Edicion 11 by Katerin Dueñas

OCTUBRE 2014 / ED. 11

actualidad/

FESTIVALES:

VENECIA Y TORONTO ARCHIVO 7/

ALICE GUY BLANCHÉ

NICOLE KIDMAN

¡alerta roja! No podemos nadar contra la corriente, ¿y qué peor corriente que la de la cultura popular? ¿Cómo puede sobrevivir alguien que piense diferente? ¡Suena como una misión imposible! De seguro muchos mueren en el intento, miles de ideas son sacrificadas en nombre de lo que es “correcto” y la información que logra alcanzar la altura necesaria para ser vista, debe pasar por un filtro totalmente convenenciero y engañoso, a la demás le cortan las alas. Citaré las palabras de quién para mi es uno de los grandes genios del cine y que sin embargo su obra es llamada “absurda” por no cumplir con los estándares de cine convencional, hablo del checo Jan Svankmajer quién afirmó en una entrevista las siguientes palabras sobre el tema: “Todo está pensado para que no pensemos; que no pensemos ni cómo estamos ni qué queremos de la vida... La cultura popular existe para que nos entretengamos un poco en el tiempo que pasa desde que salimos del trabajo hasta que volvemos de nuevo a él”. Desde mi punto de vista nuestra situación es perturbadora. ¿En qué debemos creer? ¿Qué camino debemos seguir? ¿Todo lo que conocemos como “bueno” es realmente un engaño y solo estamos obedeciendo? Creo que no debemos conformarnos, pero antes de ponernos paranoicos debemos investigar un poco, regresar a lo básico, las bases, mirar la evolución de las cosas y entonces encontraremos el camino. No debemos quedarnos con lo que nos dan o mejor dicho, con las bocanadas que nos meten. Eileen Gamboa Navarro Directora editorial www.revistazona7.com zona7.revista@gmail.com

EDITORIAL

Bombardeos de basura atacan las mentes. la informaci贸n que logra alcanzar la altura necesaria para ser vista, debe pasar por un filtro totalmente convenenciero

CONTENIDO 7+1: ALGO MÁS QUE CINE/ el miedo ya no llena la pantalla 6 el terror invade la mente de este escritor 8

ACTUALIDAD/ festivales: venecia y toronto 28 relatos salvajes 32

DESDE ADENTRO/ la dirección de fotografía: 12 perfil de trabajo antes de rodar

CINE ASIÁTICO-ORIENTAL/ kansen 34

BIO 7/ nicole kidman 18 ZONA TERROR/ make out with violence 22 birth 24 MÚSICA EN EL CINE/ cold mountain 26

sobre nosotros

ANIMACIÓN/ la chica que sALTABA A TRAVÉS DEL 36 TIEMPO ARCHIVO 7/ AlICE-GUY BLANCHÉ 42

EXTRAS kidman: antes y después de cruise 38 EL MODERNO SHERLOCK HOLMES 40 la pesadilla americana 44

Somos una revista mensual, que tiene como fin exclusivo, la difusión de información útil y práctica sobre el cine, dirigida especialmente a ésas personas amantes del séptimo arte con deseo de aprender más, de una manera práctica y de fácil comprensión. Aprovechando las plataformas web y las redes sociales traemos hasta usted una revista gratuita y de fácil acceso, sin dejar de lado la excelencia en cada detalle. Nuestro equipo cuenta con personas de diferentes paises de Latinoamérica, entre ellos Perú, Colombia, México, Bolivia, Costa Rica, Argentina y Uruguay.

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7+1: ALGO MAS QUE CINE

El Miedo ya no llena toda la pantalla Me encontraba un sábado cualquiera, escribiendo como zombie luego de tener un día pesado en la radio, pero lo disfruté como lo hago a diario, aunque ese no es el punto. Mientras escribo esto mis oídos se inyectan de una buena dosis de música con la cantante Poe y su tema “Haunted”, la cual queda perfecta con lo que van a leer; y tiene que ver con el cine de terror, más que nada como experiencia en sí.

Footage” y llevan la leyenda “basada en una historia real” llamó mi atención. Ahora que tengo un pequeño conocimiento en el cine, puedo decir que la causa de que a uno le pueda aterrar esto es por el simple hecho de que la vista es en primera persona y no sabes lo que va a ocurrir, bueno, lo sabes pero lo ignoras. Aunque me estoy adelantando mucho…

¿Quién de los lectores siente que el cine de terror se perdió hace algún tiempo? -hagamos un ejercicio con esta pregunta, ve y revisa cuál es tu biblioteca de terror y cuantas películas son de “found Footage”- yo siento que los pioneros, “monstruos asesinos” de aquel cine de clase B y con los cuales nos traumamos ya no salen en pantalla, pero de ¿Cuántos de nosotros no nos ser así, no chutan el remake con más violencia y “gore” del traumatizamos de pequeños con necesario. Recordemos la película de Rob Zombie y su “Halas películas de terror o algún per- lloween”, recordemos la película “Viernes 13” y dentro de sonaje? – ejemplo claro y el de poco el remake a cargo de Cary Fukunaga (True Detective) muchos, “Eso”, ¿no?-. ¿Quién de sobre “Eso”. ¿Qué les parece esta noticia y qué les parecen los lectores y cinéfilos no recuer- las anteriores películas? Más que nada, hay un cierto enojo ya que el “found Fooda nombres como Michael Myers, Freddy Krueger, Scream y de otros tage” ha inundado mucho las salas de cine, DVDs e internet. personajes? ¿Sabías que su más- No digo que sea malo, hay películas buenas, por mencionar cara está basada en la pintura “El solo una que pasa de lo absurdo a lo realista, como “Grave Grito” –bueno, si no lo sabían ya lo Encounters” de The Vicious Brothers, la cual fue muy comensaben-, Leatherface, Chucky, Jason, tada viralmente y gozada por pocos en salas de cine. Esta etc, etc. La lista puede seguir, pero película nos centra en un grupo de “cazafantasmas”, los cuales llevan el mismo nombre de la película, y este (su sexto mejor voy al grano. Ahora es cuando -para burlar- episodio) debe de ser único. Los cazafantasmas van a buscar te- que alguien me explique –psi- una historia en un hospital siquiátrico, y es ahí cuando no encólogo de preferencia- por qué ra- tiendes lo que estás viendo ya que la película forma “gags” yos me sigue aterrando la película casi sin querer. Mucho tardan en aparecer los “fantasmas” “la bruja de Blair”. Cabe decir que para un final que no esperas del todo –si has visto la película, esta película la vi por insistencia ¿recuerdas la escena de la rata con Lance Preston?-. Pero la a mi mamá, para que me llevara historia como tal funciona, el guion y la dirección son un giro a verla a la dulce edad de 9 años, de tuerca que casi nadie tocaba en anteriores cintas, y es ¿será por eso? Digo, la sala estaba una burla a esos programas que se dedican a eso de filmar demasiado grande y oscura; eso fantasmas –sin éxito alguno, o visible, claro-. Vendría la segunda parte, llevando el mismo nombre y fue cuando tenía el nombre de “Multicinemas”. Desde ahí, ese tipo ningún subtítulo, ahora a cargo de un fanático que quiere de películas que se llaman “found descubrir la verdad acerca de ese sexto episodio y perjura 6

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que fue real. Este tipo junta a sus amigos para entrar y descubrir la verdad, pero recuerden, “el miedo es solo una palabra, la realidad es mucho peor” (no te voy a dar spoilers, si no la has visto). Pero ante todo esto, no me convenció, es algo mala, lo únwico agradable fue que la trama se conecta con la anterior y forzosamente tienes que ver la primera; buen gancho, lo más interesante para mí fue la canción de créditos “Never odd or even” de THESET y algunas muertes. Pero ya ni decir de las cintas de Actividad Paranormal, pues… La última me dio más risa que seriedad, y bueno, así no se puede. Creo que lo mejor se dio en los últimos minutos, los escopetazos de un chavo a las malditas brujas y el viaje en el tiempo que hay de la cinco a la uno. Ahora nos chutaremos “Actividad Paranormal 6: Dimensión Fantasma” casi a inicios del próximo año (13 de marzo de 2015) y no hasta 2016, ¿a ustedes qué tal les parecen estas cintas? ¿Creen que el terror se ha perdido por sí solo? ¿Dependemos de gritos, golpes en la pared o algún ruido para generarnos miedo? Creó que para mí, el miedo ya no está llenando la pantalla grande. Aun así, seguimos teniendo suerte con algunas películas de miedo, found footage, pero para ustedes, ¿cuál es una verdadera película que no los deje dormir? Mi gusto por el cine de terror nació por los personajes ya antes mencionados al inicio, y claro, no olvidemos los actuales Billy: “La Marioneta”, “Anabelle”. No tengo un odio hacía el terror más que nada lo amo, pero poco a poco olvidamos en sí esas raíces que pueden ser renovadas por guionistas en la creación de nuevos personajes que en verdad den miedo. ¿Preparados, para buscar el miedo?

¡Quién de los lectores siente que el cine de terror se perdió hace algún tiempo? -hagamos un ejercicio con esta pregunta, ve y revisa cuál es tu biblioteca de terror y cuantas películas son de “found Footage”- yo siento que los pioneros, “monstruos asesinos” de aquel cine de clase B y con los cuales nos traumamos ya no salen en pantalla, pero de ser así, no chutan el remake con más violencia y “gore” del necesario.

7+1 : ALGO MÁS QUE CINE

El Terror invade la mente de este escritor. Justamente al estar escribiendo, plasmando estas palabras, escucho en mi biblioteca musical una banda sonora que se llama: “To Canada”, la cual pertenece al soundtrack de “Land Of The Dead” y me inspira para escribir lo que a continuación vas a leer. Ya dentro de poco entramos a las noches de pre-Halloween y Halloween como tal, y muchos lectores y cinéfilos harán maratones de terror o gore y aquí es cuando surge la idea de esta publicación, columna o página ¿por qué no hacer maratón de lectura creepy o de terror? Muchos me podrán decir “¿y eso que tiene que ver con el cine?” si les dijera que utilizo una herramienta que es como el guión no lo podrían creer y tomo el cine como modo de influenciarme así en estos dos textos que leerás. Me gusta cambiar las cosas, hacer experimentos y con eso lograr critica aunque sea mala o buena, eso nos ayuda en esta profesión. Lo que a continuación vas a leer son dos historias, escritas por mí (así que hay derechos de autor). Una manera diferente de ver las temporadas de noche de brujas, dulces, truco o 8

espantos –hace falta decir también los “espíritus”- pero en mis textos o historias me gusta que te sientas parte de ellas, así que me gusta ser muy sensitivo y que te conviertas en parte de la historia. Espero encuentres esta esencia. Lo acoto de nuevo y lo repetiré una vez más: es una manera que yo tengo de ver el terror y es muy respetable como lo vean los demás, así que acepto cualquier crítica pero esto no cambiará nada mis escritos. Solamente lo hago porque es una fecha muy especial para mí, pues mis pininos cuando era un Gremlin –y me gustó el cine- fueron el clásico B, la animación, la acción y así hasta llegar al terror por lo que verán. Yo espero que disfruten mucho estás fiestas, que existen por el simple hecho de divertirse, festejar algo, aterrarse o reír y a veces es tan surreal, por la cara del zombie que está sentado a lado mío mientras escribo esto…¿qué loco, no?.

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DEAD ROAD : DEMASIADO LEJOS... ¿Puedes, escuchar esto? Sé que es una tontería, pero a veces la señal se pierde a cierta distancia y creo que he salido de esa zona. No he escuchado tu voz en bastante tiempo, no te he visto; el día de mañana sé que no podré reconocerte pero, cambiaste mi vida hace mucho tiempo... ¿Cuántas horas hay en aquellos días tan lejanos ya, en las que no pasase, esperando un mensaje tuyo o una llamada? Todo eso se ha olvidado ¿Cuándo fue la última vez que cualquier persona de verdad se esforzó para conseguir algo que quisiera? He estado caminando una carretera desolada, sin nadie a mi lado, los demás están sólo a distancias y otros lejos... ¿Cuánto tiempo ha pasado desde que necesitaba algo, que DESEABA? Ese mundo que conocíamos ha desaparecido, que yo conocía, está en escombros, que los demás sabían; ya no existe. Tengo un nombre, pero no me gusta decirlo, tengo una edad, pero la olvido, tengo recuerdos que guardo y con el tiempo me mantienen aquí y me recuerdan quién fui y quién soy ahora. Fechas especiales no hay para mí y no debería de haber para nadie, lo que debe de preocupar es que lleguemos a un ciclo más y no dejemos pendiente nada. Hice una tontería hace tiempo, deje un grupo kilómetros atrás y no regresé por seguir un sentimiento, una acción. Ha pasado el tiempo y decidí darme un respiro solo, sin nadie a quién cuidar, responsabilizarme por mí y recordé tus palabras y la de los demás: ¡Siempre serás tú, y solo tú, llegará el momento adecuado para volver! Y aquí estoy, creó que estoy dentro del grupo de nuevo, tome un radio y busque una frecuencia y escribí lo mismo que te estoy diciendo. Por el frío, el año sé que ya va a terminar, pasa algo curioso, lo sé por la luna y por mis labios agrietados, recordaba que te enfermabas mucho por el frío; no sé, si tendrá batería para aguantar otras conversaciones con estática la radio. Confió en que por cualquier detalle, no me has olvidado, ni yo

a ti; puedes estar acompañada, yo solo estoy solo tratando de sobrevivir ¿Qué ironías, no? No sé cuánto falta, para que oscurezca, para escuchar otra estática, pero sé que estás ahí, viendo este mensaje y escuchándolo; sólo cierro los ojos tratando de pensar que no estoy en un mundo con escombros, tratar de recuperar algunas cosas, no puedo escuchar algo más. No sé si te interese, pero estoy bien, voy en el camino correcto, redimido, destrozando "podridos", para sobrevivir. Sería capaz de volver al camino, por escuchar alguna voz, pero estoy demasiados kilómetros atrás y demasiado lejos, pero… pero… pero… Se acaba la batería y la herida en mi mano empieza a arder demasiado; nunca debí de haber dejado atrás a nadie, pero tenía que proteger a mi grupo: Ahora me enfrenté a un grupo de "podridos" y creó que hubo consecuencias, pero no puedo esperar.

Y aquí una historia que en lo personal, es muy creepy y con tributo.

7+1 : ALGO MÁS QUE CINE

"CARNAGE” Epílogo:

“...Y podrás percibir, tu realidad” -me lo decía la criatura- que para el momento ya sabía cómo describirla, el nombre era "Sr. Chirridos". Sí, aquella de mis pesadillas se hacía realidad y continuaba hablando, mientras trataba yo de moverme, pero no lograba nada. “¿Pues no me has invocado? ¿No querías ver quién podrías ser en realidad? Pues aquí me tienes. ¿Recuerdas a ese niño diciendo que sus pesadillas eran como una enfermedad?, Si tú”. Por más extraño que parezca, recordaba esa puerta de mi armario abriendo cada noche y escuchar unos chirridos, con una mano color rojo que salía del abismo negro, luego de tanto tiempo. “Yo era la causa de tus males, me apoderé de tu mente, pero poco a poco mueres. Tú alma, será tragada por un agujero oscuro y de violencia; serás torturado por los golpes que hayas dado en tu vida, violado por cualquier pensamiento asqueroso, desgarrado por las palabras que en vida escupiste” -trataba de evitar verlo, a la cara, pero él no tenía cara; miré hacia abajo con el pretexto de encontrar alguna respuesta, pero estaba sobre un río de sangre y huesos“No te preocupes -decía Chirridos- todos en mi mundo dirán que estabas loco, más en el tuyo, solo desaparecí por una "enfermedad" pero salí del hospital” -al decir eso, me sorprendí, pero no respondí-. “En mi mundo me veo así, en tu mundo seré...tú, sin este aspecto, sin este rostro, solo adoptaré tu carne y me adaptaré al sabor, sudor y olor horrible” -tenía que encontrar algo, entre mis pensamientos, para evitar que perforará más mi mente, tratando de encontrar algún miedo más horrible-. “¿Creías que me habías engañado, al poder llegar a la última parte del libro?” -contesté gritando y de manera encabronada, que yo nunca pretendía ganarle a la vida o muerte, nunca quería haber deseado el corazón de esa persona nunca haber arrancado la hoja de ese libro y haber matado a alguien con eso, pero la bestia, mi monstruo no lo comprendía; solo continuó diciendo- “¿Creías que no reclamaría "tú ser"?, no le pertenece a Dios, ni al Diablo, solo nos pertenece”. 10

-¿Nos perteneces? me pregunté- muchas imágenes estuvieron en mi mente, creo que lejos de acabar, todo comenzó por mi maldita osadía a lo desconocido-. “Ahora, me pregunto ¿cómo estará la dulce Scarlett, pues sabes que estás en el tercer mundo de la tortura?” -¡Mi novia!- El hijo de perra, la violaría o torturaría como en su demente visión si no actuaba rápido. No había estado hace unos días atrás hasta que comprendí que él tenía razón; cuando amas a alguien con gran fuerza, una preocupación causada por esa persona genera agonía y un hambre completa. En palabras de él: “Dicen que matar a un hombre es fácil, pero matar lo que ama es matarlo mil veces". Aquí, creo, terminaba el viaje de locura y demencia que había querido concluir hace tiempo, pero tenía que sacrificar algo más; algo más fuerte, para liberarme de ese sitio; el viento me lo susurró al oído. Era hora de terminar con esto, sacrificar algo que anhelaba, que deseaba, esos tenían que ser...

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DESDE ADENTRO

Desde las primeras filmaciones de los hermanos Lumière, la cámara ha sido el principal elemento en la creación cinematográfica, sin ella no habría posibilidad de crear una película, detrás de ella hay todo un equipo especializado en usarla como herramienta para concebir lo escrito en el guion Para continuar con el tema sobre la creación de la imagen cinematográfica, haremos énfasis en el trabajo hecho desde el “departamento de fotografía”, el departamento con mayor riesgo de muerte en una producción y también el más polifacético. El más polifacético ya que sus funciones se mueven en tres campos: en el artístico, el técnico y el de producción. Su labor artística primordialmente es crear el concepto artístico de la imagen; la labor técnica va del manejo de equipos tecnológicos de alta gama (que van desde luces hasta equipos de cámara) hasta la instalación y desinstalación se estos; y la labor de producción es hacerse cargo del alquiler, mantenimiento, transporte y contratación de operadores de estos equipos técnicos. Para ser más precisos, en esta oportunidad hablaremos de la labor de “el director de fotografía”, uno de los nombres más importantes en una producción por su importancia y trabajo en la construcción de una película. Así, explicaremos el flujo de trabajo de este departamento, su relación con los demás departamentos y cómo su trabajo es fundamental en la creación cinematográfica.

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La dirección de fotografía.

Perfil y trabajo antes de rodar USO DEL STORYBOARD Desde las primeras filmaciones de los hermanos Lumière, la cámara ha sido el principal elemento en la creación cinematográfica, sin ella no habría posibilidad de crear una película, detrás de ella hay todo un equipo especializado en usarla como herramienta para concebir lo escrito en el guion, que toma forma en la planimetría y que se esculpe al momento de rodar la película. “El departamento de fotografía” está constituido por más de 20 cargos importantes que van desde el foquista hasta el luminotécnico, todos trabajando en un flujo de trabajo arduo para lograr rodar alrededor de un plano por hora y cumplir con el plan de rodaje. Quien se encarga de que este departamento funcione y no se estanque en algún momento del dificultoso camino que es un rodaje es “el director de fotografía”, el alma artística de este departamento, el encargado de crear la imagen usando cientos de recursos técnicos. Estos recursos técnicos que van desde las luces hasta el Dolly tienen detrás suyo a personas con conocimientos técnicos que al recibir indicaciones del director de fotografía transforman sus saberes técnicos en arte.

En preproducción, el director de fotografía se encarga del diseño de la imagen de la película, para ello concreta el concepto de la imagen que manejará la película en reuniones con el director de esta. Ambos han leído el guion y han imaginado la película, y concretan el desarrollo visual de esta. En caso que la hayan imaginado de diferente manera, ambos exponen sus ideas, concretan cuáles ideas son mejores y comienzan la creación de la “planimetría”. La planimetría es un documento en el que se estructuran, a manera de línea de tiempo, los planos que se va a usar para construir la película; en ellos que se especifican movimientos de cámara, tipos de plano, tratamiento de la luz, uso de ópticas, manejo de conceptos fotográficos (observaciones y explicación del por qué se usa tal plano o tal emplazamiento de cámara) y temas de composición, puesta en cuadro y duración de la toma. Para el planteamiento de la planimetría, el director de fotografía y el director ya debieron haber concretado la totalidad de los planos en un documento importantísimo llamado “el guion técnico” que es la guía técnica para todos los departamentos en la producción. Su importancia va desde qué partes del set deben ser decoradas por el departamento de arte hasta la concreción del plan de rodaje por parte del asistente de dirección. Y para construir el guion técnico, el director de foto junto con el director en su reunión de concretar planos y conceptos de imagen debieron haber construido el “Storyboard” de la película, un documento en el que se dibuja la película a manera de historieta, en el que se concretan planos y que sirve como borrador que plantea si un plano sirve o no antes de concretar la planimetría, este documento ya no es muy desarrollado por los directores de la actualidad, pero sí es requerido por muchos productores. 13

DESDE ADENTRO Y como dato curioso, pocas veces es dibujado por el director o por el director de fotografía, casi siempre se contrata a un dibujante de Story, que es un experto y rápido dibujante que recibe indicaciones de estos dos para concretar su trabajo; su sueldo es pagado por el presupuesto de producción y no por el presupuesto de equipos técnicos de fotografía. En esta reunión en preproducción entre director de fotografía y director se concreta el concepto fotográfico de la película, una serie de propuestas con las que desde la fotografía se narren cosas de la situación, el personaje o la acción. Por lo general, el director de fotografía recurre a sus numerosos conocimientos en historia del arte y de la pintura para concebir conceptos basados en obras anteriores. También suele suceder que el director quiere romper con los conceptos anteriormente concebidos y quiere presentar algo nuevo, y le indica sus ideas al director de fotografía para que este dé más aportes y sea capaz de desarrollar lo concretado. Por ejemplo: el director quiere crear una atmósfera de prisión con el concepto de la desolación; algo que por lo general recurre a encuadres muy abiertos y colores muy fríos, pero que él quiere crear con encuadres cerrados muy intimistas y colores cálidos, es el director de fotografía quien le hará sentar cabeza al proponerle lo que para él es un mejor tratamiento de la imagen o quien decida seguir con esta idea para satisfacer al director o para encaminarse en nuevos descubrimientos fotográficos. Cualquiera que sea la idea es el quien concreta una propuesta y la desarrolla. manejo cromático de "2001: a space oddisey"

story board de "2001: a space oddisey", donde se da idea sobre los detalles , las texturas y materiales que podrían ser empleados en la realización del film

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PLANEACIÓN Además de estas reuniones para estipular los planos que serán rodados, el director de fotografía también se reúne con el director de arte y el director en reuniones para concretar temas de creación de atmosfera, espacio y composición de la imagen del universo diegético en el que se desarrolla la película, además de varias pruebas de cámara en las que arte trae propuestas de texturas y colores que serán usados en los decorados, escenografía, ambientación, utilería, maquillaje y vestuario y fotografía prueba si el aspecto que estas dan frente a la cámara que será usada es la deseada, para ello las ilumina de manera parecida a como las iluminara en el rodaje. Es cosa de bastante trabajo una película incluso antes de ser rodada. También desarrolla desgloses de fotografía, en los cuales determina qué equipos y qué cantidad por equipo requiere, qué tanto personal técnico necesita y cuánto tiempo por plano y tiempo entre plano para iluminar el siguiente plano necesita. Estos desgloses los presenta al departamento de producción con quien se reúne para definir puntos esenciales, si algo no es estrictamente requerido saldrá de su financiación. El director de fotografía es el creativo de la imagen. No hay director en el mundo (buen director) que no tenga en cuenta las ideas de su director de fotografía. Más allá de que se sea un maestro en la dirección con un estilo admirado y una reputación internacional, las ideas del director de fotografía suelen ser la mejor alternativa y tenerlas en cuenta garantiza un buen resultado.

story board de la mítica escena de asesinato en"psycho", diseñado por Saul Bass para Alfred Hitchcock, se puden apreciar detalladamente los encuadres que finalmente serán usados en la pelicula. 15

DESDE ADENTRO

LA IMAGEN Y LA COMUNICACIÓN A pesar de que la mayoría de los espectadores no saben o no le dan importancia al trabajo en fotografía de una película, su importancia es mucha. Va desde “la factura” (concepto con el que se explica el nivel de profesionalismo con el que ha resultado una obra cinematográfica, de la que hablaremos cuando tratemos el departamento de producción) hasta la belleza visual que penetra el iris y se clava entre los recuerdos de una persona. El aspecto de una película marca un punto importante en qué tanto esta guste a una persona. La imagen comunica demasiado sobre el personaje o la situación, aunque un espectador piense que no. La imagen tiene repercusiones psicológicas que pueden cambiar la forma de mirar o de pensar. Si no lo cree, aquí algunos ejemplos. ¿No es lógico que el tratamiento del color rojo en la película "Gritos y susurros" de Ingmar Bergman (1972) nos muestre los sentimientos de odio, amor y nostalgia de sus cuatro personajes? Claro que lo es, el rojo tiene un tratamiento importante por parte del director de fotografía (y buen amigo de Bergman) Sven

Nykvist, quien lo trata de manera diferente en cada escena y en cada set. Muestra desde el dolor hasta la hipocresía de estas hermanas con tan solo usar el color rojo iluminándolo con luz blanca de manera diferente en cada escena. Y si no, hay otra película en la que el color rojo es importante, "Irreversible" de Gaspar Nóe; aquí, un plano secuencia de ocho minutos será difícil de olvidar para muchos espectadores. En un corredor rojo hay una violación que es mostrada con un corte a través de movimientos de cámara vertiginosos. Eso es la fotografía, el uso de los colores, texturas, luz, movimiento y tiempo (movilidad de cámara y duración de la toma) para lograr dejarle algo más al espectador sobre una historia que le cuentan. Además de todas estas tareas, el director de fotografía en pre-producción hace el diseño de iluminación de planos, un documento en el que se especifica plano a plano cómo se iluminará y cómo serán los

manejo cromático en "Gritos y Susurros" de Ingmar Bergman

REVISTA ZONA 7 esquema de iluminación (inf.) para una escena y su posterior aplicación (izq.) en la película "Ida" dirigida por Pawel Pawlikowski con la dirección de fotografía a cargo de Lukasz Zal

A pesar de que la mayoría de los espectadores no saben o no le dan importancia al trabajo en fotografía de una película, su importancia es mucha. Va desde “la factura” hasta la belleza visual que penetra el iris y se clava entre los recuerdos de una persona.

Terrence Malick junto a su director de fotografía Emmanuel Lubezki en la película "Tree of Life" con las interpretaciones de Brad Pitt y Jessica Chastain; Lubezki obtendría una nominación a los premios de la Academia por su trabajo en este proyecto.

ilustración por Mat Pringle

emplazamientos de cámara (si los hay). También concreta un diagrama de flujo de su departamento y concibe su propia paleta de colores, que tiene que estar relacionada con la paleta de colores del director de arte; define ópticas, aspectos y texturas que quiere lograr estipulando tales ideas en su propuesta, hace una investigación sobre sus referentes de imagen y cómo estos influyen en su trabajo, y explica qué tan fiel es su trabajo a la realidad, es decir, si su fotografía es una reinterpretación de la realidad (es minimalista y natural) o si es una propuesta que busca crear otra realidad, crear un universo diegético propio de la película. A fin de cuentas, el director de fotografía “pinta cuadros en movimiento a través de la luz”; la luz, su gran aliada, el cine no existiría de no ser por la luz. Este es el trabajo del director de fotografía antes de rodar. Su trabajo durante la producción o rodaje es más arduo y por eso debe ser organizado y dejar todo esto hecho antes de irse a rodar. Y para todo esto tiene de 2 a 4 meses, dependiendo del tamaño de la producción. Próximamente: En el rodaje y después de él. El Director de fotografía precisando la imagen.

BIO 7

Con el director Anthony Minghella, Kidman protagonizó la épica Guerra Civil Cold Mountain (2003) junto a Jude Law. Ella ha tomado algunos proyectos menos convencionales, así como trabajar con el director Lars von Trier en el drama marcado "Dogville" Nicole Kidman María nace el 20 de junio de 1967 en Honolulu, Hawai. Nicole Kidman es considerada en Hollywood como una de las principales estrellas femeninas y más bellas. A los 4 años se mudó con sus padres a Sydney, Australia. Como colegiala asistió a un grupo de teatro local y, animada por el director de Jane Campion, hizo un notable debut en el cine en Bush Christmas (1983). Kidman también se reunió con una de sus mejores amigas, la actriz Naomi Watts, alrededor de este tiempo. Los dos estaban en una convocatoria abierta para un anuncio de traje de baño y más tarde trabajaron juntos en la película de 1991 El coqueteo. Su avance en Estados Unidos llegó con Calma total (1989), y el éxito siguió con Billy Bathgate (1991), Todo por un sueño (1995), Practical Magic (1998), y Eyes Wide Shut (1999), en el que ella co-protagonizó con su esposo Tom Cruise. Ella y Cruise se divorciaron en 2001 tras 10 años de matrimonio. Habían adoptado dos hijos, Isabella y Connor durante su relación. Mientras que su matrimonio estaba por terminar, la carrera de Kidman llegó a nuevas alturas. Ella ganó un Globo de Oro por su interpretación de una cantante parisina y cortesana en el gran espectáculo musical de Baz Luhrmann Moulin Rouge! (2001). Al año siguiente, Kidman cautivó a los críticos y el público por igual con su actuación en The Hours (2002) con el afamado escritor de Virginia Woolf. Recibió varios premios importantes por su trabajo, incluyendo su primer Premio de la Academia como Mejor Actriz.

Con el director Anthony Minghella, Kidman protagonizó la épica Guerra Civil Cold Mountain (2003) junto a Jude Law. Ella ha tomado algunos proyectos menos convencionales, así como trabajar con el director Lars von Trier en el drama marcado Dogville (2004). Mejor conocida por su trabajo dramático, Kidman también ha intentado en la comedia, protagonizando Las mujeres perfectas (2004) con Matthew Broderick y Bette Midler y Embrujada (2005) con Will Ferrell. También prestó su voz para la película animada alegres Happy Feet (2006). Asumiendo un papel más serio, Kidman interpretó a la legendaria fotógrafa Diane Arbus en Fur (2006). La película no atrajo mucho interés por parte de los aficionados al cine. La vida personal de Kidman, sin embargo, llamó mucho la atención ese año. Ella había estado saliendo con el cantante de country Keith Urban por algún tiempo cuando anunció que la pareja había comprometido en mayo de 2006 Se casaron en Sydney, Australia, el 25 de junio entre los invitados se encontraban otras estrellas de Australia, como Russell Crowe, Hugh Jackman y Naomi Watts. Unos meses después de su matrimonio, Kidman apoyó a su marido mientras él decidió entrar en un centro de rehabilitación para recibir tratamiento por sus problemas con el alcohol. La pareja parecía estar dedicada el uno al otro a lo largo de esta crisis y parecía salir de ella más fuerte que nunca. Dieron la bienvenida a su primer hijo, Sunday Rose Kidman Urban, en julio de 2008.

Kidman quedó embarazada durante el rodaje de su próximo papel importante en el cine. Al reunirse con el director Baz Luhrmann, protagonizó el drama épico Australia (2008), con Hugh Jackman. Kidman también apareció en la película de 2009 musical Nine -basado en el éxito de Broadway hit-con Daniel Day-Lewis, Kate Hudson, Penélope Cruz y Judi Dench. Kidman ha seguido para hacer frente a una interesante mezcla de proyectos cinematográficos. Ella co-protagonizó junto a Aaron Eckhart en el 2010 el drama independiente Rabbit Hole , que trajo a sus buenas críticas y una nominación al Oscar. Ese mismo año, Kidman y su marido dieron la bienvenida a su segunda hija, Faith Margaret. En 2012, Kidman causó sorpresa con sus escenas inusuales en The Paperboy con Zac Efron y John Cusack. Ella co-protagonizó junto a Clive Owen en la película para televisión Hemingway y Gellhorn ese mismo año. Kidman desempeñó el papel de la periodista Martha Gellhorn, la tercera esposa de Ernest Hemingway, en la película. Retratando otra famosa personalidad de la vida real, ella va a protagonizar en una próxima película sobre la vida de la actriz Grace Kelly.

REVISTA ZONA 7

NICOLE KIDMAN

Nacida el 20 de junio de 1967 en Honolulu, Hawai. Es considerada en Hollywood como una de las principales estrellas femeninas y mรกs bellas.

TOP 7

top 7

pelĂculas de nicole kidman

REVISTA ZONA 7

1. “eyes wide shut” 1999

2. “the hours” 2002

3. “dogville” 2003

4. “moulin rouge!” 2001

5. “fur” 2006

6. “the others” 2001

7. “the interpreter" 2005

ANIMACIÓN/ESPECIAL ZONA TERROR

MAKE OUT WITH VIOLENCE Hace unos cuántos años, un colectivo artístico, un grupo de amigos, se reunió con la intención de crear un largometraje. Ese proyecto vería la luz del sol hasta otro par de años después, el trabajo fue duro, el presupuesto se agotó un par de ocasiones y los creadores tuvieron que formar una banda para recaudar fondos. La película posteriormente sería llamada “make out with violence” o en español “Besarse con violencia”, un título algo acorde a lo que es la cinta, pero ya veremos. Carol y Patrick son un par de hermanos (gemelos para ser más específicos), que durante el verano se enfrentan a un par de situaciones que cualquiera vive, el amor, el desamor, el tedio, la desaparición de su amiga Wendy, revelaciones sobre las personas que los rodean, visitar a los amigos, la reaparición de Wendy como un cadáver con vida, encontrar la manera en la que Wendy pueda volver a la vida, ya se imaginarán. Pero ya veo a los lectores más escépticosde zona siete, ¿Una historia de amor con zombies?, paso de eso, vamos a darle una oportunidad, Patrick, renuente a la pérdida de Wendy, le ayudará a Carol, a encontrar la forma de acercarse a Addy, la chica de sus sueños, mientras cuida de Wendy e intenta pasar un poco más de tiempo junto a su hermano menor Beetle. La historia, se desenvuelve en dos ver-

tientes sumamente diferentes, la primera, que se centra en la pérdida de un ser, no siempre es fácil, como humanos nos es difícil lidiar con la muerte, somos ajenos a ella, la evitamos, ¿Hasta cuándo se le debe guardar luto a alguien? ¿Cómo se debe afrontar una pérdida? Si se tuviera la oportunidad de recuperar a un ser amado ¿Qué harías? La relación entre Patrick y Wendy es todo un desafío, una amistad maravillosa, un romance trunco, la oportunidad de existir juntos, o de caer en un espiral de decadencia, y bueno, por otro lado tenemos a Carol y a Addy ¿Qué espera Addy de la vida? ¿Qué quiere Addy? ¿Podrá Carol acercarse a ella?, antes de terminar el verano. La forma en la que las dos historias tan ajenas, pero a la vez tan relacionadas se desarrollan es magnífica, muestra la naturaleza del ser ¿El amor, es vida? ¿Amamos la existencia de alguien o lo que nos brinda? ¿Su presencia en nuestro universo, o su marca en nuestro ser? Con una fotografía muy cuidada, que logra capturar la esencia de los escenarios dónde se desarrollan los eventos, una simplicidad en los diálogos maravillosa (ojo a los análisis de Beetle, que son tan simples y brutales, como sólo un niño puede darlos). Y un soundtrack para recordar (The non commisioned officer ajua), la película deja un agradable sabor de boca. Puntos malos Pues no nos hagamos de la vista gorda, es una película muy juvenil, con una primicia muy original, pero que los puristas del género odiarán.

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La historia, se desenvuelve en dos vertientes sumamente diferentes, la primera, que se centra en la pĂŠrdida de un ser, no siempre es fĂĄcil, como humanos nos es difĂcil lidiar con la muerte, somos ajenos a ella, la evitamos.

ZONA TERROR

BIRTH

A VECES LA MUERTE

E S U N P U N TO Y SEGUIDO

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Glazer se toma su tiempo para desarrollar la historia, se pasea por la mente de Anna y muestra sin ningún efectismo las complicadas relaciones familiares de los protagonistas. Ambigua, fascinante, extraña y arriesgada película de Jonathan Glazer. Aunque el género de este film no pertenezca del todo al amplio cine de terror (es un thriller psicológico pero a la vez tiene una difícil catalogación), su trama y propuesta es tan perturbadora e interesante que merece unas líneas en Zona Terror. Anna (Nicole Kidman), después de diez años de tratar de superar la muerte de su esposo, decide casarse con Joseph (Danny Huston). Todo parece ir bien, hasta que en la fiesta de compromiso de ambos aparece un niño (Cameron Bright) que afirma ser su difunto esposo y que le aconseja que casarse con Joseph va a ser un error. La situación podría pasar por una broma de mal gusto por parte del niño para el espectador, y en sí también lo es para Anna (que no lo cree al principio), hasta que el niño comienza a demostrarle que conoce detalles demasiado precisos de aquella relación como para que todo sea una farsa. Desde ese momento, Anna pasa por situaciones donde su lado racional va desapareciendo poco a poco aunque su familia y futuro esposo traten de convencerla de que todo es una excéntrica mentira del niño. Glazer se toma su tiempo para desarrollar la historia, se pasea por la mente de Anna y muestra sin ningún efectismo las complicadas relaciones familiares de los protagonistas. Hay una apreciación estética visual que se hace notar, siendo sobre todo una clase excelente de narración, elegante, precisa y estimulante, que en muchos momentos hacen recordar al cine de Stanley Kubrick. Cabe destacar el creativo equipo que acompaña a Glazer.

Desde la coparticipación en el guión de Milo Addica (Monster’s Ball) y el gran Jean-Claude Carriére, hasta fotografía de Harris Savides con escenarios interiores con iluminación artificial y un cromatismo de verdes, crudos y blancos que crean una atmosfera fría que acompaña el sentido de la historia. La música y el sonido también juegan un papel importante durante todo el film. Desde ese plano larguísimo en el que seguimos al esposo de Anna trotando a lo largo de un parque cubierto de nieve, todo ello envuelto en una inspirada banda sonora de Alexandre Desplat. El reparto es más que importante, porque sin ellos Birth no se sostendría. Kidman retrata su papel de forma exacta y natural, destacando la expresividad en su cara (basta con ver ese espeluznante plano fijo en el concierto al que asisten Anna y su prometido Joseph poco después de planteado el dilema) y Cameron, ese niño de mirada adulta que consigue provocar toda esa tensión a su alrededor con su simple presencia, su tenacidad insobornable y su naturalidad desarmante. Una película relajada y contemplativa, que genera la necesidad de plantearse dilemas espirituales y morales importantes. Un thriller psicológico que explora en las fronteras de lo razonable, que con su atrayente estilo visual y sus acertadas interpretaciones, invita a los espectadores a sumergirse en una película onírica y provocativa, más dispuesta a abrir interrogantes con elegancia que a responderlos. Arriesgada propuesta que sale airosa por su magnífica dirección, prolongando la intriga más allá de su final. Película no recomendable para todo tipo de público ya que dejará a muchos insatisfechos e incluso decepcionados. Un film completamente a contracorriente de los cánones establecidos por Hollywood.

MÚSICA EN EL CINE

Gabriel Yared es el encargado de la banda sonora, también conocido por componer la famosa música de City of Angels, Otoño en Nueva York, El paciente inglés (con la cual ganó el premio Oscar a Mejor música original), entre otras. En esta ocasión la banda sonora estuvo nominada al Oscar, Globo de oro y los premios BAFTA el cual ganó. La distancia, el tiempo y más una guerra de por medio pueden ser capaz de cambiarnos. Esto se vive en esta historia de amor, la cual se ubica en la guerra civil norteamericana (1861-1865). Cold Mountain es una película dramática dirigida por Anthony Minghell en el año 2003, basada en la novela histórica escrita de Charles Frazier que lleva el mismo nombre. Inman (Jude Law), un soldado confederado, es herido en los últimos días de la guerra, lo cual le permite huir para regresar a su hogar en Cold Mountain, ante su desesperación de no ver a su prometida Ada (Nicole Kidman) por muchos años. Durante el viaje, tiene grandes problemas que dificultan su regreso y ponen en riesgo su vida. En cuanto a Ada, su estancia en Cold Mountain se ha vuelto un tanto sombría y más cuando tiene que sobrellevar la muerte de su padre y aprender a vivir como una mujer sola, para su suerte conoce a Ruby (Zellwegger), una mujer fuerte que le ayudará en su granja y en todas las labores. Cada uno se entrega a diferentes situaciones que llevan a un desenlace efusivo y tan más conmovedor, donde las promesas de amor no siempre se pueden cumplir. Ada, nuestro personaje principal, es una aficionada pianista criada para ser dama de compañía de alguna mujer adinerada, así que en algunas partes de la película podemos escuchar simples melodías para piano que constan de sencillos acordes y arpegios sin elementos virtuosos, como el cruce de manos y escalas a un tempo rápido. También vienen pocas partes instrumentales las cuales dan un pequeño tiempo de transición entre pieza y pieza. 26

Esta banda sonora es una compilación de canciones, la película comienza con la canción “Wayfaring Stranger”, un performance de Jack White con un acompañamiento de guitarra acústica, violín y algunos instrumentos del folclore tradicional del sitio lo que en conjunto suena muy campirano y nos introduce más en la historia de la montaña. También en reiteradas ocasiones podemos escuchar You will be my ain true love de Sting y Alison Krauss la cual estuvo nominada a los premios Oscar, Grammy y el Globo de Oro. Aquí un poco de la letra en su idioma original:

The field cut and bleeds to red, the cannon balls fly round my head, the infirmary man may count me dead, when I´ve gone to find my ain true love, I’ve gone to find my ain true love. Traducida al español:

Los campos están recortados y teñidos de sangre, los cañonazos vuelan sobre mi cabeza, el enfermero podría considerarme muerto, cuando he ido a encontrarme con mi amor verdadero, he ido a encontrarme con mi amor verdadero. La letra evoca cierto dramatismo que se vive en una situación como lo es una guerra, la espera de un amor, su regreso y demás subtemas que se pueden apreciar en la película. En general me parece una buena compilación, la selección de canciones fue muy adecuada, la letra tiene mucho que ver con la trama de manera que la elección de cada una tuvo que ser muy cuidadosa. Si desean adentrarse más en la banda sonora de esta inolvidable película de amor, la pueden encontrar completa en iTunes, y para una mejor percepción pueden ver la película completa disponible en DVD (además de éste contener un CD con todas las canciones presentes en el film).

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EL RETORNO DE UN

AMOR, EL RETORNO A

COLD

MOUNTAIN

ACTUALIDAD

festivales: Primero que todo queridos lectores, permítanme darles la bienvenida a esta nueva sección, en la que hablaremos sobre lo que ocurre actualmente en el mundo del séptimo arte. En esta ocasión el último mes tuvieron lugar dos de los festivales cinematográficos más importantes del cine internacional: el Festival de Venecia “La Mostra” y el Festival Internacional de cine de Toronto (TIFF). Nuestro recorrido inicia con “La Mostra”: es el festival de cine más antiguo del mundo, donde se entrega el “León de Oro” como mayor galardón; también se entregan el “León de Plata”, el premio del jurado y la “Copa Volpi” a los mejores actores del certamen. Este año fue inaugurado por lo nuevo de Alejandro González Iñárritu: “Birdman”, que fue elogiada por la crítica y se mantuvo como una de las favoritas en la competición. Otras grandes mencionadas fueron “Look of Silence”, “Red Amnesia” y “A Pidgeon Sat on a Branch Reflecting on Existence”. La italiana “Hungry Hearts” destacó por sus actuaciones, finalmente llevándose ambas Copas Volpi a casa. “Red Amnesia” del director Wrang Xiaoshuai presentó una de las propuestas más llamativas del certamen, narrando la historia de una mujer que tiene la capacidad de mantener conversaciones con su difunto esposo, sin embargo todo cambia cuando recibe una llamada que parece hacerle revivir un asunto que creía haber superado. Por otro lado Al Pacino, Viggo Mortensen y Willem Defoe recibieron buenas críticas por sus actuaciones en las películas “Manglehorn”, “Far From Men” y la biopic de Passolini respectivamente. El premio finalmente se lo llevaría a “Pidgeon Sat on a Branch Reflecting on Existence”. La cinta sueca es la tercera parte de la trilogía de Roy Anderson que habla sobre lo que implica ser un ser humano. 28

venecia y

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y toronto TIFF Ahora cambiando de latitud, nos dirigimos hacia Toronto. Este certamen tiene una particularidad: el premio no es nada más ni nada menos que conseguir el reconocimiento y aprobación de público asistente, muchas veces arrojando resultados sorpresivos. La primera cinta ovacionada fue “The theory of everything”, el biopic del fÍsico Stephen hawking protagonizado Eddie Redmayne y Felicity Jones ha logrado emocionar a los criticos del festival siendo una de las películas más esperadas a competir en la temporada de premios, donde debo destacar el reparto actoral que por lo visto en los trailers promete bastante. En cuanto a actuaciones la gran ganadora fue Julianne Moore, con el estreno de Still alice, que arrasó con las críticas y dejándola como gran favorita para el premio de la academia a mejor actriz delante de otras opcionadas como Jessica Chastain ("A most Violent Year)" y Reese Witherspoon ("Wild"), y con la cuota masculina vale la pena darle seguimiento a las actuaciones de Bill Murray ("St. Vincent") y Jack gyllenhaal ("Nightcrawler") y también las ya muy comentadas actuaciones de chaning tatum, Steve Carrel ("Foxcatcher") y JK Simmons ("Whiplash") El premio del público fue dado a "The Imitation Game". el biopic del matemático británico Alan Turing protagonizado por Benedict Cumberbatch y Keira Knightley, que no solo fue destacada por las actuaciones, sino también por la dirección y apartado técnico, sin embargo se vieron propuestas muy interesantes como “Phoenix” que narra la historia de una superviviente a los campos de concentración nazi que busca reencontrarse con su esposo luego de una reconstrucción facial, y “Nightcrawler” que sigue a un reportero algo desequilibrado que busca abrirse su sitio en el periodismo de criminalista; parecen ser lo mejor del festival. Ya con lo mostrado en estos festivales nos podemos ir dando una idea de que es lo que se viene en la temporada de premios, que no se ustedes pero me emociona bastante y no puedo esperar a ver algunas de estas cintas en cartelera. 29

ACTUALIDAD

recomendadas de los festivales

THE IMITATION GAME MORTEN TYLDUM

ST. VINCENT TEODORE MELFI 30

MANGLEHORN DAVID GORDON GREEN

WHIPLASH DAMIEN CHAZELLE

PASOLINI ABEL FERRARA

THEORY OF EVERYTHING JAMES MARSH

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BIRDMAN ALEJANDRO G. IÑÁRITU

A MOST VIOLENT YEAR J.C CHANDOR

FOXCATCHER BENNET MILLER

WILD JEAN-MARC VALÉE

MR. TURNER MIKE LEIGH

PHOENIX CHISTIAN PETZOLD 31

ACTUALIDAD

RELATOS

SALVAJES

Directamente desde Argentina, “Relatos Salvajes” es una serie de historias cortas llenas de cinismo, acercándose a la ira fácilmente engendrada por el mundo moderno y su estrés diario. La aglomeración de estas historias resulta gratificante y digna de ver, por el simple hecho de que es interesante ser espectador de los distintos niveles de decadencia humana expresados de una forma agradable, cruda y eficaz. La película, o conjunto de relatos propiamente dicho, comienza con una escena apertura extraordinaria, que es en sí misma un momento de antología. La consecuencia de las graves faltas que cometieron en un pasado los pasajeros de un avión y el sketch que juega con las coincidencias, a través de diálogos llenos de aspereza humana, dan lugar a que el público esté de acuerdo con una víctima que nunca termina de ver. Todo esto, empleado en un tiempo que aprovecha para ofrecer su buena cuota de humor negro, nos hace dar cuenta de que la estructura de los escenarios es sencilla; simplemente basándose en la posible y deseada revancha de todos los que han sufrido la traición, la humillación o la injusticia. Desde venganzas orquestadas a otras más espontáneas, siempre se deja en evidencia toda la pequeñez del ser humano y su sadismo reprimido que surge a través de un escenario de estrés. Si vamos al caso, todos hemos sido reprimidos por distintas situaciones y esa termina siendo la premisa de “Relatos Salvajes”. ¿Qué pasaría si, mientras se es víctima de la injusticia o la humillación, dejamos que nuestros instintos violentos tomen las riendas en el asunto? Las barreras legales y sociales podrían ser fácilmente cruzadas, colocando la paz social muy lejos.

Producida por Pedro Almodóvar, “Relatos Salvajes” le permite a sus personajes superar los límites de la razonabilidad y estallar con total impunidad. Es el caso de una camarera enfrentando a aquél que provocó el suicidio de su padre, dos conductores que se insultan entre sí (sin duda la escena más lograda de salvajismo extremo), un hombre cuyo vehículo fue retirado por una grúa, un marido cuya mujer fue atropellada por un conductor ebrio y una novia que se da cuenta en su boda que fue engañada. La película brilla y todavía se da el lujo de llevar en subtexto el hecho de que la violencia puede ser tanto moral como física. Su director, Damián Szifron, recalca en su película las consecuencias de la tendencia a actuar según el propio criterio y no de acuerdo al de los demás, de un individualismo extremo, arreglos fáciles con la moral, la desigualdad de la riqueza y la corrupción generalizada. Como conclusión, “Relatos Salvajes” es una comedia con toques de humor muy negro, que ofrece no sólo una triste parábola sobre el estado de la sociedad argentina, sino también una simpática esperanza en su final. Pecado sería no dar mención a Gustavo Santaolalla, hombre siempre tan profesional que supo cómo aumentar la tensión y desolación en esta gran obra del joven Szifron. Disfrutarla, simplemente eso.

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Damián Szifron, recalca en su película las consecuencias de la tendencia a actuar según el propio criterio y no de acuerdo al de los demás, de un individualismo extremo, arreglos fáciles con la moral, la desigualdad de la riqueza y la corrupción generalizada.

CINE ASIÁTICO/ORIENTAL

"kansen”. País: Japón año:2004 director: masayuki ochiai 34

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KANSEN Conocida también como “Infección”, “La Maldad” o “Infection” (en inglés); es una fascinante película de terror ¿sangrienta? con tintes psicológicos, donde la historia se desarrolla en un hospital que puede parecer común y corriente, pero que conforme la trama, cambia radicalmente su atmósfera absorbiéndonos en misterio y repulsión. La negligencia será el factor principal que promoverá el inicio de algo irracional y tenebroso, desarrollándose y volviéndose cada vez más grande. Como creo que sucede en todo hospital, seremos testigos de escenas donde quizás los enfermeros no son tan buenos, donde algunos doctores discuten sus problemas personales y ven a veces a los pacientes como números de camas y no como personas, donde se reprende o desprecia al personal médico novato y donde los problemas del propio hospital quizás sean culpables de todo lo malo que se desarrolla, ¿o no? La llegada de un paciente a urgencias lo cambiará todo, sumándole el misterio de otro paciente internado que aparentemente no tiene a nadie en su vida, pues nadie lo va a visitar. Pareciera que la realidad se mezcla con un sueño colectivo de mal gusto que poco a poco parecerá convertirse en una pesadilla desgastante, donde florecerán más algunas rencillas de algunos y donde la locura llegará a imponerse en todos. Durante la trama se discuten ciertos procesos mentales; poniéndose como ejemplo el color rojo donde argumentaban

que los colores y casi todo lo que vemos es producto de nuestro cerebro. Esto es clave para que te prepares y al final saques conclusiones. Como decía, la llegada al hospital de un enfermo en apariencia muy grave lo cambia todo, y más porque no lo podían atender ya que el hospital estaba en crisis económica. Jamás podemos ver al dichoso personaje pero al menos yo me lo imaginé sumamente repulsivo y macabro. La actitud de los personajes va cambiando, entrando en locura, ligando sus aberrantes y dementes actitudes con su propia actitud y personalidad, para que al final acaben cometiendo grandes atrocidades. Los personajes se verán en aprietos debido al otro misterioso interno del cual ya hice mención ya que al necesitar atención urgente algo sale mal pero ¿negligencia, accidente o incidencia? Ahora hablemos solo un poco de los personajes. Las enfermeras; una de ellas es novata y de actitud pasiva, siempre se le dificulta realizar algunas actividades, mientras es atacada constantemente e incluso humillada por otra enfermera, de un carácter hostil y prepotente. La jefa enfermera; de un carácter rudo y que pareciera que esta amargada por su trabajo en el hospital. Doctor Akai; misterioso médico que al parecer está interesado en llevar un proyecto arriesgando a los demás, este personaje es clave en la trama. Su objetivo hace que no sea un personaje digno de confianza. Doctor Akiba; Uno de los doctores que sufrirá más tensión durante el filme. Tendrá temor de sobrellevar algunas responsabilidades que en el recaerán y no le será nada fácil librarse de ellas. Como es típico de muchas películas japonesas, no queda muy en claro lo que en verdad sucedió o el final, ya que por ejemplo jamás te aclaran en la película si lo que sucede es por algo sobrenatural o por la mentalidad de los personajes, pero no significa que sea una mala película, por el contrario, me parece muy bien desarrollada y nunca pierde esa esencia misteriosa y macabra. El final me parece exquisito, dejándome esa sensación de querer ver que más pasa, imaginándome lo que quizás prosigue en la historia. No me queda más que como siempre invitarte a que la veas y disfrutes, que te adentres en la historia y ¿por qué no?, que te imagines tú en esa situación. También a que saques tus conclusiones, y más por supuesto, si eres amante del cine oriental o nipón. 35

CINE ASIÁTICO/ORIENTAL ANIMACIÓN Pero ¿por qué decidí hablar específicamente de Sailor Moon? Pues bien, este tiraje Al desafiar las leyes de la física estando apegada a la realidad, la será un especial infantil, y conmemorando el 22 aniversario de Sailor Moon quisiera que temática es simplemente aquellos juntos recordáramos uno de los fascinante, mejores animesodeallamenos historiapara por medio de susatres películas son todas un clásico en laalgo animación japonesa. quienesquelesahora gustaría experimentar distinto de la vida cotidiana, de lo aburrido que es el tener rutinas monótonas. ¿Qué harías si tuvieras la habilidad de retroceder en el tiempo (sin que exista ningún “yo del pasado” tuyo con el cual encontrarte) para corregir cualquier error que hayás cometido o prolongar alguna experiencia agradable que hayás tenido, y todo con un simple salto? Esa es la pregunta que me hizo plantearme esta película mientras la veía, y su nombre es Toki wo kakeru shōjo (La chica que saltaba a través del tiempo). Del año 2006 y con 98 minutos de duración, esta peli de anime pertenece al género ciencia ficción y romance, fue producida por Madhouse y dirigida por Mamoru Hosoda, quien también nos trajo otras obras disfrutables como Summer Wars (2009) y Wolf Children (2012). Makoto Konno es una estudiante de secundaria común y corriente que disfruta su tiempo libre jugando béisbol con sus amigos, Kousuke y Chiaki. Todo cambia cuando, un día, Makoto husmea por el laboratorio de química y cae un objeto en forma de nuez; esto no le afecta (o al menos eso cree ella), así que continúa con su rutina. Más tarde, de regreso a casa en su bicicleta, nuestra protagonista pierde el control de la misma y cae en picada por un camino inclinado que termina justo en las vías del tren; y no son vías vacías, pues un tren se acerca a toda velocidad, chocando así con ella y…¿acabando con su vida? 36

Resulta que justo en ese momento, Makoto es transportada minutos antes de que sucediese el accidente, esto la hace percatarse de que puede viajar al pasado. Luego, ese mismo día, aparece un número en su brazo, indicando el número restante de veces que puede usar su recién adquirida habilidad. De ahí en adelante, ella retrocede al pasado cuando se le da la gana (ya sea para repetir su plato de comida favorito o para cantar en un karaoke con sus amigos sin límite de tiempo), pero al no entender el significado de ese número, usa su habilidad para su propio beneficio sin prever futuras consecuencias. ¡Hey, hey, hey!, ¡¿Y dónde está la parte del romance?! Bueno, pues Chiaki está enamorado de Makoto, y se lo confiesa en el curso de una conversación, pero ella no se lo esperaba y decide retroceder para cambiar el tema de la charla y así él no se le declare, hasta que sucede lo mismo, y vuelve al pasado otra vez, y de nuevo se le confiesa, y luego una vez más, y otra y otra…En fin, el punto es que ella se rinde y decide alejarse de Chiaki, pero conforme pasa el tiempo, termina enamorándose de él, y los papeles más o menos se invierten. No quiero dar más detalles de la trama, pero el desarrollo de esta película es espléndido. Al desafiar las leyes de la física estando apegada a la realidad, la temática es simplemente fascinante, o al menos para aquellos a quienes les gustaría experimentar algo distinto de la vida cotidiana, de lo aburrido

que es el tener rutinas monótonas. Sin embargo, el hecho de que haya un par de cifras que limitan la capacidad de hacer lo de la pregunta del primer párrafo es…¡rayos, qué desilusión! Aun así, da bastante qué pensar, ¿no te gustaría, por ejemplo, retroceder minutos antes de tu último examen fallido para darlo de nuevo pero ya sabiendo las respuestas correctas? Suena muy travieso y nerd, pero, ¡apuesto a que lo harías si pudieras! El estilo de animación de esta obra puede parecer poco atractivo a simple vista, no obstante, destacan las líneas finas en los contornos de los personajes, y es un estilo apto para su época (¡qué tiempos!, el mundial de Alemania 2006, el lanzamiento de la consola Wii, la ejecución de Saddam Hussein…). Además, el mismo año en que se estrenó ganó el premio de mejor película de animación en el Festival de Sitges. La chica que saltaba a través del tiempo debe su título precisamente a que Makoto salta para viajar al pasado (y siempre termina aterrizando de maneras incómodas), todo con un impulso que se da, ya sea corriendo hacia una ventana o un río. Si algún domingo por la tarde no tenés nada que hacer, ¡vela! Te vas a relajar bastante, te lo garantizo.

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LA CHICA QUE SALTABA A TRAVES

DEL TIEMPO

EXTRAS/RESEÑA

El Moderno

Sherlock Holmes En 1924, Buster Keaton rodaría Shelock, Jr, una película muda llena de situaciones ingeniosas y absurdas que se suceden una tras otra en medio de lo que podríamos llamar “una bonita alucinación”. Definitivamente estamos frente a una película ágil, entretenida y completamente disfrutable, incluso para esos espectadores tan reacios al cine de antaño. Buster trabaja como un proyeccionista en una sala de cine y en su tiempo libre estudia para convertirse en un gran detective, además corteja a una bella joven (Kathryn McGuire), y aunque esta no solo tiene a Buster como único pretendiente, nuestro protagonista hace lo posible por dar la talla. La imaginación de Buster se dispara cuando es acusado de un robo que no cometió, frustrado por la vergüenza e influenciado por la película que no debe olvidar proyectar, comienza a imaginar un mundo paralelo en el que él es un detective cuajado, ingenioso y presto para resolver cualquier problema. Es así que la película se desarrolla en este paralelo imaginario, donde Keaton demuestra una vez más que el sobrenombre de “cara de piedra” no es gratuito (pues

la poca expresividad facial que suele dotar a sus personajes es una característica básica de su cine). Y aunque físicamente “cara de de palo” está completo y en buena forma, no hay mejor antítesis que verlo correr, saltar y moverse de forma ágil, mientras su rostro se mantiene inmutable, incluso antes las situaciones más adversas. Podría describir varias escenas clave de la película, pero espero haber hecho bien mi tarea y que aquel que leyó hasta aquí, se sienta curioso de echar un vistazo a la filmografía de este gran director del cine mudo. Y si el lector ya paso por este charco, seria bueno darse otro remojón. Finalmente, creo que Buster Keaton puede ser uno de esos genios olvidados a los que la historia simplemente no premio con la fama mundial, ni con el reconocimiento inmediato asociado a su obra. Y no es que sus películas no estuvieran a la altura de los grandes clásicos del cine, pero quizás el personaje cómico y emblemático del cine mudo, con películas llenas de gags, envuelto en situaciones hilarantes y enseñanzas camufladas en risas ya estaba destinado a otra celebridad, pues, ¿quién no recuerda el nombre del director, actor y guionista de The Great Dictator de 1940?

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frases de pelíicula

“Amo actuar, pero no me gustan todas las demás cosas que están relacionadas con la actuación, la prensa, el interés en las celebridades, la poca privacidad...”. 39

EXTRAS/ RESEÑA

kidman:

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antes y después de cruise

Por Cristóbal Jiménez

La reconocible chica de larga melena nacida en Honolulú, pero afincada en Australia, país cantera de actores y actrices de renombre tales como Mel Gibson, Hugh Jackman, Heath Legder y de su amiga Naomi Watts, vio nacer a Nicole Kidman en el cine a partir de “Los Bicivoladores” (1983), después de haber trabajado para la televisión, medio al que volvería hasta conseguirse un nombre artístico lo suficientemente trascendente para ser fichada por Philip Noyce para la inquietante y provocadora de ansiedades marinas “Calma Total” (1989). Al parecer a Tom Cruise le llamó tanto la atención la belleza y la calidad de la actriz en el film de Noyce, cuidada por Sam Neill y atosigada por Billy Zane, que no perdió el tiempo en buscarla y contactar con ella como fuera, para que protagonizara con él el film de carreras de automóviles “Días del Trueno” (1990), que fue el debut imparable en Hollywood de una actriz que daría belleza a las películas que protagonizaría al principio y más tarde además llegaría el talento y el reconocimiento. Tras “Mi Vida” (1993) drama junto a Michael Keaton y “Malicia”, tramposo thriller de Harold Becker del mismo año, en la que coincidió con Alec Baldwin, Bill Pullman, Anne Bancroft, Gwyneth Paltrow y George C. Scott, llegaría la oportunidad de la hermosura de las antípodas para demostrar su talento.

1995 sería un año magnífico para la actriz. ”Todo por un sueño” del director Gus Van Sant hizo que la intérprete fuera galardonada con el Globo de Oro a la mejor actriz, además de conseguir el elogio de la crítica y el respaldo del público y la taquilla al convertirse en 'la chica Batman' en “Batman Forever”. Tras el film de época de Jane Campion “Retrato de una dama” (1996), la ya esposa hacía 6 años de la superestrella Tom Cruise tuvo el honor de ser junto a George Clooney la encargada de estrenar la productora Dreamworks en el film de acción y espionaje “El Pacificador” (1997). No todo iba a ser reconocimiento, fama y películas taquilleras; la pelirroja australiana pudo “desmelenarse” a gusto divirtiéndose con sus compañeras de reparto Sandra Bullock, Diane West y Stockard Channing siendo una bruja desinhibida y pícara en el film “Prácticamente Magia” (1998) en el que se cuenta que incluso se rodaron escenas con todas las actrices completamente borrachas. Hasta que Stanley Kubrick entró en su vida...Con “Eyes Wide Shut” (1999) la artista tuvo la ocasión de trabajar de nuevo con su esposo (tras “Un Horizonte muy lejano” (1992) de Ron Howard) película que significo la lápida tanto para la vida y obra de Kubrick como para el afamado matrimonio con Cruise tras 11 años de relación.

“2001” (título emblemático del director) fue el año del divorcio de una de las parejas más famosas de Hollywood. A partir de aquí llegó el trampolín para la Kidman que encadenó una lista de exitazos tales como: El resurgir del musical “Moulin Rouge” (2001) y el film de terror español “Los Otros” (2001) consiguiendo con las dos una notoriedad enorme de crítica y público El reconocimiento de Hollywood con el perseguido oscar, llegaría de la mano del film “Las Horas” (2002), con una Kidman pegada a una enorme nariz postiza encarnando a Virginia Woolf, que ya se había metido en el bolsillo a la meca del cine. Directores de la altura de Lars Von Trier (Dogville), Anthony Minghela (Cold Mountain), Sydney Pollack (La intérprete) y Rob Marshall (Nine), han mantenido la estela de una estrella deslumbrante tanto por su distinguida presencia como por su talento. Lástima que el bótox y una serie de fracasos comerciales hayan perjudicado a una actriz que todavía tiene tiempo, ganas y aura para continuar cosechando los éxitos que de seguro llegarán. “El chico del periódico” (2012) y “Grace de Mónaco” (2014) son la arena y la cal con la que la ex del seguidor de la cienciología puede atestiguar en los últimos tiempos que existe un “antes y un después” de Cruise.

ARCHIVO 7

ALICE GUY BLANCHÉ

(París 1873, New Jersey 1968)

“Pensé que podía hacerlo mejor… Revistiéndome de valentía, propuse tímidamente al Sr. Gaumont que pensaba en escribir una o dos historias cortas para que mis amigos se divirtieran. Si el Sr. Gaumont hubiera podido ver entonces lo que pasó con mi tímida propuesta, probablemente yo nunca hubiera obtenido el sí afirmativo. Mi juventud, la falta de experiencia, mi sexo, todo conspiraba en mi contra”…

por cesar quintana Estas eran las palabras de Alice Guy Blanché. (León Gaumont fue vendedor de instrumentos fotográficos y perfeccionó el aparato de los hermanos Lumière. Produjo películas y se dedicó también a su distribución, aparte de incursionar en el sector periodístico, por medio de “Gaumont Actualités”, donde Alice fue su secretaria por algún tiempo) Alice Guy Blanché fue considerada la fundadora del cine narrativo cultural y la primera persona que dirigió una película en la historia del cine. Llegó a competir con Hollywood, como productora y directora independiente y se adelantó a sus contemporáneos y a su tiempo. Fue la primera en usar grabaciones con un gramófono al mismo tiempo que las imágenes y la productora de una de las primeras películas a color; también fue la primera en utilizar efectos especiales, usar la doble exposición del negativo, las técnicas 42

de retoque, la cámara lenta y rápida, y el movimiento hacia atrás. Fue la primera persona que dirigió una película en la que todos los protagonistas eran negros, en 1912, “Un tonto y su dinero”. Jugó un papel clave en la producción de las primeras películas sonoras, aspecto de su carrera casi siempre ignorado. Fue propietaria y directora de su propio estudio de cine. Dirigió, produjo y supervisó más de 600 películas. Hoy en día sabemos que el Estudio que Alice Guy fundó fue el primero en la historia del cine y que sólo entre Octubre de 1910 y Junio de 1914, Solax produjo 325 películas, que tocaban todos los géneros fílmicos, desde cuentos de hadas hasta parábolas religiosas, comedias románticas o películas policíacas. Entre sus películas se encuentran: “Barricadas”, “La dama tiene antojos”, “Nacimiento, vida y muerte de Cristo”. } Su primera película narrativa es “La Fee aux Choux” (El hada de los repollos) creada unas semanas antes del ingreso a la realización cinematográfica del genial Georges Méliès. Historiadores han afirmado que Alice no quería hacer historias que tocaran temas feministas; ella misma contribuyó a esta leyenda, ya que negó su visión “femenina”. Pero en verdad, sus películas tocan temas donde la mujer es protagonista de su propio destino. Según afirmaciones de Louise Heck Rabi, autora de “Women Filmmakers: A Critical Reception”, ella ya se esperaba el no ser reconocida: “Ella se anticipó y dijo que los créditos de la dirección y la producción de sus películas serían falsamente asignados a alguno de sus colaboradores. Ella sabía desde el principio que su nombre, intencionada o inintencionadamente sería omitido, ignorado o degradado en la historia del cine francés y americano”.

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“Las mujeres son una autoridad en el campo de las emociones”. En una entrevista con Georges Sadoul, historiador francés de cine, en su obra “Histoire Générale du Cinema”, él le preguntó sobre su película “Les Mefaits d'une Tet de Veau” , de Ferdinand Zecca, y ella dijo que era un honor que se le atribuyera esa película, pero que esa era una de las pocas películas de Gaumont que ella no había dirigido. En ese periodo Alice Guy había dirigido importantes películas como “La vida y muerte de Cristo”, 1906, pero los créditos de esta película se los dio el mismo historiador y crítico G. Sadoul a Victorin Jasset, el asistente de Alice en esta película. En 1919, Hollywood había crecido y le fue imposible sobrevivir como estudio independiente. “Solax” y las dos compañías que creó después se derrumbaron al mismo tiempo que se derrumbó su matrimonio. Volvió a Francia sola con sus hijos. En 1927, volvió a EEUU para buscar sus películas y ofrecerlas al público francés, pero en una visita a la biblioteca del congreso y a varios almacenes de la ciudad, le reveló que no existía ninguna copia de sus películas. Sólo a sus 78 años, la Cinemateca francesa reconoció su aportación a la industria cinematográfica dándole el honor de ser, irónicamente, “Caballero de la Legión de Honor” por haber sido la primera mujer directora en el mundo, no el primer director en el mundo. Hasta hoy, sigue siendo la única mujer que ha dirigido su propio estudio cinematográfico. Sin embargo, su papel en la historia del cine ha sido completamente ignorado y olvidado.

EXTRAS/RESEÑA

LA PESADILLA AMERICANA por Daniel Mosquera

Siempre y de una u otra manera el cine de los Estados Unidos nos ha tratado de mostrar, un país perfecto, un lugar donde los sueños se hacen realidad, donde vive “gente bien”, donde se forman familias modelos, en donde las chicas son lindas y en donde ser popular es un requisito indiscutible para tener éxito, tal vez me creas exagerados, pero la mayoría de películas de ese país tiene fin y muestra lo bonito de un país casi perfecto. Sin embargo hay excepciones y hoy quiero hablar de dos películas que muestran lo contrario, un país moralmente destruido, en donde ser popular no es necesario para vivir, un lugar donde nadie (al menos en su sano juicio) quiere vivir; un lugar de pesadillas, lleno de personajes horripilantes, esas películas son Pink Flamingos (John Waters, 1972) y Gummo (Harmony Korine, 1997). Ambas películas se caracterizan por mostrar la pesa44

dilla americana, ambas son críticas hacia una sociedad superficial, en ambas se muestra que EE.UU. no es el paraíso que sus colegas nos quieren mostrar. Mientras que en Pink Flamingos hay una “competencia” por ser la más guarra, que es una contraposición de otras películas en donde las chicas compiten en ser la más popular y cool, en Gummo se nos muestra un poblado que ha sido destruido por un tornado que no solo arrasó con sus viviendas, sino también con su alma y ganas de vivir; en otros filmes vemos el deseo de superación y de no rendirse antes los problemas de la vida. En las dos películas hay personajes macabros y bizarros, lejos de los cánones de belleza de Hollywood, así como distantes y distintos de los estándares de del americano promedio, ya que no llevan un comportamiento ejemplar y en definitiva no son modelos a seguir. En sí estas son dos películas que muestran lo feo de los Estados Unidos, una sociedad sin escrúpulos y sin moral, dos obras de artes hechas de basura, dos películas que marcaron sus generaciones, que no obstante pasaron desapercibidas y ahora son consideradas de culto. Eso sí, si no han visto ninguna de las dos les contaré que no son apta para todos, literalmente hay que tener estómago para verlas.

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¿sabías que...? Nicole tuvo una infancia llena de complejos, incluso hoy en día no soporta que la miren fijamente a los ojos

crédi t Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:

José Bueno/aarón mariscal/

raul flores creACIÓN DE CONTENIDO:

césar quintana

/altair vasquez Artículos: 7+1: algo mas que cine :altair

Vásquez Desde Adentro: Leonardo Mancilla top 7: Victor hugo morales mondragón Zona Terror: David Gomez/evelyn perea música en el cine: Claudia Jimenez animación: aarón mariscal cine asiático/oriental: andrés H. romero Diseño: Katerin Dueñas.

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