LaCarne Magazine N109

LACARNE LACARNEMAGAZINE.COM

magazine

2106308222880

europa y latinoamérica

Nº109 - JUL 2021 - AÑO 10

dirty keller

la revelación del Trap mundial

EXPERIENCIAS

Mamá Ladilla - Icon of Sin Kat Von D - Óscar Sancho

ENTREVISTAS

Toque Profundo - Sangre Hirviendo - Altherëgo PuertoHurraco - Ra Beat Surfin Wagner - Elemental Sickness

SUMARIO

N109 aÑo 10 JUL 2021

experiencias 28 Sangre Hirviendo, Rock Duro desde el Silencio 06 Mamá Ladilla, y su nuevo trabajo «Exhuma y Sigue» 32 Altherëgo, regresan a la escena con su Hard Rock 08 Icon of Sin, ¿el nuevo Maiden o el fraude de una disquera?

36 PuertoHurraco, aire fresco en forma de Garage Rock 10 Kat Von D, del tatuaje a la canción 40 Ra Beat, y su nuevo álbum «Pana12 Óscar Sancho, y su libro Ni Políti- cea» ca, ni Religión, ni Fútbol 48 Surfin Wagner, rocanroleando desde el Río Choquellapu entrevistas 60 Elemental Sickness, el Power 24 Toque Profundo, la banda más Trío de Metal boliviano longeva de República Dominicana

16 Dirty Keller

la revelación del Trap mundial

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

jorge ares, omar vega, alfonseka, eva maría aroca, luis lama, cristobal torres

Pedro Gallardo

https://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

LACARNE

4 LaCarne Magazine

magazine

europa y latinoamérica

EXPERIENCIAS

LaCarne Magazine

5

Mamá Ladilla

y su nuevo trabajo «Exhuma y Sigue» Exhuma y Sigue, el nuevo trabajo de Mamá Ladilla LEER MÁS

D

icen que tras la tormenta llega la calma, y es verdad. Tras un 2020 para olvidar, llega Mamá Ladilla y nos alegra el 2021 con la salida de su nuevo trabajo, Exhuma y Sigue, el pasado 14 de Mayo.

El disco es muy bueno, de los mejores de su carrera, es barato (10€ costaba en preventa y 12€ actualmente), y la portada de nuevo corre a cargo del asturiano Alfonso Sangre, quien ya realizó la portada del anterior disco Quien Pudriera. Es una portada macabra y bonita.

Muestra un esqueleto con una dentadura A.M, es decir, de Antes de las Mascarillas. Decir que Sergio González (bajo) y que Abel del Fresno son grandes músicos es quedarse corto.

6 LaCarne Magazine

Decir que Juan Abarca es un genio en todo lo que hace, también, y decir que Mamá Ladilla es una de las mejores bandas del país es una verdad como un templo. Su calidad musical ha ido in crescendo desde su maqueta Directamente a la Basura de 1994.

Este nuevo disco se compone de 12 temas, ha sido grabado en los estudios Pleasure One de Madrid, y mezclado y masterizado en Fresno Estudio. Todo ello realizado por Pablo del Fresno Jiménez.

El disco comienza con Exhuma y sigue, una canción instrumental donde muestran el excelente estado de forma, y la calidad musical del grupo, tocando distintos estilos de música.

Prosiguen con Delirio Cabal, donde mezclan velocidad, toques Metal y Flamenco incluso, jugando con los estilos a la manera «Ladilla-

es plana, como se asegura en esta canción a ritmo de Carasol.

Barbarie fue el tema con el que anunciaron el disco, y donde, ojo, Juan baila en el video y viste de traje (si eso no te parece motivo suficiente para ver el video en bucle…). En Barbarie hablan del poder de la barba en la Prehistoria, y lo que es ahora para muchos, y para mí es la versión actualizada de Janfri Guein (Autoretrete).

Tócala otra vez Sam, canción rápida que habla de ciertas emisoras que ponen una vez y otra los mismos temas desde hace años, parece que les mandan los discos nuevos mediante el tren extremeño, y por eso no llegan.

Llegamos casi al final con Me aburro, una canción cercana al Thrash Metal en ocasiones, y en otra al Punk, recuerda a Gatitos y a sus primeros trabajos. Gran canción para no aburrirse.

na».

El tercer tema es La de Dios, uno de los que más me gustan, donde se preguntan qué es eso de Dios, y tal vez sea impresión mía, pero me da un aire a «Yo prefiero a Baco», aunque La de Dios es más lenta.

Su cuarto tema es Triceratops, dedicado a los vigoréxicos y su obsesión al gimnasio y a los esteroides en un tema más Punk Rock. Un gran tema con homenaje a Musiquito es Ser o no Ser, una oda a la mosca de la mierda, y los deseos de ser reencarnados en una de ellas con el único deseo de molestarte.

Llegamos a la sexta canción, Monguerwoman, la cual considero un ataque a ciertas políticas, cada cuál que elija las suyas, en un estilo hard rockero. Con la séptima canción llegamos al ecuador del disco. ¿Que cómo va a ser el ecuador del disco si hay 12 canciones y vamos por la séptima? Fácil, porque la tierra

En La cinta hablan de los que corren en las cintas andadoras y no van a ningún lado, mezclando piano y guitarras. El tema les ha quedado fetén. Cierra este discazo Wonder ful, una melodía alegre para decir que el mundo es una ful, una mierda.

El disco es, como dije, una combinación de Punk, Metal y los sonidos característicos de Mamá Ladilla, en el que además intervienen Pablo Thonon, quien hizo las intros de los temas 3, 9 y 12, y aportó musicalmente en la totalidad del álbum, y las voces de Estela Mosquera, Jaime Gutiérrez y Abel Morán en Wonder Ful. Espero que compréis y disfrutéis de este gran trabajo!

Website Facebook Twitter YouTube LaCarne Magazine

7

Icon of Sin

¿el nuevo Maiden o el fraude de una disquer Icon of Sin, ¿el nuevo Maiden o el fraude de una disquera?

LEER MÁS

I

con of Sin es una banda que ha dado mucho de qué hablar en las últimas semanas.

Su disco debut homónimo vio la luz a mediados de abril, y ha causado una grata impresión para la gran mayoría de los fanáticos que disfrutan del Heavy Metal de altura.

Y no es para menos, pues el vocalista Raphael Mendes es muy popular en YouTube porque su voz es una calca exacta de Bruce Dickinson, algo que plasma constantemente en todo el álbum de manera perfecta.

Conscientes de que ahí había una enorme oportunidad para hacer negocio, Frontiers Records no dudó un segundo y lo contactó para hacer Icon of Sin. Es decir, más que una banda, es un producto mercantil nacido de las entrañas de una discográfica.

Raphael Mendes no formó la banda. La agrupación fue armada por la disquera para poder lucrar con un Bruce Dickinson brasileño. En una entrevista para Hardrock Haven, el mismo Mendes explicó que él no conoció a ningún músico sino hasta que empezó a trabajar en el álbum.

Peor aún, las canciones no fueron compues-

8 LaCarne Magazine

encandilar a los consumidores de música (que no fanáticos). El ejemplo más destacado es Michael Kiske y Place Vendome.

Curiosamente, Raphael Mendes se siente completamente cómodo sabiendo que es una copia y que la gente lo escucha porque suena a Bruce Dickinson. “Si no fuera por mis covers y la impresión de que mi voz es similar a la de Bruce, tal vez nunca habría tenido un contrato con Frontiers”, reconoció el cantante en Hardrock Haven.

Aun cuando la música es por demás decente, tanto a nivel de producción, composición y técnica, el hecho de que sean piezas prefabricadas para la voz de Mendes las transforma en objetos plásticos, hechos únicamente para vender, y carentes del espíritu y actitud que identifica a bandas auténticas. ¿Ustedes se imaginan a Iron Maiden trabajando de esta manera? Si un productor le dijera a Adrian Smith o Steve Harris: “oye, tengo este solo y esta línea de bajo que quiero que toquen en su siguiente disco”. ¿Cuál sería la respuesta de estos músicos?

ra? tas por ningún miembro que aparece en la alineación de Icon of Sin. Todo (música y letras) fue creado por los compositores brasileños Sergio Mazul y Marcelo Gelbcke, quienes también se encargaron de reclutar a los músicos.

Tal y como sucedía a finales de los noventa y dosmiles, cuando las disqueras juntaban a caras bonitas para formar las abyectas boybands, de la misma manera Frontiers Records armó Icon of Sin para exprimir a los fanáticos del Heavy Metal.

Esto no es nuevo en la disquera que dirige Serafino Perugino. Desde hace por lo menos diez años lleva creando proyectos someros juntando a músicos con cierto valor de marca para que canten lo que otros componen, y así

Si este disco debut tiene el éxito comercial que tanto ansía Frontiers Records, el plan es lanzar otros dos álbumes más. Hasta ahora la respuesta ha sido muy positiva. Las canciones suenan bien, la voz suena bien, y a ninguno que lo ha escuchado le ha importado o siquiera incomodado el hecho de que este proyecto sea una producto sintético.

Queda claro que, aun dentro de los linderos del Heavy, existen tentáculos corporativos ávidos de exprimir el bolsillo de los consumidores. El supuesto aire auténtico que identifica al género se ve mermado cuando un empresario discográfico arma una boyband de metaleros, sin embargo, es más tétrico que los escuchas reciban a Icon of Sin sin un ápice de cuestionamiento en sus cabezas.

Facebook Instagram LaCarne Magazine

9

Kat Von D

del tatuaje a la canción su vida los excesos con el alcohol y su complicada vida amorosa.

LEER MÁS

M

uy buenas a todos, y bienvenidos a esta nueva entrada con la que espero, como siempre, que disfrutéis leyendo, y escuchando buena música.

En esta ocasión os traigo algo diferente, y para ser sinceros, de primeras no sabía qué me iba a encontrar, y la verdad es que me ha sorprendido, y para bien. Estoy hablando de la bellísima Kat Von D, conocida mundialmente por ser la mejor tatuadora y más famosa de L.A., California, y por sus programas de TV, donde conocimos su día a día en su estudio de tatuajes, sus alegrías y dramas, y sus fiestas, vida que la celebridad ya dejó atrás en el pasado, dejando como un capitulo amargo de

10 LaCarne Magazine

Recuperada de todo eso, más centrada, más madura, la renovada Kat Von D, casada con el también músico Rafael Reyes, y también mamá de su precioso niño, Leafar, se estrena en una aventura musical, lanzando su primer sencillo titulado “Exorcism”, que se incluirá en su álbum debut Love Made Me Do It, que verá la luz el próximo 26 de Agosto.

El exocirsmo de Kat Von D

Amante del Rock y del rollo gótico de los 80, Exorcism es una canción muy rítmica, quizá más Pop, pero con el toque de sintetizador ochentero que la convierte en una canción muy pegadiza, y que me ha gustado bastante.

Habrá que escuchar el resto del álbum para poder tener una opinión clara, pero me da

está fuera de tu control.

El videoclip me parece original a la par que sencillo, me encanta que el final sea protagonizado por el mismísimo Piaf, el gatito Sphynx y precioso de Kat Von D. Un final “miautástico” (risas) Me encanta esta nueva faceta de Kat Von D, que ha tenido tan buena acogida entre los fans de la artista (me incluyo), y que, por supuesto, también tiene sus secretos, pues se rumorea que el álbum en sí estaría dedicado y sería una respuesta a Ville Valo, líder de la banda HIM, pues se podría decir que Ville se convirtió en su amor imposible (una larga historia que la artista contó en su libro), y éste le dedicó la canción de Disarm Me del álbum Screamworks: Love in Theory and Practice.

Recordemos también que la tatuadora apareció en el videoclip del tema de los finlandeses Killing Loneliness, y que fue ella quien le hizo varios de los tatuajes que luce el guapísimo Ville (sí, también es mi amor imposible, seguro que el tuyo también). Pero como he indicado, sólo son rumores, y ambos han pasado página desde hace mucho tiempo.

buena vibra, pues no es que estemos hablando de alguien que no tenga conocimientos musicales, y que se haya lanzado a la piscina a lo loco.

Si le habéis seguido un poco la pista a Kat Von D, la habréis visto ya cantando y tocando el piano. Ella tiene estudios de música clásica, y, además, para la elaboración de su álbum debut ha contado con las colaboraciones de Dave Grohl de Foo Fighters y Peter Murphy de Bauhaus, entre otros. ¿Qué os parece? A mi gusto personal, no está nada mal. Es un tema que, según la propia Kat Von D, compuso cuando se aficionó a ver todas las películas de exorcismos que hay, y que quería plasmar en cierto modo lo que es estar poseído, conectar con esa sensación, que quizá sea lo más parecido a estar enamorado, cuando sientes algo dentro de ti y que

En fin, que me gusta mucho el tema Exorcism, que estoy deseando escuchar más de Love Made Me Do It, y de hacerme una idea más completa de esta nueva faceta de la bellísima Kat Von D, a quien, por cierto, tuve la oportunidad de conocer hace algunos años en un evento de cosmética que ella patrocinaba en Madrid, y tuve el placer de hablar con ella.

Me regaló varios productos de cosmética de su marca, e incluso tomó en brazos a mi hijo, que por entonces tenía dos o tres años. Ahí ya vi que le encantan los niños, y a la vista está que es una gran mamá, persona, artista, tatuadora, y ahora cantante.

Para seguir las novedades sobre Kat Von D, aquí os dejos los enlaces. ¡Hasta la próxima!

Instagram Facebook LaCarne Magazine

11

Óscar Sancho

y su libro Ni Política, ni Religión, ni Fútbol LEER MÁS

T

uve la suerte que mi novia en noviembre me regalara por mi cumpleaños el libro que había sacado Óscar Sancho Rubio, cantante de la gran banda segoviana Lujuria, varios días antes de mi cumpleaños.

Tuve que hacer el esfuerzo casi sobrehumano de no abrir el libro antes de mi cumpleaños.

Puedo asegurar que me costó menos dejar de fumar.

Óscar Sancho y su libro Ni Política, ni Religión, ni Fútbol

Lo primero que me llamó la atención fue la portada: Óscar Sancho con la camiseta del

12 LaCarne Magazine

querido y admirado Rayo Vallecano, con una cruz invertida, y un pin de la unión soviética.

Sólo con eso ya me tenía ganado Óscar (risas). El título del libro rompe el mito de que, para tener una convivencia tranquila, como por ejemplo en la comida de Navidad, hay que evitar la política, la religión y el fútbol. Óscar Sancho invita a no evitarlo a lo largo de todo el libro, sin miedo, pero con respeto, para crecer como persona y habla de acabar con la dictadura de lo políticamente correcto, de no cortarnos a la hora de hablar de nada.

La portada no ha podido ser más acertada, excelente trabajo de Juan Bruno.

El prólogo viene de la mano de Fernando Madina (Reincidentes), con el que ha iniciado una plataforma llamada Rock contra el Fascismo, en la cual toda aquella banda que quiera firmar el manifiesto contra el Fascismo, puede

los músicos, cómicos, etc., a través de las redes hicieron lo posible para hacer más llevadero el confinamiento.

En la fase Buitre critica la situación de la crisis del Covid, habla de la figura del «Metalvox», y cómo han ido cayendo las caretas de gente que se sabía desde hace mucho de qué pie cojeaban (ésta es mi opinión), critica el desamparo que están padeciendo los músicos y salas de conciertos, provocando que muchos/ as tiren la toalla, y proporciona posibles soluciones al sector.

La última fase es la Nueva normalidad, una normalidad donde no hay cabida para los buitres, xenófobos, machistas, y es eso lo que tenemos que hacer: no rendirnos nunca y conseguir una sociedad igualitaria, humana, y respetuosa con el prójimo.

Sólo puedo recomendar encarecidamente el libro, te engancha de principio a fin, aunque este caso sería de fin a principio. Me llevé una muy grata sorpresa al encontrarme la dedicatoria de Óscar Sancho, y que en el apartado de los Qr con las entrevistas, música, etc., apareciera mi reseña al gran disco de Somos Belial en LaCarne Magazine. contactar con Oscar o Fernando a través de Facebook o Instagram.

El libro comienza por el fin y acaba en el principio gracias a la técnica narrativa de la anticipación, pero con el fin de mandar este mensaje: «Si crees que se puede hacer, se puede hacer, te digan lo que te digan».

El libro lo divide en 4 partes que ahora desgranaré: La primera parte es la fase Burro, la negación de la gravedad de la enfermedad, la que creíamos que se iba a quedar en China, y la que, como no nos afectaba, seguíamos haciendo la vida normal, hasta que llegó la enfermedad y el confinamiento.

Además, está hecho a partir de las publicaciones e interacciones de su Facebook. Se ha podido ver cómo ha ido evolucionando día a día el libro, del que, si no hay cambios, tendrá una segunda parte. Si admiras a Óscar Sancho, es tu libro, incluso si tienes prejuicios sobre él, es tu libro.

Cuando abrí el libro se me vino a la mente el título de la canción de Extremoduro Ábreme el pecho y registra, y eso es lo que hace Óscar Sancho, así que abre su libro y registrarás lo más profundo de su ser.

Hasta aquí la reseña del libro, espero que os haya gustado, y os animéis a leer el libro. Encontraréis más información sobre Óscar Sancho y su libro en los siguientes enlaces: Facebook y Librería La Esquina del Zorro.

La siguiente fase es la del Mono, donde, aparte de hablar del Dj de balcón, habla de cómo LaCarne Magazine

13

LACARNE

14 LaCarne Magazine

magazine

europa y latinoamérica

entrevistas

LaCarne Magazine

15

Dirty Keller

la revelación del Trap mundial

D

irty Keller ha sido una revelación en la Redacción de LaCarne Magazine.

Este gran Dj y productor, a caballo entre Francia y Venezuela, ha conseguido destacar en un sector de la música donde muy pocos sobreviven al paso de los años, y ha creado una marca propia que se refleja claramente en todas sus producciones.

Trabajador, generoso, y creativo, no pierde la oportunidad de ayudar a Mcs emergentes a lo largo y ancho del mundo. Con las cosas bastantes claras, el periodo de pandemia mundial no ha hecho otra cosa que fortalecerle, consiguiendo diversificar su arte, y establecer una forma de trabajo efectiva y potente.

16 LaCarne Magazine

Nos encantó escuchar su último trabajo, Trap Beat Instrumental, donde se nota su clase y calidad desde la primera base, mezclando los diferentes estilos que se hacen en el trap, como trap drill, trap soul, dark trap, hard trap, y hip hop.

No queremos haceros esperar más, por lo que os presentamos a Dirty Keller en esta completa entrevista, donde hablaremos de sus inicios, su trayectoria y evolución, y sus planes de futuro.

Si quieres saber cómo se están haciendo las cosas a nivel mundial en el Trap, no te pierdas a Dirty Keller!

LaCarne Magazine

17

Dirty Keller, la revelación del Trap mundial ¿Qué tal estás, David? Encantados de poder charlar contigo y conocerte un poco más. Antes de entrar en materia y que nos cuentes más acerca de Dirty Keller, nos gustaría saber un poco más de ti. Por lo que tenemos entendido, resides en Francia, pero eres venezolano, ¿cierto? ¿Qué te llevó a este país? ¿Por qué Francia?

Mi papá vive en Francia. Mi primer idioma fue el francés hasta mis 7 años, que mis padres se divorciaron, y de allí en adelante crecí en Venezuela con mi mamá, y en el año 2012 decidí venir a Europa para dar a conocer mi música en el continente europeo, sobre todo en Francia, donde la cultura Hip Hop & Trap vive su mejor momento.

Antes de que nos cuentes más acerca de Dirty Keller, dinos, ¿dónde y cuándo comienza tu interés por el mundo musical? ¿En qué momento te das cuenta de que quieres dedicarte a ello?

Desde muy temprano me gusta la música. Recuerdo que desde pequeño en el colegio, en lo que había una fiesta o algo que celebrar en clases, era el que llevaba el radio de mi casa, y ponía la música. En ese entonces era en “cassets a lo old school” jaja Me di cuenta que quería dedicarme a la música desde temprano. Todo empezó cuando un amigo me trajo un programa para hacer instrumentales de techno llamado Pro DJ, y desde allí empecé a crear ritmos electrónicos, y luego fui aprendiendo a usar otros programas y a grabar y tocar instrumentos de manera autodidacta, y me fui de lleno con el rap.

Me sentía en mi elemento. Siempre me gustó el break dance, los graffitis, los freestyles, las líricas buenas…, la cultura Hip Hop. Dedicarse a una profesión dentro de este mundo no siempre es fácil. En tu caso, ¿has tenido dificultades para desarrollar tu carrera profesional? ¿Qué te dijo tu familia cuando dijiste que querías dedicarte a la música?

No es fácil, como dices. Uff, si te contara.

Me han pasado tantas cosas…, entre ellas la

18 LaCarne Magazine

muerte del mejor rapero y amigo que he producido, llamado MC Ardilla. A pesar de que han pasado más de 11 años, sigue estando presente en mi mente cada día. Con Ardilla habíamos trabajado durante 2 años su disco, le produje y grabé más de 60 canciones, y en lo que ya estábamos listos para lanzar ese material y firmar con una gran disquera, ese mismo día me llegó la triste noticia de que lo habían asesinado. El disco se llama Hay que cuidarse para matricular, y está en Youtube.

Mi familia, en la música siempre me apoyó,

siempre creyeron en mí, y confiaron en mi talento. ¿Es en ese momento cuando decides que quieres dedicarte a esta profesión, cuando surge Dirty Keller? Cuéntanos más acerca de este proyecto o alterego. ¿Qué propuesta musical nos trae Dirty Keller?

En el año 2000/2002 decido montar mi primer estudio de grabación llamado Keller Record’s, 100% enfocado en el Hip Hop, y a producir artistas de la movida de rap underground de los

ghettos de Caracas. En ese entonces éramos vistos como unos extraterrestres. Si te digo que había 5 estudios de grabación de rap era mucho. Nosotros impulsamos esa movida rapera que luego se extendió por todo el país.

Para mi a.k.a Dirty Keller me inspiré de Old Dirty Bastard, un rapero del grupo de rap estadounidense Wu-Tang Clan. Tomé el Dirty y le agregué Keller, que es mi apellido.

Mi música y estilo han ido evolucionando. CoLaCarne Magazine

19

mencé sampleando viejos discos y haciendo instrumentales boom bap, o bombo caja como se le llama también. Luego aprendí a tocar instrumentos, entre ellos el piano, que es mi preferido, y así comencé a crear mis propias melodías y samples, cosa que me dio una identidad musical diferente a lo que muchos hacían.

Según tenemos entendido, Trap Beat Instrumental es tu trabajo más reciente, un trabajo compuesto por un total de 50 pistas o bases instrumentales. Háblanos un poco más acerca de este trabajo, ¿qué estilos y ritmos vamos a encontrar en estas pistas?

Este proyecto de instrumentales de trap y beats de hip hop es un concepto que quise crear mezclando los diferentes estilos que se hacen en el trap, como trap drill, trap soul, dark trap, hard trap, y hip hop, sin ningún rapero o cantante que cante encima de mis ritmos. Quería que el público escuchara mis melodías y disfrutara las melodías bajos y baterías sin voces.

Este mundo musical es muy ingrato a veces. Te explico: muchos productores damos todo por impulsar a muchos raperos cantantes, etc., invertimos tiempo, dinero, energía y demás, y cuando estos despegan y se dan a conocer, se van y ni te agradecen por todo lo que hiciste por ellos.

Por eso me estoy enfocando más en mí y mis músicas (solo instrumentales) en este momento.

Aparte sigo produciendo talentos, sobre todo los que vienen saliendo, “la nueva escuela” como se les llama, y les hace falta apoyo.

¿Dónde has grabado este trabajo? ¿Cuentas con tu propio Home Studio o has recurrido a un estudio externo?

Fue grabado en Francia, en mi propio home studio.

Y la producción de este trabajo, ¿la has hecho tú o has contado con alguna ayuda?

He hecho solo toda la producción, también los videos con las animaciones que he estado publicando en mi canal de youtube. Para poder tener el tiempo de hacer todo eso tengo que despertarme cada día a las 5 am. Y quedo corto, siempre faltan detalles. Soy súper exigente conmigo mismo (Ver Phantom en Youtube - Ver Virus en Youtube).

Además de sacar tu propio trabajo, también has trabajado junto a otros artistas. Háblanos de esa experiencia. ¿Llevas la cuenta de los artistas con los que has trabajado? ¿Hay algún artista que quieras destacar?

Sí, he trabajado con muchísimoooos artistas, ya casi que perdí la cuenta. Entre ellos el grupo

20 LaCarne Magazine

Candelaria Family, Mc Ardilla, Profeta el newton, Rasta Mc, Akapellah, AL2 y Silvito el Libre, Damian, Selector Cocoman, o Adso Alejandro.

Mi más reciente colaboración fue con una muy talentosa rapera francesa llamada Pearly, con el tema “La Money”, que tuve el honor de hacerle toda la música. El video oficial está en youtube. Y vienen muchas colaboraciones Feats con raperos franceses y de Estados Unidos que ya están casi listos por salir a la calle.

¿Cuál es la lección más importante que has aprendido de trabajar para/con otros músicos? ¿Qué diferencias encuentras entre trabajar para otros o trabajar solo para ti?

Aprendí a conocer el lado humano de los artistas, a escucharlos y crear juntando ideas, cosa que a veces puede ser difícil porque, como dicen, cada cabeza es un mundo.

Y trabajar solo también es interesante, sobre todo para mí, que me apasiona tanto la música, pero, por lo exigente que soy conmigo mismo, puede ser hasta más complicado que cuando trabajo en grupo. Puedo borrar canciones que llevo días creando si un detallito no me convence.

Borro todo y vuelvo a empezar desde cero.

Sabemos además que también estás desarrollando tu faceta más artístico-visual. Cuéntanos un poco más, ¿qué importancia tiene para tu trabajo la imagen? ¿cómo vas a integrarlo todo?

Sí, así es. Antes me enfocaba más en la música y menos en la imagen, y me di cuenta que, para que tu producción sea un éxito y llegue a mas personas, las dos tienen que ir juntas. Después de investigar y ver la manera en que muchos publicaban sus beats en Youtube, intenté hacer algo distinto con animaciones con caricaturas old school, y nuevas con fuego y otros efectos que se mueven al ritmo de las baterías y la música, y este concepto ha gustado mucho (ver Boo en Youtube - Ver Sauvage guitar en Youtube). ¿Qué se va a encontrar el público en tus directos? ¿Cómo planteas tus espectáculos musicales?

LaCarne Magazine

21

Me planteo un concepto como el grupo Gorillaz, acompañar el concierto con visuales, y animaciones que hagan volar a los que las ven, y que éstas estén acompañadas con mis instrumentales, y, bueno, con los platos de dj para mezclar y lo clásico, quizás algunos artistas invitados sorpresa que improvisen en algunos ritmos y bailarinas.

Parece que la actividad musical y cultural vuelve a activarse poco a poco. ¿Cómo está el panorama en tu lugar de residencia? ¿Tienes algún espectáculo próximo o fechas futuras?

Sí, todos los eventos se están reactivando poco a poco, como en la mayoría de países, y, bueno, por ahora trabajo mucho en la promoción en radio, prensa, y tv, y después estaré más enfocado en preparar una gira y diferentes eventos. ¿Cuáles son tus planes o próximos proyectos a corto plazo? ¿Alguna fecha o trabajo que quieras destacar?

Lo próximo que quisiera realizar es un segundo álbum estilo Trap beat instrumental, la parte 2, con otras 50 instrumentales. Ya eso está bastante adelantado, voy por la instrumental número 30 en este momento. También estoy trabajando en un proyecto con muchos raperos franceses, lo que pasa es que la mayoría están con disqueras, y los tiempos para poder publicar ese material tarda un poco, pero eso viene, y será una puerta que abriré para los beatmaker latinos y venezolanos sobre todo, porque no hay muchos que estén haciendo eso aquí. Es un mercado bien cerrado y difícil de entrar.

Ha sido un placer hablar contigo, conocer un poco más tu proyecto Dirty Keller y tu música.

Te deseamos mucho éxito y que vuelvas pronto a LaCarne Magazine para que nos cuentes cómo te ha ido. ¡Un fuerte abrazo!

INSTAGRAM YOUTUBE FACEBOOK 22 LaCarne Magazine

LaCarne Magazine

23

Toque Profundo

la banda más longeva de República Domini

C

LEER MÁS

atalogados como la banda más longeva y respetada en República Dominicana, Toque Profundo también tienen la distinción de ser la banda con más sencillos números 1 en las radios de ese país.

Toque Profundo es una banda con una trayectoria de 30 años ininterrumpidos. Pues conoceremos más sobre esta banda de gran trayectoria con la siguiente entrevista respondida por todos sus integrantes.

Toque Profundo, la banda más longeva de República Dominicana

Desde sus orígenes, Toque Profundo ha sido una auténtica banda de rock. ¿Qué nos pueden hablar de los orígenes de la banda, los cambios ocurridos en el tiempo, y cuál es la

24 LaCarne Magazine

actualidad de la banda de rock más longeva de Republica dominicana?

Muchas de las bandas dominicanas de nuestra generación fueron fruto de haber participado en un concurso de bandas llamada Las Olimpiadas Rock. Lo nuestro no fue la excepción, ganando la 6ta edición de la misma en el 1989.

Por diferentes motivos, el quinteto que obtuvo la victoria se fue regenerando hasta quedar 27 años después como un trío, en el que solo el cantante y compositor principal, Tony Almont, es el único miembro de la alineación original.

Desde mi propia óptica, Toque Profundo es una gran mezcla musical de rock and roll. Es evidente que hay muchas influencias detrás de la banda, en pocas palabras y en los distintos géneros. ¿Cuáles podrían decir son las influencias musicales y líricas más predominantes en la música de la banda?

Todos los miembros presentes y pasados tenemos gustos musicales diferentes, así como

universales. Cría Cuervos (1999) es nuestro disco más popular con mucha influencia de los 90’s.

Magia (2002) son muchos experimentos de ritmos y letras, nuestro disco más completo.

Vivo (2014) es un disco bien maduro, y renacer de nuestro deseo de volver a grabar luego de 8 años. ¿Quiénes forman Toque Profundo en la actualida? ¿Qué instrumentos ejecuta cada uno? ¿Qué pueden comentarnos acerca de la composición de los temas? ¿Hay alguien que lleve la iniciativa?

Toque Profundo actualmente está conformada por Tony Almont – voz/guitarra, Joel Lazala – batería, y Tomás Álvarez – bajo. En vivo nos acompaña Ariel Sánchez en la guitarra. El proceso de composición es muy diverso. Generalmente alguno de nosotros 3 lleva una idea de música al estudio, y en base a eso se hacen los arreglos y letras.

icana vidas que han ido evolucionando en el tiempo, y eso obviamente se ha reflejado en la música a lo largo del tiempo. ¿Qué temática abordan en sus letras? ¿Éstas representan el sentir y vivencia del dominicano?

Abordamos lo que vivimos, y esto ha ido variando con los años, y por ende de lo que escribimos. Ningún tema humano nos es ajeno mientras sea sincero.

Toque Profundo siempre se ha destacado por la buena calidad de cada una de las ediciones que ha realizado. Para aquellos que no tengan clara la discografía de Toque Profundo, ¿nos podían mencionar todas las producciones que han editado hasta el presente y qué caracteriza cada uno de estos trabajos?

Sueños y Pesadillas del Tercer Mundo (1992) es básicamente Rock clásico con letras acerca de nuestro entorno en República Dominicana. Moneda (1996) es Rock con influencias del Grunge, Funk, explorando letras más

Por el mismo estilo de la banda, Toque Profundo se ha presentado en muchos escenarios con bandas de muchos y distintos estilos, y ante diverso público. A la fecha, ¿cuéles consideran sus presentaciones más importantes?

Todas nuestras presentaciones son importantes, pues en cada una hay alguien que nos va a ver por primera vez, y eso es lo que nos mantiene activos. Los diferentes escenarios grandes y pequeños con artistas diferentes nos han dado esa oportunidad, desde bandas como Maná, Los Rosario, Nux, Los Fabulosos Cadillacs, etc.

Sus presentaciones en Sirius Satellite Radio y SOB’s de Manhattan, según comentarios, fue algo muy bien recibido. Coméntame.

En el 2003, y a través de un productor de TV dominicano, fuimos invitados a este programa en vivo por Serious Satellite Radio, y la impresión fue grande, pues no esperaban que una banda dominicana e independiente sonara tan bien, lo cual debía ser lo lógico para nosotros luego de 10 años de carrera. ¿Cómo ven la actualidad de la escena del Rock en República Dominicana?

LaCarne Magazine

25

No sabemos muy bien. Lo nuestro es enfocarnos en nuestro trabajo, que es lo que nos ha dado resultado. Para que exista una escena se necesita de proyectos viables y rentables, y de eso nos encargamos por necesidad. Las incontables y talentosas propuestas que han existido, existen, y existirán debieran de regirse por este principio para que la “escena” sea una realidad sustentable, y no una carrera de relevos sin meta clara a la vista.

Si la banda pudiese proyectarse en los próximos 3 años, ¿cuáles serían los logros que esperan cumplir en ese lapso de tiempo?

Seguir grabando y manteniéndonos en el gusto de nuestro público.

Dentro del rock hay muchas bandas de varias tendencias que surgen, y al poco tiempo se disuelven. En su opinión, ¿a qué se debe que surjan y se disuelvan tantas bandas, que no todas sean constantes? En este contexto, ¿cómo ven las fortalezas de Toque Profundo para ser una banda consecuente en el tiempo?

Es un tema económico en nuestros países, incluso hasta de evolución musical. En nuestro caso, es haber sido conscientes del reto y entregarnos día a día por años. Con el tiempo ya se hace un poco más llevadero.

A lo largo de tantos años de carrera, la banda ha recibido varios premios. Sería bueno nos comentaras sobre esto, y lo que ha representado para la banda y para cada uno de sus integrantes.

• Premio Casandra como mejor agrupación de rock en 1992, 2010 y 2011.

• Premio Soberano a la trayectoria de 25 años en 2014.

• Mejor video del año por “Rock Radio” en 2015.Varios premios “Lo mejor de rock dominicano” entre los años 1999-2000.

Tomás: Para mí cada premio sella el esfuerzo que hemos hecho por mantenernos en el gusto popular. Lo más importante es quedarnos en el gusto del público.

Los premios son para nosotros un compromiso con el público, y la excelencia para mante-

26 LaCarne Magazine

nerla y seguir creciendo. Cada premio se debe al público que ha hecho de nuestro trabajo parte de su vida y nuestro sustento, por lo cual estaremos eternamente agradecidos.

Vivimos tiempos muy difíciles debido a la pandemia, y también crisis económicas, pero, en estos tiempos de encierro y cuarentena, ¿qué ha estado haciendo Toque Profundo para mantenerse activo?

La pandemia afectó a la clase artística de una manera terrible, y más para los que vivimos de los conciertos, aunque editamos un video de nuestro tema “Levántate” desde nuestras casas.

Lo primordial era llevar nuestra música a la gente de manera rentable, lo que nos llevó a organizar el primer concierto pay-per-view del país a través de zoom, y consecuentemente 3 más utilizando una plataforma llamada TEA-

TROVIRTUAL.DO, creada por un grupo de amigos con la experiencia adquirida y con el apoyo técnico de profesionales del rubro que buscaban lo mismo.

Me imagino que estén trabajando o que ya tengan material nuevo. ¿Es así?

Así es.

Tantos años en la banda, ¿qué recuerdas de esos primeros pasos en la música y cómo ves la evolución de la banda?

Tomás: Satisfacción porque ha valido la pena tanta lucha, tantas caídas, y tan largo el camino. Aún nos queda mucho por dar. El público siempre será lo más importante.

Nunca nos imaginamos estar aquí 32 años después y con un solo miembro de la alineación original. Es una gran satisfacción, ya que el trío que hoy somos tiene en promedio 29

años juntos, aún independientes y activos de manera ininterrumpida (sin contar la pandemia). ¿Planes futuros? ¿Alguna meta que aún no hayan alcanzado?

Seguir haciendo música, seguir viviendo de y gracias a ella, y llevarla a cuantos oídos podamos en el tiempo que nos quede.

Bien, esto sería todo. Muchas gracias por tu tiempo. ¡QUE TO TA BIEN, Y ESO VA!

Facebook Instagram YouTube

LaCarne Magazine

27

Sangre Hirviendo Rock Duro desde el Silencio

G

LEER MÁS

racias a un grupo en común de WhatsApp (La Otra Vereda) me contactó Sergio Llanos, vocalista de la banda Sangre Hirviendo, para acceder a la presente exclusiva.

Con todo gusto coordinamos el tiempo y espacio para calzar la entrevista con el estreno del EP debut de la agrupación paceña de Metal.

Es un privilegio conversar con ustedes.

Escuchando la versión acústica del tema Espira, nos adentramos en esta edición y redacción para LaCarne Magazine. Gracias por la confianza, y por el potente proyecto musical que han emprendido.

Sangre Hirviendo, Rock Duro desde el Silencio

Luego de tantos meses de encierros, cuarentenas, nuevas reglas estatales para controlar la pandemia, etc… Personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

En primer lugar, muchas gracias por la entrevista. Bueno, este tiempo ha sido muy complicado para la comunidad artística y cultural por este problema global del Covid19.

Personalmente, han sido momentos de encuentros espirituales, puesto que he creado algunas canciones para la banda con las cuales nos hemos puesto a trabajar, crear más, y principalmente, a unirnos más como grupo. ¿Quiénes integran Sangre Hirviendo? ¿Qué instrumentos interpretan?

28 LaCarne Magazine

Bueno, la banda está conformada por Alex Reyes en la guitarra líder, Israel Pinto en el bajo y coros, Estéfano Molina en la batería, y mi persona (Sergio Llanos) en la voz, la guitarra acústica y la armónica.

Toman el nombre de una canción del grupo Héroes del Silencio, banda a la que le rinden Tributos espectaculares. ¿Cómo nace el grupo Sangre Hirviendo? ¿Por qué del nombre de Sangre Hirviendo?

Sangre Hirviendo nace de una manera interesante. Una amiga, Adriana García, me invita a ver en un pub a un grupo llamado Elefante Efervescente.

Ahí vi por primera vez a Alex, Israel e Iván Ilaya (primer baterista de Sangre Hirviendo).

Me gustó mucho su presentación, los invité a ellos a que puedan asistir a mi debut musical

junto a mi ex pareja (Chris Eve Sánchez). Al finalizar el evento, mi amiga Adriana nos sugiere que formemos una banda, y nos pareció buena idea.

Sugerimos tocar primero covers de Héroes del Silencio. Después de varios días pensamos en un nombre. Surgió Sangre Hirviendo, justamente por ser una canción de Héroes del Silencio, y que nos pareció sugerente y agresivo como para ser el nombre de una banda de Rock.

Sangre Hirviendo llegamos a ser parte de los especiales que los mismos organizadores y amigos de los Héroes del Silencio, allá en España y México, organizaron a nivel mundial.

Nos registramos y participamos de esos encuentros representando a Bolivia.

¿Qué influencias musicales tienen los integrantes de Sangre Hirviendo?

Bueno, personalmente me gusta bastante música. He crecido escuchando bastante Rock dentro de todos sus géneros, Alex es más abierto a muchos géneros, Israel es más poético y le gusta bastante el Rock Argentino, y Estéfano es de oír Metal Core y esas llamadas Trap (jajaja), pero creo que musicalmente nos hemos complementado bastante.

Logré apreciar en sus redes sociales que en mayo celebran su aniversario con nuevo material, su EP debut. ¿Qué titulará el trabajo? ¿Cómo anda la etapa de producción? ¿Dónde se lo está grabando? ¿Editarán en disco físico? ¿Cuándo sale a la luz?

Sí. En mayo es nuestro sexto aniversario, y lo queremos hacer de una manera muy amena, presentando nuestro primer EP (homónimo) LaCarne Magazine

29

con 3 canciones. La etapa de grabación la venimos arrastrando desde septiembre del 2020, después de haber grabado un concierto Streaming en Hells Bells. Ahí pudimos hablar con el Maestro Jorge Jauregui, quien nos brindó su Estudio para mejorar la primera grabación.

Con respecto al EP, como mencioné, sale en mayo, y el álbum, si todo sale bien, a fin de año, y claro que será en físico como en plataformas virtuales.

Pasemos a platicar de las nuevas canciones. ¿Cuál es el track list del nuevo EP de Sangre Hirviendo?

El EP está conformado por 3 canciones: Elixir, Sueño Trivio y Espira.

Espira -su tercera canción oficial-, ¿cómo nace la obra? ¿Quién escribe la letra y la música? ¿Qué tal le fue en la grabación?

Espira es una canción muy especial para mí, ya que lo escribió Chris Sánchez, y la música la compuse yo en primera instancia.

Es una canción ambigua que representa va-

30 LaCarne Magazine

rios aspectos de la vida (la soledad, la lucha contra el ego, el encuentro, la fuerza de voluntad, e incluso se refiere a la muerte). Luego la banda hizo algunos arreglos con los cuales fue cobrando fuerza y presencia, fuimos puliendo de a poco, salió la Versión Acústica y la Versión Rock. ¿Podrían contarnos detalles de las demás canciones del EP? ¿Cómo nacen y se inspiran las canciones? ¿Quién escribe la letra y la música? ¿Cómo resultó la grabación y mezcla de los temas?

Bueno, creo que hemos vivido bastante la noche en distintos lugares de Bolivia, y los temas tienden a ser referidos justamente a eso. La diversión, la locura, el sexo, así como también se refiere a la soledad, a los tiempos difíciles, el fin de los tiempos.

Gran parte de las letras la compuse yo, los arreglos los hace Israel, el bajista, quien también aporta con letras a la banda. Con respecto a la grabación, fue rápido ya que estamos acostumbrados a tocar en vivo, y en Estudio fue algo más fácil incluso.

prácticamente nosotros entramos en el horario estelar. Al ingresar al escenario, yo exclamé: «Creo que La Logia nos ha teloneado hoy», la gente se rió y fue la primera vez que tocamos nuestras canciones.

La segunda fue en La Paz, cuando tocamos con Ciudad Líquida. Fue épico porque al final del evento hicimos un Jam las dos bandas en presencia de todos los asistentes. Y la tercera fue el Concierto de Comadres el 2019 en La Paz, cuando tocamos con Track de Santa Cruz.

Prácticamente fuimos la segunda mejor banda de la noche. Para mí fue un gran concierto después de haber compartido escenario con tremenda banda como Track.

Un mensaje para los nuevos y viejos miembros de la Cultura alrededor del planeta entero, ¿qué les dirían a las personas que quieren incursionar en el Movimiento Musical?

Que sigan sus sueños, sabemos que es difícil pero no imposible. ¿Cómo han encarado la situación mundial del Covid19 desde la trinchera del arte musical?

Sólo hemos seguido trabajando. ¿Cómo están viviendo estos tiempos de cambio y transformación planetaria? ¿Cuál fue su actual experiencia entre los “streamings” y “los shows presenciales”?

Ha sido complicado, ya que muchas cosas se han paralizado, y han hecho que gran parte de la comunidad del arte y la cultura se estanque.

En el caso nuestro, hemos seguido tocando y tratando de seguir en ese camino a pesar de las restricciones. Los streamings han sido buenas experiencias porque te concentras bastante en que todo salga bien, lo mejor son los conciertos presenciales.

Durante su recorrido musical, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados?

Bueno, en mi caso fueron tres. El primero fue en Potosí, cuando tocamos en un Evento de Apoyo a los Niños Indigentes, la banda principal fue La Logia de Sucre, y ellos pidieron tocar en nuestro horario porque debían irse, y

¿Cuál es tu frase, lema, verso o dicho? Ése que te anima, alienta, levanta, enfoca, etc., para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida.

Bueno, en muchas facetas de mi vida siempre he creído que “debemos llegar a la meta a pesar de los tropiezos y piedras que pueda haber en el camino, tener el valor de afrontarlo se pierda o se gane, lo importante es hacerlo”.

La despedida, sus palabras de despedida para la gente que disfruta de su música, y para los nuevos seguidores de Sangre Hirviendo.

Bueno, muchas gracias por la entrevista. Saludos hirvientes a todos. Sigan apoyando a todos sus amigos artistas asistiendo a sus conciertos y comprando su material. De parte de toda la banda: (Sergio, Alex, Israel y Estéfano) chao.

Facebook YouTube LaCarne Magazine

31

Altherëgo

regresan a la escena con su Hard Rock

D

LEER MÁS

esde la Republica Dominicana, llega esta banda de nombre Altherëgo. Esta agrupación surge en el 2005, logrando lanzar algunos temas musicales.

Luego de un tiempo se separan, y no es hasta finales del 2020 que la agrupación vuelve a reunirse. Su guitarrista, Jasiel Hidalgo, nos hablará más sobre esta banda.

Altherëgo regresan a la escena con su Hard Rock

¿Podrían compartir todo lo relacionado a los comienzos y cómo surge la idea de formar una banda de este corte?

La banda se forma a mediados del 2005 en la ciudad de La Vega, Republica Dominicana. Jasiel Hidalgo (guitarra rítmica), Reagan

32 LaCarne Magazine

Liriano (batería), y en ese entonces Carlos Méndez (bajo), quienes pertenecían a otro proyecto musical, deciden asociarse a Raúl Castillo (guitarra líder) y Minoman Martínez (vocal), y formar una agrupación de Hard Rock que se acomodara a las necesidades musicales que cada miembro de la banda estaba presentando. ¿Por qué Altherëgo como nombre para la banda? ¿Qué hay detrás de este nombre?

El nombre Altherëgo se le ocurrió a Reagan Liriano. Nos encantó la idea, ya que pocos conocían del proyecto, y sentimos que define exactamente la doble identidad que llevamos.

Por un lado, tienes 5 personas normales, que trabajan y se comportan como cualquier otra, sin ni siquiera hacerse notar mucho, y por el otro tienes a 5 tipos rompiendo un escenario, brincando, gritando, y haciendo cosas que normalmente no fueran posible si no fuera por la música y la energía que sentimos al tocar juntos. Es así como una especie de Bruce

Dorje, Royal Blood, etc.

En el 2007 ustedes sacan su primer EP compuesto por tres canciones. Háblame un poco sobre este trabajo discográfico, temas, la forma en que lo han promocionado…

Entendíamos que debíamos tener algo para mostrar. Al fin y al cabo, somos una banda de Rock y es normal querer ver tus canciones plasmadas en audio. Elegimos tres de los temas que mejor montados teníamos (Volar, Quemar tu Recuerdo y Camino de Espinas), y le apostamos a la calidad que podíamos obtener al grabar en la ciudad capital bajo la coproducción musical de Ariel Sanchez (guitarrista, bajista y productor).

Jugamos a ser productores expertos en la materia, cuando en realidad éramos unos críos totalmente verdes en esta plataforma. La verdad que la tecnología de hoy en día se hubiese apreciado en aquel entonces. Antes solo hacíamos media tours (TV y radio), y lo más cercano al boom de las plataformas digitales era MySpace.

Banner vs Hulk, muy cool.

Háblanos un poco sobre la lírica y temática de Altherëgo, ¿qué quieres transmitir con la música y la letra? ¿Qué bandas han sido vuestra mayor influencia a lo largo de cuestra carrera?

La verdad que lo de las líricas es muy ramdon.

Es decir, no nos sentamos a escribirle a nada en específico. Más bien, vamos con lo que sentimos en el momento, o cualquier acontecimiento que esté afectando el entorno.

Por eso encuentras canciones en nuestro repertorio que hablan de guerra, como canciones que le hablan al desamor, al ser uno mismo, etc. Y creo que por eso los fans conectan con la banda, porque esa esencia o esa energía es la que se transmite a través de los amplificadores.

Nuestras influencias son muchas, van desde Foo Fighters, Deftones, Audioslave, Incubus, Green Day, 30 Seconds to Mars, Cerati, Bumbury, Lucybell, hasta Tesseract,

No teníamos un número exacto de streams o plays mensuales, y era más difícil dar a conocer tus canciones, conciertos u otra actividad relacionada.

Para el 2009 lanzan algunos temas. ¿Estos formaron parte de algún nuevo material o fueron temas de repertorio anterior?

Pues no sabría responder si los temas eran viejos o no. Es que siempre estamos en modo creación. Por lo regular estamos mandándonos ideas de melodías, letras o acordes que nos llegan de momento.

Generalmente, cuando decidimos montar una canción, la idea está hace meses, puede ser a veces hasta años desde que se ha compartido. Lo que si te puedo decir es que disfrutamos mucho grabando, y aprendimos bastante con estas grabaciones.

La banda estuvo inactiva por un tiempo. ¿qué o que motivos llevaron a Altherëgo a parar?

Situaciones de la vida, por así decirlo. Es difícil vivir del rock en la Republica Dominicana, por LaCarne Magazine

33

no decir que imposible. Recuerdo que tuvimos que enfocarnos en terminar nuestras profesiones, o crear alguna fuente de ingresos. También nuestros puntos cardinales cambiaron.

Algunos miembros migraron a otros países, entonces las cosas estaban más complicadas que claras. Eso sí, siempre con el deseo de hacer música, de continuar la esencia de lo que significa Altherëgo y de tocar juntos.

En el 2020 se vuelven a reagrupar como banda. ¿Qué les llevó a unirse de nuevo y seguir como Altherëgo?

Aunque estábamos separados como banda, cada uno de nosotros siempre se mantuvo cercano al otro, y también activo en otros proyectos musicales. Minoman trabaja en su álbum, Reagan y Raúl forman la agrupación KCT, y Jasiel sigue componiendo y grabando sus canciones en su estudio casero.

Si hay un culpable de todo este reencuentro debería de ser la pandemia, que hizo que bajáramos las revoluciones del día a día, y fomentó nuestra necesidad de hacer música que nos llene. Para ser más específicos, recibimos un audio de una de las canciones nuevas (demo) grabado donde Jasiel, e inmediatamente todos quisimos grabarlo y regresar.

Simple y sencillo.

34 LaCarne Magazine

¿Sus trabajos discográficos han salido de forma auto-producida e independiente? ¿han tenido alguna oferta de algún sello discográfico?

Todas nuestras canciones fueron producidas en primera instancia por nosotros. Cada uno se encargó de llevar la canción al máximo nivel conforme a su experiencia y talento.

Ahora bien, si hay que mencionar un nombre en todo esto es Ariel Sanchez (Guitarrista, Bajista y Productor), quien ha estado coproduciendo y grabando todas las canciones desde nuestros inicios, y conoce bastante bien lo que hacemos. Lamentablemente, no hay un sello en el país que se interese por lo que hacemos, al menos no en la actualidad, por lo que nunca ha sido opción para nosotros esa vía.

Dada la situación y crisis actual debido a la pandemia, ¿cómo ven en su opinión la actualidad de la escena Rock en Rep. Dominicana, y cómo esto impacta en el crecimiento y profesionalismo de la misma? ¿Cómo está de salud la escena dominicana en la actualidad?

Creemos que se está produciendo algo muy bonito en la escena. Ahora que estamos de vuelta, nos hemos dado cuenta de que el rock en Rep. Dominicana nunca ha parado, hay muchas bandas de muy bien nivel haciendo música, otras que al igual que nosotros han regresado, y algunas más que nunca han dejado de trabajar.

nosotros desde el primero de enero. Empezamos el año con el lanzamiento de Instintos, un tributo a Tabutek, una banda icónica de la Isla, y fue aceptado, para nuestra sorpresa, de manera placentera en la escena del rock dominicano.

Ya para febrero lanzamos Premoniciones, nuestro primer sencillo después de tanto tiempo, y debemos de admitir que ha sido recibido no tanto en la isla, sino también en el exterior.

Todo esto sin ningún tipo de promoción pagada.

Aunque el rock no sea un género que esté pasando por su mejor momento a nivel global, vemos una especie de resurgimiento, y eso nos gusta. Lentamente todo vuelve, hace poco Altherëgo tuvo su primer concierto en vivo (Personal) en la Isla, y de verdad que fue maravilloso. Entendemos que la pandemia ha afectado a otros géneros, e incluso a bandas de rock que están en un nivel más alto.

Ahora bien, creemos que, en el caso de Rep. Dominicana que la escena es tan precaria, esto ha hecho que el musico se enfoque más en el tipo música que quiere hacer, en lugar de hacer música popular para traer dinero a sus bolsillos. Aunque suene extraño, debemos de agradecer esa parte a la pandemia. No todo es malo al 100%.

A parte de que nuestra música ha crecido con nosotros, también ha crecido nuestro criterio para trabajar en el medio musical. Eso es bueno, porque cuando haces las cosas con calidad y en orden, es nuestro entender, todo trae sus dividendos, al fin y al cabo. Seguimos teniendo la misma esencia con más consciencia y feeling.

Adicional a la promoción de este nuevo tema musical, ¿cuáles son otros objetivos de la banda para lo que queda de este 2021?

Estamos más que contentos por los resultados que hemos obtenido con Premoniciones, y sobre todo por tener la bendición de hacer música juntos nuevamente.

Vienen más sencillos en camino, video clips, Live Streaming, conciertos (esperamos uno que otro fuera del país). En fin, ¡super contentos por enseñarles todo el material!

¿Quiénes son actualmente los integrantes de la banda?

Altherëgo está actualmente conformado por Minoman Martínez – Vocalista, Reagan Liriano – Batería, José Luis Reynoso – Bajo, Raúl Castillo – Guitarra Líder, y Jasiel Hidalgo – Guitarra

Muchas gracias por acceder a este diálogo, y les deseo que se mantengan con el buen trabajo.

Les damos las gracias por permitirnos un espacio aquí en esta revista. Para nosotros, un placer enorme poder compartirles nuestra música. Esperamos que se repita pronto. Estamos super encantados de estar de regreso y traerles nuevo material cargado de buenas vibras y energía.

Si no estoy equivocado, ya están promocionando un nuevo tema en este 2021. Coméntame sobre esta nueva etapa de la banda.

El 2021 ha venido lleno de sorpresas para

Sigan nuestra cuenta en Instagram, Facebook y YouTube para estar al tanto de todo lo que con amor hemos preparado para ustedes. No se van a arrepentir.

LaCarne Magazine

35

PuertoHurraco

aire fresco en forma de Garage Rock

E

Es un placer teneros entre nosotros. «Garahe” ha sido la mayor sorpresa de aire fresco que nos ha dado la mierda de año del 2020. Nos habéis hecho más ameno el confinamiento. ¿Cómo surgió el EP? Y, sobre todo, ¿cómo surgió la banda?

Garahe nos salió de una manera muy espontánea. Nos conocemos desde hace tiempo.

Hemos sido compañeros de juergas y festis mil, y de repente montamos el grupo, por el puro placer de hacerlo, porque teníamos ganas de tener una banda con amigos que se entendiesen sobrios y ebrios.

Orgullosos de tenerlos en exclusiva con nosotros antes de la publicación de su próximo disco. ¿Tenéis ganas de conocerlos?

Empezamos a ensayar y la cosa funcionaba, fue rápido, directo y fácil. En realidad, ha sido un proceso muy orgánico y sencillo. Lo que grabamos es exactamente lo que nos salió en los primeros ensayos.

LEER MÁS

l mejor EP de Extremadura fue publicado en 2020 a cargo de PuertoHurraco, una formación emeritense fantástica.

Probablemente estamos delante de la formación extremeña con un futuro emergente muy interesante y prometedor, que nos tiene entusiasmados a los profesionales que formamos parte de esta revista musical.

PuertoHurraco, aire fresco en forma de Garage Rock 36 LaCarne Magazine

Puerto Hurraco es una aldea de la comarca de La Serena, en la provincia de Badajoz, que se

hizo famosa por toda España por una crónica negra llena de violencia, venganza, y probablemente incultura, pero viene a demostrar que nuestra región solo sale en los medios de comunicación cuando ocurren desgracias. Así que PuertoHurraco, la banda, ha venido a este mundo a demostrar que su nombre esconde buenas canciones, música y cultura extremeña. ¿Por qué este nombre, chicos?

La verdad es que empezó siendo un poco de coña. No solemos tomarnos muy en serio a nosotros mismos, así que el nombre no nos pareció desafortunado.

Sospechábamos que no pasaría desapercibido, pero creo que tampoco éramos conscientes de estar empezando un proyecto que a la postre se ha convertido en el más importante que hemos tenido entre manos. La intención de últimas, puede que demasiado pretenciosa, es cambiar el paradigma del propio término «PuertoHurraco».

Queremos que la gente deje de asociarlo con una matanza horrible, y empiece a asociarlo a música, música hecha aquí, por gente de aquí…, MÚSICA, que siempre es algo bonito y que se presta al disfrute y jolgorio.

“Gloria” es vuestro single principal. Quizás es el tema menos Punk Rock, y más cercano al Indie o al Pop. A los sintes tenéis a José Ugía, de los Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, una colaboración de lujo para un tema excelso. ¿Cómo surgió dicha colaboración? ¿Cómo salió esta maravilla de canción?

Días antes del confinamiento estuvimos tomando cañas con Jose por Sevilla, escuchó las maquetas y se enamoró de “Gloria” instantáneamente. Solo hubo que esperar una semana para que surgiera la proposición, y nos trajo la magia al sonido definitivo.

En cuanto a la composición, fue tan rápida como cualquiera de las otras. Al ser un powertrío, componemos de manera que la misma guitarra se acompañe durante los riffs, por esto suena tan gorda aun siendo una sola. La letra, siendo los seres trasnochados que somos, retrata las relaciones toxicas nocturnas a las que estamos acostumbrados, y forman

parte de nuestro imaginario.

Vayamos con nuestro segundo tema favorito: “Make España Rage Again”. Es un tema muy crítico con la situación político-económica actual. Repartís hostias a los nacionalismos, al poder, a las casas de apuestas, al periodismo, al futbol…, no dejáis títere con cabeza. ¿Es necesario más temas como el vuestro? ¿Creéis que falta crítica en la sociedad? ¿Cómo surgió este himno?

De las muchas cosas buenas que tiene la música, es que puedes decir lo que quieras y que la gente se lo tome como quiera: una crítica, un himno, una lección, o simplemente lo que al grupo le da la gana de decir. Luego la gente entenderá lo que quiera.

Este tema no dice nada que nadie sepa o haya pensado, no somos corriente de pensamiento, pero sí que hay que aprovechar el trampolín que te proporciona hacer canciones para meterte con los que te caen mal o te hacen la puñeta, de una manera meditada, no por rabieta y pataleo, sino con un criterio formado.

También debemos remarcar que el paro juvenil en el estado está entre el 40% y el 50%, y que los jóvenes de ahora tienen la mitad de capacidad adquisitiva que los jóvenes de hace 30 años según las estadísticas. Que esta generación, ante esta desesperación, solo componga letras sobre el amor y alguna chorrada vacía no sabemos qué quiere decir, pero no augura nada bueno.

Recientemente presentasteis nuevos temas en un concierto pandémico en Madrid. “Tirando a dar” fue una de las novedades musicales que nos enseñasteis. ¿Qué esconde vuestro nuevo trabajo? ¿Qué hay de diferencia con respecto a “Garahe”?

Este segundo trabajo, aunque también nos ha salido muy rápido, está más currado. Nos hemos parado más a cambiar estructuras, darles un rollo que nos complaciera a los tres. Incluso hemos desechado algún tema que hemos rescatado, dándole un aire nuevo.

Pero sin duda ha sido fundamental añadir el sinte. Nos ha proporcionado un colchón y una LaCarne Magazine

37

atmósfera sobre la que podemos trabajar de otra manera. El resultado es, simplificando, más oscuro. Alguno podría pensar que es un cambio muy radical, pero entendemos los dos trabajos como una propuesta perfectamente combinable en directo. ¿Será el 2022 vuestro año? ¿Cómo está siendo el feedback de vuestras nuevas canciones? ¿Os esperabais tan buena acogida de vuestro anterior disco?

La verdad es que, si no estalla un volcán o vienen los extraterrestres, todo apunta a que mejorará lo presente. Por nuestra parte, lo daremos todo por llegar cuanto más lejos, mejor, disfrutando el camino lo máximo posible.

38 LaCarne Magazine

La respuesta de la gente con lo nuevo es muy buena, y eso lo que produce son ganas inmensas de entrar en estudio cuanto antes otra vez.

La acogida de “Garahe” fue una sorpresa tremenda, aunque, siendo un grupo de directo, te deja un sabor agridulce por las circunstancias, pero seguro que en cuanto podamos estamos liándola donde nos llamen.

Volvamos a vuestros temas. “Como tenga el día cruzao” es como si a Robe Iniesta lo hubiéramos puesto a cantar con un grupo de garaje punk americano de mediados de los 80. Es el tema más extremeño quizás del EP. Cargado de expresiones de la tierra, y sobre

todo un acento muy marcado que tenemos los extremeños. ¿Era lo que pretendíais? ¿Es una seña de identidad de la banda? (tenemos en la memoria que en algún concierto tenéis como vestuario indumentaria folclórica extremeña).

Ese tema lo montamos especialmente rápido. Fran llegó un día al local, había tenido un imprevisto en la carretera, y le tocaron las narices. De camino empezó a grabar la letra, conforme se le iba ocurriendo. Nos la enseñó, nos gustó, y empezamos a musicarla.

más, festivales o salas?

En los tiempos que corren nos conformamos con tocar. Una casa de campo, un bar de viejos, o un pub cualquiera. Creemos que somos grupo de sala, pero evidentemente el subidón de tocar en festivales no tiene nombre. Nos molan festis como Monkey Week, BBK, Azkena, Extremusika, Cáceres Underground…

Esos sitios donde hemos visto a grupos que nos molan y siempre hemos pensado “Buah! cuando toque yo en un sitio así”.

Quizá por ese mismo motivo, al haber sido una cosa tan espontánea, nos ha salido tan natural. Que nosotros no creemos en nacionalismos, y no llevamos el extremeñismo por bandera, pero ni se nos pasa por la cabeza desprendernos de esta impronta que nos da el ser de donde somos.

Sí que hay un par de cosas en el tintero, pero no queremos adelantar nada para no gafarlo: una mini gira por el norte, algún festi con algún grande… Lo dicho, nos queda esperar. Dicho sea de paso, tenemos abierta contratación, así que todo es escuchar ofertas.

Lo de ponerse en los conciertos la falda extremeña es simplemente porque Alberto cree que le queda muy bien, y dice que es de lo más cómodo del mundo para tocar.

Habladnos un poco de vosotros, presentadnos al grupo, y de dónde venís y qué hacéis en vuestro tiempo libre.

PuertoHurraco somos un power trío de feos, calvos y viejos que, pese a haber pasado por el ominoso mundo de la hostelería, nos hemos curtido desde hace años en distintas formaciones. Fran ha tocado en A Kara de Perro, tributando a El Último Ke Zierre, es DJ y se pasa las horas muertas haciendo unos remixes para chuparse los dedos.

Alberto fundó en 2010 el primer grupo de Surf Rock de secano El Gran Quelonio, ha tocado con Cataclash, Redtubers, y prácticamente se apunta a un bombardeo. Altair lleva tocando la batería desde hace años en tropecientos mil grupos de metal extremo.

En nuestros tiempos libres, lo que de verdad nos gusta es ir a la taberna El Chinche a ponernos finos de pitarra.

A nosotros nos encantaría veros en directo. ¿Dónde os gustaría tocar? ¿Tenéis cerradas fechas de conciertos? ¿Dónde nos veremos

Antes de despedirnos, ¿tenéis colaboraciones en vuestro nuevo disco? ¿Cuándo tenéis pensado parirlo? ¿Nombre (se puede decir)? ¿Cuántas canciones? ¿Sello discográfico? ¿Algún mecenas?

Tenemos la suerte de estar cerca de muchos buenos amigos que son grandes músicos, pero en Se acabó el andergraund, Fran se ha encargado de los sintes, aunque los teníamos planteados con otra gente. Salió tan bien, que nos bastaba y sobraba. Siempre habrá tiempo para colaboraciones.

Grabamos en Madrid en Noviembre, en 1884Estudios con Carlos Elías, que metió unas guitarras y unas cuantas voces, y Pablo Fergus, prácticamente entre amigos. La mezcla se está mimando, y aún le queda un poquino. Pero nos va a salir un trabajo muy chulo, eso os lo podemos asegurar. Y autofinanciado, que no es moco de pavo. ¡Gracias, amigos, nos vemos en los bares! Y si puede ser en algún bar que regente Fran, pues mejor jejeje Pues os podemos decir cómo vamos a acabar.

Gracias a vosotros ¡Abrazos!

bandcamp YouTube LaCarne Magazine

39

Ra Beat

y su nuevo álbum «Panacea» bum debut que inició la carrera en solitario del músico Rodrigo Villegas, quien trabajó con él como bajista.

Á

LEER MÁS

lvaro “Conejo” Arce, también conocido como Ra Beat, es un artista musical boliviano que va por la Escena nacional – mundial dejando y sembrando un importante legado. Con cuantiosa discografía que data de bandas de Rock, hasta géneros y Movimientos emergentes -en ese entonces- como el Hip Hop o la Electrónica.

Siempre admirando su capacidad interpretativa y creativa, aún recuerdo saltar y corear una de sus primeras composiciones (Maria Luiza), canción que grabó junto a Llegas para el ál-

40 LaCarne Magazine

El artista musical inició su carrera dentro del consolidado Rock – Bol, aportando con su actitud y profesionalismo a la evolución de la Cultura Contemporánea. Un talentoso multiinstrumentista que nos abre el tiempo de su corazón para poder conocer su actualidad y actividad en los Nuevos Tiempos.

Mientras preparo la redacción y edición final de la presente, se acabó de estrenar Bailo con Dios (segundo sencillo del Proyecto Ra Beat, quien prepara el lanzamiento de Panacea, la flamante obra musical que se estrena el 2021).

“Con el Rock crecí, es mi base musical, pero fui alimentándome de otras sonoridades y estilos, y la Electrónica es una parte fundamental” ¿Qué estilos musicales han influenciado en ti? ¿Puedes mencionarnos algunas bandas o grupos de tu preferencia?

Son demasiadas influencias, y tienen que ver por los distintos periodos musicales por los que transcurrí. Desde mis inicios, con el Metal y el Rock Clásico, luego la época Grunge, los atisbos que tuve con el Synth-Pop y los ochentas, hasta el Jazz o la Electrónica más experimental.

Me gusta escuchar mucha música, me gusta coleccionar música. Antes que músico, me considero una persona amante de la música. ¿Cómo surge tu nombre artístico Ra Beat?

Por el juego de palabras que suena a mi sobrenombre en inglés, pero que sin embargo se escribe distinto. Usa el “beat” en vez del “bbit”, y este proyecto desde un inicio nació con esa idea de fusionar “beats” y programaciones, combinándolos con instrumentos tocados para hacer Música Electrónica.

Ra Beat, Bailando con Dios

Te conocí como bajista de Llegas, luego integraste el grupo Escama Do Fish, posteriormente creaste el proyecto musical Ra Beat, más adelante rememoro a Krauss… ¿Cuál es la historia de tu carrera musical hasta el presente?

Creo que la historia puede resumirse en un rockero que hace Música Electrónica. Con el Rock crecí, es mi base musical, pero fui alimentándome de otras sonoridades y estilos, y la Electrónica es una parte fundamental.

Los músicos seremos los últimos en volver a trabajar, y eso es duro, pero feliz de dejar obra en este contexto de encierro y pandemia.

Es por eso que también soy DJ, un camino que a veces uno no elige, simplemente las cosas se van dando de manera natural y con espontaneidad. Tengo una conexión muy fuerte con la Electrónica, y eso se siente en la música que toco o produzco.

Es un orgullo y un honor poder reencontrarnos en esta debida conversación musical. Gracias por la colaboración para la entrevista exclusiva con LaCarne Magazine.

Personal y musicalmente hablando, ¿cómo estás actualmente?

Es un periodo difícil sin duda, sigue siéndolo.

Creo que tengo sentimientos encontrados de estar terminando este disco, y a la vez de no poder tocarlo en vivo por un buen tiempo más.

¿Qué influencias artísticas has recibido?

LaCarne Magazine

41

¿Cuál es la discografía completa entre proyectos solistas y conjuntos hasta la fecha de Alvaro “Conejo” Arce?

Las grabaciones oficiales publicadas en las que participo como músico y / o productor son: Koma – Koma EP (1993), Llegas – Huye el Sol (1995), Llegas – Almaqueloide (1998), Escama Do Fish – Comienzo del Brillo (1999), Ra Beat – Ra Beat (2003), Ra Beat – Delightful (2004), Ra Beat – Electrize It (2005), Ra Beat – Mutaciones (2007), Ra Beat – Mezclas, Remezclas y Angustias (Remixes-2008), Ra Beat – Unplugged (Vivo2009), Krauss – Krauss (2010), Krauss – Antigiles (2013), Ra Beat / Zamora – Vol. 1 (EP-2016), Ra Beat / Zamora – Vol. 2 (EP2017), Ra Beat – Abissal (EP-2018), Ra Beat – Tensión (Single-2019), Ra Beat – Silencio Satélite (Single-2020), Ra Beat – Panacea (2021) por editarse.

Dentro de la videografía de Ra Beat pude disfrutar de clips como Tensión -entre otros-, que marcan una producción brillante dentro de su recorrido profesional. ¿Qué vídeos han sido los que prefieres ver ahora o te gustan más?

Ya sea por su producción, ¿algunas anécdotas de las filmaciones?

El vídeo que hicimos el año 2005 de la canción It’s Over feat. Omar Gonzales (Octavia) tiene una connotación muy especial. Fue un vídeo hecho en animación realizado por Titos.

Se trabajó el concepto en equipo por varias noches, desde crear el personaje (Chuchito) hasta el guion final. Fue un proceso único, la verdad, y una idea súper original.

Actualmente, ¿quiénes te acompañan en el proyecto musical Ra Beat?

Actualmente, y desde hace unos buenos años, Oscar Kellemberger y Paco Aguilar son pilares fundamentales en la banda. Los tres somos el motor creativo y productivo de este proyecto.

En abril se estrenó el vídeo oficial de la canción Puñal ft. Auza, primer single del nuevo álbum de Ra Beat, un tema que mantiene ese sonido electrónico vanguardista que los caracteriza. ¿Cómo nace la canción? ¿Quiénes son los autores y/o compositores de la obra?

42 LaCarne Magazine

Con el invitado, que también es el director del vídeo oficial, ¿cómo se da la conexión y colaboración?

Oscar Kellemberger (OK): Considero que Puñal es una canción visceral, una respuesta a las dificultades y a la incertidumbre que conllevaba el contexto de la pandemia en aquel momento. Rompe los esquemas a los que estábamos acostumbrados, recursos más cercanos a la estética de la música de los ochentas y noventas, y otros más propios del Rock y la música Electrónica convencional.

Sustituidos por otros olvidados: tales como una

“Considero que Puñal es una canción visceral, una respuesta a las dificultades y a la incertidumbre que conllevaba el contexto de la pandemia en aquel momento” De hecho, la guitarra acústica la grabó René Hamel, un músico que viene del lado del folklore, y el tema contiene un sampler de bombo legüero de una canción de Gustavo Cerati. Al final creo que fue un acierto tan grande trabajar con Auza, que terminamos mezclando con él la mayoría de las canciones del álbum.

Ra Beat y su nuevo álbum Panacea

¿Cómo está la producción del nuevo álbum? ¿Cómo fue la etapa creativa? ¿Qué título lleva? ¿Cuándo sale al público aproximadamente? ¿En qué formato lo presentarán?

(OK): La producción del nuevo álbum plantea una evolución bastante grande, un salto cuántico con relación a nuestras anteriores producciones, apreciable en dos áreas de desempeño musical: la técnica y la conceptual.

armonía dramática y expresiva más cercana a compositores del romanticismo musical, como Schumann, Brahms, Chopin o Tchaikovsky, una fuente de recursos enterrada en nuestro inconsciente. Los autores somos Oscar Kellemberger y José Carlos Auza. Álvaro Arce (AA): La colaboración con Auza nace pensando en que tímbricamente el aporte vocal que puede darle al tema es el ideal.

Aparte, José Carlos tiene muchos proyectos apegados al folklore, y en algún momento en la producción de este tema decidimos tomar alguna sonoridad de ahí.

La propuesta creativa en primera instancia emerge de una problemática, la distancia geográfica entre los integrantes y el confinamiento debido a la pandemia. Esta situación nos obligó a utilizar una metodología alternativa, que, si bien la veníamos practicando de manera lúdica, nos obligó a perfeccionarla, ordenarla y organizarla, de manera que sea igual de efectiva que cuando estábamos físicamente juntos.

Recursos como los ensayos presenciales, la utilización de salas de grabación y el acceso a instrumentos musicales ya no estaban a nuestro alcance. En definitiva, la creación del álbum fue un proceso de “ida y vuelta”, de enviarnos ideas, de sumar ideas y de quitar ideas, todo a la distancia.

Paco Aguilar (PA): Una vez que se tuvieron las ideas iniciales sobre la mesa, empezamos a mandar una segunda tanda de ideas sobre cómo abordar el norte estilístico de las canciones que todavía estaban naciendo. Con las LaCarne Magazine

43

Auza, un músico que no sólo hizo una interpretación vocal, también intervino su tema a nivel producción musical, y posteriormente participó en otros temas en la mezcla y finalización de las piezas.

(AA): El título del álbum es Panacea, y esperamos editar el disco en formato vinilo aparte del formato digital. La producción estará en plataformas de streaming en el mes de julio.

Antes publicaremos una serie de sencillos promocionales para dar una continuidad a la promoción del trabajo.

bases hechas, trabajamos mucho sobre la estructura, generando las partes armónicas de los temas, y cómo moverse entre unas y otras. Ése fue un período bastante largo, pues de manera natural se había establecido que queríamos algo interesante en la narrativa de las canciones.

Posteriormente se empezó a trabajar sobre la parte rítmica, creando y programando todos los beats, más meticulosamente, y posteriormente se trabajó mucho sobre la creación de texturas musicales y sonoras, así como los arreglos de partes específicas.

En ese punto ya se tenían esqueletos muy sólidos de las canciones, y con un camino claro establecido para ellas. Fue en esa etapa que se planteó las colaboraciones de artistas que aporten en la parte vocal. Más tarde nos daríamos cuenta que los cantantes no sólo interpretarían sus partes vocales, también crearían sus melodías y letras en base a los temas que habíamos creado. Tuvimos que elegir muy cuidadosamente los invitados de acuerdo a cada canción, y luego esperar que ellos creen sus partes desde otras ciudades y otros países.

En esta etapa fue clave la participación de

44 LaCarne Magazine

Hablando de los detalles de la nueva obra musical de Ra Beat, ¿existe ya el cover art? ¿De qué trata éste? ¿Cuántos temas trae el álbum? ¿Dónde se lo ha grabado? ¿Qué músicos invitados participan?

Sí, el arte de la tapa ya está elaborado por Gonzalo Laserna (Mango Media), y es un concepto que lo trabajamos conjunto la banda. Guiados por el nombre del disco, Panacea, buscamos reflejar ese lugar donde uno se siente completamente bien, donde está esa “medicina” que lo puede curar todo. La música fue un poco eso para nosotros en esta pandemia, por eso el nombre del disco.

El álbum tiene nueve canciones que vienen con ocho colaboraciones en la parte vocal.

Entre los músicos invitados se encuentran Christian Krauss, Auza, Daniel Abud, Imilla Kózmika, Laura Ede, David Roland, Dia Nalabi y Natalia Maldonado.

José Carlos Auza es el músico y productor que estuvo, además de participar como cantante, a cargo de la mezcla, la producción adicional, y los arreglos de Orquesta de varios temas del álbum. Su trabajo y las ideas que aportó fueron claves para lograr la sonoridad final del disco.

Adicionalmente, Marcelo Guerrero, Jorge Zamora y So Myung Jung participaron mezclando otras tres piezas. El mastering y toque final lo ha dado Marcelo Navía en Lado B Mastering.

Si es que ya está listo, ¿nos pueden adelantar

el track list del nuevo álbum? ¿Qué características, ritmos, arreglos, melodías, letras, versos, etc. tienen las canciones?

El track list es el siguiente: • Intro (Arce/Guerrero) • Duality feat. Laura Ede (Arce/Guerrero/Ede) • Bailo con Dios feat. Daniel Abud (Arce/Kellemberger/Abud) • Las Células feat. Imilla Kozmika (Kellemberger/Arce/Imilla Kózmika) • Puñal feat. Au Za (Kellemberger/Arce/Auza) • Milano feat. Natalia Maldonado (Arce/Kellemberger/Maldonado) • Red Eclipse feat. David Roland & Spindle (Arce/Aguilar/Roland) • Out feat. Día Naláni (Arce/Nalani) • Continuum feat. Christian Krauss (Kellemberger/Aguilar/Krauss) El disco es muy ecléctico, las canciones transitan por varios géneros y estilos, incluso hay varios pasajes dentro de las mismas canciones que en algunos casos se combinan con arreglos orquestales. Hay también mucho uso de sintetizadores, y las intervenciones vocales diferentes suman para hacer de este disco un viaje musical, cual si fuese un compilado de géneros musicales, pero que sin embargo tienen un hilo conductor.

Para la carrera de los artistas, ¿hacer un Sinfónico es como alcanzar a conquistar la cima de un nevado o del Everest en sentido metafórico? ¿Cómo fue el proyecto de Ra Beat Sinfónico? ¿Qué anécdotas se pueden compartir?

(OK): La idea de que la Música Sinfónica es una cúspide en la carrea de un músico no es realmente cierta. Si bien exige un trabajo de gestión bastante tedioso en cuanto a su producción, musicalmente es un recurso más.

La Orquesta es un instrumento así como una flauta sola, una quena o un piano.

Más aún, considero que es más complejo componer para un instrumento solista que para un grupo de instrumentos. Los ensamble de solistas, conocidos tradicionalmente como “Música de Cámara”, exigen mucha más precisión y virtuosismo que en grupos numerosos. No por nada el Cuarteto de Cuerdas, los conciertos para algún instrumento solo, tradi-

cionalmente son considerados un reto para los compositores.

Sin embargo, la experiencia fue muy enriquecedora para nosotros. Nos obligó a buscar un nuevo código de transmisión que va más allá de la partitura, tales como el pauteo y la organización en un contexto de músicos que no acostumbramos a leer, y músicos que dependen de una notación musical. Otro factor relevante es que tuvimos que entrar en la hermenéutica de ensayo de una Orquesta Sinfónica: solamente dos ensayos. ¿Qué canción es la preferida a la fecha, tanto al momento de escucharla como al interpretarla? ¿Algunas piezas que se hayan hecho parte del público que sigue la música de Ra Beat? Para mí es Mi Oscuridad y Tensión.

Le tengo un cariño especial a Espina Dorsal.

Grabé todos los instrumentos en esa canción, y las voces las grabamos en Buenos Aires.

Fueron días muy frenéticos en esa ciudad.

Recuerdo que escribimos la letra en el taxi de ida al Estudio.

Esa canción es como el soundtrack de ese viaje con Trans, Dani Rico y Pato Pozo, teníamos un grado de complicidad en vivir la LaCarne Magazine

45

por cada uno de los músicos desde sus casas. ¿Cuál es su mensaje para la gente que se quiere dedicar a la música y el arte como estilo de vida?

Que sean consecuentes si se plantean este camino. “Pasan los músicos, quedan los artistas”, decía Charly Garcia. Vi mucha gente bajarse o tomarlo como hobby o algo temporal.

Yo creo que, si te vas a dedicar a la música, lo tienes que hacer al cien por ciento. Es muy difícil en nuestro contexto, país y tamaño de mercado, pero creo que hay artistas que van marcando y abriendo este camino para los que vendrán.

vida intensamente en ese momento, y esa canción creo que lo traduce perfectamente.

Me llamó la atención el tema Silencio Satélite con músicos invitados que grabaron desde sus hogares (en abril 2020). ¿Cómo han encarado la situación mundial del COVID- 19, las cuarentenas, y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical?

Fue un proceso creativo muy lindo, ya que este tema fue hecho durante la “primera cuarentena súper rígida”. Fue la primera aproximación para trabajar a distancia, una prueba piloto de lo que vendría a ser el disco después.

Todos estábamos confinados en casas, y se me ocurrió empezar a trabajar junto a Imilla Kózmika.

Ella estaba de vuelta en La Paz, luego de vivir un tiempo en Colombia, así que conectamos nuevamente e hicimos este track. Yo me encargué de hacer la música, y ella la letra y melodía. Paco y Oscar pusieron los últimos detalles musicales, grabando las guitarras e incorporando samples, y finalmente René Hamel grabó los sikus.

Un aporte especial lo puso mi hijo, que fue quien editó el video con las imágenes filmadas

46 LaCarne Magazine

¿Cuál es la frase, lema, verso o palabras que gustan evocar, y ayudan a seguir adelante en el día a día del juego (o batalla) de la vida?

Bueno, pasaron muchas frases y dichos por la banda en ese sentido. Me quedo con “Zero Relatos”, hasta hicimos unas poleras impresas con esa frase en su momento.

Si, en la medida de las posibilidades, se puede obrar y mantener actividad alguna, ¿qué proyectos tienen para el presente 2021?

Ojalá! En primera instancia, podamos presentar este nuevo disco en vivo con algunos músicos invitados que participaron. Capaz ver la manera de presentarlo grabando un show que se transmita por streaming desde algún lugar abierto, algo que sea en pleno contacto con la naturaleza, nada urbano, y menos un espacio cerrado. El tiempo dirá.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Ra Beat.

Un saludo y agradecimiento enorme por seguirnos y escucharnos. Espero que disfruten y se apropien de este nuevo disco. ¡Abrazos!

Facebook Instagram

MÁS INFO LaCarne Magazine

47

Surfin Wagner

rocanroleando desde el Río Choquellapu

N

LEER MÁS

uestra querida “¡Oh! linda La Paz…” es la capital – política del Estado Plurinacional de Bolivia. La ciudad se caracteriza por su topografía y geografía montañosa y altiplánica, donde la enorme urbe cosmopolita se levanta por encima de una infinidad de ríos, que atraviesan y se cruzan de lado a lado por la hoyada paceña.

Uno de los más icónicos y emblemáticos ríos, que se extiende completamente a lo largo y ancho, es el Choquellapu, tristemente contaminado y opacado por la actividad de un mundo casi depredado por el sistema impuesto.

Cuentan que en un pasado era cristalino y lleno de vida.

48 LaCarne Magazine

Mientras disfruto del material producido por la banda paceña de Surf, Surfin Wagner, el álbum Bienvenido a Playa Infierno -entre otros-, me sirve de soundtrack que musicaliza la presente elaboración y edición de la exclusiva con LaCarne Magazine.

Gracias por la colaboración y confianza, y, aunque no nos conozcamos en persona, vibramos las melodías y ritmos de la Cultura Underground hecha en Bolivia. Con mucho gusto y empatía, es un deleite compartir con Surfin Wagner en esta entrevista.

Surfin Wagner, Rocanroleando desde el Río Choquellapu hasta el Océano Atlántico

Personal y musicalmente hablando, ¿cómo están, actualmente?

Roy (R): Emputado de todo.

cha).

Tras la grabación del primer EP, Surfers del Choqueyapu (2007), Surfin Wagner ingresó en un espiral sin fín de tocadas en vivo, en tanto escenario nos pusieron al frente, desde boliches pequeños, hasta grandes escenarios de Festivales.

Además de haber podido llevar el “tsunami moshero” a Sucre, Cochabamba y Santa Cruz, también pudimos compartir escenario con grandes como Boom Boom Kid y 2 Minutos, y participamos en distintos compilados internacionales.

Paralelamente a esta vida de escenarios, sacamos tres discos: Qué Horror! (2008), La Nueva Ola (2009) y Bienvenidos a Playa Infierno (2017). Actualmente estamos preparando material nuevo, además de seguir tocando en los más alocados conciertos. ¿Quiénes integran en la actualidad Surfin Wagnery qué interpretan?

DT: Los miembros actuales y definitivos de Surfin Wagner son Donn Wagner (batería y voz), Roy Fukker (guitarra y voz), Delirium Tremens (bajo), y El Loco Deeeen (guitarra).

Donn Wagner (DW): Navegando a nuestro propio ritmo. Las olas musicales nos dan la paz que nuestro Ser interior necesita, después de más de una década de invadir la Escena con nuestro “tsunami musical”.

Delirium Tremens (DT): En este momento, como producto del encierro, personal y musicalmente fue una etapa más para encontrase, para reestructurar viejos y nuevos proyectos que tenemos en mente, y esperar el momento indicado para ejecutarlos. ¿Cómo nace Surfin Wagner? ¿Cuál es su breve historia hasta el presente?

DW: Surfin Wagner nace de la necesidad de explorar nuestro lado compositivo dentro de un género poco explorado en nuestro medio por razones obvias. Surfin Wagner es la continuación de una banda que venía trabajando desde 1996 (también con las máscaras de Lu-

¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en Surfin Wagner? ¿Pueden mencionar algunas bandas o grupos de su preferencia?

DT: Al comienzo, la influencia musical más directa fueron bandas de Surf como Los Esquizitos, Lost Acapulco, Sr. Bikini, Las Ultrasónicas, Los Straitjackets, etc. Poco a poco incluimos temas con aires de Rockabilly, Swing y algo de Hard Rock, sin perder la esencia de la banda. Personalmente, escucho de todo, preferentemente amo todo lo que tenga raíces en el Punk, Post Punk, Hardcore o Metal duro de los 90’s.

DW: Surfin Wagner visitamos desde el Surf clásico, pasando por el Garaje, hasta el Punk, mucho Punk. Algunas bandas de referencia estilística son Beach Boys, Ventures, Saicos, Esquizitos, Cramps, Sex Pistols, X, Lost Acapulco, LFC, Los Peyotes y más.

LaCarne Magazine

49

R: Yo diría que el insomnio y los espíritus nocturnos fueron la principal influencia.

Surfin Wagner y sus integrantes tienen el corazón de Rock &Roll. Luego de los años en escenarios y actividades culturales, ¿cómo se vive su estilo de vida?

R: Creo que es como una doble vida. Una de ellas es absolutamente normal, como la de cualquier otro, solo cambia cuando se sube al escenario. A romper oídos, violas y jeans. La diferencia, quizás, es que antes nos enmascarábamos en las noches para rockear, ahora nos enmascaramos de día para esquivar este virus mortal.

DW: Siempre entregados al Rock & Roll, haciendo tiempo entre nuestras obligaciones, familias, trabajos, etc. Para continuar sobre los escenarios y llevando la fiesta pogo bailable a todos los escenarios.

DT: Más lento con el pasar de los años y el pesar de las responsabilidades, pero con muchas ganas de seguir trabajando. Ahora tomamos decisiones tomando en cuenta varios factores que no existían antes, pero seguimos en la misma frecuencia. ¿Cómo fueron los inicios en la escena para Surfin Wagner? ¿Qué recuerdan de aquellas memorables épocas?

R: Demencia. Mucha cercanía con el público.

Recuerdo que las primeras tocadas eran sin tarima alguna, luchando contra la ola de furia bailonguera del público, tratando de mantenernos de pie para seguir invocando el Espíritu del Garaje Surf que se apoderaba de la muchedumbre dispuesta a lincharnos hasta la muerte por más Rock. Vivíamos y moríamos en esos escenarios.

DT: Mucha fuerza, ensayos larguísimos, mucho aguante, tocadas muy frecuentes y mucho desenfreno.

DW: Lo que siempre recuerdo y extraño es MySpace. Esa plataforma era una gran herramienta de promoción y difusión para músicos, y ayudó mucho a propagar nuestra música no

50 LaCarne Magazine

solo a nivel local.

Además, Surfin Wagner tuvimos la suerte de imponer nuestro estilo y ritmo al hacer las cosas por el mismo hecho de ser una banda autogestionada e “independiente”, lo cual nos permitió tener control absoluto en todas las etapas, desde la composición y grabación del material, hasta el diseño gráfico y distribución de nuestro material. También tuvimos mucha suerte al ser apoyados por boliches, medios y sobre todo el público que nunca le dijo “no” al reventón surfero.

Me imagino que Surfin Wagner se inspiraron en el luchador mexicano Dr. Wagner para el nombre de Surfin Wagner. Siendo la Lucha Libre vista como “el patito feo” del Deporte Mundial, pero a muchos -como nosotros- nos llama la atención y encanta su pasión, convicción y show, ¿cómo nace la inspiración para encarnar la imagen de la banda? Siendo Bolivia un amante de la Cultura mexicana (su Lucha Libre, su Mariachi, su gastronomía, su vocablo y slang, entre otros), ¿cómo les ha ido con la

del grupo aún recae en algo de esa era Pulp.

Para muchos músicos, los discos son como sus wawas, uno diferente al otro (en fecha de edición y sonido son únicos). ¿Cuál es su discografía a la fecha y qué años se editaron los discos? ¿Algunas anécdotas de estas producciones? ¿Algún material marcó época en especial para Surfin Wagner?

DT: Los primeros discos, por la actividad que teníamos, reflejaron gran aceptación, y son los temas de esos discos a los que la gente les tiene más cariño.

La discografía de Surfin Wagner es Surfers del Choquellapu (EP 2006), Qué Horror!

(EP 2008), Todos Queremos Tocar el Cielo (Tributo a Los Fabulosos Cadillacs editado por Arde Rock n’ Roll, Argentina), La Nueva Ola (EP 2009), Peace (Producido por Buffet Libre y Amnistía Internacional Catalunya) (Compilado digital 2010).

receptividad de la gente?

DW: Desde luego que la Lucha Libre mexicanaes un arte digno de admiración, y el Dr. Wagner Jr. es uno de los mejores representantes de ese arte a nivel mundial.

Surfin Wagner nace de las cenizas de otra banda en la que ya habíamos usado esta estética por casi otra década (La Banda del Mediko Loko). Con nuestra anterior banda habíamos probado ya el impacto y receptividad de la gente hacia esta estética. Con Surfin Wagner exploramos el sonido Surf, que en su etapa neo coincide con muchas bandas a nivel mundial que decidieron adoptar la máscara asociada al género.

R: Aunque nacimos con la máscara puesta, considero que la imagen y concepto de Surfin Wagner se inspira también en muchas cosas más que rodeaban el sucio verso de la Subcultura luchadora. Ahí clasifican otros mundos, como el del Cine B. Si bien conceptos como vintage y retro han sido comercialmente “bastardizados” y “desespiritualizados”, la esencia

Los Misterios de América del Surf (Varias bandas de Surf Latinoamericano, México) (Compilado 2015), Bienvenidos a Playa Infierno (LP 2017), Kafadan Kontak Records Compilation (con varios temas nuestros para Kafadan Kontak Records, Turquía) (Compilado digital – 2021).

Anécdotas de Surfin Wagner tengo unas varias. En Surfers del Choquellapu no formaba parte de Surfin Wagner, pero participé en los coros mediante otro alter ego que se apoderaba de mí, generalmente, en época de carnaval. Grabamos La Nueva Ola en el Home Estudio de nuestro amigo El Ruso (Entropía Récords), y cuando tocaba la sesión de bajo, le metí tan mal que me enviaron a casa (con un CD con las pistas) para que practique, y vuelva con los temas estudiaditos como en desquite de colegio.

Luego de Bienvenidos a Playa Infierno, mejor conocido como “El K’encha” (que, aun así, lo amo) nos dejó el violero terminando la grabación. Tardamos años en la mezcla por descuidados, y algo similar pasó con un proyecto un poco ambicioso que teníamos para el Arte, tanto así, que lo presentamos 5 años después.

LaCarne Magazine

51

DW: Es muy cierto, los discos son como nuestras wawas. Creo que muchos recuerdan más los primeros hits de Surfin Wagner. Surfers del Choquellapu entró con patada voladora a la escena musical. Sus temas son muy recordados y nos dieron nuestro sitio en el Under local. Los siguientes discos los pudimos trabajar más, con la cabeza más fría, por lo que cada uno tiene su gustito particular.

R: No pienso que sean como wawas. De ser así, creo que las hemos descuidado mucho.

Para llegar a ese punto, creo que tendríamos que haber alunizado en un voraz y explosivo nirvana creativo, pero apenas despegamos.

Aún hay camino por recorrer. Surfin Wagner tiene mucho que dar y no planeamos dormir hasta lograrlo.

La obra de Surfin Wagner es fantástica y llena de detalle gráfico, con dibujos -comics- de la banda y su imagen potencialmente adecuada para las caricaturas, o actuaciones en teleseries o programas. ¿Quién es el artista que maneja la imagen y el arte de la banda?

R: Surfin Wagner por sí misma atrajo una variedad personalidades con talentos curiosos.

Desde “chamanes antiguos” y Techno-Hippies del futuro, hasta ermitaños vikingos y neandertales tecnócratas. Y, claro, no podían faltar historietistas. Hay un lindo romance entre ciertas artes y el ruido generoso que componemos.

La oportunidad de sacar provecho al máximo y explotar las habilidades de algunos talentos bolivianos llegó al punto de arriesgarnos a varias demandas por explotación, que fueron desestimadas tras descarados sobornos. El primero en subirse a esta ola fue el brillante Marco Tóxico, quien se lució extraordinariamente con la portada de Qué Horror!

Luego llegó el demente Andrés Montaño, quien usó su propia sangre para dibujar el arte de Bienvenidos a Playa Infierno. Ambas portadas fueron postuladas para exhibirse de manera permanente en el Louvre, pero las obras se perdieron en la agencia local de correos.

DT: Surfin Wagner tenemos el gusto de haber

52 LaCarne Magazine

trabajado con dos grandes ilustradores nacionales. De la portada de Qué Horror! se encargó el gran Marco Toxico, allá por el 2008. La portada de Bienvenidos a Playa Infierno la realizó Andrés Montaño “El Macho” el 2017.

Estamos totalmente agradecidos con ellos por el corazón y las ganas que le pusieron al trabajar con la banda.

DW: Desde un principio Surfin Wagner tuvimos la suerte de contar con el apoyo de muchos miembros de la comunidad comiquera a quienes les gustó la banda, y tuvimos el honor de contar con el Marco Toxico para el diseño de la tapa del Qué Horror! El artista que logró capturar nuestra idea para el Bienvenidos a Playa Infierno es El Macho, quien salvó al disco de estar guardado otros 4 años más.

Surfin Wagner son cultores y pioneros en un género musical (como el Surf) que es “digno” de lugares de playita, y mareas para el deporte y su práctica. Ha debido ser cargosas las preguntas, hasta irresponsables, del discurso marítimo – político para ustedes como cultores de un estilo en un país mediterráneo. ¿Qué anécdotas conlleva romper esquemas sociales, culturales y demás, con el género musical de Garaje, Punk, Surf, Underground, y la estética artística que presenta la banda?

R: Es brutalmente lógico que se unan ambos

conceptos. Por un lado, el Surf como estilo musical, y, por otro lado, el Surf como deporte. El estilo musical proviene de un ambiente donde se practicaba esta actividad mortal, probablemente creada por masones nudistas.

Nosotros surfeamos en el escenario. El público es el que trae las olas.

El tema de la reivindicación marítima es un asunto tan politizado que no sumamos ningún discurso ahí, preferimos centrarnos en la ¡OH! (ironía de ser mediterráneos). La gente lo toma como broma, nosotros tomamos “Fernet Branca”, el de los champions.

DW: La presentación de Surfin Wagner en la primera canción del primer disco lo dice todo: “No tenemos maaar… pero sí tenemos Suuuurf”. Desde un principio nos auto nombramos como “Surf Mediterráneo Sucio y Desgarrador”, y esa etiqueta llegó a ser hasta atractiva para bastante gente, incluso del exterior.

DT: Éste nunca llegó a ser un tema grande de discusión. Siempre que nos preguntaban les decíamos: “Si existe Beach Volley, ¿por qué no Surf Rock?”. De todas formas, tratamos de darle un contexto propio con Surfin Wagner.

Somos “Surfers del Choquellapu”, 100% altiplánico y mediterráneo.

“Surfers del Choquellapu entró con patada voladora a la escena musical. Sus temas son muy recordados y nos dieron nuestro sitio en el Under local.”

Lo que Surfin Wagner hacemos es traer las olas a nuestro entorno, el boliviano surfea todos los días al ir al trabajo, al recoger a las wawas, en el mercado, nuestras olas no son de agua salada, tienen diferentes formas y texturas, y cada una de ellas hacen que tomemos las riendas de nuestras Tablas de Totora de maneras diferentes.

Durante las cuarentenas y la pandemia, la vida del planeta ha cambiado de manera plena y completa, y desde la trinchera del arte uno tiene que adaptarse. ¿Cómo se han sentido en estos nuevos tiempos de transformación? ¿Cómo ven/viven la Escena y Movida actualmente?

DT: La escena artística, en general, está en una larga espera para explotar. Luego de la pandemia, el mundo se llenará de todos los proyectos que fueron trabajados en silencio, pero lastimosamente puede que muchos no lleguen a ver la luz.

DW: De hecho, el mundo entró a un ritmo de vida del cual yo era ya cultor hace unos 20 años, más o menos. Desde mi trinchera, atrás de una computadora, estuve trabajando, componiendo, grabando y generando todo lo que la tecnología permite, así que no hubo mucho cambio. Aunque esta situación sí afecta a las tocadas en vivo, los músicos del mundo que amamos esta carrera volveremos con más fuerza a los escenarios.

R: Considero que la escena llevaba muerta ya un buen tiempo. En parte, quizá, porque la “cultura del reciclaje artístico” que existe se ha apoderado de quienes quieren todo procesado, instantáneo, prefabricado. Todo empezó cuando dejamos de salir a cazar, recolectar trufas y bellotas.

LaCarne Magazine

53

Desde antes que cierren los boliches, Surfin Wagner ya considerábamos trasladar nuestro show y ruido a las calles, a los recovecos donde están los verdaderos perros sedientos de Rock y un trago. Eso es algo que no ha dejado de estar en nuestros planes.

Muchos se distraen con la forma, en lugar del fondo y contenido, se dejan llevar por la apariencia o estética, relegando el mensaje y el ritmo porque ya no se tiene la capacidad de discernir, tal vez, propuestas musicales únicas y vanguardistas. ¿Anécdotas de sus producciones? ¿Qué nos pueden rememorar del material? ¿Dónde lo produjeron? ¿Cómo y quién lo editó? ¿Qué experiencia han recabado luego de sus lanzamientos y difusión?

DW: Para empezar con una anécdota, nuestro primer disco EP, Surfers del Choquellapu, se produjo completamente desde su composición, grabación, mezcla, diseño, fotos y lanzamiento directo al mercado virtual en una semana, en un diciembre del 2006.

Nuestro más reciente material, Bienvenidos a Playa Infierno, se retrasó como cuatro años, sólo porque nos fallutearon los que debían encargarse del concepto artístico planeado. En medio de esos extremos están el disco Qué horror! y La Nueva Ola, cuyos temas surgieron de las innumerables tocadas que tuvimos tras la salida del primer EP. Los dos primeros discos de Surfin Wagner fueron completamente producidos, grabados, mezclados y masterizados por nosotros mismos. Soy cultor del hazlo tú mismo, y cuando iba a grabar el Surfers del Choquellapu, y había reunido un pequeño presupuesto, dije “si alguien va a grabar este disco, y lo más probable es que la cague y no me guste, prefiero cagarlo yo”, así que, en lugar de pagar un Estudio, compré una pequeña consola, algunos micrófonos, y a grabar se dijo.

Se usó un software que ya para la época era antiguo, Cakewalk Pro Audio 7.00. El mismo sistema se usó para el disco Qué Horror! En los dos siguientes discos decidimos confiar en amigos de la banda para que se encarguen de la grabación y mezcla con el fin de mejo-

54 LaCarne Magazine

rar el sonido. En ese sentido grabamos con El Ruso (Sergey Kolesov) y el Sapo Ustarez, quienes son hasta el momento los únicos que le metieron mano a nuestra música aparte de nosotros.

Los vi en Viajandona – Programa de Turismo, y en el Episodio 19 (La Noche Loca) de la Miniserie Zeta. ¿Qué anécdotas guardan de las filmaciones?

DW: Surfin Wagner nos sentimos como las viejas estrellas de la época del cine de oro mexicano que aparecían un ratito tocando en alguna película (jaja).

DT: Viajandona fue un programa del Canal brasilero Multishow. El formato era muy bueno, consistía en un viaje turístico poco convencional que utilizaba un hilo conductor, en este caso, fuimos nosotros. Fue una experiencia muy divertida.

Empezamos mostrando algo de nuestras vidas personales, un viaje a El Alto a visitar a un Club de Lucha Libre amigo, pasando por enseñar a mezclar trago en bolsa en la gloriosa Plaza Abaroa, seguida de una interminable noche de boliche/karaoke, hasta terminar al día siguiente es una tocada en el Etno Cultural, al calor de unos ajenjos.

Con el Zeta fue interesante estar dentro de una larga mañana de filmación tocando el mismo tema infinitas veces.

R: Siempre aprecié el hecho de que hayan tomado en cuenta una banda como Surfin Wagner para la miniserie de Zeta. Esto porque tener una banda musical tan poco convencional en un espacio televisivo es un riesgo tremendo. No puedo imaginar la cantidad de despidos luego de esta decisión.

Dios los ampare. Es sabido que la TV no busca ser una vitrina cultural ni dar espacio a la variedad artística de su propio medio, siempre va a preferir imitar y repetir el mismo formato de maniquís con pilcha y minifalda de ayer. ¡Ah!, pero ahora en HD. Agradecemos y esperamos que haya más propuestas originales.

Uno de mis temas preferidos de Surfin Wagner es “Me Convierto en Zombwrrrggghghgargh” y “Apocalypso” entre otros muchos de la banda, como “Fiebre”. ¿Qué canciones se han convertido en referentes para su gente que los sigue en toda Bolivia y el planeta entero? ¿Qué temas los identifican con su público según ustedes?

R: Algunos favoritos del público son La Tabla y Las Mujeres Vampiro. Sin embargo, los tiempos han cambiado, y uno de esos temas ha empezado a generar polémica por su contenido lírico al punto de tildarnos de desubicados.

Hablo de La Tabla, ya que desde el momento de su lanzamiento, la tala indiscriminada de Totora en los alrededores del ancestral Lago Titikaka, para la fabricación de tablas de Surf, ha incrementado de manera preocupante. Es preciso aclarar que estamos en contra de todo tipo de deforestación abusiva que se aprovecha de la Tierra y no devuelve lo que toma.

DW: Hay temas infaltables en nuestras tocadas. A nosotros nos gusta tocar todas nuestras canciones (excepto una, ja ja ja), pero es una pregunta más para el público. En los conciertos nos suelen pedir bastante Las Mujeres Vampiro, La Tabla, Pirañas, RockabillyZombieFiesta, No hagan olas y otras.

Una que nos piden, pero no tocamos hace tiempo es Tengo Sola Mente Dos Maneras de Estar Cerca del Cielo, que salió en un disco tributo a Los Fabulosos Cadillacs, disco producido en Argentina con bandas de toda Latinoamérica, y con la participación en la producción de Spider-Man y el Sr. Flavio de Los Fabulosos Cádillacs.

DT: El tema que noto que tiene mayor aceptación entre la gente es La Tabla. Me encanta escucharlos corear esos cortos y pegajosos versos: “Con mi tabla de Totora surfeando en el Titicaca… y mi tabla ya no flota me ahogo en el Titikaka, ¡aaaaaaaaaaaah!” ¿Con qué bandas han tenido el gusto de compartir escenarios y trabajar codo a codo? ¿Qué conciertos o eventos han marcado la carrera de Surfin Wagner?

DW: Tuvimos la suerte de tocar con grandes bandas de amigos y hacernos amigos de grandes bandas.

R: Siempre es un deleite compartir escenario con las bandas locales. Conoces gente muy buena onda, que realmente lleva la consigna de crear y mantener “la tea encendida”.

LaCarne Magazine

55

DT: Surfin Wagner tenemos el gusto de haber compartido escenario con la mayoría de las bandas de la escena local paceña. Visitamos Cochabamba, Chuquisaca, Santa Cruz, y siempre es un gusto tocar con viejos y nuevos amigos, ya sea en boliches o en festivales.

En cuanto tocadas que marcaron nuestra presencia en la escena, una de las que más rescato fue cuando organizamos la llegada de Didi Wray, guitarrista argentina de Tango Surf, donde fuimos su banda soporte y luego tocamos juntos nuestros temas, demostrándonos que podemos realizar eventos buenos sin dejar de lado ningún aspecto.

Sin duda también es muy grato cuando nos toman en cuenta para abrir a bandas con las que creciste o que admiras, como 2 Minutos en Cochabamba y Boom Boom Kid en Santa Cruz.

Desde el disco Bienvenidos a Playa Infierno, pasando por La Nueva Ola y llegando al Qué Horror!, ¿cómo ven la evolución musical de Surfin Wagner?

R: Inconcebible. Atroz. Vendimos nuestras almas al diablo y éste cumplió. Creo que con el último disco llegamos a un buen punto de equilibrio donde encontramos un sonido capaz de abrirnos las puertas tanto del cielo, como del infierno. Espero Surfin Wagner podamos seguir equilibrando ese sonido agresivo con la esencia surfera que marca ya nuestra identidad musical.

DT: Yo la llamaría involución (ja ja ja). En los primeros discos manteníamos un norte más surfero, pero en el Bienvenidos a Playa Infierno fue una práctica de autosabotaje donde le metimos mucho más de otros géneros que teníamos ganas de incorporar. Para el siguiente disco creo que mantendremos la misma fórmula donde ni Dios sabe qué diablos saldrá.

DW: Las composiciones sufrieron un proceso de ser más pensadas, Surfin Wagner tomamos más cuidado al componer, pero la esencia es la misma.

El videoclip Las Mujeres Vampiro es fantásti-

56 LaCarne Magazine

co. ¿Qué nos pueden comentar de su realización y producción?

DW: Offy, un “cuate” de la banda, lo hizo muy inspirado en la onda de Del Crepúsculo al Amanecer, y con la idea de parodiar algunos personajes de videos animados nacionales.

Una Animación Flash hecha con la ideología Hazlo Tú Mismo.

Uno pasa de ser joven a papá metalero, si vale el término. En Bolivia, ¿qué es ser Metalero por convicción y como estilo de vida? ¿Cómo puedes sobrellevar esta pasión? Si es que existe, ¿cuál es su actividad paralela a la música?

DW: Yo soy papá y esposo surfero, pero tengo la suerte de recibir apoyo total de la familia en este duro camino de la música no comercial.

R: Creo que ésa es una categoría que aún no nos corresponda abordar a Delirium ni a mi persona. Al menos, no legalmente. No más preguntas.

Un mensaje para los nuevos y viejos miembros de la Cultura alrededor del planeta entero, ¿cuáles son sus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. ¿Qué les dirían a las personas que quieren incursionar en el Movimiento?

DW: Hay que lanzarse al agua, a veces, sin saber nadar, pero ése es el único camino para producir. Dejar de lado los peros, los miedos, las dudas, y simplemente hacerlo. Sacar desde el fondo del corazón esa pasión por el Arte.

DT: Métele corazón. Júntate con tus camaradas, crea tus propios espacios, tus propias redes y crea Escena. Organiza eventos donde no primen expectativas de concurrencia o ganancias, eventos donde al día siguiente te despiertes y digas: qué cosa más buena la de anoche.

R: Solo hazlo. Hoy por hoy, no hay excusas.

Las herramientas están al alcance de todos.

Hazlo sin ego y sin afanes. Recuerda que el Rock es otro Universo, y tú sólo eres el instrumento, le abres la puerta para que llegue hasta este mundo.

El mundo y su matrix de un modelo “capitalista y consumista” -en el que hemos vivido- ha cambiado para siempre desde la llegada de las cuarentenas. Muchas personas mantienen sus sueños pese a todo. Hemos pasado del Myspace.com a Bandcamp, o /y Spotify, y nuevas plataformas que nos sirven de herramientas de promoción y difusión musical, ¿cuál es la postura y actitud de Surfin Wagner desde la música y el arte, de ahora en adelante?

DW: Nuestro modo de producción y difusión no ha cambiado, pese a la pandemia. Como primer punto, nosotros, desde un principio, estuvimos y estamos conscientes que ninguna banda en nuestro país vive de la venta de discos, por lo que todos nuestros discos, si bien vienen en un tiraje físico, están disponibles para descarga total y gratuita a través de distintas plataformas en la Red. DT: Todavía no dimos el salto al Spotify, pero pronto lo haremos. Nos manejamos con Bandcamp y YouTube. Son herramientas muy útiles debido a la comodidad de adquirir en tiempo real nuestra música. Personalmente, me gusta el formato físico. Es diferente tener el disco en tus manos, leer las letras y los agradecimientos, apreciar el arte mientras escuchas la música. Es todo un ritual.

R: Creo que es innumerable la cantidad de gente que demanda que Surfin Wagner finalmente dé ese chapuzón hacia la modernidad digital. Comparto el gusto por el uso de formatos clásicos, pero es importante reconocer el valor de mantener presencia en plataformas actuales como Spotify e incluso TikTok. Ya quiero ver a Delirium dando un taller de 30 segundos para soldar un cable en pleno escenario, a Donn Wagner enseñando cómo abrir una chela en medio de un solo.

Cosas así. Incluso abrir nuestras cuentas de Tinder, para que la gente tenga una cita con el Surf cuando haya un glorioso toquín, para poguear al calor de una pasta y un vino, en la compañía de otros 80 truhanes surferos. ¿Cuál es su frase, lema, verso o dicho? Ése que les anima, alienta, levanta, enfoca, etc.

“Subirse a un escenario y convocar gente cobra una nueva responsabilidad en este nuevo mundo postapocalíptico de virus, pero cuando las condiciones se dieron, fue una verdadera válvula de escape para todos” para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida.

DT: “¡De pie, hijo de perra. Porque Micky te ama!” (ja ja ja). Creo que no tenemos una frase de combate. Quizá: “Deja que fluya y que sea lo que tenga que ser”. Me gusta pensar de esa manera.

DW: “Si quieres las cosas bien hechas, hazlas tú mismo”.

R: Sin ánimo alguno de vanagloriar, lo que más me pone pilas cuando se acerca una fecha para subir al ring de los escenarios (no es una frase) es escuchar los temas de la banda.

Pronunciar los riffs y sentir ese orgullo de escuchar nuestras compos, es un rito de recarga de maná casi psicodélico.

Los acabo de ver en vivo ROCKABILLY ZOMBIE FIESTA (en vivo en el Achocalla N’ Roll el 5 de diciembre del 2020) disfrutando de su poder en directo a través de la magia de las telecomunicaciones. ¿Cómo se han sentido en escenario luego de estos nuevos tiempos de transformación y contingencia sanitaria? ¿Ya vivieron la experiencia del Streaming?

DW: Subirse a un escenario y convocar gente cobra una nueva responsabilidad en este nuevo mundo postapocalíptico de virus, pero cuando las condiciones se dieron, fue una verdadera válvula de escape para todos, tanto arriba, como abajo del escenario. El Streaming… todavía no se nos antoja mucho, pero puede surgir algo siempre, y cuando le demos un giro a lo común.

DT: Fue increíble sentir nuevamente la conexión con la gente, tanto ellos, como nosotros.

Necesitábamos algo así, un lugar para reenLaCarne Magazine

57

contrarnos después de una temporada tan fuerte. Sólo estábamos ahí haciendo lo que nos gusta, y veíamos a la gente que disfrutaba de la misma manera.

R: Aún me siento reacio al Streaming de conciertos. Creo que la magia está en la combustión que se produce con el público el momento de rockear en un mismo ambiente. La gente siempre será el “quinto elemento” de esta banda. Quizá, si se nos ocurre algo verdaderamente creativo, tomemos en cuenta mandarnos algo así.

Por lo pronto, no quiero pensar que ese llokalla greñudo buena onda o esa cuata que se llevó su máscara de fan, que se suben al escenario a corear y bailar con nosotros, tengan que ver sentados un show de Surfin Wagner, con sus sillas en un cuarto con una pésima señal de internet, como la que tenemos en Bolivia. Pienso en ellos y digo: ¡no!

Pude observar en sus redes sociales que han sido incluidos en un compilatorio mundial hecho en Turquía, ¿qué nos pueden comentar de Kafadan Kontak Records? ¿Con qué canciones podremos disfrutar su presencia en el catálogo digital?

DT: Una de las cosas positivas que tuvo la pandemia para las artes fue que la gente estaba conectada 24/7 a las redes, ya sea consumiendo Streamings o descubriendo cosas.

Kafadan Kontak Records (Turquía) nos contactó para invitarnos a formar parte de su catálogo digital. Gustosos, aceptamos la oportunidad de utilizar su canal para poder expandir un poco de nuestra música con su gente -que para variar- nos caía como dedo al anillo, ya que se trata de un Sello que trabaja con bandas de Punk, Surf, Garage, etc.

Fue así que armamos un compilado con 10 temas de nuestras producciones, como El Karnicero Asesino, Las Mujeres Vampiro, La Tabla, El Momia, No Hagan Olas, Piranhas, Bienvenidos A Playa Infierno, Rockabilly Zombie Fiesta, Apocalypso y El Baile Del Muerto. Si quieren escucharlo o descubrir un montón de increíbles bandas, pueden pasar por la cuenta

58 LaCarne Magazine

de Bandcamp de Kafadan Kontak Records.

Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad, durante la Nueva Era dentro la Tierra, ¿qué proyectos se vienen para el 2021 para Surfin Wagner?

R: Más aislamiento, pero aislamiento creativo.

DW: De vuelta a la composición y producción musical. Nuevo material a futuro de Surfin Wagner, ¡yeah!

DT: Tenemos algunos proyectos en mente, como la reedición y recopilación de materiales.

Esperemos que se puedan concretar. Igualmente, buscamos trabajar algunas Maquetas de nuevos temas, algo que nos debemos y le debemos a la gente.

Un mensaje de despedida para la gente que disfruta de su música y la sigue en las Redes Sociales, se compra el material y cuando puede, se va a los conciertos, también para los nuevos admiradores y seguidores de Surfin Wagner.

DT: Gracias de corazón a toda la gente que nos apoya.

DW: Por ese apoyo incondicional: ¡Gracias… totales!

R: Hay un mensaje que no se suele tomar en cuenta, y nos incumbe a todos, algo que no deja de ser importante de decir: si estás lleno de bronca, sin poder descargar lo que llevas, si la vida te tiene jodido, arruinado, o sientes la necesidad de liberar esa frustración violenta, jamás lo hagas en tu hogar y jamás contra tu pareja.

Rockear no es un delito, la violencia y el maltrato sí. No destruyas una vida. Busca apoyo.

Muchas gracias por la tremenda nota. ¡Nos vemos en el pogo!

Facebook YouTube Bandcamp

MÁS INFO LaCarne Magazine

59

Elemental Sickness el Power Trío de Metal boliviano

Muchas gracias por su tiempo, colaboración, y confianza en esta entrevista exclusiva para LaCarne Magazine.

D

LEER MÁS

esde la primera vez que pude presenciar el poder de la banda en directo, me llamó la atención súbitamente la actitud y el sonido del grupo. Quedé siempre en intriga por acercarme a los colosos de Elemental Sickness. Ahora es el momento, para vivir el presente cual regalo de los más pesados.

Gracias a la magia del Internet y de sus plataformas digitales, he logrado disfrutar de suficientes vídeos de Elemental Sickness con intensidad y trama metalera, como nos gusta a muchos, y aprecio escuchar el EP En la Oscuridad -mientras redacto este prefacio-.

Me siento contento de poder contactar con una de las agrupaciones de Metal boliviano con la que siempre quise entablar amistad.

60 LaCarne Magazine

Elemental Sickness, el Power Trío de Metal boliviano

Personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

Debido a la pandemia, todo el mundo se ha adecuado a las nuevas formas de trabajo e interacción, los colegios, las fuentes de trabajo, etc. Bajo esa línea, nosotros también como músicos vemos otras alternativas que nos permitan seguir trabajando y generar nueva música. ¿Cómo nace Elemental Sickness? ¿Cuál es su breve historia hasta el presente? ¿Por qué del nombre de Elemental Sickness?

Devadip Lacoa (guitarra) y Mauricio Terán (bajo) deciden en el colegio formar una banda debido a la misma pasión por la música y los

viano conformado por Marco Vásquez (voz y bajo), Devadip Lacoa (guitarra), y Joshua Linares (batería). ¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en Elemental Sickness? ¿Pueden mencionar algunos grupos de su preferencia?

El género musical dentro de la Escena Metalera que nosotros realizamos es el Hardcore Metal, pero las influencias individuales varían desde Deftones, pasando por Metallica, hasta llegar a Slayer. La combinación de nuestras influencias ha generado la mejor fórmula musical que como banda podemos tener.

Elemental Sickness y sus integrantes tienen el corazón de metal, como dirían las grandes bandas como Accept. ¿Qué es ser un Metalero de por vida y por convicción propia o como estilo de vida?

Consideramos que ser Metalero en resumen es simplemente algo que llevas dentro, y te hace sentir alguien más fuerte en la vida.

Pero, sin duda, lo que más podemos destacar es que hoy en día muchos metaleros tienen la madurez para escuchar y apreciar otros estilos de música lejos del género Metal. gustos musicales que tenían en ese entonces.

Posteriormente son convocados a la misma Marco Vásquez (voz) y Joshua Linares (batería) para consolidar el proyecto, y participar por primera vez en concursos de música, como el Intermusic (2003) y la Marathon Rock (2004), obteniendo el tercer lugar en la categoría, y en el 2005 ganando el primer lugar.

Desde nuestros primeros conciertos, Elemental Sickness se ha caracterizado por la energía demostrada en vivo. Luego de cada presentación, todas las personas que se acercaban manifestaban que la banda se movía como “unos locos, como unos enfermos”. Bajo ese concepto nace el nombre de Elemental Sickness (Enfermedad Elemental). ¿Quiénes integran en la actualidad Elemental Sickness y qué interpretan?

Elemental Sickness es un Power Trío boli-

¿Cuál es su discografía y videografía oficial de Elemental Sickness a la fecha?

Discografía: Elemental Sickness (2005), En La Oscuridad (2007), ¿Cuánto Dolor Puedes Soportar? (Disco Doble 2017).

Videografía: Libre Seré (estreno 24 de Octubre del 2006), Encontrando Tortura (estreno 18 de Octubre 2007), Destruyo Mi Alrededor (estreno 14 de Agosto del 2008), ¿Cuánto Dolor Puedes Soportar? (estreno 15 de Abril del 2017), Este Es Tu Final (estreno 21 de Marzo 2019) y Pacto de Sangre (estreno 29 de Abril 2020).

“Ya no quiero ser más preso del instinto agresivo”, dice el coro del tema Libre Seré (Urbano Records/Copacabana Records). Además de ser el primer Video Oficial de Elemental Sickness (Cazacuervos Prod.), el tema forma parte del EP publicado el 17 de agosto del 2006. ¿Qué tal les fue con el material y la experienLaCarne Magazine

61

cia de su debut? ¿Qué anécdotas nos pueden comentar de aquellos tiempos? ¿En qué formato se editó el material?

Nuestro primer EP salió a la luz en el 2006.

Para ese entonces teníamos muchas invitaciones a conciertos, tanto locales como nacionales.

La experiencia de viajar, y que en otros lugares de Bolivia comiencen a corear tus canciones, consideramos uno de los momentos más importantes para la banda. El formato del disco fue en CD tradicional, y se agotó a los 6 meses de su lanzamiento.

Su segunda producción musical, En la Oscuridad (publicada el 30 de marzo del 2007), cuenta con el Video -promocional- Destruyo Mi Alrededor (un clip que los muestra en la vida que más encanta a un músico, los escenarios, shows, viajes, entrevistas, el Movimiento en general). ¿Qué tal les fue con el material y la experiencia de seguir en la carretera?

Entre los años 2007 y 2008, Elemental Sickness experimentó la mayor cantidad de viajes registrados para la banda en conciertos. Sin duda, una de las mejores experiencias que hemos tenido, llegando inclusive a Festivales en Perú, donde fuimos invitados como parte del concierto más grande en ese país (Cusco Metal Fest).

“No sigas mintiéndote, no sigas hundiéndote… vas sepultando tus recuerdos, poco a poco vas enterrando todos tus sueños”, dicen los textos en el tema Encontrando Tortura, otro valioso aporte artístico al gran acervo musical del Movimiento Independiente & Underground boliviano. Video Oficial con una excelente trama, donde uno es su propio asesino o cogotero. ¿Qué nos pueden comentar de la realización, que también formó parte del trabajo En la Oscuridad?

Encontrando Tortura sin duda a la fecha es uno de los éxitos más grandes de la banda.

En el vídeo se puede apreciar a una persona (Juan Pablo Inda, distinguido actor boliviano) que va corriendo por distintos lugares hasta encontrarse a sí mismo.

Una interpretación del vídeo para cualquiera

62 LaCarne Magazine

que quiera darle su propio sentido, pero sin duda nos haga reflexionar sobre lo importante que es primero encontrarse a uno mismo antes de enfrentar cualquier adversidad, y entendiendo que en el camino encontrarás muchos problemas, mucho dolor, mucha TORTURA.

Elemental Sickness y su disco ¿Cuánto dolor puedes soportar?

La tercera producción de Elemental Sickness, intitulada ¿Cuánto dolor puedes soportar? y publicada el 12 de abril del 2017, es su primer Long Play (LP) o larga duración -si vale el término- con 11 tracks y una entrega total al Metal extremo. ¿Qué nos pueden comentar de la producción? ¿Dónde se la realizó? ¿Quién fue el encargado del Cover Art? ¿Cómo les fue con el material? ¿Algunas anécdotas del trabajo presente? ¿En qué formato se editó el álbum?

El 2017, luego de varios años, llega ¿Cuánto Dolor Puedes Soportar? Como es característico de la banda: siempre cuestionándonos, siempre sobre todo, y tratando de exponer en este caso sobre cuánto estás dispuesto a soportar por lograr tus sueños.

La madurez musical de este disco se refleja en las distintas canciones, que cuentan desde los ritmos más clásicos del Hardcore, bases Thrash Metal, acordes New Metal, voces guturales, y Breakdowns densos para todos los que quieran headbanguer con mucha intensidad.

Este material fue grabado en The Essence Records, mezclado y masterizado por Pablo Moscoso (ex integrante de la banda Hostil).

Toda la producción fue realizada por Elemental Sickness.

Curiosamente, el Cover Art estuvo a cargo de nuestro ex bajista (Mauricio Terán), que hoy en día se dedica al ámbito del diseño gráfico como carrera profesional. Para el estreno del álbum se realizó un concierto a lleno total, y, como dato curioso, se estrenó por primera vez un disco doble de una banda boliviana de Metal.

Su cuarto vídeo oficial (¿Cuánto dolor puedes soportar?), con una actuación y caracterización de personaje que le brinda a la narrativa

del vídeo lucidez y brillantez. ¿Qué nos pueden comentar de la producción? ¿Quién se encuentra en la dirección y actuación? ¿Qué anécdotas les deja el rodaje o su realización?

El video de ¿Cuánto Dolor Puedes Soportar? fue dirigido nuevamente por nuestro ex bajista (Mauricio Terán). Con él trabajamos de cerca, y en esta oportunidad con nuevas ideas tratamos de reflejarlo en un nuevo vídeo, donde nuestro actor (Jilson Linares) se manifiesta con algunos problemas de personalidad y sentimientos de dolor. Es un vídeo interesante con una calidad de imagen nunca antes trabajada hasta esa fecha.

Como anécdota, te podemos comentar que el día que filmamos el vídeo, Marco Vásquez (vocalista y bajista) sufría de mucho dolor debido a los primeros dolores que se manifestaron por cálculos renales, pero al final todo salió bien.

Desde su EP debut, pasando por En la Oscuridad, y llegando al ¿Cuánto dolor puedes soportar?, ¿Cómo ven la evolución musical de la banda?

Evidentemente nuestra música ha ido evoluLaCarne Magazine

63

cionando en cada disco, siempre implementando nuevos conceptos, ritmos, tiempos, riffs, canciones más largas y producidas, pero sin perder la esencia de la banda y el sonido que nos caracteriza.

Elemental Sickness es un referente a nivel boliviano de Metal. ¿Qué canciones los identifican según ustedes? ¿Cuáles son sus temas preferidos para interpretar con su público?

Sin duda Libre Seré y Encontrando Tortura se han convertido en los clásicos más esperados por la banda. Los coros y el mosh se manifiestan con mayor intensidad durante esas canciones, por eso las dejamos a veces al final del repertorio. ¿Con qué bandas han tenido el gusto de compartir escenarios y trabajar codo a codo? ¿Qué conciertos, Festivales o eventos han marcado su carrera?

Hemos compartido escenario con grandes bandas amigas desde nuestros inicios (Facto Alfa, Scoria, Daga, Primal Instict, Hate, Querembas, Oil, Track, entre otras).

Entre los festivales más grandes en los cuales hemos participado se encuentra el Rock de Los Andes 2007, en el cual realizamos (y lo decimos con mucho orgullo y humildad) el

64 LaCarne Magazine

primer Wall of Death en Bolivia.

Uno pasa de ser joven a papá metalero, si vale el término. En Bolivia, ¿cómo puedes sobrellevar esta pasión? Si es que existe, ¿cuál es su actividad paralela a la música?

Sin duda ser papá es una de las mayores experiencias de vida. Actualmente la vivimos y disfrutamos mucho. Por otro lado, los 3 miembros de la banda nos desempeñamos en trabajos relacionados con nuestra profesión.

Marco Vásquez (Administrador de Empresas), Devadip Lacoa (Psicólogo), Joshua Linares (Ing. Industrial).

Y a su vez, es cierto que esto ha impactado en los tiempos que invertíamos antes en la música, pero al mismo tiempo nos ha impulsado para tener ese pequeño espacio de calidad, e invertirlo de la mejor manera haciendo nuestra música.

Elemental Sickness están bastantes años ya en el Movimiento Metalero de Bolivia, representando al país mundialmente. ¿Cómo ven y viven la Cultura luego de la experiencia sembrada en el campo de juego? ¿Qué podrían resumir de su trayecto dentro de la escena Underground e Independiente?

A través de los años, las bandas, la escena,

la manera en comercializar la música ha ido cambiando. Hay menos bandas que se mantienen vigentes, hay menos escenarios (boliches) para tocar. Pero, por otro lado, hay más Festivales masivos (Rock de Los Andes, Illimani Metal Fest, Festival Juntucha, MegaFest, ChukutaFest, etc.). Esto ha permitido llegar de manera masiva a mucha más gente.

Durante las cuarentenas y la pandemia, la vida del planeta ha cambiado de manera plena y completa, desde la trinchera del arte uno tiene que adaptarse. ¿Cómo se han sentido en estos nuevos tiempos de transformación? ¿Cuál es su postura y actitud? ¿Cómo ven actualmente la vida en el planeta desde su trinchera musical?

La pandemia ha afectado la vida de todos en todos los ámbitos. Esto ha generado que la principal preocupación en estos momentos sea cuidar a tu familia, pasando a un segundo lugar todo lo demás.

apréndanlo ustedes mismos y respeten a los demás. ¿Alguna cábala o ritual antes de entrar a escena?

Aunque no somos fieles católicos ni cristianos, siempre antes de cada show nos abrazamos y damos gracias al Dios del Metal por esas experiencias en cada concierto.

El mundo y su matrix de un modelo “capitalista y consumista” -en el que hemos vivido- ha cambiado para siempre desde la llegada de las cuarentenas. Muchas personas mantienen sus sueños pese a todo. ¿Cuál es su frase, lema, verso o dicho? Ese que les anima, alienta, levanta, enfoca, etc., para seguir en la batalla musical y del juego de la vida. ¿Cuánto Dolor Puedes Soportar? es el mejor título que aplicamos en nuestro diario vivir, e incluso podría ser un título para un nuevo disco (ja ja ja ja).

Con el tiempo nos damos cuenta que también debemos adaptarnos a nuestras actividades cotidianas de la mano de la tecnología. Esperamos profundamente que esta pandemia termine pronto o sea controlada, que volvamos a nuestra normalidad, y con ella volver a reunirnos para un cumpleaños, en el trabajo, en la escuela, en una tienda de discos, o un concierto.

Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad durante la Nueva Era dentro la Tierra, ¿qué proyectos se vienen en el 2021 para Elemental Sickness?

Consolidar todas las nuevas ideas musicales generadas en este último tiempo, y comenzar a componer este año. Presentar un nuevo disco el 2022, y reencontrarnos pronto con el escenario y nuestros leales fans.

Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. ¿Qué les dirías a las personas que quieren incursionar en el Movimiento musical?

Que aprovechen el tiempo que tienen al ser jóvenes, que con el paso de los años las responsabilidades crecen y el tiempo para hacer lo que te gusta se reduce (que es lo que nos pasó), pero esto también nos enseñó a tener tiempos más cortos dedicados a la música, siendo esos tiempos de mayor calidad y productividad.

Un mensaje de despedida para la gente que disfruta de su música y la sigue en las redes sociales, se compra el material, y, cuando puede, apoya en los conciertos, también para los nuevos admiradores y seguidores de Elemental Sickness.

“Cuiden a sus familias, disfrútenlas, abrácenlas, ámenlas, respétenlas… como si fuera el último día”.

Como mensaje, por sobre todo disfruten la música, pónganla a todo volumen en su casa, en el auto, en el trabajo, en la calle, y sean felices con lo que les gusta. Que nadie les diga si lo que escuchan o hacen está bien o mal,

Cierro la entrevista agradecido por su colaboración, y disfrutando en el canal YouTube el álbum “¿Cuánto dolor puedes Soportar?” in extenso. Gracias.

Facebook YouTube LaCarne Magazine

65

Gala de los certámenes literario de la Diputación de Cáceres

S

i todo va según lo previsto y si la situación sanitaria actual se mantiene, podremos disfrutar de forma presencial la Gala de los certámenes literarios y periodístico que como cada año han sido convocados por la Dipuación de Cáceres.

Esta Gala tendrá lugar el próximo 9 de Junio en la ciudad de Coria (Cáceres) donde se fallará el Premio de Cuentos Ciudad de Coria, y el día 10 de Junio habrá una Gala Especial en el Complejo Cultural San Francisco, en la ciudad de Cáceres, donde conoceremos a los ganadores de este año en las categorías de Premio Novela Corta, Premio de Poesía Flor de Jara, Premio de Microrelator y Premio de Periodismo Dionisio Acedo.

La Gala contará con Luis Piedrahita como maestro de ceremonias

Como no podía ser de otra forma y para su correcto desarrollo, se han tomado todas las

66 LaCarne Magazine

medidas de seguridad sanitarias necesarias.

En esta edición disfrutaremos del humor y la magia de Luis Piedrahita, que será el maestro de ceremonias de esta Gala y que, además, estará acompañado por los músicos de la banda Swing Ton ni Song. Esto será en Cáceres capital en el Complejo Cultural San Francisco. Por otro lado la soprano Carmen Solís y el músico Jacinto Sánchez, serán los encargados de amenizar la Gala en la ciudad de Coria.

En esta nueva edición de los premios, los jurados vuelven a repetir presidentas y presidentes, ya que el pasado año, debido a la pandemia, la gala no pudo celebrarse y el fallo se comunicó a través de un acto online. Así, el jurado del XLVI Premio Cáceres de Novela corta está presidido por la escritora Luz Gabás; el del XLI Premio de Periodismo Dionisio Acedo, por la periodista Nieves Concostrina; el XXXI Premio de Cuentos Ciudad de Coria,

a Extremadura. Este premio cuenta con una asignación total de 6.000 euros, 3.000 euros para prensa escrita, incluidos medios digitales y fotografía, y otros 3.000 euros para medios audiovisuales: radio y televisión.

Al Premio de Poesía Joven Flor de Jara concurren 956 conjuntos de poemas, con procedencia de 30 países, como España, Uruguay, Luxemburgo, Canadá, Costa Rica, Cuba, Hong Kong o Nueva Zelanda. El trabajo ganador será premiado con 6.000 euros y la publicación de la obra.

os por el escritor Juan Ramón Santos; el XXIV Premio Flor de Jara de Poesía, por el poeta Jaime Siles, y el XVII Premio de Microrrelatos El Brocense por la escritora y editora M.ª José Gómez Benito.

En esta ocasión para el Premio Cáceres de Novela Corta, el jurado tendrá que deliberar sobre 781 novelas presentadas, llegadas de muy distintos puntos de España y de 31 países más, como Alemania, Argentina, El Salvador, Estados Unidos, Israel, Italia, Reino Unido, República Dominicana, Rumanía, Turquía o Vietnam, entre otros. El ganador obtendrá un premio de 9.000 euros y la publicación de la obra por parte de la Diputación de Cáceres.

Al Premio de Periodismo Dionisio Acedo, se han presentado 31 trabajos procedentes de Cáceres, Badajoz, Madrid, Orense y Zaragoza, una cantidad mucho menor debido a que la temática está marcada y deben ser trabajos periodísticos publicados que giren en torno

El Premio Cuentos Ciudad de Coria ha recibido un total de 466 trabajos, también llegados de muy distintos países, 25, como España, Honduras, Guatemala, Colombia, Marruecos, Irlanda, Méjico o Panamá. Cuenta con un premio de 3.000 euros y la publicación de la obra.

Y al Premio de Micorrelatos El Brocense, que está dirigido a alumnado 2°, 3° y 4° de la ESO, Bachillerato y ciclos formativos de grado medio y superior del año académico 2020-2021, sin límite de edad, se han presentado 715 trabajos, 401 de Secundaria y 314 de Bachillerato. La dotación del premio, en este caso, es de 6.000 euros repartidos de acuerdo a las diferentes categorías: para Secundaria y Grado medio, habrá un primer premio de 1.000 euros y tres accésit de 500 euros, y para Bachillerato y Grado superior, también un primer premio de 1.000 euros y tres accésit de 500 euros Además, el personal docente que avale los trabajos ganadores de cada categoría recibirá un premio único de 500 €, y los centros a los que pertenezcan los alumnos o las alumnas premiadas, un lote de libros editados por la Diputación de Cáceres.

De cara a la celebración de la Gala, el día 10 de junio, a las 20:30 horas, en el Complejo Cultural San Francisco, se habilitará, en los próximos días, la dirección de correo en el sitio web de Diputación de Cáceres https://brocense.dip-caceres.es/eventos para poder hacer la reserva previa de la invitación, con el fin de controlar aforo y cumplir con las medidas sanitarias necesarias.

LaCarne Magazine

67

D

esde la Diputación Provincial de Cáceres se convocan los premios que como viene siendo habitual, son organizados por el Área de Cultura y Deportes. El BOP de la provincia de Cáceres publicaba en su edición del pasado día 1 de Junio las bases de las convocatorias de la XXIV Edición del Premio Artes Plásticas «Sala El Brocense».

corriente o tendencia estética.

Podéis ver toda la información del BOP AQUÍ.

Las personas interesadas tienen de plazo hasta el 11 de octubre de 2021 para presentar sus obras, registro que podrá realizarse a través de la web www.mundoarti.com

Bases de la XXIV Edición del Premio de Artes Plásticas «Sala El Brocense» El objeto principal del Premio Artes Plásticas «Sala El Brocense» es el de promover e incentivar la creación plástica a través de la convocatoria de este premio, dentro de los objetivos de su Área de Cultura, comprometida con la promoción y difusión de la actividad cultural.

Según establecen sus bases, a este premio pueden concurrir personas de cualquier nacionalidad o residencia, mayores de 18 años, con un máximo de dos obras de su propiedad y autoría, con temática libre y de cualquier técnica,

68 LaCarne Magazine

Este premio cuenta con una dotación total de 15.000€: Primer Premio: 6.000€ Segundo Premio: 4.000€ Tercer Premio: 2.500€.

Asimismo, cabe recordar que las obras premiadas pasarán a ser propiedad de la Diputación Provincial de Cáceres y a formar parte de su Colección.

Accede a las bases desde AQUÍ.

Encontraréis más información en Diputación de Cáceres

D

esde el Área de Cultura y Deportes, con el Premio “Señas de Identidad” se busca fomentar, entre la juventud de la provincia, el acercamiento y difusión de la actividad cultural y formas de vida de nuestros pueblos a través de la fotografía.

Así, en esta convocatoria se hace un llamamiento a la participación de jóvenes de entre 18 y 35 años, residentes en la provincia, con el envío de fotografías que den visibilidad a los pueblos, sus gentes y sus tradiciones.

VI Edición Premio Señas de Identidad

quier municipio de la provincia de Cáceres.

Cada persona participante tendrá de plazo hasta el próximo 11 de octubre de 2021 para enviar hasta dos fotografías, inéditas, en formato digital al correo premiofotografia@dipcaceres.es Las fotografías deberán haber sido realizadas durante los 12 meses anteriores al plazo de presentación de las obras y optarán a los siguientes premios: Primer Premio de 1.000€, Dos Segundos Premios de 750€, Diez Terceros Premios de 300€.

El objeto principal de este premio es la de promover e incentivar la creación plástica, dentro de los objetivos del Área de Cultura, comprometida con la difusión y promoción de la actividad cultural, al tiempo que potenciar el conocimiento de las formas de vida, pueblos, gentes y tradiciones de la provincia cacereña.

En el fallo se tendrán en cuenta los siguientes aspectos: argumento (30 puntos), originalidad (30 puntos) y calidad de la fotografía (40 puntos).

Podrán partiticpar en el Premio Señas de Identidad todas aquellas personas de edades comprendidas entre 18 y 35 años (a fecha de 31 de diciembre de 2021) y que residan en cual-

Más información sobre el Premio Señas de Identidad en Diputación de Cáceres.

Las bases completas pueden consultarse en el siguiente enlace: PINCHA AQUÍ

LaCarne Magazine

69

C

on el objetivo de promover e incentivar la creación entre los jóvenes, la Diputación Provincial de Cáceres lanza una nueva edición del Premio Cómic, Manga, Arte Joven dirigido a personas de entre 14 y 35 años, que se divide en las siguientes categorías: Categoría Senior (21-35 años): Primer premio: 2.000 euros; Segundo premio: 1.000 euros Categoría Junior (14-20 años) : Primer premio: 1.000 euros; Segundo premio: 500 euros.

El objeto principal del Premio Cómic, Manga, Arte Joven, es el de promover e incentivar la creación plástica, dentro de los objetivos del Área de Cultura, comprometida con la promoción y difusión de la actividad cultural, al tiempo que promover los nuevos valores en el ámbito del Cómic.

Cada autor/a podrá presentar hasta un máximo de 2 trabajo originales, no editados con anterioridad, atendiendo a los siguientes requisitos: El estilo, tratamiento y género del cómic o manga serán libres y el argumento autoconclusivo. No se aceptarán obras que promuevan el consumo de tabaco, alcohol u otras drogas, ni que atenten contra la dignidad de las personas y los Derechos Humanos.

70 LaCarne Magazine

Los personajes deberán ser originales, de creación propia e inédita.

Los trabajos deberán estar escritos exclusivamente en castellano y se entregarán completos y terminados, con una extensión mínima de 8 páginas y un máximo de 12, incluyendo cubierta.

La valoración de cada una de las propuestas se hará de acuerdo a los siguientes criterios: presentación (30 puntos), argumento (30 puntos) y calidad del dibujo (40 puntos).

Hasta el 11 de octubre de 2021 podrán presentarse los trabajos de manera presencial en el Registro de la Diputación Provincial o enviar por correo certificado.

Las bases completas pueden consultarse AQUÍ.

Las obras pueden presentarse de forma presencial en el Registro de la Diputación Provincial de Cáceres o bien se enviarán por correo certificado a la siguiente dirección: DIPUTACIÓN PROVINCIAL DE CÁCERES. VI Premio Cómic/Manga/Arte Joven Plaza de Santa María s/n.

10003 CÁCERES

MÁS INFO LaCarne Magazine

71

lacarnemagazine.com revista digital de música internacional

OFICINA CENTRAL LACARNE MAGAZINE

c/ Mira al río, 7. Bj 10002 - Cáceres (Extremadura) - España

https://lacarnemagazine.com https://www.facebook.com/lacarnemag https://www.twitter.com/lacarnemagazine