LaCarne Magazine N37

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Nº37 - May 2015 - AÑO 4

ARIELROT SINCERIDAD SOBRE EL ESCENARIO

CONTEMPOPRANEA DOVER - NOVEDADES CARMINHA

EXPERIENCIAS

EL FADE OUT - FUSIONICA - dj CHART

RESEÑAS

YOU DOG - COLORADO - BLUESKANK MIKE OLDFIELD - GOVT MULE - JJ GREY & MOFRO - SOTO - THE DRY MOUTHS - BAJA CALIFORNIA - ANEKDOTEN

ENTREVISTAS

ALEA FELLAS - BEER TO OSOS - LOS CHICOS DE LA LLUVIA - JALQANTARA - LA LOGIA LAMIJARA - PAUL ZINNARD - CARLA MERCHANT - BELO Y LOS SUSODICHOS CON MORA - MI CAPITAN - THE BUILDINGS

INVESTIGACION EN CLAVE DE FA - MARTES MUSICALES - EL JAZZ EN ESPAÑA

SUMARIO

Nº 37 aÑo 4 (MAY 2015)

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos (entrevistas, tutoriales, investigación, reseñas, opinión...)

06 a examen

48 lo mas destacado

08 CON FLOW Los Chicos de la Lluvia

54 la ventana nacional

12 CARNICERIA SANZOT El Fade Out. Vía de escape para virtuosos

60 JAZZ El Jazz en España

16 MUNDO DJ

Mi Capitan, The Buildings

Alea Fellas Vs Beer to Osos

Paul Zinnard, Carla Merchant Belo y los Susodichos, Con Mora

JAlqantara, Dj Chart

20 BARCELONA OCULTA

Tan lejos y tan cerca: el espíritu independiente del festival Fusiònica

24 MUSICA VIVA En clave de Fa

64 PARQUESONORO

70 EL GRAMOFONO You Dog, Colorado, Mike Oldfield, Blueskank, Gov’t Mule, JJ Grey & Mofro, Soto, The Dry Mouths, Baja California, Anekdoten

28 ARDE BOLIVIA! La Logia 32 mozart no pensaria esto Cap. 22: Martes musicales en miércoles 34 ESPECIAL CONTEMPOPRANEA Dover, Novedades Carminha 44 MUSICA Y EMPRENDEDORES Laura Martínez - Lamijara

38 ARTISTA DEL MES ARIEL ROT, sinceridad sobre el escenario

Equipo lacarne magazine Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y redacción Pedro Gallardo

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

Colaboradores

Sebastián Díaz, Porras, J. G. Entonado, Alex Janßen, Oscar Trigoso, Manu Herrera, Carlos Rubio, Paquita García, Ferry Ms, J Palomo, La Culpa, Enrique Falcó, Lorenzo Sanz, Crónico, Valen Via, José Luis Muñoz

www.lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

V

Nombre y sitio en el grupo

KSR (vocalista, MC)

Grupo

Alea Fellas

Años desde el primer concierto?

2 años

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Siempre que me tomo algo en serio tengo nervios, pero por suerte la tranquilidad suele estar por encima de ellos

Prefieres estar solo o acompañado?

Disfruto de la compañía de mi grupo aunque es cierto que un minuto a solas siempre me ayuda a concentrarme antes de cantar

Tienes ritual de subida al escenario?

Un caramelo para la garganta suministrado por mi DJ, mi salvador

Te has tirado al público alguna vez?

No, por ahora me gustaría mantener la integridad física… Intento conectar con el público de otra forma algo más sutil.

Después del concierto fiesta o cama?

Normalmente cama, me declaro bastante fan de dormir aunque también me guste salir de vez en cuando

Qué no debe faltar en tu camerino?

Una cachimba

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

A nivel nacional sería un orgullo compartir escenario con gente como La Bohème o Mi.Amargo, y a nivel internacional Joey Badass es quizás para mí el máximo exponente a día de hoy, puestos a soñar…

Un disco

Ready to Die de Notorious Big

Una canción

Shook Ones de Mobb Deep

Qué es lo mejor de dar un concierto?

El “cigarrito” de después

Y lo peor de dar un concierto?

El tiempo de espera antes de empezar a cantar

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Vs

A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Vicente González. Bajista y voz

Nombre y sitio en el grupo

BEER to OSOS

Grupo

Con Beer to Osos, dos. Con formaciones anteriores, muchos

Años desde el primer concierto?

Siempre nervios.... por muy bien que lo lleves

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Bien acompañado, por supuesto

Prefieres estar solo o acompañado?

Ninguno en especial

Tienes ritual de subida al escenario?

Supongo que te refieres a saltar encima no?.....Pues no, no lo he hecho nunca

Te has tirado al público alguna vez?

Fiesta para celebrarlo. A la cama vas todos los días

Después del concierto fiesta o cama?

Antes de subir, muchas ganas. A la vuelta, cervezas frías

Qué no debe faltar en tu camerino?

He compartido escenario con mucha gente grande del rock nacional, pero si pudiera, repetiría con Leño

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Made in Japan de Deep Purple

Un disco

La Grange de ZZ Top

Una canción

Disfrutar con lo que estás haciendo y ver a la gente pasarlo bien

Qué es lo mejor de dar un concierto?

Los agobios del antes

Y lo peor de dar un concierto?

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por Ferry MS

LosChicosdelaLLuvia Este mes desde Salamanca tenemos a Javi Dose y Alber Stewar, es decir, Los Chicos de la Lluvia, que nos presentan su último trabajo “CROSS”. Un disco muy personal y lleno de buenos ritmos y letras que no dejarán indiferente a nadie. Es un placer seguir dándole soporte a grupos jóvenes que trabajan duro por darle más nivel a una cultura que cada día está demostrando la gran calidad que tenemos en la escena del hip hop en España.

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Para los lectores de La Carne Magazine que no os conozcan y para todo aquel que quiera conoceros un poco más ¿Quiénes son Los Chicos de la Lluvia?

Bueno, como bien habéis dicho, somos Javier y Alberto, dos jóvenes de Salamanca que tenemos por hobbie rapear, algo que llevamos haciendo media vida prácticamente.

Con “Cross” recién salido del horno, contadnos, ¿Qué podremos escuchar en el disco?

En cuanto a letras se refiere, de todo. Son varios los estilos de ánimo que plasmamos en cada una de las canciones. Las instrumentales, aun siendo cada una distinta con el toque personal de cada productor que la caracteriza, hemos pretendido que sean lo más homogéneas posible respecto a la anterior para darle una línea recta al trabajo, un ‘‘guión coherente’’.

Tras “Planes” (2013) ¿Cómo ha evolucionado el grupo?

Las ideas están más asentadas, más moldeadas. Hemos madurado e intentado profesionalizar nuestro trabajo. Creemos que Cross es más ‘compacto’ que Planes, pues el concepto del anterior no estaba tan definido como el de “CROSS”. En definitiva creemos que el sonido actual es algo más crudo y elaborado.

El disco está lleno de colaboraciones de diferentes productores que le dan a “Cross” ese toque de dinamismo que muchas veces falta en un disco. ¿Cómo trabajáis en este sentido a la hora de hacer un nuevo trabajo?

Pese a que aparentemente resulta complicado fundir tantos estilos diferentes en uno, tenemos la suerte de que en la mayoría de los tracks trabajamos principalmente con amigos o conocidos. Ponemos en común gente que nos gusta a ambos y creemos que encajan en el concepto que tenemos en mente. En este caso, estamos contentísimos con todas y cada una de las producciones, son un gran pilar en LaCarne Magazine

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por Ferry MS el álbum.

Ya hemos podido disfrutar de dos videoclips del nuevo trabajo ¿Cómo os planteáis los formatos para promocionar el disco? ¿Cómo veis el mercado actual para hacer llegar a más personas vuestro proyecto?

Está claro que vivimos en la era digital, no nos queda otra que amoldarnos a lo que nos viene.

Spotify, I-tunes, Youtube… Intentamos manejar todas las plataformas posibles. Pero por supuesto no nos olvidamos del formato físico, aunque sacaremos una cantidad muy reducida de copias, seguimos creyendo en la “música tangible”. Que por cierto, muy pronto estará disponible en www.044wear.com. Como ya hemos dicho la edición es muy limitada. Así que si alguien está interesado y quiere reservar su CD: loschicosdelalluvia@gmail.com

“Cross” salió el 4 de marzo, ¿Qué tenéis planeado de aquí en adelante? ¿Gira? ¿Nuevos proyectos?

De momento estamos cerrando conciertos por toda España para presentar el disco, tenemos a la vista muchas ciudades confirmadas y por confirmar.

En cuanto a nuevos proyectos, tenemos pendientes proyectos individuales y seguro que no pararemos de soltar cosillas de vez en cuando.

Desde La Carne Magazine os deseamos toda la suerte con este nuevo disco y os damos las gracias por vuestro tiempo para nuestros lectores Muchas gracias a vosotros por el apoyo y por dedicarnos este pequeño espacio en vuestra página. Ha sido un placer, de corazón.

Para los lectores solo recordar que nos podéis encontrar en todas las redes y contactarnos a través de loschicosdelalluvia@gmail.com.

Muchas gracias a todos, un fuerte abrazo

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Youtube: loschicosdelalluvia Instagram: loschicosdelalluvia Twiter: LC2L_ Facebook: Los Chicos de la Lluvia Soundcloud: Los Chicos de la Lluvia LaCarne Magazine

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El Fade Out. Vía de escape para virtuosos

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l Fade Out, también conocido como fundido, es un recurso de estudio muy utilizado en la música, que consiste en ir disminuyendo poco a poco el volumen de la canción.

Normalmente se utiliza para finales de temas, y son muchos los músicos y críticos quienes insisten en que tras una canción con final Fade Out se esconde falta de creatividad y originalidad, pues un tema completo y redondo siempre ha de tener principio y final, y solo así una canción puede denominarse como tal.

Quien despieza el mejor género cárnico para ustedes desde esta carnicería Sanzot no puede estar más en desacuerdo, máxime teniendo en cuenta la cantidad innumerable de grandes canciones que han plasmado para la historia con tan digno destino. El quid de la cuestión se halla como siempre en el modo de utilizar dicho recurso. Bien es cierto que en ocasiones es una solución desesperada ante la falta de ideas para un final digno, pero existen temas que piden a gritos un final Fade Out, bien porque la fuerza de su estribillo tienda a repetirse cual sonrisa contagiosa o por el contrario se busque un efecto calmante o desestabilizador.

En el caso de los músicos ejecutantes puede ser un recurso muy divertido para

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permitirse licencias en forma de virtuosismo instrumental que no han de resaltar durante el resto de la canción. Cantantes, bajos, guitarras, baterías... parece que todos poseen carta blanca para explayarse e incluir pequeños detalles que a veces son inapreciables en las partes finales. Algunos esconden verdaderas joyas de alto nivel interpretativo de las que no ha lugar en un estribillo, estrofa o sólo de algún instrumento, por aquello ya se sabe, de no distraer la atención en plan vanidoso McCartney cuando el pobre Harrison efectuaba sólos como el de “SomeThing”.

Lamentablemente, en la actualidad, con la moda de las reediciones muchas veces se pierden algunos de estos matices. Recuerdo la canción “The Most Beautiful girl in the wordl” de Prince, en el que el genio de Mineápolis realiza una complicada ejecución vocal, llegando más allá del falsete hacia notas que ni siquiera deben existir, de gran belleza que alcanza el clímax en los últimos instantes del fade out final. Para desgracia de los que disfrutamos con estas pequeñas joyas ya no se encuentran aquellas virguerías vocales del excelente músico en las nuevas reediciones, por lo que conservo aquella original de los 90 como si de una pieza de coleccionismo se tratara.

Es realmente gozoso para los amantes de la batería deleitarse por ejemplo con estupendos breaks y contratiempos en los instantes finales del “Easy Lover ” de Phill Collins y Philip Bailey, o con la voz de Lennon al revés en “Rain” o por ejemplo las virguerías al bajo de McCartney en los instantes finales de Magical Mistery Tour.

“El grupo extremeño Tam Tam Go! oculta entre sus fade out una particularidad que muy pocos seguidores del grupo conocen”

Es curioso, pero si pensamos en grupos amateurs no suelen prodigarse en este fenónemo. Quizás, claro está, por aquello de trabajar más los ensayos para el directo en donde tan excepcional fenómeno es imposible de utilizar. Si me pongo a pensar me cuesta encontrar una maqueta o demo de algunos de los grupos extremeños en donde aparezca dicho recurso. Me viene a la cabeza una maqueta del grupo pacense DOCH (en el que varios de sus miembros, como el excelente cantante Enrique Martínez militaban en la conocida formación Fantic) que en su día comenzaba con el tema “Safety” al revés, es decir en vez de acabar la canción bajando progresivamente el volumen arrancaba de menos a más, creando un efecto realmente estupendo. En mi época de músico en activo creo que fueron un par de temas del grupo Left Brothers, “Cartas” y “Soledad” incluídos en Soledad (2014, Maidins) aunque creo que nunca en maqueta con ninguno de mis otros grupos.

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El grupo extremeño Tam Tam Go! oculta entre sus fade out una particularidad que muy pocos seguidores del grupo conocen. Recuerdo en pleno pelotazo del Espaldas Mojadas (1990) cuando en la canción del mismo título Nacho Campillo cantaba aquello de “Tu me quieres, yo te quiero, tu me quieres, yo te quiero no hay dinero...”. Se convirtió en una frase muy conocida de la canción, pero pocos saben que ya podía escucharse años antes en el primer corte de Spanish Suffle (1988) en la versión original de lo que luego se convirtió en “Manuel Raquel”. Me refiero a “Lawrence´s heart is weak” en la que a pesar de ser interpretada en inglés puede oírsele a Campillo en el fade out final dicha frase en español.

Lo mismo ocurre en Spanish Romance (1989) en una de las mejores canciones del grupo, que increiblemente no fue incluída en el LP original en vinilo y solo podían disfrutar los que adquirieron el cd, “Granada Eyes”, otro precioso tema en inglés que incluye la famosa frase de Nacho Campillo en el fade out final.

Como muestra de que aunque me pirren los fade out estos no siempre están exentos de negatividad, quiero hacer constancio de una chapuza cometida en este país en el año 1991, cuando a los editores del Boom 91 (Aquellos recopilatorios que salían todos los años con los éxitos del momento) se les ocurrió cortar “Entre dos tierras” de Héroes del Silencio con un fade out al comienzo del punteo central, a la postre la mejor parte de la canción. ¡Lamentabe e incomprensibe!

Otro aspecto poco práctico de los fade out es a la hora de “interpretar ” un playback, por lo que no comprendo como artistas de primer nivel siguen escogiendo canciones con fade out final como single de promoción.

Amigos lectores, ya sabéis, a escuchar las canciones hasta el final, puede haber una sospresa escondida. Y a tí, amigo músico... no te cortes, ejecuta esos gorgoritos que tantas ganas tienes de soltar, o ese redoble de batería... aprovecha los fade out. Si total, es casi el final de la canción... y apenas se va a oír.

Contacta conmigo desde blogdeenriquefalco@hotmail.com

http://enriquefalco.blogspot.com.es/ 14 LaCarne Magazine

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Jalqantara https://www.facebook.com/MagneticMusicProject

La persona de la que os voy a hablar, y que es protagonista de la entrevista del mes, es de sobra conocido en Extremadura y en buena parte de la geografía nacional. Referente para muchos Dj, más de uno en la región lo son porque han querido seguir sus pasos.

Residente de locales y salas tan míticas en Extremadura y fuera de ella como Bassago House Club, Le Troupe Café, Festival, Mattrix y Freedom Hall, ha participado en multitud de Festivales como Satisfaxion Festival, Womad, Spash, Trotamundos Festival o Hebben Live entre muchos, y es creador del Sello Magnetic Music junto a Darius Vicius. Estoy seguro que muchos ya sabéis de quién estoy hablando, y es nada más y nada menos que de Juanma Valiente aka Jalqantara.

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Buenas Dias, Juanma! Son ya quince años en Cabina. ¿Te acuerdas de cómo comenzó todo?

Buenas, no son 15, son 18 años ya. Uff, claro que sí... todo empezó en el año 1997, bueno, empezó antes… sobre el año 95, que cambié mi guitarra y mis garitos de rock por la música electrónica, descubriendo esta música en Alternative Mérida y Psicódromo (Cáceres). Luego, en el 97 probé un día con discos y platos de mi gran amigo y socio en Magnetic Music Project, Manu MARISCAL y descubrí que esto era lo mío. ¿Qué o quién hizo que te acercases al mundo de la Música Electrónica?

Por supuesto Chelo, mi eterna novia y Jose Galindo, dueño del Alternative. Me pasaba las horas observando mientras él pinchaba. ¿Estuviste aprendiendo durante mucho tiempo antes de dar el salto a una cabina?

Desde el primer día me puse delante del público. Se me daba bien. Supongo que gracias a haber tocado instrumentos antes.

Y ya puestos ¿cuál fue la primera sala que pisaste para actuar?

Mi propia sala, que se llamaba Al-qantara, y ahí estuvimos durante 7 maravillosos años. ¿Había muchos DJs que solo pinchasen Música Electrónica en tu ciudad cuando empezaste?

No, había 3 o así en Mérida y alrededores.

Has sido Residente de las mejores Salas que han existido en la Región y en sus mejores etapas, pero te voy a poner en un pequeño aprieto jejeje. ¿cuál es la que más ha significado para

ti, por los motivos que sean?

Por supuesto Mattrix, aunque en Bassago también he pasado muy buenos ratos.

Y ya de paso ¿por qué motivos?

En Mattrix fue donde di el salto. Ahí he compartido cabina con los mejores djs del mundo. He sido residente prácticamente todos los sábados durante 7 años gracias a Javi y Sanaa. La mejor etapa de la música electrónica en Extremadura.

Todos los que conocimos Mattrix (Vva de la Serena) nos acordamos de cómo estaba esa Sala todos los fines de semana, teniendo una capacidad de más de mil personas estaba llena o casi llena una semana tras otra. ¿Crees que en la actualidad se podría mantener una Sala con ese aforo?

Ahora es imposible. Han cambiado mucho las cosas.

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¿Y por qué motivos?

La gente se reparte más porque hay más sitios donde ir a escuchar electrónica, hay menos dinero, el problema de conducir… ¿Dónde te sientes mas cómodo, en un Festival o en un Club?

Sin duda en un club.

Sabemos que has producido varios Tracks (Consuelo´s Revenge,) y referencias (Multiorgasmic ep), nos gustaría saber si vas a lanzar algo nuevo en breve.

Pues sí. Ahora estoy trabajando en un nuevo track junto con Darius Vicious, que espero que en mayo, lo más tardar junio, salga a la luz. ¿Nos puedes decir bajo que sello saldrá?

Saldrá bajo el Sello DJ Pro Records. ¿Por qué decidisteis Darius y tú trabajar juntos?

Conocí a Darío hace bastantes años ya. Él es músico violonchelista y enamorado de la Electrónica. Tenemos mucho en común musicalmente hablando, y decidimos fusionar nuestros conocimientos musicales y aquí está el resultado. Hacemos música juntos y nuestro estilo es Anárquico. No nos regimos por ningún estilo, ni intentamos imitar a ningún músico o productor.

Esa es la idea, hacemos lo que nos apetece. ¿Qué equipo utilizas para tus Sets?

Traktor s8. ¿Y para la producción?

Trabajo con logic y diferentes máquinas. ¿Crees que para ser un buen DJ hoy en día hace falta ser productor?

No, hay djs buenos que producen mal y productores buenos que no son muy finos pinchando.

Pero unas nociones musicales y un repaso de todo tipo de género musical creo que es muy importante para entenderlo todo. ¿Podrías darnos un adelanto de tus proyectos a corto plazo?

Seguir así, con las mismas ganas de siempre.

Esta pregunta es obligada para todos, dime tres temas de la historia de la Música Electrónica que sean atemporales para ti. ”Panoramix” - Laurent garrnnier, “Phobos” - Stephan Bodzin y “Number in between” - Adam beyer & Jesper Dahlback Y ya para terminar ¿podrías darnos un adelanto de tu agenda para poder disfrutar de tus Sets si estamos cerca?

16 mayo en Izaro 3.0, Mérida - 22 mayo en Impacto, Plasencia - 23 mayo en Zirk-Us, Badajoz - 30 mayo en Bujío, Mérida

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DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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Oscar Offerman - “Moomin-Haardmood” Venus Dodson - “Shining”

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Lay Far - “Can’t Deny” (Phil Asher remix)

4

Mamacita - “Luz”

5 6 7 8 9 10

Frankie Knuckles - “Your Love” Dorisburg - “Smuts” Jonson Mathew - “Magic Through Music” Lake People - “Point in Time” HVOB - “Ghost” Love Over Entropy - “Toni” (Dixon retouch)

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Tan lejos y tan cerca: el espíritu independiente del Festival Fusiònica

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ronto se encetarán un séquito de festivales por toda España que traerán a muchas caras conocidas y que, en grandes trechos, se repetirá la misma ceremonia de cada año con bandas de reconocido prestigio y fama mundial. Cuando haya terminado el verano todo habrá finalizado hasta la primavera siguiente. Basta ya, de verdad. Muchos ya estamos hartos de ver siempre las mismas caras de la moneda. Aunque no lo parezca, los amantes de la buena música también necesitamos cariño, y no grandes afluencias de personas para ver quién sobrevive y quién es derrotado, perdiendo su cartera, gafas y desperdiciando un caro refresco por encima de la multitud. Para los que son más melómanos está muy bien ir a grandes festivales para disfrutar en directo de los discos que tanto nos gustan, pero también nos atraviesa esa curiosidad para ver qué hay más allá del horizonte comercial.

caustic roll dave

Ahora que existen Spotify y Bandcamp, y aunque estas plataformas online parecen facilitar las cosas, resulta una ardua tarea encontrar grupos minoritarios con los que empezar a compartir afinidades musicales. Porque la verdad es que hay muchísimos. Por suerte, aquí encaja aquella sabiduría popular que dice: no es oro todo lo que reluce. Y hasta este punto todo parece ser optimista. Una vez decides dejarte llevar por los temas de un grupo que no conoces

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valina de nada y te das cuenta de que te convencen mucho, terminas rezando: ahora, por favor, un directo cerca de casa. Ante este punto de autodescubrimiento uno parece no poder hacer nada.

No puedes presionar al grupo para exigirle directos al bar que hay justo debajo de tu casa. No. Empiezas a delirar. ¿Qué hago? Porque necesito verlos en directo… Muy sencillo, la primera opción es quedarte en casa y joderte escuchando una y otra vez los mismos álbumes con tal de conciliar el sueño muy pronto. Y la segunda opción es…

Desde hace unos años se ha abierto una brecha muy diminuta por la que se ha filtrado brillante luz celestial. Siempre hay alguien que lo mueve tanto su lado más altruista y que, por encima de todo, quiere ese máximo bien para un grupo infinito de personas. Una de las pocas materializaciones de este sentimiento se encuentra en el festival Fusiònica 17.0, que se celebra cada mes de octubre en Granollers y Barcelona, y que ya va a por su

“Incitamos a todo el mundo para que asista y genere festivales de estas características porque talento hay muchísimo, se mire por donde se mire” LaCarne Magazine

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19ª edición. Se trata de un pequeño festival independiente, y no comercial, de música y arte visual de ambiente casi familiar, con el que los asistentes pueden disfrutar de una exhibición que desmitifica cualquier tipo de propuesta por parte de salas y asociaciones con la finalidad de reunir grupos de calidad, tanto de la escena underground nacional como de la internacional.

Porque reúnen aquellos que de verdad quieren arder en el escenario y enloquecer al público o, de lo contrario, bandas que quieren abrir su corazón para enternecer al público.

Si bien se sabe que la primera banda en ser confirmada para la próxima edición son los más que irreverentes Tendrum (Barcelona), su sonido se caracteriza por levitar entre un punk rock muy puro pero embadurnado con matices de bandas de otros estilos, como krautrock y melodías noise cercanas a Sunny Day Real State.

En sus ediciones anteriores se han dejado entrever muchas gratas sorpresas sobre el escenario, así como una variopinta oferta de estilos y bandas muy distintas entre ellas, pero con un mismo denominador común: el underground. Formaciones europeas como la banda alemana de post-punk Monochrome, los ingleses Action beat o los austríacos Valina han desfilado por los escenarios del Fusiònica. Grupos de la escena catalana y nacional como Zeidun, del que forma parte el cantautor Joan Colomo, Salvaje Montoya, Afraid to speak in public, Nueva Vulcano, Caustic Roll Dave, Furguson, L’hereu escampa o los más que agresivos Abobinable, entre otros, han irrumpido a lo largo de estos años en las dos ciudades que acogen esta muestra musical para dejar claro que el festival es más que una cantera de grandes promesas de la música independiente contemporánea.

Por favor, desde aquí incitamos a todo el mundo para que asista y genere festivales de estas características porque de talento hay muchísimo, se mire por donde se mire. Porque disfrutar de buena música también es posible junto con un grupo de amigos que se reúna para tocar y no cobre nada por lanzar sus álbumes a las redes y quiera, por encima de todo, compartir con todo el mundo su música y, como no, su grito personal. Ante todo, seguiremos pendientes de las próximas confirmaciones y esperemos de todo corazón que esta vez el cartel sea aún más amplio y con una mayor conjunción de estilos y de formaciones anónimas. Y como en cada edición del Fusiònica que se sigan haciendo estos festivales simplemente por amor al arte, en el sentido más literal de la frase.

www.fusionica.org

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EN CLAVE DE FA

Una novela sobre la MĂşsica en Extremadura 24 LaCarne Magazine

Este artículo ha sido realizado por Irene Cuesta Hoyas y Gema Díaz Guerra, alumnas de la asignatura La Música en Extremadura en el IES El Brocense de Cáceres, en su 175 aniversario.

En la pasada Feria del Libro de Cáceres, el día 23 de abril fiesta de San Jorge, se presentó la novela En clave de Fa. En ella la trama se desarrolla en ambientes musicales extremeños, por eso hemos escrito este artículo para LaCarne Magazine.

En la contraportada de esta novela se puede leer: “En clave de Fa es una novela corta que cuenta la historia amorosa de dos adolescentes, Daniel y María, estudiantes de Música. Pero la novela es algo más que eso.

A través de la historia, el autor nos propone un recorrido por la música de Extremadura en sus diferentes géneros, desde el rock al flamenco, desde la música clásica al folklore, desde la copla y la música de cantautor a las fusiones y mestizajes musicales. Es por lo tanto una propuesta literaria híbrida entre la novela juvenil propiamente dicha y la documentación musical contextualizada en esta comunidad autónoma y, por tanto, un libro recomendado para cualquier tipo de lector, desde los que se sientan atraídos por las sencillas historias de amor a los que se interesen por la música en Extremadura. En todo caso, En clave de Fa manifiesta un marcado carácter pedagógico, donde los valores educativos conviven con el aprendizaje y la reivindicación de la música de intérpretes y compositores extremeños”.

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Hemos hablado con el autor. Esto es lo que nos han contado. ¿Por qué te decidiste a escribir En clave de Fa? En primer lugar tengo que decir que yo no soy escritor, soy maestro, y una de mis asignaturas es La Música en Extremadura. Fue el pasado verano cuando, precisamente pensando en mis alumnos y en estrategias para que conocieran algo más de esta música, se me ocurrió escribir una novela corta, con una trama sencilla que pudiera engancharles (una historia de amor y desamor, algo de drogas, gente joven, el instituto...), contextualizada en ambientes musicales, con alusión a músicos extremeños en cada capítulo. A lo largo del curso se la di a leer a mis alumnos de manera voluntaria. Lo hicieron algunos y según me dijeron les gustó. Luego todo sucedió bastante rápido y de forma inesperada. Un conocido escritor, José Antonio Leal, me hizo una primera corrección (también otras personas, como mi profesora de Lengua cuando yo era Estudiante, Manuela Camacho) y me animó a publicarla. La envié a la Editora Regional de Extremadura y en no mucho tiempo me encontré con una respuesta favorable. El resto, os podéis imaginar: más correcciones, las pruebas de portada y contraportada, la presentación, etc. Y ahora, a esperar que guste y que la lea mucha gente, para así ayudar un poco a la difusión de nuestra música, la más que interesante música de compositores e intérpretes extremeños. ¿Te has inspirado en algo o alguien al escribir esta novela? ¿Y al crear los personajes?

Una de las características de este género literario es precisamente la ficción, pero siempre hay algo de uno mismo en las novelas. Mis experiencias en grupos de folklore, la vida de mi familia ligada a la música, los conocimientos que sobre la música en Extremadura he adquirido en estos últimos años…, todo ello está de alguna manera presente en la novela. No es mi vida, ni la de mi hijo, estudiante de clarinete, ni la de mi hija, estudiante de violín, la que se retrata en la novela, pero algo de ella sí que hay. Daniel no se parece a mi hijo, pero indudablemente su pasión por el clarinete y su trayectoria ligada a él es muy parecida. Tampoco María tiene nada que ver con mi hija. Son personajes creados. Pero esta novela tiene mucho realismo, porque no son nada ficticios festivales de música como Badasom o el WOMAD, o bandas como Extremoduro, Bucéfalo, Sínkope…, ni espacios de conciertos como el Gran Teatro de Cáceres, ni músicos como el pianista y compositor Guillermo A. Iriarte, ni leyendas de nuestra música como el genial Esteban Sánchez, ni cantaores como Porrina o Miguel de Tena, ni agrupa-

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ciones musicales como la Orquesta de Extremadura, ni cantautores como Pablo Guerrero y Luis Pastor, etc., todos presentes en la novela: Ni es ficticio ver en el WOMAD a intérpretes como Chloé bird, los Niños de los Ojos Rojos o Gecko Turner, o participar en un festival de folklore al Redoble o Caramancho. ¿Cómo definirías la historia que cuentas?

Se trata de una trama sencilla, quizá demasiado sencilla para una novela, con una historia de amor que bien pudo vivir alguien como yo en su adolescencia, bastante real, sin retorcimientos, ni complicaciones. Quizá lo complejo esté en tratar de retratar los diferentes ambientes musicales extremeños donde transcurre la trama en tan pocas líneas. Ello, sin duda, ha dejado fuera del texto el nombre de muchos músicos y grupos musicales, muy a mi pesar. ¿Qué fin tiene la novela?

Entretener, por supuesto, pero también enseñar. Mi condición de maestro me lleva a buscar un punto didáctico en casi todo lo que hago. Quiero que la persona que lea la novela aprenda de música en Extremadura, y tras leer la novela tenga ganas de seguir aprendiendo por ella misma sobre esta música. Quiero que los adolescentes que lean esta novela saquen algunas conclusiones sobre el valor de la amistad o sobre lo nocivo del consumo de drogas. He tratado de meter entre líneas algunos mensajes de autoestima, respeto al otro, etc., otra cosa es que lo haya conseguido.

Hace unos días me dijo un lector que le había llamado la atención la diferencia entre danza y baile, algo que ignoraba. Ya es algo. Otro, ya mayor, me comentó que en los primeros capítulos se estaba encontrando muchos grupos de música desconocidos para él, caso de Bucéfalo, pero que si se enteraba de algún concierto de estos en Cáceres que iría a verlo. Le sorprendía que un grupo de rock hiciera una versión del poema El noviajo de Luis Chamizo. ¿Te resultó difícil escribirla?

Sí, muy difícil. Como te he dicho yo no soy escritor y eso se nota cuando tienes un montón de cosas para escribir, tratas de hacerlo, pero las palabras no te fluyen como los pensamientos. Me siento muy limitado al pretender escribir lo que tengo en mi cabeza. Mi dominio de la escritura no es el más idóneo para crear una novela, pero al menos lo intento, porque escribir me hace sentirme bien, muy bien. Resumiendo, mi relación con la escritura es un poco de amor y odio.

La amo porque me resulta muy placentero escribir; la odio, porque cuando leo lo que he escrito lo veo pobre respecto a lo que quería escribir.

Pienso que escribir una novela es un proceso similar al de componer una canción. Alguna vez he compuesto canciones, aunque en estos casos nunca he llegado a interpretarlas, quizá porque tampoco soy músico, soy sencillamente profesor de Música. ¿Cuál es tu opinión personal sobre la novela?

Quizá yo no soy la persona más indicada para opinar sobre mi novela. Prefiero que seáis los lectores los que lo hagáis. Ojalá os guste y os entretengáis con su lectura. Y ojalá aprendáis con ella sobre la música en Extremadura. Siempre digo lo mismo: aprender y disfrutar; ese debiera ser, desde mi punto de vista, el objetivo esencial de la educación, como del arte en general: disfrutar y aprender en las clases, al escuchar una canción, al contemplar un cuadro, al leer una novela.

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LA LOGIA

“Sólo hay dos formas de hacer arte” La Logia es una banda que ha tenido desde sus Integrantes: inicios subidas y bajadas, idas y retornos con más Vocal: José “Pepe”Morales (JM) fuerza. Este 2015, rumbo a sus 16 años, ha semGuitarra: Cidar Gutierrez (CG) brado reconocimientos por el aporte a la cultura Bajo: Nacho Rocha (NR) y la música en Sucre, su ciudad natal, hasta ga- Batería: Luis Alfonso Orellana (LA) lardones a nivel nacional. Álbumes como Nacer para Morir y La Función Debe Continuar son muestra de que su espíritu rebelde les impide salir de la escena musical y disfrutaremos de su música por mucho más tiempo.

Es muy difícil tenerlos “atrapados” en un solo lugar por suficiente tiempo para una entrevista, pero los muchachos accedieron a la entrevista para La Carne Magazine para poder promocionar su más reciente trabajo: Una Herramienta llamada miedo. ¿A qué se debe el nombre del grupo?

JM: El nombre del grupo es un homenaje a los músicos del medioevo que tenían que asistir a estas reuniones clandestinas (Logias) porque en esa época la iglesia había prohibido la expresión artística a las personas, todo tipo de intercambio de conocimientos, y entre ellos la cultura musical. Es un homenaje a estos artistas que vivieron en el medioevo resistiendo a la iglesia. ¿Cidar, con qué género identificas a la banda y cuáles son sus influencias?

CG: Estamos ahora identificados con el género de RockChicha (chicha es la música tropical producida en los Andes) que aporta cada uno.

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LA: Me gusta la música tropical, y en el Rock me gustan Charly García, Espinetta... como la música que hacemos. ¿Quiénes son los nuevos integrantes del grupo para esta nueva etapa?

LA: Yo soy nuevo en el grupo y La Logia me descubrió con mi banda Las fábulas del Sapo además de tener otros proyectos en la Sucre (Capital de Bolivia). Pero ahora, gracias a la invitación del grupo y a la oportunidad única en la vida, estoy aquí en La Logia. Mis influencias son del rock latinoamericano, que es lo mejor, como bandas de metal. ¿Cuál es el nuevo material que presentan este año?

JM: Presentamos el álbum en Abril del 2014 Titulado “Una Herramienta Llamada Miedo”, que es una alusión a cómo la iglesia y el Estado usan el miedo para “domesticar” a las personas, pero tenemos mucho más material y este año grabaremos otro álbum de estudio. ¿Cuáles son los videoclips que tienen hasta ahora de este álbum?

JM: Tenemos dos cortes del álbum. El primero es un homenaje al grupo folclórico Kalamarka de la canción “Cuando Florezca el Chuño”, y el segundo videoclip se titula “Mujer”, que está realizada en apoyo al movimiento de las luchadoras feministas que promueven la despenalización del aborto. ¿Qué otro valores y significados trae la música de La Logia?

JM: Estamos con el Rock chicha porque para nosotros es muy importante ese concepto, porque creo que esa identidad le devuelve la marginalidad al Rock que siempre debía haber tenido. Por otro lado, para nosotros hacer arte es hacer política también y sólo hay dos formas de hacer arte y es: estar de acuerdo con este sistema y su manera de hacer las cosas, o estás en contra. Y nosotros estamos en contra. No nos gusta el sistema en el que actualmente estamos viviendo como seres humanos y vamos a hacer lo posible por hacerlo notar desde cualquier espacio, y en nuestro caso a través de la música. Es por eso que apoyamos firmemente a las vanguardias feministas. ¿Cuáles son los proyectos que se avecinan?

JM: Tenemos conciertos constantemente en todo el país, y en cuanto a las colaboraciones tenemos un proyecto con la comunidad Nayjama de Sucre (comunidad de músicos), eso para más adelante. ¿Por qué esa fusión con instrumentos musicales autóctonos y el Rock?

JM: En realidad no nos sentimos como “fusión”, nos sentimos y somos rock Boliviano, si tocamos Los Beatles con una zampoña ¿es fusión? No lo creo. Entonces desde nuestro punto de vista se ha separado mucho y creemos que es una forma de colonización, donde te hacían creer que Europa tenía arte y noLaCarne Magazine

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sotros teníamos folclore, y a partir de ese concepto aparecieron nombres como los de fusión y hacer folkrock y todo eso. Yo creo que es mentira, sinceramente, así que lo que hacemos es rock desde Bolivia y hemos crecido con esos sonidos nuestros de zampoñas, quenas y charangos, con esas melodías que traen y no hay otra forma de hacer nuestra música si no es con estos instrumentos, que los tenemos metidos en nuestra alma. ¿Qué tiene que ofrecer la Logia y el rock boliviano al mundo?

JM: Primero, la identidad, el hecho de aceptarse tal cual somos, somos un grupo de Indios de Ciudad, somos urbanos y a partir de esto podemos empezar a crear. Todo lo que podamos hacer va a ser autentico y nuestro, la esperanza está en eso, en que si tenemos una marca registrada andina se venderá mucho mejor que estar tratando de imitar cosas que ya hay en EEUU o Europa, cosas que salen de imitación y no de uno mismo. Tenemos esa ventaja, que somos únicos en el rock boliviano. ¿Cuál identificarían ustedes como la fortaleza del grupo?

JM: El alcohol (risas)… en verdad, el habernos encontrado en algún instante a nosotros mismos, el saber que somos Indios de Ciudad es un orgullo.

La Logia realiza giras constantes en Bolivia y nosotros les deseamos muchas felicidades por estos 16 años de trayectoria. Gracias por compartir la identidad y su música con nosotros.

https://www.facebook.com/LaLogiaBol http://www.la-logia.com

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CAP. XXII - Martes musicales en miércoles

E

n otoño de 2013 propusimos como actividad, dentro del colectivo de Raras Músicas, las “Jornadas de Socialización Musical-Martes Musicales en Miércoles”. Esto no era ni más ni menos que un taller de improvisación libre donde invitamos a todo tipo de personas que estuvieran interesadas en este género. Allí cada uno va con la idea y la herramienta que quiere, y experimenta las distintas posibilidades y prestaciones que puede tener su instrumento. No sólo están admitidos músicos, también pueden concurrir gente de teatro, danza y artes plásticas. No hay censura de ningún tipo, hay una libertad total para que cada uno haga su propuesta.

Lo bueno que tiene esto es que hay que buscarse un lenguaje propio, el cual no se aprende en ningún sitio de manera didáctica.

Eso es cometido de cada uno de nosotros; incluso los que van ahí no tienen que ser necesariamente ni músicos, ni “artistas”. Lo interesante es cómo cada uno es capaz de sacar de sí mismo algo que en el día a día no se ve…, y salen cosas increíbles. Los resultados son sorprendentes. La conclusión más inmediata es que lo más importante es la escucha. Me refiero a que es muy importante formarse escuchando de todo y escuchar a tus compañeros cuando estás tocando. El resto sale sólo y desde dentro.

Cuando improvisas, lo que estás haciendo es mostrarte tal y como eres.

El resultado de todas esas sesiones durante ese trimestre fue recogido y publicado en la netlabel de Pepe Frías, Espaisnetlab. En el siguiente link se puede escuchar y descargar, si se desea: https://espaisnetlab.wordpress.com/043-mmm_martes-musicales-en-miercoles/

Es interesante escuchar este resumen porque van englobados varios estilos distintos de improvisación, y se ven las influencias que ha interiorizado cada músico después de una formación de años escuchando. Hay free jazz, free rock, free punk, toques de clásica contemporánea y géneros más abstractos relacionados con la improvisación libre. Un compendio de lo que hoy en día es la libre improvisación en nuestro país. Una nueva generación de improvisadores que integran y se abastecen de todos los sonidos y que los aúnan para crear en el momento.

¿Composición a tiempo real? ¿Improvisación? Es un debate que lleva planteado mucho tiempo, a mí personalmente no me interesa ese debate, sólo los resultados, la música obtenida. Hay gente que antepone un concepto o una idea al resultado musical. En mi opinión se están cerrando ellos mismo muchas puertas. Yo prefiero aprovechar todos los recursos y la materia prima que se me ponga por delante. Lo importante debe ser siempre la música que se crea.

Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó (contacta desde aquí)

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www.arintonadodo.com

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Fotos por Chus Antón Por fin está en la calle Complications, vuestro último trabajo y la verdad es que está teniendo bastante repercusión en los medios. ¿Contentos con el disco y con la respuesta que estáis teniendo?

Sí, siempre es agradable cuando el disco le llega a la gente.... En general ha gustado mucho.

Hemos podido escuchar algunos temas de Complications y nos han traído recuerdos de los orígenes de Dover. ¿Habéis hecho lo que habéis querido en cada disco?

La verdad es que siempre hemos conseguido hacer lo que queríamos en todos nuestros discos, un lujo muy difícil de conseguir para muchos artistas.

Sabemos que el disco lo habéis grabado en vuestro estudio-local de ensayo, cómo y cuando habéis querido. ¿Ha sido duro el proceso? ¿Merece la pena tener estudio propio?

Todo lo contrario, ha sido más fácil que nunca, merece muchísimo la pena tener tu propio estudio... es lo ideal.

Hemos visto vuestra agenda de conciertos y pasaréis por bastantes escenarios en Primavera – Verano y visitaréis otros países ¿Cómo afrontáis esta gira?

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Pues como siempre, intentando hacer que la gente disfrute y disfrutar nosotros también claro.... no siempre coincide pero ésa es la intención.

Y ya que hablamos de conciertos, estaréis dentro de muy poco en el Contempopránea. ¿Será la primera vez que piséis este escenario?

Si, es la primera vez....a ver qué tal! ¿Prepararéis algo especial para el público extremeño del Contempopranea?

Pues el hecho de que hace siglos que no vamos ya va a ser suficientemente especial!!!!

Complications es un buen disco y sabemos que será un éxito más de Dover.

Gracias por hacernos un hueco para atendernos ;-) Gracias a vosotros por el interés, será un placer volver a veros a todos.....

Besos!! Gracias!

Cristina

http://www.dover.es

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NOVEDADES CARMINHA Foto por Flora Navarro Novedades Carminha lleváis en activo desde el 2007 y no habéis parado de hacer discos y dar conciertos. Cuando empezó todo ¿pensastéis alguna vez que lograríais tanto éxito en tan poco tiempo?

Nuestra visión no es la de haber logrado el éxito. Todavía no nos hemos puesto la piñata de oro, y mientras eso no pase seremos un grupo más. Estamos más que contentos con la acogida que han tenido nuestros discos y tienen nuestros conciertos, faltaría más. Estas cosas no se piensan, vas haciendo canciones, conciertos y en eso estamos centrados.

Tenemos claro que os lo pasáis en grande tanto en los conciertos como grabando vídeos, y vuestras canciones siempre tienen ese toque de humor. ¿En qué momento os ponéis serios?

Nosotros somos igual encima, debajo y a un lado del escenario y estamos muy cómodos. Evidentemente todo esto tiene una reflexión previa y un sentido artístico, y eso exige cierta dosis de seriedad, por eso cada mañana al llegar al local nos tratamos respetuosamente por el apellido.

Las distancias siempre hay que guardarlas. Pero tanto los conciertos como los videos y los discos los hacemos para nuestro propio uso y disfrute, aunque nos gusta compartirlo para quien quiera disfrutarlo con nosotros.

Juventud Infinita, vuestro último trabajo, ha tenido muy buena acogida entre el público y los medios. ¿Es este disco una alegoría a la juventud?

Es nuestro tercer disco y hemos intentado ver las cosas desde diferentes perspectivas mante-

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niendo el carácter. Pueden parecer matices pero estar utilizando siempre la misma fórmula nos parece un coñazo, y una forma de hacerse pureta intentando repetir el mismo disco que hiciste con 19 años. Nos jode mucho la actitud de que todo tiempo pasado fue mejor. En nuestro caso lo mejor siempre está por llegar, y trabajamos para que así sea.

Entre composición, grabación, arreglos y demás ¿Cuánto tiempo le habéis dedicado?

Bastante. Hacerlo sencillo es bien complejo.

De todas vuestras canciones, tenemos algunas favoritas como “Jódete y Baila”, “Antigua pero Moderna” o “Capricho de Santiago”. Pero, ¿podríais decirnos qué tema es el favorito del público en vuestros conciertos?

Va por temporadas, por suerte tenemos unas cuantas canciones que siempre son coreadas a grito pelado. Ahora “Antigua pero moderna” es la reina de la corona, pero también hay otras como Amor Rural, Quiero verte bailar o Tú antes molabas o Te vas con cualquiera, que nos gusta mucho como funcionan en directo.

Hemos visto vuestro nombre en el cartel del Contempopranea de este año y sabemos que el público os espera con muchas ganas. ¿Qué significa para vosotros este escenario? ¿Tenéis preparado algo especial para este concierto?

No sabemos si abrir con una versión de Barón Rojo o adaptar el rap de Monago, pero algo haremos. Es un concierto que nos apetece mucho porque siempre nos llamó mucho la atención el Contempopránea, y tocar en Extremadura nos hace una ilusión especial. Sin duda nos llevaremos la lección aprendida y esperamos encontrarnos un fiestón. Nosotros lo daremos todo para que así sea.

Después de vuestra actuación en el Contempopránea ¿os quedaréis a disfrutar de los conciertos? De las bandas que vienen ¿tenéis alguna favorita?

Siempre que podemos nos bajamos una botellita de larios con coca-cola, el cubata favorito del guardiacivil, y tratamos de disfrutar con los otros grupos. Nos contaron que hay unos chavales que están empezando y lo hacen muy bien. Se llaman Dover y estaremos en primera fila para no perder la oportunidad de decir “yo estuve ahí” si el día de mañana...

Este año tenemos la diversión asegurada en el Contempopránea, sabemos que haréis que el público se lo pase en grande. Gracias por atendernos!

Gracias a vosotros, amigos de la carne. ¡Nos vemos en Badajoz!

http://www.novedadescarminha.com LaCarne Magazine

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ARIEL ROT - SINCERIDAD SOBRE EL ESCENARIO

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SINCERIDAD SOBRE EL escenario Texto y Fotos: S. Plata

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ARIEL ROT - SINCERIDAD SOBRE EL ESCENARIO

Desde que nos confirmaron que íbamos a entrevistar a Ariel Rot sabíamos que iba a ser para recordar, y así fue. Quedamos con Ariel en la sala Barroco de Cáceres a través de Lobo Records, mostrándose cercano, simpático y sincero desde el principio. La verdad es que fue una pasada poder hablar con él de su último disco, La Huesuda, y de la gira que le está llevando a varios países.

No os entretengo más y os dejo con nuestra entrevista a Ariel Rot. Qué la disfrutéis!

Publicaste tu último disco hace un par de años y no has parado de dar conciertos por un montón de ciudades. ¿Has conseguido lo que querías con La Huesuda?

Jejeje … Uno de los objetivos principales de cada disco, primero es conseguir componerlo (eso es una de las partes más difíciles), sobre todo porque cada vez se pone uno el listón más alto, cada vez tenés las sensación de que ya cada vez van quedando menos discos por hacer en tu carrera, y no aflojar en los últimos cien metros como dice la canción.

Entonces... Estoy muy contento con La Huesuda, ha tenido unas críticas fantásticas, no solamente por los medios sino por mi círculo de colegas, y de gente a la cual yo también admiro, así que eso siempre es muy importante, y bueno… En cuanto a resultados mercantiles, hoy en día ya sabemos que es muy difícil que a un artista, que ya lleva tanto tiempo, un disco le vaya a cambiar la vida, no? Entonces, básicamente, lo que me interesa es que la gente que conoce mi repertorio de verdad, en profundidad, pues le haya dado el aprobado y se haya quedado contento.

Nos han gustado mucho los detalles de fusión con blues y jazz que hemos escuchado en el disco. ¿Podríamos decir que estamos ante un Ariel más íntimo y tranquilo?

Mmmmmm nunca se sabe… Es cierto que La huesuda tiene una atmósfera bastante íntima, reflexiva. No solamente en cuanto a la música, sino también en cuanto a los textos, y tiene mucho que ver con este show que estoy haciendo. La Huesuda la compuse durante la gira en solitario y, claro, es muy distinto el ambiente que uno respira cuando está tocando con la banda, que es de efervescencia, de acción, y cuando viajamos así, en formato reducido, es más de reflexión, un ambiente más introspectivo, más lectura, más escritura… Y yo creo que eso se refleja en el disco, que finalmente es lo más importante, no? Que el disco sea una fotografía o una radiografía o una resonancia magnética (jejeje) de lo que está pasando en tu vida.

A veces el rock se queda anclado en determinados clichés y yo creo que el objetivo de cualquier tipo de género musical es ser fiel y honesto a un poco lo que te está pasando,

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ARIEL ROT - SINCERIDAD SOBRE EL ESCENARIO

entonces por ese motivo es más tranquilo. El nuevo material que estoy haciendo, sin embargo, tiene pinta de ser un poco más… tiempos un poco más divertidos, digamos, más excitantes… o sea que no lo se… todavía estoy en proceso de composición, pero no se si La Huesuda es un antes y un después, o simplemente un paréntesis.

Hemos hablado con artistas que nos han contado que a veces se hace duro girar mucho tiempo seguido ¿Cómo consigues aguantar una gira tan larga?

Yo no estoy en esa categoría… (jejejejeje)… No te creas. No, básicamente en España es muy cómodo girar. Uno gira los fines de semana y luego vuelve a casa. No nos podemos comparar con esos grupos que se tiran seis meses viajando en avión de un sitio para otro, viajando por América en una casa rodante. Así que yo lo llevo muy bien, es más, prácticamente forma parte de mi equilibrio mental y emocional, y cuando ya empieza a pasar un tiempo en el que no estoy saliendo de viaje a tocar, siento que algo empieza a fallar el mecanismo, y empiezo a extrañarlo mucho, así que no tengo ningún problema. Tampoco es el caso mío, lo que te decía, de estar muchos días seguidos tocando. De momento procuro administrarlo de una manera en que sean dos shows semanales, que ya es una buena dosis.

“La huesuda tiene una atmósfera bastante íntima, reflexiva. No solamente en cuanto a la música, sino también en cuanto a los textos, y tiene mucho que ver con este show que estoy haciendo”

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Además de recorrer España, ¿tienes pensado a corto plazo visitar otros países?

Estamos intentando en varios sitios. Ya en

2014 fuimos un par de veces a Colombia y ahora estamos a punto de sacar un disco especial para Colombia, con un recopilatorio porque la verdad que notamos que había cierto ambiente interesante y, claro, eso se hace con el objetivo de poder seguir yendo… Y voy a Argentina.

Procuro ir una vez al año, más o menos, a tocar, y el próximo objetivo es poder ir a tocar a Méjico… así que es fantástico poder conocer las ciudades y países de este lugar, no desde el lugar turístico sino tocando.

Y cuando acabes con la gira de La Huesuda, ¿te retirarás a descansar una temporada o a componer nuevos temas para otro disco?

Probablemente pare un poquito de tiempo antes de meterme en el estudio, para distanciar un poco, para no estar todo el tiempo presente, pero la idea es, si todo sale bien y no se tuerce, es entrar en el estudio digamos en Octubre, máximo Noviembre, y ya estamos firmando algunos shows para Septiembre, así que… prácticamente la parada va a ser de tres o cuatro meses, no mucho más.

Muchas gracias por hacernos un hueco para atendernos. Ha sido un placer y todo un lujo poder hablar contigo. Gracias, Ariel!

Muchas gracias! Fantástico! Hasta siempre ;-)

http://www.arielrot.com Si quieres ver el saludo que Ariel Rot dejó para los lectores de LaCarne Magazine, pincha en el siguiente enlace:

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Entrevista a LAURA MARTÍNEZ - LAMIJARA (cáceres) Laura, cuéntanos qué es LAMIJARA y cuándo decides ponerla en marcha.

Www.lamijara.com es un proyecto que surge de la necesidad de compartir. Soy una enamorada de Extremadura y de sus productos gastronómicos, y soy amante de la música, de las veladas en buena compañía. Mi velada perfecta se compone de buena música, buena comida y buena compañía.

nada para la ocasión.

Con LAMIJARA pretendo que los clientes vivan la experiencia de degustar productos de Extremadura seleccionados con mimo, con una calidad extraordinaria y una presentación a la altura acompañados de música seleccio-

La compañía ya depende de ellos, pero nosotros ponemos todo lo demás. En cada pack incluimos un código QR con acceso a una lista de reproducción exclusiva en Spotify para conseguir una experiencia sensorial completa.

Llevamos un año de andadura y, aunque los inicios siempre son duros, podemos decir orgullosos que quien prueba, repite. Y eso es buena señal, ¿no?

A la hora de montar tu negocio, ¿te has encontrado con dificultades? ¿Cómo las has solventado?

Siempre digo que lo importante no es saber, sino tener el teléfono del que sabe. Ante la duda, siempre he intentado tener cerca a gente experta en el mundo de la empresa, de Internet, del marketing o de las finanzas.

Emprender es todo un mundo, es muy fácil perderse, desanimarse o meter la pata, pero afortunadamente he tenido mucho apoyo de mi pareja, mi familia y amigos, y organismos como la Fundación Mujeres, el grupo de acción local de mi comarca, ADISMONTA, o los Puntos de Activación Empresarial. ¿Has tenido algún tipo de reducción en tasas o impuestos? ¿Cómo te informaste?

Sí, me acogí a las ayudas por fomento del autoempleo, a los cheques TIC, a las ayudas para establecimiento de microempresas de ADISMONTA... hay que moverse sin cesar, tocar todas las puertas y rastrear la red constantemente.

Acudiendo a charlas, networkings, cursos, jornadas y removiendo cielo y tierra. Hay ayudas, pero si no cuentas con un capital inicial es prácticamente imposible emprender, los cobros tardan muchísimo:(

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Y sobre todo en lo que respecta a comercio electrónico, hay todavía mucho por avanzar, se están dando pasos pero no son suficientes, hay que adaptar las ayudas a los nuevos mercados y a las nuevas formas de negocio.

Para montar una empresa, habrás tenido que invertir tiempo y dinero ¿Has contado con algún tipo de ayuda para la puesta en marcha de LAMIJARA? (subvención, financiación externa, préstamos).

Un préstamo familiar para poder poner en marcha la empresa. Sin eso, habría sido muy, muy complicado. Como digo, hay ayudas pero tardan en cobrarse y para alguien que comienza desde cero, es muy difícil.

Del tiempo ni hablamos, son horas y horas de trabajo, pero como suele decirse, sarna con gusto no pica. La satisfacción de ver que tu proyecto va tomando forma no se paga con dinero. Aunque eso no llena la nevera, jajajaja. ¿Crees que en la actualidad es fácil montar tu propia empresa?

Hay muchas ayudas, hay gente que te orienta estupendamente, y hay cantidad de información y de especialistas que hacen que un proyecto de esta envergadura (sobre todo si no has tenido previa experiencia empresarial) sea un camino menos complicado de lo que podría parecer a priori. La cuestión es liarse la manta a la cabeza y esforzarte al máximo.

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Y ahora que la empresa lleva ya un tiempo en marcha, ¿cuál es tu siguiente objetivo a alcanzar?

Mi objetivo es poder llegar a la Unión Europea. Poner en el panorama internacional los productos de Extremadura, pero para ello hay un largo trabajo por delante de actualización de la web, traducción y adaptación al mercado extranjero. ¿Crees que existen suficientes herramientas para ayudar a los nuevos emprendedores a montar su propia empresa? (Si crees que son insuficientes, dinos qué crees que hace falta o qué mejorarías) Fíjate que te diría que hay hasta demasiadas. A veces, las instituciones duplican e incluso triplican recursos, oficinas, organismos... con el mismo objetivo, y es fácil perderse entre tal maremágnum de aplicaciones, webs, portales, cursos y asesores. Yo optaría por potenciar lo que funciona, hacer un seguimiento de los emprendedores más exhaustivo y personalizado, agilizar el cobro de las ayudas y adaptar las ayudas y recursos a las nuevas formas de mercado. ¿Cómo compaginas tu actividad empresarial con la musical? ¿Tienes tiempo para todo?

La verdad es que me faltan horas al día entre la empresa, la familia (soy madre de tres niños) y Milana, (mi banda de country-rock), no tengo tiempo de nada... a veces es agotador, pero compensa.

Laura, ha sido un placer charlar contigo y que nos cuentes tu experiencia. Sabemos que tendrás mucha suerte con LAMIJARA y esperamos verte muy pronto de nuevo sobre los escenarios.

Muchas gracias a vosotros, enhorabuena por el trabajo que hacéis y gracias por invitarme a presentar mi proyecto.

Nos vemos en www.lamijara.com o en www.milanamusica.bandcamp.com LaCarne Magazine

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Paul Zinnard Tras formar parte de dos bandas, The Bolivians y The Pauls, Carlos Oliver pasa a ser Paul Zinnard. ¿En qué momento decidiste comenzar tu andadura en solitario?

La decisión la tomé poco después de terminar la grabación del último disco de The Pauls, “Miss Tokyo meets her lover”. Estaba muy cansado de la dinámica de grupo y me asaltó la idea de escribir canciones sólo para guitarra y voz, me ilusionaba mucho el plan de viajar solo con una guitarra de local en local dando conciertos, aunque nunca fue un plan de acabar con el grupo, sino de empezar una carrera paralela en solitario. ¿Qué motivo te llevó a escoger el nombre de Paul Zinnard? ¿Qué significado tiene para ti?

El nombre de Paul lo escogí por el hecho de pertenecer a una banda que se llamaba The Pauls.

Lo del apellido tiene algo más de historia, es un nombre que pertenece a un proyecto de “hoax” artístico que venía planeando durante años. El plan consistía en sacar a la luz la obra de un pintor “inexistente” que había tenido mala fortuna a principios del siglo 20, y que había sido eclipsado por las grandes figuras, el nombre de ese pintor era Zinnard. Como el proyecto se había atascado y no se me ocurría otro nombre, opté por darle uso.

Tu último trabajo Clean-cut and rude fue publicado en 2014 y es el disco que, según tus propias palabras, mejor has hecho y el más rápido. ¿Por qué crees que es tu mejor trabajo?

No estoy seguro de que sea mi mejor trabajo, me falta perspectiva para saberlo, es posible que lo haya dicho, pero seguramente dejándome llevar por la euforia. Sí es verdad que es el disco más veloz que he hecho en mi vida, aunque eso lo destaco más que como anécdota, como reflejo de la búsqueda de espontaneidad que ha representado todo el disco, desde su composición hasta la masterización. Por otro lado, me siento muy feliz y casi satisfecho con los dos discos anteriores y eso se refleja en los conciertos de esta gira.

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¿Cómo ha sido el proceso compositivo de los temas? ¿Han salido solos o te ha hecho falta inspiración?

El proceso ha sido sorprendentemente rápido también, como la grabación. Yo he sido siempre un compositor muy constante, pero también muy lento, y esta vez ha ocurrido algo que ha hecho que las canciones se me cayeran de las manos, tengo la sensación de que escribir este repertorio no ha sido una búsqueda sino un encontronazo. A veces tenía una canción escrita en una mañana y me quedaba tan sorprendido que la guardaba en el cajón pensando que al haber surgido tan rápido no podía ser buena, y sin embargo a la hora de ensayar con la banda toda esa rapidez funcionó a la primera. ¿Comenzaste a girar con este disco justo cuando salió a la calle? ¿Cómo está respondiendo el público?

Ha habido una respuesta diferente en los conciertos, por un lado ya es mi tercer disco, y eso hace que la gente venga a vernos con una idea preconcebida de lo que va a ver. La mayoría vienen con la idea de que van a ver a un cantautor que se ha colgado una guitarra eléctrica, y te puedo decir que quedan muy sorprendidos de lo que ven. Hasta aquí puedo contar, sobre todo porque me resulta muy difícil hablar de mi propio espectáculo, acabaría alabándolo y eso no está bien.

Tanto este trabajo como los anteriores están grabados en inglés. ¿Podremos escuchar algún día a Paul Zinnard cantando en español?

Nunca he descartado la idea, pero no me ha surgido aún. He escrito algunas canciones en español pero nunca me he animado a cantarlas. Hoy por hoy disfruto mucho de lo que hago, pero no me cierro a nada.

Y en estos momentos, además de dar conciertos ¿estás componiendo nuevos temas? ¿habrá nuevo disco de Paul Zinnard este año?

Tengo un repertorio listo para entrar a grabar, y es muy posible que tengamos el disco nuevo listo para el próximo otoño.

Gracias por dedicarnos un rato. Te deseamos mucho éxito y esperamos poder hablar de nuevo contigo en un futuro.

Gracias a vosotros, espero que nos volvamos a ver pronto y a los que nos están leyendo les mando un abrazo grande.

http://www.paulzinnard.com LaCarne Magazine

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CARLA MERCHANT Empezaste a componer a los doce años, y ahora con dieciocho años tienes un gran futuro por delante ¿Cuándo empezó a interesarte la música y cuándo nace Carla Merchant como artista?

Mi interés por la música surgió prácticamente desde que nací. Desde muy niña supe que quería ser cantante y que la música sería una parte esencial de mi vida, pero creo que el momento en que me consolidé como artista fue cuando empecé a crear música y a expresar lo que sentía y pensaba a través de ella.

Una fuerte ventaja es tu dominio del inglés, lo que te sirve para componer en ambos idiomas. ¿Cómo surgió la idea de componer así y por qué?

Cuando tenía apenas un año, mis papás y yo nos fuimos a vivir a Estados Unidos, entonces yo aprendí inglés y español prácticamente al mismo tiempo, y siempre me ha sido fácil desenvolverme en ambos idiomas. De hecho, empecé componiendo más en inglés que en español.

Cada idioma tiene cualidades muy especiales y particulares y creo que el poder componer en los dos me ha permitido enriquecer muchísimo mi lenguaje musical.

Subiste cuatro vídeos a youtube, dos de ellos adquirieron gran popularidad y se viralizaron hasta obtener más de un millón de visitas. ¿Te imaginabas que estos vídeos tendrían tanta

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repercusión? Contenta con el resultado, no?

La verdad no me imaginaba esos resultados por varias razones, para empezar porque son videos super caseros y con una producción muuuy básica. En segundo lugar porque la mayoría de la gente dice que lo mejor para hacer un primer acercamiento con el público en plataformas como Youtube o Vimeo es hacer covers de canciones muy conocidas para que la gente se pueda identificar rápidamente, y en mis videos canté puras canciones originales que prácticamente nadie conocía. En tercero, porque a pesar de que les hice la mayor publicidad que tenía a mi alcance, no soy para nada una experta en marketing ni tengo muchos medios ni recursos para impulsar una campaña, y a pesar de todo ello la gente reaccionó increíble y los videos tuvieron una respuesta muy padre e inesperada. Sí, quedé MUY contenta con el resultado.

Hace poco vio la luz tu primer álbum Ven. Cuéntanos un poco cómo se ha forjado este disco y qué vamos a encontrarnos en él. ¿Está grabado en español o en inglés?

Tenía muchas ganas de hacer un producto que pudiera mostrar mi música al público con más calidad y producción que lo que tenía, que era muy rudimentario. Grabé el disco en noviembre del año pasado; es un EP acústico de cuatro canciones, tres en español y una en inglés, todas compuestas por mí.

El proceso de grabación y producción fue muy padre porque colaboré con un gran productor que respetó muchísimo el concepto y el sonido que yo estaba buscando para el disco. Creo que logramos lo que para mí es lo más importante al momento de hacer música, que es que cada canción sea y suene sincera. Estoy segura de que les va a gustar.

Algunos artistas cuentan con discográfica o productora y otros van por libre autofinanciándose. ¿Cuál es tu caso?

Yo, en este momento, soy una artista independiente. No solo financio mi música y mi proyecto sino que también soy mi manager, mi representante, mi directora, mi agente de relaciones públicas y cualquier otra cosa que se necesite. Es pesado pero he aprendido mucho y he podido supervisar cada aspecto de mi carrera.

Y ahora que el disco está en la calle ¿qué tienes pensado para la promoción?

El disco está disponible en formato digital en Deezer, Spotify, Rdio, SoundCloud, Beats Music, Youtube Music Key, Shazam y Reverbnation, y el formato físico lo pueden pedir a través de mi página de artista de Facebook y mi Bandcamp.

Lo estoy promocionando en internet, en revis“Estoy promocionando en tas físicas y digitales, en estaciones de radio e internet, en revistas físicas incluso tuve la oportunidad de mostrarlo en televisión. Además estoy teniendo varias preseny digitales, en estaciones de taciones en la Ciudad de México para presentar el disco. También es muy importante que tú radio e incluso tuve la que estás leyendo esta entrevista escuches el oportunidad de mostrarlo en EP, y si te gusta, me ayudes a compartirlo en tus redes sociales y con tus amigos de forma

televisión”

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directa. Es una de las mejores maneras en las que me puedes ayudar y te lo voy a agradecer muchísimo. ¿Tienes pensado viajar a otros países para presentar el disco? ¿Qué países te gustaría visitar?

Me encantaría ir a cualquier lugar donde me inviten a presentar el disco. En este momento me estoy moviendo básicamente por México pero estaría increíble poder visitar otros lugares del mundo.

Muchas gracias por dedicarnos un rato para conocerte un poco más. Te deseamos mucha suerte y éxito.

Espero que esta entrevista te haya despertado el interés en mi música. Date la oportunidad de engancharte con mis canciones. Te dejo mis redes sociales para que me puedas encontrar:

Facebook: www.facebook.com/carla.merchant.e SoundCloud: www.soundcloud.com/carla-merchant Youtube: www.youtube.com/carla0596 Reverbnation: www.reverbnation.com/carlamerchant Twitter: @CarlaMerchant Bandcamp: www.carlamerchant.bandcamp.com 52 LaCarne Magazine

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La Ventana Nacional

BELO & LOS SUSODICHOS

BELO & LOS SUSODICHOS son una banda de rock liderada por Abel González “BELO”. Tres discos a las espaldas y tres giras de presentación que les han llevado a tocar por toda España celebrando fiestas patronales de multitud de ciudades, tocando en las salas mas punteras del país y participando en grandes festivales musicales.

Actualmente están lanzando su nuevo trabajo “PAN & CIRCO”, un disco para todos los públicos con un sonido muy rockero, textos íntimos, reivindicativos y melodías pegadizas, hacen de este trabajo un disco muy fresco y vendible “Lo importante ahora para 100%, siempre y ante todo, ofreciendo nosotros es el ahora, hay el sello de la casa, sinceridad y solidez.

Sabemos que tocas la guitarra desde muy joven. ¿Qué fue lo que hizo que te inclinaras por el mundo de la música?

Pues la casualidad. Comencé a tocar la guitarra por pura casualidad, ya que mi entorno familiar y mis amigos por aquel entonces no

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que tocar mucho e intentar que “Pan y circo” llegue a la mayoría de oídos posibles.

No podemos despistarnos en otras cosas.”

tenía nada que ver con lo musical. Comencé a tocar una guitarra española que había en el desván con mucho tesón durante varios meses, y hasta ahora. La posibilidad de hacer mis propias canciones, de expresar todos mis pensamientos a través de la música, y de hacerlo con mi propia voz, me parecía algo increíble, es como una droga, es lo más bonito que aprendí a hacer, y desde entonces tengo claro que es a lo que quiero dedicarme. ¿Cuándo decides darle vida a Belo y Los Susodichos?

Pues después de varios años de bagaje musical con mi guitarra acústica al hombro y recorriendo ciudades, decido que ya es el momento de emprender un proyecto más ambicioso y más parecido a lo que escucho y que realmente me pone las pilas, que es el Rock. Así que en 2006 me propongo forjar una banda y un nuevo proyecto, y en 2007 edito mi primer disco con varios músicos bajo el nombre de “Belo & los susodichos”.

Pan y Circo es vuestro último álbum, financiado por crowdfounding. ¿Por qué os decidisteis por este método de financiación? ¿Barajasteis contar en algún momento con alguna productora o discográfica?

Decidí hacer crowdfunding por varias razones, pero la más importante era que no tenía otras muchas fórmulas a mano, ya estaban agotadas las balas. Son tiempos difíciles para el músico libre y no puedes estar dependiendo de discográficas ni terceros a la hora de grabar. Aunque ahora estamos trabajando con un sello como es Rock Estatal Records, por aquel entonces no teníamos a nadie y decidí lanzarme a hacer un crowdfunding y que fueran nuestros propios seguidores quienes hicieran de mecenas del disco. La verdad es que ha salido genial y la experiencia ha sido muy enriquecedora.

En Pan y Circo habéis contado con las colaboraciones de Kutxi Romero, Pablo y Pepo y Juan Manuel Cifuentes. ¿Qué nos puedes contar sobre la experiencia de trabajar junto a estos artistas? ¿Pensasteis otros colaboradores?

Pues ha sido un placer poder trabajar con todos los artistas que colaboran en el disco, grandísimos artistas a los que admiro mucho, compañeros y, sobretodo, buena gente. Lo cierto es que ha sido muy fácil, cuando hay ganas y buen rollo por ambos lados las cosas suelen fluir.

Estoy muy contento con el resultado y me siento muy orgulloso de tener a todas estas voces en nuestro disco. Desde el principio tuve claro que quería estas colaboraciones.

En el álbum, además de las canciones habéis incluido un breve documental en el que dais un repaso a vuestra trayectoria ¿Cuánto tiempo lleváis recopilando material? ¿Contentos con el resultado?

Bueno, el docu es una especie de regalo. No está hecho desde un punto de vista súper profesional. Yo hago música, y los documentales son otra cosa. Así que la idea era documentar una serie de momentos y recopilar una serie de imágenes que, junto a una pequeña entrevista, le diera al espectador una idea un poco más global de lo que somos Belo & los susodichos. Yo quería algo natural, realista y sincero, sin más complicaciones. Grabado con una cámara lo que buscaba era ir al grano, simplemente mostrar lo que hay.

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La Ventana Nacional

Actualmente estáis inmersos en la gira de vuestro disco. ¿Qué otras ciudades tenéis pensado visitar? ¿Alargaréis la gira durante el verano?

Bueno la gira comenzó en febrero en Madrid, seguimos con Bilbao, Oviedo, Salamanca y Cáceres, y ahora pues seguiremos con Santander, Burgos, Barcelona y Toledo. Esperamos ir sumando fechas a esta gira de presentación a partir de septiembre. En verano estamos cerrando nuevas fechas y festis, y esperamos poder sumar durante todo el año la mayor cantidad de fechas posibles. ¿Tenéis ya planes hechos para después de la gira o es pronto para pensar ahora en el futuro?

Es pronto, lo importante ahora para nosotros es eso, el ahora, hay que tocar mucho e intentar que “Pan y circo” llegue a la mayoría de oídos posibles. No podemos despistarnos en otras cosas, ya llegará momento de volver a hacer planes. De momento, Pan y circo.

Os deseamos mucho éxito con Pan y Circo. Esperamos poder volver a hablar con vosotros de nuevo muy pronto.

Muchas gracias, un abrazo enorme y un saludo para los lectores... Eso sí, invitados a todos a entrar en nuestra web beloylossusodichos.blogspot.com.es en nuestro face Belo y los susodichos (Oficial) o para seguirnos en twiter @beloysusodichos aquí encontrareis toda la info sobre conciertos, vídeos o canciones. Un abrazo!!

https://www.facebook.com/belosusodichos http://beloylossusodichos.blogspot.com.es/ http://www.twitter.com/beloysusodichos 56 LaCarne Magazine

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La Ventana Nacional

CON MORA http://www.conmora.com Entrevista a Neno Con Mora empezasteis como grupo ya hace algunos años. ¿Encontrasteis alguna dificultad o ha ido todo rodado desde el principio?

Dificultades hubo muchas y las sigue habiendo. Dentro de que tuvimos suerte y encontramos una compañía de discos relativamente pronto, esto es una escalera muy larga. ¿Qué os parece que algunos medios os comparen con bandas como Leño y Los Suaves?

Nos parece bien. Son unas bandas excelentes de nuestro Rock, así que, puestos a comparar…

Personas Reales es el título de vuestro último trabajo. ¿Qué vamos a encontrarnos en él? ¿Os

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habéis autofinanciado o contáis con productora/discográfica?

Igual este es el disco más sincero que hemos hecho porque hay más variedad en cuanto a los tiempos o a sonidos de guitarra y demás. Queríamos que sonara como a directo, ya que es donde nos sentimos más cómodos, en los conciertos. Lo grabamos a nuestro rollo, pero luego llegamos a un acuerdo con Rockestatal Records para que lo lanzara, y están haciendo un trabajo de la hostia.

Y ahora que Personas Reales está en la calle ¿cuál es vuestro siguiente paso? ¿habrá gira durante este verano?

Colaboramos en un proyecto solidario con la Fundación Voces, y estamos esperando la fecha para hacer un documental por el norte de Marruecos. Podéis hacer el seguimiento a través de la web www.motoresparaelcambio. com, y por supuesto que haremos gira, a partir de Mayo empezamos con algún concierto de promoción por Fnac’s y arrancamos!!

Os seguimos en las redes y hemos visto algunas fotos de conciertos... Qué bien os lo pasáis! ¿Trabajáis cada concierto en el local o sois más de improvisar?

Las dos cosas, trabajamos el concierto en el local y luego, cuando estamos en el escenario, no hacemos caso de los planes y van surgiendo cosas improvisadas. Así es como conseguimos pasarlo bien…, a veces, demasiado, jajaja.

Vuestro nombre y vuestra música empiezan a sonar bastante en los medios. ¿Cómo os afecta? ¿Creéis que estáis más cerca de poder vivir de la música?

Pues ni idea, siempre hemos sido currantes y estamos siempre inventando cosas para poder ir al local y tener algo que hacer, no sólo hay que hacer canciones si quieres tener un grupo. Vivir de esto? Les pasa a pocos, sería estupendo que nos tocara a nosotros.

Esperamos que Con Mora sigan sonando en los medios y sobre todo, en los escenarios. Gracias por dedicarnos un rato y por vuestro rock.

Gracias a vosotr@s y gracias a vuestros lectores que se paren 5 minutos a interesarse por nuestra historia. Saludos a tod@s.

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El Jazz en España1

H

emos finalizado nuestro pequeño recorrido histórico del Jazz que, como es lógico, principalmente se desarrolla en Estados Unidos. Pero como suele pasar con muchos de los grandes logros de la humanidad: al final nos pertenecen un poco a todos. Con el Jazz ha ocurrido lo mismo. En realidad siempre fue “de todos” ya que muchas culturas diferentes colaboraron de algún modo en su creación. Desde muy del principio de la aparición del Jazz existe un vivo interés por esta música novedosa en el continente europeo. El factor más importante que facilita la llegada del Jazz a Europa es la invención de la grabación musical en discos de goma-laca y/o vinilo, junto con la presencia en el continente de tropas norteamericanas que intervinieron en la Primera Guerra Mundial.

TETE MONTOLIU

El Jazz llega a España básicamente desde Paris. El primer disco de Jazz fue grabado por la Original Dixieland Jazzband y está oficialmente disponible en España en el año 1920, unos 30 años después del surgimiento de este nuevo estilo/movimiento musical en Estados Unidos. Centro indiscutible del Jazz español desde los comienzos hasta hoy en día es Barcelona, seguido por Madrid. Las primeras actuaciones de músicos que utilizaban el término Jazz para su música tuvieron lugar en Barcelona entre 1919 y 1920. Aunque es probable que no se tratara de un Jazz muy auténtico. Ya en los años `20 hubo giras de orquestas con músicos norteamericanos por toda la geografía del país. La Exposición Universal de 1929 en Barcelona ayudó enormemente a consolidar a la ciudad como base del Jazz en España, ayudando además que el recién surgido estilo Swing se conociera rápidamente en el resto de la Península. Un año antes del comienzo de la guerra civil española, un grupo de aficionados funda el Hot Club2 de Barcelona, asociación que, además de organizar conciertos y fundar su propia orquesta, lanza la revista “Jazz Magazine”. Junto con otros Hot Clubs de la ciudad, que surgen poco después, desempeñan un papel importante en la tarea de conseguir una aceptación del Jazz como una música con valor artístico. A partir de 1938 sus actividades se paralizaron por completo por cau-

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sa de la guerra civil española. El Jazz no fue bien visto por ninguno de los dos bandos del conflicto. Eso, sin embargo, no impidió a los aficionados y músicos a reemprender sus actividades relacionadas con el Jazz en el periodo de posguerra, con el inconveniente de verse obligados a darles nombres exclusivamente españoles a sus orquestas con el fin de camuflar el origen extranjero de su música. Músicos notables de esta época eran por ejemplo el pianista Antonio Matas, los saxofonistas Sebastián Albalat, José Tarazona, Salvador Font y Antonio Castells y el trompeta Vicente Orteu. En el mismo tiempo en Madrid, el Jazz tuvo menos difusión y más dificultades. A pesar de esta situación, hubo alguna orquesta notable como la “Casablanca”, con cual llegó a tocar el famoso saxofonista americano Coleman Hawkins. Los años de la Segunda Guerra Mundial y la nueva posguerra frenaron nuevamente el desarrollo del Jazz en el país. Aún así, aparece en 1944 la orquesta “El Lirio Campestre” en Barcelona, que tocaba los standards de Benny Goodman y Woody Herman. En 1947 reaparece el Hot Club de Barcelona. La asociación retomó sus actividades organizando unas jam sessions, en las que debutó un jovencísimo Tete Montoliu al piano. A lo largo de los `50, Tete se convirtió en el único músico de Jazz español que se integró en la élite internacional en esa época.

En 1957 surge el “Jubilee Jazz Club”, iniciativa con un enfoque más moderno que el Hot Club, que hasta consigue tener un programa en Radio Nacional con el nombre “Jazz Selección”. En 1958 abrieron sus puertas los clubes “Whisky Jazz” y el “Whisky Gin” en Madrid. El primero dedicado al Jazz moderno del momento, y el segundo al tradicional. En 1960 el Jubilee Jazz Club cambia su nombre por Jamboree Jazz Cava, y se instala en un local nuevo en la Plaza Real de Barcelona, local del empresario de cervecerías Juan Roselló. En su inauguración toca el grupo de Tete Montoliu. A partir de este momento el Jamboree se convierte en el centro del Jazz barcelonés más importante. Los músicos destacables del momento eran por ejemplo Pere Ferré y Carlos Calderón (piano), Vlady Blas, Pedro Iturralde y Agapito Torrent (saxo), Enrique Yacer y Ramón Farrán (batería). Tete Montoliu lideraba a principios de los `60 el grupo fijo del Jamboree integrado por músicos europeos y americanos. Además, codirigió la revista “Aria Jazz”. En 1966 el Jamboree celebró su sexto aniversario trayendo a Ella Fitzgerald y a Duke Ellington a la ciudad. A la vez, Roselló inició el I Festival de Jazz de Barcelona con la presencia de Max Roach, Sonny Rollins, Tete, Dave Brubeck, Stan Getz y Lee Konitz. Se puede hablar de una época dorada para el Jazz español a finales de los `50 y la década de los `60. El Jazz se había consolidado definitivamente en las dos capitales, y lo haría en el resto de las ciudades importantes en los años por venir. En términos generales, se puede constatar que la sociedad española ya reconocía el Jazz como música de gran valor artístico.

Sin embargo, el circulo de músicos y público era pequeño, conseguir los actuales discos de la escena norteamericana difícil, ya que entraban pocos discos al país debido en parte a la situación política en España. El Jazz entraba, como arriba mencionado, a través de Francia y también de Andorra, causando una cierta filtración de estilos. John Coltrane, por ejemplo, fue un gran desconocido por aquel entonces en España. A pesar de las dificultades, la llama seguía encendida gracias a los grandes músicos nacionales que empezaron a grabar algunos discos importantes: Tete Montoliu – A tot Jazz, Pedro Iturralde – Jazz Flamenco y Juan Carlos Calderón – Bloque 6, por ejemplo. A finales de los `60 y principios de los `70 el segundo Canal de TVE ofrecía diversos programas de Jazz, cosa por desgracia inimaginable hoy en día. Hay que destacar dos conciertos históricos en Barcelona: uno, del `67 con el cuarteto de Miles Davis (aunque tocaron bajo el nombre “Wayne Shorter Quartet” en esta ocasión), y el concierto sacro de LaCarne Magazine

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Duke Ellington en el `69, que tuvo lugar en la basílica Santa María del Mar. A la vez, la escena sufrió un bajón importante con el cierre del Jamboree a causa de una nueva orientación comercial del propietario.

En los `70 pasaron por España los grupos más importante del Jazz Fusión. Una novedad, ya que por primera vez se podía escuchar lo que se estaba tocando en Estados Unidos en estos momentos. Hasta ahora se escuchaban las “novedades” del Jazz del momento con efecto retardado por la mencionada mala distribución de la música en el país. En los `70 esto mejoró bastante. Es entonces cuando en España comienza a brotar el germen de la enseñaza especializada de Jazz. En 1979 se creó la escuela Taller de Músics, seguido por el Centre d´Estudis Musicals de la Ribera y el Aula de Músics Moderna i Jazz en Barcelona, así como la Escuela de Música Creativa y la Escuela de Nuevas Músicas en Madrid.

Los `80 están marcados por una modernización cultural general en el país provocado por cambios políticos. El gobierno crea la OCA (Oficina de Contratación Artística), organismo que impulsa la aparición de nuevos festivales a lo largo y ancho del territorio español. El Festival de Jazz de San Sebastián (Donostiako Jazzaldia) adquirió entonces gran importancia trayendo a España músicos de Jazz internacionales de primera fila. Surge también otra revista nacional de Jazz: “Quàrtica Jazz”. Un dato interesante en este contexto de un PERICO SAMBEAT verdadero auge del Jazz en el país es el hecho de que las ventas de discos del género seguían siendo bajísimas, mientras el público de los festivales iba en constante aumento.

JORGE ROSSY

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Con respecto a los músicos españoles activos en esta década se puede decir, en términos generales, que se orientaban básicamente en la tradición del Bebop, no interesados en asumir “riesgos musicales” tipo Free Jazz. En el tránsito entre los `80 y los `90 surgen un montón de músicos nuevos que finalmente relevan a las primeras generaciones. Entre ellos caben destacar, entre muchos otros: Mikel Anduela, Gorka Benítez, Alfons Carrascosa, Víctor de Diego, Xavier Figuerola, Cesc Miralta, Eladio Reinón, Jon Robles y Perico Sambeat – saxos; Albert Bover, Francesc Capella Joan Díaz, Ramón Escalé, Joan Monné, Elisabet Raspall, Iñaki Salvador y Luís Vidal – piano; Rai Ferrer, Jordi Gaspar, David Mengual, Joseph Curuella, Jordi Portaz, Guiller-

mo Prats, Mario Rossy e Ignasi Zamora – bajo; Ramón Díaz, Xavi Maureta, Marc Miralta, Salvador Niebla, Jorge Rossy, Alex Ventura y David Xirgu – batería; Joan Abril, José Luis Gámez, Pep O`Callaghan, Dani Pérez, Vicenç Solsona, Ximo Tébar y Narcís Vidal – guitarra; Benet Palet – trompeta; Carme Canela y Laura Simó – voz.

A partir de los `80 por fin aparecen músicos de Jazz importantes también en otros puntos del país, como en Andalucía el guitarrista Tito Alcedo, en Galicia los pianistas Alberto Conde y Abe Rábade, en Castilla y León el saxofonista José Luís Gutiérrez. Otros dos músicos importantes son el bajista Javier Colina y el batería Guillermo McGuill, ambos afincados en Madrid. Todos ellos con un nivel Javier Colina musical alto y muchos formados académicamente en el Jazz.

A esta “primera” generación del Jazz español sigue una segunda y tercera según las fuentes históricas hasta este momento, que terminan en el año 2006. A esta última pertenecen músicos como Jordi Berni, Ismael Dueñas, Roger Mas, José Alberto Medina y Sergi Sirvent – piano; Bori Albero, David González – bajo; Santi Careta y Óscar Peñas – guitarra; Dani Domínguez – batería; Santi de la Rubia y Javier Vercher – saxo, por ejemplo.

Con este bagaje jazzístico la escena española definitivamente se merece su puesto en el Jazz europeo e internacional, no solo por sus aportaciones en el campo de las fusiones del Jazz con el flamenco y otras músicas ibéricas, sino porque cuenta con el nivel necesario para formar parte del futuro del Jazz en general “[…], aunque, tal vez, el aficionado no se decide del todo todavía a desprenderse de la añoranza del pasado”3.

Con este artículo se despide el colaborador de esta sección de La Carne Magazine. Espero haber aportado lo mío para que este proyecto siga adelante y haber enganchado a algún que otro a interesarse por el Jazz ;-) . Por desgracia, todavía no hay un sucesor para seguir con esta sección. Si alguien se interesa, por favor contactad con la redacción.

Javier Vercher 1 Este artículo está basado estrechamente en el apéndice sobre el Jazz en España de Juan Giner, Joan Sardà, Enric Vázquez, Guía universal del Jazz moderno 2006 p. 391-405 2 Nombre utilizado frecuentemente para una asociación de aficionados del Jazz. En ocasiones con especial interés en el Jazz clásico de sus comienzos hasta finales de la era del Swing. Uno de los más famosos es el Hot Club de France de París.

3 Juan Giner, Joan Sardà, Enric Vázquez, Guía universal del Jazz moderno 2006 p. 405 LaCarne Magazine

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MI CAPITAN Entrevista a Gonzal Planas - Fotos por Noemí Elías Dentro de la formación de Mi Capitán, algunos integrantes pertenecéis a otras bandas como Love of Lesbian, Egon Soda y Standstill. ¿Qué os motivó a formar Mi Capitán y de dónde sale el nombre de la banda?

La motivación surge de las ganas de pasarlo bien tocando un poco de rock con amigos canciones de uno de ellos, en este caso yo, el cual no pertenece a ninguna de las bandas que has nombrado, pero que sí que ha trabajado junto a todas ellas, ya sea como técnico de sonido o tourmanager. Después de muchos viajes, muchas horas en aviones, furgonetas, bares, hoteles, y mil conversaciones, hay personas con las que vas generando una afinidad particular, un código invisible en el que se depositan gustos musicales, maneras de entender arreglos, sonidos... y eso es lo que pasó, básicamente, nos hemos acabado juntando para tocar aquellos de nosotros entre los cuales existía una relación que lo ha permitido.

El nombre surge casi como una sensación aplicada a la música que tocamos cada vez que nos juntamos. ¿Cómo os organizáis a la hora de componer temas, ensayos y conciertos formando parte de otros grupos de música? ¿Os influye mucho el estilo de vuestros otros grupos?

La mayoría de las canciones de este disco están escritas y compuestas por mí, excepto “La sed”, que parte de un riff que Julián trajo al estudio, y a partir del cual la banda trabajó hasta tenerla acabada. Luego, completé la canción con la letra.

En cuanto a los ensayos, no existen: no hay opción, vivimos en ciudades diferentes, así que

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confiamos en los años a nuestras espaldas.

La agenda de conciertos la lleva de manera muy ordenada y profesional nuestra oficina de management, Music Bus, y la coordina nuestro roadmanager, Dani Blanco.

Imagino que cada uno de los miembros de la banda tiene sus propias influencias, y de esa manera afectan a la música que hacemos juntos. Por si no ha quedado claro, un guisante no funciona igual en un arroz que en un plato de verduras, a pesar de seguir siendo un guisante.

Drenad el Sena salió el pasado mes de Febrero. ¿Qué nos podéis comentar sobre este disco? ¿Cómo ha reaccionado el público ante vuestro trabajo y qué aceptación ha tenido?

Es el fruto de haber estado grabando durante 9 días en septiembre los 7 miembros a la vez, y estamos muy satisfechos del resultado conseguido: queríamos lograr una sensación, un estado de ánimo, y capturarlo para que cada vez que se reproduzcan las canciones, se pueda escuchar esa vibra.

Hasta ahora hemos recibido muy buena onda con la gente; hemos tenido mucho público en nuestras presentaciones, tanto en Valencia como en Barcelona, y en los festivales se nos está prestando atención, lo cual agradecemos mucho, pues somos un grupo novel, y todo lo que nos sucede es una especie de regalo inesperado.

La presentación oficial de Drenad el Sena fue en Barcelona en el Music Hall, y fue todo un éxito. ¿Os esperabais algo así?

Lo deseábamos con todas nuestras fuerzas, pero no lo esperábamos conseguir en el primer concierto en casa, la verdad.

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Os seguimos en las redes sociales y hemos visto que próximamente daréis algunos conciertos más ¿Tenéis muchas fechas cerradas? ¿Cómo se presenta el verano?

Ahora mismo tenemos unas 12 fechas cerradas para todo el verano, quedando unos 3/4 conciertos al mes, con vistas a cerrar alguna contratación más, con lo cual podemos estar hablando de unos 15/16 conciertos para los próximos 4 meses.

También vimos el videoclip de “Es suave la voz”, que consiguió rápidamente 30.000 visitas en Youtube. ¿Tenéis pensado grabar algún videoclip más?

Ahora mismo estamos trabajando en el video de “El coleccionista”, el cual esperamos poder presentar antes de nuestro concierto de presentación en la sala Penélope de Madrid, el 8 de mayo. ¿Giraréis sólo por España o hay planes de viajar fuera? ¿Cuál es vuestro objetivo a corto plazo?

Giraremos donde nos quieran, el cielo es el límite.

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Nuestro objetivo a corto plazo es conseguir conquistar un pedacito de terreno en el subconsciente colectivo del público, poder establecernos ahí, y entonces, crecer.

Mi Capitán tiene el éxito asegurado con Drenad el Sena. Esperamos veros muy pronto en todos los escenarios nacionales. Gracias por atendernos.

Os agradecemos la atención, el tiempo y el espacio prestado para hacer difusión de nuestro disco. La ilusión con la que trabajamos se ve reforzada ante propuestas como la vuestra. Esto es un circuito en el que lo mejor es dar para poder recibir. Saludos y suerte.

https://www.facebook.com/micapitanband https://twitter.com/capitn_mi

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THE BUILDINGS por José Luis Muñoz

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ueves, 1 de septiembre de 2011, 12:37:10. Bandeja de entrada de hotmail, correo de Francisco Javier Rico Sosa con el asunto The Buildings_Amelie: “Mala grabación, mal sonido, buena canción. Amelie ha cogido una infección. Life sucks, ¡qué buenos son!” En el correo me adjunta dos canciones que son puro ruido y melancolía.

Cojo el teléfono y llamo a Francisco que me dice: “Jose, han venido unos tíos de Cáceres a la radio, que le rezan a Kurt Cobain y que hacen canciones cojonudas”.

Desde entonces hasta hoy les he seguido la pista a estos chavales y resumiendo: The Buildings son lo más excitante que le ha pasado a la música extremeña desde no sé cuando. Porque sí. Si aún no te has enterado de qué va esto, deja de leer. No se trata de solos de guitarra interminables y 369 notas por segundo, de voces perfectas o una sonrisa propia de un actor de Hollywood haciendo campaña para su nueva película, olvida todo eso. La música son varias personas encerradas en una habitación con instrumentos, tratando de expresar qué les ocurre y eso sólo puede hacerse con pasión.

Te lo han contado una y otra vez, desde distintos puntos del planeta y en un solo idioma. Desde un chico de Nashville con peinado eléctrico cantando con la nariz, hasta un tio de Plasencia que te vende su disco por mil pesetas antes de que lo grabe (eso sí que es crowfunding), pasando por cuatro melenudos con cantante bipolar que se convierte en super héroe encima de las ta-

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blas, y que no son una marca de ropa como muchos pueden creer.

Toni, Pablo, Santi y Gonzalo son The Buildings, tienen un Ep de cuatro canciones “I’m Alone”, tres de ellas muy buenas y un clásico que da nombre al disco. En las decenas de vídeos que hay de ellos en internet puedes comprobar lo incendiario de su directo. Y descubrir canciones aún sin grabar de la talla de “I wanna know you” o “It’s too late”. Puñetazos a la mandíbula capaces de noquear al matón del instituto, taladrarte el cerebro y hacer que quieras ponerte a cantar el riff de “I’m alone” cuanto tu equipo gane un título. No van a dejarte indiferente.

Si tuvierais que presentarle a alguién vuestro grupo, ¿que canción le pondríais de The Buildings?

Cualquiera que saquemos. ¿Qué creéis que tiene de bueno la música en España?

Supongo que tiene de bueno lo mismo que en cualquier otro lugar.

Habladme de vuestro próximo trabajo.

Nuestro próximo trabajo es un LP con trece canciones que hemos grabado con Alex Pis en los Drive Division Estudios de Santander. Conocimos a Alex allí cuando nos invitaron a hacer unas Drive Sessions, y enseguida nos entendimos muy bien con él, por lo que decidimos ponernos en sus manos para el disco. Fue un acierto de la leche porque hubo mucha química desde el principio, nos trató muy bien y todo resultó ser muy fluído, interesante y divertido. Por primera vez hemos grabado con bajo y hemos metido algunos sintes. Estamos muy contentos con el resultado y creemos que es un buen disco para escuchar borracho.

Es evidente que hay una escena en Madrid, con The Parrots, Los Nastys, Hinds. El garaje se ha puesto de moda en la capital, no sé si debido a Ty Segall, Black Lips o a quién, pero se lleva. En otros puntos de España como Cataluña, The Saurs y Mourn pegan fuerte. Varios de estos grupos tienen giras en E.E. U.U., Europa, Australia, aparecen en revistas como NME. Diferencias musicales a parte. ¿Por qué no os pasa a vosotros?

Nosotros siempre hemos tenido claro que lo importante es concentrarnos en hacer nuestras canciones, sin pensar en modas o escenas. No nos preocupa demasiado a dónde nos lleve nuestra música.

Desde que os sigo habéis tocado mucho fuera de Extremadura y poco aquí. Podéis aprovechar para haceros publicidad gratuita y ofreceros desde estas líneas a promotores, organizadores y demás gurús que os amarán en breve si es que no os odian ya.

La verdad es que en Extremadura también hemos tocado bastante. Aprovechamos para decir que a aquellos promotores o “gurús” que confíen en nosotros les obsequiaremos con una foto de Santiago untado en aceite.

Decidme una canción para escuchar un sábado a las 5 de la mañana cuando venís de recogida.

Alejandro de Lady Gaga.

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YOU DOG (Galicia) por Enrique Falcó DISCO: You Dog (2014) TEMAS: 10 WEB: https://www.facebook.com/YoudogFanpage

¡Otra sorpresa que llega a Lacarne Magazine! Tras escuchar los primeros compases del disco homónimo de la banda de Vigo, uno no puede más que enamorarse de la voz de un Juan que nos provoca una regresión noventera a los mejores años de Pearl Jam, Soundgarden o Alice in chains.

No existe mejor carta de presentación que una canción como “FriendShip”, perfecta como declaración de intenciones a lo largo del recorrido de un disco completo, compacto y maduro. Más que energía el grupo despliega rabia, y a uno le entra morriña gallega y ganas de recuperar las baquetas y quitarle el sitio a un batería que conduce las canciones con gran tempo e intensidad.

Estupendos dibujos de guitarras y muy bien los apoyos en voces en temas como “LittleThing” o “Addicted”.

Una especie de recorrido nocturno que no debería acabar nunca, con temas más tranquilos y psicodélicos como “Lantern” o “Hole” en contrapunto con los más rabiosos y cañeros.

VAN SOBRAOS EN: Energía y voz. Maravillosa voz.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Algún tema de tempo medio que se saliera de los 4x4 a lo Soundgarden.

LA SENTENCIA: Un disco explosivo, con personalidad energía y rabia, de recomendada escucha y con una voz que dará que hablar. Cuida esa garganta Juan, ha de darnos grandes melodías.

COLORADO (Castilla La Mancha) por Enrique Falcó DISCO: Los que se pelean se desean (2014) TEMAS: 11 WEB: http://coloradoindie.bandcamp.com

Con un título inmejorable y una frescura inesperada de quienes no son precisamente noveles en esto del pop, Colorado presenta Los que se pelean se desean (2014). Un disco sencillo, con una instrumentación que si bien no ostenta grandiosidad sí se presenta lo suficientemente digna como para llegar al corazón de las canciones.

Semejanzas indiscutibles a grupos de los 90, aunque muy lejos de aquellos “piruletas pop” con letras ñoñas y vacías. Letras sencillas y cotidianas pero que van al centro del cerebro y en ocasiones a la yugular, con títulos sensacionales y de gran originalidad y hermosura, en los que se detectan nostálgicos guiños cinematográficos como en la encantadora “El baile del encanta-

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miento bajo el mar” (¡Como me gustan las referencias a Regreso al Futuro!).

Canciones perfectas para rupturas y reconciliaciones, algunas letras maravillosas como “Hawai” o “llueve Bitter Kas”. Coros y arreglos que aparecen cuando se necesitan y una voz entre J. Rodríguez (cuando se le entiende), Fernando Alfaro (cuando entona) y Diego Vasallo (cuando aun conservaba esa voz rota tan exquisita de principios de los 90).

Si tienes más de 30 años en un par de escuchas puedes llegar a convertirlo en parte de la BSO de tu vida. Si eres aún adolescente o un veinteañero despreocupado dale también una oportunidad... para que la vida no te sorprenda con malditos abecedarios que solo forman palabras de desamor.

VAN SOBRAOS EN: Letras. Sin duda lo mejor del disco. Las sensaciones, los recuerdos que afloran en cada escucha emocionan, cabrean y enamoran.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Para compensar la carga excesivamente tristona, algún tema algo más optimista.

LA SENTENCIA: Disco perfecto para escuchar mientras paseas arrastrando los pies y sintiéndote el ser más desgraciado y solitario del planeta, o mientras preparas el café o vacías una botella de whisky en soledad, con la sensación de que no eres siquiera profeta en tu propio corazón.

MIKE OLDFIELD (Reino Unido) por Enrique Falcó DISCO: Man on the rocks (2014) TEMAS: 11 WEB: http://www.mikeoldfieldofficial.com/

Con casi un año de retraso cae por fin en mis manos Man On The Rocks (2014), del multiinstrumentista cariñosamente conocido por estos lares como Miguelito CampoViejo. Sin material nuevo desde Music of the Spheres (2008), el genial guitarrista nos ofrece un disco optimista y eufórico del pop rock más básico, alejado de innovaciones y muy próximo a recordados discos de aquellos 80 que lo conviertieron si cabe en más inmortal.

El de Reading no pretende engañar a nadie, y asienta las bases desde la intro “Sailing” en la que a pesar de intentar reescribir una vez más un nuevo “Moonlight Shadow”, transmite esa sensación de felicidad y libertad en la que se encuentra el famoso músico, quien se acoge a la máxima que encierra que nunca está de más plagiar si se plagia lo mejor, y además es tuyo.

A destacar la colaboración del desconocido vocalista Lucas Spiller (cantante de The Struts) quien se luce además junto en la intro en temas como “Moonshine” (en la que por cierto Oldfield se asemeja en la apertura a su colega The Edge), “Man on the rocks”, con exquisito gemir de guitarras, y “Nuclear”. En definitiva, los cortes destacados de un Lp que sin duda será la antesala de trabajos menos comerciales en los próximos años.

VAN SOBRAOS EN: Esencia pop Oldfield por los cuatro costados. Buena, nueva y refrescante LaCarne Magazine

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voz de Spiller y las deliciosas guitarras de siempre.

LO QUE YO CAMBIARÍA: A estas alturas poco se le puede echar en cara a un músico que innova desde el principio de los tiempos. Aunque algún tema instrumental hubiera caído bien.

LA SENTENCIA: Aunque algo comercial y repetitivo, contiene canciones maravillosas. Es probable que sí, que sean canciones Oldfield, con sonido Oldfield y punteos muy Oldfield... pero es la marca de la casa que lo ha convertido en uno de los grandes.

BLUESKANK (Madrid) por Guner Uribarren DISCO: A Thin Line (2014) TEMAS: 10 WEB: http://www.blueskank.com

Para las personas a las que les gusta el roots reggae, Blueskank debería ser un grupo muy a tener en cuenta. Grupo español que desde 2008 apuesta por una genial combinación de roots reggae junto con matices de afrobeat, jazz y soul.

En esta ocasión, Blueskank nos deleita con su nuevo EP “A Thin Line”, álbum en el que la combinación de los estilos se mezcla de forma sublime para dotar dicho álbum de diversos ritmos, desde unos más marchosos entre los que destacaría “Out of fashion”, “Warriors V2” o “So lovely”; hasta otros más tranquilos como “Day after day”, “Future is not for” o “Cheaters”. A pesar de hablar de dicha diferencia de ritmo entre sus canciones, la mayoría de ellas cuenta con un ritmo más cálido que otros grupos del mismo género.

Destacaría al guitarrista Miguel Valenciano, quien es capaz de dotar a las músicas de ese toque “funk” y “jazz” que distinguen al afrobeat.

Cabría destacar también el trabajo de Javier Ochoa, que cuenta con su gran voz y pronunciación, sumando el hecho de que es capaz de darle ese toque de Soul que caracteriza al grupo, faltándole quizás un tono más grave que encajaría a la perfección con el estilo del grupo.

Ritmo que engancha desde el primer segundo hasta el último y te deja con ganas de escuchar más de este gran grupo.

VAN SOBRAOS EN: Estilo propio y la combinación de estilos musicales que posee el grupo, mezclando a la perfección el roots reggae, jazz y soul.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Dotaría de un poco más de importancia al bajo, que hace un trabajo estupendo, y usaría tonos más graves del gran Javier Ochoa, aunque no habría nada que criticar de su gran voz.

LA SENTENCIA: Muy buen grupo de reggae que con un poco más de eco mediático sería sin dudas un grupo muy a tener en cuenta. Desde su primera canción te entran ganas de escuchar el resto de ellas y en ningún momento defrauda.

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GOV’T MULE (USA) por Manu Herrera DISCO: Sco-Mule (2014) TEMAS: 11 WEB: http://mule.net

¿Qué podemos esperar si unimos a una banda con la solera de Gov´t mule con el lenguaje avanzado de un instrumentista como John Scofield? Pues es justamente lo que ofrece este trabajo, titulado “Sco-Mule”. Una mezcla entre la solidez de una gran grupo, que surgió como proyecto paralelo de unos renovados Allman Brothers, y el discurso jazzero de uno de los guitarristas que más ha contribuido a expandir las fronteras de este género en los últimos tiempos.

Temas llenos de cambios de dinámica, largas improvisaciones y diálogos entre guitarra eléctrica, bajo y teclados, e infinidad de matices entre los que me gustaría destacar la magnífica interpretación de clásicos como “Afro Blue” o “Tom Thumb”.

La personalidad, sonido y fraseos de Scofield se adaptan perfectamente al estilo apasionado de Warren Waynes y al sonido perfectamente empastado de la banda, dando como resultado largas pero jugosas jams, durante las cuales no paras de mover el pie. Un trabajo que trasciende la autocomplacencia de la que hacen gala algunos músicos en sus jam sessions y demuestra que además, se pueden decir cosas interesantes al oyente, manteniendo su atención activa y sus extremidades inferiores en movimiento (todos contentos, pues).

VAN SOBRAOS EN: Lenguaje y expresividad.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Nada.

LA SENTENCIA: Si eres un amante del jazz fusión te encantará este disco.

JJ GREY & MOFRO (USA) por Manu Herrera DISCO: Ol’ Glory (2014) TEMAS: 11 WEB: http://www.jjgrey.com

“Ol’ glory“ es el séptimo álbum de estudio de JJ Grey & Mofro y una combinación de blues, soul, ritmos motown (escúchese “Brave Lil’ Fighter”) y rock.

Durante su escucha te ves transportado a los Estados Unidos, y a ese aire de rock sureño ambientado por dobros y guitarras acústicas en algunos temas, así como a los ritmos llenos de groove del funk y del soul, y de la sección de metales en otros.

Todo ello perfectamente cohesionado y comandado por las excelentes cualidades vocales de JJ LaCarne Magazine

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Grey, quien ha sabido rodearse de una banda excepcional, así como de colaboraciones de lujo como la de Dereck Trucks y Luther Dickinson.

Me han gustado especialmente “Everything is a song”, canción que abre de manera optimista el disco, así como “Every minute”, un tema con una cantidad de matices y fases muy interesantes, que comienza de manera intimista para continuar con una especie de celebración llena de ritmo, sección de viento metal y coro, y terminar con un soberbio solo de guitarra slide de marca inconfundible de la Gibson Sg del gran Dereck Trucks.

Ponen el broche de oro una producción de carácter “vintage”, y un sonido grande y sin la abusiva compresión de algunos discos modernos. Aquí no hay más artificio que la excelente interpretación de todos y cada uno de los músicos que intervienen.

VAN SOBRAOS EN: Groove y una exquisita producción “setentera”.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Nada.

LA SENTENCIA: Un magnífico trabajo de cuya escucha he disfrutado y recomiendo encarecidamente.

SOTO (USA) por Oscar Trigoso DISCO: Inside the vertigo (2015) TEMAS: 12 WEB: http://sototheband.com

Despúes de escuchar música durante décadas uno se va haciendo un listado de tus músicos favoritos, aparte de la banda o bandas a las que pertenezca o haya pertenecido en el pasado. Indudablemente en mi lista de cantantes favoritos, que es bastante extensa, dentro de los hard rockeros, está Jeff Scott Soto, sobre todo cuando me deslumbró con sus primeras canciones con Yngwie malmsteen. A pesar de su juventud demostraba un rango vocal y una fuerza espectaculares. Con el paso del tiempo lo he escuchado en multitud de proyectos, casi todos encuadrado dentro del hard rock/A.O.R., y como curiosidad en la canción original de la serie de dibujos animados Moto-ratones de Marte.

Me encanta que haya seguido su camino y no pare de aventurarse con nuevos proyectos, y en este caso nos presenta uno nuevo bajo su apellido, Soto. Lo primero que me sorprende es la caña que tienen los temas, del que es muy culpable el guitarrista Español, Jorge Salán, uno de los grandes hachas españoles. Algunos lo conoceréis por sus colaboraciones con Mago de Oz, y que acompaña en este viaje a Jeff, junto con BJ (teclados, guitarras), David Z (bajo) y Edu Cominato (Batería), y un gran elenco de colaboradores, como Gus G (Firewind, Ozzy), Jason Bieler (Saigon Kick), Mike Orlando (Adrenaline Mob) y Joei Hoekstra (Night Ranger / TSO), los cuales toman parte en sus pistas escritas para el álbum. Otros que aparecen como invitados / co-escritores son Casey Grillo (Kamelot), Connor Engstrom, de Tony Oickinson, Leo Mancini, Hugo Mariutti y Gary Schutt.

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Las canciones tienen de todo y puedes escuchar el disco del tirón varias veces sin cansarte.

Un trabajo muy bueno con un nivel excepcional, tanto de composiciones como de ejecución. Se nota que no es solo un proyecto si no que hay mucha más profundidad en él. La voz y la forma de cantar de Soto, ha llegado a una madurez extraordinaria y es un auténtico deleite escucharle. Es mucho más metal que sus anteriores trabajos, incluso hay arreglos más industriales y modernos, pero siempre está ahí ese poso hard rockero que le da un saborcillo de buen gusto.

Jeff Scott Soto hace también las labores de producción del disco, que fue grabado durante los últimos meses del 2013 y mezclado / masterizado en Boston por el ingeniero de Soto y amigo John Ellis.

VAN SOBRAOS EN: Un disco completísimo.

LO QUE YO CAMBIARÍA: Nada.

LA SENTENCIA: Sigue siendo un número 1.

THE DRY MOUTHS (Almería) por Oscar Trigoso DISCO: 2 months (2015) TEMAS: 05 WEB: http://www.thedrymouths.com

Desde Almería nos llega este interesante trío que amalgama muchas influencias dentro del rock, sobre todo el más oscuro.

es la cuarta de estudio.

Nacen en el año 2006, pero no es hasta el 2010 que editan su primer trabajo, que es recibido con buenas críticas y que les sitúa dentro de las bandas emergentes del país. Esta entrega ya

Suenan muy americanos, incluso diría que más Seattle que LA. No sé si consciente o inconscientemente han sabido coger lo mejor de aquel movimiento rock de los años 90, que englobaba bandas tan dispares como Soundgarden, Alice in chains, etc... sobre todo en cuanto a producción, y llevarlo al siglo XXI. “2 months” contiene solo cinco temas, y digo solo porque te quedan ganas de más cuando acabas de escucharlo. En este trabajo descubrimos ritmos hipnotizantes, sonidos oscuros y voces curradas. Canciones sin prisas, desarrollando y sacando todo el jugo que pueden dar. Me gusta del disco que no hay mucha edición, suena muy natural, casi como estuviesen tocando en el salón de tu casa.

Esperamos que en breve editen nuevo Ep y que los podamos ver en directo pronto.

VAN SOBRAOS EN: Talento.

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LO QUE YO CAMBIARÍA: Por decir algo, un puntito más en la melodías vocales.

LA SENTENCIA: Banda muy sólida e interesante.

BAJA CALIFORNIA (Asturias) por Porras DISCO: La cara B del Rock (2014) TEMAS: 11 WEB: https://bajacalifornia.bandcamp.com

Once potentes temas componen este trabajo donde el verdadero protagonista es el hard rock, el de toda la vida: guitarrero y sudoroso, perfecto para disfrutar en directo saboreando una cerveza rodeado de melenudos y chicas guapas.

El trabajo comienza con una gran potencia: “Atrápame”, espectacular arranque a lo Judas Priest, con unos coros más que contagiosos, que se mantendrán durante toda la grabación, en la que resaltan la voz de Manu, que nos recuerda a un primigenio Carlos Tarque, y la guitarra de Javi Monge, que nos regala unos solos enormes.

A destacar un sonido y unas composiciones que rezuman del hard rock más ochentero, véase “Es la hora”, que nos recuerda al Livin´on a prayer de Bon Jovi, “Hoy toca no dormir”, con unas guitarras machaconas y un gran estribillo a lo Gothard, “Libres”, con la colaboración de pablo García de Warcry, todo un lujo, o “Mi lugar”, a lo Mr. Big, donde muestran su lado más melancólico a través de una preciosa balada.

Otros cortes a destacar serán “La cara b del rock” o “Baja California”, que dan nombre al disco y a la banda respectivamente.

Una gran composición de los temas, unas guitarras más que inspiradas y una base rítmica que lo da todo, son las señas de identidad de este trabajo, grabado en los estudios Dinamita y producido por Dani G. a través del concurso de maquetas del Instituto Asturiano de Juventud en colaboración con los 40 principales. Las comparaciones con otras bandas pueden ser odiosas, pero sin duda serán más que recurrentes en la escucha de este, su segundo trabajo.

VAN SOBRAOS EN: Gran sonido, buenos temas y mejor presentación son la tónica en esta banda que comienza a abrirse camino en el panorama nacional.

LO QUE YO CAMBIARÍA: El trabajo en el estudio se puede mejorar bastante.

LA SENTENCIA: Desde La Carne Magazine auguramos un prometedor futuro para para el hard rock de estos asturianos.

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ANEKDOTEN (Suecia) por Sako DISCO: Until All The Ghosts Are Gone (2015) TEMAS: 06 WEB: http://www.anekdoten.se

Ocho años han pasado desde su último disco “A Time of Day” y trece desde su gran obra maestra “Gravity”, pero la espera a merecido la pena. Anekdoten son un grupo sueco de rock progresivo a la antigua usanza, denominado por muchos como rock “añejo”. Sonidos cálidos, muy analógicos y de claras influencias setenteras.

En este disco han contado con colaboraciones de lujo, entre ellas la de Per Wiber, teclista de Opeth, cosa que no es de extrañar, debido al giro que esta banda ha tomado en los últimos años, muy influenciada por Anekdoten concretamente. Lo más destacable de estos grupos es el uso del mellotron, el primer instrumento de teclado eléctrico que apareció en los años sesenta, capaz de reproducir samples pregrabados mediante cintas asignadas a cada tecla de manera independiente. Los primeros grupos en usar este instrumento fueron The Beatles, King Crimson o The Rolling Stone, con un sonido muy particular.

Aún así no es un disco común, todo está cuidado al mínimo detalle, destacando lo que muchos, para mi gusto, se dejan en el tintero, la expresividad y los cambios de dinámicas, detalles muy característicos de estilos más parejos al jazz o a la música clásica. El disco abre con “Shooting Star”, una obra maestra de diez minutos que sirve de adelanto a una forma de hacer música por sí misma, como obra de arte absoluta. Sin duda hay pasajes en este disco que te dejan la piel de gallina, temas como “Get out alive”, de aire muy sinfónico, con partes que harán olvidarte del mundo; o la delicadeza de “If It All Comes Down To You”, al más puro estilo Jethro Tull, son toda una maravilla para los oídos, con sonidos, melodías y pasajes que llegan a tocar el cielo, destacando en este último tema (y en todo el disco), las bellas melodías de flauta de Theo Travis (King Crimson, Steven Wilson), de tintes folk.

“Writing On The Wall” es posiblemente la joya de la corona. Entra completamente directa al grano, con riffs bien elaborados, rítmicamente perfecta y con cambios de tono de carácter muy tétrico, con estados cambiantes, de lo melancólico a lo tenebroso, de la quietud a lo apoteósico.

Un delicia sonora. “Until All The Ghosts Are Gone” y “Our Days Are Numbered” son los temas que cierran el disco, abstractos y complejos al principio y directos y contundentes en segundo plano, originales al máximo, con toques psicodélicos, consiguiendo un feeling que pocos grupos son capaces de alcanzar. Sin duda es un disco precioso, completo, lleno de color y con momentos de auténtico éxtasis. Es una verdadera joya que te hará saltar de emoción.

VAN SOBRAOS EN: Originalidad. .

LO QUE YO CAMBIARÍA: Nada.

LA SENTENCIA: Es una joya.

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