LaCarne Magazine N112

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Nº112 - OCT 2021 - AÑO 11

EXPERIENCIAS

Doomsday - Sala de arte El Brocense - Condori D

investigación Betty DAvis

ENTREVISTAS

Six Force Management - Clau Gunther - Keren Kmanwey Adokines - Sergio Antezana - Último eco - Son Fusión Saltó la quinta

Jonathan Hultén el misticismo en persona

MÁS INFO

SUMARIO

N112 aÑo 11 OCT 2021

experiencias 36 Clau Gunther, música con energía y desde el corazón 06 Doomsday, reaparece con Leyendas 44 Keren Kmanwey, la artista com08 Sala de Arte El Brocense, 1980 prometida con la libertad de Cuba - 2020 54 Adokines, Punk Rock desde la Pata12 Condori D, el Wayna Mallku del Rap gonia Chilena en el Altiplano 60 Sergio Antezana, un cantante que toca la guitarra investigación 66 Último Eco, rompiendo fronteras 24 Betty Davis, la diosa del Funk con su nuevo disco Unobtainium 72 Son Fusión, Latin Funk de La Paz City entrevistas 78 Saltó La Quinta, un trío de Rock 30 Six Force Management, una que despierta emociones empresa de management desde dentro

18 Jonathan Hultén el misticismo en persona

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

alfonseka, eva maría aroca, omar vega, la chica boom, CRISTOBAL TORRES

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Doomsday

reaparece con Leyendas LEER MÁS

D

oomsday es un proyecto nacido en el lejano año de 1994 en León, Guanajuato, México. Es la creación de Omar Jacobo, uno de los personajes más importantes y destacados que tiene el Power Metal mexicano, y tristemente desconocido por el 99% de los fanáticos mexicanos del género.

El músico multiinstrumentista es un personaje que encarna a la perfección el espíritu inalterable de un artista entregado, pues, a lo largo de casi tres décadas, y contra todas las circunstancias, ha logrado lanzar cuatro álbumes, además de tres EP’s y algunos sencillos.

cana (y de una década tan árida y complicada para el género como fueron los noventa), su debut salió hasta 2003 con La muerte del rey Arturo.

Desde entonces ha lanzado otros tres trabajos: Ante las ruinas de una utopía (2007), Superstition (2010), y recientemente Leyendas (2021), éste publicado a inicios de julio de manera independiente.

Como su nombre lo dice, Leyendas basa la letra de sus canciones en relatos del folclor, tanto mexicano como de otros países. Sin embargo, el álbum no brilla únicamente por eso, sino por la gran calidad de las composiciones.

Doomsday reaparece con Leyendas

Leyendas es lo que hemos decidido llamar: una carta de amor al género, pues el mismo Omar Jacobo se encargó de hacer todo, o casi todo: compuso, escribió, mezcló, grabó, e hizo coros en todas las canciones.

Por circunstancias propias de la escena mexi-

Contó con la ayuda de Juan “El Gato” Ra-

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El último viaje de Biggus Dickus e Incontinentia Buttocks es un gran ejemplo, pues se trata de un viaje por las enormes influencias del compositor, llegando incluso a utilizar elementos que rememoran a paisajes de oriente.

Gracias por los juguetes es una cátedra de cómo utilizar los sintetizadores en una canción de Heavy Metal, y su trilogía de La Llorona es una clara muestra de las diferentes atmósferas que es capaz de crear en cada una de sus composiciones.

Lo más sorprendente es la calidad que mantiene a nivel de producción. Desde sus primeros trabajos ya había impresionado con grabaciones más que decentes, y mezclas completamente admirables para la época.

Respetaba perfectamente el sonido de todos los instrumentos.

Aunque todavía eran perceptibles detalles delicados en las voces (sobre todo en el álbum debut), en aquellos ayeres esos detalles pasaban a ser meras licencias producto de la tecnología disponible. mírez en la voz principal, y de Daniel Jacobo en la batería, músicos destacados que brillan con luz propia. “El Gato” Ramírez posee un timbre limpio que se eleva celestialmente en las notas altas, como en Día de muertos (La llorona p.2).

Muchos se han ido con la finta de que escuchar Leyendas es como escuchar a Rata Blanca. Y no es para menos. Uno de los primeros cortes que dio a conocer fue El Callejón del Beso.

Dicha pieza calca diferentes partes de canciones de Rata Blanca, como la progresión de Ángeles de acero en su introducción, y un riff similar al de Lejos de aquel sueño en sus estrofas.

Sin embargo, el resto del álbum deja de reciclar estructuras de Rata Blanca, y suena con el estilo que Jacobo le ha imprimido a Doomsday desde inicios de este siglo.

En esta ocasión se nota que ha mejorado sus habilidades a nivel de producción, algo que ya había quedado demostrado anteriormente con las remasterizaciones de sus anteriores trabajos.

Leyendas es un álbum de enorme mérito.

Aunque hoy en día es más común ver este tipo de trabajos nacidos de la mente de uno o dos músicos, la obra de Omar Jacobo brilla diferente, pues lleva más de 25 años haciéndolo, cuando la escasa tecnología lo hacía más complicado.

Escuchar a Doomsday en 2021 es un enorme gusto, y también es la prueba perfecta del enorme poder que el género es capaz de transmitir, tanto en los fanáticos como en los músicos.

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Exposición

Sala de Arte El Brocense 1980 – 2020

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partir del próximo 16 de septiembre podrá visitarse en la Sala de Arte el Brocense de la Diputación Provincial de Cáceres, la exposición Sala de Arte el Brocense 1980-2020, una muestra que celebra los 40 años de la sala de arte que no pudo llevarse a cabo el año pasado por motivo de la crisis sanitaria.

La exposición reúne un total de cuarenta obras con las que se quiere ilustrar la trayectoria vital de este espacio que, desde sus inicios en la calle Doctor Marañón, ha mantenido un programación continuada de forma permanente, lo que la convierte en una de las salas más longevas de la región.

Exposición Sala de Arte El Brocense 1980 – 2020 Orientada de manera decidida al arte contemporáneo, la Sala de Arte Brocense, se convertiría en un espacio de referencia tanto a nivel nacional como sobre todo a nivel extremeño, siendo muchos los artistas cuya trayectoria se encuentra vinculada a ella.

Su programa de exposiciones, junto con la celebración desde 1998 del Premio de Artes Plásticas Sala El Brocense, permite a los cacereños disfrutar de forma periódica del arte más actual, siendo más de 300 artistas los que han pasado por este espacio a lo largo de los años con nombres tan destacados como Esperanza D’Ors, Hilario Bravo, Luis Cane-

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lo, Alberto Sánchez, María Ruíz Campins, Ángel Duarte o Rosa M.ª Brun entre otros muchos.

La selección de 40 obras que conforman la exposición proceden tanto de las donaciones que los artistas ha venido realizando a la Sala como de las adquisiciones procedentes del Premio de Artes Plásticas y que han ido dando forma al importante patrimonio artístico de la Diputación de Cáceres. El resultado es una exposición muy heterogénea como sucede con todas las muestras colectivas, formada por 20 hombres y 20 mujeres, de los cuales hay 22 artistas de nuestra región.

Sala de Arte El Brocense 1980-2020 podrá visitarse desde el 16 de septiembre hasta el 16 de octubre de martes a sábado en horario de 11:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00 h.

Reseña histórica Nacida en el seno de la incipiente Institución Cultural El Brocense, bajo la presidencia de Jaime de Velázquez, la Sala de Arte El Brocense abrirá sus puertas en octubre de 1980, en su sede de la calle Doctor Marañón como un espacio de carácter vanguardista diseñado por el arquitecto Ángel González. Se inaugura con una muestra del pintor extremeño Jaime de Jaraíz, a la que siguió otra del paisajista Antonio Cañamero.

Desde entonces la sala se dedicaría al difícil

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papel de dar difusión al arte contemporáneo, acogiendo exposiciones de calidad, dando cabida, como no podía ser de otro modo, a artistas cacereños y extremeños como Eduardo Naranjo, Mari Luz Antequera, Massa Solís, Ubaldo Cantos, Terrón, Juan José Narbón, Hilario Bravo, Fernando Carbajal, Juan de Ávalos o Ángel Duarte, pero sin dejar de lado a los artistas nacionales con nombres como los de Rodríguez Daza, Alberto Rotili o Rosa Brun o acogiendo muestras colectivas como la de los fondos de la Fundación Juan March.

Vinculado a la sala, se crea en 1989 el premio Sala El Brocense de Pintura para Jóvenes, del que llegaron a realizarse seis ediciones con el objetivo de descubrir nuevos talentos tanto dentro como fuera de la región y en el que resultaron premiados artistas cuya trayectoria se ha consolidado posteriormente como es el caso de Andrés Talavero, Matilde Granados, Juan Carlos Lázaro o Luis Silvheirinha.

En 1995 se reforma el espacio para crear un ambiente más amplio y diáfano, coincidiendo con el momento en que el escritor Julián Rodríguez asume las tareas de programación de exposiciones hasta que al año siguiente son de nuevo las técnicas de Diputación quienes retomen la gestión de la exposiciones con el asesoramiento de un Comité de Artes Plásticas, dinámica que se mantiene hasta día de hoy.

Ya en 1998, se crea el Premio de Artes Plásticas Sala El Brocense, que este año 2021 llega a su vigésimo cuarta edición y que se ha con-

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vertido en un premio de referencia nacional y cada vez más internacional, y que ha servido, junto con las donaciones de los artistas que han ido exponiendo en la sala, para ir configurando la importante colección de arte contemporáneo de la Diputación como una colección de primerísimo nivel que algutina las vanguardias españolas de la 2ª mitad del siglo XX y las principales tendencias y artistas que vienen dando forma al arte del siglo XXI. Nombres de plena actualidad como Guillermo Mora, Juan Antonio Sarramián, Manuel Antonio Domínguez, Paloma de la Cruz, Esther Pizarro, Ruth Morán o Andrés Pachón, cuya obra ha sido este año adquirida por el Reina Sofía en ARCO, son algunos de premiados.

En 1999, la Sala de Arte se traslada a una nueva ubicación en la Calle San Antón, localización con la que gana visibilidad además de contar con mejores instalaciones y un mayor espacio expositivo.

Con una programación mensual, la Sala de Arte El Brocense continua su actividad hasta hoy como una de las grandes salas de panorama nacional, siendo prueba de ello la cantidad cada vez mayor de solicitudes para exponer que se reciben, destacando en los últimos años los nombres de Asunción Espada, Kiko Miyares o Esperanza D’Ors.

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Condori D

el Wayna Mallku del Rap en el Altiplano

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l 11 de de septiembre es una fecha cabalística para el accionar del Estado Profundo, ya que en el 2001 fueron los atentados terroristas a las Torres Gemelas en New York, en misma fecha se recuerda el Golpe de Estado de Pinochet a Salvador Allende (1973), y sé que marcó una época de terror y tortura para el pueblo chileno, paralela a las dictaduras militares en el resto del continente sudamericano.

En misma fecha el año pasado 2020, apareció sin vida en su desolada habitación de la zona

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Norte de La Paz, en proximidades al Cementerio General, el cuerpo del que en vida fue Danny Luis Condori Condori, Condori D, un alumno y amigo, un colega y hermano que me ha brindado la Cultura del Hip Hop boliviano.

El presente artículo va dedicado a sanar las heridas e impresiones que nos dejó su partida, para la familia y los amigos, que siempre mantenemos sus ritmos y voces en canciones, a un cabo de año de su viaje al más allá.

Condori D, el Wayna Mallku del Rap en el Altiplano Me enteré por medio de Ivan Real, de los Soldados Urbanos, que radica en Buenos Aires, Argentina, y me comunicó ese mismo instan-

que se realizó en la ciudad de El Alto, en el 2004).

Pero la historia de mi primer encuentro con Danny, con Condori D, data del 2002, cuando al llegar a mi hogar de la Calle Rosendo Villalobos, en la zona de Miraflores, me encontré bajo la puerta con una carta de un seguidor de Marraketa Blindada que se compró el EP Tawa Tawa / P.A.N. de Batalla, y me invitaba a su colegio para hacer un show.

Quedé sorprendido, y, por esas cosas de la vida, nunca respondí, pese a que me dejaba el nombre (Danny Luis Condori Condori) y el número de celular. A puño y letra, con una caligrafía única –que lo caracterizaría por siempre del resto de rappers que conocí-. Lo que me desanimó fue que era del Colegio Bolívar, creo yo.

te que me conecté a las redes sociales – ¡el Condori se ha muerto! – Me dejó amuki (en silencio) en la oficina que mi hermano Pepe habilitó en su living room para que hiciera mi trabajo periodístico y comunicacional. Esa tarde miré al cielo azulado. Yo estaba en la zona de Los Pinos y percibía un aire de melancolía en el ambiente, pues Danny Condori, Condori D, fue un gran rapero, camarada, colega, y fraterno del Marraketa Blindada.

Había amanecido enfriado, sentado y sin respiración, con el cuello dislocado y doblado a un lado. Eso me contó meses después Don Hermes Condori (su padre) cuando pasé a darle mis condolencias, pues mucha gente me cuestionaba luego de que posteé en mi face, de qué había fallecido el artista producido por Wakala Discos (desde aquel taller de Rap

Pasó un tiempo, y en 2003, aproximadamente a medio año, cuando me dirigía por mis típicas caminatas -desde mi barrio donde representaba al Stadium y sus alrededores- hacia la Huyustus para comprar CD’s, cajas para empaquetar y manufacturar la obra musical -a la altura de la Max Paredes-, me aborda un chango de tez morena, nariz aguileña, ojos chinos y pinta de callejero, jovencito, bien de bolas y walaycho. «Hola, Alfonseka, soy el Danny Condori… Condori D«, y me explicó que él era el chango de la carta, que dejó bajo la puerta de la Kasa de la Awicha (el Home Studio).

Como el EP de Marraketa Blindada llevaba la dirección del lugar físico -donde yo viví por 30 años-, este cuate fue tan inteligente de ir en persona a dejarme su correspondencia. Yo, sorprendido en aquellos tiempos de mis inicios como artista público y “popular” (el vocablo “fama” es una mala palabra y ofensiva a la vez, para mí), me quedé a escucharlo sin más que aceptar ir caminando hasta el mercado de los discos mientras escuchaba su relato.

Por las callejuelas me dice: ¿Alfonseka, quieres un porro? -uyyy, yo chocho- claro, respondí. Entramos a calles baldías que eran su área, y quemamos la pipa de la paz. Ahí empezó una hermandad que se extendió hasta LaCarne Magazine

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siempre.

Posteriormente subió todos los viernes al programa radial -que dirigí como parte de mi voluntariado o trabajo comunitario- en la ciudad de El Alto, a la conocida en ese entonces -2002/ 2003 /2004, donde yo laburé- como Casa Juvenil de las Culturas Wayna Tambo.

Ahí conduje -primeramente por media horitaun espacio que se me abrió gracias a mi ex laburo conjunto el dial 101.7 FM, ya que en sus inicios como frecuencia perteneció a la conocida Radio Graffiti, un proyecto que pretendió difundir la “CONTRACULTURA” hecha aproximadamente desde 1999, y que en 2000 pude hacer mis prácticas universitarias con el programa Un Llocalla que no Calla.

Al programa radial Hip Hop lo retomé para

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inicios del 2004, lo bauticé Waynarap, y los propietarios de la Radio me extendieron a una hora de programación. El día de emisión se mantuvo (viernes), y la hora de arranque -14:30- también. La audiencia había ido creciendo desde el 2002, la Cultura Hip Hop ya se la entendía como un Movimiento Social – Cultural y empezaban a aflorar -desde las laderas, periferias y marginalidad- los primeros destellos artísticos de lo que la opinión pública etiquetó como “Rap en Aymara”.

Al ver el éxito del programa Waynarap que dirigía y conducía, producía y editaba en persona, el Organismo Institucional de la Radio me ofrece grabar un disco como parte de su Sello disquero Wayna Audio. Yo, con mi ideología independiente y auto-gestionada, rechazo la oferta como Marraketa Blindada.

Luego de reflexionar un par de días, lancé mi contra propuesta a Mario Rodriguez, dueño de la empresa. Le dije que haría un trabajo auto-voluntariado, sin que me dé su dinero, que no lo quiero (rechacé 500 $us americanos), y me abrí a producir de manera gratuita con los changos -que ya acudían en mayor cantidad al programa para conocerme en persona, ver y compartir mi oficio comunicacional, que lo aprendí en la carrera de Ciencias de la Comunicación Social en la Universidad Católica Boliviana-, para hacer un álbum (CD) como parte de un Taller de Hip Hop. Yo sólo quería usar la Radio (como instrumento y medio de comunicación), y el Espacio (como medio de agrupación y lugar de encuentro). Villa Dolores en El Alto-Bolivia fue el epicentro del que sería conocido a nivel global como WAYNARAP, el Rap en aymará.

Danny Condori, Condori D, además de ser el primero en venir a la Radio -cuando hacía los programas por el 2003-, fue el primero en traer su radio parlante -marca Sony- para arrancar con las clases dentro del Taller. En ese momento se bautizó como Daniño Smoke, y en la grabación participó con su crew, que se llamó Vida Ida, junto a Alvin, Pablo Diablo y Olver, cuates que él mismo jaló -de su barrio y sus calles-, que lo conocían como Sepi.

Anécdotas me sobran, pues gracias al Movimiento Hip Hop pude romper las estructuras sociales del sistema en que hemos vivido.

Hacer mi trabajo de campo, como se dice técnicamente. Al cachito pasé a conocer y comprender la idiosincrasia -por medio de sus versos y rimas- de jóvenes provenientes de otros barrios, experiencias, otras clases y estilos de educación (que son las que generan la personalidad variada y única dentro de las sociedades). Empecé a practicar ese Real Hip Hop, del cual ahora somos prácticamente Maestros.

Luego del Taller Waynarap, donde se editó como producto final un CD intitulado Wilamasis I, estrenado entre junio – octubre 2004, decidí alejarme del voluntariado en Wayna Tambo, y junto a los fieles seguidores del sello Wakala Discos y del trabajo del productor Alfonseka, nos unimos en la aventura de lo que he denominado la Nueva Escuela del Rap Boliviano.

En el Home Studio «La Kasa de la Awicha”, donde habíamos grabado el CD del taller Waynarap, continuamos con los talleristas que siguieron perfeccionando la profesión y la pasión musical, como Danny Condori (Condori D), Carlos Encalada, Angelo Sirpa y Jimmy Plaza, quienes, a manera de motivación y como premio a su lealtad, recibieron una beca por parte del Alfonseka, de tal manera grabaron sin costo alguno en Wakala Discos sus materiales debut como Condori D, Santo Desmadre & Perro Pekeño.

En el 2005 salieron a la luz pública los discos de los que se habían convertido de alumnos LaCarne Magazine

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en compañeros y amigos de la Marraketa Blindada, haciendo Cultura, representando en la Escena, y marcando tiempo con la obra que se extendió a videoclips, shows TV y en directo.

En el 2005, Danny Condori, Condori D, registra el EP debut Cháma de Mallku, su segundo álbum es Los Sagrados Sonidos del Rap (2006), el tercer disco fue intitulado Rap Sin Piedad (2007). Todos estos trabajos se editaron en CD físico con impresión de portada, en ediciones limitadas, y formaron parte del catalogo y las ventas del Sello Wakala Discos durante la época dorada (2004-2007).

Para comprometerse más aún en la Cultura Urbana, Condori D fue uno de los principales distribuidores del material discográfico del Sello. Haciendo ventas diarias y conociendo el oficio de vendedor de discos desde la experiencia más enriquecedora, ofertar y promocionar algo original y auto-producido.

El contexto sociopolítico fue cambiando en el país, así también la mentalidad y la edad de todos los involucrados, los estados civiles de unos, y las motivaciones de otros.

Pasando tiempos de producciones alternativas, como fueron los videos documentales para la televisión local, donde hacía un programa llamado Triburbana Hip Hop en CTV18 (durante los años 2005-2007) retratando la personalidad de bastantes raperos paceños y bolivianos. Luego de especializarnos en la narrativa documental, pasamos a la ficción, creando una miniserie en el 2009 (A K’ara o T’ara) donde Condori D es protagonista -junto a Latin Boy- en una trama entre rappers.

Empezando el 2010, y ya con los egresos correspondientes, en cuanto a discos, entrevistas, rodajes, producciones y eventos, el carácter cambia y la experiencia siembra frutos.

Condori D y Alfonseka unen voces en un proyecto que se llamó Originarios Urbanos, y registró uno de sus temas más importantes llamado G.M. dedicado al ex dictador y mandatario de Bolivia, General García Meza.

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Por azares del destino y obligaciones que cubrir en la cotidianidad de la existencia, razones económicas y políticas, o simplemente ritmos de vida como las obligaciones personales, se alejaron nuestros pasos durante bastantes años, siendo nuestros encuentros esporádicos -para conversar sobre el Movimiento y hablar algo de Rap Music-.

En el 2015 retornó al Home Studio de Wakala Discos para grabar un Single inédito, Buena Vibras -con un tema lado b- dedicado a su hermano Marco – Dame Fortaleza – que acababa de fallecer. Posteriormente compartimos el Escenario del Ministerio de Culturas, con transmisión en TV y Radio Culturas, también abrimos el show para el rapero Ose de Barcelona, España.

La vorágine de la vida se encargó de restearnos la pasión, el proyecto musical y las ansias de producir. También se quebraron los equipos, se gastaron los espacios, se agotaron los tiempos libres, y nuestras conexiones derivaron en aventuras calle, como las Ferias Dominicales de El Prado, Hip Hop en Mi Barrio, y finalmente algunas caminatas -de esas extensas- cuando pasaba a buscarte a la pega, pues tu oficio era de orfebre al lado de tu Sr. Padre, allá por la Eguino.

Luego de grabar Alegría Infinita y Agitador Recargado, me encontré con un amigo – Ramer – y bajé charlando desde la Landaeta hasta Sopocachí. En plena plaza te veo con un traje espacial, máscara, y tú bajas la mirada. Yo dudo que eres tú, pero me acerco con ese tink’azo y feeling… Alfonseka -escucho una voz detrás el barbijo- dices, y yo rápidamente te respondo, ¿cómo es?…

Me contaste que estabas empezando a trabajar en Mi Teleférico, la línea amarilla de la Plaza España, que no tenías celular y que pronto nos comunicaríamos para grabar… Sacamos unas fotos, hice una toma en video con la Cyber-Shot, te saqué las últimas palabras en un testimonio que lo pueden apreciar -como todo el material producido- en el canal YouTube de Marraketa Blindada.

A veces me dabas una mano en vender alguna chuchería -o celular encontrado- en el Barrio Chino, también ibas a recoger los CD’s donde SM Producciones para entregármelos, y así evitar que suba hasta la Kalatayud cuando no había tiempo o se necesitaba de urgencia el material. La última vez que laburamos, fuimos a vender discos a la Gloriosa Ultra Sur, entramos al Estadio Siles -gracias a Don René Villegas- para ver jugar al poderoso Strongest, y aunque tú eras del Bolívar, chamba era chamba, ¿no?

El epílogo fue cuando llegó la Cuarentena Rígida a Bolivia, un año atrás (marzo 2020), y perdí el celular, las llamadas y las ganas…

Nunca más respondí el teléfono 67051379, sin saber que algunas veces eras tú. Mi último encuentro contigo fue en la Plaza España. Yo bajaba de haber registrado dos canciones en Urban Kinz, donde Lirikal D. Como había perdido el tubo, no te pude convocar, sólo a Sol Creciente, que tampoco te pudo encontrar, pues yo mandé a avisarte -que iría a grabar por la Plaza el Cóndor-, ya eran tiempos de la Cuarentena Dinámica, (más o menos en junio), y uno ya se podía mover en movilidad.

Y finalmente llega otra remembranza, pues ahora su Espíritu debe estar compartiendo un buen escenario, o tal vez un nuevo Taller junto al reconocido Ukamau & Ké, el nacido como Abraham Bojhorquez Mamani, quien fue compañero -de infancia, colegio, barrio, área, cancha y vida- junto a Danny Luis Condori Condori, Condori D, en el connotado y mundialmente afamado “Waynarap”, que nació -sin querer queriendo el 2004- entre La Paz y El Alto, en una Villa llamada Dolores, casi tocando el cielo con las palmas. La altura boliviana del Movimiento Hip Hop. Acabo esta reseña recordando que te han enterrado en el pueblo de los Condori (Jihuacuta / Provincia Pacajes), estuviste por allá -un poco antes de tu partida- acompañando y cuidando a tu awicha. Me quedo pensando en tus Black Books (textos y versos) que escribiste sin registrar en audio o CD’s, escuchando tus raps grabados por mis manos, equipos y oídos…, pero con el corazón ante todo.

Hoy (20 de agosto) bajo la vela, en la fecha de tu nacimiento, 32 años atrás recordamos.

Adiós… Chacha (Hombre) Condori D, bienvenido… Ajayu (Espíritu) Condori D.

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Jonathan Hultén el misticismo en persona

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uy buenas a todos! De nuevo estoy por aquí, con las pilas bien cargadas para comenzar un curso nuevo, y, en esta ocasión, quiero hablaros acerca de una persona que enamora con su misticismo y elegancia, Jonathan Hultén. Él también es procedente de mis queridas tierras suecas (no soy sueca, pero admiro mucho el país, su cultura, y sus gentes, tengo grandes amigos en Suecia).

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Le vi por primera vez en Madrid, en diciembre de 2019, como guitarrista de la banda TRIBULATION, banda de la que él formaba parte por entonces, y me enamoré de su esencia, de su forma enigmática de moverse sobre el escenario, y después descubrí que tiene un auténtico talento como vocalista, músico, y letrista. Él es el inconfundible Jonathan Hultén.

Jonathan Hultén, oscuro y enigmático Jonathan Hulten, que ya es ganador de un Grammy, lanzó su primer sencillo The Mountain, que forma parte de su álbum debut Chants From Another Place. Una canción

que, según el propio artista, es “una oda potente, pero minimalista a la pérdida y a la esperanza”, una canción que habla de enfrentarse a la muerte como una transformación y renacimiento.

Sin duda es una canción que me estremece, pero me encanta su significado, y personalmente me ayuda a comprender lo que todos, más tarde o más temprano, ya hemos vivido con familiares, o amigos, y que nos tocará vivir como protagonistas de nuestra propia historia.

Añadir que el video del tema The Mountain es un emotivo video, compuesto por una serie de dibujos de animación creada por el mismo

Jonathan, inspirado en los personajes de Tolkien. Cabe decir que no solo es muy talentoso musicalmente, y que también dibuja de maravilla, pues por redes sociales he visto algunas de sus ilustraciones que también ha hecho a bandas como ÉPICA. Jonathan encuentra la inspiración para este primer disco en composiciones de coros de iglesias y en el folclore.

Chants From Another Place Que como decía anteriormente, así se llama el primer álbum del maravilloso Jonathan Hultén. Es un álbum compuesto por doce temas, LaCarne Magazine

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Foto por Sylvia Desol y casi sin darte cuenta te atrapará en un mundo de ensoñación y reflexión, y tocará lo más profundo de tu alma con cada acorde y con su voz.

lleva desde las estrellas al mar, atravesando los bosques oscuros, y paisajes donde predomina la muerte. Es un viaje profundo e interno del artista, y yo creo que, a estas alturas,

Te llevará a explorar tus sentidos en un mundo profundo y personal que el propio artista ha creado. Todas las canciones han sido grabadas por él mismo en su estudio de Estocolmo, Suecia, pero han sido mezcladas por Ola Ersfjord, de Cuervo Recording Service, en Madrid, España.

¿Quién no ha pasado, o está pasando por algo similar, teniendo en cuenta la situación mundial actual? Es sin duda una forma maravillosa de trascender y transformar esos sentimientos en algo único y muy creativo. Como os decía al principio, me llegó al alma, y me enamoré de su esencia mística y enigmática, que hace que Jonathan sea tan diferente al resto. Sencillamente, me encanta.

Jonathan Hultén también dispone de un EP llamado The Dark Night of the Soul de 2017.

Estamos hablando de un trabajo único y muy personal, pues cada detalle está compuesto por él mismo, incluso el dibujo de su portada, que es un autorretrato de Jonathan, en el que nos muestra la melancolía, o quizá la tristeza por la que ha tenido que pasar, pues, como venimos diciendo, este álbum habla de principio a fin de una muerte espiritual, y de un renacimiento.

Cada canción es parte de una aventura que te

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Espero que os guste tanto como a mí o más, y si es así, no olvides seguirle en sus redes sociales para estar enterado de todas las últimas noticias sobre Jonathan Hultén: Website, Facebook, Spotify, Instagram Un abrazo inmenso desde aquí a Jonathan Hultén, y otro para vosotros por seguir ahí cada mes, leyendo mis artículos para LaCarne Magazine. ¡Hasta la próxima!

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Betty Davis la diosa del Funk LEER MÁS

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e are the Funk! Y de repente, en un mundo de hombres, aparece una leona a la que es imposible domar, porque se ha dado cuenta de que es dueña de su voz, de sus ritmos, pero sobre todo de su cuerpo, un cuerpo movido por la sensualidad y los movimientos groovies más increíbles y con nombre propio, el de Betty Davis.

Va para ti, Silvia, te quiero mucho.

Betty Davis, la diosa del Funk

Betty Mabry nació en en Durham, Carolina

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del Norte, el 26 de julio de 1945. Creció en la granja de su abuela en Reidsville, pero pronto la familia marchó primero a Pittsburgh y después a Nueva York, donde nuestra joven protagonista, ya con 16 años, se inscribe en el Fashion Institute of Technology.

Nos encontramos en un momento en que la ciudad de Nueva York es centro cultural, y donde las influencias de Greenwich Village lo invaden todo. No iba a dejar escapar este momento nuestra Betty, así se sumergió profundamente en ese mundo. A menudo se la veía por el Cellar, un club de moda de la zona alta, donde solía pinchar música y donde se reunía la gente joven, moderna y guapa del momento: actores, modelos, cantantes…

años en la gran manzana le llevaron a hacer este sencillo a modo de Jam. De 1964 serán los sencillos Get Ready For Betty y I’m Gonna Get My Baby Back.

También grabó un dúo junto a Roy Arlington, I’ll Be There. Después se unió a Hugh Masakela, con quien grabó varias canciones: Line, Love, Learn y It’s My Life. Pero su primer trabajo profesional reconocido no sería hasta 1967, cuando compuso Uptown (To Harlem) para el grupo The Chambers Brothers.

En 1969 comienza una relación muy compleja junto a nuestro colega Miles Davis. Estos dos juntos eran una auténtica bomba de relojería, tanto musical como emocionalmente.

En este momento, Betty grabará 5 canciones para Columbia Records, producidas por Miles Davis y Teo Macero. Tres de ellas eran composiciones de Betty, y las otras dos una versión de The Cream y otra de Credence Clearwater Revival; sin embargo, no se vendieron mucho, y acabaron archivadas hasta un recopilatorio que vio la luz en 2006 Betty Davis, The Columbia Years, 1968-1969.

Además, por esta época aparece en sus primeros trabajos de modelaje, en revistas como Seventeen, Ebany o Glamour (las superpops del momento, vaya). Conocería a mucha gente en esta época, haciéndose gran amiga de Jimi Hendrix y Sly Stone.

Sin embargo, su camino musical comenzó de la mano de su amiga, la cantante de Soul Lou Courtney, quien la produciría su primer sencillo, The Cellar. Betty Davis no era una mera intérprete, ella componía letras y hacía arreglos también.

Las influencias musicales de Betty fueron B.B. King, Jimmy Reed y Elmend James entre otros músicos de Blues; sin embargo, las experiencias vividas en estos primeros

En 1971, ya separada de Miles Davis, se marcha a Londres para seguir su carrera como modelo. Vuelve al año siguiente. Su intención es grabar con uno de los artistas del momento, Santana, pero en vez de eso grabó canciones propias acompañadas de los mejores músicos de Funk de la Costa Oeste, dando como resultado su primer disco propio, Betty Davis, una maravilla que fue lanzado en 1973, obteniendo varios éxitos, como Shutt Off The Lights o If I’m In Luck I might Get Picked Up. Después vendrían los álbumes They Say I’m Different (1974) y Nasty Gal (1975). Ninguno llegó a ser un gran éxito, algo que no logramos entender, pues son el ABC del Funk del momento. Entre algunos de los miembros de su última banda encontramos a Herbie Hancock, Chuck Reiny o Alphonse Mouzon…

Mucho éxito en la escena underground e internacional, pero en 1979, Betty se cansa de todo y decide dejar la música y volver a su LaCarne Magazine

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Pittsburgh, donde vive tranquilamente hasta ahora.

Betty Davis fue una de esas cantantes que a pesar de haber triunfado en el submundo de la industria musical, influyó en muchos artistas.

Por ejemplo, a Miles Davis le introdujo en el mundo de la moda (y menudos conjuntitos se gastaba el amigo), pero también el de las nuevas tendencias musicales (le presentó a Jimi Hendrix y le introdujo en el mundo del Funk clásico y la psicodelia); el disco Filles Of Kilimanjaro de Miles Davis tiene como portada un retrato de Betty, además incluye una canción con su nombre.

Su sonido fue considerado como Funk-Punk, y sus actuaciones en vivo eran una pura performance. Tanto ella como sus músicos salían a escena semi desnudos, a modo de personajes de Burlesque. Ella maullaba, gruñía, gemía, y reclamaba llevar el mando.

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En sus canciones hablaba de amor y sexo, pero también de los trapicheos comerciales de los managers, el acoso sexual en el mundo de la música, y el uso de la mujer como mercancía. Su carrera musical fue muy castigada por medios y críticos, que no aceptaban, en su puritanismo americano, que una mujer fuese libre sexualmente y encima presumiese de ello Betty Davis fue una adelantada a su tiempo, tanto que muy pocos entendieron su sonido, tan libre, tan lleno de sensualidad y ritmo.

Por ello le rendimos el homenaje que merece como diosa indiscutible del Funk.

Y siempre digo lo mismo, que os pongáis el disco del artista de turno bla bla bla, pero en este caso os obligo a ello, sobre todo si nunca habéis escuchado a esta bestia parda de la música. Os aseguro que no os va a dejar indiferentes.

Puedes escuchar a Betty Davis en Spotify.

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Six Force Manageme

una empresa de management desde dentro mejor en el equipo de LaCarne Magazine, y presentarlas para todos vosotros, los lectores.

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uy buenas a todos! ¿Qué tal la vuelta “al cole”? Espero que con las pilas bien recargadas, y con ganas de seguir leyendo y escuchando la mejor música.

En esta ocasión os traigo una entrevista que he tenido el gusto de realizarles a los amigos de Six Force Management, con quienes ya llevo casi un año en contacto, entrevistando a las bandas con las que trabajan, y que ya hemos tenido el gusto de escuchar y conocer

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Inmensamente agradecida a Iván y Teresa, de Six Force Management, por concederme esta entrevista, y por haber podido colaborar con ellos. Mil gracias, amigos.

Espero que os guste conocerles un poco mejor, y saber cómo funciona desde dentro una empresa de management para músicos, y sobre todo a ti, que estás leyendo esto y tienes una banda con la que quieres arrancar una carrera, continúa leyendo porque esto te interesa.

querido hacer un gran equipo y familia. Y en este caso podéis contar con Iván SFM y Teresa Alonso, que somos los directores de nuestras vidas con 8 bandas a las espaldas como son Ktulu, Skunk D. F., InMune, Lude, Darknoise, Anhedonia, Ramón Sogás (Ex Extremoduro), y Sergio Kalaña (Ex vocalista de Eskorbuto).

Iván SFM: Director General, Teresa Alonso: Comunicación y Management, Sito García: Editor y Fotógrafo, Hiurma Delgado: Diseño Gráfico y Fotografía, y Rubén Compañ Munguía: director de Viral Metal Mexico.

Una pregunta que seguro que no os han hecho nunca (ironía), ¿cómo surge crear Six Force Management? ¿Por qué decidís ser managers?

Iván SFM: Empecé en el año 2000 a escuchar música, y me flipaban muchísimos grupos del género Punk, Rock, y Metal. Empezamos a tocar y a movernos con grupos de la zona de Murcia.

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o

Six Force Management, una empresa de management desde dentro Para que os conozcamos un poco mejor, ¿nos podéis hacer una presentación del equipo de Six Force Management?

Iván SFM y Teresa Alonso: Six Force Management, somos una agencia de contratación en donde nos dedicamos ayudar a bandas de todos los estilos musicales, concretamente bandas de Rock y Metal, a través de giras, conciertos, y festivales por todo el país.

Pero más allá de todo esto, siempre hemos

En el año 2001 montamos un grupo de Thrash Metal llamado Bultrako. Ahí comenzó mi historia con la música. Luego más adelante, en el año 2009, di mis últimos conciertos con la banda Bultrako, y decidí ponerme a trabajar con grupos consiguiéndoles entrevistas de radio y algunos conciertos y festivales por las zonas del país. Me veía ya haciendo mucho booking y planificando eventos, y realmente acabé encontrando lo que más me gusta.

La idea de crear Six Force Management nace allá por el año 2016, cuando marcho a vivir a Barcelona y decido cambiar mi vida musicalmente por completo, meterme más de lleno en este mundo del management.

En Febrero de 2017 se funda Six Force Management, y empiezo a trabajar con 4 bandas importantes, y decidimos montar más de 50 fechas por todo el país. Una de ellas con Ktulu y Skunk D. F. Y hasta día de hoy seguimos al máximo nivel, a pesar de la jodida situación que nos ha tocado vivir. Volveremos a los escenarios si nada lo impide para 2022.

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Y referente a ser Manager, me tocó decidirlo porque todo el mundo me veía como un coach o entrenador de fútbol en el mundo de la música (risas). Realmente es algo que te tiene que apasionar. Para mí no tiene precio ver a tus bandas tocando en un festival importante, con la gente cantando y disfrutando de la vida en ese momento. Son momentos y recuerdos que nunca morirían en mi cabeza.

Es un estilo de vida que de momento lo llevo bastante bien. Con muchísimo trabajo, paciencia y sacrificio, algún día espero poder seguir trabajando en lo que más me gusta. Es con lo que me voy a quedar, con los buenos momentos.

Teresa Alonso: Desde que cayó en mis manos el «And Justice For All» de Metallica, tuve muy claro que quería ser guitarrista y subirme a un escenario. Me apasionaba todo lo que fueran sonidos de guitarras contundentes y cañeras. Y a los 13 años conseguí mi primera guitarra eléctrica.

Durante años, mi adolescencia se basó en hacer vida en locales de ensayo (garajes acondi-

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cionados con hueveras que eran entonces, risas), donde nos pasábamos las horas tocando con amigos, y donde surgieron mis primeras formaciones. Para mí fue todo un gran aprendizaje, y un estilo de vida que he seguido hasta el día de hoy.

He tocado en bandas de distintos géneros musicales, casi siempre dentro del Metal, como puedan ser Abyfs, Frozen Dawn, Foxyladys, Morgana, entre otros. Siempre intentando dar contundencia y sonidos potentes de guitarra, que es lo que llevo dentro. Actualmente sigo preparando mis proyectos, que esperamos que, cuando todo vuelva a la normalidad, pueda presentar.

Mi relación con Six Force Management surgió a través de una serie de conciertos y festivales, donde pude ver una gran motivación y trabajo hacia las bandas, y no me lo pensé dos veces a la hora de ser partícipe de ello. ¿Cuál es el propósito fundamental de Six Force Management?

Iván SFM y Teresa Alonso: El propósito fundamental de Six Force Management es tener

Nunca me hubiera imaginado hace 20 años la sensación de poder llevar a 2 bandas con las que crecí dentro de nuestra promotora. ¡Eso es un sueño hecho realidad! ¿Qué ofrece Six Force Management a bandas que quisieran contactar con vosotros?

Iván SFM y Teresa Alonso: Six Force Management ofrecemos todo lo positivo que pueda dar una banda dentro de su categoría o estilo musical, para que esa banda o artista sepa desenvolver todo su talento dentro de su escena.

Que se pongan en contacto a través de cualquier red social de Six Force Management, y que nos manden toda la información posible de sus trabajos. Estamos abiertos a todo tipo de música nacional o internacional, y siempre serán todas las bandas bien recibidas.

un gran equipo preparado y acondicionado para trabajar lo más cómodo posible a nivel de casa, oficina, local de ensayo, carretera, concierto, o festival. Somos una familia, y nunca dejaremos de serlo en cualquier lugar del mundo.

Hemos entrevistado ya a algunas de las bandas con las que Six Force Management trabajáis, como KTULU, Skunk DF, etc. ¿Cómo empezasteis a trabajar juntos?

Iván SFM: Pues con estas bandas empecé a trabajar desde bien chiquillo con ellos.

Con Ktulu y Skunk D. F. recuerdo que la primera vez que les vi en concierto tenía 12 o 13 años. Era un festival en Murcia llamado «Alguazas rock 2001», donde tocaban Kreator, S. A. Narco, Ktulu, Skunk D.F., Tierra Santa…. Un festival perfecto de la época. Y desde ese día siempre fuimos amigos, hasta el punto de poder colaborar con ellos en un disco, y poder llegar hacer una gira juntos con nuestras bandas locales, hasta poder compartir momentos muy grandes estando con ellos dentro de giras.

¿Six Force Management también gestionáis el tema del merchandise?

Iván SFM y Teresa Alonso: El año pasado hicimos varias remesas de camisetas de Six Force Management, y fue realmente bien.

Ahora estamos planificando una gran remesa de nuevo material, donde se puede encontrar cualquier artículo relacionado con algunas de nuestras bandas, como Ktulu y Six Force Management, pudiéndolo adquirir a través de nuestras redes sociales. ¿Cómo veis actualmente el panorama musical en España? Aunque, reconozcámoslo, España nunca ha sido un país fácil para la música rock o metal.

Iván SFM y Teresa Alonso: Pues sinceramente estábamos muy jodidos desde que apareció hace muchos años el «reguetón», sobre todo para la gente joven que se inicia en el mundo del Rock, y Metal, pero la situación en nuestro genero siempre fue difícil. En este país por cualquier movida siempre se nos ha intentado tachar, pero sobrevivimos, y la situación no pinta ahora nada bien por culpa de la pandemia. No obstante, nunca tendremos una excusa adecuada para caer bien o que nos escuchen todavía más.

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Estamos aquí de paso, y tenemos que remar unidos contra viento y marea para poder seguir haciendo lo que más nos gusta. ¿Cómo es gestionar a las bandas en tiempos tan difíciles?

Iván SFM: Como te comentaba anteriormente, la situación no es nada fácil por culpa de la pandemia. Hemos estado casi un año y medio parados y de sequía laboral, sin ingresos, ni conciertos, y con aforos muy reducidos. Muchas salas de conciertos no están pudiendo sobrevivir, ni muchos festivales pequeños tampoco al sistema al que nos tienen sometidos.

Esperamos que poco a poco vuelva una buena normalidad para los músicos y para nuestro sector, que creemos que somos los más afectados por el problema del Covid 19. ¡Saldremos hacia delante como sea! ¿Con cuántas bandas trabajáis en total actualmente?

Iván SFM y Teresa Alonso: Actualmente trabajamos con ocho bandas nacionales de todos los estilos musicales: Ktulu, Skunk D. F. Lude, Darknoise, Ramón Sogás, Anhedonia, Sergio Kalaña, e InMune.

Casi todas las demás bandas siguen trabajando en estudio. Absolutamente todas las bandas están preparando material nuevo para salir a la carretera en 2022. Proyectando grandes conciertos y festivales donde ya estamos confirmados desde hace un par de

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años, como son «Leyendas del rock» y «Resurrection Fest». Tenemos festivales que aún no podemos desvelar, pero que muy pronto iréis viendo a finales de este año y principio de 2022. No hemos parado de crear y de componer para presentarlo en la mejor época posible para cada banda. ¿Cómo veis el tema de los conciertos de cara al 2022?

Iván SFM y Teresa Alonso: Creemos que para 2022 nos puedan dejar desenvolvernos más, y que sea una nueva etapa en todos los sentidos a mejor.

Y por último, ¿algún dato que queráis añadir?

Iván SFM y Teresa Alonso: Muchísimas gracias a todo el equipo de LaCarne Magazine, en especial a Eva María Aroca, por brindarnos la oportunidad de hacer esta entrevista tan brutal, y gracias a todos los que nos siguen a ambos. Nos vemos muy pronto en los conciertos y festivales. ¡Un abrazo a todos, y mucho Metal!

Muchísimas gracias a vosotros.

Y a vosotros, espero que os haya gustado conocer los entresijos de la ardua labor que hace este gran equipo, y, ya sabes, si tienes una banda y quieres formar parte de esta familia, no dudes en contactar con ellos a través de Facebook e Instagram. ¡Hasta la próxima!

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Clau Gunther

música con energía y desde el corazón

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acida en la década de los 80, con estudios ajenos a la música, pero con gran pasión por ésta, Clau Gunther es una cantante y compositora, que en sus inicios todo fue de forma reservada por temor al rechazo de su familia.

Hoy en día, su música ha traspasado fronteras, y es escuchada fuera de Chile. Vamos a conocer sobre esta cantante y compositora chilena, Clau Gunther.

Clau Gunther, música con energía y desde el corazón

Saludos, y sea bienvenida, Clau Gunther. Hablemos de tus inicios en la música. ¿Cuándo es que descubres esta inclinación tuya por la música?

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Lo primero es lo primero: agradezco a los medios de comunicación como el tuyo que, así como para mí, significa una oportunidad más para cada artista emergente que permite dar a conocer su música, presentar su carrera, pero, por sobretodo, presentarse como persona ante un mundo tan diverso y enriquecido justamente por esas diferencias. Hay un universo detrás de cada uno de nosotros, y de frente una imagen que cruza cada frontera, quizá hoy lentamente, pero lo hace y te contaré cómo.

Crecí en la década de los 80 en una ciudad del sur de Chile llamada Valdivia. Se conoce como la Perla del Sur, rodeada de una espléndida y natural belleza, bosques, ríos, verde por doquier, y mucha historia. Componía poesía, le ponía música, participaba en concurso que se publicaba, y con o sin premio crear fue siempre mi gran pasión, mi refugio, y mi secreta alegría. Mi padre, llamado Gunther, era profesor universitario, y desde muy niña reco-

la mediocridad de soñar eternamente, y corrí tras mis anhelos.

Con mis zapatos rotos y un amor propio debilitado por el hambre y el frío, sacrifiqué lo poco que me quedaba, mis horas de sueño, y estudié tanto como mi cerebro me lo permitió, hasta ingresar a la universidad y obtener una beca casi completa.

La vida me sacudió fuerte, pero me despertó, y lo hizo tan abiertamente que viviría cada minuto de nuevo para ser la misma de ahora, no lamento nada. Si estuviera en mí hacerlo, no me lo haría más fácil. Hace un año y medio mire hacia atrás. Entre esa primera etapa y el nacimiento de mi primer sencillo oficial Qué es amar hay una gran experiencia. Hay una lucha constante como mujer, como estudiante, como madre, como trabajadora, como soñadora, y ya no me debo nada. Quise dejar una huella, algo muy mío, solo mío, y lo hice.

rrí esas aulas para aprovechar cada momento cerca de él. Aprendí mucho e incursioné en varias carreras.

En la medida que crecía, se notaba cada vez menos mi intromisión entre los universitarios, todo hacía parecer que ingresaría joven a esa misma institución, pero fui madre a una edad muy temprana, y casi paralelamente perdí a mi padre. Fue una etapa muy dura y dolorosa porque, de tener una vida cómoda, supe lo que era no tener nada. Maduré rápidamente.

La vida, casi literalmente, me sacudió. Postergué todo lo que no tenía que ver con ganarse la vida. No había terminado la secundaria, por lo que me matriculé en una escuela nocturna.

No podía pagar por educación, y a mi hijo no podía faltarle lo esencial, por lo que terminé la escuela con promedio de excelencia, y a pesar de que malamente se decía que era imposible ingresar a una universidad con un diploma de tan baja calidad, no me resigné a

Me fui de Valdivia por once años a una ciudad del norte llamada La Serena. De ese pasar saldrían muchas historias para contar, algunas muy instructivas, y otras que podría reprochar sin duda alguna, pero no borrar. Regresé al sur porque extrañaba todo lo que recordaba, pero descubrí que la memoria también traiciona. Las personas crecen y cambian, maduran o se pierden en sí mismas. La vida que era dejó de ser, y nada ni nadie se congela por tanto tiempo.

La desilusión me hizo tan fuerte como introspectiva, y buscar en el fondo de uno significa a veces encontrar las piezas desarmadas de un rompecabezas de miles de piezas. Puedes dejarlo así o puedes tomar el camino largo y difícil. En mi caso fue sorprendente.

Me encontré con la compositora frustrada, la que nunca fue lo que soñó ser, esa artista postergada y demasiado victimizada para mi nuevo gusto. Así que cogí mi guitarra con una mezcla de pasión contenida y rabia, comencé a rasquetear cual sentimiento tenía, y la letra nació con cada acorde mientras me preguntaba “¿Qué es amar?”.

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Pasó el tiempo, y un músico valdiviano la escuchó desde mi celular, grabada a pura guitarra, me ayudó hasta publicarla, lo hice con mi pseudónimo Clau Gunther en honor a mi padre y sin ninguna expectativa. Mi primer sencillo como Clau Gunther cruzó fronteras rápidamente.

Aún no sé si fue la duda sobre la pregunta o fue mi voz, pero ése fue solo el comienzo.

Hay ocho publicaciones hasta la fecha, y dos pendientes, pero terminadas por completo, esperando hasta diciembre para la publicación oficial de mi primer álbum como Clau Gunther llamado Soy, el título de una de mis canciones favoritas.

Tus estudios fueron de administración e ingeniería. ¿Clau Gunther ha pasado algún curso o estudio referente al arte musical?

Estudié administración, trabajé como ejecutiva bancaria mientras financiaba mis estudios en otra universidad. Ese trabajo jamás me agradó, luego me convertí en prevencionista de riesgos, trabajé algunos años en Alta Montaña, sufrí acoso laboral al punto de tener que demandar a mi propia compañía, y gané con clase. Lo menciono así porque para poder probarlos tuve que soportar meses de exposición, y luego decidí quedarme para demostrar mi profesionalismo. Cuando lo di por resuelto, renuncié e inicié mi propia empresa.

Actualmente estudio Derecho, ya finalizando.

Te contaré un secreto, y es que los abogados no me agradan, tuercen sus principios con facilidad, mi afán de justicia me hace estudiar sin descanso y prepararme bastante, pero me motiva más el hecho de no tener que consultar a ninguno de ellos nunca más. Estudiar constantemente se convirtió en una necesidad de carácter personal. Creo que podría dejar de comer un día entero, pero no puedo vivir sin saciar esa necesidad de aprendizaje. Respecto al arte musical, nací con ella.

En silencio o a viva voz, la música es mi energía, mi corazón late por ella y con ella, es tan esencial como el agua o el aire. Si bien no tengo estudios formales y no cuestiono lo positivo que sería, quien viera nacer una de

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mis canciones me entendería. No es algo que planifique, simplemente nace una canción, con su letra y melodía completa, sin mucho que cambiar o reemplazar. Es lo que soy, una canción mía es quien soy y cómo me siento en ese instante. ¿Tu familia te apoyo en la decisión de inclinarte por la música? ¿Qué te influyó para convertirte en la artista de hoy en día, Clau Gunther?

Mis padres y familiares nunca supieron nada de esto. Mi padre murió sin saber. Mis hijos lo vivieron conmigo desde que inicié con mi primer sencillo, y luego fueron testigos de todo lo que logré sin esperar nada. Se entusiasmaron, y apoyan cada uno de mis pasos. Ellos lo viven como una aventura, pero no saben

como críticas. Quizá más de lo uno que de lo otro, pero mi interés de dejar esa pequeña huella, algo tan y únicamente mío, no podía torcerse por lo que otros creyeran o no sobre cada canción mía, ya que cada una de ellas soy yo misma.

Nadie puede decidir sobre la dirección en que gira mi mundo propio, ni sobre lo que desaliña o endulza mi alma en determinado momento, pero sí pueden identificarse con mis letras y hacer calzar una sensación o un sentimiento.

Mis acordes y palabras atrapan a más de alguien, es por esa razón que, siendo la música un idioma universal que no reconoce idiomas ni fronteras, lo mío ha llegado tan lejos.

En las composiciones musicales de Clau Gunther encontramos desde el Pop hasta baladas más románticas, con mucha melodía y poesía. ¿Cuál es el proceso creativo que tienes para componer?

Mis canciones nacen en un parto natural sin anestesia, de manera pura y simple. A veces creo que ellas me eligen a mí y no yo a ellas.

Puedo despertar una mañana cualquiera y correr por la guitarra y el celular para grabar. Las grabo para no olvidarlas. Muchas han nacido y se han ido, no las he podido recordar. Las que grabo se van tal cual a producción.

lo que significa para mí dejar mi voz y esas experiencias juntos, de risas, ruido, quejas, recuerdos que serán siempre parte de sus vidas.

Una parte de mí los acompañará siempre, y no solo en sus mentes y corazones. Yo estaré ahí, generación tras generación, puedo estarlo en cada árbol que planté, en cada frase que escribí, pero lo mejor de mí, lo más intenso de mi ser vivirá siempre.

Nunca me perdí una sola oportunidad de ser honesta conmigo misma, sin miedo a enfrentarme a una realidad no deseada, por lo que decidí ser valiente y publicar mi trabajo musical en absoluta consciencia de que no sería del gusto de todos, y habría tantos elogios

Por ventaja mi productor Israel Ángel Maureira tiene una capacidad increíble y un gran profesionalismo para trabajar la parte técnica de acuerdo a mi estilo, después solo tengo que ser Clau Gunther para la interpretación final, ésa que trasciende y escuchan todos ustedes. ¿A qué le canta Clau Gunther? Me refiero a la temática de tus letras.

Es mi forma de expresar el sentimiento de ese instante. A veces con imaginación, o a veces a pura realidad, a veces mis deseos sobre algo que aún no llega, pero deseo que así sea.

Creer para ver, y no ver para creer puede ser la clave para muchas cosas. La música saca todo de mí hacia el mundo exterior, lo bueno, lo malo, lo indeseado, lo soñado, lo merecido, no es otra cosa que la energía brotando hacia un mundo que la atrapa de la misma manera.

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Cuando compuse ¿Qué es Amar? lo había dejado todo para comenzar en muchos aspectos de cero, y no funcionó, me sentía derrotada.

No es muy difícil deducirlo cuando escuchas solo la primera parte de esa canción. Cuando compuse Estúpida Imperfecta, estaba terminando una mala relación en la que se me cuestionaba todo. Fue una ironía esa composición. Estaba conduciendo molesta, y comencé a crearla mientras manejaba hacia mi casa, incluso recuerdo haber llamado a esa persona y habérsela cantado.

Otras canciones de Clau Gunther nacen mientras cocino, como Déjalo Así, la televisión se escuchaba de fondo y hablaban sobre las relaciones desechables de hoy en día, personas jugando con los sentimientos de otras como algo usual. Mientras riego las plantas, como cuando nació Verte Más. Hacía mucho calor y pensaba en la playa, en lo lindo que sería bailar de noche mirando las estrellas. Soñar es un privilegio, y lo tenemos todos, como cuando mientras observaba el atardecer y comencé a cantar Ya no Quiero a Nadie Más.

Muchos pensaron que la compuse porque encontré el amor, y no es así, es lo que desearía, el sol se escondía ese día y dejaba un incendio de colores muy particular en el cielo.

El aire era tibio, y había una pequeña brisa.

Luego pensé en la trágica mentalidad cuando llega el desamor, ése que duele tanto que te hace desear lo peor. Así nació Después de Ti. Hace una semana preparaba un té de canela, y mientras lo endulzaba nació Quisiera, pero ese tema está reservado para interpretarlo oficialmente con alguien más, porque nació así, con ese fin. Esa canción me encontró a mí, definitivamente.

Diste a conocer tu trabajo musical como Clau Gunther hace poco tiempo, y ya en varios países se escucha tu obra musical. ¿Qué ha representado para ti que ya seas escuchada en varios países de la región?

Reitero que la música es un idioma universal que va más allá de una forma de expresión.

No reconoce fronteras ni discrimina a nadie, simplemente fluye. Desde mi valor para publi-

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car algo tan intensa e internamente mío, comprendí que, si las personas se identificaban con mis creaciones y gustaban de mi trabajo, simplemente seguiría fluyendo. De lo contrario se detendría. Yo solo dejé que siguiera su curso natural.

Ser escuchada en tantos medios de lugares diversos de este mundo tan grande solo alimenta mi convicción de que la música tiene un poder tan especial como indescriptible. No importa el idioma. Personas que solo entienden portugués o italiano me escriben en su idioma

para agradecer por canciones con las que se identifican por la intensidad de la misma, que calza naturalmente con sus sentimientos, sin haberla traducido siquiera.

Un evento que logró abrirte más oportunidades como Clay Gunther fue la participación en el Under Talent 2021 de Uruguay. ¿Cómo logras llegar a este evento, y qué resultado obtuviste en el mismo?

Mi participación como Clau Gunther en Under Talent 2021 fue una experiencia grandiosa en todas sus facetas. Isao Yoshimura de

Argentina, colaborador del equipo Uruguayo, me localizó a través de las redes sociales para invitarme. Me pidió enviar mi sencillo Soy al equipo de Pedimos Perdón Radio, que lidera Juanjo Montesano, periodista de medios en Uruguay, el que calzaba además con el estilo rockero del certamen.

Al enterarme de que Clau Gunther competiría con 232 bandas de todo el mundo, Latinas, Norteamericanas, del Caribe y Medio Oriente, etc., con 15 años de experiencia promedio, me sentí como David contra Goliat, en el rincón y como una hormiga con una cantidad de patas que evidentemente fueron muy necesarias para avanzar en el proceso. La calidad de las bandas era notable.

En la primera selección quedarían 60 participantes, y los votos se concretaban por medio de una página web. Quedé sin mayor esfuerzo dentro de las primeras en esa clasificatoria, y luego había que esperar para la semifinal.

Pasé esa etapa sin inconveniente alguno, y cuando me nombran dentro de las cinco primeras al cierre del certamen, fue para mí lograr el premio mayor sin duda alguna.

Mis seguidores se multiplicaron, también las entrevistas en medios, mis canciones sonaban en muchas radios tanto chilenas como en el extranjero, Clau Gunther salió en muchos medios de prensa y mi siguiente sencillo ya tenía el éxito asegurado. El cuarto lugar como resultado en mi primera participación internacional, con tan poca experiencia, además, fue desde los inicios un desafío, pero se convirtió en un gran acierto. Valió cada instante.

Las canciones de Clau Gunther se encuentran en varias plataformas, y los comentarios y críticas son bastante buenas. ¿Cómo te sientes saber que tus canciones están siendo del agrado de muchos en diversos lugares?

Mi satisfacción pasa primero conmigo. Estoy feliz y agradecida con los frutos de mi trabajo con Clau Gunther, aunque me cuesta llamarlo así, más bien es una liberación. Me gusta que las personas se identifiquen con mis sentimientos, me hace sentir unida a ellas. Es una conexión bien especial desde muy adentro, es LaCarne Magazine

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algo que cuesta describir, bueno, no hay palabras suficientes para sensaciones infinitas.

Quizá es justamente eso lo que me acerca a las personas desde y hacia un mundo tan interior. Saber que con mi voz viajo a tantos lugares y llego a rincones que serían tan difíciles de recorrer en persona, me llena el alma.

Saber que alguien se alegra, alguien sonríe, alguien se emociona, alguien dedica una de mis canciones, alguien las canta, es una satisfacción inigualable.

Clau Gunther, cuentas ya con un primer álbum titulado Soy. Comencé con Qué es Amar sin expectativas.

Pasó año y medio y nunca me detuve, la pandemia no fue ningún obstáculo, avancé tranquilamente y llegué hasta aquí, completé mi álbum como Clau Gunther y podría haberlo bautizado con ese nombre, el de mi primer sencillo, pero tengo razones para titularlo Soy, una palabra que parece simple, pero es muy compleja, porque eso soy, un sinfín de emociones, de experiencias que me llevaron para bien al sitio en donde encontré la felicidad y la libertad.

Eres madre, estudias, y hay otras responsabilidades, y realmente la música exige mucho tiempo, más aún si estás comprometida en cuerpo y alma. ¿Dime qué es lo que te motiva continuamente a seguir con esta labor?

Nací como Clau Gunther a inicios de la pandemia. Grabé mi primer sencillo ad-portas a todas las restricciones sanitarias, las clases universitarias comenzaron a ser online desde el 2020, y, como toda mamá, lo soy 24 horas por los siete días de la semana.

Para serte franca, en tres años no he tenido ni el menor descanso. Comenzar con una carrera musical como Clau Gunther en una época como ésta parece sin duda alguna un desafío enorme, pero no lo vi nunca como un trabajo ni una dificultad. Fue, por el contrario, mi respiro, mi alivio, un descanso mental y hasta físico, por lo que todo lo que suelo hacer sale mejor con música.

La libertad de ser yo misma me motiva, de

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expresar mis sentimientos con toda tranquilidad, de que no exista juicio por ello, de que mis canciones signifiquen algo para personas completamente desconocidas, hacer conexiones y aprender de ellas, entender que no estamos solos, que cada ser es único y diferente, pero las finalidades y objetivos de cada uno se parecen. Buscamos satisfacción, paz, felicidad y, por qué no decirlo, sentir el amor. ¿Qué planes hay para Clau Gunther para lo que queda de este convulso 2021 y para el próximo año?

Sigue siendo una época algo incierta para hacer planes. Sin embargo, lo cierto es el lanzamiento de mi primer álbum titulado como Clau Gunther, Soy, ya es un hecho. El lanzamiento de mis dos sencillos para completarlo, uno de ellos De mal en Peor, y para luego cerrar con un tema que expresa la importancia de ser uno mismo, y lo útil que se hace tocar fondo en varias circunstancias, porque después de cada episodio complejo de nuestra vida nada sigue igual.

Somos mejores, debemos serlo, debemos aprender de nuestras caídas y equivocaciones, es por ello que se titula Mi Libertad. Si el próximo año experimentamos la ansiada y renovada normalidad, mi intención es presentar a Clau Gunther en escenarios nacionales y extranjeros, cantar con toda mi pasión y fuerza, estar presente de todas las diversas maneras posibles, y, quién sabe, quizá el 2022 ya estemos estrenando el segundo álbum de Clau Gunther.

Clau Gunther, ha sido un placer realizarte esta breve entrevista. Gracias por tu atención y disposición. Te deseo muchos éxitos en tu casi recién carrera que comienzas. Si deseas añadir algo, pues adelante.

Soy yo la agradecida. Son ustedes, los medios, los que me han permitido llegar lejos sin haberlo pensado siquiera. Ha sido un regalo inesperado e indescriptiblemente fabuloso.

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Keren Kmanwey

la artista comprometida con la libertad d

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menazada de muerte por la dictadura castrista, no puede entrar a su país por denunciar los atropellos a los Derechos Humanos que sufren en carne propia miles de cubanos a diario. Cuando redacté la presente entrevista, Keren Kmanwey acababa de arribar a Miami, USA. Nos hemos tomado el tiempo necesario para esperar las respuestas (en audio), y la paciencia disponible para transcribir lo más sustancial de tremendo testimonio de Keren Kmanwey, que duró aproximadamente 100 minutos en dos tracks que llegaron al e-mail.

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Un total respeto por su lucha, y con apoyo profundo desde el corazón del continente Sudamericano, agradecidos nuevamente por su tiempo y colaboración. Es un privilegio para los amantes de la música con alma, vida y corazón de lucha, poder conversar con Keren Kmanwey, en exclusiva para LaCarne Magazine.

Keren Kmanwey, la artista comprometida con la libertad de Cuba

Luego de estos momentos de contingencia sanitaria que atravesamos, casi un año de sobrevivir bajo la sombra del COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo está actualmente Keren Kmanwey?

Es cierto que el mundo ha dado un cambio radical, que muchas personas no habíamos contemplado como una posibilidad de vida.

Es una cuestión lógica del “sistema” el querer frenar todo, cualquier tipo de creación, ya sea con un virus, o con leyes o con cosas que verdaderamente no son coherentes ni es justo lo que necesitamos los seres humanos, pero simplemente he tenido que reinventarme y buscar medios, desarrollar un poco más lo que viene siendo mi carrera en redes sociales, y de esta manera poder acercarme un poco a la gente.

Para el performance en el escenario ha sido un golpe duro. Cada evento es de menos capacidad para personas, con menos frecuencia, y simplemente es algo que nos afecta a todos los artistas.

de Cuba Para mí personalmente ha sido un poco caótico, ¿no? El nuevo modo de vida al que nos están obligando a acomodarnos y resignarnos, yo soy una persona que creo mucho en la libertad y que la defiendo, la necesito, y es una de mis principales banderas como ser humano, como individuo y como artista. Yo creo un ser humano sin libertad no tiene nada más qué hacer.

El COVID19, que es una enfermedad o un virus del cual no me atrevo a hablar a ciencia cierta, ha sido bastante traumático para mi carrera, ya que, bueno, yo vivo de conciertos, vivo del contacto con la gente, tanto para crear como para defender lo que he creado finalmente como producto artístico, y evidentemente esto ha frenado muchos proyectos, muchos conciertos, mucho trabajo que en estos momentos se encuentra un poco atrasado.

¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento?

Mi nombre real es Keren Benítez Olivera, y yo nací en la ciudad de Camagüey en Cuba, soy cubana y estoy bastante orgullosa de la ciudad donde nací, ya que siento que es un lugar que tiene gente muy especial. Mis orígenes son bastante importantes para mi música y para mí como persona, también por eso un poco mi nombre artístico (Keren Kmanwey) tiene que ver con la ciudad de donde soy. ¿Cómo se inicia a la vida Keren Kmanwey y su musicalidad?

Mi vida en la música comenzó desde muy pequeña. Cuando yo tenía apenas como seis años, empecé a involucrarme en diferentes coros con otros niños. Yo siempre le pedía mucho a mi mamá que me llevara a cantar, era una necesidad bastante natural que salía de mí, y siempre estuve en la iglesia en coros.

Después estuve en coros con compañeros de la escuela, y así transcurrió toda mi vida, desde los seis años hasta los doce que estuve bastante vinculada con la música, de una manera empírica siempre, pero por aquellos entonces yo tenía un poco de entrenamiento más técnico con estos profesores de mi coro.

Ya en la adolescencia estanqué un poco más ese deseo de ser artista, y de expresarme de esta manera. Había muchas situaciones económicas como para estudiar música en Cuba, lo cual es muy difícil para gente pobre. Las caLaCarne Magazine

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rreras artísticas demandan muchos recursos, y son muy pocas las escuelas y capacidades para poderte desarrollar como artista.

Hubo un momento, tal vez hasta los 18 años, que me olvidé un poco de mi talento y de mis ganas de hacer arte por todos estos factores externos que no permitieron desarrollarme. A los 19 años comencé a hacer música Rap gracias a amigos artistas que vieron cualidades en mí, me motivaron bastante para que empezara una carrera musical seria.

Yo jamás había pensado que iba a poder hacer la música y lo que yo quería hacer de una manera seria, y que me tomaran en cuenta, pero así sucedió, y por suerte en estos momentos puedo decir que llevo seis años haciendo música, y es lo mejor que me ha pasado. ¿Cuáles fueron las influencias artísticas y musicales de Keren Kmanwey? ¿Qué bandas, cantantes o grupos podría mencionar?

Escucho cualquier tipo de música, todos los géneros musicales, disfruto cualquier canción mientras tenga un mensaje o cosas que a mí me identifiquen, o yo pueda apreciar artísticamente algo con lo que soy afín, o que me motiva, que me provoque algún sentimiento.

Entonces bastante música he consumido.

Ya después fui conociendo un poco de gente cuando me mudé a La Habana y empecé a hacer música, a conocer artistas, raperos muy importantes de Cuba. Recuerdo haber tenido mucha influencia del grupo Explosión Suprema, yo era muy cercana a Brebaje Man, uno de sus cantantes, quien me ayudó bastante con mi carrera, escuché mucho a La Mala Rodríguez por aquel tiempo, y creo que fueron referentes importantes cuando empecé a descubrirme dentro del Hip Hop. ¿Cuál es la breve historia musical de Keren Kmanwey hasta el presente? ¿Cómo llega el Rap a su vida?

Me fui desarrollando bastante rápido cuando llegué a La Habana, y tenía relaciones con algunos amigos actores, y una de estas amigas, que fue la que más me apoyo, conocía a Brebaje Man, y me lo presentó en un evento.

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Y a partir de ese momento me empecé a unir bastante con él. Recuerdo que me llevaba mucha música a mi casa para que escuchara y desarrollara un poco más mi estilo, y buscara un poco más mi identidad dentro del género, el flow como se pudiera decir. Siempre agradeceré mucho que aposto por mí.

Malcoms Justicia de 18A16, quien falleció recientemente hace unos días, y he tenido que lidiar con esta gran pérdida. Él fue la primera persona que me abrió las puertas de un Estudio de grabación, y ahí fue donde grabé mi primer disco No Me Despierten. Mi carrera como Keren Kmanwey prácticamente pudiera agradecérsela a él, producimos el disco Ño (el cual fue ganador del premio Cuba Disco en 2019 como mejor disco de Rap del año).

Tuve la oportunidad de participar en muchos

eventos y lugares, clausuras de Festivales Internacionales de Cine, y poder decir que Benicio del Toro estuvo alguna vez en una presentación mía, o que canté en un evento donde cantó Usher, y cosas así (de este tipo sorprendentes que pasaron en mi carrera artística). Han hecho darme cuenta que el Rap me salvó la vida, y que poco a poco las cosas se pueden ir acomodando a medida de que uno trabaja duro para que los sueños se hagan realidad.

Para muchos músicos, el lugar de nacimiento y la zona de crecimiento son fundamentales para el desarrollo de su identidad artística.

Por lo que pude apreciar, ¿a qué área, barrio o zona representa Keren Kmanwey? ¿Qué influencias ha recibido Keren Kmanwey de su localidad o ciudad para el desarrollo de su futura personalidad escénica?

Mi localidad es bastante importante para mí, el origen de una persona tiene mucho impacto en su vida futura… Camagüey fue donde nací, y es el lugar que represento, soy parte de ahí, soy un pedazo de energía de esa ciudad, de lo que fui alguna vez y de lo que es esa ciudad (me atrevería a decir que está parada en el tiempo, como casi Cuba entera).

De las primeras canciones que hice como Keren Kmanwey, Flores Rojas, del disco No Me despierten, está dedicada a Camagüey, filmada en sus calles, y el texto es una poesía dirigida a Camagüey, a los sentimientos que en aquel momento me provocaba.

Había mucha tristeza y represión en esta ciudad, y yo creo que en mi música esto se refleja bastante, también en los videos, donde salen escenas de Camagüey, de mi casa (mamá,

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papá, de mi perrita que tenía en aquel momento…). Es muy íntimo hablar de Camagüey.

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es la discografía de Keren Kmanwey al momento? ¿Qué años se editaron?

Mi primer disco como Keren Kmanwey, No me Despierten, producido por 18A16 con 7 canciones. Tengo un segundo disco que se llama Ño de 10 canciones, junto a Malcoms Justicia & 18A16. Aparezco en varias compilaciones de otros discos, como por ejemplo El Sentimiento Desafinado, donde aparecen artistas geniales de la escena del Rap de Cuba. Yo tengo colaboraciones con el Hip Hop Cubano casi completo, tengo muchas canciones inéditas también.

Cuando me mudé a México, produje mi disco junto a Dayse, un productor americano que me ayudó bastante en aquel proceso cuando migré y logramos sacar Ke más Keren, que salió en el año 2020. Un proceso creativo que me costó dos años, hecho con pocos recursos y sin ninguna asesoría. Éste se podría decir que es mi primer disco en solitario como Keren Kmanwey, al disco No me Despierten me gusta más llamarlo MixTape… lo puedes encontrar en cualquier plataforma digital. También tengo a la venta discos físicos, ha sido un trabajo más finalizado.

Ahora estreno Completo Camagüey, producido por Dayse, El Chama… De cualquier manera ya muchos de sus videos están en mi canal de YouTube y en mi página oficial Facebook. Han tenido muy buena aceptación canciones como Comunistas Millonarios, Cuba Feminicida, temas con contenido social – político muy fuerte que denuncian las cuestiones sociales y políticas que sufrimos allá en Cuba con la dictadura comunista. El diseño se está encargando un gran amigo muy talentoso que se llama Carlos Barenz.

El disco traerá incluso un video de animación en dibujos animados, y siento que su calidad va superando a los anteriores. Lo más importante es poder mejorar o madurar el producto,

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y entregar al público lo mejor de ti, y evolucionar en cualquier rama que una persona decida desarrollarse.

Un nuevo material de Keren Kmanwey producido bajo el título de La Resistencia es una bomba en letras y versos espectaculares, gracias a Marichal, que hace una unión de rapperos fundamental para confrontar al Estado Profundo con el arte musical y lirical. ¿Cómo nace el proyecto? ¿Qué nos puede comentar Keren Kmanwey de su intervención y de los participantes? En cuanto a la producción musical, ¿cómo se dio el trabajo?

La Resistencia es un proyecto que abarca a la mayoría de los raperos contestatarios dentro de Cuba y exiliados. Marichal ha sido muy buen líder en ese sentido, logró juntarnos a todos, yo misma no estaba en Cuba cuando empezamos esa grabación.

bastante importante que ha tenido un resultado inesperado, ha tenido bastante alcance con miles y miles de reproducciones en los videos, y yo creo que ha sido importante en ese sentido, para que llegue el mensaje a varias personas.

Esto es sólo el primer volumen, La Resistencia ya es como tal un Movimiento Anti-sistémico, y vamos a seguir accionando, vamos a seguir haciendo música, pronto va a salir un volumen dos.

Keren Kmanwey aparece en varios de los temas junto a Raudel Escuadrón Patriota, David The Ovni, Marichal, El Ejercito, El Invasor, Anderson, varios compañeros del Rap que yo admiro, y jamás en la vida pensé tener la oportunidad de pararme a colaborar con tan grandes maestros del Rap hispano.

Y es un disco que ha cumplido su función perfectamente. En Cuba ahora mismo escuchar una canción de La Resistencia en una bocina mientras estás en la calle o en un parque o en tu casa, es ilegal, la policía te mete preso o te da golpes por sólo poner una canción en la que estemos nosotros cantando, denunciando cuestiones sociales.

El disco de Keren Kmanwey va para denunciar y hacer frente a lo que está pasando en Cuba con respecto a la dictadura, las faltas de libertad y la represión. Para mí es un álbum

Gracias al Canal YouTube, aprecié una importante videografía de Keren Kmanwey, desde Flores Rojas hasta Memorias, producciones realizadas en Cuba y México. ¿Qué video(s) de Keren Kmanwey la ha(n) marcado en la memoria, y guarda alguna anécdota en especial, dentro de su producción?

Con cada video y canción tengo una historia, me remonta a un momento, a un estado de ánimo. Flores Rojas es uno de esos vídeos que miro con nostalgia, es la segunda canción que grabé, y está dedicada a mi ciudad. Hay videos muy importantes para mí, como por ejemplo Memorias, una autobiografía de los que fueron mis pasos como Keren Kmanwey para poder llegar a México, tanto en mi música como a nivel personal. Ahí resumo bastante lo que soy, lo que pienso de algunas actitudes, de algunas situaciones.

Un video muy importante realizado por Eli Laban, el video me encanta, la fotografía del video me parece genial, y también la producción. Verdaderamente lo grabamos con una cámara solamente Ely y yo. Memorias es uno muy importante, ahí descubrí una manera de rapear y un flow diferente, una manera de experimentar en la música que no sea siempre la línea que uno se traza, ¿no?

Pero sin dudas, el video que tiene más importancia en mi carrera artística como Keren Kmanwey es Comunistas Millonarios, que fue con la producción de Umbrella –Art- Foundation y con la ayuda de Ana Olema, que es una artista increíble que me ayudó mucho en mi vida personal y artística.

Ella y yo, Keren Kmanwey, tenemos muchos LaCarne Magazine

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proyectos, siempre voy a agradecerle que haya sido posible sacar un video tan espectacular que fue grabado en México. Significó un paso muy importante en mi carrera musical, y la canción verdaderamente tiene bastante madurez en su contenido, y creo ha tenido bastante éxito, que ha cumplido su objetivo: despertar a la gente.

Cuando un artista canta lo que vive, y es consecuente con su discurso, es digno de mi admiración y respeto. El activismo y la lucha social por justicia, dignidad, equidad, es un deber para los artistas que han despertado y tomado consciencia.

En el tema Comunistas Millonarios, Keren Kmanwey nos musicaliza lo que pasa desde Cuba, Venezuela, Nicaragua y Bolivia, donde los gobernantes adoctrinan con ideologías, mientras roban y corrompen si parar. ¿Cómo le fue con la producción de la canción? ¿Qué nos puede comentar Keren Kmanwey del video y su realización?

En el beat estuvo El Chama, compatriota que radica en Chile ahora, y Dayse, que es mi productor cabecera. El video lo realizamos con Hernán Deolarte, director mexicano. El proceso de la canción fue súper bello, pude trabajar con mucha comodidad gracias al esfuerzo de los patrocinadores, que hicieron posible su lanzamiento en las plataformas digitales.

La filmación más grande que tuve, tres días de rodaje… Una producción seria: utilizamos drones, helicópteros, varias locaciones, quemamos una bandera comunista donde me divertí. Hubo mucho estrés también, fuimos a un lugar que se llama Los Dínamos (área verde con bosques enormes donde te pierdes), en un momento determinado el drone se quedó atrapado en la rama de un árbol muy grande, no pudimos bajarlo, y seis horas del video las perdimos. Estas cosas siempre pasan en producción, y lo importante es que el video salió, que todos quedamos contentos con el resultado y que tuvo el impacto esperado.

Para mí es Cuba Feminicida, entre otros temas -como La Directa o Me cambio de Continente ft. David de Omni -- que me encantan

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por su compromiso fundamental con la humanidad. ¿Qué temas son los preferidos de Keren Kmanwey para interpretar? ¿Algunas piezas que se hayan hecho parte del público que sigue la música de Keren Kmanwey?

En Cuba conocen más a Keren Kmanwey por mi primer disco, ya que los otros fueron grabados fuera del país. No Me Despierten y Ño impactaron bastante en mi Comunidad de Hip Hop en los inicios; sin embargo, Ké Más Keren me dio más alcance a nivel internacional, y es un disco que abarca situaciones sociales más allá de mí como individuo.

Me gusta mucho interpretar Como Disidente Como Activista de lo primero que escribí con temática social junto a Malcoms Justicia, y siempre que canto en Cuba a la gente le gusta bastante. Del segundo disco me gusta Lo Mejor, que va sobre el amor y me siento cómoda siempre que la canto. Me gusta mucho interpretar Completo Camagüey, Comunistas Millonarios, me gusta cantarlas todas…

“Los Castros” (en Cuba) y a los “Evos” (en Bolivia) y sus colegas por el planeta entero, que forman parte del Estado Profundo, son fuente de inspiración total para generar un Rap Consciente y Contestatario a los regímenes, y sus agendas oscuras que siempre andan implantando. ¿Cómo vivió Keren Kmanwey la

censura en Cuba por parte de la dictadura comunista o socialista?

Mi activismo y contenido fue variando con el proceso de mi carrera artística como Keren Kmanwey. A los 18 años quizá no estaba muy preparada políticamente para tocar temas de tanta importancia, temas sensibles donde el mensaje no sea mal interpretado o desviado.

Siempre fui rebelde, disidente, siempre me quejé de una manera u otra en contra del Gobierno de Castro y su dictadura comunista en Cuba.

Con el tiempo, me he intensificado bastante en la manera que tengo de denunciar, ahora lo hago con más base y con más experiencia de vida. Sí sufrí censura, en mi adolescencia en Camagüey sufrí persecución, me censuraron bastante en La Habana cuando empecé a hacer Rap, mucha gente me dio la espalda cuando cantaba cierta canción “problemática”, por así decirlo.

Realmente todo empezó a ser peor en cuanto a censura y persecución al salir de Cuba.

Empecé a accionar de manera más directa contra el Estado, organizando protestas en México, moviendo el pensamiento político con mis canciones Comunistas Millonarios y Cuba Feminicida, denunciado hechos específicos de la actualidad con base de datos en los vi-

deos (tienen muchas reproducciones), trabajo que tuvo verdaderamente un alcance, lo que molestó mucho a la dictadura. Recibí amenazas de muerte estando en México, acoso, censura…

Soy una enemiga peligrosa de ellos, estoy dispuesta a defender con mi vida esta lucha…

He aprendido a vivir con esto, soy consciente de mis actos y decisiones, y sé que no puedo regresar a Cuba porque me van a matar o terminaré presa, como mi amigo rapero Maykel Osorbo (preso político actualmente). Eso quiere la dictadura hacer con las personas y artistas que decidimos pronunciarnos en su contra para gestar un cambio.

«Nadie es Profeta en su Tierra”… Keren Kmanwey optó por el asilo político en México, donde pudo vivir por unos años y hacer carrera, produciendo material y obra que aporta a la evolución de su Ser. ¿Qué nos puede resumir de su estadía en el país que la acogió?

Sí, definitivamente México fue el lugar donde me guarecí durante tres años y medio al salir de Cuba. Nunca me sentí como en casa, la verdad. Es un país muy difícil, muy violento, diferente culturalmente a lo que somos los cubanos, alejada de mis raíces (comida, gente, música).

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Hice una vida adaptada a México, consumida pero a salvo. Logré hacer varios proyectos, como la plataforma con mi música, tuve más libertad de hacer conciertos y música en vivo, grabar y llevar un proyecto para un disco, conocí gente muy linda, y agradezco a la vida por haber puesto a estas personas en mi camino.

Sufrí bastante también, me robaron mucho (estafada en conciertos, los trabajos y casas de renta), problemas para lograr el estatus migratorio en orden. Me dieron el asilo (tardó mucho el proceso para tener los papeles y una identificación). Una experiencia más de vida, siempre se agradece cada lugar que se pisa y persona que se conoce, fue bastante importante, y creo que en mis canciones se ha reflejado. ¿Cómo ha encarado Keren Kmanwey la situación mundial del COVID19, las cuarentenas y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical?

Desde el arte, lidiar con la pandemia y con todo lo que significa ese concepto ha sido difícil. Muchos proyectos quedaron en el olvido, imposible poder producir cosas nuevas con la misma frecuencia que uno lo hacía antes.

La economía ha decaído bastante, para cualquier negocio o proyecto ha sido un golpe muy grande. Yo creo que el Sistema lo pensó muy bien, los comunistas de China (que fueron los que obviamente soltaron el virus) tenían calculado el impacto, mecanismo de control donde todos los seres humanos hemos caído, y para los artistas ha sido difícil… totalmente lo contrario del Arte que salva vida, es el Sistema que atenta contra ellas.

Durante el recorrido musical de Keren Kmanwey, ¿qué evento o Festival la han dejado marcada?

Definitivamente el Proyecto MELAH me cambio la vida, apostó por mí para que saliera de Cuba para compartir el arte en México y Colombia. Este proyecto básicamente me salvó la vida.

A partir de ahí pude tomarme más en serio mi carrera como Keren Kmanwey, el motor

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impulsor más importante para ese segundo paso de un artista (que es salir de la zona de confort, de la comunidad), y entrar a las aguas internacionales con propio contenido, y a ver ¡qué pasa! ¿Qué hubiese sido de Keren Kmanwey sin el Hip Hop? ¿En qué otra carrera se hubiese envuelto?

Yo sin el Hip Hop no sé realmente en qué hubiese terminado trabajando. Obviamente en algo que no me gusta (ja ja ja), a mi lo único que me gusta hacer en este mundo es el arte.

Soy capaz de hacer cualquier otro tipo de tarea y aprender cosas nuevas.

Siempre fui una niña muy entretenida en la escuela, con un poco de déficit de atención, y yo creo que el Hip Hop me salvó la vida, sin él ya hubiese terminado como el 90 por ciento de las mujeres cubanas (prostituyéndome) o presa. ¿Qué me hubiese obligado la vida a hacer sin la música? Tengo claro que sin ella sería una persona mucho más triste.

El Rap Latinoamericano ha ido evolucionando a pasos de gigante desde mediados de los 90’s, y a la fecha es un género tan sólido en sus naciones como sus expositores o cultores -portavoces-. Según la experiencia y visión de Keren Kmanwey, ¿cómo se encuentra actualmente el Movimiento Hip Hop en Cuba? ¿Cómo anda ese fraude estatal de la Agencia Cubana del Rap? El Movimiento de Cuba siempre se ha caracterizado de tener exponentes muy fuertes. La mayoría del Rap Hispano que escucho es de Cuba (de mis colegas y amigos). Siento que hay un estancamiento tanto en el Hip Hop como en la Cultura en general debido a toda la serie de leyes que criminalizan el arte (independiente y contestatario).

Los raperos que pertenecen a la Agencia Cubana de Rap y a la HS, pueden participar en eventos (y demás) siempre que no digan nada contrario al régimen. Ahora mismo, varios raperos importantes están en la cárcel, otros con persecución política y amenazas de muerte.

Los raperos en Cuba tienen mucho miedo, es-

tamos hablando de un régimen que lo controla todo. En el Hip Hop de Cuba falta unidad para ver dónde vamos, pero con una dictadura es difícil emprender una carrera. Algunos raperos hacemos campaña contra los decretos y leyes que criminalizan la libertad de expresión.

Hace poco, al Invasor le allanaron el Estudio de grabación, le quitaron la computadora y metieron preso por lo que canta. La Agencia Cubana de Rap y la HS no hacen nada, son cómplices. ¿Cuál es la frase, lema, verso o dicho de Keren Kmanwey? Ése que le anima, alienta, levanta, enfoca, etc. para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida “Si pude salir de Cuba, puedo hacer todo”. Alcancé mi libertad.

Tanto en Bolivia como en Chile o Argentina, muchos artistas han elevado la imagen del Comandante Ernesto “Che” Guevara, un icono que se proyectó y comercializó dentro de una neo cultura pop. ¿Cómo ha quedado esa Cuba por la que pasó Keren Kmanwey? ¿Qué experiencia de ser cubana, y vivir en Cuba, nos puede comentar?

La imagen del Che es una figura muy popular, y en Cuba específicamente los cubanos le tenemos mucho rechazo. No entendemos cómo una persona de otro país puede llegar a matar a nuestras gentes (mujeres, niños y niñas), nos parece injerencia.

En mi caso personal, que soy lesbiana, para nosotras que conocemos la historia desde adentro, la imagen de Guevara queda totalmente desmantelada, y las personas que creemos en el feminismo, rechazamos enérgicamente la figura de él. Recomiendo leer el Hombre Nuevo, donde narra sus fusilamientos y crímenes. En Bolivia se metió donde no debía, Fidel lo dejó solo… Teniendo el conocimiento de la historia, rechazo la figura del Che y todo lo que significó en aquel momento.

Contactamos para la presente entrevista en el momento exacto en que viajabas a Miami, el nuevo lugar de residencia de Keren Kmanwey.

Como KRS One dijo “Rap es algo que haces.

Hip Hop algo que vives”. Si en la medida de las posibilidades, se puede obrar y mantener actividad alguna, ¿qué proyectos tiene para el presente 2021 Keren Kmanwey?

En México la seguridad del Estado estaba buscándome para matarme, crucé por un río a Texas para pedir otro asilo político y dejar mi vida allá. En Miami es un proceso muy interesante, empezar de cero, acomodar mi vida personal para desarrollar el arte. Al llegar sacamos la última canción del álbum de La Resistencia, grabé en el Studio de Marichal, y pronto sale el disco Completo Camagüey para que todos disfruten.

Muchas colaboraciones en perspectiva, comenzar a experimentar en otros géneros musicales, viene una canción muy importante para el Festival Freaky One Fest, tengo una canción que sale pronto llamada Plantada (dedicada a las presas políticas en Cuba, más de 200 olvidadas). Quiero generar en físico mis discos nuevos de Keren Kmanwey, ya lo tengo Ké Más Keren a la venta. Habrá conciertos en vivo de Keren Kmanwey que los anunciaré.

A Keren Kmanwey la vemos, y escuchamos llevar un mensaje de amor y esperanza a comunidades más sensibles como la mexicana.

Unas palabras finales para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Keren Kmanwey.

Y ahora que estoy aquí, no dejará de ser diferente, eso es lo que Keren Kmanwey tiene de vanguardia en la música que ya hace, y cada comunidad que yo sepa que necesite mi voz, ahí voy a estar. Creo que el arte puede cambiar el mundo, creo que el amor y la positividad pueden cambiar el mundo. El creer que algo es posible, puede cambiar el mundo.

Somos energía que genera realidades, soy testigo en mi vida personal de los cambios que puedo generar a raíz de lo que quiero hacer, y obviamente el arte lo voy a usar para cambiar el mundo, y que sea un mejor lugar.

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Adokines

Punk Rock desde la Patagonia Chilena

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uego de un inicio a base de covers de sus bandas favoritas, nacen las primeras composiciones originales de Adokines, una banda procedente de la Patagonia, en Chile.

La banda obtuvo un segundo lugar en el Concurso de Bandas Regionales del Casino Dreams Coyhaique (Chile) en diciembre del 2019, así como nominaciones a los Premios Pulsar de Chile en la categoría “Mejor Banda de Rock” en febrero de 2020, y nominación a los Premios Índigo en la categoría “Banda Revelación” en octubre de 2020.

Fueron finalistas en los concursos españoles “Mejor Ensayo o Directo” de junio del 2020, y en el concurso “Videoclips de Hard Rock y

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Metal” de agosto del 2020. Dos de sus integrantes, Pablo “Lokyllo” Rodríguez y Franco “Perro” Andrade, dan respuesta a la entrevista.

Adokines, Punk Rock desde la Patagonia Chilena

Saludos! Adokines es una banda relativamente joven. Me gustaría me comentaras brevemente sobre los orígenes de la banda.

Hola, amigos. Como indicas, Adokines es una banda joven que nace en agosto del 2016.

La banda se origina con los amigos Franco Andrade y Pablo Rodríguez. Nosotros éramos amigos desde la adolescencia, haciendo música desde el año 2005. Claro que en otro contexto, y tocando algo muy distinto a lo actual, pero de ahí se surge.

Pasaron los años y el 2016, después de muchos años, pudimos reencontrarnos en nuestra ciudad natal, Puerto Aysén, en la Patagonia Chilena. En abril de ese año retomamos

Entonces, de qué grupos podemos decir que emergió la estructura musical de Adokines, o sea, sus influencias más notorias Muchas bandas, tanto nacionales como internacionales, las podemos considerar como influencia. Dentro del Rock Nacional Chileno encontramos bandas como Los Prisioneros, Los Miserables, Fiskales Ad-Hok, Machuca, Pegotes, Chancho en Piedra y Sinergia, como mayor influencia en lo que es música, letra y/o actitud.

Dentro de lo internacional tenemos fuertes influencias de 2 Minutos, The Ramones, Bad Religion, La Polla Records, Attaque 77, por nombrar algunas.

A los pocos meses de formados graban un primer sencillo, el cual se incluyó en un disco compilatorio de la región. ¿Qué tal fue la reacción del público con este primer tema?

Fue una gran sorpresa para nosotros que nos consideraran para ese compilado. En ese tiempo existía una organización llamada Aysenrock que realizaba eventos y otras producciones. comunicación y la propuesta de hacer una banda junto a nuestro amigo Daniel “K-po” Flores.

Primero con el motivo netamente de hacer ruido los fines de semana tocando canciones de nuestras bandas favoritas para “desestresar” el cuerpo y la mente. Cuando concretamos el primer ensayo, nos dimos cuenta que existía la posibilidad y facilidad de ensayar frecuentemente, y con ello vinieron las primeras composiciones originales. Y de un momento a otro, nace Adokines. ¿Cómo se puede catalogar a Adokines? Me refiero a su propuesta musical.

Nuestra propuesta original era Punk Rock, considerando además el sonido potente que puede entregar un Power Trío. En el tiempo fuimos agarrando algunas variables que nos llevan a otros lugares del Rock, pero siempre con la mentalidad de hacer música que nos haga feliz a nosotros mismos.

Fue realmente un honor poder participar en este proyecto. Dentro de los dos primeros meses de existencia de Adokines salieron cuatro temas propios. El segundo tema creado se llamó Mi Red Social. Este tema era una crítica con toques humorísticos de la obsesión por las redes sociales.

Además, se consideró como “un palo” para nosotros mismos, ya que todo nuestro nacimiento como banda fue bien interactuada en nuestras redes sociales personales. La reacción fue variada por la audiencia, ya que inicialmente no nos sentíamos capaces de grabar algo propio, y de cierta forma mostrábamos esa imagen al resto.

Por consiguiente, la gente encontró simpática nuestra propuesta, con ideas frescas, letras graciosas e irónicas. Musicalmente, existió como la sensación de que podíamos mejorar, y se notaba que éramos una banda en nacimiento.

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Para finales de 2018 graban su primer álbum. ¿Qué nos puedes comentar en relación al proceso de promoción y distribución de este material dentro y fuera de Chile?

La elaboración del álbum era un sueño para los integrantes de la banda. Era algo que veíamos lejano. Nos animamos a hacerlo, ya que teníamos una buena cantidad de temas propios, y muchas ganas de tener el primer hijito musical.

El disco lo grabamos en agosto del 2018, y fue lanzado a fines de diciembre del mismo año.

Se realizó promoción por medio del Facebook de la banda, que en ese entonces era la única red social oficial. Se lanzó un video promocional, donde se mostraban extracto de las canciones, con imágenes del proceso de grabación. Mucha gente reaccionó positivamente.

Se lanzó el disco físico primero, afuera de la biblioteca municipal de Puerto Aysén. Nos llamaron de una radio local, la gente estuvo viéndonos en vivo, y vendimos las primeras copias. Fue una jornada muy alegre, nos sentíamos en las nubes. Posteriormente, el disco aparece en formato digital en las plataformas de streaming.

Otro gran paso, ya que nos obligó a oficializar

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las plataformas de Spotify, YouTube y/o Deezer, y conocer otra forma de distribuir nuestra música, lo que permitió que llegará a otros rincones de Chile y saliera internacionalmente.

El disco se siguió vendiendo y promocionando durante el 2019, 2020, y se terminó de vender la última copia física de primera edición a comienzos del 2021. ¿Cómo fue recibido en ese entonces este primer trabajo de la banda en la escena chilena?

En la escena regional avanzó en los primeros meses, y ya nos hicimos un nombre en el año 2019. Decidimos darle un plus, y grabamos nuestro primer videoclip de la canción No se Fía. Esto nos abrió el camino, logrando destacar a nivel nacional, siendo nominados a premiaciones y saliendo en radios FM y online.

En general, la crítica ha sido positiva, destacando nuestra originalidad en las temáticas, buen sonido, y una actitud admirable. ¿Quiénes son actualmente los integrantes de la banda? ¿Han tenido experiencias anteriormente en otras bandas?

La banda la componen tres integrantes: Franco “Perro” Andrade en bajo y voz, Pablo “Lokyllo” Rodríguez en guitarra y voz, y hace poco tiempo tuvimos el segundo cambio de baterista, entrando a la banda Rodolfo

“Pol” González en batería y coros. La experiencia en bandas ha sido variada.

Existe un camino recorrido desde el 2004 en adelante, por lo que se ha pasado por varios proyectos musicales de diversos estilos por parte de los integrantes que actualmente componen Adokines.

En nuestra región de Latinoamérica en la actualidad, la violencia y la corrupción están muy presentes. ¿En su propuesta lírica tratan de denunciar estos males que acontecen? ¿Cuál es la temática de las letras de Adokines?

En un comienzo la idea era dar a entender ciertas cosas o situaciones molestas, pero más bien desde un punto de vista sarcástico, e incluso humorístico. Al pasar el tiempo, y considerando las situaciones actuales, claramente estamos identificados y comprometidos con las injusticias que suceden a nivel global, es por eso que nos sentimos con la responsabilidad de hacer hincapié en ello y no hacernos los locos.

Nuestra propuesta trata de dejar en evidencia situaciones que pueden causar molestias, pero en algunas líricas se encuentran ocultas, y hay que hacer una doble lectura. Por ejemplo, hacemos una crítica al consumismo, pero lo disfrazamos en una historia donde el protagonista no tiene dinero para pagar la renta, pero sí para alcoholizarse buscando situaciones para escapar de esta responsabilidad.

Sin embargo, estamos trabajando en algunas temáticas que presentan un mensaje más directo, considerando situaciones sociales ocurridas actualmente, donde el enfoque de la banda puede cambiar, generando una nueva propuesta que esperamos sea bien recibida. ¿Qué tal es la movida en la Patagonia? ¿Qué opinión pueden dar de la escena en el resto de Chile?

La Patagonia Chilena es un lugar bien recóndito con poca población. Encontramos gran inspiración, y los espacios se abren para poder presentar propuestas musicales y/o artísticas.

Hay opciones, existen lugares en donde se puede tocar música en vivo, se puede realizar

intervenciones en plazas o parques, o incluso hay la posibilidad de realizar eventos masivos como festivales.

En general, la gente destaca y respeta a sus artistas. A nivel nacional, se puede encontrar situaciones similares, solo que la frecuencia es mayor. Existen sectores que aprecian ver a sus bandas emergentes tocando sus canciones, hay espacios para surgir, y pareciera que cada vez hay más posibilidades de mostrarse, o por lo menos era así antes de la pandemia.

Esperamos que la situación repunte al terminar toda la contingencia sanitaria.

Con esto de la pandemia del Covid-19, muchas bandas han optado por presentaciones vía streaming, y me imagino Adokines no ha estado ajeno a esto. ¿Qué han estado haciendo en todo este periodo de cuarentena para mantenerse activos?

La pandemia nos trajo, agraciadamente, la posibilidad de mostrarnos a nivel internacional.

Al comienzo de la pandemia, logramos una mayor interacción con un público extranjero.

Se presentaron las primeras entrevistas internacionales, mayor utilidad del Instagram Live, y un crecimiento sustancial en la interacción en las redes sociales. En abril del 2020 nos juntamos con dos bandas locales, Soulblack Gen y Bongazo, y realizamos la primera presentación Streaming totalmente auto-gestionada por las bandas. No teníamos idea de cómo transmitir, pero logramos sacar un sonido directo haciendo un par de conexiones.

Después de esta situación, se abrieron más espacios, se generaron más nominaciones a concursos, invitaciones a festivales nacionales e internacionales online, y participación en compilados internacionales. Por otro lado, se aprendió bastante en edición de fotos y videos para mantener activas las redes sociales, producción de merchandising como gorras, camisetas y otros.

Todo esto nos llevó a ser escuchados en varios países de Latinoamérica, Estados Unidos, México, e incluso en Europa.

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Aysenino es el EP que lanzan a fines del 2020, y luego se lanza en físico en formato cassette.

Coméntame sobre este trabajo.

Aysenino nace inicialmente para mostrar nuestra evolución con la llegada del segundo baterista de la banda, Ricardo “Travis” Valdebenito. Considerando esto, decidimos hacer un EP en vivo, con nuestras canciones retocadas y una canción nueva.

Para darle un poco de sabor, decidimos lanzarlo en formato documental para la plataforma YouTube, en donde consideramos pequeñas reseñas que indican el valor de vivir en Aysén, nuestra localidad en la Patagonia Chilena. Aysenino es el gentilicio de los habitantes de Aysén. La grabación fue realizada en Valle Pangal, un sector retirado de la urbanización.

En el lugar hay naturaleza, paisajes hermosos, unas cuantas cabañas, y el dueño, que es un amigo motoquero, quiso colaborar de forma inmediata con Adokines. Fue un éxito para nosotros, es el vídeo con más reproducciones en nuestro canal de YouTube. Tuvo reseña en la prensa nacional, e incluso salió en la TV regional.

Al ser una producción de corta duración, quisimos presentar un formato físico de colección,

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en donde se realizaron unas cuantas copias en edición limitada en Cassette. Actualmente nos quedan menos de 10 copias, y estamos totalmente agradecidos de la gente que compró este material, y en muchos de los casos no tienen una casetera para reproducirlo.

En este año 2021 la banda pasa a formar filas del sello discográfico C.F.A (Corporación Fonográfica Autónoma). ¿Qué representará esto para la banda?

Como banda, consideramos que es un salto grandísimo ser parte de la C.F.A. Imagínate, estar presente ahí mismo con bandas que siempre escuchaste de muy chico, como Fiskales Ad-hok o Los Peores de Chile. Y que esas mismas bandas te influenciaron y fueron las que te motivaron a hacer música es realmente impresionante y motivante para nosotros.

Es como llegar a las grandes ligas. Es señal de que las cosas de apoco se van dando, considerando que eres de un lugar tan lejano, tan austral, y, por supuesto, es un gran impulso para seguir trabajando en equipo para llegar más lejos.

Estamos muy agradecidos de Dennis Dañobeitía, productor de la C.F.A, que nos ha apoyado desde el instante que ingresamos al

sello. Se nota el compromiso y la actitud por realizar las cosas bien para las bandas.

Me imagino que en este periodo de aislamiento debido a la pandemia lo han estado aprovechando en grabar nuevo material. ¿Algún próximo álbum de la banda?

Sí. En realidad, nunca dejamos de estar conectados con la banda. Antes de que se retirara nuestro primer baterista de la banda, ya estaba la idea de realizar un nuevo disco, pero probablemente con una temática muy distinta a la que tenemos planteada actualmente.

La llegada de Rodolfo “Pol” González nos dio una nueva motivación. De cierta forma aceleró el proceso de elaboración del disco, por lo cual en el periodo actual estamos totalmente activos en la elaboración y concreción del segundo álbum de estudio.

La temática a abordar es distinta, generando una crítica social más directa, principalmente enfocada a una revuelta social ocurrida en el año 2011 en Aysén, en donde la comunidad se alzó debido al abandono y centralismo de nuestras autoridades. Pero de igual forma, se presentan canciones con críticas, pero de forma un tanto irreverente y sarcástica, manteniendo la esencia de banda. Es un nuevo desafío, en donde estamos muy contentos para

estrenarlo. ¿Cuál es su principal meta como banda en general? ¿Cómo ves el futuro de Adokines?

A lo largo de nuestro camino recorrido hemos ido concretando muchas metas o propósitos.

De partida nunca pensamos ser reconocidos nacionalmente.

Actualmente queremos concretar nuestro segundo álbum, siendo la meta más cercana, y esperamos tener un bonito recibimiento. A nivel general, un lindo objetivo es poder tocar fuera de nuestro país, conocer otras culturas tocando, y salir de gira con la banda. ¿El futuro de Adokines? Bueno… Como gran parte de las bandas y/o artistas, y al mismo tiempo las personas que asisten a recitales, esperemos en un futuro no muy lejano poder estar presentándonos en vivo nuevamente.

Creemos que lo que necesita tanto el artista como el público es que se puedan volver a dar esos momentos en vivo, donde la energía es una sola. Aún nos queda un largo camino por recorrer para seguir encaminándolos con Adokines.

Bien, hemos llegado al final de esta entrevista. Si deseas añadir algo más, pues adelante.

Aquí tienes el espacio.

Nuevamente agradecer el espacio para mostrar nuestra música. Estamos muy contentos que se nos considere, que nuestra música rompa ciertas barreras. Estaremos trabajando día a día para dar lo mejor de nosotros. De igual forma, estaremos siempre apoyando a las bandas.

Todos merecemos ser escuchados, porque hay mucho que escuchar aún. No olviden visitarnos en nuestras redes sociales y a compartir nuestro contenido. El rock seguirá vivo mientras existan personas que lo disfruten.

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Sergio Antezana un cantante que toca la guitarra

C

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uando empecé a salir de noche luego de mi bachillerato, recuerdo el mítico Pub Pánico, donde tocaban las bandas de Rock Alternativo y otros referentes de la movida paceña. Entre aquellas agrupaciones emergentes estaba la de Sergio Antezana, especialistas en interpretar el mejor Grunge que fluía en boga aquel fin de año del 94, luego de la muerte de Kurt Cobain de Nirvana, y el boom mundial de la música hecha en Seattle, USA. La escena paceña se debatía entre Festivales colegiales, Discotecas y Pubs culturales que acogían la música en vivo. Siempre estarán grabadas en mi alma aquellas veladas meta-

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leras que abrían mi camino al fascinante Rock & Roll y la vida nocturna, al Pub y ese brillo que inspira a los artistas y sus seguidores para encontrarse en sus salidas con uno mismo, y regresar a casa con los parlantes del alma retumbando en el corazón.

Muchas gracias Sergio Antezana por mantener vigente la música en tu vida, por ser un referente dentro de la Escena Cultural de La Paz y Bolivia. Gracias por tanta música hecha canción y verso, un fuerte abrazo a la distancia dentro de nuestra enigmática hoyada y ciudad del Illimani.

En especial para LaCarne Magazine, conversamos con un portavoz cultural y músico boliviano lleno de ritmo, armonía y melodía.

Sergio Antezana, un cantante que toca

la guitarra

Luego de casi un año y medio de sobrevivir al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo estás actualmente?

La verdad, sanando todavía. Se han ido colegas queridos, parientes, amigos, gente que admiraba. Creo que ha sido y seguirá siendo un tiempo duro para todos nosotros. En lo musical, la pandemia también me afectó. La cuarentena llegó cuando estaba en media grabación de mi más reciente disco: Botella al Mar. Así que paramos unos meses y volvimos cuando las cosas se abrieron.

De hecho, la mezcla la hicimos virtualmente.

Lo normal hubiera sido que yo esté en el Estudio escuchando las canciones en sus parlantes que son más finos y que se usan justamente para estandarizar las mezclas, pero no se podía, así que me enviaban las canciones mezcladas, y yo las tenía que escuchar en to-

dos los aparatos que podía en casa para poder tener una idea de cómo realmente sonaba.

Ahora lo veo como gracioso, pero realmente eso hizo que nos tome más tiempo del usual.

Lo mismo para presentar el disco. Mi idea era hacer un streaming, pero se enfermó de COVID el bajista, así que lo postergamos de diciembre a enero, pero ese mes se enfermó el tecladista, y en marzo me enfermé yo. Así que desistí de la idea y me dediqué a hacer un video que salió en julio. Por suerte, todos salieron sin muchas complicaciones.

Sergio Antezana, ¿cómo naces a la vida musical?

Cuando era chango, unos catorce años, mi mamá me dijo: “o estudias algo esta vacación o te meto a Corte & Confección”.

Así que me fui a buscar clases de lo que sea, LaCarne Magazine

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y encontré un Instituto de Guitarra Clásica que sólo pasaba clases dos horas a la semana.

Así que me inscribí pensando que con eso me sacaba a mi mamá de encima, pero terminé amando el instrumento y practicando cuatro horas diarias durante años.

Sergio Antezana, ¿qué influencias artísticas has recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en ti?

Comencé tocando mucho Rock de los noventas en los boliches de mi época: Zona Franca, Pánico, etc. Luego, a mediados de los noventa, me acerqué a la Música Latinoamericana.

Entré a ese mundo de la mano de Savia Nueva y Silvio Rodríguez, pero encontré muchísimas cosas más: Víctor Jara, Sui Géneris, Santiago Feliú, Sobrevigencia… En fin, estuve muy metido en eso entre 1995 y 2005.

Luego, gracias a Fito Paez y Serú Girán comencé a escuchar más Rock Argentino, retomé el gusto por la batería y el bajo. De ahí también salieron canciones diferentes y un disco en esa onda.

Entre 2010 y 2018 retomé el Rock, armé un grupo alrededor de algunas canciones que había estado componiendo y que encajaban más con los noventas que con otra cosa. Estuve con ese ensamble varios años, y fue lindo volver a tocar la eléctrica y usar distorsión.

Una breve reseña de tu carrera como Sergio Antezana hasta el presente, ¿cómo surges en el proyecto musical de la vida?

Pues me considero una persona muy flexible y multifacética. Puedo ponerme a guitarrear con un grupo de Folclore lo mismo que con un grupo de Rock que toque clásicos de los noventas.

Mi voz es relativamente grave, así que comencé a cantar cuando mi banda de colegio comenzó a hacer Pearl Jam. Hasta antes de eso siempre me consideré un guitarrista más que un cantante. Hoy en día, me veo como un cantante que toca guitarra.

Para los artistas, los títulos y postgrados son

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sus propias obras, discos, canciones, etc. ¿Cuál es la discografía de Sergio Antezana a la fecha?

Los primeros dos discos como Sergio Antezana son una onda entre Trova y Música Latinoamericana: Tu Sangre Triste y Oscura (2002), Sencillo (2004). Luego, hay un disco con una onda medio de Rock Argentino y un poco de latinoamericana, Caligramas (2009).

Después salen dos discos (un LP y un EP), que son más en la onda de Rock noventero y que no salen con mi nombre completo, sino como Antezana, que era el apodo que tenía en el colegio y que me hacía recuerdo a esa época noventera de mi vida: Antezana (2013), Miedos (2015).

Finalmente, este 2020 salió Botella al Mar, que tiene un poco de Folklore, canciones más íntimas (acordeones, una harmónica, un cello), con algo de electrónica y guitarras eléctricas.

Coméntanos de la producción audiovisual que has realizado como Sergio Antezana a la fe-

cha, ¿cuál es la videografía de Sergio Antezana?

He realizado tres videoclips: Antes de Partir, para el disco Sencillo (2005), Síntesis para el disco Antezana (2013), y ¿Qué voy a hacer? para el disco Botella al Mar (2021).

Cómo te fue con el álbum Botella al Mar (que estrenaste el 2020) en formato USB, súper original, en forma de botellita de mar, con cajita de madera. Conceptual manera de presentar la música y haciendo una excelente alegoría al nombre del disco, manera inteligente – creativa de llegar a la gente. ¿Qué anécdotas puedes rememorar de la producción?

La idea de que sea un USB surge ya que un colega músico me pidió escuchar su CD en mi aparato de música. El suyo no tenía bandeja de CD y tampoco su Laptop. Ahí me di cuenta que, si ni los músicos tenemos aparatos de CD, el público menos. Entonces, comencé a buscar la manera de que sea un USB. De ahí encontré que podía tener forma de botella, etc.

Eso le da una personalidad nueva al disco.

Además, que cierra todo el concepto inicial:

son mensajes (canciones) que se hacen sin conocer si tendrán o no destinatario, y que eventualmente llegarán al mar de música digital que tenemos entre plataformas de streaming, YouTube, etc.

La preproducción nos tomó casi dos años, y participaron amigos de todas las épocas: Jimbo de Sobrevigencia, Sigur Ríos de Pervclub, Santiago Irazoque de Oz, Maco Flores de Walkman y Alejando Rivas, que nos grabó el acordeón desde Bélgica. Fue toda una mescolanza de cuates y estilos. ¿Qué nos puedes comentar de tu experiencia recorrida dentro de la Movida musical en Bolivia? ¿Qué nos puedes rememorar en estos más de 25 años de escena y propuesta?

En estos años vi pasar cosas que no creía posibles. Cerraron casi todos los sellos discográficos, casi no hay tiendas de música, pero hay mucha más oferta de instrumentos, de cursos, de estudios. Pareciera que la industria se cierra, pero al mismo tiempo se vuelve a abrir.

Cada tanto se recicla y se renueva con gente

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talentosa, nuevos grupos, nuevas propuestas.

Creo que somos un país con excelente calidad musical.

Sergio Antezana, ¿cómo has encarado la situación mundial del COVID19, las cuarentenas y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical?

Al inicio, como todos, tratando de hacer música para acompañar a la gente en su encierro.

Luego más enfocado en terminar el disco y lograr un producto de calidad en lo musical, y en el soporte mismo con el USB. ¿Con qué artistas has tenido el gusto de compartir escenarios y trabajar codo a codo? ¿Qué evento o Festival te han dejado marcado?

He sido invitado por algunos artistas importantes de Bolivia como Atajo, el Papirri, el Grillo, entre otros. Aunque nunca he grabado con ellos. Me siento muy orgulloso de que Jimbo Illanes de Sobrevigencia haya participado en mi nuevo disco. Era algo que busqué hace años.

El festival que más recuerdo se llama Víctor Jara, y se hace cada año en Santiago de Chile. Yo estaba allá y toqué en una versión a principios del 2000.

son tus preferidas para interpretarlas hoy y siempre? ¿Qué temas lo identifican con su público y se han convertido en sus referentes?

La canción Desde Hace Algún Tiempo sale en el disco Sencillo, y es una de las que más conoce mi público. Es una de esas canciones que te hace pensar que realmente puedes hacer música, puedes crear composiciones, y creo que es de mis favoritas por eso. La más popular en YouTube es Antes de Partir, de lejos. La que más sonó en radios fue, sin duda, Síntesis, primer corte del disco Antezana.

El mundo y su matrix -en el que hemos vividoha cambiado para siempre desde la llegada de las cuarentenas, y los “shows en directo” se han visto transformados en “streamings” o “shows virtuales”. Sergio Antezana, ¿cómo te fue con la nueva experiencia de hacer música en “vivo”? ¿Has participado de alguna nueva forma de hacer música en directo?

Hice un streaming en plena pandemia cuando todavía no nos dejaban salir a ningún lado. La gente se conectó mucho con las canciones, y creo que fue muy lindo. Me parece que se abusó un poco de la idea, y que, ahora que hay más movilidad, hay que buscar aprovechar los espacios abiertos y volver a tener algo de contacto con el público.

En el mundo de la trova, la guitarra, el canto y la poesía, en Bolivia hay una Movida que se ha venido manifestando paso a paso con los años. ¿Qué nos puedes comentar de la Escena Musical en la que por lo general te has desenvuelto? ¿Con qué colegas ha tenido el gusto Sergio Antezana de compartir canciones o hacer colaboraciones?

Mucho con gente de mi edad, como los Negro y Blanco, Entre 2 Aguas y Quimbando, aunque las búsquedas musicales luego cambiaron y cada uno fue por su camino: unos fieles al género, otros más tirados al Rock, al Jazz, y así. Creo que es una escena muy creativa, y a mí me sirvió para hacer cada vez mejores canciones, para ocuparme más de las letras, para conocer nuevos artistas y estilos.

¿Cuál es la experiencia de Sergio Antezana dentro de la Nueva Era en el uso que le estás dando a las plataformas digitales para la difusión de tu mensaje musical?

Mi música está en todas las plataformas que hay con el nombre Antezana, que es el perfil que inicié con la banda y que dejé para no crear muchos alter egos. Creo que es vital estar en plataformas y cada tanto moverlas, activarlas, compartirlas para llegar a más gente.

Sergio Antezana, de la voz a la guitarra como alternativa de canto

Estuve disfrutando en tu Facebook #MisDiscos, donde revisas tu material como Sergio Antezana y nos alientas a escuchar buena

Sergio Antezana, ¿qué canciones originales

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Me parece que el futuro de la música está en las plataformas, casi nadie compra discos.

Muchas personas usan las plataformas como antes usábamos la radio, es decir, para conocer nueva música, para escuchar un estilo en particular, etc.

música. Como buen melómano, ¿qué discos recomiendas para irse de viaje o vacaciones? ¿Qué material es tu cabecera de todos?

Dentro del Rock, recomendaría el VS de Pearl Jam, el Dark Side of the Moon de Pink Floyd, el Icky Thump de White Stripes, el Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chilli Peppers, el Throwing Copper de Live y el Jagged Little Pill de Alanis Morrissette. Creo que son buenos compañeros de viaje y discos que puedes escuchar muchas veces.

En una onda más cantautor: Silvio Rodríguez, los discos Mujeres y Al Final de Este Viaje, Tom Petty – Wildflowers, Fito Paez, los discos El Amor Después del Amor y Naturaleza Sangre, Sui Géneris: Vida y Confesiones de Invierno, Jorge Drexler los discos Eco y 12 Segundos de Oscuridad. Creo que son discos impecables que se pueden escuchar sin pasar un tema, y con muchos cambios de humor y de ritmos.

Sergio Antezana, desde tu perspectiva y experiencia, en Bolivia actualmente ¿cómo encuentras el Movimiento Cultural de Música Contemporánea, el público y el mercado?

En general, el mercado se ha reducido a tocar en vivo, ya casi no se vende discos. Creo que eso ha perjudicado a los artistas que no hacemos música comercial, y que no buscamos tocar en una fiesta cada semana. Pero ésa es la tendencia en todo el mundo.

Creo que, si bien se habla de que el mercado se ha ampliado con lo digital, también se ha achicado por la menor venta de discos. Antes había un número reducido de radios que podías usar para mover tu música. Hoy en día hay muchas plataformas, pero al mismo tiempo estás compitiendo con toda la música del mundo. Eso es muy complejo. ¿Cuál es tu frase, lema, verso o dicho? Ése que te anima, alienta, levanta, enfoca, etc. para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida.

Herman Hesse dice algo como esto: “Prefiero a la gente que está dispuesta a morir por lo que cree, que la que está dispuesta a matar”.

No creo que yo podría decirlo mejor.

Sergio Antezana, ¿qué les dirías a las personas que quieren incursionar en la música y en su creatividad melódica? ¿Algún consejo en particular?

Que nunca se olviden de jugar. Que hagan melodías divirtiéndose, jugando con las notas, moviéndolas de lugar y que escuchen lo que la canción pide. Que no pongan su ego delante de la música.

Pude observar en tus redes sociales que entraste al Estudio de Alvaro Gaviota para registrar nueva obra. ¿Qué nos puedes comentar al respecto? ¿Qué proyectos tiene Sergio Antezana para el presente 2021?

Este 2021 estamos haciendo los borradores del nuevo disco. Espero que entremos al Estudio al año, y ojalá terminemos el 2022 con un nuevo disco. Ya están las canciones, sólo estamos haciendo los arreglos.

Entré al Estudio del Álvaro Gaviota para una producción diferente. Se trata de una canción que será parte de un homenaje de varias bandas de Rock a otros contemporáneos. Debe salir el 6 de agosto como parte de Sonidos de Acá, un programa de difusión del Rock nacional.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música, y para los nuevos seguidores de Sergio Antezana.

Primero que nada, gracias por escuchar mi música, y a la revista por darme un espacio para llegar a más gente.

El nuevo disco de Sergio Antezana sale a plataformas en septiembre, y espero que les guste esta nueva propuesta que no se parece a ninguno de los discos anteriores, pero que tiene siempre las mismas letras intimistas y las mismas manías de amor / desamor en las temáticas. Una novedad en cuanto a letras es que hay dos canciones para mi hija.

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Último Eco

rompiendo fronteras con su nuevo disco Último Eco, rompiendo fronteras con su nuevo disco Unobtainium LEER MÁS

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e Murcia han salido muy buenas bandas, y muestra de esto lo es Último Eco. Esta agrupación española en estos precisos momentos se encuentra presentando y promocionando su nuevo material discográfico, Unobtainium, el cual ha tenido muy buena aceptación no solo en España, también fuera de su país.

La entrevista la responde Joakin, bajista de la banda.

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Muy buenas y bienvenidos. Primero que todo, cuéntanos cómo nace Último Eco y qué intenciones tenían por aquel entonces.

Es curioso, porque Último Eco nace de un grupo de amigos que, casualidades del destino, tocábamos los instrumentos perfectos para empezar a hacer versiones, porque, como la mayoría de bandas, se empieza haciendo versiones, con la particularidad de que nosotros hacíamos de todo, desde Rock hasta Pop, pasando por baladas, etc., lo que nos ayudó bastante a coger la técnica que en aquel momento y de forma autodidacta podíamos coger, y beber de varias fuentes.

Toda banda, o en su mayoría, con el transcurso de los años sufren cambios de alineación. ¿Ha habido algún cambio en Último Eco o sois los músicos de los inicios?

En nuestro caso, y tras varios años tocando juntos, podemos decir que ha habido un cambio y medio. Ramón empezó tocando la guitarra y cantando, que en este estilo es un currazo curioso, porque además hacía solos cantando.

En una determinada época, me fui yo y entró Miguel Ángel (Pla) a tocar el bajo, y tras un periodo volví, y Pla pasó a ser guitarrista y yo al bajo. Al tiempo, el relevo de Pla fue tomado por Juan Miguel, nuestro actual guitarrista, y hasta ahora se ha mantenido así.

El primer disco de Último Eco en formato EP salió en el 2018, así que coméntanos un poco sobre este primer material Gigantes Sin Nombre. ¿Cómo fue recibido por la crítica y el público?

En este caso va a contestar Noé, puesto que yo (Joakin) hice el parón justo después de grabar el EP. Al no tener el impacto que ha tenido Unobtainium, el EP costó un poco más de esfuerzo sacarlo adelante.

Unobtainium Último Eco es una banda donde encontramos desde sonidos más a lo metal como también alternativo, con influencias de Metallica, Volbeat, Hamlet… ¿Cómo se podría catalogar a Último Eco en cuanto a su propuesta musical?

Metal Alternativo. Todos los componentes de Último Eco venimos de estilos diferentes de música, de referencias distintas, y, por supuesto, ídolos diferentes, lo que en principio puede ser un caos. Imagínate, uno viene de Söber o Avenged Sevenfold, otro de Slash, otro de escuchar desde Hip Hop hasta Reggae, hasta el que viene de tocar Barricada o Rage Against the Machine.

Al final todos los ríos van al mar, y en ese mar, con todas las influencias de cada uno, nació nuestro sonido.

Realmente, hasta que no tuvimos el golpe de suerte de tocar en directo, apenas se conocía, así que, al escuchar en directo al grupo, fue cuando la gente se animó a adquirir el Gigantes Sin Nombre. ¿Qué puedes decir de las intervenciones de Último Eco en conciertos con bandas como Skunk DF, Leo Jiménez, Celtibeerian, Darknoise…? ¿Qué ha significado esto para Último Eco y sus integrantes?

Lo que creo que cualquiera en nuestra posición puede decir: es un orgullo y un honor tocar con bandas que has admirado desde niño, con artistas que desde que los escuchaste la primera vez te han acompañado durante toda la vida, y, en mi caso particular, descubrir grandísimos músicos y personas que de otra forma no habrías podido conocer.

Para Último Eco significó un antes y un desLaCarne Magazine

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pués, un querer mejorar día tras día, y de alguna forma volver a reencontrarte con ese niño interior que quería ser como su artista preferido. Creo que hablo por todos cuando digo que para nosotros fue ese empujón a querer mejorar de cara a este disco, y esperamos haberlo conseguido.

En este año 2021 Último Eco sacan el álbum Unobtainium. Coméntame sobre este disco. ¿Hay diferencia entre su anterior EP y este nuevo álbum?

Hay una gran diferencia de calidad en el sonido, de madurez en las canciones, y de calidad personal. Como decía anteriormente, el haber conocido a AMIGOS de este mundillo que es la música, haber compartido tablas con bandas a las que admiras, y haber compartido algunas batallitas, nos hizo reinventarnos en cuanto a todo.

Para su primer álbum Unobtainium, Último Eco contaron con ayuda de un productor, quien también participa como vocalista en el álbum. ¿Cómo se logró esto? ¿Hay buena amistad con este productor? ¿Algún otro invitado en este álbum debut de Último Eco? Por supuesto, Juan desde el minuto 0 nos propuso grabar un tema para probar, y en ambas partes quedamos muy contentos con el primer resultado. Si algo tiene muy bueno Juan es que sabe lo que hace, y hasta que el resultado no sea óptimo no está contento, es su sello de calidad, y para nosotros era perfecto.

Cuando todos quedamos de acuerdo, Ramón propuso grabar un tema en colaboración con él, y Juan aceptó encantado. Se hizo una simbiosis tremenda entre grupo y productor, y creo que en El Hombre Sin Rostro quedó plasmada perfectamente.

No olvidemos que Juan fue el cantante de La Skala de Richter, una bandaza, y actualmente milita en Anhedonia, que darán aún más que hablar.

Esto nos motivó a pensar en otra colaboración, y casi como por telepatía todos pensamos en Jesús Maciá, cantante de Darknoise, y es que, si ya contábamos con Juan Nigrum,

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¿por qué no probar a ver si otra de las grandes voces del metal murciano nos acompañaba?

Por supuesto, le preguntamos y accedió al instante.

La amistad que tenemos con ambos es muy grande, pero pienso que el respeto y la humildad en este mundillo también unen muchísimo, y de eso las tres partes vamos muy bien.

Desde aquí me gustaría agradecer a Juan y Jesús su participación en el disco. Sois muy grandes. ¿Cómo ha sido la aceptación de su álbum en la escena internacional? ¿En qué países han tenido referencia sobre este álbum?

Esto sí que nos tiene muy sorprendidos. Ya cuando Último Eco lanzamos Fuerza y Miedo como Single, e hicimos el Video Lyric, nos sorprendió la gran respuesta que tuvo en medios de Portugal o Costa Rica, joder. ¿Quién pensaría que íbamos a cruzar el charco con un single?

Ahora con el álbum hemos visto que nos escuchan en Perú, Brasil, El Salvador, Bolivia, Alemania, Ecuador y hasta Estados Unidos entre otros. Para nosotros ha sido un subidón, y estamos muy agradecidos.

¿Qué opinas de la evolución musical? Muchos dicen que las bandas optan por esta definición para camuflar su venta al consumismo.

Toda idea es muy respetable. Para nosotros esto es algo que nos apasiona. No tenemos la pretensión de ser lo más grande que hay en el mundo. Para nosotros es algo que nos gusta, tenemos un mensaje, queremos compartirlo, y si gusta, mejor, pero sin olvidar nunca de dónde venimos, cómo empezamos.

Es importante no olvidar tus inicios y tenerlos presentes siempre, y saber valorar el esfuerzo que, colectivo e individual, sé que puede sonar a tópico, pero si cuando llegues arriba (que a nosotros aún nos falta mucho camino) no tienes una buena base, caerás pronto. ¿Cómo ha afectado la pandemia a los planes de Último Eco? ¿Cómo han aprovechado el tiempo estos últimos meses?

Imagínate, nos llegó en un gran momento, no parábamos, incluso teníamos concierto un día, y al siguiente, a las pocas semanas, tuvimos el concierto con el gran Leo Jiménez, y de golpe y porrazo y con algunas fechas cerradas llegó el bicho.

De primeras te desorienta y te hace reflexio-

nar. Joder, echas de menos ese ajetreo de este fin de semana voy a tal sitio a tocar, ensayos, carga, descarga, monta, desmonta, y déjate la piel en el escenario. Nos obligó a parar la composición de Unobtainium, pero esto más que un grupo es una familia, así que hablábamos y nos animábamos unos a otros, y pronto volvimos a componer cada uno en casa.

Bendita tecnología que a veces llega a acercar a la gente. De modo que entre covers, porque sí, también nos sumamos algunos de nosotros a esto de las covers que tan de moda se puso, hicimos parte del álbum. Así que de alguna forma se aprovechó el tiempo en el sentido creativo y en el ámbito personal, nos permitió tener tiempo para crecer como músicos. Siempre hay que sacar algo positivo. Último Eco han tocado en varios festivales españoles. ¿Cómo han sido estas experiencias?

Por suerte siempre han sido muy gratas. Somos gente que no ponemos problemas para tocar ni para compartir amplificadores. Si podemos ayudar, siempre estamos dispuestos.

Todos podemos aprender y enseñar, ¿no? Ya no solo los músicos de las bandas nos han tratado genial, sino también los promotores, los managers, y, como no, el equipo técnico.

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¿Qué sería de la música sin ellos? La verdad que siempre nos hemos sentido muy arropados por las personas que nos han acompañado en los escenarios, y los que hacen que el espectáculo pueda continuar.

Hablemos de la escena española. ¿Cómo es en estos días que aún se vive esta pandemia global? ¿Hay conciertos ya presenciales, o aún se sigue optando por los streaming?

Depende de la zona. Hay provincias que sí están haciendo conciertos presenciales con sus debidas medidas de seguridad en salas, con aforo limitado, y bandas que están haciendo doble show para que nadie se quede sin verles, lo que supone un gran esfuerzo no solo a la banda, si no al mismo equipo técnico. En otras, sin embargo, las salas siguen cerradas más de un año y medio después. ¿Dónde queda la cultura que allí se crea? Es una situación triste, son puestos de trabajo que están en el limbo, personas que consagraron (y consagran) su vida a su vocación, y no se les permite ejercer su profesión. Hace poco leí una entrevista a un grandísimo Técnico de Sonido que tuvo que ejercer su antiguo trabajo porque no podía trabajar de lo suyo. ¡Un Técnico que hacía giras mundiales! Es increíble, pero cierto.

Evidentemente es muy pronto para hablar de un segundo disco, pero, teniendo en cuenta que vivimos tiempos de pandemia y de esca-

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sos conciertos, ¿tiene ya compuestos temas para un segundo álbum?

Alguna pincelada tenemos ya, aunque no tenemos prisa. Queremos hacer las cosas bien hechas, y eso requiere tiempo y mimo. ¿Qué podemos esperar de Último Eco en el futuro?

A medio-corto plazo espero que muchos conciertos. Tenemos unas ganas enormes de volver a la adrenalina y las pocas horas de sueño para darlo todo, ver a la gente saltar y disfrutar de un buen espectáculo, volver a ver a grandes compañeros de gremio, y conocer a muchos más.

A largo plazo, pues lo mismo, pero con más discos. Eso significaría que seguimos adelante y que la música del Rock, el Metal, el Heavy, el Thrash… sigue tan viva como siempre.

Eso es todo. Gracias por su valioso tiempo en responder la entrevista. ¿Algo que quieras agregar?

Agradecer enormemente a LaCarne Magazine por el interés, y en especial a Omar Vega por la entrevista. Espero que la próxima sea con unas cervezas en la mano (o lo que cada uno quiera beber) y sin mascarillas. Un abrazo enorme para todos los lectores.

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Son Fusión

Latin Funk de La Paz City

L

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as bandas que trascienden el tiempo y espacio en la hoyada paceña se convierten en referentes de altura para la Cultura Musical hecha en Bolivia. La perseverancia y el amor a la música hace que algunas agrupaciones coloquen su nombre en el historial nacional de la producción independiente, original, de autor y compositor.

Son varios los ingredientes, baratos pero de entrega, esos que se necesitan para dejar legado discográfico y de identidad, esos componentes que hacen falta para la entrega y tem-

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planza. Pocos pero valiosos lo han logrado, como es el caso de Son Fusión, que, como el buen vino, mientras más añejo, mejor suenan o saben… de música.

Me contacté por la confianza y amistad con Sercha Ramirez (vocalista de la banda) para lograr la presente exclusiva para LaCarne Magazine. Muchas gracias por la colaboración, también por la amistad blindada que nos une en melodías hechas canción.

Son Fusión, Latin Funk de La Paz City

Luego de acomodarnos a las nuevas épocas que rigen en el planeta, con sus nuevas leyes, regulaciones y protocolos, personal y musicalmente, ¿cómo se encuentran actualmente?

Bueno, Son Fusión en realidad no paró. En

Son Fusión toma las cosas más serias.

El nombre hace referencia a la fusión de la música latina que cada uno de la banda lleva en su interior (el “Son” latino).

La formación actual de la banda es Sercha Ramírez en la voz, Neil Navarro en el bajo, Poncho Monje en la guitarra, Danilo Roca en la batería, Ariel Quiroga en teclados. ¿Qué estilos musicales han influenciado en el sonido de Son Fusión?

Como base principal está el Funk clásico de los 70’s y 80’s. Ésa es la columna vertebral y el estilo que ha adoptado la banda. Después cada integrante influye con su propio bagaje musical de distinta índole, lo que nos lleva a fusionar ritmos y géneros como el Rock, Pop, Música Tropical Latina y más.

esta época de cuarentena aprovechamos en grabar videos de los temas del último disco, más un tema antiguo emblemático de la banda.

Actualmente nos encontramos preparando las maquetas para el nuevo disco. Gran parte de este trabajo tuvimos que adaptarlo de manera virtual debido a la pandemia, y principalmente porque el vocalista se encuentra radicando en Santa Cruz.

Una breve reseña de la banda, ¿cuándo y dónde nace Son Fusión? ¿Por qué del nombre? ¿Y cuál es la formación actual del grupo?

Son Fusión nace como típica banda de garaje y boliche, hasta que ganamos el concurso Marathón Rock del Equinoccio. El premio era la grabación de un disco. A partir de ahí

¿Cuáles fueron sus referentes musicales para Son Fusión? ¿Qué bandas o artistas los han marcado?

En sí, todos tenemos diferentes influencias, e incluso hasta tuvimos o tenemos proyectos paralelos que no tienen mucho que ver con la «onda» de Son Fusión, pero al final encontramos un punto de equilibrio en bandas como Daft Punk, Red Hot Chili Peppers, Earth Wind & Fire, Amigos Invisibles, IKV, Soda Stereo, Los Pericos; o solistas como Prince, James Brown, Gustavo Cerati, Robi Draco Rosa, etc. ¿Cuál es la discografía de Son Fusión a la fecha?

Son Fusión ha producido tres álbumes y un Maxi Single. Respecto a los álbumes, el primero es Etiqueta Roja, el cual se grabó en Pro Audio, como premio por ganar la Marathón Rock organizada por el Equinoccio el año 2002.

El segundo álbum fue Toma de Mí, grabado en Hyla Records, presentado el 2013, con el cual pudimos proyectar nuestra música a todo el país. El tercero es Bailando Para Siempre, grabada en Hélice Estudio, el cual muestra una etapa más madura de la banda, pero muy fresca y sólida. Este disco marca el camino del LaCarne Magazine

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estilo que la banda quiere consolidar a futuro.

En relación al Maxi Single, éste se denominó Afrodifunk el 2004, fue grabado por Martin Jofré en el Estudio Capella Records, y fue el trabajo que marcó un nuevo inicio en la banda.

Las tres canciones que contiene la producción son las que dieron a conocer a Son Fusión con el estilo que hasta la fecha lo caracteriza, marcando tal vez el hito más importante en la historia del grupo. ¿Qué nos pueden comentar de su videografía? ¿Cuántos videos han realizado oficialmente? ¿Algunas anécdotas de los rodajes? ¿Qué videoclip es su preferido?

Bueno, Son Fusión sacó videos de los cortes Almas Escondidas, Desidia (del CD Etiqueta Roja), Dos Minutos, La Hermana, Llegaré (de CD Toma de mí), Estallar, Dinamita Artificial, Pare de Sufrir (del CD Bailando Para Siempre).

Sin embargo, es importante comentar que, en la época de cuarentena y pandemia, el grupo realizó varios trabajos audiovisuales «Desde Casa» de las canciones Funkstafari, Funkimilla, Días Noches, Bastaba, Estallar, Dinamita Artificial, más un cover de la canción Quimeras (Krauss).

Obviamente podríamos contar muchas anécdotas relacionadas a las grabaciones de los vídeos mencionados, pero contaremos una en especial, de la grabación del vídeo de Dinamita Artificial.

Para el rodaje, decidimos ser nosotros mismos los «actores» del video. En éste, se filmó una «persecución» la cual tenía una parte en la que los «perseguidores» saltan un muro de un poco más de un metro, pero uno de ellos al saltarlo cayó estrepitosamente al suelo, hecho que gustó mucho al director del video, quien, en relación a lo ocurrido, pidió «por favor» a los actores, repetir la toma, replicando la caída «tal cual» había ocurrido.

Esto fue muy divertido, ya que repetimos unas 5 veces la toma hasta que la caída «actuada»

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salga tan bien como la caída accidental. Ya se imaginarán lo lesionado que quedó el actor de la caída, pero todo ¡valió la pena!

El Movimiento Musical y la forma de hacer música ha cambiado desde el 2020 con la llegada de la pandemia. Actualmente, ¿cómo está la actividad Cultural en Bolivia?

La movida cultural se está empezando a reactivar de a poco. Si bien estamos muy lejos de volver a la normalidad tal como la conocíamos antes, se han abierto nuevos y distintos espacios en los que esperamos estar pronto reencontrándonos con nuestro público.

Son Fusión han hecho sesiones de cuarentena junto a músicos invitados, algo genial para estos tiempos. ¿Cómo se han acomodado desde la música, a la época de pandemia que atraviesa la humanidad? ¿Qué experiencias pueden comentarnos?

Pese a no haber podido tocar en vivo, la pandemia ha sido muy productiva para nosotros porque hemos colaborado con muchos artistas amigos.

Ha sido muy lindo escuchar nuevas versiones de nuestras canciones cantadas por artistas nuevos y muy talentosos. Actualmente estamos preparando el nuevo material, y eso también tiene que ver con el tiempo de creatividad que nos ha dado la pandemia.

Bastaba, su nuevo single y videoclip que estrenaron 2020, saliendo de la cuarentena rígida, a casi un año atrás, la vi en los rankings tops y me alegró mucho. ¿Cómo se encuentra la canción luego de su presentación y su promoción?

Bastaba es una canción que se ha convertido en una especie de “clásico instantáneo”. Mucha gente la escucha y nos habla de este tema como si hubiera sido parte de nuestro repertorio desde siempre. Yo creo que se va a quedar para siempre como una de nuestras canciones más importantes en los shows en vivo.

Durante el recorrido musical de Son Fusión, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados de por vida?

La verdad, una de las tocadas que más me LaCarne Magazine

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marcó fue el aniversario de la Radio Doble Ocho en el Equinoccio el 2017. Fue una de las primeras tocadas con Sonfu en el mítico Equi que tantas alegrías le dio a la banda. Y también fue un encuentro con muchos amigos queridos.

con el instrumento y la banda. Puede ser muy difícil coordinar horarios, ensayos, pero al final se puede. La cuestión es quererlo con todo el corazón, para trabajar fuerte y disciplinadamente hasta llegar al mejor nivel que se pueda. ¡No claudicar!

También a lo largo de nuestra trayectoria pudimos tocar en escenarios importantes, como cuando abrimos a Molotov en el Teatro al Aire Libre (2004) con lleno total, y la respuesta del público fue grandiosa, nuestra participación en el Mercado de Industrias Culturales y Creativas MICC 3600 el año pasado, donde pudimos presentar un show grabado desde el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez de la ciudad de La Paz.

¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que les anima a seguir en la batalla de la vida o juego de la música?

“Full Fee” es definitivamente nuestra frase.

Son Fusión la adoptamos desde la segunda conformación de la banda, y la seguimos repitiendo cuando estamos por empezar a tocar.

Hace referencia a “Full Feeling”, lo asociamos con ponerle mucho sentimiento a la hora de salir al escenario, es algo muy nuestro.

¡Y cómo no recordar con mucha emoción nuestra última presentación en vivo en noviembre del 2020 en el Teatro 6 de Agosto!, en un ciclo de conciertos que se realizaron para apoyar al Equinoccio, que había sufrido un incendio de sus instalaciones. En esa ocasión contamos con la participación de más de 20 músicos invitados de distintas agrupaciones, que se presentaron e interpretaron nuestras canciones.

Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad, durante la Nueva Era dentro del planeta, ¿qué proyectos se vienen para Son Fusión?

Ahora mismo Son Fusión estamos arrancando la etapa de pre-producción del próximo material. Nos queda mucho camino para entregar a nuestro público un trabajo disfrutable que muestre el recorrido y el aprendizaje de cada miembro de la banda. Queremos seguir mejorando y aportando a nuestra escena. Estamos muy entusiastas con ello.

Me encantó Funk Imilla, realmente la disfruté mucho, ¿qué canciones se han convertido en referentes para ustedes como banda? ¿Qué temas los identifican con su público?

Definitivamente Funk Imilla es un clásico infaltable en nuestras presentaciones, y aún hace bailar a nuestros seguidores.

Temas más recientes también están siendo muy bien aceptados, como Dinamita y Estallar, que definitivamente se han posicionado como los favoritos de la gente últimamente por el sonido nuevo y fresco de la banda, y por cómo reacciona el público al ritmo de estos temas. ¿Qué les dirían a las personas que quieren incursionar en el Movimiento Musical? ¿Cuáles son sus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras.

Que se den opciones para poder continuar

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Sus palabras de despedida y mensaje final para la gente que sigue su música, y para los nuevos admiradores de Son Fusión.

Mucha gratitud a todos y todas, quienes nos vienen siguiendo a lo largo de estos años.

Nuestro compromiso es seguir entregando nuestra música pese a las adversidades, ya que disfrutamos hacerlo, nos apasiona, y hemos logrado una sinergia muy especial en la banda.

Invitar a quien aún no escuchó Son Fusión, que lo hagan a través de las distintas plataformas digitales, y nos sigan en nuestras redes sociales. Un abrazo a todos y todas, y ¡cuídense mucho!

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Saltó La Quinta

un trío de Rock que despierta emociones formado en agosto del 2019 por Santiago Cabrera y Marcelo Alcina, y a fines del 2020 se incorporó Sebastián Budez.

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S

altó La Quinta es una banda muy joven. Se formaron a mediados del 2019, pero en formato de dúo. Ya hoy en la actualidad Saltó La Quinta es un trío.

La banda se prepara para grabar su primer álbum, pero ya andan en las redes algunas de las canciones de la banda. Los tres integrantes han dado respuesta a la entrevista.

Saltó La Quinta, un trío de Rock que despierta emociones

¿Cómo surge la idea de formar Saltó La Quinta en la escena rockera uruguaya, apostando ustedes por las corrientes más alternativas?

En sus inicios éramos un dúo electro acústico,

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Santiago (guitarra, voz y composición) compartía banda entre 2018 y 2019 con Marcelo (batería y coros), y ha mediado del año 2019 decidieron empezar un nuevo proyecto acústico solo entre ellos, realizando temas que a todos nos gustan del Rock de una manera distendida, acompañados solo de guitarra electroacústica y cajón peruano, interpretando temas clásicos del Rock uruguayo y argentino y algún tema propio, tocando en lugares gastronómicos que proporcionaban a sus comensales música en vivo.

Y en el 2020, no pudiendo presentarse en vivo por la pandemia mundial, decidieron realizar un proyecto más ambicioso y concentrados en poder grabar un disco a fines del año 2021 con temas propios.

cucha nuestros temas. ¿Quiénes conforman actualmente la nómina de Saltó La Quinta? ¿Son músicos que han tenido previamente otras bandas o con algún recorrido en el ámbito musical?

Santiago Cabrera (23 años): composición, guitarra y voz; cuenta con 6 años de estudio musical y toca distintos estilos en guitarra acústica y eléctrica, y también estudió algunos años de piano. En banda de rock lleva poco más de un año -entre 2018 y 2019- tocando la guitarra guitarra principal y haciendo coros, aunque también es la voz principal en algunas canciones. Con esta banda ha grabado 4 canciones de estudio.

Marcelo Alcina (40 años): batería, percusión y coros, que desde hace unos 10 años ha tocado batería en diferentes grupos de rock del under, compartiendo entre 2018 y 2019 banda en donde conoció a Santiago.

Sebastián Budez (40 años): toca el bajo desde los 18 años, también en varias bandas del under, tocando en diversos festivales a lo largo de todo el país.

Por tal motivo invitamos a «Seba» Sebastián Budez, quien toca el bajo desde años, y siendo un gran amigo, y se unió a este proyecto, y poco a poco poder hacer realidad este anhelo llamado Saltó La Quinta.

Ustedes son una agrupación muy joven, pero veo que su trabajo es bastante coherente. ¿Cómo definirían específicamente su propuesta musical? ¿Qué se proponen con sus canciones?

Nuestra propuesta se basa en realidad en hacer lo que nos gusta a los tres integrantes de la banda: hacer música, en especial Rock, y poder hacer llegar nuestras creaciones al nivel de letras y música a la mayor cantidad de personas de diferentes edades, dado que nuestro estilo les puede gustar a todas las edades, y poder también a través de nuestras letras transmitir algo para poder despertar las emociones dormidas en cada persona que es-

Siendo la formación un trío, ¿los limita esto en lo musical? O en todo caso, ¿fue una decisión de la banda el ser tres personas, o es que no encontraron músicos comprometidos con la música y el concepto del grupo?

No, por el momento no nos limita en nada. No fue una decisión que se tomó, dado a que se fue dando así, y hace poco más de un año y medio que empezamos este proyecto, y estamos abiertos a cambios mientras sean para mejorar este proyecto. Eso sí, que estemos de acuerdo los tres con respeto a los músicos.

Creemos que hay muy buenos músicos en todo nuestro país. Por suerte, cada vez más gente se está animando a hacer lo que le gusta, y me parece que esto le da mucha fortaleza al ámbito cultural de nuestro país.

Desde el punto de vista de Saltó La Quinta, ¿qué piensan del Rock uruguayo actual? ¿Qué les gusta o no les gusta del mismo? ¿Hay algo que le sobre o le falte a su escena?

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Pensamos que hay muy buenos exponentes de dicho género en Uruguay, lo que, al ser un país chico, los mismos tienen que salir de aquí para poder triunfar, pero eso ahora, con la globalización de medios de difusión y las redes sociales, ha ayudado a que muchos artistas puedan dar a conocer sus trabajos a nivel mundial.

En el ámbito local, nos gusta casi todo lo que hacen nuestros colegas, y lo que hace falta es más apoyo de los medios de difusión masivos de nuestro país para los exponentes de este género que recién empezamos.

Según tengo entendido, Saltó La Quinta están en planes de grabar. ¿Tenían ya lista las nuevas composiciones antes de la pandemia, o fue algo que surgió durante el tiempo de cuarentena?

Sí, la idea es grabar nuestro primer trabajo de estudio a fines del año 2021. Dicho trabajo se compone de 9 temas, muchos temas fueron creados antes y durante la pandemia. Lo que sí nos afectó la pandemia es en los tiempos de producción de los temas, porque se nos dificultó por obvios motivos poder juntarnos más seguido.

Lo que sí ya hay un corte de difusión que se llama Mundo en Cavernas. Este tema se puede escuchar en plataformas digitales.

Una pregunta casi obligada, ¿cómo ha sido el último año dentro de Saltó La Quinta con todo este tema del Coronavirus?

Muy complicado dado que no podíamos presentar en vivo, y estando mucho tiempo sin poder transmitir los que nos gusta a la gente, y que la gente pueda apreciar y disfrutar junto con nosotros esto tan lindo que es la música.

En cuanto a las letras, ¿éstas tienen algún concepto en común o algún tipo de ideología política, religiosa, social, filosófica, etc.?

No estamos a fin con ninguna ideología política ni religiosa. Respetamos el sentir y pensar diferente de cada persona, porque cada uno estará o no en lo cierto, pero es cada punto de vista de cada uno.

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Los temas de este primer trabajo están relacionados al “escapar”. En lo que respecta a las letras, son visiones a nivel personal del individuo, pero desde un lado social, poniendo enfoque en la sociedad y tratando de que las personas reflexionen ellos por si solos, sin que nadie les diga qué tienen que pensar o decir, o sea, escapar de todo eso que nos aprisiona y de todos los represores a nivel mental, social, espiritual, etc., etc.

Particularmente, en uno de nuestro temas, Mundo en Cavernas, nuestro corte de difusión, pone enfoque en la sociedad de hoy, que, sin distinguir algún pensamiento sobre todo, está sumergida en una Caverna, con la

“No estamos a fin con ninguna ideología política ni religiosa.

Respetamos el sentir y pensar diferente de cada persona, porque cada uno estará o no en lo cierto, pero es cada punto de vista de cada uno” ¿Cuáles son las aspiraciones y sueños de un grupo tan joven como Saltó La Quinta en este difícil mundo del Rock?

Por el momento hacer los que nos gusta, disfrutar en este camino de la música, poder dejar algo plasmado en los corazones y almas de los que nos escuchan, y sobre todo disfrutar y disfrutar haciendo los que nos gusta.

Desde ya un agradecimiento especial para el grupo. Éxitos en lo que emprendan, y les pido un mensaje para los lectores de este importante medio de difusión.

Primero que nada, gracias a ustedes por darnos una oportunidad enorme en poder darnos a conocer. A los lectores de este importante medio de difusión, también agradecerles por tomarse un tiempito y poder permitirnos hacerles llegar nuestro proyecto, y, bueno, esperando que les guste lo que les queremos transmitir.

verdad y los valores perdidos hacia una decadencia que parece ser inevitable y cada vez más evidente, intentando redactar una visión lo más realista posible. ¿Qué planes encaran en estos momentos?

Aparte del proceso de la producción del nuevo material.

Por el momento, concentrados en el material a grabar, poder tocar en vivo para tratar de cambiarle el ánimo a la gente, que está bastante deprimida con todo esto de la pandemia, y a través de la cultura es que me parece que el mundo entero va a salir de este desastre que está dejando la pandemia.

Y no dejen de perseguir sus sueños, que todo es posible, y traten de abrir la cabeza, y sobre todo no se dejen manejar por el poder, traten de pensar, sentir, y sin miedo a expresar lo que sienten por sí solos, sin dejar que nadie les cambie eso.

Cada uno es un ser especial, y es así que de a poco se va ir cambiando este mundo para mejor.

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