Biennale Teatro 2023 – Emerald by La Biennale di Venezia

LA BIENNALE DI VENEZIA Presidente / President Roberto Cicutto Consiglio di Amministrazione / Board Vice Presidente / Vice President Luigi Brugnaro Claudia Ferrazzi Luca Zaia Collegio dei Revisori dei Conti / Auditors’ Committee Presidente / President Pasqualino Castaldi Ines Gandini Angelo Napolitano Direttore Generale / Director General Andrea Del Mercato Direttori Artistici del Settore Teatro / Artistic Directors of the Theatre Department Stefano Ricci Gianni Forte

BIENNALE TEATRO

Venezia 15.06—1.07.2023

Roberto Cicutto PRESIDENTE / PRESIDENT LA BIENNALE DI VENEZIA

l Leone d’Oro alla carriera assegnato ad Armando Punzo, che più di ogni altro lega il suo nome al senso del suo progetto, è il segno distintivo di un Festival che pare voler prendere il timone per mostrarci che c’è sempre uno scopo in quello che vediamo. Certo l’arte, il talento artistico saprà trovare mille forme per raccontarci storie e sentimenti, ma i tempi in cui viviamo sono quelli che sono e pongono urgenze e interrogativi a cui è difficile sottrarsi.

Abbiamo sempre sostenuto che i festival delle arti dal vivo della Biennale non sono solo una rassegna di ciò che i Direttori Artistici ritengono il meglio nei campi di loro competenza, ma lo sviluppo di un progetto che arricchisca conoscenza e sperimentazione nell’arco di un mandato quadriennale. Credo che Stefano Ricci e Gianni Forte abbiano interpretato molto bene il senso di questo mandato e che per questo abbiano assunto un’importanza cruciale i lavori sviluppati all’interno del College. Sono queste opere che trovano uno spazio importante nel Festival, al pari di quelle degli autori già affermati anche in campo internazionale. Per La Biennale di Venezia questo è un punto di non ritorno che ci auguriamo venga adottato anche in futuro perché costituisce il fulcro della mission di un’Istituzione che rappresenta il contemporaneo ma già percorre le strade di domani.

Si ringrazia il Ministero della Cultura e la Regione del Veneto, le Istituzioni del territorio che in vario modo sostengono La Biennale, la Città di Venezia, la Soprintendenza Archeologia, belle arti e paesaggio per il Comune di Venezia e Laguna, la Marina Militare. Si ringrazia la Rai, Media Partner de La Biennale di Venezia.

warding the Golden Lion for Lifetime Achievement to Armando Punzo – a man whose name is singularly bound up with the meaning of a specific project – stands as the defining feature of a Festival that wants to take the reins; that seeks to show us there is always a purpose to what we see. Of course, artistic talent will always find thousands of ways to tell stories and evoke feelings. Yet the times we are living through are plain to see, and it is hard to avoid the urgency they demand and the questions they pose. We have always maintained that La Biennale’s performing arts festivals are more than a simple review of what the Artistic Directors deem the best work in their respective fields. On the contrary, they are ongoing projects that unfold over a four-year term, furthering knowledge and experimentation. It is my belief that Stefano Ricci and Gianni Forte have captured the spirit of this mandate exceptionally well; that is why the work developed within the College has acquired such crucial importance. These pieces constitute a vital part of the Festival, on a par with those of already established, internationally renowned artists. For La Biennale di Venezia, this benchmark is one that we hope will continue to be adopted in future: it constitutes the very heart of an institutional mission which, even as it brings contemporary experience to life, is already on a path towards the future.

Our thanks go to the Ministero della Cultura and the Regione Veneto, the regional Institutions that each in their own way support La Biennale, the City of Venice, the Soprintendenza Archeologia, belle arti e paesaggio per il Comune di Venezia e Laguna, the Italian Navy. We would also like to thank Rai, Media Partner for La Biennale di Venezia. 4–5

Stefano Ricci Gianni Forte (RICCI/FORTE) DIRETTORI ARTISTICI DEL SETTORE TEATRO / ARTISTIC DIRECTORS OF THE THEATRE DEPARTMENT

e nostre società occidentali hanno basato la loro visione di uno sviluppo senza limiti sull’ideologia aberrante di una presumibile onnipotenza umana di fronte ai supposti elementi che compongono l’universo, omettendo l’essenziale: non siamo di fronte al mondo, ma nel mondo, in una relazione d’interdipendenza. Oggi ne stiamo misurando le nefaste conseguenze. Cosa sta facendo la collettività al riguardo? Poco generosa rispetto alla Natura che la circonda, non un granché. Non basta denunciare i danni che l’ecosistema subisce a opera della mano incivile dell’uomo, è giunto il

“No one thinks of winter when the grass is green.” “Nessuno pensa all’inverno quando l’erba è verde.” Rudyard Kipling

momento di (ri)pensare l’universo al di là dei rapporti di dominio e subordinazione; di mettere in discussione l’infertile contrapposizione tra Natura e Cultura e di riprendere con esse un dialogo fino a oggi interrotto; di ritessere i legami che uniscono il corpo alla terra, riattivando la nostra connessione primordiale con questo Pianeta così maltrattato; di lasciarci travolgere dal canto – di lancinante autenticità – della Terra che da tre miliardi e mezzo di anni testimonia un equilibrio precario; di rimettere finalmente l’Uomo al posto che gli spetta, sollecitandolo a essere più umile p erché è s olo un a s p e c ie t ra un’infinità di tante altre, una piccola parte di un grande tutto che lo ha preceduto e che gli sopravvivrà, un breve frammento di storia. È tempo che anche il Teatro faccia, nello spirito artistico che lo contraddistingue, un inventario delle nostre inquietudini e dei nostri impedimenti dinnanzi anche ai futuri cambiamenti ambientali, diventando cassa di risonanza di queste questioni urgenti e vitali.

IL TEATRO È HIC ET NUNC, È L’ARTE DEL PRESENTE È per questo che la nostra Biennale Teatro 2023, facendosi carico di ciò, ricollegherà la nostra memoria collettiva alla storia attuale di un’Umanità in frantumi, divisa tra ansia e cecità intenzionale, e alla

estern societies have based their vision of endless development on a perverse ideology that presupposes human omnipotence in the face of the elements that are assumed to make up the universe. is overlooks the essential thing: we do not face the world, but are in it, as part of an interdependent relationship. e consequences of this are becoming apparent today. What is socie doing about it? Given its lack of generosi towards the Nature that surrounds it, not much. It’s no longer enough to call out the damage the ecosystem su ers at the barbaric hands of man; the time has come to (re)think the universe as more than a series of relationships of domination and subordination; to question the unproductive opposition between Nature and Culture; and to re-establish with them a dialogue that has hitherto been interrupted. We must stitch the bonds that unite body and earth back together, reigniting our primordial connection with this much-abused Planet. We must allow ourselves to be overwhelmed by the striking authentici of the Earth’s song, which has borne witness to a precarious balance for three and a half billion years. We must nally put Mankind back in its rightful place, urging it towards greater humili , as only one species among countless others – a small part of a much greater whole that came before it and will survive it; a brief fragment of history. It’s also time for eatre to devise, with its distinctive artistic spirit, an inventory of our anxieties and constraints in the face of future environmental changes, and become a sounding board for these vital, urgent issues.

THEATRE IS THE HIC ET NUNC, THE HERE AND NOW; IT’S THE ART OF THE PRESENT MOMENT at is why, by engaging with all of these questions, the Biennale Teatro 2023 will reconnect our collective memory to current history, which reveals a human race in ta ers, torn between anxie and intentional blindness; as well as the need to build a bearable, environmentally sustainable future, and pave the way for a brighter global outlook. As a platform for political and poetic resistance, this edition of the Festival will continue to defend the idea that eatre, Art and Culture are a public service that must be safeguarded. It will be a 6–7

necessità di costruire un futuro sopportabile, ecosostenibile, aprendo così la strada a una prospettiva globale più radiosa. Questa nuova edizione del Festival, piattaforma di una resistenza politica e poetica, continuerà a difendere l’idea che il Teatro, l’Arte e la Cultura debbano salvaguardare la loro missione di servizio pubblico; sarà un laboratorio ipnotico e vibrante di creazione scenica, riferimento essenziale come avamposto di utopie eroiche e meraviglie rivoluzionarie, e si drappeggerà in VERDE EMERALD, il cui orizzonte simbolico starà a indicare il momento di un cambiamento profondo, di una trasformazione, di un passaggio a una nuova fase della vita: la rigenerazione dopo l’inverno, la rivitalizzazione, la resurrezione, la rinascita e la libertà dell’essere umano. Celebreremo così un risveglio di primavera anche per il Teatro, investito ora più che mai a stimolare la fantasia, l’immaginario dello spettatore, oggigiorno saturo di immagini e sollecitato passivamente dalla tecnologia digitale. Come un mimetico camaleonte reattivo e dinamicamente al passo con i tempi, il Teatro, articolando frammenti disparati per dar loro una prospettica via di fuga, cogliendo il reale per passarlo al setaccio della sua visionarietà, (de)costruisce le apparenze e/o (ri)compone il senso di una quotidianità incoerente.

BIENNALE TEATRO 2023, NESSUN LUOGO È COME EMERALD CITY, NESSUN LUOGO È VERDE COME IL TEATRO Il Paese di Oz è un regno immaginario al cui centro si trova EMERALD City. Un luogo di prodigi dove la protagonista, Dorothy Gale, viene scaraventata (over the rainbow) alla ricerca di qualcosa di meno materiale della sua esistenza. EMERALD, lo smeraldo, è appunto il colore dei prodigi: l’Itaca, l’approdo magico di chi conquista l’esistenza; una gemma attraverso la quale osservare il mondo. EMERALD è il Teatro. Il tornado di Dorothy è la malìa che lo spettacolo compie strappandoti dal reale per farti atterrare in un mondo dove tutto è possibile, persino imparare a vivere. EMERALD è il mistero, il sottratto, l’incantesimo, l’inspiegabile. Il rapporto dell’uomo con il prodigio di sé, la sua relazione con la Natura, il suo eludere la gabbia sociale per recuperare una dimensione morale più ampia. L’uomo di latta, il leone codardo, lo spaventapasseri non sono forse gli artisti che, con le loro mancanze, con la loro fantasia, ci tengono per mano nel viaggio per comprendere che tutto quello di cui avevamo bisogno è dentro di noi? Non è dunque il Teatro quello smeraldo prezioso e potente che ci aiuta a smascherare i ciarlatani finti maghi che ci circondano?

vibrant, hypnotic laboratory of scenic creation, a vital point of reference as an outpost of heroic utopias and revolutionary wonders. And it will be draped in EMERALD GREEN, whose symbolic horizon is a moment of profound change, a transformation, the passage into a new stage of life; it’s regeneration a er winter; it’s revitalisation, resurrection and rebirth, and freedom for all human beings. With this, we’ll celebrate a spring awakening for eatre, which is now more commi ed than ever to stimulating the spectator’s imagination, saturated as it is today with images and the passive a ractions of digital technology. Like some reactive, mimetic chameleon dynamically in step with the times, eatre can give shape to disparate fragments, o ering them a perspectival “way out”, grasping reali in order to pass it through its visionary “sieve”. It can (de)construct appearances and/or (re)compose the meaning of incoherent everyday life.

BIENNALE TEATRO 2023: THERE’S NO PLACE LIKE EMERALD CITY; THERE’S NO PLACE AS GREEN AS THEATRE e Land of Oz is an imaginary kingdom, at the centre of which lies EMERALD Ci . It is a wondrous place in which the protagonist Dorothy Gale is cast (over the rainbow) in search of something less material than her existence. EMERALD is precisely that, the colour of magic: an Ithaca, the magical landing place of those who conquer existence; a jewel through which to observe the world. EMERALD is the eatre. Dorothy’s tornado is the spell cast by a performance: tearing you away from reali , it lands you in a world where everything is possible, even learning how to live. EMERALD is mystery, that which is withheld, enchantment, the inexplicable. It’s the relationship between mankind and its miracle, its relationship with Nature; how it escapes the clutches of the social cage to recover a broader moral sense. Aren’t the Tin Man, the Cowardly Lion and the Scarecrow the artists who, with their shortcomings and imaginations, hold our hand on the journey towards understanding that everything we need is within us? Isn’t eatre that precious and powerful emerald that helps us to unmask the fake magicians that surround us? 8–9

Un prodigio, quello di Emerald, che viene soffiato tra le ciglia di ogni regista presente in questa edizione 2023. Le nuove creature mitologiche, fiabesche, sono quelle che hanno fatto della loro esistenza un incantesimo; che sono passate attraverso i colpi della Vita e che, attraverso la Cultura e un’anima spiegazzata, possono condividerne un volo, una riflessione per restituirci uno sguardo scevro da qualunque compiacimento e pronto a rivelare l’inatteso del Quotidiano. La bacchetta magica di Armando Punzo rintraccia lo splendore nel buio delle carceri; le scope volanti degli FC Bergman sorvolano le gallerie del Museo Reale di Belle Arti di Anversa per fotografare l’assurdo delle nostre esistenze; l’erbolario di Tiago Rodrigues dissecca spunti sulla libertà individuale contro quella massificata; i sortilegi sonori di Federica Rosellini, fusi alle cabale di Giacomo Garaffoni, si sfidano in singolar tenzone con quelli oceanici di Fabiana Iacozzilli, che governa le smaterializzazioni di Tolja Djoković, stabilendo un voto infrangibile; la malìa di un sonno profondo viene fatta a pezzi dalle incantagioni morali di Boris Nikitin; gli ippogrifi metamorfici di Romeo Castellucci volano sulla Via Lattea negromantica di Bashar Murkus; l’elfo immortale di Gaetano Palermo si perde tra gli oggetti levitanti di Morana Novosel; le mappe in trasformazione nelle quali transitano gli interrogativi di

Mattias Andersson svelano numeri per l’aritmanzia a El Conde de Torrefiel; la rettilofonia di Valerio Leoni conforta il percorso nella foresta oscura di Noémie Goudal e Maëlle Poésy alla ricerca della pietra filosofale. Un’edizione 2023 di sortilegi, di relazione con il fattore crescita, con il VERDE che diventa metafora di un rigoglio non solo planetario ma soprattutto morale. Le scarpette rubino di Dorothy vengono calzate per affrontare un viaggio identitario spirituale; una funzione che il Teatro ha assolto e continua ad assolvere, specchio di una società che necessita di confronto per non restare pietrificata nell’osservazione della propria immagine e nel plauso altrui.

Emerald is a miracle, one that will u er through the eyelashes of every director taking part in this 2023 edition. e new mythological, fairy-tale creatures are those who have made of their existence an enchantment. ose who have passed through the slings and arrows of Life and who, through Culture and a crumpled soul, can share their ights of fancy, and the thinking that imbues us once again with a vision free of smug satisfaction; one ready to reveal the unexpected in our everyday lives. Armando Punzo’s magic wand nds traces of splendour in the darkness of prisons. FC Bergman’s ying brooms soar over the galleries of the Royal Museum of Fine Arts Antwerp, photographing the absurdi of our existences. Tiago Rodrigues’ herbarium dissects su estions of individual freedom versus its uniform equivalent. Federica Rosellini’s sonorous witchcra merges with Giacomo Gara oni’s soothsaying, and they face o against the oceanic versions created by Fabiana Iacozzilli, as she steers Tolja Djoković’s dematerialisations to establish some unbreakable vow. e charms of deep sleep are then torn to shreds by Boris Nikitin’s moral enchantments, while Romeo Castellucci’s metamorphic hippogri s y over Bashar Murkus’ necromantic Mil Way, and Gaetano Palermo’s immortal elf is lost among Morana Novosel’s levitating objects. Elsewhere, the shape-shi ing maps through which Ma ias Andersson’s questions pass unveil numbers for the arithmancy practised by El Conde de Torre el; and Valerio Leoni’s Parseltongue provides comfort on Noémie Goudal and Maëlle Poésy’s journey through the dark forest, as they search for the philosopher’s stone. e 2023 edition is one of spells, engaging with growth, and with the GREEN that becomes a metaphor for a luxuriance not only planetary but above all moral. Dorothy puts on her ruby-red slippers to face a spiritual journey of identi ; that is the function that eatre has ful lled and continues to ful l: as the mirror of a socie that requires constant re-examination, so as not to remain stuck in the observation of its own image and the acclaim of others.

10–11

Verde che toglie il fiato, lo restituisce. Scioglie il silenzio, la neve severa. Stelle polari trascinano un aprile ammaestrato al jive. Il verde, docile al candore, torna a bisbigliare.

Green that takes your breath away, gives it back. That melts silence, severe snow. Polestars drag an April that’s been trained to jive. And the green, made meek by whiteness, whispers once again.

Stefano Ricci

Prodigio è magia magia è illusione illusione è utopia utopia è Rivoluzione. EMERALD è esercitare la meraviglia esercitarsi a non sapere restare incantati dal possibile intorno a noi come ci affattura Chandra Livia Candiani nella sua pratica dell’immenso.

Stefano Ricci

A miracle means magic magic means illusion illusion means utopia utopia means Revolution. EMERALD is an exercise in wonder an exercise in not knowing being enchanted by the possibilities that surround us as Chandra Livia Candiani bewitches us in her practice of immensity.

Stefano Ricci

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Nel garbuglio resistente di consuetudini del reale, di Smeraldo si gemmano i gabbiani dei miei sogni, ostinandosi a volare alto per varcare le frontiere, abbracciare le diaspore e conquistare una cittadinanza plurale all’alba naufraga di questo nuovo mondo.

In the garbled, hard-wearing mess of routine reality, the seagulls of my dreams are studded with Emerald. They ’re determined to soar over borders, embrace diasporas and gather a plural citizenship at the shipwrecked dawn of this new world.

Gianni Forte

“Sogni, e favole io fingo; e pure in carte mentre favole, e sogni orno, e disegno, in lor, folle ch’io son, prendo tal parte, che del mal che inventai piango, e mi sdegno.” Pietro Metastasio

Scagli la prima pietra chi tra noi non ha mai desiderato almeno per una volta, come in un classico film d’animazione Looney Tunes con Beep Beep e Willy il Coyote, far saltare in aria a colpi di dinamite le tonnellate di rocciosa follia degli uomini, di notizie tragico-apocalittiche di guerre e rovine con cui giornalmente i media ci bombardano a raffica e nell’esplosione – per non arrenderci continuando a vivere con incubi e angosce avvinghiati alla

bocca dello stomaco – vorticare nell’inquietante oscurità che ci inchioda alla croce del Presente, sbullonare e incendiare i circuiti temporali, vincere la gravità catapultandoci anni luce dall’altra parte dello specchio! Allora, scampati all’alluvione della tetra realtà globalizzante – subumana, virtuale, omologante – del “villaggio comunicativo” in cui eravamo immersi e che ci voleva uni-formati, anonimizzati, isolati, a caccia perpetua di desideri da soddisfare egoisticamente, risvegliandoci, siamo dapprincipio frastornati e disorientati. Illusione e realtà, presente e passato si mescolano, si scambiano i ruoli, sfumano le tracce. Mentre intorno a noi tutto ancora turbina e rimbomba, all’improvviso un frullo d’ali e, come per magia, un’apparizione strabiliante sopraggiunge in nostro soccorso. Fluttuanti ed eteree come il più delicato degli origami, Mesdemoiselles Imagination, Fantaisie e Créativité, fate ingioiellate di poetici alfabeti corruschi, indossando abiti di spirali ipnotiche, con il nostro destino nei meridiani della mano, ci invitano a viaggiare senza voltarci indietro, ci esortano a mettere da parte certezze e punti di riferimento e, guidati da una serafica melodia lungo un cammino di stelle, nell’universo plurale e magmatico di questa nuova dimensione – la nostra personalissima CITTÀ di SMERALDO – attraversiamo arsenali di luoghi segreti e di

“Fables and dreams I feign; yet though but verse The dreams and fables, I adorn and call; Fool that I am!—I grieve as I rehearse; And genuine tears, for fancied sorrows fall.” Pietro Metastasio (translated by I. D ’Israeli)

Let whoever hasn ’t wished, at least once in their life, to blow up the whole roc madness of mankind throw the rst stone; whoever hasn ’t wished, in the manner of a Looney Tunes cartoon (the Road Runner and Wile E. Coyote in tow) to dynamite the tonnes of apocalyptic, rolling news, the wars and ruin with which the media bombard us on a daily basis. In the explosion that would follow – and so as not to resign ourselves to living with our stomachs tied in knots of nightmarish anguish – we would whirl in the troubling darkness that nails us to the cross of the Present. We would unfasten the hinges of time and set them alight, de ing gravi in order to catapult ourselves light years away, straight through the looking glass! And having escaped, then, from the ood of gloomy, globalised reali in the “communication village” that surrounded us – subhuman, virtual and homogenising, which wanted us to be uniform, anonymous, isolated, and constantly chasing desires to be sel shly satis ed – we would wake up. At rst, we would feel dazed and disoriented. Reali and illusion, past and present all become confused; roles are swapped; traces are blurred. But as everything swirls and rumbles around us there is a sudden u er of wings. As if by magic, an astonishing apparition comes to our rescue. As oating and ethereal as the most delicate of origami, here are Mesdemoiselles Imagination, Fantaisie and Créativité – fairies bejewelled with poetic, sparkling alphabets; with hypnotic spirals for robes and our destinies in the meridians of their hands. ey invite us to go on a journey and never look back; they urge us to put our certainties and standard reference points aside. Guided by a seraphic melody along a starlit path, in the plural, magmatic universe of this new dimension – our own personal EMERALD CITY – we pass through arsenals of secret places and ancestral 18–19

visioni ancestrali, di labirinti di domande senza risposte assiomatiche, dove recuperiamo il contatto con il paradiso dei sogni ad occhi aperti dell’infanzia e il candore selvaggio dell’innocenza che abbiamo perso crescendo.

“Queste cose non avvennero mai, ma sono sempre.” Sallustio Mediante l’epifania di questa portentosa “illuminazione”, scardineremo l’ego, esploreremo i paesaggi carsici del nostro io interiore, comunicheremo l’incomunicabile, riacquisteremo il libero arbitrio, spezzeremo le catene dei limiti e delle censure imposti dal cosiddetto Paese reale, addestrato a fare della nostra esistenza solo cibo per social network, abiteremo nelle possibilità straordinarie e scopriremo finalmente che Monsieur Prodige non è un miraggio chimerico ma il mago concreto del quotidiano che fiorisce, si anima nell’irripetibile unicità e nella diversità di ciascuno di noi.

Così, all’alba del disgelo delle Utopie, dominate le furie baccanti del mercantilismo, rientrati a casa, cullati dalla musica delle acque verdi e limpide della Poesia, riscaldati dai bagliori dello sguardo fraterno del nostro prossimo, torneremo a guardare dalla finestra le nuvole che si rincorrono giocando a nascondino con il sole, riprenderemo lo scambio di armoniosa bellezza con animali, piante, aria, acqua, terra, fuoco, astri e altri regni numinosi della Natura. E come dice Metastasio, poiché di favole e sogni è composta la vera vita e le storie inventate riaccendono in noi le stesse emozioni dei fatti reali, intoneremo in coro con l’animo mesmerico di un aedo, mentre dalle nostre trachee sbocceranno rose di luce trasparenti, un inno palpitante alla Libertà.

Gianni Forte

visions, labyrinths of questions without axiomatic answers. In this place we reconnect with the paradise of our childhood daydreams and the feral whiteness of the innocence we lost growing up.

“Now these things never happened, but always are.” Sallust rough the epiphany of this portentous “enlightenment”, we will dismantle our ego; we will explore the underground landscapes of our inner self; we will say what cannot be said. We will regain our free will. We will break the shackles of limitation and censorship that the so-called real country has imposed on us, designed as it is to turn our existence into food for social networks. And we will inhabit extraordinary possibilities, nally discovering that Monsieur Prodige is no illusion but the tangible wizard of our everyday lives – one who blooms, bursting with life, in the unrepeatable uniqueness and di erence of each of us. us, when dawn breaks and Utopias begin to thaw, having overcome the bacchanalian ries of mercantilism – and as we head home lulled by the music of the limpid green waters of Poetry, basking in the glow of our neighbour’s fraternal gaze – we will look out of the window again at the clouds chasing each other, playing hide-and-seek with the sun. We will resume the exchange of harmonious beau with animals, plants, air, water, earth, re, stars and Nature ’s other divine kingdoms. As Metastasio says, since true life is composed of fables and dreams, and invented stories rekindle in us the same emotions as real events, we will sing as one with the mesmeric soul of the aoidoi, the singers of ancient Greece, and from our windpipes will burst forth transparent roses of light, in a throbbing hymn to Liber .

Gianni Forte

20–21

LEONE D’ORO / GOLDEN LION

17.06.2023 H 12.00 CA’ GIUSTINIAN SALA DELLE COLONNE CERIMONIA DI CONSEGNA LEONE D’ORO ALLA CARRIERA / GOLDEN LION FOR LIFETIME ACHIEVEMENT AWARD CEREMONY

L E O N E D ’A R G E N T O / S I LV E R L I O N

17.06.2023 H 12.00 CA’ GIUSTINIAN SALA DELLE COLONNE CERIMONIA DI CONSEGNA LEONE D’ARGENTO / SILVER LION AWARD CEREMONY

22–23

Leone d’Oro alla carriera

Il Leone d’Oro alla carriera del 51. Festival Internazionale del Teatro della Biennale di Venezia va ad Armando Punzo. In un Paese che ha difficoltà a fare i conti con i diritti umani, dove Fratellanza Amore Solidarietà si sbriciolano come pastafrolla, Armando Punzo – nel tentativo di comunicare, mediante l’isolamento artistico e geografico, il carcere e i suoi confini, spinto dalla necessità di affermare una propria originale identità d’autore lontana dalla frizione delle mode, in assenza di libertà, senza alcuna genuflessione al potere ed erigendo ponti a strapiombo sul prosaico mondo borghese – si avventura in territori in perpetua torsione da tutto il resto, forza le barriere, frantuma gli assiomi e da sapiente orafo dei linguaggi, attraverso il Teatro, comincia a setacciarli per filtrare un nuovo Uomo che, divenuto rigogliosa mietitura, si rialza con sfida e coraggio nelle ginocchia, imponendosi daccapo alla Realtà. Per lustrare gli universi emotivi che ci portiamo dentro, come in un’antica leggenda giapponese in cui è il ramo di ciliegio a vincere la spada del samurai, in una forma visionaria di comunicazione, dove il palco si nutre della stessa vita concreta, Armando Punzo, maestro di rigore, scalfendo il razzismo politico-istituzionale, scarcera la parola poetica che, insieme critica e fantastica, scintilla come una folgore nella notte, distillando un suo peculiare alfabeto, diretto al cuore delle cose, ricostruito all’ombra di un pregiudizio, inciso in enigmi di smeraldo e versi di giada.

Golden Lion for Lifetime Achievement

e Golden Lion for Lifetime Achievement at the 51 International eatre Festival of La Biennale di Venezia goes to Armando Punzo. In a country that stru les to come to terms with human rights – where ideas of brotherhood, love and solidari crumble like pastry – Armando Punzo a empts to convey prison life and its frontiers through artistic and geographical isolation. Driven by the need to establish his own, original creative identi , and far from the friction of trends – with no freedom, paying no lip service to power, and by building bridges that overhang the prosaic, bourgeois world – Punzo ventures into territories that always twist away from everything else. rough eatre he breaks down barriers and accepted truths; and like a wise goldsmith of languages, he si s through what he nds to lter out a renewed Man. When the la er has begun to thrive, harvesting what has been sown, he rises up full of de ance and courage in his knees, ready to stand tall again in the face of Reali . As in the ancient Japanese legend where the branch of the cherry tree is mightier than the samurai’s sword, Armando Punzo employs a visionary form of communication to polish the emotional universes we carry within us. Here, the stage action is nourished by the real, tangible stu of life, and as he undermines political and institutional racisms, so this master of rigour sets the poetic word free.

24–25

Leone d’Oro alla carriera

Tramite il tintinnio di una lingua immaginale, agita spazio e corpi per mettere in scena l’avventura di un pensiero in persistente stato d’interrogazione, facendo rimbombare, come allo zenit di un atto liturgico, i sulfurei rintocchi dei nostri limiti, delle paure, di una solitudine a grappoli, di una cecità verso il prossimo, di una ottenebrante affermazione sociale che ci acceca puntandoci i riflettori al centro della faccia. Così dietro il paravento del “gioco”, delle seduzioni filosofiche e dell’invenzione incantatoria, trasforma il gorgoglio dello spirito della ragione e della coscienza in cristalli di purezza per giungere alle rive del sogno e della fantasia, verso sconosciute mete future che non hanno mai avuto sbarre che contengano… ma poi siamo certi che siano gli Altri i prigionieri indesiderabili condannati a un perimetro? E allora, rendendo visibile il non palpabile, l’inconsapevole, per esplorare i sentieri obliqui che portano alla bellezza dell’anima, il mitragliare meraviglie diventa etica di una resistenza attiva nell’iridescente utopia culturale di cui Armando Punzo e la Compagnia della Fortezza sono le fulgide incarnazioni.

Golden Lion for Lifetime Achievement

Fantastical and critical in equal measure, it sparkles like a thunderbolt in the night, distilling a peculiar alphabet all of its own. e result, reconstructed in the shadow of prejudice, engraved with emerald enigmas and poetic ashes of jade, cuts to the very heart of things. With the tinkling of an “imaginal” language he stirs bodies and space to direct the adventures of a mind in a constant state of questioning. us, as if at the climax of some liturgical act, he rings the sulphurous bells of our limits, our fears, our clutches of loneliness, our blindness to other people, and the obscure acquisition of social status whose spotlight dazzles and deludes us. Behind a veneer of “playfulness” then, of philosophical seductions and enchanting creations, he transforms the gurgling of reason and consciousness into the purest of crystals. With these he alights on the shores of dream and fantasy, towards unknown future destinations that have never been kept behind bars… And ultimately, we’re forced to ask: is it really the Others who are the undesirable prisoners condemned to a perimeter? us, by making visible the intangible, the unconscious, and exploring the oblique paths that lead to the beau of the soul, ring o these marvels becomes an ethics of active resistance. It dwells in the iridescent cultural utopia of which Armando Punzo and Compagnia della Fortezza are the shining embodiments.

26–27

Leone d’Argento

Il Leone d’Argento del 51. Festival Internazionale del Teatro della Biennale di Venezia va agli FC Bergman. I registi-autori-performer Marie Vinck, Stef Aerts, Joé Agemans, Thomas Verstraeten, incontratisi durante la formazione teatrale ad Anversa, dove nel 2008 costituiscono il collettivo FC Bergman, con le loro creazioni – traendo ispirazione dalla Storia dell’Arte, dalla letteratura, dal cinema (Jean-Luc Godard, Charlie Chaplin, Jacques Tati, tra gli altri), amalgamando un’estetica pittorica e l’uso di una tecnologia molto avanzata con i grandi racconti medievali e le gloriose epopee biblico-religiose – plasmano un personalissimo linguaggio di teatro/danza, poetico e al tempo stesso audace e irriverente che, con il suo ardore indomabile, marchia a fuoco gli animi degli spettatori, immergendoli in un’atmosfera inquietante, rilasciando in loro una sensazione di sconcertante disagio. Partendo da semplici pretesti di una realtà fattuale e sublimandola poi a livello metaforico, l’ensemble fiammingo si focalizza sul carattere tragico dell’Uomo, una sorta di pizia che presagisce il crollo imminente di questo vasto mondo in cui cerca disperatamente il suo posto e che, non più soddisfatto di se stesso, combatte tra la paura di un cambiamento e il desiderio esistenziale di trascendere i propri perimetri per un viscerale bisogno di libertà. Rifiutando l’inevitabilità del compromesso, ricorrendo a reminiscenze simboliche archetipiche, a fasci di allegorie e a composizio-

Silver Lion

e Silver Lion at the 51 International eatre Festival of La Biennale di Venezia goes to FC Bergman. e directors, playwrights and performers Marie Vinck, Stef Aerts, Joé Agemans and omas Verstraeten met during their theatre training in Antwerp, where they formed the FC Bergman collective in 2008. Drawing on Art History, literature, cinema (Jean-Luc Godard, Charlie Chaplin and Jacques Tati, among others), their work melds a painterly aesthetics with the use of highly advanced technology, well-known medieval stories and glorious biblical/religious epics. With these they have moulded their own entirely unique dance theatre language; at once poetic, audacious and irreverent, its indomitable passion brands the spectators’ souls, immersing them in an unse ling atmosphere that provokes a disconcerting sense of unease. Starting from simple claims to factual accuracy, the Flemish ensemble elevates its subjects to the level of metaphor. Focusing on Mankind’s tragic character, they operate like the Pythia of Ancient Greece: while foretelling the imminent collapse of this vast world, it desperately seeks its place and yet stru les, dissatis ed, caught between the fear of change and the existential desire to transcend its own boundaries out of a visceral need for freedom. Rejecting the inevitabili of compromise, making use of echoed symbols and arche pes – as well as the stacks of allegories and

28–29

Leone d’Argento

ni di immagini profondamente radicati nella cultura e civiltà occidentale, i quattro artisti belgi sfuggono alla dittatura del punto di fuga dei teatri all’italiana con intimidatorie installazioni site-specific, prospettive onirico-visionarie, scenografie/gabbie monumentali che si deteriorano o vengono distrutte man mano che lo spettacolo procede. Relazionandosi in vorticosi tableaux vivants, riservandosi un margine d’imprevedibilità e improvvisazione, non usando le parole ma il gioco discrepante dei corpi e il loro sviluppo armonico-musicale come materiale propizio alla disperazione o all’incanto, gli FC Bergman flirtano con i limiti del fattibile e raggiungono una misteriosa dimensione cosmica indescrivibile, dando origine così a delle apocalittiche favole moderne, commoventi odissee che si metamorfizzano in tragicomiche disavventure, con un potere evocativo di sorprendente forza plastica e di frastornante amara bellezza.

Silver Lion

image compositions that are embedded in Western culture and civilisation – these four Belgian artists manage to avoid the oppressive perspectives of traditional theatres in the Italian s le. ey achieve this with intimidating site-speci c installations, dreamlike and visionary points of view, monumental sets – or cages – that either break down or are destroyed as the performance progresses. Working together in swirling tableaux vivants – and always allowing for a margin of unpredictabili and improvisation – rather than using words they employ the discrepant play of bodies and their harmonic development as the material most propitious for enchantment or despair. Flirting with the limits of the feasible, FC Bergman a ain an indescribably mysterious cosmic dimension, one that gives life to modern fairy tales with an apocalyptic avour. eirs are moving odysseys that transform into tragicomic misadventures; astonishingly evocative, they possess both a sculptural potency and a bewildering, bi er beau .

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CAPITOLO / CHAPTER

V E R D E PAT I N A

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L’utopia non è chimera, mira io, illusione che corre sulle bocche degli stolti, non è sguardo rivolto all’indietro, non è ina errabile aspirazione. È necessità che crea altra realtà dalla realtà che non asseconda, è lavoro quotidiano concreto e consapevole. Utopia isn’t a mirage, a chimera, an illusion that flows on the tip of fools’ tongues; it’s not backward-looking; it’s not an intangible aspiration. It’s a need that creates a reality different to the one it can’t go along with: it’s a conscious, and concrete, daily practice.

La felicità fisica e intellettuale determinata dalla consapevolezza che tutto possa essere messo in discussione e che il mio fare possa incidere concretamente sulla realtà.

The physical and intellectual happiness provided by the awareness that everything can be questioned and that what I do can tangibly affect reality. 34–35

Culture can pulverise the most commonly accepted clichés. Some might say that my artist’s workshop is populated by shady, untrustworthy characters; the fact is that it is they – along with my team – who have allowed me to realise my idea of what theatre is.

La cultura riesce a polverizzare i luoghi comuni più accreditati. Qualcuno potrebbe dire che il mio atelier di artista è frequentato da personaggi loschi, poco affidabili; sta di fatto che loro, insieme a tutti i miei collaboratori, mi hanno permesso di realizzare la mia idea di teatro.

TING EVIL ST NOT LET AND IN T BE , Y T I O H N HE G D IT, IT OU W BEC THR OM AY. E ES V NO IL M TH U IN G

OT, IF YOU CAN’T LOO IT’S N K T; IF OU PRISONE EN LDING Y R. AR E HO SP ON ST AN TR HAN BE E T R O

, SO ES DI , SO SSO TO ER I E AN AV D LT TR I LÀ SO AT L D NTA HE A VE A C A. DI ETR ION PI PRIG IM

NO AL N FE MA MA RMA ES LE LE. IL RSI SE SE DE SE NO RE T VE G N N R UA O È ASP N T AR RD S R A I R ASP EN RE IE T SC ARE E; NT E A E,

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Armando Punzo è regista, drammaturgo e a ore. Dal 1996 al 2016 ha dire o il festival internazionale VolterraTeatro, consacrando la sua direzione artistica all’idea dei “teatri dell’impossibile”. Dal 1988 lavora nel carcere di Volterra, dove ha fondato la Compagnia della Fortezza, prima e più longeva esperienza di lavoro teatrale in un istituto penitenziario. La Compagnia della Fortezza, di cui Punzo è regista e dire ore artistico, è o i annoverata tra le eccellenze del panorama teatrale contemporaneo internazionale, per il P U N Z O rigore della speri- A R M A N D O mentazione registica e drammaturgica e la capacità di creare Armando Punzo is a director, playwright and actor. From 1996 to spe acoli in grado di 2016 he directed the VolterraTeatro international festival (Volterra, tras gurare comple- Pisa), devoting his tenure as artistic director to the notion of “theatamente i luoghi che tres of the impossible”. He has been working inside Volterra prison a b i t a n o. I n ol t r e since 1988, when he founded his company, Compagnia della trent’anni di lavoro Fortezza, the country’s rst and longest-running prison theatre con la Compagnia initiative. Today, the company – in which Punzo works as its principal della Fortezza, com- director and artistic director – is among the most highly acclaimed posta o i da circa on the contemporary international theatre scene, both for its direcse anta detenuti- torial and dramaturgical rigour and experimentation, as well as its a o r i , P u n z o h a ability to create performances that can transform the locations they messo in scena oltre inhabit. In thirty years of work with Compagnia della Fortezza, which trenta spe acoli – tra today includes around seventy actor-prisoners, he has staged over c u i Ma ra t - Sade , I thirty productions including Marat-Sade, I Negri, I Pescecani ovvero Negri, I Pescecani ovve- quello che resta di Bertolt Brecht, Hamlice – Saggio sulla ne di una ro quello che resta di civiltà, Santo Genet, Beatitudo and Naturae. After premiering inside Bertolt Brecht, Hamli- Volterra prison, many of these performances have been presented ce – Saggio sulla ne di at major Italian festivals and theatres. At the same time, while relentu na c i vi l tà , Sa n to lessly pursuing his goal of creating the world’s rst permanent G e n e t , B e a t i t u d o , prison theatre company, Punzo has also led workshops and directed Naturae –, molti dei performances internationally, focusing in particular on large-scale quali, dopo il debu o urban projects and performance-based installations. These include: in carcere, sono stati a site-speci c version of Hamlice at the Pirelli HangarBicocca in ospitati nei ma iori Milan for over 3,000 spectators; a series of collective performances festival e teatri italia- made in town squares, courtyards and museums as part of the proni. Parallelamente, ject entitled Mercuzio non vuole morire; the installationmentre persegue con performance Paradiso – Voi non sapete la so erenza dei santi, o st i n a z ione l’obie ivo della realizzazione del primo teatro stabile in carcere al mondo, dirige workshop e spe acoli internazionali, focalizzandosi in particolar modo su grandi proge i urbani e installativoperformativi. Tra questi: un’edizione site-speci c di Hamlice al Pirelli HangarBicocca di Milano per oltre tremila spe atori; una serie di performance colle ive per piazze, cortili e musei nell’ambito del proge o Mercuzio non vuole morire; l’installazione

performativa Paradiso – Voi non sapete la so erenza dei santi, andata in scena, ai piedi dell’ILVA di Taranto, con il coinvolgimento dei ci adini del quartiere Tamburi; L’opera segreta. Rovine e resti dell’umanità di Shakespeare, ambientato sulle scale mobili Santa Lucia di Potenza, con circa cento persone in scena; Le rovine circolari, versioni speciali di Beatitudo, all’interno del refrigerante della centrale geotermica Enel Nuova Larderello e per il Triangolo Verde di Peccioli; Naturae. La valle dell’innocenza e Naturae. La valle del la per ma nen za , spe acoli sitespeci c per il Padistaged at the foot of the ILVA steel factory in Taranto with local parglione Nervi dell’ex ticipants from the city’s Tamburi neighbourhood; L’opera segreta. Salina di Stato di SaliRovine e resti dell’umanità di Shakespeare, presented on the Santa n e d i Vo l t e r r a . Lucia escalators in Potenza, with about 100 performers on stage; Le Armando Punzo e la rovine circolari, a special edition of Beatitudo, inside the cooling Compagnia della Forchamber of the Enel Nuova Larderello geothermal power plant in tezza hanno ricevuto Larderello (Pisa) and for the Green Triangle in Peccioli (Pisa); numerosi premi e preNaturae. La valle dell’innocenza (“Naturae. The Valley of Innocenstigiosi riconoscice”) and Naturae. La valle della permanenza (“Naturae. The Valley of menti tra cui: o o Permanence”), both site-speci c performances for the Padiglione Premi UBU, la MedaNervi in the former State salt mines of Volterra. Armando Punzo and glia d’oro del Presithe Compagnia della Fortezza are the recipients of numerous prizes dente della Repubbliand prestigious awards, including: eight UBU Awards, the President ca, il Sigillo di Ateof the Italian Republic’s Medal of Honour, the University Seal of the neo dell’Università Carlo Bo University of Urbino, the Premio ANCT (National Associadegli Studi di Urbino tion of Theatre Critics Award), the “Carmelo Bene” Prize awarded by Carlo Bo, il Premio Lo Straniero magazine, the Europe Prize – Taormina Arte, the Premio A NC T, i l P r e m i o per la Cultura Contemporanea della Regione Toscana (Region of “Carmelo Bene” della Tuscany Prize for Contemporary Culture), the Agis Golden Ticket rivista Lo Straniero, il Special Award, the Capri, Hollywood Prize, the Naples Award, the Premio Europa - TaorScenari pagani Award, the Nesi Award, the Fiesole Special Award, mina Arte, il Premio the Cercola Partenopea Award and the Anima Award – Anima per il per la Cultura ConSociale. He is the author of two autobiographical books: È ai vinti tem pora ne a del l a che va il suo amore (Edizioni Clichy, 2013) and Un’idea più grande di Regione Toscana, il me. Conversazioni con Rossella Menna (Luca Sossella Editore, Premio Speciale 2019). His theoretical writings have been published in leading theaBiglie o d’Oro Agis, tre magazines both in Italy and abroad. il Premio Capri, Hollywood, il Premio Napoli, il Premio Scenari pagani, il Premio Nesi, il Premio Speciale Fiesole, il Premio Cercola Partenopea e il Premio Anima – Anima per il Sociale. È autore di due volumi autobiogra ci: È ai vinti che va il suo amore (Edizioni Clichy, 2013) e Un’idea più grande di me. Conversazioni con Rossella Menna (Luca Sossella Editore, 2019). Suoi scri i teorici sono apparsi sulle principali riviste di teatro italiane e straniere. 38–39

15.06.2023 H 20.00 16.06.2023 H 18.00 ARSENALE TEATRO ALLE TESE (II)

(100’ — 2023)

PRODUZIONE / PRODUCED BY CARTE BLANCHE / COMPAGNIA DELLA FORTEZZA CON IL SUPPORTO DI / WITH SUPPORT FROM MIC – MINISTERO DELLA CULTURA, REGIONE TOSCANA, FONDAZIONE CASSA DI RISPARMIO DI VOLTERRA, ACRI – ASSOCIAZIONE DI FONDAZIONI E DI CASSE DI RISPARMIO SPA, COMUNE DI VOLTERRA, MINISTERO DELLA GIUSTIZIA – CASA DI RECLUSIONE DI VOLTERRA MAIN SPONSOR LOCATELLI SALINE DI VOLTERRA

REGIA E DRAMMATURGIA / DIRECTION AND DRAMATURGY ARMANDO PUNZO

COORDINAMENTO ATTIVITÀ CENTRO NAZIONALE TEATRO E CARCERE / NATIONAL CENTRE FOR PRISON THEATRE COORDINATOR EVA CHERICI

MUSICHE ORIGINALI E DISEGNO SONORO / ORIGINAL MUSIC AND SOUND DESIGN ANDREINO SALVADORI

RESPONSABILE AMMINISTRATIVO / ADMINISTRATION ELINA PELLEGRINI

SCENE / SET DESIGN ALESSANDRO MARZETTI ARMANDO PUNZO

RESPONSABILE ATTIVITÀ FORMATIVE / EDUCATION OFFICER MARZIA LULLERI

COSTUMI / COSTUMES EMANUELA DALL’AGLIO

SEGRETERIA E CONTABILITÀ / PA & FINANCE GIULIA BIGAZZI

MOVIMENTI / MOVEMENT PASCALE PISCINA DIREZIONE ORGANIZZATIVA E CURA DEI PROGETTI / GENERAL MANAGEMENT CINZIA DE FELICE AIUTO REGIA / ASSISTANT DIRECTOR LAURA CLERI ASSISTENTE ALLA REGIA / ARTISTIC ASSISTANT ALICE TOCCACIELI AIUTO SCENOGRAFO / ASSISTANT SET DESIGNER YURI PUNZO ASSISTENTE AGLI ALLESTIMENTI / PRODUCTION ASSISTANT LUISA RAIMONDI DIREZIONE TECNICA / TECHNICAL DIRECTOR CARLO GATTAI DISEGNO LUCI / LIGHTING DESIGN ANDREA BERSELLI SOUND ENGINEERING ALESSIO LOMBARDI CAPO MACCHINISTA / HEAD CARPENTER VIVIANA RELLA

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UFFICIO STAMPA / PRESS OFFICE PEPITAPUNTOCOM ROSSELLA GIBELLINI ANNA MARIA MANERA FOTO / PHOTO STEFANO VAJA CON / WITH ARMANDO PUNZO ANDREA SALVADORI CIRO AFELTRA SAVERIO BARBERA FRANCESCO BELLINGHERI DANIEL CHUKWUKA PAUL ANDREI COCIAN ANTONIO IAZZETTA NICOLA BELLA CUKA ISMET LUCIO DI IORIO ARMANDO DI PUOTI HAMADI REZEG ANTONIO LANZANO NIK KODRA URIM LACI LI JIN JIE TAREK OMEZZINE MARIAN PETRU IOSIF ALESSANDRO VENTRIGLIA GIOVANNI FONTANA WAYCHEY TONY MARCO MARIO GINO EUGENIO MARZI ISABELLA BROGI GAETANO SPERA ROMEO ERDEI BOGDAN FABIO PRETE DOMENICO PROSPERO FABIO VALENTINO ADRIAN SARACIL MALAJ CINO STEFANO VEZZANI NEZHAJ ARION PAOLO BRUCCI FRANCESCA TISANO ELISA BETTI GIULIA GUASTALEGNAME TOMMASO VAJA LUCA DAL POZZO

NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

Un lungo lavoro di ricerca artistica durato o o anni, iniziato nel 2015 con il primo spe acolo Shakespeare. Know Well, continuato con Dopo la Tempesta (2016), Le parole lievi (2017), Beatitudo e Le rovine circolari (2018), Naturae – ouverture (2019), Naturae. La vita mancata e Na t u rae. L a val le dell’innocenza (2020), Naturae. La valle dell’annientamento (2021) e arrivato nel 2022 nalmente al suo ultimo a o con Naturae. La valle della permanenza, ra iungendo la più di cile delle valli, quella della Permanenza. is piece is the last act in a long, eight-year cycle of artistic research that began in 2015 with the rst piece, Shakespeare. Know Well, before continuing with Dopo la Tempesta (2016), Le parole lievi (2017), Beatitudo and Le rovine circolari (2018), Naturae – ouverture (2019), Naturae. La vita mancata (“Naturae. Lost Life”, 2020) and Naturae. La valle dell’innocenza (“Naturae. e Valley of Innocence”, 2020), Naturae. La valle dell’annientamento (“Naturae. e Valley of Annihilation”, 2021), and nally Naturae. La valle della permanenza, (“Naturae. e Valley of Permanence”). It has now reached the harshest of valleys, Permanence.

Naturae è l’ultimo capitolo, è la rivelazione, la riscoperta in noi di qualità dimenticate, negate, soppresse. È fru o della contro-scri ura che si è generata in questi o o anni, come un ltrato luminoso che si opponeva alla mancanza di luce e speranza che avevamo riscontrato in noi e negli altri. Quelle qualità hanno preso la forma di entità simboliche concrete, stilizzazioni, che perme ono al nostro protagonista, una volta ritrovato lo sguardo puro dell’innocenza rappresentato dal bambino, di stabilire una diversa relazione con il mondo. Ci siamo resi conto che l’evoluzione umana è in essere, sempre, ed è questa che bisogna alimentare. Non possiamo credere di essere arrivati alla ne della Storia, è innaturale e non serve a migliorare la nostra esistenza, le relazioni tra gli uomini, una diversa idea di comunità fa a di persone sensibili né il futuro della nostra Terra. L’Homo Sapiens è solo una fase, dobbiamo lavorare per guadagnarci l’Homo Felix, dobbiamo far crescere in noi la ricerca della libertà, dell’amore, della felicità. Dobbiamo ricominciare a sognare un nuovo uomo e imporlo alla realtà.

Naturae is the nal chapter: it’s the revelation, the rediscovery within ourselves of qualities that had been forgo en, denied, suppressed. It’s the product of the “counter”writing that has come forth over these eight years, like a luminous ltrate that challenged the lack of light and hope we saw in ourselves and others. ose qualities have taken the form of tangible symbolic entities, s lisations that allow our leading character – once he has rediscovered the pure, innocent way of looking which the child represents – to establish a di erent relationship with the world. We realised that human evolution is always ongoing, and that’s what we need to nurture. We can’t allow oursel ves to believe that we have reached the end of history, it’s an unnatural thought and doesn’t help to improve our existence, human relationships, a di erent idea of communi made up of sensitive people, or indeed the future of our planet. “Homo Sapiens” is just a phase; we have to work to earn the “Homo Felix”. We must strive to increase the search for love, freedom, happiness within ourselves. We must start dreaming of a new mankind and impose that on reali .

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CAPITOLO / CHAPTER

VINCITORE/ WINNER BI E N NA L E C OL L EGE T E AT RO REGIA / DIRECTION UNDER 35

[2022 - 2023]

VERDE FOGLIA

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Verde è il prato dei parchi di Roma a cavallo tra l’inverno e la primavera: in questo senso è una promessa, un’apertura nei confronti del Fuori. È passe iate, è quiete, è pensiero libero in compagnia del mio cane. È il colore dei miei occhi che mia madre ricorda marroni, perché pensa a quelli di mio padre. Green is the colour of the grass in Rome’s parks between winter and spring: it’s a promise, an opening towards what is Outside. It means quietude, going for a stroll, allowing my thoughts to roam while walking with my dog. It’s the colour of my eyes, which my mother remembers as brown, because she’s thinking of my father’s.

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A family – and unconditional but critical support. It provided a forge of questions and perspectives that enriched my own, but with tenderness and discretion.

Una famiglia, e un appoggio incondizionato ma critico, fucina di domande e di punti di vista che hanno arricchito il mio, con discrezione e tenerezza.

Credo che il Teatro abbia una caratteristica imprescindibile: il tragitto di ritorno. Dopo l’ultimo BELIEVE buio ognuno di noi deve infatti THAT affrontare un viaggio verso il THEATRE IDENTITY. BUT IN proprio quotidiano. Eccolo POSSESSES ORDER TO LAST il luogo del Teatro nel ONE ESSENTIAL THAT LONG IN OUR CHARACTERISTIC: SOCIETY, THE SPELL suo rapporto con THE JOURNEY IT CASTS MUST SPRING l’identità. Ma in BACK. AFTER THE FROM SOME una società FINAL BLACKOUT, MIRACULOUS EVENT. THE EVERY ONE OF US MUST come la VISION WHICH ENSUES CAN FACE THE JOURNEY CREATE A FORK IN THE nostra BACK TO OUR DAILY ROAD, ONE WHICH LEADS l’incanto, per LIFE. THIS IS THE TOWARDS THE durare tanto a VERY SITE OF UNKNOWN AND THEATRE, IN LEAVES US lungo, deve scaturire TERMS OF HOW BEWITCHED, AND da un evento IT RELATES THEREFORE FREE. prodigioso: la visione può TO così aprire un bivio verso l’ignoto, lasciandoci ammaliati e, di conseguenza, liberi.

–

ITING ND WR O EX OTHER P A EO T PRES G IKE DIN HO’D L NESS THAT I S AN O PLE A T CA PIN ’S W A RE RE AW AT WOULD BE MY S N BE ION THO UP TH ER DRA BU U PO W T W N E

E, IN OTHER EOPL THEIR MIN WORD RP DS T H S, FO NG IN E O. EATI O LIBERATE PEOPLE ’S E T CR E T ABLE. T HO M ND LIK THE T U W A I’D N O . , G O IC DS HT ST AR C

FOR THOS ONLY HE CHANC E WHO H WO E OR UG AVE T T HO N’T H , WITH NO FILTERS M HE C ULD T S, DO IT IS COULD ALL PLA ADE OUR AL YW O A L HT HER , AS AT WE ITH F P GE O G IT T H E OU T OU LA T SO R , R

LEGGERE E SCRIVERE PENSIERO, MA SOLO DI CHI ME LO PERMETTESSE, OVVERO DI COLORO CHE VORREBBERO ESPRIMERE UN’OPINIONE, MA NON NE HANNO IL CORAGGIO O LA POSSIBILITÀ, E CREARE NELLA LORO MENTE LA CONSAPEVOLEZZA DI POTERLA TIRARE FUORI, COSÌ COM’È, SENZA FILTRI DI PLASTICA. LIBERATORE DI PENSIERO, QUESTO VORREI FOSSE IL MIO SUPERPOTERE, COSÌ DA GIOCARE TUTTI A CARTE SCOPERTE.

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MY LIFE PARTNER AND TRAVELLING COMPANION SOFIA, A LION ON THE ROAD BESIDE ME. SHE HAS CONSISTENTLY BEEN ABLE TO NUDGE ME ONWARDS FROM WHAT I THOUGHT WERE IMMOVABLE, FIXED POINTS. SHE HAS KEPT THE LINE TAUT DAY AFTER DAY, AS WE'VE CONTINUED THE HIGH-WIRE EXPLORATION THAT IS OUR LIFE IN ART.

VA L E R I O L E O N I Valerio Leoni è un a ore, regista e dramquotidiana del dialogo con a ori e performaturgo. Nella prima fase del suo permer, sia in veste di regista che di pedagocorso segue il maestro Andrea Pangalgo. Nel 2019 scrive i testi Souvenir da lo, sviluppando poi la sua formazione casa di mia madre e BaalHaus, proValerio prevalentemente all’estero a ravergrammato poi all’interno del NTL Leoni is an so l’incontro con Jakub Gontarski Festival (Nordisk Teaterlaboratoactor, playwright and director. During e Przemysław Błaszczak (Grorium, Danimarca), e me e in the early part of his towski Institute, Polonia), Julia scena una mise en espace di career he trained with Andrea Pangallo, before Varley (Odin Teatret, DaniMoi, dans les ruines rouges du continuing his training abroad marca) e José Sanchis Sinisiècle di Olivier Kemeid. A with Jakub Gontarski and Przemysław Błaszczak (Grotowski sterra (Nuevo Teatro novembre 2020 presenta Institute, Poland), Julia Varley (Odin Fronterizo, Spagna). presso il Teatr LaboraTeatret, Denmark) and José Sanchis Rientrato in Italia, torium del Grotowski Sinisterra (Nuevo Teatro Fronterizo, Spain). Back in Italy, he continued to explore a variety of approfondisce lo Institute lo spe adramaturgical and compositional approaches with studio delle dinacolo Jurij Alschitz, Roberta Nicolai, Luciano Colavero and Francesca Macrì. In 2015, he founded a company, miche composiRUINS|Souvenirs, Agiteatro, for which he performs and oversees all the tive e dramma- dramaturgical aspects of bringing work to the stage. Directing di cui è dramincludes: Paradies by Franzobel (staged reading), the Italian turgiche con maturgo e premiere of Futura umanità by Juan Mayorga, and Moi, dans les Jurij Leoregista, porruines rouges du siècle by Olivier Kemeid (staged reading). In 2018, he co-founded the Labirion O cine Trasversali arts space with co-artistic novič tandone director So a Guidi. This experience o ers him the opportunity to Al’šic, poi una vercommit to ongoing, daily dialogue with actors and performers, Roberta Nicosione online both as a director and teacher. In 2019 he wrote Souvenir da casa di mia madre and BaalHaus, which was subsequently lai, Luciano in occasione programmed as part of the NTL Festival (Nordisk Colavero e Frandel Voila! Europe Teaterlaboratorium, Denmark). In November 2020, he p r e s e n t e d R U I N S | S o u v e n i r s a t t h e Te a t r cesca Macrì. Nel eatre Festival di Laboratorium of the Grotowski Institute, which he 2015 fonda la comLondra. Dal 2021 wrote and directed, before devising an online version for the Voila! Europe Theatre Festival pagnia Agiteatro, inizia una collaborain London. In 2021, he began working with nella quale è interprete zione con Boyd Branch Boyd Branch (Coventry University, UK) e curatore della dramma(Coventry Universi , on the creative and performative potential of the crossturgia scenica. Dirige una Regno Unito) inerente alla contamination of physical and mise en espace di Paradies di contaminazione tra teatro digital theatre. In July 2022 he won the Biennale Franzobel e allestisce, in sico e teatro digitale, sia a C o l l e g e Te a t r o – prima nazionale, il testo Futura livello creativo che performativo. Direction Under 35 o p e n c a l l umanità di Juan Mayorga. Nel Nel luglio del 2022, con il proge o (2022–2023) 2018 fonda a Roma il centro cultudi performance Cuspidi, vince il for Cuspidi. rale Labirion O cine Trasversali, di bando Biennale College Teatro – cui è dire ore artistico insieme a So a Regia Under 35 (2022-2023) della BienGuidi, e grazie al quale ha la possibilità nale di Venezia. di dedicarsi a una pratica

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16.06.2023 H 20.00 17.06.2023 H 18.00 ARSENALE TESE DEI SOPPALCHI

(CA . / A P P ROX . 8 0 ’ — 202 3 ) P R I M A ASSOLU TA / WOR L D P R E M I E R E

PRODUZIONE / PRODUCED BY LA BIENNALE DI VENEZIA VINCITORE / WINNER BIENNALE COLLEGE TEATRO REGIA / DIRECTION UNDER 35 (2022-2023)

REGIA E DRAMMATURGIA / DIRECTION AND DRAMATURGY VALERIO LEONI CON / WITH SARA GIANNELLI SOFIA GUIDI FRANCESCO JACOPO PROVENZANO CURA DRAMMATURGICA E DEL MOVIMENTO / DRAMATURGY AND MOVEMENT SUPERVISOR ANTONIO TAGLIARINI COSTUMI / COSTUMES GIANLUCA SBICCA SCENE / SET DESIGN FEDERICA DE TORA DISEGNO LUCI / LIGHTING DESIGN SANDER LOONEN DIGITAL DESIGN BOYD BRANCH VISUAL ART MARTINA CARBONE GIULIA VIETTI COMPOSIZIONE E DISEGNO SONORO / COMPOSITION AND SOUND DESIGN DAVIDE UMBRELLO ASSISTENTE ALLA REGIA / ASSISTANT DIRECTOR DAVIDE VENTURA TUTOR DEL PROGETTO / TUTORS OF THE PROJECT STEFANO RICCI E / AND GIANNI FORTE

CON IL SUPPORTO DI / WITH SUPPORT FROM LABIRION OFFICINE TRASVERSALI, COVENTRY UNIVERSITY FACULTY OF FINE ARTS AND HUMANITIES SI RINGRAZIA / THANKS TO JULIANA AZEVEDO PER L’ASSISTENZA AL CANTO / FOR ASSISTING IN THE SINGING TECHNIQUE

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NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

So rarsi alla vita, ritirarsi, nascondersi, recidere la propria responsabilità di agire, s c ivol a ndo nel l’abi ss o luminoso dell’annullamento di sé e dell’altro. Esserci, ma non partecipare al gioco. Darsi le proprie regole immaginarie, perdersi nelle regole sociali. Evitare l’incontro, il dubbio e la trasformazione cancellando così fallimento e frustrazione. A raversare inerti un’esistenza costellata di credenze, in cui la cura del proprio Ego sembra l’unico accesso alla sopravvivenza: la era della vanità si è fa a era dell’altruismo, del buon pensiero, del risultato, e al contempo ghiandola che secerne sterile e insidioso odio. Come evitarlo, d’altronde, data la costante ride nizione dei l i m i t i c he p uò aver e l a speranza? Come fu irne se le grandi opportunità, le grandi i nnova z ion i , le g ra nd i facilitazioni del nostro tempo hanno causato al contempo un impoverimento colle ivo generando, nella disillusione, un circolo vizioso di ansia e solitudine? Cinquant’anni fa c’era la rabbia a salvare il futuro. O i, per dirla con Brecht, la nostra “non è lunga abbastanza” e la rassegnazione pervade lo sguardo e le azioni di molte e molti: rifugiarsi nella fantasia, acce are di farsi meccanismo invisibile e, nei casi più estremi, lasciare la vita, sembrano le uniche strade possibili per cambiare le proprie sorti. La strada verso il baratro, lastricata di buone intenzioni, si è fa a quindi cammino inesorabile. Non c’è più spazio per slogan, messa i mot iva z ion a l i , elog i del fallimento, compassione e le erezza: serve cinismo,

azioni, dimostrazioni, coesione. Serve guardare dri a negli occhi la situazione dra mm a t ic a nel l a q u a l e viviamo, nonostante il mal di s to m a c o, n o n o s t a nte l a fra ura che ci crea nell’anima. Serve spaccarci per ricominc i a r e. Pe r c r e d e r e. Pe r risorgere. Serve riscoprire i pezzi di cui siamo fa i, e l’intero di cui siamo parte. Per rendere ogni catastrofe, che sia colle iva o personale, una meravigliosa opportunità.

Wi thdr aw i ng f r om l i fe, s t e p p i n g a w a y, h i d i n g , relinquishing your responsibili to act and slipping into the luminous abyss of your own – and other people’s – e acement. Being present, but not taking part. Making your own imaginary rules; losing yourself in those of socie . Avoiding any meeting, doubt, or transformation, and thus erasing the possibilities of failure and frustration. Dri ing lifelessly through an existence do ed with beliefs, caring for your Ego seems to be the only key to survival. e “vani fair” of old has become an altruism convention – a place with the right kinds of thoughts, and results, but also a gland that secretes sterile and insidious hatred. But how can we avoid it, given that the limits of hope are constantly being rede ned? How can we escape it, if the great opportunities, the great i nnovat ions a nd g re at “facilitations” of our time have also caused a generalized, collective impoverishment, the disill usion of which creates a vicious circle of anxie and loneliness? Fi y years ago, anger was there to save the future. Today,

in the words of Brecht, our anger “isn’t long enough” and many people’s perspectives and actions are characterised by resignation. Seeking refuge in fantasies, accepting that we can be an invisible part of a larger mechanism and – in the most extreme cases – leaving life altogether, appear to be the only possible ways to change our fate. e road towards the abyss, paved with good intentions, has thus become an inescapable path. ere’s no more room for slogans, motivational messages, paeans to failure, compassion and levi : what we need is cynicism, ac t ion , demonst ra t ions, cohesion. We need to look at the dramatic state we’re living in straight in the eye, despite the ache in our stomachs, and the fracture it makes in our souls. We need to smash things up to start again. To believe. To rise again. We need to rediscover the things we’re made of, and the whole of which we are a part. To make every catastrophe, whether c ol lec t ive or p er s on a l , a wonder f ul opportuni .

Un giorno normale. Un Uomo fatto di Urla attraversa il suo presente una caduta alla volta. Un Uomo fatto di Polvere trascina pezzi di sé camminando all’indietro. Un Uomo fatto di Scatole pianifica la sua strategia per avanzare. Tre finestre li stagliano sull’esterno e sulle infinite possibilità che dona, secondo dopo secondo, contenuto dopo contenuto, lasciandoli immobili a guardare. Nel frattempo, degli Aggregatori affrontano la propria routine lavorativa, tra appunti, algoritmi, gattini e tragedie. Cuspidi si apre così, nello schizzo di un universo frammentato in cui convivono controllori e controllati, realtà e immaginazione, vita e morte. In un dispositivo scenico surreale la cui struttura è ispirata al mito della caverna di Platone e le cui dinamiche affondano le proprie radici nella realtà digitale che ci circonda, lo spettacolo indaga l’inerzia dell’esistenza, l’incapacità di agire, il circuito dopaminergico realizzato attraverso gli schermi che accompagnano la nostra quotidianità informatica lasciandoci inariditi: nella nostra bolla ci riduciamo infatti a entità semplici e inestese e costruiamo i confini della nostra opinione attraverso bias cognitivi, analfabetismo emotivo e impotenza appresa. Una fotografia senza speranza, che procede inesorabile verso il baratro. È per questo che il battito di questa drammaturgia inizia dalla sua fine: partendo dalla contezza che niente meno di una catastrofe sia capace di destarci dal sonno dell’anima, parole di commiato si fanno prologo e la nascita – la resurrezione – diventa l’obiettivo conclusivo di un’esistenza, la sua realizzazione. Urla, Polvere e Scatole lottano quindi per invertire il proprio destino, passando dalla consapevolezza all’incoscienza, arrivando a danzare sulle macerie di un mondo al suo termine, in cui solo l’algoritmo continua a eseguire se stesso, nella freddezza della sua operatività.

58–59

An ordinary day. A Man made of Screams makes his way through the present, one fall at a time. A Man made of Dust drags pieces of himself onward, while walking backwards. A Man made of Boxes plans his strategy for moving forward. Outlined by three windows, they gaze onto the outside world and the infinite possibilities it bestows, second by second, bit of content after bit of content. They stand very still, and watch. Meanwhile, the Aggregators go about their daily working routine, amid notes, algorithms, kittens, and tragedies. That is how Cuspidi (meaning “Cusps”) opens, sketching out a fragmented universe in which those who control and those who are controlled coexist, much like reality and imagination, life, and death. The dynamics of this surreal stage environment – the structure of which is inspired by the myth of Plato’s Cave – are rooted in the digital reality that surrounds us. The piece investigates the inertia of existence; the inability to act; the dopamine loop prompted by the screens that drive our daily, computer-led lives and leave us parched. In this little bubble we are reduced to simple, narrow entities, building up the boundaries of our opinions through cognitive bias, emotional illiteracy, and assimilated helplessness. It’s a hopeless picture, one which descends inexorably towards the abyss. That is why the play’s dramaturgical beat starts from the end, from the knowledge that nothing less than a catastrophe will be able to wake us from the sleep in which our souls are immersed. Valedictory words turn into a prologue; and birth – a resurrection – becomes the ultimate aim and fulfilment of an existence. The three men – Screams, Dust and Boxes – therefore struggle to reverse the course of their destiny, moving from awareness to unconsciousness. They ultimately find themselves dancing on the rubble of a world that has come to its end, in which only the algorithm, in its cold functionality, can continue to play its part.

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CAPITOLO / CHAPTER

V E R D E O L I VA

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Propendo istintivamente per il signi cato cristiano: Speranza, nuovi inizi. Questo colore mi carica e mi calma allo stesso tempo, come fanno le piante che ho in casa o nel giardino. I instinctively tend to the Christian significance: Hope, new beginnings. Like the plants in my house and my garden, this colour lifts me up and soothes me at the same time. Stef Aerts

Associo il colore verde alla natura, che purtroppo è in pericolo. I connect the colour green to nature, which is unfortunately in danger. Thomas Verstraeten

Una sensazione di spazio, un immenso panorama, una boccata d’aria fresca. A sense of space, a vast view, a breath of fresh air. Marie Vinck

SE NON OFFRE UNA VIA DI FUGA, OFFRE PERLOMENO UN MODO PER AFFRONTARE CERTE COSE. IF IT DOESN’T OFFER A WAY OUT, THEN AT LEAST A WAY OF COPING.

ccia a faccia rmi fa contaminata. a v o Tr tura in la na n o c

The arts. My kids. A

Le arti. I miei figli.

S TA N D I N

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AC G F

IL SP O

E D N AT U R E .

ALCUNE PAURE E IDEE FISSE.

PROBABILMENTE TROVERÒ ALTRO “QUI” E ALTRO “ORA”, MA FORSE ANCHE L’ACCETTAZIONE DEL FATTO CHE QUESTO È TUTTO CIÒ CHE ABBIAMO, E CHE È ABBASTANZA.

rs a e ef m

es é d di n a

s. e x fi

E ER H E E H , TH O T OT F O ALS E G RE LY E’V O L M FU L W . D H PE AL G N FI HO IS OU T S I US ND TH EN IS LJ ,A T I’L W HA T IT Y O T A E BL N H BA THE NC D T A O D PT AN PR AN CE AC

No, I never felt the need to put on Dorothy’s ruby-red slippers.

Non ho mai sentito il bisogno di indossare le scarpette rosso rubino di Dorothy.

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FC Bergman è un collettivo fondato nel 2008 dagli attori/teatranti/artisti Stef Aerts, Joé Agemans, Bart Hollanders, Matteo Simoni, Thomas Verstraeten e Marie Vinck che dal 2013 ha sede presso il teatro Toneelhuis di Anversa. Il collettivo ha sviluppato in poco tempo un linguaggio teatrale assolutamente unico, che è al contempo anarchico, caotico, visivo e poetico. Le loro produzioni, spesso site-speci c, mettono al centro della scena l’essere umano, nel suo continuo sforzarsi e annaspare. Simoni e Hollanders non fanno più parte del team principale e oggi collaborano con FC Bergman su progetti ad hoc. Dopo aver vinto il Young Theatre Prize al Theater Aan Zee nel 2019 con l’adattamento di The Homecoming di Harold Pinter, il collettivo FC Bergman viene selezionato per il Nederlands Theater Festival nel 2010 con Walking along the Champs-Elysées… Nel 2011 hanno ideato per il Toneelhuis 300 el x 50 el x 30 el, uno spettacolo che da allora è stato rappresentato in tutto il mondo, da Atene a New York. Nel 2012 creano Terminator Trilogy, un’altra opera site-speci c con tournée internazionale. Tornati al teatro Toneelhuis, nel 2013 realizzano Van den vos (About Reynard the Fox), un imponente progetto di teatro musicale in collaborazione con Liesa Van der Aa, Muziektheater Transparant e Solistenensemble Kaleidoskop, e nel 2015 producono Het land Nod (The Land of Nod), poi presentato al Festival d’Avignon e al Zürcher Theater Spektakel. Nel 2018 il collettivo FC Bergman ha terminato JR, un progetto site-speci c basato sull’omonimo romanzo cult di William Gaddis e de nito “il principale evento teatrale del 2018”. Nel 2018 allestiscono un’opera per Opera Ballet Vlaanderen: I pescatori di perle di Georges Bizet. Nel 2019 il collettivo collabora a Freud, una produzione ITA - Internationaal Theater Amsterdam, realizzando un adattamento della sceneggiatura originale di Jean-Paul Sartre e recitando in diversi ruoli, tra cui quello del protagonista, interpretato da Stef Aerts. La loro opera più recente è The Sheep Song (2021), una performance senza testo su una creatura che non si accontenta più di stare tra i suoi simili perché sente di essere destinata a

F C

B E

R G M

condurre una vita più gloriosa. The Sheep Song ha una tournée mondiale all'attivo che va da Avignone ad Adelaide, da Siviglia a Stoccolma. In aggiunta al lavoro con il collettivo, i membri di FC Bergman sono impegnati individualmente in svariate produzioni teatrali, progetti televisivi, lm, ma anche produzioni, installazioni e video che realizzano a proprio nome.

FC Bergman is a collective founded in 2008 by actors / theatre-makers / artists Stef Aerts, Joé Agemans, Bart Hollanders, Ma eo Simoni, omas Verstraeten and Marie Vinck. Since 2013, the collective resides at Toneelhuis in Antwerp and it has developed in a short time a highly unique theatrical idiom, at the same time anarchistic, chaotic, visual and poetic. eir productions – o en site-speci c – give centre stage to the oundering, ever-striving human. Simoni and Hollanders have le the core team and now work on an ad hoc basis with FC Bergman. A er winning the Young eatre Prize at eater Aan Zee in 2019 with its adaptation of Harold Pinter’s e Homecoming, FC Bergman was shortlisted for the Nederlands eater Festival in 2010 with Walking along the Champs-Elysées... In 2011 FC Bergman created 300 el x 50 el x 30 el at Toneelhuis, a piece that since then toured internationally, from Athens to New York. In 2012 they created Terminator Trilogy, again a site-speci c work that toured internationally. Back in Toneelhuis in 2013 the collective created Van den vos (About Reynard the Fox), an impressive music theatre project, realized in collaboration with Liesa Van der Aa, Muziektheater Transparant and Solistenensemble Kaleidoskop, and in 2015 FC Bergman made Het land Nod ( e Land of Nod), later presented at the Festival d’Avignon and at the Zürcher eater Spektakel. In 2018, FC Bergman completed JR, a site-speci c project based on the eponymous cult novel by William Gaddis and de ned “the major theatre event of 2018”. In 2018, they created an opera for Opera Ballet Vlaanderen: e Pearl Fishers by Georges Bizet. In 2019, FC Bergman collaborated on Freud, an ITA - Internationaal eater Amsterdam production, by making an adaptation of Jean-Paul Sartre’s original script. Aerts, Vinck and Simoni played several roles, including the lead role, performed by Stef Aerts. eir most recent work is e Sheep Song (2021), a

F C

B E

R G M

wordless performance about a creature that is no longer content with its lot as it feels to be destined to lead a more glorious life than that of its fellows. e Sheep Song is touring internationally from Avignon to Adelaide, from Seville to Stockholm. Besides the work with the collective, the members of FC Bergman are individually involved in various other theatre productions, TV projects and lms, or make productions, installations and videos under their own names.

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17.06.2023 H 20.00 18.06.2023 H 20.00 SALA MARGHERA ZONA INDUSTRIALE / INDUSTRIAL AREA

(95’ — 2015) P R I M A I TA L I A NA / I TA L I A N P R E M I E R E

PRODUZIONE / PRODUCED BY TONEELHUIS CON IL SUPPORTO DI / WITH SUPPORT FROM PHLIPPO PRODUCTIONS, AGFA GRAPHICS, KONINKLIJK MUSEUM VOOR SCHONE KUNSTEN ANTWERPEN (KMSKA)

DI / BY FC BERGMAN: STEF AERTS JOÉ AGEMANS BART HOLLANDERS MATTEO SIMONI THOMAS VERSTRAETEN MARIE VINCK CON / WITH STEF AERTS JOÉ AGEMANS GEERT GOOSSENS BART HOLLANDERS THOMAS VERSTRAETEN MARIE VINCK MATTEO SIMONI DISEGNO SONORO / SOUND DESIGN DIEDERIK DE COCK IN COLLABORAZIONE CON / IN COLLABORATION WITH FC BERGMAN DISEGNO LUCI / LIGHTING DESIGN KEN HIOCO IN COLLABORAZIONE CON / IN COLLABORATION WITH FC BERGMAN ORGANIZZAZIONE / PRODUCTION MANAGEMENT CELINE VAN DER POEL DIREZIONE TECNICA / TECHNICAL PRODUCTION MANAGEMENT DIEDERIK HOPPENBROUWERS/TOM VAN AKEN LUCI / LIGHTING DIEDERIK SUYKENS SCENOGRAFI / STAGE DOMINICK GEENTJENS FRIEDEMANN KOCH WARD VANDENBOSSCHE

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SUONO / SOUND STEVEN BONTINCK SARTA DI SCENA / DRESSER MONIQUE VAN HASSEL REALIZZAZIONE COSTUMI / COSTUMES REALISATION MONIQUE VAN HASSEL ERNA VAN GOETHEM CHRISTIANE DE FEYTER REALIZZAZIONE SCENE / SET REALISATION JAN PALINCKX PATRICK JACOBS KARL SNEIDER BRAM ROMBOUTS SAM VERDONCK MARJAN VERACHTERT JOLIEN DEGRAVE GABY MARTINS MATEUS MENNO VANDEVELDE FREDERIK LIEKENS OGGETTI DI SCENA / PROPS MAARTEN WAGEMANS CELINE VAN DER POEL

NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

Dopo la discussa e spe acola- si rivela troppo corto per prenre produzione Van den vos (Abo- dere le misure della Storia. Il ut Reynard the Fox), il colle i- suo martello è troppo pesante, vo FC Bergman realizza una la sua scala troppo instabile produzione site-speci c con i p er a ront a re l e p a ret i dell’esistenza. [...] In questa soli sei membri principali. produzione atmosferica, senza “I teatranti e gli a ori di FC alcun copione, il colle ivo FC Bergman si lanciano la s da di Bergman si misura con i granraccontare storie senza parole di: il naturalismo mistico di e ci riescono magistralmente, Romeo Castellucci, l’assurdo grazie a immagini geniali. La sconsolato di Christoph Margiusta energia, acrobazie e thaler e le dinamiche danzanti immobilità danno vita a uno di Pina Bausch. Tu o ciò spe acolo esilarante e malin- conferisce a Het land Nod una conico. Con un mix di poesia, forte imponenza visiva.” slapstick, immagini cinemato- Wouter Hillaert, De Standaard, gra che e il loro tipico lin- 9 ma io 2015 gua io teatrale anarchico, accompagnano gli spe atori in un susseguirsi di storie di varia lunghezza.” Lo e Philipsen, Knack Focus, 5 ma io 2015 A er their much-discussed, Il colle ivo FC Bergman pren- spectacular production Van de ispirazione dalla maestosa den vos (About Reynard the Galleria Rubens al Museo Fox), FC Bergman made a locaReale di Belle Arti di Anversa tion-based production with per raccontare una storia just the six core members of appassionante proprio su que- its company. sta galleria, sulle sue opere e sopra u o sulle persone che “ e FC Bergman theatrecercano rifugio e conforto nel makers and actors set themmuseo. Dopo una serie di selves the challenge of telling repliche in Belgio e nei Paesi stories without words, and Bassi, Het land Nod ( e Land they succeeded masterfully, of Nod) è stato invitato al thanks to ingenious images. e right energy, acrobatics Festival d’Avignon (Francia), allo Zürcher eater Spektakel and stillness make for a hilari(Svizzera), a Parigi (Francia), a ous and melancholy show. Siviglia (Spagna), a Quimper With a mix of poetry, slap(Francia) e a San Pietroburgo e stick, cinematic images and their pical anarchistic theaMosca (Russia). tre language, they take the “Sulla scena, nella luce spoglia spectators with them in a sucdell’eternità, le gure umane cession of stories of varying sono troppo piccole rispe o al lengths.” compito per cui la vita le ha Lo e Philipsen, Knack Focus, concepite. Questo aspe o è 5 May 2015 particolarmente ben illustrato da Stef Aerts, che interpreta FC Bergman drew inspiraun impiegato del museo in t i o n f r o m th e m a j e s t i c abito grigio e bretelle, il cui Rubens Gallery at the Royal senso del dovere sta degene- Museum of Fine Arts Antrando. Il suo metro pieghevole werp to tell a gripping story

about this gallery, its works, and above all the people who seek solace and shelter in the museum. Following a series of performances in Belgium and the Netherlands, Het land Nod ( e Land of Nod) has been invited to the Festival d’ Av i g non ( Fra nc e) , the Zürcher eater Spektakel (Switzerland), Paris (France), Seville (Spain), Quimper (France) and Saint Petersburg and Moscow (Russia). “In this set, in the bare light of eterni , human gures are too small for the task for which life conceived them. is is particularly well illustrated by Stef Aerts, who plays a museum employee in grey overalls with a degenerating sense of du . His folding measuring stick proves too short for the measurements of history. His sledgehammer is too heavy, his ladder too unsteady to cope with the walls of his existence. [...] In this atmospheric, scriptless production, FC Bergman measures up to the greats: the mystical naturalism of Romeo Castellucci, the disconsolate absurdism of Christoph Marthaler, and the dancing dynamics of Pina Bausch. And all that gives Het land Nod visual grandeur.” Wouter Hillaert, De Standaard, 9 May 2015

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CAPITOLO / CHAPTER

V E R DE BLUAST RO

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Qualche sera fa ho sognato che entravo in una grande casa vi oriana portando in dono una bo iglia di liquore verde scuro di marca Walt Whitman. Il verde, sopra u o scuro, è parte del mio onirico e l’onirico è per me la spina dorsale del lavoro. Verde è il bosco dentro cui, nei miei sogni, scappare o seppellire cadaveri, verde è la fata dell’assenzio con cui Dracula e Mina brindano agli oceani del Tempo che li hanno fa i rincontrare, verde è l’erba che Whitman chiama “il bambino della vegetazione” e nella cui contemplazione Emily Dickinson presagisce in nità di mari, forse verde è il corpo/albero della protagonista de La vegetariana di Han Kang, che lei tiene in una verticale continua perché le mani possano me ere radici, verde è… A few nights ago, I dreamt that I walked into a large Victorian house carrying a bottle of dark green, Walt Whitman-branded liquor. Green, especially dark green, is part of my dreamscape and dreams are the backbone of my work. The forest I escape to in my dreams, where I bury my corpses, is green. The fairy who lives in the absinthe with which Dracula and Mina toast to the oceans of Time that have reunited them is green. The grass that Whitman calls “the babe of vegetation” is green, and in whose contemplation Emily Dickinson presages infinite seas. The body/tree of the main character in Han Kang’s The Vegetarian might also be green, which she continuously holds upright so that her hands can take root; green is... Federica Rosellini

Per me la vita stessa è stata il “prodigio”, la sua scompostezza che non può essere addomesticata. Imparare a non prote ersi, restare, senza pelle, nonostante tu o, è stato ed è ancora il via io. Una vulnerabilità selvatica, forastica, credo sia il prodigio da realizzare.

Life itself has been the “miracle” for me, with its indomitable unruliness. The journey has been one of learning how to not protect yourself, how to stay the course, with no thick skin, in spite of everything – and it still is. Attaining a wild, untamed vulnerability is, I think, the miracle to be achieved.

UN A

IANCA.

LA, B

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Ci sono diverse anse, bagnate dal corso del ume e dalla sua acqua scura, una è verde. Verde di erba e circondata da tronchi completamente ricoperti di muschio. Verde di muschio e ricoperta dall’ombra di frasche e foglie. Verde di foglie e adorna di liane che vengono giù da chissà dove. Verde di liane e di cespugli che tolgono il con ne dallo sguardo. Un verde che nasconde il con ne e non sme e di crescere e di creare un interno. Verde è dentro. Infesta di vita quello che non si vede sulla scena del mondo.

Several bends in a river are washed by the course of dark water: one of these is green. It’s green with grass and surrounded by trunks completely covered with moss. Green with moss and covered with shade from branches and leaves. Green with leaves and adorned with vines coming down from who knows where. Green with vines and bushes that render our gaze limitless. A green that blurs edges and never stops growing and generating something within. Green is within. It infests with life what cannot be seen on the world’s stage. Giacomo Garaffoni

Riconoscermi un giorno d’agosto e commosso intuire il prodigio. E poi aspettare, anni interi, fino a essere capace di quel prodigio e di smettere di rifiutarmi, bambino e bambina che ero e che sono. La meraviglia, che è cominciata così e continua a cercare di fare frutto, traccia la mia direzione.

R EC O G N I S I N G M YS E L F FO R W H O I WA S O N E D AY I N A U G U S T , F E E L I N G M O V E D , A N D S E N S I N G I T WA S A M I R A C L E . A N D T H E N WA I T I N G F O R Y E A R S , U N T I L I WA S U P T O P E R F O R M I N G T H AT M I R A C L E A N D N O L O N G E R D E N Y W H O I WA S – T H E B OY A N D G I R L T H AT I WA S , A N D A M . T H E M I R A C L E T H AT B E G A N T H AT WAY – A N D C O N T I N U E S T O AT T E M P T T O BEAR FRUIT – SHAPES MY COURSE THROUGH LIFE.

84–85

ME .

M I FA QUEL BUIO CHE

N IN

, CON T U

A, MA SEN

TE LE STELLE

R AU

BUIO CHE H AN

TUT

All the stars, with all the darkness in between. That darkness is scary, but I’m not afraid of it.

UNA FORESTA PLUVIALE, A rainforest, rich in rare birds.

RICCA DI UCCELLI RARI. Once extinct species that have been reborn.

SPECIE ESTINTE E POI RINATE.

NON POSSO FARE A MENO DI SENTIRMI IL PRIMO PASTORELLO A RIMANERE SENZA PAROLE DI FRONTE A UN ROVETO ARDENTE CHE BRUCIA SENZA CONSUMARSI. LA RADICE ANTICA DELLA PAROLA “MARTIRE” È LA MEDESIMA DELLA PAROLA “TESTIMONE”.

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I can’t help but feel that I’m the first shepherd boy to be left speechless before a burning bush that won’t be consumed by fire. The ancient root of the word “martyr” (from the ancient Greek μάρτυς) is the same as the word “witness”.

T O B E AN C I E N T A N D E K LI

VORREI ESSERE ANTICO E SENZA TEMPO, MA CREDO CHE SAPREI S O LTA N T O V O L A R E .

TIMELESS, BUT I TH IN K I

WO ULD

JUST K NOW HOW T

INVISIBILITY, NO D O U B T A B O U T T H AT . L’invisibilità, non ho dubbi.

88–89

E FED

R CA

OSELLI

Federica Rosellini, classe 1989, dopo gli studi di canto e violino, si diploma alla Scuola del Piccolo Teatro di Milano nel 2011 e prosegue la sua formazione con Nikolaj Karpov, omas Ostermeier e Antonio Latella. Performer, regista e drammaturga, si specializza come danzatrice e illustratrice. Ha lavorato con Luca Ronconi (I beati anni del castigo di Fleur Jae y, al Piccolo Teatro di Milano), con Antonio Latella (Hamlet di William Shakespeare, Santa Estasi. Atridi: o o ritra i di famiglia di Federico Bellini, Linda Dalisi, Antonio Latella), con Andrea De Rosa (Baccanti di Euripide, Nella solitudine dei campi di cotone di Bernard-Marie Koltès, Solaris di David Greig), con Gérard Watkins (Non mi ricordo più tanto bene), con Carmelo Ri ci (Giulio Cesare di William Shakespeare), con Andrea Baracco (Il maestro e Margherita di Michail Bulgakov), con Pierpaolo Sepe (Il corsaro nero di Emilio Salgari), con Massimo di Michele (Faust Marlowe Burlesque di Aldo Trionfo e Lorenzo Salveti, Echoes di Henry Naylor, Judith di Howard Barker), con Gabriele Russo (Guerra Santa di Fabrizio Sinisi), con Monica Conti (La mite di Fëdor Dostoevskij), con Ma eo Tarasco (Alice di Lewis Carroll, Troiane di Euripide). È stata vincitrice del Premio Hystrio alla Vocazione 2011, del Premio Virgin Active 2014 come miglior a rice al Festival Teatrale di Borgio Verezzi, del Premio Mariangela Melato 2018 e del Premio Virginia Reiter 2018 come miglior a rice under 35. Ha o enuto per due volte il Premio UBU come miglior a rice/performer under 35: il primo insieme alla compagnia di Santa Estasi nel 2016, il secondo nell’edizione biennale 2020/2021. Per quanto riguarda la produzione cinematogra ca, nel 2017 o iene il ruolo di protagonista nel lm Dove cadono le ombre, per la regia di Valentina Pedicini, per cui alle Giornate degli Autori della 74. Mostra Internazionale d’Arte Cinematogra ca – La Biennale di Venezia o iene il Premio Nuovo Imaie come a rice rivelazione. A ualmente è sul set, protagonista insieme a Elio Germano del nuovo lm di Daniele Luche i. È stata assistente alla regia per Luca Ronconi in Panico di Rafael Spregelburd. È stata autrice di Hotel A., liberamente tra o da un’opera di Hans Christian Andersen (2012), di Apocali ica Airline (2013) e di Noel Road (2016). Nel 2015, con Francesca Manieri, fonda la compagnia Ariel dei Merli. È stata regista della trilogia Noi che non abbiamo pietà. Francesca Woodman – Diane Arbus – Henrie e Grindat. Ha portato in scena Bigodini (Oh, Mary), liberamente tra o dal Frankenstein di Mary Shelley, Testo Tossico da Paul B. Preciado, King Kong Girl da Virginie Despentes, Jordan da Anna Reynolds e Moira Bu ni, Ivan e i cani di Ha ie Naylor. Dalla stagione 2021/2022, per la successiva triennalità, è Artista Associata del Piccolo Teatro di Milano in qualità di regista e drammaturga. Nella stagione 2021/2022, proprio al Piccolo Teatro, è stata regista, drammaturga e performer per Carne blu, tra o dal suo primo libro pubblicato per Giulio Perrone Editore, di cui è anche illustratrice. Sempre nel 2022 è stata regista per il 50. Festival Internazionale del Teatro della Biennale di Venezia dirigendo VERONICA di Giacomo Gara oni e ha debu ato al Festival di Sacromonte con Scivias_du kennst die Wege di Hildegard von Bingen, per cui ha curato la nuova traduzione e di cui è musicista e performer. Il suo spe acolo Carne blu ha vinto il Premio UBU 2022 come migliore scenogra a.

Born in 1989, after training in singing and violin, Federica Rosellini graduated from Piccolo Teatro di Milano theatre school in 2011. She subsequently continued her training with Nikolaj Karpov, Thomas Ostermeier and Antonio Latella. A performer, director and playwright by trade, she is also a trained dancer and illustrator. She has worked with: Luca Ronconi (Fleur Jaeggy’s Sweet Days of Discipline, at the Piccolo Teatro di Milano); with Antonio Latella (Shakespeare’s Hamlet, Holy Ecstasy. Atreides: eight family portraits by Federico Bellini, Linda Dalisi, Antonio Latella); with Andrea De Rosa (Euripides’ The Bacchae, In the Solitude of the Cotton Fields by Bernard-Marie Koltès, Solaris by David Greig); with Gérard Watkins (I Don’t Remember Very Well); with Carmelo Ri ci (Shakespeare’s Julius Caesar); with Andrea Baracco (The Master and Margarita by Mikhail Bulgakov); with Pierpaolo Sepe (The Black Corsair by Emilio Salgari); with Massimo di Michele (Faust Marlowe Burlesque by Aldo Trionfo and Lorenzo Salveti, Echoes by Henry Naylor, Judith by Howard Barker); with Gabriele Russo (Guerra Santa by Fabrizio Sinisi); with Monica Conti (Dostoevsky’s The Meek One), with Matteo Tarasco (Alice by Lewis Carroll, Euripides’ The Trojan Women). Awards include: Hystrio Award for Vocation (2011); Virgin Active Award for Best Actress at the Borgio Verezzi Theatre Festival (2014); Mariangela Melato Award (2018) and Virginia Reiter Award for Best Actress under-35 (2018). She has twice received the UBU Award for Best Actress/Performer under-35 (in 2016, along with the Holy Ecstasy cast, and in the 2020/2021 edition). Her lm credits include: Dove cadono le ombre (lead role; 2017), directed by Valentina Pedicini, for which she was awarded the Nuovo Imaie Award as the most promising actress at the Giornate degli Autori of the 74th Venice International Film Festival – La Biennale di Venezia. She is currently shooting Daniele Luchetti’s latest lm, playing a lead role alongside Elio Germano. Assistant Director credits include: Panic by Rafael Spregelburd, directed by Luca Ronconi. Writing credits include: Hotel A., freely adapted from Hans Christian Andersen (2012), Apocalittica Airline (2013) and Noel Road (2016). In 2015, she founded the company Ariel dei Merli with Francesca Manieri. Other directing credits include the trilogy Noi che non abbiamo pietà. Francesca Woodman – Diane Arbus – Henriette Grindat; Bigodini (Oh, Mary), freely adapted from Mary Shelley’s Frankenstein; Testo Junkie by Paul B. Preciado; King Kong Theory by Virginie Despentes; Jordan by Anna Reynolds and Moira Bu ni; Ivan and the Dogs by Hattie Naylor. In 2021/2022, she was appointed Associate Artist at the Piccolo Teatro di Milano for three years, as a director and playwright. As part of the Piccolo’s 2021/2022 season she wrote, directed and performed Carne blu, based on her rst book, published by Giulio Perrone Editore, for which she also did the illustrations. In 2022 she also directed VERONICA by Giacomo Gara oni at the 50th International Theatre Festival of La Biennale di Venezia, and made her debut at the Sacromonte Festival with Scivias_du kennst die Wege by Hildegard von Bingen, which she translated, performed and played the music. Carne blu won the 2022 UBU Award for Best Design.

90–91

GI AC OMO GARAFFONI

Giacomo Gara oni (1981) è uno scrittore e regista cesenate. Il suo lavoro è un osservatorio sul vuoto, sulla mancanza e su tutto quello che si sforza di venire dimenticato. Un tentativo di sottrarre immagini, parole e codici alla memoria collettiva, contaminando e segnando irrimediabilmente l’archivio culturale condiviso che chiamiamo memoria. Arriva nalista per il Premio Scenario 2013 insieme a Silvia Costa. Nel 2020 vince il Premio Giovane Arte Contemporanea della Regione Emilia-Romagna. Nel 2021 vince il bando Drammaturgia Under 40 della Biennale College Teatro. Nel 2023 è tra i vincitori del bando “Crossing the sea”, promosso, tra gli altri, da Marche Teatro, Triennale Milano e dal Ministero della Cultura. Lavora con diverse realtà teatrali (Romeo Castellucci, Societas, Teatro Valdoca, Mariangela Gualtieri e altri). Nel 2012, una volta avviato il suo percorso artistico personale, viene invitato da Romeo Castellucci a partecipare al progetto Kadmos, promosso da BNP Paribas, e a mostrare il proprio lavoro all’Istanbul Theatre Festival – İKSV e al Festival d’Avignon. Nel 2020 realizza Cassandra, il diritto di parlare, performance prodotta dal FAI – Fondo per l’Ambiente Italiano e dalla Regione Emilia-Romagna. Il 2022 ha visto arrivare al 50. Festival Internazionale del Teatro della Biennale di Venezia la mise en lecture tratta dal suo testo VERONICA, per la regia di Federica Rosellini e la coproduzione del Piccolo Teatro di Milano. Sempre nel 2022, a ronta il suo debutto nazionale alla regia, al Teatro Bonci di Cesena, con lo spettacolo Voglio soltanto le ossa, prodotto da ERT – Emilia Romagna Teatro Fondazione.

Giacomo Gara oni (1981) is a writer and director from Cesena. His practice involves an observation of emptiness, absence, and everything that strives to be forgo en. It is an a empt to remove images, words and codes from collective memory, contaminating and permanently a ecting that shared cultural archive we call memory. His work has been a nalist for the Premio Scenario (2013, with Silvia Costa) and awarded the Emilia-Romagna Young Contemporary Artist Prize (2020). In 2021 he was one of the writers selected for the Biennale College Teatro’s open call for Authors Under 40. In 2023 he was selected for “Crossing the sea” (sponsored by Marche Teatro, Triennale Milano and the Italian Ministry of Culture). He has worked with a varie of theatres and artists including Romeo Castellucci, Societas, Teatro Valdoca and Mariangela Gualtieri. In 2012, once his artistic career was under way, Romeo Castellucci invited him to take part in the Kadmos project, sponsored by BNP Paribas, with showings of work at the Istanbul eatre Festival – İKSV and the Festival d’Avignon. In 2020 he staged Cassandra, il diri o di parlare, a performance produced by FAI – Fondo per l’Ambiente Italiano (the Italian National Trust) and the Emilia-Romagna Region. In 2022 his play VERONICA was presented as a staged reading as part of the 50th International eatre Festival of La Biennale di Venezia, directed by Federica Rosellini and co-produced by Piccolo Teatro di Milano. In 2022 he also made his debut as a director at the Teatro Bonci in Cesena with Voglio solo le ossa, produced by ERT – Emilia Romagna Teatro Fondazione.

92–93

20.06.2023 H 20.00 21.06.2023 H 18.00 TEATRO PICCOLO ARSENALE

P R I M A ASSOLU TA / WOR L D P R E M I E R E

PRODUZIONE / PRODUCED BY LA BIENNALE DI VENEZIA, LVF – TEATRO MANINI DI NARNI

DI / BY GIACOMO GARAFFONI VINCITORE / WINNER BIENNALE COLLEGE TEATRO DRAMMATURGIA / PLAYWRITING UNDER 40 (2021-2022) REGIA / DIRECTION FEDERICA ROSELLINI CON / WITH SERENA DIBIASE NICO GUERZONI NUNZIA PICCIALLO ELENA RIVOLTINI FEDERICA ROSELLINI SOUND DIRECTION NICOLA RATTI CONTRIBUTI SONORI / SOUND EFFECTS MARTINA RUGGERI SCENOGRAFIA / STAGE DESIGN PAOLA VILLANI COSTUMI / COSTUMES SIMONA D’AMICO DISEGNO LUCI / LIGHTING DESIGN SIMONA GALLO REALIZZAZIONE SCENOTECNICA / STAGE CONSTRUCTION LUIGI SACCO AIUTO REGIA / ASSISTANT DIRECTOR ELVIRA BERARDUCCI ASSISTENTE ALLA REGIA / ARTISTIC ASSISTANT MATILDE BERNARDI RESPONSABILE DI PRODUZIONE / PRODUCTION MANAGER LUIGI COSIMELLI PRODUZIONE / PRODUCTION ILARIA CECI

94–95

NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

VERONICA: un’agiogra a, una geogra a I n s t a l l a z ione, c onc er to, p er for m a nc e. I n q ue sto scenario desolato che produce ogni rumore che udiamo, lo spe atore contempla un paesa io sonoro privo di r e q u i e, c a p a c e t a nto d i sovrastare la scena, quanto di abbandonarla a un silenzio postatomico, pneumatico: il silenzio dopo il Big Bang. Cinque performer/musicist* accolgono il testo, lo suonano, lo lasciano mutare in canto e la n a t u r a p e r f o r m a t iv a d i V E RO N I C A , c h e, c o m e dra mm at ur g i a , h a i n sé qualcosa del testo sacro, del mito or co e dell’innocenza vorace delle giovani protagoniste de Le vergini suicide di Je rey Eugenides, emerge oscura e potente in questa corsa spietata verso un lu o che non riesce a farsi memoria. Computer, cavi, macchine, come per una rianimazione o un’autopsia, come se fosse possibile, in uno sforzo che richiama il Frankenstein di Mary Shelley, riportare in vita un cadavere che non c’è, che non si vede. Rifare il corpo amato, adorato, perso, scomparso so o la terra o assunto in cielo e farlo rivivere, risorgere, trasformarlo in suono, denso come carne. Ricostruire la stanza intorno al corpo. Sentirlo, non vederlo, aprire una nestra, lavarsi, agire i gesti di ogni giorno. Sentire che da quella nestra aperta sulla Morte a un certo punto entreranno i cavalli dell’Abisso, galoppando tra le q u a ro mura i nv i s i bi l i , i nv a d e n d o i p e n s i e r i , liberando i ricordi. Cavalli come corvi, cavalli come ali scheletriche che si librano

altrove. Intorno a questo lavorio disumano e dolce, la “Veronica”, etimologicamente “Vera icona”, “vera immagine di Cristo”: cinque nuove Baccanti, cinque corpi nati donna, diventati altro, in una ricontra azione continua con l’immagine di un maschile che entra come una Sindone impressionata su un fondo blu o riemerge da un’intimità liquida, che si impantana in una palude che odora di foresta pluviale, di uccelli rari, che fa crescere la barba poco sopra il seno come una nuova Santa Vilgefortis, che muta nomi, identità, narrazioni.

VERONICA: a hagiography, a geography Installation, concert, performance. In this desolate landscape, which generates every noise we hear, the audience is le to contemplate a restless soundscape that could either overwhelm the stage or abandon it to some p o st - a tom ic , pne um a t ic silence: the silence a er the Big Bang. Five performers/musicians embrace the text, play it, and let it shi into song. e performative nature of VERONICA as a play – part sacred text, part Orphic myth, part voracious innocence reminiscent of the young female protagonists of Je rey Eugenides’ e Virgin Suicides – emerges darkly and powerfully from this heedless race towards an act of mourning, one never quite commi ed to memory. Computers, cables and machines abound as if we’re witnessing a resuscitation or autopsy; as if it were even possible – in an e ort

that echoes Mary Shelley’s Frankenstein – to bring back to life a corpse that isn’t there, that remains unseen. To remake the beloved, adored, lost body, which has either vanished under the earth or gone to heaven, and bring it to life again, resurrected, transformed into sound, dense as esh. To rebuild the room around the body. To feel it, not see it. To open a window, have a shower, go through our everyday actions and feel that through that window open onto Death the horses of the Abyss will storm in at some point, galloping among the four invisible walls – invading thoughts and freeing memories. Horses like ravens, horses like skeletal wings hovering elsewhere. Around these inhuman yet tender workings is “Veronica” – e mologically the “true icon” (from the Latin vera, “true”, and the Greek eikon, “likeness”, “image”) – the true image of Christ. Five new Bacchae, ve bodies that were born female but have become something else. is prompts a continuous renegotiation with an image of maleness that dri s in like a shroud impressed on a blue background, or re-emerges from liquid intimacy. at gets bo ed down in a swamp smelling of rainforest and rare birds. at grows a beard just above its breast like a new S a i n t Wi l g e f o r t i s . at changes names, identities, narratives.

96–97

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CAPITOLO / CHAPTER

VERDE CANNA

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È un colore che non indosserei mai e poi mai. Tu avia, mi piace molto nelle stanze, sulle pareti o sui tappeti. Il mio computer ha sempre uno screensaver verde. Mi calma e spalanca l’immaginazione.

It is actually a colour I would never, ever wear on clothes. However, I really like it in rooms, on walls or carpets. I always have a green screensaver on my computer. It makes me feel calm and opens my imagination.

Since Theatre is always dealing with the concept of “what if” rather than creating finalised and fixed images – as in film or TV – it has, in its foundation, something open and free in the sense of imagination and associations. It’s about actors transitioning into and out of different characters, narratives and social constructions in front of the audience’s eyes, and therefore it reveals that no human being is forced to be trapped in a fixed position and life situation. Everything can change.

DAL MOMENTO CHE IL TEATRO HA SEMPRE A CHE FARE CON IL CONCETTO DI “COSA SUCCEDEREBBE SE” PIUTTOSTO CHE CON LA CREAZIONE DI IMMAGINI DEFINITE, FISSE – COME ACCADE NEL CINEMA O NELLA TELEVISIONE – ESSO HA, ALLA BASE, QUALCOSA DI APERTO E LIBERO IN TERMINI DI IMMAGINAZIONE E ASSOCIAZIONI. PARLIAMO DI ATTORI CHE ENTRANO ED ESCONO, SOTTO GLI OCCHI DEL PUBBLICO, DA DIVERSI PERSONAGGI, NARRAZIONI E COSTRUZIONI SOCIALI; IL TEATRO QUINDI CI RIVELA CHE NESSUN ESSERE UMANO È COSTRETTO A ESSERE INTRAPPOLATO IN UNA CERTA SITUAZIONE O IN UNA POSIZIONE FISSA. TUTTO PUÒ CAMBIARE.

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Cerco di immaginare un mare aperto e totalmente calmo, dove nulla è prevedibile e che può sempre trasformarsi in qualcosa di completamente diverso che mai ti saresti aspettato.

I try to imagine a totally calm and open wide sea where nothing is predictable and could always change into something completely different that you couldn’t expect.

L’abilità, il privilegio e il dono di essere stato fatto entrare in contesti in cui ho avuto l’opportunità di iniziare a lavorare con il teatro e con l’arte in cui credo.

The ability and privilege and gift to be let into contexts where I had the opportunity to start working with the theatre and art I believe in.

Am I really true to myself and not getting comfortable? And do I always try to reinvent myself as an artist?

IT Y .

Sono davvero fedele a me stesso e non mi accontento? Cerco sempre di reinventarmi come artista?

N TER RE À. FO IT IC RN US

IATO, SENZA OZZAF TEM M PO ICA S IN U ,P REATE M D-BLOWIN M ER C E O GT T R L’E A IM E TE EL CR ES S

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M AT T I AS A N DE RS S ON

Ma ias Andersson, drammaturgo e regista, dal 2020 è dire ore artistico di Dramaten, il Royal Dramatic eatre di Stoccolma. Dal 2006 al 2019 è stato dire ore artistico del Backa Teater di Göteborg. I suoi testi sono stati rappresentati in vari teatri (il Stockholm Ci eatre , il Royal Dramatic DRAMATEN eatre, il Gothenburg Ci eatre, il Malmö Ci eatre) e in diversi Paesi, tra cui Danimarca, Il Royal Dramatic Theatre, Germania, Russia, Norvegia, Finlandia, meglio conosciuto come Romania e Serbia. Dramaten, è il teatro nazionale Nominato per il Nordic Playwrights’ svedese, fondato nel 1788. In conformità Prize nel 2006, ha vinto con l’incarico conferitogli dal governo l’Ibsen Award (Svezia) nel 2007. svedese di preservare la storia del teatro e Per la sua produzione Crime and Punishment, promuovere lo sviluppo delle arti drammatiche, il ada amento di Deli o e Royal Dramatic Theatre produce spettacoli di teatro castigo, al Backa Teater classico, opere originali e spettacoli per bambini e ragazzi. ha ricevuto il premio della critica teatrale svedese nel BACKA TEATER 2007, ha vinto il premio Expressen per il teatro ed è Il Backa Teater nasce come costola del Gothenburg stato nominato per il premio City Theatre nel sobborgo di Backa. Nel corso culturale Dagens Nyheter. Nel degli anni, il Backa Teater ha prodotto con 2009 ha vinto nuovamente il successo sia opere classiche che premio della critica teatrale svedese spettacoli originali per bambini, per la sua produzione Li le King Ma ias. giovani e adulti. Nel 2010 ha ricevuto il premio internazionale Prix Marulić per il suo ada amento radiofonico di Deli o e castigo. Ha ricevuto il Svenska Dagbladets aliapris nel 2013, il premio internazionale ASSITEJ per l’eccellenza artistica nel 2017 ed è stato nominato per il Premio Europa per il Teatro nel 2017. Alcuni dei suoi spe acoli sono stati programmati in festival internazionali in vari Paesi, tra cui Germania, Francia, Stati Uniti, Finlandia, Serbia, Italia, Polonia, Belgio.

Ma ias Andersson works as playwright and director. Since 2020 he is artistic director of Dramaten, the Royal Dramatic eatre in Stockholm, Sweden. From 2006 to 2019 he has been artistic director of Backa Teater in Gothenburg, Sweden. His plays have been performed at venues such as DRAMATEN Stockholm Ci eatre, the Royal Dramatic eatre, Gothenburg Ci eatre, Malmö Ci The Royal Dramatic Theatre, eatre and in countries including Denmark, best known as Dramaten, is the Germany, Russia, Norway, Finland, national theatre of Sweden, Romania and Serbia. founded in 1788. In accordance with its He was nominated for the Nordic assignment from the Swedish government Playwrights’ Prize in 2006 and to preserve theatre history and promote the won the Swedish Ibsen Award in 2007. For his production development of the dramatic arts, the Royal of Crime and Punishment Dramatic Theatre produces performances of classical at Backa Teater he theatre, newly written dramas and plays for children and received the youth. Swedish eatre Critics’ Award in BACKA TEATER 2007, he won the Expressen eatre Award Backa Teater was created as an o shoot to the and was nominated for the Gothenburg City Theatre and was situated in Dagens Nyheter Cultural Award. the suburb called Backa. Over the years, In 2009, he won the Swedish Backa Teater has produced and eatre Critics’ Award again for his achieved success with both newly production of Li le King Ma ias. He written and classical works for received the international Prix Marulić in 2010 for his radio adaptation of Crime and children, youth and adults. Punishment. He received the Svenska Dagbladets aliapris in 2013, the international ASSITEJ Award for Artistic Excellence in 2017 and was nominated for Premio Europa per il Teatro (Europe eatre Prize) in 2017. Some of his performances have also been invited to international festivals in Germany, France, USA, Finland, Serbia, Italy, Poland, Belgium, among other countries.

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21.06.2023 H 20.00 22.06.2023 H 18.00 ARSENALE TEATRO ALLE TESE (II)

(150’ — 2015) P R I M A I TA L I A NA / I TA L I A N P R E M I E R E

PRODUZIONE / PRODUCED BY BACKA TEATER / DRAMATEN - THE ROYAL DRAMATIC THEATRE

DI / BY MATTIAS ANDERSSON CON / WITH ADEL DARWISH YLVA GALLON RASMUS LINDGREN MARIE RICHARDSON MAGNUS ROOSMANN NEMANJA STOJANOVIĆ KJELL WILHELMSEN NINA ZANJANI SCENE E COSTUMI / SET DESIGN AND COSTUMES MAJA KALL COREOGRAFIA / CHOREOGRAPHY CECILIA MILOCCO LUCI / LIGHTING CHARLIE ÅSTRÖM SUONO E MUSICA / SOUND AND MUSIC JONAS REDIG TRUCCO / MAKE-UP JOSEFIN EKERÅS DRAMATURG / DRAMATURGS STEFAN ÅKESSON IRENA KRAUS

112–113

NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

Cosa faresti di diverso se potessi rivivere la tua vita? Vi som ck leva om våra liv (We Who Lived Our Lives Over) è costruito a partire da delle interviste condo e da alcuni sociologi su un campione socioeconomico della popolazione svedese. Tu i gli intervistati hanno risposto alla stessa domanda: “Cosa faresti di diverso se potessi rivivere la tua vita?”. Sulla b a s e d i 13 7 r i s p o s t e, i l drammaturgo e regista Ma ias Andersson crea una performance su come avrebbe potuto essere la nostra vita se ci fosse stata data una seconda possibilità. Le risposte spaziano dal piccolo e triviale al drammatico cruciale. Qualcuno avrebbe scelto di studiare il francese al posto del tedesco, a scuola. Un’altra persona vorrebbe non aver mai incontrato il suo ex marito. Qualcun altro ancora non avrebbe scelto la Svezia quando fu costre o a migrare dal suo Paese a i o dalla guerra.

La fusione di queste risposte dà vita a una performance polifonica, visiva e coreograc a che r ivel a i l potere utopico del teatro: quando le c o s t r u z ion i s o c i a l i e l e circostanze esterne cambian o, n e s s u n a i d e n t i t à o “posizione di vita” è predestinata o immutabile. Nulla è eter no. Tu o h a del le conseguenze.

What would you do di erently if you were able to relive your life? Vi som ck leva om våra liv (We Who Lived Our Lives Over) is based on documentary interviews conducted by sociologists on a socioeconomic cross-section of Swe d e n’s p o p u l a t i o n . Everyone has answered the same question: “What would you do di erently if got to live your life over again?”.

Out of 137 di erent answers the playwright and director Ma ias Andersson creates a performance on what life could have looked like if we were given a second chance. e a nswer s a re w idely spread from the small banal to the crucial dramatic. Someone would have chosen to learn French instead of German in school. Another wishes she’d never met her ex-husband. Yet another wo ul d not h ave cho s en Sweden when forced to migrate from their country of origin plagued by war. e merging of these answers creates a polyphonic, visual and choreographic perform a n c e th a t r eve a l s th e utopian power of theatre: when the social constructions and outer circumstances change, no identi nor life position is predest i n e d o r f o r e ve r x e d . Nothing is eternal. E v e r y t h i n g h a s c o n s equences.

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CAPITOLO / CHAPTER

VERDE BOTTIGLIA

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Il verde è il mio colore preferito. Un colore che mi trasme e una sensazione di sicurezza e quietudine. Per me il verde signi ca casa, salute e allegria. Tanya Beyeler Green is my favourite colour. It’s a colour that gives me a feeling of safety and quietude. To me green means home, health, and happiness.

Il verde è un colore che mi su erisce precauzione e cautela, perché mi trasporta dire amente nella natura e io non riuscirei a sopravvivere in mezzo a un grande bosco. Pablo Gisbert Green is a colour that suggests care and caution to me because it immediately transports me into nature, and I couldn’t survive in the middle of a forest.

LA NATURA DEL TEATRO COME MEZZO DI COMUNICAZIONE, COSÌ COME LA REALTÀ CONTEMPORANEA CHE RIFLETTE, È IN CRISI. C’È BISOGNO DI UNA RIVOLUZIONE DELLA SUA CONVENZIONE.

The nature of theatre as a means of communication, as well as the contemporary reality it reflects, is undergoing a profound crisis. WE NEED A REVOLUTION IN THEATRICAL CONVENTION.

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U NA P

RE DIVE

E SS

N A A D U LT

BECOMING AN A D U LT .

A AT

IL DUBBIO E L’INTUIZIONE. DUE SENSAZIONI ASTRATTE CHE SI ALTERNANO E SONO NECESSARIE PER COMPIERE IL SALTO VERSO L’ALTRO LATO.

N O C IN E S I.

DOUBT AND INTUITION. TWO ALTERNATING, ABSTRACT FEELINGS THAT ARE NECESSARY TO TAKING A LEAP TOWARDS THE OTHER SIDE.

Chronokinesis (the ability to manipulate time).

Il miracolo sta nel rendersi conto di quanto strano, misterioso e casuale sia essere ancora vivo.

The miracle lies in realising how weird, mysterious, and arbitrary it is to still be alive.

124–125

Tanya Beyeler (Lugano, 1980) ha visPablo Gisbert (Ontinyent, 1982) ha suto in Svizzera no all’età di scelto di studiare Drammaturgia a vent’anni, quando si è trasferita in Spa- Madrid dopo gli studi di Filoso a gna, dove si è diplomata in Teatro nel all’Università di Valencia. Si è laureato 2005. Ha lavorato inizialmente come in Drammaturgia nel 2011 presso a rice nel teatro di prosa, ma il tempo l’Institut del Teatre di Barcellona e e l’esperienza l’hanno avvicinata alla nello stesso anno ha ricevuto la mendanza e alla performance. Dopo gli zione d’onore al Premio Marqués de studi in Drammaturgia e Scienze Uma- Bradomín, per il suo testo A cinema nistiche a Barcellona, burns and ten people are dal 2008 fa parte del burned. Dal 2005 è dramEL CONDE team artistico della commaturgo della compapagnia di danza La Verognia di danza La VeroDE nal, dire a dal coreonal, con la quale ha T O R R E F I E L vinto grafo Marcos Morau. diversi premi Nel 2010 ha avviato la come il Premio Sebastià creazione di opere teaGuasch per l’innovaLe opere de El Conde de Tortrali con Pablo Gisbert zione teatrale. Nel 2013 re el (Tanya Beyeler e Pablo so o il nome El Conde Gisbert) sono caratterizzate è stato selezionato per de Tor re el . C ome da allestimenti in cui coreo- far parte della pia afordrammaturga, ha lavo- gra a, testo e immagini plasti- m a dra mm a t ur g ic a rato in proge i di danza che convergono a creare nar- europea Fabulamundi in Spagna e Svizzera razioni insolite e frammentate. Playwriting Europe. con Marcos Morau, Qui, le tensioni tra l’individuale Dal 2010 sviluppa con Eugénie Rebetez, Olatz e il collettivo che caratterizza- Tanya Beyeler un prode Andrés e il Big Boun- no la società europea del XXI ge o personale chiacers Collective. Nel secolo vengono a galla, e si mato El Conde de Tor2021 ha ricevuto lo materializzano sul palco in re el. Dato l’interesse Swiss Performing Arts modo sorprendente. nei confronti della sua La carriera professionale de El scri ura, nel 2015 tu i i Award. Conde de Torre el inizia nel testi che Pablo Gisbert 2010 con La historia del rey vencido por el aburrimiento. Da ha scri o per El Conde allora hanno prodotto Observen cómo el cansancio derrota al de Torre el sono stati pensamiento (2011), Escenas para una conversación después raccolti e pubblicati in del visionado de una película de Michael Haneke (2012), La spagnolo dall’editore La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el uÑa RoTa, con il titolo apartamento (2013), La Posibilidad que desaparece frente al Mierda bonita. Nel 2017 i paisaje (2015), GUERRILLA (2016), LA PLAZA (2018), Kultur testi dei suoi ultimi due (2019), Los Protagonistas (2020), Se respira en el jardín como spe acoli sono stati en un bosque (2020). Nel maggio 2022 la loro ultima produziopubblicati in francese ne, Una imagen interior, ha debuttato al Wiener Festwochen. Nell’ultimo decennio, oltre a creare spettacoli teatrali con un da Actualités Éditions. linguaggio contemporaneo ed estremamente personale, l’opera de El Conde de Torre el si è sostanziata in forme diverse quali il video, l’installazione, il site-speci c e la pubblicazione editoriale.

Tanya Beyeler (Lugano, 1980) lived Pablo Gisbert (Ontinyent, 1982) in Switzerland until the age of twen , chose to study Dramaturgy in Madrid when she moved to Spain and got her a er studying Philosophy at the Unidiploma in Drama in 2005. At rst, versi of Valencia. He graduated in she began to work as an actress in texDramaturgy in 2011 from the Institut tual theatre, but time and experience del Teatre of Barcelona and in the brought her closer to dance and persame year he was awarded the for m a nc e. She h a s st ud ied National Accesit Prize Marqués de Dramaturgy and Human Sciences in Bradomín, for his text A cinema burns Barcelona. Since 2008 a n d t e n p e o p l e a re she is part of the artistic burned. Since 2005 he is EL CONDE team of the dance comthe dramaturgist of the p a n y L a Ve r o n a l , dance company La VeroDE directed by the chorenal, with which he won T O R R E F I E L pr ographer Marcos i ze s s uch a s the Morau. In 2010, she Sebastià Guasch for started creating pieces new theatrical activiThe works of El Conde de with Pablo Gisbert ties. In 2013 he was Torre el (Tanya Beyeler and under the name of El Pablo Gisbert) are character- selected for the EuroConde de Torre el. As a ised by stagings where chore- pean dramaturgy platdramaturge, she has ography, text and plastic form Fabulamundi Playworked in dance pro- images converge to create writing Europe. Since jects in Spain and Swit- unusual and fragmented nar- 2010, he develops his zerland with Marcos ratives: here, the tensions own project with Tanya M o r a u , E u g é n i e between the individual and the Beyeler under the name R e b e t e z , O l a t z d e collective that characterise of El Conde de Torre el. Andrés and the Big European society in the 21st Due to the interest that Bouncers Collective. In century come to the surface his literature arouses, in 2021 Tanya Beyeler has and materialise on stage in a 2015 all the texts that been awarded the Swiss surprising way. Pablo Gisbert wrote for P e r f o r m i n g A r t s El Conde de Torre el began El Conde de Torre el their professional career in were collected and pubAward. 2010 with the premiere of La lished in Spanish by the historia del rey vencido por el aburrimiento and since then they publisher La uÑa RoTa, have produced Observen cómo el cansancio derrota al with the title Mierda pensamiento (2011), Escenas para una conversación después bonita. In 2017 the texts del visionado de una película de Michael Haneke (2012), The of his last two pieces girl at the travel agency told us there was a swimming pool in have been published in the at (2013), The possibility that disappears in front of the French by Actualités landscape (2015), GUERRILLA (2016), LA PLAZA (2018), Kultur (2019), Los Protagonistas (2020), Se respira en el jardín como Éditions. en un bosque (2020). In May 2022 their latest production Una imagen interior premiered at Wiener Festwochen. Over the last decade, in addition to creating stage pieces with a contemporary and very personal language, El Conde de Torre el have worked with other formats such as video, installation and site-speci c as well as on the publication of texts.

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22.06.2023 H 21.30 23.06.2023 H 18.00 ARSENALE TESE DEI SOPPALCHI

(90’ — 2018)

PRODUZIONE / PRODUCED BY KUNSTENFESTIVALDESARTS (BRUXELLES / BRUSSELS), EL CONDE DE TORREFIEL COPRODUZIONE / CO-PRODUCTION ALKANTARA & MARIA MATOS TEATRO (LISBONA / LISBON), FESTIVAL D’AUTOMNE & CENTRE POMPIDOU (PARIGI / PARIS), FESTIVAL GREC (BARCELLONA / BARCELONA), FESTIVAL DE MARSEILLE, HAU HEBBEL AM UFER (BERLINO / BERLIN), MOUSONTURM FRANKFURT AM MAIN, FOG TRIENNALE MILANO PERFORMING ARTS, VOORUIT (GENT / GHENT), WIENER FESTWOCHEN (VIENNA), BLACK BOX THEATER (OSLO), ZURCHER THETAERSPEKTAKEL (ZURIGO / ZURICH) CON IL SUPPORTO DI / WITH SUPPORT FROM ZINNEMA (BRUXELLES / BRUSSELS), FESTIVAL SÂLMON, MERCAT DE LES FLORS E / AND EL GRANER – CENTRE DE CREACIÓ, BARCELONA, FABRA I COATS – CENTRE DE CREACIÓ BARCELONA

IDEAZIONE E SCRITTURA SCENICA / CONCEIVED AND DEVISED BY EL CONDE DE TORREFIEL IN COLLABORAZIONE CON GLI INTERPRETI / IN COLLABORATION WITH THE PERFORMERS REGIA / DIRECTION TANYA BEYELER E / AND PABLO GISBERT TESTO / TEXT PABLO GISBERT CAST GLORIA MARCH CHULVI ION IRAIZOZ ALONSO ALBERT PÉREZ HIDALGO NICOLAS CARBAJAL AMARANTA VELARDE MÒNICA ALMIRALL BATET E, A VENEZIA / AND, IN VENICE ALESSANDRA FESTA DANILA GAMBETTOLA EDOARDO FUMAGALLI ELISA MICHELINI NATALIA DI COSMO PIERANDREA ROSATO RAFFAELLA MENCHETTI VALENTINA ROTTA SCENOGRAFIA / STAGE DESIGN EL CONDE DE TORREFIEL E / AND BLANCA AÑÓN COSTUMI / COSTUMES BLANCA AÑÓN E INTERPRETI / AND PERFORMERS COORDINAMENTO TECNICO / TECHNICAL COORDINATION ISAAC TORRES DISEGNO LUCI / LIGHTING DESIGN ANA ROVIRA DISEGNO SONORO / SOUND DESIGN REBECCA PRAGA TECNICO DEL SUONO / SOUND TECHNICIAN URIEL IRELAND TECNICO DI PALCO / STAGE TECHNICIAN ROBERTO BALDINELLI DISTRIBUZIONE / DISTRIBUTION ALESSANDRA SIMEONI

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TRADUZIONI / TEXT TRANSLATIONS NIKA BLAZER (INGLESE / ENGLISH) TANYA BEYELER (ITALIANO / ITALIAN) SI RINGRAZIA / THANKS TO ROBERTO FRATINI SERAFIDE LUISA GUITIERREZ DANIEL MIRACLE RUBÉN RAMOS NOGUEIRA (TEATRON) CHRISTIANA GALANOPOULOU GRIFFON DANCE STUDIO (ATENE / ATHENS) LOS REYES DEL MAMBO LABORATORIOS FESTIVAL SURGE (MADRID) TEATRO PRADILLO MUSEO REINA SOFÍA HAMACA PROJECT ARTS SANTA MÒNICA (BARCELLONA / BARCELONA) FABRA I COATS – FÀBRICA DE CREACIÓ DE BARCELONA

NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

Noi immaginiamo questo spe acolo come una piazza. Il teatro e la piazza condividono i meccanismi narrativi del presente facendo al contempo a p p el l o a u n a m e m o r i a colle iva del passato; gli a ori e la scenogra a sono sia i monumenti sia le persone che si muovono in questa piazza fornendoci forme, storie e nomi. I l p a l c o s c en ic o d ivent a un’agorà che ci perme e di espandere i conce i di spazio e tempo, di andare oltre i limiti sici di ciò che ci circonda e di osservare le tensioni create dalle forze che governano l’idea stessa di vita. Uno spazio circolare occupato da monumenti e persone; un luogo speci co capace di i mm a g i n a re s e ste ss o e proie arsi nel futuro. In questo lavoro vogliamo concentrarci su una concezione del futuro come un periodo sconosciuto e imprevedibile, che si concretizza come risultato di situazioni inaspe ate. Dopo 23 anni, il XXI secolo è agitato e con i uale su scala globale. I giorni sono bipolari: il nostro modo di pensare e di organizzarci sta cambiando in maniera radicale e incontrollabile ma, allo stesso tempo, non sta cambiando nulla. La civiltà avanza con trepidazione mentre la realtà diventa, paradossalmente, sempre più

so e iva, emotiva e impenetrabile. Le tensioni tra memoria e immaginazione che ci rendono unici in questo mondo generano a loro volta un eterno con i o tra il desiderio di superare le imperfezioni di ciò che è, e l a p a ura del l’i g noto, del l’i ns pieg abi le e, i n particolare, del deforme. Alla ne, la possibilità di immaginare un futuro inspiegabile diventa una condizione privilegiata di perfezione: un luogo in cui i nemici sono stati scon i; un paradiso che si ra iunge solo a raverso la morte.

We envisage our piece as a town square. e theatre and the square share narrative mechanisms of the present as we l l a s a p p e a l i n g t o a collective memory of the past; actors and set are the monuments and persons who move through this square providing forms, stories and names. e stage becomes an agora that allows us to expand the concepts of space and time, extend beyond the physical limits of our surroundings and observe the tensions created by the forces that govern the very idea of life.

A circular space occupied by monuments and persons; a speci c place that can be de ned as having the capaci to imagine itself and project itself into the future. In this piece we want to focus on thinking the future as an unknown and unpredictable period, that materialises as a result of unexpected situations. A er 23 years, the 21st century is agitated and con ictive on a global scale. e days are bipolar: our ways of thinking and organizing ourselves are c h a ng i ng r a d i c a l ly a n d uncontrollably but, at the s a me t i me, noth i ng i s changing. Civilization advances with trepidation wh i le re a l i becomes, paradoxically, more and more subjective, emotive, and impenetrable. e tensions bet ween memory and imagination that make us unique in this world generate in turn a perpetual con ict between the desire to overcome the imperfections of what is and the fear of the unknown, the unexplained a n d , i n p a r t i c u l a r, t h e deformed. In the end, the possibili of imagining an unexplainable future becomes a privileged state of perfection: a place where enemies have been defeated; a paradise only a ainable through death.

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CAPITOLO / CHAPTER

V E R DE R E SE DA

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Il verde mi ricorda gli sfondi verdi utilizzati in fotogra a o nel cinema. Si usa il verde perché è il colore meno presente tra i colori della pelle e può facilmente essere “rimosso” in post-produzione per sovrapporre un’altra immagine. Ho sempre trovato strano questo confronto cromatico con il verde, simbolo della natura, che si cerca di rimuovere il più possibile per me ere al centro l’uomo. Green reminds me of the green backgrounds used in cinema and photography. Green is used because it’s the least common of the colours present in the skin, and it can easily be “removed” in post-production to embed another image. I’ve always found that chromatic opposition strange: green, the symbol of nature, is to be removed as much as possible, in order to put man at the centre. Noémie Goudal

Hermes, the messenger with a four-way perspective: natural, supernatural, divine and human.

ES, ME ERM SS N AT U R A L E AG , S G O

RU P L ICE : AD QU E U M A NA . VA N A I

U NA P RO S D I AT U R A L P E T E, RO A N N DI TI E R V P

Parlare con i morti.

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È il colore della natura, quello che rigenera e perme e di respirare. È ciò che spero per il nostro futuro, che diventa ogni giorno più fragile.

It’s the colour of nature, the colour that regenerates and allows you to breathe. It’s what I hope for our future, which is becoming more fragile every day. Maëlle Poésy

OS E

R E AT E D

Persefone. La sua storia ha creato il movimento delle stagioni.

O N S

G I N G S E AS

HON E , WH

P SE

Il teatro per me è ciò che perme e di trascendere la realtà. Di rispondere a domande che ignoravamo, trasformando il nostro sguardo.

140–141

O ST C RY

Da artista visiva, posso dire che la magia del teatro è prima di tu o incontro, il concedersi il lusso di fermare il tempo insieme. Sentire l’energia del palcoscenico e di ogni persona presente nel pubblico mi dà come una sensazione di carte posate su un tavolo, quando, per un prezioso momento, tu i i mondi da ricostruire sono possibili.

As a visual artist, the magic of theatre is first and foremost the magic of encounter; giving yourself the luxury of stopping time together. Feeling the energy from the stage and from each member of the audience gives me this feeling that all cards are on the table, and for one precious moment all those worlds that need to be reconstructed are possible.

ose moments when the violence of the world hits me too hard. A er the shock, my response is usually artistic.

Quando la violenza del mondo mi percuote troppo. Dopo lo shock, la risposta di solito diventa artistica.

L o s p a z io. Le galassie a noi inaccessibili.

SPACE. THE GALAXIES WE CAN’T REACH.

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AT THE TOP OF MOUNTAINS, IN PLACES WHERE MAN HASN’T YET SET FOOT. In cima alle montagne, in luoghi dove l’uomo non ha ancora messo piede.

Finding the exact physical translation of an emotion. Making the audience read the invisible links between people through rhythm, silence, and the choreography of space.

Trovare l’esa a traduzione sica di un’emozione. Far le ere agli spe atori i legami invisibili tra le persone a raverso il ritmo, i silenzi, la coreogra a dello spazio.

144–145

NOÉMIE G OU DA L

Noémie Goudal è un’artista visiva lau- Parigi, Francia (2022); Le Grand reata al Royal College of Art di Lon- Café, Saint-Nazaire, Francia (2021); dra (2010). Vive e lavora a Parigi. La Musée national Eugène-Delacroix – sua pratica prevede la costruzione di Louvre, Parigi, Francia (2021); Musée ambiziose des beaux-arts Noémie Goudal is a visual artist who gradinstallazioni illuLe Lo c l e uated from the Royal College of Art, Lonsionistiche (MBAL), Le inserite nel pae- don (2010); she lives and works in Paris. Locle, Svizzera saggio e docu- Her practice involves the construction of (2019); Hayambitious staged, illusionistic installamentate tramiward Gallery, tions within the landscape, documented te lm, fotoLondra, Regno using lm, photography and perforgra e e performances. Goudal’s interventions are Unito (2017); m a n c e . G l i underpinned by rigorous research exam- Le BAL, Parigi, interventi di ining the intersection of ecology and Francia (2016); Goudal sono anthropology, while interrogating the lim- T h e P h o t osostenuti da itations of theoretical conceptions about graphers’ Galuna rigorosa the natural world. lery, Londra, r i c e r c a Noémie Goudal’s solo exhibitions include Regno Unito sull’intersezion Les Rencontres de la photographie ( 2 0 1 5 ) ; T h e e tra ecologia e d’Arles, France (2022); La Vitrine Frac Île- New Art Galde-France, Paris, France (2022); Le Grand antropologia, lery Walsall, Café, Saint-Nazaire, France (2021); Musée che problemaWalsall, Regno national Eugène-Delacroix – Louvre, tizza i limiti Paris, France (2021); Musée des beaux- Unito (2014). delle conce- arts Le Locle (MBAL), Le Locle, Switzer- Ha partecipato zioni teoriche land (2019); Hayward Gallery, London, a n u m e r o s e s u l m o n d o United Kingdom (2017); Le BAL, Paris, mostre colletnaturale. tive, per esemLe mostre personali di Noémie Gou- pio alla Whitechapel Gallery di Londal includono Les Rencontres de la dra (2020) o al Padiglione Azerbaiphotographie d’Arles, Francia jan, Biennale Arte 2015, Venezia, Ita(2022); La Vitrine Frac Île-de-France, lia (2015). Le sue opere sono presenti

nelle collezioni di istituzioni e fondazioni private, tra cui Cnap, Francia; Drake Foundation, Paesi Bassi; FRAC Auvergne, Francia; Frac Îlede-France, e Photographers’ Gallery, F r a n c i a ; France (2016); KADIST, Fran- London, United Kingdom (2015); e New c i a ; K i r a n Art Gallery Walsall, Walsall, United KingNadar Muse- dom (2014). She has participated in numerous group exhibitions such as the Whiteum of Art chapel Gallery, London, United Kingdom (KNMA), India, (2020) or the Azerbaijan Pavilion, Biennale e M u s é e Arte 2015, Venice, Italy (2015). Her work is in National d’Art the collection of institutions and private M o d e r n e – foundations, including Cnap, France; Drake Centre Pompi- Foundation, Netherlands; FRAC Auvergne, dou, Francia. France; Frac Île-de-France, France; KADIST, Goudal è rap- France; Kiran Nadar Museum of Art p r e s e n t a t a (KNMA), India, and Musée National d’Art dalla galleria Moderne – Centre Pompidou, France. Edel Assanti di Goudal is represented by the gallery Edel Assanti in London. Londra. In 2022, she presented in the Festival Nel 2022 ha d’Avignon the performance ANIMA, copresentato al wri en with the theatre director Maëlle F e s t i v a l Poésy, as part of her latest and most signi d’Avignon la cant multi-chapter body of work Post performance Atlantica. ANIMA, scritta insieme alla regista teatrale Maëlle Poésy, che fa parte della sua ultima e più signi cativa opera in capitoli Post Atlantica. 146–147

MAËLLE POÉSY

Maëlle Poésy, regista, autrice e a rice, del Festival d’Avignon. Tra il 2016 e il dal se embre 2021 è dire rice artisti- 2017 ha messo in scena L’orso e Il canto ca del éâtre Dijon Bourgogne. del cigno di Anton Čechov alla ComéLaureata in studi teatrali presso die-Française, e Orfeo ed Euridice di l ’ Un ive r s i t à Christoph WilSorbonne Noulibald Gluck Maëlle Poésy, director, author and velle, ha stuall’Opéra de actress, has been the director of d i a to d a nz a Dijon. Ha coThéâtre Dijon Bourgogne since Sepcon i coreograide a to Pa í s tember 2021. She studied Drama at Hofesh ShecClandestino Sorbonne Nouvelle, Dance with the hter, Damien per il Festival choreographers Hofesh Shechter, Jalet e Koen Internacional Damien Jalet and Koen Augustijnen, Augustijnen e d e Buenos and she trained as an actress at the si è formata Aires (FIBA) e École supérieure d’art dramatique du come a rice nel 2020 ha Théâtre National de Strasbourg (TNS). all’École supédire o un In 2011, her company Crossroad set up rieure d’art dragruppo di stuits base in Dijon. In collaboration with matique du denti del Liceo the author Kevin Keiss, she directed Candide – Si c’est ça le meilleur des éâtre NatioHippolyte Fonmondes… and Ceux qui errent ne se nal de Strasbotaine di Digiotrompent pas, which was then preurg (TNS). ne in Passé, Présented at the 70th edition of the FestiNel 2011 si stasent, Futur. val d’Avignon. Between 2016 and 2017, bilisce, con la Nel 2021 preshe staged The Bear and Swansong by s u a c o m p asenta 7 minuti Anton Chekhov at the Comédiegnia Crossrodi Stefano MasFrançaise, and Christoph Willibald ad, a Digione. sini alla ComéGluck’s Orpheus and Eurydice at the In collaboradie-Française. zione con Nel gennaio l’autore Kevin Keiss, me e in scena 2022 me e in scena Gloire sur la Terre Candide – Si c’est ça le meilleur des mondi Linda McLean con sei giovani des… e Ceux qui errent ne se trompent interpreti. Nel 2022 dirige ANIMA, pas, presentato poi alla 70. edizione un’installazione-performance pre-

sentata in anteprima al Festival d’Avignon, in collaborazione con l’artista Noémie Goudal, per Les Ren-

contres de la photographie d’Arles. Nell’autunno 2023 debu erà Cosmos, il suo ultimo lavoro.

Opéra de Dijon. She then co-devised País Clandestino at the Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) and in 2020 she directed a group of secondary school pupils from Lycée Hippolyte Fontaine in Passé, Présent, Futur. In 2021, she presented 7 minutes by Stefano Massini at the Comédie-Française. In January 2022, she staged Gloire sur la Terre by Linda McLean with six young performers. In 2022, she directed ANIMA, an installationperformance which premiered at the Festival d’Avignon, in collaboration with the artist Noémie Goudal, for Les Rencontres de la photographie d’Arles. In autumn 2023, she will be premiering her latest show, Cosmos.

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23.06.2023 H 21.30 24.06.2023 H 21.30 PARCO ALBANESE, BISSUOLA (MESTRE)

(60’ — 2022) P R I M A I TA L I A NA / I TA L I A N P R E M I E R E

QUESTO PROGETTO È STATO REALIZZATO CON LA COLLABORAZIONE DI / THIS PROJECT CAME TO FRUITION WITH THE COMPLICITY OF CHRISTOPH WIESNER E / AND LES RENCONTRES D’ARLES PRODUZIONE / PRODUCED BY THÉÂTRE DIJON BOURGOGNE, CDN PRODUZIONE E ALLESTIMENTO DEL FILM / FILM PRODUCTION AND STAGING BY MONDES NOUVEAUX, UN PROGRAMMA AVVIATO DAL GOVERNO FRANCESE NELL’AMBITO DI / A PROGRAMME INITIATED BY THE FRENCH GOVERNMENT AS PART OF CULTURE DE FRANCE RELANCE, IL PIANO CHE FORNISCE ASSISTENZA PER L’IDEAZIONE E LA REALIZZAZIONE DI PROGETTI ARTISTICI / A SCHEME PROVIDING ASSISTANCE IN THE CONCEPTION AND IMPLEMENTATION OF ARTISTIC PROJECTS COPRODUZIONE / CO-PRODUCTION COMPAGNIE CROSSROAD; ATELIER NOÉMIE GOUDAL; ESPACE DES ARTS, SCÈNE NATIONALE DE CHALON-SURSAÔNE; L’AZIMUT - PÔLE NATIONAL CIRQUE EN ÎLE-DE-FRANCE - ANTONY/CHÂTENAY-MALABRY CON IL SUPPORTO DI / WITH SUPPORT FROM RHIZOME – CHLOÉ MOGLIA E / AND FONPEPS ANIMA È STATO CREATO ALLA 76. EDIZIONE DEL / WAS CREATED AT THE 76TH EDITION OF THE FESTIVAL D’AVIGNON CON IL SUPPORTO DI / WITH THE SUPPORT OF KERING FOUNDATION E / AND LES RENCONTRES D’ARLES

DI / BY NOÉMIE GOUDAL MAËLLE POÉSY IDEAZIONE, REGIA / CONCEPT, DIRECTION NOÉMIE GOUDAL MAËLLE POÉSY COREOGRAFIA SOSPENSIONI / SUSPENSION WRITING CHLOÉ MOGLIA CON / WITH MATHILDE VAN VOLSEM MUSICHE ORIGINALI / ORIGINAL MUSIC CHLOÉ THÉVENIN SCENOGRAFIA / STAGE DESIGN HÉLÈNE JOURDAN

CREDITI DEL FILM / FILM CREDITS REALIZZAZIONE / MADE BY NOÉMIE GOUDAL E / AND MAËLLE POÉSY ASSISTENTE / ASSISTED BY CLAUDE GUILLOUARD SCENEGGIATURA / SCRIPT MYLÈNE MOSTINI DIRETTORE DELLA FOTOGRAFIA / DIRECTOR OF PHOTOGRAPHY JULIEN MALICHIER OPERATORE E FUOCHISTA / DIGITAL OPERATOR, OPTICAL CALCULATOR ALEXIS ALLEMAND

COSTUMI / COSTUMES CAMILLE VALLAT

ASSISTENTE ALLA MACCHINA DA PRESA / CAMERA ASSISTANT JULIEN SAEZ

DIRETTORE DI SCENA / STAGE MANAGER JULIEN POUPON

EFFETTI SPECIALI / SPECIAL EFFECTS LÉO LEROYER

FONICO / SOUND OPERATOR SAMUEL BABOUILLARD

ELETTRICISTA / ELECTRICIAN ADRIEN CHATA ASSISTENTE / ASSISTED BY TELMA LANGUI

LUCI / LIGHTING MATHILDE CHAMOUX

TECNICO LUCI E VIDEO / VIDEO AND LIGHTING OPERATOR PIERRE MALLAISÉ ASSISTENTI / ASSISTANTS CLARA LABROUSSE E / AND PAULINE THOËR ORGANIZZAZIONE / PRODUCTION ADMINISTRATOR MILÉNA NOIROT ASSISTENTI / ASSISTED BY ADÈLE JAFFREDO MARIE BLOQUEL-PERRAT

CAPO ARREDATORE / HEAD STAGE DECORATOR THIERRY JAULIN ASSISTENTI / ASSISTED BY ELEONORE SENSE E / AND DELPHINE BACHELARD

UNA PERFORMANCE-INSTALLAZIONE IDEATA E PROGETTATA DA / A PERFORMANCE-INSTALLATION CONCEIVED AND DEVISED BY NOÉMIE GOUDAL E / AND MAËLLE POÉSY TRATTA DALLA MOSTRA / BASED ON THE WORK POST ATLANTICA DI / BY NOÉMIE GOUDAL IN COLLABORAZIONE CON / IN COLLABORATION WITH COMUNE DI VENEZIA / CULTURA VENEZIA / TEATRO DEL PARCO

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OGGETTI DI SCENA / PROPS THOMAS PIFFAUT DIREZIONE DI SCENA / STAGE MANAGEMENT VICTORIA LANOY RIGGERS OLIVIER GEORGES GUILLAUME MORANDEAU E / AND AUGUSTIN DE VAUMAS POST-PRODUZIONE / POST-PRODUCTION MÉCHANT COLOUR GRADING SERGE ANTONY PRODUZIONE / PRODUCTION CLARA LABROUSSE E / AND CLAUDE GUILLOUARD ASSISTENTI / ASSISTED BY AMÉNOPHIS BOUM MAK E / AND PAULINE THOËR STAGISTA / TRAINEE SALOMÉ FAU COMPARSE / APPEARANCES BY ALEXIS ALLEMAND AMÉNOPHIS BOUM MAKE GEORGES OLIVIER CLAUDE GUILLOUARD MAËLLE POÉSY NOÉMIE GOUDAL THOMAS PIFFAUT E / AND GRACIELA WALINSKY

scienziati sono riusciti a prevedere il controverso futuro di tali aree. Alcuni prevedono che il deserto del Sahara Nei suoi 4,5 miliardi di anni di p o t r e b b e r i d i v e n t a r e iante con esistenza, la Terra ha subito v e r d e t ra s for m a z ion i rad ic a l i . l’intensi carsi del riscaldaL’osservazione del passato da mento globale e il ritorno di parte dei paleoclimatologi ci intense stagioni delle pio e ha fornito informazioni nella regione della fascia equaessenziali che ci perme ono toriale. o i di prevedere il futuro Per la realizzazione di questa dell’essere umano nel suo fra- installazione-performance, gile ecosistema. L’opera di Noé- Noémie Goudal e Maëlle mie Goudal Les Mécaniques ci Poésy hanno a into alle scoaccompagna in un via io nel perte dello scienziato James “tempo profondo”, a raverso i Lovelock, risalenti agli anni diversi strati temporali e geo- Se anta ma da tempo dimengra ci del nostro pianeta. ticate. A suo avviso, la Terra L’opera trae ispirazione dalle deve essere considerata come scoperte e dai problemi che gli un’entità in cui tu e le creatuscienziati contemporanei re viventi sono collegate, a radevono a rontare per com- verso un ecosistema interdiprendere le mutazioni climati- pendente. Questa teoria, che o i rappresenta una svolta che del mondo di domani. L’ispirazione che ha dato vita nel pensiero scienti co, è torall’installazione-performance nata a essere un tema fondaANIMA deriva da studi scien- mentale per loso , scienziati ti ci sulle varie forme di meta- e sociologi come Baptiste morfosi a ualmente in a o Morizot e Gilles Ramstein. nel deserto più arido e sterile Nella realizzazione della loro del mondo: il Sahara. In segui- performance, le due artiste to alla scoperta di indicatori hanno preso spunto da questi biologici e di resti preistorici, cambiamenti ambientali ma o i sappiamo che circa in un’o ica globale, per cui le 10.000 anni fa, durante l’era trasformazioni alle latitudini interglaciale, questa parte del se entrionali sono indissolumondo era coperta da laghi e bilmente legate a quelle merida una ricca vegetazione. A dionali, e in cui i diversi elequel tempo la Terra, nei suoi menti e le diverse forme di cicli di rotazione, era più vici- vita coesistono in un precario na al sole e con un’angolazione equilibrio. La messa in scena ma iore. Il calore intenso pone lo spe atore al centro di f a v o r ì l ’ e v a p o r a z i o n e un tri ico vivente, costituito dell’oceano, dando origine a da una successione di diversi importanti stagioni delle quadri che si muovono tra la pio e e, nel lungo termine, a perenne distruzione e riconuove forme di vita nel deser- struzione dell’allestimento, to del Sahara. Nell’arco di secondo un principio di illupoche centinaia di anni si sione o ica. Il disegno sonoro évenin ampli ca sono formate reti idrogra che di Chloé capillari e centinaia di laghi questo principio di illusione, d’acqua dolce, che ospitano fondendo i suoni dell’acqua diverse specie animali. Alla corrente e della giungla con la luce di queste scoperte, gli musica ele ronica. L’artista

NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

ANIMA o la ne del deserto verde

Chloé Moglia – il cui lavoro, a raverso un rapporto pre amente sensoriale con il tempo e lo spazio, si concentra sul tema della sospensione – si esibisce tra l’allestimento fotogra co e la stru ura (alla B i e n n a l e Te a t r o 2 0 2 3 l’interprete è Mathilde Van Volsem). Con la loro installazioneperformance, Noémie Goudal e Maëlle Poésy ci invitano a riappropriarci di questo tempo geologico smisurato e a collocarlo in una scala di proporzioni più umane. Lo fanno a raverso materiali “fragili” e o e i tecnologici, ri e endo così l’estrema precarietà della presenza umana di fronte agli elementi. Il disfacimento e la distruzione dell’allestimento fotogra co esplorano l’idea della Terra come entità in movimento e me ono in discussione la nostra meraviglia nell’assistere alla distruzione delle nostre stesse c o s t r u z i o n i . ANIMA è il fru o di una collaborazione tra due universi artistici, e come tale è il ri esso di tantissimi scambi e di una comune fascinazione per le strabilianti dimensioni del tempo e dello spazio.

ANIMA or the end of the green desert

In the course of its 4.5 billion years of existence, the Earth has undergone radical transformations. e observation o f t h e p a s t b y paleoclimatology experts has provided us with essential information, which now enables us to envisage the future of the human being in its fragile ecosystem. Noémie Goudal’s Les Mécaniques body of work takes us on a journey through “deep time”, via the di erent temporal and geographic strata of our planet. It takes its inspiration from discoveries and issues that contemporary scientists face in their e orts to understand the climatic mutations of tomorrow’s world. e inspiration behind the installation-performance ANIMA by Noémie Goudal and Maëlle Poésy stems from scienti c research on the various forms of metamorphosis at work in the world’s most arid and sterile desert, the Sahara. In the wake of the discovery of biological indicators and prehistoric remains, we now know that , around 10,000 years ago, during the interglacial era, this part of the world was covered by lakes and abundant vegetation. At that time, the Earth, during its rotation cycles, was closer to the sun and angled towards it. e intense heat favoured the evaporation of the ocean, giving rise to signi cant rainy seasons, and in the long term, new forms of life in the Sahara. In the span of a few hundred years, extensive hydrographic networks came into existence, in addition to hundreds of freshwater lakes, 152–153

home to several species of ani- water and the jungle with elecmals. In the light of these dis- tronic music. e artist Chloé coveries, scientists have been Moglia, whose work focuses able to envisage the future of upon the motif of suspension these areas, albeit controver- via a sensory-led relationship sial. Some predict that the with time and space, performs Sahara Desert could become amidst the decor and staging green once again with the (the performer at the Biennale intensi cation of global warm- Teatro 2023 is Mathilde Van ing and the return of intense Volsem). rainy seasons in the region of By means of this installationperformance, Noémie Goudal the equatorial belt. In the making of this installa- and Maëlle Poésy invite us to tion-performance, Noémie reclaim this unmeasurable Goudal and Maëlle Poésy geological timespan, and to drew upon discoveries by the place it within a scale of more scientist James Lovelock dat- human proportions. ey do ing back to the 1970s, but so by means of “fragile” matew h i c h h a d b e e n l o n g rials and technological items, forgo en ever since. In his thereby re ecting the human opinion, the Earth should be being’s all too precarious presconsidered as an enti in ence in the face of the elee dissolution and which all its living creatures ments. are connected, by means of an destruction of the photointerdependent ecosystem. graphic decor investigates the is theory, which today idea of the Earth as a moving represents a turning point in enti and brings into quesscienti c thought, has once tion our fascination with witagain become a major topic for nessing the destruction of our philosophers, scientists and o w n c o n s t r u c t i o n s . sociologists such as Baptiste ANIMA is the fruit of a collabMorizot and Gilles Ramstein. oration between two artistic In the making of this perfor- universes, and as such it is the mance, the two artists have r e e c t i o n o f n u m e r o u s drawn upon these environ- exchanges and a common fasmental changes in a global c i n a t i o n f o r th e m i n dmanner, in which transforma- bo ling dimensions of time tions in Northern latitudes are and space. inextricably linked to those in the South, and in which all the di erent elements and life forms exist within the framework of a delicate equilibrium. e staging places spectators at the heart of a living tryptic, made up of a succession of di erent tableaux that shi between permanent destruction and reconstruction of the decor, in accordance with a principle of optical illusion. e sound design by Chloé éven i n a m pl i e s th i s principle of illusion, by blending various sounds of running

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CAPITOLO / CHAPTER

VERDE ABETE

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Verde è stata l’estetica grezza che ho imparato da bambino. È stato il colore della vegetazione che circondava la prima casa in cui ho vissuto, la bellezza semplice che mia nonna coltivava con le sue mani ruvide e la schiena piegata. È stata la prima bellezza che ho conosciuto e la prima che, crescendo, ho perduto; e il metro di paragone per tu e le altre cose belle. Non si può tornare al colore verde. Green was the raw aesthetic I learned as a child. It was the colour of the greenery surrounding the first house I lived in, the simple beauty which my grandmother cultivated with rough hands and bent back. It was the first beauty I knew and the first I lost, as I grew up, and the point of comparison for all other beautiful things. There’s no going back to the colour green.

Il mio primo prodigio è stato salire sul palco per la prima volta. Ero un bambino timido con una balbuzie invalidante e parlare davanti agli altri era il mio incubo peggiore, finché non ho dovuto partecipare a una recita scolastica: all’improvviso ho scoperto che potevo parlare perfettamente. Da allora ho sempre cercato di replicare questo prodigio, il prodigio di poter dire qualcosa di significativo per altri esseri umani. Standing on stage for the first time was my first miracle. I was a shy child with a crippling stammer, and speaking in front of others was my worst nightmare, until I had to take part in a school play: suddenly, I found I could speak perfectly. I’ve tried to replicate this miracle – the miracle of being able to say something meaningful to other human beings – ever since.

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IF I OR ANY OTHER PALESTINIAN SAID S E I O O Q UA L S I AS I A LT R O PA L E S T I N E S E

THE WORDS “THERE’S NO PLACE LIKE D I C E S S I M O T R E VO LT E “ N E S S U N P O S TO È

HOME” THREE TIMES, OUR TEARS C O M E CASA P R O P R I A ”, L E N O S T R E L AC R I M E

WOULD FILL THE ENTIRE ATLAS. SO, R I E M P I R E B B E R O L ’ I N T E R O AT L A N T E . Q U I N D I

WE DON’T, FOR THE WORLD’S SAKE. N O N LO FAC C I A M O , P E R I L B E N E D E L

WHEN WE PUT OUR SHOES ON IN THE M O N D O . Q UA N D O C I I N F I L I A M O L E S CA R P E

MORNING, WE SAY: “WE’LL BUILD A A L M AT T I N O , D I C I A M O : “ C O S T R U I R E M O

S TAT E T H AT F EEL S L I K E HOM E . A U N O S TATO C H E C I FAC C I A S E N T I R E A CASA .

C I T Y T H AT F E E L S L I K E H O M E . A U N A C I T TÀ C H E C I FAC C I A S E N T I R E A CASA .

HOUS E T H AT F E E L S L I K E HOM E ”. U N A CASA C H E C I FAC C I A S E N T I R E A CASA ”.

THEN IT’S OUT THE DOOR AND INTO P O I U S C I A M O , N E L LO S T RA N O M O N D O C H E

THE STRANGE WORLD OUTSIDE. C’È FUORI.

NUOVE DOMANDE. E UN PERCORSO.

I ENT I ID . PTH

FY M O

ST CLOSELY W

ES UR

TH – IN

TER LY H

ANGE, WONDROUS C STR RE E AT OS GS

E EV

IL POTERE DELL’OSSERVAZIONE: ESSERE IN GRADO DI VEDERE LE PERSONE, LE COSE, GLI EVENTI E COMPRENDERLI DAVVERO, IN TUTTA LA LORO PROFONDITÀ.

E TH

HH U M AN

BEING TOTALLY , UT

I ILL W

L AL

Riuscirò mai a essere totalmente, completamente onesto?

164–165

TS, AND TRULY UNDE RST VEN DE A N AN DT O HIDE THEIR H GS ICH T GR E E WH IN A M TE ND TH ST IN HI F BE EA RS

strane e meravigliose creature che hanno inventato così tante leggende e animali mitologici dietro ai quali c el a r e l e l o r o p i ù grandi paure.

EED IN UCC S R

D N

ON – TO BE AB LE T RVATI BS E OS O F EE O LEGENDS A Y PE N A ER N M D OP O MY W S D O LE T E P H T M i IC A E EN A H V LB identifico IN E maggiormente con gli O H e s s e r i u m a n i : q u el l e

T AS

ON ES T?

New questions. And a path.

Il KHASHABI THEATRE è un teatro palestinese indipendente nella ci à di Haifa, fondato dal colle ivo Khashabi Ensemble nel 2015 a Wadi Salib, un quartiere svuotato dalla ma ior parte dei suoi abitanti originari nel 1948. Il Khashabi eatre lavora per costruire una società palestinese che pratichi l’arte e la creatività in maniera libera, come un diri o naturale, e si applichi nel rinnovare la propria identità culturale me endo al centro la cultura indipendente. Il Khashabi eatre è uno spazio in cui gli artisti possono sperimentare,

KHASHABI ENSEMBLE is an independent artistic collective, formed in 2011 by three actors, a theatre designer and a theatre director from Palestine. They were brought together by shared artistic and political concerns about theatre work and decided to work together. They are Khulood Basel, Shaden Kanboura, Henry Andrawes, Majdala Khoury and Bashar Murkus. In its collaborative works, the Ensemble occasionally partners with fellow researchers, musicians, actors and visual artists from a variety of media. The Ensemble presents original works t h a t i t c re a t e s by engaging its members in long-term theatrical research journeys, based on themes that the Ensemble deems to be of a special h u m a n va l u e , a n d seeks to raise them as questions before audiences in Palestine and the world.

creare, fare ricerca e me ere in scena, in piena libertà, forme teatrali e artistiche alternative; è inoltre uno spazio nel quale i tabù sociali, politici e artistici possono e ss ere me ssi i n discussione, creando un ambiente creativo stimolante basato sulla c o op er a z ione e s ul sostegno reciproco.

BASHAR MURKUS Nato nel 1992 a Kufer Yasif, nella zona se entrionale della Palestina occupata, è un regista e autore teatrale palestinese. Vive ad Haifa. Dopo aver conseguito la laurea presso il dipartim e n t o d i Te a t r o dell’Università di Haifa nel 2011, inizia la sua carriera teatrale: membro fondatore del Khashabi Ensemble è, dal 2015, dire ore artistico del Khashabi eatre, un teatro palestinese indipendente con sede ad Haifa. I suoi lavori sono stati presentati nei te at r i d i Br u xel le s, Genk, Gand, Anversa, Berna, Dublino, Marsiglia, Parigi, Tunisi, Berlino, Hannover e New York. È inoltre insegnante di recitazione e KHASHABI THEATRE regia presso diverse is an independent Pal- istituzioni e accademie estinian theatre in the d’arte, ad Haifa e in Eurocity of Haifa. It was pa. Dal 2011 a o i founded in 2015 by the Murkus ha dire o quasi a r t i s t s ’ c o l l e c t i v e venti produzioni teatraKhashabi Ensemble, in li, che esprimono le sue the Wadi Salib neigh- profonde visioni a livelbourhood that was lo artistico, politico, e m p t i e d f r o m t h e sociale e umanistico, majority of its original o rendoci uno scorcio inhabitants in 1948. sulla cultura palestineK h a s h a b i Th e a t r e s e c o n t e m p o r a n e a a raverso il suo intenso works towards a Palsguardo teatrale. Queestinian society that ste produzioni sono il freely practices art risultato di proge i di and creativity as a natu- ricerca colle iva proral right, and strives to fondi ed estensivi, che renew its cultural iden- c o i nvol gono a or i , tity by placing inde- studiosi, scenogra e

pendent culture front and centre. Khashabi Theatre provides a space for artists to freely experiment, create, research and perform alternative forms of theatre and art, and a space where social, political and artistic taboos can be challenged, creating an invigorating creative environment based on cooperation and mutual support. BASHAR MURKUS Born in 1992 in Kufer Yasif in the north of occupied Palestine, he is a Palestinian theatre director and writer based in Haifa. He began his theatrical career after receiving his BA from the University of Haifa Theatre department in 2011. Murkus is a founding member of Khashabi Ensemble and, since 2015, he is the artistic director of the Khashabi Theatre, an independent Palestinian theatre based in Haifa. His works have been staged in theatres in Brussels, Genk, Ghent, Antwerp, Bern, D u b l i n , Ma r s e i l l e , Paris, Tunis, Berlin, Ha n ove r a n d New York. He also teaches acting and directing at various academic and arts institutions in Haifa and Europe. Since 2011, Murkus has directed nearly twenty theatre productions, expressing his deep artistic, political, social and humanistic visions and providing an intense theatrical glimpse into contemporary Palestinian culture. These productions are an

BASHAR MURKUS

KHASHABI ENSEMBLE K H AS H A BI T H E AT R E

Il KHASHABI ENSEMBLE è un colle ivo artistico indipendente palestinese, nato nel 2011 dall’unione di due a rici, un a ore, una scenografa e un regista. Uniti da un comune sentire, a livello artistico e politico, nei confronti del lavoro teatrale, hanno deciso di lavorare insieme. Si tra a di Khulood Basel, Shaden Kanboura, Henry Andrawe s , Ma j d a l a Khoury e Bashar Murkus. In alcune occasioni, per l’elaborazione d i op ere c ol l e ive, l’Ensemble collabora con altri ricercatori, musicisti, a ori e artisti visivi di ogni genere. Le opere originali che l’Ensemble crea e presenta sono fru o di un lungo lavoro di ricerca teatrale che coinvolge tu i i membri del gruppo, su temi ritenuti di p a r t ic ol a re va lore umano e che l’Ensemble cerca di presentare al pubblico come domande, in Palestina e nel mondo.

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outcome of profound and extensive collaborative research projects, engaging actors, scholars, designers and musicians who explore complex social, political and philosophical themes. Murkus’ performative language is highly sensual, based not only on written drama, but on sound, staggering visual images, provocative intertextual allusions to canonical drama and corporal gestures and movements. This is postdramatic theatre at its best. Murkus creates immersive, empathic ctional worlds, built and broken into fragments, by engaging the viewers’ universal human vulnerability. In 2014, Murkus staged The Parallel Time at Al-Midan Theatre in Haifa, dramatising the highly controversial issue of Palestinian political prisoners imprisoned in Israeli jails. This production caused a turmoil amongst the Israeli right wing, culminating in a dramatic budget cut-down of Al-Midan Theatre. This signi es a pivotal point in the history of contemporary Palestinian theatre and its impact on current cultural politics. The Haifa Municipality joined the decision of the Ministry of Culture and cut o funding to the theatre entirely, resulting in its complete paralysis. The Parallel Time has encouraged Palestinian artists to cultural independence, taking responsibility for their production to ensure

tiche israeliane che cercano di in uenzare o impedire la messa in scena delle loro opere. Murkus e il Khashabi eatre sono i veri rappresentanti del teatro palestinese indipendente. KHULOOD BASEL Khulood Basel Tannous è un’artista, a ivista politica e produ rice culturale con sede ad Haifa, in Palestina. Amministratrice deleg at a del K h a sh abi Ensemble per gli ultimi dieci anni, Basel intende la produzione culturale e l’organizzazione comunitaria come modalità dell’a ivismo politico, come resistenza al bavaglio coloniale sull’identità palestinese e centro di sviluppo delle potenzialità. Basel cerca, a raverso l’impostazione e lo sviluppo del modello produ ivo del Khashabi Ensemble, di creare delle alternative per un teatro che ri uta qualsiasi forma di nanziamento pubblico e che resiste in quanto so e o culturale palestinese completamente indipendente. Per questo Basel promuove la produzione artistica professionale come mezzo per recuperare il paesa io urbano e la cultura urbana palestinesi, e come ampli catore di giovani voci femministe, di colore e queer. In qualità di teatrante e fotografa, Basel combina visioni progressiste a livello ideologico, organizzativo ed estetico nella sua vita come nel suo lavoro.

their cultures’ freedom and independence, overcoming censorship and suppression by Israeli policies that attempt to in uence or prevent their work from being staged. Murkus and Khashabi Theatre are unblemished representatives of independent Palestinian theatre. KHULOOD BASEL Khulood Basel Tannous is an artist, political activist and cultural producer based in Haifa, Palestine. Khashabi’s CEO for the past decade, Basel is spearheading cultural production and community organising as a vital mode of political activism, resistance to colonial silencing of Palestinian identity and a hub for capacity-building. By initiating and developing the Khashabi production model, Basel seeks to produce alternatives to a theatre that refuses any form of state-funding and endures as an entirely independent Palestinian cultural entity. As such, Basel advances professional art-making as a means for reclaiming the Palestinian cityscape and urban culture as well a s a n a m p l i e r of young feminist, queer, and POC voices. As a theatre-maker and a photographer, Basel combines ideological, organisational, and aesthetic progressive visions in her life and work.

KHULOOD BASEL

musicisti dediti a esplorare temi complessi a livello sociale, politico e loso co. Il lingua io performativo di Murkus è altamente sensoriale, e si basa non solo sulla drammaturgia scri a ma anche sul suono, su immagini ad alto impa o visivo, su allusioni provocatorie alla drammaturgia classica, sul movimento e sulla gestualità. È teatro post-drammatico allo stato puro. Murkus crea mondi immaginari immersivi ed empatici, costruiti e frammentati, coinvolgendo l’universale vulnerabilità umana degli spe atori. Nel 2014, Murkus ha messo in scena e Parallel Time all’AlMidan eatre di Haifa, portando a teatro la questione altamente controversa dei prigionieri politici palestinesi detenuti nelle carceri israeliane. Questo spe acolo ha scatenato una forte reazione nella destra israeliana, culminata in un drammatico taglio del b ud ge t del l' A l Midan eatre: un ne o punto di svolta nella storia del teatro palestinese contemporaneo e nell’impa o che questo ha sulla politica culturale a uale. Il Comune di Haifa si è unito alla decisione del Ministero della Cultura e ha tagliato completamente i fondi al teatro, p a ra l i z z a ndolo. e Parallel Time ha spinto gli artisti palestinesi verso un’indipendenza culturale, verso u n’a s s u nz i o n e d i responsabilità nei confronti della loro opera al ne di garantire la libertà e l’indipendenza della loro cultura, superando la censura e la repressione da parte delle poli-

24.06.2023 H 20.00 25.06.2023 H 18.00 ARSENALE TEATRO ALLE TESE (III)

(80’ — 2022) P R I M A I TA L I A NA / I TA L I A N P R E M I E R E

PRODUZIONE / PRODUCED BY KHULOOD BASEL - KHASHABI THEATRE 2022 PRODUZIONE INTERNAZIONALE E TOURNÉE / INTERNATIONAL PRODUCTION AND TOURING AS IS PRESENTING ARTS COPRODUZIONE / CO-PRODUCTION FESTIVAL D’AVIGNON, THÉÂTRE DES 13 VENTS - CENTRE DRAMATIQUE NATIONAL DE MONTPELLIER, THÉÂTRE DE LIÈGE, ROMAEUROPA FESTIVAL, PALESTINIAN NATIONAL THEATRE EL HAKAWATI (GERUSALEMME / JERUSALEM), CULTURE RESOURCE, THÉÂTRE JEAN-VILAR (VITRY-SUR-SEINE), ROSA LUXEMBURG FOUNDATION, MOUSSEM NOMADIC ARTS CENTRE (BRUXELLES / BRUSSELS), COMPAGNIE THÉÂTRE ALIBI FABRIQUE DE THÉÂTRE (BASTIA)

UNA PERFORMANCE VISIVA DI / A VISUAL PERFORMANCE BY BASHAR MURKUS AND KHASHABI ENSEMBLE / PALESTINE IDEATO E DIRETTO DA / CONCEIVED AND DIRECTED BY BASHAR MURKUS SCENOGRAFIA / SCENOGRAPHY MAJDALA KHOURY MUSICHE ORIGINALI / ORIGINAL MUSIC RAYMOND HADDAD DRAMMATURGIA / DRAMATURGY KHULOOD BASEL DISEGNO LUCI E DIREZIONE TECNICA / LIGHTING DESIGN AND TECHNICAL DIRECTOR MUAZ AL JUBEH CON / WITH SALWA NAKKARA REEM TALHAMI SHADEN KANBOURA SAMAA WAKIM FIRIELLE AL JUBEH SAMERA KADRY EDDIE DOW ASSISTENTE ALLA REGIA / ASSISTANT DIRECTOR ABED AL JUBEH ASSISTENTE SCENOGRAFIA / ASSISTANT DESIGNER NANCY MKAABAL ASSISTENTE DIREZIONE TECNICA / ASSISTANT TECHNICAL DIRECTOR MOODY KABLAWI DIRETTORE DI SCENA / STAGE MANAGER REEMA ASSAF FOTO / PHOTO CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE EID ADAWI KHULOOD BASEL

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NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

In MILK ci occupiamo di un disastro. Non ci occupiamo delle cause, né della tipologia o delle conseguenze, ma del modo in cui divide il tempo in due – un prima e un dopo – e lo separa, trasformandolo in qualcosa che non ha durata né ne. Il passato diventa presente e il futuro perde ogni signi cato se non quello di ripetizione in nita. All’interno di questa fra ura, s u un ter reno nero che inizialmente appare sicuro, un gruppo di donne cerca dappertu o una perduta maternità: la loro. Come avviene un disastro? In un a imo. Come nisce? Non nisce mai. Questo è MILK, una performance visiva di estetica post-catastrofe. NOTE DAL PERIODO DI RICERCA “Il desiderio di creare un’opera senza parole non è legato alla forma nale dello spe acolo né a un’ide a a r t i st ic a o stilistica. Quello che ho capito durante il mio lavoro su MILK è che io non voglio che lo spe acolo sia muto. Quello che voglio è che i persona i siano senza parole, che siano traditi dal lingua io. Perché dopo il disastro non hanno nulla da dire, o sono privati della capacità di parlare. Voglio persona i che abbiano perso la bocca, in senso gurato o le erale.” Gennaio 2020 “Perché sono così a ascinato dai cadaveri? Perché cerco storie in cui la morte è un fantasma politico? Sono davvero preoccupato dalla morte ‘innaturale’? O è la paura di nascere in un mondo ‘innaturale’ che mi a ascina?

I miei pensieri per questo spe acolo sono pieni di corpi morti, organi morti, pelle strappata via, sangue morto, la e morto... Chi sono gli eroi in quest’opera? I morti? O i vivi che sono rimasti tra noi?” Dicembre 2020

NOTES FROM THE RESEARCH PERIOD “ e desire for this theatre piece to be without words is not related to the nal form of the play, nor to the artistic or s listic ideas. What I realized during my work on MILK, is that I don’t want the play to be silent. What I want is that the characters of the play are speechless. I want characters who are betrayed by language. Because a er the disaster, they don’t have anything to say, or they are deprived of speaking. I want characters who lost their mouths, in a gurative or literal way of speaking.” January 2020

“In MILK non raccontiamo una sola storia, ma tante, tantissime storie. Tu e le storie hanno in comune il fa o di aver perso la capacità di nire. Quest’opera di teatro visivo parla delle ba aglie che rimangono per sempre in sospeso. Sono un vero e p r o p r i o i n f e r n o. C o m e avviene un disastro? In un a imo. Come nisce? Non nisce mai.” “Why am I so fascinated by Febbraio 2022 corpses? Why do I look for stories where death is a political ghost? Am I really preoccupied with ‘unnatural’ death? Or is it the fear of being born into an ‘unnatural’ world th a t f a s c i n a te s me? My thoughts for this piece are full In MILK we are concerned of dead bodies, dead organs, peeled o skin, dead blood, with a disaster. Not with the causes of its dead milk... Who are the occurrence, neither with its heroes in this piece of work? e dead? pe nor its consequences, but with how it divides time in Or the living who are le here two – before and a er – and among us?” ri s the two apart, turning December 2020 time into something with no d u r a t i o n n o r e n d . P a s t “In MILK, we don’t tell one becomes present, and future single story, we tell many, loses all meaning other than many stories. All stories have in common that they have lost endless repetition. is Inside this ri , on a black their abili to nish. ground which at rst appears visual theatre piece is about safe, a group of women is the stru les that remain looking everywhere for their forever lingering. ey are an actual hell. How does a lost motherhood. How does a disaster happen? d i s a s te r h a p p e n? I n a n In an instant. How does it instant. How does it end? It end? It never does. is is never does.” MILK, a visual performance of February 2022 post-disaster aesthetics.

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CAPITOLO / CHAPTER

V E R D E PA L L I D O

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Non mi è mai piaciuto come colore astra o, che è quello che immediatamente associo alla parola “verde”. C’è da dire, però, che le mie due giacche preferite sono verdi. Non sapevo se comprarle o no, ma in entrambi i casi i venditori sono stati molto bravi a fare il loro lavoro. Sono sempre a ascinato da chi capisce il proprio mestiere e lo me e in pratica con dedizione, c’è molta bellezza in questo. Alla ne, mi hanno convinto a me ere da parte i miei dubbi, e ho acce ato la “tru a”. In realtà nessuno mi fa mai i complimenti per quello che indosso, perché non mi interessa. Queste due giacche però sono un’eccezione.

I never liked it as an abstract colour, which is what I first associate with the word “green”. However, my two favourite jackets are green. I was very hesitant to buy them, but the salesmen were very good at doing their job. I am always fascinated by people who understand their craft and apply it with dedication; there is much beauty to be discovered in it. In the end, they made me bet against my doubts. I agreed to the scam. Actually, I never get compliments on what I wear because I don’t care. These two jackets are the exception.

Quando avevo diciassette anni,

pensavo che fosse impossibile dichiarare la mia omosessualità. Era davvero fuori discussione. Nessuno doveva saperlo, altrimenti il mondo sarebbe crollato. Poi, a vent’anni, ho aperto quella porta e l’ho attraversata. Da allora so che il futuro è imprevedibile.

When I was seventeen, I thought it was impossible that I would ever come out as gay. It was really out of question. No one was ever allowed to know, otherwise the world would fall apart. Then, at the age of twenty, I opened that door and just walked through it. Since then, I know that the future is unpredictable.

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THE WORD “NO”.

PAROLA

“ N O ”.

There are many. My parents, my very good friends, artists and other people who I consciously or unconsciously perceived as mentors and role models. But the many people from whom I wanted to separate and distinguish myself are just as important. And sometimes, it turned out that the people who support me, the ones who I love or admire and those from whom I want to distinguish myself were the same.

Ce ne sono molti. I miei genitori, i miei migliori amici, gli artisti e altre persone che ho considerato – più o meno consapevolmente – miei mentori e modelli. Ma tutte le persone da cui ho voluto separarmi e distinguermi sono altrettanto importanti. Per poi scoprire che, a volte, le persone che mi sostengono, che amo e che ammiro, e quelle da cui ho voluto distinguermi… erano le stesse.

NDE. MA F O E I MI O R D A E R I S E M D E M R U I O B Q S È: F E B U S T ELLO ? S I E I T B E L T A U I CI SO RACCHI E L R L N L NO A T E A C H E R E I N Q U U D ET D COM AL E P T O AU M C O SA O SS IE P

LA DEBOLEZZA, CREDO.

q do ues ub tio ts ns an Th er It ea ra re ns so fo m rm a n m y y

an wc ho tiful? s: beau g

he sum of t be t ay s into some hem th . M fear in i d

WEAKNESS, I SUPPOSE. 180–181

BORIS NIKITIN

Figlio di immigrati ucraini, slovacchi, francesi ed ebrei, Boris Nikitin nasce a Basilea nel 1979. Regista teatrale, drammaturgo e curatore, da oltre tredici anni indaga, a raverso le sue produzioni teatrali, testi e happening, la creazione e la rappresentazione della realtà e dell’identità. I suoi lavori si muovono al con ne tra il teatro di nizione e la performance, tra il documentario e la propaganda.

Le opere di Nikitin (che vantano tournée internazionali) sono crude, frontali, ma sempre composte con estrema cura e sempre alla ricerca dei limiti e dei Boris Nikitin, born in punti di ro ura Basel in 1979 and dell’estetica. son of Ukrainian“Come pochi altri Slovakian-Frencho i, Boris Nikitin Jewish immigrants, sta portando il is a theatre director, teatro a un punto author and curator. cruciale”, scrive la For over thirteen rivista teatrale years, his productions, texts and hap- tedesca eater penings have been heute. dealing with the rep- Sul quotidiano resentation and pro- Tages-Anzeiger di duction of identity Zurigo si le e: “Il and reality. They are regista di Basilea border crossings spinge il genere del between illusion teatro theatre and performance, between documentary and propaganda.

Nikitin’s works, many of which tour internationally, are raw, frontal, yet always precisely composed and always in search of the boundaries and breaking points of the aesthetic. “Like few others, Boris Nikitin is currently leading theatre to a critical point”, writes the German professional journal Theater heute. The Zurich daily newspaper Tages-Anzeiger writes: “The Basel

documentario no al suo limite estremo”. Nei suoi ultimi lavori e testi teatrali, Nikitin si dedica sempre più al rapporto tra arte e mala ia. Nel 2017 vince, per la totalità della sua opera, il J.M.R. Lenz Drama Prize istituito dalla ci à di Jena. Nel 2020 vince lo Swiss eater Prize. Lo spe acolo Versuch über das Sterben (On Dying) è stato invitato al eatertre en svizzero nel 2021. Lo spe acolo First Season. 20 Years Big Brother è stato

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invitato ai Mülheim eatre Days come una delle se e migliori opere in lingua tedesca del 2021. Già docente all’Università di Francoforte e alla director pushes the Scuola delle Arti di genre of documenZurigo, Boris tary theatre to its Nikitin ha limits”. In his latest o enuto la plays and texts, Christoph Nikitin increasingly Schlingensiefdeals with the relaVisiting tionship between art Professorship and illness. In 2017, Nikitin was awarded presso l’Università the J.M.R. Lenz di Bochum nel Drama Prize of the 2018/2019.

city of Jena for his complete works. In 2020 he received the Swiss Theatre Prize. His play Versuch über das Sterben (On Dying) was invited to the

Swiss Theatertre en in 2021. His play First Season. 20 Years Big Brother was invited to the Mülheim Theatre Days as one of the seven best German-language plays of 2021. Boris Nikitin held the Christoph SchlingensiefVisiting Professorship at the University of Bochum in 2018/2019. He also taught at the University of Frankfurt and the School of Arts in Zurich.

27.06.2023 H 20.00 28.06.2023 H 20.00 ARSENALE TEATRO ALLE TESE (II)

(90’ — 2016) P R I M A I TA L I A NA / I TA L I A N P R E M I E R E

PRODUZIONE / PRODUCED BY IT’S THE REAL THING STUDIOS COMMISSIONATO DA / COMMISSIONED BY KASERNE BASEL, GESSNERALLEE ZÜRICH, LA VILETTE PARIS, ONASSIS CENTER ATHENS, RINGLOKSCHUPPEN RUHR, MÜNCHNER KAMMERSPIELE, HAU - HEBBEL AM UFER BERLIN CON IL SUPPORTO DI / WITH SUPPORT FROM THEATRE/DANCE COMMITTEE OF THE CANTONS OF BASEL-LAND AND BASEL-STADT, ERNST GÖHNER FOUNDATION, PRO HELVETIA, MIGROS KULTURPROZENT, KUNSTSTIFTUNG NRW

DI / BY BORIS NIKITIN IDEAZIONE, TESTO, REGIA / CONCEPT, TEXT, DIRECTION BORIS NIKITIN CON / WITH JULIA*N MEDING CANZONI / SONGS UZRUKKI SCHMIDT ENSEMBLE BAROCCO / BAROQUE ENSEMBLE DER MUSIKALISCHE GARTEN DISEGNO SONORO / SOUND DESIGN ADOLFINA FUCK VIDEO GEORG LENDORFF KAI MEYER SCENE E COSTUMI / SET DESIGN AND COSTUMES NADIA FISTAROL DISEGNO LUCI / LIGHTING DESIGN BENJAMIN HAUSER DIREZIONE TECNICA / TECHNICAL DIRECTORS ANAHI PEREZ E / AND BENNY HAUSER ORGANIZZAZIONE / PRODUCTION MANAGEMENT ANNETT HARDEGEN

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NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

Hamlet è la quintessenza del mio lavoro dal 2007 al 2016, è lo spe acolo di quel periodo in cui mi sono spinto più a fondo. Non è l’allestimento del dramma di Shakespeare, piu osto un’appropriazione. Come in Shakespeare, si parla di realtà, inganno e identità, e a partire da questo abbiamo costruito il nostro spe acolo. Quando l’abbiamo riallestito, nell’inverno 2022/2023, dopo un intervallo di tre anni, mi ha stupito come non avesse perso nulla della sua magia radicale e del suo potenziale destabilizzante. Anzi, ne aveva guadagnato. In special modo per quanto riguarda il tema dell’“identità”, che neg l i ul t i m i a nn i è diventato un terreno di

scontro a livello politico e giornalistico, credo che la nostra proposta sia ancora di erente: non l’identità come q u a l c o s a d a s s a r e, d a determinare conce ualmente, ma come qualcosa di cangiante, come una possibilità, come una relazione che non si può predeterminare tra un persona io e le persone che lo circondano.

Hamlet is the quintessence of my work from 2007 to 2016. It is the play in which I have gone furthest up to that point. e play is not a production of S h a k e s p e a r e, r a th e r a n appropriation. Like Shakespeare, it is about reali ,

Hamlet di Boris Nikitin è probabilmente la sua opera più importante e acclamata dalla critica. In un crossover tra performance documentaristica e teatro musicale dallo stile queer e punk, Julia*n Meding (performer e musicista) veste i panni di un Amleto contemporaneo che si ribella alla realtà. Assieme al pl uripremiato quartet to d’archi Der Musikalische Garten, il protagonista si imbarca in un tour de force in cui rivela se stesso, il suo corpo e la sua biografia davanti agli occhi del pubblico. È Amleto? O è Meding? È tutto un gioco? Hamlet è una rivolta poetica: cruda, conflittuale, cangiante, antisociale. Lo spettacolo, che il pubblico e la critica hanno definito un’opera eccezionale per il suo tempo, ha debuttato nell’autunno del 2016 ed è stato portato in tournée nel 2019 per oltre sessanta recite. Nel 2023 è stato ripreso, dopo una pausa di tre anni, per il Festival Internacional de Buenos Aires.

deception and identi . We made our own play out of it. When we revived it in the winter of 2022/2023 – a er a three-year break – I was surprised that the play had lost none of its radical magic and unse ling potential. In fact, it has gained even more. Especially when it comes to the topic of “identi ”, which has become a political and journalistic ba leground in recent years, I think we still o er a di erent proposition. Identi not as something to be pinned down, to be determined with concepts, but as something iridescent and potential; as an ultimately unpredictable relationship between a gure and the people surrounding it.

Boris Nikitin’s critically acclaimed Hamlet is probably his most consequential work. In a crossover of documentary performance and queer punk music theatre, the performer and electro musician Julia*n Meding takes on the role of a contemporary Hamlet rebelling against reality. Supported by the award-winning string quartet Der Musikalische Garten, the protagonist embarks on a tour de force, in which he reveals himself, his body and his biography to the eyes of the audience. Is it Hamlet? Or is it even Meding? Is everything just a game? Hamlet is a poetic revolt: raw, confronting, iridescent, antisocial. The play, which audiences and critics have described as an outstanding work of its time, premiered in autumn 2016 and toured over sixty times throughout 2019. In 2023, it has been resumed after a three-year break at the Festival Internacional de Buenos Aires.

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25.06.2023 H 20.00 ARSENALE SALA D’ARMI A

(55’ — 2019) P R I M A I TA L I A NA / I TA L I A N P R E M I E R E

PRODUZIONE / PRODUCED BY IT’S THE REAL THING STUDIOS COMMISSIONATO DA / COMMISSIONED BY KASERNE BASEL CON IL SUPPORTO DI / WITH SUPPORT FROM THEATRE/DANCE COMMITTEE OF THE CANTONS OF BASEL-LAND AND BASEL-STADT

DI / BY BORIS NIKITIN REGIA, TESTO, INTERPRETAZIONE / DIRECTION, TEXT, PERFORMANCE BORIS NIKITIN ORGANIZZAZIONE / PRODUCTION MANAGEMENT ANNETT HARDEGEN AIUTO REGIA / OUTSIDE EYE ANNETT HARDEGEN MATTHIAS MEPPELINK KATHRIN VESER

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NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

Naturalmente è un’opera molto personale. Mentirei se dicessi di non aver avuto l’interesse e la curiosità di condividere questi pensieri personali con un pubblico. Allo stesso tempo, è un testo su cui lavoro da quasi tre anni. Lo spe acolo è tu ’altro che documentaristico, ma ha molti elementi di non- ction. Tu avia, a livello artistico – ma credo che nel mio lavoro il piano artistico e quello personale con uiscano sempre – l’opera è anche una s c omme ss a . Ho vol u to scomme ere tu o sul fa o che sarebbe bastato solamente che qualcuno entrasse in scena, si sedesse su una sedia e le esse un testo a voce alta. Ho voluto scomme ere che nell’assenza di quasi tu o ciò che la ma ior parte di noi si aspe a dal “teatro”, si può creare teatro con la T maiuscola. Per me questa assenza era nodale, e rappresentava certamente anche la ricerca di un’altra forma di libertà autentica. Credo che questa sia una parte importante di ciò che viene t r a s m e s s o a l p u b b l i c o. All’inizio la ma ior parte delle persone pensa: “Se è tu o qui, sarà una serata faticosa, arida”. 55 minuti dopo, la ma ioranza la pensa in modo totalmente diverso. E questa sorpresa fa parte dello spe acolo. Dopo quest’ultimo

anno molto intenso passato con mio padre, ho sentito il bisogno di gridare al mondo che a volte la presenza di una persona, la sua storia, la sua voce… è abbastanza. Che può essere tu o. Al termine di una replica, ad Amsterdam, una persona del pubblico mi si è avvicinata nel foyer e mi ha de o che era lo spe acolo più generoso che avesse mai visto. Credo sia stato il risultato dell’assenza, della mancanza che c’è nello spe acolo: all’improvviso c’era molto spazio per il pubblico.

Of course, it is a very personal work. I would be lying if I said I had not had an interest and also a curiosi to share these personal thoughts with an audience. At the same time, it is a text that I have been working on for almost three years. e play is anything but documentary. But of course, it has many elements of the non- ctional. However, on an artistic level – and I believe that with me the

artistic and the personal always ow together – the piece is also a bet. I wanted to bet everything that it would be completely su cient for someone to enter the stage, sit down on a chair and read out a text. I wanted to bet that in the om i ss ion of a l mo st everything that most of us expect from “theatre”, great theatre can be created. is omission was central for me, certainly also a search for another form of freedom that is real. I think that’s an i m por t a nt p a r t of wh at transfers to the audience. Most people think at the beginning, “if that’s all there is, then this could be a tiring, dry evening”. 55 minutes later, most think very di erently. And the surprise of that – that’s part of this evening. A er this very intense last year with my father, I just felt the need to shout out to the world that sometimes the presence of one person, their story, their voice, is simply enough. And that this can be everything. A er one of the shows in Amsterdam, an audience member approached me in the foyer and said that it was the most generous piece of theatre he had ever seen. I think that was the result of the omission, of the absence that is in the play: there was suddenly a lot of space for the audience.

Un anno dopo la morte del padre, il regista e drammaturgo Boris Nikitin inizia a scrivere la storia della sua malattia, la SLA. La malattia è stata molto rapida: dalla diagnosi alla morte è passato solo un anno. Il padre ha quasi subito avanzato l’idea di prendere in considerazione il suicidio assistito, che è un modo legale di morire in Svizzera. È una dichiarazione che cambia tutto. In Versuch über das Sterben (On Dying) Nikitin unisce la storia di questa dichiarazione con quella del suo coming out avvenuto vent’anni prima, e sviluppa un evento teatrale al tempo stesso intimo e radicale su cosa significhi rendersi vulnerabili, attaccabili. Dopo aver giocato per quindici anni con le biografie dei suoi interpreti, esplorando le possibilità del confine tra i documenti e le loro contraffazioni, il regista porta se stesso sul palcoscenico per la prima volta. Versuch über das Sterben è senza dubbio il suo spettacolo più personale.

One year after the death of his father, author and theatre director Boris Nikitin begins to write the story of his ALS disease. The disease worked quickly: it took only a year from diagnosis to death. Very early on, the father proposed the idea of considering an assisted suicide, which is a legal way of dying in Switzerland. It’s a statement that changes everything. In Versuch über das Sterben (On Dying), Nikitin combines the story of this outing with the story of his own coming out as a gay man twenty years before, and develops a radical and at the same time intimate theatrical evening about what it means to make oneself attackable and vulnerable. After fifteen years of playing with the biographies of his actors and performers, exploring the possibilities of the boundaries between documents and their fakes, the director takes himself to the stage for the first time. Versuch über das Sterben is unquestionably his most personal evening.

196–197

198–199

CAPITOLO / CHAPTER

VERDE MUSCHIO

200–201

“Ma qui, gli emblemi non sono altro che alcuni dipinti ingegnosamente inventati da uomini di spirito, rappresentati e simili alle le ere gerogli che degli egizi [...].” Claude Mignault

“But here emblems are nothing more than paintings that have been ingeniously crafted by men of wit, represented, and reminiscent of the hieroglyphic letters of the Egyptians [...].” Claude Mignault

“Mentre i bambini si divertono con le nocciole e i giovani con i dadi, così giocare a carte riempie il tempo dei pigri. Nella stagione delle feste noi elaboriamo questi emblemi, fatti dalla nobile mano degli artigiani. Proprio come si aggiungono guarnizioni agli abiti e distintivi ai cappelli, così si addice a ognuno di noi scrivere segni muti. Anche se il supremo imperatore può darti preziose monete e finissimi oggetti antichi, io do a te, poeta a un altro poeta, doni di carta: prendi questi, Konrad, segno del mio amore.” Andrea Alciato

“While boys are entertained by nuts and youths by dice, so playing-cards fill up the time of lazy men. In the festive season we hammer out these emblems, made by the distinguished hand of craftsmen. Just as one affixes trimmings to clothes and badges to hats, so it behooves every one of us to write in silent marks. Though the supreme emperor may give to you, for you to own, precious coins and finest objects of the ancients, I myself shall give, one poet to another, paper gifts: take these, Konrad, the token of my love.” Andrea Alciato (translated by John F. Moffitt)

202–203

FAITHFUL TO ITS DISCONNECTION FROM T H E A B S O L U T I S M O F R E A L I T Y, Fe CASTELLUCCI’S THEATRE STRUGGLES, dele IN HIS OWN WORDS, “WITH THE VERB a l l a ‘TO BE’; WITH THE BODY, WITH disconLANGUAGE, WITH TIME AND PLACE. nessioJUST LIKE FLAUBERT, ON A STAGE n e I’M A WOMAN, AN AFRICAN, AN dall’asESKIMO LESBIAN; I’M AN sol ut i smo ANCIENT SUMERIAN”. YOU CAN della realtà, il F E E L T H E “A R C O F T I M E ” teatro di PRESSING DOWN DURING Castell ucci OUR BRIEF ENCOUNTER lotta, sono WITH THIS JOURNEY MADE parole sue, “con il OF SIGNS (A BRANCH, A verbo essere, il SHOE, BLINDNESS, corpo, la lingua, il NUMEROUS RITES, A tempo e il luogo: su REQUEST FOR HELP un palco, come AND, ABOVE ALL, Flaubert, io sono SOUND: “YOU JUST donna, sono africano, HAVE TO WALK, IT sono lesbica esquimese, DOESN’T MATTER sono antico sumero”. E la si WHERE”, HE SAYS). sente premere, la “curvatura IT’S A VIATICUM d e l t e m p o ”, n e l b r e v e AND AN OMEN, incontro con questo cammino ONE WHICH fatto di segni (ramo, scarpa, EVERYONE cecità, molti riti, richiesta di WILL IMBUE aiuto e, sopra a tutto, suono: W I T H “Occorre camminare, dove non CHARISMA, importa”, sempre parole sue): viatico S O U L , e pre s a g io, c u i o g nuno s a prà A N D conferire carisma, anima, radici. ROOTS. Stefania Vitulli, Il Giornale

204–205

Regista, creatore di scene, luci e costumi, Per la stagione 2018/2019, Romeo Castellucci Romeo Castellucci (Cesena, 1960) è conosciuriceve un triplice premio dagli “Oscar” della to in tu o il mondo per aver dato vita a un lirica europea, un sonda io della rivista teatro fondato sulla totalità delle arti e rivolto tedesca Opernwelt tra cinquanta critici musia una percezione integrale dell’opera. Il suo cali internazionali: “Miglior spe acolo”, “Miteatro propone una drammaturgia che ribalta glior regista”, “Miglior scenografo” per Salomè. il primato della le eratura, diventando così Alla ne del 2018, il proge o Un automne avec una complessa forma d’arte: un teatro fa o di Romeo Castellucci vede la presentazione de Il immagini straordinariamente ricche ed auto magico di Wolfgang Amadeus Mozart a espresso in un linLa Monnaie, R O M E O C A S T E L L U C C I l’a per t ura del l a gua io comprensibile come la musica, la scultura, la pi ura o mostra History of Oil Painting a Bozar e l’archite ura. Le sue messe in scena sono l’ultima creazione teatrale intitolata La vita regolarmente invitate e prodo e dai più prenuova a KANAL-Centre Pompidou, una perstigiosi festival, teatri internazionali e teatri formance che si interroga sul destino colle idell’opera, in oltre cinquanta Paesi in tu i i vo e sull’arte. Nel gennaio 2019 debu a continenti. Tra le sue creazioni più recenti all’Opéra Garnier con Il primo omicidio di Alesricordiamo: e Minister’s Black Veil (2016) sandro Scarla i. Per la produzione operistica, ispirato all’omonima novella di Nathaniel nel 2022, Romeo Castellucci si confronta con Hawthorne, Jeanne d’Arc au bûcher (2017) di la Resurrezione di Gustav Mahler per il FestiArthur Hone er, Democracy in America val d’Aix-en-Provence; al Salzburger (2017), liberamente ispirato al testo di Alexis Festspiele debu ano Il castello di Barbablù di de Tocqueville, Tannhäuser (2017) di Richard Béla Bartók e De temporum ne comoedia di Wagner e, presentato al Salzburger Festspiele, Carl Or , dirige la collaudata coppia Teodor Salomè (2018) di Richard Strauss. Currentzis sul podio e Romeo Castellucci alla regia. In teatro, la tournée di Bros prosegue con successo.

Director and ations: The Minister’s Black Veil (2016) inspired by KANAL-Centre stage, lighting Nathaniel Hawthorne’s parable, Jeanne d’Arc au Pompidou, a perand costume bûcher (2017) by Arthur Honegger, Democracy in formance that designer Romeo America (2017) freely inspired by Alexis de questions art and Castellucci Tocqueville’s work, Tannhäuser (2017) by Richour collective des(Cesena, 1960) is ard Wagner and Salomé (2018) by Richard tiny. known across the Strauss. For the 2018/2019 season, Romeo In January 2019 he world for creating a Castellucci received a triple award, the made his debut at theatre founded on “Oscars” of European opera: fty interOpéra Garnier in Paris the totality of the arts national music critics surveyed by the with Il primo omicidio and aimed at an integral G e r m a n m a g a z i n e O p e r nw e l t by Alessandro Scarlatti. perception of the artgranted Romeo Castellucci with the For his opera production work. His theatre “Best Show”, “Best Director”, and in 2022, Romeo engages in a type of “Best Production Designer” Castellucci has been dramaturgy that overturns awards for Salomé. At the end engaged with Resurrection the primacy of literature, of 2 0 1 8 , t h e p ro j e c t U n by Gustav Mahler at Festithus becoming a complex automne avec Romeo val d'Aix-en-Provence and and exible form of art, a Castellucci includes the at Salzburg Festival with theatre made of extraordipresentation of The Magic Duke Bluebeard’s Castle by narily rich images expressed F l u t e b y Wo l f g a n g Béla Bartók, followed by De in a language as comprehensiAmadeus Mozart in La temporum ne comoedia by ble as music, sculpture, paintMonnaie, the opening Carl Or (Teodor Currentzis on ing or architecture. of the History of Oil the podium and Romeo Painting exhibition His stagings are regularly invited Castellucci directing). As for theain Bozar and his to and produced by the most prestre productions, Bros continues latest theatrical tigious international theatres, the tour with great success. creation entiopera houses and festivals, in over tled La vita fty countries covering all the continuova at nents. Among his most recent cre-

La Socìetas Ra aello Sanzio è stata fondata nel patita nell’attualità e sotto la pressione del futu1981 da Claudia e Romeo Castellucci, Chiara e ro. Dopo tale impresa, la Socìetas Ra aello Paolo Guidi (che ne fa parte no al 1996) nella Sanzio separa il proprio lavoro per dare impulso condivisione di un’idea di teatro dalla scena all’individualità artistica dei singoli fondatori e, prevalentemente visidal 2006, sintetizza il va, plastica e sonora. nome in Societas, e Socìetas Ra aello Sanzio was founded in La compagnia, sotto producendo distinta1981 by Claudia Castellucci, Romeo Castellucci, la regia di Romeo mente le opere di ciaChiara Guidi and Paolo Guidi (a member until Castellucci, la cura scuno. Dal 2018 tutte 1996), who shared an idea of theatre predomidel ritmo drammatile iniziative sperinantly based on visual and sculptural elements, co di Chiara Guidi e mentali che Societas as well as sound. e company, directed by la cura teorica e attua vanno sotto il Romeo Castellucci, with Chiara Guidi respondrammatica di Claunome di Istituto di sible for the dramatic rhythm and the theoretidia Castellucci, si è Ricerca di Arte cal and dramatic aspects entrusted to Claudia presto distinta in Applicata Societas, e Castellucci, soon made a name for itself all over tutto il mondo, nei hanno come fulcro il the world, bringing to major international festiprincipali festival e Teatro Comandini di vals and theatres pieces such as Saint Sophia. teatri internazionali Cesena, sede della Khmer eatre (1986), e Descent of Inanna con lavori come compagnia e degli (1989), Gilgamesh (1990), Hamlet. e Vehement Santa So a. Teatro Osservatòri di TeaKhmer (1986), La tro, Danza, Musica Exteriori of the Death of a Mollusk (1992), and discesa di Inanna da essa curati. SocieMasoch. e Triumphs of eatre as Passive Power, (1989), Gilgamesh tas vanta un prezioso Guilt, Defeat (1993). During those same years, (1990), Amleto. La Archivio, in corso di the Socìetas Ra aello Sanzio created a unique veemente esteriorità catalogazione e digiand radical form of children’s theatre, with Handella morte di un moltalizzazione, riconosel and Gretel, Buche ino (1994), Donkey Skin lusco (1992), sciuto dalla Sovrin(1998) and other works. is project was folMasoch. I trion del tendenza come “di lowed in 1995 by Oresteia (An Organic Comedy?), teatro come potenza valore storico partithen Julius Caesar (1997), Genesis (1999), Voyage passiva, colpa e sconcolarmente imporau bout de la nuit (1999), based on Louistta (1993). Negli tante”. Ferdinand Céline, and Il Comba imento, a musistessi anni la Socìecal theatre piece by Claudio Monteverdi and tas Ra aello Sanzio Sco Gibbons. is period culminated with the dà vita a un percorso Tragedy Endogonidia (2002-2004), a cycle of di teatro infantile dal eleven episodes named a er as many cities, a tratto unico e radicagigantic recapitulation of tragedy, experienced le con spettacoli che and su ered in the present and under the presincludono, tra gli sure of the future. A er this undertaking, the altri, Hänsel e Gretel, single founders of the Socìetas Ra aello Sanzio Buchettino (1994), separated in order to dedicate themselves to Pelle d’asino (1998). their individual work and, in 2006, condensed Quindi nel 1995 Orethe name into Societas, producing each of their stea (una commedia works separately. Since 2018, all the experimenorganica?), cui tal initiatives that Societas carries out go under seguono Giulio Cesathe name of Societas Research Institute of re (1997), Genesi Applied Art, and are based at the Teatro (1999), Voyage au Comandini in Cesena, home of the company bout de la nuit (1999), and of the eatre, Dance and Music Observatratto dal romanzo di tories it curates. Societas boasts a precious Louis-Ferdinand CéliArchive, currently being catalogued and digitne, e Il Combattiised, recognised by the Sovrintendenza as havmento, opera di teaing “particularly signi cant historical value”. tro musicale di Claudio Monteverdi e Scott Gibbons. Fino alla Tragedia Endogonidia (2002-2004), ciclo formato da undici Episodi che prendono il nome da altrettante città, gigantesca ricapitolazione del tragico, vissuta e S O C I E TAS 206–207

28.06.2023 H 18.00, H 18.30, H 19.15, H 19.45 29.06.2023 H 18.00, H 18.30, H 19.15, H 19.45 30.06.2023 H 18.00, H 18.30, H 19.15, H 19.45 1.07.2023 H 18.00, H 18.30, H 19.15, H 19.45 MISERICORDIA DI VENEZIA

(25’ — 2022)

UNA PRODUZIONE DI / A PRODUCTION BY TRIENNALE MILANO E / AND SOCIETAS COMMISSIONATA IN OCCASIONE DI / COMMISSIONED FOR UNKNOWN UNKNOWNS. AN INTRODUCTION TO MYSTERIES, 23A ESPOSIZIONE INTERNAZIONALE DI / 23RD INTERNATIONAL EXHIBITION OF TRIENNALE MILANO

CONCEZIONE E DIREZIONE / CONCEPT AND DIRECTION ROMEO CASTELLUCCI MUSICA / MUSIC SCOTT GIBBONS COREOGRAFIA / CHOREOGRAPHY GLORIA DORLIGUZZO CON / WITH ANA LUCIA BARBOSA DIREZIONE TECNICA / TECHNICAL DIRECTOR EUGENIO RESTA PROGETTO SONORO / SOUND COMPOSITION CLAUDIO TORTORICI OGGETTI DI SCENA / PROPS ANDREI BENCHEA DIREZIONE DELLA PRODUZIONE / EXECUTIVE PRODUCER BENEDETTA BRIGLIA PROMOZIONE E DISTRIBUZIONE / PROMOTION AND DISTRIBUTION GILDA BIASINI PRODUZIONE E TOUR / PRODUCTION AND TOURING CATERINA SORANZO ORGANIZZAZIONE / GENERAL MANAGER GIULIA COLLA AMMINISTRAZIONE / ADMINISTRATION SIMONA BARDUCCI ELISA BRUNO MICHELA MEDRI FOTO / PHOTO LUCA DEL PIA VIDEO EVA CASTELLUCCI

208–209

NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

Il lemma tecnico di emblema (che signi ca “faccio entrare”) è un intarsio che comporta una composizione di gure. In epoca romana indicava la dispositio, la combinazione di immagini e caci. L’emblema cavalca le parole e i loro nessi per dire altro con le immagini. Gli emblemi sono “tacite note”, come i gerogli ci, che appaiono “muti” a chi li guarda senza che si sappia il loro signi cato. Sono immagini dipinte che non hanno bisogno di essere de e, bensì “viste”. domani questo produce: segni che, a raverso un gioco di rimandi, esprimono a ivamente dei contenuti, ovvero signi cano altro da sé. “Le parole signi cano, le cose sono signi cate. Tu avia anche le cose talvolta signi cano.” (Andrea Alciato, Il libro degli Emblemi, 1531) domani è il passo davanti a noi? alludendo alla scarpa. C. C.

e technical meaning of the word emblem (“to put inside”) indicates an inlay that leads to a composition of gures. In Roman times it indicated a dispositio, or a combination of e ective images. e emblem straddles words and the links between them, in order to say something else with images. Emblems are “silent notes”, like hieroglyphics. ey seem “mute” to those who look at them without knowing their meaning. ey are painted images that do not need to be said, but rather “seen”. domani (tomorrow) produces precisely this: signs that, through a play of crossreferences, actively express content, that is, signi something other than themselves. “Words signi , things are signi ed. However, things too can signi at times.” (Andrea Alciato, e Book of Emblems, 1531) Is domani the step in front of us? alluding to the shoe. C. C.

domani è una gura del tempo? La performance di Romeo Castellucci che prende questo titolo esaudisce il suo pauperismo nella coazione a ripetere la stessa breve catena di gesti. Pochi elementi in un intervallo vagamente de nito. Il nucleo della ripetizione resta impenetrabile, non databile, non localizzabile in una vicenda. A compierla è una presenza femminile, imponente per l’altezza fuori scala. Si limita a percorrere, camminando, alcune traie orie nel Salone d’Onore svuotato. È a piedi nudi. Capelli neri, lunghi sulle spalle, zuppi d’acqua. So oveste di lycra rosa pastello. Una postura che tradisce una forma di irrequieta dimissione. Lo sguardo è sbiancato, così che pupilla e sclera coincidono con una super cie la ea che fa degli occhi profondi punti ciechi. Nel perturbante del suo sguardo rovesciato è convocato il topos della chiarove enza, facoltà divinatoria ricevuta in dote con la cecità: condizione da cui si prende parola in nome del futuro. Se la cecità collima tradizionalmente con l’uso della parola pre gurante, in domani il discorso è già da subito interde o. Non c’è nulla da divinare qui. Al suo posto un bisbigliare a l di bocca, un ruminare imprendibile di sentenze sgranate, vociferazioni tra enute tra i denti anneriti forse da un liquore amaro. Nello sfondo la latenza di rumori di natura. Novella Tiresia, la donna incede con una certa dose di irresolutezza. Sostiene su una spalla un lungo palo ricavato dal tronco sbozzato di un giovane albero. Le braccia sono protese in avanti in una paralisi agitante, un tremore con il quale sembra sondare la distanza che la separa dall’o e o che i ne s orabi l mente l a pre c e de. Nell’estremità del ramo – quella a conta o con il pavimento – è infa i con ccata la scarpa destinata a un piccolo piede, si direbbe di un bambino. Il suo o lei stessa ieri? Nella sua oscurità, domani trama con un potenziale mitico ria ivato da fusioni e innesti. Ecco che il tronco più che una verga rabdomantica potrebbe di colpo apparire come l’esito di una metamorfosi vegetale che ha nella scarpa il refuso di un precedente stato. Un innestarsi di umano non-umano, sollecitati dal costante divenire della materia che testimonia l’intima parentela tra tu e le forme dell’esistente. Un tormento assale via via la gura nel continuum di un pianto o uso. La donna appare incapace di comprendere che è esa amente l’“estensione” del bastone a impedire l’incontro con la cosa. Sempre procrastinata, di erita, rinviata. L’insistenza con cui cerca di aprirsi un varco nella densità dello spazio nudo si scontra

in ne con un non l uogo a procedere. È lo sforzo inoperoso e puerile ad avanzare in direzione di una delle pareti del Salone, che si frappone ora come un solido ostacolo. L’impa o tra scarpa e muro genera un pervasivo suono tell urico. Ogni presenza – compreso lo spe atore – si scopre a l l a r m a t a d a u n v i ol e n t o scuotimento acustico, creato dal compositore Sco Gibbons. Un le erale urto delle viscere che fa coincidere i colpi contro la parete con una intensa percezione extrau d i t i v a . E d è s ol o c o n i l sopra iungere di quella partitura sonora invasiva che l’insieme degli elementi della performance giunge a collaudo. Lì dove l’esperienza di ciò che accade si scopre rilanciata, oltre ogni esercizio ermeneutico, nella richiesta di un a o di presenza. Se l’avanzare della donna è s b a r rato nel r i mb a l zo d i un’interruzione senza contenuto, a poco vale sbracciarsi e scalciare. I presagi (del domani), allusi con la cecità, non lasciano spazio che a una inde nibile impotenza, qualcosa che è irrevocabilmente f uor i p or t a t a , i m p o ss i b i l e accedervi, (oppure accedervi signi ca sbilanciarsi verso l’ignoto?). Vale solo retrocedere per ricominciare, ricominciare, ricominciare. domani è allora una gura del tempo incapace di elaborare il trauma, di fare i conti con la nuova cosmologia che ha messo in crisi l’andamento progressivo della freccia del tempo. La cesura del presente è l’unico intervallo saturabile. Piersandra Di Ma eo

domani (tomorrow): a gure of time? is performance by Romeo Castellucci turns to a sort of pauperism, with a compulsion to repeat the same short chain of gestures. Only a few elements, in a vaguely de ned interval of time. e core of this repetition remains impenetrable: it cannot be dated, nor related to a speci c 210–211

s to r y. A f e m a l e p r e s e n c e, imposing for her extraordinary height, merely retraces, with her footsteps, a few paths along an emptied Hall of Honour. She is barefoot. Black, shoulder-length hair, soaking wet. A pastel pink lycra slip dress. Her posture b e t r ays a s o r t o f r e s tl e s s r e s i g n a t i o n . He r eye s a r e whitened, as the pupil and the sclera blend together in a mil surface that makes them seem like deep blind spots. is perturbing, reversed gaze g ive s r i s e to th e to p os of clairvoyance, a divinatory abili received as a gi along with blindness, and the condition that allows one to speak in the name of the future. While blindness traditionally accompanies the use of the prophetic word, in domani discourse is already forbidden. ere is nothing to be divined here. Instead, she whispers, her l i p s b a r ely mov i ng, i n a n unintelligible rumination of grainy verdicts, vociferations withheld between her teeth, blackened perhaps by some bi er liquor. In the background, the latency of nature’s noises. A contemporary Tiresias, this woman advances with a certain i r re sol ute q u a l i . O n one shoulder, she holds a long pole carved from the hewed trunk of a young tree. Her arms stretch forward in an agitated paralysis, a tremor with which she seems to probe the distance separating her from the object that inexorably precedes her. One end of the branch – the one in contact with the oor – is stuck inside a shoe intended for a small foot, one would say a child’s. Her child, or herself yesterday? In its darkness, domani acquires a mythical potential, reactivated by fusions and gra s. Here, the branch could suddenly appear not to be a dowsing rod but the outcome of a vegetal metamorphosis, with the shoe as the residue of a previous state. Human and non-human are gra ed together by the constant becoming of ma er that bears witness to the intimate kinship between all forms of existence.

e female gure is increasingly assailed by the continuum of a dull weeping. e woman seems incapable of understanding that it is precisely the “extension” of the stick that prevents her from encountering the thing. e encounter is always procrastinated, deferred, postponed. e insistence with which she tries to forge an opening in the dense, bare space ultimately comes up against a lack of grounds for proceeding. Her e ort to advance towards one of the walls of the Hall, which now stands against her as a solid obstacle, is inoperative and puerile. e impact between shoe and wall generates a pervasive telluric sound. Everyone present – including the spectator – is alarmed by a violent acoustic shaking, created by composer Sco Gibbons. e bowels literally grind when the banging against the wall coincides with a n i nten s e ex t r a - a ud i tor y perception. Only when that invasive composed sound arrives do all of the performance’s elements come fully into play, when the experience of what is happening appears to be relaunched, above and beyond any hermeneutic exercise, with a request for presence. e woman’s advance is blocked by a rebounding interruption with no content, so there is li le point in ailing and kicking. e omens (of tomorrow), alluded to with blindness, leave li le room for anything other than an unde nable impotence, something that is irrevocably out of reach, impossible to access (or would accessing it simply mean overreaching oneself towards the unknown?). All one can do is go back and start again, and again and again. domani, therefore, is a gure of time representing an inabili to process a trauma or come to terms with the new cosmology that has suspended the direction indicated by the arrow of time. e caesura of the present is the only interval we can saturate. Piersandra Di Ma eo

212–213

214–215

CAPITOLO / CHAPTER

VERDE TURCHESE

216–217

Il verde per me è il colore dell’infanzia e della morte. Quindi ha a che fare con il teatro.

Green to me is the colour of childhood and death. So it’s connected to theatre. Fabiana Iacozzilli

Th e Ba s i l i s k c o m e s t o m i n d , b e c a u s e i t wa s b o r n f r o m t h e e g g of a r o o s t e r a f t e r b e i n g i n c u b a t e d by

O RIFLESS SU IL

L SUO PARADO TE I SSO R E :P V I UÒ ID

O AT ST

O O.

re f l e c t i o n .

DA UN UOVO D I NATO

GAL LO D OP O

RIRE GUAR D MO A ND

ES SE

a t o a d , a n d b e c a u s e I f i n d i t s p a r a d ox a m u s i n g : i t s g a ze c a n k i l l , a n d i t m ay d i e by l o o k i n g a t i t s

ÉÈ CH ER ,P CO

Ò PU

218–219

O SGUARD ON L O C E E R E ID CC

BA SIL IS

MI VIENE IN MENT E IL

N ROSPO E O DA U P ER BAT C CU H É IN M

Verde è il ra io dell’ultrarealtà, il via io dentro e fuori da se stessi, corsa nell’universo, luce alchemica, aurora boreale, contrada mistica, è la visione smaragdina ina errabile e perfe a: Maresmer maresmel vad valma resdar mares delmer Deser verdal vernal damer adler es mar verden lervad Maresmer ver desmeral dar dar ver verd verd smerald

Tolja Djoković

Green is the ray of ultra-reality, the journey inside and outside yourself, a race through the universe, alchemical light, the aurora borealis, the mystical contrada; it’s the perfect and elusive “smaragdina” vision: Maresmer maresmel vad valma resdar mares delmer Deser verdal vernal damer adler es mar verden lervad Maresmer ver desmeral dar dar ver verd verd smerald

Juan Eduardo Cirlot, Visio smaragdina

A CAPPELLA CHOIRS; IMAGES OF CERTAIN NATURAL EVENTS; TRACES OF THE “BEYOND” IN WORKS OF ART; SPIRITUAL PRACTICE; THE BIOLOGY OF LIVING BEINGS.

I cori di voci a cappella, le immagini di alcuni eventi naturali, le tracce dell’oltre nelle opere d’arte, la pratica spirituale, la biologia degli esseri viventi.

220–221

NEL M O N DO .

THE

MINARE CAM

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IL TELETRASPORTO E LA TELECINESI.

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I GIORNO, P E, OGN ER R P AL EM S ZA O RM N , E O V I A R M E O G S T I T HE T DAY M

TELEPORTATION AND TELEKINESIS.

I CAN SPOT SEVERAL MIRACLES IN MY CAREER AND, GIVEN THE TYPE OF INTERVIEW AND WHERE WE ARE, I SHOULD TALK ABOUT SOMETHING RELATED TO THEATRE. AND YET THE GREATEST MIRACLE I THINK I’VE PERFORMED IS SURVIVING GRIEF; DISCOVERING THAT I WAS CAPABLE OF SURVIVING MY FATHER’S DEATH. I’VE NEVER REFLECTED ON FUTURE MIRACLES, BUT CURRENTLY THE ONLY ONE THAT INTERESTS ME – SINCE MY MOTHER’S DEATH WILL COME SECOND AND MY SURVIVAL WILL NO LONGER BE DEEMED A MIRACLE – IS TO ALWAYS REMAIN BOUND TO THE NEEDS AND CONCERNS THAT DRIVE ME TO MAKE THEATRE.

CI SONO EVENTI PRODIGIOSI NELLA MIA CARRIERA E, VISTO IL TIPO DI INTERVISTA, IL LUOGO IN CUI CI TROVIAMO, DOVREI PARLARE DI QUALCOSA CHE ABBIA A CHE FARE CON IL TEATRO. IL PRODIGIO PIÙ GRANDE CHE PENSO DI AVER COMPIUTO PERÒ È STATO SOPRAVVIVERE AL LUTTO. SCOPRIRE DI ESSERE IN GRADO DI SOPRAVVIVERE ALLA MORTE DI MIO PADRE. NON HO MAI PENSATO A DEI PRODIGI FUTURI MA AL MOMENTO L’UNICO CHE MI INTERESSA, VISTO CHE LA MORTE DI MIA MADRE ARRIVERÀ PER SECONDA E LA MIA SOPRAVVIVENZA NON SARÀ PIÙ DA CONSIDERARSI UN PRODIGIO, È QUELLO DI RIMANERE SEMPRE BEN AVVINGHIATA ALLE NECESSITÀ E AI CRUCCI CHE MI SPINGONO A FARE T E A T R O .

222–223

Quello di diventare adulta. È un'esperienza incredibile di cui ti accorgi solo quando ormai è successo.

BEC EXP OMI N E AW RIE G A AR NC N EO E F ,O O

CREDIBLE N IN A S COME IT’ NLY BE . LT U O APPENED. U H YO AD NE IT'S E NC

Mentre rispondo a queste domande sono in via io con Francesco Meloni – stiamo andando in residenza artistica per dieci giorni. Mi dico che siamo sempre in via io io e lui e che forse questo treno si sposta su un arcobaleno e che quindi, arrivati a Bagnacavallo – luogo della residenza –, spero di trovare ai miei piedi delle nuove domande, le domande necessarie a spingere avanti la nostra ricerca.

As I answer these questions I’m travelling with Francesco Meloni – we’re going on an artistic residency for ten days. It occurs to me that he and I are always travelling, and that perhaps this train is moving along a rainbow and that, once we get to Bagnacavallo (Ravenna), where the residency is, I hope to find new questions at my feet. The questions that are needed to push our work forward.

224–225

FA B I A N A I AC OZ Z I L L I

Fabiana Iacozzilli, regista e autrice, porta avanti un lavoro di ricerca improntato sulla drammaturgia scenica e sulle potenzialità espressive della gura del performer. Dopo essersi diplomata in Regia all’Accademia del Centro Internazionale La Cometa, è regista assistente di Pierpaolo Sepe e assistente di Luca Ronconi. Nel 2008 fonda la compagnia Lafabbrica. Dal 2011 è membro del Lincoln Center Theater Directors Lab. Dal 2013 è artista residente al Teatro Vascello e dal 2017 collabora con Cranpi e Carrozzerie | n.o.t. Tra i suoi spettacoli: Aspettando Nil, con il quale vince l’undergroundzero festival di New York; La trilogia dell’attesa, opera vincitrice del Play Festival (ATIR e Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa); Da soli non si è cattivi. Tre atti unici, liberamente tratto dai racconti di Tiziana Tomasulo, e La classe, che vince il bando di residenze interregionali CURA 2018, il Premio In-Box 2019, il Premio della Critica ANCT 2019 e ottiene quattro nomination ai Premi UBU 2019 (miglior progetto sonoro vinto da Hubert Westkemper). Nel luglio 2020, Una cosa enorme debutta alla Biennale Teatro 2020 e replica, nel 2021, al Romaeuropa Festival. Sempre nel 2021 è regista di Abitare il ritorno, progetto di teatro comunitario ideato da Asinitas e inserito in Incroci – progetto di interscambio tra realtà che usano il teatro come strumento di interazione culturale – e nel progetto di scambio internazionale di pratiche teatrali LiteracyAct. Nel 2022 Abitare il ritorno vince il Bando CIVIS Open Lab/Civic engagement del Festival Teatrale “Teatro delle migrazioni”. Nel 2022 cura la mise en lecture di EN ABYME per il 50. Festival Internazionale del Teatro della Biennale di Venezia. Attualmente lavora alla realizzazione del suo prossimo progetto, Il grande vuoto, che chiuderà il trittico La trilogia del vento. Nel 2023 cura insieme a Cranpi il progetto Piccole donne – tratto da Louisa May Alcott –, un laboratorio di teatro integrato con giovani donne che so rono di disturbi alimentari, in collaborazione con Villa Pia – Italian Hospital Group di Guidonia Montecelio. Fabiana Iacozzilli si occupa inoltre di formazione: dal 2011 fa parte del corpo docenti dell’Università Link Campus di Roma (Cattedra di recitazione, Dipartimento DAMS), collabora con l’Accademia del Centro Internazionale La Cometa e, negli ultimi anni, si dedica a una ricerca permanente sull’improvvisazione teatrale che la vede curatrice di un “progetto di costruzione di drammaturgie a partire dalla scena”.

Fabiana Iacozzilli is a writer and director whose practice focuses on devised theatre and the performer’s expressive potential. A er training as a director at the Centro Internazionale La Cometa, she worked as assistant to Pierpaolo Sepe and Luca Ronconi. In 2008 she founded the theatre company Lafabbrica. Since 2011 she has been a member of the Lincoln Center eater Directors Lab. In 2013 she became a resident artist at Rome’s Teatro Vascello, and since 2017 she has worked with Cranpi and Carrozzerie | n.o.t. Her productions include: Aspe ando Nil (Waiting for Nil), which won the undergroundzero festival in New York; La trilogia dell’a esa ( e Trilogy of Waiting), which won the Play Festival (organized by ATIR and Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa); Da soli non si è ca ivi. Tre a i unici, loosely based on the short stories by Tiziana Tomasulo; and La classe, which was awarded the 2018 CURA interregional residency, the 2019 In-Box Prize, the 2019 ANCT National Critic’s Award, and nominated for four UBU Awards in 2019 (where Hubert Westkemper won Best Sound Design). In July 2020, Una cosa enorme (A Big ing) premiered at the Biennale Teatro 2020, before running at RomaeuropaFestival 2021. In 2021 she directed Abitare il ritorno, a communi theatre project conceived by Asinitas and part of Incroci – an exchange project between organisations that use theatre as a tool for cultural interaction. e production was also part of LiteracyAct, an initiative commi ed to the exchange of international theatre practices. In 2022, Abitare il ritorno won the CIVIS Open Lab/Civic engagement call at the “Teatro delle migrazioni” theatre festival. In that same year she directed the staged reading of EN ABYME for the 50th International eatre Festival of La Biennale di Venezia. She is currently working on her next project, Il grande vuoto, which will complete a trip ch of pieces entitled La trilogia del vento. In 2023, together with Cranpi, she will direct Piccole donne (based on Louisa May Alco ’s novel Li le Women), an integrated theatre workshop involving young women su ering from eating disorders, in collaboration with Villa Pia – Italian Hospital Group in Guidonia Montecelio (Rome). Fabiana Iacozzilli also has a teaching practice. Since 2011, she has been a member of the teaching sta at the Link Campus Universi in Rome (Chair of Acting, DAMS Department). She also works with the Centro Internazionale La Cometa eatre School. In recent years she has been actively engaged in research on improvised theatre, which has seen her curate an ongoing devised theatre project.

226–227

TOL JA DJOKOV IĆ

Laureata in Filologia Italiana con una ricerca sulla le ura ad alta voce del testo poetico, Tolja Djoković inizia il suo percorso teatrale con Fanny & Alexander, con cui si forma e lavora, Menoventi e il Teatro del Lemming. Dirige e interpreta il suo primo lavoro nel 2010, Le ere della giovane L. – performance per voce e ombra, ispirato al carte io fra Lucrezia Borgia e Pietro Bembo. Nel 2019 conclude il corso di perfezionamento “Dramaturg internazionale”, voluto da Claudio Longhi per la Scuola di Teatro Iolanda Gazzerro di ERT – Emilia Romagna Teatro Fondazione. Insieme ad altri dramaturg fonda Calapranzi, rubrica di drammaturgia contemporanea sulla rivista online Stratagemmi; è nella redazione della collana omonima dell’editore Nowhere Books, per cui cura la prefazione a I mangiatori di patate di Tyr ngur Tyr ngsson. Tra il 2020 e il 2021 rma il radiodramma Hotel Blue Moon dire o da Roberto Latini e prodo o dalla Fondazione Teatro Metastasio; è consulente drammaturga per La regina della neve, racconto performatico di Eva Costa in onda su Rai Radio3 nel 2023; è dramaturg in un proge o di residenze artistiche di ERT – Emilia Romagna Teatro Fondazione, per il quale cura Docenti e Alunni Danzano – DAD, gruppo di ricerca drammaturgica e coreograﬁca. Nel 2021 vince, con il testo EN ABYME, il bando Drammaturgia Under 40 della Biennale College Teatro. La mise en lecture, dire a da Fabiana Iacozzilli, è al 50. Festival Internazionale del Teatro della Biennale di Venezia, poi in onda su Rai Radio3 a cura di Laura Palmieri. È drammaturga e regista di tostacarusa, gruppo fondato con Aura Ghezzi. Il loro primo lavoro, Tu eri turbolenta (Quirk of fate), ha debu ato a dicembre 2022 all’Angelo Mai di Roma ed è stato selezionato dalla rete Risonanze Network.

After graduating in Italian & Linguistics with a dissertation on the reading of poetic texts out loud, Tolja Djoković began her career in theatre with Fanny & Alexander (with whom she trained and worked), Menoventi, and the Teatro del Lemming. She directed and performed her rst piece in 2010, Lettere della giovane L. – performance per voce e ombra inspired by the correspondence between Lucrezia Borgia and Pietro Bembo. In 2019, she completed the “International Dramaturg” advanced training course, conceived by Claudio Longhi for ERT – Emilia Romagna Teatro Fondazione’s Iolanda Gazzerro Drama School. Along with several other dramaturgs she founded Calapranzi, a column focusing on contemporary playwriting featured in the online magazine Stratagemmi. She is also part of the editorial sta at Nowhere Books, for whom she wrote the preface to the Italian edition of Tyr ngur Tyr ngsson’s The Potato Eaters. Between 2020 and 2021 she wrote the radio play Hotel Blue Moon, directed by Roberto Latini and produced by Fondazione Teatro Metastasio; in 2023 she was dramaturg on La regina della neve (The Snow Queen), a performative fairy tale by Eva Costa broadcast on Rai Radio3; and was dramaturg for an artistic residency project at ERT – Emilia Romagna Teatro Fondazione, for which she led Docenti e Alunni Danzano – DAD, a dramaturgy and dance research group for teachers and pupils. In 2021 she won the Biennale College Teatro’s open call for Authors Under 40 with her play EN ABYME. The staged reading, directed by Fabiana Iacozzilli, was performed at the 50th International Theatre Festival of La Biennale di Venezia, then broadcast on Laura Palmieri’s programme on Rai Radio3. She works as a playwright and director with her company tostacarusa, which she co-founded with Aura Ghezzi. Their rst piece, Tu eri turbolenta (Quirk of fate), premiered in December 2022 at the Angelo Mai in Rome and was selected by the Risonanze Network. 228–229

29.06.2023 H 20.00 30.06.2023 H 18.00 ARSENALE TESE DEI SOPPALCHI

P R I M A ASSOLU TA / WOR L D P R E M I E R E

PRODUZIONE / PRODUCED BY LA BIENNALE DI VENEZIA, FONDAZIONE TEATRO DI NAPOLI – TEATRO BELLINI, LAC – LUGANO ARTE E CULTURA, CRANPI, ELSINOR PRODUZIONE ESECUTIVA / EXECUTIVE PRODUCTION FONDAZIONE TEATRO DI NAPOLI – TEATRO BELLINI

DI / BY TOLJA DJOKOVIĆ VINCITRICE / WINNER BIENNALE COLLEGE TEATRO DRAMMATURGIA / PLAYWRITING UNDER 40 (2021-2022) REGIA / DIRECTION FABIANA IACOZZILLI CON / WITH SIMONE BARRACO OSCAR DE SUMMA FRANCESCA FARCOMENI EVELINA ROSSELLI E CON / AND FEATURING AURORA OCCHIUZZI SPAZIO SCENICO / SET DESIGN GIUSEPPE STELLATO COSTUMI / COSTUMES CHIARA AVERSANO DISEGNO LUCI / LIGHTING DESIGN OMAR SCALA MUSICA E DISEGNO SONORO / MUSIC AND SOUND DESIGN TOMMY GRIECO REGISTA ASSISTENTE / ASSISTANT DIRECTOR CESARE DEL BEATO ASSISTENTI AI COSTUMI / COSTUME ASSISTANTS VALENTINA CERASUOLO FABIANA AMATO REGIA VIDEO / VIDEO DIRECTORS RAFFAELE ROSSI NICOLAS SPATARELLA E / AND FABIANA IACOZZILLI

CON IL SUPPORTO DI / WITH SUPPORT FROM CARROZZERIE N.O.T. FIVIZZANO27 SI RINGRAZIA / THANKS TO A. S. D. SCUOLA NUOTO VOMERO CASA DONELLI

230–231

CREDITI DEL VIDEO / VIDEO CREDITS DIRETTORE DELLA FOTOGRAFIA / DIRECTOR OF PHOTOGRAPHY FRANCESCO SAVAGLIA FONICO VIDEO / SOUND OPERATOR ALBERTO MANCINI ASSISTENTE OPERATORE / CAMERA ASSISTANT FIAMMA OLIVIERI ASSISTENTI SCENE SET / ASSISTANT SET DESIGNERS FRANCESCO SEPE FABIO COSIMO ATTREZZERIA SET / PROP CREW MARIA ESPOSITO MARIA PIA ESPOSITO PAPA TRUCCO / MAKE-UP CRISTINA CORRERA CON / WITH OSCAR DE SUMMA FRANCESCA FARCOMENI AURORA OCCHIUZZI E CON / AND FEATURING RINO DI MARTINO SOFIA RUMOLO ANNACHIARA SALZANO VIRGINIA PUZO

NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

Il testo di Tolja Djoković narra il tentativo da parte di James Cameron da un lato, e quello di Una bambina/Donna dall’altro, di riportare in super cie pezzi di un abisso i ne s plora to. Per q u a nto riguarda Cameron, la s da è quella di scendere nell’Abisso Challenger – nel cuore della Fossa delle Marianne – dove nessuno prima di lui era mai arrivato, e tentare di riemergere con delle certezze circa quel mondo sconosciuto. Per quanto riguarda la discesa della bambina/donna, il via io nella sua profondità fa riemergere pezzi di vita, squarci di un passato vissuto con un padre e forse anche rimosso, momenti di solitudine accompagnati dalla sola visione del lm Titanic di James Cameron. EN ABYME è un gioco di rispecchiamenti, un testo prismatico che, lavorando sulla stru ura a e e o Droste, ribalta continuamente il punto di vista sulle vicende narrate e ci fa interrogare su chi siamo, chi ci guarda e su cosa siamo in grado di far tornare alla luce di noi stess*. L’intento della regia è quello di accompagnare lo spe atore in queste due immersioni, di porsi come sguardo ulteriore su una discesa che, mentre precipita dentro un abisso/gro a che ricorda il ventre materno, si fa sopra u o ricerca ostinata di un padre, di una relazione con il paterno, della volontà di essere vist* e riconosciut* dal padre. A raverso un dialogo costante tra il dispositivo drammaturgico a qua ro voci –

L’occhio della telecamera, La Fossa delle Marianne, Il documentario e Le didascalie – e il dispositivo scenico che, come un lm da vedere e rivedere alla ricerca di una traccia, me e al centro della narrazione le immagini proie ate della vita della bambina/donna, lo spe acolo si interroga sulla possibilità di cogliere in un fotogramma della nostra vita una connessione tra un dentro e un ori, sulla possibilità di riemergere viv* dalla Fossa delle Marianne presente in ognun* di noi.

Tolja Djoković’s play tells the story of the a empt – by James Cameron on the one hand, and by e Li le Girl/Woman on the other – to bring pieces of an unexplored abyss to the surface. As far as Cameron is concerned, the challenge is to descend into the Challenger Deep in the heart of the Mariana Trench, where no one before him had ever gone, and to re-emerge with some certainties about that unknown world. As for t h e l i l e g i r l / wo m a n’s descent, the journey into her depths dredges up pieces of her life, glimpses of a potentially repressed past lived with her father, moments of loneliness accompanied only by watching James Cameron’s lm Titanic. EN ABYME is a hall of mirrors, a prismatic text whose structure operates like the Droste

e ect, continuously upending our perspective on the events narrated, making us question who we are, who is watching us, and what we’re able to bring to light about ourselves. e aim of the staging is to accompany the audience through these two immersions, to act as a further perspective on a descent which, even as it plunges into an abyss/cave reminiscent of a mother’s womb, it primarily becomes a stubborn search for a father – for a relationship with the paternal. For the desire to be seen and recognised by one’s father. rough the constant interaction of its four-way dramaturgical device ( e Eye of the Camera, e Mariana Trench, e Documentary and e Captions) the show situates the projected images of the li le girl/woman’s life at the centre of the story, like a lm to be watched over and over again in search of clues. In doing so it questions the possibili of capturing, through a “freeze frame” of o u r l ive s, a c on ne c t ion between what lies within and what is outside – as well as the possibili of our making it back alive from the Mariana Trench inside of us all.

232–233

234–235

236–237

238–239

CAPITOLO / CHAPTER

V E R DE M AG GIO

240–241

Il verde mi ricorda la mia infanzia, quando andavo a vedere le partite di calcio dello Sporting Clube de Portugal, la squadra per cui tifo, sognando di indossare un giorno quella maglia verde e bianca. È un colore che mi fa sorridere di nostalgia. Green reminds me of my childhood, when I would go to watch the football matches of Sporting Clube de Portugal, the team I support, dreaming of wearing their very green and white shirt one day. It’s a colour that makes me smile with nostalgia.

Il momento, in un teatro, in cui un’opera è in grado di trasformare un insieme di individui sul palco e fuori dal palco in un’entità collettiva. Non si può mai sapere quando o se accadrà. Quando accade, è una di quelle cose invisibili che confermano la mia fiducia nel potere dell’arte e dell’umanità.

242–243

The moment, in a theatre, when a piece is able to turn a collection of individuals on and off stage into a collective. You never know when or if it will happen. When it does, it’s one of those invisible things that makes me confirm my trust in the power of art and humanity.

A café full of people of all sorts talking freely, eating and drinking.

Un bar pieno di persone di ogni tipo che parlano liberamente, mangiano e bevono.

TO KNOW THE ANSWER TO THAT QUESTION, SEEING MY THEATRE PIECES WORKS BETTER THAN READING THIS ANSWER.

PER CONOSCERE LA RISPOSTA A QUESTA DOMANDA, VEDERE I MIEI SPETTACOLI È MEGLIO CHE LEGGERE QUESTA RISPOSTA. 244–245

Virginia Woolf ha scritto che le opere d’arte sono il risultato di un pensiero collettivo attraverso il corpo delle persone. Nel corso degli anni sono state tante le persone che hanno contribuito a comporre il mio lavoro artistico con il loro generoso contributo, ma se dovessi sceglierne una su tutte – il personaggio che ha fatto la differenza nella mia storia – sarebbe Magda Bizarro, con la quale condivido un percorso da più di venticinque anni.

Virginia Woolf wrote that artworks are the result of a collective thought, through the body of people. So many people constituted my artistic work with their generous contribution throughout the years. However, if I had to choose someone who stands out, the character that made the most difference in my story, it would be Magda Bizarro, with whom I have been sharing my path for more than twentyfive years.

T I AG O RODR IGU E S

L’aspirazione principale dell’a ore portoghese Tiago The rst ambition of Portuguese actor Rodrigues è sempre stata quella di recitare con persone Tiago Rodrigues is to play che abbiano voglia di lavorare insieme per inventare with people who’d want to spe acoli. Nel 1997, a soli vent’anni, l’incontro con il come together and invent colle ivo tg STAN conferma de nitivamente la sua shows. His encounter with predilezione per l’assenza di gerarchia in un gruppo the collective tg STAN creativo. La libertà a livello decisionale e di in 1997, when he was only esecuzione che gli viene concessa in twenty, de nitively con rmed quell’occasione in uenzerà per sempre i suoi his attachment to the absence spe acoli futuri. of hierarchy in a creative group. Tiago Rodrigues si è trovato quindi diverse The freedom of performance and volte, agli inizi della sua carriera, in una decision he was given then would posizione di “istigatore” e a poco a poco è forever in uence his future shows. arrivato a scrivere e dirigere proge i in cui Tiago Rodrigues thus found himself si è “imba uto”. Parallelamente al teatro repeatedly and early in his career in a ha scri o scene iature, articoli, poesie, position of instigator, and little by little came to direct and write projects he prefazioni, editoriali e molto altro. “stumbled upon”. In parallel to that, he also Nel 2003 assieme a Magda Bizarro wrote screenplays, articles, poems, fonda la compagnia Mundo Perfeito, prefaces, op-eds, etc. con cui ha realizzato molti spe acoli In 2003, he co-founded with Magda Bizarro senza mai stabilirsi in un luogo the company Mundo Perfeito, with which he speci co, ma in qualità di ospite created many shows without settling down in di diverse istituzioni nazionali e any speci c location, becoming the guest of internazionali. La Francia, in many national and international institutions. In special modo, ha ospitato la sua France, he notably performed his Portuguese versione portoghese di Antonio e version of Shakespeare’s Antony and Cleopatra at Cleopatra di Shakespeare al the Festival d’Avignon in 2015. By Heart was Festival d’Avignon nel 2015; presented in 2014 at the Théâtre de la Bastille, which later invited him to lead an “occupation” By Heart è stato inserito nel of the theatre for two months in spring 2016, programma del éâtre de la Bastille during which he created Bovary. While nel 2014, e il teatro lo ha poi invitato working as director of the Teatro Nacional a condurre un’“occupazione” dello D. Maria II in Lisbon from 2015 to 2021, stesso per due mesi nella primavera del Tiago Rodrigues continued to create 2016, durante i quali ha creato Bovary. shows using the limited means he has Nel periodo 2015/2021, mentre dirigeva il appropriated as his own artistic syntax. Teatro Nacional D. Maria II di Lisbona, On a larger scale, he has become a Tiago Rodrigues ha continuato a creare builder of bridges between cities spe acoli utilizzando le poche risorse and countries, at once host and stanziate come sua sintassi artistica personale. advocate of a living theatre. After Su scala più ampia, è diventato un costru ore being appointed as the future di ponti tra ci à e nazioni, allo stesso tempo director of the Festival d’Avignon in July 2021, while presenting condu ore e sostenitore di un teatro vivo. Chekhov’s The Cherry Orchard Nel luglio 2021, mentre la sua regia de Il giardino in the Cour d’honneur du dei ciliegi di Čechov era in scena alla Cour Palais des papes, he started d’honneur du Palais des papes, ha ricevuto la nomina operating in this role in a futuro dire ore del Festival d’Avignon, ruolo che September 2022. ora ricopre dal se embre 2022.

246–247

30.06.2023 H 20.00 1.07.2023 H 20.00 TEATRO PICCOLO ARSENALE

(150’ — 2020) PRODUZIONE ESECUTIVA / EXECUTIVE PRODUCTION FESTIVAL D’AVIGNON PRODUZIONE / PRODUCED BY TEATRO NACIONAL D. MARIA II (LISBONA / LISBON) COPRODUZIONE / CO-PRODUCTION WIENER FESTWOCHEN, EMILIA ROMAGNA TEATRO FONDAZIONE (MODENA), THÉÂTRE DE LA CITÉ - CDN TOULOUSE OCCITANIE & THÉÂTRE GARONNE SCÈNE EUROPÉENNE TOULOUSE, FESTIVAL D’AUTOMNE À PARIS & THÉÂTRE DES BOUFFES DU NORD, TEATRO DI ROMA – TEATRO NAZIONALE, COMÉDIE DE CAEN, THÉÂTRE DE LIÈGE, MAISON DE LA CULTURE D’AMIENS, BIT TEATERGARASJEN (BERGEN), LE TRIDENT – SCÈNE NATIONALE DE CHERBOURG-EN-COTENTIN, TEATRE LLIURE (BARCELLONA / BARCELONA), CENTRO CULTURAL VILA FLOR (GUIMARÃES), O ESPAÇO DO TEMPO (MONTEMOR-O-NOVO) CON IL SUPPORTO DI / WITH SUPPORT FROM ALMEIDA GARRETT WINES, CANO AMARELO, CULTURGEST SPETTACOLO CREATO NEL SETTEMBRE 2020 AL / CREATED IN SEPTEMBER 2020 AT THE CENTRO CULTURAL VILA FLOR (GUIMARÃES, PORTOGALLO / PORTUGAL)

TESTO E REGIA / TEXT AND DIRECTION TIAGO RODRIGUES COLLABORAZIONE ARTISTICA / ARTISTIC COLLABORATION MAGDA BIZARRO SCENOGRAFIA / STAGE DESIGN F. RIBEIRO LUCI / LIGHTING NUNO MEIRA COSTUMI / COSTUMES JOSÉ ANTÓNIO TENENTE DISEGNO SONORO E MUSICHE ORIGINALI / SOUND DESIGN AND ORIGINAL MUSIC PEDRO COSTA DIRETTORE DEL CORO E ARRANGIAMENTI VOCALI / CHOIRMASTER AND VOCAL ARRANGEMENTS JOÃO HENRIQUES VOCI REGISTRATE / VOICES-OVER CLÁUDIO DE CASTRO NADEZHDA BOCHAROVA PAULA MORA PEDRO MOLDÃO COREOGRAFIA / CHOREOGRAPHY SOFIA DIAS VÍTOR RORIZ MAESTRO D’ARMI / WEAPON COORDINATOR DAVID CHAN CORDEIRO TRADUZIONI / TRANSLATIONS THOMAS RESENDES (FRANCESE / FRENCH) DANIEL HAHN (INGLESE / ENGLISH) VINCENZO ARSILIO (ITALIANO / ITALIAN) IGOR METZELTIN (TEDESCO / GERMAN) SOVRATITOLI / SURTITLES PATRÍCIA PIMENTEL CON / WITH ISABEL ABREU ANTÓNIO AFONSO PARRA ROMEU COSTA ANTÓNIO FONSECA BEATRIZ MAIA MARCO MENDONÇA CAROLINA PASSOS SOUSA RUI M. SILVA

248–249

SI RINGRAZIA / THANKS TO MARIANA GOMES RUI PINA COELHO MARGARIDA BAK GORDON RITA MENDES E L’ÉQUIPE DEL / AND THE TEAM OF THE TEATRO NACIONAL D. MARIA II RINGRAZIAMO ANCHE / WE ALSO THANK SARA BARROS LEITÃO E / AND PEDRO GIL CHE, ANCHE SE NON SONO PIÙ SULLA SCENA CON NOI, RESTANO SEMPRE CATARINA / WHO, EVEN THOUGH THEY ARE NO LONGER ON STAGE WITH US WILL ALWAYS REMAIN CATARINA LE CANZONI NELLO SPETTACOLO SONO DI / MUSIC FROM THE SHOW HANIA RANI (BIESY E / AND NOW, RUN) JOANNA BROUK (THE NYMPH RISING, CALLING THE SAILOR) LAUREL HALO (ROME THEME III E / AND HYPHAE) ROSALÍA (DE PLATA)

NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

Questa famiglia uccide i fascisti. È una tradizione che seguono da oltre se ant’anni. O i si sono riuniti in una casa di campagna vicino a Baleizão, u n p a e s i n o n el s u d del Portogallo. Uno dei membri più giovani, Catarina, sta per uccidere il suo primo fascista, che è stato sequestrato a questo preciso scopo. È un giorno di festa, un giorno di bellezza e di morte. Catarina p erò non è i n g rado d i ucciderlo, o forse si ri uta di farlo. Scoppia una lite in famiglia e sorgono molte do m a n de. C h e c o s’è u n

fascista? Che posto ha la violenza nella lo a per un mondo migliore? Possiamo v iol a re le regole del l a democrazia quando cerchiamo il modo migliore per difenderla?

is family kills fascists. It’s a tradition that everyone in the family has followed for over seven years. Today they all gathered in a country house near a village called Baleizão in southern Portugal. One of

the youngest family members, Catarina, is about to kill her rst fascist, who has been kidnapped for this very purpose. It’s a day to celebrate, a day of beau and death. However, Catarina nds herself unable to kill him or else she’s refusing to do so. A family ght breaks out and a lot of questions arise. What is a fascist? Is there a place for violence in the stru le for a be er world? Can we violate the rules of democracy while seeking be er ways to defend it?

250–251

252–253

254–255

CAPITOLO / CHAPTER

VINCITRICE/ WINNER BI E N NA L E C OL L EGE T E AT RO PERFORMANCE SITE-SPECIFIC

[2023]

VERDE TRAFFICO

256–257

Un respiro profondo. Un’insegna al neon. Un modo per andare avanti. A deep breath. A neon sign. A way to move forward.

Non credo esista un solo tipo di “normalità”, così come non esiste un solo tipo di teatro. Nella pluralità dei suoi punti di vista – di chi lo fa e di chi lo guarda – risiede la sua capacità di realizzare sempre qualcosa di nuovo.

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form and identity at will. 258–259

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I believe that there isn’t one kind of “ordinary” just as there is not one kind of theatre. In its plurality of views, of the people making it and the people watching it, lies its capability to always bring about something new.

VIAGGIARE NEL TEMPO SAREBBE PER ME L’UNICA OPZIONE POSSIBILE.

Time travel would be the only viable option for me.

Con le possibilità illimitate del green screen, non saprei scegliere… Potrei però figurarmi di andare in fissa con un video in particolare, come il video virale di quel politico che in una riunione online, con il volto sostituito da un filtro con la testa di un gatto disegnato, continuava a cercare di spiegare di non essere un gatto.

È sempre una questione di fiducia: fiducia in ciò che vedo, fiducia nel mio istinto, fiducia nei confronti di chi sta sul palco e, infine, fiducia nel pubblico. 260–261

It’s always a question of trust – trusting what I’m seeing, trusting my instincts, trusting the people on stage, and finally, trusting the audience.

MOR ANA N OVO S E L

Morana Novosel è una regista teatrale di Zagabria (Croazia). Dopo gli studi presso la Facoltà di Scienze Umane e Sociali, si laurea in Regia Teatrale e Radiofonica all’Accademia di Arti Drammatiche di Zagabria. I suoi interessi principali sono la scrittura scenica e l’esplorazione dei processi di creazione collaborativa, oltre al teatro contemporaneo, drammatico e post-drammatico. Tra i suoi lavori più significativi: A logical place to meet, una performance basata sui documentari di Werner Herzog, di cui è coautrice e regista, prodotta dal Teatro &TD di Zagabria nel 2014; Eve of retirement di Thomas Bernhard, prodotto dal Teatro Nazionale Croato Ivan pl. Zajc di Fiume nel 2016 in seguito alla vittoria del bando regionale per giovani autori; Voids, una performance per il Teatro Nazionale Croato di Zagabria, in coproduzione con UO Odeon Art. Nel 2017 e 2018 conduce l’International Drama Colony a Grožnjan, un programma ideato dalla sede croata dell’International Theatre Institute per la promozione di giovani drammaturghi da tutto il mondo attraverso la messa in scena delle loro opere in collaborazione con artisti croati. Lavora come assistente alla regia in diversi teatri croati e come assistente didattica e alla regia in due spettacoli di laurea del master in Recitazione presso l’Accademia di Arti Drammatiche di Zagabria.

Morana Novosel is a theatre director from Zagreb, Croatia. She studied at the Faculty of Humanities and Social Sciences and graduated with a BA and MA in Theatre Directing and Radio Broadcasting at the Academy of Dramatic Arts in Zagreb. Her main interests are devising theatre and exploring the collaborative creation processes, as well as contemporary dramatic and post-dramatic theatre. Some notable productions include A logical place to meet, a devised performance based on the documentary film works of Werner Herzog, which she co-authored and directed at &TD Theatre in Zagreb in 2014, Eve of retirement by Thomas Bernhard at the Croatian National Theatre Ivan pl. Zajc in Rijeka in 2016 (after winning the regional competition for young authors), and Voids, a devised performance at the Croatian National Theatre in Zagreb, in coproduction with UO Odeon Art. She led the 2017 and 2018 International Drama Colony in Grožnjan, a programme designed by the International Theatre Institute – Croatia to promote young international playwrights by staging their work in collaboration with Croatian artists. She worked as an Assistant Director in several Croatian theatres and as a Teaching Assistant and Assistant Director on two graduation performances of the MA course in Acting at the Academy of Dramatic Arts in Zagreb.

262–263

Dal / From 24.06.2023 Al / To 1.07.2023 H 18.00 CAMPO SANT’AGNESE

(CA . / A P P ROX . 4 0 ’ — 202 3 ) P R I M A ASSOLU TA / WOR L D P R E M I E R E

PRODUZIONE / PRODUCED BY LA BIENNALE DI VENEZIA VINCITRICE / WINNER BIENNALE COLLEGE TEATRO PERFORMANCE SITE-SPECIFIC (2023)

CONCEZIONE E REGIA / CONCEPT AND DIRECTION MORANA NOVOSEL COMPOSIZIONE E DISEGNO SONORO / COMPOSITION AND SOUND DESIGN BOJAN GAGIĆ ARCHITETTURA E SCENOGRAFIA / ARCHITECTURE AND STAGE DESIGN ANA DANA BEROŠ

SI RINGRAZIA / THANKS TO LUKA JERKOVIĆ TANA MAŽURANIĆ VANJA NOVOSEL PER L’ASSISTENZA DURANTE LA FASE CREATIVA / FOR ASSISTING DURING THE CREATIVE PHASE

264–265

NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

Fluid Horizons incora ia il pubblico a creare la propria esperienza scoprendo le d iver s e c ombi n a z ion i , intersezioni e i punti di s ov r a p p o s i z i o n e c h e s i possono esplorare nel luogo del l a p er for m a nc e. È i l prosieguo della mia ricerca sulla performance partecipativa e un’esplorazione della possibilità di costruire comunità ad hoc che creano in autonomia una performance dedicata esclusivamente a loro. Sebbene questa strategia sia rischiosa, perché richiede un alto livello di engagement da parte del pubblico, allo stesso tempo concede ai partecipanti ampie possibilità nell’esplorare, interpretare e creare la performance stessa. Non c’è un ordine rigoroso in cui la performance deve essere vista, non è un passa io lineare, ogni partecipante creerà la propria personale drammaturgia, che sarà unica. È un aspe o a cui tengo molto perché il mio obie ivo è costruire delle sincronicità, piu osto che rivelare delle narrazioni. Siamo circondati da narrazioni molteplici sulla crisi climatica, ognuna delle quali prevede uno scenario diverso per il futuro. Credo che l’incertezza che a rontiamo quando cerchiamo di comprendere questi scenari sia importante quasi quanto la realtà biologica della crisi stessa. Cercando di dare un signi cato alle dicotomie che infondono un senso di impotenza e di inutilità, Fluid Hor i zon s o re un mo do diverso di rapportarsi a questi sentimenti. Nel confrontarmi con tali paure, propongo di percorrere la strada dello “scenario pe iore”, situato in un luogo

reale ma che evoca linee temporali alternative. Questo approccio speculativo rivela tanti spiragli di futuri possibili quanti sono gli spe atori, perché ognuno ne d a rà un a s u a p er s on a l e interpretazione. Fluid Horizons mira a costruire spazi immaginari di fallimento e a esplorare il signi cato che esso ricopre per Venezia nello s pec i c o, ponendoc i , i n de nitiva, una domanda: come vogliamo sia il futuro, e come si (s)collega a noi nel presente.

Fluid Horizons encourages the audience to create their own experience by discovering the many points of overlap, intersections, and combinations of the performance site to be explored. It is a continuation of my research into participatory performance and an exploration of constructing ad hoc communities that constitute the performance by themselves and for themselves. Although this strategy is ris , as it requires a high level of engagement from the participating audience, it also gives the participants high levels of agency in exploring, interpreting, and ultimately creating the performance itself. ere is no strict order in which the performance has to be viewed and, rather than a linear passage, each participant creates their unique dramaturgy. is is very important to me because my goal is to construct synchronicities, rather than reveal narratives. We are surrounded by various narratives about the climate

crisis, each of which envisions a di erent scenario for the future. I believe that the uncertain we face when trying to grasp these scenarios is almost as important as the biological reali of the crisis itself. Trying to make sense of the dichotomies that instil a sense of helplessness and futili , this performance o ers a di erent way to relate to these feelings. In confronting these fears, I’m proposing to take the “worstcase scenario” route, situated in a real location but evoking alternative timelines. is speculative approach reveals glimmers of possible futures, each of them unique to the interpretation of the spectator. Fluid Horizons aims at constructing imaginary spaces of failure and exploring what that failure means for the speci c location of Venice, ultimately asking what we want the future to look like and how it (dis)connects with us in the present.

“Intorno a noi avvengono cambiamenti che ci indicano come il nostro modo di vivere stia già passando alla storia. È tempo di cercare nuovi percorsi e nuove storie, che possano condurci a raverso la ne del mondo per come lo conosciamo e ori da esso, dall’altra parte. Riteniamo che me endo in discussione le fondamenta della civiltà, il mito della centralità umana e il nostro immaginario isolamento, potremmo trovare l’inizio di questi percorsi.” Dougald Hine e Paul Kingsnorth, Uncivilisation: e Dark Mountain Manifesto Cosa accadrebbe se acce assimo che l’umanità ha superato il punto in cui era ancora possibile ridurre l’impa o del cambiamento climatico? Continueremmo con gli stessi approcci estetici del XX secolo? Qual è il giusto epita o per una ci à? Come si dice addio? Come si piange la sua perdita? Venezia è sul punto di scomparire a causa dell’innalzamento delle maree e del calo demogra co. Possiamo immaginare un futuro in cui questa lo a venga perduta? Nel ume di narrazioni diverse che circondano questa ba aglia, forse l’a o più radicale di tu i è l’acce azione. La ne di una civiltà non è la ne del mondo. L’innalzamento delle maree non cancellerà Venezia. Non diventerà invivibile. Non diventerà irra iungibile. Lo sarà solo per noi. E noi non siamo gli unici. 266–267

“All around us, shi s are underway which suggest that our whole way of living is already passing into history. It is time to look for new paths and new stories, ones that can lead us through the end of the world as we know it and out the other side. We suspect that by questioning the foundations of civilization, the myth of human centrali , our imagined isolation, we may nd the beginning of such paths.” Dougald Hine and Paul Kingsnorth, Uncivilisation: e Dark Mountain Manifesto What if we truly accepted that humani has passed the point of reducing the impacts of climate change? Would we still indulge in the same aesthetic approaches of the 20th century? What is a ing epitaph for a ci ? How do we say goodbye? How do we mourn its loss? Venice is on the verge of disappearing due to rising tides and population loss. Can we imagine a future in which this stru le is lost? In the torrent of di erent narratives surrounding this stru le, perhaps the most radical act is acceptance. e end of civilization is not the end of the world. e rising tides will not erase Venice. It will not become unliveable. It will not become unreachable. It will only remain those things to us. And we are not the only ones.

268–269

270–271

CAPITOLO / CHAPTER

VINCITORE/ WINNER BI E N NA L E C OL L EGE T E AT RO PERFORMANCE SITE-SPECIFIC

[2023]

VERDE TRAFFICO

272–273

Il verde è per me l’ideale, la speranza, la via di fuga. È la scri a “Exit” nei luoghi pubblici, la croce greca della farmacia o il prato immenso di screensaver e pubblicità. Il verde è per me l’allucinazione del suo complementare, un rosso travestito, un daltonismo necessario, una maschera, un inganno, una droga, un anestetico. Green to me is hope, an ideal, an escape route. It’s the exit sign in public places; the Greek cross on pharmacy signs; or the endless green space of screensavers and advertisements. I see green as the hallucination of its complementary colour: it’s red in disguise, a necessary colour blindness; a mask, a deception, a drug, an anaesthetic.

e ancora qua, non ancora

Prodigio in latino sig

morto, ma è un prodigio patetico, non so cosa

re? La catastrofe.

LA CASA IN FIAMME DEL FINALE DI SACRIFICIO DI ANDREJ TARKOVSKIJ.

THE ITALIAN WORD PRODIGIO (“MIRACLE”, “MARVEL”, “WONDER”, “PRODIGY”) DERIVES FROM THE LATIN PRODIGIUM, MEANING “PORTENT”, SOMETHING EXTRAORDINARY CONSIDERED TO BE AN OMEN. PERHAPS IN MY CASE THE MIRACLE IS THE FACT THAT I’M STILL HERE, NOT DEAD YET – THOUGH THAT’S MORE PATHETIC THAN PRODIGIOUS. I DON’T KNOW WHAT IT MIGHT FORETELL. WHAT WOULD I LIKE TO BRING ABOUT IF I LAST LONG ENOUGH? A CATASTROPHE.

e house on re at the end of Tarkovs 274–275

dovessi durare, che cosa vorrei realizza

possa anticipare. Se

azione meravigliosa. Forse il mio prodigio è esser

ni ca “segno profetico”, anticip

’s

e Sacri ce.

virtù della sua speciale anacr atro, in onia, a per me e t a k t i d d e l l a s t e a c s h e n e i o c olor? N ere rigi s ca: g i i o d n cre la e a c p s s d o es ita ro o la rappresentazione. Cred ista n n ep a esserl o piu i s ’ s l n o rim p e io o re h s s e c t r edi o d o s o s a d l a e r a c e e c n h p e o i s h e erve no oa e il uarc q m iv nv s i o d n o ’ n l tea a gu i n ,u nt e t a u a n t t rdar ro o é o i t s f p o ese a y r a t i w c r n u y g l a s a e b p r anac ia r oltr n le atre, hron un co em e the po rea n h y t , o a t ag s t r h a a k t i t d a e o h t f a technic t al P av eath n lio r it w e o f d l l o i ed ow ur? un t s al a e e i I l e h don re d hat bly provide it. On th i t :w s ’ i s t o p l e e t e con hin ve al ould tiv trar kt lo on c ysc i ec t y e h a , r p s t st ere I th g nt s al sla h tha makes us s c i x e r es o s e d ink e ee t ’s e ra it a r p p n p a h e t f e e h h n r t vei o ea yc in t’s l it at e tre e ur t; i sel th n th t se e e f, r o s e e n r s ath r WHILE REMAIN ve , F L l p E S ING a e er st MY re P RE th th OM h R S S an F g EN A ME STE SO E STAR IRE SH TF ou R I E A A N P GL OR VA IA OM C O O S LT TH R RI E E CO OT M

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What I’ve found “here” by looking “beyond” is that the rainbow is an illusion, and I was expecting it. QUELLO CHE HO TROVATO QUI GUARDANDO OLTRE È LA SCOPERTA CHE L’ARCOBALENO È UN’ILLUSIONE E CHE LA STAVO ASPETTANDO.

276–277

The erotic power of form: both the one you’ve found and the one you have to seek out. A double life. A sheen over the nothingness.

LA FORZA EROTICA DELLA FORMA, QUELLA TROVATA E QUELLA DA CERCARE. LA DOPPIA VITA. LO SMALTO SUL NULLA.

Gaetano Palermo (Catania, 1998) è performer e artista multidisciplinare. Dopo la laurea in Filoso a presso l’Università di Bologna, studia Teatro e Arti Performative all’Università luav di Venezia e Arti Visive all’Accademia di Belle Arti di Kassel. Nel 2019 partecipa al corso di alta formazione “Il Ritmo Drammatico” dell’Istituto di Ricerca di Arte Applicata Societas.

Gaetano Palermo (Catania, 1998) is a multidisciplinary artist and performer. A er earning a degree in Philosophy from the Universi of Bologna, he studied eatre and Performing Arts at the Università Iuav in Venice, and Visual Arts at the Kunsthochschule Kassel. In 2019, he took part in the advanced training course “Il Ritmo Drammatico” (“Dramatic Rhythm”) at the Societas Research Institute of Applied Art. His practice focuses on the line between reali and representation; investigating the ontology of performance in terms of how it relates to reali , through the illusory and disturbing. As a performer he has worked with artists including Bruce Nauman, Romeo Castellucci, El Conde de Torre el, Rimini Protokoll, Cesare Pietroiusti and Tamara Cubas. His rst piece of work, Tinnitus, premiered in 2022 at the poetry festival I fumi della fornace, in Macerata. He lives and works between Bologna and Venice.

G A E T A N O PA L E R M O La sua ricerca si situa al con ne tra realtà e rappresentazione, indagando l’ontologia della performance nel suo rapporto con il reale attraverso il fantasmatico e il perturbante. Come performer ha lavorato per artisti come Bruce Nauman, Romeo Castellucci, El Conde de Torre el, Rimini Protokoll, Cesare Pietroiusti, Tamara Cubas. Il suo primo lavoro, Tinnitus, è stato presentato nel 2022 in occasione della festa della poesia I fumi della fornace, a Macerata. Vive e lavora tra Bologna e Venezia.

278–279

Dal / From 24.06.2023 Al / To 1.07.2023 H 18.00 VIA GARIBALDI

( CA . / A P P ROX . 4 0 ’ — 202 3 ) P R I M A ASSOLU TA / WOR L D P R E M I E R E

PRODUZIONE / PRODUCED BY LA BIENNALE DI VENEZIA VINCITORE / WINNER BIENNALE COLLEGE TEATRO PERFORMANCE SITE-SPECIFIC (2023)

DI / BY GAETANO PALERMO CON / WITH RITA DI LEO DISEGNO SONORO / SOUND DESIGN LUCA GALLIO ASSISTENZA E CURA / ARTISTIC SUPPORT MICHELE PETROSINO PROSTHETICS CREA FX

CON IL SUPPORTO DI / WITH SUPPORT FROM CASA DELLA CULTURA ITALO CALVINO H(ABITA)T - RETE DI SPAZI PER LA DANZA ASSOCIAZIONE QB QUANTO BASTA

280–281

NOTE DI REGIA | DIRECTORIAL NOTES

Swan è una performance sitespeci c che si ispira all’assolo La morte del cigno che Michel Fokine coreografò per Anna Pavlova, prima ballerina del Balle o Mariinskij, nel 1901. Da questa su estione prende le mo ss e un l avoro che oltrepassa le tradizionali de nizioni di danza e di teatro e che utilizza la pratica sportiva me endola a tema sul piano formale e conce uale. In Swan realtà e nzione si mescolano operando nella d i mensione urb a n a uno spostamento perturbante del quotidiano. Gli spe atori, pubblico volontario e passanti c a s u a l i , s ono i nv i t a t i a inciampare nella visione di un’umanità debordante, che me e in discussione nello spazio pubblico il loro ruolo di so e i agenti e di osservatori del reale. La strada diviene teatro di un dramma impersonale, di una crisi tanto solitaria quanto universale. La scena è una scena qualunque: una giovane ragazza ascolta della musica in cu a muovendosi le era su pa ini a rotel l e. I nc u r a nte del circostante, come rinchiusa in una bolla autistica, si libra con trasporto e ostinazione in traie orie elli iche ritornanti. Il solipsismo che le compete è quello paradossale d el l ’e s e r c i z i o s p o r t i vo, del l’i nt i m it à e si bit a del rapporto con il proprio corpo, le proprie possibilità e i propri limiti. Esistenza come insistenza: l’azione si reitera in gure sempre più ardite divenendo prova di resistenza, al contempo sica ed esistenziale. L’ossessione dell’a o performativo o re così una lente di ingrandimento sulla fragilità umana e uno strumento di ri essione critica circa la performatività

stessa, intesa come generalizzata capacità prestazionale. Il so e o è la caduta, la ferita, lo strappo muscolare di un’umanità in fuga da se stessa, che ruota narcisisticamente in bilico sul proprio asse in cerca di uno spe ro di identità e a ermazione. La grazia lascia il posto all’orrore, ne fa il suo doppio, svelando i segreti meccanismi so esi alla volontà e all’azione. Siamo esseri agiti o agenti? Cosa ci muove nel nostro divenire di esseri animali e animati? Quale l’aristotelica causa prima, il motore immobile? L’Eroina è una bambola dal volto di silicone colta nella lo a per la conquista dell’esistenza. Si tra a di una ragazza alle prese con il proprio corpo, un corpo femminile che porta il peso di secolari manipolazioni, e da cui sgorga a un certo punto del sangue, insieme straripamento di rivolta e a estazione paradossale di vita. Come una sonnambula si muove mossa da forze ctonie che spingono verso il basso operando un ribaltamento simbolico con l’alto. Forse il cedimento e la caduta sono una conquista? Al di là di ogni retorica di progresso? Il rapporto tra alto e basso, tra dimensione aerea e terrena è messo in discussione anche dal paesa io sonoro che hackera il reale riscrivendo ogni le e di gravità. La strada è infestata da fantasmi sonori che inscenano mitiche ba ute di caccia e furenti fuochi d’arti cio, in una dimensione aerea fa a di v iolenz a e d i s f a r zo, d i s ac r i c io e d i fe st a . L o spe atore viene così rapito in una surrealtà dionisiaca che sfuma e confonde i con ni tra bene e male, personale e universale, umano e animale,

preda e predatore. Ecco allora che il riferimento al cigno iniziale si rivela essere non mera gura retorica ma associazione interspecie, allegoria sostanziale e incarnata del paradosso del vivente, dell’animale morente che tu i siamo. Swan è infa i il ritra o della vita in tu a la tragica banalità di una c o a z i o n e a r i p e t e r e. I l baluginìo di una natura morta sempre sorgente. Dell’esistenza come esercizio gro esco di morte, al di là di og n i s a l va z ione. A l lo spe atore non resta che provare a scorgere l’ultimo respiro, il proprio.

Swan is a site-speci c performance inspired by e Dying Swan, the solo piece that Michel Fokine choreographed in 1901 for Anna Pavlova, the prima ballerina of the Mariins Ballet. is provides the starting point for a piece that goes beyond traditional de nitions of dance and theatre, employing sport as its theme both formally and conceptually. In Swan, reali and ction combine, bringing about a disturbing displacement of the everyday in the urban environment. e audience, whether willing spectators or casual passers-by, are invited to stumble upon this vision of over owing humani which questions, in a public space, their role as agents and observers of reali . e street becomes the stage for an impersonal drama, for a crisis as universal as it is solitary. e scene is a familiar one: a girl listens to music on her headphones while skating around lightly on roller skates. Paying no heed to her surroundings, as if wrapped up in some autistic bubble, she o a t s, p a ss ion a tely a nd s t u b b o r n l y, i n l o o p i n g el l i pt ic a l c i rc u it s. e solipsism she displays is the paradoxical one of sporting activi , the intimate relationship with own her body, her capabilities and limits. is is existence as insistence: the action is reiterated in ever more daring shapes, becoming an endurance test at once physical and existential. e ob se ssive n at ure of the performative act thus o ers a means of magni ing human frail , as well as a tool for critical re ection on performativi itself, seen 282–283

here as the generalised abili to perform. e subject is the fall, the injury, the torn muscle of a humani on the run from itself: it spins narcissistically, hanging in the balance as it searches for some spectre of identi and personal a rmation. Grace gives way to horror, becoming its double, and thereby revealing the secret mechanisms that underpin will and action. Do we have agency or are we acted upon? What moves us as we become “animal” and “animate” beings? What is the primary cause, in Aristotelian terms, the motionless driver? Our heroine is a silicone-faced doll caught up in her stru le to conquer existence. She’s a girl grappling with her own body, a female body that bears the weight of centuries of manipulation, and from which blood suddenly gushes forth – at once an over owing of revolt and a paradoxical proof of life. She moves like a s l e e pw a l k e r, d r i ve n b y underground forces that push her downwards, thereby operating a symbolic inversion with the “above”. Might yielding and falling be some kind of victory, beyond any rhetoric of progress? e relationship between high and low – between the earthly and lo y dimensions – is further challenged by the soundscape, which “hacks” re a l i to rewr ite ever y gravitational law. e street is invaded by sonic phantoms that stage mythical hunting parties and raging reworks, generating an aerial environment composed of pomp and v iol enc e, s ac r i c e a nd celebration. e audience is thus enraptured in a surreal Dionysian universe that blurs the boundaries between good

a n d ev i l , p e r s o n a l a n d collective, human and animal, predator and prey. e initial reference to the swan therefore turns out to be not only a rhetorical device, but an association between species: a substantial and embodied allegory of the paradox of the living; of the dying animals we all are. Swan is the portrait of life in all the tragic banali of a compulsive desire to repeat. It’s glimmer of a nature morte forever on the cusp of coming to life. A portrait of existence as a grotesque exercise in dying, devoid of any salvation. All that is le for the audience is to a empt to discern the nal breath – their own.

284–285

286–287

MISE EN LECTURE

CAPITOLO / CHAPTER

VERDE FELCE

VINCITORI / WINNERS BI E N NA L E C OL L EGE T E AT RO D R A M M AT U R G I A / P L AY W R I T I N G U N D E R

[2022 - 2023]

288–289

Il Paese di Oz in cui mi ritrovo è identico al Kansas da cui fu o. Il verde fantastico di un giovane drammaturgo italiano è brutalizzato da un realismo assoluto. Verde, per me e la mia categoria, può essere solo il colore del dollaro (che è più di una moneta, è una metafora). The Land of Oz in which I find myself is identical to the Kansas I’m running away from. The fantastical green of a young Italian playwright is toughened by absolute realism. Green, for me and for those in my category, can only be the colour of a dollar (which is more of a metaphor than actual currency). Stefano Fortin

The two or three moments when I felt “realised”, in the sense of being aware of my own realness. Which is something that can’t be foreseen.

290–291

Quei due/tre momenti in cui mi sono realizzato, nel senso di “sentito reale”. Qualcosa che non si può prevedere per il futuro.

Quando i ra i solari radenti, a raversando uno strato d’aria, vengono disgiunti come in un prisma in componenti colorate della luce stessa del sole, qualche volta ci appare un ra io verde per ricordarci la fede nell’impossibile. When the sun’s rays cut obliquely through a layer of air – and they are broken up, as in a prism, into the coloured components of sunlight itself – a green ray sometimes appears to remind us to have faith in the impossible. Carolina Balucani

I have often come home by making theatre. Writing. Acting. The last time this happened was last Monday, during an improvisation onstage, when I again walked across the chicken pen I used to go to with my grandma.

292–293

Spesso sono tornata a casa facendo teatro. Scrivendo. Recitando. L’ultima volta questo lunedì, mentre riattraversavo in un’improvvisazione scenica il pollaio dove andavo con la nonna.

Enthusiasm.

L’ E N T US I A S M O .

VORREI CHE A DIFFERENZA DI DOROTHY LE MIE SCARPETTE SERVISSERO PER VIAGGIARE E NON PER TORNARE A CASA.

I WISH THAT, UNLIKE DOROTHY’S, MY SHOES WERE MADE FOR TRAVELLING AND NOT FOR GOING HOME.

The air that passes through your vocal cords, before it emerges from your mouth. (Coming from someone who writes and doesn’t like to say things out loud.)

L’aria che passa attraverso le corde vocali, prima di uscire fuori dalla bocca. Detto da uno che scrive e non ama parlare a voce alta.

294–295

I don’t know how to talk about my miracles.

N O N S O PA R L A R E D E I M I E I P RO D I G I .

We’re at a long and sometimes very violent party, always wearing our best clothes. Every time I put on perfume I remember that I’m constantly attending a ceremony.

Siamo dentro una lunga festa talvolta molto violenta in cui indossiamo sempre il vestito migliore. Ogni volta che metto il profumo mi ricordo che sono sempre a una cerimonia.

IN VENETO QUEST’ANNO HA PIOVUTO DAVVERO POCO E MI DOMANDO SE POSSANO ESISTERE ARCOBALENI IN UNA TERRA DOMINATA DALLA SICCITÀ. PURTROPPO DOBBIAMO COSTRUIRLI.

It rained very little in Veneto this year and I wonder if rainbows can exist in a land dominated by drought. We’ll have to build them, unfortunately. 296–297

Stefano Fortin (Noventa Vicentina, 1989) si diploma nel 2014 presso l’Accademia del Teatro Stabile del Veneto e nel 2022 completa il dottorato di ricerca in Studi Linguistici e Letterari presso l’Università di Padova. È autore di George II, presentato con la regia di Alessandro Businaro nell’ambito del 48. Festival Internazionale del S T E FA N O Teatro della Biennale di Venezia diretto da Antonio Latella. Nel 2021 FORTIN scrive Quasi per Abbecedario per il mondo nuovo e 9/5/1945 per Calendario civile, progetti diretti e coordinati da Lisa Ferlazzo Natoli e A er graduating from the Alessandro Ferroni, prodotti dal Accademia del Teatro Stabile del Piccolo Teatro di Milano – Teatro Veneto in 2014, Stefano Fortin d’Europa. Nel 2020 è tra i (Noventa Vicentina, 1989) selezionati per Italian & American completed a PhD in Linguistic and Playwrights Project. Nel 2019 è Literary Studies at the Universi nalista del Premio Riccione “Pier Vittorio Tondelli” e nel 2018 del of Padua in 2022. Writing credits Premio Hystrio Scritture di Scena. include: George II (directed by Alessandro Businaro and presented at the 48th International eatre Festival of La Biennale di Venezia). In 2021 he wrote Quasi for the Abbecedario per il mondo nuovo, and 9/5/1945 for Calendario civile, two projects overseen by Lisa Ferlazzo Natoli and Alessandro Ferroni and produced by the Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa. In 2020 he was selected for the Italian & American Playwrights Project. In 2019 he was shortlisted for the “Pier Vi orio Tondelli” Riccione Award, and in 2018 for the Hystrio Playwriting Award.

Dopo la laurea in Legge, Carolina Balucani (Perugia, 1981) si diploma come attrice al C.U.T. (Centro Universitario Teatrale) di Perugia (2007). Nel corso dei suoi studi incontra, fra gli altri, Antonio Latella, Ludwik Flaszen, Nikolaj Karpov, Francis Pardeilhan, Lucia Calamaro, Martin Crimp, Danio Manfredini, Krystian Lupa. È autrice, insieme al dramaturg Giuseppe Albert Montalto, de L’America dentro, vincitore nel 2012 del Premio Nazionale Giovani Realtà del Teatro, sezione “Bianco e Nero”. Con L’America dentro nel 2013 viene selezionata come artista under 35 per la Regione Umbria nell’ambito del progetto Teatri del Tempo Presente. Nel 2015 scrive e interpreta Thyssen, per la regia di Marco Plini. Con La Regina Coeli è tra i cinque nalisti del concorso nazionale Network Drammaturgia Nuova – NdN. Pubblicato dalla casa editrice Editoria & Spettacolo, La Regina Coeli ha vinto la dodicesima edizione del Premio Tuttoteatro.com alle arti sceniche Dante Cappelletti 2017.

CA ROLI NA BALUCANI

298–299

A er a degree in Law, Carolina Balucani (Perugia, 1981) trained as an actress at the Centro Universitario Teatrale (Universi eatre Centre) in Perugia, graduating in 2007. Over the course of her training, she met Antonio Latella, Ludwik Flaszen, Nikolaj Karpov, Francis Pardeilhan, Lucia Calamaro, Martin Crimp, Danio Manfredini and Krystian Lupa, among others. Together with the dramaturg Giuseppe Albert Montalto she wrote L’America dentro, a play which won the “Bianco e Nero” category of the Premio Nazionale Giovani Realtà del Teatro (National Young eatre-makers Award) in 2012. With this same play she was selected as one of the artists under-35 for the Regione Umbria’s Teatri del Tempo Presente project. In 2015 she wrote and performed yssen, directed by Marco Plini. Her play La Regina Coeli was one of ve nalists at the Network Drammaturgia Nuova – NdN competition. In 2017 it won the Tu oteatro.com Dante Cappelle i Prize for the Performing Arts and is published by Editoria & Spe acolo.

28.06.2023 H 16.00 29.06.2023 H 20.30 ARSENALE SALA D’ARMI E

TESTO / TEXT STEFANO FORTIN MISE EN LECTURE / STAGED READING REGIA / DIRECTION GIORGINA PI CON / WITH SYLVIA DE FANTI GIAMPIERO JUDICA FRANCESCO LA MANTIA VALENTINO MANNIAS ALESSANDRO RICECI GIULIA WEBER AMBIENTE SONORO / SOUND DESIGN VALERIO VIGLIAR PRODUZIONE / PRODUCED BY LA BIENNALE DI VENEZIA VINCITORE / WINNER BIENNALE COLLEGE TEATRO DRAMMATURGIA / PLAYWRITING UNDER 40 (2022-2023)

“[…] molti piccoli corpi in molti modi vedrai che nel vuoto proprio nella luce dei raggi, si mescolano tra di loro […].” Tito Lucrezio Caro “[…] many small bodies in many ways you will see, how in the void in the very light of the sun’s rays, they blend together […].” Lucretius

ROT (titolo della Biennale Teatro 2022) è uno sforzo, un gra o, un’azione nella quale abita una violenza più crudele di quella del fuoco: quella della cenere, ciò che resta quando tu o sembra nito. Nel 2010 l’eruzione di un vulcano islandese bloccò mezza Europa non con il suo magma ma con l’enorme quantità di cenere prodo a, che si sparse indistintamente su quasi tu o il continente. Questo evento mi ha portato a riconsiderare la natura della rabbia, che può sì essere esplosiva ma anche corrosiva e logorante. Non esiste un prima e un dopo la rabbia, esiste un continuum. Al cuore del rosso c’è il grigio-nero della cenere, un sentimento pre-politico e post-politico. Ogni corpo è polvere brutale. Il granello di polvere-cenere è però anche la “grana della voce” di cui parlava Roland Barthes, la “materialità del corpo che parla la sua lingua materna”. Il rosso-cenere si con gura perciò anche come la presa di parola, privata ma sopra u o pubblica, dal silenzio prima di parlare a quello che resta dopo che si è de o tu o. Cosa signi ca prendere la parola? Cenere parte da una su estione lucreziana: gli atomi (la nostra vita materiale destinata alla ne) vengono paragonati dal poeta latino al pulviscolo che intravediamo quando un ra io di sole entra da una nestra. Milioni di granelli che si muovono freneticamente, scendendo dall’alto verso il basso, si scontrano e si allontanano in un processo senza senso di a regazione e disgregazione. Il diba ersi furioso di qualcosa che ha senso solo perché cade. Cenere è stru urato in un prologo e tre quadri distinti. La prima scena è costituita da una didascalia che descrive la lenta e continua caduta dall’alto della cenere sul palcoscenico, inizialmente intonso e primordiale, caduta che proseguirà ininterro a per tu a la durata del testo in un processo irreversibile di accumulazione. I quadri rappresentano invece tre distinte prese di parola: quella di un glio chiamato dai genitori a fare colazione (No); quella di un polizio o che deve avvertire una coppia di genitori della morte del glio (Qui); quella di una vi ima che parla di sé e di ciò che le è accaduto (Tu o). Oltre alle voci dei persona i è presente anche quella dell’autore, che decide di intervenire, osservando e commentando a raverso le note ciò che accade in scena.

300–301

ROT (the title of the Biennale Teatro 2022) is an e ort, a scratch, an action in which resides a violence crueller than that of re: it’s the violence of ash, which remains when everything seems to be over. In 2010, the eruption of an Icelandic volcano brought half of Europe to a standstill not because of its magma but because of the enormous amount of ash it produced, which spread indiscriminately over almost the entire continent. is event led me to reconsider the nature of rage, which can be explosive, of course, but also corrosive and tiresome. ere is no “before and a er” with rage, there is only a continuum. At the heart of the colour red is the grey-black of ash, a pre- and post-political feeling. Every single body is made of brutal dust. However, the grain of ash/dust is also the “grain of the voice” which Roland Barthes talked about, the “materiali of the body speaking its mother tongue”. An “ashen” red is therefore tantamount to speaking up, to taking the oor, privately but above all publicly: from the silence that precedes it to the one that hangs in the air once everything has been said. What does it mean to take the oor? Cenere takes its cue from a Lucretian idea, in which the Latin poet compares atoms (our material life, which is destined to end) to the dust we glimpse when a ray of sunlight enters through a window. Millions of particles move about frantically, falling from above, colliding and receding in a meaningless process of a regation and disintegration. It’s the furious stru le of something that makes sense only because it falls. Cenere is structured as a prologue and three separate scenes. e prologue consists of stage directions describing the slow and continuous fall of ash onto the stage. Initially untouched and primordial, it will continue to fall uninterrupted for the whole duration of the play, as part of an irreversible process of accumulation. e scenes, on the other hand, depict three distinct instances of someone “taking the oor”: a son is called to breakfast by his parents (No); a policeman has to inform two parents of their son’s death (Here); a victim talks about who they are and what has happened to them (Everything). In addition to the characters’ voices there is also the voice of the author, who can decide to intervene, observing and commenting on what is happening onstage through his notes.

La cenere cade continuamente sul palcoscenico aumenta con il passare del tempo ci obbliga a lasciare segni. Tu o si fa troppo incerto. a volte mi chiedo cosa sarebbe Roma se non fosse più Romacapitale, e devo dire che la risposta a questa domanda è perfe a per l’occasione, perché se Roma non fosse Romacapitale sarebbe Venezia: rovine nelle foto di milioni di turisti

ESTR AT TO | EXCERPT

o probabilmente dovrei continuare, sì, forse è il caso di continuare una volta per tu e, sme endola con le reticenze, assumendomi la responsabilità della mia colpevolezza quando descrivo qualcosa, perché se qualcosa è qualcosa, sopra u o quando è orribile, forse è proprio il caso di continuare, non di nascondersi dietro un dito, un asterisco, una parola che non si può pronunciare, trasformando tu o ciò che si tocca in una metafora morta, carbonizzata la sensazione è di essere chiusi in uno specchio, dentro l’orribile nta trasparenza di quelle voci in prima persona che parlano in seconda persona ripetendo: io sono tu, sempre e solo tu, le stesse cose, le stesse cose, questa è l’unica autenticità che ci rimane, io è tu; e io mi incazzo quando succede, mi sento come quando chiusero Ofelia dentro uno specchio nel palazzo di Elsinore (che è poi Venezia, Roma, Milano, Padova, ecc.) e Ofelia per giorni ha gra ato il vetro, l’ha leccato per scioglierlo con la saliva, ha spinto con le braccia, ha usato la testa per romperlo, ma il vetro restava lì inta o; così alla ne si abituò, imitando ogni cosa che vedeva intorno a sé e solo avvicinando troppo l’orecchio allo specchio potevi sentire, riconoscere un respiro appannato dietro il vetro, un rumore: Ofelia; io sono Ofelia e non ne posso più di parlare di me in prima persona svuotarmi anche nel senso di rendermi vuoto, di contribuire per quello che posso all’imperativo categorico del mio tempo (specie in Veneto, di cui Venezia fa parte e di cui Europa e Nord America sono una frazione poco più grande della somma di Padova, Vicenza e Rovigo), il tempo che ha bisogno di me in quanto produ ore, e dato che non so costruire nulla, non so fornire in maniera quali cata beni o servizi, allora produco parole con il terrore (o forse il desiderio inespresso) di restare senza nulla da dire alla ne, di chiuderla qui, nella cenere, senza poter a iungere altro a ciò che non sono, ciò che non voglio

Ash continues to fall ceaselessly onto the stage it increases as time passes it forces us to leave traces. Everything becomes too uncertain. sometimes I wonder what Rome would be if it wasn’t Rome-the-capital, and I have to say the answer is perfectly suited to the occasion, because if Rome weren’t Rome-the-capital it would be Venice: it would be ruins in millions of tourist photos or maybe I should carry on, yes, perhaps it’s time to carry on, once and for all, enough with the hesitations, time to bear the responsibili of my guilt when I describe something, because if something is something, especially when it’s awful, maybe that’s precisely the time to carry on, to not hide behind a nger, an asterisk, a word you can’t u er, turning everything you touch into some dead, charred metaphor the feeling is one of being trapped inside a mirror, inside the awful feigned transparency of those rst-person voices that speak in the second person, repeating, over and over: I am you, always and only you, it’s always the same, the same stu , it’s the only authentici we have le , “I” is “you”, and it really pisses me o when it happens; it feels like that moment when they trapped Ophelia in a mirror in Elsinore Castle (which is essentially Venice, Rome, Milan, Padua, etc.) and for days on end Ophelia scratched that glass, licked it to melt it with her saliva, pushed it with her arms, tried to use her head to break it, but the glass stayed there, intact; so in the end she got used to it, imitating everything she saw around her; and only by bringing your ear too close to the mirror could you make out, could you recognise some mis breath behind the glass, a noise: Ophelia; I’m Ophelia and I’m sick of talking about myself in the rst person unloading in the sense of emp ing myself out, contributing as much as I can to the categorical imperative of my time (especially in Veneto, of which Venice is a part and of which Europe and North America are a fraction not much larger than Padua, Vicenza and Rovigo put together): the time that needs me as a maker, and since I have no idea how to build anything – no quali ed idea of how to provide goods or services – I generate words, in the terror (or perhaps the unspoken desire) of being le with nothing to say in the end, of calling it quits here, in the ash, without being able to add anything to what I’m not, to what I do not want

302–303

28.06.2023 H 20.30 29.06.2023 H 16.00 ARSENALE SALA D’ARMI E

TESTO / TEXT CAROLINA BALUCANI MISE EN LECTURE / STAGED READING REGIA / DIRECTION FABRIZIO ARCURI CON / WITH VINCENZO CREA GABRIEL MONTESI ANDREA PALMA DAJANA RONCIONE MARIA ROVERAN PRODUZIONE / PRODUCED BY LA BIENNALE DI VENEZIA VINCITRICE / WINNER BIENNALE COLLEGE TEATRO DRAMMATURGIA / PLAYWRITING UNDER 40 (2022-2023)

Un’umanità travestita da bella addormentata nel bosco, e con un taglio sulla mano cagionato dall’aver toccato qualcosa che non doveva toccare, viene messa a dormire, esiliata all’interno di un campo di grano per il timore che contagi gli Altri con la propria ferita. Qua ro belle addormentate si addormentano e sognano; sognano di essere di nuovo tu e insieme, ria raversando le ferite di ognuna, no a concepirsi come non più da sole al mondo. Ognuna delle ferite delle belle addormentate ha a che fare con un incontro problematico e personale, che si rivela progressivamente una questione colle iva, no a quando tu e cominciano a so rire anche delle ferite altrui. Le belle addormentate si risvegliano così trasformate in uno stormo di uccelli che si alza in volo, in un cielo azzurro che oltrepassa i con ni del campo di grano. Uno stormo che implica una colle ività, un tornare a entrare in conta o con quegli Altri da cui erano state separate. Viene usata l’iconogra a della bella addormentata nel bosco – che essendosi punta sulla mano deve dormire un sonno lunghissimo – per indagare a raverso il ltro di un clima abesco la dinamica dell’isolamento, della separazione dagli altri, dell’emarginazione e di un potere inconoscibile che ci vorrebbe ragazzine ben vestite e addormentate mentre gli eventi si compiono indipendentemente dalla nostra volontà.

304–305

A picture of humani disguised as Sleeping Beau . She has a cut on her hand, from touching something she wasn’t supposed to; she has been put to sleep, banished to a wheat eld for fear that she will infect the Others with her wound. Four sleeping beauties fall asleep and dream; they dream they are together again, going over each other’s wounds, until they manage to see that they are no longer alone in the world. Each of these wounds relates to a di cult personal experience, one which gradually reveals itself to be a collective concern, until they all begin to su er as a result of the wounds of others. e sleeping beauties therefore awaken, transformed into a ock of birds that takes ight, into a blue s stretching beyond the boundaries of the wheat eld. e ock implies the collective, a coming back into contact with the Others they had been separated from. e iconography of Sleeping Beau – who, having pricked her nger, is condemned to a lengthy sleep – is used to investigate the dynamics of isolation, separation from others and marginalisation, through the lens and atmosphere of the fairy tale. It speaks of an unknowable power that would have us all be well-dressed li le girls who sleep soundly while events take place independently of our will.

D: Quando nisce una festa quando nisce una festa andiamo – a – dormire.

ESTR AT TO | EXCERPT

A: Anche dopo l’ultima festa anche se potrebbe essere più lunga anche se sarebbe divertente continuare alla ne – dobbiamo andare – a dormire. C: Va bene va bene ma se stavolta deve essere per molto tempo toglietemi le mutande. Voglio che i miei liquidi e lo sterco che mi imbarazzavano tanto arrivino dire amente sulla terra che ne nasca qualcosa. B: Ge ate sul mio corpo una manciata di semi di ori di girasole così se anche dovessi morire se anche dovessi morire cresceranno al mio posto sulla mia terra le piantine e le piantine sostituiranno i coriandoli che c’erano o i e che se ne saranno andati (poiché i coriandoli possono essere sostituiti solo da ori o o e i colorati). CORO: Nessuno me a mai le bombe al posto dei coriandoli. D: Ogni cosa per essere davvero sostitutiva deve appartenere alla stessa natura di ciò che sostituisce (o sennò avvisatemi) prima che mi addormento per favore.

D: When a par ends when a par ends we go – to – sleep. A: Even a er the last par even though it might be longer even though it would be fun to carry on in the end – we have to go – to sleep. C: Okay okay ne but if it has to be for a long time this time take o my underwear. I want my uids and the excrement that I found so embarrassing to drop straight down onto the earth for something to be born from it. B:

row a handful of sun ower seeds onto my body that way even if I die even if I die in my place, on my land, will grow these seedlings and these seedlings will replace the confe i that were there today and will be gone (since confe i can only be replaced by owers or coloured objects). CHORUS: Let no one ever replace confe i with bombs. D: To be a true replacement, anything must have the same nature as the thing it replaces (if not tell me) before I fall asleep please.

306–307

308–309

BIENNALE COLLEGE T E AT RO

MASTERCLASS D R A M M AT U R G I A / P L AY W R I T I N G REGIA / DIRECTION

310–311

VERDE SMERALDO

JAC OP O DE ’ BA R BA R I VENETIE MD 1500 XILOGR AFIA / WOODCUT F O N DA Z I O N E Q U E R I N I S TA M PA L I A O N L U S , V E N E Z I A

312–313

Biennale College Teatro 2023 MASTERCLASS

2023, LA BIENNALE TEATRO PASSA CON IL VERDE EMERALD

Per il 51. Festival Internazionale del Teatro, dal 15 giugno all’1 luglio 2023, la Biennale Teatro si trasformerà ancor più, rispe o al passato, in una vera e propria fabbrica di idee, in una dinamica fucina di confronto diale ico e di ipotesi, in una greenhouse tenacemente consacrata all’accoglienza, all’incontro e alla sperimentazione, per poter perme ere a tu i i partecipanti non solo di vivere appieno la pratica formativa con il Maestro favorito, a raverso una verica sistematica giornaliera, ma anche di ampliare il proprio bagaglio esperienziale, ado ando l’intero Festival come pia aforma di crescita di valori etici e culturali. Un cantiere per produrre fermenti contagiosi e sprigionare possibilità impensabili, incora iando e promuovendo le/i giovani creatrici/creatori che, con l’ausilio di una molteplicità

di codici e alfabeti, di lingua i visivi e linguistici personalissimi, di tecnologie e tecniche della scena innovatrici, faranno sbocciare le loro singolari identità artistiche, alimentando polimorfe e sorprendenti potenzialità immagini che per scoperchiare, come dalla cupola di un enchanted osservatorio stellare, angoli visuali altri, rivelandoci così, tra realtà e invenzione, prodigiosi mondi fuori dal comune e in costante metamorfosi.

“L’inchiostro verde crea giardini, selve, prati, fogliame dove cantano le le ere, parole che son alberi, frasi che sono costellazioni.” Octavio Paz

IN 2023, BIENNALE TEATRO MOVES TO EMERALD GREEN

For the 51st International eatre Festival, from 15 June to 1 July 2023, Biennale Teatro will undergo a greater transformation than ever before, turning into a veritable factory of ideas, a dynamic forge of dialectical exchange and hypotheses. It will act as a greenhouse with the rmest commitment to welcoming, to meeting and experimenting, allowing all participants not only to immerse themselves in the training experience with their favourite Master through daily check-ins, but also to broaden their own experiential ba age, embracing the entire Festival as a platform for the growth of ethical and cultural values. It will be a construction site of contagious ferment that unleashes unimaginable possibilities, supporting and promoting young creatives. With the help of a multiplici of codes and alphabets, of highly personal languages both visual and linguistic, as well as innovative stage technologies and techniques, these young artists will make their unique artistic identities blossom. ey will nurture polymorphous and surprising imaginative potentialities to unveil, as if from the dome of some enchanted observatory, other visual perspectives. us, somewhere between reali and ction, they will show us wondrous, out-of-the-ordinary worlds undergoing constant metamorphosis.

“Green ink creates gardens, forests, meadows, foliage where le ers sing, words that are trees, sentences that are constellations.” Octavio Paz 314–315

Idiosincratici nei confronti delle tassonomie e del mainstreaming of culture, facendo nostro l’assunto senza conni duchampiano, quanto mai a uale, Arte è quello che tu dici sia arte e proseguendo l’esperienza delle due trascorse edizioni, come Dire ori Artistici riconfermiamo il nostro ruolo rabdomantico di scouting e la premura nel voler sostenere inderogabilmente la creazione emergente sia in Teatro che per la Drammaturgia contemporanea e la Performance Sitespeci c.

A ma ior ragione, epicentro fondamentale della Biennale College Teatro 2023 – per rime ere tu o in moto alla ricerca poetica di una dimensione interstiziale tra il mondo che vediamo tu i i giorni e quello stra-ordinario invisibile a occhio nudo – sarà l’allestimento di un nuovo ciclo di se e Masterclass (senza contare l’ulteriore Masterclass dedicata esclusivamente ai nalisti del bando Drammaturgia Under 40), capitanate da un corpus internazionale di Maîtres d’eccellenza che provvederanno a fornire ai futuri “tra canti di bellezza” inconsuete mappe della conoscenza di cui fare tesoro per un necessario esercizio dello sguardo che sia in grado di sli are sui percorsi abituali noti per decentrarlo verso le banlieues più autentiche del senso, me endo in discussione i principi a ivi del magico pigmento EMERALD che incarnerà la visionaria dire rice euristica di questa nostra terza edizione del Festival.

We take an idiosyncratic approach to classi cations and the mainstreaming of culture, adopting Duchamp’s boundless assumption that If you call it art, it’s art – a maxim as relevant today as it has ever been. Building on the experience of the past two editions, as Artistic Directors we continue to emphasise our “divining”, scouting role – as well as our unfailing desire to support emerging artists in eatre, contemporary Playwriting and Sitespeci c Performance. All the more reason, then, why the epicentre of the Biennale College Teatro 2023 will be a new cycle of seven Masterclasses, reactivating the poetic search for that interstitial dimension between the everyday world and the extra-ordinary one, invisible to the naked eye. (One additional Masterclass is reserved entirely for the nalists of the call Playwriting Under 40). e Masterclasses are led by an international corpus of master practitioners. ey will provide participants, the “beau tra ckers” of the future, with unusual maps of knowledge that can be stored up for a muchneeded exercise in personal perspective – and which allow it to slip o the beaten track, decentring itself towards the most authentic outskirts of meaning. All of this will interrogate the active ingredients of the magical EMERALD hue that will embody the visionary, heuristic trajectory of our third edition of the Festival.

316–317

MASTERCLASS

MON ICA CA P UA N I FR ANCESCO MOROSI ROMEO CASTELLUCCI FC BERGMAN ANGÉLICA LIDDELL FRANCESCO MICHELI RON HOWELL D AV I N I A R O D R Í G U E Z ANDREA PORCHEDDU ARMANDO PUNZO D A V I D E C A R N E VA L I

318–319

MONICA CAPUANI FRANCESCO MOROSI

È il colore della natura incontaminata, dei boschi, dei prati che in Inghilterra – un Paese al quale sono molto legata – sono di un colore indescrivibile. Era il colore della mia stanza di bambina (moquette verde e stoffa verde alle pareti): un verde carico, che mi ha sempre rasserenato. Ma in un senso dinamico, perché il verde per me ha anche un’energia rivitalizzante.

The smell I L P R O F U M O D E L L ’ E R B A A P P E N A TA G L I ATA : C A S A

of freshly cut grass: home.

320–321

It’s the colour of unspoilt nature, of woods, of meadows which, in England – a country I’m very attached to – are an indescribable colour. It was the colour of my childhood bedroom (green carpet, green fabric on the walls): a deep green, the kind that has always soothed me, but in a dynamic way, for green also has a revitalising energy for me.

Monica Capuani is a scout, translator and dramaturg. Born in Rome, she worked as a freelance journalist for twenty years, for Italian newspapers including L’Espresso, L’Europeo, Il Mondo, Il Venerdì, as well as for major women’s magazines. She hosted the radio programme Libro Oggetto on Rai Radio2 for ve years. Alongside her journalism, she also maintained an intense literary translation practice from English and French and has translated over 70 novels. In recent years she has devoted herself to theatre full time, selecting plays for translation and endeavouring to get them staged in Italy and abroad. Prior to the COVID-19 pandemic, she organised Contemporary, a series of meetings between Italian and British theatremakers at the Italian Cultural Institute in London, and in 2018 she was artistic director of the Italian Theatre Festival at the Print Room at the Coronet, Notting Hill. At the Biennale Teatro 2019, the then Artistic Director Antonio Latella invited her to hold a workshop on theatre translation, which she held again in 2021, under the current Artistic Directors Stefano Ricci and Gianni Forte. These experiences consolidated what is now an intense and ongoing workshop practice. To date, she has translated around 160 theatre texts.

MONICA CAPUANI

Scout, tradu rice e dramaturg. È nata a Roma e ha collaborato per vent’anni come giornalista freelance per testate nazionali come L’Espresso, L’Europeo, Il Mondo, Il Venerdì e per i ma iori periodici femminili, oltre a condurre per cinque anni la trasmissione Libro Ogge o per Rai Radio2. Ha sempre a ancato al giornalismo un’intensa a ività di traduzione le eraria dall’inglese e dal francese, e ha al suo a ivo la traduzione di una se antina di romanzi. Negli ultimi anni ha scelto il teatro a tempo pieno: seleziona i testi che traduce e cerca di suscitarne la messa in scena, in Italia e all’estero. Prima della pandemia di COVID-19 ha organizzato Contemporary, un ciclo di incontri tra teatranti italiani e inglesi all’Istituto Italiano di Cultura di Londra, e nel 2018 è stata dire ore artistico dell’Italian eatre Festival al Print Room at the Coronet di No ing Hill. Alla Biennale Teatro 2019, il Dire ore Artistico Antonio Latella l’ha invitata a condurre un workshop di traduzione per il teatro, che ha tenuto di nuovo nel 2021, so o la direzione di Stefano Ricci e Gianni Forte, esperienze che hanno consolidato un’intensa e ormai costante a ività laboratoriale. A o i ha trado o circa 160 testi teatrali.

Sono stata un ponte, ho sempre traghettato storie. Sia come giornalista, sia come traduttrice. In futuro vorrei contribuire a portare in Italia un’idea di teatro più coraggiosa.

I HAVE ALWAYS BEEN A BRIDGE, FERRYING STORIES FROM ONE SHORE TO ANOTHER, BOTH AS A JOURNALIST AND AS A TRANSLATOR. IN THE FUTURE, I WOULD LIKE TO CONTRIBUTE TO BRINGING A BRAVER KIND OF THEATRE TO ITALY.

Se non è in grado di demolire le certezze del buonsenso, l’arte non serve a nessuno. IF IT CAN’T DEMOLISH THE CERTAINTIES OF COMMON SENSE, ART IS OF NO USE TO A N Y O N E .

322–323

Francesco Morosi is a research fellow in Greek and Comparative Literature at the University of Pisa. He trained at the Scuola Normale Superiore and at the University of California at Berkeley, before being employed on the research sta at the Scuola Normale Superiore, where he was also head of science dissemination between 2019 and 2021. His main eld of interest is ancient Greek theatre – tragic and comic – and how it interacts with later periods. He is currently editing a new annotated edition of Aeschylus’ The Eumenides (with Guido Paduano) and working on a national project focusing on the fortunes of ancient Greek theatre in Elizabethan England. In the summer of 2022, he translated Oedipus Rex for the Greek Theatre in Syracuse, directed by Robert Carsen. In 2023, he translated Aeschylus’ The Persians for the I Sacchi di Sabbia company. Finally, he is the editor and translator of Ulisse. L’ultima Odissea, a translation and stage version of Homer’s Odyssey, which will play from 29 June to 2 July 2023 at the Greek Theatre in Syracuse, directed by Giuliano Peparini.

Francesco Morosi è assegnista di ricerca in Le eratura Greca e Le erature Comparate all’Università di Pisa. Si è formato alla Scuola Normale Superiore e all’Università della California a Berkeley, e ha lavorato nel personale di ricerca della Scuola Normale Superiore, dove è stato anche responsabile della divulgazione scienti ca fra il 2019 e il 2021. Il suo principale campo di interesse è il teatro antico – comico e tragico –, anche nelle sue interazioni con epoche successive. Al momento, sta curando una nuova edizione commentata de Le Eumenidi di Eschilo (con Guido Paduano) e sta lavorando a un proge o di interesse nazionale sulla fortuna del teatro antico nell’Inghilterra elisabe iana. Nell’estate del 2022, ha curato la traduzione di Edipo Re al Teatro greco di Siracusa, per la regia di Robert Carsen. Nel 2023, ha trado o I Persiani di Eschilo per la compagnia I Sacchi di Sabbia. Ha inoltre curato Ulisse. L’ultima Odissea, traduzione e riduzione teatrale dell’Odissea di Omero in scena dal 29 giugno al 2 luglio 2023 al Teatro greco di Siracusa per la regia di Giuliano Peparini.

FRANCESCO MOROSI

LA TRAGEDIA CLASSICA È ANCORA OGGI LA FONTE P R I M A R I A D E I G R A N D I T E M I D I R I F L E S S I O N E D E L T E AT R O . N E G L I U LT I M I A N N I , L A D R A M M A T U R G I A C O N T E M P O R A N E A I N G L E S E H A M O LT O F R E Q U E N T A T O L A T R A G E D I A , R E N D E N D O L E O M AG G I O E R I S C R I V E N D O L A I N VA R I E F O R M E . N E L L A B O R AT O R I O S I E S A M I N E R A N N O E LEGGERANNO BRANI DI TRAGEDIE CLASSICHE – EDIPO RE E ANTIGONE DI SOFOCLE, ORESTEA DI ESCHILO, LE TROIANE, ECUBA E IFIGENIA IN AULIDE DI EURIPIDE – E BRANI DI A L C U N E D E L L E P I Ù S I G N I F I C AT I V E R I S C R I T T U R E I N G L E S I RECENTI (DI ROBERT ICKE, MARINA CARR, CARYL CHURCHILL, LULU RACZKA). SI PRENDERANNO IN ESAME TEMI, STRUTTURE, PROBLEMI DI TRADUZIONE, I N T E R P R E TA Z I O N E E M E S S A I N S C E N A S I A D E I T E S T I CLASSICI SIA DELLE REINVENZIONI CONTEMPORANEE. L A T R A G E D I A G R E C A C O M E M O N U M E N T O F O N D AT I V O D E L T E AT R O È U N E M E R A L D P I Ù V E R D E D E L L A P I E T R A P R E Z I O S A . S T O R I E C H E E L E VA N O L A C I T TÀ D A U N O S TAT O F E R I N O A U N A M E T A D I S E M P R E P I Ù A LT A C I V I LT À . D O P O S E C O L I Q U E S T I M I T I “ R I F I O R I S C O N O ”, T O R N A N O V E R D I E S E M P R E P I Ù AT T U A L I N E L L E L O R O R E I N V E N Z I O N I CONTEMPORANEE.

WORKSHOP C L AS S I CA L T RAG E DY I S S T I L L T H E P R I M A RY S O U R C E O F T H E M A J O R T H E M E S T H AT T H E AT R E R E F L E C T S O N T O D AY . IN RECENT YEARS, CONTEMPORARY ENGLISH P L AY W R I T I N G H A S B E E N V E R Y C O N C E R N E D W I T H T R A G E DY , PAY I N G H O M A G E T O I T A N D R E W R I T I N G I T I N VA R I O U S F O R M S . T H E W O R KS H O P W I L L E X A M I N E A N D READ EXCERPTS FROM CLASSICAL TRAGEDIES – SOPHOCLES’ OEDIPUS REX AND ANTIGONE, AESCHYLUS’ ORESTEIA, AND EURIPIDES’ THE TROJAN WOMEN, HECUBA AND IPHIGENIA IN AULIS – ALONGSIDE EXCERPTS FROM SOME OF THE MOST SIGNIFICANT ENGLISH-LANGUAGE VERSIONS OF RECENT YEARS (BY ROBERT ICKE, MARINA CARR, CARYL CHURCHILL, LULU RACZKA). WE WILL C O N S I D E R T H E T H E M E S , S T R U C T U R E S , A N D T R A N S L AT I O N PROBLEMS OF BOTH THE CLASSICAL TEXTS AND THEIR CONTEMPORARY VERSIONS, AS WELL AS THEIR I N T E R P R E TAT I O N A N D S TA G I N G . A S T H E F O U N D I N G M O N U M E N T O F T H E AT R E , G R E E K T R AG E DY I S A N E M E R A L D G R E E N E R T H A N T H E P R E C I O U S S T O N E I T S E L F . T H E S E A R E S T O R I E S T H AT E L E VAT E T H E C I T Y F R O M A F E R A L S TAT E T O A S I T E O F E V E R G R E AT E R C I V I L I Z AT I O N . C E N T U R I E S L AT E R , T H E S E M Y T H S A R E “BLOOMING” AGAIN, AND IN THEIR CONTEMPORARY V E R S I O N S T H E Y A R E A S G R E E N A N D R E L E VA N T A S E V E R . 324–325

ROMEO CASTELLUCCI

“[…] che contenevano i segreti della saggezza di questi antichi per mezzo di certi motti, e come per ragioni sacre: di quale dottrina si permettevano solo di comunicare i misteri se non a coloro che ne erano capaci […].” Claude Mignault

“[…] which contained the secrets of the ancients’ wisdom by way of certain mottos, and as if for sacred reasons. Of this doctrine they allowed themselves to communicate the mysteries only to those who had the capacity for them […].” Claude Mignault

326–327

Director and stage, lighting and costume designer Romeo Castellucci (Cesena, 1960) is known across the world for creating a theatre founded on the totality of the arts and aimed at an integral perception of the artwork. His theatre engages in a type of dramaturgy that overturns the primacy of literature, thus becoming a complex and flexible form of art, a theatre made of extraordinarily rich images expressed in a language as comprehensible as music, sculpture, painting or architecture. His stagings are regularly invited to and produced by the most prestigious international theatres, opera houses and festivals, in over fifty countries covering all the continents. For the 2018/2019 season, Romeo Castellucci received a triple award, the “Oscars” of European opera: fifty international music critics surveyed by the German magazine Opernwelt granted Romeo Castellucci with the “Best Show”, “Best Director”, and “Best Production Designer” awards for Salomé. For his opera production in 2022, Romeo Castellucci has been engaged with Resurrection by Gustav Mahler at Festival d’Aix-en-Provence and at Salzburg Festival with Duke Bluebeard’s Castle by Béla Bartók, followed by De temporum fine comoedia by Carl Orff (Teodor Currentzis on the podium and Romeo Castellucci directing). As for theatre productions, Bros continues the tour with great success.

ROMEO CASTELLUCCI

Regista, creatore di scene, luci e costumi, Romeo Castellucci (Cesena, 1960) è conosciuto in tutto il mondo per aver dato vita a un teatro fondato sulla totalità delle arti e rivolto a una percezione integrale dell’opera. Il suo teatro propone una drammaturgia che ribalta il primato della letteratura, diventando così una complessa forma d’arte: un teatro fatto di immagini straordinariamente ricche ed espresso in un linguaggio comprensibile come la musica, la scultura, la pittura o l’architettura. Le sue messe in scena sono regolarmente invitate e prodotte dai più prestigiosi festival, teatri internazionali e teatri dell’opera, in oltre cinquanta Paesi in tut ti i continenti. Per la stagione 2018/2019, Romeo Castellucci riceve un triplice premio dagli “Oscar” della lirica europea, un sondaggio della rivista tedesca Opernwelt tra cinquanta critici musicali internazionali: “Miglior spettacolo”, “Miglior regista”, “Miglior scenografo” per Salomè. Per la produzione operistica, nel 2022, Romeo Castellucci si confronta con la Resurrezione di Gustav Mahler per il Festival d’Aix-enProvence; al Salzburger Festspiele debuttano Il castello di Barbablù di Béla Bartók e De temporum fine comoedia di Carl Orff, dirige la collaudata coppia Teodor Currentzis sul podio e Romeo Castellucci alla regia. In teatro, la tournée di Bros prosegue con successo.

I N T E AT R O S I C O G L I E IL RAPPORTO AL SACRO LÀ DOVE V I È U N C O R P O . L’ A T T O R E I N FAT T I S E M P R E R I T O R N A SULLA SCENA COME RIFLESSO ABISSALE DELL’ANIMALE SACRIFICALE. LA VIOLENZA R I M A N E , M A È T R A S F I G U R ATA D A U N N U O V O C O LT E L L O , QUELLO DELLO SGUARDO D E L L O S P E T TAT O R E . I T R E G I O R N I D I L AVO R O V E R TO N O S U Q U E S TA ( P E R D I TA D I ) MEMORIA.

WORKSHOP I N T H E AT R E , T H E R E L AT I O N S H I P T O T H E SACRED IS GRASPED WHERE T H E R E I S A B O DY . I N D E E D , T H E A C T O R A LWAY S R E T U R N S T O T H E S TA G E A S A N A B Y S S A L REFLECTION OF THE SACRIFICIAL ANIMAL. VIOLENCE REMAINS, BUT IS TRANSFIGURED BY A NEW K N I F E , T H AT O F T H E S P E C TAT O R ’ S G A Z E . T H E T H R E E D AY S O F W O R K F O C U S ON THIS (LOSS OF) MEMORY.

328–329

FC BERGMAN

U N V U O T O VA S T O E C O N F O R TA N T E , G R AV I D O D I P O S S I B I L I TÀ . S U L PA LC O H O L E S T E S S E PA U R E E G L I S T E S S I D U B B I C H E H O N E L L A V I TA R E A L E . S I T R AT TA QUASI SEMPRE DELLA STESSA DOMANDA: COME V I V E R E U N A V I TA S I G N I F I C AT I VA ? I L T E AT R O M I FA S E N T I R E C O N N E S S A , M E N O S O L A . N O N È A LT R O C H E U N ’ I L L U S I O N E ?

A vast and comforting emptiness, pregnant with possibilities. Onstage I have the same fears and doubts as in real life. It mostly comes down to the same question: how to live a meaningful life? Theatre makes me feel connected, less alone. Is this only an illusion?

330–331

FC Bergman is a collective founded in 2008 by actors / theatre-makers / artists Stef Aerts, Joé Agemans, Bart Hollanders, Matteo Simoni, Thomas Verstraeten and Marie Vinck. Simoni and Hollanders have left the core team and now work on an ad hoc basis with FC Bergman. Since 2013, the collective resides at Toneelhuis in Antwerp and it has developed in a short time a highly unique theatrical idiom, at the same time anarchistic, chaotic, visual and poetic. Their productions – often sitespecific – give centre stage to the floundering, ever-striving human. An impressive production in that series, JR (2018), literally and figuratively takes this theme to the next level. Their most recent work is The Sheep Song (2021), a wordless performance about a creature that is no longer content with its lot as it feels to be destined to lead a more glorious life than that of its fellows. A modern parable about our fear of and attraction to change in our lives. The tragedy of man as a fundamentally changing being. Besides the work with the collective, the members of FC Bergman are individually involved in various other theatre productions, TV projects and films, or make productions, installations and videos under their own names.

FC Bergman è un collettivo fondato nel 2008 dagli attori/teatranti/artisti Stef Aerts, Joé Agemans, Bart Hollanders, Matteo Simoni, Thomas Verstraeten e Marie Vinck. Simoni e Hollanders non fanno più parte del team principale e oggi collaborano con FC Bergman su progetti ad hoc. Dal 2013 il collettivo ha sede presso il teatro Toneelhuis di Anversa e in poco tempo ha sviluppato un linguaggio teatrale assolutamente unico, che è al contempo anarchico, caotico, visivo e poetico. Le loro produzioni, spesso sitespecific, mettono al centro della scena l’essere umano, nel suo continuo sforzarsi e annaspare. Un’impressionante produzione di questa serie, JR (2018), porta letteralmente e figurativamente questo tema a un livello superiore. La loro opera più recente è The Sheep Song (2021), una performance senza testo su una creatura che non si accontenta più di stare tra i suoi simili perché sente di essere destinata a condurre una vita più gloriosa: una parabola moderna sulla paura e l’attrazione per il cambiamento nelle nostre vite, la tragedia dell’uomo come essere fondamentalmente mutevole. In aggiunta al lavoro con il collettivo, i membri di FC Bergman sono impegnati individualmente in svariate produzioni teatrali, progetti televisivi, film, ma anche produzioni, installazioni e video che realizzano a proprio nome.

FC BERGMAN

SULLA CREAZIONE. LA CUCINA DI FC BERGMAN NELLA SUA MASTERCLASS, IL COLLETTIVO FC BERGMAN DÀ UNO S G UA R D O A L L A C U C I N A D E L L A C O M PAG N I A . A L C E N T R O C ’ È I L M O D O D I L AV O R A R E C H E L A C O M PA G N I A H A A F F I N AT O N E G L I U LT I M I 1 5 A N N I . IN UN BREVE PERIODO DI TEMPO CERCHIAMO DI RIPERCORRERE L E P R I M E FA S I D I U N P R O C E S S O C R E AT I V O . F O R M U L I A M O U N CONCETTO DI BASE, RACCOGLIAMO UN MOODBOARD, PENSIAMO ALLA SCENOGRAFIA E ALLE PRIME SCENE. SE P O S S I B I L E , P R E N D I A M O U N O S PA Z I O E S I S T E N T E C O N L A S UA S T O R I A E I L S U O S I G N I F I C AT O C O M E P U N T O D I PA R T E N Z A P E R LA CREAZIONE DI UNA PERFORMANCE, COME NEL CASO DELLA NOSTRA PERFORMANCE HET LAND NOD (THE LAND OF NOD). C O M E P O S S I A M O C R E A R E U N A P E R F O R M A N C E V I S I VA S E N Z A PA R O L E ? G UA R D I A M O P I Ù DA V I C I N O A L L AVO R O C O L L E T T I VO . C O SA S I G N I F I C A L AVO R A R E C O L L E T T I VA M E N T E ? N E E S P LO R I A M O I L S I G N I F I C AT O E I M E C C A N I S M I . LA MASTERCLASS SARÀ UN’ESTENSIONE DELLA NOSTRA OPERA E, DI CONSEGUENZA, UN ESERCIZIO DI CREAZIONE DI MONDI E S PA Z I E M E R A L D , S I A R E A L I C H E M E N TA L I , C H E F U N G E R A N N O C O N T E M P O R A N E A M E N T E D A P R O V O C AT O R I E D A C O M PA G N I D ’ A N I M A . S I A P E R I P E R S O N A G G I C H E L I A B I TA N O , S I A P E R G L I S P E T TAT O R I C H E L I G U A R D A N O , S I A P E R I C R E AT O R I C H E L I MODELLANO.

WORKSHOP A B O U T C R E AT I N G . T H E K I T C H E N O F F C B E R G M A N IN ITS MASTERCLASS FC BERGMAN GIVES A GLIMPSE INTO THE I N T E R N A L K I T C H E N O F T H E C O M PA N Y . C E N T R A L I S T H E WAY O F W O R K I N G T H AT T H E C O M PA N Y H A S R E F I N E D O V E R T H E PA S T 1 5 YEARS. IN A SHORT PERIOD OF TIME WE TRY TO GO THROUGH THE F I R S T S T E P S O F A C R E AT I V E P R O C E S S . W E F O R M U L AT E A B A S I C CONCEPT, COLLECT A MOOD BOARD, THINK ABOUT S C E N O G R A P H Y A N D F I R S T S C E N E S . P O S S I B LY , W E T A K E A N E X I S T I N G S PAC E W I T H I T S H I S TO RY A N D M E A N I N G AS A S TA R T I N G P O I N T F O R T H E C R E AT I O N O F A P E R F O R M A N C E , J U S T LIKE WITH OUR PERFORMANCE HET LAND NOD (THE LAND OF N O D ) . H O W C A N W E C R E AT E A W O R D L E S S , V I S U A L PERFORMANCE? W E TA K E A C L O S E R L O O K AT C O L L E C T I V E W O R K I N G . W H AT D O E S I T M E A N T O W O R K C O L L E C T I V E LY ? W E E X P L O R E T H E SIGNIFICANCE AND MECHANISMS. THE MASTERCLASS WILL BE AN EXTENSION OF OUR OEUVRE A N D W I L L C O N S E Q U E N T LY B E A N E X E R C I S E I N C R E A T I N G E M E R A L D W O R L D S A N D S PA C E S , B O T H R E A L A N D M E N TA L , T H AT W I L L S E R V E S I M U LT A N E O U S LY A S P R O V O C A T E U R A N D S O U L M AT E . B O T H F O R T H E C H A R A C T E R S W H O I N H A B I T T H E S E W O R L D S , T H E S P E C TAT O R S W H O V I E W T H E M , A N D T H E C R E AT O R S W H O S H A P E T H E M .

332–333

ANGÉLICA LIDDELL

Il verde è la morte, secondo Lorca. È il colore della decomposizione e dei cadaveri. La morte trasforma il bianco in verde. È il colore delle scarpe che ho fatto fare, mi fanno male, mi stringono. Il calzolaio mi ha detto che le mie scarpe verdi si chiamavano “Dolores”. Me le metto quando voglio piangere.

Green is death, according to Lorca. It’s the colour of corpses and putrefaction. Death turns white into green. It’s the colour of the shoes I had made: they hurt me, they’re too tight. The shoemaker told me my green shoes were called “Dolores”. I wear them when I want to cry.

334–335

Angélica Liddell ha fondato nel 1993 AtraBilis Teatro, con il quale ha messo in scena più di venticinque lavori. Le sue opere sono state tradotte in diverse lingue come francese, inglese, russo, tedesco, portoghese, polacco e greco. Oltre ad altri numerosi premi, ha ricevuto il Premio Nazionale di Letteratura Drammatica 2012 assegnato dal Ministero della Cultura spagnolo (per La casa de la fuerza), il Leone d’Argento della Biennale Teatro 2013, ed è stata nominata Chevalier des Arts et des Lettres nel 2017 dal Ministero della Cultura della Repubblica francese. I suoi ultimi lavori sono stati presentati in anteprima al Festival d’Avignon, al Wiener Festwochen, allo Schaubühne di Berlino e al Théâtre national de l’Odéon di Parigi. Angélica Liddell founded AtraBilis Teatro in 1993, and has staged more than twenty-five productions with the company. Her work has been translated into different languages including French, English, Russian, German, Portuguese, Polish and Greek. Prizes for her work include the National Dramatic Literature Award (2012) organised by the Spanish Ministry of Culture (for La casa de la fuerza); the Silver Lion of the Biennale Teatro 2013; while in 2017 she was made a Chevalier des Arts et des Lettres by the French Ministry of Culture. Her recent work has premiered at the Festival d’Avignon, the Wiener Festwochen, the Schaubühne in Berlin, and the Théâtre national de l’Odéon in Paris.

ANGÉLICA LIDDELL

C O N L E S T R E G H E D I G O YA . L A N C I O I N C A N T E S I M I S U L PA LC O . C O N L E M I E M A L E D I Z I O N I

With Goya’s witches. M E T T O C O S TA N T E M E N T E A L L A P R O VA L A C A P A C I TÀ M A G I C A D E L PA LC O S C E N I C O . I cast spells on stage. I constantly put the magical capacities of the stage to the test with my curses.

VO O D O O. V O G L I O M E T T E R E A L L A P R OVA LA FORZA RELIGIOSA DI UN PA LC O S C E N I C O . O M AG I CA . R U BA R E L A R E A LT À P E R T R A S F E R I R L A N E L M I T O . I L R I S C H I O C O N S I S T E N E L L ’ AV V I C I N A R S I A L L A C R E A Z I O N E DA L L ’ I N T I M O . L AVO R A R E CON UN CAOS CHE ALLA FINE SI ORGANIZZA DA SOLO. NELL’EPOCA DELL’OMOLOGAZIONE E DEI MESSAGGI M OT I VA Z I O N A L I , P R O P O N G O D I L AVO R A R E CON I NOSTRI DESIDERI INIBITI, CHE P O S S O N O E S S E R E L I B E R AT I S O L O G R A Z I E ALL’IPER-MORALE DELLA LEGGE DELLA POESIA. L’ A M O R E , I L C R I M I N E E L ’ A R T E R A P P R E S E N TA N O L ’ I M P O T E N Z A D E L L A RAGIONE, MA SONO LA FORZA DELLA BELLEZZA. DESIDERARE, DESIDERARE CHE QUALCOSA RIMANGA NELL’ARIA. QUESTO È IL MIO EMERALD. LA FEDE NELL’ARTE. L’ A R T E È V O O D O O .

WORKSHOP VO O D O O. I WA N T TO T E S T T H E R E L I G I O U S P O W E R O F T H E S TA G E . O R T H E M A G I C A L POWER. STEAL REALITY TO TRANSFER IT I N T O M Y T H . T H E R I S K I N V O LV E S A P P R O A C H I N G T H E C R E AT I V E A C T F R O M W I T H I N . W O R K I N G W I T H A C H A O S T H AT U LT I M A T E LY O R G A N I S E S I T S E L F . I N A N A G E O F H O M O G E N I S AT I O N A N D M O T I VAT I O N A L SPEECHES, I PROPOSE TO WORK WITH OUR I N H I B I T E D D E S I R E S , W H I C H C A N O N LY B E L I B E R AT E D T H A N K S T O T H E H Y P E R M O RA L I T Y O F T H E L AWS O F P O E T RY . LOVE, CRIME AND ART CONSTITUTE THE IMPOTENCE OF REASON, BUT THEY’RE THE POWER OF BEAUTY. WISHING, WISHING FOR SOMETHING TO REMAIN IN THE AIR. T H AT ’ S M Y E M E R A L D . F A I T H I N A R T . A R T I S VOODOO.

336–337

FRANCESCO MICHELI RON HOWELL DAV I N I A RODRÍGUEZ

Il verde è la natura; quella – sin da bambino – sognata, vagheggiata e dipinta coi pennarelli. Ho sempre immaginato che Madre Natura fosse una gigantesca donna dalle forme debordanti: una cavernicola allegra e truce con le gambe marroni e ramificate vene varicose; la testa era blu, coi capelli al vento, umidi e luccicanti. I seni e il ventre però erano enormi e verdi. Quel verde, somma del marrone della terra e dell’azzurro del cielo e del mare, era l’emblema della vita. La vita. Green is nature; the one I have dreamt of since I was a child, longed for and painted with felttip pens. I have always imagined that Mother Nature was a gigantic woman with an overflowing figure: a cheerful, truculent cavewoman with brown legs and varicose veins branching off in all directions. Her head was blue, her hair was damp and glittered in the wind. Her breasts and belly, though, were huge and green. That green, the sum of the brown of the earth and the blue of the sky and sea, was the emblem of life. Life itself. 338–339

UNA CASSANDRA CHE SMETTE DI L A M E N TA R S I E S I DIMENA AL BERGHAIN.

A Cassandra who stops wining and thrashes around at Berghain.

FRANCESCO MICHELI

Nato nel 1972 a Bergamo, laureato in Le ere Moderne, si è diplomato a 24 anni alla Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi di Milano, ci à dove ha debu ato come regista e autore grazie al sodalizio con l’associazione As.Li.Co e l’Orchestra I Pomeri i Musicali. È stato Dire ore Artistico del Macerata Opera Festival e dal 2015 del Festival Donize i Opera di Bergamo. Ha insegnato Regia presso il biennio di specializzazione in Scenogra a all’Accademia di Brera. Ha allestito opere per diversi teatri lirici italiani ed esteri, vincendo due volte il Premio della critica musicale “Franco Abbiati”. Gli ultimi spe acoli sono stati Alcina di Georg Friedrich Händel presso il Glyndebourne Festival e L’aio nell’imbarazzo di Gaetano Donize i per il Festival Donize i Opera di Bergamo. Francesco Micheli è inoltre a ivamente impegnato nella divulgazione della musica classica su vari fronti.

In TV ha collaborato con S Classica e S Arte e da diversi anni tiene una rubrica su Rai 1 (per la trasmissione UnoMa ina in Famiglia); ha scri o libri per Rizzoli (L’opera è polvere da sparo con Elio) ed Edizioni Curci (Il lago dei cigni); ha lavorato per le principali istituzioni musicali italiane (l’Orchestra Filarmonica della Scala, l’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, l’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai). Con quest’ultima è stato la voce recitante di A Survivor from Warsaw di Arnold Schönberg, dire o da Fabio Luisi per il Giorno della Memoria 2023, trasmesso da Rai 5 e Rai Radio3. Per Bergamo Brescia Capitale Italiana della Cultura 2023 ha curato lo spe acolo inaugurale I Nuovi Mille (sabato 20 gennaio) e ha ricevuto la commissione di un’opera su Ra aella Carrà, Ra a in the S . Il debu o è previsto a se embre presso il Teatro Donize i. Born in Bergamo in 1972. After a degree in Contemporary Literature, at the age of 24 he graduated from the Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi in Milan, the city where he made his debut as a director and writer thanks to his work with the As.Li.Co association and the Orchestra I Pomeriggi Musicali. He is a former Artistic Director of the Macerata Opera Festival and since 2015 has been the Artistic Director of the Donizetti Opera Festival in Bergamo. He has also taught Directing on the two-year specialist course in Set Design at the Brera Academy in Milan. He has staged operas for various opera houses in Italy and abroad, twice winning the “Franco Abbiati” Music Critics’ Award. His most recent productions include Georg Friedrich Händel’s Alcina at the G l y n d e b o u r n e Fe s t i va l a n d G a et a n o Donizetti’s L’aio nell’imbarazzo for the Donizetti Opera Festival in Bergamo. Francesco Micheli is also actively involved in the popularisation of classical music on various fronts. On TV, he has worked with Sky Classica and Sky Arte, and for several years has been a featured guest on the Rai 1 programme UnoMattina in Famiglia. Writing credits include: L’opera è polvere da sparo (written with Elio, Rizzoli) and Il lago dei cigni (Edizioni Curci). He has also worked for Italy’s principal music institutions: the Filarmonica della Scala Orchestra, the Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, and the Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai. For the latter, he was the voice of Arnold Schönberg’s A Survivor from Warsaw,

directed by Fabio Luisi for International Holocaust Remembrance Day 2023 and broadcast on Rai 5 and Rai Radio3. He directed the opening performance I Nuovi Mille for Bergamo Brescia Italian Capital of Culture 2023 on Saturday 20 January, and has been commissioned to create a new opera on Ra aella Carrà, Ra a in the Sky, which is scheduled to premiere at the Teatro Donizetti in September.

British choreographer Ron Howell studied at the London Contemporary Dance School. He was the founder member of ARC Dance and later founded his own company, The Dance Collective. In his extensive work in opera he has choreographed for companies including: Metropolitan Opera (New York), Mariinsky Theatre (Saint Petersburg), Lyric Opera of Chicago, Teatro Real (Madrid), Teatro alla Scala (Milan), Glyndebourne Festival, Rossini Opera Festival (Pesaro), Teatro Nacional de São Carlos (Lisbon), Royal Opera House (Covent Garden, London), Teatro Massimo (Palermo). Howell is Associate Director, Movement Director and Choreographer of the Birmingham Opera Company.

RON HOWELL

Il coreografo britannico Ron Howell ha studiato alla London Contemporary Dance School. Membro fondatore di ARC Dance, ha poi fondato la propria compagnia, e Dance Collective. Nella sua vasta esperienza come coreografo per l’opera lirica ha lavorato con: Metropolitan Opera (New York), Mariins eatre (San Pietroburgo), Lyric Opera of Chicago, Teatro Real (Madrid), Teatro alla Scala (Milano), Glyndebourne Festival, Rossini Opera Festival (Pesaro), Teatro Nacional de São Carlos (Lisbona), Royal Opera House (Covent Garden, Londra), Teatro Massimo (Palermo). Howell è Associate Director, Movement Director e coreografo della Birmingham Opera Company. 340–341

DAV I N I A RODRÍGUEZ

Born in Las Palmas, Davinia Rodríguez trained under Leopoldo Rojas O’Donnell, Teresa Berganza, Martina Arroyo, Raina Kabaivanska a n d S y l v i a S a s s . She quickly made her debut in roles including Despina in Così fan tutte, the Countess in The Marriage of Figaro, Carolina in Il matrimonio segreto, Giannetta and Adina in L’elisir d’amore, the Countess of Folleville and Madame Cortese in Il viaggio a Reims at the Rossini Opera Festival in Pesaro. She has worked with leading conductors including Jesús López-Cobos, Plácido Domingo, Je rey Tate, Alberto Zedda, Nicola Luisotti, Gianandrea Noseda, Donato Renzetti, Riccardo Frizza, Fabio Luisi, James Conlon, Bertrand de Billy, to name a few. She sang the role of the Queen of the Night (in The Magic Flute) at the Stresa Festival under the baton of Gianandrea Noseda and directed by Michele Placido, at the Teatro Carlo Felice in Genoa and at the Staatsoper Stuttgart.

Other notable performances include: Maria in West Side Story in Paris and Vienna; La Princesse, Le Rossignol and Le Feu in Maurice Ravel’s L’enfant et les sortilèges at the Teatro di San Carlo in Naples under the baton of Je rey Tate; the three female roles in Don Giovanni under the baton of Nicola Luisotti at the Suntory Hall in Tokyo, ABAO Bilbao Opera, at the Festival dei Due Mondi in Spoleto and in Beijing; Micaëla in Carmen in Cremona, Brescia, Pavia and Como. She performed the role of Maria in the world premiere of Le Malentendu by Matteo D’Amico at the Macerata Opera Festival, The Merry Widow at the Teatro Carlo Felice in Genoa and in Verona, the Marchesa del Poggio in Un giorno di regno in Parma and Juditha triumphans in Macerata. She was highly praised for her performances as Violetta in La traviata in Bilbao; Lucia in Lucia di Lammermoor and Eurydice in Orphée et Eurydice at the Seattle Opera; Luisa Fernanda at the Florida Grand Opera and at Les Arts in Valencia; Musetta in La bohème in Dallas; she also performed in Mayr’s Medea in Corinto at the Festival della Valle d’Itria. In recent seasons she has expanded her repertoire, singing at the ABAO-OLBE in Bilbao (Turandot), at the Gran Teatre del Liceu in Barcelona (Simon Boccanegra), at the Theater an der Wien (I due Foscari, Macbeth), at the Teatro Regio in Turin (Pagliacci); and at the Sferisterio in Macerata (Turandot) directed by ricci/forte (a production which was awarded the “Franco Abbiati” Music Critics’ Award). Other recent performances include two productions at the Teatro di San Carlo in Naples (The Marriage of Figaro, Simon Boccanegra), and at the NCPA in Beijing (Thaïs). In 2019, she premiered the role of Floria Tosca at the Teatro Regio in Turin under the baton of Daniel Oren, directed by Mario Pontiggia. Nata a Las Palmas, Davinia Rodríguez si è formata so o la guida di Leopoldo Rojas O’Donnell, Teresa Berganza, Martina Arroyo, R a i n a Ka b a iv a n s k a e Syl v i a S a s s. In breve tempo ha debu ato in ruoli come Despina in Così fan tu e, la Contessa ne Le nozze di Figaro, Carolina ne Il matrimonio segreto, Gianne a e Adina ne L’elisir d’amore, nonché ha interpretato la Contessa di Folleville e Madama Cortese ne Il viaggio a Reims presso il Rossini Opera Festival di Pesaro. Ha collaborato con importanti dire ori d’orchestra fra i quali Jesús López-Cobos, Plácido Domingo, Je rey Tate, Alberto Zedda, Nicola Luiso i, Gianandrea

Noseda, Donato Renze i, Riccardo Frizza, Fabio Luisi, James Conlon, Bertrand de Billy, solo per nominarne alcuni. Ha cantato nel ruolo della Regina della No e (Il auto magico) alle Se imane Musicali di Stresa con la direzione di Gianandrea Noseda e la regia di Michele Placido, al Teatro Carlo Felice di Genova e alla Staatsoper S t u g a r t . Si segnalano inoltre le interpretazioni di Maria in West Side Story a Parigi e Vienna; La Princesse, Le Rossignol e Le Feu ne L’enfant et les sortilèges di Maurice Ravel al Teatro di San Carlo di Napoli con la direzione di Je rey Tate; ha cantato i tre ruoli femminili in Don Giovanni con la direzione di Nicola Luiso i alla Suntory Hall di To o, ad ABAO Bilbao Opera, al Festival dei Due Mondi di Spoleto e a Pechino; Micaëla in Carmen a Cremona, Brescia, Pavia, Como. Ha interpretato il ruolo di Maria nella prima rappresentazione assoluta di Le Malentendu di Ma eo D’Amico al Macerata Opera Festival; La vedova allegra al Teatro Carlo Felice di Genova e a Verona; ha interpretato la Marchesa del Po io in Un giorno di regno a Parma e Juditha triumphans a Macerata. È stata acclamata interprete di Viole a ne La traviata a Bilbao, Lucia nella Lucia di Lammermoor ed Eurydice nell’Orphée et Eurydice alla Sea le Opera, Luisa Fernanda alla Florida Grand Opera e a Les Arts di Valencia, Muse a ne La bohème a Dallas e si è esibita nella Medea in Corinto di Mayr al Festival della Valle d’Itria. Nelle ultime stagioni ha ampliato il suo repertorio cantando all’ABAO-OLBE di Bilbao (Turandot), al Gran Teatre del Liceu di Barcellona (Simon Boccanegra), al eater an der Wien (I due Foscari, Macbeth), al Teatro Regio di Torino (Pagliacci), allo Sferisterio di Macerata (Turandot) per la regia di ricci/forte (spe acolo che si è guadagnato il Premio della critica musicale “Franco Abbiati”) e al Teatro di San Carlo di Napoli (Le nozze di Figaro, Simon Boccanegra), al NCPA di Pechino ( aïs). Nel 2019 ha debu ato nel ruolo di Floria Tosca al Teatro Regio di Torino so o la bacche a di Daniel Oren e la direzione di Mario Ponti ia.

The power to stop time. IL POTERE DI FERMARE IL TEMPO.

342–343

I HAVE CHASED MY DREAMS SINCE I WAS A CHILD; THEY HAVE ALWAYS BEEN WITH ME, AND STILL ARE. GREEN HAS HELPED ME FIND THE RIGHT BALANCE BETWEEN THE EVERYDAY DIFFICULTIES OF LIFE AND THE INTENSE DESIRES THAT HAVE BEEN THE DRIVING FORCE OF MY EXISTENCE. OVER THE COURSE OF MY LIFE, GREEN HAS ALWAYS BEEN THE ELEMENT THAT HAS HELPED ME ACHIEVE MY DREAMS. I HOPE THAT MY GREEN WILL NEVER ABANDON ME, SO THAT I CAN CONTINUE TO DREAM, TO TRAVEL, TO LIVE.

Fin da piccola ho perseguito i miei sogni, che mi hanno accompagnato e lo fanno tutt’ora. Il verde mi ha aiutato a trovare il giusto equilibrio, tra le difficoltà quotidiane della vita e quei desideri intensi che sono stati il motore della mia esistenza. Nel mio percorso di vita il verde è sempre stato l’elemento che mi ha aiutato a raggiungere i miei sogni. Vorrei che il mio verde non mi abbandonasse mai, per poter continuare a sognare, percorrere, vivere.

FRANCESCO MICHELI PER TROPPO TEMPO L’ARTE LIRICA È C O I N C I S A C O N L A VO C E : I L TA L E N TO E L A T E C N I C A VO C A L E S O N O PRESUPPOSTI IMPRESCINDIBILI MA IL C A N TA N T E – R I C O R D I A M O C E LO ! – È U N A R T I S TA C O M P L E TO , U N P E R F O R M E R V E R S AT I L E . I L N O S T R O D E S I D E R I O È DA R E G L I S T R U M E N T I T E C N I C I , I N T E R P R E TAT I V I E D E M OT I V I P E R M E T T E R E I N C O L L E G A M E N TO L A D I M E N S I O N E SPIRITUALE CON QUELLA FISICA. VIVIAMO TEMPI CRUCIALI IN CUI L’ARTE H A U N R U O LO A N C O R A P I Ù U R G E N T E P E R L A S A LV E Z Z A D E L L ’ U M A N I TÀ . ABBIAMO BISOGNO CHE TUTTI GLI A R T I S T I U N I S C A N O L A LO R O VO C E . A B B I A M O B I S O G N O D I C A N TA N T I VIRTUOSI E COMMOSSI, SENSIBILI E C O N S A P E VO L I . AMO L’OPERA PERCHÉ È UN MONDO I N C A N TATO C H E M I FA C O N O S C E R E MEGLIO IL MIO MONDO. È UN SOGNO SÌ, MA A OCCHI APERTI. IL REGNO DI OZ CI DIMOSTRA CHE NON C ’ È U N I V E R S O P I Ù VAS TO E S U R R E A L E D E L K A N SAS D I D O R OT H Y . C E R C H E R E M O P E R C I Ò D I DA R E C O R P O A L VO S T R O I M M AG I N A R I O P E R C H É S I A S P E T TAC O L A R E C O M E I L M E LO D R A M M A .

F O R TO O LO N G , O P E R A H A S B E E N A S S O C I AT E D W I T H T H E VO I C E : TA L E N T A N D VO C A L T E C H N I Q U E H AV E A LWAYS BEEN ITS KEY PREREQUISITES. BUT THE SINGER – LEST WE FORGET! – IS A C O M P L E T E A R T I S T , A V E R S AT I L E PERFORMER. O U R D E S I R E I S TO P R OV I D E T H E T E C H N I C A L , I N T E R P R E TAT I V E A N D E M OT I O N A L TO O L S TO C O N N E C T T H E SPIRITUAL DIMENSION WITH THE P H YS I C A L O N E . WE LIVE IN UNPRECEDENTED TIMES, IN WHICH ART HAS AN EVEN MORE U R G E N T R O L E TO P L AY I N T H E S A LVAT I O N OF HUMANITY. W E N E E D A L L A R T I S T S TO U N I T E T H E I R VO I C E S . W E N E E D S I N G E R S T H AT A R E AT O N C E V I R T U O U S A N D E M OT I O N A L , S E N S I T I V E A N D AWA R E . I LOV E O P E R A B E C AU S E I T ’ S A M AG I C A L WO R L D T H AT M A K E S M E K N OW M Y OW N BETTER. YOU’RE DREAMING, OF COURSE, BUT WITH YO U R E Y E S O P E N . T H E K I N G D O M O F O Z S H OW S U S T H AT T H E R E I S N O U N I V E R S E VAS T E R A N D M O R E S U R R E A L T H A N D O R OT H Y ’ S K A N SAS . W E W I L L T H E R E F O R E T RY TO F L E S H O U T YO U R I M AG I N AT I O N S O T H AT I T I S AS S P E C TAC U L A R AS A M E LO D R A M A .

RON HOWELL I L M I O C O N T R I B U TO S A R À Q U E L LO D I U T I L I Z Z A R E I L M OV I M E N TO C O M E L I N G U AG G I O , C O S T R U I R E U N L A B O R ATO R I O C H E C O I N VO LG A M OV I M E N TO E R E C I TA Z I O N E , I D E A R E U N A P R A S S I C H E A I U T I I L C A N TA N T E A SENTIRSI PIÙ LIBERO DI CONTRIBUIRE AL PROCESSO DI PRODUZIONE E PIÙ A S U O AG I O C O N I L P R O P R I O C O R P O , E C H E LO A I U T I A FAC I L I TA R E I L M OV I M E N TO E L ’ E S E R C I Z I O VO C A L E . U T I L I Z Z E R Ò S VA R I AT E T E C N I C H E D I I M P R OV V I S A Z I O N E C O R E U T I C A O T E AT R A L E P E R A I U TA R E I C A N TA N T I A E N T R A R E I N U N P R O C E S S O C R E AT I VO PIÙ DINAMICO. NON MI OCCUPERÒ IN M A N I E R A D I R E T TA D I A R I E O R E C I TAT I V I , Q U E S TO S A R À C O M P I TO D E L R E G I S TA O D E L VO C A L C OAC H .

MY CONTRIBUTION WILL BE USING M OV E M E N T A S A L A N G U AG E . T O B U I L D T H E W O R KS H O P I N VO LV I N G M OV E M E N T A N D AC T I N G . T O D E V I S E W O R K TO H E L P T H E S I N G E R B E C O M E F R E E R TO C O N T R I B U T E TO T H E PRODUCTION PROCESS. TO HELP THE SINGER FEEL MUCH MORE C O M F O R TA B L E W I T H T H E I R B O DY . T O FAC I L I TAT E M OV E M E N T A N D VO C A L E X E R C I S E . I I N T E N D TO U S E A LOT O F T H E AT R E A N D / O R DA N C E I M P R OV I S AT I O N A L T E C H N I Q U E S TO HELP THE SINGERS BREAK THROUGH I N TO A M O R E DY N A M I C C R E AT I V E P R O C E S S . I W I L L N OT D E A L W I T H A R I A S O R R E C I TAT I V E S – N OT D I R E C T LY . T H I S W I L L B E TAC K L E D BY T H E D I R E C TO R A N D / O R T H E VO C A L C OAC H .

IO SARÒ PRESENTE E LI ASSISTERÒ NEL LO R O L AVO R O P R O P R I O C O M E FA R E I S E S T E S S I L AVO R A N D O A U N A PRODUZIONE OPERISTICA. U T I L I Z Z E R Ò L A S E S S I O N E M AT T U T I N A C O M E R I S C A L DA M E N TO F I S I C O , S E G U I TO DA I M P R OV V I S A Z I O N I P E R C O S T R U I R E S C E N E , E S P LO R A R E T E C N I C H E D I R E C I TA Z I O N E , R I C E R C A R E I L P E R S O N AG G I O E G I O C A R E C O N D I V E R S E D I N A M I C H E T E AT R A L I . VERDE. P E R M E S I G N I F I C A A N DA R E . I L C O LO R E D E G L I O C C H I D I M I O PA D R E Q UA N D O E R A G I OVA N E , C H E P O I S O N O D I V E N TAT I B L U . I L C O LO R E D E I M I E I O C C H I DA G I OVA N E , CHE ORA SONO BLU. IL CHAKRA DEL CUORE, L’ÀNCORA PER L’EQUILIBRIO DI TUTTI I CHAKRA. LA C O M PAS S I O N E . L’ A M O R E . IL PERDONO.

I WILL BE PRESENT AND ASSIST THEM IN THEIR WORK. JUST AS I WOULD IF I WERE WORKING ON AN OPERA PRODUCTION. I WILL USE THE MORNING SESSION W H I C H W I L L B E P H YS I C A L WA R M U P S , F O L LO W E D BY I M P R OV I S AT I O N S . B U I L D I N G S C E N E S , E X P LO R I N G AC T I N G TECHNIQUES, RESEARCHING C H A R AC T E R , A N D P L AY I N G W I T H D I F F E R E N T T H E AT R I C A L DY N A M I C S . GREEN. T O M E I T M E A N S TO G O. T H E C O LO U R O F M Y FAT H E R ’ S E Y E S W H E N H E WAS YO U N G , T H AT T H E N TURNED BLUE. T H E C O LO U R O F M Y E Y E S W H E N I WAS YO U N G , T H AT A R E N OW B L U E . THE HEART CHAKRA. THE BALANCE A N C H O R F O R A L L C H A K R AS . C O M PAS S I O N . L OV E . FORGIVENESS.

WORKSHOP

DAV I N I A R O D R Í G U E Z L AVO R E R E M O VO C A L M E N T E C O N I C A N TA N T I , R I C E R C A N D O L E E M O Z I O N I E L E C A R AT T E R I S T I C H E D E I P E R S O N AG G I AT T R AV E R S O I L V E N TAG L I O D I S F U M AT U R E C H E O F F R E L A VO C E U M A N A . I L V E R D E R I C H I A M A U N A V I TA N U OVA , L A R I N AS C I TA , I L R I N N OVA R S I . I L R I C R E A R E A L F I N E D I T R A M A N DA R E UN’ARTE ANTICA. VERDE È LA FOGLIA D E L P I N O D E L L E C A N A R I E C H E R I N AS C E DA L S U O T R O N C O B R U C I ATO , C O S Ì C O M E L A F E N I C E R I S O R G E DA L L E SUE CENERI.

344–345

W E W I L L W O R K VO C A L LY W I T H S I N G E R S BY R E S E A R C H I N G T H E E M OT I O N S A N D F E AT U R E S O F T H E C H A R AC T E R S P L AY E D , U S I N G T H E RANGE OF NUANCES OFFERED BY T H E H U M A N VO I C E . GREEN RECALLS NEW LIFE, REBIRTH, R E N E WA L . C R E AT I N G S O M E T H I N G A N E W TO PAS S O N A N A N C I E N T A R T . G R E E N L I K E T H E L E A F O F T H E C A N A RY ISLAND PINE RISING FROM ITS B U R N T T R U N K , J U S T AS T H E P H O E N I X R I S E S F R O M I T S AS H E S .

ANDREA PORCHEDDU

La “fata verde”, così veniva chiamato l’assenzio in Francia a fine Ottocento. O “le péril vert”, il pericolo verde. Si narra che Hemingway, noto bevitore, dicesse di amare l’assenzio perché faceva cambiare idea. Cambiare idee, aprirsi allo sconosciuto, all’inatteso: solo così posso percepire il verde. Qualcosa di eternamente mutevole, un invito a mettersi in discussione, a mettere tutto in discussione. In questa continua modificazione, il verde è l’imprendibile. Spettro ampio, questa è la percezione del verde. Mutando riposa. Ecco come nella mutevolezza sfuggente vi è un tempo proficuo per il riposare, e per il pensare. Il pensiero critico: ribalta le certezze, scardina i luoghi comuni, disegna paesaggi sempre nuovi e diversi. Proprio come la fata verde: guardare a sé e al mondo con occhi nuovi.

The “green fairy” was the name given to absinthe in France in the late 1800s – otherwise known as “le péril vert”, the green peril. It’s said that Hemingway, a renowned drinker himself, claimed that he loved absinthe because it made people change their minds. Changing your mind, opening yourself up to the unknown, to the unexpected, that is the only way I see the colour green. An eternally mutable thing, an invitation to question yourself, and everything. In this constant transformation, green is what cannot be pinned down. A broad spectrum, that is my perception of it. Something that rests as it mutates. There can be a fruitful time for rest, and thought, in fleeting mutability. Critical thinking flips certainties on their head, dismantles received ideas, and sketches out new and distinct landscapes. Just like the green fairy: looking at yourself and the world with fresh eyes.

346–347

Andrea Porcheddu has worked as a theatre critic and scholar since 1988, after a degree in Philosophy of Law. He has worked for a variety of outlets, from national newspapers (online and in print), to radio and TV news including: L’Espresso, glistatigenerali.com, antinomie.it, che-fare.com, Lettre International, Rai Radio3. Over the course of his career, he has also founded and contributed to newspapers such as Teatro/Pubblico, Prima la, and Pagina99. He has written books on Emma Dante, Ascanio Celestini, Virgilio Sieni, ricci/forte, Arturo Cirillo and Pierpaolo Sepe, among others. He teaches courses on the Methodology of Criticism at the Sapienza University in Rome, as well as at the Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio d’Amico”. He has led workshops on theatre criticism at the Biennale Teatro in Venice, and various other Italian festivals. His book Questo fantasma. Il critico a teatro (published by Titivillus Mostre Editoria in 2010) explores the critical theories that have been applied to the stage. He edits the Guide Teatrali series for Cue Press, with whom he has also published Che c’è da guardare? La critica di fronte al teatro sociale d’arte (2017), and more recently Altri corpi / Nuove danze (2019), which considers the interaction between choreography and discomfort. In 2020 he published Il respiro di Dioniso. Il teatro di Theodoros Terzopoulos (2020) with Luca Sossella Editore. He has directed festivals and has been part of national and international juries, and in 2012 he was the Artistic Director of the Bahrain National Theatre. In January 2021 he was appointed Dramaturg at the Teatro Nazionale di Genova.

ANDREA PORCHEDDU

Laureato in Filoso a del Diri o, si occupa di teatro dal 1988 come critico e studioso. Ha collaborato con diverse testate nazionali, online, cartacee, radio e televisione, tra cui L’Espresso, glistatigenerali.com, antinomie.it, che-fare.com, Le re International, Rai Radio3. Nel suo percorso ha fondato e contribuito alla vita di diversi giornali, tra cui Teatro/Pubblico, Prima la, Pagina99. Ha scri o libri su Emma Dante, Ascanio Celestini, Virgilio Sieni, ricci/forte, Arturo Cirillo, Pierpaolo Sepe e molti altri artisti. Tiene corsi di Metodologia della Critica a l l a S a p i e n z a U n i ve r s i t à d i R o m a e all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio d’Amico”. Ha curato laboratori di critica alla Biennale Teatro e in vari altri Festival italiani. Si è dedicato alle teorie critiche applicate alla scena con il libro Questo fantasma. Il critico a teatro (Titivillus Mostre Editoria, 2010). Cura la collana Guide Teatrali di Cue Press, con cui ha pubblicato il libro Che c’è da guardare? La critica di fronte al teatro sociale d’arte (2017) e il più recente Altri corpi / Nuove danze (2019) dedicato all’interazione tra coreogra a e disagio. Con Luca Sossella Editore ha dato alle stampe Il respiro di Dioniso. Il teatro di eodoros Terzopoulos (2020). Ha dire o festival e ha fa o parte di giurie internazionali e nazionali. Nel 2012 ha lavorato come dire ore artistico del Bahrain National eatre. Dal gennaio 2021 è Dramaturg del Teatro Nazionale di Genova.

IN COLLABORAZIONE CON LA DOCENTE E CRITICA R O B E R TA F E R R A R E S I , S I T R AT TA D I D A R E V I TA A U N A R E D A Z I O N E WEB CHE POSSA SEGUIRE, A N A L I Z Z A R E , C O M M E N TA R E E VA L U TA R E G L I E V E N T I E G L I S P E T TA C O L I D E L F E S T I VA L NELLE FORME DELL’ARTICOLO, I N T E R V I S TA , R E C E N S I O N E , R E P O R TA G E , V I D E O , F O T O P E R UNA NARRAZIONE QUOTIDIANA DI QUANTO ACCADE DURANTE L A B I E N N A L E T E AT R O .

WORKSHOP

WORKING WITH LECTURER A N D C R I T I C R O B E R TA F E R R A R E S I , T H E A I M I S T O C R E AT E A W E B E D I T O R I A L O F F I C E T H AT R E P O R T S O N , A N A LY S E S , C O M M E N T S A N D E VA L U AT E S THE EVENTS AND PERFORMANCES OF THE F E S T I VA L . I T W I L L D O T H I S I N THE FORM OF ARTICLES, INTERVIEWS, REVIEWS, REPORTS, VIDEOS AND P H O T O S , O F F E R I N G A D A I LY A C C O U N T O F W H AT H A P P E N S DURING THE BIENNALE T E AT R O .

348–349

ARMANDO PUNZO

Day after day, never giving up, I managed to transform a penal institution into a cultural one. Now I’m working to build the first permanent prison theatre company in the world, and ensure that the Compagnia della Fortezza’s productions will have the chance to tour Europe.

Giorno dopo giorno, senza mai arrendermi, sono riuscito a trasformare un istituto di pena in un istituto di cultura. Ora lavoro per la costruzione del primo teatro stabile in carcere al mondo e per ottenere la possibilità di portare in Europa gli spettacoli della Compagnia della Fortezza.

350–351

Armando Punzo is a director, playwright and actor. He has been working inside Volterra prison since 1988, when he founded his company, Compagnia della Fortezza, the country’s rst and longest-running prison theatre initiative. From 1996 to 2016 he directed the VolterraTeatro international festival. He has staged over thirty productions including Marat-Sade, I Negri, I Pescecani ovvero quello che resta di Bertolt Brecht, Hamlice – Saggio sulla ne di una civiltà, Santo Genet, Beatitudo and Naturae. At the same time, while relentlessly pursuing his goal of creating the world’s rst permanent prison theatre company, Punzo has also led workshops and directed performances internationally, focusing in particular on large-scale urban projects and performance-based installations. These include: a site-speci c version of Hamlice at the Pirelli HangarBicocca in Milan; a series of collective performances made in town squares, courtyards and museums as part of the project entitled Mercuzio non vuole morire; the installation-performance Paradiso – Voi non sapete la so erenza dei santi, staged at the foot of the ILVA steel factory in Taranto with local participants from the city’s Tamburi neighbourhood; L’opera segreta. Rovine e resti dell’umanità di Shakespeare, presented on the Santa Lucia escalators in Potenza; Le rovine circolari, a special edition of Beatitudo, inside the cooling chamber of the Enel Nuova Larderello geothermal power plant in Larderello (Pisa) and for the Green Triangle in Peccioli (Pisa); Naturae. La valle dell’innocenza (“Naturae. The Valley of Innocence”) and Naturae. La valle della permanenza (“Naturae. The Valley of Permanence”), both site-speci c performances for the Padiglione Nervi in the former State salt

mines of Volterra. He is the recipient of numerous prizes and awards, including: six UBU Awards, the President of the Italian Republic’s Medal of Honour, the University Seal of the Carlo Bo University of Urbino, the Premio ANCT (National Association of Theatre Critics Award), the “Carmelo Bene” Prize awarded by Lo Straniero magazine, the Europe Prize - Taormina Arte, the Premio per la Cultura Contemporanea della Regione Toscana (Region of Tuscany Prize for Contemporary Culture), the Agis Golden Ticket Special Award, the Naples Award, the Scenari pagani Award, the Nesi Award, the Fiesole Special Award, the Cercola Partenopea Award and the Anima Award – Anima per il Sociale. He is the author of two autobiographical books: È ai vinti che va il suo amore (Edizioni Clichy, 2013) and Un’idea più grande di me. Conversazioni con Rossella Menna (Luca Sossella Editore, 2019).

Armando Punzo è regista, drammaturgo e a ore. Dal 1988 lavora nel carcere di Volterra, dove ha fondato la Compagnia della Fortezza, prima e più longeva esperienza di lavoro teatrale in un istituto penitenziario. Dal 1996 al 2016 ha dire o il festival internazionale VolterraTeatro. Punzo ha messo in scena oltre trenta spe acoli – tra cui Marat-Sade, I Negri, I Pescecani ovvero quello che resta di Bertolt Brecht, Hamlice – Saggio sulla ne di una civiltà, Santo Genet, Beatitudo, Naturae. Parallelamente, mentre persegue con ostinazione l’obie ivo della realizzazione del primo teatro stabile in carcere al mondo, dirige workshop e spe acoli internazionali, focalizzandosi in particolar modo su grandi proge i urbani e installativo-performativi. Tra questi: un’edizione site-speci c di Hamlice al Pirelli HangarBicocca di Milano; una serie di performance colle ive per piazze, cortili e musei nell’ambito del proge o Mercuzio non vuole morire; l’installazione performativa Paradiso – Voi non sapete la so erenza dei santi, andata in scena, ai piedi dell’ILVA di Taranto, con il coinvolgimento dei ci adini del quartiere Tamburi; L’opera segreta. Rovine e resti dell’umanità di Shakespeare, ambientato sulle scale mobili Santa Lucia di Potenza; Le rovine circolari, versioni speciali di Beatitudo all’interno del refrigerante della centrale geotermica Enel Nuova Larderello e per il Triangolo Verde di Peccioli; Naturae. La valle dell’innocenza e Naturae. La valle della permanenza, spe acoli site-speci c per il Padiglione Nervi dell’ex Salina di Stato di Saline di Volterra. Ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti tra cui: sei Premi UBU, la Medaglia d’oro del Presidente della Repubblica, il Sigillo di Ateneo dell’Università degli Studi di Urbino Carlo Bo, il Premio ANCT, il Premio “Carmelo Bene”

352–353

della rivista Lo Straniero, il Premio Europa - Taormina Arte, il Premio per la Cultura Contemporanea della Regione Toscana, il Premio Speciale Biglie o d’Oro Agis, il Premio Napoli, il Premio Scenari pagani, il Premio Nesi, il Premio Speciale Fiesole, il Premio Cercola Partenopea e il Premio Anima – Anima per il Sociale. È autore di due volumi autobiogra ci: È ai vinti che va il suo amore (Edizioni Clichy , 2013) e Un’idea più grande di me. Conversazioni con Rossella Menna (Luca Sossella Editore, 2019).

ARMANDO PUNZO

Un uomo che si mette a nudo davanti ad altri uomini, offrendo in dono il suo essere extra-ordinario, la sua visionarietà e il frutto sincero delle sue ricerche, senza nessun narcisismo, rappresenta ancora uno degli atti più rivoluzionari e toccanti che possa capitare di vivere.

A man who lays himself bare in front of other men, offering them the gift of his extra-ordinary being, who displays his visionary nature, and the honest fruits of his explorations without narcissism is still one of the most revolutionary and touching acts you can experience.

“ I L T E M A È I L T E M A C H E N O N C ’ È . N O N Q U E L L O G I À D AT O , CHE GIÀ CONOSCI, NON I TEMI PREDEFINITI DAI BANDI NAZIONALI ED EUROPEI, NON QUELLI SOCIALMENTE E POLITICAMENTE CORRETTI, UTILI E ALLA MODA, MA QUELLO CHE DI NUOVO E IMPENSABILE PUOI SCOPRIRE NEL TUO V I A G G I O C R E AT I V O . L A M I A F O R M A Z I O N E R E G I S T I C A È D A A U T O D I D AT TA A S S O L U T O . N O N H O A L L E S PA L L E U N A T RA D I Z I O N E N É U N A S C U O L A . S O N O PA R T I TO DA L L ’ I N S O D D I S FA Z I O N E , DA L L ’ I N S O F F E R E N Z A P E R L A M A N C A N Z A D I L I B E R TÀ N E L L ’ U M A N O ; I L T E AT R O Q U I N D I È A R R I VAT O D O P O , C O M E L I N G U A G G I O C H E M I O F F R I VA U N A P O S S I B I L I T À D I R I V O LT A V E R S O M E S T E S S O E G L I A LT R I . P E R C O M E L I I N T E N D O I O , C R E D O I N FAT T I C H E I L T E AT R O , L A R E G I A E L A D R A M M AT U R G I A S I A N O S P E S S O U N A G R A N D E P O S S I B I L I TÀ S P R E C ATA . L A M I A I D E A D I R E G I A È U N P R O G E T T O U T O P I C O D I S O C I E T À C O M P L E T A M E N T E A LT R A .” I M M A G I N A C H E C I S I A Q U A L C U N O C H E T I S TA S O G N A N D O , IN QUESTO MOMENTO, E CHE TI SOGNA COSÌ COME TU IMMAGINI DI POTER ESSERE AL MASSIMO DELLE TUE P O T E N Z I A L I TÀ . È T U O C O M P I T O D A R E S E G U I T O A L S U O S O G N O , T R OVA R E U N O SV I L U P P O . N O N C R E D I S I A B E L LO P E N S A R E C H E N O N D I P E N D I A M O S O LT A N T O D A N O I E D A L L A N O S T R A V O L O N T À M A A N C H E D A I S O G N I D E G L I A LT R I ?

WORKSHOP “ T H E T H E M E I S T H E T H E M E T H AT I S N ’ T L I S T E D . I T ’ S N O T T H E O N E YO U ’ V E B E E N G I V E N B E F O R E , T H E O N E YO U ’ R E A L R E A DY FA M I L I A R W I T H . I T ’ S N OT T H E P R E D E T E R M I N E D T H E M E S O F N AT I O N A L A N D E U R O P E A N O P E N C A L L S – N O R T H E S O C I A L LY A N D P O L I T I C A L LY C O R R E C T , O R U S E F U L O R FAS H I O N A B L E – B U T T H E N E W A N D U N T H I N K A B L E YO U CA N D I S C O V E R A S YO U G O A B O U T YO U R C R E AT I V E J O U R N E Y . A S A D I R E C T O R I A M C O M P L E T E LY S E L F - T A U G H T . I H A V E N O T R A D I T I O N O R S C H O O L B E H I N D M E . I S TA R T E D F R O M A P L A C E O F D I S S AT I S FA C T I O N , F R O M A N I N T O L E R A N C E T O WA R D S T H E L A C K O F F R E E D O M I N M A N K I N D . S O T H E AT R E C A M E L AT E R , A S A L A N G U A G E T H AT O F F E R E D M E A C H A N C E T O R E V O LT A G A I N S T M Y S E L F A N D O T H E R S . A S I U N D E R S TA N D I T , I B E L I E V E T H E AT R E , D I R E C T I N G A N D P L AY W R I T I N G A R E O F T E N A N E N O R M O U S WA S T E D OPPORTUNITY. MY IDEA OF DIRECTING IS A UTOPIAN P R O J E C T F O R A C O M P L E T E LY D I F F E R E N T S O C I E T Y .” I M AG I N E T H E R E ’ S S O M E O N E W H O ’ S D R E A M I N G O F YO U R I G H T N OW , D R E A M I N G O F YO U AS YO U I M AG I N E YO U C O U L D B E AT YO U R F U L L P O T E N T I A L . Y O U R TA S K I S T O FOLLOW UP ON THIS DREAM, TO FIND OUT HOW IT D E V E L O P S . I S N ’ T I T N I C E T O T H I N K T H AT W E M I G H T N O T R E LY O N LY O N O U R S E L V E S A N D W H A T W E W A N T , B U T A L S O ON THE DREAMS OF OTHERS? 354–355

DAV I D E C A R N E VA L I

Il verde è un infinito limitato, l’infinito della terra e non del cielo, che si propaga alla velocità del passo e non della luce: un infinito percorribile.

GREEN IS A LIMITED INFINITY, ONE BELONGING TO THE EARTH AND NOT THE SKY, WHICH PROPAGATES AT A WALKING PACE AND NOT AT THE SPEED OF LIGHT: AN INFINITY THAT CAN BE WALKED.

To have said with words what wo r d s c a n n o t s a y. L’AVER DETTO CON LE PAROLE QUELLO CHE L E P A R O L E N O N D I C O N O .

356–357

DAV I D E C A R N E VA L I Davide Carnevali (Milan, 1981) is a writer, director and Associate Artist at the Piccolo Teatro di Milano. He holds a PhD in Theatre Theory from the Universitat Autònoma de Barcelona, which included a period of study at the Freie Universität Berlin. His plays include: Variazioni sul modello di Kraepelin (Theatertre en Stückemarkt Award 2009, Marisa Fabbri Prize 2009, Journées de Lyon des Auteurs de Théâtre Prize 2012); Sweet Home Europa (Schauspielhaus Bochum, 2012); Ritratto di donna araba che guarda il mare (Riccione Award for Theatre 2013); Actes obscens en espai públic (Teatre Nacional de Catalunya, 2017); Menelao (Emilia Romagna Teatro Fondazione, 2018); Goodbye Europa. Lost Words (Teatrul Naţional “Marin Sorescu” Craiova, 2019). Writing and directing credits include: Maleducazione transiberiana (Teatro Franco Parenti, 2018); Ein Porträt des Künstlers als Toter (Staatsoper Unter den Linden, 2018); Suini (Teatro Sannazaro, 2019); Lorca sogna Shakespeare in una notte di mezza estate (Emilia Romagna Teatro Fondazione, 2019); Ritratto dell’artista da morto (Italia ’41 – Argentina ’78) (Piccolo Teatro di Milano, 2023). In recent years, he has also been actively involved in creating a programme speci cally for schools, staging around ten productions with Emilia Romagna Teatro Fondazione, and now at the Piccolo Teatro di Milano. In 2018 he was awarded the Hystrio Award for Playwriting for his artistic achievements. In 2020/2021 he was the director of the École des Maîtres. His work is published in Italy by Einaudi and Luca Sossella Editore, and in France by Actes Sud. He has also published the essay Forma dramática y representación del mundo en el teatro europeo contemporáneo (Mexico City, Paso de Gato, 2017) and the collection of short stories Il diavolo innamorato (Rome, Fandango, 2019).

Autore e regista, Davide Carnevali (Milano, 1981) è Artista Associato del Piccolo Teatro di Milano. Si è addo orato in Teoria del teatro presso l’Universitat Autònoma de Barcelona, con un periodo di studi alla Freie Universität Berlin. Ha scri o, tra gli altri: Variazioni sul modello di Kraepelin (Premio eatertre en Stückemarkt 2009, Premio Marisa Fabbri 2009, Premio delle Journées de Lyon des Auteurs de éâtre 2012); Sweet Home Europa (Schauspielhaus Bochum, 2012); Ritra o di donna araba che guarda il mare (Premio Riccione per il Teatro 2013); Actes obscens en espai públic (Teatre Nacional de Catalunya, 2017); Menelao (Emilia Romagna Teatro Fondazione, 2018); Goodbye Europa. Lost Words (Teatrul Naţional “Marin Sorescu” Craiova, 2019). Ha scri o e dire o, tra gli altri: Maleducazione transiberiana (Teatro Franco Parenti, 2018); Ein Porträt des Künstlers als Toter (Staatsoper Unter den Linden, 2018); Suini (Teatro Sannazaro, 2019); Lorca sogna Shakespeare in una no e di mezza estate (Emilia Romagna Teatro Fondazione, 2019); Ritra o dell’artista da morto (Italia ’41 – Argentina ’78) (Piccolo Teatro di Milano, 2023). Negli ultimi anni si è inoltre occupato di una programmazione pensata speci camente per le scuole, me endo in scena una decina di spe acoli per Emilia Romagna Teatro Fondazione e, a ualmente, per il Piccolo Teatro di Milano. Nel 2018 gli è stato conferito il Premio Hystrio alla drammaturgia, per la sua traie oria artistica. Nel biennio 2020/2021 gli è stata a data la direzione dell’École des Maîtres. È edito in Italia da Einaudi e Luca Sossella Editore, e in Francia da Actes Sud. Sono stati pubblicati inoltre il sa io Forma dramática y representación del mundo en el teatro europeo contemporáneo (Ci à del Messico, Paso de Gato, 2017) e la raccolta di racconti Il diavolo innamorato (Roma, Fandango, 2019).

I L W O R K S H O P S I S V O L G E R À A LT E R N A N D O S E D U T E COLLEGIALI E MOMENTI DI INCONTRO ONE-TO-ONE, CON IL DUPLICE OBIETTIVO DI PERMETTERE A CIASCUNO D I R I TA G L I A R S I U N O S PA Z I O D I L AV O R O I N D I V I D U A L E C O N IL MAESTRO SU ASPETTI SPECIFICI DEL PROPRIO PROGETTO, E DI LASCIARE A TUTTI IL TEMPO NECESSARIO A SCRIVERE. DURANTE GLI INCONTRI COLLEGIALI SI AFFRONTERANNO T E M AT I C H E D I I N T E R E S S E G E N E R A L E , C O N PA R T I C O L A R E AT T E N Z I O N E A L S I G N I F I C AT O P O L I T I C O D E L L O S C R I V E R E P E R I L T E AT R O O G G I E A L L A D I A L E T T I C A T R A I L C O N T E N U T O D E L L ’ O P E R A E L A F O R M A D R A M M AT U R G I C A . N E G L I INCONTRI SINGOLI, GLI ALLIEVI SARANNO SEGUITI NELLO S V I L U P P O D E L T E S T O A N C H E AT T R AV E R S O C O N S I G L I D I L E T T U R A E L A V I S I O N E D I V I D E O C H E P O S S A N O A L I M E N TA R E FAVO R E VO L M E N T E I L P R O C E S S O DI CREAZIONE. QUANDO ERO BAMBINO HO VISTO UNA BAMBINA PERDERSI IN UN MUSEO DEI SOPRAMMOBILI E SCOPRIRE CHE QUELLI DI C O L O R E V E R D E E R A N O P E R S O N E T R A S F O R M AT E I N C O S E , O G G E T T I D O TAT I D I U N A L U C E N T E Z Z A S M E R A L D I N A C H E L A B A M B I N A R I P O R TA I N V I TA – C O M E S M E R A L D I N A E R A L A C I T TÀ D E C A D U TA , A C U I R E S T I T U I R E L O S P L E N D O R E PERDUTO.

WORKSHOP T H E W O R K S H O P W I L L A LT E R N A T E B E T W E E N G R O U P SESSIONS AND ONE-TO-ONES. ITS DUAL OBJECTIVE WILL B E TO A L LOW E V E RYO N E T H E C H A N C E TO CA RV E O U T INDIVIDUAL TIME TO WORK WITH THE WORKSHOP LEADER ON SPECIFIC ASPECTS OF THEIR OWN PROJECT, WHILE G I V I N G E V E RYO N E T H E N EC E S SA RY T I M E TO W R I T E . DURING THE GROUP MEETINGS WE WILL CONSIDER TOPICS O F G E N E R A L I N T E R E S T , PAY I N G PA R T I C U L A R AT T E N T I O N T O T H E P O L I T I C A L S I G N I F I C A N C E O F W R I T I N G F O R T H E AT R E T O D AY , A N D T H E D I A L E C T I C B E T W E E N A P L AY ’ S C O N T E N T A N D I T S D R A M AT U R G I C A L F O R M . I N T H E O N E - T O - O N E M E E T I N G S PA R T I C I PA N T S W I L L B E S U P P O R T E D W I T H T H E DEVELOPMENT OF THEIR TEXT THROUGH READING AND V I D E O R E C O M M E N D AT I O N S T H AT W I L L E N H A N C E T H E I R C R E AT I V E P R O C E S S . W H E N I WAS A C H I L D I SAW A L I T T L E G I R L G E T LO S T IN A MUSEUM OF KNICK-KNACKS, BEFORE DISCOVERING T H AT T H E G R E E N O N E S W E R E P E O P L E W H O H A D B E E N TURNED INTO THINGS. THEY WERE OBJECTS ENDOWED WITH AN EMERALD SHEEN, WHICH THE LITTLE GIRL THEN BROUGHT BACK TO LIFE – AS EMERALD GREEN AS THE D E C AY E D C I T Y T O W H I C H S H E H A D T O G I V E B A C K I T S LOST SPLENDOUR. 358–359

Biennale College Teatro 2023 DRAMMATURGIA PERFORMANCE REGIA PLAYWRITING PERFORMANCE DIRECTION

“Le democrazie si deteriorano, il fascismo ci aspe a acqua ato dietro l’angolo e distrugge ciò che non acce a.” Maguy Marin Anche per l’edizione EMERALD della Biennale Teatro 2023, difendendone gli avamposti etici e culturali, la Direzione Artistica – così come “nella dimora-labirinto di Asterione” di borgesiana memoria – ribalterà prospe ive e punti di fuga convenzionali corrodendoli con l’acido del dubbio, aprirà magicamente nuove diramazioni e proseguirà con il suo ruolo di scouting ad a ancare, sostenere l’entusiasta comunità di registe/registi, di autrici/autori e, per il terzo anno consecutivo, anche di performer in site-speci c: un bassorilievo di giovani artisti, donne e uomini in itinere che quotidianamente e senza clamori, con un impegno civile paci sta e una lo a rivoluzio-

naria senza armi, a ingendo da se stessi risorse insospe ate, prenderanno in mano il proprio destino, inventeranno e leranno gli orditi della loro esistenza, forgeranno forme trasversali per decifrare la realtà e convalidare un mondo migliore e, resistendo alle ustionanti coercizioni sociali imposte dagli algoritmi, non temendo i morsi dei serpenti del nulla, squarceranno la nzione da garbata chiacchiera salo iera dell’a arismo politico, si opporranno ai totalitarismi dell’ignoranza, ai mira i di plastica di una bigo eria laica.

“Democracies are deteriorating and fascism is around the corner, waiting to pounce and destroy what it cannot accept.” Maguy Marin e EMERALD edition of the Biennale Teatro 2023 once again sees the Artistic Directors defending a range of ethical and cultural outposts. As “in the labyrinthine house of Asterion” of Borgesian fame, the programming will subvert conventional perspectives and points of convergence, corroding them with the acid of doubt. Magically opening up new pathways and pursuing its “scouting” mission, the Festival will continue to support its enthusiastic communi of directors, writers, and – for the third year running – site-speci c performers. is “bas-relief” of emerging artists are men and women in progress, who ba le on every day with no fuss – with peaceful, civic commitment – in unarmed revolutionary stru le, drawing on unexpected resources to seize their destiny with both hands. ey will invent and weave the fabric of their own existence, forging cross-cu ing approaches to deciphering reali and endorsing a be er world. And by resisting the searing, algorithmic impositions of social coercion, without fear of the snakebites of oblivion, they will cut through the make-believe, cha ering world of cowboy politics; they will oppose the totalitarianism of ignorance, and the plastic mirages of secular bigotry. 360–361

Dopo un’accurata selezione, i nalisti dei tre bandi verranno integrati all’interno del Festival, con identiche responsabilità e pari opportunità dei loro “colleghi di sta e a” già a ermati. Per quanto riguarda il bando Regia, ciascuno dei giovani artisti scelti presenterà il proprio studio in chiusura dell’edizione 2023: la Direzione Artistica proclamerà un vincitore assoluto e lo spe acolo integrale, prodo o interamente dalla Biennale Teatro, debu erà nell’edizione 2024. Per i proge i del bando Drammaturgia arrivati in nale in questa stagione: la Direzione Artistica nominerà due vincitori e la loro opera nita sarà premiata con una mise en lecture sempre nell’edizione del prossimo anno. Di erente sarà, invece, la procedura per il bando Performance Sitespeci c: i due vincitori, scelti e tutorati dalla Direzione Artistica, presenteranno in qualità di ospiti le loro creazioni integrali, prodo e dalla Biennale Teatro, all’interno della programmazione del Festival 2023.

“Lo stile è superiore alla verità, porta in sé la prova dell’esistenza.” Go fried Benn

I partecipanti dei tre di erenti bandi College, future sentinelle sugli abissi della conoscenza e sciamani dell’arte, mediante il potere incantatorio e la sinfonia di un pensiero libero, la spigolatura dei lingua i della creazione e i venti cardinali dell’immaginazione, percorrendo all’inizio labirinti di sentieri diacci, dove persino gli angeli gelano, decolleranno poi verso orizzonti solari di stupori e di visioni, ra iungeranno in ne l’altro versante di possibili frontiere di smeraldo e si a ermeranno degnamente con la propria identità, abbracciando l’Altro, facendolo danzare al ritmo della loro personale voce poetica nel giardino prodigioso delle emozioni.

Following careful selection, the nalists of the three open calls will become an integral part of the Festival, enjoying the same responsibilities and opportunities as their more established colleagues. In the Direction category, each of the young artists selected will present a sharing of their work at the end of the 2023 edition. e Artistic Directors will announce an overall winner, whose show, produced entirely by Biennale Teatro, will premiere at the 2024 edition. For the nalists of this year’s Playwriting open call, the Artistic Directors will name two winners whose nished pieces will be rewarded with a staged reading at next year’s Festival. e approach will be di erent for the Site-speci c Performance category. Here, two winners, chosen and mentored by the Artistic Directors, will present full productions of their work, produced by Biennale Teatro, as guest artists in the 2023 Festival programme.

“S le is superior to truth, it carries within it the proof of existence.” Go fried Benn e participants in the three open calls – the “art shamans” and future sentinels of the abysses of knowledge – will draw on the symphonic, enchanting power of free thought, the gleaning of creative language, and the cardinal winds of the imagination, to walk through what will initially be icy labyrinths, where even angels freeze. But then they will take o towards sunny horizons of wonder and vision, before nally alighting on the other side of possible, emerald frontiers. ere they will worthily a rm their own identi , embracing the Other and making it dance to the rhythm of their personal poetic voice in the miraculous garden of emotion.

362–363

D R A M M AT U R G I A / P L AY W R I T I N G

A N I TA B OZ Z O PAO L O B R U I N I RO SA L I N DA C ON T I CA R M E N D E L L A P ORTA D E N I S E D I A Z M O N T A LV O LISA MOR AS E L E N A PATAC C H I N I GIUSEPPE PIPINO ELIANA ROTELLA TERESA VILA

364–365

Anita Bozzo was born in Milan. She a ended a liceo classico (a secondary school with a focus on the humanities, Ancient Greek and Latin). She wrote plays and acted. She started – and then dropped out of – a Performing Arts degree at the DAMS. She has lots of tics. She has Toure e’s syndrome. Eventually she realised she wanted to study in London, earned a degree there and did a master’s in Exeter. She is now back in Milan, where she’s staged a number of shows. She’s unsure about what to do. She’s working on her practice, hoping she’ll make it.

A N I TA BOZZO

Anita Bozzo nasce a Milano. Studia al liceo classico. Recita, scrive. Ha tanti tic. Inizia il DAMS, interrompe. Ha la sindrome di Tourette. Capisce che vuole studiare a Londra. Si laurea, fa un master a Exeter. Torna a Milano. Mette in scena spettacoli. È confusa su cosa fare. Studia. Spera di farcela.

IT’S SUNSHINE MAKING ITS WAY THROUGH THE LEAVES OF THE FOREST. A COMFORTING HERBAL TEA ON A COLD, RAINY MORNING. IT’S THE HIDDEN VEINS IN ORDINARY BROWN EYES. IT’S SAP AND LIFE.

È sole che si fa strada tra le foglie del bosco. Il conforto di una tisana in un ma ino freddo e piovoso. Le venature nascoste degli occhi comunemente castani. La linfa e la vita. Orfeo. Pronto a scendere nell’oltretomba per amore e disperazione, amante dell’arte, comunicativo con coloro che gli altri chiamano mostri. Ansioso di sapere, da non darsi ad aspettare.

Orpheus. He’s prepared to go down into the underworld in an act of love and despair; he’s a lover of art, and communicates with those other people call monsters. He’s so eager for knowledge he has no faith in waiting around.

e Chimera, because of its grotesque appearance: it contains this unnatural coexistence of minds that have to cooperate in a single body. As if multiple souls were living in the same esh. La Chimera, perché ha un aspetto grottesco: in essa c’è una convivenza innaturale di menti che devono cooperare in un corpo. Come se vivessero più anime nella stessa carne.

PAO LO BRUINI Paolo Bruini has a master’s degree in Italian Studies and Linguistics, which he completed with a dissertation on Dramatic Literature, focusing on Achille Campanile. As well as studying playwriting, he leads theatre workshops for children and continues his acting training by creating shows with actors and musicians.

Il verde è una rivoluzione. Un pensiero che sta

Paolo Bruini consegue la laurea magistrale in Italianistica, con una tesi in Letteratura Teatrale su Achille Campanile. Oltre agli studi di drammaturgia, conduce laboratori di teatro per ragazzi e si forma attivamente nella recitazione, mettendo in scena spettacoli con attori e musicisti.

stravolgendo l’Occidente, cioè l’a enzione per ciò che sta fuori, la natura. Un vero esercizio di decentramento per l’essere umano. 366–367

GREEN IS A REVOLUTION. A THOUGHT THAT IS OVERTURNING WESTERN SOCIETY: IT’S AN ATTENTION, IN OTHER WORDS, TO WHAT IS OUTSIDE, TO NATURE. IT’S A GENUINELY DECENTRING EXERCISE FOR MANKIND.

Parlare con gli animali. Talking to animals.

ROSALINDA CONTI Rosalinda Conti was born and lives in Rome, but now escapes more and more frequently to the nearby countryside (Sabina). She has twice received an honourable mention at the Hystrio Playwriting Award, rst for Tom (2019) and then for Uccellini (2021). She works as a playwright and dramaturg. She likes writing about animals and death.

Green for me is the new colour of melancholy, but also the colour of a still heart. Green is the forest, but it’s also poison. Green is youth and the colour of veins.

Rosalinda Conti è nata e vive a Roma, con sempre più frequenti fughe nella campagna sabina. Per due volte ha ricevuto la segnalazione al Premio Hystrio Scritture di Scena, con Tom nel 2019 e con Uccellini nel 2021. Lavora come drammaturga e dramaturg. Le piace molto scrivere di morte e di animali.

VERDE PER ME È IL NUOVO COLORE DELLA MALINCONIA, MA ANCHE IL COLORE DEL CUORE CALMO. VERDE È IL BOSCO, MA ANCHE IL VELENO. VERDE È UNA COSA GIOVANE E IL COLORE DELLE VENE.

Born in Gro aglie (Taranto) in 1997, she earned a degree in Modern Linguistics in Padua in 2021. She lives in Bologna, where she is currently on a “Writing for TV and documentaries” course at Bo ega Finzioni. She is also a nonpermanent member of the contemporary performance editorial sta at Altre Velocità, for whom she works on the Comizi d’amore #SCUOLE project.

CARMEN D E L L A P O R TA

Nata a Grottaglie (Taranto) nel 1997, si laurea in Filologia Moderna a Padova nel 2021. Vive a Bologna, frequenta il corso “Autore di programmi televisivi e documentari” presso Bottega Finzioni e collabora al progetto Comizi d’amore #SCUOLE con la redazione intermittente sulle arti sceniche contemporanee Altre Velocità.

GREEN IS A CLEARING, A FIELD OPEN TO THE LIGHT THAT MAKES A TRUTH VISIBLE. GREEN IS EDEN: PARADISE, AN APPLE, EVIL, KNOWLEDGE. A PLACE YOU CAN RETURN TO AND MAKE MISTAKES.

Verde è la radura, un campo aperto alla luce che rende visibile una verità. Verde è l’Eden, il paradiso, la mela, il male, la conoscenza. Un luogo a cui tornare e dove poter sbagliare. 368–369

Denise Diaz Montalvo studied Philosophy in Pisa, eatre and Music at the DAMS in Bologna, and Playwriting at Lucia Calamaro’s itinera n t s c h o o l S c r i u r e . She is currently one of the selected playwrights on the Futuro Passato call. She prefers savoury to sweet, night to day, Preciado to Freud. She loves the boundless freedom of writing.

DENISE D I A Z M O N TA LV O

Verde è palude che ammorba. Assenza che ammala. Assenzio che ammalia e avvelena. Verde la mu a del frutto, il ele nel petto, verde l’insetto che non ascoltiamo, che spesso schiacciamo. Verde la schiena del mondo abitata da vermi, da larve e serpenti a sonagli. Da sognatori, miraggi e smeraldi. Verde la schiena del mondo su cui si accende, scompare e riappare un’insana speranza.

Denise Diaz Montalvo ha studiato Filoso a a Pisa, Teatro e Musica al DAMS di Bologna e Drammaturgia presso la scuola itinerante Scritture di Lucia Calamaro. Attualmente è stata selezionata come drammaturga all’interno del bando Futuro Passato. Preferisce il salato al dolce, le ore notturne a quelle diurne, Preciado a Freud. Dello scrivere ama la scon nata libertà.

Green is a pestilential swamp. An absence that sickens. e absinthe that bewitches and poisons. Green is the mould on a piece of fruit, the gall in the breast, the insect to which we pay no heed, so o en crush. Green is the underside of the world inhabited by worms, larvae and ra lesnakes, by dreamers, mirages and emeralds. Green is the underside of the world where the light of insane hope appears with a ash, then ickers o and on.

LISA MORAS Lisa Moras is a funny girl who was born in Friuli in 1985. People say she “makes theatre”, though there’s li le to con rm this. ere might be the odd indication of it in a selection of Milanese memories lost along the A4 motorway, at the junction with Belluno, heading towards Pordenone, where she has been lovingly leading and directing SpkTeatro for years. Lisa Moras è una tipa bu a nata in Friuli nel 1985. Si dice che “faccia teatro” ma non ci sono grandi evidenze al riguardo. Qualche riscontro c’è fra memorie milanesi che si perdono lungo l’A4, al bivio con Belluno, verso Pordenone, luogo in cui da anni cura e dirige con amore il progetto SpkTeatro.

Il verde per me è memoria sensoriale, mi riconne e all’essere bambina, ai campi della mia infanzia, al giardino di casa, all’orto del nonno: è pura nostalgia.

370–371

FOR ME GREEN IS A SENSORY MEMORY; IT RECONNECTS ME WITH BEING A CHILD, TO THE FIELDS OF MY CHILDHOOD, OUR GARDEN AT HOME, MY GRANDFATHER’S ALLOTMENT: IT’S PURE NOSTALGIA.

She graduated in Playwriting from the Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi. In 2018 she published a novel, 52 hertz. Manuale di istruzioni per anima danneggiata, then found her way to theatre. Since then, she has wri en several plays and life has become – if possible – even more inexplicable. She has enormous respect for timing and failure. Si diploma in Drammaturgia alla Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi. Nel 2018 pubblica un romanzo, 52 hertz. Manuale di istruzioni per anima danneggiata, poi incontra il teatro. Scrive diversi testi teatrali e la vita diventa – se possibile – ancora più inspiegabile. Ha un estremo riguardo per il tempismo e il fallimento.

ELENA PATA C C H I N I

La memoria di vite precedenti come un sussurro colle ivo e inspiegabile, eppure certo. Unito alla promessa del ritorno: di cose che devono ancora venire e che pure già esistono. Green is the memory of past lives as a collective and inexplicable – and yet certain – whisper, combined with the promise of a return. Of things yet to come, but which already exist.

Ecate, la multiforme. Dea delle terre selva e e della magia, degli incroci e della spazzatura. Signora dell’oscurità, della luna e dei morti. Spesso viene rappresentata in forma di cane. HECATE, THE MULTIFORM ONE. THE GODDESS OF MAGIC AND THE WILD, OF CROSSROADS AND RUBBISH. THE LADY OF DARKNESS, MOON AND DEATH. SHE IS OFTEN DEPICTED AS A DOG.

GIUSEPPE PIPINO Giuseppe Pipino, 26, was born in the province of Matera, and has lived in Milan for seven years. Following a degree in Media Languages, he graduated as a playwright from the Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi in July 2022. His rewriting of the Electra myth, Tragedia Automatica, received an honourable mention at the Hystrio Playwriting Award 2021. In early 2023, he worked as a playwright and translator for the Dramma Italiano in Rijeka, Croatia. He currently works as a freelance writer and storyteller for various publishing companies. Giuseppe Pipino, 26 anni, nato in provincia di Matera, vive a Milano da sette anni. Laureato in Linguaggi dei Media, si diploma al corso di Scrittura per lo Spettacolo presso la Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi a luglio 2022. Ha ottenuto la menzione speciale al Premio Hystrio Scritture di Scena 2021 con la sua riscrittura del mito di Elettra, Tragedia Automatica, e ha lavorato come drammaturgo e traduttore per il Dramma Italiano di Fiume, Croazia, nei primi mesi del 2023. Attualmente lavora come writer e storyteller freelance per diverse realtà editoriali.

HO RICONSIDERATO IL VERDE SOLO IN TEMPI RECENTI, B I S O G N O S I D I S E R E N I TÀ . D O P O E S S E R M I TA N TO DIMENATO, VOLEVO RENDERMI MANSUETO, PLACIDO. ECCO, “PLACIDO” CREDO SIA LA PAROLA CHE ASSOCIO AL VERDE, OVVERO QUEL CALMO CHE FIORISCE SPONTANEAMENTE NEL PIACERE, FINO ALLA MERAVIGLIA.

I reconsidered green only very recently, at a time when I needed some sereni . A er thrashing around for so long, I wanted to tame myself, make myself placid.

ere you go:

“placid” is the word I would associate with green – the calmness that spontaneously emerges when pleasure is involved, to the point of wonder. 372–373

ELIANA ROTELLA She a ended the Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi. Her plays have been staged in Italy (Piccolo Teatro di Milano, Teatro Kismet) and abroad (Kairos Italy eater, Stücke-Fest). Her work has been shortlisted for the “Pier Vi orio Tondelli” Riccione Award, and received honourable mentions at the Premio InediTO and at the Carlo Annoni Award. She works as a dramaturg for Liv Ferracchiati, among others. Her work has been translated into English, Spanish, German and French. Frequenta la Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi. I suoi testi vanno in scena in Italia (Piccolo Teatro di Milano, Teatro Kismet) e all’estero (Kairos Italy Theater, Stücke-Fest). È nalista del Premio Riccione “Pier Vittorio Tondelli”, nonché menzionata al Premio InediTO e al Premio Carlo Annoni. Lavora come dramaturg, tra gli altri, per Liv Ferracchiati. È tradotta in inglese, spagnolo, tedesco e francese.

Verde di resistenza, non speranza: edera che divora la divisa. Convivenza. Ego che scompare nell’eco. Possibilità di sopravvivenza, smantellamento gerarchico. È il colore preferito della persona che amo. Green is the colour of resistance, not hope: an ivy that devours a uniform. It’s coexistence. Ego disappearing in an echo. The possibility of survival, the dismantling of hierarchies. It’s the favourite colour of the person I love.

“VERDE QUE TE QUIERO VERDE”, DICEVA LORCA. IL VERDE È IL COLORE DEL DESIDERIO. IL GREENKEEPER NEI CAMPI DA GOLF SI PRENDE CURA DEL VERDE. COI PESTICIDI. GREEN QUE TE QUIERO GREEN.

Teresa Vila was born in Padua in 1987. She completed a PhD in Comparative Literature from the Universi of Modena and Re io Emilia in 2017. In 2018 she a ended Emilia Romagna Teatro Fondazione’s course for dramaturgs. She works as a translator and assistant director for Sergio Blanco, Gabriel Calderón, Lisandro Rodríguez, Lola Arias.

TERESA VILA

“Verde que te quiero verde”, said Lorca. Green is the colour of desire. e greenkeeper at golf courses takes care of the greens. With pesticides. Green que te quiero green. 374–375

Padova, 1987. Consegue il titolo di dottore di ricerca in Letterature Comparate all’Università di Modena e Reggio Emilia nel 2017. Nel 2018 frequenta il corso per dramaturg di Emilia Romagna Teatro Fondazione. Lavora come traduttrice e assistente alla regia, con Sergio Blanco, Gabriel Calderón, Lisandro Rodríguez, Lola Arias.

REGIA / DIRECTION

ORNELLA CARDILLO SIMONE CARR ARO

CHIARA CINGOLANI

CIRO GALLOR ANO

MARIA LUIGIA GIOFFRÈ

ANDREA PIAZZA

A L D O SCA R P I T TA

376–377

La sacralità sospesa. Suoni appuntiti, in equilibrio al vento, sui li trasparenti. Lagunare ri esso autunnale. A SUSPENDED SACREDNESS. HIGH-PITCHED SOUNDS ON INVISIBLE THREADS, BALANCING ON THE WIND. AUTUMNAL REFLECTIONS IN A LAGOON.

Ornella Cardillo was born in Modena in 1993. A er a BA in Psychology, she completed an MA in Visual Arts and Fashion at the Università Iuav in Venice. Her artistic practice involves creating “moving sculptures” which, once animated in a space with light and sound, act as the central characters of performances and installations.

Ornella Cardillo nasce a Modena nel 1993. Dopo gli studi in Psicologia consegue la laurea di secondo livello in Arti Visive e Moda all’Università Iuav di Venezia. Nella sua pratica artistica crea “sculture in movimento” che, animate nello spazio, insieme a luci e suoni, diventano protagoniste di performance e installazioni.

ORNELLA CARDILLO

SIMONE CARRARO Simone Carraro nasce a Treviso nel 1995. Nel 2018 consegue il diploma in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Venezia. Le arti visive e la performance musicale sono i media attraverso cui trascrive simbolicamente gli elementi del paesaggio, facendo rivivere mondi arcaici e interrogandosi sugli scenari futuri.

It’s the ruined building that lies silent, its rural essence dissolving amid moss, brambles and lizards. And how this eternal transience moves me. È il rudere che giace silente. La sua essenza contadina che si dissolve tra i muschi, il rovo e le lucertole. Il trasporto mio, dinanzi a quest’eterna transitorietà.

Simone Carraro was born in Treviso in 1995. He studied Painting at the Accademia di Belle Arti di Venezia (Venice Academy of Fine Arts), graduating in 2018. He works with visual art and musical performance, and through these media operates a symbolic transcription of landscape elements, bringing archaic worlds back to life and re ecting on the landscapes of the future.

Calipso, persona io della mitologia greca, è “colei che nasconde”. Ogni giorno, infa i, mi ritrovo a celare e a celarmi fra i miei cristalli di luce e i miei labirinti di ombre.

Calypso, the character from Greek myth: “she who conceals”. Every day I nd I’m hiding and concealing myself between crystals of light and labyrinths of darkness.

Via iare nel tempo. Time travel.

Following a diploma in Cinema from the DAMS Universi in Bologna, she is currently studying for an MA in Set Design at the Macerata Academy of Fine Arts. Aria Celeste, her rst short lm, won the 2020/2021 Marche Region Cinema Open Call.

Diplomata al DAMS Cinema dell’Università di Bologna, è ora laureanda del Biennio di Scenogra a all’Accademia di Belle Arti di Macerata. Aria Celeste, il suo primo cortometraggio, è risultato vincitore del Bando Cinema 2020/2021 della Regione Marche.

CHIARA CINGOLANI

Il verde è ambiguo data la sua natura conturbante del blu e del giallo; perciò, non è incatenato in nessun universo immagini co ma li racchiude tu i in un immenso caleidoscopio. GREEN IS AMBIGUOUS BECAUSE OF ITS PROVOCATIVE, BLUE AND YELLOW NATURE. IT’S THEREFORE NOT BOUND TO ANY IMAGINATIVE UNIVERSE, BUT ENCLOSES THEM ALL IN AN ENORMOUS KALEIDOSCOPE. 378–379

CIRO GALLORANO Ciro Gallorano (Torre del Greco, 1988) si diploma come attore al Teatro Metastasio di Prato. Nel 2019 comincia il suo percorso da regista con una ricerca sulla drammaturgia d’immagine che sfocia ne L’eco della falena. È regista di Cantiere Artaud, per cui cura in prima persona anche luci e scene.

Cos’è l’uomo se la sua esistenza è e mera? WHAT IS HUMANKIND IF ITS EXISTENCE IS EPHEMERAL?

Ciro Gallorano (Torre del Greco, 1988) trained as an actor at the Metastasio eatre in Prato. In 2019 he began his career as a director, working on a form of image-based playwriting that resulted in L’eco della falena. He is the director of Cantiere Artaud, for which he also looks a er lighting and set design.

Persefone: in lei convivono la minacciosa dea dell’oltretomba e della ri oritura, il canto del pe irosso e il Persephone. Several things coexist within her: the menacing goddess of candore dei ciliegi in ore. the underworld, rebirth, the robin’s song, and the white of cherry blossoms in bloom.

Il verde è il colore della “Zona” di Andrej Tarkovskij, è natura incontaminata, è il risveglio di primavera che increspa l’inadeguatezza del nostro sentire, è humus che piega l’aridità dei nostri tempi tanto simili a una landa intirizzita. GREEN IS THE COLOUR OF ANDREI TARKOVSKY’S “ZONE”; IT’S UNCONTAMINATED NATURE; IT’S THE SPRING AWAKENING THAT RIPPLES THE INADEQUACY OF OUR FEELINGS; IT’S THE FERTILE GROUND THAT BENDS THE ARIDITY OF OUR TIMES, WHICH ARE SO SIMILAR TO A PARCHED LAND.

Sometimes I feel big, sometimes I feel very very small. Like a Myrmecoleon, maybe. A volte mi sento grande, a volte molto molto piccola. Forse un mirmicoleone.

Maria Luigia Gio rè sviluppa una pratica e ricerca multidisciplinare che mette insieme arte visiva, scrittura, teatro e performance, collaborando con realtà nazionali e internazionali. Nel 2017 si laurea in Fotogra a e Belle Arti presso il Central Saint Martins College di Londra. In ambito visivo, il suo lavoro è parte di mostre, premi e collezioni. Nel 2022 il primo lavoro di regia, Parcae.

Maria Luigia Gio rè’s multidisciplinary practice brings together visual art, writing, theatre and performance. She works with companies in Italy and internationally. In 2017 she graduated in Photography and Fine Arts from Central Saint Martins College, in London. Her visual artwork is part of exhibitions, awards and collections. In 2022 she made her directorial debut with Parcae.

MARIA LUIGIA GIOFFRÈ

Verde è la collina prima dell’estate che avevo di fronte a casa, è la pozione magica dell’umidità: i muri ammu ti della cantina segreta di nonna chiusa a chiave.

The hill in front of my house was green, before summer came; green is the magic potion of humidity, the mouldy walls of grandma’s secret, locked cellar.

Con delle orecchie molto grandi, avrei il potere di ascoltare all’unisono: le urla di una nascita, il sibilo di un respiro, le foglie al vento in una foresta, e tu o il resto. WITH VERY LARGE EARS, I WOULD HAVE THE POWER TO LISTEN TO EVERYTHING AT ONCE, AT THE SAME TIME: THE SCREAMS OF A CHILD BEING BORN, THE HISS OF A BREATH, THE LEAVES IN A FOREST WHEN THE WIND BLOWS, AND EVERYTHING ELSE. 380–381

Non sapere di avere un superpotere. Conoscere eppure ignorare.

Not knowing I have a superpower. To have the knowledge and yet be unaware.

Un paradosso: è la natura ca urata dal me bambino; è il colore sintetico assente in natura, lo sguardo che trasforma le cose, come le lenti create da Oz per la sua altrimenti normale ci à. A PARADOX: IT’S THE NATURE I CAPTURED AS A CHILD; IT’S THE SYNTHETIC COLOUR ABSENT IN NATURE; IT’S A VIEW OF THINGS THAT TRANSFORMS THEM, LIKE THE LENSES OZ CREATED FOR HIS OTHERWISE ORDINARY CITY.

ANDREA PIAZZA Born in 1995, Andrea Piazza studied art history, theatre and music. His interests lie in investigating the contradictions of the present. He has directed projects for, among others, Rai Cultura, Sibiu International eater Festival, Teatro Out O in Milan, Orchestra Sinfonica di Milano, I Pomeri i Musicali, Teatro Regio in Parma.

Classe 1995, Andrea Piazza ha studiato storia dell’arte, teatro e musica. Interessato a indagare le contraddizioni del presente, ha diretto progetti per, tra gli altri, Rai Cultura, Sibiu International Theater Festival, Teatro Out O di Milano, Orchestra Sinfonica di Milano, I Pomeriggi Musicali, Teatro Regio di Parma.

Aldo Scarpitta nasce e cresce in Sicilia, studia Filologia Moderna a Roma e passa un lungo periodo all’estero tra Cina, Marocco, Canada ed Europa. La musica, il cinema e la scultura lo conducono al teatro, con cui intende creare e condividere atmosfere trasformative.

ALDO S C A R P I T TA

SAREBBE BELLO POTER ACCENDERE UN FUOCO OVUNQUE.

Aldo Scarpi a was born and grew up in Sicily. He studied Modern Linguistics in Rome before spending long periods abroad, in China, Morocco, Canada and Europe. Music, cinema and sculpture led him to theatre, with which he intends to create and share transformative atmospheres.

COSÌ, ALLUNGARE LA MANO E – PUFF – APPARE UN FUOCHERELLO.

It would be nice to be able to light a re anywhere. Stretch out your hand and – pu ! – just like that, a li le re appears.

I don’t feel that green is an immediately a ractive colour. Sea and sand mean Home, red is an altered state, violet is harmonious creativi . Green is a beau still to be discovered, the wonder of possibili that broadens your taste. NON SENTO IL VERDE COME UN COLORE IMMEDIATAMENTE ATTRAENTE. MARE E SABBIA SONO CASA, ROSSO È UNO STATO ALTERATO, VIOLA ESTRO ARMONICO. VERDE È UNA BELLEZZA DA SCOPRIRE, LA MERAVIGLIA DEL POSSIBILE CHE ESPANDE IL GUSTO. 382–383

384–385

D AY BY D AY

386–387

** Prima assoluta / World premiere * Prima italiana / Italian premiere Il programma può subire variazioni / The programme may change

GIOVEDÌ / THURSDAY 15.06.2023

SABATO / SATURDAY 17.06.2023

H 20.00 / 8.00 PM Arsenale - Teatro alle Tese (II) ARMANDO PUNZO (Leone d’Oro / Golden Lion) NATURAE (100’)

H 12.00 / 12.00 PM Ca’ Giustinian - Sala delle Colonne Cerimonia di consegna / Awards Ceremony Leone d’Oro alla carriera / Golden Lion for Lifetime Achievement ARMANDO PUNZO Leone d’Argento / Silver Lion FC BERGMAN

VENERDÌ / FRIDAY 16.06.2023 H 18.00 / 6.00 PM Arsenale - Teatro alle Tese (II) ARMANDO PUNZO (Leone d’Oro / Golden Lion) NATURAE (100’) H 20.00 / 8.00 PM Arsenale - Tese dei Soppalchi VALERIO LEONI Vincitore / Winner Biennale College Teatro Regia / Direction Under 35 (2022-2023) CUSPIDI (ca. / approx. 80’) ** Produzione / Produced by La Biennale di Venezia

A seguire conversazione con gli artisti / A talk with the artists will follow Moderatore / Moderator Andrea Porcheddu H 18.00 / 6.00 PM Arsenale - Tese dei Soppalchi VALERIO LEONI Vincitore / Winner Biennale College Teatro Regia / Direction Under 35 (2022-2023) CUSPIDI (ca. / approx. 80’) ** Produzione / Produced by La Biennale di Venezia H 20.00 / 8.00 PM Sala Marghera Zona Industriale / Industrial Area FC BERGMAN (Leone d’Argento / Silver Lion) HET LAND NOD (95’) * DOMENICA / SUNDAY 18.06.2023 H 20.00 / 8.00 PM Sala Marghera Zona Industriale / Industrial Area FC BERGMAN (Leone d’Argento / Silver Lion) HET LAND NOD (95’) *

388–389

MARTEDÌ / TUESDAY 20.06.2023

GIOVEDÌ / THURSDAY 22.06.2023

H 20.00 / 8.00 PM Teatro Piccolo Arsenale FEDERICA ROSELLINI Regia / Direction GIACOMO GARAFFONI Vincitore / Winner Biennale College Teatro Drammaturgia / Playwriting Under 40 (2021-2022) VERONICA ** Produzione / Produced by La Biennale di Venezia, LVF - Teatro Manini di Narni

H 18.00 / 6.00 PM Arsenale - Teatro alle Tese (II) MATTIAS ANDERSSON VI SOM FICK LEVA OM VÅRA LIV (150’) *

MERCOLEDÌ / WEDNESDAY 21.06.2023 H 18.00 / 6.00 PM Teatro Piccolo Arsenale FEDERICA ROSELLINI Regia / Direction GIACOMO GARAFFONI Vincitore / Winner Biennale College Teatro Drammaturgia / Playwriting Under 40 (2021-2022) VERONICA ** Produzione / Produced by La Biennale di Venezia, LVF - Teatro Manini di Narni H 20.00 / 8.00 PM Arsenale - Teatro alle Tese (II) MATTIAS ANDERSSON VI SOM FICK LEVA OM VÅRA LIV (150’) *

H 21.30 / 9.30 PM Arsenale - Tese dei Soppalchi TANYA BEYELER & PABLO GISBERT / EL CONDE DE TORREFIEL LA PLAZA (90’) VENERDÌ / FRIDAY 23.06.2023 H 18.00 / 6.00 PM Arsenale - Tese dei Soppalchi TANYA BEYELER & PABLO GISBERT / EL CONDE DE TORREFIEL LA PLAZA (90’) H 21.30 / 9.30 PM Parco Albanese, Bissuola (Mestre) NOÉMIE GOUDAL / MAËLLE POÉSY ANIMA (60’) * In collaborazione con / In collaboration with Comune di Venezia / Cultura Venezia / Teatro del Parco

SABATO / SATURDAY 24.06.2023

DOMENICA / SUNDAY 25.06.2023

H 18.00 / 6.00 PM BIENNALE COLLEGE TEATRO 2023 PERFORMANCE SITE-SPECIFIC Produzioni / Produced by La Biennale di Venezia s Campo Sant’Agnese MORANA NOVOSEL FLUID HORIZONS ** s Via Garibaldi GAETANO PALERMO SWAN **

H 20.00 / 8.00 PM Arsenale - Teatro alle Tese (III) BASHAR MURKUS AND KHASHABI ENSEMBLE Palestine MILK (80’) *

H 18.00 / 6.00 PM Arsenale - Teatro alle Tese (III) BASHAR MURKUS AND KHASHABI ENSEMBLE Palestine MILK (80’) *

H 21.30 / 9.30 PM Parco Albanese, Bissuola (Mestre) NOÉMIE GOUDAL / MAËLLE POÉSY ANIMA (60’) * In collaborazione con / In collaboration with Comune di Venezia / Cultura Venezia / Teatro del Parco

H 20.00 / 8.00 PM Arsenale - Sala d’Armi A BORIS NIKITIN VERSUCH ÜBER DAS STERBEN (55’) *

390–391

LUNEDÌ / MONDAY 26.06.2023

MARTEDÌ / TUESDAY 27.06.2023

H 14.00 / 2.00 PM Teatro Piccolo Arsenale BIENNALE COLLEGE TEATRO REGIA / DIRECTION UNDER 35 Finale / Final 2023-2024 (evento non aperto al pubblico / event not open to the public)

H 20.00 / 8.00 PM Arsenale - Teatro alle Tese (II) BORIS NIKITIN HAMLET (90’) *

MERCOLEDÌ / WEDNESDAY 28.06.2023 H 16.00 / 4.00 PM Arsenale - Sala d’Armi E Vincitore / Winner Biennale College Teatro Drammaturgia / Playwriting Under 40 (2022-2023) STEFANO FORTIN CENERE ** Mise en lecture Regia / Direction Giorgina Pi Produzione / Produced by La Biennale di Venezia A seguire conversazione con / To be followed by a talk with Stefano Fortin, Giorgina Pi, Davide Carnevali Moderatore / Moderator Andrea Porcheddu H 18.00 / 6.00 PM BIENNALE COLLEGE TEATRO 2023 PERFORMANCE SITE-SPECIFIC Produzioni / Produced by La Biennale di Venezia s Campo Sant’Agnese MORANA NOVOSEL FLUID HORIZONS ** s Via Garibaldi GAETANO PALERMO SWAN ** H 18.00 / 6.00 PM H 18.30 / 6.30 PM H 19.15 / 7.15 PM H 19.45 / 7.45 PM Misericordia di Venezia ROMEO CASTELLUCCI domani (25’)

392–393

H 20.00 / 8.00 PM Arsenale - Teatro alle Tese (II) BORIS NIKITIN HAMLET (90’) * H 20.30 / 8.30 PM Arsenale - Sala d’Armi E Vincitrice / Winner Biennale College Teatro Drammaturgia / Playwriting Under 40 (2022-2023) CAROLINA BALUCANI ADDORMENTATE ** Mise en lecture Regia / Direction Fabrizio Arcuri Produzione / Produced by La Biennale di Venezia A seguire conversazione con / To be followed by a talk with Carolina Balucani, Fabrizio Arcuri, Davide Carnevali Moderatore / Moderator Andrea Porcheddu

GIOVEDÌ / THURSDAY 29.06.2023 H 16.00 / 4.00 PM Arsenale - Sala d’Armi E Vincitrice / Winner Biennale College Teatro Drammaturgia / Playwriting Under 40 (2022-2023) CAROLINA BALUCANI ADDORMENTATE ** Mise en lecture Regia / Direction Fabrizio Arcuri Produzione / Produced by La Biennale di Venezia H 18.00 / 6.00 PM BIENNALE COLLEGE TEATRO 2023 PERFORMANCE SITE-SPECIFIC Produzioni / Produced by La Biennale di Venezia s Campo Sant’Agnese MORANA NOVOSEL FLUID HORIZONS ** s Via Garibaldi GAETANO PALERMO SWAN ** H 18.00 / 6.00 PM H 18.30 / 6.30 PM H 19.15 / 7.15 PM H 19.45 / 7.45 PM Misericordia di Venezia ROMEO CASTELLUCCI domani (25’)

H 20.00 / 8.00 PM Arsenale - Tese dei Soppalchi FABIANA IACOZZILLI Regia / Direction TOLJA DJOKOVIĆ Vincitrice / Winner Biennale College Teatro Drammaturgia / Playwriting Under 40 (2021-2022) EN ABYME ** Produzione / Produced by La Biennale di Venezia, Fondazione Teatro di Napoli - Teatro Bellini, LAC - Lugano Arte e Cultura, Cranpi, Elsinor H 20.30 / 8.30 PM Arsenale - Sala d’Armi E Vincitore / Winner Biennale College Teatro Drammaturgia / Playwriting Under 40 (2022-2023) STEFANO FORTIN CENERE ** Mise en lecture Regia / Direction Giorgina Pi Produzione / Produced by La Biennale di Venezia

VENERDÌ / FRIDAY 30.06.2023

SABATO / SATURDAY 1.07.2023

H 18.00 / 6.00 PM H 18.30 / 6.30 PM H 19.15 / 7.15 PM H 19.45 / 7.45 PM Misericordia di Venezia ROMEO CASTELLUCCI domani (25’)

H 18.00 / 6.00 PM Arsenale - Tese dei Soppalchi FABIANA IACOZZILLI Regia / Direction TOLJA DJOKOVIĆ Vincitrice / Winner Biennale College Teatro Drammaturgia / Playwriting Under 40 (2021-2022) EN ABYME ** Produzione / Produced by La Biennale di Venezia, Fondazione Teatro di Napoli - Teatro Bellini, LAC - Lugano Arte e Cultura, Cranpi, Elsinor

H 20.00 / 8.00 PM Teatro Piccolo Arsenale TIAGO RODRIGUES CATARINA E A BELEZA DE MATAR FASCISTAS (150’)

H 20.00 / 8.00 PM Teatro Piccolo Arsenale TIAGO RODRIGUES CATARINA E A BELEZA DE MATAR FASCISTAS (150’) 394–395

INFO

396–397

Si ringrazia / Thanks go to Palazzo Grassi – Punta della Dogana / Pinault Collection per l’ospitalità presso il / for their kind hospitality at Teatrino di Palazzo Grassi nell’ambito della / within Biennale College Teatro Fondazione Teatro La Fenice per l’ospitalità nell’ambito della / for their kind hospitality within Biennale College Teatro Fondazione Svizzera per la cultura Pro Helvetia / Swiss Arts Council Pro Helvetia per l’ospitalità nell’ambito della / for their kind hospitality within Biennale College Teatro

INFORMAZIONI / INFO Tel. / Ph. +39 041 5218828 promozione@labiennale.org www.labiennale.org Lun. / Mon. > Ven. / Fri. 10.00 > 13.00 10.00 am > 1.00 pm 14.00 > 17.00 2.00 pm > 5.00 pm Sab. / Sat. 10.00 > 13.00 10.00 am > 1.00 pm Non è consentito l’ingresso a spettacolo iniziato / Entry will not be permitted once the performance has started Biglietti e abbonamenti non rimborsabili / Tickets and subscriptions are not refundable Alcuni spettacoli non sono adatti ad un pubblico di minori. Consultare il programma prima di acquistare il biglietto / Some performances are not suitable for a young audience. Please check the programme before buying tickets

#BiennaleTeatro2023 La Biennale di Venezia labiennale la_Biennale BiennaleChannel

labiennale.org

BIGLIETTI / TICKETS

NAVETTA GRATUITA / FREE SHUTTLE BOAT

Acquisto biglietti online e un’ora prima dello spettacolo presso la biglietteria presente in loco / Tickets can be purchased online and one hour before the show at the ticket office on site

Da / from Arsenale Per / to S. Elena S. Zaccaria Zattere Tronchetto P.le Roma

Per informazioni e tariffe biglietti consultare il sito / For information, tickets prices consult the website www.labiennale.org INGRESSO GRATUITO / FREE ADMISSION Accompagnatori di persone con invalidità certificata e bambini fino a 6 anni / People accompanying disabled persons and children up to 6 years old

Online su / on www.vivaticket.it

Al termine degli spettacoli serali / After the evening shows

BUS NAVETTA GRATUITA / FREE SHUTTLE BUS Da / from Venezia o / or Mestre Per / to Sala Marghera - Zona Industriale / Industrial Area Da / from Sala Marghera - Zona Industriale / Industrial Area Per / to Venezia o / or Mestre Spettacolo / Show Het land Nod

Media Partner

398–399

LA BIENNALE DI VENEZIA 51. Festival Internazionale del Teatro 51st International Theatre Festival Direttore Generale / Director General Andrea Del Mercato STRUTTURA ORGANIZZATIVA / ORGANISATIONAL STRUCTURE SERVIZI CENTRALI / CENTRAL SERVICES AFFARI LEGALI E ISTITUZIONALI, RISORSE UMANE E VICARIATO / LEGAL AND INSTITUTIONAL AFFAIRS, HUMAN RESOURCES AND DEPUTY Direttore / Director Debora Rossi Affari Legali e Istituzionali / Legal and Institutional Affairs Martina Ballarin Francesca Oddi Lucrezia Stocco Risorse Umane / Human Resources Graziano Carrer Luca Carta Giovanni Drudi Antonella Sfriso Alessia Viviani Loris Zennaro Rossella Zulian SEGRETERIE / SECRETARIATS Segreteria Generale / General Secretariat Chiara Arisi Caterina Boniollo Maria Cristina Cinti Elisabetta Mistri Cerimoniale / Protocol Office Francesca Boglietti Lara De Bellis Marta Isman Veronica Zuanel Segreteria Biennale College / Biennale College Secretariat Claudia Capodiferro Giacinta Maria Dalla Pietà

AMMINISTRAZIONE, FINANZA, CONTROLLO DI GESTIONE E SPONSORSHIP, PROMOZIONE PUBBLICO / ADMINISTRATION, FINANCE, MANAGEMENT SUPERVISION AND SPONSORSHIP, PROMOTION Direttore / Director Valentina Borsato Amministrazione, Finanza, Controllo di Gestione / Administration, Finance, Management Supervision Bruna Gabbiato Elia Canal Marco Caruso Martina Fiori Gregorio Granati Elisa Meggiato Emanuela Pellicciolli Cristina Sartorel Sefora Tarì Sara Vianello Sponsorship Caterina De Marco Paola Pavan Promozione Pubblico / Promotion Caterina Castellani Serena Cutrone Lucia De Manincor Anna Eudosia Di Costanzo Elisabetta Fiorese Stefania Guglielmo Laura Gravina Emanuela Padoan Marta Plevani PROGETTI SPECIALI, PROMOZIONE SEDI / SPECIAL PROJECTS, PROMOTION OF VENUES Direttore / Director Arianna Laurenzi Progetti Speciali / Special Projects Valentina Baldessari Francesco Carabba Davide Ferrante Carolina Fullin Elisabetta Parmesan Promozione Sedi / Promotion of Venues Nicola Bon Cristina Graziussi Alessia Rosada

SERVIZI TECNICO LOGISTICI / TECNICHAL AND LOGISTICAL SERVICES Direttore / Director Cristiano Frizzele Progettazione Mostre, Eventi e Spettacolo dal Vivo / Exhibition Design, Events and Live Performance Massimiliano Bigarello Cinzia Bernardi Maria Sol Buso Alessandra Durand de la Penne Jessica Giassi Valentina Malossi Sandra Montagner Facility Management Giulio Cantagalli Piero Novello Maurizio Urso Information Technology Andrea Bonaldo Michele Schiavon Leonardo Viale Jacopo Zanchi SERVIZIO ACQUISTI, APPALTI E AMMINISTRAZIONE PATRIMONIO / PURCHASING, PROCUREMENT AND ASSETS Direttore / Director Fabio Pacifico Ufficio Acquisti e Appalti / Purchasing and Procurement Silvia Gatto Silvia Bruni Angelica Ciabocchi Eleonora Cialini Ufficio Ospitalità / Hospitality Linda Baldan Jasna Zoranovic Donato Zotta Amministrazione Patrimonio / Assets Maurizio Celoni Antonio Fantinelli

UFFICIO STAMPA ISTITUZIONALE E CINEMA / INSTITUTIONAL AND CINEMA PRESS OFFICE Responsabile / Head Paolo Lughi Cesare Bisantis Francesca Buccaro Michela Lazzarin

SETTORE DANZA, MUSICA, TEATRO / DANCE, MUSIC, THEATRE DEPARTMENT Dirigente Responsabile Organizzativo / Executive Head of Organisation Francesca Benvenuti Segreteria / Secretariat Veronica Mozzetti Monterumici

UFFICIO ATTIVITÀ EDITORIALI E WEB / EDITORIAL ACTIVITIES AND WEB Responsabile / Head Flavia Fossa Margutti

Programmazione e Produzione / Programming and Production Michela Mason Federica Colella Maya Romanelli

Giovanni Alberti Roberta Fontanin Nicola Monaco Maddalena Pietragnoli Cristiana Scavone

UFFICIO STAMPA DANZA, MUSICA, TEATRO / DANCE, MUSIC, THEATRE PRESS OFFICE Responsabile / Head Emanuela Caldirola

COLLABORATORI PER IL 51. FESTIVAL INTERNAZIONALE DEL TEATRO / COLLABORATORS FOR THE 51ST INTERNATIONAL THEATRE FESTIVAL Nicola Angelillis Andrea Avezzù Michele Braga Alessia Ilva Cacco Valentina Campana Martina Cappellesso Chiara Casaburi Riccardo Cavallaro Marzia Cervellin Rachele Cominella Eleonora De Leo Francesco di Cesare Matteo Giannasi Liliana Laera Elena Leonardi Ornella Mogno Margherita Morucci Beatrice Mosole Juliane Miriam Schneemann Emma Soletti Laura Venturini Carlotta Vinanti Paolo Zanin

Ilaria Grando SETTORE ARTI VISIVE ARCHITETTURA / VISUAL ARTS ARCHITECTURE DEPARTMENT Dirigente Responsabile Organizzativo / Executive Head of Organisation Joern Rudolf Brandmeyer Marina Bertaggia Marco Bagaggia Emilia Bonomi Raffaele Cinotti Francesco Paolo Di Cuia Stefania Fabris Stefania Guerra Francesca Aloisia Montorio Luigi Ricciari Micol Saleri Ilaria Zanella UFFICIO STAMPA ARTI VISIVE - ARCHITETTURA / VISUAL ARTS - ARCHITECTURE PRESS OFFICE Responsabile / Head Maria Cristiana Costanzo Claudia Gioia

400–401

SETTORE CINEMA / CINEMA DEPARTMENT Direttore Generale / Director General Andrea Del Mercato Segreteria / Secretariat Mariachiara Manci Alessandro Mezzalira Programmazione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica / Venice International Film Festival Programming Office Piera Benedetti Giulia Erica Hornbostel Silvia Menegazzi Daniela Persi Accrediti Industry - Cinema / Industry - Cinema Accreditations Ilaria Cicconi Flavia Lo Mastro Biennale College Cinema Valentina Bellomo Venice Production Bridge Chiara Marin ARCHIVIO STORICO DELLA BIENNALE DI VENEZIA - ASAC / HISTORICAL ARCHIVE OF CONTEMPORARY ARTS Dirigente Responsabile Organizzativo / Executive Head of Organisation Debora Rossi Archivio Storico / Historical Archive Maria Elena Cazzaro Silvia Ballarin Giovanna Bottaro Michela Campagnolo Marianna Carpentieri Lia Durante Marica Gallina Helga Greggio Judith Kranitz Silvia Levorato Michele Mangione Manuela Momentè Adriana Rosaria Scalise Alice Scandiuzzi Biblioteca / Library Valentina Da Tos Valentina Greggio Elena Oselladore

Foto / Photos

p. 1 p. 13 p. 17 p. 33 pp. 42-43-44-45-46 p. 49 pp. 60-61-62 p. 65 pp. 75-76-77-78 p. 81 p. 81 pp. 97-98-99-100-101-102 p. 105 p. 115 p. 115 pp. 116-117

p. 118

p. 121 pp. 131-132-133-134 p. 137 p. 137 pp. 154-155 p. 156 p. 157 p. 158 p. 161 p. 171 pp. 172-173 p. 174 p. 177 p. 187 p. 188 p. 189 pp. 190-191 pp. 192-193 p. 198 p. 201 pp. 212-213-214

Lee Je ries, London, 2022 Si ringrazia il Direttore Stefano Ricci per la foto gentilmente concessa / Many thanks to Director Stefano Ricci for the personal photo he supplied Si ringrazia il Direttore Gianni Forte per la foto gentilmente concessa / Many thanks to Director Gianni Forte for the personal photo he supplied © Nico Rossi; ritratto di / portrait of Armando Punzo © Stefano Vaja; foto di scena / stage photo © Simone Galli; ritratto di / portrait of Valerio Leoni © Andrea Avezzu;̀ foto di scena / stage photo © Paule Josephe; ritratto di / portrait of FC Bergman © Kurt Van Der Elst; foto di scena / stage photo per gentile concessione di / by courtesy of Piccolo Teatro di Milano – foto / photo © Masiar Pasquali; ritratto di / portrait of Federica Rosellini © Francesco Girardi; ritratto di / portrait of Giacomo Gara oni © Andrea Avezzu;̀ foto della mise en lecture / photo from the staged reading, Biennale Teatro 2022 © Dramaten; ritratto di / portrait of Mattias Andersson © Ola Kjelbye. Compaiono / Pictured: Nemanja Stojanović; foto di scena / stage photo © Ola Kjelbye. Compaiono / Pictured: Marie Richardson, Jose n Neldén, Rasmus Lindgren, Nemanja Stojanović; foto di scena / stage photo © Ola Kjelbye. Compaiono / Pictured: Jose n Neldén, Adel Darwish, Kjell Wilhelmsen, Mariann Bruce, Rasmus Lindgren, Marie Richardson, Charlotte Nilsson, Magnus Roosmann, Göran Rydén, Nemanja Stojanović, Nina Zanjani, Ylva Gallon; foto di scena / stage photo © Ola Kjelbye. Compaiono / Pictured: Ylva Gallon, Nina Zanjani, Jose n Neldén, Rasmus Lindgren, Nemanja Stojanović, Adel Darwish; foto di scena / stage photo © Mario Zamora; ritratto di / portrait of Tanya Beyeler e / and Pablo Gisbert © Ilaria Costanzo; foto di scena / stage photo © Martin Argyroglo; ritratto di / portrait of Noémie Goudal © Vincent Arbelet; ritratto di / portrait of Maëlle Poésy © Vincent Arbelet; foto di scena / stage photo © Christophe Raynaud De Lage; foto di scena / stage photo © Vincent Arbelet; foto di scena / stage photo © Christophe Raynaud De Lage; foto di scena / stage photo © Khulood Basel; ritratto di / portrait of Bashar Murkus © Eid Adawi; foto di scena / stage photo © Khulood Basel; foto di scena / stage photo © Khulood Basel; foto di scena / stage photo © Christoph Hartner; ritratto di / portrait of Boris Nikitin © Donata Ettlin; foto di scena / stage photo © Boris Nikitin; foto di scena / stage photo © Boris Nikitin; foto di scena / stage photo © Robin Junicke; foto di scena / stage photo © Donata Ettlin; foto di scena / stage photo © Donata Ettlin; foto di scena / stage photo © Eva Castellucci; ritratto di / portrait of Romeo Castellucci © Luca Del Pia; foto di scena / stage photo

p. 217 p. 217 p. 233 pp. 234-235 pp. 236-237-238 p. 241 pp. 251-252-253-254 p. 257 p. 268 p. 269 p. 270 p. 273 pp. 284-285-286 p. 289 p. 289 p. 322 p. 324 p. 328 p. 332 p. 336 p. 340 p. 341 p. 342 p. 348 p. 352 p. 358 p. 366 p. 367 p. 368 p. 369 p. 370 p. 371 p. 372 p. 373 p. 374 p. 375 p. 378 p. 378 p. 379 p. 380 p. 381 p. 382 p. 383

402–403

© Tiziana Tomasulo; ritratto di / portrait of Fabiana Iacozzilli © Marco Ranocchio; ritratto di / portrait of Tolja Djoković Pseudoliparis amblystomopsis (comunemente detto pesce lumaca hadal / or the hadal snail sh) © Giuseppe Stellato; bozzetto di scena / sketch © Andrea Avezzu;̀ foto della mise en lecture / photo from the staged reading, Biennale Teatro 2022 © Christophe Raynaud de Lage / Festival d'Avignon; ritratto di / portrait of Tiago Rodrigues © Filipe Ferreira; foto di scena / stage photo ritratto di / portrait of Morana Novosel © Curioso Photography su / on Unsplash © Akira Hojo su / on Unsplash © Matt Howard su / on Unsplash © Nicolò Gialain; ritratto di / portrait of Gaetano Palermo © Antonino Leocata; foto di scena / stage photo © Carlo Mastropasqua; ritratto di / portrait of Stefano Fortin © Grazia Morace; ritratto di / portrait of Carolina Balucani © Simona Cagnasso; ritratto di / portrait of Monica Capuani © Marco Signori; ritratto di / portrait of Francesco Morosi © Luca Del Pia; ritratto di / portrait of Romeo Castellucci © Vincent Delbrouck; ritratto di / portrait of FC Bergman © Angélica Liddell; ritratto di / portrait of Angélica Liddell © Gianfranco Rota; ritratto di / portrait of Francesco Micheli ritratto di / portrait of Ron Howell © Malmoart. Sylist Juan Roga; ritratto di / portrait of Davinia Rodríguez © Matilde Pisani / Teatro Nazionale di Genova; ritratto di / portrait of Andrea Porcheddu © Nico Rossi; ritratto di / portrait of Armando Punzo © Pino Montisci; ritratto di / portrait of Davide Carnevali ritratto di / portrait of Anita Bozzo © Saverio Covezzi; ritratto di / portrait of Paolo Bruini ritratto di / portrait of Rosalinda Conti ritratto di / portrait of Carmen Della Porta © Michela Belgiorno e / and Adriano Martini; ritratto di / portrait of Denise Diaz Montalvo © Elisa Caldana; ritratto di / portrait of Lisa Moras © Giovanni Covini; ritratto di / portrait of Elena Patacchini © Giuseppe Iacovino; ritratto di / portrait of Giuseppe Pipino © Marco De Sanctis; ritratto di / portrait of Eliana Rotella ritratto di / portrait of Teresa Vila ritratto di / portrait of Ornella Cardillo ritratto di / portrait of Simone Carraro © Andrea Petinari; ritratto di / portrait of Chiara Cingolani ritratto di / portrait of Ciro Gallorano ritratto di / portrait of Maria Luigia Gio rè ritratto di / portrait of Andrea Piazza © Marco Scarpitta; ritratto di / portrait of Aldo Scarpitta

Note

404–405

Carta prodotta con cellulose provenienti da foreste e da filiere di approvvigionamento gestite in modo rispettoso dell’ambiente, socialmente utile ed economicamente sostenibile da altre fonti controllate. Paper made from cellulose from environmentally respectful, socially useful, and economically sustainable forests, production and supply chains, and other controlled sources.

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406–407

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LA BIENNALE DI VENEZIA 51. Festival Internazionale del Teatro 51st International Theatre Festival EMERALD Idea progettuale / Concept Stefano Ricci Gianni Forte Attivita Editoriali e Web / Editorial Activities and Web Responsabile / Head Flavia Fossa Margutti Coordinamento editoriale / Editorial Coordination - Supervisor Valentina Campana Redazione / Redaction Chiara Casaburi Progetto editoriale / Editorial Project Eleonora De Leo in collaborazione con / in collaboration with Liliana Laera Traduzioni inglese / English translations Matilde Vigna Edward Fortes Traduzioni francese / French translations Matilde Vigna Lia Bruna Traduzioni spagnolo / Spanish translations Matilde Vigna Federico Nastasi Progetto grafico e impaginazione / Graphic Project and Layout Headline Stampa / Print IGP Industrie Grafiche Pacini Pacini Editore

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