LaCarne Magazine N32 by LaCarne Magazine

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Nº32 - Dic 2014 - AÑO 4

Intoxicados de RockandRoll

ENTREVISTAS MI.AMARGO - LUPULO - THE STRANGERS - LOWBEAT 22 - CLUB L.A. - KUSILLO - FLYLEAF - MANUELSON KAMCHATKA - ESKORZO - EDU QUINDOS

INVESTIGACION AQUI PERRO EP - MANUEL GARCIA MATOS

EXPERIENCIAS LA VOZ DE JOHN LENNON ME PONE LOS PELOS DE PUNTA - DJ CHART - EL GEN DE AYLA - BAM 2014 REMEMBRANZAS LIRICAS

RESEÑAS IMAGINANDO UN COLOR - AMA - PAUL GILBERT KOMPADRES MUERTOS - FLYING COLORS - LEILA

SUMARIO

Nº 32 aÑo 4 (DIC 2014)

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos (entrevistas, tutoriales, investigación, reseñas, opinión...)

04 con flow Mi.Amargo

24 ARDE BOLIVIA! Kusillo

06 a examen

26 mozart no pensaria esto

08 CARNICERIA SANZOT La voz de John Lennon me pone los pelos de punta

28 THE BLUE SUBMARINE Flyleaf, Manuelson

14 MUNDO DJ

Kamchatka

Lüpulo Vs The Strangers

Lowbeat 22, Dj Chart, Club L.A.

22 ANTES DEL CONCIERTO

El Gen de Ayla

Cap. 17: Aquí Perro Ep

44 lo mas destacado 46 MUSICA VIVA Manuel García Matos. Un folklorista y musicólogo extremeño 50 LA VENTANA NACIONAL Eskorzo

52 SALA DE CONCIERTOS BAM 2014 54 NOTAS DE PASO

Remembranzas líricas

56 PARQUESONORO Edu Quindós

34 artista del mes

60 EL GRAMOFONO Imaginando un color, Ama, Paul Gilbert, Kompadres muertos, Flying Colors, Leila

KAXTA, intoxicados de Rockandroll

Equipo lacarne magazine Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y redacción Pedro Gallardo

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

Colaboradores

Sebastián Díaz, Porras, Alonso Torres, J. G. Entonado, Alex Janßen, Oscar Trigoso, Marta Lozano, Manu Herrera, Carlos Rubio, Paquita García, Ferry Ms, J Palomo, La Culpa, Enrique Falcó, Lorenzo Sanz, Crónico

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por Ferry MS

MI.AMARGO El hip hop también se adapta a las nuevas plataformas de ayuda a la producción para difundir el buen rap que se está haciendo en España. Este mes, y con motivo del lanzamiento de su nuevo disco, Mi.Amargo nos ha dado una lección de buena promoción para lo que será su nuevo álbum Documentar, con un crowdfunding donde deja claro que con esfuerzo, y el apoyo del público, seguir haciendo música se hace un poco menos cuesta arriba. Con nuevo proyecto en la calle ¿Cuéntanos que podremos escuchar en Documentar? Pues se podrá escuchar creo que algo distinto y más musical al rap que estamos acostumbrados en este país. Viendo el tracklist se nota mucho trabajo detrás y una buena producción ¿Cómo se ha ido elaborando el disco? Pues ha sido un proceso lento, en el cual llevo ya casi involuntariamente año o año y medio escribiendo, retocando, metiendo arreglos de temas…, se puede decir que está cocido a fuego lento, aunque al final me he tenido que dar un poco de prisa debido a que me puse una fecha. En este proyecto vemos muchos nombre importantes ¿Cómo ha sido el proceso para elegir a estos mc´s y productores? Pues ha sido bastante “Documentar” la gente que ha pasado por mi vida. Excepto algunos pocos, de tanta gente que sale, son gente muy allegada o allegados con las cuales he ido coinci-

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diendo o de una forma u otra teniendo trato. Muchos son mis amigos, pero básicamente es que me gusta lo que hacen, y creía que podrían aportar al disco. No soy alguien que desea destacar en un tema sino que soy alguien que busca lo mejor para el tema. Atrás quedó ya la joven promesa de hip hop español y ya está asentada con una importante carrera ¿Cómo ves el panorama actual? Bueno, importante, importante… pues lo veo bien para la pequeña mancha que somos, hay variedad y hay gente haciendo buena música. Sin lugar a dudas producir un disco actualmente es muy complicado ¿Cómo ves nuevos métodos de financiación como el crowdfunding? ¿Se nota más el apoyo del público que antes? Pues no te podría responder a esta pregunta porque siempre he regalado lo mío, hasta hace poco, que vendí un cd a 2€ y otro a 5€, pero sí puedo decir que esta vez me han apoyado más la gente. No sé si será la época o yo, o las 2. El Crowfunding lo veo genial porque hay gente que de verdad no se puede suministrar por si misma los medios. Pagar antes algo que vas a comprar y además ayudar, me parece genial.

Viendo el apoyo que reciben los grupos fuera de nuestro país ¿Crees que en España se tiene infravalorada la cultura Hip Hop con respecto a otros estilos? Sí, desde luego. Háblale a cualquier padre de un chaval de 18 de rap, y a ver qué gesto hace o qué impresión tiene. Aún falta por asentarse la cultura aquí. Desde La Carne Magazine esperamos que tu nuevo disco sea todo un éxito. Muchas gracias por compartir tu tiempo con nuestros lectores. Gracias a ustedes por dejar expresarme, Saludos.

http://miamargo.bandcamp.com VER FACEBOOK LaCarne Magazine

A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Nombre y sitio en el grupo

Luisfer, guitarra, voz y programaciones

Grupo

Lüpulo

Años desde el primer concierto?

1 año y medio

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Depende del lugar y la importancia, pero siempre hay un gusanillo, si no ya perdería el sentido.

Prefieres estar solo o acompañado?

Solo, pero no me molesta estar acompañado, si lo estoy, me muestro poco expresivo.

Tienes ritual de subida al escenario?

No, solo pensar en atrapar la intensidad del concierto

Te has tirado al público alguna vez?

Jajaja, ya quisiera, sobre todo por la falta de público para eso.

Después del concierto fiesta o cama?

Fiesta

Qué no debe faltar en tu camerino?

Mis compañeros del grupo, tabaco, licores y unas risas

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Soñando Foo Figthers. Siendo más realista, Vetusta Morla, Dinero o Havalina.

Un disco

Siamese Dream de Smashing Pumpkins

Una canción

Disident de Pearl Jam

Qué es lo mejor de dar un concierto?

El subidón

Y lo peor de dar un concierto?

Recoger el backline

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A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Dani Ladrero (vocalista y guitarrista)

Nombre y sitio en el grupo

The Strangers

Grupo

Cuatro (fue en verano de 2010)

Años desde el primer concierto?

Nervios

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Suelo ser solitario, pero depende del momento, necesito de ambos lados para equilibrar mi balanza, me vuelvo loco si paso mucho tiempo solo.

Prefieres estar solo o acompañado?

No, la verdad es que me gusta beberme una cerveza con unas risas y directamente al show

Tienes ritual de subida al escenario?

No, pero algún día… cuando vea la sala llena

Te has tirado al público alguna vez?

Según las horas de carretera que hayamos echado. Si son pocas aguantamos más tras tocar, pero si nos hemos tenido que pegar el madrugón normalmente terminamos reventados.

Después del concierto fiesta o cama?

Agua, bebidas energéticas y algo de papear (patatas fritas, frutos secos…) ¡y un baño!

Qué no debe faltar en tu camerino?

Podría decir cientos pero últimamente quizás te diría con Mini Mansions o los mexicanos Molotov (una debilidad de la infancia). Belako también me parece una banda interesante

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Cualquiera de The Doors me sirve. Waiting For The Sun, por ejemplo

Un disco

Por no decir una de The Doors, te diré ‘New York City Cops’ de The Strokes

Una canción

El concierto en sí, los suelo disfrutar mucho, aunque las condiciones no acompañen. Además de conocer gente nueva y otras bandas en caso de compartir escenario, suele ser lo mejor.

Qué es lo mejor de dar un concierto?

El viaje y las horas de carretera, pero sobre todo si hay que madrugar… Soy pésimo madrugador desde pequeño en la escuela.

Y lo peor de dar un concierto?

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LA VOZ DE JOHN LENNON ME PONE LOS PELOS DE PUNTA

or lo general, a casi todo el mundo le gustan The Beatles, al menos aquellas canciones clásicas, las más populares y conocidas. Ya sean melómanos o aficionados de menor calibre. A cualquier devoto melódico poco exigente, los temas suelen sonarles bien, es música beatle al fin y al cabo, y el resultado es normalmente positivo, ya que el gran público siempre ha sintonizado de buena manera con los cuatro de Liverpool. Ahora bien, existen para quienes esa simpatía torna a altísimo nivel de elogio y encomiable adulación, incluso me atrevería decir, ¿Por qué no? A eminente grado de frikismo, ya que hoy en día, el uso de la palabra friki se traduce en unas connotaciones y denotaciones bastante más amables y positiva que las que oscuramente encerraban a finales de los 90. No todo el mundo, y me parece respetable, ha de saber tantos detalles de los grupos que le resulten atractivos, pero personalmente no soy de los que se conforma con escuchar plácidamente canciones que me resultan agradables. Cuando un grupo me gusta, me gusta, pero de verdad. Y me empeño en conocer su propia y noble historia, las vicisitudes que rodean a sus miembros, el instrumento que ejecuta cada uno, quién y cómo compone, en qué se basan, sus diferentes personalidades, en definitiva, el amplio conglomerado que marca ese sello inconfundible que tanto me atrae.

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The Beatles no solo no iban a ser una excepción, debido a que los sigo considerando los más grandes, importantes e influyentes músicos de la historia del pop. Los Fab Four se convirtieron en mito desde aquella vez en que a mis one años escuché “Drive My Car ” en el viejo Walkman de un compañero de clase. Como todo oyente joven, fui progresando en conocimientos musicales y educando mi oído, y así, poco a poco descubrí por ejemplo qué era eso de un bajo, al reconocerlo al fin en la canción “In my Life”, o lo importante que podía ser una simple pandereta, como aquella que otorga ese genial ritmo tras el estupendo rift de bajo y guitarra en “Day Tripper ”. Las sensaciones iban en aumento, nuevos discos, nuevas canciones, documentales, libros, la historia y asesinato de Lennon, el mito del Paul vivo o muerto, los punteos de Harrison, la batería de Ringo, sus discos más atrevidos, sus problemas con las drogas, sus idas de olla religioso/políticas... Una bonita y apasionante manera de hacerse mayor junto a ellos. Ni qué decir tiene, que en los primeros años sentía fascinación por aquellas primeras canciones, el “Love Me Do”, “Twist and Show” o el “Yellow Submarine”. Poco a poco crecía el interés por canciones más interesantes, y así, el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, el álbum Blanco (The Beatles) y el Abbey Road sonaban cada vez más en mi viejo Radio cd Sony, que aun a día de hoy conservo. No comparto esta gran afición o frikismo, como más les guste, con tantos amigos o conocidos como cabría esperar, pero sí es cierto que son bastantes los que no se conforman solo con el “Yesterday” o el “Ob-la-dí ob-la-dá”. Aún así, me sigue sorprendiendo la dificultad de muchos para reconocer en una primera escucha la voz principal de John, Paul y en menor medida George y Ringo. Muy pocos reconocen la voz del batería en temas como “Boys”, “Yellow Submarine” o “With a little help from my friends”. Detectar la voz principal de George Harrison es sin duda más complicado, y si no que se lo pregunten a Frank Sinatra, quien declaró públicamente que “Something”, la bella canción compuesta e interpretada por el guitarra solista, era su composición favorita Lennon-McCartney. También se escucha como vocalista principal a un joven Harrison en algunas de las primeras canciones Lennon-McCartney, como pueden ser “Do You Want to Know a Secret” ó “I’m Happy Just to Dance with You ”, aunque más tarde se arrancaría a componer sus propias canciones, y así, como vocalista principal donó para la historia temas inolvidables como “TaLaCarne Magazine

xman”, “While My Guitar Gently Weeps” “Here Comes The Sun” o la impresionante “Something”. Pero siendo justos y ateniéndonos a los hechos fidedignos, la presencia como cantantes principales de Ringo y Harrison no deja de ser algo anécdótico, aunque bien cierto es que George participaba regularmente en coros y armonías de manera muy relevante, y me vienen a la cabeza temas interpretados casi a tres voces como “Nowhere Man”, “Because” o la introducción de “Paperback Writer ”. Quizás la dificultad más notoria consiste en diferenciar las voces como protagonistas de Lennon y McCartney. Y reconozco que no es siempre fácil, incluso si tratamos de diferenciarla de la de Harrison. Al comienzo de su carrera, y asi puede apreciarse en sus primeros éxitos, Paul y John solían cantar juntos, a dos voces, en “Please Please Me” lo hacen salvo en un par de líneas de John, También en “Love Me Do” salvo el estribillo cantado por Paul mientras Lennon soplaba la armónica con gran habilidad. Repitieron fórmula en siguientes hits, como en “She Love You ” o “From me to you ”, pero de repente, con la posibilidad técnica de doblar la pista de la voz, cada vez fue más habitual que uno u otro fueran quienes lideraran vocalmente su canción, aunque casi siempre con generosa ayuda vocal del otro y de Harrison. La voz de Paul suena de dulce en temas más roqueros como la apertura del “Sgt.

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Pepper’s Lonely Hearts Club Band” en donde parece tener serrín en la voz o la siempre marchosa “I Saw Her Standing There”. Por supuesto se aprecia el colorido de su inconfundible voz en temas de renombre como “Yesterday” “Eleanor Rigby” o “Le It Be”, temas en donde jamás habría siquiera que intuir la voz de John Lennon a no ser que pretendamos que este último se retorciera en su tumba. Normalmente no suelo tener problemas para reconocer a uno u otro. Y les contaré mi secreto: A pesar de la innegable belleza y arte que ostenta como cantante el siempre vanidoso McCartney, la voz de Lennon produce un sentimiento en mi cuerpo que delata su sola presencia vocal en cualquier canción. Y es que, amigos, la voz de John Lennon me pone los pelos de punta. Me produce escalofríos, y eso es algo que he ido aprendiendo a lo largo de tantos años disfrutando temas como “Ticket To Ride”, “Rain” “she Said, She Said”, “In My Life”, “Strawberry Fields Forever ” o “A Day In The Life”. Eso es algo que no ha conseguido mucha gente, por eso, cuando una canción, un acorde, una voz, me produce una sensación parecida, le presto la importancia que merece, ya que es posible sin duda que pueda aportarme algo interesante.

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Espero animar, a quienes aún no hayan tenido la decencia de asomarse al maravilloso mundo de The Beatles, y en especial a la figura del inolvidable John Lennon, de quien se cumple por desgracia en este mes de Diciembre los 34 años de su lamentable desaparición, y por supuesto, contagiar ese entusiasmo por saber más acerca de cuatro jóvenes que cambiaron para siempre la historia de la música pop, de conseguir sentirlos musicalmente tanto por fuera como por dentro. Espero que sabrán disculpar el grado de nostalgia que encierra este artículo, pero desde hace ya muchos años, cuando se aproxima la maldita fecha del 8 de diciembre, no puedo dejar de hablar y escribir sobre Lennon. Supongo que es algo inconsciente, un mecanismo de defensa que pretende contrarrestar esa sensación inabarcable de vacío que queda en tu cuerpo cuando sientes que nos han robado algo tan grande y tan necesario. En otra ocasión, desde esta misma carnicería despiezaremos también su carrera en solitario. Veremos si se animan o no y se convierten en expertos y seguidores del grupo más grande de la historia, ya me contarán, pero eso pertenece al futuro, y como diría el bueno de Ringo: “Tomorrow Never Knows”. Contacta conmigo desde blogdeenriquefalco@hotmail.com

http://enriquefalco.blogspot.com.es/ 12 LaCarne Magazine

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LOWBEAT 22 Bueno, pues ya estamos aquí otra vez!! Este mes de diciembre vamos a ofreceros, además del chart, dos reportajes muy especiales en Mundo Dj. El primero de ellos será para daros a conocer a un artistazo de los pies a la cabeza, David García, o como muchos lo conoceréis, Lowbeat 22. Este cacereño nos habla de su dilatada carrera profesional y de muchas cosas más. No os la perdáis! ¿Con qué equipo aprendiste a pinchar? ¿Cuál fue el primero que tuviste en casa? y si no es así, ¿cuál fue el que tuviste en tu estudio la primera vez? Hola, muy buenas. En primer lugar, quería agradecer vuestro interés por hacerme esta entrevista. Respecto a la pregunta que me planteas, el equipo con el que me inicié fue, por llamarlo vulgarmente, una caja de madera con dos motores a correa de la que no recuerdo el modelo. Luego, pasé a una generación mayor, unos giradiscos Géminis PT 1200, por supuesto, a correa. Posteriormente, tuve unos Akiyama y, por fin, pude hacerme de unos Technics 1200 MK2. Aquí fue cuando descubrí el arte de la mezcla. ¿Cómo fueron tus inicios en este mundo de la música electrónica? ¿Te costó mucho hacerte un hueco entre toda la gente que había en ese momento o fue fácil el poder pinchar en las diferentes salas de tu localidad y de la región? Mis inicios quizás tuvieron que ver con mi tío, que fue uno de los precursores de una emisora de radio llamada “RUM RUM Malpartida”. Cuando era pequeñito, pasaba un montón de horas con él en su estudio doméstico todos los veranos desde que tenía 10 años. Por eso pedí a mis padres que hicieran un esfuerzo y me ayudaran a matricularme en 1º y 2º de solfeo en el Complejo San Francisco de Cáceres. En esa época, tampoco fue difícil hacerme un hueco. Había pocas salas pero mucha gente con inquietudes y, sobre todo, mucha iniciativa. No, no fue difícil.

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¿Cómo ves el panorama de la Música Electrónica en Extremadura? ¿Crees que es mejor o peor que hace diez años en cuanto a locales, eventos y público asistente? Y en Cáceres en particular, ¿cómo lo ves? Bueno, a esa pregunta, en general, no solo en Extremadura, estamos sufriendo un cambio, pienso que para mejor, entre otras cosas, porque todo evoluciona. En cuanto a locales, estamos pasando una situación, como todos sabemos, económicamente complicada, por lo que es arriesgado apostar por algo cuando existen otras alternativas. Cierto es que, quizás en esta ciudad, ha sido difícil hacer compatibles los cambios de horarios con el público. Eventos sí que se hacen, cada vez más, tanto en Cáceres como a nivel regional. Es sorprendente como promotores y público van de la mano en este sentido. Eso es porque sigue habiendo demanda, lo cual es muy interesante. Qué voy a decir, por supuesto que quiero a mi tierra y que hace falta trabajar mucho pero se está llevando a cabo. Es complicado poner una nota, la nota la pone el público que asiste a esos eventos. ¿Qué estilos dentro de la Música Electrónica son los que más se suelen oír en tus Sets? Bueno, como ya sabéis, siempre me decanté por el sonido Techno. Así me inicié y quizás es lo que me llena y con lo que me siento más cómodo. Me gusta siempre probar y fusionar elementos nuevos para darle forma dentro de mis Sets. Realizaste un curso de producción y masterización con la famosa escuela Microfusa, famosa a nivel Nacional, ¿puedes decirnos si tienes en mente sacar algún trabajo próximamente? y aparte de aprender a producir ¿qué más te aportó ese curso? Sí, me gustaría poder sacar algún trabajo, aunque dispongo de muy poco tiempo para ello. Aún así, pronto verán la luz algunos proyectos que tengo que depurar. Este curso, además de para entender matemática musical, me vino muy bien para saber estructurar los márgenes del sonido, entre otras cosas. Has pasado por las cabinas de multitud de festivales y por infinidad de salas. ¿En cuál de los dos sitios es donde más agusto te encuentras actuando y por qué? Ya de paso dime un fes- “Es sorprendente como promotival y una sala que te hayan dejado un gran tores y público van de la mano recuerdo. Creo que son cosas diferentes. En una sala, en este sentido. Eso es porque el público es menos numeroso pero se siente sigue habiendo demanda, lo de otra manera, más cercano. Mientras que en un festival, es todo más grande, algo más cual es muy interesante. “ distante, pero de igual manera el calor del público está ahí. Pregunta complicada, todo me ha llegado, pero si tengo que decantarme, en cuanto a festivales, por supuesto que WOMAD. Y sala, podría decirte varias pero quizás, una de las que más recuerdo, aunque haya desaparecido, sea Nora 8. ¿Qué equipo de trabajo es el que usas en la actualidad en tus sets? ¿Y nos puedes decir por qué usas ese en particular? Actualmente, en mis sets, trabajo con controlador S4 + Maschine y portátil Mac. LaCarne Magazine

Bueno, después de probar veo que puede ser la configuración más estable y con más posibilidades que hasta ahora he visto. Antes trabajaba con otros controladores y creo que la respuesta no era tan acertada. Por último te quiero hacer la pregunta que le hago a todos los artistas que han pasado por aquí, ¿me puedes decir tres temas de la Música Electrónica que sean atemporales para ti? Uf, uf, ahí me pones en un aprieto, ¿cómo responderte? Esa pregunta es demasiado complicada, hay infinidad de buenos trabajos, pero ya que me lo preguntas, tendré que responder: Secret Cinema -Timeless Altitude-, Al Ferox -Dommplanet-, Âme -Den Råtta- y, por decir alguno más, Emmanuel Top -Turkish Bazar-. Para terminar, os felicito por esta iniciativa de La Carne Magazine y os deseo mucha suerte en vuestro proyecto. Todo un crack dentro y fuera de las cabinas. Gracias por todo, David!

http://www.residentadvisor.net/profile/lowbeat22 http://soundcloud.com/lowbeat22 VER FACEBOOK 16 LaCarne Magazine

DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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Nicuri - “Outflight ” Nicuri - “Ascension” KILL FRENZY - “All Night Long”

Delano SMITH - “Inspiration (Marcel Dettman interpretation)”

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LOCKED GROOVE - “Enigma” Jesper RYOM - “Aviator” Kamero - “Ikarus” Oliver HUNTEMANN - “Schnitzel ” STEVE LAWLER - “That´s House” GAISER - “Krakdup” LaCarne Magazine

Club L.A. - extremadura de club Bueno, como ya os he contado antes, este mes os quería hablar del Bar Los Ángeles. Aunque más que hablar de él, quería hablar de en lo que se convierte el fin de semana, y es nada más y nada menos que en el Club L.A! Para ello tenemos aquí a su gerente y propietario, que además es uno de los VJ más conocidos de Extremadura. Se trata de Francisco Muñoz (Kiko), cuyo nombre de guerra como VJ es “Konvisual”. Buenas tardes Kiko, gracias por atendernos este ratito. ¿De dónde surgió la idea de transformar un bar como Los Ángeles en un club los fines de semana como L.A? ¿Cuánto tiempo lleváis ya con esta iniciativa? Buenas tardes y muchas gracias por esta entrevista. Los Viernes hacemos sesiones de música electrónica y comienza una pequeña transformación en el bar con pocas luces y con proyecciones visuales. El cambio a club L.A. del bar Los Ángeles se nota bastante. Todo ha ido saliendo poco a poco, con los amigos echando el rato, poniendo un poco de musiquita, y al final ha ido cogiendo color a club. Llevaremos más o menos año y medio con la dedicación de los Viernes con sesiones djs & konvisual. Haciendo eventos de sesiones electrónicas llevamos bastante más tiempo. ¿Te costó mucho hacer que L.A tuviese un hueco en la escena electrónica de Mérida? ¿Había más salas que programasen cuando empezasteis? La verdad que la idea no era hacernos un hueco, llevamos 30 años en el bar Los Ángeles y siempre se han hecho eventos variados. Sí que hace unos 10 años nos hemos centrado más en hacer eventos de sesiones djs en las vísperas de fiestas, cumpleaños, festival de las patatas alioli, etc. Siempre ha habido alguna sala o discoteca en Mérida de música electrónica, no muchas y con el pulso muy débil pero siempre se mantienen una o dos en la lucha por la supervivencia. Como dije antes, siempre hacemos cositas relacionadas con la música electrónica pero nos mantenemos un poco al margen de lo que es el centro o discotecas grandes o los lugares de

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moda. La idea del club L.A. los Viernes es juntarnos unos cuantos amigos que nos gusta mucho este estilo de música y de vida, y echar un rato…, claro está que está abierto a todo el público que le guste y quiere disfrutar. Todo surge de una manera más casera aunque sí que hay días como vísperas de fiestas y días por el estilo que el club L.A. coge color y las imágenes toman forma y vida con el ritmo de la música. Sueles dar paso en tu programación a mucha gente nobel y con poco recorrido artístico, cuando sería a lo mejor más fácil traer a gente con algo más de nombre en la escena y así poder llenar la sala con más seguridad ¿por qué lo haces? En realidad muchos de los que pasan por nuestra cabina son apasionados de la música, bastante nobeles. Creemos que lo mejor es dejar probar e intentar a las personas que están comenzando, y esto no quiere decir que no vengan personas con mucho más recorrido porque sí que a lo largo de todos estos años muchos de los djs extremeños reconocidos han pasado por aquí, personas de la talla de Jpalomo, J. Alqantara, dj Momia, Zeus, Darius Vicius, etc. Siempre gusta llenar la sala, pero no es nuestro objetivo. Creo que el objetivo es seguir disfrutando de la música, y aprender cada día más con cada persona q viene por aquí a deleitarnos con sus gustos y técnica. Vamos a hablar ahora un poquito de ti. Sabemos de tu faceta de VJ y que tu nombre artístico es K-ON (rectificame si es Konvisual) ¿cómo te introdujiste en este mundo o quién lo hizo? …no es que haya demasiados VJS en Extremadura! Con el tema de las visuales comencé haciendo los típicos videos caseros, editando video. Me empezó a gustar cada vez más hasta que me compré el primer programa (Motion Dive Tokyo) y su controladora. Luego ya proyectando también usando el mítico Resolume. Comenzamos a poner música juntos, mi compañero inseparable dj Momia (Catloose) y yo, e incorporamos a las sesiones la parte visual, y hasta el momento. En un principio teníamos el nombre del grupo como Kimoru, más tarde nos pasamos a llamar por separado K-on (visuales) y dj Momia, y a día de hoy se transformó en KONVISUAL por un lado como visuales, y CATLOOSE a la música, seguimos colaborando juntos y también por separado. Si para los Djs es complicado buscar trabajo me imagino que para un VJ lo será aún más, ¿te cuesta mucho poder encontrar clubs, salas, pubs o festivales donde poder desarrollar tu faceta artística? Sí, es bastante complicado, pero hay que seguir intentándolo. La mayoría de las veces “Siempre ha habido alguna vamos en conjunto KONVISUAL & CATLOOSE y montamos todo donde vayamos hacer el sala o discoteca en Mérida de evento, pero las veces que voy soólo a poner música electrónica, no muvisuales te encuentras con el problema que la mayoría de los sitios no tienen nada para chas y con el pulso muy débil proyectar, y cada vez es como un nuevo reto. pero siempre se mantienen La verdad que es difícil pero sí que salen cositas y algún festival como el de Los Palomos una o dos en la lucha por la en Badajoz, o YOULIKE en Aceuchal, CODE supervivencia.” en Cáceres…, en los que he tenido la oportunidad de estar proyectando visuales, pues es LaCarne Magazine

un lujo que haya pantallas de LED y no tengas que hacer demasiado montaje. ¿Cual es el evento donde mas has disfrutado desarrollando tu trabajo? Personalmente disfruté mucho en una CODE en Cáceres, tanto porque trabajé con artistas de talla internacional, que siempre me han gustado, y porque lo trabajé todo en directo y estuve muy compenetrado con la música, y creo que salió todo bastante bien. Hacer cosas en conjunto con CATLOOSE (Félix) siempre es hacer un reto nuevo y me encanta trabajar con él porque lo disfrutamos mutuamente y cada vez estamos más compenetrados. Una de las últimas sesiones que hicimos en METABAR fue donde lo pasamos mejor, disfrutando y ofreciendo un directo que nos sorprendió a nosotros mismos. ¿Nos podrías decir qué equipo y programas utilizas para trabajar? Para trabajar usaba PC y los programas Resolume y Motion Dive Tokyo. Más tarde empecé a usar MAC y el programa Modul8, aprendiendo a usarlo apuntándome a varios cursos que ofrecían los geniales de VJSPAIN. Y ya para terminar ¿nos podrías dar un pequeño avance de los artistas que veremos en L.A en el mes de Diciembre? En el Club L.A este viernes tenemos a nuestro amigo Xapis y próximamente nos llega las Navidades y tendremos a djs como Jpalomo, Nono, Peri Serrano, Carlos Renatto, Lamstrum, Victor Royan, Xapis, Alberto, Konvisual con sesiones av. Gracias por todo Kiko y nos vemos en L.A

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por Jessica Barriga

El Gen de A

os conciertos siempre son algo que consiguen remover todos nuestros impulsos, por eso nos gusta pasar tiempo juntos antes de tocar delante del público. Estos momentos son los mejores porque ponemos a prueba nuestros límites de organización y planificación, aunque lo mejor de todo es poder pasar un rato juntos disfrutando de la compañía del grupo al completo, y como siempre Jessica, con la cámara “a cuestas” para retratar cada momento. Suena a “topicazo” pero somos una gran familia. La semifinal del concurso “Suena Extremadura” en Olivenza fue el viernes 19 de septiembre a las 20:00, nosotros debíamos estar en el pueblo a las 18:00, para lo típico de esas cosas, ver el escenario, conocer a los organizadores, el sorteo para saber orden y cómo no, la prueba de sonido. Nuestro local de ensayo es una caseta en medio del campo, el lugar perfecto para hacer buena música sin molestar a nadie; está en Badajoz, a más o menos media hora del concierto, con lo cual tendríamos que tener todo montado en los coches sobre las 17:30. Para un grupo normal, no hay pro-

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blema, se consigue en un momento, pero nosotros nos caracterizamos por nuestra variedad musical, con lo cual llevamos bastantes instrumentos, pedaleras, cables… a todo esto hay que sumar el tiempo que tarda Martín en desmontar la batería (que conste que le ayudamos en lo que podemos), estamos deseando que inventen una que su montaje sea igual que las tiendas de campaña, esas que tiras y se abren solas. En fin… no os vamos a relatar todos los detalles, ya que sería demasiado aburrido, es la parte técnica que menos gusta, sobre todo tener que coger las cosas a peso y moverlas hasta el coche. Por todos estos motivos, tuvimos que quedar temprano, queríamos ensayar y comer después tranquilamente. El último ensayo suele ser un poco caótico, queremos que las cosas salgan bien y nos gusta dejarlo todo organizado. En este concierto se estrenaba Jorge, el violinista, el cual, en un primer momento, empezó tocando solo el violín pero ha adquirido más protagonismo a medida que se ha hecho con las canciones de Elisabeth, nuestra cantante, ella es la principal compositora aunque Joaquín (el otro vocalista) le está cogiendo “gusto” a esto de componer, y en este concierto la mitad de nuestra actuación era de su puño y letra. Durante este ensayo, como ocurre al igual que siempre, Rubén está atento al ritmo, cómo no lo va a estar, es el bajista. Se coloca al lado de Juanma, nuestro guitarrista rockero, y ambos acaban haciendo de las suyas, contagiando al resto del grupo; haciendo que un simple ensayo previo al concierto, se convierta en una reunión de amigos que pasan un buen rato disfrutando de la música.

Ayla

Finalmente, llega el momento de coger fuerzas para darlo todo en el escenario, pero no hay tiempo… ¿qué se puede comer que no haya que cocinar? Pues sí, pizza, creemos que se ha convertido en nuestra comida estrella en el “antes de”. Mientras unos van al local a recogerlas, otros aprovechan el tiempo para desmontar piezas, cables y demás elementos varios. Cuando todo está dentro de la caseta, parece menos que cuando empezamos a sacar y sacar… La comida es uno de los mejores momentos, es la reunión en la que todos participamos, ya no está el guitarrista o el cantante, somos amigos compartiendo risas, rellenando nuestro cuaderno de bitácora con ilusiones.

http://elgendeayla.blogspot.com.es LaCarne Magazine

Crónico, para La Carne Magazine en el estudio número uno del genial grupo Kusillo en la ciudad de La Paz. Gracias por recibir a La Carne. Grupo: Gracias por venir… Buenas tardes! Hola, somos Kusillo y somos un desastre… ¿Por qué adoptaron el nombre de una danza autóctona, Kusillo? Ari: El nombre de Kusillo decidimos usarlo debido a que, los que conocen la danza ya lo sabrán, se caracteriza por no tener un paso establecido, una coreografía. Y es eso lo que queremos expresar como banda, no tenemos un género, un estilo o una sola línea musical… nos gusta fusionar, experimentar con nuevos géneros mezclando y juntando. Básicamente es por eso el nombre de Kusillo. Hacemos esa analogía. Nos gusta que las cosas salgan sobre qué sentimos o qué queremos expresar. ¿Antes de Kusillo tuvieron otras bandas, verdad? Diego: Antes estaba en un grupo en el que tocábamos Metal inicialmente, y yo entré como el chico extraño del grupo (risas). Creo que Henry y yo hemos sido los últimos en acoplarnos a la formación actual de Kusillo. Henry: Desde colegio ya conocía a los chicos y sí, teníamos una banda con Arcil y un amigo más, Fede el “gaucho”, y éramos los tres. De vez en cuando tocábamos en un instituto que se llamaba TEA, luego me complementé a Kusillo. ¿Cómo se definen y que quieren expresar? Ari: Bueno, creo que lo que caracteriza a Kusillo es la diversidad, no sólo en género sino la diversidad lírica porque tocamos… intentamos fusionar de todo, como el reggae, rock, morenada funk, punk…, un desorden que nos caracteriza. En la lírica eso también nos refleja, hablamos de cosas cotidianas como de cuestiones históricas. Tenemos un par de canciones que hablan sobre la historia de nuestra ciudad, de nuestro país y también hablamos del romanticismo, lo que haces día a día, la familia, la amistad…, entonces no hay un tópico fijo.

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¿Cuál el proceso de creación de una canción? Ian: Primeramente está la composición, y siempre trabajamos en base a una idea que trae la banda, puede ser cualquiera con una idea (generalmente son Diego o Arcil) y en base a ello comenzamos a trabajar todos. Por eso es que quizás podemos llamarlas composiciones de Kusillo porque entre todos armamos, lo estructuramos. Arcil pone las letras, nosotros le ayudamos con eso, cada uno pone de su parte… es lo lindo de este grupo, que somos como un complemento, somos unos muchachos inquietos. ¿Cuánto tiempo les ha tomado sacar su primer álbum? Han sido aproximadamente dos años desde que ingresamos por primera vez a grabar, pero como grupo son ocho años. Juro que hemos entrado algunos con melena y al terminar el disco éramos otros, y eso se siente en las composiciones, para ser más específicos en la canción 1809 o Ni olvido ni perdón, que son temas que hemos compuestos así de changos (jóvenes) y tienen más influencia metalera, y después nos abrimos más al funk y otros estilos, y así salió Cuando el mundo diga no y Raíces que son diferentes. ¿Cuáles fueron las colaboraciones por ejemplo del tema 1809? Henry: Tenemos colaboración en nuestro disco de dos mujeres una cantante y Valeria Fanola, una charanguista que tocaba en Diverso, que es un grupo femenino de folclore, con quien nos conocemos desde colegio hace 15 y 10 años, amiga del grupo que nos ayudó a darle un toque folclórico a la canción, que es de heavy metal pero queríamos ponerle un charango (Instrumento de cuerdas de los andes) Van a presentar su primer video clip Raíces ¿por qué eligieron esa canción? Arcil: La canción es muy especial para nosotros porque trata sobre las personas, cuando nos toca separarnos de nuestra ciudad, de nuestra familia… y creo que toda esa añoranza que sientes, ese sentimiento de nostalgia se traduce en tu identidad, en no perder lo que eres, lo que sientes, por más que estés muy lejos. Ari: Creo que es un tema que ha pegado bastante al público, es por eso que lo elegimos. Fernanda: Raíces saldrá en noviembre como corte oficial, y tenemos un concierto el 17 de diciembre en el Teatro 6 de Agosto. Ahí va a ser la presentación oficial de Raíces, con un show grande, montaje exclusivo para Kusillo…, vamos a celebrar el primer año de la salida a la luz del disco Sin Pretextos. El videoclip tendrá la edición para radio que no se encuentra en el disco, pero para todos los kusifanáticos y kusifanáticas es una versión especial, es el lanzamiento de algo inédito. Bueno, esperemos tener mucho más de Kusillo Arcil: Gracias a La Carne por dar oportunidad a músicos como nosotros, que recién estamos intentando emerger, que amamos mucho la música, la cultura y hay mucho más de donde explotar… tenemos mucha cultura. Gracias de parte de Kusillo, un saludo a tod@s las personas que escuchan nuestra música. El disco de Kusillo, titulado Sin pretextos, salió en diciembre de 2013, con 10 canciones que van desde el metal hasta el funk pasando por el reggae. Sus páginas oficiales son Youtube Kusillo Bolivia, Twitter KusilloOficial y Facebook Kusillo. LaCarne Magazine

CAP. XVII - Aquí perro Ep

Antonio me propuso unas piezas iniciales para que Arín Dodó las completase. La primera de ellas, “¿Aquí no hay nadie?”, es muy enigmática. Con percusiones muy variadas y guitarras acampanadas (que recuerdan a los primeros Sonic Youth) que estaban pidiendo a gritos que les acompañase alguna voz distorsionada y grabada al revés, y el clarinete de Ruvenigue.

Foto Antonio Clavijo

Otro de mis compañeros internautas con los que grabé piezas a distancia es un músico barcelonés muy inquieto y que tiene mucho en común, desde el punto de vista sonoro, con Arín Dodó. Estoy hablando de Antonio Clavijo y de su proyecto Kinoplatz. Ahora está en un nuevo proyecto: Primo Gabbiano.

La otra pieza es “Perro Guía”. Me acuerdo que para completarla Manuel Fermín se fabricó una percusión con cajas de plástico duro a las que le acoplaba un micro de contacto. Ruvenigue utilizó el didgeridoo, y yo acompañé con voz y trompeta a esas percusiones, ruidos de sintetizadores y textos recitados por Antonio, enviados desde Can Bagaria, en Cornellá De Lobregat. El resultado son 20 minutos de música intensa y que sobrecoge en ocasiones. Estas piezas le interesaron a Luis Marte, de la netlabel argentina Fugadiscos y se decidió a publicarlos aquí: http://fugadiscos.wordpress.com/2013/03/11/arin-dodo-kinoplatz-aqui-perro-ep/ Es muy satisfactorio encontrar compañeros de viaje que tengan unas sensibilidades afines a la tuya porque no es fácil encontrar a muchas personas que estén interesadas en éste género musical, el de la Improvisación Libre. Después de años de búsqueda de un sonido acorde a mi personalidad y a mi carácter, por fin he encontrado el sitio apropiado para desarrollarlo. No sólo en el lugar donde vivo… hay muchos colectivos repartidos por toda la península y con inquietudes parecidas y dispuestos a invertir sus energías para reivindicar este tipo de música, sin armonía y melodías prefijadas; que no es tan rara como aparenta y que está buscándose un hueco en el panorama ibérico. A ver si lo conseguimos… aunque no parece que sea una tarea fácil. Es de agradecer que haya espacios como La Carne Magazine donde tenemos la oportunidad de hablar sobre ello. Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó (contacta desde aquí)

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Este disco es muy enérgico y contiene canciones muy buenas ¿Cómo de grande ha sido la influencia de Kristen en el resultado final del disco? Puede decirse que, tanto nosotros como Kristen, estamos influenciados los unos por los otros de forma equivalente. Ella aportó toda su esencia a la banda, y nosotros solo pudimos abrazar esa talentosa voz y encontrar la forma de crear la música que sirviera para sacudir las cabezas de nuestros fans. De todas formas, está claro que Lacey ha sido un referente en la banda durante muchos años y esto, normalmente, acaba creando una costumbre ¿Os costó mucho adaptaros a ella o viceversa? La transición entre cantantes fue muy sencilla. Ella llegó, y automáticamente se convirtió en alguien de la familia. No se puede decir que necesitásemos nada en particular para adaptarnos a ella, o ella a nosotros. Kristen tiene una encantadora luz sobre ella, y eso hace que trabajar juntos sea muy sencillo. Ella ha conseguido rescatar la parte divertida de la banda que en algún momento se perdió. ¿Hicisteis un casting de cantantes u os fuisteis a ella directamente? Manejamos una gran lista de cantantes, pero nosotros solo estábamos interesados en que el agente de Kristen contactara con nosotros para pactar los términos de la colaboración. Algunos fans os comparan como el relevo natural de bandas como Evanescence en términos de popularidad. ¿Estás de acuerdo con esto? Evanescence es una banda genial, eso es seguro, pero pienso que lo único que tenemos en común es que ambos somos bandas de rock con cantante femenina. Pienso que ambas bandas divergen mucho en distintos aspectos. Pienso que, en algunas cosas, nos complementamos.

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Between The Stars tiene 18 canciones incluyendo los bonus. Cuando comenzasteis a componer este trabajo, ¿buscabais grabar y distribuir tanto contenido? Cuando Flyleaf estaba escribiendo Betwen The Stars, quisimos que cada canción fuera por su cuenta, pero cuidando mucho que el conjunto ofreciera un tema común. De todas formas, parece que os resulta muy sencillo escribir canciones ¿es ésta una de las características más notables de la banda? Como compositores, siempre estamos escribiendo nuevo material, así que cuando llega el momento de grabar un disco tenemos un montón de canciones entre las que elegir. El grupo se creó pocos años después del declive de la música Grunge. ¿La inercia de aquella época os influenció?, ¿notáis que en vuestra música hay algo de bandas como Alice In Chains, Nirvana o incluso Pearl Jam? Sí. Crecimos escuchando a todas esas bandas de la escena Grunge. Apreciamos mucho la falta de miedo de aquella época, la forma en la que este valor llegaba a la música y sobre todo a las letras de las canciones. Hablando de épocas más recientes, también es justo rendir cierto tribute a bandas como Lacuna Coil, After Forever o The Gathering, que en cierta forma, aportan elementos que también usáis en vuestra música ¿seguís lo que van haciendo actualmente? Cada uno de nosotros tenemos nuestras propias influencias. Yo estoy muy influenciado por la escena Grunge de Seattle, pero al resto les gustan bandas como At The Drive-In, Toadies, Jimmy Eat World o Radiohead. Vuestra música suena muy moderna en la actualidad, quizá de forma muy diferente con respecto a cuándo empezasteis. ¿Os ha influenciado el mercado a la hora de evolucionar o habéis hecho siempre lo que os ha apetecido? Cuando Flyleaf comenzó, todos nosotros éramos adolescentes que apenas alcanzábamos la veintena de edad. Supongo que con cada álbum de la banda hemos ido haciéndonos más maduros, pero está claro que nunca hemos pretendido escribir música en torno a un estilo o un género por razones comerciales. Sin duda hemos ido teniendo una progresión natural acorde con nuestra edad, y lógicamente adaptada a cada época. Sois muy populares en EEUU, y ahora parece que queréis iniciar la conquista de Europa. ¿Tenéis plena confianza en este disco? Todos estamos plenamente convencidos de que Between The Stars es un disco potente de canciones variadas y atrayentes. Eso no siempre se transforma en popularidad, lo cual tampoco es nuestro objetivo, ya que si realmente fuéramos buscando eso, seríamos una banda de pop. Si la gente escucha el disco y decide vivir en vez de LaCarne Magazine

morir, o amar en vez de odiar, entonces estaré contento con lo que hacemos. “Set Me On Fire” ha sido vuestro primer single. Teniendo en cuenta lo bueno que es el disco, ¿Qué dificultad tuvisteis a la hora de decidiros por esta canción? “Set Me On Fire” es una canción muy pegadiza. Para nosotros fue el single perfecto desde el primer momento. Estáis distribuyendo el disco a través de earMUSIC en Europa. Un sello de rock que está hacienda las cosas realmente bien en estos tiempos en los que la música está pasando por un momento realmente incierto. ¿qué opinas sobre su trabajo? Estamos muy agradecidos con ellos y apreciamos muchísimo todo lo que están haciendo. Distribuir un gran número de copias en el estado de la industria musical es algo impresionante. A tu entender ¿Cuáles han sido los cambios más importantes que has apreciado en los últimos años tanto en temas de promoción como de negocio? Las redes sociales se han convertido en una bendición y también en una maldición. Lo positivo es que es muy fácil promocionar algo y conectar con los fans rápidamente. Lo negativo es que hay mucha mediocridad ahí fuera. Lo mejor que puede hacer una banda en la época actual es girar todo lo que le sea posible. No soy prolífico en redes sociales, pero las uso. Un artista debe abrazar todos los avances tecnológicos que estén a su alcance si quieren seguir siendo relevantes. El que no consigue adaptarse al entorno en cada momento, acabará muriendo.

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MANUELSON “Digo” es el nombre de tu nuevo trabajo discográfico. ¿Cuál ha sido el camino que has deambulado hasta llegar hasta aquí? Siempre había militado como guitarrista en numerosas bandas, hasta que llegó un día en que decidí dejar todos los proyectos en los que de alguna manera u otra estaba colaborando y decidí centrarme en mi propio proyecto. En 2012 publiqué el Ep “Fuimos los dos” y desde entonces hasta ahora, con el lanzamiento de mi primer álbum, han pasado 3 años en los que he aprendido mucho, y por supuesto quiero y espero seguir haciéndolo. Tu música está llena de influencias variadas. A bote pronto, me vienen a la cabeza artistas como Sabina o Mark Knopfler, pero con aires más sureños. ¿Qué crees que aporta la música de Manuelson al panorama musical actual? Sinceramente, no me planteo si mi música aporta algo o no al panorama actual, simplemente hago lo que me gusta, cuento historias, me limito a hacer canciones. A estas alturas no creo que invente nada nuevo, eso sí, lo intento hacer lo mejor que puedo y que sé. En este disco también se aprecia un gran control de tu guitarra y elementos blues, country poco explotados por bandas o solistas nacionales, a excepción de gente como Raimundo Amador, que consiguió llevar su híbrido de blues flamenco a escenarios internacionales ¿Ves tu música tan radical como para conseguir asentar una percepción de músico o propuesta musical diferente? Bueno, guitarrísticamente hablando, digamos que no soy del todo convencional, toco con los dedos o thumbpick, me gusta mezclar estilos y miro muy mucho el sonido, quizás sí, me podría diferenciar algo por mi manera de tocar. Es inevitable posicionarte en el segmento de bandas como Mclan, ya que tu música tiene un LaCarne Magazine

componente de comercialidad muy marcado que queda perfectamente patente en varias de tus canciones ¿te sientes identificado con este tipo de bandas? Bueno, como te decía antes, intento plasmar historias mediante canciones y me centro en eso, no porque lo quiera sino porque me sale así, algunas tienen ese sabor más comercial y otras no... Creo que es inevitable que salgan a la luz influencias que remarquen más ese factor, todos crecemos escuchando esto o aquello, y siempre acaba saliendo a la luz aunque sean dos notas, un vibrato o una frase. Aunque a priori el blues y el jazz sean estilos totalmente opuestos, sí es cierto que a través de la historia han tendido a acercarse bastante, sobre todo en la época más madura de sus intérpretes ¿has coqueteado alguna vez con el jazz para enriquecer los recursos de tus canciones de blues? Sí, para mí es fundamental esa mezcla a la hora de afrontar cualquier frase o solo, creo que es una de las características de mi sonido, aunque tampoco invento nada nuevo, pero hay muchas formas de llevar a cabo esa mezcla, ahí está la gracia. La comercialidad también está presente en canciones como “Digo”, que además es el primer single del disco ¿Por qué te decidiste por ella? Quizás es de los temas más divertidos, con un mensaje muy claro, y es que sólo depende de nosotros convertir en realidad aquello que anhelamos, y que buscar fórmulas mágicas muchas veces nos hace perder el tiempo… Hay que tener clara una cosa, 1 + 1 siempre son 2, que es lo que “Digo” en la canción... “Te Pienso” es una canción de corte pop, con un simpático riff de banjo como hilo conductor. Cuando compones este tipo de canciones, deduzco que a parte de las obvias, debe haber más influencias soterradas en tu cultura musical ¿nos las podrías confiar? Sí, yo la pensé más en una linea country/pop con cierto toque Nashvilliano, me gusta mucho cómo ha quedado el banjo en este tema. Me encanta incorporar la mandolina, el dobro o el banjo en temas donde normalmente no es o no sería lo más convencional, añade frescura. He escuchado mucho country y sus variantes, desde el más tradicional bluegrasss hasta wes-

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tern swing, pasando por el estilo “americana” o el neo folk… Supongo que siempre se queda algo de eso… Después, por supuesto, el blues, el jazz, el folklore, especialmente el Argentino, el Mexicano y el español… Y por supuestísimo el rock, que es lo que empecé a escuchar de peque, y con lo que sigo y espero seguir mucho tiempo (risas). En “Una Dama de Lousiana”, se habla de una mujer de Louisiana, donde se practicaba el Louisiana Blues, que sonaba más oscuro y tenso o el Swamp Blues. En este tema hay blues, soul y funky. ¿Por qué estilos de blues sientes más simpatía? Me gustan todos, desde el “deltablues” más tradicional con esa vena más folk, hasta el “texas blues” o el “chicago blues”... Y por supuesto, el “neworleans” o “zydeco”, donde se incorporan instrumentos como el acordeón y con ese toque funky… Me gusta todo de esa ciudad (New Orleans), la música, la comida y otras cosas (risas). El disco tiene una balada llamada “Las Músicas Del Mañana”, quizá el tema donde aflore más tu sensibilidad, y donde tu guitarra y tu dobro se compenetran de forma excepcional. ¿Qué sentimiento has tratado de arrojar con esta canción? Habla de ese camino plagado de obstáculos, que es con el que tenemos que lidiar los músicos todos los días, pero que, por muy difícil que nos lo pongan, seguimos adelante. El llegar o no a buen puerto es cuestión de muchos factores, sobre todo esfuerzo... En el caso del protagonista de esta canción eso parece que lo tiene muy claro, y va llegar igual sean cuales sean los obstáculos que se encuentre en su camino. Eres un artista muy equilibrado, ya que este disco está repleto de buenas canciones, buena interpretación y arreglos, y excelente aportación vocal ¿Prefieres destacar por el conjunto de lo que haces, o por tu habilidad para sacarle provecho a tu guitarra? Bueno, gracias por la parte que me toca… (risas). Primero me considero guitarrista y luego cantautor, pero intento estar al día con todo y estudiar, leer e investigar todo lo que puedo, nunca se acaba de aprender en esta profesión. Algo que es obvio tras observar la portada del álbum, es que tu música también tiene muchas raíces mexicanas. Hablo de canciones como “Me Es Imposible” o “VillaConchita”. ¿te has puesto como meta dar a conocer tu música allí o simplemente te apetecía profundizar en tus posibilidades artísticas? Hombre, es algo que me encantaría porque soy muy fan de su cultura y sobre todo de su música… Siempre hay un sitio en mi Ipod para grandes como Jose Alfredo Jiménez o Antonio Aguilar… “Me Es Imposible” es un guiño a una ranchera/texas desde una perspectiva Sabinera y “VillaConchita” está dedicada a unas vacaciones perfectas en Playa del Carmen y sí, me encantaría dar a conocer mi música allí, porque sé que aprecian una buena canción y una buena letra... ¿Cuáles son tus planes inmediatos y cuándo podremos verte en la carretera? En Diciembre sale el álbum a la venta, en Enero estaremos haciendo promo, y supongo que para Febrero ya estaremos en marcha con la banda, con presentaciones y demás.

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Texto: Pedro Gallardo Los extremeños Kaxta han entrado por la puerta grande del panorama musical español con su potente nuevo disco Centro de intoxicación (Rock Estatal Records, 2014). Llevan años puliendo sus temas y recorriendo de punta a punta todo el territorio español con conciertos apoteósicos, y eso se nota en su nuevo trabajo. Madurez musical, letras abrasivas, guitarras afiladas... y mucho, mucho rockandroll. Después de vivir junto a ellos toda su trayectoria, y ver de primera mano todo el trabajo que llevan realizado, puedo asegurar que Kaxta estará (si no lo está ya) en la gran mayoría de radios, llevando su potente rock kaxtuo a todas las casas de los seguidores de la buena música... y al final, todos terminaremos intoxicados de rockandroll.

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Centro de Intoxicación - Kaxta por Porras

Tras No soy un bicho raro (2009), Arremeto (2011) y más de 200 conciertos a sus espaldas, los extremeños Kaxta vuelven para presentarnos este Centro de Intoxicación (2014), consagrándose así como una de las bandas a tener en cuenta dentro del panorama estatal de una forma definitiva y contundente. Este trabajo, editado por Rock Estatal Records, y presentado en un lujoso formato digipack, contiene nueve temazos y todo un arsenal de melodías, de guitarrazos, de caña, de estribillos pegadizos, con unas letras y un sonido muy personales. Todo ello autoproducido por Kike (Batería), Rafa (a los controles y a la Guitarra), Javier (Guitarra), Isi (Guitarra y voz) y Pi (Bajo), y masterizado por Jordi Gil en los Estudios Sputnik de Sevilla. Rock castúo, rock transgresivo, rock urbano, llámalo como quieras, o simplemente llámalo Kaxta. La composición y la ejecución de los temas están sobrados de calidad, con una base rítmica frenética y unas guitarras desbordantes (es lo que tiene juntar tres guitarras), ni qué decir del sonido. También hay lugar para el sitar (Manué Pérez) y la guitarra flamenca (Feli Carrasco).

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Destacar Nada me para, desbordante de velocidad, Malos pelos o Jícaras de chocolate, que definen muy bien el sonido Kaxta. Si esperaban alguna canción lenta o alguna baladita, olvídense, este trabajo supura mucha rabia y mala leche, a través de unas letras que reflexionan sobre la sociedad actual y una contundencia en los ritmos que apenas da tregua en todo el trabajo. VAN SOBRAOS EN: La madurez compositiva y el directo de esta banda están fuera de dudas. Quizá en estos momentos nos encontremos ante el grupo más en forma del panorama extremeño. Si tienes ocasión no te pierdas su directo. LO QUE YO CAMBIARÍA: Quizá (y ya lo dije en alguna ocasión) el paralelismo entre esta banda y sus paisanos Extremoduro es más que evidente, aunque este trabajo sin duda contiene mucha más energía que los últimos experimentos de los Robe, Uoho y compañía. SENTENCIA: Un disco repleto de corazón, de sentimiento, de mala leche, de rabia, de amor, de impotencia…, de arte al fin y al cabo, que es lo que lo hace grande un clásico inmediato del rock estatal. LaCarne Magazine

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La trayectoria de Kaxta puede decirse que ha sido rodada. La banda nació en 2007 y desde entonces habéis ido sumando seguidores. ¿Sois conscientes de lo que habéis crecido? Somos conscientes de ese crecimiento, que como bien dices es gracias a toda la gente que nos sigue y apoya en todo esto. No es fácil por como está todo, pero nosotros seguimos luchando igual que el primer día para seguir sumando gente a nuestra familia kaxtua. Además del incremento del público ¿En qué más notáis que ya no sois los mismos Kaxta de los comienzos? Lo notamos en nuestra forma de tocar. Cada uno ha mejorado con su instrumento y eso se nota en el resultado del disco y en los bolos, y eso se refleja en las canciones. La firma con rock estatal records también provoca una evolución en el grupo. El que hayan querido que estemos en su sello creemos que será un paso importante para la banda. Cuando formasteis Kaxta muchos de vosotros proveníais de otras bandas y actualmente algunos de los componentes estáis en otros proyectos. ¿Puede dedicarse un músico a varios grupos? ¿Puede dedicarse? Pues eso intentamos, aunque requiere mucho compromiso y a veces saber cuándo priorizar. La cosa no está muy bien en este negocio, como bien sabéis, pero hay que seguir intentándolo y ahora más que nunca habrá que currar más aún. En vuestro caso, ¿cómo os organizáis para los ensayos y conciertos? Pues para los ensayos no hay algo fijado, sabemos que tenemos que ensayar varias veces a la

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semana pero siempre contando con los trabajos, familia, etc. Es fácil ensayar varias veces a la semana con un poco de organización. Lo peor, los desplazamientos porque estamos a 90 km. (tres somos de Badajoz y dos de Cáceres). Para los conciertos no es problema. Procuramos organizar salidas de varios días para aprovechar el finde completo (para que salga rentable), y vamos a donde nos llaman o donde conseguimos que nos “contraten”, siempre contando con unos requisitos mínimos que hay que tener para poder salir a tocar. Centro de Intoxicación es un trabajo redondo, grabado y producido por vosotros mismos. ¿Barajasteis la posibilidad de trabajar con alguna productora? No, si algo ha tenido Kaxta claro cuando decidimos grabar este disco fue hacerlo nosotros mismos. Si acertamos o no, que sea por decisión 100% nuestra. Y sabemos que la única forma de que suene a Kaxta es que lo haga kaxta. Contamos con Rafa, que es técnico de sonido, y con un local que preparamos para poder grabar. Microfónica barata, un ordenador pero la ilusión más cara del mundo. ¿Cómo fueron las horas de grabación? ¿Divertidas, o se convirtieron en una pesadilla? Grabar siempre es una mezcla entre diversión, pesadilla, odio la música y la amo. Pero eso es lo bueno. Todo eso se refleja en un disco y eso hace que un disco te llegue. Un día llega uno con el cable pelao, y el resto debe aguantar y ceder. Es el auténtico gran hermano. Son muchas horas juntos. Cuando sale todo bien, todos están bien, pero todos sabemos qué pasa cuando alguien opina algo distinto a lo tuyo… Ahí es donde te das cuenta de qué clase de grupo tienes… si es una familia o un grupo más. Unos son de Cáceres, y el estudio está en Badajoz… venir un día mola, un mes seguido ya cansa. Jajaja. Otros tienen mujer, hijos… esto se explica solo. Jajaja. Y un técnico que tiene que hacer más de psicólogo que de LaCarne Magazine

KAXTA - INTOXICADOS DE ROCKANDROLL técnico. Y grabar claro. Jajajaja. En definitiva, fue una divertida pesadilla! Contáis con Rock Estatal Records para la distribución. ¿Qué tal la experiencia con ellos? ¿Es importante contar con una distribuidora? Más que una distribuidora es un sello discográfico. La verdad es que en los tiempos que corren se agradece que te llamen, y te digan que quieren contar con la banda para publicar el nuevo trabajo. Hasta la fecha estamos muy contentos con el trabajo que están realizando. Sabemos que en este mundillo es una carrera de maratón, así que como formamos un buen tándem, llegaremos lejos. La verdad es que están haciendo un buen trabajo. ¿Pensáis que esta promoción es mejor que la que se consigue con conciertos? Tanto una como la otra es esencial. De momento, el trato de Rock Estatal Records es inmejorable. Ya conocíamos desde hace años a su director, y ahora se ha rodeado de un equipo de profesionales que te hacen todo esto más fácil, y nos hacen llegar a sitios que por nosotros mismos nos era imposible acceder. Es un escalón más que había que subir. Por otra parte, en los conciertos también se hace promo, claro que sí, como siempre lo habíamos hecho, ofreciendo un buen espectáculo, intoxicando de rockandroll a todo el público y dejándolos siempre con ganas de repetir, y esto hace que el boca a boca también funcione. En Centro de Intoxicación habéis contado con la colaboración de Manué Pérez (Proyecto Simio/ La Ira) y Feli Carrasco (Chanela). ¿Os hubiera gustado incluir a alguien más? Teníamos claro que este disco debía marcar un antes y un después en la trayectoria de Kaxta, haciéndolo lo más personal posible, cosa que creo que hemos conseguido. En principio no teníamos pensado que colaborara nadie, pero cuando estábamos con la pre-producción surgió la idea de hacer una

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introducción en “Jícaras de Chocolate”, con un poco de rollo árabe/indio, y enseguida se nos vino a la cabeza llamar al “Manué”, compadre del grupo, y a “Feli”, que lo conocía Pí ya hace muchos años también. ¿Cómo hicisteis la selección de los temas que iban a componer Centro de Intoxicación? La selección se hizo en los propios ensayos. Si algo no nos convencía al 100% no seguíamos con esa idea de tema, y cuando vimos que teníamos algo compacto, con un significado tanto propio de cada canción como global de disco, pues nos pusimos a grabarlo. Las letras de los temas están bastante cuidadas y se ve que le habéis dado bastante relevancia. ¿Participáis todos en la composición? ¿Cuál es el mejor sitio para escribir? Como me gusta hacer las cosas del revés primero voy a contestar a la última pregunta… El mejor sitio para escribir es aquel en el que sientes la necesidad de contar algo a los demás. La inspiración llega cuando menos te lo esperas y siempre la recibo con un lápiz y papel (en su defecto también aceptamos móvil o PC). Suelo ser una persona de pocas palabras y precisamente por eso creo que necesito escribir canciones, ya que es de la única manera con la que consigo desnudarme entero ante la gente, y compartir con todos lo que guardo en lo más profundo de mí. ¿Habéis pensado en grabar algún videoclip? ¿De qué tema? Pues sí, tanto nosotros como la discográfica hemos coincidido en el tema elegido para hacer el primer videoclip. Será Corazón y se grabará en Diciembre, cuando tengamos un poco de tiempo libre. Posteriormente puede que se grabe alguno más si el disco va marchando bien. Acabáis de comenzar la gira y sabemos que tenéis muchos conciertos ya cerrados. ¿Sa-

Foto Rubén G. Herrera

“Grabar siempre es una mezcla entre diversión, pesadilla, odio la música y la amo. Pero eso es lo bueno. Todo eso se refleja en un disco y eso hace que un disco te llegue.” béis cuánto durará esta gira? ¿O preferís dejarla abierta y salir todo lo posible? Pues nunca nos hemos planteado cuánto duran nuestras giras, simplemente empezamos a buscar salas donde tocar y esperar que los festis te llamen. Una cosa sí tenemos clara, y es que a los discos hay que darle tregua y explotarlos al máximo. A nosotros nos gusta, y mucho, salir a la carretera, así que cuando estemos cansados y necesitemos un parón pues ese será el momento de finalizar la gira. ¿Os habéis planteado salir de España? LaCarne Magazine

KAXTA - INTOXICADOS DE ROCKANDROLL

Pues la verdad que alguna vez lo hemos hablado, pero aún quedan muchas ciudades y pueblos donde tocar en la península, así que por ahora habrá que tocar por España y lo de salir fuera pues ya se andará. ¿Qué tal la relación con los grupos españoles? Sabemos que ya os movéis en círculos importantes… No nos podemos quejar, hemos hecho grandes amistades, conocido a grandes músicos y bandas con las cuales tenemos cierta relación, no sólo en lo musical , sino que también ya en lo personal. Una cosa que quedará el día que esto acabe, ojalá no suceda, jejeeje, será esa amistad. Os deseamos mucha suerte y esperamos volver a ver uno de vuestros fantásticos directos. Gracias por vuestro tiempo. Gracias a La Carne por contar con nosotros, estáis haciendo un buen trabajo. Y a todos los que leéis estas líneas, que sois muchos, pues que escuchéis a Kaxta, y si tenéis la oportunidad de pasaros por alguno de nuestros conciertos de la gira, os haremos pasar un buen rato de rock. Nos vemos.

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http://kaxta.com https://www.facebook.com/kaxta.rock https://twitter.com/KaxtaRock https://www.youtube.com/results?search_query=kaxta LaCarne Magazine

Traducción Paloma Plata

Kamchatka estáis por primera vez en España presentando vuestro quinto trabajo discográfico The Search Goes On. ¿Por qué motivo habéis esperado hasta ahora? Siempre hemos querido tocar en España pero hemos tenido que esperar para montar una buena gira. Para aquellos que aún no conocen a Kamchatka ¿qué van a encontrarse en este disco? Música rock de buena calidad con mucha influencia de blues, hard rock y jazz ☺. ¿Y qué tal funcionan los nuevos temas en los directos? Genial, el nuevo material es una pasada para tocar en directo y el publico parece disfrutarlo también. Con la gira que acabáis de empezar visitareis varias ciudades españolas ¿Cómo afrontáis estos conciertos? ¿Cómo creéis que responderá el público? Tenemos muchas ganas de visitar las nuevas ciudades, conocer gente y lugares. En nuestra primera visita, esperamos hacer nuevos amigos y conocer nueva música.

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The Search Goes On está lleno de blues, hard-rock e incluso sicodelia. ¿Os costó mucho elegir el track list? No mucho, Per Wiberg, el productor del disco, tenía muy claro cómo quería que sonara el producto final y a todos nos gustó la forma que tomó el album.

Se nota desde la primera escucha que la producción está muy cuidada gracias al fantástico trabajo de Per Wiberg. ¿Habéis conseguido por fin vuestro sonido? Hemos probado ideas distintas durante años y es una búsqueda constante de sonidos y música, pero cuando escuchamos la mezcla final de “The Search Goes On” quedamos satisfechos. Suena más directo que nuestros anteriores trabajos. ¿Cuánto tiempo tenéis previsto que dure la gira? ¿Se extenderá al 2015? Sí, la gira continuará hasta principios del 2015. Estamos seguros de que el público español os tratará muy bien. Esperamos poder volver a hablar con vosotros en otra ocasión. Gracias por dedicarnos un rato. Gracias a vosotros por la entrevista y esperamos encontrar viejos y nuevos fans en España! ROCK ON!

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MANUEL GARCÍA MATOS. UN FOLKLORISTA Y MUSICÓLOGO EXTREMEÑO Trabajo realizado por: María Soledad Díaz Castela, Irene Cuesta Hoyos y Marina Bonifacio Martín. Alumnas de la asignatura optativa La Música en Extremadura, 3º de la ESO, IES El Brocense de Cáceres en su 175 aniversario (1839-2014).

anuel García Matos fue un excelente folklorista extremeño, muy reconocido en el ámbito musical tanto dentro como fuera de Extremadura y de España (Inglaterra, México, Puerto Rico, Japón, etc.). Este placentino, con un importante repertorio de publicaciones impresas y discográficas, bien merece un artículo en LaCarne Magazine. Manuel García Matos nació en 1912 en Plasencia. Realizó estudios de violín, flauta, piano, armonía y contrapunto. Siendo muy joven fundó la Masa Coral Placentina, que debutó en 1931, y posteriormente los Coros Extremeños de Plasencia, en 1935, siendo éstas de las primeras agrupaciones vocales que ha habido en Extremadura. Recorrió varias comarcas extremeñas estudiando sus canciones y sus bailes, además de aprendiendo a tocar los instrumentos que utilizaba la gente de los pueblos, especialmente la gaita extremeña y el tamboril, instrumentos en los que fue un auténtico especialista, Muchas de esas músicas tradicionales fueron incluidas en su Lírica Popular de la Alta Extremadura (1944) una de las obras de referencia sobre el folklore musical extremeño. También investigó el folklore de otras regiones españolas, de donde salió su Magna Antología del Folklore Musical de España, editada en varios países. Fue miembro del Instituto Español de Musicología y de la Sociedad de Etnología y Folklore. En 1945 se le concedió el Premio Nacional de Folklore. En 1958 obtuvo la Cátedra de Folklore del Real Conservatorio Superior de Madrid, del que, posteriormente, sería Director. También consiguió la Cátedra de Flamencología, siendo un gran estudioso de esta música que le llevó a publicar varios libros sobre ella, además de ser nombrado Consejero de Estudios de Música Andaluza y del Flamenco. Fue, asimismo, asesor y miembro de la Sección de Investigaciones del Folklore Puertorriqueño, del Executive Board (nombrado por el Internacional Folk Music Council de

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Londres), de la Sociedad Folklórica de México y del Comité Internacional de Música en la UNESCO. Su nombre está incluido en varias enciclopedias y diccionarios enciclopédicos, así como en publicaciones sobre Personajes de la Historia de España. En 2012 se emitió un sello de correos de España con su imagen. García Matos falleció en Madrid, en 1974. Ese mismo año dijo sobre él el musicólogo y compositor José Subirá: “Al meditar ahora sobre lo muchísimo que aquel hombre valía puedo resumirlo en siete preciosas cualidades cuyo conjunto forma un perfil humano verdaderamente ejemplar: Idealismo, Ingenio, Sabiduría, Nobleza, Bondad, Sinceridad y Sencillez. Reunidas en un solo individuo todas ellas forman el más perfecto retrato psicológico del inolvidable amigo don Manuel García Matos”. En la actualidad dos conservatorios llevan su nombre, el profesional de Plasencia y el elemental de Alcalá de Guadaíra. Recogemos seguidamente alguna de sus publicaciones discográficas e impresas, lo que nos da una idea de la importancia de este extremeño en el mundo de la Música. Discografía - ANTOLOGIA DEL FOLKLORE MUSICAL DE ESPAÑA, “Primera Selección “. 4 LPs. Madrid, 1960. - ANTOLOGIA DEL FOLKLORE MUSICAL DE ESPAÑA, “Segunda Selección”. 4 LPs. Madrid, 1971. - MAGNA ANTOLOGIA DEL FOLKLORE MUSICAL DE ESPAÑA, 17 LPs., 1980. - BAILES FOLKLÓRICOS DE ESPAÑA. 30 cm L.P. (Hispavox). - JOTAS DE ARAGÓN Y NAVARRA. 30 cm. L.P. (Hispavox). - CANCIONERO FOLKLÓRICO DE LAS ISLAS CANARIAS. 30 cm. L.P. (Hispavox). - CANCIONERO FOLKLÓRICO DE CASTILLA LA VIEJA. 30 cm. L.P. (Hispavox). - CANCIONERO FOLKLÓRICO DE MURCIA. 30 cm. LP. (Hispavox). - CANCIONES DE LA MADRE ESPAÑOLA. 45 cm. LP. (Hispavox). - SUITE DE FANDANGOS. 45/EP. (Hispavox). - CANCIONERILLO FOLKLÓRICO DE VALENCIA. 45/EP. (Hispavox). - CANCIONERILLO FOLKLÓRICO DE CATALUÑA. 45/EP. (Hispavox). - CANCIONERILLO FOLKLÓRICO DE SANTANDER. 45/EE (Hispavox). - CANCIONERILLO FOLKLÓRICO DE ASTURIAS. 45/EP. (Hispavox). - CANCIONERILLO FOLKLÓRICO DE GALICIA. 45/EP. (Hispavox). - CANCIONERILLO FOLKLÓRICO VASCO. 45/EP. (Hispavox). - VILLANCICOS POPULARES ESPAÑOLES. 45/EP. (Hispavox). - BAILES FOLKLÓRICOS SEGOVIANOS. 45/EP. (Hispavox). - VILLANCICOS MURCIANOS. 45/EP. (Hispavox). - LA MÚSICA DEL CAMINO. Un viaje musical a Santiago de Compostela. de 2 CDs.. (EmiOdeón, 1999).

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Libros - LÍRICA POPULAR DE LA ALTA EXTREMADURA. Unión Musical Española. Madrid, 1944. - CANCIONERO MUSICAL DE LA PROVINCIA DE MADRID, 3 volúmenes. Barcelona, 1951, 1952 y 1960, respectivamente. - DANZAS POPULARES DE ESPAÑA. Castilla la Nueva, I. Madrid, 1957. - BOSQUEJO HISTÓRICO DEL CANTE FLAMENCO. Libro que acompaña la serie de discos LPs. Hispavox titulada “Una historia del Cante Flamenco” Madrid, 1958. - MÚSICA Y DANZA POPULAR. Madrid 1958. Opúsculo, que entre los que bajo el título general “España es así” publicó la comisión interministerial para organizar la participación de España en la “Exposición Universal de Bruselas”. En castellano, francés e inglés. - LA CANCIÓN POPULAR ESPAÑOLA. Descripción y comentarios de la misma en el libro que acompaña la colección discográfica, Hispavox, titulada “Antología del Folklore Musical de España”. Madrid, 1960. - DANZAS POPULARES DE ESPAÑA. Extremadura. I, 1964. - DANZAS POPULARES DE ESPAÑA. Andalucía. Madrid, 1971. - ACLARACIONES SOBRE ALGUNOS DE LOS INFLUJOS QUE EN EL CANTE FLAMENCO HA EJERCIDO LA CANCIÓN FOLKLÓRICA HISPANOAMERICANA. Centro de Estudios de Música Andaluza y Flamenco. Madrid, 1972. Patrocinado por la UNESCO. - CANCIONERO POPULAR DE LA PROVINCIA DE CÁCERES. Instituto de Musi- cología, del CSIC. Barcelona, 1982. Edición crítica por Josep Crivillé i Bargalló. - SOBRE EL FLAMENCO. Estudios y Notas. Caja de Ahorros de Jerez, 1984. Segunda Edición. Editorial Cinterco, S.A. Madrid, 1987. - ENCICLOPEDIA DE MADRID. CANCIONERO POPULAR. Manuel García Matos y Bonifacio Gil. Ediciones Giner. Madrid, 1989.

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Artículos en revistas y actas de congresos - “CURIOSA HISTORIA ‘DEL TORO DE SAN MARCOS EN UN PUEBLO DE LA ALTA EXTREMADURA”, en Revista de Dialectología y Tradiciones populares. Madrid, 1948. - “CANTE FLAMENCO. ALGUNOS DE SUS PRESUNTOS ORÍGENES”, en Anuario Musical. Barcelona, 1950. - “CATÁLOGO DE INSTRUMENTOS MUSICALES IGORROTES CONSERVADOS EN EL MUSEO ETNOLÓGICO DE MADRID”, con la colaboración de M. Schneider, en Revista de Antropología y Etnología. Madrid, 1951. - “ALGUNAS CONSIDERACIONES ÚTILES PARA LA INVESTIGACIÓN DE LAS DANZAS DE PALOS Y DE ESPADAS”. Estudio ofrecido en el “Congreso Internacional de Folklore”, celebrado en Palma de Mallorca, del 22 al 29 de junio de 1952 (inédito). - “FOLKLORE EN FALLA, I.” En Música. Revista trimestral de los conservatorios españoles, rol. 3-4. Madrid, 1953. - “FOLKLORE EN FALLA, II”. En “Música”, íd., íd., rol. 6. Madrid, 1953. - “BREVE APUNTE SOBRE LA CANCIÓN POPULAR RELIGIOSA”. En V Congreso Nacional de Música Sagrada, celebrado en Madrid. Noviembre, 1954. - “INSTRUMENTOS MUSICALES FOLKLÓRICOS DE ESPAÑA, I: las “Xeremíes” de la Isla de Ibiza”, en Anuario Musical. Barcelona, 1954. - “STRUMENTI MUSICALI FOLKLORISTICI DI IBIZA. “GLI AERÓFONI MELODICI”, en Atti del Congreso Intemazionale di Música Mediterránea e del Convegno dei Bibliotecari Musicali. Giugno, 1954. - “EL FOLKLORE EN LA SUITE ESPAÑOLA DE PÉREZ CASAS”, en Música, rol. 14. Madrid, 1955. - “INSTRUMENTOS MUSICALES FOLKLÓRICOS DE ESPAÑA. II: “La gaita de la sierra de Madrid”. III. “La alboka vasca”, en Anuario Musical Barcelona. 1956. - “VIEJAS CANCIONES Y MELODÍAS EN LA MÚSICA INSTRUMENTAL POPULAR DE LAS DANZAS PROCESIONALES PRACTICAS AÚN EN ESPAÑA”, en Miscelánea en homenaje a Monseñor Higinio Anglés, vol. I. Barcelona, 19.58, 1961. - “INSTRUMENTOS MUSICALES FOLKLÓRICOS DE ESPAÑA, I. Bis: “Las Xeremíes de la isla de Ibiza”, en Anuario Musical. Barcelona, 1959. - “SOBRE ALGUNOS RITMOS DE NUESTRO FOLKLORE MUSICAL”, en Anuario Musical, vol. XV y XVI. Barcelona. 1960 y 1961. - “PARALELISMOS RÍTMICOS DEL FOLKLORE MUSICAL DE ESPAÑA CON EL DE OTRAS REGIONES DE LA EUROPA OCCIDENTAL Y ASIÁTICAS”. En la obra miscelánea que en homenaje al Dr. Marius Schneider se imprimió en Ratisbona (Alemania). - “PERVIVENCIA EN LA TRADICIÓN ACTUAL DE CANCIONES POPULARES RECOGIDAS EN EL SIGLO XVI POR SALINAS EN SU TRATADO: “De Música Libri Septem”. En Anuario Musical, vol. XVIII. Barcelona, 1963. - “INTRODUCCIÓN A LA INVESTIGACIÓN DE ORIGENES DEL CANTE FLAMENCO”, en “Actas de la Reunión de Estudios sobre los «Orígenes del Flamenco», bajo el patrocinio de la UNESCO”. Madrid, 1969. Editado en castellano y francés. - “EL FOLKLORE EN “LA VIDA BREVE” DE MANUEL DE FALLA”, en Anuario Musical. Barcelona, 1972.

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La Ventana Nacional

http://eskorzo.com/es/ Después de tantos años en el mundo de la música, Eskorzo sigue más vivo que nunca, y prueba de ello es vuestro último trabajo. ¿Qué significado tiene para vosotros Camino de Fuego? ¿Esconde este título un doble sentido? Bueno, la verdad es que, pasado tanto tiempo, para seguir en esto se tienen que dar dos factores: que te apasione lo que haces y hacerlo con la gente adecuada, y por suerte es nuestro caso, y parece ser que cuanto mayores nos hacemos tenemos más ilusión y más ganas. Quizás sea porque te olvidas de sueños de grandeza y cosas de esas, y solo lo hacemos porque nos gusta. También claro está, pensamos que el que la sigue la consigue. Y en cuanto al titulo del disco, por supuesto que encierra un doble sentido, y es recorrer ese camino tortuoso y lleno de sorpresas y decepciones que supone para cualquier persona perseguir sus sueños. “Amenaza fantasma“ fue el tema elegido como single de presentación de vuestro disco, y además venía acompañado de un videoclip que nos ha encantado. ¿Ya teníais claro cómo queríais que fuera el vídeo o lo dejasteis todo en manos de los estudios DMG? El video fue idea de todos. Tanto la gente de DMG y de Eskorzo aportamos las ideas necesarias para escribir el guión. Después llegó “Suave”, segundo single en el que habéis contado con la colaboración de Coque Maya y Celso Piña. ¿Fue fácil convencerles? ¿Cómo ha sido trabajar con estos dos pedazos de artistas? Con Coque tenemos relación hace tiempo, es coleguita, y desde el día que surgió “Suave” supi-

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mos que ese tema era para él, así que fuimos a su casa, lo secuestramos y bajo amenazas le hicimos cantar… todo con muy buen rollo y bajo un ambiente relajado… A Celso le seguíamos también la pista a través de su música, y fue durante una gira suya por España cuando contactamos con él y tuvimos ocasión de conocerle. Le gustó la idea desde el minuto uno, así que nos fuimos al estudio y dejó su impronta. Queríamos que los dos colaboraran en el mismo tema para dejar claro cómo la música es un fluído, que no entiende de etiquetas, y dos artistas aparentemente diferentes pueden confluir en una misma dirección. El disco Camino de Fuego lo habéis puesto en descarga directa. ¿Lo habéis hecho para evitar a los piratas o hay más motivos? En estos momentos está en descarga pero no gratuito. El single amenaza fantasma si se puede descargar gratuitamente desde www. eskorzo.com. El disco completo se puede escuchar en streaming en spotify, bandcamp, soundcloud y algunas plataformas más. Además de tocar en numerosas ciudades de nuestro país, con esta gira también visitaréis países como Alemania, Suiza y Austria entre otros. ¿Cómo afrontáis esta gira? ¿Es la primera vez que visitáis estos países o habéis estado ya en otras ocasiones? Estas giras se afrontan con ilusión y paciencia porque son muchas horas de carretera, la música no es solamente una ruina, también te ofrece la posibilidad de salir de tu casa y conocer otras culturas y aprender al menos a tener respeto. Siempre es un gusto viajar y aprender. Llevamos desde 2007 tocando fuera de España y aún no hablamos alemán, ni suizo, ni francés, pero no nos falta de na!. ¿Cuántos conciertos componen la gira de Camino de Fuego? ¿Tenéis ya cerrados los conciertos para el 2015? Pues en total, hasta ahora, unos 40 por toda España y Centro Europa. Para 2015 hay muchos cerrados y otras propuestas que se están ultimando. La verdad es que no nos podemos quejar, la acogida está siendo cojonuda.

Gracias por dedicarnos este rato, ha sido un placer poder hablar con vosotros. Esperamos que tengáis mucho éxito con este disco y que volváis para contárnoslo. Eso! Muchas gracias a vosotros, larga vida a LaCarne y a todos los carnívoros de cultura. LaCarne Magazine

BAM 2014 Barcelona - Septiembre 2014 por Jorge Ares

a presencia de artistas completamente desconocidos para el público en general es una constancia en dicho festival. Este año el cabeza de cartel era Klaxons, y la ciudad invitada era Estocolmo; por tanto una parte de los grupos pertenecientes al cartel eran de dicha ciudad. De entre los numerosos escenarios que tiene el BAM repartidos por toda la ciudad de Barcelona, yo elegí esta vez el escenario del MACBA en la primera jornada, y el escenario de la Antigua fábrica de cervezas DAMM para la segunda jornada. Desgraciadamente, este año no pude ir ni a la tercera ni cuarta jornada.

Desert

Duo de dream pop catalán que daban el pistoletazo de salida al festival. Tenían temas interesantes que sonaban bien, aunque la voz de Cristina no sonó bien o al menos no se entendía en qué idioma cantaba. Tampoco ayudaba en la puesta en escena Eloi, que se encargaba de los ritmos, aunque le faltaba sabrosura. Nos tocaron temas de Envalira y Camins.

Blouse

Grupo norteamericano que realizan un pop ochentero tanto por sonido como por estética. Nos recordaban bastante a Blondie. Sonaron bastante bien y con sus temas de Imperium nos hicieron meternos en calor para lo que vendría después.

Islet

Los Galeses dieron un conciertazo con mayúsculas. Capaces de ir intercambiándose instrumentos a medida que iban tocando canciones, se metieron al público en seguida. Tuvieron la virtud de tocar un tema con dos componentes del cuarteto entre el público. Su sonido postpunk psicodélico y guitarrero nos hicieron vibrar en todo momento. Nos lo pasamos en grande y disfrutamos de lo lindo con las canciones de Released by the movement.

Lust For Youth

Los daneses con aspecto de ingleses realizaron un directo de techno pop que recordaba mucho a The Cure y no tanto a Depeche Mode. Sonaron bastante bien pese a que en alguna canción que otra Hannes No-

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rrvide desafinó. La pose del grupo ochentera (por no decir mod) era espectacular, y el gran parecido de Hannes con un amigo nuestro nos hizo pasar un concierto muy divertido.

Protomartyr

Era encontrarse a tu profesor de inglés del colegio con un grupo de melenudos con camisas de leñador realizando un rock agresivo con letras desoladoras. Era el cabeza de cartel de la noche y no defraudaron. Un grupo postpunk de Detroit que nos tocaron canciones de su disco Under color of official right, donde se recogen temas combativos con otros cargados de ira que nos hacían temblar. Disfrutamos muchísimo.

Tristesse Contemporaine

Fue la gran decepción de la noche. Sonaban escasos de potencia, cuando en realidad nos tenían que hacer bailar no conseguían hacerlo porque no llegaban. Un Mc que prometía no nos gustó, por no decir que la guitarra apenas se escuchaba y el teclado sonaba vacío... En definitiva, el concierto fue un despropósito. Los parisinos vinieron y nos tocaron temas post punk, y ya está.

Coriolà

Pop clásico de este grupo catalán apadrinado por Miqui Puig. En directo sonaron bien pero no se me quedaran en la memoria puesto que parece ser un grupo de tantos que hay por estas tierras. Realizaron una versión de Bob Dylan que personalmente no me gustó. Tocaron canciones de “L’escalfor” y “El debut”.

Klaxons

El cuarteto británico nos metió en el bolsillo desde el principio. Es el típico grupo que todo festival quiere tener en su cartel porque lo dan todo en el escenario, y sin duda hacen vibrar y bailar a todo el mundo desde el principio hasta el final. Una hora y cuarto de directo que se nos pasó rapidísimo de lo bien que lo pasamos. Temas de “Surfing the void”, ‘Love frequency’ y “Myths of the near future’. Su pop electrónico o new rave estuvo presente en todos nuestros sentidos, además de mostrar una gran simpatía y feeling con el público asistente, que no era tan masivo como otros años, lo cual facilitó el disfrute del concierto.

http://www.bcn.cat/bam/ca/index.html LaCarne Magazine

REMEMBRANZAS LÍRICAS

Por Paquita

García

La Compañía Lírica Extremeña acaba de editar un disco. Un CD en el que, echando la vista atrás, ha querido dejar registradas algunas partituras olvidadas del género lírico español, que gozaron en su día de justa fama y de las que en la actualidad es dificilísimo encontrar un vestigio sonoro, al menos de algunas, aun cuando constituyan muestras musicales muy valiosas de una época, que va de mediados del siglo XIX hasta nuestros días.

Directora de la Compañía Lírica Extremeña

Compositores como Fermín Mª Álvarez, José Padilla, Ernesto Lecuona, Enrique Granados y Ramón Carnicer, entro otros, tienen presencia en la grabación, habiendo querido la Compañía, por otra parte reivindicar la música de los autores extremeños Cristóbal Oudrid, Joaquín Valverde y Juan Solano, sirviéndose de composiciones célebres, como El Molinero de Subiza, Niña Pancha y Tarde de Otoño en Platerías. Zarzuelas de amplio recorrido y permanencia en los escenarios de su tiempo, y canciones ligadas a un momento, a una circunstancia, a una particularidad que las hace especiales, con el respaldo de lo que por ser considerado de calidad al transcurrir del tiempo se denomina ya clásico. Dieciocho temas recogidos bajo el título “Remembranzas Líricas” constituyen esta grabación, en la que los solistas de la agrupación hacen verdaderas creaciones y ponen a contribución sus espléndidas voces y talento interpretativo con el acuerdo del coro, que contribuye a darles mayor realce. Por otra parte, la aportación puntual del guitarrista Jacinto Cruz, la colaboración especial del reputado cantante Guillermo Orozco y la brillantísima intervención del piano a cargo del notable compositor y pianista Víctor Carbajo, a quien se debe también la supervisión musical del disco, hacen de esta edición una apuesta más por la recuperación y ampliación de nuestro patrimonio lírico del que la Compañía Lírica Extremeña ha optado desde su creación hace ya 24 años. En resumen, disco que seguramente satisfará a los amantes del género y que la Compañía presentará de forma directa el viernes 6 de Febrero de 2015 en el transcurso del espectáculo que ofrecerá en el Gran Teatro de Cáceres.

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Foto Noemí Elías

Edu Quindós Desde tus comienzos en la música hasta llegar a la actualidad has pasado por varias bandas, hasta que finalmente decides comenzar tu andadura como Edu Quindós. ¿Fue una decisión meditada o surgió de forma espontánea? Lo primero… Hola muy buenas, encantado de estar escribiéndoos estas líneas. Un placer que dediquéis un espacio a mis niñas y por supuesto a vuestr@s lector@s, gracias por tomaros un rato en leerme. Dicho esto… pues la verdad es que… si hago recuento han sido dos bandas de temas “propios” y versiones: Freeriders y Plebeya, alguna de versiones “El retorno de la familia Swing”, alguna orquesta (sí… también…), coros, y algún intento de arrancar antes de salir como Edu Quindós (Flick y SxYnZ). Premeditado… no del todo. Tras grabar Plebeya con Plebeya (el único disco que lanzamos), nos planteamos sacar un segundo. Pero… se enfriaron las cosas, se tensaron otras y decidimos que ya era suficiente. Eso, no fue premeditado. Pero yo seguí componiendo, sin una idea clara, y no fue hasta casi 3 años después que me tiré a la piscina acompañado de mis ahorros y me decidí a grabar Stay With Me, con la idea de que fuera y así sigue siendo, totalmente gratis para quien quisiera entrar en mi web.

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Hello es el título de tu segundo disco y ha sido totalmente autoproducido. ¿Cuál es la peor y la mejor parte de una autoproducción? Tanto Hello como Stay With Me, como mi próximo disco han sido, son y serán autoproducidos. La decisión tiene que ver con llevar el proyecto en solitario y ver que era capaz de hacer mis propios arreglos y bueno… que el hecho de no tener familia, no tener vicios caros (ni baratos), tener pocos gastos y un coche viejo que aún aguanta me permitió tirar de ahorros. Autoproducir a todos los niveles, tanto musical como económicamente es… un follón de tres pares de narices. Tengo que decir, que en la parte musical he tenido el apoyo incondicional de Luis y Tomàs Robisco (guitarra/co-arreglista e ingeniero de sonido en Bucbonera Records respectivamente) así como de los otros músicos que han participado en ambos álbumes, Toni Mateos (batería) Jordi Vericat (bajo en “Stay With Me”) y José Robisco (bajo en “Hello”) y eso ha sido BÁSICO para tirar adelante. Saber que respetaban mis decisiones, mi manera de pensar, mi manera de componer era importantísimo. No he trabajado nunca con un productor externo, pero me temo… que sería complicado para mí. En lo económico, es TERRIBLE. Es un enorme agujero. Hay que decir que no me lo he montado bien. Posiblemente, en lugar de grabar Hello tenía que haber destinado la pasta a promocionar Stay With Me para conseguir llegar a mucha gente. Como decía antes SWM está gratis en mi web (se puede comprar en tiendas digitales si se quiere, pero vaya, estoy allí más por hacer hueco) y al ser gratis está claro que no voy a recuperar dinero pero podía conseguir llegar a más gente que más adelante quisiera tener más música mía. Pero… pero… pero… las ansias de grabar me pudieron… y allí estaban esas 17 niñitas que me miraban con ojos de “queremos que nos oigan” y… no me pude resistir. Otra vez, una grandísima inversión. Hay que pensar que yo financio toda la grabación, los conciertos (los pocos), la publicidad, la colaboración en comunicación (ahora con Cristina Martín), y por suerte, trabajo en una empresa que me apoya también mucho: Bamf Producciones, una productora de la que soy director de producción y que ha sido la responsable de mis videoclips y directos. De hecho, una tremenda ayuda. Pero bueno, dejo para el final lo bueno de todo esto: HE PODIDO HACER LO QUE ME HA DADO LA GANA, y eso… eso… mola mucho! Ya vemos que has contado con buenos músicos y con algunas colaboraciones. Cuéntanos qué te han aportado musical y personalmente. Para estos casos ¿es importante tener buenas relaciones con otros músicos? Tengo la suerte de haber conocido a los hermanos Robisco (Tomás, Luis y Jose) en una de las bandas de versiones. Mantuvimos algún contacto pero muy ligero durante años, pero bueno, cuando tocas con ellos o, en el caso de Tomás, sabes cómo trabaja con la mesa, hay que tenerlo en cuenta y así lo hice. De hecho, con Jose no conté hasta Hello. Para SWM, al hablar con Tomàs y Luis del proyecto me dijeron que no pensara más para la base rítmica, que tenían el batería y el bajo perfectos, que además tocaban juntos. Yo, hasta entonces no los conocía. De hecho estoy bastante out de la escena musical. Y bueno, Toni y Kako (Jordi Vericat) se pulieron los temas en 2 días. Cosas buenas de tocar con grandes músicos, pues que puedes pasarles tus maquetas, con tus arreglos. Sacan sus instrumentos en poco tiempo, le dan el rollo que propones y se hace en un plis. La verdad es que me gustaría algún día grabar tras haber ensayado juntos durante algunas sesiones, pero de momento nuestra manera de grabar es muy independiente. Cada músico graba su parte por separado. Primero batería, luego bajo y por último nos liamos con las guitarras y la voz. Pero las garantías de una base sólida son indiscutibles. Con Jose en Hello fue exactamente lo mismo, confianza 100% y resultado perfecto. Pero insisto, tengo muy pocos amigos músicos. Aquellos con los que he tocado alguna vez y algún LaCarne Magazine

otro. Lamentablemente, de momento, por mi falta de capacidad para reunir audiencias, puedo hacer pocos o ningún concierto y bueno, de momento, el buen rollo que eso genera queda, en mi caso, limitado al concierto de presentación. Salvo con Luis que es con quien suelo hacer los acústicos o Víctor Pescador (un tremendo guitarrista madrileño) con quien toco cuando he hecho algo por Madrid. Para los que no han escuchado tu disco Hello, ¿qué estilo y temática se van a encontrar? Suelo decir que hago rock o pop rock clásicos, cantados en inglés y pasados o fuera de modas. Lo cierto es que es muy genérica esa definición pero, al fin y al cabo, con 17 canciones creo que es acertada. En Hello hay desde rock rock (Hello, Hero, Shooter, Go Away), baladas (All Your Thoughts Are His), una nana (My Sweet Heart), algo más folk (Long Time o Magical Life), sensualidad (My Last Sin) y... bueno, creo que solo he nombrado 9, quedan 8 más. Están las canciones que me salen, que me apetece hacer. No me ciño, y aquí se entiende lo de no tener productor, a un estilo marcado. Me gustaría conseguir que mi música gustara tal y como la hago, que suene a mí, no intentar parecerme a eso que suena o ha sonado en el pasado y que funcionó muy bien. Posiblemente podría hacerlo, incluso podría hacerlo bien pero… ¿y si no me gusta? Yo hago música porque me sale hacerla y ojalá pudiera ganarme la vida con ella, pero con la mía, con mis canciones, con mi estilo o no estilo. Y eso, muy posiblemente, hará que no consiga llegar a mucha gente, pero… qué le vamos a hacer. Para empezar canto en inglés y, ya sabemos cómo funciona eso por aquí, así que… Lo más importante, que se escuchen dos o tres temas y que vean si le gusta, si gusta, hay 29 de momento, alguna más habrá. Pero lo que está claro es que te tiene que gustar el rock. Hay muchas guitarras, intento jugar con melodías interesantes y todo con un sonido de un estudio de grandísimo nivel. Dentro de este disco, el tema “Hello” forma parte de la BSO de la película “Nick”. ¿Cómo te llegó la propuesta? ¿Qué tiene que hacer un músico para que uno de sus temas forme parte de una BSO? Hace unos meses, Juan González, el director de fotografía con el que trabajamos normalmente en Bamf (en la productora), nos comentó que iba a trabajar en un proyecto de una peli andorrana low cost pero muy interesante dirigida por Josep Pozo (lleva unos años en el cine). Nos pusimos en contacto porque buscaban co-productores, nos caímos bien, llegamos a un acuerdo de colaboración y, como suelo hacer en estos casos, le comenté que era músico y le dije que se escuchara los dos discos. Él estaba muy liado con el proyecto y supongo que escuchó por encima, es normal, por otro lado. Pero cuando leímos el guión (resumiendo, la peli es un thriller dramático de un adolescente que tiene que ir a vivir con su hermana mayor (a la que apenas conoce) a

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Foto Álex Samaranch

un pueblo perdido. Él presencia un crimen, la hermana que es la sheriff no le hace ni puñetero caso y bueno, es la mezcla entre su investigación de lo que ha visto y el drama interno del adolescente que es). Bien, “Hello” tiene que ver con esa parte. Esa necesidad de decir “Hola, estoy aquí” pero a la vez, “déjame hacer mi vida”. Le pasé a Josep la canción con la letra y me temo que tanto él como su equipo más cercano se enamoraron del tema (lógico por otra parte…). Así que decidimos que había que hacer algo. El tema es el cierre de créditos de la peli (se estrena el año que viene aunque hay una premiere en Andorra el próximo 28 de noviembre) y además aprovechamos para hacer un videoclip promocional de “Nick” y “Hello”, con escenas de la misma y algunas tomas extra en las que el protagonista, Cooper Grafar y yo compartimos pantalla. Otra de esas cosas que molan todo. Te deseamos mucha suerte Edu! Un placer charlar contigo y conocerte un poco más. Te seguiremos la pista muy de cerca ;-) Bueno, pues si alguien ha llegado hasta aquí estoy seguro de que al menos intentará escuchar algo. Lo primero gracias por tu tiempo, como ves, soy un tipo normal y corriente al que le gusta hacer música. No soy alternativo, ni rompedor, ni antitodo, ni estoy peleado con la vida, ni un romántico empedernido, soy… normal, quizás demasiado y todo, pero mis niñas no, ellas son especiales, échales un tiento. Y para saber más de mí, me encontráis en: www.eduquindos.com (aquí además se puede descargar “Stay With Me” gratis) www.facebook.com/EduQuindosFP (mi FB como músico) www.youtube.com/EduQuindosBand (conciertos acústicos, eléctricos, videoclips y alguna chorrez) www.twitter.com/EduQuindosMusic (lo reconozco, soy más de FB) www.instagram.com/eduquindos (esto es más personal, pero de cuando en vez suelto algo de mi música) Y por supuesto podéis comprar mi música en iTunes, Google Play, Amazon entre otros. Y también ando por Spotify. Me encanta recibir mensajes, quede dicho Besos, abrazos y achuchones varios. LaCarne Magazine

IMAGINANDO UN COLOR (Extremadura) por Carlos Rubio DISCO: Piedras en la maleta (2014) TEMAS: 05 WEB: https://www.facebook.com/ImaginandoUnColor Hoy me ha llegado por mail en enlace del EP de “Imaginando un Color” que me ha mandado Salo de La Carne Magazine. Lo he descargado para escucharlo mientras buscaba información sobre ellos por internet, y en su página de Facebook y en su Blog he podido comprobar que la banda es de Monterrubio de la Serena. Si, ese pueblo donde hay un valiente que año tras año nos trae las mejores propuestas nacionales en su festival “Acústicos al Fresquito”. Por allí, como banda local, también ha tocado nuestro grupo de hoy. “Imaginando un color” está formado por Mayte a la voz y las guitarras, Josu e Isidro también a las guitarras, Félix en el bajo y en la batería tenemos a Pedro. El Ep contiene cinco cortes en castellano de ese pop nacional que tanto sonaba en las radiofórmulas hace unos años, facturado con guitarras limpias que circulan sobre la pentatónica, bajos y bombos sólidos que marcan bien el tempo de las canciones y la voz personal de Mayte. Intuyo, quizás me equivoque, que es ella la compositora de las canciones ya que las sencillas y directas estructuras se pueden defender fácilmente con guitarra y voz. En algunas ocasiones las melodías y arreglos nos llevan a los estribillos adolescentes de bandas tipo El Sueño de Morfeo, aunque en otras muchas la manera en que Mayte finaliza las frases me acercan más a esa peculiar forma de cantar de nuestra también extremeña Olivia de Happyland. En definitiva, un trabajo cargado de muchas ganas y eso es lo que importa. Analicemos sus cinco canciones. -A mil kilómetros: El tema con el que abren el Ep es una sucesión de acordes enfundados en un bajo lineal, con toda la fuerza que necesita esta melodía tan pegadiza. Un riff de guitarra muy bien diseñado que vuela sobre la acústica, colchoncito de teclados que empastan el resto de instrumentos y unos coros en los estribillos que probablemente el productor del disco aconsejó para que éstos ganasen en armonía. La letra, sencilla y directa, invita a que nunca se te olvide el título de la canción convirtiéndola en todo un hit que no podrás dejar de cantar en sus conciertos. -Cóctel de besos: Cambian radicalmente de registro con respecto al primer tema. Las acústicas de corte clásico, las percusiones y esa armonía tan mediterránea nos hacen viajar a la canción latina de autor, ya que el tema atrapa y te hace bailar agarrado a tu pareja en una de las noches de las fiestas populares de Monterrubio de la Serena. Sensual texto que se adereza de arreglos limpios de guitarra que van respondiendo a las frases vocales. -En el lado salvaje: Gana mucho con la melodía de las estrofas, muy originales y que no recurren a seguir los acordes de la canción como después sucede en el estribillo. Con el bajo bailongo la canción invierte los patrones de los cortes anteriores y te estimula el oído hasta el punto que te apetece subir el volumen para seguir escuchando esos graves tan bien facturados. Sin embargo, aquí la guitarra recurrente no ayuda mucho y esas vueltas pentatónicas se cruzan con la melodía en varias ocasiones. Una lástima. A pesar de todo es una de las mejores canciones del disco y no estaría mal ver pronto un videoclip con el tema para que empiece a conocerlo

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más gente por las redes sociales. -Piedras en mi maleta: Volvemos a los patrones adolescentes con fraseología El Canto del Loco y estructuras del pop-rock nacional más comercial. Nada nuevo bajo el sol pero que seguro que hace que se diviertan en los ensayos y que en los conciertos sus seguidores más jóvenes salten y bailen al son de -”aprenderé a caminar desnudo” -Pobre corazón. Otro tema con la personalidad que dan los arpegios de la guitarra acústica. Canción de desamor muy propia para la mitad de las actuaciones, a la que le falta una explosión final a modo Led Zeppelin ya que el tema se queda corto. Seguro que con el tiempo la volverán a coger con otros ojos y la estructurarán con un cambio en la armonía final. VAN SOBRAOS EN: En personalidad vocal. La voz de Mayte tiene algo. Seguro que muy pronto limará las modulaciones y estaremos ante otra de las voces imprescindibles del panorama regional. LO QUE YO CAMBIARÍA: Con un productor con más experiencia hubiesen explotado mejor sus virtudes y les habría alejado de los arreglos previsibles que visten el EP. LA SENTENCIA: Váyanse preparando los vecinos de Monterrubio de la Serena porque si “Imaginando un Color” siguen la buena senda pronto los tendrán dando los pregones de las Fiestas Patronales. AMA (Extremadura) por Enrique Falcó DISCO: 1996 (2014) TEMAS: 10 WEB: Ver Facebook Los músicos extremeños que en los 90 aun éramos adolescentes, tenemos mucho que agradecer a un grupo como AMA, al que venerábamos y del que aprendimos muchas cosas. Entre otras que era posible, aun con las carencias existentes en nuestra tierra, llegar a sonar bien y situarse junto a los demás grupos

nacionales. No es casualidad el título de su último trabajo, 1996 (2014), ya que sin duda era el paso natural que tenía que haber llegado ese año en forma de canciones tras sus dos primeros discos: El maravilloso El amor nos está destrozando (1991) que incluye temas inolvidables (“El amor nos está destrozando”, “voy a dejarte corazón” “Labios y cuchillos”...) y Rojo sobre azul (1993) que no contiene tantas canciones a la altura del primero, excepto quizás aquel estupendo tema de apertura “Rojo sobre azul” con aquel original break de batería al comienzo de la canción. Pero más vale tarde que nunca. En 1996 los seguidores de AMA pueden retroceder a aquella época, y encontrarse con unas canciones que a pesar de haber sido adaptadas a los tiempos sin duda albergan la esencia de aquel maravillo final de la década de los 90. Como siempre alto nivel interpretativo. La voz de José Luis Tristancho sigue siendo de las mejores del pop nacional, y César Lérida maneja y dirije las canciones con sus guitarras eléctricas como toda la vida. Existe un hueco para letras más comprometidas, como “Sueño con la paz” o “Revolución”, pero sin duda son temas como “Llueve” (en donde la banda despliega gran potencial) o “Díselo otra vez” la que nos hace regresar en un entrañable viaje en el tiempo hacia LaCarne Magazine

la esencia del sonido del grupo. VAN SOBRAOS EN: Voz y melodías. LO QUE YO CAMBIARÍA: Es el momento de dar un paso hacia adelante y olvidar la nostalgia. Espero que el próximo disco se llama 2015 y nos sorprendan con una evolución en su sonido. LA SENTENCIA: Una vez más. Más vale tarde que nunca. Un cierre necesario a una trilogía que será recordada con nota en la historia de la música Pop Extremeña. PAUL GILBERT (USA) por Manu Herrera DISCO: Stone Uphill Pushing Man (2014) TEMAS: 11 WEB: http://www.paulgilbert.com Regresa con un nuevo trabajo el que fuera miembro fundador de Racer X en los 80 y en los 90 del supergrupo Mr. Big, que recientemente han estado de gira en nuestro país tras la reunión por parte de la banda original. Uno de los talentos descubiertos por el famoso productor Mike Varney (Shrapnel records), fue alumno primero y profesor después del prestigioso G.I.T de Los Angeles, donde se han formado gran cantidad de “Shreders” (virtuosos) de la guitarra. Paul Gilbert destacó entre todos ellos y, además de sus trabajos discográficos, aparecieron innumerables masterclass en vídeo donde explicaba su técnica y su manera de ver el instrumento. Con el paso de los años, Paul ha ido creciendo como músico, ampliando considerablemente su lenguaje armónico y su expresividad, combinándola cada vez mejor con habilidad en la guitarra. Prueba de ello es este “Stone pushing uphill man”, cuya portada es un reflejo de sí mismo y el esfuerzo que tiene que hacer aún para crecer como artista. En esta ocasión, el reto ha sido adaptar a la guitarra la voz de grandes cantantes a los que admira, intentando obtener de aquella esa cualidad vocal tan expresiva. El disco abre con “Working for the weekend” de Loverboy, cuyo pegadizo estribillo pierde a mi juicio encanto al llevarlo al terreno instrumental. Me han gustado especialmente las adaptaciones de temas como “Murder by numbers” de Police, donde pellizca exquisitamente las cuerdas para lograr ese timbre “vocal” semejante a la voz de Sting, o “ Goodbye Yellow Brick Road” de Elton John, con ese aire de pop inglés elegante. No es hasta el último tema “Stone Pushing Uphill Man” donde saca a relucir su propia voz intercalada primero con fraseos de guitarra acústica y después con una base rítmica más potente y la guitarra eléctrica. VAN SOBRAOS EN: Técnica. LO QUE YO CAMBIARÍA: Algunos temas pierden encanto al llevarlos al terreno instrumental, y parecen más una excusa para los desenfrenados fraseos guitarrísticos de antaño. LA SENTENCIA: Una adaptación para guitarra instrumental de algunas grandes voces que admira Paul, a modo de tributo.

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KOMPADRES MUERTOS (México) por Porras DISCO: El final (2013) TEMAS: 13 WEB: http://kompadresmuertos.net Son una de las bandas mexicanas con más proyección internacional, llevan a sus espaldas una larga trayectoria y se mueven como nadie entre el rock más primigenio, el post rock de corte gótico y el new wave. Hace unos años estuvieron a punto de girar junto a Rolling Stones, pero la gira se suspendió debido al accidente de Keith Richards con el cocotero. Hablamos de Kompadres Muertos, y hablamos de un intenso viaje musical a través de trece cortes en los que la banda vuelve a regalarnos un puñado de experiencias vitales en forma de rock and roll, psico punk, y sonidos oscuros inspirados en bandas como The Cure, The Sisters of Mercy, The Cult o Héroes del Silencio (sobran las comparaciones). Esas son sus señas de identidad, pero en este oscuro viaje también caben retazos del folclore mexicano tipo ranchera, corridos y huapangos añadiendo al combo una personalidad muy propia y original. Como colofón un par de versiones de artistas y temas como “La mataré” de Loquillo, “La llorona” (Canción mejicana), “El jinete” de José Alfredo Jiménez, y una adaptación de The Cure “Como esta noche”. Grabado en octubre de 2013 en Mungia (País Vasco) en los Estudios Gaua y producido por Jon Asier Zubelzu, uno de los más talentosos y experimentados ingenieros de sonido del país vasco. Se hace conveniente hacer un repaso a su discografía para conocer la evolución de una banda muy bien considerada en su tierra y bastante conocida en el antiguo continente europeo. Sin duda, esta propuesta no dejará indiferente a ningún amante del rock, en sus vertientes más originales. VAN SOBRAOS EN: Atesoran más de veinte años de experiencia, ofreciendo una propuesta artística aguerrida, abierta y que no pierde su esencia original. Por algo son considerados en Europa “Los reyes del psico-punk mex”. LO QUE YO CAMBIARÍA: Un disco con altibajos, que comienza con energía y se hace demasiado denso y soporífero en los temas más siniestros, para terminar con más nervio al final. LA SENTENCIA: Este trabajo es un coctel de buen rock y necrofilia, fiesta, psicodelia, letras para meditar y que te ayudan a abrir la mente y experimentar con esta oscura experiencia. FLYING COLORS (USA) por Oscar Trigoso DISCO: Second Nature (2014) TEMAS: 09 WEB: http://flyingcolorsmusic.com Al oír su primer LP, homónimo del nombre de la banda, que era bastante bueno, se intuía un proyecto con mucho potencial, pero que todavía le faltaba rodaje, eso sí formado por grandísimos músicos de rock progresivo: Mike Portnoy, Dave LaRue, LaCarne Magazine

Casey McPherson, Neal Morse and Steve Morse, eminencias en sus respectivos instrumentos y de ellos Neal Morse, para mi gusto, uno de los grandes genios de la composición de las dos últimas décadas. Por este motivo tenía muchas ganas de escuchar el segundo trabajo de esta superbanda. En Second nature han logrado cohesionar todas las personalidades y gustos que componen Flying colors, e integrarlos en nueve temazos que despliegan un amplio catálogo de riffs, melodías, texturas e influencias que se transforman en hermosas canciones. Los músicos vuelven a destacar pero no solo por su destreza técnica sino por su sonido y personalidad, que saben imprimir en este disco sin estorbar para nada a las canciones. A diferencia de su primer trabajo, en éste han logrado editar un disco y no sólo una colección de ideas interesantes. Podemos encontrar partes épicas en contraste con otras más enrevesadas, e influencias que van desde el rock progresivo de Yes, Rush, etc... a rock más moderno rollo Muse o U2, y por supuesto las influencia Beatles de Neal Morse. En definitiva, supone un paso adelante en esta banda que los consolida definitivamente y que esperamos poder ver pronto en directo. VAN SOBRAOS EN: Talento. LO QUE YO CAMBIARÍA: No hay nada que cambiar. LA SENTENCIA: Una delicia para el oído. LEILA (Barcelona) por Oscar Trigoso DISCO: Influences (2012) TEMAS: 10 WEB: http://www.leilasound.com Escuchamos el primer trabajo de la barcelonesa Leila, en el que podemos encontrar, como su título indica, la inspiración de esta cantante, que posee una voz y técnica vocal maravillosas, no en vano ha colaborado con muchos grupos de soul, blues, rock, gospel, destacando la colaboración en varias ocasiones con la artista Kathy Autdrey, haciendo giras internacionales (Belgrado), o participando en el Festival del Mil·lenni en el Palau de la Música, con el espectáculo “Then and Now”. Leila empieza a grabar “Influences” junto a reconocidos músicos como Julian Vaughn, Jules Bikoko y Alex Zayas, y no será hasta finales de 2011, bajo la coproducción con el guitarrista Joan Torcal, cuando “Influences” se termina y materializa (grabación en estudio Feelback, masterización con Mike Marsh en The Exchange Mastering Studio). El disco sale publicado a finales del año 2012 y lo presentó oficialmente en directo el pasado 2013 Funky y soul a slow tempo componen el grueso de este disco, con arreglos muy interesantes. Un grabación y mezcla cristalina en el que se distinguen perfectamente todos los instrumentos. Diez temas en inglés que recuerdan a las grandes del género, una de las primeras referencias que me vienen a la cabeza es la banda Incognito, en sus temas más tranquilos. Un gran primer paso que en breve verá su continuación en lo que será su segundo trabajo de estudio titulado “Imagination” y que ha estado grabando todo este año 2014. Le deseamos lo mejor.

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VAN SOBRAOS EN: Voz. LO QUE YO CAMBIARÍA: Algún detalle más de la batería y estribillos más pegadizos. LA SENTENCIA: Un gran primer trabajo.

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