LaCarne Magazine N105

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europa y latinoamérica

Nº105 - MAR 2021 - AÑO 10

rez p

el productor del millón

EXPERIENCIAS

ENTREVISTAS

La glosolalia - Centre Excuse AndrOmedA - FxRx - el futuro - Corvus Noctis de la Música - Thurjan - The Great Discord - David Paredes investigación - Manigance Alton Ellis

N105 aÑo 10 mar 2021

SUMARIO

Power Metal experiencias 06 La glosolalia en la Improvisación 30 FxRx, el Punk como estilo de vida Libre 36 ¿Cúal será el futuro de la Música en 08 Centre Excuse, regreso a los 80’s 2021?

Thurjan, Rap Latino hecho en Cocha10 Corvus Noctis, regresa con Devo- 44 bamba rador de Pecados

investigación 14 Alton Ellis, toda una experiencia sensorial

entrevistas 26 AndrOmedA, Heavy y enérgico

48 The Great Discord: No Light Without Darkness

52 Improvisación Libre con David

Paredes

56 Manigance, Heavy Power Metal desde Francia

20 Rez P

el productor del Millón

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

https://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Colaboradores

jorge ares, la chica boom, alfonseka, eva maría aroca, omar vega, J.G Entonado, cristobal torres foto PORTADA por Lasco Ph * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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La glosolalia en la Improvisación Libre

La glosolalia en la Improvisación Libre LEER MÁS

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ecientemente he aprendido que la glosolalia es la vocalización fluida de sílabas sin significado comprensible alguno. En algunas creencias religiosas, a tales sonidos se los considera un lenguaje divino desconocido al hablante.

En psiquiatría, la glosolalia se define como un lenguaje ininteligible, compuesto por palabras inventadas y secuencias rítmicas y repetitivas, propio del habla infantil, y también común en estados de trance o en ciertos cuadros psicopatológicos, o problemas neurológicos producidos por distintas causas, como las intoxicaciones por drogas o alcohol.

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Cuento todo esto porque siempre he defendido que las letras en la música no tienen por qué tener un significado explícito. Las palabras pueden ayudar a obtener sonidos, la fonética de esas palabras puede ayudar al resultado final de la obra musical.

Además, si no tienen un significado claro no despistan al oyente de los sonidos que aparecen (ya que las letras en la música es un factor extramusical a mi parecer), y eso es lo importante en mi opinión. Esas palabras y la voz forman parte de esa masa sonora, y actúan como un instrumento más.

Todo esto lo llevo diciendo desde mi etapa en Poliedro Kobold, donde decía palabras inconexas, números inconexos, y todo en un idioma inglés mal pronunciado y gramáticamente

“Empiecen a escribir sin pensar en lo que escriben, sin dejar que la razón interfiera. Es increíble el resultado si se hacen las sesiones de forma regular y se mantiene una disciplina.” pequeña muestra de lo que estoy diciendo.

Y al final del camino, he llegado a una etapa donde la glosolalia campa a sus anchas. Solo hablo con un lenguaje ininteligible, pero del que creo que se pueden sacar muchas conclusiones de esa forma de plantearse el arte y la música. Les dejo alguna muestra fácil de ver: “El discurso indescifrable de un sátrapa”.

También lo aplico en sesiones de free rock (música con toques rockeros, pero totalmente improvisada en el momento: Uhurù en concierto II La Tortuga, Madrid / 12 diciembre 2020 Uhurù en concierto III (La Tortuga, Madrid / 12 diciembre 2020 mal estructurado.

He ido pasando por más etapas, donde utilizaba como letras de las canciones las hechas con escritura automática (sin un significado racional claro, y escritas del tirón – por cierto, un ejercicio terapéutico importante y beneficioso.

Recomiendo que lo prueben: para ello elijan un lugar cómodo, y siéntense con un bolígrafo en la mano y una hoja de papel en blanco.

Empiecen a escribir sin pensar en lo que escriben, sin dejar que la razón interfiera. Es increíble el resultado. Por supuesto, ese resultado es satisfactorio si se hacen las sesiones de forma regular y se mantiene una disciplina.

Si se practica normalmente se puede adquirir un lenguaje propio y particular. Es pura improvisación libre, pero en lugar de hacer música se construyen frases). Aquí pueden ver una

pUroRuiDo La Tortuga, sábado 16 de noviembre 2019 Y por supuesto en una grabación, también de free rock (o free punk), en la que la voz habla de una manera teatralizada y con un lenguaje totalmente ininteligible, o sea, glosolálico: https://latatucera.bandcamp.com/album/uhur Eso es a lo que me dedico ahora. Después de tantos años de experiencia y de formación musical, he acabado haciendo las mismas cosas que hacen los niños: jugar (porque la improvisación libre es eso) y pronunciar frases que nadie entiende. Ni siquiera yo mismo jajajajajaj… Es muy liberador, se lo aseguro.

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Centre Excuse regreso a los 80’s

sigo siendo, pero lo llevo por dentro.

Centre Excuse, regreso a los 80’s

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uy buenas a todos de nuevo! Espero que os estéis cuidando mucho, y que todo os vaya bien. En esta ocasión vengo a hablaros acerca de Centre Excuse, una banda que he descubierto recientemente.

Procede de Rutland, Inglaterra, y me ha enganchado desde el primer segundo con su tema Favourite Soul, haciéndome volver al sonido de los años 80, y a esa época a la que yo me refiero como “mi época de rosas, humo y calaveras”.

No sé si captáis por dónde voy, me refiero a una época de mi vida donde predominaba el color negro, el misterio, y en la cual yo era la más gótica y siniestra de mi barrio. (Risas) Y lo

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El caso es que la música de estos chicos me ha hecho recordar y ponerme en contacto con una parte de mí a la que estoy muy apegada, y eso me ha gustado mucho.

Esta canción en concreto me recuerda un poco al sonido de los finlandeses TO DIE FOR, con toques más electrónicos a base de sintetizador, que le aporta ese sonido ochentero. Muchos fans les han comparado con los majestuosos Depeche Mode.

Centre Excuse - Favourite Soul También destacar la voz del cantante, Teddy Lewis, que a veces tiene esa tonalidad en “off” que va tanto con este estilo musical. Lo que más me gusta de Teddy es la expresividad de sus movimientos a la hora de cantar.

Ya en 2018, y con un estilo más definido, nos encontramos con temas como We Worked it Out, otro tema que me engancha por su pegadiza melodía, y que ya he añadido a mi playlist de canciones favoritas.

Centre Excuse - We Worked It Out

Centre Excuse y su álbum debut Favorite Soul

Pero no ha sido hasta el pasado 2020 cuando han lanzado su álbum debut, también titulado Favourite Soul, como el tema que escuchábamos al principio. Este álbum ha sido lanzado bajo el sello discográfico New Motion Records. A lo largo de este verano pasado han lanzado varios vídeos de sus canciones para darles promoción. Otro de sus temas estrella es Killing me, quizá algo más Pop, pero siguiendo esa línea ochentera que tanto ha llamado mi atención.

Centre Excuse - Killing Me

Otra de sus canciones que más me gustan es el tema Joy, Joy, Joy. Realmente lo disfruto, me parece muy peculiar el videoclip también.

Ambientado en la época victoriana, y en donde las cosas se tornan un poco macabras.

Centre Excuse - Joy Joy Joy Centre Excuse está formada por el ya mencionado líder, cantante, compositor, productor y multinstrumentista, Teddy Lewis, y el teclista y percusionista Alex Rush.

Llevan ya unos cuantos años de trayectoria musical. Tienen temas del año 2011/2012 en dónde podemos ver a unos Centre Excuse jovencísimos, adolescentes diría yo, y con un toque más rock indie, quizá.

Stop Drop & Roll - Centre Excuse

Y para finalizar, poniendo el broche de oro con otro de sus temas que, desde luego, no debería de faltar en ninguna fiesta, como por ejemplo en la fiesta que haremos cuando toda esta pesadilla acabe y podamos volver a volar libres, como la canción indica. Aquí tenéis Fly Free. ¡Disfrutad!

Centre Excuse - Fly Free Todas estas canciones y más las podemos encontrar en su álbum debut, Favourite Soul, que ya podéis escuchar en plataformas digitales. Y, por supuesto, si os ha gustado la música de estos chicos tan jóvenes y talentosos, no olvidéis seguirles en sus redes sociales.

Ya sabes, ¡apoya a tus artistas favoritos!

Hasta la próxima!

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Corvus Noctis

regresa con Devorador de Pecados positivo como de producción. Esto se puede explicar en gran medida a la nueva alineación que vino a enriquecer su música.

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no de los mejores trabajos de 2020 en la escena mexicana capitalina fue el segundo lanzamiento de Corvus Noctis, una banda que ya había sorprendido en 2017 con un muy escondido pero increíble debut titulado Tenebrarum.

Devorador de Pecados (2020) es el nombre de esta segunda obra. Fue lanzada el día de Halloween a través de una interesante campaña organizada por los mismos miembros, donde ofrecieron el álbum de manera anticipada a todos aquellos que se suscribieron a su boletín.

Corvus Noctis regresa con Devorador de Pecados

El álbum es un enorme paso hacia adelante en el sonido de la agrupación, tanto a nivel com-

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Corvus Noctis ahora cuenta con nuevos miembros: Akerbeltz en la segunda guitarra y Kitab Al-Azif en la voz. Su inclusión le ha dado una nueva dimensión a la banda, añadiendo más mística al imaginario que construyen a través de sus letras. La batería tuvo un cambio, donde Marqués de Montecristo llegó para ocupar el lugar de Tierrablanca.

Sycorax y Louis Corven se mantienen como el núcleo de la agrupación. Éste último culminando un estilo vocal lleno de personalidad, y encarnando un ejemplo perfecto de alguien que respeta su timbre para ofrecer una interpretación completamente auténtica. Así es capaz de darle personalidad a Corvus Noctis, sobre todo porque la distancia entre el sonido en estudio y el sonido en vivo es casi inexistente.

En Devorador de Pecados podemos escu-

característicos, como son los medios tiempos y una línea de voz perfectamente entendible.

Otra pieza a destacar por su buena producción, pero sobre todo por su nivel armónico, es el corte llamado Septem Ducesxx, una opus donde se escucha un coro de voces perfectamente ensamblado. Ahí somos testigos del gran aporte que significó la inclusión de Kitab Al-Azif en la banda. La pieza sirve de preludio para Aquelarre.

Devorador de Pecados resalta una de las principales cualidades de Corvus Noctis: ofrece muchísimo con muy poco, es decir, no necesitan una técnica desbordante ni tocar a mil por hora, sus canciones poseen lo necesario para poder transmitir perfectamente el sentimiento de su música.

char las mismas cualidades de su disco debut, es decir, un Heavy Metal muy sencillo y perfectamente bien construido. Su efectividad radica en la excelente estructura de sus piezas, pues permiten generar tensión en los precoros para que el estribillo brille a plenitud, sin necesidad de agudos o altas velocidades.

Aunque técnicamente Corvus Noctis se mantiene en la misma medianía de su debut, Devorador de Pecados ofrece pasajes instrumentales muy interesantes que hablan de la amplitud compositiva de este conjunto. La introducción de Harem y el interludio de Gitana son dos grandes ejemplos de lo bien dominados que tienen sus recursos musicales para tocar géneros distintos, sin que suene fuera de lugar.

El avance en producción lo podemos escuchar claramente en La Hermandad del Cuervo, una de sus piezas más ambiciosas, donde se percibe a plenitud todos los arreglos que incluyeron en la composición, rayando incluso lo orquestal. Eso sin hacer a un lado los rasgos

Se nota un compromiso por parte de los miembros no sólo de mantenerse activos, sino de ofrecer un concepto que pueda dejar huella en el subterráneo mundo de la escena capitalina.

No obstante, aunque su música ha logrado evolucionar de muy buena manera, todavía tienen detalles que mejorar en el aspecto de diseño e imagen.

Si en el desarrollo de su marca pusieran el mismo empeño que le han dado a su música, indudablemente estaríamos ante un Ghost mexicano. Su obra tiene el enorme potencial de congeniar con un público allende al Heavy.

El problema es que enfrentan lo mismo que muchísimas bandas mexicanas: la dificultad de generar valor de marca.

Por lo demás, Devorador de Pecados hace de Corvus Noctis una de las bandas más interesantes que ha surgido en el último lustro en el centro de México. Posee un sonido muy bien definido, con personalidad clara, y con todo a favor para brillar en los escenarios con el mismo esplendor que ofrecen en sus piezas de estudio.

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Alton Ellis

toda una experiencia sensorial

cana: el Rocksteady. Y no se puede hablar de Rocksteady sin hablar de su papá, el genial Alton Ellis. Vamos a ello!

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n esta entrega viajamos de nuevo a Jamaica, que ya sabéis que me gusta mucho a mí la música de la isla, para hablar de Alton Ellis, un artista que durante un breve período de tiempo revolucionó Jamaica, abriéndola a nuevos horizontes musicales.

Ya anteriormente hablamos del gran Laurel Aitken y el Ska, pues esta vez nos centraremos en el siguiente paso de la música jamai-

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Ritmos jamaicanos y su evolución al Reggae

Entremos en materia. El Rocksteady es un estilo originario de Jamaica, que se creó a finales de los años 60, cuando estaba de moda el Ska, y será el camino para la institucionalización del Reggae como música jamaicana por antonomasia.

Porque para que os hagáis una idea, Jamaica sería como una casa, el patio, sería el Mento,

la entrada a la casa sería el Ska, el pasillo, el Rocksteady, y, final y triunfalmente, el salón principal sería el Reggae (ya las habitaciones serían el Dancehall, el Ragga, y esos nuevos estilos ya de finales del siglo XX). Nos enteramos, ¿verdad?

Todo comienza como casi siempre, con ligeros cambios en la música de moda del momento, el Ska se empieza a hacer más lento, combinándolo con un sonido más relajado y cercano al Soul. Además, se solían incluir ritmos caribeños y baterías de inspiración africana.

El Rocksteady se desarrolla a partir de acor-

des entrecortados, tocados por una guitarra y un piano que se basan en ritmos acompasados, además de ralentizar así el tempo.

Todo el sonido se construye alrededor del ritmo de la batería, pero a diferencia del Ska, donde el énfasis se pone en los tempos 2 y 4, se desarrolla a partir del tercer tempo, dando así muchísimo juego para experimentar con sonidos sincopados. Se crea un contrapunto entre batería, guitarra y teclados.

Las bandas de Rocksteady reducen sus miembros, centrándose mucho en el sonido del bajo (algo que recogerá magistralmente el Reggae: LaCarne Magazine

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la guitarra dobla la línea del bajo).

Hay que tener muy presente que tanto músicos como productores eran los mismos para Ska, Rocksteady, y, posteriormente, Reggae (un claro ejemplo son The Wailers).

Sin embargo, este estilo estuvo de moda muy poco tiempo, tan sólo dos años, entre 1966 y 1968. Los primeros singles que se produjon fueron Take It Easy de Hopeton Lewis, Taugher Than Tough de Derrick Morgan y Hold Them de Roy Shirley.

Importantísimo fue el trabajo del productor y músico Duke Reid, que desde su sello Treasure Isle lanzó a muchos artistas jamaicanos, ayudando a establecer estos sonidos locales.

Tras Treasure Isle, todos los sellos discográficos jamaicanos (hubo un auténtico boom) apostaron por los nuevos ritmos.

Destacaron artistas como Derry Wilson, Ken Boothe, Jackie Mittoo o Tommy McCook (casi todos fueron cantantes, en algún momento de su extensa carrera, del gran grupo jamaicano The Skatalites).

Con el establecimiento de la religión Rastafari, y de los cambios socio-políticos en el país, el Rocksteady se vio arrinconado. Ya no interesaban los temas lentos de amor, pues se creó en la isla una conciencia negra y anticolonialista que se verá reflejada en las letras del Reggae, donde la lucha social, las protestas antirracistas, y el legado africano estaban muy presentes. El Rocksteady dejaba paso al Reggae.

Alton Ellis, toda una experiencia sensorial

Sin embargo, durante esos dos años, hubo un artista que elevó el nuevo estilo hacia lo más alto. Alton Nehemiah Ellis nació el 1 de septiembre de 1938 en el barrio de Trenchtown, Jamaica. Proveniente de una familia muy musical, aprendió a tocar el piano siendo un crío.

Siempre destacó por sus dotes musicales en el cole, y por ello pronto se sumó a la moda del país: los concursos de talentos que orga-

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nizaba el director de The Boy´s Town Vere Johns, que ayudó a lanzar muchas de las carreras de artistas jamaicanos.

Comenzó participando como bailarín, pero después de ganar varios decidió que quería ser cantante (y menos mal). Se podría decir que su carrera musical comenzó en 1959 con la creación del dúo Alton&Eddy, junto a Eddy Parkins.

Juntos, grabaron en 1960 para Studio One el éxito Muriel, con clara inspiración en el R&B. A este éxito le seguirían otros como My Heaven, un baladote jamaicano en toda regla, Lullabye Angel, I Know Is All o I´m Never Gonna Cry. El grupo pronto se hizo famosillo, pero se disolvió al poco, pues Parkins se marchó a EE.UU. Alton creó un nuevo dúo, esta vez junto a John Holt (el posterior cantante de The Paragons), que tampoco duró mucho tiempo. Tras esto, creó la banda Alton Ellis & The Flames.

Alton Ellis Sings Rock And Roll.

Siguió grabando, y con la entrada de los 70 se aventuró a producir sus propios discos, como My Time Is The Right Time.

Apartado el Rocksteady, Alton empezó a viajar asiduamente a Reino Unido, hasta que en 1972 se estableció allí definitivamente. Siguió grabando y actuando, y en los 80 abrió al sur de Londres la mítica tienda de discos All-Tone, nombre que también utilizaría para, finalmente, crear su propio sello discográfico.

Se mantuvo activo hasta que su salud se lo permitió. En 2007 fue ingresado por cáncer de los ganglios linfáticos, pero tras someterse a quimio, se volvió a subir a los escenarios.

Sus últimos trabajos son junto a la banda francesa ASPO, y en 2011 se publicó el único disco en directo de toda la carrera de Ellis, Live with ASPO: workin ‘on a Groovy thing.

Finalmente moría el 10 de octubre de 2008 en un hospital londinense.

Ahora sí que sí.

Comenzaron haciendo Ska, Ellis se sumó a la moda de los Rude Boys, aunque debemos reconocer que era el «anti-rude», tanto estéticamente como en la temática de sus canciones.

Es el momento de temas como Girl I´ve Got A Date o Cry Tough.

En 1967, sacaron el álbum Rocksteady, avalado por Tommy McCook. La canción que da nombre al disco puede ser una de mis canciones favoritas del mundo entero (ahí os dejo un dato totalmente irrelevante, de nada).

Tras éste, siguió haciendo éxitos para Treasure Isle, además de colaborar con artistas como The Heptones o The Supersonic (grupos importantísimos en la historia de la música jamaicana). También de este año es Mr Soul Of Jamaica, el disco definitivo del Rocksteady.

Tras esto, se embarcó junto a Ken Boothe y su banda The Soul Venders en una gira por Reino Unido. A su regresó realizó otro álbum:

La figura de Alton Ellis, a pesar de no ser muy conocida internacionalmente, es muy importante para la música jamaicana. Tal es así, que el 3 de noviembre de 2008 se celebró un funeral institucional en Jamaica que, como ya he dicho otras veces, no sólo es el bueno de Marley.

El legado de Ellis es muy importante. El riddim de Mad Mad (1968) tiene el hito de haber sido el más utilizado por artistas y productores de Hip Hop, Dancehall y Reggae.

Como os digo siempre, bajad las luces, poneos en ambiente, eschufaos I’m Still In Love, y dejaos llevar por los sonidos y la voz aterciopelada y dulce de Alton Ellis, porque la voz de Alton Ellis puede competir con el mejor de los cantantes de Soul… Toda una experiencia sensorial con ritmos buenrolleros que sólo te pueden hacer pasar un buen rato. Enjoy it!

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Rez P

el productor del Millón

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Fotos por Lasco Ph

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ra agosto del 2006 cuando llegó al Home Studio de Wakala Discos un joven colega que arribaba desde Estrasburgo, Francia. Con el Hip Hop en las venas, nos unimos en un proyecto musical intitulado El Circo de la Resistencia, que dio a luz un disco aquel año. Bajo la influencia blindada, Rez P retornaría (años después) a residir en la tierra natal de su padre y ancestros.

Una década ha trascurrido el emprendedor artista, productor, liricista, rimador, charanguista, tecladista, guitarrista y vientista en La Paz de Bolivia, empeñado en producir junto a sus proyectos nuevas propuestas musicales y artísticas.

Studio B es la productora que Rez P lleva en alto, haciendo del Movimiento y la Cultura una digna labor. En exclusiva para LaCarne Magazine, gracias por acceder a la entrevista.

Rez P, el productor del Millón

Rez P, ¿cómo nace a la vida musical?

Siempre he estado en contacto con la música, es algo heredado. Mis padres son melómanos, y mi papá es charanguista. La música ha debido ser una de mis primeras experiencias, y siempre ha estado presente. Es algo muy natural para mí. ¿Qué influencias musicales has recibido?

De parte de mi padre me llegó la música andina, el folklore, y de parte de mi madre mucha diversidad musical y muchas influencias afroamericanas: Jazz, Reggae, Blues, Música Clásica, Folk, etc. ¿Cómo fueron tus inicios en la música?

El primer instrumento que estudié fue el violín (a los 8 años). Pero todo el lado teórico y mi hiperactividad de entonces me hicieron parar temprano, a pesar de la insistencia de mi proLaCarne Magazine

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fesora para que siguiera adelante (años después, ella continuó escribiéndome).

Pasaron varios años antes que volviera a la música mediante el Rap y la guitarra. ¿Cómo nace el multi – instrumentista, rimador y productor?

Todo empezó alrededor del 2001 al 2002, experimentando con los amigos que formarían mi primer Crew (la Fish Family). La idea siempre fue producir nuestra propia música, y se crearon los primeros temas con lo que teníamos al alcance: la compu de mis padres, un programa cualquiera, el viejo teclado de mi hermana, y muchas ideas.

De a poco sentí la necesidad de poder ser independiente, y empecé a estudiar instrumentos, a dedicarle más tiempo, y tuve la suerte de conocer músicos increíbles, de los cuales aprendí mucho. ¿Cuál es la discografía de Rez P hasta la fecha?

Trabajé en muchos proyectos con beats, arreglos, grabaciones o mezclas, pero en algunos estuve a cargo de toda o casi toda la producción: FM11 – La Esfera (2011), Da Costa XI – Apenashumrappazlatinoamericano (2012), Karlos – Transforma (2013), Laboratorio Rapublika (2014), Geavy3000 – A falta de luz (2014), Huellas – Intergaláctico (2015), FM11 – Orfeo (2016), Imilla – Reflejos elementales (2016).

El disco del Skwid (Sangre Andina), El Chasqui, merece una mención especial, un proyecto muy lindo que nunca logramos estrenar.

Rez P, Tu primer proyecto musical al llegar a Bolivia fue FM 11, ¿quiénes lo conforman? ¿Qué discografía tienen a la fecha?

FM11 somos Mastoor, Mc FaraON y yo. Nos conocimos en el 2008, cuando estaban preparando su primer álbum (Venus), en el cual pude colaborar.

En el 2011 salió La Esfera, que producimos junto a Flowledge Beatz (beatmaker con quien empecé en el Rap) y grabamos en el

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Studio Gato Verde.

Nuestro último CD es del 2016 (Orfeo), grabado y mezclado en Studio B, y masterizado en Lado B. Es uno de los trabajos que más me enorgullece.

Actualmente integras la banda Illapa, interpretando los teclados y vientos andinos. ¿Cómo anda la producción del nuevo material del grupo?

Son muchos años que trabajamos con Diego Gómez. Es increíblemente talentoso, y tenemos una visión común del Reggae y del «cómo queremos sonar».

Esos nuevos temas son realmente un orgullo, y estoy muy agradecido de ser parte de este proceso junto a grandes músicos y personas.

Son muchos meses de sacrificio, y estamos muy impacientes de presentarlos al fin. Estamos muy cerca de lograr el sonido que buscábamos. ¿Cómo ves la escena actual de la música en Bolivia?

En las escenas Hip Hop y Reggae ha sido impresionante el crecimiento, tanto en propuestas como en público. Hay bandas de mucha calidad en casi todos los géneros, pero aún falta una gestión más consistente del sector musical. ¿Qué nos puedes contar de tus conexiones y amistades en tu ciudad natal -Estrasburgo-? ¿Con quiénes te mantienes en contacto? Coméntanos de aquellos colegas.

Siempre estoy en contacto con la Crew, somos una verdadera familia. El más activo es Mr. E (MC), que multiplica los proyectos siempre acompañado de músicos impresionantes (Art District, Blockstop, Freez, Mojo Sapiens, etc.).

De manera más independiente también sigue produciendo Mr. Chispa (MC y beatmaker chileno de quién aprendí muchísimo para el Rap). Varios ya no están muy activos, y otros salieron de la ciudad (Djahoe, Rhum1).

Alguna vez me comentabas que aquellas LaCarne Magazine

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sesiones en Wakala Discos, para el disco El Circo de la Resistencia (agosto 2006) te inspiraron para animarte a vivir a Bolivia y hacer tu propia vida. También recuerdo que uno de tus objetivos -me comentabas- era grabar y producir los mejores discos de Rap para la historia del Hip Hop boliviano. ¿Cómo te fue luego de una década de trabajo ininterrumpido -2010 al 2020-?

El Circo de la Resistencia ha sido un detonador, siempre vivió en mí la idea de instalarme en Bolivia, pero eso me dio el impulso necesario.

Creo que recién estoy llegando a un nivel que me permita lograr el sueño, pero me hace muy feliz ver todo el recorrido.

Recuerdo haberte conectado con Huellas para que registrara su disco solista, también fui testigo de las sesiones de grabación y producción para los discos de la Imilla, algún rato me crucé con Ecco Urbano, entro otros artistas que han pasado por Studio B. Actualmente te encuentras produciendo a Ocasional Talento, ¿cómo anda el laburo? ¿Qué grupos, MC’s y proyectos han pasado por tus manos, oídos y

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sonidos?

Siempre busqué más el reconocimiento que la fama. Estoy muy satisfecho con todo lo logrado, y de ver que mi trabajo es apreciado.

Son muchos los que pasaron por Studio B, sería muy difícil nombrar a todos, pero aprovecho para volver a agradecer a todos por la confianza.

Me comentaste la anécdota de cómo te conectaste con un integrante de Los Chikos del Maíz -que se encontraba de turista en Bolivia-,y lograron registrar un tema que a la larga salió en colaboración a Anita Tijoux -intitulado El Extraño Viaje– y ha marcado tu primer millón de vistas y reproducciones en el canal YouTube. Pude disfrutar del estilo andino en la producción musical, con ese charanguito y esas quenas que marcan nuestra identidad sonora. ¿Cómo nació la canción? ¿Qué nos puedes contar de la instrumentación y la conexión?

El Nega de Los Chikos del Maíz se encontraba en La Paz y vino a Studio B para componer la instrumental, buscaba algo que lo aleje del estilo “rapero clásico”, y que tenga esa identidad andina. Se emocionó al escuchar el

(Hesbon Eleale), y te guardé esta exclusividad: estamos preparando con el Greco Fyah Fu, que considero el mejor rapero boliviano a la fecha, un proyecto que va a ser impresionante. De lo mejor que salió del Studio B, sin duda. ¿Qué nos puedes comentar de la trayectoria como autor y compositor que tienes hasta la fecha?

Siempre me consideré beatmaker y productor más que rapero o artista solista.

Mis proyectos propios nacen de una necesidad de compartir, y son una forma de enseñanza y curación para mí mismo, no tienen más aspiraciones. Lancé Quelques pas de plus en el 2012, Vientos Nuevos en el 2015, y Simple en el 2018.

Esos temas reflejan ciertos puntos de mi evolución y camino. Muchos otros proyectos míos nunca saldrán a la luz. charango y la quena, en un par de horas lo teníamos.

Se llevó las pistas a España y tuve la sorpresa de la colaboración con Anita Tijoux a pocos días del estreno del vídeo. Makiza ha sido de los primeros grupos de Rap en español que escuchábamos de changos, es realmente un tremendo honor.

Actualmente Rez P y Studio B (Fish Prod.) marcan referencia dentro de la música contemporánea boliviana. ¿Cómo está subiendo el nivel? ¿Qué se está cocinando en la casa?

La música nunca se termina de estudiar, la experiencia es en gran parte lo que me hace capaz. Siempre hay nuevos retos y nuevos artistas que me permiten evolucionar.

El EP de Ocasional Talento es uno de los trabajos que más aprecio hacer, nos entendemos realmente muy bien musicalmente, y creo que se siente.

Este año también saldrán buenas sorpresas de raperos más antiguos como Tattoo (Esencia Urbana), Dan (Sudakas Clan), Geavy3000

Rez P en la actualidad es un productor reconocido y respetado dentro de la escena musical independiente de La Paz y Bolivia. ¿Estás preparando nuevo material como solista? ¿Qué proyectos se vienen en camino?

Por ahora ningún proyecto solo, pero como siempre muchas ganas de formar una banda de Hip Hop – Jazz o Funk, una formación al estilo The Roots para darle vida a mis locuras. ¿Cuál es la frase, lema, verso, o palabras que te levanta el ánimo y permite que sigas en la batalla de la música? ¡Fish keep growing!

Un mensaje de despedida para la gente que nos sigue en las redes sociales, para los nuevos admiradores y seguidores de Rez P y del Studio B (Fish Prod.).

Un profundo agradecimiento a todos los que aprecian mi arte y ayudan a difundirlo. Muchas gracias a ti por el apoyo de siempre, y hasta muy pronto.

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AndrOmedA

Heavy y enérgico Power Metal AndrOmedA, Heavy y enérgico Power Metal LEER MÁS

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oco a poco voy descubriendo bandas de esta región de Centroamérica, las cuales me sorprenden por la buena propuesta musical que ofrecen. Una de estas nuevas bandas para mí es AndrOmedA de Guatemala, una banda ya con varios discos, y de una gran trayectoria en su escena.

Adrián Méndez es su vocalista y fundador, y es quien da respuesta a la siguiente entrevista.

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Hola, Adrian! Tengo entendido que AndrOmedA se formó hace alrededor de dos décadas. ¿Qué nos pueden contar sobre aquellos comienzos? ¿Cuál es la historia de Andrómeda?

Ante todo, gracias por este espacio. Pues allá por 1998 yo estudiaba 5to bachillerato, y junto a algunos compañeros de otros grados decidimos participar en un evento que nuestro colegio realizaba cada mes, en donde los alumnos realizaban diferentes expresiones de arte.

Lamentablemente el director del colegio consideró que nuestro tema: La historia de un muchacho de Rata Blanca, era muy agresivo para ser presentado. Y así nos quedamos

levantes que han marcado tu vida.

A veces son historias contadas a través de los ojos de un espectador, y otras veces de forma subjetiva. Nunca hice canciones pensando en tener un estilo propio, pero ahora, al pasar de los años, escucho las canciones y puedo palpar un estilo propio.

Creo que es difícil decir que somos influenciados por bandas, ya que son innumerables y grandiosos músicos los que han dejado su huella en el Metal y en nosotros. Más bien, estamos influenciados por un estilo, el Heavy/ Power Metal.

Hablemos un poco sobre su discografía, donde encontramos álbumes y también discos de ediciones especiales. Coméntanos sobre sus discos.

Tenemos 4 álbumes: El Reinado del Sol (2005), Melodías del Ocaso Perdido (2008), Sinfonía Paranormal (2011) y Cósmico Momento (2016), pero hay algunos álbumes a modo de “extras”, los cuáles son Minimalista (2013), Autobootleg (En vivo 2013), Cósmico Concierto (En vivo 2017) y Diablo Concierto (En vivo 2018).

En la actualidad estamos en todas las plataformas de streaming, en donde se encuentra toda nuestra discografía. frustrados y con ganas a flor de piel de ser protagonistas de un escenario.

Sin embargo, seguimos siendo amigos a pesar de haberme graduado, y entre ensayos muy amateurs, terminamos haciendo nuestro primer concierto en julio de 2000, en un bar de mala muerte del centro de la ciudad. En su mayoría covers y 2 canciones propias.

Por favor, intenta describir con pocas palabras la música que ustedes tocan para quienes no conocemos la banda. ¿Por qué bandas se siente influenciados?

Me gusta pensar en AndrOmedA como un conjunto de canciones de atmósfera Sci-fi, música con temáticas fuera de lo cotidiano.

Una especie de soundtrack de momentos re-

Toda nuestra música es auto producida, como la mayoría de artistas independientes hoy en día.

Durante el año 2016 sacan el disco Cósmico Momento. ¿Cómo fue su proceso de concepción? ¿Cuáles fueron las fuentes de inspiración, tanto lírica como musicalmente?

Fueron unos días que recuerdo con cariño.

Nuestra forma de hacer las cosas es que alguien hace la música en midi y se envía por correo a todos, y luego uno por uno van viniendo a mi casa a grabar su parte en cada tema.

Entre pizza y cerveza es divertido presenciar cómo las canciones se van transformando y haciendo un proceso de cambio de pieles hasta el resultado final.

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Musicalmente en mi caso, me gusta que predomine la melodía, y a partir de ella construí toda la estructura. Líricamente recuerdo haber transformado vivencias propias en epopeyas de bolsillo, pero también plasmé una que otra trama de folklore. ¿Qué los motiva a cantar en español, en comparación con el gran número de bandas latinoamericanas de este género que lo hacen en inglés?

Lo principal ha sido que no domino el inglés, y no me gustaría hacer el ridículo. He escuchado muchos trabajos realmente con pronunciación patética, y, aparte de eso, nos gusta que la gente cante nuestras canciones en los conciertos, y es más fácil que eso pase si lo hacemos en español.

Pero no está para nada descartado, es probable que en determinado momento simplemente se saquen dos versiones.

Muchas bandas en el pasado y en la actualidad tienen problemas con el cambio continuo de integrantes, ¿cómo manejan ustedes esa situación? ¿Por quiénes están actualmente integrada la banda?

Sí, es un tema recurrente en la mayoría de bandas, sobre todo en Latinoamérica, en donde no se puede vivir 100% de tocar Heavy Metal.

Esto hace que las prioridades en determinado momento cambien en cada persona, y muchas veces el gasto de tiempo, dinero, y esfuerzo que requiere una banda que quiere estar a la altura, no valga la pena ya puesto en la balanza. Ése es el caso de AndrOmedA, un camino difícil, ya que hay pocos músicos y muchas veces esos músicos no pueden encarar lo que cada actividad requiere.

Antes, personalmente, lo tomaba muy mal, casi como rompimientos sentimentales, jaja, pero en la actualidad entiendo que siempre estará AndrOmedA si tengo un aliado constante, y desde el 2009 mi aliado es Gunter Za-

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vala, bajista de la banda. Mientras estemos él y yo, buscaremos aliados que nos acompañen en cada etapa y actividad que se requiera.

No tenemos actividad alguna desde el 2018 por diversos factores. Si encaráramos el día de hoy algo nuevo, solo considero en la banda a Gunter, pero llegado el momento indagaremos y haremos convocatoria a nuevos o viejos compañeros.

Para Ud., ¿cuál es el poder que puede llegar a tener la música que se transmite mediante una lírica, composición e interpretación?

Por experiencia propia puedo decir que en determinados momentos he necesitado canciones para llorar, canciones para encarar la vida con positivismo, y canciones para ser feliz.

Para mí, el poder de la música es darle un hombro a un alma que llora, y un empujón a un espíritu que quiere volar.

Acerca de sus presentaciones, sé que han estado en países de la región como Honduras, Nicaragua… ¿Cómo ha sido el recibimiento por parte del público? ¿Cómo es una presentación en directo de Andrómeda?

Realmente nos hemos sorprendido de buena forma en el recibimiento que hemos tenido a los pocos lugares que hemos salido.

Si bien a través de toda la red encontramos gente de muy lejos que nos sigue y apoya, es diferente palparlo en vivo y a todo color. Yo creo que el haber tocado fuera de Guatemala ha contribuido a que no queramos dejar de hacer esto, ya que nos hemos sentido realmente queridos y apreciados como artistas. Es un vicio estar delante de un público que canta y siente las canciones que un día con emoción hiciste.

Siempre he tenido la fantasía de viajar en el tiempo y asistir a un concierto de AndrOmedA, vernos desde abajo y conocer la sensación. Pero desde arriba, en el escenario, puedo decir que los conciertos de AndrOmedA son energía, gritos, y buenas vibras.

Algo muy importante para toda banda es po-

der compartir escenario con grandes agrupaciones de gran reconocimiento mundialmente. ¿Con quiénes han podido compartir concierto, y qué ha representado esto para ustedes como banda y en lo personal?

Hemos sido teloneros de Avalanch, Mago de Oz, Ángeles del Infierno, Boanerges, Sepultura, o Shaman, entre otros. Ha sido muy importante para darnos a conocer. Estar en escenarios grandes nos permite desenvolvernos mejor.

llenos de ilusión y motivación.

En lo personal no me gusta, ya que no quiero que seamos un obstáculo entre el público y el plato fuerte. Sin embargo, solo hemos tenido buenas experiencias y el público se ha comportado grandioso con nosotros.

A estas alturas de la carrera de Andrómeda, ¿cuál consideráis que ha sido vuestro mayor logro a lo largo de todos estos años?

Considero el único y mayor logro de la banda el cariño del público.

Otro punto también muy importante para toda banda es el trabajo audiovisual, los videoclips. ¿Cómo maneja este aspecto Andrómeda? ¿Tienen videoclips disponibles?

Si pudiera, haría un video de cada canción, pero hasta que se realiza uno, se comprende todo el esfuerzo que ello conlleva, sobre todo para nosotros que auto producimos desde el camarógrafo hasta el catering.

¿Cuál es su principal meta como banda en general? ¿Cómo ves el futuro de Andrómeda?

La principal meta de la banda es ser felices haciendo y tocando la música que nos gusta, lo demás es ganancia. De momento, el futuro es incierto debido a que atravieso serios quebrantos de salud que repercuten en mi voz, imposibilitándome ser el de siempre.

Han sido grabaciones y post producciones algo cansadas, pero han sido tremendamente divertidas. A veces es más divertido ver los videos del “Making of” que el propio video, jaja.

Tenemos varios, videoclips, sobre todo de Cósmico Momento, pero invito a todos a ver los “Making of”.

Bien, hablemos un poco de las diferencias que notas de aquella banda de los inicios y la actual. ¿Cómo ves a Andrómeda con respecto a hace 20 años?

Que interesante pregunta. De aquella banda sólo quedo yo, y creo que, si comparamos nuestro primer DEMO con Cósmico Momento, la gran diferencia es Madurez. La experiencia en la vida te hace saber quién eres, y Cósmico Momento es el álbum más aterrizado y directo de AndrOmedA. El AndrOmedA de 2000 sin embargo tenía fantasías y sueños que, si bien no eran de nuestra realidad, tenía esa cosa que nos tenía

¿Qué puedes comentar en relación a la escena actualmente del rock y del metal en Guatemala?

Bueno, esta pregunta me la han hecho muchas veces, y la respuesta no es muy alentadora. Realmente en nuestro país la gente quiere “sabor, coco y mar”, y el Metal no se caracteriza precisamente por eso, jaja. Hay muchas bandas, pero hay poco público.

Si logro superarlo, todo mi ser hará que exista un futuro para AndrOmedA. De momento, mis fuerzas y las de Gunter están en la grabación del nuevo álbum de nuestra banda alterna, Fortuna Fugaz.

Bien, esto es todo! Muchas gracias por tu tiempo. Si deseas agregar algo más, pues aquí tienes el espacio.

Solo quiero agradecerte por darnos este espacio, y por interesarte en lo que tienen que decir unos tipos necios que se empeñan en hacer Heavy Metal en una tierra de Cumbia y ritmos latinos, jaja.

También agradecer a quien sea que llegue a leer esto y diga: “Hey, voy a escuchar a esa banda”, o “Yo los conozco, su música me gusta”.

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FxRx

el Punk como estilo de vida para LaCarne Magazine.

C

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onocer y hacer amistad con un Punk paceño es muy grato para mi persona.

FxRx fue baterista de grandes bandas (Los Tuberculosos, Gato Diablo) dentro de la movida independiente de La Paz, Bolivia.

Actualmente (paralelo a la pasión por la música) se dedica al arte manual con su producción de vestimenta personalizada al mejor estilo de la irreverencia callejera, y cuadros que marcan su “anti-arte”.

Un verdadero personaje paceño dentro de la Escena Contracultural de la ciudad capital.

Conversamos con el artista nacido bajo el nombre de Fabián Rocha Borda en exclusiva

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FxRx, el Punk como estilo de vida desde las alturas de Bolivia

FxRx, gracias por acceder a la entrevista. ¿Cómo te inicias en la vida musical?

Yo me meto en la música desde que tengo unos 5 a 6 años con mi tío y mis hermanos bailando Break dance, haciendo toda esta joda que era de los EE.UU. Luego empecé a escuchar Techno, Pop (un poco por la época), y después emprendí con esto del Rock, el Heavy Metal, el Death Metal, el Thrash (que me siguen gustando hasta la fecha). Posteriormente empecé a conocer el Punk, el Hardcore, el Punk Rock (y todo este estilo de música que me llamó mucho más la atención).

Me moví de lleno con este género que venía

gustó), La Polla Records de España y bandas latinoamericanas como Attaque 77 (Argentina), los Fiskales Ad-Hok de Chile. Bandas Punk de acá como Secuencia Progresiva, Autorev, 3:18, Scoria, 7.31, LLajtay Kjaparin entre otras, que me inspiraron mucho, en especial cuando era joven.

FxRx ¿cómo fueron sus inicios en la música?

Como te decía, me llamó mucho la atención la batería, también el ser DJ con vinilos (el Scratch). Gracias a mi hermano, que me empezó a enseñar en batería electrónica (cómo era el charles, la caja, el bombo), uta, que era complicado para mí, pero le empecé a dar, y luego, como en el Chavo del 8 (así, sin mentir), comencé a tocar con cajas, con platillos, con platos, con ollas (eso fue increíble), pero empecé ya a ritmo, a encontrar mi ritmo (si vale el término).

El primer ensayo con mi amigo de colegio fue otra cosa, en vivo y crudo, como me gusta.

Agradezco mucho a toda mi familia por la raíz musical, y gracias a eso he tenido hasta la fecha el conocimiento de mucha música. Desde el Hip Hop, Death Metal, Ska, Gótico, Dark, Industrial, y toda la música Underground que sale de las calles realmente. desde Inglaterra. Yo trataba de adaptarlo para acá. La batería me impactó por el hecho mismo de estar dando la pista a todo un grupo. ¿Qué influencias artísticas musicales has recibido?

Influencias musicales bolivianas (gracias a mis padres que influenciaron mucho en mi vida), mi abuelo que estaba metido en la música tropical, mi hermano que empezó con la música folklórica.

Yo siempre he recalcado que toda la verdad de la música ha salido del Under. El arte, el anti-arte, los graffitis, todo ha salido de las calles para mí. ¿Cuál fue tu primera banda?

Mi primera banda (Disturbio Social) empieza con Daniel Terán (compañero del colegio San Calixto). Él tocaba guitarra y cantaba, yo en la batería.

Obviamente he tenido una familia que me ha hecho conocer mucha música en sí. Desde el folklore hasta el Rock boliviano como Wara, fusiones… Savia Andina. Obviamente el Rock Psicodélico (de parte de mi mamá) como 50 de Marzo, Los Unos, Los Ovnis, Los Gatos, The Bonny Boys Hots, el Rockabilly.

Empezamos a componer y escribir de las manifestaciones sociales, de lo que estábamos inconformes, de lo que nosotros pensábamos valía la pena expresarse (y que bandas de Rock de la época no lo hacían). Hicimos covers, pero más nos enfocamos en hacer composiciones. Eso fue lo más valeroso de nosotros.

También bandas de otros países, como por ejemplo los Sex Pistols (que desde niño me

¿Grabaron algo con el grupo?

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Hemos grabado un cassette que no sé dónde estará. Quisiera escucharlo y rescatar temas de ahí. Hicimos una tapa como collage. Registrado en esas grabadoras pequeñitas, nos divertimos mucho. ¿Qué proyectos musicales has integrado de ahí en adelante?

Posteriormente me invitaron a formar parte de Los Tuberculosos (nos conocimos en el colegio todos los integrantes).

Por razones personales abandoné la banda, y poco tiempo después pasé a formar Gato Diablo con otros nuevos muchachos y otro estilo de música, otras influencias (Post Punk, Noise Rock). Ahora estoy con ansias de formar otra banda. ¿Cuál es su discografía hasta la fecha?

El EP con Disturbio Social ya mencionado, con Los Tuberculosos grabamos Nunca de Rodillas (CD del 2003) y un disco en directo registrado en El Alto. Con Gato Diablo tengo dos discos (Pararrayos de 2007 y La importancia de tener un cuerpo de 2011) aparte de tres singles.

Entre Los Tuberculosos y Gato Diablo hay bastante material, tocadas, etc. ¿Qué recuerdas de los proyectos musicales que has integrado?

Ufa… hermano, una pregunta bien linda y personal. Con Los Tuberculosos he tenido la oportunidad de conocer mucha gente, de estar con muchas bandas, conocer otros lugares como la ciudad de El Alto.

Grabar el disco Nunca de Rodillas en los Studios Pro Audio junto a Ricardo Sasaki (de Octavia), una linda experiencia mi primera vez en un lugar profesional. Con Gato Diablo fue distinto, hacer otro tipo de música y conocer más lugares de mi país (Santa Cruz, Cochabamba).

No hablamos tanto de política (eso era lo interesante), teníamos otras letras (lo bizarro o lo triste de la vida, los problemas eléctricos de los vicios, de la carne, de la religión).

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Con Los Tuberculosos hablamos de política justo y necesariamente, hablar de tanta mierda (la cruda realidad, la violencia en la sociedad, en los colegios, en los matrimonios, los marginados, las drogas, el alcohol, la destrucción, etc.)

FxRx, ¿cómo rememoras el Movimiento Punk en Bolivia?

La escena Punk de mi época -cuando era más chango- me parecía bien interesante, un poquito más violenta y separada (de lo que eran los thrashers, los metaleros), un poco más aparte los punkeros, y más allá los góticos o darks. Cuando ya estaba tocando con Los Tuberculosos era una escena grande -la verdad-.

En Cochabamba había una escena grandiosa de Hardcore Punk (más rápido, más Ska). En

FxRx, ¿qué ves y vibras en la escena Punk de la actualidad?

Lo movida Punk Rock de ahora es bastante fuerte en Latinoamérica, aunque todo se pierde y se va a la mierda por las modas (como en Bolivia). Hay buenas bandas que siguen y persisten.

Hay que tener mucho cuidado en el sentido de que te pueden lavar la cabeza con banderas, ideologías, gente que está metida en la política (con huevadas siempre te van a venir), y con eso hay que ser muy cauteloso.

Por uno mismo siempre hay que pensar. Personalmente siento que hay que ser siempre libre (sin izquierda ni derecha) y unido.

Ya que la movida está casi muerta (por acá), ¿qué es ser un Punk dentro de una sociedad y sistema esclavizador?

Muy personalmente es bien jodido, ya que tienes que ser independiente en todo, ser bien fuerte y guerrero (tienes que guerrear la vida).

Debes ser una persona íntegra con uno mismo, y trabajar para no depender de nadie (ni de gobiernos ni sociedades).

La Paz era muy fuerte, había un montón de bandas y movida. Comencé a hacer el “Movimiento Contra-cultural Kimsacharani Hardcore Punk La Paz-Bolivia” (que era para realizar fanzines, organizar tocadas, etc.) Los domingos nos reuníamos para planificar eventos, apoyarnos entre nosotros, y nos fue bien.

Logramos unir bandas (para alentarlos) de todo lado o zona de La Paz y El Alto, pero después -sinceramente-, luego de estar metido años en el Underground, vi que la gente empezó a creerse “Rock Stars” y no querer prestar una guitarra, un bajo o la batería, empezar a pelearse.

Por eso me aburrí y me alejé un buen tiempo. Fue una época con una escena increíble y harta movida (bien cabrona), buenas bandas.

La sociedad te enferma, te estresa, te llega a matar, es como si estuvieras muerto en vida.

Hay que tener cuidado con las religiones, con todas las personas que realmente te llegan a oprimir la cabeza, te logran exprimir todo, y te matan los sentimientos y el corazón.

Tener actitud, y siempre alejarse de gente que te va a llevar a que hagas cagadas y lavar el cerebro (sin dejarte expresar, diciéndote lo que siempre tengas que decir, y que seas como un perro o mascota). Eso es lo más imbécil y pelotudo que puede hacer una sociedad.

Hay que tener la cabeza en alto, tratar de ser muy capaz de ver lo que tú estás haciendo, de llegar siempre a tus objetivos. Ser perseverante en todo lo que uno hace, y apoyar a los que están metidos en esto de la música y el arte. Ser más abierto y ver otros horizontes, visiones que salgan del corazón realmente, que nazcan del espíritu.

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Ahora emprendiste un nuevo camino con Maloso Producciones y Arte Punk 8014. ¿Cómo te va con la experiencia creativa?

Siempre tuve esta creatividad guardada dentro de mí, tenía que darse a conocer. Me gustó mucho el collage, el otro estilo de arte (uno más crudo), metiéndome en lo abstracto, lo bizarro. Haciendo pequeñas historias y universos en el arte que estoy empezando a crear (Punk, dadaísmo, graffitis, candados, ganchos, cadenas, psicodelia, estados de la mente).

Me estoy metiendo en eso, y me está yendo bien porque me expreso mucho desde lo más profundo (mi corazón). Esa creatividad admiro demasiado, y doy gracias a la vida por ella. El nombre que le di es Arte Punk 8014 (para mis cuadros y obras).

Lo de Maloso Producciones es ropa modificada (empecé con la mía obviamente, y de ahí para la gente). Me va bien, pero quiero que crezca. La ropa siempre me ha gustado, y creo que va de la mano con la música. Estoy modificando gorras, reciclo poleras, parches, prendas, capuchas, chaquetas, etc. Y las modifico con parches, me compro las tachitas, y más que todo le pongo harta obra de mano, cosiendo con hilo y aguja. Aprendiendo a trabajar en cuero, con silicona, el uso del punzón para meter las tachas, etc.

Es muy interesante y divertido. Obviamente, a quién no le gusta verse bien con una buena prenda (una chamarra). Ya si eres músico o tatuador, graffitero, etc., puedo modificar la ropa, pues me gusta muchísimo. Quieras o no, cualquier persona que se levanta y sale a su trabajo se viste, uno está diseñado.

FxRx, eres innegablemente un personaje paceño (dentro y fuera de la escena cultural). ¿Cómo te ves ahora? ¿Qué rescatas de haber creado y convivido con FxRx? Muchas gracias por tus palabras (realmente).

Ya estoy en los 40 –uta…que jodido-, pero por algo sigo acá, y seguiré haciendo cosas hasta que la vida terrenal me lo permita.

Metido en el anti-arte para seguir guerreando

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por lo que veo que está bien o mal. FxRx se caracterizó por nunca callarse y expresarse siempre. Rescato mucho la creatividad que la tenía guardada (sonará un poco tonto), pero me daba hasta vergüenza mostrarla.

Gracias al “Dios del Todo” por esta productividad que doy a luz ahora. Es complicado llegarse a conocer y no llegarse a conocer, a veces ver el futuro y el no-futuro (esa palabra es bien cruda).

Yo, como Fabián Rocha, a veces me doy palo, a veces estoy triste, y con ese empute que tengo saco fuerzas para hacer las cosas mil veces mejor. Voy a utilizar ese odio para hacer las cosas que amo: la música y el antiarte.

Nos convertimos en filósofos callejeros (tildados de locos), ¿qué opinas al respecto?

Esa pregunta me gusta mucho, varias veces charlamos una que otra vez fuera del stadium (jajaja) ahí en la calle. Yo creo que la calle es buen aprendizaje, y lo digo en el buen sentido -no solamente son pandillas, trago y drogas-.

Más allá de eso, uno aprende lo que es la vida de verdad, lo real. Nos tildan de locos, pero realmente yo creo que “ellos” son los locos.

Nosotros tenemos el poder de estar con la mente abierta, y eso es lo que nos diferencia de todos “ellos”, que están dementes. Somos unas Tribus Urbanas, y uno puede estar solo, pensar cosas distintas, tener sus valores para llegar a ser un buen ser humano.

Atravesamos tiempos de transformación planetaria, difíciles momentos para asimilarlos con calma. FxRx, ¿cómo te ves más allá de ti?

Dejando un legado musical y artístico (eso me parece increíble). Quiero seguir haciendo cosas y que crezcan todos mis sueños. Es como cuando te sacas la mierda en la calle (si te vas a sacar la mierda, sácatela bien: puño, patada, sudor, sangre, lágrima), así no más creo que es la vida. Hay que estar unido y fuerte. ¿Cuál es la frase, lema, verso, o palabras que te levantan el ánimo y el Ajayu (Espíritu) para seguir en la batalla?

“Nunca debes ser el enemigo tuyo”, “tienes que guerrearla en la vida, no hay de otra”, “ir a llorar al río”, “saca todo el coraje y la ira para nunca quedarte callado”, “hazlo por vos y por la familia”.

FxRx, ¿qué proyectos a futuro?

Mis prioridades son buscar un buen trabajo, estar bien conmigo mismo (en primer lugar) para estar bien con todos. A seguirle metiendo con Maloso Producciones y Arte Punk 8014.

Musicalmente voy a buscar nueva gente de la vieja escuela, fusionar algo… Dormido no me voy a quedar, tarde o temprano vuelvo con banda.

Gracias por la conversación y las palabras vertidas. Danos un mensaje de despedida para los seguidores del Punk Rock y lectores de LaCarne Magazine.

Nunca te menosprecies, valora toda la creatividad, ya que, si te sale del corazón y del alma, eso es lo primordial. Rescaten su productividad y su actitud ante todo.

Sean sinceros, reales y humildes. Tengan valores, valores de familiares, y que cada uno sea libre de pensar lo que quiera. No he venido a salvar a nadie, y nadie me va a salvar a mí. No quiero ser el “Santo” de nadie. Y sean libres en todo (de cuerpo y mente).

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¿Cúal será el futuro de la Música en 2021?

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E

n junio de 2020, tras el confinamiento, nos hicimos la misma pregunta, ¿cuál será el futuro de la música en 2021?, y realizamos un cuestionario a diferentes programadores y representantes de la escena musical extremeña sobre lo que nos deparaba musicalmente el año.

Actualmente partimos de datos para ser algo optimistas, La vacuna de Pzifer y Moderna apuntan a tener alta efectividad, y tras una futura primavera de vacunaciones masivas, es posible que en verano tengamos una “normalidad” musical que nos permita disfrutar de alguna oferta musical más laxa.

Aunque de todo ello les preguntaremos a nuestros ilustres del futuro, presente y pasado musical en los tiempos de crisis sanitaria.

Nuestro planteamiento era positivo, veníamos del confinamiento, y la euforia de pensar que la pandemia se estaba acabando, o nos daría algún tipo de respiro.

Entrevista a 3 representantes de la escena musical extremeña

Fuimos ilusos, y desgraciadamente la mayoría de festivales no se realizaron, y hemos comprobado cómo la cultura, sobre todo la música y las empresas derivadas de la misma, es de las más perjudicadas de cara a la pandemia.

Director del Festival Acústicos Al Fresquito, y amante de la música. Actualmente ha cambiado su residencia a Madrid, pero sigue trabajando pro y por la música de nuestra región.

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José Carlos García (Festival Acústicos al Fresquito)

el responsable de la Agencia Backstageon, que, además de llevar artistas al Gran Teatro de Cáceres o a la Sala Boogaloo, es el booking de artistas extremeños como Fônal, Dalmatians, La Bruja Roja u Hombre Tigre.

En tiempos de toque de queda ha conseguido conciertos en la ciudad de Cáceres de grupos como Reincidentes, Belako, Maldita Nerea o Anni B Sweet.

Agustín Fuentes (Director del Contempopránea y responsable de «La Merienda» Canal Extremadura)

Director del Festival Contempopránea, y responsable del programa “La Merienda” de Canal Extremadura Radio. Es una de las personas más influyentes musicalmente hablando en el pop regional y nacional.

Su experiencia en la organización de eventos es amplia y extensa, además de ser un prescriptor y conocedor profundo del pop indie nacional e internacional.

Organizador de uno de los festivales con más encanto de la región, y divulgador de nuestra música allá donde va, es un referente a tener en cuenta ya que es uno de los responsables de poner Monterrubio de la Serena en el mapa, tanto nacional como internacionalmente.

Nos interesa saber su opinión sobre diferentes temas ahora que comienza el 2021, y qué futuro nos depara musicalmente hablando.

Carlos Ortíz (Backstrageon A Creative Music Agency)

No hay concierto de música que se realice en Cáceres que no pase por sus manos. El principal responsable de que actualmente la música no haya muerto en la ciudad de Cáceres, y prácticamente en Extremadura.

En tiempos de pandemia, de restricciones, de crisis sanitaria y económica, ahí está Carlos Ortíz para llevarte la música a la ciudad. Es

Organizador de uno de los festivales más veteranos del Estado, y por tanto uno de los responsables de poner a Extremadura en el mapa, tanto nacional como internacionalmente. Nos interesa saber su opinión sobre diferentes temas ahora que comienza el 2021, y qué futuro nos depara musicalmente hablando.

¿Cuál será el futuro de la música y sus festivales en la Extremadura del 2021?

¿Qué futuro le espera al Festival Acústicos al fresquito?

Jose Carlos García: El futuro inmediato del festival es inminente, en pocos días anunciaremos el décimo aniversario, un aniversario dedicado con un homenaje al fallecido artista francés Alexandre Lacaze, que dejó muchísimos amigos y huella en nuestra región.

En Montijo vamos a celebrar nuestro décimo aniversario, lugar al que le estoy muy agradecido. La gestión cultural que está haciendo el área de cultura es digna de mención, y en especial quiero nombrar a María Jesús, su conLaCarne Magazine

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cejala de cultura, y a Juanma Holguera, que es el gestor cultural (sin ellos no hubiese sido posible este salto de calidad que queremos dar al festival con esta nueva sede.

Digo nueva sede porque esperamos seguir haciendo el festival en Monterrubio De La Serena, ya que Jesús Martín, su alcalde, se ha preocupado y ayudado durante los últimos años, y, es más, nos gustaría llegar a más pueblos y más gente. Siempre lo he dicho: a las zonas más desfavorecidas también hay que llevar la Cultura. ¿Habrá festivales en este 2021? ¿Y conciertos sin restricciones?

Jose Carlos García: Seguro que habrá festivales en este 2021. La gente que vive y ama la cultura no va a tirar la toalla.

Pienso que en los momentos más difíciles en la vida es cuando más hay que luchar y trabajar por ello. Los festivales en 2021 seguro se adaptarán a nuevos formatos para cumplir todos los protocolos, y que la cultura sea segura.

Yo he estado este verano en varios conciertos en Madrid, y me he sentido muy seguro. Son tiempos difíciles, pero más pronto que tarde vamos a derrotar al virus.

Aunque mientras no desaparezca el virus no hay que bajar la guardia. Tenemos que aprender a convivir con él, y pienso que la cultura puede y debe continuar, pero, claro, hasta que pase todo con restricciones.

Carlos Ortíz: Eso nadie lo sabe porque el futuro es incierto, aunque ya haya una vacuna para entonces.

Si acaso, vaticino que se podrán aplicar las mismas o similares fórmulas a las de este verano en los conciertos al aire libre, haciendo que el público se sienta seguro y perciba que la organización ha tomado las medidas que Sanidad le indique en ese momento determinado.

La seguridad de los espectadores es lo principal, y se está consiguiendo. Por eso repetimos tanto el lema de que la cultura es segura.

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Agustín Fuentes

Agustín Fuentes: Teniendo en cuenta que se tardarán meses hasta que toda la población esté vacunada, es lógico pensar que los festivales multitudinarios, tal y como los hemos conocido, creo que tardarán en celebrarse, al menos hasta el 2022.

Hasta entonces habrá eventos controlados, con aforos limitados y con protocolos de seguridad. ¿Se ha tratado bien al sector de la música en el pasado 2020?

Jose Carlos García: El pasado 2020 ha sido tan malo para todo que es mejor pasar página.

Es algo que ha pillado por sorpresa al mundo entero. Nadie esperaba esto que ha pasado. Y por encima de todo debemos anteponer la salud ante todo. El sector de la música ha sufrido lo indecible, como tantos y tantos sectores. ¿Piensas que ha habido un trato desigual entre festivales en cuanto a realización y restricciones en lo que a Extremadura se refiere?

Jose Carlos García: Pienso que la gente que se ha lanzado a hacer cosas hay que llamarles “VALIENTES”, en mayúsculas.

Ha habido muchas restricciones, como era ló-

No puedo opinar de otros festivales porque no estuve presente en ellos. En cuanto al apoyo al sector de la música, el Ministerio de Cultura no ha existido como tal. Faltan compromiso y empatía, y sobra tantísima burocracia, también a nivel regional, y lo digo como empresa profesional que soy.

Agustín Fuentes: El sector de la música en directo, a pesar de que mueve cifras de empleo muy grandes y que representa el 4% del pib nacional, ha sido el gran olvidado de esta crisis.

Carlos Ortiz

gico, pero quiero destacar que en Extremadura hay gente de la cultura que ha hecho una gran labor durante la pandemia.

Yo todo el verano estuve siguiendo los Conciertos de verano que ha organizado la Junta de Extremadura, en concreto Cemart (Centro de artes escénicas) y dirigido por su directora, Toni Álvarez, que ha hecho un gran trabajo y dado la oportunidad con todo un cartel lleno de grupos y bandas extremeñas, tocando todos los géneros musicales, y recorriendo muchos pueblos de la geografía extremeña.

También destacar al ayuntamiento de Montijo, no sólo por apostar por los Acústicos al Fresquito, sino porque durante todo el año han estado luchando contra viento y marea en organizar actividades culturales en dicha localidad extremeña.

Carlos Ortíz: Lo único que puedo decir al respecto es que en nuestra empresa tuvimos la suerte de iniciar un nuevo ciclo denominado Malparmúsicas, en Malpartida de Cáceres, donde contamos con un gran apoyo municipal y se nos permitió trabajar, tomando todas las medidas que Sanidad decretó en ese momento. Y todo salió fenomenal.

Se han cerrado cientos de salas y festivales, aunque algunos tuvieron la valentía de hacer eventos con aforos reducidos y con extraordinarios protocolos anti covid, demostrando que la cultura es segura, pero nada rentable con esas condiciones tan limitadas.

En Extremadura, y en nuestro caso, nadie nos llegó a plantear un Contempopranea reducido. No sabemos por qué en nuestra región solo ha funcionado el Teatro Romano de Mérida.

Imagino que el Ayuntamiento de Mérida habrá puesto mucho interés para que las cosas se hicieran bien y salieran adelante. Nosotros no hemos tenido esa suerte, nadie nos llamó para plantear nada. ¿Cuesta mucho programar en nuestros pueblos, ciudades o en nuestra región en general?

Jose Carlos García: Cuesta muchísimo, y más aún en pueblos donde hay poca población, pero pienso que la cultura tiene que llegar a todos los pueblos, y precisamente para los más pequeños, que son a los que creo que deberían de llegar aún más ayudas que a las grandes poblaciones.

Carlos Ortíz: Insisto en que hay que contar con los profesionales. Con las empresas. No queremos depender de los ayuntamientos para sobrevivir. Sí queremos transmitir la idea de que la calidad y los espectáculos de primera línea deben estar en manos de profesionales, como no puede ser de otra forma.

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¿Programar? Eso depende de quien quiera venir aquí a invertir de su bolsillo, o de que la Administración le confíe un proyecto porque sea un profesional. En eso no caben medias tintas.

Agustín Fuentes: En Extremadura es más fácil programar sin tanta anticipación porque no hay mucha competencia dentro de la región, a diferencia de otras regiones, donde el tejido de salas y festivales es mayor, y por eso los artistas se cierran con un año o dos de antelación.

En Extremadura no tenemos ese problema, aunque evidentemente competimos en fechas con otros festivales nacionales, y cada vez tenemos que anticiparnos más al cierre de contratos con las oficinas de artistas. ¿Hay que pagar por la música y la cultura?

Jose Carlos García: Hay que pagar, claro, porque la gente que se dedica a ello tiene que vivir. Pero soy partidario que esto sea también en ocasiones subvencionado por las instituciones, para que la música y la cultura puedan llegar también a la gente que no tiene poder económico para pagarse una entrada.

Por eso creo que también tiene que haber eventos gratuitos, o con invitación, para que a la gente más humilde también llegue la cultura.

Carlos Ortíz: Siempre que haya habido una inversión privada previa, hay que pagar una entrada. Haciendo eso, el espectador está apoyando a que el sector se mantenga.

Si la Administración decide no cobrar es porque el presupuesto público está para gastarlo en eso, siempre y cuando no sea un despilfarro de dinero público.

De todas formas, no soy partidario de dar nada gratis, porque entonces no se valora y se maleduca al público, porque en esta sociedad todo vale dinero, hasta las mascarillas.

Agustín Fuentes: Éste es un debate antiguo que a estas alturas ya debería estar enterrado. No es nada agradable pensar que todavía

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pueda haber gente que no va a un concierto si no le regalan la entrada.

Los trabajadores y trabajadoras de la música viven de ello, de igual modo que viven de sus negocios una pescadería, una gasolinera, o una tienda de bicicletas.

Ahora estamos pagando las consecuencias de aquellos años en los que se abusaba, por parte de las administraciones, de los conciertos gratis a cambio de votos jóvenes. ¿Prefieres grupos originales o de versiones? ¿Debe la administración pública programar grupos tributo?

Jose Carlos García: Prefiero grupos originales, ya que para su creación lleva mucho más trabajo y dedicación. Aunque respeto a la gente que le gusten los grupos de tributo o versiones. Creo que la administración pública

puede programar las dos cosas porque son compatibles.

Pero sí que creo que la administración debería ayudar más y programar más las propuestas originales, ya que, como he dicho antes, necesita de mucho más trabajo.

Os agradezco mucho la entrevista, felicitaros por vuestra labor, y desearos larga vida a LaCarne Magazine.

Carlos Ortíz: La situación es tan complicada para los músicos, que no voy a hacer distinciones ya. Hay muchos profesionales que están pasándolas canutas. Necesitan trabajar. Que cada cual ponga el listón donde le parezca. No voy a ser yo quien lo haga.

No pertenezco a la Administración, ni soy político. Soy partidario de programar calidad. Creo

que eso lo agradecerá el espectador, que es quien elige. A cada músico hay que valorarlo por el trabajo que haga, no por si toca esto o aquello. Pero, eso sí, primero los profesionales que pagan impuestos por ser músicos.

Agustín Fuentes: Siempre artistas originales, excepto que se haga un homenaje a algún artista influyente en el que participen varias formaciones, y cada una de ellas lleve a su terreno la versión.

Hacer tuya una versión sí tiene mérito, pero calcarla como la original eso es copiar, y para eso ya está la original. Hacer un “cover” exacto al original es fácil, pero hacer una revisión personal de la canción, eso sí tiene mérito. La administración pública debe premiar la creatividad y la composición original.

Un músico no solo toca un instrumento, un músico muestra su arte y su composición que le ha llevado meses de trabajo y de inspiración, y eso hay que valorarlo por encima de todo. ¿Qué futuro le espera a Backstageon en este año?

Carlos Ortíz: Seguimos trabajando duro para mantener una programación mensual de calidad en los espacios donde se pueda programar. La situación actual de crisis es un reto que nos planteamos superar demostrando con nuestros conciertos que la cultura es segura, y que, a pesar del recorte de aforos, podemos hacerlos viables.

Sí nos preocupa mucho que este mensaje no llegue al público. Los teatros, por ejemplo, son espacios seguros donde se están aplicando protocolos sanitarios a rajatabla, y donde no ha habido, a fecha de hoy, brote o contagio alguno. Es fundamental transmitir un mensaje positivo de que la cultura está siendo un gran ejemplo. ¿Se puede sobrevivir desde una región como Extremadura de la música?

Carlos Ortíz: Como profesional del sector, animo a quienes se lo crean a que inviertan y programen en espacios públicos o privados, LaCarne Magazine

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con o sin apoyo de las Administraciones.

Es una aventura apasionante, y el retorno económico, aun siendo desigual según el concierto, no debe ser obstáculo para intentarlo.

Pero, eso sí, que se profesionalicen porque para crear un sector real, que ahora apenas existe, hacen falta empresas con marca de calidad, porque son las únicas en las que va a confiar un artista nacional que quiera venir a Extremadura.

Respeto a los amateurs, pero no estamos todos en el mismo saco. Eso la Administración debe tenerlo claro al contratar y valorar la trayectoria de unos y de otros. Y no siempre pasa.

Agustín Fuentes: Las cosas han cambiado mucho afortunadamente, pero seguimos estando muy por detrás de la media nacional.

Las actividades musicales representan un importante motor turístico a nivel nacional e internacional. No se puede rentabilizar de igual manera un festival en Extremadura que en Murcia, porque aquí seguimos sin tren de alta velocidad y sin vuelos.

Sin estos medios de transporte esenciales, el turismo no crece por muchos festivales que podamos hacer. ¿Qué futuro le espera al Festival Contempopránea?

Agustín Fuentes: No vamos a organizar ningún evento en Alburquerque hasta que el Ayuntamiento liquide la importante deuda que tiene con el festival, y encontremos otra fórmula con la Junta de Extremadura para que no sea el Ayuntamiento el intermediario, ya que una vez llegan los fondos al Ayuntamiento, estos no se liquidan con la organización en tiempo y forma. Actualmente todavía se nos adeuda el 70% de la edición del año 2019.

Afortunadamente, la Consejería de Cultura se ha posicionado del lado del festival, y nos asegura que en el futuro se contará con el apoyo presupuestario directo para asegurar la continuidad del festival. Después estudiaremos las

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diferentes opciones de festival a desarrollar, si se dieran las condiciones y según evolucione la pandemia.

Por lo general, los Ayuntamientos apoyan mucho a los festivales (como hemos podido comprobar con Carlos y Jose Carlos, que nos han comunicado iniciativas con ayuntamientos) con una trayectoria como el vuestro. Sin embargo, el caso de Alburquerque es único, con un Ayuntamiento que, lejos de apoyar, ha dañado seriamente al festival. Después de 25 años de reconocimientos nacionales, y de haber puesto en el mapa a Alburquerque, no es nada justo lo que habéis soportado.

Es muy lamentable todo, y personalmente estoy muy dolido. Ya en 2018, durante todo un año, nos estuvieron mintiendo, diciéndonos que la Junta no había ingresado nada del festival en las arcas municipales.

Cuál fue nuestra sorpresa cuando la propia Consejera de Cultura desmontaba la mentira a dos días de anunciar un cartel con artistas de gran nivel. Nos dijo que la cuantía de la Junta de Extremadura destinada a Contempopránea 2018 se había abonado al Ayuntamiento en los meses de junio y noviembre de 2018.

El Ayuntamiento ocultó esta información al festival, y por tanto quedó al festival de 2019 sin la liquidez suficiente para poder anunciar a los cabezas de cartel. El propio alcalde nos reconoció que nos mintieron porque tuvieron que utilizar aquel dinero para otros menesteres.

Como pudimos comprobar, al ayuntamiento le interesa mucho más el dinero que recibe del festival para su financiación, y no que Alburquerque pueda contar con uno de los mejores festivales nacionales, con el consiguiente retorno económico que ello genera al pueblo.

Todo esto nos parece tan increíble que no lo entenderemos jamás, porque hay miles de pueblos y ciudades que darían lo que fuera por contar con un festival como el nuestro.

Pero aquí, en lugar de apoyar al evento que más retorno ofrece a la población, se le asfixia.

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Thurjan

Rap Latino hecho en Cochabamba LEER MÁS

C

onocí a Thurjan a mediados del 2012 -haciendo una grabación casera-, jugando a la canción en el computador de Joel -un seguidor de Marraketa Blindada-, quien me convocó a una colaboración.

El proyecto también viró hacia la intitulada La Paz 2040, un Rap institucional que quedó archivado en el armario de las Demos. Esa tarde -en el barrio de Irpavi- hice nuevas amistades y conocí -paralelamente- al futuro rimador, que se convertiría en protagonista profesional del Movimiento Hip Hop boliviano a lo largo de los años.

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Thurjan Mauricio Velasco Aldayuz ahora radica en Cochabamba, y desde la Llajta -de mi mamá- nos comunicamos en exclusiva para LaCarne Magazine, así conversar sobre su carrera musical y proyectos venideros.

Thurjan, Rap Latino hecho en Cochabamba

Gracias por la amistad y el buen Rap. Personal y musicalmente hablando, ¿cómo estás actualmente?

Actualmente en lo personal y musical estoy bien. Guerreándola como todos, invirtiendo en nuevos proyectos, y viendo cómo sobrevivir día a día. ¿Cómo nace Thurjan a la música?

Bueno, desde chico siempre me llamó la aten-

Tienes un nombre de nacimiento artístico, ¿cómo decides llevarlo de sobrenombrehasta el escenario?

Bueno… el nombre Thurjan me lo puso mi abuela, el cual decidí usar como nombre artístico ya que es raro, y podría decir (que tal vez) único.

Recuerdo que en 2017 nos reencontramos ya en Cochabamba. Recibí autografiado una copia del álbum En la Oscuridad de mis recuerdos (el debut en la carrera de Thurjan). ¿Cómo le fue? ¿Qué resumes de esa ópera prima?

Con este álbum tuve la oportunidad de abrirme bastantes puertas, conocer gente, y muchos lugares. Podría decir que con este álbum puse mi nombre en el mapa con el tema Fragancia. ¿Qué discografía tienes a la fecha?

Actualmente llevo 3 discos (En la Oscuridad de Mis Recuerdos, Sin Miradas Ni Nombres, y Sin Parada junto a Sublevado), y uno en puerta que sale este 2021 titulado En la Cuerda Floja.

ción la música, tanto así que de niño saltaba por los sillones cantando rancheras y boleros, imaginando estar en un escenario. ¿Qué influencias artísticas has recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en ti? ¿Puedes mencionarnos algunas bandas o grupos de tu preferencia?

En casa siempre han escuchado de todo, desde folklóricos hasta Reggae. Los estilos que más llamaron mi atención (por parte de mi abuela) fueron los boleros y las rancheras, mientras que por parte de mi madre fueron los clásicos, Reggae y algo de Rap. Entre mis artistas de preferencia están Vico C, Bronco, Julio Jaramillo, Control Machete, Bob Marley, Vicente Fernandez, Héctor Lavoe.

El disco Sin Miradas, Ni Nombres (Prod. LaboRAPtorio), ¿cómo fue realizado? ¿Cuéntanos detalles de aquel material?

Bueno, este disco es un Mixtape de varios temas sueltos y colaboraciones que tenía guardado desde el 2017 hasta el 2019, muchos de ellos sin estrenar, como Sólo son días, que grabamos en Ecuador, y Elixir, que grabamos el 2017 junto a Soul Level.

Te iniciaste en el Movimiento Hip Hop de Bolivia, en la ciudad de La Paz. Ahora que radicas en Cochabamba, ¿cómo ves y vives la Cultura luego de tantos años de aporte y trayecto?

Ha cambiado mucho y crecido (a la vez) a nivel nacional. Cada ciudad tiene lo suyo, y ha estado luchando (cada vez más) por mejorar. thurjan “Hip Hop es lo que te llena de vida”, dices en Un Estilo ft. J. Ander (Ecuador), un nuevo video y sencillo que promocionan, además que te conecta con el Rap Sudamericano. También has editado un tema en colaboración con MaLaCarne Magazine

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fia Natural (Perú) intitulado Rap 4 Life. ¿Cómo surgen las conexiones internacionales que fortalecen la unión y el desarrollo del Rap Latino?

Bueno, estas conexiones las realizamos justamente para este nuevo disco que soltaré el 2021. Un Estilo es un track que ya teníamos pendiente junto al hermano J. Ander desde mi visita a Ecuador.

Rap 4 Life nace justamente el año pasado -2020- a mediados de la pandemia. Este temase produjo en Camacho Producciones (Perú), y el Beat lo realizó Yogui Trece (Bolivia).

Lo absurdo lo hago serio ft. Zamh, una propuesta sensata de Rap latino hecho en Cochabamba. Cuéntanos de la producción visual, ¿cómo se realiza la obra?

Bueno, este track lo grabamos exactamente en una semana: en la que escribimos, grabamos el audio, y realizamos el film del video. El tema nace un día en que Zamh viene a visitarme a la tienda que tenía el año 2018 (The Hip Hop Shop), donde nos prendimos un par de quesos y nos pusimos a escribir.

Rememoro que en el 2017 tuve el gusto de producir en el Studio de Lizo Mestizo (en Quillacollo), donde grabamos una maqueta para un proyecto de Rap ambientalista a favor del Río Rocha. Estabas trabajando con Yogui Trece, ypudimos engranar algunas ideas que algún rato saldrán a la luz, ¿cómo les fue con aquel proyecto llamado Kraneos Subterráneos?

Aún seguimos trabajando junto a Yogui Trece, quien hizo varios instrumentales para mi nuevo disco, y con quien recientemente empezamos a trabajar un nuevo álbum como Thurjan & Yogui Trece.

La banda Kraneos Subterráneos sigue activa, cada quien ahora moviéndose en lo suyo, pero sin olvidar el proyecto, que ya pronto soltará temas nuevos.

Estas laburando con Lizo Mestizo en directo. ¿Actualmente preparan algo?

Sí, seguimos laburando junto a Lizo Mestizo, ahora más que todo en presentaciones en vivo y en eventos que se vienen para este 2021.

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Te has acoplado a la nueva era de la música (de distribución digital por medio de las distintas plataformas) con el nuevo sencillo Tiempo ft. Edmar Ts que estrenaste a fines de noviembre 2020. Pudiste colocar el tema desde Apple Music, Spotify hasta TikTok, ¿cómo te ha resultado la experiencia?

Con este punto hemos tenido bastantes buenos resultados, ya que pudimos expandirnos un poco más a un público actualizado con las redes sociales.

Las nuevas tecnologías dan la facilidad para que el artista pueda lograr su obra a gusto, conforme sus deseos. Ahora con Smoke Ganjah, ¿qué nos puedes comentar del proyecto?

Los Under XL producen contigo, ¿quiénes son?

Smoke Ganjah nace el 2017 con la idea de hacer una marca que me represente personalmente. Hasta el momento he soltado ya 3

Con el viaje nos fue muy bien, pudimos grabar en Llallagua (4 canciones y 3 videos que ya muy pronto se vienen) en colaboración con Edmar Ts & Taeroma, y, ya al volver, tuve la oportunidad de grabar otra rola junto a mi hermano S. Diza.

Eres de la nueva generación de artistas urbanos, quienes trabajan comprometidos y autogestionados con su propio arte. ¿Cómo puedes sobrellevar esta pasión con tanto esmero y dedicación? ¿Cuál es tu método y disciplina en este apasionante mundo del Rap? Yo creo que es más que todo el compromiso que tiene uno con uno mismo, el saber a dónde vas y a dónde quieres llegar, el ponerle el 101% todos los días. Empecé a sobrellevarlo cuando decidí vivir de esto, hacerlo mi forma de vida -más allá de un hobbie de niño-, mi trabajo.

diseños.

El año 2018 se transforma en el nombre de mi estudio de grabación, a mediados del 2019 la convierto en una Crew de artistas independientes, donde tratamos de apoyarnos y darnos una mano entre todos.

Los Under XL es un carnal de México con el que empezamos a trabajar en las nuevas rolas.

Pude observar que has recorrido un viaje Hip Hop hasta LLallagua (en Potosí) y Oruro, registrando canciones y videos. ¿Cómo anda el Movimiento por aquellos lugares de Bolivia? ¿Cómo te ha ido con la experiencia?

El Movimiento ha crecido bastante, hay mucha gente interesada y metiéndole ganas a esto, tanto en el área musical como en las batallas, que ahora podemos ver en muchas plazas de nuestro país.

Un mensaje para los nuevos y viejos miembros de la Cultura alrededor del planeta entero, ¿cuáles son tus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? ¿Qué les dirías a las personas que quieren incursionar en el Movimiento?

Bueno, decirles a todos que sigan sus sueños, que no los dejen morir, ya que las experiencias son las únicas que nos llevaremos a la tumba.

A los nuevos, decirles que le entren con todo ya, que éste es un gran y lindo mundo, lleno de arte y elementos que pueden salvarte la vida. ¿Cuál es tu frase, lema, verso o dicho? Ése que te anima, alienta, levanta, enfoca, etc., para seguir en la batalla musical.

“Hip Hop es lo que me llena de vida, Hip Hop es lo que me motiva”.

Un mensaje de despedida para la gente, para los nuevos admiradores y seguidores de Thurjan.

Agradecer a todas esas personas que me apoyan y siguen día a día en esta travesía, la mejor vibra para ustedes. Este año vamos por más, para dejarles un mejor material y lo mejor de mí musicalmente. Gracias.

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The Great Discord No Light Without Darkness

H

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ola de nuevo a todos. Para finalizar este gran mes de mucha música, os quiero presentar a una banda muy importante para mí. Ellos y ella forman The Great Discord, son unos amigos de la bonita ciudad de Linköping, Suecia, a quienes les tengo mucho cariño, y les llevo siguiendo la pista desde 2017, y viviendo aventuras desde

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entonces, como la campaña “Follow The Rabbit”, en la que fuimos difundiendo su música y mensaje por todo el mundo. Yo misma me encargo del club de fans de España, al que os animo a uniros. ¡Lo pasaremos bien!

La banda actualmente está formada por Fia Kempe (ella es grande en todos los sentidos, todo un ejemplo de empoderamiento femenino), Aksel Holmgren, Rasmus Carlson y Victor Edström.

The Great Discord: No Light Without

Darkness

Para la audiencia que aún no os conozca, ¿qué representa THE GREAT DISCORD? El nombre The Great Discord (La Gran Discordia) representa el hecho de que la vida no es en blanco y negro, tenemos tanto la discordia como la armonía en nuestras vidas, y de eso se trata nuestra música. Cuando exponemos nuestra música, queremos que el oyente sienta estas dos caras de la moneda.

Tenéis dos álbumes de estudio (Duende y The Rabbit Hole), un EP (Afterbirth), y varios sencillos. ¿Cómo ha evolucionado vuestra música en estos años?

Hemos pasado de un sonido de tipo Metal más progresivo con algunos elementos melódicos al principio, a un tipo de Rock / Metal más melódico y directo, que va en en línea con el desarrollo de nuestra imagen.

Habéis sido teloneros de Ghost, Katatonia y Kvelertak. Yo, personalmente, os conocí en Estocolmo en abril de 2017, cuando fuisteis teloneros de la banda Ghost, con quien también habéis colaborado en varias canciones. ¿Cómo ha sido la experiencia de girar con bandas tan importantes en vuestro país, Suecia? ¿Alguna anécdota que nos podáis contar de aquellas giras?

Durante el concierto de Ghost, en Hovet, Estocolmo, el “campamento” de Ghost llevó a una monja bajita durante el ritual sacramental, y Fia fue secuestrada para actuar como una de las monjas con todo el vestuario y maquillaje completo.

El vestido de monja era unos 30 cm demasiado corto, se veía bastante ridícula, y Tobias tenía envidia de su altura. (risas) Debido a la pandemia, muchos conciertos y proyectos han tenido que ser aplazados e incluso cancelados. ¿Cómo veis el panorama musical en la actualidad? ¿Cómo ha afectado la crisis del Coronavirus a la industria musical en Suecia?

Nos afectó de la misma manera que a todos los demás. De hecho, teníamos algunos planes, pero todos fueron cancelados. La escena musical está marchitándose, y muchos profe-

sionales están perdiendo sus trabajos.

En una nota un poco más feliz, hemos estado ocupados escribiendo para nuestro próximo tercer álbum, así que algo bueno ha salido de toda esta tormenta de mierda.

Sé que estáis “cocinando” algo. ¿Cuáles son los planes de futuro de The Great Discord? ¿Podremos escuchar un nuevo álbum pronto? ¡De hecho lo harás! Actualmente estamos terminando el álbum mientras hablamos, con la esperanza de lanzar nueva música pronto. ¡Mantente alerta!

Habéis versionado a artistas como Prodigy y Björk, y en mi opinión incluso habéis mejorado las canciones originales. ¿Cómo surge el hacer estas versiones? ¿Cuáles son vuestras influencias musicales? ¡Muchas gracias, un gran cumplido! Siempre nos ha fascinado Björk y Prodigy, siendo músicos muy singulares y abriéndose camino musicalmente.

Fue un gran desafío tomar sus composiciones, y hacer algo que, con suerte, no hemos faltado el respeto a su trabajo original. Nuestras propias influencias están por todas partes, desde la música clásica a la vanguardia, del pop al metal extremo. Justin Bieber puede ser tan divertido como Bach. ¿Tenéis alguna manía o ritual a la hora de componer y crear vuestra música? ¡Bebemos sangre de cabra! No, en realidad no. (risas) Por lo general, comenzamos con un “puñado de fideos” de un sentimiento o un estado mental, y luego simplemente va desde allí.

A veces es en colaboración, y, a veces, es algo más individual. Normalmente terminamos juntando todo en las canciones.

Además de The Great Discord, varios miembros tenéis proyectos paralelos. ¿Qué nos podéis contar sobre ello?

Aunque The Great Discord es una cosa muy amplia en términos de contenido musical, a veces simplemente necesitamos sacar cosas LaCarne Magazine

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de nuestros sistemas de alguna otra manera.

Por ejemplo, Gasher es un proyecto derivado de la necesidad de escribir algunos riffs de Death Metal que no son realmente compatibles con The Great Discord. Todo tiene su lugar, por así decirlo. ¿Qué banda sonora le pondríais a esta situación tan extraña que estamos viviendo?

The Demon’s Name Is Surveillance, de Meshuggah, parece apropiada. Quizás Beethoven, séptima sinfonía, 2º Movimiento.

Ya sabéis que quiero traeros a España, o, al menos, volver a veros en directo. Supongo que tenéis muchas ganas de volver a pisar un escenario, aunque esa idea parece que, por el momento, tendrá que esperar. ¿Os habéis planteado realizar algún concierto virtual como están haciendo otras bandas, como, por ejemplo, Avatar?

No lo contemplamos en este momento. Actualmente estamos ocupados escribiendo música.

Esperamos poder tocar pronto la música a la antigua usanza. Si no, por supuesto consideraremos otras avenidas.

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Y para finalizar, ¿algún dato adicional que queráis añadir o enviar un mensaje al mundo? ¡Difunde el amor, no más odio! ¡Pon fin a la violencia machista! ¡Mantén la calma y escucha The Great Discord!

Muchísimas gracias por concederme la entrevista. Estoy muy feliz de haberlo hecho y aportar mi granito de arena para que vuestra música llegue aún más lejos.

Espero, como siempre, que os haya gustado descubrir o conocer un poco más a The Great Discord. Esperamos poder escuchar pronto nueva música, y ojalá podamos reunirnos de nuevo para disfrutarlos en concierto.

Os dejo los enlaces a sus redes sociales y plataformas digitales.

Un abrazo enorme. ¡Nos vemos en la próxima!

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Improvisación Libre con

David Paredes LEER MÁS

Fotos por Juan maRe

Y

o provengo del mundo del Pop-Rock. Mi formación es mayoritariamente autodidacta. En cuanto a mi primer contacto con la Improvisación Libre, reconozco exactamente el momento. Fue un Hurta Cordel en la Casa encendida en Madrid.

La fecha no estoy seguro, pero sería 2004 o 2005. Caí allí de casualidad, y recuerdo perfectamente que me fui del concierto antes de que acabara, me superó. Al salir la idea que giraba en mi cabeza es que se me escapaba esa música por no poder conectar con ella.

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Yo aún estaba en mi historia de música popular, algo de Jazz, algo de Electrónica de baile, y apareció aquello, los músicos que lo tocaban sabían lo que hacían. Entonces mi pregunta fue: ¿qué les lleva a hacer esa música?

Improvisación Libre con David Paredes

En aquel entonces estaba empezando con Sal Om Free (proyecto liderado por Ricardo Marichal), los ensayos eran en su casa, y acabamos escuchando discos cuando terminábamos. Él me enseñó un montón de música distinta, es una enciclopedia andante de música europea contemporánea. Muy conocedor del ámbito noruego, Jazz europeo, y ECM. Con él fuimos a ver un concierto de Manolo Rodríguez y Carlos Costa en la Escuela de Actores de SC de Tenerife, allí conocimos a David Perreko. Empezamos a quedar a tocar y montamos Hormiga de Pan, que fue el pri-

les para guitarra y pequeños osciladores.

Conocí la existencia de unos talleres para la construcción de sintetizadores modulares en Madrid, los imparte un grupo afincado en Barcelona (befaco.org). Allí comencé a fabricar mi propio sintetizador modular.

En paralelo en Tenerife, me pongo en contacto con una asociación que gestiona un Maker Space (kreitek.org), montamos un grupo de trabajo denominado Los electrobardos del kreitek, donde aprendemos sobre electrónica aplicada al sonido, y fabricamos efectos e instrumentos.

Esta visión hazlo tú mismo creo que entronca perfectamente con el espíritu primigenio de la Improvisación Libre. Es de alguna manera lo mismo que las técnicas extendidas del instrumento.

Me permite enfocar el uso de la síntesis modular desde el punto de vista de un guitarrista.

Combino en mi equipo:

mer grupo de Improvisación Libre en el que formé parte. En cuanto a fechas fue a finales de 2007.

Después apareció la idea de montar una sesión mensual de Libre Improvisación en el Equipo Para que mantuvimos 3 años, la aparición de la BBVN, el contacto con el Trio Antimanierista y Victor Sequí, un taller en la Casa Encendida con Wade Matthews, las grabaciones para el Sello Alina.

Para explicar mi instrumentación para improvisar creo que lo ideal es contextualizarlo en el tiempo y cómo llegué a él. Desde hace 4 años comencé a interesarme por la fabricación de instrumentos electrónicos. El primer paso fue a través del Circuit Bending, técnica que consiste en modificar juguetes u objetos electrónicos sonoros para generar sonidos no esperados. Tras ello comencé a fabricar peda-

• Efectos más clásicos para guitarra como fuzzs, distorsiones, delays. • Filtros, osciladores más asociados al mundo de la síntesis • Sistemas de control por voltaje como lfo, envolventes, gates, tiggers, que me permite automatizar dinámicas.

El intento es unir dos mundos, el de la guitarra con el de la síntesis modular.

Para mí, el concepto de Improvisación Libre es más un concepto histórico cultural que una realidad. Apareció en un momento, pero en la actualidad no tiene razón de existir ni de ser.

No encuentro el concepto transgresor que tenía en las manifestaciones sonoras actuales.

Otra característica de la Improvisación Libre, el momento, no es exclusivo de la Improvisación Libre, también está en la improvisación, otro asunto es que tenga una estructura que te sustente o no, eso es otro concepto. Un solo de Coltrane también es el momento.

La Improvisación Libre tiene más que ver con LaCarne Magazine

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un momento cultural, histórico, rotura de libertades; sin embargo, cuando descubres que te puedes sentar con alguien a tocar, sin pactar nada, es un punto importante que engancha.

La gente que no venimos de un mundo académico hemos hecho algo parecido, sentarse a tocar sin pactar y sin formación, lo que ha llevado a que la formación se fuera adquiriendo, como en un proceso. La gente que venimos de estructuras no académicas no tenemos tanto conflicto con la improvisación, con el concepto en sí. ¿Qué aporta la Improvisación Libre?

La realidad de los lenguajes, su contenido significativo de los lenguajes. Hay que ver qué tipo de lenguajes genera una reacción, una jerarquía. Si se utiliza una estructura con mucho peso cultural, dicha estructura condiciona la respuesta de los otros artistas.

Buscar estructuras sin peso cultural te abre unos campos de improvisar música distintos de lo que se entiende en la música convencional (ritmo, armonía, melodía).

La parte política es importante, la idealización de una estructura social horizontal. Aunque el concepto de colectividad se está perdiendo en la actualidad.

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Con la entrada de la electrónica en el mundo cultural popular ya se ha producido una evolución muy importante del concepto musical, grabaciones de campo, efectos sonoros (disparos, pasos), el uso del ruido, música concreta.

Mi sensación personal es que ahora es otro momento, ¿que es la Improvisación Libre?, ¿qué implica su concepto? Yo tengo la sensación de que esta idea ya está superada.

La Improvisación Libre fue un proceso iniciático que me llegó a entenderme como creador, como artista, dentro de un proceso artístico personal que ahora ya me ha llevado a otro punto diferente.

Trabajos de David Paredes: Disco en solitario 2016 Disco de Hormiga de Pan para Alina, de la primera época, no hay publicaciones.

Instalación, performance para NUMA Circuit 2018 Cruz Perro Maldito, discos de Lejos. 2018 Electronica organique para Alina 2019 Con el Trio Antimanierista 2011 Con BBVN en 2012 Colaboraciones para Alina 2013 Con Javier Piñango 2013

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Manigance

Heavy Power Metal desde Francia Manigance, Heavy Power Metal desde Francia

H

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ola a todos! En esta ocasión he tenido el placer y la diversión de poder entrevistar a la dulce Carine Pinto, vocalista de la banda francesa Manigance.

Pude verles en 2018 cuando visitaron Barcelona y Madrid, junto a los tunecinos MYRATH. Fueron unos conciertos muy enérgicos y cercanos, de los que tengo grandes y divertidos recuerdos. Realmente fue maravilloso poder conocer a esta banda que ya ha tocado con grandes del Metal.

Así que espero que disfrutéis de esta entrevista igual que lo hemos hecho nosotras. De verdad, Carine es una mujer poderosa y entrañable con quien tengo pendiente una jarrita de sangría. (Risas)

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Para quién aún no os conozca, ¿quiénes sois Manigance y de dónde sois?

Manigance existe desde 1997. Formada por François MERLE (Guitarra) y Didier DELSAUX (Voz). Manigance siempre ha defendido un metal francés original y melódico con textos poéticos y comprometidos.

Al imponer su estilo, la banda compartió escenario con bandas internacionales como ROYAL HUNT, FREEDOM CALL, STRATOVARIUS, DRAGONFORCE, THE POODLES, VANDEN PLAS, UDO, pero también SCORPIONS en el Olympia (París) y WHITESNAKE. Con su participación en muchos festivales franceses (Hellfest, Vouziers, Raimesfest, PPM Fest, Rockalies, etc.), la banda ha ganado mucha experiencia escénica.

Manigance ha construido una larga carrera y una sólida reputación en Francia. La forma-

escuchar para tener tu propia opinión! ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?

Nuestras influencias musicales son muy diversas, desde Glam hasta Heavy Metal, Prog o Hard-Rock. Cada miembro de la banda aporta ideas y agrega algo especial a la composición del álbum.

Son nueve álbumes los que ya tenéis a lo largo de vuestra trayectoria, siendo el último, Machine Nation, de 2018. ¿Qué vamos a encontrar en este último álbum?

No participé en su creación (no estaba en la banda en ese momento). Este álbum es un power metal un poco más melódico que los anteriores.

Los textos denuncian las injusticias del mundo en que vivimos, la forma en que las personas se ven obligadas a afrontar la realidad, los problemas de nuestra sociedad contemporánea.

ción actual es: Carine PINTO (Voz), François MERLE (Guitarra rítmica), Lionel VIZERIE (Guitarra principal), Stéphane LACOUDE (Bajo) y Patrick SORIA (Batería).

La banda tiene su base en Pau (suroeste de Francia), a unos cincuenta kilómetros de la frontera española. ¿Cómo empezaste a cantar en Manigance?

Fui fan de la banda desde el comienzo de sus aventuras y en su séquito. Fui invitado en la canción Face contre terre a dúo en el último álbum, MACHINE NATION. El cantante (Didier DELSAUX) decidió dejar la banda, y los otros miembros de la banda pidieron reemplazarlo en la gira que comenzó dos meses después. Lo creas o no, así es como me encontré en el autobús turístico con MYRATH para descubrir las escenas europeas durante un mes. ¿Cómo definirías el estilo de Manigance?

Yo diría Heavy Power melódico. ¡Lo mejor es

¿Cómo veis el futuro en la industria musical? ¿De qué manera ha afectado la COVID-19 a la cultura en Francia?

Todo es incierto hoy más que nunca. Cada vez es más difícil vivir de la música. En Francia, la COVID-19 ha pospuesto todos los conciertos y festivales, y ha cerrado muchas salas de conciertos.

Todos los ámbitos de la cultura (música, teatro, artes…) están suspendidos desde marzo de 2020, y las perspectivas de mejora de la situación sanitaria siguen sin estar claras. ¿Qué queréis transmitir con vuestra música?

Queremos transmitir energía, coraje, trascender la ira para generar esperanza. ¿Cuáles son vuestros planes de futuro? ¡¡¡Hay muchos!!! Estamos esperando que las fechas se pospongan con impaciencia porque las alineaciones están planeadas. También estaremos de gira con RHAPSODY OF FIRE en 2022.

Será el momento de defender nuestro álbum mientras componemos. Actualmente estamos en la fase de grabación. Espero poder poner LaCarne Magazine

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mi voz y mis letras en melodías inspiradas.

Supongo que como banda estaréis deseando volver a hacer una gira y volver a subir encima de un escenario… ¡Estamos ansiosos por volver a la carretera para compartir nuestra música y conocer a nuestra audiencia! No podemos aguantar más, ¡¡¡queremos tocar!!! Nuestras creaciones musicales tienen sentido cuando podemos compartirlas. ¡Lo pasamos genial en Barcelona y Madrid en 2018! Nos sentimos muy cerca de la cultura española, y es un gran placer ir a tocar a tu país y conoceros. ¿Cómo fue la gira junto a Myrath? ¿Alguna anécdota que nos puedas contar de esa gira?

Esta gira fue memorable desde todos los puntos de vista. Fue la primera gira europea para mí, nunca la olvidaré. Cruzamos 10 países, recorrimos más de 10.000 km en un mes en un bus turístico con 18 personas.

Músicos, técnicos, conductores se convierten en familia. ¡Compartimos todo: los problemas, las alegrías, las emociones, las risas y las cervezas también! Siento una gran ternura por cada uno de ellos, todos son chicos adorables y galanes. Nos mantuvimos en contacto.

Nuestro primer concierto fue en París. Después de los conciertos tomamos la carretera a Holanda, y dormimos toda la noche en el autobús. Por la mañana, cuando nos despertamos, el aire acondicionado nos había dejado a Zaher ZORGATI y a mí afligidos.

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Los dos cantantes sin voz… Comenzaría la carrera por bebidas calientes con miel y colutorios para ablandar la garganta. ¡Nos esperaba un mes de gira!

Y, para terminar, ¿algún dato adicional que quieras añadir o enviar un mensaje al mundo?

No me gustan los finales ¡a menos que ya estemos pensando en juntarnos! (risas) La música sigue siendo nuestra mejor vía de escape, el principal soporte para superar los momentos más difíciles. Mantengamos la fe en el Metal. Pronto llegará el momento de compartir nuestra música, de reunirnos y de tomar una buena cerveza (o sangría). ¡Mantente fuerte! ¡Muchas gracias, Eva María, y a LaCarne Magazine por la invitación!

Estoy impaciente porque llegue ese momento, querida Carine. Muchas gracias a ti y a Manigance. ¡Marchando esa jarrita de sangría para estas dos damas del Metal! (Risas) Espero que os haya gustado conocer a esta encantadora mujer, y que hayáis disfrutado de la música de Manigance. Ya sabéis que podéis seguirles en sus redes sociales y en plataformas digitales.

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Foto por Gael Herve LaCarne Magazine

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