Keltia en vivo
Tiaré Gatti Mora
Boletín informativo Año II - Septiembre
Keltia en vivo
2015
Staff Director Pedro Jurado
keltia@keltiaimagen.com
Directora Creativa / Redactora / Fotรณgrafa M Carmen Calderรณn
mcaldfer@gmail.com
Redactora / Fotรณgrafa Asunciรณn Gonzรกlez
chaplin_chocolat@hotmail.com
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INDICE
Casablanca ...................................
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Maquillaje
Historia de la fotografĂa ..................
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Hizo se la luz .................................
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Noticias
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Actividades
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Lo mejor del mes
La mirada de
CASABLANCA
Kramer vs Kramer 1978 Director: Robert Benton Director de fotograf铆a: Nestor Almendros by M Carmen Calder贸n
Texto: Mamen Calder贸n Fotos: im谩genes obtenidas en internet
La película resulto ser la mas laureada en los premios de la Academia del Cine en 1979. Fue ganadora de cinco Oscar a la mejor película, mejor director (Robert Benton), mejor actor (Dustin Hoffman), mejor actriz de reparto (Meryl Streep), mejor guión adaptado (Robert Benton). Sin olvidar las nominaciones por mejor actor de reparto (Justin Henry), mejor actriz de reparto (Jane Alexander), mejor fotografía (Néstor Almendros), mejor montaje (Gerald B. Greenberg).
En este número comenzaremos a ha-
Dustin Hoffman, Meryl Streep, Robert Benton y el productor.
blar de cómo Nestor Almendros rodó Kramer vs Kramer, película estadounidense dirigida por Robert Benton y protagonizada por Dustin Hoffman y Meryl Streep.
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Este film esta basado en la novela Kramer contra Kramer de Avery Corman que nos relata la vida de Ted Kramer, un hombre que adora a su familia pero también a su trabajo, ya que es allí donde pasa la mayor parte del tiempo. Una tarde, al volver de trabajar, su mujer Joanna se enfrenta con él y le abandona dejando a su cargo al hijo de ambos. Ted deberá aprender a ser padre procurando al mismo tiempo no descuidar su carrera profesional. Pero cuando ya se ha adaptado a su nueva vida y comienza a sentirse realizado como padre, Joanna vuelve y quiere recuperar a su hijo.
Meryl Street con su Oscar
más importantes del momentos, Dustin Hoffman, y con una gran director, Robert Benton.
Hoffman recibiendo el Oscar de manos de Jane Fonda
Como curiosidades comentar que antes de seleccionar a Dustin Hoffman, los productores habían considerado darle el papel a Al Pacino. Por su parte, Jane Fonda rechazó el papel interpretado finalmente por Meryl Streep. Dustin Hoffman ayudó en gran manera al actor novel Justin Henry, analizando y comentando con él cada escena antes de su rodaje. El decorado del apartamento montado en el interior del estudio tuvo las medidas exactas resultantes del exterior del edificio que aparece en la película. El director de fotografía, Néstor Almendros, utilizó en los interiores luz cenital y en los exteriores la luz disponible para las tomas. La versión inicial tuvo una duración de 43 minutos adicionales respecto a la duración definitiva. Se suprimieron sobre todo escenas con Jane Alexander y con JoBeth Williams. Pero dejémonos de analizar la película de forma general y entremos en la materia que nos interesa: el punto de vista fotográfico o dicho de otra manera, veamos cómo trabajo Nestor Almendros en esta película. Tras un largo periplo, realizando trabajos de allí para acá, Nestor regreso a Nueva York para rodar una película producida por una gran empresa americana, la Columbia, con uno de los actores
Kramer vs Kramer era lo menos “underground” que se pueda concebir. El tema incidía en la línea de las comedias clásicas americanas de la columbia, con una apariencia tradicional, pero que a su vez ofrecía elementos innovadores de lo que haría pensar una lectura superficial del guión. Se abuso tanto en la época del concepto “cine de vanguardia”, que volver a ciertos temas tradicionales se pudo considerar como “novedad”. Benton, un gran entendido en pintura, me pidió que examinara la obra de Piero della Francesca, ¡un pintor renacentista sirviendo de inspiración para una película actual, que transcurre en el Upper East Side de Nueva York! Parece una idea descabellada, pero nos ayudo a simplificar los encuadres y las composiciones, nos orientó en la selecciónn de colores de las ropas y los decorados.
Ejemplo de como se imitan los puntos de fuga de Piero della Francesca
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Ejemplo de como se imitan las proporciones de un cuadro de Piero della Francesca en una escena de la película.
Otra referencia pictórica que les resultó muy útil al equipo en el rodaje, fue la de David Hockney que les proporcionó ejemplos de cómo combinar plásticamente formas y colores de muebles, objetos y elementos de arquitectura contemporánea. Magritte también les sirvió de inspiración. En la habitación del niño, se había pensado en decorarla con grandes figuras de Disney para dar una connotación infantil, pero...
…señalé el peligro de que en los encuadres apareciera nuestro protagonista con un Mickey al fondo, como un intruso. Después de varias discusiones propuse la idea de puntas las paredes con un cielo azul con nubes. Así, como Magritte, podíamos obtener algunos efectos visuales originales invistiendo el orden natural, el cielo dentro de la habitación y no fuera. Era ademas un fondo neutro por lo que los personajes destacaban mejor.
En el próximo número comenzaremos a hablar de cómo rodo la pelicula Kramer contra Kramer.
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MAQUILLAJE
Historia y maquillaje de una Geisha by Asunci贸n Gonz谩lez Texto: Asunci贸n Gonz谩lez Fotos: Internet
Las
geishas fueron bastante comunes en los siglos XVIII XIX, hoy en día aun en existen pero han disminuido en número. Geisha proviene de los fonemas “Gei” que significa arte, habilidad y “Sha” que significa persona. Eso es lo que significa una Geisha, una persona con habilidad en distintas artes. Las geishas se originaron como profesionales del entretenimiento; originalmente la mayoría eran hombres. Las geishas usaban sus habilidades en distintas artes japonesas, música, baile, narración. Los Geishas masculinos conocidos como “hokan” comenzaron a decaer y a partir del 1800 las geishas femeninas conocidas como onna geisha “geisha mujer” los superaron en número de tres a uno en proporción.
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La ciudad de Kioto mantiene una fuerte tradición de las geishas y dos de los más prestigiosos distritos tradicionales son Gion y Pontochô. Las geishas de estos distritos son conocidas como geiko. Las geishas modernas generalmente durante su aprendizaje aun viven en tradicionales casas de geishas en aéreas denominadas hanamachi (calle de flores) pero las geishas experimentadas y libres deudas pueden llegar a vivir en sus propios apartamentos.
Tradicionalmente las geishas comenzaban su entrenamiento a una corta edad, debido a la miseria y hambruna con la que contaban algunos campesinos de la época, las niñas eran vendidas a Okiyas que eran las casas donde vivían las geishas, bajo la tutela de una geisha anciana a la que llamaban Okaasan, madre en japonés. La niña vendida adquiría así una deuda con la compradora, que pagaría con el dinero que ofrecieran por ella, los hombres que solicitaran sus atenciones cuando se convierta en Maiko y más tarde en Geisha.
En esta primera etapa adquiere el nombre de Shikomi debían hacer las tareas de limpieza y obedecer a todo tipo de órdenes que les encargaban. Su formación se iniciaba con clases de canto, danza, modales, ceremonia del té, también estudian poesía, literatura, teatro y a tocar el shakuhachi (flauta de bambú) y el taiko (tambor). Además de esta estricta formación, asistían al colegio. Tras asistir a esta educación y aprobar un examen de danza, la niña debuta como Minarai. En esta etapa la joven debe contar con una hermana mayor u onee-san, una geisha experimentada, la cual hará un papel de mentora y guía en su aprendizaje. El arreglo de la hermandad entre geisha y aprendiz se llevaba a cabo a través de la dueña okiya quien acordaba con la geisha los pagos por los servicios otorgados al encargarse de la
aprendiz en sociedad. Una vez convenida la relación de geisha y aprendiz con éxito se realiza una ceremonia en la cual la aprendiz recibirá su nuevo nombre dado por su hermana geisha además en dicha ceremonia se ofrecen mutuamente sake (licor de arroz) donde beben tres sorbos en copas pequeñas que se intercambian entre la aprendiz, la geisha y la dueña de la casa de té. La hermana mayor presentara a la hermana menor en todas las casa de té para las que ella trabaja con la finalidad de hacer a la aprendiz una persona conocida, famoso y respetada. En este periodo a la Minarai le servirá para adaptarse, aprender, asistir a fiestas y se mantendrá en silencio y a imitar a su hermana.
gociar la desfloración era la okaasan, la madre que la ofrecía a los clientes habituales de alto nivel adquisitivo. Cuando la Maiko alcanza la edad de 20 años y bajo el criterio de su okaasan, la Maiko que paso su Mizuage ya está preparada para ser Geisha. La ceremonia del paso de Maiko a Geisha se denomina Erikae. En ella la maiko cambia el cuello de su kimono de rojo a blanco, así como su maquillaje y peinado.
Peinado
Cuando la niña alcanza la edad de 15 años pasa a ser Maiko, en esta etapa continua con su aprendizaje, sus clases. Mientras transcurre el tiempo y cuando su okaasan lo considera oportuno, la Maiko pasa a una nueva ceremonia denominada Mizuage. Esta consistía en tiempos pasados como ahora, en la desfloración de la joven Maiko, o la venta de su virginidad que marcaba el paso de niña a mujer. A veces el que ofrecía dinero por una Maiko luego se convertía en du danna, en su protector. La encargada de ne-
Los peinados de las geishas han ido variando a lo largo de la historia, Durante el siglo VII, las mujeres comenzaron a usar el cabello recogido y fue durante este tiempo que se adopto el tradicional peinado shimada, un tipo de moño usado por geishas experimentadas. Maikos su peinado suele variar según para época estivales teniendo el katsuyama, para eventos, banquetes y festivales el yakko-shimada. Y el estilo sakko para su debut de maiko a geisha, y solo se diferencia porque la maiko corta parte de su pelo de,la coronilla quedando un poco en punta. Para mantener el brillo y color del cabello usaban una pasta a
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base de aceites y tintes que el peluquero colocaba antes del peinado, Debido a este producto grasiento y a los tirones en el peinado de sus largas cabelleras muchas sufrían alopecia prematura.
Geishas estas hasta el año 1960 peinaban sus cabellos igual que las maikos pero cambiaron su costumbre por el uso de pelucas de pelo natural que en japonés se llaman katsura, Eran confeccionadas a la medida de la cabeza y fisionomía de la cara de la geisha. Solo tenían tres tipos de peinados-, shimada, usado en ceremonia, tsubushi-shimada, de uso diario y mae-ware usado en espectáculos de danza cuando interpretaba un papel masculino. Los peinados de las geishas no eran tan elaborados, usaban pocos y eran discretos, y las horquillas no iban recubiertas en seda. Estos adornos solían ser de dos tipos: una peineta de ébano acompañada de una horquilla decorada con una perla de jade. El otro una peineta de caparazón de tortuga, acompañada de una horquilla con una perla de coral. Maquillaje
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El maquillaje tradicional que lucen las maikos y geishas es diferente es quizás uno de los aspectos más sorprendentes, por su contraste con el maquillaje con-
vencional. En la antigüedad, los elementos utilizados en el maquillaje eran muy rudimentarios, a tal punto que quedaban marcadas en su cara y cabello. Las geishas empezaron a utilizar el maquillaje de pasta blanco (originalmente contenía un alto contenido en plomo, que a la larga les producía manchas en la piel), en la actualidad se utiliza un cosmético más tratado.
Tanto las maikos como las geishas se suelen maquillar antes de vestirse para evitar manchar sus kimonos. Lo primero que se suelen aplicar es un aceite llamado bintsuke-abura para suavizar y tratar la piel de la cara y cuello. Después el polvo de arroz es mezclado con agua para formar un pasta que será aplicada con una brocha de bambú. El maquillaje blanco cubre la cara, cuello, pecho y manos en las maikos dejan una línea sin pintar alrededor de la raíz del pelo. En la parte del nuca se utiliza un esténcil, que permite realizar un dibujo en dos puntas, de tres (formando una “w” o “v”), para acentuar esta zona erótica y descubierta de piel alrededor del pelo, creando una la ilusión de una máscara. Para los japoneses la nuca esta considera un punto sensual en la mujer, o que hace que el no maquillar reforzar su sensualidad.
La geisha al igual que la maiko realiza el mismo proceso en la aplicación de base blanca, aplicando polvos blancos para evitar los brillos, su única variante en su forma de maquillar. Su maquillaje será mucho más discreto, no dejara la línea del color de su piel al descubierto estará completamente cubierta. Sus mejillas llevaran un polvo rosa mucho más claro y tenue que las maiko. Sus ojos llevan una delineación negra dentro y fuera del ojo, y la parte de a fuera del ojo maquillada con un profundo rojo. Las cejas las delineaban en negro, solían utilizar carboncillo. Una vez que la base ha sido aplicada, una esponja es pasada por cara, cuello y pecho para absorber el exceso de humedad. Además para evitar los brillos la joven se aplicara polvo blanco. El maquillaje de las Maiko depende de la jerarquía, la forma de pintar sus labios es distinta, en una primera fase solo se pintan en rojo el labio inferior habiendo sido delineado antes, siendo el maquillaje del mismo por dentro de la línea natural, es decir reflejando un labio más pequeño del que realmente tiene. Cuando la maiko ha avanzado en su aprendizaje maquilla en rojo sus dos labios pero por dentro de la línea natural. Se maquillaban con una pequeña brocha simulando un contorno sensual, acorazonado por arriba y redondo, teniendo variaciones según distritos. Al color le solían añadir azúcar cristalizada para dar brillo a los labios. Cejas y ojos son remarcadas en negros con delineaciones finas las de los ojos. La parte de afuera del ojo era maquillado en rojo así como sus cejas. Y a medida que va pasando el tiempo de aprendizaje tanto cejas como ojos van pasando la negro. Sus mejillas son maquilladas con un rosa oscuro.
Sus dos labios iban perfilados y maquillados en rojo en la misma tonalidad. Después de que una geisha ha trabajado durante tres años cambia su maquillaje a un estilo más apagado. La razón es que se ha vuelto más madura y el estilo simple la muestra en su belleza natural. A partir de la II Guerra Mundial, está práctica fue prohibida, así como la venta de niñas a okiyas y el numero de Geishas y Maikos había disminuido considerablemente de 80.000 a 25.000 y a sólo a 10.000 en la época actual. Hoy en día las geishas y maikos que existen en Japón son por decisión propia, para mantener esta tradición, así como corresponde a ellas la libre elección y selección de mantener o no relaciones sexuales o de tener un danna.
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HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA
Crónica contemporánea
la primera década de 1900 by M Carmen Calderón Texto: Mamen Calderón Fotos: imágenes obtenidas en internet
Los problemas de desigualdad en precios y tamaños, el crecimiento de los impuestos hace que no sea fácil encontrar fotógrafos que vivan de su trabajo holgadamente y muchos de ellos tienen que compartir su profesión con otra actividad extra que les proporcione el sustento. La situación es tan difícil que no es de extrañar la pronta aparición de movimientos gremialistas encaminados a buscar soluciones colectivas, destacando las Asambleas Nacionales de Fotógrafos Profesionales celebradas en Madrid en 1908.
¿Cómo en la situación de los fotógra-
fos españoles en esta década?
Siguiendo la inercia de años anteriores, esta década va situando a los fotógrafos en cuatro grupos diferenciados y casi inconexos entre sí. Estos grupos son los retratistas, prensa, minuteros y aficionados. ¿A que se dedica cada uno de ellos? Te lo contamos a continuación. Fotógrafos retratistas
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Durante esta década hay unos 500 retratistas, cifra similar a las de los años anteriores, es decir, que el número de estudios o “gabinetes de fotografía”, que es como se les conocía en esta época a los estudios, no ha aumentado. Los trabajos más comunes de este tipo de fotógrafo son las fotos familiares, tanto de vivos como de muertos, las fotos a personajes famosos, actores, políticos o cantantes. Trabajan con la luz de día y cuando su actividad desciende salen de sus estudios para hacer postales o de minuteros por las ferias de los pueblos. Aunque hay diferencias entre los retratistas de ciudad y de provincia, en esta época destacan Franzen y Kaulak en Madrid, Ramírez Avellano en Sevilla y la saga Napoléon y Audouard en Barcelona.
Retrato de la Infanta Doña Luisa de Orleans. Christian Franzen
Kaulak (Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo). Retrato de José Echegaray
Fotógrafo especiales Son pocos los que se inician en la prensa, medicina o bien por su cuenta y riesgo a fotografiar personas y ambientes, como pueden ser Vink en Gijón,u Ortiz de Echagüe en Madrid, que publicó tres libros con su obra gráfica en la década de 1950. En el extranjero, la primera fotografía publicada en blanco y negro aparece en “Le Français” en 1903, mientras que en Gran Bretaña el semanario “Daily Mirror” es el único en publicar fotografías.
guardia” en 1881, “Nuevo Mundo” en 1900, “ABC” en 1903 o “El Mundo Deportivo” en 1906. Los periodistas gráficos más conocidos de esta década son Carlos Pérez de Rozas, Josep Brangulí Soler, Alejandro Merletti, José Demaría López “Campúa”, Alfonso Sánchez García, Leopoldo Alonso o José Zegrí. Destacar que el 13 de junio de 1904, Rafael Gasset crea el diario “El Gráfico” donde se publican fotografías de Irigoyen, Campúa y Alfonso. Aunque tiene una corta vida, se cerro en diciembre de ese mismo año, se llegaron a imprimir doscientos mil ejemplares.
Fotógrafos minuteros
Laureano Vinck
Ortiz Echagüe en Avila
Por lo que respecta al fotoperiodismo español, ya hay publicaciones que conceden importancia a la fotografía como pueden ser “Blanco y Negro” y “La Van-
Una figura romántica de esta época es el fotógrafo minutero, fotógrafo ambulante que recorre playas, paseos y ferias retratando las gentes para venderles luego la fotografía “al minuto”. Van de pueblo en pueblo con su caballo de cartón, sus fondos decorados con diversos temas y su cámara de cajón. El tema habitual que retratan son parejas de novios o familias con niños, y el revelado se lleva a cabo al momento en una cubeta colgada de la cámara. Una vez finalizado el proceso se entrega la postal. El biógrafo Mariano García Luna dice: … El fotógrafo minutero es muy común que se fabrique sus propios decorados y escenarios para retratar a la gente en las ferias, como los caballitos de cartón. Al igual que muchos otros, tiene que compaginar su trabajo de fotógrafo con el de carpintero para obtener ingresos suficientes.
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Fotógrafos aficionados Aunque numéricamente minoritaria, en la sociedad española hay una creciente afición por la fotografía. Los aficionados trabajan con las técnicas pigmentarías de finales del siglo XIX como la goma bicromatada utilizada por De Machy (fotógrafo francés de la etapa pictorialista inspirada en el impresionismo) en 1894.
Vicente Garay, otro biógrafo cuyo abuelo también era un minutero, dice: … y se va a los mercados con su propia caseta para hacer fotografías En los temas fotografiados trata de imitar la pintura, basándose en los cuadros más conocidos. Ejemplos goma bicromatada
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La precariedad de estos fotógrafos ambulantes queda patente al no existir ninguna firma que se dedique a la fabricación de las cámaras de minuto, por lo que el fotógrafo se ve obligado a amañárselas como puede comprando los componentes por separado: el fuelle a un curtidos, el chasis a un vendedor de hojalata, el cajón a un ebanista, o comprando restos de otras cámaras en el mercado de segunda mano y procurando una óptica alemana francesa.
La presencia social y la fuerza que ya presentan los aficionados se pone de manifiesto en 1906 con la boda de Alfonso XIII en Madrid. El diario ABC ofrece 25 pesetas por cada foto, provocando sin saberlo una avalancha de fotógrafos amateurs que pueden obtener numerosas tomas del atentado. A la redacción del periódico llega tal cantidad de fotografías que se acaba realizando varias ediciones del número del 1 de junio de 1906. Entre las mejores tomas esta la de Eugenio Mesonero, Caterina Lefevre o Pérez Pech.
Portada ABC con imagen del atentado
La revista “La fotografía” estima que los fotógrafos aficionados superan en esta época el millar, destacando a Santiago Ramón y Cajal, el Conde de Palestinos y Ortiz Chagüe.
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PORTFOLIO DEL MES
Tiaré Gatti Mora Alumna curso fotografía profesional
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Soy, desde que tengo memoria, una fanática de dejar constancia, de registrar, que cada pequeña cosa que hago deje su pequeñísima huella en la historia. Y, ¿qué es una foto si no eso? Siempre me ha obsesionado la inmortalidad, e inmortalizar una imagen es convertir un momento en inmortal.
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A mi corta edad he tenido una historia de amor con cada una de las artes, desde la literatura hasta el teatro, hasta el cine y la música, y, desde siempre pero in crescendo, la fotografía. No solo me apasiona tener el poder de congelar un momento para siempre, sino de perfeccionarlo: hay mucha gente contraria al photoshop, pero a mí personalmente me resulta muy satisfactorio poder no solo quedarme con un momento para siempre, sino tener la capacidad de perfeccionarlo, de reflejar en él lo que deseo ver, de, partiendo de la realidad, crear algo nuevo, nunca visto y sorprendente. Creo que el arte en sí es un artista cogiendo la realidad y transformándola con sus propios retoques; tal vez el resultado no sea verídico, pero: ¿no es el arte en realidad artificio?
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He tenido la gran suerte de dar con un profesor como Pedro, que sabe encontrar el punto idóneo entre una firme guía y una puerta abierta a la creatividad individual de cada alumno. Por mucho talento que se tenga es muy duro- por no decir imposible- desarrollarlo sin ayuda de los conocimientos técnicos de una cámara; es necesario conocerla para manejarla y que no sea ella la que te maneje a ti. Como dice Karl Lagerfeld “Lo que me gusta de las fotos es que captan un momento que se ha ido para siempre, imposible de reproducir.”; es ésta la principal razón que me ha convertido en amante de la fotografía: todas las artes exploran el concepto de eternidad, pero la fotografía es la única capaz de hacer eterno un momento, en un segundo.
Tiaré Gatti Mora 28
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HIZO SE LA LUZ
El expos铆metro by M Carmen Calder贸n Texto: Mamen Calder贸n Fotograf铆as: banco de imagenes de internet
En
este número vamos a hablar de los diferentes exposimetros o fotometros que existen. Este es uno de los elementos indispensables, por no decir, obligatorio para realizar cualquier tipo de fotografía, ya que es la mejor herramienta para medir la luz en cada lugar y/o circunstancia. Pero... ¿que es el exposímetro? El exposímetro, es un dispositivo que da la medida de la exposición en EV (exposure values) o en la relación de diafragma/velocidad de obturación. Aunque hoy día la gran mayoría de las cámaras llevan un exposímetro incorporado, los exposímetros manuales son una accesorio de gran utilidad, especialmente en situaciones de iluminación difícil. Existen cuatro tipos de exposímetros:
Exposimetro de selenio. El mas conocido es el Sixtino 2
De Selenio (Se) No requieren batería, la célula fotosensible es de gran tamaño y suele estar recubierta por una malla en forma de panel de abeja. Cuando la luz incide sobre la célula voltaica genera una pequeña corriente eléctrica. Cada valor de esta energía corresponde a un diafragma.
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Lo bueno de estos exposímetros es que no necesitan pilas para que funcionen y son baratos, lo malo es que no mide luz puntual y en condiciones de poca luz no funciona.
De Sulfuro de Cadmio (CdS) Requieren batería, ya que la fotoresistencia de la que esta compuestos no genera energía cuando la luz incide. Las ventajas de este tipo de exposímetro son que mide la luz continua y la de flash, mide ángulo incidente y ángulo reflejado, son más rápidos en la medición que los de Selenio y mide en cualquier condición de luz. Las desventajas, mala respuesta
a la luz emitida por los colores rojo, amarillo, rosa y naranja, son de respuesta lenta en situaciones de poca intensidad luminosa y se deslumbran/ciegan por encima de un cierto umbral de luz.
Celulas de fósforo - galio - arsenico Llevan una fotoresistencia, por lo que necesitan pilas. Su principal ventaja es que son muy sensibles, lo que los hace idóneos para malas condiciones de luz y no se deslumbran con luces muy directas. Los inconvenientes es que la célula tiene un tiempo de vida muy corto.
Exposimetro silicio
De Silicio (Si) Requieren batería, son los de respuesta más rápida, miden ángulo incidente, ángulo reflejado, flash y EV. Los exposímetros de Silicio llevan una escala para ajustar la sensibilidad y la velocidad. Por medio de esta operación queda determinado el valor de exposición o las combinaciones diafragma/velocidad equivalentes. Normalmente existe una escala para situaciones de alta luminosidad y otra para baja luminosidad. Las ventajas de este tipo de exposímetro son que no se deslumbran/ciegan y tienen buena respuesta a todos los colores. Las desventajas, que si tiene un fallo de décimas en la medición no se puede arreglar y es de por vida, por lo que hay que conocer ese valor para compensar.
Exposimetro Sulfuro de Cadmio. Es el usado en la actualidad. El de la imagen superior es el básico y en la imagen inferior podemos ver uno más complejo.
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¿Como medir la luz? Existen dos medidas de luz que se pueden efectuar con un fotómetro: la luz incidente y la luz reflejada.
esfera difusora
Para efectuar las medidas de luz incidente se coloca una semiesfera difusora ante la célula fotoeléctrica y se dirige el fotómetro desde la posición del objeto hacia la fuente de luz. Para medir la luz reflejada por el objeto se quita la semiesfera difusora y se coloca la de nido de abeja y se apunta desde la posición de la cámara hacia el objeto teniendo cuidado de no tomar la medida del cielo o de otras partes que no interesen y que puedan distorsionar la medida.
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celula para luz reflejada
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La Mirada de
Guy Bourdin by M Carmen Calder贸n Fotos: im谩genes obtenidas en internet
En febrero de 1955, fueron publicadas sus primeras fotografías de moda, incluyendo la portada de la revista Vogue francesa. Ese mismo año, exhibió sus dibujos en la Galerie des Amis des Arts y sus pinturas en la Galerie Charpentier, ambas en París, y al año siguiente, expone nuevamente dibujos en la Galerie de Seine. En 1957, exhibió sus pinturas y dibujos en la galería Peter Deitsch de la ciudad de Nueva York, además de contribuir con fotografías para la exhibición grupal titulada Vogue, en la Bienal Internacional de Fotografía de Venecia. Cuatro años después, se casó con Solange Louise Gèze con la que estuvo casado diez años.
Guy Bourdin nació en París, Francia.
Un año después de nacer, fue adoptado por Maurice Desire Bourdin y su madre, Marguerite Legay. Durante los años 1948 y 1949 asumió labores militares en la fuerza aérea de Francia. Aquel año, recibió su primer entrenamiento en fotografía y fue destinado a vivir en Dakar, Senegal. En 1950, exhibe por primera vez su trabajo, un conjunto de dibujos y pinturas en la galería Rue de la Bourgogne en París. Dos años después, ofrece una muestra fotográfica en la Galerie 29. Este catálogo incluye una presentación del artista estadounidense Man Ray.
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Nuevamente en la capital francesa, exhibe sus fotografías bajo el seudónimo Edwin Hallan en la Galerie Huit, en el año 1953. Luego, en 1954, presenta una muestra de dibujos en la Galerie de Beaune, en París. También contribuyó con fotografías para la gira de exhibiciones de la C.S. Association UK, en 195455 y 1955-57. En ambas oportunidades, su trabajo fue expuesto en galería de arte Whitechapel en Londres, Inglaterra.
En 1965, exhibió nuevamente sus dibujos en la galería Jacques Desbrière de París. Un año más tarde, contribuyó con la feria de arte Photokina 66, en Colonia. 1967 es un año especial para Bourdin, ya que nació su único hijo, Samuel. Ese mismo año, fue por primera vez el responsable de la campaña publicitaria de la marca de calzados Charles Jourdan, además de realizar su primera editorial de fotografías de moda en las revistas Harper’s Bazaar y Photo. En 1969, colaboró con la muestra grupal l’insolite et la mode en al galería Delpire de París. Durante los años siguientes, Bourdin realizó editoriales de moda por primera vez para la revista Vogue, en su edición italiana en 1972 y su edición británica en 1974. Mientras tanto, en 1973, sus fotos fueron requeridas por la agencia de publicidad Mafia, en París. En 1975, elaboró las fotografías publicitarias para el diseñador japonés Issey Miyake. Al año siguiente, realizó el catálogo de lencería de la marca Sighs and Whispers para la tienda Bloomingdale’s de Nueva York.
También participó en campañas publicitarias para los diseñadores italianos Gianfranco Ferré y Gianni Versace, además de la marca Loewe. En 1977, realizó su primer editorial fotográfico para la revista Vogue Hommes. Sus imágenes fueron mostradas en la gira de exhibiciones llamada The History of Fashion Photography en diversos locales de Estados Unidos, incluyendo el Museo Internacional de Fotografía, la Casa George Eastman y los museos de arte moderno de Rochester, Nueva York y San Francisco. Al año siguiente, Guy confeccionó la campaña publicitaria para el diseñador francés Claude Montana, además de colaborar nuevamente para la feria de arte Photokina 66 y realizar calendarios para Issey Miyake y la marca de cámaras fotográficas Yashica. En 1981 confeccionó el calendario de la marca Pentx. Su última campaña publicitaria para Charles Jourdan fue en 1981, mientras tanto, hizo sus primeras fotos para la firma de diseño Línea Italiana. Un año después participó en la campaña publicitaria de Gianfranco Ferré y Roland Pierre,
además de contribuir con la exhibición titulada Color as Form en el Museo Internacional de Fotografía en Nueva York. En 1985, realizó la campaña para el diseñador francés Emanuel Ungaro. Ese mismo año, el Ministerio de Cultura de Francia le otorgó el Gran Premio Nacional de Fotografía, pero Bourdin se negó a aceptarlo. Por tercera y última vez colaboró para la feria de arte Photokina 66, en 1986. Al año siguiente, culmina su contrato con la revista Vogue francesa. Realizó su primera editorial para The Best y la campaña publicitaria para Révillon y para la casa de modas Chanel. En 1988, el Centro Internacional de Fotografía, Nueva York, le otorga el premio Infinity Award, de manos de otra reconocida fotógrafo, Annie Leibovitz, por su campaña publicitaria para Chanel. Aquel año contribuye con la Trienal Internacional de Fotografía, París, Francia. El 29 de marzo de 1991, Guy Bourdin muere de cáncer a los 62 años.
Más información: »» Web oficial »» Portfolio
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1953. Unpublished. Influencia de Man Ray
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1954. Chapeau Choc
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1972. French Vogue
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1975. Catalogo Charles Jourdan Spring
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1977. Vogue Paris
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1980. Pentax Calendar
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ACTIVIDADES
Exposiciones
Construyendo Mundos Hasta el 6 de septiembre de 2015 Museo ICO Zorrilla, 3 www.fundacionico.es
José Guerrero. Sierra Nevada Desde el 10 de septiembre de 2015 Galería F2 Fourquet, 28 www.f2galeria.com
Valerio Bispuri. Mirada interior Hasta el 11 de septiembre de 2015 Instituto Italiano de Cultura Mayor, 86 www.iicmadrid.esteri.it
Tres mujeres, tres miradas Hasta el 12 de septiembre de 2015 BAT. Alberto Cornejo María de Guzmán, 61
Jorge Fuembuena. InsideInsect Hasta el 23 de septiembre de 2015 Centro de Arte Alcobendas Mariano Sebastián Izuel, 9 www.centrodeartealcobendas.es
José Guerrero. After the Rainbow Hasta el 1 de octubre de 2015 Centro de Arte Alcobendas Mariano Sebastián Izuel, 9 www.centrodeartealcobendas.es
Mirar la arquitectura Hasta el 4 de octubre de 2015 Museo de la Biblioteca Nacional Paseo de Recoletos, 20 www.bne.es
Vogue: Like a Painting Hasta el 12 de octubre de 2015 Museo Thyssen-Bornemisza Paseo del Prado, 8 www.museothyssen.org
www.galeriabat.com
Luis González Palma. Constelaciones de lo intangible
Hasta el 13 de septiembre de 2015 Centro de Arte 2 de Mayo (CA2M) Avenida de la Constitución, 23
Hasta el 18 de octubre de 2015 Espacio Fundación Telefónica Fuencarral, 3
Janek Zamoyski. Heave Away
Sostener la mirada. José Luis Vicario
Esto –no– ha sido
www.ca2m.org
Hasta el 20 de septiembre de 2015 Museo Nacional Ciencias Naturales José Gutiérrez Abascal, 2 www.mncn.csic.es
www.espacio.fundaciontelefonica.com
Hasta el 31 de octubre de 2015 Centro de Arte Alcobendas Mariano Sebastián Izuel, 9 www.centrodeartealcobendas.es
Concursos
7ª Edición Certamen Fotográfico “Cruz de la Plaza” Hasta el 4 de septiembre de 2015. Más información en: Bases del concurso
Concurso de Fotografía: PhotoForma Hasta el 7 de septiembre de 2015 Más información:
www.blipoint.es
I Concurso de Fotografía Parque Natural Sierra de Andújar Hasta el 7 de septiembre de 2015 Más información: www.ifeja.orgibercaza.org
XXXIII Edición del Concurso de Fotografía “Fira de Setembre 2015”
Hasta el 8 de septiembre de 2015 Más información: Red asociación fotógrafos alicantinos
Concurso Fotográfico: Fotoverano’2015
Hasta el 10 de septiembre de 2015. Más información: Foto El tiempo
Concurso Pixall Natura 2015
Hasta el 13 de septiembre de 2015 Más información: natura.pixall.es
Concurso Pixall Spotting 2015 Hasta el 13 de septiembre de 2015 Más información: spotting.pixall.es
I Concurso/exposición Internacional de Fotografía “Los elementos: Agua” Hasta el 13 de septiembre de 2015 Más información: www.creaty.eu
II Concurso Fotográfico Alicante Natural 2015
Hasta el 13 de septiembre de 2015. Más información: Enamorados de Alicante
Rincones del Mundo
Hasta el 14 de septiembre de 2015. Más información: www.fomunity.com
Certamen Internacional de Fotografía DARK PHOTO
Hasta el 15 de septiembre de 2015 Más información: www.darkphoto.eu
I Concurso Fotográfico ASAENES
Hasta el 19 de septiembre de 2015 Más información: www.asaenes.org
Concurso Internacional de Fotografía “UNED La Palma”
Hasta el 30 de septiembre de 2015 Más información: www.unedlapalma.es
I Concurso de Fotografía AFRÍCATE
Hasta el 30 de septiembre de 2015 Más información: www.pactoporafrica.org
XXIII Edición Premios de Fotografía Profesional LUX 2015
Hasta el 30 de septiembre de 2015 Más información: www.premioslux.com
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