LaCarne Magazine N117

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Nº117 - MAR 2022 - AÑO 11

EXPERIENCIAS The Gathering Vlad in Tears Ghost

ENTREVISTAS

Operación Sándwich Gameboyz LuCash Pro Fallen Symmetry Jirafa Ardiendo Joe Satriani Narcocracia Dark Matter Hetaira Project Gayola

cochè vil

en el top del rock progresivo

MÁS INFO

N117 aÑo 11 MAR 2022

SUMARIO

Paz City experiencias Fallen Symmetry, Power Progre06 The Gathering celebran 33 años de 48 sivo y Heavy Metal historia con un nuevo disco

10 Vlad in Tears, Love Metal y Rock Gótico

54 Jirafa Ardiendo, Rock Independiente desde Chile

Joe Satriani y su nuevo disco: The 12 Ghost y su nuevo single Call Me Little 62 Elephants of Mars Sunshine

entrevistas 30 Operación Sándwich, rebeldes sin pausa

66 Narcocracia, Metal de idea colombiano

78 Dark Matter, Metal Extremo de sangre mexicana

38 Gameboyz, un referente de la

84 Hetaira Project, Música, Teatrali-

42 LuCash Pro, Rap Chukuta desde La

94 Gayola, Punk serio desde España

Electrónica nacional

dad y Poesía

18 Cochè Vil

en el top del Rock Progresivo

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

alfonseka, eva maría aroca, omar vega, Jorge Ares

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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The Gathering

celebran 33 años de historia con un nuevo d historia con nuevo álbum LEER MÁS

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uy buenas de nuevo! Espero que todos os estéis cuidando mucho, ya que seguimos en esta situación que parece no tener fin.

Por eso mismo, para alegrarnos un poco la existencia, en esta ocasión vengo con un artículo que para mí es muy importante, pues se trata de una de las bandas que más me han marcado en mi vida desde la adolescencia, The Gathering. Y estamos de buenas nuevas, pues regresan con nuevo trabajo de cara a la primavera, y estoy tremendamente feliz.

The Gathering celebran 33 años de 6 LaCarne Magazine

Beautiful Distortion, así en el nombre del nuevo álbum que The Gathering lanzarán el próximo 29 de Abril en plataformas digitales, y del que hablaremos más adelante, porque antes me gustaría dar un repaso por la carrera de esta gran banda que marcó una etapa de mi vida, y sus canciones fueron consuelo y crecimiento para mí.

Es otra de esas bandas con las que he crecido. La banda se fundó en 1988 en Oss (Países Bajos), y lo que destaca a The Gathering es esa profundidad de sus letras, la melancolía de sus melodías, dentro del género Doom Metal Gótico, aunque han dado vueltas por el Metal Progresivo, Rock Gótico, Indie, etc.

Sus canciones, bien defendidas desde 1994 hasta 2007 por la cantante principal de la ban-

altos y sus bajos, aún siguen en activo, y yo soy la más feliz del mundo de seguir avanzando en mi vida, al ritmo de sus canciones.

Canciones como On Most Surfaces, In Motion, Rollercoaster, Saturnine, Nighttime Birds, o Shrink, están entre mis favoritas, y si os cuento un secreto, aún debe haber grabaciones mías cantando estas canciones, pues tengo un registro vocal muy parecido al de Anneke, y es que la admiro mucho.

Fui afortunada, pues tuve el honor de conocerla en persona, pero fue en un concierto de Vuur, una banda que creó posteriormente, y que creo que ya quedó en el olvido, y de dicho concierto tengo una anécdota, pues mientras estaban Vuur en el escenario presentando sus canciones, hicieron un alto para interpretar el tema Strange Machines de The Gathering, y, santo cielo, literalmente fui la única entre todo el jovencísimo público que se sabía aquella canción, que ya sonaba en 1996 en los festivales.

disco da, la gran, y por entonces jovencísima, Anneke Van Giersbergen (anteriormente por Marike Groot, y Martine van Loon, con quienes sólo llegaron a grabar un álbum cada una, y creo que son los menos conocidos. Always en 1992, y Almosts a Dance en 1993).

The Gathering ha sufrido bastantes cambios entre sus integrantes desde sus inicios y a lo largo de su trayectoria, quedando actualmente, de nuevo, todos sus integrantes originales de 1989, excepto por la noruega Silje Wergeland (Octavia Sperati), quien es la vocalista desde 2007, tras la despedida de Anneke, quien entonces dejó la banda para centrarse en su vida personal, en su familia, y en nuevos proyectos en solitario.

The Gathering suman un total de treinta y tres años de trayectoria como banda, que, con sus

Prácticamente fue cantar a dúo con la mismísima Anneke, fue como hacer un sueño realidad, pero sin querer (risas).

The Gathering y su nuevo álbum, Beautiful Distortion

Y, ya habiendo hecho un breve repaso de esta gran banda, que por supuesto no todo iban a ser flores, porque ciertamente es que en los últimos años con Anneke al frente, la banda empezó a alejarse un poco de su esencia, y le perdí un poco la pista. De hecho, anunciaron su separación, para volver con las pilas cargadas y nuevo álbum en 2009, y ya con la también muy talentosa y gran cantante Silje Wergeland, con quien recuperaron su esencia, y la mística de la banda.

Silje procede de la banda Octavia Sperati, que también sonaba muy bien, y es que tenían un sonido muy parecido a The Gathering, así que creo que no había mejor sustituta que ella para comenzar de nuevo, y con quien también han tenido canciones realmente muy buenas, manteniendo a los fans de siempre, y, por supuesto, sumando nuevos.

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Hasta el día de hoy, que nos han presentado varios temas de lo que va a ser su nuevo álbum, el cual estoy ansiosa por escuchar al completo.

De momento, nos han dado un par de canciones como adelanto, pero esas canciones me han gustado tanto que me ha abierto más el apetito de música nueva por parte de esta banda.

Pero ellos son buenos, y ya nos han dado el listado de canciones que compondrán este nuevo álbum, del que ya puedes hacer la precompra si eres tan impaciente como yo.

Beautiful Distortion In Colour When We Fall Grounded We Rise Black is Magnified Weightless Pulse of Life On Delay Interference (EP) Stronger

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Disconnect Realmente estoy en bucle con Stronger, me encanta, ¿qué os parece a vosotros? A mí me transporta a sus orígenes, y a rememorar buenos tiempos, a la misma vez que abrimos camino a nuevos tiempos en los que precisamente hay que mantenerse fuertes.

Y hasta aquí llegamos esta vez. Espero que os haya gustado hacer el repaso a la carrera de esta banda que significa mucho para mí, y que he querido compartir con vosotros.

Y si no los conocíais, pues espero que haya servido para llevar un poquito de buena música hasta vuestros oídos, y no olvidéis seguidles en sus redes sociales para manteros al corriente de todas las novedades.

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Vlad in Tears Love Metal y Rock Gótico

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mpieza febrero, el mes del amor, y para mí, que soy toda una romántica, siempre me voy a escuchar mis canciones favoritas de ese género conocido como “Love Metal”, que surgió con la banda HIM, y al que otras bandas se han ido sumando, como, por ejemplo, los chicos de la banda norteamericana 616.

En esta ocasión, para celebrar este mes tan bonito, os traigo a Vlad in Tears, una banda que he descubierto recientemente, que, aunque ya tienen una gran trayectoria a sus espaldas, el universo ha querido que los descubra este 2022, y yo quiero compartirlo con todos vosotros.

Vlad in Tears y su último trabajo Souls on Sale and Six Ugly Kids 10 LaCarne Magazine

Realmente me pregunto qué he estado haciendo estos años atrás, que cada vez que descubro una banda nueva resulta que ya tienen quince años de trayectoria (OMG!).

Supongo que es porque he sido madre, y he estado escuchando música un tanto diferente.

Algún día os sorprenderé con los mejores temas del Payaso Plim Plim, Por Favor, y Gracias es mi canción favorita. (Risas).

Rock Gótico, sonido de piano tétrico, chico guapo, de ojos verdes, cantando con una voz grave… todo eso ya nos suena, ¿verdad? Sí, sí, pero no es otra banda más, y aunque lo fuera, tienen ese gancho en su música que a mí me atrapa y me encanta, y que me trae tan buenos recuerdos, que no puedo evitar emocionarme cada vez que descubro una banda que mantiene viva esa esencia del “Love Metal”.

Y ellos son Vlad in Tears, una banda que surge en 2007, cuando en un pequeño pueblo italiano, de nombre Casinno, se reunieron Kris, Lex, y Darío, tres hermanos más un amigo

neando a varias bandas de renombre.

Yo, personalmente, les he descubierto con su último trabajo, Souls on Sale and Six Ugly Kids, que contiene canciones antiguas, pero mejoradas.

Lo cierto es que una vez que he escuchado su historial, desde sus inicios hasta ahora, se puede apreciar una madurez que, quizá les aporta más oscuridad en su música, con toques mucho más rockeros, un sonido inconfundible de los años 80, y una voz que, pasa de ser muy melódica, a una voz grave, rasgada y contundente, que sinceramente pensé que estaba escuchando una canción nueva de The 69 Eyes.

de la infancia, Alex, para hacer versiones de sus grupos favoritos, pero, rápidamente, empezaron a crear sus propias composiciones, y gustaron tanto que, en menos de un año, ya estaban grabando su álbum debut bajo el sello de Aural Music, y con la producción de John Fryer, a quien conocemos por haber producido a HIM. Pronto la banda sufre varios cambios en su alineación, pues varios de los miembros se mudan a Berlín, y otros, por motivos personales, han ido entrando y saliendo de la banda hasta su “renacer”, en el 2014, siete años después de su comienzo en sus andaduras en la música, ya con una estabilidad como banda.

Vlad in Tears han lanzado desde entonces seis álbumes, y, si no me equivoco, tres EP’s, siendo el último lanzado el 15 de diciembre del pasado año 2021.

A lo largo de su carrera, Vlad in Tears han estado girando por Alemania, Suiza, Hungría, y Polonia, participando en festivales, y telo-

Comparaciones aparte, me ha gustado bastante, no dejan de ser una banda con un estilo propio dentro del Rock Gótico, y estoy deseando escuchar más sobre estos chicos, que personalmente creo que aún no son lo suficientemente conocidos, aunque ya tengan años de experiencia, y me encantaría que pudieran estar de gira nuevamente, y hacerme una mejor idea del concepto de Vlad in Tears.

Encantada con este tipo de bandas que siguen apostando por un estilo de Rock Gótico, clásico, ochentero, oscuro y siniestro, que nunca pasará de moda, porque además son grupos que luego tienen un público muy abierto, y gustan a prácticamente todos.

Espero que Vlad in Tears os hayan gustado tanto como a mí, y que me contéis qué os ha parecido, o si ya les conocíais.

Recodad seguidles en sus redes sociales para estar bien informados de todas las novedades de, no olvidéis su nombre, Vlad in Tears.

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Ghost

y su nuevo single Call Me Little Sunshine Ghost, todo a punto para la llegada de su nuevo disco Imperia LEER MÁS

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uy buenas a todos de nuevo, arrancamos con noticiones que tantas ganas tenía de recibir, como compartirlo con todos vosotros.

Parece que este año 2022 estamos viendo un poco más la luz respecto a conciertos, y más música nueva. Y ése es el caso de la banda sueca Ghost, que, como dijo el propio Tobías Forge, tendríamos álbum nuevo, pero sólo lo lanzaría cuando se pudiera presentar como es debido, con su correspondiente gira, tanto por Estados Unidos como por Europa. Y así está siendo.

Hemos tenido noticias de los suecos a cuentagotas, hablando claro, pues desde que lanzaron en 2019 su EP, Seven Inches of Satanic Panic, debido a la pandemia, entre otras cosas, pues no hemos tenido muchas noticias sobre ellos, aunque de vez en cuando algo publicaban para los seguidores en las redes sociales, para hacernos saber que no estaban desaparecidos, sino que estaban trabajando, y que tuviéramos paciencia, que algo grande se venía.

En este tiempo han estado trabajando, además de en su nuevo álbum, en una colaboración para el último álbum de Metallica, donde versionan Enter Sandman.

También hizo una aparición, ya como Papa

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Un tema en el que se puede escuchar a unos Ghost, quizá en un sonido más primario, más de su origen, aunque el estribillo de la canción siga en esa línea en la que últimamente se ha situado, en un estilo rockero ochentero, pero envuelto en la oscuridad que caracterizaba a la banda en sus primeros años, al menos así es mi sensación.

Personalmente, mi era favorita es entre Papa Emeritus II, con el álbum Infestissumam, y Papa Emeritus III, con Meliora. Después de eso no sé qué ha pasado. Simplemente, y como cualquier otra banda a lo largo de su trayectoria, cambian un poco el sonido, se renuevan de alguna manera, atraen a un público más amplio, y todo eso está bien, pues de una forma u otra consiguen engancharnos a sus melodías.

Aunque también os digo, que ver en el escenario a Cardinal Copia montado sobre un triciclo… no podía parar de reír (con él), pero recordemos que Ghost es una banda teatral, que combinan a la perfección el terror con la picardía y el humor, y eso, siempre ha sido así.

Emeritus IV, en un concurso de la Svt (televisión sueca), haciendo otra cover, en este caso de los Rolling Stones, junto a la banda The Hellacopters, interpretando Sympathy For The Devil.

En fin, quietos no han estado, pero la situación mundial ha complicado todo el proceso de creación, y el lanzamiento de este nuevo álbum, con sus respectivas giras.

Hunter’s Moon

Es a finales de Octubre cuando por fin nos sorprenden con un nuevo tema, que, con motivo de Halloween, es un tema que acompaña a la película Halloween Kills, película que por cierto aún estoy tratando de entender (Risas).

Juzgad vosotros mismos. Para gustos, los colores, y mucho mejor que la película, la canción sí que es.

Siempre recordaré a Papa Emeritus III cantando Body and Blood, bailando con las manos de izquierda a derecha, y gritando “¡Y unas tapas!”, como si le estuviera pidiendo al camarero en aquel ritual de Madrid, un 14 de Abril de 2017.

Impera, el nuevo álbum de Ghost

Impera, así es el título del nuevo álbum, que saldrá a la venta el próximo 11 de Marzo, y que estarán presentando tanto por los Estados Unidos, junto a Volbeat, y por Europa, junto a Twin Temple y Uncle Acid & the Deadbeats.

La gira norteamericana junto a los alemanes Volbeat comenzó el 25 de Enero, en Reno, donde en esta misma ciudad hicieron una aparición en el show televisivo de Jimmy Kimmel. La gira durará hasta el próximo 3 de marzo (cumpleaños de Tobías) en Anaheim, California.

Por otro lado, y el lado que más nos interesa a LaCarne Magazine

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los de esta parte del mundo desde la que estoy escribiendo, la gira europea tendrá inicio el 9 de abril, pasando por España los días, 7 y 8 de mayo, visitando en primer lugar Barcelona, y después Madrid.

Como adelanto de esta nueva era, que viene acompañada a lo grande con estas grandes giras, el pasado 20 de enero Ghost nos presentaron su nuevo tema Call Me Little Sunshine, tema que, sinceramente, he tenido que escuchar varias veces para crearme una opinión sólida de él.

Es un tema en la misma línea del álbum Prequelle, de eso no me cabe duda. No suena mal, pero es que a mí personalmente me falta algo más de esa “maldad infernal” de la de antes. Call Me Little Sunshine es una canción con riffs sencillos, y digamos que, líricamente, ya no menciona al innombrable de las tinieblas, ahora le insinúa.

Es decir, es Ghost, pero con suavizante. Me gusta el tema, estaba deseando escuchar algo nuevo de ellos. No me siento decepcionada, ni mucho menos, pero quiero esperar a escuchar el álbum al completo, porque seguro que algún tema del álbum es “maldad infernal” de la buena (risas). ¿Qué opináis vosotros? ¿Ya tenéis vuestra entrada para ir a verles?

En fin, habrá que esperar un poco aún para hacernos una idea más concreta de lo que incluirá Impera, del cual estoy deseando hacer una reseña, junto a la experiencia del concierto, al que espero poder asistir, y veros allí guardando los dos metros de distancia con nuestra mascarilla, y disfrutando responsablemente.

Hasta aquí todo por ahora, amigos!

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En el top del Rock Progresivo

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onocer el proyecto Coché Vil ha sido de lo mejor que nos ha pasado en lo que va de año.

Con una larga trayectoria, y con mucha experiencia en proyectos ganadores, Coché Vil nos presenta Invincible, un discazo que se publicó hace solo unos meses, y que ya está dando muy buenos resultados y muchas alegrías.

Con un Rock Progresivo contundente como base, en esta ocasión Coché Vil se ha aliado con Fernando Jaramillo en la batería, y con Leonel Silva en la voz, para entregarnos a los seguidores acérrimos 10 temazos fantásticos lanzados a través de Luminol Records.

Después de escuchar Invinvible en la Redacción, teníamos que hablar con él para que nos hablara sobre el disco, que nos contara todas las anécdotas vividas en su larga trayectoria en la Música, y que nos desvelara las claves del revisited en el que está trabajando de su disco ai´dias.

Con el tema Ribeira Sacra sonando a tope, os dejamos con una entrevista completa y muy interesante a Coché Vil, donde podréis comprobar que se encuentra ahora mismo en el top del Rock Progresivo.

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cochè vil, en el top del rock progresivo Texto por S. Plata

Cochè Vil, en LaCarne Magazine estamos encantados de poder charlar un rato contigo.

Tienes que contarnos muchas cosas sobre tu proyecto en solitario y tu nuevo disco, pero primero hagamos una pequeña retrospectiva.

Como veterano rockero de los 80, cuéntanos, ¿cómo fueron aquellos maravillosos años del rock para ti? ¿Han cambiado mucho las cosas en la música desde tu perspectiva?

Hola! Pues sí han cambiado mucho, y lo triste es que para peor. Recuerdo que con mi primera banda, Biosbardos, tocábamos continuamente sin ni siquiera contar con la figura de un mánager. Te llamaban directamente de Salas, Festivales, Organizaciones, Ayuntamientos, etc, etc, etc... Ahora, el mundillo funciona de forma muy distinta. Tampoco tienes manera de llegar a los medios de comunicación de manera tan directa y sencilla como antes.

Tu carrera en la música, según tenemos entendido, la comenzaste tocando en una orquesta, y después en varias agrupaciones, entre ellas Biosbardos, como has mencionado, con la que llegasteis a tocar en uno de los festivales más importantes de aquellos años llamado ¡Uff, qué noche! ¿Tuvo algún significado especial para ti? ¿Con qué otras bandas compartisteis escenario?

Uf qué Noche! fue la primera vez que me subía a un escenario. Ya solo por ello fue más que especial. Además, tocaban algunas bandas de músicos más que experimentados, como Abuña Jazz o los ya bastante conocidos en aquel momento Los Suaves.

Las bandas de las que formabas parte contaban con un sonido Rock y psicodelia, y, de pronto, ves un anuncio en el que “se busca bajista”. Decides presentarte, y fichas por Costas, el grupo de Miguel Costas, ex Siniestro Total. ¿Fue por pura casualidad, o buscabas tocar un estilo diferente? ¿Cómo recuerdas tus primeros ensayos con la banda?

Después de la banda Lap a Rush estaba tocando con unos amigos por “matar el gusanillo”, y casualmente vi el anuncio de Producciones Miña Terra Galega buscando bajista.

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Anoté el número, y esa misma tarde llamé. Cuando me dijeron que era para tocar con el ex Siniestro Miguel Costas, me pareció la cosa interesante, y además conocía a Toni el batería por medio de un amigo de aquí, de Ourense, por lo que me animé a hacer la prueba. ¿Cómo ha sido tu vida, en lo personal y en lo musical, con el ex Siniestro? ¿Ha habido buena química en ambos sentidos?

Fue genial desde el primer momento, tanto a nivel musical como personal. Me gustó mucho la forma en que se llevaban los ensayos. No por ser un rollo Punk se dejaba de matizar y probar cosas. Ha sido una época de mi vida muy interesante, profesionalmente hablando. Además, gracias a ello tuve la suerte de tocar en buenas salas, enormes festivales, o lugares como el Palacio de los Deportes, ahora llamado Wizink Center, en Madrid, hasta lugares tan emblemáticos como el Auditorio del Parque de Castrelos en Vigo, o la Plaza de la Quintana en Santiago de Compostela, entre otros. También estuvimos en Chile, Perú, Colombia..., donde hicimos buenos amigos.

Pero tu vida como músico no se limita a las bandas ya mencionadas. Has realizado varios trabajos de Bandas Sonoras junto a tu compinche Maxo Nóvoa (que también fue integrante de Biosbardos). ¿En qué momento dices “voy a empezar a componer una banda sonora”? ¿Se presentó la oportunidad de forma casual o lo buscaste?

Habíamos editado un trabajo en una línea new age electrónica titulado Interior Sounds, bajo el nombre de Bios, y es por lo que se nos ofreció realizar la banda sonora. Nunca lo había pensado, pero era un más que llamativo reto.

Y Cochè Vil suma y sigue con más proyectos, pero en esta ocasión en solitario, y con un disco llamado Invincible, del que hablaremos en profundidad en breve, pero, primero, queremos saber cómo se gestó este trabajo. ¿Tenías ya algunos temas y decides hacer el disco, o fue al revés?

Llevaba ya unos años trabajando con mi amigo y productor Sebastian Mato, y mientras desarrollábamos otros trabajos como el titulado Ondas, encontré en mi ordenador unos cuantos

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“Espero que encuentren en invincible diferentes temas musicales con un hilo común. Un sonido propio, a pesar de ser temas muy diferentes. No me gustan los discos monótonos...“

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temas de ésos que van quedando sin clasificar, una especie de outtakes. Y así fue, una vez reescuchados, me decidí a plasmarlos en un nuevo trabajo. No vale parar es mi lema.

En Invincible cuentas con la colaboración de Fernando Jaramillo y Leonel Silva, batería y voz respectivamente. ¿Qué te llevó a decidirte por estos dos músicos? ¿Habías trabajado anteriormente con ellos?

La verdad es que llevaba ya desde unos meses antes de la pandemia escuchando a diferentes músicos que encontraba por la red, más que nada por curiosidad. Cuando me decidí a editar Invincible, me llamó especialmente la atención, entre otros muchos baterías, Fernando por su pegada y creatividad. Además, aunque afincado en USA, como es chileno todo fluyó aún más fácilmente al compartir idioma (mi inglés deja mucho que desear). El caso de la voz no era cosa fácil, porque casi todos los cantantes tenían una voz demasiado pesada para mi gusto. Leonel integra su voz como un instrumento más, y eso me encantó en él.

El trabajo y la publicación de Invincible se ha llevado a cabo durante la pandemia del Coronavirus. ¿Qué ha sido lo más difícil a la hora de trabajar en este disco y en estas condiciones? ¿Dónde se ha grabado este trabajo, y cómo has gestionado el organizarlo todo?

En esta ocasión trabajé con todas las pistas grabadas en mi pequeño estudio, excepto la batería y la voz. Busqué también a través de internet un mixer productor, ya que, a causa de la pandemia, no podía ir al estudio de Sebas, y finalmente me decidí por Austin Deptula, con quien continúo hasta el momento.

El Rock Progresivo es tu seña de identidad, el sonido que caracteriza a Cochè Vil, y en este trabajo, Invincible, también está muy presente. Háblanos de él, qué es lo que se va a encontrar el oyente a lo largo de los 10 temas de este discazo.

Espero que encuentre en él diferentes temas musicales con un hilo común. Un sonido propio, a pesar de ser temas muy diferentes. No me gustan los discos monótonos. Una de las cosas que me animaron a iniciar mi propia carrera musical han sido los comentarios de muchos amigos, que me decían que se reconoce inmediatamente mi forma de tocar y mi sonido. No lo esperaba,

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pero la verdad es que me llena de orgullo y satisfacción.

Si bien es cierto que el Rock Progresivo es característico a lo largo de todo el álbum, también encontramos toques de Folk, Funk y Neo Progresivo, un conglomerado de sonidos que nos ha gustado mucho. ¿Tiene esto algo que ver con tus influencias musicales? ¿Qué dificultades puede encontrar un músico a la hora de mezclar estilos?

Bueno, al haber hecho el disco tal como comento, lo que hay en él es una especie de “usted qué sabe hacer”. Una pequeña demostración de todo lo que me gusta, “sin salirme del tiesto”, por supuesto. Creo que el Rock Progresivo debe acercarse a otros estilos. Precisamente por ello, no soy demasiado fan del Metal Prog, entre otros estilos similares, quizá por no ser tan abiertos.

Independientemente del estilo que uno más le guste, Invincible es un álbum muy escuchable, y también nos ha gustado mucho esa variedad de temas instrumentales alternados con temas con letra y voz. ¿Cuándo sabes si a un tema hay que ponerle letra y voz, y cuándo no? ¿Compones ya previamente sabiendo si el tema va a ser o no instrumental?

Suelo componer con la guitarra, últimamente más con la acústica. Según voy desarrollando el tema, percibo si está pidiendo incluirle una voz, o funcionará mejor como instrumental. Si los instrumentos lo dicen todo, para qué una voz. La verdad es que hace tiempo no lo tenía tan claro. Siempre hice música instrumental, y sigue gustándome, pero quizá ahora esté más abierto a explorar nuevos horizontes a los que antes no estaba dispuesto.

De todos los temas de este trabajo, ¿qué canción del disco es para ti la que mejor representa la música de Cochè Vil? ¿Qué temas son para ti los que más destacan de este trabajo y por qué?

Pregunta difícil. Por estilo, creo que todas me representan por un igual, pero quizá “Ribeira Sacra” tenga un sonido global instrumental muy mío, y un solo de guitarra bastante representativo de lo que pretendo hacer como guitarrista. Destaco también “When time comes” porque Leonel me “enamoró” con sus voces. Un cariño muy especial le tengo a “Rosa no es un color”, por estar dedicada a una amiga que en aquel momento tenía una grave enfermedad, y finalmente nos dejó. Creo que tiene un tono andaluz especialmente melancólico.

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Arrastramos ya dos años con el bicho del coronavirus, y la situación no ha sido muy buena para hacer presentaciones en directo. En tu caso, ¿has podido dar algún concierto o hacer una gira (ya sea grande o mini)? ¿En qué punto te encuentras ahora con Invincible?

Sí, la situación aún no la veo del todo favorable. Continuaré de momento terminando los trabajos ai´dias re´visited y Chaos hasta el momento oportuno, aunque también es cierto que estamos ya organizando ideas para un directo, y viendo las posibilidades para estar preparado en cuanto surja algo interesante en cuanto al directo, que creo que es realmente para lo que nace la música.

Por lo que tenemos entendido, habrá pronto nuevo material de Cochè Vil. ¿Qué puedes adelantarnos? ¿Cuándo, cómo y dónde podremos escuchar nuevos temas?

Sí, continuaremos publicando temas a modo de singles hasta completar los nuevos trabajos. Aunque ya pienso en otro nuevo más potente, hay que ir paso a paso.

Se acerca la primavera, y esperamos que pronto podamos disfrutar de festivales y música en directo. ¿Cómo tienes tu agenda de conciertos? ¿Podremos verte pronto sobre los escenarios?

No quiero plantearme nada para este año.

Creo que algo de presión está bien, pero sin forzar demasiado. En cuanto veamos el momento, saltaremos al escenario sin duda.

Cochè Vil, felicidades por Invincible, es un disco muy recomendable para todos los amantes del rock progresivo y de la música en general.

Esperamos con muchas ganas tu nuevo material, y volver hablar contigo muy pronto. Gracias por tu tiempo, Cochè. ¡¡¡Suerte y muchos éxitos!! ¡Un fuerte abrazo!

Muchas gracias a vosotros! Espero que disfrutéis de mis nuevos trabajos, y que os haya sido interesante esta entrevista. Mi máxima ilusión es hacer una banda de directo tal como a mí me gustaría verla. (no sé si me explico, jeje). Saludos!!

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Operación Sándwich rebeldes sin pausa

nan de su verdad justamente.

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antas teorías de conspiración y entredichos nos han marcado durante las épocas que atravesamos, siendo los in-humanos por muchas veces el epicentro del caos y destrucción del planeta Gaia, ahora llamado la Tierra. Irónicamente somos más elemento agua que otra cosa. Mundo de cabezas que tira para abajo en este y otros tiempos.

En ese maremoto de vibraciones, ideologías y teorías científicas, llegamos a Operación Sándwich, otra divertida y jocosa banda chilena que usa el poder del Punk Rock para transmitir sus mensajes, cargados de ironía y sátira, pero que de alguna excelente manera entretienen a la hora de escucharlos, y nos lle-

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Mientras redacto el presente entrevista disfrutando del álbum Espías Reptilianos, un potente cañonazo para los Estados Profundos y sus regímenes, agradezco la confianza y colaboración de la banda para la presente exclusiva. Saludos cordiales desde el altiplano boliviano, La Paz.

Operación Sándwich, Punk Rock desde Santiago de Chile

Luego de dos años, cuarentenas, y la pandemia debido al COVID -19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

Primero que todo, gracias por esta entrevista.

Desde Chile les enviamos un abrazo al equipo de LaCarne Magazine.

La pandemia fue un gran problema para nosotros al principio, ya que estábamos a punto de

disfrutar bastante.

Una breve reseña de Operación Sándwich, ¿cómo nace el grupo? ¿Por qué del nombre? ¿Cuál es la formación actual de Operación Sándwich?

Partamos por el final. Actualmente somos un power trío compuesto por Dani Operación en batería, Ilish Operación en guitarra y voz principal, y Yoyó Operación en bajos y coros.

Operación Sándwich se forma a comienzos del 2015. La banda estaba compuesta por Chino, Yoyó e Ilish, quienes compartieron en otras bandas de las que fueron expulsados como Katchos, (Chino e Ilish) y Superclank (Chino y Yoyó).

Operación Sándwich fue otra oportunidad para estos rezagados, que de tocar sabían bien poco, pero que tenían una fuerte convicción, y por sobre todo ganas de ensayar y tener una banda. 2 años después llegó Dani Operación, trayendo frescura adolescente y el talento musical que por naturaleza le fue regado al resto del grupo.

h entrar al Estudio cuando comenzó todo, pero terminó siendo una gran oportunidad. Imagínate, pasamos por cosas que jamás habíamos vivido, como toques de queda, tener que compartir todo el día con la familia, milicos en las calles o cuarentenas extensas.

En ese espacio es donde cabe el arte y la imaginación fluye. Antes de la pandemia, Operación Sándwich teníamos alrededor de 11 temas nuevos para grabar, y ahora, que al parecer se está terminando, tenemos 16 canciones, y algunas temáticas tratan sobre estas vivencias circunstanciales a causa de la que para nosotros, en nuestra estrecha mente, fue la casi extinción de la humanidad.

Esperamos que el disco salga en la primera mitad del próximo año 2022, y estamos muy ansiosos porque estamos seguros que al que gusta del Punk Rock Ramone y rápido lo va a

El nombre Operación Sándwich no significa absolutamente nada, no nos gusta abanderarnos. Es más, es completamente interpretable su significado, ¿qué es para ustedes una Operación Sándwich? ¿Qué estilos musicales han influenciado en el sonido de Operación Sándwich?

Nuestro estilo musical se caracteriza por tener un sonido rápido, potente, con temas cortos, y siempre orientados a lo melódico, como los Ramones en vivo.

Las letras para nosotros son un elemento fundamental, sobre todo desde nuestro segundo disco que estás escuchando. Siempre tratamos de darle varias vueltas a un tema antes de escribirlo, y nuestra próxima producción tiene grandes avances en esa materia, y obviamente seguimos con el mismo estilo. ¿Cuáles fueron sus referentes musicales para Operación Sándwich? ¿Qué artistas los han marcado?

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El ADN de la banda tiene a los Ramones como principal influencia. De hecho, la mayoría de bandas que influencian a Operación también tienen a Ramones como referentes.

Entre los más destacados están The Queers, Screeching Weasel, Teenage Bottlerocket, No Picky, F.A.N.T.A o Airbag de España, entre otros. ¿Qué nos pueden comentar de su trabajo discográfico? ¿Cuál es la discografía de Operación Sándwich (y sus años de edición) a la fecha?

Nuestro trabajo musical empezó cuando teníamos solo 7 meses de vida. El primer disco que grabamos fue el Surfin’K (2016), un disco que nosotros consideramos un EP por la calidad de grabación y por nuestra inexperiencia en Estudio, pero nos hemos dado cuenta que este disco es el favorito de algunos, a pesar de ser el que peor suena, ja ja ja.

Luego de 2 años decidimos trabajar mejor lo que fue nuestra segunda producción, Espías Reptilianos (2017). Fue grabado en Madyrecs, ubicado en la población San Gregorio, en Santiago, un Estudio casero que fue el Productor del disco.

En este álbum se nota una madurez de la banda, y también marca la llegada de Dani a la Batería. Desde acá nos pusimos como meta mejorar el nivel de nuestras futuras producciones, y en eso estamos ahora.

También es importante mencionar que grabamos un disco Split con nuestros amigos de Poker de Joker, y además un Demo llamado Status Quo, un adelanto de lo que será nuestra próxima producción. Todo esto lo pueden encontrar en nuestras redes y plataformas musicales. ¿Qué nos pueden comentar de la videografía de Operación Sándwich? ¿Alguna realización que nos recomienden? ¿Alguna anécdota de producción?

La mayoría de videos que Operación Sándwich tenemos son de bien bajo presupuesto, en realidad 0 presupuesto, al menos ésa era nuestra idea al comienzo, proyectar una ima-

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gen de Cine B a lo que hacíamos. Es por eso que, si buscan en YouTube, se encontrarán con varias producciones hechas por nosotros mismos. Somos bien autogestionados en ese sentido.

El video que podríamos recomendar es Mondo TV. En éste gastamos un poco más, pero ni tanto tampoco (ja ja ja). En esta producción pagamos a un amigo para que hiciera cámaras, y arrendamos una sala de ensayo y el resto fue autogestión.

Acá hay un dato curioso, puesto que aparecemos 4 Operación en el video. Eso es porque el productor del disco, Jorge Idiota, fue miembro por algunas semanas de la banda, y obviamente tenía cabida en lo que hicimos.

Operación Sándwich, no, no, no… quiero Ser Humano

A mediados del 2021 Operación Sándwich han presentado el EP Status Quo, con una firme propuesta y genial portada, que alienta a escucharlos con atención y diversión. ¿Qué nos pueden comentar del nuevo material en

cuanto a producción? ¿Qué temáticas han tocado en este nuevo trabajo? ¿Quién hizo la portada? ¿Algunas anécdotas?

Los orígenes de estos 3 temas vienen de las maquetas que grabamos para la nueva producción. La idea de Status Quo es marcar un precedente o adelanto de lo que se viene.

En la línea de la autogestión podemos decir que estas maquetas fueron grabadas en la humildad de nuestros hogares, y las mezcladas fueron hechas por el Estudio que está a cargo de darle un tono más profesional al próximo disco que estamos grabando. El Estudio se llama Plex Studios, y se ubica en Santiago de Chile.

La portada de este demo es una obra de Kid Salinas, un dibujante de cómic chileno muy importante hoy en día, creador de una saga de historietas que retratan la Guerra de Arauco entre españoles y mapuches, parte de la Historia de nuestro país. Él será el encargado de darle vida al Arte del próximo disco también, cosa que nos tiene muy expectantes. ¿Cómo les fue con la edición pandemia 2021

en formato CD de su obra completa? ¿Algunas anécdotas de la producción y distribución que vienen realizando?

El Punk es Autogestión y harto apoyo mutuo. Generalmente hemos sido apoyados por distintos amigos en distintas áreas. En la temática de nuestros discos físicos, durante la pandemia fuimos apoyados por Seba Buena Basura, quien tiene una distro en el persa Víctor Manuel de Stgo. Él gestionó copias de todas nuestras producciones, y hoy ya no nos quedan porque regalamos o vendimos todas. En general siempre hay amigos y amigas en las tocatas preguntando por discografía, y eso nos motiva mucho.

Pude observarlos y conocerlos gracias al flyer del show que brindaron a fines de octubre (Psycho Therapy) junto a bandas colegas / amigas. Desde su perspectiva y experiencia, en Chile actualmente, ¿cómo encuentran el Movimiento Cultural de Música Contemporánea? ¿El público? ¿El mercado?

En realidad la música Punk en Chile es bien de nichos. No hay una Escena con grandes LaCarne Magazine

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conciertos o gente que consuma este tipo de música masivamente.

Si bien, cuando llegan bandas clásicas, se llenan estadios, por lo general las tocatas son en bares medianos o pequeños con un irregular público, que a veces puede llenar un local y al otro fin de semana todo lo contrario.

Sin embargo, hay muchas bandas nuevas que vienen a refrescar el Movimiento Punk. Siempre el Punk acá fue de una línea más Hardcore – contestataria explícita.

Hoy en día está creciendo fuertemente una vertiente más melódica con temas variados y posturas diferentes a lo clásico, lo cual nos parece genial, ya que encajamos perfectamente con las bandas y público que sigue esta movida. ¿Qué les dirían a las personas que quieren incursionar en el Movimiento Musical? ¿Cuáles son sus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras que sienten la anarquía como estilo de vida,

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y vibran la lucha desde el arte y la magia de la música.

Les diríamos principalmente que desde ya se armen de paciencia y adopten una fuerte disciplina, si es que se toman enserio tener una banda. No es algo fácil, hay que estar dispuesto a desaparecer los días de ensayo, a no poder ir al cumpleaños de la abuela porque es día de tocata, entre otras cosas.

Pero los sueños son tesoros preciosos que hay que cuidar y luchar por alcanzarlos, por eso no sólo basta con juntarse, hay que dedicarse y, por sobre todas las cosas, pasarla bien. Si alguna vez notan que con su banda ya no existen las risas del principio, es hora de pensar en explorar nuevos caminos.

Operación Sándwich, Matar al Presidente

Pude disfrutar en su integridad del álbum Espías Reptilianos. Me encantó por completo. ¿Qué canciones se han convertido en referentes para ustedes como Operación Sándwich? ¿Qué temas los identifican con su público?

Muchas gracias por tus palabras y por escu-

char el disco. Este disco fue trabajado por más de un año en la sala de ensayo. Operación Sándwich tratamos de mejorar en cuanto a la composición y a los mensajes de las letras de las canciones, y creemos que se consiguió.

Para nosotros es hasta ahora nuestra mejor producción, y tiene un valor agregado, porque fue hecho de forma bastante casera a pesar del resultado, que nos dejó bastante conformes.

Varias personas nos han comentado que tienen canciones favoritas, entre éstas se encuentran con mayor mención Marky Pelado, Fitness Punk, Mondo TV (que es el single del disco), y Matar al Presidente, quizás esta última es bastante valorada por la situación política y el pésimo presidente mamarracho que tuvimos en este país llamado Sebastián Piñera.

Con fuerte ideología ligada a su mensaje musical, Operación Sándwich es necesaria para frenar a los Estados Profundos que siempre andan operando con sus brazos derechos o izquierdos. Justo en el momento de la entrevista, su país se preparaba para el show po-

litiquero o democrático de las elecciones para colocar nuevos peones de los reyes del mundo… ¿Alguna anécdota de ser consecuentes con lo que cantan? ¿Cómo está esa “libertad de expresión” y “democracia” en nuestros Estados totalitarios, corruptos y descarados?

A pesar de que nuestras canciones parecieran ser bastante felices, somos bastante críticos de nuestro sistema sociopolítico y económico actual. Muchas de nuestras canciones entregan algún mensaje político, y es algo natural porque como humanos somos seres políticos.

Con respecto a la situación actual de Chile, es importante destacar que los chilenos en masa salieron a ocupar las ventajas de esta falsa democracia, para frenar en seco al fascismo que asomaba sus narices con bastante fuerza en el espectro político nacional.

Nuestra postura siempre será de incomodar y cuestionar al poder, no sólo por medio de nuestras canciones, sino que también en el día a día sea del lado político que sea.

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¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que les anima a seguir en la batalla de la música o en el juego de la vida? ¡Hey Ho Let ‘s Go! ¡Más rápido! “Lo único a lo que hay que temer es a tener miedo”.

En el supuesto de estar sin red o acceso a internet, ¿qué discos recomiendan para irse de viaje o vacaciones? ¿O tal vez de revuelta y protesta fiestera?

Bueno, si vamos a la playa y queremos pasarla bien, recomendamos cualquiera de F.A.N.T.A. Si queremos salir a quemarlo todo, cualquiera de los Fiskales Ad Hok. A finales de noviembre 2021, Operación Sándwich volvieron a punkrockear en el ROCK FEST, celebrando junto a bandas amigas el poder tomar escenarios nuevamente junto a su público. ¿Cómo les fue y qué anécdotas les dejó el show?

Bueno, esa fecha ya pasó. Fue una increíble jornada de mucho Rock & Roll, piscolas y cosas fumables. Lo pasamos increíble, a pesar de tocar cerca de las 1:00 A.M., y no ser el plato fuerte. Mucha gente se quedó para escucharnos.

La verdad es que ensayamos todas las semanas, lo que nos tiene en una muy buena sintonía como banda, y eso se traspasa hacia el público de una manera u otra.

Si en la posibilidad de los hechos, uno puede recuperar su digna libertad, o su manera de poder discernir, y desenvolverse a futuro sin tantas reglas impuestas por la “bioseguridad” y debido a la “plandemia”, ¿en el 2022 qué proyectos para la banda?

La verdad es que este tiempo encerrado ha sido una real mierda. En estos momentos uno se da cuenta que muchas veces somos sólo ratas de laboratorio de un sistema que nos oprime con leyes que benefician a unos pocos, y con sistemas de salud que permiten que la gran mayoría deba someterse a sus voluntades cuando estamos vulnerables.

Pero también es importante destacar que de todas las experiencias se generan aprendizajes y oportunidades.

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La pandemia nos afectó de forma personal, y obviamente también como banda. Lo bueno es que ganamos tiempo para componer y grabar, lo que hace que nuestros planes vayan en esa dirección. Lo primero es terminar ese proceso, y luego esperar que las molestas restricciones sanitarias nos permitan salir a tocar el nuevo disco.

Tenemos muchas ganas de visitar varias ciudades de nuestro país, y poder vacilar con amiguitos de otros países desde donde hemos recibido muy buena onda, como Argentina, México, Perú, Bolivia y, por qué no, España.

Operación Sándwich

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Operación Sándwich.

Muchas gracias por la invitación y por la entrevista misma. Hemos pasado un agradable momento respondiendo estas preguntas tan interesantes.

A todos los lectores de LaCarne Magazine, queremos invitarlos a revisar nuestros canales oficiales para que puedan escuchar nuestros discos, y ver nuestros videos de bajo presupuesto.

Gracias por confiar en estos orates que pretenden tener una bandita de Punk Rock. ¡Viva Latinoamérica unida! Se despide Dani, Ilish y Yoyó Operación.

C

errando la presente edición, sabemos que los vientos del fascismo gubernamental han sido frenados en las elecciones presidenciales en el hermano país, donde la resistencia se la hace cantando, tocando rápido para alertar a un gran despertar, que algún día llegará para bien de los pueblos y sus gentes. Larga vida a la música hecha con el poder de la palabra, y con la fuerza de la consciencia multiversal.

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Gameboyz

un referente de la Electrónica nacional siones, lives y kilómetros a sus espaldas.

L

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uis y Carlos forman parte de la formación actual pacense con mayor carrera fuera de las fronteras de Extremadura. Gameboyz son un referente en la electrónica nacional por su estilo tan marcado, donde mezclan a la perfección la idiosincrasia de la tierra con los sonidos retros, y los ritmos más bailables cercanos al Nu-Disco, al Electro, o al Techno.

Gameboyz rebosan carisma, se mueven como peces en el agua en los clubs de medio país, productores incansables, y muchas se-

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Gameboyz, un referente de la Electrónica nacional

Viajamos en el tiempo hacia la mediana ciudad de Badajoz, donde escuchamos por primera vez, allá por el 2000 o principios de siglo, a un joven Dj Motxo en una discoteca, en la barriada de Valdepasillas, llamada Café Central, y mientras, en aquella época, otro joven llamado Charlie Funk hacía también de las suyas en una discoteca del centro de la ciudad, llamada Cokolo.

Ambos pinchábais en aquella época Break Beat, Drum n bass, básicamente ritmos rotos, aunque imagino que Carlos también tiraba de

de Badajoz: Ozono Records. Allí comprábamos nuestros primeros vinilos de estilos como Breakbeat o Drum & Bass, y algunos de house, electro, y otros estilos que por aquel entonces eran más típicos que el break o el druma… Fue nuestra época de aprendizaje en una ciudad/pueblo de mucho talento.

En aquella época, seguramente, más avanzado en el tiempo, teníais alquilado un piso/ apartamento en las cercanías de la Alcazaba de Badajoz, en su casco antiguo, donde estaba ubicado vuestro estudio, y supongo que aquello era también un lugar de encuentro de amigos, intercambio de impresiones musicales, fiestas, etc. ¿Lo conserváis? ¿Hay secretos contables de aquel lugar?

Bueno, eso fue ya una vez formado Gameboyz en el 2012. Hemos saltado del 2000 hasta el 2012, y durante esos años digamos que estábamos aprendiendo el oficio, la programación de nuestras primeras fiestas, o el arte de producir con Acid Pro o Fruity Loops. hehehe Ya en el 2012, cuando arrancamos con el proyecto Gameboyz, pasamos por varios locales.

Uno de ellos fue una casa que teníamos en el casco antiguo de Badajoz, y sí, se celebraron muchos afters allí cuando cerraban el Zirkus, uno de los clubs más conocidos de Badajoz.

estilos menos undergrounds, como el house o el techno. ¿Qué queda de aquella época, chicos? ¿Y qué fue de aquellos apodos artísticos?

Bueno, lo primero, Jorge, darte las gracias por esta interesante entrevista. ¡Nos gustan mucho las preguntas!

Sí, de aquella época no nos quedan (por lo menos al kali) ni los pelos…. Fue la época en la que nos formamos, tanto como djs, productores o especialistas del sonido, como es en el caso de Kali, estudiando primero en CIDISI, y luego en el SAE Institute.

Aprendíamos de los mejores de Badajoz, Tanaka, Pio, Marcos, y toda la familia que llevaba por aquel entonces la tienda de discos

Los primeros años de Gameboyz fueron una auténtica locura, por eso me imagino que salieron cosas como Carne de Puerca, Baile Mágico o El Calor del Foco… Ahora intentamos relajarnos más. ¿Allí se gestó Gameboyz? Supongo que es una pregunta muy recurrida, pero de obligado cumplimiento. ¿Cómo surgió el nombre?

Gameboyz se gestó en la parcela de los padres de Charlie, un campo que tenían en Portugal, el cual por cierto se quemó en un incendio que hubo hace unos años en Portugal muy serio y catastrófico. Fue la verdad un gran disgusto aquella perdida.

Allí en ese campo nació la idea de formar el grupo con Da Well y Charlie. Se nos ocurrió en un momentazo de subiduqui en el que Well cogió un micro y se puso a “cantar” a través de LaCarne Magazine

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un Kaos Pad 3 diciendo palabras graciosas.

Ya teníamos la influencia de artistas como Daniel Maloso, Rebolledo o Matias Aguayo, a quienes admiramos por encima de todo, ya que ellos fueron para nosotros los estimuladores para crear el grupo, y cantar en español encima de música electrónica.

No es que fueran los primeros, pero sí en hacerlo para luego reproducirlo en los clubs más serios. Era una especie de huida del postureo, ser un poco más canalla, digamos, y usar la vulgaridad a veces para hacer reír al personal de un club.

En vuestra vida cotidiana fuera del Gameboyz, ¿a qué os dedicáis? ¿Se puede vivir solo de la música?

Bueno, es muy complicado, y lo lógico es pasar por varias fases a lo largo de tu carrera.

Hay momentos mejores y peores, pero el resultado final es que para vivir de la música no solo puedes esperar hacerlo de pinchar, producir, o, en el caso de Badajoz, de programar fiestas.

Puedes tener momentos en los que con una cosa sobrevivas, pero al final nos damos cuenta que hay que hacer de todo para mantenerse vivo.

Producir, editar a otros artistas en tu propio sello, curación musical, programación, producción de álbumes, booking, y hasta marketing digital musical, como en el caso de Kali, que escribe, maneja y trabaja en varios canales publicitarios que le dan de comer.

En El Calor del foco, Tacón puntera o Que tienen tus ojos, Gameboyz hacéis continuos guiños en vuestras letras a lo que pasa en la pista de baile. ¿Es una seña de identidad? ¿Qué representa para vosotros la pista de baile?

Sí, eso es, cantamos en español porque nos divertimos haciéndolo, y a nosotros mismos nos suena gamberro. Nuestro próximo trabajo se llama Chicken & Drugs, en el que se encuentran el track homónimo y Sigo Estando.

Letras en español, electro y mucho rollo…

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Es decir, que seguimos en nuestra línea de siempre, a veces más vocal, otras veces menos, pero siempre con el espíritu Gameboyz.

Y nuestro segundo álbum seguramente sea así, incluso mucho más cantado el primero, Mucho Danger.

Habladnos de Como las Grecas. ¿Qué es? ¿Cómo surgió? ¿Quiénes forman parte o colaboran?

Como las Grecas es un proyecto que tiene a parte Kali, desde el cual le dan difusión a todos l@s artistas que les envían su música.

Luego, además, hace fiestas Como las Grecas en Barcelona, Madrid y Badajoz.

En Como las Grecas existen muchos colaboradores, que además escriben en otros medios más grandes, y entre todos realizan Premieres, Reviews o entrevistas a est@s artistas…

Gameboyz habéis tocado en múltiples países.

Así a bote pronto nos viene a la cabeza Portugal, España, Francia o Israel. ¿Recuerdos de esas actuaciones? ¿En qué más países habéis tocado u os gustaría tocar? ¿Cómo se consiguen bolos en lugares tan dispares?

La más chula, la de Tel Aviv, cuando llegamos tras, no sé, 12 horas de avión. Fue como llegar a otro nuevo planeta.

Las infraestructuras de allí eran muy especiales, porque por fuera todo parecía destruido, pero cuando entrabas era todo mucho nivel, mucho nivel en infraestructuras, en sonido y público. Las experiencias de tocar en otros países es la mejor.

Hablemos de Mucho Danger. Gipsy Drug me parece un tema sublime, probablemente el más completo que habéis realizado, al igual que Chamán, que es una canción donde nos quedamos con ganas de más. ¿Qué es Mucho Danger para vosotros?

Con Mucho Danger dimos el primer paso de cualquier artista que se precie, que sería sacar tu propio álbum, y aunque nos hubiera gustado sacarlo por algún sello, hacerlo por Melómana nos trajo muchas cosas buenas para la etiqueta.

Ahora Gameboyz vamos a por el segundo, dad por sentado que en breves lo anunciaremos.

Melómana Records es vuestro sello propio. ¿Cómo surgió la idea?¿ Qué artistas tenéis en vuestras filas? Además trabajáis con otros sellos discográficos, ¿nos habláis de ellos?

Melómana es una de las extensiones de Gameboyz. En nuestro sello editamos a todo tipo de artistas que nos gusten, y que tengan algo interesante que ofrecer con su música.

Trabajar para otros sellos parece que con el paso del tiempo se vuelve más selectivo, aunque cuando acabemos Chicken & Drugs seguramente lo saquemos por Melómana, si algunos de los sellos a los que le enviemos el EP no lo quieran sacar.

Razzmatazz, Mercantil, Apolo, El sótano, La Terrazza son algunos de los clubes y salas donde Gameboyz habéis tocado ¿Recuerdos y anécdotas de estas salas? Y ahora vayamos a los festivales: Contempopránea, This is Hardcore, Electrosplash, Aliexpress fest, Bruja Sound,. Sabemos que Electrosplash es vuestro favorito, ¿alguna cosa que contar? Y por último, ¿cómo tenéis la agenda para 2022?

La gente y su público. Son lugares perfectos para bailar y diverstirse de la mejor de las maneras posibles. Con un sonido espectacular, organización y buen rollo.

El festival de Aliexpress fue un cachondeo porque aprovechamos la grabación que habíamos hecho unas semanas antes en Barcelona con la familia de Proyectual. La música era por debajo de los 100 BPMs, por lo que imagínate la reacción de un publico como el que puede atraer Aliexpress. Algunos comentarios eran para partirse el culo.

Y sí, Electrosplash es nuestra actuación más exitosa del youtube.

Con lo que vosotros sois, con el carisma y la profesionalidad que tenéis, se nos hace raro no veros en festivales grandes de Extremadura. Así a bote pronto se nos ocurre Extremúsika, Womad, Alcazaba Fest, Stone & Music

festival, son festivales con presupuestos abultados que no os incluyen, cuando vosotros tenéis un público. Caray, que sois habituales de fiestas multitudinarias en Barcelona. ¿Existe alguna razón?

Bueno, gracias por esta pregunta, eso, lo primero. Lo que hay que preguntar es quiénes son los programadores de estos festivales, quiénes son los que se encargan de la programación, y preguntarles: ¿cuánto de su line up es ARTISTA LOCAL? En fin, en casa de herrero cuchillo de palo…. Y decimos más. Si los que organizan eventos en Extremadura no tienen como obligación moral la contratación de artistas locales, ¿quién lo va a hacer?

Creo que solo por respeto deberían de empezar por ellos, y darles la oportunidad no solo de que toquen delante de muchas personas, si no que además les paguen bien por su actuación.

Gameboyz habéis pasado de ser un trío a un dueto. DaWell o Manuel ya no está en la formación. Supongo que forma parte de la evolución natural de los grupos. ¿Lo echaremos/ echaréis de menos? ¿Su falta es un problema para la música de Gameboyz?

Bueno, siempre lo echaremos en falta, claro.

Fue decisión propia, por lo que poco podemos hacer. En cuanto a la música, pues sinceramente creemos que no, ya que lleva siendo así unos años, y podemos echar en falta sus aportaciones, pero si él ya no está para aportarlas, pues lo hará alguno de sus otros dos compañeros.

Muchas gracias, chicos. Siempre es un placer teneros entre nosotros y ¡larga vida a vuestra música!

Gracias a ti, súper Jorge, por la entrevista. Muchos besacos.

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LuCash Pro

Rap Chukuta desde La Paz City

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n esos emotivos recorridos que atravesamos en las calles paceñas y sus laderas, por sus barrios y monumentos clásicos, allá por 2010 en la Ciudad del Illimani, y las arterias de la Capital Política de Bolivia, nos encontrábamos protagonizando cada uno por su bando el Movimiento de Rap paceño.

En esos agradables encuentros me anoticié de la nueva promesa del Hip Hop Kolla, eran un grupo de cuates que andaban en buena onda y con actitud fiestera, los Adonis Clan, representando con soltura esa nueva generación rapera que llegó para quedarse. En este extenso crew conocí al protagonista de la presente exclusiva, LuCash Pro. Pero mejor si empezamos por el final. En abril

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del 2021 tuve el gustazo de colaborar en una canción junto a Desmán y LuCash Pro, quienes me invitaron a hacer coritos en una irreverente versión intitulada Pásame El Fuego, donde produje el beat, y que nos brindó además la realización de un divertido videoclip, que tuvimos la gracia de rodar por mis nuevos dominios cerca al Valle de Las Ánimas y Chasquipampa.

Fue un buen momento para el reencuentro luego de las cuarentenas, y grato compartir producción en el Home Studio X La Gloria Records de RC, re-ubicado en la Zona de Obrajes, donde registré los apoyos vocales para el single.

LuCash Pro, con el Power Boliviano

Una excelente oportunidad abrir el 2022 conversando con LuCash Pro, un activista rimador, inquieto poeta, y artista que fluye rimas, ritmos y versos en el día a día para convertirse en portavoz cultural de su hoyada, sus calles

venzuelo bajaba una de las calles de mi ciudad, sin rumbo alguno en mi estado sativo, llego a la Feria Dominical del Prado, y lo que estoy observando: me percato de un grupo de jóvenes haciendo graffiti y otros improvisando, y como yo estoy en dope, disfruto de lo que hacen, y uno de ellos se acerca para asegurarse si soy buen tipo, o una caca de persona.

Ahí es que conozco a Desmán (Ariel Cabrera Canaviri), que notó mi buena onda, y, entre chiste y chiste, terminamos en una boda ese mismo día (cerca de Viacha). Ya todos ebrios, terminamos en la casa de uno de los cuates.

Semanas después me volví a encontrar con Desmán, y me invitó a su Home- Studio, donde otros más asistieron, y se decidió hacer una canción. Yo, presto para todo, dije “de una”. En mi ignorancia empecé a escribir en prosa mi parte de la canción, todos desconcertados me preguntaban ¿por qué lo hacía así?

y cotidianidad hecha canción. Gracias por la confianza y colaboración para LaCarne Magazine.

Luego de dos años de sobrevivir al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo estás actualmente?

Luego de toda esta pandemia me siento evolucionado, mejorado y aumentado. Sin duda está pandemia COVID19 y variantes nos enseñó el valor que cada uno tiene que darse ante la adversidad. Muchos de nosotros partieron, sólo nos queda ser mejores cada día mientras estamos vivos. ¿Cómo naces a la vida musical?

El ritmo yacía en mis venas cada vez que escuchaba algo que me gustaba, ¡bueno y presto para bailarlo -a mi manera-!

Cuando estoy en mis 16 inviernos, en una de las ciudades del Andes, en mi caso en Chuquiago Marka (La Paz – Bolivia), todo un jo-

A pesar de que escribía así, yo podía interpretar sin problema mi parte de la canción, porque entendía y te iba a ritmo, y pregunto ¿cómo se debe hacer entonces? Y fue Desmán quien me explicó que la parte lírica de una canción se escribe en versos. Como me salió relativamente bien la primera vez, me motivé a seguir haciendo eso, escribir música, y terminé formando parte del grupo de música urbana Adonis Clan.

El Chairito

¿Qué influencias artísticas has recibido?

Yo siempre escuché la música regional, es algo inevitable porque es mi gente la que promueve esa música. Hablo de la Cumbia y el Folklore, y también en los 90, la música que estaba de moda y el Techno y la Electrónica que era indispensable, la Música Latina como Chayanne, Ricky Martin, Enrique Iglesias, Miguel Bose, Elvis Crespo, Sandy & Papo, Big Boy, Los Ilegales, Kid Power, muchos más que no estoy mencionando. ¿Qué estilos musicales han influenciado en ti?

La música que influenció en mí fue de todo, pero quiero resaltar a Sean Paul, Cypress Hill, La Re Pandilla, 10 Puntos, Juan Luis LaCarne Magazine

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Guerra, Timbaland, Eminem, Kalamarka. ¿Algunos grupos o artistas que han marcado tu camino?

Control Machete, Tres Coronas, Molotov, Ilegales, Beastie Boys, Sandy & Papo. ¿Una breve reseña de la carrera de LuCash Pro hasta el presente? ¿Cómo surges en el proyecto musical de tu vida?

Luego de muchas adversidades que pasé en mi vida, se vino una que marcó en mí, que fue el de rendir cuentas por mis fechorías ante la justicia. Por la ley estuve casi dos años en prisión, y fue ahí que me di cuenta que lo único que era de provecho en mí para la sociedad era la música.

Es más, lo único bueno que hice en mi vida fue hacer música, ya que gracias a la música salí un sin fin de veces de problemas de mayor gramaje.

El 2013 me di cuenta que tenía que seguir haciendo música, pero ya no como pasatiempo, ahora como algo fundamental para mi desarrollo como persona y objetivo de vida personal.

Para muchos músicos, el lugar de nacimiento y la zona de crecimiento son fundamentales para el desarrollo de su identidad artística, ¿qué nos puede comentar al respecto? ¿Qué nombre y lugar tienes de nacimiento? ¿Cómo nace el sobrenombre de LuCash Pro? Yo soy paceño, nací en La Paz, Bolivia (Chuquiago Marka). ¿De cómo se dio mi seudónimo artístico? Antes tuve muchos apócopes, me decían Nano, Nanichi, Lui Amulet, Lucho, Fer Man, Luif Generis, y en eso de ver con cual me quedaría, surge la idea de LuCash Pro. Mi nombre es Luis Fernando Gutiérrez Eyzaguirre, y de niño fui fanático del Playstation, dónde se dio el juego de Crash, un zorro come duraznos y su aventura. Me gustaba tanto, que me sugerí ese nombre, pero algo no daba en el clavo, así que fusioné mi primer nombre de Luis con Crash y salió Lucrash, pero aún no me convencía, y, pensando en el mal necesa-

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rio el dinero, evolucionó el nombre a LuCash Pro, el Pro viene de que quiero y seré muy profesional en lo que hago.

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es la discografía de LuCash Pro (y los años de edición) a la fecha?

El primer álbum en el que participé es Adonis Clan, que salió el 2009 con el grupo del mismo nombre (sigue siendo mi grupo, mi equipo).

Luego salió En Escena el 2012, en el 2014 La Misión (este álbum se realizó sólo con dos integrantes del grupo, Anbel Cresan aka Ángel Berardo Crespo Sanjinés y su servidor LuCash). Estando ambos privados de libertad, en 2019 salió Pensamientos Masivos.

Ahora trabajo en mi primer álbum como solista que titula Victoria Antes Que Muerte (V.A.Q.M.), del cual ya lancé un primer sencillo

que titula Raza de Bronce, que ya lo pueden disfrutar en las plataformas de streaming.

Luego de disfrutar del nuevo single Raza de Bronce que nos presenta LuCash Pro, y viajar por la sonoridad andina urbana que nos regala de corazón, rememoro que me encantó su realización visual, y en especial el clip de Morena.

Dentro de la producción visual de LuCash Pro, ¿alguna que nos quieras recomendar? ¿Qué anécdotas en los rodajes?

Lo que recomendaría es siempre en salir de lo que la gente espera. La gente siempre da por hecho que lo harás de una manera definida (según lo que ellos creen que te conocen), pero darles lo que no esperan (eso me encanta).

Ahí está el ejemplo de Morena, empieza la canción y todos esperan un reguetonsito normal, y termina el coro y sale el estribillo de la instrumental, y ¡pumm!!! Sale la fusión del

Caporal, y más adelante sale el Caporal rapeando, ¡con toda la indumentaria folklórica!!!! ¡Eyouuu!!!

LuCash Pro, raza de Bronce

El 2021 han realizado la canción Pásame el Fuego junto a Desmán, y mi colaboración como Marraketa Blindada en el beat y coros. ¿Cómo le fue a la producción que cuenta con un clip muy entretenido?

La producción de Pásame El Fuego fue totalmente de nosotros, no involucramos a gente especialista en el detalle de Producción Audiovisual.

Nosotros mismos, con ayuda de tutoriales se realizó, y se nota nuestra producción amateur, pero, más allá de ello, fue el de “demostrarnos que si queremos, podemos”, ya que siempre es un costo adquirir a profesionales para realizar estos trabajos para uno.

Y sí se dio, es divertida, y la gente resaltó nuestra creatividad, y tiene su propio público por la canción y el mensaje que emite la obra Pásame El Fuego.

Integras al crew Adonis Clan, ¿cómo le está yendo en estos momentos? ¿Alguna primicia en especial?

Lo que te adelanto es la obra A Lo Criminal, que se grabó en los Estudios de Secuencia Pólvora, la canción fue realizada por Brody Beatz y LuCash, el videoclip está ya en post producción -que se está trabajando con la productora Black Herald- del director de cine Alejandro Zurita.

Los temas que has realizado junto a la colaboración del grupo Los Vagabundos Espaciales marcan una fascinante fusión entre el Rap, Rock y el Huayño, además del modismo paceño en los versos y textos del canciones, algo tan original como nuestra cosmovisión. ¿Qué nos puedes comentar de la conexión y producción con el power trío?

Con ellos me conocí gracias a la Universidad, yo como estudiante de la UMSA de la Carrera de Diseño Gráfico, un evento de presentación de obras, cuadros realizados por estudiantes que se realizó en un Café cerca a la Plaza LaCarne Magazine

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España, donde Los Vagabundos Espaciales tuvieron una presentación acústica, en la cual me metí sin previo aviso. La canción fue justo Ciudad Andina, de ahí fue que se dio mi amistad con Los Vagabundos Espaciales.

Con Los Vagabundos Espaciales tengo dos trabajos realizados, el primero fue Ciudad Andina, en el cual me acoplé con un verso de una canción que ya tenía, que es Chuquiago Marka (Chairito).

Luego salió – justo en medio de la coyuntura política el 2020- Corruptos, que fue una locura, ya que se realizó la canción y videoclip en tres semanas, y se lanzó justo el día que la gente se dirigía a las ánforas a decidir quién sería el nuevo Presidente del Estado Plurinacional de Bolivia. Ambas propuestas se grabaron en los Estudios de Kuyuri Records con la producción ejecutiva de Wolfsversteck Pub (Roberto Aguilar).

Hasta la fecha, dentro de tu recorrido musical como LuCash Pro, ¿qué evento o Festival te han dejado marcado?

El evento que me dejó marcado fue el Segundo Encuentro Internacional de Justicia Restaurativa, en el que participé en la inauguración y cierre del mismo. ¿Por qué me marcó? Fue porque yo asistí a este evento estando privado de libertad, se me convocó por dos canciones: El Fénix y El Preso.

Lo que se dio fue que en el cierre estaban presentes muchas autoridades, jueces, fiscales, abogados e instituciones no gubernamentales, y cuando presento la canción El Preso: se enojaron, se molestaron la mayoría de los jueces y fiscales, me querían censurar todo porque la canción trata de “la retardación de justicia”.

Bueno, al que le quede el guante que se lo chante, más bien estaban presentes activistas de la libertad de expresión que me defendieron, terminando eso me volvieron a llevar al Recinto Penitenciario en el que guardaba detención preventiva con mi pago por la tocada, y un Pollo Copacabana que me dieron los organizadores, todo posi.

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Una de mis preferidas es Chuquiago Marka (Chairito). Dentro de tu repertorio, ¿qué canciones son tus favoritas para interpretarlas hoy y siempre?

Mis favoritas serían todas, pero considero para toda ocasión Raza de Bronce, Morena, Coca no es Cocaína, Corruptos, Chairito, Weed & Rap y Cósmico.

Lucash Pro y la Ciudad Andina

Como buenos amantes de la música, según tus gustos y estilos, ¿qué discos recomienda

para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida.

“No hay mal que por bien no venga”, o “aguante como los machos”, o por último, “seguimos en la constante, lucha entre la verga y la chucha” (ja ja ja ja).

Tuviste la oportunidad de regresar a los escenarios y retomar el contacto con el público cerrando el 2021, ¿cómo te has sentido luego del retorno a escenarios?

Volver a los escenarios fue fantástico, mágico, ya que puedo decir que en esos momentos es donde puedo volar en emociones, y sentir que hago algo por los demás, porque el mensaje de la música es claro: ¡Vivir!!!

Sólo tuve una tocada en diciembre del año pasado, fue justo para la elaboración del videoclip No Hay Derecho, del amigo artista Kanturi, en el TT-KOS Alternativo de Sopocachi. ¿Qué proyectos tiene LuCash Pro para el 2022? ¿Alguna primicia en especial?

Está en puertas el videoclip Dopamina, y la elaboración del videoclip de Raza de Bronce, y mucho más, obviamente.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta tu música y para los nuevos seguidores de LuCash Pro. Gracias a todos por darme la oportunidad de deleitarlos con mi música, y no dejemos de vivir, ¡vivamos como si fuese el último día!!!!!

LuCash Pro para prestarle atención? ¿Qué material es tu cabecera entre otros?

Michael Jackson / Dangerous, Queen / Queen II, Gustavo Cerati, BajoFondo /Mar Dulce, La Obertura del Siglo XX, Sandy & Papo / Otra Vez, La banda No Te Va Gustar (primeros álbumes), Los Kjarkas (Bolivia), Canserbero / Vida, King Crimson / Red, Control Machete / Mucho Barato, Chicano Batman / Cycles of Existential Rhyme, Robi Draco Rosa / Vagabundo. ¿Cuál es tu frase, lema, verso o dicho? Ése que te anima, alienta, levanta, enfoca, etc.,

C

erramos la edición con una amistosa energía que reivindica el sentido de identidad entre colegas del Movimiento Hip Hop y Rap Music dentro de la Ciudad del Illimani, así los amigos serán amigos y seguirán sus caminos, rimando y cantando en paz, unidad, diversión o respeto.

Muchos éxitos para hoy y siempre, desde La Paz de Bolivia para el Mundo entero.

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Fallen Symmetry Power Progresivo y Heavy Metal

el lanzamiento de nuestro nuevo disco, Rehenes, que está próximo a salir a la luz.

D

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esde la ciudad de Lima, en Perú, es la banda Fallen Symmetry, con un estilo muy a lo Power Progresivo, pero también con elementos del Heavy Metal, el Power Metal, y Metal Progresivo. Es su vocalista Gustavo quien da respuesta a la entrevista.

Fallen Symmetry, Power Progresivo y Heavy Metal

Saludos! Para comenzar, por favor, cuéntanos en qué están concentrados Fallen Symmetry en estos momentos Hola! Qué gusto poder charlar de música con ustedes. Por ahora estamos concentrados en

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Fallen Symmetry comienza en el 2011, y ya en poco tiempo comienzan a realizar conciertos. ¿Cómo fueron los inicios de Fallen Symmetry?

Intempestivo. Auto producimos un par de conciertos para mostrar nuestro material junto con otras bandas amigas que estaban en una situación similar, y luego de eso nos empezaron a llamar de festivales y fechas en diferentes provincias del país, y desde ahí no hemos parado.

En el 2012, poco tiempo de llevar formados, Fallen Symmetry saca su debut discográfico titulado Code Black. ¿Cuéntanos acerca de esta producción y si aún está disponible?

El disco en físico está agotado, pero pueden

shows. ¿Cómo se puede catalogar a Fallen Symmetry? ¿Como una banda de Metal Melódico, Power Metal, Metal Progresivo…?

Sí, creo que entramos en la categoría ¨progpower¨, donde mezclamos el Heavy Clásico, el Power Metal y el Progresivo. De alguna forma, la mezcla de todos esos subgéneros es lo que genera el sonido propio de la banda.

Ustedes desde un principio se propusieron hacer este género dentro del Metal. ¿Por qué esta forma de expresión, si tomamos en cuenta la amplia variedad que ofrece el Metal?

Yo creo que son los subgéneros que más nos llamaban la atención. Es directamente una respuesta a los subgéneros del Metal que más escuchábamos y que más nos influenciaban. ¿Sus integrantes están todos de llenos a la banda, o mantienen algún otro proyecto paralelo?

Todos tenemos algún proyecto en paralelo, pero para todos Fallen Symmetry es el proyecto prioridad. O al menos nos gusta pensar eso, jaja.

escucharlo en Spotify, donde está disponible.

Fue un disco muy de entraña, muy directo. Lo compusimos en el estudio, y rápidamente lo grabamos y lanzamos, fue algo muy orgánico y directo al grano, por llamarlo de alguna forma.

Este primer álbum les dio la posibilidad o suerte de ser banda de soporte de Arch Enemy en el 2012, y de Vision Divine en el 2013. Me imagino que esto significó y marcó mucho a la banda. Coméntame.

Sí, fue una oportunidad y una ventana importante para que más gente nos conozca. Sentimos que nos abrió muchas puertas, además del honor de poder ser la banda soporte de bandas que admiramos tanto como esas mencionadas. Definitivamente un momento especial para la banda haber sido parte de esos

Hablemos de su segundo disco que se lanzó en el 2016, Renacer en la Tormenta. Este material obtuvo excelentes comentarios en varios países. ¿Dónde fue grabado y quién lo editó?

Sí, Renacer en la Tormenta fue un disco especial. Durante la época del Code Black, nuestro primer disco, nos empezaron a llamar mucho para tocar, pero siempre nos ponían al inicio de los festivales o shows. Fue cuando recién salió Renacer en la Tormenta que sentimos que fuimos subiendo en el orden de las bandas en los festivales, casi casi hasta llegar a los horarios estelares.

Fue un salto cuántico fuerte para nosotros.

Fue grabado en Lima por Adolfo Gazzo, cantante y productor de la también banda de Power Metal peruana, Nautiluz.

El 2017 creo fue un gran año para Fallen Symmetry, pues fue catalogada como la banda de Power Progresivo revelación de la escena peruana. Coméntame.

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El 2017 nos llevó a hacer shows importantes, como el show estelar que tuvimos en el Lima Metal Fest, donde compartimos escenario con Zak Stevens (Savatage / Circle II Circle / Trans Siberian Orchestra). Hicimos un show estelar con él, ya que él cantó un tema en el disco, y tuvimos la oportunidad de cerrar ese círculo y presentar el tema en vivo.

Fue un momento especial que trajo muchas miradas a Fallen Symmetry. Todo eso nos ayudó en que la banda cobre protagonismo en la escena local, y que muchos nos vean como banda revelación, pero la verdad es que ya veníamos trabajando fuerte hace años.

Otro gran paso lo fue la distribución a nivel mundial del disco Renacer en la Tormenta por parte del sello japonés Beyond Battle Records. ¿Cómo se logró esto?

Nos llamaron de la tienda y nos dijeron que les

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gustaba tener metal exótico para el público japonés. Luego de ver su catálogo, encontramos varios discos de metal en español. Parece que ellos tienen un mercado o público interesado en el sonido del Metal en español, cosa que nos alegró muchísimo, ya que hay excelentes discos y bandas de Metal en nuestra lengua.

Para el 2017, Fallen Symmetry lanzan un material en vivo titulado Renacer Vivo. ¿Qué podremos encontrar en este material?

Es básicamente un disco spin-off del Renacer en la Tormenta. Tiene versiones en vivo grabadas en diferentes festivales, parte del show con Zak Stevens en el Lima Metal Fest, y un par de versiones acústicas.

Fue algo que se nos ocurrió porque teníamos el material grabado, y se estaba acabando el tiraje del Renacer en la Tormenta. La gente quería que saquemos un nuevo tiraje de ese

disco, así que pensamos, ¿por qué no les damos esos temas, pero en versiones diferentes? Es como matar 2 pájaros de un tiro.

Así que recopilamos el material en vivo, grabamos un par de versiones acústicas, y nació Renacer Vivo.

En estos pocos más de 10 años, Fallen Symmetry han logrado consolidarse en el ámbito metalero peruano, y compartir con grandes de la escena. ¿Qué ha significado esto para la banda, y en lo personal para sus integrantes?

Para nosotros todo se trata de la música. Nos encanta componer, manifestar lo que sentimos, expresar nuestras ideas por medio de la música. Poder lograr que gente se interese en eso, y que vaya a vernos tocar. Para nosotros significa una verdadera realización en lo que respecta este ámbito de nuestras vidas.

¿Cuáles han sido tanto nacional como internacionalmente las bandas que han influido en el trabajo de Fallen Symmetry?

Uf, muchísimas. Localmente M.A.S.A.C.R.E, Armagedón, Almas Inmortales, Icarus son algunas de las más importantes para nosotros.

Internacionalmente muchas, desde Savatage, Fates Warning, Queensryche, pasando como los clásicos como Iron Maiden, DIO o Black Sabbath.

También nos ha influenciado mucho las bandas de Metal en español como Angeles del Infierno, Panzer o Barón Rojo por España, como Rata Blanca, Jezabel, Lorihen o Imperio de Argentina. Más recientemente nos gusta mucho el sonido de bandas suecas como In Flames, Evergrey o los mismos Arch Enemy.

Para ustedes, ¿cuál es el poder que pueLaCarne Magazine

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Sí, el disco debería estar en el mercado en la primera parte del 2022, y va a salir por medio de Thrashirts, que es el sello que hace aquí en Perú el Lima Metal Fest, y con quien trabajamos desde ya un tiempo. ¿Qué diferencias vamos a encontrar en Rehenes con respecto a sus discos anteriores?

Tal vez es un disco más trabajado que los anteriores, donde solidificamos el sonido de la banda, y establecemos el camino sonoro para lo que representa el hoy en día de la banda, aunque eso siempre lo mantenemos cambiante, en movimiento, es justamente nuestro lado progresivo. Siempre estamos haciendo algún cambio en nuestro sonido, afinando la alquimia, le llamamos nosotros. de llegar a tener la música que se transmite mediante una lírica, composición e interpretación? ¿Qué tema abordan en sus letras?

La música, el arte en general, sentimos es uno de los últimos bastiones que logran puentes con el público en general, y hablan de temáticas o ideologías que ya no se escuchan en otros medios.

Por eso es tan especial, porque uno puede abordar y encarar temas personales, históricos, espirituales, que son importantes para ayudar a mucha gente a procesar información que no siempre uno encuentra de forma fácil, pero que son muy importantes en un mundo donde cada vez nos quieren más robotizados.

A nosotros nos gusta hablar un poco de todo.

Nos gusta abordar lo espiritual, pero a la vez lo mundano, lo oscuro, pero a la vez lo luminoso.

Nos gusta encarar las diferentes polaridades de la vida, y que cada uno saque sus propias conclusiones.

Eso finalmente es Fallen Symmetry, una mezcla entre la melodía y lo sónicamente estridente, como lo dice el mismo nombre de la banda, una especie de apología entre el orden y el caos.

Sé que están en preparación de su tercer álbum de estudio. ¿Para cuándo ya estará disponible este nuevo material? ¿Algún sello interesado, o saldrá de forma independiente?

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¿Qué podremos esperar en este 2022 de la banda, además del nuevo disco?

Ojalá que podamos salir a tourear y volver a los escenarios. Ya tuvimos nuestro ansiado reencuentro con el público hace algunas semanas en un festival grande aquí en Perú, y nos sentimos con ganas de repetir la experiencia y de mostrar el nuevo show de la banda por muchos lugares en el 2022. Ojalá se puedan dar las condiciones.

En caso no sea así, probablemente nos metamos directamente a componer el siguiente disco de la banda finalmente. Nos encanta crear música nueva también. Sea como sea, noticias de la banda van a tener, eso definitivamente no va a faltar.

Muchas gracias por acceder a este diálogo, y es nuestro deseo que se mantengan con el buen trabajo. Aquí está el espacio por si desean añadir algo más.

Gracias a ustedes por apoyar este género, y a tantas bandas que necesitan un lugar para mostrarse y expresarse. ¡Un gran abrazo desde Lima!

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MÁS INFO LaCarne Magazine

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Jirafa Ardiendo Rock Independiente desde Chile

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ientras disfruto gracias al Canal YouTube de Jirafa Ardiendo en vivo en el Indie Fest Campeche 2021, puedo viajar en la reciente redacción por las tonalidades musicales que presenta la agrupación chilena, que nos refresca por completo con su propuesta sonora y melódica.

Jirafa Ardiendo cumple dos décadas desde sus inicios, y, gracias a las redes sociales y la magia comunicacional, los contactamos por la inmediatez que brinda Instagram, a que es como estar cerca pero a distancia, mismo continente pero distintas regiones.

El encantamiento y la complicidad de las tele-

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comunicaciones van de ida y vuelta, cerrando el circuito necesario para presentar la actual entrevista. Agradecido por su tiempo y disponibilidad.

Jirafa Ardiendo, Luminoso Sendero

Gracias por la colaboración y confianza en exclusiva para LaCarne Magazine. Luego de casi dos años de sobrevivir al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

Organizando el 2022, retomando los ensayos y la creación. Han sido dos años complejos, y afortunadamente los integrantes que han tenido COVID lo han podido sortear bien.

Seguimos con los planes, aunque siempre atentos al contexto que cambia día a día. Harto trabajo virtual, se extraña el compartir ensayos y grabaciones en grupo, pero ya vendrán.

meros discos.

El nombre de la banda nace de la pintura “Jirafa Ardiendo” de Salvador Dalí, que, con su lenguaje surrealista, condensó de buena manera toda la imaginería visual y musical de la banda en aquel momento, durante el proceso de formación. ¿Quiénes integran en la actualidad la banda y qué instrumentos interpretan?

Los integrantes actuales son Alejandro Pino en voz principal, Roberto Estay en guitarras y teclados, Nicolás Moreno en bajo, Arturo Rodríguez en guitarras y teclados, y Sebastián López en batería y percusiones. ¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en Jirafa Ardiendo? ¿Algunas agrupaciones de referencia?

Jirafa Ardiendo, a lo largo de historia ha tenido innumerables influencias, y cada integrante ha aportado con una mirada distinta al momento de componer, y especialmente de arreglar y producir las canciones.

¿Cómo nacen a la vida musical? ¿Cómo surge el proyecto Jirafa Ardiendo? ¿De dónde se inspiraron para el nombre artístico?

La banda nace como tal el año 1995 en Santiago, aunque originalmente sus integrantes son mayoritariamente de La Serena e Iquique, en el norte de Chile. Luego la formación fue rotando, pero se mantuvo esa característica regional de los miembros de Jirafa Ardiendo.

En un principio, Alejandro y Roberto comienzan a trabajar en distintas ideas musicales, donde cabía todo tipo de experimentación sonora. Todo ese proceso dio como resultado una serie de canciones en formatos variados, con paisajes instrumentales y canciones en claves más tradicionales.

Esta dicotomía aparente se instaló como una constante en el trabajo de Jirafa Ardiendo a lo largo de los años, especialmente en los pri-

Han pasado más de 20 integrantes distintos a lo largo de la carrera de Jirafa Ardiendo, lo que ha sido una influencia determinante a la hora de generar trabajos discográficos muy variopintos, y sin etiquetas estilísticas. Por lo que el motor creativo al momento de componer es justamente esa libertad.

Las influencias van desde el Pop más tradicional, pasando por el Rock y Hard Rock, Psicodelia, Progresivo, Folk, Electrónica, etc.

Desde XTC, REM, Flaming Lips, Inti Illimani, Congreso, Victor Jara, Mercury Rev, Genesis, Rush, Beatles, Beach Boys, Camilo Sesto, Bee Gees, Abba, My Bloody Valentine, Pale Saints, Sonic Youth, Midnight Oil, y un largo etc.

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es la discografía de Jirafa Ardiendo (y los años de edición) a la fecha?

Jirafa Ardiendo, EP homónimo – 1998 (Independiente). Siesta, LP – 2000 (Barriga ReLaCarne Magazine

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cords). Persona, LP – 2003 (Discos DBN), Los deberes de una Madre, Single – 2007 (Independiente). Pulmonía, LP – 2008 (Sello Oveja Negra). Boca, Mano, Pie Single – 2020 (Disco Intrépido). – Luminoso Sendero, Single – 2020 (Disco Intrépido). El Camino Queda Atrás, Single – 2021 (Disco Intrépido).

Su single Luminoso Sendero, es el nuevo material que representan entre 2020 y 2021. ¿Cómo les fue en la realización del material? ¿Alguna anécdota del proceso creativo y compositivo del tema?

Luminoso Sendero (2020), nuestro penúltimo single, fue producido por el productor chileno Mowat junto a Jirafa Ardiendo. Fue la primera vez que la banda ha trabajado con un productor externo. Los otros dos singles nuevos – Boca, mano, pie (2020) y El camino queda atrás (2021) – fueron producidos por Nicolás y Arturo, que son parte de la banda.

Así que con Luminoso Sendero hubo un proceso de aprendizaje en cuanto a la forma de trabajar el proceso. Es algo que queremos seguir experimentando en algunas de las nuevas canciones, y las que están por venir.

Estos singles han estado marcados por el contexto del Estallido Social de 2019 y por la pandemia, cosa que le ha pasado a la mayoría de las bandas en sus procesos creativos, y a la hora de lanzar nueva música.

Por lo mismo, ha sido desafiante y muy interesante al mismo tiempo, cómo Jirafa Ardiendo ha sabido seguir su trabajo y re-enfocar los objetivos y adaptarse a este nuevo contexto.

Hace poco hicimos un show para el Indie Fest, como sabes, y quedamos bien contentos con el resultado, cómo se escucha la banda en formato streaming.

El Camino Queda Atrás

Tuve la gracia de recibir como obsequio, por parte de una persona amiga que viajó a Santiago de Chile en aquellos tiempos, el CD original del álbum Siesta, una joya dentro de mi discografía privada, que marca un espacio especial dedicado a la música hecha en nuestra América. ¿Qué nos pueden comentar de

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aquella producción del 2000?

El Siesta fue un disco con el que aprendimos un montón de lo que “Hay” y que “No Hay” que hacer al editar un álbum. Fue una experiencia maravillosa, lo grabamos en la casa de aquellos años (1999) de los Karamelo Santo, en barrio La Boca de Buenos Aires.

Ellos son una mítica banda Argentina de Power Ska, entre otros muchos estilos que fusionan. Goy de Karamelo nos grabó y mezcló la mayoría de los temas del disco. Estuvimos 10 días de encierro creativo y grabando en 8 pistas, con muchas limitaciones técnicas, pero con mucha energía positiva y sentido de comunidad. Muchos de los arreglos de didgeridoo, djembé, berimbau o trompeta, fueron grabados por integrantes de la banda.

Fue un viaje para abrir cabezas, y estaremos por siempre agradecidos de Goy y sus compañeros. Un detalle que muchos no saben es que el CD original de Siesta viene con un (CD-ROM), formato antiguo para guardar más información en el disco.

Ahí se puede encontrar una serie de textos,

micro videos del viaje, y además una colección de canciones instrumentales de corta duración (la mayoría), lo que da una mirada más amplia de lo que es la música de Jirafa Ardiendo.

Soy un animal, intento hablar, vengo del bosque intenso, resuelvo en paz sin condenar desintegrar el miedo… ¿Qué temas se han convertido en referentes para ustedes a la hora de interpretarlos? ¿Qué canciones forman parte de su público?

En el repertorio de Jirafa Ardiendo hay varios “clásicos” para nosotros, que nos piden harto o que en su momento fueron singles que nos dieron a conocer.

Confío, Vidrio, Fácil, Servino, Nuco Rey, Sopa, Música en Pedazos, La Tierra es Plana, Oruga, Pulmonía, Motosierra, Corre, Volcán, Toros por los Ojos, Sed, Tarde, Ver, Mente Lenta, etc. Y las nuevas que van generando ese nexo con generaciones más jóvenes. En los recitales de Jirafa Ardiendo se puede ver personas entre 16 y 65 años.

Pude disfrutar del videoclip del tema Vidrio, una obra “que te incendia en el mar”, como

dice la letra de la canción. ¿Qué nos pueden comentar de la videografía de Jirafa Ardiendo? ¿Qué videos nos recomiendan en especial?

En general, siempre hemos querido asociar todo el material sonoro de la banda a registros visuales, lo que no siempre pudimos hacer y siempre falta mucho, pero, de lo que hemos hecho, ha habido muy buenas experiencias y otras no tanto.

De lo destacado en lo audiovisual, diría que puede estar los videos de Vidrio y Confío, la presentación para Paniko Tv (justo antes del parón del 2009), la presentación para el Indie Fest Campeche, y los lyric video de las canciones de la nueva etapa.

En el libro “200 Discos de Rock Chileno – Una Historia del Vinilo al Streaming (1962 – 2012)” salieron destacando su álbum Persona (2003). ¿Cómo se sintieron con los honores respectivos a este emblema CD de Jirafa Ardiendo? ¡Nos sentimos honrados! Que se tome en cuenta la música de Jirafa Ardiendo desde cualquier perspectiva, ya es una satisfacción.

Que los seguidores escuchen la discografía LaCarne Magazine

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antigua y nueva, que se comenten los lanzamientos en medios especializados, todo eso contribuye sin duda a que sintamos un cariñoso feedback, que desde el regreso de la banda (2018) hemos agradecido profundamente. La música que hemos hecho sigue tan viva como siempre.

Confío

“Aunque me siento bien y las risas están en la piel…”, dice el estribillo del último single El camino Queda Atrás, que marcó un retorno fructífero, en cuanto a una agrupación de culto se refiere dentro de la Movida chilena, con esa sólida esencia de música Indie que representan. ¿Cómo se sienten luego de las dos décadas recorridas, y la experiencia sembrada en ya clásicos musicales?

Bueno, primero gracias por los reconocimientos y títulos nobiliarios con que te refieres a nosotros. Con respecto a la vuelta con un nuevo single, te podemos contar que fue trabajado de manera remota y en plena pandemia, pero que tuvo un lanzamiento hermoso en vivo

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y por streaming.

Puede reflejar la carrera de Jirafa Ardiendo, llena de contrastes, altibajos y lagunas, pero siempre cuidando los detalles que suenan, y los que se ven.

Los últimos tres singles tienen esa cualidad también, mucho contraste en su contexto y manera de abordar el proceso de producción y grabación, todas con diferentes autores y diferentes diseñadores gráficos, lo que nos ha dado una riqueza en la mirada, y puede que nos haya ayudado a mantener las fuerzas en momentos difíciles.

En octubre 2021, Jirafa Ardiendo retomaron escenarios con el show junto a Los Animales También Se Suicidan. ¿Cómo se han sentido retornando a tocar en directo para su público? ¿Algunas anécdotas que nos puedan compartir?

Fue emocionante, tanto para la gente que nos fue a ver como para nosotros. Hubo una muy

buena vibra. Lo anecdótico fue la gran cantidad de niños que asistió. Fue en la tarde, horario familiar, así que varios seguidores de la banda fueron con sus hijos. Fue muy bueno ver cómo disfrutaban las canciones.

Gran presentación también la de los LATSS. Lo único distinto o extraño era ver al público con mascarillas. Uno tiene que imaginarse las expresiones y la reacción de las personas, pero el feedback se siente igual.

Felices de tocar en vivo de nuevo. Este año habrá otras tocatas bien interesantes también.

Durante el recorrido musical de Jirafa Ardiendo, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados?

Hemos tocado en muchísimos lugares que a veces han sido un poco extraños, espacios poco comunes para un show de banda de Rock. Se me vienen a la mente el lanzamiento del single Sopa el año 2000, que elegimos un famoso Night Club del Centro de Santiago,

más que nada por el simbolismo del lugar y de la “experiencia” del espectador en un lugar así.

La gente del lugar fue muy generosa y amable al dejarnos el espacio. Ese día contábamos con un sonido precario, se cortó la luz, y afuera se puso a llover de manera torrencial, entre otras cosas. En fin, muchas anécdotas.

También cuando tocamos en el trailer de un camión cerca de la Plaza de San Carlos, para un teletón, y terminamos con bailarinas haciendo coreografías en el escenario (de una banda de cumbia que venía después), y esa mezcla atípica (para esos años) era muy interesante finalmente.

O cuando tocamos en Buenos Aires en el barrio de la Boca, en el bar de Geniol, ex colaborador de los Sumo, un grande, y estuvo increíble para nosotros y los que asistieron. O cuando tocamos a dos guitarras acústicas y violín en el Puente de las Artes en París, con la maleta de la guitarra abierta. Para nosotros fue un hito, sólo por el hecho de estar ahí en ese momento.

Hay muchos lugares y shows como esos en la historia de Jirafa Ardiendo, y quedan en el registro de cada uno de nosotros.

Boca Mano Pie

Como ya mencioné, disfruté el álbum completo y original Siesta (2000). ¿Qué canción de su autoría es la preferida a la fecha, tanto al momento de escucharla como al interpretarla? ¿Algunas piezas que se hayan hecho parte del público que sigue su música?

Del álbum Siesta hemos tocado esporádicamente los temas Mente Lenta, Sopa, Bala, y Brillante y Terremota del set de canciones fantasmas del disco. Pero siempre tratamos de recuperar alguna canción del repertorio que no ha sido visitada, y preparamos sorpresas en los shows.

Actualmente, y levantando de a poco la mirada con más coraje y valentía, ¿cómo se encuentra el panorama musical y cultural en Chile?

Fructífera. Leí por ahí cuánto había subido la LaCarne Magazine

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venta de instrumentos, tarjetas de sonido o micrófonos en pandemia, y era mucho. Decantará seguro en que mucha gente, sobre todo solistas, presenten nueva música. Hace ya varios años que la Escena musical chilena ha tenido una producción sostenida y estable, con variedad de estilos y muchos artistas y discos interesantes.

Eso a veces no se ve reflejado en una industria consolidada, pero vamos en buen camino, a generar una estructura que pueda sostener de buena manera el trabajo de músicos y técnicos (y todos los involucrados) que en el futuro se vea como una opción realista, tal como lo pueden ser otras áreas de trabajo.

Para la gran fanaticada de melómanos, ¿qué discos recomendarían dentro de la producción y avalancha de música realizada en Chile? ¿Algunos referentes o sugerencias para tomar en cuenta y adjuntar a las colecciones?

Elmalamía, Martina Lluvias, Cameio, Cochebomba, Tortuganónima, R2 Erre Dos, All JaZZera, Akbal, Bagre, Seatemples, Mowat, Los Animales También se Suicidan,

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Corderolobo, Cadenasso.

Jirafa Ardiendo participaron para finalizar el 2021 de un importante festival internacional. ¿Qué nos pueden comentar del Indie Fest Campeche?

Con el Indie Fest Campeche de México hay una bonita conexión. Para el 2020 fuimos invitados a tocar de manera presencial, y todo quedó en nada por la pandemia. Seguimos el contacto con ellos, y todo el trabajo que hacen en relación a charlas de industria musical, talleres y otros.

Ellos van creando una Red Asociativa de trabajo en un sector de México alejado de la Capital, donde pasa todo. Así que poder participar en formato streaming el 2021 fue buenísimo. Hicimos el show en el Teatro del CEINA, en Santiago, a través de la gestión del Centro Arte Alameda.

El resultado nos gustó bastante, especialmente cómo se logró transmitir la esencia del sonido en vivo de Jirafa Ardiendo, a través de un formato más controlado. Esperamos estar de

es lo tuyo en la vida (más allá de los clichés).

Quizás no es lo único, pero sí algo central en tu vida.

No dejar de experimentar, escuchar y aprender con la música. Generar estados y espacios (qué importante son los espacios) que propicien los procesos creativos, y que fortalezcan la motivación, que es un motor de la vida. ¿Qué proyectos tiene Jirafa Ardiendo para el 2022?

Para el 2022 tenemos varios objetivos. Entre otros, sacar el nuevo disco, que incluiría los tres singles que ya hemos lanzado, y varias otras canciones en las que estamos trabajando. Además, seguir tocando en vivo, ya sea de manera presencial o vía streaming. Además hay algunas sorpresas que vamos a ir desarrollando estos meses, y contando de qué se tratan.

manera presencial en el Festival en algunas de las próximas ediciones.

Nos parece demasiado interesante este tipo de iniciativas que van generando un sentido de comunidad entre bandas de Latinoamérica, que no necesariamente son cabeza de cartel de grandes festivales. Esto amplía la gama de posibilidades para que las bandas tengan mayor difusión, además del desarrollo técnico y artístico que esto trae consigo. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla y/o juego de la vida?

“Que la llama no se apague nunca”, (ja ja ja) pero, fuera de bromas, creo que la mejor manera de no tirar la toalla, en el área de las artes y la música específicamente, es estar preparado tanto para el fracaso como para los logros y las metas cumplidas.

Hay que tener una tolerancia a la frustración bien desarrollada, y una paciencia un tanto estoica. Pero todo eso es posible sólo si realmente te apasiona lo que haces, y sientes que

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Jirafa Ardiendo.

Bueno, sólo agradecimiento por escuchar nuestra música. Es potente saber que a muchas personas les llega de alguna u otra forma, y que a veces resuenan las canciones de maneras muy distintas, lo que es parte de esta increíble relación que tiene la banda con su audiencia. Este año hay novedades importantes, ¡así que seguimos ahí!

A

gradecemos al portavoz de Jirafa Ardiendo, quienes nos brindan una pincelada de Rock Independiente al mejor estilo del hermano país de Chile, y sabiendo que mientras más tiempo una banda, más firme su legado y sonido musical, que marca un eterno renacer en el proceso creativo y poético. Muchos éxitos para el presente 2022 y por siempre. Gracias nuevamente por la exclusiva.

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Joe Satriani

y su nuevo disco: The Elephants of Mars

T

he Elephants of Mars es el título del nuevo trabajo de Joe Satriani, que se publicará dentro de muy poquito, el día 8 de Abril. El maestro de las seis cuerdas además ya ha anunciado una extensa gira de presentación por todo el mundo durante este 2022.

En LaCarne Magazine hemos tenido el honor, el privilegio, y el lujazo de poder charlar con el legendario guitarrista, que nos ha contado más acerca de este nuevo disco, The Elephants of Mars, que está a punto de salir. Sin más dilación, aquí os dejamos la conversación con él.

Joe Satriani inicia el 2022 con nuevo disco: The Elephants of Mars

Tu visión de la guitarra es tan completa que puedes hacer un disco tan variado como The Elephants Of Mars, y seguir siendo interesante. Cuando compones, ¿piensas de antemano

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lo que quieres hacer, o surge espontáneamente?

Todo comienza con un sentimiento, y puede ser simple o muy complejo. Puede tratar sobre una persona, un evento, algo del pasado, del presente, o un futuro imaginado. Sigo mi corazón, y dejo que mis dedos y mis oídos completen la inspiración.

En este nuevo disco hay temas como «Sahara», que no son extremadamente técnicos a la hora de ejecutarlos, pero que son tremendamente pegadizos. Yo digo que es mejor saber silbar la melodía de una canción que hacer un aburrido alarde de virtuosismo. ¿Piensas igual?

Puede parecer contradictorio, pero las canciones más sencillas son las más difíciles de tocar. Cuanto más rápido es un pasaje, menos importante es el tono y el fraseo. Es cuando disminuyes la velocidad, cuando tienes que

mantener la calidad de cada aspecto de tu interpretación en su nivel más alto.

El comienzo de la canción «The Elephants Of Mars» es realmente impactante. Me imagino que para ti tiene sentido lograr sonoridades que tienen que ver con los títulos de las canciones, ¿es así?

Exacto. La introducción de esta canción hace que todo sea divertido, interesante, y, lo más importante, ayuda a mantener su originalidad.

«Faceless» suena tremendamente cinematográfica. ¿De dónde viene este repentino interés por hacer que tus canciones suenen como si fueran películas?

Mis canciones son todas las bandas sonoras de las películas que hay en mi cabeza. “Faceless” es casi una película de ciencia ficción aterradora sobre la alienación, pero también podría tratarse de un amor no correspondido.

La forma de arte de la música instrumental permite que cada canción pueda ser interpretada libremente por el oyente.

En este álbum hay algunas progresiones armónicas sorprendentemente oscuras, o al menos inquietantes, que consiguen crear cierta tensión. ¿Te atraen este tipo de sonidos?

A menudo me atrae la disonancia y la progresión de acordes que nadie más utiliza. Este nuevo álbum tiene bastantes estructuras armónicas y patrones de acordes totalmente originales. Ésta es una parte importante de mi pasión musical.

También hay ciertas influencias étnicas en el álbum (como sucede en la canción Doors Of Perception). ¿Te gusta explorar y adoptar otras músicas?

Me encanta la música de todas las culturas, y LaCarne Magazine

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ese amor y respeto a menudo se encuentran en mi enfoque de la producción y el estilo de mis álbumes.

Cada álbum es una oportunidad para explorar nuevos territorios musicales, desde la composición hasta la interpretación personal.

Gran parte de la buena música que se consume en Europa procede de la zona donde vives. También es muy común que algunos de los artistas que graban o giran contigo, lo hagan con otras bandas. ¿Qué crees que tiene California culturalmente para ser una fábrica artística tan proactiva?

Creo que el norte de California tiene un sentimiento fuerte e independiente. Es una sensación de inconformismo que ayudó a crear Silicon Valley, Metallica, etc.

Me gustó mucho tu participación en el G3. ¿Alguna vez has pensado en retomarlo?

Hace poco pasé un buen rato hablando con Steve Vai y Eric Johnson sobre una gira de reunión de G3. Tal vez en el 2023 nos veamos juntos en el escenario nuevamente.

Cambio de año, cambio de discográfica. ¿Qué esperáis que suceda en los próximos meses con esta nueva colaboración?

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Espero que mi música llegue a un público más amplio, y recompense a mis fans más antiguos que siempre han seguido mi catálogo y mis conciertos en vivo.

Creo que hay poca gente que sepa que has sido uno de los profesores de guitarra más prolíficos de tu tiempo. Has formado a grandes músicos con brillantes carreras artísticas. ¿Te gusta pensar que esto también es parte del legado que dejarás en la tierra?

A menudo he dicho que fui el profesor de guitarra más afortunado del mundo porque la calidad de mis alumnos fue muy alta.

No hay nada más honorable en el mundo de la música que ser un maestro desinteresado, y aportar tus conocimientos a las generaciones más jóvenes que vienen detrás de ti. Siempre me lo he tomado muy en serio, y he vivido de acuerdo con esa idea.

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Narcocracia Metal de idea colombiano

-por así llamarlo-. Reventando en el momento con la energía debida, pasamos a la presente, para continuar en la escuela del día a día.

M

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ientras los parlantes retruenan con Narcoaventuras en el País Sagrado del Corazón, la nueva obra de Narcocracia, me enorgullezco a la hora de entablar contacto con los protagonistas de la presente, quienes emanan la buena vibra lograda gracias al chat – Instagram, y así concertar la entrevista, coordinar y contar con el apoyo de los integrantes de la banda, que llega cargada de la potencia humana hecha Metal.

Canciones que se convierten en una especie de soundtrack mundial de la realidad contemporánea que nos aqueja, realmente usamos el pretexto sonoro para aportar de alguna manera, al gran despertar de la consciencia social

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Narcocracia, confrontando al Poder Estatal desde Bogotá

Gracias por la colaboración y confianza en exclusiva para LaCarne Magazine. Luego de dos años de sobrevivir al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

Héctor (H): Melos* (*estar bien, estar sabroso, estar tranquilo con uno mismo y así compartirlo con la gente).

Julián (J): Hemos tenido grandes progresos en nuestro proceso creativo durante el largo tiempo de confinamiento producido por el COVID19, resultando en la misma creación de nuestro proyecto, y en maneras creativas de darlo a conocer por medios digitales previo a

La pandemia nos había paralizado en plena promoción de nuestro segundo disco, lo que fue un golpe muy duro, y que terminó afectando la motivación en el seno de la banda.

Yo nunca había cantado, y, honestamente, formé esto como un proyecto de amigos sin ninguna aspiración más allá de mantenerme activo, y probar algunas cosas mientras todo esto pasaba. Iniciamos como un proyecto de covers a Brujería (era lo que en ese momento creía que podía hacer con mi registro vocal), y nos referíamos a nosotros mismos como Brujerizmo.

De ese momento sólo quedamos Sergio (guitarrista) y yo, pero pronto ingresó Alex a la batería, y, luego de sacar los covers, decidimos componer algo, a ver qué pasaba… ahí nació Nación de Bien, y cuando tuvimos esa primera canción desechamos la idea de Brujerizmo, y cada uno propuso nombres (yo dejé Reject en el proceso).

la reapertura de los lugares para la realización de conciertos.

Leandro (L): Maravillosamente, en muy buena forma. La banda nació a finales de septiembre del 2020, básicamente nació en pleno corazón de la pandemia, lo que nos ayudó mucho a irnos consolidando mientras componíamos y dábamos forma a la idea.

Actualmente la Escena en Bogotá y Colombia en general está activa (con restricciones), lo que ha permitido que desde septiembre de 2021 estemos muy activos en tarima. ¿Cómo nacen a la vida musical? ¿Cómo surge el proyecto Narcocracia? ¿Por qué del nombre de la banda?

(L): Narcocracia nació inicialmente como un proyecto personal, paralelo a mi trabajo con Reject, mi banda principal en ese momento.

Finalmente fue Sergio (único miembro inicial que permanece, y amigo desde hace más de 20 años) el que puso Narcocracia, y abrazamos no sólo el nombre, también el concepto: somos una banda que busca desde la denuncia irónica, el humor negro, y la sátira, tocar las fibras más sensibles de la doble moral de la cultura colombiana y latinoamericana, hablando de los temas que la gente prefiere no hablar.

Mientras, buscamos llenar de irreverencia la propuesta, que la banda ofenda, incomode, pero que divierta y transmita. Luego fueron llegando Héctor y Julián, y, bueno, aquí estamos disfrutándolo mientras lo sacamos adelante. La banda se llama Narcocracia porque estamos convencidos de que vivimos en una “narcocracia”. ¿Quiénes integran en la actualidad Narcocracia y qué instrumentos interpretan?

(J): Actualmente, la banda está conformada por Leandro Martínez: Voz Principal, Julián Osorio: Bajo y Voz Secundaria, Sergio Peña: Guitarra, Héctor Rubiano: Guitarra y Alexander Velandia: Batería.

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¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en Narcocracia? ¿Algunas agrupaciones de referencia?

(J): Las influencias artísticas de Narcocracia son tan variadas que no se podrían catalogar agrupaciones específicas, en cambio, podemos decir que recibimos influencia de la gran mayoría de estilos del Rock y del Metal.

Al iniciar como una propuesta tributo a Brujería, partimos desde el Groove al Death Metal, pero adaptamos nuestro sonido a las necesidades propias de cada canción, pasando por el Nu Metal, el Stoner Rock, el Grunge, el Black Metal, el Thrash Metal, o el Hardcore entre otros.

(L): La banda es muy variopinta en los gustos e influencias de cada integrante, característica que nos ayuda mucho porque las composiciones sirven al concepto de cada canción, pudiendo explorar y mezclar cosas de manera más orgánica.

Me gusta definir a Narcocracia como una banda de Metal de Idea, como manera de decir que buscamos no limitarnos a un sólo género en nuestras composiciones, pero que siempre la esencia sea Narcocracia (lo que sea que eso signifique).

En mi caso particular soy muy de la escuela de Pantera, de Marilyn Manson, de KISS y Metallica, por mencionar algunos.

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es su discografía y formato de edición?

(J): Nuestra discografía ha sido lanzada de manera Independiente, y está conformada por Primera Bala (En Vivo) EP Físico y Digital 2021 -, Narcoaventuras en el País del Sagrado Corazón (CD Físico y Digital 2021) – NarcoaventurasKaraokeables (EP instrumental – Digital 2021).

(L): Parte de nuestra estrategia de trabajo está en evitar vender discos (solo lo hacemos

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cuando es lo único que nos quieren adquirir).

Generalmente nuestros discos los regalamos cuando nuestros amigos nos compran camisetas y gorras.

Las versiones en físico de Primera Bala y Narcoaventuras… tienen tracks adicionales exclusivas del formato físico, esto como estímulo para que quienes apuestan por nuestro trabajo encuentren un detalle adicional sólo para ellos.

Actualmente Narcocracia estamos trabajando en dos proyectos que caerán también en físico y plataformas de streaming: Cañonazos Baleables en Vivo, registro de un concierto completo de Narcocracia que debe ver la luz en este primer semestre de 2022, y un nuevo disco en Estudio, que pronto entraremos a grabar.

No Dejen Que Vengan A Mí

Narcoaventuras en el país del Sagrado Corazón, su nuevo material que contiene potentes líricas, resistentes al Estado Profundo, y, como dicen, “cañonazos baleables”. ¿Qué nos pueden comentar del proceso de producción de la

obra? ¿Algunas anécdotas que quieran compartir de su realización?

(J): Los Cañonazos Baleables nacieron como una figura irrisoria para promocionar nuestra colección de sátiras y denuncias contenidas en nuestro primer material de Estudio. Cada canción representa por sí misma un hito en la cotidianidad colombiana, acostumbrada a la sangre, el odio, la hipocresía, y la superficialidad, contando historias en las que fácilmente nos podemos identificar con las problemáticas más relevantes de América Latina, como la corrupción, la burocracia, la delincuencia y la represión.

(L): Realmente debemos aclarar que son Cañonazos Baleables (Baleable, de dar bala, de disparar con arma de fuego) en referencia a un compilado de música que tradicionalmente salía cada año con los éxitos de temporada llamado 14 Cañonazos Bailables.

Grabar este disco fue una experiencia muy gratificante. Contamos con la ingeniería de Sander Bermúdez en su Estudio Soundtech Studios (baterista y co-fundador de Ethereal, Cuentos de los Hermanos Grind, y uno de

los músicos más consagrados de la Escena colombiana), lo que ayudó muchísimo a poder plasmar el sonido adecuado para que las canciones transmitieran lo que quisimos que transmitiera.

Al ser una banda nueva, pese a la experiencia individual de cada uno de los músicos, había mucha emoción y alegría, bromeamos mucho, y tenemos una relación muy cercana. En mi experiencia personal, éste es el quinto disco en Estudio que grabo, y ha sido en el que más me he divertido, y, sin demeritar mis antiguas bandas, éste es el disco del que más orgulloso me siento.

Llegamos al Estudio con las canciones escritas y compuestas, lo que facilitó mucho el proceso, así que sólo tuvimos que hacer lo que sabemos hacer, y agregarle detalles y arreglos.

La portada es genial, una caricatura de Ronal Herrera. ¿Qué nos pueden comentar del autor y su inspiración para hacer el cover art? ¿Quiénes son los personajes que salen en el arte?

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(L): Ronal es lo que podría llamar dibujante callejero, un artista que se ubica generalmente en el centro de la ciudad retratando transeúntes y haciendo dibujos por encargo. Fue una suerte encontrarlo.

Con Narcocracia discutimos la idea de caricaturizar los que son para nosotros algunos de los personajes más desagradables de la vida pública nacional, así que con esa idea fui a buscar a quien lo plasmara. Ronal fue mi primera y única opción…

Me encantó su trabajo, y fue muy entusiasta cuando le conté lo que queríamos expresar.

Además, me emocionó mucho la idea de que alguien que no tuviese experiencia en hacer artes para bandas de Metal, se encargara del principal distintivo del disco (y no me arrepiento, el arte es precioso y es parte de la mercancía que vendemos. La gente ha recibido muy bien el diseño).

Ya con la caricatura, me encargué de diagramar el resto de la portada y camisetas, emulando a uno de las peores, más desinformadores y sesgados medios de comunicación del país: la Revista Semana.

Aquí en Colombia los medios más grandes son dirigidos por los empresarios más ricos del país, personas y empresas que han patrocinado los nefastos gobiernos que nos han gobernado en los últimos 20 años.

Por eso estamos en uno de los peores momentos de nuestra historia, con cifras de desigualdad social, corrupción, desapariciones forzadas, y la corrupción hasta el techo. Estos medios se encargan de volver verdugos a los que proponen alternativas, siembran miedo y lavan las nalgas del Gobierno de turno, sin rigor periodístico alguno.

Los personajes de la caricatura son representaciones de Vicky Dávila (directora de Semana), María Fernanda Cabal (Senadora del partido de Gobierno actual, congresista que llegó con votos comprados pero que no perdió su curul), Sarmiento Angulo (el poder detrás del poder, empresario que pone gobernantes

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y legisladores para que las leyes lo beneficien y lo hagan más rico de lo que es en la actualidad).

El General Zapateiro (un nefasto personaje que vende en los medios que sus subordinados se rigen bajo las leyes humanitarias, mientras que los cuerpos de la policía y ejército abusan, maltratan y matan a la población civil).

El pastor César Castellanos (pastor fundador de la Misión Carismática Internacional y del G12, un estafador mercader de la fe, pro gobierno que no sólo esquila a sus congregarios como ovejas, también los motiva a votar por las porquerías como las que nos gobiernan hoy, prestando sus púlpitos para que hagan

campaña cada periodo electoral).

Alejandra Azcárate (una comediante sin gracia cuyo sentido del humor consiste en burlarse y humillar a las personas por su aspecto físico y condición económica, una arribista despreciable que tuvo su momento más relevante cuando a su esposo le incautaron en su empresa una avioneta llena de cocaína… Ella también es pro gobierno).

Y el peor de todos: Andrés Escobar (un pobre diablo que se sintió con ínfulas de justiciero, y en el más reciente paro nacional no tuvo problema en salir a dispararle a los manifestantes mientras la policía lo escoltaba. Actualmente debe enfrentar un proceso y anda limosneando dinero para pagar abogados).

Los Estados Profundos y sus empleados o gobernantes que nos llevan a la locura total como sociedad, enfrentándonos entre compatriotas, como fue el caso de Colombia, que a inicios del 2021 sufrió una represión estatal y paramilitar que los inspiró en su primer single Nación de Bien, y que en el video lyric se puede vibrar esa crisis estatal. ¿Cómo nace la canción y qué nos pueden comentar de su producción?

(L): Nación de Bien es un tema directo y contundente. Fue hecho entre Sergio y Alex cuando se nos quitaron las ganas de solamente tocar covers. La letra fluyó mientras escuchaba a los muchachos darle forma.

Muchas canciones nacionales denuncian los

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abusos de la gente arribista, por lo que quisimos abordar el tema de una manera diferente, así que invertimos los papeles y se hizo a manera de sátira.

En Colombia la polarización es mucha, más por el atice de los medios de comunicación que “gradúan”, casi que de terroristas, a los que se manifiestan en contra de las políticas de gobierno, sin importar lo leoninas o depredadoras que sean.

De ahí nace la Gente de Bien, gente a la que se le llena la boca diciendo “yo no paro, yo produzco”, mientras que aceptan alzas de impuestos, combustibles caros, servicios públicos privatizados, canasta familiar inflada, salarios menos rendidores, pero ellos agradecen y se ponen del lado del que les da su cucharadita de mierda al día.

En ellos nos inspiramos, y muchas frases de la canción son frases reales que han aparecido en medios dichas por “gente de bien”, presentadores de noticias, y hasta políticos activos han dicho, refiriéndose sobre quienes no nos conformamos a esta narcocracia en la que vivimos.

Me declaro Tu Fan

El segundo single promocional de Narcocracia (Video Lyric), El Evangelio según San Lucas, nos presenta una narrativa inspirada en las religiones, los religiosos o pastores y las mafias a las que representan. ¿Alguna anécdota del proceso creativo y compositivo del tema?

(L): Siempre nos han dicho que de política ni de religión se habla porque son temas polémicos, es de mala educación. Gracias a eso nos gobiernan ratas y nos instruyen ratas.

No se trata de hablar mal de la fe cristiana, no tenemos nada particularmente en contra de la gente religiosa (yo soy un cristiano protestante confeso), pero eso no nos impide darnos cuenta de cómo la gente, en medio de su desespero ante la situación tan desigual de nuestra sociedad, busca refugio en este tipo de congregaciones manejadas por gente que “sólo le rinde cuentas a dios” (así, con ‘d’ minúscula, de ‘dinero’), para terminar siendo ma-

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nipuladas y desgranadas por gente miserable y despiadada, que les vende un evangelio de prosperidad y milagros a cambio de sus ofrendas, mientras los aíslan de sus familias y amigos, volviéndolos empleados gratuitos de sus ambiciones.

Para mí, la peor desgracia que ha podido parir este país en ese aspecto es el “pastor” César Castellanos, de la MCI, y creador de la visión G 12, un esquema Ponzi (que se ha exportado a muchas naciones, incluida Bolivia) disfrazado de doctrina que recluta gente y la adoctrina mientras le arranca sus ingresos a punta de promesas pendejas.

fue a la canción en su promoción? ¿Algunas anécdotas en su producción y realización?

(L): En Narcocracia, nuestra dinámica compositiva es muy orgánica y espontánea. Tratamos de crear todo, de inicio a fin, en la sala de ensayo, participando todos arrancando de una idea simple.

Hay dos libros que tuve la oportunidad de leer hace poco (Dejad que los Niños Vengan a Mí y Este es el Cordero de Dios de Juan Pablo Barrientos), donde se documentan de manera muy específica casos de abuso infantil casi masiva, ejecutados por ministros católicos en diferentes partes del país (Colombia es una nación muy religiosa y muy católica).

Esta lectura fue un detonante de indignación que quería transformar en algo para la banda, así que les propuse que hiciéramos una canción Black Metal a nuestra manera.

Héctor fue quien dio las pinceladas iniciales, y salió un tema del cual nos sentimos muy orgullosos, siendo la última canción compuesta antes de entrar a grabar el Narcoaventuras, y decidimos a favor de ella, reemplazando a uno de nuestros primeros temas compuestos, dejándolo para lo que será nuestro segundo álbum.

Una anécdota interesante está en que durante la composición de esta canción, Alexander, nuestro baterista, protestó contra la canción porque le preocupaba la letra, que en serio le parecía una alabanza evangélica… y razón no le faltaba. Esta letra la construí con fragmentos de sermones de Castellanos, lo que es bastante triste porque es muy cercana a la basura que enseñan en esos templos.

El tercer single promo de Narcocracia, No Dejen Que Vengan a Mí, podría ser un perfecto soundtrack para la última intervención del Papa Francisco, que representa a la decadente Iglesia Católica, y su papel en la conquista del Poder en nuestros pueblos. ¿Cómo le

La canción estrenó un video auto-producido, el día 7 de diciembre, día de las velitas, y ha tenido un desempeño muy satisfactorio (entendiendo que somos una banda auto-producida, auto-promocionada y nueva). Además, se ha vuelto una de las favoritas para tocar en vivo, y nuestros amigos la reciben muy bien, afortunadamente.

En la presente edición pude disfrutar in extenso de las Narcoaventuras en el país del sagrado corazón, caracterizado por sus letras explícitas y directas. ¿Qué temas se han convertido en referentes para ustedes a la hora de interpretarlos? ¿Qué canciones forman parte de su público?

(H): Me Declaro tu Fan y ¡Ajúa!

(L): Tenemos menos de un año de banda consolidada, nuestro set list apenas se compone LaCarne Magazine

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a hoy de 8 canciones propias, y 3 covers (de los cuales en cada show sólo tocamos uno o dos)…

Le apostamos a un show de al menos un 80% de música original, y la gente nos recibe muy bien desde que arrancamos, para luego, cuando nos bajamos y socializamos, recibir comentarios sobre lo que más les gustó…

Y algo que siento que pasa, es que cada canción es tan diferente la una de la otra, que puede tener el potencial para ser la favorita de alguien (al menos dentro de la banda, cada uno tiene su selección de favoritas, y es muy diferente la preferida de cada integrante).

Bolivia vive del narcotráfico en manera pacífica, al contrario de su país o México. Algunos escándalos mediáticos, tras la caída de algunos traficantes o peces gordos de sustancias ilícitas, dieron los sugestivos sobrenombres de La Narco – Chola, El Narco Amauta, y uno de los más rimbombantes fue el Narco Avión. ¿Cómo les inspira este Narco Mundo al momento de crear y hacer música?

(J): El narcotráfico ha sido el estigma de la sociedad colombiana desde hace mucho tiempo, como causante de una violencia recurrente.

Colombia y sus habitantes nos hemos acostumbrado a ser vistos como productores de sustancias, como criminales, prostitutas, traidores, pícaros, corruptos y lamezuelas, imagen que claramente no representa a la mayoría de la población, pero que lamentablemente persiste por más esfuerzos que hagan las personas que “hacen las cosas bien” dentro y fuera de nuestro territorio.

Sentimos la necesidad de expresar este tipo de problemáticas para que el mundo conozca lo que sucede, sin la pretensión de “limpiar” el nombre del país, y desde una perspectiva irónica y divertida con la cual, no sólo ponemos en evidencia las incoherencias a nivel político y administrativo de nuestros territorios, sino los absurdos y ridículos a los que nos someten a diario, bombardeando el diario vivir de los habitantes, convirtiéndolos en zombies con altavoces, vitoreando los nombres de caudillos,

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farsantes, y faranduleros sin talento en cuanta oportunidad de división exista.

No podemos negar que estas situaciones que parecen tan fantasiosas nos ofrecen material fresco a diario para componer nuevas canciones.

(L): La demora es encender la televisión y ver RCN o Caracol, abrir un portal “informativo” como El Tiempo o Semana… la inspiración llueve a cántaros, nos la ponen muy fácil. El problema está en que aquí al que habla fuerte y/o se pronuncia mucho lo silencian (y luego le crean reputación de aliado de las guerrillas o maleante para justificar la baja).

Nuestro ex presidente, Evo Morales, es uno de los capos de los capos del narcotráfico latinoamericano, y se hace el santo e indigenista.

Acá le decimos “pachamamoso” y “sucialista”, que va camuflando sus carteles, mafias y logias bajo el título de Indio o Indígena, pero en definitiva son fuente de inspiración para la toma de consciencia y resistencia. ¿Algunas anécdotas que nos puedan compartir desde su trinchera del arte musical?

(L): La corrupción es un mal endémico, no sólo en Colombia, es algo casi “natural” en Latino y Suramérica, y se disfraza de colores y bandos.

Nosotros vivimos en un Narco-Estado que se sostiene en el Poder gracias al miedo, al ‘coco’ del ‘Castrochavismo’.

La gente sigue eligiendo a la misma estirpe de ratas por miedo a que el país se vuelva otra Venezuela. La gente se resigna y prefiere quedarse con el mal que conoce, perpetuando así a los verdugos, bajo la dolorosa justificación del triste “que robe pero que deje trabajar”.

Es lamentable, pero cierto. Entonces, los que ponen presidentes siguen manejando el Poder con sus títeres, hacen leyes a sus medidas, y se siguen enriqueciendo de manera “legal” pero inmoral, mientras el narcotráfico tiene su propia economía, protegida por militares, funcionarios de Gobierno y políticos elegidos con voto popular. Es un circo de coca y plomo.

Nación de Bien

Durante el recorrido musical de Narcocracia, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados?

(L): Somos una banda nueva, tuvimos nuestro primer show en marzo del 2021, y volvimos a tocar hasta inicios de octubre del mismo año (por aquello de un pico de pandemia que hizo que todo volviese a cerrarse), lo que nos deja realmente con apenas tres meses de actividad en vivo, sumado lanzamiento de disco y promoción del mismo.

Eso hace que cada evento tenga algo especial que destacar, pero personalmente me quedo con los dos que hemos tenido en Ace of Spades de Bogotá, un club con una tarima espectacular, un sonido de alta factura, y del que hemos sacado mucho provecho en las dos ocasiones en las que hemos estado.

Allí grabamos nuestro primer EP en vivo, y allí grabamos el álbum en vivo que próximamente presentaremos no sólo en CD, también en nuestro canal de YouTube. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla y/o juego de la vida?

(H):‘La indignación hasta arriba, y el perreo hasta abajo, hijueputa’.

(J): ‘Esperamos les haya gustado, y si no, pues perdieron la plata, hijueputa’.

(L): Hay dos mantras, por llamarlos de alguna manera que tenemos como banda, y que me gustan mucho: ‘Sea uno, sean 10, sean 100 o sean 1000, damos el mismo show’ y ‘No somos una banda de derechas o de izquierdas, somos antihijueputas, y de esos abundan en todos los bandos’.

Actualmente, y levantando de a poco la mirada con más coraje y valentía, ¿cómo se encuentra el panorama musical y cultural en Colombia?

(H): Sigue complejo, falta mucha cohesión en las bandas para lograr el objetivo de crecer juntas. Falta apoyo para el pago por entretenimiento, al estar ubicados en una región de ritmos tropicales siempre será difícil consoli-

dar una apuesta y reconocimiento a géneros no tradicionales.

(J): El panorama cultural en Colombia tiene dos caras -suponemos que ocurre igual en todo el continente-.

Una, en la cual se muestra a sus mayores exponentes -que usualmente son pocos-para promover el turismo, la riqueza material e inmaterial y las tradiciones del país, y otra en la que el apoyo institucional es ridículo, mínimo o insignificante para los sectores de la cultura, las artes y el entretenimiento, llegando a extremos de no permitir la creación de empresas con enfoques específicos en estos campos, u ofreciendo facilidades económicas sólo a grandes conglomerados para la circulación de artistas de géneros específicos o “populares”, como dirían ellos.

Claramente, en el último eslabón de la cadena se encuentran los artistas y creadores, los equipos de apoyo técnico, los maestros, y la mayoría de agentes que con ánimo, o sin ánimo de lucro, pretenden promover la cultura -y en nuestro caso la música – dentro de los territorios.

(L): Depende de la perspectiva. Estamos en una Escena llena de bandas donde, en mi opinión, no hay una cultura de respaldo a las bandas nuevas. Es común ver eventos con apenas personas adentro, y hay una rivalidad absurda entre las bandas, donde es difícil hacer alianzas para hacer cosas juntos, tirando cada quien por su lado, haciendo que la construcción de una Escena rentable sea complicada.

Por otro lado, nosotros jugamos en nuestra propia liga, no nos limitamos a un público “metalero”, y nos esforzamos por dar un show dinámico y divertido, donde sonreímos, interactuamos, jugamos y bromeamos con los asistentes, tratando de dejar una experiencia integralmente memorable, que sea como una fiesta, una parranda, un carnaval.

Para nosotros, las bandas también son público, y nosotros también somos público de las LaCarne Magazine

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bandas con las que compartimos, así que disfrutamos el privilegio mientras buscamos crear lazos fraternos entre colegas.

También nos esforzamos mucho por tener unas comunicaciones digitales que tengan impacto. Nos esforzamos mucho en tener una estrategia y ejecución de redes sociales que nos ayude a llegar a más personas, y tratamos de tener una relación casi que personal con las personas que creen en nuestro trabajo, y nos da resultados.

Somos una banda nueva, pero nuestros números de indicadores digitales y de ventas nos dicen que vamos por buen camino.

Para la gran fanaticada de melómanos, qué discos recomendarían dentro de la producción y avalancha de música realizada en Colombia. ¿Algunos referentes o sugerencias para tomar en cuenta y adjuntar a las colecciones?

(J): Colombia tiene una gran cantidad de agrupaciones de Rock y Metal con propuestas de muy buena calidad, nos vamos a extender, pero ninguna lista hace verdadera justicia a lo que se realiza en nuestro país: Vitam et Mortem, No Raza, Masacre, Kraken, Implosion Brain, Soul Disease, Deathmosphere, Under Threat, Vein, Xinnix, Defaced, Templa et Cinere, Ingrand, Licantropía, Predattack, Threshold End, Narcopsychotic, Nonsense Premonition, Pitbull HxC, El Sagrado, A Blind Beggar, Holocynic, High Rate Extinction, Ripping Flesh, Tears of Misery, Perpetual Warfare, Convict3d, Syracusae, Newen, Ray Morgan, Herejía, Therrorder, GADU, Aire como Plomo, Random Revenge, Sacred Goat, Koyi K Utho, Solegnium, Brainblast, Betta, Dead Silence, Ennui, y muchas más, algunas las pueden encontrar en el siguiente playlist (de mi creación).

(L): Tengo un par de líos con esta pregunta, así que trataré de manejarlo con la mayor humildad y elegancia posible.

Colombia es un país que en mi opinión pareciera tener más bandas que fanáticos por este tipo de música, así que no es sino levantar una piedra, y salen un montón de bandas nuevas

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cada día, lo que hace tremendamente difícil seguir el rastro incluso a una pequeña parte, sumado a que muchos músicos desafortunadamente se quedan con ser muy buenos músicos, pero descuidan mucho la parte promocional, lo que hace difícil descubrirlas.

Además, hay una cultura mal llamada “underground”, en la que se excusan muchos para no hacer las inversiones correspondientes para grabar sus canciones, y presentarlas de manera medianamente adecuada, siendo bandas que llevan muchos años tocando, con toneladas de música y apenas alguna grabación de calidad modesta. Pasa mucho, lo que reduce mucho la selección al momento de poder recomendar algo.

Soy muy fan de bandas como Ingrand y Under Threat (bandas nacionales que admiro tanto como a las internacionales, y que han sido gran influencia en mí), bandas como Ethereal, Soulburner, Koyi K Utho, por mencionar algunas de las más veteranas…

Incluso bandas más recientes (10 años o menos) como Licantropía, Eyes of Kunturi, Defaced, A Blind Beggar, Holyforce, Yimark o Narcopsychotic tienen material muy destacado. No me atrevo a mencionar más porque me quedan faltando, y no sería justo. Esto es apenas un abrebocas.

Narcocracia presentaron su mercancía o merch entre discos originales, gorras y poleras que se ven muy geniales para coleccionar. ¿Cómo les fue con su público y la distribución del material?

(L): Estamos gratamente sorprendidos. La recepción de nuestra mercancía y discos ha sido muy satisfactoria, entendiendo que los CD’s cada vez se venden menos, y nosotros somos una banda nueva con un reconocimiento que apenas está iniciando.

Lo cierto es que después de la primera inversión no hemos tenido que invertir de nuestro dinero nuevamente. Nuestra mercancía y discos se han vendido lo suficiente para hacer reinversiones en más camisetas, más gorras, nuevo disco en Vivo, incluso tenemos listo el

dinero de nuestra próxima grabación, y aún tenemos mucha mercancía por vender.

lo con ustedes). Estos son al menos tres meses de promoción.

Que Narcocracia pueda sostener sus costos, y la economía de la misma esté fluyendo, nos motiva aún más a seguir haciendo cosas. En el camino hemos ido haciendo muchos amigos que nos han creído y han comprado algo de Narcocracia, incluso desde redes. Muchas personas que ni conocemos nos han adquirido algo, así que no tenemos más que palabras de gratitud a todos ellos.

Tenemos pendiente el último video promocional de Narcoaventuras, que estaremos presentando en inicios de febrero. Estamos en proceso de composición de un nuevo álbum, planeamos entrar en Estudio antes de finalizar este primer semestre del año, lo que traerá más mercancía, videos, eventos.

La “Plandemia” avanza sin freno, cobrando la libertad y dignidad de la humanidad, además de la existencia terrenal de millones de seres.

Si en la posibilidad de las medidas se puede mantener actividad cultural alguna, ¿qué proyectos tiene Narcocracia para el 2022? ¿Alguna primicia que nos puedan compartir?

(H): Se viene la continuación de las Narcoaventuras en el Nuevo Mandato.

(J): El soporte que se debe ofrecer por parte de los medios de comunicación es vital para que nuestro sonido y nuestro arte pueda cruzar fronteras; sin embargo, el apoyo a nuestro material digital en plataformas y a la compra de nuestra mercancía nos puede brindar los medios para llegar físicamente a más lugares.

Se vienen grandes cosas, como el lanzamiento de una de nuestras presentaciones, Playthroughs de nuestros músicos tocando los temas en sus instrumentos, Versiones Karaoke para que nos acompañen con su voz en nuestros conciertos, y la preparación de nuestro segundo material en Estudio, así que no nos vamos a detener, al menos no por un buen tiempo.

(L): Actualmente Narcocracia estamos por presentar nuestro disco en Vivo de un concierto memorable que tuvimos cerrando año.

Lo lanzaremos en físico (con su respectiva línea de camisetas), en digital, y presentaremos dos sencillos en nuestro canal de YouTube antes de subir el concierto entero (está a cuatro cámaras y con una mezcla y masterización que hace que nos emocione mucho compartir-

Por lo demás, considero que somos inquietos, así que no descartamos el factor sorpresa.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música, y para los nuevos seguidores de Narcocracia.

(H): Recuerden, apoyen más a las bandas locales que a las internacionales.

(L): Gracias, Alfonseka y amigos de LaCarne Magazine, por abrirnos las puertas y permitirnos hablar tan a gusto de nuestro trabajo.

Es por mucho la mejor entrevista que nos han hecho a la fecha. Por lo demás, a ustedes que apenas se enteran de nuestra existencia, gracias por darnos la oportunidad y verle valor a nuestra propuesta.

Entre dolores de cabeza por parte de las nuevas normas que llegan por parte de los corruptos Estados que nos gobiernan, aprovechando las condiciones sanitarias que nos someten a un rigor de leyes para tratar de obedecer a esa imagen que proyectan los mandatarios, estar preocupados de sus pueblos, quienes vienen cantando, protestando y comunicando desde géneros musicales casi discordantes con las reglas imperantes.

Gracias por la entretenida entrevista que hemos disfrutado, además de aprovechar las sugerencias metaleras de la banda para viajar por tonalidades brutales y novedosas, con total irreverencia hecha Metal. Éxitos para el 2022 y siempre.

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Dark Matter

Metal Extremo de sangre mexicana

E

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n definitiva, el Black Metal, Thash Metal, Heavy Metal, Doom Metal, entre otros subgéneros del Metal, son parte de mi ADN, y, sin menospreciar estilos, amo conversar con los protagonistas que marcan Escena, hacen grabaciones, y entregan su Alma en cada álbum.

Tanto es mi afán de viajar por latitudes y propuestas sonoras extremas como cuando era adolescente, y, en la oscuridad de la habitación colocaba a todo volumen álbumes inolvidables de Metal totalmente intensos y llenos de misticismo.

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Es un gusto llegar a desembarcar, tras el eterno navegar sonoro, en las tierras llamadas Dark Matter, y compartir junto a la banda una exclusiva para LaCarne Magazine, uniendo desde México hasta Europa y Latinoamérica las energías musicales.

Dark Matter, Metal Extremo de sangre mexicana

Luego de dos años, cuarentenas, y la pandemia debido al COVID -19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

Nos encontramos muy bien, afortunadamente con salud y emocionados con el lanzamiento de nuestro nuevo disco.

Una breve reseña de Dark Matter, ¿dónde y cuándo nace el grupo? ¿Por qué del nombre? ¿Cuál es la formación actual de Dark Matter?

¿Cuáles fueron sus referentes musicales para Dark Matter? ¿Qué artistas o bandas los han marcado?

Es una pregunta difícil, ya que en cada disco diferentes artistas nos han influenciado, y en cuanto a gustos personales hay bastantes, pero las que pudieron influenciar más nuestro sonido son Emperor, Dimmu Borgir, At The Gates, Enslaved, DarkTranquillity, Carcass, Hypocrisy, Kreator, Anihillator.

Pude disfrutar, en la presente redacción, del álbum Dystopian (2021) in extenso, editado por Concreto Records. ¿Qué nos pueden comentar de su último material? ¿Cómo les fue con la producción y realización de la obra? ¿En qué formato se puede adquirir?

Es el mejor disco que Dark Matter hemos hecho. Los invitamos a que lo escuchen, pero también el que más trabajo nos ha costado concretar por diferentes motivos: la pandemia, involucrar a todos los miembros en la producción y consensar las ideas, presupuesto, y superar el disco anterior.

Dark Matter nace en León, Guanajuato, en el 2015. Inicialmente sólo era un proyecto para Estudio, y estaba conformado por Iván Moreno (Guitarra, Bajo), Ricardo Marmolejo (Voz) y Noe Maciel (Batería).

El nombre está relacionado con el término astrofísico Materia Oscura. Somos personas que nos apasiona la ciencia, y la tomamos para la banda.

Formación actual: Ricardo Marmolejo (Voz), Iván Moreno (Guitarra), Rubén Sánchez (Guitarra), Gabriel Díaz Infante (Bajo), y Mauricio González (Batería). ¿Qué estilos musicales han influenciado en el sonido de Dark Matter?

El Black Metal, Post Black Metal, Melodic Death Metal, Doom Metal y Metal Progresivo.

El disco fue grabado en Urvn-Studios, al igual que nuestros dos trabajos anteriores. Fue alrededor de un año y medio de trabajo, entre composición, grabar maquetas, hacer arreglos, descartar canciones, reescribir otras, pero al final el resultado valió la pena.

El disco ya está a la venta en formato Digipak en nuestras redes sociales o bien vía Concreto Records.

El álbum contiene 10 temas llenos de potencia y Metal puro al mejor estilo de Dark Matter, ¿qué temáticas han tocado en sus textos? Su portada me llamó la atención por la creatividad y propuesta, ¿quién realizó el cover art? ¿El autor escuchó la música del álbum para inspirarse en el proceso creativo?

La temática central del disco es una Distopia, de alguna manera es un álbum conceptual que aborda el lado oscuro de la sociedad actual, desde el punto de vista social, económico y tecnológico.

La portada fue realizada por Daniel Herrera, LaCarne Magazine

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un amigo que nos ha hecho todas las portadas, y sí, le compartimos las maquetas para que hiciera el arte. Así mismo, cuando nos enseñó la portada, fuimos moldeando el concepto y musicalizándolo.

países haciendo buenas reseñas de nuestro trabajo.

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es la discografía de Dark Matter (y los años de edición) a la fecha?

Contamos con tres trabajos: Become EP (2016), Infinite Loneliness LP (2018) y Dystopian LP (2022).

Entre sus tres producciones de álbumes, Dark Matter han logrado cumplir ciertas metas como banda. ¿Qué nos pueden comentar de sus objetivos alcanzados a la fecha?

El objetivo principal es plasmar nuestras ideas y emociones en canciones, y sacar un disco.

Los beneficios que esto ha traído han sido varios, pero no han sido una meta realmente, hacemos esto ya que amamos la música y nos gusta compartirla.

Su debut EP Become fue editado en Europa, ¿qué nos pueden comentar de la presentación del disco en el Viejo Continente? ¿Algunas anécdotas que nos puedan compartir?

El disco fue editado en México por Throaths Productions, pero fue distribuido en Europa por Avant Garde Music, Solitude Productions y Old Temple Shop. Como anécdotas, pues no recuerdo una en especial, pero fue gratificante recibir mensajes de gente de otros

Antes de la llegada fatal de las cuarentenas debido al COVID19, observé en sus redes sociales que en enero 2020 participaron del 70000tons of Metal, uno de los Festivales de Heavy Metal más grandes en Crucero del mundo, ¿qué tal se sintió al Escenario y disfrutar junto a su público? ¿Cómo les fue con la actuación? ¿Algunas anécdotas?

El escenario se sintió intimidante, no sabíamos, pero nos dieron un mainstage que se

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llama Royal Theather que está increíble, fue un rush de energía subirse a ese escenario, y tener sobre nosotros la carga de dejar bien parada a la Escena nacional mexicana, pero muy chingón, la mejor experiencia de nuestras vidas (musicalmente hablando).

Como anécdotas, hay un chingo, podríamos hablar horas de eso, pero algo que recuerdo a cada rato es que cuando llegamos a hacer soundcheck, Emperor estaba quitando sus cosas, y, pues yo cagado, es de las principales bandas por las que estoy en esto.

Después, pues tocamos, y bajando del escenario en backstage estaba Soen, platicamos con ellos (me volví a cagar). Para cerrar ese mismo día, en la noche, estaba en el backstage, viendo a Ihsahn tocar, y cuando terminó, me firmó mi guitarra. No me creía todo lo que estaba pasando y no traía pañal.

Mientras disfruto del último material Dystopian, y de temas como A Modern Failure o Artificial

Insight y/o Slaves, que nos proyectan el sonido y personalidad de la banda, ¿qué temas se han convertido en referentes para ustedes como agrupación? ¿Qué canciones los identifican con su público?

Pues, por lo que nos han dicho: No Room For The Blind, Those Who Belong To The Stars, Reach For Nothing, Unfolding Shadows y Dying Beliefs.

Sabemos que en México el Movimiento Metalero tiene grandes y firmes bandas que representan con profesionalismo y firmeza total a su país. Según sus gustos y preferencias, ¿qué agrupaciones nos recomiendan para tomar en cuenta y prestar detenida atención?

Tormental, The Depressick, The Advent Equation, Matalobos, Vicarivs, y Satanic Rites III son las que a mí me gustan, pero les recomiendo que le den una checada al catálogo de Concreto Récords, hay propuestas increíbles y para todos los gustos. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que les anima a seguir en la batalla de la música o en el juego de la vida?

Pues, no hay ninguna frase realmente, hacemos música ya que es nuestra manera de sacar las cosas negativas que vivimos en el día a día. Consideramos que sin desahogarnos a través de este u otros proyectos musicales, podría tener un efecto negativo en nuestras vidas personales, es más una necesidad.

El 23 de septiembre 2022 se viene el México Metal Fest con una cartelera de por más exquisita junto a Kreator, Sodom, Destruction, Tankard, entre otras grandes formaciones dentro del Mundo Metalero, y donde Dark Matter forman parte de la emocionante festividad. ¿Qué expectativas para la anunciada fecha? ¿Alguna anécdota que nos puedan compartir?

Queremos que suene duro Dystopian en ese Festival, es una oportunidad chingona que queremos aprovechar ofreciéndole un show de calidad a los asistentes, sólo así se irá rompiendo el estigma de “uhhh… sigue una banda nacional”, comentario que como fan me ha tocado escuchar bastante desde las gradas.

Sobre una anécdota, habrá que esperar a que LaCarne Magazine

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suceda el Festival, pero quisiera conocer a Mile Petrozza de Kreator, es otro de mis referentes musicales, y Kreator es de mi Top 10.

ner algún EP. Tenemos ganas de hacer algo acústico y experimentar con algunos sintetizadores.

Para los melómanos y adictos de la música, ¿qué álbumes son sus preferidos hoy y siempre? ¿Qué placas discográficas recomendarían para coleccionar?

Está difícil dar álbumes concretos, me gustan un chingo de discos, pero les podría recomendar algunas bandas que he escuchado últimamente: Second To Sun, Ultar, Blut Aus Nord, Enslaved y White Void.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Dark Matter.

Queremos agradecer a quien nos ha apoyado durante estos casi 7 años. Les mandamos un fuerte abrazo y agradecemos a LaCarne Magazine por brindarnos este espacio.

Dentro de la carrera musical de Dark Matter ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados?

Sin duda el 70kTons Of Metal, para nosotros será el mejor Festival que existe hasta la fecha. Está de locos, es una pedota con bandas de Metal tocando en un barco, y la convivencia bandas – público es como si fuera una fiesta y sin distinciones. ¿Qué planes y proyectos tiene Dark Matter para el nuevo año 2022? ¿Algún adelanto que puedan compartirnos?

Para este 2022, si todo sale bien, queremos hacer algunas presentaciones por algunas ciudades de México, y en el proceso compo-

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gradezco la oportunidad de conversar con el portavoz de la banda Dark Matter, mientras retumba en los headphones el tema Spinner Of Yards del álbum Dystopian. Me despido con el puro orgullo de llenar las palabras junto al chingón Metal que nos regalan en aproximadamente 45 minutos de Black Metal la banda, allá desde el gigante de México, uniéndonos en la musicalidad y comunidad latinoamericana. Éxitos hoy y siempre.

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Hetaira Project Música, Teatralidad y Poesía

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ientras disfruto en la presente edición de los singles Togo, María & Rolando, y Todo se ha Transformado, entre otros, y me escabullo a la infinita realidad musical, junto a temas como Atentamente, respiro la temperatura cálida que sube desde el Sur del hermano país de Chile, y arriba hasta las alturas de nuestras montañas bolivianas, de la mano de Hetaira Project, unificando a lo largo del continente a nuestra latinidad inquebrantable, y que, pese a las historias de guerras y protestas sociales, seguimos en el despertar de la humanidad.

Gracias por la colaboración y confianza en exclusiva para LaCarne Magazine.

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Hetaira Project, Art Rock desde Valparaíso de Chile

Luego de dos años de sobrevivir al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

Hola, mi nombre es Freddy Van Dort, vocalista y letrista de Hetaira Project. En lo personal, bien, hemos vivido la pandemia con luces y sombras. Afortunadamente sanos, pero con mucho encierro, mucho control en las calles.

A momentos ha tomado características de una “dictadura sanitaria” (al menos acá en Chile), con toques de queda que finalizaron hace muy poco, y que poco tenían relación con la protección a la ciudadanía, sino más bien como una forma de control de masas, sobre todo en un periodo de la historia en donde los levantamientos populares han cambiado la configuración socio política del país.

poco antes del Estallido Social en Chile, cuando escribo una nueva canción (Olas), y me dije: “este material no puede seguir guardado en los cajones”.

Me contacté con un amigo músico, le gustó la canción, y la comenzamos a trabajar sin saber que un par de meses más tarde, en octubre de ese año, vendría el levantamiento popular, y esta canción y varias otras que había escrito (Tongo y Atentamente, por ejemplo) cobrarían más sentido que nunca, ya que hablaban precisamente de todo lo que la gente estaba pidiendo en las calles.

A raíz de esto, todo se adelantó, presentamos Olas en un evento político cultural en mi ciudad (Quillota), y de ahí comenzamos a recorrer la Región de Valparaíso, mostrando esas canciones que conectaron de inmediato con el sentir de los espectadores al fulgor del momento de efervescencia social en Chile.

Pero también ha sido una tremenda oportunidad para encontrar espacios de creatividad, introspección y nacimiento de nuevas canciones. Algunas de éstas ya han visto la luz como María y Rolando (escrita en décimas octosílabas), y Tierra Herida, que se encuentra en pleno proceso de producción, por nombrar algunas.

Actualmente, aprovechando al máximo el desconfinamiento para presentarnos en diferentes escenarios o realizar ensayos al aire libre en parques y playas. ¿Cómo nacen a la vida musical? ¿Cómo surge el proyecto Hetaira Project? ¿De dónde se inspiraron para el nombre artístico?

Hetaira Project nace en mi cabeza en el 2013, con canciones que se mantuvieron guardadas por varios años. No es sino hasta el 2019, un

Nos estuvimos presentando en diferentes escenarios hasta febrero del año 2020, luego comenzó la pandemia, la banda se desintegró, y fue entonces cuando, lejos de dejar de lado el proyecto, comencé a contactarme con diferentes músicos para producir las canciones, que hasta ese entonces no tenían versiones de Estudio, y que actualmente están en todas las plataformas musicales.

Desde ese momento le pongo apellido, y queda como Hetaira Project, para marcar un antes y un después.

En cuanto al nombre Hetaira, viene del griego. Se cuenta que las Hetairas eran damas de compañía muy letradas, que prestaban servicios a filósofos y políticos influyentes de la época. Aquí hago la analogía con las grandes hetairas de nuestra sociedad: los partidos políticos, la justicia, la religión y los medios de comunicación masivos, por nombrar algunos, vendidos muchas veces al poder para mantener el status quo.

Hetaira Project, Buscando Mi Ideal

¿Quiénes integran en la actualidad el proyecto musical Hetaira Project?

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Hetaira Project es un proyecto bastante ecléctico, y ha tenido en sus filas a varios artistas en su corta vida, ya sea músicos, arreglistas, performistas o productores, que han aportado desde sus diferentes talentos para darle el colorido necesario a este viaje.

Actualmente Hetaira Project está formada por quien les habla, Freddy Van Dort (letrista y vocalista), Harold Briceño (compositor y guitarrista), y Carolina Lipan (percusión y coros). ¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en Hetaira Project? ¿Algunas agrupaciones de referencia?

El estilo base de Hetaira Project yo diría que es el Art Rock, en cuanto a la intencionalidad más intelectual de sus letras, y en cuanto a la estética visual y musical también. Las principales influencias líricas vienen de Violeta Parra, Víctor Jara, Jorge González (Los Prisioneros), Ana Tijoux, Residente y Joan Manuel Serrat (de quien tomo en cierta medida la poesía en las canciones).

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Considerando la estética y la puesta en escena de Hetaira Project, me he inspirado en artistas como Marilyn Manson, Génesis (el de los años 70’s), David Bowie y La Ley (principalmente los looks de Invisible y Vértigo), además de una fuerte inspiración en el estilo gótico de las producciones cinematográficas de Tim Burton.

En referencia a lo musical, cada músico que ha estado en la banda ha aportado desde sus propias influencias, por ejemplo, mientras Tongo tiene una base Rock Pop, Epitafio (asesinato en la avenida) tiene una musicalidad más oscura y experimental, muy al estilo de Placebo.

En estos momentos estamos en proceso de producción de la canción Tierra Herida (Folk Rock) y Olas (Rock Alternativo). Aquí volvemos al concepto de eclecticismo musical.

Como dijo Violeta Parra en algún momento, “la canción es un pájaro sin plan de vuelo que jamás volará en línea recta”.

Desde la razón, tal vez deberíamos darle forma a nuestro primer disco siguiendo sólo una línea, trabajando con un sólo productor para todas las canciones, pero, desde la intuición, vamos en la dirección contraria.

No sabemos cuál será el resultado final de este primer disco, pero hay algo muy cierto, será sin lugar a dudas un viaje absolutamente multicolor.

“Llorar sin saber y morir sin comprender, que mi propio país deja a sus ancianos así perecer”, dicen los versos de Atentamente, estreno que acaban de lanzar en el Canal YouTube, y que cuenta con un video lyric muy importante para la música contestataria a los Poderes Estatales. ¿Cómo les fue en la realización del sencillo? ¿Alguna anécdota del proceso creativo y compositivo del tema?

Como dije hace un momento, Atentamente fue escrita hace varios años (2013), debe haber sido la segunda canción que me animé a escribir (la primera fue Tongo).

Quería dedicarle una canción a mi abuela, quien fue engañada durante el primer gobierno de Sebastián Piñera, en donde se les prometió a los adultos mayores un bono por hijo nacido vivo (mi abuela tuvo 10). La ayuda se veía tentadora, pero, en la práctica, las cuotas eran un chiste, una limosna, y mi abuela tendría que vivir por lo menos hasta los 130 años para alcanzar a recibir la totalidad de ese bono, realmente una burla.

Me puse a pensar en la cruda realidad de los adultos mayores que no tienen hijos, o que han sido abandonados por ellos (no es el caso de mi abuela, afortunadamente), y que dependen de estas limosnas del Estado.

Acá en Chile hay muchos ancianos en esa situación, y muchas veces tienen que trabajar hasta sus últimos días para poder costearse la vida. De esa experiencia nace Atentamente.

Cuando la interpreto, me vienen muchas emociones, la decepción, la rabia, la tristeza. Yo soy de profesión psicólogo, y me es imposible no conectar con estas realidades.

La música de la canción estuvo a cargo de Raúl Figueroa, y las voces las grabamos en mi Home Studio junto a Harold. La post-producción estuvo a cargo de Vicente Aspé.

Todo Se Ha Transformado

En la canción Todo Se Ha Transformado, que cuenta con un genial videoclip, y que va dedicada a los presos políticos del Estallido Social en Chile, fundamental para levantar la consciencia en la sociedad y humanidad, ¿qué nos pueden comentar de su composición y creación? ¿Cómo les fue con la realización y producción?

Todo Se Ha Transformado nace en pleno Estallido Social, y va dedicada a quienes perdieron los ojos, la libertad y la vida a manos de las fuerzas de represión por parte del Estado, en esos momentos tan convulsionados en nuestro país.

La compuse haciendo la percusión en la mesa de mi casa. Quería que fuese absolutamente minimalista, muy al estilo Violeta Parra con su bombo (suelo nombrar harto a Violeta Parra LaCarne Magazine

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porque su biografía y canciones son de gran inspiración para mí).

Les mostré la canción a los muchachos de la banda, y conectaron de inmediato. Comenzamos a rodar el tema en los diferentes escenarios a los que éramos invitados, con todo el minimalismo con el que se había concebido la pieza: yembé, voces y performance.

Lo que se generaba en el público cada vez que la interpretábamos era una catarsis maravillosa, sabíamos que teníamos una gran canción. Luego, en la grabación se le agregan las guitarras y todo lo que pueden apreciar en la versión final.

El videoclip fue una locura, una más de las que pasan por mi cabeza. Un día me levanté (la canción había sido estrenada en Spotify hacía muy poco) y dije: “voy a hacer el video de esta canción”. Preparé un rincón de mi casa, los vestuarios y accesorios que quería incorporar, puse la cámara y grabé. Fueron hartas tomas y harto trabajo, pero me encantó la experiencia.

Puse a disposición del videoclip todas mis habilidades dramáticas para poder transmitir la intensidad de lo que dice la canción. Para la post – producción no quise sobre explicar el tema de la muerte y la oscuridad, por lo tanto, opté por colores y filtros más psicodélicos.

Como dijo una vez un profesor de guión que tuve: “es diferente escribir una escena de amor a la orilla de una playa con una puesta de sol de fondo, que situarla al lado de un basurero en una calle oscura”. Me quedé siempre con esa frase, y la utilicé en la edición del video de Todo se ha Transformado.

Conocí a Hetaira Project con la canción Epitafio (asesinato en la avenida), que en el Canal YouTube nos muestra su videoclip, grabado en el Cementerio Municipal Cerro Mayaca de la ciudad de Quillota. ¿Cómo nace la canción? ¿Alguna anécdota de su producción?

En la primera formación de Hetaira Project (año 2019) se integra en algún momento Harold Briceño, músico y periodista de gran tra-

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yectoria.

Fue tanto que le gustó la propuesta de la banda, que decidió aportar con una melodía que había compuesto y que tenía guardada con recelo desde hacía tiempo, inspirada en una gruta que estaba en una calle cercana a su casa. Esa melodía se llamaba Epitafio (asesinato en la Avenida Condell), luego le sacamos el nombre de la avenida para dejarla más amplia.

La letra habla de una persona que muere y queda atrapada en una dimensión desconocida, envuelto en bruma, solo y aterrorizado sin saber lo que le ocurrió, con la luna como escenario de fondo, muy al estilo Ghost.

Aquí utilicé principalmente la declamación, que me parecía más dramática para esta canción. También incluí algunas frases en inglés, idioma que me gusta mucho. Los aullidos de lobo también le dieron esa atmósfera nocturna al tema.

La producción la llevó a cabo Vicente Aspé,

quien propuso sonidos y efectos con los que aún no habíamos experimentado hasta ese momento, lo que dio una amplitud sonora a la versión final de Epitafio.

deoclip al que le tenemos mucho cariño.

Para la realización del videoclip nos conseguimos el Cementerio Municipal de Quillota, uno de los más antiguos de Chile. Fue una tremenda experiencia haber podido hacer ese registro en un lugar con tanta Historia. Aquí sí sobre explicamos un poco la temática de la muerte, grabando en un lugar más bien obvio en relación a la letra de la canción, pero quedamos muy conformes con el resultado.

Hetaira Project preparan su álbum debut La pesadilla de la Serpiente, y ya presentaron un par de singles hasta la fecha. ¿Cuándo lo estrenan? ¿Algún adelanto que quieran compartir? ¿Cuántos tracks nos entregarán?

La Pesadilla de la Serpiente es el nombre tentativo de nuestro primer álbum, teniendo en cuenta que Chile, una larga y angosta faja de tierra, a momentos parece ser esa serpiente con pesadillas espantosas que la hacen retorcerse desde sus entrañas, pero, a pesar de esto, sigue siendo una serpiente de colores hermosos.

Las personas que estaban en ese momento en el cementerio tal vez pensaban que habíamos salido de alguna tumba. Yo andaba con un maquillaje bastante fantasmagórico, y Harold y Vicente con maquillaje que acentuaba las zonas oscuras de su rostro.

Se dan poco estas manifestaciones artísticas en los cementerios, al menos en Quillota, por lo tanto, debe haber sido un momento curioso y llamativo para los transeúntes. Es un vi-

La Pesadilla de la Serpiente, el próximo álbum de Hetaira Project

Esperamos que este álbum vea la luz en abril de este año. Como mencioné anteriormente, en estos momentos estamos en plena producción de Tierra Herida y Olas, con grandes músicos de destacada trayectoria.

Como adelanto, contarles que esta placa in-

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cluirá un cover de una canción de los años 60’s llamada A Veces Me Pregunto Yo de Richard Anthony. Hicimos una re versión de este tema, dándole un refresh musical y lírico, abordando la temática de la infancia, del comprender que cuando dañamos al niño, inevitablemente estamos dañando al hombre.

ecuatoriano, quien ya está trabajando en ellas.

Es una apuesta arriesgada, ya que es una canción conocida mundialmente, y utilizada incluso en algunas religiones. Esperemos que se comprenda la propuesta una vez lanzada.

La idea es hacer un lanzamiento en vivo con bombos y platillos. Ha pasado un tiempo desde que comenzamos a trabajar estas canciones. Para nosotros no es un producto más, es nuestro primer disco, es un viaje que nos ha costado, que nos ha hecho creer, crecer, y al que le tenemos una confianza absoluta.

Tengo en mi cabeza la imagen de la portada del disco, inspirada en la película Hannibal, pero no quiero adelantar mucho de eso (je je).

También pretendemos incluir en el cancionero del disco algunas ilustraciones de un artista

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Serán al menos 10 tracks los que incluirá La Pesadilla de la Serpiente, de los cuales, cinco ya han sido estrenados en las plataformas musicales, estrategia común entre los músicos actualmente.

Cada canción es parte de nosotros, el gran premio será tener el disco en nuestras manos.

sin un juicio justo por parte del Estado.

Acá, en Chile, manifestar el descontento en las calles te puede llevar a la cárcel sin pruebas, pero robar un banco te puede llevar incluso a ser presidente de la nación (y esto no lo digo en sentido metafórico).

El Festival se realizó en la ciudad de Valparaíso, ciudad con un acervo cultural importante acá en Chile. Fue una reunión de artistas que aportaron desde sus diferentes áreas para concientizar con respecto al tema, y tratar de hacer presión de alguna manera buscando un indulto por parte del Presidente. No le daremos descanso hasta el último día de su mandato.

En la instancia, tuvimos la oportunidad de interpretar algunas de nuestras canciones, y aprovechamos de estrenar Atentamente. Y como a veces me gusta complicar un poco las cosas, esta vez la interpreté utilizando una máscara de rostro completo -que sólo dejaba libre la boca para cantar-, incómodo pero llamativo.

Lo que ocurra después, lo dejamos en manos del destino.

Representando a los presos políticos del Estallido Social -de Chile- en casi una dictadura democrática que nos ha tocado vivir en varios países de Sudamérica. Cerraron el 2021 con una fundamental actuación en el Festival Político – Cultural contra toda prisión política – Por la Libertad. ¿Cómo les fue en la presentación? ¿Alguna anécdota?

El pasado 30 de diciembre, Hetaira Project tuvimos la oportunidad de presentarnos en el Festival por la Libertad de los Presos Políticos de la Revuelta, instancia necesaria teniendo en consideración que ya han pasado más de dos años desde el Estallido Social, y aún hay personas privadas de libertad, sin pruebas y

Para Todo Se Ha Transformado me cubrí los ojos con una cinta roja, el Art Rock nuevamente se apoderó de nosotros (je je je). Cabe mencionar que esta presentación fue el debut en público de Carolina Lipan, la nueva percusionista de Hetaira Project, quien aporta belleza y talento a esta nueva etapa de la banda.

Luego de las elecciones presidenciales, y levantando de a poco la mirada con más coraje y valentía, ¿cómo se encuentra el panorama musical y cultural en Chile?

Hasta hace unas semanas atrás, gran parte de los chilenos estábamos asustados. La posibilidad que llegase al gobierno un candidato de extrema derecha (bordeando en la ideología nazi), era algo cercano.

Ya se había visto en Brasil con Bolsonaro o en Estados Unidos con Trump, que estos personajes tenían un arrastre in-imaginado, pero real. Afortunadamente, gracias a la unión de muchos sectores políticos, artísticos y sociales, logramos elegir a un candidato joven (35 LaCarne Magazine

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años), que “ama la vida y enfrenta la muerte”, como dice la canción de León Gieco, y dejar atrás la amenaza nazi.

En Chile hay una riqueza cultural y musical enorme en los más variados estilos, hay mucha gente haciendo muy buena música. Siempre faltan los recursos, obviamente. Lamentablemente las Artes suelen ser el pariente pobre de todos los ministerios, al menos en Latinoamérica.

Siempre hay algo más importante que el Arte y la Cultura, y se comprende en cierta medida, teniendo en consideración que somos una sociedad enferma, o que ha sido enfermada a golpes de injusticia. Pero hay que comprender que no sólo los medicamentos sanan, el Arte también impacta de buena manera en el Alma y en las células de las personas.

Una canción, un poema o una pintura pueden sanar un alma rota, y sacar de la depresión a alguien. Confiamos en que este nuevo Gobierno, que comienza en marzo de este año, devuelva el Arte y la Cultura al lugar que merece.

Boric es un fanático de la música, así es que vamos por ancho camino. De hecho, para su

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campaña presidencial se generó desde su Comando una playlist colaborativa en Spotify, donde tuvimos la oportunidad de ingresar con la canción Tongo. Esa playlist se llama El Árbol, Gabriel Boric Presidente, y estará vigente hasta marzo próximo.

Para la gran fanaticada de melómanos, ¿qué discos recomendarían dentro de la producción y avalancha de música realizada en su región o país? ¿Algunos referentes o sugerencias para tomar en cuenta y adjuntar a la discoteca privada?

Hay varios. Por ejemplo, El mito de la Pérgola de Pascuala Ilabaca y Fauna; La Chusma Inconsciente de Evelyn Cornejo; Vengo de Ana Tijoux; Amiga de Alex Anwandter; Toda Violeta Parra: el folklore de Chile de Violeta Parra (con todas sus más bellas canciones); Corazones un disco de Los Prisioneros del año 1990, y del año 1995 el disco Invisible de La Ley. Durante el recorrido musical de Hetaira Project, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados?

En lo personal, el primer Festival al que fuimos invitados cuando recién nacía Hetaira Project en pleno Estallido Social, ese Festival se llamó

Hacia un Cahuín Constituyente, y se llevó a cabo en Quillota. La mística y la unión que había en esos momentos en Chile era increíble, todos nos mirábamos a los ojos y sabíamos que estábamos en sintonía con el país en el que queríamos vivir.

Ese evento estuvo repleto de gente y de artistas. Fue mágico, fue el verdadero inicio de la banda, definitivamente inolvidable. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que les anima a seguir en la batalla y/o juego de la vida?

“Esto no se trata de perfección, sino más bien de vísceras y convicción.” ¿Qué temas se van convirtiendo en referentes para ustedes a la hora de interpretarlos? ¿Qué canciones forman parte de su público?

Luego de varios escenarios recorridos en este corto tiempo de vida, nos hemos dado cuenta que el público conecta mucho con Todo Se Ha Transformado, tal vez por la simpleza de la puesta en escena y por la profundidad de la letra. Es como si las personas fallecidas que mencionamos en la canción se hicieran presentes cuando la interpretamos, como una invocación, como un acto sanador.

De hecho, hay algo que nunca he contado. En algún momento hicimos un Demo de esta canción de forma bastante casera. En uno de los coros, cuando cantamos a varias voces, hicimos unas pruebas con un bidón vacío y abierto -para dar la sensación de eco-. Al escuchar ese Demo, sin haber intervenido la voz (sólo algo de rever), se escucha claramente la voz de una mujer cantando: “canto, canto…”. Eriza los pelos esa voz.

En la canción mencionamos a Daniela Carrasco (La Mimo), muerta en extrañas circunstancias durante el Estallido Social, luego de ser detenida por carabineros. ¿Fue ella la que se manifestó en ese coro? ¿Quién sabe?

Atentamente también es una canción que remueve al público, principalmente cuando gritamos fuerte: “¡No mienta, presidente!”. Ahí a la gente le dan ganas de gritar también. Es una

bella catarsis. ¿Qué proyectos tiene Hetaira Project para el 2022?

Primero, terminar de producir las últimas canciones de nuestro primer disco, luego realizar un lanzamiento en vivo (esperemos que Don Covid nos lo permita), hacer una gira para promocionarlo, y comenzar a trabajar inmediatamente en nuevas canciones.

Hay varias escritas, así es que material sobra.

De hecho, estoy trabajando en una canción bien entretenida. Quiero que sea una Cumbia psicodélica, una locura más (pero qué aburrido es estar tan cuerdo ¿no? -je je-). Y bueno, todo lo que vaya surgiendo. Donde nos quieran, allá estaremos.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Hetaira Project.

Quiero invitar a todas las personas que leerán esta entrevista a seguirnos en nuestras redes sociales de Hetaira Project, escucharnos en las plataformas musicales, a ponerse unos audífonos y experimentar nuestra propuesta.

Si lo que intentamos transmitir a través de la música, las letras y la puesta en escena les hace sentido de algún modo, háganoslo saber.

Queremos seguir explorando, creando y creciendo, y ustedes son fundamentales en eso.

Se despide un partner de siempre, Freddy Van Dort, a nombre de todos los integrantes de Hetaira Project.

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errando la presente edición, con esos mensajes hechos canciones y artes musicales, enfrentando poderes estatales que fraguan privados de las libertades, y en especial dedicación para el despertar de la consciencia ante los gobernantes, estaremos atentos al disco debut del proyecto Hetaira. Éxitos para el 2022 y siempre.

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Punk No Ha Muerto, y edito la presente redacción, agradezco por la confianza y colaboración en exclusiva para LaCarne Magazine.

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iempre viajamos listos en la apreciación musical y lírica, contundente combinación que nos refresca el panorama actual, y, sin ir lejos, la resistencia desde las tierras del Punk es símbolo y frecuencia de unificación mundial, donde uno siempre encuentra excelentes propuestas hechas al reflejo de sus producciones.

Así arribamos gracias a las redes sociales a la banda Gayola, y, con la buena actitud, concretamos la presente entrevista junto al portavoz de la agrupación Punk que nos regala su amor al Rock & Roll en la presente charla.

Mientras disfruto del nuevo álbum El Punk

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Gayola y su nuevo disco El Punk No Ha Muerto

Luego de dos años en cuarentenas y la pandemia debido al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

Pese a ser una temporada bastante dura tanto en lo personal como lo profesional, y aunque aún sigamos con la pandemia, estamos con muchas ganas de darle rodaje al nuevo disco.

Tocar, tocar y tocar es lo que queremos ahora.

Una breve reseña de la banda, ¿cómo nace el grupo? ¿Por qué del nombre? ¿Cuál es la formación actual?

El grupo nace en una noche de borrachera, en la que unos colegas estaban cansados de tocar solos en casa, así que decidieron juntarse

nos han influenciado. ¿Cuáles fueron sus referentes musicales para la banda? ¿Qué artistas los han marcado?

Como decía antes, tenemos mucha variedad de gustos. Algunos grupos que nos han influenciado son Motorhead, Leño, Anti-Flag, Metallica, La Polla… Son muchos. ¿Qué nos pueden comentar de su trabajo discográfico? ¿Cuál es la discografía (y sus años de edición) de Gayola?

Nosotros sacamos en 2017 una maqueta, coincidiendo con un parón que hicimos de 2 años, debido a que dos de nosotros tuvimos que emigrar por trabajo, por lo que la presentamos en 2019, cuando retomamos el grupo.

Gayola

k serio desde España para aporrear instrumentos juntos. ¿El nombre del grupo? Pues hay muchas teorías y ninguna cierta. Hay quien dice que es porque el primer cantante de la banda, más que cantar, parecía que estaban torturando a un gallo. Hay quien dice que es porque al principio tocábamos muchos covers de La Polla, de La Polla vino Gatillazo, y de ahí la Gayola… No sé, muchas teorías, nada cierto.

La formación actual somos Nano a la batería, Tupá al bajo, Jayden y Mendoza a las guitarras, y Nacho Brokoly a la voz. ¿Qué estilos musicales han influenciado en el sonido de Gayola?

Entre nosotros tenemos gustos musicales muy diferentes, desde el Punk ochentero guarro hasta el Progresivo más virtuoso, pasando por el Rap. Hay mucha variedad de estilos que

El Punk No ha Muerto es nuestro último trabajo, que lanzamos a finales de 2021 y, bueno, creo que no hay ni punto de comparación entre ambos trabajos. Este último es un trabajo más serio, con unos temas más trabajados en estudio, y mucho más compactos, agresivos y directos.

Gayola, Que Ardan las Banderas

«¡Servir y proteger solo a quien interesa, del comisario cabrón nosotros somos la presa!», promocionando del último material, presentaron el nuevo video Pako El Madero, con una divertida y explicita propuesta ante el abuso del Poder Estatal sujeto siempre en su policía. ¿Qué nos pueden comentar de su video? ¿Algunos créditos que quieran brindar en la realización del video? ¿Alguna anécdota de la producción?

Pues en el video queríamos reflejar exactamente eso, el abuso policial al que desgraciadamente estamos acostumbrados. La figura de Pako está inspirada en una persona real a la que el uniforme se le subió a la cabeza, y soltaba la mano de más.

El video lo hizo Adrinaik (Ensanche Films), que es un colega nuestro del pueblo, y que hace unos videos cojonudos. Podéis ver lo que hace en sus redes sociales.

La anécdota de este videoclip es que nos era imposible cuadrar los días para grabarlo por LaCarne Magazine

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temas de trabajo, y, cuando conseguimos al fin un día, nos llovió como no nos había llovido en mucho tiempo. Así que, en vez de posponer la grabación, seguimos para delante como pudimos y, aunque acabamos con un resfriado de cojones, el resultado fue inmejorable.

A mediados de noviembre del 2021 han presentado el álbum El Punk No Ha Muerto, con una intensa propuesta musical. ¿Qué nos pueden comentar del nuevo material en cuanto a su producción? ¿Qué temáticas han tocado en este nuevo EP? ¿Quién creó su portada? ¿Algunas anécdotas?

El álbum lo grabamos en Singularity Studio de la mano de Edu Guerrero (Sons of Aguirre & Scila), que ha conseguido sacar un sonidazo y nos ha ayudado muchísimo en la producción del disco. Estos temas están muchos más trabajados que los que grabamos anteriormente, letras más agresivas, más arreglos. En definitiva, conseguimos sacarle la “profesionalidad” a los temas.

Las temáticas de este disco son variadas, desde un himno a nuestros colegas de El Parke, hasta historias reales como Mendigo, pero siempre intentando que lleven consigo una crítica social.

La portada del disco la hizo nuestro colega Alejandro Sanchez / El Pipas. Además, es el creador de nuestro logo.

Como anécdota, podemos contar que, en plena grabación del disco, se fueron del grupo tanto el solista como el bajista, por lo que Edu tuvo que grabar algunos de los solos del disco, y en los videoclips aparecen Jayden y Tupá, pese a que entraron al grupo meses después de haber grabado el disco.

El Punk No Ha muerto fue el primer single promocional del álbum, junto a un genial videoclip. ¿Qué nos pueden comentar de las locaciones donde se grabó el video? ¿Quién lo dirigió y produjo? ¿Algunas anécdotas?

El video se grabó entre Aspe, Novelda y San Vicente.

El video lo grabó Adrinaik (Ensanche Films),

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y como anécdota podemos contar que la toma del grupo la grabamos en una antigua cementera, y que para entrar teníamos que subir como tres montañas. Te puedes imaginar lo que es subir todos los instrumentos y los amplificadores a mano por La Sierra… Estuvimos una semana con agujetas.

Luego de más de un año de obligada pausa, volvieron a los escenarios en agosto del 2021, y cerrando el año retomaron el en vivo en el RevueltFest 1. ¿Cómo rememoran aquellas jornadas?

Lamentablemente, el mismo día del RevueltFest algunos del grupo tuvimos que confinarnos por el COVID19, pero, bueno, ha sido una montaña rusa. Algunos conciertos los hemos dado con la gente sentada, lo que ha sido muy duro, tanto para el público como para nosotros.

No recibes el mismo feedback con la gente sentada. A final de año las restricciones lo permitieron, y pudimos dar por fin un concierto con la gente de pie, y fue una liberación. Nuestros conciertos de 2021 han tenido sensaciones muy agridulces.

Bueno, seguimos en ello. Aunque han pasado ya casi un par de meses, y solo hemos podido tocar una vez desde que lo lanzamos, la gente lo está disfrutando mucho. Esperamos poder presentárselo a la gente en concierto a lo largo de todo 2022.

Pude disfrutar en su integridad del EP El Punk No Ha Muerto. Me encantó por completo. ¿Qué canciones se han convertido en referentes para ustedes como banda? ¿Qué temas los identifican con su público?

Referentes no lo sé. Hay canciones que parecen que están teniendo mejor acogida que otras. Pako El Madero está teniendo muy buena crítica por parte de la gente. Eskizofrenia también es otra de ellas.

Viven a Su Manera

El Punk No Ha Muerto, ¿cómo les fue con la presentación, difusión y promoción del rebelde material?

Como buenos melómanos y adictos a la música, ¿qué discos recomiendan para irse de viaje o vacaciones? ¿Qué material es su cabecera entre otros muchos?

El nuevo EP de Gayola – El Punk no ha Muerto, por supuesto. Disponible en plataformas digitales.

Sabemos que en su país, el Movimiento Punk tiene grandes y firmes bandas que representan la resistencia y libertad de los pueblos. ¿Qué agrupaciones nos recomiendan para LaCarne Magazine

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tomar en cuenta y prestar atención?

Las grandes bandas españolas del Punk son casi más conocidas en Latinoamérica que en España, casi. Pero, bueno, grupos más modestos que es interesante pegarle una escucha serían Los Kostra, Drollery, Alkayata, A Tercio Pelao.

Vi en el Instagram de la banda las fotos del Camiseteo, donde su gente hace el aguante o apoya con el merch de Gayola, entre remeras y discos. ¿Cómo anda el apoyo local de su público e hinchada?

No podemos estar más agradecidos a toda nuestra gente. Ver como nuestra gente va siempre a tope con nosotros, nos motiva a seguir haciendo lo que hacemos. Es un placer tenerlos siempre en primera fila de batalla.

Durante su recorrido musical, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados?

Pues ha habido muchos conciertos con anécdotas para el recuerdo, pero por cómo salieron los conciertos, y en cuanto a calidad del sonido de la sala y demás… El concierto de la Sala Babel y el de Las Cigarreras han sido para nosotros los mejores. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que les anima a seguir en la batalla de la música o en

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el juego de la vida? “¡Viva Er Betis Manquepierda!”.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Gayola.

Que se escuchen nuestros temas y que, si les gustan, que se lo digan a sus colegas y, sobre todo, nos vemos en los bares.

M

ientras me apresto a cerrar la presente edición, disfrutando en los parlantes del escritorio junto al Gayomaqueta, donde el tema La de la Infanta me entrega ese estribillo pegadizo que siempre anima para correr hasta la esquina ida y vuelta por cualquier motivo (en mi caso, por el pan para desayunar). “¡La Monarquía sigue haciendo lo que le da la gana!”, dicen los estribillos que me nutren con esa potencia musical y la ayuda del replay, en el diario caminar por la escuela de la vida. ¡Muchos éxitos y shows en el 2022, a seguir con la batalla musical hecha Punk serio!

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