevor Trumpet girl and in 2012 we are not afraid of the dark.

TEKST ALS PARTITUUR Toen Tine Van Aerschot voor het eerst een voorstelling met boventiteling zag, groeide het idee voor een productie waarin de overgang van het gesproken naar het geschreven of het gelezen woord het onderwerp zou zijn. Nu is er dan when in doubt, duck, een tekst als een orkestpartituur, een voorstelling als een concert. De protagonist in deze voorstelling is de tekst. Deze wordt aangeboden in zoveel mogelijk verschillende vormen: projectie, geluid, gesproken woord of beweging. Wie wat zegt of doet, of de manier waarop, het is allemaal vrij. Door de lezing niet te sturen, wordt de toeschouwer co-auteur en regisseur. — Tine Van Aerschot, beeldend kunstenaar van opleiding, werkte o.a. voor Meg Stuart. In 2006 ging haar eerste eigen voorstelling, I have no thoughts, and this is one of them, in première in de Kaaistudio’s, in 2009 gevolgd door Triple Trooper Trevor Trumpet girl en in 2012 door we are not afraid of the dark. UN TEXTE COMME UNE PARTITION when in doubt, duck est un texte conçu comme une partition d’orchestre que Tine Van Aerschot présente sous plusieurs formes : projection, son, parole, mouvement ou danse. Les acteurs sont les traducteurs du texte. Les spectateurs en deviennent les co-auteurs. TEXT AS SCORE When Tine Van Aerschot attended a performance with surtitles for the first time, she started developing an idea for a production in which the transition of the spoken to the written or the read would be the topic. And so when in doubt, duck came about; a text as an orchestral score, a performance as a concert.

40 © EVA WÜRDINGER

MEG STUART/DAMAGED GOODS & MÜNCHNER KAMMERSPIELE[US/BE/DE] UNTIL OUR HEARTS STOP THU 19, FRI 20, SAT 21/11 20:30 KAAITHEATER DANCE | € 16/12/8 NIEUWE VERSCHIJNINGSVORMEN In Meg Stuarts nieuwe voorstelling ontmoeten zes performers en drie muzikanten elkaar op een plaats die zowel een nachtclub als een arena kan zijn: een onbetrouwbaar, ondergronds toevluchtsoord, een plek van verlangen en illusie. Er dreunen bassen en er klinkt speelse jazz. De performers ondernemen hoopvolle pogingen om onmogelijke deadlines te halen. In haar solo Hunter nam Meg Stuart haar artistieke en persoonlijke biografie als uitgangspunt. Nu laat zij zich inspireren door mensen die zich teruggetrokken hebben uit de realiteit en hun eigen, fantastische regels hebben ontworpen. De performers belichamen ‘freaky insiders’ die zich ertoe gedwongen voelen op hun eigen, ongemakkelijke maar speelse manier contact te maken. Zij balanceren tussen naïviteit en wanhoop. Dromers die snakken naar realiteit. In een wereld waarin ze wegkwijnen en verdwijnen, zoeken ze noodgedwongen naar nieuwe verschijningsvormen. NOUVELLES FORMES D’APPARITION Dans le nouveau spectacle de Meg Stuart, six performeurs et trois musiciens se rencontrent dans un lieu qui pourrait tout aussi bien être une boîte de nuit qu’une arène : un abri sous-terrain suspect, un lieu de désir et d’illusion. Des basses grondent et les cuivres émettent des sons jazz espiègles. Avec beaucoup d’optimisme, les performeurs tentent de respecter des échéances impossibles. Dans son solo Hunter, Meg Stuart prenait sa biographie artistique et personnelle comme point de départ. À présent, elle s’inspire de personnes qui se sont retirées de la réalité et ont créé leurs propres règles fantastiques. Les performeurs incarnent des freaky insiders (initiés bizarres) qui se sentent contraints d’établir des contacts, à leur manière personnelle, maladroite, mais ludique. Ils oscillent entre naïveté et désespoir. Des rêveurs qui aspirent à la réalité. Dans un monde où ils dépérissent et disparaissent, ils cherchent forcément de nouvelles formes d’apparition.

A HOUSE ON FIRE PRESENTATION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

NEW FORMS OF APPEARANCE In Meg Stuart’s new production, six performers and three musicians find themselves in a place that is both a nightclub and an arena: an unreliable, high-octane refuge, a place of desire and illusion. To the sound of throbbing basses and jazz music, they make optimistic attempts to meet impossible deadlines. After taking her own artistic and personal biography as a starting point for her solo work Hunter, Meg Stuart now draws inspiration from people who retreat from the real world and construct their own, fantastic set of rules. The performers are ‘freaky insiders’, forced to connect in uncomfortable, yet playful ways. Navigating between naivety and despair, they are dreamers who long for reality. In a world in which they fade away and disappear, they feel the urge to seek new forms of appearance.

“I’ve never loved anything more than my paintings. Parting from them was the most painful moment in my life – worse than the death of my father, my mother or my sister.” — Cornelius Gurlitt (1932–2014)

BELGIAN PREMIERE

>> P. 114

CHOREOGRAPHY Meg Stuart | CREATED WITH AND PERFORMED BY Neil Callaghan, Jared Gradinger, Leyla Postalcioglu, Maria F. Scaroni, Claire Vivianne Sobottke, Kristof Van Boven | LIVE MUSIC Paul Lemp, Marc Lohr, Stefan Rusconi | DRAMATURGY Jeroen Versteele | LIGHT Jurgen Kolb | SCENOGRAPHY Doris Dziersk | COSTUME DESIGN Nadine Grellinger | ASSISTANT CHOREOGRAPHY Francisco Camacho | PRODUCTION Damaged Goods & Münchner Kammerspiele | CO-PRODUCTION PACT Zollverein (Essen), Ruhrtriennale

IVO VAN HOVE/ TONEELGROEP AMSTERDAM[NL] Song from far away WED 25, THU 26/11 20:30 KAAITHEATER THEATRE | NL | 1H15 | € 20/16/8 HOOP EN VERDRIET Een jonge bankier (Eelco Smits) keert vanuit New York terug naar zijn geboortestad Amsterdam om er de begrafenis bij te wonen van zijn jongere broer. De dagen voor de begrafenis schrijft hij brieven, afwisselend weemoedig, opstandig of gelaten van toon, in een poging contact te krijgen met de broer met wie hij nooit echt contact had. Een monoloog als een rouwproces waarin de man hoop en optimisme hervindt doorheen het verdriet. De Amerikaanse singer-songwriter Mark Eitzel (van de indie rockband American Music Club) schrijft speciaal voor deze voorstelling nieuwe songs. — Simon Stephens (1971) is één van Engelands meest gelauwerde toneelschrijvers. In 2007 werd hij door Theater Heute uitgeroepen tot beste buitenlandse toneelschrijver. In 2010 schreef hij in opdracht van Toneelgroep Amsterdam en Schauspielhaus Essen Ubu, naar het werk van Alfred Jarry. Stephens toneelteksten zijn vaak brutale familieportretten, diep geworteld in het sociale realisme, maar hebben ook een lyrische en optimistische toon die hem een volstrekt eigen plaats geven in de hedendaagse Engelse toneelliteratuur. ESPOIR ET CHAGRIN Un jeune banquier (Eelco Smits) revient de New York dans sa ville natale, Amsterdam, pour assister à l’enterrement de son frère cadet. Les jours qui précèdent l’enterrement, il écrit des lettres tour à tour mélancoliques, révoltées ou résignées, dans une tentative d’entrer en contact avec un frère avec lequel il n’a jamais eu de réel contact. Un monologue comme travail de deuil dans lequel l’homme retrouve espoir et optimisme au travers du chagrin. L’auteur-compositeur-interprète états-unien Mark Eitzel (du groupe de rock indépendant American Music Club) a écrit de nouvelles chansons pour ce spectacle.

BELGIAN PREMIERE

>> P. 106 + 128

— Simon Stephens (1971) est l’un des auteurs dramatiques les plus récompensés de Grande-Bretagne. En 2007, Theater Heute le sacre « meilleur auteur dramatique étranger ». En 2010, à la demande du Toneelgroep Amsterdam et du Schauspielhaus Essen, il écrit Ubu d’après l’œuvre d’Alfred Jarry. Si les textes de théâtre de Stephens sont souvent des portraits de famille insolents, profondément ancrés dans le réalisme social, ils comportent aussi un ton lyrique et optimiste, ce qui lui confère une place tout à fait particulière dans la littérature théâtrale contemporaine anglaise. HOPE AND GRIEF A young banker (Eelco Smits) returns from New York to his hometown of Amsterdam to attend his younger brother’s funeral. On the days before the funeral he writes letters, alternately wistful, rebellious or resigned in tone, in an attempt to get in touch with the brother he never had any real contact with. A monologue that is a process of mourning in which the man regains hope and optimism through grief. The American singer-songwriter Mark Eitzel (of the indie rock band American Music Club) has written new songs specially for this performance. — Simon Stephens (b. 1971) is one of Britain’s most acclaimed playwrights. In 2007 Theater Heute named him the best foreign playwright of the year. In 2010 he was commissioned by Theatre Group Amsterdam and Schauspielhaus Essen to write Ubu, after the work of Alfred Jarry. Stephens’ plays are often brutal family portraits, deeply rooted in social realism, but they also have a lyrical and optimistic tone that have given him a completely unique place in contemporary British playwriting.

NACHT VAN DE KENNIS OVER BRUSSEL NUIT DU SAVOIR SUR BRUXELLES NIGHT OF KNOWLEDGE ON BRUSSELS FRI 27/11 19:00 KAAITHEATER LECTURE/DEBATE | NL, FR, EN | 5H30 | € 5 NL De wereld in Brussel. Brussel in de wereld. Dat is het thema van de vierde editie van de Nacht van de Kennis over Brussel. Het Brussels Studies Institute mobiliseert opnieuw een keurteam onderzoekers en denkers die hun kennis over Brussel met je zullen delen. Tussen de presentaties en discussies in, krijg je korte optredens van Brusselse artiesten. En in het Kaaicafé gooi je je enthousiast in het verbale strijdgewoel. FR Le monde dans Bruxelles. Bruxelles dans le monde. Tel est le thème de la quatrième édition de la Nuit du Savoir sur Bruxelles. Le Brussels Studies Institute mobilise à nouveau une équipe d’éminents chercheurs et penseurs qui partageront leur connaissance sur Bruxelles avec le public. Entre les présentations et les discussions, des artistes bruxellois présenteront de brèves interventions. Et au Kaaicafé, on pourra se jeter avec enthousiasme dans la mêlée des joutes oratoires. EN The world in Brussels. Brussels in the world. That is the theme of the fourth Night of Knowledge on Brussels. Once again, the Brussels Studies Institute will be mobilising a crack team of researchers and thinkers to share their knowledge of Brussels with you. In between the presentations and discussions, you’ll be treated to short performances by Brusselsbased artists. And the Kaai café is the ideal spot for you to throw yourself enthusiastically into the verbal fray.

PRESENTED BY BRUSSELS ACADEMY, BRUSSELS STUDIES INSTITUTE & KAAITHEATER

LAURA VAN DOLRON[NL] Liefhebben FRI 27, SAT 28/11 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | 1H10 | RERUN | € 16/12/8 DAADKRACHTIGE LIEFDE Op haar eigen lichtvoetig filosofische wijze stelt Laura van Dolron de vraag ‘Wat is liefhebben?’ Als een archivaris zoekt ze in haar hoofd, in haar hart, in haar omgeving en in de wereldgeschiedenis naar mensen die daden stelden die ons kunnen leren wat liefhebben is. Nelson Mandela, Laura’s vader, een groep Poolse priesters, haar kleine neefje, Yoko Ono en ‘zomaar iemand op straat’ komen voorbij. Liefhebben is een echte stand-up philosophy voorstelling waarbij de lach en de traan, net als de dood en de liefde, een speels en sprankelend duet dansen. Liefhebben is grappig en herkenbaar, soms hartverscheurend en soms hilarisch. Met Liefhebben keerde Laura van Dolron, na een korte afwezigheid, terug naar het podium. Met warmte en verbazing over de openhartigheid en positiviteit van Van Dolron werd de voorstelling ontvangen, ook in de Kaaistudio’s vorig seizoen. Zoals Simon van der Berg (Theaterkrant) schreef: “Het publiek kan zich geliefd wetend naar huis begeven”.

LOVE IN ALL ITS FORMS Laura van Dolron examines whether she can teach herself and you how to love. Liefhebben is a heartbreaking and hilarious performance about love in all its forms. Sometimes poetic, sometimes recognisable, but always frank and cutting edge.

L’AMOUR SOUS TOUTES SES FORMES Laura van Dolron se demande si nous pouvons apprendre l’amour à nous-mêmes. Liefhebben est un spectacle à la fois déchirant et désopilant à propos de l’amour sous toutes ses formes. Franc du collier et sur le fil du rasoir.

‘Het gevoel van er gewoon bij te mogen zijn, als kleine mislukkende mens: het is de grootste gift die vandaag vanaf een podium te geven valt.’ — DE STANDAARD

‘Haar meest authentieke en kwetsbare creatie, gemaakt op (en door) een keerpunt in haar leven […]. Wat een cadeau.’ — KNACK

ETIENNE GUILLOTEAU/ACTION SCÉNIQUE & ZWERM[FR/BE] Feu SAT 28/11 20:30 KAAITHEATER DANCE | € 16/12/8

ACTIVISTE AVANT LA LETTRE Antigone is de verpersoonlijking van het verzet. Een activiste avant la lettre. In deze nieuwe solo van Etienne Guilloteau wordt zij gedanst door de Argentijnse Cecilia Lisa Eliceche. Guilloteau: ‘Zoals Sophocles-specialist Jacques Lacarrière zei: met Antigone maakt voor het eerst in de theatergeschiedenis een personage zich los uit de groep, als een solo in een orkest. In mijn choreografie staat Antigone tegenover vier muzikanten met elektrische gitaren. Zij belichaamt de hybris, niet tegenover de goden of het lot maar tegenover de wetten van mensen en de macht van tirannen.’ De muziek van Zwerm bestrijkt een breed spectrum, van hedendaags klassiek tot experimentele rock. — De Franse danser en choreograaf Etienne Guilloteau vormt samen met Nada Gambier en Claire Croizé het productiehuis Action Scénique. Guilloteau danste en werkte eerder bij Rosas, Vincent Dunoyer, Charlotte Vanden Eynde en Marc Vanrunxt. MILITANTE AVANT LA LETTRE Antigone est la personnification de la résistance. Une militante avant la lettre. Dans ce nouveau solo d’Étienne Guilloteau, c’est la danseuse argentine Cecilia Lisa Eliceche qui l’incarne.

Guilloteau : « Comme le dit Jacques Lacarrière, spécialiste de Sophocle, c’est le premier surgissement dans le théâtre d’un personnage qui émerge comme un solo instrumental dans un orchestre. Dans ma chorégraphie, Antigone se retrouve face à quatre musiciens accompagnés de guitares électriques. Elle représente l’hybris, non pas face aux dieux ou au destin, mais face aux lois des humains et au pouvoir des tyrans. » La musique de Zwerm couvre un large éventail, allant de la musique classique contemporaine au rock expérimental. — Le danseur et chorégraphe français Étienne Guilloteau forme, aux côtés de Nada Gambier et Claire Croizé, la maison de production Action Scénique. Précédemment, Guilloteau a dansé et travaillé avec Rosas, Vincent Dunoyer, Charlotte Vanden Eynde et Marc Vanrunxt. AN ACTIVIST BEFORE THE TERM WAS COINED Antigone is the personification of resistance. An activist before the term was coined. In this new solo by Etienne Guilloteau her role is danced by the Argentine Cecilia Lisa Eliceche. Guilloteau: ‘As the Sophocles specialist Jacques Lacarrière said: with Antigone this is the first time in the history of theatre that a character separates herself from the group, like a solo in an orchestra. In my choreography Antigone appears opposite four musicians playing electric guitars. She embodies hubris, with regard not to the gods or fate, but to the laws of men and the power of tyrants.’ The music of Zwerm covers a broad spectrum, ranging from contemporary classical to experimental rock. — Together with Nada Gambier and Claire Croizé, the French dancer and choreographer Etienne Guilloteau forms the Action Scénique production company. Guilloteau has danced and worked with Rosas, Vincent Dunoyer, Charlotte Vanden Eynde and Marc Vanrunxt.

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS[BE] Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke WED 2, THU 3, FRI 4, SAT 5/12 20:30 + SUN 6/12 15:00 KAAITHEATER DANCE | € 20/16/8 + EXTRA: MATINEE KADEE, SUN 6/12 15:00 | SEE P. 136

GRIJSWAARDEN Rainer Maria Rilke schreef met zijn Lied van Liefde en Dood van Kornet Christoph Rilke een zinnelijke koortsdroom, die tussenruimtes opent tussen proza en poëzie, lied en vertelling, man en vrouw, liefde en dood. Anne Teresa De Keersmaeker benadert Rilkes poëtische proza als partituur. ‘Hoe belichaam je taal, dans je een verhaal? Hoe kan je vanuit je ademhaling, een van de meest elementaire bewegingspatronen, tot choreografie komen? Wat gebeurt er als je de logica van een tekst confronteert met een daarvan onafhankelijke bewegingslogica? Neem het No-theater: beweging onderlijnt, accentueert of illustreert het verhaal, en toch behoudt ze een eigen logica, een autonome schoonheid, los van de tekst. Tegelijk wil ik de grijswaarden onderzoeken tussen ademen, spreken en zingen, tussen het mannelijke en het vrouwelijke, het lyrische en prozaïsche.’ — In de voorbije 31 jaar heeft Anne Teresa De Keersmaeker samen met haar gezelschap Rosas een indrukwekkende reeks choreografieën gecreëerd. Rosas staat voor het pure schrijven met bewegingen in ruimte en tijd. De relatie tussen beweging en muziek staat centraal. Daarnaast werd in verschillende producties de verhouding tussen dans en tekst onderzocht: spreken wordt dansen. ZONES D’OMBRE Avec la Mélodie de l’amour et de la mort du cornette Christoph Rilke, Rainer Maria Rilke a écrit un rêve fiévreux et sensuel qui explore les interstices entre prose et poésie, entre mélodie et narration, entre homme et femme, entre l’amour et la mort. Anne Teresa De Keersmaeker aborde la prose poétique de Rilke à la manière d’une partition. « Comment incarner la langue, danser une narration ? Comment déboucher sur une chorégraphie à partir de la respiration, l’une des figures gestuelles les plus élémentaires ? Que se passe-t-il quand on confronte la logique d’un texte à une logique de mouvement indépendante ? Prenez le théâtre nô : le mouvement souligne, accentue ou illustre la narration, tout en déployant sa logique propre, une beauté autonome qui s’affranchit du texte. Je veux explorer toutes ces zones d’ombre entre respiration, parole et chant, entre le masculin et le féminin, entre le lyrisme et le prosaïque. » 48

— Au cours de ces 31 dernières années, Anne Teresa De Keersmaeker a créé avec sa troupe une série impressionnante de chorégraphies. L’art chorégraphique selon Rosas est une écriture gestuelle dans le temps et l’espace, privilégiant les rapports entre le mouvement et la musique. En outre, plusieurs spectacles ont examiné les liens entre la danse et le texte : la parole devient danse. SUBTLE NUANCES Rainer Maria Rilke’s The Song of the Life and Death of the Cornet, Christoph Rilke inhabits the space between prose and poetry, song and story, man and woman, love and death. Choreographer Anne Teresa De Keersmaeker approaches Rilke’s sensuous fever dream as a musical score: ‘How can you embody language? Dance a story? How can breathing, one of the most elementary patterns of movement, develop into choreography? What happens when you confront the logic of a text with an autonomous logic of movement? Take, for example, Noh-theatre: movement underlines, accentuates or illustrates a story, and yet it maintains its own logic, its own beauty – independent of text or story. In Rilke’s Cornet, I wanted to explore the subtle nuances between breathing, speaking and singing, between the male and the female, the lyrical and the prosaic.’ — Over the last 31 years, Anne Teresa De Keersmaeker has, with her dance company, created an impressive series of choreographic works. Rosas’ dance is pure writing with movement in time and space. At its heart lies the relationship between movement and music. In some productions, the relationship between dance and text is also examined: speaking becomes dancing.

BELGIAN PREMIERE PRESENTED BY KAAITHEATER, DE MUNT/LA MONNAIE & ROSAS

>> P. 58 + 110

BY & WITH Anne Teresa De Keersmaeker, Michaël Pomero | TEXT Rainer Maria Rilke | MUSIC Opera per flauto, Salvatore Sciarrino, live performance Chryssi Dimitriou | ARTISTIC ASSISTANT Femke Gyselinck | PRODUCTION Rosas | CO-PRODUCTION De Munt/La Monnaie (Brussels), Ruhrtriennale, Concertgebouw Brugge, Le Théâtre de Gennevilliers & Festival d’Automne (Paris), New York Live Arts, 14–18 NOW, Les Théâtres de la Ville de Luxembourg

RIMINI PROTOKOLL Helgard Haug, Stefan Kaegi and Daniel Wetzel studied at the Institut für Angewandte Theaterwissenschaft in Giessen and work together (in various combinations) under the name Rimini Protokoll. They have spent the past fifteen years taking some of the world’s key stages by storm with their unadulterated brand of documentary theatre. Last year, they were one of the headliners at the Kunstenfestivaldesarts with the stunning production 100% Brussels, featuring a hundred Brussels residents in a quasi-scientific representation of the population of Brussels.

BE A HOST!

INFO AT PRODUCTIE@KAAITHEATER.BE

NL Je kan Home Visit Europe bij jou thuis uitnodigen. Wij zoeken privéwoningen in Brussel waarin vijftien personen kunnen plaatsnemen aan één of meerdere bij elkaar geschoven tafels. We zijn niet noodzakelijk op zoek naar groot of luxueus. Het mag krap zitten zijn, zolang de gastvrijheid maar voelbaar is. Als u niet voldoende stoelen in huis hebt, springt het Kaaitheater bij. Een voorstelling duurt ongeveer twee uur. De ‘host’ zit zelf mee aan tafel en mag twee vrienden uitnodigen. In elke woning wordt slechts één voorstelling georganiseerd. FR Vous pouvez accueillir Home Visit Europe chez vous. Nous sommes à la recherche d’habitations privées à Bruxelles, où quinze personnes peuvent prendre place à une ou plusieurs tables. Nous ne sommes pas nécessairement en quête d’un espace vaste ou luxueux. On peut être à l’étroit, tant que l’hospitalité est tangible. Si vous ne disposez pas d’assez de chaises chez vous, l’équipe du Kaaitheater viendra à la rescousse. Les représentations durent environ deux heures. L’hôte prend lui-même place à table et peut inviter deux amis. EN You can invite Home Visit Europe into your home. We are looking for private homes in Brussels where fifteen people can sit at a single table, or at several tables pushed together. We are not necessarily looking for homes that are large or luxurious. It’s OK for it to be a tight fit, as long as the hospitality shines through. If you don’t have enough chairs at home, Kaaitheater will help out. Performances will take place between 7 and 20 December 2015. A performance runs for approximately two hours. The ‘host’ will be at the table too, and may invite two friends. Only one performance will be given in each home.

RIMINI PROTOKOLL[DE] Home Visit Europe TUE 8 > SUN 20/12 15:00 + 20:30 LOCATION T.B.C. THEATRE | NL/FR/EN/DE | CHOOSE YOUR LANGUAGE | 2H | € 16/12/8 ZIGZAGGEN VAN LAND TOT LAND Wat is Europa? Bestaat er zoiets als ‘Europeanness’ – een Europese culturele identiteit – of laten we het bij een geografisch afgebakend gebied? De idee Europa is ook vandaag nog, 65 jaar na de eerste poging tot een unie door zes staten, onderhevig aan voortdurende veranderingsprocessen. In Home Visit Europe plaatst het Berlijnse theatercollectief Rimini Protokoll het eerder abstracte idee van een Europese statenbond tegenover het individuele karakter van een private woning. In een woonkamer zitten 15 toeschouwers – of zijn het deelnemers? – aan een tafel. De hele voorstelling zit in een reiskoffer en wordt op de tafel uitgestald. Wat eerst nog doet denken aan een politieke bijeenkomst, gaat al gauw over in een spel waarbij landkaarten worden uitgevouwen, op de achtergrond ontstaat langzaam een geluidsdecor, problemen moeten worden aangepakt, beslissingen gezamenlijk genomen. Persoonlijke verhalen en parlementaire rituelen worden door elkaar geweven. De deelnemers zigzaggen van land tot land, van burger tot burger, kriskras over het hele continent. ZIGZAGUER DE PAYS EN PAYS Comment définir l’Europe ? Existe-t-il quelque chose comme « l’européanité » – une identité culturelle européenne – ou s’en tient-on à un territoire géographiquement délimité ? À ce jour, 65 ans après la première tentative d’union par six États, l’idée de l’Europe est encore sujette à de continuels processus de changement. Dans Home Visit Europe, le collectif berlinois de théâtre Rimini Protokoll met l’idée plutôt abstraite d’une confédération européenne en regard du caractère individuel d’une habitation privée. Quinze spectateurs – ou s’agit-il de participants ? – sont assis à table, dans un

salon. Tout le spectacle est contenu dans une valise et étalé sur la table. Ce qui fait de prime abord penser à une réunion politique se transforme rapidement en un jeu qui déploie des cartes géographiques. En arrière-fond émerge lentement un décor sonore. Il faut s’attaquer aux problèmes et prendre des décisions d’un commun accord. Récits personnels et rituels parlementaires s’entremêlent. Les participants zigzaguent de pays en pays, de citoyen à citoyen, pêle-mêle sur l’ensemble du continent. ZIGZAGGING FROM COUNTRY TO COUNTRY What is Europe? Is there any such thing as ‘Europeanness’ – a European cultural identity – or is it no more than a geographically defined area? Today, 65 years after the first attempt at a union between six states, Europe is still embroiled in continuous processes of change. In Home Visit Europe, the Berlin-based theatre collective Rimini Protokoll juxtaposes the rather abstract idea of a European federation with the individual nature of a private home. 15 spectators – or are they participants? – sit at a table in the living room of a private home. The entire performance is contained in a suitcase and is laid out on the table. What initially resembles a political gathering quickly becomes a game as maps are unfolded, a soundtrack gradually becomes audible in the background, problems need to be solved, and joint decisions need to be made. Personal stories and parliamentary rituals are woven together, with participants zigzagging from country to country, from citizen to citizen, and criss-crossing the entire continent.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION BELGIAN PREMIERE

A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

CONCEPT, SCRIPT, DIRECTION Helgard Haug, Stefan Kaegi, Daniel Wetzel (Rimini Protokoll) | DRAMATURGY Katja Hagedorn | INTERACTION DESIGN Grit Schuster, Hans Leser | SETTING Lena Mody, Belle Santos | PRODUCTION Rimini Apparat | CO-PRODUCTION Kaaitheater, Archa Theatre Prague (CZ), BIT Teatergarasjen/Bergen International Festival (NO), Frascati Theater (NL), HAU Hebbel am Ufer (D), LIFT London (GB), Malta Festival Poznan (PL), Mungo Park (DK), Sort/Hvid (DK), Teater Nordkraft (DK), Théâtre de la Commune Aubervilliers (FR), Théâtre Garonne (FR), Teatro Maria Matos (PT) | SUPPORT Goethe-Institut Brussel

ABKE HARING/TONEELHUIS[BE] Unisono FRI 4, SAT 5/12 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | € 16/12/8 HETZELFDE VOELEN OF MEEMAKEN Na haar glansrol in Hamlet vs Hamlet (regie Guy Cassiers) zoekt actrice en theatermaakster Abke Haring in haar nieuwe solo Unisono de stilte op. Abke Haring: ‘Ik heb enorm veel zin om opnieuw klein te werken, en alleen. Ik ben benieuwd wat dat met me doet, na een grote productie als Hamlet vs Hamlet. Ik denk dat het zal gaan over eenzaamheid. Unisono. Vele stemmen die samen één klank vormen. Dat is voor mij ook: verschillende mensen die hetzelfde voelen of meemaken.’ — Als actrice viel Abke Haring op in Toneelhuisvoorstellingen als Bloed en Rozen en Hamlet vs Hamlet, door haar intense présence. Sinds vijf jaar behoort ze tot de vaste groep makers van het Toneelhuis. Haar voorstellingen Linoleum/speed, Hout, Flou en Trainer waren eerder al in de Kaaistudio’s te zien, stuk voor stuk markante producties, heftig en van een niets ontziende eerlijkheid.

>> P. 53, 128, 130 VAN EN MET Abke Haring | PRODUCTIE Toneelhuis

RESSENTIR OU VIVRE LA MÊME CHOSE Après avoir brillé dans Hamlet vs Hamlet (mise en scène de Guy Cassiers), l’actrice et femme de théâtre Abke Haring part en quête de silence dans son nouveau solo Unisono. Abke Haring : « J’ai très envie de retravailler à plus petite échelle, et seule. Je suis curieuse de voir quel effet cela me fera, après une grande production comme Hamlet vs Hamlet. Je crois qu’il sera question de solitude. Unisono. Plusieurs voix qui chantent à l’unisson, émettant un seul et même son. Cela signifie pour moi : plusieurs personnes qui ressentent ou vivent la même chose. » — En tant qu’actrice, Abke Haring s’est fait remarquer par sa forte présence scénique dans des productions de la Toneelhuis comme Bloed en Rozen et Hamlet vs Hamlet. Depuis cinq ans, elle fait partie du groupe de créateurs associés à la Toneelhuis. Ses spectacles Linoleum/speed, Hout, Flou et Trainer étaient à l’affiche du Kaaitheater, une à une des productions marquantes, intenses et d’une sincérité implacable.

FEEL OR EXPERIENCE THE SAME THING Following her starring role in Hamlet vs. Hamlet (directed by Guy Cassiers), the actress and dramatist Abke Haring is seeking out silence in her new solo Unisono. Abke Haring: ‘I’m really looking forward to working on a small scale and alone again. I wonder what effect this will have on me, after a big production like Hamlet vs. Hamlet. I think it will be about loneliness. Unison. Many voices that together form one sound. To me this also means: different people who feel or experience the same thing.’ — Actress Abke Haring stood out in such Toneelhuis productions as Bloed en Rozen and Hamlet vs. Hamlet because of her intense stage presence. For five years now she has been one of Toneelhuis’ full-time theatremakers. Her productions Linoleum/speed, Hout, Flou and Trainer have previously been shown in the Kaaistudios, and are all striking, intense and brutally honest.

GUY CASSIERS/TONEELHUIS[BE] Caligula THU 10, FRI 11, SAT 12/12 20:30 KAAITHEATER THEATRE | NL | € 20/16/8 DE NAAKTE WAARHEID Met Caligula zet Guy Cassiers zijn zoektocht verder naar de figuur van de macht en de machthebber. Albert Camus (1913–1960) voltooide zijn drama over de wreedste onder de Romeinse keizers net voor de Tweede Wereldoorlog, maar het werd pas na de oorlog opgevoerd. Het stuk is mede omwille van de oorlogsgebeurtenissen, geïnterpreteerd als een aanklacht tegen dictatuur en machtsmisbruik. Maar Camus’ Caligula is ook een drama over de verpletterende existentiële confrontatie met de dood. Caligula, Romeins keizer in de 1ste eeuw na Christus, kan de dood van zijn zuster en minnares Drusilla niet verwerken. Het besef van de eindigheid van het bestaan stort hem in totale wanhoop. Hij begint een zoektocht naar het absolute en wil de leugens in zijn omgeving ontmaskeren. Zijn dwingende appèl om de naakte waarheid onder ogen te zien maakt hem tot een tiran die willekeurig zijn macht uitoefent. Scènes van een ongekend machtsmisbruik en een vernederende brutaliteit wisselen af met intieme filosofische dialogen. LA VÉRITÉ NUE La mort de sa sœur et maîtresse Drusilla fait sombrer l’empereur romain Caligula dans l’abus de pouvoir tyrannique et arbitraire. Guy Cassiers met en scène le texte d’Albert Camus. Une quête du sens de la vie.

TINNEKE BEECKMAN Over macht

THE NAKED TRUTH The Roman emperor Caligula is driven by the death of his sister and mistress to a tyrannical, arbitrary abuse of power. Guy Cassiers directs the play by Albert Camus. A search for the meaning of existence.

FRI 11/12 19:00 KAAITHEATER RE:THINK TALK | NL | FREE

>> P. 52, 128, 130 REGIE Guy Cassiers | TEKST Albert Camus | MET Katelijne Damen, Tom Dewispelaere, Kevin Janssens, Johan Van Assche, Marc Van Eeghem | DRAMATURGIE Erwin Jans | PRODUCTIE Toneelhuis

Filosofe, docente en columniste Tinneke Beeckman werpt een licht op Albert Camus’ theatertekst Caligula. Perversie, wreedheid en megalomanie: het perfecte startpunt voor een reflectie over macht in al haar vormen.

ICTUS/EVA REITER[BE/AT] The Lichtenberg Figures

TUE 15/12 20:30 KAAITHEATER MUSIC | € 16/12/8

EEN NIEUW SOORT VIRTUOSITEIT Ictus presenteert een avondvullend werk van de Oostenrijkse componiste Eva Reiter. Reiter inspireerde zich op een populair format uit de late renaissance, het Book of Ayres, en schreef The Lichtenberg Figures als een reeks van zeven liederen en zes instrumentale interludia, voorafgegaan door een proloog. De muziek ontwikkelt zich in lijn met de gelijknamige gedichtencyclus uit 2004 van de Amerikaan Ben Lerner. Lerners onconventionele sonnetten zitten vol perspectiefwissels, van banale observaties, citaten en wetenschappelijke beschouwingen tot ironische commentaren. The Lichtenberg Figures is geënt op de donkere kant van onze existentie en speelt met optische illusies, hallucinaties en de constructie van een ingebeelde identiteit. Reiter creëert een muzikaal universum dat van de muzikanten een nieuw soort virtuositeit vraagt. Zo bedient de zangeres zelf de apparatuur waarmee ze haar stem vervormt, worden sommige instrumenten ook als stemmen ingezet en bepaalt de klankingenieur heel letterlijk de wisselende nabijheid van de klankversterking.

PREMIERE

>> P. 58, 87, 124

MUSIC Eva Reiter | MUSICIANS Ictus (flute and clarinet, trumpet and trombone, percussion, electric guitar and keyboards, string trio, e-bass) | SOPRANO Juliet Fraser | CONDUCTOR Georges-Elie Octors | SOUND DIRECTION Alex Fostier | LIGHTS & SCENOGRAPHY Nico de Rooij & Djana Covic (SIDF)

UNE NOUVELLE SORTE DE VIRTUOSITÉ Ictus présente une œuvre de pleine soirée de la compositrice autrichienne Eva Reiter. Reiter s’est inspirée d’une formule populaire de la fin de la Renaissance, les Livres d’Ayres, et a écrit The Lichtenberg Figures comme une série de sept lieder et six interludes instrumentaux précédés d’un prologue. La musique se développe dans le droit fil du recueil de poèmes éponymes de 2004 de l’Américain Ben Lerner. Les sonnets peu conventionnels de Lerner sont truffés de changements de perspective, allant d’observations banales, de citations et de considérations scientifiques à des commentaires ironiques. The Lichtenberg Figures se greffe sur la part sombre de notre état d’âme et de notre existence. Illusions d’optique, hallucinations et la construction d’une identité imaginaire sont inévitables. Reiter crée un univers musical qui requiert une nouvelle sorte de virtuosité de la part des musiciens. Ainsi, la chanteuse actionne elle-même l’appareillage avec lequel elle transforme sa voix, certains instruments sont utilisés comme des voix et l’ingénieur du son détermine littéralement la proximité changeante de l’amplification du son. A NEW KIND OF VIRTUOSITY Ictus presents a full-length work by the Austrian composer Eva Reiter. Reiter was inspired by a popular format from the late Renaissance, the Book of Ayres, and wrote The Lichtenberg Figures as a set of seven songs and six instrumental interludes, preceded by a prologue. The music develops in line with the 2004 poem cycle by the American Ben Lerner. Lerner’s sonnets are full of unconventional changes of perspective, ranging from banal observations, quotes and academic discussions to ironic commentaries. The Lichtenberg Figures is modelled on the dark side of our minds and our existence. Optical illusions, hallucinations, and the construction of an imaginary identity are inevitable. Reiter creates a musical universe that demands a new kind of virtuosity from the musicians. The singer herself operates the device that distorts her voice, some instruments are also used as voices and the sound engineer quite literally determines the proximity of the sound amplification.

BOJAN DJORDJEV[RS] The Discreet Charm of Marxism De discrete charme van het marxisme

re:think

TUE 15/12 (EN) 19:00 | WED 16/12 (NL) 19:00 SIX COURSE DINNER PIECE | 2H30 | € 20 DINNER INCL. A SIX-COURSE MEAL ‘Food for thought’, that is The Discreet Charm of Marxism. Marxist texts on the class struggle and revolution are staged as a six-course meal, nicely divided into portions, from starter through main course to cheese platter and dessert. You eat, read and discuss it with the other guests. The ‘food for thought’ is presented in graphics, while real food and drinks are served as ‘books’. Nobody will go hungry! In this ‘conversation piece’, the audience has the main role, but the extent to which you take part in the conversation is entirely up to you. No talking with your mouth full, though! — Bojan Djordjev lives and works in Belgrade. He studied theatre and the arts and works as a director, performer and cultural worker.

ZESGANGENDINER ‘Voedsel voor de geest’, dat is De discrete charme van het marxisme. Marxistische teksten over klassenstrijd en revolutie worden voorgesteld als een zesgangendiner, netjes in porties verdeeld, van voorgerecht over hoofdschotel tot kaasplankje en dessert. Je eet, leest en bespreekt het samen met de andere gasten. Het ‘geestesvoedsel’ wordt grafisch gepresenteerd. Ondertussen worden echt eten en echte drank geserveerd, als ‘boeken’. Niemand blijft op zijn honger! In dit ‘conversatiestuk’ krijgt het publiek de hoofdrol, maar in welke mate je aan het gesprek deelneemt, bepaal je helemaal zelf. Wel niet met volle mond spreken! — Bojan Djordjev woont en werkt in Belgrado. Hij studeerde theater- en kunstwetenschappen en werkt als regisseur, performer en cultuurwerker. UN DÎNER COMPOSÉ DE SIX PLATS « De la nourriture pour l’esprit », voilà ce qu’est The Discreet Charm of Marxism. Des textes marxistes sur la lutte des classes et la révolution sont présentés comme un dîner composé de six plats, soigneusement répartis comme lors d’un repas avec entrée, plat de résistance, fromages et dessert. On mange, on lit et on discute avec les autres convives. La « nourriture spirituelle » est représentée de manière graphique. Entre-temps, on sert de la véritable nourriture et des boissons, comme s’il s’agissait de « livres ». Personne ne reste sur sa faim ! Dans cette « pièce de conversation », le public joue le rôle principal, mais chacun décide dans quelle mesure il ou elle participe à la discussion. On ne parle toutefois pas la bouche pleine ! — Bojan Djordjev vit et travaille à Belgrade. Il a étudié le théâtre et les sciences de l’art et travaille en tant que metteur en scène, performeur et acteur culturel. BELGIAN PREMIERE CONCEPT & PERFORMANCE (EN) Bojan Djordjev | PERFORMANCE (NL) Joachim Robbrecht | GRAPHIC & PAPER DESIGN Katarina Popovic | SPACE DESIGN Siniša Ilic | TRANSLATION TO DUTCH Sarah van Lamsweerde | ADVICE Erwin Jans | PRODUCTION DasArts (Amsterdam), Walking Theory (Belgrade) A HOUSE ON FIRE PRESENTATION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

SIMON ALLEMEERSCH/GLOBE AROMA[BE] De brievenschrijver/Letter home THU 17, FRI 18, SAT 19/12 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL + FR | € 12/10/8 EEN MAN VLUCHT TE VOET VOOR EEN OORLOG Tijdens WOI deserteerde de overgrootvader van theatermaker Simon Allemeersch. Hij vluchtte te voet naar Nederland waar hij vier jaar lang gevangen zat in het soldatenkamp van Zeist. Hij verdiende er zijn kost als brievenschrijver voor medegevangenen. Samen met een groep spelers, makers en muzikanten uit de entourage van Globe Aroma gaat Allemeersch aan de slag om dit persoonlijke maar tegelijk universele verhaal te reconstrueren: een man vlucht te voet voor een oorlog, overleeft in een vluchtelingenkamp en wacht er op het onzekere einde van die oorlog. Het oude soldatenkamp in Zeist staat er nog en is nu een asielcentrum waar het wemelt van dit soort verhalen. Allemeersch en Globe Aroma draaien er een kleine documentaire en verweven de hedendaagse verhalen in een beeldende voorstelling rond de figuur van de brievenschrijver. — Simon Allemeersch (1980) volgde de regieopleiding aan het Rits in Brussel en maakte de voorbije jaren indruk met RABOT 4-358 over de Rabottorens in Gent en Tweekerkenstraat 81 Rue des deux églises tijdens Tok Toc Knock.

UN HOMME FUIT LA GUERRE À PIED Durant la Première Guerre mondiale, l’arrière-grand-père du créateur de théâtre Simon Allemeersch a déserté. Il s’est enfui à pied aux Pays-Bas, où il a été interné pendant quatre ans au camp de soldats de Zeist. Il y a gagné sa vie comme écrivain public pour des codétenus. Avec un groupe d’acteurs, de créateurs et de musiciens de l’entourage de Globe Aroma, Allemeersch s’attaque à la reconstitution de ce récit aussi personel qu’universel. Un homme fuit la guerre à pied, survit dans un camp de réfugiés et y attend la fin incertaine du conflit. L’ancien camp de soldats à Zeist existe encore et abrite aujourd’hui un centre d’asile où des récits analogues foisonnent. Allemeersch et Globe Aroma ont filmé un bref documentaire et entremêlent les récits contemporains à un spectacle visuel autour du personnage de l’écrivain public. — Simon Allemeersch (1980) a suivi une formation de mise en scène au Rits à Bruxelles. Les dernières années il était acclamé pour RABOT 4-358, son spectacle sur les tours Rabot à Gand, et Tweekerkenstraat 81 Rue des deux églises, présenté au festival Tok Toc Knock. A MAN FLEES A WAR ON FOOT During the First World War, the theatre-maker Simon Allemeersch’s great grandfather deserted and fled on foot to the Netherlands, where he ended up being imprisoned for four years in the military camp at Zeist. Together with a group of actors, makers and musicians, Simon Allemeersch attempts to reconstruct his story.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION PREMIERE

PRODUCTIE Globe Aroma | COPRODUCTIE Kaaitheater | IN SAMENWERKING MET Lucinda Ra | STEUN Beste Buren

‘Rosas danst buiten categorie. Verbluffend!’ « Rosas danse à couper le souffle. Stupéfiant ! » ‘Rosas dances in a class by itself. Amazing!’

HHHHH — DE MORGEN

‘The most striking aspect of Vortex Temporum is how it changes the audience’s perception of music, enhancing it through the bodies of the dancers. […] That Ms. De Keersmaeker could even contemplate choreographing to this music, and then go on to make it legible and thrilling, is a triumph.’ — THE NEW YORK TIMES

ROSAS & ICTUS[BE] Vortex Temporum WED 6, THU 7, FRI 8, SAT 9/01 20:30 + SUN 10/01 15:00 KAAITHEATER DANCE | 1H | RERUN | € 25/20/8 + EXTRA: MATINEE KADEE, SUN 10/01 15:00 >> P. 136 GEDANSTE MEERSTEMMIGHEID In Vortex Temporum confronteert Anne Teresa De Keersmaeker de polyfonie van Gérard Grisey’s gelijknamige meesterwerk met een gedanst contrapunt voor zes dansers. Hoe ziet meerstemmigheid eruit als je die danst? De Keersmaeker besloot klank en beweging innig te verstrengelen. Elke danser is gekoppeld aan één van de zes muzikanten, en kleurt zijn dans met bewegingspatronen die eigen zijn aan elk instrument. Zowel dansers als muzikanten verplaatsen zich doorheen de ruimte volgens een draaikolk van cirkels. De Keersmaeker: ‘Tijd kan je lineair maar ook cyclisch denken. Dat wat wij ‘nu’ noemen is een permanent balanceren tussen herinnering en voorgevoel, een terug- en vooruit neigen tussen het restbeeld van het verleden en een verlangen naar de toekomst.’ Vortex Temporum was ook het uitgangspunt voor Work/Travail/Arbeid. De Keersmaeker herinterpreteerde de choreografie tot een negen weken durende tentoonstelling, afgelopen voorjaar in WIELS. DANSER LA POLYPHONIE Dans Vortex Temporum, Anne Teresa De Keersmaeker associe la polyphonie du chef d’œuvre éponyme de Gérard Grisey à un contrepoint dansé pour six danseurs. A quoi ressemble la polyphonie lorsqu’elle est prise en charge par la danse ? De Keersmaeker choisit ici d’entremêler étroitement son et mouvement. Chaque danseur est associé à l’un des six musiciens et infléchit sa partition dansée selon la gestuelle propre à chaque instrument. Danseurs et musiciens évoluent dans le même espace, en suivant un réseau tourbillonnant de cercles enchevêtrés. « On peut penser le temps de façon linéaire ou de façon cyclique. Ce que nous nommons “présent” oscille perpétuellement entre souvenir et pressentiment, c’est un va-et-vient entre l’image résiduelle du passé et un désir d’avenir. » Vortex Temporum était aussi le point de départ du projet Work/Travail/Arbeid. La saison passée, De Keersmaeker a réinterprété la chorégraphie en une exposition d’une durée de neuf semaines à WIELS.

DANCING POLYPHONY In Vortex Temporum Anne Teresa De Keersmaeker takes on the polyphony in Gérard Grisey’s eponymous masterpiece with a danced counterpoint for six dancers. Probing the question: ‘how can you visualise polyphony by dancing it?’ De Keersmaeker decided to stage an intricate intertwining of sound and movement. Each dancer is linked to one of the six musicians, and colours his or her dancing with patterns of movement proper to the instrument. Both the dancers and musicians travel the stage following a pattern — a vortex — of swirling circles. As De Keersmaeker observes: ‘Time can be thought of as both linear and cyclical. That which we call ‘now’ is, in fact, a permanent tipping point; a balancing act between memory and anticipation, leaning back and forth between the ghost image of the past and a desire towards the future.’ Vortex Temporum was also the starting point for Work/Travail/Arbeid. De Keersmaeker reinterpreted the choreography as a nine-week exhibition at WIELS last spring.

PRESENTED BY KAAITHEATER, DE MUNT/LA MONNAIE & ROSAS >> P. 48, 58, 87, 110, 124

CHOREOGRAPHY Anne Teresa De Keersmaeker | CREATED WITH & DANCED BY Boštjan Antoncic, Carlos Garbin, Marie Goudot, Cynthia Loemij, Julien Monty, Michaël Pomero, Igor Shyshko | MUSIC Vortex temporum, Gérard Grisey (1996) | MUSIC DIRECTOR Georges-Elie Octors | MUSICIANS Ictus | PRODUCTION Rosas | COPRODUCTION De Munt/La Monnaie (Brussels), Ruhrtriennale, Les Théâtres de la Ville de Luxembourg, Théâtre de la Ville (Paris), Sadler’s Wells (London), Opéra de Lille, ImpulsTanz (Wien), Holland Festival (Amsterdam), Concertgebouw Brugge

IVO DIMCHEV[BG] Paris

WED 6, THU 7/01 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE/PERFORMANCE | EN | 50 MIN. | € 16/12/8 EEN MODERN BABYLON Vanuit het perspectief van de immigrant portretteert Ivo Dimchev Parijs als een dubbelzinnige stad: open en gesloten tegelijkertijd. Zeker in de 20ste eeuw was Parijs een toevluchtsoord voor talloze mensen die nergens anders terecht konden – van politieke en economische vluchtelingen tot kunstenaars en intellectuelen. De Franse hoofdstad kende in de jaren 1980 meer immigranten dan eender welke Europese metropolis. De keerzijde is dat net die groeiende groep te maken krijgt met onderbetaalde jobs, sociale vernedering en racisme. Ook kunstenaars ontsnappen daar niet aan. Parijs trekt aan, als een modern Babylon. Meer nog dan spraakverwarring ontstaat er een diepe identiteitsverwarring. Kunstenaars werken er evengoed als taxichauffeur of straatveger, of worden uitgesloten van het maatschappelijke leven. Performer Christian Bakalov geeft in deze voorstelling uit 2008 een impressie van de eindeloze vernedering en sociale uitsluiting van de kunstenaar-immigrant. Zijn overtuigende performance dwingt je vragen te stellen bij je eigen gevoel van empathie en solidariteit.

ARTIST IN RESIDENCE

>> P. 63

CONCEPT, TEXT & CHOREOGRAPHY Ivo Dimchev | PERFORMED BY Christian Bakalov | ORIGINAL MUSIC Ivo Dimchev | PRODUCTION twinroom, M.A.C, Humarts Foundation (Sofia) | CO-PRODUCTION Laboratorium/Jan Fabre, Dasarts (Amsterdam), 100DD, La Villette (Paris)

UNE BABYLONE MODERNE Ivo Dimchev dépeint Paris du point de vue de l’immigrant et la voit comme une ville à double facette : ouverte et fermée à la fois. Certainement au XXe siècle, Paris a représenté un havre pour d’innombrables personnes qui ne pouvaient aller nulle part ailleurs – aussi bien des réfugiés politiques et économiques que des artistes et des intellectuels. La capitale française comptait dans les années 1980 plus d’immigrants que toute autre métropole européenne. Le revers de la médaille est que précisément ce groupe de population est exposé aux emplois sous-payés, à l’humiliation sociale et au racisme. Les artistes n’y échappent pas non plus. Paris attire, à l’instar d’une Babylone moderne, mais plus qu’un babélisme, il y émerge une profonde confusion identitaire. Des artistes y travaillent en tant que chauffeurs de taxi ou balayeurs de rue, ou sont exclus de la vie sociale. Dans cette pièce de 2008, le performeur Christian Bakalov ébauche une impression de l’expérience d’humiliation incessante et exclusion sociale de l’artisteimmigrant. Sa convaincante performance vous invite à vous poser des questions sur votre propre sentiment d’empathie et de solidarité. A MODERN BABYLON Ivo Dimchev portrays Paris from the perspective of the immigrant, as an ambiguous city: simultaneously open and closed. In the 20th century, Paris was undoubtedly a refuge for countless people who could go nowhere else – both political and economic refugees and artists and intellectuals. In the 1980s the French capital had more immigrants than any other European metropolis. The other side of the story is that it is precisely this expanding group that is faced with underpaid work, social humiliation and racism. Artists do not escape the problem either. Paris is attractive, like a modern Babylon, but rather than the confusion of tongues associated with that city, here it causes a profound confusion of identity. Artists are equally likely to work as taxi drivers or streetcleaners, or else they are excluded from the life of society. In this piece from 2008, performer Christian Bakalov gives an impression of the experience of endless humiliation and social exclusion of the artist-immigrant. His convincing performance demands you to ask questions about your own feelings of empathy and solidarity.

ALAIN FRANCO[BE] Das Wohltemperierte Klavier SAT 9/01 19:00 KAAISTUDIO’S MUSIC | 4H20 INCL. INTERMISSION | RERUN | € 16/12/8 BACH Om het met de Zweedse dichter Lars Gustaffson* te zeggen: ‘Er moet een wereld bestaan hebben voor de Triosonate in D, een wereld voor de Partita in A mineur, maar hoe zag die wereld eruit? Een Europa van grote lege vertrekken zonder weerklank, overal onwetende instrumenten waar Musikalisches Opfer en Das Wohltemperierte Klavier nooit over een claviatuur waren gegaan.’

BACH Pour paraphraser le poète suédois Lars Gustaffson* : « Il doit avoir existé un monde avant la Sonate en ré, un monde avant la Partita en la mineur, mais quel monde était-ce ? Une Europe des grands espaces vides sans écho, pleine d’instruments incultes où l’Offrande musicale, le Clavecin bien tempéré n’avaient encore couru sur aucun clavier. »

Dans l’intimité des Kaaistudio’s, vous pouvez à nouveau écouter Alain Franco interpréter Le Clavier bien tempéré de Bach, 96 compositions brèves ayant chacune un profil, un caractère, une dynamique et une durée qui leur sont propres. Alain Franco : « Je les considère comme autant de “nouvelles” que je relie les unes aux autres par le biais de principes de montage pour ainsi parvenir à une forme qui oscille entre l’opéra et le roman. »

— Alain Franco est pianiste et chef d’orchestre. Il a travaillé comme dramaturge musical avec, entre autres, Anne Teresa De Keersmaeker et Meg Stuart.

Je kan het opnieuw meemaken in de intimiteit van de Kaaistudio’s: Bachs Wohltemperierte Klavier, gespeeld door Alain Franco, 96 korte composities, elk met een eigen karakter, een eigen dynamiek en een eigen tijdsverloop. Alain Franco: ‘Ik beschouw ze als evenveel ‘novellen’ die ik door middel van montageprincipes met elkaar verbind om zo uit te komen op een vorm die ergens tussen opera en roman zweeft.’ — Alain Franco is pianist en dirigent. Als muziekdramaturg werkte hij samen met o.a. Anne Teresa De Keersmaeker en Meg Stuart.

BACH In the words of the Swedish poet Lars Gustafsson*: ‘There must have been a world before the Trio Sonata in D, a world before the A minor partita, but what kind of a world? A Europe of vast empty spaces, unresounding, everywhere unawakened instruments where the Musical Offering, the Well-Tempered Clavier never passed across the keys.’

You can experience it once again in the intimacy of Kaaistudio’s: Bach’s Well-Tempered Clavier, played by Alain Franco; 96 short compositions, each with an individual character, its own dynamics and an individual time sequence. Alain Franco: ‘I regard them as 96 ‘novellas’ which I link together by applying the principles of montage and so arrive at a form that hovers somewhere between opera and a novel.’ — Alain Franco is a pianist and conductor. He has worked as a musical dramaturge with Anne Teresa De Keersmaeker, Meg Stuart and others.

* Lars Gustaffson, De stilte van de wereld voor Bach, gedichten, vertaald uit het Zweeds door Bernlef, De Bezige Bij, 1988 * Lars Gustaffson, Le silence du monde avant Bach, poèmes traduits du suédois par l’auteur en personne et Guillevic, Éditions Arfuyen, 1984 * Lars Gustafson, The Stillness of the World Before Bach, poems, translated from Swedish by Christopher Midleton & Robin Fulton, New Directions, 1988

de Koe[BE] Beckett Boulevard THU 14, FRI 15, SAT 16/01 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | € 16/12/8

OÙ CELA SE TERMINE-T-IL ? Une descente faustienne vers les lieux où se situe le pouvoir. Quelque part à mi-chemin, semble-t-il. Imaginons que ça commence de manière banale. Une actrice (Natali Broods), lasse de sa vie sous les projecteurs, songe à fonder un parti politique. Pourquoi pas ? Et pourquoi la première scène ne se dérouleraitelle pas dans le restaurant Ostend Queen, au dernier étage du Casino Kursaal d’Ostende ? C’est là qu’au détour d’une conversation, elle fait part de ses projets à son ex-mari (Willem de Wolf). Et pourquoi un serveur (Peter Van den Eede) ne se joindrait-il pas à eux au bout d’un certain temps ? Beckett Boulevard est une pièce dont on sait quand elle commence, mais pas quand elle s’achève. A badly made play.

WAAR EINDIGT HET? Een Faustiaanse afdaling naar de plekken waar de macht zich bevindt. Ergens in het midden, zo lijkt het. We stellen ons voor dat het alledaags begint. Met een actrice (Natali Broods), die haar spelende leven beu is en op de oprichting van een politieke partij zint. Waarom niet? En waarom zou de eerste scène zich niet afspelen in restaurant Ostend Queen op de bovenste verdieping van het Kursaal in Oostende? Daar doet zij in een gesprek met haar ex-man (Willem de Wolf) haar plannen uit de doeken. En waarom zou zich na verloop van tijd niet een ober (Peter Van den Eede) bij hen voegen? En waarom zou de politica in spe niet op de uitnodiging van deze ober ingaan om nog even naar beneden, naar het casino te gaan? Zodat het stuk (en de politica) meteen kan vervreemden, meteen mee kan afdalen, en zich kan laten verleiden om nobele overtuigingen met lust, hebzucht, hoogmoed en faalangst te vermengen? Natali zoekt zoals gezegd het midden. Maar ook Willem en Peter zoeken het midden. Het midden, dat door iedereen hardnekkig wordt gezocht, maar dat inmiddels even hard verdwijnt – samen met iedereen. Beckett Boulevard, een stuk waarvan we weten dat het begint maar niet waar het eindigt. A badly made play.

WHERE DOES IT END? A Faustian descent to the places where power resides. Somewhere in the middle, so it seems. We imagine that it starts in a very ordinary way. With an actress (Natali Broods) who is tired of her acting life and envisages creating a political party. Why not? And why should the first scene not be set in the Ostend Queen restaurant on the top floor of the Kursaal in Ostend? Here, during a conversation with her ex-husband (Willem de Wolf), she reveals her plans. And why, after a time, wouldn’t they be joined by a waiter (Peter van den Eede). Beckett Boulevard, a play of which we know the start but not where it ends. A ‘badly-made play’.

PREMIERE VAN & MET Natali Broods, Willem de Wolf & Peter Van den Eede | PRODUCTIE de Koe (Antwerpen)

IVO DIMCHEV[BG] FB Theater FRI 15, SAT 16/01 20:30 KAAITHEATER PERFORMANCE | EN | € 16/12/8

FACEBOOK EN TANT QU’OUTIL Avec FB Theater, Ivo Dimchev poursuit sa quête d’interaction avec le public. Ce thème était déjà au cœur de P-project, présenté au Kaaitheater lors de Performatik 2013. Ce spectacle invitait le public à écrire une poésie, que Dimchev mettait ensuite en musique, et à exécuter des actions sur scène, contre rétribution qui plus est ! Cela s’est avéré une stratégie fructueuse. À présent, Dimchev utilise le réseau social populaire Facebook en tant qu’outil – il demande au public de poster des commentaires en direct sur Facebook, qu’un dramaturge transpose en dialogues, aussitôt transmis aux performeurs. Ainsi se crée une interaction intense entre les performeurs et le public : les spectateurs dictent non seulement littéralement ce que les performeurs doivent dire, mais leurs points de vue sur le spectacle et leurs opinions à ce sujet peuvent être intégrés sur scène. Vous êtes cordialement invités à contribuer au spectacle.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION ARTIST IN RESIDENCE BELGIAN PREMIERE

FACEBOOK AS A TOOL In FB Theater, Ivo Dimchev continues his quest for interaction with the audience. This was also at the heart of P-project, which was on at the Kaaitheater during Performatik 2013. In that production, the audience was invited to write poetry during the performance, which Dimchev then converted into music, and also to perform actions on stage, even receiving payment to do so! It turned out to be a successful strategy. Dimchev is now using the popular medium of Facebook as a tool – he lets the audience enter live comments on Facebook, which a dramaturge then turns into dialogues. These dialogues are then sent straight to the performers. This gives rise to an intense interaction between performers and audience: not only does the audience literally supply what the actors have to say, but equally their view of what they are seeing and their opinion of it can also be integrated. You are warmly invited to help determine what it will be.

FACEBOOK ALS TOOL Met FB Theater zet Ivo Dimchev zijn zoektocht naar interactie met het publiek verder. Dit gegeven stond ook al centraal in P-project, dat tijdens Performatik 2013 te zien was in het Kaaitheater. Toen werd het publiek tijdens de voorstelling uitgenodigd om poëzie te schrijven die door Dimchev werd omgezet in muziek, en ook om handelingen uit te voeren op de scène, tegen betaling dan nog wel! Het bleek een succesvolle strategie… Nu zet Dimchev het populaire medium Facebook in als tool – hij laat het publiek live comments ingeven op Facebook, die via een dramaturg in dialogen worden omgezet. Die dialogen gaan dan rechtstreeks naar de performers. Zo ontstaat er een intense wisselwerking tussen performers en publiek: niet alleen geeft het publiek letterlijk aan wat de performers moeten zeggen, maar evenzeer kan hun kijk op wat er te zien is en hun mening daarover geïntegreerd worden op de scène. U bent hartelijk uitgenodigd om dat mee te bepalen.

>> P. 60

CONCEPT & DIRECTION Ivo Dimchev | CO-PRODUCTION Kaaitheater a.o.

MESUT ARSLAN[TR/BE] Betrayal

TUE 19, WED 20/01 19:00 + 21:00 KAAITHEATER THEATRE | EN | € 16/12/8 EEN DESORIËNTEREND SPEL Bedrog (1978) van de Engelse Nobelprijswinnaar Harold Pinter is een virtuoze theatertekst, een klassieker over een driehoeksverhouding. Zeven jaar lang bedriegt Emma Robert met Jerry. Zeven jaar samengevat in negen scènes, waarin passie en middelmatigheid, bedrog en zelfbedrog met elkaar de strijd aangaan. Pinters belangrijkste dramaturgische ingreep betreft het tijdsverloop: Bedrog wordt verteld in omgekeerde chronologische volgorde. Dat aspect diept de Turks-Belgische theatermaker Mesut Arslan verder uit: de mens wordt niet alleen verraden door andere mensen maar ook door de tijd. Die thematiek wordt extra in de verf gezet door de installatie Nevel van kunstenaar Lawrence Malstaf. Negen draaiende wanden vormen een ruimte die continu verandert. Arslans Betrayal wordt een desoriënterend spel van tijd, geheugen en ruimte, zowel voor de acteurs als voor jou, de toeschouwer. Je loopt vrij rond op de scène.

UN JEU DÉCONCERTANT Trahisons (1978) de l’auteur anglais et Prix Nobel Harold Pinter est un classique sur le triangle amoureux. La version du créateur de théâtre belgo-turc Mesut Arslan est un jeu déconcertant du temps, de la mémoire et de l’espace. Le public se meut librement sur scène. A DISORIENTING GAME Betrayal (1978) by the English writer and Nobel prizewinner Harold Pinter is a virtuoso play and classic about a love triangle. For seven years Emma has been deceiving Robert with Jerry. Seven years summarised in nine scenes in which passion and mediocrity, deception and self-deception wage battle with one another. Pinter’s main dramaturgical intervention concerns the time sequence: Betrayal is told in reverse chronological order. The Turkish-Belgian theatre-maker Mesut Arslan examines this aspect more deeply: man is not only betrayed by other people but also by time. This theme is emphasised even more in the installation Haze by Lawrence Malstaf that forms the backdrop for the performance. Nine rotating walls form a space that is constantly changing. Arslan’s Betrayal is a disorienting game of time, memory and space, both for the actors and you, the spectator. You can walk around freely on stage.

‘Arslan zoekt de verborgen ijsberg onder Pinters replieken niet in de stiltes maar in de posities en de verplaatsing: tijd als ruimte.’ ‘Arslan seeks the hidden iceberg beneath Pinter’s lines, not in silence but in positions and moves: time as space.’ — DE STANDAARD

CHARLOTTE VANDEN EYNDE[BE] Shapeless + I’m Sorry It’s (Not) A Story THU 21, FRI 22/01 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | 2H INCL. INTERMISSION | RERUN | € 16/12/8

LE CORPS Qu’elle s’attelle à un spectacle de danse, à une performance, une installation ou un film en vidéo, l’œuvre de Charlotte Vanden Eynde (ex-PARTS) est toujours estampillée « Charlotte ». Elle explore, avec intelligence et humour, les possibilités visuelles et expressives du corps. Cette saison, nous reprenons deux solos. I’m Sorry It’s (Not) A Story (2009) donne corps à son langage imagé associatif, à travers le mouvement et la danse pure. Elle entreprend des expériences avec les sens et les émotions, mais laisse le spectateur dans le doute quant à ce qui lui est donné à voir.

‘Ze toont op een authentieke manier hoe vrouwen goed of slecht in hun lijf zitten. Onthutsend. Briljant.’ HHHH — DE MORGEN OVER I’M SORRY ‘Jouant subtilement avec la musique et les lumières, on retrouve sa magie et le plaisir de voir du “Very Charlotte”.’ — LA LIBRE BELGIQUE SUR SHAPELESS

I’m Sorry It’s (Not) A Story CHOREOGRAPHY & DANCE Charlotte Vanden Eynde | COACH Nada Gambier | LIGHTING DESIGN Ann-Sophie Hoste | LIGHTING & TECHNIQUE Elke Verachtert | MUSIC Brigitte Fontaine; Lhasa, REMIXED BY David De Beukelaer | PRODUCTION wp Zimmer for Filter vzw | CO-PRODUCTION Kaaitheater, Vooruit (Gent)

Dans Shapeless (Kunsten-festivaldesarts 2011), elle se focalise sur la forme. Elle explore les limites de l’abstraction, mais sans exclure l’émotion. La musique, le son et la lumière occupent plus qu’une fonction de soutien. Le corps reste son point de départ, mais elle s’engage délibérément dans la quête d’une sorte « d’absence de forme », de chaos et d’insaisissabilité, de « forme qui n’en est pas une ».

HET LICHAMELIJKE Of zij zich begeeft aan een dansvoorstelling, een performance, een installatie of een videofilm, het werk van Charlotte Vanden Eynde (ex-PARTS) is altijd herkenbaar ‘Charlotte’. Ze verkent de beeldende en expressieve mogelijkheden van het lichaam en doet dat met intelligentie en humor. We hernemen twee solo’s. In I’m Sorry It’s (Not) A Story (2009) geeft ze met pure beweging en dans vorm aan haar associatieve beeldentaal. Ze experimenteert met betekenis en emotie, maar laat de toeschouwer in het ongewisse over wat hij te zien krijgt. In Shapeless (Kunstenfestivaldesarts 2011) focust zij op vorm. Zij tast de grenzen van abstractie af, maar sluit daarbij de emotie niet uit. Muziek, geluid en licht krijgen een meer dan ondersteunende functie.

THE PHYSICAL Whether she involves herself in a dance performance, a performance, an installation or a video, the work of Charlotte Vanden Eynde (ex-PARTS) is always recognizably ‘Charlotte’. She explores the visual and expressive possibilities of the body and does so with intelligence and humour. We present a revival of two solos. In I’m Sorry It’s (Not) A Story (2009), she gives shape to her associative visual language in pure movement and dance. She experiments with meaning and emotion, but keeps the spectator guessing about what he sees. In Shapeless (Kunstenfestivaldesarts 2011) she focuses on form. She explores the boundaries of abstraction, but does not exclude emotion. Music, sound and light play more than a supporting role. The physical remains her starting point, but she consciously seeks a kind of ‘formlessness’, the chaotic and elusive, ‘form that is not form.’

Shapeless CHOREOGRAPHY, DANCE & MUSIC MIX Charlotte Vanden Eynde | COACH Nada Gambier | LIGHTING & TECHNIQUE Bert Vermeulen, Elke Verachtert | COSTUME Juliette Bogers | MUSIC EXCERPTS Einstürzende Neubauten, Hans Appelqvist, John Zorn, Brigitte Fontaine, Nicolas Collins, Shock Exchange | PRODUCTION wp Zimmer (Antwerpen) | CO-PRODUCTION Kunstenfestivaldesarts (Brussels)

KOEN DE SUTTER/DADANERO[BE] Montaigne

re:think

FRI 22, SAT 23/01 20:30 KAAITHEATER THEATRE | NL | € 16/12/8

MONTAIGNE OP DE PLANKEN Acteur en regisseur Koen De Sutter heeft al lang iets met het werk van de zestiende-eeuwse Franse filosoof Michel de Montaigne. Diens Essays behoren tot de boeiendste teksten uit de filosofische literatuur. Ze vormen Montaignes zelfportret en zijn publieke bekentenis. De lezer is getuige van Montaignes niet aflatende pogingen om inzicht te krijgen in zijn eigen bestaan, en dat van de mens in het algemeen. Zijn motto luidde: Que sais-je? Wat weet iemand echt zeker?

Nu staat Montaigne op de planken. Koen De Sutter plaatst Montaignes meedogenloze zoektocht in het heden. Hij denkt na over de grote en de kleine dingen des levens. Hij praat over zijn pijn en zijn vreugde. Hij hekelt, verwart, bewondert, herinnert zich, weifelt, is nieuwsgierig en kijkt kritisch naar de machthebbers en naar zichzelf. Maar bovenal hongert hij naar een goed gesprek. — In de voorbije jaren gooide Koen De Sutter hoge ogen als acteur en regisseur. Hij regisseerde o.a. Onder het Melkwoud van Dylan Thomas, Anna Blume hat ein Vogel van Kurt Schwitters en meerdere stukken van Arne Sierens. Hij trok door Vlaanderen met de monoloog Martens (op tekst van Bart Meuleman), waarin het leven van de wijlen Wilfried Martens geëvoceerd werd. Met Jan Decleir bracht hij een onvergetelijke Faust ofte krakeling beneden de Louteringsberg van Pjeroo Roobjee. MONTAIGNE SUR LES PLANCHES Le comédien et metteur en scène Koen De Sutter fait monter le philosophe Michel de Montaigne sur les planches. Montaigne réfléchit aux grandes et aux petites choses de la vie. Il est curieux et observe les détenteurs du pouvoir et sa propre personne d’un œil critique. Mais plus que tout, il aspire à une bonne discussion. MONTAIGNE ON STAGE The actor and director Koen De Sutter brings the philosopher Michel de Montaigne to the stage. Montaigne thinks about the large and small things of life. He is curious and looks critically at those in power and at himself. But above all, he is hungry for good conversation.

ANT HAMPTON[UK/CH] The Extra People TUE 26/01 + FRI 5/02 20:00 + 20:30 + 21:00 + 21:30 + 22:00 KAAITHEATER PERFORMANCE | CHOOSE YOUR LANGUAGE NL/FR/EN | 1H | € 12/10/8

REGARDER ET ÊTRE REGARDÉ En entrant dans un grand théâtre déserté de ses occupants une question surgit: cet espace peut-il jamais être complètement ‘désactivé’ ? Dans The Extra People, 15 personnes entrent dans la salle de théâtre. Ils regardent 15 autres personnes évoluer sur scène. Une demi-heure plus tard, ceux qui étaient assis prennent la place de ceux qui étaient sur scène et découvrent alors qu’un autre groupe de 15 personnes ont pris leur place dans le public. Ce sont eux qui les observent à présent. Ainsi se poursuit un processus en boucle. Portant des écouteurs, chacun se voit attribué un rôle de figurant, soit en anglais ‘extra’: un extra-humain parcourant une trajectoire personalisée au travers des rêves brisés du travailleur précaire contemporain.

A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

Des bandes sonores individuelles ainsi que des jeux perceptifs atomisent toute collectivité, jusqu’à ce que le souvenir de ce que cela pouvait être de s’assoir calmement avec une distance critique semble aussi lointain que les sièges du théâtre, quelque part là-bas, dans l’obscurité. — L’artiste britannique Ant Hampton (1975) élabore depuis 1999 des performances impliquant des performers non-professionnels répondant à des partitions en temps réel et sans répétitions (Autoteatro).

BEKIJKEN EN BEKEKEN WORDEN Bij het binnenkomen van een groot, leeg theater, stelt zich de vraag: is het mogelijk om een ruimte volledig te deactiveren? In The Extra People kom je met 15 mensen de theaterzaal binnen, afgezonderd van elkaar kijk je naar 15 anderen op scène. Een half uur later neem je hun plaats in en merk je dat er een nieuwe groep van 15 is binnengekomen die jou plaats inneemt en naar jou kijkt. Zo ontstaat er een zichzelf herhalend proces, waarin je – met een hoofdtelefoon op – bent gecast als een ‘extra’, navigerend op een op maat gemaakt pad doorheen de gebroken dromen van de hedendaagse precaire werker. Individuele, stereofonische opnames en trucen in perceptie versplinteren elke poging tot collectiviteit, totdat de herinnering aan wat het was om op kritische afstand stil te zitten net zo ver lijkt als de stoelen zelf, daar in het donker. — De Britse kuntenaar Ant Hampton (1975) werkt sinds 1999 aan performances met niet-professionele performers die reageren op scores, live en ongerepeteerd (Autoteatro).

WATCHING AND BEING WATCHED On entering a large, empty theatre, a question surfaces: is it ever possible to completely ‘disactivate’ the space? In The Extra People, you enter 15 at a time and, sitting isolated from each other, and watch another 15 on stage. Half an hour later, you take their place on stage, only to find another group of 15 have entered behind you, and are now watching you. And so continues a looping process within which you’re cast – wearing headphones – as an ‘extra’, navigating a bespoke path through the cracked dreams of today’s precariat worker. Individually streamed binaural recordings and tricks of perception atomise any attempt at collectivity, until the memory of what it was like to sit quietly with critical distance seems as far away as the seats, out there in the dark. — The British artist Ant Hampton (1975) has worked since 1999 on performances involving nonprofessional performers responding to scores, live and unrehearsed (Autoteatro).

KAAITHEATER CO-PRODUCTION BELGIAN PREMIERE WRITTEN & DIRECTED BY Ant Hampton | SOUND DESIGN & COMPOSITION Sam Britton | EDITING & SYSTEM DESIGN/TECHNICAL DIRECTOR Hugh Roche Kelly | ARTISTIC ADVISOR Kate McIntosh | COMMISSIONED BY Ash Bulayev/Empac | CREATIVE PRODUCER Katja Timmerberg | CO-PRODUCTION PARTNERS EMPAC, Kaaitheater (Brussels), Malta Festival (Poznan), French Institute Alliance française (NYC)

68 © ESTELLE HANANIA

GISÈLE VIENNE, DENNIS COOPER, PUPPENTHEATER HALLE[FR/AT/US/DE] The Ventriloquists Convention FRI 29, SAT 30/01 20:30 KAAITHEATER THEATRE | EN | € 20/16/8 EEN SAMENSCHOLING VAN BUIKSPREKERS Buiksprekers en hun poppen wekken een dubbel gevoel op. Kijk maar naar films als The Great Gabbo van James Cruze, The Unholy Three van Tod Browning of Magic van Richard Attenborough. Gisèle Vienne speelt gretig in op dat gevoel. Een etiket plakken op haar werk is onmogelijk. Als choreograaf, scenograaf, kunstenaar en marionettenspeler schetst ze bezwerende droomwerelden, waar woorden nauwelijks of niet aan te pas komen. In deze nieuwe productie wordt er wel degelijk gepraat – door wie is minder duidelijk. Vienne ensceneert een fictieve reconstructie van de grootste samenkomst van buiksprekers, jaarlijks in Kentucky. Je hoort gesprekken tussen de poppen onderling en tussen hun buiksprekers. Een lichaamloze stem mengt zich in de discussies. De achterdocht van de buitenwereld speelt hierbij een centrale rol. Een polyfonie van een dertigtal stemmen, opgevoerd door negen marionettenspelers en hun poppen, trekt je mee in een kluwen van complexe psychologieën. — De Frans-Oostenrijkse Gisèle Vienne werkt sinds 2004 regelmatig samen met de Amerikaanse schrijver Dennis Cooper. Ze was eerder in het Kaaitheater te zien met This is how you will disappear (2012) en The Pyre (2013). UN RASSEMBLEMENT DE VENTRILOQUES Les ventriloques et leurs marionnettes suscitent un sentiment ambigu. Il suffit de penser à des films comme The Great Gabbo de James Cruze, The Unholy Three de Tod Browning ou Magic de Richard Attenborough. Gisèle Vienne joue sur ce sentiment avec jubilation. Coller une étiquette spécifique sur son œuvre est impossible. En tant que chorégraphe, scénographe, artiste et marionnettiste, elle ébauche des univers oniriques, envoûtants, dans lesquels les mots ne sont pas nécessaires, ou à peine.

BELGIAN PREMIERE

Dans cette nouvelle production, il y a bel et bien du texte – mais qui le dit est moins évident à déterminer. Vienne met en scène une reconstitution fictionnelle de la plus grande réunion annuelle de ventriloques, qui se tient chaque année dans le Kentucky. On entend des conversations entre les marionnettes et entre leurs ventriloques. Une polyphonie d’une trentaine de voix, interprétée par neuf marionnettistes et leurs marionnettes, nous entraîne dans un écheveau de psychologies complexes. — Depuis 2004, la Franco-Autrichienne Gisèle Vienne travaille régulièrement avec l’écrivain américain Dennis Cooper. Elle était précédemment à l’affiche du Kaaitheater avec This is how you will disappear (2012) et The Pyre (2013). A GATHERING OF VENTRILOQUISTS Ventriloquists and their dummies give us an ambiguous feeling. Just watch films like The Great Gabbo de James Cruze, The Unholy Three de Tod Browning ou Magic de Richard Attenborough. Gisèle Vienne enjoys taking advantage of this feeling. It is impossible to categorise her work. As a choreographer, stage designer, artist and puppeteer she conjures up fascinating dream worlds where words are hardly spoken, or not at all. In this new production however, there is a lot of talking – but it is not so clear by whom. Vienne stages a fictional reconstruction of the largest annual gathering of ventriloquists in Kentucky. You can hear conversations between the dummies and between their ventriloquists. A disembodied voice joins in the discussions. A suspicion of the outside world plays a central role here. A polyphony of around 30 voices, performed by nine puppeteers and their dummies, draws you into a tangle of complex psychologies. — The Franco-Austrian Gisèle Vienne has regularly worked with the American author Dennis Cooper since 2004. She was previously seen in the Kaaitheater with This is how you will disappear (2012) and The Pyre (2013).

CONCEPT & DIRECTION Gisèle Vienne | TEXT Dennis Cooper | PERFORMED BY & CREATED IN COLLABORATION WITH Jonathan Capdevielle, Kerstin Daley-Baradel, Nils Dreschke, Sebastian Fortak, Lars Frank, Uta Gebert, Vincent Göhre, Ines Heinrich-Frank & Katharina Kummer | LIGHT DESIGN Patrick Riou | SOUND DESIGN KTL (Stephen O’Malley & Peter Rehberg) | PRODUCTION DACM | IN COLLABORATION WITH Puppentheater, Halle

CHRISTOPHE MEIERHANS[CH/BE] Verein zur Aufhebungs des Notwendigen – a hundred steps to world peace (working title) WED 27, THU 28, FRI 29/01 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE/PERFORMANCE | EN | € 16/12/8

HET GEZAMENLIJK BEREIDEN VAN EEN MAALTIJD Christophe Meierhans ontvangt zijn publiek in een ruimte die ingericht is als een restaurant. De eigenaar, de kok en de obers zijn verdwenen, van menu’s en recepten geen spoor. De bezoekers van dit ‘restaurant’ kunnen, als ze honger hebben, zelf hun maaltijd bereiden. Het gezamenlijk bereiden van een maaltijd is een gedeeld moment waar we tot een consensus proberen te komen in smaak, gewoontes en ethiek. Zo wordt een alledaagse handeling een oefening in democratie. Elke toeschouwer die de zaal binnenkomt wordt lid van de ‘Verein zur Aufhebung des Notwendigen’, en zo aandeelhouder van wat er uit de bereiding van de maaltijd zal resulteren.

MATHIJS VAN DE SANDE On citizenship THU 28/01 19:00 KAAISTUDIO’S RE:THINK TALK | EN | FREE

Christophe Meierhans’ theatre work raises pertinent questions about citizenship and responsibility. Mathijs van de Sande (PhD philosophy student at KUL) offers possible answers to these questions in an exposition on philosophy, art and activism.

A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

LA PRÉPARATION COMMUNE D’UN REPAS Christophe Meierhans accueille son public dans un espace aménagé en restaurant. Le propriétaire, le cuisinier et les serveurs ont disparu, ainsi que les menus et les recettes. Si le public de ce « restaurant » a faim, il peut préparer un repas. La préparation commune d’un repas est un moment de partage où l’on tente d’atteindre un consensus en matière de goût, d’usages et d’éthique. Ainsi, une action quotidienne devient un exercice permettant d’étudier la démocratie. Chaque spectateur qui entre dans la salle devient membre du Verein zur Aufhebung des Notwendigen (Association pour la suppression de la nécessité), et ainsi actionnaire du résultat de la préparation du repas. PREPARING A MEAL TOGETHER Christophe Meierhans receives his audience in a room furnished like a restaurant. The owner, the cook and the waiters have gone, nor is there any trace of menus and recipes. Visitors to this ‘restaurant’ can, if they are hungry, prepare their own meals. Preparing a meal together is a shared moment when we try to reach a consensus in taste, habits and ethics. Consequently, an everyday activity becomes an exercise in a study of democracy. Christophe Meierhans wants to experience responsibility as something that is real and immediate, something that leads to real consequences. Every spectator entering the room becomes a member of the ‘Verein zur Aufhebung des Notwendigen’ and thereby also a shareholder in what will result from the preparation of the meal.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION CONCEPT & DIRECTION Christophe Meierhans | INSPIRED BY AN ORIGINAL IDEA BY Verein zur Aufhebung des Notwendigen e.V WITH THANKS TO R. Komarnicki | DRAMATURGY Bart Capelle | SCENOGRAPHY & CO-THINKING Holger Lindmüller, Michael Carstens | PRODUCTION Hiros | CO-PRODUCTION Kaaitheater, Vooruit, BIT theatergarasjen, BUDA, Nouveau Théâtre de Montreuil | WITH THE SUPPORT OF Kunstenwerkplaats Pianofabriek

72 © FRÉDÉRIC IOVINO

DANIEL LINEHAN[US/BE] dbddbb WED 3, THU 4/02 20:30 KAAITHEATER DANCE | € 16/12/8 PARADOXALE COMBINATIES Vijf dansers marcheren synchroon op het ritme van een mars. De beweging is eenvoudig: op elke stap moet een andere volgen. Terwijl scanderen ze dadaïstische, fonetische poëzie. Ondanks het dwingende ritme, gedeeld door de groep, ontwikkelt elke danser een eigen manier van dansen. De strikte structuur van de mars begint langzaamaan te golven en te resoneren, tot die structuur onherkenbaar wordt. Linehan zoekt in deze voorstelling hoe je als individu harmonieus in een groep kan staan. Hij gebruikt beweging en taal als uitdrukkingsvormen die elkaar sterk beinvloeden. Linehans werk draait steeds rond het samen plaatsen van dans en niet-dans, waarbij hij op zoek gaat naar ongewone combinaties, tegenstellingen en parallellen tussen teksten, bewegingen, beelden en ritmes. De absurde chaos in dbddbb, die toch naar harmonie leidt, wijst ons erop dat we de ‘oude taal’ misschien moeten opbreken en vernieuwen, om echt een stap vooruit te komen. — Van Daniel Linehan (ex-PARTS) toonden we eerder de ‘choreografische komedie’ The Karaoke Dialogues (2014), Gaze is a Gap is a Ghost (2012) en het gedanste ‘rockconcert’ Zombie Aporia (2011). COMBINAISONS PARADOXALES Cinq danseurs avancent de manière synchrone au rythme d’une marche en scandant de la poésie dadaïste phonétique. Le mouvement est simple : chaque pas est suivi d’un autre. Malgré le rythme contraignant, partagé par le groupe, chaque danseur développe sa propre manière de danser. Petit à petit, la structure rigoureuse de la marche commence à onduler et à résonner jusqu’à devenir méconnaissable. Dans cette pièce, Linehan examine la façon dont un individu peut harmonieusement évoluer en tant que tel au sein d’un groupe. Il se sert du mouvement et du langage comme moyens d’expression qui s’influencent réciproquement. L’œuvre de Linehan s’articule toujours autour de la conjonction de la danse et de la non-danse, d’une quête de combinaisons inhabituelles, de paradoxes et de parallèles entre textes, mouvements, images et rythmes. Le chaos absurde de dbddbb, qui mène néanmoins à l’harmonie, nous indique qu’il faut peut-être modifier le « langage ancien » et le moderniser afin de réellement progresser.

— Daniel Linehan (ex-PARTS) était à l’affiche du Kaaitheater avec la « comédie chorégraphique » The Karaoke Dialogues (2014), Gaze is a Gap is a Ghost (2012) et le « concert rock » dansé Zombie Aporia (2011). PARADOXICAL COMBINATIONS Five dancers walk in synch to the rhythm of a march. The movement is simple: one step is followed by another. At the same time they chant phonetic Dadaist poetry. Despite the compelling rhythm, shared by the group, each dancer develops his own way of dancing. The strict structure of the march slowly begins to fluctuate and resonate, until it is unrecognisable. In this performance, Linehan examines how the individual can exist in harmony within a group. He uses movement and language as forms of expression that have a significant influence on each other. Linehan’s work always revolves around the juxtaposition of dance and non-dance; he looks for unusual combinations, opposites and parallels between texts, movements, images and rhythms. The absurd chaos in dbddbb, which in the end leads to harmony, proves that we should perhaps dismantle and recreate the ‘old language’ in order to make progress. — We have previously shown works by Daniel Linehan (ex-PARTS) such as the ‘choreographic comedy’ The Karaoke Dialogues (2014), Gaze is a Gap is a Ghost (2012) and the danced ‘rock concert’ Zombie Aporia (2011).

CONCEPT, CHOREOGRAPHY Daniel Linehan | DANCE CREATION Marcus Baldemar, Boglárka Börcsök, Anneleen Keppens, Daniel Linehan, Víctor Pérez Armero | OUTSIDE EYE Manon Santkin | STAGE DESIGN 88888 | LIGHTING DESIGN Jan Fedinger | COSTUME DESIGN Frédérick Denis | PRODUCTION Hiatus (Brussels) | CO-PRODUCTION Opéra de Lille, Théâtre de la Ville-Paris, deSingel (Antwerpen), Festival de Danse de Cannes

TIAGO RODRIGUES[PT] By Heart TUE 2, WED 3/02 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | EN | 1H | € 16/12/8

LE POÈME SURVIVRA Dans By Heart (Par cœur), Tiago Rodrigues apprend un poème à dix personnes. Il s’agit d’une formation à la « résistance », accomplie dès lors que les dix personnes connaissent le poème par cœur.

THE POEM WILL SURVIVE In By Heart, Tiago Rodrigues teaches ten people a poem. They have not seen the performance before and have no idea which piece they will learn. While he is teaching them the poem, Rodrigues tells the story of his blind grandmother, who asks her grandson to choose a book for her to learn by heart. By Heart is a piece about the importance of handing things down, about the theatre as a place where this can be done, and about forbidden writings that have always found asylum in our heads and hearts, even in the most barbarous times. As George Steiner said in Wim Kayzer’s TV programme Van de schoonheid en de troost (VPRO, 2000), ‘When ten people learn a poem by heart, there is no KGB, CIA or Gestapo that can do anything about it. The poem will survive.’ By Heart is a course in resistance that is finished when the ten people have learnt the poem by heart. — The Portuguese actor and author Tiago Rodrigues appeared in the marvellous Nora (2013) by Tg STAN. He was also our guest with his production Yesterday’s Men at Spoken World 2008. BELGIAN PREMIERE

A HOUSE ON FIRE PRESENTATION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

WRITTEN & PERFORMED BY Tiago Rodrigues | TEXT WITH FRAGMENTS & QUOTES BY William Shakespeare, Ray Bradbury, George Steiner, Oliver Sacks, Joseph Brodsky, among others | SETS, PROPS & COSTUME Magda Bizarro | PRODUCTION Mundo Perfeito | COPRODUCTION O Espaço do Tempo, Maria Matos Teatro Municipal

HET GEDICHT ZAL OVERLEVEN In By Heart (Uit het hoofd) leert Tiago Rodrigues tien mensen een gedicht aan. Die hebben de voorstelling niet gezien en hebben ook geen idee welke tekst ze zullen leren. Terwijl hij het gedicht aanleert, vertelt Rodrigues het verhaal van zijn blinde grootmoeder die haar kleinzoon vraagt om een boek uit te kiezen dat ze uit het hoofd kan leren. By Heart is een voorstelling over het belang van overlevering, over theater als een plek van overdracht, over verboden teksten die altijd asiel gevonden hebben in onze hoofden en in onze harten, ook in de meest barbaarse tijden. Zoals George Steiner het zei in Wim Kayzers tv-programma Van de schoonheid en de troost (VPRO, 2000): ‘Wanneer tien mensen een gedicht uit het hoofd kennen, is er geen KGB, CIA of Gestapo die daar tegenop kan, het gedicht zal overleven.’ By Heart is een opleiding in verzet die voltooid is wanneer de tien het gedicht uit het hoofd kennen. — De Portugese acteur en auteur Tiago Rodrigues kon u aan het werk zien in het geweldige Nora (2013) van Tg STAN. In Spoken World 2008 was hij te gast met de voorstelling Yesterday’s Men.

BURNINGICE#9 11 > 20/02 KAAITHEATER & KAAISTUDIO’S

MOMENTS DE BASCULEMENT La présence de l’être humain sur terre ne représente qu’une fraction infime de la ligne temporelle planétaire. Néanmoins, selon certains scientifiques nous vivons depuis tout un temps déjà à l’ère de l’Anthropocène, l’époque géologique pendant laquelle l’impact de l’activité humaine s’est révélé déterminant pour le climat et l’atmosphère. Dans les décennies passées, il s’est avéré évident que nos agissements menaient à de dangereux moments de basculement climatologiques, biologiques et technologiques, entraînant une perte de contrôle et brouillant toute vision d’ensemble des conséquences. Pourtant, rien ne démontre que nous soyons réellement enclins à adapter notre comportement. Burning Ice #9 réunit à nouveau des artistes, des scientifiques et des théoriciens et se demande pourquoi nous paraissons toujours empressés de jouer au poker menteur en matière de spéculation sur notre propre avenir. Est-ce un désir collectif d’excitation ultime ? L’(in)évitable déclin de la planète comme acte principal de la décennie à venir ?!

TIPPING POINTS Man’s presence on earth represents only a tiny fraction of the planet’s timeline. Yet according to a considerable number of scientists we have for some time been living in the Anthropocene, the geological era in which the impact of human activity has affected the climate and the atmosphere. Over the last few decades it has become clear that our actions are taking us closer to dangerous climatological, biological and technological tipping points, when we lose control and are no longer able to foresee the consequences. However, there are no indications that we wish to make fundamental changes to our behaviour. Burning Ice #9 once again brings together artists, academics and theorists and asks why we are increasingly eager to brazen it out when it comes to speculating on our own future. Is it a collective desire for the ultimate thrill? The end of the planet as we know it: could this be the main act of the next decade?

KANTELMOMENTEN De aanwezigheid van de mens op aarde stelt maar een minuscule fractie van de planetaire tijdslijn voor. Toch leven we volgens nogal wat wetenschappers al een hele tijd in het Antropoceen, het geologisch tijdvak waarin de impact van menselijke activiteit bepalend is voor klimaat en atmosfeer. De voorbije decennia is duidelijk geworden dat ons handelen leidt naar gevaarlijke klimatologische, biologische en technologische tipping points, kantelmomenten waarop we de controle kwijtspelen en de gevolgen niet meer te overzien zijn. Niets wijst er echter op dat we ons gedrag fundamenteel willen aanpassen. Burning Ice #9 brengt opnieuw kunstenaars, wetenschappers en theoretici samen en vraagt zich af waarom we steeds gretiger blufpoker spelen in het speculeren over onze eigen toekomst. Is het een gezamenlijke verlangen naar de ultieme ‘thrill’? Het al dan niet van de planeet vallen als de hoofdact van het komende decennium!

CO-FUNDED BY THE CREATIVE EUROPE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

76 © JON ELLWOOD

KRIS VERDONCK/ A TWO DOGS COMPANY[BE] In Void

BURNINGICE#9

THU 11/02 19:00>22:00, FRI 12, SAT 13/02 11:00>22:00, SUN 14/02 11:00>17:00 KAAISTUDIO’S EXPO/INSTALLATION | EN | € 12/10/8

EEN SPOOKHUIS Met In Void maakt Kris Verdonck een expositie/voorstelling over menselijke afwezigheid. Machines, objecten, projecties, klank en licht spelen de hoofdrol. De ‘dingen’ bewonen het theatergebouw en performen autonoom. In Void combineert bestaande werken met drie nieuwe installaties. Met heel oude theatertechnieken en nieuwe multimedia vormen zij een spookhuis waarin de objecten tot leven komen. Het enige wat er van de mens overblijft, is de stem van danseres Tawny Andersen. Ze leest fragmenten van Heiner Müller, Walter Benjamin, William Styron, Samuel Beckett en Charles Dickens. — De creaties van Kris Verdonck situeren zich tussen beeldende kunst en theater, tussen installatie en performance, tussen dans en architectuur.

UNE MAISON HANTÉE Dans In Void, Kris Verdonck crée une exposition/ spectacle sur l’absence humaine. Machines, objets, projections, son et lumière jouent le rôle principal. Les « objets » habitent le théâtre et se produisent de manière autonome. In Void combine certaines œuvres existantes avec trois nouvelles installations. Au moyen de techniques de théâtre très anciennes et de nouveaux médias, Verdonck constitue une maison hantée dans laquelle les objets s’animent. Le seul élément humain qui subsiste dans In Void est la voix de danseuse Tawny Andersen. Elle lit des extraits de Heiner Müller, Walter Benjamin, William Styron, Samuel Beckett et Charles Dickens. — Les créations de Kris Verdonck se situent entre les arts plastiques et le théâtre, l’installation et la performance, la danse et l’architecture. A HAUNTED HOUSE For In Void, Kris Verdonck has made an exhibition/ performance about human absence. Machines, objects, projections, sound and light play the leading parts. The ‘things’ inhabit the theatre building and perform independently. In Void combines a number of existing works with three new installations. Using very old theatre techniques and new multimedia he builds a haunted house where the objects come to life. The only thing that remains of man, is the voice of dancer Tawny Andersen. She reads extracts from authors including Heiner Müller, Walter Benjamin, William Styron, Samuel Beckett and Charles Dickens. — Kris Verdonck’s creations are situated between the visual arts and theatre, between installation and performance, and between dance and architecture.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION ARTIST IN RESIDENCE PREMIERE CO-FUNDED BY THE CREATIVE EUROPE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

KRIS VERDONCK/ A TWO DOGS COMPANY & MARC IGLESIAS FIGUERAS[BE] Untitled

BURNINGICE#9

THU 18/02 20:30 KAAITHEATER DANCE | 1H05 | RERUN | € 16/12/8

CONTINUER À RIRE ! Un fond scintillant flanqué de rideaux de velours foncé. Le danseur Marc Iglesias, méconnaissable dans son costume d’abeille noir et argent, affublé d’une tête de Mickey Mouse, entre en scène sur de la musique lounge brésilienne. Il se dandine et saute ; une véritable bande dessinée dansante. Dans Untitled, la mascotte représente l’esclavage moderne dans lequel l’être humain ne compte plus, du moment que le système continue à fonctionner et que le public rit. Un système d’emplois précaires qui cache l’être humain derrière un masque souriant et dissimule sa fatigue sous des gestes répétitifs et machinaux. — Untitled est le troisième spectacle en solo de Kris Verdonck. Auparavant, il a créé EXIT pour Alix Eynaudi et M, a reflection pour Johan Leysen. Le spectacle s’inscrit dans le prolongement d’un des personnages de H, an incident (2013), basé sur l’œuvre de Daniil Harms.

KEEP ON LAUGHING! Dark velvet curtains flank a sparkling backdrop. Unrecognisable in his black and silver bee suit with Mickey Mouse head, dancer Marc Iglesias appears on stage to the sound of Brazilian lounge music. He waddles and jumps, a dancing cartoon. The mascot in Untitled depicts the modern slavery in which man no longer matters, as long as the system remains in motion and the audience keeps on laughing. A system of mini-jobs in which the human is hidden away behind a laughing mask and disguises his tiredness with repetitive, mechanical steps. Untitled is a comical and wry dance concerning a period when the individual has to be at the service of capital and when everything is ruined by entertainment. — Untitled is Kris Verdonck’s third solo performance. Previously he created EXIT for Alix Eynaudi and M, a reflection for Johan Leysen. The performance builds on one of the figures in H, an incident (2013), based on the work of Daniil Harms.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION ARTIST IN RESIDENCE

BLIJVEN LACHEN! Donkere fluwelen gordijnen flankeren een flonkerende achterwand. Op Braziliaanse loungemuziek, komt danser Marc Iglesias op, onherkenbaar in zijn zwartzilveren bijtjespak met Mickey-Mousekop. Hij waggelt en springt, een dansende cartoon. De mascotte in Untitled verbeeldt de moderne slavernij waarin de mens er niet langer toe doet, zolang het systeem maar blijft draaien en het publiek maar lacht. Een systeem van mini-jobs waarin de mens wordt weggestopt achter een lachend masker en zijn vermoeidheid gemaskeerd in repetitieve, machinale passen. — Untitled is de derde solovoorstelling van Verdonck. Eerder creëerde hij EXIT voor Alix Eynaudi en M, a reflection voor Johan Leysen. De voorstelling bouwt verder op één van de figuren uit H, an incident (2013), gebaseerd op het werk van Daniil Harms.

LIEVEN DE CAUTER[BE] Welcome to posthistory

BURNINGICE#9

SAT 13/02, TIME & LOCATION T.B.C. LECTURE/PERFORMANCE

WELCOME TO POSTHISTORY Can we fall out of history? That is the question. Can we? Common sense is there to console usâ&#x20AC;Ś Just as you cannot fall off the earth, you cannot fall out of history. No, you cannot. We are inside Space and Time, always. Can we not fall off the earth? Are we sure? Lately, I have not been so sure anymore. As we are hitting the limits of planet earth, we are not sure anymore. We might be falling out of history! Falling out of history? Yes, maybe. (not so good, baby)

KAAITHEATER PRODUCTION PREMIERE

Lieven De Cauter is philosopher, art historian, writer and activist. He lectures at RITCS, (Royal Institute for Theatre, Cinema & Sound) and the Department of Architecture of KULeuven.

ANNIE DORSEN[US] Hello Hi There

BURNINGICE#9

TUE 16, WED 17/02 19:00 KAAISTUDIO’S THEATRE | EN | 1H05 | € 12/10/8

REPRODUCTION NUMÉRIQUE Venez voir ça ! Le premier spectacle interprété par deux ordinateurs ! La metteure en scène new-yorkaise Annie Dorsen a programmé deux ordinateurs portables de telle manière qu’ils jouent pour ainsi dire chaque soir un dialogue improvisé, inspiré d’un célèbre débat télévisé qui a eu lieu dans les années 1970 entre le philosophe Michel Foucault et le linguiste et militant Noam Chomsky. Hello Hi There est un dialogue intelligent, spirituel et par moments inquiétant sur l’être humain à l’ère de la reproduction numérique. — Annie Dorsen était l’hôte de WoWmen 2014 au Kaaitheater avec Magical. Dorsen est active dans le domaine du théâtre, de la danse, du cinéma et de la performance (numérique). Elle était coauteure et metteure en scène de la comédie musicale Passing Strange (2008) sur Broadway, portée à l’écran par Spike Lee en 2009.

DIGITALE REPRODUCTIE Komt dat zien! De eerste voorstelling gespeeld door twee computers! De New Yorkse regisseur Annie Dorsen heeft twee laptops zo geprogrammeerd dat zij elke avond een als het ware geïmproviseerde dialoog spelen, gebaseerd op een beroemd televisiedebat uit de jaren 1970 tussen filosoof Michel Foucault en linguïst en activist Noam Chomsky. Hello Hi There is een intelligente, geestige en soms angstaanjagende dialoog over de mens in het tijdperk van de digitale reproductie. — Annie Dorsen was voor WoWmen 2014 te gast in het Kaaitheater met Magical. Dorsen is actief in theater, dans, film en (digitale) performance. Zij was co-auteur en regisseur van de Broadway musical Passing Strange (2008), die in 2009 verfilmd werd door Spike Lee.

CONCEPT & DIRECTION Annie Dorsen | PRODUCTION DESIGN Kate Howard | SYSTEMS DESIGN Jeff Gray | SCENOGRAPHY & LIGHTING DESIGN Edward Pierce | CHATBOT SOFTWARE DESIGN Robby Garner | CO-PRODUCTION steirischer herbst (Graz), Hebbel am Ufer (Berlin), BIT Teatergarasjen (Bergen), Black Box Teater (Oslo), PS122 (NYC)

DIGITAL REPRODUCTION Come and see this! The first performance played by two computers! The New York director Annie Dorsen has programmed two laptops in such a way that every evening they perform an improvised dialogue based on a famous television debate from the 1970s between philosopher Michel Foucault and linguist and activist Noam Chomsky. Hello Hi There is an intelligent, witty and sometimes scary dialogue about man in the age of digital reproduction. — For WoWmen 2014, Annie Dorsen was a guest at Kaaitheater with Magical. Dorsen is active in theatre, dance, film and (digital) performance. She was co-author and director of the Broadway musical Passing Strange (2008), filmed by Spike Lee in 2009.

SANDY WILLIAMS[CA] Everything Happens So Much

BURNINGICE#9

TUE 16, WED 17/02 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE/LECTURE PERFORMANCE | EN | € 12/10/8

L’HUMAIN AUGMENTÉ Les développements technologiques nous mènent potentiellement à une ère nouvelle, la Singularité technologique. Sandy Williams crée un spectacle à propos de la tension entre notre nature humaine fruste, imparfaite, incomplète et le potentiel immaculé d’un avenir entièrement numérisé.

THE UPGRADED HUMAN According to science fiction writers and transhumanists, current technological developments will lead to a major event during the course of the 21st century: Technological Singularity. This radical new era makes way for intelligent, self-conscious machines. During Technological Singularity the distinction between man and machine or between physical and virtual reality falls away. The idea of Technological Singularity may be a myth, but it does confront us with pertinent questions. If we are all uploaded, digitised and upgraded, what happens to ‘us’? What about all things simple, irrational and emotional? Everything Happens So Much is a performance about the tension between our raw, flawed and incomplete human nature and the immaculate potential of a completely digitised future. — Sandy Williams studied at PARTS and has danced with Rosas. Artists with whom he has performed include Jan Ritsema and Miet Warlop.

DE GEÜPGRADEDE MENS Volgens sciencefictionschrijvers en transhumanisten kondigen de huidige technologische ontwikkelingen een ingrijpende gebeurtenis aan in de loop van de 21ste eeuw: de Technologische Singulariteit. Dit nieuwe tijdperk maakt ruimte voor intelligente, zelfbewuste machines. In de Singulariteit valt het onderscheid tussen mens en machine of tussen fysieke en virtuele realiteit weg. Het idee van de Singulariteit is een mythe, maar confronteert ons met pertinente vragen. Als we allemaal geüpload, gedigitaliseerd, en geüpgraded zijn, wat gebeurt er dan met ‘ons’? Met onze lichamen van vlees en bloed? Wat met het eenvoudige, het irrationele, het emotionele? Everything Happens So Much is een voorstelling die gaat over de spanning tussen onze ruwe, gebrekkige en onvolledige menselijke natuur, en het onbevlekte potentieel van een totale, gedigitaliseerde toekomst. — Sandy Williams studeerde aan PARTS en danste bij Rosas. Hij werkte als performer samen met Jan Ritsema, Miet Warlop e.a.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION PREMIERE CONCEPT, TEXT & SOUND Sandy Williams | PERFORMANCE Sandy Williams, Kennis Hawkins, Adam Weig | LIGHT DESIGN Clive Mitchell | PRODUCTION wpZimmer (Antwerpen) | CO-PRODUCTION Kaaitheater | RESIDENCIES wpZimmer (Antwerpen), Kunstencentrum Vooruit (Gent), Buda kunstencentrum (Kortrijk), De Pianofabriek (Brussel) CO-FUNDED BY THE CREATIVE EUROPE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

GAËTAN RUSQUET[FR/BE] Meanwhile

BURNINGICE#9

FRI 19, SAT 20/02 19:00 KAAISTUDIO’S DANCE/PERFORMANCE | RERUN | 50 MIN. | € 12/10/8 VERBROKKELENDE STAD Je kan een van de sterkste performances van Performatik 2015 opnieuw meemaken: Meanwhile van de Franse scenograaf en kunstenaar Gaëtan Rusquet. Rusquet laat drie performers een constructie optrekken. Nog terwijl ze eraan bouwen, moeten ze zich teweerstellen tegen de vernietiging ervan. Het verbrokkelt tot een ruïne. Het ruwe materiaal van de set, het fysieke geluid en een onontkoombare bewegingstaal maken van Meanwhile een apocalyptische performance. Het verloop van de tijd en de verhouding tussen de mens en zijn omgeving worden tastbaar tijdens deze trip doorheen de geschiedenis van een stad.

VILLE EN RUINE Vous pouvez à nouveau assister à l’un des moments forts de Performatik 2015 : Meanwhile du scénographe et artiste français Gaëtan Rusquet. Rusquet fait réaliser une construction à trois performeurs. Alors même qu’ils l’édifient, il leur faut résister à l’anéantissement de leur entreprise. Elle s’effrite et tombe en ruine. La matérialité brute du décor, le bruit physique et le vocabulaire gestuel imparable font de Meanwhile, un spectacle apocalyptique qui rend tangible l’écoulement du temps et le rapport entre l’homme et son environnement. Un voyage à travers l’histoire d’une ville. CITY CRUMBLING INTO RUIN You will have the opportunity to experience one of the most powerful performances of Performatik 2015 once again: Meanwhile by the French stage designer and artist Gaëtan Rusquet. Rusquet has three performers put up a construction. Even as they build it, they have to struggle against its disintegration. It crumbles into a ruin. The raw materiality of the set, the physical sound and unavoidable language of movement make Meanwhile, an apocalyptic performance in which the passage of time and the relationship between man and his environment become tangible. This is a journey through the history of a city.

CONCEPT Gaëtan Rusquet | SOUND CONCEPT & LIVE PERFORMANCE Yann Leguay | PERFORMANCE Amélie Marneffe, Claire Malchrowicz & Gaëtan Rusquet | PRODUCTION workspacebrussels | CO-PRODUCTION Conseil des Arts numériques, Fédération Wallonie-Bruxelles, MDT Stockholm | SUPPORT Volksroom

KARL VAN WELDEN[BE] Mars II

BURNINGICE#9

FRI 19, SAT 20/02 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE/PERFORMANCE | € 12/10/8 TOT ALLES STOKT In Mars II brengt Karl Van Welden een poëtisch relaas over de impact van catastrofes op ons denken. Het westerse denken vandaag is doordrongen van een gevoel van constante dreiging. Ecologische rampen, economische crisissen en terroristische aanslagen lijken voortdurend boven ons hoofd te hangen. In deze muzikale performance dwarrelt een asregen neer op de muzikant en zijn instrument. De asdeeltjes lijken aanvankelijk onschuldig, maar langzaam wordt hun impact op de muzikant en zijn muziek zichtbaar. Beeld en geluid transformeren zachtjes – tot alles uiteindelijk stokt. — Hoe verhoudt de ‘kleine’ mens zich tegenover de ‘grootsheid’ van het heelal? Het is een terugkerende vraag in het werk van Karl Van Welden. Eerder toonden we zijn succesvolle Saturn II en de installatie A Fall.

JUSQU’À CE QUE TOUT S’ENRAIE Dans Mars II, Karl Van Welden met en scène un récit poétique sur l’impact des catastrophes sur notre pensée. Aujourd’hui, la pensée occidentale est imprégnée d’un sentiment de menace permanente. Catastrophes écologiques, crises économiques et attaques terroristes paraissent une constante épée de Damoclès au-dessus de nos têtes. Dans cette performance musicale, une pluie de cendres tourbillonnantes tombe sur le musicien et son instrument. Au début, les cendres semblent inoffensives, mais lentement leur impact sur le musicien et sa musique devient apparent. L’image et le son se transforment doucement – jusqu’à ce que tout s’enraie. — Comment l’être humain minuscule se rapporte-t-il à l’immensité de l’univers ? C’est une question récurrente dans l’œuvre de Karl Van Welden. Dans le passé, nous avons présenté son projet très acclamé Saturn II et l’installation A Fall.

UNTIL EVERYTHING JUDDERS TO A HALT In Mars II Karl Van Welden tells a poetic story about how catastrophes affect our thinking. Today, Western philosophy is permeated by a sense of constant threat. Ecological disasters, economic crises and terrorist attacks seem always to be hanging over our heads. In this musical performance, a rain of ash floats down onto a musician and his instrument. Initially the ash particles seem innocent, but their impact on the musician and his music slowly becomes visible. Sound and vision gradually transform – until finally everything judders to a halt. — How does ‘little’ man relate to the ‘grandeur’ of the universe? This is a recurring question in Karl Van Welden’s work. Previously we presented his successful Saturn II and the installation A Fall.

CONCEPT, DIRECTION, SOUND, COMPOSITION Karl Van Welden | DRAMATURGE Bart Capelle | SOUND, COMPOSITION, PIANO Frederik Croene | SOUND, COMPOSITION, SOUND ENGINEER Vincent Malstaf | ADVICE SOUND & COMPOSITION Thomas Smetryns | TECHNICAL COORDINATION & REALISATION Maarten De Vrieze | PRODUCTION wpZimmer | CO-PRODUCTION Vooruit (Gent), Gessnerallee (Zürich), Uzès Danse (Uzès), Le Vivat (Armentières), IN SITU/TAKT Dommelhof (Neerpelt), La Strada (Graz), METROPOLIS (Kopenhagen)

MAGUY MARIN[FR] Umwelt

BURNINGICE#9

SAT 20/02 20:30 KAAITHEATER DANCE | 1H10 | € 20/16/8 EEN RAZENDE STORM Negen performers verschijnen en verdwijnen via openingen in een muur van spiegels. Elke verschijning is een klein tafereel, gebaseerd op situaties uit het dagelijkse leven. Een sterke wind waait over de scène en doet de spiegels daveren op het sonore geluid van elektrische gitaren. De grillige reflecties van de dansers in de trillende spiegels weerspiegelen en transformeren het menselijke leven dat passeert als een razende storm. In een hypnotiserende aaneenschakeling van taferelen tekent choreografe Maguy Marin het menselijke bestaan als een perpetuum mobile, waarbij vooral de tumultueuze relatie van de mens tot zijn omgeving opvalt. De titel ‘Umwelt’ (omgeving, milieu) duidt op de onderliggende intentie van het stuk. De achteloosheid waarmee de mens zijn leven leidt, creëert een groeiende berg afval op het voorplan van de scène. Menselijke sporen die wijzen op een naderende catastrofe. Het leven, dat zich bij Marin op de achtergrond blijft afspelen, zou in de nabije toekomst wel eens ernstig verstoord kunnen worden. — De Franse choreografe Maguy Marin (1951) is één van de spilfiguren van de hedendaagse dans. Umwelt, een productie uit 2004, werd bekroond met de Prix spécial du jury du Syndicat de la critique in 2006 en een Bessie Award in 2008. UNE VIOLENTE TEMPÊTE Neuf performeurs apparaissent et disparaissent à travers des brèches dans un mur de miroirs. Chaque apparition est une petite scène, inspirée de situations de la vie quotidienne. Un vent puissant souffle sur scène et fait trembler les miroirs au son des guitares électriques. Les reflets changeants des danseurs dans les miroirs vacillants réfléchissent et transforment l’existence humaine qui déferle comme une tempête violente. Dans une succession hypnotique de scènes, la chorégraphe Maguy Marin brosse l’existence humaine comme un mouvement perpétuel dont se dégage surtout le rapport tumultueux de l’homme à son environnement. Le titre Umwelt (environnement, milieu) suggère l’intention sousjacente de la pièce. La désinvolture avec laquelle l’être

A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

humain mène sa vie génère une montagne croissante de déchets sur le devant de la scène. Des traces humaines qui indiquent une catastrophe imminente. Selon Maguy Marin, la vie qui continue de se dérouler à l’arrière-plan pourrait connaître de sérieuses perturbations dans un futur proche. — La chorégraphe française Maguy Marin (1951) est une des figures clés de la danse contemporaine. Umwelt, une production de 2004, a remporté le Prix spécial du jury du Syndicat de la critique en 2006 et un Bessie Award en 2008. A RAGING STORM Nine performers appear and disappear through openings in a wall of mirrors. Each appearance is a small scene based on situations from everyday life. A strong wind blows across the stage and makes the mirrors shake to the resonant sound of electric guitars. The fanciful reflections of the dancers in the vibrating mirrors depict and transform the human life that passes by like a raging storm. In a hypnotic succession of scenes, the choreographer Maguy Marin portrays human existence as perpetual motion, the most striking element being the turbulent relationship between man and his environment. The title Umwelt (surroundings, environment) gives an indication of the underlying intention of the piece. The carelessness with which man leads his life creates a growing mountain of waste at the front of the stage. Human traces that suggest an imminent disaster. Life, which in Marin’s work continues to be played out in the background, may well be seriously upset in the near future. — The French choreographer Maguy Marin (1951) is one of the pivotal figures of contemporary dance. Umwelt, a 2004 production, was awarded the Prix special du jury du Syndicat de la critique in 2006 and a Bessie Award in 2008.

‘Bal des ardents plus que danse macabre, construction par séries qui se contaminent, Umwelt est une pièce rare, insolite, vibrante jusqu’à la saturation.’ — LIBÉRATION ‘Umwelt n’est pas de la danse, mais un fantastique jeu de mirroirs et d’illusions, une réflexion sur le temps et la banalité du quotidien, sur la fiction et la réalité.’ — LE FIGARO

CONCEPTION Maguy Marin | CAST Ulises Alvarez, Charly Aubry, Kaïs Chouibi, Estelle Clément Bealem, Laura Frigato, Daphné Koutsafti, David Mambouch, Mayalen Otondo, Ennio Sammarco | MUSIC Denis Mariotte | LIGHT Alexandre Béneteaud | COSTUMES Cathy Ray assisted by Chantal Cloupet & Aurora Van Dorsselaer | SOUND Loïc Goubet | STAGE MANAGEMENT Michel Rousseau | NEW PRODUCTION IN 2013 | ASSISTANT Cathy Polo | STAGE MANAGEMENT Albin Chavignon | SOUND Antoine Garry | COSTUMES Nelly Geyres | COPRODUCTION Théâtre de la ville (Paris), Maison de la danse (Lyon), Le Toboggan (Décines), Centre Chorégraphique National de Rillieux-la-Pape/ cie Maguy Marin | NEW PRODUCTION IN 2013 | Théâtre Garonne (Toulouse), BIT-Teatergarasjen (Bergen-Norvège), Compagnie Maguy Marin | Support Ministère de la Culture et de la Communication, la Ville de Toulouse, la Région Midi-Pyrénées, l’Institut français

NOÉ SOULIER[FR] Removing WED 24/02 20:30 KAAITHEATER DANCE | € 16/12/8 OVER KINESTHESIE Noé Soulier maakt dans over dans. Zijn nieuwe productie Removing – de titel zegt het al – reproduceert alledaagse handelingen, althans gedeeltelijk. Soulier: ‘We zullen vertrekken van bewegingen die een praktisch doel hebben, zoals slaan, iets ontwijken, iets raken. Dat is een bewegingstaal die de dansers delen met het publiek, maar we zullen die bewegingen aanzetten zonder ze te voltooien, zodat de kijker in het ongewisse blijft. Een andere inspiratiebron is het Braziliaanse jiujitsu, maar de bewegingen zullen niet het gevecht evoceren maar een uiterst precieze, sensuele verstrengeling van de lichamen van de dansers.’ — Noé Soulier studeerde dans (o.a. bij PARTS, Brussel) en filosofie (Sorbonne, Parijs). Hij onderzoekt hoe we kijken naar en omgaan met beweging. À PROPOS DE KINESTHÉSIE Noé Soulier crée de la danse à propos de la danse. Sa nouvelle production Removing – tout est déjà dans le titre –, reproduit des gestes quotidiens, du moins partiellement. Soulier : « Nous allons prendre pour point de départ des mouvements ayant une fonction pratique, p.ex. frapper, éviter, atteindre quelque chose, mais nous allons uniquement amorcer ces mouvements, sans les achever, afin que le spectateur demeure dans l’incertitude. Une autre source d’inspiration est le jiu-jitsu brésilien. Ces

mouvements n’évoqueront toutefois pas le combat, mais un entrelacs de corps de danseurs extrêmement précis et sensuel. » — Noé Soulier a étudié la danse (entre autres à PARTS, Bruxelles) et la philosophie (à la Sorbonne, à Paris). Il étudie la façon dont nous regardons et abordons le mouvement. ON KINAESTHESIA Noé Soulier creates dance about dance. His new production, Removing – the title says it all – reproduces everyday actions, at least partially. Soulier: ‘We will depart from movements that have a practical purpose, for example hitting, dodging something, touching something. This is a language of movement that the dancers share with the audience, but we will start these movements without completing them, so the spectator is kept guessing. Another source of inspiration is Brazilian jujitsu, though the movements do not evoke the struggle but a very precise, sensual entanglement of the dancers’ bodies. — Noé Soulier studied dance (at PARTS in Brussels and elsewhere) and philosophy (Sorbonne, Paris). He examines how we look at and deal with movement.

WED 24/02 19:00 KAAITHEATER RE:THINK TALK | EN | FREE

The philosopher Judith Wambacq studies the differences and similarities between dance and thought. Does an argument, or a way of thinking, follow the same sort of rhythm as a piece of choreography? Does this affinity of form and movement bring the two areas into closer contact?

KAAITHEATER CO-PRODUCTION BELGIAN PREMIERE CONCEPT & CHOREOGRAPHY Noé Soulier | DANCERS Jose Paulo Dos Santos, Yumiko Funaya, Anna Massoni, Norbert Pape, Nans Pierson & Noé Soulier | SOUND Eric La Casa | PRODUCTION Alma Office | DELEGATE PRODUCER ND Productions | CO-PRODUCTION LE CND, centre d’art pour la danse – Pantin, Festival d’Automne à Paris, Maison de la danse (Lyon), TAP (Poitiers), Musée de la danse (Rennes), Centre de Développement Chorégraphique Toulouse, PACT Zollverein (Essen), Kaaitheater (Brussels)

JUDITH WAMBACQ On philosophy and dance

ICTUS/LIESA VAN DER AA & TOM PAUWELS[BE] American Lament (studio version) THU 25, FRI 26/02 20:30 KAAISTUDIO’S MUSIC | € 16/12/8

DELTA DU MISSISSIPPI Un duo unique sur scène : Liesa Van der Aa, compositrice, chanteuse, et vedette féminine de la pop expérimentale en Belgique (il suffit d’écouter son triple album WOTH), plonge avec Tom Pauwels, le guitariste attitré d’Ictus, dans la musique traditionnelle de l’Amérique profonde. À la fin des années 1920 – juste après la grande inondation et juste avant la grande Dépression –, les studios d’enregistrement poussent comme des champignons dans le delta du Mississippi. Cette période féconde produit un répertoire exceptionnel de blues et de country. Le compositeur Christopher Trapani s’intéresse de près à cette musique depuis quelques années. Pour ce concert en duo, il compose une nouvelle œuvre pour voix, violon, guitare électrique, et pédales à effets, dans laquelle son obsession des micro-intervalles assure une distanciation et une transformation de l’original. Outre cette création, ils interprètent des compositions de Larry Polansky pour voix et guitare dite « Lou Harrison National Just Intonation Resonator », un instrument aux accords purs.

MISSISSIPPI DELTA A unique duo on stage: Liesa Van der Aa, composer, singer and Belgium’s leading lady of experimental pop (check out her triple album WOTH) and Tom Pauwels, Ictus’ in-house guitarist, dive into American roots music. At the end of the 1920s – just after the great flood and before the Great Depression – recording studios were springing up like mushrooms in the Mississippi delta. This fruitful period spawned a unique blues and country repertoire. Composer Christopher Trapani has been focusing on this music for several years now. For this duo concert, he is composing a new work for voice, violin, electric guitar and effects pedals in which his microtonal obsession leads to the alienation and distortion of the original. As well as this new work, they will be presenting compositions by Larry Polansky for voice and the socalled ‘Lou Harrison National Just Intonation Resonator’ guitar.

MISSISSIPPIDELTA Een uniek duo op de scène: Liesa Van der Aa, componiste, zangeres en leading lady van de experimentele pop in ons land (beluister haar driedubbele album WOTH), duikt samen met Tom Pauwels, huisgitarist van Ictus, in de Amerikaanse rootsmuziek. Op het einde van de jaren 1920 – net na de grote overstroming en nog voor de Grote Depressie – rijzen in de Mississippidelta opnamestudio’s als paddenstoelen uit de grond. Deze vruchtbare periode brengt een uniek blues- en countryrepertoire voort. Componist Christopher Trapani verdiept zich sinds enkele jaren in deze muziek. Voor dit duoconcert schrijft hij nieuw werk voor stem, viool, elektrische gitaar en effectpedalen waarin zijn microtonale obsessie zorgt voor vervreemding en vervorming van het origineel. Naast deze creatie brengen zij composities van Larry Polansky voor stem en de zogenaamde ‘Lou Harrison National Just Intonation Resonator’ gitaar, een instrument in reine stemming.

>> P. 54, 58, 124 WORKS BY Christopher Trapani, Wayfaring Stranger, Freight Train, arrangements for voice, violin, guitar, pedal effects and delay sculptor (custom-made by the composer), Larry Polansky, Sweet Betsy from Pike, Eskimo Song, Dismission of Great I for voice and the Lou Harrison National Just Intonation Resonator guitar | MUSICIANS Liesa Van der Aa, voice, violin, fx-pedals, Tom Pauwels, guitar(s), fx-pedals | PRODUCTION Ictus, Kaaitheater, La Muse en Circuit (Paris)

DE WARME WINKEL & NIEUW WEST[NL] Amadeus FRI 26, SAT 27/02 20:30 KAAITHEATER THEATRE | NL | € 16/12/8

MOZART VS SALIERI Wanneer Wolfgang Amadeus Mozart overlijdt in 1791 doen al vrij snel allerlei geruchten de ronde. Het hardnekkigste gerucht: de jaloerse hofcomponist Salieri zou hem de dood in hebben gejaagd… Amadeus gaat over de noodlottige botsing tussen het vitale, onversneden talent van Mozart en het hardwerkende vakmanschap van Salieri. Maar het is ook een duel tussen twee theatermakers, waarin de culturele ondernemer tegenover de artist artist staat, de brutaliteit tegenover de diplomatie, de naïviteit tegenover het wantrouwen, de muzen tegenover een carrière maken. Wat is echte artistieke kwaliteit en hoe schop ik het zover mogelijk? Vincent Rietveld, lid van het collectief De Warme Winkel, en Marien Jongewaard, medeoprichter en bezieler van Nieuw West, nemen de handschoen op. — De Warme Winkel is een eigenzinnige theatergroep met een liefde voor geschiedenis en een grote fascinatie voor onze veelvormige tijd. Hun voorstellingen zijn strijdbaar speels en ongepolijst, even energetisch als relevant. Vorig seizoen speelden ze in het Kaaitheater het verbluffende Gavrilo Princip. Eerder waren ze in Brussel te gast met Weense Herfst, een reeks voorstellingen waarin ze kunstenaars van de vroeg-twintigste eeuw portretteerden. Nieuw West en De Warme Winkel maakten samen ook Kokoschka Live!, dat geselecteerd werd voor het Theaterfestival 2010. MOZART VS SALIERI Un spectacle sur l’affrontement entre le talent vital de Mozart et l’artisan laborieux Salieri. Mais aussi un duel entre deux hommes de théâtre. Vincent Rietveld, du collectif De Warme Winkel, et Marien Jongewaard, cofondateur et inspirateur de Nieuw West, relèvent le gant. MOZART VS SALIERI A performance about the clash between Mozart’s dynamic talent and the craftsmanship of the hardworking Salieri. As well as a duel between two theatre-makers. Vincent Rietveld of De Warme Winkel and Marien Jongewaard, cofounder and inspirer of Nieuw West, take up the gauntlet.

BELGIAN PREMIERE 88

BL!NDMAN [hybrid][BE] Beyond/Behind WED 2/03 20:30 KAAITHEATER MUSIC | € 16/12/8 RUSSISCH FUTURISME In BL!NDMAN [hybrid] verzamelt Eric Sleichim drie boeiende musici rond zich: de vocale duizendpoot Claron McFadden, de avontuurlijke en virtuoze cellist Jörg Brinkmann en turntable wizard Matthew Wright. Zij laten zich inspireren door het Russisch futurisme. Het Russisch futurisme onttrekt taal aan haar grammaticale regels om te komen tot pure materie. Het woord wordt een object an sich dat louter omwille van de klank bestaat, los van zijn betekenis. Tekst wordt dus belangrijk in dit concert en zal op alle mogelijke manieren gehanteerd worden: gezongen, gereciteerd en geroepen, geprojecteerd en gemanipuleerd. De muziek is geïnspireerd op futuristische componisten zoals Lourié, Gnesin en Goedicke en componisten die door het futurisme werden beïnvloed zoals Stravinsky, Antheil en Prokofiev. Naast de stem staan machines centraal. De fascinatie voor mechaniek, beweging en snelheid wordt vertaald door theremins, speakers als zelfgenererende klankobjecten, turntables en pure sinussen.

FUTURISME RUSSE Avec BL!NDMAN [hybrid] Éric Sleichim réunit trois musiciens passionnants autour de lui : la soprano à la palette vocale très variée, Claron McFadden, le violoncelliste aventureux et virtuose, Jörg Brinkmann, et le magicien des platines, Matthew Wright. Ils montent un spectacle inspiré du Futurisme russe. Le Futurisme russe a tenté de libérer la langue de ses règles grammaticales pour toucher à la matière pure. Le mot devient un objet en soi qui n’existe rien que pour le son, indépendamment de sa signification. Le texte a donc toute son importance dans ce concert et sera revisité de toutes les manières possibles : il sera chanté, récité et crié, projeté et manipulé. La musique est inspirée de compositeurs futuristes, comme Lourié, Gnesin et Goedicke, et des compositeurs influencés par le futurisme à l’instar de Stravinsky, Antheil et Prokofiev. Outre la voix, les machines constituent un élément central. La fascination pour la mécanique, le mouvement et la vitesse est traduite par des theremines, des haut-parleurs en tant qu’objets qui produisent leurs propres sons, des platines et des signaux sinus purs. RUSSIAN FUTURISM With BL!NDMAN [hybrid] Eric Sleichim gathers three exciting musicians around him: the vocal jack-of-all-trades Claron McFadden, the adventurous and virtuoso cellist Jörg Brinkmann and turntable wizard Matthew Wright. They find inspiration in Russian Futurism. Russian Futurism withdrew language from under its grammatical rules to obtain pure matter. The word becomes an object in itself, one that exists purely on the basis of its sound, regardless of its meaning. So the text is very important in this concert and is used in all possible ways: sung, chanted and shouted, projected and manipulated. The music is inspired by such futurist composers as Lourié, Gnesin and Goedicke, as well as other composers who were influenced by Futurism such as Stravinsky, Prokofiev and Antheil. Apart from the voices, machines play a central role. The fascination with mechanics, motion and speed is translated by Theremins, loudspeakers and self-generating sound objects, turntables and pure sinus waves.

MARLIES DE MUNCK Over filosofie en muziek WED 02/03 19:00 KAAITHEATER RE:THINK TALK | NL | FREE

VOICE Claron McFadden | TURNTABLES, TUBA, ELECTRONICS Matt Wright | CELLO Jörg Brinkmann | SAXOPHONES, ELECTRONICS Eric Sleichim

Dr. Marlies De Munck gaat in op de relatie tussen filosofie en muziek. Aan de Universiteit Antwerpen behandelt ze vragen als “Welke taal spreekt de muziek(filosofie)? en wat is (het filosofisch belang van) de relatie tussen muziek, politiek, en maatschappij?”

RADOUAN MRIZIGA[MA/BE] 3600 FRI 4, SAT 5/03 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | € 12/10/8 ARCHITECTURALE DANS Vorig seizoen debuteerde Radouan Mriziga in de Kaaistudio’s met de solo 55. Zoals Da Vinci met zijn Vitruviusman de mens de maat nam, zo nam Mriziga al dansend zichzelf de maat in een sobere maar rijke, sensuele choreografie die is opgebouwd rond het cijfer 5. In zijn nieuwe voorstelling, 3600, een choreografie voor vier dansers, benadert Mriziga de dans opnieuw architecturaal, met het lichaam als het centrale instrument van de voorstelling. Mriziga: ‘In mijn werk onderzoek ik het ontstaan van rituelen in oude en hedendaagse culturen, bijvoorbeeld het Egyptische en het Griekse theater. Ik sta ook stil bij de definiëring van kunst in de islamitische cultuur, waar kunst in essentie een wiskundige nauwkeurigheid van geometrische patronen vormt. De kunstenaar is er tegelijk ambachtsman, ingenieur, filosoof en ontwerper, maar soms ook de uitvoerder van de goddelijke schaal.’ — Radouan Mriziga studeerde aan PARTS. Hij is artist in residence bij het ‘nomadisch’ kunstencentrum Moussem.

ARCHITECTURAL DANCE Last season, Radouan Mriziga made his debut at the Kaaistudio’s with the solo 55. Just as Da Vinci made man the measure of things with his Vitruvian Man, so Mriziga made himself the measure while dancing in a sober but rich, sensual choreography that is constructed around the number 5. In his new performance, 3600, a choreography for four dancers, Mriziga once again approaches dance from an architectural perspective, with the body as the central instrument for the performance. Mriziga explains: ‘In my work, I explore the creation of rituals in ancient and contemporary cultures, for example in Egyptian and Greek theatre. I also contemplate the definition of art in Islamic culture, where art essentially comprises scientifically precise geometric patterns. The artist is here simultaneously a craftsman, engineer, philosopher and designer, but sometimes he is also the performer of the divine scale.’ — Radouan Mriziga studied at PARTS. He is artist in residence at the ‘nomadic’ arts centre Moussem.

DANSE ARCHITECTURALE La saison passée Radouan Mriziga a fait ses débuts aux Kaaistudio’s avec le solo 55. À l’instar de Léonard de Vinci qui a mesuré le corps humain avec son homme de Vitruve, Mriziga se mesure en exécutant une chorégraphie sobre, mais riche et sensuelle, construite autour du chiffre 5. Dans son nouveau spectacle, 3600, une chorégraphie pour quatre danseurs, Mriziga aborde à nouveau la danse de manière architecturale, avec le corps comme instrument central du spectacle. Mriziga : « Dans mon travail, j’analyse la genèse de rituels anciens et contemporains, par exemple le théâtre égyptien et grec. Je porte aussi mon attention sur la définition de l’art dans la culture islamique, où l’art constitue par essence des motifs géométriques d’une précision mathématique. L’artiste y est à la fois artisan, ingénieur, philosophe et concepteur, mais parfois aussi l’exécutant de l’échelle divine. » — Radouan Mriziga a étudié à PARTS Il est artiste en résidence au centre d’art « nomade » Moussem.

PREMIERE 91

TG STAN[BE] wat/nu FRI 4, SAT 5/03 20:30 + SUN 6/03 15:00 KAAITHEATER THEATRE | NL | € 16/12/8 + EXTRA: MATINEE KADEE, SUN 6/03 15:00 >> SEE P. 136

DAT ALLES GEZEGD MAG WORDEN ‘nog eens, of eindelijk ongezouten onze mening geven het met een korrel zout nemen - extreem gewelddadige tekst vinden - laten schrijven - onze plaats kennen rekening houden met ieders gevoeligheden - tekst kiezen die kwetst en beledigt - die haat zaait - die de revolutie predikt - beelden gebruiken - beelden stormen - zachtmoedig de wereld proberen te veranderen - tekst vinden die zijn absolute vrijheid opeist - die aanzet tot moord en brand - die zegt dat alles gezegd mag worden - die zegt dat alles gezegd moet worden - die alles zegt - die zich afvraagt of alles gezegd moet mogen worden - of alles gezegd kan worden - of alles gezegd moet kunnen worden - of alleen wij alles moeten mogen zeggen - met niets of niemand rekening houden - god noch gebod kennen - na u zeggen - u nazeggen - wat is uw overtuiging?’ — Eén jaar voor de première weten ze bij STAN nog niet wat precies ze zullen spelen, maar – lees hun aankondiging hierboven er nog eens op na – wel waar de klepel hangt: ze broeden op een voorstelling die onze tijd héél dicht op de huid zit. En STAN kennende kan dat nog vele kanten op, maar het schroeit alvast!

in het bos daar staat een huisje ik keek eens door het vensterraam kwam een haasje aangelopen klopte aan de deur help mij, help mij uit de nood want de jager schiet mij dood laat mij in uw huisje klein ‘k zal u dankbaar zijn.

QUE TOUT PEUT ÊTRE DIT Une fois de plus, ou enfin, donner ouvertement notre opinion. Tout peut ou doit être dit. Peut-on tout dire ? Ou n’y a-t-il que nous qui devons tout pouvoir dire ? Tg STAN concocte un spectacle qui s’attaque de très près à notre époque. THAT WE MUST SAY EVERYTHING Once again, or finally, saying what we think without holding back. Everything can be, or must be, said. Can everything be said? Or should only we be allowed to say everything? Tg STAN is brooding on a production that is very much in touch with our time.

(met bijhorende bewegingen gezongen of gezegd) VAN & MET Jolente De Keersmaeker, Sara De Roo, Damiaan De Schrijver & Frank Vercruyssen | PRODUCTIE & TECHNIEK tg STAN (Antwerpen)

ZINAPLATFORM[NL/BE] Beauty Stories Salon FRI 4, SAT 5, SUN 6/03 KAAITHEATER THEATRE/PERFORMANCE | NL/FR | BEFORE AND AFTER PERFORMANCE OF TG STAN | FREE À travers des interviews individuelles dans différents quartiers, nous avons glané des récits que nous présentons par la suite dans une installation itinérante. Nous débutons au Kaaitheater et partons ensuite dans les quartiers où les histoires ont été recueillies, afin que les différents narrateurs puissent écouter leurs histoires respectives. N’hésitez pas à partager votre histoire ou à découvrir celle des autres. — La créatrice néerlandaise de théâtre Adelheid Roosen a réuni autour d’elle une compagnie, Zina, composée de créateurs issus de différentes cultures et disciplines. NEIGHBOURS’ STORIES While enjoying a relaxing hand or head massage, listen to the stories of neighbours or distant strangers from another city collected in Brussels and Amsterdam. What stories do people bring here with them from their journey across borders? What stories can we tell them? And which stories do we share?

DE VERHALEN VAN BUREN Zit neer, sluit je ogen en ontspan! Tijdens het genot van een relaxerende hand- of hoofdmassage luister je naar de verhalen van buren of verre onbekenden uit een andere stad. Zina en het Kaaitheater slaan de handen in elkaar en verzamelen verhalen in Brussel en Amsterdam. We steken allerlei grenzen over: de landsgrens België-Nederland, het kanaal dat een grens vormt tussen Brussel en Molenbeek, de straat waar verschillende culturen samenleven. Welke geschiedenissen brengen mensen mee van hun reis over de grenzen naar hier? Wat hebben wij hen te vertellen? En welke verhalen delen we? Via één-op-één interviews in verschillende wijken sprokkelen we verhalen die gepresenteerd worden in een reizende installatie. We starten in het Kaaitheater en trekken nadien langs de wijken waar de verhalen opgetekend werden, zodat de verschillende vertellers nu ook naar elkaar kunnen luisteren. Wees welkom om je verhaal te delen, of om dat van anderen te leren kennen. — De Nederlandse theatermaakster Adelheid Roosen verzamelde met Zina een gezelschap rond zich met makers uit verschillende culturen en disciplines. LES RÉCITS DES VOISINS Asseyez-vous, fermez les yeux et détendez-vous ! Tout en profitant des bienfaits d’un massage des mains ou de la tête, écoutez les histoires de voisins ou d’inconnus lointains d’une autre ville. Zina et le Kaaitheater ont uni leurs forces et recueilli à Bruxelles et à Amsterdam des histoires qui nous font franchir toutes sortes de frontières : la frontière géographique entre la Belgique et les Pays-Bas, le canal qui trace une frontière entre Bruxelles et Molenbeek, la rue dans laquelle cohabitent différentes cultures. Quelles histoires les gens rapportent-ils du voyage qui les mène d’au-delà des frontières vers ici ? Qu’avons-nous à leur raconter ? Et quelles histoires partageons-nous ? KAAITHEATER CO-PRODUCTION Zina is an initiative of Adelheid Roosen, Myriam Sahraoui, Nazmiye Oral & Elly Ludenhoff | CO-PRODUCTION Kaaitheater

MUZIEKTHEATER TRANSPARANT & B’ROCK[BE] And you must suffer/St. John Passion Bach THU 10, FRI 11, SAT 12/03 20:30 KAAITHEATER MUSIC/THEATRE | DE | 2H | € 35/30 (CAT.1), € 25/20/8 (CAT 2.)

UNE EXPÉRIENCE UNIVERSELLE La Passion selon saint Jean est la première passion que Bach ait composée à Leipzig. Avec cette composition, il voulait impressionner son nouveau public lors du Vendredi saint de 1724. L’orchestre baroque B’Rock et le chœur philharmonique de Wroclaw intègrent nouvelles créations du compositeur israélo-palestinien Samir Odeh-Tamimi et de la compositrice flamande Annelies Van Parys. Cette perspective internationale correspond parfaitement à l’esprit de la Passion. La souffrance est une expérience universelle, quels que soient les antécédents religieux ou culturels. « Les musiciens ne croient peut-être pas tous en Dieu, mais tous croient en Bach », écrivait Mauricio Kagel en 1985 dans un premier jet de la Sankt-BachPassion. — Le metteur en scène de théâtre franco-libanais Pierre Audi met l’ensemble en scène. Le plasticien Wim Delvoye assure la scénographie.

A UNIVERSAL EXPERIENCE The St John Passion was the first passion that Bach composed in Leipzig. In this way he wanted to prove himself to his new audience on Good Friday 1724. The B’Rock baroque orchestra and the Philharmonic Choir of Wroclaw supplement Bach’s St John Passion with new compositions by the Palestinian-Israeli composer Samir Odeh-Tamimi and the Flemish composer Annelies Van Parys. This international perspective fits in extremely well. Suffering is indeed a universal experience, regardless of religious or cultural background. ‘Maybe not all musicians believe in God, but they all believe in Bach’ wrote Mauricio Kagel in 1985, concerning a sketch for his Sankt-Bach-Passion. — The French-Lebanese theatre director Pierre Audi stages the work. The artist Wim Delvoye is responsible for the stage set.

PREMIERE PRESENTED BY KAAITHEATER & KLARAFESTIVAL MUSIC Johann Sebastian Bach (1685–1750), Johannes-Passion BWV 245, Samir Odeh-Tamimi (1970), new composition (commissioned by Klarafestival), Annelies Van Parys (1975), new composition (commissioned by Klarafestival) | MUSICAL DIRECTION Andreas Spering | DIRECTOR Pierre Audi | SET DESIGN Wim Delvoye | SINGERS Jakop Pilgram, Evangelist, Dominik Köninger, Christ, Grace Davidson, soprano, Benno Schachtner, alto, Magnus Staveland, tenor, Tomásš Král, bas, Wroclaw Philharmonic Choir | ORCHESTRA Barokorkest B’Rock | PRODUCTION Muziektheater Transparant & Barokorkest B’Rock | CO-PRODUCTION Klarafestival, Kaaitheater, De Munt/La Monnaie, Festival de Wallonie, Wroclaw National Forum of Music, Polish Institute | COMMISSION Klarafestival/Flanders Festival Brussels

EEN UNIVERSELE ERVARING De Johannespassie was de eerste passie die Bach in Leipzig componeerde. Hiermee wilde hij zichzelf op Goede Vrijdag 1724 bewijzen voor zijn nieuwe publiek. Barokorkest B’Rock en het Filharmonisch Koor uit Wroclaw voegen aan Bach’s Johannespassie nieuwe composities toe van de Palestijns-Israëlische componist Samir Odeh-Tamimi en de Vlaamse componiste Annelies Van Parys. Dat internationale perspectief sluit wonderwel aan. Lijden is immers een universele ervaring, ongeacht religieuze of culturele achtergrond. ‘Misschien dat niet alle musici in God geloven, in Bach geloven ze allemaal’, schreef Mauricio Kagel in 1985 op een schets voor zijn Sankt-Bach-Passion. — De Franse-Libanese theaterregisseur Pierre Audi zet het geheel in scène. Beeldend kunstenaar Wim Delvoye staat in voor de scenografie.

ROBERT CANTARELLA[FR] Faire le Gilles

re:think

FRI 11/03 20:30 KAAISTUDIO’S LECTURE/PERFORMANCE | FR | 2H | € 8 IN THE CONTEXT OF PHILOSOPHY IN ACTION

ROBERT DOET DE GILLES Al enkele jaren ‘doet’ Robert Cantarella ‘de Gilles’. Met andere woorden: hij geeft opnieuw stem aan de beroemde colleges die de Franse filosoof Gilles Deleuze in de jaren tachtig gaf aan de Universiteit van Paris-VIII in Vincennes. Voorzien van oortjes, brengt de acteur een trouwe kopie van een college, inclusief de juiste intonatie, het ritme, de haperingen en de incoherenties eigen aan het gesproken woord. Faire le Gilles geeft de ideeën van Deleuze door via de stem die het begrijpen van zijn denken gemakkelijker maakte. Tussen theater en filosofie in, wordt de passie voor het denken luidop gedacht. — Robert Cantarella is schrijver, acteur en regisseur. Hij was directeur van Centre National de Dijon en codirecteur van de residentieplek Centquatre in Parijs. Samen met Constance Corbières richtte hij de associatie R & C op.

ROBERT FAIT LE GILLES Depuis quelques années, Robert Cantarella « fait le Gilles ». En d’autres mots : il redonne une voix aux célèbres conférences que le philosophe français Gilles Deleuze donnait dans les années 1980 à l’Université Paris-VIII à Vincennes. Doté d’oreillettes, l’acteur reproduit avec fidélité une conférence, prend les intonations appropriées, suit le rythme, les hésitations et les incohérences propres au langage parlé. Faire le Gilles transmet les idées de Deleuze par le biais de la voix, ce qui facilité la compréhension de sa pensée. Entre théâtre et philosophie, la passion de la réflexion est pensée à voix haute. — Robert Cantarella est auteur, comédien et metteur en scène. Il était le directeur du Centre National de Dijon et le codirecteur de la résidence d’artiste au Centquatre à Paris. Avec Constance Corbières, il a fondé l’association R & C. ROBERT DOES GILLES Robert Cantarella has been ‘doing a Gilles’ for several years now. Which means that he has been giving new voice to the renowned lectures the French philosopher Gilles Deleuze gave at the university of Paris VIII in Vincennes in the 1980s. Wearing earphones, the actor presents a faithful rendering of each lecture, including the correct intonation, rhythm, hesitations and incoherence of the spoken word. Faire le Gilles passes on Deleuze’s ideas using the voice, which makes it easier to understand his way of thinking. Somewhere between theatre and philosophy, the passion for thinking is thought out loud. — Robert Cantarella is a writer, actor and stage director. He was the director of the Centre National de Dijon and the co-director of the Centquatre residence centre in Paris. He also co-founded the R & C association with Constance Corbières.

LAURA VAN DOLRON[NL] Wat nu nodig is WED 9, THU 10/03 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | € 16/12/8

SPIRITUALITEIT VOOR SCEPTICI In haar nieuwste voorstelling maakt stand-up filosoof Laura van Dolron komaf met alle theaterwetten. Alles om dichter dan ooit bij haar publiek te komen. Haar doel: het gat vullen dat de kerk heeft achtergelaten. In een positieve, niet-naïeve preek laat zij zien dat spiritualiteit niet anti-intellectueel is, maar sexy. Dat betrokkenheid weer belangrijk is. En dat je niet naar een wellnesscentrum hoeft om ‘lief voor jezelf’ te zijn. Wat nu nodig is is een geactualiseerde, broodnodige versie van het stuk Wat nodig is. Naast Laura van Dolron staat nu ook Steve Aernouts op de scène. Samen maakten ze eerder het succesvolle Sartre zegt sorry (zie p. 112). Toen stelden ze een diagnose, nu is het tijd voor het medicijn. Wat nu nodig is is geen gewone toneelavond maar een ervaring waarbij spelers en publiek samen op pauze drukken. Waarbij de theaterzaal gebruikt wordt om even uit te rusten van alle mensen met meningen. Wat nu nodig is brengt antwoorden die links en rechts, gelijk of ongelijk overstijgen. Het is een voorstelling ‘over stilte, sleutelbenen en sceptici’. En over dat we misschien al in de hemel zijn, als we het maar zien. SPIRITUALITÉ POUR SCEPTIQUES Dans son nouveau spectacle, la « philosophe stand-up » Laura van Dolron nous montre que la spiritualité n’est pas anti-intellectuelle, mais sexy. Une expérience où acteurs et public appuient ensemble sur pause, pour se reposer un moment de tous les gens qui ont des opinions.

‘Van Dolron probeert in de voorstelling te leven ‘in het nu’. En brengt haar publiek langzaam in dezelfde stemming. Het is bijna magisch, maar Van Dolron weet dat gevoel daadwerkelijk op haar toeschouwers over te brengen. In elk geval voor even. In elk geval bij één.’

HHHHH — NRC >> P. 45, 112 TEKST Laura van Dolron | SPEL Laura van Dolron, Steve Aernout

SPIRITUALITY FOR SCEPTICS In her latest performance, the stand-up philosopher Laura Dolron shows us that spirituality is not anti-intellectual, but sexy. An experience where players and the audience press on pause and take a break from all those people with opinions.

SALVA SANCHIS[ES/BE] Radical Light FRI 18, SAT 19/03 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE | € 16/12/8 ‘TRILLING’ In Radical Light, een creatie voor vier dansers, combineert choreograaf Salva Sanchis via de muziek ervaringsgerichte en formele dans. ‘Ervaringsgericht’ staat voor de dansjes die we spontaan maken op een feestje of thuis, als we alleen zijn. Ze hebben iets instinctiefs maar zijn tegelijk sociaal bepaald. Formele dans is dan weer wat u ziet in dansvoorstellingen, de bewegingen zijn helemaal ‘gecomponeerd’. Voor Radical Light gaat Sanchis in dialoog met Discodesafinado. Onder deze naam maken geluidsontwerpers Senjan Jansen en Joris Vermeiren minimale techno met experimentele elektronica, een heerlijk pointillistisch palet van microklanken, tegelijk ritmisch en contemplatief, ongrijpbaar en aanstekelijk. ‘Trilling’ is de rode draad in zowel de muziek als in de bewegingen van de dansers. Trilling zal de link vormen tussen ervaringsgerichte en formele dans. — Salva Sanchis (PARTS, Rosas) vormt samen met Marc Vanrunxt de dansorganisatie Kunst/Werk. Hij was bij het Kaaitheater te gast met eigen werk als Objects in mirror are closer than they appear (2008), now h e r e (2011) en The Phantom Layer (2013).

‘TRILLING’ In Radical Light, a creation for four dancers, choreographer Salva Sanchis uses music to combine experiencerelated and formal dance. ‘Experience-related’ stands for the dances that we create spontaneously at a party or at home, when we are alone. There is something instinctive about them but they are also socially determined. Formal dance, however, is what you see in dance performances, the movements are completely ‘composed’. For Radical Light, Sanchis enters into dialogue with Discodesafinado. Under this name, the sound designers Senjan Jansen and Joris Vermeiren make minimal techno with experimental electronics, a wonderful pointillist palette of micro-sounds, both rhythmic and contemplative, incomprehensible and infectious. ‘Trilling’ is the thread that runs throughout both the music and the movements of the dancers. Trilling forms the link between experience-related and formal dance. — Salva Sanchis (PARTS, Rosas) is a co-partner in the dance organisation Kunst/Werk, together with Marc Vanrunxt. He has been a guest at the Kaaitheater with his own work Objects in mirror are closer than they appear (2008), now h e r e (2011) and The Phantom Layer (2013).

PREMIERE

« TRILLING » Dans Radical Light, une création pour quatre danseurs, le chorégraphe Salva Sanchis combine, à travers la musique, de la danse formelle et spontanée. Ces dernières sont ces danses qu’on esquisse spontanément lors d’une fête ou seul chez soi. Elles ont quelque chose d’instinctif, mais sont à la fois déterminées sur le plan social. La danse formelle désigne quant à elle ce qu’on voit dans les spectacles de danse, dont les mouvements sont entièrement « composés ». Dans Radical Light, Sanchis engage un dialogue avec Discodesafinado. Sous ce nom, les concepteurs sonores Senjan Jansen et Joris Vermeiren créent une techno minimale avec de la musique électronique expérimentale, une palette de micro-sons délicieusement pointillistes, à la fois rythmés et contemplatifs, insaisissables et communicatifs. « Trilling », le fil conducteur de la musique et des mouvements des danseurs, constituera le lien entre la danse formelle et spontanée.

— Salva Sanchis (P.A.R.T.S., Rosas) et Marc Vanrunxt représentent le noyau dur de l’organisation Kunst/Werk, consacrée à la danse. Sanchis était l’hôte du Kaaitheater avec ses propres productions, comme Objects in mirror are closer than they appear (2008), now h e r e (2011) et The Phantom Layer (2013).

CHOREOGRAPHY Salva Sanchis | DANCE Inga Huld Hakonardottir, Peter Savel, Stanislav Dobak, Thomas Vantuycom | MUSIC Discodesafinado (Joris Vermeiren & Senjan Jansen) | PRODUCTION Kunst/Werk (Antwerpen) | SUPPORT Vlaamse Gemeenschap

ANGÉLICA LIDDELL/ATRA BILIS TEATRO[ES] Tandy SAT 19/03 20:30 + SUN 20/03 15:00 KAAITHEATER THEATRE | ES | SURTITLED EN | 1H | € 20/16/8 + EXTRA: MATINEE KADEE, SUN 20/03 15:00 >> SEE P. 136

OVER LIEFDE EN LIEFDESWAAN Tandy is een verhaal uit Winesburg, Ohio (1919) van de Amerikaanse auteur Sherwood Anderson, een hoogtepunt van de moderne Amerikaanse literatuur. Het zevenjarige meisje Tandy neemt die naam aan nadat een voorbijganger haar zegt: ‘Be Tandy! Wees dapper en sterk, durf bemind te worden.’ Wat richt deze boodschap aan in het latere leven van het meisje? Angélica Liddell, die de tekst bewerkte voor haar nieuwste voorstelling, omschrijft Tandy als een elegisch verhaal over liefde en liefdeswaan. ‘Misschien gaat Tandy over de oude dialectiek tussen psychiatrie en religie, over de oorlog tussen lichaam en geest, tussen wetenschap en mysterie. Het is bovenal het verhaal van Gods meedogenloze stilte wanneer wij een vraag stellen en geen antwoord krijgen.’ Met Tandy verwelkomen we Angélica Liddell voor het eerst in het Kaaitheater. — De Spaanse theatermaakster, schrijfster en performer Angélica Liddell richtte in 1993 haar gezelschap Atra Bilis (‘zwarte gal’) op. Haar internationale doorbraak volgde in 2010 op het Festival van Avignon. Omwille van haar sterk beeldende theatertaal wordt ze wel eens de vrouwelijke Rodrigo Garcia genoemd, die andere grote naam uit het Spaanse avant-gardetheater. Zwarte humor, het aftasten van de grenzen van haar eigen lichaam, een uitgesproken politieke agenda en religieuze symboliek zijn prominent aanwezig in haar werk.

GEZOCHT! Voor de productie Tandy zoeken we 8 mannen, tussen 50 en 70 jaar. WANTED! For the production Tandy we are looking for 8 men, aged between 50 and 70. EXTRAS@KAAITHEATER.BE

À PROPOS D’AMOUR ET DE DÉLIRE D’AMOUR Tandy est une histoire tirée de Winesburg, Ohio (1919) de l’auteur états-unien Sherwood Anderson, un sommet de la littérature américaine. Angélica Liddell a adapté le texte pour son nouveau spectacle et définit Tandy comme un récit élégiaque sur l’amour et le délire d’amour. ABOUT LOVE AND LOVE DELUSION Tandy is a story from Winesburg, Ohio (1919) by the American writer Sherwood Anderson, a high point of modern American literature. The seven-year-old girl Tandy adopts this name after a passer-by tells her to: ‘Be Tandy! Be brave and strong, and dare to be loved.’ What consequences does this have for the girl’s later life?’ Angélica Liddell, who adapted the text for her latest performance, describes Tandy as an elegiac tale about love and love delusion. ‘Maybe Tandy refers to the old dialectic between psychiatry and religion, to the war between body and spirit, science and mystery. However, above all else, it is the tale of god’s ruthless silence, when we ask and nothing is granted.’ With Tandy, we will be welcoming Angélica Liddell to the Kaaitheater for the first time. — The Spanish theatre-maker, writer and performer Angélica Liddell set up her company Atra Bilis (‘black bile’) in 1993. Her international breakthrough followed in 2010 at the Festival of Agivnon. Because of her intensely visual theatrical language, she has been described as the female Rodrigo Garcia, the other big name in Spanish avant-garde theatre. Black humour, exploring the limits of her own body, an outspoken political agenda and religious symbolism all have a prominent place in her work.

PERFORMANCES IN BRUSSELS SUPPORTED BY

SET DESIGN, COSTUMES & DIRECTION Angélica Liddell | TEXT Angélica Liddell, inspired by the novel Winesburg, Ohio by Sherwood Anderson | WITH Leonor Caso, Fabián Augusto, Lola Jiménez, Angélica Liddell & Sindo Puche | PRODUCTION Iaquinandi, S.L. | CO-PRODUCTION Berliner Festspiele/Foreign Affairs, Temporada Alta 2014/El Canal centre d’art escèniques Salt/Girona

SCHWALBE[NL] BUY YOUR SCHWALBE COMBI-TICKET ONLINE AT A REDUCED PRICE! SCHWALBE IN HUIS Het Nederlandse collectief Schwalbe heeft nu vier producties gemaakt en de vijfde komt eraan. Prachtig werk dat je in de voorbije jaren bij het Kaaitheater kon zien – en als je dat gemist hebt, krijg je nu de kans om dat goed te maken, want we halen Schwalbe een week lang in huis. Ontdek van het sterkste wat het jonge Nederlandse theater te bieden heeft! Schwalbe: ‘Elke voorstelling is deels een reactie op de vorige geweest. Vanaf het eerste werk is het thema groep en individu altijd onderdeel geweest van ons gesprek. In de eerste twee voorstellingen, Save them en Schwalbe performs on its own, stonden we als individuen naast elkaar, daaruit groeide de nieuwsgierigheid om ons direct tot elkaar te verhouden, zonder een performatieve stijl los te laten. Dat leidde tot het gewelddadige Schwalbe cheats. Daar werd die nieuwsgierigheid groter en wilden we ons verhouden tot mensen buiten onze groep. Dat resulteerde in Schwalbe is looking for crowds.’ In deze serie zal, naast die thematische lijn, ook duidelijk worden hoe Schwalbe altijd op zoek gaat naar een extreem fysiek theater en naar een uitgepuurde, sobere vorm. De reeks eindigt met de nieuwe productie Schwalbe takes time, waarin Schwalbe de/jouw tijd neemt. SCHWALBE CHEZ NOUS Le collectif néerlandais Schwalbe a quatre productions à son actif et la cinquième est en gestation. De véritables perles que vous avez pu voir ces dernières années au Kaaitheater – et si vous les avez manquées, c’est l’occasion rêvée d’y remédier, car Schwalbe prend ses quartiers au Kaaitheater une semaine durant. Découvrez ce que le jeune théâtre néerlandais a de plus fort à offrir ! Schwalbe : « Chaque spectacle était en partie une réaction au précédent. Dès le premier spectacle, le thème du groupe et de l’individu a toujours fait partie de notre discours. Dans les deux premiers spectacles, Save them et Schwalbe performs on its own, nous étions des individus les uns à côté des autres, ce qui a généré la curiosité de se rapporter directement les uns aux autres, sans renoncer à un style performatif. Cela nous a menés au violent Schwalbe cheats. Voilà qui n’a fait qu’accroître la curiosité et nous avons eu envie de nous rapporter aux gens en dehors de notre groupe. Avec pour résultat, Schwalbe is looking for crowds. »

A HOUSE ON FIRE PRESENTATION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

100

Outre cette ligne thématique, apparaîtra aussi dans la série la manière dont Schwalbe part toujours en quête d’un théâtre extrêmement physique et d’une forme épurée et sobre. La série s’achève par la nouvelle production, Schwalbe takes time, dans laquelle Schwalbe prend son/votre temps. SCHWALBE IN THE HOUSE The Dutch collective Schwalbe has now made four productions and the fifth is coming soon. Wonderful work that has been presented at Kaaitheater during recent years – and if you missed it you now have the chance to make up for it, as we will be hosting Schwalbe in our theatre for a week. Discover some of the best work young Dutch theatre has to offer! Schwalbe: ‘Every performance is partly a reaction to the previous one. Ever since our first piece, the theme of group and individual has always been part of our discussion. In the first two performances, Save them and Schwalbe performs on its own, we were individual performers alongside one another, out of which grew the curiosity to relate directly to each other, without abandoning a performative style. That led to the violent Schwalbe cheats. Then the curiosity grew and we wanted to relate to people outside our group. This resulted in Schwalbe is looking for crowds.’ In this series, apart from the thematic line, it will also become clear how Schwalbe is always looking for extreme physical theatre and a pure, sober form. The sequence ends with the new production, Schwalbe takes time, in which Schwalbe takes time (your time).

SAVE THEM BY & WITH Christina Flick, Marie Groothof, Melih Gencboyaci, Hilde Labadie, Floor van Leeuwen, Kimmy Ligtvoet, Bas van Rijnsoever, Ariadna Rubio Lleó, Daan Simons | FINAL DIRECTION Lotte van den Berg SCHWALBE PERFORMS ON ITS OWN BY & WITH Christina Flick, Melih Gençboyaci, Marie Groothof, Hilde Labadie, Floor van Leeuwen, Kimmy Ligtvoet, Ariadna Rubio Lleó, Daan Simons | FINAL DIRECTION Lotte van den Berg SCHWALBE CHEATS BY & WITH Christina Flick, Melih Gençboyaci, Marie Groothof, Hilde Labadie, Floor van Leeuwen, Kimmy Ligtvoet, Ariadna Rubio Lleó, Daan Simons | FINAL DIRECTION Tim Etchells SCHWALBE IS LOOKING FOR CROWDS BY & WITH Christina Flick, Melih Gençboyaci, Marie Groothof, Floor van Leeuwen, Kimmy Ligtvoet, Ariadna Rubio Lleó, Daan Simons & many volunteers SCHWALBE TAKES TIME BY & WITH Christina Flick, Melih Gençboyaci, Marie Groothof, Floor van Leeuwen, Kimmy Ligtvoet, Ariadna Rubio Lleó, Daan Simons

MON 21/03 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | 1H. | RERUN | € 12/10/8

TUE 22/03 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | 1H | RERUN | € 12/10/8

WANTED: BE AN EXTRA! EXTRAS@KAAITHEATER.BE

NL Over de verhouding tussen het individu en de groep. De performers voelen de nood om het individu achter te laten en een groep te vormen. Samen vechten ze voor of tegen iets om zichzelf te overstijgen en een gezamenlijke overgave te bereiken. De spelers dansen een uur lang op een hardcore beat en tonen het publiek de waarde van ‘belang hechten aan’, van energie, van liefde.

NL Een kleine massa mensen op de scène, van alle soorten en leeftijden. Ze lopen rondjes, in een eindeloze baan om een onzichtbaar middelpunt. Na een half uur blijkt dat we nog niet iedereen gezien hebben. Een hypnotische draaiing. Een daverende tribune. Stilte. Applaus van twee kanten! Schwalbe is looking for crowds kreeg de BNG Nieuwe Theatermakersprijs 2014. FR Un petit attroupement de gens sur scène, de tous types et tous âges. Ils marchent en rond à l’infini autour d’un centre invisible. Au bout d’une demi-heure, il s’avère que nous n’avons pas encore vu tout le monde. Une rotation hypnotique. Une tribune qui vibre. Silence. Applaudissements des deux côtés ! Schwalbe is looking for crowds a reçu le Prix 2014 du meilleur espoir de théâtre de la banque BNG. EN A small crowd of people, of all types and ages, are on stage. They walk in circles in an endless orbit around an invisible centre. After half an hour it appears we have not yet seen everyone. A hypnotic rotation. Roaring from the stands. Silence. Applause from both sides! Schwalbe is looking for crowds was awarded the 2014 BNG New Theatre Maker’s Prize.

“Het is fascinerend hoe lang je naar deze bewegende lichamen kunt kijken. Zo simpel, zo direct, een choreografie van een massa.” HHHHH — HET PAROOL

Schwalbe is looking for crowds Save them

FR À propos de la relation entre l’individu et le groupe. Les performeurs ressentent le besoin d’abandonner l’individu et de former un groupe. Ensemble, ils se battent pour ou contre quelque chose afin de se dépasser et d’atteindre un lâcher-prise commun. Les acteurs dansent pendant une heure sur des rythmes intenses, violents et montrent au public la valeur « d’accorder de l’importance », de l’énergie, de l’amour. EN About the relationship between the individual and the group. The performers feel the need to leave the individual behind and form a group. Together they fight for or against something by which to transcend themselves and to achieve collective abandonment. The actors dance for an hour to a hardcore beat and show the audience the significance of ‘attaching importance to’, of energy, and of love.

“Radicaal en compromisloos theater […] performers die je niet gauw weer zal vergeten.” — HET PAROOL

101

Schwalbe cheats

THU 24/03 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | 50 MIN. | RERUN | € 12/10/8

FRI 25/03 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | 1H10 | RERUN | € 12/10/8

NL Een CO2-neutrale voorstelling! Wat kan je als individu doen in tijden van smeltende ijskappen en apocalyptische toekomstscenario’s? Schwalbe reduceert het antwoord tot één simpele handeling: fietsen. Tijdens de voorstelling fietsen de spelers op hometrainers waarmee ze de stroom opwekken voor de theaterverlichting. Tot de uitputting toeslaat.

NL De spelers bevinden zich bij aanvang rondom het podium of – beter – rondom het strijdperk. Ze spelen een spel waarbij de grenzen tussen echt en onecht geleidelijk aan vervagen. Het spel ontaardt in een grimmige strijd tegen elkaar, waarin een winnaar zegeviert. Hoe breekbaar is onze ‘beschaving’?

FR Un spectacle au bilan carbone neutre ! Que peut-on faire en tant qu’individu à l’époque de la fonte des calottes glaciaires et de scénarios d’avenir apocalyptiques ? Schwalbe réduit la réponse à une action simple : pédaler. Pendant le spectacle, les acteurs pédalent sur des bicyclettes fixes avec lesquelles ils produisent l’éclairage du théâtre. Jusqu’à l’épuisement. EN A CO2-neutral production! What can you do as an individual in times of melting icecaps and apocalyptic scenarios? Schwalbe reduces the answer to one simple action: cycling. During the performance the players pedal on home trainers and so generate the power for the theatre lighting. Until exhaustion takes over.

« Une image engagée d’un monde au rythme effréné qui pédale machinalement sur place. Si ça n’est pas du théâtre ! » — DE STANDAARD

FR Au début, les acteurs évoluent autour du podium ou – mieux – autour de l’arène. Ils jouent un jeu dans lequel les limites entre le vrai et le faux s’estompent progressivement. Le jeu dégénère en un rude combat mutuel, qui consacre un seul gagnant. Combien fragile est la « civilisation » ? EN In the beginning the actors are gathered around the stage or, rather, around the arena. They play a game where the boundaries between real and unreal gradually become blurred. The game turns into a grim battle of opponents, in which a winner triumphs. How fragile is our ‘civilization’?

‘What apparently starts out as a children’s game gradually becomes a fight between gladiators, because if it is really about survival then mercy is hard to find.’ — THEATERKRANT.NL

102

Schwalbe performs on its own

SCHWALBE[NL] Schwalbe takes time SAT 26/03 14:00 KAAISTUDIO’S THEATRE | 12H | € 12/10/8 | EXIT & RE-ENTRY ALLOWED | FOOD AVAILABLE NL We zijn ‘nog nooit zo druk geweest’, terwijl we ook nooit zo lang hebben geleefd. Schwalbe vraagt het publiek om ‘de tijd tijdelijk uit handen te geven’. Om de tijd van de klok te ruilen voor die van de ervaring. Om plaats te nemen, dichtbij te komen, weg te gaan (om iets te gaan drinken), van perspectief te wisselen, de nacht door te brengen, wakker te worden en om iets heel anders of nog steeds hetzelfde te zien.

FR Nous n’avons « jamais été aussi affairés », alors que nous n’avons jamais vécu si longtemps. Schwalbe demande au public de « se dessaisir temporairement du temps ». Pour échanger le temps contre celui de l’expérience. Pour prendre place, s’approcher, s’en aller (pour aller boire par exemple), changer de perspective, passer la nuit, se réveiller et voir quelque chose de très différent ou toujours la même chose. EN We have ‘never been so busy’, and have also never lived so long. Schwalbe asks the audience to ‘temporarily relinquish time’. To exchange the time of the clock for that of experience. To seat themselves, to draw near, go away (for a drink), to exchange perspective, to spend the night, wake up and to see something quite different or still the same.

BELGIAN PREMIERE

103

RACHID BENZINE & RUUD GIELENS[MA/FR/BE] Averroès ou la solitude du penseur

re:think

THU 24, FRI 25/03 20:30 KAAITHEATER THEATRE | FR | SURTITLED NL/EN | € 16/12/8 DE ROL VAN DE REDE De islamitische jurist, arts en filosoof Averroes trachtte de ideeën van Aristoteles en andere klassieke filosofen in overeenstemming te brengen met de leer van de islam. Hij verdedigde de rol van de rede en kwam zo in aanvaring met de islamitische theologen van zijn tijd. In het kader van RE:THINK vroegen we de FransMarokkaanse filosoof Rachid Benzine een theatertekst te schrijven gebaseerd op de figuur en het denken van Averroes. In 1197 werd hij verbannen naar Lucena, een kleine stad in de buurt van Cordoba. Daar situeert zich het verhaal over de vereenzaamde, in grote armoede levende Averroes die alleen nog bezoek krijgt van een vrouw die medelijden met hem heeft en van een jonge islamitische jurist die vindt dat de ‘ketterse’ denker zijn verdiende straf kreeg. — Rachid Benzine is auteur van Les nouveaux penseurs de l’islam (2004) en Le Coran expliqué aux jeunes (2013). Regisseur Ruud Gielens (Union Suspecte, Kaaitheater, KVS) woont en werkt sinds 2009 in Caïro.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION PREMIERE

THE ROLE OF REASON The Islamic jurist, doctor and philosopher Averroes tried to harmonise the ideas of Aristotle and other classical philosophers with the teachings of Islam. He defended the role of reason, which put him on a collision course with the Islamic theologians of his time. As part of RE:THINK, we asked the French-Moroccan philosopher Rachid Benzine to write a play based on the life and thought of Averroes. In 1197 he was banished to Lucena, a small town near Cordoba. It is here that the story about the lonely, extremely poor Averroes is set, whose only visitors were a woman who took pity on him and a young Islamic jurist who considered that this ‘heretical’ thinker deserved his punishment. — Rachid Benzine is the author of Les nouveaux penseurs de l’islam (2004) and Le Coran expliqué aux jeunes (2013). The stage director Ruud Gielens (Union Suspecte, Kaaitheater, KVS) has lived in Cairo since 2009. >> P. 8

TEXT Rachid Benzine | DIRECTION Ruud Gielens | PRODUCTION Kaaitheater & Moussem (Antwerp)

104

LE RÔLE DE LA RAISON Le juriste, médecin et philosophe islamique Averroès a tenté de mettre en adéquation les idées d’Aristote et d’autres philosophes classiques avec la doctrine de l’islam. Il a défendu le droit de la raison et s’est ainsi attiré les foudres des théologiens islamiques de son temps. Dans le cadre de RE:THINK, nous avons invité le philosophe franco-marocain Rachid Benzine à écrire un texte de théâtre inspiré de la personnalité et de la pensée du Averroès. En 1197, il fut exilé à Lucena, une petite ville dans la région de Cordoue. C’est là que se situe l’histoire à propos d’un homme seul, vivant dans une grande pauvreté qui ne reçoit plus que la visite d’une femme touchée par le sort de ce vieil homme et d’un jeune juriste musulman convaincu de la justesse de la sanction qui frappe ce penseur « hérétique ». — Rachid Benzine est l’auteur des ouvrages Les nouveaux penseurs de l’islam (2004) et Le Coran expliqué aux jeunes (2013). Le metteur en scène Ruud Gielens (Union Suspecte, Kaaitheater, KVS) vit et travaille au Caire depuis 2009.

105

IVO VAN HOVE & RAMSEY NASR/ TONEELGROEP AMSTERDAM[NL/BE] De andere stem TUE 12, WED 13, THU 14, FRI 15, SAT 16/04 20:30 + SUN 17/04 15:00 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | € 20/16/8 WAT EEN BRUUT! In 2009 speelde Halina Reijn in La voix humaine, een monoloog van Jean Cocteau uit 1928. Aan het woord is een vrouw die telefoneert met haar ex. Wat hij zegt, horen we niet. We kunnen het proberen af te leiden uit de reacties van de vrouw, maar zeker weten doen we het niet. Ramsey Nasr zag de voorstelling en vroeg zich af: maar wat zegt die man dan? Hij schrijft het antwoord en speelt het in regie van Ivo van Hove. Waar Cocteaus theatermonoloog het tragische verhaal van één vrouw schetst, benadrukt deze nieuwe tekst het onontwarbare verbond van een koppel. Ramsey Nasr: ‘Tot mijn verbazing hoorde ik steeds maar weer dat het een nogal harteloze vent moest zijn: er zo snel na je relatie met een andere vrouw vandoor gaan. Wat een bruut. Maar wie zegt dat? Letterlijk: wie zegt dat? Niemand. We horen hem niet. Ik werd nieuwsgierig naar zijn versie. De andere stem is het verhaal van twee mensen, verslaafd aan de ander, wetende dat ze nooit voor elkaar werden gemaakt.’ — Ramsey Nasr (1974) is schrijver, acteur en regisseur. Hij was Dichter des Vaderlands van Nederland en stadsdichter van Antwerpen. In 2013 was hij met Lange dagreis naar de nacht voor het eerst in dertien jaar opnieuw als toneelspeler te zien. Hij maakt sindsdien deel uit van het ensemble van Toneelgroep Amsterdam.

PREMIERE

>> P. 42 + 128

VAN EN MET Ramsey Nasr | REGIE Ivo van Hove | DRAMATURGIE Bart Van Den Eynde | SCENOGRAFIE, LICHTONTWERP Jan Versweyveld | PRODUCTIE Toneelgroep Amsterdam

106

QUELLE BRUTE ! Dans La voix humaine de Jean Cocteau, une femme parle au téléphone. À son ex. On n’entend pas ce qu’il dit. Ramsey Nasr s’est demandé : que dit cet homme ? Qui est à l’autre bout de la ligne ? Il a écrit la réponse et l’interprète, dans une mise en scène d’Ivo van Hove. WHAT A BRUTE! In Jean Cocteau’s La voix humaine we hear a woman speaking. She is phoning her ex-partner. We do not hear what he says. Ramsey Nasr asked himself: what is that man saying? Who is on the other end of the line? He wrote down the answer and performs it in a production by Ivo van Hove.

107

108

INNE GORIS & DOMINIQUE PAUWELS/ LOD MUZIEKTHEATER[BE] Zonder Bloed WED 13, THU 14, FRI 15/04 20:30 KAAITHEATER THEATRE | NL | SURTITLED EN | € 16/12/8 LOTSVERBONDENHEID Een schot, het lawaai van glas dat breekt. Je hoort je vader kreunen van de pijn. De zachte stem van je broer, nog meer schoten. En dan, een stilte om bang van te worden. Tijdens een meedogenloze wraakactie, in een nacht vol razernij, wisselen een jongen en een meisje één blik. Een kort moment, bijna als liefde op het eerste gezicht. Ongewild, en zonder een woord te zeggen, zijn ze vanaf dan met elkaar verbonden voor het leven. Theatermaakster Inne Goris vertaalt Zonder Bloed, de novelle van Alessandro Baricco, naar het theater, met muziek van Dominique Pauwels. Het verhaal gaat over de gevolgen van oorlog en over de lotsverbondenheid van dader en slachtoffer, die elk hun kant van het trauma te verwerken hebben. Wat na het leed? Zonder Bloed brengt een universeel verhaal over wraak en de poging tot verzoening. — In het Kaaitheater bracht Inne Goris eerder Muur, met muziek van Dominique Pauwels en tekst van Pieter De Buysser en Nachtevening. COMMUNAUTÉ DE DESTIN Un coup de feu, le bruit de verre qui se brise. Entendre son père gémir de douleur. La douce voix du frère, encore des coups de feu. Et puis, un silence glaçant. Pendant une impitoyable action de représailles au cours d’une nuit frénétique, une fille et un garçon échangent un seul regard, juste le temps d’un instant, presque comme un coup de foudre. Involontairement, et sans mot dire, ils sont dès lors liés pour la vie. La créatrice de théâtre Inne Goris adapte la nouvelle Sans Sang d’Alessandro Baricco au théâtre, sur de la musique de Dominique Pauwels. L’histoire traite des conséquences de la guerre et de la communauté de destin entre le coupable et la victime, qui doivent chacun surmonter le traumatisme. Qu’y a-t-il au-delà du chagrin ? Zonder Bloed porte à la scène une histoire universelle de vengeance et de tentative de réconciliation.

A HOUSE ON FIRE CO-PRODUCTION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

— Au Kaaitheater, Inne Goris a présenté Muur, sur une musique de Dominique Pauwels et un texte de Pieter De Buysser, et Nachtevening. SYMPATHY BETWEEN PERPETRATOR AND VICTIM A shot, the sound of a window breaking. You hear your father groaning in pain. Your brother’s soft voice, more shots. And then a frightening silence. In the course of a merciless act of revenge, on a night of frenzy, a boy and a girl exchange a single glance. A brief moment, almost like love at first sight. Unwittingly, and without saying a word, from this time on they are connected for life. The theatre-maker Inne Goris has adapted Alessandro Baricco’s novella Without Blood for the stage, with music by Dominique Pauwels. The story is about the consequences of war and the sympathy between perpetrator and victim, each of whom has to cope with their side of the trauma. What comes after the suffering? Without Blood is a universal story about revenge and the attempt at reconciliation. — At the Kaaitheater Inne Goris has previously presented Muur with music by Dominique Pauwels and script by Pieter De Buysser, as well as Nachtevening.

JOOST DE BLOOISE Over filosofie en literatuur THU 14/04 19:00 KAAITHEATER RE:THINK TALK | NL | FREE

KAAITHEATER CO-PRODUCTION PREMIERE

109

110

ROSAS[BE] Verklärte Nacht FRI 15, SAT 16, FRI 22, SAT 23, FRI 29, SAT 30/04 21:00 + SUN 17, SUN 24/04, SUN 1/05 15:00 ROSAS PERFORMANCE SPACE, AV. VAN VOLXEMLAAN 164, 1190 BRUSSELS DANCE | 45 MIN. | € 16/12/8 ROMANTISCH LIEFDESVERHAAL Met de herneming van Verklärte Nacht kan je een van Anne Teresa De Keersmaekers mooiste werken (her)ontdekken, op een bijzondere locatie, namelijk de Rosas Performance Space, de werkplek van De Keersmaeker. Verklärte Nacht (1899) is een laatromantische compositie voor strijkers van Arnold Schönberg. Ze is geïnspireerd op een gedicht van Richard Dehmel, over een vrouw die haar geliefde vertelt dat ze zwanger is van het kind van een andere man. Anne Teresa De Keersmaeker creëerde in 1995 een groepschoreografie op Schönbergs compositie. Die herschreef zij vorig jaar tot een duet. Daardoor kwamen zowel het muzikale als het narratieve aspect op de voorgrond te staan. Schönbergs lyriek voert ons mee in de gevoelswereld van de geliefden. Een schaamteloos romantisch liefdesverhaal, in het donkere licht van een Verklärte Nacht.

‘Meesterlijke choreografie van eenzame zielen. Verontrustend mooi.’ — DE MORGEN ‘Une réussite totale qui laisse le public aussi bouleversé et essoufflé que les danseurs.’ — LE SOIR

HISTOIRE D’AMOUR ROMANTIQUE Avec la reprise de Verklärte Nacht, vous pouvez (re)découvrir une des plus belles œuvres d’Anne Teresa De Keersmaeker dans un lieu exceptionnel, à savoir l’espace de création de Rosas, le lieu de travail de la chorégraphe. Verklärte Nacht (1899) est une composition pour cordes d’Arnold Schönberg, qui remonte à la fin de l’époque romantique. Schönberg s’inspire d’un poème de Richard Dehmel à propos d’une femme qui avoue à son amant être enceinte d’un autre homme. En 1995, Anne Teresa De Keersmaeker a créé sur cette composition de Schönberg une chorégraphie de groupe qu’elle a réécrit l’année passée pour un duo, mettant ainsi en avant à la fois l’aspect musical et narratif. Le lyrisme de Schönberg nous entraîne dans l’univers affectif des amants. Une histoire d’amour romantique exaltée dans la lueur sombre d’une Nuit Transfigurée. ROMANTIC LOVE STORY The revival of Verklärte Nacht enables you to discover (or rediscover) one of Anne Teresa De Keersmaeker’s finest works in a special location, the Rosas Performance Space, which is De Keersmaeker’s workshop. Verklärte Nacht (1899) is a late romantic composition for strings by Arnold Schönberg, inspired by a poem by Richard Dehmel, about a woman who tells the man she loves she is pregnant by another man. In 1995 Anne Teresa De Keersmaeker created a group choreography based on Schönberg’s composition. In 2014 she has rewritten the piece as a duet, so that both the musical and narrative aspects come to the foreground. Schönberg’s lyricism transports us into the emotional world of the lovers. A shameless romantic love story in the dark light of a Verklärte Nacht (transfigured night).

PRESENTED BY KAAITHEATER, DE MUNT/LA MONNAIE & ROSAS

>> P. 48 + 58

CHOREOGRAPHY Anne Teresa De Keersmaeker | DANCED BY Samantha van Wissen, Boštjan Antoncic & Nordine Benchorf | MUSIC Arnold Schönberg, Verklärte Nacht, op. 4 | LIGHT DESIGN Luc Schaltin, Anne Teresa De Keersmaeker | COSTUMES Rosas/Rudy Sabounghi | PRODUCTION Rosas | CO-PRODUCTION Ruhrtriënnale, Les Théâtres de la Ville de Luxembourg

111

re:think

LAURA VAN DOLRON[NL] Sartre zegt sorry

TUE 19/04 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | 1H15 | RERUN | € 16/12/8 EEN VERFRISSENDE BRAINWASH Sommige meisjes vallen op de verkeerde mannen, Laura van Dolron valt op de verkeerde filosofen. Een keer per jaar komt de beroemde filosoof Jean-Paul Sartre (1905–1980) Laura opzoeken om haar om de oren te slaan met grote woorden als vrijheid en verantwoordelijkheid. Dit keer loopt het echter anders. Sartre staat niet op uit zijn graf om Laura streng toe te spreken, maar om zijn excuses aan te bieden. Wat volgt is een verfrissende brainwash en een onhandige maar oprechte poging tot engagement.

In Sartre zegt sorry doet ‘stand-up filosoof’ Laura van Dolron waar ze goed in is: ze snijdt op een lichtvoetige manier grote thema’s aan waarbij ze zichzelf en het publiek niet spaart. Mensen die komen om te denken, maakt zij aan het lachen en mensen die komen om te lachen, zet zij aan het denken. Sartre zegt sorry werd de voorbije jaren lovend ontvangen door publiek en pers. De voorstelling werd geselecteerd voor het Theaterfestival in Nederland én Vlaanderen. In een Kaaitheaterseizoen met veel aandacht voor filosofie, kon dit kleinood niet ontbreken. UN LAVAGE DE CERVEAU RAFRAÎCHISSANT Une fois par an, le célèbre philosophe Jean-Paul Sartre (1905–1980) rend visite à Laura van Dolron pour l’accabler de grands mots comme liberté et responsabilité. Cette fois, cela se passe toutefois différemment. Sartre vient présenter ses excuses. A REFRESHING BRAINWASH Once a year, the famous philosopher Jean-Paul Sartre (1905–1980) comes to visit Laura van Dolron and overwhelms her with big words like freedom and responsibility. But this time it’s different: Sartre has come to say sorry.

‘Als ze tot de kern komt van haar zelfhaat, hou je als publiek gewoonweg je adem even in… Laura van Dolron glorieert.’ HHHHH — DE VOLKSKRANT ‘Een goed getroffen, geestige schets van hoe het met haar generatie is gesteld.’ HHHH — NRC ‘Van Dolron heeft iets van een vrouwelijke Woody Allen en ze verdient het om een net zo groot publiek te bereiken als de meester zelf.’ — JURY THEATERFESTIVAL VLAANDEREN 2011

>> P. 45 + 96 SPEL Laura van Dolron, Steve Aernouts | TEKST & CONCEPT Laura van Dolron | DRAMATURGIE Rezy Schumacher | BEGELEIDING Celine Buren | LICHTONTWERP Gé Wegman

112

ECOPOLIS 2016 A cross-border eco-event SUN 17/04 11:00 > 18:30 KAAITHEATER DEBATES/BOOKS | NL/FR/EN (SIMULTAANVERTALING/ TRADUCTION SIMULTANÉE/ SIMULTANEOUS TRANSLATION) | € 8/6 BOEKEN & DEBATTEN VOOR EEN DUURZAME SAMENLEVING! Ecopolis, de opvolger van Het Groene Boek, is hét rendez-vous voor wie begaan is met een duurzame toekomst. Boeken en documentaires, debatten en lezingen van schrijvers, wetenschappers en denkers staan centraal. Omdat ecologische uitdagingen geen taal- of landsgrenzen kennen, is Ecopolis divers, internationaal en interactief LIVRES ET DÉBATS POUR UNE SOCIÉTÉ DURABLE ! Ecopolis est le rendez-vous pour qui est concerné par un avenir durable. Livres et documentaires, débats et conférences d’écrivains, de scientifiques et de penseurs en constituent l’essentiel. Étant donné que le défi écologique ne connaît pas de frontières linguistiques ni territoriales, Ecopolis est divers, international et interactif. BOOKS & DEBATES FOR A SUSTAINABLE SOCIETY! Ecopolis is the rendezvous for those who are committed to a sustainable future. Books and documentaries, debates and talks by writers, scientists and philosophers play a central role. Because ecological challenges have no linguistic or national boundaries, Ecopolis is diverse, international and interactive.

>> P. 8

113

MEG STUART/DAMAGED GOODS[US/BE] Sketches/Notebook THU 21, FRI 22/04 20:30 + SAT 23/04 21:00!! KAAITHEATER DANCE | 2H | RERUN | € 16/12/8 EXUBERANT EN GENEREUS Bij het begin van Sketches/Notebook (2013) kleedt ontwerpster Claudia Hill de dansers eindeloos aan en uit, met de meest exuberante kostuums en artefacten. Het zet de toon voor een van Stuarts meest genereuze voorstellingen, een magische werveling van muziek, licht, beeld en beweging. Stuart werkte nauw samen met beeldend kunstenaar Vladimir Miller, muzikant Brendan Dougherty, kostuumontwerpster Claudia Hill en lichtontwerper Mikko Hynninen, vanuit de idee van een ‘schetsboek’. Ze staan alle vijf op de scène, samen met de performers. De toeschouwers zitten rond de actie en zien een groep individuen op zoek naar een gedeelde energie. Uit aanzetten en schetsen zien ze de scènes als het ware ontstaan. Ze worden meegenomen in een fantasierijk, bizar en intiem ritueel. Een herneming om naar uit te kijken!

EXUBERANT AND LAVISH At the beginning of Sketches/Notebook (2013), the designer Claudia Hill endlessly dresses and undresses the dancers, with the most exuberant costumes and artefacts. It sets the tone for one of Stuart’s most lavish productions, a magical whirl of music, light, sound and movement. Stuart worked closely with the artist Vladimir Miller, musician Brendan Dougherty, costume designer Claudia Hill and lighting designer Mikko Hynninen, starting from the idea of a sketchbook. All five of them are on stage together with the performers. The spectators are seated around the action and see a group of individuals looking for a shared energy. It is as if they were witnessing the birth of the scenes out of initial impulses and sketches. They are carried along in an imaginative, bizarre and intimate ritual. A rerun to look forward to!

>> P. 40

A HOUSE ON FIRE PRESENTATION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

114

A PROJECT BY Meg Stuart | CREATED IN COLLABORATION WITH PERFORMERS Jorge Rodolfo De Hoyos, Antonija Livingstone, Leyla Postalcioglu, Maria F. Scaroni & Julian Weber | MUSICIAN Brendan Dougherty | SET & VIDEO DESIGN Vladimir Miller | COSTUMES Claudia Hill | LIGHT DESIGN Mikko Hynninen | PRODUCTION Damaged Goods (Brussels) | CO-PRODUCTION HAU Hebbel am Ufer (Berlin)

EXTRAVAGANT ET GÉNÉREUX Au début de Sketches/Notebook (2013), la styliste Claudia Hill habille et déshabille indéfiniment les danseurs et les affuble de costumes et d’artefacts les plus extravagants. Voilà qui donne d’emblée le ton d’un des spectacles les plus généreux de Meg Stuart, un tourbillon magique de musique, de lumière, d’image et de mouvement. Stuart a travaillé en étroite collaboration avec le plasticien Vladimir Miller, le musicien Brendan Dougherty, la styliste Claudia Hill et le concepteur lumière Mikko Hynninen à partir de l’idée d’un « carnet de croquis ». Tous les cinq sont sur scène, en compagnie des performeurs. Les spectateurs sont installés autour de l’action et voient un groupe d’individus en quête d’une énergie partagée. À partir des amorces et des esquisses, ils voient pour ainsi dire les scènes se créer et prendre corps. Ils sont emportés dans un rituel inventif, étrange et intime. Une reprise à voir ou à revoir !

JONATHAN BURROWS & MATTEO FARGION + ELEANOR SIKORSKI & FLORA WELLESLEY WESLEY[UK] New duet + Eleanor And Flora Music FRI 22/04 20:30 KAAISTUDIO’S DANCE/PERFORMANCE | 1H20 INCL. INTERMISSION | € 16/12/8 UITBUNDIGE DUETTEN Met hun speelse maar strak gecomponeerde duetten balanceren choreograaf Jonathan Burrows en componist Matteo Fargion – al vele jaren vaste waarden in het programma van het Kaaitheater – ergens tussen dans, muziek, comedy en performance art. We presenteren twee duetten van hen, terwijl twee danseressen een herinterpretatie brengen van hun Both Sitting Duet. Burrows en Fargion tonen de creatie van een nieuw duet, waarover bij het ter perse gaan nog niets bekend is – het houdt de honger scherp! Als tweede deel krijg je Eleanor And Flora Music te zien, een nieuwe voorstelling gemaakt in samenwerking met Eleanor Sikorski en Flora Wellesley Wesley. Burrows en Fargion vroegen hen om een compleet nieuwe interpretatie te maken van Morton Feldman’s For John Cage, dat aan de basis lag van het iconische Both Sitting Duet. Sikorski en Wellesley Wesley zijn medeoprichters van het Londense online dansmagazine BELLYFLOP.

EXUBERANT DUETS In their playful but tightly composed duets, the choreographer Jonathan Burrows and composer Matteo Fargion – who have been a permanent feature of the Kaaitheater for many years – are poised somewhere between dance, music, comedy and performance art. We are presenting two of their duets, and two female dancers will reinterpret their Both Sitting Duet. Burrows and Fargion will be giving the first performance of a new duet, about which nothing is known at the moment of writing – which can only whet your appetite! In the second part you will see Eleanor And Flora Music, a new performance made in collaboration with Eleanor Sikorski and Flora Wellesley Wesley. Burrows and Fargion have invited the two women to freely choreograph from scratch an entirely new translation of Morton’s Feldman’s For John Cage, source of their iconic Both Sitting Duet. Sikorski and Wellesley Wesley are founder members of the London-based online performance magazine BELLYFLOP.

DUOS EXUBÉRANTS Avec leurs duos ludiques, mais composés avec grande rigueur, le chorégraphe Jonathan Burrows et le compositeur Matteo Fargion – des valeurs sûres du programme du Kaaitheater depuis plusieurs années – oscillent entre la danse, la musique, la comédie et l’art de la performance. Nous présentons deux de leurs duos, tandis que deux danseuses réinterprètent Both Sitting Duet. Burrows et Fargion interprètent leur nouvelle création, dont nous ignorons encore tout au moment où cette brochure est mise sous presse – voilà qui entretient notre curiosité !

En seconde partie de la soirée, vous pourrez voir Eleanor And Flora Music, un nouveau spectacle réalisé en partenariat avec Eleanor Sikorski et Flora Wellesley Wesley. Burrows et Fargion leur ont demandé de réinterpréter sous un œil totalement nouveau For John Cage de Morton Feldman, la composition qui est à l’origine de leur duo iconique Both Sitting Duet. Sikorski et Wellesley Wesley sont cofondatrices de la revue en ligne sur la danse, BELLYFLOP.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION BELGIAN PREMIERE CO-PRODUCTION Kaaitheater (Brussels), PACT Zollverein (Essen), Sadler’s Wells Theatre London & BIT Teatergarasjen Bergen | RESIDENCY Nightingale, Brighton England | MANAGEMENT nigelhinds.co.uk

115

JONATHAN BURROWS & MATTEO FARGION[UK] Body Not Fit For Purpose SAT 23/04 19:00 KAAISTUDIO’S DANCE/PERFORMANCE | EN | 30 MIN. | RERUN | € 8 NUTTELOZE DANS Burrows & Fargion hernemen Body Not Fit For Purpose, dat zij maakten voor de Biënnale van Venetië en dat al te zien was in Performatik 2015. Het is hun eerste expliciet politieke werk. Het vertrekt van de vaststelling dat dans volstrekt nutteloos is om enig onderwerp van reëel belang te behandelen. Tegelijk toont het dat de pogingen daartoe inherent glorierijk en idioot zijn in hun radicaliteit.

LA DANSE INUTILE Burrows & Fargion reprennent Body Not Fit For Purpose, qu’ils ont réalisé pour la Biennale de Venise et que nous avons présenté dans le cadre de Performatik 2015. Il s’agit de leur première pièce explicitement politique. Elle part de la constatation que la danse est totalement inutile pour aborder quelque sujet que ce soit de réelle importance. En même temps, elle démontre la radicalité inhérente et glorieusement imbécile de cette tentative. THE USELESSNESS OF DANCING Burrows and Fargion will again present their Venice Biennale commission Body Not Fit For Purpose, already seen at the Kaaitheater as part of Performatik in 2015. This piece marks their first overtly political work, which takes as its starting point the uselessness of dancing to express anything of any real concern and at the same time the inherent, gloriously foolish radicality of the attempt.

DOUBLE BILL ON SAT 23/04 COMBINE 2 PERFORMANCES ON 1 NIGHT KAAITHEATER CO-PRODUCTION CO-PRODUCTION Kaaitheater (Brussels), PACT Zollverein (Essen), Sadler’s Wells Theatre London & BIT Teatergarasjen Bergen | RESIDENCY Nightingale, Brighton England | MANAGEMENT nigelhinds.co.uk A HOUSE ON FIRE PRESENTATION WITH THE SUPPORT OF THE CULTURE PROGRAMME OF THE EUROPEAN UNION

116

— 18:00: De Smedt & Salamon, Dance #2 — 19:00: Burrows & Fargion, Body not fit for purpose OR — 19:00: Burrows & Fargion, Body not fit for purpose — 20:00: De Smedt & Salamon, Dance #2

CHRISTINE DE SMEDT & ESZTER SALAMON[BU/HU/DE] Dance #2 SAT 23/04 18:00 + 20:00 KAAISTUDIO’S DANCE/PERFORMANCE | EN | 30 MIN. | € 8 DANS ALS TAALSPEL Van Salamon en De Smedt presenteerden we in 2008 Dance #1/Driftworks. Met Dance #2 bouwen ze verder op deze voorstelling. Dance #2 bestaat uit twee delen: listening & mouthing en words & gestures. In het eerste deel, geïnspireerd op de keelzangduetten van de Inuit, dagen de danseressen elkaar uit in een spel met een reeks woorden waarvan de betekenis langzaam verglijdt. In het tweede deel ontwikkelen ze een dialoog door lettergrepen en woorden toe te wijzen aan bewegingen. Dance #2 is een choreografie als een pingpongspel van vraag en antwoord. — Christine De Smedt was lid van Les Ballets C. de la B. Dit seizoen presenteert Eszter Salamon in de grote zaal van het Kaaitheater ook nog MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013) (zie p. 30).

BELGIAN PREMIERE

DANCE AS LANGUAGE GAME In 2008 we presented Dance #1/Driftworks by Salamon and De Smedt. In Dance #2 they build on this performance. Dance #2 comprises two parts: listening & mouthing and words & gestures. In the first part, inspired by Inuit throat-singing duets, the dancers challenge one another in a game with a series of words whose meaning slowly shifts. In the second part, they develop a dialogue by allocating a particular movement to certain syllables and words. Dance #2 is a choreography of questions and answers like a game of ping-pong. — Christine De Smedt was a member of Les Ballets C. de la B. This season, Eszter Salamon also presents MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013) in the Kaaitheater’s concert hall (see p. 30).

LA DANSE COMME JEU DE MOTS En 2008, nous avons présenté Dance #1/Driftworks de Salamon et De Smedt. Avec Dance #2, elles s’inscrivent dans le prolongement de ce spectacle. Dance #2 se compose de deux parties : listening & mouthing et words & gestures. Dans la première partie, inspirée des duos de chants gutturaux inuits, les danseuses se défient dans un jeu autour d’une série de mots qui subissent lentement un glissement sémantique. Dans la deuxième partie, elles développent un dialogue en attribuant des syllabes et des mots à des mouvements. Dance #2 est une chorégraphie comme un jeu de pingpong de questions et de réponses. — Christine De Smedt a fait partie de Les Ballets C. de la B. Cette saison, Eszter Salamon présente également MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013) (voir p. 30) dans la grande salle du Kaaitheater.

>> P. 30

CHOREOGRAPHY & PERFORMANCE Christine De Smedt & Eszter Salamon | PRODUCTION Le Kwatt, Eszter Salamon & Christine De Smedt | THANKS TO Alexandra Wellensiek/Botschaftand Sylvie Garot

117

23/04/2016 DAG VAN DE DANS DAG VAN DE DANS De Dag van de Dans is een nieuw initiatief van Vlaamse en Brusselse dansorganisaties om de sterke danscultuur in België in de verf te zetten. Dans is altijd nauw verbonden geweest met de geschiedenis van het Kaaitheater – het zit als het ware in ons DNA. Het programma werpt een blik op wat dans vandaag kan zijn: van virtuoze dans tot performance. JOURNÉE DE LA DANSE La Journée de la Danse est une nouvelle initiative d’organisations flamandes et bruxelloises de danse pour mettre en lumière la culture très active de la danse en Belgique. La danse a toujours été étroitement liée à l’histoire du Kaaitheater – elle fait pour ainsi dire partie de notre ADN. Le programme porte un regard sur toutes les formes sous lesquelles la danse contemporaine peut se décliner aujourd’hui : de la danse virtuose à la performance. DANCE DAY Dance Day is a new initiative by Flemish and Brussels dance organisations to spotlight Belgium’s vigorous dance culture. Dance has always been closely associated with the history of the Kaaitheater – it’s in our DNA. The programme takes a look at the range of dance today: from virtuoso dance to performance art.

118

18:00 + 20:00 CHRISTINE DE SMEDT & ESZTER SALAMON Dance #2 KAAISTUDIOS >> P. 117 19:00 JONATHAN BURROWS & MATTEO FARGION Body Not Fit For Purpose KAAISTUDIOS >> P. 116 21:00 MEG STUART/DAMAGED GOODS Sketches/Notebook KAAITHEATER >> P. 114 21:00 ROSAS Verklärte Nacht ROSAS PERFORMANCE SPACE >> P. 110

PETER VERHELST/NTGENT[BE] Liefde WED 27, THU 28, FRI 29, SAT 30/04 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | € 16/12/8 SAMENLEVEN MET DE SCHULDIGE Een man keert terug van een militaire missie. Hij heeft slachtingen aangericht en vrouwen verkracht. Zijn vrouw weet dat, of vermoedt het, maar ze neemt haar man weer in huis. Omwille van haar dochter. Peter Verhelst, auteur en regisseur: ‘Ze neemt haar man weer in huis om haar dochter klaar te stomen voor de “echte” wereld, om haar de nodige weerbaarheid mee te geven. Maar dat thema speelt onderhuids, ik wil het verhaal niet daartoe reduceren. Wat die moeder doet, is dat een bewijs van veerkracht? Is het een blijk van vergiffenis? Neem je bewust een monster weer in huis? Ze kent haar man immers niet op die manier. Niettemin heeft hij die daden gepleegd. Hoe ga je daarmee om? En hoe geef je dat als ouder door aan je kind? Leren leven met een schuldvraag is sowieso een complex gegeven. Die man heeft de feiten gepleegd “tijdens zijn werkuren”, als soldaat. Maar wat is gelegitimeerd geweld? Waar ligt de grens? We zijn als samenleving doorgaans snel gefixeerd op de schuldigen: ik wil kijken naar de mensen die met die schuldigen willen of moeten samenleven.’ Els Dottermans speelt de moeder, An Miller de dochter. De man zelf krijgt men niet te zien. PARTAGER LA VIE DU COUPABLE Un homme revient d’une mission militaire. Il a commis des massacres et violé des femmes. Sa femme le sait, ou le soupçonne, mais l’accueille quand même à la maison à son retour. En raison de leur fille. Els Dottermans interprète la mère, An Miller la fille. LIVING WITH THE GUILTY PARTY A man returns from a military mission. He has slaughtered people and raped women. His wife knows, or suspects, but takes her husband back into her home anyway. For her daughter’s sake. Els Dottermans plays the mother, An Miller the daughter.

TEKST & REGIE Peter Verhelst | MET Els Dottermans & An Miller | DECOR Luc Goedertier | KOSTUUM An De Mol | PRODUCTIE NTGent

119

ERIC JORIS/CREW & PETER VERHELST/NTGENT[BE] Absence THU 28, FRI 29/04 20:30 KAAITHEATER THEATRE/PERFORMANCE | NL | € 16/12/8

JAPANS VISSERSDORPJE Theatermaker Eric Joris en schrijver-theatermaker Peter Verhelst delen een fascinatie voor de Japanse cultuur en voor het fenomeen dat iets afwezig maar nog steeds voelbaar is. Samen maken zij hierover de voorstelling Absence, gebaseerd op film- en beeldmateriaal dat Joris in Japan verzamelde na de tsunami in 2011. Vier maanden na de ramp, reisde Eric Joris naar het zwaar getroffen vissersdorpje Yuriage. Samen met enkele overlevenden ging hij op zoek naar hun huizen. De GPS wees hen de weg en duidde plaatsen aan alsof er nooit een ramp geweest was, maar ze troffen alleen een desolate vlakte aan met een vaag netwerk van stukken straat en funderingen. Het dorp was aanwezig in zijn afwezigheid. Absence is een performance op de grens van theater, dans, Vlaamse symbolistische landschapsschilderkunst en nieuwe media. Net als bij hun andere voorstellingen speelt CREW met de perceptie van hun publiek; beelden en projecties interageren met dans en tekst in een totaalinstallatie die het publiek omsluit. Joris en Verhelst werken hiervoor samen met danseres Fumiyo Ikeda en acteur Frank Focketyn. — CREW werkte eerder samen met Peter Verhelst voor Terra Nova, dat in 2012 in het Kaaitheater te zien was. UN VILLAGE DE PÊCHEURS JAPONAIS Eric Joris et Peter Verhelst créent un spectacle multimédia, inspiré du matériau filmique que Joris a collecté au Japon après le tsunami de 2011. Ils travaillent avec la danseuse Fumiyo Ikeda et l’acteur Frank Focketyn. — CREW a travaillé précédemment avec Peter Verhelst pour Terra Nova, présenté en 2012 au Kaaitheater. JAPANESE FISHING VILLAGE Eric Joris and Peter Verhelst are creating a multimedia performance based on film material that Joris collected in Japan after the 2011 tsunami. They are working with the dancer Fumiyo Ikeda and the actor Frank Focketyn. — CREW has previously collaborated with Peter Verhelst on Terra Nova, which was staged at the Kaaitheater in 2012.

120

121

LUCAS VANDERVOST[BE] Of Wittgenstein

re:think

TUE 3, WED 4/05 20:30 KAAISTUDIO’S THEATRE | NL | 1H10 | € 16/12/8

EZELSOREN De problemen zijn voorgoed opgelost, dacht filosoof Ludwig Wittgenstein aan het einde van WOI. Met zijn Tractatus Logico-Philosophicus, voltooid in krijgsgevangenschap, dacht hij uit de taal de dubbelzinnigheid te bannen die in de wereld tot misverstanden leidt: ‘waarover niet kan worden gesproken, moet men zwijgen’. Met zijn ‘talig theater’ moest regisseur en acteur Lucas Vandervost ooit uitkomen bij deze filosofische kerntekst over de verhouding tussen wereld en taal. Tegenover Wittgensteins zoektocht naar duidelijkheid, plaatst hij tijdgenoten van hem als James Joyce, Virginia Woolf, Marcel Proust en Paul van Ostaijen. Met ezelsoren op zijn kop zet Vandervost het Logischfilosofisch traktaat van Wittgenstein naar zijn hand. Niet als een les filosofie, maar in een unieke monoloog waarin de acteur Wittgenstein ontdekt en ontleedt. — Lucas Vandervost stond van 1987 tot nu aan het hoofd van het Antwerpse gezelschap De Tijd. Speciaal voor het Kaaitheater herneemt hij Of Wittgenstein, dat hij creëerde in het seizoen 2009–2010. OREILLES D’ÂNE La tête coiffée d’oreilles d’âne, Vandervost adapte le Tractatus logico-philosophicus de Ludwig Wittgenstein, un texte philosophique fondamental sur le rapport entre le monde et la langue, à sa sauce. Non pas comme une leçon de philosophie, mais en tant que monologue exclusif dans lequel l’acteur découvre et dissèque Wittgenstein.

‘En aan het eind komt alles fraai samen, tekst, muziek, man-met-hoed in een papaverveld. En dan is er een lange, mooie stilte, alsof de theatermaker er opnieuw bij wilde stilstaan: dat waarover men niet kan spreken, daarover dient men te zwijgen.’ — DE VOLKSKRANT

DONKEY’S EARS With donkey’s ears on his head, Lucas Vandervost takes Ludwig Wittgenstein’s Tractatus Logico-Philosophicus, an essential philosophical work on the relationship between world and language, and turns it to his own ends. Not as a lesson in philosophy, but in a unique monologue in which he reveals and analyses Wittgenstein.

‘Of Wittgenstein is een absolute aanrader. Want ook intellectuelen hebben niet alleen het recht maar tevens de plicht op bijscholing.’ — KNACKBLOG TEKST Ludwig Wittgenstein, T.S. Eliot, James Joyce, Franz Kafka, Paul van Ostaijen, Fernando Pessoa, Marcel Proust, Virginia Woolf | VAN & MET Lucas Vandervost | DRAMATURGIE Claire Swyzen | KOSTUUM Sabina Kumeling | PRODUCTIE De Tijd (Antwerpen)

122

PHILIPPE QUESNE[FR] Welcome to Caveland! FRI 6, SAT 7, MON 9/05 20:30 + SUN 8/05 15:00 KAAITHEATER THEATRE | € 20/16/8 + EXTRA: MATINEE KADEE, SUN 8/05 15:00 >> SEE P. 136

REUSACHTIGE MOLLEN De nieuwe productie van de Franse regisseur Philippe Quesne is een vervolg op zijn fabel Swamp Club uit 2013. Toen ging het om een groepje mensen die hun woon- en werkplek bedreigd zien door een groot immoproject. In Welcome to Caveland! bevindt die plek zich onder de grond, als een voorhistorische grot, een atoomschuilkelder of de grot van Plato. Deze allegorische wereld wordt bevolkt door fantastische dieren, reusachtige mollen en figuren uit de onderwereld. Filosofische mythes en sciencefictionachtige utopieën worden in elkaar verweven. — Philippe Quesne vertrekt van rituelen uit het dagelijkse leven die hij transformeert tot kleine ceremonies, soms melancholisch, soms grappig. Zijn werk wordt wereldwijd getoond, van Avignon tot New York en Hong Kong. We presenteerden van hem L’Effet de Serge, La Mélancolie des Dragons, Big Bang, Swamp Club en vorig seizoen nog Next Day, een voorstelling gespeeld door kinderen.

TAUPES GÉANTES La nouvelle création du metteur en scène français Philippe Quesne est la suite de la saga Swamp Club de 2013. Il s’agissait alors d’un groupe de personnes dont l’habitation et le lieu de travail étaient menacés par un grand projet immobilier. Dans Welcome to Caveland!, ce lieu est devenu souterrain et évoque à la fois une grotte préhistorique, un abri antiatomique ou la caverne de Platon. Ce monde allégorique est peuplé d’un bestiaire fantastique, de taupes géantes et de figures appartenant à un univers des sous-sols. Mythes philosophiques et récits d’anticipation s’entremêlent. — Dans son œuvre, Philippe Quesne prend pour point de départ les rituels de la vie quotidienne qu’il transforme en petites cérémonies, parfois mélancoliques, parfois comiques. Son œuvre tourne dans le monde entier, d’Avignon à Honk Kong en passant par New York. Le Kaaitheater a présenté L’Effet de Serge, La Mélancolie des Dragons, Big Bang, Swamp Club, et la saison passée Next Day, un spectacle joué par des enfants.

GIANT MOLES Welcome to Caveland! is set in an allegorical world populated by fantasy animals, giant moles and figures from the underworld. Philosophical myths and sciencefiction-like tales and utopias are woven into one another.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION PREMIERE PRESENTED BY KAAITHEATER & KUNSTENFESTIVALDESARTS CONCEPT, DIRECTION & SCENOGRAPHY Philippe Quesne | ACTORS TBC | PRODUCTION Nanterre-Amandiers centre dramatique national | CO-PRODUCTION Kunstenfestivaldesarts (BE), Steirischer Herbst (AT), Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt (DE), Théâtre Vidy-Lausanne (CH), La Filature scène nationale – Mulhouse (FR) | CO-PRODUCED BY NXTSTP, with support of the Culture programme of the European Union

123

CONCEPT Eleanor Bauer & Chris Peck, developed with the collaborators | CHOREOGRAPHY & DIRECTION Eleanor Bauer | MUSICAL COMPOSITION & DIRECTION Chris Peck | CREATED WITH AND PERFORMED BY Eleanor Bauer, Inga Hákonardóttir, Tarek Halaby, Gaël Santisteva | ICTUS ENSEMBLE MUSICIANS Gerrit Nulens (drums, percussion), Gwenaelle Rouger (piano, synth), Kobe Van Cauwenberghe (guitar, bass) | MUSICAL DIRECTION ASSISTANCE Jean-Luc Fafchamps (Ictus), Tom Pauwels (Ictus) | SONGWRITING Chris Peck, Eleanor Bauer, Gérald Kurdian, Arjan Miranda, Ryan Seaton | SOUND TECHNICIAN Alex Fostier | PRODUCTION MANAGEMENT Caravan Production for GoodMove vzw | CO-PRODUCTION Kaaitheater, Rencontres Internationales de Seine-Saint Denis (Paris)

124

ELEANOR BAUER/GOODMOVE & ICTUS[US/BE] Meyoucycle SAT 28/05 22:00 KAAITHEATER MUSIC/DANCE | € 16/13/8 DIT IS GEEN MUSICAL Meyoucycle (me-you-cycle) – het woord lijkt, als je het uitspreekt, op ‘musical’, maar dan met een vaag, vreemd accent. Choreografe Eleanor Bauer en componist Chris Peck creëren iets wat lijkt op een musical, maar er zich ook van vervreemdt. Alle ingrediënten zijn aanwezig: lied, tekst, dans, muziek, maar het resultaat leidt naar een heel nieuw genre. Meyoucycle brengt performers samen op de scène met leden van het Ictus-ensemble. Bauer migreert tussen muziek, tekst, performance, dans en choreografie en streeft naar een synthese hiervan. Het lied staat centraal: altijd relatief kort en geïsoleerd, zijn liedjes vaak geschreven om een gevoel, idee of boodschap over te brengen. Meyoucycle past deze directe communicatie toe en onderstreept het belang van emotionaliteit als middel. Meyoucycle is politieke sciencefiction over emoties, in een tijdperk van technologische meditatie en hyperkapitalisme. Bauer reflecteert over hoe we emotionele ervaringen sturen en delen – iets wat tegelijk persoonlijk en universeel is – te midden van de intense krachten en verbindingen die ons hedendaagse leven vormgeven. CECI N’EST PAS UNE COMÉDIE MUSICALE Meyoucycle (me-you-cycle) – quand on le prononce, le mot ressemble à musical, mais avec un drôle d’accent. Et de fait, la chorégraphe Eleanor Bauer et le compositeur Chris Peck créent quelque chose d’étranger à ce qui est déjà connu comme une comédie musicale. Si toutes les composantes sont présentes – chanson, texte, danse, musique –, le résultat aboutira cependant à un genre étrange et nouveau. Meyoucycle réunit sur scène cinq performeurs et des membres de l’ensemble Ictus. Bauer slalome entre musique, texte, performance, danse et chorégraphie et en fait la synthèse. La chanson occupe une place centrale : toujours relativement courtes et isolées, les chansons sont fréquemment écrites pour communiquer un sentiment, une idée ou un message. Meyoucycle installe cette communication directe et, ce faisant, souligne l’importance de l’émotivité comme moyen de transmission.

Meyoucycle est une science-fiction politique à propos d’émotions à l’ère de la médiation technologique et de l’hyper-capitalisme. Bauer contemple la façon dont nous véhiculons et partageons des expériences émotionnelles – qui sont en même temps strictement personnelles et communément universelles – à travers et au sein de forces intenses et d’interfaces qui façonnent nos vies contemporaines. THIS IS NOT A MUSICAL Meyoucycle (me-you-cycle) – when spoken aloud, sounds something like ‘musical,’ but in a vaguely foreign accent. And indeed, the choreographer Eleanor Bauer and the composer Chris Peck are creating something foreign to what is already known as a musical. All the ingredients of a musical are there: song, text, dance and music; but the result leads to a strange new genre. Meyoucycle brings performers together on stage with members of the Ictus ensemble. Bauer migrates between music, text, performance, dance and choreography to create a synthesis between them. The song is central: always relatively short and isolated, songs are often written to communicate a feeling, an idea or a message. Meyoucycle utilizes this direct communication and emphasizes the importance of its inherent emotionality as a tool. Meyoucycle is a political science fiction about emotions in the age of technological mediation and hyper-capitalism. Bauer contemplates how we navigate and share emotional experience – which is absolutely personal and yet universally common – through and amidst the intense forces and interfaces that shape our contemporary lives.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION ARTIST IN RESIDENCE PREMIERE PRESENTED BY KAAITHEATER & KUNSTENFESTIVALDESARTS

>> P. 54, 58, 87, 132 125

GERMAINE KRUIP[NL] A Possibility of an Abstraction SAT 14/05 20:30 + SUN 15/05 15:00 KAAITHEATER THEATRE | LANGUAGE NO PROBLEM | 1H | € 16/13/8 CINEMATOGRAFISCHE ERVARING Tijdens Performatik 2015 presenteerde Germaine Kruip in Bozar A Possibility of an Abstraction: Square Dance. Ze liet derwisjen hun rituele, cirkelvormige dans uitvoeren op vierkante patronen. Kruip onderzoekt wel vaker de betekenis van geometrische vormen in kunst en religie. In 2016 is de Nederlandse kunstenares te gast met een nieuwe aflevering van haar Possibility of an Abstraction. Ze creëert een filmeffect zonder dat er film aan te pas komt, alleen door het manipuleren van licht. A Possibility of an Abstraction is film, theater en sculptuur en creëert een meditatieve ruimte aan de rand van onze waarneming. De muziek bij de voorstelling is van Hahn Rowe, bekend van zijn werk bij o.a. Meg Stuart.

EXPÉRIENCE CINÉMATOGRAPHIQUE Durant Performatik 2015, Germaine Kruip a présenté à Bozar A Possibility of an Abstraction: Square Dance, une performance dans laquelle des derviches tourneurs ont effectué leur danse circulaire rituelle selon des schémas carrés. Kruip examine souvent la signification des formes dans l’art, la religion ou l’histoire des idées. En 2016, l’artiste néerlandaise est à l’affiche avec un nouvel épisode de Possibility of an Abstraction. Elle parvient à générer un effet de cinéma sans film, par la seule manipulation de la lumière. A Possibility of an Abstraction est du cinéma, du théâtre et de la sculpture à la fois et engendre un espace méditatif à la limite de notre perception. La musique du spectacle est signée Hahn Rowe, connu pour ses compositions pour Meg Stuart, entre autres.

CINEMATIC EXPERIENCE During Performatik 2015 at Bozar, Germaine Kruip presented A Possibility of an Abstraction: Square Dance. She had dancing dervishes performing their ritual, circular dance on square patterns. Kruip has often explored the meaning of geometric shapes in art, religion or the history of ideas. In 2016, this Dutch artist will be our guest with a new instalment of her Possibility of an Abstraction. Simply by manipulating light, she creates an atmospheric film-like effect without actually using film. Shifting between the cinematic, the theatrical, and the sculptural, A Possibility of an Abstraction creates a meditative space at the edges of our perception. The music accompanying the performance is by Hahn Rowe, known for his work with such people as Meg Stuart.

ARJEN MULDER The aesthetics of disappearance SUN 15/05 16:30 KAAITHEATER RE:THINK TALK | EN | FREE

Arjen Mulder (teacher and author, specialized in media theory) gives a talk on Paul Virilio and his book The aesthetics of disappearance (1980), one of the sources of inspiration for Germaine Kruip. Subsequently, Kruip and Mulder have a conversation.

KAAITHEATER CO-PRODUCTION BELGIAN PREMIERE PRESENTED BY KAAITHEATER & KUNSTENFESTIVALDESARTS CONCEPT & CREATION Germaine Kruip | Composer Hahn Rowe | DRAMATURGE Bart Van Den Eynde | LIGHT DESIGN Marc Dewit | PRODUCER Ash Bulayev | The premiere of the work was commissioned and presented at EMPAC/Experimental Media and Performing Arts Center, Rensselaer Polytechnic Institute, Troy, NY | CURATOR Victoria Brooks | ORIGINAL LIGHTING DESIGNER Laura Mroczkowski | CO-PRODUCTION Kaaitheater, kunstenfestivaldesarts | The presentation at EMPAC was made possible through generous support by the Mondriaan Funds.

126

127

GUY CASSIERS/TONEELHUIS & TONEELGROEP AMSTERDAM[BE/NL] De welwillenden THU 2, FRI 3, SAT 4/06 19:00!! KAAITHEATER THEATRE | NL | 4H INCL. INTERMISSION | € 20/16/8 DE DONKERSTE KANT VAN HET MENSELIJKE GEDRAG In 2006 verscheen De welwillenden van Jonathan Littell. Deze roman over de Jodenvernietiging tijdens de Tweede Wereldoorlog werd tegelijk bekroond en bekritiseerd, want het verhaal wordt verteld vanuit het standpunt van een dader, SD-officier Max Aue, die ons voorhoudt dat we in de ‘juiste’ omstandigheden allemaal dader kunnen worden. Littell laat zien dat het Derde Rijk niet buitenmatig bevolkt was met monsters en perverten, maar met gewone burgers, die in en door het nationaalsocialisme collectief opschoven in de richting van de totale waanzin. Hij trekt de lezers mee in het hoofd van de dader en plaatst hen daardoor in een ongemakkelijke positie van identificatie. Met De welwillenden gaat Guy Cassiers de confrontatie aan met de donkerste kant van het menselijke gedrag: het nazistische gedachtegoed en de vernietiging van de Joden. Hoe is dit in het hart van Europa kunnen gebeuren? Welke politieke, ideologische, psychologische en sociale transformaties hebben dit geweld doen ontstaan? In zijn enscenering concentreert Cassiers zich op Aues verblijf in drie steden die in de roman een centrale rol spelen: Kiev, Stalingrad en Berlijn. Iedere stad een stap dichter bij de totale apocalyps. Het ensemble van Toneelhuis wordt versterkt met vijf acteurs van Toneelgroep Amsterdam. LA FACE LA PLUS SOMBRE DU COMPORTEMENT HUMAIN En 2006, Jonathan Littell a publié Les Bienveillantes, un roman à la fois primé et critiqué, parce qu’il aborde l’extermination des Juifs durant la Seconde Guerre mondiale du point de vue d’un coupable, l’officier des SD (les services de renseignements nazis) Max Aue, qui nous rappelle que dans des circonstances « propices », tout un chacun peut devenir un criminel. Littell montre que le >> P. 42, 52, 53, 106, 130 TEKST Jonathan Littell | BEWERKING Bart Meuleman | REGIE Guy Cassiers | MET Katelijne Damen, Kevin Janssens, Johan Van Assche, Abke Haring, Hans Kesting, Bart Slegers, Jip van den Dool, Aus Greidanius Jr., Alwin Pulinckx | DRAMATURGIE Erwin Jans | PRODUCTIE Toneelhuis, Toneelgroep Amsterdam | IN SAMENWERKING MET Le Phénix, Scène nationale de Valenciennes (FR), Maison de la Culture d’Amiens (FR), Istanbul Theatre Festival (TR), Festival Temporada Alta (ES), Festival RomaEuropa (IT)

128

IIIe Reich n’était pas peuplé d’une proportion démesurée de monstres et de pervers, mais de citoyens ordinaires, que le national-socialisme a collectivement poussés vers la folie meurtrière absolue. Il entraîne le lecteur dans la tête du coupable et le place de ce fait dans une position d’identification inconfortable. Avec Les Bienveillantes, Guy Cassiers affronte la face la plus sombre du comportement humain : la pensée nazie et l’extermination des Juifs. Comment cela a-t-il pu se passer au cœur de l’Europe ? Quelles transformations politiques, idéologiques, sociales et psychologiques ont pu engendrer cette violence/barbarie. Dans sa mise en scène, Guy Cassiers se concentre sur le séjour d’Aue dans trois villes qui jouent un rôle central dans le roman : Kiev, Stalingrad et Berlin. Chaque ville est une étape qui se rapproche de l’apocalypse totale. L’ensemble de la Toneelhuis est renforcé par cinq comédiens du Toneelgroep Amsterdam. THE DARKEST SIDE OF HUMAN BEHAVIOUR Jonathan Littell’s The Kindly Ones was published in 2006. This novel about the persecution of the Jews during World War II has been both lauded and criticised, because the story is told from the perspective of the perpetrator, SD officer Max Aue, who reminds us that under the ‘right’ conditions we could all be offenders. Littell shows us that the Third Reich was not excessively populated with monsters and perverts, but with ordinary citizens who, through collective National Socialism, moved towards total madness. He draws the readers into the mind of the perpetrator, placing them in the uncomfortable position of identifying with him. In this stage version, Guy Cassiers confronts the darkest side of human behaviour: Nazi ideology and the destruction of the Jews. How could this happen in the heart of Europe? What political, ideological, psychological and social transformations generated this violence? In his staging, Cassiers focuses on Aues’ residence in three cities that play a central role in the novel: Kiev, Stalingrad and Berlin. Each city moves one step closer to total apocalypse. The Toneelhuis ensemble is reinforced by five actors from Toneelgroep Amsterdam.

129

‘FC Bergman meet zich met de groten: het mystieke naturalisme van Romeo Castellucci, het mistroostige absurdisme van Christoph Marthaler, dan weer de dansante dynamiek van Pina Bausch. Dat geeft Het land Nod visuele grandeur.’ — DE STANDAARD

‘Net zoals de Franse cineasten in de jaren zestig brengen de makers van FC Bergman een nieuwe golf in beweging in het theaterlandschap. De paralellen bevestigen hun jeugdige enthousiasme en innovatieve taal.’ — KNACK

130

FC BERGMAN/TONEELHUIS[BE] Het land Nod THU 23, FRI 24, SAT 25/06 20:30 HALLEN VAN SCHAARBEEK/LES HALLES DE SCHAERBEEK, KONINKLIJKE ST.-MARIASTRAAT 22B RUE ROYALE STE MARIE THEATRE | 1H30 | WITHOUT WORDS | € 16/12/8 DE RUBENSZAAL HERSCHAPEN FC Bergman laat zich voor Het land Nod inspireren door de majestueuze Rubenszaal van het Antwerpse Koninklijk Museum voor Schone Kunsten. Geopend in 1890, is het museum nu in renovatie. Voor het gezelschap, dat naar de gestripte zaal ging kijken, was het een vreemde aanblik de Rubenszaal onttakeld te zien. Alsof met de gaten in de muur een bres is geslagen in het reservoir van verhalen, dat zo langzaam lijkt leeg te lopen. Want naast de kunstwerken heeft het museum al die tijd nog iets anders in zijn enorme zalen opgeslagen: een verzameling van menselijke doortochten. Al meer dan een eeuw zoeken mensen verpozing en troost tussen deze meesterwerken. Al even lang staat de tijd tussen deze muren stil. En nu, net zoals in 1944, toen in de straat naast het museum de eerste V-bom op Antwerpen viel, zijn deze muren en daarmee ook deze bijzondere, verstilde tijd, opengebroken. FC Bergman vindt de ziel terug van de Rubenszaal, door die minutieus na te bouwen. Het land Nod is grappig én melancholisch in een aaneenschakeling van krachtige beelden geïnspireerd door de Franse film. Van Jacques Tati tot Jean-Luc Godard. LA SALLE RUBENS RECRÉÉE Pour son nouveau spectacle Het land Nod, FC Bergman s’inspire de la majestueuse salle Rubens du Musée Royal des Beaux-Arts d’Anvers. Inauguré en 1890, le musée est actuellement en réfection. Voir la salle Rubens entièrement défigurée, vidée, démontée a provoqué une impression étrange aux membres de la compagnie. Comme si en creusant des trous dans les murs, on avait également percé une brèche dans le réservoir d’histoires qui semble ainsi se vider. Car au fil du temps, le musée a entreposé autre chose que des œuvres dans ses salles immenses ; elles contiennent une collection de traversées humaines. Depuis plus d’un siècle, les visiteurs cherchent répit et réconfort entre ces chefs-d’œuvre, et le temps lui-même s’est arrêté entre ces murs. Aujourd’hui, tout comme en 1944, quand la première fusée V2 s’est abattue sur Anvers, ces murs ont été éventrés, et avec eux ce temps d’apaisement, si particulier.

FC Bergman recrée la salle Rubens in situ et entreprend une tentative délicate de refermer les plaies de la salle. Het Land Nod est à la fois drôle et mélancolique ; une succession d’images puissantes inspirées du cinéma français, de Jacques Tati à Jean-Luc Godard. THE RUBENS ROOM RECREATED FC Bergman is recreating the majestic Rubens room at the Museum of Fine Arts in Antwerp. The museum opened in 1890 and is now undergoing renovation. For the company, who went to look at the strippeddown hall, it was a strange experience to see the Rubens room dismantled. It is as though the holes in the wall have pierced a hole in the reservoir of stories, which therefore feels as though it is slowly emptying out. For, as well as the artworks, the museum has been storing something else in its huge rooms all this time: a collection of human presences. For over a century, people have been searching for repose and comfort in amongst these canvases. For an equally long time, time has stood still between these walls. And now, just as in 1944, when the first V-1 flying bomb fell on Antwerp, in the street adjacent to the museum, these walls have been opened up, and with them this exceptional, stilled time. FC Bergman is recreating the Rubens room on location, and makes a careful attempt to staunch the wound. Het land Nod is both comical and melancholy, a sequence of powerful images inspired by the French cinema. From Jacques Tati to Jean-Luc Godard.’

PRESENTED BY KAAITHEATER & DE HALLEN VAN SCHAARBEEK/LES HALLES DE SCHAERBEEK >> P. 52, 53, 128, 130

BY & WITH FC BERGMAN — Stef Aerts, Joé Agemans, Bart Hollanders, Matteo Simoni, Thomas Verstraeten, Marie Vinck | PRODUCTION Toneelhuis (Antwerpen)

131

ARTIST IN RESIDENCE

ELEANOR BAUER PROTO-TALKS

LES CHOSES QU’ON SAIT QU’ON NE SAIT PAS Après avoir éprouvé pendant deux ans les possibilités et les limites du talk-show, avec la série BAUER HOUR, Eleanor Bauer poursuit ces conversations, mais les remplace désormais par des PROTOTALKS. Au lieu de discuter de ce qu’on vient de voir, Bauer interroge des artistes à propos de ce qui est encore à venir. Des idées naissantes – qu’on réserve en général à un carnet de notes, à ses rêves, aux conversations avec ses collaborateurs – deviennent des discours publics et de l’imagination partagée. Les PROTO-TALKS représentent un exercice de théâtre spéculatif, de partage d’espace créatif d’incertitude où le processus artistique cherche à tâtons une forme dans l’obscurité. Parler d’un spectacle qu’on vient de voir n’est pas strictement interdit, mais recevoir toutes les réponses n’en est pas le but. Discussions d’après spectacle, textes promotionnels, notes de programme et articles critiques peuvent traiter de ce qu’on croit savoir, mais les PROTO-TALKS abordent des choses qu’on sait qu’on ne sait pas.

132

THE THINGS WE KNOW WE DON’T KNOW After two years of testing the possibilities and limits of a talk show during the BAUER HOUR series, Eleanor Bauer continues the conversation. She replaces after-talks with PROTO-TALKS. Instead of discussing what you just saw, Bauer questions artists about what is yet to come. Nascent ideas – usually reserved for notebooks, dreams, and conversation with cohorts – turn into public discourse and shared imagination. PROTO-TALKS are an exercise in speculative theatre, in sharing the creative space of uncertainty where artistic process fumbles around in the dark searching for form. Talking about the show you’ve just seen is not strictly off-limits, but Getting All The Answers is not the point. After-talks, publicity texts, programme notes, and reviews can talk about what we think we know, but PROTO-TALKS are for talking about what we know we don’t know! THU 17/09 MICHIEL VAN DE VELDE Antithesis, the future of the image >> P. 12 FRI 2/10 METTE INGVARTSEN 7 Pleasures >> P. 19 FRI 13/11 ALIX EYNAUDI Edelweiss >> P. 38

>> P. 124

DE DINGEN WAARVAN WE WETEN DAT WE ZE NIET WETEN Twee jaar lang testte Eleanor Bauer de mogelijkheden en beperkingen van het talkshowformat tijdens BAUER HOUR. Dit seizoen praat ze voort! In de plaats van een reeks ‘standaard’ nagesprekken leidt zij de PROTO-TALKS. Ze vraagt artiesten niet uit over de voorstelling die je net zag, maar wel over hun plannen voor de toekomst. Prille ideeën – die anders enkel een plek vinden in notitieschriften, dromen en gesprekken met collega-artiesten – transformeren tot publieke conversaties en een gedeelde verbeelding. Bauers PROTO-TALKS zijn een oefening in speculatief theater, in het delen van een creatieve nog onbestemde ruimte waar het artistieke proces in het duister om zich heen tast. Praten over de voorstelling die je net zag is niet strikt verboden, maar het Vinden Van Alle Antwoorden is verre van het doel. Nagesprekken, programmaboekjes en recensies vertellen ons wat we denken te weten, de PROTOTALKS gaan over de dingen waarvan we weten dat we ze niet weten!

WORKING TITLE SITUATION #2 & #3 12/2015 & 06/2016 FULL PROGRAMME WILL BE ANNOUNCED ON WWW.WORKSPACEBRUSSELS.BE

WAT OP TIL IS Workspacebrussels is een werkplaats voor performanceen installatiekunst in zijn meest hybride vorm. WSB biedt jong en opkomend talent ondersteuning met intensieve residentieperiodes, coproducties en coaching bij nieuwe creaties en onderzoeksprojecten. Repetitieruimtes in het Kaaitheater en de Kaaistudio’s horen daar ook bij. Twee keer per jaar – in december en juni – laten de Working Title Situations je meekijken met wat er op til is. © YURIE UMAMOTO

UN AVANT-GOÛT Workspacebrussels est un atelier-laboratoire pour les arts du spectacle vivant et de l’installation dans leurs formes les plus hybrides. WSB soutient de jeunes artistes émergents à travers un programme intensif de résidence, de coproductions et d’accompagnement de projets de création et de recherche. Des espaces de répétition au Kaaitheater et aux Kaaistudio’s font partie de l’offre. Deux fois par an – en décembre et en juin –, Working Title Situations vous donne un avant-goût de ce qui s’y concocte. A TASTE OF WHAT’S COOKING Workspacebrussels is a workspace for live arts and installation art in their most hybrid forms. WSB supports young and emerging artists through an intensive residency program, co-productions and coaching of creations and research projects. Rehearsal spaces in the Kaaitheater and the Kaaistudio’s are part of the offer. Twice a year – in december and june – the Working Title Situations offer you a taste of what’s cooking.

133

INTERNATIONALE NETWERKEN RÉSEAUX INTERNATIONAUX INTERNATIONAL NETWORKS

IMAGINE 2020 (2.0)

HOUSE ON FIRE

NL Het Imagine 2020 (2.0) netwerk verbindt Europese podiumkunstorganisaties door samen na te denken over een ecologisch duurzame toekomst. Het netwerk gelooft in de kracht van artistieke verbeelding bij het schetsen van nieuwe en betere toekomstscenario’s. De Europese Commissie erkent het netwerk voor een periode van vier jaar (2015–2019).

NL De HOUSE on FIRE-partners ontwikkelen een internationaal programmatie- en productiebeleid. De organisaties zijn ervan overtuigd dat kunst en cultuur een essentiële rol spelen bij de dialoog tussen mensen en het onstaan van een debat over de uitdagingen die ons te wachten staan. Van sociale en politieke kwesties tot het milieu.

FR Le réseau Imagine 2020 (2.0) met en lien des organisations européennes du spectacle vivant en réfléchissant conjointement sur notre avenir durable. Le réseau croit en la force de l’imagination artistique pour brosser de nouveaux et meilleurs scénarios d’avenir. La Commission européenne a reconnu le réseau pour une période de quatre ans (2015–2019).

FR Les partenaires de HOUSE on FIRE poursuivent une politique de programmation et de coproduction internationales. Les organisations sont convaincues que les arts jouent un rôle essentiel à la fois dans la communication entre citoyens et dans le développement de la pensée et du débat autour de problèmes et de défis sociaux, environnementaux et politiques auxquels font face notre société et notre monde.

EN The Imagine 2020 (2.0) network brings together European performing arts organisations to consider an ecologically sustainable future. The network believes in the power of artistic imagination to come up with new and different future scenarios. The network is recognized by the European Commission for a period of four years (2015–2019).

134

EN The partners of HOUSE on FIRE pursue an international programming and co-production policy. The organisations are convinced that the arts have an essential role to play in both the communication between people and in the development of thought and debate about social, environmental and political issues and challenges that our society and the world are facing.

Kaaitheater (Brussels)/project leader Artsadmin (London) Bunker (Lublijana) Domino (Zagreb) Kampnagel (Hamburg) LIFT (London) NTIL (Riga) Rotterdamse Schouwburg (Rotterdam) Transforma (Torres Vedras) COAL (Paris) EGEAC/Teatro Maria Matos (Lisbon)

EGEAC/Teatro Maria Matos (Lisbon)/project leader Kaaitheater (Brussels) Théâtre Garonne (Toulouse) Malta Festival (Poznan) LIFT (London) HAU – Hebbel am Ufer (Berlin) Frascati Theater (Amsterdam) Brut (Vienna) Bit Teatergarasjen (Bergen) Archa Theatre (Prague)

WWW.IMAGINE2020.EU

WWW.HOUSEONFIRE.EU

135

MATINEE KADEE NAMIDDAGEN VOOR HET HELE GEZIN Heb je kinderen jonger dan 12 jaar en wil je toch met een gerust gemoed een voorstelling bijwonen? Dan is Matinee Kadee de oplossing. We organiseren opvang in de vorm van een leuke workshop bij de matineevoorstellingen op zondagnamiddag. > workshops voor kinderen van 4 tot 12 jaar > opvang voor broertjes en zusjes tussen 0 en 4 jaar > deelname is gratis, op voorwaarde van een betaalde reservering voor de matineevoorstelling > Mail naar publiekswerking@kaaitheater.be om je kinderen in te schrijven.

APRÈS-MIDIS POUR TOUTE LA FAMILLE

6/12 ROSAS (RILKE) >> P. 48 WORKSHOP DANS/DANSE/DANCE - UNIK NL Hedendaagse muziek, improvisaties, lenigheid en lichaams-beheersing maken allemaal deel uit van een speelse workshop rond dans. FR Musique contemporaine, improvisations, souplesse et maîtrise du corps font partie intégrante d’un atelier ludique autour de la danse. EN Contemporary music, creativity, improvisation, suppleness and body control are all part of this playful workshop focusing on dance.

Vous avez des enfants âgés de moins de 12 ans et vous désirez assister à un spectacle en toute tranquillité ? Alors Matinee Kadee est la solution. Nous organisons leur accueil sous forme d’ateliers créatifs et amusants durant les matinées du dimanche après-midi. > ateliers pour enfants de 4 à 12 ans > accueil des petits frères et sœurs entre 0 et 4 ans > la participation est gratuite, à condition d’avoir une réservation payée pour le spectacle > Envoyez un courriel à publiekswerking@kaaitheater.be pour inscrire vos enfants.

10/01 ROSAS & ICTUS (VORTEX TEMPORUM) >> P. 58 WORKSHOP MUZIEK/MUSIQUE/MUSIC – JEUGD & MUZIEK NL Met instrumenten of andere (on)gewone dingen toveren we ritmes en melodieën die doen tollen en hoppen. FR Au moyen d’instruments ou d’autres objets (in)habituels, nous faisons émerger comme par magie des rythmes et des mélodies qui nous feront virevolter et sautiller. EN Using instruments and other ordinary (or unusual) things we conjure up rhythms and melodies that make us hop and spin.

AFTERNOONS FOR THE WHOLE FAMILY

15/11 JAN DECORTE >> P. 36 (THEATER NL) WORKSHOP FANTASIE – ARTFORUM NL We brengen nimfen, reuzen, centaurs, cyclopen en sfinxen tot leven, en vinden onze eigen mythologische monsters uit.

Do you have children under the age of 12 and still want to attend a performance with your mind at rest? Then Matinee Kadee is the solution for you. We organise childcare in the form of a fun workshop for matinee performances on Sunday afternoons. > workshops for children aged between 4 and 12 years old > childcare for brothers and sisters aged between 0 and 4 years old > participation is free subject to a paid booking for the matinee performance > E-mail to publiekswerking@kaaitheater.be to register your children.

6/03 TG STAN (WAT/NU) >> P. 92 (THEATER NL) WORKSHOP STA OP VOOR (STAN)! - MOOSS NL Zeg wat je eigenlijk zou willen zeggen! Een workshop over dingen anders zeggen, over je mening uiten, over super belangrijke zaken die de hele wereld mag horen. 20/03 ANGÉLICA LIDDELL (TANDY) >> P. 98 WORKSHOP “MIJN NAAM IS/MONNOM EST/ MY NAME IS (TANDY)” – MOOSS NL Wat zegt je naam eigenlijk over wie je bent? Als je wolf heet, ben je dan wel echt zo stoer? Een workshop over het creëren van personages en hun avonturen. FR Un prénom, que dit-il de la personne qu’on est ? Si on s’appelle Léo, est-on réellement féroce comme un lion ? Un atelier sur la création de personnages et de leurs aventures. EN What does your name actually say about who you are? If you are called wolf, are you really that tough? A workshop on creating characters and their adventures. 8/05 PHILIPPE QUESNE >> P. 123 WORKSHOP SPROOKJES/CONTES/FAIRYTALES – ARTFORUM NL Er was eens een prins, een prinses, een lieve heks, een grappige wolf en een schaar. We maken en beleven ons eigen sprookje! FR Il était une fois un prince, une princesse, une charmante sorcière, un loup rigolo et une paire de ciseaux. Nous inventons et vivons notre propre conte ! EN Once upon a time, there were a prince, a princess, a kind witch, a comical wolf and a pair of scissors. We make and experience our own fairytale!

136

K-TEAM

HET K-TEAM KIEST

HET K-TEAM: OUT AND ABOUT WITH YOUNG PEOPLE The K-team consists of young people in the 16-26 age group who are curious and love art. They get their teeth into our programme of theatre, dance and performance and guide their peers through the extensive Kaaitheater programme. The K-Team has compiled a diverse and exciting programme with a focus on young talent. Also, if you yourself are under the age of 26, Kaaitheater will give you a super rate: 8 euro per performance! Surprise yourself with their choice and join them in their activities: you will regularly come across them in schools, campuses in the city, in the Kaaitheater or Kaaistudios. And they will take you behind the scenes of the Kaaitheater by way of videos, photos, documentaries and interviews. Follow the K-Team on Facebook or on their blog.

SEP

ABATTOIR FERMÉ Alice

OKT

YOUNG JEAN LEE Straight White Men

OKT

DE VERWONDERING Socrates

NOV

LAURA VAN DOLRON Liefhebben

DEC

GUY CASSIERS/TONEELHUIS Caligula

JAN

ROSAS & ICTUS Vortex Temporum

FEB

DE WARME WINKEL Amadeus

MRT

SCHWALBE Schwalbe cheats

100

APR

INNE GORIS Zonder Bloed

108

JUN

FC BERGMAN Het land Nod

LE K-TEAM : EN VIRÉE AVEC LES JEUNES Le K-Team se compose de jeunes gens entre 16 et 26 ans, curieux et amateur d’art. Ils s’attaquent à notre offre de théâtre, de danse et de performance et guident leurs camarades à travers le programme divers, varié et copieux du Kaaitheater. Le K-Team a concocté un programme surprenant et varié avec une attention particulière pour le talent émergent. D’ailleurs, si vous avez moins de 26 ans, vous bénéficiez au Kaaitheater de notre tarif exceptionnel : 8 euros par spectacle ! Laissez-vous surprendre par leur choix et accompagnez leur parcours : vous les croiserez régulièrement dans les écoles, les campus, en ville, au Kaaitheater ou aux Kaaistudio’s. Et ils vous emmèneront également dans les coulisses du Kaaitheater, par le biais de courts-métrages, de reportages et d’interviews. Suivez le K-Team sur Facebook ou sur leur blogue.

HET K-TEAM: OP STAP MET JONGEREN Het K-team bestaat uit nieuwsgierige en kunstminnende jongeren tussen 16 en 26 jaar. Zij zetten hun tanden in ons aanbod theater, dans en performance en gidsen hun leeftijdgenoten door het uitgebreide programma van het Kaaitheater. Het K-Team stelde een divers en verrassend programma samen met aandacht voor jong talent. By the way, ben je zelf jonger dan 26, dan geniet je in het Kaaitheater van een supertarief: 8 euro per voorstelling! Laat je verrassen door hun keuze en vergezel hen op hun parcours: je zal hen regelmatig kruisen op scholen, campussen, in de stad, in het Kaaitheater of in de Kaaistudio’s. En ze nemen je ook mee achter de schermen van het Kaaitheater via filmpjes, foto’s, reportages en interviews. Volg het K-Team op Facebook of via hun blog.

>> WWW.FACEBOOK.COM/KTEAMKAAI >> WWW.KTEAMKAAI.TUMBLR.COM

137

SCHOLEN & GROEPEN ÉCOLES & GROUPES SCHOOLS & GROUPS NL Wil je graag met je klas of groep naar een voorstelling van het Kaaitheater? Wij helpen je graag met het uitzoeken van een voorstelling op maat, met tips, meer uitleg, een inleiding of een rondleiding. FR Désirez-vous vous rendre avec votre classe ou en groupe à un spectacle du Kaaitheater ? Nous vous aidons à choisir un spectacle sur mesure, et vous donnons volontiers des conseils, davantage d’explications, une introduction ou une visite guidée. EN Would you like your class or group to attend a performance of the Kaaitheater? We would be happy to help you select a suitable production, with tips, more elucidation, an introduction or a tour.

RONDLEIDINGEN VISITES GUIDÉES GUIDED TOURS NL Benieuwd naar wat er allemaal schuilgaat achter de gevel van het Kaaitheater? Op deze rondleiding nemen we verenigingen of klassen mee achter de schermen. Ervaar hoe het voelt om op het podium te staan. > enkel op afspraak, overdag (van maandag tot vrijdag) FR Curieux de savoir tout ce qui se déroule derrière la façade du Kaaitheater ? Pour cette visite guidée, nous emmenons des associations ou des classes en coulisses. Faites donc l’expérience de ce qu’on ressent sur scène. > uniquement sur rendez-vous, en journée (du lundi au vendredi) EN Are you curious about what is hidden behind the facade of the Kaaitheater? On this tour we take groups or classes for a look behind the scenes. Experience how it feels to be on stage. > by appointment only, during the day (from Monday to Friday)

CONTACT – PUBLIEKSWERKING@KAAITHEATER.BE 138

HOW TO GET THERE KAAITHEATER SAINCTELETTESQUARE 20 SQUARE SAINCTELETTE B-1000 BRUSSELS — 20 min. walk from North Station — Bicycle racks in front of the theatre — Villo city bikes on place Sainctelette (other bank of the canal) — Metro lines 2 & 6 to IJzer/Yser, exit 6 — Tram 51, bus 47, Noctis N18 (Heizel-De Brouckère) to IJzer/Yser or Sainctelette — De Lijn buses 129, 190, 212, 213, 214, 230, 231, 232, 233, 235, 240, 241, 242, 243, 246, 250, 251, 260 & 355 KAAISTUDIO’S ONZE-LIEVE-VROUW VAN VAAKSTRAAT 81 81 RUE NOTRE-DAME DU SOMMEIL B-1000 BRUSSELS — 5 min. walk from Dansaertstraat/rue Dansaert, 10 min. from Beurs/Bourse — Bicycle parking inside theatre — Villo city bike stand at Porte de Ninove — metro to Sint-Katelijne/Sainte-Catherine station (lines 1 & 5, exits 5 & 6 – Kanaal/Canal)) — Tram 51, bus 86 — De Lijn buses 126, 127, 128 — Parking Dansaert (Nieuwe Graanmarkt 2, Place nouveau marché aux grains) & Lepage (Léon Lepagestraat 23–3, rue Léon Lepage) TICKETSHOP SAINCTELETTESQUARE 20 SQUARE SAINCTELETTE B-1000 BRUSSELS T 02 201 59 59 F 02 201 59 65 E TICKETS@KAAITHEATER.BE KAAITHEATER VZW OFFICES AKENKAAI 2 QUAI DES PÉNICHES B-1000 BRUSSELS T 02 201 58 58 E INFO@KAAITHEATER.BE KAAICAFÉ SAINCTELETTESQUARE 18 SQUARE SAINCTELETTE 1000 BRUSSELS T 02 427 87 72 E INFO@KAAICAFE.BE WWW.KAAICAFE.BE Bar: Mon-Fri, as from 11:00, and before & after the performances Kitchen: from 12:00 till 20:30

139

TICKETS 2015–16 BASISPRIJS/REDUCTIEPRIJS/ JONGERENTARIEF De prijzen vermeld bij de voorstellingen zijn de basisprijs, de reductieprijs en de prijs voor wie jonger is dan 26. Op een basisprijs van 10 euro of minder wordt geen reductie toegekend. REDUCTIE: VOOR 65+, WERKZOEKENDEN EN MENSEN MET EEN HANDICAP Je krijgt de reductieprijs enkel op vertoon van een legitimatie. Reducties zijn niet cumuleerbaar. JONGER DAN 26 = ALLES AAN € 8 Ben je jonger dan 26, kan je – op vertoon van je identiteitskaart – elke voorstelling zien à € 8. KAAI ABO’S — Klein abo: je kiest 4 of meer verschillende voorstellingen en krijgt 25% reductie op de basisprijs. Boek je later extra voorstellingen, krijg je dezelfde reductie. — Groot abo: je kiest 10 of meer verschillende voorstellingen en krijgt 50% reductie op de basisprijs. Boek je later extra voorstellingen, krijg je dezelfde reductie. Bestel je abonnement op kaaitheater.be TICKETS ZELF PRINTEN OF LATEN OPSTUREN? Je kan je tickets thuis printen. Da’s handig en goedkoop. Wil je je tickets via de post krijgen? Dat kan, mits een toeslag van € 2,50 voor de verzendingskosten. PASPARTOE, ARTICLE 27 & ARSÈNE 50 Het Kaaitheater aanvaardt Paspartoe en Article 27 en werkt samen met Arsène 50. BESTELLEN — via internet: www.kaaitheater.be (24/24 u); — via telefoon: 02 201 59 59 (uren: zie ticketshop); — via Kaaitheater ticketshop (zie hierna); tickets@kaaitheater.be BETALEN — online: via Bancontact, Visa, Mastercard of overschrijving; — Kaaitheater: contant of via Bancontact, Visa of Mastercard; — Kaaistudio’s: contant of via Bancontact; — rekening 432-9192433-80, IBAN: BE47 4329 1924 3380, 140

BILLETS 2015–16 BIC: KREDBEBB NB: minder dan 5 dagen voor de voorstelling kan u enkel online of aan de balie betalen. TICKETSHOP KAAITHEATER: SAINCTELETTESQUARE 20 — seizoen: di-vr, 11-18 u; za, vanaf 18u (enkel als er voorstelling is); — schoolvakanties: di-vr, 11-17 u; za gesloten; — gesloten van 11 juli tot 4 augustus 2015. AVONDKASSA’S Vanaf 1 uur voor aanvang van de voorstelling, in de zaal waar deze plaatsheeft. Enkel tickets voor de voorstelling van die avond. GERESERVEERDE TICKETS Gereserveerde maar nog niet betaalde tickets vervallen een half uur voor aanvang van de voorstelling. LAATKOMERS & ANNULERING De voorstellingen beginnen stipt op het aangekondigde uur. Na aanvang van de voorstelling worden geen toeschouwers meer toegelaten. Tickets worden niet terugbetaald noch geruild, tenzij een voorstelling wordt afgelast. KINDEREN TOEGELATEN? Wil je met je kinderen naar de voorstelling, check dan telefonisch de aanbevolen minimumleeftijd. Baby’s en kleuters mag je niet meenemen in de voorstellingen. Tijdens Matinee Kadee ga jij naar de voorstelling, ondertussen halen je kinderen hun hart op in gratis workshops. Je moet wel reserveren! Zie p. 136 MENSEN MET EEN HANDICAP Meld je komst vooraf (graag 1 week voor datum), dan zorgen wij voor een goede plaats en zo gewenst ook voor begeleiding. Het Kaaitheater en de Kaaistudio’s zijn toegankelijk voor rolstoelgebruikers; er is een rolstoel beschikbaar. mailto:tickets@kaaitheater.be

PRIX DE BASE/PRIX RÉDUITS/ TARIF JEUNES Les prix mentionnés à côté des spectacles sont les prix de base, les prix réduits et les prix pour les jeunes de moins de 26 ans. Nous n’octroyons pas de réduction sur les billets de moins de 10 euros. RÉDUCTION : 65+, DEMANDEURS D’EMPLOI, ET PERSONNES HANDICAPÉES Vous obtenez un prix réduit sur présentation d’une légitimation. Les réductions ne sont pas cumulables. MOINS DE 26 ANS = TOUT À 8 € Vous avez moins de 26 ans ? Sur présentation de votre carte d’identité, chaque spectacle est à 8 €. ABONNEMENT KAAI — Petit abonnement : vous choisissez 4 spectacles différents ou plus et vous obtenez 25 % de réduction sur le prix de base. Si vous réservez par la suite d’autres spectacles, vous bénéficiez de la même réduction. — Grand abonnement : vous choisissez 10 spectacles différents ou plus et vous obtenez 50 % de réduction sur le prix de base. Si vous réservez par la suite d’autres spectacles, vous bénéficiez de la même réduction. Réservez votre abonnement sur kaaitheater.be IMPRIMER SES BILLETS OU LES FAIRE ENVOYER ? Vous pouvez imprimer vos billets chez vous. C’est pratique et moins cher. Vous préférez recevoir vos billets par la poste ? Pas de problème, moyennant un supplément de 2,50 € pour les frais d’envoi. ARTICLE 27 + PASPARTOE + ARSÈNE 50 Le Kaaitheater accepte Article 27 et Paspartoe, et collabore avec Arsène 50. RÉSERVER — par internet : www.kaaitheater.be (24/24 h) ; — par téléphone : 02 201 59 59 (heures : voir billetterie) ; — à la billetterie du Kaaitheater (voir plus loin) ;

PRIVACY Adresgegevens komen terecht in het bestand van het Kaaitheater. Je hebt inzage- en correctierecht conform de wet op de privacy van 8/12/1992.

PAYEMENT — en ligne : par Bancontact, Visa, Mastercard ou virement bancaire ; — Kaaitheater : en espèces ou par

TICKETS 2015–16 Bancontact, Visa ou Mastercard ; — Kaaistudio’s : en espèces ou par Bancontact ; — compte 432-9192433-80, IBAN: BE47 4329 1924 3380, BIC: KREDBEBB NB: moins de 5 jours avant le spectacle, vous pouvez uniquement payer en ligne ou à l’accueil. BILLETTERIE DU KAAITHEATER : 20, SQUARE SAINCTELETTE — en saison : mar-ven, 11-18 h ; sam à partir de 18 h, s’il y a une représentation ; — vacances scolaires : mar-ven, 11-17 h ; sam fermé ; — fermé du 11 juillet au 4° août 2015. BILLETTERIE DU SOIR La billetterie ouvre une heure avant le spectacle, dans la salle où celui-ci se déroule. Uniquement pour les billets du spectacle de la soirée. BILLETS RÉSERVÉS Les réservations qui ne sont pas encore payées sont annulées une demi-heure avant début du spectacle. RETARDATAIRES & ANNULATION Les représentations commencent à l’heure annoncée. Les retardataires ne pourront plus entré après le début de la représentation. Sauf annulation du spectacle, les places ne sont ni échangées, ni remboursées. ENFANTS ADMIS ? Vous souhaitez emmener vos enfants au spectacle ? Vérifiez par téléphone quel est l’âge minimum conseillé. Les bébés et les tout petits ne sont pas admis. Pendant les Matinees Kadee, vous venez au spectacle, entre-temps vos enfants s’en donnent à cœur joie dans les ateliers gratuits organisés pour eux. Il faut cependant réserver ! Voir p. 136. PERSONNES HANDICAPÉES Veuillez annoncer votre venue (de préférence une semaine avant la date) et nous vous assurons une place adéquate et un accompagnement si nécessaire. Le Kaaitheater et les Kaaistudio’s sont accessibles aux usagers de fauteuils roulants ; un fauteuil roulant est disponible.

RESPECT DE LA VIE PRIVÉE Vos coordonnées sont reprises dans le fichier du Kaaitheater. Vous avez un droit de regard et de correction, conforme à la loi sur la vie privée du 8/12/1992.

STANDARD PRICE/WITH CONCESSIONS/UNDER-26 PRICE The prices shown for each production are the standard price, the price with concessions and the price for under26s. No concessions are given on a standard price of 10 euro or less.

NB: If it’s less than five days before the performance, you can only pay online or at the box office.

CONCESSIONS: FOR OVER-65S, JOBSEEKERS AND THE DISABLED The concession will be given on display of proof. Concessions cannot be combined.

KAAITHEATER TICKET SHOP: 20 SAINCTELETTESQUARE — during the season: Tue-Fri, 11-6, Sat, from 6 pm (only if there is a performance); — school holidays: Tue-Fri, 11-5, closed Sat; — closed from 11 July to 4 August 2015.

UNDER-26 = EVERYTHING AT € 8 If you are under 26, you can, on showing your identity card, attend any performance for € 8.

EVENING BOX OFFICES Open from 1 hour before the show, at the relevant venue, only for tickets for that show.

KAAI SEASON TICKETS — Standard season ticket: choose 4 or more separate performances and get a 25% discount on the standard price. If you book for more performances later, you get the same discount. — Super season ticket: choose 10 or more performances and get a 50% discount on the standard price. If you book for more performances later, you get the same discount.

BOOKED TICKETS Tickets that have been booked but not yet paid for expire half an hour before the show starts.

Order your season ticket on kaaitheater.be

CHILDREN ADMITTED? If you want to bring your children to the show, check the recommended minimum age by phone. You are not permitted to take babies and toddlers into the show. During our Sunday Matinees, you go to a show, while your children have fun in the free workshops. But you have to book! See p. 136.

PRINT THE TICKETS YOURSELF OR HAVE THEM SENT TO YOU You can print out your tickets at home. It’s handy and cheap. If you want to receive your tickets by post, there is a € 2.50 charge for postage. ARTICLE 27 + PASPARTOE + ARSÈNE 50 The Kaaitheater accepts Article 27 and Paspartoe, and collaborates with Arsène 50. ORDERING — on the internet: www.kaaitheater.be (24 hours a day); — by phone: 02 201 59 59 (times: see ticket shop); — in the Kaaitheater ticket shop (see below). PAYMENT — online: Bancontact, Visa, Mastercard or bank transfer — Kaaitheater: cash or Bancontact, Visa or Mastercard — Kaaistudio’s: cash or Bancontact — account no. 432-9192433-80. IBAN: BE47 4329 1924 3380. BIC: KREDBEBB.

LATECOMERS & CANCELLATION Performances will start at the advertised time: latecomers will not be admitted. Tickets will not be exchanged or reimbursed unless a performance is cancelled.

Disabled people Please advise us of your attendance in advance (preferably one week beforehand), and we shall provide a good place and assistance if desired. The Kaaitheater and Kaaistudio’s are accessible to wheelchair-users; a wheelchair is available.

PRIVACY Your details are entered in the Kaaitheater database. You have the right to examine and correct the information in compliance with the law on privacy of 8/12/1992.

141

COLOFON/COLOPHON KAAITHEATER VZW RAAD VAN BESTUUR/ CONSEIL D’ADMINISTRATION/ BOARD OF DIRECTORS Chantal Pattyn, voorzitter/présidente/chairman; Peter De Jonge, voorzitter dagelijks bestuur/président du comité de direction/ chairman of executive committee; Bart Claes, secretaris/secrétaire/secretary; Eddy Van Gelder, penningmeester/trésorier/treasurer; Sarah Avci, Ton Broeders, Joachim Declerck, Bart Decoster, Bénédicte Lobelle, Mia Vaerman, Dirk Vanoverbeke, Marleen Wynants, leden/membres/members; Kaat Exterbille, Gert Nys, regeringscommissarissen/commissaires du gouvernement/government commissioners. ALGEMENE VERGADERING/ ASSEMBLÉE GÉNÉRALE/ GENERAL ASSEMBLY Claude Blondeel, Sigrid Bousset, Herman Croux, Annie Declerck, Farida Lamkanfi, Peter Maenhout, Guido Fonteyn, leden/ membres/members ARTISTIEKE WERKING/ ACTIVITÉS ARTISTIQUES/ ARTISTIC ACTIVITIES Guy Gypens, algemene & artistieke leiding/ directeur générale & artistique/general & artistic director; Katleen Van Langendonck, artistieke leiding/directrice artistique/artistic director; Lana Willems, programmering & productie/programmation & production/ programming & production; Esther Severi, dramaturge; Lieselot Vanhoof, planning; Justine Ampe, administratie & productie/ administration & production ADMINISTRATIE/ ADMINISTRATION Valerie Vernimme, zakelijke leiding/directrice financière et administrative/general manager; Miriam Rottiers, boekhouding/comptabilité/ bookkeeper; Tanja Wentzel, personeelsadministratie/administration du personnel/personnel administration COMMUNICATIE & PUBLIEKSWERKING/ COMMUNICATION & MEDIATION AVEC LE PUBLIC/ COMMUNICATION & AUDIENCE DEVELOPMENT Katelijne Meeusen, coördinatie & persrelaties/ coordinatrice & attachée de presse/coordinator & press officer; Jonas Maes, marketing en digitale communicatie/marketing et communication numérique/marketing and digital communication; Hilde Peeters, publiekswerking/ médiation avec les publics/audience development; Stan Spijkers, redactie & publicaties/ rédaction & publications/editor & publications

142

TECHNIEK/ TECHNIQUE/ TECHNICAL DEPARTMENT Mark Bisaerts, technische leiding/directeur technique/technical director; Inne Box, adjunct/assistante/assistant; Peter Fol, Guy Peeters, Luc Schaltin, Chris Segers, Frank Vandezande, Herman Venderickx, podiumtechniek/technicien de plateau/stage technician TICKETSHOP/ BILLETTERIE Wati Koesharto, coördinatie/coördinatrice/ coordinator, Wanda Horemans, Geertje Terlaeken ONTHAAL/ ACCUEIL/ RECEPTION Lus Baleci, Malou Fagard INFRASTRUCTUUR & COÖRDINATIE/ INFRASTRUCTURE & COORDINATION Paul Van Santvoort, infrastructuurbeheer/ gestionnaire des bâtiments/building manager; Ann De Ridder, adjunct/assistante/assistant; Lieselot Vanhoof, coördinatie Kaaistudio’s/ coordinatrice Kaaistudio’s/coordinator Kaaistudio’s; Nelson Polfliet, coördinatie publieksonthaal en zaalpersoneel/coordinateur accueil public et personnel de salle/ front of house manager; Emeterio Temino, Mohammad Amini, technisch onderhoud/ entretien technique/technical maintenance; Erna De Raes, verantwoordelijke onderhoud/ responsable entretien/maintenance manager; Serpil Akgün, Gus De Winter, Fatima Raklih, onderhoud/entretien/maintenance ORGANISATIES IN HET KAAITHEATERCOMPLEX/ ORGANISATIONS DANS LE COMPLEXE DU KAAITHEATER/ ORGANISATIONS IN THE KAAITHEATER COMPLEX Akenkaai 2 Quai des Péniches — A Two Dogs Company/Kris Verdonck dance, theater & performance company — Great Investment/Mette Ingvartsen dance company — Het Theaterfestival Sainctelettesquare 17 square Sainctelette: — European House for Culture — SFP Sociaal Fonds voor de Podiumkunsten — Stepp Steunpunt voor de producerende, ontwerpende, en technische krachten van de culturele sector Sainctelettesquare 19 square Sainctelette — BKO Brussels Kunstenoverleg — BL!NDMAN music ensemble — BILL/CJP Cultureel Jongeren Paspoort — Demos kenniscentrum voor participatie en democratie — IETM International network for contemporary performing arts — Karuur ondersteunt lokale jeugdparticipatie — Kunstenloket zakelijk advies voor creatieven — Kunstenpunt steunpunt voor de kunsten

— Lasso Brussels netwerk voor kunsteducatie en publieksbemiddeling — oKo Overleg Kunstenorganisaties — Pearle Performing Arts Employers Associations League Europe — Nederlandse Taalunie Taalunie Brussel – afdeling taalgebruik — Upwards Training, advies en consultancy op maat van creatieve organisaties ORGANISATIES IN HET COMPLEX VAN DE KAAISTUDIO’S/ ORGANISATIONS DANS LE COMPLEXE DES KAAISTUDIO’S/ ORGANISATIONS IN THE KAAISTUDIOS COMPLEX Onze-Lieve-Vrouw van Vaakstraat 83 rue Notre-Dame du Sommeil — Tristero theatre company — Damaged Goods/Meg Stuart dance company — ZOO/Thomas Hauert dance company — WorkSpaceBrussels werkplaats voor podiumkunsten Onze-Lieve-Vrouw van Vaakstraat 81 rue Notre-Dame du Sommeil — SPIN artist-run support and research platform MET STEUN VAN/ AVEC LE SOUTIEN DE/ SUPPORTED BY de Vlaamse overheid, de Vlaamse Gemeenschapscommissie van het Brussels Hoofdstedelijk Gewest, het Brussels Hoofdstedelijk Gewest en de Stad Brussel SPONSORS De Standaard Brussel Deze Week Klara Knack TV-Brussel FM Brussel

MAGAZINE 2015–16 REDACTIE/RÉDACTION/EDITORS Johan Wambacq, Katleen Van Langendonck, Katelijne Meeusen, Lana Willems, Stan Spijkers, Guy Gypens, Esther Severi FRANSE VERTALING/TRADUCTION FRANÇAISE/FRENCH TRANSLATION Isabelle Grynberg ENGELSE VERTALING/TRADUCTION ANGLAISE/ENGLISH TRANSLATION Gregory Ball VORMGEVING/MAQUETTE/DESIGN Paul Boudens DRUK/IMPRESSION/PRINTER Graphius WETTELIJK DEPOT/ DÉPÔT LÉGAL/ LEGAL REGISTRATION D/2015/2871/1

143

144

IN DISPLAYS AROUND BRUSSELS OR VIA AGENDAMAGAZINE.BE

Untitled-1 1

28-04-15 14:20

V erwacht h et on V erwacht e De Standaard brengt u de kunst bij van de onverwachte vondst. Duik in exclusief nieuws, wijk af naar een onmisbaar interview, blijf hangen bij beelden van de beste fotografen, rol om uw as bij een vurige opinie. Wat een glijbaan is voor het lichaam, is De Standaard voor de geest.

Verwacht het onVerwachte

145

Speciaal voor iedereen die niet élke avond naar een live concert kan: élke avond een live concert. Klara Live: de meest prestigieuze concerten uit binnenen buitenland. Van maandag tot donderdag om 20u.

Klara. Blijf verwonderd.

certified PDF

De juiste vragen Elke dag op MO.be en 4x per jaar in MO magazine

2. 3.

Ontvang het beste van MO gratis in je mailbox! Abonneer je voor slechts € 20 op ons magazine! Volg ons op

Alle info: www.mo.be/abonneren

146

SAINCTELETTESQUARE 18 1000 BRUSSELS T 02 427 87 72 INFO@KAAICAFE.BE

en OB62575

YOUR RENDEZ-VOUS BEFORE & AFTER THE PERFORMANCES > SNACKS, SOUPS, PLAT DU JOUR & MORE > KITCHEN: FROM 12:00 TILL 20:30 > FREE WIFI, FREE PRESS

WWW.KAAICAFE.BE

Van harte Brussel

De Week van tvbrussel In het weekoverzicht van tvbrussel geeft Yasmina je een hartelijke blik op Brussel. Met zâ&#x20AC;&#x2122;n grote en kleine verhalen, telkens vanop een bijzondere locatie.

Xp@Ad Generic 170x110:160

5/8/14

11:15 AM

Page 1

FMBRUSSEL.BE

147

SEPTEMBER 2015 THU 3 > SAT 12/09

HET THEATERFESTIVAL 2015

THU 17 FRI 18

20:30 20:30

MICHIEL VANDEVELDE Antithesis, the future of the image MICHIEL VANDEVELDE Antithesis, the future of the image

KAAITHEATER KAAITHEATER

FRI 25 SAT 26

20:30 19:00 20:30 20:30

ABATTOIR FERMÉ Alice MAIKE LOND 10 journeys to a place where nothing happens* JULIAN HETZEL The Benefactor ABATTOIR FERMÉ Alice

KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

TUE 29 WED 30

20:30 20:30

ABDELKADER BENALI & RACHID BENZINE Over islam…, / Sur l’islam… MUGMETDEGOUDENTAND Hannah en Martin

KAAITHEATER KAAISTUDIO’S

OCTOBER 2015 THU 1 FRI 2 SAT 3

20:30 20:30 20:30

MUGMETDEGOUDENTAND Hannah en Martin METTE INGVARTSEN 7 Pleasures METTE INGVARTSEN 7 Pleasures

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER

WED 7 THU 8 FRI 9

20:30 20:30 20:30 20:30 20:30

HANS ACHTERHUIS Over geweld/On Violence deufert&plischke Niemandszeit LAURENT CHÉTOUANE & KALEIDOSKOP BACH/PASSION/JOHANNES deufert&plischke Niemandszeit LAURENT CHÉTOUANE & KALEIDOSKOP BACH/PASSION/JOHANNES

KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

20:30 20:30 20:30 20:30 20:30

SIMON MAYER SunBengSitting YOUNG JEAN LEE’S THEATER COMPANY Straight White Men SIMON MAYER SunBengSitting YOUNG JEAN LEE’S THEATER COMPANY Straight White Men YOUNG JEAN LEE’S THEATER COMPANY Straight White Men

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER

20:30 20:30 20:30 20:30 19:00 20:30

ESZTER SALAMON MOMUMENT 0: Haunted by wars ESZTER SALAMON MOMUMENT 0: Haunted by wars MAATSCHAPPIJ DISCORDIA Weiblicher Akt 6 – Vanuit Iokaste MAATSCHAPPIJ DISCORDIA Weiblicher Akt 6 – Vanuit Iokaste PETRA VAN BRABANDT Over theater en filosofie STEFAAN VAN BRABANDT/BRUNO VANDEN BROECKE Socrates

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER

19:00 20:30 19:00 20:30 20:30 20:30

ILYAS ODMAN happy happy together MARC VANRUNXT & KUNST/WERK A T M O S P H E R E VINCIANE DESPRET L’inventivité des morts ANNE COLLOD/... & alters The Parliament of the Invisibles EMKE IDEMA RULETM (EN) EMKE IDEMA RULETM (NL)

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S

20:30 20:30 20:30 19:00 20:30 20:30 15:00 15:00

ALIX EYNAUDI Edelweiss JAN DECORTE/BLOET & DE ROOVERS Geboeid/Prometheus ALIX EYNAUDI Edelweiss STÉPHANE SYMONS Over vergeten JAN DECORTE/BLOET & DE ROOVERS Geboeid/Prometheus ALIX EYNAUDI Edelweiss JAN DECORTE/BLOET & DE ROOVERS Geboeid/Prometheus MATINEE KADEE

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER

20:30 20:30 20:30 20:30 20:30 20:30

TINE VAN AERSCHOT when in doubt, duck MEG STUART/DAMAGED GOODS UNTIL OUR HEARTS STOP TINE VAN AERSCHOT when in doubt, duck MEG STUART/DAMAGED GOODS UNTIL OUR HEARTS STOP TINE VAN AERSCHOT when in doubt, duck MEG STUART/DAMAGED GOODS UNTIL OUR HEARTS STOP

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

20:30 20:30 20:30 19:00 20:30 20:30 20:30

PAUL VERHAEGHE Over autoriteit IVO VAN HOVE/TONEELGROEP AMSTERDAM Song from far away IVO VAN HOVE/TONEELGROEP AMSTERDAM Song from far away NACHT VAN DE KENNIS OVER BRUSSEL/NUIT DU SAVOIR SUR BRUXELLES LAURA VAN DOLRON Liefhebben LAURA VAN DOLRON Liefhebben ETIENNE GUILLOTEAU/ACTION SCÉNIQUE & ZWERM Feu

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

SAT 10 WED 14 THU 15 FRI 16 SAT 17 TUE 20 WED 21 THU 22 SAT 24 TUE 27 THU 29 FRI 30

NOVEMBER 2015 THU 12 FRI 13 SAT 14 SUN 15 WED 18 THU 19 FRI 20 SAT 21 MON 23 WED 25 THU 26 FRI 27 SAT 28

148

DECEMBER 2015 WED 2 THU 3 FRI 4 SAT 5 SUN 6

20:30 20:30 20:30 20:30 20:30 20:30 15:00 15:00

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS ABKE HARING/TONEELHUIS Unisono ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS ABKE HARING/TONEELHUIS Unisono ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS MATINEE KADEE

Die Weise von … Rilke Die Weise von … Rilke Die Weise von … Rilke Die Weise von … Rilke Die Weise von … Rilke

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER

TUE 8 > SUN 20

15:00 + 20:30 RIMINI PROTOKOLL Home Visit Europe

ON LOCATION

THU 10 FRI 11

20:30 19:00 20:30 20:30

GUY CASSIERS/TONEELHUIS Caligula TINNEKE BEECKMAN Over macht GUY CASSIERS/TONEELHUIS Caligula GUY CASSIERS/TONEELHUIS Caligula

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

19:00 20:30 19:00 20:30 20:30 20:30

BOJAN DJORDJEV The Discreet Charm of Marxism ICTUS/EVA REITER The Lichtenberg Figures BOJAN DJORDJEV De discrete charme van het marxisme SIMON ALLEMEERSCH/GLOBE AROMA De brievenschrijver/Letter home SIMON ALLEMEERSCH/GLOBE AROMA De brievenschrijver/Letter home SIMON ALLEMEERSCH/GLOBE AROMA De brievenschrijver/Letter home

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S

20:30 20:30 20:30 20:30 20:30 19:00 20:30 15:00 15:00

ROSAS & ICTUS Vortex Temporum IVO DIMCHEV Paris ROSAS & ICTUS Vortex Temporum IVO DIMCHEV Paris ROSAS & ICTUS Vortex Temporum ALAIN FRANCO Das Wohltemperierte Klavier ROSAS & ICTUS Vortex Temporum ROSAS & ICTUS Vortex Temporum MATINEE KADEE

KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

20:30 20:30 20:30 20:30 20:30

DE KOE Beckett Boulevard IVO DIMCHEV FB Theater DE KOE Beckett Boulevard IVO DIMCHEV FB Theater DE KOE Beckett Boulevard

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S

19:00 21:00 19:00 21:00 20:30 20:30 20:30 20:30

MESUT ARSLAN Betrayal MESUT ARSLAN Betrayal MESUT ARSLAN Betrayal MESUT ARSLAN Betrayal CHARLOTTE VANDEN EYNDE Shapeless + I’m Sorry It’s… KOEN DE SUTTER/DADANERO Montaigne CHARLOTTE VANDEN EYNDE Shapeless + I’m Sorry It’s… KOEN DE SUTTER/DADANERO Montaigne

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

20:00 20:30 21:00 21:30 22:00 20:30 19:00 20:30 20:30 20:30 20:30

ANT HAMPTON The Extra People ANT HAMPTON The Extra People ANT HAMPTON The Extra People ANT HAMPTON The Extra People ANT HAMPTON The Extra People CHRISTOPHE MEIERHANS Verein zur Aufhebungs des… MATHIJS VAN DE SANDE On Citizenship CHRISTOPHE MEIERHANS Verein zur Aufhebungs des… GISÈLE VIENNE E.A. The Ventriloquists Convention CHRISTOPHE MEIERHANS Verein zur Aufhebungs des… GISÈLE VIENNE E.A. The Ventriloquists Convention

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

TIAGO RODRIGUES By Heart DANIEL LINEHAN dbddbb TIAGO RODRIGUES By Heart DANIEL LINEHAN dbddbb ANT HAMPTON The Extra People ANT HAMPTON The Extra People

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

SAT 12 TUE 15 WED 16 THU 17 FRI 18 SAT 19

JANUARY 2016 WED 6 THU 7 FRI 8 SAT 9 SUN 10 THU 14 FRI 15 SAT 16 TUE 19 WED 20 THU 21 FRI 22 SAT 23 TUE 26

WED 27 THU 28 FRI 29 SAT 30

FEBRUARY 2016 TUE 2 WED 3 THU 4 FRI 5

20:30 20:30 20:30 20:30 20:00 20:30

149

21:00 21:30 22:00

ANT HAMPTON The Extra People ANT HAMPTON The Extra People ANT HAMPTON The Extra People

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

THU 11 > SAT 20/02 BURNING ICE #9 — END OF STORY THU 11 FRI 12 SAT 13 SUN 14

19:00 > 11:00 > 11:00 > T.B.C. 11:00 >

22:00 KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY 22:00 KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY 22:00 KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY LIEVEN DE CAUTER Welcome to post-history 17:00 KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY

In Void In Void In Void In Void

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S LOCATION T.B.C. KAAISTUDIO’S

19:00 20:30 19:00 20:30 20:30 19:00 20:30 19:00 20:30 20:30

ANNIE DORSEN Hello Hi There SANDY WILLIAMS Everything Happens So Much ANNIE DORSEN Hello Hi There SANDY WILLIAMS Everything Happens So Much KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY Untitled GAËTAN RUSQUET Meanwhile KARL VAN WELDEN Mars II GAËTAN RUSQUET Meanwhile KARL VAN WELDEN Mars II MAGUY MARIN Umwelt

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

WED 24

19:00 20:30

JUDITH WAMBACQ On Philosophy and Dance NOÉ SOULIER Removing

KAAITHEATER KAAITHEATER

THU 25 FRI 26 SAT 27

20:30 20:30 20:30 20:30

ICTUS/LIESA VAN DER AA & TOM PAUWELS American Lament DE WARME WINKEL & NIEUW WEST Amadeus ICTUS/LIESA VAN DER AA & TOM PAUWELS American Lament DE WARME WINKEL & NIEUW WEST Amadeus

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

MON 29

20:30

JEAN-LUC NANCY Over de kunst van het denken (FR!)

KAAITHEATER

19:00 20:30 T.B.C. 20:30 20:30 T.B.C. 20:30 20:30 T.B.C. 15:00 15:00

MARLIES DE MUNCK Over filosofie en muziek BL!NDMAN [hybrid] Beyond/Behind ZINAPLATFORM Beauty Stories Salon TG STAN wat/nu RADOUAN MRIZIGA 3600 ZINAPLATFORM Beauty Stories Salon TG STAN wat/nu RADOUAN MRIZIGA 3600 ZINAPLATFORM Beauty Stories Salon TG STAN wat/nu MATINEE KADEE

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

20:30 20:30 20:30 20:30 20:30 20:30 20:30

LAURA VAN DOLRON Wat nu nodig is LAURA VAN DOLRON Wat nu nodig is TRANSPARANT & B’ROCK And you must suffer/St. John Passion Bach TRANSPARANT & B’ROCK And you must suffer/St. John Passion Bach ROBERT CANTARELLA Faire le Gilles TRANSPARANT & B’ROCK And you must suffer/St. John Passion Bach MARLI HUIJER Over ‘Tussendenken’

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S

20:30 20:30 20:30 15:00 15:00

SALVA SANCHIS Radical Light SALVA SANCHIS Radical Light ANGÉLICA LIDDELL/ATRA BILIS TEATRO Tandy ANGÉLICA LIDDELL/ATRA BILIS TEATRO Tandy MATINEE KADEE

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

20:30 20:30 20:30 20:30 20:30 20:30 14:00

SCHWALBE Schwalbe is looking for crowds SCHWALBE Save them RACHID BENZINE & RUUD GIELENS Averroès ou la solitude du penseur SCHWALBE Schwalbe performs on its own RACHID BENZINE & RUUD GIELENS Averroès ou la solitude du penseur SCHWALBE Schwalbe cheats SCHWALBE Schwalbe takes time

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S

TUE 16 WED 17 THU 18 FRI 19 SAT 20

MARCH 2016 WED 2 FRI 4 SAT 5 SUN 6

WED 9 THU 10 FRI 11 SAT 12 FRI 18 SAT 19 SUN 20 MON 21 TUE 22 THU 24 FRI 25 SAT 26

150

APRIL 2016 TUE 12 WED 13 THU 14 FRI 15 SAT 16 SUN 17

20:30 IVO VAN HOVE & RAMSEY NASR/TG AMSTERDAM De andere 20:30 INNE GORIS & DOMINIQUE PAUWELS/LOD Zonder Bloed 20:30 IVO VAN HOVE & RAMSEY NASR/TG AMSTERDAM De andere 19:00 JOOST DE BLOOISE Over filosofie en literatuur 20:30 INNE GORIS & DOMINIQUE PAUWELS/LOD Zonder Bloed 20:30 IVO VAN HOVE & RAMSEY NASR/TG AMSTERDAM De andere 20:30 INNE GORIS & DOMINIQUE PAUWELS/LOD Zonder Bloed 20:30 IVO VAN HOVE & RAMSEY NASR/TG AMSTERDAM De andere 21:00 ROSAS Verklärte Nacht 20:30 IVO VAN HOVE & RAMSEY NASR/TG AMSTERDAM De andere 21:00 ROSAS Verklärte Nacht 11:00 > 18:30 ECOPOLIS 2016 — A CROSS-BORDER ECO-EVENT T.B.C. SUSAN NEIMAN On adulthood as a subversive ideal 15:00 IVO VAN HOVE & RAMSEY NASR/TG AMSTERDAM De andere 15:00 ROSAS Verklärte Nacht

stem stem stem stem stem

stem

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S ROSAS PERFORM. SPACE KAAISTUDIO’S ROSAS PERFORM. SPACE KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S ROSAS PERFORM. SPACE

20:30 20:30 20:30 20:30 21:00 18:00 19:00 20:00 21:00 21:00 15:00

LAURA VAN DOLRON Sartre zegt sorry MEG STUART/DAMAGED GOODS Sketches/Notebook MEG STUART/DAMAGED GOODS Sketches/Notebook BURROWS & FARGION + SIKORSKI & WELLESLEY WESLEY ROSAS Verklärte Nacht CHRISTINE DE SMEDT & ESZTER SALAMON Dance #2 JONATHAN BURROWS & MATTEO FARGION Body Not Fit For Purpose CHRISTINE DE SMEDT & ESZTER SALAMON Dance #2 MEG STUART/DAMAGED GOODS Sketches/Notebook ROSAS Verklärte Nacht ROSAS Verklärte Nacht

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S ROSAS PERFORM. SPACE KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER ROSAS PERFORM. SPACE ROSAS PERFORM. SPACE

20:30 20:30 20:30 20:30 20:30 21:00 20:30 21:00

PETER VERHELST/NTGENT Liefde ERIC JORIS/CREW & PETER VERHELST/NTGENT Absence PETER VERHELST/NTGENT Liefde ERIC JORIS/CREW & PETER VERHELST/NTGENT Absence PETER VERHELST/NTGENT Liefde ROSAS Verklärte Nacht PETER VERHELST/NTGENT Liefde ROSAS Verklärte Nacht

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S ROSAS PERFORM. SPACE KAAISTUDIO’S ROSAS PERFORM. SPACE

SUN 1

15:00

ROSAS Verklärte Nacht

ROSAS PERFORM. SPACE

TUE 3 WED 4 FRI 6 SAT 7 SUN 8

20:30 20:30 20:30 20:30 15:00 15:00

LUCAS VANDERVOST Of Wittgenstein LUCAS VANDERVOST Of Wittgenstein PHILIPPE QUESNE Welcome to Caveland! PHILIPPE QUESNE Welcome to Caveland! PHILIPPE QUESNE Welcome to Caveland! MATINEE KADEE

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

MON 9 SAT 14 SUN 15

20:30 20:30 15:00 16:30

PHILIPPE QUESNE Welcome to Caveland! GERMAINE KRUIP A Possibility of an Abstraction GERMAINE KRUIP A Possibility of an Abstraction ARJEN MULDER The aesthetics of disappearance

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

ELEANOR BAUER/GOODMOVE & ICTUS Meyoucycle

KAAITHEATER

TUE 19 THU 21 FRI 22 SAT 23

SUN 24 WED 27 THU 28 FRI 29 SAT 30

MAY 2016

SAT 28/05 22:00 JUNE 2016 THU 2 FRI 3 SAT 4

19:00 19:00 19:00

GUY CASSIERS/TONEELHUIS & TG AMSTERDAM De welwillenden GUY CASSIERS/TONEELHUIS & TG AMSTERDAM De welwillenden GUY CASSIERS/TONEELHUIS & TG AMSTERDAM De welwillenden

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

THU 23 FRI 24 SAT 25

20:30 20:30 20:30

FC BERGMAN/TONEELHUIS Het land Nod FC BERGMAN/TONEELHUIS Het land Nod FC BERGMAN/TONEELHUIS Het land Nod

LES HALLES DE SCH’BEEK LES HALLES DE SCH’BEEK LES HALLES DE SCH’BEEK

151

INDEX ... & ALTERS 32–33 A TWO DOGS COMPANY 76, 78 ABATTOIR FERMÉ 13 ACHTERHUIS HANS 6–8 ACTION SCÉNIQUE 46 ALLEMEERSCH SIMON 56 ARSLAN MESUT 64 ATRA BILIS TEATRO 98 B’ROCK 94 BAUER ELEANOR 124, 132 BEECKMAN TINNEKE 53 BENALI ABDELKADER 6–8 BENZINE RACHID 6–8, 104 BL!NDMAN [HYBRID] 90 BLOET 36–37 BURROWS JONATHAN 115, 116 CANTARELLA ROBERT 95 CASSIERS GUY 53, 128 CHÉTOUANE LAURENT 20 COLLOD ANNE 32 COOPER DENNIS 68 CREW 120 DADANERO 66 DAMAGED GOODS 40, 114 DE CAUTER LIEVEN 79 DE KEERSMAEKER ANNE TERESA 48, 110 DE KOE 62 DE MUNCK MARLIES 90 DE ROOVERS 36 DE SMEDT CHRISTINE 117 DE SUTTER KOEN 66 DE VERWONDERING 27 DE WARME WINKEL 88 DECORTE JAN 36 DESPRET VINCIANE 33 DEUFERT&PLISCHKE 22 DIMCHEV IVO 60, 63 DJORDJEV BOJAN 55 DOLRON LAURA VAN 45, 96, 112 DORSEN ANNIE 80 EYNAUDI ALIX 38 FARGION MATTEO 115, 116 FC BERGMAN 130 FRANCO ALAIN 61 GIELENS RUUD 104 GLOBE AROMA 56 GOODMOVE 124 GORIS INNE 108 GUILLOTEAU ETIENNE 46 HAMPTON ANT 67 HARING ABKE 52 HETZEL JULIAN 15 HUIJER MARLI 6–8 ICTUS 54, 58, 87, 124 IDEMA EMKE 34 IGLESIAS FIGUERAS MARC 78 INGVARTSEN METTE 18–19 JORIS ERIC 120 KALEIDOSKOP SOLISTENENSEMBLE 20 KRUIP GERMAINE 126 KUNST/WERK 29 LIDDELL ANGÉLICA 98 LINEHAN DANIEL 72 LOD MUZIEKTHEATER 108 LOND MAIKE 14 MAATSCHAPPIJ DISCORDIA 26 MARIN MAGUY 84 MAYER SIMON 23 MEIERHANS CHRISTOPHE 70 152

MRIZIGA RADOUAN 91 MUGMETDEGOUDENTAND 16 MULDER ARJEN 126 MÜNCHNER KAMMERSPIELE 40 MUZIEKTHEATER TRANSPARANT 94 NANCY JEAN-LUC 6–8 NASR RAMSEY 106 NEIMAN SUSAN 6–8 NIEUW WEST 88 NTGENT 119, 120 ODMAN ILYAS 28 PAUWELS DOMINIQUE 108 PAUWELS TOM 87 PUPPENTHEATER HALLE 68 QUESNE PHILIPPE 123 REITER EVA 54 RIMINI PROTOKOLL 50 RODRIGUES TIAGO 74 ROSAS 48, 58, 110 SALAMON ESZTER 30, 117 SANCHIS SALVA 97 SANDE MATHIJS VAN DE 70 SCHWALBE 100–103 SIKORSKI ELEANOR 115 SOULIER NOÉ 86 STUART MEG 40, 114 SYMONS STÉPHANE 37 TG STAN 92 TONEELGROEP AMSTERDAM 42, 106, 128 TONEELHUIS 52, 53, 128, 130 TREVOR 39 VAN AERSCHOT TINE 39 VAN BRABANDT PETRA 27 VAN BRABANDT STEFAAN 27 VAN DER AA LIESA 87 VAN HOVE IVO 42, 106 VAN WELDEN KARL 83 VANDEN BROECKE BRUNO 27 VANDEN EYNDE CHARLOTTE 65 VANDERVOST LUCAS 122 VANDEVELDE MICHIEL 12 VANRUNXT MARC 29 VERDONCK KRIS 76, 78 VERHAEGHE PAUL 6–8 VERHELST PETER 119, 120 VIENNE GISÈLE 68, 69 WAMBACQ JUDITH 86 WELLESLEY WESLEY FLORA 115 WILLIAMS SANDY 81 YOUNG JEAN LEE’S THEATER COMPANY 24 ZINAPLATFORM 93 ZWERM 46

SPECIALS BURNING ICE 75–85 DAG VAN DE DANS 118 ECOPOLIS 113 HET THEATERFESTIVAL 10 MATINEE KADEE 136 NACHT VAN DE KENNIS OVER BRUSSEL 44 NUIT DU SAVOIR SUR BRUXELLES 44 NIGHT OF KNOWLEDGE ON BRUSSELS 44 PARTS 20 9 RE:THINK 6–8 WORKSPACEBRUSSELS 133

AGENDA 148–151 INDEX 152 INFO & TICKETS 139–141 K-TEAM 137 PUBLIEKSWERKING 136–138

153

MAGAZINE 6 EDITIES PER JAAR VERSCHIJNT IN FEBRUARI, APRIL, JUNI, AUGUSTUS, OKTOBER, DECEMBER P3A9139 | JUNI 2015 D/2015/2871/1

V.U.: BART CLAES, C/O AKENKAAI 2, 1000 BRUSSEL | DESIGN PAUL BOUDENS 154