LaCarne Magazine n33

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Nº33 - Ene 2014 - AÑO 4

CREADORES DE SUEÑOS ENTREVISTAS CICONIA - VERSOS ROTOS - MERY KEYS - ZIRK-US FIESTA CUETILLO - SUBTONICA

INVESTIGACION BONIFACIO GIL - Es Vd. ArIn Dodo? meigraargiem - jazz en los aÑos 80

EXPERIENCIAS los ganglios - chart dj - carta baladi - enter shikari

RESEÑAS Celebrating Jon Lord - Christopher Cross Baden Bah - Calibre Zero - Shaman’s Harvest

SUMARIO

Nº 33 aÑo 4 (ene 2014)

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos (entrevistas, tutoriales, investigación, reseñas, opinión...)

04 a examen

Ciconia Vs Versos rotos

06 CARNICERIA SANZOT Los Ganglios

12 MUNDO DJ

Mery Keys, Chart Dj, Zirk-us

20 MUSICA VIVA

Bonifacio Gil y su cancionero popular de Extremadura

24 ANTES DEL CONCIERTO Carta Baladí 28 ARDE BOLIVIA!

Fiesta Cuetillo

30 mozart no pensaria esto Cap. 18: ¿Es Vd. Arín Dodo? o “El enigma del infierno convertido en perro” 42 SINESTESIA

MeigraargieM

44 JAZZ!

Los años 80

46 SALA DE CONCIERTOS Enter Shikari 48 PARQUESONORO Subtónica

52 EL GRAMOFONO Celebrating Jon Lord, Christopher Cross, Baden Bah, Calibre Zero, Shaman’s Harvest

32 artista del mes INSOLENZIA, Creadores de sueños

Equipo lacarne magazine Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y redacción Pedro Gallardo

Foto Portada: DEJAVU ROCK * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

Colaboradores

Sebastián Díaz, Porras, Alonso Torres, J. G. Entonado, Alex Janßen, Oscar Trigoso, Marta Lozano, Manu Herrera, Carlos Rubio, Paquita García, Ferry Ms, J Palomo, La Culpa, Enrique Falcó, Lorenzo Sanz, Crónico

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A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

V

Nombre y sitio en el grupo

Jorge Fraguas, bajista

Grupo

Ciconia

Años desde el primer concierto?

Con esta banda, 1 año.

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Tranquilidad cuando todo está listo y preparado para el concierto, hasta entonces, nervios.

Prefieres estar solo o acompañado?

Acompañado, pero solo de la banda.

Tienes ritual de subida al escenario?

No.

Te has tirado al público alguna vez?

No lo recuerdo, pero seguro que me he tirado a alguien de entre el público.

Después del concierto fiesta o cama?

Depende de cómo haya sido el concierto, si ha sido memorable, a la cama seguro, si no ha llegado a mis expectativas, me emborracho para asimilarlo.

Qué no debe faltar en tu camerino?

Actitud.

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Opeth, Muse.

Un disco

Icon, Paradise Lost.

Una canción

Joy of the emptiness, Paradise Lost.

Qué es lo mejor de dar un concierto?

Cuando llenas la sala y el público se va satisfecho.

Y lo peor de dar un concierto?

No hay nada malo, siempre me gusta dar conciertos, y las cosas malas que haya van implícitas en la profesión, si no me dedicaría a trabajar en una oficina de 8 a 8, ganar dinero y ser un padre de familia serio y responsable.

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Vs

A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Jordi, guitarrista

Nombre y sitio en el grupo

Versos Rotos

Grupo

8

Años desde el primer concierto?

Tranquilidad nerviosa

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Acompañado

Prefieres estar solo o acompañado?

Sí

Tienes ritual de subida al escenario?

Aún no

Te has tirado al público alguna vez?

Unas copas

Después del concierto fiesta o cama?

El resto del grupo, música y cervezas

Qué no debe faltar en tu camerino?

Aunque no me hagan ni caso, Arctic Monkeys

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Daiquiri Blues de Quique González

Un disco

Spanish Sahara – Foals

Una canción

La energía que desprende

Qué es lo mejor de dar un concierto?

Que se acaba

Y lo peor de dar un concierto?

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Los Ganglios: LUBRICANTE sí, PORC supuesto

A

comienzos de la denominada década del 2000 Internet aun no había supuesto la necesaria revolución que demandaba el demacrado mundo de la música. El mercado discográfico, anclado aun bajo el yugo de los 80 y 90, permanecía ajeno a la por entonces tímida amenaza de la piratería, los precios seguían desorbitados y muy pocos eran conscientes de lo relevante y práctico en que La Red podía llegar a convertirse.

A los superventas comerciales arropados por radio fórmulas como podían ser La Oreja de Van Gogh o Estopa, iba a sumárseles en breve un sin fín de productos recién salidos de un programa de televisión, Operación Triunfo, que sin duda consiguirían reventar y saturar el mercado discográfico hasta que la burbuja explotó con contundencia en la nariz de más de una poderosa discográfica y distribuidora.

Sin embargo no pocos héroes se atrevían por aquellos años a inmiscuírse en los confusos y oscuros caminos de Internet, desarrollando sus propias páginas y sitios web, incluso animándose a crear sus propias canciones en sonido midi, lo más in y moderno por aquella época.

Recuerdo que Los Left Brothers fuimos de los primeros en tener nuestro propio espacio, y aun así, cuando ni siquiera existía aun una tarifa plana, ya contábamos con nuestra propia web, con correo electrónico, foro de discusión, fotos, novedades y contactos para contrata-

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ción. El responsable era nuestro bajista, Adolfo Campini, que fue quien nos enseñó a muchos a principio de los 90 qué demonios era aquello de Internet y el amplio e inagotable abanico de posibilidades que ofrecía más allá de innumerables culos y tetas.

Precisamente fue Campini, siempre al tanto de las novedades en el particular mundo virtual, quien en una fiesta de la época, con la premeditación y alevosía propia de unos veinteañeros que solo pretendían pasarlo bien, nos descubrió a un artista tan sorprendente como inesperado en aquellos momentos de inestabilidad musical. Se hacía llamar Xoxé Tétano, y por lo que sabíamos era de Montijo. Ofrecía unas creaciones que a la primera escucha resultaban algo desconcertantes, pero que si embargo, ya destacaban por su peculiar sentido del humor.

He de reconocer, que como la mayoría, la primera vez que escuché: “Ay robocó robocó” pensé que el tal Xoxé Tétano estaba como una puta cabra, pero aun así pasamos una noche divertida e irrepetible, y bailamos y nos reimos mucho con “el Pedro Blas”, “Mis Badajoz”, “Motín de Esquilache” y “La guapa y los Ninjas”. Todas aquellas canciones incluían el nexo común del humor surrealista y sus letras captaban poderosísimamente la atención del personal, quien las coreaba al unísono una y otra vez.

Poco a poco fuimos descubriendo en aquellas canciones detalles que a la primera escucha e inmersos en la farra y el cachondeo se nos escapaban. A todos nos encantaba la voz en off perteneciente a la película de Robocop, en especial ese “Televisión fuera” que junto a la programación de batería machacona abría el tema estrella, con la colaboración inestimable nada menos que de Manuela Roque como voz principal. El bajo de la canción, grabado con guitarra española nos pareció soberbio y realmente imaginativo, por lo que comenzamos a preguntarnos si bien aquel supuesto majara no se estaría cachondeando de nosotros demostrando ser mucho más inteligente e irónico de lo que creíamos en un principio. Me prometí no perderle la pista, y he de reconocer que aunque lo hubiera pretendido me habría sido imposible.

El tiempo nos fue demostrando que efectivamente lo de Xoxé Tétano no era sino el germen de lo que algún día sin duda sería un proyecto más que relevante en el panorama musical.

Primero con Puctum y finalmente con Los Ganglios se gestó una de las formaciones más originales, atrevidas, diferentes, innovadoras, frescas e inclasificables del momento. En Rafael Filete y Leli Loro, Xoxé tétano ha encontrado el complemento perfecto a su innegable ingenio e inteligencia, amén de un pequeña PYME familiar.

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Insisten en que últimamente los tres trabajan más juntos que nunca, y desde luego no se puede negar que dicha unión ha ayudado en la consecución de un sonido más definido, limpio y pulido, con más calidad, preocupado de una producción sonora mas sin detrimento alguno de ironía, surrealismo o sentido del humor en sus letras.

A Los Ganglios no puede definírseles como un grupo de música convencional, pues es innegable que lo suyo es un proyecto audio-artevisual en toda regla, en donde una canción, un video, un cómic, una foto (véase “Viejo sátiro hipertenso”) o una ilustración no hacen más que complementarse y enriquecerse formando un todo único en el tiempo.

Lo de Los Ganglios es algo parecido a disfrutar con una película como El Padrino, que te agarra por los huevos y te anima a conocer la novela, la cual te aporta aun más datos y entretenimiento provocando esa fascinación y frikismo que solo consiguen determinadas obras de arte.

Cualquiera que trate de buscar explicación a Los Ganglios, de entender lo que hacen, o de vislumbrar más allá de por qué hacen lo que hacen y como lo hacen, está perdiendo un tiempo precioso que debería aprovechar en disfrutar y divertirse con ellos.

Si hay algo que no se entiende es cómo ha tenido que pasar tanto tiempo para que llegaran a nuestras vidas. De Xoxé Tétano, Rafael Filete y Leli Loro se desprende que son personas instruídas y cultas. Ostentan una educación y una cultura que sin duda se refleja en sus letras. Algunos opinan que han nacido tarde y que sin duda hubieran sido abanderados de la famosa “Movida” de los 80. Quien suscribe sin embargo piensa que no han podido nacer en mejor momento, sin pasar por alto que todos aquellos artífices ochenteros no le llegan a estos tres ni a la altura de los tobillos.

Aunque quizás su mayor obra conjunta sea el tema-videoclip “¡HAY!” (con una increíble y sorprendente producción que ya quisieran muchos grupos superventas) “LUBRICANTE (GorDiscos 2014) es sin duda el mejor LP de Los Ganglios.

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Aunque algunas canciones no sean nuevas se agradece sin embargo la mejora y la pureza en el resultado final, con sorpredentes giros vocales de Xoxé en la anteriormente citada “Viejo Sátiro Hipertenso”, las nuevas programaciones de “LOL” y “Yayo Humberto” o el espectacular bajo de “Gafas de Aluminio Telefunken”.

Buena parte del disco denota un entrañable homenaje continuo a los años 80, Así se desprende en temas como “VHS” en donde además del famoso ritmo de teclados de aquellos “Casio” que casi todo teníamos en casa se intuye una melodía pareja a aquellas series de animación japonesas a lo Comando G. “Infocreación” no es más que un homenaje a sí mismos, a su manera de entender el arte y la música con cortesía final para The Beatles y el “I Am The Walrus” . Pero sin duda es en temas como “Al Final “ con colaboración de Lorena Álvarez, o “El Quijote P” en donde el grupo resalta su faceta más gamberra y tronchante. “Al Final” podría sonar incluso en Los 40 principales, pues deja a la altura del betún a engendros pasados como Fresones Rebeldes, Meteosat, La Monja Enana o Chico y Chica. “El Quijote P” sin duda es una peLaCarne Magazine

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rita en dulce que Alaska y Nacho Canut tratarán de hacer suya para Fangoria en cuanto le echen el ojo.

Pero sin duda “En Noruega”, “Babieca Hiede” y “Calvario” se convierten en las canciones estrellas del disco. No sabría si “En Noruega” (letra sublime) existe influencia de Los Chunguitos o del grupo Ska más famoso del momento. “Babieca Hiede” es sencillamente una obra de arte surrealista, y “Calvario” es una canción dura y sentida aunque con momentos hilarantes, un viaje en el tiempo que muchos haremos desde el futuro, y que algunos que vamos perdiendo pelo también sentimos al escucharla “en la garganta un bolo de angustia difícil de tragar ”.

Como postre dos detalles más del sentido del humor surrealista del que hace gala esta banda: “El Canario”, un breve y divertido corte sobre las casualidades y tópicos de amigos canarios y el palíndroma “Señor goloso logroñés” en texto y música, que especialmente los amantes del vinilo disfrutarán con aquello de escuchar el disco dándole con el dedito para atrás.

Todo esto es un formato vinilo + CD, con mezcla y masterización de Pepe Coca que hará las delicias de sus seguidores más incondicionales, aunque sigo pensando que el formato perfecto para este grupo no existe, quizás un libro+DVD+CD+Cómic+Book de fotos+Ilustraciones+Carteles sería el perfecto para intentar canalizar tanta genialidad junta. Xoxé Tétano ha dejado caer que últimamente están sintiendo la llamada del Rap. Acabo con una frase de mi abuela de la que sin duda estos genios serían capaces de transformar en otro de sus éxitos: “No te digo ná y te lo digo tó”.

Contacta conmigo desde blogdeenriquefalco@hotmail.com

http://enriquefalco.blogspot.com.es/

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Bueno, ya estamos aquí de nuevo! Espero que hayáis tenido todos unas buenas fiestas y una feliz entrada de año!

Para este mes en Mundo DJ, os traigo algo muy especial, y es tener la suerte de poder entrevistar a una gran artista como es Mery Keys, para mí una de las tres mejores Djs que tenemos en Extremadura, junto a Lorena Moreno y alguien más que me reservo su nombre porque no tardará en ser entrevistada también por aquí.

María José, más conocida como Mery Keys, es una de las Djs, Pianistas y Productoras de música electrónica del panorama musical actual que encontramos en el sello TheMuzzik. Si hay dos cualidades que destacan de esta joven extremeña errante es la versatilidad y el buen gusto. Pero sin duda lo más reseñable de su actualidad sonora es que Mery Keys siempre se encuentra en constante evolución. Su armario sonoro, muta cada segundo y por eso no hay sesión semejante a otra en su apretada agenda, abarcando desde los más puros sonidos del techno a su vertiente más actual.

Sabemos que empezaste estudiar música desde que tenías seis añitos, pero ¿cuándo empezaste a interesarte por la Música Electrónica como medio para poder expresarte artísticamente?

Cierto, comencé los estudios oficiales en el conservatorio a la edad de 6 años, aunque mis padres me iniciaron con anterioridad. La música electrónica de una forma u otra siempre ha estado presente en mi vida, pero fue durante la adolescencia cuando empecé a investigar un poco más por mí misma, y al marcharme de mi ciudad a estudiar fuera fue cuando entré más en contacto

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con ella a través sobre todo de amigos que ya pisaban algunas salas como djs. He viajado y sigo viajando mucho, y he escuchado y sigo escuchando mucha música. ¿Te acuerdas de cuál fue la sala donde debutaste como DJ? Sí, claro!!!! tengo muy buen recuerdo de aquella noche, fue en Coria en la sala Scorpio. Aún siento los nervios de esa primera noche detrás de la mesa de mezclas. Fue una primera actuación como dj rodeada de amigos y con muy buena acogida por parte del público, lo que me dio aún más ilusión, ganas y fuerzas para seguir luchando, y fui consciente de la importancia de la labor que ejercía con mi trabajo en la música.

Tienes un currículum increíble como músico y artista. Has actuado como pianista y solista, has formado parte de varias agrupaciones musicales y quería preguntarte: ¿siente uno las mismas sensaciones al subirte con una banda a un escenario que al subirte a una cabina para actuar como DJ ?

Gracias!! La sensación que produce subirse a un escenario ya sea de un modo u otro es indescriptible si no lo has experimentado, aún sigo poniéndome nerviosa antes de cualquier actuación, la exigencia con tu trabajo y el respeto al público son valores fundamentales para mí.

Pero es una buena pregunta porque para mí sí es diferente, dentro de la expresión sonora la música puede ejercer varios roles, y eso hace que mi expresión musical sea diferente en cada una de mis facetas musicales, los sentimientos que quiero transmitir también lo son en cada una de ellas.

No es la misma sensación la que experimento en un concierto de música clásica detrás de un piano de cola, donde todo está en silencio y tienes y estás transmitiendo un sentimiento diferente, al que comunicas en un cabina como dj o siendo miembro de una agrupación musical, donde estás más arropado por tus compañeros. El lenguaje sonoro varía según las emociones que quieras transmitir al público. ¿Cuando empezaste a utilizar instrumentos en tus sets como el sinte Moog Little Phatty y como surgió la idea?

Empecé a usar instrumentos musicales en la producción en mi estudio, y la idea de llevarlos en directo a mis sets fue fácil. Se trataba de unir dos de las cosas que más me gusta hacer en mi vida, tocar el piano y mezclar temas, una combinación perfecta!!! donde realmente disfruto y me siento completa al cien por cien.

Ya que lo mencionas, en concreto el moog little phatty, fue una sugerencia de mi padre, también músico, compositor y un gran guitarrista. Me ha transmitido su gusto por la música en todo momento y más concretamente por el rock sinfónico lleno de sintetizadores analógicos como el moog entre otros. Es y sigue siendo todo un reto para mí. A la edad de 8 años tuve mi primer piano electrónico, un rodhes !espectacular! que aún conservo en pleno funcionamiento, y soy una coleccionista de teclados, la última adquisición que incorporaré en mis directos a partir del próximo mes es un Roland FA 06, al que estoy deseando hacer sonar. ¿Cuáles crees que son las claves para gustar al publico?

Obtener la receta perfecta es complicado, pero sí tengo muy claro que el disfrute musical de uno mismo con su trabajo es fundamental, creer profundamente en lo que haces, ser consciente del esfuerzo que conlleva a través del respeto. Más que decir cosas sobre la música es saber lo que con ella se siente, lograr comunicarse con el público y despertar su interés es muy importante, LaCarne Magazine

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y creo que esto se consigue si el músico es capaz de conmover a su público, crear un vínculo, provocar sensaciones. Lo importante no es solo tratar de impresionarle, si no de emocionarle. ¿Nos puedes decir cuáles son tus referentes musicales dentro de la Música Electrónica?

Podría decir entre muchos que los artistas que más me han marcado o significado más en muchas etapas de mi vida dentro de la música electrónica (aunque seguro que me dejo alguno en el tintero) serían dj Hell, Anthony rother, Tiga, Terence Fixmer, Laurent Garnier, The Prodigy, The Chemical Brothers, Daft Punk, Justice, Trentremoller, Dave Clarke, the Phrenetic Project, Sideral, Nathan Fake, James Holden, Jeff mills, James Ruskin, Surgeon, Marco Carola, Carl Craig, Paul Kalkbreneer, Adam Beyer, Robert Hood, Octave One, Par Grindvik, Ben Sims, Radial, Perc, Spiros Kaloumenos, The advent & Industrialyzer, entre otros, y mas actualmente puedo añadir a Mikael Jonasson, Bonobo, 0 Phase, Truncate o Bart skils.

Voy a parar ya porque podría hacer una lista mucho más extensa jeje. ¿Y fuera de ella?

Escucho mucha música de diferentes estilos, soy de la opinión que para tener claro lo que te gusta y lo que no, hay que conocer cuanto más mejor para poder elegir lo que realmente te hace sentir algo (más o menos).

Podría señalar como referente en primer lugar la música clásica; entre otros estilos: la música celta, (ya que forme parte de un grupo durante muchos años); el blues, soul, jazz, rock, new metal, reggae y hip hop podrían ser los estilos que más ocupan mi tiempo musical.

Para ser más específica me encanta Bach, Chopin; Chick Corea, Louis Armstrong, entre otros grandes como B.B. King; la elegancia de grupos de música celta como Lunasa o Gwendal; la nostalgia que me transmite Radiohead o Incubus, la complejidad de Muse, la contundencia de la música de Korn, System of a down, Rammstein, Pearl Jam, Limp Bizkit, Slipknot, Rage Against the Machine, Cypress Hill; también grupos como Génesis (y cada uno de sus miembros en solitario), Pink floyd, Queen, Dream Theater, Nirvana, The Clash, The White Stripes, The Smashing Pumpkins. Compositores de la talla de Yann Thierssen o Michael Nyman. Música rock nacional: Extremoduro, Narco, Reincidentes, La polla, Banda Jachís y un largo etcétera, Bob Marley y Damian; Sfdk, Morodo, Rapsusklei, Falsa Alarma, Violadores del Verso…….. voy a parar ya!!!! jejeje y no puedo olvidar que !me declaro fan incondicional por su buen hacer y talento! de los grupos Trespass y Ehta Gente, que cuentan con dos guitarras excepcionales: mi padre y mi hermano. ¿Qué estilos musicales son los que sueles usar habitualmente en tus sets?

Fundamentalmente techno con melodías contundentes y tintes de la música electro y techno mínimal. Una buena melodía para mí es fundamental, que se desenvuelva a lo largo del tiempo, que tenga un buen desarrollo, identidad y sentido propio; dentro de mis recursos musicales juego mucho con ella y con las variaciones y combinaciones rítmicas que me ofrezcan dinamismo y contundencia, siempre dentro de un diálogo musical ordenado, con sentido y expresividad.

Sabemos también de tu faceta como productora, ¿tienes pensado sacar a la luz algún trabajo en breve?

Síííí!!!! además estoy muy emocionada con el trabajo que estoy haciendo actualmente, tengo varios temas que quiero sacar y, aunque no puedo adelantar una fecha exacta, espero poder publicarlos a principios de año.

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¿Qué programa utilizas para componer?

He utilizado desde mis comienzos en la producción musical o composición varios programas como Sibelius, Reason, Cubase o Fruity Loops, pero actualmente son dos básicamente los que uso como herramienta para mis creaciones: Ableton Live, para mis producciones dentro de la música electrónica, y Logic Audio, para otros estilos musicales diferentes, ya que me ofrece la opción de edición de partituras.

Esta pregunta es obligada para todos los que pasan por aquí: ¿Podrías decirnos tres temas de la Música Electrónica que sean atemporales para ti?

Claro! podría decir más de tres, pero si tengo que elegir, uno de ellos sería “Outhouse” de Nathan Fake, otro “The man with the red face” de Laurent Garnier y un tercero, “Time has changed” de Codec & Flexor. ¡Difícil elección, se me vienen a la cabeza muchísimos temas que me han marcado en mi trayectoria musical!

Y ya para acabar: ¿qué consejo le darías a alguien que este empezando su carrera como DJ? Podría decirle: Nunca cambies! sigue creyendo en el trabajo que haces, es un arte y debe tener la importancia que se merece, sigue disfrutando con él como si fuera el primer día, no creas todo lo que te dicen y mantén siempre los valores de lucha, humildad y superación. Sigue siempre creciendo y aprendiendo, no te conformes con lo aprendido, hay muchas puertas y caminos por descubrir, y en el ámbito tecnológico no te cierres, disponemos de multitud de herramientas para hacer nuestro trabajo, haz un buen uso de ellas y explota al máximo sus y tus posibilidades.

La inseguridad es muy normal y hay que ser autocrítico con uno mismo! Si cuando hablas de tu vida hablas de la música, sigue luchando en lo que crees!.

Hay que decir que no podemos olvidar la realidad de la situación y los objetivos que cada uno se marca y pretende con su trabajo. Es una carrera difícil, con muchos obstáculos y no puedo dejar de mencionar que se ha agregado la discusión de la desaparición cada vez más común de los discos de vinilo y presencia de platos en las cabinas que muchos defienden o atacan. Para mí, cualquier medio es particularmente importante, crea tu técnica, tu estilo propio dentro del estilo musical que prefieras adecuados a tu persona, sigue con empeño, practica y tenacidad, conoce tu equipo a la perfección, concéntrate, disfruta y no dejes de practicar nunca.

Todo un placer y un lujo el haberte hecho esta entrevista, Mery Keys, y espero poder escucharte y bailar contigo muy pronto! ¡Gracias a todo el equipo de la revista digital LaCarne Magazine! por vuestro trabajo y personalmente por esta entrevista. Ha sido todo un placer poder compartir con vosotros una parte muy importante e inseparable de mi vida como lo es la música.

VER FACEBOOK https://soundcloud.com/mery-keys

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DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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FLOATING POINTS - “Nuits Sonores” YSE SAINT LAUR’ANT - “Keep In Step” ACID MONDAYS - “Schlurptastic” (D’Julz remix)

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BLUE MONDAYS - “Tropicale”

5 6 7 8 9 10

WATSON, Vince - “Deja Vu”

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ARAPU - “Aresa” UNKNOWN ARTIST - “Troubled Times” SUBB AN - “Vapour Trails” (feat The Million Plan) GUY J - “Candyland” (King Unique remix) AGORIA - “Helice”

zirk-us - extremadura de club

En Agosto de 2010, el dj Extremeño Mk Hombrebueno y Caridad (kari) se embarcan en el proyecto Zirk-us. Con un logo como filosofía, “Zirk-us alternative music”, el club, con un local inicial con apenas capacidad para 60 personas, apuesta desde el principio por músicos locales. Los dj de la zona disponen de una cabina donde exponer y compartir de forma regular su música ante un público. El local no tarde en ser conocido y pronto su nombre comienza a convertirse en un punto de referencia regional para la electrónica extremeña.

Paso a paso y sin perder su humildad, Zirk-us se traslada a un local que prácticamente multiplica por cuatro su aforo, lo que le da pie a nuevos proyectos musicales. Es un club donde cualquier idea con valor es tenida en cuenta, florecen nuevos y suculentos proyectos musicales, y por todas estas razones, y otras que no se pueden explicar, si no has pasado una noche en Zirk-us, este club es hoy por hoy un referente de la música y la noche pacense, inconcebible ya para muchos sin este club.

Son ya casi cinco años de Zirk-us y sin embargo han pasado tantos artistas y eventos por él que parece que son muchos más, ¿cómo se os ocurrió la idea a Kari y a ti de embarcaros en una aventura así?

Después de llevar casi 20 años en la escena, realizar muchos tipos de eventos, desde raves a LaCarne Magazine

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programación de bares, después de esto último vimos muy clara la necesidad de ofrecer a la gente, a nuestros amigos y a nosotros mismos un sitio donde estar a gusto y escuchar música de calidad. ¿Cómo surgió la idea del nombre de Zirk-us?

En una mediodía de cañas, surgió entre 4 amigos. Es un extraño juego de palabras que nos inventamos, Zirk y -us , cómo queriendo decir “ven a Zirkear…Zirkeanos…” ¿Notásteis mucho el cambio de la antigua Sala a la nueva?

Por supuesto. En sonido pudimos meter más equipo (antes 7500, ahora tenemos 15000). De aforo antes sólo podíamos meter 60, ahora 280. En cuanto a la localización, tenemos suerte de estar al lado del río y no molestar a nadie porque no tenemos vecinos que se quejen, como suele pasar en locales que están metidos en el centro, como era nuestro caso al estar en el casco antiguo de la ciudad, y por último, el club también necesitaba una evolución a otro tipo de sala. ¿Cómo respondieron los asiduos de Zirk-us al cambio de local?¿notasteis al principio que el público respondía o les costó ir a otro local que no era el Zirk-us de la primera etapa?

Respondieron bien, aunque con algo de nostalgia por el antiguo local, pero en general nos apoyaron Lo bueno de tener una Sala tan grande es la gran cantidad de posibilidades que te da a la hora de emprender proyectos nuevos, y vosotros esas posibilidades sabéis aprovecharlas muy bien, por ejemplo, introduciendo conciertos en la programación. ¿Puedes decirnos algunos de los grupos que han pisado Zirk-us?

S Curro / Papa Wilson, Terramojá Folk, Want Tung Frito, Karne de Kañón, Tubarao, Arde Kazán, Accidente, Calavera HC… ¿Qué te parece más complicado, organizar un festival con grupos o hacer uno enfocado a la Música Electrónica y que solo actúen Djs? Un festival con grupos siempre lleva más coordinación y trabajo al ser más gente la implicada.

Todo el mundo que ha pisado Zirk-us sabe de la gran calidad de sonido que tiene la sala, ¿cómo se consigue que suene igual de bien en todos los rincones y que no haya alguna zona muerta?

Tras muchas pruebas, se dio con un equipo de calidad y la configuración necesaria.

Siguiendo la línea de la pregunta anterior te voy a preguntar también por la Cabina. Cualquier DJ que ha pasado por ella sabe que es una cabina muy cómoda, donde tú y cualquier acompañante que vaya contigo pueden tirarse horas allí estando muy a gusto. ¿Ha influido mucho a la hora de montar así la cabina en que aparte de ser el dueño de la sala también seas DJ? Sí, claro, sobre todo a la hora de responder a necesidades que tú mismo ya conoces, una buena escucha y algunos detalles básicos no suelen tenerse muy en cuenta, por desconocimiento, cuando son esenciales para el funcionamiento de un club Los Clubs de Música Electrónica suelen estar muy enfocados al Techno, ¿os pasa eso a vosotros o la programación de Zirk-us suele ser más variada?

No, claro que no. Solemos trabajar con muchos estilos, como por ejemplo las fiestas Babylon

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Partys, enfocado al reggae, y que lleva la firma de Carlos Costa, amigo de toda la vida y gran persona, que ha sabido traer la escena reggae a Badajoz y hacer que las Babylon sean eventos donde puedes ver a artistas de la talla de Little Pepe, Unity Sound…

Changa, una iniciativa de Camilo Galán, otro miembro mas de la Familia Zirk-us y enfocada a la escena psychedelic en Extremadura, que pese a tener grandes artistas, es carente e intentamos acercar un poquito esta escena a un público cada vez menos reticente. Ofrecemos un sitio a los artesanos para vender sus productos y un punto de encuentro para la música, el arte…

Artistas de la talla de Prozak, Superspunk, Ganeisha, Pi road, Markore, Salvio, o la presentación de Konfussion, que es un Festival de Trance gratuito, que nace de un grupo de amigos muy cercano, en el cual colaboramos en todo momento. A principios de Diciembre, hicimos la primera fiesta de presentación del Konfussion, que tuvo mucho éxito y estamos deseando la próxima edición para poder seguir participando y fomentando este tipo de eventos de carácter free. ¿Cómo surgió Zirkus Room? Háblanos un poco de esta iniciativa Surgió por la idea de trasladar la música electrónica a otro tipo de espacios diferentes, con música de mucha calidad, empezando los eventos por las tardes y acabando la noche en nuestro club. Algunos artistas son Sandro Bianchi, Game Boy, Olmo... ¿Qué proyectos tenéis para este año que empieza, nos puedes adelantar algo?

Pues tenemos varias cosas muy interesantes que una vez que se confirmen os iremos informando, además de contar con lo mejor del panorama Regional y Nacional.

Y ya para terminar, Marcos ¿nos puedes decir que programación tenéis este mes de Enero?

Te puedo adelantar para enero la noche de reyes, todos los años regalamos un barril de cerveza para agradecer el apoyo de nuestros clientes, amenizado con una programación especial.

Muchas gracias por todo, Marcos, y espero visitaros muy pronto y a vosotros lectores deciros que hasta el mes que viene!!! y que si pasáis por Badajoz, no dudéis en visitar Zirk-us porque merece muchísimo la pena!

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BONIFACIO GIL Y SU CANCIONERO POPULAR DE EXTREMADURA Trabajo realizado por: Pablo Escudero Santos, Samuel Álvarez Flores, Alejandro Márquez Giraldo y Sebastián Díaz, alumnos y profesor de la asignatura optativa La Música en Extremadura, 3º de la ESO, IES El Brocense de Cáceres en su 175 aniversario (1839-2014).

J

unto a García Matos, del que hablamos en el nº 32 de LaCarne Magazine, Bonifacio Gil es otro de los grandes folkloristas que, aunque no nació en Extremadura, realizó en nuestra tierra un intenso trabajo de investigación en el folklore, trabajo que aún hoy día se nos antoja fundamental para entender nuestro patrimonio musical.

Bonifacio Gil (Sto. Domingo de la Calzada 1898-Badajoz 1964), tras su paso como músico por diferentes bandas militares, recala en Badajoz a los veintiséis años, como Director de la Banda Militar del Regimiento de Infantería de esta ciudad. Tres años después, en 1927, funda el Conservatorio de Música de Badajoz y crea el Orfeón de Badajoz.

Interesado por el rico patrimonio etnomusical extremeño, enseguida inicia su colaboración con el Centro de Estudios Extremeños recogiendo más de ochocientas canciones populares y romances en Extremadura. Ello le permitió publicar en 1932 el primer tomo del Cancionero Popular de Extremadura. Su compromiso con esta tierra le llevó en los años siguientes a componer un “Himno de Extremadura”, poemas sinfónicos para banda como “Nochebuena Extremeña” o “En una aldea extremeña”, varias armonizaciones para voz y piano de varias canciones extremeñas, además de otras obras centradas en el folklore como Romances populares de Extremadura, Canciones Populares de Extremadura, Romances y Canciones Narrativas. En 1956 publica el segundo tomo del Cancionero Popular de Extremadura, junto al primero, una auténtica joya etnomusicológica de la que hablaremos seguidamente.

Bonifacio Gil también realizó trabajos de recogida de músicas tradicionales en La Rioja, Granada, Ciudad Real, Toledo, Ávila, Cádiz.

Se puede consultar una bibliografía extensa de Bonifacio Gil. Así como información de sus libros, artículos, conferencias, composiciones, armonizaciones, transcripciones, etc., en: http://nuestramusica.unex.es/nuestra_musica/autores/bonifaciogil.pdf

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Sin duda, la obra culmen de este folklorista, al menos para nosotros, fue el Cancionero Popular de Extremadura que, además de un impresionante número de transcripciones musicales de canciones tradicionales, muestra un análisis musical de todas ellas del que se pueden extraer las características generales de nuestro folklore.

CANCIONERO POPULAR DE EXTREMADURA Tomo

I

II

Primera edición

1931

1956

Páginas

425

498

Piezas musicales

350

400

Plan de la obra Sección

Contenido

Partituras

1ª

Romances

102

2ª

Canciones de ronda

31

3ª

De las faenas del campo

33

4ª

Epitalamios

11

5ª

Infantiles

47

6ª

De Nochebuena

52

7ª

De cuna

11

8ª

Religiosas

16

9ª

Características de danzas e instrumentales

21

10ª

Esquileos

7

11ª

Pregones

10

12ª

De varias clases

63

1ª

Romances y canciones narrativas

100

2ª

Navidad

50

3ª

De cuna

10

4ª

Infantiles

50

5ª

De ronda

22

6ª

De bodas

12

7ª

De faenas

40

8ª

Pregones

12

9ª

Fiestas profanas

12

10ª

Religiosas

31

11ª

Danzas e instrumentales

26

12ª

De varias clases

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LaCarne Magazine

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Junto a la Lírica Popular de la Alta Extremadura de Manuel García Matos, más centrado en la provincia de Cáceres, este Cancionero Popular de Extremadura, de Bonifacio Gil, dedicado sobre todo a la provincia de Badajoz, constituye la principal obra sobre nuestro folklore.

Posteriormente se han publicado otros cancioneros, algunos de ellos de zonas amplias, como el Cancionero de la provincia de Cáceres de Ángela Capdevielle, si bien en ellos falta el análisis etnomusical presente en los anteriores.

Siguiendo aquello que dijo Bonifacio Gil “Dada la abundancia y variedad de la melodía popular extremeña podría permitir la formación de un Cancionero (del volumen del presente) por cada partido judicial” (en la Introducción del tomo II), se han hecho algunos cancioneros centrados en localidades concretas como Piornal, Torrejoncillo, Orellana la Vieja, etc., y otros sobre zonas más amplias, en algunos casos comarcas, como la Vera, las Torres, etc. En todo caso, aún hay muchas zonas extremeñas sin su cancionero, lo que con el tiempo podría llevar a la desaparición de sus músicas tradicionales, algo que no sería deseable.

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por César Lladó

FIN DE GIRA #LAOSADÍATOUR.

Por César Lladó (cantante y guitarrista de Carta Baladí).

V

eintiuno de noviembre: ha llegado el gran día. Dos años y medio después de sacar nuestro último trabajo “Con Humilde Osadía” (GASER DISCOS, 2012) y con más de sesenta conciertos a nuestras espaldas, nos disponemos a cerrar “La Osadía Tour ” por todo lo alto en la capital del Estado, con una ilusión que casi no nos cabe en el pecho y con ganas de comernos el mundo y lo que nos echen...

Diez de la mañana, suena el despertador: ducha, café y a cargar trastos en cuanto Javi venga a buscarme. Ya en el local, aparece también Dani y nos encargamos de recoger todo el equipo (Juanma se libra porque le toca currelar, Dani en cambio se pidió el día libre y a Javi le toca después impartir clases de guitarra; en mi caso, todo es placidez:

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he decidido tomarme la semana completa en libertad total, al fin y al cabo, soy autónomo para lo bueno y para lo malo, ea...). “Hacía tiempo que no madrugábamos tanto para cargar el equipo, diantre, habrá que compensarlo con una juerga de dimensiones incalculables”, esto pienso para mis adentros cuando al fin marchamos Dani y yo juntos dirección Alalpardo, donde vive y donde piensa alimentar mis vacías tripas, y acto seguido pienso “y si yo tengo ganas de juerga, ¿qué tendrán nuestros compis de Melancrónico, que vienen desde Zaragoza, algunos de ellos habiendo tenido que madrugar -madrugar de verdad, no como nosotrospara ir a trabajar y cumplir con su deber de ciudadanos?”. Mejor no pensarlo, me digo, y me pregunto acerca de cuestiones verdaderamente importantes: “¿alguien se ha acordado de imprimir set-list...?”, ataco vía Whatsapp. “Ah, pero no lo hacía... alguien??”, alguien responde.

“Vale, ya me encargo yo...”. Bien, dicho y hecho. No era para tanto.

Qué bien me cuida Daniel: vaya pedazo ración de espaguetis con pollo que me ha preparado y vaya cervecita fresquita que me he echado al buche con plena fruición. Una comida contundente para una noche que será más que probablemente dura en lo que a derroche de energías se refiere. Bien. Son las cuatro de la tarde y se supone que deberíamos estar en media hora en la sala Boite, donde celebraremos el concierto de marras, para montar el equipo y empezar a probar sonido... Llegaremos tarde. Como casi siempre. No pasa nada, está todo controlado (alguien llegará antes que nosotros y pareceremos gente seria y de fiar).

Subimos al buga de Dani y marchamos hacia el centro de Madrid, donde se encuentra situada dicha sala. He aquí el doble filo de una localización envidiable: para el público genial, sobre todo si va en metro; para los músicos un quebradero de cabeza, dónde aparcar (y por cuánto), cómo descargar todo el material sin que nos vayan a multar las fuerzas del orden, etc... Se disipan todos mis temores cuando empieza a sonar Castigo de Leño a todo trapo: “Oh

“Como último preparativo, comprobamos que el vídeo que habíamos editado para abrir nuestra actuación es inservible en la pantalla de leds de la sala, o eso nos dicen, y hemos de conformarnos solo con el audio” LaCarne Magazine

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por César Lladó

sí, Rocanrol!!”, nos decimos Dani y yo, contagiémonos de la magia de la ópera prima de una banda de rock grande donde las haya y adentrémonos lentamente en Este Madrid al son de la dulce chimenea de El tren... ¿Qué más se puede pedir? Venga, va, algo de los Platero y pa’lante. Ya tenemos el ritmo, ahora sólo falta empezar a descargar toda la energía que llevamos acumulando durante semanas de ensayo y preparativos varios y afrontar la gran noche que nos espera.

Ya en la sala y con media hora de retraso, nos esperan para descargar nuestro buen compadre Marco Camacho, que siempre está cuando se le necesita para echarnos una mano y lo que haga falta, junto a Alberto Sanz, quien será nuestro teclista por esta noche, y Javi, a quien seguro ya conocéis (el mismo de más arriba ;)). También -¿será posible...?hay algunos miembros de Melancrónico que han sido más puntuales que nosotros, aun habiendo partido desde Zgz... Bravo por ellos: todavía no saben que deberán esperar al resto de su banda para probar sonido in extremis y a duras penas. Cosas del directo. Aunque también deberíamos achacarlo quizá al hecho de que no haya músico en este país que no sea pluriempleado. Pero el ministro de cultura asegura que los músicos cobramos demasiado... Bien, todo en orden, caballero, bájense los calzoncillos, pongan el culo en pompa y a vivir. Tres hurras por el ministro, que al parecer desde su púlpito de omnisciencia total es capaz de asegurar el futuro de nuestro gremio sin mover un dedo. Gracias, ironía, gracias.

Todo va según lo previsto, es decir, con retraso pero bien. Ya hemos probado sonido. Echamos en falta algún que otro decibelio, pero una de tantas trabas con que el Ex-

Foto Julia Sáenz

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celentísimo Ayuntamiento de Madrid impide el correcto desarrollo de una actuación consiste en no superar los 100 db por el bien de la comunidad, aunque es más que probable que a la gente que le toque estar en las últimas filas apenas le lleguen unos pocos... También restringe la entrada a menores de 18 años, incluso en el caso de que éstos vayan acompañados de sus padres. El pretexto por el cual vetan la entrada es la venta de alcohol, al parecer: absurdo si tenemos en cuenta la ingente cantidad de bares de tapas donde se sirven bebidas alcohólicas y no hay restricción alguna para que entren niños de todas las edades. Por no hablar de corridas de toros, donde los mozalbetes podrán disfrutar de una sangrienta matanza que les traumatizará para el resto de su existencia, o lo que es peor: entrar a una plaza de toros para presenciar un concierto de David Bisbal... Nota mental: dejar recado verbal durante el concierto a los dirigentes gubernamentales que con su incompetencia a todos los niveles coartan el desarrollo y el acceso a la cultura.

Dicho esto, nos vamos a un bar de tapas barato y sencillo junto a la plaza del Carmen y calmamos la gusa y los nervios regando el gaznate con un par de cervezas. Muy pronto abrirán puertas.

Como último preparativo, comprobamos que el vídeo que habíamos editado para abrir nuestra actuación es inservible en la pantalla de leds de la sala, o eso nos dicen, y hemos de conformarnos con el audio: “Zaratustra”, aquel tema que introducía a su vez 2001: Odisea en el Espacio. Menos da una piedra, qué le vamos a hacer. Resignación en definitiva: hacemos rock y el presupuesto es el que es... Mucho trabajo para recoger muy poco es una de las máximas del músico en nuestro país, independientemente del estilo.

Comienzan Melancrónico, pero muy a mi pesar soy incapaz de disfrutar de su concierto, amigos y conocidos que me abordan durante su actuación me impiden concentrarme, por no hablar de los nervios pre-concierto... Una pena, pero seguro habrá futuras ocasiones en que disfrutar de su talento y buen hacer.

Ahora sí que sí nos toca a nosotros. Son las once de la noche y toca subirse a las tablas para poner el broche de oro final a esta gira a escala nacional y que nos ha llevado por un buen puñado de provincias... Unas doscientas personas esperan impacientes nuestra salida a escena... Hoy es noche de rock and roll y lo vamos a demostrar. Damas y caballeros, con todos ustedes, Carta Baladí.

http://cartabaladi.com LaCarne Magazine

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Desde un céntrico hotel de la ciudad de La Paz, nombrada recientemente Ciudad Maravilla, nos encontramos con los precursores, en este siglo, del funk en Bolivia: Fiesta Cuetillo. Ellos nos contarán un poco de cómo salió el grupo y un poco de su trayectoria. ¿Cómo nace el grupo de funk con huevos como se hacen llamar Fiesta Cuetillo?

(PR) Hola, la idea de Fiesta Cuetillo era una idea que teníamos Nacho, Ignacio y yo, que estaba en España, y al hablar me dijo que quería hacer una banda funk y me vine para Santa Cruz, Bolivia. Así comenzamos a componer, buscar a la gente en fiestas, así nos conocimos con Salvador, que llegó a cantar, así de la nada porque es medio hippie (risas). Y en un concierto conocimos a Cheche, con otra banda de New Metal. ¿Cuánto tiempo tiene fiesta cuetillo?

(PR) En años, pues desde nuestro primer ensayo, debemos tener unos tres años y medio y, claro, somos la formación original, jamás vimos la necesidad de cambiar de integrantes, de ahí en adelante todo ha sido ir para arriba. ¿Cuáles son las influencias de Fiesta Cuetillo?

(AP) La verdad es que tenemos variedad de influencias. Los cuatro tenemos diferentes gustos.

Nacho y Pablo tenían sus perspectivas al llegar Salvador y yo, eso ha ayudado a que Fiesta Cuetillo sea una mezcla de muchos estilos que nos hacen a nosotros, siempre con base principal en el Funk. De parte nuestra, nos gustan bandas de punk, rock alternativo, rock clásico, metal hardcore. ¿Cuáles fueron los lugares que recorrieron recientemente con Fiesta Cuetillo?

(PR) Por marzo estuvimos en Córdoba, Argentina, en el Cosquín Rock Día 1 como invitados.

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Llevamos tiempo tocando en Santa Cruz, participamos en La Paz en el Festival de Tribus Urbanas, Cochabamba, muchas veces. ¿Próximamente lanzarán un nuevo video para el tema Pacoman, de qué se tratará el videoclip?

(IC) Prácticamente es la extensión del videoclip “Un Funky Más”, en la escena final se puede apreciar a “Pacoman”, que es el enmascarado con el “cascocoptero”, que las personas que nos han escuchado en vivo conocen al personaje y ahora tiene su propio video, donde le espera acción y persecución. Vamos a tratar de hacer una gran producción. ¿Quién encarnará a Pacoman y cómo definen al personaje?

(IC) Pacoman (algo así como Policíaman) será encarnado por Salvador…

(SS) El protagonista es un ser humano que en lugar de nacer fue creado, es una persona que va buscando cumplir su primera directriz de hacer el bien. Esta historia es la de un Estado que crea un superhéroe para salvar a la gente, pero por el mismo proceder de la sociedad termina corrompido. Entonces la narrativa va en torno a esa dinámica, dañan su chip y ni modo pues se vuelve supercorrupto (risas). ¿Cuál es el presupuesto y en cuánto tiempo va a ser producido?

(SS) Se rodará el 20 de diciembre, todo el día desde la madrugada hasta entrada la noche, hasta que las velas no ardan (risas), y superando el presupuesto de nuestros anteriores videoclips.

Estamos tratando de ser estratégicos en evaluar cada aspecto para lanzar algo de buena calidad, ya que por suerte trabajamos con un equipo que sabe aprovechar al máximo los recursos creativos y físicos de los cuales disponemos. La tercera es la vencida y ahora vamos a tirar toda la carne al asador (risas) por así decirlo. ¿Por qué medios podremos ver el videoclip y para cuándo estará lista la producción?

El video lo lanzaremos para enero por nuestro canal de youtube, además lo compartiremos en nuestro facebook, igual tendremos información por twitter y a nivel nacional por las redes de Tv del país.

Pacoman es de su disco Funkymetro ¿qué viene para más adelante para el grupo?

El Funkymetro es muy completo. Ha sido grabado en los estudios de Vox Populi, remasterizado en Inglaterra y mezclado en Horney Monkey en Argentina. Ahora ya estamos preparándonos para hacer el 2. Cuando lo tengamos más elaborado vamos a ir mostrándolo de a poco, es una sorpresa qué estilos van a ver en el nuevo disco, pero todo en su debido momento, “primero se hizo el uno hay que hacer el dos” (risas) Gracias por acceder a la entrevista con La Carne. Dígannos cuáles son los medios por los que se puede contactar con Fiesta Cuetillo y sus integrantes.

Gracias, pueden ver nuestros videos en youtube/fiestacuetillo, la página de internet para contactos fiestacuetillo.com, y en facebook/Fiesta Cuetillo, y pueden descargarnos en iTunes. Gracias, adelante el funk.

Vocal: Salvador Sambiasi (SS) - Guitarra Coros: Ignacio “Nacho” Cossio (IC) - Bajo voces: Pablo “Cheche” Roman (PR) - Percusión: Alejandro Parrilla (AP) LaCarne Magazine

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CAP. XVIII - ¿Es Vd. Arín Dodo? o “El enigma del infierno convertido en perro”

A

ntes de que el gran Ruvenigue se fuese para Irlanda quisimos dejar un último trabajo grabado entre los dos. Nos encerramos durante varios días con los trastos de grabar y con los instrumentos, y nos dispusimos a crear una última obra con dúos de instrumentos doblados (me refiero a algunas piezas donde suena el clarinete y la trompeta tanto por el lado izquierdo como por el derecho. Pero son dos piezas independientes una de otra, simplemente es que están tocadas al unísono // un experimento inspirado por alguna de las películas de Andy Warhol), y con textos delirantes y cargados de ironía y de humor. Así nació la obra cuyo título encabeza este artículo. Fue editada por una netlabel catalana llamada La Gramola: http://gramolanetlabel.blogspot.com.es/2011/10/arin-dodo-es-vd-arin-dodo-o-el-enigma.html http://gramolanetlabel.blogspot.com.es/2011/10/arin-dodo.html https://archive.org/details/ArinDodo-esVd.ArinDodoOelEnigmaDelInfiernoConvertidoEnPerro

Empieza con un curioso blues (algo insólito en la discografía arindododiana) donde se cuenta la historia del Sr. Arín Dodó y se explica la procedencia de su nombre. Un tipo bastante peculiar, con acento centroeuropeo y que se toma a risa que lo confundan con un dictador africano devorador de niñatos. También está la música que hicimos para el vídeo “Comunicaciones Subjetivas”, de Xisco Fernández: https://www.youtube.com/watch?v=vPkPsir2Iww “La contradicción y la libertad son condiciones indispensables para que la creatividad se dispare. En el arte hay un impulso irracional hacia la perfección, que nunca se ve colmado por la presencia de restricciones implícitas en el individuo. Esto genera (causa) dolor, que será eliminado si nos adentramos en la nada; esto es, en la privación total de armonía. Sólo hay timbre y ritmo. Me refugio en el silencio parcial para ausentarme de la angustia que produce la música perfecta”. Todo esto lo dice también el Sr. Dodó.

Toda esta palabrería fue escrita con ironía para reflejar la idea que tienen los arindododianos sobre el arte, especialmente el contemporáneo y conceptual. Algo pomposo, lleno de muchas palabras y que en algunas, o en muchas, ocasiones está vacío de contenido. Como ese fragmento anterior. Lo escribió el Sr. Dodó por la orden que le venía de un ente superior (El Cazo). Arín Dodó sólo es un mero transmisor, tiene su cerebro vacío. Solo aporta la voz y su físico. Cuando escribió ese párrafo no tenía ni idea de lo que decía. Ahora que lo lee de nuevo confirma esa percepción. Muchas palabras para decir algo sin significado y sin trascendencia ninguna. Arte efímero y residual. Tal y como les gustaba a los Kobolds.

Que disfruten este viaje por los sueños de un individuo repletos de coleópteros, de niños y de insectos varios.

Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó (contacta desde aquí)

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INSOLENZIA - CREADORES DE SUEﾃ前S

CREADORES DE SUEﾃ前S 32 LaCarne Magazine

Texto: Pedro Gallardo - Fotos: DEJAVU ROCK Insolenzia es uno de esos grupos que te atrapan nada más conocerlos, y que te dejan alucinado cuando ves todo el trabajo que esta banda lleva realizado. Con su trilogía de disco-novelas han conseguido que su música se transforme en imágenes y sentimientos, en el que la música y la literatura hacen un combo perfecto. Una gran actitud, mucho trabajo y un directo arrollador son las claves del tremendo éxito de este grupo zaragozano. Insolenzia está destinado por sus propios méritos a estar en el Hall of Fame de la música española, y dejar una profunda huella en los grupos venideros, sólo debemos darles un poco más de tiempo y podremos comprobarlo.

Mientras tanto, escucha su trabajo y déjate atrapar por estos creadores de sueños.

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INSOLENZIA - CREADORES DE SUEÑOS

Con el mundo entre las piernas - Insolenzia por Porras

Este trabajo forma parte de una trilogía, que comienza su andadura en 2010 con la edición del disco-novela La boca del volcán. Al año siguiente, el proyecto continuaba con la edición de Me quema el sabor de tus ojos, siguiendo el mismo formato.

Con el mundo entre las piernas viene a completar este ambicioso proyecto en el que van de la mano la literatura y el rock. Producido por Iker Piedrafita (Dikers) y editado por la cooperativa musical Carcajada Records, puesta en marcha por el propio grupo para gestionar su carrera, Insolenzia nos presenta todo un universo musical plagado de rock, de rabia, de carácter, de poesía, con unas letras muy personales y muy crudas, y con canciones directas y muy comprometidas con la realidad, con estribillos pegadizos y mucha fuerza.

El disco se compone de once temas que representan cada uno de los capítulos de la novela, que narra el romance de Selene y Alex. Esta “banda sonora” arranca con gran ener-

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gía “En mitad de la nada”, “Y la sal”, “De tanto mirarte” y un sonido crudo y directo cercano a Barricada o Marea. Las comparaciones son inevitables al escuchar la rasgada voz de Daniel Sancet, en contrapunto a la sensual voz de Isabel Marco, ambas voces le dan al combo un estilo muy personal. El resto de la banda se muestra muy sobria en todo momento, sabiéndose mover muy bien entre el rock urbano y macarra, y el rock más clásico. También hay lugar para sonidos más tranquilos y letras más delicadas “Una sola piel”, “De tanto mírate” o “Asalto final”, canción que nos muestra el lado más sentimental de la banda.

Sin duda alguna, este trabajo mejora en todos los niveles todos sus anteriores.

VAN SOBRAOS EN: Rock urbano estatal cien por cien, con letras que nos hablan de la cruda realidad, de sentimientos, de amor, todo bajo la personal propuesta de esta banda aragonesa que viene para quedarse.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Es evidente el trabajo de la banda en cuanto a las voces, que han mejorado mucho respecto a discos anteriores. El único pero que encuentro es la duración del disco, que podría dar más de sí.

SENTENCIA: La continua evolución musical de esta banda les consolida como una de las bandas más prometedoras, gracias a una fructífera producción discográfica y a un gran directo.

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INSOLENZIA - CREADORES DE SUEÑOS

Insolenzia lleváis en activo desde el año 2000. ¿La formación actual es la original o ha habido cambios? ¿Podéis contarnos cuándo decidís formar la banda?

Isabel Marco (voz y guitarra), Daniel Sancet (voz), Félix Ruiz (guitarra) y Daniel Benito (bajo) llevamos juntos en esto desde el año 2000. Ha habido algunos cambios en el grupo hasta que en el año 2010 entran Miguel Lucia (guitarra) y Chuan Pablo (batería) y se completa la formación actual. Éste es el verdadero nacimiento de Insolenzia, cuando comenzamos esta trilogía de novelas y discos y cuando comenzamos a girar de forma profesional por todo el estado español.

Cuando montamos el grupo éramos muy críos, el único que era mayor de edad era Sancet, y lo único que queríamos era juntarnos a hacer nuestras propias canciones para contar todo aquello que nos molestaba o nos inquietaba, emular a los grupos que siempre nos habían gustado, salir a tocar como si fuera la última vez que pudiésemos hacerlo, y soñar todos juntos en un proyecto colectivo que nos hiciese ser lo que hoy somos. Tampoco han cambiado mucho las cosas desde entonces, seguimos con la misma ilusión, hemos aprendido algunas cosas, nos hemos hecho más fuertes, pero seguimos siendo igual de inconscientes para casi todo.

Insolenzia es puro rock con estilo propio y contáis con las voces de Daniel Sancet e Isabel Marco. ¿Desde el principio cantabais los dos? ¿Qué os llevó a contar con dos voces en Insolenzia?

Sí, casi desde el principio fue así. Solo dimos unos pocos conciertos en los inicios sin Isabel, pero en cuanto pasó por el local y se arrimó al micro todos supimos que Isabel tenía algo especial y que la necesitábamos a nuestro lado.

Siempre nos han gustado los grupos que juegan con dos voces diferentes, como Barricada, y siempre nos ha molestado el trato discriminatorio que ha tenido y tiene la mujer en el rock. Así

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que desde un primer momento estuvo claro que en Insolenzia iba a haber dos voces, una que cantaba y la otra que pegaba rugidos. La Bella y la Bestia.

Además de Insolenzia, ¿habéis tocado o formado parte de otros proyectos musicales?

No, todos los miembros de Insolenzia hemos estado centrados únicamente en Insolenzia. Nos gusta colaborar con otros compañeros de profesión, pero sólo colaboraciones puntuales.

Creemos mucho en Insolenzia y es un proyecto colectivo de todos nosotros, invertimos muchos esfuerzos y peleamos juntos por conseguir este sueño.

Una de las cosas que más nos ha llamado la atención es que habéis creado una cooperativa musical, Carcajada Records. ¿Qué os llevó a crear esta cooperativa? ¿Qué labores realiza Carcajada Records?

La creamos por una mala experiencia en nuestros jóvenes inicios, nos sentimos estafados durante algo más de un año y nos pusimos las pilas para crear la estructura que nos permitiese autogestionarnos a todos los niveles.

Desde Carcajada Records se gestiona absolutamente todo lo relacionado con Insolenzia: Management, merchandising, fabricación, gabinete de prensa, redes sociales, comunicación, videoclips, organización, gestión de derechos, contabilidad… absolutamente todo. Somos completamente independientes y estamos orgullosos de ello, de hecho para este último disco tuvimos una oferta de una multinacional que quería encargarse de todo y la rechazamos. Nuestra forma de entender la música es al margen de la industria musical.

Empecemos ya a hablar de vuestros discos… Pedazo de trabajo que habéis hecho con la trilogía de discos-novelas! Nos quedamos alucinados cuando lo recibimos!! ¿A quién se lo ocurrió esta genial idea de mezclar el rock con la literatura?

Fue una propuesta de Sancet. Teníamos un puñado de canciones y nos dijo que había dos personajes clarísimos para poder hacer una historia a partir de ellos. Nos dijo que si nos atrevíamos a lanzarnos a un proyecto tan ambicioso como era sacar tres discos acompañados por sus correspondientes novelas, una auténtica trilogía, y hacerlo desde la autogestión y en un periodo tan corto de tiempo… Era una locura pero nos encantó el proyecto así que empezamos a gestarlo entre todos. ¿Cómo organizáis la publicación del disco junto con el libro? ¿Sabíais desde el principio que sería una trilogía?

Sí, desde el principio se planteó como una trilogía y no va a tener continuación. Nuestros próximos discos también tendrán la compañía de una novela pero no tendrá nada que ver con la historia de Alex y Selene narrada en esta trilogía. Lo primero que hacemos son las canciones.

Primero componemos la música entre todos, no hay alguien que lleve canciones hechas al local sino que todas nacen allí entre todos. Ensayamos mucho e improvisamos mucho, eso nos perLaCarne Magazine

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INSOLENZIA - CREADORES DE SUEÑOS mite ir descartando las cosas que no nos gustan y quedándonos sólo con lo bueno. Las letras las hacemos después. Y la novela es lo último, se escribe nada más terminar la grabación y cuando ya tenemos claro el orden que van a tener las canciones en el disco. Lo hacemos así porque no queremos que nuestras canciones estén supeditadas a nada, es mucho más trabajo para Sancet pero le gusta trabajar con presión. Obviamente la estructura de la novela está clara desde el principio, y los personajes también, así que vamos jugando con las letras en ese sentido. Es un sistema de composición y de creación muy costoso y difícil de explicar, pero hemos aprendido a trabajar así y estamos contentos de ello.

Cada uno de los libros ¿Está escrito por un solo autor o todos habéis sido partícipes?

Tanto la música, como las letras y la novela de Insolenzia están firmadas por todo el grupo ya que esto es un trabajo colectivo. Sentimos cada letra, cada capítulo y cada acorde como algo muy nuestro y por eso lo defendemos con tanta fuerza. Cada uno aporta todo lo que tiene y de ese esfuerzo común nace esta trilogía.

Sancet se encarga más de la novela pero todos estamos a su lado, vamos leyendo todo según lo va escribiendo. Es una experiencia muy bonita ver cómo va naciendo la historia.

Esta trilogía ¿puede leerse y escucharse de forma independiente?

Sí, eso es algo que hemos puesto mucho esfuerzo. En cada uno de los libros hay una pequeña mirada atrás para que aquel que nos descubra con el segundo o con el tercero pueda leerla sin haberse leído lo anterior.

Tres discos con tres libros, muy bien hechos y muy currados. Comencemos por el primero, La Boca del Volcán (2010). ¿Qué nos encontraremos en este disco? ¿Y en la novela?

Este primer volumen de la trilogía nos presenta en primer lugar a los personajes y protagonistas de la historia, Alex y Selene. Las canciones son un reflejo de lo que está pasando en sus vidas,

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de cómo se encuentran a ellos mismos en un mundo adulto. Las letras de las canciones nos sumergen en los sueños, incertidumbres, deseos y miedos que, como Alex y Selene todos hemos podido vivir en esos años adolescentes en los que comienzas a asomarte al mundo adulto. Fundamentalmente, es una presentación de los personajes y las circunstancias que van a marcar su forma de enfrentarse a la vida y una introducción a futuros cambios, tanto en ellos como en su entorno, que van a tener que acometer. Es un disco más íntimo que los siguientes, quizá por el menor peso de las guitarras, algo que después buscaríamos cambiar y encontramos en Iker y su Sótano el elemento que nos faltaba.

En 2011 se publica la segunda parte de esta trilogía, Me quema el sabor de tus ojos junto con su correspondiente novela. ¿Qué nuevas experiencias e historias nos encontramos en este disco-novela?

En este segundo volumen, los personajes viven todo con impulsividad y de forma muy impetuosa. Son pura adrenalina. Ambos deben plantearse un nuevo enfoque vital que les lleva a tomar algunas decisiones muy duras para ambos y que marcarán definitivamente su modo de ver la vida. Es un disco muy guitarrero, lleno de ilusiones, deseos, sexo, amor, soledad… una llamada al disfrute de la vida.

El final de esta trilogía llega en 2013 con el disco-novela Con el mundo entre las piernas. En esta última entrega ¿encontraremos más sorpresas? ¿termina esta historia con final feliz?

Hay sorpresas, por supuesto, en todos hay sorpresas. Este quizá lo que más le caracteriza es la fuerza, o la rabia. Los personajes están pletóricos, muy activos y llenos de energía. Despiertan su madurez planteándose circunstancias que van a formar parte de su proyecto vital y quieren que el mundo que les rodea les acompañe en armonía, aspectos en los que van a encontrarse con más de una dificultad. El final… pues no lo vamos a desvelar, que si no, no os la leéis.

Ahora que ya ha pasado un tiempo ¿Cuál es el balance que hacéis? ¿Estáis contentos con el LaCarne Magazine

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INSOLENZIA - CREADORES DE SUEÑOS

resultado?

Solo el hecho de haber podido llevar a cabo este proyecto hace que el balance sea positivo, lo miremos por donde lo miremos. Hemos invertido muchas horas de trabajo, muchos esfuerzos, hemos hecho muchísimos kilómetros y todo lo que hemos recogido han sido aspectos positivos.

Sí, podríamos decir que nos hemos cansado en los viajes, que hemos tenido días mejores y peores… pero los aspectos negativos son tan insignificantes que se han quedado ocultos por la emoción, tanto por haber conseguido el objetivo de poder terminar y publicar la trilogía, como por las experiencias que nos está aportando el llevarla desde nuestra casa a todos los rincones del país donde nos dejan.

Y vuestros seguidores, que son muchos, ¿cómo han reaccionado al disponer de todo este material?

La verdad es que nuestros seguidores están contentos, ofrecemos un producto musical y literario a muy buen precio y, además, hemos conseguido que se sientan parte del mismo. Se sienten identificados, con los personajes, con la música, con nosotros… Nos piden más, eso es positivo, hay que dejar al público con las ganas; satisfechos, pero con ganas de más.

Tenemos la suerte de que los seguidores de Insolenzia se han multiplicado por todo el país en los últimos años, además sienten los colores de Insolenzia y saben que son una parte fundamental en el grupo. De hecho, nuestros grito de guerra es Insolenzia somos tod@s y ellos se van organizando en Comandos Insolentes que viajan para vernos en directo, quedan antes de las actuaciones, se conocen… hay una interacción en la que también participamos como grupo y que genera algo muy bonito y difícil de explicar.

Hemos visto fotos y algunos vídeos que demuestran que en directo dais un buen espectáculo.

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A la hora de preparar los conciertos ¿subís y lo dais todo o cada concierto se prepara de forma independiente?

Un poco de las dos cosas. Cuando nos subimos a un escenario nos subimos a darlo todo, nos derretimos, llegamos al clímax en cada bolo. Pero también nos esmeramos en preparar cada concierto de forma individual, puede que haya que adaptar el repertorio, si se nos ocurren nuevas ideas las introducimos en el show… lo que está claro es que vamos a darlo todo, es una pura descarga de adrenalina. Siempre salimos a tocar como si fuese la última vez, no nos importa que tengamos delante cincuenta personas, quinientas o dos mil; nosotros salimos a muerte en todos los conciertos. ¿Podemos hablar ya de conciertos internacionales? ¿Habéis ya probado un público diferente al español?

Hemos tenido varias tentativas de viajar al extranjero. Las primeras que se presentaron fueron para ir a varias ciudades de Europa, y las más recientes para ir a Latinoamérica. Estas últimas son ofertas más formales y estamos preparando el terreno para hacerlo factible. El disco se ha publicado en varios países y estamos recibiendo muy buena respuesta, sin embargo, todavía no podemos decir nada sobre el hecho de viajar hasta allí, puesto que queremos tenerlo todo atado y bien atado para cruzar el charco, pero ganas hay muchas. También es cierto que el monstruo este que llamamos Internet, abre las puertas al mundo y hemos recibido mensajes de personas de lugares muy lejanos, cosa que nos hace mucha ilusión.

En estos momentos hemos leído en vuestro facebook que estáis metidos en la grabación de un nuevo videoclip. ¿Cuándo podremos verlo? ¿Podéis adelantarnos algo?

El videoclip es del tema “Y la sal” y ya se puede ver en la red. Es una llamada a la libertad individual y para reflejarlo nos hemos desinhibido por completo. Además incluye imágenes de directo grabadas en el concierto que dimos para fiestas del Pilar en Zaragoza, imágenes muy coloristas que contrastan con el resto de las imágenes rodadas en blanco y negro. Las risas están aseguradas, eso sí.

Y vuestro objetivo más cercano ahora, ¿cuál es? ¿Tenéis ya planes para el 2015?

A lo largo del 2015 vamos a seguir llevando esta trilogía por el estado haciendo alguna fecha en localidades a las que todavía no hemos podido llegar, y repitiendo en otras en las que nos reciben con mucho cariño. Todavía nos quedan algunos aspectos pendientes con respecto a esta trilogía antes de embarcarnos en nuestro próximo proyecto. Poco a poco.

Agradecemos vuestro paso por LaCarne Magazine, y las confidencias que nos habéis contado.

Esperamos que muchos grupos se fijen en vosotros porque sois un auténtico ejemplo de trabajo y constancia en la música española. Esperamos volver a hablar con vosotros muy pronto.

Muchas gracias por vuestro apoyo y vuestra atención, nos ha encantado mostraros nuestra carne. A todo el que no nos conozca que se pase por nuestra web www.insolenzia.es donde puede descargarse de forma gratuita nuestros discos y nuestras novelas. Somos de la misma sangre, la sangre de los perdedores que nunca quisieron perder. Nos vemos en la victoria final.

Salud y libertad.

http://www.insolenzia.es LaCarne Magazine

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SINESTESIA El arte de ver los sonidos

por Marta Lozano Molano

MEIGRAARGIEM

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asta ahora les he presentado muy diversas piezas multisensoriales como “Poème Électronique” de E. Varese, “Interactive Multimedia Playroom” de H. y R. Mountain, “Dream House” de L.M. Young y M. Zazeela o el “Poema de Fuego” de A. Scryabin. Para ello me he documentado empleando fuentes fiables y charlando en algunas ocasiones con los mismísimos creadores. En esta ocasión quisiera mostrarles una pieza más en profundidad de lo que lo he hecho en otros artículos. Opino que la fuente más fiable que puede existir es el propio autor de una obra. Por ello me he decidido a presentarles una de mis piezas multisensoriales y multidisciplinares: MeigraargieM.

MeigraargieM es el resultado de un proyecto de profunda colaboración entre representantes de dos instituciones distinguidas de Londres: London Contemporary Dance School y Guildhall School of Music and Drama. Esta pieza surgió de intensas horas de trabajo de un grupo de jóvenes de diversas nacionalidades llenos de ilusión por aumentar sus límites creativos. De esta pieza son responsables la coreógrafa Lara Hollander, los bailarines Peishan Chiew, Thomas Herron, Alkistis Lala y Andy Macleman, la flautista Evi Nakou y yo misma como compositora.

El título de esta creación no tiene un significado concreto, se trata de un palíndromo formado con las letras de la palabra “mirage” que significa espejismo en inglés. La idea fundamental de la pieza se basa en este fenómeno atmosférico que consiste en una ilusión óptica provocada por la refracción de la luz en un medio uniforme. Además subyace una idea secundaria basada en el origen etimológico de “mirage”, proveniente del latín “mirare” y que contempla como algunos de sus significados “mirar” o “sentirse maravillado”. Partiendo de estos dos elementos conceptuales se construyó esta pieza que muestra una evocación de imágenes distorsionadas, su transformación y la contemplación pasiva de éstas.

Toda nueva creación requiere un proceso de investigación y documentación previo.

En este caso se basó en proyectos multidisciplinares de colaboración similares al que nos ocupa. En el campo de la danza se basó en Sidi Larbi, Hofesh Shecter, Reich y Anne Teresa

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de Keersmaeker, Rosas Danst Rosas, entre otras. En cuanto al aspecto musical se consideró que las obras más enriquecedoras fueron Diffraction de Dillon, Honami de Offermans, (t) air (e) de Holliger o Dolce tormento de Saariaho. Además de estudiar trabajos de otros autores se experimentó con diversas interactuaciones entre los miembros del grupo, dando como resultado la constatación de que la gestión de la energía en el escenario varía en función del número de bailarines en escena, de su coreografía y de la música. El objetivo de MiegraargieM era una profunda colaboración entre los diversos miembros, así que se decidió que era un requisito indispensable equilibrar los niveles de energía entre música y danza, tomando este concepto como punto de partida para crear el material de la obra.

MeigraargieM se basa en el balance entre energía y quietud, sonido y silencio, movimiento y pausa… Pudiendo encontrarse en la pieza secciones en las que se danza en absoluto silencio, música sonada sin ser danzada, silencios que contienen algunos de los momentos mas tensos, confrontándose a momentos en los que la flauta piccolo tocando a solo registra el nivel más alto de energía de la pieza.

El aspecto musical de esta obra se centra en la experimentación tímbrica de la flauta piccolo y su asociación con las imágenes distorsionadas anteriormente mencionadas. Para ello se emplearon técnicas de modulación del timbre del instrumento como el vibrato, el flatterzunge, el bisbigliando, mezclas de sonido y aire, glissandi, etc. Además se recurrió a la intervención de la electrónica para transformar el sonido del instrumento, aportar expresividad al discurso musical y generar energía en el escenario.

MeigraargieM fue un proyecto realmente fructífero y realmente enriquecedor tanto a nivel creativo como personal. Fue estrenada en 2012 en el Robin Howard Dance Theatre (The Place), Londres.

Web: www.martalozanomolano.com - Youtube: http://youtu.be/9DPtlpWKDv4 LaCarne Magazine

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Los años ‘80

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n los años 80 hemos llegado a un punto en la historia del Jazz dónde todas las tendencias básicas están consolidadas. Los 70 provocaron el surgimiento del, hasta hoy, último estilo nuevo del Jazz desde sus inicios, a finales del siglo XIX.

Que va a pasar ahora? Una pausa? Una repetición continua de todo lo ya escuchado?... Pues claro que no! En las aproximadamente ocho décadas de la intensa historia del Jazz no puede haber dado tiempo a tocar “la última nota” con respecto a cada estilo. Y efectivamente: en primer lugar los 80 se caracterizan por la reinterpretación de estilos “antiguos” del Jazz por músicos jóvenes. Se habla de un Jazz neoclásico (comparad las características formales del neoclasicismo de la música de concierto). Hay una ola de grupos de Swing, de Bebop y Hard Bop (ahora: “Neo-Bop”, “Postbop” o “Bebop Moderno”). Pero sería fatal pensar que estos músicos no hacían más que copiar. Aunque se toque un estilo antiguo siempre se hace desde la perspectiva del ahora. Por lo tanto, es difícil conseguir una copia cien por cien. Siempre habrá un toque diferente que haga que un Bebop tocado en los 80 solo y únicamente pueda ser tocado en este preciso instante. Además, es la intención básica de los músicos de Jazz buscar siempre la innovación, por pequeña que sea. También hay que mencionar que los músicos cada vez estaban más preparados en todos los sentidos: musicalmente y técnicamente. Algunas de las grabaciones de Bebop Moderno realizadas en los 80 superaban en virtuosismo y finura la del original.

Por parte del Neo-Swing tenemos a Scott Hamilton (saxo tenor), Warren Vaché (trp.)

Cal Collins (guit.) por mencionar algunos músicos representativos. Billy Harper (saxo tenor) es uno de los nuevos ‘Beboppers’ de los 80 junto a viejas estrellas del estilo que llevaban un tiempo retirados de la escena y vuelven ahora a los escenarios: Dexter Gordon, Johnny Griffin, Art Farmer, Mal Waldron, Red Mitchell, Jay Jay Johnson, Bob Brookmeyer y Woody Shaw.

En la línea de músicos que manejan a la perfección la tradición del Jazz y consiguen desarrollar su labor artística sin salirse de este marco, no pueden faltar Wynton Marsalis y Terence Blanchard, y en parte el hermano del primero: Branford Marsalis. Es más: El virtuosísimo trompetista Wynton Marsalis se ha convertido en una especie de guardián de las tradiciones musicales del Jazz. Hasta el punto de entrar en discusiones públicas con otros músicos acerca de dónde termina la música que se debe llamar “Jazz” y dónde empieza algo distinto que, según su opinión, no debería etiquetarse como tal. “[Resumiendo, se puede decir] que un amplio grupo de músicos jóvenes se abstuvo de alinearse en los campos de la Fusión o el Free Jazz. Estos músicos optan por tocar los viejos modelos, no a modo de práctica o ejercicio, sino como fuente motivadora de nuevas ideas y una personalidad artística propia.”1

A parte de este enfoque arriba descrito, hay otros músicos que desarrollan su música de un modo más amplio, manteniendo a su manera viva la llama del Jazz Fusión y el Jazz libre.

Dentro del nuevo Bebop surge, por ejemplo, una nueva creación: El Free-Bop, que, como su nombre indica, mezcla elementos del Free-Jazz con el Bebop. Algunos músicos de esta corriente son Barry Altschul, Arthur Blythe, Oliver Lake, Dewey Redman y Julius Hemphill. El grupo World Saxophon Quartet también se asocia al Free-Bop aunque va mucho más allá, incorporando hasta elementos más antiguos del Jazz de

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Nueva Orleáns junto a formas y sonidos modernos.

Otra corriente nueva es el Free Funk, tendencia ochentera liderada por los músicos James “Blood” Ulmer y los grupos Decoding Society, Dizzazz y Defunkt.

También los músicos de Free Jazz de los 80 siguen explorando nuevos territorios, acercándose a la música de vanguardia de concierto. Entre ellos se encuentran: George Lewis (trombón), Art Ensemble Of Chicago, Steve Lacy (saxo), Ornette Coleman (Saxo), Pat Metheny (guit.), el grupo Oregon y Anthony Davis (piano y composición).

Cómo ya decía al principio de este artículo, el nivel de los músicos sube cada vez más.

Este hecho provoca en algunos casos resultados artísticos muy dispares. El mejor ejemplo sería aquí Pat Metheny, que hoy pocos esperaríamos encontrar en la sección de Free Jazz. Pero ciertamente plasmó su interés y manejo de este estilo en el álbum “Song X”, junto a Ornette Coleman.

Entre los músicos emergentes de los 80, aunque siendo activos en la escena desde mucho antes, se encuentran Ray Anderson (trombón) y Steve Coleman (saxo). Ambos crean un nuevo sonido acercando el Jazz a las formas más urbanas de la música Pop y HipHop. Sobre todo Steve Coleman, junto a su colectivo de músicos M-Base y su formación “Five Elements”, representan una de las corrientes innovadoras fuertes de los 80, que no cesan de subir el listón en cuanto a complejidad rítmica y melódica hasta la actualidad.

Sin duda, los años 80 representan una década igualmente fructífera e innovadora como las anteriores. Junto a numerosas innovaciones cruciales en el mundo de la tecnología digital, que tendrán un impacto enorme tanto en las actuaciones en directo como en los estudios de grabación, también hay que subrayar que aumenta significativamente el número de conciertos de Jazz programados con una variedad estilística jamás vista. Como dice Frank Tirro: “Los años 80 se caracterizan por la extraordinaria variedad, cantidad y disponibilidad del jazz.”2 En Estados Unidos y Europa surge un especial aprecio por el género. “[…] el Congreso estadounidense [hasta declara] al jazz tesoro cultural nacional”3. En paralelo aumenta la oferta de cursos de Jazz en las universidades.

Avanzando hacia nuestros días, la historia del Jazz se convierte cada vez más en una larga lista de músicos individuales con sus respectivas discografías llenas de contrastes estilísticos. Para el no iniciado, por lo tanto, significa no dejarse influenciar por una primera impresión de un disco en concreto de un determinado músico, sino tomarse la molestia de comparar diferentes momentos de su trayectoria antes de juzgar.4 1 Frank Tirro, Historia del Jazz Moderno 2007, p.167 2 [1] p. 154 3 [1] p.153 4 Este artículo se basa en los capítulos correspondientes sobre los años `80 de los libros de J.E. Berendt, El Jazz – De Nueva Orleáns al Jazz Rock 1994 ; Frank Tirro, Historia del Jazz Moderno 2007, Jazz: The Smithsonian Anthology y artículos de Wikipedia sobre los albumes y artistas mencionados LaCarne Magazine

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ENTER SHIKARI Sala Bikini, Barcelona - 4 diciembre 2014 por Jorge Ares

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nter Shikari es uno de esos grupos que con más ganas quería disfrutar en los últimos años. Su forma de tratar la electrónica tan integrada dentro del post hardcore o metalcore que realizan los ingleses siempre me ha llamado la atención. Empezaron con la caída del numetal y ahora son el máximo estandarte a la hora de fusionar estilos tan dispares.

Pese a que la sala Bikini no reunía unas condiciones de lo más óptimas para disfrutar del concierto y, pese a que ya tengo una edad comparada con la edad media de los asistentes al directo, finalmente pude cumplir unos de mis sueños y vibrar como los demás bailando moshpit a ratos y más tranquilamente en otros momentos.

Fue apenas hora y media de concierto, pensaba que duraría más (supongo que mis ganas me hizo insaciable) pero cumplieron con mis expectativas y las de mis acompañantes.

Se centraron más en Rat Race, algún tema nuevo, algún remix y sobre todo A Flash Flood Of Colour, dejando Common Dread para otra ocasión. Radiate, Sssnakepit, Quelle surprise, Mothership, Gandhi Mate Ghandi fueron algunos de los temas que más nos hicieron bailar.

Se permitieron lanzarse al público, subir a las barras accesorias de la discoteca tanto cantante como guitarra y bajista. Hicieron un karaoke con el público permitiendo a fans de primera fila subir al escenario y cantar en solitario algunas de las canciones. Se mostraron bastante cómodos y simpáticos con los asistentes.

Por poner una pega, y en comparación con otros conciertos que había visto via youtube, fue la falta de maquinaria electrónica con que el cantante nos suele dedicar desvaríos, atmosferas y sonidos.

Lo mejor de todo fue que tras el concierto coincidimos con ellos en un bar y pudimos intercambiar opiniones y sensaciones, además de fotos y cervezas. Un placer!!

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Entrevista a Javier Estévez - Fotos Fernando Sendra Un Doctor Ingeniero agrónomo y profesor en la Universidad de Córdoba es el artífice de Subtónica ¿Cuándo sentiste la vocación musical? ¿En qué momento te encontrabas cuando creaste Subtónica?

La vocación musical me viene desde hace muchos años, de adolescente o pre-adolescente.

Me cautivó Michael Jackson y Depeche Mode en la segunda mitad de los 80, y en los 90 ya vinieron Guns and Roses y Faith No More, fue ahí cuando fundamos Estirpe, en el 94. Desde entonces he sido el batería, backman y letrista del grupo hasta 2012. Subtónica es de reciente creación, surge de un proceso natural, de mi inquietud por abrir nuevos caminos musicales. Empecé a recibir clases de guitarra con Curro Martín, que ha sido la persona encargada de grabar las guitarras de Subtónica. Yo siempre tengo canciones escritas o fragmentos de “poemas” o ideas plasmadas en texto, y poco a poco fui dándole forma y empecé con la guitarra acústica a componer canciones, desde 2012. Subtónica es un proyecto abierto, donde la libertad creativa y estilística es total, y la línea lírica es el motor impulsor de la composición de canciones.

Además de vuestro papel como músicos, sois los creadores de la Asociación Española de Investigación Artística y Performativa. ¿Qué os llevo a crear esta asociación? ¿Qué labores o actividades realizáis en la asociación?

Queríamos dar cobertura a una serie de planteamientos y actividades que estábamos llevando a cabo. Actividades docentes como el curso de “Aplicaciones didácticas del Rock” en la Universidad de Córdoba, o el libro “Rock y Educación. Binomio para el desarrollo transversal de

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competencias, valores y cultura emprendedora”. También ha servido para lanzar el primer disco de Subtónica, La Guerra que respiro. Aquí estamos docentes, músicos, investigadores, profesores de universidad, etc. Tenemos muchos proyectos de innovación docente e investigación que iremos desarrollando bajo esta asociación. Recientemente hemos presentado un trabajo a un Congreso Iberoamericano de Innovación Docente en la Universidad Pablo de Olavide de Sevilla sobre “Rock y Educación”.

Hablemos del Ep, La Guerra que respiro. ¿Es la primera vez que os metéis en un estudio? ¿Qué se esconde tras este título?

No, no, ni mucho menos. Llevamos un par de décadas en la música, y Curro Martín (guitarrista) y Javier López (bajista) tampoco, llevamos bastantes años tocando y cada uno ya tiene acumulada experiencia en estudios de grabación. La Guerra Que Respiro es un disco que refleja la etapa actual en la que estoy. Por un lado es la lucha pacífica que inhalamos cada día y que nos llena de nuevos retos, y por otro también hace referencia a esa indignación que hemos visto en las calles recientemente, como dicen los M-Clan “las calles están ardiendo”. Lo he escrito casi íntegramente en el extranjero: México, República Checa, Italia, Austria… y he podido disfrutar de contemplar desde fuera determinadas cuestiones socio-políticas en nuestro país. También refleja mi etapa vital en la actualidad, Subtónica es lo que soy, no es lo que quiero ser.

Hemos visto que tenéis un pack limitado con un contenido muy especial ¿Cuánto tiempo habéis dedicado a preparar todo lo que conlleva este disco?

Aproximadamente un par de años. Compuse 14 canciones, las maqueté en casa, y luego fuimos preparando la pre-producción y ya los ensayos con Javier López y Curro Martín. El diseño y fotografía ha sido realizado por Fernando Sendra y Esther S. Mañoso de “La Caja Mañosa”, la que ha realizado el packaging de la edición limitada. Queríamos aportar un plus en la edición física y darle relevancia a la visión de un artista como Fernando Sendra para plasmar en un Artwork que se identifique con cada canción del disco. El marco portafotos y la posibilidad de tener ese trabajo fotográfico, a la vez que el CD clásico, es algo que ha gustado mucho a la gente. Las 110 copias se han agotado, no hay más. ¿Habéis contado con alguna productora o ayuda del tipo crowdfunding?

No, ninguna. Creo que es un método fantástico, la realidad de los grupos underground ahora mismo. Hablamos de él en el libro “Rock y Educación…”, pero Subtónica, al ser un proyecto tan nuevo, personalmente no lo vi factible.

Quizá, ojalá en el futuro. El sello discográfico que está detrás es el de nuestra asociación: AEIAP music.

Para la producción de La Guerra que respiro habéis contado con Pachi García Alis. ¿Os conocíais previamente? ¿Barajasteis otros productores?

Sí, yo lo conocía de haber trabajado con él hace muchos años en Viña Rock o Festimad, y luego he seguido su trayectoria artística como ALIS. No, no barajé otro. Sabía que era LaCarne Magazine

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la persona idónea para un proyecto así. Iba a comprender mis limitaciones, mis deseos e iba a entender perfectamente mis canciones. El estilo y la dirección musical en cuanto a producción sabía que estaba en buenas manos, Pachi es muy abierto y sobre todo un grandísimo artista, compositor, autor, productor. Le escribí desde el aeropuerto de Praga y le dije que le iba a mandar las demos, a ver qué le parecía, que tenía claro que él era la persona. Dicho y hecho, los recibió, nos llamamos y empezamos a trabajar. Un lujo, él es un grande.

Y ahora que tenéis el disco calentito en las manos ¿cuál es vuestro siguiente objetivo?

El objetivo primordial es darlo a conocer, estamos ahora difundiendo “llegará”, el videoclip del primer single https://www.youtube.com/watch?v=BVB0lzfZav4 Ya hemos hecho la presentación en directo en Córdoba, y la acogida ha sido fantástica, una sala llena para un proyecto que acaba de nacer, increíble. Seguiremos trabajando para que la gente lo conozca y lo disfrute.

Intentaremos hacer algún directo más, aunque somos conscientes de las limitaciones para un proyecto nuevo. Mientras, yo sigo componiendo y realizando presentaciones del libro “Rock y Educación”. En 2015 habrá nuevo single.

Esperamos escuchar muy pronto un larga duración de Subtónica, mientras disfrutaremos de La Guerra que respiro. Gracias por dedicarnos un rato para conoceros mejor!

Agradeceros enormemente vuestro tiempo, un placer enorme y saludar a todos los amigos que siguen LA CARNE MAGAZINE. Os dejamos la web oficial de Subtónica donde recogemos la última hora y tenemos los enlaces de Social Media: www.subtonica.com

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VARIOS ARTISTAS por Manu Herrera DISCO: Celebrating Jon Lord (2014) TEMAS: 15 WEB: http://jonlord.org

“Celebrating Jon Lord” es un tributo sincero a la música del desaparecido teclista por parte tanto de sus compañeros de banda como de otros músicos reconocidos que en algún momento de sus carreras tuvieron la oportunidad de trabajar con él, pero sobre todo es un homenaje a su trabajo. Y es que Jon Lord fue un músico excepcional que además de contribuir al éxito de Deep Purple tuvo una entidad y un peso considerable como compositor, haciendo frecuentes incursiones dentro del mundo orquestal, y siendo de los pioneros en fusionar orquesta y grupo de rock.

El disco consta de dos partes, ambas en directo. La primera de ellas está interpretada por un elenco de músicos de la talla de Bernie Marsden, Glen Huges, Rick Wackeman o Bruce Dickinson entre otros, y la segunda por sus compañeros del mítico grupo británico.

Magistrales las interpretaciones de “Burn” y “ When a blind man Cries” (uff, hacía tiempo que un solo de guitarra no me ponía la piel de gallina; Steve Morse se sale aquí), por destacar algunas entre la colección de composiciones emblemáticas de las que consta el trabajo.

VAN SOBRAOS EN: Cariño y respeto por parte de sus compañeros.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Absolutamente nada.

LA SENTENCIA: Música digna de celebrarse al más alto nivel, como es el caso.

CHRISTOPHER CROSS (USA) por Manu Herrera DISCO: Secret Ladder (2014) TEMAS: 13 WEB: http://www.christophercross.com

“Secret Ladder” es el nuevo trabajo del mítico cantante tejano Christopher Cross, quien hizo su entrada en la escena musical del momento por la puerta grande tras la consecución de cinco grammys por su primer trabajo, y a quién en 1981 se le hizo entrega de un Oscar por “Best that you can do“, canción que compuso para la película “Arthur”.

Su ya dilatada carrera está plagada de éxitos pero si nos centramos en el nuevo trabajo descubrimos el porqué de aquellos. Melodías pegadizas e interpretadas por la voz melódica y agradable de Cross, y exquisitamente instrumentadas e interpretadas.

En definitiva, música que personalmente considero atemporal y sincera, que no encuentra dificultades para ser escuchada con agrado. Me han gustado mucho “Reverend Blowhard”, tema

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que abre el disco con una intro de guitarra acústica y voz muy “americana” pero que enseguida te hace mover el pie siguiendo el ritmo de su aire setentero, y “Experiment”, cuyas voces y orquestaciones me parecen una maravilla. Creo que es un trabajo que no tiene desperdicio y merece la pena de principio a fin.

VAN SOBRAOS EN: Buenas canciones.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Nada.

LA SENTENCIA: Un disco para disfrutar de principio a fin.

BADEN BAH (Salamanca) por Enrique Falcó DISCO: Futuro/a (2014) TEMAS: 07 WEB: http://badenbah.es

Baden Bah sin duda es un grupo que no pasa desapercibido. Los salmantinos no son ya unos jovencitos, y ostentan varias muescas musicales en forma de disco. Aún recuerdo la que se montó hace unos años con el famoso tema: “Yo soy indie” y sus controvertidos versos “Me gusta Vetusta, me gusta Russian Red y por eso yo siempre canto en inglés”.

Innegables influencias del Rock urbano de los 80, aunque algunos podrían considerarlos irónicamente un grupo indie. Baden Bah me parecen sencillamente un grupo de Rock, de Rock poético me atrevería a añadir, de esa nueva poesía que expresa sentimientos y sensaciones sin jodiuras que no hablan precisamente de niñas de trenzas rubias a las que cojes de la mano, ustedes ya me entienden.

Títulos impactantes de una sola palabra para la cabecera y las canciones de Futuro (2014), en las que además de la intro del mismo nombre (con gran ritmo de batería en la apertura, algo que siempre me encanta) destacaría “Iguazú”, curiosamente en contraposición del sonido más lúgubre que puede escucharse en “Alma”, con bella y profunda letra.

Les confieso que el estilo con el que se quiera encasillar a este grupo es irrelevante. Elijan el suyo y disfrútenlos sin más.

VAN SOBRAOS EN: Experiencia sin duda. Musicalmente nada que objetar. Las letras poéticas y atípicas seguirán siendo el emblema del grupo.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Baden Bah evoluciona en cada disco, pero les pediría más para su siguiente trabajo. Que no se cierren a nuevas influencias ¿Por qué no un aire más eléctrico incluso con programaciones para el siguiente trabajo?

LA SENTENCIA: Me agrada la filosofía de grupos como estos salmantinos, que son capaces de viajar en el tiempo sin detenerse demasiado en sus inclemencias. Extremadura aguarda vuestro directo... y LaCarne Magazine vuestra portada.

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CALIBRE ZERO (Madrid) por Porras DISCO: Con las botas puestas (2014) TEMAS: 11 WEB: http://www.calibrezerorock.com

Esta combativa banda madrileña, formada en 2006 por Ricardo y Miguel Lázaro, Pedro Peláez y Antonio Cuenca, “se pone las botas” para descargar once temas contundentes y reivindicativos, que se mueven entre el rock duro, y el punk, y que invitan a pelear. La propia portada del disco nos demuestra que esta gente viene con mucha fuerza para luchar contra el sistema.

En este, su cuarto disco, desgranan todo un arsenal de riffs, de guitarras afiladas y pesadas, acompañadas por una base rítmica contundente donde las haya, unas letras más que reivindicativas, mucha rabia y el personal estilo vocal de Ricardo Lázaro.

Encontramos influencias muy claras a bandas como Motorhead “Con las botas puestas”, “Nuevo orden mundial” o Black Sabbath “Tu sola presencia”, pero también dejan patente influencias varias del rock más clásico, del blues y del heavy metal ochentero “Aún arde su fuego”.

Este disco ve la luz a través del sello Maldito Records y está grabado por Ángel Muños en Traste Cero Estudio de Madrid, mezclado en Puerto Rico por José Ibáñez en Monopolio Estudios, y masterizado en los Tower Studios de Montpellier, Francia, haciendo de Calibre Zero una banda muy internacional, y esto se constata en su última gira Americana, donde descargaron en EE.UU, México, Colombia, Ecuador, Argentina y muchos otros.

VAN SOBRAOS EN: Un sonido directo, crudo, contundente, con unas letras muy comprometidas y un mensaje claro: luchar. Esto es Calibre Zero 100% LO QUE YO CAMBIARÍA: El peculiar estilo de esta banda puede resultar algo monótono.

LA SENTENCIA: “Con las botas puestas” es un disco contundente de rock potente y combativo, con unas letras muy comprometidas con la realidad social, que te contagiará de principio a fin a base de unos riffs contundentes y unas letras que se convierten en himnos.

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SHAMAN’S HARVEST (USA) por Oscar Trigoso DISCO: Smokin’ Hearts & Broken Guns (2014) TEMAS: 12 WEB: http://www.shamansharvest.com

Me encanta empezar a escuchar un grupo del que no sé absolutamente nada y llevarme tan buena impresión desde el principio hasta el final. Lo primero que te hace asentir con la cabeza son los impresionantes riffs de guitarra (sonido Gibson les paul) seguido por una curtida y potente voz rockera. La banda nace ya hace algunos años, no son precisamente novatos, comenzaron en el año 96 y llevan cinco discos. Lo que más repercusión les ha dado ha sido componer varios temas para la WWE, y en concreto para la banda sonora de la película de uno de sus luchadores campeones, “John Cena”, entrando en listas de ventas.

Los temas suenan muy compactos, cada uno con su espacio y trabajando para que cada canción suene como tiene que hacerlo, con potencia y melodía pero sin cansar. Conservan todo el sabor del gran Hard rock Americano, con reminiscencias a los clásicos, se intuyen las influencias del blues, pero a la vez suena moderno en cuanto a arreglos. Pero todo esto no serviría de nada sin tener unos buenos temas y en esto es lo que más me gusta de este disco, no hay una sola canción aburrida o de relleno, algo que cuesta encontrar hoy en día, por lo que recomiendo totalmente este trabajo a aquel que quiera descubrir una nueva banda con sabor americano y con una gran producción. Como detalle curioso, se atreven con un tema del gran Michael Jackson, uno de los más rockeros que tenía este genial artista, el Dirty Diana.

Cabe destacar los Co**nes de su cantante que fue diagnosticado con cáncer de garganta antes de entrar a grabar y dijo que quería seguir adelante con la grabación, y no se ve ninguna merma en su trabajo vocal, de hecho es de lo más destacable del disco.

VAN SOBRAOS EN: Buenas Canciones.

LO QUE YO CAMBIARÍA: No hay nada que cambiar.

LA SENTENCIA: A mi lista de grandes discos.

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