Keltia en vivo dic15

Keltia en vivo

Felipe Arregui Arias

BoletĂ­n informativo AĂąo II - Diciembre

Keltia en vivo

2015

Staff Director Pedro Jurado

keltia@keltiaimagen.com

Directora Creativa / Redactora / Fotรณgrafa M Carmen Calderรณn

mcaldfer@gmail.com

Redactora / Fotรณgrafa Asunciรณn Gonzรกlez

chaplin_chocolat@hotmail.com

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INDICE

Casablanca ...................................

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Maquillaje

Historia de la fotografĂ­a ..................

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Hizo se la luz .................................

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Noticias

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Actividades

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Lo mejor del mes

La mirada de

CASABLANCA

Kramer vs Kramer 1978 Director: Robert Benton Director de fotograf铆a: Nestor Almendros

by M Carmen Calder贸n

Texto: Mamen Calder贸n Fotos: im谩genes obtenidas en internet

Luz HMI 200W.

En este número hablaremos del tipo

de luz que se usó en esta película.

Siempre que pude utilicé la luz ambiente. En las oficinas de los rascacielos me serví de una técnica muy de moda en esta época, las luces HMI de ciclos alternativos y que poseen la particularidad de emitir una luz muy potente sin que despidan mucho calor ni consuman excesiva energía, además de ocupar poco espacio y de tener poco peso.

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Al emplear esta luz HMI se sustituyeron los venerables y pesados arcos. El único inconveniente de esta tipo de luz es que emite de manera intermitente y no se ajusta bien a la frecuencia y ángulo del obturador de la cámara, corriendo el riesgo de producir un parpadeo en la imagen.

Luces HMI en exterior

En las escenas de los rascacielos me serví de una única luz HMI rebotada sobre un panel blanco. La luz emitida tiene una fuerza tal, que compensa perfectamente la proveniente del exterior. El efecto resulta a un tiempo suave y de una gran naturalidad.

Para los pasillo de las oficinas y otros decorados, el jefe de eléctricos, Frank Schultz, construyó una luz portátil montada en un trípode, hecha de varios tubos fluorescentes. Así se pudo iluminar los rostros con luz fluorescente de la misma calidad y espectro de la que ya existía en el decorado.

No se utilizaron filtros de corrección en la compra, pero el laboratorio corrigió ciertas tonalidades falsas en el positivo.

Solo se utilizaba unas gelatinas verdosas para corregir la luz exterior y equilibrar el conjunto en el caso de realizar tomas eventuales en la calle.

sin cortes, desde el Central Park hasta el hospital Lenox Hill a cuatro manzanas de distancia, pero en previsión de que la escena resultase larga, se decidió filmar también desde un vehículo en marcha con un teleobjetivo (100mm) la misma escena en plano mas cercano lo que provocó recortar el plano-secuencia intercalándolo con el primer plano y reduciendo el espacio y tiempo reales.

Para la escena de la caída del niño, se fraccionó el espacio verticalmente y se filmaron varias etapas de la caída, dilatando en el montaje un instante brevísimo y devolviéndose así su verdadera dimensión psicológica, ya que una caída rápida es cinematográficamente de escaso relieve dramático por su corta duración.

Escena desde Central Park hasta hospital rodada con cámara suspendida en mano

Si hablamos del procedimiento de suspensión de la cámara en mano podemos decir que se realiza con una amortiguamiento por resortes como ya empleó Nestor en Days of Heaven. En esta película fue empleado con prudencia sólo en una escena, aquella en la que Kramer recoge a su hijo herido y lo lleva en brazos corriendo hasta el hospital. En un principio se tuvo la idea de filmar un solo plano

Escena desde Central Park hasta hospital rodado con teleobjetivo para el primer plano

Tengo que reconocer que en Kramer vs Kramer no hubo casi ninguna idea original. Prácticamente repetí experiencias de películas mías anteriores.

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El apartamento de Ted Kramer, construido en estudio, fue iluminado con el mismo espíritu de veracidad lumínica: Siempre he tratado de justificar la dirección de la luz, ya sea proveniente de las ventanas en las escenas de día o de las lámparas en las escenas de noche.

Como otras veces, Nestor Almendros iluminaba con soft-lights sobre trípodes o en las paredes, situadas en la misma dirección que las lamparas visibles en el decorado. La diferencia es que las luces situadas al exterior para simular la luz del sol, o de la luna, eran los potentes HMI mientras que en películas anteriores empleaba los convencionales Fresnel de 10 kilovatios.

Iluminación del apartamento de día

Iluminación apartamento de noche

Sólo en contadas escenas se usaron efectos visuales. Los reservé para momentos especialmente dramáticos, por ejemplo el momento en el que Ted Kramer después de una gran pelea, entra en la habitación de su hijo.

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En esta escena se ve el diseño luminoso de la puerta que se abre y la som-

bra del padre acercándose sobre el niño en la cama. Para lograr este efecto Nestor situó una lampara de cuarzo de 200 watios en el exterior de la habitación de manera que aquel juego de luces y sombras que se producía cayera exactamente sobre la cama, dejando el resto de la habitación en penumbra.

Contrariamente a mis películas anteriores en las que pedía al laboratorio que forzase el revelado, en Kramer vs Kramer expuse el negativo normalmente, y se reveló de forma normal también, así conseguimos tonalidades naturales, grano muy fino y precisión en la imagen.

Por supuesto en América los laboratorios eran excelentes, en Europa siempre me han enfurecido los puntos blancos en la imagen, que no se debe más que al polvo de los negativos. Los extractores y filtros de aire resultan insuficientes. El transporte y manipulación del negativo en Europa no se hacían con cuidado porque los técnicos estaban mal pagados. Es por esto, que en Europa evitábamos los fundido, que nunca son perfectos, cambiaban la coloración y el grano, en America esto ni se discutía. Los laboratorios permitían al operador un mayor lucimiento.

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MAQUILLAJE

Maquillaje siglo XX 1900-1910

By Asunciรณn Gonzรกlez

Texto: Asunciรณn Gonzรกlez Fotos: imรกgenes obtenidas en internet

A lo largo de los meses iremos dedicando cada artículo a una década; viendo los cánones de belleza, la vestimenta y el cuidado a embellecer los rostros de las féminas del siglo XIX. Como a través de la cultura; cine, música, pintura, moda nos irán dando las claves de la evolución y el cambio de la mujer hasta el siglo XXI. 1900-1910 La industria de la cosmética se dispara, ofrecen gran cantidad de productos tanto en cosmética para rostro como peluquería.

El

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siglo XX se caracterizó por los avances de la tecnología, medicina y ciencia en general; fin de la esclavitud en los llamados países desarrollados; liberación de la mujer en la mayor parte de los países; pero también por crisis y despotismos humanos en forma de regímenes totalitarios, que causaron efectos tales como las Guerras Mundiales; el genocidio y el etnocidio, las políticas de exclusión social y la generalización del desempleo y de la pobreza. Como consecuencia, se profundizaron las desigualdades en cuanto al desarrollo social, económico y tecnológico y en cuanto a la distribución de la riqueza entre los países, y las grandes diferencias en la calidad de vida de los habitantes de las distintas regiones del mundo.

Hay que destacar que desde 1900 en adelante los que impondrán la moda y las tendencias a lo largo del siglo; ya no serán ni la nobleza ni la aristocracia.

El nuevo fenómeno cinematográfico primero el cine mudo y más tarde el hablado, creará de una forma masiva y popular, los nuevos modelos serán: lo artistas de cine. Ellos serán los que dicten las tendencias, a ellos imitaran las gentes en sus peinados, vestimenta y maquillaje.

Una época en donde la mujer en la que los cánones de belleza imponían ciertas características para parece mujeres ideales. Muchas mujeres llegaban a conseguir este ideal poniendo en peligro su salud.

No estaba bien visto lucir la piel morena por este motivo utilizaban sustancias tóxicas para blanquear la piel que contenían arsénico o plomo. Llegaban a marcarse más el color de las venas para que no se pusiera en juicio su delicadeza cutánea.

Su peinado alto, falsamente descuidado mantenía su volumen gracias a los crepes y postizos.

En el aspecto de la vestimenta la silueta en forma de “S” se hizo muy popular entre las féminas. Para afinar sus cinturas las mujeres de la época llegaban a estrechar sus figuras con ajustadísimos corsés que llegaban a deformar los órganos internos, y en algunos casos hasta provocar la muerte.

Lo ideal de la época era mantener un cabello ondulado y abundante. Cada vez utilizaban más artíficos para aparentar la voluptuosidad de él. A este peinado se le denominaba “Gainsborough” En está época la mujer no conoce la comodidad en ninguno de los sentidos ya que tiene a ir demasiado recargada en todos sus aspectos.

Las feministas fueron las primeras que consiguieron se aceptara el maquillaje con color. Las actrices que acostumbraban a maquillarse en escena, comenzaron a lucir color fuera de la escena teatral. De esta forma las mujeres fueron incorporando el colorete, el rímel y empezaron a teñirse el pelo con henna.

En esta está época no se usa base de maquillaje en si ya que el ideal era tez blanca casi traslúcida.

La blusa prenda estrella de la época pasara por diversas transformaciones a lo largo de la década. En un principio se fruncirá de forma espectacular por delante, justo por encima de la cintura hasta el punto de conseguir una caída que enfatizará todavía más la figura en “S”. Más tarde el talle y las mangas se irán estrechando desde los hombros a las muñecas.

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Las de ligera forma acampanada con costuras planas y cosidas por delante conseguían dar un volumen falso, a base de pliegues abiertos en muchas ocasiones llevaban la formación de algunas colas, as corta para el día y más larga para la noche. Con el paso de los años la cola va desapareciendo y los tejidos se hacen más ligeros.

En definitiva la mujer del 1900-1910 era elegante, sutil, muy femenina, encantadoramente frívola y recargada utilizaba todo tipo de complementos como los sombreros de plumas y demás accesorios para resaltar su feminidad. Se convirtió en una fémina muy sofisticada y sometida a los cañones de belleza de la década encorsetada al corsé.

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Y esta misma mujer por circunstancias económicas, labores e ideológicas, buscará con los años alejarse de esa imagen encorsetada, una vestimenta más cómoda y práctica, según avanza el siglo.

Algunas de las mujeres características de la época que encarnan los cánones de belleza serían: Isadora Duncan (1878-1927) bailarina, Mata Hari (1876-1917) actriz y espía, Elsie de Wolfe (1865-1950) de coradorra de interiores o Sarah Bernhardt (18441923) actriz de teatro y cine francés.

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HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA

Crónica contemporánea

la primera década de 1900 cont.

by M Carmen Calderón Texto: Mamen Calderón Fotos: imágenes obtenidas en internet

Cámara Ernemann

En este número hablaremos de la si-

tuación técnica en esta primera década de 1900.

Cámaras

En el aspecto tecnológico, nuestro país en esta década depende por entero de las industrias extranjeras, en especial la alemana (las cámaras Ernemann) y la francesa (placas Lumiere), y en menor medida, la británica (cámaras Ross) y la norteamericana (cámaras, placas y ampliadoras de Kodak). Esta deficiencia nos acompañará durante muchas décadas.

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Cámara Faller

La primera década de 1900 es la época de las cámaras de campaña, traídas principalmente de Francia y Alemania, con marcas como Faller, Markenstein o Ernemann, aunque también se podría encontrar algún fabricante español, como Berrens o Soulé, este ultimo tenía su taller en el barrio de Gracia de Barcelona. También se pone muy de moda la fotografía estereoscópica, creándose un próspero mercado de importación de las principales marcas de cámaras de este tipo de fotografía, como las francesas Gaumont, Richard y Cornú, o las alemanas Voigtländer e Ica. Por otra parte, los más progresistas ya conocían la cámara Brownie de Kodak y su película Non-Curling.

En 1900 se presentan aparatos portátiles, dándose un gran éxito de las cámaras espía o clandestinas, con modelos en forma de reloj, libro, o incorporadas en un sombrero, pomo de un bastón, detrás de una corbata, etc.

Cámara Estereoscópica Voigtländer

Cámara espía en forma de

Por otro lado, ya se conocen cámaras que pueden captar diez mil fotograbas por segundo, como la que fabricaba el francés Lucien Bull.

Cámara Estereoscópica Ica Plaskop

Cámara Kodak Brownie

Lucien Bull con su camara de alta velocidad

Películas

Película non curling de Kodak

El material sensible está compuesto en un 95% por placas de cristal, aunque existen avances importantes. En 1906, el químico alemán Homolka junto con E. Koni descubren el primer colorante rojo sensibilizador que se vendía bajo el nombre de Pinacianol, y se emplearía en las primeras placas pancromáticas fabricadas en Inglaterra por Traten y Wainwright, extendiéndose su uso durante

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muchos años. El primer material sensible para fotografía en color a escala comercial es la famosa placa Lumière Autochrome, presentada en París en 1907 por los Hermanos Lumière, que produce transparencias en color por el método aditivo, aunque ese mismo año aparece el bromóleo, que tuvo gran aceptación.

Las placas Lumière Autochrome se mantuvieron en el mercado durante casi 30 años, justamente hasta la aparición de la película Kodachrome.

Rowling en 1904, desplazan a la goma bicromatada, tan en uso es ese momento. Contrariamente a los que se pueda deducir del atraso técnico de la mayor parte de fotógrafos españoles de esta década, el mercado español no es como para ser desdeñado. La revista “La fotografía” en 1902 publica que el consumo de material sensible es de 164.000 placas de cristal al año.

Los formatos más utilizados son lo 6x9 y 9x12. En los estudios predominan el 13x18 y 18x24, aunque también tienen un uso muy extendido el 10x15 para las postales y el 9x12 en exteriores a causa de las cámaras portátiles de campaña.

Placa Lumière

Positivos de placa Lumière

Película Kodakchrome

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En cuanto al revelado de las fotografías, Lumière y Soyewetz patentaron un compuesto a base de metal e hidroquinona, vendiéndolo a partir de 1903 como metoquinona. Poco a poco, los aceites y las tintas grasas, presentadas por G.E.H.

Iluminación Desde el siglo XIX, durante la década de 1900 y hasta los años 20, la luz de gas se utilizaba mucho para el positivo por contacto sobre los llamados “pape-

les luz de gas”, que son papeles al cloruro y clorobromuro. Se tienen referencias de que ya en 1854 se empleaba luz de gas, tanto para tomar como para positivar fotografías. Dada la debilidad del gas de hulla como fuente de luz, el número de mecheros que se podía usar estaba limitado por el calor que producían.

De cualquier manera, la iluminación se realizaba mediante diversas fuentes, como el magnesio, muy engorroso por la cantidad de humo que producía en un lugar cerrado, o la luz de gas. Sin embargo, la inmensa mayoría de fotógrafos recurrían a la luz natural, mediante claraboyas, por lo que la mayoría de los estudios estaban en las últimas plantas de los edificios, o si no en plantas bajas en tiendas con un patio luminoso.

De todas formas, el siglo de los inventos tras consigo la iluminación eléctrica mediante arcos voltaicos que irán dejando obsoletos los estudios con luz natural. No obstante, son pocos lo fotógrafos que pueden hacer uso de este tipo de luz por lo caros que resultan, es por ello que los que si los emplean hacen gala de ello a bombo y platillo con grandes anuncios en los que se pude leer: “Se hacen fotos de noche”. Las primeras instalaciones de este tipo en nuestro país entran hacia 1905. Justo un año más tarde, el fotógrafo catalán

Interiores del estudio de Pau Audouard en Lleo Morera

Pau Audouard habilita una galería muy espectacular en la casa modernista Lleó Morera del Paseo de Gracia de Barcelona con varios platós equipados con luz artificial. En Sevilla, Pedro Cembrano, se convierte en pionero al aplicar luz eléctrica reflejada.

Material

Exterior estudio Pau Audouard Lleo Morera

Las ampliadoras son horizontales, comúnmente denominadas “de cañón”.

Las principales marcas son Ica y Ernemann, Demaria Lapierre y Radiguet & Massiot y Kodak.

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PORTFOLIO DEL MES

Felipe Arregui Arias farreguiarias.wix.com/pipe55

Alumno del curso fotografĂ­a profesional

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HIZO SE LA LUZ

Iluminación de comida II

by M Carmen Calderón Texto: Mamen Calderón Fotografías: Mamen Calderón

En cámara ponemos los valores de: »» ISO: 100 »» Velocidad: 125 (velocidad de sincronización del flash) »» Diafragma: F5,6 »» Balance de blancos: luz día El resultado es:

En

este número os vamos a enseñar como iluminar un deliciosa merienda, para este caso hemos elegido un plato de tortitas con caramelo.

Como vemos las tortillas esta correctas, pero desaparece el plato por la parte de atrás, así que cerramos el diafragma un paso (F8) para obtener una mejor imagen del plato:

El esquema que emplearemos será una luz principal difusa a F8 (ventana colocada a 5H 2V) y una luz para la base a F11.

si observamos detenidamente, vemos como las tortillas pierden credibilidad. Solución: cambiar el plato, así evitamos los problemas de iluminación que nos da un plato transparente.

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Esquema inicial

Realizamos la misma prueba con un plato de porcelana, una foto a F5,6 y otra a F8 y como vemos queda mejor la de F5,6.

sirope o caramelo quede más brillante y apetecible, además de añadirle un toque azul en la parte superior. ¿Cómo se da este toque? colocando un fondo azul iluminado con un flash con viseras sobreexpuesto dos puntos de la luz principal, en nuestro caso a F16.

Imafen tomada a F5,6

Esquema con luz de fondo

Imagen tomada a F8

y obtenemos una imagen como esta:

También nos damos cuenta que en la parte izquierda de la imagen nos queda una sombra muy marcada, así que colocamos una pantalla reflectora para que rellene esa zona y difumine esa sombra.

Esquema con la pantalla reflectora

Ya tenemos nuestro esquema, pero para que la imagen nos quede mucho más vistosa, le añadimos una luz de perfilado a las tortitas, para que al añadir el

Cómo podeis ver, para que la imagen tenga un poco más de fuerza se ha añadido una cafetera y una taza, que aparecen en segundo plano y desenfocados, así le dares un toque más profesional. Pero si nos fijamos, el caramelo de la fotografía ha perdido un poco de fuerza, así que cerramos un paso el diafragma de cámara a F8, estaba a F5,6, y vemos que la fotografía gana calidad, apreciándose mejor el caramelo, la cafetera y la taza.

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Resultado final

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Cámara usada son: »» Canon 1DS mark II »» Objetivo Sigma 24-70 F2.8

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La Mirada de

Irving Penn

by M Carmen Calder贸n Fotos: im谩genes obtenidas en internet

La primera portada fotográfica de Penn para la revista Vogue apareció en octubre de 1943.

Penn continuó trabajando en la revista a lo largo de su carrera, realizando las portadas fotográficas, retratos, naturalezas muertas, moda y ensayos fotográficos.

En la década de 1950, Penn fundó su propio estudio en Nueva York y comenzó a hacer fotografías publicitarias. Con los años, la lista de clientes de Penn creció tanto que llego a trabajar para General Foods, De Beers, Issey Miyake, y Clinique.

Irving

Penn nació en una familia judía-rusa el 16 de junio de 1917 en Plainfield, Nueva Jersey. El hermano menor de Penn, Arthur Penn, pasaría a convertirse en un director de cine y productor. Penn asistió a la Escuela del Museo de Arte de Filadelfia Industrial (ahora la Universidad de las Artes) entre 1934 y 1938, aquí estudió dibujo, pintura y las artes industriales. Penn compagino sus estudios trabajando con Alexey Brodovitch en Harper’s Bazar, quien publicó varios de los dibujos de Penn.

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Al terminar sus estudios, Penn trabajó durante dos años como diseñador freelance y realizó sus primeras fotografías como aficionado antes de pasar a trabajar como director de arte en Saks Fifth Avenue en 1940. Penn estuvo en Saks Fifth Avenue durante un año antes de irse a México a pintar y tomar fotografías del país, y cuando regresó a Nueva York, Alexander Liberman le ofreció un puesto en la revista Vogue, donde trabajo en el diseño de la revista antes de que Liberman le pidiera que probara con la fotografía.

Penn conoció a la modelo de moda Lisa Fonssagrives en una sesión de fotos en 1947, y en 1950 se casaron en Chelsea, y dos años más tarde, tuvieron a su hijo, Tom Penn, que llegaría a convertirse en un gran diseñador.

Penn murió 92 años el 7 de octubre de 2009 en su casa de Manhattan.

Más información:

»» Irving Penn Archive »» Wikipedia

Irving Penn es conocido por su fotografía de moda, pero tiene un gran repertorio donde se incluye retratos, fotografías etnográficas de todo el mundo, bodegones modernistas de comida, huesos, botellas, metal y fotografía de paisajes.

Penn es uno de los primeros fotógrafos que retratan a los sujetos con un simple telón de fondo de color gris o blanco. Los personajes a los que fotografío con esta técnica incluyen Martha Graham, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Georgia O’Keeffe, WH Auden e Igor Stravinsky.

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Las naturalezas muertas de Penn son escasas y muy organizadas, empleaba los ensamblajes de alimentos u objetos para realizar una interacci贸n abstracta de la l铆nea y el volumen. Las fotograf铆as de Penn se componen prestando mucha atenci贸n al detalle.

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Penn experimentó con muchas técnicas de impresión, incluyendo impresiones realizadas en láminas de aluminio recubiertas con una emulsión de platino representación la imagen con un calor hizo carecían de huellas de plata. Sus impresiones en blanco y negro son notables por su profundo contraste, dándoles un aspecto limpio y nítido.

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Irving Penn realizó la serie “Cuerpos Terrenales” que consistía en fotografía de desnudos donde repasa las formas físicas finas a las formas rellenas.

Las fotografías fueron tomadas en 1949 y 1950, pero no las exhibió hasta 1980.

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NOTICIAS

ACTIVIDADES

Exposiciones

Miguel Trillo.

Retratos en Rock-Ola

Hasta el 22 de diciembre de 2015 Madrid Me Mata Dirección: Corredera Baja de San Pablo, 31

El Botánico: una historia en imágenes 1755-2015 Hasta el 31 de diciembre de 2015 Real Jardín Botánico Dirección: Plaza de Murillo, 2

Más información: Real Jardín Botánico

Percepciones

Hasta el 5 de enero de 2016 Fundación Canal Dirección: Mateo Inurria, 2

Más información: Funcación Canal

Manuel Franquelo

Hasta el 9 de enero de 2016 Marlborough Madrid Dirección: Orfila, 5

Más información: Galería Marlborough

Nueva fotografía internacional en el siglo XXI Hasta el 9 de enero de 2016 Centro de Arte Alcobendas Dirección: Mariano Sebastián Izuel, 9 Más info: Centro de arte Alcobendas

Pedro Madueño. Retratos periodísticos. 1977-2015 Hasta el 10 de enero de 2016 CaixaForum Madrid Dirección: Paseo del Prado, 36

Más información: Caixa Forum Madrid

Wildlife Photographer of the Year Hasta el 10 de enero de 2016 Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. COAM. Lasede Dirección: Hortaleza, 63 Más información: COAM

Pedro Madueño. Retratos periodísticos. 1977-2015 Hasta el 10 de enero de 2016 CaixaForum Madrid Dirección: Paseo del Prado, 36 Más información: Caixa Forum

Cecilia Paredes. Me gusta más ciento volando y ni uno en la mano.

Hasta el 16 de enero de 2016 Blanca Berlín Dirección: Limón 28

Más información: Galería Blanca Berlín

Chema Madoz 2008-2014.

Las reglas de juego Hasta el 24 de enero de 2016 Centro de Arte Tomás y Valiente Leganés, 51 - Fuenlabrada

Más información: Ayto.de Fuenlabrada

Jazz, jazz, jazz Hasta el 24 de enero de 2016 Círculo de Bellas Artes Dirección: Marqués Casa Riera, 2

Más información: Circulo de Bellas Artes

Memorias de la Gran Vía Permanente Casino Gran Vía Dirección: Gran Vía, 24

Concursos

Concurso Foto DNG 2015

VI Concurso Fotográfico Objetivo África

IV Premio Eurostars Madrid Tower de Fotografía

Más información: Casa de África

Más información: Eurostars Madrid

Hasta el 14 de diciembre de 2015

Be Brave Festival 2015

Hasta el 15 de diciembre de 2015 Más información: Be Brave

Concurso Lanas de Acero Hasta el 15 de diciembre de 2015 Más información: Fomunity

Contemporary Talents 2015

Hasta el 22 de diciembre de 2015

Más información: DNG Photo Magazine

Hasta el 29 de diciembre de 2015

VII Concurso de Fotografía Artística. Blas de Otero Hasta el 30 de diciembre de 2015

Más información: Fundación Blas Otero

5th International Photography Award HIPA: Happiness 2015 – 2016

Hasta el 15 de diciembre de 2015

Hasta el 31 de diciembre de 2015

IX Concurso de Fotografía Semeyes “La Sidra” 2015

V Concurso de Fotografía: Luz contra el Racismo 2016

Más información: La Sidra

Más información: SOS Racismo Madrid

Más información: Fundación François Schneider

Hasta el 16 de diciembre de 2015

VI Premio Internacional de Fotografía de Semana Santa Mazarrón 2015/2016 Hasta el 18 de diciembre de 2015

Más información: Semana Santa Mazarrón

Concurso #POSTALDENAVIDADBARGAIN Hasta el 20 de diciembre de 2015 Más información: Bargain Fotos

Concurso de Fotografía Mundo Humano – Human World 2016 Hasta el 20 de diciembre de 2015

Más información: L’Espai Centro fotográfico

Más información: Hipa

Hasta el 11 de enero de 2015

Canson® Art School Awards

Hasta el 15 de diciembre de 2015 Más información: Canson Art School

VI Concurso Nacional de Fotografía CANSON INFINITY

Hasta el 31 de diciembre de 2015 Más información: Canson Infinity España

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