LaCarne Magazine N31

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Nº31 - Nov 2014 - AÑO 4

PLANK

EL RITMO DE BURGOS INVESTIGACION

MUSICOS EXTREMEÑOS EN EL EXTERIOR - SI ABRES MI CEREBRO ENCONTRARAS UN MENDIGO - RONDA DE QUINTOS - SOUND CUBE - FUSION LOS AÑOS 70

EXPERIENCIAS BATERISTAS, ESTEREOTIPOS Y HABILIDADES KTOLICOS - DEF CON DOS

ENTREVISTAS THE JEITERS - CALIBRE ZERO - CEREBRAL INTEGRAL BREAD - METABAR - LA JUNTUCHA NOXFILIA - LEILA - ROY

RESEÑAS BURGIM - LECTOR ACROBATA - MY YELLOWSTONE PHILIP SAYCE - STRATOVARIUS - MARILLION

SUMARIO

Nº 31 aÑo 4 (NOV 2014)

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos (entrevistas, tutoriales, investigación, reseñas, opinión...)

04 con flow

32 MUSICA VIVA Ronda de quintos en la actualidad

06 a examen

46 lo mas destacado Noxfilia, grupo con mayor proyección de Extremadura

The Jeiters

Calibre Zero Vs Cerebral

08 CARNICERIA SANZOT Bateristas, esteorotipos y habilidades 14 CRONICAS DEL PASEO MARITIMO

Cap. 20: La fuga de Logan pt. 4

18 MUNDO DJ Integral Bread, Dj Chart, Metabar 26 ARDE BOLIVIA! La Juntucha

30 mozart no pensaria esto Cap. 16: Si abres mi cerebro encontrarás un mendigo

50 ANTES DEL CONCIERTO K-tolicos

52 SINESTESIA Sound Cube de Bernhard Leitner 56 LA VENTANA NACIONAL Leila

60 SALA DE CONCIERTOS Def con dos 62 JAZZ! Fusión- Los años ‘70 66 PARQUESONORO Roy

36

68 EL GRAMOFONO Burgim, Lector Acróbata, My Yellowstone, Philip Sayce, Stratovarius, Marillion

artista del mes PLANK, el ritmo de Burgos

Equipo lacarne magazine Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y redacción Pedro Gallardo

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

Colaboradores

Sebastián Díaz, Porras, Alonso Torres, J. G. Entonado, Alex Janßen, Oscar Trigoso, Marta Lozano, Manu Herrera, Carlos Rubio, Paquita García, Ferry Ms, J Palomo, La Culpa, Enrique Falcó, Lorenzo Sanz, Crónico

www.lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

por Ferry MS

Foto Cristina Tovar

¿Quién dijo que el rap extremeño había muerto? Los amantes del hip hop en Extremadura siempre hemos podido sentirnos orgullosos con la calidad de artistas de nuestra región, tales como KPF, Isayah Thomas, Keishal, Crimen Perfecto, Delorean Claps y un largo etcétera. Este mes presentamos a The Jeiters. Este nuevo colectivo formado por Ese Mané, Mayes TSB, Shaitan, Fred y RMD en las producciones presentan su primer trabajo “Antes del odio”. Un grupo que deja el listón muy alto y un futuro muy prometedor para el rap extremeño.

En The Jeiters os unís cuatro mc´s y RMD a cargo de las instrumentales ¿Cómo se forma el grupo?

RMD tiene la culpa de todo (risas). No, en serio. Todo empezó como un proyecto de RMD, el plan era simple: “Juntar varios Mc’s que rapearan sobre sus bases”. No tenían que ser siquiera los mismos Mc’s en todas las instrumentales, pero en algún momento del viaje, lo

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que comenzó como algunos temas, se transformó en un método de trabajo, más allá, una familia. Y en ella estamos no sólo Mc’s y productor, también toda la gente que nos apoya y ayuda día a día, que no es poca. ¿Qué creéis que podéis aportar al panorama actual? ¿Cómo os definiríais?

Probablemente lo que más llama la atención de la gente que nos va escuchando, es la diversidad. Somos cuatro Mc’s, cada uno con estilos y formas diferentes de creación, composición, etc. A eso súmale las producciones de RMD, que tienen un sonido muy característico. Creemos que ese cóctel tiene como resultado un producto bastante genuino y con una personalidad bien marcada.

The Jeiters es un grupo muy carismático ¿De dónde sacáis vuestras influencias?

Cada uno de nosotros llevamos por separado mucho tiempo dentro de esto. Eso nos ha permitido evolucionar de manera individual, para poder sumar al final como grupo. Por ello, podemos encontrar “influencias” de una gran variedad de grupos y artistas, puesto que cada uno de nosotros escucha música diferente, con estilos y procedencias dispares. A todo esto, hay que sumarle las experiencias propias de todos los que formamos The Jeiters. Toda esa extraña mezcolanza es precisamente lo que nos hace fuertes.

Siendo cinco componentes ¿Cómo os ponéis de acuerdo para componer los temas? ¿En qué os inspiráis para escribir?

Lo primero en llegar a nuestras manos siempre es la instrumental de RMD, a partir de la cual desarrollamos nuestras letras. A veces RMD tiene su propia idea sobre qué se podría decir en una instrumental, la expone y si nos convence, la desarrollamos. Otras veces nos ponemos a escribir todos juntos para ver qué se nos va ocurriendo, o decidimos un tema que tratar y escribimos en nuestra casa, por separado, para juntarlo todo al final en el estudio. Tenemos libertad de creación y de trabajo, lo cual nos permite mantenernos muy a gusto con lo que hacemos.

Siendo una nueva formación ¿Creéis que es fácil actualmente salir adelante en la escena hip hop?

La cosa está peor que mal. Hemos llegado a un punto en el cual solamente se va a los conciertos de los grupos que salen por televisión, o que de algún modo han conseguido cierta relevancia nacional. La mayoría de la gente se ha olvidado de los propios grupos locales que existen en cada ciudad. Vemos esto como algo cultural, una cuestión educativa. Mucho “postureo” y mucho enchufado. Ahora se le da más importancia a las reproducciones que tengas en redes sociales que a tu nivel artístico. Así va el planeta… ¿Cuáles son los planes de futuro para The Jeiters?

Trabajar, trabajar y trabajar aún más duro.

Gracias por ceder vuestro tiempo para los lectores de La Carne Magazine. Os deseamos lo mejor en este nuevo proyecto.

Gracias a vosotros por vuestro interés e infatigable apoyo. ¡Amor para tod@s!

https://www.facebook.com/thejeiters LaCarne Magazine

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A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Nombre y sitio en el grupo

Ricardo Lázaro, vocalista

Grupo

Calibre Zero

Años desde el primer concierto?

7 años

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Tranquilidad

Prefieres estar solo o acompañado?

Solo

Tienes ritual de subida al escenario?

No

Te has tirado al público alguna vez?

No

Después del concierto fiesta o cama?

Si estoy de gira, cama y si son solo un par de conciertos, fiesta

Qué no debe faltar en tu camerino?

Silencio

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Grand Magus

Un disco

Volumen brutal de Barón Rojo

Una canción

March of time de Helloween

Qué es lo mejor de dar un concierto?

La conexión con la gente

Y lo peor de dar un concierto?

Nada

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V

Vs

A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Jesús Chávez, guitarrista y cantante

Nombre y sitio en el grupo

Cerebral

Grupo

8 años (2006)

Años desde el primer concierto?

Nervios

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Con mis compañeros de banda

Prefieres estar solo o acompañado?

No, la verdad es que me gusta beberme una cerveza con unas risas y directamente al show

Tienes ritual de subida al escenario?

No, nunca he creído que me fueran a coger

Te has tirado al público alguna vez?

Depende del día siguiente. Si hay otro concierto, cama, si no hay concierto, fiesta!

Después del concierto fiesta o cama?

Un espejo y cerveza

Qué no debe faltar en tu camerino?

Con Foo Fighters

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

VAST, el primer LP

Un disco

Best of you, de Foo Fighters

Una canción

La adrenalina

Qué es lo mejor de dar un concierto?

Que te quedas con las ganas de dar otro

Y lo peor de dar un concierto?

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BATERISTAS, ESTEREOTIPOS Y HABILIDADES

A

unque en realidad, todos los músicos son especiales de una u otra manera, hay que reconocer que los baterías distan mucho de acercarse a la normalidad. Para bien o para mal, los portadores de baquetas, instrumentistas de platos, bateras, tocadores de caja y timbales, batacas, drummers, percusionistas, o como cada uno buenamente les denomine, son distintos, especiales y muy particulares.

Y curiosamente son siempre escasos. Hace más de diez años que abandoné la música en activo, y según me cuentan mis amigos del mundillo musical, aun sigue en alza la cotización de un buen batería estés donde estés. Da igual que nos encontremos en Badajoz, Salamanca, Madrid, Barcelona, Sevilla o Granada. Allí donde vas los baterías no abundan, y los buenos ni hablamos. En detrimento de guitarristas, cantantes, teclistas, bajos y demás.

Supongo que una de las causas naturalmente será aquello del vil metal y la voluminosidad que encierra a tan particular y extraordinario instrumento. Es mucho más económico y práctico, por razones de espacio, comenzar con una sencilla guitarra o teclado, instrumentos que puedes adquirir a módico precio y con los que puedes practicar hasta caer rendido en tu propia habitación sin molestar a nadie.

Conste en acta que me parece loable el interés hacia cualquier instrumento, ya sea la gui-

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tarra, la viola, el contrabajo, la dulzaina o el ceremín, pero gracias a Dios siempre existen quienes no se doblegan hacia la practididad y el conformismo, y desafían a la economía y los rigores de elegir tan gitantesco artefacto, el cual otorgará algo más que ritmo a los sueños y melodías que se traducen en bellas canciones.

Mientras los guitarristas, bajos, teclados, pianistas o violinistas miman sus herramientas, los baterías no se cortan a la hora de golpear timbales y platillos, siguiendo la inteligente máxima que afirma: “Para eso están”.

A los bateristas no es necesario que les indiquen que bajen o suban el volumen, porque nunca es necesario que su sonido sea amplificado en un pequeño local de ensayo, y es cosa inútil y tontería pedirles que reduzcan su intensidad de golpeo, porque sabes de sobra que no lo van a hacer. Algo parecido a lo que durante toda la historia de la música llevan haciendo otros intérpretes y ejecutantes, como los guitarristas, quienes cuando les piden que bajen el volúmen de sus amplis ellos “hacen como si lo bajaran” y todo el mundo sabe que en realidad no han alterado a la baja el sonido, sino que incluso han aprovechado para subirlo un poquito.

Este hecho, por cierto, también se repite constantemente en cualquier ciudad del mundo mundial y en cualquier época, cultura o dimensión del universo (musical).

Pero bromas aparte, siempre me he sentido interesado por este maravilloso y estruendoso instrumento, así como por los músicos que ejecutan sus pistas y directos. ¡Que descorazonador que todavía se piense a priori en el batería como en el más torpe o bruto de la banda! El mundo audiovisual tiene bastante culpa en este sentido y ha ayudado bien poco a la dignidad de quienes ejecutan tan importante instrumento en las formaciones musicales.

Nunca les perdonaré a los creadores de Los Trotamúsicos que fuera un burro el batería del cuarteto de Bremen, portando además para más celebridad un nombre como “Tonto”, pues no me negarán, amigos lectores, que tal elección encierra una cantidad de mala leche amén de negativas denotaciones y comnotaciones.

Aun recuerdo una de mis películas favoritas de todos los tiempos, The Commitments, dirigida por Alan Parker en 1991, de obligada visión para todos los amantes de la música, en especial para aquellos inmersos en la adolescencia con la intención de formar una banda o grupo musical.

En este film, entre otras cosas, todos aprendemos cual es el importante papel de un buen mánager. Parece que estoy viendo a Outspan Foster, guitarrista del grupo, fascinado por el LaCarne Magazine

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nuevo amplificador para la banda, preguntándole al mánager Jimmy Rabbitte: “Increíble... ¿De dónde lo has sacado?”- “¡No preguntes!”- Responde el mánager con mala leche y cara de circunstanscias. ¡Eso sí que es un mánager, sí señor!

Pero en el asunto de los baterías la película no ayuda en absoluto a forjar buena imagen de los bateras. En uno de los ensayos, Deco, el extraordinario vocalista interpretado por Andrew Strong, se sienta a los tambores y comienza a golpear timbales y platos provocando un ruido de mil demonios.

-”No es tan difícil tocarla eh?”- le inquiere con mala leche al baterista. “Hay que tener coordinación y habilidad”- contesta el ofendido bataca. “¡Nunca podrás tocarla!”.

En otra escena, en la que el personaje de Billy Mooney, primer batería de la formación, le comunica a Jimmy Rabbitte que abandona el grupo, el mánager indignado le responde: “¡Que te jodan, cualquiera puede tocar la batería!”- Algo con lo que el menda (Nobleza obliga) no puede estar más en desacuerdo. Y como colofón el mánager coloca nada menos que a Mickah Wallace, un pedazo de bestia, animal de bellota mega violento que encima acaba tocando bastante bien.

Recuerdo que en películas clásicas y entrañables como Great Balls Of Fire no se le dedica a este instrumento ni una sola frase. O incluso en bodrios como aquel intento de mostrar la primera etapa musical de The Beatles, Backbeat, en donde en alguna escena también se ningunea al baterista.

Aunque justo es recordar que existe alguna otra película en donde el batería se presenta de manera más positiva, como en The Wonders, en la que además de ser el guaperas es el responsable con su cambio de ritmo del gran éxito de la única canción del grupo. También recuerdo de manera más cómica a aquel batería de Casi Famosos saliendo del armario justo antes de un accidente aereo que finalmente no se produce.

Musicalmente, destacaría entre las habilidades de un buen batería especialmente su tempo y sentido del ritmo. Aquel que sabe imprimir la velocidad adecuada y mantenerla, elevará sin duda a una banda hacia lo más parecido a la perfección.

Personalmente me gusta pensar en un batería como en una especie de director de orquesta, quien marca el ritmo al principio de la canción, y quien avisa con sus redobles que se aproxima un cambio, la entrada al estribillo o un aumento de intensidad.

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Si además de todo esto, hay algo que valore en un buen batería, sin duda alguna ello es la originalidad de sus breaks y ritmos en detrimento quizás de una mayor o menor técnica.

Se critica mucho por ejemplo a baterías como Ringo Starr (Yo mismo en mis artículos en LaCarne Magazine y mi propio blog lo rebajo a la altura de considerar a Paul McCartney mejor batería que él) en detrimento de coetáneos como Charlie Watts, por aquello de contar con más “técnica” al ser éste batería de Jazz. Igual como batería de Jazz sí es posible que el batera de los Stones supere a Ringo, pero como batería de pop-Rock dificilmente lo creo a pesar de su carrera jazzística.

El ritmo de Ringo en temas como “Drive my Car ” es fabuloso, incluso en algunas de las primeras canciones como “Rain”, “She Said she said” o “Ticket to ride” las pistas son realmente imaginativas, en las que sin duda influyó McCartney, quien siempre aleccionaba a Starr sobre la importancia de conseguir pistas interesantes.

El mismo McCartney grabó pistas de batería maravillosas como “Back in the URSS” o “Dear Prudence” del álbum blanco. Pero sin duda en discos como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967) o Abbey Road (1969) (donde hay un gran trabajo de timbales y LaCarne Magazine

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tom) ejecuta el baterista de The Beatles piezas soberbias, y algunos baterías como el propio Phil Collins han declarado en más de una ocasión que no sabrían que hubieran podido hacer al encontrarse con temas como “Strawberry Fields” o “A Day in the life”.

Pero volviendo al tema de las condiciones que debe reunir un gran batería, he de confirmar que me declaro simpatizante activo de aquellos que nunca hacen dos breaks o redobles iguales en una canción.

Entiéndanme, me refiero a aquellos que son capaces de expresar en cada momento sus sentimientos y por otrora no son amigos de repetir el mismo e idéntico redoble en una canción cada vez, vamos, que se dejan llevar según sus sentimientos actuales.

Quien suscribe era de esos, y he de reconocer que tal particularidad no suele contar de primeras con el visto bueno del resto de músicos de la formación, por aquellos de no saber muy bien qué es lo que se van a encontrar. Pero así mismo les puedo asegurar que el resto de miembros se acaban acostumbrando e incluso contagiándose de esta actitud, la cual sobre todo en directo otorga un sin fín de satisfacciones.

Los baterías son como son, y así hay que aceptarlos. Y después de todo, amigos lectores, piensen que detrás de una batería existen músicos increíbles, con una gran formación (en especial los americanos) y que son capaces de tocar en tiempos y compases inimaginables, y ello no puede ser más que un don.

Y luego están los solos, que a muchos pueden parecerles cargantes. Pero no dejen de pensar, que lo peor de todo es que después del solo del batería, suele venir el solo del bajo, y eso sí que es otra historia.

Contacta conmigo desde blogdeenriquefalco@hotmail.com

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[Cap.20]

La fuga de Logan.

Músicos extremeños en el mundo exterior - Parte 4

[21] Aunque hay algún ignorante de por ahí fuera que se refiere a ellos como una “banda barcelonesa”, Los Ganglios son de Montijo.

Hace ya algunos años llegó a nuestras manos un disco que respondía al título de Dos voces/ Duas vozes. Era 2001. Lo cantaba Manuela Roque. Alguien nos dijo que Manuela era o había sido bedel/ordenanza del Instituto de Bachillerato de Montijo, y que su marido Pepe Melara era uno de los músicos de losdetodalavida de Montijo, territorio musical.

Aunque el disco era un homenaje en forma de versiones de la gran Amalia y de Chavela Vargas, y teniendo en cuenta que en esta casa cantarranera se oyen palabras como “versiones” o “tributos” y salen salpullidos automáticamente, este disco lo tenemos bien guardado porque el apellido Melara comienza, en este momento, a formar parte de lo que luego devino en nuestras Crónicas del Paseo Marítimo.

Pablo Melara y Jacinto Melara son hermanos. Creemos, no obstante, que no nos equivocamos en los nombres, porque hacerles seguimiento familiar resulta harto complicado.

Pablo Melara aparece en el disco de Manuela Roque como el encargado del diseño gráfico.

Manuela Roque es, obviamente, la madre de Pablo y Jacinto Melara, es decir de Xoxé Tétano y Rafael Filete, es decir, de Los Ganglios.

Cuentan las crónicas que, efectivamente, Xoxé Tétano/P. Melara comenzó a estudiar Bellas Artes en 1994, y que en 2003 llegó a su vida Anna Fredriksson, sueca de Gotemburgo, y la parte femenina que nos faltaba en Los Ganglios, es decir, Leli Loro.

Hace poco les veíamos buscando alquilar casa en alguna población de la provincia de Barcelona, en la que últimamente pasan buena parte de su tiempo.

Los hermanos Melara han vivido en muchas casas y en muchas geografías. Pero su techo matriz es Montijo y no lo abandonan, porque cuando menos te lo esperas andan por aquí camino de La Huerta Sonora que la tienen al lado o cruzando el río para ir a actuar a Almendralejo. ¿Los Ganglios? Poco que decir sobre ellos.

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Son la joya de la corona, y son de Montijo, aunque algún ignorante listillo se siga refiriendo a ellos como “banda barcelonesa”.

[22] Repetimos. Aunque hay algún ignorante de por ahí fuera que se refiere a ellos como una “banda madrileña”, Local Qua4tro son de La Vera. Al menos la mayoría de sus miembros.

Pues sí, son veratos. Abandonaron juntos Extremadura y el ámbito rural de nuestro norte para irse a la meseta, a Madrid. Y allí empezaron a construir un universo musical urbano, cosmopolita y delicioso.

Llevan más de diez años subidos a los escenarios y publicando maquetas y discos tan redondos que todavía nos sigue sorprendiendo que permanezcan habitando en la cara b de este negocio.

Ya lo dijimos en algún lugar: Sequía goleadora (2006), Cosas del Polo Norte (2007), Hace media hora (2008), Recalificación de los terrenos urbanos (2009) marcan la secuencia cronológica de Local Qua4tro, y su crecimiento artístico. En Cantarrana se pueden escuchar completos todos sus trabajos. Ya lo hemos dicho por activa, por pasiva y por perifrástica. Podríamos repetirlo una vez más. Fabrican canciones redondas y maravillosas. Inolvidables sus Sofía Coppola, La verbena de San Isidro, Canción del perfecto idiota, el cover de Estuve enamorado, No malgastes el tabaco, La letra pequeña, Secundario cómico, Radio G (Fantástica), El ticket de la ORA, Películas y un largo etcétera.

Y en esto que descubren el fenómeno de la gravedad. En esto que llega 2013. Un disco glorioso.

Tremendo. Con una excelente producción. Bañado de luz. Nos emociona de principio a fin. No lloramos porque ya somos algo viejunos y nos da cierto pudor, y porque los hombres no lloran, o al menos eso dicen, pero La Gravedad de Júpiter es una enciclopedia de himnos, un rosario de canciones emocionantes, de melodías que te devuelven al tiempo pasado, como decía Proust.

A los días de las madalenas con café. Pero también a los días de brindis eternos. A las jornadas en las que era más importante cómo terminabas la noche que cómo comenzabas el día.

Doce temas como doce planetas. Redondos. Circulares. Majestuosos. Hoy, pista 8, por sí sólo, haría obligatorio que a Local Qua4tro se le levantara un monumento en el parque de Madrigal.

Un monumento a la alegría verata. Al tiempo de farra y rondas.

Lo dicho. Para caer a sus pies.

Nos seguimos preguntando cómo es posible que no exploten y arrasen en las ondas de medio mundo.

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Cuando se escriben estas líneas han vuelto a dar a luz un nuevo disco. Síndrome de Stockholm.

Y aunque por esas cosas de la promoción, aún no ha llegado a nuestros oídos, será, a buen seguro, otro fantástico ejemplo sonoro.

No suelen viajar mucho a Extremadura. La última vez que supimos de ellos actuaban en Cáceres. Mejor no recordarlo. Fue triste ver completamente vacío el bar frente a un portentoso ejercicio de buena música en lo alto del escenario.

[23] ¿Rock Radikal Vasco? Pero si Paco Galán es de Navas del Madroño.

El 31 de agosto de 1991 Eskorbuto ofreció uno de sus últimos conciertos con los miembros originales.

Fue en Extremadura. En Trujillo. En su maravilloso castillo.

Uno de ellos era Paco Galán. Había nacido en Navas del Madroño en 1956. Abandonó Extremadura y viajó a trabajar en Altos Hornos de Vizcaya. En 1982, mientras vivía de okupa en Portugalete, se convierte en batería de Eskorbuto y se transforma, para siempre, en Pako. Y así nació la leyenda.

La historia ya la conoces.

[24] La historia comienza en Trujillo. En 1985. Cerca del Bar La Bóveda. El bar ya no existe. Pero Luis Miguel Mateos nos contó una noche cómo fue todo. Luismi y José Luis Gutiérrez, Guti, coincidieron en la Alberca, donde se juntaban los jóvenes trujillanos de aquellos años.

De aquí nació Primero de Solfeo. Se unieron a ellos Álvaro Gil, sin duda alguna, uno de los grandes músicos extremeños, y Cándido de la Cruz.

Vino luego Takun Q Takun, el nombre definitivo y la gran referencia musical trujillana de todos los tiempos. Lamentablemente Guti murió.

Fernando Gutiérrez era un niño cuando su hermano se subía a los escenarios. La muerte de Guti hizo crecer en él un empeño, una obsesión. Que no se perdiera la herencia musical de su

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hermano.

Junto al Takun Álvaro Gil, Rafael Mañanas y Marcelo Amarillas creó Andén 54. Nos queda para la historia un pequeño gran disco con cuatro temas que aún emociona.

Pero el empeño de Fernando, Nando, fue continuar el trabajo de su hermano Guti, y nació Takun sin Takun. Nando y Rafael Mañanas se pusieron a ello. Fue el homenaje que le hicieron en La Abadía. En 2007. Eran las canciones de siempre del grupo. Revisitadas. Con una nueva vida. Más tarde los vimos aquella noche de agosto de 2010 con Luismi en el castillo de Trujillo.

Fecha que ellos dan como inicio oficial del nuevo proyecto.

Fernando abandonó Extemadura para irse a trabajar a Madrid. Pero la semilla de la música permanecía inalterable. Y Takun sin Takun continúa su periplo ya fuera de nuestro territorio.

Nuevos sonidos. Nuevas canciones. El mismo ímpetu y la misma emoción y devoción del hermano menor hacia el hermano mayor. Emocionante.

Daniel Canales Llera, Dennis Channels, es de Mérida. Es otro Logan que abandonó Extremadura y hoy comparte filas en Takun sin Takun con Nando Gutiérrez.

[25] Según él mismo cuenta, Israel Gómez nace en 1979 en Don Benito. De pequeño ya empezaba a preparar sus primeras mezclas en casa con dos equipos de reproducción de cassette y así empezó a actuar en fiestas de cumpleaños y navidades.

Entre 1994 y 1998 pasa por los centros extremeños de referencia de la música de club, como la Sala Trípode o el Club Gavilán en su ciudad natal.

A partir de 1998 comienza a trabajar fuera de Extremadura. Pasa por Madrid y Mallorca, donde crea uno de los afters clubs con más fama de la isla, el Basic Elements, al que el público bautizó como “clandestino”, y por el que pasaron buena parte de la nómina deejay nacional e internacional.

Le quedaba Ibiza. Y llegó a uno de los mejores clubs del mundo. Pachá.

De 2009 al 2010 Israel Gómez vuelve a Extremadura consiguiendo atraer a nuestra comunidad artistas de la talla de Circoloco, Tato y René, Pig & Dan de Cocoon, Cycle djs, Issie Nixon, David Moreno, Toni Moreno o 2 Vilas Djs. En el año 2011, Israel Gómez se traslada a Nueva York, donde reside en la actualidad, y donde consigue actuar en salas como Gotham Hall, Café Noir, Brio, Grace Hotel, al tiempo que la residencia en Lizarrán, donde propone House, Deep House, NuDisco y Techno.

Se le puede ver con cierta frecuencia compartiendo cartel con la montijana Carmen Estévez.

Como el que no quiere la cosa, hemos creado un pequeño lobby extremeño en el mismo corazón de Brooklyn.

Continuará…

Cáceres. Octubre. 2014.

http://cantarrania.blogspot.com/ LaCarne Magazine

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Nacho Vicente Vargas (Integral Bread) comenzó a componer música en 1995. Durante todos estos años ha trabajado con numerosos géneros de la electrónica, evolucionando durante todo este recorrido hacia un estilo muy marcado y personal.

En el año 2000 se unió a Joaquín Gemio formando el dúo Bread and Butter, con el cual obtendría un gran éxito en el panorama nacional.

Su trayectoria en solitario está avalada por numerosas referencias y remixes editados en distintos sellos, además de contar con el soporte de artistas y medios especializados. Actualmente es manager del sello Univack Records, y del colectivo Grado Techno.

Su directo, recientemente galardonado con el premio a Mejor LIVE del 2012 en los “Extremadura es Electrónica Awards”, ha tenido un importante reconocimiento del público y crítica especializada, actuando en vivo incluso en medios tan importantes como Radio 3 (en dos ocasiones). Su Live se ha paseado por festivales como Klubbers Day, Electrosonic Burgos, Live Dance festival, Summer Festival, Hebben Live, etc, compartiendo cartel y escenario con artistas de la talla de Orbital, Richie Hawtin, Sven Väth, Jeff Mills, Carl Craig, Marco Carola, Guy Gerber ,The Hacker, Oxia, Dj Rush, Umek, Robert Hood, Oscar Mulero, Paco Osuna, Cristian Varela, y un largo etcétera.

Hoy tenemos la suerte de tenerlo aquí con nosotros para hacerle unas preguntillas y saber algo mas de este gran artista.

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¿De dónde salió ese interés tuyo por la producción?

Buenas tardes! Pues fue algo casi instantáneo, nada más tener el primer contacto con este estilo. Coincidió justo después de varios años en los que estaba trasteando con el piano, la guitarra, y el bajo, y teníamos intención de formar un grupo de rock con amigos de Sevilla, donde iba a menudo porque tenía allí familia. Al final descubrí la electrónica y me cautivó la idea de poder crear música con ordenadores y máquinas. Fue allá por el 1995 cuando empecé a trabajar con trackers y aplicaciones del estilo. Ya algo más tarde pude comprarme mi primera Groovebox, y así poder empezar a crear mis primeros LIVEs. Fue ahí cuando ya no tuve marcha atrás en esta pasión que a tantos nos ha cautivado. ¿Cómo nació Integral Bread?, ¿en qué te inspiraste para ese nombre?

Integral Bread fue el primer título que escogí cuando terminé mi primer tema. Se lo puse un poco de broma. Por aquella época, algunos amigos me llamaban “Pan”, al tener mi familia una panadería. Como BREAD quedaba muy solitario, se me ocurrió añadir el INTEGRAL. Cuando me uní con Joaquín Gemio para formar nuestro dúo, le llamamos Bread and Butter, y ya cuando volví a trabajar en solitario, en vez de utilizar un nombre nuevo, se me ocurrió recuperar el nombre con el que empecé casi en broma. (La cosa ha ido siempre sobre Panes). ¿Con qué equipos trabajas en tu estudio?

Aunque empecé trabajando con máquinas, ya que los ordenadores por aquella época no eran lo suficientemente potentes, y porque para mostrar mi música en vivo era imprescindible tener sintes, cajas de ritmos, samplers y efectos hardware; hoy en día trabajo sólo con mi ordenador e instrumentos y efectos virtuales. Todos mis antiguos cacharros los tengo bastante apartados, sobre todo porque no tienen la calidad suficiente para obtener un resultado de sonido sólido.

Ahora son como “juguetitos” que por nada vendería, ya que espero divertirme mucho con ellas cuando sea abuelete. Mi estudio es bastante humilde. Mucha gente al escuchar mi música se cree que tengo un mega-estudio. Yo más bien diría que tengo un estudio muy modesto, con lo básico para trabajar de forma fluída y conseguir un sonido decente. Un buen ordenador, una Focusrite como interface de audio, unos Genelec como monitores, unos auriculares de estudio profesionales, AKG y Beyerdinamic y varios teclados y controladores. Algunos de ellos los utilizo también para mis actuaciones.

Aunque he trabajado con muchos secuenciadores, desde bastante tiempo me siento muy cómodo produciendo con Ableton Live. Y si tuviese que elegir un vst entre todos los que utilizo, me quedaría con el sinte Sylenth. ¿Podrías contarnos algo de los próximos proyectos que tengas a corto plazo?

De momento mi tiempo me impide aceptar todas las propuestas que me llegan. Tengo muchos proyectos entre manos, sobre todo relacionados con mi trabajo en el estudio. Muchas colaboraciones, trabajos originales, y peticiones de remixes, por lo que actualmente me tengo que volver más selectivo. A parte de eso está mi trabajo junto a mi compañero Elio Kr con nuestro sello Univack, el cual está obteniendo cada vez más repercusión dentro del panorama de Techno Melódico internacional, y que provoca que cada vez haya que invertir más tiempo en él para que siga creciendo. Es un trabajo muy sacrificado, pero también muy ilusionante, y del cual tenemos la sensación de que lo mejor está por llegar. En los próximos 3 meses van a aparecer muchos trabajos que he ido componiendo durante este último año. Destacaría un EP de tres cortes originales + remixes, que he compuesto con mucho cariño para el sello FutureForm, el cual LaCarne Magazine

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se ha estado cociendo durante más de un año y se prevé que saldrá a finales de año. Además de un EP para el sello nacional Soundness, y de una muy esperada referencia compuesta a medias con Elio Kr, mi cuñado, compañero de fatigas musicales, y socio en Univack Records, que además irá con el trabajo de un artista de gran repercusión internacional… pronto sabréis el nombre.

Cuéntanos alguna anécdota que te haya sucedido en alguno de tus directos.

Pues sí que hay bastantes, claro está, algunas más agradables y otras mucho menos. La mayoría de las anécdotas se producen en los viajes y alojamientos. Pero tengo grabada en mi memoria la primera actuación en directo que hicimos como Bread & Butter en Andalucía, nada más fichar por la agencia SATISFAXION. Irrumpimos en la escena Break del Sur del país de forma algo explosiva, quizás más rápida de lo habitual, por lo que la gente se pensaba que éramos extranjeros. En dicha fiesta la gente se acercaba a nosotros hablando en Inglés, y con la broma, nos dio por seguir el “royo” y hacernos pasar por guiris, respondiendo a la gente en inglés, haciéndonos fotos y firmando autógrafos.

Has compartido carteles con artistas tan impresionantes como: Orbital, Rtchie Hawtin, Carl Craig, etc,etc ¿te ha aportado algo el pinchar con artistas así o ha sido igual que al compartir escenarios con otros artistas con menos renombre?

Pues promocionalmente claro que me ha aportado haber actuado junto a tan importantes nombres, pero son realmente los no tan conocidos los que te aportan grandes cosas artísticamente hablando. Quizás porque normalmente estamos más cercanos a ellos, y las grandes estrellas suelen ser más distantes. Además, siempre he sido muy respetuoso con los grandes artistas y no he querido aburrirles con temas que estarán hartos de escuchar allá por donde actúen....

Lo bueno es que he tenido la gran suerte de poder intimar con algunos de ellos de una forma más cercana, tanto en la fiesta en sí, como compartiendo viajes, estancias y demás. Lo mejor de todo es poder bromear con ellos, las risas y las situaciones comunes, como las que sueles tener con tus amigos.

Hoy en día parece que todos los djs tienen la obligación de ser productores, ¿crees que para ser dj hoy en día tienes la obligación de serlo o se puede ser un buen dj sin ser productor?

Se puede ser buen Dj y no producir, a la vez que se puede ser un gran productor y no ser buen Dj. Supongo que por la competitividad que existe dentro de la industria de la música electrónica, hay muchos djs que se interesan en producir para destacar en la escena, y es algo positivo, siempre que se tenga talento, paciencia, y se consiga un buen resultado. En mi caso nunca he pinchado. Desde el principio me cautivó la idea de componer, y luego de mostrar esa música que hacía en mi estudio al público mediante Lives acts. Hoy en día la tecnología lo simplifica todo, y lo hace más accesible a todo el que tenga un poco de interés. Creo que el dj actual tiene poco que ver con el dj de hace 15 años, al igual que los productores. El avance tecnológico ofrece muchas posibilidades, tanto para pinchar, para componer, o para mostrar tu música en directo.

Esto es algo positivo, pero a la vez puede convertirse en algo negativo. El problema puede aparecer cuando nos conformamos con lo más simple, en vez de intentar aprovechar al máximo el potencial que dicha tecnología ofrece. Nos quejamos de que cualquiera puede pinchar, y de que hay tantos artistas triunfando entre las masas sin aportar nada artísticamente hablando, pero la mejor forma de luchar contra eso, o destacar, es la de ofrecer algo distinto, diferente, y único. Antiguamente, el Dj hacía un enorme trabajo buscando y comprando vinilos, tenía que

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estudiarse bien los temas, y depurar cada vez más la técnica. Construir las mezclas sin ayuda de aplicaciones y herramientas, aparte de aprender de la psicología de la pista de baile y del público (que también es diferente al que hay ahora), y de educar musicalmente en parte a ese público, probando nuevos estilos y no seguir tanto a las modas. Creo que cada dj tenía su marca y estilo propio de una forma más visible para el público que ahora. Para mí, hoy en día, un buen dj bien podría ser aquel que sigue fiel a la “idea” del buen dj de toda la vida, que escucha mucha música, de distintos estilos, y dedica mucho tiempo seleccionar buen material, exclusivo y de calidad; o bien el que también aprovecha al máximo la tecnología actual para ofrecer un show diferente y único, fuera de lo que casi todo el mundo hace. Ahora bien, lo ideal para mí, y lo que me gustaría ver más en las fiestas, sería productores que pinchan sus propios temas, o que hagan Lives en vez de pinchar. Un concepto con una mayor identidad artística personal. Sé que es algo difícil de lograr. Requiere conseguir crear una música y sonido que pueda mantener a toda una pista de baile… con tiempo, sin prisas, y con mucho trabajo y sacrificio, es algo que puede conseguir cualquier persona que tenga algo de talento o inquietud artística. El mostrar tu propio trabajo en directo y ver que el público lo recibe y disfruta con tanto agrado, es lo más placentero que puedes recibir como músico.

¿Cómo ves el panorama de la música electrónica en Extremadura?

En el ámbito artístico, siempre he creído que Extremadura ha sido una región muy rica. A pesar de su densidad de población, siempre ha habido muchos y muy buenos djs, grupos, y productores. Además, constantemente siguen apareciendo nuevos artistas de gran calidad o que prometen un futuro muy agradable. Además, Extremadura tiene un público muy variado y abundante.

Cada vez hay más afición por este estilo, y hay muchísima gente joven que disfruta con esta música. Creo que si entre tod@s los que ya somos un poco mayores o tenemos algo que aportar, cuidamos, educamos, ayudamos, y respetamos a los que vienen detrás, podemos conseguir LaCarne Magazine

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que Extremadura sea un referente importante dentro de la cultura electrónica nacional. Como aspectos negativos, creo que en Extremadura ocurre como en la mayoría del país y supongo que del mundo. La música electrónica se ha globalizado y comercializado de una manera explosiva. Se ha convertido en concepto Mainstream. Podría ser algo muy positivo, sobre todo a largo plazo, pero hay muchos factores que influyen de forma negativa en toda esta escena. Quizás lo más influyente sea la crisis económica, que no facilita el que haya muchos eventos, o que dichos eventos tengan el público necesario para obtener beneficios para todas las partes implicadas.

El promotor quiere arriesgar poco, y les resulta difícil apostar por nuevas propuestas, o que consideren más arriesgadas, por mucha calidad que tengan. También creo que idealizar tanto a la figura del Dj como súper estrella musical, ha influido de forma negativa. Cuando triunfar como sea dentro de esta industria se convierte en el objetivo primordial, se pierde lo básico, que es la calidad artística de las propuestas, y salen a relucir malos hábitos y hasta a veces estafas: planes de márketing desleal, productores fantasmas, etc. Nos fijamos más en los nombres que en la música en sí. En las marcas de eventos más que en el contenido que pueda tener. A menudo sentimos que estamos compitiendo dentro de un mercado feroz, en el que vemos muchas injusticias artísticas, y en el que parece que no hay cabida para todos, y eso normalmente nos frustra si queremos ser fieles a unos ideales musicales respetuosos, seamos productores, djs, promotores, etc. A pesar de todo esto, yo prefiero pensar que lo importante y lo que nos une es la música como concepto artístico y de ocio, y que todos deberíamos evolucionar juntos, aprendiendo, dando lo mejor de cada uno y respetando a los demás, para así conseguir una escena mundial más sana.

Y ya por último, ¿podrías decirnos tres temas de la historia de la música electrónica que nunca pasaran de moda para ti? ¡Que malvado eres! Siempre he considerado este tipo de preguntas como muy difíciles de responder. Creo que cada tema que recuerdas con cariño va relacionado con un determinado momento especial en tu vida. Ya sabes a lo que me refiero, ese poder evocador que tiene la música. No te diría tres, podría decirte cientos. No hay ninguno que esté por encima de otro, son todos especiales según el momento. Más que tres temas, me mojaré diciendo tres artistas que influyeron en mí sobre todo cuando era más joven: Liam Howlett, Massive Attack, y Hybrid

Que buena tardecita nos hemos pegado y que rápido se pasa el tiempo cuando tienes a alguien delante que tiene tantas cosas interesantes por contarte. Gracias por todo Integral Bread y espero volver a verte y oírte muy prontito!

http://www.integralbread.com https://soundcloud.com/integralbread https://www.facebook.com/pages/IntegralBread/134147726633355

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DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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It,The - “Utopia dream”

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Bicep - “Poly Pineapple”

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Bicep & Hammer - “Day 3”

Kdj - “Untitled 2”

Decius - “Gay futures”

Ralph Lawson & Carl Finlow - “Lost in Dub” Radio Slave - “Rj (reedit)” Ballerini, Luca - “L’eternita di un attomo” Crosson Ryan - “Spoons” Crosson Ryan - “Club Chimes” LaCarne Magazine

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metabar - extremadura de club En esta ocasión, nos vamos a Mérida para conocer un local donde les gusta llevar bastante la contraria a las modas, y es por ello que se apuesta por una música de calidad, sea el estilo que sea. Además, tienen el don de saber combinarla con una buena carta de tapas y unos desayunos geniales.

Se trata de METABAR y su propuesta musical para todas las semanas llamadas “Café&Beats”, unas sesiones compuestas de dos partes (tarde y noche) y que apuestan por conceptos diferentes de la electrónica a la que mas estamos acostumbrados. Para hablarnos de ello contamos con el propietario Juan y con los autores de esta iniciativa que son Manuel Delao y Mopa Dowtempo, más conocidos como Disco Chillio. ¿Cómo surgió la idea de realizar Café&Beats en Metabar?

Manuel: La idea surgió como un experimento de algo que nos apetecía que existiese y se lo propusimos a Juan y probamos. Normalmente la música electrónica esta enmarcada en la noche y asociada a la fiesta, nuestra idea era poder plantear otro contexto para este tipo de música del cual existen muchos estilos. ¿Qué estilos musicales son los que suelen realizar los artistas en vuestras sesiones?, y ¿por qué habéis decidido que no sean los mismos géneros que se suele escuchar habitualmente en la mayoría de las salas donde se escucha música electrónica en Extremadura?

Gonzalo: No nos gustan mucho las etiquetas, intentamos que haya propuestas de electrónica en sus distintas vertientes dentro de un contexto de tarde a unos bpms razonables. Decidimos trabajar con otros géneros precisamente por la falta de promotores que los desarrollen. Enfocamos C&B como una propuesta cultural donde se puede demostrar que la música electrónica no es solo música para bailar, si no también para escuchar.

Metabar no es solo un bar de copas al uso. Cuéntanos un poco cómo y qué es Metabar.

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Juan: La idea es que Metabar sea un espacio multifuncional, con un marcado carácter cultural, sin obviar su funcionamiento como bar al uso. Puedes desayunar y ver una exposición de pintura, asistir a una tertulia fotográfica mientras te comes unas tapas, o pegarte unos bailoteos en una sesión de música electrónica mientras te bebes unos mojitos. ¿Qué tal la aceptación de la clientela ante una propuesta de este tipo que se retira un poco de los convencionalismos en cuanto a música electrónica se refiere?

Manuel: Los comienzos han sido complicados pero poco a poco la gente va conociendo lo que hacemos en Metabar y comienzan a venir para disfrutar de las sesiones de tarde.

Sabemos que Disco Chillío fueron los artífices de Café&Beats en Metabar pero, ¿cómo surgió Disco Chillío?

Manuel: Surgió a partir de pinchar en la inauguración de un exposición de ilustraciones que realicé a principios de 2013, quedamos con una buena sensación después de aquello y nos pareció más divertido que pinchar por separado, así que decidimos ponerle nombre al proyecto y así nació Disco Chillío.

Antes de Disco Chillío ¿actuasteis por separado en algunas salas o clubs como djs?

Gonzalo: Sí, los dos somos unos apasionados de la música desde siempre. Los dos teníamos y seguimos tenemos proyectos musicales independientes a Disco Chillío. Hemos actuado especialmente en Mérida en Antibar, Bujío, Retrovisor entre otros. ¿Os habéis estrenado alguno en la faceta de la producción musical?, y si es así ¿podríais contarnos un poco de como ha sido el resultado?

Gonzalo: Desde hace muchos años enredo con las producciones musicales en distintos grupos de rock, pero no es hasta hace un año aproximadamente cuando me sumerjo en la producción de electrónica utilizando el a.k.a. de Mopa Downtempo. A día de hoy, tengo publicado mi primer ep “Onírica”, que podréis escuchar en mi souncloud. ¿Qué proyectos tiene Disco Chillío para este año?, ¿podríais darnos un avance de actuaciones y de donde podemos encontraros próximamente?

Manuel: Tenemos la residencia en Metabar, donde seguiremos pinchando una vez al mes y, próximamente, vamos a colaborar con un artista y amigo llamado Boke en un intervención artística que tiene previsto realizar a finales de mes en Mérida. Por otra parte, tenemos pendiente cerrar algunas fechas en Cáceres y Badajoz en las próximas semanas.

Por último, ¿podríais avanzarnos algo de lo que se va a poder ver esta temporada en los Café&Beats de Metabar? y adelantarnos también si va a haber algunas novedades o cambios en la forma de realizarlos.

Manuel: Estamos mejorando los medios con los que realizamos y grabamos las sesiones y hemos incluido la emisión en Streaming. El mes de noviembre nos visitaran Dj Batidora y Mellow Tripz.

Bueno pues gracias por todo y ya estoy deseando poder ir a Metabar y sus Cafe&Beats para pasar una buena tarde-noche escuchando buena música! Si podéis acercaros no lo dudéis.

Además sera una buena forma de apoyar iniciativas de este tipo. Recordad que la sección se ampliará con algunas novedades que no os contaré para que sea una sorpresita.

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LA JUNTUCHA - 9 AÑOS APOYANDO AL ROCK NACIONAL Entrevista José Mauricio Cortez, Organizador de La Juntucha Lugar: Plaza Uyuni (Local Azul, zona Miraflores) - Ciudad de La Paz, Bolivia

Desde inicios de año se celebra en La Paz uno de los festivales más conocidos en el ámbito de la música Rock en la ciudad. La Juntucha, que desde 2005 convoca a músicos nuevos para clasificar para tocar en el evento principal de la urbe.

En ésta ocasión, una de las chiti juntuchas (chiti, por pequeña) se realiza en el local Azul, que entre algunas características tiene la cabeza de un gran dragón en el ingreso, y los baños hacen referencia de géneros diciendo Hadas y duendes. Allí nos encontramos con José Mauricio Cortez, organizador de La Juntucha. ¿A qué se debe el nombre de La Juntucha?

La juntucha viene del término juntucheño, que se utilizaba en aymará o en quechua para juntarse a recalentar una comida, pero nosotros acá en La Paz, el lado occidental de Bolivia, utilizamos este término para reunir, juntarse, unirse…, entonces por eso usamos el nombre para hacer el festival. ¿Cómo nace el Festival?

Pues, nosotros nacemos como un primer “pasito” entre amigos que nos decidimos a hacer un concierto y “le metimos”. De ahí, yo al año siguiente vi que esto merecía ser hecho para más gente, agarré las riendas del festival y me quedé solo con el concierto, como prácticamente mi idea, y desde allí que vengo promocionando ya hace 9 años. ¿Cuál es el objetivo del festival?

Tenemos como objetivo internacionalizar a nuestras bandas, además del mismo festival.

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¿Cómo fueron los inicios de los conciertos?

Empezamos el 2005. Las dos primeras producciones se hicieron en el barrio de Alto Obrajes, de allí fuimos al Stadium Obrero, a las Cholas, Plaza Camacho, al Atrio de la UMSA, Parque Urbano Central, y este año estamos viendo si va a ser en la estación central.

Nuestro primer festival fue con 100 personas, los organizadores éramos creo 98 (risas), los chicos del barrio, todos nos conocíamos, los vecinos, los amigos, ya al año fuimos un grupo más reducido, como 10. Con el tiempo fuimos creciendo visitando los diferentes barrios. ¿De qué manera cambió la organización en 9 años con el auge de los medios digitales?

Nos manejamos de dos maneras: la vieja, como volantes, además de las redes sociales (como en facebook, donde tenemos un grupo de 24.000 personas), sacamos afiches, volantes que repartimos a toda la ciudad una semana antes… Hemos ido creciendo cada año, gracias a Dios hemos ido aumentando la gente: el primer año 100, al siguiente 300, 400, hasta el 2013 que tuvimos 7mil personas fijas en el concierto y aparte debemos contar a las personas que van, disfrutan de 2 o 3 bandas solamente. Es un festival de largo aliento, son 12 horas de música y creo llegamos a las 12mil personas. ¿Es un festival itinerante? ¿Alguna vez desearon realizar el festival en un solo lugar?

La verdad: el espíritu de La Juntucha, que nació de un barrio y unos amigos, es para toda la gente, y si lo hacemos en un solo lugar institucional se va a volver eso, una institución, y no es el objetivo del festival. Si nos piden hacer el mismo en otra ciudad, lo hacemos. Hicimos gira el año pasado a Oruro, Potosí, Sucre (interior del país) y la acogida fue muy buena porque deseamos incentivar el arte de los músicos y así crezcan también otros festivales.

Ahora, por ejemplo, cuando iniciamos las Chiti Juntuchas (conciertos de clasificación antes del festival) el 2011, había tres concursos de Rock. Este 2014 existen como 17 eventos similares.

Nosotros iniciamos con 44 bandas, al siguiente año subimos a 76, llegando este año a inscribir a 197 grupos participantes en las Chiti Juntuchas a nivel nacional, empezando en marzo de este año. Es un recorrido de largo aliento. ¿Qué es lo que califica el jurado en estos certámenes?

A las bandas les damos perfiles con jurados en torno a la técnica, les dan tips y puntos de vista de sonido por gente que está en el medio, para que ellos vayan progresando. Pero ojo, las Chiti Juntuchas no son un concurso, son una clasificatoria. Todas las bandas se inscriben para tocar en el festival JUNTUCHA, que desde el 2013 se realizan en 2 días, por la gran cantidad de bandas que desean tocar en todo el país Eso significa que estamos creciendo y que la gente está viendo y desean participar. ¿Qué géneros encontramos en el festival y cuántas categorías tienen?

Las clasificamos por género y estilos más similares. Generalmente no podemos poner a todas las bandas en una sola línea porque, por ejemplo, diferentes líneas sobre el metal y grupos que no hacen lo mismo. Así, tenemos categoría Rock y diverso, experimental, que tiene un tipo de jurado llamémoslos de mente amplia para calificar, en cambio para thrash metal, o heavy, Reggae, ska, funk alternativo, son delimitados y en una línea. Ahora nos encontramos con doce categorías.

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¿Cuáles son los premios para los finalistas?

Este no es un concurso. Lo que les ofrecemos es la grabación de un maxi single, videoclip para la banda ganadora, una gira por el país, tres años para tocar en el festival Juntucha. ¿La Juntucha ha culminado su objetivo?

La Juntucha cumplió un ciclo que era: que otros boliches y productores realicen concursos para los músicos, ahora nos toca trabajar con las bandas y tener un status mayor y sea la nueva ola del rock nacional. ¿Cómo te sientes al ver un grupo que tiene trayectoria y reconocimiento después de haber pasado por La Juntucha?

Feliz, contento porque ese es el objetivo. Si bien muchos otros sacan discos en todo el país y no participan en La Juntucha, me alegra mucho que haya gente trabajando en la música, lo que necesitamos en Bolivia son bandas que se comprometan, así tendrán éxito. ¿De qué manera puede la juntucha volverse internacional?

Necesitamos el apoyo de nuestras autoridades. Nosotros en la Juntucha nos movemos solos, queremos apoyo de los medios de comunicación, por ejemplo, porque nosotros nos acercamos a un medio y no desean pasar nuestro spot. Están muy encerrados en lo que son los enlatados del exterior, los covers, cosa que no importa. Para eso me compro un disco, y lo escucho en mi casa. La idea es producir lo nuestro. Si los medios apoyaran a nuestros artistas, ten por seguro que las personas andarían más alegres y menos estresadas.

Te digo, son 1600 cartas que enviamos por año a casi todas las instituciones y empresas, de las cuales nos responden 20, y al final son 3 las que nos apoyan de alguna manera.

¿Cómo sientes a los nuevos músicos de esta generación en la Juntucha?

La música nunca tiene edad. Como ahora hay más tecnología, entonces es más fácil grabar un demo en tu casa, un poco la calidad baja, pero sí hay otros músicos que ensayan todos los días quizás 2 o 3 veces por semana, y ese esfuerzo se nota. Las bandas que vienen, escucha, todo eso es trabajo y suena bien, entonces ¿por qué no apoyarles?

https://www.facebook.com/JUNTUCHA http://www.juntucha.com 28 LaCarne Magazine

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CAP. XVI - Si abres mi cerebro encontrarás un mendigo

A finales de 2012 me había quedado sólo en Madrid y tuve que ponerme a buscar gente de nuevo. En ese momento estaba bastante centrado en grabar cuánto más mejor, intentando siempre ir buscando compañeros de grabación distintos para que me facilitara el flujo de ideas. Encontré buenos aliados al otro lado del océano, en Buenos Aires. Conocí por internet a Goin Fluxus y a Marcelo Acosta (Los Sabios Duendes).

Goin Fluxus es el proyecto de Martín Goiriz, que pretende tener como plataforma de despegue los sonidos sin discriminación alguna. En su forma amorfa se mueven distintos conceptos de estilo que pueden variar desde la electrónica, el minimalismo, el discurso verbal como protagonista, hasta la utilización de sonidos o ruidos tomados de lo cotidiano de la vida.

Marcelo Acosta también es argentino pero reside en Barcelona; bajista y músico electrónico con mucha capacidad para inventar cacharritos sonoros hechos con poco presupuesto y mucha imaginación. Y según él mismo, su proyecto “Los Sabios Duendes es un grupo integrado por un ser humano, el músico Marcelo Acosta y un gran numero de Duendes que habitan en los circuitos electrónicos de los aparatos que utilizan para desarrollar su performance. Es un proyecto de música electrónica, del tipo ambient, que combina soundscapes con spoken Word, y que cuya música está hecha principalmente con electrónica de hardware, algo de circuit bending, y 2 bajos eléctricos”.

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www.arintonadodo.com Ya ven… un concepto, éste último bastante, arindododiano. Hay mucho mundo por ahí escondido en el underground, y por ese tiempo me empecé a dar cuenta de eso. Es increíble la cantidad de gente inquieta que hay con ganas de hacer música que se distancie de los canales establecidos. Gente que se dedica a las raras músicas.

Junto a ellos comencé a colaborar en un nuevo trabajo llamado “Si abres mi cerebro descubrirás a un mendigo”, en el cual los sonidos están hechos con lavadoras centrifugando, trozos de alambre estirados y voces deformadas hasta el punto que parecen perros sufriendo su soledad… todo eso aderezado con sonidos cotidianos y grabaciones de campo.

Esa grabación la publicó la netlabel Espais, de Pepe Frías. Se puede escuchar aquí: http://espaisnetlab.wordpress.com/036-goin-fluxus-los-sabios-duendes-arin-dodo-si-abresmi-cerebro-descubriras-un-mendigo/ Como digo, hay mucha gente metida en esto, más de lo que parece, que como principal objetivo tienen el producto final, la Música; eso es lo que más importa. Es un concepto distinto al habitual, no hay protagonista ni instrumentos principales, todos se acompañan unos a otros sin sobresalir ninguno del conjunto total. Lo que predomina es la escucha y el respeto por la intervención del compañero que está a tu lado. Incluso hasta el silencio es importante, porque el silencio en sí mismo ya es una intervención que ayuda a que la Música final, que es lo más importante, tenga un sentido.

Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó (contacta desde aquí)

ronda de quintos en la actualidad

E

Quinta del 62 - 2006

n el nº 15 de LaCarne Magazine dedicamos la sección Música viva a las canciones de quintos, un repertorio casi en desuso, que inició su decadencia mucho antes incluso de la desaparición del servicio militar obligatorio en 1990, y del que ya apenas nos quedan canciones si no son las recogidas en grabaciones discográficas de grupos de folklore y en partituras de cancioneros.

Es verdad que ya no hay servicio militar y por lo tanto, no hay quintos de manera oficial, pero no es menos verdad que en muchas zonas extremeñas los jóvenes que cumplen los dieciocho años, chicos y chicas que se autodenominan quintos, se reúnen en determinados momentos para festejar su mayoría de edad y su simbólica entrada en quinta, algo que se manifiesta participando en determinados rituales que tienen lugar en su pueblo, como en el corte y la quema de la encina en el Tuero, el reparto de nabos en Jarramplas, el ofertorio de los calabaceros en Foto Vito Metodio

Quinta del 71 - 2010

el Peropalo, etc. Pero en estos encuentros los jóvenes no suelen cantar canciones de quintos, porque prácticamente desconocen este repertorio.

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No obstante, quizá la situación no sea tan límite para estos cantos si tenemos en cuenta lo que acontece cada verano (a veces en otras fechas como Carnaval o Semana Santa) en algunas localidades extremeñas.

Este verano tuve ocasión de participar en uno de estos encuentros de quintos. Correspondía a los que realizamos el rito de paso que supone la entrada en quinta en 1983. La llamada Quinta del 83, catorce hombres y doce mujeres que en 2014 cumplimos los cincuenta años. Fue el 19 de agosto. La ronda que llevamos por las calles los veintiséis quintos, acompañados de una guitarra, una botella y dos tamboriles (instrumento por excelencia en las canciones de quintos) duró unas siete horas. ¡Siete horas cantando por calles y terrazas de bares! Eso sí, con los lógicos descansos para comer y beber, sobre todo esto último. Ese día en nuestra ronda sonaron canciones como Las flores, Tente que me caigo, Al salir el sol, Los guarrapinos y alguna otra canción típicamente de ronda. Pero ese día también sonaron canciones de quintos. Sonó, por ejemplo, la canción de ida, esa que tradicionalmente cantaban los quintos en la fiesta familiar que hacían los días antes de marcharse a cumplir con el servicio militar. Aunque hubo más, algunas de las coplas que cantamos fueron: Dicen que te vas mañana, yo me voy al otro día, si te quieres esperar, iremos en compañía.

Ojos que te vieron ir por el Cerro el Molinillo, cuando te verán volver por la Cruz del Torrisquillo

Los quintos en el cuartel unos cantan y otros lloran y otros van por papel para escribir a la novia

Al llegar a Leganés me tengo que retratar a ver si me sienta bien la ropa de militar

Quinta del 84 - 2011

Estas y otras letras de las que ya hablamos en el referido artículo del nº 15 de LaCarne Magazine, se pueden escuchar en cualquier ronda de quintos, pero cada grupo canta algunas letras específicas de su Quinta, ya que se hicieron ex profeso para ella en unas reuniones previas a la fiesta de los quintos que se iniciaba en Noche Vieja. En esas reuniones, con una tonada tradicional, La canción del talleo, a cada quinto se le componía una letra que hacía alusión al apodo de su padre. Estas fueron algunas de las coplas que tantas veces se cantaron entonces y se vuelven a cantar en la actualidad LaCarne Magazine

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Quintos del sesentaidos ninguno vamos borracho que llevamos por delante al hijo de Manuel el Chato.

Quintos del setentaiocho aquí no va ningún chulo que llevamos por delante al hijo de tío Machuno.

Quintos del ochentaitres todos con mucha pimienta que llevamos por delante al hijo del Jerramienta.

Quintos del ochentaicuatro todos comemos en baña que llevamos por delante al hijo del señor Raña.

Pero no fuimos nosotros los únicos quintos en salir de ronda ese día. A la vez que nosotros cantaron por las calles del pueblo los quintos del 73, es decir, hombres y mujeres que este año cumplen los 60 años. Por suerte ya no corren aquellos tiempos de antaño en los que se generaban auténticas competiciones entre miembros de una y otra Quinta a ver quién llevaba mejor la ronda y quién daba mejor el toque del tamboril, competición que muchas veces acababa en violentas peleas entre unos y otros. Esa mañana del pasado 19 de agosto en varios momentos del día coincidieron en la calle la ronda de la Quinta del 73 y de la Quinta del 83, sin problemas.

Quizá sea que los nuevos tiempos vienen cargados de más dosis de pacifismo, aunque quizá se trate más bien de que nos vamos haciendo mayores.

Quinta del 72 - 2012

Por último, señalamos un elemento distintivo en la indumentaria de los quintos participantes en estas rondas: una cinta o un grupo de ellas anudadas al cuello.

En las imágenes se pueden ver grupos de rondas de seis Quintas diferentes, las del 62, del 71, del 72, del 73, del 83 y del 84, una rondando y otras posando en el momento de la comida. Esos años las personas que aparecen en las fotos accedieron a la mayoría de edad. Son todas fotos realizadas entre 2010 y 2014, excepto una del 2006; en todo caso, estamos ante una evidencia clara de que en la actualidad se mantienen las rondas de quintos en algunas localidades extremeñas y de que aún está vigente el repertorio de cantos tradicionales ligados a ellas.

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Quinta del 73 - 2014

Quinta del 83 - 2014 LaCarne Magazine

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PLANK - EL RITMO DE BURGOS

PLANK

EL RITMO DE BURGOS Texto: Pedro Gallardo Los que escuchan grupos nuevos a diario coincidirán conmigo que hay varios tipos definidos de bandas, y uno muy importante para la sostenibilidad de toda la estructura musical de un país es el grupo que trabaja a diario, que cree en las horas en el local de ensayo y disfruta cada segundo en el escenario, y los burgaleses Plank lo demuestran una y otra vez. Una nueva hornada de potentes bandas se han dispuesto arrebatar los primeros puestos del panorama musical español, y no tienen pinta de pedir permiso. Plank, con su nuevo trabajo (Plank, 2014), se han convertido inevitablemente en el ritmo de Burgos y amenazan con llenar toda la geografía con su contundente rock. Un grupo a tener muy en cuenta!

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PLANK - EL RITMO DE BURGOS

Plank - Plank por Porras

Los Burgaleses Plank nos presentan su primer trabajo, todo un arsenal de ritmos que van desde el hard rock más clásico, a las tendencias más novedosas del heavy rock actual.

Todo bajo una potente base rítmica, donde los protagonistas principales son las guitarras, con un sonido pesado y afilado a la vez, unos riffs enormes, un acompañamiento correctísimo y muchos, muchos recursos. Con apenas dos años de vida, esta formación ha sabido conjugar oficio y sacrificio. De las raíces más clásicas del hard rock, léase Guns n´roses, o los desaparecidos Velvet Revolver hasta el heavy más actual de Avenged Sevenfold, o el virtuosismo a las seis cuerdas de Chickenfoot.

El trabajo comienza con gran energía y un ritmo trepidante, Rock voodoo, Las cortinas de la luna o Piernas de escándalo, con ese rollo guitarrero y ese sabor a bourbon añejo propio de los Slash, Page o Young que se mantiene casi durante toda la grabación, a excepción de algún tema más lento Morir o matar, un recurso que no podía faltar, con un espectacular solo de guitarra que te pone la carne de gallina. También hay tiempo para otros ritmos: Negro, puro heavymetal ochentero y machacón, Desde el blues, con raíces más clásicas y unos solos de

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guitarra enormes, o La semilla del diablo con un sonido más cercano al power metal de corte escandinavo, y es que esta gente le da a todos los palos. Todo esto regado por una gran base rítmica y una voz que no pasa desapercibida durante toda la grabación, que ha sido realizada en los estudios La puerta negra de la mano de Jorge Matute y masterizado por Juan Hidalgo en los estudios Mastertips.

VAN SOBRAOS EN: Grandes dosis de hard rock y heavy, unas guitarras inspiradísmas y un potente sonido.

LO QUE YO CAMBIARÍA: A la banda le sobra talento pero le falta pulir y crear su propio sonido. Suenan demasiado a otras bandas. Las partes vocales se pueden mejorar bastante.

SENTENCIA: Primer trabajo y enorme carta de presentación de este grupo, que sin duda dará que hablar en el futuro.

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PLANK - EL RITMO DE BURGOS

Plank lleváis juntos desde el 2011 y, aunque ha habido algún cambio en la formación, sois una banda consolidada. Desde que empezasteis a tocar ¿teníais claro que queríais hacer rock?

En un principio nuestro objetivo era componer en conjunto.

Cuando nos reunimos por primera vez, desde luego sonábamos y tocábamos Rock, pero no sabíamos hacia que estilo dentro de éste llegaríamos. Nos dejamos llevar, no lo pensamos, no fue una decisión, vino a nosotros...

Sabemos que antes de Plank habéis formado parte de otras bandas, ¿tenéis en estos momentos algún proyecto paralelo?

Sí, algunos de nosotros tenemos otros proyectos paralelos pero todos tenemos como prioridad Plank. ¿Qué bandas han sido las que más os han influido? ¿Qué grupos soléis escuchar?

Entre los cinco integrantes podemos abarcar todos los géneros del Rock, desde el Blues hasta el Metal extremo. “Desde el Blues” hasta el “Rock Voodoo” (jajajajaja).

Escuchamos mucho rock clásico: Creedence, Rolling Stones, Steve Ray Vaughan, Jaco Pastorius... Guns n’ roses, Iron Maiden, Foo Fighters, Barón Rojo, M-Clan, Héroes del Silencio (Bunbury), Mr. Big, Megadeth, Metallica...

Cada uno tiene sus propios gustos pero todos escuchamos de todo…, de todos los géneros y palos se aprende. Aunque no creemos que tengan influencia esas bandas en nosotros, son más bien canciones, piezas que aprendes, temas que escuchas puntualmente... Vivir con los oídos abiertos es la mayor influencia.

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Foto Miriam Moral

En vuestra ciudad, Burgos, habéis tocado en muchos festivales y habéis ganado varios concursos. ¿Cómo veis a los grupos de vuestra ciudad? ¿Hay movimiento?

La música en Burgos está en plena forma. Hay gente que lucha porque no falte música en directo cada semana. Aunque la prohibición de tocar en bares y pub’s nos hizo mucho daño, parece que se va a revocar…, a ver si es verdad.

Grupos en Burgos somos un montón. Hay muy buenas bandas y buenos músicos, de hecho, no hay sitio para todos. Burgos está a falta de buenos locales de ensayo al alcance de los bolsillos de jóvenes en crisis, y ensayamos en cualquier chamizo insalubre y sin seguridad, pero vamos tirando. Tenemos tres concursos en Burgos que incentivan un poco el esfuerzo: UBULive, Música Joven y Música en Directo de La Rúa. Ganar esos concursos fue para nosotros una reafirmación personal como banda, y una inyección de euros que en este tiempo no vienen nada mal. De hecho, sin ellos habríamos grabado sólo medio disco, jeje...

Sin embargo, estos actos (concursos, festivales) son de promoción interna y no están demasiado dirigidos a la escena nacional, por lo cual todo este talento se suele quedar en nuestra ciudad.

Y fuera de vuestra región ¿habéis girado por otras ciudades? ¿Con el nuevo disco visitaréis más comunidades?

Tan sólo tocamos en Coslada, Madrid, para probar suerte. Pero sin disco y promoción está jodido, porque claro, ¿Plank? ¿quién cojones son esos Plank? Y no se acerca a la sala ni dios, con lo que sí, esperamos que con el disco, el videoclip y dando guerra hasta ser “pesaos”, podamos recorrer, en principio, España entera...

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PLANK - EL RITMO DE BURGOS ¿Contáis con ayuda de una promotora para hacer la gira, o sois un grupo que os gusta hacer las cosas por vosotros mismos?

No, no tenemos ayuda, y estaría bien. Es muchísimo trabajo promocionarse uno mismo, implica casi las 24 horas del día. Y es muy difícil yendo a ciegas, ignorando cómo hacerlo, dar palos de ciego... Alguien que sepa hacer y conozca el mundillo nos vendría muy bien. De hecho, aún no tenemos mas que la fecha de presentación en Burgos. Tenemos que empezar a buscar salas en diferentes ciudades y a ver qué va saliendo...

El músico debería dedicarse a hacer música, y el promotor a promover dicha música, no se puede hacer todo a la vez y que salga bien.

Antes de presentar el disco disteis a vuestros seguidores y fans un pequeño adelanto con el single “Las cortinas de la luna”¿por qué razón escogisteis esta canción?

Es un tema que gustaba mucho en directo, uno de los más coreados casi desde el primer directo. Al público rockero le entra muy bien por el oído. Decidimos que era el idóneo.

“Las cortinas de la luna”es un tema que suena a auténtico hard rock con algunos sonidos que van en la línea del heavy. Aunque sabemos que no os gustan las etiquetas queremos preguntaros ¿es éste el estilo que define a Plank?

Desde luego es nuestra tendencia, pero no creemos que nos defina. Utilizamos elementos también del blues, el funky e incluso jazz y pop. No nos frena en la composición el hecho de ser una banda de rock, y utilizamos todo aquello que nos inspira. Hacemos lo que sentimos en cada momento, aunque terminará sonando a Plank.

Además de “Las cortinas de la luna”, contadnos qué nos vamos a encontrar en este trabajo.

Son doce temas que recogen dos años de trabajo y varios estilos dentro del rock. “Desde el Blues” es un tema FunkRock, por ejemplo. Se llama “Desde el blues” porque cuando estábamos creándola y ensayando, siempre que había que repetir decíamos “vamos desde el blues”, que es su parte lenta central (esto a modo de anécdota). Luego está “La semilla del olvido”, que trata sobre una persona con Alzheimer, es quizás nuestro tema más heavy. Hay un medio tiempo “Morir o matar”, que decidimos como segundo sencillo, y la típica balada “Dedicado a un amor”. También destacaríamos “Cultura de bar”, con un riff de guitarra que recuerda, un poco, a la música árabe, y “Strident” con un pasaje stoner.

Se pueden encontrar canciones que viajan de un estilo a otro, siempre intentando mantener

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“Utilizamos elementos también del blues, el funky e incluso jazz y pop. No nos frena en la composición el hecho de ser una banda de rock, y utilizamos todo aquello que nos inspira.” ese sonido rockero, pero si no fuera el caso, (lo cual es probable ya que nos sentamos a componer sin pensar en una especie de molde musical) creemos que se pueden encontrar típicos experimentos musicales de chavales que se dedican a pasarlo bien. Rock, mucho Rock es lo que contiene este disco.

Nos ha llamado la atención que el disco no tenga título. ¿Cuál es el motivo?

Es algo bastante habitual en un primer disco.

No queríamos ponerle el título de una canción, ya que ninguna es más importante que otra para nosotros, y no encontramos ningún nombre que definiera bien lo que expresamos en el disco. www.musicaparamarsupiales.com

Para la grabación de este trabajo ¿Qué estudio habéis elegido? ¿Habéis contado con al-

guna productora?

No ha habido productora alguna. Es auto editado y auto financiado.

Para la grabación nos decantamos por “La Puerta Negra Estudio”, de Jorge Matute, quien grabó y mezcló el disco. Es un estudio con mucho potencial. Nos pareció apropiado porque Matu trabaja muy bien. Ya probamos con él hará un año y medio, y fue buena experiencia. Es muy cómodo trabajar con él, y se involucra mucho. Eso, sumado a la comodidad de grabar en casa y poder invertir lo poco que teníamos en grabar, y no en viajes a un estudio de fuera. La masterización la llevo a cabo Juan Hidalgo, en los estudios Mastertips de Madrid. Nos convenció el hecho de que trabajase mucho Rock del que suena hoy por las radios. Hizo un buen trabajo, respetó mucho nuestro deseo de no comprimir el sonido en demasía. No queríamos sonar como todas las producciones de ahora, que parecen embotadas e inertes, demasiado a producto fabricado. Entre todos hemos conseguido un disco de rock crudo y duro.

Existen grupos que están a favor de la distribución digital y otros que prefieren los formatos habituales. ¿Qué pensáis vosotros? ¿Estamos en una nueva era para la música?

Preferimos el formato físico. Hay mucho encanto en palpar el disco, abrirlo, ojear los créditos y las letras... Pero bueno, ya no es que sea una nueva era para la música, lo es para todo.

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PLANK - EL RITMO DE BURGOS Vivimos una era digital y, o te subes al carro, o te quedas fuera de todo. Consideramos que pueden convivir ambos formatos. Hay que verlo como una posibilidad. Además, después de comprobar todo el trabajo que da sacar un disco, das más valor no solo a la parte auditiva sino a la física también. En cualquier caso, en nuestra opinión, la esencia de la música sigue estando en los directos. Lo iremos subiendo a las diversas plataformas, antes de ello a ver si vendemos algunos discos físicos, ya que los hemos sacado, y tienen una buena presentación en digipack.

Muchos grupos optan por el crowdfunding para financiar sus proyectos (disco, videoclip, gira de conciertos) ¿barajasteis esta posibilidad? ¿qué opináis sobre este método de financiación?

Sí, fue barajada. Es una buena idea, aquellos que están interesados contribuyen y se les reembolsa algo equivalente más un plus por la confianza depositada, cosa que incluso vale más de lo que cuestan un disco o una camiseta. Pero no nos terminamos de decidir.

El día 7 de Noviembre presentáis de manera oficial el disco. ¿Cómo afrontáis ese día?¿Ya está todo preparado?

Lo afrontamos con muchas ganas. Esperamos todo salga bien. El hecho de no dedicarte profesionalmente a esto es que tampoco puedes dedicarle todo el tiempo que te gustaría, y el no tener euros suficientes no te deja hacer mucho espectáculo. A ver qué podemos preparar. Lo que sí es seguro es que será rock en estado puro y lo pasaremos genial.

El 2015 ya está más cerca ¿qué esperáis del nuevo año? ¿qué planes tenéis?

Esperamos poder girar por España y seguir creciendo, mejorando y componiendo más material. Preparar un segundo disco, para el que ya vamos teniendo ideas. Lo cierto es que para el poco tiempo que tenemos, a causa de trabajo y estudio, no nos faltan ganas de ensayar y componer. Nuestras cabecitas funcionan muy bien en conjunto y estamos muy compenetrados. Esperamos gustar, vender bastantes discos y ser escuchados y contratados para tocar en salas o festivales.

Foto Miriam Moral

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Hay bandas que tienen que mudarse a otras ciudades para dar el gran paso y hacerse profesionales. ¿Se puede ser un grupo internacional siendo de Burgos?

Pues no podemos saberlo, ningún grupo de Burgos lo fue aún jeje, con lo que la respuesta está implícita en este hecho. Podría destacar a Mistweaver, que tienen cierta acogida en Alemania y han tocado allí, o los colegas de Cronometrobudu, que este verano giraron por México. Pero por norma se quedan en lo nacional, no

Foto Miriam Moral

todas las bandas tienen dinero para salir fuera del territorio español.

El público de Burgos funciona bajo la creencia de que sólo lo que viene de fuera es bueno, no suelen pagar por ir a verte, no valoran lo que se hace en la ciudad, como si el hecho de ser músico de casa te hiciera malo. Así poco puedes emprender. Es muy costoso hacer hucha para salir de un hoyo así, sin apoyo y sin ayuda. Este es sin duda uno de los hobbies más caros que hay, y ser “profesional” entre tanta gente buena está muy difícil. Tan sólo se puede ser internacional a golpe de talonario, apostando tú o porque apuesten por ti. Tan sólo somos unos colegas que tocan porque les gusta, porque les divierte, y porque sienten la necesidad de expresarse en este mundo de mierda donde reina el dinero. Lo importante para nosotros es tocar, ya vendrá lo que tenga que venir.

Chicos, ha sido un verdadero placer conoceros! Nos encantan los grupos que no paran de trabajar, y se ve claramente que Plank va a por todas. Esperamos que cosechéis un montón de éxitos.

Bueeeeno, lectores, pues nada, no creáis que somos diferentes a vosotros, sólo un grupo de colegas que se juntan a tocar y que se deja su pasta en este tipo de cosas. Porque es lo que nos gusta y una cosa está clara, nos gusta que os guste y estáis invitados a pasar cuando queráis a tomar unas cañas con nosotros.

A quienes nos conocen y han seguido nuestro camino alentándonos hasta llegar a grabar, darlos las gracias por estar ahí. A quienes aún no nos conoce y se han interesado en leer estas líneas, agradecerles su atención e invitarlos a conocernos en: http://www.facebook.com/PlankHardRock. Saludos. Rock On!!!

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GRUPO CON MAYOR PROYECCIÓN SUENA EXTREMADURA Oficialmente, Noxfilia es el grupo con mayor proyección en Extremadura después de decidirse los ganadores en la final del Suena Extremadura 2014. ¿Cómo vivisteis ese momento?

Lo vivimos con gran ilusión, sobre todo porque solemos afrontar este tipo de conciertos y certámenes con muchas ganas. En el momento en el que dicen tu nombre sientes que es una recompensa a todo el trabajo realizado. Fue una gran alegría, desde luego. ¿Os lo imaginabais cuando pasasteis la primera fase?

En realidad, no sabíamos lo que iba a pasar exactamente, sobre todo teniendo en cuenta que las cuatro bandas que llegamos a la final teníamos estilos tan distintos. Pero obviamente siempre vas con la ilusión de hacerlo bien, y sabíamos que si lo dábamos todo en el escenario tendríamos opciones de llevarnos alguno de los premios. ¿Cómo habéis visto la competencia? ¿Hay rivalidad entre las bandas participantes?

Bueno, en realidad no creemos que haya rivalidad en el peor sentido de la palabra. De hecho, con todos los grupos con los que hemos tenido relación durante el concurso siempre ha habido muy buen rollo. Es más bien eso, una competencia sana y natural, teniendo en cuenta que se trata de un concurso y todo el mundo quiere ganar. Lo que está claro es que en Extremadura hay mucha calidad a nivel de bandas, y lo venimos comprobando no solo en este concurso

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A 2014

Foto Ferry Ms (Noxfilia con Rosa Álvarez, Directora de IJEX)

sino desde que empezamos a tocar hace ya unos años.

El Suena Extremadura es una de las muchas actividades que organiza el Instituto de la Juventud. En vuestra opinión ¿qué importancia tienen este tipo de actividades para los grupos?

Estas iniciativas tienen una importancia fundamental, sobre todo porque ofrecen las mismas posibilidades a todos. Muchas veces, cuando tratas de tocar en salas de conciertos, festivales, etc., muchas veces te ves limitado por distintas razones: estilo de música, popularidad, capacidad para llenar la sala… En cambio, en este tipo de iniciativas cabemos todos, sin importar que te conozcan o no, que hagas heavy, metal o canción de autor, que tengas más o menos medios… ¿Os soléis preparar los conciertos con anterioridad o dejáis que la música fluya en cada bolo?

Bueno creemos que esto de “dejar que la música fluya” solo se lo pueden permitir unos pocos afortunados, que se podrían contar con los dedos de una mano y que probablemente ya les habrá tocado currar durante años y años para llegar a tal nivel de excelencia. Para la mayor parte de los grupos es una realidad que si quieres ofrecer un buen concierto te toca coger el pico y la pala, ponerte el mono de trabajo, y a currar. En la medida de lo posible, nosotros tratamos de prepararnos cada concierto por respeto al público que acude y porque es la única LaCarne Magazine

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forma de mejorar como grupo. El que piense que solo con tener un “nombre” o grandes cualidades técnicas ya lo tiene todo hecho va mal encaminado.

Foto Cristina Tovar

¿Qué proyectos tenéis ahora en mente? ¿Seguiréis con los conciertos para presentar vuestro disco?

Desde el verano pasado estamos dando conciertos para presentar “La Frontera”, y con esa intención seguimos, de hecho tenemos en la agenda dos o tres conciertos por delante. Pero desde hace unos meses estamos compaginando estos conciertos con el trabajo en el local, probando cosas nuevas. ¿Aún es demasiado pronto para hablar de nuevo disco o ya podéis adelantarnos algo?

Aún es pronto para hablar de fechas concretas. Pero estamos empezando a preparar nuevo material para un segundo disco que querríamos, si todo va bien, tener preparado antes de finales del año que viene. Queremos ir despacio porque nos hemos propuesto hacer un trabajo que suponga dar un salto cualitativo con respecto al primero a todos los niveles: musical, técnico, de promoción, etc. Lo que si podemos adelantaros es que no va a dejar indiferente a nadie.

Si el próximo año se realiza de nuevo el Suena Extremadura ¿volveréis a presentaros?

Todavía no lo hemos valorado porque tenemos muy reciente esta experiencia. Dependerá probablemente de los compromisos y objetivos que tengamos de cara al año que viene. Pero si tenemos la oportunidad allí estaremos de nuevo dando guerra.

Esperamos que tengáis mucha suerte y animamos a nuestros lectores a escuchar vuestra música y asistir a vuestros directos.

Muchas gracias por vuestro apoyo, no solo a nosotros sino a toda la música extremeña. Desde luego todo el que quiera está invitado a escucharnos en directo, o en nuestra web www.noxfilia. es, donde se pueden descargar gratuitamente nuestra música. ¡Un saludo para todos los lectores de LaCarne!

http://www.noxfilia.es 48 LaCarne Magazine

Foto Cristina Tovar

Foto Cristina Tovar LaCarne Magazine

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por K-tolicos

El jueves 14 de agosto fue la fecha elegida para celebrar el décimo aniversario de la banda en la localidad cacereña que nos vio nacer, Madrigalejo. El lugar elegido fue el patio interior del Mercado de Abastos recién inaugurado, con buena acústica, y equipado para este tipo de eventos, un gran acierto elegir un sitio abierto para sofocar el calor extremeño de agosto.

Se contó con varios miembros voluntarios de Protección Civil que ayudaron a dar fluidez al recinto, aseos, etc…

En los días previos al concierto se estuvo planificando todo para que no hubiera tiempo a la improvisación y que todo saliera según lo previsto. El concierto iba a ser grabado en audio/video para una posterior edición en DVD. De la produción se encargó Marcial Velarde Granjo, de “MVG Producciones”, un viejo amigo de la banda que ya en tiempos atrás les grabaría su primera maqueta en los inicios. La realización del mismo se hizo con 2 cámaras fijas, una frontal y otra trasera, y una grúa móvil de 12 metros que captaba tomas de todo el recinto.

Lo que iba a ser sólo un concierto para conmemorar esos 10 años en los escenarios se convirtió en todo un acontecimiento en este pueblo de 2 mil habitantes, que se volcó al 110% con el evento. Los Ayuntamientos de Madrigalejo y Don Benito fueron piezas claves, ofreciendo todas las facilidades para la organización del evento, siendo la entrada al recinto gratis y poniendo incluso un autobús gratuito que recorrió varias localidades extremeñas para que

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nadie se perdiera esa noche tan especial.

Con todo ya listo, y después de las pertinentes pruebas de sonido, hubo un momento de encuentro en el Pub Jóker, cuartel general de la banda donde hicieron sus primeros conciertos. Allí se reunieron diferentes personas que han sido importantes a lo largo de estos años de lucha: amigos, productores, fotógrafos, técnicos, antiguos componentes... fue una cena privada y emotiva degustando, como no podía ser de otra manera, productos típicos de la tierra y tarta personalizada ...donde se soplaron las velas con el único deseo de seguir cumpliendo años rodeado de los suyos, seguir creciendo como banda para continuar en este largo aprendizaje de este mundillo tan complicado pero que tantas satisfacciones les sigue dando.

Durante toda la jornada, se dieron cita diferentes medios de comunicación a nivel estatal que cubrieron el concierto, prensa, radio, etc... Como maestro de ceremonias, y presentando los conciertos y animando al respetable, estuvo Vicente “Mariskal” Romero, reputado productor, presentador radiofónico y director de la revista “La Heavy” (antigua Heavyrock), con más de 40 años apoyando al Rock. El portal digital Insonoro, también estuvo presente, así como fotógrafos y miembros colaboradores de radio Vallekas, Mariskalrock, etc…

A los largo de la noche hubo proyección fotográfica de las diferentes etapas del grupo divididas en 3 partes, la primera y segunda con instantáneas de conciertos, backstage, colaboraciones… de toda la andadura de K-tólicos; y la tercera, que fue justo antes de saltar al escenario, con un extenso repaso a toda la trayectoria, repasando los 3 discos editados y los más de 150 conciertos realizados hasta la fecha.

Y la música comenzó con los grupos invitados: los también extremeños The Virgin of a Sweater Pain de Miajadas (Cáceres), que se encargaron de abrir la velada, y Disolventex desde Vitoria- Gastéiz (Álava), los cambios entre los grupos fueron rápidos para que todo fuera con mayor fluidez y que el ambiente de disfrute con la buena música no decayera.

Finalmente, salieron al escenario K-tólicos. Todos los asistentes, que ya desprendían energía con los grupos anteriores, derrocharon toda la adrenalina coreando desde el primer tema hasta el último del grupo anfitrión, celebrando el décimo aniversario como los diez años de trayectoria se merecían. Fueron casi 4 horas de puro Rock con un gran ambiente festivo en una noche inolvidable y que quedará en el recuerdo, a cumplir otros 10 más… ROCKANDROLL ¡!!!

http://ktolicos.com LaCarne Magazine

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SINESTESIA El arte de ver los sonidos

por Marta Lozano Molano

SOUND CUBE de Bernhard Leitner

http://www.bernhardleitner.at/works

L

a expresión artística que en esta ocasión quiero compartir con vosotros proviene del artista y arquitecto Bernhard Leitner. Nació en Austria en 1938, donde realizó sus estudios de arquitectura en la Technischen Hochschule Wien. Ha residido en diversas ciudades, entre las que cabe destacar Innsbruck, Viena, París, Nueva York y Berlín. Desarrolla su labor como arquitecto como Urban Designer en el New York City Urban Planning Office y siendo profesor en la New York University, además de en el Institut für Medienkunst, Klasse Medienübergreifende Kunst. Considerado como uno de los pioneros de las instalaciones sonoras, ha recibido

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importantes galardones por su trabajo, como el Preis der Stadt Wien für bildende Kunst (1999), Würdigungspreis für Medienkunst, Land Niederösterreich (2002), Ehrenpreis des Deutschen Klangkunst-Preises (2002) y Friedlieb Ferdinand Runge-Preis, Berlin (2007).

Bernhard Leitner se centra en la “traducción” de conceptos arquitectónicos del espacio al sonido. Su trabajo resulta en piezas muy diversas como instalaciones o esculturas sonoras. Introdujo el sonido en instalaciones basadas en el espacio, permitiendo que el espacio donde se sitúa la instalación pueda ser percibido por medio del sonido. Él mismo denomina a sus piezas como “objetos de sonido en el espacio”. A través de sus creaciones estudia frecuencias, volúmenes, movimientos y combinaciones de sonidos y su impacto en el oyente.

http://www.archdaily.com/168979/bernhard-leitner-sound-spaces/attachment/1274386554/ LaCarne Magazine

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SINESTESIA El arte de ver los sonidos

por Marta Lozano Molano

Soundcube (Cubo de Sonido) es una muestra de este trabajo en los años de juventud de este creador. Fue producida en 1969 y es descrita por el propio autor como una red de sesenta y cuatro altavoces distribuidos en sus seis paredes sin ningún mensaje espacial específico. El sonido está programado para viajar de un altavoz a otro de manera circular, espiral, cambiando la altura del sonido, la dirección de éste, etc. El uso del movimiento hace posible crear una cantidad infinita de sensaciones espaciales a través del sonido. El objetivo principal de esta instalación es describir los principios del espacio creados por medio de un sonido que viaja de un punto a otro.

Soundcube nunca podría ser definida como un espacio para producir música, si no más bien como un instrumento empleado para producir espacio por medio del sonido.

http://www.bernhardleitner.at/grafiks/indexLoadContend/41

Para saber más…

• www.bernhardleitner.at • KOLUMBA MUSEUM COLOGNE (Septiembre 15, 2014 - Agosto 24, 2015)

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La Ventana Nacional

Desde la primera escucha nos quedamos embelesados con Leila. ¿De dónde te viene esa pasión por el soul y el funky?

La primera vez que escuché un tema de Aretha Franklin, con doce años, aluciné tanto que soñé en cantar como ella. Empecé a escuchar soul y rock&roll desde adolecente. Más tarde, con los años y muchos amigos melómanos, llegó el jazz, el funk y el nusoul.

Influences (2012) es tu primer larga duración en el que encontramos grandes canciones como Mr. O, You don’t wanna hear o A Little bit bitter ¿Qué ha significado para ti Influences?

Influences para mí ha sido mi “principio real”. Me explico: llevo muchos años dedicándome a la música pero este disco ha sido la primera vez que yo me he expuesto personal y musicalmente.

Son mis canciones, mi música y mis letras, mi verdad, mis aciertos y mis fallos. En él se reflejan todas mis influencias, lo que he aprendido. También se refleja todo lo que me queda por aprender, y eso me motiva para evolucionar.

Comenzaste a grabar Influences dos años antes de la publicación y lo presentaste en 2013. Un duro trabajo y un magnífico resultado ¿cómo recuerdas todo este largo proceso?

Fue alucinante. Ver como mis canciones, que en ese momento sólo existían en mi cabeza y sobre un papel, se materializaban fue increíble. Fue un proceso bonito pero duro a la vez, como cualquier autoproducción supongo. Desde el momento de la composición hasta el momento de tener el disco físico pasas por tantas fases que al final la satisfacción es enorme.

Además, te has rodeado de grandes músicos para este trabajo. Cuéntanos quiénes son. ¿Te

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costó mucho convencerles?

Buff, este es uno de los puntos que más me gustan. He tenido el placer de grabar con músicos increíbles. Ha sido un auténtico lujo. El disco se grabó en dos etapas. La primera fue con Jules Bikoko, Julian Vaughn, Alex Zayas y David Sam. Álex fue quien me animó a materializar mis ideas y me ayudó muchísimo.

Estos músicos entendieron al momento cómo tenían que sonar las canciones. Fue cómo si escucharan la música que sonaba en mi cabeza. Son unos musicazos maravillosos. La segunda etapa, cuando ya se acabó de grabar “Influences” fue con Joan Torcal, Pep Colls, Oriol Cot, Santi Colomer, Carlos Ronda, Gilberto Rivero, Rafa Madagascar, Mónica Samit y Javier Canales. Esta vez fue Joan el coproductor del disco. De hecho, dos canciones del disco son de él.

Ahora mismo estás metida de lleno en la preproducción de tu nuevo trabajo. ¿Seguirá la misma línea de Influences o habrá sorpresas? ¿Podremos escuchar pronto un adelanto?

Estamos a tope con la preproducción. Creo que, aún siguiendo la línea de Influences, sí encontraréis alguna sorpresilla… sigue teniendo una raíz muy soulera y siguen destacando los arreglos vocales pero hay temas que os van a sorprender..;) El disco saldrá en 2015 pero a partir de noviembre intentaremos dar algunos adelantos.

En los directos has sorprendido al público con distintas formaciones: cuartetos, acústicos y con toda la banda (9 componentes). A ti personalmente ¿qué formato te gusta más?

Imposible elegir. Cada formato tiene su parte mágica. Cuando estamos los nueve en el escenario es una descarga de energía brutal.

Pero la formación más pequeña me invita a transmitir mejor el mensaje de mis canciones… cada cosa tiene su lugar y su momento supongo.

Queda poco para que el año finalice, ¿cómo se presenta el 2015? ¿Podremos verte pronto en directo?

Sí, a partir de noviembre ya nos ponemos en marcha. Tenemos varios conciertos programados por Barcelona, como el 20 de noLaCarne Magazine

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La Ventana Nacional

viembre para la 46 edición del VOLLDAMM JAZZ FESTIVAL DE BARCELONA, el 20 de diciembre en el teatro Círcol Maldà, algunos conciertos en el Casino de Barcelona, en la sala Marula Café, en Jamboree…y nuestra representante, Anna Martorell, está cerrando algunas cosas interesantes de cara al 2015. Este 2015 lo afronto muy positivamente porque LEILA he dejado se ser sólo yo y ahora hay un equipo fantástico que sustenta el proyecto: Joan Torcal (co-productor), Joan J. Garcia Cabañés (Road Manager y Escenografía), Joel de Almeida (Diseño), Angels Joben (Gestión empresarial) y Anna Martorell (Management). Con este equipazo todo tiene que ir “palante”.

Estamos deseando escuchar mucho más de Leila, esperamos que sea pronto. Te seguimos en las redes sociales así que estaremos pendientes. Gracias por tu música y por dedicarnos un rato.

Muchísimas gracias a vosotros por escucharme y dedicarme esta entrevista. Os iré informando de todo!

http://www.leilasound.com/es/ 58 LaCarne Magazine

https://www.facebook.com/leilasound

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Def con Dos Barcelona - 29 de Agosto 2014 por Jorge Ares

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l pasado 29 de agosto tuve el placer de ver al grupo después de 20 años desde que escuché por primera vez a la formación. Fue dentro de un marco incomparable, la “Festa Major Alternativa de Sants”. Concierto gratuito con carácter de festival organizado por los movimientos sociales del barrio de Sants, de la ciudad condal (que además dicha fiesta cumplía 20 años).

Junto a la agrupación madrileña participaron el rapero El nota, la banda de punk-hardcore Eina y dj Fumantxu, todos pertenecientes a la escena catalana.

Tanto El nota como Eina calentaron motores de un público muy reivindicativo y vinculado a diferentes colectivos de izquierda, pero realmente cuando más personal aglutinó fue con la presencia de los cincuentones.

Dado su edad, tenía mis dudas de si rendirían en condiciones pero tras escuchar los primeros riffs rápidamente me di cuenta que la experiencia es un grado, y es que estos tipos además de profesionales son todo un espectáculo.

Máscaras de gas, pistolas, escuadrón de las sombras; eran algunos de los símbolos que nos llevaban Strawberry y los suyos. Incansables, insaciables, no dejaron de botar en todo momento y nos brindaron con temas de casi todos sus discos. Sin duda canciones como Poco pan y pésimo circo, el día de la bestia, la culpa de todo la tiene yoko ono, España es idiota, Ultramemia, entre otros muchos, nos hicieron vibrar.

Hay que mencionar el homenaje que hicieron a Tony Urbano, como que nos tocaron algún tema en vasco o gallego, y por supuesto toda su crítica política a la situación actual que no hacía más que enchufar más a los oyentes.

Un conciertazo de aproximadamente 2 horas, sin descanso, que demuestran lo grandes que son y que sin duda merece la pena verlos.

Un lujo!!

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Fusión - Los años ‘70

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omo habéis podido observar a lo largo de esta sección, el Jazz en su origen es una música de fusión, una mezcla de muchos elementos y estilos musicales ya existentes.

En los años `70 llegamos a un punto dónde los músicos de Jazz tienen a su disposición básicamente todos los elementos de la música moderna de hoy en día: el Jazz tradicional (Dixie, Swing Bebop, HardBop, Cool, Modal), el Funky, el Blues, el Soul, el Rock, el Free Jazz, la música de concierto europea y las músicas del mundo. Hoy en día realmente cualquier estilo de Jazz moderno es una especie de fusión. Cada artista o agrupación se hace su propia “receta” con todos o algunos de estos ingredientes. Ya sea solo para un álbum o para crear una cierta tendencia, una especie de sub-estilo. Excluidos quedan aquí obviamente los músicos dedicados a la re-interpretación de estilos antiguos consolidados como tales dentro del mainstream del Jazz.

MILES DAVIS

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Aunque a mí personalmente me gusta más esta definición amplia del término, cuando se habla de Jazz-Fusión normalmente se refiere a un sonido particular del Jazz de los `70 y `80 también conocido bajo el término Jazz-Rock.

Básicamente consiste en la fusión de estos dos estilos musicales: encima de una base rítmica rockera, funky y/o también latina, se incorporan toda clase de instrumentos electrónicos al Jazz: la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, sintetizadores y efectos. El nuevo sonido en parte atrae a un público distinto, más joven y numeroso, que a consecuencia le brinda a más de un músico de Jazz un éxito económico considerable jamás visto hasta el momento.

Sobre todo al principio de los `70 surgen grupos nuevos con un sinfín de ideas curiosas.

El éxito comercial de esta corriente conlleva también que en ocasiones el Jazz-Rock más bien suene a “Jazz-Pop” con aires, para mi gusto, bastante cursis.

Como siempre, Miles Davis consigue nuevamente estar en la onda en el momento justo, reuniéndose con los músicos perfectos para grabar uno de los álbumes más míticos del Jazz-Fusión: Bitches Brew, publicado en 1970. Sus dos álbumes anteriores: Filles De Kilimanjaro (grabado en `68) y In A Silent Way (grabado en `69), ambos publicados en el año 1969, nos enseñan perfectamente el camino musical que Miles y sus músicos han tomado para llegar al nuevo sonido: en Filles de Kilimanjaro se introducen el bajo eléctrico y el piano eléctrico, y en In A Silent Way se suma la guitarra eléctrica y el órgano aunque vuelve a aparecer el contrabajo. Las grabaciones para Bitches Brew en realidad fueron un gran experimento, una gran jam-session dirigida por el impresionante instinto musical de Miles. La mayoría de los músicos contratados a su vez lideraron poco después formaciones míticas del Jazz-Fusion: Wayne Shorter (saxo soprano) y Joe Zawinul (teclados) fundan el grupo Weather Report. Chick Corea (teclados) crea el proyecto Return To Forever. John

WAYNE SHORTER

CHICK COREA LaCarne Magazine

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HERBIE HANCOCK

McLaughlin (guitarra eléctrica) funda su grupo Mahavishnu Orchestra. Bennie Maupin (clarinete bajo) forma parte del proyecto liderado por Herbie Hancock, Headhunters.

Larry Young (piano eléctrico) forma junto a John McLaughlin y Tony Williams el grupo Tony Williams Lifetime.

Además participan: Dave Holland y Ron Carter (bajo), Harvey Brooks (bajo eléctrico), Lenny White, JackDeJohnette y Billy Cobham (batería), Airto Moreira y Juma Santos (percusión), Bihari Sharma (tabla y tamboura), Khalil Balakrishna (sitar).

Es interesante anotar que las grabaciones para el disco se realizan bajo las impresiones frescas del festival Woodstock, celebrado apenas unos días antes. Otro dato que refuerza el nuevo rumbo del Jazz hacia la música Pop de un modo extra musical es el hecho de que la portada de Bitches Brew y la del disco Abraxas de Santana fueron diseñadas por el mismo pintor alemán, Mati Klarwein, quien a raíz de estos trabajos realizará más portadas para otros grupos de música Pop/Rock.

También es verdad que suponiendo que el Rock y el Pop tienen su base en el Jazz y el Blues, como pudisteis leer en los primeros artículos de esta sección, en realidad no es tan sorprendente esta nueva mezcla. En realidad, parece que se trata más bien de un reencuentro. El baterista Shelly Manne dijo una vez:

“Si el Jazz toma del rock, sólo toma de si mismo”1. “[Es cierto que] la guitarra elécSHELLY MANNE trica fue presentada por primera vez por Charlie Christian en 1939, en el sexteto de Benny Goodman. […] el órgano eléctrico se popularizó por vez primera en música de blues […] por músicos como Wild Bill Davis; se abrió paso hasta la conciencia del público mediante el gran éxito del organista de Jazz Jimmy Smith después de 1956. El mundo de la música tomó conciencia del sonido del piano eléctrico gracias al hit de Ray Charles What´d I Say en 1959. [En el rock no fue incorporado] hasta que Miles Davis grabó Filles De Kilimanjaro en 1968. La primera experimentación con instrumentos de viento [y la electrónica] fue efectuada por los músicos de Jazz Sonny Stitt (1966) y Lee Konitz (1968).

El sintetizador procede de la música de con-

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cierto, dónde había sido creado y puesto a prueba desde 1957 por R.A. Moog, en cooperación con Walter Carlos. Los moduladores, cambiadores de fase y técnicas de realimentación también fueron utilizados por primera vez en los estudios electrónicos de la música de concierto.

La impresión de que todos estos sonidos son sonidos de rock es, esencialmente, resultado de la gigantesca maquinaria publicitaria de los medios de difusión de rock y la industria discográfica. Fue así como estos sonidos llegaron a la conciencia de las masas”2.

MCCOY TYNER

En paralelo al movimiento del Jazz-Fusión hay que constatar que todos los antiguos estilos del Jazz se siguen tocando. Incluso hay momentos cuando músicos sumergidos en las ondas rockeras del momento de repente se liberan de “la carga electrónica” y vuelven a tocar, por lo menos en parte, “unplugged”, como en el caso de Herbie Hancock y su projecto V.O.S.P.: The Quintet. Es más: hasta se forma un movimiento a parte, de agrupaciones de dúos y solistas que interpretan el Jazz sin la electrónica y sin las improvisaciones colectivas de las grandes agrupaciones propias del Free Jazz y del Jazz-Rock. Solistas representativos de esta corriente son por ejemplo los pianistas McCoy Tyner y Keith Jarrett, o los saxofonistas Archie Shepp y Anthony Braxton.

También la corriente del Free Jazz sigue. Aunque impulsada en Estados Unidos por la AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians, asociación de músicos de Jazz con base en Chicago) encuentra en esta década casi más público en Europa que en América.

Según vamos avanzando en la historia hasta nuestros días, cada vez se van enredando más las corrientes del Jazz y de la música moderna en general. Como siempre tenéis aquí un pequeño resumen de una realidad musical histórica omitiendo un montón de detalles y matices que romperían el marco de esta sección. Espero que os animéis a investigar por vuestra cuenta. Para terminar, recomiendo, a parte de los ya mencionado antes, un álbum con que me topé preparando este artículo y que me resultó muy interesante y no lo conocía aún: Herbie Hancock – Sextant (1973)3.

1 J.E. Berendt, El Jazz – De Nueva Orleáns al Jazz Rock 1994, p. 84/85.

2 [1] p. 77/78 3 Este artículo se basa en los capítulos correspondientes sobre los años `70 de los libros de J.E. Berendt, El Jazz – De Nueva Orleáns al Jazz Rock 1994 ; Frank Tirro, Historia del Jazz Moderno 2007 y artículos de Wikipedia sobre los albumes mencionados.

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ROY

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Fotos Dani Gutierrez

¿Cómo y cuándo decidís uniros para formar la banda Roy? ¿Habéis formado parte de otros proyectos?

Hará unos tres años decidimos volvernos a juntar la antigua formación de Zoom (Pepe, voz; Chico, batería y Luismi, guitarras y teclados) junto a Bruce al bajo, y formar Roy. Hemos formado parte de otros proyectos como Zoom, en los noventa, Frecuencia Sónica (Pepe y Chico), La endémica (Luismi) y Camel dead (Bruce).

Escuchamos un adelanto de vuestro trabajo 101 y en Julio hicisteis la presentación oficial del disco. ¿En qué os basasteis para decidir el título del álbum?

Queríamos un título de tres dígitos, como los tres de Roy. Por otra parte, 101 es un número muy cinematográfico y además numera lo más importante y lo básico de una materia mucho más extensa, justo lo que esperamos con este primer disco, dar a conocer nuestra forma de hacer y entender la música a todo el que quiera escucharla.

101 está compuesto por 10 temas de melodías pegadizas y sonidos de guitarras que nos recuerdan a grupos de finales de los 90 ¿influyen las bandas que escucháis en la música que hacéis?

También diría que sonidos y bandas de los 80, y sí, nos han influenciado mucho bandas como U2, Coldplay, The Strokes, Héroes o los Piratas entre muchos otros, siempre pasados por el tamiz de nuestra propia personalidad, muy influenciada también por compositores instrumentales.

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La edición de 101 la habéis hecho con Paralysis Records ¿estáis contentos con el trabajo final?¿Dónde habéis grabado y con quién?

Muy contentos. La grabación y mezcla la hemos hecho con Raúl Parra en los estudios de Fusible Records (Aguadulce), y la producción ha corrido a cargo de Raúl Parra y Luismi Sierra, y los arreglos también por Luismi Sierra (quien suscribe estas líneas).

Habéis estado presentando el disco por varias ciudades andaluzas ¿en qué otras ciudades podremos veros próximamente? ¿Haréis gira de promoción?

A día de hoy, y tras el gran éxito que cosechamos en el Teatro Apolo de Almería, tenemos confirmado un concierto acústico, en el que daremos una vuelta de tuerca a los temas, con arreglos exclusivos para la ocasión, y el día 13 de diciembre, teloneando a los Second en la sala Madchester de Almería. También tenemos pendiente presentar nuestro disco en algunas Fnac, y en diciembre o enero del próximo año, dar a conocer nuestro directo en Madrid, posiblemente en La Boca Club. ¿Estáis trabajando en nuevos temas ya o de momento os centráis sólo en el nuevo disco?

Sí, de hecho, aparte de preparar el acústico y seguir promocionando el disco en los próximos meses, ya estamos con la composición de nuevos temas para nuestro próximo LP. Animamos a nuestros lectores a escuchar este trabajo y os deseamos mucha suerte y éxito. Gracias por pasar un rato con nosotros.

Muchas gracias a todos los que nos han apoyado tanto desde que sacamos el Lp, los que lo ponen en su coche y lo dejan girar y girar, y esperamos que nos puedan oír y disfrutar nuestros directos en muchas otras ciudades.

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BURGIM (Extremadura) por Enrique Falcó DISCO: The way that you smile (2014) TEMAS: 10 WEB: http://burgim.blogspot.com.es/

Del nuevo trabajo de los cacereños Burgim poco más puede decirse salvo que no defrauda en absoluto. Quienes conozcan sus anteriores trabajos saben muy bien lo que van a encontrar en The Way That Yoy Smile: Canciones bonitas y dulces de un pop tan puro que dan ganas de bebértelo. Burgim es una formación sólida y sobria, a cuyos músicos se les nota a la legua que saben tocar y tienen muy claro lo que hacen y lo que quieren para su sonido, algo que ni por asomo es tan fácil ni tan corriente en el mundo de la música pop. Cualquiera que se aventure a escuchar su trabajo disfrutará de la sensación de recorrer una a una las canciones, como si de un agradable paseo por las nubes de los sentidos se tratara.

Guitarras cristalinas, baterías suaves que saben cuándo pasar inadvertidas, teclados que no molestan ni exigen protagonismo (lo cual ya es raro) y envuelven maravillosamente el sonido junto con voces que se transforman en susurros, que te atrapan y disparan algo en tu cerebro que indica que todo está tranquilo, que todo va bien y que no existe nada que deba preocuparnos.

Supongo que Alfonso Búrdalo es más que consciente de lo bien que le sientan a su voz esas caricias en forma de voces femeninas, como en “So Happy”, en donde cuentan con la colaboración de Chloé Bird, en uno de los cortes destacados del disco, junto quizás a “White Whale” el tema de apertura, con excelente bajo por cierto y una batería estupenda con dominio de escobillas, con una caja y timbales que suenan de dulce.

Las melodías de “Shame” y especialmente “Be Loved” son inmejorables, con esos coros que te ponen la piel de gallina junto a los instrumentos de viento. Me gustaría presenciar en directo cómo deben sonar temas algo más sucios como “Mile In A Tear” o “Mr User”.

El pop lúcido, inteligente e intimista en Extremadura lleva el nombre de Burgim, y su último disco como bandera. No se lo pierdan. A la segunda escucha se sentirán tan bien que pensarán que algo así no puede ser legal.

VAN SOBRAOS EN: Calidad interpretativa y capacidad de expresar sentimientos envolventes en formas de canciones pop.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Incluiría necesariamente una segunda voz principal femenina.

LA SENTENCIA: Otro gran trabajo de uno de los mejores grupos extremeños de música pop en la actualidad.

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LECTOR ACRÓBATA (Valladolid) por Enrique Falcó DISCO: Australia (2014) TEMAS: 06 WEB: http://lectoracrobata.bandcamp.com

Sin duda, y además siendo de Valladolid, lo primero que recomendaría es que el tema que abriera el E.P. Australia de Lector Acróbata fuera: “Hoy el planeta (ha optado por tocarme los huevos)”, la canción más brillante de las seis que componen el trabajo en cuanto a música y letra.

Aunque sin duda destacaría los comienzos en la batería de “Australia” y en especial de “Yo estoy bien”.

Pop-Rock de toda la vida, sin florituras, excelente base rítmica, guitarras que no desentonan y buenas voces.

Igual no me iría a vivir a Australia como sugieren en una de sus canciones, pero sin duda no pasaré la oportunidad de acercarme a verlos actuar en directo si tienen la buena idea de acercarse a tocar por tierras extremeñas.

En este grupo nadie desentona. Todos saben tocar y seguro que su directo esconde más de una sorpresas agradable. Habrá que estar atento a sus próximos trabajos.

VAN SOBRAOS EN: Melodías y sonidos pop rock por los cuatro costados.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Con ese batería hay que insistir en algun ritmo original y sorprendente. En el grupo hay nivel para dar un paso más sin perder la esencia pop rock.

LA SENTENCIA: Están pidiendo a gritos una portada en LaCarne Magazine. Ha sido una grata sorpresa. Irán a más.

MY YELLOWSTONE (Sevilla) por Manu Herrera DISCO: Two (2014) TEMAS: 12 WEB: http://myyellowstoneband.com

El dúo sevillano regresa ahora con “two”, casi sin dar respiro después de que hace menos de un año saltaran a la escena con “Here&now”.

Quizá por el éxito de aquel no han querido dejar escapar el tren, y se presentan de nuevo con un disco repleto de buenos temas, como don´t shine on me, con ese timbre añejo y punzante de la telecaster y deliciosos ambientes bañados en trémolo.

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Me han gustado especialmente, además del tema citado, “Strings”, cantada e instrumentada con exquisitez y con un sonido y Groove de batería envidiables y los sabores acústicos de “Brushtrokes”, Bad Story, “from te neglected building”, además del timbre cálido del piano en “The sunshine is lll”.

Unas voces cuidadosamente tratadas que pueden apreciarse en temas como “Wolf”, donde la reverb sitúa al solista en otra dimensión y el piano está tocado y hecho sonar con un gusto y delicadeza impecables.

En definitiva, me ha parecido un trabajo donde a la vez que hay diversidad de ambientes, las piezas encajan perfectamente como un “todo” bien cohesionado y coherente, todo ello fruto de una producción muy cuidada y con una orientación muy definida.

VAN SOBRAOS EN: Calidad y búsqueda exquisita del sonido.

LO QUE YO CAMBIARÍA: De un trabajo tan bien hecho uno no es quién para hacer cambios.

LA SENTENCIA: Este tipo de trabajos son los que hacen que “Sevilla tenga un color especial”, y alejado de los tópicos.

PHILIP SAYCE (Escocia) por Manu Herrera DISCO: Influence (2014) TEMAS: 13 WEB: http://philipsayce.com

“Influence” es el séptimo disco como solista del guitarrista Philip Sayce, amén de sus múltiples colaboraciones con otros artistas.

Nacido al oeste de Gales pero criado en Toronto, donde de niño estuvo influenciado primero por las escuchas discográficas de sus padres (discos de Ry cooder, Eric Clapton, Dire Straits) y posteriormente tuvo la oportunidad de tocar en jam sessions con algunos de los grandes , incluidos Bob Dylan o S.R.V. Admirador declarado de Stevie Ray Vaughan o Jimi Hendrix, posee un estilo blues rock vigoroso al igual que aquellos, cuyas influencias perviven a lo largo de la carrera de Philip, y por supuesto en éste, su último trabajo.

Estas influencias se ponen de manifiesto ya desde la intro on wah wah de “Tom Devil”, con ese aire psicodélico setentero y esos sonidos fuzzy tan representativos de aquella época, o “Out of my mind” que irremediablemente me ha recordado a “Fire” de Hendrix.

Una producción muy cuidada y de orientación muy retro que ha visto la luz también en vinilo, donde además de blues rock podrás escuchar influencias de rithm and blues, soul y Gospel como en “Sailin` Shoes”, o el blues más fiero de “Blues ain´t nothin´but a good wo”, que recuerda a su admirado guitarrista de sombrero de ala ancha y pañuelo al cuello.

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VAN SOBRAOS EN: Producción, ejecución y buen gusto.

LO QUE YO CAMBIARÍA: La sombra de Hendrix y S.R.V. es demasiado alargada y a veces cuesta encontrar la personalidad de Philip.

LA SENTENCIA: Todo un tributo a la música de sus ídolos sin pretender aportar nada nuevo.

STRATOVARIUS (Finlandia) por Porras DISCO: Nemesis Days (2014) TEMAS: 13 WEB: http://www.stratovarius.com

Stratovarius fueron los abanderados del power metal melódico de los años noventa gracias a discos como Dreamspace, Fourth Dimenssion, Visions o Destiny, trabajos que los catapultaron a lo más alto junto a bandas como Helloween, Gamma Ray o Blind Guardian. Tras catorce discos, que se dice pronto, cambios en la formación, problemas internos, la salida de su alma mater Timo Tolkki y tres títulos que marcaban la transición y puesta en marcha de un nuevo proyecto, en este nuevo trabajo, los finlandeses vuelven a brillar con un disco enorme de principio a fin.

En él, a diferencia de los anteriores Polaris y Elysium, se nota que el grupo está perfectamente compenetrado, con un Matías Kupiainen (guitarra) desbordante de inspiración y que se involucra mucho más en la creación, un Lauri Porra (bajo) que brilla con luz propia junto a Rolf Pilve (batería), demostrando ambos una gran destreza en la base rítmica. Y, qué decir del combo Jens Johanson-Timo Kotipelto (teclados y voz), veteranos músicos con una extensísima carrera en diversas bandas de renombre y únicos supervivientes de la época dorada de los finlandeses.

Este Nemesis Days (Edición de lujo) nos muestra un disco rebosante de energía, en el que vuelve a brillar ese sonido épico, esos pasajes instrumentales, con unos estribillos que se convierten en himnos, unos duelos guitarra-teclado irresistibles, unos solos de guitarra inspiradísimos, ese inconfundible torrente de voz, unos teclados que se atreven con registros hasta ahora nunca vistos y esos medios tiempos marca de la casa, todo esto bastante edulcorado en busca de un sonido algo más comercial, todo hay que decirlo. En el proceso compositivo han intervenido todos sus miembros, mostrándose más activos que en sus anteriores trabajos y aportando cada uno su granito de arena. También cuentan con la presencia de Jani Liimatainen (Sonata Ártica) en la composición y a la guitarra acústica en If the Story is Over. A destacar el enérgico arranque en Abandon, la enorme y contundente Unbreakable, la futurista Halycon Days o la balada If the Story is Over que no podía faltar, o Némesis lleno de matices y creatividad y que da nombre a un brillante trabajo, con una enorme calidad creativa e interpretativa y rebosante de energía, que marca el camino a seguir durante el futuro, y mejora sus anteriores trabajos con la nueva formación.

Todo ha sido producido por el propio Kupiainen en los 5 by 5 Studios y masterizado en los Finnvox Studios de Helsinki por Mika Jussila, conocido por su trabajo con bandas como Nightwish, Children of Bodom, o Amorphis. Esta edición de lujo cuenta con dos bonus tracks: Fireborn y LaCarne Magazine

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Hunter, que siguen en la misma línea para completar la edición normal y alargarla hasta la hora de grabación, y un segundo compacto, en este caso un DVD, que incluye 80 minutos de documental (en inglés) donde te cuentan todo el proceso creativo adornado con imágenes en directo y los correspondientes videos para que puedas disfrutar al máximo de la banda.

VAN SOBRAOS EN: Enorme calidad técnica y compositiva de los músicos, desplegando todo un arsenal sonoro que aprovecha al máximo la veteranía y la juventud de sus miembros, devolviendo a la banda a lo más alto del panorama power metal. Conviene destacar el trabajo de su guitarrista Matías Kupiainen, tomando las riendas del nuevo proyecto.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Es difícil encontrar algún pero a esta obra, quizás pierde la contundencia y oscuridad de sus orígenes bajando algo la intensidad y edulcorando demasiado las melodías. Mención especial al baterista original de la banda Jörg Michael que, aquejado de problemas de salud, no puede acompañar a la banda en estos momentos.

LA SENTENCIA: Stratovarius están de vuelta, la banda resurge de sus cenizas apostando por un sonido más actual y comercial, por qué no decirlo, sin dejar de lado los elementos que les convirtieron en los reyes del sonido power metal de corte melódico y devolviendo a la banda a lo más alto del panorama metal.

MARILLION (Inglaterra) por Alonso Naharro DISCO: A Sunday night above the rain (2014) TEMAS: 13 WEB: http://www.marillion.com

La banda británica de rock progresivo Marillion celebra sus casi 35 años de vida (26 ya sin cambios en su formación) con el lanzamiento de este concierto, grabado el 10 de marzo de 2013 en el Center Parcs de Port Zelande (Holanda), en el marco de su habitual convención bianual de fans. Casi dos horas y media de concierto en que la formación más clásica de Marillion: Steve Hogarth (voz y guitarra), Steve Rothery (guitarra principal), Pete Trewavas (bajo), Mark Kelly (teclados) e Ian Mosley (batería) demuestran que son aún mejores sobre un escenario que sobre un estudio de grabación, y que es posible enganchar a una audiencia con canciones de 15 o 20 minutos de duración.

Un grupo con ya una veintena larga de directos editados en vídeo necesita reinventarse continuamente y Marillion lo hace. Esta vez la banda tocó por primera vez en directo los 8 temas del por ahora último disco de estudio “Sounds that can´t be made”. Supongo que su única duda era saber con qué otros 5 temas completarían el set list de la noche. Quien busque un repaso a su carrera o su vena más rockera y menos intimista, no los encontrará en este doble DVD. En el apartado musical, el grupo sigue demostrando estar en una forma descomunal en el dominio del escenario, aunque se echan de menos momentos más enérgicos (surge el inevitable recuerdo a la etapa Fish o a otras noches con Hogarth). En el primer DVD, se incluyen 7

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canciones, 4 de su último disco: “Gaza” (canción de claro compromiso con la causa palestina y quizás un comienzo equivocado por su larga duración), “Lucky man” (uno de los temas más pegadizos de su último álbum), “Pour my love” e “Invisible Ink” y, entre medias, tres canciones de distinto pelaje: una hermosa y sobrecogedora balada “Waiting to happen” (momento mágico con el público coreando la canción en su inicio) con dos míticas y largas composiciones “This strange engine” y “Neverland”, de uno de sus mejores discos, la obra maestra “Marbles”. En el segundo DVD están incluidas 6 canciones, 4 de su último disco: “Montréal” (dedicada a la ciudad canadiense), “Power” (otro tema de desamor muy en la línea Hogarth), “Sounds that can´t be made” y “The sky above the rain”, temas en los que Hogarth combina el trabajo vocal con su inseparable órgano, y dos clásicos como “The King of sunset town”, uno de los momentos más emocionantes del concierto con una luz rojiza y un soplo de magia invadiendo el escenario y el inevitable guiño a la etapa Fish “Garden Party”, el momento más álgido de todo el concierto que sirvió para poner el broche a esa noche holandesa. Casualidad o no, estos dos últimos temas marcan los inicios del actual cantante Hogarth y del antiguo cantante Fish en la banda británica.

En el apartado técnico, el sonido está muy limpio y cuidado, como es habitual en esta banda británica, con opciones de estéreo o 5.1 en formato widescreen 16:9. Se agradece que en los 139 minutos de duración se siga perfectamente el concierto, sin necesidad de imágenes mareantes y acordándose de los 5 miembros de la banda.

No hay ningún tipo de entrevistas con la banda ni videoclips adicionales como en otros vídeos del grupo, pero tampoco se echan de menos.

VAN SOBRAOS EN: El dominio del escenario, la conexión absoluta y total del grupo entre sí y con el púbico tanto en los temas cortos como en los largos. La guitarra de Steve Rothery y los teclados de Mark Kelly siguen definiendo el sonido inimitable de este grupo.

LO QUE YO CAMBIARÍA: La composición del set list por el exceso de temas lentos y largos (Gazza, This strange engine, Neverland y Montreal). Se echa de menos algunas de sus incursiones más poperas como “You’re gone”, “Under the sun”, “Deserve” o “Holidays in Eden”. El público se divierte con mesura, pero no con esa locura propia de otras noches con Marillion (por ejemplo los 4 conciertos consecutivos en Oxford en julio de 1999).

LA SENTENCIA: Siguen teniendo un gran directo, pero quizás ya no sorprenden tanto como antes. Se les empieza a ver algo más estáticos en el escenario. Y aún así siguen siendo una banda de obligado visionado en directo para los fans del rock progresivo y de la buena música en general porque sus canciones mejoran en vivo.

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