Edicion 14 corregida

revista

DESDE ADENTRO/ flujo de trabajo: un rodaje organizado

OJO SERIÉFILO/ series que marcaron el 2014

ENERO 2015 / ED. 14

EDITORIAL

escribiendo una nueva historia la información que logra alcanzar la altura necesaria para ser vista, debe pasar por un filtro totalmente convenenciero

¡Adiós 2014! el libro se ha cerrado, el tiempo se acabó. Lo que hicimos o no en él ya no tiene corrección, quedará plasmado en sus páginas para siempre. ¿Y ahora qué sigue?

La nueva tarea consta de 365 páginas, las cuales deberán ser llenas con una historia cargada de aventuras, de sueños cumplidos, de amores o des amores, de amistad, trabajo, sonrisas, lagrimas...

No podía desaprovechar la oportunidad de un nuevo año para dirigir ésta editorial hacia las nuevas historias, esos sueños que dejaste atrás, los proyectos inconclusos, las personas olvidadas. Todas ésas cosas que una vez iniciaste y que te seguirán para el resto de tu vida si no les das una conclusión. Un nuevo año representa la oportunidad perfecta para retomar aquello que nos hace feliz y comenzar a llenar cada día, cada página, con todo el cuidado que merecen. Los minutos son fracciones de la vida del hombre que se van y no vuelven jamás y por éso debemos aprovecharlos sabiamente.

Hemos decidido comenzar el año en nuestra revista con uno de los directores más coloridos que nuestra época tiene la dicha de poseer y que nos recuerda lo hermoso que puede ser cada plano si lo cuidamos bien. Al lado de Wes Anderson todo el equipo de Zona7 decimos: ¡Bienvenido 2015! Te recibimos con brazos abiertos.

Eileen Gamboa Navarro Directora editorial www.revistazona7.com www.eileengamboa.jimdo.com

CONTENIDO 7+1: ALGO MÁS QUE CINE/ el gran hotel budaoest 6 DESDE ADENTRO/ flujo de trabajo: un rodaje organizado 8 BIO 7/ wes ANDERSON 16 ZONA TERROR/ quien puede matar a un niño? 22

TOP 7/ WES ANDERSON 20

EXTRAS 4 MESES, 3 SEMANAS Y 2 DIAS juan of the dead MATAR A UN HOMBRE "LOLA " Y UN POCO DE CINE MEXICANO análisis: hotel budapest back to the future

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CINE ASIÁTICO/ORIENTAL BAD GIRLS 24 OJO SERIÉFILO/ SERIES QUE MARCARON EL 2014 32

sobre nosotros Somos una revista mensual, que tiene como fin exclusivo, la difusión de información útil y práctica sobre el cine, dirigida especialmente a ésas personas amantes del séptimo arte con deseo de aprender más, de una manera práctica y de fácil comprensión.

Aprovechando las plataformas web y las redes sociales traemos hasta usted una revista gratuita y de fácil acceso, sin dejar de lado la excelencia en cada detalle.

Nuestro equipo cuenta con personas de diferentes paises de Latinoamérica, entre ellos Perú, Colombia, México, Bolivia, Guatemala, Costa Rica, Argentina y Uruguay.

Bienvenido a nuestra zona, la zona del séptimo arte

7+1: ALGO MAS QUE CINE

el gran

buda ¿Por qué quieres ser botones? me puse a pensar mucho, medite esa pregunta y creó que la respuesta fue¿quién no quisiera serlo?, digo es el Gran Hotel Budapest– creo que lo pensaré muy bien e iré a explorar el Hotel, puedo dejar el trabajo por un tiempo en Zona 7, pero pensando en la jefa *traga saliva*.

Y cito como botones…

“Y así comenzó mi vida. Botones de entrenamiento, bajo las estrictas órdenes de Monsieur Gustave H. Muchos de los clientes más distinguidos del hotel venían por él. Me convertí en su alumno, y habría de convertirse en mi consejero y guardián…”

La película nos cuenta las aventuras de Gustave H (Ralph Fiennes), y las de Zero Moustafa (Tony Revolori), el botones y aprendiz, el cual se convierte en el amigo en el que más confía y en su protegido. Mencionaré que nos vemos envueltos en el asesinato de Madame D. –no te digo nada fuera del otro mundo o te arruino la cinta- y de ahí en adelante es una serie de actos, sucesos y secuencias que te encantarán o extrañarán, pues así es Anderson.

Podemos encontrar a Anderson en diversos géneros: drama-comedia, comedia, crimen y demás. ¿Te habías dado cuenta que Wes tiene algo en particular en sus cintas?. ¡No!, ¿no te has dado cuenta? Lo que tiene en particular en sus cintas es insertar 6

escenas de vehículos en primera persona, ya sea trenes, automóviles, barcos, helicópteros, submarinos etc., lo cual hace fácil identificar un film de él.

Te reto, encuentra en “El Gran Hotel Budapest” ese inserto.

Anderson nos regala una película demasiado estética y que a su vez sin darnos cuenta colapsa, pero también sin darnos cuenta se recupera –ya sea diálogo o acciónhay algo clave en la película que por sí sola se rescata.

–Te pregunto cinéfilo, ¿qué crees que sea, el guión/ historia, actores?- la película da buena marcha con algunos gag´s que no son forzados, la estética –como ya había mencionado-, pero puede ser que para algunos esta cinta no sea la mejor de Anderson y sea burda y caiga en cliché. Pero, ¿qué creen?, por sí sola esta cinta me calla la boca, ya que hay cambios los cuales no notamos a simple vista –hasta darle una segunda checaday se lleva un buen rato de entretenimiento, de nuestra atención y criticar a gusto esta película “muy colorida” y con humor único, soy un cómplice de Gustave H y “Lobby Boy”.

Y si no has visto esta película o te la han recomendado, no pierdas el tiempo en buscar criticas –esto no lo tomes como crítica, más bien comparto mi opinión de cómo fue mi experiencia al ir a EL GRAN HOTEL BUDAPEST- es quizás una película que minuto a minuto se va embelleciendo desde la fotografía, hasta los actores y claro, muchos más colores –no necesitas estar drogado para verla- entonces, estas vacaciones, ¿irás a El Gran Hotel Budapest?

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n hotel

apest

por eduardo vázquez

Antes que nada, debo de mencionarte que esta película de Wes Anderson, escrita y dirigida por él mismo, cuenta con un grandioso y variado reparto y estelarizada por Ralph Fiennes, proviene de escritos de Stefan Zweig, un escritor, biógrafo y activista social austríaco (pero, eso es tema para otra ocasión).

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DESDE ADENTRO

Cada que un espectador mira una de sus películas favoritas, se interna en un universo mágico construido a partir de los sueños y los deseos. Se interna en una narración visual que contempla lo más complejo y maravilloso de la imaginación humana. Pocos de estos espectadores maravillados por los deleites visuales a lo que llama “películas” se imaginan lo complicado que es realizarlas, darles forma y completar un trabajo tan laborioso y complejo. La reunión de todas las demás labores artísticas es también una industria, ya que el cine es una de las pocas artes que necesita de un trabajo colaborativo de un equipo que va desde quince (en algunas películas independientes y cortometrajes) hasta dos mil (en películas de gran industria) personas en set. Por más que se conciba como un trabajo artístico, se construye mediante unas estructuras de trabajo consolidadas desde el cine de industria, a esas estructuras de trabajo se les conoce como “flujos de trabajo”. Los cuales dependen del buen seguimiento de los cronogramas estipulados en pre-producción y de la correcta organización del equipo de trabajo. Cada uno de los departamentos tiene un trabajo tan laborioso que sin esta estructura organizacional el rodaje se vendría abajo y sería un completo desastre. A continuación exploraremos el flujo de trabajo en el departamento de fotografía y los “protocolos de cámara”, ya que es uno de los departamentos con más personas laborando en set durante rodaje (junto con el departamento de arte) y su flujo de trabajo es el más laborioso. Para cuando exploremos otros departamentos concretaremos de la misma forma cómo se maneja el flujo de trabajo en cada uno. Y para cuando exploremos el departamento de dirección y hagamos énfasis en la asistencia de dirección, analizaremos cómo es toda la organización en el set durante el rodaje, desde órdenes hasta la organización del trabajo.

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flujo de trabajo:

un rodaje organizado “Flujo de trabajo general del departamento de fotografía” Director de fotografía: Como ya hemos explicado anteriormente, quien ordena en el departamento de fotografía y organiza el flujo de trabajo es “El director de fotografía”. Recordando sus labores principales: Es quien diseña la imagen de la película junto con el director y el director de arte; esta labor va desde los valores de planos hasta lo emplazamientos y números de planos. Crea una propuesta de texturas, colores y luz; hace el diseño de iluminación de planos; concreta la composición de los planos; y además, es el director de los aspectos técnicos de la película y toma decisiones en cuanto a óptica, aspecto de la imagen y uso de equipos técnicos. El director de fotografía es quien organiza a el departamento de fotografía y determina quienes laboran en él.

Camarógrafo: La persona en la que recae una de las mayores responsabilidades de la creación de una película es “el camarógrafo”, este personaje es un experto en la manipulación de la cámara con la que se rueda la película. Siendo “la cámara” el elemento principal para construir la película, tanto el director de la película como el director de fotografía durante sus reuniones en pre-producción determinan que cámara usaran para rodar la película. Tal como un pintor escoge sus pinceles, o un escultor sus cinceles, estos cineastas entran en una investigación por saber qué cámara en el mercado funciona mejor para narrar su película ya que no todas las cámaras son iguales. Esta decisión comienza resolviendo si es mejor rodarla en “digital o el análogo”; detrás de esa decisión existe un gran debate hoy en día entre quienes defienden el digital y aseguran que ya alcanzó la sensibilidad del análogo y quienes están en contra de ello y defienden al análogo por encima del digital (y aseguran que este no ha logrado la

sensibilidad y profesionalismo del análogo). Este debate continuará por años. Independientemente de ello, en la toma de esta decisión entra un tercer personaje: el productor, quien determina si los altos costos del análogo le vendrían bien a la producción. Si se pueden dar ese gran gusto por costos (cosa que hoy día casi no sucede en producciones independientes por los altos costos del análogo) entonces es producción quien compra las latas de película análoga y quien determinará con cuantas horas de metraje cuenta el departamento de fotografía y el directo, si la decisión es rodar en digital, producción comprará la cámara que determinó director de foto y dirección (ya sea una Red One por su funcionalidad al resaltar texturas, una Arri Alexa por su complejidad en la captura de luz y color o una Sony F65 por su capacidad para guardar información de contrastes y luminosidad, o cualquier otra cámara de cine digital) .

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DESDE ADENTRO En la mayoría de las producciones independientes en las que se decide rodar en digital se toma la decisión de alquilar la cámara, ya que esto bajaría los costos de producción. Las producciones de industria se dan el placer de comprar cámaras nuevas y usarlas para sus próximas películas ya que al ser de industria genera una gran cantidad de películas en poco tiempo y resulta más económico comprar cámaras. Para ambos casos, el departamento de fotografía está en la libertad de decidir si se contrata a un camarógrafo, quien es un experto en el uso y manipulación de la cámara escogida, se aprende todos los planos y emplazamientos y hace todo lo que el director de fotografía le indica en set, o se decide (como sucede mucho en el cine de autor) que es el director de fotografía y el director (en algunos planos en los que él decida ponerse en la manipulación de la cámara, cosa que actualmente casi nunca pasa) quienes realicen las labores de camarógrafo. Esto nunca sucede en televisión ni en películas de industria donde incluso de suele grabar a dos o más cámaras, en las que cada una tiene su propio camarógrafo y equipo de cámara y existe para ello un flujo de trabajo de cámara que más adelante exploraremos.

La labor del camarógrafo no es tan libre como se suele creer, está totalmente condicionada por un “Protocolo de cámara”. Independientemente de que la cámara sea comprada o sea alquilada, tanto la productora como la firma de alquiler tiene medidas protocolarias para proteger estos productos, los cuales son bastantes sensibles y en las manos equivocadas se dañarían con facilidad, lo cual conllevaría a grandes pérdidas (el valor promedio de una cámara de cine digital es de cien mil dólares). Por esta razón tanto productoras de gran industria como firmas de alquiler de equipos cinematográficos han construido protocolos de cámara, con lo cual condicionan quien puede tocar la cámara. Solo la pueden manipular personas que ha aprobado un curso de capacitación, con total conocimiento de cada una de sus partes y con conocimiento fotográfico. No la puede manipular sin tener a un equipo de asistentes al lado suyo en todo momento y la manera como es trasportada, instalada (y en que mecanismo se va a instalar, sea en grúa, trípode, Dolly, Steady-cam o en el hombro del operador o camarógrafo) , encendida, manipulada, operada, desinstalada, empacada y desempacada sigue una serie de acciones determinadas como la postura del cuerpo al momento de realizar estas funciones, las ordenes que se dan y las indicaciones que son dadas. Además de que son trabajo exclusivo de los asistentes de cámara y que existen otras acciones para entregar cámara a camarógrafo. En fin, es un procedimiento que hace ordenado el trabajo con una cámara de cine, ahorra tiempos y alarga la vida de la cámara.

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Primer asistente de cámara Por cuestiones de “protocolo de cámara”, la única persona capacitada para el manejo de la cámara además de director de fotografía y el (los) camarógrafo (s) y quien ordena las labores de instalación, manipulación y empaque de la cámara y sus partes es el primer asistente de cámara. Esta persona es contratada por los productores de la película y no por el departamento de fotografía; puede ser suministrada por la productora (en caso de una producción de gran industria) y su contrato es directo con la productora y no con la producción de la película, o por la firma de alquiler de equipo de cine, quien no alquila uno de sus equipos de cámara sin que este vaya acompañado por el equipo de asistentes (en este caso quien paga el sueldo es la producción, pero el contrato es hecho con la firma).

Entre sus otras funciones está la de siempre estar junto a la cámara, es el total encargado de ella y su funcionamiento. Ser el encargado de los equipos de óptica (lentes), mantenerlos limpios y siempre en la posibilidad de ser usados al antojo del director de fotografía, además de la manipulación y traslado de las mismas. Mantener cargadas las baterías de la cámara y que nunca se dé el caso de des-alimentación de esta; en tal caso eso paralizaría a la producción y conllevaría a un inmediato despido.

Rildey Scott, en el set de "Exodus: gods and kings" dirigiendo el equipo de fotografía

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Segundo asistente de cámara: Es el principal apoyo del primer asistente de cámara. Lo asiste en todo momento y cada orden del primer asistente debe ser cumplida de inmediato. Estas órdenes van desde ser encargado de las ópticas y demás equipos de cámara mientras el primer asistente está ocupado asistiendo al camarógrafo durante la grabación de un plano hasta ser el encargado de la transportación de los equipos de cámara. Ser asistente del primero de cámara en la instalación de las partes de la cámara cada comienzo de día de rodaje y de la instalación de cambios de ópticas y manipulación y transportación de la cámara dentro del set para un nuevo plano.

Foquista: Uno de los mayores problemas en la grabación de un plano es “El foco”. La construcción del espacio fotográfico de una película es tema de la pre-producción, por lo que ya hay un plan respecto a qué planos tiene foco crítico, cuáles tendrán profundidad de campo, en cuáles existirá foco selectivo, qué puntos focales abran en cada plano, o qué complicaciones habrán a nivel focal. Aun así, sin la existencia de un Foquista al mando del “Follow focus” de la cámara, un plano pasaría a durar rodándose el doble de su duración. El Foquista (quien en muchas producciones para ahorrar un almuerzo es el mismo primer asistente de cámara) es quien controla el foco. Debe tener conocimiento de cómo son las condiciones de foco y las distancias focales en cada plano, y antes de que este es rodado las mide. Ante la grabación de un plano suele haber un ensayo (algunas veces grabado) con el que el director ensaya actores y condiciones para grabar, en estos ensayos el Foquista aprovecha tiempo y ensaya focos, con lo que ahorra tiempo en la grabación del plano ya que muchas tomas suelen se estropeadas por problemas de foco. Cuando esto sucede y el Foquista no lo reporta, y el camarógrafo no se da cuenta, y el director de fotografía y el director no deciden ver la toma antes de dar el plano por grabado, en la post-producción el plano se da por perdido. Ser Foquista no es fácil.

Tilda Swinton haciendo pruebsa de cámara en el set de "El Gran Hotel Budapest"

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Gaffer, luminotécnicos y eléctricos Como ya explicamos anteriormente, el director de fotografía se hace cargo del oren y dirección de las labores técnicas en rodaje, y además de las labores técnicas de cámara existe un sub- departamento que sin su existencia la cámara prácticamente no podría rodar: el sub-departamento de “luminotécnicos y eléctricos”. Este departamento tiene una de las labores más importantes y peligrosa de una producción: la instalación, la manipulación, la operación y desinstalación de todos los equipos de iluminación y luminotécnica. Este departamento está conformado por muchos técnicos que laboran con las luces que el director de fotografía ha requerido para la iluminación de la película, además de también estar encargados de las instalaciones de alimentación de las luces, que por lo general van de quinientos a quince mil watts.

En este sub-departamento no todos son simples técnicos, quien dirige todo el sistema de iluminación de una producción y dirige este sub-departamento es un experto es un ingeniero experto en iluminación y que tiene vastos conocimientos fotográficos, una de las manos derechas del director de fotografía, quien hace correcciones de los planos de piso y de iluminación que este ha realizado y le da consejos, “El gaffer”. Además de ser el director de iluminación de la película, el gaffer es quien se ocupa de la organización del trabajo en cuanto a luces se refiere, desde instalación segura hasta operaciones eléctricas. Todo respetando los tiempos que da el asistente de dirección entre planos para que este sub-departamento ilumine cada plano, un tiempo que va de los quince hasta los veinticinco minutos, dependiendo de la complejidad de la iluminación de los planos, cosa que varía según el valor de plano (que tan abierto es) y los emplazamientos de cámara.

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Claudette Colbert, Gary Cooper y Ernst Lubitsch en el set ya debidamente iluminado de "Bluebeard´s Eighth Wife"

D.I.T Este ingeniero de cámara tiene la función de ser el instalador de los “SETEOS” de la cámara, los seteos son la instalación y manipulación de los “Settings” de la cámara, lo cual depende de la propuesta de fotografía que ha construido el director de fotografía y son softwares de la cámara cuya labor es generar una imagen tal y como la desee el realizador. La manera como el seteo permita que la cámara genere una imagen a gusto del director de fotografía dependen de que este tenga conocimiento de las posibilidades de imagen que pueda dar la cámara, esté seguro de que desea e ilumine y use una óptica de tal manera que la cámara se ajuste a los seteos y logre dar la calidad de imagen deseada. Estos seteos permiten resaltar texturas y colores, afirmar contrastes, permiten profundidad de campo y muchas otras posibilidades de imagen. El D.I.T es contratado directamente con el contratista de la cámara o por la productora y setea la cámara a comodidad del director de fotografía para los días que este necesite cambios en la imagen.

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Data manager En cuanto al flujo de trabajo en el cine digital, ha nacido un nuevo operador del material grabado, este es el “Data manager”. Su labor consiste en ordeñar o descargar las tarjetas de guardado de la cámara al disco donde esté guardando el material grabado. Una labor de ser ejecutada mal haría perder un día de material grabado (Se hace descargue de tarjetas todos los días al finalizar la jornada). Además de ser el encargado del almacenamiento del material a discos duros que son entregados a producción y luego al equipo de post-producción, también debe hacerla sincronización de los clips del material grabado con los clips de sonido, debe organizarlos por día de rodaje, día dramático en el guion, número de escena, número del plano, número de toma y si quedó bien o quedo mal, con esto se facilita el trabajo del montajista (aunque este de todas formas debe revisar todo el material grabado).

En las producciones filmadas con análogo, el descargue del material filmado se hacía cuando las latas de cinta análoga se acababan llenando el carriel, el cual se cerraba y se sacaba de la cámara y era enviado inmediatamente al laboratorio para ser revelado y copiado, y luego puesto a disposición del equipo de post-producción, quienes preparaban un corte final en análogo para que el etalonador y el director de fotografía realizaran la “colorización” en la misma cinta análoga.

Operador de Dolly, grúa, steadicam, lente zoom: Para lograr la calidad de “Un plano cinematográfico”, término ampliamente usado entre los fotógrafos y realizadores en general, el cual es contemplado como un logro destacable en una película y le da una potencia visual indescriptible, se debe concebir desde la pre-producción una serie de ideas en cuanto a narrativa visual, las cuales son conciliadas entre director de fotografía, director y director de arte. Ellos (como tanto hemos insistido) son los creadores de la imagen de una película. Para obtener los planos que son planeados como recursos estéticos en la narrativa visual, sean planos con movimiento, planos secuencias con emplazamientos complicados, grandes planos generales que hacen travellings y se convierten lentamente en primeros planos, etcétera, se debe hacer uso de una serie de equipos de desplazamiento de cámara que permitan estas condiciones para lograr un destacado plano cinematográfico.

Uno de los más básicos es el “Dolly” el cual es un carrito de cuatro ruedas que se desplaza por una serie de rieles dispuestos en el piso, nivelados y medidos, el Dolly se mueve sobre estos rieles sin hacer ruido, lo que beneficia al departamento de sonido. En el Dolly hay suficiente espacio para en camarógrafo, los asistentes de cámara, el foquista y el operador del Dolly quien se encarga de darle la velocidad deseada, acelerar y frenar. Siempre demora la instalación del mismo y aún más la grabación, por lo que suele ser usado para planos en momentos narrativos especiales.

En cuanto a los famosos planos hipnóticos que presentan lugares paisajísticos y a personajes en ellos, o que permiten planos secuencias con total manipulación del espacio, se usa una “Grúa”.

Este es un mecanismo gigantesco que se opera con un centro de monitoreo y un brazo o mecánico o electrónico gigante y que permite movimientos muy sutiles, aunque en ella no suele haber sino espacio para el camarógrafo.

el director de fotografía Robert Richarson durante el rodaje de la película "Bastardos sin gloria" dirigida por Quentin Tarantino haciendo uso de la grua con cámara en el set

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DESDE ADENTRO El operador que la conduce opera el brazo dependiendo de las indicaciones del movimiento del plano que le da el director de fotografía. Este movimiento permite extender un plano en cuestiones de altura, movimiento y valor de plano.

El famoso invento que vio la luz por primera vez en la película “The Shining” de Stanley Kubrick. Aquel muy sofisticado mecanismo creado por Garret Brown y que hoy en día es usado en casi todas las producciones del mundo, el “Steadicam” es un mecanismo que consta de un base que sostiene la cámara la cual es nivelada por un brazo mecánico que depende de las maniobras y posturas del operador y del contrapeso inferior para estar totalmente nivelado y permitir movimientos de cámara sutiles. El operador del steadicam también tiene que tener conocimientos básicos de la cámara que opera nivelando en la grabación, aunque por lo general el camarógrafo también sabe maniobrar el steadicam.

Stantley Kubrick en el set de "The shining" haciendo uso del steadycam, que fue ideada para la película y hoy es ampliamane usada en muchas cintas a nivel mundial

Lente zoom: Movimiento parecido pero no igual al de un Dolly. El Zoom permite cambiar de un plano general a un primer plano (o incluso un plano detalle) de una manera muy diferente a la del Dolly. Aunque lo haga de una manera muy diferente, con muchas variaciones de velocidad en movimientos de “Zoom in” (acercamiento) y “Zoom out” (alejamiento), el lente zoom deforma mucho más la imagen en estos movimientos de lo que lo hace el Dolly en un “Dolly in” o un “Dolly out”.

El lente Zoom se usa mayormente en planos cuya propuesta estética lo requieran, tales como Zoom in muy rápidos y repentinos en películas de acción o en documentales.

Como dato curioso: existe un tipo de plano que se realiza usando el lente Zoom y el Dolly, se trata del 14

para crear un efecto de vértigo en sus películas, Alphred Hitchcock combinó el uso del zoom y el dolly, técnica que tuvo su primera aparición precisamente en la película "Vertigo"

REVISTA ZONA 7 famoso “plano vértigo” o “Dolly Zoom”, y como su nombre lo difiere, se logró por primera vez en la película “vértigo” de Alfred Hitchcock (1958).

En este plano se da la ilusión de acercamiento al personaje en primer plano y alejamiento de la imagen en segundo plano y se logra haciendo Dolly out y Zoom in al mismo tiempo.

El chicomatico, chinomatico, chico-venga, etc. (depende de la jerga de cada país o región): El “Asistente de luces, cables y eléctricos”, también conocido como Chicomatico en algunos lugares de Latinoamérica (y como chinomatico en Bogotá y otros lugares de Colombia) es justamente eso y más, un asistente de luces, cables, utensilios de electricidad, cargador de herramientas, etc. Aunque independientemente de lo que haga y que sea exclusivo del departamento de fotografía, en pleno rodaje es usado por todos los departamentos para hacer muchas otras labores, casi todas son cargar objetos pesados, ayudar a instalar el Dolly, ayudar y coquetear con las maquiladoras, traer el café para producción, y de más labores varias. También se le llama carga cables. Pero eso no impide que algún día resulte siendo director, cosa que ha pasado muchas veces.

*Quienes estén en set, el foquista y el director de fotografía observan lo que se graba a través de un monitor ubicado en la parte superior de la cámara. El camarógrafo lo observa desde el View finder de la cámara. Este monitor recibe una señal Filmstream RAW, la cual envía la señal en la calidad de imagen RAW con la que graba la cámara (RAW es el formato de cine digital). También se envía señal al D.F.R. y de este al monitor del director (P.D monitor), que está observando todo en un lugar del set donde tiene total dominio de lo que pasa, si el set es en una locación al aire libre, estará fuera del set, en una carpa. *Si existe montajista en set, el D.F.R. le enviara señal Filmstream RAW a su estación de trabajo a través de un playback monitor para que este también visualice lo que se graba. *El data manger recibe la señal y deposita el material grabado en un Data manager Editorial When full, el cual entregará a producción y luego será entregado al departamento de post-producción. *para la sincronización de audio e imagen se utiliza una claqueta electrónica que envía señal a la cámara y a la grabadora se sonido cuando se da la marca (se claquetea) generando un código de tiempo del momento en el que se claqueteo. La señal también queda registrada en el D.F.R., y cuando el data manager o el montajista sincronizan sonido el programa de edición, sincroniza sonido e imagen usando el código de tiempo registrado.

Flujo de trabajo durante el rodaje: En cuanto a cómo es el flujo de trabajo del departamento de fotografía durante la grabación de un plano, es decir, la organización del departamento durante la grabación de un plano, rodando en cine digital es de la siguiente manera: *Las cámaras (o la cámara) son operadas por sus respectivos camarógrafos, ellos ponen toda su atención en el cumplimiento de su tarea, logran el plano tal como se los ordenó el director de fotografía. El primer asistente de cámara en cumplimiento de su función de ser el responsable de la cámara lo acompaña, además es el responsable de que la cámara envíe y reciba señal del sonidista (para la sincronización de sonido) y del D.F.R., el cual es un centro de control de la señal de la imagen que se está rodando.

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BIO 7

Wesley "Wes" Wales Anderson nació el 1 de mayo de 1969 en Houston, Texas. Su padre, Melver Anderson, se dedicaba a la publicidad y relaciones públicas, y su madre, Anne Burroughs, trabajó tanto en bienes raíces como en arqueología.

Anderson creció con sus dos hermanos, Eric y Mel, pero sus padres se divorciaron cuando Anderson tenía sólo ocho años. Anderson describiría más tarde el divorcio como "el evento más importante de mis hermanos y de mi crecimiento." Al tratar de hacer frente a la desintegración del matrimonio de sus padres, Anderson menudo se portaba mal en la escuela.

Con el tiempo dirigió sus energías a las actividades artísticas. El joven Anderson dirigió películas protagonizadas por él mismo y sus hermanos, filmando con una cámara de 8 mm. Leía con avidez, diciendo más tarde que "sobre todo cuando eres joven, eres totalmente arrastrado al mundo de una novela. Usted puede caminar en una nube y casi todo lo que quieres hacer es leído."

Anderson asistió a la Escuela de San Juan en Houston, una escuela preparatoria que cree en "normas exigentes" y sigue el lema "a quien mucho se da, mucho se espera." En la escuela, Anderson se hizo conocido por sus grandes y complejas producciones de juego.

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A menudo, estas producciones se basan en historias conocidas, películas, e incluso programas de televisión: una obra era una versión títere de la década de 1980 The Gambler , protagonizada por Kenny Rogers.

Después de graduarse de San Juan a finales de 1980, Wes Anderson se matriculó en la Universidad de Texas. Allí conoció a Owen Wilson, quien ha sido un socio de la escritura o miembro del reparto en casi todas las películas que Anderson ha hecho desde entonces. Anderson y Wilson tenían intereses en común.

"Empezó a hablar de los escritores, pero también hablamos de películas de buenas a primeras.

Yo sabía que quería hacer algo con las películas. No sé si él se había dado cuenta todavía que era una opción ". Los dos finalmente se convirtieron en compañeros de cuarto, y trabajaron en el guión de una película de larga duración que llamaron Bottle Rocket . Anderson obtuvo su licenciatura en filosofía en 1991.

Anderson y Wilson comenzaron a centrarse más en elementos de la trama de comedia, y el guión de Bottle Rocket se convirtió en una mezcla de comedia, ro-

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mance y delincuencia. A través de las conexiones de Andrew Wilson en la industria del cine, el grupo fue capaz de levantar un pequeño presupuesto y un stock de película. Eventualmente estas disposiciones se acabaron y la película de larga duración tuvo que convertirse en un cortometraje.

El resultante corto impresionó a un cineasta llamado Kit Carson, y lo demostró al productor Polly Pratt. Carson también empujó Anderson para entrar en el Festival de Cine de Sundance. Se reunió allí con entusiasmo y llegó a la atención del director James L. Brooks, socio de Pratt. A través de sus conexiones en Columbia Pictures, Brooks consiguió la película con un presupuesto mayor, que finalmente alcanzó los cinco millones de dólares. El largometraje no alcanzó el éxito de taquilla, pero fue elogiado por la crítica en general. Anderson ganó como Mejor Nuevo Cineasta en los MTV Movie Awards en 1996. Como la mayoría de las películas de Anderson posteriores, Bottle Rocket contó con una banda sonora compuesta por Mark Mothersbaugh, fundador de la banda Devo.

Cuando la película se estrenó su audiencia creció.

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AND ERS ON

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BIO 7

Después Bottle Rocket , Anderson y Owen Wilson se pusieron a trabajar una segunda película, Rushmore. La historia gira en torno a un adolescente llamado Max Fischer, quien sufre académicamente pero se nutre de las actividades extraescolares. Max, interpretado por el entonces desconocido Jason Schwartzman, asiste a una escuela preparatoria al igual que el San Juan del año de la escuela secundaria de Anderson. En otra conexión con la vida de Anderson, Los críticos de las Asociaciones de Nueva York y Los Angeles declararon a Bill Murray como mejor actor del año por su papel como un hombre de negocios pensativo que entabla una improbable amistad con Max. La película recibió críticas muy favorables y fue objeto de una amplia campaña de publicidad.

Con el lanzamiento de su tercer largometraje, The Royal Tenenbaums (denuevo escrito con Owen Wilson), Anderson ganó la combinación de taquilla, crítica y Academia (que se le había escapado hasta ahora). Con un elenco de estrellas que incluye a Gene Hackman, Anjelica Houston, Gwyneth Paltrow, Danny Glover, Bill Murray, Ben Stiller y la cada vez más famosa Luke y Owen Wilson.

Anderson describe la película como "... una película de Nueva York ... sobre una familia de - entre comillas -. genios, y acerca de su fracaso y su desarrollo como una familia " La película recaudó

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US $ 50 millones a la taquilla, recibió una nominación al Oscar al mejor guion, y disfrutó de elogios casi unánimemente crítica. La película sigue siendo el esfuerzo más lucrativo financieramente de Anderson hasta la fecha.

Debido al éxito de The Royal Tenenbaums , Wes Anderson fue capaz de obtener un presupuesto mucho mayor para su próxima película, un total de $ 50 millones.Debido a la creciente demanda de Owen Wilson como actor, Anderson se asoció con Noah Baumbach a escribir lo que se convirtió en "La vida acuática con Steve Zissou" . La historia trata de un oceanógrafo y documentalista Steve Zissou que está persiguiendo al elusivo- y posiblemente imaginario - tiburón jaguar.

Aunque la película es de acción en vivo, muchas de las criaturas del mar en la película están animadas, marcando el primer uso de la animación en cualquier película de Anderson. Contrató de nuevo a Bill Murray para actuar en la película.

"La vida acuática..." plantea el mayor desafío de filmación que Anderson había enfrentado.La película se reunió con críticas mixtas e incluso recibió algunas críticas por parte del grupo central de los fans que Anderson había ganado desde el lanzamiento de Bottle Rocket .

También en la época de "La vida acuática" muchos críticos comenzaron señalando la importancia de la figura del padre en las

películas de Anderson. Rushmore había mostrado un joven Max Fischer intentar identificarse con un exitoso hombre de negocios, The Royal Tenenbaums habían girado en torno a una vez- famoso patriarca abogado que había sido no involucrado en su familia por décadas, y un enorme punto de The Life Aquatic tratan con un personaje llamado Ned Plimpton (Owen Wilson) tratando de determinar si Zissou es su padre perdido hace mucho tiempo.

En respuesta, Anderson reflexionó: "Finalmente me di cuenta que es justo lo contrario con lo que realmente crecí, y para mí no es hay algo exótico en ello ... me siento atraído por esos personajes de figura paterna que son las personas más grandes que la vida, y he buscado mentores que son así, así que me relaciono con ellos. Pero no son mi padre. " "Darjeeling" y "Mr. Fox ' Anderson pronto comenzó a trabajar en una nueva película.

Anderson, Coppola, y Schwartzman abordaron un tren a la India "para hacer la película, tratando de actuar hacia fuera. Estábamos tratando de ser la película antes de que existía." El resultado fue The Darjeeling Limited , protagonizada por Schwartzman, Owen Wilson y Adrien Brody. La película gira en torno a tres hermanos distanciados que toman un viaje en tren por la India. Una vez más, las críticas se mezclaron.

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por jose bueno

4 MESES 3 SEMANAS Y 2 DÍAS 4 luni, 3 săptămâni şi 2 zile es una cinta rumana, dirigida por Cristian Mungiu, estrenada en el 2007 y largamente premiada (incluyendo el más alto galardón en el Festival de Cannes, La Palma de Oro).

La película cuenta la historia dos estudiantes que comparten habitación, Otilia y Găbiţa. Una de ellas, Găbiţa, está embarazada y piensa recurrir a un aborto clandestino (aún cuando esta práctica era ilegal en los años ochenta, época en la que se ambienta la cinta).

Otilia decide apoyar a su compañera y renta un cuarto en un hotel barato de la ciudad; luego, por medio de una amiga, contacta a un médico especialista y consensan una cita para llevar a cabo el procedimiento.

Los curioso y hermoso de esta cinta, es que el grueso del film se desarrolla en el cuarto del hotel, que es donde los miedos y temores de las estudiantes se ven puestos a prueba, y es que la presencia del médico que llevará a cabo el aborto no deja de inyectar fuerza en el guión, que lejos de funcionar como un catalizador para acercarnos al final de la historia, sirve como una detonante psicológico que no solo afectará a Găbiţa; sino que arrastrará a Otilia, obligándola a decidir sobre los límites de su amistad, sobre lo que es correcto o no, sobre lo ético y sobre lo que significa la vida y cuando comienza esta.

"4 meses, 3 semanas y 2 días” es un drama sólido, conciso, sin vueltas innecesarias de guión, con una puesta en escena limpia, que permite además que el espectador se enganche con los personajes sin la necesidad de recurrir a sentimentalismos tontos.

Es difícil desnudar la historia sin arruinarla para aquellos que aún no lo han visto, pero la recomendación está hecha; el film no aburre, no cansa y deja una grata impresión sobre lo que el cine puede hacer como una herramienta social y educadora.

Imagino que una proyección simple en cualquier escuela estatal de mi país, logrará que más de una o un estudiante se identifique con la película. Particularmente no pienso que la idea de hacer una cinta así tenga como objetivo persuadir a quien quiera realizar esta práctica; creo que por el contrario, busca concientizar sobre un problema aún latente en muchas sociedades, y es que el aborto es un asunto delicado del que pocos quieren hablar, ya vengas de un país comunista o de un país tercermundista donde decir pene/vagina aún levante ciertas miradas de desconfianza.

Finalmente, con aproximadamente 113 minutos de duración y con una ausencia total de sonorización para las escenas de intensidad, “4 meses, 3 semanas y 2 días” es una cinta necesaria para cualquiera que disfrute del cine internacional.

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DERSON

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ZONA TERROR

¿quien pu El primer elemento a destacar es la iluminación, la gran peculiaridad de esta película es que transcurre casi siempre bajo la luz del sol; de un sol isleño, con mar y costas. Esto es raro en una película de terror ya que el impacto no proviene de lo que acecha en la oscuridad sino de aquello que vemos claramente Bien, cámaras, iluminación, en esta entrega de Zona 7 les escribiré sobre esta magnífica cinta española.

Su nombre delata todo, una cruda cinta donde estaremos con un par de turistas ingleses que viajan a una isla española.

Un lugar iluminado y deshabitado…O al menos por adultos, la cruel realidad es que los niños han comenzado a asesinar a los adultos, comienza la cacería.

Como seres sociales, la gran mayoría de nosotros estamos preparados para concebir a un niño, nuestra herencia genética puede llegar a ser el bien más importante que dejemos a la humanidad, y nuestro éxito como especie depende de esas criaturas, más de uno daría su vida su vida por la de esos pequeños. La premisa de que uno de estos “inocentes” seres sea el culpable de atroces actos no es algo nuevo en el cine, pero siempre impacta.

El primer elemento a destacar es la iluminación, la gran peculiaridad de esta película es que transcurre casi siempre bajo la luz del sol; de un sol isleño, con mar y costas. Esto es raro en una película de terror ya que el impacto no proviene de lo que acecha en la oscuridad sino de aquello que vemos claramente, por ello el segundo elemento a destacar es el impacto que dan algunas escenas. Aunque moderada en cuanto a violencia no es tienta el corazón en ningún momento para dejarnos 22

momentos bastante fuertes. Veremos hombres cargando con rifles automáticos contra bandas de niños, a los pequeños ser partícipes de las torturas más crueles y extrañas combinaciones del actuar curioso de un pequeño, con la maldad del más frívolo sociópata.

Aún en nuestros días, la fuerza de la imagen y el mensaje prevalece.

Las trama es un poco más compleja de lo que se espera, muestra las complicaciones que se pueden llegar a tener al momento de sostener una batalla de vida o muerte contra un indefenso niño.

Las actuaciones también son destacables, nada del otro mundo pero no le restan seriedad a la película.

Por último el final, contiene guiños a bastantes cintas, y se le puede describir como de los más crudos del cine, vaya que deja un amargo sabor en la boca, por ello es recomendable, película al nivel de “El pueblo de los malditos” y que se lleva de golpe a “los chicos del maíz”. ¿Están preparados para enfrentar una venganza infantil?

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uede matar

a un ni単o?

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CINE ASIÁTICO/ ORIENTAL

bad girls Irreverente, cómica, surrealista, tierna y romántica; haciendo apología a la importancia de la mujer. Una mezcla entre “The Charlie’s Angels” y cualquier película típica de romance. …De esas veces que estás muy aburrido, piensas en ver una película y no te decides por cuál, pides una recomendación, y entre tantas surge algo que te llama la atención, así me pasó con Bad Girls. Cuando la busqué en Google me llamó la atención una imagen del póster de la misma, con un colorido peculiar, pero sobre todo que era asiática, y como soy amante del cine oriental no dudé en verla.

La sinopsis y en realidad la película podrían parecer un poco cliché; tratándose de una estudiante poco femenina, fuerte, incluso un tanto masculinizada que ayuda a los débiles o a los que tienen problemas con granujas violentos, la cual es experta en kung fu y que por casualidades (o “causalidades”) se enamora de un joven actor muy apuesto, engreído e inalcanzable para cualquier chica común.

Probablemente este no sea el mejor filme taiwanés, sin embargo, hay muchas cosas que 24

destacar de tan peculiar y divertida cinta. La fotografía a mi parecer es atípica y muy cálida, haciendo que refleje romanticismo, aunque repito, no sea una película solo de romance.

La trama te lleva a permutar tus emociones; en un momento carcajearás con las ocurrencias de los personajes, y en otro llorarás (a menos que seas de corazón duro, o mínimo te entrará feeling) debido a las crueles circunstancias que llegan a vivir nuestros protagonistas. Las locaciones son magníficas e incluso hermosas ya que sin querer daremos bonitos recorridos. La banda sonora es muy hermosa, un tanto retro y con canciones muy sentimentales. Cada uno de los personajes es entrañable, hablemos un poco de ellos: Ah Dan; nuestra protagonista que, como expliqué en la pequeña sinopsis, es muy ruda, y que dentro de esa chica poco femenina y violenta, hay un corazón frágil. Como todo ser humano, se enamora, llora, e incluso lo que no acepta termina por gustarle, ya verás por qué.

Justin; el cantante y actor de profesión más famoso de toda Asia, engreído, frío y ególatra, aunque en el fondo es un hombre de gran corazón con un pasado triste que afecta a su vida actual, pero que descubre la felicidad.

Hsi; la pequeña hermana de nuestra protagonista, tierna y un tanto ruda como su hermana, quizás porque la admira y quiere ser como ella cuando sea mayor, que lleva una relación con ella como casi todos los hermanos, pelando y molestándose la una a la otra todo el tiempo, y que vive con su hermana algunas situaciones que son parte importante del desenlace.

El resultado final de la película es maravilloso, el desenlace es inesperado y nos deja con un sabor de boca muy bueno, en términos generales es una gran película de cine actual. Y como siempre digo, te recomiendo ampliamente esta película, y más si eres amante del cine oriental, y si ese es el caso la tienes que ver.

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bso: “Huai Nu Hai” País: Taiwan Año: 2012 Director: Jingting Weng 25

EXTRAS/ RESEÑA Juan de lo’ muelto’, matamo’ a su’ sere’ querido’—dice Juan, el protagonista, cada vez que contesta a algún teléfono público donde llaman para socorrer los servicios de su grupo de asesinos de zombies en Cuba. Así es, nada más y nada menos que un filme cubano sobre zombies, el primero de este tipo; aunque, en sí, es una coproducción con apoyo español de “La Zanfoña Producciones”, y está bajo la dirección Alejandro Brugués (argentino).

Esta comedia de 2011 comienza con nuestro protagonista, un cuarentón llamado Juan, y su amigo, Lázaro, en una balsa. Ambos intentan pescar algo en el mar, pero se encuentran con lo que parece ser un cadáver, el cual los ataca y luego es contraatacado por un arpón de Lázaro. Entonces, estos dos deciden volver a tierra a continuar con su trabajo de gamberros. Esa noche, hay disturbios en una reunión en la ciudad (La Habana), todos se atacan los unos a los otros. Al día siguiente, Juan es llamado por una anciana vecina para que vea qué pasa con su esposo, pues está paralizado. Él lo revisa y no pasa nada, pero luego se da cuenta de que es un…Un…¡¿Disidente?! Sí, disidente capitalista cubano (es decir, zombie).

Con el tiempo, Juan y sus camaradas conformarán un grupo dispuesto a “limpiar las calles” de estos monstruos y así hacer algo de dinero ya que viven en una muy mala situación en la isla socialista, y sus servicios serán requeridos por mucha gente. Los amigos de nuestro protagonista son: Lázaro (gordinflón pervertido de aparentemente poca utilidad), Vladi California (un “niño bonito agringado”), la China (travesti que sabe usar tirachinas), y Primo (un negro musculoso que se desmaya al ver sangre). Lo que Juan no tomará en cuenta es que su hija, Camila, detesta que él se meta en problemas todo el tiempo, así que de algún modo debe recuperar su amor.

Esta cinta parece estar hecha al puro estilo Enchufe.tv (un canal ecuatoriano de YouTube que sube videos de humor cada semana), aunque difieren algo en el con26

tenido humorístico. Mientras que “Juan de los muertos” se avoca más al humor costumbrista, político y en ocasiones sexual, Enchufe.tv se centra más en lo “moderno”, tendencias de comedia internauta y esas cosas. Pero basta de comparaciones, el punto es que esta película te hará reír con sus artimañas, como la sátira al socialismo mostrando a un presentador de noticias que califica a los “disidentes” como “pagados por el gobierno de Estados Unidos”, o el enfrentamiento entre Juan y Lázaro en una situación incómoda donde la hombría de ambos se ve comprometida (no, esto no es spoiler, no estoy especificando nada). Eso sí, uno que otro diálogo podría resultar difícil de entender para alguien que no esté nada familiarizado con el acento cubano.

Y es menester mencionar que para esta película hubo galardones como el de Mejor película extranjera de habla hispana en los premios Goya 2013 y el de Segundo Premio del Público en el Festival de Cine Fantástico (EE.UU.). Además, fue exhibida en el Festival de Cine de Toronto en 2011.

juan of the dead

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por aarón mariscal

Así que, ¿qué otras razones hacen falta para verla? ¡Es cubana (casi nunca sabemos nada de Cuba más que política, política y más política), es de comedia y recibió premios! Por cintas como esta es que uno tiene ciertas esperanzas en el potencial latinoamericano en producción de contenido, así que vale la pena.

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EXTRAS/ RESEÑA

por raúl flores

matar a un hombre por cesar mena

“Una justicia que no llega” 28

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Matar a un hombre es un trabajo basado en hechos reales que construye bien su historia, la actitud de sus personajes y cómo son movidos a actuar de otra forma.

Lo más importante es que creemos en el relato porque el director lo cuenta de una forma sencilla pero muy honesta y sobre todo, creíble y natural.

FICHA TÉCNICA: Director: Luis García Berlanga (España) Fotografía: Francisco Sempere Guión: José Luis Font, Luis García Berlanga, José Luis Colina y Rafael Azcona Música: Miquel Asins Vestuario: Hermanos Peris Reparto: José Luis Vásquez López (Gabino Quintanilla), Manuel Alexandre (Julián Alonso), Casto Sendra “Cassen” (Plácido Alonso), Amparo Soler Leal (Marilú Martínez), Elvira Quintillá (Emilia) Año de producción: 1961 Película chilena con un amplio recorrido en festivales de cine alrededor del planeta y de hecho, premiada en Sundance. Aborda un thriller ejecutado por el débil, un protagonista atípico que lucha contra la diabetes, una persona que es acosada (al igual que su familia) por el macho alfa del barrio y sus amiguetes.

Este individuo es Jorge (Daniel Candia), un ser opaco al que parece todo le va mal, su vida ya de por sí se va volviendo más gris conforme avanza el relato y por ende las humillaciones que el director va mostrando, no todas directamente en contra de él pero sí en contra de los suyos y que obviamente le aquejan la existencia.

Aunado a esto, está la particular visión que Fernández muestra de la inoperancia policial, que a pesar de los recurrentes llamados de atención que hacen Jorge, su esposa e hijos sobre las agresiones sufridas, los mismos se pierden en un interminable viaje que resulta ser la burocracia, donde es más sencillo decir que esperen al lunes para interponer una queja a actuar de inmediato.

Esto es algo que particularmente incide mucho en el actuar del protagonista, ¿hasta dónde se pueden aguantar esa falta de acción por parte de las autoridades y las agresiones, tanto físicas como psicológicas que sufren? Hasta llegar al punto donde él, intentando interpretar su masculinidad, defiende a su familia con todo y las consecuencias que esto puede traer.

Hay una secuencia muy interesante que se puede dejar pasar por alto, por lo banal que resulta o poco interesante, pero que tiene una importancia en el relato vital, aquella donde Jorge llega a echar a un tipo que está haciendo un fuego, por el peligro que se expanda en el bosque, y donde termina más bien siendo correteado por este otro hombre (otra vez esa visión de débil).

Al volver a la caseta en su trabajo, muy decidido saca el arma, se dirige nuevamente hacia este hombre, le amenaza y evidentemente éste sale huyendo. Aquí se muestra claramente el punto de giro de su pensamiento. Para bien o para mal Jorge entiende el poder que esa arma le da y es cuando determina que hacer en contra de Kalule (Daniel Antivilo), su antagonista.

Por otro lado, el realizador presenta una obra con un ritmo calmo. No obstante, a pesar de esto hay varios momentos donde juega con la sorpresa y el silencio/ ruido, por ejemplo, en el primer encuentro entre Kalule y Jorge hijo (Ariel Mateluna), o cuando les apedrean la casa, o esa genial secuencia donde la hija Nicole (Jennifer Salas) es ultrajada.

Con esto quiero decir que Alejandro recurre mucho al sonido para crear alarma o angustia; esto se denota mucho apenas en la primera imagen del film, que no nos dice mayor cosa pero que sí enturbia el relato hacia lo que se va a ver, esa distorsión musical y del sonido es tremenda y de alto impacto. Además están los gritos e improperios, que van de la mano con las humillaciones de los protagonistas.

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EXTRAS/ RESEÑA

“LOLA”MEXICANO

por andres h romero

Y UN POCO DE CINE “Lola” es una maravillosa película mexicana que le dio reconocimiento a la cineasta María Novaro. Fue filmada en un México que no hacía mucho había sufrido un terremoto devastador (en 1985) y estaba en un proceso de cambio general que también se vería reflejado en su cine, pero más adelante tocaremos este tema. “Lola” trata de una madre soltera joven, que hace lo posible y lo que está a su alcance para sacar adelante a su hija pequeña como comerciante ambulante de ropa, pero que pasa por situaciones emocionales y sentimentales que influyen en su maternidad y personalidad. La actriz Leticia Huijara, que interpretó a Lola (en ese tiempo actriz novata), reveló en una entrevista que fue un gran reto para su carrera interpretar ese papel, ya que no era madre y no sabía absolutamente nada de maternidad, y que fue un personaje que marcó su vida y carrera como actriz. Ella debía interpretar a una “buena madre mala”, porque su hija lo es todo para Lola, daría su vida por ella, pero lamentablemente no sabe cómo ser una buena madre.

Cada uno de los personajes puede revelar una realidad distinta vivida, desde la pareja sentimental de Lola que siempre la deja sola por su trabajo, hasta el mejor amigo de Lola que siempre la pretende, ya que a pesar de que la trama no gira en torno a ellos, la sola esencia de los personajes delata su po-

sible realidad; es decir, tú te imaginas quizás qué pasa o pasó con sus vidas. La película al parecer no fue filmada con un gran presupuesto, todo es muy natural y sin excesos de ninguna índole, incluso se pueden apreciar ligeros errores de filmación, por ejemplo, se puede apreciar una parte pequeña del micrófono en algunas tomas.

Desafortunadamente, la película “Lola” no tiene el reconocimiento que se merece, pero es sin dudas parteaguas del denominado nuevo cine mexicano, ya que muchos afirman que la industria cinematográfica mexicana de los 70’s y parte de los 80’s sufrió una decadencia por películas “de ficheras” (por tocar el tema de la prostitución) o vulgares, que no tenían un argumento sólido como tal y que solo pretendían entretener con erotismo burdo y sin forma, aunque actualmente le dan un grado de importancia a aquel cine de ficheras tabú. El nuevo cine mexicano pretendía reflejar la realidad social y política de México, denominándose como tal en los 90’s, donde nacerían filmes como “Rojo Amanecer” o “Cronos”, solo por mencionar algunos.

“Lola” forma parte de ese inicio que algunos cineastas le dieron al nuevo cine mexicano, relatándonos la posible realidad de alguna joven mujer, madre soltera. Y es que, ¿quién nace sabiendo ser madre o padre? Lola tiene que enfrentar al mundo ella sola y en compañía de su hija, equivocándose y reflexionando como el ser humano que es, tratando de salir adelante con su vida.

Queda de mi parte recomendarte esta película para entretenimiento y un poco de reflexión, donde disfrutaremos la esencia de los personajes y lo maravilloso del guion.

"No puedes comprar las cosas necesarias en la vida con galletas..."

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Desafortunadamente, la película “Lola” no tiene el reconocimiento que se merece, pero es sin dudas parteaguas del denominado nuevo cine mexicano

frases de pelíicula

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OJO SERIÉFILO

por alexander loaiza

series que marcaron el 2014

Despedimos un año como pocos vistos para la televisión, si bien ya no están con nosotros series que crearon un culto como “Breaking Bad”, “The Sopranos”, “The Wire”, y por ende, pensamos que no podríamos sobrevivir sin ellas en la posteridad o que opacarían a las venideras, nos equivocamos. El 2014 sorprendió con un menú bastante amplio y por un momento hizo que nos olvidáramos que las anteriormente citadas existieron alguna vez. Por esa razón, usted estimado lector se encontrará con una serie de recomendaciones que para este servidor son la distinción de lo visto el año recién terminado.

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20. Orange is the new Black.

Una serie con un éxito inmediato en la audiencia y que rompe los esquemas habituales de la TV al predominar en su mayoría, tanto dentro como fuera de la puesta en escena, el género femenino. Así, las historias en la penitenciaria de Litchfield regresan con las mismas dosis mostradas en su primera temporada, humor negro, conflictos, frustraciones, flashbacks y una crítica al sistema penitenciario estadounidense, dejando muy claro además, que no solo Piper Kerman es importante, haciéndose notar con la decisión de los guionistas en su giro protagónico desde el inicio, resolución que le sienta muy bien a una serie que se distingue principalmente por el carismático y natural reparto.

19. The Americans.

El año pasado vio caer su audiencia, más no su calidad cinematográfica. Las tensiones durante la Guerra Fría entre la KGB y el FBI regresaron con la “familia” Jennings, aportando más intriga que su primera temporada. “The Americans” se hace notar por una cuidada puesta en escena donde Keri Russell y Matthew Rhys brillan interpretativamente, reconocimiento que ha sido olvidado al igual que la serie.

18. The Fall.

Uno de los mejores thrillers que se emitieron el 2014, con sello británico, lenta -siendo este su mayor virtud aunque quizás el mayor problema de muchos espectadores- adictiva. Un juego implacable y de moralidad entre una detective “feminista” caracterizada por una Gillian Anderson –que mujer- extraordinariamente y un asesino en serie misógino ¿misántropo? que cada noche produce terror en Belfast, encarnado por Jamie Dorman, quien demuestra una gran capacidad actoral.

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17. Peaky Blinders.

Posee uno de los mejores soundtracks, una exquisita puesta en escena, británica, drama histórico en el mundillo de la mafia, acción, un soberbio Cillian Murphy –todo el reparto realmente- y la incorporación de Tom Hardy como el líder de una familia de criminales judía produciéndole algunas enemistades a la familia Shelby en su expansión por Londres. Los británicos sí que saben venderse.

16. 1864.

De origen danés y la producción más costosa hasta la fecha en ese país nórdico, melodrama bélico ambientado como lo dice su título, en 1864, durante la “Guerra de los Ducados”, sangriento capítulo de la historia danesa contra la “Confederación Alemana”, una historia de la que por estas latitudes poco o nada se sabe, elemento favorable para mirar de manera más objetiva su contenido.

Con una escenografía que nada tiene que envidiar a las producciones estadounidenses y un reparto bastante acertado, “1864” es como ver una película del género dividida en 8 episodios.

15. Downton Abbey.

En su quinta temporada, el Partido Laborista llegó al poder por primera vez en la historia en el Reino Unido, situación que presentó una época de cambios tanto para los de arriba como para los de abajo. Ubicándose como el mejor drama de época emitido en la actualidad, el nivel interpretativo de todos los actores y actrices continúan rozando en la excelencia, así como su estricta y detallada escenografía cuidada con precisión de relojero, hacen de Downton una serie exquisita y que cuenta con uno de los personajes más hilarantes de la televisión, Lady Violet.

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14. Homeland.

En su tercera temporada le llovieron críticas negativas, salieron haters de la serie y no se esperaba que los guionistas lograran remontar una historia que parecía acabada, pero Homeland regresó por lo más alto, con uno de los cliffhangers más tensos del año anterior, y explotando a el personaje más interesante desde que inició, Carrie Mathison.

13. The Knick.

Soderbergh se lanza a la pantalla chica con esta serie y sale triunfante. Un guión sutil que narra las vivencias de un hospital en Nueva York a principios del siglo XX, así como las vidas privadas de su personal, un drama médico que puede tocar ciertas sensibilidades y que abarca algunas problemáticas a temas sociales que aún en la actualidad siguen vigentes, con una de las mejores actuaciones de Clive Owen, “The Knick” se desarrolla en una hermosa ambientación acompañada de la partitura del siempre destacado Cliff Martínez.

12. Mad Men.

A estas alturas, ¿qué más puede demostrar una serie como “Mad Men” de su calidad? Pronto a despedirse de la televisión, en su primera parte de la séptima temporada quien lo pensaría, Matt Weiner nos regala no uno de los mejores momentos de la temporada, sino de la serie, destacada por su talento para contar mucho en tan poco. Un clásico de la televisión, porque al final, “las mejores cosas de la vida son gratis”.

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11. The Good Wife.

Otra de las grandes que se siguen emitiendo, sólida como pocas después de tantos episodios al hombro, su quinta temporada es sin duda la mejor de todas hasta la fecha. Con su “Dramatics, Your Honor”, ocasionando revuelo por todas partes, los King demuestran que su creación no tiene techo que tocar.

10. Gomorra.

En el 2014 se convirtió en la serie más exitosa de la televisión italiana. Del libro homónimo de Roberto Saviano, la serie narra con gran precisión la brutalidad de La Camorra y su poderío en Nápoles, así como una red que llega hasta España, con un reparto de lujo y una puesta en escena decadente en medio de corrupción, “Gomorra” es una de los mejores relatos sobre la mafia italiana realizados.

9. The Affair.

Resultó una de las revelaciones del año y la mejor apuesta de Showtime –si, por encima de la estilizada “Penny Dreadful”-, un drama envuelto en lujuria, mentiras y emociones, un retrato a las relaciones de pareja con una narrativa atrayente y uno de los mejores repartos del año.

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8. The Missing.

Más allá de tratarse sobre la desaparición de un niño, “The Missing” posee muchos matices, entre la tragedia y desesperanza, se traza el suspense paralelo del antes y después de su investigación, llena de poderío dramático y ante una soberbia interpretación de James Nesbitt, yace un thriller desgarrador.

7. Transparent.

El 2013 fue de Netflix, el 2014 de Amazon. Una propuesta diferente, arriesgada, porque la vida no es lo que parece y trae sorpresas, o al menos para la familia Pfefferman; un “dramedia” sensible, duro, sobre la transformación de un ser humano, la familia y la vejez con algunos convencionalismos y un Jeffrey Tambor lleno de carisma y talento.

6. Olive Kitteridge.

Soberbio melodrama con sello de HBO, 4 episodios que se enfundan en la vida de una familia formada por una mujer compleja, difícil, fría, para muchos con tonos depresivos; su marido, una persona tierna, solidaria y paciente, el yin y el yang, una antítesis narrada con delicadeza ante una Frances McDormand y Richard Jenkis que brillan en lo magistral de sus personajes.

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5. Hannibal.

Serie desapercibida por la mayoría de la audiencia -aunque quizás no sea para todas las audiencias por lo visceral y surrealista- tan cuidada en su fotografía que parece hecha por británicos, es una de las mejores series de los últimos años con la memorable actuación de Mads Mikkelsen haciendo olvidar inclusive al propio Hopkins.

4. True Detective.

Serie con una mística indeleble, uno de los mejores guiones escritos para la televisión de los últimos años, con una narrativa atrayente y que empezará a marcar tendencia; en medio de un atroz y escalofriante crimen se da el desarrollo y transformación de dos detectives interpretados magistralmente por el dúo McConaughey-Harrelson.

3. Boardwalk Empire.

La gran despedida del año, una temporada que recorrió su camino por la delgada línea de la perfección, el mejor papel en la carrera de Steve Buscemi bajo el mando de un Scorsese obsesionado por los detalles que siempre la distinguieron. Lamentablemente, pasó desapercibida por la audiencia.

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2. Happy Valley.

El año anterior no tuvimos a “Broadchurch” en pantalla, pero de nuevo los británicos la vuelven a hacer con este thriller que lleva la tensión al tope y posee la mejor actuación femenina del 2014, Sarah Lancashire está espectacular.

1. Fargo.

Quién diría que un spin-off televisivo del filme de los Coen –y precisamente de este filme- lograra tal excelencia. La distinción de Fargo yace en que posee el mismo ambiente y estética que los Coen le inyectan a su película, pero la serie logra una personalidad propia. Sí, dosis de humor negro, personajes carismáticos, diálogos con diferentes tópicos, sin dejar de lado la oscura personificación de Billy Bob Thornton a uno de los villanos más memorables de la TV junto a un Martin Freeman que se va haciendo camino a uno de los mejores actores de su generación.

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EXTRAS/ RESEÑA

análisis: el gran hote Nombre: El gran hotel Budapest/ The Grand Budapest Hotel Año: 2014 Género: Comedia.

Director: Wes Anderson.

Wes Anderson abre la puerta para dejarnos entrar nuevamente al universo que ha venido creando durante años, esta vez nos sienta por poco más de una hora para narrarnos un cuento sobre cómo dos empleados del gran Hotel Budapest, Gustave H. (Ralph Fiennes) y su fiel lacayo Zero Moustafa (Tony Revolori) se convierten en los protagonistas de un conflicto familiar que gira entorno a la recuperación de una valiosa pintura.

Bien se sabe que en una película de Anderson la historia suele pasar a segundo plano, ya que el director enfoca la mayor energía en la parte estética de la obra, siendo éste su sello personal.

Cada plano se encuentra tan bien detallado que roza con la perfección, dentro del universo casi teatral del director. La música alegre que combina perfectamente con los movimientos de cámara y transiciones disparatadas dan al film un ritmo excepcional, pero que no sabe detenerse ni en los momentos más "dramáticos". Los personajes, diseñados tan coloridamente, son interpretados de manera muy apropiada por un reparto que ya de por sí brilla con su sola presencia (incluyendo algún cameo que más bien le hace caer en lo pretencioso).

El director regala a nuestros sentidos una experiencia única y agradable, impregnada de una nostalgia que nos invita a regresar al Gran Hotel Budapest, es decir, a ése lugar donde todo es perfecto.

Lo peor: Un argumento que divaga entre un ambiente superficial de entreguerras.

Lo mejor: ¡La estética, por supuesto!

Aun con sus abusos y sus carencias, considero que la película logra su objetivo, al menos en mí. La recomiendo solo a personas que pueden desprenderse por un rato de lo racional y sentarse a disfrutar de una historia contada por un anciano que a su vez le contó otro anciano en un momento de frustración.

Calificación: ★★★★☆

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el budapest por eileen gamboa

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EXTRAS/ RESEÑA

por santiago faraldo

Las hazañas de Marty y su padre para no modificar el curso de la historia, junto a las de Doc para enviar al Delorian nuevamente al futuro, podrían o no hacer la diferencia en el presente que conocen los personajes, y esto como espectador me hace tan inolvidable, fantástica y entretenida esta película de ciencia ficción.

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Estimados lectores, en esta oportunidad nos adentraremos en una de mis películas favoritas estadounidenses que considero inmortales, dirigida y escrita por Robert Zemeckis, “Volver al futuro”, producida en 1985 por Steven Spielberg, Neil Canton y Bob Gale.

Muchos nos hemos preguntado alguna vez si es posible viajar en el tiempo, y hasta ahora, esta alocada idea no se ha materializado más allá de la ciencia ficción. Es aquí donde entran los personajes centrales de la historia Marty Mcfly ( Michael J. Fox) y el Dr. Emmett L. Brown, conocido como “Doc” (Christopher Lloyd).

Marty, un joven estudiante incomprendido por el sistema educativo, roquero y skater, quien tiene un estrecho lazo de amistad con “Doc”, un científico desordenado y desalineado hasta los pelos, con apariencia de poco instinto social, pero de increíble lealtad e ideas, desafían el tiempo y el espacio por medio de un automóvil tecnificado “Delorian”, siendo conducido este a 88 millas por hora.

Doc le comunica a Marty de su gran descubrimiento y lo invita a formar parte de él ayudándolo como asistente de cámara. A la 1:15 de la madrugada se encuentran en el estacionamiento del centro comercial Twin Pines y envían al perrito “Einstein” (particular nombre de la mascota de Doc) hacia el futuro.

Los resultados del experimento son excelentes, pero un gran inconveniente que se plantea minutos más tarde en Twin Pines cambiará el curso de la historia, obligando a Marty a viajar en el tiempo al 5 de noviembre de 1955.

La ciudad Hill Valley en la que viven Marty y su familia se encuentra muy cambiada en el año 1955, algunos de los primeros indicios son los viejos automóviles que transitan las calles, la cartelera de eventos culturales en las fachadas de construcciones, la gasolinera y vestimenta de quienes la atienden, la gran torre del reloj funcionando (en la actualidad no funciona) y terminando con la lectura de Marty de un periódico que le confirma la fecha en que se encuentra.

En su viaje al pasado, Marty se enfrenta a dos grandes problemas que constituyen la trama central de la historia. El primero de ellos es referente a su viaje de retorno al futuro que implica generar 1.21 Gigawats de energía para impulsar el Delorian a 88 millas por hora, y el segundo, el hecho de que conocer a sus padres antes de tiempo puede acabar con su existencia y la de sus hermanos si no convence a su padre de invitar y besar a su madre en el baile de graduación.

En cuanto a la familia del protagonista, se puede notar que cada actitud de sus padres en el presente (comienzo de la película) está respaldada por sus acciones realizadas en el pasado. La madre de Marty, considerada por su propio hijo como nacida para ser monja, por comentarios del estilo “cualquier chica que llama a un chico está buscando problemas” y “yo a tu edad jamás seguí a un hombre o lo llamé o me quedé sola con el” demuestra ser completamente incongruente poco más que acosando a su hijo del futuro.

El padre del chico en cambio, sigue siendo igual de introvertido y cobarde frente a Biff (en el futuro trabaja para él), un matoncito violento que no pierde oportunidad para aprovecharse de él y humillarlo. Marty por su parte es muy distinto a su padre, siendo la valentía y rebeldía parte de sus principios fundamentales.

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Sabias que..

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Martin Scorsese confesó su amor por la obra de Anderson y además dictaminó que sería una especie de sucesor de él.

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- ¿Sabes dar un beso de tornillo?

- Creo que sí. ¿Qué tiene de especial?

- Que las lenguas se tienen que tocar.

- Vale vamos a probar.

Suzy y Sam en Moonrise Kingdom

frases de película 45

- Anderson no se reduce únicamente a dirigir películas, ya que ha dirigido cortometrajes e incluso un hilarante comercial para American Express en donde éste se parodia a sí mismo y crea una versión distorsionada de su comportamiento.

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os

crédi t Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:

José Bueno/aarón mariscal/

raul flores creACIÓN DE CONTENIDO:

césar quintana /eduardo vasquez Artículos: eduardo Vásquez Desde Adentro: Leonardo Mancilla top 7: Victor hugo morales mondragón Zona Terror: David Gomez ojo seriéfilo: alexander loaiza cine asiático/oriental: andrés H. romero Diseño: Katerin Dueñas.

7+1: algo mas que cine :

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