Lacarne magazine n20 by LaCarne Magazine

Nº20 Nov-Dic 2013

AÑO 4

www.lacarnemagazine.com

ENTREVISTAS barrabajeros - pitch pichi el lado izquierdo - raquel palma homo demen - bravo fisher! the levitants - the ancient secret of levitation

EXPERIENCIAS carnica - ALONSO TORRES - PAQUITA GARCIA concierto sentido publico primaverasound - j. g. entonado

INVESTIGACION MUSICAS DE CARNAVAL - dream house EL rock segun san marcos - badejazz el procesado de voces

RESEÑAS the morning reaver - subterraneos - babi terramojah - crippled black phoenix vamps - gov’t mule

juanjocortés

Un náufrago que encontró su isla

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos (entrevistas, tutoriales, investigación, reseñas, opinión, análisis...)

S UNºM20 A R I O aÑo 4

(nov-dic 2013)

CON FLOW Barrabajeros

EXTREMATRoNICA

Cronicas del paseo maritimo

notas de paso

a examen

ANTES DEL CONCIERTO

CON LA MUSICA A OTRA PARTE

tecnologia musical

MuSICA VIVA

artista del mes Juanjo Cortés, un náufrago que encontró su isla

Pitch-Pichi

EL animal que invento el si Cap. 16: El Rock según San Marcos

SINESTESIA Dream House

Dirección del Teatro Real

LA VENTANA NACIONAL The Levitants

El Lado Izquierdo Vs Raquel Palma

Piris Parker (Cárnica)

jazz! Badejazz y el Festival Internacional de Jazz de Badajoz

figaro

Homo-Demen

El procesado de voces

Músicas de Carnaval

mozart no pensaria esto

LO MAS DESTACADO

Capítulo 5: Cambio de rumbo

Bravo, Fisher!

Equipo lacarne magazine Director, diseño, maquetación, y redacción

Pedro Gallardo

Contenidos y publicidad S. Plata

FOTO PORTADA: Boni Sánchez (BBImagen) * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

Deslectura sonora de Whole lotta love - Led Zepelin

Versus l@s Místic@s

sala de conciertos Concierto Sentido Público’12, PrimaveraSound’13

parquesonoro The Ancient secrets of levitation

EL GRAMOFONO The Morning Reaver, Subterráneos, Babi, Terramojáh, Crippled Black Phoenix, Vamps, Gov’t Mule

34 44 46 48 50 53 54 58 62

Colaboradores

Crespo, Sebastián Díaz, Porras, Alonso Torres, S. Plata, Kali, Paquita García, Julio César Galán, J. G. Entonado, La Culpa, Alex Janßen, Oscar Trigoso, Marta Lozano, Manu Herrera, Piris Parker

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Iniciasteis vuestra andadura en 2008 como banda y desde entonces no habéis parado. ¿Qué hace que tres chavales de distintos sitios se junten para hacer Barrabajeros? ¿Habéis estado en otras formaciones o proyectos? Nosotros (Ángel y Ricardo) nos conocimos porque fuimos juntos al instituto en Cáceres, y comenzamos a adentrarnos en el ambiente del hip hop en Jaraíz de la Vera. Allí entramos a formar parte de la Genesix Now Crew y empezamos a escribir nuestras primeras letras (ya sabéis, la típica historia de chavales que se juntan en un parque del barrio a cantar todas las tardes). Más adelante conocimos a Rubenuve y empezamos a dar bolos y hacer temas con él. Se implicó tanto con el proyecto que solo fue cuestión de tiempo que entrase a formar parte de Barrabajeros. En cuanto a otros proyectos, todos participamos en alguno, desde grupos de folk que hacen fusión, a otras bandas de rap, así como algún trabajo en solitario, pero nuestro proyecto común es este. Hip-hop, reggae, mezclas de sonidos balcánicos… ¿es esta mezcla de estilos lo que os hace diferenciaros de otras bandas de hiphop? En realidad, sí que hay bandas que trabajan sobre ciertos ritmos que nosotros escogemos para nuestros trabajos (aunque bien es cierto que no es fácil encontrar rapeos sobre música metzler). Pero principalmente elegimos la música de la que estamos enamorados

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en el momento, siempre desde la perspectiva del rap. Tenemos muchas temporadas de investigar otros estilos, las vivimos y eso, claro, nos influye inevitablemente a la hora de crear. ¿Pensáis que el hip hop puro pierde cada día oyentes? ¿creéis que la fusión es el mejor camino para llegar al público? Rotundamente no. El público de hip hop crece, se amplía. Y eso es gracias a que es una música popular, a la que mucha gente tiene acceso como artista y como público, y que requiere menos consumo que otras. La fusión, por supuesto, enriquece la cultura, pero en nuestro caso no lo hacemos para llegar a más público, sino porque nos sentimos cómodos y a gusto haciéndola, igual que hacemos y haremos siempre temas de rap más puro. Habéis contado con la colaboración de otras bandas en vuestro primer trabajo (Porquería absoluta, 2012). ¿Tuvisteis que hacer casting o ya sabíais quién estaría dentro y bastó con

una invitación? Siempre hemos sido más de tortilla de patatas que de castings. En Porquería Absoluta colaboró gente en la que creemos y que cree en nosotros. Tuvimos el placer de trabajar con amigas y amigos, con buenos artistas de Cáceres, Canarias, Badajoz y Salamanca que además siempre que han podido se han acercado a los directos a participar. Aún así nos falta gente, que irá apareciendo en el próximo trabajo.

música. Desgraciadamente en la mayoría de los casos hay que pertenecer a una élite para salir a tocar, para producir y tener facilidades. Pero afortunadamente se puede contactar con mucha gente (público) al margen de esas élites. Eso es lo que hemos hecho hasta ahora, creemos que esto es más útil, se crea más cultura así que organizando conciertos desde una asociación siempre para los mismos grupos…

¿Os planteasteis incluir algún grupo con un estilo más diverso como el metal? La verdad es que no. No nos lo planteamos porque no surgió. El metal es un estilo muy alejado de nosotros como artistas. Sin embargo, durante los dos últimos años hemos colaborado con bandas muy diferentes, el underground y el directo dan mucho espacio a la fusión. Podemos decir que hemos rapeado con bandas de blues, cumbia, cantautores, rumba… Es una de las cosas buenas de ser músico, esto no se paga.

Y ahora, ¿tenéis bolos a la vista o estáis ya preparando nuevos temas? Contadnos un poco qué planes tenéis … Sí, estamos inmersos en nuestro nuevo disco. Lo que podemos adelantar es: Groove, funk, mucho rap esta vez, y siempre algo diferente. Y antifascismo, anticapitalismo, lucha de clases, contenido. Lo que es Barrabajeros.

Habéis pasado por numerosos escenarios de Cáceres, Badajoz, Ávila, Salamanca, Valladolid… ¿Os ha costado daros a conocer dentro y fuera de Extremadura? Sí. Mucho. Pero nos ha gustado. Nos ha costado porque no hemos renunciado a una manera de pensar y hacer

Muchas gracias por pasaros por aquí para charlar un rato. Esperamos que sigáis dando caña en los escenarios por mucho tiempo. Muchas gracias a vosotros, hacéis un gran trabajo. Por supuesto que seguiremos, Barrabajeros nos permite luchar mediante el arte, construir cultura libre y aportar alternativa. Sólo mediante la música podemos cambiar la música. Salud.

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Juan Diego aka Pitch-Pichi es uno de esos artistas de la escena underground de Badajoz que, con su capacidad de hacer mover al publico, ha pasado a ser uno de los principales dj Funk de Extremadura. Sus Sesiones engloban desde la música negra a la electrónica más disco y actual que podamos escuchar. Acá os dejamos una entrevista desde su corazón.

Buenos Días Juan Diego! Cuándo Hablamos de Pitch-Pichi, de quién estamos hablando? Hablamos, Kali, de Juan Diego Rodríguez Correa, más conocido en Badajoz como Pichi, y que ante la cantidad de etiquetas utilizadas en la música actual, ha decidido inventarse la suya propia, el conocido FRESH-FUNKYNG, que engloba toda la música negra que conlleve frescura y alegría musical. Mi nombre artístico es Pitch-Pichi y esto es debido a que un dia recibí una llamada de un amigo, que me pidió un nombre. Yo estaba en Albacete, con mucho viento. Elegí PINCH-PICHI y cuando llegué, en el cartel me tenian puesto PITCH - Pichi, lo cual me gustó más que lo que yo primeramente había elegido, y me quedé con ese… Pitch-Pichi… jejee Háblanos de tu carrera musical, ¿cuándo empezaste y qué bolos importantes has tenido? Mi carrera musical comenzó hace 8 años con

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una oferta poco seria a la que accedí: poner música un Abril en la Tetería Bossanova, junto a Gene García, y Tanaka. Hice una selección musical de temas y me encantó la experiencia, despertándome ese gusanillo dormido que, sin saberlo, llevaba dentro. Poco a poco fui, y aún sigo aprendiendo, buscando más música, reordenando, recopilando, etc, hasta llegar a compartir cabina con reconocidos Djs como SR. LOBEZNO (Sala Afrodisia y Boogaloo de Granada), CHARLIE FABER (Sateli3, Radia3 de Madrid), o SIMÓN BENSOUSSAN (Sala Elefunk de Sevilla), entre otros. Así, evolucionando y pasando por casi todo los eventos posibles de Badajoz, e instalándome en un sitio privilegiado como es la Sala Mercantil, en la que he estado junto a Ulises Fernández, realizando en este 2013 AGUSTO DE MUSICA, iniciativa musical que nos ha llevado a llenar esta sala durante el difícil mes de Agosto.

¿Cuando pones una canción en qué piensas, cómo lo haces? Toda canción que yo ponga tiene que tener frescura, ya sea reggae, hip-hop, funk, swing, balcánico, break-funk, o electrónica. Soy de las personas que piensan que los jóvenes que salen una noche a un bar, les tienes que hacer llegar una alegría tal que cuando al día siguiente se levanten digan: “!Qué bien me lo pasé ayer con PITCH-PICHI¡La de tiempo que hacía que no bailaba así”. Ese es mi objetivo cuando pincho. ¿Te ha sido difícil desde Extremadura conseguir seguidores y disfrutones de las sesiones de PITCH-PICHI? En Extremadura, ya sea musicalmente o laboralmente, tenemos un problema bastante grande, y es que no nos creemos del todo lo que hacemos, y nosotros mismos nos acortamos las posibilidades que realmente tendríamos. Está claro que mientras más grande sea la ciudad más posibilidades de triunfo tienes. Y bueno, cuál dirías que es el festival donde mejor te han aceptado y donde mejor te lo has pasado? Donde mejor me lo he pasado, musicalmente hablando, puede ser el IMAGINAFUNK 2012, en Jaén. Yo siempre he pinchado en salas donde normalmente buscaban música Funk, y con quien mejor me lo he pasado ha sido con los tres grandes que he nombrado anteriormente. Una vez que acabas tu sesión o la haces a medias con ellos, te das cuenta del verdadero nivel que tienes no tan alejado de estos monstruos musicales.

perfecto puede ser digno de ser criticado. ¿Tú qué piensas de la industria, cómo la ves, qué piensas de la piratería y el compartir masivamente? Creo que la misma industria es la que nos ha enfrentado a la tecnología y avance que implica internet. Muchos grupos y artistas han sabido adaptarse a esta nueva era donde el internet es una herramienta esencial, tanto en la música como en el resto de empresas. Si la industria musical pierde dinero, que se reinvente. Muchas gracias por tus sabias palabras y esperemos verte pronto de nuevo por la Sala Mercantil en Badajoz… Sin más, agradecer a Kali, con el que también tengo algún proyecto en marcha (BITTER & KAS), su interés y la oportunidad que me ha brindado para poder haceros llegar mi modesta opinión musical a LACARNE MAGAZINE, por acercarse hasta mí y reconocer esta parte de la historia musical de Badajoz.

¿Alguna vez no han entendido tus sesiones? Sí, por supuesto. Yo creo que como a todos los que nos dedicamos a la música en mayor o menor medida, o como en cualquier otro trabajo. Nunca llueve a gusto de todos, jejeje. Siempre puede pasar que la misma sesión en la misma sala lleve a opiniones distintas. Desde una mezcla mal hecha al subidón más LaCarne Magazine

[Cap.16]

El rock según San Marcos Hubo un Tiempo de Mérida. De la misma forma que durante unos años La Madrila cacereña fue el centro del mundo allá por los años 80 del siglo pasado, en una calle cualquiera de Mérida, en un sótano al que se accedía por un patio interior en el que también había alguna cochera, se instaló un templo profano. La Iglesia de los Jamminianos. Abre paréntesis. Sobre esa decisión de bautizar a la calle que canalizaba y simbolizaba en esos años la noche emeritense como calle John Lennon, no vamos a opinar. Si fue una idea visionaria o la mayor horterada de la época, ni entramos ni salimos. No es el objetivo de estas líneas. Cierra paréntesis. Nuestra calle se llama Cervantes, como el famoso escritor castellano. Primeros años 90. Siglo XX. Jammin era, a efectos legales, una sociedad cooperativa. A efectos históricos era una idea de un grupo de locos visionarios (estos sí lo eran). Se nos agolpan los nombres que evocan los años de Jammin. Diego Espinosa, Paco Camps, Félix Lozano, Tini Saquete, Karpio, Pedro Jiménez, Rosario, César Bayón, Markos, César Lérida, Cardosa, Manolo Abengózar… No es el momento de dilucidar quién realmente era cooperativo o quien era allegado. Nos da lo mismo. Lo que la música de Extremadura debe a Jammin lo trataremos en otro momento. En todo caso está claro que todos tenemos una deuda con este proyecto empresarial pionero y apasionante que surgió a orillas del Albarregas y del Guadiana, entre dos ríos, como la antigua Mesopotamia, cuna de la escritura, según cuentan. Jammin, cuna de una mesa de mezclas y un cuarto insonorizado y unos técnicos y un pálpito impagable. Aún con sus sombras que como todo en esta vida ha de tener, nos quedamos con sus luces, resplandecientes y guiadoras. Pero lo dicho, llegará su momento en estas crónicas. Ahora nos toca Markos. Markos Bayón. O lo que es lo mismo, ElAutognomo, El Combolinga, Comando Macondo, Perroflauta, Komik, Sister Jane y Bajos Instintos. Y Secuaces y Los Daltónicos y Dimayo y muchas cosas más. [BI] Comenzamos a oír hablar de él allá por el año del señor de 1992. Era el tiempo de los grandes fastos y las noches eternas. Con Bajos Instintos nos dejó K.O. Por supuesto, factoría Jammin cien por cien.

Ese año fastuoso se publica Noches Eternas. Está Markos y está su hermano César y

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está una parte escondida que apenas se ve, pero que cuando lo hace es para estremecer. Los coros que Raquel Acosta aporta a este disco son maravillosos, como maravilloso y fundacional es este trabajo que retrata como ningún otro el espíritu Jammin, el Tiempo de Mérida. ¿Pop? ¿Rock? Bayón. Una sobredosis de creatividad inimaginable por estos lares por aquellos años. Un hervidero de ilusiones. Si escuchas con cuidado (y con cariño) Si mi estrella me guía, corte número 5 de Noches Eternas, podrás detectar ya los inicios de la marca Bayón que luego aparecerá en toda su obra, el hilo conductor, el rastro, apenas imperceptible, que transita por su genio creativo a lo largo de los años. Noches eternas es un catálogo de himnos inolvidables; Noche, Camino, Obscuro deseo o Tras el espejo nos envalentonan el alma y hasta el mismo amor propio. No debemos olvidar que gracias a Diego Espinosa esta joya está completa en Cantarrana. Ser agradecidos es ser. [SJ] En 1993 vuelve a sorprendernos con otro proyecto. Sister Jane navega en las oscuridades del rock after. Así lo llaman, qué le vamos a hacer. La voz de Markos Bayón suena en lengua imperial. Cosmopolitismo bien entendido. La intensidad black de River Soul retrata bien este breve proyecto, apenas conocido y que aquí, en esta casa cantarranera, disfrutamos haciéndonos sentir unos afortunados, unos elegidos. Estamos seguros que a estas alturas Bayón ha hecho de Jammin su segunda casa, aunque si nos apuras, nos atreveríamos a decir que no, su segunda, no. Su primera residencia. El sótano de la calle Cervantes es eso que llaman un laboratorio de ideas, un concepto ya manido, pero que en este caso adquiere todo su valor. Por ese sótano pasa el mundo que es mundo. El que nos interesa. [LD] Alfredo Expósito cuenta que en 1996 Los Daltónicos, un proyecto del propio Expósito, es una banda en la que Markos Bayón le da al bajo, junto a su hermano César (batería) y Gecko (guitarra). Un lujo al que, por supuesto, Bayón aporta su propio sello. [SC] En 1997 presta su talento y mucho más a un proyecto personal de Joaquín Mora, referencia histórica emeritense. En Secuaces confluye lo más granado de la música de Mérida de esos

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años y del mucho después. Paco Mata, Chino, César hermano, y, por supuesto, nuestro Carlinos Masegosa. [PF] Calle Cuba. Mérida, claro. Detrás de la estación de autobuses. Lo que allí se está fraguando desde finales del 96 hará cambiar para siempre nuestra música. Por allí aparecen Markos Bayón, Gecko Turner, Cesarín, Dieguito Antúnez y el Dr. Robelto. Ya nada será igual. Sí, claro, por supuesto, estamos hablando de Perroflauta. La palabra mágica de la que mucho listillo de por ahí fuera se quiere apropiar. Transcribimos (a nuestra forma y manera) las palabras escritas por César Bayón en 2006 en la web Las palabras de la tribu, en respuesta a las tonterías que algunos largaban sobre el concepto perroflauta y su invención. […] Aunque de alguna manera me alegro porque veo que lo que hicimos en su día el grupo “Perroflauta” ha dado tanto de sí, que ahora se acuña en un término que le da sentido a la forma de vida de algunas personas. He de explicaros algo. El término PERROFLAUTA se creó en Mérida en el año 97, a través de un grupo al que yo pertenecí, que ahora no existe, pero que en los 8 años que estuvimos funcionando recorrimos toda la geografía española y parte del extranjero. Aunque no nos hicimos muy famosos sé que nuestra música ha llegado al corazón de mucha gente, me consta porque la gente nos lo decía y nos lo dice. Le pusimos ese nombre al grupo de una forma muy tonta; resulta que un día estábamos en mi casa tocando algunas canciones y en la calle escuchamos a un perro que ladraba de una forma muy rara. Después de reírnos un rato dijimos “éste es un Perroflauta” y acto seguido le hicimos una canción a ese maravilloso perro que le dio nombre a nuestro proyecto […].

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Perroflauta es un delta donde confluyen las aguas impetuosas de Bajos Instintos, Sister Jane, The Animal Crackers, The Reverendoes…que es como beber del tarro de las esencias sincopadas. Bayón bros y Turner. Perroflauta es un caballo desbocado de inquietudes, de ideas musicales y vitales, un grito de guerra que traspasa fronteras sonoras y estéticas. ¡Perroflá también eres tú! Perroflauta es una escuela por la que pasan nombres de una calidad a fuerza de bombas y de mainstream. Perroflauta es una cartografía que traza caminos entre Extremadura, África y Brasil. Un mapa donde conviven el candil y la menina puerta con puerta en una vecindad que enamora y reconforta a cada segundo. Durante ocho años todos fuimos afromeños. Además, Perroflauta es el lugar en el que conocimos a Diego Antúnez, y Diego, para Cantarrana, es palabra mayor. A algunos les puede fastidiar la pregunta, pero la vamos a hacer. ¿Por qué desapareció Perroflauta? Los trabajos de Perroflauta son de escucha obligatoria. Desde 1º de la ESO hasta la antigua Reválida. Para hacerles un monumento. La noche que tocaron su Zascandil en el Teatro Romano ya ha pasado a la historia. La tarde que tocaron en la Expo de Hannover también. En el camerino improvisado de aquel pabellón de corcho nacieron los primeros brotes, la primera idea de lo que luego ha sido el Proyecto Cantarrana. Ellos nunca lo supieron. No hay nada más que decir. [DM] En el invierno del 99 se encierran en Jammin Bayón, Turner, Antúnez, C´sr-inn, Rodolfo Franco y Javi Bubayo con Dionisio Mayo, el señor Di Mayo. El resultado es una superproducción a la que llaman Tú voz. M. Bayón produce y mucho más este trabajo que, aunque poco conocido, transita por la senda perroflautera a modo de pátina, a modo de impregnación, a modo de denominación de origen. Mientras tanto el mundo del teatro llama a las puertas de Perroflauta. La compañía TAPTC? Teatro les encomienda la banda sonora de sus Agua tan frías que hielan el corazón (1999). Es Perroflauta en todo su esplendor. [AFR] Con la llegada del nuevo milenio, Perroflauta se despide (hasta ahora) con una auténtica obra maestra, Africaniño. Colaboraciones de lujo, sonido de lujo, composiciones de lujo… Todo en este disco lo es. [CM] En 2002 Markos Bayón se embarca junto a los brasileños Glaucia Mendes y Rodolfo Franco en un proyecto atípico, fronterizo y exquisito. Comando Macondo. Diego y Nono apaLaCarne Magazine

recen pronto también. La música, la poesía y el vídeo se dan la mano en una propuesta que rompe lindes y de la que de vez en cuando nos hacen partícipes. [FB] Forma parte de la historia de la música en Almendralejo. Diego Antúnez, según cuentan las crónicas, los convenció en 2002. Perroflauta puso todas sus ganas para despachar este emotivo homenaje. Toda una vida. Es Félix Bote, y los perroflá están detrás. Un disco muy, pero que muy especial. [BB] Esta historia es bien sabida. En 2004 sale a luz Pa fuera telarañas, un disco que firmaba una chica que en tiempos hizo coros con los también emeritenses Vanagloria. Que no se olvide. Detrás y delante del pelotazo Bebe anduvo Markos Bayón. [ECB] Ese mismo año Bayón se une a las huestes de El Combolinga. Un proyecto nacido allende la meseta donde la fusión, la mezcla y los viajes geográficos y sonoros son una forma de vida. Con ellos graba Daquipayá y Mira que bien. Te proponemos una joyita escondida en este segundo disco. Existe en el romancero castellano una historia estremecedora que se estudia en las aulas. Es el romance del Prisionero. Olivar, el corte número 9 de Mira que bien, te desarma. Algo tiene que ver con este romance. Una delicia. [AUT] En 2007, y ya desde esas tierras castellanas rodeadas de circunvalaciones y semáforos, Markos Bayón vuelve a reinventarse y a desnudarse en sus canciones. Nace ElAutognomo. Un hombrecillo del bosque en las montañas de cristal y hormigón. Él mismo consigo mismo. Pura esencia bayoniana. Voz, guitarra y maquinitas. Pureza de líneas. Simplicidad engañosa. Trabajo en silencio, sereno. En 2009 aparece En algún lugar y en algún momento, un paquete de canciones para bailar con el alma. Otra delicia. Planosecuencia (2011) es otra vuelta de tuerca de guitarra y voz. Una hermosísima subida a las montañas. Cuando se escriben estas líneas está a punto de lanzar Antes fue antes, ahora es ahora, y es lo único que tienes, su tercera entrega personal. El propio Markos cuenta sobre este disco que el título procede del mundo de la brujería y el chamanismo; incita a la acción, recapitulación y transformación de cada uno y su mundo. Cuando elautoGnomo llegó a la gran ciudad (Babylon), fue testigo a través de su propia experiencia de la desconexión crónica con las Fuentes a la que hemos llegado como especie. Por lo que elautoGnomo no sólo cuenta lo que ve a su alrededor, sino que hace una llamada al

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despertar de cada individuo. Su hermano César, con el que en los últimos tiempos ha grabado algunos clips de sus temas autonómicos, Víctor Iniesta o Bebe son algunos de los nombres que van a aparecer en este nuevo viaje al que le deseamos una travesía venturosa para estos tiempos ásperos y de crowfunding que nos han tocado sobrevolar. La mejor de las noticias que pudiéramos recibir es aquella que nos anunciara que, siempre que lo tenga a bien la dirección de la revista, por supuesto, cuando estas líneas aparezcan publicadas en LaCarne, la campaña que Bayón puso en marcha a principios de octubre para financiar Babylon y compañía se hubiera completado con éxito. Ganaríamos todos. Ganaría la música. Ganaría el Rock según San Markos. ……

POST DATA 1. Que nos perdone Markos si alguna fecha estuviera descuadrada. Ante tanto aluvión musical no es difícil trabucar años, meses e ideas. POST DATA 2. Después de 20 años la escuela Jammin sigue, a su modo, viva. Nos llama la atención que técnicos y creativos que vieron sus primeras luces en la calle Cervantes, te los encuentres ahora en algunos de los grandes festivales peninsulares. Son seña de garantía. Y todo el mundo los busca. Por algo será. ¿No te parece, amigo Karpio? Cáceres. Noviembre de 2013.

http://cantarrania.blogspot.com/ LaCarne Magazine

DIRECCIÓN DEL TEATRO REAL

Por Paquita

García

Directora de la Compañía Lírica Extremeña

Muchos cantantes líricos españoles albergan la esperanza de que las perspectivas, que el Teatro Real deja entrever a partir del año próximo, pueden ser un poco mejores para ellos de lo que han sido en los tres últimos. El nuevo director artístico, que tomará el relevo en 2014, se ha pronunciado en el sentido de abrir las puertas a cantantes españoles que la autoridad de Gerard Mortier, ninguneaba. Los españoles no tenían cabida en las producciones del Real. Al polémico director belga era muy difícil hacerle descabalgar de sus ideas. Digo era y en realidad debería decir es, porque Mortier está aún ligado a nuestro primer teatro, y cuando sea sustituido seguirá desempeñando un cargo, el de consejero artístico, con lo cual su sombra puede ser alargada.

Sin embargo, quien va a sustituirle en la dirección artística, Joan Matabosch ha manifestado su decisión de abrir las puertas del Teatro Real a voces españolas, aunque las directrices que siga no vayan a estar muy alejadas de las de su predecesor, ni sus planteamientos estéticos, tal y como ha dicho al conocer su nombramiento. Los tres años que ha permanecido en el cargo Gerard Mortier no han pasado desapercibidos, por las polémicas y discrepancias que han acompañado siempre a sus inventivas escénicas. La programación y la elección de intérpretes han tenido sin duda, el sello Mortier al 100%. En su mente estaba abrir el panorama operístico a nuevas producciones, estrenos y obras de encargo que alternaba con operas populares a las que ha intentado renovar, no siempre con acierto, cosechando división de opiniones. El propósito lo ha cumplido sin desviarse de su criterio al que se ha mantenido firme. Y en la elección de intérpretes, con la absoluta sinceridad que le caracteriza, para él los cantantes españoles, salvo raras excepciones, no sirven y ha actuado en consecuencia. Opinión errada a mi entender, que desbarata muchos conceptos y marca un triste panorama a quienes aspiran a una carrera de éxitos. Es bien sabido que para triunfar en España, desde hace muchos años, los cantantes españoles deben triunfar primero en el extranjero. Contamos con excelentes voces. Cantantes con alta preparación para quienes cantar en el primer teatro de su país es meta añorada, pero muy pocos logran pisar esas tablas, y muchos menos alzarse con un papel protagonista. Esta temporada tan solo tres españoles encabezarán los repartos. No es extraño que se espere con cierta expectativa la entrada en el Real de Matabosch, a ver si las cosas cambian, aun cuando la programación de este curso ya está totalmente estructurada y a ella deberá atenerse. La programación no se improvisa, se prepara con a veces años de anticipación. En Extremadura no hay ni que pensar en eso porque temporada lírica ni siquiera existe, y mira que tenemos buenos mimbres para hacer un magnífico proyecto…

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LaCarne Magazine

A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Nombre y sitio en el grupo:

Fran Viniegra “melli” - Percusión

Grupo:

El Lado Izquierdo

Años desde el primer con- 5 años cierto?

Raquel Palma, Voz

Raquel Palma casi 18 años

Antes del concierto hay ner- Siempre nervios, haya mucha o poca gente los nervios brotan de la responsavios o tranquilidad? bilidad, de hacer las cosas bien

Muchísimos nervios y muchísima ilusión

Prefieres estar solo o acom- Los momentos previos exigen mucha concentración y mejor si estás solo pañado?

Necesito tranquilidad, pero no me estorba la gente que me cuida

Tienes ritual de subida al es- Soy incapaz de tocar con pulseras ni nada en las muñecas, las dejo colgando cenario? y me acompañan como amuleto

Pienso en mi hermano y mi padre (ya no están conmigo)

Te has tirado al público algu- No, ese gesto tan arriesgado por un lado y creo que tan gratificante por el otro se na vez?

Jajaja, no! Pero canto entre el público, adoro esa cercanía

lo dejamos a los amigos Rockeros

que se pueda fiesta, es la hora Después del concierto fiesta Siempre de pasarlo bien con los compañeros, o cama? hubo mucha tensión antes y es una

Pues depende, pero me encanta el apartado fiesta

manera de celebrarlo

Grupazo de Extremadura?

El Desván del Duende

No tengo uno solo. Hay grandes profesionales en Extremadura

Una sala en Extremadura?

Mercantil (Badajoz)

Mi andadura es por teatros y casas de cultura, no sabría decirte

Un disco:

Raise Your hand, Poncho Sánchez

Una canción:

“Tropi Blue”

Qué piensas de la actitud de Por suerte la música en Extremadura crece y con ello el número de grupos los grupos extremeños?

Por la repercusión que ha tenido, Biondo de Rubén Rubio En este momento estoy enamorada de “A ciegas” Hay que seguir haciendo camino

que de alguna manera aumenta nuestra Cultura musical ya que gozamos de muchos estilos y variedad

Y de las salas?

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Gracias a la iniciativa de muchas salas y locales en Extremadura de ofrecer a sus clientes música en directo, muchos de los músicos extremeños y de fuera podemos hacer llegar nuestra música a sus oídos de forma directa. Actualmente y por suerte se mueve mucho este tipo de eventos y eso es muy positivo para la música y los músicos de Extremadura

Pues, que hay que caminar mucho más

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por Piris Parker

uando mi amigo Pedro me propuso escribir esta sección la acepté rápidamente, pero al momento caí en la cuenta de que se me planteaban dos problemas. El primero era que hacía casi tres años que no me subía a un escenario, por lo tanto, tenía que remontarme a esos días en los que tocaba con mi anterior banda, “PepperWish”. Entonces era bastante joven y recuerdo que antes de un concierto no tenía ninguna costumbre o ritual específico, aparte de los típicos mariposeos en el estómago de la noche anterior y el mismo día del concierto ligados a la veintena. Básicamente lo que solía hacer antes de salir era darle un buen limpiado a la guitarra, dejarla puesta a punto e imprimir los repertorios de ese bolo, que casi siempre me tocaba a mí. Una vez puestos en camino sí que teníamos una costumbre, nos gustaba siempre viajar juntos en la misma “furgo”, donde nos pasábamos todo el viaje bromeando y, cuando llegábamos al sitio del concierto, deseábamos que nos estuvieran esperando unas cervezas fresquitas en el camerino para saborearlas tranquilamente, costumbre muy española. Y justamente minutos antes de subirnos al escenario una cosa que nunca faltaba era que los cinco nos juntábamos en circulo y poníamos las manos unas encima de las de los otros en el centro a la vez que pegábamos nuestras cabezas y soltábamos al unísono nuestro grito de guerra. Pero si hay una cosa que personalmente siempre hacía en un concierto y no podía subirme a un escenario sin ellas era: pintarme las uñas de negro y co-

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locarme en el brazo derecho mi vieja muñequera de Metallica. Esas eran para mí mis dos reglas de oro. Sagradas. Y nunca me subía a un escenario si alguna de esas dos cosas faltaba. Y el segundo problema que se me planteaba era que tras tres años de sequía directo-musical estaba a punto de dar mi primer concierto con mi nueva banda, Cárnica, que significaba mucho para mí, por lo que primero debía dejar pasar el bolo para descubrir si seguía con mis viejas costumbres y, aún así, sería difícil comparar con un solo concierto a las espaldas. Y la verdad es que casi todo fue nuevo para mí. No abrillanté mi guitarra y tampoco la puse excesivamente a punto. Estaba nervioso, quizás por el tiempo que hacía desde mi último concierto. Y me limité a repasar mentalmente los días antes durante largos ratos cada punto del show. Eso sí, imprimí los repertorios, como antiguamente. Y, una vez en el concierto, tampoco percibí en mis compañeros ningún tipo de costumbre a señalar, así que sólo dejaba que pasasen los minutos hasta que llegase el momento de subirnos al escenario. Y lo más curioso de todo fue que cuando llegó ese deseado momento, justo antes de empezar a aporrear mi guitarra, me di cuenta de que ni mis uñas estaban negras ni en mi muñeca había rastro de muñequera con logo de Metallica. Un escalofrío recorrió mi cuerpo. Puede que fueran los nervios los responsables de romper mis reglas de oro o, quizás, puede que ahora con Cárnica tenga que cambiar de hábitos…

CÁRNICA + DARKSOUND Sábado, 16 de Marzo de 2013 Sala “Barroco” (Cáceres)

Julio Fraga

El 20 de Septiembre presentaste tu nuevo Cd (Abstract Disorder, 2013). Es un gran proyecto en el que encontramos mucho trabajo y sobre todo mucha música. ¿Cómo es que decides hacer dos discos en uno y tan distintos uno del otro? Pues en principio porque tengo un montón de influencias distintas de infinidad de grupos a cuál más dispar, desde Lana del Rey o Steven Wilson hasta Meshuggah o Miss caffeina, y aparte porque creo que tengo un problema mental de creatividad excesiva e incontrolada, no puedo parar, se me ocurren melodías incluso cuando hago otras actividades que nada tienen que ver con la música o cuando me están contando algo que no me interesa demasiado....

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En el primer Cd encontramos temas en inglés, temas oscuros y siniestros, pero también hay temas muy melódicos. ¿Por qué esta mezcla de luces y sombras? Ay, porque la vida está llena de luces y sombras… no, en serio, porque las melodías oscuras me seducen tanto como las más bellas o las más tristes, es posible que tenga trastorno bipolar o algo parecido, para que te voy a engañar… La melodía es lo más importante de una canción, en la “zona oscura” hacer buenas melodías es bastante más difícil, supongo que por eso me fascina tanto recrearme en ese mundo tan inhóspito y lleno de sombras. En el segundo Cd las canciones son en cas-

tellano, con estilos musicales que van desde el metal al punk. Ahora dinos, ¿con qué estilo estás más cómodo? Pues no lo sé… con el rock sencillo y directo, supongo, la segunda parte “Nuevo orden” la he grabado bastante más rápido que la primera, es más cañera y contundente, tiene algo de Thrash, algo de Pop, algo de Punk y algo de Rock… ya decidirán los críticos que estilo es… Son muy numerosos los músicos que han participado en este titánico proyecto. ¿Ya sabías con quién ibas a contar? ¿Te han dado su opinión del resultado final? Seguro que han quedado muy satisfechos… Los músicos que participan en mis proyectos lo hacen con conocimiento de causa, ellos reciben la propuesta y el tema, y después lo aceptan o no. Normalmente lo aceptan, aunque no todos… Hay algunos guitarristas a los que he llamado varias veces porque creo que, aparte de ser buenísimos, encajan muy bien en mis temas, ven lo que quiero expresar y aportan autenticas genialidades. No es fácil que otros músicos vean y entiendan exactamente qué es lo que se quiere expresar con una canción, a veces es abstracción y desor-

den sin más. ¿Para presentar este pedazo de trabajo habrá gira de conciertos? En principio no, pero no lo descarto, el problema es encontrar músicos adecuados y que estén disponibles. ¿Podremos escuchar algunos temas o el disco completo en vuestra web? Cómo te has planteado la promoción y distribución del disco? Sí, hay un par de videoclips del disco “Abstract disorder” en la web, y habrá dos más en breve. Tanto la promoción como la distribución correrá a cargo de la compañía madrileña “The Fish Factory”. El disco sale a la venta en formato físico en España y Mexico y en plataformas digitales, la asociación Extremúsica ayuda algo en promoción también. Muchas gracias, Diego, por tenernos siempre informados. Un abrazo y esperamos verte en los escenarios. Muchas gracias a vosotros! Me encanta vuestra revista, me encanta que apoyéis la música extremeña y me encantáis vosotros¡!

www.homo-demen.com Amparo Palma

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EL PROCESADO DE VOCES

uiero dedicar este apartado para dar un poco más de información respecto al procesado de voces… Una de las cosas que más me gusta de la creación de sonidos o la edición de audio es la posibilidad de poder variar o modificar cualquier guía que se me imponga. Para este número dedicaremos especial atención a uno de los instrumentos más estandarizados del mercado y de renombre, la TC Helicon Voice Live. Este modelo que ya va por su segunda generación no deja de sorprender con la realeza y calidad de sus efectos, así como el armonizador de alta calidad. Pero desde luego no es sencillo de usar o de conseguir el resultado exacto, intentaremos ver qué podemos hacer para sacarle el máximo provecho a este juguetito. Normalmente cuando hablamos de procesar las voces, nos referimos a ese término como al conjunto de procesadores (efectos, plugins, modificadores de envolvente) situados en cadena y en serie, es decir, una señal entra en un procesador, adquiere las características de ese procesador, sale por su salida de audio y vuelve a entrar en el siguiente procesador, así hasta completar la cadena de inserciones en serie que tengamos en nuestra pista de voces. Para los iniciados, un inserto es básicamente el primer punto de la cadena donde nosotros añadimos un efecto, con palabras más técnicas es una entrada y una salida de audio por la cual el contenido de nuestra pista sale hacia el procesador y éste retorna del procesador una vez ha sido procesado. En nuestras pistas de audio siempre tenemos una entrada y salida de inserto para esta labor. Una de las cadenas de inserción más típicas seria esta: -Previo, Compresor + DeEsser, ecualizador y excitador de armónicos (enhancer ó xcited) Nuestro previo puede ser analógico (el que se

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usa de la tarjeta) o un plugin (channel strip) el cual ya puede contener un compresor, un ecualizador, un selector de fase (muy adecuado para darle espacialidad y profundidad al sonido) y una puerta de ruido (gate). Del channel strip podemos usar simplemente el previo que trae dicho plugin (siempre q nuestro previo analógico sea de baja calidad) y así obtendremos el sonido de dicho previo simulado. Para esta labor podemos usar un channel strip de SSL de la casa Waves. Para el compresor podemos usar el C1 de la casa Waves, o si queremos algo más duro el compresor de Sonnox, Sonnox Oxford Dynamics. En este plugin tenemos un paquete de procesadores de dinámica, de ahí su nombre. Disponemos de Compresor, Puerta, Expansor, ecualización y armónicos o warmth. Podemos solo usar el compresor y el excitador de armónicos o warmth para darle mas calidez a la pista de la voz. Comprimir la voz para que no haya efectos indeseados como el “efecto de proximidad” (antipop, hum, chasquidos, etc) y mantener un mismo nivel de volumen durante toda la pista son los usos mas típicos del compresor, nos reducen el rango dinámico por lo tanto puede servir si se usan adecuadamente para equiparar las partes bajas y altas del volumen de nuestra pista de voz. Muchas veces, por culpa del efecto de proximidad, una voz muy aguda, un acento muy pronunciado de ciertas letras, pueden producir un incremento en el volumen de ciertas frecuencias de la voz muy molestas, como son el seseo o las respiraciones. Estas se pueden suprimir con un DeEsser. El DeEsser no es nada más que un compresor que solo afecta a las frecuencias que seleccionamos, por lo tanto reducen y comprimen el volumen de

esas frecuencias seleccionadas, normalmente un DeEsser es un compresor con side-chain, el side-chain selecciona las frecuencias en las que queremos actuar, con un filtro paso bajos y un filtro paso agudos seleccionamos el rango donde queremos que el compresor actúe, de 6khz hasta 16khz es el rango donde debemos de actuar si queremos encontrar las frecuencias que provocan el efecto indeseado.

y reducir o ampliar aquellas que ya estén presentes. Aquí debemos de insistir mucho para conseguir una mejora significativa de la voz, no olvidemos que el uso de armónicos es muy peligroso, pues el oído se acostumbra y podemos excedernos en el uso. Dependiendo del tipo de voz, deberemos filtrar ciertas frecuencias o incrementarlas, no hay que olvidar que cada voz es un mundo, a veces las técnicas de dinámica y de ecualización serán completamente diferentes unas de otras. Ahora veamos una cadena mas creativa: -Previo, Compresor, Enhancer, Corrección de tono y modelado de amplificadores

Tras modificar la dinámica de la voz podemos empezar a modificar y/o mejorar el contenido armónico de la misma. Para ello disponemos de un montón de ecualizadores diferentes y excitadores armónicos de toda clase. Una buena elección es el uso de los ecualizadores R6, R4 o R2 de la casa Waves, según el numero de bandas que queramos usar, y un excitador de armónicos para la voz como el Inflator de la casa Sonnox o cualquiera de los Enhancer de la casa Crysonic o Waves Para sacar el contenido armónico de la voz habrá que mitigar por las zonas por las que nuestra voz ande a falta de esas frecuencias,

Para la corrección de tono debemos de tener varios factores en cuenta. El principal de ellos es la correcta edición de la pista de la voz. Para que un procesador de afinado vocal funcione correctamente es fundamental la edición previa de la voz, eliminando las respiraciones no deseadas y los ruidos de cascos, sonidos externos y demás elementos indeseados. Una vez editada la pista o las pistas de la voz pasaremos a procesar la pista por un corrector de tono como por ejemplo Melodyne o Auto-Tune. Ambos plugins son el estándar en los estudios de grabación y usar estos plugins de manera creativa es fantástico para conseguir una voz final profesional. Otro de los factores que debemos tener en cuenta a la hora de afinar la pista de la voz es la tonalidad de nuestra canción. Según la tonalidad de nuestra canción la voz se ajustará a la escala deseada, pudiendo

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EL PROCESADO DE VOCES chequear las diferentes tonalidades de la voz y añadir o sustituir dichas voces a nuestro proyecto. Con los modelados de amplificador podemos conseguir efectos muy potentes y brutos. Recordad que los amplificadores siempre le dan un sonido muy artificial y muy característico, el uso adecuado de ellos dependerá de cada persona. Mi recomendación es empezar probando con los presets que traigan nuestros simuladores de amplificador, yo recomiendo el uso de GTR de la casa Waves. Estas cadenas de efectos sirven para cualquier secuenciador, solo debemos de insertarlas en la pista de audio de la voz o podemos probar la misma configuración para guitarras o instrumentos solistas. La inserción, como ya hemos explicado antes, se usa en serie por defecto, pero en la mayoría de secuenciadores podemos optar a colocar nuestras inserciones en paralelo, editores de audio como Spark o WaveLab son los más usados para este tipo aplicaciones.

Tc Helicon Voice Live Touch Ahora veamos cómo podemos hacer todo esto directamente con nuestro instrumento, la TC Helicon Voice Live Touch es un procesador vocal formado por 6 capas de efectos. Cada capa lleva los efectos anteriormente descritos, pero es importante conocer cada

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uno y saber que el mismo resultado puede conseguirse tanto con los plugins descritos como con una TC Helicon Voice Live Touch. En la primera capa disponemos del efecto uMOD, con este conseguimos que las transiciones de las notas de la voz sean exactas o con algo de glissando, usado para conseguir el efecto de la canción de Cheer. Esto lo podemos conseguir también con Melodyne o AutoTune. Es una manera de afinarnos la voz en tiempo real y nos perfecciona las transiciones de las notas de la voz. En la segunda capa tenemos el efecto de Delay, con este podemos conseguir que nuestra voz se repita hasta la saciedad, dando sensaciones de espacialidad para nuestra voz. En la tercera capa encontramos la Reverb, con este efecto conseguimos que nuestras voces se sitúen en un espacio físico, en combinación con el Delay se conseguen efectos muy largos y duraderos. En la cuarta capa tenemos la capa de FX, aquí vienen los típicos efectos tales como flanger, phaser, distorsion y modelados de amplificadores. Añadir un efecto de estos siempre ayuda a engordar nuestra voz, pero siempre siendo muy finos y con volúmenes muy bajos. En la quinta y penúltima capa tenemos Double, su uso es muy típico cuando queremos doblar las voces y solo disponemos de una oportunidad para grabar. Normalmente las voces siempre se doblan, esto es así porque una voz original siempre suena mejor si la doblamos y hacemos que ambas tomas sean lo mas exactas posibles, tanto en duración como en afinación. Esta técnica de doblaje se usa mucho cuando producimos música Dance. Y la última capa y la más chula de todas, Harmony. Con Harmony podemos armonizar nuestra voz hasta con 6 voces más y a diferentes tonalidades, cada voz armónica que la TC Helicon nos añade puede ser configurada por independiente, podemos modificar la tonalidad y el volumen de cada voz para así conseguir un conjunto de voces de varias personas o varias personas al unísono.

La combinación de las capas nos conseguirán sonar como los autenticos profesionales, destacar que el previo de la TC Helicon es bastante sensible pero no disponemos de compresión, por lo tanto añadir un compresor hardware a nuestra cadena nos ayudará a controlar mejor el sonido. Los efectos más sonados en la mayoría de producciones sonoras tales como Black Eyes Peas, Cheer, Chambao y en su caso en la mayoría de producciones Dance (DeadMau5, Maroon 5, David Guetta, Steve Aoiki, etc etc), llevan normalmente la siguiente cadena: -Previo, Compresor, Enhancer, Corrección de tono y modelado de amplificadores + Doblado de Voces

de nuestras voces como hemos descrito anteriormente, configura primero la tonalidad de la canción en Melodyne y luego corrige la afinación, haz lo mismo con todas las tomas de voz e incluso prueba con las guitarras solistas o bajo. Recordar que la nueva versión de Melodyne ya afina acordes, no he probado todavía esta versión pero desde luego si ya podemos afinar acordes de 3 notas ya tenemos el siguiente paso para poder conseguir plasmar cualquier idea musical que tengamos en nuestra mente. Para los siguientes números intentaremos seguir hablando del Melodyne para explicar el funcionamiento de afinado de acordes…, Increíble¡¡¡¡

La inmensa mayoría de estas producciones llevan dobladas las pistas de la voz, para ello lo que debemos hacer es varias grabaciones con el mismo contenido. Por eso es importante que siempre que grabemos tomas iguales sean exactas en afinación y duración, el volumen es uno de los factores con los que podemos jugar a la hora de seleccionar la sonoridad deseada. Tras la edición perfecta de nuestras voces pasaremos a transformar el sonido con nuestra cadena de efectos. Tras pre-amplificar, comprimir y excitar, pasaremos a las diferentes correcciones de tono

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LAS MÚSICAS DEL CICLO DEL AÑO

INVIERNO - Parte 3: Músicas del Carnaval

l carnaval es una fiesta, con bastante arraigo en muchas localidades extremeñas, en la que la música tiene un protagonismo especial.

Extremadura cuenta con dos modelos de celebración del carnaval. Uno de ellos, más moderno y urbano, en el que las músicas son similares a las utilizadas en otras fiestas de este tipo en diferentes lugares de España, tiene su exponente en los carnavales de Badajoz y de Navalmoral de la Mata. El otro, más tradicional, queda perfectamente representado en el Carnaval Hurdano, el Carnaval de Montachez o El Peropalo de Villanueva de la Vera, por poner algunos ejemplos. El carnaval en muchas localidades es un tiempo de fiesta en el que no faltan los cantos y bailes de corte tradicional. El tiempo de carnaval siempre resultó muy propicio para las rondas de amigos en las que se cantaban tonadas con textos de carácter satírico y burlesco, muchas veces con críticas a las autoridades civiles y religiosas. Hay que señalar que en una sociedad como la tradicional extremeña, en la que la crítica a las diferentes autoridades del momento y del lugar estaba terminantemente prohibida con el lenguaje hablado, la norma se relajaba con las interpretaciones cantadas, especialmente en fiestas de las características del Carnaval. La gente decía públicamente cantando aquello que no podía decir públicamente hablando. También han sido habituales en este tiempo de Carnaval las jotillas y coplas de pique, generalmente entre hombre y mujeres; si bien, éstos no son cantos exclusivos de esta época del año. Por su riqueza sonora, señalamos el Carnaval hurdano, antruejo de los más singulares y de los de más sabor que aún se conservan en Extremadura. Es momento de una indudable riqueza tímbrica en base a instrumentos de percusión, entre los que destacan las castañuelas hurdanas, y, sobre todo, la gaita y el tamboril, los grandes protagonistas musicales en este carnaval.

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No obstante, si hay una fiesta donde la música tradicional llega a inundar el entorno sonoro hasta llegar a convertirlo en algunas ocasiones en una auténtica orgía musical, esa no es otra que la del Peropalo. Rondeñas, jotas y canciones de ronda no dejan de escucharse estos días en Villanueva de la Vera, surgidas espontáneamente, sin otro escenario que las propias calles y la plaza del pueblo. Es, asimismo, el momento de canciones específicas de carnaval como Capitana, título que hace referencia a una de las personas centrales en esta fiesta. Además de guitarras, laúdes, bandurrias, calderos, almireces, etc. que tienen el protagonismo instrumental en esas canciones, si hay un instrumento que por sí sólo destaca en el Peropalo, ese no es otro que el tambor. En Villanueva de la Vera en tiempo del Peropalo es corriente ver y escuchar tambores. En la actualidad, ésta es la fiesta extremeña en la que más densa presencia tiene este instrumento. En ella los encargados de tocar los tambores son unos veinticinco o treinta peropaleros, miembros de la cofradía encargada de la realización de los diferentes ritos del Peropalo. Los ritos en los que participan los tambores, cada uno de ellos con su correspondiente toque, son: - Toque de jota. Dado que acompaña a una jota cantada tiene tres partes diferenciadas: un redoble seco, un redoble apagado para oír al cantaor y un redoble retorneado tras acabar el cante. Esta jota, denominada Peropalera o Jota del Tambor, cuando se interpreta acompañada de tambores se hace sin estribillo, sin embargo, cuando se interpreta con acompañamiento de guitarras se canta con un estribillo de malagueña. - Toque de malagueña. Es una variante del toque de jota que algunos denominan bareo, por tocarse mientras se va de bar en bar, y en la que también se puede cantar. - Toque de la cabeza. Es uno de los menos conocidos, porque sólo se toca en el momento de la salida de la turra o cabeza del Peropalo, a las cinco de la tarde del domingo de

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sexagésima (una semana antes del carnaval). La tradición reza que suene un tambor solo -el del Peropalero Mayor-, y que vayan el resto de los peropaleros sin tambor, protegiendo la turra, ya que en los últimos años la multitud pugna por cogerla. - Toque de condenado a muerte. Se toca en las vueltas al Peropalo y también durante la confección del mismo y la llamada “endiablada” o Procesión del Silencio. Dado que es un toque muy pausado, para poder sincronizar los redobles los peropaleros se ayudan del recitado, en voz baja, de las coplillas del Peropalo. - Toque de la Justicia. Se toca cuando se recogen las alabardas, el martes por la mañana y durante la procesión del Paseo, en la que los alabarderos escoltan a los capitanes en tres vueltas por el pueblo. También se toca durante la Jura de Bandera alternándolo con el redoble de la diana, marcando el paso al que realiza el baile de la bandera. - Toque de salida los calabaceros. Este toque tiene mucha relación con la función que tienen los calabaceros al llegar a la plaza: golpear a los ofertantes. Se toca también cuando se coloca la Justicia en su mesa y cuando se llevan a los calabaceros a por el cuerpo del Peropalo muerto. Es el antiguo toque militar de “a la carga”, que muestra el poderío de los calabaceros. - Toque de diana. Toque de regocijo, para informar a la gente que es día de fiesta y que es hora de levantarse. Se toca el martes de carnaval antes de salir el sol.

*Todos estos toques y las explicaciones pertinentes de cada rito mencionado en líneas anteriores están comentados y aderezados con vídeos en la página del Peropalo, la cual recomendamos visitar: AQUÍ 28 LaCarne Magazine

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CAP. V: CAMBIO DE RUMBO

En el 2007 más o menos fue cuando me decidí a cambiar de rumbo. Durante ese tiempo de transición estuve muchas veces tentado a volver al lenguaje del rock, pero definitivamente en ese año, que fue cuando conocí al violonchelista Raúl Díaz, pensé que ya era hora de cerrar ese capítulo. De todas formas, antes de dar ese paso, y en ese momento de incertidumbre, hice una colaboración con un dúo de rock instrumental, de guitarra y batería, llamado REZNIK. Sus temas me impactaron y no quise dejar pasar la oportunidad de hacer algo con ellos. Me pasaron varias grabaciones suyas y me dieron permiso para hacer una remezcla. Seleccioné unos cuantos temas instrumentales y empecé a experimentar con ellos las

técnicas de estudio que me atraían en ese momento. Ahí aporté las letras y la voz únicamente. La música corre de cuenta de REZNIK. Lo que sí hice fue “adulterar” sus temas sometiéndolos a transformaciones como poner su música “al revés” y añadir pistas de voz con textos automatizados y bastante surrealistas. Me acuerdo que leía en ocasiones esos textos también al revés mientras grababa la voz y después reproducía esa pista invirtiéndola y la mezclaba con las pistas de la música original. Bueno, el resultado es bastante curioso. Ejemplo: “El Resurgimiento de la Zarina”. Sin duda es rock, pero con detalles más que dadaístas… se nota que en esa época estaba bastante interesado en grupos como Père Ubu. Estas grabaciones las titulé “Colaboraciones esporádicas en un instante cósmico”.

También aproveché material graba-

Ana Pérez López

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www.arintonadodo.com do anteriormente y empecé a remezclarlo utilizando de nuevo mi antigua mesa analógica de 4 pistas para esas remezclas. Al hacer esas transformaciones los temas originales quedaron totalmente irreconocibles. En esa época estaba totalmente enfrascado en probar lo que se puede conseguir en un estudio, no me interesaba para nada las actuaciones en directo. Me pasé horas y horas yo solo encerrado con unos auriculares puestos. El resultado de todo ese trabajo fueron las “Elucubraciones de un indio borracho”. En realidad es lo que me estaba pasando, estaba divagando obteniendo resultados muy distintos y experimentando continuamente. Era como una preparación para lo que llegaría más tarde de forma natural. Me refiero a la visión que he llegado a tener de la música. Todas estas pruebas estaban encaminadas a un objetivo que descubrí más tarde… Por esa época también empecé a interesarme por el dodecafonismo y la atonalidad de Arnold Schönberg. En primer lugar me dio por mezclarlo con ritmos rockeros y estructuras de blues, pero con unas tonalidades y unas notas que no son las típicas de esos géneros. En el dodecafonismo todas las notas tienen la misma importancia, no hay ninguna que sea fundamental y grabé con esa idea un tema llamado “La alucinación dodecafónica de un Fauno del Este”. Un despropósito total… pero a mí me encanta. Después apliqué teorías dodecafónicas (aunque no de una manera ortodoxa) y escribí partituras para hacer nuevas versiones de los temas grabados el año anterior. Me junté con Raúl Díaz al cello y Óscar Iris al saxo y conseguimos darle un nuevo aire a esas piezas cambiando totalmente las versiones originales. Éste fue el momento, creo, en el que decidí dejar ya definitivamente el rock. Y fue también en ese momento donde se empezó a gestar el embrión de lo que al año siguiente se llamaría Arín Dodó. Aunque eso es una historia larga de contar y con muchas fases. Habrá que esperar a que Mozart no piense de nuevo en estas cosas… Ah!,…y si alguien está interesado, todas estas grabaciones se pueden descargar en http://www.arintonadodo.com/category/musica/2007/

Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó (contacta desde aquí)

Fotos Katariina Salmi

Antes de nada, queremos felicitarte por tu segundo trabajo. El Valle invisible nos parece un discazo super bailable. Aunque solo lleva unos pocos meses en el mercado, has podido comprobar ya la reacción del público, ¿verdad? ¡Muchas gracias! La verdad es que estoy muy contento, tanto por cómo ha quedado el disco como por lo bien que está funcionando en directo. Cada concierto está siendo mejor que el anterior, sobre todo en cuanto a público. Últimamente bajo del escenario (cuando el concierto acaba) muy emocionado y eso para mí es lo más importante. Más y más gente se está sumando a este viaje. Grabaste El valle invisible con Carlos Calderón en los estudios Rec Division de Madrid. ¿Qué tal fue la experiencia? ¿Os costó mucho averiguar qué camino queríais seguir en el proceso de grabación? Encajamos perfectamente. Para Carlos sólo tengo palabras de agradecimiento porque se las merece. Recuerdo el día en que le enseñé las maquetas, era un momento previo a la grabación del disco, claro. Creo que le pusé “Sanseacabó” y en seguida “lo vió”. Le gustó mucho y supo que podíamos hacer un buen

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trabajo juntos, sobre todo me contagió sus ganas pues al principio, con todo lo del cambio del inglés a español, yo estaba un “poco bajo”. Una vez nos pusimos a grabar el disco hizo que las canciones cobraran más fuerza, incluso hay canciones que, de cómo las llevé yo a cómo terminaron siendo, cambiaron drásticamente y en gran medida fue por la producción de Carlos. Apareciste en el 2011 y Bravo Fisher! lo ganó todo (concurso Mondosonoro, concurso 43 music, concurso Arenal Sound…). Sacaste tu

primer trabajo (We were overnighters, 2012) y fichaste por Subterfuge Records. En 2013 has publicado tu nuevo trabajo… ¿Qué objetivos esperas conseguir? Sí, la verdad que esos momentos fueron muy bonitos aunque todo fue tan rápido que apenas tuve tiempo para pensar, o asimilar qué estaba pasando. Ahora estoy más asentado, muy contento por todo lo que está viniendo y sobre todo seguro de mí mismo con cada paso que doy. No suelo marcarme muchos objetivos a largo plazo, simplemente intento hacer lo mejor posible lo que tengo en los próximos meses. Este otoño/invierno estaré de gira con mi banda de directo por España, visitando ciudadades como Cádiz, Lleida, Murcia, Bilbao, Logroño… Hay una buena gira por delante. Entre medias sacaré un single con EME DJ y luego vendrá el verano, festivales, etc... Sabemos que aún tienes muchos años de trabajo y éxitos. ¿Tener el respaldo y el apoyo de una compañía como Subterfuge Records simplifica las cosas para el músico o sólo las acelera? En mi caso, sí, totalmente. Para mi fichar con Subter fue algo necesario, pues todo 2011 lo hice por mi cuenta y estaba agobiado. Es difícil hacerlo todo tú mismo (componer, cerrar conciertos, hacer promo…). Quizás haya grupos con 4 o 5 miembros que se puedan permitir ir por libre, se pueden dividir el trabajo. Eso está muy bien, pero yo creo que para mí, a día de hoy, sería imposible. Además, he encajado muy bien en la familia Subterfuge, estoy verdaderamente agusto y es el sitio donde quiero y debo estar. Estoy seguro. Recientemente has sido uno de los 36 seleccionados para la cuarta edición de Girando por salas. ¿Qué piensas de este tipo de iniciativas? ¿Girando por salas es tan necesario como parece? Pues yo creo que sí, que es necesario. Es una ayuda considerable para los músicos, tanto económica como logísticamente. Que me lo hayan dado es por supuesto una gran noticia y va a suponer que pueda ir a algunas ciudades que quizás sin este apo-

yo no hubiera podito visitar. Creo que debería haber más iniciativas como ésta pues, como sabemos, la música no pasa por el mejor de los momentos y toda ayuda es bien recibida. ¿Tienes ya las fechas de Girando por salas? ¿Dónde podremos verte en directo? Tenemos dos cerradas para antes de fin de año aunque aún no puedo anunciarlas. Luego cerraremos otras dos, probablemente en febrero/marzo. Todavía no puedo dar mucha información, lo siento  Nos ha gustado mucho charlar contigo. Esperamos que Bravo Fisher! siga cosechando éxito tras éxito. El placer ha sido mutuo. Muchas gracias por dejarme un ratillo divagar sobre mis cosas jejeje Un saludo fuerte para los lectores de LaCarne Magazine y os invito a todos y todas a que vengáis a los próximos conciertos. Seguro que lo pasáis fenomenal 

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JUANJO CORTÉS - UN NÁUFRAGO QUE ENCONTRÓ SU ISLA

juanjocortés Un náufrago que encontró su isla 34 LaCarne Magazine

FOTOS: Boni Sánchez (BBImagen)

Juanjo Cortés siempre ha sido un trabajador incansable, que no ha parado de sorprendernos a lo largo de los años, y que no ha dejado que le encasillen ni un sólo momento. Rock, Funk, Blues, Pop, Canción de autor... todos los estilos son válidos para dar rienda suelta a toda su creatividad musical..., y este músico, amigos, tiene de sobra. Ahora, con temas que ya tenía olvidados, se rodea de varios de los mejores músicos de Extremadura y nos entrega un tesoro llamado Sólo para náufragos, donde la poesía recorre, gracias a su genial toque, escenarios de emociones y montañas de sentimientos, que nos recordará que, aunque todos somos náufragos en esta vida, siempre tendremos un refugio real donde sentirnos seguro y a salvo. Después de escuchar su nuevo trabajo no tengo ninguna duda de que Juanjo Cortés es un náufrago que encontró su isla. LaCarne Magazine

JUANJO CORTÉS - UN NÁUFRAGO QUE ENCONTRÓ SU ISLA Regresas a la actividad musical con un trabajo exquisito, Juanjo! Sólo para náufragos es un disco que quedará en la mente colectiva de los extremeños ¿Este trabajo te representa al 100%? Sinceramente, no. Necesitaba sacar este disco con cierta premura para pasar a los siguientes proyectos que tengo pendientes. Esto puede parece algo confuso o paranoico pero es que tengo mucho material y me siento algo ansioso por compartirlo con todos. No obstante, lo que está reflejado en este disco es totalmente sincero, pero aún queda más música y sentimiento que comunicar. De todas formas, lo mejor es que empecemos por el principio. Llevas dando “guerra” desde los 80 con distintos proyectos y estilos (Crisol, La Cena está servida, Poker de blues…) ¿Han cambiado tanto las cosas en el mundo de la música como parece? En la música y en todos los órdenes. Queramos o no, el cambio perpetuo forma parte de nuestras vidas y está por encima de nosotros. Lo mejor es no entrar en guerra con las fuerzas del tiempo y la naturaleza. Yo procuro no permanecer estático e ir cambiando según lo que siento. El vinilo que publicasteis con La Cena está servida marcó un antes y un después en la música extremeña, y sigue siendo uno de los trabajos más importantes de Extremadura. ¿En aquel momento erais conscientes de lo que estabais grabando o simplemente fue un trabajo más de unos jóvenes apasionados por la música? No tiene más importancia que la que tú quieras darle. Todos los actos que realizamos tienen siempre una cierta trascendencia, pero depende de nuestra valoración el que aprovechemos todo lo que aportamos para que nos ayude a progresar como individuos. En los 90 te embarcaste en Poker de blues, junto a grandes músicos de la región como

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Moi Martín o Charlie González, y nos dejastes a todos tarareando vuestras canciones durante mucho tiempo. ¿Cómo recuerdas aquella época? ¿Y los conciertos? El directo siempre me ha atraído como un imán, creo que por esto sigo pegado a las tablas todavía. Poker de Blues fue una arriesgada apuesta que funcionó por un tiempo muy bien, con mucha intensidad y con mucho feeling que el público nos devolvió muy generosamente. Al final, lo que queda es ese gusto por la música pura y el deseo de seguir enganchado a los doce compases. Tuvimos la suerte de comprar el Cd de Poker de blues y de veros en directo en el Festival Internacional WOMAD, cómo recuerdas aquel concierto? ¿Fue algo importante para vosotros, verdad? Sí, fue un detalle de buen gusto por parte de Marce Solís, entonces director de Gran Teatro. Creo que él (gestor de parte de la mejor oferta cultural vivida en Cáceres) quiso compartir con todo el mundo la llama de un proyecto que funcionaba en directo como un tren a vapor. Nos teníais a todos en el “bolsillo” y de repente inicias el proyecto Funkestein & the funny funky men y toda Extremadura se llenó de música Funk. ¿Fue un cambio difícil? ¿Era el momento adecuado? Bueno, a la vista de lo que ha durado esta formación parece que sí era el momento. La idea original fue de Moi Martin, junto a Óscar Trigoso. Reinterpretar grandes canciones de todas las épocas gloriosas del soul, rock, pop e incluso el funk o la músico disco, supuso para mí tirarse a la piscina sin bañador. A pesar de los años de escenario, tuve que reinventarme para creerme lo que tenía que interpretar. Desde luego, la recompensa recibida no tiene precio. He ganado confianza y generosidad. Quizás por esto tengo cierta prisa en terminar mis proyectos pendientes para que el público interesado los escuche y valore si les interesa.

â&#x20AC;&#x153;Todos los actos que realizamos tienen siempre una cierta trascendencia, pero depende de nuestra valoraciĂłn el que aprovechemos todo lo que aportamos para que nos ayude a progresar como individuos.â&#x20AC;? LaCarne Magazine

JUANJO CORTÉS - UN NÁUFRAGO QUE ENCONTRÓ SU ISLA Kansas, Queen, Rolling, Beatles, Bowie, James Brown, Alan Parsons, The Who… era una pasada ver vuestros directos, y bailar y saltar con vosotros ¿Echas de menos esos bolos tan intensos fisicamente? …Aunque creo que todavía os reunís para dar alguno, no? The Funkesteins es un grupo de directo y, desgraciadamente, ahora el directo está, digamos, desenchufado. Quizás ahora es el tiempo de la frugalidad, de los conciertos en solitario o en dúo, porque los cachés para realizar un espectáculo costoso no van a situarse donde estaban años atrás. Comienza el 2000 y empezamos a ver temas firmados ya en solitario, con un estilo mucho más personal. Sabemos que llevas varios años trabajando en Solo para naufragos, con algunos de los mejores músicos extremeños. Y alguien nos ha contado que el proceso de selección fue algo “complicado”… que incluso eliminaste temas ya grabados. Háblanos de los temas y de los músicos que han formado parte de tu nuevo trabajo, Juanjo. Cierto que este proceso de selección fue complicado, pero creo que siempre es así en cada álbum que se quiere completar con coherencia. Guardaba el germen de este disco en forma de proyección visual. Tenía una canción, ¿podrás amarme?, en la que un solitario náufrago perdido en una isla (esto fue mucho

tiempo antes que la peli con Tom Hanks) se cuestionaba si su entorno le aceptaría cuando volviera, cuando ya no tuviera éxito y el cuerpo hubiera perdido ya su juventud. Me hacía gracia pensar en un futuro que yo no he deseado jamás: el éxito, precisamente. Ese era el concepto base, luego, la soledad, la tristeza y algunos sentimientos sombríos se convirtieron en las islas que nos rodean a todos más frecuentemente de lo que deseamos. Tuvimos la suerte de estar en la presentación de Solo para náufragos, que hiciste en la conocida sala cacereña El Corral de las cigüeñas y nos quedamos asombrados al comprobar el gran calor, apoyo y cariño que te dan tus seguidores. ¿Te sientes afortunado como músico? ¿Si miraras atrás podrías decir que estás satisfecho con tu trayectoria? Sin duda. Siempre me he sentido querido y apoyado, no solo por los amigos cercanos sino también por los viejos aficionados que me conocían desde los tiempos de La Cena. Con los músicos tampoco he tenido (casi) nunca ningún encontronazo, salvo, como es obvio que tengamos distintas direcciones, algo comprensible y hasta necesario. Estoy contento si miro atrás (en el disco “paseo marítimo” hay una canción que se titula así “mirar atrás” y resumiendo dice “mirar atrás no mires más”), pero lo me interesa de verdad es lo que aún me queda por hacer, que es mucho más de lo que he podido conseguir. Álvaro Rodríguez Barroso ha sido el productor en este nuevo trabajo. Aunque ya habías trabajado con él, al ser teclista de The Funkesteins, es la primera vez que se pone a los mandos de tu propio trabajo. ¿Qué tal fue la experiencia? ¿Sois de los que no dais vuestro brazo a torcer o la comunicación fue fluida? Álvaro se ha dejado los ojos en la pantalla por mi trabajo. No puedo hablar más que maravillas de su entrega y de su visión musical. Por supuesto ha habido alguna arista que limar, pero esto es bueno. Aunque lo impor-

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“Quizás ahora es el tiempo de la frugalidad, de los conciertos en solitario o en dúo, porque los cachés para realizar un espectáculo costoso no van a situarse donde estaban años atrás.” LaCarne Magazine

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tante para mí era que la esencia de los temas permaneciese intacta. Desde aquí envío un abrazo muy fuerte a Álvaro, que anda en otras producciones ahora mismo, y le emplazo para el tercero, porque el segundo está ya en marcha y tiene un prisma radicalmente diferente a lo anterior, tanto en composición como en la forma de afrontar la grabación.

cio. Esto es vital para los músicos. Miguel A. Blanco entrega una manera de colaborar absolutamente envidiable, porque es una persona excelente y porque, además, es músico; él sabe perfectamente lo que no nos gusta tener cuando grabamos y lo que se necesita para estar totalmente concentrados en la grabación. Gracias, Miguel.

Cuentanos qué tal fue grabar en los estudios Deneb de Olivenza. ¿Por qué decidistes grabar allí? Se decidió ir a Deneb tanto por la calidad de los medios técnicos como por la comodidad que encontramos para trabajar en ese espa-

Solo para naufragos se publica en abril del 2013 y enseguida empieza a recopilar buenas críticas y reseñas en importantes medios físicos y digitales. ¿Con este disco has encontrado tu propia identidad y has roto con el pasado? ¿O Juanjo Cortés es la suma de todo su

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para mí. La visitamos porque allí reside ahora toda la familia de este realizador cacereño y porque la vida cultural y personal que hemos encontrado nos alimenta continuamente. No voy a parar hasta realizar por allí algunos conciertos. Es una ciudad luminosa y llena de vida que te contagia. Juanjo, la verdad es que es una gozada poder escuchar tema a tema el camino que vas marcando, jugando con las metáforas del mar, del naufrago perdido en su soledad y poder navegar junto a ti. ¿Te ves como un poeta que canta su dolor? Simplemente he encontrado en la escritura, tanto de canciones como de poemas o relatos, un medio de expresión que me resulta vitalmente imprescindible, es mi carácter. No sería el mismo si no pudiera cantar ni escribir textos.

trabajo? Yo creo que todos somos la suma de lo que vamos cosechando y aprendiendo. Diría que este disco es una de las caras de un prisma. Hasta que no se complete no se puede conocer totalmente mi faceta como músico autor de canciones. ¿Podrás amarme? fue el primero de los videos que hemos podido ver para promocionar este gran trabajo. ¿Había alguna razón para grabarlo en Lisboa? Conociendo a Javier Pomet, el realizador del video, seguro que fue una experiencia super agradable, verdad? Lisboa está resultando una droga muy adictiva

Muchos grupos olvidan la importancia de las letras, y tú le has dado en tu último trabajo el papel protagonista, haciendo que todos nos identifiquemos con los personajes que aparecen o con los sentimientos que contienen ¿Realmente es tan difícil como parece? Tú sabes que el cantante necesita estar en forma para dar dos horas de intenso concierto arriba en el escenario. El corredor de fondo se prepara todo el año para competir contra el reloj. El jugador no deja de repartir cartas y el bebedor, vive aislado en isla tristeza cantando su dolor sobre la barra de los bares. El escritor solo tiene que continuar leyendo e intentar imitar a los grandes para morir en el intento. Pero ese intento merece la pena, merece la vida. Hay que escribir como se vive: de verdad. ¿Y los conciertos? ¿Cómo se presenta la gira de promoción? Yo llevo el mundo de la música como algo muy personal. No hay reglas ni convenciones que no apetezca seguir, porque de todos esos sueños de vivir de la música ya me curé. Estoy centrado en vivir la música y bastante es que ella me acepte. Tengo un concierto programaLaCarne Magazine

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do a fecha de hoy donde no voy a hacer más que un par de temas de “náufragos”. Todo lo demás serán nuevas canciones y nuevas formas de presentarlas. Además será la mesa de operaciones para comprobar que los últimos temas compuestos merecen ser grabados. De esa raíz saldrá el próximo disco. Quizás es demasiado pronto para hablarlo… pero sabemos que ya estás trabajando con nuevas ideas para el próximo disco ¿Grabar en solitario “engancha”? Nunca estás totalmente solo. Siempre hay un batería amigo para meter cajas o bombos ácidos, y algún guitarrista loco que quiera poner fuzz y vibrato para reventar las bajas frecuencias. Lo importante es que esto de componer, grabar y tocar en directo te siga excitando. El

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día que no esté eléctrico y con las tripas locas antes de subir a las tablas será el momento de decir adiós. Muchas gracias por conversar con nosotros y hacernos pasar este buen rato. Sabes que podríamos pasarnos horas hablando contigo, pero entonces tendríamos que hacer una segunda parte (risas). Te deseamos lo mejor y que Solo para naufragos tenga mucho éxito porque es un trabajo que lo merece. Un fuerte abrazo, Juanjo! Muchas gracias a todos los lectores y a todo el equipo de LaCarne Magazine por mantener el fuego encendido para que la música hecha con el corazón siga mereciendo la pena ser compartida.

www.juanjocortes.com

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Deslectura sonora de Whole lotta love (Led Zeppelin) Me dijiste: -De la juventud solo nos quedará la música; rastrear notas, búsquedas [y subrayados: Dsdsddcfdffddf “Sucumbir a la tentación del sueño que nos arrastra hacia lo vago, lo impreciso y lo descarnado.” ¿Sucumbimos? Tenemos lugares comunes en donde hacer…  la huida hacia la claridad que edifica el tiempo vivido: la contradicción de la música, la guitarra como un falo duro, los dedos que [mueven el placer sexual de las cuerdas. Asistimos a una sinfonía sin rostros, al concierto de 1972 en [Long Beach Arena. Ya habían muerto Morrison, Joplin, Jone y Hendrix Ya se habían roto los ideales contra los de siempre. Ya la Guerra había dado su dinero a sus señores.

23: 08 minutos de CANCIÓN por las que pasan la sombra de John Lee Hooker, “Let´s have a Party” o “Going Down Slow”, entre otras. Muévete para mí, mujer. Gemidos a cada golpe de batería de Bonham (sin duda uno de los mejores de la historia del rock). Muévete para mí, mujer. Sostenme en esta duración [que pasa y no discurre: con la posibilidad de decidir un destino, fuera ya del tiempo de la naturaleza de la ciudad: fuera, fuera, fuera. mINIATURA de eTERNIDAD muévete, muévete, muévete. Los círculos concéntricos del bajo dicen: [¡Hazlo, hazlo, hazlo! (mi cuerpo es del color de las estrellas, una lámina de metal, una pantalla de futuro, una mecánica de costas). Nunca más pensaremos en el amor y la familia: [golosinas para mutantes aptos.

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VAMOS, VAMOS…

¡toda la noche!

-Dime aquello que quiero escuchar.   -Dime aquello que quiero escuchar: esa pequeña duración o miniatura de eternidad,

ese SÍ que deriva en “Rock and Roll” y sigue… ese volver a “estoy vivo”, “estoy vivo”, “estoy vivo”.

Cuando sepas que tu tiempo ha pasado suicídate o échate a un lado. Cuando sepas que el amor es una bonita ficción deja de ser como ellos. Cuando los amigos se conviertan en lo que han criticado mira las llanuras y las nubes. Nunca mires hacia atrás. Nunca mires hacia atrás. Nunca mires hacia atrás.

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SINESTESIA El arte de ver los sonidos

por Marta Lozano Molano

DREAM HOUSE

La Dream House (casa de sueños o casa de ensueño) es una instalación artística visual y sensorial o, como lo definen sus dos creadores “un entorno de luz y sonido”. El autor de la parte sonora de esta obra de arte es La Monte Young (1935), uno de los artistas experimentales más influyentes de Estados Unidos, considerado como el primer compositor minimalista. La pintora y artista lumínica Marian Zazeela (1940), una de las primeras creadoras en emplear la luz como medio de expresión, es la autora de la parte visual de la instalación. El 275 de Church Street, en el barrio de TriBeCa, Manhattan (Nueva York) alberga actualmente el loft en que se creó la Dream House en 1962. La experiencia auditiva de esta obra comienza justo en la puerta de la casa, a pie de calle. Tras cruzar el umbral de la puerta puede ser percibido un sonido intenso que guía al visitante hasta la segunda planta, donde aumenta su intensidad y la performance multi-sensorial es llevada a cabo. El ambiente sonoro es una composición de tonos sinusoidales generados por ordenador, producidos por un sintetizador y emitidos a través de un sistema de altavoces. La muestra de sonido se repite en loop o bucle, una y otra vez, sin cesar, creando lo que La Monte Young define como “eternal sound” (sonido eterno). La escucha de esta música depende de cómo

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se mueva el visitante por la sala. Con cambiar la ubicación en el espacio o tan solo girar la cabeza cambia la percepción sonora y no se escucha lo mismo, por lo que cada persona tiene la autonomía de decidir cuál será su experiencia musical. El ambiente visual llevado a cabo por Marian Zazeela se centra en cuatro trabajos: dos ambientales y dos esculturales. Las instalaciones ambientales se titulan Magenta day, Magenta night, e Imagic light, y consisten en una proyección de luces de colores sobre un móvil que emite sombras de colores sobre una pared iluminada. Las instalaciones esculturales se titulan Dream House Variation I y Ruine Window 1992 y están construidas a base de luces de neón. La experiencia visual y auditiva se le añade la olfativa al estar siempre presente un fuerte olor a incienso. Esta suma de elementos provoca una gran concentración de energía en la sala acompañada de cierto desconcierto ante la sensación de la suspensión del tiempo. En Dream House no existe una secuencia temporal, no hay principio ni fin. Es un ente que funciona de manera perenne, un organismo vivo que se transmite al público ya que sigue emitiéndose y expresándose independientemente del paso del tiempo o la afluencia de visitantes. La Monte Young y Marian Zazeela decidieron que no podía exis-

tir una fecha de cierre de esta creación y que debía vivir eternamente por lo que se trata de una instalación semipermanente que lleva expuesta al público desde los años noventa. Solamente fue trasladada momentáneamente al Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York en 2009 con motivo de una exposición temporal. Dream House ha sido reabierta el 21 de Septiembre de 2013 coincidiendo con la apertura de la temporada número veintiuno de esta exposición. Puede ser visitada los jueves, viernes y sábados entre las 2.00 pm y la media noche. LaCarne Magazine

La Ventana Nacional

The Levitants lleváis relativamente poco como grupo, pero ya os habéis dado a conocer tanto en vuestra tierra (Valladolid) como a nivel nacional. ¿Esto fue así desde los comienzos de la banda o habéis ido trabajando poco a poco? El primer bolo de la banda surgió cuando llevábamos juntos menos de 2 meses a raíz de grabar 4 demos y mandarlas a un concurso de bandas en Cantabria. Nos seleccionaron como una de las cuatro bandas finalistas y fuimos a hacer nuestro primer concierto allí, en ese mismo festival tocaron ese día Estereotypo, Los Coronas, Arizona Baby, etc. Fue algo muy especial empezar así, pero después hemos dado muchos conciertos en garitos de media España: Galicia, Asturias, Barcelona, Madrid, Guadalajara… esos conciertos son los que de verdad te hacen crecer. Vuestro primer Lp, Gravity for the Masses, ha obtenido muy buenas críticas en los medios y eso que no habéis hecho una promoción al uso… ¿cómo lo habéis conseguido? ¿Algún consejo para otros grupos? Tocando todo lo que hemos podido, allá don-

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Fotos Laura Rodriguez Ceverino

de nos han dejado y mediante el boca a boca ejercido por la gente que viene a vernos, a ellos es a los que yo pediría consejos. ¿Qué ha significado para vosotros trabajar con Javier Vielba (Arizona Baby, Corizonas, El Meister) como productor artístico, y con el técnico Javier Nieto? ¿Se interesaron ellos por vosotros o fue al revés? Hasta la fecha ha sido lo más lucrativo musicalmente hablando que hemos hecho, el grabar con los Javis. Son grandes músicos y profesionales, hemos aprendido mucho gracias a ellos y nos lo hemos pasado en grande haciendo este disco. Sobre lo de cómo nos conocimos, Javier Vielba organiza cada dos domingos un Open Mic en Pucela y cada año organiza el Festo-rama, un festival de bandas que hayan tenido relación con Open Mic Pucela, nos llamó para tocar en una de sus ediciones, le debió gustar bastante el rollo y un día, comentando que queríamos grabar, surgió la posibilidad de que nos produjese y accedimos sin dudarlo. Javier Nieto es el técnico de directo de Arizona y se entienden a la perfección, además

es uno de los dos dueños de Dobro, estudio donde han grabado su último Ep Arizona y uno de los mejores estudios de Castilla y León, y de España. Habéis dado unos 40 conciertos en la gira de presentación por todo el territorio nacional. Ahora, ¿toca descansar y pensar en nuevos proyectos o sois más un grupo de carretera y conciertos? La idea es poder combinar ambas cosas. Ahora, con tiempo suficiente para haber reposado el primer LP, ya tenemos más claras las ideas de cómo serán las siguientes canciones y la evolución en el sonido que queremos, y estamos empezando a trabajar en ellas pero sin parar de tocar. Hay compatibilidad entre ambas cosas. Sabemos que habéis compartido escenario con artistas ya consagrados, aunque nunca hay que despreciar a los grupos locales. ¿Repetiríais con alguno sin dudarlo? Tocaríamos con todos de nuevo si se presentara la oportunidad, pero sí hemos de confesar que tenemos cierta debilidad por Nudozurdo, con los que compartimos un acústico hace un año. Sería un placer volver a juntarnos pero totalmente electrificados. Enhorabuena por el gran trabajo en Gravity for the Masses. Ha sido un placer hablar con vosotros y conocer vuestra música, y a vosotros

un poco más Para nosotros también ha sido un gusto participar en vuestra sección de La Ventana Nacional. Solo decir que de cara a los próximos meses vamos a tener muchas novedades, entre ellas conciertos, sorpresas y una cara b de uno de los temas de nuestro anterior disco, y para estar al tanto lo mejor es seguirnos en Facebook, Twitter e Instagram. https://www.facebook.com/pages/The-Levitants/194612727241423 https://twitter.com/TheLevitants http://instagram.com/thelevitants Un saludo para LaCarne y para los lectores.

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ESCENA EXTREMEÑA: La asociación BADEJAZZ & El Festival Internacional de Jazz de Badajoz 2013

ncreíble pero cierto: Ya llegamos al último artículo de esta sección por esta temporada. No tengo ni la menor idea de si en realidad alguien ahí fuera esta siguiendo estas líneas. Espero que sí! Si tenéis alguna sugerencia o crítica para esta sección en concreto la podéis enviar a AQUÍ o directamente a través de mi página www.alexjanssen.net. Volvemos una vez más a Extremadura y su escena local de Jazz. Esta vez os presento a la asociación más importante en el ámbito del Jazz en Extremadura: La asociación BADEJAZZ con sede en Badajoz, como su propio nombre hace suponer. Es aquí dónde desarrolla su mayor parte de actividades, de las cuales cabe destacar la organización y gestión del Festival Internacional de Jazz de Badajoz y su correspondiente Seminario de Jazz. La asociación empieza sus andaduras en al año 2000 encabezada por el guitarrista Javier Alcántara y el pianista Pablo C. Romero con el fin de unir ilusiones y fuerzas para conseguir objetivos comunes de todos los músicos y aficionados al Jazz en Extremadura. El primer proyecto que realiza BADEJAZZ en el 2003 es, precisamente, la organización de la XVI edición del Festival Internacional de Jazz de Badajoz. Diez años después, a pocos días de su XXVI edición, la gestión del festival sigue estando al cargo de BADEJAZZ y representa sin duda la actividad principal de la asociación. Desde el 2008, el festival incluye también un seminario de Jazz, dirigido a aficionados y profesionales del Jazz, que ofrece la oportunidad de aprender de primera mano de algunos de los músicos de la cartelera de cada año. De este modo, BADEJAZZ ha alcanzado su meta inicial de fomentar la afición al Jazz por parte del gran público, y dar la oportunidad, tanto al músico que se inicia como al profesional de Extremadura, de aumentar su formación musical, poniéndolo en contacto con los mejores músicos internacionales. En los últimos años yo mismo estuve entre el público de muchos conciertos, y desde luego doy fe del nivelazo increíble de los artistas invitados, prácticamente todos pertenecientes a la primera línea de músicos de Jazz internacionales. Sobra decir que se trata sin duda del evento jazzístico por excelencia en Extremadura, y por lo tanto recomiendo altamente la participación para todos aquellos que todavía no habéis ido. Los precios suelen ser muy asequibles. Podéis echar un vistazo al cartel de este año y de los anteriores en http://www.badejazz.es Claro está que durante diez años de festival y seminario no todo marcha sobre ruedas. Pero al final son esas anécdotas curiosas que recuerdas cuando haces memoria de todo lo que ha pasado, y son ellas las que te impulsan a seguir a pesar de las dificultades logísticas, económicas y un largo etc. Pablo C. Romero nos cuenta algunas anécdotas en concreto: [en una ocasión] “(…) Stanley Jordan no quería tocar a media hora de empezar porque olía mucho a pintura en el teatro y temía por la salud del público. [En otro concierto] no encontrábamos a Tom Harrell durante un solo del pianista porque había ido al servicio después de uno suyo y no daba con el camino de vuelta al escenario. (…) incluso [tuvimos] que comprar de urgencia

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un pantalón para el organista de Kenny Garrett y a 5 minutos de empezar darse [el] cuenta de que el pantalón le quedaba como una morcilla de Burgos...” …. En fin, sobran más palabras.

Para terminar os dejo aquí los datos más importantes del festival…. Nos vemos allí !!

Jueves, 14 de Noviembre de 2013, Teatro López de Ayala, 21.30h, ERIC ALEXANDER Viernes, 15 de Noviembre de 2013, Teatro López de Ayala, 21.30h, JOAQUÍN CHACÓN/MARIANO DÍAZ QUINTET (con Perico Sambeat, Javier Colina y Guillermo McGuill). Sábado, 16 de Noviembre de 2013, Teatro López de Ayala, 21.30h, PAT MARTINO TRIO Del 14 al 16 de Noviembre de 2013, en el Cafetín del Teatro López de Ayala, a partir de las 23.30h, Abdu Salim Quartet + Jam Session Y del 14 al 16 de Noviembre de 2013, VI Seminario Internacional Badejazz, con el siguiente elenco de profesores: - Perico Sambeat, saxos. - Joaquín Chacón, guitarra. - Mariano Díaz, piano. - Javier Colina, contrabajo. - Guillermo McGill, batería. Horarios: - De 11h a 13h, clases de instrumento. - De 13h a 14h, masterclass temática. - De 16h a 18h, combos.

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Versus l@s Místic@s (Ella, al bailar conmigo la polka, siempre levantaba un poquito de más sus bellas rodillas, y yo se lo agradecía con cálidos abrazos al finalizar la danza). Siempre he odiado, mucho, a los místicos, ya ni te digo a las místicas (con su rebequina de color azul cielo abrochada solo con el botón de arriba, y esas braguinas blancas de algodón… eeehhh, ¡que me pierdo!), y sé que es porque ell@s “pueden” y yo no, o sea, que ell@s tiene contacto con entes o esferas superiores (seguro), y yo me tengo que conformar con la fe del carbonero, que es la mía. En fin, Ainoha Arteta Ibarrolaburu, esa cantante, esa soprano taaan mística en su forma de hablar, de reír, de sentir e interpretar las partituras operísticas, se ha metido a presentadora de tele (podría dejar ese tipo de trabajo para los que no somos tan místicos y queremos presentar un espacio televisivo, de música, con un vaso de whisky en la mano), y el mismo programa, en el fondo, que no en la forma (ella es muy purista), y mucho menos en el presupuesto (ella dispara con pólvora real, esto es, trabaja para La 2 –aunque la “pólvora real” en estos tiempos no tenga buen predicamento), que hemos estado haciendo Patricia Hernández Canossa y un humilde servidor durante más de cuatro años en una televisión privada (extremeña) que ha sido recientemente cerrada (no voy a decir que vetada) porqueeeeee a otras televisiones se les concedió permiso para emitir sin cumplir con los requisitos, y porque poderoso caballero es el cargo político de los empresarios-políticos de esta tierra nuestra; pero hemos vuelto a la carga, y mientras escribo esto estoy esperando a mi productora, a mi cámarawoman, a mi montajista, a mi compañera para empezar de nuevo a grabar y emitir “Clásicos Sin Complejos” en una plataforma digital (Dailymotion.com). Lo primero que vamos a “subir” será a un magnífico tenor llamado Anthony Gregoty al que escuché un “Rossini” espectacular, sobresalientemente colocada la voz, con un timbre y una coloratura impresionantes, y con un gusto excepcional en el fraseo (así es como hablan y se expresan l@s místic@s), dicho lo anterior en románpaladino, “el colega cantaba de putísima madre, y tiene todo lo que se tiene que tener para hacer alucinar al público; la voz le salía sobresalientemente, su sonoridad era personal, hermosa, y cantaba con convencimiento”, otra cosa serán los contactos, los representante y los programadores, pero como dijo Felipe II, “yo no mandé mis barcos a luchar contra los elementos” (menudos elementos los programadores, los representantes y los contactos). Más, en Canal Extremadura Radio, este que lo es (Alonso Torres Ventosa), durante seis años, casi casi desde los inicios de la emisora, tuvo un programa (Sinfonía en el Aire Edición Fin de Semana, Sinfonía en el Aire en Directo, El diapasón… esos fueron los diferentes nombres para un mismo tema: la música clásica sin misticismos y gilipolleces, “te gusta, es buena”), y con eso de los recortes, el espacio dedicado a la música clásica, ahora lo hacen, gratis (lo que se ahorran en mí es lo que cuesta tener siempre “enchufao” el climatizador del coche de la directora general de la emisora), los profesores (¿místicos?) del Conservatorio “Hermanos Berzosa”. Final, en el Gran Teatro de Cáceres, “esta bombonera”, como la describió el nada místico Sergio de Salas, han programado para Octubre la ópera verdiana, La Traviata… hay que ir, una bella historia de amor donde al final, como pasa en casi todas las óperas, muere la protagonista, je, je, je.

Sigue a Alonso Torres desde AQUÍ

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Concierto Sentido Público 2012 (Madrid) por Crespo

asta la madrileña localidad de Rivas Vaciamadrid nos desplazábamos el pasado 27 de Octubre. El motivo, “Concierto Sentido Publico”, bajo el lema “lo publico nos pertenece”. Pudimos disfrutar de todo un día de actuaciones musicales, así como de la intervención de humoristas, manifiestos, etc, etc. Nos centraremos en la parte musical y en lo que pudimos ver, ya que el concierto empezaba a las 12 de la mañana pero a nosotros nos fue imposible hacer acto de presencia hasta las 16h. Cuando llegamos estaba Lichis sobre el escenario, él solo con su guitarra, presentando algunos temas de su nuevo proyecto “Miguelito”, un formato al que no nos tiene muy acostumbrados, pero creo que da igual el formato que escoja porque tablas y buen hacer le sobran. Les siguieron uno de los grupos que más nos motivaba a acercarnos hasta Rivas, los madrileños Superskunk, que tras casi una década separados han vuelto para ofrecer una serie de conciertos. Media hora de concierto, lo suficiente para contentar a sus seguidores y seguro ganarse alguno nuevo. No voy a poner nada acerca de su música, mejor investigáis y los descubrís vosotros, no os van a defraudar. Seguidos de ellos, los madrileños Garaje jack salieron a comerse el mundo y vaya si lo hicieron! Desde el minuto uno como si fuera el último del concierto, temas de sus tres discos y Laura sin parar de animar al público, moviéndose por el escenario…, bandaza en toda regla Siguiente turno, Manolo Uvi, siempre ligado a la escena punk, bien con La Uvi, Commando 9 mm, Punk Guerrilla... una buena dosis de punk rápido. Como anécdota, a la guitarra pudimos ver a Pedro Sánchez, antiguo guitarra de Hamlet. Después del concierto de manolo, nos tomamos un descansito para reponer fuerzas y volvimos para ver a Che Sudaka, que pusieron la carpa, la cual estaba hasta los topes, patas arriba, con su mezcla de música popular, ritmos latinos. Tras ellos, Ruben Pozo, ex de Pereza sobre el escenario. He de decir que siempre me gustó lo que hizo en Buenas noche Rose, y en Pereza, pero ahora me ha descolocado y su concierto me pareció aburrido hasta más no poder, menos mal que después venia Ana Curra, y con ella sus temazos de Parálisis Permanente, menuda actitud, menudo directo, menuda fuerza… ”un día en texas” , “adictos a la lujuria”, bestial el concierto. Como no habíamos tenido bastante con esto, turno de los Def Con Dos, sonando como un cañon desde el principio, solo tenían 45 minutos de concierto, pues yo creo que pensaron: se van a ir calentitos. “Armas pal pueblo” , “agrupación de mujeres violentas”, “el día de

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la bestia”,“de cacería”… Si tocan media hora más, tiramos la carpa. El público, como dirían los o´funkíllo, embrutessio al máximo. Para rematar el día, los chicos de La Excepción y para casa que ya está bien… Muy buena iniciativa el festival, muy buena iniciativa que fuera gratis, buen equipo, buen escenario, buena carpa pero, que siempre hay que ponerle algún pero, como decía alguien del público: “Precios populares como reza el cartel, no es poner un mini de cerveza a 6 euros”

PrimaveraSound 2013 (Barcelona) por Jorge Ares

ste es mi segundo año que acudo únicamente a los conciertos gratuitos. Me gustaría pagar los 180€ que vale el festival, pero con la crisis y el solapamiento de grupos hace que me cuestione siempre si pagar tal cantidad dinero. Este año me ha gustado más que el PS2012, seguramente porque me lo he pasado mejor, he disfrutado más de la música y porque había investigado más a los grupos que iba a ver. Lo que más me gusta de este festival es que siempre descubres muchísimos grupos y eso es lo que lo hace tan grande. Miércoles (Jornada Inaugural)

tival movidito.

ALIMENT: Todos los años el primer grupo en inaugurar el festival es español y de la tierra (Girona). Grupo de punk-rock del sello la castanya, que nos presentaron su disco Holy Slap. LA verdad es que nos hicieron mover desde el primer momento y nos hacía presagiar que sería un fes-

LA BIG RABIA: Para mí este año ha sido el primavera de los grupos latinos y ya veréis por qué. Esta pareja de chilenos nos dieron mucha caña de rock, blues y el rock más puro latino que tanto triunfó en los 90. Manifestaciones políticas cargadas de rabia acompañadas de rock ‘n’ roll, donde nos tocaron explosivamente canciones de sus últimos discos “La Bestia”, “Congo Zandor” y “El EP de María!”. THE BOTS: Lo mejor de la noche. Dos niños que no llegan a 4º de la ESO nos brindaron con un directazo de rock, punk y blues con un show muy enérgico, donde los chavales no paraban de moverse en todo el directo. El guitarrista parecía haber tenido de maestros a Tom Morello y Jimi Hendrix. Nos tocaron canciones de sus disco más reciente “Self title album” y sus Ep’s ladies LaCarne Magazine

& Gentlemen y Black White lights. Sin duda son llamados en USA los sucesores de The Black Keys, y yo les auguro una buena carrera. TELEBIT: Los colombianos nos enseñan que no solo de la bachata, la cumbia y el reggaeton se vive. Su sonido rockero con bases electrónicas cumplieron de lo lindo (me faltaban copas para bailar a las 20h), otra gran sorpresa del mundo latino cuyas guitarras y electrónica me recordaron a gente como foals, entre otros... THE VACCINES: Los británicos eran los cabezas de cartel y no defraudaron, temazos uno detras de otros. Gustaron muchísimo a los que estábamos allí, pop punk y ganas de hacer mover a la gente es lo que nos trajeron los britanicos con hits como Wreckin’ bar (ra ra ra), Norgaard o All in white. DELOREAN: Baile y más baile, los de Zarauz son amados por la crítica internacional y nos hicieron bailar hasta el final, sus himnos, como Real Love del disco Subiza, además de sus texturas y atmosferas sonoras indiscutibles mezcladas con rock, fueron la guinda al pastel del miércoles. Sábado Los conciertos gratuitos del sábado, por segundo año consecutivo, se daban en el Parque de la Ciudadela, a una hora bien temprana: 11h. Este año reunió también a una importante cantidad de público, puesto que algunos de los grupos que tocaban por la mañana también lo harían por la noche del jueves, viernes o sábado coincidiendo con otros grupos, haciendo esta opción matinal muy útil para poder ver a estos grupos sin perdértelos. BLUE WILLA: Un sonido muy oscuro, incluso experimental, el de este grupo italiano, encabezados por una cantante con muchísimo carisma, una voz espectacular y una muy buena interpretación de las canciones. Punk, rock, experimental , garage, un poco de todo pero una gran actuación cargada de atmosfera y texturas siniestras. UNIVERS: Grupo de uno de los componentes del grupo Geronense Aliment. Indie rock oscuro

a lo Jesus & Mari Chain, con guitarras desgarradoras, voces melancolicas y una buena carga atmosferica para horas más nocturnas. Llevaban una buena legión de fans (serían sus colegas). THE BABIES: Uno de los grupos que todos los críticos avisaban como indispensables. Sonido punk pop con voces masculinas y femeninas, que aglutinaron gran cantidad de público y que no defraudaron, enseñándonos su disco “Our House On The Hill”. Vibrante actuación. MERCHANDISE: Los americanos nos trajeron un post-pop-punk americano e inglés de gran calidad. Rápidamente me vinieron nombres como The Jesus & Mary Chain o My Bloody Valentine. Una actitud underground e indie de la vieja escuela (como me gusta a mí). Nos presentaron “Children Of Desire”, un disco tenebroso y asfixiante. Un lujazo!! PERROSKY: Otro grupo latino que pudimos descubrir ese mismo día. Blues a la chilena como se describían ellos. La pareja nos trajo un rock latino muy característico y sólido. Y es que los hermanos son una de las bandas más importantes del indie chileno. DAPUNTO BEAT: Los mexicanos me encantaron: su mezcla de rock, electrónica, funk y puesta en escena me hicieron bailar y pasármelo en grande. Lo dieron todo en el escenario, y a nosotros se nos quedó corto el directo. Probablemente a horas más nocturnas este directo se hubiera llenado a rabiar y en un escenario más grande. Espero que para el año que viene vuelvan y en un gran escenario. Lo mejor del día!!! SEAN NICHOLAS SAVAGE: La desilusión del día, los críticos hablaban bien de él y para mí su pop lo-fi fue un rollo como una casa. Me dediqué a comer y a prepararme para lo que vendría después, que sin duda lo mereció. Sonido ochentero, casi de cantautor, ya que solo estaba él con su guitarra, que nos presentó su disco Flamingo. KING TUFF: Que señores cracks! Desde la critican también nos comentaban como cita ineludible. Bien cierto, los chicos del sello subpop nos trajeron un punk pop garage que nos hicieron bailar muchísimo. Nos presentaron su disco “king tuff” y también una puesta en escena con un bajista que nos recordaba a Hulk Hogan fondón y un bigote de actor porno. En general, el grupo era un espectáculo! Si no fuera porque me gusta la electrónica, King Tuff fue el rey del día!!!!

Fotos Juan Morillas

The Ancient Secrets of Levitation lo formáis tres componentes de distintas localizaciones geográficas (Castilla la Mancha, Extremadura e Italia). ¿Cómo os conocisteis y cuándo tomáis la decisión de crear la banda? La banda se formó en Madrid aunque como bien dices somos unos completos forasteros en la ciudad. Nos encontramos aquí como podría haber sido en cualquier otro lugar, pero gran parte del funcionamiento de la banda nos lo está dando la buena dinámica que hemos encontrado en Madrid, por lo que nos consideramos hijos adoptivos. La formación se debe gracias a Internet y la suerte: Andrea y Alberto contactaron gracias a un anuncio que puso este último en internet. Alberto, tras haber formado parte de bandas en Cáceres, desde su llegada a Madrid tenía ya la idea de ponerse a tocar de nuevo lo antes posible, por lo que puso un anuncio donde se ofrecía como guitarra para una banda de stoner rock o mejor aún: encontrar a gente para formar una nueva. Andrea, que ya vivía en Madrid desde hace unos años, también buscaba lo mismo: encontrar gente para formar una banda stoner, que ya lo echaba de menos. Andrea viene de la isla de Sant’Antioco (Cerdeña) donde tenía un par de bandas, y aunque parezca mentira vino a España por amor y no por la fiesta. Tras algunos ensayos y beber muchas cervezas, el feeling surgió enseguida, por lo que decidimos seguir adelante con el proyecto y comenzamos a buscar a más gente para completar la formación. Tras poner muchos anuncios, realizamos varias pruebas y tocamos algún tiempo bajo formaciones que no acabaron de cuajar hasta que nos contactó Clemen, que por casualidades de la vida ya conocía a Andrea debido a que es de un pueblo vecino al de la novia de Andrea. Clemen viene de Daimiel y contaba con una amplia experiencia en bandas, pero que se veía obligado a abandonar por cambio de ciudad por trabajo. Ya asentado en Madrid, tras probar primero como bajista, probó también como cantante y no contento con uno se quedó con ambos papeles. Completado el trío levitador el primer punto fue abandonar los locales por horas y buscarnos un local fijo en el que poder tocar con nuestro equipo y echar horas para poder encontrar nuestro sonido. Y es así como comienza la historia de nuestra pequeña gran familia. La banda es joven y lleváis poco tiempo (desde el 2012) pero ya habéis compartido escenario con grandes bandas y fuisteis cabezas de cartel en el “I Festival Porto Stoner” (Portugal). Habéis empezado fuerte, ¿no? ¿Tenéis fuerzas para seguir a este ritmo? ¿Fuerte? Esto no es nada, ¡Si solo acabamos de comenzar! La verdad, está siendo un gran año que no habría sido posible sin la cantidad de manos que nos han echado (de gente más maja que las pesetas; gracias!) y

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principalmente a que uno no se puede quedar esperando en casa a que le llamen para tocar. Desde que encontramos nuestro sonido y tuvimos suficiente repertorio, nuestro objetivo fue salir a tocar lo máximo posible, así que cada oportunidad que hemos tenido delante no lo hemos ni pensado: hemos cargado el coche y hemos salido a tocar prácticamente con lo puesto. Claro que hay que echar muchas horas de local (de hecho nos encerramos en el local una media de tres veces por semana), pero donde vive una banda realmente es en el directo. Gran parte de estos conciertos no habrían sido posibles sin la ayuda de Peyote Producciones, que se lo están currando un montón. Nos han empujado mucho y nos brindan el privilegio de tocar muy a menudo en distintos eventos en Madrid, con el añadido de tratarse de eventos centrados en el género stoner, que están contando con gran repercusión y concentran cada vez a más seguidores del género. El Peyote Fest y el Madrid Stoner Festival son muestra de ello, donde nos encontramos bandas locales compartiendo cartel con bandas internacionales del género (Loading data, Deville, The Socks, Goat Leaf…) lo que es ya un sueño cumplido y algo que hace un año parecía impensable. Realmente estamos muy agradecidos por todo el trabajo que están realizando. Aparte de esto, salir a tocar exige también que el grupo haga mucho trabajo “de oficina”: contactar a bandas del género de otras ciudades para ver si nos pueden hacer un favor, mandar 100 mails a salas para que conteste 1 y que no te pida algo disparatado para empezar a montar el cartel de un bolo que se celebrará a 100 km de tu ciudad… Fuera de casa hemos encontrado también promotores increíbles para ayudarnos con los conciertos, como es el caso de Red Sun (Marc & Lana) en Barcelona, que está moviendo bastantes conciertos de la escena; y en Portugal la ayuda de Digging Sessions (Duarte), estos nos pusieron todas las facilidades para montar el concierto, darle promoción y hasta nos ofrecieron sus casas. El punto en común de todas las personas y promotores con los que nos estamos encontrando es que se trata de gente que monta estos conciertos no para ganar dinero, sino porque son de verdad seguidores del género, disfrutan con ello y nos han tratado mejor que nuestras madres. Gracias a todos!! Sabemos que venís de otras formaciones de diferentes estilos como el grunge, el hardcore y el hard-rock. The Ancient Secrets of Levitation, ¿es una mezcla de lo mejor de cada uno? Sin duda, y no solo de música: creo que se nos nota mucho a los tres el recorrido que llevamos y se demuestra en las dinámicas del local. El riff que toquemos hoy vendrá influenciado desde los acordes de la primera banda que tuvimos en el instituto hasta por la caña con olivas que nos hemos tomado antes de entrar al local: ponemos todo lo que somos en cada pieza, por tanto no hay duda que The Ancient Secrets of Levitation es una mezcla de lo mejor de cada uno de nosotros. Compositivamente el grupo funciona como un único ente, da igual como surja una canción porque siempre es la interacción de todos lo que la dibuja. Ya puede venir alguno con un Riff de su casa o surgir en una improvisación, vamos dándole forma hasta que todos estamos terriblemente excitados con lo que tenemos entre manos. Esto puede ser un proyecto que dure 15 minutos o más de un año (como es el caso de algún tema peleón que se nos resiste…) como el guiso de una abuela: no hay prisa, puede que no lo hagamos con todas las medidas higiénicas pertinentes pero seguro que lo que sale va a estar cojonudo y nos moriremos por sacarla a pasar el examen del directo. Estáis dando conciertos y os movéis bastante, algo muy importante para darse a conocer ¿cómo vais en cuanto a seguidores? ¿responde bien el público? Tenemos la suerte de pertenecer a una escena donde bandas, promotores y público miramos en la misma dirección. Hay muy buena recepción porque hay una buena actitud. Cada vez que salimos a tocar no salimos a tocar lo que nos sabemos de memoria, salimos a pasárnoslo de puta madre, a disfrutar con el público y a beber unas cuantas cervezas. Nosotros ponemos la música y la fiesta también. Cada vez que tocamos nos sentimos genial porque, como decíamos anteriormente, aquí es cuando el monsLaCarne Magazine

truo levitador sale y vive, por lo que siempre que salimos a tocar la idea es darlo todo: tocaremos igual de enérgicos ante 2 personas que 100, si has venido a vernos vas a ver a The Ancient Secrets Of Levitation al 110%… y queremos que sea difícil de olvidar. Es increíble sentir que la gente lo está pasando bien en el concierto y el colofón, cuando al final viene alguien a decirte que le ha gustado el concierto, dónde puede escuchar tu música… Ese es el momento en el que levitamos!! Lo que nos lleva a destacar la importancia de apoyar todo lo que se pueda la escena local. Tenemos que acudir a cada concierto de bandas del género que nos gusten y esa banda debe sentir tu calor, seguro que es lo más grande que se van a llevar esa noche. Por lo que animamos a todo el mundo a que una vez finalizado el concierto de una banda que te haya gustado, bebas lo suficiente como para acercarte a decirles que ha estado cojonudo (sin caerte!). Sin duda estarán muy agradecidos. En cuanto a seguidores, va bien la cosa. En cada concierto vamos viendo cada vez más caras conocidas (y no se trata de novias, familiares o gente engañada). Es un placer tocar para ellos! Hemos podido escuchar vuestro Ep de cuatro temas y nos hemos quedado con ganas de más, ¿para cuándo un larga duración? ¿tenéis claro cómo vais a hacerlo? (Autoproducción, discográfica…). Tenemos muy claro que 2014 es el año del largo. En 2013 hemos publicado demo & EP así que nos toca subir el siguiente escalón. Nos gustaría grabarlo en verano porque el Stoner, si no sudas cuando lo grabas, tiene el riesgo de convertirse en copla… En verano podemos aprovechar vacaciones y hacer un parón para encerrarnos a grabar. Lo ideal sería poder encerrarnos a grabar de seguido todo el albúm. Sería genial si pudiéramos pillar un estudio una semana en la que fuera ensayo/grabación y dejarlo cerrado… Lo que tenemos muy claro con el largo (y es con lo que somos más exigentes) es con el sonido. Si algo nos ha traído quebraderos de cabeza ha sido el sonido de cada uno de los instrumentos, primero por separado y luego en compacto. En el EP se puede apreciar cómo la batería está cuidada con mucho mimo. Si cada pista no la escuchamos 100 veces no la escuchamos ninguna, y si lo escuchas con los bajos a tope te darás cuenta!! El bajo nos trajo menos quebraderos de cabeza porque empastó a la perfección con la batería. La guitarra supuso

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otro reto pero hemos conseguido ese toque tostadito a cada nota que tanto nos gusta… Estamos muy satisfechos con el resultado. En cuanto a si en el largo será autoproducido o intervendrá discográfica… el tiempo dirá. Si se grabase mañana te diría que 100% sería autoproducido pero dentro de un año… No one knows. Tenéis un directo que no deja indiferente a nadie y nos gustaría comprobarlo (jejeje) ¿cuándo y dónde podremos veros próximamente? Pues en lo que resta de año tenemos algunas fechas en Madrid (la primera de ellas el sábado 9 noviembre en el Madrid Stoner Festival) y realizaremos una pequeña gira de presentación del EP que nos llevará por Oviedo, Salamanca y alguna ciudad más que aún nos guardamos en la manga... así que si estáis en alguna de estas ciudades, echad un ojo a nuestra página y esperamos veros allí. Si no tenéis oportunidad en 2014 prometemos repetir el tour extremeño, en el que esperamos pasar por Cáceres, Mérida y Badajoz… no podemos dejar nunca de pasar a tocar por Extremadura, sin duda nuestro pequeño desierto personal. Después de escucharos y conoceros más tenemos que confesaros que hemos llegado a la levitación. Gracias por vuestro stoner rock y por vuestro paso por LaCarne! Gracias a vosotros, ha sido un placer poder estar en LaCarne Magazine. Es genial que haya revistas como ésta en Extremadura, que nos ayuden a perpetuar la música eternamente. Esperamos que la revista vaya de lujo y que podamos contar juntos batallitas muchos años! Deciros que tenéis en descarga gratuita el EP en todas las plataformas online (Bandcamp, Spotify…) y que todas aquellas personas interesadas en contactar con nosotros, ya sea para conciertos, grabaciones o proyectos para los que necesiten una banda, no duden en contactarnos; y por ultimo, recordar nuestra página web www.secrets.lv para estar enterado de próximas fechas y seguirnos en nuestra página de Facebook, que es donde actualizamos con mayor rapidez. Gracias de nuevo por la entrevista Pedro y Salo y un fuerte abrazo! ACOUSTIC LEVITATION IS COMING!

http://www.secrets.lv/

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THE MORNING REAVER (Valladolid) DISCO: The Morning Reaver (2012) TEMAS: 4 (16’ 5”) WEB: www.facebook.com/themorningreaver Grabado en el espacio joven de Valladolid, y producido, mezclado y masterizado por la propia banda. The morning river se compone de cuatro temas acústicos que mezclan lo mejor del folk rock americano, el indie, el pop-rock y el alternativo. Gran inspiración y gran composición de todos los temas, con unos preciosos arreglos de guitarra y unas melodías irresistibles. Todo bajo la batuta del increíble Alvaro R. Osuna: compositor, guitarrista, voz desgarrada y miembro principal de esta formación vallisoletana con raíces extremeñas. En esta ocasión acompañado por David Martín, intercambiándose la guitarra y el bajo, y Luis Alberto Pescador a la batería. Cuatro canciones muy compactas de raíces rockeras en acústico y cantadas en inglés. Si quieres descubrir más, la banda tienes varios vídeos en you tube, que no te dejarán indiferente, además, ya te los presentamos en LaCarne Magazine Nº16. Serán la banda sonora ideal para estas tardes otoñales. VAN SOBRAOS EN: La composición de los temas, así como las melodías y los adornos de la guitarra acústica nos hacen recordar al Neil Young más acústico (Where We Belong), a los Alice in Chains más melódicos (Seems Like Today), al inimitable Ben Harper o a los señores Arizona Baby en The Silent Past. LO QUE YO CAMBIARÍA: Poner un solo pero a este trabajo sería del todo injusto. Aunque, ya puestos, la duración está muy bien como carta de presentación, pero viendo el potencial de la banda no sé a qué esperan para grabar un larga duración. SENTENCIA: Gran inspiración y enorme trabajo de esta banda practicante de un estilo donde se entremezcla el rock, el folk, el indie, el pop-rock y el alternativo. Sobre todo destacar el gran trabajo en las guitarras, recreando un universo de dulces melodías cargadas de nostalgia. SUBTERRÁNEOS (Badajoz) DISCO: Seymour (2013) TEMAS: 5 (18’ 51”) WEB: subterraneos.bandcamp.com Nos encontramos ante el primer trabajo de este en principio dúo, ahora trío de músicos. Un EP que contiene 5 temas, a caballo de guitarras acústicas y eléctricas con un ritmo en su mayor parte lento y suave, con melodías simples que llegan a la primera escucha, y el aporte de batería en los dos primeros cortes. En las melodías vocales, se alternan tanto Mónica Agudo como Jose Luis Muñoz con letras en Inglés. Se ve que no han buscado alardear técnicamente ni buscar ensortijados ritmos, sino llegar

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directo al corazón del oyente, siguiendo la máxima de lo simple es bello. Lo han conseguido de sobra, acompañándolo de un diseño de portada y contraportada muy interesante. VAN SOBRAOS EN: Relax. LO QUE YO CAMBIARÍA: Homogeneidad en la grabación. LA SENTENCIA: Lo simple es bello. BABI (Mérida) DISCO: Pasajero 29 (2012) TEMAS: 11 (50’ 58”) WEB: www.babimusic.com Esperado este pasajero 29. Confirma la consolidación de esta propuesta emeritense, después de una demo muy prometedora. El sonido evidentemente ha ganado mucho con respecto a su anterior trabajo. La composición y ejecución de los temas ha subido un peldaño, manteniendo ritmos duros junto a melodías, sonidos y letras muy oscuras, pero ganando en claridad a la hora

de hacer llegar su mensaje. La voz principal destaca poderosa sobre unos grandes riffs compactados perfectamente con la sección rítmica. Lo más llamativo, viendo el estilo musical que propone Babi, es que las letras sean en castellano pero al contrario de lo que pudiera parecer encajan perfectamente y no desentonan en absoluto con la música. También es muy destacable la producción, uno de los puntos débiles de la mayoría de los trabajos que llegan en estos tiempos. En este disco, sin embargo, está muy cuidada con numerosos detalles que hacen que las canciones ganen un punto de profundidad y no te importe escuchar el disco repetidamente. Como colofón, tanto el diseño del Cd como de la web de la banda es de un gusto exquisito y pone la guinda a este gran trabajo. VAN SOBRAOS EN: Trabajo, constancia y mucha imaginación son las notas predominantes en un trabajo maduro, completo y cuidado hasta el extremo, en el que tienen cabida toda clase de ritmos bajo el común denominador del hip hop con estilo LO QUE YO CAMBIARÍA: Los ricos matices y la variedad de estilos suponen un arma de doble filo que puede restarle personalidad al combo, ya que a la vez que ameniza el disco, a veces pierde la esencia principal. Por lo demás hay un gran trabajo en el estudio LA SENTENCIA: La experiencia es un grado, y eso se nota en este trabajo que nos muestra el buen hacer de esta pareja, abanderados de un sonido plagado de artistas que no siempre están a la altura o bien se estancan en la repetición. Un grupo muy a tener en cuenta

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TERRAMOJÁH (Villanueva de la Serena) DISCO: Calle Música (2012) TEMAS: 12 (44’ 6”) WEB: www.facebook.com/terra.mojah.9 En poco más de sesenta minutos puedes disfrutar de la música de esta banda callejera, e introducirte en todo un mundo de sensaciones donde predominan las raíces folk tradicionales, los ritmos celtas, la rumba, los ritmos árabes y latinos. Este compacto está compuesto por doce temas grabados en directo, y auto producidos por esta formación de músicos procedentes de Villanueva de la Serena y Medellín. A saber: Gema Bar al violín, Raúl Pozo a las guitarras y Manuel León a la percusión. Este Calle música está compuesto básicamente por doce temas que entremezclan diversos estilos en una simbiosis entre fiesta y ritual, que harán disfrutar a los aficionados del folk más clásico. VAN SOBRAOS EN: Gran compenetración entre los músicos y buen manejo de los instrumentos: Cajón, Djembé, Pandereta, Guitarra española, Acústica y Violín, en una rica mezcla de estilos. Todo muy alegre y divertido para crear un feeling especial con el público. LO QUE YO CAMBIARÍA: El hándicap de no haber partes vocales en este trabajo es difícilmente sustituido por los instrumentos. A pesar de una gran energía y unas geniales cualidades, este trabajo no aporta nada nuevo…, toca seguir trabajando. Se puede tomar nota de otras bandas extremeñas como Hey folks o Los Niños de los Ojos Rojos. SENTENCIA: Perfecta mezcla de ritmos celtas, folk tradicional, y rumba en el segundo trabajo de una joven banda que necesita evolucionar y encontrar su lugar dentro del panorama musical extremeño, tan bien nutrido de grandes bandas y enormes músicos.

CRIPPLED BLACK PHOENIX (Reino Unido) DISCO: Live Poznan (2013) TEMAS: 13 (113’ 2”) WEB: www.crippledblackphoenix.co.uk Provenientes de otras bandas, los miembros de Crippled black Phoenix comenzaron su andadura musical juntos en 2004, y ya cuentan con 5 discos en su haber, que culminan con este “live Poznan”, editado el 1 de septiembre de 2013. Desde los primeros compases de este directo dejan claro su influencia “Floydiana”, con una intro que recuerda a aquellos por su tempo lento y slides quejumbrosos bañados en delay, que poco a poco van desembocando en una sección más desgarradora y agresiva, y es que ellos mismos describen su música como “baladas del fin de los tiempos”.

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A lo largo del disco se confirma esta tendencia con el uso de secciones recitadas, piccicatos rítmicos, pianos melancólicos, colchones de hammonds y marchas militares. Con tintes de rock progresivo han compartido escenario con bandas como Steven Wilson y opeth durante el presente año 2013. Me han gustado especialmente los temas “Song for the loved” y “The Heart of every country” VAN SOBRAOS EN: Sonido muy orgánico, acorde con el estilo “70s” de la música que hacen. LO QUE YO CAMBIARÍA: Cuando las alusiones a tus influencias son recurrentes éstas a veces cobran más peso que las propias virtudes creativas, y se corre el riesgo de que el oyente relegue las últimas inconscientemente a un segundo plano y te asocie más a “una copia de”. LA SENTENCIA: Un trabajo muy agradable de escuchar para los amantes de las grabaciones orgánicas y naturales, con reminiscencias de Pink Floyd de los 70, en las que los instrumentos interactúan de manera natural gracias a la calidad de las composiciones y de los músicos que las ejecutan más que por el exceso de producción. VAMPS (Japón) DISCO: Sex Blood Rock n’ Roll (2013) TEMAS: 13 (55’ 6”) WEB: www.vampsxxx.com Desde Japón llega este potente dúo, formado por Hyde y K.A.Z, con su tercer disco Sex blood Rock n’ roll (además de múltiples singles y grabaciones en Dvd de sus giras mundiales desde que iniciaran su andadura juntos en 2008). Adoptando una forma de hacer música muy occidental, da la impresión de que cuidan más su estética y actitud que sus composiciones, y han logrado exportar este fenómeno calando especialmente en Sudamérica. En el track list del disco se encuentran temas que van desde el pop al punk, pasando por el rock, los guiños a la música electrónica como en “Revolution”, las tablas y otras percusiones hindúes como en “My first last”, e incluso algún riff bastante heavy. Con un sonido potente y unos temas que rebosan adrenalina, no es de extrañar que la banda haya trascendido sus fronteras a través de sus directos antes que sus discos, porque hay que matizar que dicho trabajo es el primero que ve la luz a nivel internacional, y que es una recopilación de temas incluidos en su dos anteriores discos, así como una versión de Life on Mars de David Bowie (ya publicada en la cara B de su single de 2009, Evanescent). VAN SOBRAOS EN: Estética y actitud. Producción potente. LO QUE YO CAMBIARÍA: El hecho de anteponer la estética a las composiciones, aunque aquella sea importante hoy día a la hora vender el producto (que no la música). LA SENTENCIA: Para escuchar bien alto en el coche en un día optimista. Sin más pretensiones.

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GOV’T MULE (Estados Unidos) DISCO: Shout! (2013) TEMAS: 22 (140’ 26”) WEB: www.mule.net Nació como un proyecto paralelo de músicos de Allman Brothers band, y se han acabando convirtiendo, después de casi 20 años y con este, su décimo sexto trabajo, en una de las grandes referencias del rock con alma. Nos encontramos ante un disco bastante variado y que no cojea por ningún lado, pasando por gran variedad de estilos a lo largo de todos sus cortes pero sin perder la identidad en ningún momento, y con un sonido espectacular: Rock, funky, soul y hasta reggae acompañado por un Cd bonus con unas colaboraciones de auténtico lujo como Ben Harper, Glenn hughes, Elvis Costello, Ty Taylor o Steve Winwood, entre otras grandes estrellas. Esto añade más valor al disco si cabe, y hace que no nos extreñemos al saber que ha entrado en lista de ventas en el puesto 27 con casi 15.000 copias vendidas en la primera semana. Estos once temas hay que saborearlos bien porque hay mucha sabiduría y talento en ellos. VAN SOBRAOS EN: Saber hacer. LO QUE YO CAMBIARÍA: Un poco más de caña. LA SENTENCIA: Siguen en plena forma.

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