Edicion 16

ABRIL 2015 / ED. 16

DESDE ADENTRO/ la asistencia de dirección: Trabajo en la pre-producción

7+1: ALGO MÁS QUE CINE/ who have this son of a b*tch a green card?

RESEÑAS/ birdman into de woods

MICHAEL

KEATON

EDITORIAL

el homb

"多Qu辿 fue primero: la Keaton perfecto para vida? 多O es todo un refl Lo cierto es que I単arr

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a gallina o el huevo? ¿fue Michael Birdman o la película es sobre su flejo de la realidad de Hollywod? ritu y Keaton lograron escupir la cara de la academia "

Una difícil carrera como actor, que a pesar de varios aciertos solo llega a ver la gloria a través de un personaje de cómic y después vuelve a descender como si su éxito profesional dependiera del súper héroe. Algo así como la pregunta ¿Qué fue primero: la gallina o el huevo? no sé si hablo del argumento de la película "Birdman" (2014) o de la historia de vida de Michael Keaton, si el actor fue perfecto para la historia o la historia era algún tipo de "Bio".

Lo cierto es que el más reciente trabajo de Iñárritu trajo a relucir esta condición de Keaton, pero no de la manera dramática con la que cualquiera la vería, no llorando por la nostalgia de éxitos que fueron como cortinas de humo, sino de una manera sumamente critica, donde Keaton demuestra con una interpretación de lujo, que dichas circunstancias no sucedieron por su incapacidad actoral, sino por lo cruel y superficial que puede ser el gremio, siendo él un actor con tanto potencial como lo viene a demostrar de la mano de Iñárritu, pero que quizá no tuvo las oportunidades apropiadas para trascender más allá de un súper héroe que por sí solo posee gran fama.

Inárritu quería darle un golpe bajo a Hollywood y lo logró de manera soberbia, tanto así que la academia se vio forzada a darle su máximo galardón por un trabajo que les "tocaba la llaga" pero que su excelencia no tuvo fuerte competencia, el hecho de negarle el Oscar a la película y/o al director solo les ponía en evidencia ante la clara justicia. Lamentablemente no fue así para Keaton, de él si se pudieron librar con una genial interpretación de Eddie Redmayne que resultó la excusa perfecta. Es por eso que este mes le dedicamos nuestra revista al hombre pájaro, el nuevo fénix, que levantó vuelvo desde las mismas cenizas en las que se encontraba y golpeando fuerte en la cara a Hollywood se elevó hasta la cumbre regalándonos la que sin duda será una de las interpretaciones más recordadas de los últimos años. Gracias por eso Iñárritu, gracias Keaton, este es nuestro homenaje.

la información que logra alcanzar la altura necesaria para ser vista, debe pasar por un filtro totalmente convenenciero

Eileen Gamboa Navarro Directora editorial www.revistazona7.com www.eileengamboa.jimdo.com

CONTENIDO 7+1: ALGO MÁS QUE CINE/ el caballero detrás de la sonrisa 6 who ghave this son a b*tch a green card? 8 DESDE ADENTRO/ la asistencia de dirección 10 BIO 7/ michael keaton 16 birdman: o la esperada virtud de iñarritu 20 ZONA TERROR/ the dead 22

DEL CINE A LA REALIDAD/ oscar: el taxista artista 24 ANIMACIÓN/ frank 26 OJO SERIÉFILO/ BATTLESTAR GALACTICA 28

EXTRAS cine peruano: un sol la bolsita mandarinas con sabor a derrota antes de birdman estuvo batman into the woods

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7-1: ALGO MAS QUE CINE

WHO GAVE THIS SON OF A B*TCH A GREEN CARD? Y los mexicanos agradecemos al hijo de puta (o de perra), que otorgó la “Green Card” a Alejandro González Iñárritu. Pero de algo si hay que estar seguros, gano el director por su película, no México y a mí, como algunos otros, no me ofendió el gran chiste de la noche.

Antes que nada te preguntaré, ¿realizaste la quiniela para esta entrega?, ¿ganaste o perdiste?, ¿le atinaste a todas o algunas?, pero sobre todo...¿Cuál fue la película rompequinielas? -en lo personal diré que sabía que iba a ganar Birdman, por todos los premios que traía atrás, pero estúpidamente me fui por Boyhood y sus doce años, eso era lo que le gustaba a la academia, ¿no? Y no, no me voy a poner como el señor mister Donald Trump, si ya saben cómo escribo.

Como muchos sabemos, Birdman se llevó y sorprendió en la noche de la entrega, al recibir los premios a "Mejor Director", "Mejor Película", "Mejor Guión" y "Mejor Fotografía" por “El Chivo” Lubezki. Alejandro González Iñárritu nos sorprendió, este compatriota mexicano. Pero, ¿qué pasa realmente, antes de entregarle el último premio de la noche? Aparece Sean Penn y cuando abre el sobre dice lo siguiente:

"Who Gave This Son Of A Bitch A Green Card" Antes de proseguir, ¿algún compatriota mexicano, cómo se sintió al escuchar este chiste de Sean Penn, yo lo diré de una forma sencilla, y brusca: “Me encantó que este hijo de perra dijera eso”, ¿por qué? Pues hasta el mismo Alejandro Iñárritu ha dicho que sí, su amigo se manchó con ese chiste, pero lo dijo por la buena relación que ellos dos tienen desde la película 21 gramos.

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Además ese chascarrillo fue grandioso y justo para entregar el premio al mexicano. ¿Saben lo que odio de algunas personas?, la maldita y falsa doble moral…Pobre Sean Penn, sí que la sufrió gacho en redes sociales. Por ahí uno que rescaté fue #SeanPenndejo ¿apoco ustedes no se llevan así con algunos amigos?.

Pero verdad que nos invade la doble moral, por ejemplo esto se ve de lejos y es que si eres de los que dicen groserías pero no te gusta escuchar que las digan, pues tienes doble moral. ¿Me entiendes?

Yo me siento molesto con las personas que se ofendieron por este gran e ingenioso chascarrillo, explico mis puntos: -El filme Birdman está realizado, dirigido por un mexicano -aunque tenga guiños y referencias a nuestra cultura- no es mexicano al 100% más bien es estadounidense, ya que acá no tenemos o no se les da las facilidades a proyectos así.

-Fue un gran mini-speech que dio Sean Penn para su gran amigo Iñárritu. Penn fue dirigido por el mexicano en la película 21 Gramos y como lo ha dicho en entrevistas, su humor es bastante pesado y algo singular, el mexicano habló con el actor y aunque le dijo que fue ácido, pero estuvo chingón.

-La doble moral

-Yo defiendo a este actor, puesto que fue el speech más interesante y gracioso de la noche para entregar un premio y cerrar genialmente la noche.

Me disgustan las personas que se ofendieron por esa frase, pero ¿qué tal cuando dicen joto, marica, puto, pinche indio, ignorante de mierda, pobre por redes sociales, no se encabronan? Tenemos una sociedad de doble moral. Me da pena decir o escribir esto pero es la verdad, doble moral, ¿ya lo había dicho, no?

REVISTA ZONA 7 -Los Premios Oscar no se pusieron patriotas, como uno pensaría...

Digo, pensé que ganaría American Sniper o la casi olvidada Boyhood -aunque Patricia Arquette se llevó un premio- pero todos nos dimos cuenta que Selma gano con mejor canción. Aquí demostramos que EE.UU. no se perdona por esclavizar a la gente de raza negra.

Y puedo seguir diciendo muchos puntos más, pero los más importantes son esos, imagina si habláramos del discurso de Alejandro G. Iñárritu, fue explosivo, certero y claro; condenado a muchas críticas, eso es la cereza del pastel.

Y lo citaré...

"Para finalizar, solo quiero tomar un segundo, quiero aprovechar la oportunidad para dedicarle este premio a mis compatriotas mexicanos, a los que viven en México. Rezo para que podamos encontrar y construir el gobierno que nos merecemos y a los que viven en este país que son parte de la última generación de inmigrantes, en este país, solo rezo para que los traten con la misma dignidad y respeto como trataron a los que llegaron antes y construyeron esta gran nación de inmigrantes. " Y me tomaré la libertad, como no lo he hecho con algunos otros artículos de esta revista y lo he hecho desde el inicio de dicho artículo pero ahora se lo digo a los mexicanos que nos leen y a los de otras partes a donde llega esta revista… ¿Tan cabrona y perra está la situación de nuestro país?, ¿tenemos un buen gobierno en México?

Y no solo en México, también en otras partes del mundo. Pero bueno, ¿qué te digo?, creo que lo que más causó polémica y revuelo fue esto: “WHO GAVE THIS SON OF A BITCH A GREEN CARD?”, ¿alguien sabe?

Para que me diga y hacerme famoso por Hollywood.

Y por último un ejercicio, ¿qué piensas de lo ya antes mencionado por Sean Penn?, ¿qué opinas de la sorpresa de Birdman al llevarse “Mejor Película”?, ¿te imaginabas que ganaría el director mexicano?

Sí, hago una crítica social a mi país, a lo sucedido en los Oscar 2015, que esta vez no me fallo. Pero sobre todo, como consejo no tengan doble moral y diviértanse en la vida, hagan su película de vida agradable, con buen guión, actores y sobre todo que siga por todos los días. Nunca sabes cuándo Sean Penn o tu mejor amigo te pueden decir algo conmovedor para entregarte un Oscar 7

7-1: ALGO MAS QUE CINE Un personaje que ha sufrido demasiado, que observó la muerte de sus padres en una noche fría, cuya espina dorsal ha sido envuelta por el miedo, ha visto la muerte de un amigo a causa de la risa, ha quedado congelado y hay muchos enigmas en su vida. ¿Sabes de qué personaje hablo? Bueno, es aquél caballero de la noche, aquél caballero que la ciudad no necesita por ahora, ¿o sí? Es Batman y antes de que comencemos quiero citar a un politólogo de nombre Benjamin Kerstein, al referirse al caballero de la noche con lo siguiente:

“El Caballero de la noche es un espejo perfecto de la sociedad que está viendo la cinta: una sociedad tan dividida en materia de terrorismo y cómo combatirlo que, por primera vez en décadas, no existe una verdadera opinión pública americana”.

Recordemos Batman, aquella película estadounidense estrenada en 1989 y basada en el personaje homónimo de DC Comics. Esta es la primera de las cuatro películas que inician la primera serie fílmica de Batman. La cual está dirigida por Me gusta armar polémica, pero sin desmeritar el trabajo Tim Burton y protagonizada por Michael de cada uno de los actores, para ti ¿quién ha sido el mejor Keaton, Jack Nicholson y Kim Basinger.

Joker? Por otra parte, debo decirte que aquél hombre de Actualmente la visión de Burton respecla frase “Aquí está Johnny”, les hablo de Nicholson, para to a esta primera película es la siguienel papel de Joker aceptó esto bajo estrictas condiciones, te: ¿cuáles eran?

“Siempre me dije que mi material …Bueno, incluían un elevado salario, un porcentaje de era un tanto oscuro, pero ahora, mi las ganancias que se recolectará en taquilla y libertad para verdadera visión de Batman se ve simdecidir el horario del rodaje. ¿Nada exigente este actor, no? plona en comparación con el trabajo Para los fans de los cómics, debo decirles que la película está de Christopher Nolan” pero lo que inspirada en parte por los cómics The Killing Joke y The Dark pasaría si te digo que en su tiempo Knight Returns. la elección de Keaton resultó controAlgo que ha dicho Michael Keaton acerca de su vertida, ya que en los últimos años el personaje como Batman fue… “Nolan es increíactor había quedado solo en papeles cómicos y los espectadores no blemente brillante. Es la persona que realmente lo encontraban creíble en un papel entendió cómo hacerlo y lo llevó a un siguiente de este calibre. Sin embargo, Burnivel”. ¿Ustedes creen que esto sea cierto?, ¿qué ton solo hizo un puchero enorme e hizo que Keaton apareciera en esta admiran más ustedes, lo nuevo o lo viejo? cinta.

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EL CABALLERO DETRÁS DE LA SONRISA Pero gracias a Adam West y Keaton por haber sido parte del mundo de Gótica, y hay que ver la personalidad de Batman como tal…Categóricamente es un criminal, no lee sus derechos a nadie, y eso es algo que Chris Nolan ha entendido a la perfección.

En palabras de Frank Miller, creo que justamente esto es cierto, hasta tal grado que no importa quién o qué actor interprete al murciélago, la historia SIEMPRE CONTARÁ EL REFLEJO DE LA SOCIEDAD COMO TAL Y NUESTROS MAYORES MIEDOS, PERO SIEMPRE HABRÁ UNA SONRISA DELANTE DE CADA PERSONA. 9

DESDE ADENTRO

La asistencia

de dirección A partir de esta edición entraremos a explorar el departamento favorito de nuestros lectores, “el departamento de dirección”. Pero antes de hablar propiamente del director y sus labores, debemos hablar de los demás miembros de su departamento, quienes son la verdadera base para que el director conciba logros reconocibles. Tales miembros son: sus asistentes de dirección y el Script (o continuista como se le conoce en algunos países de habla hispana). Dando comienzo con la figura de “el asistente de dirección”.

Consejero y mano derecha del director durante la preproducción y jefe del rodaje durante la producción, el equipo de asistentes de dirección tiene una de las tareas más importantes del quehacer cinematográfico, lograr que el proceso de rodaje sea exitoso y que todas las labores de dirección sean cumplidas.

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REVISTA ZONA 7

Trabajo en la

pre-producción PERRFIL DEL

ASISTENTE DE DIRECCIÓN La palabra “asistente” se queda corta para perfilar a este profesional, el asistente de dirección tiene que saber “absolutamente todo en una producción”, y cuando digo todo, es “TODO”.

Desde alimentos que no pueden comer los actores hasta los horarios de trabajo de los luminotécnicos, desde la curvatura de color con la que va a trabajar el director de fotografía hasta cada una de las paletas de colores del director de arte, desde el tipo de telas de los vestuarios que usaran los vestuaristas hasta a qué hora se sirve el café de la producción.

Todo, incluso más que el director.

Se puede decir que se le minimiza por su título de asistente, esto sucede porque en la jerga latinoamericana un asistente no es más que alguien que trae el café y hace labores de mensajería.

Pero en Europa, de donde viene el concepto, un asistente es visto como un colaborador importante, un consejero y compañero. Algu-

nas productoras en Latinoamérica han cambiado el título de asistente por el de “Jefe”, y es que después de todo, esa es la labor del asistente de dirección, ser el jefe del flujo de trabajo durante las tres etapas de la creación de una película y ser el jefe del departamento de dirección. Solo él, el director y los productores pueden decidir a quién despedirSolo en cortometrajes se usan uno o dos asistentes de dirección, debido a que son por mucho 9 días de rodaje (y esto es una exageración). Por lo general, en largometraje el equipo de asistentes de dirección es de tres o cuatro. En casos de una súper producción de industria, va de seis a diez asistentes de dirección. No todos hacen las mismas tareas, sus labores son divididas, siendo el primer asistente de dirección el que ocupa el cargo más alto y quien se ocupa de las labores más importantes y los demás ocupan labores cuyo nivel de importancia es proporcional al número de asistente que tiene.

Como un ejemplo graciioso, en la película My Week With Marilyn (Mi Semana Con Mailyn, Simon Curtis, 2011) cuando el personaje de Colin Clark (Interpretado por el reciente ganador del Oscar Eddie Redmayne) es contratado para ser el tercer asistente de dirección de Sir. Laurence Olivier, el primer asistente se le acerca y le pregunta: “¿Sabes lo que hace un tercer asistente de dirección?”, a lo que él responde: “Asistir al director”. El primer asistente muy furioso le regaña diciéndole: “Eso es lo último que vas a hacer”. Esto se debe a que solo el primer y el segundo asistente de dirección es el que tiene la labor de consejero y de jefe del rodaje Los demás asistentes se ocupan cada uno de un departamento para coordinar. Y Colin Clark tuvo que coordinar el departamento de arte.

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DESDE ADENTRO Los asistentes de dirección son (y deben ser) las personas más organizadas del equipo de producción. Un asistente de dirección desorganizado es una producción perdida y con problemas.

Aunque pueda decirse que el logro en asistencia de dirección no se ve en el resultado final de la película, no es así. Prácticamente el 50 % del logro en dirección se debe a un buen asistente de dirección.

que se hacen con producción para adelantar adecuaciones de cuestiones de producción que van desde las locaciones hasta la distribución, también se contempla el casting, las reuniones de ensayos con actores, todos los días de rodaje –cosa que luego va a ser contemplada a profundidad en el plan de rodaje- y las fechas de entregas de cortes de la post-producción.

LABOR DURANTE LA PRE-PRODUCCIÓN

CUESTIONAR, ACONSEJAR:

El MAPA: Cuando los contratos ya están firmados y el guion se encuentra en el escritorio de todos los directores de departamento, el director en conjunto con sus asistentes de dirección (solo del primero y del segundo) comienza una serie de reuniones con todo su equipo.

Dichas reuniones se realizan a partir de un “Cronograma” contemplado entre los asistentes de dirección y los productores en cuento, el proyecto está aprobado. Esta es la primera labor a realizar por el asistente de dirección y en este cronograma contempla cada una de las reuniones de pre-producción, las reuniones con cada departamento, las reuniones de todo el equipo, la

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PROPONER

Y

El cronograma sirve como un mapa que traza detalladamente el destino al que se quiere llegar. Si no se cuenta con un cronograma de fechas, la película tardará años en terminarse.

La segunda labor del asistente de dirección en preproducción es la de acompañar e interceder en las decisiones del director durante las reuniones con el director de fotografía, el director de arte, el sonidista, el montajista, el post-productor de sonido, el creador de efectos visuales, y los productores y todos los demás directores de departamento.

El asistente de dirección cuestiona al director sobre sus decisiones, lo guía hacia una mejor decisión y respeta su labor de construcción de una estética propia o su sello como director, incluso se puede decir que muchos de los estilos de directores famosos nacieron en la mente de sus asistentes de dirección.

Emannuel Lubezky Alfonso G. Iñarritu y Michael Keaton en el rodaje de la pelicula "Birdman, or the unexpected virtue of ignorance" que requirió una ardua preparación ya que fue montada como un plano secuencia de larga duración.

REVISTA ZONA 7 Michelangelo Antonioni y Wim Wernders en el set de grabación de "Beyond the clouds", el segundo trabajaría en varios proyectos para Antonioni como su asistente de dirección, para luego empezar a hacer sus propios proyectos

UN POCO DE HISTORIA: De manera contraria a lo anterior, muchos nuevos directores nacieron a partir de ser asistentes de dirección. Un claro ejemplo de esto se denota en la línea narrativa y estilística de una serie de directores de distintas nacionalidades que trabajaron como asistentes de dirección de un aclamado director, para luego ellos convertirse en directores tan grandes como sus mentores.

Aunque existen muchos ejemplos como este, es justamente este el que más demuestra la influencia de un director sobre su asistente de dirección. Esta línea tiene las siguientes características estéticas: Grandes planos generales, arte minimalista, puesta en escena sencilla con pocos personajes corales, paleta de colores naturalista. Y las siguientes características narrativas: dramas familiares sencillos, con pocos personajes pero con un sentido dramático complejo, romances plasmados en la desolación e incomunicación de sus personajes, grandes viajes personales por paisajes o lugares desolados.

Ahora bien, esta línea es la siguiente. Cuando Yashujiro Ozu comenzó a ser conocido internacionalmente como uno de los directores más importantes de Japón en sus relatos sencillos sobre el Japón de postguerra, un joven italiano quiso ser su pupilo y Ozu lo contrató como su asistente de dirección. Este joven Italiano regresaría a su país para convertirse en director, su nombre: Michelangelo Antonioni. Cuando Antonioni se convirtió en uno de los directores más influyentes de los 60’s, viajó a Inglaterra para filmar “Blow-up”, allí un joven alemán le pediría ser sus asistente de dirección, Antonini aceptó y el alemán fue asistente de dirección de algunas de sus películas hasta que decidió volver a Alemania, donde se convirtió en director de cine, y hoy lo conocemos como Wim Wenders.

Wenders contrató como su asistente de dirección en algunos de sus primeras películas a un joven estadounidense que al volver a su país se convertiría en “Jim Jarmush”.

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DESDE ADENTRO CAPACIDAD DE PRODUCCIÓN: El asistente de dirección funciona como un hibrido entre las labores de producción y de dirección, es decir, de logística y de creación.

La comunicación ente director y productor es vital para que la idea de la película sea libre y se logre concebir. Es por ello que el asistente de dirección no solo acompaña al director en sus reuniones, sino que también al productor en sus labores de “Scouting de locación” que es la búsqueda de las locaciones deseadas, y en caso de que hayan escenas a rodar en set, ayuda en su construcción dando ideas al escenógrafo y al director de arte y ayudando al diseñador de producción en labores de coordinación de construcción. Esta es su tercera labor.

EL AMIGO ACTOR: Como cuarta labor tiene el deber de estar pendiente del casting –en algunas producciones independientes lo dirige-. Prácticamente es quien hace la convocatoria y los contactos con actores y/o representantes. Cuando el director de casting escoge los actores que tienen el perfil de personajes que se desea, son los productores y el asistente de dirección quienes proceden a la contratación y a determinar las fechas de ensayos con el director. Como mínimo deben realizar tres ensayos con los actores. El primero es una reunión con todo el reparto actoral para hacer lectura del guion y para hacer una charla sobre la historia y los personajes y aclarar dudas. El segundo es un ensayo con todo el equipo actoral en el que se les cita por escenas, obviamente el protagonista estará presente en casi todo el ensayo, los actores de reparto solo estarán por algunas horas. Y la tercera es un ensayo con cada actor. Depende del director si desea hacer más ensayos antes del rodaje. El 14

asistente de dirección (primero y segundo) está presente en los dos primeros ensayos en los personales, solo está el director con cada actor. Cualquier inquietud del actor es respondida por el asistente de dirección y todo tipo de llamado o contacto extraordinario lo realiza este.

El asistente de dirección se debe hacer el mejor amigo de los actores, sobretodo de los principales, independientemente de si ellos se llevan bien o no con el director; aunque cabe decir que un buen director siempre va a ser amigo de sus actores, aunque con la gran diferencia de que el director desconoce sus alergias, su dirección de casa y el sabor de su helado favorito, como sí lo sabe el asistente de dirección, tanto por amistad como por investigación.

SABERLO TODO, PARA ORGANIZARLO TODO:

Su quinta labor es la de revisar y aprenderse todas las propuestas y desgloses de cada departamento, además de los presupuestos. Como mencioné en principio, el asistente de dirección lo debe saber todo, y sin esperar que el director lo sepa o no. “Cualquier idiota puede ser director en Hollywood por un día” menciona uno de los personajes de la película “Argo” (Ben Affleck, 2012); pero no cualquiera puede ser primer asistente de dirección por un día, ya que esta es la profesión cinematográfica que más niveles de estrés maneja -y también la que más enseñanzas deja sobre el mundo cinematográfico.

DESGLOSE DE DIRECCIÓN Y CUADERNO DE INTENCIÓN: Además de leer y aprenderse las propuestas y desgloses de todos los departamentos, la sexta labor del asistente de dirección durante la pre-producción es la de “elaborar junto con el director el desglose de dirección y el cuaderno de intención”. Esto dos son formatos divididos por escenas que funcionan como guía para el director durante el rodaje y como exposición de lo que desea hacer el director. Es un trabajo largo que el asistente de dirección ayuda a elaborar para tener total conocimiento de la visión y deseos del director. En el desglose de dirección el director describe en un formato que sucede en una escena, como es su iluminación y arte, y en el cuaderno de intención se describen los personajes, qué hacen y cómo se sienten anímicamente, y le sirve al director para dirigir a los actores.

Akira Kurosawa y Kajiro Yamamoto son otro gran ejemplo de de que muchos directores empiezan como asistentes de dirección, Yamamoto es considerado el mentor de kurosawa, quien luego se convertiria en uuno de los directores mas influyetes de japón

REVISTA ZONA 7 EL PLAN DE RODAJE: La séptima labor del asistente de dirección sienta las bases para el rodaje y su total éxito. Construye un formato llamado “Plan de rodaje”. Este es un formato de rodaje por día en el que se organiza el orden de los planos a grabar. Por lo general no se graban más de 12 planos diarios. Sin importar que sea un plano secuencia de 20 minutos o un plano detalle que está pensado a durar en “Timming” (duración de un plano en montaje) 8 segundos, el aproximado de grabación de un plano es de una hora. El asistente de dirección elabora el plan de rodaje dejando mínimo una hora para grabar cada plano. No importa que en rodaje un plano que fue previsto a rodar una hora salga en 24 minutos, siempre suceden contratiempos (en realidad siempre, todos los días de rodaje) que alteran el plan de rodaje y depende del asistente de dirección que no sucedan atrasos.

Las jornadas laborales de los días de rodaje van de 8 a 12 horas, teniendo en cuenta tiempo de tras comidas (desayuno, almuerzo y cena) y de 2 refrigerios todos los días. También tiempos de descansos cortos y dejar entre planos quince minutos para traslado de cámara, reubicación de luces y para volver a explicar la intención de la escena a los actores si es necesario. Además, si hay que transportarse de un lugar a otro se debe poner ese tiempo estimado de transporte en el plan. Ni un solo plano debe faltar en el plan de rodaje, de ser así no se grabaría y habría complicaciones En el plan de rodaje deben ir contempladas varias observaciones que van de dudas hasta factores que no parecen ser determinados hasta el rodaje pero que deben estar allí escritos para su pronta solución. Observaciones tales como: de qué manera deben hacerse los cambios de vestuario, como afectaría un atraso en el tiempo el rodaje de una escena o que se podría hacer para solucionar un problema con el rodaje de un plano complicado. Por esa razón el asistente de dirección debe saberlo todo, desde los días dramáticos hasta los valores de plano y sus dificultades para ser grabados, porque es él el único que objeta antes de rodar sobre las dificultades y soluciones.

Esta es la última labor a realizar en la pre-producción. El plan de rodaje debe ser revisado por todos los jefes de departamento para que ellos señalen sus inconformidades y estas sean solucionadas. También lo revisa el productor, quien determina si es factible por tiempo hacer tal cantidad de planos o acomodarse a sus dificultades, esto es porque el productor siempre va a tener vista en que no se aumenten los gastos y que un plan de rodaje mal hecho puede aumentar los gastos y uno bien hecho puede ahorrar algunos gastos innecesarios. Gastos como alquileres de equipos como una grúa en un solo día para que ese mismo día se graben todos los planos con grúa y no en varios días, eso ahorra mucho dinero.

Billy Wilder y Marilyn Monroe en el set de "Some like it hot" una de las películas que catapultó la fama de la actriz, que tuvo varios problmas , se le olvidaban los dialogos y en ocasiones llegaba tarde a grabación, siendo todo un reto complacerla para el asistente de dirección Sam nelson. Otro dato curioso es que Wilder fue el único director que trabajo con la estrella en dos ocasiones.

*Preparado todo para el rodaje: Teniendo el plan de rodaje listo y todo coordinado, se puede comenzar el rodaje. En esta instancia comienza la labor más ardua y complicada del quehacer cinematográfico, filmar una película, y con ello un tiempo determinado por el número de planos a rodar y las facilidades de producción que va de uno a cuatro meses (el promedio es de dos meses) que se llama “RODAJE”.

Próximamente: El Asistente de dirección. El jefe del rodaje.

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BIO 7

mich Michael John Douglas, 5 de septiembre de 1951, Pensilvania, Hospital Valle de Ohio. Menor de siete hijos, le gustaba bromear como una forma de llamar la atención. Su padre trabajaba como ingeniero civil, mientras que su madre se quedó en casa para cuidar de los niños. En la escuela, Keaton mostró su interés en la actuación mediante la realización de sketches humorísticos.

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REVISTA ZONA 7

hael keaton Después de asistir a la Universidad Estatal de Kent por dos años, Keaton la dejó para dedicarse a la actuación.

Encontró trabajo como taxista, conductor de camión de helados en su ciudad natal por un tiempo, y probó suerte en la comedia stand-up. En 1975, Keaton hizo su debut en televisión en la serie infantil Barrio de Mister Roger , que fue filmada en Pittsburgh. Más tarde se trasladó a Los Angeles, donde comenzó a aterrizar algunos trabajos en televisión. Keaton cambió su apellido con el fin de evitar la confusión entre él y el famoso actor Michael Douglas. Después de ver un artículo sobre la actriz Diane Keaton, Michael decidió que le gustaba el sonido de su apellido y lo hizo suyo.

En 1977, Keaton se unió al elenco de la comedia de situación de All Feria . Jugó el rol de un asesor presidencial en la efímera serie, protagonizada por Richard Crenna y Bernadette Peters. Después de apariciones en series como María , Maude , y Familia , Keaton obtuvo un papel protagónico en la comedia Stiffs. El espectáculo sólo duró un mes. En 1982, Keaton intentó de nuevo para televisión con Informe de Murphy , una comedia en la que interpreta a un oficial de libertad condicional. El programa salió al aire por un mes y medio antes de ser cancelado.

Si bien no pudo encontrar la fama en la televisión, Keaton estaba empezando a experimentar el éxito en el cine.

Protagonizó con Henry Winkler y Shelley Long en el turno de noche (1982), una comedia dirigida por Ron Howard.

La película cuenta la historia de dos trabajadores de la morgue que inician el uso de su lugar de trabajo como un burdel. La película fue recibida con éxito de crítica; coprotagonista Henry Winkler ganó un Globo de Oro por su actuación, y Keaton fue reconocido con un Kansas City Film Critics Circle Award por Mejor Actor de Reparto. Asistencia y taquilla, sin embargo, fue baja.

Al año siguiente, Keaton tuvo un gran avance carrera con la comedia doméstica Sr. Mamá , una película sobre un hombre que se convierte en un padre que se queda en casa después de perder su trabajo. La película se convirtió en su primer gran éxito, recaudando más de $ 64 millones en el país.

Keaton luego protagonizó Johnny peligroso (1984), una parodia de las películas de gánster. Por desgracia, la película recibió el desaire de crítica y público por igual.

En 1986, Keaton fracasó de nuevo con Gung Ho , que encontró el humor en una planta automotriz estadounidense después de una adquisición por parte de un fabricante de automóviles japonés. En 1988, sin embargo, Keaton demostró su rango como intérprete con dos películas muy diferentes. Actuó como un demonio travieso que ayuda a un par de fantasmas (Alec Baldwin y Geena Davis) a deshacerse de una familia que se mudó a su antigua casa en Beetlejuice . Dirigida por Tim Burton, la película sobrenatural convirtió en un éxito popular. "Tim y yo tenemos la misma sensibilidad. Él tiene esta oscuridad y melancolía en él que es un poco rara", explicó más tarde Keaton al periódico "Guardián".

Keaton hizo alarde de su capacidad para manejar el material dramático en su próximo proyecto, limpio y sobrio .

En la película, él jugó un agente de bienes raíces con un problema de abuso de sustancias. La Sociedad Nacional de Críticos de Cine reconoció a Keaton por su interpretación en 1988.

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REVISTA ZONA 7 Keaton se trasladó a la tarifa taquillera en 1989, asumiendo el papel de uno de los más famosos personajes de cómic del país en Batman (1989) y su secuela, Batman vuelve (1992). Las películas reunían a Keaton con el director Tim Burton y jugaron el famoso personaje de Batman con un borde más oscuro que había sido retratado en encarnaciones anteriores El Batman de Keaton estaba nervioso, de mal humor, y emocionalmente herido. En las películas, se enfrentó a estos chicos malos legendarios como el Joker (interpretado por Jack Nicholson) y el pingüino (interpretado por Danny DeVito). Val Kilmer sustituirá Keaton para la tercera entrega. George Clooney y Christian Bale también siguieron los pasos de Keaton en las últimas películas de Batman.

Una vez más mostrando su rango como actor, Keaton tuvo un papel secundario en la comedia de Shakespeare Mucho ruido y pocas nueces (1993), dirigida por Kenneth Branagh.

Ese mismo año, protagonizó junto a Nicole Kidman en mi vida , jugando a un hombre frente a la muerte de una enfermedad terminal. Keaton protagonizó El Libro (1994) como director de un periódico de Nueva York. Una vez que trabaja un ángulo literario, jugó como redactor de discursos políticos en la comedia romántica Speechless (1994) enfrente Geena Davis. Keaton luego protagonizó Harold Ramis comedia Multiplicidad como un hombre que capaz de hacer copias de sí mismo. Ninguna de estas películas se correspondía con el éxito de sus primeros éxitos, sin embargo.

En 1997, Keaton trabajó con el director Quentin Tarantino en el thriller Jackie Brown , una adaptación cinematográfica de una novela de Elmore Leonard. Jugó un papel secundario como un agente de la ATF que revienta una azafata Jackie Brown (interpretado por Pam Grier) por dinero en efectivo para el contrabando de un traficante de armas (interpretado por Samuel L. Jackson). Retomando su papel, Keaton hizo un cameo en la de Steven Soderbergh Out of Sight (1998).

La carrera de Keaton parecía estar en declive en el comienzo de 2000, con sólo unas pocas apariciones especiales de televisión. Luego actuó en la película para televisión 2002

en vivo desde Bagdad , sobre reporteros de CNN durante la Guerra del Golfo. Por su impresionante trabajo en el proyecto, Keaton recibió una nominación al Globo de Oro a la Mejor Interpretación de un Actor en una Miniserie o Película Hecha para Televisión. Su compañero de reparto, Helena Bonham Carter, también fue nominado a un Globo de Oro. Tras el éxito de Live from Bagdad , Keaton comenzó a trabajar en una serie de proyectos cinematográficos. Jugó el presidente en el 2004 la comedia Primera Hija protagonizada por Katie Holmes. En 2005, apareció en tres películas: el drama independiente Juego 6 ; el thriller sobrenatural White Noise ; y la familiar Herbie Fully Loaded .

En 2006, Keaton expresó uno de los personajes de la popular película de animación Cars . Al año siguiente, regresó a la televisión con un papel en La Compañía , una película sobre la CIA. Keaton se puso tras la cámara en 2008, cuando hizo su debut como director en el bajo presupuesto drama independiente The Merry Gentleman . También actuó en el proyecto junto con Bobby Cannavale y Kelly Macdonald. En la película, Keaton jugó un sicario deprimido que se enamora de una mujer que intenta recuperarse de una relación abusiva. "Si he hecho las cosas bien [el público] disfrutar de pasar tiempo con estas personas, y van a querer ver cómo las relaciones juegan fuera," Keaton explicó a "El Guardián".

Keaton volvió a sus raíces de comedia con de 2009 Post Grad , jugando el padre de un estudiante de la universidad reciente de empezar en la vida. Su voz se escuchó también en la próxima película de animación Toy Story 3 . Trabajar con Damon Wayans Jr., Will Ferrell y Mark Wahlberg, Keaton protagonizó The Other Guys , así, la próxima comedia de acción.

En el otoño de 2014, regresó con su papel de liderazgo en Birdman o (La Virtud inesperado de la ignorancia) , una película que sigue las tribulaciones de un actor de super-héroe inseguro que buscan regresar a la luz de calcio a través de Broadway. Dirigida por Alejandro González Iñárritu y co-protagonizada por Emma Stone, Edward Norton y Naomi Watts, el proyecto le dio a Keaton una serie de aclamaciones, entre ellas un Globo de Oro 2015 y ganando una nominación al Oscar.

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BIO 7/ RESEÑA

“¿Y CONSEGUISTE LO QUE QUERÍAS DE ESTA VIDA, A PESAR DE TODO? SÍ LO CONSEGUÍ.” “¿Y QUÉ ERA LO QUE QUERÍAS? CONSIDERARME AMADO, SENTIRME AMADO EN LA TIERRA.” por alexander loaiza Con esas líneas del poema “Late fragment” de Raymond Carver, el director mexicano Alejandro G. Iñárritu nos presenta su quinto filme, Birdman: Or (The Unexpected Virtue of Ignorance), una historia que narra las (des) ilusiones de Riggan Thomson, un actor en decadencia, quien se hizo famoso en los años 90s por interpretar a un superhéroe, busca encontrar nuevamente el reconocimiento al actuar, dirigir y escribir un cuento de Carver en uno de los teatros más prestigiosos de Broadway.

Con Birdman, Alejandro explora terrenos desconocidos en su filmografía, la comedia negra, pero mantiene por medio del dramatismo la visión deprimente de la naturaleza humana que lo ha caracterizado, claro está, en una línea más alejada de sus trabajos anteriores. Para el director, Birdman centra su narración dentro del concepto de metarrealidad, quiere decir, el mecanismo por el cual se quiere expresar la realidad por medio de lo icónico en algo ficticio, es así como en la película se puede apreciar un autorretrato tanto de él mismo como del actor Michael Keaton y sus compañeros de reparto, enfundadas en una crítica ácida hacia las superproducciones hollywoodenses de la actualidad que se han vuelto tendencia a partir de las adaptaciones de comics, lo que el espectador moderno desea ver en la gran pantalla y la búsqueda innecesaria de la felicidad en lo externo o el significado banal de la existencia en la era de la comunicación.

Sobre ese concepto fluye un lenguaje cinematográfico grandilocuente que es llevado a cabo por la dirección de uno de los mejores cinematógrafos de la industria actual, el mexicano Emmanuel Lubezki. La cinta es filmada casi en su totalidad con cámara en mano y steadicam para plasmar la visión que Iñárritu tenía del filme, la de crear continuidad como 20

la vida misma por medio de un solo (falso) plano-secuencia. Pero esta labor no es solamente mérito de Lubezki, también lo es del camarógrafo que se encuentra en constante movimiento, así como de los montadores Douglas Crise y Stephen Mirrone, logrando una precisión de tal manera que cada corte fuese imperceptible al ojo del espectador, sincronizado perfectamente por el colorista Steve Scott para mantener una congruencia de matices en cada una de las imágenes. Todo esto, envuelto bajo un electrizante solo de batería proveniente de un prodigioso Antonio Sánchez, la percusión se convierte en un personaje principal de la película. Además del exhaustivo trabajo técnico que conllevó la producción, el departamento actoral fue el otro elemento que debió adecuarse a dicho reto, grabando la mayoría de tomas en 10 minutos, siendo una de 15 minutos la de mayor duración entre todas las que fueron filmadas. Un solo error implicaba grabar nuevamente la toma hasta que esta fuese ejecutada en la manera que estaba planeada. Es por ello que el reparto realizaba ensayos en una maqueta a escala real de los interiores del teatro para trabajar cada uno de los diálogos e interacciones que los personajes debían tener sobre el escenario al momento de la filmación, siendo este el trabajo más exigente dentro de la carrera filmográfica del mexicano por la meticulosa dirección actoral que esta requirió y que le ha valido múltiples premios.

La búsqueda por ser alguien en este mundo. En 1989 Michael Keaton alcanzaría la fama y el dinero tras la interpretación de uno de los personajes más icónicos de los comics, Batman, tras dos filmes bajo la batuta del director Tim Burton. En 1992 el actor se retira del papel, desde entonces la sombra del superhéroe enmascarado lo ha acompañado en medio de una carrera poco lúcida e incluso se le considera el mejor Batman hasta la fecha. No es casualidad, entonces, que Alejandro G. Iñárritu decidiera que el indicado para su historia era el mismísimo Keaton; Riggan Thomson por lo tanto representa una homología de este pero también de nosotros y lo que constituye en esencia la naturaleza humana. Birdman funciona como álter ego de Riggan, uno desea nuevamente la fama y el dinero que ganaron en los 90s con blockbusters, mientras que el otro busca la reivindicación de su vida como padre, persona y actor dando todo lo que queda de sí en una obra de teatro. El ego nos puede hacer volar

BIRDMAN

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(O LA eSPERADA VIRTUD DE IÑARrITU)

tan alto como un cometa pero también nos puede hacer caer tan bajo como una medusa muerta a la orilla del mar, es así como de manera metafórica el director plasma en su filme el concepto de este.

Todos deseamos en esta vida sea cual sea donde nos desempeñemos, ser reconocidos, realizarnos profesionalmente o dejar un aporte a los demás. A partir de esas ilusiones es que solemos basar nuestra felicidad a tal punto que cuando se alcanzan realmente no se logra encontrar lo que buscábamos y se termina en una desilusión, la libertad se vuelve menos libre y eso es lo que a mi entender Alejandro quiere representar en Riggan, interpretado soberbiamente por un Keaton que muestra diferentes niveles emocionales hasta confluir en el resto del reparto con el inmenso y experimentado actor teatral que es Edward Norton interpretándose a el mismo como Mike Shinner o el propio Zack Galifianakis quien logra una transformación a la que no nos tiene acostumbrados.

El mito como recurso. Ícaro es hijo de Dédalo, arquitecto y constructor del laberinto de Creta. Dentro de la mitología griega el padre le proporciona al hijo unas alas y le enseña a cómo usarlas para escapar de dicha estructura. El padre le advierte que no debe volar tan alto pero tampoco tan bajo porque podría dañarse la cera con que fueron construidas. El hijo, en medio de la ignorancia y deseo por alcanzar lo más alto, vuela hacia el Sol y cae al mar. En Birdman se hace alusión a este personaje mitológico en 2 ocasiones, es parte del mismo realismo mágico presente en la película, como los delirios de Riggan por volar o mover objetos. Con Ícaro, trataré de llegar a mi punto de vista del acto final, irónico, porque tanto la obra literaria como el filme mismo,

se prestan para múltiples interpretaciones. Sin embargo, así como Ícaro ve en sus alas la manera de ser libre de los muros que le atormentaban y alcanzar la gloria cegado por la soberbia hasta descender por el error y morir en el intento, Riggan Thomson desea liberarse de su álter ego y las inseguridades que han construido un laberinto en su mente y lo han llevado a descender a lo más profundo, inclusive, intentando suicidarse en varias ocasiones. Como sacrificio al ver cumplido lo que ilusionaba, ser amado y reconocido y a pesar de ello seguir sintiendo la presencia de su otro yo, es que este decide saltar de la ventana del hospital, sintiéndose libre como Ícaro lo hizo volando lo más alto.

Birdman es universal, una metáfora de la vida misma, a veces tan insignificante, descrita por un hombre en una calle de Nueva York citando a Macbeth, como irónica e irreverente. Es el regreso triunfal de un Keaton al que le faltaba luz creativa y artística pero tan Hollywoodense que puede resultar pretenciosa. Birdman es un filme que trasciende y no deja indiferente.

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¿Para qué huir?

ZONA TERROR

La muerte espera, en forma de un zombie o una enfermedad, un monstruo o un alienígena. y nosotros, nosotros sólo somos seres transitorios en este universo, lo mucho que disfrutemos o lo poco que sufriremos en la vida, nos lo llevamos a la tumba.

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the dead Corre el año 2010, el cine de zombies e infectados se ha visto muy influenciado por cintas que para bien o mal, se han fijado en el colectivo.

La saga de “Resident evil” está en su apogeo, el remake de “El amanecer de los muertos” sigue fresco y “Exterminio” de Boyle e inclusive “Zombieland” nos plantean a unos zombies más agresivos, letales, los infectados por excelencia, vivos o muertos, el zombie corre, adrenalina pura, no puedes descansar ni buscar refugio, el sobreviviente solo puede vivir bajo ese esquema de persecución constante.

La gran urbe es el peor enemigo de estos sobrevivientes, el infecado pulula en grandes números, no solo es fuerte veloz, la ciudad, constituye el peor enemigo que cualquiera pueda encontrarse por la cantidad de habitantes ahora convertidos que existen ahí.

Los hermanos Ford nos llevan a África, donde hordas de zombies han devastado un continente que mucho antes de la infección ya había sido destruido, el cambio de escenario es un respiro, olvidamos las grandes urbes, olvidemos Washington, Nueva York, la acción transcurre en algún lugar de África Occidenta retomando la figura del zombie lento, el Romeriano pronto es bastante obvio que no se necesita a una ´poderosa horda de enemigos corredores, cuando tenemos parajes desérticos interminables, la búsqueda de recursos que aún en la época del hombre eran difíciles de hallar, y el muerto, la figura del muerto, constantemente presente, inmisericorde, imparable, es tal vez la mayor virtud de la película, los muertos tienen toda la eternidad para alcanzarte, huir es inútil, tu destino está en manos del padre tiempo.

La historia se desarrolla en dos vertien-

tes, la de Brian, un soldado estadounidense que busca una forma de huir a un lugar donde se le pueda hacer frente a tal amenaza y la de Daniel, un desertor de un ejército africano, que cual héroe épico deja el frente en busca de su familia, los personajes no caen en el estereotipo que supone el ser militar n una invasión zombie, sus motivaciones son bastante diferentes, y cuando cruzan sus caminos, los resultados no pueden llevarse de una mejor forma.

Pero el elemento clave de esta cinta, es la desesperanza, desde los parajes desérticos y abandonados, los zombies en aumento, la fotografía (que curiosamente utiliza muchísima iluminación salvo escenas clave) y la banda sonora, tienen el único objetivo de hacernos sentir lo mismo que los protagonistas: desesperanza.

Iremos a una parte del mundo donde no había mucho lugar para los sueños, y que fue pisoteado por una serie de injusticias tras otra, para terminar devorado por una horda de demonios salidos de las profundidades del infierno, NO HAY LUGAR PARA LOS BUENOS PENSAMIENTOS, las utopías o los finales felices son nada más que pensamientos distantes.

Estamos tal vez ante la mejor película del subgénero de la primera década del nuevo milenio Tenemos todo, un apartado técnico fabuloso (aplausos a la fotografía), el maquillaje extraordinario (si mal no recuerdo una mezcla soberbia de CGI con maquillaje artesanal) y un gore que cumple, un guión que no se salva de clichés, pero que realmente logra transmitir demasiadas sensaciones, desde la primer imagen hasta la última nota de la canción de los créditos finales, solo hace falta algo: No todos lo verán así, aunque intento vender lo maravillosa que es una cinta con el zombie de Papá Romero, habrá un segmento de los espectadores que siempre buscarán algo más, más acción, más gore, disparos, desnudos, así que será una joya menospreciada eternamente.

Al final, la mayor reflexión que esta, o cualquier cinta de terror no deja es que, hay algo de lo que nadie va a poder huir, la muerte.

La muerte espera, en forma de un zombie o una enfermedad, un monstruo o un alienígena. y nosotros, nosotros sólo somos seres transitorios en este universo, lo mucho que disfrutemos o lo poco que sufriremos en la vida, nos lo llevamos a la tumba. ¿Para qué huir?.

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DEL CINE A LA REALIDAD

Un taxista dedicado a la intervención urbana.

"En este momento estoy manejando su destino", dice un papel pegado en la parte de atrás del asiento de conductor, del taxi que Oscar maneja todas las noches recorriendo las calles de Buenos Aires. Sergio Morkin con este documental, rescata la figura de Oscar Brahim, quien para sobrevivir trabaja como taxista, pero que al mismo tiempo, como doble vida, tiene como afición el arte callejero. “Soy un diseñador gráfico en libertad”, se define Brahim mientras observa la atestada publicidad grafica en cada calle. Una cámara muy intimista acompaña durante 3 años a Oscar y su taxi, mostrando sus intervenciones en carteles publicitarios o la vida cotidiana junto a su familia. La crisis económica también lo acompaña, como a muchas personas durante ese año del 2000.

Como todo antihéroe, Brahim se convierte en el enemigo de las agencias de publicidad, interviniendo ferozmente e irónicamente los carteles y afiches que se levantan por toda la ciudad. “El problema es que la gente toma a la publicidad como algo natural, ni se le ocurre reaccionar frente a los avisos. Sería buenísimo que cada uno reaccionara, que se pusiera a pintar las propagandas callejeras como se le cante.” Su manera de tratar de recomponer la “contaminación” cultural, visual y política de Buenos Aires convierte a Oscar en un anarquista, un rebelde. Como en Taxi Driver, un Travis argentino que intenta hacer justicia recurriendo, no a la 24

violencia o justicia por mano propia, sino a través del arte urbano, mostrando su disconformidad en cada recorte pegado en cada cartel intervenido, a veces solo o junto a su familia.

Y así como con sus obras llaman la atención de la gente que pasa por la calle, también llama la atención de figuras importantes de la publicidad (como Ramiro Agulla y Carlos Baccetti) y el ámbito académico (como la Universidad de Buenos Aires) que lo convocan para conocer de cerca su visión ideológica y artística. Pero también llama la atención el fuerte acompañamiento de su familia, más que nada de su esposa, que parece que por momentos la relación entre ellos flaqueara hasta el punto del no retorno. Sin embargo, la familia se mantiene unida pese a los difíciles momentos por los que pasan, como cuando le llega el aviso de desalojo. Pero en vez de tomárselo a mal, Oscar bromea mostrando unos billetes fotocopiados. “Tengo preparados todos los billetes”. Un artista que resiste en todos los ámbitos de su vida.

La forma en que el director nos muestra la vida de Oscar juega un papel importante. No solo es la insistencia de seguir por tanto tiempo las aventuras y desventuras del artista, sino también haber logrado construir con tanto material filmado un relato elegante, ágil, prolijo y atrapante. La iluminación es impecable, la cámara está puesta siempre en el lugar justo, la música está inteligentemente usada así como también las informaciones que se oyen en la radio del taxi. Todo esto logra crear un retrato psicológico profundo del personaje y su audaz y provocadora personalidad, que permite al espectador poder familiarizarse, conocer y meterse por un rato en la vida del taxista, lo que le da solidez a la narración del relato. Morkin sale airoso de esta odisea, dejándonos un héroe que se pasea detrás del volante, observando y tratando de hacer un cambio en la sociedad, desde el lado del arte. Un documental de obligado visionado.

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OSCAR

EL TAXISTA ARTISTA por Evelyn pereA

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ANIMACIÓN Estimados lectores y amantes de este séptimo arte, en esta oportunidad les presentaré una película de ciencia ficción y comedia estadounidense de la cual no se habla mucho en las cámaras secretas de sectas cinéfilas y críticos experimentados, pero que robará más de una carcajada independientemente de tu sexo, grupo sanguíneo o situación racial. Hablamos de “PAUL” Dirigida por Greg Mottola, producida por: Nira Park, Tim Bevan y Eric Fellner, y guionada por: Simon Pegg y Nick Frost (también actores principales de la película).

Se nos presenta a un par de buenos amigos Graeme Willy(Simon Pegg) y Clive Gollings (Nick Frost), fanáticos de los cómics, que inician una aventura por Estados Unidos hacia una importante convención de estos, y que continúan en la búsqueda de zonas de avistamientos extraterrestres.

Rentada una casa rodante, siguen sus planes marcados en su itinerario de viaje y es así como conocen por accidente a Paul. Paul es la estrella de esta película, es un personaje que presenta con un carisma desorbitado, un gran sentido del humor y muy inteligente, que entona perfecto con el grupo de amigos. Su aparición es un sueño hecho realidad para estos fanáticos y creyentes de que en el universo no estamos solos, ellos a pesar de que les cuesta al comienzo entender la dimensión de lo que está aconteciendo, son iluminados mágicamente por el extraterrestre con uno de sus tantas habilidades especiales.

Todo el viaje podría haber sido una experiencia tranquila, pero no hay lugar para estas cosas con Paul. Un agente del gobierno trabajando para una misteriosa mujer, junto a dos divertidos, pero inservibles agentes del FBI que desconocen la misión central (encontrar a Paul), siguen huellas en búsqueda de la caravana de los amigos.

Graeme, Clive y Paul, en una de sus paradas para pasar la noche conocen a Ruth, una joven simpática, atractiva, sencilla y fanática religiosa, quién es encargada ella sola de todo el sitio de hospedaje e hija de un fervoroso y violento creyente.

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Tras una inesperada discusión sobre el origen de la vida que se entabla entre el par de amigos y Ruth mientras Paul estaba en el baño simulando gases para ocultar su presencia, no le queda otra al extraterrestre que salir del este y demostrarle que en la realidad, y en apoyo a la teoría de la evolución de las especies de Darwin, él existe.

Para Ruth el hecho de conocer a estos raros personajes, le permite reinscribir su presente con nuevas creencias, experiencias y estilo de vida aventurero, incluso aprende insultar con el estándar de calidad Paul.

Los cuatro continúan su viaje en la caravana, pero dado a la situación actual la prioridad es la seguridad de Paul y el retorno de este a su planeta. Existen en la películas referencias a ET y Steven Spielberg, según Paul, antes de escapar de dónde lo tenían encerrado y esclavizado como objeto de estudio, fue el quién le dio a los investigadores toda la información y casi guión necesario para realizar las películas y cómics de extraterrestres de la época.

En el viaje también encontramos el reencuentro de Paul con Tara, una dulce jovencita ya mayor, quién recogió a Paul en sus brazos luego del accidente de su nave en la Tierra, que pasó cuentas a la vida de su mascota un perro (curiosamente llamado Paul), ella fue juzgada de pequeña como “loca” y empujada por la sociedad a apropiarse de ese título, tras que el gobierno se llevaba al extraterrestre ante sus ojos. Es una de las escenas más emotivas de la película.

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SIN ENTRAR EN MÁS DETALLES, ESTA ES UNA PELÍCULA QUE SIN DUDAS DEBES VER, MUY RECOMENDADA PARA LA FAMILIA, CARGADA DE VALORES HUMANOS Y EXTRATERRESTRES QUE DICEN LO QUE SOMOS Y LO QUE PODEMOS LLEGAR A SER SI SALIMOS UN POCO DE LO QUE CONOCEMOS Y ACEPTAMOS COMO NUESTRA REALIDAD.

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OJO SERIÉFILO

Battlestar

GALACTICA

10 AÑOS DE UN ÍCONO CUL Battlestar Galactica surgió por primera vez allá en 1978 por el guionista y productor ya fallecido Glen A. Larson, reconocido por la creación de algunas series que marcaron una época y aún hoy en día poseen cierta fama como “Knight Rider”, “Magnum P.I” y “The Fall Guy”, realmente Larson no tenía muchos dotes para crear algo interesante, son series con escaso contenido ni tampoco es que fueran renovadas, pero tenían algo que calaba en el público, en mi caso nunca calaron ni siquiera la que me trajo a hablar de ella.

Pero en el 2003 dos productores bastante reconocidos dentro del círculo televisivo, David Erick y Ronald D. Moore, este último el guionista de 2 películas y 3 series de Star Trek, recibieron la luz verde para realizar una re-adaptación en formato de miniserie con 2 episodios, la curiosidad vino y entonces la crítica recibió positivamente el proyecto así como el público. Mi expectación y la de muchos crecieron cuando NBC anunciaría que la serie regresaba debido al éxito obtenido, bajo el nombre de “Battlestar Galactica: Re-imaginated”, con inversión británica, canadiense y estadounidense un 14 de enero del 2005 en los EEUU se emitiría el primer episodio en el Sci-Fi Channel, conocido hoy como el penoso SyFy. Con “33”, uno de los mejores episodios debut para una serie que a mi concierne, inició un camino que se extendería hasta el 2009, galardonada con 3 Emmy y otra veintena de premios Battlestar se transformó en referente del género para producciones posteriores, aunque lamentablemente ninguna ha logrado acercarse a la magnitud de esta, la cual más allá de batallas espaciales técnicamente prodigiosas para un producto televisivo existe un argumento más oscuro y profundo que se aleja completamente de su antecesora original. ¿De qué va entonces Battlestar Galactica y a que se debe su éxito? Si usted nunca la ha visto no es necesario que deba sentirse obligatoriamente atraído por el géne28

ro de ciencia ficción para encontrarle sentido a la trama. La narración se desarrolla entre dos bandos, los cyclons, robots que poseen inteligencia artificial, construidos por los humanos para facilitar la vida (en la versión original fueron creados por una raza alienígena) y los últimos sobrevivientes de las doce colonias de Kobol, planeta donde la raza humana tuvo origen y que después se dividiría en estas colonias para conquistar otros planetas de la galaxia. Cabe mencionar que es indispensable darle visionado a la miniserie que estos señores produjeron ya que en ella se explica la premisa del porqué los cyclons llegan a revelarse en contra de los humanos en la “Primer Guerra Cyclon” hasta llegar a un tratado de paz durante 40 años, tiempo que le bastó a las máquinas para evolucionar y transformarse en cyclons humanoides que se infiltrarían en las doce colonias estableciendo una conspiración que desencadenaría en una “Segunda Guerra Cyclon”, argumento donde inicia la primera temporada. Otro detalle es que la serie también está compuesta por los llamados webisodios, que son relativamente cortos y 2 películas producidas por Sci-Fi con el fin de explicar huecos narrativos que eran dejados al cabo de las temporadas, por lo que existe una cronología estricta para entender los eventos que ocurren.

Tras todo ese material que cité anteriormente la serie va planteando un conflicto político-militar pero también religioso dentro de la propia resistencia (los humanos son practicantes en su mayoría del politeísmo, inspirado de hecho en la mitología griega

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r

A

LTURAL porque adoran a los mismo dioses de estos y creen en una profecía escrita en los Rollos Sagrados sobre una 13 colonia existente en el planeta Tierra, solo unos pocos son ateos), volviéndose a veces un ambiente hostil tener que luchar además contra un enemigo común como lo son los cyclons (estos seres desarrollaron una creencia monoteísta) a pesar de las diferencias entre los poderes civiles y militares, comandados por la presidenta Roslin (Mary McDonnell) y el almirante Adama (Edward James Olmos) respectivamente. No existe vida alienígena, la lucha es solo entre los humanos y sus creaciones robóticas rebeladas, ahí es donde yace el valor de la serie que la distingue de muchas otras.

DE “BATTLESTAR GALACTICA: REIMAGINATED” NO PUEDO NEGAR QUE EXISTEN SITUACIONES ABSURDAS EN VARIOS EPISODIOS Y QUE SU FINAL TERMINA SIENDO DE MANERA INCOMPRENSIBLE BASTANTE “DEUS EX MACHINA”, PERO ESO NO DESMERITA UNA HISTORIA COMPLEJA Y QUE A VECES ERA DIFÍCIL DE SEGUIR POR LOS ENIGMAS QUE POSEÍA, LOS DESARROLLADORES DE LA SERIE SUPIERON HACERLA FLUIR Y CREARON UN CULTO QUE HOY POR HOY LA HA HECHO ENVEJECER BASTANTE BIEN DENTRO DEL GÉNERO. 29

EXTRAS/ RESEÑA

“MI QUERIDO PERCY, YO NO AGUANTO MUCHO TIEMPO CON LA MISMA HEMBRA, ALGO SE JODE…ME EMPIEZO A HARTAR, ME ABURRO DE SU VOZ, DE SU OLOR, HASTA ME PROVOCA PEGARLES… PUTA, METERLA EN EL MISMO HUECO TODOS LOS DÍAS, PARA SIEMPRE, ESO ES CONTRA NATURA, ¿Y SABES POR QUÉ?...PORQUE NINGUNA HEMBRA ES LO SUFICIENTEMENTE BUENA COMO PARA COMPETIR CON TODAS LAS OTRAS, NO TODA LA VIDA, POR MÁS RICA QUE SEA, TARDE O TEMPRANO TE VA A GUSTAR OTRA, ES COMO EL CHOCOLATE, TE LLEGA A EMPACHAR” Había escrito un párrafo entero señalando las tristes características del cine peruano, pero admito que desistí de la idea, y no es que me falte razón, pero prefiero centrarme en las buenas experiencias que por una luca pude disfrutar. Una luca, por cierto, es la forma coloquial para referirse a la moneda nacional.

Bueno, entonces me encontraba yo un día de verano caminando por las calles limeñas, cuando de pronto noté un cartelito muy simpático en una pequeña tienda de libritos. Un poco curioso me inmiscuí y revisé los títulos de las películas que por un sol se ofertaban como una ganga. De pronto mi alegría se desvaneció, al parecer todas las cintas eran peruanas; pero soy un hombre generoso, así que decidí darle una oportunidad al cine patrio del que tanto fui, soy y seré esquivo.

Compré cinco títulos: Bajo la piel (1966, Francisco Lombardi), Contracorriente (2010, Javier Fuente-León), Días de Santiago (2004, Josué Méndez), Alias “La Gringa” (1991, Alberto Durant) y Mariposa Negra (2006, Francisco Lombardi).

Contracorriente y Días de Santiago son consideradas como dos de las mejores cintas peruanas. Contracorriente es la historia de un amor frustrado por las trabas sociales, por el qué dirán, por el miedo, por la cobardía; pero que a su vez es alentado por la pasión

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CINE PERUANO:

Un sol

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l la bolsita

por jose bueno

de los cuerpos, por el romance frente al mar, por el sexo escondido, por los cuerpos desnudos y pintados. Todo acompañado de un realismo mágico a la vieja ultranza, que lejos de opacar la cinta la dota de una naturaleza más real, más madura. Y ni qué decir de los paisajes y del litoral peruano, las costas norteñas son un fondo maravilloso para esta pequeña historia de amor entre homosexuales.

Por su lado, Días de Santiago es un drama crudo, tosco, con pinceladas paranoicas, donde quizás lo único malo sea su duración; y es que cuando uno casi al borde del colapso espera como mínimo unos 15 minutos más de metraje, ¡Pum!, nos llega el final. Santiago es un ex combatiente forjado con el rojo del hierro, con el pensamiento destrozado por la miseria de la guerra, que carga con los recuerdos pasados y presentes de una familia putrefacta, pestilente; pero que en el fondo está dispuesto a mejorar, a cambiar. Es así que Santiago intenta incorporarse nuevamente a la sociedad, es más, lo quiere, lo desea, lo intenta; pero su esta no lo permite, lo aleja, lo mantiene como una paria, lo relega, lo margina, lo rechaza, le escupe en la cara y se ríe de él…Y Santiago entonces entiende que las personas como él no pueden volver.

La tercera película que logré ver esa semana fue Bajo la Piel, del que quizás sea el director nacional más reconocido: Francisco Lombardi.

Y es que Pancho - para los amigos y para aquellos que, como yo, se toman ciertas ligerezas tiene tantas películas conocidas por el peruano regular que muchas veces tendemos a encasillarlo como “el pata que hizo esa donde sale la Cepeda, más rica” o “¡Ah!, él es el que hizo esa donde dicen: Qué me mira cadete, quiere que le regale una fotografía mía calato”.

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EXTRAS/ RESEÑA

Francisco Lombardi tiene un sinfín de películas hartamente conocidas: La Ciudad y los Perros (1985, basado en el famoso libro del escritor Mario Vargas Llosa, cuenta las pericias de un grupo de alumnos en una escuela militar), La Boca del Lobo (1988, recreada en la serranía peruana en épocas de fuerte terrorismo, narra parte de la lucha interna entre grupos armados terroristas y el ejército peruano), No se lo digas a nadie (1998, película de tinte homosexual, basada en la novela del polémico “escritor” Jaime Bayly), Pantaleón y las Visitadoras (1999, basada en una obra de Mario Vargas Llosa, cuenta la ardua y extenuante labor de un capitán del ejército peruano que necesita abastecer de placeres sexuales a sus olvidadas tropas en la Amazonia peruana), Tinta Roja (2000, sobre las vivencias de un periodista en ascenso, basada en la novela del mismo nombre del escritor chileno Alberto Fuguet) y Mariposa Negra (2006, una esposa dolida por la sombría muerte de su esposo, decide inmiscuirse - con la ayuda de una periodista - en las esferas más turbias de la política peruana, está basada en la novela Grandes Miradas de Alonso Cueto).

Como dije al comienzo de este pequeño artículo, por un sol pude conseguir casi todas estas cintas, pero la que me dejo un sabor de boca más agradable fue Bajo la Piel. Ambientada en un pequeño pueblo norteño, un profesor y cuidador del museo local es acusado de asesinato a la vieja escuela, para ser más 32

precisos, a la escuela Mochica, que según se sabe realizan decapitaciones.

Percy y Ana, un policía de la zona y una patóloga española, serán los encargados de esclarecer el crimen.

Pensé en escribir mis impresiones de las otras dos películas, pero el tiempo es un cruel enemigo y tengo por ley personal no escribir más de dos hojas.

Solo espero que mis amigos peruanos guarden uno o dos soles para que puedan comprar su rico DVD original a una luca, allá por donde termina Colmena, sí, llegando al parque Universitario con el cruce con Abancay.

“Esta noche llevo la ropa interior original de Michael Keaton, gracias, huele mal, pero funciona, aquí estoy, gracias Michael”.

Iñárritu Sobre Keaton, entrega de los premios de la academia (2015)

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EXTRAS/RESEÑA

“And the Oscar goes to…Ida” son palabras que seguramente habrán herido en el kokoro a aquellos que saben de la grandeza de esta película tan hermosa, cuyo nombre es “Mandariinid” (Tangerines). Fue la gran perdedora de la noche en cuanto a Mejor Película Extranjera, porque, aunque Ida y Leviathan tenían cierto potencial, esta cinta lo tenía más.

Siendo producto de la colaboración entre Estonia y Georgia, Mandariinid nos ofrece una historia que, a través de su sencillez narrativa y desenlace conmovedor, logra su propósito antibelicista, pues sus personajes encarnan un nivel enorme de humanidad dentro de lo que fue la Guerra de Abjasia entre 1992 y 1993.

En cierto pueblo rural de Abjasia, casi totalmente abandonado, Ivo y Margo son dos granjeros que recolectan mandarinas de temporada a pesar de los tiempos violentos que se viven allí. Un día, se encuentran en un fuego cruzado entre abjasios y georgianos, lo cual deja víctimas mortales a las que ambos lugareños tratan de enterrar dignamente. Sin embargo, resulta que dos personas entre los heridos sobrevivieron: Ahmed, mercenario checheno del lado abjasio, y Niko, un soldado georgiano.

Ivo, como el viejo bonachón que es, los acoge en su casa y los cuida, tratando de evitar que se maten el uno al otro, porque sienten deseos de venganza al ser de bandos totalmente opuestos.

Entonces, el suspenso se centrará en la relación de estos dos hombres que, con gran rencor y ninguna intención de reconciliación, deberán convivir en la misma casa por tiempo indefinido.

La guerra de Abjasia fue uno de los varios conflictos que se dieron en Euro34

pa cuando el comunismo empezó a derrumbarse a nivel mundial. Los antecedentes para esta guerra se encuentran en el hecho de que los abjasios querían ser reconocidos como una república soviética más en la década de los ochenta, pero el gobierno georgiano no vio este afán independista con buenos ojos, y las tensiones entre ambos bandos se acumularon hasta explotar en 1992, con la invasión de 3000 soldados georgianos a Abjasia.

Algo parecido sucede hoy en día en Ucrania, donde la población rusa de ese país quiere que se reconozca a Novorossiya, conformada por los territorios de Donetsk y Lugansk, pero la comunidad internacional nos hace ver a esta gente como “rebeldes prorrusos” y no nos dice nada de los neonazis ucranianos que hacían estragos en Maidán en 2014.

Sea como sea, las guerras amenazan cruelmente la cohesión social al enfrentarnos a los seres humanos, a miembros de la misma especie, y esto es lo que quiso mostrarnos el director georgiano Zaza Urushadze. Su filme se encuentra dotado con un guion entendible a más no poder, algo que quizás te hará renegar de esas películas pretenciosas donde los diálogos parecen de otro planeta.

Personalmente, tengo dos puntos de vista respecto a Mandariinid. Por un lado, creo que tiene razón al criticar los horrores de la guerra, a mí no me gustaría para nada vivir una situación así. Además, ese final fue demasiado bueno, hace mucho (desde que vi Muzi v Nadeji) que no me conmovía tanto la última escena de una película. Pero por otro, si no hubiera guerras no sabríamos valorar lo que es la paz, así como oscuridad y luz se complementan la una a la otra.

Sin embargo, este último enfoque es muy criticado hoy en día, porque en estas épocas de la globalización pareciera que todos queremos una utopía comunista donde seamos iguales y no haya fronteras ni religiones, y en consecuencia no haya guerras, sino solo amor y felicidad permanentes.

De todos modos, esta cinta es algo que vale la pena disfrutar; si bien hay muchas obras increíbles en el séptimo arte que destacan por su complejidad, hay también otras que destacan por su simplicidad, y esta es definitivamente una de ellas. Habrá perdido en los Oscar pero no se quedó ahí, ¡triunfó en otros festivales de cine (como ser el de Varsovia o los Satellite)!

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mandarinas con

sabor a derrota por aarón mariscal

Personalmente, tengo dos puntos de vista respecto a Mandariinid. Por un lado, creo que tiene razón al criticar los horrores de la guerra, a mí no me gustaría para nada vivir una situación así. Además, ese final fue demasiado bueno, hace mucho (desde que vi Muzi v Nadeji) que no me conmovía tanto la última escena de una película.

Pero por otro, si no hubiera guerras no sabríamos valorar lo que es la paz, así como oscuridad y luz se complementan la una a la otra.

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EXTRAS/RESEÑA Unos jovencísimos artistas gráficos y guionistas de cómic 'Bob Kane' y 'Bill Finger' fueron contratados por la revista Detective Comics (D.C.), en el alejado año del comienzo de la segunda guerra mundial (1939), para crear a un héroe que sirviera de contrapunto a Superman, ideando a un personaje huérfano atormentado por el asesinato de sus padres...

El resto es historia. Mezclando al Douglas Fairbanks que interpretó al Zorro en los años 20 y los bocetos de Leonardo Da Vinci, Kane y Finger entendieron que, si el hombre quería volar como mamífero tenía que parecerse al murciélago.

La productora Warner Bros., en el 50 aniversario del nacimiento de Batman, tomó a modo de asesor a Bob Kane y poniendo en la dirección del proyecto cinematográfico a un joven con un particularísimo estilo visual, demostrado para la Disney en 'Vincent' y 'Frankenweenie' y más tarde con los films 'La gran aventura de Pee-Wee' y sobre todo 'Beetlejuice'. El fenómeno Batman empezaba a tomar forma, y una vez terminado el rodaje, la abrumadora campaña publicitaria con el signo ovalado del mamífero alado bajo un fondo dorado acabó calando muy hondo en el que escribe estas líneas cuando yo alcanzaba la edad de 9 años, empezando a interesarme por el hombre murciélago, y por el hombre detrás de la máscara de una manera casi innata.

La elección de Tim Burton para vestir el traje y la capa negra de héroe (que no superhéroe) fue cuanto menos sorprendente para todos, un Michael Keaton que acababa de quitarse el maquillaje del bioexorcista alocado y enmohecido 'Beetlejuice'.

Cuestionado por los productores de la Warner y por miles de cartas de fanáticos del encapuchado justiciero, Michael Keaton (cuyo nombre real es Michael Douglas) demostró que su capacidad para enfundarse el disfraz de atormentado héroe oscuro de complicada psicología, convirtiéndose en millonario filántropo de día y justiciero implacable de noche era un gran acierto para contribuir al éxito.

De este modo, el ahora reconocido actor de prestigio por el film de Alejandro González Iñárritu, 'Birdman', empezó su fama con el Batman de 1989. Pero volviendo a la génesis cinematográfica pergeñada por la Warner, el 36

siguiente desafío fue encontrar a la némesis del héroe de negro...Que Bob Kane se encargó de solucionar alegando: -Para hacer de villano frente a Batman, ¿Por qué no contratamos al loco ese de 'El Resplandor'?-. En aquel momento no se me ocurre mayor acierto que la involucración de un Jack Nicholson magistral y perfecto perturbado, desfigurado pintado en el que destacó su mueca de risa perpetua sacada aunque parezca increíble de la imaginería literaria de Víctor Hugo, que posteriormente sería un film de 1928 llamado 'El hombre que ríe', un ser desfigurado que hacía de la locura y el terror sus fundamentos para el villano de cómic por antonomasia, el Joker.

Si a todo lo comentado añadimos la participación de la belleza de Kim Basinger, la veteranía actoral de Jack Palance, Pat Hingle, Michael Gough y Billy Dee Williams, la inconfundible música heróica de Danny Elfman y la profesionalidad artística de Burton, Batman se erigió como un film espectacular y comercial con una factura plástica ejemplar (el diseño de producción de Anton Furst y Peter Young ganó el Oscar).

El Batman de 1989 está plagado de calles mugrientas, crimen y corrupción que sirven de pilar arquitectónico a interminables rascacielos encumbrados por una catedral de la sucia y sombría ciudad de Gotham, con encorvadas gárgolas que asisten inertes al pérfido plan del Joker para destruir a todos los ciudadanos Gothamitas degustando lo macabro y la muerte en lo que él a sus ojos y mente perturbada se convierte en 'Arte'. La adaptación al cine del héroe de D.C. se elevó en su época como uno de los mayores éxitos de la historia del cine,

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...No me extraña nada que el subconsciente de Riggan Thompson en ‘Birdman’ anhelara el éxito de su héroe interior y anterior 'Batman'. Ya que antes de ‘Birdman’, estuvo ‘Batman’. Grande Michael Keaton.

por cristobal jiménez calvo

colocándose en el décimo puesto de las películas más taquilleras de la historia. Todos los elementos hicieron de la obra de Tim Burton la cúspide del cine de los 80's con su calculada campaña publicitaria, el sello 'Burtoniano', la profesionalidad bipolar de Michael Keaton y también, por supuesto el Joker de Nicholson (que tristemente habrá olvidado quién fue, debido a su reciente contracción de Alzheimer), un Nicholson que pugnaba por robar el protagonismo absoluto a su enemigo en la icónica película, llegando al punto de decir: -¿Qué clase de mundo es éste en el que un estúpido disfrazado de murciélago me roba la publicidad?- o soltando frases destacadas e imborrables de la talla de:-¿Has bailado con el demonio a la luz de la luna?...Le pregunto siempre eso a mis víctimas-.

Michael Keaton, por su parte y para ponerse a la altura del listón dramático, llegaba a responder a Kim Basinger ante su afirmación de que según ella, Batman no era demasiado normal: -Tampoco el mundo es demasiado normal-. El estupendo acabado final de la película me dejó a mis 9 años una imborrable satisfacción, además la 'Batmanía' se había puesto en marcha con multitud de elementos de merchandising: Camisetas, juguetes, videojuegos, productos alimenticios, e incluso preservativos y un sinfín de elementos más...No me extraña nada que el subconsciente de Riggan Thompson en ‘Birdman’ anhelara el éxito de su héroe interior y anterior 'Batman'. Ya que antes de ‘Birdman’, estuvo ‘Batman’. Grande Michael Keaton.

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EXTRAS/RESEÑA

A Rob Marshall se le debe muchos buenos musicales del cine. Desde las consagradas “Chicago” y “Nine”; pasando por un terreno exento de música – pero no de bella estilización – en la biográfica “Memorias de una geisha” a la truncada cuarta parte de “Piratas del Caribe”.

Marshall es ya un consagrado director de teatro, y en “En el bosque” logra darnos una fabula musical exquisita y poderosa en todos los estándares posibles. por

“Deberán conseguirme una vaca blanca como la le como el maíz y un zapato tan puro como el oro” Estos cuatro ingredientes son los que necesita La Bruja (Meryl Streep) para poder romper una maldición que ha yermado al matrimonio del Panadero (James Corden) y su esposa (Emily Blunt). Pero lejos de parecer una típica historia fantástica donde las brujas son malvadas y los héroes son príncipes encantadores, “En el bosque” es un canto triunfal de imaginación latente; mezclado con la nueva ola de cuentos de hadas. Pero con ciertos giros.

Como todo cuento, el film abre con el ya mitico “Había una 38

vez…” y ahí la voz en off empieza a narrar la historia del panadero y su mujer; la desdichada Cenicienta (Anna Kendrick), la “inocente” Caperucita Roja (Lilla Crawford) y el bravío Jack (Daniel Huttlestone). Personajes que no tienen nada en común, excepto un deseo. Un impulso por querer un hijo, un príncipe, dinero, etc.; sin caer en un materialismo. Pero a diferencia de otros cuentos que intentan darnos otra perspectiva del mismo, “En el bosque” todos los cuentos congenian en un solo reino. Recordemos un poco cuando Terry Gilliam nos brindó “Los Hermanos Grimm”, donde

veíamos las supuestas influencias que ambos hermanos habían tenido para crear sus clásicos cuentos de hadas.

Aquí, toda la trama se desarrolla en un bosque donde la bruja intenta remediar un castigo que sufrió en el pasado, y a la vez debe liberar al matrimonio panadero de su maldición de no poder tener hijos. Como buen film basado en un musical, no es de extrañar que se divida en varias secciones.

Y este no es un caso aparte. Casi la mayor parte del film trata de como los “héroes” intentan cumplir sus deseos al son de “I Wish”.

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Maximiliano Barrenechea

eche, una capa roja como la sangre, un pelo amarillo La otra mitad del film trata de las consecuencias de sus deseos. Incluso si sus deseos no hayan sido maliciosos, siempre alguien parece perjudicado.

Pero a diferencia de otras producciones de Disney, que intenta dulcificar sus historias, tornándolas con viejos y ya sabidos pastiches, esta nueva propuesta no evita dar golpes bajos en su segunda mitad. Además, como buen musical, cada cantica composición logra adentrarnos más a la personalidad de los personajes. No se hacen densas, sino todo lo contrario. Nos atraen y degustamos de cada una de las

interpretaciones. Kendrick y Blunt están magnificas en sus interpretaciones, tanto vocal como interpretativa. Mención especial a Blunt, quien – después de haber hecho “Al filo del Mañana - ha logrado darle a sus interpretaciones la gestualidad y credibilidad que necesitaba esta futura gran promesa. Streep está increíble en lo que hace. Después de un mediano éxito – por no decir truncado – en su caracterización en “Mamma Mia”, aquí logra aglomerar su dulce voz con su status de gran actriz que ha enarbolado durante años. Por otra parte Chris Pratt y Billy Magnussen son los

“valientes” príncipes del cuento, quienes lo único que hacen es ponerle un poco de humor – que el film no carece del mismo – con su “Agony”. Por el resto, ellos son igual de latosos que cualquier encarnación de príncipes en otros films.

El resto del reparto lo componen Tracey Ullman, Christine Baranski, Lucy Punch, Tammy Blanchard, Frances de la Tour, Mackenzie Mauzy y un disfuncional Johnny Depp, que básicamente pasa desapercibido.

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“Mucha gente puso en duda la elección de Michal Keaton como Beetlejuice, pero todo estaba en sus ojos: eran salvajes, se metió en el personaje y siguió adelante con él. Fue la primera ocasión en que testimonié cómo un personaje crecía en el interior de un actor. Cada vez que me reunía con Michael me daba nuevas ideas respecto hacia dónde debíamos dirigirnos” Tim Burton sobre Keaton en Beetlejuice

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¿sabías que?

Michael Keaton (Beetlejuice) tan sólo aparece en 17 minutos de la película

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os

crédi t Dirección: Eileen Gamboa Redacción: Edición y corrección:

José Bueno/aarón mariscal/

raul flores creACIÓN DE CONTENIDO:

césar quintana /eduardo vázquez Artículos: eduardo Vázquez Desde Adentro: Leonardo Mancilla Zona Terror: David Gomez ojo seriéfilo: alexander loaiza del cine a la realidad: aarón mariscal Diseño: Katerin Dueñas./ruth Pérez 7+1: algo mas que cine :

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