LaCarne Magazine N103

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Nº103 - ENE 2021 - AÑO 10

EXPERIENCIAS Irontom Conejo Violento Grand Cadaver

investigación

Dj Kool Herc Festivales extremeños

ENTREVISTAS Redken Panda Illapa Black Sun Juan A Miñana Djoint

javier pulpo fotografía y música por todo el mundo

“compromiso, alto grado de motivación, una excelente preparación profesional, y capacidad de trabajo en equipo”

Luca A. d´Agostino

Director fotografía Rototom Sunsplash

“Sus fotos tienen un toque de magia y alma propia”

KATIA BROLLO

Responsable Media & On-Line Marketing Officer en Rototom Sunsplash

N103 aÑo 10 ene 2021

SUMARIO

experiencias entrevistas 06 Irontom, culto al Indie 42 RedKen Panda, pisando fuerte en la escena del Global Bass 08 Conejo Violento, cine alternativo y música experimental 48 Illapa, Reggae andino boliviano 10 Grand Cadaver, Death Metal para 54 Black Sun y el Power Progresivo de terminar 2020

investigación 14 Dj Kool Herc y su contribución al Hip Hop

Silent Enemy

60 Juan A. Miñana y la Improvisación Libre

64 DJoint y la Nueva Escuela del Hip Hop boliviano

18 Festivales Extremeños 2020

24 Javier Pulpo

fotografía y música por todo el mundo

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

https://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Colaboradores

jorge ares, la chica boom, alfonseka, J.G. Entonado, eva maría aroca, Ángela Sumy, Cristobal Torres Foto Portada: Andrés R. Fotografía * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Irontom culto al Indie

(voz), Zach Irons (guitarras), Dan Saslow (teclados), y Dylan Williams (batería).

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uy buenas a todos mis lectores! Espero que todos estéis bien, y que os mantengáis a salvo de este virus que nos está amargando tantos momentos. Pero fuera amarguras por ahora, porque lo que os traigo en esta ocasión es una bomba de relojería para los amantes del Indie y el Rock alternativo. Ellos son IRONTOM, una banda californiana formada en el año 2012 que me ha conquistado, y ha conseguido que me vuelva a enganchar al género Indie tanto como al aire que respiro.

Sus influencias son el Rock Psicodélico, Indie, e incluso podría notar alguna influencia de bandas como los míticos Suede, del que percibo cierto parecido vocal en algunas canciones como Big Shot.

La banda está compuesta por Harry Hayes

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Como dato curioso para tu información, Harry y Zach han crecido juntos, y desde niños ya creaban su propia música. Después se juntaron con Dan Saslow y el primo de Zach, Dylan Williams, para formar la banda. Zach es hijo del baterista de Red Hot Chili Peppers y Pearl Jam, Jack Irons.

Ya con la formación al completo, IRONTOM tienen dos álbumes de estudio y varios EP´S, que han sido producidos por Alain Johannes, también productor de la banda Queens of The Stone Age, entre otras.

Aquí podéis escuchar uno de sus temas, Be Bold like Elijah, de su álbum debut Partners, del año 2017.

Es uno de mis temas favoritos. ¡Me encantan IRONTOM! Pero estos chicos han querido dar lo mejor de sí mismos como banda con un nuevo ál-

saliendo bandas de estilo como ellos, que son una pasada musicalmente hablando. Es un estilo de música que me trae muchos buenos recuerdos, y es que, bueno, sí, me encanta la música indie, y haberlos descubierto me ha hecho muy feliz.

Sigamos descubriendo algunos temas más de CULT FOLLOWING, que es un gran álbum en general, es muy rockero, y tiene melodías muy pegadizas y unos riffs de guitarra que son la caña.

Vamos ahora con Call me The West, que te puedo asegurar que una vez la escuches querrás escucharla una y otra vez.

bum que han lanzado en el pasado mes de septiembre, y yo lo estoy celebrando como si fuera una niña con un montón de golosinas.

En concreto, su nuevo álbum se titula CULT FOLLOWING, y es una auténtica pasada.

Se compone de once canciones, con temas que para mí son de súper éxito de ventas, como Big Shot, que ya escuchamos anteriormente, o también otra de mis favoritas, Full Moon.

Un tema con una melodía muy sensual, es perfecta para un spot de perfume. Me chifla.

También una de las cosas que me llama la atención y me gusta de esta banda, es su forma tan divertida y casera de crear sus videoclips. Como por ejemplo el vídeo de la canción que abre este nuevo trabajo, American Gothic.

Irontom, vibraciones noventeras

Para mí, personalmente, es genial que sigan

Y por último No Guilt, canción que cierra el álbum, y donde vuelvo a percibir cierto parecido en la voz con Brett Anderson, cantante de la famosa banda de los años 90 Suede, y es un temazo para cerrar el álbum, y, de verdad, te deja con ganas de darle otra escucha a este CULT FOLLOWING, segundo álbum de estudio de IRONTOM, que sin duda me han sorprendido para bien, ya que en su música puedo ver reflejada esa frescura de las primeras bandas de rock alternativo e indie de los años 90 que tanto me gustan.

Personalmente me ha gustado mucho y espero que a vosotros también os guste. Si es así, ya sabéis que ahora más que nunca debemos apoyar la cultura y la música de nuestras bandas favoritas.

Os dejo los enlaces de su página web, canal de YouTube, y plataformas digitales para que empecéis a seguir a estos chicos.

Un abrazo enorme para todos, y, por favor, cuidaos mucho.

Spotify Website Facebook Twitter YouTube LaCarne Magazine

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Conejo Violento

cine alternativo y música experimental LEER MÁS

Guía de otras propuestas de arte y música experimental (OPAEME)… y ejemplos de cine alternativo y “extrafalario”

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urante el pasado confinamiento del mes de marzo, entre otras cosas me dediqué a recopilar datos sobre artistas experimentales que conozco, y de algunos trabajos suyos para crear una guía (OPAEME) donde concentrar en un solo sitio la multitud de propuestas y de tendencias que hay en la música experimental, improvisación libre y arte de vanguardia.

Chema Pastor y yo pensamos que podría ser una herramienta necesaria para poder dar un

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pequeño empujón a multitud de obras que disfrutan de poca difusión al estar completamente al margen de cualquier estrategia de mercado, y donde prima únicamente el criterio artístico.

Por supuesto, en esta guía de música experimental, improvisación libre y arte de vanguardia faltan muchos nombres. Nunca tuvimos la intención de que sea un tratado completo sobre arte experimental, solo es un primer paso para animar a quien esté interesado a indagar en un mundo muy rico y variado, donde la aportación individual de cada artista puede servir para entender la realidad de lo que es el arte experimental y las propuestas experimentales y alternativas actuales.

Tampoco hay una conexión formal o conceptual entre los integrantes de esta guía. Eso sí, pensamos que les une la intención de expresar de una forma personal su manera de en-

Es una propuesta totalmente personal y arriesgada que merece la pena prestarle atención. De hecho, según el autor, “la obra entra en modo de¨el concepto trasciende al medio¨, y por lo tanto te tienes que dejar llevar por lo que está PASANDO, más que realmente por lo que estás VIENDO”.

Y su concepto de cine es ése. Se la sopla casi todo excepto la coreografía, el montaje de la acción (que los utiliza como herramientas narrativas), el juego de la cámara y el ritmo.

Además, en la última parte del corto se pronuncia solamente una palabra de manera continua, se diría que obsesiva. No hay diálogos, minimalismo a tope. Esa manera de entender el arte me atrae bastante. Siempre me han atraído las cosas hechas con pocos elementos.

tender las disciplinas artísticas a las que se dedican.

De hecho, hay propuestas llamativas dentro de este contexto. Hay un apartado llamado Videoarte, performance, cine alternativo & “extrafalario” que es el que personalmente me conmueve más. Creo que debe ser porque estoy menos acostumbrado a este tipo de propuestas.

Hay cortometrajes interesantes, sucios y gamberros como el de Sergio G. Ordoñez – “Un limón ensangrentado para el dios de los perros”.

Y aventuras que desprenden surrealismo absurdo, y un sentido del humor fantástico. Me estoy refiriendo a un cortometraje, también bastante gamberro, llamado “Conejo Violento”.

También dice que “Conejo Violento” demanda un compromiso absoluto por parte del espectador con el concepto de la obra (ya que si no te metes en su mundo es imposible disfrutarla), pero que a cambio te trata como un espectador inteligente, ya que asume que no necesitas un raccord perfecto y una sucesión inquebrantable de planos complementarios y equivalentes para que entiendas la acción.

Se pueden leer íntegramente los comentarios del propio autor, y así poder entrar en un universo particular y sugerente, fuera de los convencionalismos y de las reglas que rigen el decoro de cualquier obra artística. Se puede pensar que es una chapuza increíble, pero es una obra muy pensada, y que resume la corta trayectoria artística y vital de este cineasta.

Y después de esta introducción, ya pueden pasar a ver este trabajo, “Conejo Violento”, de Alberto González Carrascal.

P.D: Disculpen si he desviado el tema de este artículo hacia el cine, pero para mí el arte y la vida se confunden, y con más razón los distintos tipos de arte. En mi opinión, la música, la imagen, y la literatura son “primas hermanas”, y en ocasiones indivisibles.

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Grand Cadaver

Death Metal para terminar 2020 LEER MÁS

M

uy buenas a todos! En esta ocasión os traigo a Grand Cadaver, una auténtica bomba de relojería que nos deja muy buen sabor de boca para acabar este año a los amantes del Death Metal.

Algo que está muy, pero que muy reciente, y que pronto verá la luz, y que además es un trabajo que me entusiasma especialmente, porque sé que, en su conjunción, va a ser la caña, algo explosivo.

Se trata de un nuevo proyecto que los fans de este género musical vamos a acoger con

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muchas ganas (de hecho, ya lo hicimos sin ni tan siquiera haber escuchado nada), porque ya había ganas de algo así de potente, y nada más y nada menos que de la mano de grandes artistas del género como Mikael Stanne, (Dark Tranquillity), Stefan Langergren, (Expulsion), Alex Stjernfeldt (Novarupta, Let Them Hang), Daniel Liljekvist (ex Katatonia), y Christian Jansson (Pagandom).

Recibamos con una grandísima ovación a esta nueva y genial banda: Grand Cadaver!

Han estado trabajando durante este año para sacar a la luz su lado más oscuro con este nuevo proyecto, y, por supuesto, algo que ya se sabía sin apenas conocerlo era que su primer single iba a sonar de maravilla.

Y por supuesto, también está disponible en Spotify. Siendo ésta la última plataforma digital donde se ha lanzado la canción.

Se avecina algo muy loco

Por el momento solamente tenemos este tema que, como podéis comprobar, suena con bastante fuerza y con un sonido oscuro y contundente, muy al estilo de Dark Tranquillity.

Desde luego que Grand Cadaver han conseguido abrirnos el apetito, dejándonos deseando escuchar cómo será el resto del EP, llamado Madness Comes, del cual ya podéis hacer la pre compra desde el 12 de noviembre, sólo del vinilo o también un pack especial que incluye el vinilo y una camiseta de la banda.

Eso sí, si estáis interesados, daos prisa, ya que han anunciado que la mitad de su stock ¡ya se ha vendido!

Aunque no sea hasta el próximo mes de febrero que no podremos tenerlo físicamente en nuestras manos, ya os he dicho anteriormente que los fans del Death Metal han acogido con bastantes ganas un proyecto como éste.

Nos sorprendió este pasado verano, cuando estrenaron cuenta de instagram en el pasado mes de julio, dando la buena nueva de que acababan de firmar con el sello Majestic Mountain Records, y comunicándonos que iban a lanzar su primer EP. No ha sido hasta el pasado cuatro de noviembre que hemos podido escuchar esta magnífica obra maestra bajo el nombre Fields of The Undiying, que fue lanzada en primer lugar en la plataforma SoundCloud.

También lo tenéis disponible en la plataforma Bandcamp, donde podéis adquirir la canción por tan solo 1€, y así, de esa manera, también podéis ayudar a que nuestros artistas favoritos continúen haciendo música.

Y hasta aquí os puedo contar sobre Grand Cadaver, que nos irán dando información, y espero que algún que otro tema más para escuchar de aquí a febrero.

Lo que sí que tengo clarísimo es que viniendo del señor Mikael Stanne y compañía, está más que asegurado que será un trabajo muy metalero y potente, y que no nos va a defraudar.

Y si os ha gustado, como siempre os digo, id a seguirles en sus redes sociales y a darles muchos “likes”.

Cómo veis, no todo en el 2020 ha sido malo.

Nos hemos quedado sin conciertos, sí, pero a cambio tenemos mucha música nueva de la que disfrutar. Hasta la próxima lectura.

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Dj Kool Herc

y su contribución al Hip Hop sin ser conscientes de que en ese momento asistían al nacimiento del Hip Hop, tanto del estilo musical, como de la cultura en sí misma.

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1 de agosto de 1973, Nueva York. En un edificio de pisos, el 1520 de Sedgwick Avenue del Bronx, una adolescente organiza su fiesta de cumpleaños y le pide a su hermano, Kool Herc, que domina bastante los platos, que sea el encargado ese día de poner musiquita.

La fiesta comienza, en los bajos del edificio y con todos los chavalines por allí dándolo todo,

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Y todo se lo debemos a ese hermano, que a partir de ese momento se convirtió también en padre, padre de toda una generación y de una cultura asociada a ella: hablamos, ni más ni menos, que de Dj Kool Herc.

Dj Kool Herc y su contribución al Hip Hop

Nacido como Clive Campbell el 16 de abril de 1955 en Kingstown, Jamaica, era el mayor de 6 hermanos, y creció rodeado de la influencia

musical de los soundsystems de su barrio. A los 12 años emigró junto a su familia a Nueva York, asentándose en la zona de South Bronx.

Estudió en la Escuela Secundaria de Educación Técnica y Profesional Alfred E. Smith, donde le costó bastante adaptarse, hasta que se encontró con los miembros de The Five Percent Nation, una de las bandas callejeras más importantes del momento, y estos le enseñaron a moverse por Nueva York, y sobre todo por el Bronx, una zona completamente abandonada por las instituciones, y que era un auténtico campo de batalla. Al poco tiempo ya pertenecía al grupo de graffitis Ex-Vandals.

Muy aficionado a la música, Kool Herc siempre tuvo presente la manera jamaicana de hacerla, los soundsystems. Sus influencias giraban en torno al Soul y el Funky, con artistas de referencia como James Brown, Jimmy Carter o Booker T. & The MG’s, a diferencia de la moda disco que imperaba en el momento.

Por esa época consiguió que su padre le regalase el disco que le haría cambiar la historia de la música urbana para siempre, el Sex Machine de James Brown (el propio James Brown se jactaba de haber inventado él esta cultura, ya que todos los Djs tenían en su música la LaCarne Magazine

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referencia principal para crear sus bases).

Tener originales de Funk o Soul, que rompían con los sonidos disco, era un puntazo, te asegurabas que casi nadie más tuviera los sonidos que tú pinchabas (¿os acordais de los Djs del Northern Soul?). Todos acudían a las partys que se montaba el chaval de Sedgwick, menudos ritmazos se sacaba.

En esas fiestas, el joven Kool Herc se dio cuenta de que la parte que más loca volvía a la gente, y en concreto a los bailarines, era el Break, el momento en que la canción rompía el ritmo; es decir, esas partes no cantadas que se marcaban principalmente con la batería y el bajo.

Así empezó a jugar con los platos y los discos, creando un sistema totalmente innovador: utilizaba dos tocadiscos con el mismo disco en ambos, y alargaba el ritmo que quería creando una nueva canción a partir de ello, a esto se le denominó breakbeat. Kool Herc aislaba ese break, y lo prolongaba intercalándolo en ambos tocadiscos.

Cuando un disco llegaba a esa pausa, el segundo disco estaba preparado para seguir con ese mismo sonido, extendiendo así la sección en un bucle (alargar la parte instrumental para que gente bailara más tiempo).

A esta técnica, el propio Herc la denominó The Merry-Go-Round, y él mismo cuenta que la primera vez que la utilizó fue con la canción Give It Up Or Turnit A Loose de James Brown.

El estribillo de esta canción (Now clap your hands! Stomp your feet!) será la base principal de su mítica Bongo Rock.

En poco tiempo, entre los graffitis, las fiestas, y que era un tipo especialmente grande y alto, Kool Herc se hizo bastante popular, convirtiéndose en un héroe local para los chavalines del Bronx. Comenzó a pinchar en clubes cercanos, institutos del barrio, y creó un colectivo, The Herculoids (le llamaban Hércules de pequeño), con el que organizaba fiestas en el barrio, sobre todo en los patios de los coles.

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Iba con sus dos platos, dos amplificadores, y un sistema de megafonía con dos columnas de altavoces y su arsenal de discos. A Kool Herc le seguían TODOS, y cuando digo todos, son todos. Para maestros como Grand Masterflash o Afrika Bambaataa, Herc era todo un ídolo.

Hay que tener en cuenta que durante estos años el Bronx era un auténtico paso al infierno, dominado por pandillas callejeras que solo llevaban a la violencia; sin embargo, a partir de 1975 este sistema de pandillas irá decayendo gracias a un movimiento callejero cuyo principal punto de partida fueron estas fiestas de Kool Herc, la cultura Hip Hop. Las fiestas empezaron a extenderse por todo el territorio del South Bronx, y ahora los chava-

fue quedando atrás. Ahora su técnica era dominada por muchos Djs, y la innovación estaba a la vuelta de la esquina, de la mano de Grand Masterflash, que, siguiendo el método de Herc, cambió las técnicas de los breaks haciendo el cambio de disco de manera mucho más suave, y creando el Scratching.

Tened en cuenta que este primer Hip Hop era una música bastante ruda y cortante, hecha principalmente para bailar, de ahí que poco poco se vaya quedando rezagada cuando empiezan a aflorar las primeros MC’s serios y sus rimas.

En 1980, Kool Herc había dejado de pinchar y trabajaba en una tienda de discos en South Bronx.

No se supo mucho más de él hasta la década del 2000, cuando se puso a la cabeza de la lucha por la no venta del 1520 Sedgwick Av a unos promotores urbanísticos, consiguiendo en 2007 que los funcionarios del Estado de Nueva York declararan el edificio Lugar de Nacimiento del Hip Hop, y proponiéndolo en los registros históricos nacionales.

les, en vez de matarse entre ellos, empezaban a competir pintando graffiti o haciendo batallas bailadas de B-boys y B-girls.

Debido a que contrajo una grave enfermedad en 2011, y que la sanidad en EE. UU. no cubre los tratamientos largos, creó junto a su familia una web oficial para la protección de pacientes de larga duración.

El 2019 sacó su primer disco de vinilo: Lost Of The Classic Beat.

Además, sus sesiones cada vez eran más profesionales, y empezó a hacerse acompañar por algún colega, normalmente Coke La Rock, que al principio sólo mencionaba a gente del público o decía cosas como: «Ey, Reggie sal a mo-ve-ve-ver el coche que está aparcado en do-do-doble fila» y cosas así. Eran los maestros de ceremonia o MC’s, precursores de los actuales cantantes de rap.

Como veis, la contribución de Dj Kool Herc a la historia del Hip Hop es innegable. Para la posteridad nos quedan sus míticas frases «Rock on, my mellow«, «B-boys, B-girls, are you ready?«. Pero además creó alrededor de la música toda una subcultura, la urbana, en donde por primera vez tenían cabida los marginados, y fijaos ¡hasta dónde hemos llegado!

Coke La Rock y Clark Kent son considerados los primeros MC’s de la historia. Y así comenzó a asentarse la cultura Hip Hop.

Así que poneos vuestras bambas y vuestra gorra, remangaos el chándal, y dadlo todo en la calle porque: This is the joint! Herc beat on the point!

Pero, como pasa casi siempre, Kool Herc se LaCarne Magazine

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Festivales Extremeñ 2020

una comparativa de 20 festivales extremeños teniendo como variables la presencia de artistas locales y la paridad. (Ver Artículo) LEER MÁS

E

n Extremadura habíamos empezado con buen pie a principios de año con el Goya al ilustrador y también músico Fermín Solís, la gira de Extremoduro, o los nuevos discos de formaciones extremeñas como Rojo Cardinal, PuertoHurraco, o Javato y los Disfrutones. El inicio del año era bueno, y nos las prometíamos felices para poder realizar nuestro repaso anual extremeño.

Durante el 2019 y 2018 habíamos realizado

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Desgraciadamente, en el 2020 se presentó el virus del SARS-CoV-2, cuya enfermedad es la mundialmente conocida como Covid-19.

Las consecuencias han sido medidas restrictivas hacia la población y su modo de vida, donde la música y la cultura se han visto afectadas, y el 2020 se ha ido al traste.

Fetivales Extremeños 2020 – Análisis y Reflexiones

ños Dentro de la Cultura, especialmente la música ha sido ninguneada, y el 90% de los festivales extremeños han sido cancelados, y además hemos podido comprobar cómo dentro de esos festivales extremeños algunos han tenido un trato preferente hacia otros (sobre todo en cuanto a las medidas de salud pública).

De los 20 festivales extremeños comparados en años anteriores, Extremúsika, Womad, Contempopránea, Granirock, Palomos, Horteralia, Festivalino, Verasummer, Suberock, Vestivadillo, Ithaka, Mayorga Rock, Europa Sur, Rockefort Fest, Picota & Roll, Guoman, Veranillo fest, Acústicos

al fresquito, Bellota rock y Músicos en Movimiento, solo se ha podido realizar Músicos en Movimiento, del cual hablaremos en este artículo, y de algún que otro festival que sí se ha podido realizar en este 2020.

No solo se ha ninguneado al mundo de la música, sino que también hemos comprobado comportamientos completamente incívicos entre músicos y promotores que ha desprestigiado el trabajo bien hecho de una mayoría que se ha visto perjudicada.

Es de todos conocido la actitud irresponsable de los djs Les Castizos escupiendo alcohol LaCarne Magazine

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al público en plena pandemia, la actitud de la banda Taburete alentando al público a quitarse la mascarilla en el festival Starlite, o la polémica con la distancia social en el Teatro Romano de Mérida durante el Festival de Teatro Clásico, o en algún concierto del Stone & Music festival.

A esto le sumamos lo que ya venimos denunciando en años anteriores, y es que festivales carismáticos de Extremadura como Contempopránea o Acústicos Al Fresquito tienen serios problemas de liquidez o de mantenerse en activo por el incumplimiento de promesas económicas, o dejar de recibir ayudas por parte de las administraciones públicas.

Pero vayamos a los pocos festivales que se han realizado en la región.

Músicos en Movimiento 2020

En esta nueva edición, que contó con 25 bandas, tocaron en diferentes fechas veraniegas por diferentes poblaciones de Extremadura,

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cumpliendo con los requisitos de salud pública, manteniendo la distancia social y el uso de mascarilla. Tuvimos el placer de disfrutar de las bandas en Montijo, La Albuera, Azuaga, Cabeza del Buey y San Vicente de Alcántara.

En su 5º año de proyecto de la Diputación de Badajoz con bandas extremeñas, tanto de Cáceres como de Badajoz.

Es decir, un 100% de su programación es local, y además en esta quinta convocatoria hemos tenido más heterogeneidad (aunque se siguen repitiendo formaciones de un mismo músico con 3 bandas, otro músico con 2 bandas, y otro artista con otras 2 formaciones) lo cual es una mejora con respecto al 2018 y 2019, y a eso le sumamos que hemos pasado de 9 bandas en 2018 a 25 bandas en 2020, lo cual es un dato más que positivo.

En cuanto a la paridad, sigue siendo una asignatura pendiente. De 25 bandas, 5 contienen alguna artista femenina, por tanto es un 20%,

un 2% menos que con respecto al 2019, y con el agravante de que es un festival organizado por las administraciones públicas y del mismo color político que el gobierno central.

Reencontrarte 2020

Organizado por la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes. Un festival que se realizó en diferentes poblaciones de Extremadura como Pinofranqueado, Talarrubias, Badajoz y Olivenza, y además aprovecharon los conciertos para grabarlos (porque contratar a los grupos 2 veces debe ser muy caro), y exponerlos virtualmente en lo que fue el MUM, que se celebró a principios de noviembre.

Se cumplieron escrupulosamente las medidas de Salud Pública con distanciamiento social y mascarilla.

El 100% de las bandas fueron extremeñas.

De los 35 artistas, solo 9 tienen componentes femeninos en sus filas, lo cual indica que el porcentaje de paridad es de un 25%, un poco

escaso para ser un evento organizado por administraciones públicas.

Stone & Music 2020

Cumplió su 5º aniversario. Es uno de los festivales con mayor presupuesto económico para su destinación, en concreto 220.000€ (según el ayuntamiento de la ciudad).

Un festival organizado por una empresa privada, Progevents, pero que maneja dinero público.

El festival venía a rebufo de la polémica del distanciamiento social en el Teatro Romano de Mérida tras el Festival de Teatro Clásico, y de hecho hubo algunas denuncias en twitter respecto esto último pese a las medidas tomadas por el propio festival.

De las 7 Bandas confirmadas, 0 extremeñas.

Con respecto a la paridad, de las 7 bandas, 4 tenían artistas femeninas (teniendo en cuenta que Ara Malikian tiene componentes femeninas en su banda) por tanto hablamos de un 57%, por lo que es muy buen dato.

Ha habido algún que otro festival más específico sobre Flamenco y Copla o Jazz, además de destacar la programación del Consorcio del Gran Teatro de Cáceres con muy buen trabajo en cuanto a la programación de artistas, y el buen hacer de las programaciones de salas cacereñas como Mastropiero, Boogaloo, o Caballerizas, pero éste es el balance que nos ha dejado la pandemia mundial que nos compete. * (Toda la estadística en cuanto a la paridad se ha realizado a base de comprobar las webs de cada grupo o banda que forman parte del festival, y contando como formación femenina toda aquella banda o artista que contenga algún miembro mujer en el grupo). ** (En dicho artículo no están todos los festivales de la región, pero sí los que, a nuestro juicio, son los más importantes de los realizados en nuestra tierra) LaCarne Magazine

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Foto por Andrés R. Fotografía

“Javier es un fotógrafo que ha sabido retratar de manera muy profunda la esencia del festival y de la gente que forma parte de esta experiencia. Sus fotos tienen un toque de magia y alma propia que demuestran sus grandes capacidades como profesional de la fotografía”

KATIA BROLLO

Responsable Media & On-Line Marketing Officer en Rototom Sunsplash

“Con Javier Pulpo tienes garantia de un trabajo organizado y profesional. un amigo, un gran hombre y un profesional de calidad máxima”

Ras Nunukah

Vocalista Rubera Roots Band, Cabo Verde

“Javier es un profesional de primera categoria, una criatura con muchos tentáculos, y cada uno con una característica beneficiosa para realizar su trabajo. un fotografo y muchas cosas más a tener en cuenta”

Gene García

Cantante y productor, España

“Conocer a Javier Pulpo y empezar a quererle es un proceso muy rápido. Yo tuve la suerte de conocerlo hace diez años, cuando promocioné mi documental sobre Usain Bolt. Pulpo es un infatigable compañero que desde su Extremadura no para en unir su tierra con la difusión de la cultura jamaicana. Siempre con una sonrisa y con esa educación natural y exquisita marca de la casa”

Fernando Guereta

Nice Time Productions, Jamaica

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Javier Pulp Fotografía y música por todo el mundo

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“Javier ha desempeñado para nosotros diferentes trabajos donde ha demostrado un alto nivel de compromiso, alto grado de motivación, una excelente preparación profesional, y capacidad de trabajo en equipo”

Luca A. d´Agostino

Director fotografía Rototom Sunsplash

“Javier está totalmente conectado a sus pasiones cada vez que suelta un disparo fotográfico. es un placer trabajar con él, tanto encima como debajo de los escenarios. Es capaz de transmitir su amor y respeto por la música en cada imagen, un gran profesional”

Marta Rodríguez

Bemol Inquieta Producciones, Brasil - España

“Para los compañeros, las fotos de Javi son la mejor herramienta para recrear un momento pasado en el presente”

DoTheReggae

Portal web español especializado en música jamaicana

“El trabajo de Javier habla por sí solo, sus fotografías me ayudaron a tener un magnífico archivo visual para mi promoción. fue una gran bendición conocerlo”

Likle Mystic

Cantante reggae, Jamaica

“Pulpo no es un animal, es una bestia humana. en cuanto coge una cámara de fotos, se multiplican sus ojos y ve lo que otros no ven”

Dimentia

Productora Audiovisual LaCarne Magazine

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Fotos por Javier Pulpo

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avier Pulpo es un excelente fotógrafo extremeño, que se está posicionando como un imprescindible en cualquier evento musical importante en España, y en varios países latinoaméricanos. Festivales como Rototom Sunsplash, productoras de Jamaica, o cantantes de Cabo Verde hablan maravillas de su trabajo, y confirman el gran futuro de este completo fotoperiodista afincado en Badajoz.

Hablamos con él de su trayectoria, sus proyectos, y sus planes futuros en una entrevista fantástica!

Javier Pulpo, cuéntanos cómo fueron tus comienzos en el mundo de la fotografía. ¿Qué hizo que te interesaras por el mundo de la imagen? ¿Qué recuerdos tienes de aquellas primeras fotos?

Al terminar el ciclo de Laboratorio y revelado fotográfico, salí decidido a seguir en este mundo. Mi tutor y profesor de laboratorio fotográfico (Alfonso, al cual le guardo mucho cariño por mostrarme el camino) me animó a realizar mis primeras prácticas profesionales en prensa dado mi perfil extrovertido, y terminé enviando una solicitud de prácticas en la delegación cacereña de El Periódico Extremadura, perteneciente en esa época al Grupo Zeta.

Recuerdo el entusiasmo y los nervios que tenía cuando me comunicaron que aceptaban mis prácticas en Cáceres. Llegué una semana antes a la ciudad, y una vez instalado fui directo al periódico, donde pregunté por el director de fotografía. Tenía unas ganas tremendas de empezar ya. Esa misma tarde me invitó a un café, y me puso al día de lo que tenía que saber para comenzar las prácticas.

Mis primeras fotografías retrataban el día a día en la ciudad de Cáceres, empresarios locales, política, deporte, sociedad, presentaciones, conciertos musicales… Todas las mañanas a primera hora pasaba por la delegación y cogía mi ejemplar en papel para descubrir qué fotos había publicado. La primera vez que vi una foto mía en la portada del periódico, en papel,

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he de confesar que me emocionó muchísimo.

Poco a poco has ido abriéndote camino, y recorriendo distintos escenarios a lo largo de toda España. ¿Cómo conseguiste salir fuera de tu espacio de confort? ¿Fueron difíciles tus primeros pasos?

Los primeros viajes fueron con artistas y bandas amigas de la región por diferentes localidades en los meses de verano. Más tarde empecé a acreditarme para festivales en Cáceres y Mérida, sumando las coberturas que hacía para el periódico donde me desplazaba por toda la geografía extremeña. También aprovechaba viajes familiares para buscar contactos en prensa, grupos y revistas de la zona.

Donde terminé cruzando mi zona de confort extremeña fue cuando comencé a formar parte del equipo de fotógrafos colaboradores del festival internacional de música reggae Rototom Sunsplash. Envié meses antes una solicitud al director de photo Crew para entrar en el equipo, valoró mi trabajo, y días más tarde me confirmó que empezaba ese mismo año con ellos.

No sé bien si podría definir mis primeros pasos como difíciles, tenía muchas ganas de trabajar dentro de esta profesión, y cada movimiento que hacía era un aprendizaje y tenía claro que quería dedicarme a esto, lo tenía muy claro.

Además, el apoyo de mis padres, mi pareja y amigos ha sido muy importante.

Como fotógrafo y cámara has cubierto eventos de diferentes tipos, desde un concierto a un evento político, hasta presentaciones de distinta índole, artistas, deportistas… ¿Qué tipo de eventos te gusta cubrir más y por qué? ¿Hay alguna foto en concreto de la que tengas un particular recuerdo o anécdota?

Gracias al fotoperiodismo, la fotografía documental y social me gusta mucho, pero la cultura en general y la música es lo que me atrapa, es una droga. Todo lo relacionado con la música y el arte (artistas, bandas, artes escénicas, backstage, giras, ensayos, presentaciones…).

Me siento cómodo y en mi salsa cuando tengo mi cámara en la mano y se ilumina el escenario y comienza el show, cuando se inicia un

Foto por Andrés R. Fotografía LaCarne Magazine

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Bunny Wailer

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Damian Marley

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viaje para dar un bolo, los preparativos de un festival, el desarrollo de un evento, el reportaje de presentación para un artista…, son vivencias y experiencias profesionales únicas.

En uno de estos festivales conseguí atrapar un momento que duró segundos, un abrazo espontáneo de un rastafari a un monje budista que instantes antes estaba contando cuentos infantiles. Estas cosas sólo las he visto en festivales.

El trabajo que realicé con Dada Yute, un cantante de brasil que pega fuerte y que le descubrí trabajando en un festival internacional.

Mis fotos le acompañaron en movimientos promocionales de singles, y para documentar gráficamente carteles de festivales en Brasil donde actuaba. Fue una locura ver mi foto de Dada Yute en eventos por Latinoamérica y en lanzamientos de singles de las principales plataformas, así como en revistas musicales especializadas brasileñas.

Recuerdo otro momento con mucha ilusión, cuando publiqué en la prensa jamaicana, dentro del periódico nacional Jamaica Observer, con una instantánea de la cantante Chelsea Stewart. No cabía en mi asombro. Publicar en la isla fue una pasada.

Por lo que nos has comentado, parece que tienes cierta preferencia por un tipo en concreto de fotografía. Cuéntanos, ¿qué tienen los festivales, conciertos y artistas que te llame tanto la atención?

La intensidad con la que se trabaja me encanta, y sobre todo la variedad de momentos que puedes sacar en un festival, no solo durante los conciertos, también en el backstage, fotografiando los preparativos, esos momentos de concentración y rituales de los músicos antes de subir a la tarima, las risas y energías en los campings donde viven por unos días miles de asistentes para disfrutar de la música, o talleres con variedad de disciplinas artísticas que te enriquecen visualmente, y sobre todo ser partícipe de algo tan bonito. Yo me vuelvo loco y no paro de disparar heheh.

Además de recorrer la geografía española, ya

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Festival PĂşblico

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“

En uno de estos festivales conseguí atrapar un momento que duró segundos, un abrazo espontáneo de un rastafari a un monje budista que instantes antes estaba contando cuentos infantiles. Estas cosas sólo las he visto en festivales.”

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Con Bambaata Marley

hemos visto que has trabajado en otros países. Háblanos de tu experiencia fuera, ¿qué trabajos has hecho allí y para quién?

Te voy a contar tres que me marcaron. Una fue en la localidad francesa de Blois. Me encargué de realizar el reportaje fotográfico del viaje, vivencia, conferencias, y actuaciones del conjunto de artistas que forman parte de la asociación cultural ExtremaOeste. Una semana de intercambio con artistas franceses que dio para plasmar mucho contenido, además de las localizaciones de la zona, que eran increíbles.

Durante tres años trabajé con la banda africana Rubera Roots, afincada en Lisboa, como promotor y fotógrafo de la banda. En este tiempo viajamos por buena parte de la península ibérica. Mi trabajo plasmó esos viajes en la carretera, las paradas para comer, risas, la complicidad que surgía entre la banda, actua-

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ciones o el backstage son algunos ejemplos de lo que plasmé y disfruté con ellos.

Panamá fue mi primera experiencia en Latinoamérica, y mi primer viaje en avión. Recuerdo los nervios del despegue, y cómo me impresionó ver todo desde el aire, incluso pude ver Jamaica desde las alturas camino a ciudad de Panamá. Llegué a la ciudad para trabajar con el cantante jamaicano de música reggae Likle Mystic, y asistirle durante la celebración del primer festival reggae nacional de Panamá.

Como anécdota, te cuento que Mystic actuó en ese festival con una de las bandas más reconocidas del reggae en Latinoamérica como backing band, Raíces y Cultura. Pude conocerlos e inmortalizarlos en este festival.

Como profesional de la imagen, ¿qué te gusta más, el vídeo o la fotografía? ¿Qué trabajos destacarías de todos los que has hecho y por

Actividades de cultura urbana en Blois (Francia) qué?

El vídeo me gusta, pero desde hace unos años estoy centrado en mi trabajo fotográfico. Atesoro con cariño el trabajo realizado en prensa porque me aportó mucho y fueron mis primeros pasos.

No sabría destacar uno por encima de todos, pero algunos de los más curiosos, y que me permitieron darme a conocer más fueron la cobertura fotográfica que realicé para Emiratos Árabes durante una semana de jornadas, y los reportajes en festivales musicales como Rototom Sunsplash, Womad Festival y Starlite de Marbella, que fueron experiencias únicas donde mi trabajo ganó una gran visibilidad.

Ya sea dentro o fuera de nuestro país, ¿cuál es la mayor dificultad con la que te has encontrado a la hora de hacer tu trabajo?

Por lo general, las dificultades técnicas o de

organización que puedan surgir durante una cobertura están previstas, se prevén, o se intentan solucionar en el momento con la mayor brevedad posible. También es cierto que el asunto, por ejemplo, de que no valoren tu trabajo es un lastre que tenemos muchos profesionales para vender nuestro producto, y desgraciadamente este caso se encuentra con facilidad. ¿La solución? Centrar tu trabajo en los artistas, empresas y organizaciones que sí lo valoran, y seguir creciendo. No recuerdo quién sacó la frase, pero eso de pensar en global y actuar en local me ayudó a la hora de pegar el salto de mi zona de confort, como hablábamos antes.

Sabemos que también te apasiona la producción de eventos, y que, aparte de trabajar en proyectos culturales, organizas el único festival reggae de Extremadura. Háblanos de tu experiencia en la producción.

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Gene Garcia, cantante (EspaĂąa)

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Con Likle Mystic en Panamá

Gracias a mi afición por la música reggae, y las ganas que tenía de programar, comencé a crear eventos a principios del 2010 con artistas locales para más tarde combinar producciones locales con nacionales, y terminar sumando contrataciones internacionales en las mismas. Por diferentes localidades extremeñas han participado en nuestras producciones cantantes de Cabo Verde, Jamaica, España y Portugal, sin olvidar nunca a los artistas extremeños con el objetivo de potenciar el reggae en Extremadura.

Incluso he traído a mi ciudad un documental jamaicano en el que pude aportar mi pequeño

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granito de arena, producido por un español en la isla. Hablo de Fernando Guereta, director de la productora Nice Time, que aceptó mi propuesta y presentó su documental “Why Do Jamaicans Run So Fast” con Usain Bolt como protagonista.

Tengo muchas ganas de volver a la acción, y de que mi nuevo proyecto de festival reggae vea la luz. En cuanto se pueda comenzaré la búsqueda en diferentes localidades que quieran compartir con sus vecinos una música tan positiva y alegre como es el reggae, y disfrutar de directos con bandas y cantantes con los que no pararán de moverse los niños, jóvenes,

padres y abuelos.

No paras, y siempre estás evolucionando y aprendiendo en el campo profesional. ¿Estás trabajando actualmente como freelance para alguna agencia, o para algún músico…?

De verdad que el confinamiento me ha dado para mucho. Tanto en los meses metido en casa como después, he seguido con un ritmo constante para pensar en proyectos, crearlos y llevarlos a cabo. Aunque algunos se han quedado guardados en el cajón, otros afortunadamente los he podido llevar a cabo.

Actualmente estoy trabajando para la agen-

cia de noticias Europa Press como fotógrafo colaborador. Se puede decir que mantengo el fotoperiodismo a mi vera pese a las complicaciones actuales, y que en el ámbito artístico sigo activo cubriendo eventos para distintos organismos públicos y empresas.

También sigo trabajando con el cantante de blues Gene García, uno de los artistas que no ha parado en ningún momento de moverse, y que sigue solicitándome trabajos fotográficos para sus campañas de promoción.

Las agencias de comunicación son muy importantes, y tengo la suerte de estar dentro del LaCarne Magazine

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equipo de tres de ellas: Dimentia, Agencia Fisher, y Ser o No Ser Comunicación, tres empresas jóvenes, con mucha experiencia, y con una energía increíble que les permite sacar adelante todo lo que se proponen. ¿Qué planes tienes para el próximo 2021? ¿Tienes en mente algún trabajo fuera de España?

Pues tengo en mente Latinoamérica. Estoy en la búsqueda de festivales que estén preparando la maquinaria para comenzar en 2021, y necesiten en su equipo un fotógrafo que les genere buen contenido y sea multidisciplinar.

Sé que puedo aportar mucho a un equipo de trabajo. Espero volver pronto a Latinoamérica para poder mostrar mi trabajo a artistas, bandas, y festivales.

Uno de los proyectos más ambiciosos que tengo entre mis tentáculos (se ríe) y que ya está en funcionamiento, es la distribuidora musical que he creado junto a Pedro Gallardo, director de esta revista. De la necesidad surgen las ideas, y viendo la intención que tenemos ambos de querer aportar un trabajo profesional a los músicos, creamos unas herramientas de promoción y de lanzamientos muy buenas para aquellos que estén planeando mover su trabajo musical. Cualquier interesado puede pasarse por la web de LaCarne e informarse de nuestra distribuidora ¡Vamos a darle caña!!

Esperamos que la Cultura remonte cuanto antes y podamos ver muy pronto tus nuevos proyectos y trabajos. Un placer tenerte en las páginas de LaCarne Magazine. ¡Nuestros mejores deseos para el 2021!

Gracias a vosotros por darme visibilidad, y la oportunidad de mostrar mi experiencia y trabajo. Os dejo mi web www.javierpulpo.es para que puedan conocer más de mí todos los amantes de la música, la fotografía y los festivales.

web facebook instagram 40 LaCarne Magazine

Rubera Roots Band en Rototom Sunsplash LaCarne Magazine

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RedKen Panda

pisando fuerte en la escena del Global Bass LEER MÁS

V

íctor Suárez Maceda, mejor conocido como RedKen Panda, es un DJ/productor boliviano, que a sus 26 años se ha convertido en uno de los representantes más importantes de la escena del Global Bass en Bolivia, llegando incluso a ser reconocido en varios países de Latinoamérica.

Si bien su primera producción fue lanzada en 2013, su incursión en la música electrónica se inició el año 2011, durante un viaje a los Estados Unidos que abriría un nuevo horizonte musical para Víctor:

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RedKen Panda, pisando fuerte en la escena del Global Bass

“Inicié el 2011 cuando viajé a Estados Unidos. Mi primo era DJ de Progressive House, y si bien ese estilo no me llamaba la atención esa época, ya que siempre me gustaron los bajos y me iba más por ese lado, cuando me hizo escuchar Dubstep me quedé con la boca abierta porque era algo que nunca escuché en mi vida, y no me hubiera imaginado siquiera que existiese tal cosa.

Recuerdo que me hizo escuchar la canción de Nero ‘Innocence’, que el 2011 era un hit, y fue literalmente amor a la primera escuchada, porque a partir de ahí empecé a buscar más infor-

sonalidad artística. También el Moombahton, que me abrió sus puertas.

Escucho Hip Hop, Cumbia, y en realidad todo lo que para mí suene bien, está bien. En cuanto a inspiraciones musicales, mi artista favorito es JSTJR, y desde que lo escucho produce de todo, desde Cumbia hasta Dubstep. Es mi inspiración incluso como persona. Y bueno, tengo artistas favoritos de cada género musical que toco, cada uno tiene lo suyo”.

Y si hay algo que caracteriza a RedKen Panda es su apertura hacia todo tipo de estilos a la hora de tocar y/o producir, desde el Drum and Bass, Trap, pasando por el Zouk Bass, llegando al Moombahton y el Dembow entre muchísimos más. Sin embargo, la mayoría de sus producciones se podrían enmarcar dentro de la línea del Global Bass: “Cada canción que creo es totalmente diferente a la anterior, y siempre ha sido así. Siempre he variado y he empezado a usar diferentes instrumentos y sonidos, y, bueno, por lo único que me he caracterizado es por pertenecer a la escena del Tropical Bass, del Global Bass, que acá en Bolivia no lo hacen mucho, y a pesar de que últimamente me he pasado quizá a un lado más comercial haciendo Trap, también tengo canciones que pueden utilizarse para sesiones, es decir, que son más ‘chill’. mación, y ahí nació todo”, afirma emocionado RedKen Panda, del Rock al Global Bass Es de esa forma que Víctor, un amante de la música en general y fanático de géneros como el Rock, el Punk y bandas como Blink 182, inicia una travesía musical RedKen Panda, que con el pasar del tiempo traería muchas sorpresas a su vida. Sus inspiraciones musicales variadas fueron claves en su crecimiento artístico: “Me encanta la música en general, escucho casi de todo. Me gusta el rock, el punk, el pop punk…, la mayoría de la gente sabe que mi banda favorita es Blink 182. También amo la electrónica, el Drum and Bass, que fue el género con el que terminé de estructurar mi per-

Otro género por el que también me caracterizo es el Moombahton. Me gusta hacer cosas distintas a lo usual, y ahora intento hacer diferentes géneros sin salirme de la línea del Global Bass”.

Además, Víctor tiene un dúo musical llamado Tropik Mango Beat, junto a la DJ boliviana Mell: «También tengo un dúo llamado Tropik Mango Beat con Dj Mell, que hice el año que la conocí. Soy súper fan de ella, y con el tiempo se volvió una amiga muy cercana, así que le propuse crear ese dúo porque ambos tenemos los mismos gustos musicales», comenta.

RedKen Panda cuenta con decenas de creaLaCarne Magazine

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ciones suyas (entre EP’s, singles, remixes y bootlegs) que se encuentran disponibles en las diferentes plataformas musicales. Y de entre todas ellas, Víctor resalta cinco: su primer EP titulado First Try, su tercer EP Street Knowledge, y sus tracks Saya, Guaya y Get Down: “Escogería mi primer EP porque con él pude llegar a ser escuchado en España y México, además de haber conseguido mi propia nota en Cassette Blog, un sello que siempre ha manejado artistas muy grandes.

Además, que con este EP se me abrieron varias puertas para compilados y sellos en el exterior como Kumbale y Latino Resiste. También mi tercer EP, que igualmente lo pasaron por Cassete Blog en su radio, y recibió incluso el apoyo de Dave Nada, que es el padre del Moombahton.

Luego algunos sencillos como «Guaya», que creo que fue la canción más popular que he tenido. También “Saya”, que me permitió entrar a mi sello favorito que es La Clínica Recs.

Y ahora mi nuevo sencillo titulado ‘Get Down’, que salió con el sello Wile Out y es bastante importante para mí porque muestra un cambio musical en RedKen Panda”.

Fusionando sonidos bolivianos

Otra característica bastante destacable de las producciones de RedKen Panda es haber logrado una fusión original de ritmos bolivianos, con el estilo característico de música electrónica que produce. Sus tracks Saya, Tinku y Viaje son clara muestra de ello.

El primero de ellos, Saya, logró que este artista pudiera ser parte del sello discográfico La Clínica Recs, y, por consiguiente, que su track tuviera una gran llegada no sólo en Bolivia, sino en Latinoamérica.

Saya (cuyo título hace referencia a la danza del mismo nombre) combina el ritmo y música característica de la comunidad afroboliviana de los Yungas con el Global Bass, resultando así una combinación excepcional:

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“Nunca creí que ‘Saya’ iba a lograr el reconocimiento que tuvo, porque fue una canción hecha exclusivamente para el Concurso Artes de los Nuevos Medios organizado por la Alcaldía de La Paz. Nunca creí hacer algo mezclado con sonidos bolivianos, nunca fue mi intención, y mucho menos hacer que lo acepten en un sello internacional. No me esperaba que les gustara de esa forma”.

Y fue ese track el que sirvió como punto de partida para que Víctor realizara otras produc-

Otro track enfocado en esa línea fue Viaje, una producción con sonidos más chill enmarcados en el Zouk Bass y Andean Bass: “También tengo otro track que se titula «Viaje», y que tiene aires andinos, y fue lanzado bajo el sello Stay Tropical de Nueva York”.

Perseverancia y dedicación: la clave del éxito

Para Víctor, lograr posicionarse dentro de un importante lugar en la escena electrónica boliviana no ha sido fácil, ya que a nivel personal le ha tocado lidiar con varios obstáculos dentro de su crecimiento artístico. Uno de ellos es haber tenido que estudiar una carrera que no fue totalmente de su agrado, lo que por supuesto reducía bastante su tiempo para enfocarse en lo que de verdad le apasionaba: la música.

“Quizás mi mayor obstáculo haya sido la universidad. Es complicado cuando la carrera no es de tu agrado y no puedes abandonarla. De todas formas, tuve que quitarme ese peso de encima terminándola para poder enfocarme en lo que realmente me gusta”.

A pesar de ello, Víctor encontró la manera de enfocarse al 100% en su faceta artística, y de esta manera poder lograr varios objetivos que consolidaron aún más su carrera musical:

ciones de ese estilo. De esta manera, nace Tinku (cuyo título también hace referencia a la danza del mismo nombre), y que contiene ritmos y sonidos típicos de esta danza/ritual del departamento de Potosí: “Después de toda esa motivación hice ‘Tinku», justo una semana después de haber lanzado «Saya». Ambas canciones las terminé en 24 horas, ya que estaba muy inspirado. La única diferencia fue que ‘Tinku» la saqué dos años después. También pensaba hacer algo con la Diablada (baile tradicional boliviano), pero sólo se quedó en un deseo”, explica.

“Desde mi primer lanzamiento oficial conseguí mi primer logro, que fue tener mi primera nota en Cassete Blog sobre mi primer EP bajo el sello de Oi Mas Bass, que sonó en una radio española que es de la escena de Global Bass.

He ganado el concurso municipal Artes de los Nuevos Medios de la Alcaldía de La Paz el año 2017. También al principio de mi carrera he participado en muchos castings y he clasificado.

Fui parte de Oi Mas Bass, el colectivo de música electrónica underground más grande de Bolivia, que en su época era a lo más grande que podías aspirar en el país, porque todos esos artistas que pertenecieron al Oi Mas Bass han aportado muchísimo al arte a la escena, a la sociedad en general, al país, y, bueno, dejaron su huella.

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Otro logro que he conseguido es que Dave Nada, el padre del Moombahton, me escuchara. También firmar con La Clínica Recs, y con ello además ser parte de los shows de La Clínica TV que empezaron por la pandemia, y en el cual mi set ha salido elegido como uno de los mejores de toda la maratón. También he compartido escenario con artistas internacionales, «livestreamings» sobre La Clínica TV, he sido capitán de la ‘Batalla de DJ’s’ a nivel internacional. Y otro logro ha sido viajar a distintos departamentos dentro del país”, relata.

Y es que ni la pandemia ha logrado frenar el impulso de Víctor por continuar creciendo, tanto artística como personalmente. Tal como él afirma, pese a que esta situación ha sido muy perjudicial para todos en ese rubro, él ha sabido aprovechar la cuarentena para poder trabajar en su consolidación artística mediante las redes sociales.

Es así, que en los meses que duró la cuarentena en Bolivia, Víctor desarrolló varios proyectos musicales personales, entre ellos el que más destaca es Sub Room: “Definitivamente la pandemia no me ha frenado artísticamente. Por ejemplo, una temporada me propuse hacer una dinámica en mis redes sociales, en la cual la gente tenía que dejar un punto en los comentarios de ese post para que yo les haga una canción personal.

Fue tal la llegada, que tenía pendiente para hacer como 60 canciones, pero logré realizar únicamente seis”, expresa entre risas.

“También hice el Beats and Home, una serie de live streams en los que invitaba a DJ’s para que transmitieran sets desde sus perfiles. Esto duró básicamente un mes, y los géneros eran totalmente libres.

Posterior a ello, y quizá un poco tarde, me animé a crear Sub Room, que consta de dos transmisiones al mes, una dedicada a La Bass, el legendario ciclo de fiestas que había acá en La Paz y que era sólo de Drum and Bass, y la otra transmisión que sería de Tropical Bass/ Global Bass, que es más mi escena”.

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Con toda esa experiencia acumulada a lo largo de 7 años de carrera artística, es que RedKen Panda planea seguir haciendo lo que más ama: dedicarse a la música.

“Quizá con mi carrera artística vaya un poco más lento pero seguro, y como ahora tengo la Sub Room, me estoy enfocando más en eso.

Pero obviamente mi meta será seguir creciendo artísticamente, produciendo música, hacer colaboraciones…

Quisiera sacar un nuevo EP porque tengo ideas muy locas que están dando vueltas en mi cabeza, y que hasta ahora no puedo plasmarla, o si no estaba pensando comenzar un álbum, y, bueno, con el tiempo probablemente irme al exterior quizá en un par de años”, afirma.

Un DJ “open format”

RedKen Panda es un DJ “open format” que rompe esquemas. En su faceta de productor, su apertura musical le ha permitido plasmar su personalidad en cada creación suya. Mientras que como DJ, tiene la capacidad de sorprender a su público con sets totalmente diferentes uno del otro, teniendo siempre como premisa principal disfrutar de la música para transmitir esa emoción a quien lo escucha: “Considero que un DJ es alguien que ama la música, pero en general que no sea cerrado a solo un estilo. Es aquel que puede tocar en cualquier condición y hacerlo bien. Es alguien que debe saber compartir con las personas”, finaliza.

Esa característica suya de no seguir ningún molde establecido, musicalmente hablando, y disfrutar de la música en general, ha hecho posible que con el paso de los años el nombre de RedKen Panda vaya cobrando notoriedad en la escena electrónica paceña, boliviana y latinoamericana.

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Illapa

Reggae andino boliviano

C

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ompartimos una mañana mágica en el hogar de Illapa, rodeados de elementales naturales, historias surreales, la hojita de coca con su bicarbonato para el buen akulliku Astoria (el cigarrito) para acompañar la charla y las buenas vibras, junto a Lilí (la canina), compañera de Diego Gómez, vocalista y director de la banda Illapa, con quien conversamos de los pormenores del nuevo disco, escuchando un adelanto del próximo material que se prepara con dedicación y pasión para salir pronto a la luz.

Illapa, Reggae andino boliviano

Gracias por la charla y confianza para LaCarne Magazine. ¿Cómo te inicias en la vida mu-

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sical?

Todo empieza en mi familia. Mi abuela es música, mi viejo es músico, mis hermanas… Entonces siempre he tenido esa cercanía a los pianos, a los instrumentos, siempre he estado escuchando música a mi alrededor. Mi viejo me llevaba a sus tocadas y me hacía entrar a Thelonious cuando no podía entrar de pequeñito.

Siempre he estado expuesto a este mundo, siempre ha sido parte de mí. En su momento ha sido innegable, el instante que he agarrado un instrumento y ya era una parte de mí, una extensión de cuerpo, de mi alma.

Entonces, no he podido negar esa experiencia tan real que he tenido en mi vida, y, bueno, me he aferrado a ella hasta el día de hoy. ¿Qué influencias has recibido para llegar a dedicarte al arte?

Actualmente te encuentras con el proyecto musical Illapa preparando un segundo disco, del cual he tenido el honor de escuchar tres o cuatro canciones. ¿Cómo anda este proceso?

Lo has producido durante la “cuarentena rígida”? (realmente un trabajo loable para todos los músicos). Coméntanos, ¿cómo va este nuevo material de Illapa?

En este nuevo material hemos adquirido más consciencia del “poder” que tiene la música realmente.

Hemos trabajado mucho con el Rez P, y siempre nos hemos enfocado en expresarnos de la forma correcta, de no contaminar las letras con cosas que puedan dañar el proceso de los demás, muy cuidadosos con lo que hemos dicho, con cada nota que hemos tocado.

En cada momento, en cada edición, ha sido una lucha, un sacrificio para poder concretar y materializar este anhelo de nuestros espíritus, y, bueno, estamos comprometidos con “la Guerra Espiritual” (la musical), y la música es como nuestra lanza y flecha.

Yo creo que el arte tiene una profundidad emocional, un origen emocional en el que se pueden cambiar muchas cosas, empezando por uno mismo y las personas que te rodean.

A mí la música en lo personal me ha cambiado la vida, mi perspectiva de ver el mundo y las cosas, a vibrar de otra forma. Entonces es como una misión, así es como lo he concebido. Lo que la música ha hecho conmigo es lo que mi música va a hacer por los demás. ¿Qué grupos o artistas han marcado tu influencia musical?

Culture, Burning Spear, Steel Pulse, Skatalites, Delroy Wilson, Jacob Miller, Black Uhuru, Dennis Brown, The Gladiators, entre miles más.

Pienso que las influencias van más allá de un género en específico, y que la inspiración puede provenir de muchas fuentes diferentes.

¿Cómo les fue con el disco debut Illapa, que nació un par de años atrás, dándole un aire nuevo y fresco a la Cultura Reggae de nuestro querido país?

Ese disco fue un trabajo más grupal, en el que han participado más personas, y siempre hemos tratado, desde el principio del grupo, “ritualizar” la situación musical, hacerlo de una forma más sagrada, y creo que hemos podido concretar (en ese disco) esa fusión con nuestra esencia andina, sin forzarla, si no como parte del “Todo”, y en ese aspecto ha tenido un impacto importante porque ha sido algo nuevo, algo fresco para nuestra música andina.

Estoy muy agradecido por la recepción que ha tenido con la gente, las puertas que se han abierto con ese trabajo musical, que también ha llevado un sacrificio bien grande (mental, emocional, físico, espiritual).

Hemos podido plasmar lo que queríamos, y estamos ayudando a través de ese material a muchas personas que buscan conectarse con LaCarne Magazine

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el “Origen”, con el conocimiento ancestral. ¿Quiénes conforman en la actualidad Illapa?

Ahorita están RezP en los teclados, vientos andinos y en la producción, haciendo un trabajo increíble porque es un gran músico, un gran artista, pero también es un gran productor, y en su mayoría hemos ido guiando esta producción con él.

Luis Daniel Iturralde, que está en la batería (ha grabado percusiones, baterías), que también ha puesto toda el alma, toda la fuerza, y es muy experto en percusiones africanas, ha estudiado en diferentes partes del mundo.

Entonces hemos podido integrar esa esencia de la percusión realmente como esperábamos y como estábamos proyectando, y, bueno, al momento que vemos el producto es mucho más de lo que esperábamos. Es esencial la participación de Luis Da en este proyecto.

Actualmente están también Mauricio Murillo en el saxo, Hernán Álvarez en el saxo barítono, el Gary Gato en la trompeta, Mariela Jordán en los coros, Jobím Jara en la guitarra, Ronax se encuentra en el bajo interpretando la música (que igual es muy importante para nosotros su energía, su lucidez). ¿Illapa es una comunidad musical?

Al final esto es una comunidad, es un trabajo en conjunto de todos, y tenemos que mantener el equilibrio. Cada una de estas personas trae el equilibrio necesario para concretar la música en su pureza, en su forma verdadera, porque pienso que una persona que no está consciente de lo que logra hacer en un grupo, puede desequilibrar a todos los demás.

Así que es un trabajo de mucha conexión entre todos, además que todos tienen esa intención psico-energética. Hay una fuerza que se ha creado ahí, que es parte del “Espíritu de la Música”, y que es esta comunidad llamada Illapa. ¿Cómo se logró ensamblar Illapa?

El trabajo lo hacemos entre pocos, pero la música se concreta entre todos y con la energía

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enfocada en esto. Lo hemos trabajado mucho en la parte ritual, ceremonial. Invocar al “Espíritu de la Música”, como lo llamamos nosotros en su momento, es un trabajo también de conexión, meditativo.

Creo que todas las personas que son parte ahora del proyecto son conscientes de eso, y esto es lo más importante, es lo más hermoso de toda esta conexión que tenemos todos juntos. ¿Cuál es la situación actual y real del Reggae boliviano desde tu punto de vista?

En general se ha perdido esa conexión con el origen de la música, con el origen del sonido.

De todos modos, hay muchos artistas que no tienen la posibilidad de estar presentes en la escena musical, pero que tienen un trabajo muy profundo y hay muchísimo talento aquí

por explotar. ¿Cuáles son los riesgos de un músico en su carrera de autor? ¿Cuáles son las buenas vibras que uno recibe acá en Bolivia siendo autor e intérprete?

En el momento que tú creas música y estás proyectando tu interior, estás haciendo un sacrificio inmenso, estás entregando algo que no sabes hacia dónde va a ir, pero que tiene un origen en tu corazón, en tus emociones.

Cuando tú estás empezando este camino de la música, te encuentras completamente solo, sin nadie que escuchó ni un tema de ti, ni siquiera saben si has tocado temas de otros.

Creo que la constancia, que la templanza en estos momentos de creación es lo que hacen grande a un autor, a un artista.

El autoconocimiento, el poder proyectarse ha-

cia afuera a través de las notas, de las emociones, de las palabras, del sonido. Yo pienso que, si lo haces de corazón, lo haces honestamente. Eso también lo sienten las demás personas, y en ese momento es cuando conectas con los demás y se sienten identificados con lo que haces porque es real, porque es auténtico, porque dices la verdad, no maquillas la verdad.

Hay muchos autores que se dedican a crear música que confunde, creo que el “Origen” está en la honestidad con la que lo haces, y la perseverancia ante todas las adversidades y situaciones que te pueden poner, desde tocar en los lugares más pequeños hasta llegar a tocar en lugares grandes. ¿Cómo va creciendo esa energía? ¿Cómo vas alimentándola? Poco a poco, como una wawa decíamos nosotros. El primer disco hemos

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tardado 9 meses en grabar, y gestamos una wawa en ese tiempo. El momento de presentarlo realmente estábamos “pariendo”. ¿Cómo ves el mundo desde tu canto y música?

El mundo lo veo como un receptor de las emociones, de la energía, de las proyecciones.

Siento que artistas y músicos somos canales de la “Creación Divina”, del origen del Universo que es el sonido.

Pienso que se pueden cambiar muchas cosas a través de la energía personal, a través de la música, desde pensamientos, tabúes, emociones, falsas creencias, ataduras. Yo creo que la música es un canal de liberación en ese aspecto.

Creo que el mundo siempre ha estado recep-

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tivo al sonido. La confusión está, la programación está, el control está. No pueden controlar la música, no pueden controlar esa materialización de la energía.

Vienes de una generación con papá músico, abuela artista… ¿Cómo se siente haber nacido y haberse hecho en la vida cultural?

Me siento bendecido por siempre de haber estado expuesto a este lenguaje del alma que es el arte, y entender la sutileza desde la que se proyecta. He tenido experiencias muy hermosas trabajando con músicos de todo el mundo, entender otras perspectivas, otras proyecciones que te ayudan a crecer.

Cada experiencia musical para mí es un aprendizaje, con cualquier artista, con cualquier persona que he llegado a conectar. Es una oportunidad de crecimiento, de aprendi-

zaje, de proyección real y de magnificación de esta proyección, que se expande y se magnifica el momento que unimos intenciones, unimos las mentes, y los corazones. ¿Qué resumes de la historia del Reggae en Bolivia?

Pienso que lo más importante del Reggae en Bolivia ha sucedido en los principios en nuestro país.

Hubo bandas que han podido realmente proyectar el sonido, proyectar la música, proyectar la esencia africana, que han respetado los estilos (el Rub-a-Dub, el Reggae), que ha sido muy original en su momento. Ahorita hay mucha gente empezando a surgir en este ámbito. ¿Qué frase, lema, o texto memorable llevas como filosofía de vida?

Sonido, palabra y poder. Ahí se resume. ¿Cuál es el impacto dentro de nuestra sociedad e idiosincrasia al ver a un Rastaman boliviano?

La gente no está acostumbrada a ver algo que es diferente. Siempre siento que hay un impacto grande hasta el momento que empezamos a fluir, a hablar, a conectar.

En ese instante se descubre el ser real. Pienso que hay muchos tabúes en nuestra sociedad, siento que hay muchas cosas que están bloqueadas por esas formas viejas de pensar, por esa programación que se viene desde nuestros padres o nuestros abuelos.

Las nuevas generaciones están más receptivas a nuevas formas de pensar, nuevas formas de proyectar la realidad y el mundo.

Para los músicos y compositores, los discos son como hijos. Hemos disfrutado canciones en exclusiva del nuevo disco para comentar un poco qué está cocinándose. ¿En qué etapa de producción se encuentran? ¿Cómo anda el nuevo material de Illapa? ¿Ya está bautizado?

Se encuentra actualmente en la etapa de producción. Está siendo producido en Studio B, la productora de mi hermano Rez P. Esperamos tenerlo completo próximamente, y poder

exponer en vivo este trabajo que vamos ensayando para compartirlo con el público en general. ¿Qué consejo le das al público que piensa dedicar su vida al arte, a la música?

Que sean perseverantes, que sean fuertes, que sean constantes. Para mí la música es un “arte marcial”: aprendes movimientos poco a poco, los entrenas tanto que salen de una forma natural para que fluyan con tu alma y con tu ser.

Yo creo que la perseverancia, y la fe en uno mismo son los pilares fundamentales para una creación artística y su proceso. ¿Cuáles son tus palabras de despedida y mensaje final en estos tiempos de pandemia que nos ha tocado vivir?

Pienso que nacemos puros y nos contaminamos en el proceso, nos programan para ser serviles a los fines de la oscuridad.

Pienso que tenemos que tener mucha claridad y lucidez para ver el camino que vamos a tomar en adelante, pero sobre todo mucha fortaleza para enfrentar todas las situaciones y emancipar nuestras mentes, así que fuerza.

Sonido, palabra y poder.

Tuve el gusto de escuchar el primer tema en exclusiva titulado “Rastafari”, con una fuerte y profunda energía de Reggae Roots combativo que te hace bailar y pensar. Escuchamos otro tema dedicado al “orden del Estado” y a los policías que pierden su alma. Al parecer es un disco con harta consciencia para despertar a la humanidad en este letargo que nos ha tocado atravesar. Felicitarte por el nuevo trabajo, ¿cuáles son tus palabras finales?

Gracias, hermano querido. Gracias, Sekas.

Siempre un honor tenerte en mi casa. “One love, one aim, one destiny” ahora y siempre en los corazones de toda la humanidad.

Un gustazo conversar contigo para LaCarne Magazine, sellando un pacto y un ritual entre hermanos. Cambio y fuera.

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Black Sun

y el Power Progresivo de Silent Enemy nuevo material titulado Silent Enemy (2020), un conjunto de siete piezas con las que Black Sun decidió realizar un cortometraje.

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lack Sun es una banda ecuatoriana nacida en el lejanísimo año de 1999. Aunque su música es de enorme riqueza compositiva, es justo decir que su obra raya los terrenos del Power Progresivo, uno de los mejores que se puede escuchar en la región.

Esta característica no es casual, pues los tres trabajos que han lanzado hasta la fecha: The Puppeteer (2017), Dance of Elders (2011) y Tyrant from a Foreign Land (2005) han sido realizados en Finlandia, una de las mecas del género.

A inicios de septiembre, la agrupación lanzó su

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Contactamos a Nicolás Estrada, quien amablemente accedió a responder las siguientes preguntas sobre su más reciente material, y los linderos que se abren en el género para latinoamérica.

Black Sun y el Power Progresivo de Silent Enemy

¿Silent Enemy es un EP o es un álbum? ¿Cómo lo podemos considerar?

Por la duración técnicamente es un EP; sin embargo, lo consideramos un álbum pues envuelve muchísimo más de lo que un EP muestra usualmente. ¿En qué momento pensó Black Sun que sería

buena idea realizar un cortometraje basado en Silent Enemy?

Nosotros siempre hemos sido amantes de los trabajos conceptuales; sin embargo, como buenos amantes de este tipo de obras, siempre hemos sentido una frustración de no poder ver la propuesta visual de estos trabajos por parte de los artistas.

Por ejemplo, ¡imaginen lo increíble que sería poder haber visto una película de Avantasia, Kamelot o Rhapsody! Entendemos que montar algo bien hecho seguramente costaría mucho dinero y tiempo, algo que tal vez no justificaría a una disquera.

En esta ocasión, nosotros, al vernos con un producto conceptual relativamente corto de 21 minutos y de una calidad auditiva nunca antes lograda por nosotros, pensamos que era una

perfecta oportunidad de lograr romper ese paradigma, y tratar de ir un poco más allá con nuestra música.

Trascender artísticamente es una meta de todo artista, y creemos que seguir este camino nos acerca a eso.

Con tres discos en su carrera, ¿cómo encararon el reto de dar el salto al mundo cinematográfico? ¿Fue más difícil que producir un álbum? ¡Definitivamente sí! Es un nuevo y grande reto. Ventajosamente contamos con un equipo de producción de primera línea de nuestro país, gente muy comprometida con el proyecto, lo cual nos ayudó a lograr la meta y estar a la altura del reto.

La experiencia fue realmente increíble, pues LaCarne Magazine

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nunca habíamos vivido semejante cosa. Nos quedamos con esa linda experiencia, y, por supuesto, con lo más importante: ¡el film!

Al ser Silent Enemy un trabajo conceptual, ¿de qué va la historia o el concepto de este trabajo? ¿De dónde sacaron la inspiración?

Es nuestro primer trabajo conceptual, y la historia cuenta sobre el viaje del protagonista (John Doe) a través de momentos turbulentos de su vida, los cuales tiene que solucionar.

Este viaje lo lleva a entender ciertas cosas de él y su entorno, que influyen directamente en sus problemas. Al final de la película, claramente se revela el mensaje y quién es ese «enemigo silencioso».

La historia fue escrita por el director Gustavo Arguello, y está inspirada en la temática y letras del disco. Es una especie de fusión de ideas.

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Silent Enemy es el primer trabajo de Black Sun sin Chemel Neme en la voz, un vocalista de amplio rango vocal que incluso fue reclutado por Timo Tolkki durante su contrastante y polémica gira latinoamericana del año pasado (que, por cierto, en su momento les ofrecimos una reseña de su paso por México). ¿Qué tanto influyó la partida de Chemel Neme para que Silent Enemy terminara siendo un álbum conceptual?

Pensamos que es indiferente. La salida del cantante no está relacionada directamente con la decisión de hacer un trabajo conceptual. El disco conceptual era un pendiente que tenía la banda desde hace mucho tiempo, y que finalmente se pudo realizar.

Ante la falta de un vocalista, Nino Laurenne, su productor, se encargó de reclutar a una pléyade de voces finesas, ocho en total, que van desde Tony Kakko (quien alguna vez tocó Power Metal con Sonata Arctica), Noora

Louhimo de Battle Beast y Mr. Lordi, entre algunos otros. Todos se condensaron en el sencillo Still Alive, cuya respuesta fue por demás positiva.

La presentación de su sencillo Still Alive generó una respuesta increíble. ¿Creen que habría sido la misma respuesta si no hubieran contado con la pléyade de invitados cantando?

Definitivamente pensamos que fue un acierto y la mejor forma de introducirnos al mercado extranjero, lo cual nos valió para haber podido ser tomados en cuenta, y lograr firmar el contrato discográfico con una disquera europea.

Juntar a los vocalistas fue idea de nuestro productor, Nino Laurenne, quien a su vez fue quien consiguió a semejante elenco de cantantes. ¿Cómo fue la producción del cortometraje? ¿Todo fue autofinanciado o contaron con alguna beca de producción?

Contamos en gran parte con el financiamiento de empresas públicas y privadas de nuestro país, y, adicional a eso, también logramos firmar un contrato discográfico con la disquera europea Rockshots Records. Todos ellos han ayudado muchísimo para poder lograr este proyecto.

El tráiler publicado anuncia un lanzamiento del cortometraje en Bluray, bajo demanda y proyección en cines, ¿Cómo ha sido el proceso de distribución en ese aspecto? ¿Consiguieron espacio en las salas de su país, o cómo lo están presentando?

El bluray puede ser adquirido a través de la disquera a nivel internacional, y, de manera local en Ecuador, directamente con nosotros.

Viene en un formato de disco doble, CD/Bluray.

En el bluray está el film y material extra. Por el momento, los que compren este material serán los primeros en poder ver la película.

Actualmente estamos definiendo con una de las cadenas de cine más grandes de Ecuador el lanzamiento, la premiere y la alfombra roja para el mes de noviembre, y su posterior proyección en salas de cine locales.

Adicional a esto, otro de nuestros auspiciantes es una compañía de televisión local, por lo que se podrá ver el film en formato de pago por evento a través de ellos.

Tengo entendido que Black Sun tenía planeada una gira por Europa en mayo. ¿Les afectó la pandemia? Iba ser su primera vez tocando en el viejo continente. ¿Sigue en pie tocar por esos lugares?

Definitivamente la pandemia afectó todos los planes de presentaciones en vivo que Black Sun teníamos para este 2020; sin embargo, estamos trabajando para poder hacer esta gira en 2021. ¡Primero una gira nacional, y posteriormente cruzar el charco por primera vez! ¿Alguna vez han hecho una gira por Latinoamérica? ¿Es más fácil organizar una gira en Europa que en países sudamericanos?

Tuvimos la dicha de poder formar parte de la gira latinoamericana de Firewind en 2018 como invitados especiales. Esto fue parte de nuestra gira del disco anterior, The Puppeteer.

En esta misma gira pudimos visitar por primera vez Estados Unidos, y cerramos con broche de oro en la ciudad de Quito, Ecuador, siendo teloneros de Judas Priest y Kreator.

Por el momento es difícil hacer comparaciones de giras europeas contra latinoamericanas pues recién estamos en etapa de planificación de este nuevo tour, con miras a ir por primera vez a Europa; pero siempre es un reto salir a tocar.

A veces se presentan oportunidades, como el caso de Firewind, que te facilitan la oportunidad de realizar las giras.

Sus discos han sido producidos y realizados en Finlandia y Alemania. ¿No existen las condiciones en Ecuador para conseguir discos de similar calidad?

Básicamente en el pasado, con los discos anteriores, hemos buscado productores y estudios especializados en nuestro estilo musical, LaCarne Magazine

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y qué mejores lugares que donde se originaron nuestras influencias, y poder trabajar de la mano con los realizadores de nuestra música favorita.

Una vez ganada la experiencia, pudimos producir una gran parte de este nuevo trabajo en Ecuador, para lo cual trajimos al productor Nino Laurenne.

Así pudimos comprobar que teniendo una buena guía (productor) y un buen estudio local (Hi-NoiZ Studios en Guayaquil) sí era posible realizar un trabajo que esté a la altura de los estándares mundiales.

Todo esto se logró aprendiendo de los grandes, y nunca hubiéramos podido realizarlo sin haber hecho esos viajes a Alemania y Finlandia. ¿Qué tienen la escena alemana y finlandesa que tendríamos que aprender aquí en Latinoamérica?

Experiencia y disciplina musical. Esos mercados están súper desarrollados, por ende, hay muchísima demanda de esa música por allá.

Eso ha ayudado a que la gente se especialice en estos estilos musicales.

Acá en Latinoamerica, desgraciadamente la música que domina los mercados es otra. Por poner un ejemplo, Finlandia hoy por hoy es el país con más bandas de Heavy Metal per cápita del mundo. Eso dice mucho de las diferen-

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cias de los mercados musicales. ¿Buscarán un nuevo vocalista en la región, o seguirán apuntando a talento europeo?

Por el momento no hemos pensado mucho en eso. Antes que nada, estamos todavía trabajando en el lanzamiento de nuestra película y la gira. Podemos decir que actualmente nos sentimos muy cómodos con esta modalidad. ¿Cuáles son los planes de Black Sun de aquí en lo que resta del año?

El lanzamiento de la película, postulaciones a festivales de cine (de hecho, ya fuimos nominados en el Festival Internacional de Cine de Guayaquil), ¡y, por supuesto, la ansiada gira! ¡Muchas gracias por su tiempo! ¿Algunas palabras finales para los lectores?

Muchas gracias a ustedes por tomarnos en cuenta. Invitamos a todos los lectores a que estén pendientes de lo que se viene, y esperamos poder verlos pronto cara a cara en shows en vivo. Un fuerte abrazo para todos.

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Juan A. Miñana y la Improvisación Libre

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ste mes he decidido cambiar la estructura que he tenido hasta ahora para las entrevistas sobre Improvisación Libre, como es el caso de esta entrevista a Juan A. Miñana.

He tomado esa decisión porque creo que ya han respondido un número considerable de improvisadores a unas preguntas parecidas, y se ha podido ver la idea de que la Improvisación Libre es una práctica muy abierta y una experiencia muy personal, y que cada uno de nosotros interpreta un mismo concepto de multitud de formas diferentes.

Dicen que hay tantos métodos de improvisación como improvisadores. Yo estoy de acuerdo.

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El capítulo de este mes lo protagoniza Juan A. Miñana, improvisador y estudioso de esta práctica, que ha realizado un trabajo de máster dedicado a la Improvisación Libre en Canarias.

A partir de este mes irán apareciendo las entrevistas de los improvisadores canarios que Juan A. Miñana ha entrevistado. Pero hoy he querido empezar esta serie de entrevistas con un texto del propio Juan A. Miñana:

Y llegó la Improvisación Libre a mi realidad

La Improvisación Libre es una manera de relacionarse en el ámbito de la creación musical con unos códigos que expanden los que tradicionalmente encontramos en la educación, interpretación y composición musical occidentales.

Esta manera de crear, de relacionarse entre

cedido.

Tengo una formación musical clásica, estudios de percusión clásica, trabajo en la Orquesta Sinfónica de Tenerife, enseño percusión en el Conservatorio Superior de Música de Canarias, me intereso por la música de Xenakis, Stocukhausen, Berio, J. Wood, pero lo que había pasado en ese concierto no fui capaz de asimilarlo.

El destino, el azar, o cualquier palabra que se pueda utilizar en ese sentido hizo que al poco tiempo después un miembro de dicho grupo (Tony Peña, miembro de Electrocaustic Trio) me llamara y me preguntara si quería aprender a improvisar, y mi respuesta fue: -Si me enseñáis, yo quiero aprender. Ésta fue mi introducción en el mundo de la Improvisación Libre. No porque yo quisiera practicarla, ni porque supiera de qué se trataba, fue más un impulso de curiosidad, de intentar comprender, de participar.

iguales, de compartir un momento entró en mi vida poco a poco, pero las consecuencias de dicho modo de crear en colectividad han condicionado tanto mi vida social como artística.

Un concierto del grupo Electrocaustic Trio (2016), dentro de la programación del CEPA (proyecto creado y gestionado por Six Ensemble en colaboración con el Ayuntamiento de El Sauzal), fue el detonante.

En el fondo, más que ir a escuchar una propuesta, fui al concierto movido por la curiosidad, por el interés de escuchar algo nuevo, diferente, y al terminar el concierto recuerdo que salí y no había entendido lo que había pasado en la sala.

Había estado atento, había estado pendiente a lo que sonaba, pero mis códigos sonoros, musicales, no fueron capaces de diseccionar lo que había pasado para que pudiera entender, disfrutar, o comprender lo que había su-

Lo siguiente fue improvisar con Tony Peña, Zebenzui González, y José Guillen (Electrocaustic Trio) junto con J. Spieth y Yurena Darias. Se ensayaba, se hablaba, se compartían conceptos, se debatía indirectamente…

En resumen, se iba haciendo camino improvisando, errando, y acertando casi sin saber, pero, lo más importante, se desarrollaba la escucha (individual y colectiva) y nos relacionábamos musicalmente de otra manera.

Los ensayos de dicho grupo dieron lugar al nacimiento de SIX ENSEMBLE, distintas aventuras, proyectos, pero siempre con una base de trabajo y escucha muy definida.

Todo este caminar me hacía querer saber más de esta manera de crear, en la que todo y nada puede valer. Tenía muchas preguntas, y empecé a leer a W. Matthews, Chefa Alonso, Josep LL. Galiana, D. Bailey. Por otro lado, el participar con el grupo SIX ENSEMBLE me proporcionó conocer a otros improvisadores: Atilio Doreste, Javier Piñango, Paul PigLaCarne Magazine

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non, Thomas Bjelkeborn, y David Ramos entre otros.

Esta aventura de aprender, de oír a otros improvisadores, de improvisar con otros, hizo que quisiera saber todavía más, conocer, aprender realmente todas las facetas que puede llegar a abarcar el concepto de Improvisación Libre. Esta inquietud fue el detonante de decidir realizar el trabajo sobre la Improvisación Libre en Tenerife.

En el año 2017 realicé un Máster de Investigación Musical en la UNIR, unos estudios que duraron dos años, en los cuales al final hay que defender una investigación musical ante un tribunal.

En esta investigación confluyeron mis distintas inquietudes que tenía en ese momento: comprender en profundidad la Improvisación Libre desde un punto de vista real, no teórico, desde dentro de la comunidad improvisadora, por lo cual decidí entrevistar y destilar lo que dicha comunidad en Tenerife entendía sobre dicho concepto, sin encuestas, sin preguntas que direccionaran el camino a seguir, simplemente los artistas debían contar con sus palabras lo que entendían por la idea, el concepto

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de Improvisación Libre, sin ninguna condición previa, simplemente debían tener improvisaciones donde dicho concepto estuviera plasmado, así como explicar en un video las ideas que dichos improvisadores consideraran oportunas.

El resultado de esta idea fue el trabajo IMPROVISACIÓN LIBRE EN TENERIFE 2019.

Fue el motivo de finalización de unos estudios que duraron 2 años, pero la idea de saber, de comprender, de entender sobre la Improvisación Libre, fue realmente el motor que me impulsó a realizar el trabajo.

Website Facebook Soundcloud Bandcamp Distintos enlaces a SIX ENSEMBLE:

Websiete Six Ensemble Facebook Six Ensemble Bandcamp Six Ensemble

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DJoint

y la Nueva Escuela del Hip Hop boliviano boliviano

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onocí a DJoint junto a su proyecto musical, MonKings Klan, en 2018, luego de un evento Hip Hop realizado en la Feria Dominical de las Culturas, en La Paz. Compartimos posteriormente una sesión de radio on-line en el programa “La Noche con Marraketa Blindada”. Pasaron los años y nos reencontramos en plena “cuarentena rígida” para intercambiar novedades.

Hoy en día DJoint y la Nueva Escuela del Hip Hop boliviano se encuentra produciendo a toda máquina en Mc Studios, su nuevo empeño dentro de la carrera musical.

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DJoint, gracias por recibirnos en tu espacio para la charla en exclusiva para LaCarne Magazine. ¿Cómo nace tu inclinación por la producción musical?

Todo esto nació por la necesidad a nivel grupal de querer tener una producción con cariño, que realmente le pongan bolas, o se corrija lo que estamos haciendo mal, de alguna manera mejorarla.

Esa necesidad de un ambiente cómodo, donde puedas sentirte tú mismo, no te apuren ni te presionen, simplemente te dejen ser tú, que puedas expresarte frente al micrófono tranquilo.

Esa urgencia nos ha hecho montar el Home Studio. Poco a poco ya avanzan las cosas: producir, crear beats, grabar…

DJoint, perteneces a la nueva generación

dinero para algunos. Entonces, si tú puedes ayudar con un poquito, ¿por qué no? ¿Cuál ha sido la respuesta de los B-boys y Rappers?

Todos los que han venido la han pasado chill, han agradecido.

Mientras surge el espacio de producción para tu trabajo musical, ¿cómo te has adecuado a la cuarentena?

Como te conté, me quedé sin laburo, y de ahí me he dedicado a producir los temas que teníamos.

Le empezó a gustar a la gente, y de ahí vimos que podíamos hacerla en un cuarto común y corriente, tratar de aislarlo, ponerlo un poco más acústico, la decoración, y arrancar. Nos está yendo bien, y hay material para estrenar. djoint

dentro del Hip Hop en Bolivia. Paralelamente a tu banda, ¿qué producciones has realizado?

Han grabado Pachamama Familia, El Tío Sam, Loka Fe, El Noel, El Jamil, El Brandon, Aresman… por lo menos siete artistas que recuerde, han venido más. La clave es que alguien les dé una buena producción para que se sientan cómodos. Precios baratos y accesibles. ¿Cuál el fundamento de tu trabajo tras las mesas de control?

Hay changuitos que me piden ayuda: “¿cuánto cuesta la grabación? 100 Bs”. Yo no les quiero hablar de precio: “¿qué quieres hacer? Ven a ver al Studio”. Si me muestran buen nivel, hasta les regalo el beat. Hacemos una sesión buscando la manera de apoyarles.

Hay cuates que no busco cobrarles, les doy así, no más, porque veo la necesidad y el esfuerzo detrás de ellos. La única barrera es el

Me comentabas que preparas unas “sesiones” de audio y video en MC Studios. ¿Cómo anda eso?

Empezamos con Sonni Manu. Ya hemos grabado todo el audio, y sólo me falta la edición. Las “sesiones” tienen el objetivo de ser un aporte al Movimiento desde el beat. Crear una plataforma donde se muestre puro talento y cien por ciento boliviano. Que estén todos, viejos y nuevos, los que valga la pena apoyar.

Que se muestre el producto en capítulos.

El primero va a ser con Sonni Manu. Creo que es un MC bueno, le pone bien, está bien posicionado como grupo y como solista, y tendrá buena repercusión. Ya le pasé instrumentales a otros (Noel, R2) que están trabajando. Quedas invitado, Marraketa, para una sesión.

El objetivo es posicionar con MC’s conocidos por lo menos las primeras 7 sesiones, y luego un nuevo y después un antiguo. Al final es para apoyar a los talentos. Toda la producción será libre de costo, tratando de incluir el apoyo de DJ’s y beatmakers.

Ahora ya están Soul Lebel de Cochabamba, DJ Mono. O sea, que mostraremos beats bolivianos de varios lugares. Se harán colaboraLaCarne Magazine

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ciones con camarógrafos y editores de video.

Lo que se quiere es reunir en una plataforma el talento urbano hecho en nuestro país. ¿Cómo ves el Movimiento Hip Hop en Bolivia?

Yo veo que está creciendo full. Eso me gusta.

A pesar de todo lo que pasé yo, me llevo con todos bien en lo personal, y siempre trato de ser así. Eso me hace ver ambos lados de los que opinan. No soy un “lleva/trae”, simplemente me callo y digo: así no más están.

En las redes sociales se puede ver y leer el trato, cómo se tiran las indirectas, de frente incluso. Eso es parte del Movimiento. Sin ese roce o choque, no habría Hip Hop, que tiene esa fricción. A partir de ahí llegan las “tiraderas” que siempre han sido parte del Rap. Siempre tiene que haber eso entre bando y bando, creo que es parte del Hip Hop. Mantener los códigos para decir las cosas, eso sí.

Pero está creciendo y eso es una oportunidad de estar feliz para todos los que estamos en esto.

Mientras tú te manejes con respeto y andes respetuoso, vas a ser digno de respeto y vas a estar tranquilo, a pesar de que unos se tiren mierda. Tampoco te puedes prestar al juego.

Siempre hay los viejos y los nuevos, los buenos y los malos, los feos y los tales.

No necesitamos mierderos, necesitamos que aporten. Las vistas en el Internet están subiendo. Por ejemplo, el Skwid tiene un rango de 10 mil vistas por cada video que sube. Hay gente que está posicionando sus vistas en un rango alto, y ya manejan buenas cifras.

El Tattoo tiene buenas vistas, entonces su trabajo ya se ve por todos, sean nuevos o viejos.

La gente que está trabajando no está metida en esas “shits”, simplemente están enfocados en trabajar y hacer crecer el Movimiento desde donde puedan.

Como LD me ha dicho: “eso me gusta de vos, que a pesar de todo estás trabajando en lo tuyo y tú estás levantando a lo tuyo con los tuyos. Yo aquí con los míos estoy haciendo lo

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propio, y mientras haya gente como nosotros, esto se va a estar levantando”. Buenas vibras con él, es una persona que me gusta compartir. Su Studio tiene mucho nivel –24/7, muy recomendable para darse una vuelta. ¿Cuál es el mensaje que le darían a la gente que se quiere dedicar a la música?

Dependiendo qué objetivo tengas, yo en lo personal te digo que es solamente meterle bolas y nunca dejar lo que te guste, así de simple. Si entras por amor a la música, simplemente es seguir el sueño.

a la gente a muchos raperos les estamos reanimando a que vuelvan a grabar. “Esa calidad está buena”, dicen.

También es entenderle al consumidor, darle cariño a la gente. Nuestra misión es cumplir los sueños del que venga por Mc Studios.

He disfrutado con varios temas singles en video oficiales: “Duele Pero Pasa”, “La Paz Sky City”, “Soñar no es un Delito”, “Semilla de Amor”, a través de su canal YouTube. ¿Cómo anda el proyecto musical MonKings?

Seguimos produciendo temas, traducimos la lógica, el nivel que estamos subiendo, porque estamos grabando, que se muestre en nuestro producto también, una evolución de nosotros.

Estamos volviendo con nuevo sonido, renovados, buenos videos más pensados, con una nueva idea. Viajar a Cochabamba nos ha abierto mucho en cuanto a los videos para mejorar la producción y hacer algo que impacte. Tenemos como banda un Mixtape de 20 temas. Ahora preparamos un disco que realmente sea la unión de estilos de cada uno.

Djoint está preparando un Cypher para presentar a Mc Studios. ¿Cuéntanos quiénes participan?

Es un Cypher en un beat propio donde están hartos hermanos (Chicho Realm, Makuve, El Dosis, Kimo, El Cholo, El Chama, T Hate, entre otros). Mostrarlos cada uno en su barrio, en su lugar, en su joda.

Yo he dado un paso bien grande, la verdad, ya que nunca tomé como objetivo directo la música. Siempre he dicho “estudiaré, sacaré una profesión, tendré mi trabajo, con eso más bien alimentaré mi música, me compraré equipos…

La cuarentena me hizo animar a meterle.

Es ahora Mc Studios una esperanza accesible para el Movimiento Hip Hop en Bolivia. ¿Cómo resumes este inicio?

La verdad, con nuestro precio y lo que estamos haciendo, con el nivel que le brindamos

Se verá cabrón cada parte, será una muestra de lo que es Mc Studios en todo lo que a imagen y sonido se refiere, un resumen en cuanto a producto.

DJoint, tus palabras de despedida y saludos a toda la gente que sigue la entrevista…

De cora… gracias a todos los que apoyan. A veces uno se impresiona, y eso me reconforta. En todo lo que pueda brindaré mi colaboración. Un saludo a todos los carnales.

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