Kaaitheater seizoensmagazine 2019-20 by Kaaitheater

2019â&#x20AC;&#x201D;2020

DE TOEKOMST HEEFT TANDEN Waarom doen jullie niets? Waarom houden jullie vast aan een systeem en de bijhorende politiek wanneer het steeds duidelijker wordt dat dit naar planetaire destructie leidt? Dat waren de vragen die stakende scholieren en studenten in zowat heel Europa de voorbije maanden aan politici stelden. Verder doen zoals we bezig zijn, is geen optie. Rapporten over de klimaatverandering zijn al meer dan tien jaar extreem alarmerend. De natuur als inert decor voor ons menselijk handelen is een achterhaald principe. De natuur is zelf een politieke speler geworden. Het decor klom op het toneel en zorgt voor een essentiële plotwending. De Nederlandse socioloog Willem Schinkel noemt het diluviale politiek: een politiek die willens en wetens de zondvloed naderbij brengt, die de destructie op de koop toe neemt. We beseffen het gevaar, we kennen de redenen en toch veranderen we niet van koers. Ondanks alle wetenschappelijke bewijslast en ondanks een wetenschappelijk panel dat noodzakelijke alternatieven naar voor schoof werden de klimaatjongeren op 26 mei toch opnieuw geconfronteerd met een overwinning van die diluviale politiek. Hebben wij daarvoor zo hard gewerkt? Om al onze gemakken weer af te geven?, was de kop van een artikel in De Standaard over het diepe wantrouwen in Vlaanderen tegenover een doortastender klimaatbeleid. De gemiddelde Vlaming beseft misschien wel dat de belofte van een almaar beter, ‘moderner’ leven nog moeilijk na te komen is maar gelooft vooralsnog niet in een alternatief. Op onze mentale kaart staat één diep ingesleten weg die naar het goede leven leidt. Alternatieve routes blijken nauwelijks denkbaar of zorgen voor grote angst. De emoties laaien snel hoog op. Rationaliteit is vaak ver weg. Als we van koers willen veranderen dan volstaan wetenschappelijke systeemanalyses duidelijk niet. We zullen ook de passies die spelen, moeten leren begrijpen. Om te beginnen de passies die we projecteren op dat grote modernistisch-kapitalistische project, geboren uit de Verlichting, in de stijgers gezet door de Franse Revolutie en tot paradijs uitgeroepen in The American Dream. Het optimisme verbonden aan die droom vindt zijn oorsprong niet alleen in de effectieve materiële vooruitgang maar ook in de onbewuste fantasieën die ermee verbonden zijn en die onze emoties sturen. Twee eeuwen lang wees de pijl van vooruitgang, innovatie, groei, ontwikkeling, grenzeloze mogelijkheden, zelfrealisatie en winst ons de weg van de kerktoren richting de hele wereld. Het affect van die pijl – het onbewuste kader waarin onze emoties vorm krijgen – was bijzonder effectief. Het deed onze fantasie op hol slaan ook al wisten we dat er risico’s aan verbonden waren en dat er slachtoffers vielen. In het ‘kunnen leven met’ die slachtoffers ligt het werkelijk ingenieuze van het modernistisch-kapitalistische affect. Wat ons toelaat te leven met die problematische mix van goed en kwaad, van luxe en precariaat, van winnaars en verliezers, van opbrengst en afval is een andere tijd-ruimte relatie: geautomatiseerde productie en een voor buitenstaanders nauwelijks binnen te dringen economisch systeem hebben de relaties op de markt van menselijke en materiële transacties veel abstracter gemaakt. Wat er met het menselijke en materiële afval van al die productie vandaag en in de toekomst zou gebeuren, kon ons daardoor steeds minder deren. De waarheid werd abstract! Op de materiële

kaart van het modernisme waren steeds minder wegen te herkennen en net daardoor kon die ene weg van de moderne droom zo diep inslijten op onze mentale kaart. De droom raakte steeds verder losgezongen van de werkelijkheid. Desoriëntatie was het gevolg. Cruel Optimism noemt de Amerikaanse filosofe Lauren Berlant het: toch vasthouden aan een droom in het besef dat de structurele en maatschappelijke omstandigheden de vervulling ervan verhinderen. Berlant onderzocht via analyse van kunstwerken uit verschillende disciplines hoe mensen de uitputting van de werkelijkheid beleven, hoe ze zich zintuigelijk en affectief trachten aan te passen aan de situatie, welke nieuwe belevingsvormen van het heden ze uitproberen. Zo kwam ze tot haar concept van Lateral Agency (zijdelings handelen): kleine praktijken van zelfonderbreking, zelfopheffing en zelfopschorting waardoor de eigen waardenstructuur langzaam kan worden losgewrikt zonder daarbij onmiddellijk de focus te leggen op ‘het komt goed’. Ze vermijdt daarmee de verlammende tweedeling tussen hegemonie en tegenpraktijk, tussen aanvaarding en verwerping. Ook de Franse filosoof Bruno Latour stelt in Où atterrir ? (Waar kunnen we landen?) dat de oplossing voor onze desoriëntatie niet meer te vinden is in het beslechten van de strijd tussen oud en nieuw, tussen lokaal en globaal. Zeker na de meedogenloze neoliberale versie van de mondialisering en de steeds heftiger wordende reactie van de verliezers in de vorm van extreem nationalisme en religieuze orthodoxie, is er nog weinig heil te verwachten van de moderne as tussen lokaal en globaal. Net als Berlant pleit Latour voor een stap opzij, een zijwaartse verschuiving van aandacht, energie en innovatie, in een richting die zich voorzichtig begint af te tekenen. Hij noemt die nieuwe richting het Aardse, een plek waar lokale specificiteit en globale interdependentie samen komen, een complex biofysisch web van menselijke en niet menselijke actoren vol met feedback-effecten dat door niemand meer gecontroleerd wordt. Een plek zonder midden en al zeker niet met de mens in het midden! Maar als onze nieuwe plek een complexe warboel is die we zelf niet meer kunnen controleren, hoe genereren we dan een verlangen naar die plek? Hoe maken we dat Aardse aantrekkelijk? Daarvoor moeten we niet alleen de materiële werkelijkheid opnieuw concreet maken door zoveel mogelijk complexe relaties zorgvuldig te beschrijven, maar moeten we vooral ook onze mentale kaart rijker maken. Het Aardse moet opgeladen worden met affect. Latour ziet daarbij een belangrijke rol weggelegd voor de kunsten en meer bepaald voor het theater. Hij beschouwt een theater als een ideaal apparaat om onze sensibiliteit voor het Aardse te vergroten: een potentieel parlement van mensen én dingen dat barsten kan maken in het pantser. Laten we hopen dat al onze politici begrijpen dat de toekomst tanden heeft gekregen en dat de beet zelfs bijzonder giftig zou kunnen zijn. Laten we hopen dat hun antwoord zich niet opnieuw inschrijft in een ontspoord modernistisch-kapitalistisch project maar dat de concrete materiële waarheid zijn rechten krijgt. En vooral dat ze zullen inzetten op het ontwikkelen van een nieuwe mentale kaart die andere routes naar het goede leven toelaat. – Guy Gypens & Katleen Van Langendonck 1

L’AVENIR A DES DENTS « Pourquoi restez-vous inactifs ? Pourquoi vous accrochez-vous à un système et à la politique afférente alors qu’il devient toujours plus évident que cela mène à une destruction planétaire ? » Telle était la teneur des questions qu’écoliers et étudiants en grève ont adressées aux politiciens dans quasi toute l’Europe au cours des derniers mois. Continuer comme si de rien n’était n’est plus une option. Depuis plus de dix ans, les rapports scientifiques sur le changement climatique sont extrêmement alarmants. La nature comme décor inerte de nos actions humaines est un principe dépassé. La nature elle-même est devenue un acteur politique : le décor est monté sur le plateau et donne une tournure essentielle à l’intrigue. Le sociologue néerlandais Willem Schinkel parle de « politique diluviale », c.-à-d. une politique qui nous rapproche sciemment du déluge, qui s’accommode de la destruction inéluctable. Nous avons conscience du danger, nous en connaissons les causes, néanmoins, nous ne changeons pas de cap. Malgré toutes les preuves scientifiques et l’élaboration de mesures indispensables par un panel de scientifiques, les jeunes militants du climat ont une fois de plus fait face à la victoire électorale de la politique diluviale le 26 mai dernier. « Est-ce pour ça que nous avons travaillé si dur ? Pour sacrifier toutes nos commodités ? », titrait un article dans le quotidien De Standaard à propos de la méfiance profonde qui règne en Flandre à l’égard d’une possible politique climatique plus énergique. Le Flamand moyen a peut-être conscience que la promesse d’une vie toujours meilleure, plus « moderne » sera difficile à tenir, mais pour le moment, il ne croit pas en une alternative. Sur notre carte mentale, une seule route est profondément tracée : celle qui mène à la « bonne vie ». Les routes alternatives s’avèrent à peine envisageables ou particulièrement anxiogènes. Les émotions s’embrasent vite. La rationalité est souvent absente. Si nous souhaitons changer de cap, il est évident que des analyses systémiques scientifiques ne suffisent pas. Il nous faudra apprendre à comprendre les passions qui entrent en jeu. À commencer par les passions que nous projetons sur le grand modèle moderniste capitaliste – modèle né des Lumières, mis en chantier par la Révolution française et proclamé paradis terrestre par le Rêve américain. L’optimisme lié à ce rêve ne tire pas seulement son origine du progrès matériel effectif, mais aussi des fantasmes inconscients avec lesquels il va de pair et qui orientent nos émotions. Deux siècles durant, la flèche du progrès, de l’innovation, de la croissance, du développement, des possibilités infinies, de l’autoréalisation et du profit nous a indiqué le chemin menant du clocher de village au monde entier. L’affect de cette flèche et le cadre inconscient dans lequel nos émotions prennent corps se sont révélés particulièrement efficaces. Nos fantasmes se sont emballés en dépit des risques encourus et des victimes à déplorer. C’est dans cette « capacité à accepter » que l’affect moderniste capitaliste fasse des victimes que réside aussi toute son ingéniosité. Ce qui nous permet de supporter ce mélange problématique de bien et de mal, de luxe et de précarité, de gagnants et de perdants, de profits et de déchets, se situe dans un autre rapport spatio-temporel : la production automatisée et le système économique quasi hermétiquement fermé aux non-initiés ont rendu les relations sur le marché des transactions humaines et matérielles beaucoup plus abstraites. Du coup, l’aboutissement ultime des déchets humains et matériels de toute cette production passée, 2

présente et à venir nous importe de moins en moins. La réalité est devenue abstraite ! Sur la carte matérielle du modernisme, on repère toujours moins de routes et c’est pour cela que cette seule et unique route du rêve moderne a pu s’inscrire si profondément dans notre carte mentale. Le rêve n’a cessé de se détacher de la réalité. Avec comme résultante la désorientation. C’est ce que la philosophe états-unienne Lauren Berlant appelle « l’optimisme cruel » : s’accrocher envers et contre tout à un rêve en dépit de la conscience que les conditions structurelles et sociétales en entravent la réalisation. Par le biais d’analyses d’œuvres d’art de disciplines diverses, Berlant a étudié de quelle manière l’épuisement de la réalité est vécu, de quelle façon les gens tentent de s’adapter à la situation, tant sur le plan sensoriel qu’affectif, et quelles nouvelles formes d’expérience du présent ils essaient. C’est ainsi qu’elle en est venue à son concept « d’agentivité latérale » : de petites pratiques d’auto-interruption, d’auto-annulation et d’auto-ajournement qui permettent de manipuler la propre structure de valeurs sans pour autant d’emblée se focaliser sur le mantra du « tout ira bien ». Elle évite de la sorte la dichotomie paralysante entre hégémonie et contre-pratique, entre acceptation et rejet. Dans son ouvrage Où Atterrir, le philosophe français Bruno Latour affirme que la solution à notre désorientation ne se situe plus dans le règlement du conflit entre ancien et nouveau, local et global. Après l’impitoyable version néolibérale de la mondialisation et la réaction toujours plus violente qu’elle provoque chez les perdants, à savoir nationalisme extrême et orthodoxie religieuse, il s’avère qu’il n’y a clairement pas de salut à attendre de l’axe moderne entre local et global. À l’instar de Berlant, Latour plaide pour un pas de côté, une transition latérale de l’attention, de l’énergie et de l’innovation dans une direction qui n’est pas encore tracée avec précision, mais qui se dessine petit à petit. Il appelle cette nouvelle direction « le Terrestre », le lieu où convergent la spécificité locale et l’interdépendance globale, une toile biophysique complexe d’acteurs humains et non humains avec d’innombrables effets de retour que plus personne ne contrôle. Un lieu dépourvu de centre et dont l’humain ne constitue certainement plus le centre. Mais si notre nouveau lieu est un chaos complexe que nous ne contrôlons plus, comment générer un désir de ce lieu ? Comment rendre le Terrestre attrayant ? Pour cela, il ne faut pas seulement rendre la réalité à nouveau concrète par la description minutieuse du maximum de relations complexes possibles, mais il faut surtout enrichir notre carte mentale et charger d’affect le Terrestre. Latour estime que les arts en général et le théâtre en particulier ont un rôle important à jouer dans ce processus. Il considère le lieu du théâtre comme l’appareil idéal pour agrandir notre sensibilité pour le Terrestre : un parlement potentiel de gens et de choses qui peuvent tailler des brèches dans la cuirasse. Espérons que tous nos politiciens comprendront que l’avenir a désormais des dents et que ses morsures peuvent être particulièrement venimeuses. Espérons que leurs réponses ne s’inscrivent pas à nouveau dans le projet moderniste capitaliste qui a déraillé, mais que la réalité matérielle concrète soit reconnue, que ses droits soient établis et respectés et qu’on investisse dans le développement d’une nouvelle carte mentale qui permet d’atteindre une « bonne vie » en empruntant d’autres routes. – Guy Gypens & Katleen Van Langendonck

THE FUTURE IS SHOWING ITS TEETH Why aren’t you doing anything? Why do you cling on to a system and its attendant politics when it is becoming increasingly clear that it is leading to planetary destruction? These were the questions that striking school pupils and students have been asking politicians across Europe over the past few months. Simply carrying on as we were before is not an option. Reports about climate change have been extremely alarming for more than ten years. Nature as an inert backdrop to human action is an obsolete idea. Nature itself has become a political player. The backdrop has moved to the front of the stage, causing a fundamental plot twist. The Dutch sociologist Willem Schinkel calls it diluvial politics: political action that wittingly makes the Great Deluge more likely and that is prepared to suffer the destruction it causes. We understand the danger, we know the reasons, and yet we do not change course. Despite all the scientific evidence and despite a scientific panel proposing necessary alternatives, the youth for climate movement was again confronted with diluvial politics on 26 May. De Standaard ran the headline Is that what we worked so hard for? To sacrifice all our luxuries?, expressing the deep suspicion in Flanders to more radical environmental policies. Perhaps the average Fleming does realize that the promise of an ever-better, more ‘modern’ life is impossible to achieve, but he or she does not yet believe in the alternative either. Our mental map has one deeply ingrained path that leads to the good life. Alternative routes are hardly imaginable or incite great fear. Emotions very quickly run high. Rationality is often difficult to find. If we want to change course, scientific systems analyses are clearly not enough. We must also learn to understand the passions at play here. And we might as well start with the passions that we project onto that grand modernist-capitalist project, born of the Enlightenment, erected by the French Revolution, and declared paradisiacal by The American Dream. The optimism associated with this dream finds its origins not only in actual material progress, but also in the unconscious fantasies that are implicated in this dream and which guide our emotions. For two centuries, the path of progress, innovation, growth, development, boundless possibility, self-realization and profit has led us away from the church tower and towards the whole world. The affect of this path, the unconscious framework that shapes our emotions, has been incredibly effective. It has led our imagination to run wild even though we knew that there were risks involved and that there would inevitably be victims. It is in ‘living with’ these victims that the ingenuity of modernistcapitalist affect truly lies. It is a different relationship in space-time that enables us to tolerate the problematic mix of good and evil, luxury and precarity, winners and losers, revenue and refuse. Automated production and an economic system that is almost impossible for outsiders to penetrate have made the relationships in the market of human and material transactions much more abstract. What would happen to the human and material refuse of all this production today and in the future has increasingly little effect on us. Truth has become abstract! It is difficult to identify many paths on Modernism’s material map, and that is precisely how the one path of the modern dream could become so ingrained

REFERENCES Willem Schinkel, Pleidooi voor Prepresentatie, De Groene Amsterdammer, 2019 nr. 9 Lauren Berlant, Cruel Optimism, Duke University Press, 2011 Bruno Latour, Où atterrir ?, Editions la Découverte, 2017 / Waar kunnen we landen?, Octavo, 2018 / Down to Earth, Polity Press, 2018

on our mental map. The dream has become increasingly detached from reality, leading to a profound sense of disorientation. The American philosopher Lauren Berlant calls it Cruel Optimism: clutching on to a dream while knowing full well that its fulfilment is being obstructed by structural and social circumstances. Berlant researched artforms in different disciplines to analyse how the depletion of reality is experienced, how people attempt to adapt to the situation sensorially and affectively, and which new modes of experiencing the present are being explored. This research resulted in the concept of Lateral Agency, small acts of selfinterruption, self-abolition and self-deferment through which one can tamper with one’s own value structure without immediately focusing on ‘all will be well’. She thus avoids the paralyzing dichotomy between hegemony and counter-practice, between acceptance and rejection. In Down to Earth, the French philosopher Bruno Latour likewise argues that the solution to our disorientation is no longer to be found in settling the dispute between old and new, between local and global. Especially after the merciless neoliberal version of globalization and the increasingly furious reaction against it from the losers, in the form of extreme nationalism and religious orthodoxy, no solutions can be expected from the modern axis between local and global. Like Berlant, Latour argues in favour of lateral movement, a sideways shift of attention, energy and innovation, in a direction that has not been precisely defined but which is being charted gradually. He calls this new direction the Terrestrial, a place where local specificity and global interdependence coalesce, a complex biophysical web of human and non-human stakeholders full of feedback effects and which is no longer controlled by anyone. A place with no midway point and certainly not with the human in the middle! But if our new place is a complex tangle that we can no longer control, how do we generate desire for this place? How do we make this Terrestrial attractive? Not only do we need to make material reality concrete again by carefully describing as many complex relationships as possible. But more than anything, we need to make our mental map richer. The Terrestrial must be charged with affect. Latour argues that the arts will play an important role in this process, and specifically the theatre. He considers the theatre to be an ideal forum to increase awareness and sensitivity to the Terrestrial: a potential parliament of people and things that can strike chinks in the armour. Let us hope that all our politicians understand that the future is showing its teeth and that the bite might actually be very venomous. Let us hope that their answer does not simply subscribe to the derailed modernist-capitalist project, but that the concrete material truth is accorded its rights and that they invest in developing a new mental map that charts new paths to the good life.

– Guy Gypens & Katleen Van Langendonck 3

KATE MCINTOSH

MICHIEL VANDEVELDE

RADOUAN MRIZIGA

VERA TUSSING

CHRISTOPHE MEIERHANS

BENJAMIN VANDEWALLE

ARTISTS-IN-RESIDENCE 2017–2021

Over de periode 2017-2021 werken we met een tweede lichting artists-in-residence. Deze zes artiesten uit verschillende disciplines – dans, theater, performance – onderscheiden zich door hun onderzoekende houding, drang tot experiment en maatschappelijk engagement. In hun artistieke praktijk brengen ze bezorgdheden en vraagstukken van kunstenaars vandaag naar de voorgrond. Ze nodigen de toeschouwer uit tot verschillende vormen van deelnemen – zij het denken of doen – vanuit ieders eigen, scherpe blik op de wereld. Stap mee in hun parcours! Au cours de la période 2017-2021, nous travaillons avec un deuxième contingent d’artistes en résidence. Ces six artistes de disciplines différentes – danse, théâtre, performance – se distinguent par leur attitude investigatrice, leur propension à l’expérimentation et leur inclination à l’engagement soci(ét)al. Leur pratique artistique met en avant leurs préoccupations et leurs interrogations en tant qu’artistes. Ils invitent le spectateur à diverses formes de participation – qu’elle soit d’ordre de la réflexion ou de l’action – à partir du regard aigu qu’ils portent respectivement sur le monde. Entrez dans leur parcours.

BENJAMIN VANDEWALLE Studio Cité > P12 CHRISTOPHE MEIERHANS Trials of Money > P38 KATE MCINTOSH MICHIEL VANDEVELDE Paradise Now (1968–2018) > P28 Human Landscapes I > P42 Human Landscapes II > P42 The Goldberg Variations > P108 RADOUAN MRIZIGA 8.2 > P29 Tafukt > P114 VERA TUSSING Tactile Quartet(s) > P26

From 2017 until 2021, we are collaborating with a second group of artists-in-residence. These six artists from different disciplines – dance, theatre, performance – are characterized by their research-based art, drive to experiment, and social commitment. In their artistic practice, they bring the questions and concerns of contemporary artists to the fore. They invite the audience to participate in different ways – either in thought or practice – each from their own incisive perspective on the world. Follow their artistic trajectories as they develop!

2019–2020 theatre 14 20 21 24 32 36 44 48 52 53 60 64 68 70 76 78 80 89 90 92 94 98 110 112 118 124

PIETER DE BUYSSER/ROBIN De Lokvogel NL theatre STEFAAN VAN BRABANDT & BRUNO VANDEN BROECKE Socrates NL theatre TG STAN QUE SERA SERA NL theatre MILO RAU/NTGENT Orestes in Mosul NL/EN/AR > NL/EN/FR theatre DE KOE & MUGMETDEGOUDENTAND seks(e)(n) NL theatre CHRISTOPHE MEIERHANS Trials of Money EN theatre JAN DECORTE & SIGRID VINKS/BLOET body a.k.a. NL theatre STEFAAN VAN BRABANDT & JOHAN HELDENBERGH Marx NL theatre BASHAR MURKUS/KHASHABI THEATRE The Museum AR > EN theatre LOUIS JANSSENS & TIMO STERCKX The Greatest Show on Earth NL theatre JAN LAUWERS & NEEDCOMPANY All the good MULTILINGUAL > NL/FR/EN theatre ELS DIETVORST, DIRK ROOFTHOOFT & AURELIE DI MARINO MEMENTO MORI! NL theatre SUZE MILIUS & HET ZUIDELIJK TONEEL TALK SHOW NL theatre FORCED ENTERTAINMENT Out Of Order WITHOUT WORDS theatre KATJA DREYER & KAREN RØISE KIELLAND Cry Me a River EN theatre KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY & HET ZUIDELIJK TONEEL ACT EN theatre/installation TG STAN & KLOPPEND HERT Move (on) MULTILINGUAL theatre KHADIJA EL KHARRAZ ALAMI Nu ben ik Medea NL theatre FAUSTIN LINYEKULA/NTGENT Histoire(s) du Théâtre II MULTILINGUAL > NL/FR theatre/dance FC BERGMAN/TONEELHUIS/NTGENT/KVS JR NL > FR/EN theatre REMAH JABR & DAREEN ABBAS Broken Shapes EN theatre TRISTERO Iemand van ons NL theatre MAATSCHAPPIJ DISCORDIA Liebe Jelinek NL theatre JOOST VANDECASTEELE Culturo Says No NL theatre GUY CASSIERS/TONEELHUIS Antigone in Molenbeek + Tiresias NL > FR theatre BENJAMIN VERDONCK/TONEELHUIS De tijger eet de zebra en de vogel vliegt verschrikt weg NL theatre

dance 11 12 18 26 28 29 34 38 40 50 56 58 63 66 72 82 86 90 96 102 106 107 108 113 114 120 122

SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme dance BENJAMIN VANDEWALLE Studio Cité dance/installation METTE INGVARTSEN Moving in Concert dance VERA TUSSING Tactile Quartet(s) dance/music MICHIEL VANDEVELDE/FABULEUS Paradise Now (1968–2018) NL/FR/EN performance/dance RADOUAN MRIZIGA/FABULEUS, HETPALEIS & MOUSSEM 8.2 dance JÉRÔME BEL Rétrospective EN dance film MIET WARLOP & NTGENT Ghost Writer and the Broken Hand Break dance/music MEG STUART & TIM ETCHELLS Shown and Told EN dance/performance LIGIA LEWIS Water Will (in Melody) dance ANNE TERESA DE KEERSMAEKER, LOUIS NAM LE VAN HO & ALAIN FRANCO Zeitigung dance ANNELEEN KEPPENS Movement Essays dance BOYZIE CEKWANA & DANYA HAMMOUD Bootlegged EN dance ESZTER SALAMON MONUMENT 0.8: Manifestations dance/performance ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS Achterland dance CHRISTIAN RIZZO & ICI-CNN une maison dance ALEXANDRA BACHZETSIS Escape Act EN dance/performance FAUSTIN LINYEKULA/NTGENT Histoire(s) du Théâtre II NL/FR theatre/dance BORIS CHARMATZ infini dance DORIS UHLICH Every Body Electric [medium] dance JONATHAN BURROWS Rewriting dance/lecture performance CLAIRE CROIZÉ & ETIENNE GUILLOTEAU/ECCE Pole Reports from Space dance MICHIEL VANDEVELDE & PLATFORM K The Goldberg Variations music/dance ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUS Rain (live) dance/music RADOUAN MRIZIGA Tafukt dance DANIEL LINEHAN/HIATUS sspeciess dance MEG STUART/DAMAGED GOODS & JOMPET KUSWIDANANTO Celestial Sorrow dance/performance

performance 10 16 28 30 35 42 43 49 66 74 86 88 109

GLOBE AROMA & DECORATELIER JOZEF WOUTERS Underneath Which Rivers Flow EN/FR > NL/EN ELLY VAN EEGHEM (Dis)placed Interventions MICHIEL VANDEVELDE/FABULEUS Paradise Now (1968–2018) NL/FR/EN THOMAS RYCKEWAERT Move 37 EN JÉRÔME BEL Conférence sur rien (1949) FR MICHIEL VANDEVELDE Human Landscapes I EN > TR/NL MICHIEL VANDEVELDE Human Landscapes II MULTILINGUAL > EN MADALINA DAN & AGATA SINIARSKA Mothers of Steel EN ESZTER SALAMON MONUMENT 0.8: Manifestations IGGY LOND MALMBORG Physics and Phantasma EN ALEXANDRA BACHZETSIS Escape Act EN ORLA BARRY Spin, Spin, Scheherazade EN SARAH & CHARLES In the Hands of Puppets EN

performance/theatre lecture performance performance/dance lecture performance lecture performance performance performance performance dance/performance performance dance/performance performance performance

music 22 26 38 54 62 100 104 108 113 116

GLOBE AROMA & NIKO HAFKENSCHEID, PABLO CASTILLA, HEDVIG BIONG Landscape Orchestra NL/FR music theatre VERA TUSSING Tactile Quartet(s) dance/music MIET WARLOP & NTGENT Ghost Writer and the Broken Hand Break dance/music ICTUS Pneuma music BRUSSELS BRECHT-EISLERKOOR Melancholie aan de 5 blokken/Mélancolie aux 5 blocs NL/FR music theatre ALEJO PÉREZ, KRYSTIAN LADA & SYMFONISCH ORKEST OPERA VLAANDEREN Symphony of Expectation music GORGES OCLOO & DOMINIQUE PAUWELS/LOD Moby Dick EN > NL music theatre MICHIEL VANDEVELDE & PLATFORM K The Goldberg Variations music/dance ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUS Rain (live) dance/music ENCYCLOPÉDIE DE LA PAROLE, ICTUS & JORIS LACOSTE Suite 4 music/theatre

talks & debates III IV V VI VII 46 109

KELLER EASTERLING on Extrastatecraft EN BORIS GROYS on Antiphilosophy EN GRAHAM HARMAN on Immaterialism EN ROSI BRAIDOTTI on Posthumanism EN ZHAO TINGYANG on Tianxia EN ECOPOLIS 2019 Generation Hope NL/FR/EN KAOS + SARAH & CHARLES In the Hands of Puppets EN

talk talk talk talk talk talk/debate talk/debate

#hashtags

Kies je resoluut voor artiesten van Brusselse bodem of laten de klassiekers je hart sneller slaan? Zoek naar deze #hashtags doorheen het magazine en laat je leiden bij je keuzes. Choisissez résolument des artistes du cru bruxellois ou bien votre coeur bat-il la chamade pour les classiques ? Recherchez ces #hashtags à travers le magazine et laissez-vous guider dans vos choix. Does your heart go out to artists from Brussels, or do the classics make your blood pump faster? Look for these #hashtags throughout the magazine, and let them take you by the hand!

#bignames

#imaginethis

#challengethesytem

#madeinbxl

#cometogether

#newarrivals

#daredevil

#nxtgen

Zie de kleppers aan het werk Les grandes pointures à l’œuvre See the big names in action Ga op zoek naar andere denkkaders Partez en quête d’autres cadres de pensée Explore other modes of thought De grens tussen toeschouwer en performer vervaagt La frontière entre le spectateur et le performeur s’efface The boundary between spectator and performer fades Durf jij deze compromisloze makers aan? Osez des créateurs sans concessions ! Are you brave enough for these uncompromising creative spirits?

#energizeme

Deze voorstelling tilt je energie naar een hoger niveau Ce spectacle hisse l’énergie à un niveau supérieur This performance will lift up your energy to a higher level

#gender

Over seksualiteit, gender en feminisme À propos de sexualité, de genre et de féminisme On sexuality, gender, and feminism

#hightech

Technologie overheerst alles. Ook deze voorstellingen La technologie domine tout. Également ces spectacles Technology dominates everything. Including these productions

#ilovemusic

Muziek neemt het voortouw La musique en première ligne Music takes the lead

Stap binnen in nieuwe droomwerelden Entrez dans de nouveaux mondes oniriques Cross the threshold of these new dream worlds From Brussels with love Bons baisers de Bruxelles From Brussels with love Deze artiesten verwelkomen we voor het eerst Des artistes que nous accueillons pour la première fois We are welcoming these artists for the first time De nieuwe generatie toont de weg La nouvelle génération donne le la The new generation shows the way

#repertoire

De klassiekers van toen en nu op je bord Les classiques d’hier et d’aujourd’hui Past and present classics served up for you

#society

Armworstelen met de actualiteit L’actualité à bras-le-corps Arm wrestling with current affairs

#tender

Je houdt van subtiele voorstellingen Vous aimez les spectacles subtils You love subtle performances

#visuallystunning

Straffe beelden op de scène! Remplissez-vous les yeux ! Feast your eyes!

September

GLOBE AROMA & DECORATELIER JOZEF WOUTERSBE Underneath Which Rivers Flow

performance

Een jaar lang werkte Decoratelier Jozef Wouters samen met Open Kunstenhuis Globe Aroma aan Underneath Which Rivers Flow. Een groep bouwers, dichters en dromers kwam wekelijks samen in Decoratelier in Molenbeek. Samen bouwden ze er verhalen, een geheime tuin vol wormgaten naar onvermoede werelden. De voorstelling werd geselecteerd voor het TheaterFestival 2019. • Het Kunstenhuis Globe Aroma brengt mensen in contact met de rijkdom van andere culturen en creëert kansen voor nieuwkomers met artistieke ambities. Decoratelier is een project in constante ontwikkeling van scenograaf Jozef Wouters. Vanuit oude industriele gebouwen in Brussel lanceert hij verschillende projecten in samenwerking met een heterogene groep. Pendant un an, Decoratelier Jozef Wouters a collaboré avec la Maison des Arts ouverte Globe Aroma pour Underneath Which Rivers Flow. Un groupe de bâtisseurs, poètes et rêveurs s’est réuni toutes les semaines à Decoratelier à Molenbeek. Ensemble, ils ont construit des récits, un jardin secret truffé de trous de vers menant à des univers insoupçonnés. Le spectacle a été sélectionné pour le TheaterFestival 2019. • La maison des arts Globe Aroma permet à des personnes de découvrir la richesse d’autres cultures et offre aux primo-arrivants aux ambitions artistiques l’occasion de les déployer. Decoratelier est un projet en constante évolution du scénographe Jozef Wouters. À partir d’anciens bâtiments industriels bruxellois, il lance différents projets en collaboration avec un groupe heteroclite. PRESENTED BY KAAITHEATER & HET THEATERFESTIVAL

‘One day, a large banner suddenly appeared on the facade of the Decoratelier, showing a virtual vision of what the neighbourhood might look like in the future. The atelier and its surroundings had been replaced by a large park. That same day, I met a group of people from Globe Aroma and we decided to dig a hole towards this future park that, right now, is still an old factory. Gradually an alternative park took shape, a park where memories and imagination intermingle, a secret garden filled with shadows and a jumble of grey zones.’ – JOZEF WOUTERS

For a year, Decoratelier Jozef Wouters worked with Open Arts House Globe Aroma on Underneath Which Rivers Flow. A group of builders, poets and dreamers met weekly in the Decoratelier in Molenbeek. Together, they built stories, a secret garden full of wormholes to unsuspected worlds. The show was selected for the TheaterFestival 2019. • The arts centre Globe Aroma enables people to learn about the richness of other people’s cultures and creates opportunities for newcomers with artistic ambitions. Decoratelier is a project in constant development by scenographer Jozef Wouters. From old industrial buildings in Brussels, he launches various projects in collaboration with a heterogeneous group.

‘Zelden zo’n radicaal utopische kunst gezien die ongebreidelde fantasie inzet om een werkelijk gevoel van vrijheid en verzet te creëren.’ — DE STANDAARD

#madeinbxl #society #visuallystunning

WED 11, THU 12, FRI 13, SAT 14/09 19:00

kaaitheater co-production

ON LOCATION: DECORATELIER | FRENCH (SURTITLED DUTCH/ENGLISH) | 1H30 | € 14/10 > LIVERPOOLSTRAAT 24, 1080 BRUSSEL A PROJECT BY Globe Aroma & Decoratelier Jozef Wouters | BUILDING POETS Barry Ahmad Talib, Ali Alkrizi, Mimouna Amri, Mbarek Bouallaga, Zohir Boumelha, Sekou Coumbassa, Chantal Gyselinx, Idris Hassan Hardi, George Khuroshvili, Bushra Lamsyeh, Soumaya Mahroug, Shilemeza Prins, Randy Renders, Tahar Sadam, Marie-Ange Sibi, Ifrah Yusuf Magan | ARTISTIC DIRECTION Jozef Wouters | ARTISTIC COLLABORATOR Jeroen Peeters | DRAMATURGY Vladimir Miller | DECORATELIER Menno Vandevelde (technical director), Lukas Geerens, Jan Rymenants, Willem Rys, Koen Schetske, Vic Van den Bossche, Siemen Van Gaubergen, Casper van Overschee | FILM Robbrecht Desmet | LIGHT DESIGN Michiel Soete | SOUND IN COLLABORATION WITH Vincent Malstaf | PRODUCTION MANAGEMENT Penelope Desloovere, Brecht Theunis, Camille Thiry, Ewoud Vermote | SPECIAL THANKS TO Saïd Amrawu, Alex Cepile | PRODUCTION Damaged Goods, Globe Aroma | CO-PRODUCTION Kaaitheater, Netwerk Aalst

SALVA SANCHISES & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSASBE A Love Supreme

dance

Dans A Love Supreme, John Coltrane et ses musiciens prennent appui sur des structures de blues élémentaires dont ils font émerger des phrases musicales d’une haute liberté d’expression. En 2005, Salva Sanchis et Anne Teresa De Keersmaeker ont créé une chorégraphie pour quatre danseurs sur ce chef-d’œuvre du jazz dans lequel vibre une tension entre complexité et épure. La chorégraphie fait sienne cette contradiction et relève le défi d’entrelacer l’improvisation et l’organisation formelle. En 2017, De Keersmaeker et Sanchis ont retravaillé la chorégraphie avec quatre jeunes danseurs masculins. Un spectacle d’une grande vitalité qui a d’emblée été sélectionné pour le TheaterFestival. Grand temps de s’abandonner une fois de plus avec les danseurs à l’ode spirituelle de John Coltrane à l’amour suprême.

In A Love Supreme vertrekken John Coltrane en zijn muzikanten van een eenvoudige op blues geïnspireerde basisstructuur om een volstrekt vrije improvisatie op te bouwen die onophoudelijk grenzen verlegt. In 2005 creëerde Salva Sanchis samen met Anne Teresa De Keersmaeker een kwartet op Coltranes muziekstuk. Zijn jazz blinkt uit in de spanning tussen complexiteit en eenvoud. Dit uit zich letterlijk in de dans: improvisatie en compositie verweven zich tot ze in elkaar opgaan. In 2017 herwerkten Sanchis en De Keersmaeker A Love Supreme met vier jonge, mannelijke dansers. De uitgesproken vitale voorstelling haalde gezwind de selectie van het TheaterFestival. Hoog tijd om je samen met de dansers opnieuw over te geven aan Coltranes spirituele ode aan de goddelijke liefde! In A Love Supreme, John Coltrane and his musicians start from blues based structures and construct a completely free improvisation that continuously breaks new ground. In 2005, Salva Sanchis and Anne Teresa De Keersmaeker created a quartet set to Coltrane’s music. His jazz is renowned for its exploration of the tension between tonal and rhythmic complexity and simplicity. This is translated literally in the dance: improvisation and composition interweave until they fuse completely. In 2017, Sanchis and De Keersmaeker adapted A Love Supreme with four young, male dancers. The distinctly vibrant production was immediately selected for the TheaterFestival. It is high time that you join the dancers again and succumb to Coltrane’s spiritual tribute to divine love!

‘De improvisaties vloeien allemaal samen in een hogere orde: puur genot voor oog en hart.’ — DE MORGEN

PRESENTED BY KAAITHEATER, DE MUNT/LA MONNAIE & ROSAS

#bignames #energizeme #ilovemusic

20:30 – THU 12, FRI 13, SAT 14, THU 19, FRI 20, SAT 21, THU 26, FRI 27, SAT 28/09 15:00 – SUN 15, SUN 22, SUN 29/09 ON LOCATION: ROSAS PERFORMANCE SPACE | 50 MIN. | € 22/18/10 > VAN VOLXEMLAAN 164, 1190 VORST CHOREOGRAPHY Salva Sanchis, Anne Teresa De Keersmaeker | DANCED BY (ALTERNATING) José Paulo dos Santos, Bilal El had, Robin Haghi, Jason Respilieux, Thomas Vantuycom | ORIGINAL VERSION CREATED IN 2005 WITH Cynthia Loemij, Moya Michael, Salva Sanchis, Igor Shyshko | MUSIC A Love Supreme, John Coltrane | LIGHT DESIGN Jan Versweyveld | REVISED LIGHT DESIGN Anne Teresa De Keersmaeker, Luc Schaltin | COSTUMES Anne-Catherine Kunz | PRODUCTION Rosas | CO-PRODUCTION De Munt/La Monnaie

Â© ARASH GHAVIDEL, BENJAMIN VANDEWALLE, JAMES MOORE

BENJAMIN VANDEWALLEBE Studio Cité

‘The public space is where conflicting points of view are confronted without any possibility of a final reconciliation.’ – CHANTAL MOUFFE (Agonistics) Ik zie ik zie wat jij niet ziet en het is… een danser, een toeschouwer, een stoeprand, een voorbijganger, of nee, toch een danser. In Studio Cité wordt je blik op de wereld gericht, gestuurd, omgeleid en verdraaid. Betreed op je eentje een rijdende spiegelkar, vorm met andere toeschouwers een dansende cirkel, of blijf aan de rand staan kijken hoe mensen met periscopische maskers op hun weg zoeken. Je bent tegelijk toeschouwer én performer. Als choreograaf van de blik speelt Benjamin Vandewalle met de manier waarop we de realiteit waarnemen, en daagt onze perceptie uit. Hoe observeren we de omgeving en de mensen die er deel van uitmaken – en durven we ons over te geven aan nieuwe gezichtspunten? Met Studio Cité zet Vandewalle een artistieke kermis neer die onverwachte ervaringen biedt op Brusselse pleinen. • Benjamin Vandewalle – sinds 2017 artist-in-residence in het Kaaitheater – noemt zichzelf stadschoreograaf. Hij nam het Kaaitheaterpubliek al verschillende keren de straat op met performances als Walking the line, Perisphere, Inter-View en Birdwatching 4x4.

dance/installation

• Benjamin Vandewalle – artiste en résidence au Kaaitheater depuis 2017 – se qualifie de chorégraphe urbain. Il a déjà quelques fois emmené le public du Kaaitheater à travers les rues de la ville pour des performances comme Walking the line, Perisphere, Inter-View et Birdwatching 4x4. I see I see you what you don’t see and it is… a dancer, a viewer, a curb, a passer-by, or no, it is a dancer. Studio Cité orients, directs, diverts and distorts your view of the world. Step inside a driving mirror cart by yourself, form a dancing circle with your fellow audience members, or stand on the side-lines watching how people with periscopic masks try to find their way. You are both a viewer and a performer. As a choreographer of sight, Benjamin Vandewalle plays with the way we observe reality and challenges our perception. How do we observe our environment and the people within it – and do we dare and surrender ourselves to new perspectives? In Studio Cité, Vandewalle organizes an artistic funfair that offers unexpected experiences on Brussels’ squares. • Benjamin Vandewalle – who has been a Kaaitheater artist-in-residence since 2017 – describes himself as an urban choreographer. He has taken Kaaitheater audiences into the streets several times, in performances like Walking the line, Perisphere, Inter-View and Birdwatching 4x4.

Je vois, je vois ce que tu ne vois pas et c’est… un danseur, un spectateur, un bord de trottoir, un passant, ou non, quand même un danseur. Dans Studio Cité, le regard est orienté, dirigé, dévié et détourné. Montez sur une charrette roulante à miroir, formez un cercle dansant avec d’autres spectateurs ou restez sur le côté regarder des gens aux masques périscopiques chercher leur chemin. Vous êtes à la fois spectateur et performeur. En tant que chorégraphe du regard, Benjamin Vandewalle joue avec la manière dont nous percevons la réalité et défie notre perception. Comment observons-nous notre environnement et les personnes qui en font partie et osons-nous nous abandonner à des points de vue nouveaux ? Avec Studio Cité, Vandewalle nous offre des expériences inattendues dans la kermesse artistique qu’il crée et installe sur des places publiques bruxelloises. #cometogether #madeinbxl

SAT 14, FRI 20, SAT 21, SUN 22/09 13:00 > 19:00

kaaitheater co-production

artist-in-residence

belgian premiere

ON LOCATION | CONTINUOUS | FREE CONCEPT & DIRECTION Benjamin Vandewalle | PERFORMANCE Alice Van Der Wielen, Shosha Van Kranendonk, Yentl De Werdt | TECHNICAL COORDINATION Hans Van Wambeke, Jonas Vanhullebusch | SOUND Yoann Durant, Laryssa Kim | SOUND ENGINEERING Gert Aertsen, Leander Schönweger | COSTUMES Sofie Durnez | GRAPHIC DESIGN Fien Robbe | CO-PRODUCTION Kaaitheater, Atelier 231, Festival di Terni, Freedom Festival, La Strada Graz, Lieux publics, Norfolk & Norwich Festival, Østfold kulturutvikling, Oerol Festival, Theater op de Markt, UZ Arts, SoAP, workspacebrussels | EXECUTIVE PRODUCTION Caravan Production

Â© SYLVIE MIKULCOVA

PIETER DE BUYSSER/ROBINBE De Lokvogel

Te veel ondemocratische beslissingen? Of te veel democratische beslissingen met nefaste uitkomst?

theatre

Een klein genootschap van goedmenende experten, intellectuelen, academici en filantropen kan het niet meer aanzien. Ze willen de democratie redden van haar suïcidale neigingen, en de in elkaar crashende emancipatiebewegingen behoeden voor een perte totale. Ze komen samen in anonieme hoeken van Europa, en smeden een plan. Ze kiezen een doodgewone man uit, en sturen die bezield, gemanipuleerd en begeleid het politieke landschap in. Hij moet de waarden en inzichten van deze elite belichamen. En tegelijk een blijvend draagvlak vinden bij de meest diverse lagen van de bevolking. Het genootschap heeft Lukas Alberg – vader van twee – gekneed tot lokvogel. Stap één: de democratie uitbreiden. Stap twee: het ressentiment en het identiteitsfetisjisme te rusten leggen. Als een golem uit het slib van het magisch onderbewustzijn van Europa kruipt de lokvogel recht. En slaat zijn vleugels uit. • Pieter De Buysser is schrijver, film- en theatermaker, en sinds de première van Book Burning in 2012 regelmatig te gast in het Kaaitheater. De vervlechting van feit en fictie, oefeningen in mogelijkheidsdenken en de verbeelding van de opstand, zijn enkele van de weerkerende thema’s in zijn werk. Afgelopen seizoen speelde hij 11 keer The Tip of the Tongue in het planetarium van Brussel. Un aréopage d’intellectuels bien intentionnés choisit un homme ordinaire qu’il inspire, manipule, accompagne et précipite dans le paysage politique. Première étape : étendre la démocratie. Deuxième étape : apaiser le ressentiment et le fétichisme identitaire. Tel un golem pétri de l’argile de l’inconscient européen magique, l’appât se dresse et déploie ses ailes. A small society of well-meaning intellectuals choose an ordinary man to inspire, manipulate and support before sending him into the political landscape. Step one: expand democracy. Step two: lay resentment and identity fetishism to rest. The Decoy arises like a golem from the sludge of Europe’s magical subconscious. Watch him spread his wings.

#cometogether #imaginethis #madeinbxl

FRI 27, SAT 28/09 20:30

kaaitheater co-production

premiere

KAAISTUDIO’S | DUTCH | € 16/12/10 TEXT & DIRECTION Pieter De Buysser | LIVE PERFORMANCE Gillis Van Biesheuvel, Pieter De Buysser, Herman Sorgeloos, Abdulmohsen Ahmed Suleiman Zarroug | RECORDED PERFORMANCE Jessica Fanhan, Graham Vincent, Mieke Quintens, Simon Arazi, Jef Stevens, Ellen Goemans, Issam Daka, Maarten Degraeuwe, Miles O'Shea, Musia Mwankumi, Jan Krause, Vladimir Javorski, Jodie Hruby, Ondrej Hrab, Wouter Hendrickx, Gonçalo Waddington, Effi Weiss a.o. | PRODUCTION & DRAMATURGY Elisa Demarré | SCENOGRAPHY & VISUAL DRAMATURGY Herman Sorgeloos | DECOR & PROPS Hugh Roche Kelly | VIDEO & PROJECTION Quinten Vanagt, Gertjan Biasino | MEDIA DESIGN & CONCEPT Sam Metcalfe | ENGLISH TRANSLATION Jodie Hruby | FRENCH TRANSLATION Anne Vanderschueren l PRODUCTION ROBIN | CO-PRODUCTION Kaaitheater, BIT Teatergarasjen, Archa Theater

ELLY VAN EEGHEMBE (Dis)placed Interventions

performance

“Samen maken we de stad!” Het is een motto dat je vaak hoort terugkeren bij burgerinitiatieven, politici, urbanisten, projectontwikkelaars… Maar hoe doe je dat? Wat zien we gebeuren in onze steden en woonomgevingen, en hoe gaan we daarmee om? Wat maakt een gemeenschappelijke omgeving tot een publieke ruimte? In (Dis)placed interventions prikkelt Elly Van Eeghem je verbeelding met videobeelden, stemopnames, muziek en kleurrijke projecties. Het materiaal verzamelde ze de afgelopen jaren in verschillende wijken in Gent, Parijs, Berlijn en Montreal. Samen met buurtbewoners, schoolkinderen en verwante makers zette ze er verschillende projecten op poten. Ga mee op deze trip langs wat een stad is en kan zijn – en laat je verwonderen, verwarren en inspireren over de ruimtes die we met elkaar delen. • Elly Van Eeghem maakt video’s, foto’s, acties en installaties in de publieke ruimte, en is gefascineerd door stadsontwikkeling en door de verhouding tussen plan en werkelijkheid. Ze is één van de stadsresidenten van de Vooruit en geeft les aan KASK School of Arts.

Dans (Dis)placed interventions, Elly Van Eeghem titille notre imaginaire à la faveur d’images vidéo, d’enregistrements sonores, de musique et de projections colorées. Elle a réuni tout ce matériau au cours des années précédentes dans différents quartiers de Gand, Paris, Berlin et Montréal. À présent, elle nous emmène en excursion le long de ce qui est et peut être une ville ; les espaces que nous partageons vous surprendront, vous déconcerteront et vous inspireront. In (Dis)placed interventions, Elly Van Eeghem stimulates your imagination with video footage, voice recordings, music, and colourful projections. She collected all this material over the past several years in various neighbourhoods in Ghent, Paris, Berlin and Montreal. Join her on this trip to what a city is and can be – and be amazed, confused and inspired by the spaces that we share with one another.

#imaginethis #society #tender #visuallystunning

SAT 14/09 21:00 KAAISTUDIO’S | DUTCH | 1H30 | € 14/10

CONCEPT & CREATIE Elly Van Eeghem | MUZIEK & SOUNDSCAPES Benne Dousselaere | LICHT Marlies Jacques | PRODUCTIE Macadam VZW | COPRODUCTIE Vooruit & KASK School of Arts HoGent

October

Â© MARC DOMAGE

METTE INGVARTSENDK/BE Moving in Concert

In Moving in Concert creëert Mette Ingvartsen een universum waarin mensen, technologie en organische materie een abstract geheel in beweging vormen. Geïnspireerd door de manier waarop het digitale onze zintuigen prikkelt, zoekt de voorstelling naar een poëzie van plasticiteit, abstractie en verbeelding. Prangende vragen over vandaag vormen de leidraad voor Ingvartsen en negen dansers. Hoe kunnen we technologie begrijpen als iets dat actief blijft in ons lichaam, zelfs wanneer alle apparaten uitstaan? Hoe beïnvloedt de alomtegenwoordigheid van technologie de plasticiteit van onze hersenen? En hoe kunnen lichamen bewegen en hun collectiviteit organiseren op een plastische manier? Via licht, schaduw en reflectie openen de dansers een betoverend landschap waarin je als toeschouwer mag binnenstappen. Abstracte beweging, lichtsculpturen en intense kleurschakeringen tonen choreografie als een proces waarbij vormen en patronen de ervaring van ruimte, lichamen en dingen bepalen. • De Deense danseres en choreografe Mette Ingvartsen studeerde af aan PARTS in 2004, en was artist-in-residence in het Kaaitheater voor de periode 2013–2016. Ze maakte verschillende thematische cycli, o.m. rond ecologie (The Artificial Nature Project) en seksualiteit (The Red Pieces). Moving in Concert opent een nieuw onderzoeksproject rond technologie. Moving in Concert de Mette Ingvartsen fait émerger un univers dans lequel des êtres humains, des technologies et des matières organiques forment un ensemble abstrait en mouvement. Inspiré par les effets du monde numérique sur nos sens, le spectacle explore une poésie de la plasticité, de l’abstraction et de l’imaginaire. Des questions pressantes sur l’époque actuelle constituent le fil conducteur du spectacle d’Ingvartsen : l’effet et l’influence de la technologie et de son omniprésence sur notre cerveau et sur sa plasticité. Comment envisager la technologie comme quelque chose qui reste active dans nos corps, même lorsque tous les outils techniques sont déconnectés ? Et comment des corps peuvent-ils se mouvoir et organiser leur collectivité de manière « plastique » ?

THU 3, FRI 4, SAT 5/10 20:30

dance

À la faveur de lumière, d’ombre et de leur réflexion, les neuf danseurs ouvrent aux spectateurs un paysage enchanteur et les invitent à y entrer. Mouvements abstraits, sculptures de lumière et intenses nuances de couleur donnent lieu à une chorégraphie comme à un processus dont les formes et les schémas modulent l’expérience de l’espace, des corps et des choses. • La danseuse et chorégraphe danoise Mette Ingvartsen a achevé ses études à PARTS en 2004. De 2013 à 2016, elle était artiste en résidence au Kaaitheater. Elle a réalisé plusieurs cycles thématiques, entre autres, autour de l’écologie (The Artificial Nature Project) et de la sexualité (The Red Pieces). Avec Moving in Concert, elle entame une nouvelle recherche autour de la technologie. In Moving in Concert, Mette Ingvartsen creates a universe in which people, technology and organic matter coexist to create an abstract set of movements. Inspired by how bodies are sensorially affected by the digital, the performance explores a poetics of plasticity, abstraction and imagination. Pressing questions about our present moment form the leitmotif for Ingvartsen and nine dancers. How can we understand technology as something that stays active in our bodies, even when all technical tools have been switched off? How does the omnipresence of technology affect the plasticity of our brain? And how can bodies move and organize their collectivity in a plastic manner? Through light, shadow and reflection, the dancers open an enchanting landscape that you can enter as a viewer. Abstract movement, light sculptures and intense shades of colour present choreography as a process in which forms and patterns determine the experience of space, bodies and objects. • Danish dancer and choreographer Mette Ingvartsen graduated from PARTS in 2004 and was artist-in-residence at Kaaitheater from 2013 until 2016. She has made several thematic cycles around issues like ecology (The Artificial Nature Project) and sexuality (The Red Pieces). Moving in Concert opens a new research focused on technology. #bignames #energizeme #hightech

kaaitheater co-production

premiere

KAAITHEATER | € 18/14/10 CONCEPT & CHOREOGRAPHY Mette Ingvartsen | PERFORMERS Bruno Freire, Elias Girod, Gemma Higginbotham, Dolores Hulan, Jacob Ingram-Dood, Anni Koskinen, Calixto Neto, Norbert Pape, Manon Santkin | REPLACEMENTS Hanna Hedman, Armin Hokmi | SOUND DESIGN Peter Lenaerts | LIGHT DESIGN Minna Tiikkainen | COSTUME DESIGN Jennifer Defays | SET DESIGN Mette Ingvartsen & Minna Tiikkainen | DRAMATURGY Bojana Cvejic | FASCIA TRAINING Anja Röttgerkamp | PRODUCTION Great Investment vzw/Kerstin Schroth | SUPPORTED BY the Fondation d’entreprise Hermès within the framework of the New Settings Program | CO-PRODUCTION Kaaitheater, NEXT festival/Kunstencentrum BUDA, Festival d’Automne, Les Spectacles vivants – Centre Pompidou, Dansehallerne, HAU Hebbel am Ufer, PACT Zollverein, International Theater Amsterdam, Theater Rotterdam, Les Hivernales – CDCN

STEFAAN VAN BRABANDT/DE VERWONDERING & BRUNO VANDEN BROECKEBE Socrates

theatre

Socrates – ‘vader van de filosofie’ en leermeester van Plato – was de luis in de pels van de oude Atheners. Hij zette hen aan het denken door op ironische wijze hun vanzelfsprekendheden in vraag te stellen. Wat hem niet in dank werd afgenomen: op zijn 70ste levensjaar werd hij aangeklaagd en veroordeeld tot de doodstraf met de gifbeker. In deze theatermonoloog kruipt Bruno Vanden Broecke in de huid van een van de meest legendarische filosofen uit de geschiedenis. Enkele uren voor zijn dood blikt hij terug op zijn leven en denken. Het gedachtegoed van Socrates blijkt 2.400 jaar na datum nog niets aan waarde te hebben ingeboet. • Socrates was de eerste filosofenmonoloog die Stefaan Van Brabandt schreef en regisseerde, en in 2015 al in het Kaaitheater te zien. In december kun je ook de herneming van zijn tweede filosofenmonoloog Marx meemaken. Pour ce monologue, Bruno Vanden Broecke se glisse dans la peau de l’un des philosophes les plus légendaires de l’histoire. Quelques heures avant sa mort, il se retourne sur sa vie et réfléchit. 2 400 ans plus tard, la pensée de Socrate n’a rien perdu de sa pertinence. In this theatre monologue, Bruno Vanden Broecke plays one of the most legendary philosophers in history. A few hours before his death, he reflects on his life and thought. This production demonstrates that 2400 years later, Socrates’ contributions to philosophy are still as relevant as ever.

‘Nooit gedacht dat we aan de lippen van een filosoof zouden hangen die al 2.400 jaar gestorven is…’ — KNACK ‘De redeneringen van Socrates zijn zó actueel en prikkelend dat je verlangt naar een wekelijkse aflevering.’ — THEATERKRANT

#bignames #repertoire

‘Een leven dat zichzelf niet onderzoekt, is het leven niet waard.’ – SOCRATES

TG STANBE QUE SERA SERA HITCHCOCK TRUFFAUT CAVETT GODARD POUR QUI POUR QUOI

theatre

Voor deze nieuwe voorstelling begeven Damiaan De Schrijver, Bert Haelvoet en Matthias de Koning zich op het domein van de film. Waar komen film en theater elkaar tegen? Waar botsen ze en waar versterken ze elkaar? Een veelheid aan bronmateriaal – zoals de interviews die Alfred Hitchcock gaf aan onder meer François Truffaut en Jean-Luc Godard – vormt hun vertrekpunt. Dit is geen vergelijkende studie. • QUE SERA SERA brengt drie generaties spelers en theatermakers samen. Matthias de Koning was ooit nog leermeester van Damiaan De Schrijver, en nu treedt Bert Haelvoet op zijn beurt in diens voetsporen. Net zoals Truffaut een leraar vond in Hitchcock.

TIJDLIJN In 1962 wordt Alfred Hitchcock een week lang geinterviewd door François Truffaut. In 1966 is het boek Le Cinéma selon Alfred Hitchcock eindelijk klaar. In 1983, een jaar voor zijn dood, publiceert Truffaut de definitieve versie. In 2000 vertelt de Belgische filmregisseur Guido Henderickx een eerste keer aan Damiaan De Schrijver waarom hij dat boek als zijn filmbijbel beschouwt. Het zaadje is geplant. In 2015 verschijnt de documentaire Hitchcock/Truffaut waarin cineasten het belang van het boek en het werk van Hitchcock benadrukken. In 2019 proberen Damiaan De Schrijver, Bert Haelvoet en Matthias de Koning van dit iconische naslagwerk een toneelvoorstelling te maken. Alles begint met het gebroken ijs. In de winter van 1955 mag Truffaut – dan nog als filmcriticus – Hitchcock een eerste keer interviewen voor Cahiers du cinéma. Truffaut, cinefiel en zenuwachtig als hij is voor de ontmoeting met zijn idool, valt net daarvoor door het ijs van een dichtgevroren vijvertje. Jaren later zegt Hitchcock hierover: “Telkens ik een whisky met ijsblokjes drink, moet ik aan u denken.”

Pour ce nouveau spectacle, Damiaan De Schrijver, Bert Haelvoet et Matthias de Koning s’aventurent sur le terrain du cinéma. Où se rencontrent le théâtre et le cinéma ? Où s’affrontent-ils et où se consolident-ils ? Une multitude de matériaux sources – comme l’interview qu’Alfred Hitchcock a accordée, entre autres, à François Truffaut et à Jean-Luc Godard – forme leur point de départ. Damiaan De Schrijver, Bert Haelvoet and Matthias de Koning are moving into the medium of film. Where do film and theatre coalesce? Where do they clash and where do they enhance one another? Their exploration of these questions is based on a variety of source material, such as the interviews that Alfred Hitchcock gave to the likes of François Truffaut and Jean-Luc Godard.

#bignames #repertoire

Â© GLOBE AROMA

GLOBE AROMA & NIKO HAFKENSCHEIDBE, PABLO CASTILLAES, HEDVIG BIONGNO Landscape Orchestra Landscape Orchestra zoekt een muzikaal antwoord op de vraag hoe we vertrek, reis en aankomst kunnen verbeelden. De voorstelling bezoekt de landschappen waar we doortrekken op weg naar beter en anders. Een reeks portretten toont mensen voor wie de wereld niet evident maar daarom niet minder poëtisch is. In een steeds mobielere en meer technologische wereld kan toenadering tussen mensen een uitdaging zijn, en troost een luxe. Landscape Orchestra vraagt stil te staan bij de perspectieven van waaruit we naar elkaar kijken, en bij de verwachtingen die we van elkaar hebben. • Het kunstenhuis Globe Aroma werkt met nieuwkomers en vluchtelingen in hartje Brussel. Het Kaaitheater is een vaste partner voor hun theatervoorstellingen, en presenteerde al Underneath Which Rivers Flow van Jozef Wouters (o.a. tijdens Performatik19), Capsaicin van Michiel Soete, en De Brievenschrijver van Simon Allemeersch. In 2016 toonden Niko Hafkenscheid, Hedvig Biong en Pablo Castilla Syden in de Kaaistudio’s, een voorstelling rond reizen en verblijven in het Zuiden.

music theatre

Landscape Orchestra cherche une réponse musicale à la question : comment représenter le départ, le voyage et l’arrivée ? Le spectacle visite des paysages qu’on traverse en route vers de meilleurs ailleurs. Une série de portraits nous montre des gens pour qui le monde n’est pas évident, mais pas moins poétique pour autant. Dans un monde toujours plus mobile et plus technologique, le rapprochement entre les gens peut être un défi et le réconfort, un luxe. Landscape Orchestra nous fait prendre du recul face aux perspectives à travers lesquelles nous nous regardons et face aux attentes que nous avons les uns des autres. • La maison des arts Globe Aroma, située au cœur de Bruxelles, travaille avec des primo-arrivants et des réfugiés. Le Kaaitheater est un partenaire attitré de leurs spectacles de théâtre et a ainsi présenté Underneath Which Rivers Flow de Jozef Wouters (e.a. alors de Performatik19), Capsaicin de Michiel Soete et De Brievenschrijver de Simon Allemeersch. En 2016, Niko Hafkenscheid, Hedvig Biong et Pablo Castilla ont montré Syden aux Kaaistudio’s, un spectacle autour de voyages et de séjours dans le Midi. Landscape Orchestra seeks a musical answer to the question of how we can depict departure, travel, and arrival. The production visits the landscapes that we traverse on our way to different and better places. A series of portraits shows people for whom the world is difficult but not necessarily less poetic.

#imaginethis #madeinbxl #society

THU 10, FRI 11, SAT 12/10 20:30

kaaitheater co-production

premiere

KAAISTUDIO’S | DUTCH/FRENCH | € 14/10 CONCEPT Niko Hafkenscheid, Hedvig Biong, Pablo Castilla | BY & WITH Barry, Mohammed Ndoye, Diamond, Mamadou, Hanane, Lydia, Darwish, Abdou, Sergio, Jonathan, Ahmed | PRODUCTION Globe Aroma | CO-PRODUCTION Kaaitheater, Nouveau Théâtre de Montreuil

MILO RAU/NTGENTCH/BE Orestes in Mosul

Een schijnbaar eindeloze keten van moorden en bloedwraak: dat is de plot van de Oresteia. Agamemnon offert zijn dochter Iphigeneia, zijn vrouw Klytaimnestra doodt hem en wordt op haar beurt vermoord door hun eigen zoon. De tragedie van Aeschylos geldt als stichtingsmythe van de westerse beschaving, waarin de principes van bloedwraak en ‘oog om oog’ baan ruimen voor rechtspraak, integratie en verzoening. In Orestes in Mosul combineert Milo Rau de tragedie der tragedies met actuele politieke conflicten. Met een internationaal ensemble van Iraakse en Europese acteurs brengt hij een Oresteia van onze tijd. De centrale vraag luidt: hoe kan er ooit een einde komen aan de keten van geweld tussen de partijen van de Syrisch-Iraakse burgeroorlog en hun internationale bondgenoten? Milo Rau gunt de tragedie haar antieke grootsheid, maar koppelt er tegelijk actuele vragen aan. Wat kan de Oresteia – gerepeteerd en gespeeld in West-Europa en Mosul – vandaag betekenen? • De bekroonde Zwitserse regisseur Milo Rau maakt pakkende films en theatervoorstellingen, die kunst, geschiedenis en politiek mengen. In het Kaaitheater toonde hij Hate Radio, Five Easy Pieces en Compassion – History of the Machine Gun. Milo Rau is sinds 2018 artistiek leider van NTGent. Une succession apparemment sans fin de meurtres et de vengeance : voilà en bref l’intrigue d’Orestie. Agamemnon sacrifie sa fille, Iphigénie. Sa femme, Clytemnestre, le tue pour venger sa fille. À son tour, Oreste, leur fils, tue sa mère tour pour venger son père. La tragédie d’Eschyle constitue le mythe fondateur de la civilisation occidentale dans laquelle le principe de la vengeance – œil pour œil, dent pour dent – cède la place à la justice, l’intégration et la réconciliation. Dans Orestes in Mosul, Milo Rau combine la tragédie des tragédies et des conflits politiques actuels. Avec un ensemble international d’acteurs irakiens et européens, il monte une version contemporaine d’Orestie. La question centrale est la suivante : comment mettre fin à la spirale de violence entre les différentes parties

theatre

belligérantes de la guerre civile syro-irakienne et leurs alliés internationaux ? Milo Rau concède à la tragédie sa grandeur antique, mais y accole en même temps des questions actuelles. Que peut signifier Orestie – répétée et jouée en Europe occidentale et à Mosul – à l’heure actuelle ? • Le metteur en scène suisse primé et prisé Milo Rau réalise des films et des spectacles documentaires poignants, où s’entremêlent l’art, l’histoire et la géopolitique. Le Kaaitheater a présenté Hate Radio, Five Easy Pieces et Compassion – History of the Machine Gun. Depuis 2018, Milo Rau est le directeur artistique de NTGent. An apparently endless chain of murders and blood feuds: this is the plot of the Oresteia. Agamemnon sacrifices his daughter Iphigeneia, his wife Clytaemnestra murders him but is in turn murdered by their own son. Aeschylus’ tragedy is considered the foundation myth of Western civilization, in which the principles of blood feuds and ‘an eye for an eye’ were replaced with jurisprudence, integration and reconciliation. In Orestes in Mosul, Milo Rau combines the tragedy of tragedies with contemporary political conflicts. With an international ensemble of Iraqi and European actors he presents an Oresteia for our time. The central question is: how will the chain of violence between the parties in the Syrian-Iraqi civil war and their international allies ever come to an end? Milo Rau imbues the tragedy with its ancient grandeur, but simultaneously connects it with topical questions. What might the Oresteia – rehearsed and performed in Western Europe and Mosul – mean today? • The award-winning Swiss director Milo Rau makes gripping films and plays that blend art, history and politics. At Kaaitheater, he has presented Hate Radio, Five Easy Pieces and Compassion – History of the Machine Gun, among others. Milo Rau has been the artistic director of NTGent since 2018.

#bignames #challengethesystem #repertoire

‘Met Orestes in Mosul verknopen Rau en zijn dramaturg Stefan Bläske op kristalheldere wijze de tragedie van toen met het Mosul van nu.’ — DE STANDAARD ‘Orestes in Mosul is een nieuwe maatstaf voor moderne bewerkingen van klassieke teksten.’ — NRC HANDELSBLAD

Â© ARBER SEFA

SUN 20/10 15:00

MATINEE KADEE WORKSHOP FOR KIDS While you attend the Sunday matinee performance, your children get to enjoy a creative workshop. Meanwhile, the little ones have fun in the playroom. > p. 128 26

0-12 Y NL FR EN

VERA TUSSINGDE/BE Tactile Quartet(s)

In Tactile Quartet(s) bouwt Vera Tussing verder op haar vorige choreografische expedities en activeert ze opnieuw de zintuigen. Deze keer nodigt ze het strijkkwartet Quatuor MP4 en vier dansers uit op scène voor een speelse ontmoeting tussen beweging en geluid. Wat gebeurt er wanneer we de bewegingen van een strijkkwartet serieus nemen als een choreografie, en meedansen? De vier muzikanten spelen passages uit diverse kwartetten, van Franz Schubert, Anton Dvorak en Florence Price tot hedendaagse werken van Georg Friedrich Haas en Caroline Shaw. Ondertussen wagen ze zich aan één-op-één aanrakingen met het publiek, waardoor een fysiek tegenspel ontstaat. Alles vloeit voort uit aanraking – een strijkstok op een snaar, een arm op een schouder, een akoestische gewaarwording op je huid. De dansers bemiddelen de ontmoeting tussen muzikaliteit en tastzin, hun choreografie slingert heen en weer tussen voelen, zien en horen. Op het punt waar de banen van dans en muziek elkaar kruisen, word je uitgenodigd om binnen te treden in de caleidoscopische partituur. Geef een hand of arm! • Choreografe Vera Tussing focust al langer op zintuiglijkheid, zoals met T-Dance, Mazing of The Palm of Your Hand. Sinds 2017 is ze artist-in-residence in het Kaaitheater. Dans Tactile Quartet(s), Vera Tussing poursuit le travail entamé dans ses expéditions chorégraphiques précédentes et stimule à nouveau les sens. Cette fois, elle invite Quatuor MP4 et quatre danseurs à une rencontre ludique entre mouvement et son. Que se produit-il quand on prend les mouvements d’un quatuor à corde au sérieux, comme s’il s’agissait d’une chorégraphie et qu’on se joint à cette danse ? Les quatre musiciens jouent des passages de divers quatuors, allant de Franz Schubert, Anton Dvorak et Florence Price à des œuvres contemporaines de Georg Friedrich Haas et Caroline Shaw. Entre-temps, ils se risquent à toucher individuellement les membres du public, créant de la sorte un contre-jeu physique. Tout découle du toucher – l’archet contre une corde, un bras sur une épaule, une sensation acoustique sur la peau.

dance/music

Les danseurs se posent en médiateurs du spectacle entre musicalité et toucher, leur chorégraphie oscille entre ressentir, voir et entendre. Là où se croisent la danse et la musique, nous sommes invités à entrer dans la partition kaléidoscopique. Tendez une main ou un bras ! • La chorégraphe Vera Tussing se focalise depuis longtemps sur la sensorialité, comme dans T-Dance, Mazing ou The Palm of Your Hand. Depuis 2017, elle est artiste en résidence au Kaaitheater. In Tactile Quartet(s), Vera Tussing builds on her earlier choreographic explorations in the sensory engagement of an audience. This time, she has invited the string quartet Quatuor MP4 to join four dancers onstage for a playful encounter between movement and sound. What happens when we take the movements of a string quartet seriously as a choreography, and dance along? The four musicians play passages from various quartets by Franz Schubert, Anton Dvorak and Florence Price as well as contemporary works by Georg Friedrich Haas and Caroline Shaw. As they play, the musicians engage in one-on-one tactile encounters with the audience, creating physical interaction. Everything arises from touch – a bow on a string, an arm on a shoulder, an acoustic sensation on your skin. The dancers mediate the encounter between musicality and tactility, their choreography oscillating between touch, sight, and hearing. At the point where the orbits of dance and music intersect, you are invited to enter the kaleidoscopic score. Lend a hand, or an arm! • Choreographer Vera Tussing has focused for many years on the sensorial, such as in her works T-Dance, Mazing or The Palm of Your Hand. She has been an artist-in-residence at Kaaitheater since 2017.

#ilovemusic #madeinbxl #repertoire

SAT 19/10 20:30 + SUN 20/10 15:00

kaaitheater co-production

artist-in-residence

premiere

KAAITHEATER | € 16/12/10 CREATION & DIRECTION Vera Tussing | CO-CREATION & DANCE Zoltan Vakulya, Yoh Morishita, Esse Vanderbruggen, Vera Tussing | CO-CREATION & MUSIC Quatuor MP4 (Claire Bourdet, Margaret Hermant, Pierre Heneaux, Merryl Havard) | MUSIC EXCERPTS Anton Dvorak, Georg Friedrich Haas, Florence Price, Caroline Shaw, Franz Shubert, Michael Picknett | MUSICAL COLLABORATION & TECHNICAL DIRECTION Michael Picknett | COSTUME & SET DESIGN Jivan van der Ende | CONTEXTUAL RESEARCH & DRAMATURGY JS Rafaeli & Sebastian Kann | PRODUCTION Hiros | CO-PRODUCTION Kaaitheater | IN COLLABORATION WITH Universal Edition Wien, Auteursbureau ALMO Antwerpen

MICHIEL VANDEVELDE & fABULEUSBE Paradise Now (1968–2018)

performance/dance

Avignon, juli 1968: het legendarische Paradise Now van The Living Theatre gaat in première. De spelers proberen een revolutie te ontketenen door het publiek in een staat van paraatheid te brengen. Mei 2018. Michiel Vandevelde gaat op zoek naar de restanten van de erfenis van mei ’68, samen met een nieuwe generatie jongeren. Openen er zich nieuwe toekomstperspectieven wanneer zij een halve eeuw geschiedenis scannen in een wilde choreografie van iconische beelden? • Artist-in-residence Michiel Vandevelde werkt als choreograaf en als curator, en toonde zowat al zijn werk in het Kaaitheater. Rode draad in zijn voorstellingen is een politiek en artistiek activisme. Paradise Now (1968–2018) was voor het eerst in Brussel te zien in mei 2018, werd geselecteerd voor het TheaterFestival 2019, en keert nu terug na een Europese tournee.

Avignon, July 1968: the premiere of the legendary Paradise Now by The Living Theatre. The actors attempt to incite a revolution by putting the audience in a state of readiness. May 2018. Michiel Vandevelde goes in search of traces of the legacy of May ’68, along with a new generation of young performers. Will they open new perspectives on the future when they research half a century of history in a wild choreography of iconic images? • Artist-in-residence Michiel Vandevelde works as a choreographer and as a curator, and has presented almost all of his work at Kaaitheater. The main leitmotif in his productions is political and artistic activism. Paradise Now (1968–2018) was first performed in Brussels in May 2018, was selected for the TheaterFestival 2019, and is now returning after a European tour.

#challengethesystem #nxtgen #repertoire

FRI 25/10 20:30

artist-in-residence

KAAITHEATER | DUTCH/FRENCH/ENGLISH | 1H20 | € 14/10 CHOREOGRAPHY Michiel Vandevelde | WITH Zulaa Antheunis, Sarah Bekambo, Jarko Bosmans, Bavo Buys, Wara Chavarria, Judith Engelen, Abigail Gypens, Lore Mertens, Anton Rys,Margot Timmermans, Bo Van Meervenne, Esra Verboven, Aron Wouters | PRODUCTION fABULEUS

Avignon, juillet 1968: la première du légendaire Paradise Now de la compagnie The Living Theatre. Les acteurs tentent de déclencher une révolution en sensibilisant le public. Bruxelles, mai 2018. Michiel Vandevelde et une nouvelle génération de très jeunes gens partent à la recherche de ce qui subsiste de l’héritage de Mai 68. De nouvelles perspectives d’avenir se profilent-elles lorsque ces derniers balayent un demi-siècle d’histoire dans une chorégraphie effrénée d’images iconiques ? • L’artiste en résidence au Kaaitheater Michiel Vandevelde est actif en tant que chorégraphe et curateur d’expositions. Le Kaaitheater a présenté quasi toutes ses créations. Le fil rouge qui les traverse est un activisme politique et artistique. Cette saison, il présente en outre Goldberg Variations et Human Landscapes 1 & 2. Paradise Now (1968–2018) était pour la première fois à l’affiche à Bruxelles en mai 2018, a été sélectionné pour le TheaterFestival 2019, et nous revient à présent après une tournée européenne.

RADOUAN MRIZIGAMA & fABULEUSBE 8.2

dance

Pour 8.2, le chorégraphe Radouan Mriziga s’inspire d’un ancien amour : la musique rap. Avec sept jeunes danseurs, il se plonge dans tout ce qui rend le rap unique : le rythme, le flow, les postulats et les gestes, l’histoire des grands maîtres jusqu’à Kendrick Lamar. 8.2 tente de saisir la quintessence d’un style musical qui transcende les modes et les générations et ne cesse de se réinventer. • Radouan Mriziga a suivi une formation de danse en Tunisie et à PARTS, à Bruxelles. Ses spectacles analysent les rapports entre mouvement, construction et composition, entre corps et architecture. Il est artiste en résidence à Moussem Centre nomade des Arts et au Kaaitheater, où il a présenté les premières de son solo 55 et de ses chorégraphies de groupes 3600 et 7. Dans le cadre de Performatik19, il a créé 0.KANAL à KANAL – Centre Pompidou. 8.2 a été sélectionné pour le TheaterFestival 2019.

Voor 8.2 liet choreograaf Radouan Mriziga zich inspireren door een oude liefde: rapmuziek. Samen met zeven jongeren verdiepte hij zich in alles wat rap uniek maakt: het ritme, de flow, de statements en gebaren, en de geschiedenis van de grandmasters tot Kendrick Lamar. In 8.2 proberen ze de essentie te vatten van een muziekstijl die trends overstijgt en generaties overleeft – en zichzelf telkens opnieuw uitvindt. • Radouan Mriziga volgde dansopleidingen in Tunesië en aan PARTS in Brussel. Zijn performances onderzoeken de verhouding tussen beweging, constructie en compositie, tussen lichaam en architectuur. Hij is artist-in-residence bij Moussem Nomadisch Kunstencentrum en Kaaitheater. Zijn solo 55 en de groepswerken 3600 en 7 gingen telkens hier in première. Tijdens Performatik19 maakte hij in KANAL – Centre Pompidou 0.KANAL. 8.2 werd geselecteerd voor het TheaterFestival 2019. For 8.2, choreographer Radouan Mriziga was inspired by an old love: rap music. Along with seven young people, he researched everything that makes rap unique: the rhythm, the flow, the statements and gestures, and its history from the grandmasters to Kendrick Lamar. In 8.2, they attempt to capture the essence of a style of music that transcends musical trends and survives across generations – and which constantly reinvents itself. • Radouan Mriziga studied dance in Tunisia and at PARTS in Brussels. His performances explore the relationships between movement, construction and composition, bodies and architecture. He is currently an artist-in-residence at Moussem Nomadic Arts Centre and Kaaitheater. His solo 55 and the group works 3600 and 7 each premièred here. During Performatik19, he presented 0.KANAL at KANAL – Centre Pompidou. 8.2 was selected for the TheaterFestival 2019.

‘De zeven dansers zijn prachtig om te zien, in al hun overgave, diversiteit en kleurrijke outfits Samen met choreograaf Radouan Mriziga brouwden ze een fascinerende medley, vol rapflows en moves.’ — DE STANDAARD ‘Rap is hier een vehikel voor, of zelfs de expressie van, wat een generatie bezig houdt.’ — ETCETERA #energizeme #ilovemusic #nxtgen

SAT 26/10 20:30

artist-in-residence

KAAITHEATER | 50 MIN. | € 14/10 CHOREOGRAPHY, CONCEPT & FORM Radouan Mriziga | WITH Tars Couvreur, Amina Iddrisu, Mimbi Lubansu, Ebe Meynckens, Nick Van de Velde, Julie Van Minnebruggen & Sadie Vermeiren | COSTUME DESIGN Lila John | PRODUCTION hetpaleis, fABULEUS & Moussem Nomadic Arts Centre | CO-PRODUCTION STUK

THOMAS RYCKEWAERTBE Move 37

lecture performance

‘Move 37’ verwijst naar een historische wedstrijd Go, het oudste bordspel ter wereld. In de 37ste zet wint het door Google ontwikkelde neuraal netwerk AlphaGO van de Go-wereldkampioen Lee Sedol. Niemand had verwacht dat een machine de mens kon verslaan. Voor zijn lecture-performance Move 37 verdiept Thomas Ryckewaert zich in artificiële intelligentie en kosmologie. Samen met kosmoloog Thomas Hertog (KU Leuven) zoekt hij naar manieren om het radicaal vreemde bloot te leggen. ‘We stoten op de grenzen van onze kennis bij het horen van Hertogs kosmologische inzichten en dat is een bevreemdende maar ook nederige ervaring’, aldus Ryckewaert. Alles komt op losse schroeven te staan: het menselijke wordt alien, de computer intuïtief, de zintuigen bedriegen en de robot… droomt. • Thomas Ryckewaert studeerde zowel biologie, filosofie als theater. In zijn voorstellingen komen al die interesses samen. In 2017 stond hij in het Kaaitheater met Golem.

‘Move 37’ refers to a historic match of Go, the oldest board game in the world. In the 37th move, the Googledeveloped neural network AlphaGO beats the Go world champion Lee Sedol. Nobody had expected that a machine could beat a human. For his lecture-performance Move 37, Thomas Ryckewaert researched artificial intelligence and cosmology. Along with cosmologist Thomas Hertog (KU Leuven), he explores ways of uncovering the radically strange. ‘We run up against the boundaries of our knowledge when we hear Hertog’s cosmological insights and that is an alienating but also humbling experience’, Ryckewaert says. Everything becomes unhinged: the human becomes alien, the computer becomes intuitive, your senses deceive you, and the robot… dreams. • Thomas Ryckewaert studied biology, philosophy and theatre. All of these interests converge in his work for the theatre. In 2017, he presented Golem at Kaaitheater.

#hightech #imaginethis

Pour sa lecture performance Move 37, Thomas Ryckewaert se penche sur l’intelligence artificielle et la cosmologie. Avec le cosmologue Thomas Hertog (KU Leuven), il cherche des moyens de révéler l’étrangeté extrême. Nous nous heurtons aux limites de notre connaissance en entendant les notions cosmologiques de Hertog, ce qui constitue une expérience qui touche à l’étrangeté, mais à l’humilité aussi.

November

Â© KOEN BROOS

DE KOEBE & MUGMETDEGOUDENTANDNL seks(e)(n) In 1809 schrijft Goethe Die Wahlverwandtschaften. Vier personages – een echtpaar, hun nichtje en een vriend – plant hij neer op een landgoed, en hij observeert hun reacties. Volgen ze hun driften, hun passies, de zogenaamde natuurwetten? Of zijn hun beslissingen rationeel, hebben ze een vrije wil? Een soort 19e-eeuwse Temptation Island dus, met ook toen al een catastrofaal einde. Nu schrijven de KOE en Lineke Rijxman van Mugmetdegoudentand een nieuwe Wahlverwandtschaften. Opnieuw twee vrouwen, twee mannen, een landgoed – maar een onvergelijkbaar klimaat. In Goethes tijd was de natuur een ruimte zonder mensen: wij waren afhankelijk van haar, maar zij niet van ons. Anno 2019 schudt en beeft de natuur door ons toedoen. Hoe vergaat het de twee koppels, nu we de natuur niet langer de schuld kunnen geven van onze driften en verlangens? Opnieuw catastrofaal? Of catastrofaler? • De KOE is het theatergezelschap rond Willem de Wolf, Peter Van den Eede en Natali Broods, en was al vaak te zien op de Kaaitheater-scène. Dit jaar viert het gezelschap zijn 30-jarige bestaan. De Amsterdamse groep Mugmetdegoudentand werd in 1985 opgericht door regisseur Jan Ritsema. In 2015 stond Mugmetdegoudentand in de Kaaistudio’s met Hannah en Martin, een memorabele dialoog tussen Willem de Wolf en Lineke Rijxman.

theatre

En 1809, Goethe écrit Die Wahlverwandtschaften. Quatre personnages réunis dans une propriété à la campagne, dont l’écrivain observe les réactions. De KOE et Lineke Rijxman écrivent une nouvelle version de Die Wahlverwandtschaften. Qu’arrive-t-il aux deux couples, à présent qu’on ne peut plus imputer à la nature tous nos désirs et nos pulsions ? De nouveau une catastrophe ? Encore pire ? In 1809, Goethe wrote Die Wahlverwandtschaften. He places four characters on a country estate, and observes their reactions. De KOE and Lineke Rijxman have now written a new Wahlverwandtschaften. How will the two couples fare, now that we can no longer blame nature for our whims and desires? Will it be as catastrophic? Or even more catastrophic?

#bignames #gender #repertoire

TUE 5, WED 6, THU 7/11 20:30

premiere

KAAISTUDIO’S | DUTCH | € 18/14/10 VAN & MET Lineke Rijxman, Natali Broods, Willem de Wolf & Peter Van den Eede | GEBASEERD OP DE IDEEËN VAN Die Wahlverwandtschaften van Johann Wolfgang Goethe | DECOR, LICHT & GELUID Bram De Vreese & Shane Van Laer | EEN CO-PRODUCTIE VAN de KOE & Mugmetdegoudentand

JÉRÔME BELFR Rétrospective

Jérôme Bel en est à sa vingtième pièce. La plupart des dix-neuf productions précédentes ont été à l’affiche du Kaaitheater. Des spectacles comme Jérôme Bel, Le dernier spectacle, The show must go on ou le récent Gala ont exercé une influence énorme sur l’évolution des arts du spectacle vivant depuis le début des années 90. Cette fois, Bel n’emprunte pas de nouvelle voie, mais se retourne et jette un regard subjectif sur ses travaux précédents. Remontant le fil de ses archives vidéo, il en distille des extraits de ses spectacles les plus significatifs pour reconstituer, à travers un montage minutieux, le déploiement de sa réflexion sur la danse. En se concentrant sur le nouage entre danse et politique, il fait mieux ressortir les préoccupations centrales (le corps, le langage, la culture, le pouvoir, la vulnérabilité). Le vingtième spectacle de Jérôme Bel en est donc devenu un film sans aucune présence vivante sur scène. Après la projection suit une longue discussion avec le chorégraphe. This is Jérôme Bel’s twentieth production. The majority of his nineteen previous works were performed at Kaaitheater. With productions like Jérôme Bel, Le dernier spectacle, The show must go on, or the recent Gala, Bel has had an enormous influence on the development of the performing arts since the early 90s. For once, Bel is not exploring new avenues, but is looking back. Rétrospective is a subjective reflection on his own work. Bel chose a variety of dance fragments from his video archive. Through meticulous editing, he has used them to reconstruct the development of his thinking about dance. By emphasizing the links between dance and politics, he foregrounds central themes in his work (body, language, culture, power, vulnerability…). The twentieth Bel is one without the live presence of performers. After the film screening, there will be an extended conversation with the choreographer.

Although Jérôme Bel’s company no longer travels by plane for ecological reasons, the film medium of Rétrospective allows for an international tour.

#bignames #repertoire

THU 7/11 20:30 KAAITHEATER | LANGUAGE NO PROBLEM + TALK IN ENGLISH | 1H15 | € 10 CONCEPTION Jérôme Bel | FILMMAKERS Marie-Hélène Rebois, Aldo Lee, Pierre Dupouey, Jérôme Bel, Fabrice Aragno | EDITOR Oliver Vulliamy | PRODUCTION R.B. Jérôme Bel | CO-PRODUCTION Théâtre VidyLausanne, HAU Hebbel am Ufer, La Commune Centre dramatique national d’Aubervilliers, Théâtre de la Ville, Festival d’Automne à Paris

Jérôme Bel is aan zijn twintigste productie toe. Van de negentien voorafgaande zijn de meesten in het Kaaitheater te zien geweest. Bel heeft met voorstellingen als Jérôme Bel, Le dernier spectacle, The show must go on of het recente Gala een enorme invloed gehad op de ontwikkeling van de podiumkunsten sinds het begin van de jaren 90. Voor één keer slaat hij geen nieuwe wegen in maar kijkt hij achterom. Rétrospective is een subjectieve terugblik op het eigen werk. Uit zijn videoarchief koos Bel verschillende dansfragmenten. Via een zorgvuldige montage reconstrueert hij daarmee de ontwikkeling van zijn denken over dans. Door de nadruk te leggen op de verwevenheid van dans en politiek komen centrale thema’s in zijn werk (lichaam, taal, cultuur, macht, kwetsbaarheid…) bovendrijven. De twintigste Bel is er dus één geworden zonder live aanwezigheid van performers. Na de filmvertoning volgt een uitgebreid nagesprek met de choreograaf.

film + talk

JÉRÔME BELFR Conférence sur rien (1949)

lecture performance

I am here

and there is nothing to say If

among

you

. are

those who wish to get somewhere , let them leave at any moment silence is

What we re—quire

;

but what silence requires

that

talking

is .

Give any one thought a push

: it falls down easily

; but the pusher and the pushed pro—duce that enter— tainment

called

a dis—cussion.

Shall we have one later? Or

we could simply de—cide

cussion

not to have a dis—

. What ever you like.

now

But

there are silences

words

make

silences

help

and the make

the

I have nothing to say and I am saying it poetry

and that is as need it

‘I am here and I have nothing to say.’ Met deze woorden begon de Amerikaanse componist, theoreticus en filosoof John Cage in 1949 zijn Lecture on Nothing in de New Yorkse Artists’ Club. De tekst had veel weg van een hypnotiserende partituur die de structuur volgde van Cage’s recente muzikale composities – inclusief zijn bijzondere aandacht voor stilte. Tegelijk was het een artistiek manifest: een stream of consciousness van poëzie, filosofie en autobiografische fragmenten waarin cruciale vragen kwamen bovendrijven. Wat hebben we nodig? Waar vinden we geluk? En hoe kun je van de wereld houden? • De Franse choreograaf Jérôme Bel staat al meer dan 20 jaar op de scène van het Kaaitheater. We toonden o.a. The show must go on, Pichet Klunchun and myself en Jérôme Bel.

LECTURE ON NOTHING

« Je n’ai rien à dire et je le dis. » C’est avec ces paroles que le compositeur, théoricien et philosophe états-unien John Cage entame son discours Lecture on Nothing à l’Artists’ Club à New York en 1949. Le texte emprunte beaucoup à une partition hypnotique qui suivrait la structure des récentes compositions musicales de Cage – y compris une attention particulière au silence. En même temps, il s’agit d’un manifeste artistique : un flux de conscience de poésie, de philosophie et de passages autobiographiques dans lequel des questions cruciales font surface. De quoi avons-nous besoin ? Où trouver la joie ? Comment aimer le monde qui nous entoure ? • Le chorégraphe français Jérôme Bel monte depuis plus de vingt ans sur les planches du Kaaitheater. Nous avons présenté, entre autres, The show must go on, Pichet Klunchun and myself et Jérôme Bel. ‘I am here and I have nothing to say.’ These are the words with which John Cage opened his Lecture on Nothing at the New York Artists’ Club in 1949. The text was like a hypnotizing score that mirrored the structure of Cage’s recent musical compositions – including his particular attention to silence. Jérôme Bel is now presenting the lecture in French.

#bignames #daredevil #repertoire

FRI 8/11 20:30 KAAITHEATER | FRENCH | 1H | € 16/12/10

BY John Cage | READ BY Jérôme Bel | TRANSLATION TO FRENCH Vincent Barras in Silence – Conférences et écrits (Éditions Héros-Limite) | PRODUCTION R.B. Jérôme Bel

Â© CHRISTOPHE MEIERHANS

CHRISTOPHE MEIERHANSCH/BE Trials of Money

‘Money rules the world,’ hoor je wel eens. Is geld aansprakelijk voor wat er zich afspeelt in de wereld die erdoor wordt geregeerd? Kunnen we het ter verantwoording roepen voor de erbarmelijke situatie waarin veel mensen zich vandaag bevinden? Deze vragen liggen in Trials of Money op tafel. Gebaseerd op interviews met een waaier aan personen – een psycholoog, een ex-bankier, een dakloze, een rijke filantroop… – voert de voorstelling negen personages op. Christophe Meierhans nodigt je uit mee te onderzoeken wat geld precies is en doet. Staat geld enkel maar ten dienste van de mens? Of zijn er andere manieren waarop je onze relatie met dit zelfuitgevonden ruilmiddel kunt bekijken? • Christophe Meierhans maakte de voorbije jaren indruk met Some Use for Your Broken Clay Pots en A Hundred Wars to World Peace – voorstellingen waarvan de uitkomst steevast in handen ligt van het publiek. Vorig seizoen ging hij in première met Trials of Money, waarin hij geld letterlijk voor de rechtbank daagde. Nu brengt hij een herwerkte soloversie, zowel bedoeld voor het theater, als voor klassen economie, conferenties, bestuursvergaderingen, enzovoort. Meierhans is artist-in-residence in het Kaaitheater voor de periode 2017–2021. Hij maakt deel uit van de Extinction Rebellion-beweging.

theatre

‘Money rules the world,’ it is sometimes said. Is money responsible for what has happened in the world under its governance? Can we call it to account for the horrifying situations in which many people find themselves today? These are the questions addressed by Trials of Money. Based on interviews with a range of different people – a psychologist, an ex-banker, a homeless person, a rich philanthropist… – the production presents nine characters. Christophe Meierhans invites you to join him in an investigation of what money is and does. Does money exist solely to serve humanity? Or are there other ways of looking at our relationship with this system of exchange we have invented for ourselves? • Christophe Meierhans has made a big impression over the past few years with Some Use for Your Broken Clay Pots and A Hundred Wars to World Peace – productions of which the endings are always determined by the audience. Last season, he premiered Trials of Money, in which he literally took money to court. He is now presenting a revised solo version, meant for the theatre as well as for classes of economics, conferences, company board meetings, etcetera. Meierhans is an artist-in-residence at Kaaitheater from 2017 until 2021. He is a member of the Extinction Rebellion movement.

S’il est vrai que l'argent gouverne le monde, ne pourraiton pas alors lui demander de rendre des comptes sur la misère qui sévit toujours dans le monde aujourd’hui ? Christophe Meierhans nous invite à une investigation de de ce qu’est et de ce que fait précisément l’argent. La saison passée, il a présenté une première de Trials of Money, à présent, il propose une version retravaillée en solo, pensée autant pour le théâtre que pour d'autres contextes tels qu'un cours d'économie, une conférence, une réunion d'employés d'une entreprise…

#challengethesystem #daredevil #madeinbxl

THU 14, FRI 15/11 20:30

kaaitheater co-production

artist-in-residence

KAAISTUDIO’S | ENGLISH | 2H30 | € 14/10 CONCEPT & REALISATION Christophe Meierhans | PERFORMANCE Christophe Meierhans, Luca Mattei | WITH THE COLLABORATION OF Shila Anaraki, Jochen Dehn, Adva Zakai | DRAMATURGY Bart Capelle | ORIGINAL SCENOGRAPHY Decoratelier Jozef Wouters | LIGHT SABER MICROPHONES Alexis Pawlak, Gaia Carabillo | COSTUME DESIGN Sofie Durnez, Valerie Le Roy | CO-PRODUCTION Kaaitheater, AUAwirleben, BIT Teatergarasjen, BUDA, FAR°, Nouveau Théâtre de Montreuil, Teatro Maria Matos, Vooruit, ZonaK

MIET WARLOP & NTGENTBE Ghost Writer and the Broken Hand Break

Een falende handrem is een klassiek ingrediënt voor nachtmerries: de controle verliezen, niet meer kunnen stoppen, afstevenen op een crash. Anderzijds kan het ook betekenen: je vrij voelen en zonder remmingen vooruitsnellen. Maar is beweging altijd een beweging voorwaarts? Wie in cirkels beweegt, eindigt bij het begin, en begint bij het einde. In Ghost Writer and the Broken Hand Break draaien drie performers drie kwartier lang rond hun as – een beweging die in Sufi-ceremonies moet leiden tot een staat van religieuze euforie. In Miet Warlops versie wordt het een experiment op de fijne scheidslijn tussen controle hebben en verliezen. Het is een mengeling van wervelende dans, voordracht en concert. Hoe kun je een evenwicht vinden tussen zelfbeheersing en devotie? • Miet Warlop studeerde driedimensionale kunst aan het KASK in Gent. In haar werk rijgt ze beelden aaneen tot verbluffende tableaux vivants. Ze stond met meerdere performances in de Kaaistudio’s (o.a. met Springville en Big Heap/Mountain), en haar werk prijkte – ook letterlijk – op de affiche van Performatik17. Un frein à main défectueux est un ingrédient classique des cauchemars : perdre le contrôle, ne plus pouvoir s’arrêter, foncer tout droit vers l’accident. D’autre part, cela peut aussi signifier : se sentir libre, avancer sans entrave. Mais un mouvement est-il toujours un mouvement en avant ? Qui se meut en cercle finit au début et débute à la fin. Dans Ghost Writer and the Broken Hand Break, trois performeurs tournent trois quarts d’heure sur euxmêmes – un mouvement censé mener à un état d’extase mystique dans certaines cérémonies soufies. Dans la version de Miet Warlop, cela devient une expérience à la limite du maintien et de la perte de contrôle. Un brassage de danse virevoltante, de récitation et de concert. Comment trouver un équilibre entre maîtrise de soi et dévotion ? • Miet Warlop a étudié l’art tridimensionnel à l’Académie des Beaux-Arts (KASK) à Gand. Dans son œuvre, les images se succèdent et forment de stupéfiants tableaux vivants. Elle a présenté plusieurs de ses performances aux Kaaistudio’s (entre autres, Springville et Big Heap/Mountain) et était – littéralement – à l’affiche de Performatik17.

dance/music

A broken hand break is a classic ingredient of nightmares: losing control, not being able to stop, heading for a crash. On the other hand, it may also signify a sense of free and uninhibited momentum. But is movement always a move forward? If you move in a circle, you end at the beginning and begin at the end. In Ghost Writer and the Broken Hand Break, three performers spend three quarters of an hour turning around their own axis – a movement that in Sufi ceremonies is thought to lead to religious euphoria. In Miet Warlop’s version, it becomes an experiment on the fine line between maintaining and losing control. It is a combination of swirling dance, recital and concert. How can you find a balance between self-control and devotion? • Miet Warlop studied three-dimensional art at the KASK in Ghent. Her work threads together images to create astonishing tableaux vivants. She has presented several performances at the Kaaistudios (e.g. Springville and Big Heap/Mountain). She was part of the programme of Performatik17, for which she also created the poster image.

#energizeme #ilovemusic #visuallystunning

‘Soms zie je een voorstelling die je eraan herinnert wat je in zoveel andere voorstellingen mist. Ghost Writer and The Broken Hand Break van kunstenaar Miet Warlop is er zo eentje – er gebeurt iets, er ontstaat iets dat je hart sneller doet slaan omdat je op dat eigenste moment toeschouwer/deelgenoot bent van een geboorte.’ — DE TIJD

SUN 17/11 15:00

MATINEE KADEE WORKSHOP FOR KIDS While you attend the Sunday matinee performance, your children get to enjoy a creative workshop. Meanwhile, the little ones have fun in the playroom. > p. 128

0-12 Y NL FR EN

‘A leap into the unknown with the audience as a witness.’ — DE MORGEN ‘A performance combining understatement and mastery.’ — DER STANDARD

MEG STUARTBE/DE/US & TIM ETCHELLSUK Shown and Told

Like boarded up windows, like stone steps, like the sound of voices from a far away room, like the smell of burning, like the way that condensation forms on windows, like searching for something, like searching through rooms. — TIM ETCHELLS

dance/performance

Shown and Told is een dynamische performance-collage, opgebouwd uit gestructureerde improvisatie en associatieve sprongen. Het is een ontmoeting tussen choreograaf en danser Meg Stuart en schrijver/performancekunstenaar Tim Etchells (Forced Entertainment). Samen gaan ze op zoek naar de relatie tussen beweging, beeld en het lichaam als performance-instrument. Steunend op levendige beelden, zowel fysiek als talig, creëren de twee performers een dialoog die afwisselend stoer, ontroerend en komisch is. Shown and Told ging in 2016 in première in de Kaaistudio’s – en keert nu terug na een uitvoerige toernee. Shown and Told, une rencontre entre la chorégraphe et danseuse Meg Stuart et l’auteur et créateur de spectacles Tim Etchells (Forced Entertainment), est un collage dynamique composé d’improvisations structurées et de sauts associatifs. Ensemble, ils partent en quête de la relation entre le mouvement, l’image et le corps en tant qu’instrument du spectacle vivant. Shown and Told is a dynamic performance-collage founded on structured improvisation and associative leaps. It is an encounter between choreographer and dancer Meg Stuart and writer/performance artist Tim Etchells (Forced Entertainment). Together, they explore the relationship between movement, images and the body as a performance instrument. Using lively images, both physical and linguistic, the two performers develop a dialogue that is by turns tough, moving and comical. Shown and Told premiered at the Kaaistudios in 2016 – and it is now returning after an extensive tour.

#tender #daredevil #madeinbxl

THU 21, FRI 22, SAT 23/11 20:30 KAAISTUDIO’S | ENGLISH | 1H | € 18/14/10

CREATION & PERFORMANCE Tim Etchells & Meg Stuart | LIGHT DESIGN Gilles Roosen | COSTUME DESIGN Annabel Heyse | PRODUCTION Damaged Goods

MICHIEL VANDEVELDEBE Human Landscapes I + Human Landscapes II

Where is the world headed? Where are people going? To understand that, we have to know where we’ve come from and where we are. — NÂZIM HIKMET, Human Landscapes from My Country

Als er in de 20e-eeuw één dichter is geweest die in Turkije voor opschudding zorgde, dan is het wel Nâzım Hikmet (1902–1963). Eind jaren 20 introduceerde hij het vrije vers in de Turkse poëzie en werd zo de eerste Turkse moderne dichter. Zijn marxistische overtuiging bracht hem voortdurend in aanvaring met de Turkse autoriteiten. Na een serie processen en vele jaren gevangenschap stierf hij in 1963 als balling in Moskou. De politieke controverse rond zijn persoon duurt ook vandaag nog voort. Mensenlandschappen, zijn absolute meesterwerk, schreef Hikmet grotendeels in gevangenschap. Duizenden verzen, soms letterlijk met bloed geschreven, liet hij naar buiten smokkelen. Het epische gedicht schetst een beeld van een woelig Turkije in de periode 1908-1945. Met op de achtergrond het onveranderlijke, eindeloze landschap van Anatolië krijgen vooral boeren, dagloners, arbeiders en soldaten een stem. Het vijfhonderd bladzijden tellende epos raakte pas na zijn dood gepubliceerd, opgedeeld in vijf ‘boeken’. Michiel Vandevelde zette vorig jaar Book I op het toneel in opdracht van het Oostenrijkse festival steirischer herbst. In september 2019 volgt Book II. Voor Book I, dat zich afspeelt in een derdeklasse-treinwagon, koos Vandevelde voor een donkere, intieme setting. De vijf acteurs bewegen zich traag voort tussen het publiek dat op de grond zit of ligt. Ze banen zich een weg door een ‘mensenlandschap’, voortgestuwd door Hikmets overtuiging dat ieder mens zich louter door zijn eigen wilskracht kan optrekken uit de meest ellendige situaties. In Book II komen de rijken uit de eersteklassewagons aan het woord. Tegenover hun verhalen en bedenkingen bij de oorlog die er zit aan te komen, plaatst Vandevelde live gezongen arbeidersliederen. • Michiel Vandevelde is danser, choreograaf, curator, en performancemaker. Van 2017 tot 2021 is hij artist-inresidence in het Kaaitheater.

performance

À la fin des années 20, Nâzım Hikmet introduit la versification libre dans la poésie turque et devient ainsi le premier poète turc moderne. Paysages humains, son chef-d’œuvre absolu, a été écrit en grande partie en détention. Cette épopée de cinq cents pages n’a été publiée qu’après sa mort, partagée en cinq volumes. La saison passée, Michiel Vandevelde a porté à la scène le premier volume, Book I, à la demande du festival steirischer herbst. En septembre 2019 suit Book II. If there is one poet who caused upheaval in Turkey in the 20th century, then it is Nâzım Hikmet (1902–1963). In the late 1920s, he introduced free verse to Turkish poetry, and he was thus the first modern Turkish poet. His Marxist convictions constantly brought him into conflict with the Turkish authorities. After a series of trials and many years in prison, he died in 1963 as an exile in Moscow. The political controversy surrounding his life and work continues to rage today. Hikmet wrote the majority of Human Landscapes, his magnum opus, while in prison. Thousands of verses, some of which were literally written in blood, were smuggled out of his cell. The epic poem sketches a portrait of a turbulent Turkey in the period between 1908 and 1945. In the background, the unchanging and endless landscape of Anatolia gives voice to farmers, journeymen, labourers, and soldiers. The five hundred-page epic was only published posthumously, divided into five ‘books’. Michiel Vandevelde staged Book I last year, commissioned by the Austrian festival steirischer herbst. Book II will follow in September 2019. For Book I, which is set in a third-class train carriage, Vandevelde chose a dark, intimate setting. The five actors move slowly between the audience, which sits or lies on the floor. They make their way through a ‘human landscape’, propelled by Hikmet’s conviction that all people need to raise themselves out of the direst situations is their own willpower. Book II brings the wealthy people in the first-class carriage to the fore. Vandevelde juxtaposes their stories and thoughts about the impending war with workers’ songs that are sung live. • Michiel Vandevelde is a dancer, choreographer, curator and performance maker. From 2017 until 2021, he is artist-in-residence at Kaaitheater.

#cometogether #repertoire #tender 42

Human Landscapes – Book I THU 28/11 20:30 + SAT 30/11 18:00

artist-in-residence

belgian premiere

Human Landscapes – Book II FRI 29/11 20:30 + SAT 30/11 21:00

kaaitheater co-production

artist-in-residence

belgian premiere

Â© DANNY WILLEMS

JAN DECORTE & SIGRID VINKS/BLOETBE body a.k.a.

‘Dit is een poging om de absolute zwartheid van het voor-beeld te kantelen in een gouden waas dat de spelers/dansers/zangers bestraalt en beweegt. Er resulteert vreugde, zonlicht, de heldere glans van de maan en een druppel goud/bloed.’ — JAN DECORTE

theatre

In 1994 schreef Jan Decorte zijn onnavolgbare theatertekst Bloetwollefduivel: een gitzwarte abstrahering van het ultieme stuk over het kwaad: Shakespeares Macbeth. In het geraas en getier, in het hakken en moorden van Bloetwollef, resoneert de gruwel van deze wereld. Het was een ware ‘descente aux enfers’ die zonder omwegen afstevent op de essentie van het stuk: ‘the horror, the horror’. body a.k.a. vertrekt vanuit deze iconische tekst, maar wil het kwaad bezweren en de neerwaartse spiraal ombuigen naar een extatische roes. Jan Decorte, Sigrid Vinks, terugkerende partner-in-crime Benny Claessens en het jonge multitalent Lisah Adeaga – afgelopen seizoen nog te zien in Decortes Hamlet 0.2 – werpen hun body en soul in de strijd. Een belangrijke rol is weggelegd voor een doordeweekse pollepel. En 1994, Jan Decorte écrit l’inégalable texte de théâtre Bloetwollefduivel : une abstraction d’une noirceur absolue de la pièce ultime sur le mal, Macbeth de Shakespeare. body a.k.a. prend ce texte iconique comme point de départ, mais souhaite conjurer le mal et inverser la spirale infernale en ivresse extatique. Jan Decorte, Sigrid Vinks, Benny Claessens et Lisah Adeaga se jettent corps et âme dans la bataille. In 1994, Jan Decorte wrote his unequalled theatre script Bloetwollefduivel: a jet-black abstraction of the ultimate play about evil: Shakespeare’s Macbeth. body a.k.a. starts from this iconic text but seeks to ward off evil and to turn the downwards spiral into an ecstatic high. Jan Decorte, Sigrid Vinks, Benny Claessens and Lisah Adeaga engage in the battle body and soul.

#bignames #madeinbxl #repertoire

FRI 29, SAT 30/11 20:30

kaaitheater co-production

premiere

KAAITHEATER | DUTCH | € 18/14/10

ECOPOLIS 2019 GENERATION HOPE

talks/debates

Het is de meest opzienbarende gebeurtenis van het afgelopen jaar: de massale opstand van jongeren tegen de klimaatimpasse. Deze Generatie Hoop houdt politici een spiegel voor en katapulteert de klimaatdiscussie naar het hart van het maatschappelijk debat. Door zich te verenigen, geen vrede te nemen met halfslachtige maatregelen en aan te dringen op krachtdadig klimaatbeleid, nemen jongeren een prominente plaats in op het politieke toneel. Hoe houden we de klimaatopwarming onder de 1,5°C? Welk beleid hebben we nodig? Ecopolis 2019 wordt een speciale editie voor en vooral mét #GeneratieHoop, in het teken van een duurzame toekomst op een leefbare planeet. Il s’agit de l’événement le plus retentissant de l’année passée : le soulèvement massif des jeunes contre l’impasse climatique. Cette Génération Espoir tend un miroir aux politiciens et catapulte la question du climat au cœur du débat sociétal. En se réunissant, en n’acceptant plus les demi-mesures et en instant sur une politique climatique

efficace, les jeunes occupent une place prééminente sur l’échiquier politique. Comment maintenir le réchauffement climatique sous 1,5 °C ? De quelle politique avons-nous besoin ? Ecopolis 2019 sera une édition spéciale, pour et surtout avec la #GénérationEspoir, inscrite sous le signe d’un avenir durable sur une planète vivable. It is the most sensational event of the past year: the massive protest of young people against the climate impasse. This Generation Hope holds up a mirror to politicians and has catapulted the climate crisis to the centre of our social debate. By uniting, refusing to accept half-hearted measures and insisting on radical climate policies, young people have occupied a prominent place on the political stage. How can we keep the earth’s warming under 1.5°C? What are the policies that we need? Ecopolis 2019 is a special edition for but especially with #GenerationHope, on the theme of a sustainable future on a liveable planet. #challengethesystem #nxtgen #society

SUN 10/11 11:00 > 18:00 KAAITHEATER | DUTCH/FRENCH/ENGLISH (WITH SIMULTANEOUS TRANSLATION) | € 7 (PRESALE)/€ 10

December

STEFAAN VAN BRABANDT/DE VERWONDERING & JOHAN HELDENBERGHBE Marx

theatre

Welke denker drukte een grotere stempel op de wereldgeschiedenis dan de grondlegger van het socialisme en communisme? Welke filosoof zaaide meer verdeeldheid? Afhankelijk van de interpretatie van zijn woorden, is Karl Marx vervloekt en aanbeden, uitgespuwd en op handen gedragen. Voor sommigen een afgod en bevrijder, volgens anderen plaveide hij de weg naar de hel. Johan Heldenbergh-als-Marx blikt terug op een bewogen leven én denken. Waarin heeft hij zich vergist? En waarin heeft hij gelijk gekregen? Kan zijn filosofie nog relevant en bevrijdend zijn? In tijden van onzekerheid en groeiende ongelijkheid, wil Marx een confronterend, kritisch en gloedvol pleidooi zijn voor vrijheid en menselijke waardigheid. • Na de alom bejubelde theatermonoloog Socrates (gespeeld door Bruno Vanden Broecke) maakte theatermaker en filosoof Stefaan Van Brabandt in 2018 de opvolger in zijn reeks van filosofen-monologen. Marx wordt belichaamd door Johan Heldenbergh (The Broken Circle Breakdown, De Helaasheid der dingen, Le Tout Nouveau Testament). Dit najaar staan Marx én Socrates opnieuw in het Kaaitheater. Johan Heldenbergh dans la peau de Marx porte un regard rétrospectif sur une vie et une pensée mouvementées. Sa philosophie peut-elle encore être pertinente et libératrice ? En ces temps d’incertitude et d’inégalités croissantes, Marx se veut un plaidoyer interpellant, critique et enflammé pour la liberté et la dignité humaine.

‘Het scherpste politieke theater dat ik in tijden heb gezien. Confronterend en prikkelend. We gingen aangevuurd en gloedvol naar buiten.’ — KLARA

Johan Heldenbergh-as-Marx reflects on an eventful life and body of thought. Where did he make mistakes? And where has he been proved right? Can his philosophy still be relevant and liberating? In times of uncertainty and growing inequality, Marx aims to be a confrontational, critical, and impassioned plea for freedom and human dignity.

#bignames #repertoire

WED 4/12 20:30 KAAITHEATER | DUTCH | 1H30 | € 22/18/10

TEKST Stefaan Van Brabandt | SPEL Johan Heldenbergh | PRODUCTIE De Verwondering, Het Zuidelijk Toneel | COPRODUCTIE Arenbergschouwburg Antwerpen

“Filosofen hebben de wereld slechts verschillend geïnterpreteerd; het komt er nu op aan haar ook te veranderen!”

H Y P E R P R E S E N T

H Y P E R P R E S E N T We leven in urgente tijden: op politiek, economisch, ecologisch, sociaal, raciaal en seksueel vlak. Niet alleen ons bestaan, maar al het leven op deze planeet is erdoor omgeven. Als we deze tijd in denken willen vatten, dan moet ons intellectueel vermogen de complexiteit van die urgenties weerspiegelen – alleen dan kunnen we onze verhouding met het heden uitdiepen. Dit Kaaitheaterseizoen introduceren vijf belanghebbende stemmen een reeks nieuwe begrippen die hierbij kunnen helpen. Ze dagen onze huidige veronderstellingen uit en bieden nieuwe manieren van kijken naar de wereld rondom ons: van architectuur tot kunsttheorie, van filosofie tot politiek denken. Want enkel als we ons echt bewust worden van de urgenties van vandaag, kunnen we achterhalen wat het betekent om in ‘the hyperpresent’ te leven. Onder de noemer Hyperpresent geven vijf hedendaagse denkers elk een lezing rond een nieuw begrip dat ze zelf introduceerden. Daarna gaan ze erover in gesprek met filosoof Laurent de Sutter, die deze reeks ook cureerde.

Nous vivons une époque d’urgences, aussi bien sur le plan politique, économique, écologique, social, racial que sexuel. Non seulement notre existence, mais toute forme de vie sur cette planète les subit. Pour saisir ce moment en pensée, il faut que notre potentiel intellectuel reflète la complexité de ces urgences – ce n’est qu’alors qu’on pourra approfondir notre rapport au présent. Cette saison, le Kaaitheater invite cinq voix concernées à nous présenter de nouveaux concepts qui peuvent s’avérer utiles à cette compréhension. Ils défient nos hypothèses actuelles et nous proposent de nouvelles manières d’observer et de voir ce qui nous entoure : de l’architecture à la théorie de l’art, de la philosophie à la pensée politique. Car, ce n’est qu’à condition de prendre pleinement conscience des urgences d’aujourd’hui que nous pourrons véritablement découvrir ce que signifie être « hyperprésent » dans la vie. Sous le dénominateur Hyperpresent, différents penseur.se.s contemporain.e.s offrent chacun.e une conférence sur un nouveau concept qu’ils ont eux-mêmes ou elles-mêmes élaboré. Ensuite, il ou elle engage la discussion avec le philosophe Laurent de Sutter, qui a programmé cette série. II

H Y P E R P R E S E N T Our time is the time of emergencies. They are political, economic, ecological, social, racial, sexual â&#x20AC;&#x201C; they cover the totality of our existences, as well as the ones of the species with whom we share the Earth. In order to think this time, we need to heighten our intellectual equipment to the level of these emergencies intensifying our relationship to our present. This Kaaitheater season, five leading thinkers will each introduce a new philosophical concept to redefine that thinking. From architecture to art theory, from philosophy to political thinking, they all challenge our current assumptions and suggest new ways of looking at what surrounds us. When the sense of the present is dramatically augmented by a feeling of emergency, there is no choice but accept to confront ourselves with what it means to live in the hyperpresent. Under the title Hyperpresent, five contemporary thinkers will give a talk on a new notion that they introduced themselves. Afterwards, they engage in a conversation with philosopher Laurent de Sutter â&#x20AC;&#x201C; who curated this series.

TALKS BY KELLER EASTERLING Extrastatecraft BORIS GROYS Antiphilosophy GRAHAM HARMAN Immaterialism ROSI BRAIDOTTI Posthumanism ZHAO TINGYANG Tianxia

> www.kaaitheater.be/hyperpresent III

H Y P E R P R E S E N T KELLER EASTERLINGUS Extrastatecraft Extrastatecraft controls everyday life in the city: it’s the key to power – and resistance – in the twenty-first century. Infrastructure is not only the underground pipes and cables controlling our cities. It also determines the hidden rules that structure the spaces all around us – free trade zones, smart cities, suburbs, and shopping malls. Extrastatecraft charts the emergent new powers controlling this space and shows how they extend beyond the reach of government. In this conversation, Keller Easterling will explore areas of infrastructure with the greatest impact on our world – examining everything from standards for the thinness of credit cards to the urbanism of mobile telephony, the world’s largest shared platform, to the ‘free zone,’ the most virulent new world city paradigm, and suggesting some unexpected techniques for resisting power in the modern world.

MON 14/10 20:30 KAAITHEATER | ENGLISH | € 7

KELLER EASTERLING is an American architect, urbanist, writer, and professor at Yale University. Her book mainly focuses on the infrastructure organisation of the world. Her latest book is Extrastatecraft: The Power of Infrastructure Space. is een Amerikaanse architecte, urbaniste, auteur en professor aan Yale University. Ze schrijft voornamelijk over de infrastructurele organisatie van de wereld. Haar jongste boek is Extrastatecraft: The Power of Infrastructure Space. est une architecte, urbaniste, auteure et professeure à l’Université de Yale. Elle écrit surtout sur l’organisation infrastructurelle du monde. Son dernier ouvrage en date s’intitule Extrastatecraft: The Power of Infrastructure Space.

H Y P E R P R E S E N T BORIS GROYSDE Antiphilosophy Philosophy is traditionally understood as the search for universal truths, and philosophers are supposed to transmit those truths beyond the limits of their own culture. But, today, we have become sceptical about the ability of an individual philosopher to engage in ‘universal thinking’, so philosophy seems to capitulate in the face of cultural relativism. Boris Groys will argue that modern ‘antiphilosophy’ does not pursue the universality of thought as its goal but proposes in its place the universality of life, material forces, social practices, passions, and experiences – angst, vitality, ecstasy, the gift, revolution, laughter or ‘profane illumination’ – that he will discuss with thinkers from Kierkegaard to Derrida, from Nietzsche to Benjamin.

MON 20/01 20:30 KAAITHEATER | ENGLISH | € 7

BORIS GROYS is an art critic, media theorist and philosopher. He is a professor at New York University. His work is dedicated to the exploration of the link between socialism, modernism, contemporary art and media and technology. His most recent book is In the Flow. is kunsten mediacriticus, filosoof en professor aan New York University. In zijn werk onderzoekt hij de verbanden tussen socialisme, modernisme, hedendaagse kunst en media & technologie. Zijn recentste boek is In the Flow. est critique d’art, théoricien des médias et philosophe. Il est professeur à NUY. Ses travaux se penchent sur l’exploration du lien entre socialisme, modernisme, art contemporain, médias et technologie. In the Flow est son livre le plus récent.

H Y P E R P R E S E N T GRAHAM HARMANUS Immaterialism What objects exist in the social world and how should we understand them? Is a specific Pizza Hut restaurant as real as the employees, tables, napkins and pizzas of which it is composed, and as real as the Pizza Hut corporation with its headquarters in Wichita, the United States, the planet Earth and the social and economic impact of the restaurant on the lives of its employees and customers? The founder of object-oriented philosophy Graham Harman will expose his approach in order to shed light on the nature and status of objects in social life. While it is often assumed that an interest in objects amounts to a form of materialism, Harman rejects this view and develops instead an ‘immaterialist’ method, providing a counterpoint to the now ubiquitous social theories of constant change, holistic networks, performative identities, and the construction of things by human practice.

MON 23/03 20:30 KAAITHEATER | ENGLISH | € 7

GRAHAM HARMAN is professor of philosophy at SCI-Arc in Los Angeles. His work on the metaphysics of object led to the development of Object-Oriented Ontology. He is a central figure in the Speculative Realism trend in contemporary philosophy. His most recent book is Speculative Realism: An Introduction. is professor filosofie aan het SCI-Arc in Los Angeles. Zijn onderzoek naar objectmetafysica leidde tot de ontwikkeling van de object-georiënteerde ontologie als nieuwe discipline, en hij staat centraal in de hedendaagse filosofische stroming van het speculatief realisme. Zijn recentste boek is Speculative Realism: An Introduction. est professeur de philosophie à SCI-Arc à Los Angeles. Son travail sur la métaphysique des objets a mené au développement de l’ontologie orientée sur l’objet. Il est la figure centrale du réalisme spéculatif, un courant de la philosophie contemporaine. Le dernier livre qu’il a publié s’appelle-t-il Speculative Realism: An Introduction.

H Y P E R P R E S E N T ROSI BRAIDOTTIAU/IT Posthumanism Digital ‘second life’, genetically modified food, advanced prosthetics, robotics and reproductive technologies are familiar facets of our contemporary. They have blurred the distinction between the human and its others, exposing the non–naturalistic structure of the human and displacing the traditional humanistic unity of the subject. Rather than perceiving this situation as a loss of cognitive and moral self-mastery, the posthuman helps us make sense of our flexible and multiple identities, and measure the escalating effects of post–anthropocentric thought, which encompass not only other species, but also the sustainability of our planet as a whole. Because contemporary market economies profit from the control and commodification of all that lives, they result in hybridization, erasing categorical distinctions between the human and other species, seeds, plants, animals and bacteria.

MON 27/04 20:30 KAAITHEATER | ENGLISH | € 7

ROSI BRAIDOTTI is a philosopher and feminist theoretician. She is director of the Netherlands Research School of Women’s Studies, and professor of Gender Studies in the Humanities at Utrecht University. Her work explores the transformation of subjective induced by the technical and political shifts of the present. Her latest book is Posthuman Feminism. is filosoof en feministisch denker. Ze is wetenschappelijk directeur van de Nederlandse onderzoeksschool Vrouwenstudies, en hoogleraar Vergelijkende Vrouwenstudies aan de Universiteit Utrecht. Ze verkent de transformatie van het subjectieve onder invloed van de recente technologische en politieke verschuivingen. Haar jongste boek is Posthuman Feminism. est une philosophe et penseuse féministe. Directrice scientifique de l’École de Recherche néerlandaise du champ d’études appelé women’s studies à l’Université d’Utrecht aux Pays-Bas, elle explore la transformation du subjectif sous l’influence de technologies récentes et de mutations politiques. Son dernier ouvrage porte le titre de Posthuman Feminism.

VII

H Y P E R P R E S E N T ZHAO TINGYANGCN Tianxia ‘Tianxia’ (or ‘All-under-heaven’) is a conceptualization of the world as the composition of three realms: the physical, psychological and political, which places inclusivity and harmony at the heart of a global world view above other considerations, transcending the notion of nation state. In a highly interconnected and globalized world, the idea of Tianxia can offer a new 21st century vision of international relations and world order, based on a harmonized global organization defined by the ‘all-inclusiveness principle.’ Promoting the ontology of co-existence and relational rationality hand in hand with rational risk aversion in a globalized world, this pivot makes the case that Tianxia could offer a new vision for contemporary world order, redefining the universality and legitimacy of politics far from the exhausted categories of Western liberalism.

DATE TBC KAAITHEATER | ENGLISH | € 7

ZHAO TINGYANG is a philosopher, researcher at the Chinese Academy of Social Sciences, Beijing. His work, at the crossroads of metaphilosophy, ethics and political theory, aims at updating the Confucian heritage for the present. His most recent book is Redefining a Philosophy for World Governance. is filosoof en onderzoeker aan de Chinese Academy of Social Sciences in Peking. #bignames Zijn werk bevindt zich op het kruispunt tussen metafilosofie, ethiek en politieke theorie,#repertoire en wil de confuciaanse traditie verzoenen met hedendaagse ontwikkelingen. Zijn recentste boek is Redefining a Philosophy for World Governance. est philosophe et chercheur à l’Académie chinoise des Sciences sociales à Pékin. Son travail, à la croisée de la métaphilosophie, de l’éthique et de la théorie politique, a pour ambition d’actualiser l’héritage confucéen. Son dernier ouvrage est intitulé Redefining a Philosophy for World Governance.

VIII

MADALINA DANRO & AGATA SINIARSKADE Mothers of Steel

performance

Pendant un marathon de pleurs méditatif de près d’une heure, deux personnages féminins futuristes remettent en question les mécanismes qui transforment les émotions intimes en phénomène politique. Dans une chorégraphie émaillée de vidéo et avec de grandes feuilles de papier – à la fois des pancartes de manifestation et du linge qui sèche –, leurs larmes évoluent d’un aveu de faiblesse à un acte de force politique.

PRESENTED BY KAAITHEATER & EUROPALIA

Tijdens een meditatieve huilmarathon van bijna een uur, bevragen twee futuristische vrouwelijke personages de mechanismen die van persoonlijke emoties een politiek fenomeen maken. Agata Siniarska en Madalina Dan belichamen twee Artificiële Emotionele Intelligentie-robots die al wenend een reeks iconische momenten bekijken uit het verleden van hun verloren vaderland, respectievelijk Polen en Roemenië. In een choreografie met video en grote vellen papier – tegelijk betogingsborden en drogende was – worden hun tranen van zwakte een daad van politieke kracht. • Madalina Dan is een Roemeense danseres, choreografe en dramaturge. Agata Siniarska woont en werkt in Berlijn, focust op performance, video en tekst, en was medeoprichtster van het intersectionele kunstcollectief ‘female trouble’. Op uitnodiging van Europalia Romania staat dit duo voor de eerste keer in het Kaaitheaterprogramma. During a meditative crying marathon that lasts almost an hour, two futuristic female characters question the mechanisms that turn personal emotions into political phenomena. Agata Siniarska and Madalina Dan embody two Artificial Emotional Intelligence robots that weep while they watch a series of iconic moments in the history of their lost homelands, Poland and Romania respectively. In a choreography that uses video and large sheets of paper – simultaneously protest signs and drying laundry – their tears of weakness become an act of political power. • Madalina Dan is a Romanian dancer, choreographer, and dramaturg. Agata Siniarska lives and works in Berlin, focuses on performance, video and text, and co-founded the intersectional art collective ‘female trouble’. This duo is appearing in the Kaaitheater programme for the first time, at the invitation of Europalia Romania.

#daredevil #gender #hightech #newarrivals

THU 5/12 20:30 + FRI 6/12 19:00

belgian premiere

‘Raw and direct, disturbingly grotesque, suddenly beautifully poetic and unwittingly explicit.’ – KATJA VAGHI

LIGIA LEWISDO/DE Water Will (in Melody)

Water Will (in Melody) is een choreografie voor vier performers die vertrekt vanuit melodrama. Door taal en verschillende begrippen van ‘de wil’ tegenover elkaar te plaatsen ontstaat een dystopische fantasie vol verlangens, verbeelding en gevoelens van een naderend einde. Een nat, rotsachtig landschap vormt de setting voor een verhaal over instabiliteit, recreatie en catastrofe. Ligia Lewis initieert een wereld waarin stem, gebaar, aanraking en beweging vloeien als golven – teder en turbulent. De performers verhouden zich tot de porositeit van het theater door een fantasierijke materialiteit te produceren die helder is in zijn metaforisch en symbolisch gewicht. Betekenis wordt ontdaan om te herdoen, en baant de weg voor een andere manier van kijken en aanraken. Doorheen dit proces van vervreemding, uittreding en materialisatie, raakt het melodrama aan de grenzen van zijn eigen bestaan. Het emotionele landschap van de protagonisten zelf – en van het theater – krijgt zo het leven geschonken. • De Dominicaans-Amerikaanse danseres en choreografe Ligia Lewis stond eerder in het Kaaitheaterprogramma met minor matter – waarvoor ze de prestigieuze Bessie Award ontving – en Sorrow Swag. Als danseres stond ze al op de Kaaitheaterscène met 7 Pleasures van Mette Ingvartsen en MONUMENT 0 van Eszter Salamon. Water Will (in Melody), une œuvre chorégraphique conçue pour quatre performeurs, prend pour point de départ le mélodrame. Aux prises avec le langage et des notions de « volonté », cette fantaisie dystopique devient un espace de négociation pour le désir, l’imagination et des sentiments d’une fin gagnant du terrain. Déployé avec une inventivité ludique, un paysage humide et caverneux devient l’hôte d’une fiction qui invite l’instabilité, la récréation et la catastrophe. Ligia Lewis crée ce monde dans lequel la voix, le geste, le toucher et le mouvement ondulent comme une vague, à la fois douce et houleuse. À travers le langage du mimétisme, Lewis et ses performeurs s’engagent dans la porosité du théâtre en produisant une matérialité aux aspects fantastiques, dont la translucidité laisse filtrer son poids métaphorique et symbolique. S’abandonnant

dance

aux possibilités du toucher, le sens se construit et se déconstruit, pavant le chemin d’une organisation d’altérité de vue et de toucher. Par le biais de ce processus d’aliénation, d’extériorisation et de matérialisation, ce mélodrame touche aux limites de sa propre création et donne vie au paysage émotionnel de ses protagonistes et au théâtre lui-même. • La danseuse et chorégraphe américano-dominicaine Ligia Lewis était précédemment à l’affiche du Kaaitheater avec minor matter – pour lequel elle a remporté le prestigieux Bessie Award – et avec Sorrow Swag. En tant que danseuse, on a pu la voir sur la scène du Kaaitheater dans 7 Pleasures de Mette Ingvartsen et dans MONUMENT 0 d’Eszter Salamon. Water Will (in Melody) is a devised choreographic work for four performers that uses melodrama as a point of departure. Wrestling with language and notions of ‘the will’, this dystopian fantasy becomes a space for negotiating desire, imagination, and feelings of an encroaching end. Unfolding with playful inventiveness, a wet and cavernous landscape becomes host to a fiction that invites instability, recreation, and catastrophe. Ligia Lewis initiates this world in which voice, gesture, touch and movement flow like waves – both gentle and turbulent. Through the language of mimesis, Lewis and her performers engage with the porousness of the theatre by producing a fantastical-like materiality that is translucent to its metaphoric and symbolic weight. Surrendering to the possibilities of the haptic, sense gets un-done to get re-done, paving the way for an-‘othered’ organization of sight and touch. Through this process of alienation, exteriorization, and materialization, this melodrama touches the borders of its own making, giving life to both the emotional landscape of its protagonists as well as to the theatre itself. • The Dominican-American dancer and choreographer Ligia Lewis has previously presented minor matter – for which she won the prestigious Bessie Award – and Sorrow Swag at Kaaitheater. As a dancer, she has performed on the Kaaitheater stage in 7 Pleasures by Mette Ingvartsen and MONUMENT 0 by Eszter Salamon. #daredevil #visuallystunning

FRI 6, SAT 7/12 20:30

belgian premiere

KAAITHEATER | 1H | € 16/12/10 CONCEPT, CHOREOGRAPHY & DIRECTION Ligia Lewis | IN CREATION WITH Titilayo Adebayo, Dani Brown, Susanne Sachsse | REPLACEMENT Jolie Ngemi | DRAMATURGY Maja Zimmermann | LIGHT DESIGN Ariel Efraim Ashbel | SOUND DESIGN S. McKenna | STAGE DESIGN Eike Böttcher | TECHNICAL DIRECTOR & LIGHT TECHNICIAN Catalina Fernandez | COSTUME DESIGN sowrong studio | PRODUCTION Ligia Lewis/HAU Hebbel am Ufer | CO-PRODUCTION Biennale de l’Image en Mouvement 2018, Centre D’Art Contemporain, tanzhaus nrw, Arsenic Centre d'art scénique contemporain, donaufestival, Walker Art Center, Münchner Kammerspiele | FUNDED BY Berlin Senate Department for Culture and Europe

BASHAR MURKUS/KHASHABI THEATREPS The Museum

theatre

Een man pleegt een terroristische aanslag in een museum voor hedendaagse kunst: 49 kinderen en een leerkracht komen om. Zijn plan om doodgeschoten te worden door de politie mislukt echter. Ze arresteren en ondervragen hem, met zijn terdoodveroordeling als resultaat. Zeven jaar wacht hij in de cel op de dood. Een week voor de executie overtuigt hij de politie-inspecteur die zijn zaak onderzocht om hem te vergezellen bij zijn laatste maaltijd. De twee mannen ontmoeten elkaar in de ruimte waar de dodelijke injectie zal worden toegediend. Ze wagen zich daar aan riskante en manipulatieve spelletjes, die alleen op een laatste avond kunnen plaatsvinden. Welke betekenis hopen deze twee mannen te vinden in de dood, waar ze allebei op hun eigen manier naar verlangen? • Bashar Murkus is een Palestijnse theatermaker en oprichter van het Khashabi Theatre en Ensemble. In het Kaaitheaterprogramma stond hij al met New Middle East en Other Places.

A man commits a terrorist attack in a museum of contemporary art, killing 49 children and a teacher. His plan to commit suicide by cop fails, however. They arrest and interrogate him, resulting in a death sentence. He waits on death row for seven years. A week before his execution, he convinces the police detective who was in charge of his case to join him for his last meal. The two men meet each other in the space where the lethal injection will be administered, where they play risky and manipulative games that could only take place on a final night. What meaning do these two men hope to find in the death that they both desire, each in their own way? • Bashar Murkus is a Palestinian theatre maker and founder of the Khashabi Theatre and Ensemble. He previously presented New Middle East and Other Places at Kaaitheater.

PRESENTED BY KAAITHEATER & MOUSSEM

#daredevil #society

Un homme commet un attentat terroriste dans un musée d’art contemporain : 49 enfants et un enseignant meurent. Il attend sept ans durant son exécution capitale dans une cellule. Une semaine avant sa mise à mort, il convainc l’inspecteur de police qui a enquêté sur l’affaire de lui tenir compagnie lors de son dernier repas. Quel sens ces deux hommes espèrent-ils trouver dans la mort qu’ils convoitent tous deux, chacun à sa manière ?

LOUIS JANSSENS & TIMO STERCKXBE The Greatest Show on Earth

theatre

‘Which means that every conflict is in part a battle over the story we tell, or who tells and who is heard.’ – REBECCA SOLNIT

The Greatest Show on Earth gaat over wie er spreekt – en wie niet. Wie er in het licht staat – en wie in de coulissen. Want geschiedenis staat niet vast, maar gaat steeds over wie ze samenstelt, ontwerpt, vertelt. En vooral over wie er deel van uitmaakt – en wie niet. De voorstelling is een spel van opkomen en afgaan. Van mensen die dingen proberen, uitvinden, hopen, bedenken, uitspreken en vergeten. Louis Janssens en Timo Sterckx gebruikten het boek Europeana, een zeer korte geschiedenis van de twintigste eeuw van Patrik Ourednik om een voorstelling te maken over geschiedenis, over afstuderen, over beginnen. Het zou wel eens een lang verhaal kunnen worden. • The Greatest Show on Earth was de afstudeervoorstelling van Louis Janssens en Timo Sterckx aan het KASK in Gent en werd geselecteerd voor Jong Werk TAZ#18. We verwelkomen deze jonge makers voor de eerste keer in het Kaaitheaterprogramma. Pour cette pièce sur l’Histoire, sur la fin des études et sur les débuts, Louis Janssens et Timo Sterckx se sont inspirés de l’ouvrage Europeana, une brève histoire du XXe siècle de Patrik Ouredník. Il se pourrait bien que cela devienne une très longue histoire. Louis Janssens and Timo Sterckx used the book Europeana, a Brief History of the Twentieth Century by Patrik Ourednik to make a production about history, about graduating, about beginning. It might be a very long story.

#daredevil #nxtgen #society

Â© ICTUS

ICTUSBE Pneuma a 25th birthday concert Daar waar stilte intimiderend kan zijn en een sacrale sfeer oproept, zorgt ademhaling voor verbinding. In het immersieve concert Pneuma kiest Ictus radicaal voor het ademen. Een accordeon lijkt net een long, een strottenhoofd zou best een fluit kunnen zijn. Het resultaat is een subtiel klankbad dat zich verspreidt doorheen de ruimte, en waarbij je zelf de afstand bepaalt van waarop je dit adem(be)nemende gebeuren wil meemaken. Jürg Frey transformeert in zijn Second String Quartet #2 elk akkoord tot een lange ademstoot en laat de muzikanten zachtjes meeneuriën met de muziek die ze spelen. Michael Schmid gaat in Breathcore samen met zijn ‘ademkoor’ op zoek naar het efemere geluid van de ademhaling. En Sylvie Melis overgiet deze en nog veel meer pneumatische experimenten met een lichtgevend jasje van ontsnappende lichtdeeltjes. • Het Brusselse hedendaagse muziekensemble Ictus is al jaren vaste gast in het Kaaitheater. Dit jaar viert het ensemble zijn 25e verjaardag. Michael Schmid toonde in 2017 al eens een Breathcore in de Kaaistudio’s, tijdens IN/FINITY. Là où le silence peut être intimidant et générer une atmosphère sacrale, la respiration crée du lien. Dans le concert immersif Pneuma, Ictus opte radicalement pour la respiration. Un accordéon ressemble à un poumon et un larynx pourrait parfaitement faire office de flûte. Le résultat donne un subtil bain de sons qui se diffusent à travers l’espace et l’on définit soi-même la distance à laquelle on souhaite assister à cet événement à couper le souffle. Dans Second String Quartet #2, Jürg Frey transforme chaque accord en un long souffle auquel se mêle le doux murmure des musiciens. Dans Breathcore, Michael Schmid et son « chœur de souffles » partent en quête du son éphémère de la respiration. Et Sylvie Melis, qui signe les lumières du spectacle, baigne ces expériences « pneumatiques » et bien d’autres encore d’une sorte d’échappée de photons qu’elle souffle pour ainsi dire à travers les interstices de la matière. • L’ensemble bruxellois de musique contemporaine Ictus est depuis des années un hôte attitré du Kaaitheater. Cette année, l’ensemble célèbre ses 25 ans d’existence. En 2017, Michael Schmid a interprété Breathcore aux Kaaistudio’s dans le cadre d’IN/FINITY.

music

While silence can be intimidating and evoke a sacral atmosphere, breathing fosters connection. In the immersive concert Pneuma, Ictus has radically opted for breath. An accordion becomes a lung, the flute a larynx. The result is a subtle soundscape that unfurls across the space, and you can decide on the distance from which you want to experience this (breath)taking event. In his Second String Quartet #2, Jürg Frey transforms each chord into a long exhale, while the musicians softly hum along to the music they play. In Breathcore, Michael Schmid and his ‘choir of breaths’ explore the ephemeral sound of breathing. And Sylvie Melis envelops this and many other pneumatic experiments with a lightscape of escaping photons. • The Brussels-based contemporary music ensemble Ictus has been a regular guest at Kaaitheater for many years. This year, the ensemble is celebrating its 25th anniversary. Michael Schmid presented Breathcore at the Kaaistudios in 2017, during IN/FINITY.

#tender #bignames #madeinbxl

WED 18/12 20:30 KAAITHEATER | € 18/14/10 WITH George van Dam (violin), Jeroen Robbrecht (viola), Eva Reiter (viola da gamba), François Deppe (cello), Luca Piovesan (accordion), Michael Schmid (flute) | LIGHT SCENOGRAPHY Sylvie Mélis | SOUND Alexandre Fostier

‘Een speelse reis langs acht fascinerende persoonlijkheden die zichzelf portretteren – al liggend, springend én grijnzend – doorheen en dankzij het tedere pianospel van Alain Franco.’ — KNACK ‘Zeitigung est un joyeux coup de tonnerre, un long éclair d’énergie et de bonheur. Un temps suspendu qui vous éveille à la magie et la tendresse du monde.’ — LA LIBRE

dance ANNE TERESA DE KEERSMAEKERBE, LOUIS NAM LE VAN HOFR & ALAIN FRANCO/ROSASBE Zeitigung

Bijna 10 jaar na Zeitung (2008) gebruikten Anne Teresa De Keersmaeker en Alain Franco de bouwstenen van die voorstelling om er een nieuwe mee te maken: Zeitigung. Tegen de achtergrond van een veranderde wereld en doorheen de lichamen van acht jonge dansers actualiseerden ze hun eigen werk. De jonge choreograaf en danser Louis Nam Le Van Ho ging vanuit zijn eigen danstaal de confrontatie aan met De Keersmaekers choreografie. Zijn bijdrage slaat een brug naar een nieuwe generatie makers en choreografen, en biedt zo een ander perspectief op de Keersmaekers en Franco’s voortdurende zoektocht naar het raakvlak van muziek en dans. Alain Franco neemt in Zeitigung opnieuw plaats achter de piano. In een breed historisch gebaar kruist de muziek van Bach, Brahms, Schönberg en Webern de meetkundige principes en de improvisatie in de choreografie. Zeitigung keert terug naar de scène van het Kaaitheater, waar het in 2017 in première ging.

Almost ten years after Zeitung (2008), Anne Teresa De Keersmaeker and Alain Franco used the building blocks of that production to make a new one: Zeitigung. Against the backdrop of a changing world and channelled through the bodies of eight young dancers, they updated their own work. The young choreographer and dancer Louis Nam Le Van Ho brought his own dance language into dialogue with De Keersmaeker’s choreography. His contribution builds a bridge to a new generation of creators and choreographers, offering a different perspective on De Keersmaeker’s and Franco’s ongoing exploration of the intersection between music and dance. In Zeitigung, Alain Franco again takes his seat at the piano. In a broad historical gesture, the music of Bach, Brahms, Schönberg and Webern stretches across the geometric principles and improvisations in the choreography. Zeitigung is returning to the Kaaitheater stage, where it premièred in 2017.

Près de dix ans après Zeitung (2008), Anne Teresa De Keersmaeker et Alain Franco reprennent les éléments essentiels de cette chorégraphie pour créer Zeitigung. Dans l’intervalle, le monde a muté et, à travers les corps de huit jeunes danseurs, ils actualisent leur propre travail. À l’occasion de cette révision, le jeune danseur-chorégraphe Louis Nam Le Van Ho est invité à confronter son propre langage à l’écriture d’Anne Teresa De Keersmaeker. Sa contribution jette un pont vers une nouvelle génération de créateurs et de danseurs et une autre lumière sur la quête continue que mènent De Keersmaeker et Franco autour de la convergence entre la musique et la danse. Alain Franco s’installe à nouveau au piano. Dans un geste historique de large amplitude, les œuvres de Bach, Brahms, Schönberg et Webern croisent les lois de la géométrie et les principes de l’improvisation chorégraphique. Zeitigung sera à nouveau à l’affiche du Kaaitheater, où a eu lieu la première en 2017.

PRESENTED BY KAAITHEATER, DE MUNT/LA MONNAIE & ROSAS

#bignames #madeinbxl #repertoire

WED 11, THU 12, FRI 13, SAT 14/12 20:30 KAAITHEATER | 1H40 | CAT. 1 € 27/22, CAT. 2 € 22/18/10 CONCEPT Anne Teresa De Keersmaeker, Alain Franco, Louis Nam Le Van Ho | CHOREOGRAPHY Anne Teresa De Keersmaeker, Louis Nam Le Van Ho | PIANO Alain Franco | CREATED WITH & DANCED BY Lav Crncevic, José Paulo dos Santos, Bilal El Had, Frank Gizycki, Robin Haghi, Louis Nam Le Van Ho, Luka Svajda, Thomas Vantuycom | MUSIC Johann Sebastian Bach, Johannes Brahms, Arnold Schönberg, Robert Schumann, Anton Webern | DANCE VOCABULARY IN COLLABORATION WITH David Hernandez | LIGHT DESIGN Luc Schaltin, Anne Teresa De Keersmaeker | COSTUMES Anne-Catherine Kunz | SOUND Alexandre Fostier | PRODUCTION Rosas | CO-PRODUCTION De Munt/La Monnaie

ANNELEEN KEPPENSBE Movement Essays

dance

Met als inspiratie het essay in de traditie van Michel de Montaigne, choreografeert en danst Anneleen Keppens drie Movement Essays. Essays als in ‘essayer’ of proberen: ze brengt de sfeer van de repetitiestudio naar de scène, stelt vragen, dwaalt af, wordt verrast en ontdekt verbanden. Met On Tempo probeert Keppens tempo zichtbaar te maken. In On Shape gaat ze in dialoog met het vormelijke in de dans, met de suggestieve kracht van beelden en de onmogelijkheid van het vormeloze. In I am large – I contain multitudes omarmt ze de rijkheid van beweging. Samen vormen ze een intieme en veelzijdige danssolo. • Anneleen Keppens studeerde aan de Balletschool van Antwerpen en aan PARTS. Ze danst(e) bij o.a. Daniel Linehan, Xavier Le Roy en Rosas. In 2018 toonde ze haar eerste eigen choreografie in de Kaaistudio’s: The moon is the moon is the moon.

Inspired by the essay in the tradition of Michel de Montaigne, Anneleen Keppens has choreographed and will dance three Movement Essays. Essays as in ‘essayer’ or to try: she is bringing the atmosphere of the rehearsal studio to the stage, asking questions, digressing, being surprised, and discovering connections. In On Tempo, Keppens attempts to make tempo visible. In On Shape, she engages in dialogue with the formal aspects of dance, with the suggestive power of images and the impossibility of the formless. In I am large – I contain multitudes, she embraces the richness of movement. Together they form an intimate and multifaceted dance solo. • Anneleen Keppens studied at the Antwerp Ballet School and at PARTS. She has danced with, a.o., Daniel Linehan, Xavier Le Roy and Rosas. In 2018, she presented her first choreography at the Kaaistudios: The moon is the moon is the moon.

#tender #madeinbxl

Inspiré du genre de l’essai dans la tradition de Michel de Montaigne, Anneleen Keppens chorégraphie et danse trois Movement Essays. Essai comme essayer, tenter : elle apporte sur le plateau l’atmosphère du studio de répétition, pose des questions, digresse, se laisse surprendre, découvre des associations. Avec On Tempo, Keppens essaie de rendre le tempo tangible. Dans On Shape, elle engage le dialogue avec l’aspect formel de la danse, avec la force suggestive des images et avec l’impossibilité de l’absence de forme. Dans I am large – I contain multitudes, elle embrasse la richesse du mouvement. L’ensemble forme un solo de danse intime et varié. • Anneleen Keppens a étudié à l’école de ballet d’Anvers et ensuite à PARTS. Elle a dansé, e.a., auprès de Daniel Linehan, Xavier Le Roy et Rosas. En 2018, elle a présenté sa première chorégraphie aux Kaaistudio’s : The moon is the moon is the moon.

January

Â© PHILE DEPREZ

JAN LAUWERS & NEEDCOMPANYBE All the good

In 2014 ontmoet Jan Lauwers de Israëlische elite-soldaat en oorlogsveteraan Elik Niv, die na een zwaar ongeluk en langdurige revalidatie een professionele danser werd. Tijdens hun lange gesprekken over zijn militaire acties en ontwikkeling als danser in de veilig gesubsidieerde Duitse danswereld, ontploften de bommen in de luchthaven van Zaventem en het metrostation Maalbeek. Al het goede is een verhaal met een dubbele autobiografische achtergrond: enerzijds het leven van Elik, anderzijds Lauwers’ leven met Grace Ellen Barkey en hun kinderen – in een woning en werkplaats in het vermaledijde Molenbeek. Zowel in de geborgenheid van hun huis als in de buitenwereld dringt de steeds aanwezige dood zich zonder mededogen op. Al het goede is ook het verhaal van het jonge meisje Romy, dat ervan overtuigd is dat de wereld goed is. Tijdens een reis door China ontmoet ze Elik terwijl ze in een steegje staat te kotsen na het drinken van slangenbloed. De ontmoeting verandert haar leven. Al het goede gaat over verlies en hoop. Het is een liefdesverhaal in een tijd waarin Europa zijn waarden te grabbel gooit en een steeds grotere groep mensen zich laat verleiden tot haat en onbegrip. En 2014, Jan Lauwers rencontre l’ancien soldat d’élite israélien et vétéran de guerre Elik Niv, devenu danseur professionnel après un grave accident et une longue rééducation. Lors de leurs multiples conversations à propos de ses actions militaires et de sa formation de danseur dans le monde largement subventionné de la danse en Allemagne se déroulent les attentats de l’aéroport de Zaventem et de la station de métro Maelbeek. Tout le bien est un récit autobiographique à double fond : d’une part la vie d’Elik Niv, d’autre part, la vie de Jan Lauwers, Grace Ellen Barkey et leurs enfants dans leur habitation et lieu de travail du quartier maudit de Molenbeek. Aussi bien dans la sécurité chaleureuse de leur foyer que dans le monde extérieur, la mort omniprésente s’impose toujours sans merci. Tout le bien est aussi l’histoire de la jeune Romy, convaincue que le monde est bon. Lors d’un voyage en Chine, elle rencontre Elik alors qu’elle est train de vomir dans une ruelle après avoir bu du sang de serpent. Une rencontre qui va changer sa vie.

theatre

Tout le bien traite de deuil et d’espoir. Une histoire d’amour à une époque où l’Europe sacrifie ses valeurs et que toujours plus de gens cèdent à la haine et à l’incompréhension. In 2014, Jan Lauwers met the Israeli elite soldier and war veteran Elik Niv, who after a terrible accident and long convalescence became a professional dancer. During their long conversations about his military career and life as a dancer in the safe and subsidized world of dance in Germany, the bombs exploded in Zaventem airport and the Maalbeek metro station. All the good is a story with a double autobiographical background: on the one hand, Elik’s life, and on the other, Lauwers’ life with Grace Ellen Barkey and their children – in a house and workspace in the maligned Molenbeek. Ever-present death mercilessly intrudes on their lives constantly, both in the safety of their home and in the outside world. All the good is also the story of the young girl Romy, who is convinced that the world is good. During a trip in China, she meets Elik while throwing up in an alleyway after drinking snake blood. The meeting changes her life. All the good is about loss and hope. It is a love story in an age in which Europe is throwing its values to the wind and a growing group of people is being seduced by hate and intolerance.

#bignames #madeinbxl #society

WED 8, THU 9, FRI 10/01 20:30 KAAITHEATER | MULTILINGUAL (SURTITLED DUTCH/FRENCH/ENGLISH) | 2H | € 22/18/10 TEXT, DIRECTION & SET Jan Lauwers | MUSIC Maarten Seghers | COSTUMES Lot Lemm | WITH Grace Ellen Barkey, Romy Louise Lauwers, Victor Lauwers, Jan Lauwers, Sarah Lutz, Benoît Gob, Elik Niv, Yonier Camilo Mejia, Jules Beckman, Simon Lenski, Maarten Seghers, Elke Janssens | DRAMATURGY Elke Janssens | LIGHT DESIGN Ken Hioco | PRODUCTION Needcompany | IN PARTNERSHIP WITH Rijeka 2020 Llc. in the framework of Rijeka 2020 – European Capital of Culture, Croatian National Theatre “Ivan pl. Zajc” | CO-PRODUCTION Ruhrtriennale, Festival Reims Scènes d’Europe, Concertgebouw Brugge, La Colline

music theatre BRUSSELS BRECHT-EISLERKOORBE Melancholie aan de 5 blokken (waarom revolteren ze niet?) Mélancolie aux 5 blocs (pourquoi ne se révoltent-ils pas ?)

À proximité des Kaaistudio’s se trouvent cinq barres de logements sociaux insalubres et négligés : les cinq immeubles du Rempart aux Moines. Tous vont bientôt être rasés. Les habitants actuels doivent céder la place à un public plus nanti. Le spectacle de théâtre musical du Brussels Brecht-Eislerkoor tente de saisir et d’évoquer leur confusion et leur incertitude. Mélancolie aux cinq blocs parle de Bruxelles, de pauvreté, de personnes fragiles et du peu de marge de manœuvre dont elles disposent dans cette ville. Le Brussels Brecht-Eislerkoor se range résolument du côté de ceux qui encaissent les coups et souhaite affirmer clairement sa solidarité. Une exigence universelle résonne : rejoignez la lutte pour le droit à la ville ! • Le Brussels Brecht-Eislerkoor s’inspire de l’héritage politique et culturel de Bertolt Brecht et Hanns Eisler. Bruxelles est sa base d’opérations. Le Kaaitheater a présenté précédemment The Shouting Fence, WaanVlucht et Say No! The Deserter’s Song. A stone’s throw from the Kaaistudios, there is a row of dilapidated and unhealthy social housing blocks that will soon be demolished: these are the five blocks of the Rempart des Moines. The current residents have to make way for more affluent buyers. The Brussels Brecht-Eisler Choir is presenting a musical theatre piece that attempts to capture and evoke their confusion and uncertainty. #madeinbxl #society

THU 9, FRI 10, SAT 11/01 20:30

kaaitheater co-production

premiere

Vlakbij de Kaaistudio’s staat een rij verwaarloosde en ongezonde sociale woontorens die binnenkort tegen de grond gaan: het zijn de vijf blokken van de Papenvest. De huidige bewoners moeten plaatsmaken voor een koopkrachtiger publiek. Het Brussels Brecht-Eislerkoor brengt een muziektheaterstuk dat hun verwarring en onzekerheid probeert te vatten en evoceren. Melancholie aan de vijf blokken gaat over Brussel, over armoede, over broze mensen, over hoe weinig armslag zij hebben in deze stad. Het Brussels Brecht-Eislerkoor stelt zich op aan de kant van de mensen die de klappen krijgen en wil een duidelijk statement van solidariteit maken. Een universele eis weerklinkt: kom mee op voor het recht op de stad! • Het Brussels Brecht-Eislerkoor inspireert zich aan het politieke en culturele erfgoed van Bertolt Brecht en Hanns Eisler, en heeft Brussel als uitvalsbasis. In en rond het Kaaitheater toonden ze al The Shouting Fence, WaanVlucht en Say No! The Deserter’s Song.

BOYZIE CEKWANAZA & DANYA HAMMOUDLB Bootlegged

dance

Dans le Midwest états-unien des années 1880, les hommes transportaient clandestinement des bouteilles d’alcool dans leurs bottes. Le terme de « bootlegging » – contrebande – était né. À présent, il y a Bootlegged : une rencontre entre Boyzie Cekwana et Danya Hammoud. Deux corps, deux récits issus de deux histoires spécifiques composent, non sans heurts, une troisième histoire partagée.

In het Amerikaanse Midwesten van de jaren 1880 gebruikten mannen hun laarzen om flessen alcohol te smokkelen. Ook wanneer ze handel gingen drijven met Native Americans: het was een effectieve strategie om de opstandigen onder hen te neutraliseren door dronkenschap. De term ‘Bootlegging’ was geboren. Nu is er Bootlegged: een ontmoeting tussen Boyzie Cekwana en Danya Hammoud. Twee lichamen, twee verhalen, en twee geschiedenissen vormen al botsend een derde, gedeeld verhaal. Beide choreografen onthullen hun kwestbaarheid en tonen elkaar de sporen en rimpels die het verleden op hun lichamen heeft achtergelaten. Maar ook dit nieuwe samenzijn laat zijn sporen na. • Boyzie Cekwana is choreograaf en theatermaker. Hij groeide op in Soweto en woont en werkt vandaag in Johannesburg. Hij was eerder te gast in het Kaaitheater met Influx Controls: I wanna be wanna be. Danya Hammoud, afkomstig uit Libanon, studeerde theater in Beiroet en danst in Parijs. Sinds 2010 creëert zij haar eigen werk.

In the American Midwest of the 1880s, men would smuggle bottles of alcohol in their boots. They would trade this alcohol with Native Americans because it was an effective strategy to neutralize recalcitrant Natives by intoxication. The term ‘Bootlegging’ was born. Now there is Bootlegged: an encounter between Boyzie Cekwana and Danya Hammoud. Two bodies, two stories and two histories collide to create a third, shared story. Both choreographers reveal their vulnerability and show one another the wrinkles and scars that the past has left on their bodies. But this new encounter also leaves its mark. • Boyzie Cekwana is a choreographer and theatre maker. He grew up in Soweto and currently lives and worksin Johannesburg. He has previously presented Influx Controls: I wanna be wanna be at Kaaitheater. Danya Hammoud, who is originally from Lebanon, studied theatre in Beirut and dance in Paris. She has been creating her own work since 2010. #daredevil #society

TUE 21, WED 22/01 20:30

kaaitheater co-production

belgian premiere

‘Een intens poëtisch tweeluik over medemenselijkheid dat zich niet meteen laat vatten, maar des te langer nagalmt.’ — DE STANDAARD

ELS DIETVORST, DIRK ROOFTHOOFT & AURELIE DI MARINOBE MEMENTO MORI! !I ROM OTN E M E M Na een reeks ontmoetingen met de Brusselse dakloze ‘ACM’, schreef Els Dietvorst Ik ga naar mijn kippen. De tekst was een vervolg op drie documentaires die ze maakte rond het leven van deze filosoof-zwerver en zijn strijd om een waardig bestaan. Toen Dietvorst twee jaar later aan één van haar Skull-sculpturen werkte voor de Biënnale van Moskou, lag haar broer op sterven. Ze schreef toen Drijfhout, een tekst over de fragiliteit van het leven en het omgaan met de dood. MEMENTO MORI! brengt deze twee teksten samen. De eerste wordt gespeeld door Dirk Roofthooft, één van Vlaanderens meest iconische acteurs, de tweede door de getalenteerde jonge Brusselse actrice Aurelie Di Marino. De ene monoloog is een spiegel van de andere. Als tweeluik staan ze stil bij thema’s als individualisering, globalisering en migratie, en de vervreemding en onttovering van de wereld die ze met zich meebrengen. • In het werk van Els Dietvorst zijn kunst en leven nauw met elkaar verbonden. Zowel in haar films als in haar beeldend werk toont ze steeds een groot maatschappelijk engagement. Sinds ze in Ierland op een schapenboerderij werkte en woonde, spelen natuur, leven en dood een almaar grotere rol in haar werk. De afgelopen jaren maakte ze o.m. de documentaires The Rabbit and the Teasel en I watched the white dogs of the dawn. MEMENTO MORI!, haar eerste theatervoorstelling, ging vorig seizoen in première in de Kaaistudio's. Na een tournee door Vlaanderen is de voorstelling nu opnieuw hier te zien.

theatre

Dans MEMENTO MORI!, la documentariste et plasticienne Els Dietvorst réunit deux textes. Le premier est interprété par Dirk Roofthooft, l’un des acteurs flamands les plus iconiques, le second, par la jeune actrice bruxelloise Aurelie Di Marino. Les deux monologues, qui sont les miroirs l’un de l’autre, forment un diptyque qui se penche sur des thèmes comme l’individualisation, la mondialisation, la migration, l’aliénation et le désenchantement du monde que tout cela entraîne. In MEMENTO MORI!, documentary filmmaker and visual artist Els Dietvorst brings two solos together. The first is performed by Dirk Roofthooft, one of Flanders’ most iconic actors, the second by the Brussels-based actress Aurelie Di Marino. The first monologue mirrors the second. As a diptych, they reflect on themes such as individualism, globalization and migration, as well as the alienation and disenchanted world to which they lead.

#bignames #madeinbxl #society

THU 16, FRI 17, SAT 18/01 20:30

kaaitheater production

Â© LIA PERJOVSCHI

ESZTER SALAMONDE/FR MONUMENT 0.8: Manifestations

MONUMENT 0.8: Manifestations is een performatieve collage van beelden en klanken, die herinneringen en stemmen van de geschiedenis van feminisme in Roemenië verweeft met vrouwelijke visies en artistieke perspectieven in schilderkunst en traditionele muziek. Deze performance in koor ontwricht hegemonische visies op geschiedenis en heft de grenzen op tussen artistieke expressie, cultuur, natie en identiteit. Er ontstaat een nieuw historisch en poëtisch matrix, waarin politieke en choreografische bewegingen met elkaar resoneren. Performance art heeft altijd gezocht naar manieren om kunst en leven te verbinden. Hoe kan dat vandaag gebeuren? Waarom is het belangrijk om de gemarginaliseerde geschiedenis van feminisme in Roemenië en Oost-Europa – een plek in de periferie van ons collectieve, historische bewustzijn – voor het voetlicht te brengen? • Eszter Salamon is kunstenaar en performer en werkt tussen Parijs, Berlijn en Brussel. Ze is een vaste gast in het Kaaitheater met voorstellingen als TALES OF THE BODILESS, MONUMENT 0: Haunted by wars (1913– 2013) en MONUMENT 0.5: The Valeska Gert Monument. MONUMENT 0.8: Manifestations est un collage performatif, visuel et sonore, qui entrelace des mémoires et des paroles de l’histoire du féminisme en Roumanie, ainsi que des visions et des perspectives artistiques féminines dans la peinture et la musique traditionnelle. Cette œuvre chorale déstabilise les conceptions hégémoniques de l’Histoire et les frontières dressées entre les expressions artistiques, les cultures, les nations et les identités. À mesure que la pièce révèle un espace mémoriel multiple apparaît une nouvelle écologie de la relation faite de mouvements politiques et chorégraphiques créant une matrice poétique hybride. La performance a toujours cherché à relier l’art et la vie. Pourquoi est-il important de s’intéresser à l’histoire du féminisme en Roumanie et dans les pays d’Europe de l’Est – ces espaces à la périphérie de notre conscience historique collective ?

PRESENTED BY KAAITHEATER & EUROPALIA

FRI 17, SAT 18/01 20:30

dance/performance

• Eszter Salamon est artiste et performeuse. Elle vit et travaille entre Paris, Berlin et Bruxelles. Elle est régulièrement au programme du Kaaitheater où elle a présenté des spectacles comme TALES OF THE BODILESS, MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013) et MONUMENT 0.5: The Valeska Gert Monument. MONUMENT 0.8: Manifestations is a performative, visual and sound collage that animates an emancipatory space by interweaving traces of the Romanian history of feminism, artistic gestures and female perspectives in the history of painting and traditional music. This choral performance destabilizes not only dominant views on history, but also borders that were built to separate artistic expressions, cultures, nations and identities. As the piece carves out a trans-historical and trans-disciplinary space of memory, a new ecology of relationality appears through a hybrid fabric of political and choreographic movements, creating a new poetic matrix. Performance art has always sought to unite art and life. How and why is it important to address the marginalized history of feminism in the Romanian and Eastern European context – on the periphery of collective historical consciousness? • Eszter Salamon is an artist and performer, and works between Paris, Berlin and Brussels. She is a regular guest at Kaaitheater with productions such as TALES OF THE BODILESS, MONUMENT 0: Haunted by wars (1913–2013) et MONUMENT 0.5: The Valeska Gert Monument.

#bignames #gender #society

kaaitheater co-production

premiere

KAAITHEATER | € 18/14/10 CONCEPT & ARTISTIC DIRECTION Eszter Salamon | ARTISTIC COLLABORATION Marilena Preda Sanc | DEVELOPED WITH & PERFORMED BY Salka Ardal Rosengren, Madalina Dan, Flavia Giurgiu, Corina Mitrovici, Judith State | LIGHTS Sylvie Garot | RESEARCH Valentina Iancu | PRODUCTION Studio E.S./Elodie Perrin, WASP Studios | COMMISSIONED BY Europalia Romania | CO-PRODUCTION Kaaitheater, Europalia International, Romanian Cultural Institute

Â© LUIS RIOS-ZERTUCHE

SUZE MILIUSNL/BE & HET ZUIDELIJK TONEELNL TALK SHOW

theatre

De eerste talkshows dateren van de jaren 50 en bepalen sindsdien in vele huiskamers het avondritme. De invulling van het vaste opzet – een vlotte host praat met de gasten in een specifiek decor – is een mooie afspiegeling van de tijdsgeest waarin ze ontstaan. Maar met de komst van het internet is het format definitief op zijn retour. Dit einde symboliseert voor Suze Milius ook het einde van haar jeugd die hier zo door gekenmerkt werd. In TALK SHOW neemt ze afscheid. Het is een voorstelling over het grote en het kleine loslaten. Het is een terugkijken en vooruitblikken, een poging om waarde toe te kennen aan alles dat geleidelijk verloren gaat, en een ode aan de details in ons bestaan. • De Brussels-Nederlandse theatermaakster Suze Milius houdt het publiek steevast een vervreemdende spiegel voor door alledaagse situaties in een theatrale setting te plaatsen. Ze creëert kleurrijke universums waarin ze haar liefde voor absurde humor weet te combineren met een gestileerde esthetiek. In 2017 stond ze in het Kaaitheaterprogramma met het locatieproject HUIS. Les premiers talk-shows datent des années 50 et ont dès lors déterminé le rythme de la soirée dans de nombreux foyers. Mais avec l’émergence de l’internet, le format est définitivement dépassé. Dans TALK SHOW, Suze Milius tourne une page. Il s’agit d’un regard rétrospectif et prospectif, une tentation d’attribuer de la valeur à tout ce qui se perd petit à petit, une ode aux détails de nos existences. The first talk shows aired in the 1950s and they have determined the evening rhythm in many living rooms ever since. But the invention of the internet has definitively pushed the format into decline. In TALK SHOW, Suze Milius bids them farewell. It is both a retrospective and a look ahead into the future, an attempt to ascribe value to everything that gradually disappears, and an ode to the details of our existence.

#cometogether #society #visuallystunning

‘Near legendary… at the forefront of performance and innovation.’ — THE STAGE

‘The best group of stage actors in Britain.’ — THE TIMES

FORCED ENTERTAINMENTUK Out Of Order

Op een leeg podium onder felle lampen doen zes troosteloze clowns hun best om samen de tijd te verdrijven. Een fout liedje staat op repeat. De clowns oefenen oude grappen en raken verstrikt in nieuwe. Ze vliegen elkaar in de haren, komen tot bedaren – en dan herbegint het spel van voren af aan. Out Of Order balanceert op een slap koord tussen grap en tristesse. Het is een voorstelling in flarden, die wijst op een wereld aan flarden. Geweld en ijdelheid, boosaardig en clownesk vertier monden uit in gekibbel, uitputting, hunkering, melancholie en stilzwijgen. De klok tikt. De muziek zwelt telkens weer aan tot een climax. En alles leidt uiteindelijk tot… niets. • Al meer dan 30 jaar verleggen de theaterpioniers van Forced Entertainment de grenzen van het theatermaken. Vaak schuren hun voorstellingen tegen andere genres aan: dans, performance en muziek, maar ook cabaret, vaudeville en stand-up of de theatraliteit van pakweg een persconferentie of quizprogramma. Net als in Real Magic, in 2017 op de affiche van de 40ste verjaardagsweek van het Kaaitheater, graven ze in deze nieuwe voorstelling naar de basics van performativiteit. Out Of Order is hun eerste voorstelling zonder woorden. Sur une scène vide et sous des projecteurs éblouissants, six clowns tristes s’efforcent de faire passer le temps. Une chanson ringarde passe en boucle. Les clowns répètent de vieux numéros et s’embrouillent dans les nouveaux. Ils se crêpent le chignon, s’apaisent, et puis recommencent. Out Of Order oscille savamment entre drôlerie et tristesse. Un spectacle en lambeaux dans un monde en lambeaux. Violence et coquetterie, farces malveillantes et clownesques donnent lieu à des chamailleries, à de l’épuisement, à du désir, à de la mélancolie et à du silence. L’horloge tourne. La musique s’amplifie et atteint son apogée à plusieurs reprises. Et finalement, tout cela ne mène à rien.

theatre

• Depuis plus de trente déjà, les pionniers de Forced Entertainment déplacent les frontières de la création théâtrale. Souvent, ils se frottent à d’autres genres aussi : la danse, la performance, la musique, le cabaret, le vaudeville, la comédie stand-up ou même la théâtralité d’une conférence de presse ou d’un quiz télévisé. À l’instar de Real Magic, à l’affiche de la semaine de célébration des 40 ans du Kaaitheater en 2017, Out Of Order, leur premier spectacle sans paroles, sonde les fondements de la performativité. On a bare stage under bright light, six hapless clowns do their best to get along and pass the time. An old music plays on loop – the wrong kind, but no one seems to mind. The clowns rehearse old gags and get entangled in new ones. They fight and chase in eruptions of uneasy mayhem, then cool off a little, settle and wait for the whole thing to kick off again. Carefully unbalanced between funny and not funny, Out Of Order is the ruins of a show in the ruins of a world. Violence and posturing, high jinx and clown on clown comical capers give way to bickering, exhaustion, hunger, melancholy and silence. The clock ticks. The music swells to repeated climax. And everything comes to nothing. • For more than thirty years, the theatre pioneers in Forced Entertainment have been expanding the horizons of theatre. Their productions often explore the intersection of other genres: dance, performance and music, but also cabaret, vaudeville and stand-up, or the theatricality of a press conference or quiz show. Just like Real Magic, which was shown in 2017 during the week celebrating Kaaitheater’s 40th birthday, their latest production strips back to the fundamentals of performativity, this time disposing of even language itself to present their first show without words.

#bignames #daredevil

FRI 24, SAT 25/01 20:30

belgian premiere

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSASBE Achterland

Achterland (1990) is een scharniervoorstelling binnen Anne Teresa De Keersmaekers oeuvre: voor het eerst schreef ze specifiek dansmateriaal voor mannen. Drie mannelijke dansers sloten zich toen aan bij Rosas – een tot dan toe vooral vrouwelijk gezelschap. Het minimalisme en de overheersende vrouwelijkheid van de vroege Rosasstukken maakten plaats voor een ambigu niemandsland waarin grenzen en tekens vervaagden. In Achterland verkleden jonge meisjes zich in mantelpak, vrouwen in mannenhemden, terwijl jonge mannen gretig de dansende vrouwen nabootsen. De muziek van Györgi Ligeti en Eugène Ysaÿe zorgt voor een speels-virtuoos kader. De violist en pianist op scène interpreteren niet enkel de partituur, maar vervullen ook een actieve rol in het dansgebeuren – een werkwijze die De Keersmaeker in veel van haar latere voorstellingen zou herhalen. Afgelopen seizoen maakte de herneming van Achterland met een nieuwe generatie Rosas-dansers grote indruk: laat deze herkansing niet aan je voorbijgaan. Achterland (1990) tient une place décisive dans le parcours d’Anne Teresa De Keersmaeker : c’était la première fois que la chorégraphe concevait un matériau spécifiquement masculin. Trois danseurs rejoignaient Rosas, une compagnie jusque-là amplement dominée par les femmes. Le minimalisme et la féminité dominante des précédents spectacles de Rosas cèdent la place à un no man’s land ambigu où l’on se joue des frontières en brouillant les signes. Dans Achterland, des jeunes filles enfilent des tailleurs, des femmes mettent des chemises d’homme, tandis que de jeunes hommes imitent avec empressement les femmes qui dansent. La combinaison insolite des musiques de György Ligeti et d’Eugène Ysaÿe engendre un cadre ludique et virtuose. Sur scène, le pianiste et le violoniste n’interprètent pas seulement la partition, mais font preuve d’une plus grande implication dans la dynamique scénique – une approche que De Keersmaeker développera abondamment par la suite. La saison passée, la reprise d’Achterland avec une nouvelle génération de danseurs a fait grande impression : ne laissez pas cette nouvelle occasion vous échapper !

PRESENTED BY KAAITHEATER, DE MUNT/LA MONNAIE & ROSAS

dance

Achterland (1990) is a seminal choreography in Anne Teresa De Keersmaeker’s oeuvre. This was the first dance material that she wrote specifically for men. For this production, three male dancers joined Rosas, which had previously been a predominantly female company. The minimalism and prevalent femininity of Rosas’ early pieces gave way to an ambiguous no-man’s-land in which boundaries and symbols were blurred. In Achterland, young girls dress up in suits, women in men’s suits, while young men eagerly imitate the dancing women. Györgi Ligeti’s and Eugène Ysaÿe’s imbues the production with a playful-virtuoso atmosphere. The violinist and pianist onstage not only interpret the score, but also play an active role in the dancing – an approach that De Keersmaeker would repeat in many subsequent projects. Last season, the reprise of Achterland starring a new generation of Rosas dancers made a tremendous impression: don’t miss this opportunity to see it again.

0-12 Y

SUN 9/02 15:00

MATINEE KADEE WORKSHOP FOR KIDS While you attend the Sunday matinee performance, your children get to enjoy a creative workshop. Meanwhile, the little ones have fun in the playroom. > p. 128

NL FR EN

#bignames #madeinbxl #repertoire #gender

WED 29, THU 30, FRI 31/01, SAT 1, THU 6, FRI 7, SAT 8/02 20:30 + SUN 9/02 15:00 KAAITHEATER | 1H20 | € 27/22/10 CHOREOGRAPHY Anne Teresa De Keersmaeker | MISE EN SCÈNE Jean Luc Ducourt | DANCED BY (ALTERNATING) Laura Bachman, Lav Crncevic, Léa Dubois, José Paulo dos Santos, Anika Edström Kawaji, Bilal El Had, Frank Gizycki, Robin Haghi, Yuika Hashimoto, Laura Maria Poletti, Soa Ratsifandrihana, Luka Svajda | CREATED IN 1990 WITH Nordine Benchorf, Bruce Campbell, Vincent Dunoyer, Fumiyo Ikeda, Marion Levy, Nathalie Million, Carlotta Sagna, Johanne Saunier | MUSIC György Ligeti, Eugène Ysaÿe | PIANO Wilhem Latchoumia/Joonas Ahonen | VIOLIN Juan María Braceras/Naaman Sluchin | SET Herman Sorgeloos | LIGHT DESIGN Jean Luc Ducourt | COSTUMES Ann Weckx | PRODUCTION Rosas | CO-PRODUCTION 1990 Kaaitheater, De Munt/La Monnaie, Stichting Van Gogh 1990, Rotterdamse Schouwburg, Théâtre de la Ville

‘Een spannend en verleidelijk stuk, met veel humor en theatrale flair.’ — DE STANDAARD ‘Bij de première van deze herneming kon de nieuwe cast dit complexe choreografische verhaal – met zijn rijke en subtiele emotionele ondertonen – moeiteloos terug belichamen.’ — DE MORGEN

IGGY LOND MALMBORGEE/SE Physics and Phantasma

performance

De deur gaat open, iemand controleert je kaartje, je neemt plaats en ziet een lege scène. Niet alleen dan, maar ook nu, tijdens het lezen van deze tekst, maak je je een voorstelling van wat er gaat gebeuren. En laat dat nu net de kern van Physics and Phantasma zijn: jouw fantasie. Alle revoluties én alle vooroordelen komen eruit voort, en toch gaat het vermogen om te fantaseren voorbij goed en kwaad. Ze verdedigt ons tegen de inconsistenties van deze wereld en staat ons toe de wetten van de fysica uit te dagen. Maar waar veel makers de leegte van de scène prijzen als dé plaats voor fantasie, krijgt ze in Physics and Phantasma iets dwangmatig en traumatisch. Het vacuüm moet kost wat kost een invulling krijgen! Om dat te doen, neemt Iggy Lond Malmborg je mee op een trip langs even willekeurige als donkere hoeken van je verbeelding: dé plek waar deze solo zich vooral voltrekt. • Iggy Lond Malmborg is een Zweeds-Estse acteur en performancemaker. Na een klassieke theateropleiding in Malmö, toerde hij met z’n werk – solo’s en samenwerkingen – over heel Europa. We verwelkomen deze jonge maker voor het eerst in het Kaaitheaterprogramma.

FRI 31/01, SAT 1/02 20:30

The door opens, somebody checks your ticket, you take your seat and you see an empty stage. Not only then, but also now, while reading this text, you imagine what will happen. And that is precisely the core of Physics and Phantasma: your imagination. It is the origin of all revolutions and all prejudice, and yet the capacity to imagine goes beyond good and evil. It defends us from the inconsistencies of this world and allows us to challenge the laws of physics. But while many creators praise the empty stage as the central place for imagination in Physics and Phantasma it becomes compulsive and traumatic. The vacuum must at all costs by filled with something! To this end, Iggy Lond Malmborg takes you on a journey to random and dark corners of your imagination: the place where this solo takes shape. • Iggy Lond Malmborg is a Swedish-Estonian actor and performance maker. After his classical theatre training in Malmö, he toured across Europe with both his solo and his collaborative work. We are welcoming this young artist to the Kaaitheater programme for the first time.

#daredevil #imaginethis #newarrivals

belgian premiere

Là où de nombreux créateurs vantent les mérites d’une scène vide comme l’espace ultime de la fantaisie, elle adopte quelque chose d’obsessionnel et de traumatisant dans Physics and Phantasma. Il faut coûte que coûte alimenter le vide de contenu et pour ce faire, Iggy Lond Malmborg vous emmène en voyage dans des coins aussi sombres qu’arbitraires de votre imagination – le lieu où se déroule réellement ce solo.

February

Â© KATJA DREYER

KATJA DREYERDE/BE & KAREN RØISE KIELLANDNO Cry Me a River The quest for the source Via een expeditie naar de bron van de Styx belanden Karen Røise Kielland en Katja Dreyer in de Griekse mythologie. Deze beroemde rivier zou de grens vormen tussen onze bovenwereld en de onderwereld. Het water maakte Achilles onsterfelijk, liet Narcissus verliefd worden op zijn eigen spiegelbeeld, en gewone stervelingen verliezen hun geheugen door ervan te drinken. Aan de hand van beelden, objecten, beweging en verhalen reconstrueren ze hun bijzondere reis. Via talrijke ontmoetingen met lokale bewoners en hun verhalen over de rivier, blazen ze een oude mythe nieuw leven in. De voorstelling begint in veelheid en chaos – maar hoe dichter bij de bron, des te sterker orde en monochrome stilte naar boven komen. • Theatermaakster Katja Dreyer woont en werkt in Brussel, en stond het afgelopen seizoen voor het eerst in de Kaaistudio’s met Ophelia comes to Brooklyn. Karen Røise Kielland studeerde in Londen, Amsterdam en Hamburg, en ontwikkelde workshops met o.a. Philippe Quesne en Nature Theater of Oklahoma.

theatre

Par le biais d’une expédition à la source du Styx, Karen Røise Kielland et Katja Dreyer atterrissent dans la mythologie grecque. À travers de multiples rencontres avec des habitants locaux et leurs histoires sur le fleuve, elles réinsufflent vie à un ancien mythe. Le spectacle commence dans la profusion et le chaos multicolore, mais plus on se rapproche de la source, plus un ordre rigoureux et un silence monochrome prennent le dessus. An expedition to the source of the Styx has taken Karen Røise Kielland and Katja Dreyer to the heart of Greek mythology. This mythical river was thought to be the border between our upper world and the underworld. The water made Achilles immortal, made Narcissus fall in love with his own reflection, and mere mortals lose their memory if they drink from it. Through images, objects, movement and stories, they reconstruct their extraordinary journey. They breathe new life into an old myth through numerous encounters with local residents and their stories about the river. The performance begins with multiplicity and chaos, but the closer to the source, the more order and monochrome silence begin to surface. • Theatre maker Katja Dreyer lives and works in Brussels, and came to the Kaaistudios for the first time last season with Ophelia Comes to Brooklyn. Karen Røise Kielland studied in London, Amsterdam and Hamburg, and has developed workshops with, among others, Philippe Quesne and Nature Theater of Oklahoma.

#cometogether #gender #tender

Â© MARI KANSTAD JOHNSEN

KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANYBE & HET ZUIDELIJK TONEELNL ACT. Johan Leysen plays Beckett Beckett is dood maar zijn erfenis leeft verder in de hoofden van theatermakers, kunstenaars, liefhebbers. Zijn Stories and Texts for Nothing (1946–1952) – over een oudere man en zijn onmogelijke zoektocht naar zijn plaats in de wereld – is het fundament van ACT. Deze gecureerde Beckett-avond brengt een verrassende mix aan vormen samen: een monoloog door Johan Leysen; een wetenschappelijke lezing over geheugen, neurologie, machines en bewustzijn; een video-installatie met immersief (post-) apocalyptisch landschap; én een concert. Met dit parcours verkent theatermaker Kris Verdonck zijn met Beckett gedeelde fascinatie voor technologie, en de toenemende strijd tussen mens en machine. Hebben we nog een plek in een wereld waarin we als mens niet alleen steeds meer vervangen worden door machines, maar die ook door ons eigen toedoen richting onbewoonbaar evolueert? • Kris Verdonck bespeelt als regisseur een grensgebied tussen beeldende kunst, theater, performance en architectuur. Met Conversations (at the end of the world), SOMETHING (out of nothing) en Untitled vond hij al schoonheid in de catastrofe. De komende vier jaar richt hij zich op het onderzoek naar de raakvlakken tussen het werk van Beckett – waarin (het) Niets gebeurt – en de geheimen van het traditionele Japans No-theater uit de 14e-eeuw.

theatre/installation

Beckett is dead but his legacy lives on in the minds of theatre makers, artists, and enthusiasts. His Stories and Texts for Nothing (1946–1952) – about an older man and his impossible search for his place in the world – is the basis of ACT. This curated Beckett evening presents a surprising mix of forms: a monologue by Johan Leysen; an academic lecture about memory, neurology, machines and consciousness; a video installation with an immersive (post-)apocalyptic landscape; and a concert. Through this combination, theatremaker Kris Verdonck explores a fascination that he shares with Beckett, namely technology and the increasing conflict between humans and machines. Do we as humans still have a place in the world in which we are not only increasingly being replaced by machines, but which is also evolving towards inhabitability because of our own actions? • As a director, Kris Verdonck explores the intersections of the visual arts, theatre, performance and architecture. He found beauty in the catastrophic in Conversations (at the end of the world), SOMETHING (out of nothing) and Untitled. Over the next four years, he will research the connections between Beckett’s work – in which (the) Nothing occurs – and the secrets of 14th-century Japanese No-theatre.

Cette soirée Beckett nous offre un surprenant brassage de formes : un monologue par Johan Leysen ; une conférence scientifique sur la mémoire, la neurologie, les machines et la conscience, une installation vidéo avec un paysage immersif (post)apocalyptique et un concert. Avec ce parcours, l’homme de théâtre Kris Verdonck explore la fascination qu’il partage avec Beckett pour la technologie et le conflit qui va crescendo entre l’homme et la machine.

#bignames #daredevil #hightech #visuallystunning

THU 13, FRI 14, SAT 15/02 20:30

kaaitheater co-production

premiere

KAAISTUDIO’S | ENGLISH | € 18/14/10

DIRECTION Kris Verdonck | PERFORMANCE Johan Leysen | DRAMATURGICAL ADVICE Piet Menu

TG STAN & KLOPPEND HERTBE Move (on)

Al een hele tijd verzamelen de spelers van STAN op hun werktafel teksten van schrijvers uit het Midden-Oosten, Noord-Afrika en de diaspora. Teksten over verlangens en frustraties, fricties en tegenstrijdigheden, en wat er leeft in steden hier en daar. Op hun zoektocht naar de Arabische literatuur zocht en vond tg STAN bondgenoten bij Moussem, nomadisch kunstencentrum, en bij de theatermakers van Kloppend Hert, het gezelschap rond Haider Al Timimi. Samen maken ze Move (on), een voorstelling waarin acht straffe spelers en performers elkaar ontmoeten en de scène delen: Btissame Bourrich, Evgenia Brendes, Issam Dakka, Jolente De Keersmaeker, Youness Khoukhou, Olga Mouak, Haider Al Timimi en Frank Vercruyssen. Zij gaan op zoek naar antwoorden op vragen die voor hen noodzakelijk zijn, in een grensoverstijgende ruimte waar meerdere invloeden kunnen samensmelten tot één geheel. Maar het begint bij het begin: een open speelveld en gesprek.

theatre

For some time now, the actors from STAN have been collecting texts by authors from the Middle East, North Africa and the diaspora. Texts about desires and frustrations, frictions and contradictions, and what is going on in cities both here and there. In their search for Arabic literature, tg STAN sought and found allies at the Nomadic Arts Centre Moussem, and among the theatremakers of Kloppend Hert, the company led by Haider Al Timimi. Together, they have made Move (on), a production in which eight excellent actors and performers meet each other and share the stage: Btissame Bourrich, Evgenia Brendes, Issam Dakka, Jolente De Keersmaeker, Youness Khoukhou, Olga Mouak, Haider Al Timimi and Frank Vercruyssen. They go in search of answers to questions that are essential to them, in a cross-border space where multiple influences can blend into one whole. But it begins at the beginning: an open forum and conversation.

Depuis tout un temps, les acteurs du collectif tg STAN empilent sur leur table de travail des textes d’auteurs du Moyen-Orient, d’Afrique du Nord et de la diaspora. Des textes sur des désirs et des frustrations, des frictions et des contradictions, sur ce qui anime les villes là-bas et ici. Dans sa recherche sur la littérature arabe, tg STAN a trouvé des alliés en Moussem, le centre nomade des arts, et en Kloppend Hert, le collectif autour de Haider Al Timimi. Ensemble, ils créent Move (on), un spectacle dans lequel huit comédiens et performeurs brillants se rencontrent et partagent la scène : Btissame Bourrich, Evgenia Brendes, Issam Dakka, Jolente De Keersmaeker, Youness Khoukhou, Olga Mouak, Haider Al Timimi et Frank Vercruyssen. Ils partent en quête de réponses à des questions essentielles pour eux, dans un espace qui transcende les frontières, où plusieurs influences se fondent en un tout. Mais cela commence par le commencement : un terrain de jeu ouvert et une conversation.

#bignames #repertoire

THU 13, FRI 14, SAT 15/02 20:30 KAAITHEATER | MULTILINGUAL | € 18/14/10 BY & WITH Btissame Bourrich, Evgenia Brendes, Jolente De Keersmaeker, Olga Mouak, Haider Al Timimi, Issam Dakka, Youness Khoukhou, Frank Vercruyssen | PRODUCTION tg STAN | CO-PRODUCTION Kloppend Hert, Moussem, Toneelhuis, Vooruit

Â© LAURE GHORAYEB & MAZEN KERBAJ

Â© MARC DOMAGE

CHRISTIAN RIZZO & ICI-CCNFR une maison

Op een scène die bedekt is met een dikke laag aarde en baadt in het licht staan 14 dansers – alle verschillend in leeftijd en dansachtergrond. Gestaag opbouwend naar een wilde climax, vloeien bewegingen van het ene lichaam naar het andere. Het resultaat is een tactiele ervaring waarin de vraag resoneert: hoe kun je in een groep toch alleen zijn? Met een veelvoud aan standpunten beschouwt Christian Rizzo de staat van de wereld. Hij kiest heel bewust voor tederheid, en tegen bedreiging. Laat je binnenleiden in dit huis zonder deur, dat met al zijn ramen een uitzicht biedt op een denkbeeldige wereld. • Christian Rizzo beweegt zich graag in wat Stanley Kubrick ‘the fertile zone of ambiguity’ noemde: na een opleiding in de beeldende kunsten ontwikkelde hij een kledinglijn, richtte een rockband op en werd tenslotte danser en choreograaf. Rizzo maakte al meer dan dertig stukken, waarvan er nu voor de eerste keer één op de scène van het Kaaitheater staat.

dance

On a stage covered with a thick layer of earth and bathed in light stand fourteen dancers – all different in age and dance background. Movements flow from one body to the next, gradually building to a wild climax. The result is a tactile experience in which a simple question resonates: how is it that you can be alone even when you’re in a group? Christian Rizzo surveys the state of the world from a multitude of perspectives. He very intentionally opts for tenderness and against threats and danger. You are led into this house without a door, which with all its windows offers vistas of an imaginary world. • Christian Rizzo likes to move in what Stanley Kubrick called ‘the fertile zone of ambiguity’: after studying the visual arts, he founded his own fashion line, started a rock band, and finally became a dancer and choreographer. Rizzo has presented more than thirty performances, but this is the first time that one will be performed on the Kaaitheater stage.

Sur une scène couverte d’une épaisse couche de terre et baignée sous une galaxie de traits de lumière sont rassemblés 14 danseurs d’âges et de parcours différents. Dans un flux continu de mouvements d’un corps à l’autre, le groupe, qui évolue de manière constante vers une apothéose sauvage, est régi par une expérience tactile. Comment peut-on être en groupe et néanmoins seul ? Avec une multiplication de points de vue, Christian Rizzo observe l’état du monde. Il se situe délibérément du côté du tendre et du refus du comminatoire. Laissez-vous entraîner dans cette maison sans porte qui offre de nombreuses fenêtres ouvertes sur l’imaginaire. • Christian Rizzo aime se mouvoir dans ce que Stanley Kubrick appelait « la zone fertile de l’ambiguïté » : après une formation en arts plastiques, il a créé une ligne de vêtements, fondé un groupe de rock et est finalement devenu danseur et chorégraphe. Rizzo a réalisé plus de trente pièces dont le Kaaitheater en présente une pour la première fois.

PRESENTED BY KAAITHEATER & CHARLEROI DANSE

#bignames #energizeme #visuallystunning

THU 20, FRI 21/02 20:30 KAAITHEATER | 1H05 | € 22/18/10 CHOREOGRAPHY, STAGE DESIGN, COSTUME DESIGN & LIGHT OBJECTS Christian Rizzo | DANCE Youness Aboulakoul, Jamil Attar, Lluis Ayet, Johan Bichot, Léonor Clary, Miguel Garcia Llorens, Pep Guarrigues, Julie Guibert, Ariane Guitton, Hanna Hedman, David Le Borgne, Maya Masse, Rodolphe Toupin, Vania Vaneau | LIGHT DESIGN Caty Olive | MEDIA CREATION Jéronimo Roé | ORIGINAL MUSIC Pénélope Michel & Nicolas Devos (Cercueil/Puce Moment) | COSTUME REALIZATION Laurence Acquier | MEDIA PROGRAMMING Yragaël Gervais | PRODUCTION & DIFFUSION Anne Fontanesi, Anne Bautz | PRODUCTION ICI — centre chorégraphique national Montpellier – Occitanie/Direction Christian Rizzo | WITH THE SUPPORT OF la Fondation d’entreprise Hermès | CO-PRODUCTION Bonlieu Scène nationale Annecy, Chaillot – Théâtre National de la Danse, Théâtre de la Ville, Festival Montpellier Danse 2019, Opéra de Lille, National Performing Arts Center – National Theater & Concert Hall (Taiwan), Théâtre National de Bretagne, L’Empreinte, Scène nationale Brive/Tulle, Teatro Municipal do Porto/Festival DDD – Dias da Dança, Mercat de les Flors – Casa de la Dansa, Ménagerie de Verre, La Place de la Danse – CDCN Toulouse/Occitanie, Charleroi Danse – Centre chorégraphique de la Fédération Wallonie-Bruxelles, Domaine d’O – domaine d’art et culture, Theater Freiburg

MOUSSEM CITIES: ALGIERS 17>22/02/2020 KAAISTUDIO’S

Het jaarlijkse festival MOUSSEM CITIES richt telkens de blik op een andere metropool uit het Midden-Oosten of Noord-Afrika. Keer op keer zijn het steden met een rijke en cultureel diverse geschiedenis, die vandaag een vitale rol spelen door hun artistieke dynamiek. Artiesten uit de regio en uit de diaspora bieden een kijk op hun stad en hun werk. Het Kaaitheater is vaste partner van het festival, en geeft een podium aan jonge generaties podiumkunstenaars. Na edities rond Beirut, Casablanca en Damascus, staat deze keer Algiers in de schijnwerpers. Le festival annuel MOUSSEM CITIES se tourne chaque année vers une métropole du Moyen-Orient ou de l’Afrique du Nord : une ville au passé culturel riche et divers, mais à laquelle la dynamique artistique vibrante d’aujourd’hui continue à faire jouer un rôle majeur. Des artistes de la région et de la diaspora nous permettent ainsi de porter un regard sur leur ville et sa scène artistique. Le Kaaitheater est le partenaire attitré du festival et offre un podium à une jeune génération d’artistes du spectacle vivant. Après Beyrouth, Casablanca et Damas, c’est au tour d’Alger d’être sous les feux de la rampe. Each edition of the annual festival MOUSSEM CITIES focuses on a different metropolis in the Middle East or North Africa. Each of these cities has a rich and culturally diverse history and they all play vital roles today thanks to their artistic dynamism. Artists from the region and in the diaspora offer insight into their cities and their work. Kaaitheater is a structural partner of the festival, and offers a stage to young generations of performing artists. After editions focused on Beirut, Casablanca and Damascus, this year a spotlight will be cast on Algiers. The programme of MOUSSEM CITIES: ALGIERS will be announced at the beginning of 2020.

FESTIVAL PARTNERS Moussem Nomadic Arts Centre, Kaaitheater, Bozar, Cinema Nova & others

festival

March

Â© BLOMMERS & SCHUMM

ALEXANDRA BACHZETSISGR/CH Escape Act

Heeft stem een gender, heeft huid een ras? Of kunnen we lichamen waarnemen zonder er gender, ras, leeftijd, klasse – kortom een waarde – aan toe te kennen? In Escape Act onderzoekt Alexandra Bachzetsis, samen met filosoof, activist en dramaturg Paul B. Preciado, de mechanismen van het verlangen. Zowel gebruik makend van drag, vogueing, striptease, YouTube-tutorials als het triadisch ballet van Oskar Schlemmer, proberen zeven lichamen en nog veel meer objecten nieuwe constellaties uit, als surrealistische ready-mades. Binnen de dominante logica van het verlangen zijn lichamen man of vrouw, echt of fake, kennen ze succes of mislukking, en doen objecten dienst als vervangbare protheses. Kunnen we die logica omgooien? Met veel ironie toont de voorstelling genderidentiteiten op een hyper-stereotiepe manier, om ze vervolgens weer te ontmantelen. Wat Escape Act aantoont, is dat tekens niet te vertrouwen zijn. • Alexandra Bachzetsis is choreograaf en beeldend kunstenaar. In haar multidisciplinaire oeuvre staat de constructie van beeld en lichaam in mainstream populaire cultuur centraal. Haar werk staat in theaterzalen, musea en op kunstbiënnales. In 2010 toonde ze in de Kaaistudio’s Dream Season tijdens de eerste WoWmen.

WOWMEN! 2020 Gender | Art | Society WoWmen! has its fourth edition in the first week of March – the week leading up to International Women’s Day. This programme of performances, talks and workshops zooms in on gender, art and society. The full programme will be announced in January 2020.

dance/performance

La voix a-t-elle un genre, la peau a-t-elle une race ? En évoquant le drag, le voguing, le strip-tease, les didacticiels YouTube ainsi que les ballets triadiques d’Oskar Schlemmer, sept corps et bien plus d’objets éprouvent de nouvelles constellations comme ready-made surréalistes. Avec beaucoup d’ironie, le spectacle présente des identités de genre de manière hyperstéréotypée pour ensuite les démonter. Does gender have a voice, does skin have a race? Or can we observe bodies without ascribing a gender, race, age or class – in short, value – to them? In Escape Act, Alexandra Bachzetsis joins philosopher, activist and dramatist Paul B. Preciado to investigate the mechanisms of desire. Using drag, vogueing, striptease, YouTube tutorials as well as the triadic ballet by Oskar Schlemmer, seven bodies and many more objects try out new constellations, like surrealist ready-mades. Within the dominant logic of desire, bodies are male or female, real or fake, successful or failures, and objects serve as disposable prosthetics. Can we overturn that logic? With a great sense of irony, the production presents hyper-stereotyped gender identities, only to deconstruct them completely. What Escape Act demonstrates is that signs are not to be trusted. • Alexandra Bachzetsis is a choreographer and visual artist. Her multidisciplinary oeuvre focuses on the construction of images and bodies in mainstream popular culture. Her work has been shown in theatres, museums and art biennales. In 2010, she presented Dream Season at the Kaaistudios, as part of the first WoWmen.

PRESENTED BY KAAITHEATER, IN COLLABORATION WITH DEBUREN, ROSA, VUB, WORKSPACEBRUSSELS & OTHERS

‘Rather than representing the productions of desire from the point of view of identity, of the norm and the normal, Escape Act invites us to pay attention to the failures and the cracks, but also to the lines of flight, to the escape acts.’ — PAUL B. PRECIADO #daredevil #gender

FRI 6, SAT 7/03 21:00

belgian premiere

KAAITHEATER | ENGLISH | 1H10 | € 18/14/10 CONCEPT & CHOREPGRAPHY Alexandra Bachzetsis | CREATION & PERFORMANCE Alexandra Bachzetsis, Jia-Yu Corti, Tamar Kisch, Owen Ridley-DeMonick, Gus Solomons/Philippe Beloul, Johanna Willig-Rosenstein, Sotiris Vasiliou | TEXT Paul B. Preciado | COLLABORATION, DRAMATURGY, MOVEMENT DIRECTOR Anne Pajunen | COLLABORATION, DRAMATURGY, OBJECTS Sotiris Vasiliou | COSTUME DESIGN Christian Hersche & Ulla Ludwig | MUSIC Lies Vanborm, François De Meyer (Audiotheque) | MUSIC RESEARCH Anna Zaradny | LIGHT DESIGN & TECHNIQUE Patrik Rimann | PRODUCTION/ASSOCIATION All Exclusive, Marina Miliou | CO-PRODUCTION Gessnerallee, PACT Zollverein, HAU Hebbel am Ufer, Les spectacles vivants du Centre Pompidou, Kaserne Basel, Tanzhaus Zürich

ORLA BARRYIE Spin, Spin, Scheherazade

performance

In deze grappige en gepassioneerde monoloog voor Einat Tuchman zoekt Orla Barry de grenzen op van kunst, gender en het landelijke alledaagse. Reflecterend over een cultuur waarin de verbinding met de natuur is verbroken, beschrijft ze de ervaringen van een kunstenares die terugkeert van de stad naar haar geboortegrond en daar als ‘boer-kunstenaar’ heropleeft. Toeval, humor en een subtiel taalspel vormen de ingrediënten van een voorstelling die orale geschiedschrijving met persoonlijke herinneringen verweeft. • Orla Barry is zowel beeldend kunstenaar als schaapherder. Ze woonde 16 jaar in Brussel, en runt nu een boerderij met Lleyn-schapen op het Ierse platteland. Tijdens Performatik13 toonde ze Mountain in Bozar en tijdens Performatik17 Breaking Rainbows in Argos – waarin Einat Tuchman ook meespeelde. Dans ce monologue drôle et passionné écrit pour Einat Tuchman, Orla Barry explore les limites de l’art, du genre et du quotidien rural. Elle décrit les expériences d’une artiste qui retourne de la ville vers sa terre natale et y revit en tant que paysanne-artiste. Hasard, humour et jeu de langage subtil composent les ingrédients d’un spectacle qui entrelace l’historiographie orale et les souvenirs personnels. In this humorous and passionate monologue performed by Einat Tuchman, Orla Barry explores the boundaries of art, gender, and the rural everyday. Reflecting on a culture in which the connection with nature has been broken, she describes the experiences of an artist who returns from the city to her rural roots and is reborn as a hybrid ‘farmer-artist’. Coincidence, humour and a subtle language game are the ingredients of a production that blends oral historiography with personal memories. • Orla Barry is both a visual artist and a shepherd. She lived in Brussels for 16 years and now runs a Lleyn sheep farm in the Irish countryside. During Performatik13, she presented Mountain at Bozar and during Performatik17, she presented Breaking Rainbows – also starring Einat Tuchman – at Argos.

#gender #society #tender

WOWMEN! 2020

KHADIJA EL KHARRAZ ALAMINL Nu ben ik Medea

theatre

In deze persoonlijke performance vervlecht Khadija El Kharraz Alami perspectieven uit Euripides’ Medea met haar eigen verhaal over opgroeien tussen twee werelden – en over de botsing van krachten in jezelf. Alami legt uit hoe ze gevormd is door de rijkdommen uit de westerse en de Marokkaanse wereld: de vele tradities, verschillen in cultuur, meertaligheid, geloven of niet geloven, muziek, eten, vrijheid… Totdat deze rijkdommen botsen: ze gaat er tussenin staan en probeert met al haar kracht beide vast te houden. Zo groeit ze verder op, niet langer met, maar tussen twee werelden in. • Khadija El Kharraz Alami won met Nu ben ik Medea de KBC Jongtheaterprijs tijdens Theater Aan Zee. Een ‘opvallende en onverbiddelijke theaterpersoonlijkheid’, noemde de jury haar.

Dans ce spectacle personnel, Khadija El Kharraz Alami entrelace des perspectives de Médée d’Euripide et sa propre histoire : grandir entre le monde occidental et le monde marocain et sentir en soi des forces qui s’entrechoquent. In this personal performance, Khadija El Kharraz Alami blends perspectives from Euripides’ Medea with her own story about growing up between both the Western and the Moroccan world – and about the clash of forces within the self.

#newarrivals #nxtgen #repertoire

WED 11, THU 12/03 20:30 KAAISTUDIO’S | DUTCH | 1H15 | € 14/10

CONCEPT & SPEL Khadija El Kharraz Alami | LICHTONTWERP Axel Dikkers | KOSTUUMONTWERP Erik Bosman | DECORONTWERP John Thijssen | PRODUCTIE Productiehuis Theater Rotterdam

FAUSTIN LINYEKULA/NTGENTCD/BE Histoire(s) du Théâtre II

1974, Zaïre. In de bokswedstrijd van de eeuw schakelt Muhammad Ali George Foreman uit. Mobutu Sese Seko richt het Nationale Ballet van Zaïre op. Na hun onafhankelijkheid proberen Afrikaanse landen hun identiteit te bepalen. Ironisch genoeg gebruiken ze Westerse codes om zich op de kaart te zetten. Wat een formidabel laboratorium had kunnen worden voor de rijkdom van de Afrikaanse dans en muziek, evolueert al snel tot propaganda en tot een bron van een bitse politieke strijd op het continent. Faustin Linyekula creëert een voorstelling waarin hij nadenkt over de sleutelmomenten in de geschiedenis van het theater. Samen met drie leden van het Congolese Nationale Ballet, en acteurs Papy Maurice Mbwiti en Oscar van Rompay, onderzoekt hij wat de jonge Congolese staat had kunnen zijn. • Als danser, choreograaf en theaterregisseur behandelt Faustin Linyekula postkoloniale thema’s, geïnspireerd door de wrede erfenis van oorlog, terreur en de ineenstortende economie in zijn vaderland Congo. Sinds de jaren 90 reizen zijn voorstellingen over de hele wereld. Histoire(s) du Théâtre II had vorig seizoen in première moeten gaan, maar werd toen uitgesteld omwille van visaproblemen. De voorstelling maakt deel uit van een reeks, die werd afgetrapt door Milo Rau’s bejubelde La Reprise.

theatre/dance

• En sa qualité de danseur, de chorégraphe et de metteur en scène de théâtre, Faustin Linyekula aborde des thèmes postcoloniaux inspirés du cruel héritage de la guerre, de la terreur et d’une économie en déliquescence dans son pays natal, le Congo. Depuis les années 90, ses spectacles ont une résonance internationale. La première d’Histoire(s) du Théâtre II était prévue la saison passée, mais a dû être différée en raison de problèmes d’octroi de visas. Le spectacle s’inscrit dans une série dont Milo Rau a donné le coup d’envoi avec La Reprise. 1974, Zaire. In the Fight of the Century, Muhammad Ali defeated George Foreman. Mobutu Sese Seko founded the National Ballet of Zaire. Fast forward to 2019. Faustin Linyekula has created a production in which he reflects on key moments in the history of theatre. Along with three members of the Congolese National Ballet and actors Papy Maurice Mbwiti and Oscar van Rompay, he explores what the young Congolese state could have become.

Zaïre, 1974. Muhammad Ali remporte le match du siècle contre George Foreman. Mobutu Sese Seko fonde le Ballet national du Zaïre. Après les indépendances, les pays africains tentent de définir leur identité. De manière assez ironique, ils se servent de codes occidentaux pour se placer sur la carte. Ce qui aurait pu être un formidable laboratoire pour la richesse de la danse et de la musique africaine évolue rapidement en propagande et source d’âpres conflits politiques sur le continent. Faustin Linyekula crée un spectacle dans lequel il réfléchit aux moments clés de l’histoire du théâtre. Avec trois membres du Ballet National Congolais et les acteurs Papy Maurice Mbwiti et Oscar van Rompay, il se penche sur ce que le jeune État congolais aurait pu être.

#bignames #challengethesystem #newarrivals

FRI 13, SAT 14/03 20:30 KAAITHEATER | MULTILINGUAL (SURT. DUTCH/FRENCH) | € 22/18/10 DIRECTION Faustin Linyekula | CAST Oscar Van Rompay, Wawina Lifeteke, Marie-Jeanne Ndjoku Masula, Ikondongo Mukoko, Papy Maurice Mbwiti | PRODUCTION NTGent | IN COLLABORATION WITH Ballet National de la Compagnie Théâtre National Congolais, Isaano/Positive Production, Kigali

FC BERGMAN TONEELHUIS/NTGENT/KVSBE JR Midden jaren 70 wordt het New Yorkse beurswezen brutaal ontwricht of toch minstens stevig door elkaar geschud, wanneer uit het niets een nieuwe speler de markt bestormt: JR Vansandt is gehaaid, meedogenloos en… amper elf jaar oud. William Gaddis is een van de invloedrijkste schrijvers binnen de Amerikaanse postmoderne literatuur. Met zijn magnum opus JR schreef hij in 1975 een even complexe als hilarische satire op het kapitalisme. FC Bergman gaat voor een ambitieuze bewerking die de hedendaagse mens ontmaskert. JR ging vorig jaar in première in Antwerpen, en is nu toe aan een Brusselse passage. In de hallen van Paleis12 op de Heizel, bouwt het gezelschap een torenhoge set, waarrond een uitgebreid spelersensemble de caleidoscopische wereld van JR reconstrueert. • FC Bergman werd in 2008 opgericht door zes jonge theatermakers. Op korte tijd ontwikkelden ze een heel eigen theatertaal, die buiten anarchistisch en licht chaotisch, vooral heel beeldend en poëtisch is. In het Kaaitheaterprogramma presenteerden ze o.a. de imposante projecten Terminator Trilogie, Van den vos en Het land Nod. Au milieu des années 70, le monde de la bourse newyorkaise est brutalement déstabilisé ou du moins sérieusement secoué par l’arrivée impromptue d’un nouvel acteur venu de nulle part qui prend le marché d’assaut : JR Vansandt. Ce dernier est retors, impitoyable et… à peine âgé de onze ans. William Gaddis est considéré comme l’un des écrivains états-uniens les plus influents de la littérature post-moderne. Son chef-d’œuvre expérimental, JR, est une satire aussi complexe que désopilante du capitalisme. FC Bergman a opté pour une adaptation ambitieuse qui démasque l’homme contemporain. La première de JR a eu lieu l’année passée à Anvers et la production se prépare

theatre

pour un passage à Paris et ensuite à Bruxelles. Dans les espaces du Palais 12 du Heysel, la compagnie construit un décor colossal autour duquel un vaste ensemble de comédiens et de figurants reconstituent l’univers kaléidoscopique de JR. • Fondé en 2008 par six jeunes créateurs de théâtre, FC Bergman a rapidement élaboré un langage théâtral bien à lui qui, outre anarchiste et légèrement chaotique, est également infiniment visuel et poétique. Le Kaaitheater a présenté précédemment e.a. les projets très imposants Terminator Trilogie, Van den vos et Het land Nod de FC Bergman. In the mid-1970s, the New York stock exchange was brutally disrupted or at least severely shocked when a new player emerged on the market out of the blue: JR Vansandt is smart, merciless and… only eleven years old. William Gaddis is one of the most influential authors in American postmodern literature. His 1975 magnum opus JR is a complex and hilarious satire on capitalism. FC Bergman has opted for an ambitious adaptation that unmasks contemporary humanity. JR premièred in Antwerp last year and is now being staged in Brussels. The company is building a sky-high set in the halls of Paleis12 at the Heizel, around which an extensive ensemble of actors will reconstruct the kaleidoscopic world of JR. • FC Bergman was founded by six young theatre makers in 2008. In only a short time, they have developed their own theatre language that is not only anarchistic and mildly chaotic, but especially very visual and poetic. They have previously presented the impressive projects Terminator Trilogie, Van den vos and Het land Nod in the Kaaitheater programme, amongst others.

PRESENTED BY KVS, KAAITHEATER, CC WESTRAND, CC STROMBEEK, CC DE FACTORIJ & DE MUNT/LA MONNAIE

#daredevil #society #visuallystunning

WED 18, FRI 20, SAT 21/03 19:00 + SUN 22/03 15:00 ON LOCATION: PALEIS/PALAIS 12 | DUTCH (SURTITLED FRENCH/ENGLISH) | 4H INCL. INTERMISSION | € 30/25 > MIRAMARLAAN, 1020 BRUSSEL DIRECTION Stef Aerts, Joé Agemans, Thomas Verstraeten, Marie Vinck | BASED ON THE BOOK JR by William Gaddis | TEXT ADAPTATION FC Bergman I.C.W. Bart Van den Eynde & Willem Wallyn | WITH Joé Agemans, Kes Bakker, Gene Bervoets, Jan Bijvoet, Michael De Cock, Rashif El Kaoui, Frank Focketyn, Ella‑June Henrard, Bart Hollanders, Imke Mol, Junior Mthombeni, Anne‑Laure Vandeputte, Stijn Van Opstal, Geert Van Rampelberg, Oscar Van Rompay, Thomas Verstraeten, Marie Vinck, a.o. | SOUND DESIGN Senjan Jansen | COSTUME DESIGN Joëlle Meerbergen | LIGHT DESIGN FC Bergman I.C.W. Ken Hioco | PRODUCTION Toneelhuis & FC Bergman | CO-PRODUCTION KVS, NTGent, Olympique Dramatique

‘Deze satire op de vernietigende aard van het kapitalisme is een technisch meesterlijke en overrompelende totaalervaring.’ — DE STANDAARD ‘Beloofde het theaterevenement van het jaar te worden en maakte die belofte ook waar.’ — DE MORGEN

Â© DAREEN ABBAS

REMAH JABRPS/BE & DAREEN ABBASSY/BE Broken Shapes

Een jonge vrouw in een stad die al tientallen jaren bezet is. Op de dag van de begrafenis van haar vader ondekt ze zijn architecturale tekeningen. Overmand door verdriet glijdt ze weg in de droomwerelden en verzonnen plekken die hij creëerde. Welke invloed heeft onze omgeving op onze verbeelding? Kun je zo’n invloed erven? En zijn onze handelingen en dromen gekleurd door de omgeving van onze voorouders, of dat nu het open veld, de oceaan of een gevangenis was? Broken Shapes is een hybride theatrale ervaring tussen installatie, video en performance in, die onderzoekt hoe fysieke omgevingen inwerken op het mentale. Op scène staat één actrice, haar woorden worden ondersteund én onderbroken door de visuele ingrepen rondom haar. • Remah Jabr is actief als theatermaker en auteur in Brussel, Toronto en Palestina. Haar werk is gekenmerkt door een bizarre lichtheid en absurditeit. Dareen Abbas woont en werkt in Brussel en maakt zowel sculpturaal als grafisch werk en video’s. Beide kunstenaars zijn in residentie bij Moussem Nomadisch Kunstencentrum.

theatre

Une jeune femme dans une ville occupée depuis des dizaines d’années découvre les dessins architecturaux de son père le jour de son enterrement. Broken Shapes est une expérience théâtrale hybride entre installation, vidéo et performance qui analyse la façon dont l’environnement physique influe sur le mental. Sur scène, une actrice dont la parole est interrompue et soutenue par des interventions visuelles autour d’elle. A young woman in a city that has been occupied for decades. On the day of her father’s funeral, she discovers his architectural drawings. Overcome with sadness, she slips into the dream worlds and imagined places that he created. What is the influence of our environment on our imagination? Is such influence hereditary? And are our actions and dreams coloured by our ancestors’ contexts, be they an open field, the ocean or a prison cell? Broken Shapes is a hybrid theatrical experience between installation, video and performance that explores how physical surroundings affect us mentally. Onstage we see one actress, her words are supported and interrupted by the visual interventions around her. • Remah Jabr is a theatre maker who works in Brussels, Toronto and Palestine. Her work is characterized by bizarre lightness and absurdity. Dareen Abbas lives and works in Brussels and creates both sculptural and graphic work as well as videos. Both artists are currently residents at Moussem Nomadic Arts Centre.

PRESENTED BY KAAITHEATER & MOUSSEM

#imaginethis #newarrivals #nxtgen

FRI 20, SAT 21/03 20:30

kaaitheater co-production

premiere

KAAISTUDIO’S | ENGLISH | € 14/10 CO-CREATED BY Remah Jabr & Dareen Abbas | PERFORMED BY Femke Stallaert & Golce Oral | DRAMATURGY Charlotte Corbeil-Coleman & Esther Severi (Kaaitheater) | PRODUCTION Natasha Greenblatt, Moussem Nomadic Arts Centre, The Theatre Centre Toronto | CO-PRODUCTION Kaaitheater, C-TAKT, d e t h e a t e r m a k e r

BORIS CHARMATZFR/BE infini

‘… What would happen if, rather than reaching a goal, an end, a measure, a cyclical rhythm, dancers were counting the way one does when falling asleep, or dying, the way one looks at the stars extinguished by light pollution?… What would be the number if it were to mark abandonment, passage, an infinite metamorphosis?…’ – BORIS CHARMATZ Al eeuwenlang tellen dansers hun stappen tot 4, 6 of 8. Tegenwoordig gebeurt dat vaak op nog complexere manieren. Maar wat als dansers tellen tot oneindig? Oneindigheid als concept brengt ons in contact met wat er buiten onszelf bestaat. Het podium is een plek die deze transcendentie mogelijk kan maken. Want hoewel lichamen eindig lijken, gaat beweging vooral om potentieel. Voor infini nemen Boris Charmatz en vijf dansers de alomtegenwoordigheid van cijfers als vertrekpunt. ‘Ik heb altijd een hekel gehad aan tellen tijdens het dansen. Ik laat mijn geest liever wegdwalen. In dit stuk tellen, spreken en zingen we om te dansen, maar vooral: om nog beter kunnen dwalen.’ In een wereld die meer en meer slaaf is van algoritmes, biedt Charmatz een moment van oneindigheid. • Danser en choreograaf Boris Charmatz is een van de sleutelfiguren van de hedendaagse dans in Frankrijk, maar ook in ons land. In 2009 nam hij de leiding over van het Centre chorégraphique national in Rennes, en doopte het om tot Musée de la danse. Sinds À-bras-le-corps in 1998, is hij regelmatig te gast in het Kaaitheater. Voorstellingen als Aatt enen tionon, Flip Book en brouillon – tijdens Performatik13 – lieten grote indruk na. Depuis des siècles, les danseurs comptent leur pas jusqu’à 4, 6 ou 8. Aujourd’hui, il arrive qu’ils comptent de manière plus complexe. Et s’ils comptaient jusqu’à l’infini ? L’infini nous met en contact avec ce qui existe en dehors de nous. La scène est un lieu qui rend cette transcendance possible. Car, bien que les corps paraissent finis, le mouvement humain est surtout un potentiel.

dance

Pour infini, Boris Charmatz et cinq danseurs prennent l’omniprésence des chiffres comme point de départ. « J’ai toujours détesté compter en dansant. Je préfère laisser mon cerveau divaguer. Dans cette pièce, nous comptons, parlons et chantons pour danser, mais surtout pour mieux divaguer. » Dans un monde de plus en plus esclave d’algorithmes, Charmatz offre un moment d’infini. • Le danseur et chorégraphe Boris Charmatz est l’une des figures de proue de la danse contemporaine en France, mais aussi en Belgique. En 2009, il a pris la direction du Centre chorégraphique national à Rennes qu’il a transformé en Musée de la danse. Depuis À-brasle-corps en 1998, il est régulièrement l’hôte du Kaaitheater. Des spectacles comme Aatt enen tionon, Flip Book et brouillon – lors de Performatik13 – on fait forte impression. For centuries, dancers have been counting their steps to 4, 6 or 8. Nowadays, this happens in even more complex ways. But what if dancers were to count to infinity? Infinity as a concept connects us to that which transcends us. The stage is a place that can make this transcendence possible. Bodies may look finite, but human motion is above all a potential. infini by Boris Charmatz and five dancers is premised on the ubiquity of numbers. ‘I have always hated counting while dancing. I prefer to let my mind wander. In this piece, we count, speak and sing not only so that we can dance, but first and foremost, so that our minds can wander even more.’ In a world that is being increasingly enslaved by algorithms, Charmatz offers a moment of infinity. • Dancer and choreographer Boris Charmatz is one of the key figures of contemporary dance in France and Belgium. In 2009, he became the director of the Centre chorégraphique national in Rennes and renamed it the Musée de la danse. Since À-bras-le-corps in 1998, he has been a regular guest at Kaaitheater. He made a big impression with the productions Aatt enen tionon, Flip Book and – during Performatik13 – brouillon.

#bignames #daredevil #society #visuallystunning

WED 25, THU 26, FRI 27, SAT 28/03 20:30 KAAITHEATER | 1H | € 27/22/10 CHOREOGRAPHY Boris Charmatz | INTERPRETATION Régis Badel, Boris Charmatz, Raphaëlle Delaunay, Maud le Pladec, Solène Wachter, Fabrice Mazliah | LIGHT DESIGN Yves Godin | SOUND Olivier Renouf | COSTUME DESIGN Jean-Paul Lespagnard | PRODUCTION DIRECTION Martina Hochmuth, Hélène Joly | PRODUCTION Terrain | SUPPORTED BY the Fondation d’entreprise Hermès within the framework of the New Settings Program | CO-PRODUCTION Musée de la danse/CCNRB, Charleroi danse, Sadler’s Wells London, Théâtre de la Ville & Festival d’Automne à Paris, Athens & Epidaurus Festival, Théâtre Nanterre Amandiers, PACT Zollverein Essen, Théâtre National de Bretagne, Festival Montpellier Danse 2019, Bonlieu Scène Nationale Annecy, Kampnagel-Hambourg Terrain is subsidized by the Ministry of Culture – Direction Générale de la Création Artistique and settled in the Région Hauts-de-France. In the framework of this settlement, the Company is associated to Opéra de Lille, Phénix scène nationale de Valenciennes & Maison de la Culture Amiens

Â© MARC DOMAGE

Â© YOURI DIRKX

TRISTEROBE Iemand van ons

Met wie zou je graag eens de lakens delen? En waar zou je het dan over hebben?

theatre

Voor deze ‘remake’ van Iemand van ons (2005) mobiliseert Tristero een doorgewinterde cast met véél levenservaring. Reinhilde Decleir, Mark Verstraete, Janine Bischops, Bob De Moor, Kristin Arras en Kris Smet klimmen samen in een groot bed, en praten over politiek, de liefde en het leven. Met een trefzeker gevoel voor humor tasten ze elkaar af, liggen ze te luisteren en te woelen en geven ze zichzelf bloot. Iemand van ons is een voorstelling vol grote en kleine uitspraken: clichés, statements en geheimen volgen elkaar aan een hoog tempo op. De spelers bieden – ontwapenend en schalks – een inkijk in hun gedachtewereld en privéleven. In een stroom van banale én interessante, scherpe én vage uitspraken, verschijnt de mens: kwetsbaar of sterk, eenzaam of niet, eerlijk en vals tegelijk. • Het Brussels theatercollectief Tristero staat garant voor wrange komedies, hedendaagse dramaturgie, bewegingstheater of een mix van dat alles. Kristien De Proost, Youri Dirkx en Peter Vandenbempt maakten de ‘oerversie’ van Iemand van ons in 2005. De originele versie stond ook op de affiche van het Kaaitheater, net als zowat alle werk van Tristero. Pour ce remake de la production Iemand van ons (2005), Tristero mobilise une distribution chevronnée, pas née de la dernière pluie. Reinhilde Decleir, Mark Verstraete, Janine Bischops, Bob De Moor, Kristin Arras et Kris Smet partagent un gigantesque lit et y parlent de politique, d’amour et de la vie. Avec un sens de l’humour percutant, ils se sondent, s’écoutent, s’agitent et font tomber les masques.

De pers over Iemand van ons (2005): ‘Een schot in de roos.’ — DE STANDAARD ‘Klein tekstpareltje gebruikt theater tegelijk als spielerei en kansel.’ — DE MORGEN

For this ‘remake’ of Iemand van ons (2005), Tristero has mobilized a seasoned cast with plenty of life experience. Reinhilde Decleir, Mark Verstraete, Janine Bischops, Bob De Moor, Kristin Arras and Kris Smet all get into a big bed together and talk about politics, love and life. With a great sense of humour, they ask one another personal questions, listen, toss and turn on the bed, and reveal their inner selves.

#bignames #madeinbxl #tender

THU 26, FRI 27, SAT 28, TUE 31/03, WED 1/04 20:30

kaaitheater co-production

premiere

ALEJO PÉREZ, KRYSTIAN LADA & SYMFONISCH ORKEST OPERA VLAANDERENBE Symphony of Expectation

music

‘It is impossible for people to have only one feeling. People have thousands of emotions simultaneously.’ – ARNOLD SCHÖNBERG

Symphony of Expectation combineert twee iconische muziekstukken uit de 20e-eeuw. Naast Sinfonia van Luciano Berio, staat Erwartung van Arnold Schönberg. Berio componeerde Sinfonia in het turbulente jaar 1968 als “een documentaire, getrouw aan het explosieve tijdsbeeld”. Voor Schönbergs monodrama Erwartung schreef de auteur Marie Pappenheim het libretto. Daarin laat ze één seconde van maximale spirituele opwinding van een vrouwelijk hoofdpersonage – dat aan de rand van een onheilspellend bos op zoek is naar haar geliefde – uitbarsten tot een intense theatrale ervaring. Symphony of Expectation puurt Berio’s explosie van stemmen uit tot één vrouwelijke stem in Erwartung.

PRESENTED BY KAAITHEATER & KLARAFESTIVAL

Symphony of Expectation combine deux pièces musicales iconiques du XXe siècle : Sinfonia de Luciano Berio et Erwartung d’Arnold Schönberg. Berio a composé Sinfonia au cours de la turbulente année 1968, comme « un documentaire, fidèle à l’image explosive du moment ». Marie Pappenheim a écrit le livret du monodrame Erwartung de Schönberg. Elle y fait exploser une seconde d’excitation spirituelle maximale de la protagoniste – une femme à la recherche de son bien-aimé à l’orée d’une forêt lugubre – en une expérience théâtrale intense. Symphony of Expectation épure l’explosion de voix de Berio en une seule voix féminine dans Erwartung. • En 2017, le dramaturge, librettiste et metteur en scène polonais Krystian Lada a signé la dramaturgie de la pièce The Diary of One Who Disappeared mise en scène par Ivo van Hove, que le Kaaitheater a présenté dans le cadre du Klarafestival. En 2019, il a remporté le tout premier prix Mortier Next Generation. Symphony of Expectation combines two iconic, 20th-century compositions: Sinfonia by Luciano Berio and Erwartung by Arnold Schönberg. Berio composed Sinfonia in the turbulent year 1968 as “a documentary, faithful to the explosive character of the age”. The author Marie Pappenheim wrote the libretto for Schönberg’s monodrama Erwartung. She uses one second of the maximal spiritual excitement of the female main character – who is looking for her beloved on the edge of an ominous forest – and makes it explode into an intense theatrical experience. Symphony of Expectation reduces Berio’s explosion of voices to the essence of one female voice in Erwartung. • In 2017, the Polish dramaturg, librettist and director Krystian Lada signed for the dramaturgy of Ivo van Hove’s The Diary of One Who Disappeared, which was staged at Kaaitheater during the Klara Festival. He was awarded the inaugural Mortier Next Generation Award in 2019. #gender #newarrivals #repertoire

100

• In 2017 tekende de Poolse dramaturg, librettist en regisseur Krystian Lada voor de dramaturgie van Ivo van Hoves The Diary of One Who Disappeared, ook tijdens het Klarafestival te zien in het Kaaitheater. Hij sleepte in 2019 de allereerste Mortier Next Generation Award in de wacht.

April

Â© THERESA RAUTER

102

DORIS UHLICHAT Every Body Electric [medium]

‘The different performers are working towards opening up their physical potentials. As the process develops, I realize more and more that even very small movements can be vehement. Normative perceptions and conceptions of energy and power are destabilized, shaken up.’ – DORIS UHLICH Mensen met een lichamelijke beperking worden meestal eerder geassocieerd met stilstand dan met beweging. In Every Body Electric weerlegt Doris Uhlich die gedachte met vitaliteit en extase. Welke extra mogelijkheden tonen zich wanneer rolstoelen, protheses en krukken geen obstakels vormen maar net krachtige verlengstukken van het lichaam? Hoe moeten de performers bewegen om hun lichamen op te laden, en wat gebeurt er als de batterijen vol zijn? Verwacht een boeiende dialoog tussen mens en machine, waarbij uiterst persoonlijke dansstijlen variëren van explosief tot zacht-poëtisch. • Een constante in het oeuvre van de Oostenrijkse choreografe Doris Uhlich is het onderzoek naar schoonheidsidealen en lichaamsbeeldvorming. Muziek en vooral techno spelen hierin een belangrijke rol. Every Body Electric is een vervolg op Ravemachine, waarvoor Doris Uhlich en Michael Turinsky – een danser met een lichamelijke beperking – de Nestroy Special Award “for inclusion on an equal footing” wonnen.

dance

Les personnes avec un handicap physique sont plus souvent associées à l’immobilité qu’au mouvement. Dans Every Body Electric, Doris Uhlich réfute cette idée avec vitalité et extase. Quelles possibilités supplémentaires se profilent lorsque fauteuils roulants, prothèses et béquilles ne constituent plus des obstacles, mais au contraire de puissantes extensions du corps ? Comment les performeurs doivent-ils se mouvoir pour charger leur corps et que se produit-il lorsque les batteries sont pleines ? Attendez-vous à un dialogue passionnant entre êtres humains et machines et à des styles de danse hautement personnels qui varient d’explosifs à doux et poétiques. • Une constante dans l’œuvre de la chorégraphe autrichienne Doris Uhlich est l’analyse des idéaux de beauté et du développement de l’image du corps. La musique, et en particulier la techno, joue un rôle important dans sa démarche. Every Body Electric est la suite de Ravemachine, une production qui a valu à Doris Uhlich et à Michael Turinsky – un danseur avec un handicap physique – le Nestroy Special Award, « pour une inclusion à pied d’égalité ». People with physical disabilities are often more associated with stationariness than with movement. In Every Body Electric, Doris Uhlich refutes this idea with vitality and vibrancy. What other possibilities open up when wheelchairs, prostheses and crutches are not perceived as obstacles but as powerful extensions of the body? How do the performers have to move to recharge their bodies, and what happens when the batteries are full? You can expect a fascinating dialogue between the human and the mechanical in which very personal dance styles vary from explosive to gently poetic. • The oeuvre of Austrian choreographer Doris Uhlich consistently explores beauty ideals and representations of the body. Music and especially techno play an important role in her work. Every Body Electric is a sequel to Ravemachine, for which Doris Uhlich and Michael Turinsky – a dancer with a physical disability – won the Nestroy Special Award “for inclusion on an equal footing”.

#energizeme #daredevil #hightech #newarrivals

103

Â© GORGES OCLOO

104

GORGES OCLOOGH/BE & DOMINIQUE PAUWELS/LODBE Moby Dick. At last Queequeg speaks ‘It is an evil voyage, I tell thee. If Ahab has his way, neither thee nor me, nor any member of this ship’s company will ever see home again.’ Gorges Ocloo wilde al langer een voorstelling maken rond Moby Dick van Herman Melville. De puzzel begon in elkaar te vallen toen hij een foto zag van een 11-jarig meisje, verdronken in de Middellandse Zee. Wist zij – een van de eerste slachtoffers van een gezonken vluchtelingenboot – vooraf hoe gevaarlijk haar reis zou zijn? En zou de zwijgzame Queequeg aan boord van de Pequod zijn gestapt, als hij had geweten van Ahabs roekeloze wraakmissie? Voor deze bewerking klopte Ocloo aan bij de Nigeriaanse internationaal bekroonde schrijver Ben Okri. Die herwerkte de tekst tot een magisch-realistisch verhaal over de kloof tussen macht en onmacht, hoog en laag, rijk en arm. Nadat de boot gezonken is, wisselen Ahab en Queequeg voor het eerst met elkaar van gedachten, los van status en ego. Op scène staan Josse De Pauw en de gelauwerde Amerikaanse mezzo-sopraan Raehann Bryce-Davis. Samen brengen ze een energetische en jazzy opera over de nood aan toenadering tot elkaar in een steeds meer gepolariseerde samenleving. • Gorges Ocloo studeerde Theaterregie aan het RITCS, en toonde zijn afstudeerproject Scarlet Anansi Ocloo in de Kaaistudio’s. Deze jonge maker wandelt een divers parcours, van dans, performance, community arts, visual arts en scenografie tot het componeren van muziek voor theater en dans.

music theatre

Gorges Ocloo had wanted to create a production based on Herman Melville’s Moby Dick for some time. The pieces started falling into place when he saw a photo of an 11-year-old girl who had drowned in the Mediterranean Sea. Did she – as one of the first victims of a sunken refugee boat – know beforehand how dangerous her journey would be? And would the taciturn Queequeg have boarded the Pequod if he had known about Ahab’s reckless mission for revenge? For this adaptation, Ocloo called on the celebrated, award-winning Nigerian writer Ben Okri, who adapted the novel into a magic-realist story about the gulf between power and powerlessness, high and low, rich and poor. After the boat has sunk, Ahab and Queequeg exchange ideas for the first time, detached from status and ego. Josse De Pauw and the renowned American mezzosoprano Raehann Bryce-Davis take to the stage. Together, they perform an energized and jazzy opera about the need for rapprochement in an increasingly polarized society. • Gorges Ocloo studied theatre direction at the RITCS, and his graduating project Scarlet Anansi Ocloo was likewise staged at the Kaaistudios. This young creator pursues a varied career, from dance, performance, community arts, visual arts and scenography to the composition of music for theatre and dance.

Pour cette adaptation de Moby Dick, Gorges Ocloo a fait appel à Ben Okri. Celui-ci a revisité le texte qui devient un récit magique réaliste sur le fossé entre haut et bas, riche et pauvre. Sur scène, Josse De Pauw et la mezzo-soprano états-unienne primée Raehann Bryce-Davis interprètent ensemble un opéra jazzy dynamique sur la nécessité d’un rapprochement entre les êtres humains dans une société toujours plus polarisée.

#bignames #newarrivals #repertoire

105

JONATHAN BURROWSUK Rewriting

De quoi se compose la pratique de la chorégraphie ? Dans Rewriting, Jonathan Burrows tente – parfois avec hésitation, d’autres fois avec exubérance – de cartographier le terrain inconnu qu’est la chorégraphie. Pour point de départ, il prend d’une part un spectacle auquel il a travaillé pendant deux ans, mais qu’il n’a jamais présenté au public, et d’autre part, des passages de son livre A Choreographers’ Handbook (2010). Face au modèle dominant, qui prétend qu’un bon spectacle est le résultat d’une idée forte, définie au préalable, Burrows propose une pratique lente d’accumulation plutôt fortuite de significations qui surgissent pendant le travail. Il cite volontiers Mette Edvardsen, qui décrit ses productions comme « de la poussière qui s’accumule par le travail ». • Danseur et chorégraphe Jonathan Burrows a développé une oeuvre impressionnante. Depuis plus de quinze ans, il a ainsi créé des duos intelligents et ludiques avec le compositeur Matteo Fargion. Rewriting est son premier solo. Of what does the practice of choreographing consist? In Rewriting, Jonathan Burrows attempts – by turns hesitantly and exuberantly – to map out the unknown territory known as choreography. On the one hand, he starts from a performance that took him two years to make but which he has never presented to an audience before, and on the other, he uses passages from his book A Choreographers’ Handbook (2010). In contrast to the dominant model, which assumes that a successful production is the result of a fixed, predetermined idea, Burrows proposes a practice of a slow, coincidental accumulation of meanings that emerges during the work itself. He likes to quote Mette Edvardsen, who describes her own work as ‘the dust that accumulates through the working’. • Jonathan Burrows has developed an impressive oeuvre as a dancer and choreographer. Over the past fifteen years, he has made a series of clever and playful duets with composer Matteo Fargion. Rewriting is his first solo production.

#bignames #tender

FRI 24, SAT 25/04 19:00 KAAISTUDIO’S | 45 MIN. | € 16/12/10

MADE & PERFORMED BY Jonathan Burrows

106

belgian premiere

Waaruit bestaat de praktijk van het choreograferen? In Rewriting probeert Jonathan Burrows – soms twijfelend, dan weer uitbundig – het onbekende terrein dat choreografie heet in kaart te brengen. Hij vertrekt enerzijds van een performance waaraan hij twee jaar werkte maar die hij nooit eerder voor een publiek speelde, en anderzijds van passages uit zijn boek A Choreographers’ Handbook (2010). Tegenover het dominante model dat een goede voorstelling het resultaat is van een sterk, vooraf bepaald idee, plaatst Burrows een praktijk van een langzame, eerder toevallige accumulatie van betekenissen die tevoorschijn komen tijdens het werken zelf. Hij citeert graag Mette Edvardsen, die haar eigen werk omschrijft als ‘the dust that accumulates through the working’. • Als danser en choreograaf heeft Jonathan Burrows een indrukwekkend oeuvre uitgebouwd. De afgelopen vijftien jaar maakte hij een reeks slimme en speelse duetten samen met componist Matteo Fargion. Rewriting is zijn eerste solovoorstelling.

dance/lecture performance

CLAIRE CROIZÉ & ETIENNE GUILLOTEAU/ECCEFR/BE Pole Reports from Space

dance

Dans Pole Reports from Space, Claire Croizé, Étienne Guilloteau et deux danseurs polonais s’attaquent à la musique du Studio Expérimental de la Radio polonaise, où les compositeurs Eugeniusz Rudnik, Elzbieta Sikora et Krystof Knittel ont développé entre les années 60 et 80, de la musique électronique audacieuse et visionnaire avec en filigrane un message subversif, sous le nez du régime communiste. Pole Reports from Space fait référence à une œuvre de Rudnik qui intègre des enregistrements sonores de spationautes dans un paysage sonore tout à fait particulier. Futurisme et utopie, science-fiction soviétique désuète, militantisme et pensée progressiste sont des concepts clés qui inspirent à Croizé et Guilloteau cette chorégraphie captivante jouant avec la présence et l’absence du corps dans la musique électronique. • Les chorégraphes Claire Croizé et Étienne Guilloteau étaient déjà les hôtes du Kaaitheater à plusieurs reprises, aussi bien individuellement qu’en duo, avec les spectacles Feu, EVOL, Mer- et Flowers (we are). La première de Pole Reports from Space aura lieu à Poznan dans le cadre du festival NIEPODLEGŁA.

Claire Croizé en Etienne Guilloteau wagen zich samen met twee Poolse dansers aan de muziek van de Polish Radio Experimental Studio. Tussen de jaren 60 en 80 ontwikkelden componisten als Eugeniusz Rudnik, Elzbieta Sikora en Krystof Knittel er gewaagde en visionaire elektronische muziek met onderhuids subversieve boodschap, vlak onder de neus van het communistische bewind. Pole Reports from Space verwijst naar een werk van Rudnik dat geluidsopnames van ruimtevaarders verwerkt in een eigenzinnige soundscape. Futurisme en utopie, old school sovjet-sciencefiction, activisme en vooruitgangsdenken inspireren Croizé en Guilloteau tot een spannende choreografie die speelt met de aan- en afwezigheid van het lichaam in elektronische muziek. • Choreografen Claire Croizé en Etienne Guilloteau stonden individueel en als duo in het Kaaitheater, met voorstellingen als Feu, EVOL, Mer- en Flowers (we are). Pole Reports from Space gaat in première in Poznan tijdens het NIEPODLEGŁA-festival.

Claire Croizé and Etienne Guilloteau join two Polish dancers to explore the music of the Polish Radio Experimental Studio. Between the 1960s and 80s, composers such as Eugeniusz Rudnik, Elzbieta Sikora and Krystof Knittel created daring and visionary electronic music with a covert, subversive message, right under the nose of the communist regime. Pole Reports from Space refers to a work by Rudnik that adapted audio recordings of cosmonauts into a unique soundscape. Futurism and utopia, old school Soviet science fiction, activism and progressive thinking inspired Croizé and Guilloteau to create an exciting choreography that plays with the presence and absence of the body in electronic music. • Choreographs Claire Croizé and Etienne Guilloteau have performed both individually and as a duo at Kaaitheater, with productions like Feu, EVOL, Mer- and Flowers (we are). Pole Reports from Space will premiere in Poznan during the NIEPODLEGŁA festival.

#ilovemusic #madeinbxl

FRI 24, SAT 25/04 20:30

belgian premiere

KAAISTUDIO’S | € 18/14/10 CONCEPT & CHOREOGRAPHY Claire Croizé & Etienne Guilloteau | CREATED WITH & DANCED BY Krystyna Lama Szydlowska & Justyna Kalbarczyk | PRODUCTION The Adam Mickiewicz Instituut & ECCE vzw | CO-PRODUCTION Art Stations Foundation | FINANCED BY the Ministry of Culture and National Heritage of the Republic of Poland as part of the multi-annual programme NIEPODLEGŁA 2017–2022

107

MICHIEL VANDEVELDE & PLATFORM-KBE The Goldberg Variations

SUN 26/04 15:00

MATINEE KADEE WORKSHOP FOR KIDS While you attend the Sunday matinee performance, your children get to enjoy a creative workshop. Meanwhile, the little ones have fun in the playroom. > p. 128

0-12 Y

Le titre The Goldberg Variations n’évoque pas seulement la célèbre musique de Bach, mais aussi le solo de Steve Paxton – un moment iconique de l’histoire de la danse occidentale. Les années 60 et 70 ont vu émerger un puissant mouvement de rupture avec la danse classique et moderne, dont a fait partie Paxton. Ce dernier est à l’origine de la contact improvisation dans la danse contemporaine. Le chorégraphe Michiel Vandevelde s’attaque avec le danseur Oskar Stalpaert, un danseur de ballet, et l’accordéoniste Philippe Thuriot à la musique de Bach et à l’œuvre de Paxton. Trois corps aux possibilités très diverses plongent dans l’histoire de la danse et interrogent son potentiel actuel. • Oskar Stalpaert est danseur à Platform-K, la compagnie gantoise de danseurs avec un handicap avec laquelle il a déjà participé à la production Common Ground de Benjamin Vandewalle, à l’affiche du Kaaitheater en 2018. Michiel Vandevelde est artiste en résidence au Kaaitheater depuis 2017. The title The Goldberg Variations not only evokes the famous music of Bach, but also the solo by Steve Paxton – an iconic moment in the history of Western dance. In the 1960s and 70s, a powerful counter movement developed against modern and classical dance, and Paxton was in the vanguard of contact improvisation in contemporary dance. Along with Oskar Stalpaert, a ballet dancer, and accordionist Philippe Thuriot, choreographer Michiel Vandevelde works with Bach’s music and Paxton’s choreography. Three bodies, each with very different potentialities, delve into dance history and question the potential of dance today. • Oskar Stalpaert is a dancer with Platform-K, the Ghent-based company for differently abled dancers. He previously danced in the Platform-K production Common Ground by Benjamin Vandewalle, which was staged at Kaaitheater in 2018. Michiel Vandevelde has been an artist-in-residence at Kaaitheater since 2017.

NL FR EN

#repertoire

108

artist-in-residence

De titel The Goldberg Variations roept niet alleen de beroemde muziek van Bach op, maar ook de solo van Steve Paxton – een iconisch moment in de westerse dansgeschiedenis. In de jaren 60 en 70 ontstond er een sterke contrabeweging tegen de moderne en klassieke dans, waarbij Paxton aan de wieg stond van de contactimprovisatie in de hedendaagse dans. Samen met Oskar Stalpaert, een balletdanser, en accordeonist Philippe Thuriot gaat choreograaf Michiel Vandevelde aan de slag met de muziek van Bach en het werk van Paxton. Drie lichamen met elk heel verschillende mogelijkheden duiken de dansgeschiedenis in en bevragen het potentieel van de dans vandaag. • Oskar Stalpaert is danser bij Platform-K, de Gentse compagnie voor dansers met een beperking. Hij danste ook al in de Platform-K-productie Common Ground van Benjamin Vandewalle, in 2018 te zien in het Kaaitheater. Michiel Vandevelde is sinds 2017 artist-in-residence in het Kaaitheater.

dance/music

SARAH & CHARLESBE In the Hands of Puppets [the performance]

performance

In een witte, door neonlampen verlichte ruimte zitten of liggen drie jonge vrouwen op rubberen matten. Een geurige nevel doet denken aan dennenappels en hars, terwijl er zachte trance-achtige muziek speelt. In deze performance over informatie-fastfood, ijdelheid, fictie en bevestigingsdrang, gaat het kunstenaarsduo Sarah & Charles op zoek naar de ultieme vorm van overgave. In een tijdperk waarin sociale media en internet ons wereldbeeld verruimen, lijkt onze geest emotioneel te verengen. Hoe meer we weten, hoe minder we begrijpen. De performers nodigen je uit in een creatief wellness-oord, waar je beslissingen even kunt uitstellen. • Het Brusselse kunstenaarsduo Sarah & Charles studeerde aan het HISK. Hun werk is bij uitstek multidisciplinair: installaties, sculpturen en video’s wisselen af met soundscapes, performances en fotografie. De voorbije jaren werkten ze intensief aan kunstintegratie in de openbare ruimte. Deze zomer presenteert het kunstplatform Be-Part de tentoonstellingsversie van In the Hands of Puppets. Pour cette performance sur l’information-fast-food, la vanité, la fiction et le besoin d’approbation, le duo d’artistes Sarah & Charles partent en quête d’un élargissement de la forme ultime de l’abandon. À une époque où les réseaux sociaux et l’internet étendent notre conception du monde, notre esprit semble se restreindre sur le plan émotionnel. Les performeurs nous invitent dans un centre de bien-être créatif où l’on peut brièvement différer ses décisions. In a white space lit by neon lamps, three young women sit or lie on rubber mats. A fragrant mist reminds you of pine cones and resin, while soft, trance-like music plays. In this performance about information fast food, vanity, fiction and the urge for affirmation, the artistic duo Sarah & Charles goes in search of the ultimate form of submission. In an age in which social media and the internet are expanding our view of the world, our minds appear to be narrowing emotionally. DURING ART BRUSSELS 2020

#newarrivals #tender

Welcome in our creative spa. Inhale deep the damp that is unnoticeably enveloping you.

The more we know,the less we understand. The performers invite you to a creative wellness centre where you can put your decision-making on hold. • The Brussels-based artistic duo Sarah & Charles studied at the HISK. Their work is multidisciplinary: from installations, sculptures and videos to soundscapes, performances and photography. Over the past few years, they have worked intensively to integrate art into public space. This summer, the art platform Be-Part will present the exhibition version of In the Hands of Puppets.

In the Hands of Puppets [the video installation] Sarah & Charles use the online ‘chat form’ to research subjects like self-analysis, personality and social relations. They address how we relate to the virtual, share our intimacy with it, and how it starts taking control. WED 22, FRI 24, SAT 25/04 KAAISTUDIO’S | FREE

In the Hands of Puppets [the conversation] KAOS develops artistic projects with a link to psychiatry. In late 2018, the artistic duo had a residency there, resulting in three interviews about psychosis. Sarah & Charles and KAOS are now sitting down for a conversation. WED 22/04 21:30 KAAISTUDIO’S | FREE 109

MAATSCHAPPIJ DISCORDIANL Liebe Jelinek of is liefde een naar sprookje?

theatre

‘Ik ben geen onmens, maar ik schrijf wel over het vernietigende. Mensen zwijmelen weg bij verhalen over romantische avonturen, als de zon ondergaat op Mallorca. Maar wie doet het vuile werk? Dat moet ik doen. Ik ruim de gevoelsdrek op. Dat is mijn taak. Ik ben in de literatuur de vrouw die het puin opruimt, de vrouw met de vuilnisemmer. Ik ben de liefdesafvalverwerking.’ – ELFRIEDE JELINEK Op zoek naar inzichten over de liefde, gaat Maatschappij Discordia bij de Oostenrijkse Nobelprijswinnares Elfriede Jelinek te rade. Waar Marguerite Duras hen vorig seizoen meevoerde in een levenslange poging om een eerste liefdeservaring onder woorden te brengen, stuit Discordia bij Jelinek meteen op de provocatie. Welk beeld schetst deze schrijfster – een ster in het onthullen van clichés – van de liefde… en de vrouwelijke beleving ervan? De spelers putten uit romanfragmenten, interviews en natuurlijk ook De prinsessendrama’s – waarin (mond)dood gemaakte iconen als Jackie Kennedy, Sylvia Plath en Ingeborg Bachmann aan het woord komen. Ook schrijfster Marie Louise von Franz schiet te hulp, door de motieven van sprookjesheldinnen als Doornroosje en Sneeuwwitje voor te houden als een pre-Freudiaanse spiegel. • Liebe Jelinek is deel 10 in de Weiblicher Akt-reeks, waarin het vrouwelijk perspectief telkens het vertrekpunt vormt. De vorige vier delen van de reeks stonden al in de Kaaistudio’s. In dit tiende deel staat Sara de Bosschere van de Roovers mee op scène. En quête de compréhension de l’amour, Maatschappij Discordia se plonge dans les écrits d’Elfriede Jelinek. Là où Marguerite Duras les emmenait la saison passée dans la tentative de toute une vie de mettre en paroles une première expérience amoureuse, Discordia se heurte d’emblée à de la provocation chez Jelinek. Quelle image l’écrivaine – une championne dans la mise à nu des clichés – brosse-t-elle de l’amour ? Looking for insights about love, Maatschappij Discordia decided to consult Elfriede Jelinek. While last season, Marguerite Duras accompanied them in a lifelong attempt to articulate the first experience of love, with Jelinek, Discordia has immediately encountered provocation. What is the image that this author – a virtuoso at unmasking clichés – sketches of love… and the female experience of love?

#bignames #gender #repertoire

WED 29, THU 30/04 20:30 KAAISTUDIO’S | DUTCH | € 18/14/10

VAN EN MET Sara de Bosschere, Annette Kouwenhoven, Miranda Prein EN IN EEN SPECIALE ROL Jan Joris Lamers | PRODUCTIE Maatschappij Discordia, IN COPRODUCTIE MET de Roovers

110

May

JOOST VANDECASTEELEBE Culturo Says No

theatre

• Le Bruxellois Joost Vandecasteele est auteur de scénario et metteur en scène de théâtre. Son premier ouvrage, couronné de succès, Hoe de wereld perfect functioneert zonder mij a servi de base pour la série télévisée Generatie B. Après Otaku – le premier spectacle de comédie à avoir été sélectionné pour le TheaterFestival –, In Onaanvaardbare Staat et Habeus Corpus – dont toutes les premières ont eu lieu aux Kaaistudio’s –, il revient cette fois avec un nouveau solo. Il travaille actuellement aussi à un roman, à un scénario de film et à un jeu vidéo. • Joost Vandecasteele is a Brussels-based playwright and theatremaker. His award-winning debut book Hoe de wereld perfect functioneert zonder mij was the basis for the television series Generatie B. After Otaku – the first comedy show ever to be selected for the TheatreFestival – and In Onaanvaardbare Staat and Habeus Corpus – which all premiered at the Kaaistudios – he is returning with this new solo. He is currently also working on a novel, a film script and a videogame.

‘Ik verzet mij tegen de luiheid van verzet. Ik walg hoe woede zich een waardig argument waant. Ik schaam me voor de saaiheid van de schreeuwers. Nu dat marsen niet meer marcheren en kritische kreten gekopieerde clichés zijn, is het tijd voor verwarring als verzet, voor de filosofie van ‘Anti-Awoe’, een mishmash van laughtivisme, situationisme en moeilijkdoenisme. Als tegengewicht voor voorspelbare verwijten van weerszijden. Elkaar uitschelden is een zwaktebod en versterkt de vijand net. Dus laten we een keer proberen te beledigen als de beste en ondermijnen met onzin.’

#challengethesystem #daredevil #madeinbxl

TUE 5, WED 6/05 20:30 KAAISTUDIO’S | DUTCH | € 16/12/10

TEKST & SPEL Joost Vandecasteele | FOTO & BEELDEN Geertje De Waegeneer

112

premiere

• Joost Vandecasteele is een Brusselse scenarioschrijver en theatermaker. Zijn bekroonde debuutboek Hoe de wereld perfect functioneert zonder mij was de basis voor de televisiereeks Generatie B. Na Otaku – de eerste comedyshow ooit die geselecteerd werd voor Het TheaterFestival –, In Onaanvaardbare Staat en Habeus Corpus – die alle in première gingen in de Kaaistudio’s – keert hij terug met deze nieuwe solo. Momenteel werkt hij ook aan een roman, een filmscenario en een videogame.

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUSBE Rain (live)

dance/music

— VILLAGE VOICE

Rain (2001) is een van Anne Teresa De Keersmaekers meest wervelende voorstellingen, gemaakt op Steve Reichs Music for 18 Musicians. Met deze uitbundige, vitale choreografie keerde ze terug naar twee van haar grote liefdes: pure dans en de minimalistische muziek van Reich. Op de pulserende klanken – live uitgevoerd door Ictus – nemen tien dansers gedurende één uur en tien minuten de scène in met een indrukwekkende aaneenschakeling van virtuoze dansfrases. Zeven vrouwen en drie mannen laten zich meeslepen door een onstuitbare gezamenlijke energie. Een bruisend netwerk van ademhaling en snelheid verbindt hen, net als de bijzondere kameraadschap die voorbij de vermoeidheid ontstaat. Sinds de herneming in 2016 wordt Rain gedanst door een nieuwe, jonge cast. Rain (2001) est l’une des plus électrisantes productions d’Anne Teresa De Keersmaeker, écrite sur Music for 18 Musicians de Steve Reich. Avec ce spectacle d’une rare vitalité, elle revenait à deux de ses grands amours : la danse « pure » et la musique minimaliste de Steve Reich. Soutenus par une obsédante pulsation musicale – exécutée en direct par Ictus – dix danseurs occupent le

‘De Keersmaeker’s choreography, like Reich’s music, breathes as deeply as the ocean.’

plateau pendant une heure et dix minutes et offrent une profusion de phrases dansées virtuoses. Sept femmes et trois hommes s’abandonnent à une irrépressible énergie collective qui les connecte l’un à l’autre, réseau bouillonnant où se partagent le souffle, la vitesse, et cette étrange amitié qui ne peut naître qu’au-delà de la fatigue. Depuis la reprise en 2016, Rain est dansé par une nouvelle, jeune distribution. Rain (2001) is one of Anne Teresa De Keersmaeker’s most characteristic performances, set to Steve Reich’s Music for 18 Musicians. This exuberant, vibrant choreography marked her return to two of her great loves: pure dance and Reich’s minimalist music. Accompanied by pulsating tones – performed live by Ictus – ten dancers occupy the stage for an hour and ten minutes, with an impressive sequence of virtuoso dance phrases. Seven women and three men allow themselves to be propelled by an unstoppable joined energy. They are connected by a lively network of breathing and speed, as well as the special comradery that appears beyond the limits of fatigue. Since its reprisal in 2016, Rain is danced by a new, young cast.

PRESENTED BY KAAITHEATER, DE MUNT/LA MONNAIE & ROSAS

#bignames #energizeme #madeinbxl

FRI 15, SAT 16, TUE 19, WED 20/05 20:00 + SUN 17/05 15:00 ON LOCATION: DE MUNT/LA MONNAIE | 1H10 | € 42/32/22/10 > MUNTPLEIN/PLACE DE LA MONNAIE, 1000 BXL CHOREOGRAPHY Anne Teresa De Keersmaeker | DANCED BY (ALTERNATING) Laura Bachman, Léa Dubois, Lav Crncevic, José Paulo Dos Santos, Anika Edström Kawaji, Zoi Efstathiou, Frank Gizycki, Robin Haghi, Yuika Hashimoto, Laura Maria Poletti, Soa Ratsifandrihana, Luka Svajda, Thomas Vantuycom | MUSIC Music for 18 Musicians, Steve Reich | MUSIC DIRECTION Georges-Elie Octors | MUSICIANS Ictus & Synergy Vocals | SET & LIGHT DESIGN Jan Versweyveld | COSTUME DESIGN Dries Van Noten | SOUND Alexandre Fostier | PRODUCTION 2001 Rosas & De Munt/La Monnaie | CO-PRODUCTION 2016 De Munt/La Monnaie, Sadler’s Wells, Les Théâtres de la Ville de Luxembourg

113

114

RADOUAN MRIZIGAMA/BE Tafukt

Racisme, kolonialisme, anti-semitisme en nationalisme: in de 19e eeuw speelde al deze ismen mee in het vormgeven van de samenleving. Elke vorm van inheemse of populaire kennis die niet strookte met het heersende ‘geciviliseerde’ denkkader, werd consequent buitenspel gezet. Deze weggevaagde narratieven beïnvloeden nog steeds de manier waarop we ons vandaag verhouden tot de wereld. Tafukt/The Sun/Athena is een danssolo en het eerste deel in een trilogie die focust op de betekenisleer en mythologieën van de Tamazigh – de inheems bevolking van Noord-Afrika. Centraal staan drie vrouwelijke godinnen die cultuur en geschiedenis verenigen: Nithe, Tanit en Athena. Het Tritonmeer in Libië zou de geboorteplaats van Athena zijn, voordat de Grieken haar adopteerden aan de andere kant van de Middellandse Zee. Door deze kennistheorieën uit te spitten, komen blinde vlekken in de geschiedenis aan het licht. Hoe kunnen we de huidige canon in vraag stellen? Kan performance een vorm van verzet zijn? In Tafukt wil Radouan Mriziga een ruimte creëren voor reflecties over het verleden, om tot een meer inclusieve toekomst te komen. • Choreograaf en danser Radouan Mriziga volgde dansopleidingen in Marrakech en Tunesië en zette zijn parcours verder aan PARTS in Brussel. Sinds 2014 wordt hij ondersteund door Nomadisch Kunstencentrum Moussem. Hij is momenteel artist-in-residence in het Kaaitheater. Racisme, colonialisme, antisémitisme et nationalisme : au XIXe siècle, tous ces ismes jouaient déjà un rôle dans le façonnement de la société. Toute forme de connaissance indigène ou populaire qui ne concordait pas avec le cadre de réflexion « civilisé » était immanquablement mise horsjeu. Ces récits aujourd’hui estompés influencent néanmoins encore à ce jour notre rapport au monde. Tafukt/The Sun/Athena est un solo de danse et le premier volet d’une trilogie sur les épistémologies et les mythologies du Tamazigh – la culture indigène de l’Afrique du Nord, au cœur de laquelle, on retrouve trois déesses qui relient la culture et les histoires : Nithe, Tanit et Athéna.

dance

Le lac Triton, situé dans la Libye actuelle serait le lieu de naissance d’Athéna avant que les Grecs ne l’adoptent de l’autre côté de la Méditerranée. En sondant les théories de la connaissance, des taches aveugles de l’histoire apparaissent. Comment remettre en question le canon actuel ? La performance peut-elle être un outil de résistance ? Avec Tafukt, Radouan Mriziga souhaite créer un espace de réflexion sur le passé permettant de parvenir à un avenir plus inclusif. • Le chorégraphe et danseur Radouan Mriziga a suivi une formation de danse à Marrakech et en Tunisie. Il a poursuivi son parcours à PARTS à Bruxelles. Depuis 2014, il est soutenu par le centre nomade des arts Moussem. Il est actuellement artiste en résidence au Kaaitheater. Racism, colonialism, antisemitism and nationalism: in the 19th century, all these ‘isms’ contributed to shaping society. Every kind of indigenous or popular knowledge that did not correspond to the prevailing ‘civilized’ frameworks was systematically destroyed. These erased narratives continue to influence the way we relate to the world today. Tafukt/The Sun/Athena is a dance solo and the first part of a trilogy focused on epistemologies and mythologies of Tamazigh – the indigenous population of Northern Africa. The performance centres on three female goddesses that unite culture and history: Neith, Tanit and Athena. Lake Tritonis in Libya is said to be the birthplace of Athena, before the Greeks adopted her on the other side of the Mediterranean. An exploration of these epistemologies brings history’s blind spots to light. How can we challenge the current canon? Can performance function as a tool of resistance? In Tafukt, Radouan Mriziga seeks to create a space for reflections on the past in order to strive for a more inclusive future. • Choreographer and dancer Radouan Mriziga was trained in Marrakech and Tunisia before moving to Brussels to continue his training at PARTS. Since 2014, he has been supported by the Nomadic Arts Centre Moussem. He is currently an artist-in-residence at Kaaitheater.

#tender

PRESENTED BY KAAITHEATER & KUNSTENFESTIVALDESARTS

FRI 8, SAT 9, MON 11/05 20:30 + SUN 10/05 15:00

kaaitheater co-production

artist-in-residence

premiere

115

ENCYCLOPÉDIE DE LA PAROLE, JORIS LACOSTEFR & ICTUSBE Suite n°4

Dans la première partie de Suite n° 4, des voix reconnaissables et anonymes se superposent comme si elles provenaient d’espaces acoustiques différents. Dans la seconde partie, huit musiciens d’Ictus accompagnent les voix. Dans des constellations toujours diverses – louvoyant entre acoustiques et électroniques –, elles démontrent toute leur flexibilité musicale. Avec cette dernière Suite, le collectif français Encyclopédie de la parole présente un spectacle sur l’absence, comme un opéra sans chanteurs ou un théâtre sans comédiens. • Le collectif Encyclopédie de la parole explore l’oralité sous toutes ses formes. Joris Lacoste a également signé les trois premières Suites, qui redonnent chacune vie de manière virtuose à des voix enregistrées. Les trois Suites précédentes étaient à l’affiche du Kunstenfestivaldesarts. L’ensemble bruxellois Ictus est une valeur sûre du Kaaitheater. Plus tôt dans la saison, il présente le « concert respiratoire » Pneuma. In the first part of Suite n° 4, recognizable and anonymous voices overlap as though they were coming from different acoustic spaces. In the second part, the voices are accompanied by eight musicians from Ictus. In constantly alternating constellations – switching between acoustic and electronic – they demonstrate their musical flexibility. In this final Suite, the Encyclopédie de la parole collective presents a performance about absence, like an opera without singers or a theatre without actors. • The Encyclopédie de la parole collective explores the spoken word in all its forms. Joris Lacoste also directed the first three Suites, which each brought recorded voices to life with great virtuosity. The three previous parts were likewise presented during the Kunstenfestivaldesarts. The Brussels music ensemble Ictus is a fixture in the Kaaitheater programme. Earlier this season, they presented the ‘breathing concert’ Pneuma here.

PRESENTED BY KAAITHEATER & KUNSTENFESTIVALDESARTS

#bignames #hightech

TUE 19, WED 20, FRI 22/05 20:30 + SAT 23/05 18:00 + SUN 24/05 15:00

premiere

116

In het eerste deel van Suite n° 4 overlappen herkenbare en anonieme stemmen elkaar alsof ze uit verschillende akoestische ruimtes komen. In het tweede deel worden de stemmen vergezeld door acht muzikanten van Ictus. In steeds wisselende constellaties – laverend tussen akoestisch en elektronisch – tonen ze hun muzikale flexibiliteit. Met deze laatste Suite brengt het collectief Encyclopédie de la parole een voorstelling over afwezigheid, zoals een opera zonder zangers of een theater zonder acteurs. • Het collectief Encyclopédie de la parole onderzoekt het gesproken woord in al zijn vormen. Regisseur Joris Lacoste tekende ook voor de eerste drie Suites, die elk op een virtuoze manier opgenomen stemmen tot leven wekken. De drie vorige delen waren eveneens te zien tijdens het Kunstenfestivaldesarts. Het Brusselse muziekensemble Ictus is een vaste waarde in het Kaaitheaterprogramma. Eerder dit seizoen presenteren ze ook het ‘ademhalingsconcert’ Pneuma.

theatre/music

June

GUY CASSIERS/TONEELHUISBE Antigone in Molenbeek + Tiresias

ANTIGONE IN MOLENBEEK Begin 2016 bestempelde de president van een groot land Molenbeek tot ‘Hell Hole’. Stefan Hertmans was toen al aan het werken aan Antigone in Molenbeek. In dit prangende relaas gaat een jonge vrouw op zoek naar het lichaam van haar dode broer. Verwijzend naar de tragedie van Sophocles, schreef Hertmans een actuele, beklemmende en poëtische theatermonoloog over medeleven met iemand die helemaal geïsoleerd raakt: de zus van een zelfmoord-terrorist. Nouria wil maar één ding en dat is haar broer begraven – maar zijn stoffelijke resten worden niet vrijgegeven. Wanneer ze probeert binnen te dringen in het Forensisch Centrum waar de resten opgebaard liggen, gaat het mis. Hoe ver strekt onze menselijkheid? Wie beschouwen we als onze medemens en wie niet? • Guy Cassiers regisseert actrice en theatermaakster Sachli Gholamalizad. De tekst gaat in dialoog met het laatste strijkkwartet van Dmitri Sjostakovitsj, waarin de componist afscheid neemt van het leven. Au début de l’année 2016, un certain président a qualifié Bruxelles de hellhole. À ce moment-là, Stefan Hertmans était déjà en train de travailler à Antigone in Molenbeek. Dans ce récit oppressant, une jeune femme part en quête de la dépouille mortelle de son frère. Avec cette référence à Sophocle, Hertmans écrit un monologue de théâtre actuel, poignant, poétique et compassionnel à propos d’une personne qui se retrouve entièrement isolée : la sœur d’un terroriste kamikaze. Nouria ne veut qu’une seule chose, enterrer son frère mais on refuse de lui remettre ses restes. Lorsqu’elle s’introduit par effraction dans le centre médico-légal où ils sont conservés, les choses tournent mal. Jusqu’où va notre humanité ? Qui considérons-nous comme notre prochain et qui pas ? • Guy Cassiers dirige l’actrice et créatrice de théâtre Sachli Gholamalizad. Le texte engage le dialogue avec le Quatuor à cordes (n° 15) de Dmitri Chostakovitch, le dernier qu’il a composé et aussi celui avec lequel il prend congé de la vie. In this unrelenting tale, a young woman searches for the body of her dead brother. Referring to Sophocles’ tragedy, Stefan Hertmans wrote a relevant, compelling and poetic theatre monologue about empathizing with somebody who becomes completely isolated: the sister of a suicide bomber.

SUN 7/06 15:00

MATINEE KADEE WORKSHOP FOR KIDS Antigone in Molenbeek stands alone as a production. But at the same time, it forms a diptych with Tiresias. In Kaaitheater you get to see that diptych in its entirety.

118

While you attend the Sunday matinee performance, your children get to enjoy a creative workshop. Meanwhile, the little ones have fun in the playroom. > p. 128

0-12 Y NL FR EN

theatre

TIRESIAS In het spreekgedicht Tiresias laat de Britse auteur en spoken word artist Kate Tempest de identiteit van de spreker verglijden van man over vrouw naar blinde ziener. Tempest plaatst het thema middenin een hedendaagse stedelijke context, waarin mensen zich steeds sneller dreigen te verliezen. Tiresias is een vijftienjarige jongen die tot vrouw transformeert, en uiteindelijk een profeet wordt naar wie niemand luistert. De taal van Tempest getuigt van een bijzondere speelsheid en concreetheid. Katelijne Damen belichaamt het transformerende personage, en stelt zo scherp vragen over identiteit. Tegenover de stem van Tiresias plaatst Cassiers de achtste symfonie van Dmitri Sjostakovitsj, live uitgevoerd door het Antwerp Symphony Orchestra. • In 2013 maakte Guy Cassiers al de monoloog Orlando – naar Virginia Woolf – met Katelijne Damen, ook te zien in het Kaaitheater. De 33-jarige Kate Tempest haalde met haar gedichten en romans al vele prijzen binnen, en vult grote zalen met haar spoken word performances. Dans le poème oral Tiresias, la jeune Britannique Kate Tempest, auteure et artiste du spoken word, fait muer l’identité de l’orateur d’homme en femme et de femme en devin aveugle. Tempest situe le thème au cœur d’un contexte urbain contemporain dans lequel les gens courent le risque de toujours plus vite se perdre. Son Tirésias est un adolescent de quinze ans qui se transforme en femme et finalement en prophète que personne n’écoute. La langue de Tempest est particulièrement ludique et concrète. Katelijne Damen incarne ce personnage dont la métamorphose soulève des questions pointues sur l’identité. En réponse à la voix de Tirésias, Cassiers fait résonner la Huitième Symphonie de Dmitri Chostakovitch interprétée en direct par l’Antwerp Symphony Orchestra. • En 2013, Guy Cassiers a créé le monologue Orlando – d’après Virginia Woolf – avec Katelijne Damen. Un spectacle qui était au programme du Kaaitheater. La jeune Kate Tempest, âgée de 33 ans, déjà lauréate de multiples prix pour ses poèmes et ses romans, fait salle comble avec ses performances de spoken word. In the sound poem Tiresias, British author and spoken word artist Kate Tempest lets identity slip from man to woman to blind visionary. Katelijne Damen embodies the transforming character, and thus asks incisive questions about identity. Cassiers juxtaposes the voice of Tiresias with Dmitri Shostakovich’s eighth symphony, performed live by the Antwerp Symphony Orchestra.

#bignames #society #ilovemusic #repertoire

119

Â© DYOD.BE

120

DANIEL LINEHAN/HIATUSUS/BE sspeciess

Daniel Linehan laat zich inspireren door de Britse filosoof en ecologist Timothy Morton. Centraal in zijn werk is het idee dat niets ooit werkelijk verdwijnt. Alles wat we wegwerpen of uitstoten blijft ergens aanwezig, als een echo van gedane handelingen die we niet kunnen negeren. Samen met vijf andere dansers en muzikant Michael Schmid creëert Linehan een choreografie waarin licht, scenografie, kostuum, beweging en muziek één voor één de overhand nemen op scène, om dan weer ruimte te maken voor iets anders. Deze constante beweging van opkomen en verdwijnen vormt een spel waarin onopgemerkte elementen plotseling je aandacht vragen, en zo leiden tot onverwachte momenten van verwondering. • Daniel Linehan volgde dansopleidingen in Seattle en in Brussel bij PARTS. In zijn werk onderzoekt hij interacties tussen dans en niet-dans, ongewone combinaties, tegenstellingen en parallellen tussen teksten, bewegingen, beelden, liedjes, video’s en ritmes. In het Kaaitheater was zowat al zijn werk te zien, met in de afgelopen jaren o.a. Body of Work, Un Sacre du Printemps en Flood.

dance

Daniel Linehan draws inspiration from the British philosopher and ecologist Timothy Morton. Central to his work is the idea that nothing ever really disappears. Everything we discard or emit remains present somewhere, like an echo of past actions that we cannot ignore. Along with five other dancers and musician Michael Schmid, Linehan creates a choreography in which the lighting, the scenography, the costumes, the movement, and the music each dominate the stage in turn, and then fade to make space for the others. This constant cycle of emergence and disappearance creates an interplay in which unnoticed elements suddenly demand your attention, eliciting unsuspected moments of wonder. • Daniel Linehan studied dance in Seattle and in Brussels, at PARTS. His work explores interactions between dance and non-dance, unusual combinations, oppositions and parallels between texts, movements, images, songs, videos, and rhythms. Almost all of his work has been shown at Kaaitheater, including most recently Body of Work, Un Sacre du Printemps, and Flood.

Daniel Linehan s’inspire du philosophe et écologiste britannique Timothy Morton. L’idée que rien ne disparaît jamais vraiment est au cœur du spectacle. Tout ce que nous jetons ou expulsons reste présent quelque part, comme un écho des actions effectuées que nous ne pouvons pas nier. Avec cinq danseurs et le musicien Michael Schmid, Linehan crée une chorégraphie dans laquelle lumière, scénographie, costumes, mouvements et musique occupent successivement l’espace central pour ensuite s’estomper et céder la place aux autres. Ce mouvement perpétuel d’émergence et de disparition constitue un jeu dans lequel des éléments passés inaperçus attirent soudain l’attention, menant à des moments inattendus et à un sentiment de surprise. • Daniel Linehan a suivi des formations de danse à Seattle et à Bruxelles, à PARTS. Son œuvre explore les interactions entre danse et non-danse, des combinaisons inhabituelles, les contradictions et paradoxes entre textes, mouvements, images, chansons, vidéos et rythmes. Le Kaaitheater a présenté quasi l’ensemble de ses créations au cours des dernières années, entre autres, Body of Work, Un Sacre du Printemps et Flood. #bignames #tender

FRI 12, SAT 13/06 20:30 KAAITHEATER | € 18/14/10 CONCEPT & CHOREOGRAPHY Daniel Linehan | CREATION & PERFORMANCE Gorka Gurrutxaga Arruti, Anneleen Keppens, Daniel Linehan, Victor Pérez Armero, Michael Schmid, Louise Tanoto | DRAMATURGY Alain Franco | SCENOGRAPHY 88888 | COSTUME DESIGN Frédérick Denis | PRODUCTION Hiatus | CO-PRODUCTION deSingel, Centre chorégraphique national d’Orléans

121

MEG STUART/DAMAGED GOODSUS/DE/BE & JOMPET KUSWIDANANTOID Celestial Sorrow ‘For many years, I’ve been thinking about ghosts as unfinished business, and the way in which unresolved conflicts affect both our presence and our movements. Our bodies are constantly shuttling between objects, sounds, lights, voices and unprocessed events from the past. This might awaken a dormant presence, whether we like it or not.’ — MEG STUART

dance/performance

Voor Celestial Sorrow werkte Meg Stuart voor het eerst samen met de Indonesische beeldende kunstenaar Jompet Kuswidananto. Vertrekkend vanuit collectieve herinneringen en fictieve trauma’s creëert het duo een wereld van licht en beweging, bewoond door drie performers en twee muzikanten. Samen wagen ze zich aan een artistieke ontdekkingstocht doorheen imaginaire en onzichtbare ruimtes, op zoek naar de stemmen die die tot leven wekken. Celestial Sorrow ging in 2018 in première in de Kaaistudio’s, en verhuist voor deze herneming naar de scène van het Kaaitheater. Pour Celestial Sorrow, Meg Stuart collabore pour la première fois avec l’artiste plasticien indonésien Jompet Kuswidananto. Partant de souvenirs collectifs et de traumatismes fictifs, le duo crée un univers de lumière et de mouvement, habité par trois performeurs et deux musiciens. Ensemble, ils se risquent à une exploration artistique à travers des espaces imaginaires et invisibles – et aux voix qui les font résonner. La première de Celestial Sorrow a eu lieu en 2018 aux Kaaistudio’s et se déplace pour cette reprise sur la scène du Kaaitheater. Celestial Sorrow is Meg Stuart’s first collaboration with the Indonesian visual artist Jompet Kuswidananto. Based in collective memories and fictitious traumas, the duo create a world of light and movement that is inhabited by three performers and two musicians. Together the group embarks on a voyage of artistic discovery across imaginary and invisible spaces, searching for the voices that vivify them. Celestial Sorrow premiered at the Kaaistudios in 2018 and is moving to the main stage of Kaaitheater for this reprise.

‘Inspiratie haalden Kuswidananto en Stuart uit Indonesische gebruiken en (bij)geloof. Maar ook zonder die wetenschap is dit stuk een echte trip.’ — DE MORGEN ‘Meg Stuart démontre à nouveau son talent à prendre des risques et explorer de nouveaux territoires.’ — LA LIBRE #bignames #ilovemusic #visuallystunning

WED 24, THU 25, FRI 26, SAT 27/06 20:30

kaaitheater co-production

KAAITHEATER | 1H50 | € 22/18/10 CHOREOGRAPHY Meg Stuart | INSTALLATION Jompet Kuswidananto | CREATED WITH AND PERFORMED BY Jule Flierl, Gaëtan Rusquet, Claire Vivianne Sobottke | LIVE MUSIC Mieko Suzuki, Ikbal Simamora Lubys | LIGHT DESIGN Jan Maertens | COSTUME DESIGN Jean-Paul Lespagnard | DRAMATURGY Jeroen Versteele | SOUND DESIGN Richard König | PRODUCTION Damaged Goods | CO-PRODUCTION Kaaitheater, EUROPALIA INDONESIA, Goethe-Institut Indonesien, HAU Hebbel am Ufer, Künstlerhaus Mousonturm, PACT Zollverein, Tanzquartier Wien | COMMISSIONED BY the Walker Art Center (Minneapolis)

122

123

BENJAMIN VERDONCK/TONEELHUISBE de tijger eet de zebra en de vogel vliegt verschrikt weg

theatre

een kijkkast van heel de wereld een grote toverdoos een openingsdans een mens een dier een ding naast elkaar een dier een ding een ding een mens een dier naast elkaar een laatste wals een kamer, nog een kamer een tunnel, een doorkijk, een gat een deur natuurlijk ook een deur luiken die opengaan en toe, kleuren die verglijden, vlakken die verdwijnen en touwtjes, altijd touwtjes een vorm worden, een lijn, een punt, een kleur verandering worden, weifelen, afbreken, opnieuw beginnen alles worden we are the world we are the world we are the world de voorstelling is een treurig lied van de mens en de dingen rondomrond al blijft de maan (die ook meedoet) er behoorlijk onverschillig onder

Benjamin Verdonck bouwt en bedient een ongewoon planetarium van plakband, touwtjes en karton. • Benjamin Verdonck is all round kunstenaar. Hij maakt beeldend werk en theater – poëtisch, lichtvoetig en beklijvend – zowel in de zaal als daarbuiten. In het Kaaitheater speelde hij eerder o.m. We don’t speak to be understood (samen met Pieter Ampe), one more thing, Het houten ezeltje, Liedje voor Gigi en Aren. Benjamin Verdonck construit et actionne un planétarium insolite fait de ruban adhésif, de cordelettes et de carton. • Benjamin Verdonck est un artiste polyvalent. Il est plasticien et crée du théâtre – poétique, léger et prégnant – aussi bien dans des salles que dans l’espace public. Au Kaaitheater, il a présenté précédemment, entre autres, We don’t speak to be understood (avec Pieter Ampe), one more thing, Het houten ezeltje, Liedje voor Gigi et Aren. Benjamin Verdonck builds and operates an unusual planetarium of sticky tape, ropes and cardboard. • Benjamin Verdonck is an all-round artist. He creates visual work and theatre – poetic, nimble and compelling – both in theatres and outside. At Kaaitheater, he has presented We don’t speak to be understood (a collaboration with Pieter Ampe), one more thing, Het houten ezeltje, Liedje voor Gigi and Aren. #society #tender #visuallystunning

124

126

127

DANCE, MUSIC, DRAMA, CIRCUS... MATINEE KADEE! A workshop for your children, a performance for you.

0-12 Y

FREE

NAMIDDAGEN VOOR HET HELE GEZIN Op vijf zondagnamiddagen organiseren we creatieve workshops voor kinderen. De kleinsten kunnen ondertussen spelen in de crèche, terwijl de ouders met gerust gemoed van de voorstelling genieten. APRÈS-MIDIS POUR TOUTE LA FAMILLE Pendant cinq dimanches après-midis, nous organisons des atelier créatifs pour les enfants. Les tout-petits s’amusent dans une salle de jeu, et leurs parents peuvent assister au spectacle en toute tranquillité. AFTERNOONS FOR THE WHOLE FAMILY On five Sunday afternoons we organise creative workshops for children. The little ones have fun in the playroom, while their parents can enjoy the performance with their mind at rest.

PERFORMANCES FOR YOU SUN 20/10 VERA TUSSING Tactile Quartet(s) SUN 17/11 MIET WARLOP Ghost Writer and the Broken Hand Break SUN 9/2 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS Achterland SUN 26/4 MICHIEL VANDEVELDE & PLATFORM-K The Goldberg Variations SUN 7/6 GUY CASSIERS/TONEELHUIS Antigone in Molenbeek + Tiresias

THIS IS HOW IT WORKS

> crèche for babies and toddlers up to 4 years old > workshops for children from 4 to 12 years old > free, subject to a paid booking for the matinee performance

MET JE KINDEREN NAAR HET KAAITHEATER? Wil je met je kinderen naar een voorstelling in het Kaaitheater, check dan telefonisch de aanbevolen minimumleeftijd. Baby’s en kleuters mag je niet meenemen in de zaal. Tijdens Matinee Kadee ga jij naar de voorstelling, je kinderen naar de workshop. ALLER AU KAAITHEATER AVEC VOS ENFANTS ? Si vous souhaitez assister à une représentation au Kaaitheater avec vos enfants, vérifiez quel est l’âge minimum conseillé par téléphone. Les tout-petits ne sont pas admis à la salle de spectacle. Pendant les Matinees Kadee, vous venez au spectacle, entretemps vos enfants participent à un atelier créatif. CHILDREN ADMITTED? If you want to bring your children to a show at Kaaitheater, check the recommended minimum age by phone. You are not permitted to take babies and toddlers into the hall. During the Sunday Matinees, you can go to a show while your children attend a workshop.

check > kaaitheater.be/kadee > 02 201 59 59 128

SCHOLEN & GROEPEN ÉCOLES & GROUPES SCHOOLS & GROUPS

Benieuwd naar wat er allemaal schuilgaat achter de gevel van het Kaaitheater? Tijdens deze rondleiding nemen we je groep of klas mee achter de schermen. Ervaar hoe het voelt om zelf op het podium te staan! Curieux de savoir tout ce qui se déroule derrière la façade du Kaaitheater ? Pour cette visite guidée, nous emmenons votre association ou votre classe en coulisses. Faites donc l’expérience de ce qu’on ressent sur scène ! Are you curious about what is hidden behind the facade of the Kaaitheater? On this tour we take your group or class for a look behind the scenes. Experience how it feels to be on stage yourself!

Wil je graag met je klas of groep naar een voorstelling in het Kaaitheater? Wij helpen je graag met het uitzoeken van een voorstelling op maat, met tips, meer uitleg, een inleiding of een rondleiding. Désirez-vous vous rendre avec votre classe ou en groupe à un spectacle du Kaaitheater ? Nous vous aidons à choisir un spectacle sur mesure, et vous donnons volontiers des conseils, davantage d’explications, une introduction ou une visite guidée. Would you like your class or group to attend a performance at Kaaitheater? We would be happy to help you select a suitable production, with tips, more explanation, an introduction or a tour.

> free > by appointment and on weekdays only > audience@kaaitheater.be 129

LET’S TALK (ABOUT DANCE)

FREE

Zin om informeel na te praten over dansvoorstellingen? Ben je nieuwsgierig naar de ervaringen van anderen, of wil je jouw beleving delen? Welkom bij LET’S TALK (ABOUT DANCE)! Een moderator reikt jou en een kleine groep toeschouwers kapstokken aan om je kijk op dans te delen. Wat heb je gezien en wat betekende dat voor jou? Envie de converser de manière informelle à propos de spectacles de danse ? Curieu.se.x des expériences d’autrui ? Envie de partager vos expériences ? Soyez les bienvenu.e.s à LET’S TALK (ABOUT DANCE) ! Un modérateur lance des points de départ à un petit groupe de spectateurs afin de partager différents regards sur la danse. Qu’avez-vous vu et qu’est-ce que cela signifie pour vous ?

‘Ik ben vrij laat naar dans beginnen kijken en denk toch vaak: “Ik weet er niets van af. Andere mensen horen en zien vast zoveel meer.” Maar tijdens het gesprek merk ik dat iedereen gewoon kan vertrekken van wat hij of zij zelf heeft gezien en dat het niet hoeft te gaan om “het begrepen hebben.” Soms hou ik ook gewoon mijn mond en luister ik.’ « Dans un spectacle de danse, il y a bien plus que ce qu’une seule personne peut y trouver. Ensemble, on voit davantage. » ‘It is incredible how your experience of the performance changes completely because of what somebody else says about it. Or how you start seeing or appreciating elements that you hadn’t really noticed before.’

Would you like to discuss the dance performances you have seen in an informal setting? Are you curious about the experiences of others or would you like to share your experiences? Welcome to LET’S TALK (ABOUT DANCE)! A moderator provides a forum for you and a small group of audience members to share your perspective on dance. What have seen and what did it mean to you?

kaaitheater.be/letstalkaboutdance 130

• 4/10 METTE INGVARTSEN Moving in Concert in English • 26/10 RADOUAN MRIZIGA 8.2 in het Nederlands • 13/12 ROSAS Zeitigung in het Nederlands • 21/2 CHRISTIAN RIZZO une maison en français • 27/3 BORIS CHARMATZ infini in het Nederlands • 11/5 RADOUAN MRIZIGA Tafukt in English

APPLAUS! Oefen je Nederlands in het Kaaitheater I. PROGRAMMA VOOR INDIVIDUELE BEZOEKERS Studeer je Nederlands en heb je zin om een voorstelling te bezoeken? Het Kaaitheater biedt een toegankelijk kader voor anderstaligen en organisee op maat gratis inleidingen of nagesprekken in eenvoudig Nederlands. II. WORKSHOPS VOOR GROEPEN Je werkt met mensen die Nederlands als nieuwe taal leren én zin hebben om Brussel op een artistieke manier te leren kennen? Het Kaaitheater organiseert gratis creatieve oefenkansen op maat voor groepen.

Meer weten? Ontdek het volledige programma op www.kaaitheater.be/applaus

STEFAAN VAN BRABANDT & BRUNO VANDEN BROECKE Socrates DI 8/10 20:30 | KAAITHEATER | THEATER IN HET NL • GRATIS INLEIDING OM 20:00 • TAALNIVEAU 4 / GEVORDERD

RADOUAN MRIZIGA & FABULEUS 8.2 ZA 26/10 20:30 | KAAITHEATER | DANS • INTERACTIEF NAGESPREK IN HET NEDERLANDS

Contact > audience@kaaitheater.be 131

K-TEAM

Are you between 16 and 26 years old, studying or living in Brussels, and ready to discover the world of theatre, dance and performance art? Join the K-Team! WIJ ZIJN HET K-TEAM Een jaar lang krijgen we vrij spel in het Kaaitheater: dat belooft. Duik samen met ons het donker in, en ontdek dat theater en dans alles behalve saai hoeven te zijn. NOUS SOMMES LA K-TEAM Un an durant, nous avons les coudées franches au Kaaitheater : voilà qui promet ! Plongez avec nous dans l’obscurité de la salle de spectacle et découvrez que le théâtre et la danse ne sont pas forcément ennuyeux, bien au contraire !

1 SHOW = € 10* *if you’re younger than 26

WE ARE THE K-TEAM For a whole year, we have been given carte blanche at the Kaaitheater: we can’t wait! Join us, take a dive into the dark, and discover that theatre and dance are anything but boring.

Want to join?! > audience@kaaitheater.be 132

WORD UP!

In het kader van de lezingenreeks Hyperpresent gaan we met een groep jongeren op zoek naar woorden of naar taal om het heden te beschrijven. Hoe spreken jongeren over de actualiteit en over kwesties die hen bezighouden? Welke (nieuwe) woorden duiken op in hun taal? Op welke manier brengen ze die woorden op de scène, naar een publiek? Samen werken we rond twee vandaag heel relevante thema’s: ecologie en identiteit. Via filosofische gesprekken, uitwisselingen met kunstenaars en workshops slam poetry leggen we een parcours af met als eindpunt een toonmoment voor publiek. Houd kaaitheater.be/wordup in de gaten! Begeleid door Khadija El Kharraz Alami, Anoek Nuyens & Rebekka De Wit.

KAAITHEATER IN SAMENWERKING MET DE VEERMAN

Interesse om met jouw groep of klas deel te nemen? > audience@kaaitheater.be > 02 201 58 58 133

KAAITHEATER SAINCTELETTESQUARE 20 SQUARE SAINCTELETTE B-1000 BRUSSELS > 20 min. walk from Brussels North Station > Bicycle racks in front of the theatre > Villo city bikes on place Saincteletteplaats (across the canal) > Metro lines 2 & 6 to IJzer/Yser station, exit 6 > Tram 51, Bus 47, Noctis N18 (Heizel-De Brouckère), to IJzer/Yser or Sainctelette > De Lijn buses 129, 212, 213, 214, 230, 231, 232, 240, 241, 242, 243, 250, 251, 260, 355, 620 > Parking space at Ruimingskaai/Quai de la Voirie, Dijlestraat/Rue de la Dyle, Havenlaan/Avenue du Port KAAISTUDIO’S ONZE-LIEVE-VROUW VAN VAAKSTRAAT 81 81 RUE NOTRE-DAME DU SOMMEIL B-1000 BRUSSELS > 5 min. walk from rue Dansaert, 10 min. from Beurs/Bourse > Bicycle parking inside the theatre (limited) > Villo city bikes at Ninoofsepoort/Porte de Ninove > Metro lines 1 & 5 to Sint-Katelijne/Sainte-Catherine, exits 5 & 6 – Kanaal/Canal > Tram 51, Bus 86 > De Lijn buses 126, 127, 128 > Parking Dansaert (Nieuwe Graanmarkt 2 place Nouveau Marché aux Grains) & Lepage (rue Léon Lepagestraat 23–31)

TICKET SHOP SAINCTELETTESQUARE 20 SQUARE SAINCTELETTE B-1000 BRUSSELS +32 (0)2 201 59 59 Tue > Fri 11:00–18:00, Sat from 18:00 (performance days only) Limited opening hours during school holidays; closed from 13 July to 4 August 2019. WWW.KAAITHEATER.BE

KAAITHEATER VZW OFFICES AKENKAAI 2 QUAI DES PÉNICHES B-1000 BRUSSELS T +32 (0)2 201 58 58 INFO@KAAITHEATER.BE

KAAICAFÉ SAINCTELETTESQUARE 18 SQUARE SAINCTELETTE 1000 BRUSSELS +32 (0)2 427 87 72 Bar: Mon > Fri 11:00–20:30 + before & after the performances Kitchen: Mon > Fri 12:00–14:30, on performance days 12:00–20:30; Sat 18:00–20:30; Sun 13:00–15:00.

134

HOW TO GET HERE

TICKETS & HOUSE RULES

PRIJZEN De prijzen vermeld bij de voorstellingen zijn de basisprijs, de reductieprijs en de prijs voor wie jonger is dan 26. — 65+, werkzoekenden en mensen met een beperking: je betaalt de reductieprijs op vertoon van legitimatie. — oKo-lid of artiest met een kunstenaarskaart? Je betaalt de reductieprijs op vertoon van legitimatie. — Jonger dan 26? Je koopt je tickets aan € 10 per voorstelling, op vertoon van je identiteitskaart en zolang er beschikbare plaatsen zijn.

PRIX Les prix mentionnés à côté des spectacles sont les prix de base, les prix réduits et les prix pour les jeunes de moins de 26 ans. — 65+, demandeurs d’emploi et personnes handicapées : vous obtenez le prix réduit sur présentation d’une légitimation. — Membre d’oKo ou titulaire d’une CarteArtiste ? Vous obtenez un prix réduit sur présentation d’une légitimation. — Moins de 26 ans ? Sur présentation de votre carte d’identité, chaque spectacle est à € 10 (sous réserve de disponibilité).

ABONNEMENTEN — klein abo: kies 4 of meer verschillende voorstellingen en je krijgt 25% reductie op de basisprijs. Boek je later extra voorstellingen, krijg je dezelfde reductie. — groot abo: kies 10 of meer verschillende voorstellingen en je krijgt 50% reductie op de basisprijs. Boek je later extra voorstellingen, krijg je dezelfde reductie. Voor een basisprijs van € 10 of minder bestaat geen reductietarief. Bestel je abonnement op kaaitheater.be/abo

ABONNEMENTS — petit abonnement : choisissez 4 spectacles différents ou plus et vous obtenez 25 % de réduction sur le prix de base. Si vous réservez par la suite d’autres spectacles, vous bénéficiez de la même réduction. — grand abonnement : choisissez 10 spectacles différents ou plus et vous obtenez 50 % de réduction sur le prix de base. Si vous réservez par la suite d’autres spectacles, vous bénéficiez de la même réduction. Nous n’octroyons pas de réduction sur les billets de moins de € 10. Réservez votre abonnement sur kaaitheater.be/abo

ARTICLE 27, PASPARTOE, STUVOCHEQUE, ARSÈNE 50 Het Kaaitheater aanvaardt Paspartoe, Article 27, de STUVOcheque, en verkoopt tickets via Arsène 50. AVONDKASSA & WACHTLIJST Op de locatie van de voorstelling, vanaf 1 uur voor aanvang van de eerste voorstelling van die avond. Enkel tickets voor de voorstelling van die avond. LAATKOMERS & ANNULERING Na aanvang van de voorstelling worden geen toeschouwers meer toegelaten. Wanneer je de zaal tijdens de voorstelling verlaat, kun je enkel terug naar binnen als er een pauze is. Je krijgt tickets enkel terugbetaald of omgeruild wanneer de voorstelling wordt afgelast. MENSEN MET EEN BEPERKING Meld je komst vooraf (graag 1 week voor datum), dan zorgen wij voor een goede plaats en zo gewenst ook voor begeleiding. Het Kaaitheater en de Kaaistudio’s zijn toegankelijk voor rolstoelgebruikers.

ARTICLE 27, PASPARTOE, STUVO-CHEQUE, ARSÈNE 50 Le Kaaitheater accepte Article 27, Paspartoe et STUVO-cheque, et collabore avec Arsène 50. BILLETTERIE DU SOIR & LISTE D’ATTENTE Sur le lieu de la représentation, 1 heure avant le premier spectacle de la soirée. Uniquement pour les billets du spectacle de la soirée. RETARDATAIRES & ANNULATION Une fois que le spectacle a commencé, les spectateurs ne sont plus admis dans la salle. Si vous quittez la salle pendant le spectacle, vous ne pourrez la réintégrer qu’au moment de la pause s’il y en a une. Sauf annulation du spectacle, les places ne sont ni échangées, ni remboursées. PERSONNES AVEC UN HANDICAP Veuillez annoncer votre venue (de préférence une semaine avant la date) et nous vous assurons une place adéquate et un accompagnement si nécessaire. Le Kaaitheater et les Kaaistudio’s sont accessibles aux usagers de fauteuils roulants.

PRICES The prices shown for each production are the standard price, the price with concessions and the price for under-26s. — Over-65s, jobseekers and people with a disability: the concession will be given on display of proof. — oKo-member or artistcard-holder? You will receive the concession on display of proof. — Under 26? On showing your identity card, you can attend any performance for € 10 (subject to availability). SEASON TICKETS — standard season ticket: choose 4 or more separate performances and get a 25% discount on the standard price. If you book for more performances later, you get the same discount. — super season ticket: choose 10 or more performances and get a 50% discount on the standard price. If you book for more performances later, you get the same discount. Please note that no concessions are given on a standard price of € 10 or less. Order your season ticket on kaaitheater.be/abo ARTICLE 27, PASPARTOE, STUVO-CHEQUE, ARSÈNE 50 The Kaaitheater accepts Article 27, Paspartoe, the STUVO-cheque, and sells tickets through Arsène 50. EVENING BOX OFFICE & WAITING LISTS Open from 1 hour before the first show of that evening, at the relevant venue, only for tickets for that show. LATECOMERS & CANCELLATION Once the performance has started no one is admitted to the theatre. If you leave the theatre during the show, you will not be able to return unless there is a break. Tickets will not be exchanged or reimbursed unless a performance is cancelled. PEOPLE WITH A DISABILITY Please advise us of your attendance in advance (preferably one week beforehand), and we will provide a good place and assistance if desired. The Kaaitheater and Kaaistudios are accessible to wheelchair-users.

When you buy a ticket or register for our newsletter, Kaaitheater will process your personal information. We will keep you informed of our activities and send you other relevant information, such as information concerning your ticket bookings. If you do not wish to receive this information, please inform us via privacy@kaaitheater.be. You can also contact via this email address to consult, correct or delete your information. You will find all the information about our policy concerning personal information at www.kaaitheater.be/privacy.

135

KAAITHEATER PARTNERSHIPS

MOUSSEM Kaaitheater became a structural partner of the Moussem Nomadic Arts Centre in 2016. Moussem focuses on artists with a link to or an interest in the Arab world. Every year, we collaborate to organize the festival MOUSSEM:CITIES. After Beirut, Casablanca, and Damascus, this season the festival is focusing on Algiers (p. 84). In addition, we are part of Moussem’s think-tank that reflects on the Arab theatre repertoire.

HET THEATERFESTIVAL Every year the TheaterFestival kickstarts the new season with a selection of the most interesting and surprising productions from last year. The festival alternates between Brussels, Antwerp and Ghent. Its structural partners are Kaaitheater, deSingel and Vooruit. The 2019 edition will take place from 05/09 until 15/09 in Ghent.

GLOBE AROMA Globe Aroma is an Open Arts Centre that hosts dozens of artists/newcomers who come to create, rehearse and meet one another every day. Kaaitheater co-produces an annual platform in which a professional artist joins a diverse group of participants in a common art project. We also support Globe Aroma with its financial administration and staff management.

WORKSPACEBRUSSELS workspacebrussels is a workspace for the performing arts in its most hybrid forms. Young and upcoming talent find support with intensive residency periods, co-productions, and coaching. Kaaitheater provides various kinds of support: rehearsal space, office space, administrative support and co-presentations. Kaaitheater and workspacebrussels transformed the former brewery at 83 Onze-Lieve-Vrouw van Vaakstraat into a collaborative space.

136

Gent 5 –15 sep 2019

C er

H s

8.2 Radouan Mriziga / hetpaleis, fABULEUS & Moussem Studio Shehrazade Haider Al Timimi & Gorges Ocloo Kloppend Hert / ARSENAAL The Pain of Others Peter Aers

new skin Hannah De Meyer / Toneelhuis La Reprise Milo Rau / NTGent / IIPM Eg er vinden, Ik ben de wind STAN & Discordia Craquelé Studio ORKA / hetpaleis

Paradise Now (1968 – 2018) Michiel Vandevelde / fABULEUS Underneath Which Rivers Flow Globe Aroma & Decoratelier Jozef Wouters AREN Benjamin Verdonck / Toneelhuis

Ouder Kind Raven Ruëll & Bruno Vanden Broecke / KVS Don Caravaggio Charli Chung / Frascati Producties People, Places & Things Toneelgroep Oostpool True Copy BERLIN

www.theaterfestival.be

BRUZZ MAGAZINE Elke week in je bus Neem nu een gratis abonnement LEVEN IN DE STAD I UIT IN BRUSSEL I NIEUWS I ACHTERGROND & OPINIE

BRUZZ_abo-postit_Flagey_230x170.indd 1

20/05/2019 12:15

WAS NU NIET METEEN EEN MILIEUBEWUSTE KOP_ In 2004 stelden we nog onomwonden dat rijden op diesel een goede zaak was voor het milieu. De overheid gaf er zelfs een premie voor. We weten nu beter. We werden argwanend en zijn dieper beginnen graven. Dat noemen we het voortschrijvend inzicht van De Standaard. Inzicht dat we al 100 jaar mee voortstuwen door kritisch te bevragen en zelf te onderzoeken. Ook u deed eraan mee toen we onlangs de luchtkwaliteit in heel Vlaanderen hebben gemeten. En als u denkt dat een abonnement op dat inzicht duur is, is het hoog tijd om ook dat standpunt te herzien.

Lees De Standaard nu extra voordelig

via standaard.be/abonnement

De Universele Verklaring van de Rechten van de Mens is een belangrijke inspiratiebron voor het vrijzinnig humanisme.

ITH N VAN HET K A A E R U B E IG N IN RIJZ

w w w.vrijzinnigbrussel.b

Adv Art27.indd 3

EATER

04/05/18 09:09

Haal je paspartoe vandaag nog en beleef meer voor minder geld

or Brussel DĂŠ cultuur- en vrijetijdspas vo www.paspartoebrussel.be

Paspartoe_Pub_KAAI_170x230_FINAL.indd 1

24/05/2019 08:24

C M US I

MAKE IT YOURS

Cinema

BRASSERIE

www.cinema-palace.be 85 Bd Anspachlaan, B-1000 Bruxelles/Brussel

MACBETH UNDERWORLD LE SILENCE DES OMBRES GIOVANNA D’ARCO JEANNE D’ARC AU BÛCHER LES CONTES D’HOFFMANN LE NOZZE DI FIGARO COSÌ FAN TUTTE DON

QUENCH YOUR THIRST. SATISFY YOUR HUNGER. KAAICAFÉ WELCOMES YOU BEFORE AND AFTER THE PERFORMANCES! > www.kaaicafe.be

BAR

Mon-Fri 11:00 > 20:30 + before & after the performances

GIOVANNI MONIUSZKO À PARIS PIKOVAYA DAMA DER ROSENKAVALIER

KITCHEN

Mon-Fri 12:00 > 14:30 on performance days 12:00 > 20:30 Sat 18:00 > 20:30 | Sun 13:00 > 15:00

SAINCTELETTESQUARE 18 18 SQUARE SAINCTELETTE 1000 BXL

COLOPHON KAAITHEATER VZW RAAD VAN BESTUUR/CONSEIL D’ADMINISTRATION/ BOARD OF DIRECTORS Bart Claes, Peter De Jonge, Eddy Van Gelder, Sarah Avci, Joachim Declerck, Bart Decoster, Bénédicte Lobelle, Mia Vaerman, Dirk Vanoverbeke, Marleen Wynants, leden/membres/members; Herman Mennekens, Gert Nys, regeringscommissarissen/commissaires du gouvernement/government commissioners ALGEMENE VERGADERING/ASSEMBLÉE GÉNÉRALE/ GENERAL ASSEMBLY Claude Blondeel, Sigrid Bousset, Herman Croux, Guido Fonteyn, Peter Maenhout, Chantal Pattyn leden/membres/members ARTISTIEKE WERKING/ACTIVITÉS ARTISTIQUES/ ARTISTIC ACTIVITIES Guy Gypens, algemene & artistieke leiding/directeur générale & artistique/ general & artistic director; Katleen Van Langendonck, artistieke leiding/ directrice artistique/artistic director; Lana Willems, programmering & productie/programmation & production/programming & production; Esther Severi, dramaturgie/dramaturge; Lieselot Vanhoof, planning & productie/planning & production; Lore Claes administratie & productie/ administration & production ADMINISTRATIE/ADMINISTRATION Valerie Vernimme, zakelijke leiding/directrice financière et administrative/ general manager; Miriam Rottiers, boekhouding/comptabilité/bookkeeper; Maxim Lenssens, personeelsadministratie/administration du personnel/ personnel administration COMMUNICATIE & PUBLIEKSWERKING/ COMMUNICATION & MEDIATION AVEC LES PUBLICS/ COMMUNICATION & AUDIENCE DEVELOPMENT Katelijne Meeusen, coördinatie & persrelaties/coordinatrice & attachée de presse/coordinator & press officer; Eva Decaesstecker, pers en communicatie/presse et communication/press and communications; Jonas Maes, marketing & digitale communicatie /marketing & communication numérique/marketing & digital communication; Hilde Peeters, publiekswerking/médiation avec les publics/audience development; Stan Spijkers, redactie & publicaties/rédaction & publications/editor & publications

ORGANISATIES IN HET KAAITHEATERCOMPLEX/ ORGANISATIONS DANS LE COMPLEXE DU KAAITHEATER/ ORGANISATIONS IN THE KAAITHEATERCOMPLEX • AKENKAAI 2 QUAI DES PÉNICHES: — A Two Dogs Company/Kris Verdonck dance, theatre & performance company — Great Investment/Mette Ingvartsen dance company — Damaged Goods/Meg Stuart dance company — Het TheaterFestival — ROBIN theatre company • SAINCTELETTESQUARE 17 SQUARE SAINCTELETTE: — European House for Culture/European Festivals Association — SFP Sociaal Fonds voor de Podiumkunsten — STEPP Steunpunt voor productionele, ontwerpende, en technische krachten van de brede culturele sector • SAINCTELETTESQUARE 19 SQUARE SAINCTELETTE: — BKO Brussels Kunstenoverleg — BL!NDMAN music ensemble — Cultuurloket Zakelijke ondersteuning voor de cultuursector — Demos Kenniscentrum voor participatie en democratie — FMDO Federatie van Marokkaanse en Mondiale Democratische Organisaties — IETM International network for contemporary performing arts — Lasso Brussels netwerk voor kunsteducatie en publieksbemiddeling — oKo Overleg Kunstenorganisaties — Pulse Transitienetwerk Cultuur Jeugd Media — Pearle Performing Arts Employers Associations League Europe — Socius Steunpunt voor Sociaal-Cultureel Volwassenenwerk — Tristero theatre company ORGANISATIE IN DE KAAISTUDIO’S/ ORGANISATION DANS LES KAAISTUDIO’S/ ORGANISATION IN THE KAAISTUDIOS ONZE-LIEVE-VROUW VAN VAAKSTRAAT 83 RUE NOTRE-DAME DU SOMMEIL: — workspacebrussels werkplaats voor podiumkunsten MET STEUN VAN/AVEC LE SOUTIEN DE/SUPPORTED BY de Vlaamse overheid, de Vlaamse Gemeenschapscommissie van het Brussels Hoofdstedelijk Gewest, het Brussels Hoofdstedelijk Gewest, Stad Brussel

TECHNIEK/TECHNIQUE/TECHNICAL DEPARTMENT Ruben Pieksma, technische leiding/directeur technique/technical director; Jan-Simon De Lille, adjunct technische leiding/adjoint directeur technique/ deputy technical direction; Geni Diez, Peter Fol, Guy Peeters, Luc Schaltin, Chris Segers, Frank Vandezande, Milan Van Doren, Herman Venderickx, podiumtechniek/technicien de plateau/stage technician

MEDIAPARTNERS De Standaard Klara BRUZZ

TICKETSHOP/BILLETTERIE Wanda Horemans, coördinatie/coördinatrice/coordinator, Mo Franken, Geertje Terlaeken

MAGAZINE 2019–2020

ONTHAAL/ACCUEIL/RECEPTION Lus Baleci INFRASTRUCTUUR & COÖRDINATIE/ INFRASTRUCTURE & COORDINATION Ann Bollen, infrastructuurbeheer/gestionnaire des bâtiments/building manager; Wati Koesharto, office management; Patrick Lauwers, medewerker infrastructuurbeheer/assistant gestion du bâtiment/assistant building management; Lieselot Vanhoof, coördinatie/coordinatrice/ coordinator Kaaistudio’s; Nelson Polfliet, front of house management; Alain Orsin, technisch onderhoud/entretien technique/technical maintenance; Fatima Raklih, verantwoordelijke onderhoud/responsable entretien/ maintenance manager; Mohamed Aydarus Husein, Serpil Akgün, Gus De Winter; onderhoud/entretien/maintenance; Mohamed Abbas, barman/bartender Kaaistudio’s

REDACTIE/RÉDACTION/EDITORS Stan Spijkers, Eva Decaesstecker, Guy Gypens, Katelijne Meeusen, Esther Severi, Katleen Van Langendonck, Lana Willems FRANSE VERTALING/TRADUCTION FRANÇAISE/ FRENCH TRANSLATION Isabelle Grynberg ENGELSE VERTALING/TRADUCTION ANGLAISE/ ENGLISH TRANSLATION John Arblaster GRAFISCH ONTWERP/GRAPHISME/GRAPHIC DESIGN Paul Boudens DRUK/IMPRESSION/PRINTING Graphius WETTELIJK DEPOT/DÉPÔT LÉGAL/LEGAL REGISTRATION D/2019/2871/1

146

147

CALENDAR September 2019 WED 11/09 19:00 GLOBE AROMA & DECORATELIER JOZEF WOUTERS Underneath Which Rivers Flow > P10 THU 12/09 19:00 GLOBE AROMA & DECORATELIER JOZEF WOUTERS Underneath Which Rivers Flow > P10 THU 12/09 20:30 SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11 FRI 13/09 19:00 GLOBE AROMA & DECORATELIER JOZEF WOUTERS Underneath Which Rivers Flow > P10 FRI 13/09 20:30 SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11 SAT 14/09 13:00 > 19:00 BENJAMIN VANDEWALLE Studio Cité > P12 SAT 14/09 19:00 GLOBE AROMA & DECORATELIER JOZEF WOUTERS Underneath Which Rivers Flow > P10 SAT 14/09 20:30 SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11 SAT 14/09 21:00 ELLY VAN EEGHEM (Dis)placed Interventions > P16 SUN 15/09 15:00 SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11 THU 19/09 20:30 SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11 FRI 20/09 13:00 > 19:00 BENJAMIN VANDEWALLE Studio Cité > P12 FRI 20/09 20:30 SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11 SAT 21/09 13:00 > 19:00 BENJAMIN VANDEWALLE Studio Cité > P12 SAT 21/09 20:30 SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11 SUN 22/09 13:00 > 19:00 BENJAMIN VANDEWALLE Studio Cité > P12 SUN 22/09 15:00 SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11 THU 26/09 20:30 FRI 27/09 20:30 FRI 27/09 20:30 SAT 28/09 20:30 SAT 28/09 20:30 SUN 29/09 15:00

SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11 PIETER DE BUYSSER/ROBIN De Lokvogel > P14 SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11 PIETER DE BUYSSER/ROBIN De Lokvogel > P14 SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11 SALVA SANCHIS & ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS A Love Supreme > P11

DECORATELIER DECORATELIER RPS* DECORATELIER RPS* ON LOCATION DECORATELIER RPS* KAAISTUDIO’S RPS* RPS* ON LOCATION RPS* ON LOCATION RPS* ON LOCATION RPS* RPS* KAAISTUDIO’S RPS* KAAISTUDIO’S RPS* RPS*

*ROSAS PERFORMANCE SPACE

October 2019 THU 3/10 20:30 FRI 4/10 20:30 SAT 5/10 20:30 TUE 8/10 20:30 THU 10/10 20:30 FRI 11/10 20:30 FRI 11/10 20:30 SAT 12/10 20:30 SAT 12/10 20:30

METTE INGVARTSEN Moving in Concert > P18 METTE INGVARTSEN Moving in Concert > P18 METTE INGVARTSEN Moving in Concert > P18 STEFAAN VAN BRABANDT/DE VERWONDERING & BRUNO VANDEN BROECKE Socrates > P20 GLOBE AROMA & N. HAFKENSCHEID, P. CASTILLA, H. BIONG Landscape Orchestra > P22 GLOBE AROMA & N. HAFKENSCHEID, P. CASTILLA, H. BIONG Landscape Orchestra > P22 MILO RAU/NTGENT Orestes in Mosul > P24 GLOBE AROMA & N. HAFKENSCHEID, P. CASTILLA, H. BIONG Landscape Orchestra > P22 MILO RAU/NTGENT Orestes in Mosul > P24

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

MON 14/10 20:30 WED 16/10 20:30 THU 17/10 20:30 FRI 18/10 20:30 SAT 19/10 20:30 SAT 19/10 20:30 SUN 20/10 15:00

KELLER EASTERLING on Extrastatecraft > PIII TG STAN QUE SERA SERA > P21 TG STAN QUE SERA SERA > P21 TG STAN QUE SERA SERA > P21 TG STAN QUE SERA SERA > P21 VERA TUSSING Tactile Quartet(s) > P26 VERA TUSSING Tactile Quartet(s) > P26

KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER

TUE 22/10 20:30 FRI 25/10 20:30 SAT 26/10 20:30

THOMAS RYCKEWAERT Move 37 > P30 MICHIEL VANDEVELDE/FABULEUS Paradise Now (1968–2018) > P28 RADOUAN MRIZIGA/FABULEUS, HETPALEIS & MOUSSEM 8.2 > P29

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

TUE 5/11 20:30 DE KOE & MUGMETDEGOUDENTAND seks(e)(n) > P32 WED 6/11 20:30 DE KOE & MUGMETDEGOUDENTAND seks(e)(n) > P32 THU 7/11 20:30 DE KOE & MUGMETDEGOUDENTAND seks(e)(n) > P32 THU 7/11 20:30 JÉRÔME BEL Rétrospective > P34 FRI 8/11 20:30 JÉRÔME BEL Conférence sur rien (1949) > P35 SUN 10/11 11:00 > 18:00 ECOPOLIS 2019 Generation Hope > 46 THU 14/11 20:30 CHRISTOPHE MEIERHANS Trials of Money > P38

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S

November 2019

148

FRI 15/11 20:30 FRI 15/11 20:30 SUN 17/11 15:00

CHRISTOPHE MEIERHANS Trials of Money > P38 MIET WARLOP & NTGENT Ghost Writer and the Broken Hand Break > P36 MIET WARLOP & NTGENT Ghost Writer and the Broken Hand Break > P36

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER

TUE 19/11 20:30 THU 21/11 20:30 FRI 22/11 20:30 SAT 23/11 20:30 THU 28/11 20:30 FRI 29/11 20:30 FRI 29/11 20:30 SAT 30/11 18:00 SAT 30/11 21:00 SAT 30/11 20:30

MIET WARLOP & NTGENT Ghost Writer and the Broken Hand Break > P36 MEG STUART & TIM ETCHELLS Shown and Told > P40 MEG STUART & TIM ETCHELLS Shown and Told > P40 MEG STUART & TIM ETCHELLS Shown and Told > P40 MICHIEL VANDEVELDE Human Landscapes I > P42 MICHIEL VANDEVELDE Human Landscapes II > P43 JAN DECORTE & SIGRID VINKS/BLOET body a.k.a. > P44 MICHIEL VANDEVELDE Human Landscapes I > P42 MICHIEL VANDEVELDE Human Landscapes II > P43 JAN DECORTE & SIGRID VINKS/BLOET body a.k.a. > P44

KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

20:30 20:30 19:00 20:30 20:30

STEFAAN VAN BRABANDT/DE VERWONDERING & JOHAN HELDENBERGH MARX > P48 MADALINA DAN & AGATA SINIARSKA Mothers of Steel > P49 MADALINA DAN & AGATA SINIARSKA Mothers of Steel > P49 LIGIA LEWIS Water Will (in Melody) > P50 LIGIA LEWIS Water Will (in Melody) > P50

KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER

TUE 10/12 20:30 WED 11/12 20:30 WED 11/12 20:30 THU 12/12 20:30 FRI 13/12 19:00 FRI 13/12 20:30 SAT 14/12 19:00 SAT 14/12 20:30

BASHAR MURKUS/KHASHABI THEATRE The Museum > P52 BASHAR MURKUS/KHASHABI THEATRE The Museum > P52 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER, L.N. LE VAN HO & A. FRANCO/ROSAS Zeitigung > P56 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER, L.N. LE VAN HO & A. FRANCO/ROSAS Zeitigung > P56 LOUIS JANSSENS & TIMO STERCKX The Greatest Show on Earth > P53 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER, L.N. LE VAN HO & A. FRANCO/ROSAS Zeitigung > P56 LOUIS JANSSENS & TIMO STERCKX The Greatest Show on Earth > P53 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER, L.N. LE VAN HO & A. FRANCO/ROSAS Zeitigung > P56

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

WED 18/12 20:30 WED 18/12 20:30 THU 19/12 20:30

ICTUS Pneuma > P54 ANNELEEN KEPPENS Movement Essays > 58 ANNELEEN KEPPENS Movement Essays > 58

KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S

WED 8/01 20:30 THU 9/01 20:30 THU 9/01 20:30 FRI 10/01 20:30 FRI 10/01 20:30 SAT 11/01 20:30

JAN LAUWERS & NEEDCOMPANY All the good > P60 JAN LAUWERS & NEEDCOMPANY All the good > P60 BRUSSELS BRECHT-EISLERKOOR Melancholie aan de 5 blokken/Mélancolie aux 5 blocs > P62 JAN LAUWERS & NEEDCOMPANY All the good > P60 BRUSSELS BRECHT-EISLERKOOR Melancholie aan de 5 blokken/Mélancolie aux 5 blocs > P62 BRUSSELS BRECHT-EISLERKOOR Melancholie aan de 5 blokken/Mélancolie aux 5 blocs > P62

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S

THU 16/01 20:30 FRI 17/01 20:30 FRI 17/01 20:30 SAT 18/01 20:30 SAT 18/01 20:30

ELS DIETVORST, DIRK ROOFTHOOFT & AURELIE DI MARINO MEMENTO MORI! > P64 ELS DIETVORST, DIRK ROOFTHOOFT & AURELIE DI MARINO MEMENTO MORI! > P64 ESZTER SALAMON MONUMENT 0.8: Manifestations > P66 ELS DIETVORST, DIRK ROOFTHOOFT & AURELIE DI MARINO MEMENTO MORI! > P64 ESZTER SALAMON MONUMENT 0.8: Manifestations > P66

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER

MON 20/01 20:30 TUE 21/01 20:30 WED 22/01 20:30 WED 22/01 20:30 FRI 24/01 20:30 SAT 25/01 20:30

BORIS GROYS on Antiphilosophy > PIV BOYZIE CEKWANA & DANYA HAMMOUD Bootlegged > P.63 BOYZIE CEKWANA & DANYA HAMMOUD Bootlegged > P.63 SUZE MILIUS & HET ZUIDELIJK TONEEL TALK SHOW > P. 68 FORCED ENTERTAINMENT Out Of Order > P. 70 FORCED ENTERTAINMENT Out Of Order > P. 70

KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

WED 29/01 20:30 THU 30/01 20:30 FRI 31/01 20:30 FRI 31/01 20:30

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS Achterland > P72 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS Achterland > P72 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS Achterland > P72 IGGY LOND MALMBORG Physics and Phantasma > P74

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S

December 2019 WED 4/12 THU 5/12 FRI 6/12 FRI 6/12 SAT 7/12

January 2020

149

February 2020 SAT 1/02 20:30 SAT 1/02 20:30

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS Achterland > P72 IGGY LOND MALMBORG Physics and Phantasma > P74

WED 5/02 20:30 THU 6/02 20:30 THU 6/02 20:30 FRI 7/02 20:30 SAT 8/02 20:30 SUN 9/02 15:00

KATJA DREYER & KAREN RØISE KIELLAND Cry Me a River > P76 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS Achterland > P72 KATJA DREYER & KAREN RØISE KIELLAND Cry Me a River > P76 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS Achterland > P72 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS Achterland > P72 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS Achterland > P72

THU 13/02 20:30 THU 13/02 20:30 FRI 14/02 20:30 FRI 14/02 20:30 SAT 15/02 20:30 SAT 15/02 20:30

TG STAN & KLOPPEND HERT Move (on) > P80 KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY & HET ZUIDELIJK TONEEL ACT > P78 TG STAN & KLOPPEND HERT Move (on) > P80 KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY & HET ZUIDELIJK TONEEL ACT > P78 TG STAN & KLOPPEND HERT Move (on) > P80 KRIS VERDONCK/A TWO DOGS COMPANY & HET ZUIDELIJK TONEEL ACT > P78

MON 17 > SAT 22/02 MOUSSEM CITIES: ALGIERS > P84 THU 20/02 20:30 CHRISTIAN RIZZO une maison > P82 FRI 21/02 20:30 CHRISTIAN RIZZO une maison > P82

KAAITHEATER KAAISTUDIO’S

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER

March 2020 THU 5/03 FRI 6/03 FRI 6/03 SAT 7/03

150

20:30 19:00 21:00 21:00

ORLA BARRY Spin, Spin, Scheherazade > P88 ORLA BARRY Spin, Spin, Scheherazade > P88 ALEXANDRA BACHZETSIS Escape Act > P86 ALEXANDRA BACHZETSIS Escape Act > P86

WED 11/03 20:30 THU 12/03 20:30 FRI 13/03 20:30 SAT 14/03 20:30

KHADIJA EL KHARRAZ ALAMI Nu ben ik Medea > P89 KHADIJA EL KHARRAZ ALAMI Nu ben ik Medea > P89 FAUSTIN LINYEKULA/NTGENT Histoire(s) du Théâtre II > P90 FAUSTIN LINYEKULA/NTGENT Histoire(s) du Théâtre II > P90

WED 18/03 19:00 WED 18/03 20:30 FRI 20/03 19:00 FRI 20/03 20:30 SAT 21/03 19:00 SAT 21/03 20:30 SUN 22/03 15:00

FC BERGMAN/TONEELHUIS/NTGENT/KVS JR > P92 ALEJO PÉREZ, KRYSTIAN LADA & SYMF. ORKEST VAN VLAANDEREN Symphony of Expectation > P100 FC BERGMAN/TONEELHUIS/NTGENT/KVS JR > P92 REMAH JABR & DAREEN ABBAS Broken Shapes > P94 FC BERGMAN/TONEELHUIS/NTGENT/KVS JR > P92 REMAH JABR & DAREEN ABBAS Broken Shapes > P94 FC BERGMAN/TONEELHUIS/NTGENT/KVS JR > P92

PALEIS 12 KAAITHEATER PALEIS 12 KAAISTUDIO’S PALEIS 12 KAAISTUDIO’S PALEIS 12

MON 23/03 20:30 WED 25/03 20:30 THU 26/03 20:30 THU 26/03 20:30 FRI 27/03 20:30 FRI 27/03 20:30 SAT 28/03 20:30 SAT 28/03 20:30

GRAHAM HARMAN on Immaterialism > PV BORIS CHARMATZ infini > P96 BORIS CHARMATZ infini > P96 TRISTERO Iemand van ons > P98 BORIS CHARMATZ infini > P96 TRISTERO Iemand van ons > P98 BORIS CHARMATZ infini > P96 TRISTERO Iemand van ons > P98

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S

TUE 31/03 20:30

TRISTERO Iemand van ons > P98

KAAISTUDIO’S

April 2020 WED 1/04 20:30 THU 2/04 20:30 FRI 3/04 20:30 SAT 4/04 20:30

TRISTERO Iemand van ons > P98 DORIS UHLICH Every Body Electric [medium] > P102 GORGES OCLOO & DOMINIQUE PAUWELS/LOD Moby Dick > P104 GORGES OCLOO & DOMINIQUE PAUWELS/LOD Moby Dick > P104

KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S

WED 22/04 19:00 > 23:00 SARAH & CHARLES In the Hands of Puppets [installation] > P109 WED 22/04 20:30 SARAH & CHARLES In the Hands of Puppets [performance] > P109 WED 22/04 21:30 KAOS + SARAH & CHARLES In the Hands of Puppets [talk] > P109 FRI 24/04 18:00 > 22:00 SARAH & CHARLES In the Hands of Puppets [installation] > P109 FRI 24/04 19:00 JONATHAN BURROWS Rewriting > P106 FRI 24/04 20:30 CLAIRE CROIZÉ & ETIENNE GUILLOTEAU/ECCE Pole Reports from Space > P107 SAT 25/04 18:00 > 22:00 SARAH & CHARLES In the Hands of Puppets [installation] > P109 SAT 25/04 19:00 JONATHAN BURROWS Rewriting > P106 SAT 25/04 20:30 CLAIRE CROIZÉ & ETIENNE GUILLOTEAU/ECCE Pole Reports from Space > P107 SAT 25/04 20:30 MICHIEL VANDEVELDE & PLATFORM K The Goldberg Variations > P108 SUN 26/04 15:00 MICHIEL VANDEVELDE & PLATFORM K The Goldberg Variations > P108

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S KAAITHEATER KAAITHEATER

MON 27/04 20:30 WED 29/04 20:30 THU 30/04 20:30

KAAITHEATER KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’S

ROSI BRAIDOTTI on Posthumanism > PVI MAATSCHAPPIJ DISCORDIA Liebe Jelinek > P110 MAATSCHAPPIJ DISCORDIA Liebe Jelinek > P110

May 2020 TUE 5/05 20:30 WED 6/05 20:30 FRI 8/05 20:30 SAT 9/05 20:30 SUN 10/05 15:00

JOOST VANDECASTEELE Culturo Says No > P112 JOOST VANDECASTEELE Culturo Says No > P112 RADOUAN MRIZIGA Tafukt > P114 RADOUAN MRIZIGA Tafukt > P114 RADOUAN MRIZIGA Tafukt > P114

KAAISTUDIO’S KAAISTUDIO’SS KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

MON 11/05 20:30 FRI 15/05 20:00 SAT 16/05 20:00 SUN 17/05 15:00

RADOUAN MRIZIGA Tafukt > P 114 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUS Rain (live) > P113 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUS Rain (live) > P113 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUS Rain (live) > P113

KAAITHEATER DE MUNT/LA MONNAIE DE MUNT/LA MONNAIE DE MUNT/LA MONNAIE

TUE 19/05 20:30 TUE 19/05 20:00 WED 20/05 20:30 WED 20/05 20:00 FRI 22/05 20:30 SAT 23/05 20:30 SUN 24/05 15:00

ENCYCLOPÉDIE DE LA PAROLE, ICTUS & JORIS LACOSTE SUITE 4 > P116 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUS Rain (live) > P113 ENCYCLOPÉDIE DE LA PAROLE, ICTUS & JORIS LACOSTE SUITE 4 > P116 ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ROSAS & ICTUS Rain (live) > P113 ENCYCLOPÉDIE DE LA PAROLE, ICTUS & JORIS LACOSTE SUITE 4 > P116 ENCYCLOPÉDIE DE LA PAROLE, ICTUS & JORIS LACOSTE SUITE 4 > P116 ENCYCLOPÉDIE DE LA PAROLE, ICTUS & JORIS LACOSTE SUITE 4 > P116

KAAITHEATER DE MUNT/LA MONNAIE KAAITHEATER DE MUNT/LA MONNAIE KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

June 2020 THU 4/06 20:30 FRI 5/06 20:30 SAT 6/06 20:30 SUN 7/06 15:00

GUY CASSIERS/TONEELHUIS Antigone in Molenbeek + Tiresias > P118 GUY CASSIERS/TONEELHUIS Antigone in Molenbeek + Tiresias > P118 GUY CASSIERS/TONEELHUIS Antigone in Molenbeek + Tiresias > P118 GUY CASSIERS/TONEELHUIS Antigone in Molenbeek + Tiresias > P118

FRI 12/06 20:30 SAT 13/06 20:30 FRI 19/06 20:30 SAT 20/06 20:30

DANIEL LINEHAN/HIATUS sspeciess > P120 DANIEL LINEHAN/HIATUS sspeciess > P120 BENJAMIN VERDONCK/TONEELHUIS De tijger eet de zebra en de vogel vliegt verschrikt weg > P124 BENJAMIN VERDONCK/TONEELHUIS De tijger eet de zebra en de vogel vliegt verschrikt weg > P124

WED 24/06 20:30 THU 25/06 20:30 FRI 26/06 20:30 SAT 27/06 20:30

MEG STUART/DAMAGED GOODS & JOMPET KUSWIDANANTO Celestial Sorrow > P122 MEG STUART/DAMAGED GOODS & JOMPET KUSWIDANANTO Celestial Sorrow > P122 MEG STUART/DAMAGED GOODS & JOMPET KUSWIDANANTO Celestial Sorrow > P122 MEG STUART/DAMAGED GOODS & JOMPET KUSWIDANANTO Celestial Sorrow > P122

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER KAAITHEATER

151

MAGAZINE 6 EDITIES PER JAAR VERSCHIJNT IN FEBRUARI, APRIL, JUNI, AUGUSTUS, OKTOBER, DECEMBER P3A9139 | JUNI 2019 D/2019/2871/1