LaCarne Magazine N34 by LaCarne Magazine

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Nº34 - Feb 2015 - AÑO 4

LA ECUACION DEL EXITO

ENTREVISTAS EXPERIENCIAS EL CARNAVAL PACENSE - EL MIEDO ESCENICO - THE TRUNKS

INVESTIGACION THE WEST IS THE BEST - INVESTIGACION EN EL FOLKLORE EXTREMEÑO - EL NACIMIENTO DE RARAS MUSICAS

LABS TRAPP - THE SKARTES - CALIDO LEHAMO ROSARIO GUERRA - CAPITAN YOTE SUPERSUBMARINA - BAMBIKINA - federico Ocean Cocktail & Lounge

RESEÑAS BOSS AND OVER - AMBROS CHAPEL - OFUNKILLO - GONG - EL VIAJE DE ROSE - KAMCHATKA FLYLEAF - LUNATIC SOUL - bloodbath

SUMARIO

Nº 34 aÑo 4 (feb 2014)

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos (entrevistas, tutoriales, investigación, reseñas, opinión...)

04 a examen

Labs Trapp Vs The Skartes

40 ANTES DEL CONCIERTO The Trunks

06 Con flow

42 PARQUESONORO

08 Cronicas del paseo maritimo Cap. 21: The West is the best

46 MUNDO DJ Federico, Chart Dj, Ocean Cocktail & Lounge

Cálido Lehamo

14 CARNICERIA SANZOT El carnaval pacense y sus bicocas musicales 18 MUSICA VIVA La investigación en el folklore extremeño 22 ARDE BOLIVIA! Capitán Yote 26 mozart no pensaria esto

Bambikina

52 EL GRAMOFONO Boss and over, Ambros Chapel, Ofunkillo, Gong, El viaje de Rose, Kamchatka, Flyleaf, Bloodbath

28 artista del mes IZAL, La ecuación del éxito

Cap. 19: El nacimiento de Raras Músicas

34 THE BLUE SUBMARINE El vinilo del mes: Lunatic soul 36 NOTAS DE PASO El miedo escénico 38 la ventana nacional Supersubmarina

Equipo lacarne magazine Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y redacción Pedro Gallardo

Foto Portada: Francisco Salguero * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

Colaboradores

Sebastián Díaz, Porras, Alonso Torres, J. G. Entonado, Alex Janßen, Oscar Trigoso, Marta Lozano, Manu Herrera, Carlos Rubio, Paquita García, Ferry Ms, J Palomo, La Culpa, Enrique Falcó, Lorenzo Sanz, Crónico

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A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Nombre y sitio en el grupo

Javi. Cantante, guitarra y botella de anís.

Grupo

Labs Trapp

Años desde el primer concierto?

4 años.

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Depende de la cantidad de cerveza proporcionada por la sala

Prefieres estar solo o acompañado?

Acompañado siempre.

Tienes ritual de subida al escenario?

Chupito de bourbon y un buen grito hooligan con la banda.

Te has tirado al público alguna vez?

Ojalá. Pobre público

Después del concierto fiesta o cama?

¿Alguien responde que cama a esto, en serio?

Qué no debe faltar en tu camerino?

Una estatua de Buda Gautama. Y cerveza, si eso.

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Sexy Zebras, sin duda alguna.

Un disco

Born to Run, del Boss.

Una canción

Life on Mars? de Bowie.

Qué es lo mejor de dar un concierto?

Que parece que nunca va a acabar.

Y lo peor de dar un concierto?

Que acaba.

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A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Eder, batería

Nombre y sitio en el grupo

The Skartes

Grupo

Años desde el primer concierto?

Nervios… Si hay algún error con la batería, hasta el que no entiende mucho de música capta el fallo…

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Hay momentos para cada ocasión

Prefieres estar solo o acompañado?

Ir al baño!

Tienes ritual de subida al escenario?

No, y eso que en nuestros directos el público puede ganar un viaje del escenario a los brazos de la gente, cuando no se tira nuestro guitarra

Te has tirado al público alguna vez?

Suelo marcarme una de cama.

Después del concierto fiesta o cama?

Cualquier bebida que no lleve alcohol y algo de reggae para equilibrar esos nervios!

Qué no debe faltar en tu camerino?

Ras Kuko & Mad sensi Band

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

KAYA

Un disco

Three Little Birds

Una canción

Hacer bailar a todo tipo de gente

Qué es lo mejor de dar un concierto?

El sudor impregnado hasta llegar a casa, y si quedan fuerzas, darse una ducha.

Y lo peor de dar un concierto?

LaCarne Magazine

por Ferry MS

Cálido Lehamo

Poco a poco el hip hop underground en España está dejando en evidencia a grupos de grandes discográficas y grandes presupuestos en producción musical. Un ejemplo de ello es Cálido Lehamo, miembro de Me Cago en tu Padre junto a Niño Maldito, que en 2013 nos presentaron “La Espiral”, un trabajo que da una gran lección sobre buenas producciones y las mejores rimas desde las Islas Canarias. Ahora, y en solitario, Cálido Lehamo nos presenta “Catorce”, donde sigue demostrando donde está el nivel del underground en el país. Para los lectores de La Carne que no te conozcan, cuéntanos ¿Quién es Cálido Lehamo? ¿Cuál es tu visión de rap? Pues el Cálido Lehamo básicamente es el tío que grita dentro de mí. A veces con pensamientos muy certeros, otras contando alguna historia o simplemente siendo desagradable. Para mí el rap es la posibilidad que tengo de matar mis demonios y seguir hacia delante, llevo mucho tiempo escribiendo en forma de rap y, aunque me flipan todos los clásicos noventeros, me suelo salir un poco de “lo que se suele hacer”. El rap es libre, si tienes criterio y te gusta escuchar rap puedes intentar crear cosas que se salgan un poco, me mola que vayan apareciendo nuevos estilos como el trap y que la gente lo adapte a su rollo. Con nuevo trabajo en la calle ¿Qué podemos escuchar en “Catorce”? ¿Cómo definirías el disco? El disco, para quien no me conozca, es una buena aventura. Creo que no es fácil meterse y que-

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darse. Estoy bastante dentro de mí, en la manera en la que digo las cosas. Hay algunos temas en los que me expreso más claro, como en “De la madera”, pero por lo general salto bastante de un lugar a otro. Hay un poco de realidad, un poco de ficción y mucho de lo que hay entremedias. Todo esto sobre lo que para mí son unos basotes de varios personajes. Sin lugar a dudas un disco trabajado, en él vemos colaboraciones de Dano, Dj Swet y Edah Selectah ¿Cómo elabora un disco Cálido Lehamo? El disco realmente se ha ido creando solo, yo hago temas por épocas, algunos pegan entre sí y otros no tanto. Algunos temas se quedan en nada y nunca saldrán a la luz, otros sufren mutaciones varias veces hasta que ya se quedan conformados. El tema con Dano por ejemplo, lo hicimos después de tener la base parada unos meses, la habíamos hecho una noche entre los dos, y al tiempo la escuchamos y decidimos hacer el tema, curramos mucho juntos y no habíamos hecho un “dueto” aún. La colaboración con Dj Swet en realidad es un remix que el señor se saco en una tarde de inspiración porque le comenté si le apetecía, ya que me flipa la forma de producir con los platos que tiene. Edac Selectah es mi hermano desde hace muchos años y siempre está metiendo la zarpa en casi todo lo que hago. También aparece Zevex, un hermanito canario afincado en Madrid que la va a armar gorda en los próximos meses, 2L Boombap compartiendo un beat con Z, y Soul AM beats, con el cual trabajé a distancia ya que vive en Colombia. Podía haber salido mucha más gente u otra distinta, las cosas se dieron así. Mención especial a Rubén Alonso a.k.a. Rubens Ziontifik creador de las fotos y el diseño del disco, que entendió el concepto del disco y remató visualmente el trabajo engordando su significado. “Catorce” está en descarga gratuita para el público ¿A qué se debe?¿Cómo ves el mercado en el hip hop nacional? Me gusta que la gente pueda escuchar de gratis los trabajos recién salidos, dentro de no mucho sacaremos una versión extendida del disco con las bases y algunos obsequios audiovisuales. El mercado es el mercado y siempre es bastante turbio todo, por lo menos ahora podemos inventar cosas para atraer gente, con las redes sociales puedes hacer buenas promos sin gastarte un céntimo, otra cosa es competir con los que si ponen mucho euro, no llegamos pero se puede intentar algo. Tras este disco ¿Tienes proyectos en mente? ¿Trabajas en algo con Me cago en tu Padre? Tengo varios proyectos en camino, con Me Cago en tu Padre estamos empezando a trabajar en un nuevo trabajo, todavía está maquinándose en nuestras cabezas, pero en 2015 habrá algo de MCP. Desde La Carne Magazine esperamos que tu nuevo trabajo sea todo un éxito y que sigamos teniendo noticias tuyas Muchas gracias a ustedes por dar voz a los que no se les escucha tanto.

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[Cap.21]

The West is the best The west is the best. Get here, and we’ll do the rest. Ven y nosotros haremos el resto. Estas palabras aparecen en The End, la canción de The Doors que todos a quienes fascinó Apocalypse Now tenemos desde entonces en nuestra memoria emocional. Y de fascinación versan estas líneas. La que despiertan algunos de nuestros nombres del Oeste en artistas de otras latitudes y de nuestro propio universo musical, ya sea en forma de vestidos nuevos o remezclas, o ya se trate de sentida pleitesía. Una prueba de devoción.

[1] Alien nos retrotrae a los tiempos heroicos del rock en Extremadura. Vinieron al mundo en Cáceres, en 1982, y lo suyo era el metal. En 2014 publican un disco homónimo en el que, después de tantos años, registran su música primigenia, y en el que rinden pleitesía a tres nombres extremeños fundamentales para entender el Poder del Oeste. De Cráneo, amigos y colegas de “escocia”, revisan La noche del Akelarre. De Valium 10 y Hecatombe, luego casi Bucéfalo, rescatan sendos temas, reconociendo la influencia que estas dos bandas han ejercido en la historia del rock en Extremadura. [2] En 2009, y por iniciativa del gran Miguel Ángel Gragera, músicos extremeños del espectro indie como Hipo, Kempes, Panorama, Cajón de Sastre, Lúa Gramer o Burgim, y algunos llegados de otras cuerdas como Markos Bayón (ElAutognomo), Julien Elsie o los hermanos

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Cira y Ulises Fernández (Cira y yo), sorprenden en plena emisión radiofónica a los integrantes de Ama con este Han crecido rosas, un sentido homenaje de la música extremeña a uno de los proyectos más deslumbrantes que ha dado nuestro territorio. Han pasado algunos años y la versión que J. A. Moreno y el propio M. Á. Gragera hacen de Labios y cuchillos (escondidos bajo Superboy) nos sigue estremeciendo. [3] Después de pasar por el grupo Maya, el polifacético artista español afincado en Madrid, Magín Diamante crea su proyecto en solitario Les Hommes Universels, y en 2014 nos sorprende a todos revisitando uno de los inolvidables himnos creados al calor de las barandillas de La Madrila. No sabemos cómo llegó él a conocer este Mucho habías bebido tú hoy, el tema que abría los Sonetos amorosos portugueses de Coup de Soup(e), un disco que vio la luz en 1986, y que supone sin duda una fecha tallada en oro en la música extremeña, y que debería estudiarse en las escuelas de negocios y en las aulas de música. En todo caso queda claro que le atrajo nuestra chulería del oeste.

[4] Junto al extremeño Carlos Calderón, David Kano está en el origen de Cycle, supergrupo cuyos inicios se asocian a Rec Division, el estudio que ambos montan en Madrid, y por el que pasan algunos grupos extremeños como The Buzzos o Rec. De ahí que David Kano no sea sólo Cycle. Su labor como deejay, como productor o, simplemente, como agitador musical, supera a veces su reconocimiento como músico. Grandes de entre los grandes de nuestra geografía musical como Sôber, The Wish o Scud Hero han visto pasar las manos de David Kano por su trabajo. Y el resultado es, como era de esperar, espectacular. [5] El poder de atracción que provoca el Robe Iniesta y Extremoduro en todos los ámbitos de la música popular, ha alcanzado a las claves callejeras del rap. El grupo español Duo Kie adapta, junto al vocalista de Marea, So payaso, uno de los innúmeros himnos del placentino y lo lleva a su territorio del hip hop. El resultado es, cuanto menos, sorprendente, desafiante, lo califican algunos. [6] En 2011 el desaparecido programa La Isla de Viernes (Canal Extremadura TV) propone su particular homenaje a Extremoduro, y para ello convoca a músicos extremeños con la idea de que ensanchen el alma. Nos quedará en la memoria este proyecto. LaCarne Magazine

[7] En 2010 Fato/Feto, ese fantástico proyecto musical nacido en Évora que nos tiene asombrados, saca a la luz A aparência do crime e o crime da aparência, un ep que contiene seis temas y que se inicia con De anter. Detrás de una producción técnica que denota autoedición y falta de medios, se esconde, una vez más, una sorprendente colección de canciones enérgicas, guitarreras y dotadas de una sensibilidad exquisita a la que ya nos tiene acostumbrado el grupo eborense. El compositor Carlos Pinto supo ver E Hunter de Fato/Feto y en 2012 lo dotó de un toque sinfónico. De anter y se convirtió en E Hunter. [8] Después del pelotazo del Guapapasea!, la presencia de Gecko Turner se hizo familiar en listas de éxitos de medio mundo, desde Estados Unidos hasta los lejanos orientes. De California, México, Milán, Copenhagen o Londres son algunos de los productores que aparecen en Manipulado, el gran disco de remezclas del artista extremeño. Nombres como Phillip Owusu, Afrodisiac Soundsystem, Blackbeard o The Dining Rooms realizan un fantástico trabajo dando una nueva vida y aportando una visión diversa de los grandes temas de Fernando Gabriel Echave Fernández aka Gecko Turner. Puro Poder. Puro Oeste. Un lujo. [9] El pacense Emiliano Fernández es el alma de Hipo. Y además es el tercer Cajón de Sastre. Y además propone su visión particular del tema que da nombre al grupo montijano. Delicadeza pura.

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[10] China es otra cultura (2009) es la puesta de largo de Linda Mirada, el proyecto internacional de la cacereña Ana Naranjo. La versatilidad pop que respira este disco hace de él carne de remix. En Fabuloso San José (2011), mujeres como Ramona González (Nite Jewel) desde Los Ángeles, o la propia hermana de nuestra Linda Mirada, María Naranjo, la mitad de Sabore Bicoro, revisan con bastante buen gusto algunos de los temas que componían el primer trabajo de la extremeña. [11] Del segundo de sus discos, Con mi tiempo y el progreso (2102), y de igual manera que ya había hecho con su primer lanzamiento, nace una nueva criatura de remezclas, un epílogo, Lío en Río (2013), en el que el trabajo de Linda Mirada es revisado por nombres como el del valenciano Daniel Kyo, los moscovitas Simple Symmetry o de nuevo Sabore Bicoro, amor de hermana. [12] Por aquello de no quitarle los revesinos, habremos de decir que Las gafas de aluminio que cogió Pepe Roca, que firma como Positif, le aporta un toque electro a nuestros Ganglios. En el fondo no hubiera sido necesario. Los Ganglios nos apasionan tal como son. Al desnudo casiotone. No necesitan este tipo de remixes que poco o nada aportan, pero bueno, lo importante es observar la atracción que los hermanos montijanos y su novia sueca ejercen entre productores de fuera. Más divertidamente naif resultan la visión que el andaluz Bigote tiene de La cumbia de Félix y Jacques, o el aire robótico que los suecos de Riddarna le dan a Helvete.

[13] A tapar la calle vio la luz en 1978. A tapar la calle que no pase nadie que vista de negro que lleve pistola que hable de la guerra y beba Coca-Cola a tapar la calle. Ya hace muchos años que dejó de ser una canción para convertirse en un modo de vida, en una forma de ser poesía. En una declaración unilateral de independencia. Recién comenzado 2015 Julio César Fuentes, Niño Índigo, la quiso revisitar dejando traslucir su esencia eterna. Pablo Guerrero forma ya parte de nuestras deudas. [14] [15] Norton ya no pertenecen a Castelo Branco. En 2005, un año después de publicar su primer trabajo Pictures From Our Thoughts, los albicastrenses proponen a colegas y gente cercana (entre los que se encuentran sus paisanos de Jaguar) un epílogo a modo de remixes de los temas de ese primer trabajo. El resultado se puede escuchar en Frames. Un delicioso LaCarne Magazine

ramillete de temas de cálida electrónica y pop elegantísimo. En 2008 Norton ha reventado las fronteras. Su música ha llegado a Europa y se ha asentado en Japón. La edición original de Kersche se publica en 2007, y de nuevo nos invitan a una relectura. En este caso los invitados proceden de medio mundo, de Islandia, Alemania, Suiza, Holanda, Portugal, Suecia, Malaysia o de Estados Unidos. El resultado es un regalo para los sentidos. Kersche Remixed es un balcón que mira a la Cova da Beira, pero que atraviesa el horizonte y se adentra en los bosques donde crecen hermosísimos relatos para ser cantados en noches de superlunas. La fascinación del Oeste. [16] En 2008 el compositor extremeño Rades recibió el encargo de construir una suite sobre los cuatro elementos. Su destino eran las piedras romanas. Dos años después, desde Alemania, llega a través de la red Feelings of the universe, un trabajo firmado por Nouria en el que se pueden observar rastros claros del agua y el fuego que algún tiempo antes habían atronado esas piedras milenarias. [17] En el Segundo disco oficial del genio de Campanario, Landin´ of the weird (2007), se encuentra el tema You Gotta Give Me Love, una de las estrellas sonoras del firmamento Scud Hero. Un año después se presenta al público un ejercicio en formato de remix al que ha sido invitado el club más selecto y vanguardista de la escena electrónica del momento. David Kano (Cycle), Iván Smoka, Luis Rozalén (HD Substance), el francés afincado en España Big Toxic o el también extremeño Carlos Calderón (Motorcity) reciben tan sólo un encargo. Tienes que darme amor. Y muestra del respeto y ascendencia que Scud Hero tiene entre sus compañeros, es este tributo en el que confluyen dance, funky, dark, tecno-punk o puro IDM. Imprescindible. [18] Los hermanos Ares, tan asiduos del universo cantarranero, cierran esta serie que versa sobre la fascinación, de cómo nuestros músicos provocan enganche in & out de nuestras lindes. En este caso visto desde dentro, desde nuestros territorios sonoros. Supersexy Sound System, de forma regular, nos viene deleitando con sus revisiones personalizadas de trabajos de artistas extremeños. Un rito que esperamos que no abandonen, porque nos sirve para mirar con otros ro-

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pajes, descubrir con otros ojos, ritmos hip hop de The Jeiters, secuencias líricas de Kempes, el rock deluxe de Subterráneos, el pop naif de Pequeño Tío o el trabajo inconmensurable de Cajón de Sastre.

[P.D.] Y como metáfora suprema de esta fascinación, El Candil. En 2007 se lanzó este entrañable proyecto. En 9 noches 9 candiles ven la luz y se desgranan nueve lecturas sonoras y estilísticas de nuestro himno sentimental. Tan sólo por recordar la versión que ya hace años, con el Teatro Romano de Mérida en pie, ofreció Perroflauta de esta canción de patria, mereció la pena poner en marcha este proyecto. ¿A dónde vas, Zascandil? Ven y nosotros haremos el resto.

… Agradecimiento. Fue Pedro Pérez (Pedro Wichard) el que nos recordó la conexión Apocalypse Now de este Poder del Oeste. Gracias. Cáceres. Diciembre 2014 – Enero 2015.

http://cantarrania.blogspot.com/

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El Carnaval pacense y sus bicocas musicales

a música siempre es un medio de comunicación con tintes mágicos que nos produce sensaciones parejas al clímax en nuestros sentidos. Cualesquiera que sean los canales de su difusión, y por supuesto su forma y estilo. Desde el mostrador de esta carnicería jamás cometeríamos la torpeza de desechar a la basura cualquier estilo musical, por muy alejado que parezca de nuestros intereses principales. Siempre insisto en la importancia de unificar estilos, pues éstos mismos jamás tendrían sentido por sí solos. ¿Por qué no puede un buen batería de música pop escuchar Heavy Metal, Jazz o incluso sevillanas y rumbas, y adoptarlo a su estilo de ejecución? Sin duda, el resultado será cuanto menos sorprendente y enriquecedor. Nos encontramos en un mes, Febrero, que sin duda ostenta gran protagonismo musical en nuestra región. Los Carnavales son una excusa perfecta para los amantes de la música, quienes sin duda se han nutrido de los diferentes estilos musicales para engrandecer la belleza de sus obras. En Extremadura, y más concretamente al sur, en Badajoz, en donde son Fiesta de Interés Turística Nacional, sin duda una gran partida de músicos de diferentes estilos han colaborado para elevar el nivel musical en murgas y comparsas. No se explica si no de otro modo una evolución como la que ha experimentado la música carnavalera desde los primeros 80 a nuestros días. En el caso concreto de las comparsas, sin duda se reinventan año tras año hasta imaginar ritmos realmente diferentes e imaginativos, que consiguen sorprender junto a las

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invenciones constantes de nuevos instrumentos de percusión. En las murgas, sin embargo, disfrazados por la cortina del sentido del humor y del cachondeo, se nos cuelan en ocasiones pasodobles, presentaciones y popurrís que rozan la belleza armónica en todos sus conceptos. Tras las primeras formaciones ochenteras, animados con un envidiable sentido del humor y ganas de pasarlo bien, una nueva generación de músicos de todos los estilos fueron transformando y dignificando las piezas musicales ofrecidas. Nuestros lectores tal vez se sorprendieran al conocer el alto número de músicos de rock, pop, heavy o metal que forman parte de estas agrupaciones. Tunos, cantantes de grupos rocieros, profesores de música, guitarristas, teclistas, baterías... los hay de todos los palos, y es de justicia que aporten dentro de sus posibilidades sus experiencias para mejorar el sonido de su agrupación. Por citar algunos ejemplos destacaría al gran Pedro Wichard, vocalista de Darksound, quien despliega su potente voz en la Murga Los Niños desde hace casi 20 años. En la misma formación podríamos destacar la labor musical en la composición y en la interpretación de las guitarras de Javato, alma artífice de Javato y Los Disfrutones. Pero existen muchos más, y me vienen a la cabeza nombres de cantantes como Ismael Regalado o Alex Vázquez. O incluso personajes radiofónicos como El Capitán Chanfaina, El Niño del Garfio y El Almirante Cachuela. Sin olvidarnos de periodistas y locutores musicales como José Luis Lorido. Todos llevan años aportando su granito de arena. Las voces hace ya muchos años que dejaron de sonar al unísono sin peocupaciones de tonos y melodías, existe un cuidado y trabajado desarrollo vocal, al igual que en la composición de los textos, en donde las rimas absurdas consonantes y el chiste fácil han pasado a mejor vida. El protagonismo de las guitarras es soberbio, y sus músicos ejecutan riffs y punteos, que sin duda serían pieza destacada en una obra rock. La evolución de los instrumentos de percusión en las murgas quizás hayan experimentado su transformación más radical. La aglutinación entre caja y bombo se convierte en imprescindible, y continuamente entre ambos músicos ejecutan piezas que harían las delicias del mejor de los baterías. Desde sorprendentes ritmos bombo-caja-charly hasta el efecto de la apertura del hit hat, pasando por redobles de cuatro tiempos. Es una lástima que precisamente estos músicos, LaCarne Magazine

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relegados a la parte de atrás, pasen prácticamente inadvertidos durante sus actuaciones. En las presentaciones de las murgas es donde en la mayoría de ocasiones podemos disfrutar del virtuosismo de algunos de los músicos, debido a que las normas del Concurso de Murgas del Carnaval de Badajoz señalan que en la presentación pueden emplearse todos los instrumentos que de una u otra manera mejor convengan a las formaciones. Lo más habitual es incluir algún teclado o diferentes instrumentos de percusión, pero no en pocas ocasiones nos sorprenden con violonchelos, contrabajos o clarinetes para deleite de quienes agradecen esas pequeñas bicocas musicales. Estoy convencido en que desde ahora usted, desocupado lector, tras las líneas aquí escritas, como aficionado al arte y a la buena música, escuchará a las comparsas y murgas desde un prisma distinto, y sabrá apreciar la deliciosa música que esconden tras el, por otra parte, tronchante disfraz del carnaval. Contacta conmigo desde blogdeenriquefalco@hotmail.com

http://enriquefalco.blogspot.com.es/

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LA INVESTIGACIÓN EN EL FOLKLORE MUSICAL EXTREMEÑO.

ENTREVISTA A ROSARIO GUERRA IGLESIAS

Trabajo realizado por: Andrea López Rodríguez, Mª Soledad Díaz Castela, Irene Cuesta Hoyas y Marina Bonifacio Martín, alumnos de la asignatura optativa La Música en Extremadura, 3º de la ESO, IES El Brocense de Cáceres en su 175 aniversario (1839-2014).

osario Guerra Iglesias es profesora de Música en la Universidad de Extremadura. Tiene los títulos de Doctora en Pedagogía, Superior de Solfeo, Repentización y Melodía acompañada y Profesional de Piano. En 1998 recibió el Premio García Matos a la investigación en el Folklore Extremeño, y en 2000 leyó su Tesis Doctoral sobre el folklore musical de Piornal. Es, asimismo, coautora de libros como Los sonidos de un pueblo y La Música en Extremadura.

¿Qué le llevó a realizar su Tesis Doctoral sobre el folklore siendo su formación musical eminentemente clásica? Yo llegué al mundo del folklore por una casualidad. Cuando tenía 22 años fui con una amiga a un ensayo del grupo de folklore El Redoble de Cáceres y me gustó. Empecé a tener contacto y a animarme a participar activamente en él. Me gustaron las canciones, sus músicas, los instrumentos, los bailes… Fui poco a poco buscando documentación sobre grabaciones y partituras, y cada vez más me interesé por ello, y de ahí partió la idea de realizar una investigación seria sobre cantos de tradición oral, recogiendo músicas, transcribiéndolas en partituras, analizándolas y comparándolas para sacarlas a la luz en un documento que culminaría en una Tesis Doctoral, para que cualquier persona interesada en ello pueda tener cerca la información. ¿Por qué debemos investigar el folklore musical en Extremadura? Porque Extremadura tiene un enorme patrimonio vivo entre sus gentes, tanto músicas como instrumentos, bailes y danzas, y hay mucha información por recoger, que no está registrada en ningún sitio. Es importante que quede recopilado y no se pierda cuando se vayan las personas de más edad, y así se siga transmitiendo a las nuevas generaciones. El folklore musical merece mucho la pena, nos enseña muchas cosas de música, pero también de nosotros mismos, de dónde venimos y por qué somos como somos. ¿Qué lecturas recomendaría realizar antes de ir a recoger la música tradicional de un pueblo? Depende del nivel al que una persona se quiera documentar. Centrándonos en Extremadura, yo recomiendo al lector manejar los cancioneros extremeños pioneros en el tema, como son

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la Lírica Popular de la Alta Extremadura, de Manuel García Matos, centrada en la provincia de Cáceres y el Cancionero Extremeño, de Bonifacio Gil, sobre la provincia de Badajoz. Después uno se podría acercar a cancioneros de localidades concretas como Torrejoncillo, Azuaga, Piornal, Orellana la Vieja, Torrecillas de la Tiesa, los Llanos cacereños, las Villuercas Bajas, etc. Además la página web de la Federación Extremeña de Folklore es muy buena guía para encontrar información sobre música, tanto vocal como instrumental. ¿Qué páginas de Internet son interesantes para saber más sobre el folklore musical extremeño? Como indicaba antes, la página de la Federación Extremeña de Folklore nos ofrece mucha información sobre el tema, y además está siempre actualizada. Desde ella podemos acceder a los grupos de folklore que están federados, a las jornadas de investigación realizadas, a los documentos que reflejan las distintas actividades de coordinación efectuadas, donde se reúnen personas de todos los grupos para enseñarse unos a otros músicas y bailes. Además de ella depende la revista Saber Popular, que recoge artículos de investigadores sobre el folklore extremeño en general. También desde la revista se organiza todos los años el premio a la investigación Manuel García Matos, consistente en una investigación inédita sobre alguna rama del saber popular extremeño. ¿Qué consejos daría a alguien que se plantea investigar el folklore en un pueblo en Extremadura? Lo primero sería empezar por ver qué hay escrito o grabado sobre ello (audios, vídeos, etc.), tanto en las bibliotecas como en Internet, o en los archivos del ayuntamiento y la iglesia, y, a partir de ahí, realizar un planteamiento de búsqueda de información a través de varias fuentes: por un lado las manifestaciones musicales que siguen vivas en la localidad, registrarlas y analizarlas; por otro lado, buscar personas de la localidad que canten o hayan cantado y tocado este tipo de melodías, y que nos sirvan de informantes. Realizar entrevistas con los lugareños para encontrar el máximo de información posible sobre el tema, tanto porque estén vivas como en desuso. En este sentido, aunque en cualquier persona de cada pueblo, hombre o mujer, de una edad u otra, podemos encontrar un excelente informante, yo recomiendo tener muy en cuenta a las mujeres mayores. Su memoria para temas de folklore suele ser prodigiosa, y no muestran tantos prejuicios o timidez como los hombres para transmitirla. Al menos esa ha sido mi experiencia. ¿Cómo abordar el tema de la clasificación de LaCarne Magazine

las canciones recogidas? Hay diversos tipos de clasificación de canciones, cada investigador lo hace de una manera. Mi consejo sería, más que utilizar una u otra clasificación ya propuesta por un investigador en su trabajo, buscar una clasificación que se adaptara a las melodías que tú has recogido. Las otras te sirven de guía para confeccionar la tuya, pero nunca deben ser una imposición. Las canciones recogidas te permiten crear una clasificación. Nunca una clasificación previa debe condicionar tu investigación. ¿Es importante la transcripción musical de las músicas de nuestro folklore? Sí, claro, porque es una manera de que pervivan en el tiempo y más hoy en día con la facilidad que hay con el desarrollo de las nuevas tecnologías. Soy muy crítica con esa tendencia a recoger en cancioneros sólo las letras de las canciones. Es mutilar una canción recogerla y analizarla sin su música. Las melodías, las armonías, los ritmos, las texturas… todo ello nos da información relevante sobre una canción, además de su texto. En los romances se aprecia esto mucho. La música que acompaña a un romance es esencial para entender éste en su plenitud, por eso no me gustan las publicaciones que sólo recogen textos de romances, porque es como quitarles parte de su alma. ¿Cuál es la base armónica del folklore extremeño? En el folklore extremeño existen melodías modales y tonales. En cuanto a las tonales, que son las que pueden llevar un acompañamiento armónico, podemos destacar la utilización de acordes tonales, es decir, las melodías se mueven a través de los acordes de tónica, dominante y subdominante. La base armónica es interpretada generalmente por instrumentos como la guitarra, aunque en ocasiones también el laúd pasa de realizar melodías a utilizar acordes. También el acordeón utiliza este tipo de acordes en sus acompañamientos, aunque es menos frecuente que los anteriores. En cuanto a las canciones asentadas en sistemas armónicos modales, muchas de ellas muy ancestrales y con esa especial forma de sonar de los modos, en Extremadura el modo de MI es el más recurrente, tanto el natural como el cromatizado. Hay que señalar también la presencia de canciones en proceso de tonalización, que manifiestan rasgos modales de sus orígenes y rasgos tonales más modernos. ¿Hay alguna pauta general en lo referido a las melodías y los ritmos de nuestras música tradicional? Generalmente las melodías vocales se mueven con intervalos conjuntos, con sonidos correla-

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tivos o con saltos pequeños entre ellos, interpretándose frecuentemente el intervalo de 3ª más que el de cuarta o quinta, aunque también se utiliza en muchas ocasiones el unísono. Según la facilidad que tiene el cantante para interpretar estas melodías podemos encontrarnos con más o menos adornos, la mayor parte de las veces en sonidos largos, para embellecer ésta aunque también es verdad que unos tipos de melodías se prestan a ello más que otras. Por ejemplo, hay diferencia entre una canción de ronda, que es un canto colectivo, a una saeta, que es un canto individual donde el intérprete tiene más libertad a la hora de realizar los adornos y los melismas, incluso sonidos que parecen no estar bien afinados como los cuartos de tono; estos son muy difíciles de cantar pero hay personas que lo hacen estupendamente de oído, sin necesidad de saber leer una partitura. En cuanto a las melodías tocadas por instrumentos, como con la flauta de tres agujeros típica en Extremadura, podemos decir que hay más libertad en cuanto a los giros entre los sonidos, ya el movimiento conjunto se entremezcla mucho más con otros intervalos más amplios, como las sextas o las octavas por ejemplo. También las melodías suelen estar más recargadas de notas de adorno, y casi siempre son melodías más modales que tonales. En los ritmos son más abundantes las subdivisiones ternarias que las binarias, igualmente se dan los cambios de compás. A veces nos encontramos casos de polirritmias en las melodías producidas por esos ritmos de doble lectura que tanto funcionan en subdivisión ternaria como binaria, y que cuando son acompañadas por instrumentos de percusión, el pueblo lo hace indistintamente de una manera o de otra. Como ejemplo, y dado que es el compás de las jotas y de una gran cantidad de canciones de ronda, conjuntamente el repertorio más abundante de nuestro folklore, quiero señalar el 3/8 como un compás muy importante en la música tradicional extremeña, especialmente en la no religiosa. ¿Quiere añadir alguna cosa a lo dicho hasta aquí sobre la investigación en el folklore extremeño? Sí, este tema es muy amplio y en esta entrevista no queda reflejado todo lo que es. Yo me he centrado más en los cantos pero el folklore es mucho más amplio, son instrumentos, son bailes, son trajes, son costumbres… Se agradece que haya alumnos de Secundaria que estén interesados en este tema y que se trabaje en los centros educativos. Éstos hacen un papel muy importante dado que, en muchas ocasiones, las vías de transmisión de padres a hijos se está perdiendo y al menos ésta es una muy buena manera para que no se pierda cuando desaparezcan nuestras personas mayores que han cantado a sus hijos cuando eran pequeños, en el campo, en las reuniones con los amigos, en el paseo, en las labores domésticas, en los toros, cuando han salido con los quintos, en las rondas de jóvenes, de bodas, cuando se iba a la fuente a por agua, cuando se iba a lavar, en la iglesia, etc. Desde aquí animo a cualquier persona que le guste este tema para ampliar sus conocimientos sobre él y que puedan ayudar a que otros se interesen por la tradición oral de nuestra tierra. Gracias por vuestro interés por el folklore musical extremeño.

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Capitán Yote: Desde la música se pueden hacer cambios

Hace ya quince años que una banda boliviana se creó para hablar de la juventud, las eternas preguntas, y el dolor. En una búsqueda personal/espiritual, Hugo “El Yote” Palacios y su banda de rock entra en una nueva etapa con nuevos integrantes, pero con el continuo compromiso de proponer y preguntar. Una banda que siempre que saca un videoclip lo hace de una forma artística, casi onírica, como ha sido “El Ojo Del Cerdo” del álbum Natural (2011), con simbolismos profundos, vestimentas y una puesta en escena precisa. La creatividad visual es de transformación dirigida por el enigmático “5”. Es una madrugada en un boliche de rock llamado Luna Llena, una casa colonial con adornos de madera que reflejan su propia historia. El frio de la ciudad no apaga la llama de los jóvenes que aquí se dieron cita para escuchar al grupo que abraza el dolor. Comienzan las preguntas a los integrantes. Hugo, gracias por acceder a la entrevista ¿es un nuevo conjunto el que hoy presenta a Capitán Yote? HP: Estamos con una nueva alineación con Freddy García, un gran músico, y a Óscar Lascano en el bajo, que acaba de ganar un concurso de composición musical. Lo bueno es que estamos con personas que realmente apuestan a la música, viven por la música y se entregan a la música. ¿Cada canción es una colaboración del grupo, pero quién inicia con la creatividad? HP: De muchas formas. Generalmente yo pongo las bases, en batería se aporta otro tanto,

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pongo las letras… nos ayudamos con eso. No es un trabajo único, es todo un trabajo conjunto, es un producto que al final se denomina Capitán Yote. Somos un grupo, dejamos un poquito de nuestro corazón en cada canción para que podamos hacer esto que es la música. ¿Freddy, de qué manera te identificas con la banda siendo el baterista de la misma? FG: Yo diría que… es que soy parte de la familia, he pertenecido a varias bandas en las que me sentí cómodo pero en Capitán Yote me siento en familia. ¿Cómo ven el panorama de la música en Bolivia para el Rock? FG: Es una respuesta increíble de la gente. Realmente se ve la fuerza del Capitán Yote. HP: De hecho, creo que hay un nuevo momento musical en Bolivia que es bien sano porque la gente está empezando a apoyar a las bandas nacionales, creen en nuestras producciones. Eso es algo que nos reconforta, poder recibir ese apoyo desprendido de la gente. Para el Capitán Yote, hay gente que se identifica con nuestras letras, con los ritmos, las presentaciones, nuestro estilo. Son una banda que ha recorrido todas las zonas geográficas de Bolivia ¿Cómo es el sentimiento y actuar de la gente rockera en los distintos departamentos? HP: Si quisiéramos distinguirlos por zonas geográficas, la respuesta es muy diferente en cada zona. En el Altiplano somos más aguerridos, si no están en tragos uno es tranquilacho (tranquilo), pero si están ebrios, son incontrolables. En el oriente parece que no necesitan bebidas, todo el tiempo están rockeando, eso es sin parar. Por el valle (zona central) somos un poco románticos, estamos esperando una señal para hacerlo. En todo lados recibimos la energía de la gente, por lo que estamos muy agradecidos. ¿Cuál será la siguiente producción de Capitán Yote y cómo la han titulado? HP: Bueno, sólo una introducción. Ya tenemos nombre para nuestro tercer disco, que va a llevar el nombre de LOS OTROS. Estamos finalizando los detalles, pues para este año quiero decirles que va a llevar sorpresas para todos. ¿Qué tienen preparado para su siguiente etapa como banda? HP: En diciembre rodábamos el nuevo video promocional, que tiene que ver mucho con la temática que tenemos, pero siempre es una continuidad de lo que siempre hacemos. Es una pregunta y una respuesta, una alternativa, una demanda que tiene que ver mucho con el momento que vivimos. Son 11 canciones, una de ellas es una composición de Todos Tus Muertos, del “Tango Traidor”, que la hemos denominado “Chango (chico) Traidor” en una versión nuestra. Estamos preparando una gira nacional muy grande para el 2015, en la que nos planteamos crecer mucho más. Si bien tenemos 15 años tocando y estamos vigentes, hemos tocado mucho y queremos hacer cosas diferentes. Óscar, nuevo talento en el grupo, ganaste un concurso de composición ¿puedes comentarnos acerca de ello? OL: Es un concurso nacional de composiciones organizado por las entidades universitarias. Hice una composición en contra del aborto, pues tuve una mala experiencia en el cuál perdí un hijo. Lo cual fue lo que me marco de por vida. La obra “Dónde quedará mi vida” es una canción LaCarne Magazine

de cuna de un no nacido hacia su madre, en el cual toco el piano y hago voces, que lo realicé a las 3 de la madrugada. La grabamos para mostrarle a la gente que la vida es muy importante. ¿Tú crees que existe un cliché en el pensamiento de música y del músico? OL: Yo creo que eso es parte de la cultura…, eso de creer que la música es un hobby, que el músico es pobre…, cuando muchos Estudios, los dueños de boliches (establecimientos), todos hacen dinero con el arte y creación de los músicos. Cuando esto es una profesión, es un arte, es un día a día… Yo he estudiado para seguir haciendo música, y lo voy a seguir haciendo hasta que mis dedos no puedan tocar el bajo o tocar el piano, y mis pies no puedan darle a la batería. ¿Creen que con la música se pueda enviar un mensaje? HP: Claro, estamos comprometidos. Desde donde estamos aportando para que nuestro sistema, nuestra sociedad de alguna manera mejore, cambie. Estamos conscientes que grandes intereses manejan las políticas de Estado y, por ende, somos víctimas, y desde la música proponemos, alertamos, denunciamos con mensajes, con ritmos. Creo firmemente que desde la música se pueden producir cambios. Si no es una gran revolución, de alguna manera podemos llegar. Hay mucho de lo que protegerse, y también hay mucho de lo que podemos proponer y luchar. Es hora de regresar al escenario, ¿quieren decir algo a las personas que les siguen? Tenemos nueva Alineación, tenemos planeado grabar más videos, hemos crecido mucho por todo gracias a la gente que nos sigue. Esto Es Capitán Yote.

https://www.facebook.com/CapitanYote Mientras suben al escenario y se disponen a llenar la noche de Rock, el equipo de Arde Bolivia se confunde entre el público para disfrutar otra noche de Rock. Muchas gracias a Capitán Yote por acceder a la entrevista con La Carne Magazine.

Hugo Palacios (HP) - Oscar Lascano (OL) - Freddy García (FG) - Lugar: Luna Llena

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CAP. XIX - Y otra etapa nueva más…el nacimiento de Raras Músicas

odo lo aprendido durante la etapa arindododiana me sirvió mucho para comenzar otra nueva. La base de la música fabricada en Arín Dodó era la improvisación libre, con una única regla, la escucha.

A comienzos de 2013 me había quedado solo en Madrid porque todos mis antiguos compañeros de andanzas y de arindodeces se habían ido a otro lugar. En enero de ese año me hice socio de la asociación Musicalibre (http://www.asociacionmusicalibre.com/wp/), asociación dedicada a la difusión de la libre improvisación musical que existe desde octubre de 1995. Yo no tenía ni idea de su existencia hasta el mes de noviembre de 2012, que fue cuando me puse en contacto con ellos y me invitaron a tocar en unas sesiones. Ahí conocí a Gregorio Kazaroff, que por esas fechas estaba organizando un ciclo llamado Raras Músicas. En marzo de 2013 me dijo que me pasara por una de esas sesiones raras y fue cuando conocí a Ivor R. Tamplin, socio de Gregorio y persona esencial en ese ciclo. Me di cuenta de que la música que había estado haciendo con Arín Dodó no se diferenciaba mucho de todo lo que rodeaba a MusicaLibre y a Raras Músicas. Me sentía como pez en el agua y vi que ese era el sitio que debía ocupar a partir de ese momento. Me puse a tope con todo eso y colaboré en varias sesiones; Ivor y Gregorio no tardaron en ofrecerme un puesto en la organización del ciclo, labor que desempeño desde entonces. A partir de ese momento me puse a hacer una serie de colaboraciones y de sesiones de improvisación con gente muy distinta, decidido a mezclarme con cualquier músico que tenga ganas de hacer improvisación libre musical. Nos conocíamos en el acto en el escenario, sin saber con qué te vas a encontrar o con qué formación tocarás esa noche. Un reto continuo y una experiencia que hace que siempre estés alerta y te obliga a ser rápido y elástico en cualquier momento. Porque eso es lo que pasa, el momento te va llevando y cambia constantemente. Vas

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www.arintonadodo.com vagando por ahí sin saber dónde llegarás. Eso no pasa con otras formas de hacer música y es precisamente lo que atrae de ésta.

La primera sesión de Raras Músicas en que participé está resumida en este vídeo:

En esa ocasión Gregorio Kazaroff (electrónica y objetos) e Ivor R. Tamplin (live sampling) formaron un trío junto a Ged Barry, saxofonista procedente de Liverpool. Después nos fuimos añadiendo varios músicos más. Todas estas sesiones me dan oportunidad de ir probando con diferentes instrumentos. En esa ocasión utilicé la trompa y la voz. En este tipo de sesiones hay una exploración continua. En cada momento puedes ir descubriendo algo nuevo del instrumento que tienes entre las manos, y da oportunidad, al menos a mí, para que vayas intentando obtener un lenguaje propio con diferentes instrumentos; que los puedes tocar de forma poco o nada ortodoxa, y eso te proporciona la obtención de herramientas y de recursos que no se enseñan en ningún sitio, lo encuentras tú solo, mediante la interacción con los demás músicos y la interacción íntima con tu propio instrumento musical.

Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó (contacta desde aquí)

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IZAL - LA ECUACIÓN DEL ÉXITO Foto Francisco Salguero

LA ECUACION DEL EXITO 28 LaCarne Magazine

Texto: Pedro Gallardo Mucho habría que hablar de Izal... lo primero que hay que destacar de este grupo son los kilómetros recorridos y las horas de ensayo. No han dudado ni un solo instante en llevar sus canciones a todos los rincones de España con su gira Despedida y su increíble Agujeros de gusano (Hook, 2013). No parán de cosechar éxito tras éxito y se han convertido, gracias al trabajo y al esfuerzo, en uno de los grupos esenciales en el panorama español. Melodías de voz que hacen que vivas las historias que cuentan, arreglos y detalles musicales grandísimos y una legión de seguidores hacen que el nuevo disco, en el que van a comenzar a trabajar en cuanto terminen la gira, sea uno de los más esperados del 2015

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IZAL - LA ECUACIÓN DEL ÉXITO

Han pasado ya unos meses desde la última vez que hablamos con vosotros y hemos visto durante todo este tiempo que no habéis parado de llenar escenarios. ¿Satisfechos hasta ahora con lo que habéis conseguido? Cuál es el siguiente objetivo de Izal? Estamos muy contentos. Estamos viviendo algo maravilloso. Hemos conseguido hacer de nuestra pasión nuestro trabajo, y cada vez que vamos a tocar a cualquier sitio nos traemos para casa un montón de cariño y una respuesta increíble por parte de la gente. El objetivo es seguir trabajando para que esta felicidad perdure en el tiempo. No paráis de dar conciertos y agotáis las entradas de cada uno de ellos. ¿Cuánto tiempo durará esta gira? La Gira “Despedida” en la que estamos inmersos finalizará el 11 de Abril en Madrid. En el antiguo Palacio de los Deportes. A partir de ahí pararemos de forma indefinida para darle forma a nuestro nuevo disco. No hay día en LaCarne que no suene Izal y cada vez nos enganchan más vuestras melodías y letras. Siempre nos hemos preguntado qué sacáis primero, ¿la melodía o la letra? Del proceso de composición se encarga Mikel en la soledad de su casa y con su bata. Él hace una pre-producción del tema y nos lo pasa. A partir de ahí son cinco cerebros funcionando para darle la forma definitiva. La letra original no suele cambiar. Probamos arreglos nuevos, distintas sonoridades. A veces los llevamos a otro terreno muy diferente a la primera idea. Después de tantos kilómetros ¿haréis un parón para descansar antes de poneros con el siguien-

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te disco? A mediados de abril nos encerraremos en el local para trabajar las nuevas canciones. Queremos llegar al estudio con todo bien atado. Nos gusta grabar en directo, tocando todos a la vez. Así que cuanto menos tiempo tardemos en hacer buenas tomas de los temas, más tiempo para jugar con ellos en el estudio y experimentar un poco. Hace poco tuvimos ocasión de veros en Badajoz y disfrutamos muchísimo del concierto. En él tocasteis algunos temas nuevos ¿cómo visteis la respuesta del público? ¿Los incluiréis en vuestro próximo trabajo? Son dos temas que nos convencen plenamente. Estos temas, con el tiempo cambiarán, crecerán. Pero son dos temas que seguimos trabajando. Cuando los tocamos en esta gira hay un respeto brutal por parte del público. La gente está metida en faena con temas que conoce y pueLaCarne Magazine

IZAL - LA ECUACIÓN DEL ÉXITO de cantar, y de repente les cortas un poco el rollo con algo que no saben de que va. Aún así, la gente se queda atenta a lo que ocurre. Hay buenas sensaciones. Hablando de próximo trabajo… ¿tenéis pensado repetir equipo técnico? ¿Contaréis con el productor de vuestro anterior disco? Los discos de IZAL los producimos nosotros. Las composiciones, arreglos, ejecución…, es nuestro trabajo. Para grabar los discos elegimos estudios donde tengan un concepto músical similar al nuestro, de forma que el equipo humano del estudio, a parte de grabar lo que tocamos, pueda sugerir cualquier cosa en pos de mejorar lo que se está haciendo. Un aspecto al que damos mucha importancia es la mezcla final. En los dos discos ha sido realizada por Luca Petrica, en los estudios Reno de Madrid. Parte de la grabación de “Agujeros de gusano” se realizó con Jose Caballero, en los estudios NEO de Aranda de Duero. Antes de que salga este nuevo trabajo ¿podremos ver y/o escuchar algún single adelanto? No tenemos pensada ninguna fecha para publicar el tercer disco. Nuestra idea es grabarlo en verano y sacarlo a finales de año. Además del nuevo disco ¿tenéis otros planes para el 2015… algún concierto en acústico o proyectos paralelos? Hasta abril continuaremos con la Gira “Despedida” por diferentes ciudades como Murcia, Oviedo, Pamplona, Barcelona, Granada, Zaragoza,... Habéis recogido algunos premios de gran relevancia como el de Artista Revelación de Rolling Stone y estáis nominados a “Mejor Directo Nacional” en los Premios Fest 2014. ¿Qué significan para vosotros todos estos premios y nominaciones? Recibir un premio siempre es una buena noticia y es para estar agradecido, pero no le damos Foto Francisco Salguero

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demasiada importancia. Nosotros hacemos lo que queremos y disfrutamos enormemente con ello. Eso no cambiaría si no nos otorgasen premios. Para nosotros significa que puede que estés por el buen camino o haciendo las cosas bien. Lo que tenemos claro es que Izal no va a quedarse aquí y que esto sólo es el comienzo de una gran banda. Gracias por dedicarnos de nuevo un rato, siempre es un placer hablar con vosotros y, esperamos volver a hacerlo ;-) Agradeceros la difusión que hacéis de nuestro trabajo y animar a la gente a que asista a conciertos, teatro, cine, museos... De momento, todavía podemos disfrutar de esas experiencias. Entrevista contestada por Ivan Mella, teclista de IZAL. Saludos! LaCarne Magazine

EL VINILO DEL MES: LUNATIC SOUL “Walking On A Flashlight Beam”

esde que el mercado ha decidido otorgar al formato del vinilo una segunda oportunidad comercial, enfilándolo rumbo a las cotas de solemnidad que merece y que en un pasado reciente se mostró muy desgastado (sobre todo entre el público y los entornos más puristas), las sensaciones que este tipo de producto rezumaba en tiempos boyantes se vuelven a agolpar en tiempos presentes menos opulentos y en la percepción de los consumistas de arte sonoro que hasta ahora tenía amordazadas sus expectativas de antaño. Este nuevo trabajo de Mariusz, músico de Riverside y reconvertido, o mejor dicho “renombrado” bajo la marca Lunatic Soul, es toda una oda a las percepciones sensoriales y al disfrute del formato en todo su esplendor, quizá en un ejercicio de modestia o de pudor. Estamos ante la obra de un creativo sin barreras, que además sabe manejar las herramientas que tiene a su alcance y con la habilidad de crear atmósferas cautivadoras y emocionalmente creíbles.

Estamos ante un disco muy intimista que describe pensamientos, paisajes y tribulaciones que residen solo en el subconsciente de su creador. Un disco abstracto, lleno de formas indefinidas y de campos de batalla repletos de tanques sensoriales apuntando directamente al

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centro de gravedad del oyente menos precavido. Este disco doble, magnifica las bondades del vinilo sin descuidar detalle. La parquedad o minimalismo se comprenden cuando abres la tapa y descubres la ilustración en tonos oscuros, de una persona indefinida en clara pose de reflexión, que abarcan la gran extensión del encarte. Cada disco viene flanqueado por fundas negras, austeras y solemnes, muy conexas con la temática del disco y acompañando a una de ellas, un libreto gigante, la versión enorme de la edición CD, con las letras de las canciones y mínimos datos acreditativos que agrandan la sensación de intriga en torno al resultado final. Este es nuestro disco del mes porque se sale de la obviedad y propone algo distinto, quizá estamos ante un proyecto muy personal, pero también muy sincero, puro y sencillamente poético. No estamos ante un producto de masas, pero sí para oyentes con la imperiosa necesidad de ser sorprendidos o simplemente de escuchar cosas relajadas y diferentes. Diez canciones que resaltan en este lanzamiento ubicado en vinilo de 180 gramos, que además y con una sana e inteligente estrategia, no descuida a ninguno de los fans del proyecto, habilitando también las claves para la descarga de los audios en formato digital, matrimonio de conceptos, que seguramente ya estén definiendo el presente y futuro inmediato de la comercialización de la música.

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EL MIEDO ESCÉNICO

Por Paquita

García

Directora de la Compañía Lírica Extremeña

Dos recientes incidentes protagonizados por dos reconocidos cantantes han puesto sobre el tapete el controvertido tema del miedo escénico. Joaquín Sabina y Pastora Soler han dado muestra de ser de esas personas vulnerables que tienen miedo a enfrentarse al público, padeciendo lo que en francés se denomina el trac. Pero no es exclusivo de artistas sino de quienes tienen que enfrentarse al público. Ese estado de ansiedad que paraliza y hace que quede la mente en blanco y, en consecuencia, que produzca una incapacidad, es algo más frecuente de lo que puede creerse.

En principio parece lógico pensar que ese temor al público lo pueden tener las personas que, sin ser unos seres inconscientes, no están lo suficientemente preparadas para asumir el riesgo de actuar ante una audiencia. Eso no es miedo escénico, eso es incompetencia. Pero la afirmación de que solo quien no está bien preparado tiene miedo, tampoco es cierta. El miedo escénico existe entre buenos profesionales, y muchos no consiguen superarlo. Lo que sorprende es que avezados intérpretes que viven de su trabajo ante el público, puedan de pronto sentir ese grado de ansiedad que les puede maniatar hasta el extremo de retirarles del oficio. Solo cabe atribuirlo a que, existiendo en ellos desde siempre un escondido temor ya superado, pasado un tiempo sin enfrentarse al público, los “demonios” surgen de nuevo y atenazan su voz y su cuerpo. ¿Que es el miedo escénico y por qué surge? Miedo es…miedo, traducido en sequedad de boca, aceleración del pulso, respiración entrecortada y mil síntomas más que dificultan la actuación, y que puede ser en buena medida fruto nefasto de timidez y falta de confianza en sí mismos. He conocido intérpretes que tratan de liberarse del trac tomando antes de salir a escena una copa de licor, lo que nunca es recomendable pues serán siempre esclavos de esa copa y cuando no la tengan se sentirán perdidos. Otros recurren a los tranquilizantes, que si bien apaciguan sus nervios, los puede dejar “medio dormidos”, con lo que el resultado será poco brillante. El artista tiene que estar siempre en tensión. La mejor terapia es la preventiva, y esa la practican los buenos profesores que exponen a sus alumnos al público desde temprana edad para hacerles ganar confianza y superar ese miedo que puede venir de improviso. Bien, es verdad que antes de una actuación estar totalmente tranquilos tampoco es buen indicio. Tiene que haber una tensión controlada, lo que se llama sentir mariposas en el estómago, es decir, un cierto nerviosismo de respeto al público ¿Que hay remedios para el miedo escénico? Sin duda, pero no es misión mía ni espacio el que tengo para extenderme en esto. La ayuda profesional es importante en estos casos.

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La Ventana Nacional

SUPERSUBMARINA http://www.supersubmarina.es

Texto por LaCarne Magazine Fotos por Gianfranco Tripodo Enhorabuena por Viento de cara porque es un trabajo redondo. Estáis contentos con los primeros meses del disco, ¿verdad? Nuestra valoración es muy positiva, aunque como con todo lo nuevo, a veces cuesta un poco acostumbrarse, ya que en este disco hemos mostrados muchas caras nuevas. Estamos muy convenidos de nuestro trabajo y la gente sigue estando a nuestro lado. Te agradecemos el piropo. El disco suena genial, con una producción exquisita, y desde el primer tema ya se aprecia vuestro acierto con el productor. ¿Tony Doogan es definitivamente el quinto Supersubmarina? Sin duda ha influido mucho en nuestra personalidad como banda y como músicos, es una suerte haber podido trabajar con él. Nos ha servido de guía y nos ha enseñado muchas cosas. No consigo imaginarme cómo fueron vuestros inicios. ¿Fue difícil salir de Baeza y meteros en círculos más nacionales? Ha sido un camino difícil pero muy bonito, y hemos podido disfrutar cada paso. Pero siempre hemos sido muy constantes y hemos puesto mucha ilusión en cada cosa que nos proponíamos. Baeza es una ciudad pequeña, pero eso no quiere decir que sea imposible desarrollar una acti-

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vidad como la música. Desde esos inicios habéis compartido escenario con grandes bandas del panorama nacional. ¿estabais en el sitio y momento adecuados? ¿Quién ha sido para vosotros vuestro padrino? La verdad es que ha sido una suerte vivir todas esas experiencias y haber podido aprender desde tan cerca de artistas tan grandes. Es algo que el trabajo ha traído consigo, no una cuestión de fortuna ni oportunismo. Lo importante es haber sabido quedarnos con lo fundamental de cada experiencia. Y vuestra relación actual con esas bandas ¿habéis hecho buenos amigos? ¿Hay rivalidad, pique sano o todo lo contrario? Tenemos muchos amigos dentro del circuito, y a medida que coincidimos con ellos en festivales o en conciertos vamos estrechando los lazos. En nuestro caso no hay ningún tipo de mal rollo con nadie, ni mucho menos. Pero hay gente con la que bien por edad, o simplemente por tener más contacto, acabas teniendo más relación. En este año que acaba de comenzar 2015, continuáis girando para presentar Viento de cara, ¿en qué ciudades podremos veros? Estamos aproximadamente en la mitad de la gira de presentación, y después vendrán un montón de festivales, así que van a quedar muy pocas ciudades por visitar, esperemos que ninguna. Dentro de esta gira habéis cerrado conciertos hasta Abril. ¿Tenéis previsto dar más conciertos o vais a tomaros un descanso? No es momento de descansar, la gira será más larga e iremos sumando ciudades para seguir disfrutando de Viento de cara. Ha sido todo un placer poder hablar con vosotros. Esperamos que con Viento de cara cosechéis tantos o más éxitos, como hasta ahora. Simplemente mandar un saludo y animar a todos a vivir la música en directo, un abrazo gigante.

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por The Trunks

The

TRUNKS THE TRUNKS

Por The Trunks

os directos son lo que nos impulsa a tocar y a seguir trabajando. Cada sala, escenario, festivalâ&#x20AC;Ś es diferente, por eso tenemos que llevar todo trabajado al detalle para dar el 200% arriba.

Para los conciertos solemos quedar para ensayar semanas antes en el local de ensayo. AllĂ miramos los temas y preparamos el set list que vamos a tocar esa noche. La mayorĂa de las veces llevamos el mismo set, pero dependiendo del tipo de concierto que sea (festival, sala, etc.) hay que adecuarlo al tiempo que tenemos para tocar.

Antes del concierto nos reunimos todos, cogemos el material, lo cargamos en la

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furgoneta/coches, nos vamos a la sala, montamos y probamos sonido. Solemos probar sonido bastante rápido, en unos 10-15 minutos ya estamos listos. Si compartimos escenario con más grupos también nos gusta respetar los tiempos de prueba y sobre todo no ser cansinos. Llevamos todo estudiado y conocemos bien nuestro material. Luego, siempre vamos a cenar. Nosotros somos de buen comer, y solemos cenar bastante (aunque suene raro) antes de los conciertos (risas). Con ello le acompañamos unas cervecitas y luego un pitillo para bajar la comida. Más tarde volvemos a la sala. Nos gusta llegar con tiempo para relajarnos, hablar algo del show, tomar más cervezas, contar algún chiste, y tener todo preparado. Llega la hora del concierto. Tenemos la adrenalina a tope. Tenemos ganas de salir y vamos a darlo todo. The Trunks es un grupo pero en el escenario somos uno. Vamos a disfrutarlo.

hemos dado todo.

Acaba el show. Antes de nada agradecemos a toda la gente su asistencia. Nos encanta que la gente salga contenta de los conciertos, pero sobre todo nos gusta salir satisfechos con nosotros mismos sabiendo que lo “Nosotros somos de buen

Luego es la hora de relajarse. Nos reunimos todos los del grupo y vamos a tomar una copa/refrigerio. Comentamos cosas de ese concierto, pero ya estamos pensando en el siguiente. Ya tenemos ganas de volver a tocar!

comer, y solemos cenar bastante (aunque suene raro) antes de los conciertos. (risas) Con ello le acompañamos unas cervecitas y luego un pitillo para bajar la comida.”

https://www.facebook.com/thetrunksband LaCarne Magazine

Bambikina ¿En qué momento Esther Méndez se convierte en Bambikina? ¿Por qué decides utilizarlo como nombre artístico? Hace aproximadamente tres años me puse el disfraz de BambiKina. Estaba buscando nombre para el proyecto y viendo un documental de los Beatles se me encendió la bombilla. Me resultó curiosa la anécdota sobre aquel extravagante lugar, el “Bambi Kino”, un cine erótico que acogió a los de Liverpool en una de sus primeras actuaciones, en Hamburgo. Estuvieron bastante tiempo viviendo detrás de la pantalla de proyección. Me pareció interesante que hubiera una historia que contar detrás del nombre.

“Queríamos preservar ese sonido tan auténtico de los grandes del folk. La calidez que se consigue grabando en bobina. Por eso decidimos hacerlo en analógico, sin filtros digitales y con voz y banda tocando en directo.” 42 LaCarne Magazine

Hace muy poquito que has publicado tu Ep Caravana, y ya estás recibiendo muy buenas críticas. Cuéntanos un poco como se ha forjado este Ep. Se trata de un trabajo peculiar con un sonido diferente. Llevé los temas al estudio y lo más complicado fue elegir cuáles se grababan y cuáles quedaban fuera. El propósito era tener una carta de presentación, por eso solo quisimos incluir cinco temas. Algo fácil de escuchar para que la gente se acercara al proyecto. El disco se grabó muy rápido, en apenas una

semana. No todas las bandas están capacitadas para grabar en una toma, por eso poder contar con los Sweet Vandals ha sido fundamental. Ellos aportan esa atmósfera cálida y nostálgica que lo envuelve todo. Y en cuanto a las críticas, hace unas semanas, la mítica revista Rolling Stone publicó una lista con 20 bandas por las que apuesta para 2015. En el top ten aparece BambiKina. No deja de ser gratamente sorprendente obtener tanto respaldo habiendo presentado solo un mini álbum. Estoy muy agradecida. Caravana se grabó en analógico y con todos los músicos tocando en directo. ¿Por algún motivo en especial? Queríamos preservar ese sonido tan auténtico de los grandes del folk. La calidez que solo se consigue grabando en bobina. Por eso decidimos hacerlo en analógico, sin filtros digitales y en una toma, con voz y banda tocando en directo. Esta circunstancia le da al EP un carisma especial que no podría conseguirse grabando de otro modo. Por eso, además del CD y las plataformas digitales, “Caravana” también cuenta con edición en vinilo. El objetivo era trasladar al oyente a ese momento del estudio en el que todos tocábamos juntos. Para conseguirlo, decidimos conservar los detalles o bellas “imperfecciones” que le dan personalidad. Incluso se puede apreciar ese instante mágico en el que nos miramos a los ojos para acabar cada canción. La verdad es que lo hemos escuchado y nos encanta! Nos ha sorprendido gratamente escuchar este género (folk-country) en castellano. ¿Tenías claro desde el principio que cantarías en tu lengua materna? Sí. Puede parecer una incongruencia hacer americana en español, pero decidí apostar por ello sin complejos. Creo que una historia contada en castellano tiene mucha fuerza. Desde luego, hablar sobre caravanas y vaqueros en nuestra lengua siempre es más arriesgado, existe cierta probabilidad de que la cosa quede cutre. Ahí está el desafío. Pero sabemos que también cantas en inglés, te hemos visto en el anuncio de Ikea. ¿Te buscaron ellos a ti o le presentaste la canción? ¿Cómo surgió esto de cantar para un anuncio? Un amigo bajista que trabaja en una agencia de actores me avisó de que Ikea buscaba una chica que tocara la guitarra. En la descripción del perfil se pedía literalmente: “chica folk, rubia, algo estancada en el tiempo”. Me presenté al casting y en unos días me llamaron para notificarme que había sido elegida. Aunque al principio me surgieron algunas duLaCarne Magazine

das porque la pieza es una parodia de esa faceta lánguida de los cantautores folk, finalmente estoy muy contenta con el resultado. Aparecer en un spot de Ikea siempre genera repercusión y fue fantástico grabarlo con mi voz en directo. ¿Podremos escuchar pronto un larga duración de Bambikina? Esa es la idea, empezar a preparar un LP para finales de año. En español o en inglés es un placer escuchar tu voz y tu música. Estamos seguros de que llegarás donde quieras. Suerte Bambikina! Muchas gracias. Ya tenemos la caravana lista para empezar a hacer kilómetros, os invito a que nos acompañéis en este viaje. El 29 estuvimos en Salamanca, el 30 en Badajoz y el 5 de febrero estaremos en Valladolid. Para marzo también visitaremos Barcelona y aún tenemos muchas otras fechas por confirmar. Podéis consultarlas en el Facebook de BambiKina o en la web de Caravana Records. ¡Nos vemos en la carretera!

https://www.facebook.com/BambiKina.music

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Federico BIO PRESENTACIÓN

Este DJ y productor Cacereño, que lleva trabajando en la escena desde 1995, ha compartido cabina con los mejores DJs nacionales e internacionales, y ha participado en los eventos de mayor importancia del país. Code, Groove, Technation, HardHeroes, Womad Festival, son solo algunas referencias en su extensa trayectoria. Fundador y residente de la mítica sala Psicódromo en Cáceres, Federico es una clara referencia para todos los artistas relacionados con la música electrónica en Extremadura. Sus múltiples participaciones en el programa Zona3 de Sonia Briz, fueron determinantes para conseguir el reconocimiento a su trabajo en toda España. Durante muchos años pisando los escenarios, ha sabido manejar y adaptarse en cada momento a las tendencias y estilos más arriesgados, destacando por su gusto a la hora de seleccionar sus sesiones. Techno y Hard Techno son sus preferencias, estilos muy complementarios que le ayudan a crear ritmos contundentes, sin concesiones y muy en la línea 4x4, sonidos que dan energía a sus producciones, disponibles en las mejores tiendas on line de todo el mundo. En el 2015, su principal objetivo será consolidar sus producciones y editar su primer EP en solitario. Profesionalidad, entrega y estilo propio, hacen de este artista una apuesta segura para cualquier line up Techno/Hard Techno.

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¡Hola a todos! Espero que ya estéis recuperados de las Navidades. Este mes contamos para la sección con un artista que ha sido todo un referente para muchos, y que lleva en escena desde 1995, y estoy seguro que a más de uno de los que están hoy en activo (sobre todo si son de Cáceres), le entro el gusanillo de este mundillo gracias a él! Se trata de Federico. Buenas tardes, Federico! Esta pregunta es casi obligada. Empezaste en este mundo sobre el 1995, época en la que no era nada fácil acceder a él ya que no todo el mundo tenía dos platos en su casa ¿Cómo o quién te introdujo en este mundo? Bueno, yo siempre he trabajado con Technics y con Revox de cinta. A los 16 años empecé a trabajar en Radio Popular (Cadena Cope) de Cáceres y Madrid. Durante más de 5 años haciendo funciones de técnico en control de sonido, y de vez en cuando también locución. En aquella época la radio era más divertida y había más posibilidades de salirte de un guión establecido. Esto me abrió las puertas a realizar varios programas musicales (sobre todo nocturnos) que mostraban principalmente los sonidos más de pista. Todo era vinilo y todos los días se recibían novedades. En Madrid tuve la oportunidad de trabajar entre otros con Luis del Olmo y Encarna Sánchez. Fue una experiencia muy positiva que se vio interrumpida con el servicio militar durante 12 meses. Cuando regresé tuve que decidir sobre mi futuro profesional, y opté por trabajar con mi padre en su empresa familiar. A partir de aquí empecé a notar que necesitaba mantener el contacto diario con la música, y empecé a realizar sesiones de música electrónica usando como medio 2 reproductores de video VHS y pantallas de ordenadores recicladas de bancos, etc, que no eran ni siquiera en color, más bien las recuerdo en amarillo y negro. Mas tarde, compré un par de technics y una mesa Ecler sin ecualización por canal y empecé a familiarizarme con la sincro manual. ¿Por qué te decantaste por estilos como el Techno o el Hard? Quizás porque el techno es la madre del cordero. Mucha música de baile que se hacía por entonces estaba muy marcada por influencias agresivas como el punk, y como me sentía muy identificado con esa moda, busqué la forma de adaptar esa contundencia a mis sesiones con sonidos 4x4, que pudieran ofrecer ese punto de locura necesaria para crear una atmósfera entre la felicidad y el sálvese quien pueda. Siempre me ha gustado escuchar todo tipo de música. De esta manera se adquiere la educación necesaria para seleccionar en tus sesiones los mejores tracks, combinarlos para que lleven la evolución necesaria, y poder justificar la confianza depositada del empresario que te contrata y del público que paga su entrada. Participaste con tus Sets en los míticos programas de Zona 3 de Sonia Briz en Radio 3. Me imagino la cantidad de gente que aspiraría a eso. ¿Qué pasos tuviste que dar para conseguir algo así? Lo recuerdo con mucho cariño, ya que Sonia Briz era una maravillosa persona que me dio la oportunidad de mostrar mis mezclas a toda España. Internet no estaba en auge, y la única manera de promocionarte era la radio, y si era a nivel nacional, pues mejor que mejor. Yo escuchaba y grababa cómo hacíamos todos el programa, pero también pensaba que yo podía sonar en Zona 3. Confiaba en mis posibilidades, así que un día grabé una sesión y se la mandé por LaCarne Magazine

correo ordinario. Recuerdo el título: Primera campaña de ayuda al techno de consumo reducido. Es posible que este título reivindicativo pudiera hacerle gracia o simplemente la escuchó y pensó “quien coño es este loco que mezcla hard techno con semen-up y con derribos arias??”. El caso es que me llamó por teléfono y me dijo que lo iban a emitir un viernes. Te puedes imaginar el subido de adrenalina que supuso. En realidad, la sesión pasó un poco desapercibida porque no la volvieron a repetir. Pasaron unos meses y grabé El techno que nos une, y se lo mandé con la esperanza del reconocimiento que no conseguí la primera vez. La emitieron un Sábado y el Lunes me llamó Sonia para decirme que si era consciente de la aceptación positiva que había tenido el set. Creo que puede que sea la sesión más repetida en Zona3, quizás más de 15 veces y siempre a petición del oyente. Esto me consolidó y, bueno, empecé a ser habitual colaborador por lo menos un Sábado al mes. Fue genial!! Sabemos que has participado en multitud de festivales dentro de España, y te has recorrido muchísimas salas del panorama nacional. ¿Con qué festivales te quedas? Tengo muy buenos recuerdos de los festivales Womad y, sobre todo, del 2003. Fue una conexión maravillosa con el público, y el set estuvo a la altura del acontecimiento. También me gustó mucho la experiencia vivida en el festival Hard Héroes de Udine (Italia), la gente que esperaba en la pista quería ver a Federico, y esto me sorprendió muchísimo porque realmente no me lo podía creer. En realidad, son muchas fiestas y todas tiene su encanto y todas merecen el respeto que el público muestra por tu trabajo. Fuiste uno de los pioneros en España que introdujo el schranz en sus sets. ¿Cuándo y dónde fue la primera vez que escuchaste este estilo musical y por qué decidiste introducirlo en tu sonido? Yo siempre he buscado la agresividad en mis sesiones y hubo una transición, un vacío musical durante un tiempo. De repente se dejó de producir buen techno, buen hard techno, todo era muy igual y el mínimal empezaba a entrar con fuerza. En mi afán de mostrar algo diferente, y ante la ausencia de recursos, empecé a investigar nuevas tendencias y estilos. Todo esto me llevó a conocer el schranz justo cuando se empezaba a escuchar en Alemania. Me interesaba mucho y empecé a familiarizarme con el estilo. Fui pionero del schranz en España. Que venía Robert Natus?, pues me llamaban, que venían Sven Wittekind, Pet Duo, Arbus, etc? siempre me llamaban para pinchar con ellos. Por un tiempo estaba convencido del estilo, de la velocidad, de que no había nada mejor que el Schranz, pero justo cuando lo más fácil hubiera sido explotar que ya estaba en el circuito, sentí que me estaba equivocando, que ya no disfrutaba, que este sonido no me aportaba nada, y que el público que asistía a este tipo de fiestas no tenían ni idea de música. En realidad para mí el schranz es una mierda.

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También es cierto que la calidad en las producciones de schranz, a medida que se iba facilitando el home studio y la tecnología avanzaba, eran cada vez más pésimas. ¿Qué equipo utilizas en la actualidad para tu sets? Actualmente llevo un portátil con traktor y ableton. Los 2 programas los manejo con un controlador de faderfox un poco especial llamado 4midiloop, que me ofrece todas las opciones necesarias de configuración para todo. También llevo el push de ableton para lanzar adornos y controlar Drumazon de D16Group. ¿Cómo ves la escena electrónica hoy en día? ¿Era más fácil hacerse un hueco en este mundillo antes o ahora? Y a nivel de salas ¿crees que es más fácil mantener una o era mas fácil cuando tú empezaste? Hombre yo creo que llevar un negocio es igual de complicado ahora que antes. La principal ventaja de ahora es que no tienes que educar al público y decirles: “oye que esto es techno”. La gente ya lo conoce y hay más público potencial, y por lo tanto más mercado. Darte a conocer ahora es más fácil básicamente porque existe internet, pero a la vez esto lo hace menos fácil porque hay más competencia. Hay mucho talento a diario que se muestra en la red y solo el que se lo merece llega a obtener el reconocimiento del circuito underground. Otra cosa diferente es si nos fijamos en el circuito de famosillos aburridos y que venden su presencia en bolos, donde lo que menos importa es la música. También está la parte de culpa que tienen los empresarios mediocres que prefieren no arriesgar y cubrir gastos con los que le cubren la noche GRATIS. Es un poco culpa de todos, así es en la música y en la vida, mucho trepa pero yo no me agacho. ¿Podrías decirnos en qué andas metido en lo que a producciones y actuaciones se refiere? Últimamente estoy muy centrado en la producción porque tengo la intención de consolidar mi sonido, y estoy buscando la manera de hacer algo que sea reconocible y que tenga calidad. No sé si lo conseguiré, pero estoy en el intento y espero que este año sea un punto de inflexión. Paso muchas horas en el estudio y deseo que esta dedicación tenga su recompensa. Por este motivo ahora dedico menos tiempo a visitar salas, aunque en ningún caso declino actuar salvo que no me convenza la propuesta porque a estas alturas no estoy como para experimentar mucho. Me ilusiona pero no a cualquier precio. Por ultimo, ¿dime tres temas de la música electrónica que sean atemporales para ti? No soy mucho de temas, principalmente porque prefiero reconocer la trayectoria de los artistas que puntualmente un track en concreto. La música de baile es muy pasajera y ahora mucho más que antes. Yo mismo compro, uso y borro. Puede que sea una manía pero difícilmente utilizo tracks de hace 1 año en un set, y difícilmente verás mi disco duro lleno de música antigua. Hablando de música antigua, tengo cajas y cajas de hace muchos años pero que no les quito el polvo nunca, simplemente porque considero que ahora se hace mejor música que hace un mes, y peor que dentro de un año. Es una cuestión de medios simplemente. Hay mucha gente que habla de temazos, de música antigua, de pelotazos etc, y yo me río de la música antigua. No te digo que algún día la ponga porque haga un set para recordar, pero te aseguro que no me va a llenar como me llena un buen track de techno de esta semana. Muchísimas gracias por todo Federico, ha sido un placer poder hacerte esta entrevista y espero poder disfrutar de tu música muy pronto. LaCarne Magazine

DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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Soul Capsule - “Lady science” Ibellini - “that´s Right” Anja Schneider - “Love Tube Thinking”

Seth Troxler - “Blue Rawls”

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Chaim - “Too Dark for you” Mathew Jonson - “Level 7” (Dixon remix) Mathew Jonson - “Kissing your Eyes” (Tale of Us remix) Pentatones - “Karma Games” (Steve Bug retouch) Faze Action - “In the Trees” (Jerome Sydenham & Tiger Stripes rendition)

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Mia Dora - “Clear”

Ocean Cocktail & Lounge extremadura de club

Esta vez, en Extremadura de Club, vamos a hablar de un local que lleva muy poquito tiempo entre nosotros. Fue inaugurado en Cáceres este verano, y la verdad que, por como está respondiendo la gente a sus sesiones de los sábados, se nota que hacía falta un local así. Nos referimos a “Ocean Cocktail & Lounge”, situado en las traseras de la Plaza Mayor (antiguo Room), y que todos los Sábados tiene una programación con electrónica en directo. Y para hablarnos un poquito de él contamos con su propietario Eduardo Leal. Lo primero que me doy cuenta al entrar en Ocean Cocktail & Lounge es la gran reforma que has hecho en el local. Has cambiado hasta los aseos, y el local lo agradece mucho (parece un local totalmente distinto). Me imagino que tanta obra, y con la inauguración con vistas a un corto periodo de tiempo habrá sido una locura. Pues la verdad que sí, no fue fácil ni mucho menos. Sabemos cómo son las reformas, te planteas una fecha y finalmente se va alargando hasta el último momento. A parte tienes en mente muchos cambios y muchas ideas para la reforma, pero claro, la realidad es otra y el presupuesto es otro. Así que te vas ajustando al máximo para que quede lo mejor posible con lo que dispones. Al final, lo importante es que todo salga bien e intentar que le guste a la gente y que ese día tan esperado, la apertura, salga lo mejor posible... y así fue, una gran apertura, excelente respuesta que siempre recordaré. LaCarne Magazine

Sabemos que has trabajado en mas locales, Edu, pero ¿es la primera vez que lo haces desde la perspectiva de ser empresario? Sí, siempre he tenido ganas de montar algo propio. Desde que llegué a Cáceres, casi 10 años, siempre me he dedicado a los bares, es algo que llevo dentro y que siempre me ha gustado hacer, pero llegó el momento de volar y plasmar todas esas ideas y conocimientos que se van adquiriendo con el paso de los años, y las aportaciones que te van dejando cada sitio en el que he trabajado, de los cuales estoy muy agradecido. Si me permites que los mencione: La Parrilla Galarza, El Corral de Las Cigüeñas y Mastropiero Gastrobar. Retomando la pregunta, la perspectiva claro que cambia, las responsabilidades son infinitamente más grandes. Ahora hay que preocuparse de pagar facturas, pagar deudas, cubrir necesidades y dar el 200% al cliente. Lo que no cambia son las formas, es decir, primero fui camarero, y después empresario. El camarero es algo que siempre llevaré dentro, nos debemos al público y esa perspectiva nunca cambiará. El hacerte dueño de tu negocio te da esa libertad o por lo menos la posibilidad de poder hacer “realidad” tus sueños, pongo entre comillas “realidad” porque la realidad en gran medida es otra,. Tenemos muchas ideas, muchos planes, y sobre todo mucha ilusión por hacer todo eso que queríamos, pero te das cuenta que solo de la ilusión y las ganas no se vive, así que todas esas cosas que querías hacer, no puedes hacerlas tal cual por diferentes motivos. El principal, el dinero, todo se traduce a cifras y números, pasamos a ser esclavos de ello. Así que fácil no es, pero, una frase que me dijo mi madre y siempre recordaré: “nadie dijo que fuera fácil”. Pues así es! De fácil, nada! Pero creo que el que se mete en algo así es porque nos gusta lo difícil, los frutos que recoges tienen otro sabor! Así que bueno, aquí estamos con más ilusión y más ganas todavía para hacer realidad todos esos planes que teníamos en un principio. La verdad que en gran parte ha sido gracias a muchas personas muy importantes en mi vida, que me han ayudado lo que no está escrito, y a las que les debo mucho. Ellos saben perfectamente de quiénes hablo, y mención especial para dos grandes mujeres que comparten el mismo nombre... por algo será... Gracias! ¿Cómo surgió la idea de programar todos los sábados Música Electrónica? La idea surge por la demanda de este público y gracias al apoyo de un gran amigo, yo diría que el mejor a lo que música electrónica se refiere, J.Palomo. Como dije antes, este género musical es bien apreciado por el público Extremeño, especialmente Cáceres, que es donde está el local, un gran público al que no conocía del todo hasta ahora, y del que me he llevado una grata sorpresa, respetuosos y con ganas de escuchar buena música. En un principio mi idea era cambiar la etiqueta de bar de música electrónica exclusivamente y hacer algo distinto, pero por qué no hacer las dos cosas? Algo diferente y para todos los públicos. La semana tiene muchos días y a mí, por ejemplo, un día me apetece bailar una salsa y si no, me enseñan, y otro día me apetece escuchar un buen dj y disfrutar de un cóctel a la vez! todo es posible! Así que viendo la gran repuesta de parte de los que aman lo diferente y la música en general, todos los días hay algo diferente, y los sábados en el Ocean Cocktail & Lounge habrá un Dj dispuesto a darlo todo. ¿Cómo ha respondido el público ante esa apuesta de traer Djs todos los Sábados? Un Inmenso Notable. Están respondiendo más que mejor, gracias a ellos ya todos los sábados hasta el mes de Marzo están cerrados, y buscamos ampliar la oferta. De verdad que ha sido un gran acierto esta apuesta, que, de seguir así, en poco tiempo podríamos estar hablando de grandes cosas que hay pensadas...

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¿Qué estilos dentro de la Música Electrónica podemos escuchar en esas Sesiones? Pues abarcamos casi todos los estilos, desde el House al Tech House, pasando por el Nu Disco, el Deep House, Techno... Cualquier estilo es bueno y siempre solemos contratar a Djs que saben estar en la cabina de un Club, ya que es muy diferente pinchar en una fiesta a las tres de la mañana, y llevar un local desde primera hora, donde la gente no empieza con ganas de bailar y hay que ir dándoles lo que van queriendo desde el primer minuto! ¿Que le dirías al público para que se acercase a Ocean Cocktail & Lounge? Sabemos lo que te falta, la diferencia la marcas tú. En el Ocean todos sois V.I.P. Sólo pedimos que vengas una vez, de que repitas nos encargaremos nosotros! Por último, ¿podrías avanzarnos la programación de Febrero? Pues el Sabado 7 contaremos con nuestro residente, J.Palomo, seguido el 14 por Ivan Oliva, el 21 será Jesus Vaca y el 28 cerrará el mes Esteban Arroyo.

http://www.oceancc.es https://www.facebook.com/oceancaceres Bueno pues esto es todo por este mes. Como veis, ya tenemos de nuevo en Cáceres un sitio donde poder escuchar Electrónica de calidad todos los Sábados, no dudéis en acercaros!!! LaCarne Magazine

BOSS AND OVER (Madrid) por Manu Herrera DISCO: Preludio en Funk Menor (2012) TEMAS: 10 WEB: http://www.bossandover.com “Preludio en funk menor” es el primer trabajo del quinteto Boss and Over, grupo veterano en algunas de las salas más emblemáticas de Madrid. Provienen de muy diferentes estilos , pero encontraron su identidad a través de la improvisación y de la incorporación paulatina de diferentes miembros hasta completar el actual quinteto, en el que cada músico integrante aporta su calidad compositiva e instrumental. El título del disco ya nos da una idea clara del estilo en el que se mueven, ofreciendo una colección de diez temas protagonizados por el funky y la fusión, liderados por la voz de Sandra de la Portilla.Temas muy elaborados y con un alto nivel compositivo e instrumental, cuya producción no les hace justicia. Me han llamado especialmente la atención “Deep into Ourselves”, en el cual el grupo se mueve con asombrosa soltura entre estilos tan dispares como el Clown y la música centroeuropea hasta la música cubana y los ritmos latinos, y también “I want it”, con su funk rabioso. A destacar las improvisaciones del saxofonista Guillermo Sánchez y el excelente groove del tándem formado por Jacobo Lansac y Jorge Vallejo (bajista y baterista de la banda respectivamente) soportando todo el peso rítmico y aportando infinidad de cortes y arreglos. VAN SOBRAOS EN: Calidad instrumental y compositiva. LO QUE YO CAMBIARÍA: Una producción que no está a la altura del excelente trabajo instrumental y vocal. LA SENTENCIA: Una magnífica banda funk con un groove impresionante. AMBROS CHAPEL (Valencia) por Enrique Falcó DISCO: The last memories (2014) TEMAS: 10 WEB: http://ambroschapel.bandcamp.com Desde tierras valencianas, el cuarteto Ambros Chapel nos presenta el que sin duda es el disco definitivo de su carrera. Soberbia producción, elegantes arreglos y un sonido muy cuidado a la altura de grandes producciones internacionales, y si no lo creen deleitense con el sonido de bajo y batería en la intro del segundo tema “Cellophone”, cortado por unas guitarras que arañan escalofríos y una voz que electrifica la sangre. The Last Memories es una gran colección de canciones en las que sin duda el extremeño Óscar Vadillo, última incorporación al grupo, ayuda a dar forma con su particular estilo en la ejecución de guitarras y coros.

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Sin negar influencias de artistas como David Bowie o The Cure, en este tercer trabajo en estudio no se acusa ni falta de ritmo y cuanto menos vitalidad, como en la intro “X” (una descarada declaración de intenciones) o una de mis favoritas, “Situation”. “Brazil” con una introducción inquietante y un interesante ritmo podría figurar sin duda como una de las destacadas junto con “Blackdress”, de nuevo con excelente bajo y la algo más comercial “Future Line”. VAN SOBRAOS EN: Personalidad. Ambros Chapel sabe cuál es su propio estilo y combina de fábula la marca de la casa con la innovación y la evolución natural. El disco suena a Ambros Chapel, pero con un aura de modernidad y frescura apasionante. LO QUE YO CAMBIARÍA: Sin duda Óscar Vadillo ha de contar con mucho más peso vocal. Su voz se acopla perfectamente con el grave registro de Pablo Casero. Su larga experiencia enriquecerá sin duda los siguientes proyectos del grupo. LA SENTENCIA: La escucha del disco sin duda despertarán las ganas de verlos en directo, donde no defraudan. El grupo tiene potencial y se nota, y están deseando demostrarlo por todo el país. Llegarán irremediablemente a tierras extremeñas y, sin duda, no pasarán desapercibidos. O’FUNK’ILLO (Sevilla) por Pedro Gallardo DISCO: 5mentarios (2014) TEMAS: 09 WEB: http://www.ofunkillooficial.com Si hay una banda en España con un directazo salvaje, sin lugar a dudas son O’funk’illo, y por fin tenemos su nuevo trabajo (el quinto de la banda). Le damos al play y “Soñar despierto” nos queda descolocaos con el tremendo bajo de Pepe Bao (al loro al solo que se marca) y las melodías de Andreas. La sensación es que se han dejado de tonterías ajenas a la música y se han centrado en hacer un discazo... y lo han conseguido. Una mirada al sonido O’funk’illo más puro, funcionando desde el primer tema, y con reminiscencias de sus primeros discos... Funk, melodías, metal, virtuosismo, creatividad... lo tiene todo. Me han gustado mucho los temas más cañeros como “Disturbio bipolar” o “Las lápidas no entienden”, quedando patente que no son un grupo hermético y que no se ponen límites a la hora de experimentar en el estudio, solo hay que escuchar “bajo y voz” y entenderás de qué hablo. VAN SOBRAOS EN: Experiencia y en tomar buenas decisiones. La parte compositiva tiene un nivel altísimo. LO QUE YO CAMBIARÍA: Por más que pienso no encuentro nada que haya que cambiar. LA SENTENCIA: Discazo por todos lados que recomiendo desde LaCarne Magazine. Muy buen trabajo, chicos! LaCarne Magazine

GONG (Francia) por Dave Lerman DISCO: I see you (2014) TEMAS: 12 WEB: http://www.planetgong.co.uk Para los que no conozcan a la banda, tenemos en nuestras manos uno de los máximos representantes del sonido Canterbury (la rama del rock progresivo más influenciada por el jazz). Su líder, Daevid Allen, formó Gong en París tras su paso por los míticos Soft Machine. Por esta banda han pasado músicos de la talla de Allan Holdsworth o Bill Brufford (Yes), y en este, su ya duodécimo álbum y tras numerosos cambios de formación, nos encontramos a Orlando Allen (batería), Ian East (saxo y flauta), Kavus Tobabi y Fabio Golfetti (guitarras), y Dave Sturt (bajo). Daevid Allen, nos ofrece a sus 75 años “I See You”, un ecléctico rock progresivo con muchos tintes jazz y avant-garde. Un disco lleno de matices, en el que se combinan excepcionalmente el virtuosismo y la improvisación con momentos experimentales y de psicodelia. Los amantes del prog pueden encontrar influencias de los grandes grupos del género. En general, un disco muy completo en el que es imposible no recordar a King Crimson escuchando el tema Occupy, o a Genesis, en piezas como Thank You; y con temas frenéticos de jazz-fusión –con miradas a Frank Zappa– como Syllabub. En los 12 cortes que componen este I See You destaca una producción muy enfocada a rememorar el sonido de los 70’s y 80’s. VAN SOBRAOS EN: Saber hacer y variedad. LO QUE YO CAMBIARÍA: Nada. LA SENTENCIA: Una joya para disfrutar más con cada escucha. EL VIAJE DE ROSE (Extremadura) por Enrique Falcó DISCO: El viaje de rose (2012) TEMAS: 12 WEB: http://www.elviajederose.es Aunque entre las influencias de los miembros de los extremeños El Viaje de Rose puedan apreciarse diferentes estilos, sin duda catalogaría a la banda como un grupo puro de música pop con pinceladas blues y funkys. 12 temas en donde la cantante y guitarra Ana Isabel Broncano, y el batería Daniel Cardiel Olivera se reparten la autoría, aunque sin duda todo el grupo participa en los arreglos. Se agradece que una vez más un batería ayude a destruir el mito de que sean éstos los menos creativos en una banda, en la que tras la escucha del disco y el excelente directo se hacen casi imprescindibles las colaboraciones al saxo.

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Destacaría especialmente temas como “Caos”, en las que sin duda la banda brilla a relevante nivel instrumental, con un rift brutal de saxo al comienzo de las estrofas y al final de la canción, y un toque funky de guitarra inmejorable, sin olvidar el texto con una frase brutalmente sincera: “... Llámame al menos alguna vez... pero no vuelvas, no vuelvas”. Toques melancólicos deliciosos en las letras y melodías de “Tras la vida” y “perdisteis”, sin olvidar “Mi Luz”, que cumple a la perfección su función como intro y carta de presentación. VAN SOBRAOS EN: Elegancia y sonido meticuloso. El grupo se siente cómodo en los tiempos medios con arreglos elegantes cercanos al blues. LO QUE YO CAMBIARÍA: Más presencia vocal de Ana Isabel. Más voces dobladas, altas y bajas con la ayuda inestimable de Daniel y el teclista David González, quienes sin duda pueden aportar más colorido a los coros. Me gustaría que poco a poco emplearan un sonido más sucio en las guitarras y ritmos más rápidos en los siguientes trabajos. LA SENTENCIA: El Viaje de Rose se desarrolla sin prisas, a velocidad de crucero y teniendo muy claro cuales son las escalas en las que han de detenerse para indagar. Sobriedad, elegancia y clase. A seguir viajando sin prisas, pero sin pausa. KAMCHATKA (Suecia) por Pedro Gallardo DISCO: The Search Goes On (2014) TEMAS: 10 WEB: http://kamchatka.se Y con Kamchatka llegó el espectáculo! Los suecos están que se salen y su último trabajo es manjar de los dioses para los amantes del rock añejo y el stoner más sucio. En este quinto álbum, la banda nos regala diez temas donde la baja de Roger Orjesson no parece haber hecho ninguna mella en la inspiración de sus excompañeros. Kamchatka siguen haciendo trabajos redondos, y en este The search goes on tenemos esa fusión de rock, blues y stoner que saben hacer tan bien, incluyendo matices de sicodelía y ritmos de los 60 y 70. Está claro que quienes pensaban que eran demasiado parecidos a Black Keys estaban muy equivocados. De hecho, se acercan más a Queens of the stone age o Kyuss, donde la base no deja de pegarte en el estómago. Por cierto, Tango Decadence será un himno dentro de un par de años, y si no me crees, échale una escucha y lo comprobarás por ti mismo. VAN SOBRAOS EN: Profesionalidad y sonido. LO QUE YO CAMBIARÍA: Me hubiera gustado que todos los temas fueran más cañeros. LA SENTENCIA: Os recomiendo escuchar este trío sueco porque será una grata sorpresa para todos los que queráis entrar en este estilo.

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FLYLEAF (USA) por Oscar Trigoso DISCO: Between the stars (2014) TEMAS: 12 WEB: http://www.flyleafmusic.com Lo primero que se te viene a la cabeza cuando empiezas a escuchar el disco es que se parecen mucho a Evanescence, tanto en el estilo rockero melódico como en la voz de la nueva componente Kristen May. Pero cuando lo escuchas más detenidamente van saliendo detalles que lo diferencian del grupo que volvió a abrir la puerta a cantantes femeninas dentro del panorama del Rock duro (con permiso de Nightwish y Within temptation) a nivel superventas. Este es el cuarto trabajo de estudio de la banda Texana, y el primero después de la salida de su anterior cantante y compositora Lacey Mosley por el nacimiento de su hijo. Nos encontramos una producción muy moderna, sin perder de vista la potencia rockera. Eso sí, la forma de cantar y la melodía vocal en la mayor parte de las canciones es muy popera, lo cual llama la atención en este tipo de grupos, sobre todo para nosotros los Europeos, pero que en absoluto queda mal aunque la vocalista tiene tesituras vocales diferentes que sabe manejar muy bien, dependiendo de lo que pida la canción, otra de las características que llaman la atención al leer las letras es la orientación al cristianismo que vemos en muchas de ellas, algo casi impensable para grupos del viejo continente en este tipo de estilos, más bien todo lo contrario. El primer tema que nos encontramos es “Set me on fire”, un tema que destila mucha fuerza y claramente el single de “Between the Stars”. A lo largo del disco encontramos todo tipo de temas desde el pesado y potente “Well of lies”, el más experimental “City kids”, la popera “Blue roses”, o la potente “Traitor”. En definitiva, un buen álbum, muy accesible y quizás orientado a jóvenes que comienzan a escuchar estilos más hard rockeros. VAN SOBRAOS EN: Producción. LO QUE YO CAMBIARÍA: Formas vocales en los estribillos muy similar. LA SENTENCIA: Divertido.

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BLOODBATH (Suecia) por Oscar Trigoso DISCO: Grand Morbid Funeral (2014) TEMAS: 11 WEB: http://bloodbath.biz Impresionante despliegue de fuerza por parte de esta superbanda, cuyos miembros cuentan con una trayectoria apabullante. Un sinfín de trabajos publicados desde sus respectivas formaciones que hacen de ellos los números uno de la escena brutal/black Death. Es llamativo que en otras zonas del globo se hayan puesto de moda las superbandas formadas por estrellas del rock para, en su mayor parte, rendir tributo, aunque con canciones propias, a las grandes bandas de de los años 70 pero con un sonido más actual. En este caso nos encontramos con la misma idea, pero traspasado al death metal y a Suecia, la auténtica cuna de este estilo en nuestro viejo continente. Nadie como los suecos han sabido explotar este género y evolucionarlo hasta día de hoy en otras vertientes igual de interesantes. Y por su puesto, nadie mejor que ellos para hacer un proyecto como este Bloodbath, compuesto en esta ocasión por: Old Nick (PARADISE LOST), Lord Seth (KATATONIA), Blakkheim (KATATONIA), Sodomizer y Axe (OPETH), Chris Reifert y Eric Cutler como invitados (AUTOPSY), y en anteriores trabajos pasó uno de mis ídolos como Mikael Akerfeldt de Opeth. En cuanto al LP, es espectacular en todos los sentidos, evidentemente es para amantes del género y no tiene fisura alguna, te hará viajar por una película de terror en la que encontrarás todos los elementos clásicos del género, impresionantes riffs de guitarra, voces brutales y bien entonadas, velocidad endiablada, cambios de ritmo…, en definitiva, un despliegue de técnica y saber hacer, en el que se denota la experiencia de la banda y una producción que realza todo lo anterior con un sonido muy claro de todos los instrumentos y que sólo se podría llevar a cabo en Suecia. VAN SOBRAOS EN: Saber hacer. LO QUE YO CAMBIARÍA: No hay nada que cambiar. LA SENTENCIA: Reyes en su casa.

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