keltia en vivo abr16

Keltia en vivo

BoletĂ­n informativo AĂąo III - Abril

Keltia en vivo

2014 - 2016

Staff Director Pedro Jurado

keltia@keltiaimagen.com

Directora Creativa / Redactora / Fotรณgrafa M Carmen Calderรณn

mcaldfer@gmail.com

Redactora / Fotรณgrafa Asunciรณn Gonzรกlez

chaplin_chocolat@hotmail.com

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INDICE

Casablanca ...................................

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Maquillaje

Historia de la fotografĂ­a ..................

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Hizo se la luz .................................

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Lo mejor del mes

La mirada de Actividades

CASABLANCA

La decisión de Sophie 1979 Director: Randal Kleiser Director de fotografía: Nestor Almendros

by M Carmen Calderón

Texto: Mamen Calderón Fotos: imágenes obtenidas en internet

los gestos de los actores secundarios… no serían de Polonia, pero al menos serían diferentes a los de las secuencias americanas. Pero Pakula, el director, no se contentó con eso, quería que el tratamiento visual de esas escenas fuera distinto también.

Pincha para ver el trailer

Discutimos la posibilidad de filmarlas en blanco y negro, o hacerlas monocromas con un virado al sepia, pero eran planteamientos no muy originales, finalmente Pakula aceptó con entusiasmo la solución que yo le propuse, inspirada en dos viejas películas de John Huston, “Moby Dick” y “Reflejos en un ojo dorado”. La solución consistía en aplicar al positivo de esas secuencias un proceso de desaturación, en otras palabras, en pedir al laboratorio que atenuase levemente los colores originales, para obtener tonos sutiles, difuminados.

El relato cinematográfico de La deci-

sión de Sophie se divide en dos partes distintas: el presente en Brooklyn (1947) y el pasado en Cracovia y Auschwitz (1938-1943).

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El tratamiento de cada época tenía que ser distinto, no sólo porque la película presentaba dos universos separados, sino porque el espectador viajaba al pasado a través de los recuerdos de la heroína, a modo de flashbacks que le conducen a una realidad rectificada por la memoria. El director quería rodar las secuencias de Polonia para seguir a pie de la letra lo evocado por el libro, pero la crisis que había en el momento del rodaje en Polonia les obligó a recurrir a Yugoslavia. Las calles, los rostros, los paisajes,

Escena de Moby Dick donde se aprecia la desaturación de los colores.

Escena flashback de La decisión de Sophie, imitando la desaturación de colores de Moby Dick

Escena “Una jornada particular”

En estas imagenes se puede apreciar el cambio viisual entre presente y pasado.

La imagen superior corresponde con el pasado de Sophie, es una imagen desaturada, tonos mas bien grises, rozando el blanco y negro. La imagen inferior corresponde con el presente de Sophie, se puede apreciar que los colores están más saturados, emos los rojos y amarillos

Escena “Reflejos en un ojo dorado”

En el caso de “Una jornada particular”, película de Ettore Scola y en las dos de Huston “Moby Dick” y “Reflejos en un ojo dorado”, a medida que avanza la acción, el público se habitúa al efecto y entonces deja de ver que el material visual ha sufrido manipulación. En La decisión de Sophie, el tránsito constante del pasado al presente se subraya en cambio el contraste y, por comparación, esas imágenes desteñidas expresan un mensaje preciso, el de un pasado recompuesto.

Se realizaron test en el laboratorio antes de rodar. La misma imagen fue sometida a una desaturación del 10%, 20% y 30%, de manera que podían escoger el porcentaje ideal para cada escena. La escenografía y el vestuario se diseñaron en función de estos test. Y no se evitaron colores vivos, al contrario,

los buscaron deliberadamente, porque resisten mejor la desaturación. Los rojos y los azules aunque algo desvaídos permanecen en la copia final, mientras que los amarillos desaparecen por completo. Por esa razón plantamos únicamente flores rojas y azules en el jardín del comandante del campo de Auschwitz.

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La idea de la desaturación se le ocurrió a Nestor al acordarse de las primeras películas del Agfacolor de la Alemania nazi. Comparado con el Agfacolor americano, el alemán se caracterizaba por sus tonos pastel. Los rusos, para quienes la tecnología formaba parte del botín de guerra, realizaron películas en esos mismos tonos.

Era un rosa brillante, casi agresivo, del que el público podía hartarse en seguida, pues la mayor parte de la acción se desarrollaba en el “palacio rosa”. Según progresaba la acción, tuvimos que filtrar la iluminación con gelatinas, modificando imperceptiblemente el color de las paredes..

Los colores suaves de las secuencias europeas en esta película, tal vez provocarán en la memoria de ciertos cinéticos de mi generación los apropiados reflejos condicionados.

Por otra parte, en las escenas que tienen por escenario la pensión de Yetta, en Brooklyn, se tuvo que crear esa orgía de colores rodado que tan bien describe Styron. En los primeros planos, se tenía que conservar el mismo color rosa de la fachada y de los interiores, evitando la contaminación cromática.

Escena donde se puede ver el tono rosado de la fachada

Tres escenas del interior de la pensión

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MAQUILLAJE

By Asunci贸n Gonz谩lez

Texto: Asunci贸n Gonz谩lez Fotos: Internet

Por primera vez en la historia de la moda los vestidos de día eran tan cortos como los de noche.

Los

años 20 fue una de las épocas más revolucionarias del siglo XX, fue probablemente la década más atrevida y transgresora, una época de cambio radical que afecto a todos los aspectos culturales y que repercutió con fuerza en la moda...

La prenda estrella y más usada de la época era una combinación de algodón color crema compuesta por un corsé y un sujetador para disimular los pechos, con tirantes ajustables, parte delantera bordada, partes laterales y traseras elásticas, cierre lateral con corchetes y cuatro portaligas ajustables. Todo estaba confeccionado con un nuevo material: el rayón, ligero, barato y fácil de lavar

Es la década en la que la moda entra en la era moderna, en la que las primeras mujeres se liberaron de la constricción de la moda y comenzaron a usar ropa más cómoda, también se destaparon y comenzaron a beber y a fumar en público como una provocación al rígido estatus que reinaba a principios del año 1920.

La moda de los años 20 hace que la silueta de la mujer completamente lisa por la parte superior, de forma que el look sea unisex o andrógino. Se elimina la falda larga de la década anterior y la sobrefalda que se lleva sola, pierde su vuelo.

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La contribución a la emancipación de la mujer que supuso liberarse de indumentarias de varios siglos de peso es enorme.

de las primeras revistas de patrones, y ellas mismas se hacían sus propios trajes de Chanel.

Surge el Estilo Flapper, las flappers son conocidas por su estilo de vida a la hora de vestir nació como resultado del jazz y de la divulgación del baile que las acompañaban, el charlestón.

Las flappers llevaban vestidos vaporosos de tirantes y con amplios escotes, dejando al descubierto los brazos, con cinturones colgando de la cintura para acentuar levemente el cuerpo menudo y esbelto entre holgadas prendas. Las faldas tenían el corte justo por debajo de las rodillas hasta 1927, permitiendo un elegante y provocador vuelo que dejaba las rodillas al descubierto para cuando bailaba o caminaba. A pesar de que se las acusa de acabar con el corsé no fue sino que lo adaptaron a sus gustos y vestidos.

Las flappers usaban las mencionadas combinaciones con corsé para moldear su figura, reduciendo pecho y caderas.

Los accesorios se convirtieron en una parte muy importante del vestir y esenciales en las flappers. Por lo general piezas de joyas Art Déco, con muchas capas de collares de perlas, los guantes largos, los bolsos pequeños, estolas de pelo, abrigos de grandes dimensiones, los zapatos mas popularizados eran las Merceditas, sujeto al tobillo con una tira, fueron la esencia de los locos y dorados años 20.

Sin embargo, a pesar de todo el escándalo generado por las flappers, se convirtieron en el centro de atención y en el eje principal del mundo de la moda, y cada vez más mujeres de todas las edades iban acuñando este estilo de vestir.

La moda llegaba a todo el mundo de forma muy rápida: la industria textil avanzaba muy rápido y los tejados se abarataban. Las mujeres de clases bajas tenían acceso de los patrones de los vestidos de las clases altas, gracias a la aparición

Eran muy comunes los sombreros Cloche de copa hemisférica, cuerpo cilíndrico y pequeña ala recta con un pliegue a un lado. Era muy sencillo y práctico

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y permitía libertad al andar. El filtro era el material más usado para hacerlos y en verano, los cloche se hacían de paja.

Para la noche solían usar bandeau.

La modista por excelencia fue Coco Chanel (1883-1971), el objetivo de la diseñadora fue liberal a la mujer mentalmente, apropiándose de los principios de elegancia masculina, con la sensualidad femenina. Fusionando lo masculino con lo femenino, la dureza con el encanto y la sencillez con el lujo. Otros diseñadores coetáneos de la década Cristobal Balenciaga (1895-1972) y Madeleine Vionnet (1876-1975).

El maquillaje se caracterizo por ser muy recargado y exagerado, el principal objetivo era la provocación, no importaba que resultase artificial.

En el maquillaje no se hacen correcciones ni claras ni oscuras.

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Al principio de la década de los 20 las flappers lucían la piel muy blanca, el maquillaje era uno o dos tonos por debajo del color de su piel. Se aplicaban polvos traslúcidos o blancos para palidecer aun más, aunque a medida que iba avanzando la década el bronceado en la piel se volvería más popular entre las mujeres después de que Coco Chanel tras pasar demasiado tiempo al

sol en unas vacaciones se pusiera muy morena.

Sin duda el exceso de las flappers en el maquillaje era escandaloso ya que el uso del maquillaje, anteriormente estaba limitado a las actrices y prostitutas.

Los ojos se maquillaban con lápiz negro en forma de media luna extendida (forma redondeada). Dibujaban la línea superior y la línea inferior gruesa (las difuminaban con un pincel hacia abajo).

La línea inferior interna iría en blanco. La apariencia era conseguir unos ojos muy grandes y almendrados. La cuenca del ojo la marcaban con sombra roja o morada, y la difuminaban hacia arriba sin invadir y dejando el arco de la ceja sin maquillar. Usaban máscara de pestañas abundante.

Las cejas cuidadosamente perfiladas, dando una forma semicircular.

Las rubias de la época se maquillaban los párpados con tonos verdes y azules, mientras que las morenas con tonos marrones o negros.

El colorete era aplicado de forma circular sobre la mejilla y la boca era conocida como boca de piñón con tonos rojo o rojo oscuro.

En el año 1925 aparece en el mercado la primera laca de uñas de color, que rápidamente consiguió millones de adeptas. La gran creación y revolución de la época fue la máscara de pestañas resistente al agua creada por Elisabeth Arden en 1921. Aparece en escena el polaco Max Factor, maquillador de teatro y de varias estrellas de cine que lanza su archiconocido maquillaje de las estrellas.

máximo a la cabeza. El segundo el Eton crop era conocido por ser liso por la raíz y a la altura de las orejas lleno de rizos u ondas.

El cabello, para considerarse chicas modernas, las mujeres debían lucir el corte a lo chico pero los hombres no aceptaban esta moda. Este corte podía llevarse tanto con el cabello lacio u ondulado.

En la década de 1920 a 1930 hubo dos aportes tecnológicos en lo que se respecta al cabello: el primer secador de pelo portátil y las máquinas de permanentes.

Las flapper se teñían el cabello de negro azabache o de rubio platinó, y algunas veces, de rojo intenso, aunque no era muy popular por las supersticiones que había de las pelirrojas.

Los iconos de esta década tan revolucionaria y descarada se encontraban entre ellas: la actriz estadounidense del cine mudo Clara Bow (1905-1965), la bailarina y cantante estadounidense nacionalizada francesa (1936-1975), fue la encargada de revolucionar los cañones de belleza por su estilo y su piel negra que empezó a considerarse hermosa y delicada.

Clara Bow

El corte de pelo más usado era el llamado Garçone, ya que las flapper buscaban un aspecto masculino. Pero poco a poco se popularizo un corte de pelo simétrico llamado bob cut, donde el flequillo es recto cayendo por encima de las cejas, y el largo puede tener una longitud cortado desde la altura del las mejillas o hasta los hombros, reduciéndose en la nuca de forma diagonal.

Fue sustituido más tarde por el corte Shingle bob y el Eton crop. El primero se introdujo en 1924 y era más parecido al bob cut pero más y sin flequillo, generalmente muy engominado para pegarlo lo

Josephine Baker

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HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA

Crónica contemporánea

La decada de los años 20 continuación

by M Carmen Calderón Texto: Mamen Calderón Fotos: imágenes obtenidas en internet

Por otro parte, se dan los primeros pasos en la creación de foros donde mostrar, comentar, admirar o incluso criticar las imágenes que los fotógrafos españoles van generando. Aquí juega un papel importante el Fomento de las Arts Decoratives de Barcelona, que en 1913 crea una sección fotográfica que se convertirá en el Salón Fotográfico en 1925.

Tendencias

Cultura De la mano de unos pocos avanzados, la fotografía empieza a utilizarse en España como elemento ilustrados de la ciencia. El caso más señalado es el de Santiago Ramón y Cajal, Premio Nobel de Fisiología y Medicina. En 1912 publica “la fotografía de los colores”, obra en la que recoge fundamentos científicos y reglas prácticas inspiradas en el método de Lippmann. Más tarde publica “una modificación al procedimiento fotoquímico de la fécula de Lumière. Reglas prácticas sobre la fotografía”.

Ramon y Cajal

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En 1911, el italiano A. Giulio soprende al intelecto fotográfico internacional con su “fotodinamismo futurista”, principio según el cual las formas son destruidas por el movimiento y basta con disminuirlas para captar las sucesivas posiciones tomadas de forma continua. Este movimiento fue iniciado por Muybridge y Marey, que consistía en captar el movimiento en una misma imagen.

Fotodinamismo. Giulio

El pictorialismo encuentra su último refigio en España, un país anulado mentalmente por el analfabetismo y la censura. La falta, no solo de ideas nuevas, sino de inquietudes por los cambios de estilo que se dan en el extranjero, propicia que este movimiento adormezca la fotografía de nuestro país hasta bien entrado los años 40.

Fotógrafos profesionales Como ya hemos comentado, en España la mayoría de los fotógrafos se hallan inmersos en el pictorilismo, movimiento que durará hasta la Guerra Civil. No obstante, algunos pocos profesionales ansiosos por desarrollar en la fotografía nuevos lenguajes, ya aplican su creatividad a la incipiente fotografía publicitaria española, como es el caso de Catalá Pic, autor de algunas de las mejores obras de la época.

En el aspecto técnico, tres fotógrafos españoles ya trabajan la fotografía en color, concretamente Aurelio Grasa, famosos por sus autocromos taurinos, Fungairiño, con la primera foto en color publicada en un semanario español y Joan Masó autor de una serie de autocromos de gran calidad técnica y artística.

En el cine los primeros fotógrafos españoles fueron Baños y Josep Gaspar.

Retrato de Rafael Masó en el campanar de la Iglesia de Sant Feliu al fons. 1920-1925. Joan Masó Valentí

Fotografía de Fungairiño

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Fotógrafos de estudio En los estudios, las técnicas se siguen transmitiendo de padres a hijos o de fotógrafo a aprendiz, prescindiendo de las efímeras publicaciones especializadas. Las fotografías que se realizan son básicamente retratos o las postales.

Muchas veces estas fotografías se entregan coloreadas a mano.

Los estudios más grandes, como Christian Franzen, Cartagena o Alfonso Sánchez García, en Madrid, cuentan con una amplia plantilla que puede alcanzar las 20 personas. Los empleados más importantes son los revocadores, operarios de galería e iluminadores.

Los estudios Káulak o Alfonso, cuentan con varios platós y una gran cantidad de fondos y elementos de escenografía en cartón piedra con escalinatas, animales disecados, armaduras, atares, plantas artificiales… lo que demuestra la gran importancia que se daba al ambiente, hecho muy influenciado del pictorialismo.

Antonio jubiles, colabora durante estos años con José Castellano, el fotógrafo de la casa real en Sevilla. Su estudio no es tan grande como los de Franzen o Kaulak pero con siete empleados consigue obtener excelentes beneficios realizando retratos de la alta sociedad andaluza.

Ejemplo donde se aprecian los fondos de tela

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Tocador del estudio de Kaulak Retrato realizado en el estudio Franzen

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PORTFOLIO DEL MES

Concurso Keltia Imagen Estas fotografías están expuestas en nuestra escuela.

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HIZO SE LA LUZ

Fotografía Macro

by M Carmen Calderón Texto: Mamen Calderón Fotografías: Mamen Calderón

Objetivo invertido La técnica de invertir el objetivo implica girar la lente de modo que la parte trasera este en el exterior y lo que es la parte delantera este pegada a la cámara. Se pueden comprar unos adaptadores para sujetar el objetivo invertido al cuerpo de la cámara, pero también puedes mantener la posición sujetándolo con la mano, es más complicado y laborioso pero no imposible.

¿Siempre has querido hacer fotogra-

fías a objetos muy pequeños y no sabes como? Pues no te preocupes, en este número te vamos a contar como puedes hacer este tipo de fotografías de una manera fácil y sencilla.

Pero antes de contarte los diferentes métodos, te diremos que a este tipo de fotografía se la define como macro y se emplea cuando el sujeto es del mismo tamaño o más pequeño que nuestro sensor de cámara. Como resultado obtenemos una imagen a escala 1:1 o una reproducción a tamaño natural. Se pueden crear imágenes impactantes de flores, insectos, retratos, texturas... pero tenemos que tener en cuenta que perdemos la profundidad de campo, ya que a distancias tan cortas el fondo esta fuera de foco y saldrá desenfocado.

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Esta claro que la mejor manera para obtener un buen resultado el es objetivo macro, pero no es necesario invertir dinero si no te vas a dedicar a este tipo de fotografía, también se puede conseguir buenos resultados con los tubos de extensión, fuelles, o, como en nuestro caso, un objetivo invertido.

Puede parecer extraña la técnica de invertir el objetivo pero te vamos a explicar el porque. Un objetivo deja pasar la luz para formar la imagen de nuestro objeto en el sensor de una manera más pequeña. Si invertimos la lente el efecto que se produce es el contrario, la imagen que se forma se magnifica y obtenemos una imagen muy real. En la imagen se detalla este proceso:

Hay dos técnicas para aplicar este principio Un único objetivo Para esta técnica te recomendamos usar un anillo inversor para fijar la lente a la cámara, puedes encontrarlo en cualquier tienda donde vendan material fotográfico, aunque como te hemos contado puedes hacerlo manualmente.

Estos anillos se unen al objetivo mediante una rosca como si fuera un filtro y se une a la cámara mediante el sistema de cada una, por lo tanto, tendrás que comprar un anillo inversor apropiado para tu cámara.

Esta técnica funciona para los objetivos de abertura manual, pero para los que no tienen este tipo de objetivos indicarles que cada marca tiene su propio valor definido, por ejemplo los objetivos de Nikon se quedan abiertos en un valor de F22 y los Canon a un F4, y estos valores son los que tendremos que tomar para realizar las tomas y no se pueden modificar.

La profundidad de campo, con esta técnica, disminuye por lo que hay que tener mucho cuidado donde fijamos nuestro punto de enfoque y como componemos nuestra toma. Si lo hacemos con un anillo inversor nos resultará mas fácil encontrar

el punto de enfoque, pero si lo hacemos de manera manual… hay que armarse de paciencia ya que hay que mantener centrado el objetivo a la cámara y que no entre luz.

Consejos La técnica de invertir el objetivo es que dejamos la parte trasera expuesta al aire o al contacto de otros elementos, por tanto hay que tener siempre mucho cuidado de no rayarlo ni ensuciarlo.

Parametros de la cámara »» Nitidez de la imagen: Para obtener los mejores resultados te recomendamos utilizar un trípode y un disparador externo para mantener la cámara fija, ya que al estar tan cerca del objeto a fotografiar cualquier pequeño movimiento puede estropearte la foto.

»» Diafragma: Como ya te hemos co-

mentado este valor depende de cada marca objetivo, para los objetivos Nikon este valor es F22 y para los Canon es F4. Si tu caso es F4 tendrás gran profundidad de campo y un reblandecimiento de la imagen, todo lo contrario que con un F22. »» Iluminación: Se puede usar la luz natural para iluminar pero en este caso tendrá que usar el trípode y largos valores de velocidad de obturación para obtener una exposición correcta.

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Si quieres usar el flash deberías usar el especifico para los objetivos macro pero puedes usar uno externo normal, con el podrás hacer fotografías sin usar el trípode y que no te salgan movidas ya que congelan la imagen. »» Sensibilidad: Usaremos la sensibilidad más baja que tengamos en cámara, lo recomendado es ISO 100 aunque algunas es de 200. Esto es porque con una sensibilidad alta conseguiremos añadir ruido a nuestra imagen y perder nitidez.

En la parte superior podemos ver la camara con el objetivo invertido montada en tripode, y en la imagen de abajo podemos ver el resultado.

Momento creativo Llegados a este punto te invitamos a que pruebes esta técnica, ya te contaremos alguna mas… No le tengas miedo, es más complicado de lo que parece y los resultados obtenidos son tan espectaculares que merecerá la pena probarlo.

Fotografía macro de un melon

Para realizar las fotografías hemos usado un objetivo Canon 50mm, por lo tanto una F4, flash y trípode.

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Fotografía macro de una fresa

Fotografía macro de una polilla

Piel de un melón Fotografías tomadas con: »» Canon 55D »» Objetivo Canon 50 F1.8

»» »» »» »»

ISO 100 F4 Velocidad: la corespondiente a cada caso Iluminación: luz natural

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La Mirada de

Rosa Muñoz

by M Carmen Calderón Fotos: imágenes obtenidas en internet

Con un lenguaje muy personal y ya reconocible, Rosa Muñoz (Madrid, 1963) lleva en esto de la fotografía veinte años.

Dos décadas en las que ha compaginado su trabajo en distintos medios y revistas (desde el dominical de El País hasta El Magazine de El Mundo en la actualidad) con sus obras más personales, complejos montajes fotográficos, escenarios inventados y edificaciones imposibles Rosa Muñoz comenzó su carrera documentando el Madrid de los años 80 para el periódico municipal Villa de Madrid. Hacía retratos en blanco y negro que fueron evolucionando hacia un punto de vista tan personal que consiguió definir un estilo y un lenguaje fotográfico extremadamente particular. Posteriormente el color ganó la batalla, para ser su forma de vida.

Realiza una obra basada en la escenificación, trabajando el ambiente, la puesta en escena y los colores para dotar al conjunto de una irrealidad propia del poema visual, en la que la lógica visual se subvierte y la escena llega a ser surrealista. Con dicha transgresión de la realidad y la desubicación de los objetos se suscita un lenguaje plagado de fantasía misteriosa, entre la realidad y la ensoñación.

Rosa Muñoz es una fotógrafa espa-

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ñola (nacida en Madrid en 1963) considerada una de las creadoras más importantes dentro del panorama de la fotografía contemporánea en España. En su obra, entre el retrato y los escenarios hay espacio para escenas oníricas, espejismos visuales, montajes rococó, coreografías, ... elaborando un trabajo que “logra la trasgresión de la realidad para hacerla más sugerente”.

En sus series: Casas, Objetos encontrados y El bosque habitado, propicia un diálogo creativo entre ficción y realidad que pone a prueba la asociación entre fotografía y realidad, y lanza una reflexión sobre la complicada relación entre la naturaleza y la forma de vida occidental, y sobre la dialéctica entre el mundo privado y la realidad exterior. En Paisajes del futuro (2010-12), que trata de una reflexión sobre la pérdida y la destrucción, da una vuelta de tuerca más al realizar, a través de la superposición de fotografías, un do-

cumento visual de lugares fuera del tiem- en Latinoamérica y Roma, Centro Andapo y el espacio. luz de la Fotografía en Almería o en el Museo de Arte Contemporáneo Unión En los últimos años ha presentado Fenosa en A Coruña, Expo 98, Art-Miami, las exposiciones Mentiras verdaderas en Dfoto, … En 2011 participó en el Seoul el Museo de Arte Contemporáneo Unión Photo Festival, con obra expuesta en el Fenosa (MACUF) en La Coruña en 2010 Museo Nacional de Arte Contemporáneo y Memorias construidas, en la que bucea de Seúl. en sus archivos y rescata del olvido desde sus primeras fotografías hasta las meSu obra forma parte de colecciones jores obras de sus últimas series (Centro de museos e instituciones como las del Tomás y Valiente de Fuenlabrada y Ca- Centre National d’Art Georges Pompidou, nal de Isabel II en Madrid, en el marco de Comunidad de Madrid, Colección pública PHotoEspaña 2012), entre otras mues- de Fotografía de Alcobendas (Madrid), tras.

Colección Estampa, entre otros.

Ha participado en varias ediciones de la Feria ARCO, en PHotoEspaña y en Ferias de arte MACO (México), Lisboa, Berlín así como en el Instituto Cervantes

Más información: »» Video TVE

»» Video Rosa Muñoz »» Web oficial

Desde el principio, el tiempo ha estado muy presente en mi obra. Fotografiar es reflejar fragmentos de la memoria de ese tiempo, conservar y preservar, al menos en parte, aquello que ya es pasado.

Rosa Muñoz

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Eduard Punset

La evoluci贸n de Darwin 44

Gabino Diego

La serie “La evolución de Darwin” es una serie de retratos realizados para el magazine de El Mundo. Eduard Punse, Gabino Diego, Sergi Arola y Pedro Zerolo fueron caracterizados para crear unos retratos relacionado con la evolución.

Fotografía: Rosa Muñoz Maquillaje: Marta Mora (nuestra direcotra de la escuela de maquillaje) 45

Pedro Zerolo

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Sergi Arola

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Las casas

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La serie de Las Casas fue mi primera incursión en la fotografía escenificada de la que ya no he vuelto a salir. Esa foto es la primera de toda la serie y, por tanto, de mi trabajo personal. Quería plantear una reconstrucción de las viviendas de la España de los 60-70. En toda la serie se adivina un homenaje visual a la decoración de aquella época en casas humildes, pero los escenarios fueron recreados con una iluminación creativa y muy colorista que aportaba una nota surrealista y fantástica.

Rosa Muñoz

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Mis primeras escenografías eran reales. Se realizaban in situ y necesitaban varios días para montar esos escenarios a la manera de un set cinematográfico. Era un esfuerzo intenso. Lo importante es que eran realidades que existieron sólo para ser fotografiadas, a diferencia de lo que ocurre habitualmente con la fotografía que secciona la realidad ya existente. Con la llegada de la fotografía digital, la posibilidad de exacerbar mis escenas ha sido un recurso que no he dudado en incorporar y que ha supuesto un incremento considerable de narratividad y de resultados formales y conceptuales.

Rosa Muñoz 50

El bosque habitado

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Paisajes del futuro

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Objetos encontrados Yo construyo una realidad muy concreta y fantástica sólo para mi cámara.

Rosa Muñoz

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ACTIVIDADES Exposiciones Alberto García Alix.

París, rien de Plus

Julia Margaret Cameron

Más info: Centro de arte Alcobendas

Más información: Fundación Mapfre

Centro de arte Alcobendas Dirección: Mariano Sebastián Izuel, 9

Breaking Stones. A Band on the Brink of Superstardom. 1963-1965 Hasta el 31 de mayo de 2016 Mondo Galería Dirección: San Lucas, 9 Más información: Mondo Galería

Fernando Manso.

Oxidados

Hasta el 21 de mayo de 2016 Blanca Berlín Dirección: Limón, 28

Más información: Galería Blanca Limón

Fila 7

Hasta el 13 de mayo de 2016 Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España Dirección: Zurbano, 3

Más información: Academia del cine

Irán – España: fotógrafas en el espejo Hasta el 15 de mayo de 2016 Centro Cultural Conde Duque Dirección: Conde Duque, 11

Más información: Centro Conde Duque

Hasta el 15 de mayo de 2016 Fundación Mapfre.

Dirección: Bárbara de Braganza, 13

My world. Retos para un mundo mejor Hasta el 29 de mayo de 2016 CaixaForum Madrid Dirección: Paseo del Prado, 36

Más información: La Caixa

Nation Rugby. Andrea Santolaya Hasta el 13 de mayo de 2016 Institut Français de Madrid Dirección: Marqués de la Ensenada, 12

Más información: Institu Français de Madrid

Paco Gómez

Hasta el 24 de julio de 2016 Sala Canal de Isabel II Dirección: Santa Engracia, 125

Más información: Canal de Isabel II

The Secret Sits. Wyeth Wonderland Hasta el 19 de junio de 2016 Museo Thyssen-Bornemisza Dirección: Paseo del Prado, 8

Más info: Museo Thyssen-Bornemisza

Concursos

Concurso Internacional de Fotografía 2016 – Alliance française en España Hasta el 22 de abril de 2016

Más información: Alliance française

VIII Concurso de Fotografía Digital “El Placer de la Lectura”

V Concurso de Fotografía El Medinaceli

Más información: Ayto. Argamasilla de Calatrava

Concurso de Fotografía “Eolo 2016”

Hasta el 16 de abril de 2016

I Concurso Internacional de Fotografía Alicante Hasta el 17 de abril de 2016

Más información: Ayto. Alicante

Concurso de Fotografía Blanco y Negro. Fomunity Hasta el 18 de abril de 2016 Más información: Fomunity

II Convocatoria EMERGENTES 2016 Festival BFOTO

Hasta el 17 de abril de 2016 Más información: Bfoto

XVII Certamen de Fotografía de la Semana Santa de Baza 2016 Hasta el 18 de abril de 2016

Más información: Cofradías Baza

Premio Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2016 Hasta el 20 de abril de 2016 Más información: Fnac

Hasta el 22 de abril de 2016

Más información: El objetivo de Hellín

Hasta el 29 de abril de 2016

Más información: Asociación empresarial eólica

Premios Ejército Del Aire 2016 Hasta el 29 de abril de 2016

Más información: Ejercito del aire

PHOTOBOOKS. Concurso de Maquetas en La Fábrica Hasta el 30 de abril de 2016 Más información: La fabrica

Concurso Internacional de Fotografía de Naturaleza MontPhoto 2016 Hasta el 2 de mayo de 2016 Más información: Montphoto

IV Concurso de Fotografía Fundación AguaGranada Hasta el 13 de abril de 2016

Más información: Fundación Agua Granada

1 Concurso Nacional de Fotografía de Bomberos Hasta el 15 de mayo de 2016 Más información: Fotobomberos

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