Keltia en vivo
Asunción González
Boletín informativo Año III - Mayo
Keltia en vivo
2014 - 2016
Staff Director Pedro Jurado
keltia@keltiaimagen.com
Directora Creativa / Redactora / Fotรณgrafa M Carmen Calderรณn
mcaldfer@gmail.com
Redactora / Fotรณgrafa Asunciรณn Gonzรกlez
chaplin_chocolat@hotmail.com
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INDICE
Casablanca ...................................
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Maquillaje
Historia de la fotografĂa ..................
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Hizo se la luz .................................
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Lo mejor del mes
La mirada de Actividades
CASABLANCA
La decisión de Sophie 1979 Director: Randal Kleiser Director de fotografía: Nestor Almendros by M Carmen Calderón
Texto: Mamen Calderón Fotos: imágenes obtenidas en internet
Escenas de la película en la que se ve el exterior de la casa
Pincha para ver el trailer
...Aunque
el “palacio rosa” (casa donde reside Sophie) fue construido en un estudio por el gran escenógrafo George Jenkins, los exteriores se filmaron en un escenario real, frente a la fachada de una casa del distrito de Flatbush, en Brooklyn. Para facilitar la transición de las escenas de interiores a las de exteriores, las ventanas del decorado se abrían sobre fotografías de la calle, con las mismas vistas que las de la casa de real de Brooklyn.
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Tengo la costumbre de sobreiluminar los farolillos, con el fin de que aparezcan ligeramente sobreexpuestos, lo que da una sensación de mayor profundidad.
Fachada real de la casa
Las cortinas se hinchaban de vez en cuando gracias a la brisa artificial producida por ventiladores eléctricos, lo que contribuía a disimular la inmovilidad de las fotografías, además
La cámara encuadra primero los rayos de la luz intermitentes que se escapan de los intersticios entre las planchas que taponan las ventanillas del compartimento, luego retrocede para mostrar a Sophie y a sus dos hijos, u más todavía hasta que se ve el compartimento lleno de mujeres apretujadas como sardinas. De haber filmado este proceso con un zoom, habríamos perdido la sensación de relieve que produce el travelling hacia atrás: el espectador se halla literalmente dentro de ese minúsculo infierno.
Añadimos unas ramas de árbol llenas de hojas que daban un efecto de relieve. además de aportar más realidad a la imagen.
Un decorado ingeniosamente diseñado les permitió filmar una de las escenas más dramática de la película: la deportación de Sophie en un tren de la muerte. Ocasiones cómo esta muestran la importancia de una colaboración estrecha entre el escenógrafo y el director de fotografía.
El plano fue didicil de rodar, porque aún con el brazo suplementario del Elemack, la cámara no podía entrar hasta el fondo en ese decorado. Jenkins tuvo la idea de ponerle bisagras a los tabiques laterales del compartimento, de forma que se pudiesen abrir y cerrar como puertas. Mientras la cámara retrocedía poco a poco, los atrezzistas cerraban gradualmente los tabiques u las banquetas donde se sentaban los deportados aparecían en campo justo a punto, antes de que los captara la lente. Sin olvidar a los figurantes que ocupaban rápidamente su espacio que estaba despejado antes de que pasara la cámara.
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Aunque la mayoría de las ideas visuales de esta película fueron largamente maduradas, algunas de ellas fueron fruto del azar. He aquí unos ejemplos: Mientras ensayaban la escena en la que Nathan juega a director de orquesta, Kevin Klein se encontraba en la habitación de Sophie y, batuta en mano se puso a observar sus gestos en el reflejo de los vidrios del ventanal. Comprendí de inmediato el partido que se le podía sacar a esta imagen, pues el ventanal tenia cinco facetas de vidrios en semicírculo. Sí Kevin Klein se colocaba en el centro de la habitación, su reflejo se multiplicaba por cinco, lo que producía un sorprendente efecto visual y subrayaba la personalidad esquizoide y megalómana de Nathan. Alan Pakula acepto de inmediato la idea, que procuramos perfeccionar reforzando la iluminación con una lampara de cuarzo de 2000 wattios de potencia para que los cinco reflejos fueran más visibles.
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La secuencia en el parque de atracciones de Coney Island debe mucho también a la improvisación. En uno de los planos, los personajes caminan dificultosamente por el interior de un cilindro giratorio, tratando de mantener el equilibrio. Mientras aguardamos a que el maquillaje de los actores estuviera a punto, uno de los técnicos, cabe mencionar que era de elevada estatura, para divertirse se metió dentro del cilindro con los brazos y pruebas extendidos, tocando las paredes con las manos y los pies, al verlo, me vino a la memoria el célebre dibujo de Leonardo da Vinci. Se lo comenté a Pakula y decidió explotar la imagen en la película. Kevin Klein es un hombre robusto y no tuvo ningún problema para mantener esa posición dentro del cilindro giratorio mientras Meryl Streep y Peter McNicol le contemplaban con admiración. Una vez más nos fue posible combinar la belleza gráfica de una referencia pictórica y humanista con la expresión emotiva de un momento que mil palabras no habrían conseguido proporcionar. Habíamos encontrado un equivalente no literario, puramente cinematografico.
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MAQUILLAJE
By Asunci贸n Gonz谩lez
Texto: Asunci贸n Gonz谩lez Fotos: Internet
Gran Bretaña mantuvo su sistema político prácticamente inalterable, al contrario que a Francia, que no logro consolidar una organización político-social fuerte. Luego de su transformación la Unión Soviética, Rusia fue escenario de hambrunas endémicas, represión, política y la Gran Purga. El colapso de la Segunda República y la Guerra Civil Española desangro a España, la convirtió en un Estado totalitario y sirvió de preámbulo a la gran guerra que estaba por venir en el continente. En EE.UU. el presidente Franklin Delano Roosevelt lideró la recuperación económica del país tras la crisis por la Gran Depresión de 1929.
Los
años 1930 corresponden a la década comprendida entre 1930 y 1939. Esta década está claramente influenciada por la crisis económica llamada “Gran Depresión” provocada por el crac del 29, que tuvo un alcance mundial y provoco fuertes tensiones sociales y políticas que permitieron la aparición de dictaduras como la de Hitler en Alemania, Franco en España, o Metaxas en Grecia. Este resurgimiento de totalitarismo acabo desembocando en una nueva guerra mundial el 1º de septiembre de 1939. Alemania se desarrolla nuevamente, la economía se relanza con el impulso que le da industria y la inversión del Estado en infraestructuras.
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El imperio japonés se consolidaba en Asia afectando los intereses de Europa y EE.UU., especialmente en el Pacifico. Japón creó un “imperio títere” en China bajo el nombre de Manchukuo.
Se puede considerar que está década finaliza el 1 de septiembre de 1939, cuando Hitler (y días más tarde Stalin) invaden Polonia y comienza el conflicto más mortífero de la historia: la Segunda Guerra Mundial que marcaría toda la década de 1940. La opulencia y el derroche de la década anterior dieron paso a la elegancia sosegada. Las fiestas en clubs nocturnos y en bares ya no estaban bien vistos, ahora estas fiestas se trasladaron a las casas. Reinaba el minimalismo, el cromo, los espejos y el cristal eran las bases del nuevo concepto del hogar. La interiorista Elsie Je Wolfe, fue célebre por sus fiestas y recepciones. El baile del Swing, sigue siendo el mayor entretenimiento, junto con el big bands, el foxtrott, y la rumba. La pareja de baile más popular que destaco en el cine, fueron Fred Astaire y Ginger Rogers. Hollywood y su cine revolucionaban todo.
Era década de la silueta ceñida, las melenas rizadas, las cejas larguísimas. En la moda las féminas pasaron de aquellos minivestidos de los años 20 a elegantes vestidos largos para la noche. Triunfo el vestido blanco satén brillante. Solían llevar generosos escotes traseros, que protegían del frío junto con las pieles, que a ser posible, eran de zorro plateado.
El astracán, el castor, y la nutria se convertirían en abrigos tres cuartos. Combinaban con el obligatorio vestido princesa, una pieza de corte trasversal que se sujetaba con cinturón. Las mangas largas y estrechas, acababan en puños hinchados o cubiertos de volantes. A partir de 1934 se exageraban los hombros. Estos seguirán siendo un elemento básico de la moda hasta después de la guerra. Para las mujeres, las faldas se hicieron más largas llegando a ser de 18 cm de largo y la cintura fue devuelta a su posición normal en un intento de recuperar la tradicional mirada femenina. Otros aspectos de la moda de la década de los años 20 fueron más difíciles de ser eliminados.
La moda de la década de 1920 permaneció durante la mayor parte de 1930, pero a finales de ese año los efectos de la Gran Depresión comenzaron a afectar al público, y un enfoque más conservador se empezó a desarrollar.
Los sombreros cloche siguieron siendo populares hasta aproximadamente 1933, mientras que el pelo corto sigue siendo popular para muchas mujeres hasta bien entrada la década de 1930. El ideal de belleza en esta época no exigía demasiado , la mujer debía ser delgada, femenina, con aspecto atlético y cuidado. 13
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Se priorizaba la belleza interior y por eso llevar una vida natural. era la mejor opción. 1930 fue una década de guerra y eso perjudico a la moda.
El maquillaje que triunfaba en la década de los años veinte en esta se considera vulgar y artificial, prima más una apariencia más individual, natural y femenina.
Los colores predominantes fueron los tonos piel como el marrón claro y el castaño. El terciopelo y la pana eran empleadas para ropa de invierno y se diseño un nuevo modelo para los trajes de viaje: eran más simples y cómodos, con botón único y enorme en la cintura, lo que hacía más entallado. Madeleine Vionnet fue la diseñadora innovadora de este corte y utiliza este método para crear vestidos escultóricos que moldea y forma a los contornos del cuerpo femenino.
El rostro debía tener una limpieza transparente como el de las estrellas de cine.
Los complementos de la época seguían siendo los guantes y los sombreros. Las medias continuaron fabricándose en seda o rayón en color carne pero en 1939 se sustituyeron por nailon.
El rímel es un producto de cosmética indispensable en su tocador, además de las pestañas postizas.
Los modistos más destacados fueron: Nina Ricci (1883.1970), Marcel Rochas(1902-1955), Elsa Schiaparelli (1890-1937) como modista más relevante de la época.
Se usa lápiz para perfilar las cejas cuidadosamente depiladas en semicírculo no tan exagerado como en los años 20. Usan vaselina para dar brillo a los párpados. Las sombras de ojos más usadas eran en tonos dorados, plateados, en ocasiones combinada con marrón, azul o violeta.
El colorete en las mejillas ya no es redondeado, se lo aplicaban muy difuminado y extendido. La boca es perfilada dando forma de “arco de Cupido” y los labiales más usados son el marrón o el granate.
El maquillaje era muy cuidado y sofisticado. En 1937 Max Factor lanza “Pan-Cake Make-up”, un fondo de maquillaje que revolucionó la técnica del maquillaje cinematográfico ya que era impermeable al agua, inalterable bajo los focos, y tenía una cobertura total y un acabado mate.
Los peinados normalmente eran moldeados con rulos. También se solían hacer ondas con anillas con la raya a un
lado. Fue en las Olimpiadas de 1936 en Berlín, cuando se puso de moda el peinado en el que el cabello se dobla hacia arriba formando un gran bucle. Las mujeres conseguían con esmero el aspecto de las estrellas de cine que llevaban de forma natural. Aunque se daba mucha importancia a la personalidad y lo natural, las mujeres tomaban a las estrellas de cine como modelo a seguir e imitar. Las empresas de cosméticas del mercado empiezan a lanzar cremas antiarrugas, como reclamos para que las mujeres pudieran alcanzar una piel ideal.
Entre los iconos de la década de 1930 y referente de la mujeres de dicha época están las celebres actrices como la actriz y cantante alemana Marlene Dietrich (1901-1992), la actriz sueca Greta Garbo (1905-1990), la actriz Jean Harlow (19111937), o la legendaria Scarlett O’Hara de “Lo que el viento se llevo” a quien dio vida Vivien Leigh (1913-1967).
El último grito de la época y complemento esencial fueron las celebres gafas Ray-Ban que nacieron en 1937. El cabello se llevaba más largo que en la década anterior, un largo medio como hasta el cuello. El color de moda era el rubio y el rubio platino eran los colores fetiches y que solían lucir las estrellas de Hollywood.
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HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA
Crónica contemporánea
La decada de los años 20 continuación by M Carmen Calderón Texto: Mamen Calderón Fotos: imágenes obtenidas en internet
Leica I. Cámara de carrete cuya principal característica es la cerradura de la lente en forma de stick de hockey en el centro de la carcasa, que es de color negro. Lleva lentes Elmax de 50mm y F3.5 no intercambibles.
Fotógrafos de prensa El perfeccionamiento de las ópticas y la introducción de la película fotográfica, permite formatos más pequeños y por tanto cámaras más ligeras y fáciles de transportar. Los reporteros gráficos encuentran en ellas el instrumento ideal para su trabajo, consiguiendo ampliar su registro de imágenes. Dominan el mercado las cámaras alemanas, en especial la Ermanox, Leica y Rolleiflex.
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Ermanox. Cámara de placa que hace fotografías de 4,6 x 6 cm. con una carcasa rígida forada de cuero negro. Utiliza un objetivo Ernostar de 100mm y F2, que despues se sustituiría por un 85mm de F1.8
Rolleiflex “Original”. Cámara de carrete bautizada como “hermaanita”, pero tambien conocida como Haidoscop y Rolleidoscop. Tiene un objetivo Zeiss Tessar de 75mm y F4.5. Permite seis exposiciones en una pelicula de 120mm.
A pesar de los incipientes evoluciones en la iluminación y de la aparición de cámaras con ópticas más luminosas, los reporteros gráficos españoles seguían utilizando el magnesio. Según A. Centelles, los fotógrafos se colocaban en batería y un iluminador les daba la señal para realizar el disparo simultáneamente en cuanto se da el fogonazo. Esto obliga a preparar la toma de acuerdo con los personajes susceptibles de noticia elimina totalmente la posibilidad de que los reporteros capten aquellos momentos o anécdotas que se puedan producir.
Fotógrafos aficionados Joan Alemany, presidente de la Agrupación fotográfica de Catalunya desde 1950, nos deja este comentario sobre la situación del fotógrafo aficionado en esta decada: En 1921 compro al padre de Francisco Casanova mi primera cámara, una Voigtlander de 4x6 en el mercadillo de los Encantes de Las Glorias de Barcelona, aunque en 1926 la sustituyo por una Leica. Como todos los demás, revelo mis fotos en un laboratorio de aficionado que he montado en casa, comprando los químicos en la droguería Vincencs Ferrer de Barcelona, especializada en química fotográfica.En la Agrupación Fotográfica comentamos procedimientos y técnicas, y muchos aficionados acaban convirtiéndose en profesionales.
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Asociaciones Durante esta década, y hasta la llegada de la Guerra Civil, toda la geografía española registra una alta actividad asociativa. Junto con las publicaciones especializadas, el creciente número de aficionados españoles a la fotografía encuentran en las sociedades la fuente donde obtener referencias de los avances técnicos y tendencias artísticas. En 1923 se funda la Sociedad Fotográfica de Zaragoza, ciudad con un gran número de aficionados que lleva años intentando crear un centro para organizar excursiones, exposiciones y concursos fotográficos. Meses más tarde se crea la Agrupación Fotográfica de Catalunya, bajo la iniciativa de Josep Demestres, Joaquim Pla-Janini, Salvador Lluch y Claudio Carbonell. El acta de constitución la firmaron unos cuantos socios, entre los que se encontraban fotógrafos aficionados y profesionales.
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Por ultimo, en 1928 varios fotógrafos aficionados crearon en Valencia el Photo-CLub, con socios destacados como Vicente Peydró, Lizardo Arlandis, Bernardo Ferrer y José Gil. Se organizan exposiciones en las que mostrar trabajos propios y comentar los diferentes estilos, como el 1Salón Internacional de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid en 1921, o los de la Sociedad Fotográfica Zaragozana en 1925 y la Agrupación Fotográfica de Catalunya en 1929, que además edita un boletín propio de gran difusión entre el mundillo fotográfico catalán.
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PORTFOLIO DEL MES
Asunci贸n Gonz谩lez Alumna de fotograf铆a de moda, iluminaci贸n y publicidad
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HIZO SE LA LUZ
Fotografía Macro II by M Carmen Calderón Texto: Mamen Calderón Fotografías: Mamen Calderón e internet
¿En que consiste esta técnica? En acoplar un teleobjetivo a nuestra montura, a continuación el anillo inversor y, por último, el objetivo invertido.
Anillo de acoplamiento
En este número continuamos dándo-
te trucos para realizar fotografía macro. Unión de dos objetivos
Esta técnica es similar a la de invertir un objetivo, como ya te hablamos en el número anterior, con la salvedad de que consiste en unir nuestro objetivo invertido a otro objetivo que está enganchado en nuestra cámara, para ello es necesario un “anillo de acoplamiento” para fijar el objetivo invertido al otro objetivo, como se muestra en la imagen:
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Unión mediante anillo de acoplamiento de dos objetivos
El objetivo invertido actúa como si fuese una lente de aproximación acoplada al teleobjetivo. La magnificación lograda dependerá además de la focal del objetivo invertido. A mayor focal se logrará un mayor tamaño en el sensor. Como objetivo principal puedes colocar cualquier objetivo, pero hay que tener en cuenta que cuanto más larga sea la distancia focal mayor será el aumento que se consigue. A la hora de comprar este anillo no olvides el diámetro de cada objetivo, para que acoplen bien entre ellos. Gracias a esta técnica puedes mantener la máxima apertura de tu objetivo inversor y conseguir profundidad de campo con el objetivo principal, lo que no conseguimos con la técnica de un objetivo inversor. Además se puede aumentar el tamaño de los objetos hasta tres veces por lo que podemos estar tres veces más cerca que la mayoría de los objetivos macro.
Fuelles El funcionamiento de este accesorio es el mismo que el de los anillos de extensión, simplemente separan el objetivo del sensor de la cámara consiguiendo una mayor ampliación que la ofrecida inicialmente por la lente. Sin embargo al contrario que con los anillos de extensión, con el fuelle se puede controlar con mucha precisión el grado de ampliación conseguido.
Con este accesorio conseguimos un aumento muy bueno, cuanto más lejos este el objetivo del sensor de la cámara más aumento tendremos y cuanto más cerca menos aumento. También es conveniente mencionar que la calidad de la imagen depende del objetivo que usemos, si tenemos un F2.8 tendremos mejor calidad de imagen que si tenemos un F4. Es preferible buscar un fuelle de montura compatible con la de la cámara, porque las soluciones a base de adaptadores no suelen dar buen resultado. Anillos o tubos de extension Un tubo de extensión no es nada más que un tubo hueco que se coloca entre el cuerpo de la cámara y el objetivo. En teoría sirve para cualquier óptica, pero en algunos casos no podremos utilizarlo, como ocurre con los objetivos angulares, sin embargo funcionan perfectamente con objetivos medios y teleobjetivos.
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La función básica de un tubo de extensión es aumentar la distancia entre el sujeto y el plano focal. Con ello se consiguen dos ventajas para la macrofotografía: reducir la distancia mínima de enfoque del objetivo que utilicemos y aumentar el tamaño del sujeto en el sensor. Pero el uso de tubos también lleva aparejados algunos inconvenientes: al reducir la distancia mínima de enfoque perdemos la capacidad de enfocar a infinito y al aumentar la distancia entre el objetivo y el plano focal perdemos algo de luz por el camino. Pero si trabajamos con un buen sistema de iluminación, no nos debe preocupar en exceso
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El tubo de extensión es un elemento tan simple que podemos intentar construir uno nosotros mismos, pero si lo hacemos deberemos tener en cuenta varias consideraciones ya que podemos poner en riesgo la integridad física del objetivo: »» El material elegido debe ser lo suficientemente rígido como para que no tenga flexiones. »» Las juntas entre el tubo y las bayonetas deben estar pegadas con firmeza, ya que el peso del objetivo podría causar el desprendimiento de éste y su caída al suelo. »» Tendremos que controlar que tanto el tubo como las juntas sean totalmente opacos y no dejen pasar nada de luz.
»» Al no tener comunicación entre el
objetivo y la cámara perderemos el control, es decir, tendremos que controlar el diafragma y el enfoque de manera manual. Pero si no somos unos manitas o simplemente no nos apetece ponernos con el bricolaje, tampoco debemos preocuparnos demasiado ya que en el mercado podemos encontrar varios tipos de tubos de extensión y a precios realmente asequibles. Cuando vayamos a comprarlos deberemos asegurarnos de que sean tubos con conexiones. Hay juegos de tubos muy baratos que no llevan conexiones y no nos servirán de mucho si queremos usar un objetivo automático ya que perderemos los automatismos que lo controlan, pero si no quieres perder este control, todos los fabricantes de cámaras tienen sus propios tubos y hay otras marcas que fabrican juegos de tres tubos con diferentes longitudes y de buena calidad y a precios muy competitivos.
Detalle de una moneda
Detalle macro de granos de arroz
Fotografías tomadas con: »» Canon 55D »» Objetivo Canon 50 F1.8
»» »» »» »»
ISO 100 F4 Velocidad: la corespondiente a cada caso Iluminación: luz natural
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La Mirada de
Man Ray by M Carmen Calder贸n Fotos: im谩genes obtenidas en internet
En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg. En 1908 se casa con Adon Lacroix, una poetisa belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el movimiento dadá neoyorquino. En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).
Man
Ray, es seudónimo de Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 - París, 18 de noviembre de 1976) fue un artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París (Francia). Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Él era conocido en el mundo artístico por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido fotógrafo de retratos.
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Man Ray empezó a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica. Fue bailarín en el Odeón.
En 1921 se instala en París, donde vivirá hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino. Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía. Sus primeras obras experimentales son los Rayographs (rayogramas) de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura. Cuando el surrealismo se separa del dadá en 1924, Man Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925. Realiza esculturas surrealistas siguiendo el modelo del arte encontrado creado por Marcel Duchamp, como “Ob-
ject to be Destroyed” (Objeto para ser destruido) de 1923; Man Ray añadió a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja. Nueve años después Man Ray es abandonado por su pareja, Lee Miller, a consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el de su ex amante, y cambió el título del por el de “Objeto de destrucción”. En 1957, un grupo de estudiantes destruyeron el metrónomo, pero Man Ray lo volvió a construir en 1963, y lo tituló definitivamente “Objeto indestructible”, dándole a la obra un giro conceptual. En el Museo Reina Sofía se encuentra una reproducción a escala gigante de esta obra conservada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda. Como pionero del dadá y del surrealismo, su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. «La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte», dirá. Regresó a Francia en 1951. En 1963 publicó su Autobiografía. En 1973, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica. Muere el 18 de noviembre de 1976, en París, a los 86 años. Sus restos descansan en el Cementerio de Montparnasse.
Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace “Le Violon d’Ingres” (1924). En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayogramas. Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como La estrella de mar (1927). En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1940, escapando de la ocupación nazi de París (1940-1944), se instala en Hollywood y en Nueva York. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor. En 1946 se casó con Juliette Browner, en una doble boda junto con la pareja de Max Ernst y Dorothea Tanning.1 La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y
Más información:
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Pintura 42
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Object to be Destroyed
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Rayograma
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Solarizaciones
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ACTIVIDADES Exposiciones Caminos de Hierro Hasta el 21 de mayo de 2016 Fundación de los Ferrocarriles Españoles. Palacio de Fernán Núñez
Más información: Fundación Ferrocarriles
Khumu Ta Tá. Rut Panusé
Hasta el 22 de mayo de 2016 CentroCentro Palacio de Cibeles Dirección: Plaza de Cibeles, 1
Más información: Centro Palacio Cibeles
Breaking Stones. A Band on the Brink of Superstardom. 1963-1965 Hasta el 31 de mayo de 2016 Mondo Galería Dirección: San Lucas, 9 Más información: Mondo Galería
Mike Disfarmer. In America: Soul of People, 1939-1946 Hasta el 4 de junio de 2016 Bernal Espacio Dirección: Lope de Vega, 29
Más información: Bernal Espacio
Las personas con discapacidad en la vida cotidiana Hasta el 6 de junio de 2016 CentroCentro Palacio de Cibeles Dirección: Plaza de Cibeles, 1
Más información: Centro Palacio Cibeles
The Secret Sits. Wyeth Wonderland Hasta el 19 de junio de 2016 Museo Thyssen-Bornemisza Dirección: Paseo del Prado, 8
Más info: Museo Thyssen-Bornemisza
Paco Gómez. El instante poético y la imagen arquitectónica Hasta el 24 de julio de 2016 Sala Canal de Isabel II Dirección: Santa Engracia, 125
Más información: Ayuntamiento Madrid
PHotoEspaña 2016
Hasta el 8 de agosto de 2016 Varias sedes Dirección: Veronica 13
Más información: PhotoEspaña
Pierre Gonnord, retratista
Hasta el 3 de septiembre de 2016 Centro de Arte Alcobendas Dirección: Mariano Sebastián Izuel, 9 Más información: Centro de arte Alcobendas
Robbins y Becher. Desplazamientos
Hasta el 11 de septiembre de 2016 Museo ICO Dirección: Zorrilla, 3 Más información: Fundación ICO
Alberto García Alix. París, rien de Plus
Centro de arte Alcobendas Dirección: Mariano Sebastián Izuel, 9 Más info: Centro de arte Alcobendas
Concursos
XII Certamen de Fotografía e Imagen Digital Cuatrovientos Hasta el 31 de mayo de 2016
Más información: Centro Cuatrovientos
XXI Concurso de Fotografía FotoPetrer 2016 Hasta el 20 de mayo de 2016 Más información: Ayto. Petrer
I Memorial Félix Rodríguez De La Fuente Hasta el 22 de mayo de 2016
Más información: Fundación Felix Rodriguez dde la Fuente
III Concurso Internacional de Fotografía Deportiva Félix Ordóñez Hasta el 22 de mayo de 2016
Más información: Diputación Burgos
2º Concurso de Fotografía PHOTOformas. Fotografías de Naturaleza Hasta el 24 de mayo de 2016
Más información: Amigos Museo de Ciencias Naturales de Álava
Magnum Photography Awards 2016 Hasta el 24 de mayo de 2016 Más información: Lens Culture
II Premio Internacional de Fotografía y Locura “locografías” Hasta el 31 de mayo de 2016
Más información: Fundación Intras
XIII Concurso Mutualia de Fotografía sobre Prevención de Riesgos Laborales Hasta el 31 de mayo de 2016 Más información: Mutualia
Concurso Fotoprimavera’2016
Hasta el 10 de junio de 2016
Más información: Asociación Metereológica Española
II Concurso Internacional de Fotografía La floración del Tajinaste Hasta el 12 de junio de 2016 Más información: Fomunity
Concurso Star trails. Fomunity Hasta el 13 de junio de 2016 Más información: Fomunity
Renaissance Photography Prize 2016 Hasta el 16 de junio de 2016
Más información: Renaissance Photo Prize
II Certamen Signo editores Fotografía Hasta el 15 de junio de 2016
Más información: Signo Editores
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