LaCarne Magazine N110

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europa y latinoamérica

Nº110 - AGO 2021 - AÑO 10

la mejor música extremeña 2020 EXPERIENCIAS

Morti - David Ramos - Epica Rock contra el Fascismo Dead Soul - conciertos de Pedrilla - The Great Discord Xenoficción

ENTREVISTAS

Frederick Poidevin - Inmortal Kultura - Lude - Sacrilegio Fonal - Dj Quien - Ame Amelie

MÁS INFO

N110 aÑo 10 AGO 2021

SUMARIO

experiencias 06 Morti, creatividad infinita 10 The End of the Beautiful Things de

entrevistas 42 Reflexiones sobre Improvisación Libre

12 Epica, y su concierto en streaming

el Espíritu del Hip Hop

David Ramos Omega Alive

16 Rock, contra el fascismo 18 Dead Soul, de principio a fin 20 Los Conciertos de Pedrilla, celebra su 25 edición

24 The Great Discord, y su nuevo trabajo Deam Morte

con Frederick Poidevin

46 Inmortal Kultura, renaciendo en 58 LUDE, Nu Metal con mucha personalidad

64 Sacrilegio, Los Ángeles del Hard Rock

74 Fonal, una de las grandes bazas del Pop electrónico extremeño

78 Dj Quien, único y creativo con su sonido infinito

26 Xenoficción, exposición de Emilia- 84 Ame amelie, con alma guerrera na Pérez y Juan Gila

30 La Mejor Música Extremeña 2020

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

jorge ares, alfonseka, eva maría aroca, luis lama, jg entonado

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Morti

creatividad infinita

Fotografías de Manuel Rubiales, Sabotatge Produccions, y ExMundus Producciones

pura realidad, debería de ser lo normal… “.

Quizá también fue por mi descaro, pues fui “directa a la yugular” como una vampiresa sedienta, en este caso, de información, y muchas ganas, ya no sólo como colaboradora de LCM, sino como fan suya que soy desde hace… ¡la mitad de mi vida!

uy buenas de nuevo! Como siempre, espero que todo esté bien por allá desde donde me estés leyendo, y que os estéis cuidando mucho, por favor.

M

Él es fuente de magia, creatividad e inspiración, él es el Dios Bragi* de nuestros tiempos, con su don de la palabra y la poesía. *(Mitología nórdica)

Una vez más os traigo una joya de la música, en este caso un artista español, Morti, a quien tuve la oportunidad de entrevistar a primeros de año, haciendo realidad un sueño, porque, como él mismo canta “Convertir el sueño en

Él es MORTI.

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Morti, creatividad infinita

El pasado 30 de mayo, y formando parte del “LIVE FEST 3.0”, organizado por “El Rock es

mas bastante conocidos en la trayectoria del intérprete: Desmejorado Habrá que Olvidar Magenta Sueño Contigo Sirenas Soy Con una duración total de 30 minutos, que fueron realmente maravillosos, se me hizo corto, dejándome con el corazón tocado, como de costumbre. ¡Qué bien que podemos disfrutar de esta maravilla de concierto acústico tantas veces como queramos!

Cultura”, es un festival virtual que surge para dar oportunidad a los músicos en los difíciles tiempos de pandemia que estamos viviendo.

En dicho festival reapareció Morti, dando un concierto en acústico, virtual, sí, pero íntimo y envolvente, acompañado por Víctor Gorriti a la guitarra y coros.

Juntos crearon una atmósfera emotiva y mística, que, además, al ser un concierto a las tres de la madrugada, (el festival es de Latinoamérica, allí eran las ocho de la tarde), lo escuché con auriculares y fue como estar justo frente a ellos.

Morti, Fragmentos Imperecederos

Así se llamó el espectáculo que Morti y Victor nos ofrecieron, y que se compuso por seis te-

Como puedes ver, no le hacen falta muchos elementos sobre el escenario para crear una experiencia inolvidable, siempre dentro de su estilo místico y misterioso. Fue una maravilla de concierto, dirigido por ExMundus Producciones, y con la realización audiovisual de Rubén Vilchez, de Sabotatge Produccions, como es habitual en los videos musicales de Morti, e InMune.

Víctor Gorriti y Morti hicieron una gran labor dándole a las canciones una esencia especial para la ocasión, en su estudio, Gato Negro, cabe mencionar a Víctor Fraile, que también colaboró en los arreglos a la guitarra.

Destacar temas como Desmejorado, uno de mis favoritos y con el que recordamos a la banda, Bushido, en la que participó Morti, LaCarne Magazine

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y que además también tiene su versión con Inmune. También volvimos a los tiempos de Skizoo, con el tema Habrá que Olvidar, y que suena fantástico en acústico, Magenta, una canción muy emotiva, con la que siempre se me escapa alguna lagrimilla, y por supuesto, Sirenas, canción que se ha convertido en todo un himno, y que tiene una letra preciosa, con la que nos invita a soñar y luchar por nuestros sueños.

Y hablando de sueño, el concierto acabó a las 3:30 de la madrugada, y yo estaba con los ojos como platos después de haber visto esa maravilla. ¿Quién quería dormir ahora?

Yo desde luego que no, no podía. Como indiqué antes, me dejó con el corazón tocado, y es que su magia está en la forma de expresar y transmitir. Eso lo lleva Morti inserto en su ADN, y esa forma de llegar y de dejar huella, no la tienen todos los artistas. Va mucho más allá de lo bien que canta, y de lo que es capaz de hacer con la voz.

Me maravilla la amplitud de vocabulario que dispone (os vais a reír de mí, aunque también os digo que me da igual, pero reconozco que en más de una ocasión Morti me ha hecho recurrir a un diccionario). Una cosa que me gusta de él, y de personas como él, es que me hace pensar, se nota que es una persona con una mentalidad tan abierta como cultivada, y eso, amigos míos, para una ratoncita (presumida, por supuesto) de biblioteca como yo, eso, enamora.

Sólo lo tenéis que comprobar por vosotros mismos en este video, en el que nos muestra

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otra de sus facetas con sus “reflexiones en voz alta”.

Ya sabéis, es tiempo de florecer, de renovarse, de soñar, y de luchar por tus sueños, de ser creadores, de hacer que la magia nunca acabe, como consigue hacer Morti con su música.

Gracias por este gran concierto en acústico, del cual había muchas ganas.

Y, como siempre, gracias a todos los que seguís ahí leyendo cada mes mis artículos. No olvidéis de seguir a Morti en sus redes sociales, y en plataformas digitales. ¡Hasta la próxima!

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The End of the Beautiful Things de

David Ramos LEER MÁS

A

mediados del verano de 2019, un artista visual afincado en la vecina isla de Lanzarote contactó conmigo para proponerme un proyecto que consistiría en una parte visual muy potente, incluso dura y agresiva, a la vez que muy oscura en su alma primigenia.

Todo ello debería ir acompañado de música electrónica en directo, en una línea oscura, muy “dark”, algo incluso rayando lo tenebroso.

Me gustó la idea, pues me hacía reinventarme y estrujar mi cabeza para encontrar ese toque oscuro que pedían las imágenes de la performance en cuestión. Comencé a componer, y lo primero que salió fue la semilla de lo que

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luego sería el tema leitmotiv de mi álbum The End of the Beautiful Things. Pasé este tema junto con otros bocetos musicales a mi compañero de batalla, y le entusiasmaron, todo iba sobre ruedas.

The End of the Beautiful Things

(David Ramos “Darwin” 2020) Seguí componiendo, pero cuando se acercaba el estreno de la presentación, problemas burocráticos, y sobre todo económicos, impidieron que se pudiera realizar, y todo quedó en nada. Me decepcionó bastante, pues había puesto mucha ilusión en el asunto.

En septiembre del mismo año viajé a Alemania, y visité las ciudades de Dusseldorf y Colonia. La historia de esta última me caló muy hondo, tuve la oportunidad de ver cómo había quedado la ciudad después de los bom-

bardeos de la Segunda Guerra Mundial, y, al pasear por esas calles que años atrás habían sido arrasadas, me marcó profundamente.

Además, el rio Rin (Rhein) parecía como que me susurraba cada vez que pasaba por sus interminables paseos… Allí nació algo.

Cuando volví a Tenerife, compuse de un tirón todas las pistas que iban a conformar mi nuevo álbum, The End of the Beautiful Things, un álbum que aglutinaría puras sensaciones, vivencias, y sentimientos. Me di cuenta que en mi vida, en ese año 2019, algo me estaba transformando.

Hay quien me ha comentado (seguramente por el título del disco) que le parece un trabajo pesimista, y siempre les contesto igual: es un disco biográfico, de una serie de experiencias que me han hecho ser otro, me han transformado. Se acabó pensar que todo en la vida es bonito, es una expresión de crecimiento personal, “el final de las cosas bonitas”, como expreso en el interior de la carpeta del álbum.

Es el nuevo comienzo, es un “partir de cero”, pero con una gran experiencia a las espaldas.

Me atrevo a decir que The End of the Beautiful Things es un disco con el que me siento totalmente dibujado, me veo y reconozco en cada pieza.

Kholn es la imagen que empieza a transformar su silencio a gritos, su melodía reptante se apodera de lo más profundo del alma.

Sirio muestra, desde un punto de vista musical, mi yo del pasado que dice adiós para dar paso, tras una mutación ruidística, a lo nuevo, a Darwin.

Rhein es un homenaje a ese majestuoso personaje que representa esa gran masa de agua que tantas cosas ha visto y vivido.

Lalande 21185 nos cuenta que con poco puedes llegar a conquistar una estrella lejana, que si quieres puedes, y que, aunque nunca llegues a tu destino, lo verdaderamente importante es el camino, sin duda alguna. De hecho, este tema fue compuesto y grabado con

un pequeño Casio SA 2 modificado, un instrumento que no llega a los 15 euros de precio.

Ataraxia es el remanso de paz al que finalmente llegas cuando de verdad estás haciendo aquello que te gusta, aquello que te hace feliz por el simple hecho de hacerlo, sin metas, sin esperar nada a cambio, la recompensa en el hecho intrínseco de la acción. Fue realizado con un loop de cinta de cassette de 60 cm, más un efecto de delay. Algo simple, menos es más. Otra de las grandes lecciones que me ha costado aprender en esta vida.

Finalmente tenemos el tema que cierra el álbum y da el título al mismo. Ese tema que fue la semilla de todo, ése que iba a ser la “demo” para la performance audio visual que nunca llegó a realizarse.

Curiosamente, y es todo casualidad, The End of the Beautiful Things se editó en febrero de 2020, un mes escaso antes de que en Europa y en España se acabaran “las cosas bonitas”.

Instrumentalmente, The End of the Beautiful Things está hecho con un 80% de instrumentos creados por mí. Desde simples osciladores, como el TW3 y TW5, a teclados electrónicos y juguetes sonoros modificados mediante circuit bending. Usé también técnicas de loop de cassette analógico, y samplers como el Micro Granny de Bastl Instruments para crear ciertas atmósferas.

En la parte rítmica, usé el Poquet Operator PO12 sincronizado con mi Korg Monotribe, y para las melodías de Sirio, un Yamaha PSS 590 pasado por el pedal Grazer de Dwarfcraft Devices. Toda la evolución del loop de piano de Ataraxia está intervenido por un pedal de delay modificado, el Darwinator.

Toda la grabación de The End of the Beautiful Things fue una verdadera aventura. Me lo pasé genial, y parecía como si las piezas del puzzle ya estuvieran ahí, y yo solo tenía que encontrarlas y encajarlas.

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Epica

y su concierto en streaming Omega Alive Imágenes por el gran fotógrafo, Tim Tronckoe.

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uy buenas a todos de nuevo. Espero que estéis todos bien, lo que os digo siempre, ya sabéis que yo me preocupo por mis lectores.

Os traigo en esta ocasión un artículo sobre Epica, una banda con la que disfruto tanto como una niña con golosinas (me he acordado de que tengo golosinas en mi bolso y me he levantado a por ellas). Ya he escrito en más de una ocasión sobre ellos, pero es que esto es un acontecimiento del que es casi obligatorio hablar.

Ellos son los reyes del Metal Sinfónico, los geniales y divertidos EPICA.

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Epica y su concierto en streaming Omega Alive

Tras 17 meses sin subirse a un escenario, y sin poder dar un concierto debido a la más que sonada pandemia, el pasado 12 de Junio EPICA hicieron un Stream mundial, con un concierto, que no en directo, pero que fue una auténtica pasada.

Una mega producción dirigida por Jens De Vos, con el que nos dejaron a todos con la boca abierta. Sin duda, ha sido el mejor concierto de EPICA hasta el momento, en el que no faltaban los acróbatas, malabaristas, bailarinas, fuego, lluvia, y los cambios de vestuario y maquillaje de la bella Simone Simons, que,

luvian Universe ACTO IV: GRAVITA Rivers Once Upon a Nightmare ACTO V: ALPHA ∞ OMEGA Freedom – The Wolves Within Cry For the Moon Beyond The Matrix Omega – Sovereign of the Sun Spheres Todo en su conjunto fue un total de 1:45:27, en los que estuve boquiabierta, salté del sofá, canté, y sí, lloré. Lloré porque son muy grandes, suenan muy bonito, muy potentes, su música me eriza la piel, las letras de sus canciones están llenas de verdad, y lloré porque ojalá hubiera podido ser presencial, y contemplar el concierto de semejante magnitud y presupuesto en directo, para poder cantar, bailar y disfrutarlo como un espectáculo de tal calibre se merece.

De verdad, mientras escribo este artículo lo estoy viendo de nuevo (lo dejaron disponible por 72 horas, entrando con el ticket virtual), y lo estoy disfrutando más que comer y dormir, y eso, viniendo de mí, ya dice mucho. por cierto, me hizo saltar alguna que otra lágrima con su preciosa voz.

El concierto estuvo compuesto por cinco actos, en los que dividieron los catorce temas que tocaron: ACTO I: ΩVERTURA Alpha – Anteludium Abyss of Time – Countdown to Singularity The Skeleton Key Unchain Utopia ACTO II: MAGNITUDA The Obsessive Devotion In All Conscience Victims of Contingency ACTO III: ELYSIA Kingdom Of Heaven Kingdom Of Heaven – Part III – The Antedi-

Los temas como The Skeleton Key, Kingdom Of Heaven (parte I y III) suenan tremendamente brutales, incluso saqué algún parecido con Dimmu Borgir, en lo que a la potencia musical refiere, sonido aplastante. Me encanta el sonido de la batería, y es que Ariën se hace unos solos de batería que, perdón por mi expresión, son acojonantes.

Fue asombroso en la parte casi del final, en The Obsessive Devotion, ver cómo de repente, Simone se esfuma del escenario, en plan como en el programa televisivo “Ahora Caigo”, dejando caer el vestido que lucía al suelo, y no se veía ni rastro de la cantante. ¡Qué fantasía!

Me emocioné muchísimo con las canciones a capella Rivers y Once Upon The Nightmare.

En serio, la voz de Simone es… es que me emociona, de verdad, es el sentimiento que ella le pone. ¿Se puede ser más bonita? En LaCarne Magazine

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serio, esta chica es adorable, y canta como los ángeles, tanto que me hace llorar de lo bonito que lo hace.

sus grandes éxitos, como el tema con el que les conocí, “The Phantom Agony”, tema que le da título al primer álbum.

Un momento también muy emotivo fue cuando EPICA cantaron Cry For The Moon, que para los que seguimos a la banda desde sus inicios sabemos que esta canción es todo un himno, uno de sus mayores éxitos de su primer álbum, allá por el 2003, e hicieron un homenaje con imágenes de entonces, pues justo The Phantom Agony, el primer álbum de los holandeses, cumplía dieciocho años. ¿Sabéis lo que significa eso? Que llevo justo la mitad de mi vida escuchando a EPICA, es la banda que más veces he visto en directo. Me siento tan afortunada de conocerles…

A la vista está por las reacciones que hemos tenido los fans alrededor de todo el mundo, que este concierto de EPICA, OMEGA ALIVE, nos ha encantado a todos, pues la banda, días después, aún sigue poniendo en sus redes sociales mensajes de agradecimiento y respondiendo a los fans, y han dejado caer el rumor de que debido al éxito, es muy probable que este concierto lo lancen en un futuro en formato DVD. Eso sería magnífico, desde luego.

Os voy a contar una anécdota que me sucedió en el último concierto de EPICA que vi en directo, en noviembre de 2017, y es que a mi lado había un chaval de dieciséis años que había ido a ver el concierto con sus padres, porque sus padres eran súper fans de la banda, y decía que él se había criado escuchando EPICA desde que era prácticamente un bebé.

En ese preciso momento me sentí realmente muy mayor (Risas).

En fin, fue un gran homenaje porque recordaron también a los miembros anteriores de la banda, como Ad Sluijter o Yves Huts, con quienes aún mantienen una gran amistad.

Quizá eché de menos que no tocasen otro de

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Amigos, espero que os haya gustado este artículo sobre este gran concierto de, sin duda, una de las mejores bandas de metal que hay en la actualidad. Se me notará que soy muy fan, lo sé, pero hay que reconocer que estos chicos se esfuerzan muchísimo por complacer a sus fans, y se superan a sí mismos cada año. Así que, desde aquí, otro gran aplauso para ellos (ya les aplaudí desde el sofá, lógicamente no se han enterado).

No olvidéis seguirles en sus redes sociales para no perderos ninguna novedad. Un gran abrazo a todos. ¡Hasta la próxima!

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Rock

Contra el Fascismo LEER MÁS

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l Rock nunca ha entendido de sexos ni nacionalidades, como dice Arch Enemy en Nemesis: “Uno para todos y todos para uno, somos fuertes, somos unos, somos Nemesis”. Creo que resume perfectamente lo que significa el Rock. El Rock es antifascista, feminista, libertario, y, quien piense lo contrario, no ha entendido nada.

Dejan bien claro que no permitirán que ningún partido político los use como herramienta política, Rock Contra el Fascismo es una amalgama de pensamientos, pero con un nexo común, son antifascistas. Tampoco consentirán la creación de una lista negra a raíz de

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la firma de este manifiesto, ni tampoco exigen “demostrar” el antifascismo. El hecho de firmar no te hace más antifascista, puedes no querer firmar o no poder, y en cambio colaborar con ellos (o no).

Rock Contra el Fascismo

El pasado 14 de abril se hizo público el manifiesto de Rock Contra el Fascismo, gestado por Fernando Madina, vocalista de Reincidentes, y Oscar Sancho Rubio, vocalista de Lujuria, en respuesta a las declaraciones de algunos músicos cercanos a la extrema derecha. Este manifiesto está abierto a todo grupo, sala, revista musical que quieran participar y gritar No al Fascismo.

El manifiesto Rock Contra el Fascismo está siendo un éxito rotundo, está creciendo de forma exponencial. Se propusieron como meta

llegar el 1 de mayo a 1000 firmas, y las sobrepasaron con creces. Es un manifiesto nacido en España, y se ha hecho internacional con países como Italia, Colombia, Argentina, Chile, y un largo etc. Dicho manifiesto se ha traducido a multitud de lenguas, como asturiano, euskera, catalán, italiano, e incluso lo quieren traducir al árabe.

Gracias a Dani, a Juan Pedro y a toda la asociación Oscec, por su excelente trato, y por realizar la traducción al Castúo (la lectura en castúo la hará Carlinos Masegosa, cantante de Bucéfalo), y gracias a todos los que han realizado las traducciones en todas las lenguas e idiomas a las que se ha traducido el manifiesto. Han firmado grupos de todo el mundo, como Reno Renardo, Ska-P, Fermín Muguruza, Koma, El Drogas, Def con Dos, Banda Basotti, The Jet Black Jackets (Chile), Ratos de Porao y un largo etc.

El manifiesto Rock Contra el Fascismo dice que son un colectivo en el que unidos por la música luchan por un futuro feminista y antifascista. Son músicos que se han sentido abandonados en la crisis del Covid, un sector en alerta roja. Nunca han dejado de pensar en que la unión hace la fuerza, y que han de apoyarse unos a otros.

Son la voz del pueblo, y es el pueblo quien salva al pueblo, «Sols el Poble salva el Poble» como canta Kop. Es un colectivo que se ha cansado de falsas promesas de ayuda al sector, huye de quienes ofrecen ayuda hipócrita, que sólo busca su propio beneficio, y hablan de la necesidad de reconocer a los oportunistas de quien realmente quiere ayudar.

El 21 de Junio, día de la música, presentaron en Madrid Rock Contra el Fascismo, un evento que cumplió con todas las medidas anti covid y fue un gran éxito. El manifiesto fue presentado por Oscar Sancho (Lujuria), Fernando Madina (Reincidentes), Aurora Beltrán (Tahúres Zurdos), Mariano Minuesa, Marilú (Alma Cúlter), y Elisa C Martin (Fairyland).

En el acto, cargado de momentos emotivos y

“Máximo apoyo a este tipo de iniciativas” también divertidos, denunciaron la situación de la mujer en el Rock, que hasta ahora no están siendo valoradas como se merecen, como apuntó Aurora Beltrán o Elisa C Martin, que a pesar de ser una de las mejores voces de la escena musical mundial, y llevar desde los 12 años cantando en bandas de Metal en bandas como Fairyland o Dark Moor, tiene que seguir defendiendo su posición ante las críticas.

El acto se retransmitió en Streming desde el canal de CCOO para que, la gente que no pudo acudir, lo pudiera ver en directo.

En el acto se denunció la permisividad de los medios hacia el fascismo, animando a que las victimas del racismo, machismo, y homofobia se sientan protegidas, no están solas, ya no.

Ellas y ellos van a decir Basta al fascismo.

Grupos como Sartenazo Cerebral, Jet Black Jackets, Ratos de Porao, Fermin Muguruza o Miguel Rios apoyaron el manifiesto Rock Contra el Fascismo, grupos tanto veteranos como noveles, tanto famosos como desconocidos, unidos por la música.

Firmaron el manifiesto 1313 bandas, y como culminación del acto los artistas alzaron sus instrumentos (Ver vídeo).

Se hace un llamamiento a toda persona que esté en contra del machismo y el fascismo a que se una al manifiesto.

Da igual si llenas estadios o tocas para cuatro gatos, si llevas 30 años o meses tocando, está abierto a todo el mundo.

Máximo apoyo a este tipo de iniciativas.

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Dead Soul de principio a fin

Dead Soul, de principio a fin LEER MÁS

M

uy buenas a todos! Como siempre, espero que todos estén bien, ahora que ya parece que la situación se está controlando con las vacunas, y que poco a poco comenzamos a tener un poco más de vida.

Y a vosotros, ¿os han vacunado ya? A mí aún no, y no me queda muy claro cuándo será mi turno, pues cada vez dicen una fecha distinta.

Seguro que están esperando a que me vaya de vacaciones (risas).

En fin, vamos a lo que vamos, que además os vengo a hablar de una banda de la que ya os he hablado en otras ocasiones, pero muy ligeramente, y quería hacer algo más extendido sobre ellos. La banda en cuestión es DEAD SOUL, procedentes de ese país del que no os hablo nunca (ironía), Suecia.

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Compuesta principalmente por nuestro amigo Niels Nielsen, a quien ya he entrevistado en un par de ocasiones para LCM, y Anders Landelius, a quien quizá recordéis por aquel artículo que escribí sobre la banda ME AND THAT MAN, la otra banda del característico Nergal (Behemoth), en la que Anders colabora poniendo su peculiar y reconocible voz en “Surrender”, uno de sus temas.

DEAD SOUL se formó en el año 2012, repito, por Niels y Anders, que ya habían trabajado juntos anteriormente, acompañados de otros colegas, y desde entonces han lanzado tres álbumes de estudio: IN THE DARKNESS (2013), LIVE IN STUDIO UNDERJORD (2014), y THE SHELTERING SKY (2015).

También lanzaron varios EP´S, y un espectacular video de tres cuartos de hora en el que podemos disfrutar de su sonido, acompañado de dos baterías, varias guitarras, sintetizadores…, es todo un espectáculo que merece la

llegado a su fin. Así, sin más, dando las gracias, pero sin dar explicaciones, ni un porqué.

Os podéis imaginar la cara que se nos ha quedado a los fans, que estamos agradecidos por todo lo que nos han dado estos años, pero duele, vamos a ser sinceros, cuando una banda te encanta y se separan, o deciden que ya no habrá más música como tal, fastidia muchísimo (me pasó lo mismo con HIM. Toda la vida escuchándoles, y anunciaron su separación justo el día de mi cumpleaños. ¡Eso no se hace!).

En fin, supongo que los cambios, y la situación en general que estamos atravesando, han tenido algo que ver, y algo que me hubiera encantado hubiera sido verlos de nuevo en directo en Madrid, pues vinieron como teloneros de GHOST hace ya unos años, cuando la banda de Tobías Forge se empezaba a conocer.

Siempre nos quedará su música, que por suerte aún podemos disfrutar en plataformas digitales como Spotify. pena ver (es el video de la grabación de Live in Studio Underjord).

Han cosechado éxitos con temas como Burn Forever, The Fool, o una de mis favoritas, God, Where Are You Now, que tiene una melodía envolvente, y ver como tocan esta canción con las dos baterías a la vez me pone los pelos de punta.

Su música tiene un estilo que no había escuchado antes. Sí, es Rock, pero también es Blues, y tiene sonidos electrónicos. Tiene una esencia que no tienen otras bandas, tienen un estilo propio que deja huella.

Dead Soul, 2012-2021

Pero cuando todos los fans estábamos esperando música nueva de ellos, pues ya hacía bastante tiempo que estaban “parados” (entre comillas, porque realmente no han dejado de trabajar en otros proyectos), sin previo aviso, y rompiendo nuestros corazones, tanto Niels como Anders anunciaban en sus respectivas cuentas de instagram que DEAD SOUL había

Lamento no haber hablado sobre ellos más extensamente antes, y que este articulo tenga que ser para dar la noticia del final de la banda. Me fastidia un montón, de veras.

Espero que os haya gustado saber más sobre ellos de todas formas. Su música ya está ahí, y eso no va a cambiar.

No olvidéis seguir a estos chicos en sus redes sociales, porque igual nos sorprenden con otra cosa, pues ante todo son amigos, y siempre están trabajando en proyectos que molan bastante.

Gracias por todo, DEAD SOUL, y gracias a vosotros por seguir ahí leyendo mis artículos y entrevistas. ¡Hasta la próxima!

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Los Conciertos de Pedrilla celebran su 25 edición

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os Conciertos de Pedrilla celebran su 25ª edición como un evento cultural consolidado de las noches estivales de la capital cacereña.

Tras la modesta edición de 2020, celebrada gracias a la apuesta decidida de la Diputación Provincial de Cáceres de apoyar al sector cultural, por haber sido uno de los más golpeados por los efectos del confinamiento y la pandemia, los Jardines del Museo Casa Pedrilla y Guayasamín se preparan para acoger un año más uno de los ciclos de verano más esperados: Los Conciertos de Pedrilla.

Los Conciertos de Pedrilla celebran su 25 edición El presidente de la Institución Provincial, Carlos Carlos Rodríguez, ha presentado este martes la programación de la vigésimo quinta edición de este evento junto al diputado de Cultura y Deportes, Fernando J. Grande Cano, que en esta edición cuenta con una inversión presupuestaria de 51.371,34 euros.

Carlos Carlos ha hecho hincapié en que este ciclo musical y cultural estival se va a realizar cumpliendo todas las medidas de seguridad y en “una apuesta firme” por impulsar el sector de la cultura. El presidente ha recordado que, tras estos 25 años, Los Conciertos de Pedrilla se han convertido en un referente en la capital cacereña, y cuentan con un “gran acogida” y “un público fiel que reconoce el esfuerzo de Diputación y la calidad de la programación”.

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Por su parte, el diputado de Cultura, que ha presentando los seis artistas que integran el programa de 2021, ha explicado que para esta fecha emblemática del 25 aniversario del ciclo cultural “era obligado hacer un cartel de gran calidad”.

Grande Cano ha insistido en que “es posible ofrecer cultura con las normas sanitarias” y en que “es casi una obligación que las administraciones públicas apoyemos a un sector que aunque se está reactivando sigue necesitando del concurso y apoyo de las administraciones”.

INFORMACIÓN IMPORTANTE PARA LOS ASISTENTES El aforo se limitará a 400 entradas que podrán ser reservadas online, 1 reserva por persona, a partir del lunes anterior a cada concierto desde las 9:00 horas, a través del siguiente enlace.

Las puertas se abrirán: en julio a las 21:15h y en agosto a las 20:45h Les rogamos que en caso de no poder asistir comuniquen la anulación de la reserva al siguiente correo.

LES RECORDAMOS QUE: Es obligatorio el uso de mascarillas para acceder a los Jardines del Museo Pedrilla y una vez dentro durante todo el espectáculo hasta su finalización.

Asimismo, que deben guardar la distancia de

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seguridad con otras personas a la hora de esperar su turno para entrar en el recinto y una vez dentro del mismo.

Se dispondrá de gel hidroalcohólico a la entrada de los jardines para su desinfección, así como en los aseos instalados en los mismos.

La salida del evento se organizará de forma escalonada.

Programación Completa Los Conciertos de Pedrilla tendrán lugar todos los viernes del 16 de julio al 20 de agosto, con un horario de 22:30h en julio y 22:00h en agosto, aunque, como medida de seguridad, el acceso al recinto estará abierto con 45 minutos de antelación para evitar que se formen aglomeraciones.

Al igual que el año pasado, el aforo será reducido, con 400 sillas, por lo que las personas que deseen asistir deberán hacerlo previa inscripción a través de la web.

Las entradas estarán disponibles los lunes anteriores a cada concierto. A través de la página se generará un código QR, que habrá que mostrar a la entrada del recinto. Además, habrá que permanecer sentado y con la mascarilla puesta durante todo el espectáculo. Jazz, étnica, folklore, flamenco fusión…son algunos de los géneros que la programación de Los Conciertos de Pedrilla propone para su vigésimo quinta edición.

Para que no os peredáis nada, aquí os dejamos la programación completa de los artistas y bandas que pasarán en esta edición por el escenario de Los Conciertos de Pedrilla.

Las Karamba (Multicultural) 16 julio a las 22:30h Las Karamba nos traen una propuesta musical en la que se mezclan diferentos sonidos multiculturales como el son, el chachachá, la salsa, la timba y la música urbana, todo ello desde una perspectiva social femenina.

Como muy bien afirman las componentes de

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la banda “Las Karamba somos la voz de todas aquellas mujeres que callaron, que estuvieron en la sombra, que lucharon solas, a lo largo de la historia de la música, y que hoy tienen mucho que contar».

Camino Así es el título del primer trabajo de Las Karamba, un disco con el que seguro nos harán disfrutar de la primera noche de Los Conciertos de Pedrilla.

Antonio Serrano Quartet (Jazz-Blues) 23 julio a las 22:30h Antonio Serrano dio sus primeros pasos en la múscia siendo un adolescente, periodo en el que daba conciertos de música clásica. El artista de naturaleza inquieta, descubre con los años el Jazz, un género musical al que se dedicaría por completo.

Antonio Serrano comenzó a llamar la atención de otros artistas que le solicitaron sus servicios como músico, tal es el caso de Serrat, Sabina e incluso el gran Paco de Lucía, con el que estuvo trabajando hasta que éste falleció. A pesar de trabajar con otros músicos y artistas, Antonio Serrano siempre sacaba tiempo para dedicarlo a su proyecto personal en distintos formatos, ya sea duo, cuarteto o en solitario.

De sus proyectos destacan su adaptación para armónica y orquesta de El Sombrero de Tres Picos de Manuel de Falla y Bach & “Bach” junto a Daniel Oyarzabal y Pablo Martín Caminero.

En esta ocasión Antonio Serrano viene en su formato de cuarteto y nos presentará Tootsology, homenaje al gran armonicista de Jazz Toots Thielemans. Estamos deseando verle en directo y disfrutar de su particular estilo.

Maya Kamaty (Étnica) 30 julio a las 22:30h Maya Kamaty, hija de Gilbert Pounia, fundador del famoso colectivo Ziskakan de Isla Reunión, tras una larga estancia en Francia en la que cursó sus estudios, decide regresar a su

isla. Allí tomó posesión del idioma criollo tanto como de la música de maloya, un blues de ritmo ternario heredado de esclavos malgaches y africanos.

Con su kayamb (instrumento musical plano usado en las Islas Mascareñas para tocar música de sega y maloya) al alcance de la mano, Maya, a su vez, ha hecho de esta pelea el hilo conductor de una música popular errante.

Maya Kamaty ha decidido abandonar el lado acústico de su primer trabajo y ha realizado profundos cambios en su música. Ella y su banda han encontrado el perfecto equilibrio entre lo orgánico y lo electrónico. Su maloya reinventada ya no pertenece solo a Reunión, sino al mundo.

Maya Kamaty está más que decidida a llevar los ricos sonidos de su isla más allá y hacer que el idioma y el alma criollos de hoy canten a su manera. Dejaros contagiar por los maravillosos sonidos de Isla Reunión el próximo 30 de julio.

Rodrigo Cuevas (Agitador Folklórico) 6 agosto a las 22:00h Rodrigo Cuevas es un artista prácticamente inclasificable, aunque se describe su propuesta artístico musical como agitación folclórica y electrónica, música tradicional al que el artista agrega además humor, maravillosas coreografías contemporáneas y una puesta en escena que aúna elementos vintage junto con vídeo proyecciones y un vestuario que, una vez más, no deja a nadie indiferente.

No encontraréis a ningún artista que se le parezca, pues sólo él es capaz de llevar a cabo un espectáculo de estas características. En esta edición de Los Conciertos de Pedrilla nos presentará su último espectáculo llamado Trópico de Covadonga. No os podéis perder este espectáculo!

Prexton (Canción de autor) 13 agosto a las 22:00h

que reside habitualmente en Galicia y al que hemos seguido desde los inicios de su carrera musical, le hemos visto crecer y hacerse grande musicalmente desde aquel 2013 en el que emprendía su viaje en solitario.

Desde su primer Ep titulado 42, ha recorrido numerosos escenarios por todo el territorio nacional incluyendo festivales como Womad Cáceres y Womad Inglaterra entre otros, además de otros cirucuitos de conciertos.

En 2018 publica un nuevo trabajo, How The Universe Works, con el que realizó una gira tanto dentro como fuera de nuestras fronteras (España). Durante el 2020 y 2021, Prexton nos muestra una evolución en sus dos nuevos sencillos, Tony Montana y Elástico en el que el cantautor explora e incorpora nuevos sonidos.

Estamos deseando verle en directo y disfrutar de su música el próximo 13 de agosto en Los Conciertos de Pedrilla.

Calima (Nueva Bossa Flamenco Fusión) 20 agosto a las 22:00h Flamenco, Soul, Reggae y beats electrónicos son los sonidos que fusionan la banda Calima en el nuevo disco en el que están trabajando y que llevará por título Caution Live Animals.

No digáis que no es una buena combinación para pasar una noche estival en el maravilloso escenario de Los Conciertos de Pedrilla.

La banda está compuesta por artistas ya consolidados y nuevos talentos emergentes, pero también Calima ha contado con la colaboración en algunos de sus temas de otros grandes artistas como por ejemplo La Mari (Chambao), Macaco o Bebe entre otros.

Qué mejor forma de cerrar esta edición de Los Conciertos de Pedrilla! Con un buen directo y con la música de Calima.

WEB DIPUTACIÓN DE CÁCERES

Eduardo Casero es Prexton, un cacereño LaCarne Magazine

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The Great Discord y su nuevo trabajo Deam Morte LEER MÁS

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uy buenas a todos! Comenzamos este mes hablando de una de mis bandas favoritas, y a la cual entrevisté hace unos meses. Estaba deseando ver y escuchar el nuevo trabajo de ellos porque sabía que no me iba a defraudar. Sí, amigos, estoy hablando de “mis niños de Linköping” (risas), The Great Discord.

Si recordamos la entrevista, nos decían que estaban trabajando en el nuevo material, y que lo íbamos a poder escuchar muy pronto, mucho antes de lo que pensábamos. Y así ha sido, pues anunciaron “la llegada” a finales de abril, dejando la fecha del 14 de Mayo como que algo importante iba a pasar.

Arrival, el misterioso video de The Great Discord 24 LaCarne Magazine

Arrival, así se llama el misterioso vídeo que anunciaba una nueva era, en la que la característica FIA regresa bajo el nombre de DEA. En el vídeo podemos ver cómo una anciana parece estar haciendo algún tipo de magia negra, invocando a la poderosa DEA, que viene, sin duda, pisando fuerte, dando una vuelta de tuerca a la historia que continúa en un nuevo capítulo, en la que podemos verla más furiosa que nunca.

Ese contraste me encanta, porque realmente Sofía Kempe, cantante de TGD, es un sol, pero nunca hay que subestimar el carácter de una persona que de primeras es “dulce”, todos tenemos un lado oscuro. Ya sabéis, no hay luz sin oscuridad.

Quizá el personaje es una forma de canalizar ese lado “menos simpático” que todos poseemos. ¿Tú también llevas una DEA dentro?

Como fan de The Great Discord, me quedé sorprendida, y al mismo tiempo con ganas de más.

viene a ser la mente tan retorcida y perdida de aquel que comete violencia y asesinato. Es lo que a mí me parece, pues un fragmento de la canción dice: «Tú, amigo mío, estás perdido, pero aun así soñando por siempre bailando en la oscuridad. Mientras pinto las paredes con sangre y envidia, Sangre y envidia. Tu rica vida está ahora en mi mano, todos los sentimientos de ira están prohibidos. Pero aún puedo sentir cómo tus entrañas podridas se filtran por tus poros como lo planeé. Envidias todo lo que soy, tonto y frágil corderito, es triste cómo no puedes ver tu propio valor en todo lo que tienes, y eso te lleva a la sangre y envidia» Sin duda es una canción que, dentro de su estilo, es mucho más fuerte en el sonido de la batería, muy contundente, también las guitarras, y en general. Veo fuerza y explosividad en este nuevo trabajo.

Pero ver la entrada triunfal de DEA, con nueva imagen, ataviada en un traje negro, cinturón dorado, la significativa pluma en forma de colgante esta vez, y esa máscara… Un anticipo brutal de lo que venía después.

The Great Discord y lo que está por llegar

No fue hasta el día 28 de Mayo que ya pudimos ver el primer single de lo que va a ser su tercer álbum de estudio, Deam Morte, que verá la luz en el próximo otoño de 2021, bajo el sello de PAZUZU RECORDINGS. BLOOD//ENVY es el nombre del nuevo tema, que me ha dejado boquiabierta por la potencia de su sonido. Es una canción fuerte en todos los sentidos, y, como comentaba en renglones anteriores, podemos ver que DEA viene sin duda pisando fuerte, mostrando su lado más oscuro.

Quizá analizando un poco la letra de la canción, creo que puede ir encaminada a lo que

Ha tenido muy buena acogida por parte de los fans, también porque llevábamos ya algún tiempo esperando al nuevo material, que se tuvo que retrasar debido a la pandemia.

Deseando estoy escuchar el resto del álbum.

Seguro que The Great Discord nos sorprenderán mientras tanto con algún que otro single, para no hacer la espera tan larga.

Espero que os haya gustado tanto como a mí este nuevo trabajo de los suecos The Great Discord, y de esta nueva era con la que seguro van a hacer temblar el mundo con su música.

No les perdáis la pista a The Great Discord, y estad atentos en sus redes sociales. Ya podéis escuchar BLOOD//ENVY en plataformas digitales. Hasta la próxima!

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Xenoficción

exposición de Emiliana Pérez y Juan Gila

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que “es uno de los grandes retos que tenemos en estos momentos tan complicados, seguir ofreciendo arte y cultura a la ciudadanía, en una sala que este año cumple 40 años”.

Comisariada por Julio Vázquez Ortiz, se trata de una muestra de carácter multidisciplinar que combina distintas técnicas tales como la escultura en distintos materiales (barro, resina, silicona, cera) dibujos con tiza y grafito, cajas de luz, video arte e instalación.

Este proyecto conjunto aborda una de las preocupaciones universales como es la identidad del ser humano. Es una reflexión sobre la continua transformación de la identidad en la sociedad contemporánea teniendo como hilo conductor la clonación humana y los xenotransplantes.

esde el pasado 7 de julio se puede visitar en la Sala de Arte el Brocense de la Diputación Provincial de Cáceres, la exposición Xenoficción de los artistas Emiliana Pérez y Juan Gila.

Xenoficción de Emiliana Pérez y Juan Gila en la Sala de Arte El Brocense

El diputado de Cultura y Deportes, Fernando J. Grande Cano inauguraba el pasado miércoles en la Sala de Arte El Brocense la exposición Xenoficción, de los artistas Emiliana Pérez y Juan Gila. Y lo ha hecho recordando

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Y es que la reflexión sobre el concepto de identidad, presente a lo largo de la trayectoria de ambos artistas, no deja de ser el fin último que subyace en la filosofía aplicada a la bioética, así como al debate moral sobre los avances en materia de hibridación entre especies.

De la misma manera que en la mitología apa-

2016 es miembro de AVAEX (Artistas Visuales y Asociados de Extremadura).

Entre sus exposiciones individuales destacan Identitas (2018), conjunta con el también escultor Jorge Gil, en el Archivo Histórico de Cáceres, Anacrónicos (2014) en la galería Nieves Martín de Villafranca de los Barros, La casa de Sísifo (2008) en la galería la Tea de Plasencia o sus exposiciones Homo artefacto (1998) y Segunda Identidad (2007) en la propia Sala El Brocense de Cáceres.

Recientemente, ha recibido junto con Emiliana Pérez, el premio Proyecto Expositivo a la producción 2020, organizado por el Centro Cultural Valey de Castrillón ( Asturias) Emiliana Pérez (Hervás, 1965) es diplomada en escultura por la Escuela de Bellas Artes Rodrigo Alemán de Plasencia con formación también en pintura y grabado. Ha sido productora ejecutiva del documental “Recorridos” y del largometraje “Garantía Personal”, realizados por Rodrigo Rivas, y actriz principal del Cortometraje “Marina”, realizado por El Auriga Producciones y seleccionado para la Edición de Cortometrajes de Extremadura: JARA.

recen cuestiones emocionales adscritas a los animales hibridados, tanto Juan como Emiliana emplean ese mismo proceso de mixtura centrándose en la cabeza, la cara como icono identitario, para fusionar la figura humana con la representación de animales usados habitualmente en estas quimeras médicas por su correspondencia genética con nuestro ADN. De esta forma, las referencias a ratones, cerdos y monos se convierten en algo recurrente en favor del discurso diseñado.

Juan Gila (Zafra, 1964) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, especialidad Escultura y actualmente ejerce como profesor de dicha especialidad en la Escuela de Bellas Artes Rodrigo Alemán de Plasencia.

Desde 2007 es coordinador del Museo Tiflológico de Plasencia y ha sido Jefe de decorados del largometraje “Garantía Personal”, realizado por Rodrigo Rivas en 2014. Desde

Su obra ha sido seleccionada en varias ocasiones en el Premio de Artes Plásticas Sala El Brocense así como en Photo España o el Premio de Fotografía Ciudad de Badajoz. Ha realizado exposiciones individuales en Plasencia, Cáceres, Hervás , Suiza y Portugal.

Xenoficción podrá visitarse desde el 7 de julio hasta finales del mes de agosto, de martes a sábado de 11:00h a 14:00h y de 18:00h a 21:00h durante el mes de julio, mientras que en agosto la sala permanecerá cerrada por las tardes.

Website Diputación de Cáceres Facebook Diputación de Cáceres Área de Cultura Diputación de Cáceres LaCarne Magazine

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Acaba de lanzarse mundialmente el recopilatorio La Mejor Música Extremeña 2020, que incluye el trabajo de 20 artistas extremeños que grabaron durante la pandemia del COVID

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l recopilatorio La Mejor Música Extremeña 2020 se ha publicado recientemente en más de 200 plataformas y tiendas especializadas en 5 continentes, y es la sorpresa de este año en el sector de la Cultura en Extremadura. Pedro Gallardo, conocido cantante cacereño y director de la revista musical LaCarne Magazine, ha conseguido reunir a 20 artistas y bandas extremeñas en un proyecto internacional, con la intención de promover la música hecha en Extremadura en todos los rincones del mundo.

Cada artista ha contribuido con un tema grabado en 2020, en pleno confinamiento de la pandemia del COVID, y es una oportunidad única para mostrar internacionalmente, de una forma efectiva y sencilla, todo el potencial de la música extremeña y de sus músicos y artistas. Quien escuche La Mejor Música Extremeña 2020 podrá encontrar grandes temas de Jazz, Rock, Hip Hop, Garaje, Power Metal, o incluso música de autor, de artistas extremeños consolidados y conocidos por todos, y también emergentes con un gran futuro por delante.

SPOTIFY APPLE MUSIC DEEZER YOUTUBE MUSIC Aparte de los artistas extremeños, Pedro Gallardo, el creador del proyecto, también consiguió reunir a un grupo representativo del sector de la música en Extremadura (músicos, festivales, periodistas, consumidor de conciertos…) para seleccionar los 20 temas que se incluyen en este recopilatorio, pudiendo llegar a convertirse en la primera lanzadera privada que transporte directamente a los músicos extremeños a Latinoamérica.

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La Mejor Música Extremeña en todo el mundo

Con 2 millones y medio de lecturas en lo que va de 2021, LaCarne Magazine, revista extremeña de música internacional, ha sido una parte fundamental del proyecto, ya que se ha encargado de distribuir digitalmente por todo el mundo el recopilatorio, y potenciar el impacto internacional de los 20 artistas con un especial que saldrá en sus páginas en el número de Agosto.

“Era una oportunidad única en un momento en el que casi nadie apoyaba la cultura. Con este recopilatorio formaremos las bases para un posible intercambio de artistas entre Extremadura y Latinoamérica, y será el inicio de muchos recopilatorios extremeños”, afirma Pedro Gallardo.

Si el recopilatorio La Mejor Música Extremeña 2020 consigue sólo una parte de los objetivos que quieren alcanzar, podríamos estar ante el evento internacional del año más importante dentro del sector de la música en Extremadura.

Los artistas extremeños incluidos en el recopilatorio

Una idea mencionada en Facebook, y comentada por músicos y amantes de la música extremeña, ha acabado materializándose en el recopilatorio La Mejor Música Extremeña 2020 en solo 3 meses. Ése fue el origen de este proyecto internacional que está creando tanta expectación.

Después de hacer el llamamiento en las redes sociales, y recibir más de 35 propuestas musicales (una cifra elevada, considerando que estábamos en plena pandemia), el jurado seleccionó 20 temas de 20 artistas extremeños, y se empezó a trabajar en las gestiones para el lanzamiento mundial.

Los grupos que participan en el recopilatorio La Mejor Música Extremeña 2020 son Ruben Rubio, Sara G. Meléndez, Supertennis, Spin Offs, Hache Retamar, Tree House, El Cid, Sara Lugarda, Daniel Cárceles &

La Banda, Mistolobo, Bosk, Javi Serrano, Laura Durán, PuertoHurraco, Mala Sangre, Descalzas, Niño Índigo, Javato y los Disfrutones, Mud Men, y Lorkan & Dj Kast.

BOSK

Bosk es un Mc, productor, y técnico de mezcla y mastering cacereño de música independiente con diez trabajos a sus espaldas, y un sinfín de colaboraciones con bandas y solistas de varios géneros. Ahora se encuentra presentando su nuevo trabajo PutaVida. Ya está disponible en formato físico y en plataformas digitales desde mediados de 2020 con su propio sello B.Labs Records. Las letras, grabaciones, postproducción, mezcla, y master han sido realizados por Bosk. Cuenta con colaboraciones como Marka, Puly, Dj J.A., Dj Fres, guitarras por Rubén Viruta y Neix, y coros por Pilar Sancho.

“Esperamos que se conozca el Rap autóctono en la medida de lo posible, ya que en la región se ha desarrollado apartado de las otras comunidades, donde, lejos de criminalizar esta cultura, hicieron fuertes inversiones en su día para promoverla.”

“Veo como una gran desgracia que en un 2021 no podamos decir en Extremadura que un rapper, o vocalista o músico de ningún estilo o género, pueda pagar sus facturas dignamente de su arte y su trabajo. Ésa es la asignatura que todos los extremeños tenemos pendiente, porque hay que hacer un poco de autocrítica y poner las cosas en su sitio. Estoy seguro que viviendo en una ciudad grande mi música hubiera sido más valorada sin duda alguna.”

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DANIEL CÁRCELES y la banda

Canción de autor mezclada con pop rock, con melodías pegadizas y bases con personalidad propia. Las letras y la voz cobran vital importancia, y La Banda se encarga de aportar con motivos únicos de cada componente, que visten las canciones.

Daniel Cárceles es un cantautor experimentado con una larga trayectoria y paso por diversas bandas de diferentes estilos, al igual que “la banda”, una formación casual y ecléctica proveniente de otros grupos musicales.

“Es muy interesante haber podido formar parte de este recopilatorio. LaCarne Magazine hace un gran trabajo, y gracias a ello esperamos que nos conozca gente aquí y al otro lado del mundo, que, de otro modo, no nos hubiera escuchado nunca. Sabemos que el mundo de la música es complicado, pero cada granito de arena cuenta. Ésta es una oportunidad de encontrar nuevos oyentes, y, si les gusta lo que hacemos, pueden seguirnos en redes. Nosotros estaremos encantados de interactuar con ellos, y ojalá algún día poder vernos físicamente en algún concierto en vivo.”

“Extremadura siempre ha sido un territorio potente en cuanto a música se refiere. Creemos que hay mucha calidad y de muy diversos estilos. Para nuestro gusto, debería moverse mucho más la música en directo, y no sólo después del confinamiento, sino también hablamos de antes de que esto ocurriera. NeceLaCarne Magazine

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sitamos un tejido fuerte que sustente a los grupos y que los acompañe en sus propuestas, poder entrar en circuitos musicales no sólo a nivel local, sino también nacional, y, por qué no, internacional. Los grupos necesitamos dar conciertos y seguir generando en las personas las ganas de escuchar y de sentir con conciertos en vivo. Sería necesario crear cauces para poder conjugar estas necesidades. Está claro que la situación actual complica mucho las cosas, pero estaremos de acuerdo en que como la música en directo no hay nada.”

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DESCALZAS

como La Pegatina, O´Funkillo, C. Tangana o Tote King. Publicaron su último LP el 28 de Febrero de 2020, llamado Con el Pie Izquierdo, y, aunque tuvieron que frenar en seco, se han dedicado a componer y ensayar. Ya preparan gira para el año que viene, entre las que encontramos fechas extremeñas como GraniRock y Extremúsika.

“Esperamos que los artistas extremeños de gran proyección dentro de la región consigan hacerse oír fuera de ella, y que gracias a esto mucha gente se interese por la música de creación extremeña. Es como un recordatorio para decir Seguimos aquí.”

“El confinamiento ha sacado lo mejor de cada uno. Los músicos somos creativos por naturaleza, y tener tiempo para esa creación es un regalo, aunque sea entre las cuatro paredes de tu casa. Ahora sólo queda que podamos mostrar todo lo creado.”

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Descalzas es lucha, reivindicación y protesta social, todo ello mezclado con buena música y humor. Música creada por mujeres que llegan al fondo de la cuestión, sin titubeos. Entre ritmos de rock, ska, soul, reggae y swing, hablan de la cotidianidad más simple y compleja, crean conciencia social a través de sus letras.

Este año recibieron el premio “Artista Joven Referente” por su trayectoria dentro de la región. Liderado por Paloma Pascua (voz e instrumentista) e Isabel Romero (viola), chicas luchadoras que siguen tirando de un proyecto con mucho amor, a las que se han unido este último año grandes músicos como Pablo Perera (guitarra), Diego Sánchez (Bajo) y Juanma Alcántara (Batería). Llevan años conquistándonos en cada directo con una natural complicidad con el público, que se entrega a toda esa fuerza femenina. Han actuado en salas y festivales de toda España, pasando por Festivales de gran renombre como Womad, Extremúsika, RutaRock, Festival das Brétemas, Verasummer, o Festivalino entre otros muchos, compartiendo escenario con grupos

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EL CID

“Allí Cuando Estabas” parte de la idea de ruptura del concepto espacio - tiempo, ya que lo correcto sería cambiar el cuándo por dónde, relacionado todo esto con la línea temporal inversa del videoclip, y con el hecho de revivir emociones pasadas en el presente como si fueran reales, y no una reminiscencia de otro tiempo, fruto de la nostalgia.

“Espero que el recopilatorio ponga de manifiesto la calidad de la música extremeña

dentro y fuera de nuestra tierra, los diversos géneros y la riqueza que se viene viendo desde hace mucho. La proyección internacional que LaCarne Magazine puede brindar es una oportunidad importante para llegar a otros sitios de una forma oficial y respetada. Creo que la labor que realizan es encomiable, añade mucho valor a la música extremeña.”

“El panorama musical extremeño después del confinamiento tiene dos vertientes: la mala, que no es cosa del virus y viene viéndose hace mucho, es la restricción de festivales solo a grupos punteros y escasas oportunidades para los emergentes. También el cierre de salas de conciertos que conlleva esta crisis.

Y la buena, que los creadores se han buscado, y muy bien, la forma de llegar a un nuevo público, de tocar y de ser escuchados fuera de las fórmulas habituales. Toca reinventarse y adaptarse a la época en que vivimos, castigada culturalmente en opinión de muchos.”

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HACHE RETAMAR

Cantante y compositora por vocación, Hache, natural de Almendralejo (Badajoz), lleva desde 2003 afincada en Barcelona. Una lesión la aparta de su carrera deportiva como triatleta, y se vuelca en sus canciones, dando forma a este proyecto. Las letras y la voz de Hache Retamar son la base de su proyecto personal. Un proyecto donde prima el mensaje de sus canciones. Destacan letras emocionales vinculadas a temáticas de género y colectivos vulnerables, tratadas desde una perspectiva

de sensibilidad. Por otra parte, encontramos letras que nos hablan de lo cotidiano, haciendo que el público se sienta reflejado en ellas.

Todo ello rodeado de una estética muy clara y definida, un rock acústico que trata temáticas que no se ven tanto en este estilo, y eso es lo que la hace diferente.

La extremeña se hizo un hueco en el cartel del FIB tras proclamarse vencedora de la IV edición del Carrefest Music Talent 2019 (un concurso de talentos emergentes). En septiembre de 2019 Hache se subió al escenario del Festival Carrefest Sevilla, donde actuó junto a Novedades Carminha, Arnau Griso, Cupido y Cariño. Entre los escenarios que ha pisado destacan algunas salas de conciertos míticas de Barcelona, como Razzmataz, la sala Vivaldi, Luz de Gas, la sala Monasterio, el Heliogábal, o el auditorio Marc Grau de Gavà (como telonera de Quique González) entre otras. Por otro lado, Hache Retamar forma parte del proyecto En Femenino como compositora e intérprete, un proyecto que nace de la mano de la asociación Extremúsica con la misión de visibilizar y combatir diferencias en el sector musical, y de esta manera alcanzar un escenario de equidad en el que el género no limite las oportunidades.

En Febrero de 2020 publica El Difícil Arte de Acertar, un EP con cuatro temas que reflejan su estilo, una mezcla de rock acústico con momentos de mucha intimidad e introspección mezclados con otros más enérgicos y potentes. Sus letras giran en torno a la cotidianidad, la vulnerabilidad, las desigualdades sociales, y la visibilidad de género. La gira de este último trabajo queda paralizada debido a la pandemia, por lo que Hache se centra en trabajos de composición y producción. Nos presenta dos nuevos singles, “Abrazando en la Distancia” y una nueva versión en clave de rock de “Reinas de Extrarradio”.

“Me encantaría poder llegar con mis canciones y sus mensajes a más gente, y sobre todo que se generen sinergias con el resto de compañeras y compañeros músicos. Sería súper enriquecedor para mí que a través de este recopilatorio surgieran colaboraciones y proyectos con el resto de músicos extremeños, y poder compartir grandes momentos con la LaCarne Magazine

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música como excusa.”

“Creo que aún es pronto para hacer un análisis de la situación por todo lo que sigue aconteciendo: conciertos anulados, giras y eventos suspendidos. Hay demasiada incertidumbre aún. Pero si algo hemos demostrado en el último año es que hay que reinventarse como sea en un sector que está en continuo cambio. Ojalá que cuando todo se calme un poco volvamos con más fuerza, y las instituciones apuesten por la cultura extremeña dándonos oportunidades para potenciar la riqueza musical tan grande que tiene Extremadura.”

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personas, y disfruten del tema tanto como lo hice yo al componerlo y producirlo.”

“Creo firmemente que todo va a cambiar para bien. Ahora mismo pienso que es muy complicado llegar a los públicos prepandemia, y no creo que deba ser ése el objetivo. Es momento de crear música, lanzar proyectos para que, en cuanto pase todo esto, estemos preparados para ofrecer buenos directos. Es lo que todos estamos deseando que ocurra.”

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LORKAN & DJ KAST

JAVI SERRANO

Javi Serrano es músico, compositor, productor y actor, con incursiones en diferentes manifestaciones artísticas y culturales. Fundador de la banda El Séptimo Cielo, y elenco en producciones de teatro musical como El Fantasma de la Ópera, Germinal o El Médico.

Su carta de presentación en solitario llega en 2020, y partir de este momento inicia una cascada de composiciones y estrenos con el objetivo de hacer disfrutar a su público de su gran pasión.

“Para mí es un premio que esta revista tan potente haya seleccionado mi trabajo entre tanta cantidad de artistas de nuestra tierra. Me siento muy orgulloso de pertenecer a una comunidad llena de gente tan talentosa y con tantos proyectos por cumplir. Con este recopilatorio espero lograr que mi música llegue a muchas

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En la actualidad, con más de 10 años de experiencia en la escena y como banda consolidada, Lorkan & Dj Kast presentan su trabajo editado bajo el nombre de Siempre desde ahora, un disco con 16 cortes y colaboraciones tanto vocales como instrumentales de varios artistas de la escena nacional. Para este proyecto, además, contarán con una puesta en escena dinámica y versátil, que sin duda no dejará indiferente a ningún oyente amante de la buena música.

“Creemos que será una gran oportunidad para llegar a más gente fuera del territorio nacional y salir de nuestra zona de confort. Es un gran proyecto y estamos encantados de que hayan contado con nosotros para llevar la música extremeña a otro nivel.”

“El hecho de parar la maquinaria un tiempo nos ha venido muy bien a todos, salvando las distancias con los problemas económicos y de

salud que hay. Creemos que tanto a nosotros como a muchos artistas nos ha servido para madurar bien los proyectos y buscar realmente lo que queríamos. Pero por otro lado están las restricciones y demás trabas para salas, festivales, etc., aunque confiemos que todo vuelva a la normalidad con la mayor brevedad posible.”

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MALA SANGRE

Músico, cantante y compositor de electrónica alternativa. Con un espectro compositivo amplio, combina sintetizadores analógicos, digitales y modulares, base principal de sus creaciones, con herramientas de software de diseño de sonido y producción, consiguiendo así una estética artística personal. El resultado son canciones que se mueven por terrenos como el Electro/EBM, con influencia industrial de artistas como Gesaffelstein, pasando por el Punk electrónico de Crystal Castles, Dirty electro de Feed Me, o el Nu-Rave de Justice o Digitalism. Después de varios años en los escenarios junto a la banda de Dance-Punk Paradise Key, con la que consiguieron varios premios nacionales, con discos y singles como Party Logistics o The son of the rave, Daniel Rato inicia este proceso paralelo a la banda.

Mala Sangre pretende ser un revulsivo, y sus canciones, un método de liberación.

“Lo que espero de este recopilatorio es lo que creo que ha conseguido ya un poco desde su lanzamiento, que es generar comunidad, cohesión, y apoyo entre los musicxs de la

zona. Creo que se hace un musicón por aquí, y estaría genial hacer más cosas como ésta.

Siempre he pensado que una comunidad de artistas unida monta más jarana que si se va por separado. Aunque entiendo que somos de estilos muy variados, y que cada uno lleva sus ritmos de trabajo, nos vendría bien intentar aunar fuerzas de alguna manera. Yo personalmente estoy abierto a todo, y ya tengo en mente algunas ofertas para hacer colaboraciones con gente de la que soy admirador.”

“Veo el panorama extremeño con muchas ganas de arrancar, tanto a salas y festis como a artistas, pero también hay sectores muy tocados, y esto no termina de arrancar. Las dificultades por las que han pasado y siguen pasando las familias son jodidas, y, desde mi punto de vista, las medidas tomadas por los diferentes gestores y/o gobiernos para resucitar el sector son como siempre: algo de pan (poco pan) para hoy y hambre para mañana.

Hasta que las ayudas no vayan orientadas al desarrollo real y al fomento de una industria fuerte y no dependiente de la administración, no creo que consigamos menos precariedad en un sector que antes de todo esto ya estaba en los huesos. Dicho esto, es una opinión sobre un tema del que seguro hay millones de opiniones entre mis compañerxs.”

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MUDMEN

Si quieres rock, lo tienes…

“Con este recopilatorio esperamos poder LaCarne Magazine

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abrirnos puertas, tanto en casa como fuera, ya que a una banda como la nuestra (power dúo), con un sonido más agreste, quizá tenga más proyección allende de nuestras fronteras, y con esta iniciativa seguro que todos los artistas involucrados podrán conseguirlo.”

“Vemos el panorama extremeño no del todo herido, la verdad. Hay muchas bandas que no han parado durante el confinamiento, y que han seguido trabajando en nuevo material, en promocionar, videos, etc. Así que creo que el estado de la música extremeña goza de buena salud, y de un variado abanico de artistas y estilos que nada tienen que envidiar a lo que se hace fuera.”

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NIÑO INDIGO sarrollar su trabajo como cualquier otro sector de la sociedad.”

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RUBEN RUBIO

Redes, contacto, discografía, curiosidades..., lo encontrarás todo en su web.

“Con el recopilatorio espero que la música hecha en Extremadura tenga la proyección que se merece” “El panorama musical extremeño, el de los que crean y trabajan con sus propios proyectos, o el de los músicos que tienen otro tipo de proyectos musicales, es realmente complicado, ya que es un año y medio sin apenas trabajo por las restricciones pandémicas. La salud creativa está intacta. En Extremadura hay muchísimo talento y artistas con ideas y proyectos maravillosos, pero necesitan ayuda, o al menos el apoyo necesario para poder de-

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Ahorita es la típica expresión que podría traducirse como cuando pueda, quiera o me apetezca estoy contigo, ya sean unos segundos después o toda la eternidad. El concepto del nuevo disco Inexorable es el fenómeno Tiempo, y todos los temas le hacen referencia de alguna manera.

“Toda promoción es poca en el mundo de la música, por lo que este recopilatorio es una oportunidad más de estar presente en redes y medios.”

Cataluña o Andalucía, donde si sucede esto.”

“Son tiempos difíciles para la cultura en general, y en concreto en Extremadura hay una gran falta de infraestructura. La música que se produce en nuestra región no tiene un escaparate, a pesar de disponer de un canal de televisión, y en la radio regional hay algunas horas semanales pero insuficientes. Prácticamente no existen salas de conciertos, ni circuitos estables de música de producción propia. La mayoría de los eventos que se programan son para cubrir fiestas locales, donde es normal que se programen orquestas de baile y bandas de música popular y de radiofórmulas. Y no creo que esto tenga que dejar de hacerse, es para un público distinto y momentos distintos.

SARA G MELÉNDEZ

Si no se promueve a los artistas y a la música de creación propia de nuestra región en nuestra región, no podrán alcanzar nunca el estatus, ni la envergadura que tienen en otras comunidades, donde existen artistas con gran demanda de público y que fuera de su comunidad son desconocidos, como puede pasar en

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Tema compuesto para el recopilatorio En femenino 2020, “Zalamera” es un tema reivindicativo y guerrero creado para luchar por la igualdad de derechos de la mujer en el mundo de la música.

“En primer lugar, Zalamera es una canción feminista, y, aunque solo sea por eso, creemos que debería llegar a cuanta más gente mejor.

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Los pensamientos, las ideas y las quejas de las mujeres deben ser escuchadas, no sólo su voz, y estoy segura de que hay muchas zalameras por el mundo que se sentirán identificadas con este tema. Y, en segundo lugar, Extremadura merece ser conocida: su música, su cultura, su arte en general, y esperamos que esto sirva para eso también.”

“El confinamiento fue un caldo de cultivo para la creación, y hemos sabido aprovecharlo. Lo que necesitamos ahora es que se invierta en cultura para poder llevar nuestra música a todos los rincones de la comunidad y fuera de ella. Se ha comprobado, este año más que nunca, que la cultura es segura (y necesaria).

Que nos dejen demostrarlo.”

“Creemos sinceramente que el panorama extremeño está en un momento muy bueno, a pesar de la situación de pandemia en la que nos encontramos, y muestra de ello es este recopilatorio donde se muestran todas las músicas diferentes que se crean en Extremadura.”

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SUPERTENNIS

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SPIN OFFS

Somos Supertennis y estamos presentando nuestro tercer trabajo discográfico, Ciudad Quimera. Síguenos en nuestras redes!

Spin Offs es una banda de rock clásico de Extremadura. Constituido por María Monterroso (voz), David Andrino (guitarra), Víctor Sánchez (bajo) y Fran Pérez (batería), procedentes de Aldeacentenera (Cáceres) y Almendralejo (Badajoz). La formación grupal fue compuesta a finales del año 2019, cuando todos los integrantes coincidieron en diferentes proyectos musicales (de ahí el nombre Spin Offs).

“Con este recopialtorio esperamos poder llegar a más público, y ojalá poder llevar nuestro directo a lugares más allá de nuestra tierra. Y todo ello para poder seguir trabajando sin descanso como hasta ahora.”

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“Con este recopialtorio esperamos conseguir más visibilidad, sobre todo en otros países de habla hispana con los que no existen barreras de idiomas. Es una suerte formar parte de esta muestra de bandas extremeñas del panorama actual, y es algo que siempre sirve para dar un pasito más y acercarte cada vez a más gente.”

“El panorama musical extremeño no era todo lo bueno que podría ser antes del confinamiento, y ahora está con más dificultades aún. Sin embargo, nos quedamos con toda la gente que ha seguido y sigue apostando por sacar iniciativas adelante a base de trabajo, perseverancia y convicción. La gente sigue currando y echándole ganas: los grupos, promotores, productores... Mientras eso siga ahí, habrá esperanza.”

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Reflexiones sobre Improvisación Libre con

Frédérick Poidevin F

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rédérick Poidevin es guitarrista, toca la mandolina brasileña y la flauta, relaiza grabaciones de campo, composiciones gráficas e improvisación guiada.

El explicar el concepto de Improvisación Libre me hace preguntarme qué sería lo opuesto a dicho concepto. La Improvisación Libre significa adaptarse, mientras que la libertad en este concepto es algo secundario, la idea principal en este concepto es la improvisación.

Interpretación como concepto opuesto podría ser, pero al mismo tiempo dentro de la interpretación también hay improvisación (la mane-

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ra de tocar), así que un concepto más cercano a la improvisación sería la idea de adaptarse a un camino como la adaptación de una especie animal (Darwin).

Reflexiones sobre Improvisación Libre con Frédérick Poidevin

Tenemos situaciones controladas, donde su opuesto sería la costumbre, la repetición. Los modos de vivir, costumbres, códigos sociales, códigos animales, ritmos biológicos, la repetición serían los modos de hacer las cosas, movimientos repetidos porque estamos en un ambiente dentro de códigos establecidos socialmente.

La improvisación sería lo opuesto a lo dicho, sería buscar caminos nuevos, una manera de practicar un instrumento de manera diferente,

idea significa que hay una escucha del momento, de lo que sucede, una escucha activa y mucha intuición. Al final, lo que se busca es un equilibrio donde también se pueden materializar rupturas, pero con algún sentido.

La percepción interna de la Improvisación Libre depende de cada improvisador, de cada persona, es muy subjetiva. A priori la Improvisación Libre no se puede predecir, la sorpresa es una característica importante (teóricamente).

Dentro del mundo de los improvisadores, especialmente los que llevan cierto tempo practicándola, se repiten prácticas, acciones que tenemos establecidas, códigos personales de reaccionar, y eso me lleva a preguntarme cómo buscar un camino nuevo en la Improvisación libre si la Improvisación Libre significa ver, descubrir otros caminos, liberarse de los condicionamientos personales, dejar surgir las ideas, y no tener todo el control de lo que sucede.

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por ejemplo.

Sería como si a un intérprete de música profesional lo consideraríamos como un deportista de élite, pero también se puede interpretar e improvisar sin tener mucha técnica. Si al final la Improvisación Libre es un proyecto personal, artístico, que quiere decir algo sobre el mundo personal del improvisador (mundo interior), que utiliza los instrumentos para expresar sus ideas personales, y además está con otros improvisadores interactuando entre ellos.

La Improvisación Libre sería salir de todos los condicionantes que tiene cada persona, poder tener ciertas condiciones que le permitan al improvisador estar en un estado que canalice las ideas sonoras que recibe, asimilarlas, e interactuar entre todos los que participan. Esta

No sé si la Improvisación Libre se puede enseñar en las escuelas, porque formalizar, concretar la Improvisación Libre es posible, pero para mí es una práctica muy personal. Pienso que la práctica de la Improvisación Libre casi es como un trabajo de investigación personal, porque cada persona es diferente.

Aparte de la Improvisación Libre con músicos, también es muy importante el lugar, el espacio donde se realiza. Estamos en una sociedad donde, por ejemplo, nunca se ve (o por lo menos nunca lo veo yo) gente que aparentemente no se conocen, y que espontáneamente se paran en la calle para tocar juntos.

Por otro lado, podemos ver que en un contexto musical (fiestas populares, jam sessions), sin conocerse y sin haber consensuado unas pautas musicales, existe gente que se pone a tocar juntos. Esta manera de hacer música indica que existen unos códigos, protocolos en el ámbito de la música.

En el mundo del Jazz, la improvisación está estructurada con unas normas rítmicas, meloLaCarne Magazine

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días, armónicas que están relacionadas con su desarrollo histórico; sin embargo, también tiene sus excepciones más influenciadas, más evolutivas, como el Free Jazz.

nos permite anticipar cómo vamos a reaccionar, a interactuar, la búsqueda del camino. El juego entre la memoria a corto plazo y lo que puedes proyectar, realizar, es interesante.

La práctica de la improvisación permite que puedan salir emociones muy intensas. Esta idea abre el campo a la utilización de sonidos, ruidos que no se utilizan tanto en el ambiente clásico de la música (gritos con la voz, ruidos extraños al instrumento).

El tiempo lo podemos entender como un río que fluye. En la improvisación se puede transitar por caminos que ya se han transitado, como la idea del río. Hay repeticiones, pero nunca son exactamente iguales, que al mismo tiempo produce estructuras.

La Improvisación Libre es como un modo de expresión, como dos personas que se encuentran, no se conocen, hablan, y pueden conversar, existen códigos sociales. Sin embargo, en la Improvisación Libre es interesante saber hasta qué punto somos libres, hasta qué punto estamos condicionados por nuestros hábitos.

Estas dos ideas (libertad y hábitos) están condicionadas por el contexto.

Esta analogía con el río me hace asociarlo a la física de las partículas, la mecánica de fluidos. Matemáticamente se puede describir de varias maneras: una persona está cerca del río viendo cómo pasa el agua. Cada gota de agua es diferente, pero está construyendo el flujo del río, el caudal. Hay una estructura fácilmente visible, pero también lo podemos ver desde la óptica de la gota de agua, siguiendo el movimiento del río, todo a su alrededor está en un cambio continuo, las orillas, el cauce.

Si realizo un viaje a Japón y actúo con improvisadores que no conozco, pero las ideas sobre la Improvisación Libre son comunes, será fácil que la conexión sea inmediata y se produzcan interesantes conexiones sonoras. Por otro lado, si la idea es completamente diferente y la idea es encontrar un espacio común para encontrarse el trabajo de la improvisación, la búsqueda del otro será diferente.

Una idea importante dentro de este concepto es la del pensamiento en el momento y la memoria. En la Improvisación Libre se realizan conexiones condicionadas por el público. El momento, el espacio, un trabajo en la memoria a corto plazo que permite memorizar muchos elementos, procesos de estructuración.

La improvisación no es lo opuesto a la composición. Yo lo veo como D. Bailey.

Yo entiendo que la improvisación es una composición en tiempo real. Es evidente que en la improvisación hay estructuras, surgen estructuras en el instante, en la naturaleza, en el caos hay estructuras matemáticas, cosas que parecen que no están estructuradas, en su interior están estructuradas. La búsqueda de lo que ha pasado en un plazo corto de tiempo, así como también en un periodo más largo,

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Esta dialéctica, esta analogía se encuentra en la práctica de la Improvisación Libre. El concepto de la Improvisación Libre se puede entender como un material sonoro, una idea que se puede repetir o que está evolucionando, cambiando constantemente con lo que sucede, como el concepto de articular, gestionar ideas musicales / sonidos.

Desde mi punto de vista, la Improvisación Libre también es una búsqueda, una estética. Estamos hablando de una producción de sonidos, la manera de hacerlo indica una intención. Si cuando se improvisa solo se deja tocar al cuerpo, sin ninguna idea, van a sonar cosas, pero no tendrán sentido. Hay que estar siempre en el momento, en la idea, hay que estar siempre concentrado, lo que se produce necesita de cierto control para reflejar la riqueza del ser humano.

La estética puede ser una estética no convencional (desagradable), pero sigue siendo estética. Puede ser de diferentes formas, pero si la improvisación tiene calidad, es interesante, le puede llamar la atención al público y buscar ideas en el discurso que le atraigan. El público

también tiene que ser curioso, tiene que hacer un esfuerzo en saber, no es simplemente ir y ya está. La Improvisación Libre la entiendo de esta manera, como una composición en tiempo real.

Otro punto interesante para mí respecto a la práctica, es que cuando se proponen ideas no hay motivo para que todos cambien al mismo tiempo, se puede dejar tiempo y ver cómo evoluciona, cómo se desarrolla la nueva idea.

Puede ser interesante, aparece cierta riqueza en el material. No ha habido una intención directamente en el resultado, pero esto nos lleva a que es importante tanto el tocar como el no tocar, así como el comprender o dejar hacer lo que está pasando.

Al final estamos hablando de Improvisación Libre, pero también en una forma de poder, de participar en el sentido de construcción de una relación de equilibrio, de intervenir o no intervenir, de reaccionar, de esperar. Existen estrategias con músicas muy intensas, que al mismo tiempo nos permiten ver una visión global de lo que sucede.

La condición humana, la condición animal, la adaptación Darwinista, la estética, todo esto me lleva hacia el concepto de lo sublime. El concepto de lo sublime se puede encontrar en la pintura (J. M. W. Turner), una vez quiso atarse al mástil principal de un barco en plena tormenta para sentir, experimentar la sensación desde dentro de ella, la luz, el poder de la naturaleza.

Estamos en un contexto del siglo XIX, hay un interés por la naturaleza, por conocerla, saber de ella, la muerte de Dios. Lo que me atrae de este concepto (lo sublime) es la condición metafísica de un ser animal.

Tenemos imaginación, pero esta imaginación puede seguir las leyes físicas o no. El mundo virtual puede ser un espacio donde podemos imaginar acciones que después se pueden realizar en la naturaleza (construcción de edificios, coches). Por otro lado, está el principio de realidad, cuyas leyes físicas nos condicionan la imaginación absoluta, realidad absoluta

“La práctica de la improvisación permite que puedan salir emociones muy intensas. Esta idea abre el campo a la utilización de sonidos, ruidos que no se utilizan tanto en el ambiente clásico de la música (gritos con la voz, ruidos extraños al instrumento).” y el espacio virtual. En la Improvisación Libre existe el desafío de probar los límites dentro de la condición humana, de su aspecto metafísico dentro de un proceso creativo, interactuando con los sonidos.

En los conciertos recibes información que te puede llegar a poner en estado de trance, tiene un aspecto de proceso ritual. Las personas están bien educadas, somos seres animales, y dentro de nosotros coexisten los dos, el control como personas, y el monstruo como característica animal. No sabemos cómo es, no sabemos identificarlo.

De alguna manera este monstruo nos permite explorar situaciones nuevas. Nos sirve para canalizar nuestra condición humana real con la que imaginamos, con la que queremos o imaginamos. De alguna manera, la Improvisación Libre trata esta idea. A veces se realizan Improvisaciones Libres muy duras, violentas, pero, al igual que la pintura, de alguna manera esta expresión entra dentro del oyente, haciéndolo sentir.

Podemos ver algo similar cuando vemos noticias a través de pantallas, sucesos duros, violentos, pero la actitud por nuestra parte es diferente, tratamos de protegernos hacia esa información. La música improvisada nos permite experimentar, sentir este tipo de sensaciones, de nuestra condición animal, cuya idea no me parece suficientemente incluida en nuestros códigos sociales, está más canalizado hacia el deporte, hacia las actividades físicas, no hacia las actividades intelectuales. La esencia política en la Improvisación Libre, si la hay, la entiendo como una unidad de la parte intelectual y la animal de la persona en el acto de improvisar (concepto metafísico).

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Inmortal Kultura renaciendo en el Espíritu del Hip Hop

C

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onocí a Inmortal Kultura el 2020, nuevamente gracias a los pasos de melómano que me guían por plataformas y redes musicales, llegando a lugares sonoros que, por su espacio, color, armonía y equilibrio con su naturaleza, representan ese canto de la Madre Tierra, una canción eterna hecha rima y ritmo con poesía, que suena de generación en generación, Leyendas hechas Canción.

Me propuse escribirles para una entrevista exclusiva. Su propuesta de Rap Kichwa hecho desde Ecuador me ha motivado a tomar atención en la producción realizada desde el centro del Mundo.

Pasó el tiempo, y gracias a la vida y a la actual conexión al ciber espacio, recibí los audios al WhatsApp. Eran de Yuyak, integrante del Power Dúo de Rap Kichwa – ecuatoriano, que reivindica con brutal elegancia y profundo sentir en el vocablo, las raíces del continente americano, plagado de hermosas lenguas, culturas e ideas. Un Multiverso sonoro emana desde el Centro del Mundo. ¡Ecuador está en la Casa!

Es un privilegio para los amantes de la música con alma, vida y corazón poder conversar con usted, en exclusiva para LaCarne Magazine.

Inmortal Kultura con el Rap Kichwa, renaciendo en el Espíritu del Hip Hop

Luego de estos momentos de contingencia sanitaria que atravesamos, personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

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Bueno, qué tal. Buenos días. Nosotros somos Inmortal Kultura, de Cotacachi, de diferentes comunidades de este cantón. Se podría decir que gracias a las plantitas no hemos llegado a enfermarnos, ¿no? Quizás en algún punto hayamos enfermado, pero con las plantitas todo se fue equilibrando. Pero en el sentido artístico ha sido bastante duro debido a que todos los eventos culturales se han ido paralizando.

Entonces, como nosotros estamos estudiando y mi compa está trabajando, a veces nos salía un evento o algo, y eso nos ayudaba para los pasajes. Y ahorita, como todo está paralizado, es bastante duro. Inclusive hasta poder editar material, si se está mal económicamente, es difícil sacar material seguido.

Bueno, sabemos que los tiempos van a mejorar, y esperemos que las cosas se den de me-

jor manera. Y seguimos haciendo el proyecto Inmortal Kultura. ¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento?

Mi nombre de nacimiento es Milton Jefferson Guitarra Cumba, soy de la Comunidad de Perafan, que es como a 25 minutos del cantón Cotacachi. Actualmente estoy en el proceso de cambiarme el nombre a un nombre Kichwa, que es Yuyak. Más que todo por el proceso de revitalización en mí mismo que tengo sobre el Kichwa. ¿Cómo nace a la vida musical?

En esto de la vida musical, creo que el gusto viene desde niño, el gusto de escuchar en la radio pequeña viejita que teníamos. Escuchaba Rap de Vico C, Molotov, Eminem que solían poner en las radio emisoras. Pero no tenía este conocimiento de que era una Cultura que

pertenecía al Hip Hop y tenía sus Elementos, su Historia. Entonces, al entrar al colegio, pude conocer esto con los amigos que me enseñaban, y poco a poco fui aprendiendo más.

Pero ya a la edad de los quince -por ahí- empecé cantar, a rapear sobre todo. En eso del 2013, empecé a salir a Eventos, empecé a rapear en los micrófonos abiertos. Ya para en el 2015 poder sacar mi primera grabación.

En esto de hacerlo netamente como en kichwa y tener este Proyecto Inmortal Kultura con esta visión, se fue construyendo poco a poco.

Entonces yo creo que más les debo a los panas, e igual a mi familia, que me han dado esa iniciativa de poder meterle mente y hacer Rap en Kichwa con mis vivencias. ¿Cuáles fueron sus influencias artísticas y LaCarne Magazine

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musicales? ¿Qué bandas, cantantes o grupos podría mencionar?

Bueno, los grupos musicales que yo escuchaba en el inicio eran Molotov, Eminem, Vico C, algunos reggeatones antiguos que eran un poco más rap, pero no conocía de los artistas.

Cuando ya conocí de la Cultura, alguien que me marcó bastante fue Tzantza Matantza, uno de los pioneros del Ecuador, que ya tenía esa mentalidad de hacer canciones referentes a la Cultura Indígena (Cultura Shuar especialmente), y ya tenían esa actitud de recuperar la tradición indígena.

Sus temas eran bastantes protestantes, y eso fue una influencia bastante referente para mí para poder seguir haciendo mi proyecto. Y de ahí, los artistas que escuchaba son varios y de muchos países, entre ellos está Cypress Hill, Control Machete, La Etnnia, Rapper School de Perú, son bastantes. Las referencias que me tomé fue un ecuatoriano mío. ¿Cuál es la breve historia de Inmortal Kultura hasta el presente?

La historia de Inmortal Kultura es más que todo un proceso. Un proceso de cambio que ha tenido la agrupación. Al inicio éramos y eran otros integrantes también, que con el pasar del tiempo han ido algunos haciendo su vida, otros tomando otros rumbos, y eso creo que es parte “D”, parte de lo que es una vida musical.

Hace alrededor de cuatros años regresé a vivir aquí, a Cotacachi, y también se integraron dos compañeros de aquí, de mi comuna, que igual ahora han tomado su vida (una trabaja y el otro tiene su familia), y a la final hemos quedado los dos, DLC y mi persona con esta nueva formación de Inmortal Kultura.

Igual, el nombre ha tenido unproceso en el cual antes era Inmortal Cultura con “C” y ahora es Inmortal Kultura con “K”por el Kichwa. Este proceso es referente a las dos culturas, por un lado es del Hip Hop y sobre todo es la cultura Kichwa.

Y el nombre Inmortal Kultura lo hemos puesto de adelante hacia atrás, es como estar

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regresando. Por el sentido de la cultura misma, porque en nuestra cosmo-vivencia está el Ñaupa Pacha, que es el futuro y el pasado para arribar al presente. En la escritura normal dicen que Inmortal Kultura debería ser con “C”, se debería leer Cultura Inmortal, pero por este sentido del Ñaupa Pacha le hemos puesto así, Inmortal Kultura, de adelante para atrás.

Si queremos avanzar, necesitamos ver el pasado, necesitamos las enseñanzas de los Taitas, de los Ancestros, necesitamos conservar lo bueno para poder ir puliendo y seguir avanzando con esas enseñanzas. Entonces, es necesario como pararse y ver hacia atrás para poder avanzar por el sendero, por eso se le ha puesto Inmortal Kultura.

Y la“K” es por Kichwa. Es notorio que la Cultura dominante -en este caso- que es el español, está como junto con la Globalización y presionando a las culturas ancestrales, y está quedando poquitito, por eso está la “K”, está quedando lo mínimo, pero se resigna a perderse, se resiste a que la presión de toda Globalización lo aplaste y se adapte para poder crecer aún más. Esto es Inmortal Kultura.

En nuestros eventos de Inmortal Kultura a veces vamos con teatro, llevamos más panas que nos ayuden haciendo teatro, mezclamos nuestro show con teatro y danza, depende del Evento. Ahora estamos los dos y seguimos trabajando.

Dentro de la escena o movida buscamos nombres artísticos o altar-egos que acompañan a esa otra personalidad -que se irá creando y desarrollando-, ¿por qué sus nombres artísticos? ¿Cómo nacen sus aka?

Mi nombre artístico, mi aka, viene un poquito del lenguaje kichwa, un cambio demasiado, ya que mi nombre es Jefferson. Acá en las comunidades, mucho más antes, cuando era yo niño, se hablaba más en kichwa, los taitas, las mamas, inclusive los jóvenes hablaban en kichwa, más que ahora -que estamos más mezclados-.

En nuestro lenguaje no existe o pronuncia la

vocal “e”. Entonces, como mi nombre es Jefferson, y los taitas y las mamas no podían pronunciarlo, diciendo “Chiperson”, y por ahí salió el de “Chipi”, y por ahí decían “Gato”, y de ahí me dijeron “Don Gato”, me quedé con eso del Don Gato o SDonGato. Pero ahora también está mi otra personalidad, que es Yuyak.

Entonces, de ahí nace mi nombre artístico. ¿Cuál es la discografía de Inmortal Kultura al momento?

Actualmente Inmortal Kultura tenemos temas singles que grabamos, y están por salir con videos. Trabajamos en el primer EP que se llama Del Campo a la Ciudad. Estamos trabajándole aún, esperamos que para este año ya pueda salir, y poder compartir con las personas este proyecto que tenemos.

Incluye nuevos temas y canciones que ya hemos grabado, y algunas colaboraciones que tenemos. Una de ellas es con Liberato Kani que es de Perú, y otras que se están viniendo.

Inmortal Kultura acaban de estrenar el tema Yuyak, que nos narra la Leyenda de Cotacachi, producido por Allyu Records. ¿Cómo nace la canción? ¿Qué nos pueden comentar de la letra? En cuanto a la producción musical, ¿qué nos acotan?

Esta canción Yuyak ya la habíamos tenido hace tiempo, y ha sido este proceso de buscar alguien que nos haga el video, y justo nació este apoyo -más que todo- de Ayllu Records para que nos dieran para poder producir el video.

Es como una Historia creada por nosotros, con personajes místicos de diferentes Leyendas, de diferentes épocas y celebraciones. Tiene personajes como la Mama Cotacachi, que es la principal -que está como falleciendo-, y alrededor están niños como el Ángel Kallpay.

Este personaje suele salir hasta ahora en el uno de noviembre, un día antes del Día de los Muertos que se celebra acá. Es el que se encarga de llevar los rezos a las comunidades, de ir de casa en casa, y correr todo el día y rezar por las almitas. También estaba la Kionera, que es la que sale en épocas de Semana San-

ta, y las kioneras son las que se visten con su traje típico y guían la procesión.

Entonces, estos niños están alrededor buscando ayuda, y viendo esto el personaje (Atsinku) que está con dos máscaras, se va donde el niño a buscar apoyo y le dice que le ayude a buscar esa Energía Vital que necesita para poder re-vivir.

Llegan donde el Sacha Runa, el Espíritu de los Montes o de la Selva. Tratamos de llegar a lo más cercano de lo que es su imagen, ya que se presentó de muchas formas, y esta vez sale de una vertiente y les entrega el agua.

Luego van donde el Sanjuanero o Inti-Raymi, que es el personaje dual, vestido con camisa occidental pero también lleva lo tradicional, y esta dualidad es lo que llevamos hoy en día.

Tenemos una dualidad entre lo occidental y al mismo tiempo estamos con nuestra cultura por el hecho de adaptación.

También está el Abago, que es un personaje que salía antes del Inti-Raymi de junio. Salía en épocas de Corpus Christi a la toma de la Plaza, donde hacían sus espectáculos y su baile y su música. Eran demasiado referentes hacia las siembras, las cosechas, especialmente a la agricultura en sí.

Y también se dice que cuando él se disfrazaba era para bailar con los Ayas, con los Espíritus, se decía que los Espíritus estaban bailando y el Runa (o el Hombre) quería también como bailar con los Espíritus, y por eso es que se disfrazaba y lograba hacerlo, lograba estar con los Ancestros en el Challyu-Pacha, en el Hawa-Pacha al mismo tiempo.

Se reúnen todos estos personajes y sobre todo van donde el Arte, donde los jóvenes que están haciendo arte, y con esta Energía del Arte también van a revitalizar a la Mama Cotacachi.

Con esto Inmortal Kultura queremos decir que el Arte también es una rama para poder revitalizar nuestra lengua y nuestra Cultura.

Claro que el género Hip Hop no es netamente de acá, no es tradicional, pero es una manera LaCarne Magazine

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de poder llegar a los jóvenes, que hoy en día tienen diferentes gustos.

la de Shinamí y la de Yuyak, que hace poco acabamos de lanzar.

Allyu Records nos ayudó bastante en muchos aspectos, en lo logístico inclusive. La producción (en los trajes, etc.) fue una preparación alrededor de dos meses. Pero también está el apoyo en cuanto al beat, que me ayudó Sumay Nin, quien es uno de los pioneros del Rap Kichwa de aquí -de Imbabura-.

¿Algunas piezas que se hayan hecho parte del público que sigue la música de Inmortal Kultura?

Una de las canciones que cada vez tocamos creemos que es más como pegajosa, es Más Runas Que Nunca. Inclusive en algunos eventos nos ha dado una buena acogida, nos han cantado el coro.

También Carter Beatz de Underdogz TV, que tiene su proyecto The BoomBapKillaz, fue quien nos abrió las puertas para que nuestro proyecto musical se conozca, que también nos ayudó en el master y la mezcla.

Entonces fue como una minga artística que tuvimos, y también están los que salieron de personajes que, sin esperar nada, nos ayudaron y nos dieron la mano para salir actuando.

Elizabeth como la Mama Cotacachi, Juan Carlos como el Inti Raymi, Alex Terán como el Abago, también está Andy Alta como el Sacha Runa, Aya Gualapuro que está como El Atsinku, el niño que es el hermano del Alex – DLC-, está mi hermana Sayuri Guitarra como la Kionera como la Ángel Kallpay. Y bueno, ha sido todo una minga artística.

En cuanto a la letra, más ha sido eso, enfocar en que los jóvenes podemos como mantener la cultura, mantener sobre todo la lengua con lo que estamos haciendo. Entonces Inmortal Kultura queremos revitalizar con estas nuevas propuestas, y se ha enfocado en eso, en la vivencia y en transmitir eso, de decir que con esta nueva propuesta tratamos de mantener aquel Espíritu Kichwa que se está desapareciendo.

La canción nace sampleada de un tema que me gusta mucho, una canción espiritual andina, y gracias a la ayuda de Sumay Cachimuel en el sampleo salió este material. ¿Qué canción suya es la preferida a la fecha, tanto al momento de escucharla como al interpretarla?

Una de las canciones que más comodidad me ha causado, y creo que nos ha causado, es

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Aunque no han sido miles de personas como suele ser en algunos artistas, pero sí han sido una buena cantidad que nos han dado el apoyo con esa canción. Y fue demasiado confortador de sentir esa energía y esa transformación que se está haciendo con el kichwa.

Inmortal Kultura tiene colaboraciones en canciones con amigos colegas desde Ecuador hasta Perú. ¿Qué temas Feat’s son los atesoran y gustan haber realizado en especial? ¿Qué anécdotas puede rememorar?

Bueno, la colaboración con el artista y herma-

no del Perú salió de la nada hace años atrás, creo que dos. Le había escrito a Liberato Kani por WhatsApp y conversamos un poco.

Me mencionaba que él también había escuchado nuestro proyecto. Era algo demasiado enérgico y confortador el que nuestra música haya llegado a otro lado, y haya sido escuchada.

A Liberato yo lo había escuchado mucho más antes, y seguía su música. Se dio, él tuvo la oportunidad de venir al Ecuador, justo me avisó que estaba por acá, armamos un minievento, creo que con cuatro días de anticipación. El lugar se llenó y la pasamos demasiado bien, y al mismo tiempo ya, al siguiente día, pudimos filmar el video. Las voces ya estaban enviadas para poder armar el tema, estábamos como a destiempo.

Esa colaboración me marcó bastante, ya que más que el hecho de ser artistas está el hecho de ser personas, y conocer personas con esa humildad nos enseña mucho a nosotros que estamos en ese camino. Nos enseña a seguir,

a entregarlo todo por la música, entregarlo todo por el proyecto que se está haciendo y darle vida, y dejar un poco de nuestro espíritu en cada evento y cada canción que estamos haciendo.

Otra de las colaboraciones está el BoomBapKillaz, que fue un abre puertas a este proyecto que nos dio la mano también Carter Beatz, que igual fue como el encuentro de los panas.

Con el Sumay Nin ya me había como llevado, y fue esa unión entre nosotros que a veces no pudimos hacerlo, quizá por el tema económico o de los materiales para poder hacer un buen video en su producción.

Entonces, ahí fue como la reunión entre panas que ya éramos, entre todos los que hacemos Rap Kichwa nos llevamos, nos saludamos, hemos hecho eventos y compartido tarimas, entonces fue como es minka, fue como ese lado espiritual de reunir las energías, las Ayas de cada uno y plasmarlo ahí.

Dentro de la videografia de Inmortal Kultura,

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¿qué videos son sus preferidos? ¿Algunas anécdotas que nos pueda contar?

Entre los videos que Inmortal Kultura hemos hecho (je je je), el que más me gustó, sobre todo a mí, que estuve en la preparación del video, es Yuyak. Lo trabajamos un poco más profesional -se podría decir-, con pre – producción del video: ir a ver los lugares, la logística en cuanto a los trajes, transporte, alimentación, la preparación escénica, de guión. Entonces, fue un trabajo que quizá en los anteriores videos no lo habíamos hecho tanto así.

Uno de los videos que me gustó más, en cuanto a la anécdota, ha sido esa emoción que se tenía para poder conllevarlo. Antes no lo hacíamos de esa forma, quizá íbamos y preparábamos algo para grabar ese día, pero no hacíamos una pre-producción antes, y ésa es la forma que me gustó de trabajar. Creo que para los siguientes materiales que se vengan, lo voy a trabajar de esa forma. ¿Cómo ha encarado Inmortal Kultura la situación mundial del COVID- 19, las cuarentenas y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical?

Esto de la “plandemia”, se podría decir, fue todo un plan más que todo, el de enfermar mentalmente a las personas del mundo entero. Yo lo tomo así. Claro que el virus “está”, pero no “está” como lo están promocionando por las redes y televisoras.

Aquí, en las comunidades, hubo mucha gente que se ha enfermado -de eso aparentemente-, pero se ha curado con medicina natural. Tiene partes positivas y al mismo tiempo partes negativas. La negativa es el control mundial, nos están controlando a este extremo, nos están -como inclusive ya- cerrándonos la boca, el sinónimo de la mascarilla es para eso (para mí), es que nos quieren cerrar la boca y evitar la comunicación del lenguaje, es algo que se está haciendo sin piedad de nada, así como con la contaminación.

Y la parte positiva ha sido también -en algunos aspectos- de que hubo muchas personas que han reflexionado, dándose cuenta en este tiempo de cuarentena que lo material no le ha

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servido mucho, que lo que le ha servido es lo que salió de la tierra, que es el alimento.

Hay personas que han preferido el cemento en lugar de un terrenito para sembrar -yo qué sé- un jardín, o unos granos, o sembrar unas hortalizas que le puedan alimentar.

Eso ha sido una parte reflexiva que nos ayudó la pandemia. Por otro lado, está el control que nos están haciendo, el control de los Estados, el control mundial. Somos como “una especie” para ellos, o sea, para los que están creando estas cosas, para las farmacéuticas somos títeres.

En lo musical nos afectó demasiado, en lo artístico nos afecta. Si ya por sí antes de la pandemia en este país éramos mucho, demasiado mal pagados, éramos como puestos a un lado (la parte artística más que todo en el sentido del Hip Hop / Rap). No se le daba la importancia que se le debería dar a un proyecto artístico.

Y ahora que estamos con la pandemia, es mucho más difícil para nosotros que nos ayudábamos con esto, o sea, para bien o mal -poco a poco- nos ayudaba en los pasajes (que estoy estudiando), nos ayudaba en algunas compras en la comida, pero ahora está demasiado difícil. Claro que vivimos en el campo y se tiene el terrenito para sembrar, y gracias a eso es como que estamos sosteniéndonos.

Durante el recorrido musical de Inmortal Kultura, ¿qué evento o Festival lo han dejado marcado?

El evento que Inmortal Kultura realizamos como invitado con Liberato, que, en el momento de nuestro show, al momento de cantar la canción Más Runas, empezaron como a cantar el coro y saltar, alzar las manos. Lo que más me marcó era que no estaban solamente jóvenes, estaban adultos y niños, me marcó demasiado.

Y el otro evento fue cuando nos invitaron de sorpresa al Elemental Pacha Festival en Quito, donde venía Apache, Rebecca Lane, y una DJ que se presentaba ahí nos invitó.

Cuando Inmortal Kultura subimos a la tarima,

la gente se emocionó, la gente estaba dispersa, y cuando empezamos a cantar, toditos se juntaron y empezaron a alzar las manos. Lo que más me marcó de ese evento fue cuando ya bajamos, y el público empezó a acercarse y a decirnos palabras de aliento: “lo estamos haciendo bien”, y que “está bien que lo hagamos en nuestra cultura”.

Había personas que querían aprender y tenían esas ganas de aprender. Espero que lo estén haciendo poco a poco. Ahí es como que me doy cuenta que sí se está transmitiendo lo que en realidad nos planteamos, de querer transmitir “la lengua”. ¿Qué hubiese sido de Inmortal Kultura sin el Hip Hop? ¿En qué otra carrera se hubiese envuelto?

Sin el Hip Hop yo creo que de una u otra manera hubiésemos hecho algo con la música, quizá hubiese hecho Música Tradicional. Inclusive ahorita estoy en ese proceso, aprendiendo instrumentos andinos, la flauta que tocamos en Inti Raymi, aprendiendo un poco de arpa.

Yo creo que sin el Hip Hop hubiese hecho Música Tradicional netamente, o sea Música Folklórica, o hubiese hecho alguna otra fusión, pero lo haría con mi identidad misma. Por una parte, doy gracias a que la vida misma me puso en este camino, el de hacer Rap en kichwa. A mí me gusta, me gusta lo que hago, y no lo estoy haciendo por hobbie. Yo pienso que, si crezco o no crezco, esto va seguir de largo, es para toda la vida.

Y también me estoy dedicando a mis otros sueños, que son estudiar y aprender Música Tradicional, y otras cosas también. Entonces, estoy viviendo mis sueños y yo creo que este “sueño” de hacer Rap en kichwa va a ser para toda la vida, y quizás de aquí a 20 o 30 años seguiré haciendo Rap Kichwa, quizás fusionando más cosas o aprendiendo más lenguas ancestrales, y haciéndolo de esa forma. ¿Cuál es su experiencia dentro de la Nueva Era? ¿Qué uso le está dando Inmortal Kultura a las plataformas digitales para la difusión de

su mensaje musical?

En cuanto a las plataformas digitales, Inmortal Kultura estamos aprendiendo recién el uso. A veces, al no tener la fácil accesibilidad de Internet, se ha hecho un poco complejo el aprender, pero estamos subiendo temas recién.

Yo pienso, si hubiese un poco más de industria musical en nuestro país, o tuviese un equipo de trabajo que estemos netamente en el proyecto, lo hubiésemos hecho antes. Pero bueno, estamos haciendo nuestras propias cosas, y también el hecho de no tener un Estudio cercano y fijo para poder realizar nuestros proyectos, se hace un poco más difícil igual.

También está el tema económico, que es muy difícil el poder reunir los fondos para poder seguir haciendo los proyectos. Pero bueno, Inmortal Kultura seguiremos trabajando en eso. ¿Cómo se encuentra y vive en la actualidad el Movimiento Cultural de Hip Hop en Ecuador? ¿Cómo anda el Movimiento de Rap Kichwa?

Yo pienso que la Cultura Hip Hop de aquí está como en crecimiento. Más que todo en el aspecto profesional, se podría que ahí hay personas que están trabajando con managers, con productores, netamente con equipos de trabajo que ya tienen visuales y Estudios de grabación ahí, listos.

Ya hay grupos que están trabajando de esa forma. Yo pienso que está muy bien, estamos creciendo cada uno por su línea. A mí también me gustaría -quizá- ya trabajar de esa forma, siento que sería un poquito más serio trabajarlo de esa manera.

Yo siento que estamos en crecimiento, pero al mismo tiempo está existiendo una especie de desconocimiento por la Cultura. A veces hay temas que pegan, pero no se sabe dónde o de quién es. Hay gente que por las redes sólo escucha los temas, pero no está investigando como la Cultura Hip Hop o también lo están haciendo por la moda, inclusive en esto del Rap Kichwa.

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Yo quisiera que vayan un poco más allá, el hecho de saber lo que estamos haciendo, lo que estamos escuchando, y de poder sentirlo. En cuanto al Rap Kichwa, el de poder hacerlo con ese objetivo, de revitalizar nuestra lengua y no sólo el de rapear. ¿Cuál es tu frase, lema, verso o dicho? Ése que te anima, alienta, levanta, enfoca…, para seguir en la batalla musical y del juego de la vida.

Creo más en las palabras -que son muchas(ja ja ja), “el de sentirnos bien”, “el que lo estamos haciendo bien”, “el de seguir adelante”, “el de hacerlo sin miedo”, el de decir “vamos a ver lo que pasa…y si es que caemos es para aprender, y si es que seguimos adelante, igual es para crecer”.

Las nuevas tecnologías dan la facilidad para que el artista pueda lograr su obra a gusto, conforme sus deseos. Dónde y cómo se produce Inmortal Kultura (musicalmente hablando), ¿Qué nos puedes comentar? ¿Cómo se graba? ¿Quién realiza el sonido y la mezcla? ¿Dónde fue grabado su material discográfico hasta el momento?

Como te mencionaba, Inmortal Kultura no contamos con un equipo de trabajo que esté laburando netamente para Inmortal Kultura, como alguien que se dedique a hacer los visuales, un Estudio de grabación que estemos trabajando ahí.

Yo creo que eso es parte “D”, ya que hemos trabajado con algunas personas, y eso me ha servido bastante para seguir aprendiendo, pues cada persona / artista tiene su toque.

Eso nos sirvió para ir aprendiendo en el aspecto de video y musical.

Por ejemplo, el video que tenemos de Shinami se lo hizo con unos amigos (Sebastián y Francisco) de Cotacachi que nos dieron la mano. El video de Más Runas Que Nunca se grabó con Carter Beatz. Con él actualmente trabajamos un poco más para sacar los temas y videos. El video de Yuyak, nos dio la mano Ayllu Records, que ha sido un referente para poder subir material folklórico, y ahora lo hacen en Rap.

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Sería bastante genial trabajar con un equipo que esté destinado a nosotros, y poder hacer las cosas con más agilidad. Espero que las cosas se vayan dando.

Un mensaje para los nuevos y viejos miembros de la Cultura alrededor del planeta entero. ¿Cuáles son tus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. ¿Qué les dirías a las personas que quieren incursionar en el Movimiento?

Más que un mensaje, es como algo que nos ha pasado. Al principio para Inmortal Kultura ha sido demasiado duro, pero así se tiene como las bases y esas ganas para hacerlo,

y no de hacerlo sólo por moda. Las cosas se han venido dando poco a poco, y creo que se van a seguir dando.

A los nuevos que están adentrándose en la Cultura, yo quisiera que aprendamos. Si es que es en el sentido cultural ancestral, aprendamos más de la cultura, a valorar lo que tenemos ahorita, que con tanta globalización y materialismo estamos perdiendo este amor por la naturaleza. Aprendamos lo que losTaitas nos enseñaron.

Y si es en la Cultura Hip Hop, aprender los valores. Claro que es una cultura -se podría decir- Underground, de calle, pero también están valores de personas, valores de la lucha

social, aunque se puede hablar de diferentes temas, pero siempre está el de tener ese espíritu de lucha de pueblo por dentro. Y a seguir adelante, no olvidar de dónde venimos, no olvidar quiénes somos.

Tanto en Bolivia como en Chile, Brasil, México o Argentina, muchos amigos artistas con los que he conversado sostienen actividades o labores paralelas al arte y cultura. ¿Cómo puedes sobrellevar esta pasión musical? ¿Cuál es su actividad paralela a la música, las letras y poemas?

Las actividades que realizamos muy aparte de lo que es el Arte, por ejemplo, yo estoy ahorita estudiando, aprendiendo la Música Tradicional. A veces aquí en el campo hay que semLaCarne Magazine

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brar, cuando hay -a veces- algún trabajo, ya sea en construcción o en lo que haya, trabajar para poder solventarnos.

El DLC ha avanzado a sacar la licencia de conducción, y está trabajando en un taxi, igual trabaja en el campo. Eso es lo que hacemos aparte de hacer música.

Como KRS One dijo “Rap es algo que haces.

Hip Hop algo que vives”. Si en la medida de las posibilidades se puede obrar y mantener actividad alguna, ¿qué proyectos tiene para el presente 2021?

Más bien en este año que viene Inmortal Kultura tenemos los nuevos videos que estamos trabajando, tenemos una canción referente a la minería, he estado un poco ahí apoyando a los grupos que están trabajando en cuanto a la defensa de los territorios de bosques protegidos. Queremos sacar un tema referente a la minería en general. Un tema que igual vamos a sacar es referente a la lucha social. Estos temas ya están grabados, y ahora se trabajan poco a poco en el aspecto visual.

El Hip Hop se ha vuelto parte de nosotros, a veces escuchar un beat y estar rapeando ahí.

Anteriormente realizaba eventos culturales de Hip Hop aquí en Cotacachi, que se llama el Festival Inti Rap. Lo hacía cada año, y ahora con la pandemia ha estado un poco estancado. Inclusive el año pasado lo hice con la llegada de Liberato, aproveché de hacer un evento flash. Espero este año buscar la medida para poder realizarlo.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Inmortal Kultura.

Agradecer a todos, al tiempo, a la naturaleza, a la Pacha, por permitirnos estar en este tiempo y momento, permitiendo tener estas personas que nos acompañan, permitiendo hacer Rap en kichwa. Sentirme agradecido por todo, inclusive por las cosas malas que he pasado y que he hecho, y me han servido para aprender, para seguir aprendiendo poco a poco.

Agradecer a las personas que, como ustedes, nos han dado como ese “abre puertas” a sus

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oídos y corazones para que nuestro proyecto Inmortal Kultura entre. Agradecerles a los que han gustado de nuestro proyecto y pedirles que sigan ahí, dándonos las manos y escuchando nuestros temas. Vamos a sacar más material.

Agradecerles que puedan como darle valor un poquito más a lo que somos, a las culturas ancestrales que están necesitando como la vista de otras para poder crecer. Y si se puede como aportar de alguna manera, hacerlo. No olvidarnos -más que todo- quienes somos.

Darles gracias a todos y todas, esto ha sido Inmortal Kultura, de la Comunidad de Cotacachi, con este proyecto y canciones tratamos de que el kichwa reviva, y se levante de nuevo.

Cierro agradecido por la entrevista. En este epílogo confieso que siempre quise regresar a Cotacachi, lugar hermoso que conocí gracias a un viaje que realicé desde el Aeropuerto Internacional de El Alto en La Paz hasta Lima en Perú, escala en Bogotá – Colombia, y arribar en una noche inolvidable a Quito.

Posteriormente, desplazarme por carretera, desde la capital del Ecuador hasta la comunidad que me esperaba para un encuentro binacional de Productores de Maíz, donde Marraketa Blindada participaba musicalizando con un Rap intitulado “En Defensa del Maíz”, y que gracias a la Institución con la que se laburó se me transportó por una semana, en aquel enero – febrero 2012, al espacio más recóndito que pude llegar -hasta el momento- como portavoz cultural y poeta del Hip Hop. Gracias nuevamente, Inmortal Kultura, por permitir regresar a sus Pachas o Tierras, y reconocerlas a través de su canto comprometido y fundamental. Éxitos hoy y siempre.

Gracias, hermano, espero que esté bien. Buena energía por allá, buenas vibras por Bolivia igual, fuerza a los hermanos. Y bueno, espero algún rato también, si el tiempo lo permite, poder ir por allá y compartir nuestro Arte.

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LUDE

Nu Metal con mucha personalidad conociendo datos curiosos sobre sus inicios, y en la que también nos hemos echado unas risas.

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uy buenas de nuevo. ¡Feliz verano / invierno! (depende de dónde nos estés leyendo). Este mes viene cargadito de novedades, y, entre todas estas novedades, os presento a una banda española. Ellos vienen desde Murcia, concretamente, con un estilo único y con bastante personalidad. Ellos son LUDE. En esta entrevista que he tenido el gusto de hacerles, les vamos a conocer un poco mejor,

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Todo un descubrimiento la banda de estos chicos. LUDE os va a encantar.

LUDE, Nu Metal con mucha personalidad

Lo primero de todo, gracias por concederme la entrevista. Estoy encantada de descubrir bandas nuevas, y, al igual que nuestros lectores, siento curiosidad por conoceros mejor. ¿Quiénes son LUDE? Muy buenas, LaCarne Magazine. LUDE somos un grupo de Nu Metal en Español con seis componentes: Brian (Guitarra), Faris al

nocía, pero el traductor de Google tampoco lo sabe. (Risas) Literalmente el nombre LUDE surge de un medicamento sedante hipnótico, similar en sus efectos a un barbitúrico llamado Quaalude. Se usó mucho durante la década de los 60 y 70.

Por lo que vimos en su momento, los efectos son parecidos al diazepam, ya que puede producir euforia y aumentar la excitación sexual, jajaja.

Ahora en serio, el nombre LUDE viene de ahí, pero debido al contenido de nuestras letras, nos gustó “apropiarnos” de su significado y crear un “medicamento” musical que nos abriera los ojos un poco a todos. De hecho, el ojo del logotipo también viene de ahí.

Por otro lado, y sin ser menos importante, la palabra LUDE viene del latín ludo, que significa “yo juego”, y qué mejor que divertirse y disfrutar que con lo que uno hace. Además, si el traductor de google te sugiere un idioma cuando introduces LUDE, y pones por ejemplo bosnio, te dirá que significa loco y en alemán significa macarra, jajaja.

En definitiva buscábamos un nombre que nos diera significado y recorrido, así que lo “inventamos” sacándolo de una palabra. El juego de utilizar una palabra en inglés y cantar en castellano nos parecía forzado.

Damián (Batería), C. De Ramos (Vocalista), Salar (Bajo), Isma (Vocalista), y Dj Big Bro (Dj). Todos residentes en Murcia.

Podríamos resumir en que nos caracterizamos por realizar un estilo difícil de encontrar, dándole nuestro toque personal gracias a la mezcla de nuestros gustos musicales y al trabajo en equipo. Nos gusta que la gente nos conozca en directo porque creemos que normalmente, si surge, podemos generar una chispa que cree un enlace entre público y grupo muy potente. ¿Qué significa el nombre de la banda, “LUDE”?

Pensé que era una palabra inglesa que desco-

Contadnos un poco vuestra trayectoria. Si no me equivoco, LUDE tenéis ya un álbum en el mercado…

Efectivamente. Solo tenemos un LP llamado Huele a soberbia en espíritus mediocres que salió a principios de 2018. También tenemos un single que salió a finales de 2019 llamado De ver/ser, con la colaboración de Germán, de Skunk D.F. LUDE se formó definitivamente en 2017, y, después de nuestro primer álbum de estudio, estuvimos haciendo la gira Fuck tour drama desde 2018 hasta principios de 2020.

En esa etapa dimos una cantidad importante de conciertos que nos ayudó a construirnos como banda, y divertirnos por el camino graLaCarne Magazine

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cias a Iván, de Six Force Management.

Como momentáis, llegasteis a estar de gira durante dos años, acompañando a bandas importantes como son Skunk D.F., Hora Zulú, Brutal Thin, entre otros. ¿Cómo ha sido para vosotros vivir esa experiencia?

La verdad es que ha sido todo un placer poder tocar con todas ellas y compartir esos momentos, además de que siempre nos hemos llevado algo bueno de cada uno de los conciertos, o de las bandas con las que hemos compartido escenario.

Tenemos un recuerdo brutal del concierto de Hora Zulú, que a la par de ser uno de nuestros referentes en España, fue el primer concierto después de que tuvieran un parón de unos años, y tuvimos el honor de ser el único grupo que teloneó a la banda, con lo cual os podéis imaginar cómo estaba la Sala Garage Beat Club esa noche… No cabía un alfiler, fue flipante.

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Más allá de haber tenido muchos conciertos buenos con grandes bandas, también tuvimos muchos conciertos pequeños y con poca gente o muy poca, y teníamos claro que era totalmente necesario rodar y rodar para poder conocernos y crecer como banda.

Creemos que en el camino de poder dedicarte a esto de una manera profesional y vivir de ello, hay que pasar por ahí y vivir la experiencia. Está muy bien sacar un videoclip, invertir en publicidad, tener suerte y vender millones de discos, pero ese camino a nuestro parecer no es el idóneo para crear una banda o músico 100% real.

Supongo que, como para todos en el mundo de la música, y en general, este año pasado ha sido complicado debido a la pandemia, pero, ¿qué habéis sacado en positivo de todo esto?

Claro. Igual que a todos los compañeros de

y hacer un ejercicio de autoanálisis con la intención de mejorar. Al final se ha convertido en un año de creación, y, excluyendo todo lo que ha pasado fuera, ha sido un camino divertido en el que poder jugar. ¿En qué estáis trabajando actualmente? ¿Cuáles son los planes de futuro de LUDE? Actualmente estamos trabajando en nuestro próximo álbum de estudio, con el cual pretendemos consolidar a la banda en un estilo más personal y maduro. Nos encanta el fruto que dio nuestro primer LP, pero en este segundo queremos darle un poco más de pensamiento y que no fuera tan visceral. No malinterpretéis esto, la parte visceral está, y, si cabe, más presente que en el primer disco, pero queríamos que tuviera una base y un sentido más maduro y real.

En estos momentos nos encontramos en fase de composición y preparación para grabar los nuevos temas. Nuestra idea es terminar la grabación para finales de año, y en ese momento poder presentar la primera parte del proyecto.

Sinceramente, es un trabajo más ambicioso y con el que pretendemos llegar a un escalón más alto, haciendo lo que más nos gusta. este sector, ha sido muy complicado y frustrante, además no solo en el ámbito musical.

Creo que a nivel general se han sacado conclusiones muy positivas, y es que los conciertos nos dan vida tanto si estás en el escenario haciéndolo, como si estás entre el público disfrutándolo. Nosotros tenemos la fe, o la intuición de que cuando todo esto mejore, la gente será mucho más comprometida con la música en directo, sobre todo con la underground, ya que necesitamos esa antesala antes de poder vivir de esto.

A nivel más particular, nos hemos dado cuenta que nos encanta llegar a la sala de ensayo, y compartir esos momentos juntos, lleguemos realmente a ensayar o no, pero para nosotros es un espacio necesario que nos da la vida.

Nos llevamos bien, y al final somos una familia.

Este año nos ha servido para reestructurarnos

LUDE es una banda de Rap Metal, Nu Metal… ¿Qué bandas son vuestras influencias?

Dentro del grupo, cada miembro tiene sus propias influencias, con lo cual serían demasiadas. Pero os podemos resumir un poco por encima las bandas con las que más coincidimos todos los componentes. Obviamente un punto de encuentro de todos es Linkin Park, y de ahí, si seguimos en esa época y estilo, tenemos Deftones, Limp Bizkit, Incubus, Papa Roach, In Flames…

No es nuestra intención nombrar todos los tópicos del Nu Metal jajaja. A nivel nacional tenemos bandas como Kannon, o Hamlet, que hemos seguido muy de cerca.

Realmente teniendo muchas influencias dispares y componentes con estilos tan diferenciados, el resultado de LUDE es gratamente inesperado (no sabríamos como definirnos personalmente).

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¿Qué os inspira a la hora de componer vuestra música?

Creo que muchas personas que hagan música se sentirán identificadas con nuestra manera de inspirarnos. Son las situaciones cotidianas o vivencias del día a día las que más nos inspiran. Al igual que el rap empezó como un grito de reivindicación para que todo el mundo escuchará las injusticias, nos gusta pensar que la gente necesita que se le pongan los pelos de punta mientras grita un abuso, sentimiento o critica con la que está de acuerdo.

Creemos que la vida tiene muchos altibajos, a veces pequeños y otros muy grandes, por eso saber que hay otra persona de carne y hueso que los ha sufrido o empatiza con ellos, y está ahí para darte un empujón con música. Nos motiva.

Creemos que en muchas ocasiones hemos conseguido hacer sentir al público nuestras canciones, y es porque han pasado por lo mismo o ven lo mismo que nosotros. ¿Cuál es vuestra canción más representativa de vuestro repertorio? ¿Qué queréis transmitir con vuestra música?

Podríamos decir, si tuviéramos que escoger una, que sería Asumiendo el fallo. Dentro de nuestro primer LP es uno de los temas más introspectivos, y que aborda el tema del desamor de una manera tan abierta que se podría aplicar como una autocrítica a las barreras que nosotros mismos nos construimos por experiencias pasadas.

Entre nosotros estamos de acuerdo en que al final el ser humano ha construido una sociedad que premia el egoísmo, y que no se para a pensar lo que está bien o lo que está mal, que se rige por viejas costumbres sin analizar lo que conllevan.

Es por eso que con LUDE queremos hacer sentir que hay otro camino, que no tenemos que amoldarnos a los patrones, que muchas de las cosas que nos han enseñado son consecuencias del desconocimiento o el egoísmo.

Siempre partiendo de la premisa que nosotros

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también estamos en esta rueda, siendo verdugos y víctimas al mismo tiempo.

Y por último, mil gracias, chicos, por concederme esta fantástica entrevista. ¿Algún dato que queráis añadir, o lanzar algún mensaje al mundo?

Queremos dar las gracias a Eva, por contar con nosotros para esta entrevista, y que así vuestros lectores puedan conocernos.

Nos tomamos la libertad de mandar el mensaje que intentamos transmitir en nuestra música: No sigamos lo que otros dicen que nos conviene, hagamos lo que sentimos y que nos apetece. No estamos solos, utilicemos la música para unir, en la rabia o en el amor, haciendo que se nos erice la piel. Que la realidad se tiene que vivir y no publicar, que no nos hace falta ser más que nadie, ni menos, y que los seguidores no demuestran cuándo algo es bueno o malo. Que la autocompasión no debe durar más que unos instantes, y si alguien lo logró antes, los demás también podemos.

Sin intención de sonar muy poéticos, esperamos que nuestras palabras inspiren, y que sirvan para que una pequeña reflexión en un individuo haga de la sociedad un mundo mejor.

Un fuerte abrazo de parte de todos los componentes de LUDE, y esperamos que pronto podamos vernos en un festival compartiendo decibelios. Si queréis conocer nuestra música, podéis seguirnos en Instagram, o en Bandcamp.

Y ya sabéis, si os ha gustado LUDE, podéis seguirles en sus redes sociales, y en plataformas digitales. Un abrazo!

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Sacrilegio

Los Ángeles del Hard Rock

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a primera vez que vi a la banda Sacrilegio fue en 1992 en el Festival RockBol, organizado en el Colegio Franco Boliviano, donde las nuevas olas de públicos y agrupaciones marcarían -el ahora- histórico Movimiento cultural y musical que se gestó desde la llegada de la democracia en los 80’s.

Fue a partir de ese momento que me convertí en seguidor y admirador del grupo cochabambino. Esos años me acompañaron sus primeros materiales editados en cassette, y adquiridos como buen coleccionista de música boliviana.

La canción Ángeles Sin Alas ha influenciado

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en mi carrera profesional, tanto como ser humano como artista. Fue un ejemplo a seguir el tema que desde 1991 ha marcado época, y se convirtió en referente de la que se etiquetó como “música con contenido social” o “música consciente”. Yo le llamaría “música con alma de guerreros”.

Había perdido -irónicamente- los pasos de Sacrilegio desde el álbum Perdido en el Tiempo, hasta que se me coló -a inicios del presente año- en un rating su nombre, y quedé literalmente atónito.

La emoción volvió a agitar el latido del corazón, fue una grata sorpresa para mi persona poder descubrir dos nuevos discos (Volver a Empezar y Alego Demencia), material que entra directo al ánima y le levanta los ánimos, dejándote motivado. Me animé a contactar con la banda para esta entrevista exclusiva con

Los artistas tratan de adaptarse, pero sin duda alguna, en el caso básico nuestro, es difícil para Sacrilegio no poder tener presentaciones en vivo y estar en contacto con la gente de manera presencial.

Por supuesto que las producciones que se realizan online apaciguan un poco el deseo ferviente de poder tocar, deseo que sigue vigente en el seno de la banda inclusive mucho más fuerte luego de uno carrera de 36 años, pero es solamente una forma de, vuelvo a repetir, apaciguarlo un poco. Esperamos que esto pueda pasar pronto, pues tocar en vivo es nuestra forma de vida. ¿Cómo nace Sacrilegio? ¿Por qué el nombre de Sacrilegio? ¿Cuál es su breve historia hasta el presente?

Sacrilegio nace en el año 1985 en el seno de un colegio católico como lo es el Don Bosco en Cochabamba – Bolivia. En dicho colegio, la primigenia banda que aún no tenía nombre se prestaba los instrumentos de dicho establecimiento educativo, que eran gentilmente cedidos por los padres católicos que dirigían el colegio.

LaCarne Magazine.

Sacrilegio, Los Ángeles del Hard Rock que por siempre brillarán

Para mí es un enorme honor y un gran orgullo hablar con la banda Sacrilegio. Durante las cuarentenas y la pandemia, la vida del planeta ha cambiado de manera plena y completa. Desde la trinchera del arte uno tiene que adaptarse, ¿cómo se han sentido en estos nuevos tiempos de transformación? Personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

Primeramente, muchas gracias por la entrevista. Es indudable que la realidad y la vivencia se han visto dramáticamente alteradas por esta pandemia. Vemos que el sector artístico es uno de los más perjudicados a la fecha, pues es precisamente el que más depende de la afluencia de público.

Por supuesto que al ser una banda novata no sonaba todo muy sólido, con el agravante que se hacía música rockera. Un día, uno de los curas ingresó al salón de ensayo y de manera jocosa le espetó al grupo “Esa música que hacéis, es un total Sacrilegio”.

El nombre gustó y se lo hizo propio, Sacrilegio. A partir de ese momento, y ya con una identidad definida, por lo menos en cuanto al nombre se refería, Sacrilegio realizó sus primeras presentaciones.

El punto de inflexión más importante llega con la decisión de realizar shows sólo tocando composiciones del grupo, cosa impensada e improbable para cualquier grupo en ese momento y lugar. Si bien fue una fuerte decisión y costó mucha determinación llevarla a cabo y convencer a la gente, sin duda alguna fue la mejor que se pudo tomar. Cabe decir que Sacrilegio sigue haciendo lo mismo hasta el LaCarne Magazine

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día de hoy.

Tocar sólo temas propios en aquellos inicios provocó una necesidad urgente de mejorar en el tema musical y compositivo, lo cual dio paso a los primeros contratos de grabación. El resto es historia, por suerte muy positiva para Sacrilegio. ¿Quiénes integran en la actualidad Sacrilegio y qué interpretan?

Actualmente, Sacrilegio está integrada por Bernardo Maldonado en los teclados, Juan Pablo Fernández en la batería, Daniel García en la guitarra, Juan Carlos Fernández en la otra guitarra, César Loma en el bajo, y Alfredo “Chile” Valdés en la voz. ¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en Sacrilegio? ¿Pueden mencionar algunas bandas o grupos de su preferencia?

El Hard Rock es básicamente el sonido que el grupo trata de obtener, con algunos toques de música clásica, sobre todo en los inicios (esto debido a la influencia de Susana “Chichina” Lino, pianista clásica y tecladista del grupo en ese momento).

Mayoritariamente las bandas que influenciaron mucho fueron Whitesnake, Dokken, Def Leppard, entre otras. Básicamente las bandas preferidas de nuestro compositor principal Alfredo “Chile” Valdés. Se aprecian arreglos con un tinte más de Heavy Metal debido a las influencias del resto de los integrantes, que se decantaban un poco más por este estilo de música. El resultado de esta mezcla se aprecia en el sonido de Sacrilegio.

Sacrilegio y sus integrantes tienen el Corazón de Metal, como dirían las grandes bandas como Accept. Luego de más de 30 años en escenarios y demás, ¿qué es ser un Metalero de por vida o como estilo de vida?

Es algo que se lleva en la sangre, algo que no puedes negar. No puedes negarte a ti mismo. Más que un estilo de vida, creemos que es una forma de mirar la vida. Al final definitivamente al Rock no lo eliges, él te elige a ti, imposible cambiar.

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Recuerdo que Sacrilegio representaban a la ciudad de Cochabamba ya desde sus comienzos. ¿Cómo fueron los inicios de Sacrilegio en la escena? ¿Qué se acuerdan de aquellas memorables épocas?

Cierto, en aquel momento La Paz tenía sólidos representantes, así también Santa Cruz.

Si bien en Cochabamba existían excelentes agrupaciones, te vuelvo a repetir, creo que la diferencia se hizo tocando solo canciones propias. Las vivencias fueron muy lindas, queda en el recuerdo las veces que Sacrilegio tocamos en otros departamentos por primera vez, y había personas en el público que demandaban que toquemos covers.

Pasó casi lo mismo cuando Sacrilegio empezamos acá en Cochabamba con esa idea, de a poco se tuvieron que ir convenciendo que tocábamos música propia, y que ir a vernos demandaba conocer nuestras canciones, era algo que nos llenaba de mucho orgullo.

Luego de los años recorridos, Sacrilegio es una banda querida y reconocida por su gente, su ciudad, y su público. ¿Cómo ven/viven la

Escena y Movida actualmente?

Vemos con mucha alegría el surgimiento de grupos espectaculares, así también se observa cómo se ha diversificado la oferta musical en muchísimos más estilos y géneros. Hasta antes de la pandemia, la propuesta era muy variada y era un gusto salir a los diferentes boliches y poder elegir al grupo que querías escuchar. La movida está creciendo con muy buenas propuestas de música inédita y con excelentes músicos.

Tener hoy en día una lista de reproducción basada en Rock nacional ya no se circunscribe a solo diez o quince bandas, y eso es un avance importante. Lo único que falta es masificar un poco más a estas propuestas para que nuevamente escenarios importantes vuelvan a ser llenados con bandas nuevas con propuesta propia.

Para muchos músicos, los discos son como sus wawas, uno diferente al otro (en fecha de edición y sonido son únicos). ¿Cuál es la discografía de Sacrilegio a la fecha y qué años se editaron los discos? ¿Bajo qué Sello salieron los discos? ¿Algunas anécdotas de estas pro-

ducciones? ¿Algún material marcó época en especial para la banda?

La discografía es la siguiente: “De Aquí hasta el Final” Sello Lauro – 1989, “Y Se Te Va la Vida” Salamandra Records – 1991, “Ángeles Sin Alas” Salamandra Records – 1991 (Maxi simple), “Y se te va la vida” (Edición internacional que incluía el tema Ángeles sin alas) EMI Odeón Internacional -1991, “Jamboree Panamericano” Terranova – 1993, “Perdido en el Tiempo” Discolandia – 1995, “Volver a Empezar” Terranova – 2000, “Grandes Sacrilegios” Ajayu Records – 2004, “Alego Demencia” SACRILEGIO – 2019.

Sin duda alguna el disco más emblemático es “Y se te va la vida”, el que más vendió y más proyección alcanzó. No necesariamente es el preferido de todos, destacar alguno sobre otro es difícil en términos emocionales, cada cual tuvo su momento y su lugar.

Recuerdo que en mis viajes de fin de año a la ciudad de Cochabamba, ya que soy de madre cochala, pues mi principal afición, ya de joven adolescente, era ir por las tiendas de música.

En aquellos tiempos adquirí el cassette origi-

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nal de “Ángeles sin Alas” y de “Y Se Te Va la Vida”, material que actualmente es una joya dentro de mi colección de música hecha en Bolivia. Luego compré el cassette de Perdido en el Tiempo en alguna tienda de Discolandia de ciudad La Paz. ¿En qué formatos se ha editado la discografía de Sacrilegio hasta la fecha?

El material fue editado en los inicios en vinilo y cassette, posteriormente en CD´s. Cabe recalcar que el disco Y se te va la Vida suponemos fue el último disco de Rock en vinilo editado en Bolivia. Era la época de la transición al CD, y la decisión de hacerlo en vinilo o CD se le hizo difícil a la discográfica.

Mirándolo desde un punto de vista actual, fue una suerte que se hayan decidido por el vinilo, pues es un formato que gusta mucho y se ha convertido en un clásico.

Gracias al internet (la herramienta de tecnología que más nos ayuda ahora a reencontrar buena música e información cultural) pude apreciar videos que antes se me perdieron en la televisión local y nacional, como es el caso de Quiero Sentirte Otra Vez, Sigo Buscándote, o Aquí Quedo Yo, un video divertido y con una importante producción (con la cabina de teléfono en la camioneta, personajes extras, ustedes tocando en la esquina de una plaza). ¿Qué videos han marcado a Sacrilegio? ¿Cuál (o cuáles) es el preferido de Sacrilegio? ¿Alguna anécdota de producción y realización en aquellos 90’s?

Así como los discos, todos los videoclips que realizó Sacrilegio fueron muy importantes y queridos para nosotros. Resulta interesante contar que en el video de Sigo Buscándote, donde aparecemos en el techo de un edificio en construcción, hoy en día en ese mismo lugar se ha construido un edificio nuevo, pues en el que habíamos filmado se derrumbó hace algunos años, y eso que estaba en construcción cuando lo filmamos, (je je).

Indudablemente, el video de Aquí Quedo Yo, fue realmente divertido de hacer, y la producción es la más costosa hasta el momento en los videos de Sacrilegio. Fue filmado en BETA-CAM, todo un logro para la época, como

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tú mismo lo describes, participaron aproximadamente más de 80 extras. Subir una cabina de teléfono a una camioneta también fue algo complicado de lograr, así como parar el tráfico y tocar en la esquina de una plazuela.

Nos complace mucho el resultado, además aparecen muy buenos amigos y algunos de nuestros hijos cuando eran bebés. Todo un video para mirar, recordar y reír.

El tema Ángeles sin Alas fue y es uno de mis himnos musicales de Sacrilegio, esos que te presentan a la Empatía y al Ser Empático que noblemente vive en su música. Desde el

Estamos seguros que los artistas en su gran mayoría poseen esta sensibilidad, y creemos que es vital para la sociedad. En lo personal y grupal, los resultados en el largo plazo han sido realmente emotivos y satisfactorios, pudiendo hoy encontrarnos a muchos otrora niños convertidos en hombres y ciudadanos de bien, te llena el alma y el corazón.

El álbum Y Se Te Va la Vida logró romper ventas en toda Bolivia, el video de Sigo Buscándote (que lo acabo de apreciar por primera vez, y me encantó) lo han filmado en la azotea de un edificio en construcción, con toda esa actitud Heavy Metal que lleva la banda. También disfruté del video de Quien Te Ayudará (en vivo), que refleja ese momento de la banda en que se llenaban los escenarios, como el Stadium Félix Capriles. ¿Qué nos pueden rememorar de la producción? ¿Dónde se realizó? ¿En qué Studio se grabó? ¿Cómo se editó y bajo qué Sello? ¿Algunas anécdotas de la obra?

Ciertamente, el álbum Y Se te va la Vida es el disco más vendido en la historia del Rock boliviano, cosa que nos produce un orgullo inmenso. La producción del video Quién te Ayudará estuvo a cargo de nuestro querido amigo Henry Delgado, el mismo que produjo el video de Ángeles Sin Alas, el cual fue galardonado con el Cóndor de Plata en Bolivia y por la UNICEF a nivel internacional.

‘91 han marcado la misma energía en Con tu Amor Puedo Vivir del 2014, temas sociales enmarcados en campañas en pro de los seres indefensos y desprotegidos en la sociedad. ¿Qué nos pueden comentar las experiencias que están enmarcadas en hacer de la música una herramienta de comunicación para el desarrollo social?

Nos parece realmente importante el haber podido participar en este tipo de movimientos, mucho más cuando han sido tan exitosos. Es algo que nos nace, no es nada planificado, es la sensibilidad de saber que desde tu lugar de trabajo puedes aportar y causar un impacto y cambio en la gente que te rodea.

En el video de Sigo Buscándote, como mencionamos anteriormente, donde Sacrilegio aparecemos en la azotea de ese edificio, el mismo ya no existe. La idea nació del video de The Beatles donde también aparecen en una azotea. Nosotros quisimos hacerlo en una azotea en construcción, sin público en la calle y de madrugada, si lo miran con detenimiento hay una toma donde Juan Carlos Fernández, el guitarrista, está parado sobre la última viga del edificio. Quizá por nuestra juventud en ese momento, no nos dimos cuenta de lo peligroso que fue. Por suerte, como todos saben, todo resultó bien (je je).

Todos estos videos fueron filmados entre finales del 90´y principios del 91´para SONOS Producciones, propietaria del Sello SalamanLaCarne Magazine

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dra Records.

Como buen seguidor de la banda, fui -en aquel año- a comprarme el cassette original del álbum Perdido en el Tiempo, con el video que acabo de disfrutar de Y Te Imagino, realizado por Eddie Vargas, un video conceptual de alta calidad artística. ¿Cómo les fue en esta etapa con el álbum? ¿Qué anécdotas pueden comentarnos del material discográfico y su trabajo con el Sello Discolandia?

Básicamente sentimos que no tuvimos el apoyo necesario de la casa discográfica, aunque el disco produjo tres singles y tres videos. De ese disco, extractamos dos temas que seguimos interpretando en nuestros shows actualmente, como son Quiero Sentirte y Nadie te Amará, canciones muy apreciadas por nuestro público.

La producción del video Y te Imagino fue responsabilidad a nivel conceptual de nuestro querido amigo Eddie Vargas, y el resultado de su idea nos gusta mucho. Es definitivamente

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un video diferente, la locación elegida para filmarlo es la antigua estación de trenes en Cochabamba, un lugar realmente espectacular.

Han editado un Grandes Sacrilegios, ya en el nuevo Siglo XXI. ¿Cómo les fue con el material compilatorio de su carrera? ¿En qué formato sale esta obra de Sacrilegio?

El disco Grandes Sacrilegios se editó en CD´s. Es uno de los discos que más se reproducen en las plataformas digitales actualmente. En aquel momento, si bien algunas canciones tenían que estar, la elección de algunas otras se nos hizo bastante difícil.

Creemos que, gracias a este disco, Sacrilegio hemos podido acceder a públicos más jóvenes, pues en nuestros shows en vivo son estos jóvenes los que hacen referencia al disco de manera permanente. Realmente es un disco que nos gusta mucho, y obviamente ya que el trabajo de la banda no ha parado, si bien es distante entre las publicaciones, seguramente vamos a planificar un Grandes Sacrilegios II.

otro tipo de géneros y fusionarlos con el Rock, específicamente el Reggae. También la canción Enséñame el Camino es otra de las que no pueden faltar en el repertorio. El disco fue editado en CD. Alego Demencia (2019), con temas reversiones de Cunimicita y Ave de Cristal, entre otras nuevas composiciones que nos mantienen apasionados a los seguidores de la banda, apreciando sin dudarlo del sonido y la música que caracterizan a Sacrilegio. ¿Qué nos pueden comentar de la producción?

La producción de este disco es bastante bizarra, pues son canciones que en su mayoría Alfredo “Chile” Valdés fue grabando a través del tiempo por más de una década, y con diferentes alineaciones en la banda, y obviamente en diferentes Estudios. Cunumicita y Tranquilízate fueron grabadas para un disco homenaje al autor de las mismas, editado por la alcaldía de Santa Cruz. Ave de Cristal fue extractada del disco tributo a Los Kjarkas.

Posteriormente han lanzado Volver a Empezar (2018), que incluye temas como Pequeño Juan, que me llaman la atención profundamente. ¿Qué nos pueden comentar del material? ¿Dónde se lo produjo? ¿Salió editado en algún formato físico? ¿Qué anécdotas nos pueden comentar de la obra?

El disco Volver a Empezar fue grabado en los Estudios Terranova en la ciudad de Cochabamba. Nuevamente nos sentimos impulsados a tocar el tema social de la niñez desvalida, la canción del Pequeño Juan nos complace mucho, sin embargo la canción que más destacó en ese disco fue la que le dio título.

Volver a Empezar es otra de las canciones que no podemos dejar de tocar en los shows.

En su momento tuvo mucha repercusión y mucha radiodifusión, así mismo el video fue muy difundido.

De ese disco también tenemos el single Aquí Quedo Yo, que supuso para la banda explorar

El disco ya produjo tres singles que han ingresado en rankings nacionales, ocupando lugares destacados, como son Evitar, Vuelves, y actualmente la balada Seguir Soñando. Desde su origen, es sin duda el disco más ecléctico que hayamos podido publicar, y de ahí proviene su nombre. Si te parece raro, pues bien yo… “Alego demencia”.

Me encantó disfrutar del tema De aquí hasta el final (1989), material que se registró en los míticos Estudios de Lauro Records, donde se grabó su primer material, plasmando un resumen de toda la primera etapa de la banda.

Este excelente disco proponía canciones con un alto nivel interpretativo y un estilo determinadamente definido hacia el Hard Rock y el Heavy Metal –según lo que pude leer e investigar-, contiene en el Lado A las canciones De Aquí Hasta El Final, Escapa, Hoy Me Siento Diferente, Niños; y por el Lado B Sin Tu Amor, Quien Te Ayudara, Extraños En La Noche, Preludio y Donde Estas. ¿Qué nos pueden contar de aquella producción? ¿Alguna anécdota?

Definitivamente es una producción que costó un mundo. Era la primera vez que la banda enLaCarne Magazine

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traba en un Estudio de grabación, aclarando para las nuevas generaciones que en aquella época no se podía grabar en casa. Las tomas de las canciones se hacían en grupo, vale decir todos juntos, como si de un show en vivo se tratara. Las tomas no se guardaban, se tocaba, se escuchaba, y, si no estaba buena, se repetía.

Por supuesto que no podías repetir muchas veces, pues el severo ingeniero de sonido, el legendario Emilio Panozo, te mandaba a casa a ensayar. Eso significaba que tu contrato de grabación se veía seriamente comprometido, casi perdido.

Conseguir un contrato en aquella época era muy sumamente difícil, máxime si la empresa más grande de tu ciudad, y una de las más grandes del país, como lo era Lauro y Cía. en aquel momento, centraban su producción en folklore. Alfredo “Chile” Valdés estuvo esperando al dueño de la empresa en una jardinera en la avenida Heroínas en Cochabamba por cinco días, Don Laureano Rojas. Frente a los Estudios de radio, televisión y grabación de Lauro, la empresa tenía una imprenta, y Don Laureano cruzaba la calle a veces entre sus instalaciones.

Se le ocurrió esta estrategia, pues obtener una cita con él era casi imposible, y los mandos medios no le tiraban pelota (je, je). En ese momento existía una grabación del tema Escapa en vivo que logró el primer lugar en la FM Infinita, una de las radios de Lauro, que era la más escuchada por el público joven. Éste era el argumento que empleó Alfredo cuando lo abordó en el medio de la avenida a Don Laureano. Él lo invitó a su oficina, escuchó la canción con uno de sus asistentes y firmó al grupo. El resto es historia.

Sacrilegio es un referente a nivel latinoamericano de Hard Rock & Heavy Metal, y un orgullo de Bolivia en cuanto a música metalera se refiere. Rememoro sus clásicos Ángeles sin Alas o Tu Rostro en el Cielo, entro otros temas que se han convertido en himnos para su gente que los sigue en toda Bolivia y el planeta entero, ¿qué canciones son sus preferidas para

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ustedes y para los seguidores de la banda?

Es difícil definir un tema preferido para la banda. Ocurre lo mismo que con los discos, cada uno es especial. Creemos que el tema Y se te va la Vida podría correr con alguna ventaja, pero no le cuentes a nadie (ja ja).

Entre la audiencia, por supuesto los preferidos Ángeles Sin Alas, Sigo Buscándote, Sin tu Amor, Tu rostro en el cielo, Volver a Empezar, y muchos otros. Tenemos la alegría que el público que nos sigue conoce muy bien la discografía, y los solicitados son varios.

Recuerdo verlos en los Rock-Bol’s de aquellas épocas gloriosas para los que nos iniciamos en los 90’s dentro de la Cultura Musical y el Movimiento roquero. ¿Qué conciertos o eventos han marcado su carrera?

Por supuesto que son varios conciertos los que quedan dentro de los recuerdos memorables de la banda, pero ninguno más que el de marzo de 1991, donde conseguimos llenar el estadio “Félix Capriles” de Cochabamba por primera vez. Fue épico para nosotros, histórico para el Rock Boliviano.

Desde su material debut de 1989, al disco Y Se Te Va La Vida, pasando por Perdido en El Tiempo, y llegando al Alego Demencia, ¿cómo ven la evolución musical de la banda? ¿Qué géneros musicales han experimentado con Sacrilegio?

La banda ha experimentado diversos cambios de alineaciones en el tiempo, el aporte de todos estos músicos ha influido de manera muy positiva en el sonido del grupo. En cuanto a lo compositivo, el estilo sigue siendo el mismo, con algunos toques más modernos.

El único experimento que hicimos fue en el tema Aquí Quedo Yo, coqueteando con el Reggae. También en Cunumicita tuvimos algunos arreglos con voz gutural que aportó nuestro amigo Mykol Gonzalez, de la excelente banda Daga.

Sacrilegio sigue rockeando desde 1985, unas palabras de ánimo y aliento para las generaciones venideras. ¿Qué les dirías a las personas que quieren incursionar en el Movimiento?

Se puede. Puede sonar repetitivo, pero creer en uno mismo y tu propuesta es vital. El éxito es 30 por ciento talento y 70 por ciento trabajo, disciplina y perseverancia. Se puede. No se debe olvidar que no se obtiene lo que uno sólo desea, se obtiene lo que trabajas.

Centrémonos en el actual momento que encamina Sacrilegio. Vi en sus redes sociales (el 2 de marzo) que se encontraban en Estudios Vértigo, preparando nuevo material y en etapa de producción. ¿En qué proceso del proyecto están trabajando en la actualidad? ¿Ya tiene título el próximo material? ¿Con cuántos temas contará?

En realidad estamos experimentando un poco, yendo de a poco. Queremos regrabar algunos temas con un sonido más moderno, y ver cómo resultan. Estamos también grabando material nuevo. Hay un tema que nos gusta mucho, que habla de la familia, un pequeño guiño de amor a nuestros hijos.

Aún no está terminado, hemos tenido que parar un poco por las restricciones que hay en este momento en nuestra ciudad, por la pandemia. Pero la idea es hacer un video donde aparezcan todos los músicos que han pertenecido a Sacrilegio junto con sus hijos. Son un montón, je. El material no tiene nombre, lo estamos llevando todo con calma, sin apuros. ¿Cuál es su frase, lema, verso o dicho? Ése que les anima, alienta, levanta, enfoca, etc., para seguir en la batalla musical y del juego de la vida.

Como banda no tenemos uno en especial. El que siempre repite “Chile” Valdés es “firmes y dignos, honor y gloria”, resumiendo en uno solo a la legión romana y al código de los caballeros medievales. Por otro lado, tenemos integrantes muy comprometidos con sus religiones y su fe. Es curioso, también tenemos integrantes ateos, todos convivimos en el marco de la amistad y el respeto, con el objetivo permanente de ser mejores personas.

Pude observarlos y disfrutar en una Sesión Acústica (el pasado septiembre 2020), adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad, durante la Nueva Era den-

tro la Tierra. ¿Qué proyectos se vienen para el 2021 para Sacrilegio?

Ideas y proyectos hay varios, desgraciadamente dependemos del virus chino, y de todas las consecuencias y cambios que está produciendo en nuestras vidas. Por el momento, nos hemos inmiscuido en un proyecto más que urgente, que es el de tratar de aportar a nuestros colegas del arte. Hemos sufrido la pérdida irreparable de muchos amigos y músicos hasta la fecha por falta de recursos.

El sistema de salud en nuestro país es precario, por decir lo menos, y muchos colegas no pueden acceder a tratamientos privados. Acá los músicos no tenemos seguro de salud ni jubilación, y no estamos trabajando desde el año pasado, por lo cual la situación es tremenda y desesperada para muchos. Esperemos que esta situación pase pronto, en el ínterin vamos a trabajar para aportar y ayudar.

Un mensaje de despedida para la gente que disfruta de su música y la sigue en las redes sociales, se compra el material y, cuando pueda, se irá a los conciertos, también para los nuevos admiradores y seguidores de Sacrilegio.

Gracias. Es para nosotros un privilegio poder contar con el apoyo y la preferencia de ustedes por más de 36 años. La dedicación y el cariño que nos han brindado, en muchos casos hasta conmovedor, nos ha permitido seguir en esto por tan largo tiempo.

Nos han regalado una vida musical maravillosa, que esperemos se prolongue muchísimo más. Por nuestra parte, seguiremos tratando de retribuirlos con el compromiso de hacer todo con el mismo amor con el que lo hemos hecho hasta ahora. Ha sido un viaje excepcional y extraordinario.

Queremos también agradecerte a ti y a la revista por la entrevista, que ha estado buenísima. Sigamos rockeando, que el mundo necesita mucha música, sobre todo ahora.

Nuevamente, para todos, de nuestra parte, gracias.

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Fonal

una de las grandes bazas del Pop electró LEER MÁS

E

l dueto cacereño Fonal que en algún momento fue un trío, es una de las grandes bazas que tiene el pop electrónico extremeño. Alfonso e Inma son pareja musical y sentimental, con una química musical única. Se dieron a conocer en un Parque Sonoro allá por el 2015, cuando entraron a sustituir la ausencia de un grupo. Con apenas 2 pares de canciones, Dj Surprise (por aquel entonces) y Alfonso Búrdalo se presentaron con su temazo Tormenta Eléctrica, y nos dejaron a todos boquiabiertos.

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Aquel experimento fue cogiendo forma hasta lo que son hoy en día como una banda consolidada. Orgullosos de tenerlos en exclusiva con nosotros para que nos hablen de su disco una vez ya está en el mercado, y después haber recibido un aluvión de buenas palabras y apoyos desde medios especializados y generalistas. ¿Tenéis ganas de conocerlos y que nos hablen de su nuevo trabajo?

Fonal, una de las grandes bazas del Pop electrónico extremeño

Es un placer teneros entre nosotros. Martílandran es un disco que tiene mucho de Extremadura, recorre la tierra amándola en forma de canciones, pero también criticándola. ¿Qué es Martílandran?

guel Ángel Gragera en la producción. El salto a un sonido más cuidado es mérito de él. Para las canciones hemos tirado de amigos músicos, bastante mejores músicos que nosotros en sus instrumentos.

En apoyo a las voces están Young Gage, Rui Díaz, Cristina Sixtina, Julio Fuentes, José Luis Forte, y Laura Pascual. Guitarras: Alfonso Herrero, Manuel Velardo, Epy Figueroa, Rubio Salas y Alberto Barrero. Baterías: Rubén Cebrián y Daniel Cardiel. Flauta, laúd y tamboril: Miguel Ángel Sanchez Curiel. Sintetizadores y metales, de nuevo Julio Fuentes. Bajos: Juanjo Ventura y Jorge Quesada.

El track doce del disco es una producción a modo Remix que hizo Daniel Rato, de Mala Sangre, para otra de las canciones del disco, y el creador de la portada ha sido el pintor de Sierra de Gata Ángel Álvarez de Sotomayor.

Todas estas colaboraciones han dotado al disco de un sonido muy ecléctico del que estamos muy contentos.

ónico extremeño Para nosotros ahora mismo es nuestro último trabajo. Un Lp de 12 canciones en el que hemos podido plasmar el sonido que venimos desarrollando con todas nuestras inquietudes.

Recoge el nombre de Martilandrán una pequeña alquería de Las Hurdes a la que habíamos dedicado una canción del álbum.

Os caracterizáis por contar con colaboraciones siempre en algunas de vuestras canciones: la rapera Laura P, el artista creador de la portada del disco Ángel Sotomayor… ¿Habladnos de quién os habéis rodeado esta vez para vuestro LP? En Fonal, al no ser una banda al uso, solemos contar con colaboradores para desarrollar las demos que vamos decidiendo transformar en canciones. El principal colaborador ha sido Mi-

“Mis piernas no me dejarán volver” es vuestro single principal. Es un tema de puro pop electrónico, con una melodía a modo de arpegio pegadiza y luminosa. Habladnos del tema y también de su videoclip, que cuenta con un buen y conocido reparto.

Es una canción que surgió al inicio del confinamiento. Comenzó con la guitarra acústica y una melodía de voces muy intensa. Los amigos de Lunar Discos nos propusieron sacarla de single, y aprovechamos la ocasión para hacer un videoclip diferente a lo que veníamos haciendo hasta ahora.

En él aparecen como actores antiguos jefes y amigos relacionados con la Cultura que conocemos desde hace muchos años, además de nuestra protagonista Laura, que ha hecho un enorme trabajo frente a la cámara. Detrás del objetivo se encuentra la visión de Risi López, con el que también hemos trabajado en ocasiones anteriores.

Vayamos con nuestro segundo tema favorito: “Efecto tóxico”. Es un tema muy crítico con la LaCarne Magazine

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situación político cultural y económica actual.

Repartís mazazos sobre todo a la Cáceres actual. Una canción con gran protagonismo de Alfonso. ¿Se puede o debe reivindicar desde el pop?

La música con letra surgió con canciones que te contaban los hechos que sucedían en su entorno con una gran dosis de crítica y sarcasmo. Hoy en día la música popular ha derivado en muchos subgéneros comerciales por la colonización cultural anglosajona, aunque muchos de ellos conservan esa misma línea.

Contadnos, ¿cómo se os presenta el verano en cuanto a conciertos? ¿Creéis que la cultura ha sido uno de los sectores más afectados por la pandemia? ¿Habrá un antes y un después de la pandemia? ¿Ya no volveremos a vivir la cultura musical de la misma manera?

El verano nos va a traer pocas fechas, y lo estamos cerrando casi todo a partir de septiembre. Las canciones, a pesar de la pandemia, seguirán, siempre lo han hecho.

Otra cosa es que toda la gente que vivía de la Cultura lo pueda seguir haciendo en los próximos años. Más que por la pandemia, la Cultura está viviendo un cambio de ciclo muy drástico debido a la mercantilización excesiva, y la burbuja hace ya dos décadas que explotó. fonal Estáis con el sello Lunar Discos y con el booking Backstageon, ¿cómo os va?

Son grandes profesionales en los que puedes confiar tu trabajo. Lo han demostrado en muchas ocasiones, y hemos podido delegar muchas de las funciones ajenas al proceso de creación. Eso te da un respiro, ya que precisamente todo eso es lo que menos nos gusta de la música.

Volvamos a vuestros temas. “Martílandran” es el tema más diferente del disco, pero a la vez el más chulo para nosotros, que siempre andamos buscando sonidos refrescantes y novedosos. La canción más folk, algo que prácticamente no habíais hecho nunca, pero el resultado es un maravilloso track. Habladnos de él.

Surgió de la manera más sencilla. Tras un fin

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de semana muy intenso y lisérgico en la comarca de Las Hurdes, volvimos con el nombre de la alquería en mente, y hacíamos juegos de palabras en el coche con Martilandrán.

Tiene un nombre original y muy sonoro, y en poco tiempo cerramos la letra y la melodía.

Estamos muy contentos con el resultado de la canción en su conjunto, tanto los toques folk musicales como la letra de cuento o de leyenda. Nos retrotrae a nuestras raíces.

En una pregunta anterior ya nos habéis hablado de Daniel Rato, con el que tenemos entendido que habrá más sorpresas. ¿También tenéis más aventuras con los alemanes de Nogales & Bernd Kuchinke, o el bielorruso Edvard Hunger?

Con ellos tenemos un Ep muy fresquito entre manos, pero aún faltan meses de intercambios de pistas por mail. Ahora estamos trabajando con Mala Sangre para un nuevo Ep que publicará Lunar Discos.

A Inma la hemos visto coquetear con las cabinas y los discos como Dj Surprise. ¿Qué te gusta pinchar y en qué sala o festival te gustaría hacerlo?

Me gusta poner la música que cada momento me sugiere, que suele ser muy variada. Aunque es cierto que cuando pincho suelo elegir temas con un tono divertido, como si me encontrara en una fiesta con amigos, que es como realmente me siento en mi faceta de Dj. Puestos a soñar, me gustaría tener la ocasión de participar en el Sónar Festival.

A Alfonso también le conocemos un proyecto alternativo llamado Burgim. ¿Habrá también novedades discográficas?

Lo entendemos como el mismo proyecto. Burgim y Fônal son lo mismo. ¡Gracias, amigos, nos vemos en los bares!

Siempre.

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Dj Quien

único y creativo con su sonido infinito Aeon) me marcó de lleno para siempre, pues el manejo del scratchin’ era perfecto, y lo combinaba con lucidez al Drum & Bass.

R

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ecuerdo salir a bailar a una Fiesta Electrónica, donde la fila era extensa y la paciencia por volver a la pista de baile Rave era insaciable. Posiblemente febrero 2008, noche paceña de culto al género Electrónico, que se había extendido con firmeza por el territorio boliviano una década atrás (1998) aproximadamente.

Ya en el interior del local, las luces y el sonido hacían lo suyo, y mi primer contacto visual – musical – vibracional con DJ Quien (que en ese momento posiblemente era DJ A.C. o DJ

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Yo quedé impresionado, y diciendo en mis interiores profundos y musicales que quisiera que DJ Quien sea mi DJ acompañante de la aventura blindada.

Posteriormente tuve el gusto de entablar amistad con el talentoso DJ. En ese ajetreado mundo nocturno de la ciudad de La Paz, muchas veces te reencuentras con el artista que admirabas para compartir Escena o alguna actividad cultural.

Creo que lo que nos unió a DJ Quien y a mí en mutuo respeto fue el temita que le hice a la luchadora libre Carmen Rosa La Campeona

sicalmente hablando, ¿cómo está actualmente?

Gracias por el espacio y por preguntar como estoy, es importante cuidar la salud mental del artista.

Si bien la situación me trajo complicaciones de salud, sobre todo mental, ahora me encuentro mucho mejor que al principio de la pandemia.

Durante los primeros meses, vi amenazada mi carrera como artista, dada la precariedad de nuestra realidad cultural, y tuve una crisis bastante seria, la cual me llevo a tomar la decisión de viajar y buscar un nuevo horizonte para seguir con lo que amo. Entonces ahora resido en Berlín, desde Septiembre de 2020. ¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento?

Bernardo Resnikowski Beltrán, nacido en La Paz – Bolivia en el 82.

Ber Beltrán el DJ, el skratcher, el turntablismo, beatmaker y productor, ¿cómo se inicia a la vida musical?

Tengo vagos recuerdos de niño tratando de sacarle sonido a lo que sea me ponían al frente, tratar de poner los vinilos de mis viejos en el estéreo…

(diciembre 2010), mujer de pollera y orgullosa chola paceña, quien a raíz de la amistad blindada y cariño auténtico, se ganó un Rap Cumbia para acompañar sus entradas al cuadrilátero y ejecutar el show de “Las Cholitas del Ring”, en el Centro Cultural Ojo de Agua, encuentro artístico deportivo que encantó a DJ Quien, y que desde entonces hasta el día de hoy quiere concretar el remix del tema original. Esperemos pronto sellar ese pacto.

Dj Quien, único y creativo con su sonido infinito

DJ Quien, gracias por la confianza y amistad, en exclusiva para LaCarne Magazine. Luego de estos momentos de contingencia sanitaria que atravesamos, casi un año de sobrevivir bajo la sombra del COVID -19, personal y mu-

Unos años más tarde, la grande de mi abuela, entre cumpleaños y navidades comenzó a regalarme instrumentos, primero un teclado, y luego una guitarra, cosas que al final me marcaron de por vida. Desde ese momento nunca más me pude alejar.

El Djing llegó a mi vida a finales de los 90´s, primero como audiencia de cada fiesta y Rave que había en la ciudad, y ya después, gracias a los DJ´s A-jax, Lecter y Goku (ahora Animal Print), me convertí en DJ hace 21 años ya. ¿Cuáles fueron sus influencias artísticas y musicales? ¿Qué bandas, cantantes o grupos podría mencionar? ¿Cuál es su material de cabecera hasta la fecha?

Por nombrar un par que siempre suenan en mi cabeza, voy con The Clash, Beastie Boys, DJ Shadow, Sade, Alice y John Coltrane, Issac Hayes, Thundercat, Daedelus, Prefuse 73, Chemical Brothers, Dj Marky, Shy FX, LaCarne Magazine

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todos los de Hospital Records, todos los de Stones Throw, Fliying Lotus, Nosaj Thing, Tim Maia, mucha Cumbia, mucho Funk, mucho Rock Psicodélico y rarezas de los 70´s de Medio Oriente y África quizá como primera línea. ¿Cuál es la breve historia de DJ Quien hasta el presente? ¿Qué nos puedes comentar de la trayectoria que tiene DJ Quien hasta la fecha?

Comencé pasando Hip Hop en una fiesta del Dj Lecter (Aníbal Aguilar), que se llamaba Mezcolance, una fiesta con de todo, muy importante para la formación de públicos en ese entonces. Luego pasé a ser residente de muchísimos Club´s y fiestas de la escena paceña, entre los favoritos el Bizarro, Hentai y hasta los domingo de Mongos junto al Dj Mob. Luego formamos con varios de mis DJ´s favoritos de la época el colectivo Oi Mas Bass, que estuvo junto una década, el colectivo que nos llevó a crear un Sello Discográfico (OMB) y el Encuentro Latinoamericano de Arte Digital KIEBRE, el Festival que organizamos por cinco años.

Después de muchos años de tocar en clubes, fiestas y festivales, creo que celebro el haber tocado en cada rincón de Bolivia y gran parte de Latinoamérica, así como una -por ahorapequeña parte de Europa.

Dentro de la escena o movida, buscamos nombres artísticos o altar-egos que acompañan a esa otra personalidad -que se irá creando y desarrollando-. ¿Por qué tu nombre artístico DJ Quien? ¿Cómo nace su aka de DJ Quien?

Al inicio de mi carrera tenía dos alias principales, DJ A.C. y DJ Aeon, pero después de unos años no me sentía cómodo, y terminé cambiando a Dj Quien, nombre que me acompaña ahora sentando mi identidad como latino, y dejando la abierta la pregunta de ¿quién soy?

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es la discografía hasta la fecha de DJ Quien y tus otros alteregos?

El Pistolón (Compilation Track) Freim – (2016), 1982 B (album) OMB Record Label – (2016),

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1982 A (album) OMB Record Label – (2016), Time to Unfold (album) OMB Record Label – (2016), Viaje Andino (Compilation Track) – Regional – (2015), VA Regional Remixes (Compilation Track) – Regional – (2015), Watch the Stars (Compilation Track) – Cassette Blog – (2015), Bombastic Rhytms – (Compilation Track) – Cassette Blog – (2015), Black SunDay (EP) – Record Label – (2015), OMB.010 NUEVE (Compilation Track) –Record Label – (2015), En Tus Manos (EP) – (Cassette Blog) – (2014), ASLP Fundraising (Compilation Track) – ASLP – (2014), La Muer-

– (2013), Cuidando La Región Bass en Las Alturas (Compilation Track) – Latino Resiste – (2013), Ruta Panamericana del Sonido (Compilation Track) – Latino Resiste – (2013), Moombah Luv 3 (Compilation Track) – Generation Bass – (2012), This New Soul (album) OMB Record Label – (2012), Moombah Luv 2(Compilation Track) – Generation Bass – (2011), Del Otro Lado (EP) – Generation Bass – (2011), Illiman Sky Party (EP) – Cabeza Net label (2009).

Actualmente DJ Quien reside en Berlín, haciendo carrera musical. Tocaste para el Canal de Hip Hop de Rumania con mayor acogida, haciendo un Show para una radio Suiza, y lanzando un par de Streams desde Alemania. ¿Qué nos puede comentar de esta experiencia que vas recorriendo como DJ Quien?

Pues estoy pisando el terreno aún, conociendo gente y conectando de a poco, ya que aún no se abren los clubes, ni festivales, pues todavía toca hacer presencia en la red y conectar con la escena. Gracias a la invitación y promoción de Opim Hum, un DJ reconocido promotor y curador de Boiler Room y el Festival CTM de Berlín, tengo contacto con varios espacios, DJ´s y canales en los que comienzo a tocar y a mostrar lo que hago.

te Eterna (Remix) – Random is not Whatever – (2014), Waking up La Paz (Compilation Track) OMB Record Label – (2014), Pain Relief – (album) OMB Record Label – (2014), Travesía Tropical (Compilation Track) OMB Record Label – (2014), Bombastic Rhythms – Cassette Blog – (2013), Bruma Emocional – Cassette Blog – (2013), Street Noises – Cassette Blog – (2013), MAL DICEN! Bangerz (Compilation Track) – Mal Dicen – (2013), Mozquito Music (Compilation Track) – Mozquito – (2013), Electronic Overseas (Compilation Track) – Tacuara Records

Acabo de tener una entrevista con la Deutsche Welle DWTV que fue genial. Ya pronto tengo un par de sorpresas más cocinándose para compartir con todos. Pienso que es pronto para saber lo que va a pasar, pero veo el futuro bastante alentador, la gente está interesada en lo que hago y cada día se me abre un espacio nuevo.

Me comentaste que firmaste con un Sello en Berlín para editar el próximo material de DJ Quien. ¿Qué nos puedes adelantar del project?

Fui invitado a sacar un EP para el Sello Kumbale, Sello berlinés de música Tropical-Bass.

El EP está casi listo, son 4 o 5 canciones y cuenta con la colaboración de Kicho Jimenez y Omar León de Wara, dos genios de la Escena boliviana.

DJ Quien, te encuentras con mucha actividad LaCarne Magazine

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en Alemania, participando en Streams y sesiones Live. ¿Qué has estado haciendo últimamente?

Más que nada conectando con gente, hablando con promotores, buscando agencia de management y grabando. Tengo una banda nueva también, con quienes espero entrar a grabar en Estudio a finales de este año. Por otro lado, estoy involucrado en proyectos fotográficos con otros artistas de Berlín.

DJ Quien, recuerdo nuestro último encuentro en la hoyada. Nos dimos el codo en la Meseta de Achumani, y poco después partiste a Berlín. ¿Qué nos puedes comentar de tu experiencia recorrida dentro de la Movida Musical en Bolivia? ¿Qué anécdotas puedes rememorar?

Atesoro con el cariño más grande cada fiesta que hicimos, cada comida a las seis A.M., los amigos de las bandas, los Estudios de grabación, los conciertos en teatros, los viajes…

Cada día de mi carrera con caídas y éxitos lo disfruté muchísimo allá. Le debo todo a esa ciudad. Las anécdotas más grandes son las conectadas con los seres humanos atrás del nombre de artista, cosas sencillas, el primer amanecer de la Mayra Gonzales fuera de casa, los cafés con la Vero Pérez, las grabaciones en Caja Negra o Hélice, los ensayos, los Jams hace 20 años con el Zegada, el Peque Gutiérrez, todos los concierto de Hip Hop scratcheando con algún MC… los días eternos en casa del DJ A-jax, cuando vivíamos ahí al menos una decena de loquitos.

El mundo del DJ es fascinante y ecléctico, te has acomodado a la Movida Electrónica y Hip Hop en Bolivia y el Mundo. ¿Algunas anécdotas que nos puedas contar luego de tu trayecto?

En la música electrónica siempre me fue más fácil, estuve desde el comienzo y fui militante hasta el último día. En el Hip Hop siempre fue más difícil porque la Escena era más cerrada y más una lucha interna de ver “quién es más real”, cosa que siempre me dio risa, pero disfruté mucho ver evolucionar la Escena hasta el punto donde se encuentra hoy.

Anécdota “chistosa y vergonzosa a la vez”:

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reconozco que hace muchísimo años en un evento de Hip Hop me le acerque al DJAMES (yo con la mejor intención) a preguntarle si quería clases DJ scratch (ja ja ja), y hoy en día el James es uno de los mejores tornamesistas del país, más bien unos años más tarde nos convertimos en buenos colegas, y ahora nos apoyamos siempre. Pero mala mía… lo acepto. ¿Cómo has encarado la situación mundial del COVID- 19, las cuarentenas, y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical?

Muchas etapas diferentes, sobre todo tratando de aceptar el cambio y tratando de encarar mi carrera para darle un giro que me funcione, acomodarme a la ausencia de los grandes que perdimos en esta época, tratar de compartir streams y apoyar otros emprendimientos para ver de salir a flote todos, trabajando en mi sonido nuevo y afinando lo que sigue en mi carrera de cara al 2022.

Durante tu recorrido musical, ¿qué evento o Festival lo ha dejado marcado?

Son 3, en 2009 el Ritmos Rotos en Buenos Aires, Festival donde mi convicción por una escena latinoamericana unida, resistente y fuerte se hizo real. Gracias a eso terminamos organizando el Kiebre, Festival que sin duda cambió mi vida y la de muchísima gente, me dio y me quitó muchísimo. Y el tercero es el Incubate en Holanda, Festival que me dio la chance de viajar por Europa y conocer la ciudad que hoy es mi hogar. ¿Qué hubiese sido de DJ Quien sin el oficio u ocupación o vocación? ¿En qué otra carrera se hubiese envuelto?

Ahora me gusta mucho la fotografía, y siempre estoy metido en todo lo que sea creativo-artístico, desde la gestión a la ejecución o en los proyectos, pero no existe otra realidad que la del Arte. No me puedo ver haciendo otra cosa, era y siempre será el único camino. ¿Cuál es su experiencia dentro de la Nueva Era? ¿Qué uso le está dando DJ Quien a las plataformas digitales para la difusión de su mensaje musical?

Llegué muy tarde al juego del Facebook e Instagram, y aún que ahora paso mucho tiempo en redes compartiendo mi trabajo, no soy fan de las redes. Lamentablemente soy otro adicto a ellas y trato de sacarles el jugo, pero toma tiempo y skills que no tengo.

DJ Quien, desde tu perspectiva y experiencia, de Bolivia a Alemania, actualmente ¿cómo encuentras el Movimiento Hip Hop y Electrónico en el Planeta?

Si bien como todas las industrias creativas, muy golpeadas por la crisis, las escenas están vivas y listas para el próximo round, no olvidemos que son escenas con mucho discurso y poder histórico, más allá de sólo las pistas de baile. Veo también que los sonidos pasan las barreras de género cada día más, y está bueno que todos nos podamos reconocer en una misma pista. ¿Cuál es su frase, lema, verso o dicho? Ése que le anima, alienta, levanta, enfoca, etc, para seguir en la batalla musical y del juego de la vida.

Siempre me repito el “No bajar los brazos ni para levantar dinero” (ja ja ja). Es como un mantra de mantenerme enfocado en lo que quiero, y nunca dejar de hacer, de creer, de crear.

Un mensaje para los nuevos y viejos miembros de la Cultura alrededor del planeta ente-

ro. ¿Cuáles son tus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. ¿Qué le diría DJ Quien a las personas que quieren incursionar en el Movimiento?

Cariño y respeto al oficio, creer en uno mismo y en la motivación para hacer lo que uno hace.

Yo le debo mi vida al arte, el arte me salvó de la muerte más de una vez. Entonces cada día le debo devolver mi tiempo y mi dedicación, es un camino sin retorno, pero altamente gratificante.

Si en la medida de las posibilidades se puede obrar y mantener actividad alguna, ¿qué proyectos tiene DJ Quien para el presente 2021?

Mantenerme firme, hacer nombre en territorios extraños, tocar, grabar más y seguir adelante.

El plan no cambia.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de DJ Quien.

Gracias por llegar hasta aquí, gracias por acompañarme, por ser parte de mi viaje, gracias por ser parte de las escenas y alimentarlas con el aporte que sea, gracias por mantener vivo el espíritu y no dejar de creer.

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Ame Amelie con alma de guerrera

Poder de Estado a la deriva.

A

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melia Peña, Ame Amelie, es mi colega musical desde 2006, cuando logramos hacer un par de canciones en el Home Studio de Wakala Discos, junto a la Marraketa Blindada.

Ame Amelie integraba el grupo de Rock paceño Mhaydeé, con el que iniciamos amistad luego de una profunda actuación en la ciudad de El Alto, octubre 2005. En plena Av. 6 de Marzo rendimos Homenaje a las personas que perdieron la vida en la llamada “Guerra del Gas” (octubre 2003), cuando el ex presidente Gonzalo Sanchez de Lozada, luego de dictar medidas políticas – económicas contrarias a la población, huyó de Bolivia, dejando el

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Fue crucial ese encuentro, ya que cuando pretendía mudarme a la ciudad de Cochabamba en enero del 2006 para realizar estudios cinematográficos, fue Amelia que me pidió hacer unas producciones – canciones, y esa voz me motivó a seguir en la ciudad de La Paz, firmes a la producción Indie y Auto-gestionada.

Han pasado bastantes años, en los que de por medio se han entrelazado distintos géneros musicales en la carrera de la artista que se bautizó como Ame Amelie, para iniciar su carrera en solitario por los avatares de la música hecha en Bolivia, SudAmérica.

Muchas gracias por la entrevista, que la repetimos debido a fallas técnicas en el Facebook de Ame Amelie, que obligó tras un error inoportuno (que quitó la identidad y exigía algunos enredos digitales), pues a empezar de nuevo

con las exigencias de una de las afamadas Redes Sociales (RR.SS.). Así pasaron aproximadamente seis meses, entre conseguir la cantidad de seguidores nuevamente y retomar “valor civil”, como se dice popularmente, para renovar la entrevista de manera fugaz pero contundente.

También aprovechamos la presente para rendir un sentido homenaje al Maestro Peña (papá de Ame Amelie), quien sentidamente ha partido de nuestro plano terrenal para gozar de la presencia de Dios y mandarnos su Luz Musical desde los cielos.

Ame Amelie, el canto de la mujer paceña con alma de Guerrera

Nuevamente es un gusto contar en la presente exclusiva con una de las pocas mujeres musicantes, compositoras y autoras en la Hoyada del Illimani para LaCarne Magazine. Saludos cordiales, Ame Amelie ¿cómo nace la música en tu vida?

La música es una herencia de familia. Mi papá fue concertista de guitarra clásica, maestro de la Escuela Nacional de Folklore “Mauro Núñez Del Prado,” colega, amigo y compadre de Matilde Casazola Mendoza, quien es mi madrina de bautizo gracias a la entrañable amistad que los unía. ¿Cuáles son tus influencias musicales?

Cuando fui niña escuchaba Música Clásica, sobre todo música en guitarra por mi papá.

También Música Gitana, el flamenco me acompaña hasta ahora. Por parte de mi mamá escuchaba Savia Nueva, Violeta Parra, Atahuallpa Yupanqui, Ernesto Cavour, Lucho Cavour.

En la adolescencia escuché mucha Trova Cubana (Silvio Rodríguez, Pablo Milanés), también Rock Argentino (Soda Stereo, Charly García), Los Prisioneros. En mi juventud comencé a apreciar Las Batallas de Gallos, el Rap en español y en inglés, Cypress Hill me impresionó, también la Música Independiente como Manu Chao, y la Música del Mundo (Goran Bregovic, Yasmin Levy), y la música africana, palestina, hindú, etc.

Conformaste la Abuela Mamona junto a Daniel Castellón. Coméntanos, ¿cómo te marcó esa experiencia?

Conocí a Daniel Castellón el año 1998 en una fiesta universitaria, y cantamos durante dos años. Nos conocía toda la Escena paceña, actuamos en todos los escenarios posibles, peñas, pubs, festivales, etc.

Actualmente, el mundo está atravesando un cambio. ¿Cómo te has encontrado, artísticamente hablando, en esta coyuntura de la cuarentena?

Lamentablemente me invitaron a cantar a la ciudad de El Alto durante la pandemia. El concierto iba a ser masivo y con mucha ilusión fui a actuar, me contagie del COVID, contagie a mi papá, quien terminó muriendo. La estoy pasando bastante mal, muy triste, y hasta arrepentida por haber salido durante la cuarentena.

Profundamente lo siento mucho, querida amiga. Hagamos una catarsis para sacarnos las penas y culpas, así sobrellevar y aceptar -hasta agradecer- por todo lo bueno y lo malo que nos pasa. Luego llega Mhaydeé, la banda que te marcó. ¿Cómo nace este proyecto musical?

Mhaydeé es una experiencia extremadamente importante en mi vida, porque aprendí mucho de todos los integrantes de la banda. Sin ese conocimiento nunca hubiese logrado grabar mis siguientes discos.

De Ariel Reina (el baterista) aprendí cómo armar una línea de batería; de Hugo Flores, cómo acompañar un bajo; de Marcelo Marín, las escalas pentatónicas y demás para hacer arreglos en guitarra; de Danilo Robles y Brian Elío aprendí a jugar con las líneas vocales, experimentar con la voz.

De la Escena rockera aprendí que el respeto es muy difícil de ganarlo, se consigue luego de mucho trabajo. También me di cuenta de cómo las personas, los políticos, los boliches, se aprovechan de los músicos que quieren ser escuchados, quieren expresarse, quieren hacerse conocer. Tocan gratis, pero ese dinero que no cobran lo aprovechan otros. Por todo eso fue una experiencia dura.

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Ser músico es un oficio, un trabajo, y debe ser remunerado, pero nosotros no cobrábamos o se iba todo nuestro cover a pagar el sonido, cosa que debía hacer el boliche y no nosotros, pero siempre fue al revés. ¿Cuál es tu discografía a la fecha?

Rompiendo Barreras, un cassette colectivo con varias bandas de Rock (1998). El Sol de Tu Pintura con Mhaydeé (2003). Transparente, un disco con DJ Simox (2006). De Mujer a Mujeres, grabado en Hombre Alado y producido por Alvaro Gaviota (2013). Dolor, igualmente producido por Gaviota (2016).

Obviamente te tomé la palabra, y regresé de la Llajta, a nuestra Chuquigo Marka, decidido a producir y realizar más Arte Musical. Tuvimos el gusto de hacer un par de canciones y colaboraciones, también formaste parte del álbum intitulado El Lado Warmi del Inti de Alfonseka Marraketa Blindada, un homenaje a mi lado femenino y uno de los mejores discos de mi carrera, sin duda, donde además compartimos con tus compañeras Dennis y Gretzel en las voces. Una etapa donde nuestra amistad y hermandad se sembró para siempre en un gran disco. ¿Cómo recuerdas aquella época tan alucinante de autogestión y producción en el 2006?

Aprendí mucho de Seka, aprovecho para darle las gracias -si no lo hice antes. De él aprendí a ser Indie (Independiente), me refiero a los músicos, porque con Mhaydeé me era impensable hacer música sin mínimo tres personas, un batero, un bajista y un guitarrista. AlfonSeka hacía sus pistas, grababa sus temas en la computadora, hacía sus videos, todo lo hacía solo, era y es todo terreno, muy independiente y trabajador.

Entonces comprendí que él avanzaba a su ritmo (un ritmo muy acelerado, por cierto) porque era Independiente, eso aprendí de él, y eso me impulsó a seguir mi camino en solitario, a mi ritmo, y explotando al máximo mi creatividad y todos mis recursos.

Ame Amelie, has quedado influenciada por el género urbano, el Rap y siempre con tu toque

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musical, rockero, trovador. ¿Qué fusiones has venido experimentando?

La mejor fusión que hice es un Feat. con Wara de la canción Aymara. El mismo Omar León (director y bajista de la banda) se sintió feliz y orgulloso por el resultado, y eso me alegra en sobremanera.

Coméntanos de la producción audiovisual que has realizado a la fecha. ¿Cuál es tu videografía?

No tengo mucha videografía, más tengo grabaciones de conciertos en vivo.

Nos han tildado de malgasto, a lo menos el anterior Gobierno precedido por la ex mandataria J. Yañez, quien ahora está privada de libertad, y acusada penalmente por juicios políticos en su contra por el actual Estado Profundo. ¿Cuál

¿Cuál es tu frase, lema o verso que te anima a seguir en la batalla musical o juego de la vida?

“Nadie te lo va hacer, así que lo tienes que hacer tú misma…»

Inicias tu proyecto solista como Ame Amelie, has participado entre lo que recuerdo en un compilatorio de Rap femenino, entre otros. ¿Cómo te fue hasta el momento? ¿Qué recorrido llevas marcando a la fecha como Ame Amelie?

Creo que siempre fui solista, desde 1996, incluso cuando tocaba con Abuela Mamona o con Mhaydeé. Siempre me invitaban a tocar con mi cuatro venezolano a lugares como el Café Semilla Juvenil, o el Atrio de la UMSA. Actualmente, ¿en qué estás trabajando?

Quisiera lograr grabar un disco innovador, con un sonido diferente a todo lo anterior. Para eso me está ayudando Álvaro Gaviota, quien me escucha y me hace coaching con referencia a lo artístico.

es tu visión del músico boliviano?

Personalmente nunca he recibido dinero ni apoyo del Estado en mi actividad artística. No me siento protegida por el Estado con seguro médico, ni social (como la jubilación), ni nada de eso. Siento que todo lo que tengo es fruto de mi trabajo y esfuerzo, por lo que sí me molestó la afirmación de que “el Arte es un gasto insulso”, sin embargo no me afecta. Para mí todo es igual con o sin apoyo del Gobierno.

Mucha gente dice “Bolivia no valora a los artistas, ya que es un país pobre”. Yo digo “Bolivia es un país pobre, ya que no valora a sus artistas”. La causa de la pobreza es el desvalor que le damos no solo al oficio del artista, sino a todos los oficios y profesiones como los médicos y otros.

Ame Amelie, otra de tus pasiones es la danza, siendo una artista íntegra, compositora, rimadora, guitarrera, cantora, ¿qué le puedes decir a la gente que quiere incursionar en el mundo artístico?

Decirles que tengan mucho valor para enfrentar las críticas, las habladurías, que sean pacientes con su progreso. Una buena técnica en danza o en canto viene con los años, muchos años de práctica, por lo que les recomiendo que sean disciplinados, constantes, y que nunca se den por vencidos.

El Arte en Bolivia es Independiente y Autogestionado. Qué nos importan los Gobernantes, y sus políticas anti-cultura, ¿no?

Creo que es importante seguir haciendo cosas. El artista no se muere por quitarle presupuesto, el artista muere cuando deja de hacer arte. No vamos a parar, aunque eso quieran.

Ame Amelie, ¿algún mensaje de despedida?

El mar es mar gracias a cada una de las gotas de agua que lo construyen, nunca nos subestimemos.

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