LaCarne Magazine N101

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Nº101 - NOV 2020 - AÑO 10

N101 aÑo 10 nov 2020

SUMARIO

experiencias entrevistas 06 Dakuri, detrás de las cámaras de su 28 iv jornadas profesionales de nuevo video

la música en extremadura

10 John Frusciante, y su nuevo disco 36 Jugu, sonido Acid y Electrónica “Maya” 40 Sentinel, Heavy Metal moderno, 12 Las Noches de Santa María potente y claro regresan a Plasencia 46 Isadorian, un canto que nos eleva 16 Cultura crea Turismo regresa en el alma Octubre 52 Leviatán, veteranos del auténtico Heavy Metal investigación 58 DJ MAG Latinoamérica Music y 22 Toots and The Maytals, pioneros su 1er compilado del reggae 62 Los Cogelones Rock Mexica Experimental

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

jorge ares, la chica boom, alfonseka, cristobal torres, ángela sumy, omar vega, Luis lama

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Dakuri

detrás de las cámaras de su nuevo video LEER MÁS

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a banda capitalina de Metal Sinfónico, Dakuri, realizó su primer videoclip que corresponderá a la canción La Bruja, pieza popular mexicana de la región jarocha, y de la que se han realizado innumerables interpretaciones y versiones.

Sobre las razones de hacer el videoclip de un cover y no de una canción original, la vocalista, Itzi Guadiana, comentó que la idea le nació desde por lo menos hace dos años, cuando formaba parte de otra agrupación.

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“Esa canción me la enseñó el tecladista, me dijo que sería buena idea adaptarla a nuestro estilo, pero nunca la pudimos hacer, y se me quedó la idea desde entonces”, explicó la cantante, quien también se encargó de la producción ejecutiva del video.

Originalmente planeado en Cuernavaca, el rodaje se realizó en una casa abandonada de la alcaldía de Coyoacán, en cuyo tercer piso fueron aprovechados tres cuartos para maquillaje, vestuario y escenario principal.

La sesión duró más de diez horas. El llamado fue a las nueve de la mañana, y terminó aproximadamente pasadas las ocho de la noche, tiempo que transcurrió como agua pues nunca hubo un momento desperdiciado.

El primero en llegar fue Dante, músico multiinstrumentista y benjamín del grupo, recién incorporado a las filas de Dakuri apenas unos meses atrás. Su primo, Carlos, fue el que facilitó las instalaciones de la locación.

Casi toda su interacción con la banda ha sido a distancia. “Apenas nos hemos visto una vez. Ésta va ser la segunda”, explica. Dakuri marca su regreso a la música después de un retiro de varios años, en los que intervino la escuela y el trabajo.

Con una experiencia que lo ha llevado a tocar en varias partes de la República, recuerda que tiempo atrás tuvo la intención de adaptar piezas de mariachi al género, “pero a mi mejor amigo no le gustó la idea, así que decidí hacerlo por mi cuenta”.

Fue en ese momento cuando se enteró que Dakuri buscaba guitarrista, y la idea de grabar La Bruja embonó a la perfección con su inquietud de explorar la música tradicional mexicana desde el lenguaje del metal sinfónico. “Además, siempre quise formar parte de una banda así”, aseguró.

Luego llegaron David y Damián, bajista y guitarrista respectivamente, una mancuerna con una amistad muy añeja. ¿Unos 20 años de amistad?, le preguntamos a David. “¡No, son muchos más! Nos conocimos en tercero de primaria”, responde.

“Para ponerlo en perspectiva, llevamos más tiempo de conocernos de lo que Alex tiene de vivo en este mundo”, explica Damián, refiriéndose al baterista y cofundador de Dakuri.

Un video grabado con celular

El rodaje estuvo a cargo de Ali Rebollar, un baterista amo del blastbeat con 20 años de trayectoria, que, a la muerte de The Greatness Design, su banda, se dedicó a la producción e ingeniería de audio. “Íbamos bastante bien”, narra Ali recordando los tiempos con The Greatness Design, “le abrimos a muchísimas bandas en muchísimas partes de la República. No es por nada, pero

el disco que lanzamos (refiriéndose a: Pillars Of Creation, lanzado en 2013) nos quedó muy bien”. ¿Y luego qué pasó?, le preguntamos. “Pues empezaron los problemas, al punto que terminamos peleándonos”, dijo sin poder ocultar el lamento al platicarlo.

Meses después del cisma, Ali se metió al correo electrónico de la banda. “Envié el disco a todas partes, hasta a otros países como Japón y algunos otros de Europa, y vi que nos había respondido una disquera de por allá”.

El correo era un halago a su disco, y la propuesta explícita de hacer una reedición con ellos y ofrecerles un contrato para poder girar y tocar en varias partes del mundo.

“Le dije a la banda, pero ya nadie quiso seguirle. Ni modo, así son las bandas, tarde o temprano surgen ese tipo de problemas”, dijo para después terminar de conectar su iluminación.

Rebollar hizo un viaje de casi dos horas desde Pachuca, Hidalgo, con un juego de luces, reflectores y muchos metros de extensiones.

Su método de trabajo generó suspicacias al principio, pues utilizó una cámara periférica conectada a su dispositivo móvil. “¿Vamos a grabar con celular?”, preguntó muy extrañado Damián. Después de explicarle la situación, Itzi replicó con ironía que lo mismo le preguntó a Ali cuando vio el celular; pero no, no fue grabado con celular.

A falta de tiempo, buena organización

Apenas una hora después de haber llegado todos a la locación, ya todo estaba listo para ser grabado. Banda, maquillista y director tenían el itinerario de cuánto tiempo debían tardar en realizar las tomas para poder terminar el video ese mismo día.

“Originalmente el plan era grabar todo lo que no necesita maquillaje un sábado, y luego grabar todas las tomas con maquillaje el domingo, pero es muy difícil porque no tenemos mucho tiempo”, explicó Damián. “Ni tampoco LaCarne Magazine

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tenemos tanto dinero como para cubrir dos días de producción”, añadió Itzi.

Esto obligó a la banda, específicamente a Itzi y Alex, a crear un plan perfectamente coordinado que les permitiera aprovechar los tres espacios de la locación para grabar las escenas, mientras otros se maquillaban, mientras otros se cambiaban de ropa.

La escaleta permitió un ritmo de trabajo perfectamente fluido que ya quisieran tener muchos becarios del Fonca. El método era grabar de forma individual a cada miembro, y luego hacer tomas con todo el grupo, primero sin maquillaje y luego con maquillaje.

Las tomas sin maquillaje fueron las más fluidas. Las segundas tomaron más tiempo, pues las luces arruinaban el ornato facial, sobre todo el del baterista, producto del sudor emanado.

El maquillaje que causó furor

Mientras los miembros terminaban de ser maquillados, se realizaron otras tomas complementarias que incluyeron a un canino xoloitzcuintli en una cama de flores de cempoalxóchitl, y una ofrenda con las fotografías de los miembros de la banda.

El video también contó con la participación del señor Guadiana, padre de Itzi, quien jamás ha cejado en apoyar tanto a Itzi como a Alex en sus esfuerzos por lograr el ansiado sueño (cada vez más cercano) de lanzar el disco debut de Dakuri.

De todos, el maquillaje del señor Guadiana fue el que más halagos le significó a la maquillista. Bastaba con bajar levemente su rostro para lanzar una imagen muy imponente aun sonriendo. “¡Sí se ve bien malote, señor!”, dijo Carlos, el anfitrión de la locación, algo en lo que todos coincidieron. Sus escenas con Itzi incluyeron una coreografía basada en bailes regionales, aprovechando la experiencia del señor Guadiana en ese rubro.

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Dichas escenas fueron de las que más le gustaron a Ail, al grado de solicitar una toma específica para su portafolio.

“Desde que Itzi apenas aprendía a hablar ya escuchaba las bandas que yo escuchaba. A mí siempre me gustó Kiss, Led Zeppelin, cosas así, y me pedía que las pusiera”, platicó el señor Guadiana en un breve intermedio de descanso con los demás miembros de la banda.

“Y ahora es gracias a ella y a Alex que he podido conocer nuevas bandas, como Nightwish.

En serio que esa banda es lo máximo para mí, ¡Helloween también me gusta mucho!”, cerró el señor con tan conducente, pertinente y lúcido último comentario.

Con prisa, pero despacio

Cuando todos los miembros fueron debidamente maquillados, pasaron a cambiarse. To-

dos utilizaron un traje formal con corbata, parecían economistas de alto rango de maldad tocando instrumentos musicales.

A pesar de la prisa por partir a buena hora, Ali no escatimó esfuerzos ni atención para las últimas escenas. El cansancio era notable en todo el equipo, desde la maquillista, su novio (que fungió como apoyo vital para reducir tiempos) y todo Dakuri, pero se logró construir un ambiente tan alejado de la presión que todo fluyó sin problemas.

La última toma, que incluyó a todos los miembros en escena, fue terminada con una andanada de aplausos de todos los ahí presentes, una práctica tan común en todas las producciones que no por eso deja de perder una nítida y auténtica espontaneidad de alegría.

“La verdad es que, desde que me estaban maquillando, estaba muy presionada por que no faltara nada”, narra Itzi. Y nada faltó. El plan

salió al 99% de lo planeado. No fue el 100 porque, ¿quién lo ha alcanzado alguna vez?

Con la noche encima y una intensa lluvia en la calle, todos ayudaron a retirar el equipo de iluminación, desarmar la batería y guardar todos los instrumentos. En 20 minutos, el recinto volvió a ser la casa abandonada que era en la mañana.

El plan es estrenar el video de La Bruja en Día de Muertos. Será el cuarto sencillo de Dakuri, después de lanzar a lo largo de este año: Prophecy, Vision y Time Out. Con casi una docena de piezas listas en preproducción, la agrupación continúa cimentando el sendero a su disco debut, y este video será un paso fundamental.

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John Frusciante y su nuevo disco «Maya» LEER MÁS

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ohn Frusciante anuncia que su nuevo álbum Maya estará dedicado a su gato, y está muy influenciado por la música Jungle.

El Jungle es un estilo de música electrónica que incorpora influencias tanto del primer Hardcore y Techno, como de la escena jamaicana existente en Inglaterra en los años 1980.

El guitarrista de Red Hot Chili Peppers, John Frusciante, ha anunciado los detalles de un

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nuevo álbum que verá la luz el próximo mes.

No es el primer disco que saca de música electrónica, ya lo hizo bajo el nombre de Trickfinger, pero sí el primero que saca con su nombre verdadero, dado a que el disco es un homenaje a su gato Maya (de ahí el nombre del disco), quien estuvo 15 años con él, y al que, según palabras del propio John, le encantaba la música.

John Frusciante y su nuevo disco dedicado a su gato

El nuevo disco es un disco electrónico instrumental, el primero que Frusciante ha realizado en el género.

Antes del lanzamiento del álbum, ha comparti-

rrista compartió She Smiles because She Presses The Button, el tercer álbum de larga duración de Acid House lanzado bajo su alias de Trickfinger.

El álbum siguió a otro nuevo proyecto bajo el nombre de Trickfinger, llamado Look Down, See Us, que se lanzó solo un mes antes.

«Durante un año completo antes de empezar este disco, trabajé dentro de las limitaciones y reglas autoimpuestas que hicieron que el proceso de creación de música fuera lo más difícil posible, programando por el bien de la programación», dijo Frusciante en un comunicado.

«Después de un año completo de eso, decidí hacer las cosas más fáciles, al grado de que pudiera terminar regularmente las pistas que disfrutaba escuchando, mientras continuaba muchas de las prácticas que había desarrollado.

A lo largo de la grabación de Maya, me preparaba para hacer cada pista muy lentamente, pero terminaba las pistas muy rápidamente.

Me pasaba semanas haciendo breakbeats, chupando una batería, haciendo parches DX7, y así sucesivamente.

Para cuando surgió una idea que parecía el comienzo de una melodía, tenía muchos elementos frescos listos para empezar». do una nueva canción llamada Amethblowl, el cual está teniendo muy buena acogida.

«No tengo ese interés en cantar o escribir letras como solía hacerlo», dijo Frusciante sobre el estilo musical del nuevo álbum, que saldrá el 23 de octubre a través del sello Timesig, propiedad de Venetian Snares.

«Lo natural cuando estoy en solitario como ahora, es simplemente hacer música como las cosas que se lanzarán este año. Realmente me encanta ir y venir con las máquinas y la computadora».

El nuevo álbum es el último de una serie de proyectos en solitario que Frusciante ha compartido a lo largo de 2020. En junio, el guita-

Los nuevos proyectos siguen a la noticia de que Frusciante se reincorporará a Red Hot Chili Peppers después de más de una década alejado de la banda, que se anunció en diciembre de 2019.

Frusciante y sus compañeros de banda están actualmente «concentrados en nuevas canciones y escribiendo un nuevo disco», como reveló el baterista Chad Smith a principios de este año.

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l programa de la Diputación Provincial de Cáceres, Las Noches de Santa María, se celebrarán en Plasencia del 16 de Octubre al 17 de Noviembre.

Debido a la actual situación sanitaria, este programa que amenizaba las noches de verano en la ciudad cacereña, amenizará ahora las noches otoñales.

Las Noches de Santa María se presentó de manera oficial el pasado 2 de Octubre y el encargado de abrir el programa será el artista Kiko Veneno, que dará un concierto inaugural el 16 de Octubre en la Plaza de la Catedral de Plasencia.

Además de la actuación de Kiko Veneno, disfrutaremos del Teatro, Música Étnica, Jazz, Fusión y Pop. Esta nueva edición de Las Noches de Santa María, será algo diferente debido a la particular situación sanitaria que estamos viviendo.

Por ese motivo es importante recordar a tod@s l@s ciudadan@s que el aforo de las actuaciones será limitado para cumplir con todas las medidas de seguridad higuiénico sanitarias y que para asistir a cualquiera de los eventos, será necesaria invitación previa que se podrá solicitar a través del enlace: https://brocense.dip-caceres.es/events/event El diputado de Cultura y Deportes, Fernando Grande Cano, señalaba el gran esfuerzo que se está haciendo desde Diputación de Cáceres para seguir adelante con todos los eventos apoyando así al sector de la cultura que actualmente está pasando por grandes dificultades.

Las Noches de Santa María Programación Kiko Veneno será el encargado de abrir el programa de Las Noches de Santa María con un concierto especial el 16 de Octubre en la Plaza de la Catedral de Plasencia. Será a partir de las 21:30h y recordad que sólo podréis asistir solicitando invitación previa en el enlace

Kiko Veneno – 16 octubre Lugar de actuación: Plaza de la Catedral Hora: 21:30h Andrzej Olejniczak Quartet nos hará disfrutar del Jazz el 20 de Octubre. El artista polaco es un saxofonista degran prestigio y reconocimiento en Europa y cuenta con una extensa discografía con más de sesenta discos.

También ha compartido su música y los escenarios con grandes bandas de nuestro país como Mecano, Orquesta Mondragón, Miguel Ríos o Manzanita entre otros.

Andrzej Olejniczak Quartet (Jazz) – 20 de Octubre Lugar de actuación: Auditorio del Complejo Cultural “Santa María” Hora: 20:30h Disfrutaremos también de la represenctación teatral de la compañía Las Cuatro Esquinas, que llevarán a escena la obra La isla de los esclavos del autor francés Pierre de Marivaus con una versión de Juan Copete.

Una obra con un trasfondo revolucionario y feroz en el que Juan Copete ha añadido nuevas escenas a la obra basadas en el espíritu del Siglo de las Luces.

Las Cuatro Esquinas (La isla de los esclavos) – 27 de Octubre Lugar de actuación: Auditorio del Complejo Cultural “Santa María” Hora: 20:30h El flamenco en Las Noches de Santa María correrá a cargo de Miguel de Tena. El cantaor pacense cuenta con una extensa carrera musical y prestigiosos premios y reconocimientos. Los amantes del flamenco disfrutarán enormemente de la calidad vocal de este gran artista extremeño.

Miguel de Tena (Flamenco) – 3 de Noviembre Lugar de actuación: Auditorio del Complejo Cultural “Santa María” LaCarne Magazine

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Hora: 20:30h La compositora e intérprete toledana Ana Alcaide, nos traerá música étnica de antiguas tradiciones y culturas. En esta ocación nos presentará su proyecto Leyenda, inspirado en las leyendas y mitologías de mujeres ancestrales destacando el poder de lo femenino.

180 entradas - Resto de conciertos en el Auditorio: 114 entradas Las invitaciones sólo podrán retirarse de fomra on line, a partir del miércoles anterior a cada concierto desde las 8:00 h. en el enlace https://brocense.dip-caceres.es/events/event

La artista nos invita «a que atravesemos ese espejo y nos atrevamos a sentir sus historias, pues su luz y su oscuridad es al fin y al cabo la nuestra”.

Cada vez que se accede al sistema se retira UNA sola invitación. Sólo se permitirá reservar un máximo de DOS invitaciones desde la misma dirección de correo.

Ana Alcaide (Música Étnica) – 10 de Noviembre Lugar de actuación: Auditorio del Complejo Cultural “Santa María” Hora: 20:30h

Se ruega que, en caso de no poder asistir comuniquen la anulación de reserva al siguiente correo: cultura@dip-caceres.es

Los encargados de cerrar esta edición de Las Noches de Santa María serán los madrileños Alpargata. La banda nos ofrecerá un espectáculo en el que fusionan estilos como el Jazz, el Rock, la música popular o los ritmos latinos, todo ello acompañado con un toque de humor.

Los directos de Alpargata han recorrido varios escenarios de España, Latinoamérica y Europa y han compartido las tablas con artistas de la talla de Rozalén, El Kanka, Macaco, Eskorzo, Reincidentes, La Pegatina, Santiago Auserón, Luis Pastor y muchos, muchos más.

Alpargata (Fusión) – 17 de Noviembre Lugar de actuación: Auditorio del Complejo Cultural “Santa María” Hora: 20:30h

Medidas Sanitarias y entradas para los conciertos Como ya os comentábamos anteriormente, y debido a la situación actual por la pandemia del Covid-19, se llevarán a cabo todas las medidas de seguridad higiénico sanitarias. Por este motivo el aforo de todas las actuaciones será limitado de la siguiente manera: - Concierto inicial en la plaza de la catedral:

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El acceso al público al recinto de la plaza para el concierto de Kiko Veneno (16 de octubre) dará comienzo a las 20:30h.

Para el resto de días las puertas para la entrada del público se abrirán a las 19:45h.

Por nuestra salud y seguridad es importante recordar: • Guardar la distancia de seguridad de un metro y medio con otras personas, tanto a la hora de esperar su turno como una vez dentro del recinto.

• Es obligatorio el uso de mascarillas para acceder al concierto y dentro del recinto durante todo el espectáculo hasta su finalización.

• Se instalará en la entrada del recinto un dispensador de gel hidroalcohólico desinfectante a disposición del público en general asistente a los conciertos.

• Las salidas se organizarán de forma escalonada por las dos puertas de acceso al auditorio.

• En el concierto inaugural de Kiko Veneno, que se realizará en la Plaza de la Catedral, no podrán moverse las sillas del sitio en el que estén ubicadas.

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ultura Crea Turismo dará comienzo el próximo 17 de octubre y finalizará el 8 de noviembre y llegará a varios municipios de la provincia.

El pasado 21 de septiembre se presentaba de manera oficial esta nueva edición, que a pesar de la situación actual de crisis sanitaria, se llevará a cabo con todas las medidas de seguridad higienico sanitarias.

Cultura Crea Turismo llevará la cultura a cuatro localidades cacereñas y al mismo tiempo, dar un impulso al sector turístico. Tal y como comentaba el diputado de Cultura y Deportes Fernando J. Grande Cano, es uno de los programas más ambiciosos de Diputación.

En sus declaraciones señalaba además que desde la propia institución quieren darle un impulso al sector cultural pero también al sector turístico de aquellas localidades en las que se llevará a cabo esta nueva edición.

Cultura Crea Turismo en esta nueva edición pasará por las localidades de Hoyos, Alcántara, Villanueva de la Vera y Arroyo de la Luz. En cada una de ellas habrá dos fechas con actuaciones y actvidades diferentes englobadas dentro del programa. Podremos disfrutar de la música en directo, de cuenta cuentos, visitas guiadas, visitas literarias teatralizadas, showcooking literario, globo cautivo, encuentros con el autor…

Cultura crea Turismo Actividades

Un programa muy completo y de gran calidad cultural al que están invitados todos aquellos ciudadanos que quieran disfrutar no sólo de la cultura sino de la gran riqueza turística de cada una de las localidades y de la comarca en general.

El programa está destinado a todos los cidadan@s y todo tipo de público que quieran disfrutar de la cultura y el turismo de nuestra comarca.

Los Cuenta Cuentos nos harán disfrutar de las historias increíbles a través de un perso-

naje que nos descubrirá lo sorprendente y lo increíble de cada lugar. Esta actividad es ideal para el público familliar e infantil, la duración es de una hora aproximadamente y para asistir hay que inscribirse previamente.

Con las Visitas Turísticas Guiadas podremos sumergirnos en el legado cultural de cada localidad, su historia y su patrimonio. Actividad indicada para todos los públicos y con una duración de una hora y media aproximadamente.

Para realizar las visitas turísticas guiadas es necesario inscribirse previamente.

Las Visitas Teatralizadas nos llevarán a los lugares y momentos más bellos de la literatura de la provincia cacereña. Seguiremos los pasos de algunos famosos escritores apasionados por nuestra provincia, su cultura, paisaje y tradiciones, como Pío Baroja, Cervantes, Unamuno… Para realizar esta actividad es necesario inscripción previa, está destinada a todos los públicos y su duración es de una hora y cuarto aproximadamente.

Otra de las actividades con las que podremos disfrutar es con el Globo Cautivo, donde podremos ver a vista de pájaro los paisajes de cada una de las localidades. Una forma diferente y mágica de observar nuestra tierra. Para poder disfrutar de esta fantástica experiencia, también es necesario inscribirse previamente.

También podréis disfrutar de Encuentros con el Autor, nos sumergiremos en la literatura de cada localidad que han inspirado obras que perdurarán a lo largo del tiempo. Un recorrido de una hora de duración (previa inscripción) destinada a todo tipo de público.

Y qué mejor forma de disfrutar de la literatura y la gastronomía con otra de las actividades de Cultura Crea Turismo, con el Showcooking Literario donde podremos conocer deliciosas recetas inspiradas en esos paisajes literarios de cada localidad. Una actividad que también es apta para todos los públicos (previa inscripción) y de una hora de duración. Para que no os perdáis nada, os dejamos la programación completa y los horarios que serán genéricos para todas las localidades. Tomad nota!

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Programación Cultura crea Turismo

17 y 18 de Octubre – Hoyos 24 y 25 de Octubre – Alcántara 31 de Octubre y 1 de Noviembre – Villanueva de la Vera 7 y 8 de Noviembre – Arroyo de la Luz Las actividades comunes para cada municipio se realizarán a lo largo de dos días en cada uno de ellos y los horarios para cada día serán los siguientes: SÁBADO Mañana • 10:30h – 21:00h: Mercado agroalimentario de productos saludables y artesanos.Photocall.

• 11:30h: Batucada pasacalles. TAMBARRADA. • 12:00h – 13:00h: Cuentacuentos: Conoce tu provincia.

• 13:00h: Concierto de Jazz: SWING TON NI SONG. • 13:30h: Teatro de calle: SUSURRADORES DEL VERSO. Tarde • 16:30h – 18:00h: Visita turística guiada.

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• 18:00h: Pasacalle teatral. Espectáculo infantil: CIR COO. • 19:00h: Flamenco: EL DON DEL AIRE. • 21:00h: Concierto final cabeza de cartel.

DOMINGO Mañana • 10:00h – 12:00h: Globo cautivo.

• 10:30h – 21:00h: Mercado agroalimentario de productos saludables y artesanos.Talleres de Artesanía.-Photocall.

• 11:00h – 12:15h: Visita literaria teatralizada.

• 12:15h – 13:30h: Talleres Infantiles.

• 12:30h – 13:30h: Encuentros con el Autor.

• 13:30h – 15:00h: Showcooking literario.

CONCIERTOS FINALES POR MUNICIPIOS • Charly Glez – Blues – Pop (Hoyos y Villabuena de la Vera) • Gene García – Soul (Alcántara) • Bloom – Danza Contemporánea (Arroyo de la Luz) *Nota informativa: El concierto de Hoyos de Charly Glez queda aplazado por brote de Covid-19 en la localidad

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Toots and The Mayta pioneros del reggae

Ríndamosle un sentido homenaje.

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l pasado 11 de septiembre moría, por afecciones relacionadas con la Covid’19, el cantante y líder de Toots and The Maytals, Toots Hibbert.

Tal vez su nombre no os suene mucho, pero sin duda es uno de los artistas más importantes relacionados con el Reggae y el movimiento jamaicano fuera de la isla.

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Toots and The Maytals

Frederick Nathaniel Hibbert nació el 8 de diciembre de 1942 en May Pen, una parroquia rural de Claredon, Jamaica. Era el más joven de una familia con muchos hermanos, cuyos padres eran predicadores evangelistas del 7º día muy estrictos. El joven Toots empezó (como todos) cantando góspel en el coro de la iglesia.

Sus padres murieron cuando él contaba con

Sí, como lo leéis, ni Bob Marley ni hostias.

Los creadores del Reggae fueron Toots and The Maytals combinando los ritmos de los estilos musicales que más les gustaban. Incluso la primera vez que se utilizó este término fue en la canción Do the Reggay (1968), considerada el génesis de este estilo.

Las primeras grabaciones de la formación tenían mucha influencia de la educación religiosa que habían tenido. Además, Toots era famoso por componer letras rastafaris. La primera grabación oficial que tendrán será Hallelujah, aunque destaca sobre todas Six and Seven Books Of Moses, de 1962.

Pronto se convirtieron en uno de los grupos más populares de la isla a mediados de los 60, y eso les llevó a grabar con los mayores productores musicales de Jamaica: Coxsone Dodd, Prince Buster o Byron Lee, además eran muy apoyados por el gran grupo jamaicano The Skatalites.

als

tan sólo 11 años, así que tuvo que marcharse con uno de sus hermanos. Se trasladó a Kingston, la capital de la isla, concretamente al barrio de Trenchtown.

Aquí Toots empezó a trabajar en una barbería, donde de casualidad le escucharon Raleigh Gordon y Jerry Matthius, que querían formar una banda, y no se lo pensaron. Así nacía The Maytals, que después se ampliaría con Jackie Jackson y Paul Douglas. Corría el año 1961.

Las principales influencias del grupo eran Ray Charles, Wilson Pickett, Otis Redding, o James Brown, por lo tanto su música se salía de la norma establecida de la música jamaicana.

Por primera vez se combinaba el Ska, el Rocksteady, R&B, Jazz, Mento y Calipso, creando un nuevo estilo musical: el Reggae.

Durante estos primeros años de los 60 se hicieron muy famosos en la isla, más incluso que The Wailers, que pronto se sumaron a los nuevos ritmos de The Maytals. Estaban trabajando con Studio One, la productora jamaicana por antonomasia.

En 1966 Toots and The Maytals ganaron el Concurso de Canción Popular del Festival de la Independencia de Jamaica, con el tema Bam Bam. Repetirían éxito en dos ocasiones más: 1969 con Sweet and Dandy, y en 1972 con Pomps & Pride.

Sin embargo, ese año de 1966 Toots sufrió un revés, fue sentenciado a 18 meses de prisión por posesión de marihuana. Acto injusto, porque no era verdad. Le inspiró para escribir una, si no la más mítica de sus canciones: 5456 That´s my number. A la salida de la cárcel empieza a trabajar con el productor Leslie Kang, que lanzará la carrera del grupo.

Toots and The Maytals en los 70

Los 70 entraban con mucha fuerza debido al primer éxito internacional de Toots and The Maytals: Monkey Man. Tras esto, eran contraLaCarne Magazine

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tados por la compañía Island Records, convirtiéndose así en las primeras estrellas internacionales de Jamaica.

En 1972 participaron en la banda sonora de la película de Jimmy Cliff (The Harder They Come) con dos canciones. Esta banda sonora está considerada entre las 10 mejores de todos los tiempos por Vanity Fair. Incluso salen en alguna escena de la película.

Durante estos años sacarán 3 discos, todos ellos un éxito, pero destacarán sobre todo los éxitos de la canción Funky Kingston, en 1973, y Reggae Got Soul de 1975. Para promocionar estos discos, la banda se propuso como teloneros para varias giras de artistas internacionales como The Who, Jackson Brown, The Eagles o Linda Ronstadt.

Siguieron cosechando éxitos, sin embargo fueron perdiendo fuelle, hasta mediados de los 80, que tuvieron un resurgimiento gracias al movimiento Punk, Mood y Skin de Reino Unido, principalmente gracias a las versiones de su Monkey Man por The Specials, y de Pressure Drop de The Clash.

Sin embargo, el grupo se separaría en 1981, tras la grabación del disco Knocout. Toots siguió haciendo música en solitario, aunque sin mucho éxito, y, entrados los 90, creó una nueva formación, siendo asiduo en Festivales.

Grabaron varios discos.

Con la década de los 2000, la actividad siguió.

En 2004 lanzaron un nuevo disco de versiones remasterizadas de sus antiguos éxitos, pero con colaboraciones de lujo: Eric Clapton, Keith Richards, Willie Nelson, Ben Harper o Shaggy entre otros. Se llamaba True Love, y no fue el último.

En 2001, la BBC presentó un documental titulado Reggae Got Soul: The Story Of Toots And The Maytals, donde participaban un montón de artistas.

Siguieron tocando, sacando singles… pero en 2013, durante un concierto en Virgina, un espectador arroja una botella de vidrio a la ca-

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beza de Toots, produciéndole una conmoción cerebral, además le tuvieron que poner 6 grapas en la cabeza.

Esto dejó a Toots completamente destrozado, aplazando sus eventos durante 3 años, pues sufría de ansiedad, pérdida de memoria, nauseas y dolores de cabeza, así como miedo a las multitudes. Volvieron el 15 de junio de 2016, con una pequeña gira que comenzó en San Diego.

Como anécdota, contar que Toots escribió al juez que llevaba su caso para pedir por su propio agresor, sin embargo, éste fue condenado a 6 meses de prisión.

60 años de carrera musical

Durante estos últimos años, su principal escena de acción eran los Festivales: Coachella Fest, Festival de Glastonbury, Womad UK

(mierda…). En 2018 sacaron un nuevo tema titulado Marley.

Toots and The Maytals cuentan en su haber con la friolera de 24 discos de estudio y 5 en vivo, casi nada para un grupo jamaicano pionero. Malditas coincidencias, habían publicado su último disco días antes de que Toots fuera hospitalizado, Got To Be Tough.

Como vemos, este pequeño grupo jamaicano que comenzó combinando ritmos jamaicanos con ritmos populares de música negra, se mantuvo durante 60 años en activo, regalándonos temazos y ritmos que no se han superado.

Cuando escuchas los primeros discos de Toots And The Maytals, te suenan modernos, funkis, canallas… Si bien no podemos negarle al tío Bob su importancia en cuanto a

difusión e universalización del estilo Reggae, nada de esto hubiera sido posible si Toots y sus compañeros no se hubieran puesto a jugar con los ritmos que más les gustaban.

Además, tenían letras muy comprometidas, hablando del racismo, de la opresión policial, y de las malas conciones sociales de algunos sectores. Muy mascas estos tipos, en serio.

Descanse en paz Toots, seguro que se han montado entre todos una Kinky Reggae Party ahí en el cielo humeante de los rastafaris… menudo planazo!

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ué felices nos ponemos cada vez que nos comunican que un evento tan importante como las Jornadas Profesionales de la Música en Extremadura (o la MUM) se vuelven a realizar un año más. Ésta será su cuarta edición, y nos traen un montón de sorpresas.

Como es de esperar, la pandemia del COVID19 ha modificado la forma de llevar a cabo actos y eventos culturales, y la MUM ha sabido adaptarse a la perfección a esta situación.

Con un enfoque virtual, la programación de este año cuenta con 34 artistas y agrupaciones extremeñas que podremos disfrutar a través de conciertos online y conciertos PRO desde nuestra propia casa.

Los que se inscriban también podrán disfrutar de webinars especializados en el sector de la música, y posibilidad de reuniones y contactos profesionales. Todo esto hace de la MUM un evento imprescindible para seguir tejiendo las redes de trabajo y colaboración dentro del sector de la música en Extremadura.

Algunos no paran de repetir que es el peor momento que está pasando la cultura en España, pero nosotros creemos que es la oportunidad perfecta para olvidar las viejas formas que usábamos, y crear nuevas conexiones que fortalezcan el sector desde dentro, y la MUM es la herramienta perfecta que podemos usar para comenzar a trabajar en ello.

Si tienes oportunidad, no dudes en inscribirte y participar!

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CHARLY GLEZ.

IV Jornadas Profesionales de la Música en Extremadura Los próximos días 3, 4 y 5 de noviembre se celebrará la cuarta edición de las Jornadas Profesionales de la Música en Extremadura MUM (Meeting, Music, Market), un espacio de referencia en el que los agentes implicados en la industria musical de Extremadura tendrán la oportunidad de valorar el talento creativo de los artistas.

En esta nueva edición, debido a las circunstancias derivadas de la crisis sanitaria causada por la COVID-19, las Jornadas se desarrollarán con un formato virtual con un amplio programa de acciones donde la web de la MUM se convertirá en una plataforma de difusión, capacitación y encuentros comerciales, acogiendo conciertos online, seminarios (webinars) y agendas virtuales.

Con más de 100 inscritos hasta la fecha, se

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espera un mayor número de participantes que en las ediciones anteriores, confirmando la necesidad que tenía el sector de un evento como la MUM.

CONCIERTOS ONLINE

Se ofrecerá una programación amplia y variada de showcases online de artistas o grupos extremeños.

Los artistas que participarán en la edición de este año han sido seleccionados por un equipo de personas de reconocido prestigio y experiencia en el sector de la música, eligiéndose las propuestas con más calidad o con mayor potencial para su exportación a nivel mundial.

Gracias al nuevo formato virtual de este año, cualquier persona podrá disfrutar de los showcases de estos grupos desde cualquier punto del planeta, fomentando el contacto y la inte-

racción con personas de una gran cantidad de países.

Grupos participantes: Charly Glez., Daniel Cárceles & la Banda, Lúa Gramer, Berzosax Ensemble, Diet Slim, El Pelujáncanu, DiMayo, José Manuel Díez - Duende Josele, Plaza Chica, Happy New Year & 3 AM, Garbayo, Darío González, Diván du Don, Javato y Los Disfrutones, Luzero, Seventh Sun, The Buzzos, Ivan Sanjuan Cuarteto, J. Vega, Lady Jaque, Swing Ton Ni Song, Lorkan & Dj Kast, Rubio Salas Corporation, Solaris, Spin Offs, Los Niños de los Ojos Rojos, Shoul & Libra Loggia, Ruben Rubio, Ruiseñora, Scud Hero, Esther Merino, Subterráneos, Groovy Celtic band, Dimenssion, Celeste Montes.

SCUD HERO

PROGRAMACIÓN CONCIERTOS

MARTES 3 DE NOVIEMBRE 10.00 H ESTHER MERINO 11.30 H GARBAYO 14.00 H RUISEÑORA 17.30 H GROOVY CELTIC BAND 20.30 H SUBTERRÁNEOS 22.00 H THE BUZZOS MIÉRCOLES 4 DE NOVIEMBRE 12.30 H CHARLY GLEZ. & CRAZY BROS 14.00 H DIVAN DU DON 17.00 H JAVATO Y LOS DISFRUTONES 19.30 H SOLARIS 21.00 H RUBIO SALAS CORPORATION 22.00 H SEVENTH SUN JUEVES 5 DE NOVIEMBRE 10.00 H CELESTE MONTES 12.30 H RUBEN RUBIO BAND 14.00 H SCUD HERO 17.00 H LÚA GRAMER

20.30 H DIMENSSION 22.00 H LORKAN & DJ KAST MUM PRO IVAN SAN JUAN CUARTETO El PELUJÁNCANU LUZERO DUENDE JOSELE SPIN OFF DANIEL CÁCELES Y LA BANDA J VEGA DIMAYO BERZOSAX ESEMBLE DARÍO GONZÁLEZ SWING TON NI SONG PLAZA CHICA HAPPY NEW YEAR & 3AM LADY JAQUE SHOUL & LIBRA LOGGIA DIET SLIM LOS NIÑOS DE LOS OJOS ROJOS

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*Información y contacto de todos los grupos participantes: https://extremum.agcex.org/bandas-2020/ *Información y horarios de todos los conciertos: https://extremum.agcex.org/conciertos/

WEBINARS - ENCUENTROS PARA DEBATIR, COMPARTIR E INTERCAMBIAR EXPERIENCIAS

Se llevarán a cabo diversos webinars con contenido de interés para el sector de la industria musical, con la finalidad de crear un ambiente para debatir, compartir e intercambiar experiencias relacionadas con el sector.

La metodología utilizada será abierta y participativa, en la que las personas participantes podrán proponer preguntas a los/las profesionales con el fin de generar un espacio para expresar, proponer, colaborar, cooperar, etc.

ENCUENTROS COMERCIALES: CONOCER, VENDER Y COMPRAR

En el marco de la MUM y con la colaboración de Extremadura Avante, se promoverán diversos encuentros y reuniones de redes vir-

tuales con profesionales de la música tanto nacionales como internacionales, favoreciendo el intercambio de experiencias y acuerdos de cooperación y la internacionalización del sector de la música.

Los horarios habilitados para los encuentros son: Encuentros con profesionales de la música nacionales: • Miércoles, 4 de noviembre. De 9:00 a 14.30 h.

• Jueves, 5 de noviembre. De 9:00 a 14:30 h.

Encuentros con profesionales de la música internacionales (sólo para empresas extremeñas): • Miércoles, 4 de noviembre. De 16:00 a 20.00 h.

• Jueves, 5 de noviembre. De 10:00 a 14:00 h.

INSCRIPCIÓN

Los profesionales que deseen acceder a los conciertos virtuales, webinars y encuentros

RUBIO SALAS CORPORATION

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PLAZA CHICA LaCarne Magazine

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comerciales, tendrán que registrarse gratuitamente en la zona profesional ubicada en la página web de la MUM: https://extremum.agcex. org/zona-profesional/ Las cuartas Jornadas Profesionales de la Música en Extremadura están organizadas por el Centro de las Artes Escénicas y la Música (CEMART), de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura, y la Asociación de Gestoras y Gestores Culturales de Extremadura (AGCEX) y

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cuentan con la colaboración de las Diputaciones de Badajoz y Cáceres y Extremadura AVANTE. *Podéis acceder al programa completo desde: https://extremum.agcex.org/programa-completo/

web facebook instagram

LĂšA GRAMER LaCarne Magazine

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Jugu

sonido Acid y Electrónica Buenas! Gracias por el interés en mi proyecto y mis ideas!

LEER MÁS

J

ugu, natural de Mérida, es una de las revelaciones de la escena electrónica extremeña. Apasionado de los cacharros electrónicos, su estudio está repleto de sintes, groovebox, pedales, arpegiadores, y otros elementos tan necesarios en la composición musical electrónica.

Pese a su aparente juventud, es más que conocido en las cabinas de índole regional.

Para nosotros es un placer tener a uno de los máximos representantes del sonido Acid y la Electrónica en Extremadura, y poder conocer en profundidad su trayectoria, su presente y futuro.

En primer lugar, bienvenido. ¿Qué es para ti la música electrónica?

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Para mí la música electrónica siempre ha sido un impulso de superación, de expresión, y de creatividad. La música electrónica tiene ese poder de convertir un simple sonido, una mezcla, o el desarrollo de un set, en un conjunto de sensaciones, de conexión con uno mismo y con los demás. Creo que todos los que compartimos este vínculo musical no podemos vivir sin él.

Tu nombre propio es José Manuel, pero háblanos de tu seudónimo o proyecto músical llamado “Jugu”.

El seudónimo Jugu es simplemente una manera de ponerle nombre y englobar el conjunto de todos mis proyectos. Jugu va desde aquel niño que comenzaba a cuadrar sus primeras mezclas, al que le temblaban las manos el primer día que pinchó con público, hasta aquel residente de Bassago House Club, o también

modo?

Normalmente siempre he actuado en formato dj set. El formato Live aún no está definido en su totalidad, aunque creo que me pasaré la vida buscando la estructura de mi directo.

La expresión y la creación de sonidos en un directo es algo que llena bastante, pero con lo que me siento más cómodo es en el desarrollo de un Dj Set. Esa sensación de estructurar una selección larga de varias horas en las que juegas con armonías, bajos o ritmos, y vas creando una especie de atmósfera continua y ascendente para mí es algo superior, y creo que eso hoy en día se ha perdido completamente.

Esa cultura de club, en la cual vas a un lugar sin importar quién es el que marca el ritmo, y se mantiene la misma tendencia siempre, y no de actuaciones de una hora sin sentido una detrás de otra, es algo que ya prácticamente no se ve.

la persona frustrada en su estudio que no encuentra el sonido que quiere plasmar en sus producciones.

Para mí, los seudónimos siempre han ido en un segundo lugar a la hora de buscar música, de pinchar, o de valorar trabajos de productores. Nunca me ha importado quién es o quién ha realizado lo que escucho o con lo que trabajo.

En cuanto a tu faceta como creador de audiovisuales, con la que has hecho algunos trabajos en Mérida en presentaciones de proyectos tuyos, donde además podemos disfrutar de algunos de ellos en tus redes sociales, coméntanos.

Pues es algo que es puramente amateur.

Siempre me ha llamado la atención el plasmar las ideas musicales en visual, poder jugar con los sentidos, no solo el auditivo, sino el visual, es algo que me interesa bastante, pero hay artistas que se dedican a ello, y sería una falta de respeto hacia ellos hablar de mí como productor visual.

Tengo mis tendencias y mis influencias bien claras, pero en la totalidad de mis selecciones suelo borrar nombre del track, del artista y cualquier info de ello. Hay producciones del mismo calibre de artistas sin repercusión, o del ámbito más desconocido, que de los que algunos llaman estrellas o grandes artistas.

Tengo varios proyectos, como por ejemplo «La Mérida Ácida» para el Acid House, visuales algo más abstractos y psicodélicos para el Ambient, o mi propio acompañamiento visual para mis actuaciones en mí sello [C:ast:yr] Electronic.

En tus últimas actuaciones en formato streamings hemos podido verte realizar live act mayoritariamente, pero también pinchas. ¿Con cuál de las dos disciplinas te sientes más có-

Háblanos de los artistas, grupos o djs que forman parte de tu sello discográfico, y sobre todo háblanos de él.

Pues podemos definir [C:ast:yr] Electronic LaCarne Magazine

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como una plataforma independiente para la difusión de mis ideas y de las de los artistas que creo que son dignos de que se compartan en él sus ideas. Algo puro y estrictamente »desconocido».

No hay espacio para el «mainstream» en él.

He optado por recoger tendencias que vayan desde el Drone hasta el Ambient, Downtempo, las atmosferas, texturas y soundscapes, hasta el Acid más puro y de orígenes clásicos.

También hay pinceladas de Deep House, House o incluso Dub o Deep Tech, como por ejemplo las creaciones de Orabich Down Beats, Mopa Downtempo, Zeus Carpio, Jesus Dominguez, Angel Loopez, Joaqui o Terry dZ. Acabas de sacar tu LP «Uncategorized Topics Album» de 11 temas. Un álbum donde las atmósferas son lo primordial y en torno a donde gira todo el disco, pero también encontramos downtempo o IDM. «The Casual Arpegio»es el tema más alegre, y «Time Will Put Everyone in Their Place» es el track más bailable e hipnótico. Un sonido espectacular digno para ser escuchado con unos buenos auriculares, en un entorno industrial y ambiente sosegado.

Háblanos del disco.

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Pues el álbum es el reflejo que más se acerca a la idea del sello y de lo que tengo en mente, una progresión de texturas, envolvencias, y sonidos que viajan desde el minuto 1 del primer track hasta el último. No he querido catalogar en géneros el álbum, de ahí su nombre Uncategorized Topics.

Creo que una de las mejores maneras de crear algo es desarrollar aquello con lo que vibras y sientes, y presentarlo tal y como te sale, de ahí la diferencia entre mis actuaciones en dj set a los Live Set. Puedes ponerte delante del estudio y decir “voy a hacer ambient”, o crear algo y después catalogarlo como propio.

Te sientes cómodo con el skate, visitas radio Leyva, y tu lugar de residencia es La bicicleta.

Háblanos de todo ello.

Estos dos últimos años fui residente de un local en Don Benito (La Bicicleta), ciudad en la cual también forme parte varios años atrás del equipo de (Bassago), y en la cual han apostado y valorado más que en mi propia ciudad (Mérida).

En La Bicicleta, Zeus Carpio y yo optamos por darle un enfoque musical más House, Deep, un local donde poder cenar, estar sen-

Sí que es cierto que hay gran cantidad de artistas, djs y productores que no tienen el reconocimiento que es digno hacia ellos, y es algo que por mi parte siempre van a tener y los voy a valorar más allá de macro eventos, cabezas de cartel, y parafernalias.

A la hora de producir, ¿eres más de software o hardware?

Suelo utilizar una combinación de ellas. Me dedico a hacer síntesis de manera analógica, y luego editar en digital.

El proyecto de Live set en el que estoy trabajando es una combinación de ambas, utilizo efectos analógicos y también secuencias digitales. Me gustaría poder dejar de lado la parte digital, y enfocarme sólo en máquinas analógicas.

tados, o disfrutar de la terraza mientras escuchas música.

En él podía desarrollar sets de más de 4 horas, en las cuales podía viajar desde temas prácticamente melódicos hasta cierres con grooves más alegres y bailables House y Disco.

Gran parte de mís streamings han visto la luz gracias a Xavier Institute y su proyecto de radiodifusión y producción de medios de Javier Zip, en el cual he podido realizar dj sets para su espacio “Radio Leyva”, y actuaciones en formato Live en el estudio de Orabich Down Beats junto a él para las Selector’s Sessions. ¿Cómo está actualmente la escena electrónica extremeña? ¿Cuál es la dirección que está tomando?

Desde mis inicios siempre he intentado mantenerme al margen de todo a lo que llaman escena extremeña.

No me ha importado los rumbos que haya tomado, siempre he seguido mis propios ideales y mi visión de la música, por lo tanto, seguiré desarrollando mis ideas en otro plano tome el rumbo que tome en mi región la música.

Quizás con el tiempo pueda realizar actuaciones puramente analógicas, que creo que es lo más puro y vanguardista desde siempre.

Muchas gracias por tu trabajo y por tu atención ¡nos vemos pronto!

Gracias a vosotros por el interés! Antes de despedirme me gustaría nombrar a las personas que hacen posible que Jugu y mis ideas estén saliendo a la luz, tanto a Ismael Orabich por dejarme su estudio y tocar sus sintes y sus máquinas, uno de los artistas que mas manejan en analógico en Extremadura.

A Terry, por darme la oportunidad de actuar en Bassago, a maestros como Joaqui o Julián Fernández por apoyar y aportar su experiencia; a Zeus, Javi, Perez por estar ahí y ayudarme; a mi fiel compañero Jorge Orellana, con el que llevamos el Techno a la realidad, a Jesus Dominguez y Angel Loopez por mantener el vínculo con la música desde hace años, a J.Palomo por darme la oportunidad y abrirme paso en mis actuaciones en Cáceres, ¡y a muchísima más gente con la cual he compartido cartel, ideas o noches! ¡Un Abrazo Jugu!

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Sentinel

Heavy Metal moderno, potente y claro LEER MÁS

D

esde el mismo Buenos Aires, en Argentina, es la banda Sentinel. Luego de un primer EP en el 2017, recientemente han grabado su nuevo material, que ya están promocionando.

Su estilo lo podemos encasillar dentro del Heavy Metal, pero con algunas otras influencias. Pablo Nicolás Naso es su vocalista, y la persona encargada de dar respuesta a la entrevista.

Hablando un poco del origen de la banda, ¿Nos pueden comentar los aspectos más resaltantes de la vida de Sentinel? ¿Quiénes la

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conforman en la actualidad, de dónde proviene la banda?

Sentinel se formó en Buenos Aires, Argentina, en 2013. Empezamos a dar presentaciones en vivo en 2014, y cerramos nuestra formación actual el año pasado, durante la producción de The Black of the Sun, con Ignacio Grinstajn e Ignacio Fioranelli en guitarras rítmicas y líderes, Nahuel Ibarra en bajo, Marcelo Schiariti en batería, y quien les escribe (Pablo Naso) en voces.

Tras algunos cambios en la alineación, comienzan a realizar las primeras presentaciones. ¿Qué tal fueron recibidos por los medios, y sobre todo por el público?

La respuesta siempre fue muy positiva, desde la energía que ves que viene del público, cómo hacen mosh, cómo se aprenden los temas y te los corean, pero también en la respuesta que

racterística de esta propuesta musical? Quisiera nos explicaras la autodefinición del estilo musical, y de dónde toman sus principales influencias e inspiración para las composiciones.

Digamos, creo que vivimos un momento donde en el Heavy Metal melódico, o clásico, hay muchas bandas que quieren rescatar el sonido clásico vintage de los 80s. Buscan el sonido de Iron Maiden o Saxon en 1986, se visten con cuero y tachas, guitarras afinadas en Mi que suenan de un Marshall.

Sentinel tiene influencia de esas bandas, pero decididamente no buscamos sonar a 1986, queremos sonar a 2020. Nuestro foco es sonar fuertes y claros con toda la potencia de una producción musical moderna, con riffs técnicos y un sonido nada vintage. Sabemos que le debemos mucho a los fundadores del Metal, pero no miramos atrás.

tenés fuera del vivo.

Creo que lo que más se destaca es la originalidad de propuesta, en el sentido de que no sonamos como una banda prefabricada, o que se adhiere demasiado limitadamente a un subgénero, la calidad de la producción y la habilidad de los intérpretes.

La gente se vuelve loca durante los solos de ambos Nachos, o durante las secciones más progresivas de nuestras canciones. La prensa nos está dando una buena acogida, pero realmente solo desde la publicación de nuestro LP. Ustedes califican o definen su propuesta como Heavy Metal Moderno. Ahora mi pregunta es ¿qué elementos son los que podemos definir como Heavy Metal Moderno? ¿Cuál es la ca-

Para el 2017 lanzan su primer material de estudio. Fue el EP titulado Messenger of Chaos. ¿Qué tal fue la respuesta del público en Argentina y en el extranjero?

Messenger of Chaos fue un debut de estudio que le debíamos a la gente que nos seguía desde el principio. Es un buen set de 3 canciones que muestran el momento de la banda y las búsquedas que teníamos al principio.

Fue producido de forma bastante “casera”, sin embargo, el resultado que obtuvo Daniel Gallo en mezcla y producción fue muy bueno. La respuesta en Argentina fue una base de fans creciente, y en el extranjero fue algunas buenas reviews. Fue un buen primer paso.

Me imagino que con este primer material se les abrió más las puertas para conciertos. Coméntanos.

Totalmente. La salida de Messenger of Chaos coincidió con un gran aumento en la cantidad de shows en vivo, pero además con la entrada de Gastón Nanni en la banda, quien nos conectó con la gente de Innerforce y Bloodcrown (bandas porteñas de Heavy/Power y Thrash Metal, respectivamente), con las que formamos el núcleo de un festival semi anual llamado “Imus Alliance”, y que hoy en día son LaCarne Magazine

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nuestras “bandas hermanas”.

Más que la salida de “Messenger”, fue empezar a tocar con una gran cantidad de bandas la que nos abrió más puertas y hacer nuevas alianzas y conexiones, que es en definitiva de lo que se trata. Fue una etapa de crecimiento enorme para la banda, pero al mismo tiempo el público nos reclamaba una LP. Si bien la banda no cuenta con tantos años en la escena, alrededor de los 7 años, ya tienen un excelente disco debajo del brazo, “The Black of the Sun”. Hablando de esta producción, ¿qué nos pueden comentar en relación a su proceso de grabación y edición? La producción fue por importantes personas, así que también danos detalles sobre esto.

The Black of the Sun fue un proceso de casi año y medio si tomamos preproducción, grabación, y postproducción, aun más si pensamos el tiempo que nos tomó escribir esas canciones.

En la producción tuvimos a Rodrigo Caro (teclados en “Roberto Planta”, productor para bandas como Enfermera, actual compositor para musicales como “La Naranja Mecánica”), quien buscamos por su capacidad de “darnos un extra” en arreglos y adicionales, para buscar cómo darnos un sonido más profesional.

El proceso fue una preproducción larga, en la que hicimos los demos de los temas en el disco, que fueron trabajados muy minuciosamente – encontrando los detalles en los riffs, cómo agregar voces adicionales, cómo hacer funcionar las melodías que teníamos en la cabeza y en las partituras.

De allí fuimos a Conde Studio, a grabar con Joaquín Rosson (guitarras en “Cobra Sarli” y “Skay”, que también grabó a bandas como Pigwalk), un proceso desafiante, pero de crecimiento enorme para todos. Se capturaron unas performances increíbles, ¡Nahuel grabo todo el disco en sola sesión!

Marcelo grabó todas las baterías en mucho menos tiempo de lo planificado, mientras que Ignacio e Ignacio grabaron una cantidad de

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tracks de guitarras espeluznante. La mezcla quedó en manos de Joaquín, quien hizo un trabajo estupendo, sinceramente. The Black of the Sun no tiene nada que envidiarle al sonido de un reléase de Nuclear Blast. ¿Cómo ha sido la crítica y la reacción de los medios hacia este álbum? ¿Y en general hacia la banda? ¿Qué puntos positivos y negativos resaltarías de estos medios?

La crítica por ahora fue muy benévola con The Black of the Sun. El consenso es que es un disco muy poderoso y un contendiente para el Metal nacional argentino en 2020. Algo que se destaca es la producción, es un sonido enorme. No tuvimos demasiado feedback negativo, salvo quizás que se extraña algún que otro clásico de nuestro EP debut.

Hacia la banda, creo que hay mucha admiración por la habilidad técnica de los 4 instrumentistas. Es verdaderamente un honor prestar mi voz a la máquina de guerra que generan entre ellos. ¿Cómo ha sido el proceso de distribución y venta, y qué tanto les ha abierto las puertas dentro y fuera de Argentina el contar con un trabajo discográfico?

Por ahora no hay distribución física debido a la cuarentena por la pandemia global, ya que el disco salió en Julio de este año. De modo que se puede escuchar por YouTube y Spotify gratuitamente, y se puede adquirir por BandCamp o Itunes. ¡Agradecemos cualquier gesto para apoyar a las bandas!

El disco tiene excelente arte de Federico Bossinga, y sin duda queremos que haya a la venta un físico a nivel internacional, pero tendrá que esperar a que pase la pandemia.

El proceso musical creativo debe ser algo muy especial. ¿Qué se siente tener el producto terminado en tus manos, después de todo el esfuerzo invertido?

En algún punto es difícil de creer. Realmente poca gente se da cuenta de todo lo que implica escribir, componer, maquetear, ensayar, grabar y producir un álbum, especialmente en un estilo como el Heavy Metal.

Se me pone la piel de gallina finalmente poder escuchar a todo volumen esas canciones que soñamos con Nacho G. hace… ¿Seis? ¿Siete años? Es todo un camino. Pero, sinceramente, la principal emoción que siento es ganas de hacer otro. ¿Han efectuado gira fuera de su país, Argentina? De ser positivo, coméntanos con más detalle.

Aún no ha sido posible, ¡pero una vez pase esta etapa de la pandemia, escuchamos ofertas del otro lado del Atlántico! ¿Qué opinas de la evolución musical? Muchos dicen que las bandas optan por esta definición para camuflar su venta al consumismo.

Depende de en qué dirección se evolucione.

The Gathering empezó siendo una banda bastante “del montón” de Metal Extremo, y hoy en día se considera una banda muy original con un sonido único, lo mismo se podría decir de Amorphis.

Blind Guardian evolucionó de ser una banda de un Speed Metal crudo a un sonido sinfónico gigantesco. La evolución puede ser para mejor o para peor, dependiendo del proceso de cada uno.

Puede ser que alguien cínicamente describa un sonido simplificado para “pegarla en la radio” como “evolución”, ni hablar lo que las discográficas le obligan a hacer a veces a las bandas. Pero por lo general, en el Heavy Metal siento que las bandas suelen evolucionar para mejor, con excepciones. ¿Cuál es la inspiración al momento de engendrar las letras de los temas de Sentinel? ¿Y en lo musical?

En las letras, siempre me incliné hacia historias de ciencia ficción, en gran parte porque sentí que era lo que encajaría con los riffs técnicos y exóticos que compone Nacho G. Si escribiese para un músico más “clásico” o tradicional, apuntaría a letras quizás más históricas, pero Sentinel es una banda futurista.

Para The Black of the Sun saqué inspiración

de novelas como Dune de Frank Herbert (en The Damned), o Neuropath de Scott Bakker (en A Clockwork Universe), o el universo de HP Lovecraft para el title-track.

En la música, Sentinel está influenciado por bandas de Power Metal más modernas que buscan sonidos más oscuros: nos sentimos más identificados con Symphony X, Rage, Kamelot o Primal Fear, que con Stratovarius o Sonata Artica.

Pero también pienso que cuando uno compone no solo está influenciado por “su propio estilo”, sino por influencias musicales más profundas. Marce tiene mucho Prog Rock a lo Rush o Frank Zappa en sus bases, la muñeca de Nacho F. se reforzó con riffs de Metallica y Megadeth, Nahue en su esencia es un bajista-monstruo de Death Metal, y Nacho G. cita en sus solos desde a Stevie RayVaughan, pasando por Jason Becker hasta a Brian May. Por mi parte, a veces quiero sonar a Hansi Kursch, a veces quiero sonar a Jon Bon Jovi. Todo depende de qué quieras lograr en el que escucha.

El videoclip es algo que siempre ayuda mucho a difundir la música de las bandas. ¿Qué tan importante crees que sea el audiovisual para una banda? ¿Cuentan con algún video?

Hoy en día es muy importante, porque la mayoría de la gente consume música por sitios como YouTube, donde también se espera una presentación visual que acompañe a la música.

En el Heavy Metal no siento que sea el ejemplo más extremo, pero un buen Lyric Video o videoclip puede propulsar mucho a una banda.

Actualmente tenemos el Lyric-Video de Fire Within, corte de difusión de The Black of the Sun, hecho con mucho amor y habilidad por Leonardo Chiarenza, de Heresy Videoclips. ¡Pueden encontrarlo en YouTube!

Sé cómo es la escena argentina, lo digo por la cantidad de bandas que he entrevistado de ese país, pero ¿hay espacio y apoyo hacia la LaCarne Magazine

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banda? ¿Qué diferencias ves entre la escena actual de tu país, comparándola con la de hace algunos años atrás?

La escena argentina creció una enormidad en los últimos 10 años, sobre todo en la calidad de la banda. Hoy en día ser Under no significa que suenes menos que las bandas con sellos importantes.

Creo que, en algún punto, bandas como Helker o Mastifal lideraron la carga. Hay público, pero el espacio como todo en la vida hay que ganárselo. Hay una oferta importante de bandas, pero ¿cuántas son realmente buenas? ¿Cuántas forjaron su propio público?

En Argentina hay muchas bandas buenas, es un ambiente realmente competitivo, y peleamos por estar entre ellas. ¿Se les ha acercado algún sello discográfico, o todo ha sido de forma independiente?

Sentinel es una banda 100% independiente.

The Black of the Sun fue una inversión totalmente nuestra. No estamos en contra de tener un sello, pero realmente debe ser una decisión consciente de la banda que realmente nos sirva. ¿Qué hace Sentinel para mantener viva la llama del Heavy Metal y conservar la perdida esencia que caracteriza esta forma de ser?

Sentinel mantiene viva la llama del Heavy Metal haciendo Buen Fucking Heavy Metal. No es necesario nada más ni nada menos que eso, que haya bandas que den el 666% en cada

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show.

De seguro que ya para lo que queda del 2020, debido a la Covid-19, no podrán realizar conciertos. ¿Qué planes hay en cuanto pase todo esto, y para el próximo año 2021?

El plan es que ni bien termina la cuarentena presentemos The Black of the Sun con un recital extra-largo con bandas que la estallen en nuestra Buenos Aires natal. De ahí es ir a presentarles el material a todos los metaleros que podamos, donde sea. ¡Y empezar a crear nuestro próximo disco!

Esto es todo. Gracias por tu tiempo! Estaremos al pendiente de lo próximo de la banda.

Un saludo. Aquí les dejo el espacio para algo que quieran añadir a los lectores de LaCarne Magazine.

Estimados, es un honor que lean nuestras entrevistas, y aún más que nos escuchen. Queremos escucharlos a ustedes, a sus bandas y sus opiniones, nos pueden contactar por nuestro Facebook o Instagram. ¡Queremos conocerlos y presentar todo nuestro Heavy Metal del otro lado del charco, y esperamos poder hacerlo pronto!

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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Isadorian

un canto que nos eleva el alma

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arolina Hoz de Vila Guzmán es Isadorian, quien durante la cuarentena rígida en Bolivia nos encantó con el lanzamiento de su EP debut El martillo de las Brujas, y dejando el crudo invierno ha estrenado el videoclip Impunidad.

Con este material ha movido el piso de la escena local y latinoamericana, marcando claramente que desde las montañas altiplánicas rebrota el canto de una mujer guerrera y llena de sabiduría.

Gracias por acceder a la entrevista exclusiva para LaCarne Magazine, un honor compartir

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unas palabras contigo. ¿Cómo nace a la música tu ser, tu persona o tu alma?

Mi padre fue un gran melómano, con una hermosa voz y amante de la ópera. Me hacía escuchar danzas españolas y bailar cuando era muy pequeña. A la vez, tenía en su colección un gran repertorio de música clásica de tradición escrita.

Teníamos un órgano Hammond en casa.

Mientras la aguja del vinilo tocaba “Sueño de Amor” de Franz Liszt, o la “Sonata Patética” de Beethoven, yo sacaba las principales melodías a los nueve años de edad en el órgano.

Mi gran sueño era convertirme en concertista de piano, aunque las experiencias y las luchas a lo largo de la vida me han llevado a crear música propia y cantarla, como el gesto ritual de contar y sanar.

tanos, ¿cómo ha sido el proceso de producción del flamante y centelleante EP “El Martillo de las Brujas”?

Las seis canciones del disco fueron gestándose entre 2014 y 2018. Todas son testimonios de experiencias afectivas fallidas y relaciones tóxicas, a nivel de pareja, ámbito laboral, y social.

Tenía muchas heridas, y mi diario no era suficiente para narrarlas. Esto me llevó a canalizar la ira a través de mi piano y una guitarra.

He venido escribiendo canciones desde 2012, pero sólo estas seis que seleccioné para el EP reunían en su constitución el gesto de la rebelión y la resiliencia. ¿El género musical es Dark Wave Rock, Doom Metal y Rock Gótico? Isadorian, ¿cómo catalogas a tu reciente material?

Es una combinación de Música Clásica, el Synth Pop oscuro de los 80’s, y el Metal melancólico de los 90’s.

Un sonido que fusiona la fragilidad del siglo XIX con la dureza estoica de los tiempos modernos. Es música de combate, pero a la vez una elegía a la sobrevivencia.

¿Cuáles han sido tus influencias artísticas y musicales para llegar al aquí y el ahora?

He sido muy ecléctica. Quizás las que más me marcaron fueron Beethoven, Manuel de Falla, Liszt, Chopin, Rachmaninoff. Y en lo contemporáneo, cantautoras como Joan Baez, Tori Amos, Alanis Morrisette, Fiona Apple, Pj Harvey, Azam Alí, y Violeta Parra.

En el Rock, bandas como Aterciopelados, The Beatles, The Doors, Nirvana, Type o Negative, Dead can Dance, Black Sabbath y Alice in Chains entre tantos artistas -Savia Andina-.

Dentro de nuestra sociedad -machista, chauvinista, egoísta- el nuevo material que has lanzado es un garrotazo para los conservadores y manipuladores del Estado Profundo. Cuén-

Cuéntanos sobre tu productor – Fernando Padrón – ¿Cómo nace la química para que lleve a cabo la realización de esta nueva joya dentro de la discografía boliviana contemporánea?

Escuché hablar de Fernando Padrón Maldonado como un excelente productor, formado en los Estados Unidos. Él acababa de retornar al país después de casi 20 años. Me contacté con él, le mostré demos de mis temas en guitarra y piano, y él se entusiasmó.

A continuación, entramos a su estudio. Fue un proceso estimulante, en el que fuimos derribando viejas estructuras, y dándole un espíritu y color cada vez más gótico y de carácter victoriano al disco, pues él consideraba que mis armonías eran oscuras y altamente emocionales. ¿Quiénes te acompañan en la grabación del proyecto Isadorian?

Inicialmente no tenía banda, así que Padrón LaCarne Magazine

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colaboró con arreglos instrumentales del bajo y la guitarra principal. Asimismo, él utilizó una batería computarizada para la percusión. Yo canté, hice los arreglos principales del piano, así como los sonidos ambientales del sintetizador.

No obstante, ahora tengo una banda. Me acompañan talentosísimos músicos y de trayectoria como Vladimir Arzabe (Batería), Armin Mostajo (Bajo) y Ricardo Carvallo (Guitarra Principal).

El tema que abre la ópera prima es Piedras. ¿Dónde está tu salvación? ¿Dónde entierras tu dolor? ¿Cómo encuentras el perdón?

A la salida del colegio, cuando tenía 12 años, un grupo de chicos me acosaba y me arrojaba piedras cada tarde.

El bullyng misógino y lacerante de esa etapa, junto a la incomprensión que viví más adelante por parte de jueces sociales y religiosos, me ha llevado a entender que sólo mi salvación dependió de dejar de sentirme como víctima, y enfrentarme a los depredadores con creatividad musical y valentía.

Letrista de tus canciones y amante de la literatura, ¿has editado obra impresa? ¿Cuál? ¿Qué género es tu preferido a la hora de escribir?

En 2011 edité El Monstruo del Armario. Un libro de poesía que habla sobre violencia de género y relaciones destructivas. Publiqué asimismo poemas, cuentos y ensayos en revistas locales y extranjeras sobre temas semejantes.

También fui periodista por un tiempo en periódicos y revistas.

quetas que dieron -el público en general y la opinión pública- han sido asimilados con humildad paso a paso. ¿Has creado un altar ego, piensas que Isadorian va camino a tomar su propia personalidad? ¿Tal vez desmarcarse de su creadora y fecundar una nueva leyenda paceña?

Así como Marraketa Blindada es el pan de batalla, la voz de lucha de los desposeídos, Isadorian es el cántico de las víctimas de violencia. Isadorian es como el fantasma de una mujer asesinada que se liberó a través de la música.

Eres multi-instrumentista. ¿Qué instrumentos interpretas y cuál de todos es el que te identifica?

Mi instrumento principal es el piano, luego viene el canto, la guitarra, el bajo, la mandolina, el sintetizador y la ocarina.

Su testimonio es como el de Orfeo, viene del fondo de la tierra, pero intenta hablar por todas las personas silenciadas por el sistema. Este alter ego de Isadorian surgió de mis pérdidas. isadorian

Con el paso de los años, mi proyecto musical -Marraketa Blindada- se convirtió en un personaje, una leyenda urbana, un ícono dentro de la bolivianidad. Todos esos adjetivos o eti-

En la canción Jane Eyre -la segunda del EPdices en el estribillo: “Más allá del bien y del mal / Mi propio instinto me guiará / Mi propia magia me salvará / Mi intuición me librará”. ¿Es el poder femenino que habla por ti?

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Jane Eyre se basó en una novela de Charlotte Bronte. Un personaje incomprendido, que creció en la orfandad y el sojuzgamiento por parte de su familia. Es su inteligencia y actitud estoica lo que la ayuda a convertirse en una mujer ilustrada y luchadora en una Inglaterra victoriana, de mentalidad puritana.

Vivimos en una Bolivia marcada por la mentalidad colonial y patriarcal de la España medieval, donde a la mujer aún se la considera una dote material, obligada a cumplir un rol pasivo de virtud y obediencia. No es de extrañarse que en el arte también se nos haya estereotipado como adornos coristas.

Siempre hay una tradición que nos observa y sopesa. Es nuestro espíritu intuitivo y transgresor femenino lo que puede ridiculizarla y ponerla de cabeza.

Ante la aparición de nuevos talentos femeninos, que expresan carácter y actitud en su música y que van ganando reconocimiento paulatino, veo que esta situación está cambiando.

Cuando se quiere encasillar -o posiblemente menospreciar- a una mujer dentro de la música urbana, surgen clichés como “Hip Hop o Rap femenino”, algo completamente estúpido -para mí- porque no hay eso de “Rap masculino” o tal vez “Hip Hop marica”, me entiendes, ¿no? En el género Doom Metal o Gótico las voces femeninas lideran las propuestas y proyectos. ¿Hasta dónde está permitido, o lícito, ser mujer que haga y cante música -con concepto social, cultural y estético- para un sistema patriarcal, racista, machista y xenofóbico?

El tercer tema del EP es Visceral, uno de los más dark del disco -desde mi punto de vista“Quien eres / No sé si eres real / O tan solo un invento que tuve que matar”. ¿Cuéntanos de la canción?

Conocí por la red a un chico de personalidad sombría. Le gustaba experimentar emociones extremas, admiraba a Hitler, amaba a los gatos, y estaba obsesionado con la masacre de Columbine.

Comenzamos a salir. Al cabo de dos semanas LaCarne Magazine

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“Visceral» era el seudónimo que usaba en los videojuegos. Bien podría ser el sobrenombre de un asesino serial, jajaja… Ahí nació la canción.

El realizador visual Rodrigo Acomata Aliaga, de Monocroma Producciones, fue el director. En un principio se pensó en contar una historia, pero la letra era lo suficientemente cruda como para hacer un video sencillo, que combine imágenes con titulares sobre la violencia en nuestro país. Él utilizó paisajes y texturas invernales que narraran los sentimientos de las víctimas.

El videoclip Impunidad es como tú lo posteaste en el canal YouTube: «un aullido que nace de la impotencia de las mujeres ante una agresión, cuando la sociedad cree más en la palabra de sus depredadores… se levanta este cántico, como gesto ritual de resistencia; lo que toda víctima desearía decirle al agresor. Por una sociedad más respetuosa, justa y solidaria«. ¿Cómo decidiste darle imagen al magnifico tema? ¿Con quién has trabajo en el audiovisual?

Leviatán -la quinta canción del EP- es otra pieza oscura que evoca una paradoja: “Solo con dolor se llega a la lucidez / Navegándote hasta el fondo encontré la luz”. Ahora más que nunca necesitamos elevarnos y despegarnos de las sombras. ¿Cómo fuiste elucubrando eso de ser luz en la oscuridad? ¿Qué se puede ver y sentir más allá de la vida y su muerte, al rato de hacerse música y trascendental?

Sólo lo que te quiebra te fortalece. Mandela decía que un ser humano se hace a partir de

noté que empezó a devaluarme, a hablarme de sus ex y a demostrar conductas bizarras.

Me estaba manipulando con mentiras. Era un perfecto sociópata.

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su convivencia con otro.

La sabiduría surge de las experiencias más traumáticas. Leviatán es un agradecimiento a esa oscuridad. De otra manera, no hubieran existido estas canciones.

Virus, el bonus track o yapita -como decimos en Bolivia-, cierra la producción con un tinte más político en la lírica. Un mundo lleno de promesas de un mismo “Estado Profundo”, donde “los controladores” siempre han esclavizado a la humanidad por medio de leyes y ahora el CORONAVIRUS. ¿Cómo has atravesado esta nueva etapa de la humanidad? ¿Ganaremos con el canto y la música a la droga de la robolución?

Creo que empecé mi cuarentena antes de la pandemia. Años de trabajo, lecturas, reclusión y escasa o nula vida social me han hecho sentir a esta pandemia como la oportunidad de

hacer más ejercicio, reflexionar, leer, y crear nuevas canciones o desenterrar otras.

Es el arte lo que brinda a las masas la posibilidad de pensar, y evitar que se dejen arrastrar por un caudillo ocasional.

Qué opinas acerca del arte, ¿existe?

El arte es la capacidad de sorprendernos en un mundo predecible. Nos devuelve el asombro y la sensibilidad, en una realidad que día a día va perdiendo la empatía.

Una de las salidas del arte contemporánea ha sido la música, sus variedades y experimentos. ¿Qué te consideras, clásica o experimental?

Un entrecruce entre la tradición y la ruptura.

Siempre fui una chica clásica y tímida por un lado, y osada y excéntrica por otro. ¿Cuál es tu frase, lema o verso preferido para levantarte a la batalla de la vida cotidiana?

“Quien te lastima, proyecta su propia debilidad sobre vos”.

El material El martillo de las Brujas pasará a formato físico una vez colgado en las redes. ¿Crees tú manufacturarlo en CD para los amantes coleccionistas?

Una vez que el riesgo pandémico disminuya, pienso en un formato físico para mis fans. ¿Qué proyectos vienen a futuro para Isadorian?

La preparación de nuevo material musical y un libro de cuentos.

Un mensaje de despedida para los seguidores de Isadorian.

Aguante el Rock Metal en tiempos de ignorancia y oscurantismo político. Que el arte nos libere de todo dogma o convencionalismo.

Gracias por la entrevista.

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Leviatán

veteranos del auténtico Heavy Metal LEER MÁS

H

eavy Metal del más puro es lo que nos ofrece la propuesta musical de Leviatán, una agrupación que lleva muchos años en escena, pues su formación data de finales de los años 80.

La banda, procedente de Alicante, en España, se encuentra con su tercer álbum bajo el brazo, Katharsis, un disco que debido a todo lo que atraviesa el mundo por la pandemia, la difusión no ha sido la requerida, pero ya luego de pasar todo esto la banda retomará fuerza para seguir en su promoción. Emilio Modino, guitarrista, da respuesta a la entrevista.

Saludos y bienvenidos. Sería bueno comenzar hablando sobre el comienzo de la banda.

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¿Cómo fueron los inicios de la banda?

Hola, Omar, soy Emilio Modino, guitarrista de Leviatán. Ante todo, agradecer el interés de vuestro medio por nuestro trabajo, y por el apoyo brindado.

En relación a tu pregunta, contaros que Leviatán se inicia allá por 1986, en que tres de los miembros fundadores: Kiko Mora (voz), Patxi Alaminos (bajo), y un servidor se conocen en la Universidad de Alicante. Apenas éramos los únicos Heavys del campus, así que la conexión fue inmediata.

A partir de ahí, Patxi, que era bajista, nos comentó que su hermano Txus tocaba la guitarra, y dado que yo también lo era, y Kiko había hecho algo como cantante, decidimos quedar para poner ideas en común. Se nos unió un amigo mío llamado Julio Díaz, el cual tocaba la batería.

los 80 en nuestra zona levantina era más activa que ahora, no podemos quejarnos, ya que no nos faltaron apoyos por parte del público y de los organizadores de conciertos. No obstante, lo realmente difícil era grabar un disco, sobre todo para grupos de fuera de Madrid o Barcelona, que era donde se centralizaba la industria musical.

La opción de auto producirse y grabar en un estudio con las facilidades de ahora era impensable, por no hablar de la difusión de la música. No olvidemos que a finales de los 80 Internet no existía, y el Heavy era música sectaria y olvidada de los medios más populares de difusión.

Todo se movía por fanzines, maquetas enviadas por correo o vendidas en conciertos, o dejadas en tiendas de discos underground… Era otro mundo muy distinto al de ahora.

Apenas sin darnos cuenta, en un año teníamos listo un repertorio de temas que nos hicieron debutar en un par de pubs locales. La banda tuvo bastante repercusión, y en agosto de 1987 nos llamaron para tocar en la Plaza de Toros de nuestra ciudad, en el festival comandado por Pedro Bruque “El Heavy no es Violencia”, en el que compartimos cartel con Sangre Azul, Ñu y Bruque y entre otros. Ese fue nuestro bautismo de fuego para lo que vendría después. ¿Cuál fue la mayor complejidad que afrontó la banda en sus inicios?

Bueno, primeramente, y supongo que como todas las bandas de los 80, conseguir un equipo decente para tocar. En aquellas fechas, los instrumentos no eran tan accesibles como ahora, era realmente caro encontrar amplificadores valvulares, y no hablemos de baterías.

Por otro lado, la escena musical a finales de

¿Cómo se puede catalogar a Leviatán? ¿Como una banda de heavy metal, power metal…?

Leviatán es Heavy Metal y punto. No encontramos otro calificativo en general, aunque algunos de los temas puedan tener otra onda, rayando en otros estilos, pero fundamentalmente Heavy Metal. ¿Tú o algunos de los integrantes de la banda tienen proyectos paralelos, o están de lleno en Leviatán?

Bueno, en la actualidad los 5 componentes estamos dedicados de lleno a Leviatán, aunque Kike Larios, el batería (que procede de otra banda de los 90 llamada Bronka), colabora con otra banda llamada Muy Frágil, y yo colaboro con Salvador Domínguez (Banzai, Tarzen), ya que estuve en su banda cuando grabó el trabajo Psicópatas Urbanos en 1996, e hicimos algunos conciertos de presentación teloneando a Manowar y a Jethro Tull en sus giras españolas.

Más recientemente colaboré en 2016 en su último concierto en el Leyendas del Rock de Villena con su disco Recuperemos la Ilusión. ¿Quiénes son actualmente los integrantes de LaCarne Magazine

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Leviatán?

En la actualidad somos Marcos Pastor a la voz, Patxi Alaminos al bajo, Txus Alaminos y Emilio Modino a la guitarra y coros, y Kique Larios a la batería. ¿Cuáles han sido, tanto nacional como internacionalmente, las bandas que han influido en el trabajo de Leviatán?

Nacimos escuchando a la Nueva Ola británica de Heavy Metal, bandas como Saxon, Maiden, Judas, Queensryche, Motorhead, Def Leppard, y la sección alemana de Scorpions, Accept, etc., fue la que nos marcó a la hora de crecer como banda. Por supuesto, en nuestro país nuestros grandes referentes fueron Barón Rojo, Banzai, Barricada…. ¿Qué nos puedes comentar en relación a la cantidad de trabajos discográficos editados por Leviatán hasta la presente fecha, y qué nos puedes decir en relación al proceso de promoción y distribución de estos trabajos dentro y fuera de España?

A finales de los 80, como he comentado anteriormente, grabar un disco era una utopía para grupos de fuera de Madrid o Barcelona.

El levante español (Valencia concretamente) si bien tenía público, estaba desamparado de infraestructura e industria discográfica, la cual se concentraba en exclusiva en la capital del país.

Con Leviatán únicamente grabamos maquetas que se distribuían, como te dije, por envíos de correos, fanzines y tiendas de música underground, y un Single de promo grabado en 1991, en Valencia, cuando ganamos el concurso Circuito Rock de la Comunidad Valenciana.

La banda se disolvió de su formación original en 1992, aunque los hermanos Alaminos siguieron un par de años más. El Heavy en nuestro país había sido relegado al final de la cola por los inicios del Grunge, y en nuestra zona por la música Bakalao (máquina), que absorbió cualquier iniciativa cultural.

Aun así, tras un largo periodo de inactividad, en 2014 decidimos retomar el trabajo de la

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banda, ya que mucha gente nos comentaba en las redes sociales que tenían nuestras maquetas y les gustaría vernos en directo.

Gracias a eso Leviatán sigue hoy en día en activo. En 2014 auto editamos una recopilación de nuestros antiguos temas que nunca llegaron a ser editados.

En 2016 sacamos un mini LP llamado “Todo Sigue Igual”, también auto editado y auto producido. Aquellos temas sirvieron de base y trampolín para ir generado en sonido y las composiciones actuales que se han plasmado en el Katharsis de 2019, auto editado bajo el sello Lullabye, y producido por Fer Asensi de Fireworks Studios de Valencia.

Dime si estoy equivocado, pero como que sus letras tienen una temática bastante social,

no?

El panorama musical actual en España es lamentable. Únicamente funcionan discográficas independientes, ya que las grandes solo apuestan por música de consumo televisivo y por las modas (la fast food music…, nada nuevo bajo el sol).

Desde 2014 que grabamos nuestro primer trabajo recopilatorio, optamos por llevar las riendas del mismo sin influencias ni restricciones.

Puede ser mejor o peor, pero así hacemos las cosas a nuestro ritmo y con nuestro único criterio.

Lullabye Records y su cara visible, Paco Manjón, son un sello independiente, que cree en el trabajo que hacemos y que nos ha apoyado al cien por cien. Desde aquí queremos darle las gracias por su apoyo incondicional, y por ser tan buena gente y gran conocedor de la escena nacional.

Nos conocimos ya que contaron con nosotros para publicar una reedición de nuestra maqueta de 1989 en su recopilatorio Condenados al Olvido V, pues ya nos conocían de antes, y de ahí, junto con Jesús Gadir (Gadir Records), surgió una buena amistad y complicidad que nos ha llevado a unir nuestras fuerzas. ¿estoy en lo correcto? Coméntanos.

En la banda cuidamos mucho las letras. Consideramos, que, si la música es importante, las letras no dejan de serlo menos. Ése es el motivo principal por el que cantamos exclusivamente en castellano. Una canción sin mensaje, sin algo que decir, se queda a medias.

El Rock y el Heavy, tal como lo conocimos y lo entendemos, es una reivindicación social, una llamada a denunciar aquellos males que afectan a nuestra sociedad, y desgraciadamente siempre son los mismos en cualquier tiempo y en cualquier lugar. Decirte que Leviatán no tiene ni una sola canción de amor o romántica, simplemente no nos sale. jajajaja!

Este nuevo álbum, Katharsis, salió vía Lullabye Records. ¿Algún otro sello se ha interesado en la banda? ¿Qué ha ofrecido éste que otros

Katharsis es un álbum del 2019 con el cual han obtenido muy buenas reseñas por parte de la prensa metalera. Coméntame sobre este disco. ¿Hay diferencia de aquella banda de los inicios con la actual?

Bastante diferencia. Como he comentado antes, el trabajo anterior fue un poco de transición, de búsqueda y concreción de sonido, y de composición. Nos llevó un año la composición de los temas, todos ellos de nueva factura (no había ninguno de etapas anteriores), le dimos muchas vueltas a las letras y a las melodías hasta encontrar lo que queríamos.

Varios meses de estudio de forma tranquila y sin prisas, pues teníamos claro que queríamos un buen resultado aunque nos costase más tiempo. Por primera vez optamos por contar con apoyo externo.

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Me explico: muchas veces los músicos somos excesivamente celosos de nuestro trabajo, y en ocasiones un punto de vista de alguien externo a la banda puede darle un buen empujón, y eso es lo que nos ocurrió con Fer Asensi, el cual produjo y masterizó todos los temas en su estudio Fireworks, obteniendo el sonido y la presión que realmente buscábamos.

En pocos años han logrado consolidarse en el ámbito metalero español, y compartir con grandes de la escena. ¿Qué ha significado esto para la banda y en lo personal para sus integrantes?

Bueno, pues ciertamente una gran satisfacción, ya que como veteranos que somos, y máxime habiendo abandonado la escena metalera por más de 15 años como banda, ha sido un gran honor comprobar cómo el público no nos había olvidado, y sobre todo comprobar que los nuevos temas han tenido gran aceptación y muy buenas críticas en los medios especializados, lo cual no deja de ser para nosotros algo extraordinario que queremos agradecer.

Todo ello gracias, por supuesto, a medios especializados como el vuestro, que mantienen viva la escena metalera, casi siempre de forma altruista y desinteresada por el mero placer de disfrutar de la música.

Sin vosotros, nuestra voz apenas llegaría a ningún lado. Por eso desde aquí queremos estar “siempre agradecidos”, como canta el maestro Rosendo.

Cuéntanos cómo es el proceso de composición de sus temas. ¿Quién se encarga de las letras, de la música, los arreglos, etc…?

Los temas suelen montarse en el local de ensayo. Fundamentalmente Txus y yo somos los que trabajamos una idea musical y armónica inicial, más o menos completa según el caso, y en el local trabajamos armonías, modificaciones de letras, ritmos, etc… ¿Cómo ves la escena en España? ¿Qué bandas destacarías? ¿Hay apoyo de los medios hacia el metal en general?

Bandas hay, y muchas gracias a Dios, de ma-

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nera que esperamos que el movimiento musical perdure con las nuevas bandas que van surgiendo.

Ahora mismo se han unido las bandas veteranas que han retomado su carrera aparcada hace algunos años, junto con las bandas jóvenes emergentes, lo cual aporta un color especial al movimiento metalero, ya que conviven la vieja y la nueva escuela generando interesantes propuestas.

Los medios populares de difusión, TV, Radio formulas, etc., siguen renegando del heavy, nada nuevo pues siempre ha sido así.

Pero, por otro lado, cientos de radios, revistas, webzines, páginas webs, tiendas virtuales, foros, blogs… muchas veces de gente anónima contribuyen con su esfuerzo e ilusión a que esa llama se mantenga activa y viva, además de salas y promotores que viven la música con tanta pasión que les lleva a arriesgar tiempo y dinero en organizar festivales y conciertos a lo largo de todo el mundo.

Quiero ser optimista y creer que con el esfuerzo de todos (medios, bandas, salas), la religión metalera tendrá nuevos adeptos y siempre estará ahí.

Estamos viviendo un periodo muy duro en todo el planeta por la Covid-19, y esto sin duda ha obstaculizado muchos eventos. ¿Qué planes hay para la banda luego que pase todo esto y retornemos a la normalidad?

La pandemia ha sido un verdadero varapalo, no solo para la cultura y los hábitos de ocio de todos nosotros, sino para bandas, promotores, salas, empresas de sonido y luces, transportes, publicidad, etc. que dependen de la música.

Ha tenido que llegar un insignificante bicho que nos ha paralizado a todos, y que nos ha recordado lo importante que es la música en nuestras vidas, en el día a día, y lo que echamos de menos los conciertos, las salas grandes y pequeñas, y el compartir con nuestros hermanos la música que tanto nos ha dado.

Esperamos que cuando las cosas regresen a la normalidad resurja la escena con más fuerza que nunca. Por nuestra parte, nos quedamos a mitad de promoción del Katharsis, con conciertos suspendidos y aplazados, con lo que esperamos retomar en camino donde lo dejamos, y continuar disfrutando de nuestra pasión.

Adicional a los conciertos y giras, ¿cuáles son otros objetivos de la banda para el futuro?

Bueno, la inquietud es algo que caracteriza a los músicos y artistas en general, con lo que seguro que nos pondremos a dar forma a un nuevo trabajo con temas nuevos, y seguramente influenciados por todo lo que ahora hemos vivido y nos está afectando al conjunto de la población.

Bueno, amigo, este espacio es tuyo. ¿Algún mensaje para los lectores de esta revista?

Mucho ánimo a todas y todos! A pesar de las dificultades y de la grave situación que estamos viviendo, la música que nos gusta siempre tiene un hueco para alegrarnos el corazón y hacernos disfrutar el momento.

No olvidéis a las bandas a las que seguís, porque os aseguro que ellas tampoco os olvidan, y estamos deseando poder volver a veros y disfrutar cantando, y saltando con los «Puños en Alto».

Cuidaros mucho ¡Salud y Metal!

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DJ MAG Latinoamérica Music y su 1er compilado

Jay de Lys, y Nicolas Taboada.

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L

os tracks Spirale de Nina Schatz y Lunar de Miguel Anté fueron seleccionados para formar parte del primer compilado del sello discográfico de DJ MAG Latinoamerica Music.

El pasado 11 de septiembre, DJ MAG Latinoamérica realizó el lanzamiento de su primer compilado enfocado a tracks del género House, Progressive House, Tech House y Techno.

Para ello, la nueva plataforma discográfica DJ MAG Latinoamérica Music realizó una convocatoria en la cual participaron más de 500 DJ’s/productores latinoamericanos, y que contó con la selección/curaduría a cargo de los argentinos Franco Cinelli, Mariano Mellino,

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Fue de esa forma que Nina Schatz y Miguel Anté participaron en la convocatoria del género Progressive House, cuya curaduría estuvo a cargo del reconocido DJ/productor Mariano Mellino, quien, a la hora de la elección de los tracks, y tal como lo menciona la página de DJ MAG Latinoamérica, “Se inclinó por un balance entre las producciones con una buena ingeniería de sonido y una cuota de creatividad”.

Bolivia presente en el primer compilado de Dj Mag Latinoamérica Music “Spirale” de Nina Schatz

Nina Schatz, DJane/productora con bastante recorrido en la escena electrónica boliviana, fue seleccionada gracias a su track Spirale, y en esta ocasión nos comenta cómo es que se animó a participar de esta convocatoria:

a

Y bueno, con motivo de poder enseñarles de manera práctica y no solo teórica, me puse a trabajar en este track, y a medida que iban pasando las clases íbamos aumentando más cosas, y me pareció súper lindo porque los chicos han podido ver el proceso de principio a fin, la creación desde cero de cada uno de los elementos de este track por una parte.

Y bueno, para la creación de “Spirale” en el tema de las influencias han estado muy presentes Ben Böhmer y Anjunadeep, que es uno de mis sellos favoritos. Ambos me han llevado por la línea del Progressive y el Melodic House, que son los estilos que me gusta trabajar, y por ese motivo nace Spirale”, relata.

Además, algo muy destacable es que Nina Schatz fue la única artista femenina seleccionada dentro de la categoría de Progressive House:

“Bueno, en realidad yo vi la convocatoria en la página de uno de los artistas, que es Mariano Mellino, curador de la selección de Progressive House, que es el género en el cual yo he participado, y bueno, tenía un track que me parecía perfecto para la selección, y fue de ese modo que me animé a mandarlo, porque vi que la convocatoria era para artistas de toda Sudamérica, y me pareció un reto genial porque tenía mucha confianza y el corazón puesto en ese track, que al final sí fue seleccionado”, comenta.

Es así que Nina empieza la creación de su track Spirale como una oportunidad de enseñanza: “La historia de este track es muy bonita, porque en realidad lo hice con motivo de unos cursos de producción musical que estoy dando a jóvenes de Bolivia y del exterior.

“Para mí este logro significa mucho. Por un lado, por representar a Bolivia en un lanzamiento tan importante y de esta escala en una de las revistas de música electrónica más importantes del mundo. Por eso me siento muy honrada por este logro, y porque ha sido una competencia con más de 500 personas que han enviado sus tracks.

Además, siendo la única mujer en el género de Progressive House para mí es un orgullo, y me motiva también a seguir adelante en esta carrera, porque creo que sí es posible que la gente de afuera te vea y valore tu trabajo. Significa la validación y el refuerzo a que gracias al trabajo duro y con pasión y con amor se puede llegar muy lejos”, afirma.

“Lunar” de Miguel Anté

Pero no sólo Nina Schatz ha logrado representar a Bolivia en esta convocatoria, sino también el DJ/productor Miguel Anté, quien lleva cinco años de recorrido en la escena electrónica boliviana. Su track titulado Lunar también fue seleccionado en la categoría Progressive House: “Estoy seguro que muchos productores de LaLaCarne Magazine

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tinoamérica enviaron sus demos, me atrevo a decir alrededor de 500. Entre todos esos, seleccionaron 15 tracks por género. En cuanto a la elección pienso que fue muy importante para ellos la calidad de música, sonido y mezcla”, explica.

Lanzar música en una plataforma de la talla de DJ MAG yo creo que es el sueño de todos y todas. El esfuerzo y dedicación que le doy a mi carrera día a día es el reflejo de este logro, y los demás que estoy seguro que vendrán en adelante”, finaliza.

Por ello, y para lograr un track de gran calidad, Miguel tuvo un arduo proceso de creación musical:

Talento boliviano con calidad de exportación

“El track empezó a tomar forma en cuanto decidí hacerlo exclusivamente para DJ MAG Latinoamérica. El día que le puse el nombre era justamente luna llena, y fue esa noche en el estudio que las ideas surgieron al 100%, y sentí la necesidad de llamarlo así”, relata.

Es importante destacar que Nina Schatz y Miguel Anté han logrado sentar un precedente al ser los primeros productores bolivianos en firmar un contrato con un sello tan importante como lo es DJ MAG Latinoamérica.

Y como no podía ser de otra forma, el haber logrado que su track fuera seleccionado hace que Miguel sienta una gran satisfacción:

Y más aún, por haber sido seleccionados de entre cientos de artistas de todo el continente, demostrando que el esfuerzo y el talento boliviano merece ser reconocido internacionalmente.

“Es una felicidad inmensa. Al momento de enterarme que seleccionaron mi track, no dejaba de saltar de alegría. Creo que es lo más grande que hice en mi carrera hasta ahora.

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

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Los Cogelones Rock Mexica Experimental

el nivel del mar.

S

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orprendente agrado he sentido y vivido el pasado 7/7/20 al encontrarme en el canal YouTube con la sugerencia del video “Rock Mexica Experimental: Los Cogelones en vivo desde la azotea de su casa en Ciudad Neza”. He abierto una ventana que inmediatamente me levantó al ánimo, y escribí al contacto Facebook de Los Cogelones. Me sentí feliz de recibir el saludo y la aceptación por parte de los protagonistas para acceder a esta charla, donde “el águila y el cóndor se unen una vez más”.

Conversamos con el portavoz de Los Cogelones. Gracias por aceptar la invitación para la entrevista exclusiva. Saludos desde las alturas paceñas de Bolivia, a 3600 metros sobre

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¿Cómo y cuándo nace el proyecto musical Los Cogelones?

Pienso que tenía que suceder. Mi padre fue músico en su juventud, y mi madre siempre fue amante del baile. Sólo se trataba que el tiempo pasara y acomodara las cosas.

Mi hermano mayor, a los 15 años recibió como regalo una guitarra acústica, de la cual también me enamoré, y me parece que así empezó este sueño familiar, ya que todos somos hermanos.

Aproximadamente en el 2007 nos formamos ya con la intención de tener una banda de rolas originales, y en el 2009 grabamos nuestras primeras cinco rolas. Justo ahí nació nuestra música física en el mundo.

“Los Cogelones” son insectos típicos de sus

Pero en especial uno de mis tíos escuchaba Rock, y nos pareció más divertido y explosivo.

Somos rockeros por instinto. Y con respecto a las letras, me parece que son exclamaciones de esta vida que nos ha tocado vivir.

Anécdotas propias de una banda única. Al ser un proyecto familiar, contracultural, anticomercial y experimental, ¿cómo han ido desarrollando su carrera musical?

Me parece que ésta ha sido una gran aventura, la prueba más difícil es que lo que le pasa a uno, les afecta a todos. Pero al mismo tiempo es lo que nos ha ayudado a salir adelante, ya que pese a todo lo hemos hecho juntos. ¿Cómo fue crecer en un hogar lleno de hermanos musicantes? ¿Qué recuerdan de sus familiares?

Pues yo realmente no recuerdo haber visto algún familiar tocando un instrumento, solo recuerdo escuchar música todo el tiempo. Con mi abuelo – Pedro Infante-, con mi madre – Roció Durcal-, con mi padre – Marco Antonio Solís y Los Bukis-, pero mi tío siempre escuchaba rock.

tierras ¿Por qué del nombre?

Pues sé que viven en otros países también, pero México es su país favorito, y les decimos cogecoge o cogelones ya que están en constante apareamiento, y por lo mismo caminan pegaditos de su cola. ¿Quiénes integran actualmente Los Cogelones?

Marcogelon (batería), Vicogelon (guitarra y voz), Betocogelon (instrumentos autóctonos), Adrialon (bajo), y Gabolon (comandante de la banda de guerra). Todos hermanos. ¿Qué influencias musicales han recibido para llegar a dar vida sus propias melodías y versos?

Hemos tenido diversas influencias. De parte de mis padres, la escena romántica de los 80 en México: Los Bukis, Los Acosta, Brindis, Los Ángeles Negros, Rigo Tovar, etc.

En mi familia son constructores, o como les llaman comúnmente albañiles, y cuando éramos niños nos despertaban temprano para ayudar en algo, y siempre mi tío nos ponía rolas de Los Ramones, de Status Quo, de la Bostic, y muchas bandas más. Me parece que desde entonces sabíamos que era lo que nos gustaba.

El Rock & Roll lo han fusionado con las raíces ancestrales y precolombinas para dar vida a una original música, propuesta desde las raíces culturales que ustedes llevan. ¿Qué nos pueden contar de sus orígenes nativos?

Mi padre viene de los volcanes, de Puebla, San Lucas Atzala. Allí mi familia habla náhuatl.

Y mi madre viene de Oaxaca, Tlaxiaco Santa Cruz Tayata, un pueblo de la Mixteca alta.

Pero nosotros nacimos en la periferia de la ciudad.

Alguna vez un amigo me dijo que le encantaba más el idioma inglés por su poesía, que el español sólo le gustaba para hablar disparates.

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Ustedes cantan en náhuatl a parte del castellano. ¿Cómo rescatan su lengua tradicional?

Me parece que nosotros no rescatamos nuestro idioma, al contrario, él nos rescata a nosotros con su sabiduría y filosofía. Nosotros solo compartimos lo que estamos aprendiendo.

Escuché instrumentos originarios de su región y cultura que los fusionan con el típico “batería – bajo – guitarra eléctrica” del Rock & Roll, ¿qué tocan?

Rock Mexica Experimental. ¿Cuál es su discografía a la fecha?

• #1 primer LP – producido independiente Olvida Todo y Vuelve a Empezar (2012) • #2 segundo LP – producido independiente ¿A dónde quieres llegar? (2018) • #3 tercer LP – producido por Piccolo Records – Hijos del Sol (2020) Acaban de estrenar un nuevo material llamado Hijos del Sol. ¿Qué nos pueden comentar al respecto?

Ha sido toda una aventura como todo nuestro andar, pero me parece que hay que resaltar que el trabajar con más personas involucradas en el proyecto, igual que uno mismo, es muy chido.

Ha crecido mucho la intención, y eso ha fortalecido la banda. Definitivamente marca el regreso de los Hijos del Sol. El Estado Profundo y su policía son como titula su single Hijos de Puta. Qué realidad tan dura e intensa en la que vivimos ahora y siempre, eso inspira para los versos del tema. ¿Qué sucede por allá?

Me parece que en la actualidad siguen pasando las mismas situaciones que antes. Pareciera más tranquilo todo debido a la bomba de desinformación que existe a diario, pero el abuso sigue existiendo.

Es importante no olvidar el pasado, porque el que no conoce su pasado está condenado a repetirse.

La canción Misteria del estrenado álbum tiene una colaboración, una voz hermana, ¿quién

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interpreta los versos del tema? ¿Qué dicen los versos?

Ella es una performer. Nuestra carnarla Dalia Xiuhcoatl. Llama a la fertilidad y al florecimiento de la mujer. No olvidemos que la mujer florece en la vida, y dándola también.

Mexica o Mexicah es una canción o himno para nuestros tiempos, una de mis preferidas dentro de las sesiones de Los Cogelones en Piccolo Records, ¿qué nos pueden comentar del tema y su grabación?

Es Mexica. Porque habla de uno, de la voz que nos guía, de lo que escuchamos en el camino

se pasan mejor. Con cariño para todos los corazones rotos.

“Hoy es un buen día para morir los miedos y renacer a la vida. Todo Cambiara…” Ah-Hooo. ¿Qué otras temáticas relatan en sus canciones?

Me parece que las canciones se convierten en una catarsis de las aventuras y desventuras.

Varias de las rolas nacieron estando encabronado. Creo que somos la creación más excepcional en este mundo.

Estamos llenos de miles de emociones. Muchas veces el miedo nos crea límites. Creo que es importante sembrarse en la tierra para poder crecer con raíz y florecer. Todos tenemos un pasado primitivo. El gran misterio nos envuelve en esta Tierra. Seamos auténticos.

Los 500 años que han pasado. Descolonizar, despatriarcalizar o desenterrar con la música para poder llegar más allá. Su música inspira a la toma de consciencia y a bailar por la Madre Tierra, o, como acá le llamamos, a la Pachamama, también conocida como Madre Gaia. ¿Qué ideología sostienen junto a su música? ¿Cuál es su compromiso a la hora de tomar acción?

Pues ahora estamos aprendiendo de la Mexicayotl, del camino rojo, el camino del Chichimecatl, del merecedor. Escuchar lo que dicen nuestros abuelos e intentar conectar la lengua con el cerebro. El compromiso ahora es volar cerebros para poder volver a empezar.

rojo para recordarnos que estamos vivos.

El tema Nubes Grises y su video subtitulado al náhuatl, tienen un contenido íntimo de la banda. Me gustó su sinceridad y sencillez. ¿Coméntenos de la canción?

Esa canción nació un día muy gris. Donde el frío es tan grande que se siente por fuera y por dentro. Es una lágrima imaginando ver salir el Sol. Me parece que esa canción nació como un regalo para la banda, ya que a veces así es la vida, dura, pero con una buena rola las penas

Si te olvidas de ti te olvidas de todos. He observado un sentido de pertenencia único a su espacio comunitario o ciudad que fue levantada por sus abuelos, y hoy es orgullo de lucha y resistencia ante un sistema hegemónico y de poder, con su actitud rockanrollera hibridada a las raíces ancestrales son más fuertes que lo establecido por “los controladores” del planeta. ¿Qué papel juega la música ahora en el planeta?

La música siempre ha sido muy importante ahora, antes, y también en el futuro. Es el arma que tenemos como sociedad para crear nuevas formas de ser y sentir. Es un lenguaje universal. Siempre ha sido revolucionaria. Y LaCarne Magazine

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partimos lo que hasta ahora se ha aprendido.

Dejemos flores, dejemos cantos.

La hibridación cultural no es lo mismo que globalizar o conquistar, fusionar el ahora con el ayer es una riqueza íntima, ¿cuál es esa singularidad o mística que hace de Los Cogelones una agrupación sin igual?

Creo que la magia viene de ser dedos de una misma mano. Ahora entendemos que todo está junto. Somos una extensión de la magia de la vida. Somos una flor que creció a pesar del asfalto, a pesar de la adversidad. En este caso, la tragedia se vuelve el regalo más despreciado de la vida.

en este tiempo tan importante para las comunidades nativas no es la excepción.

En mi búsqueda de mis raíces e identidad originaria pude encontrarme con el ritual de Temazcal, el cactus sagrado llamado “San Pedro” y con su respectivo ritual adentrarme en mi interior para poder ver más allá y entenderme, ahí escuché el grito: “Ah – Hoo”, comprendí que somos multiversales. ¿Qué se siente retomar la sabiduría ancestral y natural en su música y llevarla a escena?

Es algo que hacemos naturalmente. Creo que cuando retomamos hábitos en la vida, en este caso hábitos de nuestra gente, de nuestros pueblos, es inevitable plasmarlo en lo que hacemos.

En Bolivia, la política, a la cabeza del ex presidente (Evo), ha prostituido el discurso “indigenista”. Dividieron en 36 nacionalidades el país, rebautizándolo como “Estado Plurinacional”, inventaron tribus y etnias que han desaparecido tanto culturalmente como físicamente. Su objetivo fue conquistar más de una década, tapando el narcotráfico de Estado. Una falsa actitud, corrupta y malévola. Utilizando la “Cultura Ancestral” para su bien, diciendo defender los derechos de la “Madre Tierra y de sus hijos”. ¿Cómo replicar estos errores del Poder Gubernamental por medio y gracias a la música?

Me parece que el arte, y en este caso la música, es el reflejo de la sociedad. Solo com-

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La música es mi mayor vicio o adicción, de las buenas cosas que me tocó seguir (jajaja). Me encantó su lema “La música me llena”. ¿Cuánto nos llena a nivel global o planetario para sanar o salvar?

Pienso que eso depende de uno mismo, pero creo que hay una necesidad mundial de identidad. La música siempre ha existido desde el comienzo de todo, como el latir de nuestro corazón. La música es medicina.

“Hay que creer para poder. El tiempo termina y la voz nos dice qué hay que hacer”. Su videografía en general rompe con los cánones o estándares actuales de HD, 4K, o demás tecnologías que se usan muchas veces para maquillar al artista y crear productos falsos o plásticos. Su sonido es particular y va en el mismo camino independiente, auto-gestionado de lucha musical. ¿Cuál es su fórmula para realizar o producir?

Procuramos que sea honesto con nosotros mismos. Y para eso nos ha ayudado mucho nuestro nombre.

“Hay que luchar como guerreros”. Paralelo al artista que llevamos, muchas veces debemos desenvolver otras actividades y desempeñar roles. ¿Qué hacen en su tiempo libre (muchas veces también) para ganarse la vida?

No seas una estrella porque ellas se esconden cuando sale el sol. No olvido esas palabras que escuché un día. Somos trabajadores desde pequeños. Me parece que podría contar con todos los dedos de mi cuerpo las cosas en

las que hemos trabajado.

“Más allá del dinero hay una responsabilidad espiritual, ancestral”. ¿Cuál es el lema, mantra o frase que elevan siempre que van a la batalla musical en escenarios?

“Intencionar” los conciertos, darles corazón.

Solo así todo cambiará.

En Bolivia y en la región andina se le reconoce al TATA INTI (Padre Sol) como una deidad y ante todo “EL GRAN ESPÍRITU”. ¿Cómo lo llaman en México? ¿Por eso el nombre del nuevo disco?

Textualmente “Padre Sol” es “Totatzin Tonatihu”. Nuestro Padre, creador que inyecta a nuestra Madre con su energía, con su calor, para generar la vida.

Así es, nosotros somos hijos del Sol, aprendemos de sus enseñanzas. Todas las esencias tienen voz, solo hay que guardar silencio para poder escuchar.

“Si sabemos quiénes somos no importa donde estemos«. ¿Cuéntennos más y mejor sobre la “Leyenda del Cóndor y el Águila”?

Hay un canto que los abuelos nos han enseñado donde dicen que el águila y el cóndor se unen. La unificación de los pueblos nativos es una consigna que está por cumplirse.

El hermanito menor tocando los tambores, creo que también en la foto de portada del nuevo disco. La familia en la música de lleno para Los Cogelones, ¿cómo se repartieron los instrumentos y roles en la banda? ¿Alguna historia de los primeros ensayos hasta ahora?

Desde que éramos niños de 7 u 8 años jugábamos a tener una banda con escobas, ollas y botes como instrumentos. Me parece que han sido naturales los roles de la banda, desde entonces ya tocábamos lo mismo.

“Confiar para avanzar”, en un planeta donde hay música de todo tipo y para todo gusto, un libre albedrío musical, donde muchos elegimos el camino de la toma de consciencia y del despertar, unas palabras de saludo para los viejos y nuevos admiradores e hinchas de Los Cogelones.

El presente es de lucha. Pedimos permiso al “Gran Espíritu” para poder llevar y compartir estas flores y cantos. Éste es el tiempo en que saldrá lo que realmente somos, y en estas tierras hay mucha vida.

“Vemos, aprendemos y seguimos”. ¿Qué viene para Los Cogelones luego de esta etapa de cambio que atraviesa la humanidad? ¿Qué proyectos futuros?

Los Cogelones nos estamos reinventando en base a lo que se vive actualmente. Todo está en constante cambio, hay que ser como el agua: fluidos, y con el trabajo constante solo sabemos y confiamos en que todo cambiará.

“Tlazohcamati nocniuhtzin “(La profecía se cumple). Estamos ascendiendo a una nueva toma de consciencia y dimensión dentro de la experiencia humana que atravesamos en la Madre Gaia, agradezco esta oportunidad para conversar. Un mensaje final de despedida?

La familia es muy importante para poder tener un sentido de pertenencia. Todos somos Cogelones. Todo está junto. Dedicado a nuestra hermana humanidad.

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