LaCarne Magazine n23 by LaCarne Magazine

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Nº23 - Marzo 2014 - AÑO 4

Efecto Verdolaga

visionarios del folklore posmoderno

ENTREVISTAS

LORKAN - CICLONAUTAS - AMBROS CHAPEL GINFERNO - MARYLAND - DOCTOR PERSONA NIVEL FREATICO

EXPERIENCIAS ALONSO TORRES - DERRAME ROCK XVIII j. g. entonado

INVESTIGACION UN JOVEN CLARINETISTA EXTREMEÑO “PROMETEO: EL POEMA DEL FUEGO” DE ALEKSANDR SKRYABIN - LENNIE TRISTANO

RESEÑAS CONTRABANDA - PAYASOS DOPADOS THE DRY MOUTHS - ALONDRA GALOPA MATT SCHOFIELD - GRENOUER BRUCE BOUILLET - ROBBEN FORD

SUMARIO Nº 23 aÑo 4 (MAR 2014)

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos (entrevistas, tutoriales, investigación, reseñas, opinión, análisis...)

CON FLOW

a examen

MuSICA VIVA

mozart no pensaria esto

SINESTESIA

Doctor Persona

figaro

Ciclonautas Vs Ambros Chapel

Pa’bernos matao (y II)

Capítulo 8: Quique Cremol, un tipo singular

LO MAS DESTACADO Ginferno, Maryland

37 38

sala de conciertos

Derrame Rock XVIII

parquesonoro “Prometeo: El poema de fuego” de Aleksandr Skryabin

jazz!

Lennie Tristano

Un joven clarinetista extremeño

Nivel Freático

EL GRAMOFONO

Contrabanda, Payasos Dopados, The Dry Mouths, Alondra Galopa, Matt Schofield, Grenouer, Bruce Bouillet, Robben Ford

46 50

artista del mes El Efecto Verdolaga, visionarios del folklore posmoderno

Equipo lacarne magazine Director, diseño, maquetación, y redacción

Pedro Gallardo

Contenidos y publicidad S. Plata

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

LA VENTANA NACIONAL

Lorkan

Colaboradores

Sebastián Díaz, Porras, Alonso Torres, J. G. Entonado, Alex Janßen, Oscar Trigoso, Marta Lozano, Manu Herrera, Jorge Ares

www.lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Fotos 2MR Fotografía

Lorkan Comenzaste en el hip hop bastante temprano, y, después de tu paso por varias bandas, comenzaste tu andadura en solitario ¿Qué queda en Lorkan de aquel chaval? ¿Sigues teniendo la misma ilusión? Pues, francamente, aún sigo manteniendo la esencia de ese Lorkan, siendo constante y no perdiendo las ganas nunca. Fueron tiempos difíciles porque muy pocos confiaban en mí, me veían como un “bicho raro” al que le había dado por escribir y chapurrear unas rimas. A día de hoy, me siento orgulloso de hacer lo que he hecho y estar donde estoy. Siendo sincero, hubo momentos de perder completamente la ilusión y ganas de acabar con todo, pero siempre hay una mecha que vuelve a prender la llama y te hace empezar otro nuevo proyecto con más deseo y esperanza. Con tus dos primeras maquetas bajo el brazo,

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El grito (2007) y Los ausentes (2008), te vas haciendo hueco y labrando un nombre en la región. ¿Qué te han aportado esos dos trabajos ahora que puedes mirar atrás? Me lo han aportado todo realmente. Fueron la base sobre la que me he ido asentando. Intenté sacarle el máximo partido posible a los trabajos, viajé, me moví por distintas salas, ciudades, festivales y demás, pero, principalmente, con lo que me quedo es con la diversidad de personas que he tenido el placer de conocer y compartir tiempo, risas y experiencias. Posteriormente, con El niño ya se afeita (2010) y Simpli Is Biuti (2011) contaste con 7K Estudios y con el Dj y productor DJ Kast. ¿Qué te llevó a querer trabajar con él? A mi hombre, Dj Kast, lo conozco desde que tenía 8 años. Siempre hemos estado muy unidos y compartido el amor por esta cultura. Me encantaba la concepción que tenía sobre la

música y su forma de trabajar. Era cuestión de tiempo ponernos manos a la obra y empezar a fabricar codo con codo. 7k nació, y con ello aumentaron las expectativas y el apetito por seguir avanzando. Más tarde se unió Boyo, que aportó nuevas ideas y material. Poco a poco la cosa iba funcionando, e íbamos forjando una gran unión, que, a día de hoy, aún sigue presente. Y continúas sacando más discos, en 2012 Evolución y en 2013 otro proyecto llamado A Medias, que nos pareció super interesante. ¿Llegaste a cumplir los objetivos que te habías marcado? Desde que empecé, mi propósito siempre fue desahogarme y buscar una vía de escape. Creo, por lo tanto, que he conseguido lograr mi objetivo en cada maqueta. Después de 8 años, aún no he tenido la prioridad o necesidad de intentar llegar al mayor número de gente posible, aunque siempre ha sido gratificante escuchar que mis trabajos han tenido repercusión, y una buena aceptación ante el público. Está claro que sin el público un artista no es nada, por ello hay que cuidarlos y mantener alto el listón. Lo que más nos gusta es que sigues trabajando sin parar, y ahora estás trabajando en tu último disco, en el que cuentas con algunas colabos que a más de uno sorprenderán. ¿Puedes darnos más detalles de cómo será el disco? Para esta ocasión, he decidido hacer algo menos convencional. Contaré con diversas colaboraciones no sólo de artistas de rap, y con distintas producciones, que irán desde lo más tradicional a lo más extravagante. En cuanto a la difusión del trabajo, lo subiré en algún servidor para que todo el mundo pueda descargarlo de forma gratuita. Junto con la maqueta, incluiré varias fotos promocionales realizadas por 2MR Fotografía, así como uno o varios videoclips.

Tenemos ganas de escuchar esos temas nuevos, ¿para cuándo está previsto el lanzamiento? La idea es sacarlo antes de Abril, pero no depende al 100% de mí, aún faltan varios temas por terminar y algunos matices que pulir. Me gusta que los temas queden perfectos, aunque esto demore un poco el lanzamiento, pero yo creo que sí, por esa fecha rondará. Lorkan, un placer hablar contigo. Seguro que tu nuevo trabajo será todo un éxito. Suerte! El placer es mío! Muchas gracias por concederme la oportunidad de aparecer en el Magazine. Se agradece el apoyo que dais a los artistas, y el buen trabajo que lleváis a cabo. A los lectores, recordarles que hay mucho potencial en nuestra región, y que aún queda mucho por llegar. Esto es solo el comienzo… Podéis encontrarme y manteneros informados en mi Fb: Lorkan del Lorkan LaCarne Magazine

A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Nombre y sitio en el grupo

Mai Medina, voz y guitarra

Grupo

Ciclonautas

Años desde el primer concierto?

Con Ciclonautas desde mayo de 2013. Mi primer concierto lo di en 1992

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Nervios y tranquilidad

Prefieres estar solo o acompañado?

A veces solo y a veces con hielo

Tienes ritual de subida al escenario?

Afinar

Te has tirado al público alguna vez?

A todos juntos no

Después del concierto fiesta o cama?

Lo primero

Qué no debe faltar en tu camerino?

Amigos

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

AC/DC

Un disco

Coverdale & Page

Una canción

Forastero de Pappo

Qué es lo mejor de dar un concierto?

Todo lo que rodea al mismo

Y lo peor de dar un concierto?

Que salga mal y que se pudra todo lo que rodea al mismo

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A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Óscar Vadillo. Guitarra solista

Nombre y sitio en el grupo

Ambros Chapel

Grupo

Hará sobre unos 18 años con Delicatessen posteriormente llamados Violent Popes

Años desde el primer concierto?

Depende del concierto pero suelo tener o buscar la tranquilidad

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Acompañado

Prefieres estar solo o acompañado?

Tienes ritual de subida al escenario?

No volveré hacerlo nunca mas (; jeje

Te has tirado al público alguna vez?

Fiesta

Después del concierto fiesta o cama?

Una buena cerveza fresca

Qué no debe faltar en tu camerino?

Radiohead

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Bryter Layter de Nick Drake

Un disco

Walk on the wide side de Lou Reed

Una canción

Que el público disfrute y valore el trabajo realizado

Qué es lo mejor de dar un concierto?

A veces tener que cargar y descargar todo el equipo

Y lo peor de dar un concierto?

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UN JOVEN CLARINETISTA EXTREMEÑO

na vez iniciado el nuevo año, el 2014, ese que dicen del comienzo de la recuperación económica, que esperemos sea asimismo el del retorno del apoyo institucional a la Música en particular, y a la Cultura en general, que nunca debió suprimirse y sí aumentarse, es un buen momento para echar un vistazo al 2013, año en el que, entre otros muchos logros de la Música en Extremadura, uno pasó casi desapercibido y merece la pena un artículo en una revista como LaCarne Magazine, dedicada por entero a nuestra Música y a nuestros músicos.

El caso es que en julio de ese año, el joven cacereño Víctor Díaz Guerra, con tan sólo 16 años, obtuvo un reconocimiento musical internacional muy destacable: el 1er premio en el concurso para jóvenes clarinetistas (hasta 18 años) organizado por la International Clarinet Association (ICA), asociación integrada por músicos de todo el mundo vinculados con este instrumento, desde profesores de conservatorios y universidades a estudiantes, pasando por intérpretes de clarinete en diferentes géneros musicales (clásica, jazz, rock, etc.), incluidos solistas de las más prestigiosas orquestas del panorama musical internacional. Cada año esta asociación organiza un festival de clarinete, el llamado ClarinetFest, que incluye conciertos, masterclass, conferencias y concursos, se celebra cada año en una localidad diferente. En la tabla se recogen las siete últimas sedes y las dos próximas. Año 2007 2008 2009 2010 2011 2012 2013

Ciudad (país) Vancouver (Canadá) Kansas City -Misuri- (EE UU) Oporto (Portugal) Austin -Texas- (EE UU) Los Ángeles -California- (EE UU) Lincoln -Nebraska- (EE UU) Assisi (Italia)

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Año 2014 2015

Ciudad (país) Baton Rouge -Louisiana- (EE UU) Madrid (España)

En el concurso de jóvenes clarinetistas correspondiente a la edición de 2013, tras una selección previa realizada en Estados Unidos, compitieron en Assisi (Italia) los seis finalistas: un canadiense, un polaco, un letón, un mexicano, un surcoreano y un extremeño. Aunque Víctor ya tenía alguna experiencia en la participación en concursos, no en vano había sido 1er Premio en el Concurso de Jóvenes Músicos de Extremadura, en la modalidad de viento madera (Almendralejo, 2012) y ganador en Extremadura de la fase de selección del representante de esta comunidad en el Certamen Nacional de Interpretación “Intercentros-melómano” (Plasencia 2012), su participación en un concurso internacional suponía todo un reto. La mañana del 24 de julio del pasado año, los seis participantes en el concurso, uno a uno fueron tocando las dos obras de obligada interpretación: Fughetta de las cinco bagatelles de G. Finzi, e Introducción, tema y variaciones de G. Rossini. Tras unos minutos de deliberación el jurado, integrado por la solista de la Orquesta Sinfónica de San Luis, el profesor de clarinete del Conservatorio de Milán y el solista de la Orquesta Filarmónica de Nueva York emitieron su fallo: el ganador por unanimidad, y por delante del joven polaco, tercer clasificado, y del clarinetista letón, 2º clasificado, fue el extremeño. Este premio conllevaba además de un concierto al día siguiente, una gratificación económica de mil dólares y el reconocimiento de muchos clarinetistas consagrados, algo para el joven más importante aún, ya que para él el premio le servía: “para ver que voy por el camino correcto”. Víctor nació en Cáceres, en 1996. De padre LaCarne Magazine

piornalego y madre cacereña, su formación en el mundo del clarinete se ha ido gestando en el Conservatorio Hermanos Berzosa de Cáceres, de la mano de su profesor el dombenitense Alejandro Parejo. En la actualidad, Víctor cursa estudios superiores de Música en Oporto, concretamente 1º del Grado de Música, ya que en Portugal el superior de esta disciplina se estudia en la universidad, dentro del modelo Bolonia. ¿Por qué en Portugal?, porque no le ha quedado más remedio que salir de España ya que este país nuestro no permite a los jóvenes que concluyen sus estudios de Enseñanzas Profesionales coincidiendo con 1º de Bachillerato, continuar sus estudios musicales (para acceder al superior necesitan el 2º de Bachillerato, obligándoles a interrumpir su formación un año, algo a lo que no estaba dispuesto Víctor que optó por ir a un país donde le permitieran simultanear estudios superiores de Música con el 2º de Bachillerato). ¿Y por qué en Oporto?, porque allí, en la ESMAE (Escuela Superior de Música y Artes Escénicas), imparte clases uno de los más reconocidos y prestigiosos profesores de clarinete de todo el mundo, Antonio Saiote. Hay que señalar que Víctor es un joven muy ligado a la música extremeña en sus diferentes géneros ya que además de haber tocado en agrupaciones como la banda Federal de Extremadura, la Banda de Música de la Excma. Diputación de Cáceres y la Banda de Música Ciudad de Plasencia, así como en la Orquesta Esteban Sánchez, ha colaborado con el grupo folk Cerandeo en diversos conciertos y en su última grabación, así como con el cuarteto Berzosax. Por otro lado, es un seguidor incondicional de bandas como Extremoduro, Los Niños de los Ojos Rojos o El malo del cuento, entre otras.

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CAP. VIII: QUIQUE CREMOL, UN TIPO SINGULAR

A principios del año 2009 conocí en una exposición en la que me habían invitado a participar a un tipo singular: Quique Cremol, un loco de la tabla india, de las músicas orientales y de la electrónica. En cuanto nos conocimos supimos que íbamos a hacer mucho juntos porque nuestros conceptos musicales y del arte eran prácticamente iguales. Nos enfrascamos en un proyecto musical con un porcentaje alto de improvisación junto a “Donde” T. Baymiller (batería) y Marcos Álvarez (piano), dos poetas fonéticos estratosféricos que llevaban el dadaísmo metido en sus estrafalarias y jóvenes mentes. “Sí a todo”, era es su propuesta y su frase favorita. Junto a Raúl Díaz, cellista con el que había trabajado anteriormente y Diego Hernández al violín iniciamos la primera etapa de grupo arindododiano. Conseguimos hacer un montón de cosas entre la performance, danza, teatro y

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música. La música siempre era improvisada y se acompañaba con textos o interpretaciones más preparadas. Pero antes de nada no puedo olvidarme de otros miembros de Arín Dodó como el ilustrador Enrique Cordero (http://enriquecordero.ultra-book.com/) que hizo el logo del colectivo para sus exposiciones conjuntas (un hombre expulsando fuego por la boca) y para “El Sueño de Samsa”, una obra inspirada en La Metamorfosis de Kafka. Él ilustra libros de texto para ganarse la vida. “Tenemos un papel que cumplir diariamente”, decía. “Por la mañana vas al trabajo. Eres tú, pero no eres tú. Lo aceptas tranquilamente. Pero guardas algo para tus momentos en privado. El fuego que expulsa el hombre del cartel de Arín Dodó es lo que tenemos dentro. Sale en forma de arte, jogging, suicidio…de cualquier manera”… Entre todos nosotros creamos conjuntamente obras bastante interesantes como la “Rítmica y tímbrica infrahumana lifasofioica”: http://fugadiscos.wordpress.com/2013/10/05/

www.arintonadodo.com arin-dodo-4-ritmica-y-timbrica-infrahumana-lifasofioica/ o las representaciones de la obra de “El sueño de Samsa”, de la que ya he hablado, junto a la actriz Julia Pardal… o la pieza corta de poesía fonética “Don Avito Carrascal”: http://www.arintonadodo.com/category/musica/2009/ o el tétrico vídeo “Juicio al Sr. Gregor Samsa”: http://www.youtube.com/watch?v=HMAnHwtGt5Y recitado en rumano por Karlos Feral. Y para terminar por hoy, quiero hacerlo recordando de nuevo a mi buen amigo Quique Cremol, que ahora está en Nueva Zelanda y echo de menos a su tabla india y a sus actitudes dadás. Una de las piezas que más le gustaban, “Improperios fonéticos en una reyerta”: http:// www.youtube.com/watch?v=cwXNENHTvMk, una síntesis de lo que significa la música y el arte para nosotros; no hay significado, ni armonías ni melodías premeditadas… sonidos en estado anárquico. Hay que liberarse del yugo impuesto por la razón y dejar que lo de dentro salga, sin censuras y sin normas. Esa es la mejor forma de disfrutar pensamos nosotros, los arindododianos. Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó (contacta desde aquí)

SINESTESIA El arte de ver los sonidos

por Marta Lozano Molano

“Prometeo: El poema de fuego” de Aleksandr Skryabin Aleksandr Skryabin (Moscú 1872-1915) fue uno de los compositores y pianistas más extraordinarios y relevantes de la historia de la música. Formó parte de una corriente basada en la experimentación musical independiente de la tonalidad occidental en la línea de Glinka, Dargomïzhsky, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov. En sus primeros años como compositor, aunque estaba fuertemente influido por la música de Chopin, comenzó a desarrollar una nueva visión de la armonía y la tonalidad que evolucionó a lo largo de los años. Aunque Skryabin al principio se inclinaba por emplear una armonía claramente tonal, de manera gradual se aproximó hacia pronunciadas inflexiones cromáticas y armonías inestables y ambiguas. Abordó la armonía desde la investigación y creación de escalas artificiales de tal modo que hacia el final de su vida realizó una ruptura total con la tonalidad tradicional. El nuevo sistema de relaciones tonales que creó tomo como referencia un acorde denominado como “acorde místico”:

http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Mysticchord.png

Se trata de un acorde formado por las notas do, fa#, sib, mi, la y re, dispuestas a distancia interválica de cuarta. Este acorde también puede colocarse en forma de escala: do, re, mi, fa#, la, sib:

http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Prometheus_scale_on_C.png

Este grupo de notas (incluyendo variaciones) servían a Aleksandr Skryabin como material fundamental para crear armonías y melodías para sus piezas, es decir, una fuente de recursos o almacén de notas a las que recurrir para escribir sus obras. Este acorde también se

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denominó “acorde Prometeo” porque fue en esta obra donde apareció por primera vez de modo más relevante. “Prométhée, Le Poème du Feu” Op. 60 es una obra para orquesta, piano solista, coro y “Clavier à Lumières”. Fue compuesta entre los años 1908 y 1910 y estrenada en Moscú en 1911. Se basa en el mito de Prometeo, osado titán benefactor de la humanidad que devolvió a ésta el fuego, previamente retirado por Zeus. Éste para castigarle le condenó al sufrimiento eterno de ser encadenado en una alta montaña donde cada día un águila hambrienta le devoraría el hígado (que se le regeneraría diariamente al ser Prometeo inmortal). Asoció el empleo de la instrumentación a la mitología asignando el rol del “Cosmos” a la orquesta y el de “la humanidad” al piano solista. Además, esta obra se caracteriza por su enorme carga sinestésica entre otros factores. Skryabin, compositor profundamente sinestésico, consideraba que existían relaciones entre el sonido y el color como demostró ampliamente creando para esta pieza el “Clavier à Lumières”. Consistía en un teclado que despedía luces de colores muy concretos a los que él mismo asociaba los sonidos, según la tecla que se pulsase: Nota Color DO Rojo intenso DO# Violeta RE Amarillo radiante RE# Destello de acero MI Blanco azulado, Azul luz de luna FA Rojo oscuro FA# Azul brillante SOL Naranja SOL# Púrpura LA Verde LA# Acero SI Azul perlado Esta sería la disposición en el teclado:

http://en.wikipedia.org/wiki/File:Scriabin_keyboard.svg LaCarne Magazine

SINESTESIA El arte de ver los sonidos

por Marta Lozano Molano

Y ésta la ordenación de los colores siguiendo el Círculo de Quintas basado en la teoría del color de Isaac Newton:

http://en.wikipedia.org/wiki/File:Scriabin-Circle.svg

Skryabin detalló el uso de los colores en “Prometeo: El poema de fuego”, que debían ser proyectados sobre el escenario y el público, que debía asistir a la representación vestido de blanco (el compositor pretendía que los espectadores tomasen parte en sus espectáculos). De este modo el compositor ideo un sistema multimedial de correspondencia entre colores, sonidos y estados espirituales. Lamentablemente no quedó satisfecho con las representaciones a las que asistió en vida debido a las primitivas técnicas de iluminación de su época. La sinestesia de Aleksandr Skryabin era muy característica ya que asociaba colores no solo a notas aisladas sino a ruidos, acordes y cambios de tonalidad, mientras que la mayoría de sinestésicos evocan colores ante la visión de números o letras (por ejemplo visualizar el color rojo al pensar o visualizar la A mayúscula). Además la música de algunos compositores le provocaba experiencias sinestésicas como el caso de Rimsky-Korsakov con sus frecuentes cambios de tonalidad y variedad de acordes.

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LaCarne Magazine

Ginferno Entender la música como un proyecto multidisciplinar, donde tienen cabida el videoarte, la poesía o el cine, es bastante difícil de conseguir, pero Ginferno lo hace una y otra vez. ¿Ese era vuestro objetivo desde el principio? Nuestro principal objetivo ha sido siempre pasárnoslo bien, abordando retos que nos estimularan creativamente. Cada cierto tiempo nos sentamos todos a valorar ideas sobre qué es lo siguiente que vamos a hacer. Colaborar con personas de otras disciplinas es muy enriquecedor, y nos ayuda a buscar otras formas de expresarnos a través de nuestra música. El problema que nos hemos encontrado con estas actividades interdisciplinares es que por lo general han quedado por debajo del radar de la prensa musical, y para un grupo de, llamémoslo, rock eso se puede interpretar como que no estás haciendo nada o directamente que has desaparecido. Por eso, en los tres últimos años nos hemos centrado en tener producción discográfica, eso sí, buscando proyectos que nos motivaran de igual manera, como “Erta Ale”, el disco que hemos grabado con el cuarteto de saxofones “Los Saxos del Averno”, con los que además estamos girando ahora.

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Fotos cedidas por bluewine

En 2012 fuisteis elegidos para actuar en ARCO, junto al artista plástico Martin Creed. ¿Qué tal fue la experiencia? ¿Repetiríais? Compartir escenario con Martin Creed fue un gustazo, ya que es un artista al que admiramos en todas sus facetas. En cualquier caso, aunque fue una actividad recogida en el programa de ARCO, la experiencia se limitó a un concierto de dos bandas de rock y realmente no llegó a producirse en el escenario, ni fuera de él, ninguna interacción entre nosotros. Es normal, nadie pretendía otra cosa. Repetiríamos sin dudarlo, tocar junto a bandas que te gustan siempre es bueno; puedes aprender cosas nuevas y, como mínimo, lo vas a disfrutar. Con nuevo disco bajo el brazo, Ginferno da un paso más y se alía con Los Saxos del averno, como decías anteriormente, y parece que está dando muy buenos resultados en directo ¿cómo surgió este proyecto de alianza musical? Estamos constantemente buscando proyectos que nos estimulen. Llevábamos tiempo queriendo hacer algo con una sección de vientos. La idea cuajó cuando Dani Niño (saxo barítono), que se incorporó a Ginferno en “Mondo

Totale”, nuestro anterior disco, nos propuso que lo lleváramos a cabo con un cuarteto de saxofones. Él se ha encargado de reclutar a los “Saxos del Averno”, coordinarlos y escribir los arreglos. El cuarteto lo forman actualmente Dani Niño, Pablo Hernández, Ariel Brínguez y Luis Verde, que ha sustituido a Carlos Mejías “Chepe”, que estuvo en la grabación de “Erta Ale” pero no ha podido acompañarnos en esta gira. Todos tienen una amplísima trayectoria en el mundo del jazz. Son unos músicos increíbles y muy abiertos. El proceso creativo de componer el repertorio y grabar “Erta Ale” fue apasionante, pero es ahora, tocando en directo con ellos, cuando más estamos disfrutando de la experiencia. ¿Qué es Erta Ale? ¿Es un paso más en el camino o un desvío intencionado? El camino de Ginferno está lleno de desvíos. Intentamos no pisar dos veces el mismo suelo, aunque realmente antes de iniciar el proceso creativo nunca determinamos cómo tienen que sonar los resultados. Intentamos enfrentarnos a ello de la forma más libre posible, sin prejuicios ni corsés de ningún tipo, con las herramientas y posibilidades que tenemos en cada momento. Probablemente Erta Ale podría haber acabado sonando de muchas otras maneras diferentes, pero ha salido así y estamos muy contentos y orgullosos con los

resultados. Todavía no sabemos cómo sonará Ginferno después de “Erta Ale”; seguro que distinto. Todos los miembros de Ginferno escuchamos cantidades enormes de música de todas las épocas y estilos; además, tenemos un cariño especial a aquellos artistas que han sido diferentes. Eso, de una manera o de otra, se acaba reflejando en los resultados. Intentamos huir de los ejercicios de estilo. Aunque cada nuevo proyecto de Ginferno suene diferente al anterior, siempre hay una serie de características que creo que nos hacen reconocibles. GPS os está llevando a muchas ciudades para que los apasionados de Ginferno puedan disfrutar de vuestro directazo. ¿Cómo reacciona el público? ¿Es fácil conectar con ellos? Siempre nos ha interesado el debate de hasta dónde debe llegar el Sector Público en el apoyo de la cultura. Solemos posicionarnos en el lado que defiende que, por lo general, sólo debería llegar donde la iniciativa privada no puede. El caso de GPS con Ginferno está siendo un clarísimo ejemplo de esto; que en directo seamos 8 o 9 personas ha dificultado enormemente que podamos salir de Madrid a presentar “Erta Ale”; por un lado, actualmente la mayoría de los promotores que funcionan en salas te ofrecen ir a taquilla, y la mayoría ni siquiera te garantiza cubrir los gastos de

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Foto NSE fotografía

viaje y alojamiento. Esto es perfectamente comprensible, dada la situación actual. No tenemos ninguna crítica al respecto, pero con estas condiciones hemos decidido no arriesgar. Por otro lado, y eso sí nos ha sorprendido, parece que no hemos conseguido generar el interés suficiente en Festivales y varios se han echado atrás por ser 8 o 9, incluso reduciendo drásticamente nuestros cachés. Por desgracia, este va a ser el primer disco de Ginferno que, al parecer, no vamos a poder defender en un Festival. Tampoco nada que reprochar al respecto, sólo nos sentimos un poco decepcionados. Gracias a GPS estamos pudiendo presentar “Erta Ale” fuera de Madrid, y además hemos podido combinar fechas de GPS con fechas en otras salas, de manera que hemos podido reducir el riesgo. Solo podemos tener palabras de agradecimiento a esta iniciativa. La primera fecha que hemos realizado ha sido en el “Cotton Club” de Bilbao; estamos muy contentos con la acogida que hemos reci-

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bido, tanto por la sala como por el público que vino a vernos. Por favor, contadnos qué es eso de Ginferno vs Camela… El periodista Jesús Miguel Marco, que trabajaba en el diario Público, nos ofreció realizar un encuentro con Camela para que contrastáramos nuestras experiencias. No nos lo pensamos dos veces y le dijimos que sí. El resultado es una pieza de periodismo hilarante que todavía se puede consultar por internet. Un lujazo haber charlado con vosotros. Os vemos muy pronto en los escenarios!! Gracias por la entrevista y por vuestro interés. Animamos a los lectores de LaCarne Magazine a que se acerquen a la música en directo y les mandamos un cordial saludo.

http://en.bluewine.es/ginferno/

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Maryland Por fin publicáis Los años muertos, que es vuestro tercer trabajo de estudio. Antes de nada nos gustaría que nos contarais la diferencia con vuestros anteriores trabajos (Surprise, 2009 - Get Cold Feet, 2011). ¿Habéis mantenido la misma línea musical? Bueno, quizás entre ellos la principal diferencia es el sonido. “Surprise” tiene un sonido más agresivo y las canciones tienen ese toque inocente de primer disco, en el segundo trabajo “Get Cold Feet” se tendió hacia un sonido más de atmósferas y capas de guitarras, empleamos muchos pedales etc..., y en este último “Los Años Muertos”, el sonido es más compacto y las canciones son más directas, queríamos que los temas fueran lo más cortos posibles. La línea musical, no se ha modificado, la manera de trabajar etc., ha sido la misma y únicamente tratamos de centrarnos en el cambio de idioma y en unas estructuras más sintetizadas. Ahora estáis de gira con la 4ª edición de Girando por Salas (GPS). Aunque ya sois una banda con nombre en España, ¿creéis que esta iniciativa os ayudará a daros más a conocer?

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Foto Martín rodríguez

Hoy en día cualquier ayuda en la promoción de un grupo resulta positiva, es de agradecer que la gente de GPS se haya fijado en nosotros y decidiera apoyar nuestra gira de presentación. Vuestras canciones hablan de sentimientos, de estados de ánimo… ¿Componéis basándoos en vuestra experiencia personal? Cualquier situación se puede convertir en una historia, y que esa historia se transforme en canción. Son historias cotidianas que suceden alrededor de uno muy a menudo.... A la hora de escribir tratamos de contarlas sin más. ¿Trabajar con Santi García es tan fácil como hemos oído? ¿Cómo fue el proceso de grabación en los Estudios Ultramarinos? Trabajar con Santi fue un gustazo, nos hizo las cosas súper fáciles, es muy profesional y tiene las ideas muy claras de lo que quiere a la hora de grabar un disco. En cuanto al proceso de grabación, estuvimos cerca de ocho meses montando los temas en el local, de ahí ya nos fuimos a Ultramarinos, y fue allí donde hicimos la selección de las canciones que se iban a grabar y cuales dejar fuera.

En cuanto al proceso de grabación, seguimos la estructura de siempre: primero las bases rítmicas, luego guitarras, teclados y arreglos, y por último voces y coros. A diferencia de los trabajos en este disco se puede decir que no hay capas de instrumentos, hay pocas pistas en cada tema. ¿Qué hizo que cambiarais el idioma de las letras en este disco? No hay muchos grupos que se atrevan después de dos discos en el mercado. Tras el concierto de fin de gira de “Get cold Feet”, el grupo ya tenía claro que quería intentar una vuelta de tuerca, sabíamos que no queríamos que fuera sobre la manera de sonar y sí en el idioma. Se trataba de algo que ya había rondado con el segundo trabajo... Nunca hemos sido un grupo que renegara del idioma, nos dábamos cuenta que en nuestro estilo quizás no había habido mucha gente en dar este paso, y queríamos intentarlo, al menos saber si a nosotros nos gustaba el cambio.... De no ser así no lo hubiéramos llevado a cabo. ¿Desde Vigo se puede conquistar el mundo, o sois de los grupos que prefieren ir poco a poco? Nosotros preferimos ir poco a poco, somos re-

alistas y sabiendo cómo están las cosas, las prisas no son buenas..., pero como buenos gallegos también te decimos que los Vigueses somos de naturaleza conquistadora, y que si estamos en esto es para intentar llegar lo más arriba posible..., moriremos en el intento :) Muchas gracias por este rato tan agradable. Esperamos que Los años muertos coseche muchos éxitos. Gracias a vosotros. Enviamos un saludo a todos los lectores de “LACARNE”..., y que sigáis disfrutando de la música.

marylandmusica.com Foto Martín rendo

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EL EFECTO VERDOLAGA - VISIONARIOS DEL FOLKLORE POSMODERNO

visionarios del folklore posmoderno 24 LaCarne Magazine

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EL EFECTO VERDOLAGA - VISIONARIOS DEL FOLKLORE POSMODERNO

Existen actualmente muchos grupos folk, algunos que recogen el folklore tradicional, pero dolaga no hay ninguno. Este genial y comprometido grupo musical lleva años recopilando ca oral y transformándolas en ácidos y divertidos temas del siglo XXI. Nos hicieron bailar co Amor cochino, y ahora conseguimos que nos den un adelanto de lo que será su segundo d directos son únicos, y no paran de bailar desde que se suben al escenario, organizando sie con el público que acude a sus conciertos. Son músicos expertos, conocedores de los teso han dudado ni un solo momento en demostrarnos que la música es imperecedera. El Efe grupo a tener en cuenta por muchas razones, pero, sobre todo, porque son visionarios del El Arroyo de los Cagaos dio paso a lo que hoy es El Efecto Verdolaga. ¿Son proyectos diferentes o una evolución obligada? Un poco ambas cosas a la vez. Se trata de una evolución debida a la renovación de los componentes, que a su vez aportan su arte configurando un estilo propio, pero el espíritu general desenfadado permanece. Comenzáis a trabajar como el Efecto Verdola-

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ga y os juntáis al final 11 músicos en el proyecto. ¿Os cuesta mucho reuniros para ensayar? Nos cuesta mucho quedar incluso para hacernos una foto, aunque no tanto para comernos unas chuletas. La solución ha sido organizar ensayos parciales crónicos, y menos ensayos generales, de forma que tenemos dos subgrupos: los Madrilagas y los Veralagas, cada uno en lugares diferentes.

o como El Efecto Veranciones de tradición on su primer trabajo, disco de estudio. Sus empre una gran fiesta oros de su tierra y no ecto Verdolaga es un folklore posmoderno.

Folklore y folk son los estilos que os caracteriza, aunque nos gusta mucho más el término folkore posmoderno, que usáis vosotros. Contadnos qué es el Folklore posmoderno y las diferencias con el folklore tradicional. Nuestro espectáculo no pretende ser folk, es decir, versiones libres de música tradicional, ni folklore, versiones ortodoxas de música tradicional, sino algo entre medias, es decir, arreglamos los temas tradicionales de forma heterodoxa para presentarlas al mundo del siglo XXII. Queremos música que se ponga en los bares, en las discotecas, como sucede en nuestro pueblo, y queremos un espectáculo divertido y participativo sin alejarnos de la raíz, esa es la esencia de

nuestra tradición. La realidad es que hacéis una gran labor, ya que rescatáis de la tradición oral algunas canciones que corren el riesgo de perderse en el olvido. ¿Cómo os llegan a vosotros estas canciones? ¿Se podría decir que realizáis labores de investigación musical? Nos llegan generalmente mediante una grabadora. Hacemos trabajo de campo con gente mayor, que nos cantan lo que a ellas les cantaban sus padres. Muchas veces se trata de temas folklóricos, pero te cantan canciones de todo tipo, que, con el paso de los años y de mucho cantarse en la zona, han quedado en el acervo tradicional. Otras veces, nos lo inventamos directamente todo, creando nuevas falsetas para jotas y rondeñas, y lo que adoptamos son las estructuras y estilos de la zona. LaCarne Magazine

EL EFECTO VERDOLAGA - VISIONARIOS DEL FOLKLORE POSMODERNO Habéis pasado por los escenarios de folklore más importantes del país (Murcia, Teruel, Albacete, Salamanca, Cáceres…). ¿Se reconoce el folklore extremeño fuera de la región? ¿Cómo reacciona el público? El folklore extremeño es muy poco conocido y valorado dentro de la propia región (excepto en el norte de Cáceres), y no hay apenas festivales específicos. Se mantiene gracias a la labor de los grupos, que no sólo mantienen las tradiciones de sus localidades sino que también organizan encuentros y festivales. Fuera de la región, la gente que acude a los festivales de folklore se sorprende por la fuerza y belleza de las melodías veratas, y por el ca-

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rácter rústico, participativo y salvaje de nuestra música. Vuestro primer disco, Amor Cochino, se publicó en 2011 y hemos podido escucharlo desde vuestra web. Jotas, rondeñas, canciones de quintos, de corro… ¿os resultó difícil saber qué temas incluir en este disco? Tenemos recopiladas cientos de canciones inéditas, y a veces es complicado saber qué temas preparar. En general, primero pensamos en el tipo de canción que queremos trabajar, y luego ella misma te va pidiendo los arreglos a base de tocarla muchas veces.

Lo cierto es que vuestros directos son todo un espectáculo y se nota que disfrutáis encima del escenario. ¿Cómo os preparáis los directos? Hay cosas especiales que hablamos en los ensayos, pero, en general, cada uno tiene ya su rol en las tablas, desde el roquero bailón hasta el payaso carnavalero, o el salvaje puesto al portillo. Las locuras de unos estimulan al resto a superarse cada vez. De hecho, muchas veces no nos decimos los trajes que vamos a llevar hasta que nos los ponemos en los camerinos, es más divertido con sorpresa.

“Nosotros nos producimos nuestros temas, aunque Cthuchi Zamarra se encarga del trabajo de campo, y presentar las propuestas de arreglos iniciales sobre las que empezamos a trabajar.”

Y entre concierto y concierto vais preparando

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vuestro nuevo trabajo, que sacaréis este año. ¿Sabéis ya el título? Tenemos ya casi acabado nuestro segundo disco, pero no queremos precipitarnos, y estamos rematándolo tranquilamente, por lo que todavía no hemos acabado de consensuar el título, aunque tenemos una propuesta que a algunos nos encanta. Ya se desvelará en el momento oportuno. El video de Ay Manolé! Es el primer adelanto de vuestro nuevo trabajo. Es toda una fiesta en la que podemos ver que lo pasáis bastante bien…, como siempre. ¿Dónde se rodó este vídeo? El video se ha rodado en las calles y bodegas de nuestro pueblo, Villanueva de la Vera, declarado Conjunto Histórico Artístico. El vino que usamos es vino real, aunque tenemos que decir

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“Tenemos recopiladas cientos de canciones inéditas, y a veces es complicado saber qué temas preparar.” Click para ver el video “Ay, Manolé” LaCarne Magazine

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que eran las últimas escurriajas de la pitarra, y nos costó mucho trabajo interpretativo fingir que nos gustaba. La ducha de vino fue para cumplir el sueño de nuestro violinista, que tenía esa ilusión desde que hace unos años manara vino de la fuente en carnavales, y no le fue permitido arrojarse al pilón. ¿El vestuario que vemos en el video forma siempre parte de vuestro espectáculo? No siempre. Nuestro vestuario está inspirado en el desmadre carnavalero de la tradición peropalera, donde se mezcla lo tradicional con lo estrafalario. En el video se ve la evolución del traje, sale uno de casa hecho un pincel y acaba hecho un adefesio, somos asina. Además de este tema, ¿qué otros estarán incluidos en el nuevo trabajo? Los temas del nuevo repertorio incluyen canciones infantiles de corro, tonás lentas, jotas inéditas, canciones para hacer el bruto y alguna sorpresa más.

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No todos los estudios de grabación se atreverían con este estilo. ¿Dónde habéis grabado? ¿Os habéis quedado en Extremadura? Nos hemos hecho un estudio propio, que llamamos Folkivera, para hacer la producción y la grabación de los temas. Para las mezclas, lo hacemos en un estudio de Valladolid especializado en música folk, que nos recomendó Eliseo Parra y queremos masterizar en un estudio de Escocia, el mejor del mundo para esas cosas. ¿Contáis con algún productor o tenéis las ideas claras de lo que queréis? Nosotros nos producimos nuestros temas, aunque Cthuchi Zamarra se encarga del trabajo de campo, y presentar las propuestas de arreglos iniciales sobre las que empezamos a trabajar. Incluso a veces, elabora partituras para sincronizar mejor las tres voces de las melodías. Además de productor hace de coordinador, pero siempre decidimos por con-

el primer disco.

senso. ¿Cuánto queda para que podamos escuchar lo nuevo de El Efecto Verdolaga? ¿Lo distribuiréis físicamente o apostaréis por lo digital? Editaremos en formato CD, con cuya venta esperamos cubrir los costes de grabación, y una vez cubiertos estos lo subiremos a Jamendo, una plataforma de música libre para que la gente se lo pueda descargar de forma gratuita, como actualmente puede hacer con

“El folklore extremeño es muy poco conocido y valorado dentro de la propia región (excepto en el norte de Cáceres), y no hay apenas festivales específicos. Se mantiene gracias a la labor de los grupos”

¿Cuándo podremos veros en directo presentando los temas? Si pudierais tocar en la edición de este año del festival WOMAD seguro que muchos lo agradeceríamos. El día 26 de abril daremos un superconcierto en Guitarvera, el festival de folklore más importante de la región y casi del Estado. Allí presentaremos los temas nuevos. Nos gustaría mucho actuar en Cáceres pues tres de nosotros ya tuvimos ocasión de improvisar un concierto en el WOMAD 2010 durante un taller de otro grupo verato, y sabemos que nuestra propuesta encaja muy bien en la filosofía del festival, pero no depende de nosotros. Gracias por dar a conocer el folklore de nuestra tierra de una forma tan divertida. Esperamos veros muy pronto en los escenarios. Allá va la despedida Con un ramo verdolagas Para engordar los cochinos comer en ensalada.

www.efectoverdolaga.org LaCarne Magazine

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Fotos Julio Aliman

Doctor Persona sois cuatro musicazos que habéis formado parte de otras bandas. Sabemos que la idea fue de Samu (voz y guitarra), pero ¿cómo os convenció al resto? La verdad es que fue bastante sencillo ya que en un primer momento Samu y David (guitarra) ya se conocían personal y musicalmente desde hacía tiempo, aunque no habían tocado juntos en ninguna banda. Samu tenía algunos temas nuevos, y otros más antiguos que no cuadraban en anteriores proyectos musicales, así que llamó a David, ya que los dos tenían ganas de currar en un proyecto conjunto. Entonces, los dos tiraron de músicos amigos para montar el grupo que en aquel momento era un quinteto, ya que contaba con sintes y teclados. La banda fue cambiando con el tiempo y, actualmente, solo quedan David y Samu de aquella formación inicial. A día de hoy y desde tiempo, están Alberto al bajo y Luis a la batería como formación definitiva y estable. En realidad, los cuatro que estamos a día de hoy en el grupo ya nos conocíamos antes de Doctor Persona, todos hemos esta-

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do metidos en bandas de la zona desde hace mucho y somos un poco fans unos de otros, así que acabar tocando juntos fue un proceso lógico y natural. Despues de un Ep (3 Comprimidos Musicales) y un disco (Doctor Persona), sorprendéis al público con En un mundo enorme, compuesto por seis temas muy currados y pegadizos que dejan al oyente con ganas de más. ¿Por qué seis temas? Primero hicimos la demo solo con tres cortes por una cuestión puramente económica y práctica. Lo de auto producirnos un LP vino después, y fue un poco por demostrarnos que éramos capaces y aprender todo lo que pudiéramos en el proceso. Después de aquello, vinieron cambios en la formación y alguna crisis, así que tras estabilizar la cosa pensamos que otro “embolado” como el anterior no nos apetecía, y lo mejor sería un EP con al menos 5 temas… Así que nos lanzamos a ello y decidimos que seis era una cantidad adecuada de canciones para lo que queríamos hacer…

Pero vamos… fundamentalmente lo hicimos primero por una cuestión de pasta y tiempos, y segundo porque al grabar menos canciones nos permite editar cada vez con mayor frecuencia, lo que nos parece más práctico y adecuado a los tiempos que corren… Un disco que suena muy pop pero que al mismo tiempo tiene toque más cañeros, más rockeros, y que quizás hace que os desmarquéis de otras bandas (del mismo estilo). ¿Este sonido es lo que caracteriza a Doctor Persona? En buena parte sí…. eso es lo que quisimos hacer con este EP, y hemos estado haciendo el último año y medio. De alguna forma nos apetecía dar más protagonismo a las guitarras y ensuciar más el sonido, algo con más fuerza sin dejar de lado el tipo de melodías pop más suaves que suelen tener nuestros temas, es esa mezcla la que más nos convence ahora. Aunque fue algo premeditado, como te contábamos, también es cierto que fue determinante el hecho de que nos quedáramos sin teclista a un par de meses de entrar a grabar, así que decidimos no buscar sustituto y prescindir de teclados y toques electrónicos de sintes, con lo que hubo que darle más “cancha” a los arreglos de guitarra. En definitiva, el resultado nos ha gustado mucho, y, de hecho, los temas nuevos que vamos componiendo para el siguiente disco van mucho en esa onda…. Y si además el rollo que llevamos nos demar-

ca un poco de otras bandas como decís, pues bienvenido sea… Las letras, la música y las melodías están muy elaboradas (son geniales). Contadnos un poco cómo ha sido el proceso previo a grabar En un mundo enorme. Las canciones las compone Samu principalmente, el tema arreglos es un poco trabajo de todos... Samu trae las canciones o las partes más básicas, la letra, la melodía y la armonía… Después, el grupo arregla y monta la canción entera. Respecto a las letras no nos gusta dejarlas demasiado cerradas, resulta interesante que estén abiertas a varias inter-

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Fotos Julio Aliman

pretaciones. Es fácil que cuando alguien las escucha, rápidamente las coloque en un plano personal y se sienta identificado. Nos parece genial cuando alguien nos explica su propia interpretación de la letra, y nos da otra visión o enfoque diferente... Respecto al proceso de grabación, para nosotros comienza en el local… Una vez compuestos y arreglados los temas, nos gusta grabar previamente una maqueta del disco en el local antes de entrar al estudio. De esa forma, nos aseguramos que las cosas funcionan antes de ir al estudio, ya que allí se paga por horas y, desgraciadamente, no tenemos posibilidad de disponer de mucho tiempo para procesos creativos… Por supuesto, aunque las cosas van atadas, luego siempre hay cambios y modificaciones, es parte de proceso de grabación, que siempre tiene que contar con dosis de creatividad e improvisación sobre la marcha… Una cosa que nos gusta mucho es que el disco viene con unas ilustraciones fantásticas de Pablo Roa (http://pabloroailustracion.blogspot.com.es) ¿Cómo conocisteis a este artista? ¿Fue él quien os propuso hacer el libreto o fue al revés? Conocimos a Pablo a través de Alberto, el bajista. Ellos dos son amigos desde hace tiempo, y han currado juntos en ocasiones. Aún no teníamos claro que íbamos a hacer para el arte del EP, así que Alberto nos habló sobre el trabajo de Pablo en ilustración y comic, y nos enseño su blog. Enseguida nos alucinó lo que hacía, y nos pareció una opción perfecta. Unos días después quedamos con Pablo y le propusimos la historia. Él ya conocía la banda y le gustaba lo que hacíamos, así que nos dijo que estaría encantado de participar. Teníamos alguna idea muy en el aire entorno al título del EP y poco más… así que le dimos bastante libertad para que hiciera las ilustraciones. El resultado fue magnífico, y estamos muy agradecidos a Pablo por el trabajazo que hizo. Una gran banda, un gran disco y muy buenas canciones. Un placer hablar con vosotros y escuchar vuestro trabajo, enhorabuena! Esperamos veros muy pronto en directo. Gracias a vosotros por promocionar y prestar atención a bandas emergentes que intentan hacerse hueco. Enhorabuena por la revista que hacéis! Ojalá hubiera más iniciativas como esta…. Lo dicho, un placer y muchísimas gracias por dejarnos un hueco. Nos vemos en directo!

www.doctorpersona.com

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Pa’bernos matao (y II) En mi anterior escrito, columna, artículo… trataba sobre la desilusión que supuso ir (en mi ciudad, Reseca, “La Chiquinina”) a cierto espectáculo musical, que a priori estaba pensado para un público infantil-familiar, junto con mi hijo porque las expectativas no se cumplieron ni de coña, y no se cumplieron (ni de coña) porque no pasó por el tamiz de la calidad dicho “sspectáculo”. Primó mucho más (o tan solo importó) el que la sala se llenase (je, je, ya que no peta el aforo la Orquesta de Extremadura, por lo menos que sí lo hagan l@s niñ@s con sus cándidos y aburridos papis). Al “sspectáculo” en cuestión, que iba de animalitos ya inexistentes y muy grandes, le faltaba bastante calidad según mi tórpido entender: la música era casi inexistente (“cantaban” –a cualquier trapo viejo lo llaman camisa-, los reunidos encima de las tablas “a capella”, y cuando lo hacían, en contadísimas ocasiones, los temas no eran precisamente infantiles, sino “guiños” a los adultos que acompañaban a l@s pequeñaj@s), y eso que el “sspectáculo” se vendió como si de un musical se tratara; los actores (¿y quién soy yo para decir lo que voy a decir? simplemente alguien que pagó la entrada, alguien que tiene amigos y familia en el gremio actoral, y alguien que opina con libertad porque no cobra por ello), malinos, ya que, aprovechando el tirón de actores con cierta popularidad televisiva, los productores (ávida dollar) los colocan en los teatros (y teatritos) como gancho, pero que sin la caja tonta de por medio no se sabe si están, estos actores y/o actorinos, en Benidorm o Montecassino (y perdón por la comparación). Lo bueno del “sspectáculo” fue tanto el atrezzo (los dinosaurios estaban requetebién y muy bien manipulados) y el vestuario de l@s chic@s, que evolucionaban sobre el escenario (¿habrían engañado a cierta marca de ropa “aventurera”? Lo parecía, lo parecía), como la escenografía, que también era de calidad, abundante, variada y lograda (el despacho de los investigadores parecía un despacho de investigadores; el coche era un coche teatral; y la selva era verde y alta). Ya les gustaría a muchos (vamos, a los tres o cuatro que quedan a nivel nacioná) empresarios de zarzuela, por ejemplo, o a ciertos empresarios “free-lance” operísticos (¿”freelance” operísticos?), tener los medios de los que gozaban los engañadores del falso musical infantil-familiar. Estas son las razones que aduzco para decir “pa`bernos matao”, en referencia a lo que vimos y escuchamos en el Gran Teatro de Reseca, “La Chiquinina”. Ahora vienen a nuestra ciudad dos musicales de verdad (espero); uno es sobre un grupo mítico sueco, y se vende la cosa como la releche porque hay no sé cuántos músicos en directo, y no sé cuántos cantantes (cuatro, cuatro… y nunca supe quién me gustaba más, si la rubia, o la que a veces iba de pelirroja, a veces de morenita, a veces de trigueña, a veces con la melena rizada, a veces con la melena lisa…) en escena. Este “sspectáculo” se realizará en el Auditorio, ese mamotreto que tardó muchos más años de la cuenta en terminarse, y que además estuvo cerrado varios años más por reformas, y que ha quedado para grandes eventos (¡joder, “grandes eventos”!). Lo otro que viene, en plan musical, es una “sucursal”, para provincias, de un acierto escénico que ha vendido, y mucho, por todo occidente (saliendo de Broadway, pasando por Londres y llegando a Madrid). A la espera estoy, y si tengo humor, les hablaré de ello, porque sé, de fijo, que a la criatura hay que llevarla al Auditorio.

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Lennie Tristano

eguimos pues en los años 50, una década extremadamente fructífera en la historia del Jazz y pionera para muchos estilos futuros. Una figura importante, como ya mencioné en el artículo anterior, es el señor Leonard Joseph Tristano, más conocido como Lennie Tristano, a quien le quiero dedicar esta sección, y más específicamente a su álbum Crosscurrent, hoy publicado bajo el nombre “Intuition – Lennie Tristano´s Historic 1949 Capitol Sessions”.

Tristano nace en Illinois, Chicago en 1919 “casi ciego en el seno de una familia originaria del sur de Italia inicia sus estudios de piano con su madre, cantante de opera y pianista. A los diez años entra en una escuela de Chicago donde estudia teoría musical, saxos alto y tenor, clarinete y violoncello, y a la vez, dirige la orquesta de la escuela”1. Según el texto que acompaña el disco arriba mencionado, en esta época también tocaba trompeta, guitarra y batería. Más tarde inicia estudios superiores de música y consigue un ‘Bachelor of Music’ en solo dos años. Es después de sus estudios cuando empieza a interesarse por el Jazz y en general por la improvisación musical. Sus influencias, a parte de la música clásica (especialmente Bach), se pueden resumir con los siguientes nombres: Art Tatum, Bud Powell, Earl Hines Lester Young y Charlie Parker. En 1943 empieza a compaginar su carrera como músico con la docencia, por lo cual se le debe considerar también como un importante ‘Jazz Educator’ (profesor de Jazz). Más tarde hasta funda su “New School Of Music” en Nueva York. Por aquel entonces coincide con Lee Konitz, saxofonista alto, también originario de Chicago, con un estilo único que jugara un papel importantísimo en sus futuras formaciones. En 1945 colabora con la formación de Earl Swope (trombonista) y Woody Herman (clarinetista, band-leader y cantante) lo que le lleva a trasladarse a Nueva York en 1946. De su circulo de estudiantes y colegas cristaliza en 1948 un sexteto extraordinario: Lee Konitz (saxo alto), Warne Marsh (saxo tenor), Billy Bauer (guitarra), Lennie Tristano (piano), Arnold Fishkin/Harold Granowsky (bajo) y Denzil Best (batería). El grupo trabaja un año en estrecha colaboración, cosa poco frecuente en el agitado mundo jazzístico, hasta finalmente grabar Crosscurrent para el sello Capitol en los meses de Marzo y Mayo de 1949 en Nueva York. Lo especial del estilo de Tristano es un enfoque muy lineal de sus improvisaciones. Hasta ahora, hablando a grandes rasgos, la improvisación melódica en el Jazz se basaba sobre todo en tocar lo que la base armónica preestablecía (la parte vertical de la música). En otras palabras: los instrumentos melódicos tocaban los acordes del piano o de la guitarra en forma de notas sucesivas (arpegios) para crear líneas melódicas. Tristano intenta darle a la línea melódica en sí más importancia, de manera que podría existir también sin armonía. Su empeño consiste en evitar la repetición de ideas e llegar a improvisar ‘de verdad’ sin la utilización de ‘licks’ (fragmentos

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melódicos preestablecidos y pre-ensayados). Más tarde, en su álbum “Lennie Tristano” del `55 incluye dos temas en los cuales prácticamente no toca ningún acorde, solo una gran línea melódica, cosa bastante particular de un pianista, teniendo en cuenta que el punto fuerte del piano precisamente suelen ser los acordes. La última consecuencia, por muy paradójica que parezca, es la anulación completa del instrumento armónico en algunas formaciones del Cool Jazz como por ejemplo el Gerry Mulligan Quartet con Chet Baker del año `52/`53, con la formación: saxo, trompeta bajo y batería. A parte de la línea melódica a secas, a menudo experimentaba con el contrapunto2, o sea la combinación simultánea de dos o más voces melódicas independientes. De hecho se le considera pionero en la improvisación de contrapuntos . Otra particularidad era una independencia total de melodía y compás. Es decir: tocaba frases asimétricas que no se correspondían con los compases, pasaban la línea de compás y las estructuras de la forma general de la pieza musical, hasta tal punto de tener dificultades para encontrar un batería capaz de acompañarle adecuadamente. Esto último obviamente también existe en el Bebop por ejemplo, pero no de un modo tan perfilado e intencionado.

una cambiando independientemente de compás durante la pieza. El resultado es una delirante combinación de voces, contrapuntos y poliritmos. A pesar de su especial interés en la melodía también sus acordes y enlaces armónicos eran complejos e innovadores. A todo esto hay que añadir otra novedad que introduce en sus grupos y que tal vez sea la más revolucionaria: Al final de sus conciertos Tristano y sus músicos a menudo solían tocar una pieza libre, es decir que lo único que se acordaba antes de interpretar era el orden de entrada de los instrumentos. Eso mismo, por cierto, también lo solía hacer con sus alumnos. En el álbum aquí presentado se graban dos piezas libres: “Intuition” y “Digression” son “las dos primeras piezas ‘free’ (libres) de la historia”3, un hecho más alucinante aún teniendo en cuenta que de este modo se adelanta una década a la tendencia principal de los poste-

A la hora de grabar su música es probablemente el primer músico de Jazz que experimenta en contadas ocasiones con la posibilidad de grabar por pistas, impresionantemente documentado en su tema Turkish Mambo del `55 en el que graba tres líneas melódicas una encima de otra, cada LaCarne Magazine

riores años 60: el Free Jazz. Críticos de su música la tachaban de fría, sin emoción, demasiado intelectual. Es curioso comparar el punto de vista del propio Tristano: se anunciaba a menudo como “Lennie Tristano and his Intuitive Music”4 (Lennie Tristano y su Música Intuitiva), haciendo hincapié en que precisamente lo que le interesaba era la intuición y emoción. Dedicó toda su vida a una sola meta: alcanzar el dominio total de su instrumento y la música para, de esta manera, llegar a un estado total de control y libertad al mismo tiempo pudiendo así dar paso a la esencia del Jazz: el sentimiento y la emoción, trabajo que realizan en el fondo todos los músicos de Jazz. Tristano en una conversación con el crítico Barry Ulanov señala: “No puedo nunca pensar y tocar al mismo tiempo […]. Es emocionalmente imposible. [Añade Ulanov:] El pensamiento es una anticipación de la actuación. El estudio precede a una grabación como ésta semana a semana, mes a mes, año tras año.”5 Su álbum Crosscurrent (‘Capitol Sessions’) / Intuition fue publicado por partes desde 1949 hasta 1954, ya que al parecer la empresa discográfica no se atrevía del todo a lanzar el material (probablemente temiendo un fracaso económico, ignorando por aquel entonces su importancia histórica). Hasta que finalmente fue publicado completo en 1972. En 2012 se incluye en la ‘Grammy Hall of Fame’ de grabaciones.6 Hoy más que antes la influencia de la ‘Escuela Tristano’ sigue teniendo tardíos discípulos indirectos como Mark Turner, Kurt Rosenwinkel, Jorge Rossy por mencionar algunos.7

1 Guía Universal del Jazz Moderno, p. 359 2 El Jazz – de Nueva Orleáns al Jazz Rock, J.E. Berendt, p. 440 3 Guía universal del Jazz Moderno, p. 360 4 El Jazz – de Nueva Orleáns al Jazz Rock, J.E. Berendt, p. 42 5 texto original de la portada del álbum “The New Tristano” de Barry Ulanov 6 http://de.wikipedia.org/wiki/Crosscurrents 7 https://jazzlives.wordpress.com/2011/01/08/the-tristano-school-new-york-times-jan-9-2011/

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DERRAME ROCK XVIII

(Bemposta, Orense) - 28-29 de junio 2013 por Porras

or segundo año consecutivo subimos a Galicia en busca de aire fresco, buena gastronomía, el calor de sus gentes y, cómo no, buena música. Este año la cita se trasladaba al pueblo de Bemposta, y al incomparable marco que ocupara durante años la ciudad del circo de los muchachos, una obra socio-pedagógica que sacó a muchos niños de la miseria en los años 60 y 70, y que fue precursora de la primera escuela de circo de España y la segunda en Europa. Al turrón: el viernes abrían el festival el grupo local Derroche, acto seguido descargaron su material los grupos La sombra, El Viejo Caracol, Trapos Sucios y Os Podridos, ganadores de los concursos organizados para la ocasión, que pudieron gozar de unos minutos de éxito bajo el intenso calor que nos acompañó todo el fin de semana. El mejor compañero era el litro fresquito, y entre litro y litro pudimos disfrutar de las actuaciones de Leize, legendaria banda de rock que calentaba los motores en una hora en la que la afluencia de público era escasa. Bastards on Parade daban la bienvenida a los recién llegados con una descarga de metal contundente y con letras en inglés, dejando el pabellón muy alto. Tras ellos llegaban los Porretas, que comenzaban a menear al personal “Con mi bota de vino y mi bocata salchichón”, “Marihuana”, o “El abuelo fue picaor” fueron sus mejores momentos. Ruxe Ruxe continuaron el rollo punkarra, aderezándolo con gaitas tan típicas de esta tierra, para ovación del personal. Comenzaba a caer la noche cuando subieron al escenario los andaluces Reincidentes descargando todo su repertorio, que fue muy coreado por el respetable, “La historia se repite”, “Dolores”

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o “Vicio” sonaron mezclados con temas de su nuevo álbum. Después del punk rock, era la hora del hard core. Escuela de odio se mostraron enormes, con un sonido aplastante y una contundencia bestial, permitiéndose versionar a los neoyorkinos Agnostic Front, que saltaban al escenario a continuación para poner patas arriba a un público más que entregado, que no paró de apretar en un pogo que duró toda la actuación, culminando con el “Blitzrieg Bop” de Ramones. Pasada la una de la madrugada, cambiamos de tercio con un poquito de ska de la mano de Juantxo Skalari, que hizo bailar al personal con sus propios temas y con otros de su anterior banda Skalariak. Este momento merecía un descanso de cara a la actuación de Boikot, que fue lo mejor del viernes, sin duda. Por el sonido, por la puesta en escena y la entrega del grupo, por los temas elegidos, por petar el recinto y porque lo dieron todo en hora y media de concierto. Entre muchos otros temas sonaron “Stop censura”, “Inés”, “Hasta siempre” o “Kualkier día”, además de algunos temas de su nuevo trabajo “Lagrimas de rabia”, poniendo el broche de oro “Grito en alto”, a la que se sumaron Fernando de Reincidentes y Cristian del grupo orensano Bergallazo. Tras la descarga de los madrileños, la banda Alamedadosoulna amenizaba a un público aún con ganas de fiesta. Vuelta al Ska, a los ritmos latinos, a las trompetas, al saxofón y al baile. Esta gente no paró un momento de bailar, contagiándonos a los allí presentes, aunque una parte importante empezaba a coger sitio para ver a Def Con Dos. Los Strawberry, Peon Kurtz y Marco Masa-

cre llegaban con ganas de montarla, y vaya si se lió, aunque su potente sonido no brilló en los primeros temas dedicados a su último álbum, España es Idiota. Poco a poco todos los instrumentos fueron encajando, y el grupo sintiéndose a gusto descargando todo su potencial. “El coche no”, “Agrupación de mujeres violentas”, “La cacería”, “Mundo chungo”, “Ultramemia” o “Dogmatofobia” son temas que nunca faltan en su repertorio. Como siempre, enorme J Al Andalus al bajo. Tras algo más de una hora, parece que les entró la prisa y pisaron el acelerador mostrando un popurrí de sus éxitos a toda pastilla, y con el doble bombo comiéndose el sonido. Si a esto le añades la zurraspa de la guitarra, el sonido suele ser insoportable. Aún con eso, el

público estuvo entregado toda la noche. La banda se tomaba un descanso para volver a salir, y dar fin a una actuación bastante desconcertante con “Armas pal pueblo”. El sábado volvíamos al recinto para echarle un pulso al sol, que a las cuatro de la tarde era insoportable. El autobús urbano nos jugó una mala pasada, y llegamos al recinto justo para ver a los Narco subirse al escenario. Antes de ellos era el turno de las bandas locales Maskarpone, Morphina, Canal 69 y A compañía do ruido, que animaron a los pocos valientes que se atrevieron a acercarse al polvoriento recinto. Algo más de media hora para cada banda fue más que suficiente para que nos mostraran su buen hacer.

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das pintas llevaban los colegas. Su música es de otro mundo. Con el flow y el hip hop de los valencianos Los chicos del maíz esto empezó a animarse sin duda, con una actuación en la que presentaron temas de su trabajo Pasión de talibanes. Letras crudas y cargadas de crítica social, muy aplaudidos por un público que arropó a la banda durante toda la actuación. Tras cincuenta minutos de rap, era el turno para el punk rock de los asturianos Segismundo Toxicómano, que descargaban todo su arsenal punkarra con temas de su nuevo trabajo y algunos clásicos como “Por ti” y ”Hoy como ayer”, en un corto pero potente directo. Algo más de una hora estuvieron en el escenario los andaluces Narco, con su contundente sonido hardcore, en el que fue el primer gran concierto del sábado. La carpa no se petó, por lo que pudimos disfrutar del show en primera fila, así escuchamos clásicos como “Tu dios de madera”, “Soy el Narco”,”Sotánico”, etc. A continuación, era el turno de Reno Renardo, los bilbaínos consiguieron meterse al público con ese peculiar heavy clásico con letras cargadas de cachondeo. “Crecí en los ochenta”, “Camino Moria”, “El bogavante” o “Festival” fueron los temas más ovacionados en la hora de actuación.

A continuación, los vigueses Skarallaos comenzaban a animar un cotarro bastante desangelado a ritmo de ska. El punto divertido a la tarde lo pusieron Los Gandules, con su actuación en la que versionan a otros grupos con unas letras acidas cargadas de satírica. Menu-

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Caída la noche era el turno de Lendakaris Muertos. Desde Navarra llegaron con mucha energía, contagiando a los derrameros con unos ritmos punkarras y unas letras reivindicativas, que no dejaron indiferente a nadie. En la hora de concierto repasaban su trabajo Crucificados por el antisistema, además de algunos temas anteriores. La actuación terminaba con su cantante Aitor voceando entre el público. Uno de los conciertos que más me sorprendió fue el de Miguel Costas, fundador de Siniestro

Total, que lleva varios años dando guerra con su banda a golpe de buen rock and roll. El tío conserva toda la energía. Una actuación muy aplaudida, no sólo por las versiones de Siniestro, que también, ya que lleva bajo el brazo un disco, Alguien tenía que hacerlo, muy pero que muy bueno. Entre otras sonaron “Yo estoy bien, tú estás gordo”, “No me da la gana”, “Bailaré sobre tu tumba” o la archiconocida versión del “Sweet home Alabama”, todo un himno para los Gallegos y Gallegas. Llegaba el momento más esperado de la noche, y es que Los Suaves cumplen treinta años sobre los escenarios, y no hay mejor lugar para celebrarlo que en su querida Ourense que les vio nacer. Por eso el momento era tan especial y sobre el escenario colgaba un enorme “suaves somos todos”. Fueron dos horas en las que repasaron gran cantidad de temas, entre los cuales brillaron “Maldita sea mi suerte” y “Viajando al fin de la noche”. El momento fue muy emotivo pues por momentos fueron subiendo los distintos componentes que ha tenido la formación en la historia de la banda como Ángel, Javier Domínguez, Pepe Losada, Carlos y Moncho Costoya, además de la formación actual encabezada por un Yosi, venido a menos y unos enormes Alberto Cereijo y Fernando Calvo, que se marcaron unos solos interminables y espectaculares durante las dos horas que duró la actuación. Algunos terminamos hartos de Los Suaves, y supongo que también los Mojinos Escozíos, ya que se comieron parte de su tiempo. Aun así, El Sevilla y compañía no defraudaron lo más mínimo en una divertida actuación donde presentaron su reciente trabajo, Semos unas máquinas, además de varios de sus éxitos. Los andaluces tuvieron un feeling especial para cachondeo de un público muy entregado,y que se divirtió de lo lindo.

Ya entrada la madrugada, gran parte del público abandonó el recinto que estuvo colapsado durante la actuación de Los Suaves. Para los que teníamos ganas de fiesta aún nos quedaba el concierto de La Pegatina, que siempre lo ponen todo patas arriba con su fusión de rumba, ska, ranchera, ritmos latinos y un popurrí de estilos que no te dejan parar con las gaitas, trompetas, guitarra y percusiones. Los catalanes no pararon de bailar e interactuar con el público en todo momento, con sus confetis, sus sombreros mejicanos y sus ganas de fiesta. Sonaron temas como “La voisine”, “Sorranchera” o “Mari Carmen”, aun así el concierto fue bastante corto, supongo debido a los problemas con el horario que se vieron bastante afectados. Para poner el punto final a esta XVIII edición del Derrame Rock subían al escenario los Gallegos Tarbutalina, poniendo un toque de rock guitarrero y salvaje con un inconfundible gusto gallego, dando caña al personal que aún aguantaba hasta largas horas de la madrugada. Al final, han sido casi treinta horas de música en un marco incomparable y en una agradable compañía. Gracias Derrame, gracias Galicia!! LaCarne Magazine

Fotos Antonio Martín para caceresentumano.com

De los cinco componentes de Nivel Freático, dos lleváis ya bastante tiempo en esto de la música, pero la banda en sí es bastante joven. ¿Cómo y cuándo decidís establecer la formación? NF. El grupo nace en Cáceres cuando, hace casi tres años, Raúl Caballero y Juanma Chamorro se conocieron en unas clases de guitarra que impartía el guitarrista Pepe Olmedo. La química surgió, y junto a otro amigo murguero, el baterista pacense Chema, montaron el grupo Nivel Freático. Chema abandonaría el grupo más tarde por motivos laborales, y entraría en su lugar Tomás Recuero, experimentado y contundente batería de Salida de Emergencia. Compusieron algunos temas de rock crudo, lo que llamó la atención del guitarrista noctámbulo Javier Paíno, que ya había hecho sus pinitos con su anterior grupo en los 90, Mitad Norte, por lo que decidió sumarse a la aventura de formar un grupo de rock (con la que está cayendo), y aportar algunos de los temas de la banda cacereña, que la vieja guardia recuerda con nostalgia, al proyecto freático. Tras la marcha del primer bajista, Paíno y Alberto Casado, que se conocen de Cáceres de toda la vida, de los billares de “El Chozo” y de aquella Plaza Mayor y aquella Madrila que despertaban a una auténtica revolución cultural en los 80, hablan para ver si el experimentado ex bajista

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y manager de Los Niños de los Ojos Rojos y de La Patrulla de Salamanca, quiere sumarse al proyecto. Alberto lleva unos años en el dique seco, lejos de las 4 cuerdas, aprendiendo guitarra flamenca, pero decide que es momento de volver a los escenarios, de volver a las raíces del rock, y el grupo parece que tiene ganas y garra… Con lo cual, ya tenemos una clásica y estable formación de rock hispano, con importantes tintes extremeños, con muchas cosas que decir y aportar, y con un compromiso social importante que cae del lado de los desfavorecidos de este país, que son, somos…muchos. Rock, punk, metal… estilos muy cañeros que hacen que la banda en directo sea más potente. ¿Sabíais desde el principio el estilo que queríais hacer? NF. La verdad es que lo del estilo no nos importa mucho. Marcarse un estilo te puede frenar mucho a la hora de expresarte. Nos gusta la Música, con mayúsculas. Tenemos muchas cosas que decir, somos una gente bastante ecléctica y no reparamos en estas cosas. Quizá lo que nos une un poco a todos es nuestro amor por la música sencilla, directa, estribillos de punk o de rock crudo, que impacten directamente en la frente de la gente que le guste escuchar y ver conciertos de gente sincera, sin postureos ni poses prefrabricadas, entregada y con muchas ganas de disfrutar del mejor invento del la humanidad, la música. Cuando nos extingamos y dentro de miles de años se acerque alguien por aquí, estamos seguros de que no admiraran nuestra tecnología, ni nuestras armas, ni nuestros profundos razonamientos…sino la música, el Arte en general, la capacidad de sentir y transmitir emociones…el que piense que tanta tecnología es un avance importante a lo mejor se equivoca, la tecnología está siendo usada para esclavizarnos y hacernos perder nuestra privacidad e intimidad. Vuestro primer concierto fue en Salamanca y posteriormente habéis actuado en Cáceres, donde presentasteis vuestra maqueta Más de Mil Amaneceres. Los que aún no os han visto o escuchado, ¿qué se van a encontrar en este disco? NF. El grupo está muy unido a nuestra provin“Cuando nos extingamos y cia hermana por muchas cuestiones que no hay dentro de miles de años se espacio suficiente para contar aquí. En verano o antes, seguramente volveremos a actuar por allí, acerque alguien por aquí, pues gustamos bastante en nuestra puesta de estamos seguros de que largo en El Sahúgo. Aunque quedamos muy satisfechos con el trabajo que realizamos con apenas 5 meses de ensayos, el comentario general que hace casi todo el mundo es que la maqueta, aparte de ser muy fresca y sincera, ya no nos hace mucha justicia. El grupo ha conseguido actuar ya en varias sitios importantes e incluso con grupos internacionales como los británicos de GBH, y hemos crecido

no admiraran nuestra tecnología, ni nuestras armas, ni nuestros profundos razonamientos… sino la música, la capacidad de sentir y transmitir emociones” LaCarne Magazine

Fotos Antonio Martín para caceresentumano.com

mucho en sonido y profesionalidad, aunque nos queda un mundo por delante si queremos llegar a algo en este jodido y prostituido mundo musical. Digamos que vamos envejeciendo como el buen vino, y sonando como los buenos…siempre “p´alante” y descargando energía a raudales. La maqueta es una buena declaración de intenciones y muy recomendable para la gente que le guste el rock directo y desenfadado. Aunque hay bastantes fallos, esperamos que sea material de culto dentro de unos años…(risas). Grabasteis la maqueta en los Estudios Adarel, de Casar de Cáceres, en un tiempo record y en directo, y además todo ello autofinanciado. Contadnos un poco cómo fue el proceso y por qué os decidisteis por este estudio. NF. Con Adarel nos une una amistad especial. Ellos, aparte de ser una gente extraordinaria que se volcó muy amablemente con nosotros, tienen una forma de ser muy heavy y muy auténtica. Digamos que Adarel son unos talentos a la antigua usanza en vías de extinción. Por lo cual debemos tratarles con mimo y apoyarles en todo lo que podamos, aunque ellos saben volar muy bien solos, como la mayoría de los grupos extremeños de esa categoría y experiencia. Desde el primer momento nos sentimos como en casa, un ambiente de colaboración y de magia total que propició que aquel día tocáramos como nunca antes lo habíamos hecho. Incluso nos grabaron un vídeo, que si bien no es para tirarse por el balcón, sí que dice mucho de nuestro so-

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nido y nuestras intenciones y, es una buena carta de presentación para nosotros. Cuando alguien dice Adarel, nosotros decimos Amén…

“El grupo ha conseguido actuar ya en varias sitios importantes e incluso con grupos internacionales como los británicos de GBH, y hemos crecido mucho en sonido y profesionalidad”

Y para este año, ¿qué planes tenéis? ¿Conciertos, nuevo disco…? NF. En principio queremos grabar algo más serio este verano tras haber repartido por ahí ya más de 500 maquetas y haber sonado en algunas radios y programas musicales.

Tener más tiempo para hacer una producción más solida, con los instrumentos, las voces y los arreglos por separado y sin un límite pre establecido de tiempo para poder madurar algo bueno que nos catapulte a la fama y la clásica putrefacción del mundo del rock (risas). De momento nos conformamos con poder seguir ensayando y vomitando en directo nuestros mensajes de rebeldía y de oposición a la injusticia, son tiempos propicios para ello, haciendo algunos conciertos donde sepan valorar la música original que sale del corazón de unos tíos con ganas de darse plenamente… Este sábado debutamos en Badajoz en el Centro de Ocio Contemporáneo, estaremos en la Fiesta Sol y Música en Cáceres el 4 de abril y tenemos 3 ó 4 festivales importantes interesados en el grupo para el verano… Por cierto si alguien quiere saber más de nosotros, contactarnos y demás, en nivelfreatico.es le estamos esperando con los bolsillos abiertos…y vacíos (risas) Nuestros mejores deseos para Nivel Freático! Os deseamos mucho éxito y veros muy pronto en los escenarios. Rock & Roll!! NF. Aprovechamos estas últimas líneas para felicitar a la inteligencia y el compromiso con la cultura en general y la música en particular de los lectores de LaCarne Magazine y de su equipo de redacción por el excelente trabajo que estáis desarrollando para dar promoción y forma, a una manera muy extremeña de entender la música. Invitamos a los anunciantes y gente del mundillo a aparecer en vuestras páginas, porque sin duda os habéis convertido en el referente de la región, en cuanto a publicaciones musicales de calidad se refiere. Digamos que ningún grupo extremeño existe, hasta que no aparece en LaCarne Magazine (risas)… Mucha suerte y enhorabuena por un trabajo bien hecho.

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CONTRABANDA (Madrid) DISCO: Despertar (2013) TEMAS: 9 (43’) WEB: www.contrabanda.es Esta banda madrileña ya apuntaba muy buenas maneras en su debut “13”, trabajo fresco y cargado de buenos temas, que les ayudó a hacerse un hueco en el panorama nacional e incluso internacional, apareciendo en algún que otro recopilatorio de los sellos Doinu Alt y Carpe Diem (México). En esta ocasión, Contrabanda nos ofrece una ambiciosa propuesta cargada de hard rock y con tintes de metal alternativo. El sencillo comienza con una energía descomunal, y se va diluyendo en el trascurso de los temas hasta llegar a sonidos mucho más melancólicos, donde las guitarras y la voz cobran un enorme protagonismo. El trabajo de estudio se hace patente al contar con la presencia de Carlos Escobedo en la supervisión, y Alberto Seara al control, lo que significa una seria apuesta por esta banda, la cual nos muestra dos caras, la primera parte muy rockera y contundente al más puro estilo americano y muy cerca del sonido de bandas de la talla de Velvet Revolver/Guns N´Roses en Sexo, Emperatriz, o Juego de dados y otra cara más melódica, al más puro estilo Skizoo/Sober, en Despertar, La Voz o Paraíso. El paralelismo con estos últimos es más que evidente, sobre todo por la voz de Javi. Las composiciones y la ejecución reflejan una gran madurez, dando como resultado nueve temazos con un sonido demoledor. Todo ello trabajado en los estudios Cube de Madrid. El disco termina a lo grande con una preciosa canción cargada de matices: No volverán. VAN SOBRAOS EN: Todos los detalles de este trabajo están pulidos a la perfección, desde la técnica, la composición o los arreglos. Las guitarras y las voces suenan enormes, sin perder de vista una sobria base rítmica. LO QUE YO CAMBIARÍA: Enorme producción técnica y musicalmente, aunque habrá que ver como se desenvuelven en directo. SENTENCIA: Gran madurez musical de este grupo que crece a cada paso y sin duda colmará las expectativas de los seguidores del hard rock alternativo de corte americano. Por cierto, nada que ver con Rulo y la Contrabanda. PAYASOS DOPADOS (Badajoz) DISCO: La odisea cotidiana de los famosos y heroicos nadies (2013) TEMAS: 13 (45’) WEB: www.payasosdopados.com Tras este peculiar nombre, se esconde una banda de punk-rock-ska, cuyo estilo fiestero-combativo no dejará a nadie indiferente. Tras 3 maquetas, 2 Ep´s y un Cd “Click”, vuelven a la carga con este gran trabajo que, dicho sea de paso, da a luz bajo una plataforma de crowdfunding y con la ayuda desinteresada de

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muchos colegas. En este disco, y tras varios cambios en la formación, se hace patente el “sonido dopado”: grandes guitarras, sencillos estribillos, unas exquisitas melodías, una potente base rítmica y unas letras muy personales e introspectivas. Pero sobre todo se respira un aire más rockero si cabe en los temas (El club de los vencidos, Viejo Rock n roll, Cuanto más). No sólo de rock vive el hombre, y en este cd también hay tiempo para el ska, (Lo que vendrá, Maskarrones, Pasan) estilo que acompaña a la banda desde sus inicios, allá por los 90 gracias a su incombustible frontman Pablo, que no dudó en cruzar la raya para buscar a sus compañeros de viaje. En definitiva, buen trabajo el de esta gente que ya forma parte de nuestra familia, véanlos en LaCarne Magazine Nº17. Todo esto bajo la batuta del amigo “EvilMan” a cargo de la grabación, las mezclas, la masterización y algún que otro scratch y arreglo de guitarra. VAN SOBRAOS EN: Sonido muy compacto, en el que destacar sobre todo unas potentes melodías, unas afiladas guitarras y unas letras muy particulares. LO QUE YO CAMBIARÍA: Estos trece temas suponen una “sobredosis de alegría” en general, aunque a mí tanto ska me resulta excesivo en un disco de corte tan roquero. SENTENCIA: Gran combinación de punk, rock, y ska aportando una apuesta fresca y seria dentro de este saturado estilo. THE DRY MOUTHS (Almeria) DISCO: And show us (2014) TEMAS: 11 (56’) WEB: www.thedrymouths.com Este power trío almeriense posee tres discos en su haber: “Lost Bow Case Eckart”, 2010, “Moons True Delay Lenght Wah For Era”, 2012 y este genial “And Show Us”, donde nos muestran su enorme creatividad musical y su apuesta por el sonido más alternativo, firme descendiente del post rock, grunge o rock alternativo americano de los noventa. El trabajo comienza con gran energía en Harry Reems, con un sonido oscuro y unos coros súper pegadizos, que serán la tónica a lo largo de los once temas de los que se compone este compacto. Cada una de sus canciones nos recuerda a bandas de la talla de Nirvana, Smashing Pumpkins, Sonic Youth, Radiohead, Oceansize, etc. Aid teken Dogs (temazo) o Song4444 son el mejor ejemplo de estrofas desgarradas y estribillos repetitivos. Intermental III supone un interludio psicodélico instrumental. RR en RF está cargada de distorsión acercándose algo más al post rock más actual. No name/ Not Named/ Nameless es un medio tiempo que aporta un tempo algo más relajado con unas preciosas melodías vocales. Ray Monkes es una bonita canción, aunque hace decaer un poco la escucha. Con Forza E.T. vuelvo a conectar con ese rollo grunge noventero, muy al rollo Kurt Cobain. Llegamos al noveno corte indelible, donde la guitarra crea una atmósfera mágica a través de un sonido cristalino y un estribillo vocal precioso. A song for Candela supone un melancólico interludio que se mezcla con Dawn the star, tema final de nueve LaCarne Magazine

minutos de psicodelia que da paso a un medio tiempo cargado de misticismo y donde la banda muestra su sonido más crudo, sin cargar demasiado las guitarras. En general, buen trabajo producido por Raúl Parra y la propia banda, grabado en los estudios Fusible de Almería a través del sello Aneurisma Records. Si quieres saber más tienen una web cojonuda, donde podrás escuchar todos sus discos y adentrarte en el universo “Bocasecas”. VAN SOBRAOS EN: Psicodelia a raudales, cantidad de pedales de distorsión y una gran capacidad para crear atmósferas y estribillos inconfundibles marca de la casa. LO QUE YO CAMBIARÍA: En cualquier caso se puede echar en falta algo más de caña en la parte final. LA SENTENCIA: Si te gusta el rock alternativo/grunge/post rock, y quieres disfrutar de enormes melodías, psicodelia, distorsión a saco y mucho, mucho guitarreo, estás de enhorabuena. ALONDRA GALOPA (Granada) DISCO: Voy a intentar olvidarlo todo (2013) TEMAS: 9 (33’) WEB: www.facebook.com/AlondraGalopa Alondra galopa vienen desde Granada y este es su segundo trabajo discográfico, aunque sus componentes tienen experiencia con otras formaciones. Los primeros pensamientos que me vienen a la cabeza según escucho el disco, es que me recuerda (salvando las distancias) a los discos editados a mediados de los años 80, grupos como Golpes bajos, del fallecido recientemente Germán Coppini o incluso algunos temas de la mítica banda extremeña Coup de Soup, del que también nos dejaba debido al maldito cáncer el músico Extremeño Diego Ariza. Pop pero no del pasteloso y empalagoso con melodías pegadizas, sino algo oscuro, incluso depresivo, tanto en letras como en melodías. No es un trabajo fácil de digerir y acompaña muy bien al clima que tenemos en estos últimos meses en lo que no para de llover. Una de las sensaciones negativas que siento al escuchar el disco es que, en ciertas partes las letras no las veo demasiado encajadas con la música en cuanto a la métrica y acentuación. VAN SOBRAOS EN: Oscuridad. LO QUE YO CAMBIARÍA: Ajuste de letras y melodías con la música. LA SENTENCIA: Música depresiva.

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MATT SCHOFIELD (Inglaterra) DISCO: Far as I can see (2014) TEMAS: 11 (61’) WEB: www.mattschofield.com Cuando pienso en blues, inevitablemente y por deformación profesional generada por la participación en muchas jam sessions, me invade el agobio de pensar en un guitarrista soleando durante minutos, dando vueltas interminables de 12 compases, abusando de la escala pentatónica y de su pobre guitarra sin tan siquiera abrir los ojos, ni hacer caso a la banda que le acompaña. Pero que no cunda el pánico, Matt Schofield no va de ese palo, este “Far as I can see” es un disco muy variado y entretenido, eso sí, sin perder de vista la esencia del blues, y que se mueve con igual solvencia y soltura por el Shuffle, Swing, Boogie, etc... Muy buenas composiciones, en la que destacan un sonido de guitarra espectacular y el acompañamiento de su banda, que logran que mantengas el interés durante todos los temas. Este señor sabe muy bien lo que hace y encima lo hace muy bien, su voz encaja perfectamente con los temas, y aunque hay alguna canción instrumental para nada se alarga en los solos, ni cae en la autocomplacencia o querer destacar por encima de las composiciones, trabaja para la canción y eso se agradece. En cuanto al sonido y la producción del disco, tiene todo lo que cabría esperar, muy completo y con muy buenos arreglos y detalles. VAN SOBRAOS EN: Autenticidad. LO QUE YO CAMBIARÍA: Alguna canción más cañera. LA SENTENCIA: La esencia del Blues. Sigue en la siguiente pág.

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GRENOUER (Rusia) DISCO: Blood on the Face (2013) TEMAS: 12 (43’) WEB: www.grenouer.com Después de varios cambios en el nombre del disco por problemas con su anterior sello discográfico en USA, esta banda procedente de Rusia, a sugerencia de su nuevo sello, decidieron titular “Blood on the face” a su séptimo álbum de estudio. Pocas referencias musicales llegan a España de este enorme país. Ésta en concreto, suena de maravilla, metal con una producción muy moderna, con un trasfondo electrónico pero que no pierde en ningún momento su fiereza y potencia. Caben destacar los poderosos y pesados ritmos de guitarra, bajo y batería que sirven de base para soportar la potente voz de su cantante, y que contrastan un poco con sus anteriores trabajos más enfocados a la música extrema. Como orientación para el que no los haya escuchado, pueden recordar lejanamente a Rammstein en el plano musical, aunque la forma de encarar las melodías vocales están más enfocadas a grupos más melódicos provenientes sobre todo de EEUU, rollo Linkin Park y similares. Quizás donde veo que cojea un poco más el disco es a la hora de rimar las letras, y esto hace que pierdan conexión las líneas vocales. VAN SOBRAOS EN: Producción musical. LO QUE YO CAMBIARÍA: Rimas en las letras. SENTENCIA: Rusia en primera división del metal internacional. BRUCE BOUILLET (EEUU) DISCO: The order of control (2014) TEMAS: 12 (51’) WEB: www.brucebouillet.com Bruce Bouillet, quién formara pareja de hachas con Paul Gilbert en los míticos Racer X, ha publicado recientemente el que es su segundo trabajo discográfico en solitario, “The Order of control”, tras el que fuera su primer trabajo “Intervention”. 27 años han pasado desde la publicación de aquel “Second head”, en el que Bruce se incorporó a la banda doblando los vertiginosos fraseos de su compañero Gilbert, y sin embargo nada nuevo se aprecia en este nuevo disco que no mostrase ya en aquellos años en cuanto a sonido, actitud y estilo. Speed metal instrumental de la vieja escuela, con buenas dosis de virtuosismo a la guitarra, melodías épicas basadas en escalas frigias y armónicas menores, y baterías “enjauladas” y comprimidas puede definir de manera clara la actitud implícita en este disco. Escuchando este disco uno tiene la impresión que el tiempo se detuvo en los 80, época gloriosa del género y en la que afloraron infinidad de virtuosos del estilo como Vinnie Moore, Joey

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Tafolla, Paul Gilbert, Tony Macalpine, Marty Friedman y Jason Becker, bajo el mecenazgo del productor Mike Varney. Buenos ejemplos de este estilo son “Seeing through” o la melódica y neo-romántica “Akiko”, que cierra el disco. VAN SOBRAOS EN: Virtuosismo. LO QUE YO CAMBIARÍA: No ha habido ningún tipo de evolución entre lo que el artista hace ahora y lo que hizo hace muchos años. Creo que Bruce se quedó anquilosado en viejas fórmulas, y no apostó por su creatividad. Aunque sobre gustos… SENTENCIA: Un disco, en definitiva, para nostálgicos de un género que tuvo su época de esplendor hace casi 30 años. ROBBEN FORD (EEUU) DISCO: A day in Nashville (2014) TEMAS: 9 (45’) WEB: www.robbenford.com Con un montón de discos a sus espaldas, Robben Ford es uno de los músicos más aclamados del mundo del blues, aunque sus incursiones en bandas como la de Miles Davis , Yellowjackets , Jing Chi (con el gran baterista Vinnie Colaiuta) o Renegade Creation junto a Mike Landau (a los cuales un servidor tuvo la ocasión de ver en directo durante la edición de 2012 del Festival de la Guitarra de Córdoba) , denotan una versatilidad fuera de lo común. Famoso por su sonido de guitarra exquisito, su fraseo elegante y su voz, el músico californiano nos deleita con este nuevo trabajo, “A day in Nashville”, que da una pista clara del tipo de timbres y de producción que vamos a tener ocasión de “degustar” auditivamente. Es un trabajo que rebosa frescura y honestidad con tomas “a la primera” y sin artificios, cómo sólo pueden hacer los grandes. Si tienes la más mínima duda sólo tienes que escuchar “cut you loose” durante el solo del minuto 4:41, y podrás apreciar como todo un maestro de la pulcritud en la interpretación prefiere dejar algunas notas digamos poco definidas en favor de un solo absolutamente magistral en todo su desarrollo, evitando el uso de cualquier tipo de sobregrabación. Toda una declaración de intenciones. A destacar la instrumental “top down blues”, de aire funky-blues y también “Ain´t drinkin´beer no more”, con el deliciosamente grasiento solo de guitarra que sucede al de trombón, procedente de la telecaster que le acompaña en los últimos tiempos en sus directos y en las grabaciones que he tenido la oportunidad de escuchar. VAN SOBRAOS EN: Todo un maestro en el arte de combinar el fraseo de blues tradicional con frases y armonías jazzeras con un gusto exquisito. LO QUE YO CAMBIARÍA: Nada. SENTENCIA: Otra nueva obra de arte en la discografía de Robben. LaCarne Magazine